Noticias Universidad de Chile

MAC suspende exposición de Marcel Duchamp

2013-05-26T04:15:23Z

Debido a un conflicto entre la Asociación Duchamp y la colección de Luisella Zignone, la exposición Marcel Duchamp, el Arte de Negar el Arte, no se realizará durante 2013.

Desde 2011, el Museo de Arte Contemporáneo ha trabajado arduamente en la realización de una gran exposición de Marcel Duchamp en Chile. En la última etapa de preparativos, se produjo un desacuerdo entre la Asociación Duchamp y la coleccionista Luisella Zignone, colección que formaba parte importante de esta muestra junto a las piezas de la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma (GNAM). Esta situación ha generado importantes dificultades, por lo que, en conformidad con la GNAM, se ha tomado la decisión de suspender la exposición Marcel Duchamp, el arte de negar el arte.

Este proyecto, planificado para junio de 2013, fue impulsado con la convicción de que esta muestra internacional sería de gran relevancia cultural para el país, debido a la trascendencia de la obra de este artista en la producción de arte contemporáneo local e internacional. La posibilidad de materializar este propósito se concretó cuando la empresa ítalo-española Evolucionarte -responsable de muestras en Chile como Francis Bacon: la Punta del Iceberg y Rembrandt, Impresiones de un Genio- presentó al MAC y a Fundación Itaú un proyecto bajo la curatoría de Stefano Cecchetto y preparado con las piezas la colección privada de Luisella Zignone y GNAM.

Todas las piezas contaban con el reconocimiento de la Asociación Duchamp, institución heredera de los derechos de autor del artista. Las piezas ya se habían expuesto en el Palazzo Grassi de Venecia (1993), en el Museo de Arte Contemporáneo de Génova (2006), en el Museo de Arte Moderno de São Paulo (2008), en la Fundación Proa de Buenos Aires (2008-2009), en la Fundación Prada de Milán (2012) y en la Caja de Burgos de España (2012). Actualmente la Asociación Duchamp y la colección Zignone están en discusión respecto a algunas de las piezas que conformaban la exposición.

El MAC lamenta esta suspensión de fuerza mayor, originada por el conflicto entre estas dos instituciones. Muy pronto publicaremos la programación de 2013 considerando estas modificaciones.

Prensa MAC

Viernes 24 de mayo de 2013

Anilla Cultural celebra su memoria 2010-2013 con conciertos en el MAC

2013-05-26T04:15:23Z

Dos conciertos audiovisuales gratuitos, marcados por la experimentación sonora, marcan la celebración que se realizará este sábado 25, a las 19.30 horas, en MAC Parque Forestal, a propósito de la publicación que recopila las variadas actividades que ha realizado el MAC desde 2010, en el marco de Anilla Cultural Latinoamérica-Europa. Las presentaciones serán transmitidos online en www.livestream.com/anillaculturalmac

El Museo de Arte Contemporáneo lanza la memoria de su exitoso proyecto Memoria 2012-2013 de Anilla Cultural, que en 128 páginas, da cuenta de las más de 40 actividades realizadas entre noviembre de 2010 -cuando se realizó el lanzamiento internacional de Anilla Cultural Latinoamérica-Europa- y abril de este año.

Desde su creación en 2010, esta red iberoamericana ha desarrollado acciones telemáticas de carácter colaborativo con el fin de generar intercambio y cocreación el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, Centro Cultural de España Córdoba (Argentina), Centro Cultural de São Paulo, Museo de Antioquia (Colombia), Infoart (Uruguay) y el propio MAC. Talleres, debates, conciertos y eventos de formatos híbridos dieron forma a una parrilla en la que participaron unos 267 agentes culturales nacionales e internacionales, un arco que incluye artistas visuales, mediales y sonoros, cineastas, músicos, escritores, investigadores, académicos, curadores, gestores y activistas.

Si bien Anilla Cultural se inició buscando abrir posibilidades de interconexión, los dos años y medio de trabajo han generado un avance muy significativo y una importante contribución en nuevos modos de concebir, producir y distribuir contenidos más allá de los muros institucionales, una tendencia cada vez más clara a nivel internacional.

Sólo en el caso chileno, unas seis mil 200 personas asistieron presencialmente a las distintas actividades impulsadas por el MAC durante este período. Destacan, por ejemplo, Cruces Sonoros, encuentro de música experimental contemporánea y arte sonoro donde participaron cerca de sesenta artistas y académicos; las distintas extensiones del Festival de literatura amplificada Kosmopolis y del Festival de proyectos sonoros Zeppelin, los diversos debates sobre el rol de las nuevas tecnologías en la participación de las audiencias, entre muchos otros.

Intervención sonora y visual en el MAC

En el marco de la celebración de este trabajo, el MAC Parque Forestal, presenta dos conciertos audiovisuales gratuitos el sábado 25 de mayo, a las 19:30 horas, a cargo de los artistas mediales Brian Mackern (Uruguay) y Danieto (Chile).

Brian Mackern presentará, por primera vez en nuestro país, Soundtoys remixed [1996-2008] una recopilación de interfaces sonoro visuales desarrolladas a lo largo de 12 años de trabajo artístico. En vivo y especialmente adaptados para tres pantallas, la navegación autoral presentará cerca de 60 soundtoys y más de 140 interfaces, creadas en distintas etapas de su trayectoria, muchas de las cuales se han exhibido en distintos formatos en instancias como Transmediale (Berlín), Art Nabi Center (Seúl), Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Argentina), Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay), Festival Lem (Barcelona), MAO Evenings (Nápoles), entre otros.

Por su parte, el chileno Daniel Nieto (Danieto, ADN, Impar) presentará Abstracciones autómatastrabajo inédito cercano al ambient. Una improvisación programada a partir del uso de sintetizadores, sampler y secuenciadores que propone una tecnologización el paisaje. Daniel Nieto forma parte de aquella camada de músicos chilenos que ya en los años 90' proponían ritmos perturbadores y ambientes alienantes. Junto a Pier Bucci ha editado dos versiones como Skipsapiens, la primera con la etiqueta belga U-cubierta Récords y la segunda con la canadiense Mütek Registros. Su último trabajo es nueva estación EP lanzado por el sello alemán Nivel Registros.

Comunicaciones MAC y Comunicaciones Facultad de Artes

Viernes 24 de mayo de 2013

Alumnos de la Facultad de Artes compatibilizan estudios con deporte

2013-05-26T04:15:23Z

La Facultad de Artes cuenta con un grupo de estudiantes que concilia sus deberes académicos con el deporte, resaltando en natación, fútbol y ajedrez. Uno de los casos es Gonzalo López, estudiante de Interpretación Musical, quien comenzó un largo camino desde 2006 para ingresar a la selección universitaria de natación.

Gonzalo López decidió estudiar la carrera de Licenciatura en artes con mención en interpretación musical especialidad Guitarra con el profesor Luis Orlandini en el 2006. Se enteró ese mismo año de que la universidad contaba con cursos de natación y decidió seguir con este deporte que practicaba desde el colegio. "Fue un largo proceso el incorporarme a la rama Universitaria, fundamentalmente porque estaba acostumbrado a entrenar de una manera distinta. El instructor de la disciplina, Patricio Iturra, fue quien el 2008 me motivó a participar más activamente en el deporte universitario y gracias a su apoyo hoy soy un seleccionado", cuenta con orgullo Gonzalo.

Lleva unos meses formando parte del equipo universitario, experiencia que "ha sido tremendamente motivante el compartir con personas que cultivan una disciplina tan noble como lo es el deporte de alto rendimiento, el proceso ha sido muy enriquecedor -física y emocionalmente-. El apoyo del equipo y de mi actual entrenador, Cristian Zúñiga, hacen única y maravillosa esta experiencia.

¿Cuáles son los logros de la rama de natación que involucran a la Facultad de Artes?

Hay cinco copas de los TIF (Torneos Inter Facultades) una del 2005 y cuatro del 2008 adjudicadas a nuestra facultad, todas obtenidas por el equipo de damas. Quizá la que más me llame la atención es la copa del 2008 ganada en la categoría de todo competidor, pues los seleccionados competimos en T.C. y quizá hubo una nadadora seleccionada en nuestra facultad en ese año.

¿Por qué crees que es importante realizar deporte en la Universidad?

Quienes estudiamos -y quizá en especial los estudiantes de interpretación musical- vivimos una vida bastante sedentaria, las largas horas de estudio y práctica al instrumento frecuentemente traen dolorosas consecuencias, y el deporte es capaz de sanarlas e incluso prevenirlas. Nuestra universidad cuenta con una variada oferta deportiva -totalmente gratuita para los estudiantes- y mi parecer, el añadir el deporte entre nuestros estudios no hace más que mejorar nuestro bienestar y calidad de vida.

Una historia breve, pero llena de éxitos

La iniciativa que introdujo el deporte a la vida universitaria a la Facultad de Artes surgió recién en el año 2004. Gracias a las gestiones de la asistente social de esos años, Elisa Echeverría, junto con el apoyo de las autoridades de la época, como lo fue el decano Pablo Oyarzun, la profesora Clara Luz Cárdenas vicedecana, el Director Estudiantil Jorge Gaete y el Director Económico Gabriel Matthey, estudiantes pudieron acceder a una serie de programas y talleres relacionados con el ejercicio físico.

En primera instancia se realizó una encuesta a los alumnos de los departamentos de teatro, música y artes visuales para ver sus preferencias deportivas. Este pequeño estudio estuvo a cargo del nuevo Coordinador Deportivo: Antonio Abarca. "Entre los resultados se pudo establecer que sólo seis alumnos declaraban practicar algún deporte de manera regular y entre las preferencias para practicar deporte resultó en primer lugar la natación, seguida del fútbol y en tercer lugar el ajedrez", cuenta el profesor.

La primera etapa deportiva la realizó el área de fútbol, donde los alumnos por primera vez participaron en Torneos Inter Facultades (TIF). Entre el 2005 y 2010, el grupo de natación femenino logró seis victorias consecutivas, tornándose un ícono deportivo fruto del esfuerzo y dedicación. Incluso en el 2008 las nadadoras se convirtieron en campeonas de los Juegos Olímpicos Estudiantiles.

Fanny Leiton fue una de las nadadoras que participó de las victorias. Fanny estudia Licenciatura en Artes en interpretación musical con especialidad Canto Lírico. No sabía nadar pero un día se atrevió y en adelante nadie la detuvo, sobre todo porque también era un escape a los deberes universitarios. "La experiencia es una de las mejores que me ha tocado vivir, uno se motiva ya con el primer triunfo y de ahí uno quiere cada vez más", cuenta Fanny y agrega: "creo que también tenemos un rol de motivar a las demás para que se animen y vengan. Para que en las futuras generaciones sigamos teniendo la copa junto a Antonio, un entrenador humano y muy bueno en lo que hace".

Carolina Rodríguez también formó parte de la experiencia de los triunfos en natación. Estudió Licenciatura en artes con mención en Artes Plásticas entre los años 2004 a 2007, actualmente es pintora y realiza su tesis de grado del magíster en Gestión Cultural. "La experiencia de formar parte del equipo de natación de la Facultad de Artes y posteriormente del Campus Juan Gómez Millas, ha sido una de las más hermosas y enriquecedoras de mi vida universitaria. Con el paso del tiempo tus compañeros de equipo se transforman en tus mejores amigos, con los que compartes salidas, entrenamientos, y competencias, las que implican triunfos y derrotas. Esto te hace madurar y formarte como un profesional íntegro, preparado para logros y fracasos", detalla Carolina.

Este año, entre el 7 y el 11 de octubre está agendado en el calendario académico 2013 la Olimpíada Universitaria de Estudiantes, donde desde las 12 horas de cada día los alumnos que tengan participación activa y pasiva en las actividades deportivas podrán participar del evento previa acreditación de la Dirección Académica o Estudiantil. En esta semana tampoco se podrán realizar calificaciones.

Macarena Montes, Comunicaciones Facultad de Artes

Jueves 23 de mayo de 2013

Vive el día del Patrimonio en MAC Quinta Normal

2013-05-26T04:15:23Z

El domingo 26 de mayo, el Museo de Arte Contemporáneo participará del Día del Patrimonio Cultural con actividades gratuitas en su sede Quinta Normal, entre 11 y 18 horas. Se realizarán visitas guiadas que recorrerán el edificio y su historia, además de introducir a los visitantes a la recién inaugurada gran exposición de Luis Camnitzer.

El Museo de Arte Contemporáneo se suma a la celebración de la nueva versión del Día del Patrimonio Cultural que se realizará este domingo 26 de mayo, la cual dará pie para diversas actividades gratuitas en sitios históricos, museos y centros culturales del país. Con visitas guiadas en su sede Quinta Normal, localizada en el "Palacio Versailles", antiguo edificio francés que data del siglo XIX, espera recibir a cientos de personas que quieran disfrutar del patrimonio y de las obras de arte que aquí se exhiben.

Una de las exposiciones que podrán apreciar los asistentes es la perteneciente al artista germano-uruguayo Luis Camnitzer, que desde el 24 de mayo se exhibirá en el MAC Quinta Normal. Este artista conceptual, irreverente y reflexivo, es uno uno de los más relevantes dentro de la escena latinoamericana y será el centro de las visitas guiadas gratuitas que se realizarán en el museo entre 11 y 18 horas de este domingo.

Las visitas guiadas incluirán además, una introducción al quehacer del Museo de Arte Contemporáneo, su edificio y su historia, para luego continuar con la presentación de la exposición de Luis Camnitzer y el análisis de obras escogidas. Los visitantes posteriormente podrán recorrer las más de 70 obras de esta exposición, realizada en conjunto por el MAC y el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos.

Comunicaciones Museo de Arte Contemporáneo (MAC) y Facultad de Artes

Jueves 23 de mayo de 2013

Galería Temporal inicia nueva temporada en Barrio Joven de ArteBA

2013-05-26T04:15:23Z

El proyecto gestado por Ángela Cura, Felipe Cura y Claudio Guerrero dará inicio a su temporada 2013 formando parte de este circuito que busca estimular la producción de arte joven en el marco de la realización de ArteBA. Luego de ello, y una vez de regreso en Chile, se afinarán los últimos detalles para comenzar con la exhibición de las obras seleccionadas en Circuito Temporal.

Dos nuevos espacios se sumarán este 2013 a Galería Temporal, iniciativa que transforma vitrinas comerciales en lugares destinados a la exhibición de propuestas artísticas y que comenzó a ejecutarse en noviembre de 2011, cuando se invitó a seis artistas chilenos a crear obras de acuerdo a ese contexto de exhibición que, en sí mismo, se propone como una intervención pública. "A la vez que nos interesa exponer arte contemporáneo en el espacio público, desde la temporada anterior ya teníamos la intención de revalorizar las galerías (pasajes) de Santiago, por ser espacios arquitectónicos muy interesantes y porque la red que ellos forman en el centro organiza una trama urbana e incluso una subcultura particular", señalan Ángela Cura, Felipe Cura y Claudio Guerrero, todos ellos formados en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile e integrantes del equipo gestor de este proyecto.

Así, siguiendo la lógica de esa trama que se configura entre las galerías del centro de Santiago, las tres vitrinas que durante cuatro meses acogerán a Galería Temporal formarán entre ellas su propio circuito, el que tendrá al Paseo Huérfanos como eje central. "Nuestra primera temporada apostaba a que los usuarios que transitaban habitualmente por la Galería Alessandri, donde se ubicaba la única vitrina que ocupamos aquella vez, se detuvieran un momento en sus rutinas para relacionarse con las obras. Esta vez la apuesta es mayor, pues queremos que ese mismo usuario, de cualquiera de las tres galerías en las que nos emplazaremos, se percate de la existencia del circuito y en la medida de sus posibilidades salga de su recorrido habitual e ingrese en nuestro Circuito Temporal", agregan haciendo referencia a la convocatoria de este año, que giró en torno a "Espacio", "Objeto" y "Representación".

"Estos conceptos han sido problemas constantes abordados por las artes visuales desde hace mucho tiempo que el arte contemporáneo ha desplazado y ampliado, por lo que se mantienen vigentes. Además, para un público no especializado en arte, son palabras usadas coloquialmente y como conceptos artísticos no son necesariamente herméticos, lo que esperamos signifique mayores posibilidades de acceso para comprender mejor los trabajos que se exhibirán", dicen los integrantes del equipo gestor de esta iniciativa que, para organizar el calendario expositivo de este año, optó por agrupar a los artistas "por ejes temáticos que articularan una curatoría conjunta y una curatoría particular para cada espacio de exhibición. De hecho, intentamos que la infraestructura y posibilidades de cada vitrina se relacionara con el eje curatorial que se desarrollaría en cada una", agregan al respecto.

Circuito Temporal y ArteBA

En total, fueron más de ciento cincuenta las postulaciones recibidas en esta convocatoria, en el marco de la cual se seleccionaron a los tres artistas que completarán el calendario expositivo de este año y que se sumarán a quienes habían sido invitados al momento de postular a Fondart: Jessica Briceño, Rodrigo Arteaga, Rodrigo Vargas, Leonardo Portus, Tania González, Nicolás Miranda, Benjamín Ossa, Jorge Cabieses y Tomás Rivas. "Para seleccionar a los tres artistas que completaron nuestro calendario, invitamos a la artista Magdalena Atria y al crítico de arte Juan José Santos, conformando el jurado junto a nosotros, gestores de Galería Temporal, porque nuestra idea era integrar otras miradas y tomar cierta distancia al momento de revisar y seleccionar las postulaciones", añaden sobre ese proceso en que fueron seleccionados los artistas Miguel Soto, Paula Urizar y Andrés Durán.

En paralelo a la organización de estas exposiciones, Galería Temporal afina los últimos detalles para presentarse en Barrio Joven de ArteBA, instancia que busca estimular la producción de arte joven y que convocó a galerías y espacios jóvenes que representaran principalmente a artistas latinoamericanos para participar de esta edición. "Nos interesó porque para nosotros es un desafío y un aprendizaje a nivel de gestión, y ya no sólo local, porque nos da la posibilidad de relacionarnos con espacios de arte independiente de diversos países latinoamericanos y compartir experiencias. También nos llamó la atención participar de esta Feria por la tradición que tiene. Ésta es su vigésima segunda edición, lo que la consolida como una de las más antiguas e importantes de Latinoamérica", dicen sobre las razones tras la postulación de la propuesta curatorial La calle: experiencias, deshechos, imaginarios a esa instancia.

Con esa propuesta, que nació de su interés por explorar la idea y los materiales de los espacios públicos urbanos que han experimentado cambios notables en Chile en los últimos años, fueron seleccionados para formar parte de esa feria en la que trabajarán con los artistas Raimundo Edwards, Claudia Gutiérrez y Martín La Roche, y con el colectivo de arte Cuadernos de Movilización, quienes "teniendo o no el interés de realizar intervenciones públicas, han desarrollado obras que de una u otra manera toman una distancia para abordar el problema de lo urbano y lo público", dicen sobre su participación en Barrio Joven de ArteBA, agregando que el Fondart Ventanilla Abierta que se adjudicaron no sólo les permitió financiar los pasajes y gastos básicos en Buenos Aires, "sino también la impresión de una serie de piezas gráficas de difusión especialmente elaborada para nuestra participación en la feria".

Con todas las actividades programadas, ¿qué es lo que destacarían de este nuevo ciclo de Galería Temporal?

Del ciclo de exposiciones que está en preparación destacamos varios puntos. En el caso de Circuito Temporal, el haber obtenido financiamiento de Fondart nos permitió poner atención a detalles que en nuestra primera temporada omitimos, por ejemplo, el diseño integral de las piezas gráficas del proyecto, apoyo económico para la producción de obras, un período de pre y post producción, entre otros. Por otra parte, es importante ver cómo el proyecto adquiere nuevos sentidos, ya que armar un circuito de exhibiciones en el centro de Santiago requiere de nuestra parte una logística y una conceptualización diferente para abordar esta temporada. Además de lo anterior y del desafío que implica nuestra participación en ArteBA, también hemos formado una alianza con Central de Proyectos y Carolina Rodríguez Pino, con el objeto de generar una curaduría conjunta en la que un artista residente en Buenos Aires pueda exponer en alguna fecha del segundo semestre en Galería Temporal. Para ello lanzamos en Argentina una convocatoria llamada Equipaje de Mano, ya que las propuestas presentadas deben poder transportarse en una valija de mano y viajar en avión, por lo que el proyecto propuesto no debe superar determinadas dimensiones. Nuestra intención es que luego esta experiencia se replique en Chile y que el artista seleccionado pueda exponer en Buenos Aires.

En fin, creemos importante destacar de este nuevo ciclo de Galería Temporal el hecho de que estamos trabajando en varios proyectos a la vez, lo que nos ha permitido ampliar nuestro campo de acción a la vez que asumir cada etapa -sea ArteBa, Circuito Temporal o Equipaje de Mano- como un nuevo desafío y una interesante oportunidad de aprendizaje en terreno.

Texto: Isis Díaz López / Periodista Facultad de Artes
Fotografías: Cortesía Galería Temporal

Jueves 23 de mayo de 2013

Profesora Claudia Vicuña estrena "Escuchar"

2013-05-26T04:15:23Z

Bajo la dirección de Rodrigo Pérez, la académica del Departamento de Danza de la Facultad de Artes, regresa a las tablas con un montaje que se define como una construcción de fragmentos respeto al escuchar. La obra se presentará en el Teatro La Memoria.

Desde el jueves 24 de mayo, la bailarina y académica del Departamento de Danza de la Facultad de Artes, prof. Claudia Vicuña estará de regreso en el teatro. El retorno se materializa con el debut de "Escuchar" el nuevo trabajo de la compañía Teatro La Provincia que dirige Rodrigo Pérez.

Esta vez, la ansiedad y el nerviosismo del estreno se mezclan con cierta desazón, dada la situación que enfrenta el Teatro La Memoria- recinto donde se desarrollará la temporada de la obra- que a fines de abril anunció el cierre de su área de investigación y docencia por motivos económicos.

"Se siente un ambiente distinto en el teatro, estamos más solos, pero con toda la energía puesta en traer público. Este cierre no es algo muy extraño ya que por lo general los contextos en los que uno trabaja habitualmente están en estado de crisis, es un factor común para los artistas.. .ahora es una pena por como se había venido desarrollando este espacio, de manera positiva, con una organización sólida, una mirada concreta sobre la reflexión teatral y una infraestructura que hacía que nuestro trabajo fuese en buenas condiciones", comentó la profesora Vicuña al respecto.

A 40 años del Golpe de Estado, Rodrigo Pérez presenta esta nueva propuesta que se construye a partir de fragmentos respecto al escuchar, las que son apoyados con una base sonora compuesta por los nombres de los 1198 detenidos desaparecidos. "Esta obra se conforma con todo aquello que no se ha dicho, que no se dijo durante el golpe militar de 1973 y que no se ha dicho hasta hoy", contó Claudia Vicuña.

Como es característico en los montajes de Rodrigo Pérez no hay en esta creación una historia tradicional, ni tampoco personajes en el sentido estricto del término.

"Somos 8 actores que vamos entretejiendo textos y movimientos para ir escribiendo la obra, escuchándonos. Lo que buscamos es ser escuchados por nosotros mismos y el público, en una atmósfera que busca relevar el silencio", explicó la académica. Para reforzar este aspecto, el diseño sonoro y la música están a cargo del actor y músico Diego Noguera.

La profesora Vicuña comparte escena con los actores Álvaro Morales, Carolina Jullian, Guillermo Ugalde, Jaime Leiva, Juan Carlos Maldonado, Alejandro Bradasic, Carola Cifras y José Olavarría.

"Escuchar" tendrá una temporada entre el 23 de mayo y el 29 de junio en el Teatro La Memoria (Teatro La Memoria, Bellavista 0503. Providencia, Metro Salvador). Las funciones se realizan de miércoles a sábado a las 21:00 horas y los domingos a las 20:00 horas. Las entradas tienen un valor de $4000 para público general y $2000 para estudiantes y tercera edad. Además los miércoles y jueves son populares, costando $2000.

Gabriela González Fajardo, Periodista Facultad de Artes

Miércoles 22 de mayo de 2013

Teoría de las Artes se suma al uso de las clickers

2013-05-26T04:15:23Z

La profesora Cecilia Pinochet se capacitará junto a dos ayudantes del CFBT Gestión de proyectos artísticos para implementar en sus cátedras esta nueva modalidad de trabajo en aulas que pretende impulsar la participación y el diálogo entre estudiantes y académicos.

La Facultad de Artes está innovando, está adoptando nuevas maneras de impartir la docencia y de integrar al estudiante en su propio aprendizaje. Cecilia Pinochet, jefa de Carrera y Coordinadora de Extensión del Departamento de Teoría de las Artes es una de las profesoras que aceptó este deasfío, ante lo cual señala que "la innovación de la docencia en la facultad es una necesidad, debido a los procesos de aprendizaje que demandan los estudiantes, un aprendizaje activo y dinámico, sobre todo protagónico".

Esta innovación docente está impulsada por la Red para la Excelencia Docente (RED) de la Universidad de Chile, la cual se propone contribuir a los procesos de mejoramiento de la formación universitaria de pregrado y la innovación de la docencia, considerando para ello el Proyecto de Desarrollo Institucional (2006), la reforma de pregrado, la innovación curricular y los contextos particulares de los cinco campus de la Universidad de Chile.

Su misión, tal como lo indican en el sitio web www.red.uchile.cl, es "consolidar una red líder en docencia universitaria, que propicie la calidad de los procesos de enseñanza y aprendizaje, fortaleciendo las prácticas docentes de excelencia, la reflexión crítica y la generación de conocimiento educativo, junto con articular diversas iniciativas institucionales".

Uno de los métodos que han puesto ha disposición de los académicos es el Peer Instruction (Aprendizaje entre Pares), a través de las llamadas Clickers o Clickeras, herramienta metodológica creada por el decano de Física Aplicada de la Universidad de Harvard, Eric Mazur, que permite la participación activa de todos los estudiantes y que proporciona al docente la posibilidad de retroalimentación inmediata. Permite además incrementar la atención del alumno durante la clase, realizar una evaluación formativa creando un ambiente más distendido, controlar la asistencia a clase y mantener el registro de la actividades.

La estrategia consiste en que cada estudiante pueda utilizar un dispositivo de respuesta electrónico y posteriormente, ver sus resultados, junto al de sus compañeros, expuestos de forma inmediata al ser proyectados en una pantalla. Por ello es necesario re-pensar metodológicamente la asignatura, planificar buenas preguntas y buenos debates que aporten a lograr los mencionados objetivos.

Así, en el área de la enseñanza esta metodología entrega información sobre el aprendizaje y permite la interacción inmediata entre docente y estudiante. En tanto, en el área de evaluación permite el diagnóstico, la autoevaluación y la coevaluación.

"Acepté el desafío ya que para el tipo de ramo que dicto me sirve mucho saber de modo a priori lo que los estudiantes piensan o mantienen como prejuicios frente al tema de la profesionalización de sus sectores productivos. Al ser un grupo masivo, las "Clikeras" permiten mayor participación de ellos", explica la Prof. Cecilia Pinochet.

Y agrega que "es el estudiante el que realiza la enseñanza aprendizaje y el ramo demanda fundamentalmente la participación, el conocimiento de otras áreas disciplinares que las vierte en el taller, hacer-haciendo, crear-creando de modo reflexivo, comprometido con su propia formación, tanto en el plano teórico y práctico. Creo que al permitir el diálogo directo con ellos y su alta participación, los estudiantes tendrán mayor beneficio en sus aprendizajes."

En una primera etapa se capacitará a dos ayudantes del curso CFBT Gestión de proyectos artísticos durante la primera semana de Junio, y se invitará a otros estudiantes que participen en cursos masivos de formación básica transversal. El paso siguiente es que esta idea innovadora se replique en los cursos que lo requieran.

Marilyn Lizama Muñoz/ Periodista Facultad de Artes

Miércoles 22 de mayo de 2013

El musicólogo Bernardo Illari dicta curso a estudiantes de Magister

2013-05-26T04:15:23Z

"¿Música subalterna? Los eurodescendientes, los afrodescendientes y la práctica de la composición en Sudamérica, 1700-1850", se denominó el seminario que dictó el Doctor en Historia de la Música de la Universidad de Chicago, Bernardo Illari, a estudiantes del Magister en Musicología de la Escuela de Postgrado de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile.

En el marco de las actividades de los profesores visitantes de la Iniciativa Bicentenario, Bernardo Illari, uno de los más destacados y reconocidos investigadores de la música colonial y republicana de América Latina, visitó la Facultad de Artes encabezando el Seminario "¿Música subalterna? Los eurodescendientes, los afrodescendientes y la práctica de la composición en Sudamérica, 1700-1850", en donde desarrolló tres aspectos centrales: el período final de la colonia y comienzos de la vida independiente en los países sudamericanos; la práctica de creación musical, y los sujetos músicos afrodescendientes y eurodescendientes. "Este seminario apuntó a distinguir la diferencia que separa la música local, de los compositores europeos de la misma época, cuestión que no muy obvia, por lo tanto hay que desarrollar un marco metodológico detallado y hacer análisis de partituras muy delicados, muy finos para percibir esa diferencia", explicó Bernardo Illari.

El académico de la North Texas University, quien fuera galardonado durante el 2003 con el Premio de Musicología "Casa de las Américas", revisó estas categorías y etiquetas historiográficas desde un dispositivo teórico que hace de los conceptos "colonialidad", "criollismo" y "nacionalidad", elementos de análisis y cuestionamiento de los distintos discursos que se han planteado con diversas bases teóricas, especialmente desde los mecanismos del poder. El musicólogo abordó esta temática desde la discusión y el análisis de obras de compositores sudamericanos como: Roque Jacinto de Chavarría, José de Orejón y Aparicio, Manuel Fernández de Mesa, entre otros, con los cuales buscó acercarse a las raíces de la música Latinoamericana, que para el académico, "responden a un deseo y a una voluntad de diferenciación respecto de una hegemonía musical europea, que para un aficionado suena exactamente como música europea, lo cual no es así y es esa diferencia la que importa", asegura el Doctor.

Para el profesor del Magister en Musicología, Víctor Rondón, la visita de este destacado investigador al Programa, "permite revitalizar y dinamizar tanto la docencia de postgrado en nuestra área como la investigación disciplinar. Por eso, aparte de las sesiones de su seminario, el profesor Illari se ha reunido con tesistas, equipos de investigación con proyectos en curso y con el Comité Académico del programa", señala y agrega, "es un musicólogo que junto con entender la cultura e historia regional -Latinoamérica- por haber nacido en Córdoba (Argentina) ha hecho su carrera profesional en la academia norteamericana y desde allí ha propuesto una mirada renovadora para la disciplina que nos interesa conocer e implementar en nuestro medio".

Según el profesor Rondón, "la producción musical que aborda Bernardo Illari es escasamente conocida en nuestro medio, y aparte de este interés inicial, constituyen valiosos elementos para una nueva hermenéutica de nuestra historia cultural y del relato contemporáneo de esta tradición prácticamente desconocida", afirma. Con lo cual coincide el Doctor Bernardo Illari señalando que, "esta música no se conoce como se debería, no hay clara conciencia de la diferencia americana de la que es portadora y estamos en América Latina, de manera que me parece fundamental adoptar una mirada distinta de la música europea y desarrollar una historia de la música desde Latinoamérica, es más, uno de mis proyectos del futuro es desarrollar una historia de la música de Europa vista desde nuestro continente".

¿Por qué hablar de "Música Subalterna"?

Está claro que América Latina todavía no es una región hegemónica del mundo, sino que depende. Pero esa dependencia no se puede plantear en términos de servilismo a la escena internacional. Los compositores latinoamericanos han ido adquiriendo históricamente cada vez más identidad y eso es propio de la subalternidad, aunque haya dependencia ésta no se acepta directamente, sino que se negocia en nuestros propios términos. Es interesante, porque esta música en el pasado correspondía a los grupos dominantes de América Latina, pero estos grupos que eran dominantes a nivel local, eran subalternos con respecto a los centros de poder internacional. En la época colonial era España; después Francia como capital cultural del mundo; Inglaterra como principal imperio económico y en el siglo XX Estados Unidos.

Usted habla sobre una clara diferenciación entre la música latinoamericana y la europea ¿Cómo se manifiesta esa diferencia?

Los compositores latinoamericanos manejan los elementos europeos de la manera que les conviene. Hay distintas maneras de manipularlas y eso corresponde a los géneros locales, pero todos responden a un deseo, a una voluntad de diferenciación, lo cual se puede entender no porque hayan dejado testimonio explicito de que eso sea así, sino que por el contexto general de la época o por cómo eran los grupos sociales. El hecho de que los americanos fueran mirados con desdén por los españoles desde el principio (fines del S. XVI) motivó la necesidad de afirmarse y de responderles mostrándoles que ellos también valían, de ahí el desarrollo de estos juegos con lenguajes musicales y técnicas, pero no es una cosa evidente ni obvia.

¿Cómo identificar estas diferencias?

Hay métodos y enfoques que marcan la diferencia. A veces en la superficie aparecen cosas como una concentración de obras dedicadas a celebrar los santos locales, o el uso de textos de Sor Juana Inés de la Cruz que es la poetisa criolla por excelencia que circulaba muchísimo. O el uso de recursos tradicionales del lugar, que era pasado de moda en otros centros de producción musical. Hay un caso extraordinario del compositor Roque Jacinto de Chavarría, de Sucre (Bolivia) que usa el nombre de las ciudades y palabras quechuas en sus composiciones, como por ejemplo, los nombres de la ciudad de Sucre que son cuatro y tres de ellos son coloniales.

¿La música afrodescendiente que influencia ha tenido para la latinoamericana?

Muchos de los compositores entre 1780 y 1850 eran músicos sudamericanos profesionales afrodescendientes, es decir, la música era una profesión negra. No estoy hablando de tambores ni danzas que uno puede identificar como africanas entre comillas. Estoy hablando de músicos que tocaban Haydn o Beethoven, música europea que normalmente les llegaba a través de impresos y también las producciones de los maestros locales, pero es muy notable la contribución de los afrodescendientes a la historia de la música latinoamericana, con su propia carga de elementos que la hacen distintiva. Si hablamos de Brasil, hablamos de la tradición del estado de Minas de Gerais en la segunda mitad siglo XVIII y XIX que es básicamente mulata. Hablamos de compositores como José Maurício Nunes García, de Río de Janeiro, un sacerdote mulato y una especie de genio musical, que era capaz de enseñarse a sí mismo y de estudiar las composiciones que le llegaban para observarlas como nadie lo hacía en el continente. En Caracas también había toda una escuela de compositores, la mayor parte de los cuales eran mulatos. Si en algún momento la tradición eurodescendiente tiene que hacerle un lugar a aparición de los afrodecendientes, esto llegaría hasta 1859 e incluso después en algunos lugares.

¿Y en Chile, cómo fue esa influencia?

En Chile hubo un compositor de origen peruano, José Bernardo Alzedo, sobre el que están trabajando aquí en la Universidad. Él era afrodescendiente, un mulato muy importante, maestro de capilla de la Catedral de Santiago, muy brillante como compositor y es una pena que recién se esté conociendo ahora, ese hombre tiene mucho para decirle al mundo. Pero en general Chile llega un poco tarde al repertorio escrito. Se sabe que había mucha música en Santiago en el siglo XVII, cosa que los historiadores tradicionales siempre han puesto en duda, pero hay estudiosos más jóvenes, como Alejandro Vera o Víctor Rondón, que han trabajado sobre esto, han descubierto que las cosas era muy distintas a como se pensaban. Pero la música se desarrolla con mucha intensidad, hay compositores interesantes, sin embargo hay que hacer todavía todo un trabajo de rescate. En ese sentido es muy bueno que se desarrollen proyectos como el del Doctor Luis Merino acá en la Universidad, que está revisando la historia de la música en Chile de manera sistemática, periodo por periodo e integralmente, sin dejar elementos por revisar y por averiguar de qué se trataba.

¿A qué se debe esa tardanza en el repertorio escrito chileno?

La música escrita hecha en partitura no llega más atrás de 1780 en Chile y eso es bastante más tarde que Sucre en Bolivia, cuyas obras más antiguas datan de un siglo antes, o como en el Cuzco cuyas obras datan de 150 años antes o en México que datan de 200 años antes. Esto se debe principalmente al mantenimiento del repertorio. Siempre se ha perdido mucha música y eso es en gran parte accidental, si tenemos una partitura debemos suponer que entre cinco y diez partituras más se han perdido, porque la gente tira la música, no es valiosa, no es como un cuadro que es bonito y se queda porque es bonito o una escultura. El papel de la música cuando se usa se ensucia, se rompe, es papel viejo y se bota.

¿Cuál es la importancia de este tema para una escuela de música?

Porque todo esto se entronca con las nuevas tendencias de estudios postcoloniales que crean conciencia sobre cuanto de lo que hemos recibido, también en el campo académico, está teñido de colonialismos. Todos los saberes, la tecnología del conocimiento hasta cierta medida son coloniales, por más que la colonia haya terminado en 1825 para la mayor parte de América Latina. Todavía el conocimiento tiene la impronta de la dependencia de Europa o de Estados Unidos. En la historia de la música esto se manifiesta a través del cultivo de una historia de la música por periodos y basada en los grandes maestros y en las grandes escuelas europeas, mientras aquí también tenemos una historia de la música que es desconocida porque todo el mundo mira a los compositores de allá.

Entonces para usted el colonialismo ha sido una influencia negativa para nuestro continente.

Yo lo veo muy negativo, porque en la medida que sigamos reproduciendo estructuras de dependencia nunca vamos a asumir nuestro destino en nuestras propias manos. Vamos a seguir siempre dependiendo de intereses y cuestiones foráneas, de centros de poder foráneos. Pero el gran problema de América Latina, desde fines de la época Colonial, desde la Independencia, es la presencia de estos grupos dominantes que no tienen intereses nacionales, sino que están relativamente interesados en el país, porque les interesa más su propio bienestar y muchas veces pasa por aliarse con grupos foráneos y reproducir los intereses foráneos dentro de nuestras naciones.

¿Cual sería entonces la solución para esto?

Ahí la música tiene una gran ventaja, es inocua, entonces se pueden cambiar elementos de la mentalidad de la gente sin que se den cuenta de que están cambiando y ahí es donde creo que los musicólogos tenemos ventajas respecto de otras disciplinas, sobre otras ciencias, sobre la política, porque desde la música se pueden hacer cambios no confrontativos, pero hace falta trabajar mucho para eso.

¿Que podría hacer un musicólogo para llegar a producir un cambio de mentalidad?

Lo que puede hacer es codificar esa independencia en términos de ideas y obras musicales, pero también realizando actividades como el desarrollo de orquestas juveniles, que en Chile es muy importante. Es más, en Venezuela, que es un caso paradigmático en el desarrollo de orquestas juveniles, fue a partir de un migrante chileno que se desarrollaron y ahora el modelo venezolano se está exportando a Bolivia o a países de Centro América. Es un proyecto muy interesante hacer orquestas con músicos muy jóvenes con una finalidad social, eso cambia las cosas, da una serie de herramientas que no tienen, pero a eso hay que aliarle el desarrollo de un repertorio nacional o continental que vaya de la mano, que remplace el repertorio internacional que las orquestas cultivan. Hay que llegar a la gente haciendo un proyecto de divulgación musical concreto, llevar conciertos a barrios, escuelas, cárceles.

¿Tú has realizado un trabajo como el que comentas?

Yo he trabajado el desarrollo de educación musical en Córdoba (Argentina), ahí hice un concierto en la cárcel de mujeres y fue una experiencia única, fue una de las experiencias más intensas que he tenido en donde logré una real comunicación con las mujeres. Llevamos música antigua, composiciones Barrocas y Clasicismo Tempano y justamente en esa cárcel había un órgano francés de principio de siglo muy bonito que usamos en el concierto. Ahí visualicé que esta música puede ser comprendida por la gente común, no hay nada en la música que ponga una barrera, la barrera es mental, la barrera la tiene la gente porque cree que esta música es elitista, que es demasiado elevada, pero en realidad es música humana, hecha por humanos, para seres humanos, tiene un mensaje que se puede comprender. Lo que hay que hacer es llevársela a la gente y hacerle ver que ellos pueden jugar con ella, que la música los acepta, que ellos se la pueden apropiar. Por supuesto esto no va a hacer posible mientras haya una tremenda presión del mercado internacional por vender las porquerías que nos venden, y las producciones locales que hacen eco de esas tradiciones internacionales.

Texto y Fotografía: Igora Martínez, periodista Escuela Postgrado

Viernes 17 de mayo de 2013

Paola Moreno: "El arte textil genera textiles, no pintura"

2013-05-26T04:15:23Z

La académica del Departamento de Artes Visuales fue invitada a exponer en "Tramando el diseño", una de las dos muestras colectivas que el Centro Cultural Palacio La Moneda organizó a raíz de la exposición "Hilos de América". Junto a ello, también participó en una investigación en torno a textiles vegetales de Rapa Nui, trabajo que se tradujo en una publicación que se presentó en Isla de Pascua y Viña del Mar, y que este viernes 17 de mayo se presentará en Santiago.

Paulina Brugnoli, Montserrat Lira, Inge Dusi, Patricia Velasco, Andrea Fisher y Paola Moreno, esta última, académica del Departamento de Artes Visuales, son las artistas que exhiben sus propuestas en Tramando el Diseño, muestra que se presenta en la Galería del Diseño del Centro Cultural Palacio La Moneda y que se enmarca en la exhibición Hilos de América. Fue "en el contexto de esa exposición que el CCPLM organizó dos muestras paralelas con artistas cuyo vehículo de expresión es el textil, y en una de ellas convocó a un grupo de artistas textiles", cuenta Paola Moreno sobre el origen de esta muestra que desde el 9 de mayo se puede visitar en ese espacio expositivo.

"Cada vitrina es un statement del trabajo de cada artista, asociado a técnicas y materiales específicos donde el hilo conductor es el compromiso material y técnico con el textil. En estas obras no hay un reemplazo de materiales, no 'pintamos' con fibras, no reemplazamos el pincel por el telar para realizar un trabajo pictórico, porque es arte textil y el arte textil genera textiles, no pintura. Digo esto en referencia a la muestra paralela donde se invitó a artistas visuales que trabajan con materiales textiles. Es muy interesante cómo el círculo del arte hace esta división entre uno y otro tipo de artistas", agrega respecto a Mano-Factura, la otra muestra organizada por el CCPLM en la que se invitó a ocho artistas que trabajan a partir de la descontextualización de materiales vinculados a la manufactura textil.

De allí que lo más destacable de Tramando el Diseño sea justamente el "reconocimiento hacia artistas que han dedicado su trabajo en forma casi exclusiva al textil y han hecho una trayectoria desde este lenguaje. Junto a ello, el hecho de que algunas de nosotras hemos desarrollado investigación en torno a los textiles precolombinos y etnográficos, lo que nos une a la muestra principal Hilos de América de una manera muy profunda", añade Paola Moreno. Sobre la línea curatorial propuesta, ella explica: "Tengo la impresión de que, en la actualidad, en el arte textil y en muchas áreas de las artes visuales, el rol del curador se confunde con el del gestor cultural, que reúne y organiza, trabajo que igualmente es importante y más que importante, porque sin gestores no habría cultura, pero no es una curatoría propiamente. Sería muy interesante poder trabajar con un curador, sería un momento importante para aprender, una posibilidad de aprendizaje para los artistas".

Investigación en torno al textil

En el contexto de la investigación sobre textiles es que el próximo jueves 11 de julio, esta artista y académica del Departamento de Artes Visuales dictará una ponencia titulada La influencia de los textiles precolombinos y etnográficos en los inicios del Fiber Art, iniciativa que se enmarca en el ciclo de charlas Diálogos en torno a Hilos de América que el CCPLM ha organizado en conjunto con el Comité Nacional de Conservación Textil y el Área de Artesanía del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, y en la que Paola Moreno se referirá a la influencia que tuvieron los textiles precolombinos y las piezas etnográficas latinoamericanas en los pioneros del Fiber Art, presentando obras de autores norteamericanos, latinoamericanos y especialmente de artistas chilenas que han logrado transmitir este interés por la herencia cultural textil en su obra.

"Creo que el arte textil, por su propia especificidad, requiere un compromiso técnico y material con los textiles. Por lo tanto, es un oficio muy ligado a la investigación textil, porque siempre estamos revisando técnicas y recuperando estructuras", dice Paola Moreno que, en paralelo a sus actividades como artista y académica, está pronta a presentar en Santiago el resultado de una investigación financiada por FONDART que realizó en torno a textiles vegetales de Rapa Nui, trabajo que desarrolló junto a Andrea Seelenfreund, Francisca Ramírez, Merahi Atam, Sandra Atan y Ana María Rojas, y que se tradujo en una publicación titulada Vistiendo Rapa Nui, textiles vegetales. Haka'ara o te kahu que ya se presentó en Rapa Nui y en Viña de Mar, y que este viernes 17 de mayo, a las 19:00 horas, se presentará en la librería Lea Más del Centro Cultural Gabriela Mistral.

"Hace mas de 10 años el Comité Nacional de Conservación Textil se encontraba realizando un catastro de textiles del territorio nacional, entonces nos dimos cuenta que los objetos de la Isla no estaban considerados y que los textiles mismos de la Isla, por estar hechos de fibra vegetal y sin los instrumentos tradicionales, no se consideraban textiles", cuenta Paola Moreno. Y agrega: "El patrimonio que se conocía era principalmente en piedra y madera, por lo que nos dedicamos junto a Ana María Rojas a la búsqueda de ese patrimonio revisando las colecciones del Museo Fonck de Viña del Mar y del Museo de Historia Natural de Santiago; realizamos fichas, cotejamos bibliografías y establecimos ciertas topologías formales y técnicas para estos objetos que son prácticamente desconocidos. En el 2010, Andrea Seelenfreund nos invitó a través de un FONDECYT a la Isla, donde pudimos revisar el material existente allá y el trabajo de artesanía actual. Finalmente, el año pasado, y a través de este proyecto, se unió el trabajo de distintos especialistas para dar vida a la publicación".

¿Cuáles fueron las principales dificultades que enfrentaron en el proceso?

La principal dificultad es la discontinuidad cultural y material. En su mayoría, los artesanos contemporáneos no trabajan estas técnicas antiguas, en la Isla no existen ejemplares de estos objetos y la materia prima natural ya no existe o está en peligro de extinción. Por esto es fundamental este proceso de rescate material a través de una publicación, porque un libro sigue siendo la mejor manera de transmitir cultura en muchos lugares de Chile donde a veces el acceso a Internet es inexistente. En lo personal fue particularmente importante la posibilidad de realizar réplicas de algunas de estas piezas patrimoniales a partir del estudio de estas técnicas, porque a pesar de que en la actualidad son prácticas inexistentes, sabemos que se podrían reinsertar y que hay algunos materiales que se podrían reemplazar. El patrimonio textil de Isla de Pascua es realmente magnífico, ojalá todos pudieran conocerlo.

Vistiendo Rapa Nui, textiles vegetales. Haka'ara o te kahu será presentado por Luis Campos y Andrea Seelenfreund este viernes 17 de mayo, a las 19:00 horas, en la librería Lea Más ubicada al interior del Centro Cultural Gabriela Mistral (Av. Bernardo O´Higgins #227). La exposición Tramando el diseño, en tanto, permanecerá en exhibición hasta el mes de julio en la Galería del Diseño del Centro Cultural Palacio La Moneda (Plaza de la Ciudadanía #26, nivel -1).

Texto: Isis Díaz López / Periodista Facultad de Artes
Fotografías: Cortesía de Paola Moreno

Viernes 17 de mayo de 2013

Académica Macarena Campbell participa en festival de danza uruguayo

2013-05-26T04:15:23Z

Macarena Campbell, académica del Departamento de Danza de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, participa con las obras Nosotres y Dobles en la segunda edición del Festival Internacional de Danza Contemporánea Uruguaya. La docente también se encuentra realizando talleres en Chile desde abril, los cuales intentan explorar el arte más allá de los lugares tradicionales.

Desde el 13 de mayo al 19 de mayo se realizará el segundo Festival Internacional de Danza Contemporánea Uruguaya (Fidcu), el cual hace dialogar a diseñadores, artistas, técnicos y gestores culturales tanto de Uruguay como invitados internacionales. Macarena Campbell, académica del Departamento de Danza de la Facultad de Artes, participa en dicho evento dos obras que representan a Chile: Dobles (co-creación e interpretación), en el que dos cuerpos buscan sintonizarse a través de la exploración del unísono y su transformación y Nosotres (interpretación), donde se investiga sobre los conceptos de género y sexo.

"La participación en el festival es una posibilidad de retroalimentación artística entre pares de la escena internacional y de poder exponer mi trabajo como creadora e intérprete, lo que permite actualizar y alimentar mi visión sobre la danza contemporánea y mi propia búsqueda como artista de la danza", cuenta la profesora Macarena. La académica también aprovechará esta ocasión para generar lazos con artistas latinoamericanos y así conocer sus propuestas creativas e intercambiar reflexiones con respecto a la danza contemporánea.

El Fidcu 2013 cuenta con la asistencia de 24 artistas internacionales y 12 nacionales, 14 obras, 9 talleres de formación, 4 proyectos asociados y 16 instituciones que una vez más apuestan al desarrollo de la danza contemporánea. En esta ocasión, el festival escogió también 4 obras uruguayas como 4 posibles formas de hacer danza en Uruguay, las cuales están inmersas en la problemática actual de la escena contemporánea de Montevideo e internacional. La presentación de Nosotres en Fidcu se realiza con el auspicio del Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes de Chile, Convocatoria 2013.

Dobles (creación e interpretación de Macarena Campbell y Javiera Peón-Veiga) se presentará el jueves 16 de mayo a las 19.45 hrs. en el Punto de Encuentro MEC y la obra Nosotres (dirección: Javiera Peón-Veiga - interpretación: Macarena Campbell, Jonathan Inostroza y Javiera Peón-Veiga) se presentará el domingo 19 de mayo a las 20.00 hrs. en el Museo del Carnaval.

Laboratorio: espacio de experimentación y creatividad

Se inició como un taller para estudiantes del Departamento de Danza tras las movilizaciones del 2011, el cual dio pie para la participación y creación fuera de la sala de clases. Actualmente la actividad es gratuita y abierta a toda la comunidad sin importar edad ni conocimientos.

"Laboratorio es una instancia en la cual nos acercamos, a través de la experiencia misma y la práctica in-situ, a las ideas o propuestas de los artistas invitados. También surge como posibilidad de retroalimentación entre los participantes y por supuesto, como una manera de comprender diferentes modos de hacer arte", explica la docente.

En cada sesión un artista, ya sea un invitado externo o académico de la Facultad de Artes, realiza una actividad en particular. Este 2013 los talleres serán dictados por Gonzalo Rabanal (performance), Isabel Croxatto (danza), Vicente Ruiz (danza-performance), Danza La Vitrina (Danza), Iván Parra (teatro), David Coydán (escenografía), Carlos Rivera (diseño) , Javiera Peón-Veiga (danza), Paulina Mellado (danza), José Miguel Candela (música), Eyal Meyer (teatro), Claudia Vicuña (danza), Claudio Santana (teatro), entre otros.

La actividad se realiza los días martes de 17.30 a 19.30 en la sala 2 del Departamento de Danza de la universidad ubicada en el 7mo piso de la Facultad de Artes (Compañía #1264). El primer semestre es del 16 de abril al 25 de junio y el segundo semestre desde el 6 de agosto al 23 de octubre, no obstante, no necesariamente deben llevar una continuidad en el proceso ya que cada instancia es independiente una de la otra. Los interesados sólo deben asistir a las distintas sesiones sin inscripción previa.

Macarena Montes, Comunicaciones Facultad de Artes

Miércoles 15 de mayo de 2013

Conjunto Les Carillons realiza importantes presentaciones en Perú

2013-05-26T04:15:23Z

La agrupación estable del Departamento de Música y Sonología de la Facultad de Artes inauguró la reciente edición del Festival Internacional de Música Antigua de Lima. "Fue una responsabilidad mayor y un honor para el conjunto", sostuvo el académico y director del grupo, Rodrigo Díaz.

Fue un viaje corto, pero productivo. Así podría definirse la estadía del conjunto estable del Departamento de Música y Sonología, Les Carillons en Perú, ocurrida a comienzos del mes de mayo. Y es que la agrupación dirigida por el académico Rodrigo Díaz regresó a la capital peruana para ser parte del XI Festival Internacional de Música Antigua de Lima, un certamen que ya conocían, pero que esta vez les ofreció nuevos desafíos musicales y académicos. "El año 2008 fuimos un grupo de 12 músicos y cantantes, y realizamos un programa íntegro de música barroca americana de Chile y Bolivia . Eran obras encargadas y estrenadas en el Festival de Chiquitos, donde participamos también una semana antes que Lima, por lo que hicimos una gira por ambos países y festivales", comentó el profesor Díaz .

Pero esta vez la situación fue distinta. "Nuestro primer concierto fue el de inauguración del Festival , lo que siempre es una responsabilidad mayor y un honor para el conjunto", manifestó el director. La presentación fue todo un éxito, ya que a su juicio "la sala, ubicada en el Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú, es un espacio privilegiado, de muy buena acústica, lo que facilitaba la comunicación con el público. Para nosotros fue un honor poder participar e inaugurar este certamen internacional que se ha consolidado con los años".

Presentaron el concierto titulado "El Seicento. Música Italiana de comienzos del siglo XVII", repertorio que se podrá oír en Santiago el próximo jueves 6 de Junio en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) del Parque Forestal, como parte de los conciertos de la Temporada Oficial del Departamento de Música y Sonología 2013. "El repertorio tuvo excelente aceptación en el público peruano, ya que por un lado nuestro instrumental se adapta perfectamente al estilo de la música de este período, donde sobresalen autores con obras para tiorba, violín, fagotto, viola da gamba y clave. y por otro lado porque consideramos que es un período fascinante en la historia de la música, sumamente expresivo y lleno de matices", acotó.

Además de las presentaciones musicales, este año el festival peruano los invitó a vincularse con los jóvenes estudiantes del Conservatorio Nacional de Lima a través de clases magistrales, las que fueron dictadas por Raúl Orellana (violín barroco), Jaime Carter (órgano) y el profesor Díaz (tiorba y guitarra barroca). "Tuvimos muy buena asistencia. Además los estudiantes manifestaron mucho interés en el área de estos instrumentos históricos, donde ya comienzan a haber ciertas cátedras en dicho conservatorio ( flauta dulce)", explicó el académico.

"En mi caso personal tuve alumnos de guitarra clásica, con quienes trabajamos algunas obras del período renacentista y barroco, que son obras originales para instrumentos como el laúd. El interés de los estudiantes por estas áreas fue acogido por el conservatorio que adquirió una guitarra barroca y están en el proceso contar con una tiorba y violas da gambas".

El XI Festival Internacional de Música Antigua de Lima se realizó entre el 1° y el 6 de Mayo. Participaron de la actividad músicos y conjuntos de México, España, Austria, Brasil, Colombia y Chile.

Gabriela González Fajardo, Periodista Facultad de Artes

Miércoles 15 de mayo de 2013

Académico dictará ponencia sobre archivo y memoria fílmica

2013-05-26T04:15:23Z

Luis Horta, profesor y coordinador general de la Cineteca de la Universidad de Chile, será el encargado de abrir el seminario Archivo y memoria fílmica UTE 1960-1976 que se realizará este 16 y 17 de mayo en la Universidad de Santiago de Chile. Este encuentro reflexionará sobre la labor del cine patrimonial y su reinvención en plataformas virtuales.

Sumándose a la tendencia de promover el acceso al cine patrimonial chileno, el Archivo de Documentación Gráfica y Audiovisual (DGA) perteneciente a la Universidad de Santiago de Chile, realizará un seminario en torno al registro audiovisual chileno desde 1960 a 1976. El objetivo de esta iniciativa consiste en relevar el sentido patrimonial de estas piezas y darle un carácter histórico que se integra día a día a nuestra modernidad a través de nuevas plataformas, entre ellas las virtuales.

Luego de que la Cineteca de la Universidad de Chile lanzará en julio de 2012 el proyecto Cineteca Virtual, plataforma que permite acceder en línea a varias cintas pertenecientes al archivo histórico de la institución, el profesor y coordinador general de la Cineteca, Luis Horta fue invitado a abrir el encuentro organizado por la Usach. La idea es compartir las motivaciones, reflexiones e impresiones del año de funcionamiento de la iniciativa. "Los archivos audiovisuales contemporáneos se encuentran vivos cuando la gente se relaciona desde adentro con ellos y lo que nos mueve es que la posibilidad de los medios permite que muchas personas accedan a su propia historia con películas que están vivas y que hace rato merecieron resarcir el daño hecho en contra de ellas", cuenta el profesor Horta.

Como invitado principal, el académico estará a cargo de la ponencia Apuntes en torno al proyecto "cinetecavirtual.cl" y la problematización discursiva de los medios digitales desde el Patrimonio Audiovisual Chileno el día jueves 16 de mayo a las 14.00 hrs. Posteriormente a su intervención se exhibirán cortos y documentales de directores como Fernando Balmaceda, René Cocher, Patricio Kaulén, María Victoria Fauré, Enrique Sepúlveda, entre otros. El encuentro también contará con la participación del cineasta Miguel ángel Vidaurre, el periodista y director de televisión Antonio Freire y las periodistas Paulina Alfaro, Tania García y Jessica Toledo.

Para el profesor Horta ser invitado a actividades como estas permite evidenciar que "existe un espacio de apropiación que sentíamos que debía convertirse en una posibilidad para releer el rol de las cinetecas en la actualidad y, en el caso de nuestra Cineteca de la Universidad de Chile, retomar un rol social que existía hasta antes de la intervención militar de 1973, un espacio en que el cine sea un detonante de reflexiones y permita la libre circulación de ideas entre la ciudadanía, o la auto educación".

El seminario es gratuito y se realizará este jueves 16 y viernes 17 de mayo entre las 14.00 y 18.00 hrs en la Sala de Cine del edificio CENI-VIME (Las Sophoras 175, Estación Central). Para ver el programa del seminario, debes ingresar al sitio web oficial www.archivodga.usach.cl.

Macarena Montes, Comunicaciones Facultad de Artes

Martes 14 de mayo de 2013

Cosscurrents, la exploración por el sonido y la imagen de Phil Dadson

2013-05-26T04:15:23Z

El compositor, artista y músico neozelandés presentará su performance multimedial el viernes 17 de mayo, en el hall central del MAC Parque Forestal. Será una actividad gratuita y abierta a todo público. El espectáculo, que combina sonido, imagen y palabra hablada, será el cierre de la exposición Kermadec: Art Across the Pacific. En él también participarán el artista y poeta Gregory O´Brien, y el artista nacional Enrique Siqués.

Hasta el domingo 19 de mayo estará abierta en el MAC Parque Forestal la exposición Kermadec: Art Across the Pacific. Para celebrar el éxito de la muestra que ya ha tenido más de 3.400 visitantes, el Museo de Arte Contemporáneo y The Pew Charitable Trusts invitan al público a un espectáculo multimedial gratuito, a cargo de uno de los artistas de la muestra, el neozelandés Phil Dadson.

El 17 de mayo, a las 19 horas en el hall central del MAC Parque Forestal, el compositor, músico y artista multimedia presentará Crosscurrents, un espectáculo en vivo en el que se combina sonido, imagen y palabra hablada. Contará además con la participación del artista y poeta neozelandés Gregory O´Brien (también curador de Kermadec: Art Across the Pacific) y el músico nacional Enrique Siqués. La performance también tendrá una transmisión online en www.livestream.com/anillaculturalmac

Phil Dadson es autor de videos y sonidos de la exposición del MAC Parque Forestal. Formó parte del grupo de artistas que -invitados por The Pew Charitable Trusts- realizó la trascendental travesía marina hasta las lejanas y vulnerables islas Kermadec, en Nueva Zelandia, a partir de la cual se realizaron las piezas que forman parte de la exposición Kermadec: Art Across the Pacific.

El trabajo artístico de Phil Dadson da cuenta de su interés en unir distintas disciplinas artísticas. Para ello construye sus propios instrumentos y objetos sonoros, compone música y crea partituras gráficas e improvisaciones. Él es fundador del grupo de sonido-performance From Scratch (1974-2002), que es reconocido por sus acciones con elementos esculturales, rituales y teatrales en las que experimentan con ritmos e instrumentos inventados.

Actualmente, Phil Dadson trabaja en solitario bajo el nombre de Sonicsfromscratch.

Más información: http://www.sonicsfromscratch.co.nz/dadsonics.php

Kermadec: Art Across the Pacific

Esta muestra colectiva, que se exhibirá hasta el 19 de mayo en MAC Parque Forestal, está conformada por los trabajos de nueve artistas provenientes de Nueva Zelandia y Australia.Kermadec: Art Across the Pacific busca establecer una reflexión acerca de la biodiversidad de la región de Kermadec, al noreste de Nueva Zelandia, una de las últimas zonas casi prístinas del planeta. Los artistas viajaron invitados por The Pew Charitable Trusts en 2011 a esta región. Asimismo, se suman a la muestra obras inspiradas y realizadas en Rapa Nui en un intento de unir ambos pueblos polinésicos a través de expresiones artísticas contemporáneas que ponen énfasis en la riqueza natural de ambas regiones. Algunos de los artistas visitaron Rapa Nui en julio de 2012 y las obras que produjeron como resultado de esa visita se exhiben por primera vez en esta muestra.

Acerca del proyecto Legado Global para los Océanos

The Pew Charitable Trusts creó el proyecto Legado Global para los Océanos para proteger y conservar algunos de los ecosistemas marinos más importantes y prístinos de la Tierra, a través de la creación de grandes parques marinos altamente protegidos, donde la actividad extractiva no está permitida.

El proyecto busca poder asegurar la designación de hasta 15 parques marinos no extractivos de escala oceánica para el año 2020, creando así la primera generación de grandes parques marinos en el mundo.

En Chile, el proyecto Legado Global para los Océanos trabaja junto al Gobierno de Chile, la comunidad de Rapa Nui y un grupo de científicos para evaluar la posibilidad de crear un gran parque en aguas de la Provincia de Isla de Pascua, siempre respetando el derecho de los Rapa Nui a mantener sus actividades de pesca tradicional.

Comunicaciones Museo de Arte Contemporáneo (MAC)

Martes 14 de mayo de 2013

La Facultad de Artes se compromete con la equidad en la U. de Chile

2013-05-26T04:15:23Z

En la bienvenida a los jóvenes que ingresaron a la Universidad de Chile vía SIPEE y Cupos Supernumerarios, el Rector Pérez Vera puso el acento en la misión institucional por garantizar ambientes de diversidad e inclusión para los estudiantes y futuros profesionales de Chile. En compañía de cientos de jóvenes, sus amigos y familiares, maestros y directores de colegios, el Rector reconoció el esfuerzo de los nuevos mechones y del equipo de académicos y estudiantes universitarios que están participando para hacer de este proyecto "una oportunidad real de mejorar la equidad y la calidad en nuestro plantel y en el país".

En el Proceso de Admisión 2013, como resultado de todos los ingresos especiales para mejorar la equidad en el ingreso, de un total de 5.876 vacantes ofrecidas por la U. de Chile, un 11,9% se dispusieron para mecanismos de ingreso de equidad complementarios a la PSU, como el SIPEE y los Cupos Supernumerarios.

Así, la Universidad preseleccionó 1.204 jóvenes, de los cuáles 615 fueron seleccionados para ingresar a la Universidad: 201 vía SIPEE, 192 por cupos supernumerarios para estudiantes con Beca de excelencia académica (BEA) y 222 por admisión regular PSU.

Además, este año nuevamente todos los estudiantes de los dos primeros quintiles que ingresaron a la Casa de Bello -con alguna beca ministerial- cuenta con la Beca de Equidad, que desde el año 2006 cubre la brecha entre el arancel real y el de referencia.

Las artes avanzan en la equidad

Este 2013, tres estudiantes ingresaron vía Sistema de Ingreso Prioritario de Equidad Educativa (SIPEE) a la Facultad de Artes, pertenecientes a las carreras de Licenciatura en Arte con Mención en Sonido, Licenciatura en Arte con mención en Actuación Teatral y Licenciatura en Arte con mención en Teoría de la Música.

Dos de los estudiantes provienen de establecimientos de la capital y uno de ellos desde la XV región, de Arica y Parinacota. Todos ellos además poseen una Beca Bicentenario y beneficios que complementan el arancel respectivo de sus carreras, y en caso específico del alumno proveniente del norte del país, se le otorgó beca de mantención y residencia financiada por el Municipio de Arica.

Junto a esto se otorgaron 100 Becas Universidad de Chile a estudiantes de excelencia académica y situación socioeconómica deficitaria. Este beneficio cubre la matrícula y el arancel de cualquier carrera o programa de pregrado por la duración oficial de los estudios.

Uno de ellos es Manuel Macias Benavides, estudiante de Licenciatura en Arte con mención en Teoría de la Música, quién afirma que "para mi fue un pequeño alivio económico el haber obtenido esta beca", aunque reconoce que se encuentra postulando a otro tipo de beneficios para alcanzar a cubrir todo el arancel de su carrera, la que aún contando con la beca de Hijo de Profesor no puede costear completamente.

"La Educación debe ser un derecho de ciudadanía"

En una ceremonia de bienvenida, realizada el 29 de abril en el Teatro de la Universidad de Chile, el Rector felicitó a los nuevos estudiantes y subrayó que el logro de haber ingresado a la Educación Superior y de la política que desarrolla esta Casa de Estudios tiene un efecto directo en cientos de familias, en el entorno de los nuevos estudiantes y también en sus propios liceos y colegios de origen. "Tienen una responsabilidad enorme si consideran que ustedes, siendo los primeros, pueden hacer la diferencia. Sus compañeros de tercero, segundo o primero medio los van a mirar sabiendo que es posible. El efecto que su logro va a causar en sus colegios es inconmensurable. Y en la medida que esta iniciativa se repita en otras Universidades vamos a ir generando un efecto de mayor impacto y tremendamente importante, siempre buscando subsanar la gran inequidad existente en el país", expresó.

Esta política de equidad e inclusión "tiene una carácter integral que busca generar una mayor equidad en el ingreso, pero también en la permanencia y el egreso", explicó el Rector Víctor Pérez Vera. Para ello cuenta con programas de apoyo que van desde lo académico hasta lo económico y psicosocial.

El Sistema de Ingreso Prioritario de Equidad Educativa convocó por segundo año consecutivo en forma focalizada a jóvenes de destacada trayectoria académica provenientes de establecimientos municipales privilegiando a quienes han estudiado en contextos de alta vulnerabilidad. El Rector explicó que este esfuerzo institucional tiene como centro la convicción de que "la Educación debe ser un derecho de ciudadanía, independiente del lugar donde se nace. Todos debemos tener los mismos derechos para desarrollar nuestros talentos y capacidades".

"Con la instalación del SIPEE y también con los Cupos Supernumerarios en la U. de Chile estamos cuestionando profundamente el paradigma de la calidad y la excelencia en la Educación Superior. La enseñanza, el aprendizaje y la calidad de vida estudiantil se miran desde otra perspectiva cuando la diversidad y la inclusión se vuelven centrales para la Universidad", señaló el Rector Víctor Pérez Vera.

Y agrega que "vamos a seguir con este programa, para consolidarlo y hacerlo permanente y cumplir con el objetivo de que el 20% de los ingresos a la Universidad de Chile se hagan por vías alternativas a la admisión regular y que garanticen la equidad".

"Parto diciendo que para estar aquí no han recibido ningún regalo", enfatizó el Vicerrector de Asuntos Académicos Patricio Aceituno, reconociendo el esfuerzo, perseverancia y dedicación de los nuevos estudiantes lo que les ha significado "ganarse el derecho a ingresar a la mejor Universidad del país, que al aceptarlos hace efectiva y da forma a su misión de incorporar en sus programas de pregrado a los mejores estudiantes independientemente de su condición socioeconómica". Junto a esto el académico expresó un especial reconocimiento a los profesores y profesoras que formaron a estos jóvenes en su educación primaria y secundaria, padres y parientes cercanos y también a quienes trabajan en la Universidad para concretar esta iniciativa. "Lo que hoy celebramos es solo inicio de un proceso no exento de dificultades e incertidumbres que exigirá un fuerte compromiso", añadió.

La Secretaria General de la FECh, Rebeca Gaete, llamó a los estudiantes a poner el estudio como parte primordial de su nueva vida universitaria: "Deben ser estudiantes de excelencia. Pero además, si lo que buscamos hoy en día es materializar cambios concretos necesitamos su opinión, que ejerzan su ciudadanía y participen como miembros de esta institución de excelencia". Al mismo tiempo la estudiante comentó que la concreción de iniciativas como el SIPEE y los Cupos Supernumerarios suponen un reconocimiento de que el sistema de Educación Superior requiere cambios porque se desarrolla "en el marco de la injusticia, donde está presente el negocio en un país que está siendo funcional exclusivamente a una minoría". Por eso invitó a los jóvenes a identificar estas problemáticas y "ser capaces de cambiar Chile desde la Universidad y desde nuestra Federación".

La ceremonia contó también con la participación de parte del Ballet Nacional Chileno (BANCH), que realizó una presentación de danza para los alumnos y sus familias.

DIRCOM y Comunicaciones Facultad de Artes / Fotografías: Pablo Madariaga

Martes 14 de mayo de 2013

MAC obtiene mención de honor en III Premio Iberoamericano de Educación

2013-05-26T04:15:23Z

El programa educativo de la muestra Chile Años 70 y 80, Memoria y Experimentalidad, que se realizó en 2011 y 2012 en MAC Parque Forestal, fue reconocido por la iniciativa internacional Ibermuseus. Este año también resultó premiado Saltando Muros, la convocatoria internacional de fotografía en la que participa el MAC como sede del concurso en Chile. El Premio Iberoamericano de Educación y Museos tiene como objetivo reafirmar y ampliar la capacidad educativa de los museos.

El programa internacional Ibermuseus, que busca la cooperación e integración entre países de Iberoamérica para la promoción y coordinación de políticas públicas para los museos y la museología, resolvió el 29 de abril distinguir al Museo de Arte Contemporáneo con una mención de honor por el programa educativo vinculado a la muestra Chile Años 70 y 80, Memoria y Experimentalidad.

La exposición, realizada en MAC Parque Forestal entre junio 2011 y agosto de 2012, reunió más de cien obras chilenas que fueron realizadas durante las décadas de 1970 y 1980, con el fin de dar cuenta de un conjunto de obras experimentales producidas en un contexto de profundos cambios políticos en el país.

Con la idea de ampliar la muestra a diversos públicos, la Unidad de Educación del Museo de Arte Contemporáneo (EDUCAMAC) configuró un programa educativo donde focalizó los esfuerzos en transmitir lo que pasó en aquellos períodos a las nuevas generaciones. Para eso, generó alianza con cinco comunas de la Región Metropolitana de menor acceso a espacios culturales, a las que puso a disposición fichas descargables de artistas como Gracia Barrios, Roser Bru y Alfredo Jaar, dirigidas a profesores de escuelas municipales. Se entregó además un Cuaderno Mac con reseñas de las obras, los artistas, descripciones de las piezas, citas bibliográficas, entre otros, y un programa de visitas a la exposición, en el que participaron más de 2500 estudiantes.

Para público en general, se desarrollaron Lecturas de Obra, que son encuentros en sala con distintos artistas partícipes de la exposición. Todo el programa buscó contribuir a la alfabetización visual y la comprensión de los diversos lenguajes del arte contemporáneo, así como apoyar la labor docente de profesores y establecimientos educacionales, construyendo puentes de colaboración entre estos actores y el MAC.

"En este proyecto se involucraron fuertemente todas las unidades del MAC. Fue el primero de este tipo que, desde su génesis, planteó la necesidad de trabajar un programa educativo que permitiera transmitir a los jóvenes la importancia de la producción artística de aquellas décadas y que, a su vez, fuese un aporte a los docentes de educación primaria y secundaria en términos de producción de material, debido a la escasa información existente del período", dijo Cristián Gallegos, coordinador de EDUCAMAC.

Esto fue complementado además por conferencias internacionales realizadas a través de la red Anilla Cultural Latinoamérica-Europa, en el que participaron el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, el Centro Cultural de Sao Paulo, el Museo de Antioquia de Medellín y el Centro Cultural de España Córdoba.

Premio para Saltando Muros

El Premio Iberoamericano de Educación y Museos incorporará los diecisiete proyectos distinguidos con mención de honor al Banco Iberoamericano Mejores Prácticas en Acción Educativa. La Unidad de Educación del MAC ya había obtenido una mención de honor en la primera versión del año 2009-2010 donde también se distinguió a la Fundación Bienal de Artes Visuales del Mercosur (Brasil), Museo de Antioquia (Colombia), Fundación - Colección Thyssen Bornemisza (España), entre otros. En la actual versión del premio, también se reconoció instituciones chilenas como el Museo de la Moda, al Museo de la Educación Gabriela Mistral y el Museo Artequín de Viña del Mar.

Este reconocimiento se suma al Segundo Lugar que recibió que el proyecto internacional Saltando Muros - organizado por la Fundación Fondo Internacional de las Artes (FIArt) con la colaboración de la Secretaría General Iberoamericana (SEGIB)-, en el que participa el Museo de Arte Contemporáneo como sede del concurso en Chile. La Convocatoria Iberoamericana Saltando Muros -que recientemente cerró postulaciones en nuestro país- fue reconocida dentro de la segunda categoría de Ibermuseus, en la que participaron proyectos en desarrollo.

Prensa MAC.

Lunes 13 de mayo de 2013

A la comunidad de la Facultad de Artes

2013-05-26T04:15:23Z

Ante los conflictos en relación al otorgamiento de la Tarjeta Nacional Estudiantil - TNE - a estudiantes de las Etapas Básicas de la Facultad de Artes (Composición, Interpretación, Danza y Artes Plásticas), informamos a la comunidad lo siguiente:

Con fecha 6 de mayo del año en curso, se efectuó una última reunión en dependencias de la Vicerrectoría Académica de la Universidad de Chile, con la asistencia tanto de representantes de la JUNAEB, como de autoridades de la Facultad de Artes, instancia que finalmente permitió dejar establecido que nuestros estudiantes de las Etapas Básicas son elegibles para la obtención y/o renovación de la TNE.

En consideración a lo ya señalado, y para efectos de obtención de la Tarjeta, los estudiantes deberán concurrir a la toma de fotografía en la dependencia que oportunamente informará la JUNAEB.

No obstante lo anterior, durante el curso de la próxima semana los estudiantes pueden concurrir a cumplir dicho trámite en su calidad de habilitados sin objeción, a una de las siguientes direcciones:

Santiago Curicó 390-392 (Metro Universidad Católica).
Providencia Santa Isabel 054 (Metro Santa Isabel).
Maipú La Colonia Nº 65 (Metro Plaza de Maipú).
La Florida Vicuña Mackenna poniente 7067.
Puente Alto Balmaceda 638 (Metro Plaza Puente Alto).
Estación Central Avenida Bernardo O'higgins 4166 (Metro Padre Hurtado).

Con respecto a una posible solución al tema a que alude el punto dos del petitorio, debemos puntualizar que hemos instruido a las dependencias correspondientes, el estudio de su factibilidad, tanto desde el punto de vista legal, como presupuestario.

Finalmente, este Decanato manifiesta su propósito de dar continuidad a las gestiones tendientes a obtener un reconocimiento orgánico formal de las Etapas Básicas al interior de la Universidad de Chile.

Comunicaciones Facultad de Artes

Lunes 13 de mayo de 2013

Miembros de la Facultad de Artes reciben Premios Altazor

2013-05-26T04:15:23Z

La directora del Museo de Arte Popular Americano Tomás Lago (MAPA), profesora Nury González, y el compositor y egresado del Departamento de Música y Sonología, Miguel Farías fueron premiados por sus pares por sus trabajos "Sueño de una noche de verano" y "Renca, París y Liendres". respectivamente.

La XIV edición de los Premios Altazor, realizada la noche del miércoles en el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM), tuvo a dos integrantes de la Facultad de Artes entre los felices distinguidos.

En la categoría correspondiente a las Artes Visuales, la académica del Departamento Artes Visuales (DAV) y directora del Museo de Arte Popular Americano Tomás Lago (MAPA), Nury González, quien fue distinguida por su obra "Sueño de una noche de verano".

La obra, que se presentó en D21 Galería de Arte, es fruto del trabajo de tres veranos consecutivos de la artista, período en que reflexionó el concepto del exilio, en la amplitud que el término ofrece, a través de materiales como el fieltro.

"Sueño de una Noche de Verano es una obra muy importante para mi, ahí trabajo sobre los diferentes exilios que puede vivir un ser humano, los destierros, el hilo de la historia , las perdidas y los restos, todo gira en torno a la memoria. También aquí volví a trabajar con los desplazamientos de la serigrafía y el dibujo, algo que no hacía hace años pero que me parecieron los medios pertinentes para resolver estos temas. Siempre he dicho que no hay país si no hay memoria, entonces si es especial que sea esta obra", agregó la artista.

Sobre el reconocimiento, manifestó que "es bastante especial porque no es uno quién se postula, no es por lo tanto un trabajo que se piense con la intención de ganar o competir por algo, son obras que han sido imaginadas en otro contexto. En mi caso fue la Galería Departamento21 quién decidió postular la exposición. Son los pares -artistas visuales- quienes definen a los 3 nominados y a la vez son ellos mismos quienes deciden por votación quién gana, por lo tanto es el ojo crítico de artistas visuales los que premian -en este caso- mi trabajo". La profesora González enfatizó también en que el premio "me da la sensación que el aura de la obra traspasa sus propios límites para ser mirada y reconocida por los otros. Esos otros son artistas igual que yo, por lo tanto tuvieron la sensibilidad y la generosidad para reconocer mi trabajo, obviamente en el descampado mundo del arte eso es muy gratificante".

Renca, París y Liendres

En la nómina de los ganadores también se estuvo el joven compositor, y egresado de la Facultad de Artes, Miguel Farías, quien fue galardonado por sus pares gracias a su creación operática "Renca, París y Liendres".

El creador recibió con alegría la nominación y el reconocimiento , señalando además sentirse "muy sorprendido, ya que yo no soy un artista muy conocido en el medio chileno, por ello este reconocimiento me asombra doblemente", agregando además que el premio lo recibe "muy honrado, ya que el Altazor tiene la gracia de ser un premio que entregan los mismos artistas", manifestó Farías.

El egresado del Departamento de Música y Sonología no pudo asistir a la ceremonia de entrega de los reconocimientos, pero en su representación fue un miembro de la Corporación medioambiental Ecosistemas, quien leyó una misiva en la que se hacía una analogía de la situación de proyectos como Hidroaysén y el personaje de la ópera "Caezaechancho", enfatizando la imposición de los poderes político económicos, a costa de los intereses de las personas. "Si como artista puedo contribuir en algo a combatir o denunciar injusticias, no puedo dejar de hacerlo", señaló respecto a la carta que se leyó en el GAM.

Gabriela González Fajardo, Periodista Facultad de Artes

Viernes 10 de mayo de 2013

Pinturas, dibujos, fotografías y objetos se exponen en Santiago

2013-05-26T04:15:23Z

"El tiempo de las cosas" es el nombre de la exposición que Wladymir Bernechea exhibirá hasta el 4 de junio en la Sala A.M. de la Universidad Mayor. "Perro, gallo, zorro", un relato fotográfico co-autoral que se expone actualmente en la Sala Joaquín Edwards Bello del Centro Cultural Estación Mapocho. Y "Enciclopedia visual para no olvidar(se)", la muestra de Carolina Vergara que hasta este 16 de mayo se podrá visitar en Galería Bech.

Una serie de dibujos y pinturas que tienen como protagonistas a personajes y escenarios, respectivamente, conforman la exposición El tiempo de las cosas de Wladymir Bernechea, egresado de la Licenciatura en Artes Plásticas que desde el 30 de abril exhibe esta muestra en la Sala A.M. de la Universidad Mayor. "Las pinturas, monocromas, siguen una línea que ha sido la constante de mi trabajo: la relación entre lugares y arquitectura vinculada a una suerte de idea de narración en las imágenes, siendo siempre la atmósfera y pequeñas insinuaciones visuales las que determinen esto", explica el joven artista, agregando que, para esta muestra en particular, además decidió "incluir la presencia de personajes en dibujo que también funcionan bajo la premisa de esta atmósfera, generando ciertas relaciones entre personaje y escenario, interior y exterior, es decir, la puesta en cuestión de los escenarios pintados como posibles de ser habitados".

A través de aspectos formales y conceptuales, Wladymir Bernechea busca construir un tono específico en su propuesta, donde "lo representado y las obras en sí mismas se establezcan dentro de una especie de atemporalidad. Finalmente, el tiempo y la búsqueda de éste en las imágenes es una preocupación transversal en mi producción de obra", dice este egresado de la Facultad de Artes sobre las razones que originaron el título de esta muestra en que también se verán "tensionadas las diferencias entre dos medios, la pintura y el dibujo, cada uno con su peso simbólico correspondiente, intentando convivir para unificarse en esta especie de tono en el que intento hacer parecer que los dibujos corresponden y forman parte de las pinturas, como éstas también de los dibujos", concluye sobre esta exposición que se podrá visitar hasta el próximo 4 de junio de lunes a viernes, de 10:00 a 21:00 horas, y los días sábado de 18:00 a 21:00 horas.

Perro, gallo, zorro

Hasta el 16 de junio se podrá visitar esta exposición en la Sala Joaquín Edwards Bello del Centro Cultural Estación Mapocho, "un relato co-autoral sobre la idiosincrasia chilena, la simetría de la imagen y asimetrías sociales de nuestro país", señala Francisco Navarrete, egresado de la Licenciatura en Artes Plásticas, sobre esta muestra en la que comparte espacio con Andrea Spoerer y que, bajo la curatoría de Miguel Ángel Felipe Fidalgo, comenzó a producirse en octubre de 2012. "Andrea recorría lugares de lujo asociados a la clase socioeconómica alta y yo barrios periféricos o céntricos en abandono o constante remodelación. Y si bien cada uno venía desarrollando su proyecto fotográfico de forma independiente, no fue hasta esa fecha que comenzamos a realizar salidas de registro más específicas, acotando y estudiando la búsqueda y una visualidad", recuerda este joven artista sobre ese proceso que se extendió por cuatro meses.

Así se fue configurando esta muestra que reúne las fotografías de Andrea Spoerer, "escenas donde los elementos arquitectónicos y los objetos de decoración forman parte de un todo fundado y conservado por el 'buen gusto' y 'la tradición familiar', lugares que evidencian la exuberancia de estilo y que imponen, por medio de la visualidad, memoria, historia y soberanía", dice Francisco Navarrete, quien, en oposición a ello, exhibe "imágenes cinematográficas de interiores y exteriores de recorrido habitual, fundamentalmente 'no-lugares' que se presentan como ruinas en la esfera pública y privada de la urbe contemporánea, simulación efímera de la realidad o representación espectral de estos no-lugares estilizados que tiene como objetivo evidenciar cómo el dispositivo técnico fotográfico, medio mecánico de registro supuestamente 'objetivo' de la realidad, puede acondicionar y administrar nuestra relación con el entorno", concluye al respecto.

"Enciclopedia visual para no olvidar(se)"

Sólo hasta el 16 de mayo se podrá visitar esta exposición de Carolina Vergara, egresada de la Licenciatura en Artes Plásticas que a partir de una serie de objetos personales dio forma a este cuerpo de obra con el que busca retener y proteger sus recuerdos. "La memoria es muy frágil y corremos el riesgo de olvidar muchos episodios de nuestras vidas y, como las personas se relacionan mucho más con objetos que con fotografías, los uso para tener un eco en el espectador", explica esta artista, para quien la fotografía no tiene esa cercanía ni "crea lazos tan estrechos como para alcanzar la rememoración. Por eso es que cada vez que coloco un objeto en una galería, quiero que quien lo vea no sólo vea un objeto importante para mí, sino que también pueda rememorar sus propias experiencias, dándose cuenta de lo importante que son los recuerdos para nosotros. Mal que mal, no somos más que nuestras propias experiencias y lo que recordamos de ellas", dice.

De allí que haya reunido todo el material que tenía disponible, seleccionado los objetos que usaría para construir estas obras y también las obras ya realizadas que podían dialogar con esta nueva propuesta expositiva. "Cada obra es, para mí, un ayudamemoria, pero la idea es que para el espectador también sea una posibilidad de rememoración", dice Carola Vergara sobre esta muestra en la que la preocupación principal es intentar retener la mayor cantidad de recuerdos posibles y donde "la ‘estética, por decirlo de alguna forma, es clave que finalmente unifica todo. Es decir, los soportes y papeles antiguos de libros viejos o quemados por el sol y la máquina de escribir que se repite en casi todos mis trabajos pasaron de ser un cuento súper personal, que me trae muchos recuerdos, a convertirse en una estrategia visual que también entrega carácter a la muestra", concluye sobre esta exposición que se exhibe actualmente en Galería Bech.

Texto: Isis Díaz López / Periodista Facultad de Artes
Fotografías: Cortesía de Carolina Vergara, Wladymir Bernechea y Francisco Navarrete

Jueves 9 de mayo de 2013

Convocatoria Elecciones Directores (as) de Departamentos

2013-05-26T04:15:23Z

De acuerdo a lo establecido en la Resolución nº 98 que calendariza la elección de los Directores(as) de los Departamentos de Música y Sonología y Teoría de las Artes, el escrutiño se realizará el martes 11 de junio de 2013.

Se convoca a elección de Director(a) de los Departamentos de Música y Sonología y Teoría de las Artes de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, el día Martes 11 de Junio 2013, consíderando una segunda vuelta para el Martes 18 de Junio de 2013.

Calendario de actividades:

Consulta y Escrutinio: Martes 11 de Junio ( de 9:00 a 17:OO )
Lugar de Votacíón: Sede Las Encinas y "Alfonso Letelier Llona"
Publicación Claustro Electoral con jerarquia y jornada: Martes 7 de Mayo
Plazo reclamos por error u omisiones del claustro publicado: Vlernes 10 de Mayo
Plazo Inscripción de Candidatos: Miércoles 15 de Mayo hasta las 18:30 hrs. en Vicedecanato
Plazo publicación provisional de candidatos: Viernes 17 de Mayo
Plazo impugnación Candidatos ante Junta Electoral Local: Miércoles 22 de Mayo
Publicación definitiva Candidatos: Jueves 23 de Mayo
Sorteo Vocales de Mesa y su posterior constitución: Lunes 27 de Mayo
Publicación Padrón Electoral: Jueves 30 de Mayo
Segunda vuelta consulta: Martes 18 de junio

Comunicaciones Facultad de Artes

Jueves 9 de mayo de 2013

Profesores de la Facultad de Artes son reconocidos por la U. de Chile

2013-05-26T04:15:23Z

Un total de 13 académicos pertenecientes a nuestra Facultad fueron distinguidos por su aporte al campo de la investigación, reflexión y creación en torno a las artes. Logro que enorgullece a la comunidad y la impulsa a seguir trabajando para continuar con el desarrollo de las artes en el país.

El solemne y tradicional acto de bienvenida a los alumnos nuevos y puesta en marcha de las actividades de docencia superior, investigación, creación y extensión, contó también con una inédita distinción. La Universidad de Chile instauró un reconocimiento especial a investigadores y creadores que en el año 2012 destacaron por sus publicaciones científicas, creaciones artísticas.

La presentación de este nuevo rito estuvo a cargo de la Vicerrectora de Extensión, Sonia Montecino, quien se refirió al valor de esta distinción pública a las personas que hacen posible que la Universidad de Chile esté en los primeros lugares académicos e investigativos y sea un referente en las artes y las humanidades. Esta convocatoria de todas las disciplinas, destacó, "permite reconocernos en la pluralidad de nuestros aportes".

Destacados Concurso Fondecyt Regular 2013

César Pablo Oyarzún Robles

Destacados Concurso Fondecyt de Postdoctorado 2013

Federico Rodríguez Gómez
Miguel Ruiz Stull

En el ámbito de las publicaciones, también la Universidad hizo un reconocimiento a académicos y académicas que han publicado libros en editoriales de reconocido prestigio intelectual, ya sea ensayos reflexivos e investigaciones de las Ciencias Sociales, las Humanidades, la Ciencia y las Artes, así como en el plano de la extensión cultural de la ciencia a la ciudadanía.

En esta oportunidad la Universidad, asimismo, reconoció a aquellos académicos y académicas que en el 2012 han efectuado contribuciones en disciplinas ligadas a la creación artística y audiovisual, que han recibido premios por sus obras, que han participado en espacios internacionales de prestigio y que han obtenido importantes fondos internacionales para el desarrollo de sus proyectos, así como reconocimientos a su creación.

Nury González (Directora Museo de Arte Popular Americano, MAPA)
María Francisca Morand (Departamento de Danza)
Eduardo Cáceres (Departamento de Música)
Miguel Ángel Villafruela (Departamento de Música)
Romilio Orellana (Departamento de Música)
Leonardo Cendoyya (Departamento de Música)
Hiranio Chávez (Departamento de Teatro)
Germán Droghetti (Departamento de Teatro)
Marco Espinoza (Departamento de Teatro)
Sergio Rojas (Departamento de Teoría de las Artes)

DIRCOM y Comunicaciones Facultad de Artes

Miércoles 8 de mayo de 2013

Declaración Decanato sobre Tarjeta Nacional Estudiantil

2013-05-26T04:15:23Z

A la comunidad de la Facultad de Artes:

Ante el paro iniciado por los estudiantes de las Etapas Básicas de la Facultad de Artes el viernes 3 de mayo con motivo del no otorgamiento de la Tarjeta Nacional Estudiantil - TNE - este Decanato, con el respaldo de su Comité Directivo, cree necesario informar a la comunidad sobre las gestiones realizadas para resolver esta situación, y comunica que:

- Con fecha 19 de junio de 2012, Decanato recibió un oficio con número 370 de la Directora de Bienestar Estudiantil de la Universidad de Chile, donde señala que "los alumnos que actualmente cursan el Ciclo Básico de la Facultad de Artes no son alumnos regulares de ningún Programa de Pregrado validado ante el Ministerio de Educación y su situación académica no se encuentra en los Sistemas Corporativos... no podrán ser validados para los procesos de renovación y postulación por nuestra Dirección... ya que están fuera de la normativa vigente establecida por la JUNAEB para las Instituciones de Educación Superior".

- Con fecha 27 de junio de 2012, la Decana de la Facultad de Artes envió un oficio con número 216 a la Dirección de Bienestar Estudiantil, aclarando que "las Etapas Básicas se encuentran explícitamente reconocidas en el Decreto Universitario Exento Nº 002610 que aprueba el Reglamento General de los Programas Académicos de la Facultad de Artes... Los alumnos que ingresan a las Etapas Básicas antes mencionadas, se encuentran adscritos a programas académicos regulares y sistemáticos impartidos por la Facultad de Artes de la Universidad de Chile".

- Posterior al envío de dicho documento, y conscientes de la necesidad de que los estudiantes de las distintas Etapas Básicas tengan derecho a la utilización de la TNE, este Decanato insistió, por distintas vías y en diferentes ocasiones ante la Dirección de Bienestar Estudiantil y Vicerrectoría Académica de la Universidad de Chile, con el fin de revertir esta situación. Reflejo de lo anterior son los distintos correos electrónicos, llamadas y reuniones, tanto en los servicios centrales como en la Sede Alfonso Letelier Llona.

- Es pertinente dejar en manifiesto que en diciembre de 2012 se llevó a cabo una reunión en Torre 15, gestada por la máxima autoridad de la Facultad de Artes y con la presencia del Vicerrector Académico y la Directora de Bienestar Estudiantil, donde nuevamente se insistió en Decanato Facultad de Artes/ Universidad de Chile la necesidad de resolver la problemática de las Etapas Básicas en relación a la TNE.

- A última hora del viernes 3 de mayo, el Vicerrector Académico propuso que Decanato redactara una carta dirigida al Rector con los documentos que fundamentan la relevancia y pertinencia de las Etapas Básicas en la Facultad de Artes para ser presentada personalmente ante la JUANEB. Dicho documento está en manos de la Vicerrectoría Académica.

Como queda de manifiesto, es voluntad de las autoridades de la Facultad de Artes seguir trabajando a fin de encontrar una pronta solución para que los estudiantes de las Etapas Básicas puedan acceder a la Tarjeta Nacional Estudiantil - TNE -

CLARA LUZ CÁRDENAS SQUELLA

DECANA

FACULTAD DE ARTES

UNIVERSIDAD DE CHILE

Santiago, 6 de mayo de 2013

Comunicaciones Facultad de Artes.

Lunes 6 de mayo de 2013

Pamela Reyes realiza presentaciones en Londres, Barcelona e Irlanda

2013-05-26T04:15:23Z

Escola Massana en Barcelona, Goldsmiths College de la Universidad de Londres y Crawford College of Art & design (CIT), Cork de Irlanda, fueron los escenarios en donde Pamela Reyes, coordinadora del Postítulo en Terapias de Arte de la Escuela de Postgrado de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, presentó su trabajo autoetnográfico centrado en arte, salud y comunidad.

"Cien niños esperando un tren", se denomina el documental que en 1988 realizó Ignacio Agüero, para mostrar la realidad de un grupo de niños de la comuna de Peñalolén que, guiados por la profesora Alicia Vega, realizaban un taller de apreciación cinematográfica en tiempos de dictadura. Este trabajo, más allá de ser una muestra audiovisual, refleja en parte, la situación adversa a la que este grupo de alumnos y su profesora estaban expuestos y constituye, "una verdadera denuncia del estado del país durante la dictadura", según una reseña sobre el film. Esta película también forma parte de los estudios autoetnográficos que hace más de veinte años, Pamela Reyes, psicóloga y coordinadora del Postítulo en Terapias de Arte con mención en Arte Terapia, realiza en torno al desarrollo de los vínculos entre arte, salud y comunidad, a través de distintas áreas psicosociales. Temática que durante el mes de abril dio a conocer en la Escola Massana de Barcelona, realizando dos pasantías para los Diplomados de Arteterapia y Arte y Acción social de esa casa de estudios.

En el mismo mes el Goldsmiths College, de la Universidad de Londres organizó una Conferencia Internacional del Programa de Arte Psicoterapia, centrada en Terapias del Arte en donde expusieron líderes mundiales en esta materia, siendo Pemela Reyes invitada a dictar una catedra con la que dio conocer la realidad chilena en este ámbito.

Por otra parte, en Irlanda en el Crawford College of Art & design (CIT), Cork, Pamela Reyes dictó una clase para los alumnos del programa de Arteterapia de esa institución, quienes apreciaron el trabajo realizado por la psicóloga, basado en experiencias chilenas de las terapias de arte, como las del film de Ignacio Agüero.

Inicios del Arte Terapia en Chile

Desde el pregrado Pamela Reyes trabaja con arte, salud y comunidad. Comenzó con educación y teatro popular en el periodo de transición democrática. "Terminamos la universidad y empezamos a trabajar en distintos contextos gubernamentales y sociales, ahí reflexionamos sobre cómo se han ido articulado estas relaciones". Para la académica, la educación popular, el teatro popular y el muralismo son recursos que han estado presentes en todo el campo de la psicología social y en el trabajo psicosocial, y aclara que, "todas estas reflexiones están basadas en experiencias realizadas en Chile, por propuestas que hace más de veinte años se vienen realizando, como la de Ignacio Agüero a través de su documental de los años ochenta, 'Cien niños esperando un tren', así como con el desarrollo del muralismo y su paso al grafiti, que son iniciativas que comenzaron en esa época y que vinculan esta mirada de la educación popular en contextos comunitarios".

La creación como libertad

Desde los años ochenta hasta la actualidad, el Arte Terapia ha sido un recurso de rehabilitación para personas expuestas a maltratos psicológicos de diversa índole. Para Pamela Reyes, en Latinoamérica y precisamente en Chile, existen experiencias enriquecedoras que nutren el desarrollo de las terapias artísticas, en donde la educación artística, centrada en el despliegue de procesos creativos, permite la recuperación de los afectados. "El arte como creación, como autonomía, como libertad, constituye una forma de terapia de apoyo en el área de la salud mental. Se trata de generar espacios donde las personas que no tienen formación artística se enfrenten al desafío de la creación de imágenes u objetos puntuales que tiene que ver con uno mismo".

La terapia artística en ámbitos clínicos es un trabajo sobre lo íntimo, sobre ciertos lineamientos que tienen que ver con el cuidado de las personas en contextos muy vulnerables, ya que se da un espacio creativo que genera un proceso de involucramiento en donde se da una transformación de los objetos, y apoyados por un terapeuta especializado, la persona se va interiorizando en sí misma. Por lo cual la terapia artística en ámbitos clínicos es un trabajo sobre lo íntimo, con ciertos lineamientos que tienen que ver con el cuidado de las personas en contextos muy vulnerables.

Este tipo de terapias está determinada por cuatro lineamientos, según explica Pamela Reyes: el trabajo sobre imaginación, sobre los sujetos creativos, sobre la relación y sobre la relación terapéutica. Esta última es muy importante para favorecer los procesos creadores. "Las terapias de arte tienen que ver con la educación artística, con las formas de psicoterapias no verbales y tienen que ver con el arte porque de alguna forma el referente ha sido ese. Las terapias del arte se desarrollaron bajo el alero de una mirada más romántica del arte y por eso han sido importantes dentro del desarrollo de este ámbito como la autoexpresión.

Según la experta, hoy ha vuelto el interés por tener una matriz social más que clínica, basada en la tradición de arte terapia "estamos volviendo a temas mucho más vinculados con las transformaciones sociales, al cómo los proceso creativos se articulan en procesos de creaciones colectivas y en ese contexto la educación popular, el teatro popular y el muralismo tradicionales, son referentes muy importantes", afirma.

"Las Arpilleras de la Vicaria"

Una de las experiencias enriquecedoras que se dieron en Chile y que Pamela Reyes presentó en su paso por Europa, se centra en el rol de las artes en el trabajo de reparación social vinculado a temas de Derechos Humanos. "Si bien en Europa, principalmente en Inglaterra, el desarrollo de las terapias de arte están muy vinculadas al campo del psicoanálisis, en Latinoamérica está vinculado al campo de lo psicosocial con influencia de la educación popular y del trabajo en salud mental en contextos de violencia política", indica.

Es el caso de las "Arpilleras de la Vicaria", agrupación que nació en una primera instancia para capacitar a mujeres en la técnica del bordado para luego comercializarían sus productos, pero que con el tiempo se transformó en una instancia en donde las arpilleras a través de sus trabajos, denunciaron las violaciones a los derechos humanos a los que ellas y sus familiares fueron sometidos. Tal como lo hiciera Violeta Parra - pionera en este arte- las arpilleras comenzaron a representar la vida cotidiana, "las mujeres empezaron a convertir estos talleres de manualidades en talleres de resistencia social y cultural y empezaron a involucrar toda su creatividad y su solidaridad mutua en estas arpilleras que luego se transformaron en una manera de mantener viva la memoria y de mantenerse vivas unas con otras, ya que mientras hacían las arpilleras, ellas conversaban sobre sus propias vidas, por lo tanto son fuente de ayuda mutua", señala la profesora.

Desastres naturales

Sin embargo, el trabajo de Pamela Reyes no solo se remonta a los años ochenta. Durante el último tiempo ha trabajado con víctimas de desastres naturales en Paredones y Chaitén, en donde el desarrollo de trabajos comunitarios realizados en conjunto con el Centro de Investigación Vulnerabilidades y Desastres Socionaturales (Civdes), permitió reparar los daños psicológicos que el terremoto del 2010 y la erupción del volcán Chaitén en el 2008, dejaron en los habitantes de esas localidades. "Las experiencia del arte popular y de salud vinculadas a los derechos humanos, la hemos vuelto a ejecutar trabajando con comunidades víctimas de desastres naturales" explica.

Esta Iniciativa se basa en el reconocimiento individual y comunitario. "Reconocer en sí mismos y en la comunidad los recursos que tienen para enfrentar esas situaciones de alto estrés, a través de la música por ejemplo, ayuda a la reparación", señala y agrega, "un elemento muy importante es la experiencia de reconocimiento del otro, es decir, logras reparar el daño cuando tú realmente sientes que hay otro que te ha dañado o que reconoce tú daño. Esa experiencia humana de ser reconocido, es lo que está a la base de este trabajo social que estamos haciendo" aduce. Procesos de relación que involucran confianza y compartir experiencias traumáticas mediadas por recursos artísticos como poesías, canto, muralismo, entre otras. "En el fondo son procesos de esperanza, de pensar que las cosas pueden cambiar, de compartir el dolor, en donde el producto final no es relevante, como resultado de un proceso educacional, sino más bien todos los procesos que se despliegan en la terapia", explica la coordinadora del Postítulo.

Igora Martínez, periodista Escuela Postgrado

Lunes 6 de mayo de 2013

Prof. Sergio Rojas fue reconocido por la Universidad de Chile

2013-05-26T04:15:23Z

En el marco de la Inauguración del Año Académico 2013 que se realizó el martes 23 de abril, la Universidad más antigua de Chile distinguió a sus investigadores y creadores, y recibió a los nuevos estudiantes que se integraron a la casa de estudios. Entre ellos, el Profesor Sergio Rojas fue reconocido por su prestigio intelectual e importancia de sus obras.

El Salón de Honor de la Casa Central fue escenario de una de las actividades más importantes y tradicionales de la Universidad de Chile: la Inauguración del Año Académico 2013. En la oportunidad además se realizó un reconocimiento público a investigadores y creadores que destacaron durante el año 2012 en instancias de la actividad científica, cultural y artística.

"La Universidad de Chile es lo que es por su gente y cuando sus integrantes -hombres y mujeres- se destacan, es bonito que la Universidad haga un reconocimiento. Publicar en revistas que están en el 10% superior de su disciplina en el mundo, publicar libros en editoriales reconocidas nacional e internacionalmente, ganar proyectos Fondecyt de iniciación y post doctorado en los primeros lugares, ser invitados a eventos artísticos internacionales, producir obras, creación; dan cuenta de la magnitud de los aportes que se realizan en las distintas disciplinas en la U. de Chile". Con razón decimos que nos sentimos orgullosos de la diversidad disciplinaria y valórica de Nuestra Casa de Estudios. Para todas y todos ustedes, para los equipos de trabajo, para sus Facultades y Departamentos, nuestras felicitaciones". Con estas palabras el Rector Víctor Pérez Vera felicitó a las académicas y académicos destacados en Investigación y Creación durante su discurso en la Ceremonia Oficial de Inauguración del Año Académico 2013.

En el ámbito de las publicaciones, la Universidad de Chile hizo un reconocimiento a académicos y académicas que han publicado libros en editoriales de reconocido prestigio intelectual, ya sea ensayos reflexivos e investigaciones de las Ciencias Sociales, las Humanidades, la Ciencia y las Artes, así como en el plano de la extensión cultural de la ciencia a la ciudadanía.

Uno de los merecedores de esta distinción en el área de las artes fue Sergio Rojas, filósofo, doctor en literatura, profesor adscrito al Departamento de Teoría de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile y actualmente Director de Investigación de esta Facultad.

"Creo que es una importante señal desde las Vicerrectorías de Investigación y Extensión respecto a la valoración de las publicaciones de libros. En mi caso, se trata de un reconocimiento por la publicación en el 2012 de mi libro "El Arte Agotado". Es el resultado de un trabajo que comenzó en un proyecto Fondecyt, continuó en seminarios y lo finalicé en una estadía en Texas el año 2011. El libro ha tenido hasta ahora una muy buena recepción, y entonces el reconocimiento desde las autoridades de la universidad está en correspondencia con la acogida que el público ha dado a este libro. En un contexto de generalizada "indexación" y cuantificación de la producción académica, una valoración de esta índole es una buena señal para las Humanidades en la Universidad", señaló el Profesor Sergio Rojas.

Además expone que "este reconocimiento es un incentivo al campo de nuestro trabajo académico de reflexión e investigación", lo cual sumado a las constantes opiniones y críticas de estudiantes y profesores en la cotidianeidad, lo impulsan a seguir trabajando y aportando en la reflexión teórica sobre el arte.

Sergio Rojas es autor de los libros "Materiales para una historia de la subjetividad" (2002), "Imaginar la Materia. Ensayos de Filosofía y Estética" (2003), "Nunca se han formado mundos en mi presencia". "La filosofía de David Hume" (2004), "Las obras y sus relatos" (2004), "Pensar el acontecimiento. Variaciones sobre la emergencia" (2005), "El problema de la historia en la filosofía crítica de Kant" (2008), "Las obras y sus relatos II" (2009), "Chile Arte Extremo: Nueva escena en el cambio de siglo" (en coautoría con Carolina Lara y Guillermo Machuca, 2010), "Escritura neobarroca" (2010), "El arte agotado" (Sangría, 2012) y "Catástrofe y trascendencia en la narrativa de Diamela Eltit" (Sangría, 2012).

DIRCOM y Comunicaciones Facultad de Artes

Lunes 6 de mayo de 2013

Gonzalo Díaz: "Esta iniciativa abre espacio a la valoración artística"

2013-05-26T04:15:23Z

"Propuesta de Actualización de Criterios de Meta-Valoración Académica de la Creación Artística" se titula el proyecto del Consejo de Evaluación que este artista, académico del Departamento de Artes Visuales y Premio Nacional de Artes dirigió junto a Cristóbal Holzapfel. El trabajo, que se extendió por más de un año, tuvo como objetivo establecer criterios e indicadores consensuados para la medición y evaluación académica de la creación artística al interior de la Universidad de Chile.

"Uno podría decir que esta inquietud tiene una larga historia que comienza en la época de la Reforma Universitaria. De hecho, creo que fue Balmes quien hizo el primer intento serio de poner la creación artística a nivel universitario en un periodo en que la Universidad de Chile estaba modificando su paradigma de una universidad docente a una científica de investigación, modelo que hoy impera en el todo el mundo. Entonces, como el espacio universitario académico es más bien científico, las disciplinas artísticas siempre se sentirán incómodas porque no logran hacer valer la especificidad de su funcionamiento, siendo ése el contexto en que se inscribe este proyecto", responde Gonzalo Díaz al preguntarle por el diagnóstico que originó la Propuesta de Actualización de Criterios de Meta-Valoración Académica de la Creación Artística, proyecto del Consejo de Evaluación que dirigió junto a Cristóbal Holzapfel y cuyos resultados fueron presentados en enero de este año ante la comunidad y las más altas autoridades de la Universidad.

La propuesta, enmarcada en el Proyecto de Desarrollo Institucional de la Universidad de Chile, tenía como objetivo establecer criterios e indicadores consensuados para la valoración, medición y evaluación académica de la creación artística en atención a una condición meta-evaluativa, antecedentes a partir de los cuales se generó una propuesta de Formulario Único para el acopio de información académica que permitirá incluir cualquier manifestación y/o acción académica en miras a actualizar y optimizar los procesos de evaluación y calificación. Impulsado y coordinado por el Consejo de Evaluación, la iniciativa contó con la participación de representantes de la Vicerrectoría de Asuntos Académicos, de la Vicerrectoría de Investigación y Desarrollo, de la Vicerrectoría de Extensión, de las Comisiones Superiores de Evaluación y Calificación y de las unidades académicas involucradas: los departamentos de Arquitectura, Diseño, Artes Visuales, Danza, Música, Teatro y la Carrera de Cine y Televisión.

El "Modelo para el diseño y evaluación de Procesos Estratégicos" fue la metodología utilizada para desarrollar esta propuesta, "modelo que hemos empleado en todos los proyectos del Consejo de Evaluación, que ha funcionado muy bien y que ha sido fundamental metodológica, institucional y políticamente hablando", dice Gonzalo Díaz, quien con anterioridad ya había trabajado en un proyecto similar del Consejo de Evaluación titulado Análisis y Actualización de la Evaluación de la Investigación en las Áreas de Humanidades, Ciencias del Arte, Ciencias Sociales y Ciencias de la Comunicación, iHACS, estudio que corroboró la existencia de disciplinas cuyo quehacer académico no se rige por los mismos cánones que las ciencias básicas y exactas. "En este proyecto, y en relación con las disciplinas vinculadas al arte pero que no significan creación artística, hablamos de 'ciencias del arte', un concepto que abarca todas las disciplinas teóricas sobre el arte, como historia del arte, estética, semiología, musicología o teoría del arte, para diferenciarlo de la creación artística propiamente tal, que pertenece a otro reino", añade al respecto.

De allí la formulación de la Propuesta de Actualización de Criterios de Meta-Valoración Académica de la Creación Artística, proyecto en que se trabajó durante un año y medio y que se tradujo en una Rúbrica de Criterios y en un Formulario Único, instrumentos que permitirán avanzar hacia una mayor estandarización del proceso de valoración de la creación artística en el ámbito académico universitario. "Hablar de meta-evaluación soluciona el problema del juicio estético que metía su cola en la evaluación académica, porque el trabajo de un artista debe validarse de acuerdo a la instancia en que se exhibe o se produce, al igual que un científico que publica un paper en determinada revista", explica Gonzalo Díaz, agregando que "se trata de reconocer el juicio experto de otros tanto en el sistema científico internacional como en la comunidad artística, que opera, al final, del mismo modo. Entonces, ése es el cambio que me parece fundamental porque supera esta cuestión impropia del juicio estético".

Esa incomodidad de la que habló en un comienzo, ¿es recíproca? Es decir, ¿la Universidad también está incómoda frente a la producción artística?

Habría que preguntarle a don Andrés Bello, aunque creo que cada vez más "la universidad", es decir, las facultades científicas, ven con mayor comprensión la actividad artística porque es una asunto del que se ha hablado y repetido hasta el cansancio en distintas instancias. Además, el Rector tiene una marcada comprensión de este tema, lo que ha quedado manifestado al insistir en que las humanidades y las ciencias sociales, que pertenecen al ámbito de la investigación propiamente tal, tienen características y condiciones de producción específicos que no pueden ser asimilados tan inmediatamente a los procedimientos de evaluación que se acostumbran en las ciencias básicas y exactas, y cuyos resultados se refieren siempre a publicaciones en revistas ISI, etc. Entonces, está más solucionada la cuestión de la evaluación en ese ámbito que en el del arte, donde, tal como le comentaba, se tendía a hacer la evaluación académica a partir de juicios estéticos, realizado además, por personas que son inhábiles para hacerlo, como son las comisiones superiores de evaluación y calificación, donde la gran mayoría de sus integrantes son científicos y no artistas o críticos de arte.

¿Y ello a qué responde?

Eso es algo que siempre pasa la Universidad de Chile y me imagino que en todas las grandes universidades, porque la mayoría de las facultades son científicas. De hecho, son sólo siete las disciplinas, de entre todas las que se cultivan en la universidad, que el proyecto reconoce como artísticas, quedando incluso Literatura fuera porque la Facultad de Filosofía y Humanidades manifestó no tener actividad académica de creación literaria. Y, como argumento, se dice que la Universidad de Chile no contrata a nadie por ser un gran poeta o novelista, sino porque sabe de literatura inglesa o de crítica literaria, mientras que en Arte sí se contrata a quienes son artistas porque, como tales, se cree conveniente que ellos enseñen lo que hacen. Entonces, la meta-evaluación no sólo elimina el problema del juicio estético del que le hablaba, sino que además elimina esa otra tendencia que suele darse entre los artistas de la Universidad, porque como es un tanto complejo hacer esta evaluación, entonces es más cómodo decir que lo que hacemos es inevaluable e inconmensurable: seríamos unos seres tan extraordinariamente especiales que hacemos "cosas que son imposibles de evaluar".

¿Ese discurso salía desde la Facultad de Artes?

Es un discurso que expresa un criterio que siempre termina saliendo. De hecho, en las primeras reuniones que hicimos con expertos en el marco del desarrollo del iHACS, hubo académicos que dijeron que las ciencias sociales eran inconmensurables. Entonces, se diría que con mayor razón el arte. Y eso se repite en la actual Comisión de Evaluación de la Facultad de Artes, instancia en la que participo desde hace un par de meses y donde el criterio tiende a ser más o menos ése, con la salvedad de que se trata, en este caso, de evaluación de pares que conocen los pormenores de las disciplinas artísticas y sus condiciones de producción. Pero hablando en general, la evaluación académica debería realizarse a partir de una adecuada acreditación documental de las obras -ése es el "curriculum normalizado"- que permita a cualquier persona interiorizada de los criterios jerárquicos establecidos en el Reglamento de Carrera Académica, evaluar la producción artística de un artista, independiente de la disciplina de la que provenga el evaluador.

La propuesta: Criterios e instrumento

La Rúbrica de Criterios y el Formulario Único fueron las propuestas emanadas de esta iniciativa dirigida por Gonzalo Díaz y Cristóbal Holzapfel. La primera tuvo como referente las rúbricas de criterios de valoración que surgieron en el marco del desarrollo del iHACS y que sirvieron como ejemplo para la elaboración de esta propuesta: una única rúbrica que permita guiar la evaluación de toda manifestación de creación artística, contribuyendo así a la sistematización y homogeneización de los procesos de gestión académica. Por la complejidad de la tarea, además se llevaron a cabo dos estudios comparados de criterios de valoración de la creación artística realizados a nivel internacional, privilegiando el análisis de las instituciones mejor posicionadas en los rankings a nivel latinoamericano e internacional, como Harvard, Yale, Auckland, Autónoma de México y Universidad de Buenos Aires, entre otras casas de estudio.

Así fueron emergiendo definiciones generales de la actividad académica y de la creación artística, criterios de promoción de la carrera académica y "productos" a declarar por jerarquía, encontrándose una homologación entre criterios de investigación y creación en los que predominaba la evaluación de pares como criterio de reconocimiento, la publicación en instancias validadas de difusión, así como la originalidad y actividad profesional establecida. "Es decir, evaluar a partir de la acreditación documentada del trabajo del artista de acuerdo a parámetros preestablecios", señala Gonzalo Díaz.

De esa forma es que la Rúbrica, que debe ser constantemente revisada y actualizada, operará como una matriz que permita transversalizar criterios, estandarizando y objetivando un proceso que es eminentemente subjetivo y que continuará con la implementación de un instrumento que permita clasificar de mejor forma las manifestaciones y/o productos con fines estadísticos y facilitar una precalificación del producto, al corresponder las categorías a las dimensiones y niveles expuestos en la Rúbrica de Criterios. Dicho instrumento se corresponde con un Formulario Único compuesto por 18 campos y 49 subcampos en una estructura estandarizada que abarcaría las manifestaciones y acciones académicas de la creación artística, categorías producidas en función del análisis realizado durante el proceso de formulación de la Rúbrica y que sintetiza en un solo listado las dimensiones de las pautas de Calificación para las disciplinas artísticas.

Profesor, ¿cuándo comenzará a implementarse el Formulario Único?

Está siendo puesto a prueba ahora. Fue enviado a los integrantes del Comité para que lo pusieran a prueba entre sus académicos con el objetivo de ajustar algún detalle de acuerdo a la realidad de cada disciplina. Es más, le pusimos Formulario Único porque nos dimos cuenta de que puede ser aplicado a toda la Universidad de Chile. Ésa es la pretensión del Consejo de Evaluación, que la Universidad de Chile tenga un solo formulario donde quepa toda la actividad creativa académica, sea científica, técnica, científico-técnica, artística o de humanidades y ciencias sociales, porque así como hay un solo Reglamento de Carrera Académica para toda la Universidad, que define los mismos criterios jerárquicos para un bailarín y para un biólogo, creemos que debe existir un formulario capaz de recoger adecuadamente todas las actividades creativas que se den al interior de la Universidad de Chile. Por eso es que estamos ajustándolo de acuerdo a las observaciones que hagan los académicos para implementar este Formulario que tiene la ventaja de tener "profundidad computacional" y, con ello, de permitirnos conocer cuantitativamente la actividad artística en la Universidad de Chile.

¿Automáticamente?

Bueno, las actividades las ingresan los académicos en los procesos regulares de calificación que ocurren cada dos años. De acuerdo a este Formulario lo podrán hacer de manera adecuada. El mismo proceso de calificación valida esa información. Teniendo la información parametrizada y verosímil se podrá contabilizar, clasificar y analizar mucho más fácilmente que hasta ahora. Por eso es que cuando el Rector entrega su cuenta al Consejo Universitario, al Senado, al Ministerio de Educación o al público en general, cuantifica la investigación científica pero no la creación artística, porque esos datos no siempre están actualizados, porque no se recoge la información adecuadamente. De hecho, cuando iniciamos este proyecto, sabíamos que era fundamental contar con un mapa de la actividad artística para saber qué y cuánto hacemos, pero intentar recopilar esa información tal como está registrada actualmente en el Proceso de Calificación fue muy difícil y engorroso porque no estaban claros los conceptos y las denominaciones.

¿El hecho de que actualmente estén en periodo de ajustes, implica que el Formulario comenzará a operar en 2014?

Se espera poder emplear este Formulario en el Proceso de Calificación que se inicia ahora. De hecho, la Comisión Superior de Calificación, que participó activamente en este proyecto, está de acuerdo pues además es técnicamente posible.

¿A qué cree usted que se deba esta especie de acuerdo transversal para abordar la problemática de la creación artística en este momento en particular?

Esta cuestión se viene machacando desde hace tiempo, desde Balmes, como le comentaba, cuando la Universidad de Chile tenía un verdadero carácter de universidad pública, estatal y nacional. Sin embargo, ese trabajo quedó ahí, interrumpido como muchas cosas en la universidad. Ahora tenemos una gran ventaja pues el Rector tenía como parte de su programa la implementación de este enorme proyecto de desarrollo y revitalización de las humanidades, las artes y las ciencias sociales, una cuestión totalmente inesperada viniendo de un ingeniero y un importante punto a favor para esta propuesta que claramente se vincula a la Iniciativa Bicentenario. Pero claro, en esta lógica científico tecnocrática y en el contexto neoliberal de la hipermercantilización de todas las actividades humanas, las artes, las humanidades y las ciencias sociales efectivamente están devaluadas en todo el mundo.

¿Por qué?

En nuestro caso, una causa evidente es la intervención militar en la Universidad, pero corresponde además a una tendencia a nivel internacional. Lo comprobamos en los estudios comparativos que arrojaron como resultado que en todas partes existía este problema. De hecho, fue bien impresionante porque hicimos una consulta a cincuenta importantes universidades del mundo, y en sus respuestas se notaba que ése era un problema mundial, esta deflación de las humanidades versus la inflación y supremacía de la lógica científico técnica.

Desde esa perspectiva, ¿cómo recibieron el anuncio de la creación del Departamento de Creación Artística?

Eso surgió inesperadamente ahí mismo, en el seminario que a mediados de enero hicimos para presentar los resultados de este proyecto, y es signo de que éste fue un trabajo consistente, con conceptos claros, metodología y propuestas precisas. Por lo tanto, creo que el Rector vio que era suficiente para justificar una respuesta institucional y específica a esta cuestión de la que se había estado hablando y con la que la Universidad de Chile estaba en deuda desde hace rato. Y este Departamento de Creación Artística estará alojado en la Vicerrectoría de Investigación y Desarrollo porque el concepto de Investigación científica y tecnológica implica una dimensión de creatividad que se comparte ejemplarmente con la Creación artística. Eso está reconocido en el Estatuto y en los reglamentos, y aunque ha sido más o menos letra muerta hasta ahora, creo que este tipo de iniciativas van, de a poco, abriendo el espacio a la valoración y al reconocimiento institucional de la creación artística.

Doctorado en las áreas artísticas

Un Instructivo de Rectoría que determinó como requisito el grado de Doctor o equivalente para las nuevas contrataciones de académicos de media jornada o más de la Carrera Ordinaria fue lo que motivó una investigación en torno a la función y significado de ese grado académico en las áreas de creación artística, "un tema que abordamos en los últimos tres meses de ejecución de este proyecto porque no estaba previsto en el diseño original, coincidiendo con concursos de la Facultad de Artes que llamaban exclusivamente a doctores en un área donde el doctorado todavía no tiene tradición, donde nadie sabe si existe. Por eso es que hicimos una averiguación internacional y nos dimos cuenta de que la mayoría de los doctorados en arte no son propiamente en arte, puesto que a diferencia de los doctorados tradicionales, la tesis de grado debiera consistir en la formulación, ejecución y exhibición de un proyecto de obra del doctorando", explica Gonzalo Díaz.

De allí que en el marco de este proyecto se haya trabajado en la definición de Doctorado por Obra, Doctorado por Trayectoria y aquello de la equivalencia del grado de Doctor. Lo primero se refiere a aquellos programas de formación académica que concluyen con la obtención formal del grado de Doctor mediante la formulación, producción y presentación de un proyecto de obra acompañada de una exégesis; lo segundo sería la entrega excepcional del grado de Doctor a un académico, que no habiendo cursado un programa formal de doctorado, tiene una trayectoria contundente, amplio reconocimiento, liderazgo nacional e internacional y un enorme compromiso institucional; mientras lo tercero está pensado exclusivamente para las disciplinas artísticas en las que no existe la tradición formativa del doctorado y donde la obtención del grado de Doctor no garantiza necesariamente la capacidad creativa, la voluntad de obra de largo aliento y/o el talento artístico.

"Todos esos conceptos que uno podría pensar que son claros como el agua realmente no lo son", dice Gonzalo Díaz, añadiendo que lo que se hizo en este proyecto para determinar la equivalencia del grado fue caracterizar un doctor recién graduado del área científica: "Un sujeto de alrededor de 30 años, con pocos papers aún, que trabaja con su tutor, que es un pequeño genio en su disciplina, sabe investigar pero tiene poca autonomía, porque un doctorado en esas áreas está referido por lo general a los proyectos de investigación de su profesor en el laboratorio o del equipo de investigación del que forma parte. Pero ¿cuál es entonces el equivalente a ese estado de formación en las disciplinas artísticas?", se pregunta Gonzalo Díaz.

"Pues bien, un sujeto de esa misma edad que tenga un par de exposiciones individuales, que haya participado además en instancias colectivas de alguna importancia, en una bienal, y que haya ganado algunos concursos Fondart. Eso sería equivalente a un joven recién doctorado en alguna disciplina científica, es decir, un artista que tiene autonomía, que por igual es un pequeño genio en su disciplina, que tiene aún poco curriculum porque es joven, que es capaz de formular un proyecto de obra complejo, de realizarlo con la máxima exigencia formal y conceptual y que logra un espacio de exhibición con prestigio entre la comunidad artística. O sea, varios de los artistas jóvenes que conocemos, bastante geniales, y que sin embargo andan por la calle chutiando piedras", añade al respecto.

¿Así se acordó? Es decir, ¿se considerará de ese modo en un próximo llamado a concurso?

Fue incluido en este proyecto porque estaba empezando a haber problemas respecto a lo que se podía entender por "o equivalente", y como el Consejo de Evaluación pedía formularlo y nosotros ya estábamos en el trabajo de valoración y evaluación de la actividad artística, lo incluimos. Entonces, la formulación de esta equivalencia del grado de doctor para las disciplinas artísticas, y que en el contexto actual es fundamental, operaría a partir de la generación de una normativa oficial simple que establezca estos requisitos formales, que servirán de criterio general para los concursos académicos en estas áreas.

¿Habrá Doctorado en Artes en la Facultad de Artes?

Lo del diseño del Doctorado por Obra ya se está iniciando con la participación de la VID y será un programa de la Facultad de Artes en conjunto con el Instituto de Comunicación e Imagen. Se piensa como un programa de Doctorado en Artes en general, al que puedan ingresar artistas de cualquier disciplina. Entonces, ya está el acuerdo entre estas dos unidades, y como me pidieron que me hiciera cargo de implementar este proyecto, he pensado en trabajar con este mismo equipo, porque están representadas todas las disciplinas. Además, quiero invitar a Pablo Oyarzún, quien dirige el Doctorado en Estética, porque yo no tengo idea de la estructura de un doctorado, no tengo esa tradición académica, pero sé que algo de un doctorado científico tendrá que tener este programa, porque los doctorados son una invención de los filósofos y de los científicos, no de los artistas. Entonces "hablando en reversa y en reserva", aquí estamos otra vez remedando una forma que no nos corresponde. Si el imperio del Arte tuviera verdaderas facultades, yo diría no a los doctorados en arte, porque aquí, aunque la exigencia es mucha, es muy otra. Pero, aprovechando la figura de la translatio que es muy artística, el doctorado en arte será como una fábrica con una fragua de Vulcano y una grúa con un rayo de neón para producir el efecto dramático deus ex machina.

En ese sentido, ¿cómo se vincula esa necesidad de grados académicos con los procesos de acreditación?

Volviendo al plano prosaico de la realidad, se vincula porque toda esta cuestión es un negociado en el que existe una especie de inflación de títulos y grados y se ganan créditos y prestigio por la cantidad de doctores con que cuenta la planta académica de una institución. Inflación de títulos y grados porque, de hecho, en las áreas en que el doctorado tiene verdadera tradición y la obtención de ese grado indica algo real con respecto a la pertinencia disciplinaria del sujeto, ya no sirve mucho ser meramente doctor sino con cuántos postdoctorados se engrosa el curriculum.

¿Y Artes va a tener que entrar obligatoriamente en esa dinámica?

Ya entró con el Magíster. El Magíster tampoco es una estructura propiamente artística, porque la maestría en arte se obtiene y se demuestra de otra manera, que es lo que nosotros intentamos hacer en el Magíster en Artes Visuales, una especie de anti magíster -que no lean esta entrevista en la CNA. Y aunque la validez artística no es nunca administrativa -en ciencias lo es más-, tenemos que entrar en esa norma, como también tenemos que poner una nota, una cifra con coma por un cuadro al óleo. Para mí, las artes no deben ser universitarias, ése es mi alegato final, pero muy final. En Alemania no son universitarias, en Italia tampoco. En Inglaterra sí, pero no en todas partes. En Estados Unidos sí. Por eso es que yo siempre pongo el ejemplo de la Academia de Bellas Artes del Parque Forestal, porque aún estando al alero de la Universidad de Chile no pedía la prueba de aptitud académica para postular, pero el examen de admisión duraba un mes; el Taller de Croquis de la Gracia Barrios con Nelson Leiva a las 6 de la tarde, era libre y siempre había un par de pacos de uniforme, monjas con hábito, choferes de taxi dibujando la modelo desnuda junto a los estudiantes de arte. La escuela tenía mucha más independencia académica y la Facultad, además de ser la envidia de los ingenieros y de los de la Facultad de Derecho que quedaba cerca, era más facultad que ahora. Pero era otra época, feliz y desgraciadamente.

Texto: Isis Díaz López / Periodista Facultad de Artes
Fuente: Propuesta de Actualización y Discurso de Gonzalo Díaz en Seminario de cierre
Fotografías: Alejandra Fuenzalida

Lunes 6 de mayo de 2013

Gustavo Figueroa: "Contribuimos al desarrollo cultural local"

2013-05-26T04:15:23Z

"Hemos contribuido al desarrollo de la cultura y las artes a través de los 532 titulados del Programa a lo largo de su trayectoria", señaló Gustavo Figueroa, coordinador del Diploma Virtual en Gestión Cultural de la Escuela de Postgrado de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, quien se refirió al Postítulo que abre un segundo periodo de postulaciones para participar de su novena versión.

Con el objetivo de ser una alternativa de formación académica en el ámbito de la Gestión Cultural, que fortalezca las competencias y profesionalización de los gestores culturales del país a través de una modalida E-Learning, el Diplomado Virtual en Gestión Cultural impulsado y desarrollado por la Escuela de Postgrado de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile desde el año 2004, abre un segundo periodo de postulaciones hasta el 31 de mayo, para todos aquellos profesionales que deseen especializar sus conocimientos en esta materia.

Cabe destacar que este Programa de extensión académica funciona a través de un campus universitario virtual, que combina una metodología teórica y práctica apta para el intercambio de experiencias, la exploración y creación de redes entre los participantes. Por otra parte, el Consejo Nacional de la Cultura y la Artes (CNCA) y la Organización de Estados Iberoamericanos para la Educación, la Ciencia y la Cultura (OEI), han contribuido al desarrollo del programa desde sus inicios a través de difusión y convocatoria a nivel nacional, posibilitando además la presencia internacional de destacados especialistas extranjeros que la OEI aporta.

Durante sus ocho años de trayectoria, más de quinientos gestores culturales de todo el país, incluidos dos extranjeros -uno de España y otro de Perú- han egresado del Diploma, que además de proporcionar conocimientos teóricos actualizados que permiten una comprensión de los procesos de desarrollo cultural desde una perspectiva local y global, ha propiciado un espacio de encuentro, análisis y reflexión disciplinar entre los estudiantes en diálogo con expertos, especialistas y académicos nacionales e internacionales del área.

El profesor Gustavo Figueroa, coordinador del Diploma, habla sobre la importancia del programa y se refiere a las ventajas que ofrece la modalidad E-Learning para aquellos profesionales que deseen una formación especializada en Gestión Cultural y en la elaboración de proyectos de esa área.

Este año se imparte la novena versión del Diplomado ¿Por qué se ha sostenido por tanto tiempo?

Creo que este Programa se ha sostenido por varios factores. En primer lugar hay que mencionar la calidad académica que siempre hemos procurado lograr y mantener, tanto en lo que se refiere al diseño de nuestra malla académica como a la calidad de los profesores que han participado a lo largo de sus versiones, en el contexto de la tradición que, como Universidad de Chile, se ha construido en el tema de la Gestión Cultural. Otro factor es el hecho de que se trata de un Diploma, fundamentalmente, en formato E-Learning, lo que ha permitido la descentralización, es decir, la posibilidad de que puedan participar estudiantes provenientes de los lugares más apartados del país, siendo éste uno de los objetivos más importantes que dieron origen al programa.

¿Cómo aporta este diplomado a la Gestión Cultural en Chile?

Es difícil intentar dimensionar más o menos objetivamente el aporte de este programa al desarrollo y consolidación de la Gestión Cultural en el país. Un indicador puede establecerse en la cantidad de estudiantes egresados y titulados, cifra que según nuestros registros se situaría en torno a los 550 estudiantes que se han titulado desde que comenzáramos el año 2004, hasta la última versión (2012) que estamos finalizando precisamente ahora. Sin embargo, pienso que el aporte más significativo debiera estimarse en la contribución real de nuestros egresados y titulados al desarrollo de las artes y las culturas locales.

¿Cómo perciben la labor de un gestor cultural en la actualidad?

Es un tema en permanente discusión, considerando que se trata de una especialidad académica y profesional en pleno desarrollo en nuestro país e incluso a nivel internacional. Creo que en principio existen dos maneras de aproximarse a este tema, en primer, lugar entender la Gestión Cultural desde una perspectiva específica o referida a casos particulares y concretos, es el caso del gestor cultural que desarrolla su labor al frente o como parte de un equipo profesional que trabaja en un Centro Cultural, un Museo, una Sala de Teatro, una Corporación Cultural o empresas culturales de diverso tipo. Espacios en cierto modo específicos, pero que no obstante pueden lograr repercusiones de nivel local, comunal, regional e incluso nacional o internacional. En este sentido, Lollapalooza, por ejemplo, que hace poco ha tenido lugar, puede entenderse como un caso de gestión cultural en el ámbito de la música popular.

¿Y cómo sería entonces la labor de un(a) gestor(a) cultural a nivel global?

Como lo señala Alfons Martinell, la Gestión Cultural puede entenderse de una manera territorial y socialmente más general. Desde esta perspectiva más amplia, la Gestión Cultural se aproximaría más a las políticas públicas culturales, a los temas que vinculan las artes y la cultura con el desarrollo. Este sería el caso de, por ejemplo, un gestor (o gestora) cultural municipal, cuya labor se relacionaría con las políticas culturales comunales lo que implica una visión más global y completa del desarrollo cultural territorial.

La descentralización ha sido una temática fundamental para el programa ¿De qué manera la han abordado?

Creo que la política de descentralización es un tema transversal que involucra a la Universidad de Chile en su conjunto y se relaciona con la inspiración nacional que históricamente ha vinculado a la Universidad con los temas fundamentales del país. Nuestro caso en concreto debe entenderse en ese contexto y se relaciona con la apertura de posibilidades, con la oportunidad de ofrecer un espacio de formación académica, de participación e intercambio de experiencias, como una manera de contribuir al desarrollo, reconociendo y potenciando las riquezas culturales presentes en los territorios, desde uno de los factores más importantes, las capacidades humanas.

¿Cuáles son las proyecciones y desafíos del programa para este año?

Queremos seguir contribuyendo en la profesionalización de esta especialidad y en la formación de gestores culturales que puedan ser capaces de llevar a cabo su labor desde una perspectiva de desarrollo de las artes y las culturas locales.

Las postulaciones al Diplomado estarán abiertas hasta el 31 de mayo. Las clases comienzan con una Jornada Presencial Inaugural programada para los días 22 y 23 de junio. Además el programa cuenta de siete asignaturas en las que se trabajarán los contenidos y metodologías de la especialidad, articulados en conjunto y de manera central, en torno a la estrategia de proyectos culturales, para culminar con una última jornada presencial.

Para mayor información contactarse con Mitzy Flores, secretaria del Programa, a los teléfonos (56 2) 2978 7514 - 2978 7510, o al correo electrónico: artepost@uchile.cl

Igora Martínez, periodista Escuela de Postgrado

Viernes 3 de mayo de 2013