Votaciones a los I Premios Anillos de Oro

Una vez anunciadas hace unas semanas las 93 series que han presentado su candidatura a la I edición de los Premios, que tendrán lugar el próximo 20 de junio en Santa Cruz de Tenerife, ahora los miembros de pleno derecho del Círculo de Profesionales son los encargados de votar a los proyectos que se convertirán en finalistas. Esta primera fase de los procesos de votación finalizará el día 24 de abril, anunciándose las tres series finalistas de cada categoría a inicios de mayo, para abrir, tras ello, una nueva fase de votaciones, entre los días 11 y 29 de dicho mes.

La diversidad de Círculo es total, integrando desde guionistas y directores hasta departamentos de postproducción, marketing o vestuario, garantizando así una visión 360º de la industria. Profesionales de la talla de Fernando Colomo, Assumpta Serna, Luisa Martín, Fernando Guillén Cuervo, Dani de la Torre, Laura Pedro Albiol, Iván M. Lacámara, Teresa Segura, Alicia Luna, Pepe Domínguez del Olmo, Dani Pérez Prada, Lola Marceli, Arantxa Arangueren, Luis Miguel Seguí o Mirian Montilla, entre muchos otros, ya han sumado sus nombres al proyecto.

Un censo amplio y especializado

Más concretamente, estos 511 miembros se dividen en 193 profesionales de la interpretación, 36 del guion, 30 de dirección, 28 de producción ejecutiva, 15 de dirección de fotografía, 14 de montaje, 12 de dirección de producción y 10 de composición musical. Además, el Círculo cuenta con especialistas en áreas como casting, sonido, dirección de arte, comunicación, maquillaje y localizaciones, entre otros. A todos ellos se suman 90 periodistas especializados en series y el audiovisual español, que también formalizaron sus inscripciones en este primer plazo.

Todos ellos podrán votar las 853 candidaturas aprobadas, que se dividen en 93 series (74 de producción española, 8 latinoamericanas y 11 internacionales) y 5 Film Commissions, pertenecientes a multitud de plataformas y cadenas como Movistar Plus+, Atresmedia, Prime Video, RTVE, HBO Max, Mediaset, Filmin, Netflix, Disney+, SkyShowtime, AMC+, Apple TV + o BBC. Estas optan a estar presentes en la I edición de los Premios Anillos de Oro, el próximo 20 de junio en Santa Cruz de Tenerife, si logran alguna de las nominaciones tras la primera fase de votaciones.

Ante la oleada de solicitudes y el entusiasmo generado, la organización ha decidido reabrir el censo de forma permanente. Si bien los inscritos a partir del 28 de marzo no tendrán derecho a voto hasta la II edición en 2027, la convocatoria sigue abierta para todo profesional ligado al mundo seriéfilo que haya participado en al menos dos producciones. Toda la información está disponible en circuloprofesionalseries.com.

Apoyo institucional

Los Premios Anillos de Oro están organizados por Círculo de Profesionales de las Series Españolas, con el apoyo del Cabildo de Tenerife, el Gobierno de Canarias y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, a través de la Sociedad de Desarrollo.

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VOLVER AL ESPACIO

El interés por el espacio fue menguando en las dos últimas décadas del siglo, a pesar de que éxitos cinematográficos como Star Wars fomentaban la proliferación del space opera como un subgénero que definió a toda una generación. O quizás precisamente porque ese componente fantástico se construía más sobre conceptos de aventura y fantasía que sobre aspiraciones científicas. Ahora vivimos en un momento de recuperación del sueño espacial. Títulos como Interstellar, Gravity, La Llegada o series como Para Toda la Humanidad, que acaba de estrenar su quinta temporada, han vuelto a situar la ciencia y la astronomía en nuestro radar. Ha regresado el interés por viajar a Marte y la carrera espacial parece vivir un resurgimiento con la misión Artemis II.

EL DETECTIVE CIENTÍFICO

Andy Weir se ha posicionado como uno de los escritores de ficción que ha impulsado, desde el terreno de la fantasía y la ciencia ficción, la curiosidad por la ciencia aplicada al espacio. La suya no es una literatura de ciencia ficción dura, sino más bien puzles de lógica, casi a modo de literatura procedimental. Él mismo relaciona a sus personajes con Sherlock Holmes por su propósito de que los conflictos y obstáculos que surgen en sus novelas no se resuelvan con pistolas de rayos láser o espadas de luz, ni con torpedos cuánticos, sino mediante procesos deductivos científicos, bien documentados, y donde, pese al carácter ficticio y fantástico de sus tramas, la respuesta al conflicto sea sólida. Éste, por otro lado, era precisamente uno de los pilares sobre los que Gene Roddenberry ideó inicialmente Star Trek, hasta que la cadena le impuso que era necesario introducir un apartado de acción para que el producto fuera atractivo para el público.

SESENTA AÑOS DE EXPLORACIÓN DE LA GALAXIA

Es una verdadera serendipia que Proyecto Salvación se haya estrenado y esté siendo un éxito en 2026, el año en el que se conmemora el 60º aniversario del estreno de la serie original de Star Trek, no sólo por la coincidencia del concepto de exploración del universo que empareja ambos títulos, sino también porque para llevar a la gran pantalla la tercera novela de Andy Weir, los responsables de la película han considerado que había que enfatizar valores como la aventura, la fantasía o el humor y restar el contenido científico del libro original. No es algo que pille de nuevas a Weir. Cuando Ridley Scott dirigió Marte, adaptación de El Marciano, primera novela del escritor, también se vio en la tesitura de suavizar el contenido científico de la obra en favor de aspectos más emocionales con los que el espectador pudiera empatizar sin tener que contar con un doctorado en astrofísica. Es cierto que los ritmos y la narrativa cinematográfica son distintos de la literaria, pero la Historia del Cine ha contado con varios títulos que no han necesitado sacrificar una cosa para alcanzar la otra.

CONSTRUYENDO EL COHETE ESPACIAL

Afortunadamente, tanto para Marte como para Proyecto Salvación, el responsable de trasladar el material literario en materia prima cinematográfica ha sido Drew Goddard. Como ya sucediera en la película de Ridley Scott, Goddard ha logrado un milagroso efecto filosofal, logrando un equilibrio bien fundamentado entre la fidelidad no sólo al espíritu de la novela, sino a su valor como obra de divulgación científica, y las dosis de emoción, aventura, humor y asombro que el espectador de a pie pide a una película de viajes espaciales. Los lectores de la novela, al igual que los espectadores de perfil más intelectual, echarán de menos muchos aspectos explicativos afinados por Andy Weir, pero hay que reconocer que el resultado final es lo mejor de ambos mundos.

En este sentido, y llevándolo más allá que en Marte, la apuesta ha sido contrarrestar la reducción del componente científico con un apartado más emocional, representado principalmente en la relación del protagonista, Ryland Grace, con Rocky, un primer contacto que, lejos de apoyarse en el miedo o la desconfianza, reivindica el valor de la colaboración como mejor vía para superar los conflictos.

DE LA CIENCIA A LA MAGIA

Atenuado el discurso científico, Proyecto Salvación utiliza la magia del cine para impulsarse. No es una obra maestra, no es una película revolucionaria como en su día fueron 2001. Una Odisea en el Espacio o, en otro sentido, Star Wars. Episodio IV. Una Nueva Esperanza, pero sí es una película de exquisita factura a todos los niveles y que ofrece al espectador una superproducción grandilocuente, visualmente deslumbrante, con la medida justa de reflexión sobre el valor de la ciencia y su aplicación para la supervivencia de la humanidad como especie.

Cuenta también con emotivas y reveladoras relaciones entre personajes, sirviendo de vehículo para una de las principales estrellas cinematográficas del momento. Después de interpretar al mismísimo Neil Armstrong en 2018 con First Man, aquí Ryan Gosling ofrece un perfil muy diferente con ese otro explorador espacial que es Ryland Grace. Más construido en base a ese perfil cinematográfico, menos dramático, que la estrella ha ido definiendo en sus últimas películas, aquí impera el humor y el sentido de la maravilla en el personaje, en ocasiones quizás demasiado, con alguna escena donde parece asomar el Ken de Barbie.

A nivel técnico, la combinación de elementos prácticos y digitales ayuda a convertir lo que vemos en pantalla al mismo tiempo en algo cercano y visualmente epatante. En el apartado sonoro, el despliegue es extraordinario, no sólo en lo referente al cuidado a la hora de representar los elementos reales de la trama, sino sobre todo aportando identidad sonora a aquellos componentes que se salen de nuestra capacidad de conocimiento. A esto se suma una excelente partitura musical de Daniel Pemberton, compositor cada vez más interesante y, en nuestra opinión, que aquí presenta una de sus mejores partituras.

En este sentido, resulta relevante encontrar tras la cámara al tándem de cineastas formado por Phil Lord y Chris Miller, dos directores que a lo largo de su filmografía conjunta se han caracterizado por atreverse con proyectos a priori poco atractivos (¿una cinta de animación sobre una máquina que hace llover albóndigas, un remake paródico de Jóvenes Policías, una película sobre los juego de construcción Lego?), pero que no sólo consiguieron llevarlas a buen puerto, sino que además han respaldado las dos cintas de animación de Spiderman protagonizadas por Miles Morales, de lo mejor que nos ha ofrecido el cine de superhéroes del siglo XXI.

Proyecto Salvación nos puede servir como hoja de ruta de lo que podría haber sido la precuela de Han Solo y que Disney no se atrevió a llevar a cabo, sustituyéndoles a mitad del rodaje por Ron Howard. Eso sí, de nuevo estamos ante dos directores que donde mejor se manejan es en terreno del humor, la fantasía y la aventura, con propuestas abiertas a una audiencia global y no a ese nicho seguidor de la ciencia ficción hard.

EL BLOCKBUSTER PERFECTO

Más allá de la simplificación ya comentada de su carga científica, como película lo que nos descuadra el equilibrio global es una excesiva tendencia a la comedia, sobre todo en su tercio inicial. Por el resto, la película es todo lo que podemos esperar de una superproducción de Hollywood, en el fondo intrascendente, pero emocionante, sorprendente y divertida. Nos queda la duda, eso sí, de qué hubiese pasado si, en lugar de Phil Lord y Chris Miller, tras la cámara hubiese estado un director más del perfil de un Christopher Nolan o Denis Villeneuve y, por lo tanto, más propenso a salvaguardar una mirada más adulta e intelectual a la novela.

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Isla Calavera es el único certamen de Canarias dedicado al género fantástico con formato de gran festival, una cita que combina programación internacional, secciones competitivas, presencia de industria y un fuerte vínculo con el territorio. El Ayuntamiento de La Laguna actúa como patrocinador principal, reforzando el compromiso institucional con la cultura y el cine de la ciudad Patrimonio de la Humanidad.

Convocatoria abierta para el fantástico del mundo

La convocatoria está dirigida a obras de género fantástico (terror, ciencia ficción, fantasía, thriller, comedia negra…), tanto en imagen real como en animación, y en formato de ficción o documental, producidas en cualquier país y en cualquier idioma. Los trabajos pueden inscribirse a través de las plataformas FilmFreeway y Festhome. La fecha límite para la recepción de copias de visionado es el 1 de octubre de 2026. Los detalles y requisitos específicos para cada sección pueden consultarse en las bases oficiales, disponibles en la página web del festival.

Hecho en Canarias: un espacio para el talento local

En paralelo a su convocatoria internacional, Isla Calavera refuerza la sección Hecho en Canarias, pensada para visibilizar largometrajes y cortometrajes producidos entre 2024 y 2026 con un vínculo específico con el archipiélago. Pueden participar producciones rodadas en Canarias, firmadas por residentes canarios, impulsadas por empresas del territorio o con al menos el 50% del equipo residente en las islas. La sección, no competitiva, se plantea como un puente entre el talento local y el circuito internacional del género fantástico. Obras con el sello “Hecho en Canarias” también pueden participar simultáneamente en sección oficial a concurso.

Premio Méliès al Mejor Cortometraje Europeo

La décima edición mantiene el Premio Méliès de Plata al Mejor Cortometraje Europeo de género fantástico, que abre la puerta a los Premios Méliès de Oro, organizados por el MIFF (Méliès International Festivals Federation). Esta distinción se suma a los premios del Jurado y del Público en sus secciones competitivas, con galardones a mejor largometraje y cortometraje, mejor dirección y guion, mejores interpretaciones, mejores efectos especiales y mejor vestuario.

Una década de fantasía

A punto de cumplir diez años de historia, Isla Calavera se ha consolidado como un festival de referencia, que sitúa a San Cristóbal de La Laguna, Ciudad Patrimonio de la Humanidad, y a Tenerife en el mapa de los grandes encuentros del cine fantástico. Más allá de la programación, el festival actúa como motor de diálogo entre industria, creativos y público, reforzando cada año su papel como punto de encuentro español del fantástico global.

A finales de este mes de abril tendrán lugar las primeras actividades prefestival de esta edición, donde se darán a conocer los primeros detalles de la programación.

Sobre el Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera

Organizado por la Asociación Cultural Charlas de Cine, Multicines Tenerife y la publicación especializada TumbaAbierta.com, el Festival Isla Calavera cuenta en su décima edición con el patrocinio del Ayuntamiento de La Laguna, a través de la concejalía de Cultura, Gobierno de Canarias, Promotur, Turismo de las Islas Canarias, Islas Canarias Latitud de Vida, Cabildo de Tenerife, Instituto Canario de Desarrollo Cultural y Canary Islands Film.

Isla Calavera nace en 2017 y en sus nueve primeros años de trayectoria ha logrado una importante repercusión y está considerado como uno de los encuentros de cine fantástico más relevantes, miembro de Méliès International Festivals Federation (MIFF), que agrupa a 32 miembros de 22 países en cuatro continentes, con una audiencia mundial de más de 900.000 espectadores cada año.

Nombres clave del género como los actores Ron Perlman, Michael Paré, Lou Ferrigno, Henry Thomas, Eduardo Noriega, David Naughton, Fabio Testi, Nicholas Rowe o Carlos Areces y actrices como Ornella Muti, Sarah Douglas, Amber Heard, Silvia Tortosa, Belén Rueda, Caroline Munro, Adrienne Barbeau, Tami Stronach o Macarena Gómez han hecho sonar el nombre del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera en todo el mundo.

Los afamados directores John Landis, Joe Dante, Álex de la Iglesia, Neil Marshall, Randal Kleiser, Marcus Nispel, Enzo G. Castellari, Paco Plaza, Paco Cabezas, Víctor Matellano o Lamberto Bava, entre otros, han visitado también la isla de Tenerife con motivo del festival, así como otros profesionales de la industria como el maestro de los efectos especiales y el maquillaje ganador de siete premios Óscar Rick Baker, la diseñadora de vestuario nominada al premio de la Academia de Hollywood Deborah Nadoolman, o el reconocido diseñador de atrezo y supervisor de efectos visuales de miniaturas, colaborador de Wes Anderson, Simon Weisee protagonizando eventos clave dentro de la programación y convirtiéndose a su regreso en embajadores insuperables de Canarias.

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En la última y quinta temporada, nos encontramos en un mundo dominado por Patriota, completamente sujeto a sus caprichos erráticos y ególatras. Hughie, Leche Materna y Frenchie están encarcelados en un «campo de libertad». Annie lucha por organizar una resistencia contra la abrumadora fuerza de los Supers. Kimiko está desaparecida. Pero cuando Carnicero reaparece, dispuesto a utilizar un virus que acabará con todos los Supers, pone en marcha una serie de acontecimientos que cambiarán para siempre el mundo y a todos sus habitantes. Es el clímax, amigos. Van a pasar cosas importantes.

The Boys está basada en el cómic superventas del New York Times de Garth Ennis y Darick Robertson, que también son productores ejecutivos, y desarrollada por el productor ejecutivo y showrunner Eric Kripke. Seth Rogen, Evan Goldberg, James Weaver, Neal H. Moritz, Pavun Shetty, Phil Sgriccia, Michaela Starr, Paul Grellong, David Reed, Judalina Neira, Jessica Chou, Gabriel Garcia, Ori Marmur, Ken F. Levin y Jason Netter son también productores ejecutivos de la serie. The Boys está producida por Amazon Studios y Sony Pictures Television Studios, con Kripke Enterprises, Original Film y Point Grey Pictures.

La quinta y última temporada de The Boys se estrena en exclusiva en Prime Video en más de 240 países y territorios de todo el mundo.

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Un matrimonio acosado por su pasado

En este nuevo acercamiento a la historia original de John D. MacDonald, creado por el influyente showrunner Nick Antosca (Channel Zero, The Act), Amy Adams y Patrick Wilson interpretan a Anna y Tom Bowden, un matrimonio de abogados de éxito cuya vida perfecta se resquebraja cuando sale de prisión Max Cady, un asesino al que ayudaron a enviar a la cárcel y que regresa decidido a destruirlos. Amy Adams llega a este papel tras adentrarse en el thriller psicológico con La mujer en la ventana y la miniserie Sharp objects, mientras que Patrick Wilson aporta el peso de haber encabezado dos de las sagas de terror más populares de los últimos años, Expediente Warren e Insidious. Entre el reparto encontramos además nombres tan sugerentes como Ted Levine, recordado por su escalofriante Buffalo Bill en El silencio de los corderos, y Ron Perlman, flamante Premio de Honor del Festival de Cine Fantástico de Canarias Ciudad de La Laguna Isla Calavera en 2024.

El tráiler muestra ya el contraste entre la pulcritud de su hogar de clase acomodada y la amenaza creciente de un Cady tatuado, sereno y siniestro, que convierte cada aparición en una declaración de guerra psicológica.

Scorsese y Spielberg, productores ejecutivos

La serie, producida por UCP y Amblin Television con Martin Scorsese y Steven Spielberg como productores ejecutivos, se presenta explícitamente como una relectura del clásico de 1991 dirigido por Scorsese y de la novela original de MacDonald, The Executioners (1957).

El argumento explora no solo el asedio a la familia Bowden, sino también las zonas oscuras de un sistema legal en el que las decisiones de despacho tienen consecuencias monstruosas años después y apunta a un juego de espejos entre culpa profesional, responsabilidad institucional y fascinación mediática por el carismático criminal.

El material de partida es precisamente The Executioners, donde Sam Bowden, abogado y antiguo testigo clave en un caso de violación, ve cómo el exconvicto Max Cady sale de prisión y comienza una campaña de acoso contra él y su familia. La novela planteaba ya en los años cincuenta la tensión entre confianza en el Estado de derecho y tentación de tomarse la justicia por su mano, con un Cady descrito como depredador sexual obsesionado con ajustar cuentas tras catorce años entre rejas.

Dos versiones inolvidables: 1962 y 1991

La primera traslación al cine llegó en 1962 con Cape Fear, conocida en España como El cabo del terror, dirigida por J. Lee Thompson y protagonizada por Gregory Peck y Robert Mitchum. Rodada en blanco y negro, la película convertía la novela en un ejercicio de suspense casi hitchcockiano, donde el exconvicto acorrala a la familia con amenazas veladas y apariciones inquietantes, y el abogado se ve obligado a cruzar ciertas líneas éticas para proteger a los suyos.

Tres décadas después, Martin Scorsese radicalizó el material en su remake El cabo del miedo, con Robert De Niro, Nick Nolte y Jessica Lange al frente. Aquí Sam Bowden ya no es un ciudadano intachable, sino un abogado que en el pasado manipuló pruebas en perjuicio de Cady, lo que introduce una potente dimensión de culpa y ambigüedad moral; el filme, de colores saturados y violencia exacerbada, fue un éxito de crítica y taquilla y llevó a De Niro y Juliette Lewis a los Óscar.

La nueva serie de Apple TV recoge ahora ese legado desde la sensibilidad contemporánea, con Bardem dispuesto a inscribir su propio Max Cady en la genealogía de uno de los villanos más inquietantes del thriller moderno.

Cape Fear constará de diez episodios y se estrenará el próximo 5 de junio con un doble capítulo inicial, seguido de entregas semanales hasta finales de julio.

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Este miércoles 1 de abril, se estrena, exclusivamente en cines, Super Mario Galaxy: La película una nueva entrega que expande el universo cinematográfico de icónico personaje de videojuego con una historia original producida por Chris Meledandri de Illumination y Shigeru Miyamoto de Nintendo, que vuelven a colaborar tras el éxito en taquilla en el año 2023 de Super Mario Bros: La película.

Sinopsis de Super Mario Galaxy: La película

En esta ocasión, tras vencer a Bowser y salvar Brooklyn, Mario y sus amigos enfrentan una nueva amenaza: Wario, con Bowser Jr., conspira para dominar el mundo. Deben aliarse con Yoshi para detener a este dúo malvado.

Super Mario Galaxy: La película está dirigida también en esta ocasión por Aaron Horvath y Michael Jelenic, que regresan al universo de Mario como directores de un guion de nuevo firmado por Matthew Fogel y con música de Brian Tyler, una vez más a cargo de la banda sonora.

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PERSEGUIDOS POR LA PARCA…. OTRA VEZ

El proyecto parte de dos artesanos del género. El guionista Owen Egerton debutó con Hollow en 2015 y desde entonces se ha mantenido afincado en el terror, tanto como escritor como director. Por su parte, Corin Hardy debutó también en 2015 con The Hallow y a continuación firmó la primera entrega de La Monja. Lo cierto es que la principal tara de la película recae en el guion. Egerton firma un libreto formulaico, con giros y personajes poco verosímiles, a los que les falta más desarrollo y presencia.

Afortunadamente, en cuanto a esto último, la cinta cuenta con un reparto que cumple (hasta donde se lo permiten sus respectivos personajes). La presencia de Dafne Keen (Logan) es uno de los principales ganchos, aunque realmente son intérpretes como Sophie Nélisse (recordada por La Ladrona de Libros) o Sky Yang quienes aportan más carácter a sus personajes. Los veteranos Nick Frost y Michelle Fairley tienen apariciones más limitadas, pero bien aprovechadas por el director, Corin Hardy.

LA FESTIVIDAD DE LA MUERTE

La película no dista de ser un nuevo refrito de la saga de Destino Final, con la particularidad de que aquí, quienes escuchan ese silbato de origen azteca van a ver anticipada la muerte que les estaba destinada. Esto convierte a las set pieces de las distintas muertes de la película en el elemento más festivo de la misma. La escenificación de algunas de estas muertes está muy lograda y es donde Hardy da rienda suelta al componente gore de la película, que no es nada del otro mundo, pero sí resulta disfrutable. La presencia anticipatoria de la muerte de cada personaje también es un elemento destacado de terror, pero, de nuevo, sin ofrecer nada especialmente novedoso al espectador.

DISCRETA, PERO CUMPLIDORA

En nuestra opinión, lo que eleva a esta película por encima de la media de otros copycats similares está en la habilidad de Corin Hardy para dar mayor empaque a lo que no es otra cosa que un refrito poco discreto y reiterativo de otras sagas de terror, de nuevo, con Destino Final a la cabeza. Dado que es consciente de que no va a sobrevolar la sombra de la referencia, el director opta por la línea referencial, con guiños a títulos clásicos de terror, con apuntes que recuerdan visualmente al cine de Wes Craven o de John Carpenter. La puesta en escena es juguetona y dinámica, al mismo tiempo que se enriquece la estética de la película con un loable trabajo de dirección de arte y de dirección de fotografía, más cercano a la estética del cómic.

Whistle: El Silbido del Mal no trascenderá en nuestras vidas más allá de la salida de la sala donde la hayamos visto, pero al menos se esfuerza en que esos 100 minutos en los que estamos enfrascados en la historia sean entretenidos más allá del material de partida.

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Protagonizada por Natalia Verbeke, Julián López, Ángela Cervantes y Vebjørn Enger, Lapönia huye del cliché navideño para plantear una comedia ágil y certera sobre los dilemas éticos y morales que se esconden en la vida cotidiana. A partir de una situación aparentemente inocente –unas Navidades en familia en Rovaniemi, en plena Laponia finlandesa, supuesta residencia de Papá Noel– la película disecciona, con humor y ironía, la tensión entre la verdad, la ilusión y las tradiciones, dejando que la familia se desmantele sobre la mesa.

La historia arranca cuando Nuria, afincada en el norte de Europa con su marido Olavi y su hija, decide reunir a su hermana Mónica, su cuñado y su sobrino para unas fiestas perfectas. Sin embargo, el descubrimiento de los niños sobre el verdadero origen de Papá Noel desencadena una serie de verdades incómodas que convierten la cena navideña en un ring donde risas, reproches y emociones se mezclan sin freno.

Adaptación de la exitosa obra teatral homónima –que ha viajado por escenarios de España, Estados Unidos, Croacia, Argentina, Uruguay, Cuba, Venezuela y República Checa–, la película rescata la fuerza del texto original y lo proyecta al cine con un guion firmado por Cristina Clemente, Marc Angelet y Jordi Casanovas. Rodada en diversas localizaciones de la provincia de Vizcaya, la cinta mantiene la esencia teatral, pero la actualiza con una mirada contemporánea hacia los modelos familiares y los valores sociales, sosteniendo esa fina línea entre la comedia ligera y el drama moral que tanto caracteriza a todo el universo de Serrano.

Un evento con sello cultural

Tras su paso por la 29ª edición del Festival de Málaga, en sección oficial, Lapönia llega a salas este miércoles 1 de abril, después de este preestreno que, en Tenerife, se carga de sello cultural. Con esta iniciativa, Charlas de Cine y Multicines Tenerife refuerzan su compromiso con la divulgación cinematográfica y el fomento de la cultura audiovisual en las Islas Canarias. Este preestreno cuenta con el respaldo de Charlas de Cine Radio, Culturamanía Magazine, TumbaAbierta.com, el Aula de Cine de la Universidad de La Laguna, la Fundación Diario de Avisos, el Festival Isla Calavera de Cine Fantástico y Juan Antonio Ribas Ediciones Digitales.

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Un verano de amistad, miedo y descubrimientos

La premisa nos traslada dos décadas atrás, cuando Johannes, un chico de catorce años, vuelve como cada año a la isla de Särsö con su grupo de amigos. Lo que parecía otro verano de bicis, baños y pequeñas traiciones adolescentes se tuerce cuando un chico aparece ahogado en circunstancias sospechosas y la pandilla descubre, en la vecina isla de Svärtan, a una criatura herida que se parece demasiado a una sirena para ser un simple animal marino. A partir de ahí, el coming‑of‑age luminoso se contamina de thriller: lo que se vende como un accidente se convierte en investigación oficiosa, y lo extraordinario irrumpe en la cotidianeidad con la misma violencia que la pubertad en los cuerpos de sus protagonistas.

Lo sobrenatural como espejo cotidiano

Lindqvist ya demostró en Déjame entrar que su interés no está en el susto fácil, sino en cómo lo sobrenatural ilumina las zonas muertas de lo cotidiano: el vampirismo como metáfora de la soledad y el acoso escolar, el monstruo como espejo de la fragilidad humana. En Border, la historia de una funcionaria de aduanas con un olfato imposible derivaba hacia una reflexión sobre la identidad y el cuerpo como territorio ajeno. Summer of 1985 parece dialogar con ese mismo impulso: la sirena no es solo una criatura de horror, sino el catalizador de una historia sobre amistad, lealtad y el tránsito doloroso entre la infancia y la edad adulta, en una comunidad que prefiere mirar hacia otro lado.

Concebida como una miniserie de seis episodios de unos 44 minutos, está escrita por Amy Deasismont (creadora y protagonista de Thunder in My Heart) y Melina Maraki, que firman los guiones y aportan una sensibilidad contemporánea a la memoria ochentera. El director Björn Stein (Underworld: El Despertar), con experiencia en el nordic noir y el thriller escandinavo, ejerce como realizador conceptual, marcando el tono de este híbrido entre drama juvenil y relato criminal con criaturas extraordinarias. En palabras de su equipo creativo, está pensada para que la vean juntos adolescentes y padres: un producto claramente multigeneracional.

En el plano industrial, Summer of 1985 es también un movimiento estratégico. La serie supone la primera producción sueca del estudio norteamericano Media Res International —responsable de The Morning Show o Secretos de un matrimonio— para SVT, con la productora Anna‑Klara Carlsten al frente. No es casual que los materiales promocionales comparen la propuesta con Stranger Things: un grupo de chavales, un verano eterno, un crimen en apariencia aislado y algo ancestral que despierta bajo la superficie del agua.

De Goonies a sirenas: el rito del miedo

Esta mezcla de misterio, aventura y rito de paso entronca con una genealogía reconocible que va más allá de la serie de los hermanos Duffer: desde el espíritu colectivo y veraniego de Los Goonies o la melancolía iniciática de Cuenta conmigo, hasta los homenajes cinematográficos más recientes como Super 8, It o Verano del 84, que también rescataban esas amistades a prueba ante lo desconocido.
La diferencia es que, donde otras producciones explotan la cita pop y el guiño referencial, Lindqvist suele apostar por una incomodidad más soterrada, menos complaciente.

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La historia retoma los acontecimientos justo después del brutal enfrentamiento con la familia Le Domas. Grace (Samara Weaving), superviviente de aquella masacre, descubre que el juego no ha terminado: ha pasado al “siguiente nivel”. Esta vez la acompaña su hermana Faith, interpretada por Kathryn Newton, con quien mantiene una relación distante. Juntas deberán sobrevivir a la cacería de cuatro familias rivales empeñadas en conquistar el misterioso Alto Trono del Consejo, el poder oculto que controla el mundo.

El reparto se refuerza con nombres tan llamativos como Sarah Michelle Gellar, Elijah Wood, Shawn Hatosy y David Cronenberg, además de Néstor Carbonell y Kevin Durand. Los guionistas Guy Busick y R. Christopher Murphy retoman la pluma, junto a los productores Tripp Vinson, James Vanderbilt, Bradley J. Fischer y William Sherak.

Clasificada entre la comedia negra, el slasher y el terror gore, Noche de bodas 2 promete expandir el universo satírico de la saga con dosis extra de acción y humor macabro. Mientras tanto, los fans pueden revivir la primera entrega en Disney+, antes de que el nuevo juego comience este primero de abril en salas españolas.

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