Noticias Universidad de Chile

Diseño Teatral inicia nueva temporada de "Encuentro con Diseñadores"

2022-03-21T13:09:38Z

Este 2022 la coordinación de la carrera de Licenciatura en Artes con mención en Diseño Teatral retomó los "Encuentros con Diseñadores", instancias pensadas para estudiantes y público general para visibilizar y compartir experiencias relacionadas al quehacer escénico, enfocado en el área del diseño.

Los Encuentros con diseñadores son instancias que buscan generar espacios de intercambio de conocimientos y experiencias, entre diseñadores profesionales, académicos y estudiantes. Estas actividades, si bien están enfocadas en la carrera de Diseño Teatral, son abiertas a todo público. Para comenzar, este miércoles 16 de marzo a las 12.15 hrs, en la Sala Sergio Aguirre, se realizará la primera versión en donde se conversará sobre el proyecto "Gabinete de curiosidades: archivo de creación de Sergio Zapata", que se presentó recientemente en el Centro Cultural Gabriela Mistral.

En esta ocasión expondrán las diseñadoras escénicas, Catalina Devia (diseñadora escénica, egresada de la carrera de Diseño Teatral del Departamento de Teatro de la Universidad de Chile) y Pía Gutiérrez (investigadora, licenciada en Letras de la Universidad Católica), compartirán su experiencia y reflexiones, en el proceso de curatoría para la realización de la exposición “Gabinete de Curiosidades”, que destaca imágenes de algunos hitos en el recorrido de los proceso creativos del Diseñador Escénico Sergio Zapata (1934 – 2016).

Sergio Zapata, fue el primer egresado de Diseño Teatral de la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile (1955); diseñó piezas icónicas como la escenografía de Marat Sade (1966), el vestuario de la rupturista Fausto Shock (1977) o el emblemático mascarón de proa de Fulgor y muerte de Joaquín Murieta (1967).

Si eres externo a la comunidad del Departamento y deseas participar, debes escribir a produccion.detuch@gmail.com indicando nombre completo, rut y teléfono. Para ingresar al Departamento de Teatro se tomará la temperatura, se pedirá Pase de Movilidad y Carnet de identidad.

Viernes 18 de marzo de 2022

Elisa Gayán Contador: la primera decana de la Universidad de Chile

2022-03-21T13:09:38Z

La musicóloga y subdirectora del Departamento de Música (DMUS), prof. Fernanda Vera, releva los aportes de una música, docente y quien además fue la primera mujer en asumir el cargo de decana en la Universidad de Chile.

Este 2022, cuando la conmemoración del 8M viene marcada por un sello constitucional que involucra una mayor presencia de nosotras en los espacios públicos, quiero recordar y destacar a Elisa Gayán Contador (1912-1972).

Elisa Gayán fue una mujer música, nacida en una familia con fuertes aficiones musicales. A diferencia de otras mujeres de su contexto social y político impulsó su quehacer a espacios que no eran comunes para ellas. Tanto así que hoy su legado constituye un faro que es capaz de guiar e inspirar otras trayectorias profesionales.

Se inició en la docencia en el Conservatorio reformado en 1928 como profesora de piano de los “Cursos nocturnos para empleados y obreros”. A mi juicio, este primer contacto docente con otro tipo de estudiantes será algo que marcará profundamente su quehacer y constituirá el germen de iniciativas futuras.

Además de su rol como profesora de piano, que nunca abandonó a lo largo de su carrera, se interesó por otros ámbitos disciplinares relacionados con el quehacer musical. Fue pionera en docencia de sicopedagogía (también considerado entonces como sicología de la música), de musicoterapia (meloterapia en la época) y de metodología musical. Todas estas materias que hasta ese momento no tenían presencia curricular en la formación profesional de músicos. Dicho quehacer fue sostenido y difundido mediante la publicación de 19 escritos en la Revista Musical Chilena.

Desde 1931, y hasta su retiro, ejerció cargos administrativos que le permitieron plasmar su sello e impulsar en distintas iniciativas relacionadas con la enseñanza de la música en nuestro país, tanto en espacios formales e informales como en todos los niveles educativos. Convencida de la necesaria incidencia de educadores musicales en todas las áreas posibles, medió y posibilitó la presencia del sello de la Universidad de Chile a lo largo del país a través de acciones pedagógico-musicales. Grosso modo, hubo dos ámbitos de este tipo de acciones que han tenido una repercusión amplia que hoy podemos aún evidenciar. Uno de ellos fue su relación con la Asociación de Educación Musical de la cual fue socia fundadora y posteriormente presidenta en 1966; y el otro fue el impulso que dio a los cursos vespertinos de extensión musical, iniciativa que posteriormente se conoció como Escuela Musical Vespertina. Esta acción fue la que posibilitó también la entrada de otros músicos y de otros repertorios al espacio universitario, con repercusiones sociales y culturales de amplia envergadura.

Su relación con la Asociación de Educación Musical se materializó en una presencia considerable de la Universidad de Chile en regiones mediante la creación de la carrera de Pedagogía en Música en todas las sedes. Su vínculo con la Escuela Musical Vespertina permitió la creación de la carrera de Educación Musical para la Enseñanza Básica lo que posibilitó el perfeccionamiento de profesores normalistas, expandiendo así la educación musical a contextos sociales más precarios que no podían llegar a la sede de la Facultad. Es decir, permitió llevar la enseñanza de la música a los propios entornos de la gente.

Todas estas acciones, planificadas e implementadas con rigor y perseverancia, fueron las que posibilitaron que Elisa Gayán fuese elegida por unanimidad decana de la Facultad de Bellas Artes en 1968. Siendo así la primera mujer decana de la Universidad de Chile.

Si bien su legado se difuminó durante la dictadura militar y aún durante la vuelta a la democracia, hoy es fácilmente distinguible. Además de su rol como formadora de importantes y conocidos pianistas como profesora de cátedra, impulsó la creación de la Licenciatura en Artes con mención en Sonido, fue iniciadora de la musicoterapia en Chile, permitió el ingreso de la música popular a la Facultad de Artes, llevó a regiones la formación profesional de profesores de música y también se enfocó en posibilitar el perfeccionamiento docente para que la educación musical pudiese llegar a todos los espacios. Finalmente, dentro de su quehacer tan fecundo tampoco olvidó la necesidad de entregar insumos escritos que posibilitasen la formación a distancia de otros colegas, mediante la publicación de textos y escritos alusivos a los temas de su interés.

Demás está agregar que a su rol académico sumó una importante gestión administrativa que dio solidez a sus iniciativas y permitió su permanencia.

Hoy Elisa Gayán, mujer de compromiso político activo, perseverante, rigurosa y generosa nos aparece como figura pionera que debe ser necesariamente relevada para guiar nuevas trayectorias en la música.

Fernanda Vera, musicóloga y subdirectora del Departamento de Música.

Viernes 18 de marzo de 2022

“Aguacero” una obra que reflexiona sobre el abuso en Sala Agustín Siré

2022-03-21T13:09:38Z

Entre el 17 y el 26 de marzo a las 20 hrs. en la Sala Agustín Siré del Departamento de Teatro de la Universidad de Chile, se presentará “Aguacero” dirigida por Andrea Giadach. El montaje indaga en la idea del abuso como una acción que puede coexistir y habitar en una misma persona ¿Hasta qué punto lo monstruoso nos habita tras el abuso?

Este 2022 el Departamento de Teatro de la Universidad de Chile exhibe nuevamente Aguacero, entre el 17 y el 26 de marzo en su Sala Agustín Siré (ubicada en Morandé 750). La obra dirigida por Andrea Giadach, está construida en base a los textos “Aguacero de Mayo” y “La ciudad de la fruta” de Leyla Selman; completándose con manifiestos biográficos del equipo.

“La excelente recepción del público ha llevado a reestrenar la obra. Estamos muy felices de continuar con Aguacero en este marzo feminista y de cambio de mando, ya que podremos hacer vínculo con la particular experiencia que se vive presenciando el montaje, y propiciando las reflexiones que despierta este trabajo experimental. Ha resultado un gran hallazgo el trabajo conjunto creadoras/es musicales y teatrales, que sin duda ha despertado el interés por la obra”, destaca la directora Andrea Giadach.

Este ejercicio escénico se configura a partir de las ideas que van surgiendo en la creación colectiva relacionadas al abuso, la colonización micro y macro: del cuerpo individual, cuerpo colectivo. “La idea de concierto está presente como aglutinadora de los materiales, lo que ha resultado muy estimulante, ya que existen composiciones de canciones, música y sonoridades que han realizado las y los creadores de este montaje. El montaje expone diversas imágenes que van emergiendo sin una lógica lineal. Diría que van pulsando en diversos volúmenes visuales y sonoros”, destaca Andrea Giadach, directora de la obra. “Los monstruos estaban afuera, pero también adentro” es una frase del montaje que sintetiza dos ideas que se instalan en el proceso de creación como cuestionamientos movilizantes ¿Hasta qué punto lo monstruoso nos habita tras el abuso? ¿Cómo instalamos estéticamente el doble estado de ser abusadas/os y abusadores? “La creación ha sido una experiencia catalizadora y nuestra invitación es a vivir esta obra desde una experiencia estética no racional” destaca la directora.

En la obra una bandada de voces, seres y pájaros ponen en concierto reflexiones, cantos y declaraciones, sobre abusos bajo un aguacero que cae sobre una memoria a punto de secarse. La creación e interpretación está conformado por Joaquín Batarce Latorre, Constanza Coñuecar Escobar, Christian Godoy, Cisco Guerra, Simona Ibarra, Alejandra Mancilla, Camila Masman, Tony Mendez, María Victoria Ponce, Amatista Saavedra Lizana, Aldo Sandrino, Loreto Vial. Mientras que el diseño escénico realizado por Alioshka Calderón Letelier, Rayen Morales Cayupan; y la composición e interpretación está a cargo de: Daniel Aedo, Amalia Garay, Sebastián Pavez Signé.

La entrada tiene un valor general de $5.500 pesos general y $3.000 pesos para estudiantes y 3° edad. Advertencia: Esta obra presenta contenido sensible sobre abuso sexual.

Martes 15 de marzo de 2022

Escultura de Patricia del Canto es instalada en parque de Renca

2022-03-21T13:09:38Z

"SITUS POESIS (Lugar Poético)" se titula la escultura-lugar realizada por la escultora y académica del DAV, Patricia del Canto, la que fue seleccionada para ser parte del Parque Urbano Lo Varas de Renca. A continuación, la creadora se refiere a su obra y la importancia de alojarla en el espacio público.

Un convenio de colaboración entre el Parque Metropolitano de Santiago, PARQUEMET, y la Dirección de Arquitectura del Ministerio de Obras Públicas, busca promover la incorporación gradual de obras de arte en los espacios públicos, áreas verdes e instalaciones de PARQUEMET; además de establecer un trabajo coordinado y conjunto.

En el marco de ese convenio, el Parque Metropolitano de Santiago con la asesoría de la Dirección Nacional de Arquitectura del Ministerio de Obras Públicas -organismo técnico asesor de la Comisión Nemesio Antúnez-, determinaron la instalación de obras de arte público en cuatro parques urbanos de la Región Metropolitana, entre los que se encuentra el Parque Urbano Lo Varas de la comuna de Renca.

Es precisamente en ese lugar donde la Comisión Nemesio Antúnez determinó que la obra de arte diseñada y ejecutada por la artista visual, escultora y académica del Departamento de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, Patricia Del Canto Vargas, fuera instalada. Así comenzó la creación de SITUS POESIS (Lugar Poético), una escultura que con 2 metros de alto fue realizada en piedra Basalto y acero natural patinado, la cual está conformada por dos espirales concéntricas -una de estructura volumétrica de piedra basalto y la otra de estructura laminar construida de acero patinado-, que alude al inicio, desarrollo, crecimiento, evolución sinérgica y a la completitud.

“SITUS POESIS es una escultura cuyas dimensiones operan dentro del formato antropométrico, es decir, a escala del ser humano adulto, ya que se propone como escultura-lugar para ser recorrida y abarcada como unidad interactiva, trascendiendo el concepto de objeto de contemplación y recorrido desde afuera, desde una distancia, para configurar un sistema sinérgico, incorporando en su intencionalidad y estructuración la posibilidad de ser integrada y de esa manera alterar su pasividad de objeto inerte al ser activada por la presencia actuante del ser humano, su inteligencia y sentimientos”, explicó su creadora, Patricia del Canto.

De este modo la escultura se propone como un lugar dentro de otro lugar, en este caso el Parque Lo Varas, invitando a integrarse a ella activamente y desde allí conectarse con el entorno, el paisaje y naturaleza circundante, más que solo contemplar pasivamente la obra.

“Es una escultura interactiva que permite un recorrido ‘vivible’, puede visitarse, integrarse a ella, solo se debe tener presente que no es propiamente ‘lúdica’, no es el juego la intención que la define, más bien se propone como un lugar de silencio, de paz, de contemplación y diálogo interior”, acotó la artista.

Además, las materialidades con la que está construida SITUS POESIS operan dentro de criterios ecológicos medioambientales, al ser materiales extraídos de la naturaleza, sustentables y no contaminantes como son la piedra basalto y el acero patinado.

Asimismo, la instalación de esta obra en un parque público es de gran importancia para la artista quien sentenció que “sin duda para mí como escultora cada vez que instalo una obra de mi autoría en el espacio público, siento que se refrenda al más alto nivel el real sentido de lo que he elegido como camino de vida, la escultura” concluyó.

Para conocer la obra SITUS POESIS de Patricia del Canto debes dirigirte al Parque Lo Varas, ubicado en Totoral Bajo Nº 1018 Comuna de Renca, Región Metropolitana.

Texto: Igora Martínez, periodista del DAV.

Jueves 10 de marzo de 2022

Resultados provisorios elección de Director/a del Depto. de Música

2022-03-21T13:09:38Z

Se informa que el día 09 de marzo de 2022, se realizó elección en modalidad on–line de Director/a del Departamento de Música. La apertura de urnas inició a las 09:05 horas, con cierre a las 17:05 horas, dando así cumplimiento a lo estipulado en el Reglamento.

En ese contexto es que la Junta Electoral Local que preside la Vicedecana de la Facultad de Artes, prof. María Verónica Canales Lobos, comunica los resultados provisorios.

Claustro Electoral: 64 académicos
Claustro Votante: 45 académicos
Votos válidamente emitidos: 36 votos

CANDIDATO DIRECTOR

ROLANDO CORI TRAVERSO: 33 votos ponderados
Prof. Asociado, Jornada Completa
Votos nulos: 6 votos
Votos blancos 3 votos

Más información en enlaces relacionados.

Comunicaciones Facultad de Artes

Miércoles 9 de marzo de 2022

8M en la Facultad de Artes

2022-03-21T13:09:38Z

En el marco de una nueva conmemoración del Día Internacional de la Mujer, les invitamos a conocer iniciativas que han surgido desde las unidades de la Facultad de Artes en este 8M.

En el marco del Día Internacional de la Mujer, el Departamento de Teatro ha querido visibilizar a algunas de las mujeres -que fueron y son- claves dentro de la escena nacional y fundamentales para lo que hoy se conoce como Departamento de Teatro de la U. de Chile: Marés González, Edith del Campo, Alicia Quiroga, María Asunción Requena y Amaya Clunes. Ello, a través de un video con ilustraciones de estas mujeres que se ha difundido por Facebook, Twitter e Instagram @depteatrouchile y que está basado en el trabajo del Grupo de Investigación de Arte e Historiografía "Los lindos Nochlin", que surgió del ramo de "Historiografía Teatral Feminista" realizado por Josefina Cerda en 2020.

El Departamento de Música, por su parte, inició hoy una campaña por sus redes sociales sobre las Cantoras, una figura femenina muy antigua, fuente de saberes culturales, sociales y musicales del campo chileno y que otras mujeres y hombres se han encargado de recopilar para que no se pierda dicho saber. La campaña, que se extenderá hasta el jueves 10 de marzo, contempla la difusión de distintos materiales a través del Facebook SalaIsidoraZegers y el Instagram @musica.uchile.

Por último, desde el Museo de Arte Contemporáneo se convocó a trabajadoras del museo a relevar sus obras favoritas de mujeres del acervo MAC, reflexionando acerca de su conexión con la obra y la artista. En ese contexto, se prepararon posts individuales donde se puede revisar la obra y su correspondiente relato, iniciativa que se desarrollará a partir de hoy y hasta mañana miércoles 9 de de marzo a través del Facebook Museo MAC, y del Instagram y Twitter @museo_mac.

Junto a ello, les invitamos a leer las columnas de opinión de las académicas de la Facultad de Artes Fernanda Vera y Eleonora Coloma, así como las palabras que el Decano Fernando Carrasco y la Vicedecana Verónica Canales compartieron con motivo del 8M.

Martes 8 de marzo de 2022

Mujeres y disidencias que trabajan en música presentan ciclo formativo

2022-03-21T13:09:38Z

Entre el 15 y el 22 de marzo se realizarán una serie de talleres que contarán con la participación de distintas mujeres y disidencias que se desenvuelven en el área de la música tanto en Chile como en el extranjero. Las inscripciones estarán abiertas desde el domingo 6 al jueves 10 de marzo a las 12:00 horas.

En un mes marcado por las reivindicaciones feministas y de género que recobran mayor impulso con la conmemoración del 8 de marzo, el proyecto “MaestrAEs: Encuentro de Mujeres y Disidencias que Trabajan en la Música”, que impulsan diversas integrantes de la Facultad de Artes U. de Chile, abre su convocatoria para participar del ciclo de formación gratuito vía Zoom Webinar que se llevará a cabo entre el próximo martes 15 hasta el martes 22 de marzo. Los cupos son limitados y las inscripciones [ver enlace] estarán abiertas desde el domingo 6 al jueves 10 de marzo a las 12:00 horas.

Dirigido a mujeres y disidencias, ya sean estudiantes, personas del rubro de las artes o quienes estén interesades en profundizar o adquirir nuevos conocimientos, este ciclo dará inicio con un conversatorio denominado MaestrAEs “Amplificando las historias de Mujeres y Disidencias en la Música” el día martes 15 de marzo a las 12:00 horas a través de los canales de Youtube de @Maestraes y @esmifiestamag.

Desde ese mismo día también partirá el ciclo de talleres entre el 15 y 24 de marzo que contempla temáticas vinculadas al ámbito musical que van desde la electrónica básica, la coordinación de equipos para conciertos y la puesta en escena tanto audiovisual como en sonido. Para finalmente dar paso a las clases magistrales de la ganadora de los Grammy Latinos María Elisa Ayerbe, Ingeniera de Audio y Productora, las cuales se llevarán a cabo el 21 y 24 de marzo, previa inscripción [ver enlace ].

“Estos encuentros son una oportunidad de reconocer y visibilizar las capacidades y conocimiento de destacades profesionales referentes en la escena”, es parte de lo transmitido por la organización de Maestraes sobre los principales objetivos de este proyecto financiado por el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, particularmente a través del Fondo para el Fomento de la Música Nacional que fue adjudicado en la Convocatoria 2021.

Formación y perspectiva de género

Atendiendo a la perspectiva colectiva feminista y de género que busca dar mayor visibilidad a destacadas mujeres y disidencias, el ciclo de talleres que ofrece Maestraes busca relevar el trabajo de referentes de la industria musical que han logrado marcar una fuerte presencia en medio de un ámbito históricamente predominado por hombres y, en consecuencia, abrir puertas a mujeres y disidencias ya sean trans o no binarias para su formación en estas disciplinas.

En esa línea, Victoria Cordero, ingeniera en sonido y productora musical que dictará uno de los talleres del ciclo, comparte de su experiencia que “todas entendemos que el trabajo con mujeres y disidencias se vive de otra forma, es mucho más amable y tiene una fuerza adicional que viene justamente de toda la lucha que hemos tenido por poder encontrar un espacio para poder trabajar, para poder validar nuestro trabajo a través de otras personas que por lo general son hombres”.

Asimismo, complementa sobre la industria cultural que existe una “deuda bien grande respecto a la visibilización e inclusión” y por ello este tipo de instancias como la presentada por Maestraes, que se repiten en el tiempo, hacen más llevadera la labor y permiten crear una comunidad segura para todas y todes.

Los talleres gratuitos a impartir serán “Electrónica básica para músiques” a cargo de Rocío Ortega, ingeniera en sonido, seguido por “Introducción a la edición y mezcla” por Victoria Cordero, productora musical e ingeniera en audio. Más tarde, llegará el turno de “La intervención audiovisual en la puesta en escena musical” por Gabriela Lazcano, artista visual; el de “Herramientas y estrategias en vivo, dentro y fuera de la consola” por Caro Peréz, ingeniere en sonido; para finalizar con la “Coordinación de equipos en conciertos y giras" por la facilitadora Wanda Flores.

Maestraes y la Facultad de Artes

“El proyecto nace de la idea de Arheli García, productora general de Maestraes y funcionaria de nuestra universidad, quien ha levantado proyectos de formación y alianzas que nos han permitido obtener conocimientos que no están contemplados en nuestras mallas curriculares, pero que son imprescindibles para nuestro desarrollo y posterior inserción laboral en el ámbito de las artes”, relata Katherine Belmar, asistente de producción de Maestraes y estudiante de Ingeniería en Sonido U. de Chile, en torno a los inicios de esta apuesta de formación que va por su tercera versión.

Para Katherine, ha sido recurrente la necesidad de que cada vez se integren más mujeres y disidencias a estas carreras u oficios en donde la población masculina ha tenido históricamente mayor representación y reconocimiento. “No nos queríamos quedar en la queja eterna, sino que accionar y ver de qué forma contribuir a que esto no siga pasando. La idea ha sido poder encontrarnos, conocernos, crear alianzas, prepararnos, capacitarnos, adquirir nuevos conocimientos y herramientas necesarias que nos ayuden a afrontar nuestras profesiones y oficios de una mejor manera, acortar la brecha y que para futuras generaciones no sea tan difícil”, comenta la estudiante.

Desde la coordinación técnica de Maestraes, Valentina Castañeda, también estudiante de Sonido, transmite su visión sobre este reto en torno a la inclusión y visibilización de mujeres y disidencias en la escena musical, sosteniendo que “el avance no ha sido suficiente y eso lo podemos ver de forma tangible en nuestra facultad y aún más claro en nuestra carrera Ingeniería en Sonido”. En ese sentido, se cuestiona cuántas profesoras o disidencias hay en sonido o incluso cuántas referentes mujeres o disidencias son parte de las mallas curriculares.

“Mujeres y disidencias soñamos y trabajamos para romper con toda clase de estereotipos, el machismo y la discriminación no pueden seguir siendo parte de las aulas, estudios, conciertos u cualquier espacio donde queramos desarrollar nuestro oficio o profesión”, expone la integrante de Maestraes.

Texto: Nadia Iturriaga, periodista de la Facultad de Artes

Martes 8 de marzo de 2022

Conmemoración del Día Internacional de la Mujer Trabajadora

2022-03-21T13:09:38Z

Palabras del Decano de la Facultad de Artes, prof. Fernando Carrasco Pantoja, y de la Vicedecana, prof. Verónica Canales Lobos, en el marco de la conmemoración del Día Internacional de la Mujer.

A la comunidad de la Facultad de Artes, y en especial a las mujeres que la integran.

Hoy, 8 de marzo, conmemoramos nuevamente la tragedia que aconteció en Nueva York y que terminó con la vida de mujeres trabajadoras que luchaban por sus derechos, así como la sostenida y potente lucha feminista que distintas organizaciones y sectores de la sociedad han llevado incansablemente adelante. Sin duda se ha avanzado, ya que gracias al trabajo sostenido de las mujeres se han logrado reconocimientos y derechos políticos, y también en términos de equidad social. Sin embargo queda mucho camino por recorrer, un camino que sin todas ustedes no sería posible. Es por ello que lo primordial es valorar el poder compartir con cada una de ustedes, de poder avanzar y empujar esta sociedad a una sociedad aun mejor, en que se resalte la importancia de vivir en un país y una institución, en donde no existan diferencias entre hombres y mujeres.

Esto no significa dar un trato diferente, significa avanzar en reconocer los derechos y capacidades de ustedes, las mujeres. En derribar todas aquellas barreras que por años se les han impuesto, y alivianar las muchas cargas que les pesan. Cada una cumple multiplicidad de roles, y aquello es admirable, pero aún nos queda la gran tarea de educar y construir, para erradicar la herencia patriarcal de nuestra sociedad, para que juntos, juntas y juntes podamos transitar por una senda libre, fraternal y digna.

En nuestro país hemos vivenciado movimientos estudiantiles, sociales y políticos, pero hoy debemos recordar que existen luchas transversales que nos trascienden, que irrumpen nuestras aulas, nuestros hogares y oficinas, en lo público y lo privado, y por ello el avanzar en el cambio de paradigma hacia un trato igualitario, hacia el pleno reconocimiento de los derechos, valoración del rol que las mujeres cumplen en nuestra sociedad y el irrestricto respeto a sus individualidades, es una tarea en la que no podemos claudicar.

La presencialidad se acerca, lo que nos permitirá reencontrarnos después de dos años con nuevas experiencias en lo laboral, en lo humano y en nuestro trabajo docente. Llamamos a poner en valor todo lo vivido, todo lo escuchado y visto, para que nuestras acciones precedan los discursos y saludos, pues es un imperativo ético el erradicar cualquier manifestación de violencia hacia las mujeres, por sutil y disfrazada que se encuentre. Sin ustedes no avanzamos, y para ello las necesitamos a todas.

En dicho contexto, este Decanato reafirma su compromiso con el cumplimiento de las directrices institucionales relativas al trabajo en estas materias, el cual se ha visto dificultado por las condiciones de estos últimos dos años. En ese sentido, es que tomaremos las medidas correspondientes para poder fortalecer nuestra estructura y realizar análisis y diseño de políticas, para avanzar hacia una institución más igualitaria. Es por esto que implementaremos la Oficina de Género durante el presente año.

Para finalizar estas líneas quisiéramos ratificar nuestro compromiso, el de nuestro equipo y el de la institución, con cada una de ustedes y con cada una de las transformaciones que necesitamos en pro de la igualdad de derechos y oportunidades.

“Por un mundo donde seamos socialmente iguales, humanamente diferentes y totalmente libres”, Rosa Luxemburgo.

Fernando Carrasco Pantoja
Decano
Facultad de Artes

Verónica Canales Lobos
Vicedecana
Facultad de Artes

Martes 8 de marzo de 2022

Conmemoración 8M-Departamento de Teatro

2022-03-21T13:09:38Z

Hoy en un nuevo #8M queremos destacar a todas las mujeres que participan actualmente y quienes han formado parte de la escena artística nacional, ya sea como artistas, docentes, estudiantes y funcionarias, que constantemente luchan y exigen igualdad en derechos y libertades; recalcando el importante trabajo de todas las mujeres y disidencias que diariamente se enfrentan a desafíos constantes en su vida cotidiana y laboral.

En esta ocasión queremos visibilizar a algunas de las mujeres -que fueron y son- claves dentro de la escena nacional y fundamentales para lo que conocemos hoy como Departamento de Teatro de la Universidad de Chile.

Marés González (1925-2008)

Actriz, Docente y Directora de la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile. Fue Premio Nacional de Artes de la Representación y Audiovisuales 2003. Nació en Argentina, en la región de Misiones, en 1925 y murió en Santiago en 2008. Comenzó a trabajar en Santiago como dibujante en la editorial Zig-Zag y más tarde ingresó a la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile, egresando en 1954. (primero a Diseño teatral y luego a Actuación. Nacionalizada chilena y conocida como Marés González, participó en obras como "Hedda Gabler" de Enrik Ibsen, "Ópera de Tres Centavos" de Bertolt Brecht y Kurt Weill o "Santa Juana" de George Bernard Shaw.

Hasta 1973, se desempeñó como directora de la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile. Posteriormente se exilió en Europa.

De vuelta en Chile, actuó en teleseries como "La Madrastra", "Las Herederas", "Romané", "Pampa Ilusión" y "Puertas Adentro".

Edith del Campo (1937)

Escenógrafa, diseñadora escénica, académica. Estudió en la Universidad de Chile. Obras relacionadas: "Ballet de Arte Moderno - Lago de los Cisnes", Don Quijote, El Amor Brujo (1963) “Las óperas de Mozart” Sección Paises Cuadrienal de Praga (1967) Sección Paises Cuadrienal de Praga (1995), “Caminos Escenográficos: por la ruta de Bernardo Trumper” Sección Homenajes Cuadrienal de Praga (1999),

Alicia Quiroga (1928-2017)

Actríz, Cantante, Directora, Productora. Estudió en la Universidad de Chile, British Drama League, Dancing Center, Royal Shakespeare Company, Julliard School de Nueva York Santiago. Su debut en el Teatro Experimental, en "Noche de Reyes", le valió al año siguiente recibir el Premio Caupolicán, que otorgaban los periodistas de espectáculos, considerada la mejor actriz del año 1954. Su formación de actriz se inicia en la Universidad de Chile y prosigue estudios en las más prestigiosas escuelas de Londres: actuación, voz y dirección en el British Drama League, comedia musical en el Dancing Center y dirección teatral con Clifford Williams en el Royal Shakespeare Company. Trabajó en el teatro Aldwych y Strattford on Avon y estuvo contratada por la BBC.

Obras en las que participa con el Teatro Experimental de la Universidad de Chile: (1954) "Noche de Reyes", Shakespeare – (1954) "León Felipe"; (1955) "Carolina"de Isidora Aguirre; (1957) "Mama Rosa" de Fernando Debesa; (1960) "La ópera de tres centavos" de Brecht-Weill; “La casa de Bernarda Alba” de Federico García Lorca; (1961) "Bernardo O’Higgins" de Fernando Debesa; "Bertoldo en la corte" de Máximo Dursi; (1962) "Un enemigo del pueblo" de Henrik Ibsen; (1963) "El círculo de tiza caucasiano" de Bertolt Brech; "Saludos de Berta" de Tennessee Williams; (1966) "Marat – Sade, Peter Weiss; (1967) )El Rehén) de Brendan Behan; "Fulgor y muerte" de Joaquín Murieta y Pablo Neruda; (1968) "Comedia de equivocaciones" de William Shakespeare (en adaptación de Jaime Silva); (1970) "El degenéresis" de Edmundo Villarroel (dramaturgia) y Jorge Rebel (música); (1971) "El jardín de los cerezos" de Antón Chejóv; (1974) "Rosencrantz y Guildenstern han muerto" de Tom Stoppard.

María Asunción Requena (1915- 1986)

Escritora y Dramaturga. Nace en Argentina y muere en Francia. Obras escritas: (1952) “Mr Jones llega a las 8” -Teatro Nacional; (1955) “Fuerte Bulnes” - Teatro Nacional, dirigida por Pedro Orthous; (1959) “El camino más largo” - Teatro Experimental de la Universidad de Chile; (1964)"Ayayema" - Teatro de la Universidad de Concepción dirigida por Raúl Rivera; (1965) “Pan Caliente” - Teatro TEKNOS, de la Universidad Técnica del Estado, en Sala Bulnes y dirigida por Raúl Rivera; (1972) "Homo Chilensis” Se estrenó en 1972 en el Teatro Teknos; (1972) “Chiloé, cielos descubiertos” se estrenó en 1972, dirigida por Eugenio Guzmán.

Amaya Clunes (1940)

Diseñadora escénica de la Universidad de Chile (1959-1962). Obras relacionadas: “La casa de Bernarda Alba” (1960) "O'Higgins" (1961) "Ánimas de dia claro" (1962) "Los papeleros" (1963) "El círculo de tiza caucasiano" (1963) "Romeo y Julieta" (1964) "La muerte de un vendedor" (1965) "Las tres hermanas" (1968).

*Estas biografías están basada en el levantamiento de información del Grupo de Investigación de Arte e Historiografía "Los lindos Nochlin", que surgió del ramo de "Historiografía Teatral Feminista" realizado por Josefina Cerda en 2020.

Martes 8 de marzo de 2022

Diplomado en Diseño de Vestuario Escénico: un laboratorio de creación

2022-03-21T13:09:38Z

El pasado 18 de diciembre finalizó la primera versión del Diplomado en Diseño de Vestuario Escénico: Performance, Textil y Tecnología, coordinado por la profesora del Departamento de Teatro, Valentina San Juan. Esta instancia forma parte de la oferta de Diplomados de Extensión del Detuch y en esta ocasión se ha realizado a distancia, teniendo participantes nacionales e internacionales.

El Diplomado de Extensión en Diseño de Vestuario Escénico: Performance, Textil y Tecnología, está constituido como un espacio de creación transdisciplinar, enfocado en la investigación práctica, teórica y física para la exploración del diseño escénico, busca poner a favor de la experiencia escénica, elementos del lenguaje de las artes visuales y las artes mediales. De esta manera, el lineamiento de trabajo y la concepción del vestuario están planteados como un espacio de composición y sostenedor de planteamientos discursivos, pensando que este se configura, a su vez, como un dispositivo escénico; desplegando de esta manera, las posibilidades escénicas del vestuario en tanto en performance, instalación e intervención espacial.

*Fotografía de procesos de trabajos de estudiantes 2021.

En esta versión, coordinada por Valentina San Juan, participaron los estudiantes Constanza Bravo Gajardo, Sofía Burdiles Araneda, Ana Almeida, Claudia Quintana Cubillos, Daniela Gallardo, Jean-Pierre Vargas, Eduardo Cabrera y Marybel Fuentemavida. “El proceso de trabajo de creación de los estudiantes estuvo planteado en círculos concéntricos.Es un aprendizaje constante, donde el proceso creativo se encuentra abierto para la integración de herramientas progresivas. Cada módulo tuvo ejes de aprendizaje que funcionaron como bisagra determinantes para el nuevo ciclo de aprendizaje. Es importante asentar en ellos una autoría inicial, luego la conciencia de esta articulando un planteamiento que los particulariza siendo capaces de expresarlo de manera oral y escrita. Y luego, desplegar un proceso de exploración que les permita ir determinado una metodología propia de trabajo que les permita desarrollar autonomía frente a cualquier proceso de creación”, destaca su coordinadora.

La perspectiva de los estudiantes:

-¿Cómo fue tu proceso de trabajo para el proyecto final?

“Mis procesos de trabajo siempre suelen ser muy ordenados y esquemáticos; pero, en este caso, me permití más libertad para crear y encontrar las respuestas. Al ser un trabajo muy personal y vinculado a mis mayores pasiones: el universo y la ciencia ficción; hallé inspiraciones en muchos lugares, incluso en una simple caminata en la playa. Entonces, mi mayor reto fue evitar que este caos de múltiples experiencias visuales acaben por nublar mi mente durante el proceso de selección de las referencias para el proyecto escénico final”, destaca Ana Almeida Rosales (Perú), Diseñadora de vestuario y espectáculos, que trabajó en el proyecto autoral de vestuario escénico: "Destru-yo una ilusión".

“El proceso que viví fue algo vertiginoso debido a que yo no tenía la experiencia para crear un vestuario, desde conceptualizar y diseñar era algo complejo para mí pero conforme lo fui encaminando a una situación que se vive en mi ciudad fue mucho más sencillo para mí incluso llegar a la construcción sin tantas dudas o trabas. Generar este vestuario a partir de la privatización del espacio público me llevó a apropiarme realmente del proceso y así este mismo se fue nutriendo de cada vez más ideas que fueron surgiendo, como la intervención de indumentaria para la creación del vestuario, lo cual también me llevaba por una metodología particular a que si hubiera creado las prendas desde cero”, comenta Eduardo Cabrera Ramírez (México), Licenciado en Teatro y que trabajó en el proyecto autoral de vestuario escénico: "Expansiones Los espacios de la memoria".

-¿Qué capacidades crees que pudiste desarrollar en este Diplomado?

“Una de las capacidades que desarrollé fue la aceptación del error como parte del proceso creativo. Este es uno de esos aspectos que antes no tuve la paciencia para apreciar en otro momento, pero que gracias a la metodología de enseñanza de los profesores, he podido lograrlo actualmente. También, comprendí que no necesariamente el trabajo con proyectos personales afecta de manera negativa en los aspectos emocionales del artista; en la época en que estudiaba, eso fue un gran determinante que me impidió desarrollarlos. Ahora entiendo que si estos proyectos escénicos están bien direccionados, se pueden lograr grandes resultados”, destaca Ana Almeida Rosales.

“La capacidad de adaptabilidad, ya que todo era volátil y sujeto al cambio, las ideas, las herramientas, los procesos; pero cada que algo nuevo se incorporaba siempre enriquecía la visión sobre el trabajo a realizar. También, siento que desarrolle mucho más ampliamente mi capacidad de conceptualizar; generar una idea primigenia fue muy difícil para mí en un inicio, pero hay preguntas básicas y procesos muy amigables que me ayudaron a que mis ideas tomaran forma. Adquirir una metodología de trabajo, fue algo crucial que fui desarrollando poco a poco, desde organizar mis tiempos, las herramientas que emplearía, además de mencionar que la apropiación de herramientas digitales para llevar al culmine el proyecto me permitió tener mayor control en lo que estaba trabajando”, comenta Eduardo Cabrera Ramírez.

Así, el 18 de diciembre finalizó su primera versión con bitácoras audiovisuales (disponibles aquí). Estos productos formarán parte de un producto final que corresponde a un Catálogo que estará disponible este primer semestre de 2022 en la web de la Universidad y que contempla una curatoría realizada por su coordinadora en base a estos proyectos autorales.

Las postulaciones para la nueva versión de este Diplomado están abiertas hasta fines de marzo. Para conocer todo el programa, haz click aquí.

*Forografía de procesos de trabajos de estudiantes 2021.

Lunes 7 de marzo de 2022

[Fe de erratas] Llamado a Concurso Público para cargos académicos

2022-03-21T13:09:38Z

La Facultad de Artes de la Universidad de Chile hace un llamado a concurso para académicos(a), en calidad de contrata, para los siguientes Departamentos:

14/03/2022

FE DE ERRATAS

Concurso para Académico(a) del área Arte Contemporáneo y sus ámbitos asociados de Crítica y Curaduría.

Por medio de la presente nota se informa que en la RESOLUCIÓN EXENTA Nº 183/2021, de fecha 06 de diciembre de 2021, que aprueba Bases de Concurso de antecedentes y oposición para proveer bajo la modalidad a contrata de cargos Académicos de la Facultad de Artes - Departamento de Teoría de las Artes, en el punto VII se corrige párrafo según el siguiente detalle:

Dice

VII.- ETAPAS DEL CONCURSO.

El Concurso académico de Antecedentes y Oposición para proveer bajo la modalidad de contrata se efectuará en tres etapas sucesivas de evaluación: a) Análisis de Antecedentes de Postulación y Admisibilidad, b) Evaluación según Antecedentes Curriculares; c) Evaluación según oposición. Esta etapa consistirá en una ponencia (20 minutos) sobre un tema vinculado a su labor de investigación, dirigida a pares disciplinarios y estudiantes de pre y postgrado con los que debatirá a continuación. La ponencia tendrá como tema a desarrollar: la relación entre arte contemporáneo latinoamericano y pensamiento postcolonial y una entrevista (20 minutos).

Debe decir:

VII.- ETAPAS DEL CONCURSO.

En definitiva, comunicamos a quienes postulen al presente concurso que el tema a desarrollar en la ponencia será “El lugar de la crítica y curaduría en la construcción historiográfica”, tal como lo plantean las mismas bases en la descripción de la Etapa 3: Evaluación según Oposición (Página 6 del documento RESOLUCIÓN EXENTA Nº 183/2021).

DEPARTAMENTO DE TEORÍA DE LAS ARTES

1 cargo de 44 hrs. para académico/a de Arte Contemporáneo, Crítica y Curaduría, Carrera Ordinaria. Resolución N° 183.
1 cargo de 44 hrs. para académico/a de Historia del Arte, con especialidad en Teoría e Historia del Patrimonio, Carrera Ordinaria. Resolución N° 182.

DEPARTAMENTO DE SONIDO

1 cargo de 22 hrs. para académico/a con especialidad en el área de Abstracción Sonora y Música Electroacústica, Carrera Ordinaria. Resolución N° 180.
1 cargo de 22 hrs. para académico/a con especialidad en Producción Musical, Carrera Docente. Resolución N° 180.

DEPARTAMENTO DE DANZA

1 cargo de 44 hrs. para académico/a en el área de educación, Carrera Ordinaria. Resolución N° 179.

DEPARTAMENTO DE TEATRO

1 cargo de 22 hrs. para académico/a del área o especialidad en general en Artes Escénicas y Diseño Escénico y en específico en escenografía e iluminación escénica, Carrera Ordinaria. Resolución N° 181.

Las bases de la postulación pueden ser descargadas en el enlace adjunto.

Recepción de Antecedentes

El envío de documentos debe ser por medio electrónico al correo concursos.artes@uchile.cl
Plazo vence impostergablemente a las 16:30 hrs. del día 6 de abril de 2022. No se recibirá ninguna documentación fuera de plazo.

Consultas: concursos.artes@uchile.cl

Lunes 7 de marzo de 2022

Entrevista: Los desafíos del MAC a 75 años de su fundación

2022-03-21T13:09:38Z

A casi un año de asumir la dirección del Museo de Arte Contemporáneo, MAC, el artista visual, académico e investigador Daniel Cruz reflexiona sobre los principales desafíos e hitos para este año en que el recinto cumple 75 años de vida. "Debemos insistir en la idea de un museo universitario de interés nacional e internacional. Queremos ir más allá de ser un espacio que solo recibe obras", plantea.

situado en su entorno, en un intercambio permanente de conocimientos.

- ¿Qué evaluación hace de la gestión del MAC en 2021?

Junto al equipo hacemos una evaluación positiva. En enero de 2022 cumplimos con las 21 exhibiciones que teníamos comprometidas para el período. Es un número importante para ambas sedes y se asemeja mucho a la cantidad de semanas de exhibiciones que se presentan en un año normal, sin pandemia. Quizás no es el mismo flujo de público, pero es el objetivo que se trazó y se ha podido lograr a pesar de las dificultades. Nuestro equipo, de manera transversal, desde auxiliares a producción, ha demostrado un compromiso sólido, tanto en los complejos momentos que hemos enfrentado como en los espacios proyectuales que estamos desarrollando.

Durante el año hubo situaciones que nos demostraron áreas frágiles del museo, dejando en evidencia problemas de infraestructura y de personal. Hemos podido descubrir estas necesidades y hemos proyectado cómo cubrirlas, en una conversación con nuestras autoridades. Nos falta una conversación de Estado sobre cómo abordaremos el innegable lazo entre cultura y universidad, entre democracia cultural y co-ciudadanía. Volvimos a un museo muy distinto del que nos fuimos a comienzos de 2020.

- ¿Cuáles son esas áreas frágiles?

El ser un espacio abierto a la comunidad, un espacio extensional, con las características que tiene este museo en sus dos sedes, nos pone desafíos en la recepción de público. La complejidad de esto se vio el 21 de diciembre de 2021, cuando fuimos vandalizados. No es un hecho menor para nosotros, porque hasta ese momento estábamos trabajando en una clave muy de libro abierto, muy de diálogo con la comunidad que nos visita. Creo que este acontecimiento nos llevó a repensar muchas de nuestras acciones. No esperamos ser un museo enrejado, pero debemos cumplir nuestro rol como espacio que pone en escena diversas realidades con un sentido de permeabilidad que se sustenta en la dimensión extensional que nos convoca.

Esto es algo que hemos estado abordando y tendremos apoyo de seguridad y personal, desde esta reapertura en marzo 2022. Es un compromiso no solo desde el MAC con la comunidad cultural, sino también de la Facultad de Artes y la Universidad de Chile. Esperamos que esto se entienda como un acto de las conversaciones que se tienen que hacer en torno al rol de esta institución de carácter universitario, pero también de interés nacional.

- ¿Y en lo que respecta a infraestructura?

En abril de este año esperamos restaurar, limpiar y pintar la fachada de MAC Parque Forestal, mientras la sede esté cerrada por montaje de exhibiciones. Por otra parte, repararemos las techumbres de MAC Quinta Normal. A esto se suma la recuperación del anfiteatro de esta sede, un espacio maravilloso donde queremos desarrollar, en conjunto con la Facultad de Artes y las áreas de Investigación y Creación, una vitrina para la interdisciplina, con propuestas de núcleos de investigación/creación.

- Este jueves 3 de marzo reabre MAC Parque Forestal al público, con exhibiciones que fueron inauguradas en 2021. ¿Qué exhibiciones destacaría en ambas sedes del museo para 2022?

En mayo de este año presentaremos la obra del artista nacional Nicolás Spencer, que nos va a acompañar en la apertura del primer ciclo 2022 de MAC Parque Forestal. Se trata de un trabajo territorial que llega al museo luego de una ardua investigación en la zona austral del país. También habrá una exhibición del artista judío nacido en Rusia, Boris Lurie (1924-2008), en colaboración con la fundación que lleva su nombre y que da cuenta de la disruptiva obra del artista.

Finalmente, destaca la artista chilena Nicole L’huillier, con una aproximación a la relación entre arte, ciencia y tecnología. Estos artistas, más todas las exhibiciones y actividades del año, van alineados al discurso de un museo experimental y exploratorio que trabaja con los artistas en proceso largos. Buscamos dar una mirada hacia la práctica artística con distintos enfoques; en lo procedimental, en lo terminal, y en la posibilidad de articulaciones interdisciplinarias.

- Y en términos de gestión museal, ¿qué hitos destacaría para este año?

Debemos insistir en la idea de un museo universitario de interés nacional e internacional. En este marco, por ejemplo, seremos sede del Festival Ars Electronica. Esto será representativo, ya que habrá más países involucrados, como Nueva Zelanda, Canadá, Sudáfrica, entre otros. Queremos ir más allá de ser un espacio que solo recibe obras. Hay que plantear preguntas y ser parte de una conversación a nivel global.

Otro hito relevante tiene que ver con poder fortalecer un grupo de apoyo al museo, a través de un Círculo MAC. La intención es que este Círculo pueda tener nuestro programa bianual de gestión, que tiene una línea clara; y que sean una especie de mecenas para el desarrollo de este programa.

- ¿Hay un énfasis en las alianzas internacionales?

Así es. En esa línea, también estamos en un diálogo con el Museo Reina Sofía de España. Queremos entender su funcionamiento y gobernanza interna, pero también estudiar cómo podemos colaborar, sobre todo desde las nociones de arte latinoamericano. Hay cosas que ellos tienen mucho más resueltas que nosotros, y ahí es donde apelamos a una idea de poder fortalecernos, en la posibilidad de aprendizajes.

De hecho, en febrero estuve participando en el IX Encuentro de Directores de Museos de Europa e Iberoamérica en el contexto de la feria ARCO, foro con los directores que este año estuvo enfocado en la sustentabilidad y en la escucha de las audiencias. En diversas jornadas sostuvimos diálogos que buscaron repensar las instituciones desde la inestabilidad y las debilidades de los modelos tradicionales museales y desde los desafíos derivados de la pandemia. Fue un intercambio muy enriquecedor junto a directores y representantes de museos, tales como LACMA de Los Angeles, Mali de Lima, MUAC de Ciudad de México, Whitmore Art Gallery de Manchester; Henie Onstad Art Center de Oslo, Museum of Modern Art de Varsovia, MAM de Sao Paulo, entre otros.

- Este 2022 el MAC cumple 75 años. ¿Cómo imagina el museo en un futuro cercano?

Me gusta pensar que el MAC es un dispositivo que articula distintas capas del conocimiento, que emerge de la práctica artística. Queremos un museo transdisciplinar, que cuestione, proyecte y de sentido a nuestra contemporaneidad. Quisiera ver un MAC que releve su colección, con áreas de investigación fuertes, con laboratorios de experimentación, un museo que dialogue también con otros, de manera amplia y sostenida en el tiempo.

Me interesaría que el museo tuviera un espacio de acervo, un espacio para su patrimonio, que es patrimonio de la Universidad y del Estado de Chile, con las condiciones correctas. Sería interesante participar en la articulación de las colecciones patrimoniales de la Universidad de Chile, que también están en el Archivo Central Andrés Bello, en el Teatro Nacional Chileno y en el Museo de Arte Popular Americano Tomás Lago.

Por otro lado, pienso en un museo muy vinculado a la educación, un potenciador de lo que acontece en las etapas iniciales y terminales de la educación. Ahí hay otra noción que hemos estado trabajando: la de un museo situado. Queremos que ambas sedes estén en diálogo permanente con la comunidad próxima, con acciones generales y específicas.

Queremos fortalecer la óptica que emerge de la interdisciplina, la multidisciplina. Para el MAC, la frase del discurso de Andrés Bello en la inauguración de la Universidad de Chile: “Lo sabéis, señores, todas las verdades se tocan”, es un texto que está activo. No es solamente un texto histórico, es algo que queremos vivir en el día a día y donde queremos invitar a toda la comunidad.

Comunicaciones MAC

Viernes 4 de marzo de 2022

Candidaturas para elección de Director/a del Departamento de Música

2022-03-21T13:09:38Z

La Junta Electoral Local de la Facultad de Artes informa que el miércoles 02 de marzo finalizó el plazo para presentar candidaturas para Director/a del Departamento de Música.

En ese contexto es que la Junta Electoral Local que preside la Vicedecana de la Facultad de Artes, prof. María Verónica Canales Lobos, ha sancionado la postulación del académico:

- ROLANDO CORI TRAVERSO

La elección de Director del Departamento, se realizará el día 09 de marzo, de manera on-line.

Para más información, ver aquí.

Comunicaciones Facultad de Artes

Jueves 3 de marzo de 2022

"Junto al lago negro" estrena temporada 2022 presencial en el TNCH

2022-03-21T13:09:38Z

Dirigida por Jesús Urqueta, la obra de la aclamada autora alemana Dea Loher, tendrá funciones a partir del próximo 16 de marzo en el TNCH. El debut hispanoamericano de este drama que reflexiona en torno al suicidio, abre la temporada 2022 de la sala Antonio Varas y ha contado con el con el financiamiento de Fondart, además del apoyo de Goethe Institut y la Corporación Cultural de Quilicura.

“No ha perdido su vigencia porque habla sobre los vicios neoliberales y las consecuencias de ello. Hoy más que nunca, ad portas de una nueva constitución y un cambio de gobierno, esta obra sigue teniendo ese lugar de resistencia… Esta tragedia tan grande, no sólo se trata de estos jóvenes que se suicidan; se trata de la imposibilidad de las personas de ver y entender a la sociedad. No entienden por qué pasan las cosas porque están atrapadas y atrapados por este neoliberalismo salvaje”.

Así se refiere el reconocido director Jesús Urqueta (Mejor Dirección Teatral 2018 según el Círculo de Críticos de Arte de Chile) al estreno de la temporada presencial de Junto al lago negro, el próximo 16 de marzo en la sala Antonio Varas del Teatro Nacional Chileno (TNCH). El montaje que cuenta con el financiamiento de Fondart Nacional en su línea Creación de Trayectoria, Convocatoria 2019, del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, además del apoyo de Goethe Institut y la Corporación Cultural de Quilicura; debió postergar su debut, primero a causa del estallido social y luego por la pandemia global Covid 19.

“Estoy muy contento de volver a hacer un estreno presencial. Ha costado mucho. Coincidió con elementos externos que han impedido llevarlo a cabo. Será una muy buena y necesaria experiencia, sobre todo para el grupo, el poder mostrarla y recibir esa retroalimentación del público”, agrega sobre la puesta que sólo pudo tener una función especial en medio de la revuelta popular en 2019, otras en Stgo a Mil y Quilicura Teatro Juan Radrigán 2020, además de una breve temporada virtual en julio 2021, como parte del Festival Internacional Santiago OFF.

Es así como este ciclo de funciones presenciales, concretiza el estreno hispanoamericano de la obra Am Schwarzen See de la aclamada autora alemana Dea Loher (premios de dramaturgia: de la Volksbühne de Hamburgo, 1990; de Mülheim, 1998; Bertolt Brecht, 2006, entre otros), quien se caracteriza por el análisis e impacto que generan las decisiones políticas en el ámbito privado y que en este texto sitúa en el difícil escenario de la pérdida, pero con la lúcida mirada de que sólo juntos, en grupo, quizás algún día se podrán sanar las heridas. Bajo esta premisa la dramaturga reúne a cuatro personajes que luego de un hecho traumático se juntan a rememorar y reconstruir el episodio que cambió para siempre sus destinos: el suicidio de sus hijos.

Esta pieza teatral está protagonizada por los actores y académicos teatrales: Monserrat Estévez, Moisés Angulo y Cristián Keim, también director del TNCH, junto a la destacada escritora y actriz Nona Fernández, que también se refiere a las problemáticas que este drama propone. “La sistematización de la sociedad contemporánea nos aliena y nos hace perder conciencia sobre las cosas realmente importantes, en este caso, la preocupación por nuestros hijos, el suicidio de ellos y la gran interrogante que nos deja la obra, por qué ocurrió, en qué estábamos pensando cuando suceden este tipo de traumas y cómo podemos vivir después de ellos”, declara.

El montaje es el segundo proyecto del mismo equipo escénico a cargo de Prefiero que me coman los perros, obra premiada por el Círculo de Críticos de Arte 2017 como Mejor Dramaturgia (Carla Zúñiga), Mejor Actriz (Nona Fernández) y Mejor Diseño Integral (Belén Abarza y Tatiana Pimentel), quienes desearon dar continuidad al trabajo que comenzaron en 2016, no sólo por la excelente respuesta del público y la crítica, sino también porque consideran que deben “persistir y proteger este espacio de reflexión e investigación colectiva. Para eso, esta vez elegimos este texto que entrega una mirada delicada y poética a la misma problemática que nos obsesiona y convoca”, concluye el colectivo.

Las funciones se realizarán entre el 16 y 26 de marzo de 2022 en el Teatro Nacional Chileno (Morandé #25, Santiago), de miércoles a sábado a las 19:00 horas. Se solicitará pase de movilidad y uso de mascarilla en todo momento. Aforo reducido. Próximamente entradas a la venta a través de la plataforma digital ticketplus.cl y de forma presencial en la boletería del teatro.

Macarena Montes, comunicaciones TNCH
Fotografías: Cortesía TNCH

Jueves 3 de marzo de 2022

Teoría de las Artes inicia estudio de la obra de Guillermo Machuca

2022-03-21T13:09:38Z

Con la publicación del libro “Guillermo Machuca escritor, crítico, espectador”, el Depto. de Teoría de las Artes dio por inaugurado el estudio de la obra de quien fuera su académico hasta junio de 2020. El libro se suma al dossier dedicado a Guillermo Machuca que forma parte del último número de la “Revista de Teoría del Arte” y antecede el proyecto “Fondo de Archivo Documental Guillermo Machuca".

“Fue una iniciativa que surgió poco después de fallecer nuestro amigo y colega, aún conmovidos por la situación. La idea era fijar los recuerdos que distintas personas tenían tanto de su persona como de su obra crítica y de su desempeño como profesor”, recuerda María Elena Muñoz, académica y directora del Departamento de Teoría de las Artes, sobre el origen de Guillermo Machuca escritor, crítico, espectador, libro que reúne una serie de textos escritos por cercanos a Guillermo Machuca. “Hay muchos que son bastante anecdóticos, otros más académicos y otros que mezclan bien ambas dimensiones. La verdad es que la cercanía con que se escribieron, es decir, poco después de su partida, hizo que se impusieran unos relatos articulados a través de anécdotas, más ligados tal vez a una cuestión afectiva”, comenta.

La muerte de Guillermo Machuca se produjo repentinamente en junio de 2020, generando conmoción en el medio artístico y cultural. “Desde el momento en que supimos del fallecimiento de Guillermo, comenzamos a pensar y a discutir con María Elena Muñoz y con el consejo académico del DTHA, acerca de qué podíamos hacer en memoria de nuestro colega y amigo, en cierto modo esa fue también una forma de hacer el duelo”, añade el académico Gonzalo Arqueros. De las ideas surgidas en ese contexto, dos se han concretado: el dossier en el Nro. 35 de la Revista de Teoría del Arte y el libro Guillermo Machuca escritor, crítico, espectador.

Esta última publicación fue presentada por Rita Ferrer y Federico Galende en noviembre pasado y, al respecto, Gonzalo Arqueros señala que desde el comienzo tuvieron “claro que nos enfrentábamos a dos aspectos igualmente complejos y complementarios: uno es la memoria del individuo que fue Machuca y el otro es la obra del autor que fue Machuca, ambos surcados por claroscuros y ligados por conexiones que pueden ser inextricables”. El momento en que se decidió dar forma a esta publicación "estuvo determinado por esa doble y difícil cuestión en la que aparece y se enreda el afecto por el amigo y la responsabilidad que nos cabe como colegas por organizar e inaugurar el estudio de su obra”, añade.

Profesor, considerando lo anterior, ¿en base a qué criterios se definió el perfil que querían dar a este libro?
Enfrentados a la dificultad que mencioné recién hubo dos criterios rectores, si se los puede llamar así, porque en realidad se nos presentaron como dos objetivos determinados por el deseo de producir una respuesta a la paradoja de la desaparición de Machuca. Uno fue recuperar el anecdotario y los recuerdos y el otro fue organizar e inaugurar el estudio de la obra. En este sentido nos planteamos la pregunta acerca de cómo entender al autor y para eso propusimos un diagrama armado con una serie de categorías críticas, según el carácter de las prácticas más ejemplares de su trabajo: escritor, crítico, curador, maestro, espectador y a éstas agregamos la memorabilia. La formulación de esta serie de categorías hizo posible una hipótesis de trabajo: que en Machuca estas prácticas pasan necesariamente por el arte de la escritura, o por “el espacio literario”. Podemos decir finalmente que el libro es un primer paso en la tarea de estudiar la obra de Machuca porque contiene ideas que se inscriben, dialogan y desbordan las categorías críticas, en la medida que está atravesado por la memorabilia, en cuanto que recoge componentes de las relaciones significativas que los escritores sostuvieron con el autor. Pienso que una de las cosas interesantes es que el libro resultó ser una especie de retrato polifónico que al mismo tiempo contiene una tentativa primaria y diversa pero muy rica de análisis de la obra.

¿A quiénes se convocó a escribir? ¿Hubo algún pie forzado en relación a los textos o fue una invitación abierta?
Pienso que un libro como este no puede suponer una “invitación abierta”, sino proponer una selección de autores. Esta selección no se hizo con un “pie forzado”, sino considerando nombres de escritores que vivieron relaciones significativas con Machuca, es decir, relaciones profesionales, académicas, de amistad personal, en diversos ámbitos y períodos, de modo que sus reflexiones pudieran pasar por el marco de las categorías propuestas o contrastarse con éstas, pero sin un espíritu programático sino más bien narrativo y reflexivo. De este modo el repertoriode autores está compuesto por amigos, compañeros, estudiantes, ayudantes, asistentes, colaboradores, profesores, colegas, los que en varios casos cumplen con llenar todo el espectro de relaciones.

¿Qué destacan de los textos que reúne la publicación? ¿Desde qué perspectivas se acercan al profesor Machuca y a su obra?
Pienso que más allá de testimoniar una serie de relaciones personales, afectivas, intelectuales y profesionales, lo más destacable es que en su conjunto los textos abren entradas a la obra del autor y son también dispositivos que ponen a prueba las categorías con que hemos querido pensar la obra de Machuca. Dispositivos de escritura que operan en una diversidad de claves, descriptivas, analíticas, anecdóticas, más o menos personales, con las que el mismo libro produce un efecto retrospectivo e introspectivo. Entendemos que Machuca y su obra son parte de la historia del Departamento de Teoría de las Artes y de la historia del arte chileno del fin del siglo XX y comienzo del siglo XXI, y pienso que la lectura de su obra hace posible recorrer e iluminar zonas oscuras, así como también interrogar otras zonas ya iluminadas por la historia, la teoría o la crítica de arte. Creo que los textos del libro en su conjunto contribuyen a poner en marcha una mirada crítica y a hacer funcionar la obra de Machuca, que en su singularidad de perspectivas, de alcance analítico y crítico, así como de crónica, la ponen en movimiento y eso es lo que nos interesa.

¿Cuál es la imagen que, a partir de la lectura de dichos textos, se empieza a configurar de Guillermo Machuca y de su trabajo?
Ya existe una imagen de Guillermo Machuca pero también creo que todavía es muy temprano para responder esa pregunta con certeza porque no nos propusimos trazar una imagen. Pero me atrevo a decir que la imagen por la que tú preguntas, estaría compuesta por la serie que forman los tres conceptos que rubrican el nombre en la tapa del libro: “escritor, crítico, espectador”. Esa imagen traduce un sujeto que elabora escrituralmente la experiencia, en el entendido que la escritura es una forma de pensamiento sensible. Creo que más allá de los juicios personales esta imagen es coherente con lo que el libro se propone cuando nos dice que al inaugurar el estudio de la obra de Guillermo Machuca no pretendemos fundar un paradigma sino situar una paradoja, abrir una pregunta. Me refiero a la paradoja del autor, aquella que da consistencia a la obra como creación y producción, situándose como punto de partida para la interrogación, el análisis y la interpretación.

Junto a este libro y el dossier publicado en el último número de la Revista de Teoría del Arte, el Departamento de Teoría de las Artes continuará estudiando la obra de Guillermo Machuca a través de nuevos proyectos como el Fondo de Archivo Documental Guillermo Machuca (1961-2020). La iniciativa, con que la unidad académica se adjudicó un fondo del PROYECTO OBRA ARCHIVO Y MEMORIA 201-2011 – PEEI de la Facultad de Artes, “consiste en la pesquisa, inventario y catalogación de la producción escrita de Guillermo Machuca (1961-2020), con el fin de sistematizarla para su estudio y dejarla disponible a los investigadores, estudiantes y estudiosos en general, del arte chileno y latinoamericano contemporáneo y actual”, concluye Gonzalo Arqueros.

Los ejemplares del libro Guillermo Machuca escritor, crítico, espectador estarán disponibles gratuitamente desde marzo de 2022, escribiendo a los correos ymarquez@u.uchile.cl y arqueros@uchile.cl para coordinar la entrega.

Texto: Isis Díaz López, periodista Facultad de Artes
Portada del libro: Cortesía prof. Arqueros

Jueves 27 de enero de 2022

Prof. Hanns Stein: “La Universidad no es solamente un trabajo para mí"

2022-03-21T13:09:38Z

Fue recientemente galardonado de manera unánime con la medalla Juvenal Hernández Jaque, que se entrega a egresados de la Casa de Bello que hayan prestado servicios distinguidos a la Universidad y al país. Pronto a cumplir sesenta años en la Institución, el cantante y académico repasa esta dilatada trayectoria y comparte parte de sus próximos proyectos.

“Evidentemente es emocionante recibir este reconocimiento”, dice al comenzar la conversación el académico y cantante del Departamento de Música, Hanns Stein, refiriéndose a la medalla Juvenal Hernández Jaque que recibió a fines de diciembre pasado. Fue el Rector Ennio Vivaldi quien le informó del reconocimiento y además le confidenció que la decisión del jurado había sido unánime. “Supongo y espero que de alguna manera el jurado ha visto que a través de mi vida yo he representado los valores de la Universidad”.

El profesor Stein pronto cumplirá sesenta años en la institución “con un intermedio largo a causa de la beca Pinochet”, dice tomándose con algo de humor el exilio que lo tuvo nueve años fuera del país. “La Universidad no es para mí sólo un sitio de trabajo o de enseñanza, sino que tiene una tremenda importancia política y social, entonces que le den a uno esa medalla significa que la institución considera que uno contribuyó a todo eso. Es una satisfacción saber que efectivamente la Universidad reconoce la participación de un viejito durante todos estos años”, agrega.

Profesor, ¿cuándo se inició su vínculo con la Universidad?

Yo primero estudié en el curso de ópera de la Facultad. Después, Elisa Gayán estuvo a cargo del vespertino y me llamó en el año 62 para ofrecerme hacer clases ahí. Ese fue mi comienzo como docente.

¿Cómo recuerda esa primera experiencia?

La verdad es que no era una cosa muy satisfactoria el vespertino en ese tiempo porque me mandaban veinte o treinta personas al mismo tiempo, entonces era muy difícil hacerles clases, pero había siempre uno o dos que efectivamente se empezaron a formar ahí.

Después recibí una beca para estudiar en Praga, que es la ciudad donde yo nací, así que el año 1966 y me fui con mi familia para allá. La estadía en Praga fue algo realmente fantástico, por un lado, el profesor que yo tuve ahí, un gran cantante de la ópera de Praga que me enseñó realmente a cantar, y además, me enseñó a no tomarme en serio. Él era un maestro en ese de no tomarse en serio, siendo como te digo un cantante de nivel mundial.

Estando allá comenzó un movimiento importante en el Partido Comunista de Checoslovaquia, que era el gobierno también, críticas de las cuales nosotros participamos también, pero para callao porque no era costumbre oír en esos países críticas abiertas. El hecho es que se produjo lo que después se llamó la Primavera de Praga y significó la salida del Primer secretario que a la vez era el presidente de la República y entró a dirigir el partido y el país Alexander Dubček, quien hablaba de un socialismo con cara humana. Esto para mí fue una enorme vivencia, me tiene marcado hasta hoy día, el socialismo con cara humana. Lo que pasó después fue que la Unión Soviética ocupó Checoslovaquia. Nosotros éramos como 40 chilenos ahí, la mayoría estudiantes, y pensamos que nuestro partido iba a tener la misma postura del partido italiano, francés, inglés, español, de los grandes partidos europeos que condenaron la invasión. Nos llevamos la sorpresa que nuestro partido no lo condenó, más bien la aprobó, y escribimos los cuarenta una carta manifestando el desacuerdo con la posición del PC. Ese fue el primer gran desacuerdo con el partido, no es porque yo cambié de pensamiento, sino que consideraba que lo que se hizo no era correcto.
Posteriormente a eso estudié dos años y me titulé en el Conservatorio de Praga. Volví a Chile e ingresé por concurso público a la Facultad de Artes en 1968.

¿Cómo recuerda el trabajo en la Facultad de Artes durante la Unidad Popular?

Durante la Unidad Popular cambió mucho el trabajo en la Facultad. Nosotros hicimos una acción que se llamaba Arte para todos e íbamos a poblaciones y se armaba ahí un escenario y un día se presentaba la Orquesta Sinfónica de Chile, otro día el Ballet Nacional, el teatro, otros conciertos de los alumnos y charlas. El éxito que tenía era tal, que muchos jóvenes de las poblaciones pidieron estudiar en la Facultad.

Bueno, eso duró solamente tres años y luego se terminaron todas las cosas positivas que había. Yo recibí un papel que decía que estaba suspendido y que tenía prohibición de pisar terreno de la Universidad. Mi mujer en ese tiempo era directora de la radio de la Universidad, también la echaron…bueno, echaron a la mitad de la gente de la Facultad que eran casi todos de izquierda. y a mí me informaron que convenía desaparecer del país. Entonces me llamaron de la embajada de la República Democrática Alemana (RDA) y me ofrecieron exiliarme ahí. ¿Para qué te voy a contar cómo salimos? Fue complicado también. En la RDA yo tuve mucha suerte porque en la Academia Superior de Música me ofrecieron me ofrecieron una cátedra, ese tiempo fue muy interesante, aprendí mucho y me dieron el título de profesor que es el título de jerarquía más alta, como aquí profesor titular, y ahí estuve siete años. A pesar de que aún había dictadura en Chile, decidimos volver porque un hijo quería regresar y los demás no quisimos que la familia estuviera dispersa. Volvimos a fines de los 80’.

¿Cómo fueron esos años para usted y su familia?

Pasamos nueve años muy malos, no teníamos trabajo, era imposible, El decano de entonces de la Facultad de Artes había prohibido a los pianistas trabajar conmigo. Gracias a mi trabajo anterior en la RDA, tenía los contactos y durante esos años me iba dos meses a Europa a dar conciertos y así juntaba plata para vivir el resto del año.

Después volvió la democracia y yo pensé que eso significa que automáticamente me devolverían mi puesto en la Universidad.

¿No fue así?

Nueve años demoré peleando. Me dijeron que no tenía título, pero yo demostré que lo hice en Praga, pero después solicitaron que debía ser un título de aquí. Había un grupo de personas que no quería que volviera, yo creo que, por temas políticos, y ¡tuve que dar examen de título a los 72 años! Después me hicieron concursar de nuevo.

¿Entonces usted se reincorporó a la Facultad en 1999?

No, antes empecé a dar clases. Me llamó el entonces director del Departamento de Música, Lucho López, diciéndome que algunos alumnos querían tener clases conmigo y me dieron algunas horas, pero a honorarios.

¿No quiso buscar trabajo en otra universidad?

Yo quería volver a la Universidad por todas esas razones, no solamente para tener trabajo, porque podría haber tenido trabajo en otra universidad, pero quería estar en la Universidad de Chile otra vez, sobre todo que sabía que había que hacer un gran trabajo después de todo lo que pasó con la dictadura y creo que todavía no termina ese trabajo. Por ejemplo, en los años de la Unidad Popular la Facultad tenía un club de fútbol, Patricio Bunster era el arquero, el jefe administrativo de la Facultad jugó también, yo, otros profesores de teatro también y el resto eran funcionarios ¿tú crees que hoy día es posible que haya en un club de fútbol compuesto de profesores y auxiliares?

No...

Yo creo que de alguna manera ese ambiente debería volver. El tiempo pasa, las cosas cambian, pero no sé si se puede volver a exactamente lo mismo que se hizo hace 50 años atrás, pero yo creo que la Universidad de Chile especialmente y las universidades estatales en general, deben tener las posibilidades de tener otro papel del que tienen ahora.

En estos 60 años le han tocado vivir muchas cosas, pero me imagino que nunca pensó tener que hacer clases en una pandemia y de manera virtual. ¿Cómo han sido estos dos años intentando enseñar canto a través de pantallas?

Yo considero que es prácticamente imposible enseñar virtualmente música, porque especialmente aquí, la conexión no es muy perfecta, además, ni los estudiantes ni yo tenemos en la casa un aparato donde se puede transmitir fielmente el sonido, entonces la mayoría con suerte tienen celular y lo que ellos hacen no es lo que yo escucho. Yo no sé si están impostando bien, si están usando las resonantes, los resonadores. Lo que más se puede hacer un poco es la parte musical, obras que están cantando y tampoco totalmente, pero al menos en cuanto a rítmica, en cuanto a afinación, etcétera. Estos dos años de pandemia han dejado bastante atrasados los alumnos y no sé lo que va a pasar ahora porque se dice que este año va a empezar presencial, pero ahora están otra vez subiendo, subiendo, subiendo los contagios.

Yo soy un poco viejito (ríe)… tengo 95 años y tengo un poco de miedo del viaje en transporte público, pero este año 2022 continúo porque algunos alumnos me pidieron que no jubile hasta que se titulen.

¿Está pensando en retomar algún proyecto que quedó trunco por la pandemia? Justo antes de la revuelta social estaba preparando un concierto con obras de compositores que no sobrevivieron al holocausto…

A mí me gustaría hacer ese concierto, yo tengo preparada incluso mi charla para introducirlo, y supongo que los músicos que iban a participar lo harían también, pero todo esto depende de cómo se desarrolla la cuestión sanitaria.

Quiero realizarlo no solamente porque es un concierto, sino que porque, a mi juicio, tiene un tremendo contenido. La gente aquí no está muy informada de lo que pasó en los campos de concentración alemanes, yo lo estoy porque lamentablemente parte de mi familia cercana, abuelos, tíos y primos, estuvieron detenidos ahí. Eran catorce personas y de esas catorce personas sobrevivió una tía y una prima, los demás terminaron en la cámara de gas de Auschwitz. Entonces esa es una cosa que me gustaría sacar adelante por esa razón, pero también por una que es casi opuesta: destacar lo que significó la música en un campo de concentración, donde la gente no tenía que comer. Conocí a un sobreviviente, un gran cantante de la ópera de Praga, y él me dijo que hacer música para ellos y para el público significaba mantener su dignidad humana. Entonces creo que es una gran enseñanza, sobre todo hoy. Entonces eso me gustaría hacer, ojalá que pueda. A lo mejor cuando haga eso se me ocurre alguna otra cosa.

Gabriela González Fajardo, periodista Unidad Extensión DMUS.

Viernes 21 de enero de 2022

Ciclo de conversatorios relevó investigaciones de egresadas de Danza

2022-03-21T13:09:38Z

“Investigaciones desde y entre danzas y pedagogías” se tituló el ciclo de conversatorios online, que buscó dar a conocer las investigaciones de postítulo, magíster y doctorado de egresadas de la Licenciatura en Artes mención Danza. El ciclo, que consideró siete fechas y se desarrolló durante el primer semestre de 2021, se encuentra disponible en la Plataforma Audiovisual del Depto. de Danza.

“Propiciar instancias de discusión a partir de saberes investigativos en prácticas artísticas pedagógicas es uno de los aspectos importantes de este ciclo, en el que participaron siete egresadas del Depto. de Danza, junto con visibilizar sus áreas de interés y desarrollo que nutren al campo disciplinar por desarrollarse de manera contextualizada y crítica”, explicó la académica del Depto. de Danza, prof. Poly Rodríguez, respecto de esta instancia de diálogo en formato de video que surgió “desde la necesidad de continuar y fortalecer el vínculo entre las egresadas y el área de Educación del Depto. de Danza, además de dar cuenta de sus investigaciones”, sostuvo la profesora.

En ese contexto, indagar en la vínculo de la danza, la pedagogía y la investigación fue el propósito de este ciclo que “profundizó en cómo estos campos se nutren, se colaboran y se transforman desde su relación y a su vez, cómo este encuentro permite la pregunta por el conocimiento desde las artes y las prácticas culturales, junto con su implicancia en la construcción de sociedades”, indicó la académica destacando que, en los últimos años, quienes han investigado los saberes específicos desde y entre las danzas y pedagogías, fueron mujeres Licenciadas del Depto. de Danza, las que fueron convocadas a participar de este encuentro.

Catalina Donoso, Lisette Schwerter, Jocelyn Faúndez, Consuelo Cerda, Tamara Arrieta, Camila Miranda y Andrea Torres Viedma expusieron los resultados de sus investigaciones que en su mayoría, “toman como eje transversal el giro decolonial y los feminismos en las prácticas pedagógicas y artísticas desde las danzas, con énfasis en los procesos comunitarios y las corporeidades como eje epistémico. El ‘lugar’ de la sensibilidad, los afectos y las disidencias para resguardar un buen vivir desde los procesos pedagógicos, junto a la responsabilidad de estos en la co-existencias de sociedades”, comentó Poly Rodríguez añadiendo que, los resultados de estos diálogos “apuntan a la generación de conocimiento en el encuentro y la discusión de estas prácticas artísticas revitalizando su componente político, junto con desestabilizar hegemonías que desde estos procesos logramos percibir”, expresó la profesora.

Las investigaciones y exposiciones de las egresadas

Este primer ciclo de conversatorios, que se realizó en modalidad online (ver programación, aquí), comenzó con la intervención de la egresada Catalina Donoso, quien expuso del tema "Transformando la enseñanza de las técnicas contemporáneas a través de la pedagogía". La presentación se estructuró a partir de una reflexión “en torno a cómo las demandas actuales del contexto profesional de la danza y la identidad misma del artista contemporáneo hacen necesaria una reformulación en torno a la enseñanza establecida en occidente. La pedagogía feminista puede ayudar a construir un ambiente de aprendizaje de las técnicas contemporáneas, que permitan tener una experiencia holística de formación al estudiante, potenciar su individualidad como artista y aprender a trabajar colaborativamente”, aseguró la expositora agregando que, este es un proceso de gran valor que permite desarrollar la reflexión y generar un cruce con lo teórico muy relevante para el artista contemporáneo.

Asimismo, Lisette Schwerter profundizó en el proyecto de investigación llamado "Prácticas interculturales de creación/investigación en danza", que comenzó a desarrollar en el Doctorado de Artes Escénicas de la Universidad Federal de Bahía, Brasil. “Nos preguntamos si la danza improvisada puede ser un espacio de convivencia intercultural y si esta puede ser entendida como un espacio interpolítico, guiada por la práctica. Tratar de mover ese quehacer respondiendo a sus particularidades, así como a los contextos de cada grupo de personas, fuera de las estructuras metodológicas venidas de otras disciplinas”, afirmó.

En la línea de investigación en torno a procesos históricos desde una perspectiva corporal, decolonial y colectiva, la egresada Consuelo Cerda presentó una primera aproximación de su proceso de doctorado en arte y educación, con la exposición "Re-existencias pedagógicas: Procesos pedagógicos decoloniales a partir de las prácticas artísticas colectivas". “Esta investigación realizada desde un lugar sensible y junto a las colectividades tiene, entre sus objetivos, visibilizar y validar otras epistemologías con relación a las corporeidades y los procesos de aprendizajes en Abya Yala. Se busca a partir de la práctica artística de las danzas, el estudio sensible de las corporeidades y sus manifestaciones, otras posibilidades de re-habitar las existencias corporales que lleven a crear otras narrativas singulares y plurales, que encaminen procesos de aprendizajes colectivos situados en diálogo con los territorios, las identidades y las memorias colectivas”, explicó la expositora.

En torno a esta perspectiva decolonial de la pedagogía de la danza abordada en esta instancia, la egresada Joselyn Faundez destacó que “no hay una respuesta única y verdadera de cómo generar una formación profesional desde una perspectiva decolonial. Lo que devela la investigación es que debe evaluarse caso a caso, ya que se requiere, por sobre todo, contextualizar y adaptar de manera pertinente tanto las perspectivas académicas como sociales para cada proceso de formación, aun cuando existan ciertos elementos que pueden ser transversales”, señaló.

Otra mirada que se profundizó en este ciclo fue la noción de parar, con la exposición de la egresada Andrea Torres Viedma, en la que través de la elaboración de una práctica de improvisación de danza contemporánea -que vincula los feminismos y epistemologías del sur- toma este concepto como “la posibilidad de detención de la concepción hegemónica y colonizante del tiempo. Así, a través de la improvisación, abordo el parar como una manera de diversificar la atención mientras nos movemos juntos/as, y así también, como una forma de parar el tiempo lineal, objetivo y universalizante, posibilitando el compartir de temporalidades variadas”, comentó.

Intercambio de saberes en la Plataforma Audiovisual

Las exposiciones del primer ciclo de "Investigaciones desde y entre danzas y pedagogías" se encuentran disponibles para todo público en la Plataforma Audiovisual del Depto. de Danza, iniciativa en constante crecimiento que apuesta por transformarse en un contenedor virtual de las creaciones y procesos de investigación, en formato video, realizadas por integrantes de su comunidad. “De este modo, la plataforma se convierte en un espacio de difusión de los trabajos y las investigaciones que están aconteciendo, siendo al mismo tiempo un lugar de intercambio de reflexiones. Es decir, como una manera de seguir trenzando los saberes que se van transformando y que van creando diálogos, donde esos saberes reverberan, expanden y mutan, otorgando posibilidades de continuar construyendo conocimientos colectivos”, señaló Consuelo Cerda.

Para las egresadas, esta iniciativa fue una experiencia “muy valiosa puesto que permite visibilizar las investigaciones y nuevas miradas, junto con temáticas relevantes para las danzas gestadas en otros contextos. Se abren nuevas perspectivas, que nos impulsan a reflexionar en torno a nuevas metodologías y en el trabajo transdisciplinario sobre el hacer de la danza”, señaló Joselyn Faúndez destacando que, este espacio de conversación nutre la reflexión en el proceso formativo de la danza, tanto para docentes como estudiantes.

En tanto, Catalina Donoso valoró esta instancia de escucha e intercambio “para compartir y generar diálogos en torno a diferentes procesos investigativos de las egresadas, que son fundamentales para la construcción de conocimiento dentro de la danza y al mismo tiempo generar un sentido de comunidad entre nosotras, para crear lazos y establecer vínculos con personas que pueden aportar al intercambio material y nutrir nuestras investigaciones personales y/o colectivas”, explicó agradeciendo la oportunidad de exponer sus actuales inquietudes y reflexiones que mueven su práctica pedagógica.

Texto: Constanza Romero Lecourt / Periodista Facultad de Artes.

Viernes 21 de enero de 2022

Sanfuentes y Kimmel lanzan disco en colaboración remota Santiago/París

2022-03-21T13:09:38Z

"Été / Hiver" es el último disco en colaboración remota realizado por el artista visual, sonoro y académico del DAV, Francisco Sanfuentes, que se constituyó a partir de la alianza con el compositor y guitarrista norteamericano Allan J. Kimmel. Un disco oscuro, tranquilo y melancólico que será lanzado este viernes 21 de enero desde las 22:00 hrs a través de las plataformas Bandcamp y Youtube.

En su incesante búsqueda por materializar sus inquietudes expresivas a través de la música, el académico del Departamento de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, Francisco Sanfuentes se acercó a través de redes sociales al guitarrista norteamericano Allan J. Kimmel, quien reside en París y difunde su creación en el proyecto musical titulado Departute Street.

“Escuché Departure Street por casualidad en un programa de radio norteamericano y me llamó la atención de inmediato la atmósfera que proponía, una aparente simpleza no anclada en virtuosismos, pero de gran riqueza de textura y capas. Había cierta melancolía y humildad que predominaba y la sentí muy cercana”, comenzó explicando el artista nacional.

“Por mi parte, me sentí halagado de que otro guitarrista apreciara mi música (¡O incluso tuviera la oportunidad de escucharla!). Cuando hice una búsqueda de la música de Francisco y la escuché, la encontré muy innovadora y bastante conmovedora. De hecho, estaba un poco intimidado por su arte y nivel de creatividad. Me di cuenta de que lo que estábamos haciendo con la guitarra era bastante diferente, pero dentro del mismo espíritu de evolución de la música ambiental alternativa”, acotó Allan Kimmel.

Así comenzaron a trabajar a distancia, de forma similar a lo realizado entre Francisco Sanfuentes y Federico Balducci con los discos “Pas Perdu” y “El Velo de lo Irrepresentable” y fue tomando forma este tercera producción musical realizada en a distancia de forma on line y que lleva por nombre Été / Hiver.

“Trabajar en colaboración además de implicar sumergirse en el lenguaje y mundo sonoro de otro, implica también un ejercicio de aprendizaje, situarse en el lugar del otro, aprender de esa música. Por mi parte ya había hecho este ejercicio de colaboración a distancia con Federico Balducci y es un proceso de constante sorpresa y entrega que finalmente no es tan complejo desde el punto de vista técnico- creativo”, detalló Sanfuentes.

“Si el estilo de Francisco hubiera sido demasiado similar al mío, probablemente no hubiera buscado la colaboración. Pero la oportunidad de trabajar con alguien que aportó ideas y habilidades muy diferentes al proyecto fue, por un lado, un gran desafío y, por otro lado, una excelente oportunidad para desarrollar mi propio talento y crear algo único en términos de un sonido musical global”, agregó el norteamericano.

Un disco que debe su existencia al Internet, herramienta tecnológica que les sirvió a los artistas para facilitar y concretar su trabajo. “Aunque podemos lamentar hasta qué punto la tecnología moderna ha tenido un efecto despersonalizador en nuestras vidas, especialmente para músicos mayores como Francisco y yo, está claro que este álbum no podría haberse hecho sin Internet, los nuevos desarrollos en tecnología musical y el apoyo de estaciones de radio independientes y redes sociales”, señaló el guitarrista estadounidense.

A lo que Francisco Sanfuentes agregó: “La pandemia obligó a abrir nuevos caminos, la necesidad creativa o productiva no se puede aplacar con el encierro ni las circunstancias. Este tiempo está lleno de ejemplos de ello. La historia de las artes en general nos enseña que dicha necesidad de hacer y luego de comunicar lo que se hace ha estado presente en circunstancias aún más desastrosas”

Precisamente ese trabajo remoto, le da un carácter particular al disco, así lo manifesto Kimmel, quien afirmó que “está claro que si hubiéramos estado trabajando juntos cara a cara en el mismo estudio, el resultado general sin duda sería diferente. Pero el aspecto remoto, aunque carece del potencial de retroalimentación instantánea, eliminó cualquier tipo de presión de tiempo. Como resultado, fue posible ser más libres, reflexionar y dejar que las ideas se incuben antes de surgir como algo para compartir con el otro”.

Coincide con esa visión el artista nacional, quien dio a conocer que “otra característica importante es que a diferencia del trabajo presencial donde todo se va resolviendo y confrontando en el momento, esta modalidad de trabajo a distancia implica para mí que en muchos sentidos hay que deponer lo propio, las grabaciones que recibimos son un objeto ya bastante trabajado editado, con un carácter más definido, ahí no puedo superponer mis ideas así sin más, eso requiere dejarse llevar por lo escuchado, dialogar con ello, sumarse, entretelar el propio sonido”.

En ese contexto surge 'Été / Hiver (verano / invierno en francés), un título que se relaciona con las estaciones del año que transcurrían mientras realizaban el disco. “Cuando empezamos a trabajar juntos en el álbum, acababa de llegar el invierno a Chile y el verano a Francia, por eso yo estaba intrigado por el hecho de que estábamos creando música en estaciones contrastantes. Y creo que las estaciones influyen en nuestro espíritu y tienen un impacto en la música que creamos”, contó Allan Kimmel.

Sanfuentes en cambio contó que “no pensé tanto en temáticas específicas para el disco, sólo quería dialogar con la música. Los títulos de las pistas las fue proponiendo Allan, y cada vez estuve de acuerdo con lo que las palabras evocaban. Tal como dice Allan, este disco dice más sobre nuestras psiques individuales que van cruzando la vida de modo transversal, más que circunstancias particulares, aunque esas siempre están ahí, incluso inespecíficamente”.

A esto se suma la realización del disco en el marco de una pandemia mundial que según los artistas le da una impresión general más oscura que la de un álbum ambiental más convencional.

“Sería ingenuo suponer que esto no tiene nada que ver con los problemas encontrados a nivel mundial por la crisis del Covid-19. Grabamos el disco durante el segundo año de la pandemia, un período caracterizado por encierros, paranoia y pérdida. Esta realidad probablemente tuvo un impacto en nuestras emociones y, por extensión, en la música que tocábamos. Esto no quiere decir que el álbum resultó ser triste; de hecho, creo que, en general, las canciones, tal vez mejor tipificadas por A Single Source of Light y Lost In Dream Time, son relajantes, pero con un borde más duro”, explicó el guitarrista norteamericano.

Asimismo el disco Été / Hiver es una propuesta que surge de un respeto mutuo entre ambos artistas y que dio como resultado un intercambio productivo y eficiente. “En este sentido, recuerdo una entrevista con el músico Ben Gibbard, quien describió la forma en que se produjo el primer álbum de Death Cab for Cutie de forma remota, con los miembros de la banda enviándose diferentes partes de cada canción entre sí. En ese momento, pensé que debía ser increíblemente difícil trabajar de esa manera, si no imposible, pero de hecho, el proceso de hacer Été /Hiver con Francisco resultó ser sorprendentemente fácil”, manifestó Kimmel.

Otros temas como Memories of a Good for Nothing, tienen un carácter más distópico o postapocalíptico. “Tal vez estoy pensando demasiado en esto, pero sí Francisco y yo volvemos a colaborar juntos, lo cual espero que sea el caso, el resultado final puede ser tan oscuro o desafiante como Été Hiver, incluso si la pandemia es solo un recuerdo lejano. Ahora, depende del oyente discernir los elementos veraniegos más claros y los invernales más oscuros dentro de cada pista, pero creo que están ahí, aunque no estén planeados”, concluyó Kimmel.

La invitación es para acceder al disco Été /Hiver de Francisco Sanfuentes y Allan Kimmel, desde este viernes 21 de enero a las 22:00 hrs. en las plataformas "Bandcamp de Departure Street" y "Francisco Sanfuentes Sonidos Precarios" además de Youtube Allan Kimmel y Sonidos Precarios.

Igora Martínez, periodista del DAV.

Martes 18 de enero de 2022

Profesor Sergio Rojas: "Hoy vivimos el tiempo de la gente corriente"

2022-03-21T13:09:38Z

¿Cómo mirar el futuro si no sabemos desde dónde lo estamos mirando? Esta fue la pregunta que atravesó la charla del filósofo Sergio Rojas, académico de las facultades de Artes y de Filosofía y Humanidades de nuestro plantel, quien estuvo a cargo de iniciar las presentaciones de la undécima versión del Congreso Futuro. El evento arrancó el 17 de enero en Santiago y reunirá a más de 80 expositores.

“El Pasado no cabe en la historia” fueEl encuentro de divulgación científica más importante de la región fue inaugurado hoy con la presencia del Presidente Sebastián Piñera y del Presidente electo, Gabriel Boric.

Sergio Rojas, filósofo, escritor y teórico del arte de la Universidad de Chile, estuvo a cargo de la primera presentación del evento, cuyo eje fue (paradójicamente) pensar el futuro desde una reflexión sobre el pasado.

“Creo que hoy tenemos grandes expectativas respecto al futuro. Estamos muy interesados sobre el futuro, tenemos esperanzas, pero -al mismo tiempo- en nuestro propio presente nos cruza un sentimiento de inseguridad, de incerteza, y muchas veces pensamos que esa incerteza, esa incertidumbre, tiene que ver con lo que viene. Lo que quiero proponer es que buena parte de esa incertidumbre no tiene que ver con que no sabemos hacia dónde estamos mirando y lo que estamos esperando, sino que no sabemos desde dónde estamos mirando, es decir nuestra incertidumbre afecta y cruza nuestro presente y tiene que ver con la relación con el pasado”, comenzó advirtiendo el profesor de las facultades de Artes y de Filosofía y Humanidades de nuestro plantel.

Tras este primer punto, el filósofo avanzó su exposición hacia la cuestión de la valoración de nuestro pasado versus la fascinación por la contingencia, la actualidad y la entretención, abriendo una pregunta clave: ¿Qué sucede con el pasado?

“El pasado está allí, pero sin relato, el pasado se ha insubordinado respecto a los relatos, a las grandes historias que lo habían resuelto. En la revuelta que se desencadenó en Chile el 18 de octubre de 2019 ocurrió algo que pasó no solamente en nuestro país, como dice Anne Applebaum en su libro ‘La crisis de la democracia’, ‘de pronto pareciera que todo el planeta se enfadó’”, afirmó el filósofo, quien relató un aspecto vivido durante el estallido social que develó una clara ruptura con el pasado: la destrucción de los monumentos.

“Se han elaborado muchas discusiones, teorías y artículos sobre eso. Me interesa especialmente una: la que dice que la destrucción de monumentos tenía que ver con poner en cuestión una gran historia instituida, una historia que resolvía el pasado, que se había naturalizado y en donde abundaban las efemérides de grandes estadistas y de militares. Se pone en cuestión el pasado. Ese pasado nos resulta de pronto ajeno o al menos la historia, el relato que lo interpretaba y que se proponía como una interpretación nuestra del presente, queda violentamente puesta en cuestión. En eso estamos. Ese pasado insubordinado frente a los relatos está ahí hoy demandando derechos, esa es la situación en la cual nos encontramos”, apuntó el académico.

La ruptura con el pasado, según consignó el profesor Rojas en su exposición, está lejos de ser una cuestión local de nuestro país y de ser algo reciente. Citando al historiador británico Eric Hobsbawm, volvió la mirada sobre el fin de los grandes relatos ocurrido con posterioridad a la caída de la Unión Soviética en 1991.

“Podríamos decir, lo que ocurrió allí fue el fin de lo que se entendía hasta ese momento como una historia universal de la humanidad (…) Esa noción universal de humanidad entra en crisis. Hoy el término humanidad significa siete mil millones de individuos. Es decir, el mundo está lleno y lo que percibimos y experimentamos cotidianamente no tiene que ver solo con un fenómeno cuantitativo de crecimiento de la población o superpoblación. Tiene que ver con una conciencia cada vez mayor de que todas las vidas valen, de que todos los individuos valen”, afirmó el profesor Rojas.

“La gran historia, que privilegiaba los acontecimientos fundamentales, hoy se revela como una interpretación. Una cierta idea de historia consagratoria, que abundaba en efemérides militares, en grandes acontecimientos, y grandes personajes -la mayoría de ellos varones- hoy se disuelve, queda puesta en cuestión y emerge ese otro pasado (…) Hoy en nuestro tiempo vivimos el tiempo de la gente corriente, el tiempo de las ciudadanas y los ciudadanos de a pie. Cuando miramos atrás en esta gran historia echamos de menos justamente a la gente corriente”, advirtió el académico, quien también abrió la reflexión respecto a una realidad mediada por la tecnología y los altos flujos de información que esta permite.

“Está cambiando nuestro tiempo, nuestro presente por esta tecnología, hasta radicalmente nuestra existencia. Ya no hablamos de una historia universal de la humanidad, esa esencialidad queda puesta en cuestión. Hoy lo que vivimos como una crisis de la democracia -que se vive a nivel global- no tiene que ver solamente con la evaluación que se hace en cada caso de la clase política, sino con una crisis del orden democrático. Una institucionalidad que ya no logra contener las demandas, los derechos de una población, las demandas de lo que llamaba recién la gente corriente, el gran protagonista ¿Pero qué significa la gente corriente? Gente sin poder. Ese es nuestro problema hoy. Según un informe de Naciones Unidas, en la actualidad 80 millones de personas en el mundo viven en una situación de migración forzada. Aprender a convivir es el lema de este congreso. Aprender a convivir ha sido el problema del siglo XXI y, si tomamos la tesis de Hobsbawm, no comienza en 2001, sino en 1992, cuando el pasado se nos vino encima, cuando nos quedamos sin relato”, planteó. En esta línea, el filósofo invitó “a pensar que nuestra relación con el futuro es una relación desde el presente, un presente cargado de pasado”.

Texto: Francisca Siebert
Publicado originalmente el 17 de enero

Martes 18 de enero de 2022

Académicas del Depto. de Danza son reconocidas por su trabajo creativo

2022-03-21T13:09:38Z

El Círculo de Críticos de Arte distinguió la obra “Intersecciones frágiles”, dirigida por Francisca Morand y Javier Jaimovich, como una de las mejores propuestas de danza de 2021. A su vez, el ciclo Compositoras, enmarcado en "Mujeres Chilenas en el Arte" de la Academia Chilena de Bellas Artes, es protagonizado por cinco mujeres vinculadas a la Facultad de Artes, entre ellas, Eleonora Coloma.

El pasado 8 de enero, el Círculo de Críticos de Arte de Chile dio a conocer las obras consideradas como las mejores del año 2021, destacando en la disciplina de la Danza, específicamente en Nuevos Lenguajes, la obra Intersecciones frágiles. La propuesta, dirigida por Francisca Morand y Javier Jaimovich, académicos del Depto. de Danza y del Depto. de Sonido, respectivamente, se exhibió en MAC Parque Forestal durante octubre y noviembre del año pasado, espacio al que volvió hace unos días como parte de la programación de Teatro a Mil (más información aquí).

“Es de los pocos premios de importancia que se están dando ahora a las artes escénicas sobre todo, ya que al desaparecer el Altazor no hay reconocimientos para las obras que se estrenan año a año”, señala Francisca Morand sobre el reconocimiento que recibió esta obra en que se funden performance e instalación, invitando a reflexionar sobre el cuerpo contemporáneo que emerge de la intersección e interacción de su biología con la tecnología. En Intersecciones frágiles convergen voz, sonido, movimiento, danza, bioseñales y objetos, todos ellos fusionados en un sistema interactivo que propone un cuerpo múltiple y complejo.

“Tenemos planificada una residencia breve y presentación en el centro de innovación y emprendimiento 14k de la Universidad Austral durante el mes de mayo, y también estamos programados en el festival internacional Sonorities del Reino Unido durante abril, lo que estamos confirmando según el desarrollo de la pandemia”, adelanta Javier Jaimovich sobre las próximas instancias de exhibición de esta propuesta.

Entre las obras distinguidas por el Círculo de Críticos de Arte de Chile en el área de la Danza también destacan dos obras dirigidas por egresados/as de la Universidad de Chile. En Nuevos Lenguajes fue reconocida junto a Intersecciones frágiles la obra Neuma de Bárbara Pinto, Licenciada en Artes con mención en Danza, mientras que el Premio especial por investigación patrimonial recayó en Indio Pavez, de Danza en Cruz, cuya dramaturgia y dirección estuvo a cargo de Pablo Zamorano, también Licenciado en Artes con mención en Danza.

Mujeres Chilenas en el Arte

Ése es el nombre del proyecto multidisciplinario con el que la Academia Chilena de Bellas Artes “se propone homenajear, destacar y realzar la importancia de las mujeres chilenas dedicadas al arte en sus diversas disciplinas, reconociendo el aporte al desarrollo cultural y al progreso de las artes que han realizado, tanto a nivel nacional como internacional”, señala el sitio web de la Academia sobre esta iniciativa que, hasta la fecha, ha destacado el trabajo de mujeres en distintas disciplinas artísticas.

En ese contexto, el 10 de enero se dio inicio al ciclo de conversaciones Compositoras, con las académicas del Depto. de Música, Milena Viertel y Eleonora Coloma, esta última, también académica del Depto. de Danza, ciclo que continuará el 17 de enero con la participación de Agatha Griño, Constanza Vergara y Amalia Garay, estudiantes de la Facultad de Artes. La instancia, creada y conducida por Andrés Maupoint, miembro de número de la Academia Chilena de Bellas Artes y también académico de la Facultad, contempla, además, el estreno de cinco obras para piano interpretadas por el mismo Maupoint, y creadas por las compositoras invitadas.

“Esta iniciativa se ha desarrollado durante el año 2021, invitando a dialogar a destacadas mujeres del ámbito del arte”, señala Eleonora Coloma sobre Mujeres Chilenas en el Arte, instancia en la que participa por segunda vez. En junio, invitada por el también académico de la Facultad de Artes, Luis Orlandini, estrenó su obra Granizos para guitarra -"compuesta especialmente para él durante el pasado verano”, dice- y en esta oportunidad estrenó la obra Mirto, “escrita especialmente para el profesor Maupoint y esta instancia”, comenta la académica del Depto. de Danza sobre esta obra que intenta indagar sonoramente en una sensación onírica y que está “compuesta en fragmentos cuyo orden es decidido por quien la interpreta, proponiendo formas de unión entre los mismos desde la resonancia del piano, lo cual busca representar aquello indefinible de cuando se pasa de un sueño a otro”.

En el marco de Mujeres Chilenas en el Arte se han desarrollado otras iniciativas como Mujeres de Teatro, Mirada de Mujer y Mujeres en la Danza, este último, ciclo que inició en octubre del año 2021 con el propósito de rescatar y promover al patrimonio danzario realizado por mujeres chilenas y que en su tercer capítulo tuvo como protagonistas a la también académica del Departamento de Danza, Lorena Hurtado, y a la escritora Gladys Alcaíno.

Comunicaciones Facultad de Artes
Fotografía de "Intersecciones frágiles": Gonzalo Donoso

Viernes 14 de enero de 2022

Documental experimental "Un río de sangre" se exhibe de manera online

2022-03-21T13:09:38Z

El Departamento de Teatro de la Universidad de Chile (DETUCH) estrenará el documental experimental Un río de sangre, el 13 de enero y que se podrá ver hasta el 15 de enero, a través del Canal de Youtube del Departamento. Dirigida por Paula González, el montaje es el resultado artístico de un trabajo de observación de campo de más de un año en la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile, en modalidad virtual y presencial.

Jóvenes estudiantes de teatro reconstituyen a través del cuerpo y la memoria, los acontecimientos vividos tras el estallido o revuelta social de octubre de 2019 en Santiago de Chile, donde miles de chilenos se rebelaron frente al poder, las desigualdades e injusticias, convirtiéndose el río y el agua testigo de la violación a derechos humanos en el país. En un escenario natural; la dramaturgia corporal, el canto y la poesía, son la única herramienta para restaurar las heridas y preservar viva la memoria.

Este trabajo fue grabado en su mayoría en 2020 y contó con más de 10 locaciones. “Salir a grabar en pandemia, no fue nada de fácil, tuvimos que pedir constantemente permisos especiales para salir a rodar, exponernos a una enfermedad que estaba acabando con la vida de miles de seres humanos, exponernos al excesivo control de las fuerzas de seguridad y orden del país, para poder encontrarnos, vivir de cerca la creación y la pedagogía, mirarnos, escucharnos compartir un momento y seguir soñando con hacer arte por solo 4 o 5 horas con cada intérprete”, destaca la directora.

“Durante años he venido realizando Teatro Documental, alejada de la ficción, y fui invitada a dirigir el egreso del Departamento de Teatro en plena pandemia. Asumí un tremendo desafío, en un escenario completamente adverso para nuestro oficio. Por años, las Artes Escénicas han resistido a la precarización laboral en un país, que lamentablemente no ve el arte y la cultura como un necesidad intrínseca para el ser humano y en este escenario tan complejo, donde las salas, espacios alternativos, centros culturales han cerrado sus puertas, el lenguaje audiovisual nos permite seguir manteniendo viva la memoria y dejar testimonio del tiempo que estamos viviendo”, destaca la directora Paula González Seguel.

Los intérpretes que forman parte de Un río de sangre son: Javiera Aguirre, Javiera Alvear, Diego Chávez, Jordan Asken, Ananda Rozzi, Rocio Jerez, Atenea Santander, Paula Reyes, Scarlette Pichara, Alvaro Méndez, Katalina Sánchez, Vania Maturana, Florencia Soto, Ignasia Triday, Malva Sánchez, América Navarro, Federica Larraín, Constanza Coñuecar, Francisca Contreras y Fernanda Narváez. Mientras que el Diseño Escénico fue realizado por la Generación de Diseño Teatral 2020.

Ficha Artística

Dirección, Dramaturgia, Guión
Paula González Seguel

Asistencia de Dirección, Producción y Sonido
Andrea Osorio Barra

Montaje de Imágenes
María Fernanda Altamirano

Montaje de Sonido
Paula González Seguel

Cámara y Montaje Video Clip
José González Lagos

Imágenes Aéreas
Yerko Castillo

Post Color
Nicolás Saldivia

Dramaturgia
Federica Larraín
Constanza Coñuecar
Ananda Rozzi
Rocío Jérez

Poesía
Daniela Catrileo

Intérpretes
Javiera Aguirre
Javiera Alvear
Diego Chávez
Jordan Asken
Ananda Rozzi
Rocio Jerez
Atenea Santander
Paula Reyes
Scarlette Pichara
Alvaro Méndez
Katalina Sánchez
Vania Maturana
Florencia Soto
Ignasia Triday
Malva Sánchez
América Navarro
Federica Larraín
Constanza Coñuecar
Francisca Contreras
Fernanda Narváez

Diseño Escénico:

Generación Diseño Teatral 2020

Autora y Compositora “Polvo de Estrellas”
Evelyn González Seguel

Músicos
Juan Flores Ahumada
Pablo Ariel López
Gustavo San Martín
William García

Cantantes
Ignasia Triday
Rocío Jerez
Fernanda Narváez
Annie Murath
Nicole Gutiérrez

Estudiantes Compositores/a
Amalia Garay Lukacs
Daniel Aedo Escanilla
José Miguel Macías Vocar
Sebastián Pavéz Signe

Profesora Estudiantes Composición U. de Chile
Prof. Eleonora Coloma Casaula

Audios Plaza Dignidad
Guillermo González

Historiografía
Silvana Bustos

Asistencia Producción
Malva Sánchez

Estudio de Grabación Canción Final "Polvo de Estrellas"
Santuario Sónico

Sonidista
Adolfo Rodríguez Kaulen

Agradecimientos
Museo del Estallido Social

Jueves 13 de enero de 2022

PostArtes abre último llamado de postulaciones 2022

2022-03-21T13:09:38Z

Hasta el mes de marzo estará abierto el último llamado para postular a los programas de doctorado, magister, cursos de especialización y diplomados en Artes de la Universidad de Chile.

Planificando un inicio de clases en modalidad presencial, la Escuela de Postgrado de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile ha abierto su último llamado de postulaciones 2022. Estudios en áreas tales como Interpretación Musical, Composición Musical, Patrimonio, Estética, Historia y Teoría del Arte, Artes Mediales, Artes Visuales, Arteterapia, Gestión Cultural y Musicoterapia completan la oferta que PostArtes U. Chile ha programado para el año 2022. Respecto del desarrollo de los programas en modalidad remota a raíz de la contingencia sanitaria durante el año 2021, Mauricio Barría, director de PostArtes señala que “una gran parte del trabajo fue una continuación de lo que ya habíamos descubierto el año anterior. Todos nuestros programas siguieron funcionando de manera on-line sin ser o sin convertirse en educación remota. Nosotros no hemos atravesado hacia el mundo del e-learning. Creo que la evaluación es más bien positiva, logramos tener una buena cantidad de postulantes y estudiantes nuevos y nuevas y, en general, los programas han funcionado de una manera adecuada. Finalmente, la facultad logró generar las condiciones para un paulatino retorno de algunas actividades que se están comenzando a realizar en estos momentos, que habían quedado postergadas el año pasado y eso, también, nos deja un buen pie como para pensar el 2022 en términos ya presenciales. La planificación para el 2022 es volver a la presencialidad”.

Investigación en las Artes y nuevos programas

Al desarrollar programas de magister y doctorado, la investigación en las Artes adquiere suma relevancia para PostArtes, Mauricio Barría señala que “entender el arte como una forma de conocimiento o entender la creación artística vinculada a la investigación o como una forma de investigación, es el tema más relevante hoy por hoy en el desarrollo de los postgrados y en la Universidad. El tema de la creación artística como investigación no es un problema necesariamente de todo el campo artístico. Si bien es cierto, una parte importante de lo que llamamos artistas contemporáneos o arte contemporáneo está muy vinculado a procesos muy densos y de fuerte de investigación y muchas veces se cruza la idea de una obra con la idea de una tesis o de un ensayo, no es una cuestión obligatoria para el arte, pero si lo es, desde mi punto de vista, para el arte que se tenga que producir al interior de la Universidad. Haciendo esa salvedad, uno podría decir que el tema hoy de un postgrado en artes es pensar radicalmente eso que significa la investigación artística o la creación artística como investigación. Durante todo este año y desde hace dos años atrás, la Escuela de Postgrado ha conducido un proceso de elaboración de un proyecto de doctorado en obra, que se llama Doctorado en Artes y que está ya en su etapa final de formulación y de hecho esperamos poder presentarla hacia inicios del 2022 al consejo de Facultad. Creo que la creación artística como investigación no invalida o no puede invalidar el concepto de obra, puesto que el concepto de obra es eso que define a la creación artística. Si por obra entendemos, en términos generales, la materialización de algo, el arte precisamente se diferencia de otras maneras del conocimiento porque culmina, precisamente, en la producción de un tipo de materialidad. El arte es un tipo de pensamiento sensible y ese pensamiento sensible piensa el mundo, conoce el mundo de una forma diferente de cómo lo hacen otras formas de producción de conocimiento. Por qué los artistas no pueden colaborar en procesos de investigación de ese tipo, de juntar precisamente, colegiar grupos de investigación realmente transdiciplinario, ¿acaso no hay arte producido por ideas de la pandemia? ¿Cómo puede pensarse sensiblemente y no sólo afectivamente en un sentido perceptual todo esto que ha ocurrido? ¿Cómo eso coopera o colabora, precisamente, en una visión más amplia de los resultados de una investigación médica? Creo que son cosas interesantes de pensar y que el lugar natural donde esto tiene que ocurrir es precisamente en la universidad”.

Sobre el proceso de postulación

Para conocer detalles sobre los requisitos de postulación y valores de los programas, los y las postulantes deben ingresar a www.artes.uchile.cl/postgrado y seleccionar el programa que deseen estudiar. Es importante señalar que para el año 2022 los únicos que programas que se mantendrán en modalidad remota son el Curso en Especialización en Arteterapia y los Diplomados tanto de postítulo como de desarrollo profesional.

POSTULACIONES 2022

Consultas: postulacionpostartes@uchile.cl

Facebook: @postgradosArtesUChile

Twitter: @PostgradoArtesU

Instagram: @postartes_uchile

Gabriel Contreras Hernández. Periodista. Escuela de Postgrado. Facultad de Artes.

Miércoles 12 de enero de 2022

Vestuarios de Fanor Velasco de TNCH se exhiben en Plataforma Cultural

2022-03-21T13:09:38Z

La Plataforma Cultural será un centro extensional para dar a conocer las distintas áreas universitarias como el Centro de Investigación y Patrimonio del Teatro Nacional Chileno, que contará con una vitrina especial donde se exhibirán vestuarios de importantes diseñadores de obras icónicas del Teatro Experimental de la Universidad de Chile.

Con la visita de la expresidenta y Alta Comisionada para los Derechos Humanos de la ONU, Michelle Bachelet, el viernes 7 de enero se realizó un recorrido especial por el nuevo edificio de la Universidad de Chile llamado Plataforma Cultural, un recinto de 9 mil metros cuadrados ubicado en el Campus Juan Gómez Millas que se inaugurará el primer semestre este año. En ese contexto, también se dio a conocer una vitrina especial para vestuarios como parte del proyecto Fanor Velasco del Teatro Nacional Chileno (TNCH).

“El TNCH es la compañía de teatro más antigua del país, el 2021 cumplió 80 años y es uno de los símbolos de la preocupación cultural de la universidad, la cuna de la primera escuela de actuación y la primera y única escuela de diseño teatral. Actualmente venimos de una gira muy importante (con la obra Sala 13), generando alianzas con otras universidades como la Red Patagonia Cultural, para desarrollar actividades educativas en distintos lugares del país y acercar la cultura a distintos territorios. Un trabajo que muchas veces no se ve tan nítidamente al interior de la universidad y que esperamos que con este impulso de los 80 años y esta Plataforma Cultural, toda la comunidad universitaria conozca lo que estamos haciendo y la riqueza de nuestro patrimonio escénico”, cuenta Cristian Keim, director del TNCH y académico del Departamento de Teatro de la Universidad de Chile (Detuch).

La exposición cuenta con la curatoría de Valentina San Juan, diseñadora escénica egresada del Detuch y también una de las encargadas del proceso de restauración de la casa Fanor Velasco, histórica sastrería del Teatro Nacional Chileno que alberga cientos de vestuarios de obras icónicas del teatro experimental.

“En este momento la vitrina cuenta con dos vestuarios en exhibición, uno de María Kluczysnka y otro de Guillermo Núñez (Premio Nacional de Artes), ambos maestros diseñadores escénicos nacionales. Los vestuarios se encuentran en exhibición junto a un texto curatorial, fotografías de archivo y bocetos originales que fueron entregados en coordinación con las familias”, detalla Valentina San Juan y agrega que “esta exhibición tiene el apoyo del Archivo Central Andrés Bello de la Universidad de Chile, quienes han colaborado junto a nosotros en otros proyectos de investigación sobre diseño y artes escénicas para complementar y enriquecer estas piezas materiales”.

El diseño en exhibición de María Kluczysnka corresponde a un vestuario de la obra “Las mocedades del Cid” de Guillen de Castro, estrenada en 1977, mientras que la pieza de Guillermo Núñez aparece en la obra “El perro el hortelano” de Lope de Vega, estrenada en 1962.

La exhibición está respaldada a su vez por el reciente Centro de Investigación y Patrimonio del Teatro Nacional Chileno que, encabezado por el director del TNCH Cristian Keim, estos últimos dos años ha realizado un trabajo de rescate de material y archivo histórico del teatro universitario con un equipo compuesto también por la diseñadora de vestuario Valentina San Juan, el asistente de vestuario Omar Parraguez, y los actores e investigadores escénicos Valentina Mandic y Marcelo Lucero.

La vitrina especial del Teatro Nacional Chileno disponible en la Plataforma Cultural del Campus Juan Gómez Millas se podrá visitar hasta el jueves 13 de enero en el marco de la Feria del Postulante de forma gratuita para toda la comunidad universitaria y público de interés. Luego en marzo se abrirá nuevamente para su exhibición.

Macarena Montes, comunicaciones TNCH

Miércoles 12 de enero de 2022

"Una hora y media en dirección a la cordillera" de Rodrigo Carmona

2022-03-21T13:09:38Z

Finaliza el ciclo Relatos Visuales 2021 el artista visual egresado del DAV, Rodrigo Carmona, con la exposición "Una hora y media en dirección a la cordillera (y de vuelta)", que registra una caminata que hizo el artista en medio de la pandemia y con restricciones de movilidad.

"Una hora y media en dirección a la cordillera (y de vuelta)" se titula la exposición virtual del artista visual Rodrigo Carmona, un proyecto que se enmarca en un proceso de investigación que ha llevado a cabo en el Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile, en el que se mantiene como eje central el espacio público.

“Dentro del contexto de pandemia y cuarentena la posibilidad de traslado se rige por un sistema de permisos virtuales. Los más largos tienen una duración exacta de tres horas. La estructura del documento asume que en este período de tiempo el sujeto realizará una o más acciones ‘productivas y necesarias’ aunque no exige pruebas de ello” contó el artista.

Asimismo agregó que, “[...]Tomando en cuenta todo lo anterior, realicé una larga caminata en busca de mi objetivo, la Cordillera de los Andes, sin salir del actual marco normativo”.

Sobre el artista

Rodrigo Carmona (Linares, 1990): Licenciado en Artes, mención Artes Visuales, Universidad de Chile (2016). Ha participado en exposiciones colectivas en la ciudad de Santiago, galería de arte La Palmilla Oriente (2017) y Sala Juan Egenau (2018). Trabajó en el diseño y edición de la revista independiente de poesía “La Divine” (2013-2014), en la producción y edición de videos para la galería de arte La Palmilla Oriente (2016-2017) y fue ayudante del profesor Gabriel Uribarri en el ramo de dibujo para segundo y tercer año en la carrera de Artes visuales de la Universidad de Chile (2017-2018). En el presente se desempeña como profesor de arte en el Colegio Nuevo Horizonte (2019 a la fecha) mientras cursa el primer año del Magíster en Artes, mención Artes Visuales en la Universidad de Chile.

Igora Martínez, periodista del DAV.

Miércoles 12 de enero de 2022

@xposición agrupa obras de jóvenes realizadas durante la pandemia

2022-03-21T13:09:38Z

El pasado jueves 6 de enero y de forma virtual, se inauguró la @xposición "2O | 21" en la que 22 jóvenes artistas exhiben sus trabajos realizados durante los primeros dos años de pandemia. La muestra cuenta con la curatoría del artista nacional y académico del DAV, Arturo Cariceo y el español Domingo Sánchez Blanco.

“Una @xposición reemplaza la letra “e” por una arroba porque es una declaración de principios. Se trata de una exhibición que está más allá de las plataformas electrónicas. Es, en estricto sentido, un enlace que te lleva de manera inmediata a la muestra, sin tener páginas o redes como intermediarios. Se trata de un vínculo versátil, porque puede circular por todo medio de mensajería y es, a la vez, asequible al computador y teléfono”, explicó el académico del DAV y uno de los curadores de la muestra “2O | 21”, Arturo Cariceo, quien junto a Domingo Sánchez seleccionaron las obras de artistas visuales egresados y/o titulados del DAV durante estos dos años de pandemia.

Una selección que se centró en la calidad de las obras que dan cuenta de la perseverancia y compromiso de los artistas con ellos mismos, y con el deseo del arte, “ya que estaba todo para tirar por la borda los ideales artísticos”, declaró Cariceo.

Una exposición on line que se origina en medio de un escenario que no fue solo el enclaustramiento sanitario, sino que también el gran número de contagiados y fallecidos, a los que se suman las víctimas de los derechos humanos tras el estallido social.

“Visto desde hoy, nuestra mirada es desde la supervivencia. Todos estuvimos expuestos al clima anímico de total indefensión y estos jóvenes artistas lograron desarrollar un cuerpo de obra que, a simple vista, pareciera que fue hecho en condiciones idílicas”, acotó el curador chileno.

De este modo “2O | 21” exhibe las obras de l@s artistas Fernanda Arancibia, Valentina Arcos, Victoria Benet, Javiera Bruna, Coco Cárdenas, Caro Chamblas, Samuel Cortés, Javiera Duarte, Gabriela Durand, Nataly Escárate, Jorge Gajardo, Augusto Gaymer, Lucero Guerra, Nzo Lobos, Kiara Manríquez, Isabella Millán, Vicente Órdenes, Kotu Salinas, Fabiola Soto, Pedro Uribe, Valentina Vidal y Paz Villalobos, todos estudiantes y egresados del Departamento de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile que decidieron persistir en su afán de arte.

Así la exposición “2O | 21” en formato de archivo multimedial, incluye videos y pistas sonoras, para que circulen en cualquier tipo de mensajería digital y no depende sólo de páginas webs o plataformas electrónicas.

Además cada expositor acompañó las obras elegidas con breves statements, con los que buscan evitar ahogar el poder intrínseco que tienen las imágenes, para dialogar con el espectador.

“Esta @xposición celebra la persistencia de jóvenes artistas en su deseo por el arte; y, en cómo gestionan sus obras a través de Internet, desde diversos puntos del país, sin dejarse avasallar por los años de enclaustramiento sanitario”, concluyó Arturo Cariceo.

Visita la exposición “2O | 21” ingresando al siguiente enlace: https://drive.google.com/file/d/1wzht8Ec-sGiUcvPpzkHVzZ83TApLg8Gq/view

Igora Martínez, periodista del DAV.

Miércoles 12 de enero de 2022