Soy consciente de que la relación de las dos películas que voy a comentar con la afamada The Rocky Horror Picture Show es directamente inexistente, pero ya que me dejo llevar por la vagancia y comento dos por el precio de una, ea, hay que compensarlo de alguna forma. Una vez dicha la tontería de rigor paso a comentar los dos principales estrenos de Sony en España durante el mes de julio. Y es que mientras otros estrenan cosas con robots gigantescos dándose de leches o niños magos con las hormonas hiperdesarrolladas, Sony nos ofrece dos producciones de corte más modesto para aquellos que busquen una comedia fuera de lo común (Bruno) o un thriller de corte más convencional (Asalto al tren Pelham 123). ¿El resultado? Pues vamos ahora con ello.

El estreno de Borat hace ya prácticamente 3 años se saldó con un éxito inesperado y con personas como yo que esperábamos un engendro lamentable a la altura de Ali G anda suelto gratamente sorprendidos por la incorrección de la propuesta. No mucho después se confirmaba que su siguiente película se centraría en el tercer personaje principal creado por Sacha Baron Cohen: Bruno, un periodista gay especializado en el mundo de la moda. Bajo esa premisa lo que nos cuenta la película es cómo Bruno pasa de estar en el top del mundillo a hundirse en la miseria por estropear un desfile de Agatha Ruiz de la Prada. A partir de entonces hará (literalmente) lo que sea para recuperar la gloria, por absurdo, peligroso o insultante que puedan resultar los sucesivos planes que va ideando.

Si hay una palabra que pueda definir a Bruno es la de irregular, ya que se basa en un humor de lo que algunos definirían como de baja categoría y provocador a la vez que no es capaz de llevar hasta las últimas consecuencias esa apuesta, y la opción de quedarse en tierra de nadie jamás resulta satisfactoria. Quizá tampoco ayude que el efecto sorpresa que sí consiguió Borat con su look de falso documental, que no haya tenido pegas en eliminar una secuencia de la película con motivo de la muerte de Michael Jackson (¿a qué no os habíais enterado de su muerte?) y que la prensa haya ido desvelando varios aspectos de la película. No obstante, el problema es que muchas bromas sencillamente no tienen gracia y a eso se le podrán buscar explicaciones más o menos rebuscadas, pero en el fondo será para decir eso mismo. Con eso no quiero decir que uno no vaya a reírse con Bruno, en especial si uno va especialmente motivado para ver algo de estas características, pues hay varias situaciones antológicas de puro disparatadas, pero se queda en eso, meros momentos inspirados.

El caso de Asalto al tren Pelham 123 no difiere en demasía del de Bruno, lo único que en este caso contando con el injustamente olvidado film original dirigido por Joseph Sargent hace ya 35 años: Ingredientes similares (aún más al ser un remake por mucha novela que haya de por medio) pero utilizados con desigual resultado. La película nos cuenta la historia de unos hombres que se apropian por la fuerza de un vagón de metro con varios pasajeros a bordo y exigen 10 millones de dólares para dentro de una hora si el alcalde no quiere que por cada minuto de más que pase se ejecute a uno de los rehenes. La excusa argumental, aún con sus peculiaridades, no deja de ser algo mil veces visto, pero funcionaba como un mecanismo de relojería en la cinta protagonizada por Walter Matthau. Entonces, ¿Por qué optar por hacer una cinta de suspense bastante al uso? Es algo que no me queda claro, pero es lo que Tony Scott ha decidido.

El primer error de la película es centrar el interés de la película en la relación que surge entre el jefe de los secuestradores y el encargado del metro con el que exige hablar so pena de asesinar rehenes antes de tiempo. No es que la idea en sí misma sea mala, pero el casting realizado resulta erróneo, en especial en el caso del villano: John Travolta puede gustar más o menos, pero en su faceta de villano sólo da realmente el pego en producciones de gama media-baja (1) como Alarma nuclear ya que no consigue dar al personaje de una credibilidad maligna y eso cuando una película se apoya en un duelo interpretativo se nota bastante. Y además eso se traduce en la reducción a poco más que elementos decorativos del resto de malvados, otro error notable, pues en la película original resultaban un complemento ideal a un gran Robert Shaw. A modo de compensación positiva destacar el convincente trabajo de Denzel Washington como hombre superado por las circunstancias que se ve obligado a lidiar con una situación extrema (aunque yo hubiese eliminado todo lo referente a su familia por mucho que así se perdiese el matiz “negativo” que dan al personaje) y lo agradable que resulta ver a Tony Scott mucho más contenido de lo habitual. Por su parte, lo negativo de la balanza se completa con una banda sonora innecesariamente atronante (en la original tardan casi 45 minutos en aparecer la primera pieza musical y, en general, su uso tan reducido como destacable), una evolución argumental tan previsible que molesta (y ya del intentar comparar el sutil y brillante final de la original con la típica persecución final de ésta mejor no decir nada), el escaso uso de las nuevas tecnologías (a mi juicio era por ahí por donde se podían sacar más cosas interesantes) o la inclusión de un humor de baratillo que busca, hasta cierto punto, mantener el aire políticamente incorrecto de Pelham 1, 2, 3 con desastrosos resultados. Con todo, como entretenimiento en un día de aburrimiento es una película cumplidora y más si no has visto la original, algo que todo el que esté leyendo esto y se encuentre en ese caso ya puede ir remediando.

No es que el resultado de lo que nos ofrece Bruno y Asalto al tren Pelham 123 sea precisamente alentador y nunca recomendaría demasiado ninguna de las dos a alguien que quiera ir a ver algo al cine, pero del mismo modo he de reconocer que ninguna de las dos es una opción a descartar a las primeras de cambio si uno es un asiduo a las salas de cine como el que esto escribe. Ni buenas, ni malas, sino todo lo contrario.

(1) Tampoco ayuda lo más mínimo la incapacidad del guión para definir con claridad al personaje, ya que según el momento de la película que veamos podemos pensar que estamos ante alguien completamente desquiciado (quizá la opción ideal dada la tendencia al histrionismo de Travolta en la película), acomplejado pero con cierta moral, en busca de una venganza extraña o simplemente un genio malvado obsesionado. Son demasiadas facetas que encima aparecen y desaparecen según le de el aire al guionista.

Matt Damon es The Informant

Estrenamos el trailer de la nueva película de Steven Soderbergh, THE INFORMANT!, película protagonizada por Matt Damon.

Disfrutad malditos, disfrutad

¿En qué estaba pensando Mark Whitacre? De medrar en el gigante de la industria agrícola Archer Daniels Midland (ADM), Whitacre (Matt Damon) pasa de repente a denunciar prácticas corruptas en su empresa. Mientras informa al FBI de la conspiración de su empresa para fijar precios a nivel multinacional, Whitacre se contempla a sí mismo aclamado como héroe y objeto de un ascenso. Pero antes de que suceda eso, el FBI necesita pruebas, así Whitacre se presta con entusiasmo a llevar una grabadora oculta en su maletín, y se imagina que es algo así como una especie de agente secreto.

Desafortunadamente para el FBI, su testigo principal no ha sido muy comunicativo respecto a los detalles financieros de la empresa. El relato siempre cambiante de Whitacre frustra a los agentes (Scott Bakula y Joel McHale) y pone en riesgo el caso contra ADM, ya que resulta casi imposible descifrar lo que es verdad y lo que es fruto de la gran imaginación de Whitacre.

El ganador de un Oscar® de la Academia, Matt Damon (“El indomable Will Hunting,” la trilogía de “Bourne”), es el protagonista en “The Informant!,” basada en una historia real sobre la persona de más alto rango que denunció prácticas corruptas en su empresa en la historia de los Estados Unidos. La película ha sido dirigida por el ganador de un Oscar® Steven Soderbergh (“Traffic,” “Ocean’s Thirteen”) partiendo de un guión de Scott Z. Burns, basado en el libro The Informant (A True Story), escrito por Kurt Eichenwald.

La película también cuenta con los actores Scott Bakula, Joel McHale y Melanie Lynskey.  Gregory Jacobs, Jennifer Fox, Michael Jaffe, Howard Braunstein y Kurt Eichenwald son los productores de la película.  George Clooney, el socio de Soderbergh desde hace mucho tiempo en la realización de películas (“Buenas noches y buena suerte,” “Confesiones de una mente peligrosa”), ha sido el productor ejecutivo junto con Jeff Skoll y Michael London, con Michael Polaire en la coproducción.

En el equipo creativo entre bastidores podemos mencionar al diseñador de producción Doug Meerdink y al montador Stephen Mirrione.  La música es de Marvin Hamlisch.  La película ha sido calificada R por la MPAA por su lenguaje.

Warner Bros. Pictures presenta, en asociación con Participant Media y Groundswell Productions, una película de Section Eight-Jaffe/Braunstein Enterprise, “The Informant!”

Visita la Web Oficial

The Informat, High Definition Oficial Trailer (quicktime version)

The Informat, High Definition Oficial Trailer (windows media player version)

El compositor californiano John Ottman, famoso por sus colaboraciones con el director Bryan Singer (Sospechosos habituales o Valkyria), completará definitivamente el rico firmamento de estrellas invitadas al Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife (FIMUCITÉ), tras haber confirmado su presencia en esta tercera edición, que se celebrará entre los días 20 y 26 de julio.
Ottman (San Diego, 6 de julio de 1964) es también conocido, además de por los referidos trabajos, por las partituras de Verano de Corrupción, la segunda parte de X-Men, y por Superman Returns, para la cual adaptó la famosa banda sonora originalmente compuesta por John Williams. Por otro lado, John Ottman también ha compuesto la música de películas como Los cuatro fantásticos, e incluso ha realizado incursiones esporádicas detrás de las cámaras, como en el caso del filme de terror Leyenda Urbana 2.

El compositor se une así al elenco de este año, formado por Jan Kaczmarek, Joel McNeely, Clint Mansell y Mark Snow, y cuyo programa de conciertos está disponible en la web del Festival, www.fimucite.com

En los próximos meses llegará a nuestras carteleras Vicky el Vikingo, adaptación cinematográfica de la popular serie de animación que ha hecho las delicias de grandes y pequeños de varias generaciones. Basada originalmente en los libros infantiles del autor sueco Runner Jonsson, la serie de animación ha sido y sigue siendo una de las más emblemáticas de la televisión.

Una mañana, la pequeña aldea vikinga de Flake es asaltada por los malvados guerreros de Sven el Terrible que secuestran a todos los niños… excepto a Vicky, un particular niño pelirrojo, hijo del Jefe Halvar, que destaca por sus brillantes ideas en los momentos más difíciles. Halvar, el más cabezota de los guerreros vikingos, decide dar caza a los secuestradores y salvar heroicamente a los niños de Flake. Ante la negativa de Halvar de que Vicky viaje con ellos en busca de los niños, el pequeño Vicky se esconde en el barco.
Vicky y los valientes vikingos se las verán con fantasmas, espeluznantes villanos, cofres con legendarios tesoros… y mil aventuras más

Por fin podremos ver las aventuras de Vicky en pantalla grande, con personajes de carne y hueso, en una superproducción que que promete ser la comedia familiar más divertida del año.

M. Night Shyamalan

Que Michael Night Shyamalan es uno de esos directores que saben crear en la gran pantalla una atmósfera inquietante está sobradamente demostrado, ahora, que sepa llevar su estilo a una web, era algo por ver.

Pues bien, lo ha hecho.
El director de origen hindú a estrenado  su nueva web personal, y cómo no es oscura, inquietante, tenebrosa, repleta de secretos, enlaces escondidos…
A espera de su nueva peli “The last airbender”,que tiene un tufillo a pestiño desde los trailers, nos podemos conformar con darnos una vuelta por su universo web, la verdad, más interesante que sus últimas películas.

La dirección es www.mnightshyamalan.com

La única pega que le he encontrado es que pretende ser efectista, espectacular, llena de demasiad contenido… y esto la hace densa, y a veces lenta en la navegación pero no lo quieta encanto.

Muy recomendable.

El prototipo de película de verano es algo muy del gusto de algunos y profundamente odiado por otros. La mezcla habitual es unir un guión de profundidad limitada (por no decir que la existencia de un guión es porque hace falta contar algo por estúpido que sea) con un uso desorbitado de los efectos especiales para que el público flipe con los adelantos tecnológicos. De cuando en cuando sale algo que se preocupa también por la historia (véase el caso de El caballero oscuro el verano pasado), pero lo habitual no es eso. Este verano cinematográfico del 2009 (ya sé que el periodo estival no ha empezado oficialmente, pero eso no importa en el mundo del cine) ya nos ha traído ejemplos como la vulgar Lobezno o la hiperentretenida Star Trek. La cuestión es ¿qué hace que una película con estas condiciones pueda salir buena (y aquí acepto todos los matices que se quieran poner salvo la sustitución de la palabra por otra más indefinida) o una mierda insufrible? ¿La saturación total de efectos especiales y escenas “molonas”? ¿El acertado uso de los tópicos (raro es la cinta de este estilo que no los abraza abiertamente) para crear un divertimento facilón? ¿Nada lo consigue y simplemente es que uno se lo llega a pasar bien por algunas por mera casualidad? No seré yo el que desvele ese gran misterio (para empezar porque de saberlo con garantías fijo que me pagaban un dineral por la información), sino que simplemente llega el momento de comentar Transformers 2, el gran blockbuster de la temporada que se estrena estos días para alborozo de algunos y alergia neuronal de otros. ¿Ha salido buena o mala? La respuesta a continuación.

La vida de Sam Witwicky ha cambiado bastante desde que salvase a nuestro planeta de la amenaza decepticon con la destrucción del cubo de la chispa vital (por mucho tiempo que pase el uso de esos términos sigue resultando enormemente ridículo). El simpático pringado de antaño ha dejado paso a un adolescente capaz de mantener interesada a la típica tía buena que tiene como novia (y es que Megan Fox interpretativamente no da mucho de sí), a punto de empezar la universidad y con una vida la mar de agradable. Pero todo lo bueno debe desaparecer en una película de estas características y he aquí que los decepticon reaparecen para conseguir la resurrección de Megatron primero y después para intentar el alzamiento de una especie de transformer legendario con el que proceder a conquistar el mundo y el universo ya de paso. Entre medias, Sam llega a su universidad, conoce a su compañero de cuarto, surgen los tan cansinos como típicos problemas de pareja con Mikaela y entra en contacto con fragmento del cubo de la primera parte que le hace ver cosas muy raras y escribir en un idioma desconocido. No hace falta ser un genio para deducir que pronto empezarán las peleas entre robots gigantescos, explosiones por doquier, persecuciones, chistes de dudosa comicidad, es decir, todo lo que ya vimos en la primera entrega, pero duplicándolo, triplicándolo o lo que proceda. La cuestión es superar al original por el camino de la saturación. ¿Lo consigue? Sí y no.

Una de las grandes críticas que ha tenido que soportar Michael Bay es su terrible obsesión por los efectos especiales, llegando a burlarse él mismo de esta condición en un delirante spot televisivo (1). El problema, y es algo de lo que he leído al propio Bay quejarse, es que las dificultades para poner en pie una producción de este calibre con todas las presiones que surgen a tu alrededor, la apretadísima agenda para llegar a una fecha de estreno prefijada con demasiada anterioridad y las limitaciones que impone la inserción a posteriori de los innumerables efectos especiales (los cuales, creedme, son muchísimos en Transformers 2) entre otros muchos aspectos son cosas que sencillamente se obvian acudiendo a ese maravilloso tópico que todos hemos usado alguna vez: “Es que el guión es una mierda”. La cuestión es que, hasta determinado punto, esa afirmación suele ser (relativamente) cierta, pero aquí surge la escasez de miras a la hora de juzgar las películas y es que uno no puede esperar lo mismo de una película de “autor” (entrecomillemos mucho ese detalle, porque dentro de esa corriente uno también ha de estar preparado para casi cualquier cosa) que de un producto 100% palomitero y tan malo es no saber disfrutar de lo que ofrece lo primero como de lo que sabes que vas a encontrar en un mastodonte visual como Transformers 2.

El primer detalle sobre el trabajo de Bay en esta película es que ha aplicado la misma regla que en Dos policías rebeldes 2, es decir, intentar dejar en el más absoluto de los ridículos a la primera entrega optando por un tono excesivo, una duración desmesurada y, sobre todo, un intento de creación de una orgía visual como nunca antes uno haya visto. La primera dificultad es que para los movimientos de cámara molones se ha de tener en cuenta la inclusión posterior de los transformers, con lo cual las filigranas visuales de Dos policías rebeldes 2 se mantienen como la cima (por entenderlo de alguna manera) de la carrera de Bay (lo cual no quiere decir que Transformers 2 sea una cinta pausada, ni mucho menos). Sencillamente, Bay parece emperrado en dejar en ridículas esos fatuas declaraciones suyas sobre la posibilidad de hacer una película de corte más intimista y es que lo suyo es lo exagerado, acelerado e hiperbólico. Y eso es en lo que su trabajo de puesta en escena se centra. A su vez, si de paso se cuentan con unos efectos de sonido capaz de ensordecer tanto a la sala como a los propios personajes de la película (hay diversos momentos que, de verse la película en versión original, aparecen los subtítulos pero uno es incapaz de oír a los personajes) mejor. Además, si algo es innegable es que Bay ha salido triunfador en el declarado duelo de virilidades promovido por McG (el cual literalmente llegó a solicitar comparar en público el tamaño de su, ejem, “masculinidad”), porque por mucho que el director de las horribles dos entregas de Los ángeles de Charlie siempre estará a años luz del maestro actual de este tipo de cine.

Uno de los detalles más olvidados (y, generalmente, olvidables) de una película como ésta es su guión y aunque detrás de él se encuentran Roberto Orci y Alex Kurtzman, la pareja de moda del mundillo (también anda por ahí Ehren Kruger, que estuvo fugazmente de moda tras el estreno de Arlington road) y vinculados al cine de Bay desde la injustamente menospreciada La Isla (el otro gran eje de su carrera es el sobrevalorado J.J. Abrams), el bagaje no puede decirse que sea muy destacable. Y es que la historia vuelve a optar por la vía de la simplonería siendo el mayor de los cambios uno de los más graves errores de la película: La evolución del personaje de Shia LaBeouf, el cual deja completamente atrás su faceta su simpático desastre en beneficio de un rol más ambicioso y adulto. Dada las limitadas capacidades interpretativas del protagonista de Disturbia lo que queda claro es que u opta por la vía del encasillamiento o pronto perderá la gracia del público, y es que alejado de la faceta que le hizo sobresalir no resulta convincente. Más allá de este detalle, el guión reincide en los postulados de la primera entrega siendo la otra gran diferencia un factor exógeno a su trabajo: El propio Michael Bay reconoce su debilidad por improvisar muchos elementos cómicos a lo largo del rodaje (lo cual parece horrorizó un pelin a Steven Spielberg, productor ejecutivo de ambas entregas, en la primera parte) y en la segunda hay un elemento recurrente cuya importancia se reduce considerablemente: Los chascarrillos de los transformer en plena batalla. Por lo demás sorpresas que no lo son para nada, amenaza simple y fácil de entender, el típico problema en la relación entre los protagonistas (y es que ya que no pueden enseñarles follando como conejos por eso de ser una película para toda la familia pues algo hay que hacer para tenerlos juntos) y una multitud de lugares comunes. Y es que si se quiere destrozar la película por esta vía la verdad es que los detractores lo tienen muy sencillo.

No obstante, ya que uno de los alicientes centrales de una buena película es mejor dejarlo un poco de lado para poder disfrutar de la función, mejor centrarse en el gran protagonista de la película: Los espeluztaculares efectos especiales. Y es que en poco tiempo se ha podido mejorar sobremanera las posibilidades, en especial lo referente a la expresividad de los transformer, lo cuál ha permitido su inclusión en escenas mucho más variadas que su antecesora. La ampliación de su número también permite una mayor versatilidad y la creación de alguno con fínes claramente cómicos como el caso del transformer con cachava (todo un acierto) o el mini-decepticon que atrapa Mikaela. Seguramente esa mayor cantidad de transformer es uno de los hechos por los que se han reducido considerablemente las acotaciones cómicas durante las peleas y es que al no tener que usar a los mismos personajes para todo (una queja que hubo sobre la primera entrega es que no aparecían suficientes transformers) se puede delimitar más claramente su función en la película. No obstante, esa ventaja añadida no es aprovechada todo lo bien que debería por la película al surgir las consecuencias del efecto saturación: Las cosas pueden estar bien hechas, pero en dosis desmesuradas llega un punto en el que el espectador se cansa y desconecta a ratos de la acción de la película. Y es que más no equivale necesariamente a mejor.

En el reparto se ha optado por un necesario continuismo respecto a la primera entrega (no sé vosotros, pero yo odio que de repente un personaje pase a ser interpretado por otro sea cual sea el motivo que lo cause). Ya he comentado la errónea transformación del personaje de Sam Witwicky y los motivos del mismo. No obstante, aún más grave resulta el caso de Megan Fox y no porque su papel haya cambiado, sino porque ha sido simplificado a la mínima expresión: Novia buenorra que no aporta nada más que su físico superlativo (aunque parece ser que Bay la exigió que ganase unos kilitos para la ocasión. Al menos no es el falso atractivo (semi)anoréxico tan de moda, algo es algo). Para incidir más en esa sensación de personaje fuera de sitio ayuda sobremanera dos detalles: El primero un comentario cómico de uno de los transformer en miniatura y otro el abuso desmesurado de los planos a cámara lenta en determinadas fases de la película para facilitar las prácticas onanistas de ciertos espectadores y es que se ve que las tetas de Megan Fox botan tan bien que había que incidir en ello de forma desvergonzada con planos a lo vigilantes de la playa. Al menos en este caso ya han asumido de entrada que lo que es interpretar no es algo en lo que realmente luzca la chica.

No obstante, el hueco cómico dejado por la evolución del protagonista no quiere decir que el toque de humor disminuya en esta segunda entrega (el más y mejor se aplica a todo). El primer detalle es fortalecer la carga cómica de los padres del protagonista, ya que ésta vez el humor no orbita alrededor de ellos (la estupenda secuencia en el jardín de la primera con los transformer ocultándose), sino que son aprovechados con tal fin (sin duda la llegada a la universidad con sus padres es el único momento en el que nos reencontramos con ese Shia pringadete que tanto nos gusta a algunos). Sin embargo, pronto ceden el relevo a Ramon Rodriguez (van ambos sin tilde, que no es que se me haya olvidado de nombre el escribir correctamente), el cual interpreta a Leo, un loco de la informática obsesionado con la supuesta (es sabido que los medios de comunicación manipulan todas las noticias incómodas) guerra robótica acaecida años atrás y que curiosamente es el compañero de habitación del protagonista. Está bastante correcto en un papel que básicamente depende del nivel (muy irregular) de las gracias con las que cuenta, además de quedar totalmente claro que su cometido en la película es hacer que lo que Shia en la primera. Por último pero no menos importante, John Turturro reaparece en escena con un personaje mucho más desatado que en la primera parte con la intención de unir lo cómico y lo penoso (ese momento en el que se erige como el que más “cacho” muestra de todo el reparto y es que Bay parece empeñado en mostrarle en paños menores como ya hizo en la primera parte). Sin duda es un trabajo por el generoso cheque y está capacitado para películas más artísticas, pero aquí está perfecto en su papel. De todas formas, si algo conviene acotar es que el humor de Transformers 2 resulta menos efectivo que el de su predecesora donde escenas como la de los transformers ocultándose en el jardín o el momento “ Los niveles de feromonas del chico indican que quiere aparearse con la hembra” y la posterior reacción del protagonista son oro puro.

En lo concerniente al resto de personajes la verdad es que no hay mucha tela que cortar: La supuesta nueva bomba para adolescentes pajilleros que es como quieren vendernos a Isabel Lucas, la cual no aparece en escena más de cinco minutos en un personaje muy robótico. El cuantioso aumento de importancia de la presencia de Glenn Morshower (al que siempre recordaré por su Aaron Pierce de la genial teleserie 24), el cual podría decirse que hacía un cameo (eso sería si fuese alguien famoso, claro) en la primera entrega y aquí no sólo ostenta un alto cargo militar sino que Bay se concede el capricho de darle el mismo apellido al personaje (algo que no pasaba en Transformers). También gana peso (a la par que marginan totalmente la paternidad con la que se nos introducía al personaje en la primera parte) Josh Duhamel, mezcla de los arquetipos de tio buenorro y militar enrollado con la que el protagonista de Las Vegas sabe cumplir a la perfección. Por último destacar la breve aparición de Rainn Wilson como un profesor universitario con unos métodos más cercanos a la seducción de bellas mujeres que a realmente dar clase. Tan escaso como cachondo.

En definitiva, uno puede esperar lo que le apetezca de Transformers 2, pero lo que realmente se va a encontrar es una película que coge a su antecesora e intenta multiplicar por mil lo que tanto gustó al público en aquella (y es que nunca está de más recordar que recaudó más de 700 millones de dólares a lo largo del mundo, cifra que previsiblemente será superada por esta secuela. Incluso hay quien dice que será la quinta película en superar los 1.000 millones de recaudación mundial y por ahora ha empezado muy bien al batir el récord de película más taquillera durante un miercoles (2)). El problema es que no todo eran virtudes y los errores no se libran de la fórmula “cuanto más mejor” aplicada para la ocasión. Así pues, el resultado es un muy disfrutable entretenimiento de verano como ya lo fue la primera entrega, lo cual ya debería ser suficiente.

(1) El anuncio puede verse aquí: http://www.youtube.com/watch?v=lXRCf9LbLM0. Asu vez, en relación con lo comentado aunque no dedicado en exclusiva a Bay, recomiendo con fervor el visionado de este fragmento de un episodio de South Park: http://www.southparkstudios.com/clips/155700.

(2) Y es que en el mundo de las recaudaciones se establecen récords de los más absurdo a modo de exagerar los logros de una película, pero bueno, que esta vez han sido 60 millones de dólares recaudados en un único día (y 200 millones en su primer fin de semana de exhibición en USA), claro que esa cifra de absurdo tiene bien poco.

La tercera parte de la saga, que completará lo que es hasta el momento primera trilogía PIXAR, llegará a las pantallas allá por el 18 de Junio del 2010, y nos devolverá a los Woody, Buzz y compañía, acompañados por un nuevo personaje, el osito Teddy (un clásico en USA).

Por ahora tan sólo tenemos un Teaser, o sea, un “anuncio de la peli”, pero teniendo en cuenta que los chicos de Lasseter son unos maestros de este tipo de cosas, no tiene desperdicio.

Ahora los juguetes corren el peligro de quedar arrinconados ya que su amo Andy ya ha crecido y va a la universidad. ¿Será una oportunidad para dar un broche de oro a esta trilogía juguetera?.

Click here to view the embedded video.

Los orígenes de la historia de Coraline residen en un libro del prestigioso Neil Gaiman que éste escribió por etapas a modo de homenaje a sus dos hijas, por lo cual uno no puede esperar algo excesivamente retorcido, salvo que uno quiera en el fondo odiase un poco a sus hijas por las noches en las que siendo bebés se dedican a llorar en general y dificultar el sueño de sus padres en particular. De todas formas, la trama es ésta: Coraline se ha visto forzada a mudarse a un pueblo extraño en el que no conoce a nadie y en el que todo parece gris y deprimente, algo a lo que no ayudan sus monótonos padres que encima tampoco le hacen demasiado caso. Cumpliendo la alucinante tarea de contar el número de puertas y ventanas de la casa, Coraline encuentra un pequeño portón tapiado que despierta su curiosidad y ésta se materializa con un desconcertante sueño: Una realidad alternativa en el que todo es feliz, colorido y para comer siempre tiene sus platos favoritos. La pega es que la gente tiene botones en lugar de ojos, pero ese siniestro detalle quedar de lado para la protagonista. Los sueños se suceden y la realidad cada vez resulta más insoportable para Coraline, pero las cosas pueden complicarse de forma irremediable cuando uno decide sumergirse completamente en lo que parece un perfecto mundo de fantasía.

La labor de dirección (y animación) es la que realza la película muy por encima de la media y es que si nos limitamos estrictamente al guión no es que nos encontremos con nada particularmente novedoso. Cuando una película infantil opta por centrarse en la capacidad imaginativa de los menores de la casa hay dos caminos predominantes: Lleva una existencia horrible con unos adultos que literalmente lo explotan y la imaginación es la llave que sirve de liberación personal (esa es la senda que Selick siguió en James y el melocotón gigante) o la oposición entre realidad y fantasía, donde la primera es aparentemente frustrante y la segunda una especie de sueño hecho realidad. Claro está, ambas opciones han de regresar finalmente a la realidad y en este caso se opta por convertir el sueño en pesadilla y tunear la realidad para que ésta resulte más satisfactoria. Este esquema es el que sigue Coraline y, por mucho prestigio que tenga Gaiman, es lo que impide a la película alcanzar cotas mayores. Y es que además, aunque luego sean detalles muy bien aprovechados, pronto queda claro qué elementos fallan en ambos universos: Los coloridos guantes que la madre de Coraline no quiere comprarle y los inquietantes botones-ojos del mundo de su otra madre.

Sin embargo, por encima de un guión de posibilidades un tanto limitadas sobresale el talento de Selick. El despliegue visual que realiza en el universo alternativo resulta sencillamente único, desde el jardín que emula a la protagonista hasta los siniestros diseños de la otra madre (me encanta el detalle nada malintencionado, aunque me encante pensar lo contrario, de que sea la hace mucho odiosa Teri Hatcher quien ponga la voz a este personaje), pero todo ello sin llegar a engullirse la historia que se nos está contando, sino introduciéndolo a la perfección en la trama. Lo mismo puede decirse del uso de la tecnología 3D (es una pena que en nuestro país dicha tecnología sea incompatible con ver la película en versión original), no utilizándolo para resaltar elementos estúpidos, sino para detalles menores, en especial en el tema de la profundidad de campo de lo que estamos viendo. A su vez, aunque Selick prefiera rehusar ese término (lo ve más propio de cintas como la saga Saw), se agradecen los detalles siniestros en la ambientación (algo que sin duda dañaba bastante a James y el melocotón gigante junto a la excesiva y grotesca caricaturización de las tías del protagonista) que ayudan a creerse la odisea por la que pasa la protagonista. Por último, no quiero dejar de comentar la notable creación de personajes, ya que ninguno de ellos termina haciéndose cargante y eso no es tan habitual (me viene a la mente otra pequeña maravilla que también lo consigue: Monster house) como uno quisiera en el cine de animación con niños humanos de por medio.

En definitiva, Coraline es una película con un sugestivo universo visual que eleva el interés de una historia que, en el fondo, hemos visto muchas otras veces. Eso no quiere decir que la experiencia resulte aburrida por repetitiva ni nada por el estilo, pero es una pena que lo que pudo ser una grandísima película al nivel de Pesadilla antes de Navidad se queda en algo más próximo al nivel de La novia cadáver (sé que hay quien prefiere la segunda, ni por asomo es mi caso. En todo caso lo que me queda claro es que fue la conjunción de talentos de Burton y Selick lo que permitió esa joya protagonizada por Jack Skellington). Con todo, muy recomendable y a final de año seguramente estará entre las mejores películas estrenada este 2009.

¿Que no lo habéis visto?¿No sabéis de qué hablo? Pues para muestra, un botón:

La canción está incluida en el álbum debut de Tony Zenet, publicado en 2008, titulado LOS MARES DE CHINA, un ejercicio de frecusa e introspección que recomendamos desde este atril de UNRATICODE. Es un disco diferente, lleno de grandes temas, que escapa de la mediocridad popera en la que estamos sumidos en España en los últimos tiempos, herencia de otés y demás programas por el estilo.

En esto de las promociones televisivas hay dos fases, la primera en la que se saca del anonimato a un artista, en la que estamos ahora, y una segunda de saturación absoluta (España y sus benditos extremos magnificados) en los que hay que saber sobrevivir. Esperemos que Tony Zenet sepa nadar en esta marejada traicionera de la saturación y hacerse un hueco en el panorama nacional.

Pero fuera de la canción, que tan sólo es una gota dentro del mar creativo de este andaluz, podemos encontrar una vida bastante ajetreada, y es que la cara de este buen señor, nos debería sonar, solamente hay que buscar en el subconsciente con los siguientes datos:

Como compositor:

En Buenafuente, durante el verano se cambió el tema del programa y el título por “Buenafuente ha salido un momento“, el tema fue compuesto por Tony Zenet. Además, fue invitado al programa del 8 de diciembre de 2008 para presentar su tema SOÑAR CONTIGO.

En  UNA PALABRA TUYA, aporta el tema “Entre tu balcón y mi ventana”, por la que fue nominado para los Goya.

En el mundo del cine, estuvo encargado del casting de BENDITO CANALLA, además de ser Asistente de Dirección en las películas LA BOUTIQUE DEL LLANTO, EL FIGURANTE y DIRLANDAA.

Como actor, debutó en la serie televisiva sobre la vida de Picasso, allá por el año 1994, interpretando a un joven Picasso. Tras esto ha participado en diferentes proyectos como MORIRAS EN CHAFARINAS, LA LEY DE LA FRONTERA, ILONA LLEGA CON LA LLUVIA, RESULTADO FINAL, MENSAKA, CAMARON, EL CAMINO DE LOS INGLESES y actualmente se encuentra en el rodaje de EL IDIOMA IMPOSIBLE. En el año 2008 también participó en el cortometraje LA BOLITA de Juan Ramón Santiesteban.

También ha participado en varios episodios de series como HOSPITAL, HOSPITAL CENTRAL, PADRE CORAJE, AL FILO DE LA LEY, CON DOS TACONES, EL COMISARIO.

Como podréis comprobar, un descubrimiento forzado desde el trabajo en la sombra que puede dar mucho que hablar en un futuro próximo.

Click here to view the embedded video.

Imagino que todo el mundo se habrá parado alguna vez a pensar lo difícil que es encontrar una historia de ficción en la que la carga romántica no tenga un peso esencial en el relato. Da igual que haya una guerra, una invasión alienígena, un despido o sencillamente sea una persona cuya aburrida vida cambia de la noche a la mañana, pues el amor sigue siendo el eje de todo. A veces, esto deriva en las dificultades afecto entre padre e hijo (o familiares de otra índole), pero uno de los temas más inexplorados es el del amor (úsese si se considera excesivo utilizar esa) por los amigos. Cierto es que la factoría Apatow, de la que hasta cierto punto es deudora Te quiero, tío, ha incidido en ello en películas como Supersalidos o Pineapple Express (me niego a usar su título en España, por si no la ubicáis por el original decir que se parece mucho a su compañera de baile), pero obviaban el surgimiento de la propia amistad y se limitaban a ponerla a prueba en un momento especialmente complicado. Ese no es el caso de Te quiero, tío, ya que el eje de la película son las dificultades de su protagonista para trabar amistad con los hombres. Eso es algo que a él realmente no le molesta, pero un buen día oye a las amigas de su prometida comentar lo raro que ese situación y decide emprender la difícil búsqueda de un amigo de verdad. Tras múltiples y desastrosas citas a ciegas conoce casi por casualidad a Sydney Fife, una persona con una muy particular visión de la vida con la cual conecta a las mil maravillas. Todo parecen alegrías y mejoras en su vida, pero ¿qué sería de una relación amorosa sin su crisis de rigor?

Uno de los principales aciertos de la película es la gran química que se consigue entre los dos protagonistas: Peter Klaven, el apático de forma encantadora Paul Rudd, y Sidney Fife, el inmaduro de comportamiento especial Jason Segel. Fruto del contraste de personalidades surgen los mejores momentos de la película, ya que la actitud libertina del segundo choca con lo políticamente correcto del primero. Uno de los momentos que mejor concretan este aspecto es el brindis que Sidney ofrece en honor de Peter y su prometida. Además, la película cuenta con un eficiente apartado de secundarios, desde lo curioso que resulta ver a Rashida Jones (Karen en The Office por si alguien no la ubica por el nombre) teniendo celos del nuevo mejor amigo de su prometido, Jon Favreau como cascarrabias maleducado (aunque si a uno le vomitan encima algo de derecho a serlo ya tiene) cuya mujer con la que discute continuamente para luego resolver sus problemas con alguna perversión sexual está interpretada por una Jaime Pressly en un papel que vendría casi a ser la cara opuesta de la moneda de su Joy en Me llamo Earl o Lou Ferrigno haciendo de sí mismo y soportando varias bromas sobre su antiguo rol como Hulk en la serie televisiva de finales de los 70. Cierto que este último caso no deja de ser un recurso fácil, pero es fácilmente perdonable sí está bien aprovechado y ese el caso. Que nadie espere encontrarse una elaboradísima reflexión sobre los mecanismos de la amistad o algo por el estilo, porque lo que Te quiero, tío ofrece es una comedia romántica a la inversa en la que el amigo rarito no es alguien que aparece de cuando en cuando para añadir algo de mordiente a la cansina relación de amor, sino que es la relación de pareja la que queda de lado, pero no sus recursos habituales. Y esos recursos bien reutilizados pueden llegar a ser una mina de oro del entretenimiento y el humor.

Por su parte, Radio encubierta opta por contarnos una historia iniciática, tanto a nivel profesional como sexual de un joven. Como esa es una historia ya muy vista se opta por situarlo en un contexto la mar de inusual: Inglaterra hace no tantas décadas ejercía un férreo control sobre las diversas formas audiovisuales. Por ejemplo, hubo películas que estuvieron directamente prohibidas durante muchos años, pero el caso que nos ocupa es el de la música. A finales de los años 60 sí uno quería escuchar la revolucionaría música pop/rock sólo podía encontrar una mísera cantidad dentro de las emisoras aprobadas por el gobierno, por lo cual surgieron diferentes radios piratas, una de las más importantes responde al nombre de Radio Rock, con la pequeña particularidad de que transmite desde un barco en alta mar para así poder eludir la ley inglesa (claro que, como se dice en la película, el poder de gobernar es el de hacer ilegal aquello que no guste a los que están en el poder). Como era lógico esperar, el barco es un lugar en el que cohabitan diversas formas de ver el mundo pero con una pasión común y a lo largo de más de dos horas de película veremos sexo, amor, traiciones, desafíos, intriga, nostalgia y, sobre todo, un desbordante amor por la música. Un todo en uno la mar de suculento.

Por mucho que la anterior película de Richard Curtis, director de la película, sea la aún recordada Love Actually la verdad es que la promoción al respecto con el estreno de Radio encubierta ha brillado por su ausencia al menos aquí en España. Cierto es que temáticamente la película se aleja bastante de aquella, pero por tono e intenciones se nota claramente que la misma persona anda por detrás. En este caso las múltiples historias se reconcentran en un mismo espacio, pero todos tienen su pequeña cuota de subtrama para que de una forma u otra haya alguna que toque la fibra sensible del espectador y tener por seguro que Radio encubierta lo consigue. Para ello, quizá en un emparejamiento un tanto exagerado por mi parte, además de Love Actually puede decirse que su otra película modelo es la estupenda Casi famosos (¿Qué pacto con el diablo haría Cameron Crowe para que le saliese esa tan bien y el resto de su filmografía…. bueno, ahí está?), también con la música y una historia iniciática como principal eje. Agitamos el cóctel, lo mezclamos con un estupendo y ecléctico reparto (De Philip Seymour Hoffman a Bill Nighy pasando por un Rhys Ifans que vuelve a tener gracia y carisma o un Kenneth Branagh en un personaje muy hitleriano. Todos superlativos), una impecable selección de canciones y un poquitín de sentimentalismo de barato (un muchitín en sus 15 minutos finales, eso sí) y nos queda Radio encubierta.

Si por alguna remota casualidad alguien sigue leyendo comentar que Radio encubierta se estrena este mismo viernes 29 de mayo, pero que para la llegada a nuestros cines de Te quiero, tio habrá que esperar al 12 de junio. Por mi parte, citaré muy cutremente cierta frase del mundo de la farándula española… Si me queréis, iros… a verlas.

Viernes 26 de JUNIO 21h – 04h
Plaza de la Constitución CÚLLAR VEGA (Granada)
¡¡¡ Entrada Libre !!!

El viernes 26 de Junio vuelve el festival étnico y mestizo por excelencia de la vega granadina, el Festival de las Músicas de Cúllar Vega. Y ya van 5 años consecutivos, por suerte cada edición mejorando y ampliando las actividades programadas, este año con amplio crisol de sonoridades: desde Portugal vienen Kumpania Algazarra, los reyes del world balkan ska una de las bandas más importantes del país vecino. Representando nuestra tierra, uno de los máximos exponente de los sonidos mestizos del sur, hablamos de Son de Nadie, y también desde Granada The Teenagers, avalados como uno de los grupos patrio más destacados del norther soul y motown. Desde Sevilla Rare Folk, con su personal visión de la música folk, dotada de cadencias funks y Freestyles. Amenizando la noche la macro batucada de Sambiosis, un clásico en los eventos granadinos, y cerrando el evento la combinación de los djs Javi Frías (Scanner FM / Sound Dimension) y Dj Benas (Club Mestizo / Rootsound).

Además contaremos con un variado y ecléctico zoco de artesanía, algunos talleres improvisados, servicios de comidas y bebidas.

Todo ello al aire libre, y además todo gratuito, que mejor manera para dar la bienvenida al nuevo verano, buena experiencia y bienvenid@s a Cúllar Vega.

SON DE NADIE (Granada) Latin – Fusion – Reggae www.myspace.com/sondenadie

Son de Nadie, pueden considerarse uno de los máximos exponentes actuales de los ritmos mestizos y latinos hechos en Andalucía, hoy juegan en casa, en su Granada. Su sonido característico y reconocido, parte de la rítmica latina “salsa, cumbia, rumba, samba, boogaloo, tango” mezclado con el groove más enérgico del funk, la cadencia jamaicana “reggae, ska, raggamuffin”, los aromas gypsies “flamenco, balcan”, el espíritu afro y el sentío andaluz. Un viaje multi-musical-cultural, festivo y hechicero, ejecutado con maestría y clase.

Una fusión “deluxe”.

Cinco años de vida, y tres EP’s (Son de Nadie 2004, Concondumio 2006, Ganas de Más 2007), han necesitado estos ocho músicos para ganarse un lugar en el mapa musical del país y también escaparse por Europa, ofreciendo unos conciertos donde nunca faltan el ritmo y la alegría.

Los chicos ya están cocinando a fuego lento, su esperado LP “Agujeros” que prevé su salida en el próximo otoño 09, con el cual están buscado transmitir el momento actual que vive la banda, donde su jugo musical suena como nunca, composiciones de embrujo y redondas que saben a tropicadelia andaluza, un sonido muy pulido y más personal como ya nos mostraban en sus últimas composiciones del mini EP “Ganás de Más”. Y es que con Son de Nadie siempre hay ganas de más. Bienvenidos a la sonidera del caribe andaluz.

KUMPANIA ALGAZARRA (Portugal) Balkan Fusion – Ska – Afro Beat www.myspace.com/kumpaniaalgazarra

El otro plato fuerte del festival, son nada más y nada menos que los reyes del World Ska Balcánico y atlántico claro, los portugueses Kumpania Algazarra. La banda revelación del país vecino, cada vez menos desconocidos para los españoles, recordemos su visita en el 5º Mestizao Festival. En Portugal pese a su juventud como grupo ya son una de las bandas más representantes y más famosas del país, junto a sus hermanos de Terrakota.

Su directo es un festín en toda regla, regando de miel danzona todas las bocas y deleitando todos los oídos, su fusión viaja desde las músicas gitanas y balcánicas, hasta el ska o reggae jamaicano acelerado, desde el swing hipnótico al afro beat vibrante.

Los espectadores sean de la casta que sean siempre salen con una sonrisa de oreja a oreja, y es que son un ejército preparado para ello, una verdadera y macro orquesta de grooves planetarios compuesta por 12 músicos, donde la fiesta y el baile está más que asegurados.

RARE FOLK (Sevilla) Folk Beats – Funk – Freestyle www.myspace.com/rarefolk

Los sevillanos Rare Folk con su espectáculo Natural Fractals a ritmo de Freestyle Folk, Funk Celta y Groove Rock Étnico, nos harán sus delicias, con un sonido y directo muy conseguido.

Prensa y público los avalan como una de las bandas más innovadoras y con más clase del país. Merece la pena comprobarlo.

THE TEENEGERS (Granada) Soul – R&B – Motown www.myspace.com/soulteenagers

The Teenagers son una de las bandas más originales de Granada y de mayor proyección internacional, caracterizados por su visceral soul y por el espíritu del sonido motown, destilería añeja donde tienen cabidas cadencias rockeras, funkeras, bluseras, amalga pop e incluso grooves jamaicanos.

Desde hace cinco años, The Teenagers se han ido haciendo con un nombre en todos los festivales de soul del país e incluso han participado en eventos europeos. Su primer maxi single, Waitin’ for the first bus in the morning, bajo la producción de Carlos Coupé (Funkorama Records) es una clara muestra de la calidad de estos traviesos y amantes del soul, el grupo no descansa y ya está preparando su primer LP, una reivindicación de soul en toda su plenitud, su salida es inminente, en Cúllar Vega podremos ir disfrutando sus nuevas composiciones.

SAMBIOSIS BATUCADA (Granada) Samba – Afro – Brasilian – Olodum www.myspace.com/sambiosisbatucada

Sambiosis, son un grupo de amantes y profesionales de la percusión, que se formaron en la primavera del 2002, con la intención de promover la percusión brasileña de forma educativa, cultural y social.

Desde entonces la locomotora rítmica de Sambiosis no ha parado de sembrar primaveras por toda España. Pasando por numerosos festivales, como Etnosur, Mestizao, Festival de la Primavera, Etnison, ZubiRock, Sambeando, etc; y participando en numerosos pasacalles, fiestas de barrios, teatros de calle, circos, etc.

El colectivo tampoco ha parado de crecer, en la actualidad lo forman 15 miembros activos. Que con el tiempo se han ido consolidando como el grupo de batucada más potente de la ciudad, y de los más destacados de Andalucía. La pasión por la percusión lleva a sus miembros a indagar y adentrarse en los ritmos brasileños (en especial los de Salvador de Bahia y Rio de Janeiro), interpretándolos con instrumentos típicos de la percusión brasileña (surdo, bacorina, timbau, caixa, malacacheta, repenique, agogo, chocalho, tamborín).

Sus actuaciones siempre poseídas de energía, ritmo y compás; son un frenesí festivo cargado de espíritu y rítmica brasileña, con retazos de otras músicas exóticas como la afrorumba, el makossa, la salsa o el reggae entre otros, no dejan a nadie indiferente y sin baliar.

DJ BENAS (Rootsound / Club Mestizo) Roots Freestyle – World Grooves www.myspace.com/djbenas

Las sesiones del nerjeño Dj Benas (Rootsound / Club Mestizo), abanderadas por el “Global Beats” son de pura dinamita musical y ritmos frenéticos, reconocido siempre de caldear allá donde vaya el dancefloor al 100%.

En sus sesiones el denominador común es el freestyle, la fusión, los breaks, el groove, el rootstyle, el global funk, lo mestizo, los aromas a sabor jamaicano. Una rica sonora multicultural para deleitar cuerpo y alma.

JAVI FRIAS DJ (Sound Dimension / Scanner FM Radio) Grooves – Latin – Breaks – Afro – Reggae www.myspace.com/javifrias

Javi Frías lleva más de diez años coleccionando y pinchando discos, siendo en la actualidad DJ residente de algunos de los mejores clubes de Granada: Afrodisia, Boogaclub, Sugarpop o Planta Baja. Fuera ha puesto discos en sitios como Hamburgo y Leipzig (Alemania), Amberes (Bélgica), Madrid, Barcelona, Valencia, Sevilla, Córdoba, Marbella… Sus sesiones son siempre elegantes, adictivas y eclécticas, con una variedad estilística impresionante.

En su maleta cabe de todo, desde las últimas novedades a los clásicos básicos, siempre seleccionados y mezclados con gusto, calidad y técnica: groove, funk, breaks, latin, reggae, mash ups, afro… Music with Soul!

WEB FESTIVAL: www.myspace.com/festivaldelasmusicas

Santiago Segura presentará en Úbeda una suite de su exitosa saga ‘Torrente’ con la presencia del compositor Roque Baños

- El popular director y actor y el compositor estarán presentes en el concierto del 18 de julio, dentro del programa oficial del V Festival El conocido director, actor, productor y ‘showman’ Santiago Segura celebrará su cumpleaños el 17 de julio de una manera muy especial: se trasladará a Úbeda para asistir, el sábado 18, al concierto de los compositores que se constituye en uno de lo momentos cumbres del Festival Internacional de Música de Cine Ciudad de Úbeda. El autor de la famosa saga de Torrente ha confirmado su asistencia a la V edición y presentará nada menos que una suite con la música original que el compositor Roque Baños escribió para los tres filmes del popular personaje. Precisamente, y en una noche que se presupone será memorable, Roque Baños dirigirá a la Orquesta Filarmonía con la pieza que previamente presentará su amigo Santiago Segura, que con su presencia en Úbeda reafirma su interés por la música cinematográfica y se convierte en una de las estrellas mediáticas más importantes de las que acudirán a la V edición.

Cabe recordar que Santiago Segura obtuvo el Goya al mejor director novel en 1998 precisamente por Torrente, el brazo tonto de la ley, que se convirtió en la película española más taquillera de todos los tiempos. Desde entonces, Segura ha obtenido otros galardones con sus producciones, ha participado en proyectos de directores como Guillermo del Toro y ha anunciado que estrenará la cuarta parte de Torrente en 2010. Como es habitual en sus intervenciones, Santiago Segura nos deparará en Úbeda alguna sorpresa durante su estancia hasta la clausura del Festival, el domingo 19 de julio.

La organización del Festival –la asociación BSOSpirit, que ha logrado hacer del evento el mayor acontecimiento europeo dedicado a la música cinematográfica- ya ha confirmado para esta V edición la presencia de compositores como Joe Hisaishi (Ponyo en el acantilado, La princesa Mononoke), Michael Giacchino (Los increíbles, Ratatouille, Star Trek 2009), Chistopher Young (Homicidio en primer grado, Atando cabos) o Patrick Doyle (Harry Potter y el cáliz de fuego, Mucho ruido y pocas nueces), que es además el presidente de honor de esta V edición. Además, la producción musical estará representada en la figura de Robert Townson, uno de los mayores productores de música cinematográfica a nivel internacional y director artístico del Festival.

Cabe recordar finalmente que los organizadores de este evento estarán presentes el fin de semana venidero en el Salón del Manga de Granada, una de las citas más importantes en su género en España, donde darán a conocer la programación de la V edición del Festival y la presencia del reconocido autor Joe Hisaishi.

ABC confirmó el estreno del remake de ‘V’

Pero “V” es un plato complicado. Recordemos que fue una serie de culto que impactó nuestras infantes mentes por los años 80. Esto provoca el efecto “mitificador” de la serie y el deseo de “que no nos la toquen”, por lo que esta nueva versión deberá luchar contra ese recuerdo colectivo magnificado que tenemos todos, algo que ya supo superar Battlestar Gallactica (de la que hablaremos pronto).

En aquella serie, pese a ser de ciencia ficción, se le daba más importancia a la lucha humana, sus sentimientos y su moral que a los efectos especiales, claramente por un tema de costes; es más, revisando la serie es fácil encontrar planos reutilizados en varios capítulos. Pero en este caso, y tras ver el trailer, las esperanzas de encontrarnos ante una versión mejorada del original han aumentado.

A priori los efectos especiales parecen ser mucho más espectaculares –lo que no es difícil-; y que la protagonista sea Elizabeth Mitchell –Lost- es un punto más a su favor, a lo que se suma un buen puñado de actores de primera línea, que añadidos al coste de los efectos digitales, nos hace suponer que la ABC tiene puestas muchas expectativas en esta serie.

Los tiempos que corren exigen una seria menos moral, con unos villanos más macabros y unos medios visuales más acorde con la espectacularidad técnica que tenemos hoy día a nuestro alcance, esto ya lo ha sufrido la mítica Star Trek con magnífico golpe de efecto.

Click here to view the embedded video.

La cuestión es que el tiempo pasaba, la fiebre decrecía y por mucho que la nueva aventura de Robert Langdon ya haya sido anunciada esperar tanto no era algo aceptable, así que hubo que echar una mirada atrás para darse cuenta que ya había otro libro protagonizado por dicho personaje. Además era más entretenido (en subjetiva apreciación, pero no por ello deja de ser verdad), también tocaba un tema que fomenta la polémica religiosa (la elección de un nuevo Papa) y la cantidad de fans locos que se ofenden por cualquier alteración respecto al original (aunque eso muchas veces implique convertir la adaptación en un despropósito) era mucho menor. Por ello,  la película de Ángeles y demonios finalmente fue aprobada con la necesaria promesa para el público de no repetir los errores cometidos en El código Da Vinci.

Robert Langdon está haciendo natación para perder los kilos de más que tenía en El código Da Vinci cuando su presencia es reclamado en el Vaticano. El motivo de que el hombre que ha causado una especie de cataclismo en la iglesia católica y es considerado persona non grata es la persona a la que acuden es un misterio para mí (porque aunque las acciones de Ángeles y demonios son previas a las de El código Da Vinci en la novela, no sucede lo mismo en la versión cinematográfica). Lo sucedido es que el Papa ha muerto y los cuatro preferiti (los favoritos para ocupar el puesto) han sido secuestrados para ir siendo asesinados a uno por cada hora que pase (a partir de determinada hora, que esto no es 24 y de Usa a Italia no se llega en un viaje de avión de cinco minutos). Por si fuera poco también ha desaparecido una bomba que puede arrasar todo el Vaticano si la batería de la misma se acaba, lo cual curiosamente sucedería una hora después de haber eliminado al último de los preferiti. Todas las sospechas, secundadas por el camarlengo (administrador de los bienes de la Santa Sede y, sobre todo, principal enchufado del Papa), recaen sobre la orden de los illuminati, los cuales juraron venganza cuando fueron disueltos de forma violenta. La cuenta atrás empieza y Langdon habrá de emplearse a fondo para intentar localizar al peligroso asesino. Eso sí, esta vez no lo tendrá tan fácil para identificarlo, ya que no se trata un extraño monje albino con aspecto siniestro.

Las teorías conspiranoicas son algo que siempre está de moda, ya sea para decir que el Holocausto nazi nunca llegó a existir o que las Torres gemelas en realidad eran hologramas (entre eso y la imagen del humo con rasgos demoníacos…). El sentido de las mismas es algo que no importa y de ese hecho es de lo que se ha aprovechado Dan Brown para cautivar a millones de lectores. Poco importa que su gran trabajo de investigación parezca ser resultado del botón Voy a tener suerte de google. Simplemente ha caído en gracia y es algo que hay que aceptar del mismo modo que el incomprensible prestigio de Ron Howard, sin duda el director ideal para adaptar las novelas de Dan Brown por las múltiples características comunes que guardan entre sí. Ambos tienden a realizar su trabajo de forma entre impersonal y mediocre, los dos han gozado de un éxito impresionante en determinado momento de sus carreras sin que dicho éxito se fundamente en ningún motivo de peso, amén de gozar de hasta cierto prestigio (más Howard por supuesto, últimamente demasiado habitual en las nominaciones de los Óscar).

¿Qué podía salir de una conjunción tan aparentemente perfecta como la de Brown y Howard? Pues una pifia como El código Da Vinci, que una cosa es estar sincronizados y otra tener talento. Ahí quedó patente otro rasgo común: Si algo está escrito que es de una forma en un sitio no merece la pena investigarlo, aunque sea un detalle sin importancia como que pintar sobre la Mona Lisa estando moribundo es ciertamente complicado si encima el cuadro está protegido por un cristal. Afortunadamente, Ángeles y demonios es una historia que se apoya más en una acción incesante que en pararse a buscar explicaciones de dudoso rigor. Por ello, Howard al menos demuestra cierta pericia para elaborar un producto distraído, en el que la redudancia de los elementos de acción (el dúo breve investigación-crimen controla la mayor parte del metraje pero sin hacerse cansino) es tan fácilmente perdonable como en el original literario porque uno no para de ver suceder cosas. Hay quien dirá que eso es un triste consuelo, pero no se puede juzgar a todas las películas por el mismo rasero y exceptuando el bajón de interés y el exceso de fantasmadas del tramo final puedo decir sin riesgo a equivocarme que Ángeles y demonios es un producto de usar y tirar bastante digno que tampoco aspira a más que eso. Eso sí, a modo personal apuntar la errónea función que desempeña la banda sonora en la película, ya que Hans Zimmer busca elevar la tensión a través de la saturación y la reutilización de los mismos sonidos cuando lo único que consigue es enfatizar la sensación de mecánica repetición de lo que estamos viendo. Parece que Zimmer no aprende de sus errores, ya que en la música que compuso junto a James Newton Howard para Batman begins sucedía exactamente lo mismo.

Del mismo modo que hace bastantes años que Tom Hanks dejó de ser el actor que siempre hacía gracia como se recuerda en el que aún hoy es uno de mis gags favoritos de Padre de familia, también hace mucho que el protagonista de Forrest Gump dejó de ser un actor abonado a las buenas actuaciones. Se ve que el vacío de los Óscar tras darle dos de forma consecutiva (sinceramente dudo que jamás vuelvan a dárselo) le ha hecho rebajar sus pretensiones artísticas, que no monetarias, sin duda el único motivo por el que aceptó el rol de Robert Langdon en El código Da Vinci. Demasiado mayor para el papel, con unos kilos de más, luciendo una peluca horrible más digna de Nicolas Cage que de cualquier otro y, lo peor de todo, con una desgana en su actuación notable. Ante ese panorama poca fe se podía tener en que algo cambiase para Ángeles y demonios, ya que la existencia de un cheque (aún) sería suficiente aliciente para dejarse caer por ahí. Afortunadamente, el propio Hanks parece consciente de encontrarse con un material algo más estimulante y no sólo ha perdido algo de peso y optado por una peluca más sobria, sino que le pone cierto interés y brío a su actuación. Uno hasta puede medio creérselo como Indiana Jones de baratillo del siglo XXI.

En el resto del reparto encontramos al menos una novedad interesante y es que la elección del mismo no parece fruto de diferentes modas del momento como sí pasaba en El código Da Vinci, sino por la relativa eficacia habitual de los mismos. No obstante, los méritos se acaban ahí, ya que el resto de personajes se caracteriza por una tópica indefinición en el que algunos han de aparentar ser muy buenos, otros muy malos y luego retorcerlo todo para que nada parezca lo que era en principio. Se dejan caer por ahí un aceptable Ewan McGregor como el camarlengo (protagonista del momento más fantasioso de la función), Stellan Skarsgard como uno de los policías que dificulta la investigación del protagonista, Armin Mueller-Stahl como aparente aspirante maligno en la sombra al puesto de Papa o Ayelet Zurer como la chica de la función que en realidad era mucho más inteligente en la novela, más o menos lo que pasó al personaje de Audrey Tautou en El código Da Vinci. Todos lidian con papeles insustanciales, pero al menos cumplen correctamente con su cometido. Ya les llegarán otras películas conde puedan demostrar que saben actuar.

Lo que nos queda es que Ángeles y demonios es una película aceptable si buscas pasar un rato entretenido sin mayores pretensiones, ya que consigue trasladar la mayor virtud de las novelas de Brown, algo que no sucedió en el caso de El código Da Vinci. Querer encontrar cualquier otra cosa que no sea eso sólo traerá la decepción y la mala leche por haber pagado por ver esta película, así que ya sabéis, si queréis algo de estas características sin duda ved antes ésta que la decepcionante Lobezno. Si aspiráis a otra cosa mi más sincero pésame, porque la temporada veraniega de estrenos cada año empieza antes y milagros como el sucedido el año pasado con El caballero oscuro no son para nada comunes (y es que Nolan sólo hay uno).

El título en cuestión se llama DISTRICT 9, y está dirigido por Neill Blomkamp que afronta su primer gran proyecto tras películas menores como TEMPBOT o ALIVE IN JOBURG. Tiene una experiencia más que interesante como animador y técnico en efectos especiales, ya que ha trabajado en series de televisión como Stargate SG-1, Smallville o Dark Angel entre otras.

Os presentamos el primer Teaser Trailer que, al menos, provoca una curiosidad inmensa.

El nuevo formato Blu-ray

Lo que explica la empresa que realizó el estudio es que el descenso en los precios de los reproductores y las televisiones que reproducen videos en alta definición ayudó mucho a que el formato se lograra consolidar.

Esperemos que el nuevo estándar de vídeo en alta definición sustituya pronto al DVD tradicional, continúen bajando los precios y aumenten las marcas que apuestan por este formato.

*Pongo una imagen de la trilogía de El Señor de los Anillos en Blu-Ray (que ya se puede comprar) porque si ya nos dejó boquiabiertos en DVD imagínatela con ¡5 veces más su resolución!