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María Jesús Pérez Vilar, Naturaleza Habitada

Susana Valcarcel — Wed, 25 Mar 2026 00:29:16 +0000

Dónde se exhibe: https://www.arteinformado.com/agenda/f/naturaleza-habitada-242955

En el siempre dinámico y fértil panorama cultural de Santa Cruz de Tenerife, sobresale con renovada intensidad una propuesta expositiva que establece una sintonía profunda con aquello que nos conforma. La reconocida pintora canaria María Jesús Pérez Vilar despliega en Naturaleza Habitada un universo plástico de gran sutileza, donde la memoria sensorial y la experiencia íntima se entrelazan mediante una sensibilidad poética de honda resonancia.

Desde el primer acercamiento, se revela una voluntad clara: trascender la representación convencional del paisaje para adentrarse en una dimensión simbólica, casi espiritual, en la que la naturaleza deja de ser un simple escenario y se convierte en una vivencia sentida e interiorizada. No se trata, por tanto, de contemplar, sino de habitar; de recorrer desde la subjetividad, territorios visibles e invisibles en constante diálogo.

María Jesús se inspira de forma evocadora en el célebre poema “Correspondencias” de Charles Baudelaire, incluido en Las flores del mal. Esta influencia no se manifiesta como una simple referencia erudita, sino como un auténtico fundamento conceptual que impregna la mayor parte de la obra.

En los versos de Baudelaire, la naturaleza es concebida como un templo vivo, atravesado por símbolos y ecos imperceptibles; dando lugar a una comunión en la que los sentidos se entrelazan y “los perfumes, los colores y los sonidos se responden”. Precisamente en esa idea —la de una realidad tejida por correspondencias sensibles y metafísicas— encuentra la prolífica artista un territorio fértil desde el que construir su lenguaje visual. Su pintura parece, así, traducir plásticamente esa sinestesia simbólica: los colores sugieren aromas, el ritmo de las formas evocan sonidos, las atmósferas despiertan recuerdos ocultos; aportando una clave fundamental al afirmar que la naturaleza no se agota en la línea del horizonte, sino que posee una dimensión interior habitada por la memoria, el olor o el tacto.

Pero en esta experiencia estética emerge también una dimensión más sutil, casi imperceptible, que introduce una atmósfera sugerente. En el catálogo de la muestra, la historiadora y escritora Felicidad Batista plantea un juego de miradas según el cual el espectador es también observado: hay «ojos atentos detrás de una ventana, entre la espesura de un bosque o bajo el agua» Esta visión proyecta un halo de misterio que transforma la relación con las obras. Ya no estamos únicamente ante paisajes interiorizados, sino ante presencias latentes que parecen habitar el lienzo y devolver la mirada, como si la naturaleza misma guardara conciencia.

Esta concepción poética articula un discurso en el que materia y espíritu, cuerpo e imagen interior, se funden en una unidad compleja y vibrante; entramado visual en cuyo seno el color adquiere un protagonismo decisivo. Intenso, envolvente, a veces casi táctil, se combina con una luz sutil que genera atmósferas de notable profundidad emocional. Su vocación perseverante, desplegada en múltiples formatos y soportes, evidencia un proceso creativo constante y de naturaleza orgánica, cimentado en la experimentación y la búsqueda. El recorrido se organiza en tres ámbitos interrelacionados. El primero, centrado en el agua, recoge un motivo recurrente en su trayectoria: fuentes, mares, arroyos o lágrimas que riegan como metáforas fluidas de la memoria y la emoción. Su carácter cambiante y reflectante convierte este elemento en un lugar de tránsito capaz de diluir lo exterior y lo interior.

A continuación, el bosque se presenta no solo como imagen, sino como experiencia vital. Atravesarlo implica enfrentarse a una dimensión introspectiva, densa y, al mismo tiempo, reveladora. Desde una concepción más libre del espacio, casi aérea, este ámbito permite a la artista explorar el color con una libertad lúdica, generando composiciones abiertas y dinámicas.

Finalmente, la sección dedicada al beso introduce una dimensión sensorial particularmente intensa. Más allá de su carga sensual, este gesto se convierte en un modo de contacto con el entorno que incita a tocar el paisaje hasta fundirse con él. La pintura alcanza en este plano una vibración emocional que interpela directamente al espectador, invitándolo a participar de ese latido compartido.

A lo largo de su trayectoria, María Jesús Pérez Vilar ha consolidado un lenguaje plástico coherente, íntimo y simbólico —que amalgama introspección, memoria e investigación formal, orientada ahora a profundizar con madurez, en una línea de trabajo que conecta lo biográfico con lo universal. En esta selección, su mirada ofrece una amplia riqueza en matices, dando como resultado un conjunto de piezas que evocan la primigenia Anaga, el cerúleo Atlántico y el susurro de los alisios; piezas que no solo se contemplan, sino que nos interpelan.

El alcalde de la capital tinerfeña, José Manuel Bermúdez, destaca que el municipio capitalino afianza progresivamente su posición como uno de los principales focos culturales del archipiélago, gracias a una programación expositiva comprometida con el talento y la sensibilidad artística. Bajo esta premisa, Naturaleza Habitada se presenta como una clara manifestación de esa línea de trabajo en el que la raíz literaria se convierte en el eje vertebrador de toda la entrega.

La muestra podrá visitarse hasta el 12 de abril en horario habitual del museo, con entrada gratuita. Asimismo, se ha programado una visita guiada por la propia artista, el 28 de marzo a las 12:00 horas, una ocasión idónea para adentrarse en su imaginario y dialogar directamente con ella.

María Jesús Pérez Vilar nos habla de su exposición, Naturaleza Habitada, en este vídeo:

Más sobre María Jesús Pérez Vilar

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Julia Chillón, Nazareth Hernández, Yaiza Hernández y sus Territorios Interiores

Susana Valcarcel — Fri, 20 Mar 2026 13:20:32 +0000

Dónde se exhibe: https://www.liceodetaoro.es/novedades/557-exposicion-de-pintura-territorios-interiores.html

¿Y si todo lo que buscamos, fuera parte de nosotros? En un mundo cada vez más obsesionado con la velocidad, la idea de destino y la constante proyección hacia lo exterior, Territorios Interiores pretende, sin embargo, una deriva distinta: una travesía pausada que se orienta hacia dentro. En este recorrido no existen mapas que guíen, ni coordenadas que sitúen, ni distancias que puedan medirse, porque el viaje sucede en un medio tan íntimo como inabarcable.

Solo paisajes invisibles que, sin embargo, todos habitamos: el cuerpo como región, la memoria como geografía cambiante, la emoción como clima, el bagaje como relieve. Lugares íntimos que, durante siglos, permanecieron silenciados o fueron narrados desde miradas ajenas la mujer.

Este proyecto expositivo se sitúa en ese punto de inflexión donde lo invisible comienza a tomar forma y donde las voces, que históricamente fueron relegadas a lo anónimo, reclaman su lugar. Como escribió Virginia Woolf, “durante la mayor parte de la historia, Anónimo fue una mujer”. La mujer deja aquí de ser sombra e irrumpe como testigo, participando plenamente en la construcción de su historia y de su voz desde la pintura. Con este enfoque, la exposición reúne el talento de tres grandes mujeres artistas, cuyas creaciones afirman la fuerza expresiva de lo femenino, y exploran desde lenguajes propios distintas formas de habitar una identidad permeable a lo que se manifiesta, se transforma y se aquieta.

Cada pieza es un espacio para habitarse y reconocerse en lo que surge, cambia y permanece en calma. Porque quizá, al final, la extensión más desconocida —y más urgente de explorar— siempre ha estado dentro de nosotros. A partir de esta visión, la obra pictórica se entiende como un espacio de pensamiento y experiencia sensible. En palabras del filósofo y epistemólogo francés Gaston Bachelard,“el espacio habitado trasciende el espacio geométrico”: se forma no solo con líneas y proporciones, sino con vivencias, recuerdos y momentos de ensoñación que lo llenan de sentido.

Julia Chillón: nacida en Santa Cruz de Tenerife, ha sabido compaginar a lo largo de los años su labor como decoradora, artista y profesora de pintura. Su lenguaje pictórico plantea un equilibrio entre la espontaneidad y el control, moviéndose entre el realismo, el surrealismo y la abstracción.

En el arte descubrió, no solo su forma de vida, sino también una poderosa herramienta de aporte a la sociedad. Su creatividad y profunda sensibilidad le han llevado a colaborar, desde hace casi dos décadas, en numerosas campañas benéficas, dejando una huella ejemplar tanto en lo artístico como en lo humano.

En la obra de Julia, la pintura se convierte en un acto de dignidad y memoria. Sus emblemáticas Palenqueras sostienen una mirada alegre y triunfante a pesar de las condiciones adversas que tuvieron que afrontar. Mirarlas es celebrar su visibilidad recuperada, afirmando una existencia largamente silenciada.

Nazareth Hernández: originaria de Tenerife. Actualmente combina su práctica artística con la docencia y el diseño gráfico. Es reconocida por su lenguaje impresionista y por su innata capacidad de capturar el gesto y el instante fugaz de una acción humana. Su representación nace de una mirada profundamente vitalista. Frente a lo complejo del mundo actual, Nazareth abraza el entusiasmo como un acto de resistencia; convierte cada lienzo en un momento atemporal de finura estética, en un elogio luminoso a la alegría de vivir.

La serie Materia Viva de Nazareth nos invita a sentir el cuerpo como un espacio vivo y en constante transformación. En sus lienzos la naturaleza no rodea al ser humano: lo atraviesa. Flores, agua, gestos y color emergen como estados emocionales. Contemplarlos permite recordar que el cuerpo guarda memoria profunda, ritmo palpitante y mutación continua.

Yaiza Hernández: natural de San Cristóbal de La Laguna, crece entre arte y poesía, en un entorno familiar que marcó su lenguaje creativo. De perfil versátil, su trabajo transita con naturalidad entre la pintura, el diseño y la creación de espacios a través del interiorismo y la decoración. La producción artística de Yaiza se inscribe en una línea formalista renovada, donde precisión técnica y equilibrio compositivo no son meros recursos sino el cimiento de su propuesta estética. Esa búsqueda halla en el collage una herramienta clave en su proceso creativo.

En un tiempo marcado por la saturación de estímulos de la era digital, sus lienzos erigen umbrales de calma donde el tiempo se dilata; devienen espacios contemplativos. En el trabajo de Yaiza Hernández las figuras habitan escenarios neutros, acompañadas de palabras silentes que activan una lectura crítica de su colección Mujeres. Sus composiciones, contenidas y sugerentes, se transforman en refugios de serenidad en mitad de la vorágine. Un auténtico acto de resistencia serena al ritmo acelerado de lo cotidiano.

Cada una de estas artistas contemporáneas pinta con un lenguaje propio, pero desde una misma querencia: habitar la pintura como espacio de soberanía e identidad femenina, en escenarios donde la memoria se cristaliza y encuentra su lugar, revelando una verdad que late bajo lo visible. Aquí, el cuerpo trasciende la frontera para revelarse como un ámbito vivo. Una geografía moldeada por el recuerdo y la experiencia común, donde pintar se convierte en un acto de presencia y resistencia. Un modo de decir: estoy, somos, existimos desde nuestra propia voz, entendiendo lo femenino no como una idea, sino como una forma de estar en el mundo, recordando de esta forma a Simone de Beauvoir que planteaba que la identidad femenina no es un hecho biológico, sino una experiencia que se construye y se vive.

Enraizada en el contexto cultural del archipiélago canario, Territorios Interiores abre un espacio de encuentro, reconocimiento y resonancias donde la pintura no solo se contempla sino que nos mira de vuelta. Abandónate a esta inmersión, déjate llevar. En realidad, hay trayectos que no comienzan al partir, sino cuando elegimos mirar hacia dentro.

Más sobre Julia Chillón, Nazareth Hernández y Yaiza Hernández

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Elena Martí, Caminos Secretos

Susana Valcarcel — Fri, 13 Mar 2026 08:58:23 +0000

https://desvanblancoec.blogspot.com/2026/02/caminos-secretos-elena-marti-zaro-del-7.html

¿Qué habría sido de tantos artistas si alguien hubiera reconocido, desde el primer latido, la promesa de su talento y hubiera apostado por él sin reservas? ¿Cuántas obras y mundos habrían florecido a tiempo si una sola mirada hubiera sabido intuirlo cuando todo era apenas un comienzo?

En la trayectoria de nuestra artista, ese apoyo llegó temprano y cambió el rumbo de su vida. Su relación con el arte se forja desde la infancia y se revela como una vocación inevitable. Desde niña destacó por sus cualidades para el dibujo, un talento que sus profesores reconocieron muy pronto y no dudaron en estimular. El elogio inicial que recibió en la escuela se vio reforzado por el apoyo de sus padres, quienes, en un gesto poco habitual para la época, impulsaron decididamente su formación artística y la encaminaron hacia los estudios de Bellas Artes.

Ese apoyo germinante se transformó con el tiempo en una actitud casi ética hacia su práctica artística. Para Elena Martí Zaro, el arte no es únicamente una profesión, sino una forma de fe. Concibe su trabajo como un deber moral, una fidelidad que requiere constancia y disciplina, y cuya omisión le genera frustración. En su visión, el arte constituye lo que diferencia al ser humano del animal: la capacidad de percibir la belleza incluso en lo cotidiano, de encontrar en lo más simple una dimensión que trasciende lo visible y toca lo esencial. “Creo en el arte, y además, pienso que es lo único que nos salva” sentencia Elena.

Un dibujo como territorio interior

En la exposición Caminos Secretos, la artista madrileña, reconocida internacionalmente, presenta una selección de obras sobre papel desarrolladas desde 2020. Realizadas en carboncillo y grafito, estas piezas construyen un universo visual austero y complejo al mismo tiempo, donde la economía de medios convive con una intensa densidad simbólica.

Las composiciones se articulan mediante arquitecturas esquemáticas, juegos geométricos y perspectivas que dialogan con una iluminación muy medida: contraluces, blancos radicales y negros profundos que generan espacios vibrantes. En estos dibujos, la línea, protagonista absoluta, no es solo un recurso formal, sino una metáfora del tránsito: caminos, trayectorias, decisiones, bifurcaciones. Cada obra se presenta como fragmento de un mapa mayor: caminos que no avanzan de forma lineal, sino que se entrecruzan a semejanza de pensamientos o sueños.

Símbolos, laberintos y umbrales

Los dibujos de Martí proponen una lectura del espacio como territorio mental. Nos evocan laberintos, puertas entreabiertas, senderos que se pierden en la sombra o estructuras arquitectónicas fragmentadas. Las líneas del dibujo se convierten así en huellas de tránsito, rastros de historias que son apenas sugeridas. Son imágenes que remiten a procesos internos: emociones ocultas, recuerdos latentes, narraciones invisibles. En este sentido, los “caminos” del título no deben entenderse únicamente como rutas físicas, más bien, decisiones vitales, trayectorias personales que rara vez se muestran con claridad.

La artista trabaja con una tensión constante entre lo visible y lo oculto. Los espacios en blanco, lejos de ser vacíos, actúan como pausas de respiración visual y como zonas de silencio. Las sombras, por su parte, funcionan como umbrales: lugares donde la mirada se detiene y comienza la interpretación.

La presencia humana sin figura

Uno de los rasgos más distintivos de su obra es la ausencia de la figura humana. Pese a que el cuerpo no aparece, su presencia se hace sentir de manera constante en la arquitectura y los espacios construidos que cruzan escaleras. Son estructuras creadas por el ser humano, pero ahora convertidas en símbolos. Como motivo recurrente, la escalera despliega múltiples significados: subir y bajar, entrar y salir, evocando movimiento, tránsito y transformación. Para EMZ, estos elementos arquitectónicos no son simples objetos representados, sino que actúan como metáforas del viaje interior, transformándose en espacios que sugieren una dimensión metafísica. “Cuando ves mi obra tienes que ir más allá de lo que se ve”, aclara Elena. En esta afirmación se condensa una de las claves de su trabajo: la pintura entendida como una puerta hacia lo sutil.

Una trayectoria centrada en el espacio

Nacida en Madrid en 1961, se licenció en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid en 1986. Desde finales de los años noventa ha desarrollado una trayectoria expositiva constante en galerías e instituciones españolas y europeas, articulando un discurso centrado en la memoria, la arquitectura y la construcción simbólica del espacio.

Un momento decisivo en su formación fue la beca concedida por el Ministerio de Asuntos Exteriores que le permitió residir entre 1991 y 1992 en la Academia Española de Historia, Arqueología y Bellas Artes en Roma. Esta etapa contribuyó a consolidar su lenguaje artístico y su interés por la dimensión histórica y simbólica de la arquitectura.

A lo largo de su trayectoria, Martí ha presentado proyectos que profundizan en distintas dimensiones de la representación: desde Paisajes y Arquitecturas (1997) hasta exposiciones como Elegías (2004), Desnudos (2010), Incógnita (2015) o La Sombra de Babel (2017), donde la fragmentación del relato visual y la tensión entre lo visible y lo oculto se convierten en temas centrales.

Más recientemente, proyectos como Espejismos (2022), Cuentos Cortos (2023) o Proyecto 0 (2024) muestran una progresiva síntesis formal y conceptual que culmina en Caminos Secretos, presentada en el espacio cultural Desván Blanco.

Esta muestra invita al espectador a una experiencia activa. No se trata únicamente de observar, sino de descubrir: de recorrer con la mirada los trayectos que la obra apenas insinúa y de completar sus silencios. En estos dibujos, cada línea parece señalar un desplazamiento posible y cada sombra abre la puerta a un relato latente. Lo invisible —sugiere Elena Martí— no está ausente; simplemente requiere una mirada atenta. Quizá por ello, quien se acerca a contemplarlas termina aceptando una invitación más profunda: la de detenerse, mirar con calma y descubrir que, a veces, los caminos más reveladores son precisamente aquellos que permanecen ocultos.

Aquí puedes ver a la pintora Elena Martí Zaro hablar de su exposición Caminos Secretos:

Más sobre Elena Martí Zaro

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Valkarze, Piroklástika

Susana Valcarcel — Thu, 19 Feb 2026 11:36:03 +0000

https://villademazo.com/el-museo-casa-roja-acoge-la-exposicion-piroklastika-de-la-artista-valkarze/

Tras un período de investigación posterior a su primera muestra expositiva en Canarias, Telúrika, la artista plástica Valkarze regresa con un nuevo proyecto en solitario: Piroklástika, que se puede disfrutar en el Museo Casa Roja (Villa de Mazo, La Palma).

En el corazón volcánico del Atlántico, donde la tierra se alza, tiembla y se transforma, el arte de Valkarze encuentra su resonancia más profunda. Así nace Piroklástika: un encuentro entre geología y gesto pictórico; entre lo que la tierra expresa y lo que el ser humano imagina.

El título alude a los términos volcánicos que definen el habitar en estas tierras jóvenes y emergentes. Como los fragmentos piroclásticos expulsados en las erupciones que dieron forma al archipiélago, la artista española expande su universo artístico con un lenguaje propio, cargado de fuerza y sensibilidad.

La muestra comprende más de sesenta obras inéditas en distintos formatos, algunas de ellas pertenecientes a su anterior proyecto Telúrika (2023), invitando a redescubrirlas en un diálogo renovado. De esta manera, se completa un díptico conceptual entre ambas exposiciones.

En estos cinco años de residencia en Tenerife, con los ecos aún presentes de la erupción de Cumbre Vieja y el incendio de la Corona Forestal, Valkarze ha recorrido nuevos territorios que han dejado huella en su experiencia vital y espiritual. Su participación en el colectivo Albazul también ha marcado esta etapa de intercambio y vanguardia creativa.

“Creo una pintura que se construye a partir del gesto, del ritmo, de la materia. Una pintura que no busca representar la naturaleza, sino actuar con ella.
Que se deja llevar por lo espontáneo, por lo instintivo, como si el acto de pintar fuera también un proceso volcánico. En esta muestra encontrarán diferentes lenguajes plásticos que conviven: desde obras muy gestuales hasta piezas más contenidas” explica la artista sobre su proceso creativo.

El gesto pictórico de Valkarze, afinado con la tierra y sus pulsaciones, funde lo ancestral con lo imaginado en un proceso espontáneo, casi ceremonial. Piroklástika también alude a la diversidad de lenguajes plásticos que conforman la propuesta: manifestaciones que invitan a ser contempladas con calma, para permitir que emerja el onirismo que atraviesa cada obra.

Su pintura se despliega como fuerza en transformación: formas dinámicas que se fragmentan, se expanden y fluyen. La serie negra, singular dentro de su trayectoria, ejemplifica de manera contundente esta propuesta, en sintonía con la energía telúrica de la Macaronesia. En última instancia, Piroklástika se presenta como un homenaje poético y visual a esa metamorfosis constante que define tanto a la naturaleza como al arte.

La exposición invita al espectador a detenerse, a mirar con atención y a dejarse atravesar por la intensidad estética de cada pieza. Es un llamado a reconectar con la imaginación: esa fuerza esencial que devuelve al arte su dimensión ritual, como comunión con lo inasible de la existencia.

En todo momento, la exposición estará acompañada por la música del compositor lanzaroteño Samuel Aguilar, cuya creación sonora intensificará la vivencia sensorial del público, generando un diálogo íntimo entra la plástica y la música, dos pasiones esenciales en la trayectoria de Valkarze.

“Decidí unir imagen y sonido, con el trabajo de este compositor lanzaroteño, para que el público pueda sentir de otra manera, la energía de esta tierra mientras recorre la sala, como si cada cuadro guardara el rumor del mar, el latido de la montaña y el rugir de la lava que se desliza a sus anchas” revela la artista.

Este proyecto expositivo se presenta como un ejercicio de imaginación en estado puro, donde la abstracción y el surrealismo dialogan con un territorio marcado por el fuego, el mar y la transformación constante. Inspirada en el archipiélago canario, la muestra no reproduce el paisaje: lo reinterpreta, lo fragmenta y lo reinventa desde una mirada libre y contemporánea. La invitación está hecha: entrar, mirar y dejar que la erupción creativa haga el resto.

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Francisco Olivas, Esferas en Abstracto

Susana Valcarcel — Fri, 07 Nov 2025 12:40:54 +0000

https://www.circulodeamistad.es/blog/noticias-sociedad-1/post/exposicion-esferas-en-abstracto-1613

Especialista en Moda y Confección, el protagonista de este artículo ha convertido el dibujo en mucho más que una destreza técnica: es su forma de habitar, comprender e interpretar la realidad. En cada trazo construye un universo propio, poblado de abstracciones que dialogan con su mundo interior y revelan una profunda búsqueda estética.

Natural de Albacete y residente en Tenerife, Francisco Olivas desarrolla una obra en la que la luz, el color y las formas sutiles se entrelazan en un equilibrio preciso. Sus composiciones establecen un puente entre la emoción y la forma, entre la realidad visible y aquella solo perceptible a través de la sensibilidad propia del arte.

Esferas en Abstracto

En su más reciente proyecto expositivo, Francisco Olivas presenta una colección de 60 obras en las que explora un lenguaje sugerente y simbólico. A través de ellas, va narrando plásticamente la belleza de la mancha y la esfera, elementos esenciales que vuelven a ser protagonistas en su trayectoria.

“La mancha supone un soporte artístico que me permite pasar del vacío del papel a la construcción elaborada de la forma. Me guía en el proceso creativo, permitiéndome avanzar de manera pausada y reflexiva. El movimiento de mis manos con el pincel organiza mi pensamiento y le da forma en el papel, tejiendo ideas con las tonalidades del color. Determino los elementos pictóricos mediante la monocromía o la policromía, generando una simbiosis entre el papel, la mancha y mi proceso creativo”, explica Olivas.

En esta exposición, la esfera se plantea como la representación del ser humano y actúa como eje aglutinador de la obra. Aporta sentido a las emociones, pensamientos y experiencias del creador. La mancha, por su parte, llena el vacío del espacio y se funde con la forma esférica que domina cada composición. De esta manera, la interacción entre la mancha y la esfera otorga a cada obra un carácter propio, invitando a cada espectador a encontrar su propia interpretación visual.

Técnica artística empleada

Fiel a su estilo, Francisco Olivas recurre una vez más a la acuarela como técnica principal, combinándola con grafito y bolígrafo de colores para remarcar la mancha sobre el papel. Este proceso le permite crear composiciones llenas de matices, donde la sutileza de la acuarela dialoga con la precisión del trazo.

En cada cuadro, el artista deja entrever una profunda inspiración que se traduce en pigmentos de una amplia gama cromática, en la que los tonos fríos y cálidos se combinan con armonía. El resultado son piezas luminosas, alegres y equilibradas, donde la geometría y el color se funden para generar un impacto visual inmediato.

Transforma lo simple en una experiencia visual intensa: un universo donde la transparencia de la acuarela se convierte en vehículo de emoción, y donde cada mancha adquiere vida propia a través de la luz y el movimiento del color.

Solidaridad y empatía

Más allá de su trayectoria artística consolidada, Francisco se distingue por su compromiso humano y su profunda fraternidad hacia los demás. Su arte no se limita a la exploración estética, sino que se convierte en un medio para acompañar, inspirar y generar esperanza. Un ejemplo de ello fue su proyecto Imágenes y colores para la Esperanza, dedicado en exclusiva al colectivo ÁMATE, asociación que agrupa a mujeres afectadas por cáncer de mama. En esa exposición, el artista volcó su talento y generosidad con el propósito de transmitir un mensaje de optimismo y fortaleza, donde la esfera —símbolo recurrente en su obra— se transformó en un seno femenino, emblema de vida, sensibilidad y superación.

Esa misma vocación creativa y solidaria se refleja también en otros trabajos, como la escultura presentada en el Centro de Enseñanza Las Indias, donde Olivas trasladó su imaginario pictórico al espacio tridimensional. Allí, las esferas colgantes, confeccionadas en hilo de acero galvanizado, evocaban una figura femenina envuelta en elegancia y movimiento, una metáfora visual de la alegría y la energía vital que atraviesan toda su producción artística.

“La solidaridad y empatía que siente el pintor Olivas hacia los demás se pusieron de manifiesto con su derroche de generosidad al dedicar, en exclusiva, Imágenes y colores para la Esperanza al colectivo ÁMATE, una asociación integrada, como es sabido, por personas que padecen cáncer de mama. Con sus imágenes y sus diferentes tonalidades, Olivas quiso transmitir un halo de optimismo a las canarias para la superación y definitiva curación de esta enfermedad”, expresó Ana María Díaz Pérez, vicepresidenta del Círculo de Amistad XII de Enero, durante el discurso inaugural de la exposición.

Su fascinación por el movimiento de las emociones le conduce a crear obras intimistas, delicadas, capaces de dejar una huella profunda en quien las contempla. El artista invita a cada espectador a vivir una experiencia única: detenerse frente a un cuadro, respirar lentamente, recorrer con la mirada cada detalle y, sobre todo, silenciarse para permitir que la pintura nos hable, atraviese y transforme.

Visitar esta exposición no es solo contemplar color y forma: es dejarse tocar por el personal e inconfundible arte de Francisco Olivas.

Francisco Olivas nos habla de su exposición “Esferas en Abstracto” en este vídeo:

Mós sobre Francisco Olivas

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Conrado Díaz Ruiz, Abriendo Gavetas

Susana Valcarcel — Fri, 24 Oct 2025 12:27:30 +0000

https://www.circulodeamistad.es/blog/noticias-sociedad-1/post/exposicion-abriendo-gavetas-1597

El artista tinerfeño de este artículo tiene alma de maestro. Sociable y generoso por naturaleza, irradia una profunda vocación docente que se refleja, no solo en su forma de enseñar sino también, en su pintura de inconfundible sello personal. Conrado Díaz Ruiz, con una trayectoria plenamente consolidada y reconocido con numerosos premios nacionales e internacionales, mantiene intacta la curiosidad y la pasión que siempre han guiado su camino. Fiel a su espíritu de aprendizaje constante, no duda en seguir formándose junto a su admirado maestro Antonio López, de quien continúa aprendiendo con el mismo entusiasmo, respeto y humildad que lo han acompañado a lo largo de toda su carrera.

Morada Inspiradora

En el hogar de Conrado, el arte siempre ocupó un lugar privilegiado. Su padre, un hombre polifacético y amante del dibujo, le transmitió desde pequeño la pasión por la creación. Siempre había herramientas para dibujuar al alcance del niño, que las utilizaba para dar vida a sus primeras obras. Hoy conserva con cariño los álbumes donde guarda aquellos dibujos y acuarelas que pintaba al aire libre con tan solo diez años. Por entonces, copiaba cuadros que decoraban su casa o llenaba de bocetos cualquier superficie disponible: libros, cuadernos, incluso su pupitre.

El primer impacto visual que lo marcó profundamente llegó a través de dos cuadros colgados en las paredes del hogar familiar. “En 1977 mi padre trajo dos obras de Víctor Esquerro, El parto idealizado y La mujer objeto, de un surrealismo onírico y potente. Aquellas pinturas fueron decisivas para mí. Vivíamos en una casa pequeña del barrio del Toscal, en Santa Cruz de Tenerife, y esos dos cuadros grandes lo llenaban todo, en el mejor sentido de la palabra. A partir de entonces, sentí que se abría ante mí un mundo nuevo. Todo lo que hacía en esa época estaba impregnado de Surrealismo”, recuerda Conrado.

Los padres del artista supieron ver el talento que su hijo atesoraba y, siguiendo el consejo de su profesora, la señorita Malocha, no dudaron en apoyarlo para que estudiara Bellas Artes. Un acierto rotundo, pues desde entonces Conrado no ha dejado de explorar, crear y enseñar, manteniendo siempre viva esa mirada curiosa y soñadora que lo acompaña desde la infancia.

Promoción 1984-1989

Comienza la licenciatura de Bellas Artes en San Cristobal de La Laguna en 1984. Durante el primer curso se reencuentra con su antigua profesora del colegio Malocha, quien ahora será su docente de pintura. Ella le brinda una gran libertad creativa en clase, algo que marcará un antes y un después en su desarrollo artístico, ayudándole a ganar confianza en sí mismo. Un ejemplo significativo de esa etapa es el cuadro del Bodegón, expuesto hoy en una de las salas, que pertenece a uno de los ejercicios propuestos por la profesora: aprender a observar y analizar las variaciones del color dentro de una obra.

En aquel entonces, la estructura de Bellas Artes combinaba de manera equilibrada las asignaturas comunes con las de especialidad, algo muy diferente al plan actual de cuatro años con materias cuatrimestrales. “Cuando yo estudiaba la licenciatura, cursábamos tres años de asignaturas comunes —dibujo, pintura, escultura, anatomía y dibujo técnico— y dos años de especialidad (diseño, escultura o pintura). Aquella época fue, sin duda, una de las mejores en cuanto a formación. Esa base común hacía que los grupos estuvieran muy cohesionados; durante los tres primeros años todos trabajábamos al mismo ritmo, y eso fortalecía la unión. Después, aunque cada uno eligiera su especialidad, no había distinciones: todos éramos amigos, desde las primeras promociones hasta las últimas. Recuerdo especialmente cuando Francis, el actual dueño de la Sala Bronzo, que por entonces cursaba un año superior, tuvo la brillante idea de organizar acampadas al aire libre junto a los alumnos de primero. Nunca olvidaré ese espíritu integrador y tan enriquecedor que vivimos durante aquellos cinco años de Bellas Artes; fueron, sin duda, los más bonitos de vida y formación artística.” señala con nostalgia.

Tras aquella experiencia tan enriquecedora, continúa manteniendo una estrecha relación con muchos de sus compañeros de facultad —como José María Cabrera, Elena Galarza o Emilia Martín Fierro—. Un reflejo de esa amistad perdurable es el grupo de WhatsApp que crearon bajo el nombre “El 84 nos unió”, donde siguen compartiendo recuerdos, proyectos y la misma complicidad que los unió hace décadas.

Modelando el camino

Su esposa, la artista F reya Jaén Medin a, natural de Las Palmas de Gran Canaria, coincidió con Conrado Díaz en la Facultad de Bellas Artes cuando cursaba tercero. Durante el cuarto año iniciaron su relación, y en quinto se convirtieron en padres por primera vez. Poco después, descubrirían que su hijo presentaba una discapacidad severa.

A pesar de la juventud y de los desafíos que la vida les presentaba, ambos supieron encontrar en el arte un refugio y una forma de equilibrio. Entre lienzos, pinceles y largas jornadas de estudio, criaron con amor y dedicación a su hijo, demostrando que la sensibilidad artística también puede ser fortaleza y entrega.

Finalizadas sus licenciaturas, la familia continuó creciendo con el nacimiento de sus dos hijas, quienes, siguiendo el ejemplo de sus padres, también abrazaron el camino del arte.

Abriendo gavetas

El título del proyecto expositivo surge de una expresión portuguesa muy arraigada en el archipiélago canario: abrir gavetas, es decir, abrir cajones. Una acción perfecta para lo que este proyecto representa: un acto de mirar hacia dentro, de rescatar lo que el tiempo ha guardado en silencio. En ellas, a lo largo de los años, Conrado ha ido acumulando un sinfín de dibujos que permanecían prácticamente inéditos. Al revisarlas, descubrió un universo de dibujos realizados en el tiempo, testigos de una vida dedicada a la observación y al arte. Fruto de llevar siempre consigo, un bolígrafo y una libreta de dibujo.

La exposición se inauguró en un momento muy simbólico: el 16 de octubre, día en que el artista cumplió sesenta años. Esa fecha se convierte en un punto de inflexión, una manera de cerrar un ciclo y volver al origen. No es casual que la muestra se celebre precisamente en el Círculo de Amistad XII de Enero, el mismo espacio donde, en 1988, presentó su primera exposición individual —una colección de paisajes en acuarela con ciertas incursiones en lo surreal—.

La propuesta ocupa dos salas. En la sala pequeña, el visitante se adentra en el universo más íntimo del artista: decenas de dibujos realizados desde los años ochenta hasta hoy. Son apuntes de pequeño formato, los típicos de 20 x 10 cm —lo que hoy se conoce como sketches—, donde se registran ideas, intuiciones o pensamientos fugaces. Obras inconexas entre sí que, sin embargo, revelan la continuidad de una mirada. Todos estos dibujos dormían ocultos en una gaveta, y hoy, por primera vez, se abren al público.

La temática de la exposición se mueve, en su mayoría —alrededor de un noventa por ciento—, entre el realismo mágico y el surrealismo, aunque el artista reconoce que estos términos, en cierto modo, resultan ya anacrónicos. Sin embargo, en su obra siguen siendo lenguajes vivos y fecundos, capaces de expresar ese mundo subjetivo y onírico que habita en la frontera entre lo real y lo imaginado.

Las piezas de la segunda sala, realizadas en distintos formatos y técnicas —casi siempre sobre superficies de DM—, conforman una selección muy personal. En ella confluyen las obras creadas durante el último año junto a otras que habían viajado a exposiciones colectivas y permanecían dispersas. Reunirlas ahora en un mismo espacio es, para el artista, algo más que una simple muestra: es un reencuentro afectivo, una forma de reunir a sus obras como si se tratara de una familia que vuelve a encontrarse después de un largo tiempo.

Técnicas: de dentro hacia fuera

Cuando le preguntan por qué comparte con tanta generosidad sus técnicas de trabajo e investigación, Conrado responde con una metáfora culinaria: “Hago como los chefs de hoy en día, que no dudan en compartir sus recetas. Antiguamente los trucos se guardaban como secretos, pero para mí eso no tiene sentido. Lo importante no es la técnica en sí, sino lo que cada uno es capaz de hacer con ella.”

Su método creativo se basa en la libertad y la intuición. Nunca realiza bocetos previos para sus obras pictóricas —trabajos en pintura plástica, acrílico o esmalte acrílico—. Prefiere partir de la abstracción, dejando que los colores y las formas iniciales le conduzcan, poco a poco, hacia la figuración. A veces existe una temática preestablecida, pero muchas otras la composición surge de manera improvisada, en pleno proceso de ejecución. En cambio, sí recurre al boceto cuando se trata de escenografías, murales o acuarelas, disciplinas que exigen una planificación más estructurada.

En la primera sala, los dibujos están realizados con grafito, bolígrafo y lápiz, revelando la inmediatez del gesto y la precisión del trazo. En la sala principal, aparecen obras en acrílico sobre DM, acuarelas tradicionales y otras sobre madera blanca, donde explora distintas calidades de la superficie.

Dentro de su constante búsqueda técnica, Conrado ha desarrollado una línea de trabajo muy personal en el ámbito del dibujo: “He investigado con conciencia las técnicas al carboncillo y al lápiz compuesto sobre madera pintada con imprimación acrílica blanca. Este soporte ofrece unas características muy especiales: requiere un tratamiento cuidadoso para poder sellarlo y, al mismo tiempo, permite obtener una enorme sutileza a través de veladuras. El resultado es un dibujo que puede fijarse, barnizarse y sellarse, manteniendo su profundidad y su textura.” revela con entusiasmo.

A sus alumnos les transmite una enseñanza que resume su manera de mirar: “Cada vez que se acerquen a un cuadro, observen de dentro hacia fuera. No se queden solo con lo que se ve. Intenten descubrir los pasos que el pintor fue dando hasta llegar a la obra final.”

Cerrando círculo

En el recorrido vital y artístico de Conrado, el período comprendido entre 1984 y 1989 resulta decisivo. En 1987, animado por los artistas Ramiro Carrillo y Emilia Martín Fierro, se presentó al Concurso de Pintura de Acuarelistas Noveles organizado por el Círculo de Amistad XII de Enero. Su talento fue reconocido con el primer premio, que incluía una dotación económica y, sobre todo, la oportunidad de realizar una exposición individual al año siguiente, en 1988.

Aquella muestra marcó el inicio de su trayectoria profesional, y es precisamente por eso que, al cumplir sesenta años el 16 de octubre, decidió inaugurar Abriendo Gavetas en el mismo espacio. Era su manera simbólica de cerrar un ciclo vital y artístico, regresando al lugar donde todo comenzó.

A partir de entonces, y mientras sustentaba a su joven familia, Conrado encontró en el arte su medio de vida. Las exposiciones y la pintura constante se convirtieron en su principal sustento. Se adentró en el ámbito de la decoración artística y la escenografía, colaborando con el Centro de la Cultura Popular Canaria en la realización de murales como el dedicado a Los Sabandeños.

En 1995 inició una nueva etapa como profesor de pintura en la Escuela de Arte, compaginando la docencia con su producción artística. Entre 1998 y 2000 impartió clases también en Lanzarote y La Palma, trasladando su pasión por el arte a nuevas generaciones.

Su primer relevo docente fue a Concha María, quien más tarde se convertiría en directora de la Escuela de Arte y esposa del pintor Víctor Esquerro, autor de los dos cuadros que habían inspirado profundamente a Conrado desde su infancia. El destino, en una de esas casualidades poéticas que parecen cerrar círculos, hizo que con el tiempo se hiciera muy amigo del hijo de aquel pintor, también llamado Víctor Esquerro. Además, el crítico de arte, Joaquín Castro fue el primero en escribir un texto profesional sobre su obra con motivo de la exposición de 1988. Hoy, décadas después, Castro dirige la Sala de Arte del Círculo de Amistad XII de Enero, reforzando ese hilo invisible que une pasado y presente.

Otro lazo significativo es el que lo une a José María Cabrera, sobrino del artista Juan Galarza, quien presentó su primera muestra individual en 1988. Cabrera, pintor en el Taller Litográfico Romero, le propuso en 2025 organizar una exposición póstuma dedicada a su tío, con obras inéditas realizadas entre 1971 y 1975. Aquella colección, de estilo impresionista alemán, había permanecido oculta por deseo del propio artista. Esa idea de “obra oculta”, de algo guardado que finalmente se revela, resonó profundamente en Conrado y se convirtió en una inspiración directa para Abriendo Gavetas. Todo parecía encajar: causalidad más que casualidad, el círculo iniciado en 1988 encontraba su cierre en 2025.

En su formación y evolución pictórica también resultaron decisivas las influencias de Miguel Arocha, maestro de sólida técnica, y del arquitecto y acuarelista Facundo Fierro, gran exponente del surrealismo insular. Siguiendo su estela, en 1994 Conrado presentó una exposición individual de acuarelas surrealistas con motivo del V Centenario de la Fundación de Santa Cruz de Tenerife. En esa serie, inspirada en los homenajes de Fierro a la cultura canaria, la figura humana —especialmente la femenina— se convirtió en hilo conductor, dando lugar a una temática propia que acabaría por distanciarlo de sus referentes y consolidar su sello personal.

Hoy, Abriendo Gavetas no es solo una muestra: es el eco de un viaje de más de tres décadas, un retorno al origen donde cada etapa, cada maestro y cada obra dispersa convergen en una misma sala, cerrando un círculo que comenzó en 1988 y encuentra su plenitud en 2025.

Conrado Díaz Ruiz nos habla, en este vídeo, de su exposición Abriendo Gavetas y mucho más…

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Leonardo Izquierdo, Soporta y Renuncia

Susana Valcarcel — Sun, 22 Jun 2025 20:32:51 +0000

https://desvanblancoec.blogspot.com/2025/05/soporta-y-renuncia-sustine-et-abstine.html

¿Tienes constancia de que algún artista haya transformado la muñeca de moda, Barbie, en una crisálida?. Yo sí, porque la creatividad en el arte, es infinita, y siempre hay nuevas interpretaciones y obras sorprendentes, como las que hace el artista canario que protagoniza este artículo: Leonardo Rodríguez Izquierdo

Orígenes y Primeras Influencias

Nacido en Tenerife, Leonardo Izquierdo descubrió su pasión por la creatividad desde su niñez. La chispa artística, que lo acompañó en sus primeros años, fue el punto de partida para una trayectoria llena de exploración y experimentación.

Ya en su etapa adulta, profundizó sus conocimientos en la Escuela de Arte Superior de Diseño Fernando Estévez, especializándose en Escultura y Grabado Calcográfico. Su formación fue fundamental para consolidar su interés por la expresión plástica y la investigación, en diferentes medios, desembocando en una exploración multidisciplinar.

Soporta y renuncia

Esta exposición revela la versatilidad de Leonardo, quien en su proceso creativo, no se circunscribe a un único soporte ni técnica, sino que despliega un universo en constante expansión. La instalación, la escultura, la pintura, el grabado y el dibujo convergen en una propuesta que se revela desde el primer instante de la visita, invitando a una exploración profunda y enriquecedora de su universo creativo.

En su recorrido, se podrá apreciar un total de once esculturas que reflejan la creatividad y el dominio técnico del artista, invitando a la contemplación y al diálogo con las formas tridimensionales. Además, la muestra incluye dos grabados que capturan la precisión y la profundidad de la técnica, así como tres pinturas que revelan la sensibilidad y el uso del color en diferentes matices y estilos. Complementando estas obras, se presenta un móvil que aporta movimiento y dinamismo a la exposición, creando un juego de equilibrio y armonía en el espacio. Finalmente, el visitante podrá explorar veinte piezas realizadas en tinta china, las cuales aportan un carácter íntimo y detallado, enriqueciendo aún más la variedad de expresiones presentes..

Román Hernández, comisario de la exhibición, nos habla del autor: “Aristóteles decía que lo importante en el arte no es solo representar la realidad, sino expresar la idea y el mundo interior del artista. Para Leonardo, su trabajo responde a un antiguo planteamiento del siglo XVI, basado en un tratado de Pomponio Gaurico, que dividía la cabeza humana en tres partes: la sabiduría en la frente, la belleza en el centro de la cara y la bondad en la barbilla. Esto representa, para él, lo que hay detrás de su obra y en su persona”,

Influencia japonesa y el simbolismo de la sombra

En el proyecto expositivo se revela una profunda influencia de Japón en la sensibilidad artística de Leonardo, país que conoció y que dejó una huella indeleble en su obra. La inspiración nipona se manifiesta especialmente en la constante referencia a la sombra, concepto que ha explorado tanto en su trabajo como en el libro El elogio de la sombra de Junichirô Tanizaki.

Para el artista, “la sombra simboliza aquello que permanece en penumbra, lo que aún no ha sido completamente revelado; en su creación, esta idea se traduce en piezas que parecen sumergidas en una ligera oscuridad, en un juego sutil de luces y sombras que invita a la introspección”.

Blanquinegro como recurso expresivo

El empleo del blanco y negro es un medio recurrente en la obra de Leonardo, ya que le permite jugar con contrastes y profundidades, reforzando esa sensación de penumbra y misterio. Aunque su proceso creativo se desarrolla principalmente en su estudio, alejado del entorno al aire libre, su paleta y técnica se adaptan al estado de ánimo del momento. Los colores, cuando aparecen, dependen de su estado emocional, reflejando sentimientos como tristeza, desesperación, pánico, nostalgia, amargura, odio, indignación, melancolía, horror, asco, lástima, resignación… Sin embargo, lejos de transmitir connotaciones negativas, estos sentimientos constituyen una vía para la introspección, una exploración de las profundidades del alma humana.

La importancia de la interpretación

Leonardo es reacio a hablar excesivamente sobre su obra, pues considera, que el verdadero interpretador, es siempre el espectador. La mirada de quien observa su trabajo es quien completa y enriquece la obra, aportando interpretaciones y significados, que quizás, él mismo no había considerado. Para él, la interacción con el público es fundamental, ya que cada persona ve y siente cosas distintas, haciendo que la obra cobre vida en la mente y en el corazón de quien la contempla.

El Valor del Trabajo Físico en la Construcción de Ideas

El método de laborar de Leonardo es muy artesanal y minucioso: enrollar, arrugar, plegar, almacenar… Todas estas tareas constituyen acciones que delinean un modo de concebir y materializar ideas con paciencia y esmero. Además de esta labor física, también se involucra en el estudio del equilibrio, la simetría, la fricción y la percepción del tiempo, conceptos que el escultor estadounidense Richard Serra, al referirse a su propia obra, consideraba fundamentales en su proceso creativo, como lo es también para nuestro artista.

Tras casi cinco años de silencio y reflexión personal, Leonardo Rodríguez Izquierdo regresa con una fuerza renovada y un torrente creativo que a nadie deja indiferente. Su regreso no solo marca un nuevo capítulo en su trayectoria artística, sino que también invita a todos a ser testigos de su evolución y madurez artística.

Ven y sé parte de este emocionante reencuentro con la creatividad, una oportunidad única para apreciar el talento que ha estado latente durante todo este tiempo y que ahora emerge con una intensidad vibrante. Es el momento perfecto para descubrir nuevas obras, explorar ideas innovadoras y dejarte inspirar por la pasión y el compromiso que Leonardo pone en cada una de sus creaciones. No te pierdas esta oportunidad de conectar con un artista que, tras su pausa, vuelve con más fuerza que nunca para sorprender y emocionar a su público.

Leonardo Izquierdo nos habla de su trabajo, de su taller de grabado y mucho más:

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Descubre todo lo que se puede hacer en su Taller de Grabado

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Primaveral, un manifiesto de colores

Susana Valcarcel — Mon, 09 Jun 2025 12:10:42 +0000

https://www.ambitocultural.es/agenda/exposicion-de-pintura-primaveral-118550/?view=1

En un vibrante despliegue de colores y formas, veintidós artistas se congregan en una exposición colectiva que celebra la llegada de la primavera. Entre óleos que parecen susurrar historias, acuarelas que capturan la delicadeza de la estación y esculturas que cobran vida, esta muestra ubicada en la sala Ámbito Cultural de ‘El Corte Inglés’, invita a sumergirse en un mundo de talento y creatividad. Es una oportunidad única para dejarse envolver por la belleza y la inspiración que florecen en esta estación tan especial.

Autores participantes: José Emilio López, Fco. Armas Padrón, Manolo Yanes, Conrado Díaz, M. Jesús Pérez Vilar, Valkarze, Freya Jaén Medina, Benito Salmerón, M. Luisa Hodgson, Juan Clemente Quintero, Nazareth Hernández, Dácil Duerto, Ariam Pérez, Miguel González, Javier de La Rosa, De Miguel, Celestino Mesa, Sylvette Maurin, Elia Estévez, Jaime E. Estévez, Manolo Hernández, Rima Ciplyte.

La presentación estuvo a cargo de Salvador García Llanos, presidente de la Asociación de Periodistas de Tenerife y autor del texto inaugural:

“En ‘Primaveral’, bajo la mirada de Celestino Mesa que hace de comisario de exposición, con la ayuda del artista Emilio López, ambos del colectivo ‘Albazul’, se conjugan casi todos los elementos que la artista y docente colombiana Ángela Carvajal fue relatando en un texto aparecido en el digital ‘La capilla cultural’ y en el que conceptúa la primavera como símbolo de renovación y belleza.

“La primavera siempre ha sido -escribe- un símbolo universal de renacimiento, fertilidad y esperanza. Con el fin del invierno, la naturaleza despierta, los árboles florecen y los días se alargan, generando una sensación de vitalidad que ha inspirado a artistas de todas las épocas. No es casualidad que muchas culturas hayan celebrado festivales en honor a esta estación, como las fiestas en honor a Perséfone en la antigua Grecia o el Sakura en Japón, donde la floración de los cerezos marca el inicio de un nuevo ciclo”.

En el arte, la primavera ha sido representada de múltiples maneras, desde metáforas de la juventud y el amor hasta reflejo del ciclo inmutable de la vida. En la mitología clásica, figuras como Flora o Venus simbolizaban la fertilidad y la regeneración, imágenes que fueron retomadas por el arte renacentista y reinterpretadas en diferentes periodos históricos.

“Más allá de su asociación con la naturaleza -prosigue Ángela Carvajal-, la primavera también ha sido vista como una manifestación del optimismo y la belleza efímera. Mientras que en el Renacimiento se representaba de manera idealizada, en el Impresionismo se convirtió en un juego de luces y colores que capturaba su fugacidad. Con el paso del tiempo, las vanguardias y el arte contemporáneo han ofrecido visiones más abstractas y conceptuales de la primavera, explorando temas como el cambio, la transformación y la relación del ser humano con su entorno”.

Los espectadores podrán contemplar obras de los autores participantes algunas de cuyas características vamos a ir desglosando:

De Miguel González baste decir que es uno de los mejores acuarelistas de Canarias. Ha hecho del género una colección inacabable de matices y sugerencias.

La pintura poliédrica y colorista de José Emilio López se abre paso, casi desafiante pero con perfiles flexibles y moldeables.

El escultor herreño Francisco Armas Padrón ya no incursiona sino que cincela con autoridad, golpe a golpe.

Manolo Yanes, de origen francés, concatena sus acuarelas que parecen abrazadas por el drago que quiere abarcarlas.

Hasta que llegamos al realismo mágico de Conrado Díaz, el pintor que hace de todo, también murales y escenarios, porque en ellos se contrasta el poderío del artista.

La mancha colorista de María Jesús Pérez Vilar no es más que la traducción al lienzo de su pensamiento introspectivo.

Valkarze pinta, dibuja, canta y baila. Su ilimitada imaginación construye un figurativismo atrayente.

Freya Jaén Medina, esposa de Conrado, teje sus figuraciones con metacrilato hasta obtener unos resultados óptimos.

Benito Salmerón elabora una pintura muy figurativa, rica en policromía y da vida a las composiciones artísticas en las que la búsqueda de elementos se convierte en una constante.

La mancha limpia resalta la transparencia de la acuarela, tan vitalista como cristalina, de Chary Duque

Juan Clemente Quintero nos obsequia unos acrílicos donde el paisajismo se revaloriza. Como tiene que ser.

Nazareth Hernández exhibe un estilo muy personal en el que imagina, desdobla y revitaliza cada figura.

Una interpretación lúdica de ilustración es lo que ofrece Dácil Duerto para ganar enteros y apuntar alto.

El cubano Ariam Pérez, el artista de los plátanos, experimenta y se revela como un buen dibujante y un buen pintor.

De Javier de la Rosa, solo abundamos en su estilo personalizado reflejo del mucho tacto pictórico que atesora y que se contrasta en cada uno de los dibujos acuarelados que firma.

Fran de Miguel se pasea por sus paisaje oníricos, estelares o del más allá. Digamos que, pintando, en sus acrílicos se palpa el espacio sideral.

Celestino Mesa reserva para la ocasión óleos y nenúfares, estampas llenas de luminoso bucolismo y variado colorido que ponen a prueba su riesgo.

Se involucró en el grupo con abstractos y reminiscencias africanas hasta ir ganando solidez en el color que ya no tiene secretos para Silvette Maurin.

Nos mete de lleno en el ambiente familiar, en la muy florida cotidianeidad del hogar Elia Estévez.

Otro Estévez, Jaime, prolonga su diálogo naturalista, ahí están sus símbolos y sus concepciones con las que se asoma abiertamente a la primavera.

Manolo Hernández retoma la actividad, desafía los imponderables y recrea los bodegones donde siempre se movió con soltura.

Y Rima Ciplyte proporciona su particular colorido a las peculiares formas creadas entre el rigor y el desparpajo.

La variedad de estilos y la garra pictórica de los veintidós autores que nutren esta colectiva hacen de Primaveral una llamativa serie en la que es posible admirar la producción de artistas jóvenes y consumados que acreditan su esmerada vocación y una valiosísima proyección.

La primavera ha sido una fuente de inspiración para los creadores a lo largo de toda la historia del arte. Su representación ha reflejado los valores, inquietudes y sensibilidades de cada época. Así, la primavera en el arte, aparte de ser un tema recurrente, ha sido un testimonio de cómo los artistas han dialogado con el mundo natural y con su propio tiempo. Cada nueva visión nos invita a mirar esta estación con ojos distintos, recordándonos que el arte, al igual que la primavera, está en constante cambio”.

En este vídeo se puede ver la presentación de “Primaveral” realizada por el presidente de la Asociación de Periodistas de Tenerife, Salvador García Llanos:

El escritor, dramaturgo y poeta canario Javier de la Rosa recitó un hermoso poema especialmente escrito para la ocasión. Cada palabra resonaba con cariño y entusiasmo, logrando captar la atención de todos los presentes:

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NAZA MARTÍN & VALKARZE en KATÁLISIS

Susana Valcarcel — Thu, 17 Apr 2025 19:00:18 +0000

https://desvanblancoec.blogspot.com/2025/03/katalisis-susana-valkarze-naza-martin.html

En el intrincado universo de la química los catalizadores juegan un papel fundamental al acelerar reacciones sin sufrir alteraciones permanentes. De manera similar los artistas, al impulsar cambios significativos sin perder su esencia, actúan como catalizadores en la sociedad. Esta analogía se hace evidente en la exposición Katálisis, que reúne a dos talentosas artistas residentes en el archipiélago canario: Naza Martín y Valkarze. A través de su colaboración estas creadoras no solo comparten su visión artística; modelan una percepción del arte contemporáneo en sus respectivas islas.

Katálisis, en la sala de arte Desván Blanco, es un sinérgico encuentro entre las visiones de Naza y Valkarze, donde sus obras se convierten en un catalizador de evolución artística. Este espacio cultural no solo permite que cada artista exprese su perspectiva única, sino que también fomenta diálogos enriquecedores que impactan tanto su práctica individual como el panorama artístico en su conjunto. En este intercambio cada artista, al compartir su visión y estilo, no solo invita a la reflexión y a la emoción, sino que también abre la puerta a nuevas formas de pensar. La interacción con el arte es, sin duda, una experiencia que va más allá de la percepción sensorial, fomentando espacios de creatividad y conexiones de diversos niveles de sutileza.

Asimismo, el trabajo de estas artistas resuena con la necesidad de encontrar un equilibrio entre la modernidad y nuestras raíces y singular naturaleza. La insularidad, lejos de ser una limitación, se convierte en fuente de inspiración que nutre su creatividad y les permite construir un portentoso mundo imaginal.

En definitiva, Katálisis no solo es una exposición de arte, sino una posibilidad del poder transformador que tienen los creadores al romper con lo establecido y estimular la imaginación. Al igual que los catalizadores en la “ciencia central”, Naza y Valkarze activan potencialmente vínculos de naturaleza externa e interna, sin perder su identidad, otorgando la capacidad de generar un rico imaginario que tantas veces vela la sociedad tecnológica moderna, constituyéndose en un llamado de atención hacia una fértil imaginación libre de sesgos conceptuales.

La autora de este blog agradece de corazón todo lo que ha hecho posible que se hayan dado estos encuentros humanos tan significativos, en esta nueva apuesta que enriquece el panorama artístico de Tenerife y por ende, de todo un archipiélago de tierra feraz.

En este vídeo, las artistas Naza Martín & Valkarze nos hablan de su exposición Katálisis:

Más sobre Naza Martín y Valkarze

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Guillermo Vázquez Zamarbide, Otro lugar

Susana Valcarcel — Sat, 22 Feb 2025 22:04:25 +0000

https://desvanblancoec.blogspot.com/2025/02/otro-lugar-guillermo-vazquez-zamarbide.html

En el vibrante mundo del arte contemporáneo, Guillermo Vázquez Zamarbide se destaca como un artista con técnica propia y una profunda exploración de la pintura. Originario de Argentina y actualmente residente en Tenerife, ha encontrado en la técnica del óleo aplicado con espátula su medio de expresión potente, tras haber incursionado en la pintura como acuarelista.

Evolución artística

Vázquez Zamarbide toma contacto inicialmente con la pintura durante su formación como arquitecto a través de la realización de bocetos y croquis urbanos realizados en tinta china y acuarela. Con el tiempo empieza a pintar artísticamente con acuarela. Sin embargo, su búsqueda por alcanzar más intensidad en sus pinturas le llevó a la técnica del óleo aplicado con espátula sobre lienzo, que sigue utilizando en la actualidad. Su formación como acuarelista sigue presente en su manera de abordar el óleo, jugando la luz un papel central en el desarrollo de su trabajo, al igual que las veladuras sutiles y los colores quebrados. Estos recursos permiten transmitir emociones profundas en sus composiciones.

“Otro lugar”: un viaje perceptual

Esta muestra pictórica exhibe 22 óleos de pequeño y mediano formato, que invitan al espectador a un viaje interior, y se sitúan entre la figuración y la abstracción.

Nos presenta un universo más allá de lo captado por nuestra retina, convirtiendo a la obra en una experiencia emocional en la que el espectador es también un creador, sensible a movilizar sus capacidades de interpretación y obtener una visión renovada de cada escena, a través del uso tan especial que hace el artista de la luz, el color y la composición.

“El paisaje, tanto natural como emocional, constituye el eje central de esta propuesta. No se presenta como una representación literal, sino como una construcción simbólica que refleja la percepción humana.“, explica Zamarbide.

Influencias cromáticas

Cuando nuestro autor aborda la obra pictórica lo hace sin un modelo previo; es su interior el que proporciona los modelos a pintar, a menudo visiones de un eterno caminante que vive en su inconsciente. Compartir y comunicarse con la gente a partir de lo manifestado en sus pinturas es su empeño y su afán

Su paleta cromática se basa en el uso de colores opuestos complementarios, sea para intensificar su contraste o para fusionarlos en una armonía gradual. Esta combinación de tonos cálidos invita al espectador a un estado de serenidad y reflexión, incluyendo muchos tonos terrosos y azules, propios de los elementos con los que convive, tanto en Argentina como en Canarias.

Horizontes suspendidos en el limbo

Su estrecha relación con el paisaje, como parte de su experiencia de vida, le lleva a emprender un viaje interior, a veces por mar y a veces por desiertos. En sus obras refleja la atmósfera que vislumbra en esta experiencia, donde el refugio, la soledad, el desencuentro, la llegada y la despedida se hacen presentes. El artista encuentra inspiración en sus propias vivencias, transformando el lienzo en una puerta abierta hacia sus visiones internas. Sus colores y formas transportan al espectador más allá de la realidad, sumergiéndolo en un mundo donde el tiempo se disuelve y las emociones se tornan trangibles.

En resumen, Guillermo Vázquez Zamarbide es un artista que, mediante cada toque de su espátula, nos invita a un viaje emocional, reflexivo, de invitación al descubrimiento de nosotros mismos. Cada exposición es una celebración de la pintura como un medio para explorar lo que yace más allá de la superficie; un recordatorio de que en el arte, como en la vida, siempre hay más de lo que parece. Estos días, en el espacio cultural Desván Blanco, tenemos la oportunidad de navegar en lo antedicho a través de sus evocadoras creaciones.

Guillermo Vázquez Zamarbide nos habla de su exposición Otro Lugar :

Más sobre Guillermo Vázquez Zamarbide

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