Depois de adiar os shows de toda a turnê da América do Sul no começo do ano,  Alec Empire e o Atari Teenage Riot parecem estar com tudo certo e preparado para o tão esperado show no Brasil.

Neste vídeo de divulgação Alec Empire convoca os fãs para a turnê brasileira. São só 11 segundinhos de recado, mas quem for ao Cine Jóia, em São Paulo (SP), no dia 15 de junho, é bom estar preparado para ficar ligeiramente surdo.

[REDAÇÃO] [Foto The Arches / Flickr.com ]

As prateleiras brasileiras acabam de ganhar 16 rótulos daquela que é considerada a cervejaria mais premiada da Itália pelas mãos da importadora Tarantino Multibeer, cujo rol de marcas inclui pesos pesados como as trapistas belgas Achel e Trappistes Rochefort, e as pancadas na boca da escocesa Brew Dog.

Trata-se do Birrificio Del Ducato, microcervejaria fundada em 2007 na cidade de Roncoli Verdi (região de Parma) pelo mestre cervejeiro Giovanni Campari, conhecido por ser um destemido alquimista na arte cervejeira ao combinar ingredientes improváveis em suas invenções.

Os rótulos que desembarcam por aqui são divididos em três linhas, classificadas como Moderna (preços à partir de R$ 19,00), Clássica (preços à partir de R$ 39,00) e Especial (preços à partir de R$ 90,00).

Na linha Moderna, feita especialmente para agradar o paladar dos americanos, encontram-se estilos mais populares como uma suave Golden  Ale de corpo leve e agradáveis 6% de teor alcoólico, e a respeitável Machete Double IPA, pequena bofetada no paladar de lúpulo herbal e sabor de frutas amarelas. A cerveja nasceu depois que Giovanni Campari assistiu ao trailer do filme Machete de Robert Rodriguez, e pela violência dos 7,8% de teor alcoólico e amargor intenso, dá pra dizer que ele conseguiu traduzir em cerveja o espírito do filme.

Os flertes com a cultura pop estão mais presentes nos rótulos da delicada linha Clássica. O bardo Bob Dylan foi fonte de inspiração para duas belas criações de Giovanni: a saison New Morning, que leva ingredientes inusitados como camomila, gengibre, coentro e pimenta verde, e a tripel de inspiração belga Winterlude.

O grande compositor italiano Giuseppe Verdi, que viveu na cidade onde está o Birrificio Del Ducato, também foi lembrado com a fantástica russian imperial stout Verdi Imperial Stout. Com aroma estonteante de café, chocolate e tabaco, corpo aveludado e sabor com forte acento de notas torradas, a cerveja tem em seu retrogosto picante uma surpresa de deixar confuso até mesmo os cervejeiros mais experientes, graças à adição de pimenta entre os ingredientes. As peculiaridades da Verdi garantiram a primeira (e até então, única) medalha de ouro para uma cervejaria artesanal italiana, faturada na edição 2008 do European Beer Star.

Os preços mais salgados da linha Especial não são por acaso. Nela encontram-se as criações mais ousadas e desafiadoras de Giovanni Campari, todas frutos de muita pesquisa e de bons toques de alquimia. O destaque dessa linha é a “Trinca da Lua”, com cervejas de alto teor alcoólico e longos prazos de maturação. A La Prima Luna por exemplo, uma barley wine refinada de 12% de teor alcoólico, envelhece na garrafa por mais de 10 meses até ganhar as mesas dos consumidores.

Já a L’A Ultima Luna, outra do estilo barley wine e com 13% de teor alcoólico que invadem o nariz no gole, envelhece por 18 longos meses em barris de carvalho francês que foram usados para maturar vinho Amarone de Valpolicella. Esse processo de envelhecimento concede à cerveja um corpo licoroso e tira toda a carbonatação do líquido. No sabor assemelha-se muito à um forte conhaque, com sabor extremamente amadeirado e notas distantes de chocolate.

A La Luna Rossa é provavelmente a mais intrigante da trinca. Classificada como uma sour ale, ela surgiu de um blend de várias cervejas, tem adição de cerejas amarena e marasche nos ingredientes e leva um longo tempo para ficar pronta. Começa com uma base ácida já fermentada por pelo menos dois anos, que após a adição das cerejas maceradas, repousa por mais seis meses até ser engarrafada. Depois dessa fase, a cerveja fica depurando por mais um ano até ser finalmente comercializada. São quase quatro anos de preparação. No aroma as cerejas são perceptíveis, mas um forte odor ácido, muito parecido com vinagre, também toma conta. O sabor é de dar nó na cabeça: vinagre, vinho do porto, cerejas e muita acidez passeiam indiscriminadamente na boca. Uma cerveja rara para ser apreciada mais de uma vez.

Acesse o site da Tarantino Multibeer para ver todos os 16 rótulos do Birrificio Del Ducato.

[TEXTO e FOTOS: Leonardo Dias Pereira FOTOS "Machete" e "New Morning": Divulgação]

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Young Hines pode atribuir à sorte o novo rumo dado a sua carreira em 2012. Através de um CD demo, tocado por amigos pintores de ocasião, o músico acabou conhecendo Brendan Benson e se tornou o primeiro artista lançado pelo selo do parceiro de Jack White no The Raconteurs, o Readymade Records.

E dessa demo nasceu Gime Me My Change, disco de estreia de Young Hines produzido por Brendan Benson, que ainda levou o músico natural da Georgia para sua turnê pelos EUA e Europa. “Dá um pouco de nervosismo. Mas estou muito feliz por ter algo muito divertido pela frente”, contou Hines, que não esconde a alegria de ser o primeiro artista da Readymade Records. “Se eu me sentisse ainda melhor seriam três de mim!”

Leia abaixo o bate-papo que tivemos com Young Hines:

Urbanaque – Como você conheceu o Brendan Benson?
Young Hines – Amigos meus de uma banda chamada The Grayces fazem bicos pintando casas em Nashville. Um dia eles pintaram a casa do Brendan Benson. Enquanto trabalhavam lá, eles decidiram ouvir uma de minhas demos. Brendan ouviu a música e perguntou se ele poderia ficar com o CD. Quando me dei conta, tinha recebido um email do Brendan contendo uma versão de uma canção que eu escrevi, chamada “Only In A Dream”. Em seguida eu viajei para Nashville para conhecê-lo formalmente e acabamos escrevendo uma música naquele dia.

Como foi trabalhar em estúdio com o Brendan Benson?
Foram dez dias de gravações ininterruptas. Brendan tem uma ética de trabalho e é incansável. Isso realmente é muito contagiante. Não poderia imaginar um produtor melhor.

Você possui diversas canções no YouTube há algum tempo. Porque resolveu lançar seu primeiro disco só agora?
Não estava com pressa e ainda não estou. Arrisco dizer que é o método da tartaruga, mas é saudável pra mim. O foco sempre tem que ser as músicas e não a data em que serão lançadas. E é muito bom saber que, quando chegou o dia, eu conheci Brendan. Eu tinha um pouco mais do que uma porção de músicas. Quando você não está com pressa, você pode lutar por mais qualidade do que quantidade.

Fale um pouco do processo de composição e gravação de Give Me My Change.
Alguma coisa poderia me distrair, então eu simplesmente me senti inclinado a compor. Isso continuou acontecendo até que eu me vi com 16 faixas gravadas em um gravador de fita e cabos correndo por toda minha casa, fazendo demos sem parar. Foram essas demos que Brendan Benson ouviu inicialmente. Pegamos algumas dessas canções, assim como algumas novas e entramos no Welcome To 1979 Studios [estúdio especializado em gravações retrô, onde Brendan Benson gravou alguns de seus discos], em Nashville. Gravamos todo o disco em dez dias.

Muitas pessoas comparam sua voz com a de Elliott Smith. Isso te incomoda?
Não me incomodo. Não acho que canto como ele, mas uso algumas das mesmas técnicas de gravação para vocais, como vocal dobrado e harmonias. Os Beatles faziam esse tipo de coisa também. Sei que ele [Elliott Smith] era um grande fã de Beatles.

Gostava do trabalho dele?
Na minha opinião ele fez alguns ótimos discos. Fico torcendo para que pelo menos um desses “roqueiros que morreram muito jovens” fosse encontrado escondido com toneladas de novas músicas e falsificado sua morte. Seria legal se isso acontecesse com ele.

[TEXTO Bruno Dias FOTOS Divulgação/ Andrew Higley]

Nos dias 29 e 30 de maio, o Espaço das Américas, São Paulo e o Brasil inteiro vão reviver uma das fases mais frutíferas e encantadoras do nosso rock n’ roll. Na bateria, Marcelo Bonfá. Nas guitarras, Dado Villa-Lobos. E nos vocais deste tributo à banda Legião Urbana, Wagner Moura, o ator mais prestigiado da nova geração. O show é promovido pela MTV e já está com ingressos à venda, mas você pode concorrer ao seu aqui.

A FIAT, uma das patrocinadoras do evento, convida você a ser um CORRESPONDENTE FIAT. Para participar, demonstre porque você merece ser um correspondente Fiat no show respondendo a pergunta: Por que a Banda Legião Urbana é tão importante para você?

Os autores das melhores respostas, além de levarem 1 par de ingressos para o dia 29/5 e 1 para o dia 30/5, irão registrar o tributo usando a hashtag #correspondentefiat. O material produzido vai para a fanpage da Fiat, divulgando pra todo mundo que curte a FIAT a sua emoção de estar no show.

Portanto participe fazendo o cadastro aqui embaixo e não esqueça que para ganhar você precisa seguir a fanpage e o perfil do twitter de Fiat, ok?

OS VENCEDORES FORAM:

Amanda Rocha da Paz
A banda legião urbana, não fez parte da minha vida desde pequena… mas, desde  a minha adolescência descobri pessoas que gostavam da banda e que  e acabei por escutar, quando escutei é estranho dizer, mas meche e meche muito com o psicológico, você sabe que o que ele está cantando é a sua vida, é realmente tudo que acontece, por isso acho que é uma banda importante, porque as letras de certa forma quando você canta, você sente liberdade, vontade de jogar todas as regras na lama e ser o tal.

Mônica Vidal
Porque Legião Urbana pra mim é atemporal. É sentar na sala, colocar o cd pra tocar e ver meu pai, que tem 64 anos, meu primo que tem 14 e todo mundo no meio disso cantar todas as músicas. Porque as músicas da Legião, não conhecem o significado de tempo. Elas simplesmente são.

Se quiser saber mais sobre o concurso, você pode acessar o nosso regulamento aqui

A banda gaúcha Apanhador Só disponibilizou hoje em seu site oficial o compacto Paraquedas. A bolachinha de 7 polegadas traz duas canções inéditas da banda e foi produzida pelo ponta de lança da nova música brasileira Curumin, que também colocou disco novo na rua recentemente.

A bolachinha vai ser comercializada em junho pela loja Vinyl Land Records, e a banda desembarca em São Paulo no mesmo mês para divulgar o novo trabalho em show no Cine Joia (dia 09/06).

Ouça as músicas de Paraquedas aqui.

[TEXTO: Leonardo Dias Pereira] 

O trabalho do vocalista e compositor Chris Cornell pode ser dividido em ao menos duas fases: a de ouro, à frente do Soundgarden e do projeto Temple of the Dog, na qual o artista compôs grandes clássicos dos anos 90 durante os momentos mais negros de suas experiências com drogas e depressão; e a fase comercial, na qual Cornell parece se esforçar para superar a imagem de rockstar mórbido, sucumbido às facilidades de se aceitar como um símbolo sexual e buscar seu lugar no mainstream com melodias radiofônicas melosas. Pois bem; foi por cultivar um grande apreço e saudosismo pela primeira fase que este que vos escreve foi ao show do artista no Fillmore, em Miami Beach, no último dia 16.

Para minha sorte, tudo indica que Cornell está bastante interessado em fazer as pazes com suas origens: em 2010, o vocalista anunciou o retorno do Soundgarden aos palcos, com um novo álbum previsto para lançamento ainda em 2012. E em suas turnês acústicas como artista solo, Cornell apresenta um repertório bem democrático, tocando canções de todas as suas fases, mas favorecendo os apreciadores de seus trabalhos mais antigos. Desta forma, fica fácil para o vocalista conquistar o público – seja pela força de seu repertório ou pelos fãs saudosistas que o circundam.

A fixação de parte do público do Fillmore pelo período noventista do cantor já ficou evidente no início da apresentação; uma fã na primeira fileira chamou a atenção de Cornell, ao oferecer um presente inusitado: uma bermuda branca customizada, com “Say Hello 2 Heaven” escrita em cores berrantes, além de um boné branco. Sensibilizado, o artista aceitou os presentes, rasgando elogios (“isso que é um boné de verdade, e não aquelas coisas que servem para você fazer propaganda de times da NBA”) e prometeu realizar o pedido da fã mais tarde. Mas mal terminada a execução de “Can’t Change Me”, Cornell já iniciou os acordes que desembocariam em uma sequência matadora de músicas do Temple of The Dog: “Say Hello 2 Heaven”, “Wooden Jesus”, “All Night Thing” e o hit “Hunger Strike”. Durante estas quatro músicas, Cornell desencadeou o momento mais emocionante daquela noite, devidamente acompanhado pelo coro da plateia.

Depois do momento revival, o vocalista comentou que, chegando ao camarim naquela noite, encontrou um bilhete de um certo Ronnie, com um pedido: subir ao palco para pedir sua namorada em casamento. Cornell então recebeu seu “velho amigo Ronnie” e passou o microfone para que o fã fizesse a declaração. Grávida, a mais nova noiva do pedaço aceitou o pedido e subiu ao palco. O casal, perdido entre beijos e abraços, saiu de cena em meio a brincadeiras de Cornell. “Crianças, lembrem-se: sexo somente depois do casamento. Jesus está vendo. Ele não tem nada melhor pra fazer mesmo”. E como que para destoar totalmente do romantismo que se formou ali minutos antes, emendou “Fell On Black Days” do Soundgarden. Ainda no anticlímax da declaração de amor, veio “Burden In My Hand”.  Não é sempre que se pode ouvir frases tão embebidas de desilusão como “o medo é forte e o amor é para todos exceto eu” e “eu atirei no meu amor hoje, você choraria para mim?” após um pedido de casamento…

Reforçando ainda mais o clima nostálgico, Cornell relembrou “Seasons”, da trilha do filme Singles (Vida de Solteiro, no Brasil), comédia romântica famosa por retratar a Seattle em plena era grunge. Após apresentar “Sunshower” – seu primeiro esforço solo após o fim do Soundgarden, que também virou trilha do filme Grandes Esperanças -, Cornell anunciou que faria algo diferente: apontou para uma vitrola à sua direita no palco e disse que tocaria um disco com uma gravação de um piano de calda, inspirada no take que a falecida amiga Natasha Schneider gravou para seu primeiro disco solo. E assim veio “When I’m Down”, sem acompanhamento no violão, com o artista concentrando-se exclusivamente em sua apresentação vocal. E se seu desempenho não foi impecável em relação à versão de estúdio, ao menos foi o momento no qual sua voz mais brilhou naquela noite.  O setlist ainda trazia uma surpresa para os verdadeiros fãs da fase antiga de Cornell. Ao enfim puxar a Fender Telecaster que descansava silenciosa à sua esquerda desde o início da apresentação, Cornell explicou: “escrevi essa música durante as gravações de Badmotorfinger, e como eu a compus em uma afinação muito diferente, era difícil de tocá-la nos shows do Soundgarden. Não tínhamos muitas guitarras disponíveis”. Em seguida, iniciou as notas da  improvável “Mind Riot”.

O pessoal que estava ali pelo repertório do Audioslave e estava carente de hits foi prontamente atendido: “I Am The Highway” e “Doesn’t Remind Me” surgiram coladas e terminaram o set principal, com o vocalista saindo do palco ovacionado. Cornell ainda retornou para o bis, tocando sua versão do clássico “Billie Jean” e uma insossa canção nova intitulada “Roads We Choose”. Se o público se mostrou alheio à novidade, se rendeu em seguida com uma “Like A Stone” cantada em uníssono pelos presentes. O cover de Led Zeppelin, “Thank You” passou despercebido para dar lugar ao maior hit do Soundgarden, “Black Hole Sun” e o final, com uma versão desnecessária da piegas “Imagine”, o clássico de John Lennon. Mas exageros à parte, a escolha do setlist pareceu destinada a arrebatar até mesmo o fã mais chato e exigente da noite – este vos escreve.

SETLIST

Scar on the Sky

As Hope and Promise Fade

Ground Zero

Be Yourself

Can’t Change Me

Say Hello 2 Heaven

Wooden Jesus

All Night Thing

Hunger Strike

Fell on Black Days

Burden in My Hand

Seasons

Sunshower

When I’m Down

Mind Riot

I Am the Highway

Doesn’t Remind Me

Bis:
Billie Jean

Roads We Choose

Like a Stone

Thank You

Black Hole Sun

Imagine

[TEXTO: Alexandre Lopes FOTOS: Henriette Gallo]

Confesso que gostaria de ter vivido a experiência Sónar São Paulo de forma melhor.Fui apenas no sábado, segundo dia, com a intenção de ver Cee Lo Green e James Blake, e o que mais desse para pegar.

E não fiz a melhor escolha e acabei perdendo o show do Mogwai. E com medo de perder o James Blake, perdi um pedacinho do Justice.

Até tentei ter paciência para enfrentar a performance do Cee Lo Green, mas tudo jogava contra ele, a começar pelo som do SonarClub, montado no Pavilhão do Anhembi, local acostumado a receber feiras de calçado, artesanato e intercâmbio. E não um festival de “música avançada”.

Além disso, Cee Lo Green fez um show bem irregular, arrastado. Tentou surpreender com “Let’s Dance”, de David Bowie; e uma “reunião” relâmpago de seu Goodie Mob, acompanhado por três rappers. Mas o público estava interessado mesmo era nos hits.

“Crazy”, do Gnarls Barkley; e as solo “Satisfied” e “Fuck You” (que realmente levantou o público), deram um gás, mas apareceram tarde de mais, com uma parcela dos presentes já à caminho do palco SónarHall, montado espertamente no auditório Elis Regina.

A transição de um palco ao outro acabou desencorajando a ida até o Mogwai, para pegar pouco mais de 5 minutos de show. O jeito foi chegar lá, com calma, e aguardar o James Blake, que desta vez iria se apresentar com banda, bem diferente de sua pouco elogiada discotecagem da sexta.

E a estratégia foi certeira, garantindo bons lugares nas cadeiras do auditório. Sim, cadeiras. Era possível ver tudo sentado, na boa.

James Blake assombrou o local com suas distorções e efeitos vocais. Uma sensação de nó na cabeça, logo desatados por melodias delicadas e bastante complexas. Melancólicas.

“Unluck” e “To Care (Like You)” iniciaram a apresentação, que andou de forma crescente até atingir seu auge em “I Never Learnt to Share”. Os vocais sampleados de Blake combinados a base densa, cheia de graves, preencheram o teatro e ganharam a atenção do público, que ainda oscilava. Tendo algumas conversas paralelas e distrações. Teve ainda o cover “Limit to Your Love”, de Feist, longo e certeiro, suficiente para chamar a atenção apenas para Blake e seus dois companheiros no palco.

Talvez Cee Lo Green tivesse melhor sorte em um espaço fechado como o Auditório Elis Regina. Mas uma coisa é certa, o Sónar São Paulo conseguiu mostrar que ainda é possível aproveitar o Anhembi de forma diferente, sem se limitar a “Arena Anhembi” ou a um pedacinho do Sambódromo.

* Trechos dos shows no YouTube:

[TEXTO Bruno Dias FOTOS Liliane Callegari (@licallegari)/ Scream & Yell (@screamyell)]

Em mais uma data da turnê The Whole Love, o Wilco aportou em Miami na noite de terça-feira, 15, no Fillmore Miami Beach. Apesar de ser considerado um dos poucos nomes significativos do rock alternativo incluídos no mainstream – com reconhecimento atestado com prêmios no Grammy – os ingressos para o concerto não estavam esgotados. Mas se os bons refrãos de Jeff Tweedy e companhia não garantiram uma casa cheia, ao menos atraíram o interesse de várias faixas etárias: o público presente se estendia de jovens de 17 anos até quarentões.

O show teve abertura do Purling Hiss, um trio de Filadélfia com forte influência de guitar bands dos anos 90. Os músicos subiram ao palco às 20h03 e despejaram doses cavalares de rock e solos à la J Mascis (Dinosaur Jr), ao longo de um repertório curto de apenas sete músicas. Apesar de sabotados pelo som extremamente mal regulado – a bateria diminuta montada em frente à aparelhagem do Wilco não era microfonada e o vocal de Mike Polizze era totalmente encoberto pelo som de sua guitarra – a banda arrancou aplausos moderados da plateia.

Às 21h01 o Wilco surgiu timidamente no palco. Optando por um início mais introspectivo, o sexteto abriu o show com “One Sunday Morning”, a faixa derradeira de seu álbum mais recente. Enquanto Jeff Tweedy dedilhava calmamente as notas no violão, acompanhado com parcimônia pelo guitarrista Nels Cline e Pat Sansone nos teclados, as luzes e projeções no palco reforçavam o tom sublime da canção. Totalmente desvinculada de imediatismo, “Poor Places” veio em seguida, exigindo dos expectadores uma cumplicidade silenciosa. O público se manteve quieto e assistia a tudo em clima de absoluta contemplação.

“Art of Almost” surgiu como o crescendo da apresentação, recheada de efeitos eletrônicos discretos que foram sumindo ao passo que a guitarra de Nels Cline foi tomando mais espaço até culminar em uma explosão noise. Não satisfeito em fazer uso dos efeitos dos dez pedais aos seus pés, Cline também abusou de um pequeno arsenal de aparelhos extras em uma mesa posicionada ao seu lado direito. Ao longo de toda a apresentação, Cline justificou seu posto entre os guitarristas mais notórios da atualidade, alternando uma grande quantidade de guitarras – chegou a usar três instrumentos diferentes em uma única canção -, momentos de delicadeza melódica e puro barulho ao maltratar suas cordas com um slide metálico. Estas intervenções desconcertantes não abusavam de virtuosismo, mas arrancam de seu instrumento sons que devem tanto às suas raízes no improviso do jazz quanto à influência do no wave do Sonic Youth.

Em contraponto às extravagâncias guitarrísticas de Cline, o baterista Glenn Kotche e o baixista John Stirratt compunham uma cozinha afiada o bastante para que o tecladista Mikael Jorgensen injetasse efeitos climáticos nas canções, muitas vezes acompanhado pelo multinstrumentista Pat Sansone. Jeff Tweedy também não deixou por menos e se mostrou um competente guitarrista, dobrando solos em “Side With the Seeds” e “Impossible Germany”. Ao assumir a guitarra principal em “I’m The Man Who Loves You”, Tweedy dedilhou solos e riffs sujos ao mesmo tempo em que atacava sua guitarra com alavancadas que lembraram os momentos elétricos de Neil Young.

Mas a maior arma de Tweedy não era sua técnica como instrumentista: era o carisma. Por mais que suas composições enveredem para letras tristes, ao vivo ele não segue o típico clichê do ‘artista atormentado’ – apesar de problemas anteriores com depressão e cruéis enxaquecas. Casado e pais de dois filhos, o líder do Wilco reflete agora em suas criações a crise de meia idade e seus demônios pessoais, mas no palco exibe uma simplicidade que cativa o público, quase como se a platéia calçasse os mesmos sapatos de seu ídolo.

Tweedy estava à vontade o bastante para incitar a participação do público no refrão de “Jesus Etc.” e fazer piadas; após a tortuosa “Radio Cure”, ele perguntou “vocês estavam cantando junto nessa música? É uma música realmente muito triste para cantar junto, vocês têm certeza?”, ironizou. Antes de “I’m The Man Who Loves You”, Kotche ficou em pé em sua bateria e Tweedy não perdeu a chance de sacanear o colega: “Glenn fez isso hoje porque uma jovem brasileira nos disse que isso é a coisa mais bonita que ela já viu. Não sei se dou risada ou choro disso”, comentou, apontando para a fã.

Se “I Must Be High” surgiu para matar a saudade do primeiro disco do grupo, o último bis veio para fechar a noite com saudosismo: “Red-Eyed and Blue”, “I Got You (At The End Of The Century)” e “Outtasite (Outta Mind)” vieram recheadas do country-rock do início da carreira da banda. O show chegou ao fim com a apoteótica “Hoodoo Voodoo”, que contou com a participação do roadie Josh, que parecia ter saído do elenco do filme Quase Famosos. Desinibido, o roadie tirou a camisa e fez várias estripulias no palco, enquanto tocava cowbell. Um final surreal para um show que começou marcado pela introspecção.

Setlist:

One Sunday Morning
Poor Places
Art Of Almost
I Might
A Shot in the Arm
Side With The Seeds
Country Disappeared
War On War
Impossible Germany
Born Alone
Radio Cure
Capitol City
Handshake Drugs
Jesus, Etc.
Whole Love
I Must Be High
Dawned On Me
Heavy Metal Drummer
Primeiro bis:
Via Chicago
Hate It Here
Theologians
I’m the Man Who Loves You
Hummingbird
Segundo bis:
Red-Eyed and Blue
I Got You (At The End Of The Century)
Outtasite (Outta Mind)
Hoodoo Voodoo

[TEXTO: Alexandre Lopes FOTOS: Henriette Gallo]

Destaque da nova música brasileira, o capixaba SILVA lançou nesta quinta-feira (17) uma faixa nova.

Ouve aí:

A passagem da turnê de 15 anos do Los Hermanos por Porto Alegre trouxe uma bela surpresa, uma versão de “Nunca Diga”, do Graforréia Xilarmônica.

A apresentação aconteceu na noite de sábado (12), no Pepsi On Stage. No show de Belém, também da turnê de 15 anos, o Los Hermanos já havia tocado “Tempo Perdido”, do Legião Urbana.

A qualidade dos vídeos não é das melhores, mas dá pra dar uma sacada em como ficaram as versões:

(Dica do http://www.lacumbuca.com/)