Presentación en Tenerife dentro de Lo que viene

La película se pudo ver esta semana en un pase exclusivo en Tenerife dentro de la séptima edición de Lo que viene, el encuentro organizado por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España, impulsora de los Premios Feroz, donde se dieron cita algunos de los principales nombres del sector audiovisual.

Del cómic a la gran pantalla

Laura Martel, dramaturga y guionista nacida en Canarias, publicó en 2014 la novela gráfica Winnipeg, el barco de Neruda, con ilustraciones de Antonia Santolaya. La obra, que posteriormente también adaptó al teatro, narra la historia de una niña que, junto a su padre, abandona Barcelona al final de la Guerra Civil. Tras sobrevivir a los campos de concentración franceses, ambos logran embarcar rumbo a Chile, adonde llegan el 13 de septiembre de 1939. No se trata de un relato ficticio: el Winnipeg fue el barco en el que más de 2.000 exiliados republicanos cruzaron el Atlántico para iniciar una nueva vida gracias al asilo concedido por el gobierno chileno.

La operación fue posible gracias a la intervención del poeta Pablo Neruda, quien, tras haber ejercido como cónsul de Chile en Barcelona entre 1934 y 1937, siguió con preocupación el devenir de los refugiados españoles. Nombrado cónsul especial para la inmigración en Francia, y con el apoyo del ministro de Relaciones Exteriores Abraham Ortega, logró fletar el barco que haría posible esta travesía. Una historia marcada por el dolor del exilio, pero que la propia Martel define como “un canto a la esperanza y una llamada contra el olvido”.

La adaptación cinematográfica recoge ese espíritu desde una mirada íntima y accesible. El relato se construye principalmente desde el punto de vista de una niña de siete años, lo que permite abordar la dureza del contexto histórico sin recurrir a una representación explícita de la violencia. Este enfoque convierte la película en una propuesta dirigida al público familiar, pese a la profundidad de los temas que trata.

El film cuenta con un reparto de voces que destaca por la presencia de grandes estrellas del cine chileno. La actriz Paulina García (La reina del desierto, Algunas bestias) interpreta a Julia de mayor; Luis Gnecco (Narcos) da voz a Pablo Neruda; y Alfredo Castro (Polvo serán, El conde) ofrece su voz al presidente chileno Salvador Allende. La joven Maia Zaitegi interpreta a la niña Julia.

Elio Quiroga y Beñat Beitia, al frente del proyecto

En el apartado creativo, destaca la participación de Elio Quiroga, con una sólida trayectoria que abarca títulos como La hora fría, No-Do o La estrategia del pequinés, además de su incursión en la animación con el cortometraje Home Delivery, adaptación del relato de Stephen King. Junto a él, Beñat Beitia aporta su amplia experiencia en dirección artística dentro del ámbito de la animación, como codirector de Dixie y la rebelión zombi y jefe de producción en Black is Beltza, de Fermín Muguruza.

La música de Diego Navarro

Por su parte, Diego Navarro vuelve a poner música a una película de animación tras trabajos como La puerta del tiempo, Atrapa la bandera o Mariposas negras. Su partitura contribuye a subrayar la dimensión emocional de la historia, acompañando el viaje de los personajes.

Una coproducción internacional con sello canario

Winnipeg, el barco de la esperanza es una coproducción entre España, Chile y Argentina, con participación de Radio Televisión Canaria, y ha formado parte de destacados foros de industria como Annecy o Ventana Sur. El largometraje llegará a los cines el próximo 10 de julio de la mano de Barton Films, consolidándose como una de las propuestas más relevantes del año dentro de la animación iberoamericana. Ese mismo día verá la luz en plataformas y formato físico bajo demanda el disco con su banda sonora, grabada por Navarro con la Filarmónica de Praga.

Una película que convierte la memoria en relato compartido y demuestra que, incluso en los episodios más oscuros de la historia, siempre hay espacio para la esperanza.

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DE LA GRAN PANTALLA AL STREAMING

En el lado positivo, para el lanzamiento de su plataforma streaming Disney+, la casa del Tío Walt decidió que su primera producción propia para la nueva andadura sería una serie de imagen real, ambientada en el periodo inestable de la caída del Imperio y la llegada de la Nueva República. The Mandalorian, con firma de Dave Filoni y Jon Favreau, suponía un regreso a las esencia del universo creado por George Lucas, recuperando el tono de aventura pulp y space opera, con componentes de western y del serial clásico. La serie recogía parte del espíritu del universo ampliado, que a lo largo de décadas se había ido desarrollando a través de comics, novelas, videojuegos. Se trataba, además, de un argumento original, donde el apellido Skywalker no era el núcleo central.

En estos últimos siete años que la franquicia ha estado ausente de las salas de cine, Disney ha aprovechado para construir las bases de su universo galáctico a través de las diferentes propuestas televisivas, algunas excelentes (The Mandalorian, Andor), otras menos satisfactorias (Tripulación Perdida, Obi-Wan Kenobi, The Acolyte). Siete años son, sin embargo, mucho tiempo para mantener a la franquicia alejada de las salas de cine, especialmente en estos tiempos de universos compartidos, donde, sin continuidad, se pierde el dominio del medio cinematográfico.

EL REGRESO DEL MANDALORIANO

La huella de J.J. Abrams dejó muy dañada la imagen de la franquicia en 2019 y la explotación de la saga en la plataforma ha contado con varias controversias que no han ayudado a depurar la valoración de los seguidores más veteranos. Por ello, para intentar reconquistar el espacio cinematográfico, se ha querido ir sobre seguro, partiendo del título más popular de toda la andadura de Disney+, así como a sus dos principales responsables, Jon Favreau y Dave Filoni. Delante y detrás de la pantalla está el mismo equipo de la serie de televisión, eso sí, con un presupuesto superior (165 millones de dólares, muy alejado y a la baja con respecto al coste de cada película de la tercera trilogía); sin embargo, aunque entretenida, nos cuesta ver The Mandalorian and Grogu como una película.

Las dos horas y cuarto de metraje transmiten más la sensación de temporada resumida, de cuatro o cinco capítulos condensados en una duración estándar para salas, donde se ha prescindido todo lo posible de los apartados de desarrollo argumental y de personajes para empatar sin freno diferentes secuencias de acción, ya sean batallas espaciales, peleas cuerpo a cuerpo y un intercambio de disparos con pistolas láser como si de una película de John Wick en el espacio se tratara. Tras un prólogo verdaderamente espectacular, en nuestra opinión, la saturación de escenas de acción y la carencia de un guion más consistente, acaba resultando agotador, por muy bien que esté rodada esa acción.

Hay algunos momentos en los que apreciamos el toque de western futurista que era la serie, pero queda muy diluido. Sí, respeta muy bien el tono pulp y el componente de space opera de la serie original, lo que, por otro lado, puede ayudar a salvar algunas limitaciones, sobre todo en cuanto a efectos digitales se refiere (han pasado casi 30 años desde que Lucas nos presentó por primera vez a Jabba digital, pero ILM sigue sin cogerle el tranquillo a eso de hacer hutts en CGI). Por el contrario, se agradece que Grogu siga siendo un personaje creado principalmente de manera práctica, aunque también, por esa comentada falta de desarrollo de personajes, da la impresión de que Favreau y Filoni no saben muy bien qué hacer con él en la película, y, cuando por fin le dan protagonismo frente a Mando, es, sin duda, la parte más aburrida y prescindible de la película.

EL ATAQUE DE LOS TELEFILMS

The Mandalorian and Grogu nos funciona como entretenimiento, pero deja más una sensación de telefilm autónomo que de relanzamiento de una franquicia, algo que, de no ser por el presupuesto que hay detrás, podría ser perfectamente un especial directo a la plataforma, como Disney ha hecho recientemente con El Castigador o Amazon con Jack Ryan y Good Omens 3.

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Rueda de prensa institucional

El festival y su programación se ha presentado esta mañana en el Ayuntamiento de Santa Cruz, en un acto en el que el alcalde de Santa Cruz, José Manuel Bermúdez, aseguró estar “encantado e ilusionado por este festival que ya cumple 20 años y que es el más antiguo de su género en todo el mundo. Estamos haciendo historia y, una vez más, la programación hará que Santa Cruz sea de nuevo protagonista de FIMUCITÉ”. El alcalde felicitó a FIMUCITÉ por sus 20 años, destacando que “los conciertos y el cine de verano llenan de cultura nuestra ciudad, siguiendo un modelo en el que creemos firmemente en este Ayuntamiento y que no es otro que llevar la cultura a nuestras plazas, nuestros barrios y nuestros espacios más queridos, entendiéndola como servicio público, accesible, integradora y transformadora”.

El director general de Innovación Cultural e Industrias Creativas del Gobierno de Canarias, Cristóbal de la Rosa, explicó que “la industria del cine es muy difícil y FIMUCITÉ ha ido logrando un prestigio durante estos 20 años ya que ningún gran compositor da permiso para permitir que se usen sus productos si no confía en ti. Ese es el valor del festival, que además es capaz de conseguir lo que se propone. Felicidades a Santa Cruz porque es una ciudad de cine”.

El consejero insular de Cultura, Museos y Deportes del Cabildo de Tenerife, José Carlos Acha, indicó que “la Corporación insular ha apoyado FIMUCITÉ desde su origen. Ahora cumple 20 años y se ha consolidado como el Festival de música de cine más antiguo de España y de Europa. Un referente Mundial de la música de cine que ya se desarrolla en diversos municipios de la isla, en Santa Cruz, en La Laguna con el cine de verano, los conciertos de la banda municipal, los conciertos en el Auditorio. Además, el programa de estos 20 años es especialmente espectacular y relevante”.

La consejera delegada de Turismo de Tenerife, Dimple Melwani, destacó la trayectoria de FIMUCITÉ y el respaldo institucional que ha permitido consolidar y hacer crecer el festival a lo largo de sus veinte años de historia. “Un festival cultural se convierte en referente mundial cuando combina identidad local, proyección internacional, calidad artística e impacto mediático y social. FIMUCITÉ reúne a la perfección estas características y celebra este importante aniversario con una programación excepcional, y con el compromiso de las distintas administraciones y entidades colaboradoras”, señala.

La concejala de Presidencia, Purificación Dávila, quiso explicar que “FIMUCITÉ ha puesto a Santa Cruz en un primer nivel, empezó teniendo algunos conciertos y ya tiene gran parte de su actividad en la ciudad. Es el festival más prestigioso de música de cine y nosotros estamos orgullosos de que podamos acoger estos conciertos”.

Por último, el director de FIMUCITÉ, Diego Navarro, explicó toda la programación del Festival que se celebrará del 3 al 19 de julio. Además, señaló que “durante estos 20 años hemos intentado, con todo el amor e ilusión, traer a esta ciudad lo mejor de la música de cine del mundo y, a su vez, poner a Santa Cruz y a Tenerife en el mapa, y no podemos estar más orgullosos”.

En esta presentación también estuvo presente el concejal de Cultura, Santiago Díaz Mejías.

And The Winner is…

Bajo el título “And The Winner is…”, la Pop Culture Band, formación pop rock residente de FIMUCITÉ desde 2014, ofrecerá este sábado, 6 de junio, un espectáculo de dos horas concebido para hacer bailar al público sin descanso. Liderada por Gonzalo de Araoz, la banda interpretará una vibrante selección de algunas de las bandas sonoras y canciones cinematográficas más emblemáticas y recordadas por varias generaciones.

La selección musical incluirá temas icónicos vinculados a títulos inolvidables como Cazafantasmas, Shrek 2, Footloose, Flashdance, Top Gun, Grease, Regreso al futuro, Rocky III, Armageddon o Dirty Dancing, en un repertorio que promete despertar una auténtica avalancha de recuerdos entre el público.

Como broche final de la velada, el escenario de la Plaza de Candelaria acogerá una sesión de DJ a cargo de NAGOBA, percusionista, compositor y productor musical, cuyas sesiones destacan por su energía y su capacidad de conexión con el público.

The Win Band Melodies

En el marco de la colaboración con el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, FIMUCITÉ 20 volverá a contar este año con la participación de la Banda Municipal de Música de Santa Cruz de Tenerife, dirigida por Ismael Brajim, en el concierto “The Win Band Melodies”. Esta destacada formación ofrecerá también un concierto al aire libre el próximo 9 de julio, a las 19:00 horas, en la Plaza del Príncipe, con arreglos de Juan Antonio Domínguez Martín y David Hernández Herrera.

En consonancia con la temática de esta edición, dedicada a las bandas sonoras nominadas y oscarizadas que han hecho historia en los Premios de la Academia de Hollywood, el programa de “The Win Band Melodies” incluirá algunas de las partituras más emblemáticas de la gran pantalla. El público podrá disfrutar de obras inolvidables de películas como Ben-Hur, de Miklós Rózsa; Psicosis, de Bernard Herrmann; El puente sobre el río Kwai, de Malcolm Arnold; Éxodo, de Ernest Gold; Tiburón, de John Williams; Taxi Driver, también de Bernard Herrmann; Carros de fuego, de Vangelis; El señor de los anillos, de Howard Shore; o Braveheart, de James Horner, en una propuesta pensada para disfrutar en familia.

Cine de Verano

Otra de las actividades paralelas más populares del festival, el Cine de Verano, regresará el fin de semana del 3, 4 y 5 de julio con una programación dedicada también a las bandas sonoras nominadas y oscarizadas que han dejado huella en la historia de los Oscar. Las proyecciones se desarrollarán al aire libre, en la Plaza de Residencial Anaga, cada día a partir de las 19:00 horas, con acceso gratuito, gracias a la colaboración del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, el Distrito Centro-Ifara y Fundación DISA.

El programa de este año contempla Robot Salvaje (2025), con música de Kris Bowers; Cómo entrenar a tu dragón (2010), cuya partitura de John Powell está considerada entre las más destacadas del cine de animación; y La invención de Hugo (2011), dirigida por Martin Scorsese y con banda sonora de Howard Shore. Tres grandes películas nominadas al Óscar en la categoría de mejor música original que podrán disfrutarse en un entorno abierto y familiar.

Programa de conciertos

Entre las grandes citas de esta 20ª edición figura también “Golden Piano Stories”, previsto para el sábado 11 de julio, a las 20:00 horas, en el Teatro Leal de La Laguna. Concebido como una propuesta íntima y singular, este concierto de apertura de FIMUCITÉ 20 estará protagonizado por el pianista polaco Aleksander Dębicz, quien estrenará mundialmente una cuidada selección de arreglos exclusivos de bandas sonoras oscarizadas

Otra de las grandes apuestas del programa será “John Williams Reimagined”, que se estrenará por primera vez en España el jueves 16 de julio en la Sala de Cámara del Auditorio de Tenerife, en Santa Cruz de Tenerife, y que volverá a ofrecerse el sábado 18 de julio en el Teatro Guiniguada de Las Palmas de Gran Canaria.

El concierto, producido por Robert Townson, propone un recorrido único por el universo musical de John Williams, combinando algunas de sus partituras más reconocidas con otras joyas menos frecuentes en directo. Con arreglos especiales del pianista italiano Simone Pedroni, interpretados por él mismo, y junto a la flautista Sara Andon y la chelista Cécilia Tsan, el formato de trío se verá enriquecido por las narraciones de Townson.

El programa recorrerá músicas de películas como La guerra de las galaxias, La lista de Schindler, “Memorias de una geisha”, “Un horizonte muy lejano”, “Harry Potter” o “Capitán Garfio”, en una propuesta que cuenta con la aprobación del propio John Williams.

Espectáculos sinfónicos

Asimismo, FIMUCITÉ presentará por primera vez en Canarias el espectáculo “Star Wars: A New Hope In Concert” los días 17 y 18 de julio, con la Orquesta Sinfónica de Tenerife interpretando en directo la legendaria partitura de Williams mientras se proyecta la película original de 1977, nominada a 10 Oscar y ganadora del premio a la mejor banda sonora, gracias a una licencia exclusiva de Disney. Estará dirigido por la pionera compositora irlandesa Eímear Noone, primera mujer en dirigir la orquesta de los Premios Oscar en 2020.

El broche de oro al 20º aniversario de FIMUCITÉ llegará el domingo 19 de julio con la “FIMUCITÉ 20 Red Carpet Gala”, dirigida por Diego Navarro, miembro de la Academia de Hollywood, e interpretada por la Orquesta Sinfónica de Tenerife y el Tenerife Film Choir. La clausura ofrecerá un recorrido por partituras oscarizadas de películas como Ben-Hur, Lawrence de Arabia, E.T. El Extraterrestre, El Señor de los Anillos, Bailando con lobos, Titanic y Dune, entre otras, en la primera edición con tres conciertos sinfónicos de la OST frente a los dos tradicionales.

Invitados de honor

Entre los invitados al festival estará además el maestro Stephen Warbeck, ganador del Oscar por Shakespeare in Love, quien regresa a FIMUCITÉ quince años después de su participación en la quinta edición del certamen.

El festival contará igualmente con la participación de John Corigliano como invitado de honor, una presencia de excepción que refuerza la dimensión del certamen. Será la primera vez que el compositor estadounidense acuda a un festival de música de cine, un acontecimiento especialmente significativo para FIMUCITÉ, que se alza como el evento más antiguo del mundo en su género, celebrado de forma continuada.

Oscarizado por la inolvidable banda sonora de El violín rojo (1998), Corigliano ha sido galardonado también con el Premio Pulitzer de Música en 2001 por su Sinfonía n.º 2 para orquesta de cuerdas y con cinco premios Grammy, y está considerado una de las figuras capitales de la música contemporánea.

FIMUCITÉ Film Scoring Academy

El programa se complementará con una nueva edición de la FIMUCITÉ Film Scoring Academy, que reunirá a destacados profesionales de la industria y a los compositores invitados en un ciclo de clases magistrales y mesas redondas abiertas al público y estudiantes, entre otras propuestas.

Apoyos institucionales

Para celebrar a lo grande su 20ª edición, el Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife cuenta con el apoyo como máximo patrocinador de Turismo de Tenerife a través de la marca turística del destino Tenerife Despierta Emociones y por parte del área de Cultura del Cabildo de Tenerife. Asimismo, patrocinan el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, el Ayuntamiento de San Cristóbal de La Laguna y el Instituto Canario de Desarrollo Cultural del Gobierno de Canarias, con la implicación además de la Orquesta Sinfónica de Tenerife, el Auditorio de Tenerife y otros colaboradores públicos y privados.

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La pieza fue entregada al alcalde de La Laguna, Luis Yeray Gutiérrez, por los codirectores del festival, Ramón González Trujillo y Daniel Fumero, como símbolo del agradecimiento institucional a una administración que ha acompañado de forma firme la consolidación de Isla Calavera como una referencia cultural y cinematográfica dentro y fuera del Archipiélago.

Obra de Colin Arthur

Se trata de una de las dos únicas ediciones especiales del trofeo esculpido por el legendario maestro de los efectos especiales, maquillaje y animatrónicos Colin Arthur, quien recibió el Premio Isla Calavera de Honor en la primera edición del festival. La otra unidad forma parte de la exposición permanente de trofeos de festivales de cine fantástico del Fantastic Pavilion de Cannes, un espacio profesional que reúne galardones de algunos de los certámenes de género más relevantes del panorama internacional.

Esta acción culmina una participación histórica del municipio de La Laguna en el Marché du Film de Cannes, donde la ciudad ha sido presentada ante la industria audiovisual internacional a través del aval de Isla Calavera como herramienta de promoción cultural y turística del territorio Patrimonio de la Humanidad.

El alcalde, Luis Yeray Gutiérrez, ha destacado que este reconocimiento simboliza el resultado de un trabajo sostenido durante los últimos años para reforzar el posicionamiento internacional del festival y, con él, el de La Laguna como ciudad vinculada a la cultura, al patrimonio y a la creación audiovisual. En este sentido, ha enmarcado la presencia del municipio en Cannes dentro de una estrategia que sitúa la cultura como eje de la acción pública y que permite proyectar la imagen de la ciudad en uno de los principales escaparates mundiales del sector cinematográfico.

Por su parte, los codirectores del festival, Ramón González Trujillo y Daniel Fumero, han subrayado que la participación de Isla Calavera en Cannes representa un hito en la trayectoria del certamen y una oportunidad de gran valor para seguir ampliando su red de relaciones profesionales en el ámbito internacional. Ambos han puesto en valor el respaldo del Ayuntamiento de La Laguna como un elemento clave para consolidar un proyecto cultural que, además de su dimensión artística, funciona como herramienta de promoción exterior del municipio y de atracción de nuevas oportunidades vinculadas al sector audiovisual.

Alianza estratégica

Con esta entrega, el festival y el Ayuntamiento visualizan una alianza estratégica entre cultura, identidad y proyección exterior, en un momento especialmente significativo para la trayectoria de Isla Calavera, cuando se cumplen diez años de su fundación, y para la presencia institucional de La Laguna en uno de los principales foros internacionales de la industria cinematográfica.

Apoyo institucional

El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera está organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, Multicines Tenerife y la publicación TumbaAbierta.com, cuenta con el patrocinio principal del Ayuntamiento de La Laguna —a través de su área de Cultura—, junto al Gobierno de Canarias, Promotur Turismo de Islas Canarias, el Cabildo de Tenerife, el Instituto Canario de Desarrollo Cultural y Canary Islands Film, además de otros colaboradores públicos y privados.

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Un crimen que marcó una época

Inspirada en hechos reales, la nueva película del protagonista de dos de las obras más aplaudidas de Alejandro Amenábar, Tesis y Abre los ojos, recupera la figura de José María Jarabo, un hombre de origen acomodado que acabó convirtiéndose en uno de los asesinos más célebres de la crónica negra española. Su historia, marcada por la ruina económica, las adicciones y una relación sentimental obsesiva, tuvo una enorme repercusión mediática en la España franquista, hasta el punto de convertirlo en un personaje tan temido como admirado.

Eduardo Noriega se pone al frente del reparto para encarnar a un personaje magnético, decadente y profundamente contradictorio, uno de esos papeles capaces de resumir toda una época a través de un solo rostro. Reconocido con el Premio Isla Calavera de Honor en noviembre de 2023, durante la séptima edición del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna, el intérprete cántabro regresó a Tenerife a finales de abril con motivo de la presentación de su última película, el thriller de terror gótico La Ahorcada, en un evento prefestival.

Un reparto de peso

A su lado, Lucía Guerrero interpreta a Beryl, la mujer inglesa vinculada sentimentalmente al protagonista y pieza clave en el deterioro emocional y vital que conduce al desenlace trágico. El reparto se completa con nombres de peso como José Coronado, Karra Elejalde, Luis Callejo, Andrés Gertrudix y Jorge Sanz.

La película está dirigida por Emilio Martínez-Lázaro, uno de los cineastas más destacados del cine español, ganador del Oso de Oro en el Festival de Berlín de 1978 por Las palabras de Max y responsable de títulos tan reconocidos como 8 apellidos vascos, El otro lado de la cama o Las 13 rosas. Su mirada, acostumbrada a moverse entre el drama, la comedia y el cine de gran público, aporta una garantía de solvencia narrativa a una historia que exige equilibrio entre el pulso de thriller y la observación social.

Una apuesta visual sólida

Uno de los elementos que refuerzan esa ambición visual es la participación de Juan Molina como director de fotografía, quien en la gran pantalla ha sido el responsable de la luz de comedias taquilleras y dramas íntimos, colaborando de forma muy estrecha con Martínez-Lázaro.

El guion y su eco autoral

La historia de Jarabo también tiene un interesante eco autoral. Agustín Díaz Yanes, destacado director de cine, guionista y novelista español, ampliamente reconocido por títulos emblemáticos del cine contemporáneo en España como Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto y Alatriste, también mostró interés por llevar esta historia al cine. Su última producción, el largometraje de suspense político Un fantasma en la batalla, le valió una nominación a los Premios Goya 2026 en la categoría de Mejor Guion Original y ahora firma el de Jarabo.

En un momento en que el true crime domina el imaginario audiovisual, Jarabo aparece como algo más que una recreación criminal. La película propone una reflexión sobre la seducción del mal, el morbo colectivo y la capacidad del cine para iluminar los rincones más oscuros de la memoria española. Emilio Martínez-Lázaro parece dispuesto a convertir un caso histórico en un relato de ambición visual y tensión moral, donde el glamour, la tragedia y la violencia conviven en un mismo plano.

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La nueva adaptación en acción real, impulsada por Sony Pictures en colaboración con Mattel, ha generado una expectación notable desde su anuncio, logrando algo poco habitual: conectar a varias generaciones en torno a un mismo universo. Aquellos que crecieron en los años 80 con las figuras de acción y la serie original conviven ahora con nuevos espectadores que descubren por primera vez el poder de Grayskull.

Comic Barcelona: una puerta directa a Eternia

Durante la última edición de Comic Barcelona, uno de los eventos de cultura pop más importantes del país, los asistentes pudieron sumergirse en el universo de Masters of the Universe gracias a un stand temático desarrollado por Sony Pictures junto a Mattel. Lejos de ser un simple espacio promocional, la propuesta apostó por la experiencia: una recreación que invitaba a los visitantes a interactuar con el imaginario de la película.

Entre los elementos más destacados, los fans tuvieron la oportunidad de empuñar la icónica espada de He-Man, en un gesto simbólico que conecta directamente con el núcleo emocional de la saga. Este tipo de activaciones no solo celebran el estreno, sino que reafirman el vínculo emocional que la franquicia mantiene con su público.

Callao: nostalgia, análisis y comunidad

Semanas después, Madrid tomó el relevo. El espacio de ocio y cultura de El Corte Inglés de Callao se transformó en un punto de encuentro para fans, coleccionistas y profesionales del sector. Allí, la experiencia combinó referencias visuales de la nueva película con guiños a la saga original, generando un diálogo entre pasado y presente que define perfectamente esta nueva etapa de la franquicia.

Uno de los momentos más destacados fue la mesa redonda dedicada al fenómeno Masters of the Universe, que reunió voces clave del ámbito del coleccionismo, la divulgación y el doblaje. Participaron Juan Hermida, experto en el sector del juguete; Manuel Delgado, presidente de la Asociación Mundo Masters; y Masumi Mutsuda, actor de doblaje de Nicholas Galitzine en su papel de He-Man.

La conversación abordó la evolución de la saga, su impacto cultural a lo largo de las décadas y su capacidad para reinventarse sin perder su esencia. También se puso sobre la mesa el creciente interés de las nuevas generaciones, que se acercan a este universo a través del cine, pero también del coleccionismo y las nuevas líneas de figuras.

Un regreso que va más allá del cine

El estreno de He-Man y los Masters del Universo representa mucho más que una nueva adaptación cinematográfica. Es la reactivación de una marca histórica que sigue expandiéndose a través de múltiples canales: desde el cine hasta el juguete, pasando por la cultura fan y las experiencias en vivo.

Mattel ha sabido capitalizar este momento con distintas líneas de producto, desde colecciones dirigidas a adultos nostálgicos hasta propuestas pensadas para el público infantil. Esta estrategia refuerza la idea de que Masters of the Universe no es solo un recuerdo del pasado, sino una franquicia plenamente vigente.

Con una comunidad activa, eventos que demuestran su capacidad de convocatoria y una nueva generación lista para descubrirlo, todo apunta a que el universo de Eternia está preparado para reconquistar tanto las salas de cine como el imaginario colectivo.

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TRADICIÓN ORAL

Estos antecedentes hacían que su nueva película, Hokum, fuera ampliamente anhelada por los fans del género. Ya desde las primeras imágenes podíamos apreciar los aspectos propios, como la importancia de los mitos de la tradición oral irlandesa, un espacio aislado y claustrofóbico, personajes que resultan inquietantes desde la cotidianidad, o la presencia de juguetes y elementos decorativos tradicionales y ominosos. Como en sus anteriores trabajos, Hokum nos presenta una trama donde interactúan varias tramas que, de alguna manera, van confluyendo: un protagonista marcado por un trauma familiar infantil, la leyenda de una bruja atrapada en un hostal rural y la violencia contenida en un pequeño pueblo.

ENTRE LOS PSICOLÓGICO Y LO METAFÍSICO

Como en trabajos anteriores de McCarthy, la película confronta una trama de raíces reales y cotidianas con un componente sobrenatural arraigado en la tradición, de manera que lo psicológico y lo metafísico se entrecruzan y se confunden desde la mirada racional y, al mismo tiempo, traumatizada del protagonista. El cineasta vuelve a apoyarse en una mirada narrativa perturbada donde el espectador tendrá que dilucidar qué parte de los elementos siniestros que acompañan la historia son reales o forman parte de la mente trastornada del protagonista.

OBJETOS DEL MÁS ALLÁ

La atmósfera inquietante de la película viene representada por ese hostal rural, repleto de decoración tradicional, y un entorno natural que aísla la construcción del resto del pueblo. Aquí regresa el interés de McCarthy por la cuentística tradicional, con sus leyendas de brujas y elementos sobrenaturales vinculados con el bosque o la naturaleza. El hostal, sus trabajadores y hasta sus inquilinos parecen sacados de un cuento infantil. Todo el apartado artesanal (las figurillas infantiles, los relojes de mesa con autómata, los espejos, los cuadros de la pared, el empapelado, la moqueta) apunta a un espacio fuera del tiempo y es que las historias de Damian McCarthy, aunque se desarrollan en la actualidad, tienen esa sensación de realidad atemporal, fuera del plano físico.

VIOLENCIA TELÚRICA

Al igual que sus películas anteriores, Hokum nos habla de la violencia contra las mujeres y lo hace entendiéndola como algo heredado que, lejos de justificarla, deja claro el entorno vicioso masculino que sigue siendo nuestra sociedad. McCarthy lo vincula con lo más arraigado de nuestra naturaleza, de ahí la importancia de un entorno, ya sea natural o arquitectónico, contaminado y consumido por un mal ancestral y endémico. En este contexto, la figura de la bruja representa ese sufrimiento atávico femenino, no sólo víctima de la violencia masculina, sino además acusada de ser quien la provoca.

LA PUERTA A LA MADUREZ

Frente a Hokum, las películas anteriores de Damian McCarthy se nos presentan ahora como ensayos en busca de una forma madura y definida que aquí adquiere su expresión definitiva. Con su nueva película, el cineasta no sólo cuenta con mayores medios para contar su historia y su factura resulta ya compacta, también cuenta con un guion más maduro, donde todas las temáticas que venían concretándose encajan ya de manera orgánica en el conjunto de la obra cinematográfica. En este sentido, “Hokum” no sólo es la obra más conseguida por el autor hasta la fecha, sino que también es su primera obra de madurez.

El cineasta ha conseguido limar las principales asperezas que lastraban sus dos primeros largometrajes; aunque la consecución de este equilibrio haya generado nuevas inconsistencias. Como compendio de lo anterior, Hokum resulta para el espectador que ya conocía la obra anterior de McCarthy un cierto déjà vu. Por otro lado, es verdad que el resultado cinematográfico es impecable, pero en su imperfección las películas anteriores tenían algunos momentos puntuales, pero extraordinarios, que Hokum no ha podido replicar o superar.

ÚLTIMA CAMPANADA

Nos reafirmamos en que Hokum es la mejor película hasta la fecha de Damian McCarthy y donde la artesanía del autor tiene su mayor expresión, pero no podemos negar que hay una frescura en la imperfección de Caveat y Oddity que aquí no alcanza la misma dimensión. En cualquier caso, Hokum es, en nuestra opinión, uno de los títulos ya de referencia del fantástico en este 2026 y Damian McCarthy un autor al que hay que seguir prestándole nuestra atención.

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La incorporación de la estatuilla del festival tinerfeño a esta vitrina supone un reconocimiento a su consolidación en el circuito global del género, compartiendo espacio con galardones de citas clave como Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, el Brussels International Fantastic Film Festival (BIFFF), el Neuchâtel International Fantastic Film Festival (NIFFF) o el resto de festivales asociados a la alianza Noviembre Fantasma (la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, Fancine de Málaga y Terrormolins), entre otros eventos vinculados a la Federación Internacional Méliès (MIFF).

Este expositor actúa como escaparate de la excelencia del cine fantástico dentro del mercado de Cannes, por lo que la presencia de Isla Calavera refuerza su posicionamiento internacional en un entorno de primer nivel.

La inclusión del trofeo coincide con la presentación en Cannes de la décima edición del festival, que continúa afianzando su identidad como un certamen nacido en La Laguna con proyección global.

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En este contexto, el alcalde de La Laguna, Luis Yeray Gutiérrez, ha subrayado la relevancia estratégica del festival para la proyección exterior del municipio y del Archipiélago: “El Festival se ha convertido en una herramienta que ha llevado a la Ciudad y a toda Canarias a fronteras donde nunca se había llegado y con el añadido de no ser una iniciativa importada sino de ser un evento nacido en La Laguna y con laguneros al frente. Esta experiencia en Cannes podría marcar la hoja de ruta de promoción de la ciudad para el futuro, junto a la excelente reputación de Isla Calavera a nivel internacional”.

Durante la presentación se destacó que, en esta década de trayectoria, Isla Calavera ha convertido cada edición en un hito al recibir a numerosas estrellas del cine que visitaban La Laguna y Canarias por primera vez. La audiencia asistió a la proyección en la gran pantalla del Fantastic Pavilion de un vídeo histórico en el que se muestra el paso por la ciudad de actrices como Ornella Muti, Amber Heard (con motivo de la première nacional de su película In the Fire, en su única aparición pública en España), Belén Rueda o Silvia Tortosa; actores como el protagonista de E. T. El Extraterrestre Henry Thomas, Ron Perlman, Michael Paré o Eduardo Noriega; directores como John Landis (Un hombre lobo americano en Londres) o Randal Kleiser (Grease, El vuelo del navegante), leyendas históricas como el recientemente desaparecido Jack Taylor, y otros talentos como el maestro del maquillaje, ganador de 7 premios Óscar Rick Baker, la figurinista Deborah Nadoolman Landis o el maquetista y supervisor de efectos visuales en miniatura Simon Weisse.

Cada una de estas visitas ha dejado una huella en la programación y en la memoria de la audiencia, reforzando la idea de que Isla Calavera no solo proyecta películas, sino que construye un relato de encuentros entre el cine fantástico y el público, tanto canarios como visitantes llegados de distintas partes del mundo atraídos por la programación y el entorno donde se celebra el festival.

Primeros invitados confirmados

Además, en Cannes fueron anunciados los primeros invitados confirmados para la décima edición del Festival Isla Calavera, que tendrá lugar del 6 al 15 de noviembre, tres iconos indiscutibles del cine fantástico: Christopher Lambert, reconocido por su interpretación de Connor MacLeod en la película de culto Los Inmortales (1986) y por dar vida a Tarzán en Greystoke, la leyenda de Tarzán (1984); Tom Berenger, nominado al Premio Óscar al mejor actor de reparto por su memorable interpretación del sargento Bob Barnes en Platoon (1986); y Joanna Cassidy, mundialmente famosa por interpretar a la replicante Zhora en la obra maestra de la ciencia ficción Blade Runner (1982).

La misión consistió también en presentar San Cristóbal de La Laguna como destino cinematográfico: un territorio municipal que abarca localizaciones excepcionales para el rodaje, pero también como capital cultural, con una vibrante actividad artística, universitaria y social.

Cartel oficial

El Festival Isla Calavera aprovechó también este escaparate mundial para presentar el cartel oficial de su 10º aniversario, que representa un homenaje a los 40 años de la obra maestra del cine de terror y ciencia ficción La Mosca de David Cronenberg.

Encuentro de la Federación Internacional Méliès en Cannes

Asimismo, en el marco del Marché du Film, los directores del festival, Daniel Fumero y Ramón González Trujillo, y la subdirectora Vanesa Bocanegra participaron en el encuentro de la Federación Internacional Méliès (MIFF), donde presentaron ante representantes de los 22 países miembros la próxima celebración de la décima edición de Isla Calavera.

Entre las reacciones recogidas en Cannes, destacó la percepción de Isla Calavera como un posible caso de estudio de un festival concebido desde Canarias, para el disfrute del público canario y de visitantes internacionales, que se ha asentado firmemente a nivel global partiendo de cero. El certamen ha convertido su condición ultraperiférica y su vínculo indisoluble con La Laguna en un valor añadido, que tiene un peso creciente en la estructura y la programación de cada edición.

La décima edición aspira a reforzar el papel del festival como embajador cultural de Canarias en el ámbito del cine fantástico. La combinación de invitados de prestigio internacional, la calidad de la programación y la singularidad de su entorno hacen de Isla Calavera un ejemplo de cómo un modelo insular puede convertirse en un referente global, sin perder de vista su raíz y su compromiso con el público local.

Apoyo institucional

El Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera está organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, Multicines Tenerife y la publicación TumbaAbierta.com, cuenta con el patrocinio principal del Ayuntamiento de La Laguna —a través de su área de Cultura—, junto al Gobierno de Canarias, Promotur Turismo de Islas Canarias, el Cabildo de Tenerife, el Instituto Canario de Desarrollo Cultural y Canary Islands Film, además de otros colaboradores públicos y privados.

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Un fenómeno editorial global

Creada a partir de la idea de Edward Packard y desarrollada comercialmente por R.A. Montgomery, la saga Choose Your Own Adventure —publicada en español como Elige tu propia aventura por Timun Mas— congregó entre 1979 y 1998 una edición original de 184 títulos, vendiendo más de 250 millones de ejemplares y traduciéndose a cerca de cuarenta idiomas. Tras la aparición de La Cueva del Tiempo (1980) de Packard, el primer libro de la serie en español, entre los títulos más emblemáticos se encuentran El Abominable Hombre de las Nieves, Más allá del espacio, Las joyas perdidas de Nabooti, El reino subterráneo, En globo por el Sahara o Prisionero de las hormigas. Las historias se narraban en segunda persona y ofrecían múltiples finales (algunos con más de 40 desenlaces), invitando a la relectura y a la exploración de bifurcaciones narrativas que reforzaron su carácter lúdico.

De la lectura al juego interactivo

Esa herencia explica la carga afectiva que arrastra la adaptación: para muchas generaciones la experiencia lectora no era solo pasar páginas, sino elegir rutas, fracasar y volver a empezar; un ritual que hoy comparte espacio con los videojuegos y las narrativas interactivas digitales. Traducir esa memoria a pantalla implica conservar el encanto de las decisiones y la diversión por el ensayo-error sin caer en la mera nostalgia kitsch. Los referentes más recientes de esa lógica en el cine mainstream es Black Mirror: Bandersnatch de Netflix (2018), un episodio interactivo que llevó el formato de decisiones al gran público, y la nueva propuesta The Black Mirror Experience, presentada hace poco más de una semana en la sección Immersive Competition del 79º Festival de Cannes, que extendió la interactividad al espacio físico.

Radio Silence y el equilibrio entre juego y terror

Radio Silence llega con credenciales que hablan de su capacidad para lograr ese equilibrio entre diversión y estructura. El colectivo comenzó ganando atención con los segmentos de terror en la franquicia antológica V/H/S (2012) y V/H/S/2 (2013), donde Bettinelli-Olpin y Gillett dirigieron los segmentos Second Honeymoon y The Lake House, respectivamente, demostrando una inclinación por el ritmo frenético, la violencia estilizada y el humor negro. Con Noche de bodas (2019), de Searchlight Pictures y protagonizada por Samara Weaving, consolidaron su sello: una comedia negra de terror con sátira social y una estructura de juego mortal que recuerda, en cierta medida, la lógica de los libros-juego. Fruto de ese éxito, han dirigido Scream (2022) y Scream VI (2023) para Paramount y Spyglass, logrando una recaudación conjunta de 304 millones de dólares en todo el mundo, y Abigail (2024), de Universal, un thriller de terror con tono de juego perverso. Ahora acaban de lanzar la secuela de Noche de bodas y tienen previsto dirigir un nuevo capítulo de La Momia para Universal, en preproducción, con Brendan Fraser y Rachel Weisz regresando como protagonistas.

La metanarrativa, en cuanto a personajes conscientes de las opciones, escenas que insinúan caminos no elegidos y estructuras en capas, puede ser su herramienta para trasladar la lógica de Elige tu propia aventura a un largometraje convencional. Con un guionista como Tom Bissell, con experiencia en videojuegos y en series de ciencia ficción complejas, el proyecto tiene posibilidades de convertirse en un exitoso homenaje generacional adaptado a los nuevos tiempos.

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