Turminha do RAMON

Iron Lung: Oceano De Sangue

2026-03-12T09:59:00.005-03:00

É impossível falar sobre o filme “Iron Lung: Oceano De Sangue” sem mencionar sobre sua produção. O longa, escrito, dirigido e estrelado por Mark "Markiplier" Fischbach, é baseado em um jogo independente criado por David Szymanski (recomendo ler esse review na POCILGA). Markiplier se interessou em levar essa história para o cinema, mas apesar de ser um YouTuber famoso com milhões de seguidores, não conseguiu que nenhum estúdio financiasse sua ideia. Então ele resolveu realizar o longa-metragem por conta própria com um orçamento de 3,5 milhões de dólares. Até agora, em março de 2026, o filme já arrecadou mais de 51 milhões de dólares ao redor do mundo.

Dessa forma, “Iron Lung: Oceano De Sangue” acende um sinal de alerta em Hollywood. Como pode um YouTuber sem experiência com cinema realizar uma produção tão lucrativa? Em uma época em que se gasta milhões com produção e marketing, normalmente apostando em franquias conhecidas, parece que o público está interessado em novidades.

No filme, Markiplier pega a premissa do jogo de Szymanski, mas toma diversas liberdades criativas. Afinal de contas, o game é mais introspectivo e minimalista. A história segue a mesma premissa: em um futuro distante o universo se abalou após um incidente conhecido como “O Arrebatamento Silencioso”.

Esse evento causou o desaparecimento de boa parte dos planetas e dos seres vivos. Os poucos que sobreviveram estão em naves ou estações espaciais. Sobraram alguns corpos celestes e descobriram que surgiram oceanos de sangue em algumas das luas remanescentes. O que restou da humanidade tenta encontrar um novo lugar que possa abrigar vida, então uma possibilidade está em investigar esses oceanos. Para isso é necessário enviar um pequeno submarino para explorar o local. Na falta de voluntários, decidem enviar condenados que estão presos. Caso descubram alguma coisa eles ganham a liberdade, mas o fracasso pode significar morrer dentro do veículo.

O protagonista da história é Simon, um desses condenados que tenta a sorte numa missão quase suicida dentro do submarino. Dentro do veículo não existe janela, então para se guiar ele tem um mapa e controle com coordenadas. Seu objetivo é tirar fotos de locais de interesse e dentro do submersível há um equipamento de raio-x para registrar as imagens. Além disso, existe um computador e caixas de som, sendo que através delas ele consegue se comunicar com a equipe que o enviou para a missão.

Ou seja, na maior parte do tempo temos apenas Markiplier em cena. Felizmente o realizador é hábil em construir a narrativa do filme. A história poderia facilmente se tornar algo monótono, mas ele usa recursos técnicos como fotografia e montagem para dar uma boa dinâmica para “Iron Lung: Oceano De Sangue”. Há cortes rápidos, e a câmera é posicionada em diversos ângulos para transmitir a sensação de claustrofobia dentro do submarino.

Outro ponto importante é a trilha sonora de Andrew Hulshult, que se mistura com o desenho de som,misturando temas orgânicos a sons diegéticos, criando uma atmosfera bastante eficaz. Em alguns momentos ela ressalta a tensão e em outros o mistério em torno da situação, reforçando o clima claustrofóbico da narrativa. Talvez o único ponto de ressalva é que o longa-metragem utiliza a trilha o tempo todo, sem dúvidas alguns momentos de silêncio seriam interessantes para dar um respiro.

É importante citar também o tempo de duração com 125 minutos. Com certeza o filme funcionaria melhor se fosse um pouco mais curto. Sem dúvidas aumentaria a tensão e o senso de urgência. Ao prolongar a história Markiplier parece mais interessado em mostrar sua habilidade como realizador, capaz de prender a atenção do público por tanto tempo, do que realmente mostrar algo de relevante para a narrativa.

Sem dúvida, Markiplier demonstra talento e carisma como ator, pois não é fácil segurar um filme sozinho em cena por tanto tempo. É interessante notar o questionamento que o personagem faz com o passar do tempo se aquilo que está presenciando é real ou não. Contudo, em alguns momentos ele exagera na atuação com alguns gritos que parecem mais uma dificuldade de saber como se expressar adequadamente.

Mesmo com ressalvas, o resultado de “Iron Lung: Oceano De Sangue” é interessante e no mínimo uma experiência intrigante de se acompanhar. Em meio a grandes produções, muitas vezes carentes de criatividade, é louvável ver um projeto como esse que ressalta a ambição do realizador e mostra que o público está interessado sim em filmes que fujam da mesmice.

Classificação:

Título Original: Iron Lung (EUA, 2026)
Com: Mark "Markiplier" Fischbach, Caroline Kaplan, Troy Baker, Elsie Lovelock, Elle LaMont, Mick Lauer, Seán McLoughlin e Isaac McKee
Direção: Mark "Markiplier" Fischbach
Roteiro: Mark "Markiplier" Fischbach
Duração: 125 minutos

Melhores Filmes 2025

2026-02-03T15:37:00.004-03:00

Mais um novo ano chegou, então chegou a hora de fazer o levantamento dos melhores filmes do ano anterior. Assim está no ar a lista de Melhores Filmes 2025 do Turminha do Ramon, uma das tradições do blog que tenho mantido ativa a cada novo ano que passa.

Em 2025 dei nota 5 exatamente para 10 filmes e esse ano a lista de melhores filmes teve uma diversidade razoável entre temas e realizadores. Dessa vez não consegui escrever texto sobre cada um dos 10 melhores, mas tem texto sobre quase todos (só não escrevi sobre o 10º lugar e o 8º tem um podcast a respeito).

Sem mais “enrolações”, confiram minha lista dos 10 melhores filmes de 2025:

10) A Semente do Fruto Sagrado

Um filme impactante e fascinante sobre como é difícil imaginar e aceitar em pleno século XXI um regime como o do Irã. É interessante como o filme usa a dinâmica de uma família para criticar os absurdos. Político e extremamente atual.

9) Conclave

O diretor Edward Berger apresenta um excelente longa-metragem em “Conclave”, onde além de analisar as nuances do protagonista, explora as reviravoltas da narrativa sem ficar preso a elas.

8) Frankenstein

Não tem texto, mas fiz um podcast falando sobre o filme.

7) Anora

“Anora” poderia facilmente ser uma simples comédia romântica sobre uma mulher que é um stripper e é “salva” por um homem rico. Felizmente não é isso que o diretor e roteirista Sean Bakerapresenta em seu novo longa-metragem.

6) Valor Sentimental

A força de “Valor Sentimental” reside fundamentalmente no desempenho brilhante de seu elenco.

5) Casa de Dinamite

“Casa de Dinamite” é mais um grande trabalho de Kathryn Bigelow. A diretora explora bem a urgência do tema político em torno das armas nucleares em uma obra cinematográfica tão verossímil que parece que estamos diante de um documentário.

4) Vivo ou Morto: Um Mistério Knives Out

“Vivo ou Morto: Um Mistério Knives Out” é mais um acerto do diretor Rian Johnson. Ele mostra que é possível explorar de formas diferentes o formato de investigação de um crime, incluindo comentários sociopolíticos e reunindo um elenco cheio de atores talentosos. Tudo isso com uma parte técnica impecável.

3) Uma Batalha Após a Outra

“Uma Batalha Após a Outra” é mais um grande filme na filmografia de Paul Thomas Anderson.

2) Pecadores

“Pecadores” é mais um grande acerto na filmografia de Ryan Coogler. É bom ver o cineasta apostar em uma história original que além de ser um grande entretenimento, apresenta camadas em que homenageia e discute a questão racial, transformando sua obra em algo ainda mais complexo e fascinante.

1) O Agente Secreto

Misturando referências pop, críticas sociopolíticas e grandes atuações, Kleber Mendonça Filho constrói “O Agente Secreto” de maneira fascinante. É impressionante como a história toma rumos surpreendentes e como o cineasta aproveita para se aprofundar em temas através do estudo dos personagens.

O Agente Secreto (2025)

2026-01-12T19:43:00.000-03:00

Em “O Agente Secreto”, o diretor Kleber Mendonça Filho apresenta mais uma obra de alto teor sociopolítico. A trama é ambientada em 1977 durante a Ditadura Militar, então não é um longa-metragem especificamente sobre o regime autoritário, mas sim uma história que se passa nesse período, trazendo consigo algumas consequências marcantes da época.

O protagonista interpretado com maestria por Wagner Moura é um homem que está em fuga. Ele era um professor universitário, mas tudo mudou após um atrito com um empresário envolvido com o regime militar, que assume o controle e impõe mudanças no local de trabalho. Naturalmente, quem não concordasse com o que o regime ditava se tornava persona non grata. No entanto, a obra de Kleber abraça diversos temas em sua narrativa.

Um dos temas centrais é a importância da memória, ilustrada no tempo presente por uma estudante universitária que analisa os arquivos sobre o personagem de Moura. Ao incluir isso na história, o diretor e roteirista nos lembra de como é fundamental relembrar do passado. O Brasil é um país que nunca enfrentou direito o período da ditadura militar, dessa forma ainda temos ecos dela até hoje. Não por acaso tivemos um presidente que louvava torturador e tortura, justamente porque uma grande parte da população não enxerga o período governado pelos militares como algo ruim e autoritário.

A relação entre pais e filhos também ganha destaque. É interessante notar como o protagonista faz de tudo para estar com seu filho, especialmente após perder a esposa. Contudo, outros personagens apresentam formas diferentes em como esse relacionamento é retratado. O homem que chega com o filho na universidade é um bom exemplo em como a estrutura de poder passa de pai para filho. Ou como vemos a dupla de matadores que está em busca do personagem de Moura tem a passagem de conhecimento sobre a “profissão”, a troca de experiências.

Também é importante ressaltar o simbolismo do prédio organizado por Dona Sebastiana (Tânia Maria), que dá asilo a refugiados políticos. Normalmente, associa-se a perseguição militar apenas a 'terroristas'. Mas como dizer que gente como um professor universitário, um jovem gay ou uma mulher divorciada podem ser classificados como “subversivos”? Mas era assim que o sistema funcionava.

Logo na primeira cena de “O Agente Secreto”, quando vemos o protagonista parar em um posto de gasolina, presenciamos um momento que diz muito sobre o Brasil da época, mas que ecoa até hoje. Existe um cadáver exposto ao sol, mas como é carnaval nenhum policial veio buscar, ou investigar. Quando a viatura finalmente aparece, aproveita para fazer uma vistoria no carro do personagem de Moura. A intenção é achar alguma “irregularidade” e com isso cobrar propina para que eles possam fazer vista grossa.

A corrupção do governo era algo comum, mas como quem denunciasse estava indo contra o sistema autoritário, então não existiam denúncias sobre o tema. Mas ainda existem aqueles que acreditam que esse tipo de coisa não ocorreu durante a ditadura e que os militares eram honestos. Os meios de comunicação não tinham liberdade para fazer muita coisa e as notícias tinham que passar pelo crivo da censura. O máximo que acontecia era usar artifícios para desviar a atenção da opinião pública. Isso é retratado de forma brilhante através da “perna cabeluda”, uma lenda urbana famosa de Pernambuco.

Kleber aproveita essa lenda para fazer referência ao filme “Tubarão”, clássico de Steven Spielberg que foi lançado na época em que a história se passa. Uma das marcas registradas do diretor é incluir menções ao mundo da 7ª arte. Não por acaso temos cenas dentro de uma sala de cinema.

Claro que nada disso funcionaria sem o elenco. Além de um grande diretor e roteirista, Kleber sabe muito bem comandar seus atores. Obviamente o principal destaque é Wagner Moura, que desenvolve o protagonista com riqueza e sutileza. Mas temos excelentes atuações que é até difícil destacar apenas alguns nomes. Sem dúvidas quem rouba a cena são as mulheres. Isso é notável, considerando que estamos diante de uma trama na qual os homens são os protagonistas. Primeiro temos Tânia Maria, que transforma Dona Sebastiana em uma figura totalmente carismática e acolhedora. Já Alice Carvalho, que interpreta a esposa do personagem de Moura, mesmo com pouco tempo de tela deixa sua marca com uma atuação explosiva, em um reflexo de toda a raiva contida diante dos problemas que ela presencia.

Misturando referências pop, críticas sociopolíticas e grandes atuações, Kleber Mendonça Filho constrói “O Agente Secreto” de maneira fascinante. É impressionante como a história toma rumos surpreendentes e como o cineasta aproveita para se aprofundar em temas através do estudo dos personagens. O resultado é um grande filme, que tem como grande trunfo explorar tão bem temas importantes para a história do país. É um filme de época, só que encontra ainda muitos ecos na atualidade. E é isso que o torna essencial e imperdível.

Classificação:

Título Original: O Agente Secreto (Brasil, 2025)

Com: Wagner Moura, Carlos Francisco, Tânia Maria, Robério Diógenes, Alice Carvalho, Gabriel Leone, Maria Fernanda Cândido, Hermila Guedes, Isabel Zuaa e Udo Kier
Direção: Kleber Mendonça Filho
Roteiro: Kleber Mendonça Filho
Duração: 158 minutos

Uma Batalha Após a Outra

2025-12-11T12:13:00.006-03:00

O cineasta Paul Thomas Anderson tem uma filmografia maravilhosa e é interessante notar como seus filmes são bem diferentes uns dos outros, mas ainda assim é possível notar uma coesão artística dentro deles. Sua nova obra cinematográfica é “Uma Batalha Após a Outra”, onde ele mais uma vez adapta um livro de Thomas Pynchon. A outra vez foi em “Vício Inerente”. Na trama o diretor, que também escreveu o roteiro, apresenta uma visão distópica dos EUA através de dois momentos distintos. No entanto, o que seria apenas ficção talvez seja até mais tranquila que a atualidade.

A trama gira em torno de Pat, interpretado por Leonardo DiCaprio, um homem que no passado era um ativista junto com sua namorada Perfidia Beverly Hills (Teyana Taylor) no grupo revolucionário French 75. Nos tempos atuais ele cuida da filha deles, Willa (Chase Infiniti), de maneira superprotetora enquanto ele leva uma vida de excessos de drogas, em um estilo que o transforma num alter-ego do Dude de Jeff Bridges em “O Grande Lebowski“. Em paralelo temos o Coronel Steven J. Lockjaw, Sean Penn, que no passado perseguiu o grupo French 75 e teve um relacionamento amoroso com Perfidia. Ao descobrir que ela teve uma filha, ele suspeita que pode ser dele e decide encontrar a jovem. Assim começa a perseguição.

Através desses personagens, o diretor constrói um filme cheio de camadas, sendo a maior parte delas em relação à política. Por um lado, ele mostra como a luta de um ativista afeta sua vida pessoal, o que fica claro em sua relação entre Pat e Perfidia, e do quanto cada um teve que abrir mão da própria vida por algum motivo. O uso de drogas é uma forma que ele encontrou para “fugir” da realidade, enquanto enfrenta os desafios de ser um pai e de como esse passado da família pode voltar a qualquer momento para atingir a filha. Já Steven é um retrato da figura autoritária, mas que na verdade esconde muitos “defeitos” em relação ao seu próprio conservadorismo, como o fato de sentir atração por mulheres negras. O Coronel agora quer fazer parte um grupo “seleto” da elite americana, mas esse seu passado pode se transformar em um empecilho.

Na construção desses personagens é fascinante notar como PTA faz uma mistura de tons, indo da comédia para o drama, sem em nenhum momento perder a coesão ou a verossimilhança. A figura de Pat desenvolvida por DiCaprio é tragicômica e sua jornada em busca da filha enfrenta momentos de tensão e humor, que o ator apresenta de maneira brilhante. Seu encontro, por exemplo, com Sergio, é curioso pela forma como o professor de caratê de sua filha o ajuda.

Benicio del Toro está muito bem no papel de Sergio e é interessante ver como ele é a representação dos latinos dentro dos EUA, onde uma comunidade se une para lutar contra o autoritarismo. E o fato dele ser um professor de artes marciais torna a figura ainda mais peculiar.

Impossível não falar do Coronel de Sean Pean, que também está brilhante. O ator apresenta alguns maneirismos que funcionam muito bem, sem transformar o personagem numa figura caricata.

No entanto, o grande destaque do filme são as mulheres. Primeiro Teyana Taylor como Perfidia, que mesmo com pouco tempo em tela deixa sua marca como uma mulher forte e decidida no que faz. Já Chase Infiniti tem tempo de desenvolver Willa muito bem. A jovem segue os ensinamentos do pai enquanto cuida dele, mas demora para acreditar que a paranoia dele se transformou em realidade. Nas cenas que ela divide com Pean é impressionante como ela se impõe, sendo os melhores momentos de “Uma Batalha Após a Outra”.

Na parte técnica o filme também apresenta muitas qualidades. Um dos destaques é a trilha sonora de Jonny Greenwood, que se tornou parceiro recorrente de PTA. Seus temas marcam principalmente a tensão das cenas. Um bom exemplo é uma perseguição de carros que ocorre na parte final do filme que é espetacular. A direção de Anderson junto com a trilha, somados ao trabalho excelente da montagem e fotografia, transformam o momento em algo visualmente tenso e maravilhoso.

Em síntese, “Uma Batalha Após a Outra” é mais um grande filme na filmografia de Paul Thomas Anderson.

Classificação:

Título Original: One Battle After Another (EUA, 2025)
Com: Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Benicio del Toro, Regina Hall, Teyana Taylor e Chase Infiniti
Direção: Paul Thomas Anderson
Roteiro: Paul Thomas Anderson
Duração: 162 minutos

Oasis - Live 25

2025-12-02T11:41:00.005-03:00

Oasis é uma de minhas bandas favoritas, mas desde o fim do grupo em 2009 após mais uma briga entre os irmãos Gallagher eu tinha perdido as esperanças de vê-los ao vivo. Só que depois de 16 anos eles finalmente se reuniram novamente para uma turnê mundial. É claro que foi um furor na Internet com essa volta e com isso a venda de ingressos foi uma loucura.

Eis que em 2024 anunciam que a turnê passaria pelo Brasil para 2 shows nos dias 22 e 23 de Novembro em São Paulo. Com mais de 1 ano de antecedência os ingressos foram vendidos e obviamente se esgotaram rapidamente. Felizmente consegui comprar o meu para a Pista B, no segundo dia de show.

Richard Ashcroft

Com a proximidade das datas do show, anunciaram que Richard Ashcroft iria abrir os shows do Oasis na América Latina. Confesso que nunca gostei muito do The Verve e acho a música “Bitter Sweet Symphony” meio chatinha, pois o clipe tocou muito na época do lançamento na Mtv. A carreira solo dele também nunca chamou muito minha atenção. No entanto, o show dele foi legalzinho. Ele estava muito feliz por tocar num estádio lotado, pois a maior parte do público chegou cedo no Morumbi. O repertório foi composto em sua maioria por músicas de sua antiga banda, mais especificamente do disco Urban Hymns de 1997, no qual ‘Bitter’ faz parte. É claro que ela esteve presente e serviu obviamente para encerrar a apresentação.

Setlist Richard Ashcroft

Oasis

Chegou finalmente a hora de ver o Oasis ao vivo. Como fiquei na pista B, fiquei um pouco longe do palco. E tinha muita gente, estava lotado, então eu nem conseguia ver direito a banda em cima do palco. Felizmente os telões eram enormes e tinham uma qualidade de imagem muito boa. Eles faziam uma mistura de imagens da banda com animações de fundo, causando um efeito visual muito bacana. Noel e Liam entram em cena de mãos dadas, em um simbolismo importante para ressaltar o fim da “guerra” entre eles, ao som de “Fuckin' in the Bushes” – do disco Standing on the Shoulder of Giants.

A primeira música também tem um grande simbolismo: “Hello”, pois no refrão eles cantam “It's good to be back” (é bom estar de volta). Pois é, os fãs também se sentiram bem pela banda estar de volta. O repertório do show contou basicamente com músicas dos 3 primeiros discos do Oasis, e mais o disco de lados B, “The Masterplan”. Fora deles apenas "Little by Little" do Heathen Chemistry entrou na seleção. Senti falta de canções de outros discos, mas entendo que eles queriam tocar apenas as “melhores” e sem dúvidas os primeiros álbuns são os mais bem sucedidos.

Na sequência vieram ”Acquiesce”, na qual Liam canta uma parte e Noel a outra que, apesar de ser um B-side, é uma grande canção que foi cantada em alta pela platéia. Fechando a abertura matadora veio "Morning Glory", que talvez seja a minha canção favorita do Oasis. Eu já estava satisfeito com o show e ainda estava na terceira música.

Quem comanda o show é Liam e com seu jeito “birrento” ele canta de maneira “blasé” que os fãs adoram. Em alguns momentos se comunica com a platéia e sem dúvidas uma parte importante é na hora de fazer o “Poznan”. A “dança” consiste basicamente em todo público, inclusive quem está nas arquibancadas, se virar de costas para o palco, se abraçar e pular quando a música começa. A canção escolhida foi “Cigarettes & Alcohol”, do primeiro disco, que é a minha favorita desse álbum. É sem dúvidas uma das melhores partes da apresentação, pois é quando realmente se sente a conexão da banda com a audiência.

Já Noel também tem seus momentos, assim Liam sai do palco e ele assume o vocal principal. Aí ele aproveita para cantar as músicas nas quais ele canta sozinho, como "Talk Tonight" e "Don't Look Back in Anger", essa segunda já no bis e que obviamente é cantada em alto e bom som pelo público.

Falando em som, o volume dele estava um pouco irregular no início da apresentação, mas depois deu uma estabilizada. Não ficou perfeito, mas também não chegou a comprometer.

Em síntese o show reuniu um monte de hits e quase todos cantados em uníssono pela platéia. Já citei alguns grandes momentos, mas é até difícil destacar apenas alguns. O final contou talvez com as duas maiores canções do Oasis: "Wonderwall", que foi a música que me fez começar a gostar da banda, e "Champagne Supernova", ambas do segundo disco “(What’s the Story) Morning Glory?”. Para encerrar com chave de ouro ainda teve uma enorme queima de fogos.

Esse foi o último show da turnê, então o futuro da banda ainda é incerto. Por enquanto não existe nenhum plano: nem de novos shows e nem de novas músicas. Porém o mais provável é que com o sucesso da turnê eles se reúnam novamente para mais alguns shows. Agora é aguardar para ver o que vai acontecer, mas pelo menos agora em 2025 consegui riscar mais duas bandas da minha lista de artistas que sou fã e queria ver ao vivo: Supergrass e agora Oasis. E ambas eram bandas que tinham terminado e voltaram recentemente.

Setlist Oasis

Oasis - Live 25
Dia: 23 de Novembro de 2025
Local: Estádio Morumbi - São Paulo – SP

Supergrass no Brasil 2025 - I Should Coco 30th Anniversary Tour

2025-11-21T15:15:00.003-03:00

Eu achava que nunca teria a oportunidade de ver o Supergrass ao vivo, uma de minhas bandas favoritas. Eles se apresentaram no Brasil em 1996 no Hollywood Rock, que eu assisti pela tv na MTV, e em 2006 num festival chamado Campari Rock Festival, que se realizou no interior de São Paulo e teve uma pioneira transmissão pela Internet na qual consegui assistir. O grupo terminou em 2010 por diferenças criativas e em 2012 vi ao vivo um show solo do vocalista Gaz Coombes em Brasília, no Porão do Rock. Felizmente eles resolveram se reunir novamente em 2019, mas aí veio a pandemia que atrapalhou os planos de uma turnê mundial. Corta para 2025 e finalmente a “I Should Coco 30th Anniversary Tour” começa e teve data em São Paulo para celebrar os 30 anos do primeiro disco do grupo.

O local do show foi o mesmo em que o Garbage se apresentou junto com o L7 em 2025: Terra SP. Um lugar pequeno, então de qualquer posição é possível assistir à apresentação de boas, apesar do empecilho de haver algumas pilastras no meio do espaço. O Supergrass subiu ao palco no horário marcado e começou com “I'd Like to Know”, música que também abre o disco “I Should Coco”. Normalmente eles estavam tocando o álbum completo na ordem e depois outras músicas da carreira. Felizmente para esse show no Brasil decidiram mudar um pouco a ordem. Assim após seguiram com mais duas canções da estreia vieram “Late in the Day” e “Mary” para dar uma “quebrada” no ritmo do show.

No palco temos Gaz Coombes (voz, guitarra e violão), Danny Goffey (bateria), Mick Quinn (baixo) e Rob Coombes (teclado), irmão de Gaz, com muita energia e carisma. O lugar do show é pequeno, então dá pra sentir mais o público de perto, que estava bem animado. A mudança na ordem da música fez com que se gerasse uma expectativa em torno do maior hit da banda: “Alright”, que foi a 10ª do setlist.

Um momento curioso foi durante a canção “Sofa (of My Lethargy)”, na qual Charly, o outro irmão Coombes que mora no Brasil, se juntou à banda. Na sequência tivemos “Time To Go”, que encerra “I Should Coco”, e assim o Supergrass terminou de tocar todas as canções desse álbum. Sem perder a energia tivemos músicas de outros discos e sem dúvidas os melhores momentos foram “Richard III” (talvez a minha favorita da banda) e “Sun Hits the Sky”, ambas do segundo disco “In It for the Money” (sem dúvidas o meu favorito).

O final contou com “Pumping on Your Stereo”, do disco que leva o nome da banda lançado 1999, uma grande música e bem animada, que fechou o repertório de 21 músicas em grande estilo. Foi muito bom ter conseguido ver uma de minhas bandas favoritas ao vivo, mas não custa sonhar e torcer para que essa não tenha sido a única.

Setlist Supergrass:

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Supergrass - I Should Coco 30th Anniversary Tour
Dia: 31 de Agosto de 2025
Local: Terra SP - São Paulo – SP

Bom Menino (Good Boy)

2025-10-30T10:12:00.006-03:00

O filme “Bom Menino”, dirigido por Ben Leonberg, tem uma premissa interessante. Temos uma história de terror apresentada do ponto de vista do cachorro Indy, que enxerga uma ameaça ao redor do seu dono Todd. Só que ele não sabe muito bem como ajudar, afinal de contas é apenas um animal doméstico.

A parte técnica do filme é bem interessante ao captar as emoções do animal, que é o protagonista. Muitas vezes a câmera é apresentada atrás dele, como se estivéssemos quase observando as coisas do seu ponto de vista. E a montagem é eficaz em alternar entre closes do cachorro e o que ele está olhando, dando a sensação das reações dele em torno do que ele enxerga.

Outro detalhe interessante é a decisão de não mostrar o rosto dos humanos, algo similar a vista em algumas animações infantis como Snoopy ou Tom e Jerry. Isso faz com que o protagonista Indy seja mais “humanizado”, afinal de contas o rosto dele é o único que vemos com frequência na tela. A única exceção é o avô de Todd, que é visto apenas através de uma televisão graças a algumas fitas VHS antigas guardadas no local.

Esse artificio das imagens através da tv serve também para exibir alguns trechos de filmes de terror “Lado B”, que são assistidos por Todd. A ideia é homenagear o gênero tanto através da referência visual, assim como pelo longa-metragem em si que tenta emular clima similar aos dessas produções.

O grande problema de “Bom Menino” é o roteiro, que é incapaz de criar uma história minimamente interessante. O argumento escrito pelo próprio diretor Ben Leonberg junto Alex Cannon evoca um clima de mistério em torno da situação de Todd. Aparentemente o jovem tem um problema de saúde e resolve se isolar na casa do avô falecido. A única comunicação dele é com a irmã, que é contra esse isolamento, pois tem medo de que o rapaz tenha uma recaída e não tenha ninguém para ajudar.

Conforme dito no início do texto, a história é apresentada do ponto de vista de Indy. Então quando coisas estranhas ocorrem com Todd e ao seu redor, a sensação do espectador é a mesma do animal: não saber o que está acontecendo. O roteiro investe nesse mistério, utilizando uma dubiedade que não funciona. Aquilo realmente está acontecendo ou é um “delírio” do animal? A obra de Ben Leonberg não se decide se está em busca de alguma metáfora em torno da relação entre o cachorro e seu tutor ou se quer apenas apresentar uma trama de terror básica.

Essa indecisão se reflete no roteiro, tornando “Bom Menino” um filme extremamente irregular. Mesmo com algumas boas ideias e uma parte técnica interessante, a obra de Ben Leonberg não se sustenta. E nem mesmo o carisma de Indy é capaz de salvar o resutado.

Classificação:

Título Original: Good Boy (EUA, 2025)

Com: Indy, Todd Jensen, Arielle Friedman e Larry Fessenden
Direção: Ben Leonberg
Roteiro: Alex Cannon e Ben Leonberg
Duração: 73 minutos

Garbage e L7

2025-06-24T17:24:00.005-03:00

Garbage é uma de minhas bandas favoritas e tive a sorte de conseguir vê-los ao vivo pela 3ª vez. A primeira foi em 2012 no Festival Planeta Terra e a segunda foi em 2016 em uma turnê solo. Dessa vez eles retornam ao Brasil trazendo a banda L7 para abrir os shows da turnê pelo país, passando por Curitiba e Rio de Janeiro. No show em São Paulo tivemos também o grupo The Mönic, mas infelizmente não cheguei a tempo de vê-las ao vivo.

O show ocorreu no Terra SP, espaço que normalmente não costuma ter eventos de rock. É uma casa pequena, mas tinha uma boa acústica. Mesmo ficando longe do palco, era possível ver o show perfeitamente. E o local estava lotado, felizmente.

Eu nunca imaginei que iria ver o L7 ao vivo. Não sou muito fã da banda, mas sem dúvidas é um dos grupos mais importantes dos anos 1990 pelo pioneirismo em ser um conjunto formado apenas por mulheres. O disco “Bricks Are Heavy” é um clássico e foi o responsável pela maioria das músicas do repertório da apresentação, mas no show tivemos canções de toda a carreira delas. Elas são bastante carismáticas, principalmente a baixista Jennifer Finch que foi quem se comunicou mais com o público. Não foi uma plateia fácil, afinal de contas a maioria estava ali para ver o Garbage. Contudo, em dois momentos era visível a agitação, que foi na performance dos maiores hits da banda. Primeiro foi “Pretend We're Dead”, que curiosamente contou com a participação de Lovefoxxx (vocalista do CSS) e “Shitlist”, que encerrou a apresentação em grande estilo.

Setlist L7

Não demorou muito para começar a tocar o tema de Laura Palmer, da série Twin Peaks (clássico criado por David Lynch e Mark Frost, sendo que o tema foi composto por Angelo Badalamenti). O Garbage subiu ao palco com a formação “clássica” com o produtor e baterista Butch Vig (que nem sempre participa das performances ao vivo), contando com uma novidade: a baixista Nicole Fiorentino (que tocou no Smashing Pumpkins). Shirley Manson, a líder e vocalista da banda, estava com um figurino bem chamativo e esbanjou simpatia, como sempre. E o show já começou com um hit do primeiro disco: “Queer”.

O repertório do show contou com 18 músicas, pois com a abertura do L7 o Garbage fez um show um pouco mais curto. Ainda assim, a escolha das canções foi muito boa a abrangeu quase todos os discos do grupo. Foi bom ver ao vivo músicas do disco mais recente deles chamado “No Gods No Masters”, com destaque para “The Men Who Rule the World” (que inclusive foi dedicada ao L7). A cenografia do palco era simples, mas usou bem as luzes para ressaltar as emoções de algumas composições. O telão no fundo do palco foi utilizado poucas vezes. Bom ver que eles se preocupam mais com a música do que imagem, mas foi um equilíbrio satisfatório.

Difícil destacar apenas algumas canções, mas talvez as minhas favoritas tenham sido "Empty", "Special", "I Think I'm Paranoid", "Cherry Lips (Go Baby Go!)", "Push It" e o final maravilhoso com "When I Grow Up", que sem dúvidas deixou uma sensação de “quero mais”. Final feliz em ter visto o Garbage ao vivo mais uma vez, mas espero que essa não tenha sido a última.

Setlist Garbage

Garbage e L7

Dia: 22 de Março de 2025
Local: Terra SP - São Paulo - SP

Duna: Parte 2

2025-04-19T17:43:00.002-03:00

Em “Duna” de 2021 o diretor Denis Villeneuve nos apresenta sua visão do universo criado pelo escritor Frank Herbert. Com calma nos introduz aos personagens e a dinâmica entre eles. Por não ter um desfecho, fica uma sensação de que falta algo. Felizmente em “Duna: Parte 2” finalmente entendemos a verdadeira história do filme e Villeneuve nos mostra suas verdadeiras ambições.

Acompanhamos a jornada de Paul Atreides (Timothée Chalamet) em sua aceitação de que é o escolhido para liderar o povo em busca da salvação. O roteiro do próprio Villeneuve junto com Jon Spaihts explora o desenvolvimento do personagem e todas as nuances envolvidas. Mas será que ele é o mesmo o messias? Nesse ponto Chani, interpretada por Zendaya, faz o papel daquela que questiona a fé cega do seu povo em busca de um salvador.

Dessa forma, Villeneuve mostra como a obra de Herbert segue atual e faz paralelos com os dias atuais onde a extrema direita avança utilizando pessoas como se fossem escolhidos dividos que resolverão todos os problemas da população.

“Duna: Parte 2” conta com um elenco excelente e é difícil destacar apenas alguns dos atores. É claro que o principal destaque é o protagonista vivido por Timothée Chalamet. Ele mostra uma grande maturidade e com certeza é um dos melhores atores da atualidade, escolhendo papéis diversos mostra toda a sua versatilidade. A figura de Paul Atreides ganha força no desenrolar da narrativa e assusta o quanto ele se torna confiante, sendo complicado não acreditar que ele é realmente o Messias. O seu carisma ganha não só o povo Fremen, quanto os espectadores.

Outro ponto importante de se destacar na obra de Denis Villeneuve é o seu primor técnico. Todos os elementos impressionam, a começar pelos efeitos visuais, que contribuem para apresentar um universo verossímil. A fotografia capta bem o visual do deserto, destacando sua beleza natural, contrastando com os ambientes fechados do povo Fremen, com pouca luz e opressor. E a forma como Villeneuve filma as cenas de ação é muito boa, sem exageros e mantendo o espectador inserido dentro do que ocorre dentro da tela.

Mesmo com 166 minutos de duração, em nenhum momento “Duna: Parte 2” perde o ritmo e constrói a narrativa de maneira eficiente. Além disso, o roteiro alterna bem entre drama e ação, sem deixar de dar importância para ambos. Finalmente entendemos as reais intenções de Denis Villeneuve, que nos entrega um grande filme.

Classificação:

Título Original: Dune: Part Two (EUA, 2024)
Com: Timothée Chalamet, Zendaya, Rebecca Ferguson, Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Dave Bautista, Christopher Walken, Léa Seydoux, Stellan Skarsgård, Charlotte Rampling e Javier Bardem
Direção: Denis Villeneuve
Roteiro: Denis Villeneuve e Jon Spaihts
Duração: 166 minutos

Melhores Filmes 2024

2025-01-09T22:49:00.003-03:00

Mais um novo ano chegou, então chegou a hora de fazer o levantamento dos melhores filmes do ano anterior. Assim está no ar a lista de Melhores Filmes 2024 do Turminha do Ramon, uma das tradições do blog que tenho mantido ativa a cada novo ano que passa. Dessa vez não consegui escrever texto sobre cada um dos 10 melhores, mas tem texto sobre quase todos (só não escrevi sobre o 7º lugar).

Em 2024 dei nota 5 para 14 filmes, então além do top 10 tem uma lista de 4 menções honrosas que quase entraram na lista. E esse ano a lista de melhores filmes teve uma forte presença feminina, seja em obras protagonizadas como dirigidas por mulheres. Tem muita coisa de 2023, mas que só chegou no Brasil em e 2024 (especialmente filmes do Oscar).

Menções honrosas:

Furiosa: Uma Saga Mad Max
Duna: Parte 2
Um Tira da Pesada 4: Axel Foley
Orion e o Escuro

Sem mais “enrolações”, confiram minha lista dos 10 melhores filmes de 2024:

7) Guerra Civil

2) Anatomia de uma Queda

1) Pobres Criaturas

Smashing Pumpkins em Brasília - The World Is a Vampire Tour

2025-01-05T10:08:00.001-03:00

Tive a sorte mais uma vez de ver minha banda favorita ao vivo na cidade em que eu moro. O Smashing Pumpkins volta à cidade após 9 anos na turnê “The World Is a Vampire”. A grande diferença é na formação da banda. O grupo liderado por Billy Corgan tem a volta dos integrantes originais James Iha (guitarra) e Jimmy Chamberlin (bateria). Tivemos a saída de Jeff Schroeder, que tocou guitarra entre 2007 e 2023. Em seu lugar temos Kiki Wong, fazendo que o grupo agora conte com 3 guitarristas. Completa a banda o baixista Jack Bates. Infelizmente a backing vocal Katie Cole não veio para a turnê, pois por ser uma turnê menor pela América Latina o grupo decidiu viajar com uma equipe menor.

Por algum motivo esdrúxulo escolheram a banda Raimundos para abrir o show, talvez por serem de Brasília. Confesso que não tenho paciência para essa apresentação, pois Digão como vocalista, na minha opinião, é terrível. Então optei por não ver nada da apresentação deles.

Eis que na hora marcada, às 22 horas, o Smashing Pumpkins sobe ao palco do ginásio Nilson Nelson. E o local estava lotado, por volta de 6 mil pessoas estavam presentes. Foi bom ver a casa cheia, pois o show de 2015 teve um público bem pequeno. O show começou com "The Everlasting Gaze", uma ótima escolha por ser uma música bastante agitada. A presença de Iha e Chamberlin no grupo faz uma enorme diferença e é interessante observar a alegria deles junto com Corgan. Não era comum vê-los sorrindo durante uma apresentação ao vivo. E eles ficaram impressionados com a resposta do público, que estava muito ativo. Kiki Wong também tem seu espaço e seu estilo “metaleira” combina com a banda. A moça tem uma pegada muito boa na guitarra.

O repertório contou com músicas de praticamente todas as fases da banda, equilibrando bem os clássicos com canções mais novas. Do disco novo lançado em 2024 chamado “Aghori Mhori Mei” tivemos apenas “Sighommi”, uma música rápida e pesada que dita bem a sonoridade desse novo trabalho mais na pegada de rock de guitarras distorcidas, trazendo esse elemento de volta com mais predominância para o Smashing Pumpkins. O anterior, a ópera rock chamada ATUM, contou com 3 músicas, e algumas delas foram “prejudicadas” pela falta do backing vocal de Katie Cole, mas não chegou a comprometer o resultado.

Não entendi a escolha do cover de “Zoo Station” do U2, mas a versão dos Pumpkins ficou interessante. Esse momento contou com um solo de bateria de Jimmy Chamberlin que, apesar de eu não ser muito fã disso, foi especificamente muito bom, onde o músico pôde mostrar todo o seu talento. O cara é foda!

Outro momento de destaque foi quando eles tocaram “Ava Adore” e Billy Corgan ficou apenas nos vocais, aproveitando a liberdade sem guitarra para se movimentar um pouco mais pelo palco. É bem curioso ver ele bem à vontade no palco e extremamente feliz com a receptividade da plateia, cantando junto esse clássico da banda.

No mais a banda alternou entre momentos mais “lights” em canções como “Tonight, Tonight”, “1979” e “Disarm”, com outros mais pesados como “Cherub Rock” e “Zero”, que inclusive foram as duas últimas canções da apresentação. Foi difícil conter a emoção em “Mayonaise” e “Jellybelly”, sendo que nessa segunda eu pulei feliz da vida junto com outros fãs da canção. Uma surpresa foi “Perfect”, que não vinha sendo tocada ao vivo pela banda.

Bom, é difícil passar toda a emoção que senti ao ver mais uma vez ao vivo a minha banda favorita. Mas tentei passar aqui nesse texto alguns dos destaques da apresentação. Sem dúvidas é um show para ficar guardado na memória para o resto da vida. Espero conseguir ver o Smashing Pumpkins ao vivo ainda mais algumas vezes. Pela recepção que eles tiveram na América Latina nessa turnê, acredito que eles possam querer sim voltar a fazer shows por aqui.

Smashing Pumpkins

Dia: 01 de Novembro de 2024

Local: Ginásio Nilson Nelson - Brasília - DF

Repertório:

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Pisque Duas Vezes

2024-08-22T10:46:00.003-03:00

“Pisque Duas Vezes” marca a estreia na direção da atriz Zoë Kravitz e no longa-metragem ela faz uma mistura entre “Glass Onion: Um Mistério Knives Out” e “Corra!”. Da obra de Rian Johnson ela pega a sátira ao mundo dos bilionários, enquanto do trabalho de Jordan Peele a inspiração é a crítica social. No entanto, Zoë mostra o ponto de vista feminino e apresenta um filme forte e impactante.

A protagonista da história é Frida (Naomi Ackie), uma jovem garçonete que tem interesse no bilionário Slater King (Channing Tatum). Ela trabalha em um evento no qual ele é o organizador e tem a oportunidade de encontrá-lo. Surge uma química entre os dois e o homem a convida para ir para sua ilha. A moça leva com ela a amiga Jess (Alia Shawkat). O local é totalmente paradisíaco e isolado. Junto com eles está um grupo de pessoas e a diversão é o que rege o ambiente.

Não demora para que surja um clima estranho no lugar, do ponto de vista da protagonista. A direção de Zoë Kravitz é inteligente na construção desse sentimento. Primeiro a montagem de Kathryn J. Schubert mostra uma rotina na ilha, onde as pessoas acordam, tomam sol na beira da piscina, bebem e à noite festejam sob efeito de um alucinógeno. Depois vemos essa rotina em outra ordem e a repetição passa a sensação da perda da noção de tempo. Tanto o espectador quanto a protagonista não fazem ideia de quantos dias se passaram. O desenho de som e a trilha sonora colaboram na criação desse tom de estranheza, especialmente quando algum sinal sonoro avisa de alguma mudança de cena.

A dinâmica entre Frida e Slater também é curiosa, pois existe um clima de paquera e sedução entre eles, mas que nunca se concretiza. Será que ele é apenas um homem respeitoso, que espera pelo melhor momento, ou realmente quer apenas ser um amigo?

A partir disso surgem muitos temas e revelar alguns deles podem estragar as surpresas da narrativa de “Pisque Duas Vezes”. Aqui aparece uma linha tênue e em se analisar o filme, pois apenas citar pode revelar elementos fundamentais do inesperado em relação à história. Sem dúvidas o principal se refere ao ponto de vista e a condição das mulheres dentro da sociedade. E nisso Zoë Kravitz acerta em cheio ao apresentar uma crítica social muito forte e impactante.

Além disso, é importante a figura do bilionário interpretado por Channing Tatum. O homem é dono de uma empresa de tecnologia que fez algo de errado, então faz um pedido de desculpas público e se afasta do comando da companhia. Decide então comprar uma ilha, onde pode viver em isolamento. Nas conversas com Frida ele diz que faz terapia, então o tema da saúde mental entra na trama de “Pisque Duas Vezes”. A forma como lidamos com traumas e o sentimento de culpa é uma pauta importante para entendermos melhor a intenção de Zoë Kravitz com seu filme.

Tudo isso funciona não só por causa da direção Zoë Kravitz, e sim também por causa do elenco de qualidade. Naomi Ackie é extremamente talentosa e desenvolve Frida de maneira brilhante, onde a personagem tem espaço para crescer e se desenvolver. Já Tatum mostra versatilidade ao criar uma figura ambígua, onde nunca sabemos suas reais intenções. Os coadjuvantes da mesma forma são muito bons, com destaque para Adria Arjona, que tem alguns dos melhores momentos do filme.

Em síntese, “Pisque Duas Vezes” é um filme que mistura bem o entretenimento e o impacto de uma crítica social. A diretora Zoë Kravitz acerta em sua estreia e mostra muito talento como cineasta. O roteiro escrito por ela e E.T. Feigenbaum desenvolve bem o mistério e a estranheza da narrativa, deixando o espectador na expectativa do que vai acontecer. E o resultado é surpreendente e impactante.

Classificação:

Título Original: Blink Twice (México, EUA, 2024)

Com: Naomi Ackie, Channing Tatum, Christian Slater, Simon Rex, Adria Arjona, Kyle MacLachlan, Haley Joel Osment, Geena Davis e Alia Shawkat

Direção: Zoë Kravitz

Roteiro: Zoë Kravitz e E.T. Feigenbaum

Duração: 102 minutos

Queens of the Stone Age no Canadá

2024-05-13T18:08:00.017-03:00

Eu tive a sorte de assistir um show do Queens of the Stone Age durante minhas férias enquanto estava no Canadá, mais precisamente em Montreal. Na verdade, a apresentação foi em uma cidade da “região metropolitana” chamada Laval, mas tinha metrô até o local chamado Place Bell, que é um ginásio do time de hóquei local. A turnê se chama “The End is Nero” e contempla o novo disco da banda chamado “In Times New Roman…”, lançado em 2023.

Observando o repertório dos shows anteriores da turnê deu para perceber que o setlist alternava bastante as canções, então eu teria que ter sorte para que eles tocassem as minhas favoritas. Felizmente fui sortudo, pois o show já começou com duas músicas que eu curto bastante: "No One Knows" e "The Lost Art of Keeping a Secret", sendo que essa segunda talvez seja a minha favorita da banda. Ou seja, para mim o ingresso já estava “pago”.

Um elemento que chamou a atenção no show foi a cenografia. O palco tinha tipo um triângulo na parte de cima que lembrava uma pirâmide. E as luzes alteravam momentos mais intimistas, com a cor vermelha, com outros mais intensos, onde elas piscavam no mesmo ritmo da canção que estava em execução. Esse recurso visual contribuiu bastante para o clima do show.

Inicialmente o vocalista, guitarrista e líder da banda Josh Homme não interagiu muito com o público, mas ele foi se soltando aos poucos. Lá pela metade da apresentação ele já estava fazendo enquete com a plateia para saber qual a próxima música que seria executada. Graças a isso o repertório incluiu músicas que normalmente não seriam tocadas e deixaram o show ainda melhor, como "The Sky Is Fallin'", "You Think I Ain't Worth a Dollar, but I Feel Like a Millionaire" e "Better Living Through Chemistry".

Ainda assim, o repertório incluiu músicas de praticamente todos os discos da banda, sendo que apenas o primeiro ficou de fora. As novas canções funcionam muito bem ao vivo, mas sem dúvidas as que fazem parte do "Rated R" e "Songs for the Deaf" são os grandes momentos da apresentação. Não por acaso, três canções do terceiro disco são responsáveis pelo encerramento “apoteótico” do show. O êxtase após "God Is in the Radio", "Go With the Flow" e "A Song for the Dead" foi maravilhoso.

Queens of the Stone Age - The End is Nero
Dia: 13 de Abril de 2024
Local: Place Bell - Laval, Quebec, Canadá

Repertório:

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Placebo em São Paulo

2024-05-12T17:57:00.001-03:00

Fotos tiradas do site da Mercury Concerts

Placebo é uma de minhas bandas favoritas e a única vez que tinha visto a banda ao vivo foi bem especial. A apresentação foi em 2005 e foi na minha cidade natal: Salvador, daí o motivo de ter sido tão marcante, pois a capital da Bahia não costuma ter tantos shows de atrações internacionais de rock. Eis que 19 anos depois finalmente consegui vê-los ao vivo novamente, dessa vez em São Paulo.

O lugar do show foi o Espaço Unimed, uma casa de shows fechada com capacidade para 8 mil pessoas. O local estava cheio, mas não lotado. Essa foi a única apresentação do Placebo no Brasil dessa turnê, que divulga o último disco deles chamado “Never Let Me Go” de 2022. Em 2023 eles lançaram um álbum e DVD/blu-ray ao vivo na Europa e o repertório foi bem parecido com o da performance na capital paulista.

Antes do show começar os telões mostravam um aviso no qual a banda pedia para que o público não usasse o celular durante a apresentação. A ideia era que a plateia se conectasse melhor com o momento e não atrapalhasse a visão das outras pessoas. Realmente isso é um problema aqui no Brasil e o pedido fez efeito, pois vi poucas telas acesas durante o show. E dessa forma foi bem melhor assistir a performance sem distrações.

Outra particularidade do Placebo é que eles decidiram focar o repertório no disco mais recente. São poucas bandas que fazem isso em seus shows, pois preferem focar em hits e músicas mais conhecidas. O setlist fez um bom equilíbrio entre as canções mais novas e outras mais antigas. Sem dúvidas fez falta não terem tocado nenhuma do “Without You I´m Nothing” de 1998, que tem clássicos como “Every You Every Me””. No entanto, o show foi bom o suficiente para que essa falta não fosse tão sentida.

No palco a dupla Brian Molko e Stefan Olsdal conta com uma banda muito boa de apoio e a cenografia com luzes roxas e de tons azuis remetem um pouco à capa do disco “Never Let Me Go”. As cores dão um tom meio intimista e um pouco melancólico, que combina muito bem com as músicas do Placebo. As cinco primeiras canções foram desse álbum e mostram que funcionam bem ao vivo. Além disso, a resposta do público foi muito positiva, principalmente na execução de "Beautiful James", sem dúvidas uma das melhores desse trabalho mais recente.

Apenas Brian interagiu um pouco com o público. Antes de tocar a música "Happy Birthday in the Sky" ressaltou ser uma canção triste, mas que seria uma celebração porque era aniversário de Bill Lloyd, um dos integrantes da banda de apoio. Apesar disso, era visível a empolgação de Molko e Olsdal em cima do palco, em como eles se entregam completamente durante o show.

Entre os destaques do repertório colocaria músicas como "The Bitter End" e "Infra-red", que fecharam o show antes da volta para o bis. O encerramento com o cover de "Running Up That Hill (A Deal With God)" de Kate Bush, que agora está novamente na moda graças à Stranger Things, foi muito bonito. O Placebo tinha gravado essa canção num álbum de covers que vinha de bônus no disco “Sleeping with Ghosts” de 2003 e foi nessa época que conheci a cantora e a música.

Mesmo deixando alguns hits de fora, o Placebo mostrou toda a sua força ao vivo e que é possível fazer um grande show tocando músicas novas, mostrando que ainda é relevante. Não por acaso foi possível ver um público mais jovem, mostrando que houve uma renovação entre os fãs e isso é importante para que a banda continue viva.

Placebo

Dia: 17 de Março de 2024
Local: Espaço Unimed - São Paulo – SP

Repertório:

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Festival Primavera Sound 2023

2024-05-11T17:54:00.005-03:00

O Festival Primavera Sound chegou a sua 2ª edição no Brasil em 2023 e realizou-se pela primeira vez no Autódromo de Interlagos. O local se tornou o espaço para grandes eventos na cidade de São Paulo, sendo que sediou também o Lollapalooza e o The Town. A prefeitura e o governo do estado investiram para que o lugar tenha uma infraestrutura fixa com banheiros, que melhorou bastante as condições. É um lugar afastado do centro, mas pelo menos tem transporte público disponível para chegar até lá. E o trem/metrô ficou aberto até mais tarde, facilitando a volta do show. 

Após o ocorrido com a morte da fã de Taylor Swift o festival tomou a atitude de distribuir água durante o evento. Isso foi fundamental, pois o sol e o calor estavam bem fortes. Era possível encontrar diversos pontos espalhados pelo Autódromo com distribuição de água. O Primavera Sound acertou também no tamanho de um grande festival com um público médio de 50 mil pessoas por dia. Essa quantidade fez com que em nenhum momento rolasse nenhuma “muvuca” e era possível circular pelo local sem dificuldade. Os palcos principais eram próximos, então não era necessário grandes deslocamentos entre eles. Inclusive dava para sentar em determinados locais com vista para ambos os palcos. Faltou apenas mais locais com sombras, inclusive nos palcos. Os shows que rolaram durante a tarde eram complicados de se aguentar por causa do sol escaldante.

1º dia 

Metric

Eu conheci essa banda por causa do filme de Scott Pilgrim, mas não acompanho com tanta proximidade a carreira deles, apesar de ouvir os discos e achar interessante. O show rolou com um sol forte, mas um bom público estava presente. A vocalista foi simpática e carismática, já a banda se mostrava feliz com o show, pois eles entraram em cima da hora na programação do festival. Eles se apresentaram em show solo num lugar pequeno dentro de um esquema promovido pelo próprio Primavera Sound. Então ter a oportunidade de tocar para uma plateia maior foi uma boa surpresa para eles. O destaque principal para mim obviamente foi a música “Black Sheep”, da trilha sonora de SP. 

Repertório 

The Hives

O show do The Hives sempre é extremamente divertido e o vocalista Pelle Almqvist é um excelente showman, que faz questão de interagir o tempo todo com a plateia com um incrível carisma. A banda entrou no palco vestindo ternos, mas não demorou para alguns tirarem partes do figurino por causa do calor. Eles lançaram um disco novo em 2023 chamado "The Death of Randy Fitzsimmons", mas foram as canções dos trabalhos anteriores que mais se destacaram como "Main Offender", "Hate to Say I Told You So" e "Tick Tick Boom". Impossível não se contagiar com a energia dos suecos, grande show. 

Repertório 

CSS

Na época que o Cansei de Ser Sexy surgiu eu tinha um pouco de birra, mas a partir do segundo disco comecei a achar mais interessante, contudo nunca tinha visto a banda ao vivo. Há um bom tempo que o grupo não lança material novo e tem feito poucos shows, sendo que o último tinha sido um ano antes em um outro festival. Assim, foi bom finalmente ter a oportunidade de conferir a apresentação ao vivo. O show é bem divertido e a vocalista Lovefoxxx mostrou bastante carisma e carinho com a plateia. Destaques para "Let's Make Love and Listen to Death from Above" e "Alala". Curiosamente no final do show começou a tocar o “tema da vitória”, que ficou conhecido pelas vitórias de Ayrton Senna, afinal de contas estamos no Autódromo de Interlagos, logo foi uma boa “piada”. 

Repertório 

Marisa Monte

Confesso que não sou muito fã de Marisa Monte, mas sem dúvidas ela é uma das cantoras mais importantes do Brasil. Ela estava rodando o país com a turnê do seu disco “Portas” de 2022. Foi bom vê-la escalada como uma das atrações principais do festival tocando já no início da noite. Um grande público foi conferir a apresentação, mas eu acompanhei um pouco de longe. O figurino de Marisa chamava a atenção, contudo é nas canções que ela mostra seu talento com um repertório cheio de hits. O final contou com uma grande surpresa: a participação de Roberto de Carvalho. Juntos eles fizeram uma bela homenagem à Rita Lee. 

Repertório 

Pet Shop Boys

Essa foi a segunda vez que eu vi o Pet Shop Boys ao vivo, a primeira foi em um show solo em Brasília em 2017. Foi interessante vê-los em um festival para um público maior, pois a performance deles envolve a parte visual com a cenografia do palco, além é claro de grandes hits. A dupla Neil Tennant (vocal) e Chris Lowe (teclado, backing vocal) mostra muito carisma e o vocalista interage bastante com a plateia. Após algumas canções vemos que na verdade eles tem uma banda de apoio, que surge após estarem “escondidos” no palco. O repertório contou com grandes sucessos da banda como "Domino Dancing", "Go West", "It's a Sin" e "Being Boring", que sem dúvidas foram os principais destaques do show. 

Repertório 

The Killers

O The Killers foi a atração mais “polêmica” do festival, pois era esperado que o Blur viesse ao Brasil após estarem no line-up da versão argentina do festival. Sou fã da banda, mas já os vi ao vivo algumas vezes, então não estava com muita expectativa em relação ao show. A apresentação começou com uma música que normalmente encerra os shows: “Mr. Brightside”. Talvez tenha sido uma tática para fazer o público se empolgar logo no início para não ir embora. Essa foi a única surpresa de mais uma performance competente do grupo. Não aguentei ver até o final, mas o que vi foi bom como sempre. 

Repertório 

2º dia 

Beck

Essa era uma das atrações que tinha mais interesse em ver, apesar de já ter visto o show de Beck uma vez, curiosamente junto com o Blur no Festival Planeta Terra em 2013. O repertório contou com clássicos de toda a carreira do cantor, que esbanjou simpatia, se mostrando bastante à vontade no palco e contando com uma ótima banda de apoio. Entre os destaques hinos dos anos 90 como “Devils Haircut” e “Loser”, assim como canções mais recentes como "Dreams". 

Repertório 

The Cure

Sem dúvidas a atração mais aguardada do festival, o The Cure fez um show para fãs onde transitou por toda a longa carreira do grupo. Uma apresentação com 29 músicas e mais de 2 horas e meia de performance. O vocalista e guitarrista Robert Smith continua com a voz perfeita e apesar de não interagir muito com a plateia, estava totalmente entregue ao show executando as canções com entusiasmo e prazer. Não faltaram clássicos, mas com certeza os mais conhecidos ficaram para o final e causaram êxtase na plateia em canções como "Friday I'm in Love" e "Boys Don't Cry". 

Repertório 

Festival Primavera Sound 2023

Show com as bandas: Metric, The Hives, CSS, Marisa Monte, Pet Shop Boys, The Killers, Beck, The Cure e outros
Dias: 02 e 02 de Dezembro de 2023
Local: Autódromo de Interlagos- São Paulo – SP

Pobres Criaturas

2024-03-08T09:26:00.008-03:00

O diretor Yorgos Lanthimos apresenta uma fábula fascinante em “Pobres Criaturas”, onde a protagonista Bella Baxter (interpretada por Emma Stone) aprende sobre empoderamento feminino, enquanto lida com diversos homens que a cercam e que de alguma forma tentam controlá-la.

Bella é uma mulher que nasce através de uma experiência conduzida pelo Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe). Logo no início vemos a personagem pulando de uma ponte, mas não sabemos nada sobre o seu passado. O doutor Baxter a resgata e a traz de volta a vida, agora com um novo cérebro. Mais detalhes sobre o procedimento são apresentados durante a narrativa, mas quanto menos o espectador souber é melhor para apreciar a descoberta das surpresas da história.

A forma como Emma Stone desenvolve Bella é impressionante. No início vemos ela como se fosse uma criança no corpo de mulher, enquanto aprende a se comunicar e a andar. A forma como a atriz constrói essa evolução da protagonista é maravilhosa. O trabalho corporal é incrível e é interessante acompanhar essa evolução.

O primeiro homem que a controla é o doutor Baxter, que ela carinhosamente chama de God (deus). Depois surge Max (Ramy Youssef), aluno de Godwin, que o ajuda a observar sua “experiência”. Ele se interessa romanticamente por Bella, decide ficar noivo dela, e claro que resolve tentar controlá-la.

Por último temos o bom-vivant Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), que leva Bella para uma viagem pelo mundo. Assim começa de verdade a jornada da protagonista em busca de conhecimento e na construção da sua personalidade e caráter. Não por acaso a partir desse ponto o filme ganha cores, deixando de ser preto-e-branco, mostrando visualmente a grande mudança na vida da personagem. O interesse de Duncan inicialmente por Bella é puramente sexual e é curioso ver o descobrimento do sexo por parte dela.

Através da jornada de Bella o roteiro de Tony McNamara, adaptando o livro de Alasdair Gray, explora diversos temas do universo feminino. A escolha de situar a trama em um ambiente retrofuturista é interessante, pois deixa a narrativa atemporal. A fotografia de Robbie Ryan explora bem os belos cenários e usa bastante lentes grandes angulares e o “olho de peixe” para criar um tom de estranheza no espectador. Esses elementos são marcas da filmografia de Yorgos Lanthimos.

Outro elemento importante é a fantástica trilha sonora de Jerskin Fendrix, que através de sons dissonantes de piano e principalmente de violino, ajudam na construção do tom da narrativa. Os temas acompanham bem a evolução na jornada da protagonista.

O figurino de Holly Waddington contribui também na construção da personalidade da protagonista. Eles possuem um estranhamento, que é refletido em todos os outros elementos de “Pobres Criaturas”, mas ao mesmo tempo tem uma beleza peculiar.

Dessa forma, “Pobres Criaturas” se transforma em um grande filme, que faz um fantástico estudo de personagem. O tom fabulesco proporciona boas risadas, em um filme que diverte e nos faz refletir sobre a forma como a mulher é vista na sociedade e como lida com o machismo estrutural e o patriarcado.

Classificação:

Título Original: Poor Things (Reino Unido, Irlanda, EUA, 2023)
Com: Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef, Christopher Abbott e Jerrod Carmichael
Direção: Yorgos Lanthimos
Roteiro: Tony McNamara
Duração: 142 minutos

Zona de Interesse

2024-03-07T19:18:00.006-03:00

O diretor Jonathan Glazer não é um cineasta em busca de filmes tradicionais. Suas obras procuram causar sentimentos no espectador, principalmente de estranheza e incômodo. Em “Zona de Interesse” o cineasta aborda um tema complexo: o Nazismo. Apesar de já termos visto diversos longas-metragens que exploram os horrores da Segunda Guerra Mundial, a visão de Glazer é interessante e diferente.

No filme ele mostra o cotidiano da família de Rudolf Höss, comandante responsável pelo campo de concentração de Auschwitz. E qual o objetivo disso? Nos mostrar como é possível que existissem pessoas que mesmo sabendo dos horrores que ocorrem ao lado, seguem suas vidas como se nada estivesse acontecendo.

Um elemento importante dentro da narrativa é o som, que cria uma sensação de incômodo durante todo o filme. O desenho de som é brilhante na construção do ambiente da residência da família Höss. O tempo todo ouvimos algo no fundo, seja barulho de tiros ou então gritos. Temos também sons de uma moto, que eram usados justamente para amenizar esses barulhos. Como é possível ignorar isso por tanto tempo? Essa é uma das reflexões que “Zona de Interesse” nos faz experimentar.

Visualmente temos outros elementos que remetem o tempo todo aos campos de concentração. Sempre vemos uma fumaça no fundo, que era dos corpos dos judeus sendo queimados. As cinzas estão presentes constantemente, seja nas botas de Rudolf, ou sendo utilizadas como adubo para o jardim da residência da família Höss. O diretor Jonathan Glazer apresenta uma incrível riqueza de detalhes e simbolismos, sejam esses visuais, como outros dentro da narrativa, que transformam “Zona de Interesse” em uma obra fascinante.

É um filme que infelizmente ainda hoje é extremamente atual. É uma daquelas obras que é muito impactante, mas que só sentimos isso aos poucos após terminar de assistir. É como se lentamente a ficha fosse caindo sobre o que tivéssemos acabado de testemunhar. Difícil ficar indiferente após “Zona de Interesse”.

Obs: recomendo a leitura do texto de Elaine Fonseca na POCILGA

Classificação:

Título Original: (The Zone of Interest (Reino Unido, Polônia, EAU, 2023)
Com: Christian Friedel e Sandra Hüller
Direção: Jonathan Glazer
Roteiro: Jonathan Glazer
Duração: 105 minutos

Melhores Filmes 2023

2024-01-26T21:07:00.004-03:00

Para variar eu demorei, mas está no ar a minha lista de Melhores Filmes de 2023. Mais uma vez consegui escrever sobre todos os filmes que estão no top 10. E todos os longa-metragens da lista assisti no cinema.

Lá na POCILGA saiu também uma lista de melhores feita pelos porcolunistas do site que eu faço parte (e tenho dado mais prioridade). Tem também o podcast Varacast no qual junto com outros dois amigos comentei sobre os melhores filmes de 2023: Baconzitos de Ouro 2023, ouçam!

Em 2023 eu dei nota 5 para 16 filmes novamente, a lista completa pode ser acessada no Letterboxd. Sem mais “enrolações”, confiram minha lista dos 10 melhores filmes de 2023:

10) Tár

9) Propriedade

8) Godzilla Minus One

7) As Tartarugas Ninja: Caos Mutante

6) Retratos Fantasmas

5) Oppenheimer

4) Barbie

3) John Wick 4: Baba Yaga

2) Homem-Aranha: Através do Aranhaverso

1) Assassinos da Lua de Flores

Priscilla (2023)

2024-01-25T22:40:00.005-03:00

Sofia Coppola acertou em adaptar o livro “Elvis e Eu” de Priscilla Presley para o cinema, pois “Priscilla” faz um excelente contraponto e complemento ao filme “Elvis” de Baz Luhrmann. No longa-metragem de Sofia ela explora o ponto de vista da protagonista sobre o relacionamento dela com o Rei do Rock. E a cineasta se identifica com a personagem, colocando na história elementos que fazem parte da sua própria filmografia.

Sofia sempre explorou a solidão feminina e a relação delas com homens mais velhos. Em “Encontros e Desencontros” isso funciona muito bem ao mostrar uma mulher “perdida” em Tóquio ao viajar com o marido e encontrando conforto em um “amigo” mais velho, que estava também “sem destino” na cidade. Já em “Maria Antonieta” essa fórmula não funciona tão bem. No entanto, em “Priscilla” o estilo dela tem um bom resultado.

Priscilla e Elvis se conhecem na Alemanha, ela estava lá com a família (o pai era militar) e ele servindo o exército. Ela tinha 14 anos e ele 24. A diferença de idade obviamente influencia no relacionamento. A jovem ainda estava na escola enquanto ele já era um astro da música e do cinema. Os dois estavam “perdidos” em um país diferente de onde nasceram, então o primeiro ponto em comum era serem americanos. Priscilla queria ser uma adolescente comum enquanto ele queria alguém para conversar.

Apesar dos problemas, o relacionamento entre os dois se inicia, mesmo com os pais da jovem não sendo muito a favor. É quando Priscilla chega à casa de Elvis, a famosa mansão Graceland em Memphis, no Tennessee, que vemos a solidão da protagonista começar. E a forma como o rei do rock dita o relacionamento, onde ela deve se adaptar aos gostos e pensamentos dele. Assim ela usa as roupas que ele escolhe, pinta o cabelo do jeito que ele quer e tem que estar sempre disponível para ele quando ele estiver livre.

Assim vemos Priscilla realizando seu sonho de ser uma adolescente, finalmente saindo da Alemanha, mas ao mesmo tempo presa em uma gaiola enquanto espera seu “dono” chegar para “brincar” com ela. A forma como Sofia Coppola apresenta Graceland é brilhante justamente por mostrar todo o glamour do lugar, só que ao mesmo tempo exalta a solidão da moça, como se estivesse em uma prisão.

O roteiro da própria Sofia explora bem o ponto de vista de Priscilla, então não vemos um julgamento moral em torno da figura de Elvis. Enxergamos uma adolescente apaixonada se tornar uma mulher e que vê o amor em torno dele como algo bom. Obviamente chega um ponto que ela não aguenta, mas ainda assim a protagonista não deixa de amá-lo. Acompanhamos essa jornada de amadurecimento da protagonista em várias cenas que parecem uma compilação dos melhores e piores momentos do casal, mas a montagem ajuda a dar um bom ritmo à narrativa.

No início vemos alguns ciclos de repetição que começa a solidão de Priscilla enquanto aguarda o seu “príncipe encantado” chegar e depois ela aproveitando o máximo que pode os momentos ao lado do seu amor. E nesse meio tempo vemos o comportamento de Elvis, que alterna a paixão que sente por ela com o sentimento de dominação e raiva quando ela não faz o que ele quer.

Outro elemento importante é a trilha sonora, sempre algo que se destaca na filmografia de Sofia Coppola. Em “Priscilla” ela acerta em escolher canções de várias épocas para ajudar a ilustrar a trama. O fato da diretora não poder utilizar canções do próprio Elvis fez bem ao longa-metragem, pois assim a história não tira o foco da protagonista. Ainda assim vemos o cantor utilizar figurinos e outros elementos icônicos em torno da sua figura, sendo suficiente para o espectador lembrar que o rei do rock está presente na história.

O elenco é outro fator importante para o filme funcionar. Jacob Elordi explora bem a figura de Elvis, mostrando o quanto ele era capaz de ser amoroso, mas também tóxico para Priscilla, sem em nenhum momento parecer caricato. O trabalho que ele faz com a voz impressiona. A diferença de altura dele para Cailee Spaeny ajuda a deixar claro de forma metafórica como ele se impunha sobre ela. A atriz faz um trabalho fabuloso e sua aparência faz com que se transforme de uma adolescente para uma mulher de forma brilhante. O olhar, sua expressão corporal e sua forma de falar mostram bem a evolução de uma jovem tímida que aos poucos perde o medo de mostrar a sua própria voz. O figurino, maquiagem e cabelo contribuem para apresentar essa evolução da jornada da personagem.

Dessa forma, “Priscilla” é um excelente filme que mostra muito bem o relacionamento entre a protagonista e o rei do rock. Sofia Coppola inclui todos os elementos que se tornaram essenciais para criar seu próprio estilo de direção, fazendo com que esse seja seu melhor longa-metragem desde “Encontros e Desencontros”. A solidão feminina é retratada de forma brilhante.

Classificação:

Título Original: Priscilla (EUA, 2023)
Com: Cailee Spaeny, Jacob Elordi e Dagmara Domińczyk
Direção: Sofia Coppola
Roteiro: Sofia Coppola
Duração: 113 minutos

Wish: O Poder dos Desejos

2024-01-03T16:23:00.003-03:00

É interessante notar o contexto político por trás da trama de “Wish: O Poder dos Desejos”, nova animação da Disney comandada pelos mesmos realizadores de “Frozen”. Contudo, o roteiro não dá conta da profundidade do tema, afinal de contas estamos em um desenho voltado para o público infanto-juvenil. Não é sempre que um filme do gênero faz uma história inteligente funcionar para todas as idades, onde cada faixa etária capta um ponto de vista da história, sem estragar o resultado.

Infelizmente esse não é o único problema de “Wish: O Poder dos Desejos”. A animação comandada por Chris Buck e Fawn Veerasunthorn aposta em uma homenagem aos 100 anos da Disney, dessa forma incluem diversas referências pop ao universo das animações criadas pelo estúdio de Walt. A questão é que esses elementos não acrescentam muita coisa à narrativa, funcionando mais como um fan service. Um bom exemplo é o grupo de amigos de Asha, que na verdade são personagens de “Branca de Neve e os sete anões”.

Voltando para a história é necessário apontar a premissa interessante de “Wish: O Poder dos Desejos”. Logo na primeira canção executada por Asha a protagonista explica um pouco sobre a história. Estamos no Reino de Rosas, que é governado pelo Rei Magnífico. Os cidadãos do lugar entregam seus desejos para o rei quando completam 18 anos, que fica responsável por cuidar deles até que sejam realizados. A questão é que a pessoa esquece o que desejou e o governante é quem decide quais desejos serão realizados, pois ele é o único autorizado a utilizar magia. Uma vez por mês Magnífico reúne a população para uma cerimônia de realização do desejo de algum morador do reino.

Assim temos algumas questões interessantes que merecem reflexão. Inicialmente as pessoas do Reino de Rosas são felizes e o lugar não parece ter problemas. O problema é que o fato de não lembrarem do seu desejo faz com que suas vidas talvez sejam “vazias”, contando com a esperança de que algum dia ele seja realizado. O conflito começa quando Asha faz um teste para trabalhar para o Rei Magnífico e descobre que ele na verdade não pretende realizar todos os desejos, mas sim apenas aqueles que ele considera “inofensivos”. Isto é, aqueles que não desafiem o seu poder como governante.

Ou seja, estamos diante de uma história extremamente complexa. Temos até uma música chamada “Não Dá Mais Pra Não Ver” em que um grupo de personagens clamam pela força do poder do povo na luta contra o tirano rei que não realiza os desejos. O problema é que “Wish: O Poder dos Desejos” mistura isso com canções “bonitinhas” e animais falantes, afinal de contas é uma animação infantil, sem conseguir criar uma coesão satisfatória dentro da narrativa. A bagunça começa mesmo quando Asha faz um desejo a uma estrela cadente e a Estrela se materializa como um personagem fofinho que apronta altas confusões. Assim o longa-metragem de Chris Buck e Fawn Veerasunthorn se perde em clichês.

Apesar dos problemas, “Wish: O Poder dos Desejos” tem pontos positivos. As personagens femininas são interessantes, principalmente Asha, desenvolvida como uma jovem sonhadora e forte, disposta a tudo para ver o melhor para seus amigos e família, além de não ter medo de enfrentar o poder do rei. Quem também se destaca é a Rainha Amaya, que inicialmente parece ser submissa ao marido, mas surpreende ao confrontar o que acredita estar errado no governo do seu esposo.

Por outro lado, o Rei Magnífico tem um início promissor, mostrando que teria razões para controlar os desejos da população, mas o personagem se perde quando assume de vez o seu lado mágico, se transformando em um vilão genérico.

O visual de Wish tem elementos interessantes ao fazer uma mistura de técnicas clássicas de animação focadas no 2D, com as mais atuais utilizando computador, resultando em algo particular, mas não muito inspirado. O uso das cores é um ponto forte ao subverter a tradicional fórmula das animações da Disney, pois a protagonista usa tons vermelhos, enquanto o vilão usa branco e azul. Isso acrescenta camadas à narrativa, afinal de contas inicialmente Asha se torna a vilã por ter acabado com a tranquilidade do Reino de Rosas, enquanto o Rei Magnífico parece querer o bem das pessoas, quando na verdade suas intenções são outras.

Por último, as canções de Julia Michaels e Benjamin Rice são competentes, mas inicialmente não são marcantes. Nenhuma das músicas é daquelas que você irá sair cantarolando ao final da sessão. E elas não têm um potencial para se tornar algo marcante, como uma “Let it Go”. Dessa forma, “Wish: O Poder dos Desejos” se torna uma animação pouco inspirada, ainda que tenha algumas qualidades, nada se destaca para que ela não pareça apenas um longa-metragem genérico feito pelo próprio estúdio Disney.

Classificação:

Título Original: Wish (EUA, 2023)
Com as vozes em inglês: Ariana DeBose, Chris Pine, Alan Tudyk, Angelique Cabral, Victor Garber, Natasha Rothwell, Jennifer Kumiyama, Harvey Guillén, Evan Peters, Ramy Youssef e Jon Rudnitsky
Com as vozes em português: Luci Salutes, Raphael Rossatto, Marcelo Adnet, Shallana Costa, Carlos Campanile, Letícia Soares, Maíra Paris, Gabriel Ebling, Vagner Fagundes, Lucas Gama e Ítalo Luiz
Direção: Chris Buck e Fawn Veerasunthorn
Roteiro: Jennifer Lee e Allison Moore, história de Jennifer Lee, Chris Buck, Fawn Veerasunthorn e Allison Moore
Duração: 95 minutos

Paul Mccartney - Got Back Tour em Brasilia

2023-12-29T15:00:00.051-03:00

É impressionante ver Paul McCartney com mais de 80 anos de idade ainda ter energia para executar um show com mais de 3 horas de duração. O ex-Beatles exalta carisma e talento em uma apresentação que deixa na memória uma sensação de ter visto um espetáculo visual de rock, que atravessou gerações.

O repertório obviamente conta com muitas canções dos Beatles, mas o interessante é ver Paul mesclar músicas de todas as fases de sua carreira, tanto solo quanto dos Wings. “Can't Buy me Love”, que abre o show, já conquista o público com um clássico do grupo de Liverpool. O estádio Mane Garrinca está lotado e é visível o clima de emoção entre os presentes. Inclusive, era impressionante notar o encontro de gerações na plateia, composta por pessoas de todas as idades, de crianças a pessoas mais idosas.

O carisma de Paul é muito bom e ele não se comporta como um grande astro de rock. Fez questão de se comunicar em português com o público, na medida do possível. Também mostrou sua versatilidade musical ao alternar entre baixo, violão, guitarra e piano. E a sua banda de apoio era excelente, com alguns músicos roubando a cena em certos momentos.

É até difícil definir os melhores momentos e canções do show. Claro que eu tenho as minhas favoritas e nem sou fã dos Beatles, mas é difícil não se encantar com a apresentação de Paul. O momento mais marcante para mim foi em “Live and let die”, música tema do filme de mesmo nome em inglês de uma aventura de 007. Nela Paul senta no piano e na hora do refrão chamas de fogo sobem no palco e fogos de artifício são lançados no alto, gerando um incrível efeito. Impossível não se emocionar.

Obviamente que nas músicas dos Beatles o público vai ao delírio, como por exemplo em “Hey Jude" em que todos cantam juntos o “na na na na”. Paul também aproveita alguns momentos para lembrar dos ex-companheiros de banda, especialmente John Lennon.

No final do show a sensação de êxtase após um grande concerto de rock. Não é todo dia que você vê ao vivo uma lenda da música e do rock. Mesmo sem ser fã dos Beatles, não dá para não reconhecer a importância da banda para a cultura pop como um todo. Paul é um gênio e ver ele tocar por mais de 3 horas foi uma honra que é até difícil de descrever.

Paul Mccartney - Got Back Tour

Dia: 30 de Novembro de 2023

Local: Estádio Mané Garrincha - Brasília – DF

Repertório:

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MITA 2023

2023-12-28T14:37:00.057-03:00

A edição de 2023 do festival MITA (Music is the Answer) aconteceu no Vale do Anhangabaú, centro de São Paulo. Por um lado é interessante ocupar o espaço público em um lugar com fácil acesso através de transportes coletivos. O problema é que o valor do ingresso era muito caro e os “obstáculos” do lugar atrapalhavam a circulação pelo local. Foram dois dias de shows e o primeiro foi mais caótico pela quantidade de pessoas mais do que normalmente caberia.

Dia 1: Lana Del Rey e o caos de gente

A grande atração do primeiro dia era a cantora Lana Del Rey e mesmo ainda faltando um bom tempo para iniciar o show dela o local já estava bastante cheio. Eram dois palcos, um de frente para o outro, mas com uma boa distância entre eles. Na frente do principal, onde Lana se apresentaria, tinha um espaço reservado para a pista vip. Isso dificultou ainda mais o acesso ao evento, pois ele ficava próximo da entrada de quem vinha via metrô. Para piorar, durante o show dela o som estava muito baixo, então quem estava mais longe não conseguia ouvir nada. E também não dava para ver muita coisa, pois a altura do telão não era muito boa e o palco ficava impossível de se ver.

Lana Del Rey

Apesar dos problemas a cantora Lana Del Rey fez um belo show e que com certeza funcionaria melhor em um local onde as pessoas pudessem ficar sentadas apreciando o som e o visual. Ela esbanjou simpatia e se comunicou bastante com o público. Curiosamente seu cabelo foi feito em cima do palco e durante o show ela trocou de roupa algumas vezes.

O repertório contou com seus principais hits, passando por toda a discografia, inclusive o disco mais recente chamado “Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd”. Destaques para "Young and Beautiful", "Ultraviolence" e "Summertime Sadness".

Setlist

Dia 2: Mais tranquilo e grandes shows de Haim e Mars Volta

Haim

O primeiro destaque do segundo dia foi a banda Haim, das irmãs Este, Danielle e Alana. Elas esbanjaram simpatia e curiosamente se revelaram fãs da Xuxa, com direito até a colocar a música “Ilariê” como abertura. Elas se comunicaram bastante com o público e durante o show mudavam de instrumento e vocal, mostrando todo o talento das artistas, que contavam também com alguns outros músicos de apoio. Com apenas 3 discos na carreira o repertório contou com músicas de todos eles, com destaque para "3 AM", "Summer Girl" e "The Wire".

Setlist

The Mars Volta

Antes de falar do show da banda é preciso falar sobre a escolha do line-up do festival. Esse segundo dia teve nomes como Natiruts e NX Zero, que honestamente não tem muita conexão musical com o The Mars Volta. O resultado é que durante a apresentação da banda americana poucas pessoas estavam presentes no palco 2 para ver o show deles. O que é uma pena, pois foi um show excelente. O som deles tem uma mistura de rock progressivo, indie, jazz e muito experimentalismo. Ou seja, não é muito fácil de assimilar e agradar novos ouvintes, ainda mais com algumas canções longas. Apesar disso, no show a banda mostra um talento incrível formado por músicos muito talentosos que são comandados pela dupla Cedric Bixler-Zavala (vocal) e Omar Rodriguez-Lopez (guitarra), que eram da At the Drive-In. Destaques no repertório de “apenas” 8 músicas para "L'Via L'Viaquez" e "The Widow".

Setlist

Florence + the Machine

A grande atração do segundo dia foi a cantora Florence e ela também esbanjou simpatia e carisma com o público. O festival estava mais tranquilo em relação a quantidade de pessoas, então quem esteve presente conseguiu aproveitar muito melhor o show, mesmo não ficando tão próximo do palco. No repertório não demorou muito para que surgisse seu maior hit: "Dog Days Are Over", o que mostra que a artista tinha confiança nas suas músicas para garantir o restante da apresentação. Foi um bom show, mas confesso que já estava cansado, então não aguentei ficar até o final.

Setlist

O saldo do festival foi positivo, apesar dos problemas da escolha do line-up, do local e o preço dos ingressos, os artistas que eu tinha interesse em ver fizeram a ida ao evento valer a pena. Vamos ver se na próxima edição eles conseguem corrigir as falhas para garantir um festival mais interessante e organizado.

MITA 2023

Show com as bandas: Lana Del Rey, Haim, The Mars Volta, Florence + the Machine e outros

Dias: 03 e 04 de Junho de 2023

Local: Novo Anhangabaú - São Paulo – SP

Minha Irmã e Eu

2023-12-27T14:35:00.003-03:00

Comédias envolvendo relacionamentos familiares, especialmente entre irmãos, exploram um tema universal no qual o público se identifica facilmente. “Minha Irmã e Eu” tem como diferencial o ponto de vista feminino através das protagonistas Ingrid Guimarães e Tatá Werneck, além da direção de Susana Garcia. O filme explora outros temas como a vida no interior, a mulher dona de casa e a falsidade das redes sociais, assim como outro tema de família importante: a relação de mãe e filha.

A trama gira em torno das irmãs Mirian (Ingrid Guimarães), que é mais velha, e Mirelly (Tatá Werneck). A primeira ficou no interior de Goiás onde se casou e teve dois filhos, enquanto a segunda foi para o Rio de Janeiro. Os momentos iniciais de “Minha Irmã e Eu” exploram bem essas diferenças, alternando entre elas com uma montagem ágil fazendo uma fusão entre as cenas, criando uma rima visual muito boa sobre a discrepância da vida delas. A separação fez com que surgisse um distanciamento na relação entre elas e com medo de não admitir que foi bem-sucedida, a mais nova finge que ficou rica e tem uma vida de glamour com amizade com famosos.

O conflito de “Minha Irmã e Eu” surge por causa da mãe Dona Márcia (Arlete Salles) que após a morte do marido foi morar com Mirian, só que isso afetou o relacionamento da filha. Assim a irmã mais velha decide que seria melhor que Márcia fosse morar com Mirelly no Rio, só que a caçula briga com a mais velha durante a festa de aniversário da progenitora porque não quer ficar com mãe. Márcia presencia a briga sem que elas percebam, então decide fugir. Assim a trama se torna uma jornada das irmãs em busca da mãe.

Apesar da trama parecer ter um tom dramático, o roteiro aborda o tema em forma de comédia. Assim a jornada das irmãs se transforma em desculpas para situações absurdas e cômicas. Tatá Werneck explora a sua forma rápida de falar e seu jeito despojado para criar boas situações engraçadas, especialmente nas cenas que contam com participações especiais. Contudo, em alguns momentos ela exagera no comportamento fazendo com que Mirelly não seja uma personagem verossímil e sim apenas uma persona da própria Tatá. No entanto, sua química com Ingrid Guimarães compensa os exageros e cria um equilíbrio entre elas. Ingrid desenvolve bem Mirian, explorando bem a sua relação com o marido e assim dá ao papel alguma profundidade, sendo fácil para uma parte do público se identificar com o que ela está passando.

Em síntese, “Minha Irmã e Eu” explora bem os clichês de comédias entre irmãs e adiciona o elemento da jornada em busca da mãe para incluir um pouco de road movie no longa-metragem. O diferencial é o carisma e talento de Ingrid Guimarães e Tatá Werneck que garantem boas risadas para o público, além do ponto de vista feminino explorado bem pela direção de Susana Garcia.

Classificação:

Título Original: Minha Irmã e Eu (Brasil, 2023)
Com: Ingrid Guimarães, Tatá Werneck, Arlete Salles, George Sauma e Leandro Lima
Direção: Susana Garcia
Roteiro: Ingrid Guimarães, Susana Garcia, Célio Porto, Veronica Debom, Leandro Muniz e Fil Braz
Duração: 112 minutos

Red Hot Chili Peppers em Brasília

2023-12-15T08:45:00.005-03:00

A banda californiana Red Hot Chili Peppers esteve no Brasil em 2023 para apresentar a turnê dos discos “Unlimited Love” e “Return of the Dream Canteen”, ambos lançados em 2022. Esses álbuns marcaram a volta do guitarrista John Frusciante, que volta e meia sai e retorna para o grupo. Ele tinha saído em 2009 e retornou em 2019 para gravação dos novos trabalhos. Dessa forma junto com Chad Smith (bateria), Flea (baixo) e Anthony Kiedis (vocal) essa seria a formação clássica do Red Hot.

Quando eles sobem ao palco é possível visualizar a alegria deles em estarem juntos tocando novamente ao vivo. A química especialmente entre Frusciante e Flea é muito boa, parecendo tão à vontade, como se estivessem fazendo uma jam e não se apresentando para um estádio cheio. Não por acaso Red Hot Chili Peppers começa o show justamente fazendo uma jam, que é justamente uma improvisação. Em seguida eles já emendam “Around the World”, que faz o público vibrar bastante.

A questão de ver o Red Hot Chili Peppers ao vivo é que eles não repetem o mesmo repertório de um show para o outro. Para quem é fã e consegue ver mais uma apresentação é ótimo, pois é possível ver uma boa variedade de músicas. Já para os fãs mais casuais isso causa um “problema”: nem todos os hits são tocados. O grupo já tem mais de 30 anos de carreira, então em show de menos de 2 horas sempre vai ficar aquela sensação de que alguma música ficou de fora.

O repertório contou com hits como "Scar Tissue" e "Dani California", mas felizmente a banda incluiu também músicas novas. O disco “Unlimited Love” foi lembrado com quatro canções, enquanto o “Return of the Dream Canteen” foi ignorado. E claro, só tivemos músicas da época em que Frusciante estava presente nas gravações. A única exceção foi “Pea”, do “One Hot Minute”, que é cantada e executada apenas por Flea, momento que ele aproveita para protagonizar o show.

A química da banda ao vivo é muito boa e com certeza John Frusciante faz diferença na execução ao vivo. Talvez Kiedis pudesse ter interagido mais com os fãs e sido um pouco mais carismático, mas através das músicas eles entregam o que o público que estava ali presente queria ver e ouvir. Talvez o show pudesse ter sido um pouco mais longo, mas pelo menos não se torna cansativo. O Red Hot Chili Peppers encerrou o show com "Give It Away", talvez o seu maior hit, fechando a apresentação em alta, deixando a plateia eufórica e com a sensação de “quero mais”. Isso é fundamental para um bom show de rock funcionar.

Red Hot Chili Peppers
Dia: 07 de Novembro de 2023
Local: Estádio Mané Garrincha - Brasília – DF

Repertório:

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Barbie (2023)

2023-11-07T13:44:00.003-03:00

O que a diretora Greta Gerwig fez no filme “Barbie” é extraordinário e surpreendente por ser uma história inspirada pela famosa boneca criada pela Mattel, que consegue ser feminista, além de misturar crítica e homenagem ao universo do brinquedo. Por outro lado, não é uma surpresa considerando o talento da diretora. Ela reuniu uma equipe incrível, começando pelo elenco e passando pela parte técnica.

O roteiro escrito pela própria Gerwig em parceria com o marido, e também cineasta, Noah Baumbach, desenvolve a história da Barbie que vive no mundo da Barbilândia onde as mulheres estão no comando e as bonecas acreditam que influenciaram o mundo real de forma a promover a valorização das mulheres. Já os homens Ken são figuras infantilizadas, que querem apenas chamar a atenção das fêmeas. O lugar funciona bem, mas do nada a protagonista Barbie Estereotipada (Margot Robbie) sofre um incômodo e perde a “perfeição”.

O problema está conectado com sua dona no mundo real, então a Barbie resolve ir lá descobrir o que está acontecendo. O Ken (Ryan Gosling) não resiste e vai junto, mesmo contra a vontade inicial da moça. Quando eles chegam em Los Angeles é que o filme mostra seus melhores momentos e o choque de realidade de ambos. Para ela é assustador notar como ela é observada pelos homens como se fosse um objeto, enquanto ele se surpreende ao descobrir que naquele local são os homens que mandam.

Apesar da estranheza, a Barbie não desiste e vai atrás da jovem Sasha (Ariana Greenblatt) e da mãe dela Gloria (America Ferrera). No entanto, quando elas voltam juntas para Barbielândia é que a confusão se forma de vez ao encontrar o lugar no profundo caos dominado pelos homens.

Barbie também encontra espaço para criticar a própria Mattel, através da figura da versão fictícia da empresa interpretado por Will Ferrell. Ele é um homem imaturo e “ingênuo” que não demonstra ter nenhuma noção do que faz, mas é o líder de uma companhia que só tem homens na diretoria.

O que não falta são piadas de metalinguagem com o universo da Barbie, assim a diretora Greta Gerwig mostra uma incrível sensibilidade com a história que reconhece as qualidades e os problemas envolvendo a boneca da Mattel. Temos também diversas referências pop, desde vestidos usados pelas personagens que são os mesmos dos brinquedos, a homenagens a clássicos do cinema, especialmente à musicais. A cena da batalha dos Kens mesmo é um bom exemplo disso.

Na parte técnica Barbie também é brilhante em todos os aspectos. A cenografia de Sarah Greenwood brinca com a artificialidade dos brinquedos da boneca da Mattel, que mesmo ainda parecendo ser um brinquedo de criança, mantém a verossimilhança daquele universo. O uso dos tons de rosa é muito bom, não só dos cenários, quanto do figurino de Jacqueline Durran. A fotografia de Rodrigo Prieto capta bem esse universo, especialmente o contraste com o mundo real, que é feito de maneira orgânica.

Outro ponto importante é a trilha sonora, tanto os temas compostos por Mark Ronson e Andrew Wyatt, quanto as canções pop de cantoras como Lizzo e Dua Lipa (que faz uma ponta no filme). Elas ajudam a criar a atmosfera da narrativa, que mistura fantasia com realidade, além de dar a Barbie um tom de musical, sem perder a verossimilhança.

Por último, é importante também falar do elenco. Margot Robbie está incrível, com um carisma excepcional. Ela consegue construir uma mulher crível, apesar de ser uma boneca e que é incrivelmente humana. Já Ryan Gosling mostra toda a masculinidade frágil do Ken em um papel que ele não tem medo de abraçar os absurdos do personagem. O restante do elenco também está muito bem e cada um deles tem o seu momento de brilhar, mesmo com menos tempo na tela, como America Ferrera, Kate McKinnon e Michael Cera.

Assim, Barbie é sem dúvidas um dos melhores filmes de 2023. A diretora Greta Gerwig mostra mais uma vez o seu talento, se consagrando como uma das mais importantes da sua geração. Ela consegue misturar homenagem com crítica de forma brilhante e isso com certeza não foi uma tarefa fácil.

Classificação:

Título Original: Barbie (EUA, 2023)
Com: Margot Robbie, Ryan Gosling, America Ferrera, Kate McKinnon, Issa Rae, Rhea Perlman, Michael Cera e Will Ferrell
Direção: Greta Gerwig
Roteiro: Greta Gerwig e Noah Baumbach
Duração: 114 minutos