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Julio Padrón: Canarias, Tierra Mágica

Susana Valcarcel — Mon, 22 Jun 2026 12:58:02 +0000

Mientras algunos pintores se limitan a retratar paisajes, otros consiguen convertir el territorio en una experiencia interior. La diferencia puede parecer sutil, pero es precisamente ahí donde reside la singularidad de la obra de Julio Padrón. Su exposición Canarias, Tierra Mágica, presentada recientemente en la sala de exposiciones del Parlamento de Canarias, no es únicamente una celebración de la geografía insular; es una travesía por la memoria y la capacidad de la pintura para revelar aquello que permanece oculto tras la apariencia de las cosas.

A lo largo de décadas de trabajo, el creador herreño ha construido una obra coherente y profundamente personal, alejada de modas pasajeras y sostenida por una convicción esencial: el paisaje no es un escenario, sino una forma de conocimiento. En sus lienzos, las montañas, los barrancos, los volcanes y las costas de las islas dejan de ser simples accidentes geográficos para convertirse en depositarios de emociones y vivencias. Esta muestra, concebida como una amplia retrospectiva, permite recorrer la evolución de una mirada que nunca ha dejado de dialogar con el archipiélago.

La biografía de Julio Padrón atraviesa silenciosamente toda su producción artística. Nacido en El Hierro, emigró junto a su familia a Venezuela siendo muy joven. Aquella experiencia de desarraigo y distancia marcaría profundamente su relación con su tierra natal. En Caracas se formó como dibujante artístico y publicitario, adquiriendo una sólida disciplina técnica que posteriormente completaría con sus estudios de Bellas Artes en la Universidad de La Laguna.

Sin embargo, más allá de la formación académica, fue la experiencia de la lejanía la que terminó modelando su sensibilidad. Quien contempla una tierra desde la distancia aprende a verla de otra manera: los contornos cotidianos se difuminan y adquieren una dimensión simbólica, convirtiéndose en refugios de la memoria. En el caso de Padrón, el regreso a Canarias no fue únicamente un retorno geográfico, sino también una recuperación emocional de aquello que había permanecido vivo durante años en el recuerdo. Esa combinación entre la nostalgia de haber vivido en la distancia y el profundo arraigo a su tierra es, precisamente, lo que dota de una fuerza única a todas sus pinturas.

Uno de los aspectos más fascinantes de Canarias, Tierra Mágica es el protagonismo absoluto que adquiere la luz. La pintura de Padrón no busca describir el entorno de manera objetiva, sino que lo reinventa a través de la atmósfera. La luz atlántica se convierte en materia pictórica y actúa como un elemento transformador capaz de alterar la percepción del territorio. Los colores vibran, se expanden y dialogan entre sí hasta construir espacios donde la realidad parece suspendida entre la observación y el evocar.

Esta riqueza de atmósferas es el resultado de una evolución técnica constante. El propio artista explica que esta colección supone una mirada retrospectiva a sus diferentes etapas creativas: “Es una rememoración de toda mi obra, la cual he pintado en otras épocas… más impresionista, pero ahora pasé un poco al estilo más realista”.

A pesar de este tránsito estilístico, lo que permanece inalterable es su voluntad de trascender la mera descripción física. Detrás de cada composición se percibe la mano del dibujante experimentado, conocedor de la estructura y la proporción, pero manejado siempre bajo la técnica que ha guiado toda su trayectoria: el óleo de toda la vida.

El título de la exposición no es casual; la palabra “mágica” funciona aquí como una clave interpretativa fundamental. Al adentrarse en los lienzos, el espectador atento descubre sutiles presencias —duendes, gnomos y entidades espirituales— que habitan los senderos y las brumas de los bosques isleños.

Lejos de ser un recurso puramente decorativo o una fantasía evidente, el artista introduce estos elementos como una insinuación, un acicate para expandir la percepción de la obra. Conectar con estas figuras es, para Padrón, una forma de conectar con el código de la imaginación popular: “Voy por la vía sencilla, que es lo que todo el mundo entendemos por magia, y eso lo acoplo de una manera que no sea excesivamente visible en la obra, pero sí algo como para que la gente considere que es una cosa mágica”.

En cierto modo, estas referencias entroncan con una característica profundamente arraigada en la cultura canaria: la convivencia entre la realidad física del territorio y el imaginario legendario que durante siglos ha acompañado a las islas. La naturaleza volcánica, la laurisilva y la fuerza de los elementos han alimentado innumerables relatos donde lo visible y lo invisible coexisten. Padrón recoge esa herencia y la incorpora a sus óleos con una delicadeza que evita cualquier exceso narrativo.

Julio Padrón señala que esta selección de cuadros representa la culminación de un ciclo crucial, perfilándose como su última gran muestra pictórica de carácter individual. Sin embargo, el cierre de esta etapa no implica el fin de su actividad creadora. El artista ya otea nuevos horizontes artísticos y planea volcarse en otra de sus grandes pasiones: la caricatura. Con un archivo que ya supera las cincuenta piezas terminadas, nos avanza que su próximo proyecto individual cambiará radicalmente de formato para ofrecer un registro totalmente distinto, demostrando que la inquietud creativa no entiende de jubilaciones. Mientras ese giro llega, el pintor apuró los últimos días de la muestra disfrutando del diálogo directo con los visitantes, guiándolos a través de sus paisajes texturizados y compartiendo las intrahistorias de cada lienzo.

Su legado demuestra algo cada vez más escaso en el arte contemporáneo: la fidelidad a una visión. Quien se adentre en su universo encontrará mucho más que volcanes, brumas y barrancos; descubrirá una sensibilidad forjada entre la distancia y el regreso, y constatará que, detrás de cada capa de óleo, sigue latiendo la pregunta de cuánta belleza permanece todavía oculta en aquello que creemos conocer.

Julio Padrón nos habla de su última muestra, Canarias, Tierra Mágica:

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Celestino Mesa, The Not So Still Life II

Susana Valcarcel — Sat, 06 Jun 2026 22:07:42 +0000

Dónde: https://desvanblancoec.blogspot.com/2026/05/the-not-so-still-life-ii-celestino-mesa.html

¿Puede la sombra de una planta de interior convertirse en el origen de una reflexión artística sobre la condición humana?

Durante esos días de pandemia, todo comenzó con una sombra: la de una planta pulmonaria sobre una pared. La delicada ramificación de sus hojas llamó la atención de nuestro artista. Evocaba la compleja estructura interna de los pulmones humanos; como si naturaleza y cuerpo compartieran un mismo lenguaje secreto. Aquella visión, surgida en un tiempo marcado por la incertidumbre y la conciencia de vulnerabilidad, se convirtió en germen de una investigación artística.

The Not So Still Life II trasciende la naturaleza muerta tradicional. Y deviene en una reflexión contemporánea sobre la fragilidad de la existencia, los silencios de la vida cotidiana y el anhelo de cercanía que atraviesa al ser humano de nuestro tiempo; rodeado de pantallas y mensajes instantáneos, pero hambriento de una comunicación verdadera. La nueva exposición de Celestino Mesa, The Not So Still Life II es así un corolario de aquella investigación pictórica iniciada durante el confinamiento. Si la primera entrega de The Not So Still Life abordaba de forma más directa el aislamiento vivido durante aquellos años, esta segunda propuesta amplía la reflexión hacia una dimensión más universal.

El montaje expositivo reúne una veintena de obras en óleo y acrílico sobre lienzo y tabla donde el artista sintetiza su lenguaje visual. La soledad no se plantea como un hecho aislado o excepcional, sino como una realidad humana latente incluso en compañía. Esta paradoja se articula mediante composiciones sobrias, espacios vacíos y una gama de grises y tonos neutros que potencian el carácter contemplativo de la obra.

Uno de los aspectos más interesantes de la exhibición es la ausencia total de personajes. No hay rostros ni cuerpos. Son los objetos los que asumen el protagonismo de las emociones humanas. Las plantas aparecen aisladas, los manteles conservan la huella de una compañía reciente y los utensilios domésticos adquieren una dimensión simbólica inesperada. Cada elemento ocupa un lugar preciso dentro de una narrativa silenciosa donde la ausencia se convierte en presencia. La pintura de Mesa logra así que lo cotidiano trascienda su función habitual: una simple taza puede sugerir espera; una mesa vacía, nostalgia; una planta solitaria, resistencia. El espectador es quien completa la historia desde su propia experiencia.

Referente del arte canario contemporáneo

Nacido en Tenerife y profundamente vinculado a la cultura visual de las Islas Canarias, Celestino Mesa pertenece a esa generación de artistas que entiende la pintura como un proceso permanente de aprendizaje. Su formación reglada en diversas escuelas europeas, sus viajes por múltiples continentes y su contacto con variadas corrientes pictóricas a lo largo de 30 años de experiencia, enriquecieron una mirada que hoy combina precisión técnica y reflexión.

Quienes conocen su trayectoria saben que resulta difícil encasillarlo. Ha destacado como acuarelista, retratista, paisajista y creador de escenas costumbristas. Cada nueva serie representa una exploración única, novedosa; una búsqueda con la que continúa creciendo sin perder la honestidad que define su obra. El resultado es una evolución constante que, sin embargo, preserva una identidad artística inconfundible y una extraordinaria sensibilidad hacia la luz.

La crítica ha definido el lenguaje pictórico de Mesa como un hiperrealismo trascendente; una fórmula idónea para describir una pintura que, si bien captura la realidad con un virtuosismo técnico impecable, nos conduce simultáneamente hacia territorios emocionales y simbólicos mucho más profundos.

Lo más sorprendente de este montaje es que sus protagonistas son inanimados, pero están vivos. Desde sus sombras, se construye aquí un universo donde los objetos dejan de ser simples elementos domésticos para convertirse en testigos de la experiencia humana. Las obras no representan únicamente lo que vemos, sino también lo que recordamos y anhelamos; esa profunda necesidad de conexión que nos acompaña a lo largo de la vida.

Más que naturalezas muertas, The Not So Still Life II es un recorrido que plantea una reflexión poética sobre nuestra forma de habitar el mundo y de relacionarnos. Una oportunidad para descubrir cómo los objetos más cotidianos pueden trasmitir emociones universales y quizá inundarnos de su quietud y silencio.

Estamos ante un despliegue que merece ser disfrutado en primera persona, pues una creación de semejante calibre solo llega a completarse a través de la subjetividad del espectador.

Celestino Mesa nos habla de su exposición The Not So Still Life II:

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Carl-Heinz Krüger y Xabier Calvo Cuéllar, Fragmentos del Ser

Susana Valcarcel — Tue, 19 May 2026 11:43:59 +0000

Sede: Casa del Vino Tenerife

¿Cuántas obras maestras habrán terminado en un vertedero por pura ignorancia? La historia de esta muestra arranca con un giro digno de guion cinematográfico. Al fallecer uno de los pintores de la presente exposición, sin descendencia directa, toda la producción artística que había desarrollado en Tenerife fue descartada por sus herederos. Las piezas terminaron en la calle, al borde del contenedor de residuos. Fue entonces cuando el azar —o quizá la sensibilidad— intervino: un joven del barrio, atraído por las pinturas abandonadas del que fuera su vecino, decidió salvarlas. Un rescate providencial que hoy nos permite contemplar un legado y recuperar una memoria.

La obra que el destino se negó a perder

Parte de lo que contemplamos en las paredes de esta colectiva son “piezas supervivientes” que fueron realizadas por Carl-Heinz Krüger en su última etapa de vida. Fue un pintor y arquitecto alemán que desarrolló un lenguaje profundamente vinculado a la abstracción y a la espiritualidad del paisaje. Discípulo del maestro alemán Willi Baumeister, Krüger evolucionó desde una pintura emocional y expresiva hacia una abstracción total donde el color, el gesto y la energía se convierten en protagonistas. Durante sus últimos años residió en Arico, Tenerife, lugar donde su obra alcanzó una madurez influenciada por la luz y el territorio insular.

Sus pinturas no representan el mundo visible: lo evocan. Sus trazos parecen impulsos directos del subconsciente, movimientos donde la mano actúa antes que el pensamiento. Al observar sus obras de cerca, no vemos únicamente formas o colores; vemos rastros emocionales, fragmentos de memoria y estados mentales suspendidos sobre el lienzo. Quizá por eso resulta aún más conmovedor pensar que estas piezas estuvieron a punto de desaparecer para siempre.

La geometría de la luz y la materia

La presencia de Xabier Calvo Cuéllar aporta a la muestra un universo muy diferente, aunque igualmente complejo. Con más de cuatro décadas de trayectoria, su trabajo gira en torno al dominio del vidrio y técnicas como la vidriera emplomada, la técnica Tiffany, la vitrofusión o el vidrio en hormigón. Más allá de la técnica, sus composiciones hablan de estructuras en constante tensión.

Frente al gesto libre y emocional de Krüger, Xabier construye imágenes donde líneas, formas y fragmentos parecen buscar un equilibrio imposible. Sus obras transmiten orden y ruptura al mismo tiempo; como sistemas que se intentan organizar sin lograr “consolidarse”.

Dos formas de habitar la abstracción

La exposición Fragmentos del Ser reúne las obras de Carl-Heinz Krüger y Xabier Calvo Cuéllar en una suerte de diálogo visual donde la abstracción se convierte en una forma de explorar la identidad, la emoción y la percepción humana. La fuerza de la colección aparece precisamente en su encuentro. Por un lado, la pintura impulsiva y casi visceral de Krüger. Por otro, las estructuras luminosas y fragmentadas de Xabier Calvo. Entre ambos surge un correlato sobre la identidad contemporánea: un “yo” inestable, múltiple y en permanente transformación. Como decía Pablo Picasso: “El arte es la mentira que nos permite comprender la verdad.”

Y quizá esa “mentira” sea aquí la abstracción misma. La ausencia de figuras reconocibles obliga al espectador a completar lo que no se ofrece; a proyectarse dentro de la obra y encontrar en ella algo propio. Al final, la exposición no habla únicamente de los artistas. También habla de nosotros: de nuestras propias fracturas, de la memoria, de lo que perdemos y de aquello que, incluso cuando parece destinado a desaparecer, todavía puede ser rescatado. Quizá todos estamos hechos de fragmentos supervivientes.

En una época marcada por lo inmediato y lo fácilmente clasificable, esta muestra propone lo contrario: detenerse, observar y aceptar que el ser humano es una multiplicidad viva. Como afirmaba el filósofo Friedrich Nietzsche: “No hay hechos, solo interpretaciones.” Y precisamente eso es lo que plantea esta exposición: no ofrecer respuestas cerradas, sino abrir espacios para que cada espectador construya su propia lectura.

Fragmentos del Ser no es un montaje de consumo rápido. Es una invitación a regresar, a hacer descubrimientos. A dejar que cada obra dialogue de manera propia con quien la contempla.

Tal vez ahí resida el verdadero valor del relato que nos plantea Hilliger Sascha, curador de la muy original propuesta expositiva que nos ocupa. No solo ofrece a su contemplación unas pinturas que fueron despreciadas, sino que su potencial sinérgico insta a la recuperación de una mirada artística.

Mós sobre Xabier Calvo Cuéllar

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Ariam Lázaro Pérez Barrios, Cosecha Propia

Susana Valcarcel — Fri, 24 Apr 2026 13:27:25 +0000

Dónde?: https://desvanblancoec.blogspot.com/2026/04/cosecha-propia-ariam-lazaro-perez.html

¿Qué misterio habita en la mirada de quien posee el don de transmutar lo cotidiano en símbolo y sublimar lo visible hasta convertirlo en pura experiencia?

En el panorama contemporáneo de la pintura en Canarias, la figura de Ariam Lázaro Pérez Barrios se impone, por la solidez de su trayectoria y la calidad técnica de su obra, con una singularidad difícil de clasificar.

Hijo de trovador y heredero de una tradición donde palabra, música y emoción se entrelazan, su práctica artística no se limita al lienzo. Escribe también. Y esa doble naturaleza —visual y poética— cala en su trabajo. Hay silencios y tensiones en sus cuadros que no se explican únicamente desde lo visual. La ética de trabajo del pintor se revela en una voluntad inquebrantable por la excelencia: “Destaca su gran capacidad de trabajo, pero sobre todo su carácter analítico y apasionado, orientado a la búsqueda de un ideal. No pretende venderse ni demostrar nada, sino encontrar la belleza como un absoluto que persigue constantemente. Su obra está impregnada de esa búsqueda y, por ello, transmite una sensación de verdad”, manifestó el artista plástico Sergio Linares Velasco durante la apertura de la muestra.

De la Habana a Canarias

Oriundo de Cuba (1977), su formación y mirada se forjaron inicialmente bajo la luz del Caribe, antes de consolidar su lenguaje en este lado del Atlántico. Desde muy temprana edad siente inquietud por el cómic y la ilustración. Pronto se une a los grupos de historietistas que existían en la capital en aquel entonces, que asistían al famoso taller de historieta de la UPEC, donde se formó a toda una generación de artistas del cómic y la ilustración. Influenciado en sus inicios por el boom del manga crea, junto a un grupo de dibujantes y guionistas, el primer fanzine manga de Cuba, llamado “Manga Cubano”, donde la mayoría de los que participaron son a día de hoy profesionales del medio.
En su adolescencia descubre otra pasión, la pintura, que le lleva a ingresar en la Academia Nacional de Bellas Artes de la Habana “San Alejandro”, formándose en las especialidades de pintura y grabado. Allí coincidirá con los artistas Yoel Díaz Gálvez y Vladimir León. Participa asimismo en exposiciones colectivas y en distintos proyectos de cómic e ilustración en la Perla del Caribe.

En el año 2002, se traslada a vivir a Tenerife, donde cursa estudios de especialización en diseño e ilustración en la Escuela de Arte Fernando Estévez. Desde ese momento comienza su carrera como pintor muralista, trabajando para diversos ayuntamientos y también en escenografías con clientes privados. Paralelamente desarrolla su obra personal participando en numerosas muestras y eventos artísticos a lo largo de estos años y recibiendo varios premios y reconocimientos.
Como ilustrador ha realizado dos cómics para el Ayuntamiento de Adeje sobre la historia del municipio: “Adeje Guanche” y “La Conquista”.
Es pues un artista polifacético que cultiva también la escultura y la tematización.

El valor del maestro y la experiencia

Si bien su base se asienta en la instrucción reglada, el verdadero desarrollo de Ariam emana de una simbiosis poco frecuente: rigor académico, impulso autodidacta y su infatigable praxis. En este proceso, la figura del pintor canario Conrado Díaz Ruiz se erige como un pilar decisivo. Su labor trasciende la docencia para consolidarse como la de un maestro de estirpe clásica. Bajo su tutela, Ariam Pérez se inicia en los arcanos del oficio: desde el riguroso análisis de la forma y la disciplina cuasi mística del dibujo, hasta el ejercicio sagrado de la observación del natural. A esta influencia se suma una red de artistas y compañeros que, desde sus inicios, contribuyen a su evolución. Su trayectoria no es la del artista aislado, sino la del que crece en diálogo constante con otros.

Sobre estos cimientos gravita una constelación de referentes que abraza desde el realismo de la escuela rusa —con Iliá Repin a la cabeza— hasta la huella de la tradición española: Velázquez, Sorolla, Fortuny o Madrazo. De esta genealogía no extrae maneras, sino herramientas. Para Ariam, la historia del arte no constituye un archivo inerte, sino un fértil territorio de indagación. Esta herencia converge con una dimensión plenamente contemporánea: la democratización del saber a través de la red, el rigor del estudio autodidacta y una observación perenne. Es así como su formación se manifiesta como un proceso abierto, vibrante y en incesante expansión. De este modo, su formación se configura como un proceso abierto, vibrante y en incesante expansión

El proceso creativo: entre la intuición y el hallazgo

El proceso creativo de Ariam se articula a partir de lo que él denomina “chispazos”: intuiciones, imágenes mentales, asociaciones inesperadas que funcionan como punto de partida. Estas ideas se desarrollan mediante dibujos, fotografías —a menudo realizadas por él mismo— y pruebas pictóricas. Sin embargo, no se trata de un proceso lineal. En la búsqueda de una imagen concreta, surgen otras que modifican el rumbo de la obra. Este diálogo entre intención y descubrimiento sitúa su práctica en un territorio cercano a la poesía: no se trata de ejecutar una idea cerrada, sino de encontrarla en el propio proceso. Quienes han sido testigos de su metodología destacan dos pilares fundamentales: una entrega inusitada al trabajo y una mirada intrínsecamente analítica. Ariam no pinta desde la improvisación ingenua. Su obra está sostenida por horas de estudio, análisis de referentes, visitas a museos y una constante reflexión sobre la historia de la pintura. “Suelo partir de una premisa inicial, ya sea una imagen o un concepto latente. Si la idea es representar un gallo, por ejemplo, esa figura se convierte en el núcleo de una serie de interrogantes: cómo intervenirlo, qué elementos deben coronar la figura o qué atmósfera debe rodearla. Es entonces cuando se inicia el verdadero ejercicio de la composición” sostiene el creador. Su proceder revela una estructura compleja: dibujos previos, archivos visuales, referencias fotográficas propias y su constante revisión crítica. Sin embargo, todo este andamiaje técnico queda subordinado a un objetivo mayor: alcanzar una imagen que, en sus propias palabras, “se acerque a lo que ocurre en la cabeza”.

El plátano como símbolo

Uno de los elementos más característicos en su obra reciente es el uso del plátano como motivo recurrente. Lejos de ser anecdótico, este elemento se convierte en un eje de investigación formal y conceptual. Esta fruta le ofrece una versatilidad excepcional: puede transformarse, deformarse o adquirir múltiples significados sin perder su identidad. Su carga simbólica en el contexto canario —cultural, económica, territorial— amplifica su potencia. Pero más allá del símbolo, lo importante es el uso que Ariam hace de él: lo convierte en un recurso plástico, en un elemento compositivo, en una metáfora abierta. “Durante cinco años, mi mirada se detuvo con especial interés en la naturaleza del plátano, convirtiéndolo en el centro de mi búsqueda plástica. Esta muestra constituye un compendio de aquel ciclo creativo; una antología de las obras en las que profundicé en su forma y esencia durante ese periodo de mi vida”, señala el artista.

Cosecha propia

Este proyecto expositivo situado en el espacio cultural y galería de arte Desván Blanco ofrece una mirada retrospectiva al discurso plástico de Ariam, una síntesis de varios años de investigación. En ella se reúnen obras que exploran el símbolo, la forma y la materia desde diferentes relatos.

El recorrido permite apreciar la amplitud de su lenguaje: desde grandes formatos de poderosa presencia, hasta piezas más contenidas donde la intensidad se concentra. La paleta despliega una riqueza de matices que evidencia un dominio profundo del color. La combinación entre figuración y abstracción se presenta aquí con una naturalidad que solo es posible tras una consolidada experiencia. “En esta exposición tenemos un ejemplo muy claro de lo que es la abstracción y la figuración conviviendo en un terreno híbrido fuera de toda competición. En cada una de estas piezas hallamos esa simbiosis magistral, en la que la frontera entre lo figurativo y lo abstracto se desvanece mediante una factura impecable “, revela Román Hernández, escultor y director del espacio cultural Desván Blanco.

En Cosecha Propia, el autor nos ofrece el resultado de años de disciplina y pasión. Nos recuerda que el arte, cuando es honesto, es quizá el único lugar donde la técnica y el alma logran fusionarse inextricablemente.

No dejen pasar la oportunidad de ser testigos de esta síntesis magistral; una lección de pintura que se siente y se habita en cada pincelada, transformando la contemplación en pura experiencia poética.

PoésIcA es un canal de Youtube, un espacio de creación musical y poética donde todas las letras son escritas por Ariam Lázaro Pérez y musicalizadas mediante inteligencia artificial. Aquí se exploran y fusionan distintos géneros y estilos, rompiendo fronteras tradicionales para dar lugar a obras originales que aprovechan al máximo las posibilidades creativas de las nuevas tecnologías. Cada canción es una búsqueda expresiva de libertad total, experimentación y emoción.

**Ariam Lázaro Pérez nos habla de su exposición Cosecha Propia y de su proceso creativo:**

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María Jesús Pérez Vilar, Naturaleza Habitada

Susana Valcarcel — Wed, 25 Mar 2026 00:29:16 +0000

Dónde se exhibe: https://www.arteinformado.com/agenda/f/naturaleza-habitada-242955

En el siempre dinámico y fértil panorama cultural de Santa Cruz de Tenerife, sobresale con renovada intensidad una propuesta expositiva que establece una sintonía profunda con aquello que nos conforma. La reconocida pintora canaria María Jesús Pérez Vilar despliega en Naturaleza Habitada un universo plástico de gran sutileza, donde la memoria sensorial y la experiencia íntima se entrelazan mediante una sensibilidad poética de honda resonancia.

Desde el primer acercamiento, se revela una voluntad clara: trascender la representación convencional del paisaje para adentrarse en una dimensión simbólica, casi espiritual, en la que la naturaleza deja de ser un simple escenario y se convierte en una vivencia sentida e interiorizada. No se trata, por tanto, de contemplar, sino de habitar; de recorrer desde la subjetividad, territorios visibles e invisibles en constante diálogo.

María Jesús se inspira de forma evocadora en el célebre poema “Correspondencias” de Charles Baudelaire, incluido en Las flores del mal. Esta influencia no se manifiesta como una simple referencia erudita, sino como un auténtico fundamento conceptual que impregna la mayor parte de la obra.

En los versos de Baudelaire, la naturaleza es concebida como un templo vivo, atravesado por símbolos y ecos imperceptibles; dando lugar a una comunión en la que los sentidos se entrelazan y “los perfumes, los colores y los sonidos se responden”. Precisamente en esa idea —la de una realidad tejida por correspondencias sensibles y metafísicas— encuentra la prolífica artista un territorio fértil desde el que construir su lenguaje visual. Su pintura parece, así, traducir plásticamente esa sinestesia simbólica: los colores sugieren aromas, el ritmo de las formas evocan sonidos, las atmósferas despiertan recuerdos ocultos; aportando una clave fundamental al afirmar que la naturaleza no se agota en la línea del horizonte, sino que posee una dimensión interior habitada por la memoria, el olor o el tacto.

Pero en esta experiencia estética emerge también una dimensión más sutil, casi imperceptible, que introduce una atmósfera sugerente. En el catálogo de la muestra, la historiadora y escritora Felicidad Batista plantea un juego de miradas según el cual el espectador es también observado: hay «ojos atentos detrás de una ventana, entre la espesura de un bosque o bajo el agua» Esta visión proyecta un halo de misterio que transforma la relación con las obras. Ya no estamos únicamente ante paisajes interiorizados, sino ante presencias latentes que parecen habitar el lienzo y devolver la mirada, como si la naturaleza misma guardara conciencia.

Esta concepción poética articula un discurso en el que materia y espíritu, cuerpo e imagen interior, se funden en una unidad compleja y vibrante; entramado visual en cuyo seno el color adquiere un protagonismo decisivo. Intenso, envolvente, a veces casi táctil, se combina con una luz sutil que genera atmósferas de notable profundidad emocional. Su vocación perseverante, desplegada en múltiples formatos y soportes, evidencia un proceso creativo constante y de naturaleza orgánica, cimentado en la experimentación y la búsqueda. El recorrido se organiza en tres ámbitos interrelacionados. El primero, centrado en el agua, recoge un motivo recurrente en su trayectoria: fuentes, mares, arroyos o lágrimas que riegan como metáforas fluidas de la memoria y la emoción. Su carácter cambiante y reflectante convierte este elemento en un lugar de tránsito capaz de diluir lo exterior y lo interior.

A continuación, el bosque se presenta no solo como imagen, sino como experiencia vital. Atravesarlo implica enfrentarse a una dimensión introspectiva, densa y, al mismo tiempo, reveladora. Desde una concepción más libre del espacio, casi aérea, este ámbito permite a la artista explorar el color con una libertad lúdica, generando composiciones abiertas y dinámicas.

Finalmente, la sección dedicada al beso introduce una dimensión sensorial particularmente intensa. Más allá de su carga sensual, este gesto se convierte en un modo de contacto con el entorno que incita a tocar el paisaje hasta fundirse con él. La pintura alcanza en este plano una vibración emocional que interpela directamente al espectador, invitándolo a participar de ese latido compartido.

A lo largo de su trayectoria, María Jesús Pérez Vilar ha consolidado un lenguaje plástico coherente, íntimo y simbólico —que amalgama introspección, memoria e investigación formal, orientada ahora a profundizar con madurez, en una línea de trabajo que conecta lo biográfico con lo universal. En esta selección, su mirada ofrece una amplia riqueza en matices, dando como resultado un conjunto de piezas que evocan la primigenia Anaga, el cerúleo Atlántico y el susurro de los alisios; piezas que no solo se contemplan, sino que nos interpelan.

El alcalde de la capital tinerfeña, José Manuel Bermúdez, destaca que el municipio capitalino afianza progresivamente su posición como uno de los principales focos culturales del archipiélago, gracias a una programación expositiva comprometida con el talento y la sensibilidad artística. Bajo esta premisa, Naturaleza Habitada se presenta como una clara manifestación de esa línea de trabajo en el que la raíz literaria se convierte en el eje vertebrador de toda la entrega.

La muestra podrá visitarse hasta el 12 de abril en horario habitual del museo, con entrada gratuita. Asimismo, se ha programado una visita guiada por la propia artista, el 28 de marzo a las 12:00 horas, una ocasión idónea para adentrarse en su imaginario y dialogar directamente con ella.

María Jesús Pérez Vilar nos habla de su exposición, Naturaleza Habitada, en este vídeo:

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Julia Chillón, Nazareth Hernández, Yaiza Hernández y sus Territorios Interiores

Susana Valcarcel — Fri, 20 Mar 2026 13:20:32 +0000

Dónde se exhibe: https://www.liceodetaoro.es/novedades/557-exposicion-de-pintura-territorios-interiores.html

¿Y si todo lo que buscamos, fuera parte de nosotros? En un mundo cada vez más obsesionado con la velocidad, la idea de destino y la constante proyección hacia lo exterior, Territorios Interiores pretende, sin embargo, una deriva distinta: una travesía pausada que se orienta hacia dentro. En este recorrido no existen mapas que guíen, ni coordenadas que sitúen, ni distancias que puedan medirse, porque el viaje sucede en un medio tan íntimo como inabarcable.

Solo paisajes invisibles que, sin embargo, todos habitamos: el cuerpo como región, la memoria como geografía cambiante, la emoción como clima, el bagaje como relieve. Lugares íntimos que, durante siglos, permanecieron silenciados o fueron narrados desde miradas ajenas la mujer.

Este proyecto expositivo se sitúa en ese punto de inflexión donde lo invisible comienza a tomar forma y donde las voces, que históricamente fueron relegadas a lo anónimo, reclaman su lugar. Como escribió Virginia Woolf, “durante la mayor parte de la historia, Anónimo fue una mujer”. La mujer deja aquí de ser sombra e irrumpe como testigo, participando plenamente en la construcción de su historia y de su voz desde la pintura. Con este enfoque, la exposición reúne el talento de tres grandes mujeres artistas, cuyas creaciones afirman la fuerza expresiva de lo femenino, y exploran desde lenguajes propios distintas formas de habitar una identidad permeable a lo que se manifiesta, se transforma y se aquieta.

Cada pieza es un espacio para habitarse y reconocerse en lo que surge, cambia y permanece en calma. Porque quizá, al final, la extensión más desconocida —y más urgente de explorar— siempre ha estado dentro de nosotros. A partir de esta visión, la obra pictórica se entiende como un espacio de pensamiento y experiencia sensible. En palabras del filósofo y epistemólogo francés Gaston Bachelard,“el espacio habitado trasciende el espacio geométrico”: se forma no solo con líneas y proporciones, sino con vivencias, recuerdos y momentos de ensoñación que lo llenan de sentido.

Julia Chillón: nacida en Santa Cruz de Tenerife, ha sabido compaginar a lo largo de los años su labor como decoradora, artista y profesora de pintura. Su lenguaje pictórico plantea un equilibrio entre la espontaneidad y el control, moviéndose entre el realismo, el surrealismo y la abstracción.

En el arte descubrió, no solo su forma de vida, sino también una poderosa herramienta de aporte a la sociedad. Su creatividad y profunda sensibilidad le han llevado a colaborar, desde hace casi dos décadas, en numerosas campañas benéficas, dejando una huella ejemplar tanto en lo artístico como en lo humano.

En la obra de Julia, la pintura se convierte en un acto de dignidad y memoria. Sus emblemáticas Palenqueras sostienen una mirada alegre y triunfante a pesar de las condiciones adversas que tuvieron que afrontar. Mirarlas es celebrar su visibilidad recuperada, afirmando una existencia largamente silenciada.

Nazareth Hernández: originaria de Tenerife. Actualmente combina su práctica artística con la docencia y el diseño gráfico. Es reconocida por su lenguaje impresionista y por su innata capacidad de capturar el gesto y el instante fugaz de una acción humana. Su representación nace de una mirada profundamente vitalista. Frente a lo complejo del mundo actual, Nazareth abraza el entusiasmo como un acto de resistencia; convierte cada lienzo en un momento atemporal de finura estética, en un elogio luminoso a la alegría de vivir.

La serie Materia Viva de Nazareth nos invita a sentir el cuerpo como un espacio vivo y en constante transformación. En sus lienzos la naturaleza no rodea al ser humano: lo atraviesa. Flores, agua, gestos y color emergen como estados emocionales. Contemplarlos permite recordar que el cuerpo guarda memoria profunda, ritmo palpitante y mutación continua.

Yaiza Hernández: natural de San Cristóbal de La Laguna, crece entre arte y poesía, en un entorno familiar que marcó su lenguaje creativo. De perfil versátil, su trabajo transita con naturalidad entre la pintura, el diseño y la creación de espacios a través del interiorismo y la decoración. La producción artística de Yaiza se inscribe en una línea formalista renovada, donde precisión técnica y equilibrio compositivo no son meros recursos sino el cimiento de su propuesta estética. Esa búsqueda halla en el collage una herramienta clave en su proceso creativo.

En un tiempo marcado por la saturación de estímulos de la era digital, sus lienzos erigen umbrales de calma donde el tiempo se dilata; devienen espacios contemplativos. En el trabajo de Yaiza Hernández las figuras habitan escenarios neutros, acompañadas de palabras silentes que activan una lectura crítica de su colección Mujeres. Sus composiciones, contenidas y sugerentes, se transforman en refugios de serenidad en mitad de la vorágine. Un auténtico acto de resistencia serena al ritmo acelerado de lo cotidiano.

Cada una de estas artistas contemporáneas pinta con un lenguaje propio, pero desde una misma querencia: habitar la pintura como espacio de soberanía e identidad femenina, en escenarios donde la memoria se cristaliza y encuentra su lugar, revelando una verdad que late bajo lo visible. Aquí, el cuerpo trasciende la frontera para revelarse como un ámbito vivo. Una geografía moldeada por el recuerdo y la experiencia común, donde pintar se convierte en un acto de presencia y resistencia. Un modo de decir: estoy, somos, existimos desde nuestra propia voz, entendiendo lo femenino no como una idea, sino como una forma de estar en el mundo, recordando de esta forma a Simone de Beauvoir que planteaba que la identidad femenina no es un hecho biológico, sino una experiencia que se construye y se vive.

Enraizada en el contexto cultural del archipiélago canario, Territorios Interiores abre un espacio de encuentro, reconocimiento y resonancias donde la pintura no solo se contempla sino que nos mira de vuelta. Abandónate a esta inmersión, déjate llevar. En realidad, hay trayectos que no comienzan al partir, sino cuando elegimos mirar hacia dentro.

Más sobre Julia Chillón, Nazareth Hernández y Yaiza Hernández

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Elena Martí, Caminos Secretos

Susana Valcarcel — Fri, 13 Mar 2026 08:58:23 +0000

https://desvanblancoec.blogspot.com/2026/02/caminos-secretos-elena-marti-zaro-del-7.html

¿Qué habría sido de tantos artistas si alguien hubiera reconocido, desde el primer latido, la promesa de su talento y hubiera apostado por él sin reservas? ¿Cuántas obras y mundos habrían florecido a tiempo si una sola mirada hubiera sabido intuirlo cuando todo era apenas un comienzo?

En la trayectoria de nuestra artista, ese apoyo llegó temprano y cambió el rumbo de su vida. Su relación con el arte se forja desde la infancia y se revela como una vocación inevitable. Desde niña destacó por sus cualidades para el dibujo, un talento que sus profesores reconocieron muy pronto y no dudaron en estimular. El elogio inicial que recibió en la escuela se vio reforzado por el apoyo de sus padres, quienes, en un gesto poco habitual para la época, impulsaron decididamente su formación artística y la encaminaron hacia los estudios de Bellas Artes.

Ese apoyo germinante se transformó con el tiempo en una actitud casi ética hacia su práctica artística. Para Elena Martí Zaro, el arte no es únicamente una profesión, sino una forma de fe. Concibe su trabajo como un deber moral, una fidelidad que requiere constancia y disciplina, y cuya omisión le genera frustración. En su visión, el arte constituye lo que diferencia al ser humano del animal: la capacidad de percibir la belleza incluso en lo cotidiano, de encontrar en lo más simple una dimensión que trasciende lo visible y toca lo esencial. “Creo en el arte, y además, pienso que es lo único que nos salva” sentencia Elena.

Un dibujo como territorio interior

En la exposición Caminos Secretos, la artista madrileña, reconocida internacionalmente, presenta una selección de obras sobre papel desarrolladas desde 2020. Realizadas en carboncillo y grafito, estas piezas construyen un universo visual austero y complejo al mismo tiempo, donde la economía de medios convive con una intensa densidad simbólica.

Las composiciones se articulan mediante arquitecturas esquemáticas, juegos geométricos y perspectivas que dialogan con una iluminación muy medida: contraluces, blancos radicales y negros profundos que generan espacios vibrantes. En estos dibujos, la línea, protagonista absoluta, no es solo un recurso formal, sino una metáfora del tránsito: caminos, trayectorias, decisiones, bifurcaciones. Cada obra se presenta como fragmento de un mapa mayor: caminos que no avanzan de forma lineal, sino que se entrecruzan a semejanza de pensamientos o sueños.

Símbolos, laberintos y umbrales

Los dibujos de Martí proponen una lectura del espacio como territorio mental. Nos evocan laberintos, puertas entreabiertas, senderos que se pierden en la sombra o estructuras arquitectónicas fragmentadas. Las líneas del dibujo se convierten así en huellas de tránsito, rastros de historias que son apenas sugeridas. Son imágenes que remiten a procesos internos: emociones ocultas, recuerdos latentes, narraciones invisibles. En este sentido, los “caminos” del título no deben entenderse únicamente como rutas físicas, más bien, decisiones vitales, trayectorias personales que rara vez se muestran con claridad.

La artista trabaja con una tensión constante entre lo visible y lo oculto. Los espacios en blanco, lejos de ser vacíos, actúan como pausas de respiración visual y como zonas de silencio. Las sombras, por su parte, funcionan como umbrales: lugares donde la mirada se detiene y comienza la interpretación.

La presencia humana sin figura

Uno de los rasgos más distintivos de su obra es la ausencia de la figura humana. Pese a que el cuerpo no aparece, su presencia se hace sentir de manera constante en la arquitectura y los espacios construidos que cruzan escaleras. Son estructuras creadas por el ser humano, pero ahora convertidas en símbolos. Como motivo recurrente, la escalera despliega múltiples significados: subir y bajar, entrar y salir, evocando movimiento, tránsito y transformación. Para EMZ, estos elementos arquitectónicos no son simples objetos representados, sino que actúan como metáforas del viaje interior, transformándose en espacios que sugieren una dimensión metafísica. “Cuando ves mi obra tienes que ir más allá de lo que se ve”, aclara Elena. En esta afirmación se condensa una de las claves de su trabajo: la pintura entendida como una puerta hacia lo sutil.

Una trayectoria centrada en el espacio

Nacida en Madrid en 1961, se licenció en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid en 1986. Desde finales de los años noventa ha desarrollado una trayectoria expositiva constante en galerías e instituciones españolas y europeas, articulando un discurso centrado en la memoria, la arquitectura y la construcción simbólica del espacio.

Un momento decisivo en su formación fue la beca concedida por el Ministerio de Asuntos Exteriores que le permitió residir entre 1991 y 1992 en la Academia Española de Historia, Arqueología y Bellas Artes en Roma. Esta etapa contribuyó a consolidar su lenguaje artístico y su interés por la dimensión histórica y simbólica de la arquitectura.

A lo largo de su trayectoria, Martí ha presentado proyectos que profundizan en distintas dimensiones de la representación: desde Paisajes y Arquitecturas (1997) hasta exposiciones como Elegías (2004), Desnudos (2010), Incógnita (2015) o La Sombra de Babel (2017), donde la fragmentación del relato visual y la tensión entre lo visible y lo oculto se convierten en temas centrales.

Más recientemente, proyectos como Espejismos (2022), Cuentos Cortos (2023) o Proyecto 0 (2024) muestran una progresiva síntesis formal y conceptual que culmina en Caminos Secretos, presentada en el espacio cultural Desván Blanco.

Esta muestra invita al espectador a una experiencia activa. No se trata únicamente de observar, sino de descubrir: de recorrer con la mirada los trayectos que la obra apenas insinúa y de completar sus silencios. En estos dibujos, cada línea parece señalar un desplazamiento posible y cada sombra abre la puerta a un relato latente. Lo invisible —sugiere Elena Martí— no está ausente; simplemente requiere una mirada atenta. Quizá por ello, quien se acerca a contemplarlas termina aceptando una invitación más profunda: la de detenerse, mirar con calma y descubrir que, a veces, los caminos más reveladores son precisamente aquellos que permanecen ocultos.

Aquí puedes ver a la pintora Elena Martí Zaro hablar de su exposición Caminos Secretos:

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Valkarze, Piroklástika

Susana Valcarcel — Thu, 19 Feb 2026 11:36:03 +0000

https://villademazo.com/el-museo-casa-roja-acoge-la-exposicion-piroklastika-de-la-artista-valkarze/

Tras un período de investigación posterior a su primera muestra expositiva en Canarias, Telúrika, la artista plástica Valkarze regresa con un nuevo proyecto en solitario: Piroklástika, que se puede disfrutar en el Museo Casa Roja (Villa de Mazo, La Palma).

En el corazón volcánico del Atlántico, donde la tierra se alza, tiembla y se transforma, el arte de Valkarze encuentra su resonancia más profunda. Así nace Piroklástika: un encuentro entre geología y gesto pictórico; entre lo que la tierra expresa y lo que el ser humano imagina.

El título alude a los términos volcánicos que definen el habitar en estas tierras jóvenes y emergentes. Como los fragmentos piroclásticos expulsados en las erupciones que dieron forma al archipiélago, la artista española expande su universo artístico con un lenguaje propio, cargado de fuerza y sensibilidad.

La muestra comprende más de sesenta obras inéditas en distintos formatos, algunas de ellas pertenecientes a su anterior proyecto Telúrika (2023), invitando a redescubrirlas en un diálogo renovado. De esta manera, se completa un díptico conceptual entre ambas exposiciones.

En estos cinco años de residencia en Tenerife, con los ecos aún presentes de la erupción de Cumbre Vieja y el incendio de la Corona Forestal, Valkarze ha recorrido nuevos territorios que han dejado huella en su experiencia vital y espiritual. Su participación en el colectivo Albazul también ha marcado esta etapa de intercambio y vanguardia creativa.

“Creo una pintura que se construye a partir del gesto, del ritmo, de la materia. Una pintura que no busca representar la naturaleza, sino actuar con ella.
Que se deja llevar por lo espontáneo, por lo instintivo, como si el acto de pintar fuera también un proceso volcánico. En esta muestra encontrarán diferentes lenguajes plásticos que conviven: desde obras muy gestuales hasta piezas más contenidas” explica la artista sobre su proceso creativo.

El gesto pictórico de Valkarze, afinado con la tierra y sus pulsaciones, funde lo ancestral con lo imaginado en un proceso espontáneo, casi ceremonial. Piroklástika también alude a la diversidad de lenguajes plásticos que conforman la propuesta: manifestaciones que invitan a ser contempladas con calma, para permitir que emerja el onirismo que atraviesa cada obra.

Su pintura se despliega como fuerza en transformación: formas dinámicas que se fragmentan, se expanden y fluyen. La serie negra, singular dentro de su trayectoria, ejemplifica de manera contundente esta propuesta, en sintonía con la energía telúrica de la Macaronesia. En última instancia, Piroklástika se presenta como un homenaje poético y visual a esa metamorfosis constante que define tanto a la naturaleza como al arte.

La exposición invita al espectador a detenerse, a mirar con atención y a dejarse atravesar por la intensidad estética de cada pieza. Es un llamado a reconectar con la imaginación: esa fuerza esencial que devuelve al arte su dimensión ritual, como comunión con lo inasible de la existencia.

En todo momento, la exposición estará acompañada por la música del compositor lanzaroteño Samuel Aguilar, cuya creación sonora intensificará la vivencia sensorial del público, generando un diálogo íntimo entra la plástica y la música, dos pasiones esenciales en la trayectoria de Valkarze.

“Decidí unir imagen y sonido, con el trabajo de este compositor lanzaroteño, para que el público pueda sentir de otra manera, la energía de esta tierra mientras recorre la sala, como si cada cuadro guardara el rumor del mar, el latido de la montaña y el rugir de la lava que se desliza a sus anchas” revela la artista.

Este proyecto expositivo se presenta como un ejercicio de imaginación en estado puro, donde la abstracción y el surrealismo dialogan con un territorio marcado por el fuego, el mar y la transformación constante. Inspirada en el archipiélago canario, la muestra no reproduce el paisaje: lo reinterpreta, lo fragmenta y lo reinventa desde una mirada libre y contemporánea. La invitación está hecha: entrar, mirar y dejar que la erupción creativa haga el resto.

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Francisco Olivas, Esferas en Abstracto

Susana Valcarcel — Fri, 07 Nov 2025 12:40:54 +0000

https://www.circulodeamistad.es/blog/noticias-sociedad-1/post/exposicion-esferas-en-abstracto-1613

Especialista en Moda y Confección, el protagonista de este artículo ha convertido el dibujo en mucho más que una destreza técnica: es su forma de habitar, comprender e interpretar la realidad. En cada trazo construye un universo propio, poblado de abstracciones que dialogan con su mundo interior y revelan una profunda búsqueda estética.

Natural de Albacete y residente en Tenerife, Francisco Olivas desarrolla una obra en la que la luz, el color y las formas sutiles se entrelazan en un equilibrio preciso. Sus composiciones establecen un puente entre la emoción y la forma, entre la realidad visible y aquella solo perceptible a través de la sensibilidad propia del arte.

Esferas en Abstracto

En su más reciente proyecto expositivo, Francisco Olivas presenta una colección de 60 obras en las que explora un lenguaje sugerente y simbólico. A través de ellas, va narrando plásticamente la belleza de la mancha y la esfera, elementos esenciales que vuelven a ser protagonistas en su trayectoria.

“La mancha supone un soporte artístico que me permite pasar del vacío del papel a la construcción elaborada de la forma. Me guía en el proceso creativo, permitiéndome avanzar de manera pausada y reflexiva. El movimiento de mis manos con el pincel organiza mi pensamiento y le da forma en el papel, tejiendo ideas con las tonalidades del color. Determino los elementos pictóricos mediante la monocromía o la policromía, generando una simbiosis entre el papel, la mancha y mi proceso creativo”, explica Olivas.

En esta exposición, la esfera se plantea como la representación del ser humano y actúa como eje aglutinador de la obra. Aporta sentido a las emociones, pensamientos y experiencias del creador. La mancha, por su parte, llena el vacío del espacio y se funde con la forma esférica que domina cada composición. De esta manera, la interacción entre la mancha y la esfera otorga a cada obra un carácter propio, invitando a cada espectador a encontrar su propia interpretación visual.

Técnica artística empleada

Fiel a su estilo, Francisco Olivas recurre una vez más a la acuarela como técnica principal, combinándola con grafito y bolígrafo de colores para remarcar la mancha sobre el papel. Este proceso le permite crear composiciones llenas de matices, donde la sutileza de la acuarela dialoga con la precisión del trazo.

En cada cuadro, el artista deja entrever una profunda inspiración que se traduce en pigmentos de una amplia gama cromática, en la que los tonos fríos y cálidos se combinan con armonía. El resultado son piezas luminosas, alegres y equilibradas, donde la geometría y el color se funden para generar un impacto visual inmediato.

Transforma lo simple en una experiencia visual intensa: un universo donde la transparencia de la acuarela se convierte en vehículo de emoción, y donde cada mancha adquiere vida propia a través de la luz y el movimiento del color.

Solidaridad y empatía

Más allá de su trayectoria artística consolidada, Francisco se distingue por su compromiso humano y su profunda fraternidad hacia los demás. Su arte no se limita a la exploración estética, sino que se convierte en un medio para acompañar, inspirar y generar esperanza. Un ejemplo de ello fue su proyecto Imágenes y colores para la Esperanza, dedicado en exclusiva al colectivo ÁMATE, asociación que agrupa a mujeres afectadas por cáncer de mama. En esa exposición, el artista volcó su talento y generosidad con el propósito de transmitir un mensaje de optimismo y fortaleza, donde la esfera —símbolo recurrente en su obra— se transformó en un seno femenino, emblema de vida, sensibilidad y superación.

Esa misma vocación creativa y solidaria se refleja también en otros trabajos, como la escultura presentada en el Centro de Enseñanza Las Indias, donde Olivas trasladó su imaginario pictórico al espacio tridimensional. Allí, las esferas colgantes, confeccionadas en hilo de acero galvanizado, evocaban una figura femenina envuelta en elegancia y movimiento, una metáfora visual de la alegría y la energía vital que atraviesan toda su producción artística.

“La solidaridad y empatía que siente el pintor Olivas hacia los demás se pusieron de manifiesto con su derroche de generosidad al dedicar, en exclusiva, Imágenes y colores para la Esperanza al colectivo ÁMATE, una asociación integrada, como es sabido, por personas que padecen cáncer de mama. Con sus imágenes y sus diferentes tonalidades, Olivas quiso transmitir un halo de optimismo a las canarias para la superación y definitiva curación de esta enfermedad”, expresó Ana María Díaz Pérez, vicepresidenta del Círculo de Amistad XII de Enero, durante el discurso inaugural de la exposición.

Su fascinación por el movimiento de las emociones le conduce a crear obras intimistas, delicadas, capaces de dejar una huella profunda en quien las contempla. El artista invita a cada espectador a vivir una experiencia única: detenerse frente a un cuadro, respirar lentamente, recorrer con la mirada cada detalle y, sobre todo, silenciarse para permitir que la pintura nos hable, atraviese y transforme.

Visitar esta exposición no es solo contemplar color y forma: es dejarse tocar por el personal e inconfundible arte de Francisco Olivas.

Francisco Olivas nos habla de su exposición “Esferas en Abstracto” en este vídeo:

Mós sobre Francisco Olivas

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Conrado Díaz Ruiz, Abriendo Gavetas

Susana Valcarcel — Fri, 24 Oct 2025 12:27:30 +0000

https://www.circulodeamistad.es/blog/noticias-sociedad-1/post/exposicion-abriendo-gavetas-1597

El artista tinerfeño de este artículo tiene alma de maestro. Sociable y generoso por naturaleza, irradia una profunda vocación docente que se refleja, no solo en su forma de enseñar sino también, en su pintura de inconfundible sello personal. Conrado Díaz Ruiz, con una trayectoria plenamente consolidada y reconocido con numerosos premios nacionales e internacionales, mantiene intacta la curiosidad y la pasión que siempre han guiado su camino. Fiel a su espíritu de aprendizaje constante, no duda en seguir formándose junto a su admirado maestro Antonio López, de quien continúa aprendiendo con el mismo entusiasmo, respeto y humildad que lo han acompañado a lo largo de toda su carrera.

Morada Inspiradora

En el hogar de Conrado, el arte siempre ocupó un lugar privilegiado. Su padre, un hombre polifacético y amante del dibujo, le transmitió desde pequeño la pasión por la creación. Siempre había herramientas para dibujuar al alcance del niño, que las utilizaba para dar vida a sus primeras obras. Hoy conserva con cariño los álbumes donde guarda aquellos dibujos y acuarelas que pintaba al aire libre con tan solo diez años. Por entonces, copiaba cuadros que decoraban su casa o llenaba de bocetos cualquier superficie disponible: libros, cuadernos, incluso su pupitre.

El primer impacto visual que lo marcó profundamente llegó a través de dos cuadros colgados en las paredes del hogar familiar. “En 1977 mi padre trajo dos obras de Víctor Esquerro, El parto idealizado y La mujer objeto, de un surrealismo onírico y potente. Aquellas pinturas fueron decisivas para mí. Vivíamos en una casa pequeña del barrio del Toscal, en Santa Cruz de Tenerife, y esos dos cuadros grandes lo llenaban todo, en el mejor sentido de la palabra. A partir de entonces, sentí que se abría ante mí un mundo nuevo. Todo lo que hacía en esa época estaba impregnado de Surrealismo”, recuerda Conrado.

Los padres del artista supieron ver el talento que su hijo atesoraba y, siguiendo el consejo de su profesora, la señorita Malocha, no dudaron en apoyarlo para que estudiara Bellas Artes. Un acierto rotundo, pues desde entonces Conrado no ha dejado de explorar, crear y enseñar, manteniendo siempre viva esa mirada curiosa y soñadora que lo acompaña desde la infancia.

Promoción 1984-1989

Comienza la licenciatura de Bellas Artes en San Cristobal de La Laguna en 1984. Durante el primer curso se reencuentra con su antigua profesora del colegio Malocha, quien ahora será su docente de pintura. Ella le brinda una gran libertad creativa en clase, algo que marcará un antes y un después en su desarrollo artístico, ayudándole a ganar confianza en sí mismo. Un ejemplo significativo de esa etapa es el cuadro del Bodegón, expuesto hoy en una de las salas, que pertenece a uno de los ejercicios propuestos por la profesora: aprender a observar y analizar las variaciones del color dentro de una obra.

En aquel entonces, la estructura de Bellas Artes combinaba de manera equilibrada las asignaturas comunes con las de especialidad, algo muy diferente al plan actual de cuatro años con materias cuatrimestrales. “Cuando yo estudiaba la licenciatura, cursábamos tres años de asignaturas comunes —dibujo, pintura, escultura, anatomía y dibujo técnico— y dos años de especialidad (diseño, escultura o pintura). Aquella época fue, sin duda, una de las mejores en cuanto a formación. Esa base común hacía que los grupos estuvieran muy cohesionados; durante los tres primeros años todos trabajábamos al mismo ritmo, y eso fortalecía la unión. Después, aunque cada uno eligiera su especialidad, no había distinciones: todos éramos amigos, desde las primeras promociones hasta las últimas. Recuerdo especialmente cuando Francis, el actual dueño de la Sala Bronzo, que por entonces cursaba un año superior, tuvo la brillante idea de organizar acampadas al aire libre junto a los alumnos de primero. Nunca olvidaré ese espíritu integrador y tan enriquecedor que vivimos durante aquellos cinco años de Bellas Artes; fueron, sin duda, los más bonitos de vida y formación artística.” señala con nostalgia.

Tras aquella experiencia tan enriquecedora, continúa manteniendo una estrecha relación con muchos de sus compañeros de facultad —como José María Cabrera, Elena Galarza o Emilia Martín Fierro—. Un reflejo de esa amistad perdurable es el grupo de WhatsApp que crearon bajo el nombre “El 84 nos unió”, donde siguen compartiendo recuerdos, proyectos y la misma complicidad que los unió hace décadas.

Modelando el camino

Su esposa, la artista F reya Jaén Medin a, natural de Las Palmas de Gran Canaria, coincidió con Conrado Díaz en la Facultad de Bellas Artes cuando cursaba tercero. Durante el cuarto año iniciaron su relación, y en quinto se convirtieron en padres por primera vez. Poco después, descubrirían que su hijo presentaba una discapacidad severa.

A pesar de la juventud y de los desafíos que la vida les presentaba, ambos supieron encontrar en el arte un refugio y una forma de equilibrio. Entre lienzos, pinceles y largas jornadas de estudio, criaron con amor y dedicación a su hijo, demostrando que la sensibilidad artística también puede ser fortaleza y entrega.

Finalizadas sus licenciaturas, la familia continuó creciendo con el nacimiento de sus dos hijas, quienes, siguiendo el ejemplo de sus padres, también abrazaron el camino del arte.

Abriendo gavetas

El título del proyecto expositivo surge de una expresión portuguesa muy arraigada en el archipiélago canario: abrir gavetas, es decir, abrir cajones. Una acción perfecta para lo que este proyecto representa: un acto de mirar hacia dentro, de rescatar lo que el tiempo ha guardado en silencio. En ellas, a lo largo de los años, Conrado ha ido acumulando un sinfín de dibujos que permanecían prácticamente inéditos. Al revisarlas, descubrió un universo de dibujos realizados en el tiempo, testigos de una vida dedicada a la observación y al arte. Fruto de llevar siempre consigo, un bolígrafo y una libreta de dibujo.

La exposición se inauguró en un momento muy simbólico: el 16 de octubre, día en que el artista cumplió sesenta años. Esa fecha se convierte en un punto de inflexión, una manera de cerrar un ciclo y volver al origen. No es casual que la muestra se celebre precisamente en el Círculo de Amistad XII de Enero, el mismo espacio donde, en 1988, presentó su primera exposición individual —una colección de paisajes en acuarela con ciertas incursiones en lo surreal—.

La propuesta ocupa dos salas. En la sala pequeña, el visitante se adentra en el universo más íntimo del artista: decenas de dibujos realizados desde los años ochenta hasta hoy. Son apuntes de pequeño formato, los típicos de 20 x 10 cm —lo que hoy se conoce como sketches—, donde se registran ideas, intuiciones o pensamientos fugaces. Obras inconexas entre sí que, sin embargo, revelan la continuidad de una mirada. Todos estos dibujos dormían ocultos en una gaveta, y hoy, por primera vez, se abren al público.

La temática de la exposición se mueve, en su mayoría —alrededor de un noventa por ciento—, entre el realismo mágico y el surrealismo, aunque el artista reconoce que estos términos, en cierto modo, resultan ya anacrónicos. Sin embargo, en su obra siguen siendo lenguajes vivos y fecundos, capaces de expresar ese mundo subjetivo y onírico que habita en la frontera entre lo real y lo imaginado.

Las piezas de la segunda sala, realizadas en distintos formatos y técnicas —casi siempre sobre superficies de DM—, conforman una selección muy personal. En ella confluyen las obras creadas durante el último año junto a otras que habían viajado a exposiciones colectivas y permanecían dispersas. Reunirlas ahora en un mismo espacio es, para el artista, algo más que una simple muestra: es un reencuentro afectivo, una forma de reunir a sus obras como si se tratara de una familia que vuelve a encontrarse después de un largo tiempo.

Técnicas: de dentro hacia fuera

Cuando le preguntan por qué comparte con tanta generosidad sus técnicas de trabajo e investigación, Conrado responde con una metáfora culinaria: “Hago como los chefs de hoy en día, que no dudan en compartir sus recetas. Antiguamente los trucos se guardaban como secretos, pero para mí eso no tiene sentido. Lo importante no es la técnica en sí, sino lo que cada uno es capaz de hacer con ella.”

Su método creativo se basa en la libertad y la intuición. Nunca realiza bocetos previos para sus obras pictóricas —trabajos en pintura plástica, acrílico o esmalte acrílico—. Prefiere partir de la abstracción, dejando que los colores y las formas iniciales le conduzcan, poco a poco, hacia la figuración. A veces existe una temática preestablecida, pero muchas otras la composición surge de manera improvisada, en pleno proceso de ejecución. En cambio, sí recurre al boceto cuando se trata de escenografías, murales o acuarelas, disciplinas que exigen una planificación más estructurada.

En la primera sala, los dibujos están realizados con grafito, bolígrafo y lápiz, revelando la inmediatez del gesto y la precisión del trazo. En la sala principal, aparecen obras en acrílico sobre DM, acuarelas tradicionales y otras sobre madera blanca, donde explora distintas calidades de la superficie.

Dentro de su constante búsqueda técnica, Conrado ha desarrollado una línea de trabajo muy personal en el ámbito del dibujo: “He investigado con conciencia las técnicas al carboncillo y al lápiz compuesto sobre madera pintada con imprimación acrílica blanca. Este soporte ofrece unas características muy especiales: requiere un tratamiento cuidadoso para poder sellarlo y, al mismo tiempo, permite obtener una enorme sutileza a través de veladuras. El resultado es un dibujo que puede fijarse, barnizarse y sellarse, manteniendo su profundidad y su textura.” revela con entusiasmo.

A sus alumnos les transmite una enseñanza que resume su manera de mirar: “Cada vez que se acerquen a un cuadro, observen de dentro hacia fuera. No se queden solo con lo que se ve. Intenten descubrir los pasos que el pintor fue dando hasta llegar a la obra final.”

Cerrando círculo

En el recorrido vital y artístico de Conrado, el período comprendido entre 1984 y 1989 resulta decisivo. En 1987, animado por los artistas Ramiro Carrillo y Emilia Martín Fierro, se presentó al Concurso de Pintura de Acuarelistas Noveles organizado por el Círculo de Amistad XII de Enero. Su talento fue reconocido con el primer premio, que incluía una dotación económica y, sobre todo, la oportunidad de realizar una exposición individual al año siguiente, en 1988.

Aquella muestra marcó el inicio de su trayectoria profesional, y es precisamente por eso que, al cumplir sesenta años el 16 de octubre, decidió inaugurar Abriendo Gavetas en el mismo espacio. Era su manera simbólica de cerrar un ciclo vital y artístico, regresando al lugar donde todo comenzó.

A partir de entonces, y mientras sustentaba a su joven familia, Conrado encontró en el arte su medio de vida. Las exposiciones y la pintura constante se convirtieron en su principal sustento. Se adentró en el ámbito de la decoración artística y la escenografía, colaborando con el Centro de la Cultura Popular Canaria en la realización de murales como el dedicado a Los Sabandeños.

En 1995 inició una nueva etapa como profesor de pintura en la Escuela de Arte, compaginando la docencia con su producción artística. Entre 1998 y 2000 impartió clases también en Lanzarote y La Palma, trasladando su pasión por el arte a nuevas generaciones.

Su primer relevo docente fue a Concha María, quien más tarde se convertiría en directora de la Escuela de Arte y esposa del pintor Víctor Esquerro, autor de los dos cuadros que habían inspirado profundamente a Conrado desde su infancia. El destino, en una de esas casualidades poéticas que parecen cerrar círculos, hizo que con el tiempo se hiciera muy amigo del hijo de aquel pintor, también llamado Víctor Esquerro. Además, el crítico de arte, Joaquín Castro fue el primero en escribir un texto profesional sobre su obra con motivo de la exposición de 1988. Hoy, décadas después, Castro dirige la Sala de Arte del Círculo de Amistad XII de Enero, reforzando ese hilo invisible que une pasado y presente.

Otro lazo significativo es el que lo une a José María Cabrera, sobrino del artista Juan Galarza, quien presentó su primera muestra individual en 1988. Cabrera, pintor en el Taller Litográfico Romero, le propuso en 2025 organizar una exposición póstuma dedicada a su tío, con obras inéditas realizadas entre 1971 y 1975. Aquella colección, de estilo impresionista alemán, había permanecido oculta por deseo del propio artista. Esa idea de “obra oculta”, de algo guardado que finalmente se revela, resonó profundamente en Conrado y se convirtió en una inspiración directa para Abriendo Gavetas. Todo parecía encajar: causalidad más que casualidad, el círculo iniciado en 1988 encontraba su cierre en 2025.

En su formación y evolución pictórica también resultaron decisivas las influencias de Miguel Arocha, maestro de sólida técnica, y del arquitecto y acuarelista Facundo Fierro, gran exponente del surrealismo insular. Siguiendo su estela, en 1994 Conrado presentó una exposición individual de acuarelas surrealistas con motivo del V Centenario de la Fundación de Santa Cruz de Tenerife. En esa serie, inspirada en los homenajes de Fierro a la cultura canaria, la figura humana —especialmente la femenina— se convirtió en hilo conductor, dando lugar a una temática propia que acabaría por distanciarlo de sus referentes y consolidar su sello personal.

Hoy, Abriendo Gavetas no es solo una muestra: es el eco de un viaje de más de tres décadas, un retorno al origen donde cada etapa, cada maestro y cada obra dispersa convergen en una misma sala, cerrando un círculo que comenzó en 1988 y encuentra su plenitud en 2025.

Conrado Díaz Ruiz nos habla, en este vídeo, de su exposición Abriendo Gavetas y mucho más…

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