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Ramón Gaya, La Realidad Salvada

Susana Valcarcel — Wed, 22 Jul 2026 19:10:29 +0000

¿Dónde? https://fundacioncristinodevera.org/exposiciones/ramon-gaya/68

Por primera vez, la obra de uno de los grandes creadores españoles del siglo XX llega al archipiélago canario. Organizada por la Fundación Cristino de Vera–Espacio Cultural CajaCanarias, en colaboración con el Museo Ramón Gaya de Murcia y comisariada por Rafael Fuster, la exposición antológica Ramón Gaya. La realidad salvada ofrece una oportunidad excepcional para descubrir y profundizar en el universo creativo de una de las figuras más destacadas del arte español contemporáneo.

La muestra reúne 24 obras y una selección de publicaciones que recorren las principales etapas de una trayectoria marcada por la guerra, el exilio y la búsqueda constante de una pintura que nunca quiso impresionar al espectador, sino enseñarle a mirar de otra manera. Además, el diálogo entre la obra de Gaya y el universo artístico de Cristino de Vera confiere a este encuentro un carácter especialmente sugerente. Entre ambos existe una profunda afinidad en su manera de entender la creación artística concebida como una búsqueda de la belleza desde la sobriedad, donde la emoción nace de la sencillez y de la intensidad silenciosa de lo cotidiano.

Hay quienes, al abandonar su país, conservan una carta o un puñado de tierra. Ramón Gaya se llevó algo muy distinto: el Museo del Prado. No literalmente, claro. Nadie puede cruzar un océano con Las Meninas bajo el brazo. Pero el pintor murciano encontró la manera de mantener vivo aquel lugar que había marcado su existencia. Durante su exilio en México colocaba reproducciones de cuadros de grandes maestros (como Tiziano o Velázquez) rodeadas de objetos comunes: copas de agua, flores o libros abiertos. La intelectual Concha de Albornoz bautizó aquellas composiciones como altarcitos.

Mientras España quedaba atrás y la guerra transformaba el mundo, Gaya seguía dialogando con Velázquez, Tiziano, Rembrandt o Murillo como quien se reúne con viejos amigos. Nunca los consideró artistas del pasado, sino compañeros de viaje capaces de seguir enseñándole a mirar. Años después resumió ese sentimiento con una frase que explica toda su trayectoria: «Cuando desde lejos se piensa en el Prado, este no se presenta nunca como un museo, sino como una especie de patria». En esa reflexión queda reflejado el verdadero alcance de su exilio. Este no consistió únicamente en abandonar España tras la Guerra Civil o en pasar por el campo de concentración de Saint-Cyprien antes de exiliarse en México. La pérdida más profunda fue verse obligado a dejar atrás el lugar en el que había aprendido a mirar y entender la pintura: las salas del Museo del Prado, en las que descubrió que las grandes obras son capaces de seguir dialogando con el espectador siglos después de haber sido creadas.

Los primeros pasos de una vocación

Ramón Gaya nació el 10 de octubre de 1910 en Murcia, en una familia humilde donde el interés por la cultura formaba parte de la vida cotidiana. Su padre, Salvador Gaya, era litógrafo y fue la primera persona que comprendió el talento del niño. Su madre, Josefa Pomés, alimentó desde muy pronto aquella inclinación artística. Con apenas doce años tomó una decisión insólita: abandonar la escuela para dedicarse por completo a la pintura. Sus padres aceptaron aquella elección, aunque su padre le pidió que aprendiera también el oficio de litógrafo para asegurarle un futuro. Mucho tiempo después recordaría aquella confianza con una frase llena de gratitud: «Mis padres fueron, en verdad, excepcionales».

Alejado de las academias, recibió su formación artística de la mano de Pedro Flores y Luis Garay. Leía con la misma pasión a Tolstói, Cervantes o Dostoievski. Nunca separó la literatura, la filosofía y la pintura porque entendía que todas nacían de la misma necesidad: comprender la realidad.

Con doce años ya había pintado su primer óleo, La silla (1923). Aparentemente solo representa un objeto habitual, pero en ella ya aparece una constante de toda su producción: la capacidad de encontrar misterio y vida allí donde otros solo ven lo ordinario.

El Prado, la escuela de toda una vida

En 1927 obtuvo una beca para viajar a Madrid. Allí descubrió el lugar que marcaría para siempre su manera de entender el arte: el Museo del Prado.

Entró como un joven copista dispuesto a aprender y salió convencido de que los grandes maestros seguían vivos. No iba al museo para copiar cuadros, sino para conversar con ellos. Velázquez dejó de ser una figura histórica y pasó a convertirse en una presencia cotidiana, alguien capaz de enseñarle que la pintura no consiste en inventar un mundo nuevo, sino en mirar con mayor profundidad el que ya existe. Aquella experiencia sería decisiva durante el resto de su vida. Incluso en el exilio, cuando el Prado estaba a miles de kilómetros, siguió sintiendo que aquel museo era el lugar al que pertenecía.

Cuando el arte también fue compromiso

La llegada de la Segunda República abrió una etapa de extraordinaria efervescencia cultural en España. Para Ramón Gaya, la pintura no debía permanecer encerrada en los museos; tenía sentido cuando llegaba a quienes nunca habían tenido la oportunidad de contemplarla.

Esa convicción lo llevó a participar en las Misiones Pedagógicas, uno de los proyectos culturales más ambiciosos de la época. Junto a maestros, escritores y artistas recorrió pueblos de toda España llevando bibliotecas, teatro, música y reproducciones de las grandes obras del Museo del Prado. Aquellas copias no pretendían sustituir a los originales. Eran una invitación a descubrir que el arte podía estar al alcance de cualquier persona.

Durante esos años estrechó amistad con algunas de las figuras más relevantes de la cultura española, entre ellas María Zambrano, Luis Cernuda y José Bergamín. Con la filósofa malagueña mantuvo una relación intelectual que perduró durante décadas y que dejó una profunda huella en el pensamiento de ambos. Zambrano veía en Gaya a uno de esos artistas capaces de convertir la pintura en una forma de conocimiento, más cercana a la filosofía que al virtuosismo técnico.

Gaya permaneció fiel a la República y puso su talento al servicio de la defensa de la cultura, convencido de que el arte era una forma de resistencia frente a la destrucción. Colaboró en la revista Hora de España, donde publicó textos que revelan una de las facetas menos conocidas de su personalidad: la de ensayista. Con el tiempo escribiría algunos de los libros más importantes sobre arte del siglo XX español, como Naturalidad del arte o Velázquez, pájaro solitario, obras en las que reflexiona sobre la pintura con la misma sensibilidad que plasmaba en sus cuadros.

En 1937 participó en la Exposición Internacional de París junto a Picasso, Joan Miró o Alexander Calder. Sin embargo, aquel reconocimiento quedó eclipsado por el avance de la guerra y por una tragedia que marcaría para siempre su existencia.

El largo camino del exilio

Durante la retirada republicana de febrero de 1939, Fe Sanz y su hija Alicia se encontraban en la estación de Figueres esperando un tren hacia la frontera francesa para reunirse con su marido. Un repentino bombardeo truncó sus vidas en segundos: Fe Sanz murió en el ataque tras proteger con su propio cuerpo a su hija Alicia, de apenas dos años, que, aunque resultó gravemente herida, logró sobrevivir, mientras Ramón Gaya vivía el horror de la guerra ya desde el lado francés. Separada de su padre durante catorce años, mientras este permanecía exiliado en México, Alicia fue criada en Francia por la familia del pintor Cristóbal Hall. Padre e hija no volverían a encontrarse hasta 1952. Aquella pérdida lo acompañaría el resto de su vida. Nunca hizo del dolor el centro de su obra, aunque la ausencia quedó impregnada en sus cuadros con una delicadeza casi imperceptible.

Tras cruzar la frontera fue internado en el campo de concentración de Saint-Cyprien, donde miles de refugiados sobrevivían en condiciones extremas sobre la arena de la playa. Aquella experiencia, lejos de alimentar el resentimiento, reforzó su convicción de que la cultura representaba la mejor defensa frente a la destrucción provocada por la violencia. Gracias a la política de acogida impulsada por el presidente mexicano Lázaro Cárdenas, embarcó hacia México, el país donde reconstruiría su vida y donde su pintura alcanzaría una nueva madurez.

México: aprender a mirar de nuevo

El exilio no significó una ruptura con su pasado, sino una manera distinta de habitarlo. Lejos del Prado, Gaya comenzó a trabajar con una pintura cada vez más depurada. Desaparecieron los artificios y los gestos innecesarios; permaneció únicamente lo esencial. Fue entonces cuando nacieron los célebres altarcitos, pequeñas composiciones en las que reunía reproducciones de Velázquez, Tiziano o Rembrandt junto a objetos cotidianos: unas flores recién cortadas, una jarra de barro…

Aquellas escenas no eran ejercicios de nostalgia ni homenajes académicos. Eran un diálogo íntimo con los maestros que habían modelado su mirada y una forma de mantener vivo el vínculo con el Prado desde el otro lado del Atlántico.

Vivir fuera de su país marcó un antes y un después en su concepción de la vida y el arte. La distancia no solo implicó un cambio de residencia, sino también la necesidad de reconstruir su identidad artística y personal. Durante su estancia en México, la pintura se convirtió en el medio a través del cual conservó viva la memoria de España y de su tradición cultural.

Un creador que también escribió sobre la pintura

Ramón Gaya no solo dejó una obra pictórica de enorme relevancia; también construyó, a través de sus ensayos, una de las reflexiones más originales sobre el arte en la España del pasado siglo. Lejos de la crítica académica, escribía desde la experiencia del pintor, convencido de que una obra no debía explicarse, sino comprenderse y escucharse. Esa forma de acercarse a la creación artística llevó a Emilio Pérez Sánchez, director del Museo del Prado, a definirlo como «el escritor sobre arte más importante de España en el siglo XX».

En su pensamiento, escribir y pintar respondían a una misma necesidad: mirar el mundo con profundidad e intentar compartir aquello que solo el arte puede revelar.

Venecia, la ciudad donde redescubrió la pintura

Si la pinacoteca madrileña fue la patria de Ramón Gaya, Venecia se convirtió en el lugar donde confirmó que la pintura seguía siendo un territorio vivo. Llegó por primera vez en 1952 y la ciudad ejerció sobre él una fascinación inmediata. Sus canales, la luz cambiante y los reflejos sobre el agua le revelaron una manera distinta de mirar. No buscó la Venecia monumental que tantas veces había sido retratada, sino la que se escondía en los rincones silenciosos, en un puente desierto o en una ventana abierta al canal. «Después de Venecia soy otro», escribiría tiempo después.

Esa vivencia tuvo una influencia decisiva en la evolución de su lenguaje pictórico. Desde entonces, su obra se caracterizó por una pintura más depurada y transparente, orientada a expresar la esencia de la realidad antes que su representación fiel.

La belleza de lo cotidiano

Quien contempla por primera vez uno de sus cuadros puede sorprenderse por la sencillez de sus temas. No hay escenas grandiosas ni gestos heroicos. Aparecen mesas, ventanas o paisajes apenas insinuados. Sin embargo, esa aparente simplicidad encierra una enorme profundidad.

Gaya no pretendía representar objetos, sino hacer visible la vida que contienen. Sus cuadros invitan a mirar despacio, a descubrir cómo la luz transforma un mantel o cómo el agua convierte una ciudad en un espejo. En una época dominada por la inmediatez, su pintura nos recuerda que comprender exige tiempo para mirar.

Dialogar con la tradición

En El sentimiento de la pintura, Ramón Gaya recuerda una imagen que marcaría para siempre su forma de entender el arte: la aparición de una «Venus cochambrosa» emergiendo de las aguas venecianas, una alegoría del nacimiento de la Pintura como un cuerpo vivo y encarnado. Desde ese momento, explica, la pintura dejó de ser para él un arte más y adquirió una identidad propia, una esencia distinta a la de la música, la poesía o la escultura.

Esta visión también da sentido a una de las aportaciones más originales de Gaya: su relación con los grandes maestros. En obras como Homenaje a Turner o La Pietà, no copia ni reinterpreta pinturas célebres desde una perspectiva contemporánea, sino que establece una conversación íntima con ellas. Para el artista, la tradición no era un legado inmóvil, sino una charla abierta entre artistas de distintas épocas. Por eso nunca entendió la modernidad como una ruptura con el pasado, sino como una forma de seguir dialogando con él desde una voz propia.

La memoria de un padre

Entre las obras más conmovedoras de la exposición destaca La mesa de Salvador. A primera vista parece un sencillo bodegón. En realidad, es un retrato sin figura. La mesa pertenecía a su padre, el hombre que apoyó la decisión de aquel niño que abandonó la escuela para convertirse en pintor.

Sobre esa madera se concentra toda una biografía: la infancia en Murcia, el aprendizaje, la gratitud y el recuerdo de quien supo reconocer un talento excepcional cuando apenas comenzaba a manifestarse. Es una de esas pinturas que hablan en voz baja y, precisamente por eso, permanecen en la memoria del espectador mucho después de abandonar la sala.

Un legado que sigue creciendo

Durante muchos años, Ramón Gaya fue un artista admirado por pintores, escritores y filósofos, aunque poco conocido por el gran público. Con el tiempo, su obra ha ocupado el lugar que le corresponde dentro del arte español. En 1990 se inauguró en Murcia el Museo Ramón Gaya, creado con la participación directa del propio artista y concebido como un espacio para conservar y difundir su legado. Pocos pintores españoles tuvieron la oportunidad de ver nacer un museo dedicado íntegramente a su obra.

Hoy sus cuadros forman parte de importantes colecciones públicas y privadas, mientras que sus ensayos continúan siendo una referencia imprescindible para comprender la pintura desde una perspectiva profundamente humanista.

Por encima de las guerras y de las modas artísticas que transformaron el siglo XX, Ramón Gaya siempre tuvo clara una convicción: la pintura no debía inventar un mundo nuevo, sino aprender a mirar el que ya existía. Quizá ahí resida la mayor enseñanza de esta exposición: recordar que, a veces, basta con aprender a mirar para descubrir lo extraordinario en lo cotidiano.

¿Qué consejo daría Ramón Gaya a quien empieza a pintar?

En una conferencia celebrada en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona el 20 de abril de 1990, le formularon esa pregunta. Su respuesta fue:

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Manolo Yanes, Hortus Hesperidum

Susana Valcarcel — Wed, 15 Jul 2026 19:27:36 +0000

¿Dónde? Museo de Naturaleza y Arqueología de Tenerife (MUNA)

El Museo de Naturaleza y Arqueología de Tenerife (MUNA) presenta Hortus Hesperidum, un proyecto del artista e investigador tinerfeño Manolo Yanes que invita al visitante a adentrarse en uno de los universos creativos más personales y evocadores del arte contemporáneo canario. Lejos de limitarse a una propuesta pictórica, la iniciativa se despliega como una confluencia multidisciplinar en la que dialogan las artes plásticas, la literatura, la escultura, el lenguaje audiovisual, la música, la investigación histórica y una profunda reflexión sobre la identidad atlántica. Desde los primeros pasos del recorrido, el visitante comprende que se adentra en un universo simbólico donde el mito y la identidad atlántica dialogan de forma constante.

El propio título, Hortus Hesperidum —el Jardín de las Hespérides—, remite de inmediato a uno de los grandes mitos fundacionales de la Antigüedad: el jardín situado en los confines occidentales del mundo conocido, donde crecían los legendarios frutos de oro custodiados por las Hespérides y por el dragón Ladón.

Según la tradición griega, aquellas manzanas concedían el conocimiento y la inmortalidad. Para numerosos geógrafos, poetas e historiadores clásicos —desde Hesíodo y Píndaro hasta Plinio el Viejo—, aquel territorio coincidía con las Islas Afortunadas, identificadas durante siglos con el archipiélago canario. A partir de este rico sustrato simbólico, Manolo Yanes despliega un universo plástico de extraordinaria riqueza visual, donde la pintura se convierte en el hilo conductor entre historia, mito y creación contemporánea.

Investigar para crear: arqueología del símbolo

Uno de los rasgos más interesantes de Hortus Hesperidum es que permite descubrir una faceta esencial de la trayectoria de Manolo Yanes: la del investigador que convierte el conocimiento en materia artística. Fruto de años de estudio de fuentes clásicas, archivos históricos y tratados de mitología comparada vinculados al Mediterráneo y al Atlántico.

Durante la primera visita guiada celebrada en el museo, el artista ofreció una conferencia que sirvió como marco conceptual de la muestra. En ella desgranó las múltiples capas iconográficas y simbólicas que conforman el mito de las Hespérides. Su intervención fue mucho más allá de una explicación erudita de los textos clásicos: estableció sugerentes conexiones entre las manzanas de oro, los jardines sagrados de Mesopotamia, el árbol de la vida sumerio, el relato bíblico del Edén, la Atlántida descrita por Platón y la tradición insular de San Borondón.

“La pintura no es un fin en sí misma, sino el vehículo formal para materializar una memoria que nos precede y que corre el riesgo de ser olvidada en la era de la inmediatez”, apuntaba Yanes durante la visita guiada.

Su planteamiento no persigue una investigación arqueológica en sentido estricto, sino una investigación iconológica puesta al servicio de la creación contemporánea. Cada lienzo, dibujo preparatorio, escultura o instalación se convierte en una invitación a reflexionar sobre cuestiones que han acompañado al ser humano desde sus orígenes: la búsqueda de la trascendencia, el deseo de conocimiento, el miedo a la muerte y la necesidad de imaginar otros mundos donde proyectar nuestras aspiraciones colectivas.

El fruto dorado: inmortalidad y erotismo

El núcleo simbólico de la propuesta gira, inevitablemente, alrededor de las manzanas de oro. Frente a la interpretación más difundida del mito, que las presenta únicamente como frutos capaces de otorgar la inmortalidad, Manolo Yanes recupera la complejidad de las fuentes clásicas para revelar una iconografía mucho más rica.

En el imaginario antiguo, la manzana representa también el deseo, la seducción y el conocimiento. El artista recupera episodios como los de Atalanta e Hipómenes, donde las manzanas sirven para alterar el destino de una carrera decisiva, o el de Aconcio y Cidipe, en el que el fruto sagrado sella una promesa de amor irrevocable. Al rescatar estos relatos, Yanes los transforma en un lenguaje plástico de gran fuerza expresiva, donde el rigor intelectual convive con una pintura de notable belleza, intensidad cromática y poderosa capacidad evocadora.

Bajo la riqueza del acrílico y la técnica mixta, las manzanas dejan de ser simples atributos mitológicos para convertirse en metáforas del despertar de la conciencia y de la tensión entre deseo y trascendencia. Su universo visual se despliega en la unión entre cuerpos humanos y elementos animales o vegetales; allí, las texturas y el dominio del claroscuro ponen de manifiesto una sólida madurez técnica.

El dragón Ladón y el ecosistema canario

Otro de los grandes ejes simbólicos es la figura del dragón Ladón. Durante su conferencia inaugural, Yanes recuperó una tradición que enlaza la mitología clásica con uno de los símbolos naturales más representativos del archipiélago: el drago canario y el lagarto tizón (Gallotia galloti).

Según algunas reinterpretaciones desarrolladas durante el Renacimiento y el Romanticismo, tras ser abatido por Heracles en su undécimo trabajo, la sangre del dragón cayó sobre la tierra atlántica y dio origen al Dracaena draco. La célebre “sangre de drago”, utilizada durante siglos por sus propiedades medicinales y tintóreas, adquiere así una dimensión simbólica que conecta naturaleza y mito. Yanes traduce esta relación mediante imágenes de gran fuerza poética. El drago deja de ser únicamente un emblema botánico para convertirse en el heredero vivo de una narración ancestral, en un puente entre la memoria clásica y el paisaje insular.

El paisaje canario no aparece como un simple escenario donde situar una historia antigua, sino como un territorio capaz de dialogar de igual a igual con los grandes relatos fundacionales de la cultura mediterránea. La geografía de las islas, su fauna y flora adquieren así una dimensión simbólica que trasciende lo local para situarse en el ámbito de los mitos universales.

Sinergia coral: cruce de disciplinas

Uno de los rasgos que convierte a Hortus Hesperidum en una propuesta verdaderamente singular dentro del panorama cultural canario es su carácter colectivo. Aunque surge de la visión artística de Manolo Yanes, supera los límites de la autoría individual para convertirse en un espacio de encuentro entre distintas disciplinas y sensibilidades creativas. En este sentido, actúa como impulsor y articulador de una alianza en la que convergen escultores, escritores, músicos y creadores audiovisuales. El resultado es una obra abierta, construida desde el diálogo, donde cada lenguaje artístico aporta una nueva perspectiva sobre el mito de las Hespérides y amplía sus posibilidades de interpretación.

Esculpir la idea

La escultura expande el universo pictórico de Manolo Yanes y lo traslada al espacio tridimensional. Las obras no funcionan como un complemento de la pintura, sino como una prolongación de sus preguntas y de su imaginario simbólico. Participan en esta sección, diez de las figuras más destacadas de la escultura contemporánea en Canarias:

Domingo Díaz Vega
Román Hernández
Juan Hernández “El Patrón Chico”
Ana Lilia Martín
Evelina Martín
Medín Martín
Tomás Oropesa
Mauricio Pérez Jiménez
Rodrigo Rodríguez
Orlando Ruano

Cada uno aporta un lenguaje propio, desde la abstracción geométrica hasta las formas orgánicas, desde la depuración conceptual hasta una expresividad vinculada a la materia y al territorio. Piedra volcánica, hierro, bronce y madera dialogan de forma directa con los símbolos articuladores. Las texturas evocan la corteza de los árboles sagrados, la piel del dragón Ladón o la fuerza telúrica del paisaje insular. De este modo, la experiencia del visitante deja de ser exclusivamente visual para adquirir también una dimensión espacial y casi táctil, donde la materia se convierte en un vehículo de pervivencia y significado.

De la imagen a la palabra

La literatura ocupa igualmente un lugar esencial dentro de Hortus Hesperidum. Lejos de desempeñar una función meramente explicativa, estos textos constituyen una creación autónoma que establece un diálogo directo con las obras. Participan en este recorrido literario:

Cecilia Domínguez Luis
Elsa López
Félix Hormiga
Daniela Martín Hidalgo
Juan José Mendoza
Ángel Sánchez
Roberto Toledo Palliser

La convivencia de estas voces, pertenecientes a distintas generaciones y sensibilidades, aporta una diversidad de registros que va desde la poesía hasta la reflexión ensayística y la prosa de carácter evocador. Sus escritos no pretenden interpretar las pinturas de manera unívoca. Al contrario, abren nuevos caminos de lectura y multiplican las resonancias simbólicas de las imágenes creadas por Yanes. La palabra y la pintura se complementan sin perder su autonomía, invitando al visitante a transitar continuamente entre ambas.

La presencia conjunta de autores de amplia trayectoria junto a voces más recientes constituye, además, un acierto curatorial que refleja la vitalidad y la diversidad de la literatura canaria contemporánea.

Experiencia inmersiva

La dimensión multidisciplinar se completa con la incorporación del lenguaje audiovisual y de la creación musical, dos elementos que enriquecen la experiencia expositiva y amplían su capacidad de evocación. La propuesta audiovisual está firmada por el cineasta Luis Sánchez-Gijón, cuya pieza de videoarte introduce el tiempo y el movimiento dentro del recorrido. El vídeo captura a Manolo en pleno proceso creativo dentro de su estudio; sus secuencias dialogan con la pintura a través de la luz, la atmósfera y el paisaje, articulando una narrativa audiovisual que prolonga ese carácter onírico original.

La música, por su parte, lleva la firma de Benito Cabrera, una de las figuras más representativas de la creación musical canaria. La composición concebida específicamente para Hortus Hesperidum acompaña el recorrido sin imponerse sobre él. Más que una banda sonora, funciona como una presencia sutil que envuelve al visitante y conecta el imaginario mitológico con las vivencias de nuestro tiempo.

El resultado es una experiencia inmersiva en la que pintura, escultura, literatura, imagen y música dejan de percibirse como disciplinas independientes para formar un único discurso artístico. Cada lenguaje completa al otro y contribuye a construir una obra coral que invita al espectador a recorrer el mito desde múltiples perspectivas.

El jardín imaginado

Por encima del rigor histórico, de la riqueza iconográfica o de la calidad de las obras reunidas, Hortus Hesperidum propone una reflexión sobre una de las facultades más extraordinarias del ser humano: la imaginación. En ese sentido, esta alianza multidisciplinar, con su capacidad para integrar investigación, creación artística y reflexión, convierte la visita al Museo de Naturaleza y Arqueología en una experiencia que trasciende el ámbito expositivo. Al abandonar las salas del MUNA permanece la sensación de haber atravesado un territorio simbólico que prolonga su eco mucho después de finalizar la visita.

Quizá ese sea el mayor logro de Manolo Yanes: recordarnos que la imaginación sigue siendo una herramienta esencial para redescubrir los grandes relatos del pasado, que aún hoy iluminan nuestra manera de mirar el presente.

Manolo Yanes nos habla, en este vídeo, de su proyecto coral Hortus Hesperidum:

Más sobre Manolo Yanes

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Julio Padrón: Canarias, Tierra Mágica

Susana Valcarcel — Mon, 22 Jun 2026 12:58:02 +0000

Mientras algunos pintores se limitan a retratar paisajes, otros consiguen convertir el territorio en una experiencia interior. La diferencia puede parecer sutil, pero es precisamente ahí donde reside la singularidad de la obra de Julio Padrón. Su exposición Canarias, Tierra Mágica, presentada recientemente en la sala de exposiciones del Parlamento de Canarias, no es únicamente una celebración de la geografía insular; es una travesía por la memoria y la capacidad de la pintura para revelar aquello que permanece oculto tras la apariencia de las cosas.

A lo largo de décadas de trabajo, el creador herreño ha construido una obra coherente y profundamente personal, alejada de modas pasajeras y sostenida por una convicción esencial: el paisaje no es un escenario, sino una forma de conocimiento. En sus lienzos, las montañas, los barrancos, los volcanes y las costas de las islas dejan de ser simples accidentes geográficos para convertirse en depositarios de emociones y vivencias. Esta muestra, concebida como una amplia retrospectiva, permite recorrer la evolución de una mirada que nunca ha dejado de dialogar con el archipiélago.

La biografía de Julio Padrón atraviesa silenciosamente toda su producción artística. Nacido en El Hierro, emigró junto a su familia a Venezuela siendo muy joven. Aquella experiencia de desarraigo y distancia marcaría profundamente su relación con su tierra natal. En Caracas se formó como dibujante artístico y publicitario, adquiriendo una sólida disciplina técnica que posteriormente completaría con sus estudios de Bellas Artes en la Universidad de La Laguna.

Sin embargo, más allá de la formación académica, fue la experiencia de la lejanía la que terminó modelando su sensibilidad. Quien contempla una tierra desde la distancia aprende a verla de otra manera: los contornos cotidianos se difuminan y adquieren una dimensión simbólica, convirtiéndose en refugios de la memoria. En el caso de Padrón, el regreso a Canarias no fue únicamente un retorno geográfico, sino también una recuperación emocional de aquello que había permanecido vivo durante años en el recuerdo. Esa combinación entre la nostalgia de haber vivido en la distancia y el profundo arraigo a su tierra es, precisamente, lo que dota de una fuerza única a todas sus pinturas.

Uno de los aspectos más fascinantes de Canarias, Tierra Mágica es el protagonismo absoluto que adquiere la luz. La pintura de Padrón no busca describir el entorno de manera objetiva, sino que lo reinventa a través de la atmósfera. La luz atlántica se convierte en materia pictórica y actúa como un elemento transformador capaz de alterar la percepción del territorio. Los colores vibran, se expanden y dialogan entre sí hasta construir espacios donde la realidad parece suspendida entre la observación y el evocar.

Esta riqueza de atmósferas es el resultado de una evolución técnica constante. El propio artista explica que esta colección supone una mirada retrospectiva a sus diferentes etapas creativas: “Es una rememoración de toda mi obra, la cual he pintado en otras épocas… más impresionista, pero ahora pasé un poco al estilo más realista”.

A pesar de este tránsito estilístico, lo que permanece inalterable es su voluntad de trascender la mera descripción física. Detrás de cada composición se percibe la mano del dibujante experimentado, conocedor de la estructura y la proporción, pero manejado siempre bajo la técnica que ha guiado toda su trayectoria: el óleo de toda la vida.

El título de la exposición no es casual; la palabra “mágica” funciona aquí como una clave interpretativa fundamental. Al adentrarse en los lienzos, el espectador atento descubre sutiles presencias —duendes, gnomos y entidades espirituales— que habitan los senderos y las brumas de los bosques isleños.

Lejos de ser un recurso puramente decorativo o una fantasía evidente, el artista introduce estos elementos como una insinuación, un acicate para expandir la percepción de la obra. Conectar con estas figuras es, para Padrón, una forma de conectar con el código de la imaginación popular: “Voy por la vía sencilla, que es lo que todo el mundo entendemos por magia, y eso lo acoplo de una manera que no sea excesivamente visible en la obra, pero sí algo como para que la gente considere que es una cosa mágica”.

En cierto modo, estas referencias entroncan con una característica profundamente arraigada en la cultura canaria: la convivencia entre la realidad física del territorio y el imaginario legendario que durante siglos ha acompañado a las islas. La naturaleza volcánica, la laurisilva y la fuerza de los elementos han alimentado innumerables relatos donde lo visible y lo invisible coexisten. Padrón recoge esa herencia y la incorpora a sus óleos con una delicadeza que evita cualquier exceso narrativo.

Julio Padrón señala que esta selección de cuadros representa la culminación de un ciclo crucial, perfilándose como su última gran muestra pictórica de carácter individual. Sin embargo, el cierre de esta etapa no implica el fin de su actividad creadora. El artista ya otea nuevos horizontes artísticos y planea volcarse en otra de sus grandes pasiones: la caricatura. Con un archivo que ya supera las cincuenta piezas terminadas, nos avanza que su próximo proyecto individual cambiará radicalmente de formato para ofrecer un registro totalmente distinto, demostrando que la inquietud creativa no entiende de jubilaciones. Mientras ese giro llega, el pintor apuró los últimos días de la muestra disfrutando del diálogo directo con los visitantes, guiándolos a través de sus paisajes texturizados y compartiendo las intrahistorias de cada lienzo.

Su legado demuestra algo cada vez más escaso en el arte contemporáneo: la fidelidad a una visión. Quien se adentre en su universo encontrará mucho más que volcanes, brumas y barrancos; descubrirá una sensibilidad forjada entre la distancia y el regreso, y constatará que, detrás de cada capa de óleo, sigue latiendo la pregunta de cuánta belleza permanece todavía oculta en aquello que creemos conocer.

Julio Padrón nos habla de su última muestra, Canarias, Tierra Mágica:

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Celestino Mesa, The Not So Still Life II

Susana Valcarcel — Sat, 06 Jun 2026 22:07:42 +0000

Dónde: https://desvanblancoec.blogspot.com/2026/05/the-not-so-still-life-ii-celestino-mesa.html

¿Puede la sombra de una planta de interior convertirse en el origen de una reflexión artística sobre la condición humana?

Durante esos días de pandemia, todo comenzó con una sombra: la de una planta pulmonaria sobre una pared. La delicada ramificación de sus hojas llamó la atención de nuestro artista. Evocaba la compleja estructura interna de los pulmones humanos; como si naturaleza y cuerpo compartieran un mismo lenguaje secreto. Aquella visión, surgida en un tiempo marcado por la incertidumbre y la conciencia de vulnerabilidad, se convirtió en germen de una investigación artística.

The Not So Still Life II trasciende la naturaleza muerta tradicional. Y deviene en una reflexión contemporánea sobre la fragilidad de la existencia, los silencios de la vida cotidiana y el anhelo de cercanía que atraviesa al ser humano de nuestro tiempo; rodeado de pantallas y mensajes instantáneos, pero hambriento de una comunicación verdadera. La nueva exposición de Celestino Mesa, The Not So Still Life II es así un corolario de aquella investigación pictórica iniciada durante el confinamiento. Si la primera entrega de The Not So Still Life abordaba de forma más directa el aislamiento vivido durante aquellos años, esta segunda propuesta amplía la reflexión hacia una dimensión más universal.

El montaje expositivo reúne una veintena de obras en óleo y acrílico sobre lienzo y tabla donde el artista sintetiza su lenguaje visual. La soledad no se plantea como un hecho aislado o excepcional, sino como una realidad humana latente incluso en compañía. Esta paradoja se articula mediante composiciones sobrias, espacios vacíos y una gama de grises y tonos neutros que potencian el carácter contemplativo de la obra.

Uno de los aspectos más interesantes de la exhibición es la ausencia total de personajes. No hay rostros ni cuerpos. Son los objetos los que asumen el protagonismo de las emociones humanas. Las plantas aparecen aisladas, los manteles conservan la huella de una compañía reciente y los utensilios domésticos adquieren una dimensión simbólica inesperada. Cada elemento ocupa un lugar preciso dentro de una narrativa silenciosa donde la ausencia se convierte en presencia. La pintura de Mesa logra así que lo cotidiano trascienda su función habitual: una simple taza puede sugerir espera; una mesa vacía, nostalgia; una planta solitaria, resistencia. El espectador es quien completa la historia desde su propia experiencia.

Referente del arte canario contemporáneo

Nacido en Tenerife y profundamente vinculado a la cultura visual de las Islas Canarias, Celestino Mesa pertenece a esa generación de artistas que entiende la pintura como un proceso permanente de aprendizaje. Su formación reglada en diversas escuelas europeas, sus viajes por múltiples continentes y su contacto con variadas corrientes pictóricas a lo largo de 30 años de experiencia, enriquecieron una mirada que hoy combina precisión técnica y reflexión.

Quienes conocen su trayectoria saben que resulta difícil encasillarlo. Ha destacado como acuarelista, retratista, paisajista y creador de escenas costumbristas. Cada nueva serie representa una exploración única, novedosa; una búsqueda con la que continúa creciendo sin perder la honestidad que define su obra. El resultado es una evolución constante que, sin embargo, preserva una identidad artística inconfundible y una extraordinaria sensibilidad hacia la luz.

La crítica ha definido el lenguaje pictórico de Mesa como un hiperrealismo trascendente; una fórmula idónea para describir una pintura que, si bien captura la realidad con un virtuosismo técnico impecable, nos conduce simultáneamente hacia territorios emocionales y simbólicos mucho más profundos.

Lo más sorprendente de este montaje es que sus protagonistas son inanimados, pero están vivos. Desde sus sombras, se construye aquí un universo donde los objetos dejan de ser simples elementos domésticos para convertirse en testigos de la experiencia humana. Las obras no representan únicamente lo que vemos, sino también lo que recordamos y anhelamos; esa profunda necesidad de conexión que nos acompaña a lo largo de la vida.

Más que naturalezas muertas, The Not So Still Life II es un recorrido que plantea una reflexión poética sobre nuestra forma de habitar el mundo y de relacionarnos. Una oportunidad para descubrir cómo los objetos más cotidianos pueden trasmitir emociones universales y quizá inundarnos de su quietud y silencio.

Estamos ante un despliegue que merece ser disfrutado en primera persona, pues una creación de semejante calibre solo llega a completarse a través de la subjetividad del espectador.

Celestino Mesa nos habla de su exposición The Not So Still Life II:

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Carl-Heinz Krüger y Xabier Calvo Cuéllar, Fragmentos del Ser

Susana Valcarcel — Tue, 19 May 2026 11:43:59 +0000

Sede: Casa del Vino Tenerife

¿Cuántas obras maestras habrán terminado en un vertedero por pura ignorancia? La historia de esta muestra arranca con un giro digno de guion cinematográfico. Al fallecer uno de los pintores de la presente exposición, sin descendencia directa, toda la producción artística que había desarrollado en Tenerife fue descartada por sus herederos. Las piezas terminaron en la calle, al borde del contenedor de residuos. Fue entonces cuando el azar —o quizá la sensibilidad— intervino: un joven del barrio, atraído por las pinturas abandonadas del que fuera su vecino, decidió salvarlas. Un rescate providencial que hoy nos permite contemplar un legado y recuperar una memoria.

La obra que el destino se negó a perder

Parte de lo que contemplamos en las paredes de esta colectiva son “piezas supervivientes” que fueron realizadas por Carl-Heinz Krüger en su última etapa de vida. Fue un pintor y arquitecto alemán que desarrolló un lenguaje profundamente vinculado a la abstracción y a la espiritualidad del paisaje. Discípulo del maestro alemán Willi Baumeister, Krüger evolucionó desde una pintura emocional y expresiva hacia una abstracción total donde el color, el gesto y la energía se convierten en protagonistas. Durante sus últimos años residió en Arico, Tenerife, lugar donde su obra alcanzó una madurez influenciada por la luz y el territorio insular.

Sus pinturas no representan el mundo visible: lo evocan. Sus trazos parecen impulsos directos del subconsciente, movimientos donde la mano actúa antes que el pensamiento. Al observar sus obras de cerca, no vemos únicamente formas o colores; vemos rastros emocionales, fragmentos de memoria y estados mentales suspendidos sobre el lienzo. Quizá por eso resulta aún más conmovedor pensar que estas piezas estuvieron a punto de desaparecer para siempre.

La geometría de la luz y la materia

La presencia de Xabier Calvo Cuéllar aporta a la muestra un universo muy diferente, aunque igualmente complejo. Con más de cuatro décadas de trayectoria, su trabajo gira en torno al dominio del vidrio y técnicas como la vidriera emplomada, la técnica Tiffany, la vitrofusión o el vidrio en hormigón. Más allá de la técnica, sus composiciones hablan de estructuras en constante tensión.

Frente al gesto libre y emocional de Krüger, Xabier construye imágenes donde líneas, formas y fragmentos parecen buscar un equilibrio imposible. Sus obras transmiten orden y ruptura al mismo tiempo; como sistemas que se intentan organizar sin lograr “consolidarse”.

Dos formas de habitar la abstracción

La exposición Fragmentos del Ser reúne las obras de Carl-Heinz Krüger y Xabier Calvo Cuéllar en una suerte de diálogo visual donde la abstracción se convierte en una forma de explorar la identidad, la emoción y la percepción humana. La fuerza de la colección aparece precisamente en su encuentro. Por un lado, la pintura impulsiva y casi visceral de Krüger. Por otro, las estructuras luminosas y fragmentadas de Xabier Calvo. Entre ambos surge un correlato sobre la identidad contemporánea: un “yo” inestable, múltiple y en permanente transformación. Como decía Pablo Picasso: “El arte es la mentira que nos permite comprender la verdad.”

Y quizá esa “mentira” sea aquí la abstracción misma. La ausencia de figuras reconocibles obliga al espectador a completar lo que no se ofrece; a proyectarse dentro de la obra y encontrar en ella algo propio. Al final, la exposición no habla únicamente de los artistas. También habla de nosotros: de nuestras propias fracturas, de la memoria, de lo que perdemos y de aquello que, incluso cuando parece destinado a desaparecer, todavía puede ser rescatado. Quizá todos estamos hechos de fragmentos supervivientes.

En una época marcada por lo inmediato y lo fácilmente clasificable, esta muestra propone lo contrario: detenerse, observar y aceptar que el ser humano es una multiplicidad viva. Como afirmaba el filósofo Friedrich Nietzsche: “No hay hechos, solo interpretaciones.” Y precisamente eso es lo que plantea esta exposición: no ofrecer respuestas cerradas, sino abrir espacios para que cada espectador construya su propia lectura.

Fragmentos del Ser no es un montaje de consumo rápido. Es una invitación a regresar, a hacer descubrimientos. A dejar que cada obra dialogue de manera propia con quien la contempla.

Tal vez ahí resida el verdadero valor del relato que nos plantea Hilliger Sascha, curador de la muy original propuesta expositiva que nos ocupa. No solo ofrece a su contemplación unas pinturas que fueron despreciadas, sino que su potencial sinérgico insta a la recuperación de una mirada artística.

Mós sobre Xabier Calvo Cuéllar

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Ariam Lázaro Pérez Barrios, Cosecha Propia

Susana Valcarcel — Fri, 24 Apr 2026 13:27:25 +0000

Dónde?: https://desvanblancoec.blogspot.com/2026/04/cosecha-propia-ariam-lazaro-perez.html

¿Qué misterio habita en la mirada de quien posee el don de transmutar lo cotidiano en símbolo y sublimar lo visible hasta convertirlo en pura experiencia?

En el panorama contemporáneo de la pintura en Canarias, la figura de Ariam Lázaro Pérez Barrios se impone, por la solidez de su trayectoria y la calidad técnica de su obra, con una singularidad difícil de clasificar.

Hijo de trovador y heredero de una tradición donde palabra, música y emoción se entrelazan, su práctica artística no se limita al lienzo. Escribe también. Y esa doble naturaleza —visual y poética— cala en su trabajo. Hay silencios y tensiones en sus cuadros que no se explican únicamente desde lo visual. La ética de trabajo del pintor se revela en una voluntad inquebrantable por la excelencia: “Destaca su gran capacidad de trabajo, pero sobre todo su carácter analítico y apasionado, orientado a la búsqueda de un ideal. No pretende venderse ni demostrar nada, sino encontrar la belleza como un absoluto que persigue constantemente. Su obra está impregnada de esa búsqueda y, por ello, transmite una sensación de verdad”, manifestó el artista plástico Sergio Linares Velasco durante la apertura de la muestra.

De la Habana a Canarias

Oriundo de Cuba (1977), su formación y mirada se forjaron inicialmente bajo la luz del Caribe, antes de consolidar su lenguaje en este lado del Atlántico. Desde muy temprana edad siente inquietud por el cómic y la ilustración. Pronto se une a los grupos de historietistas que existían en la capital en aquel entonces, que asistían al famoso taller de historieta de la UPEC, donde se formó a toda una generación de artistas del cómic y la ilustración. Influenciado en sus inicios por el boom del manga crea, junto a un grupo de dibujantes y guionistas, el primer fanzine manga de Cuba, llamado “Manga Cubano”, donde la mayoría de los que participaron son a día de hoy profesionales del medio.
En su adolescencia descubre otra pasión, la pintura, que le lleva a ingresar en la Academia Nacional de Bellas Artes de la Habana “San Alejandro”, formándose en las especialidades de pintura y grabado. Allí coincidirá con los artistas Yoel Díaz Gálvez y Vladimir León. Participa asimismo en exposiciones colectivas y en distintos proyectos de cómic e ilustración en la Perla del Caribe.

En el año 2002, se traslada a vivir a Tenerife, donde cursa estudios de especialización en diseño e ilustración en la Escuela de Arte Fernando Estévez. Desde ese momento comienza su carrera como pintor muralista, trabajando para diversos ayuntamientos y también en escenografías con clientes privados. Paralelamente desarrolla su obra personal participando en numerosas muestras y eventos artísticos a lo largo de estos años y recibiendo varios premios y reconocimientos.
Como ilustrador ha realizado dos cómics para el Ayuntamiento de Adeje sobre la historia del municipio: “Adeje Guanche” y “La Conquista”.
Es pues un artista polifacético que cultiva también la escultura y la tematización.

El valor del maestro y la experiencia

Si bien su base se asienta en la instrucción reglada, el verdadero desarrollo de Ariam emana de una simbiosis poco frecuente: rigor académico, impulso autodidacta y su infatigable praxis. En este proceso, la figura del pintor canario Conrado Díaz Ruiz se erige como un pilar decisivo. Su labor trasciende la docencia para consolidarse como la de un maestro de estirpe clásica. Bajo su tutela, Ariam Pérez se inicia en los arcanos del oficio: desde el riguroso análisis de la forma y la disciplina cuasi mística del dibujo, hasta el ejercicio sagrado de la observación del natural. A esta influencia se suma una red de artistas y compañeros que, desde sus inicios, contribuyen a su evolución. Su trayectoria no es la del artista aislado, sino la del que crece en diálogo constante con otros.

Sobre estos cimientos gravita una constelación de referentes que abraza desde el realismo de la escuela rusa —con Iliá Repin a la cabeza— hasta la huella de la tradición española: Velázquez, Sorolla, Fortuny o Madrazo. De esta genealogía no extrae maneras, sino herramientas. Para Ariam, la historia del arte no constituye un archivo inerte, sino un fértil territorio de indagación. Esta herencia converge con una dimensión plenamente contemporánea: la democratización del saber a través de la red, el rigor del estudio autodidacta y una observación perenne. Es así como su formación se manifiesta como un proceso abierto, vibrante y en incesante expansión. De este modo, su formación se configura como un proceso abierto, vibrante y en incesante expansión

El proceso creativo: entre la intuición y el hallazgo

El proceso creativo de Ariam se articula a partir de lo que él denomina “chispazos”: intuiciones, imágenes mentales, asociaciones inesperadas que funcionan como punto de partida. Estas ideas se desarrollan mediante dibujos, fotografías —a menudo realizadas por él mismo— y pruebas pictóricas. Sin embargo, no se trata de un proceso lineal. En la búsqueda de una imagen concreta, surgen otras que modifican el rumbo de la obra. Este diálogo entre intención y descubrimiento sitúa su práctica en un territorio cercano a la poesía: no se trata de ejecutar una idea cerrada, sino de encontrarla en el propio proceso. Quienes han sido testigos de su metodología destacan dos pilares fundamentales: una entrega inusitada al trabajo y una mirada intrínsecamente analítica. Ariam no pinta desde la improvisación ingenua. Su obra está sostenida por horas de estudio, análisis de referentes, visitas a museos y una constante reflexión sobre la historia de la pintura. “Suelo partir de una premisa inicial, ya sea una imagen o un concepto latente. Si la idea es representar un gallo, por ejemplo, esa figura se convierte en el núcleo de una serie de interrogantes: cómo intervenirlo, qué elementos deben coronar la figura o qué atmósfera debe rodearla. Es entonces cuando se inicia el verdadero ejercicio de la composición” sostiene el creador. Su proceder revela una estructura compleja: dibujos previos, archivos visuales, referencias fotográficas propias y su constante revisión crítica. Sin embargo, todo este andamiaje técnico queda subordinado a un objetivo mayor: alcanzar una imagen que, en sus propias palabras, “se acerque a lo que ocurre en la cabeza”.

El plátano como símbolo

Uno de los elementos más característicos en su obra reciente es el uso del plátano como motivo recurrente. Lejos de ser anecdótico, este elemento se convierte en un eje de investigación formal y conceptual. Esta fruta le ofrece una versatilidad excepcional: puede transformarse, deformarse o adquirir múltiples significados sin perder su identidad. Su carga simbólica en el contexto canario —cultural, económica, territorial— amplifica su potencia. Pero más allá del símbolo, lo importante es el uso que Ariam hace de él: lo convierte en un recurso plástico, en un elemento compositivo, en una metáfora abierta. “Durante cinco años, mi mirada se detuvo con especial interés en la naturaleza del plátano, convirtiéndolo en el centro de mi búsqueda plástica. Esta muestra constituye un compendio de aquel ciclo creativo; una antología de las obras en las que profundicé en su forma y esencia durante ese periodo de mi vida”, señala el artista.

Cosecha propia

Este proyecto expositivo situado en el espacio cultural y galería de arte Desván Blanco ofrece una mirada retrospectiva al discurso plástico de Ariam, una síntesis de varios años de investigación. En ella se reúnen obras que exploran el símbolo, la forma y la materia desde diferentes relatos.

El recorrido permite apreciar la amplitud de su lenguaje: desde grandes formatos de poderosa presencia, hasta piezas más contenidas donde la intensidad se concentra. La paleta despliega una riqueza de matices que evidencia un dominio profundo del color. La combinación entre figuración y abstracción se presenta aquí con una naturalidad que solo es posible tras una consolidada experiencia. “En esta exposición tenemos un ejemplo muy claro de lo que es la abstracción y la figuración conviviendo en un terreno híbrido fuera de toda competición. En cada una de estas piezas hallamos esa simbiosis magistral, en la que la frontera entre lo figurativo y lo abstracto se desvanece mediante una factura impecable “, revela Román Hernández, escultor y director del espacio cultural Desván Blanco.

En Cosecha Propia, el autor nos ofrece el resultado de años de disciplina y pasión. Nos recuerda que el arte, cuando es honesto, es quizá el único lugar donde la técnica y el alma logran fusionarse inextricablemente.

No dejen pasar la oportunidad de ser testigos de esta síntesis magistral; una lección de pintura que se siente y se habita en cada pincelada, transformando la contemplación en pura experiencia poética.

PoésIcA es un canal de Youtube, un espacio de creación musical y poética donde todas las letras son escritas por Ariam Lázaro Pérez y musicalizadas mediante inteligencia artificial. Aquí se exploran y fusionan distintos géneros y estilos, rompiendo fronteras tradicionales para dar lugar a obras originales que aprovechan al máximo las posibilidades creativas de las nuevas tecnologías. Cada canción es una búsqueda expresiva de libertad total, experimentación y emoción.

**Ariam Lázaro Pérez nos habla de su exposición Cosecha Propia y de su proceso creativo:**

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María Jesús Pérez Vilar, Naturaleza Habitada

Susana Valcarcel — Wed, 25 Mar 2026 00:29:16 +0000

Dónde se exhibe: https://www.arteinformado.com/agenda/f/naturaleza-habitada-242955

En el siempre dinámico y fértil panorama cultural de Santa Cruz de Tenerife, sobresale con renovada intensidad una propuesta expositiva que establece una sintonía profunda con aquello que nos conforma. La reconocida pintora canaria María Jesús Pérez Vilar despliega en Naturaleza Habitada un universo plástico de gran sutileza, donde la memoria sensorial y la experiencia íntima se entrelazan mediante una sensibilidad poética de honda resonancia.

Desde el primer acercamiento, se revela una voluntad clara: trascender la representación convencional del paisaje para adentrarse en una dimensión simbólica, casi espiritual, en la que la naturaleza deja de ser un simple escenario y se convierte en una vivencia sentida e interiorizada. No se trata, por tanto, de contemplar, sino de habitar; de recorrer desde la subjetividad, territorios visibles e invisibles en constante diálogo.

María Jesús se inspira de forma evocadora en el célebre poema “Correspondencias” de Charles Baudelaire, incluido en Las flores del mal. Esta influencia no se manifiesta como una simple referencia erudita, sino como un auténtico fundamento conceptual que impregna la mayor parte de la obra.

En los versos de Baudelaire, la naturaleza es concebida como un templo vivo, atravesado por símbolos y ecos imperceptibles; dando lugar a una comunión en la que los sentidos se entrelazan y “los perfumes, los colores y los sonidos se responden”. Precisamente en esa idea —la de una realidad tejida por correspondencias sensibles y metafísicas— encuentra la prolífica artista un territorio fértil desde el que construir su lenguaje visual. Su pintura parece, así, traducir plásticamente esa sinestesia simbólica: los colores sugieren aromas, el ritmo de las formas evocan sonidos, las atmósferas despiertan recuerdos ocultos; aportando una clave fundamental al afirmar que la naturaleza no se agota en la línea del horizonte, sino que posee una dimensión interior habitada por la memoria, el olor o el tacto.

Pero en esta experiencia estética emerge también una dimensión más sutil, casi imperceptible, que introduce una atmósfera sugerente. En el catálogo de la muestra, la historiadora y escritora Felicidad Batista plantea un juego de miradas según el cual el espectador es también observado: hay «ojos atentos detrás de una ventana, entre la espesura de un bosque o bajo el agua» Esta visión proyecta un halo de misterio que transforma la relación con las obras. Ya no estamos únicamente ante paisajes interiorizados, sino ante presencias latentes que parecen habitar el lienzo y devolver la mirada, como si la naturaleza misma guardara conciencia.

Esta concepción poética articula un discurso en el que materia y espíritu, cuerpo e imagen interior, se funden en una unidad compleja y vibrante; entramado visual en cuyo seno el color adquiere un protagonismo decisivo. Intenso, envolvente, a veces casi táctil, se combina con una luz sutil que genera atmósferas de notable profundidad emocional. Su vocación perseverante, desplegada en múltiples formatos y soportes, evidencia un proceso creativo constante y de naturaleza orgánica, cimentado en la experimentación y la búsqueda. El recorrido se organiza en tres ámbitos interrelacionados. El primero, centrado en el agua, recoge un motivo recurrente en su trayectoria: fuentes, mares, arroyos o lágrimas que riegan como metáforas fluidas de la memoria y la emoción. Su carácter cambiante y reflectante convierte este elemento en un lugar de tránsito capaz de diluir lo exterior y lo interior.

A continuación, el bosque se presenta no solo como imagen, sino como experiencia vital. Atravesarlo implica enfrentarse a una dimensión introspectiva, densa y, al mismo tiempo, reveladora. Desde una concepción más libre del espacio, casi aérea, este ámbito permite a la artista explorar el color con una libertad lúdica, generando composiciones abiertas y dinámicas.

Finalmente, la sección dedicada al beso introduce una dimensión sensorial particularmente intensa. Más allá de su carga sensual, este gesto se convierte en un modo de contacto con el entorno que incita a tocar el paisaje hasta fundirse con él. La pintura alcanza en este plano una vibración emocional que interpela directamente al espectador, invitándolo a participar de ese latido compartido.

A lo largo de su trayectoria, María Jesús Pérez Vilar ha consolidado un lenguaje plástico coherente, íntimo y simbólico —que amalgama introspección, memoria e investigación formal, orientada ahora a profundizar con madurez, en una línea de trabajo que conecta lo biográfico con lo universal. En esta selección, su mirada ofrece una amplia riqueza en matices, dando como resultado un conjunto de piezas que evocan la primigenia Anaga, el cerúleo Atlántico y el susurro de los alisios; piezas que no solo se contemplan, sino que nos interpelan.

El alcalde de la capital tinerfeña, José Manuel Bermúdez, destaca que el municipio capitalino afianza progresivamente su posición como uno de los principales focos culturales del archipiélago, gracias a una programación expositiva comprometida con el talento y la sensibilidad artística. Bajo esta premisa, Naturaleza Habitada se presenta como una clara manifestación de esa línea de trabajo en el que la raíz literaria se convierte en el eje vertebrador de toda la entrega.

La muestra podrá visitarse hasta el 12 de abril en horario habitual del museo, con entrada gratuita. Asimismo, se ha programado una visita guiada por la propia artista, el 28 de marzo a las 12:00 horas, una ocasión idónea para adentrarse en su imaginario y dialogar directamente con ella.

María Jesús Pérez Vilar nos habla de su exposición, Naturaleza Habitada, en este vídeo:

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Julia Chillón, Nazareth Hernández, Yaiza Hernández y sus Territorios Interiores

Susana Valcarcel — Fri, 20 Mar 2026 13:20:32 +0000

Dónde se exhibe: https://www.liceodetaoro.es/novedades/557-exposicion-de-pintura-territorios-interiores.html

¿Y si todo lo que buscamos, fuera parte de nosotros? En un mundo cada vez más obsesionado con la velocidad, la idea de destino y la constante proyección hacia lo exterior, Territorios Interiores pretende, sin embargo, una deriva distinta: una travesía pausada que se orienta hacia dentro. En este recorrido no existen mapas que guíen, ni coordenadas que sitúen, ni distancias que puedan medirse, porque el viaje sucede en un medio tan íntimo como inabarcable.

Solo paisajes invisibles que, sin embargo, todos habitamos: el cuerpo como región, la memoria como geografía cambiante, la emoción como clima, el bagaje como relieve. Lugares íntimos que, durante siglos, permanecieron silenciados o fueron narrados desde miradas ajenas la mujer.

Este proyecto expositivo se sitúa en ese punto de inflexión donde lo invisible comienza a tomar forma y donde las voces, que históricamente fueron relegadas a lo anónimo, reclaman su lugar. Como escribió Virginia Woolf, “durante la mayor parte de la historia, Anónimo fue una mujer”. La mujer deja aquí de ser sombra e irrumpe como testigo, participando plenamente en la construcción de su historia y de su voz desde la pintura. Con este enfoque, la exposición reúne el talento de tres grandes mujeres artistas, cuyas creaciones afirman la fuerza expresiva de lo femenino, y exploran desde lenguajes propios distintas formas de habitar una identidad permeable a lo que se manifiesta, se transforma y se aquieta.

Cada pieza es un espacio para habitarse y reconocerse en lo que surge, cambia y permanece en calma. Porque quizá, al final, la extensión más desconocida —y más urgente de explorar— siempre ha estado dentro de nosotros. A partir de esta visión, la obra pictórica se entiende como un espacio de pensamiento y experiencia sensible. En palabras del filósofo y epistemólogo francés Gaston Bachelard,“el espacio habitado trasciende el espacio geométrico”: se forma no solo con líneas y proporciones, sino con vivencias, recuerdos y momentos de ensoñación que lo llenan de sentido.

Julia Chillón: nacida en Santa Cruz de Tenerife, ha sabido compaginar a lo largo de los años su labor como decoradora, artista y profesora de pintura. Su lenguaje pictórico plantea un equilibrio entre la espontaneidad y el control, moviéndose entre el realismo, el surrealismo y la abstracción.

En el arte descubrió, no solo su forma de vida, sino también una poderosa herramienta de aporte a la sociedad. Su creatividad y profunda sensibilidad le han llevado a colaborar, desde hace casi dos décadas, en numerosas campañas benéficas, dejando una huella ejemplar tanto en lo artístico como en lo humano.

En la obra de Julia, la pintura se convierte en un acto de dignidad y memoria. Sus emblemáticas Palenqueras sostienen una mirada alegre y triunfante a pesar de las condiciones adversas que tuvieron que afrontar. Mirarlas es celebrar su visibilidad recuperada, afirmando una existencia largamente silenciada.

Nazareth Hernández: originaria de Tenerife. Actualmente combina su práctica artística con la docencia y el diseño gráfico. Es reconocida por su lenguaje impresionista y por su innata capacidad de capturar el gesto y el instante fugaz de una acción humana. Su representación nace de una mirada profundamente vitalista. Frente a lo complejo del mundo actual, Nazareth abraza el entusiasmo como un acto de resistencia; convierte cada lienzo en un momento atemporal de finura estética, en un elogio luminoso a la alegría de vivir.

La serie Materia Viva de Nazareth nos invita a sentir el cuerpo como un espacio vivo y en constante transformación. En sus lienzos la naturaleza no rodea al ser humano: lo atraviesa. Flores, agua, gestos y color emergen como estados emocionales. Contemplarlos permite recordar que el cuerpo guarda memoria profunda, ritmo palpitante y mutación continua.

Yaiza Hernández: natural de San Cristóbal de La Laguna, crece entre arte y poesía, en un entorno familiar que marcó su lenguaje creativo. De perfil versátil, su trabajo transita con naturalidad entre la pintura, el diseño y la creación de espacios a través del interiorismo y la decoración. La producción artística de Yaiza se inscribe en una línea formalista renovada, donde precisión técnica y equilibrio compositivo no son meros recursos sino el cimiento de su propuesta estética. Esa búsqueda halla en el collage una herramienta clave en su proceso creativo.

En un tiempo marcado por la saturación de estímulos de la era digital, sus lienzos erigen umbrales de calma donde el tiempo se dilata; devienen espacios contemplativos. En el trabajo de Yaiza Hernández las figuras habitan escenarios neutros, acompañadas de palabras silentes que activan una lectura crítica de su colección Mujeres. Sus composiciones, contenidas y sugerentes, se transforman en refugios de serenidad en mitad de la vorágine. Un auténtico acto de resistencia serena al ritmo acelerado de lo cotidiano.

Cada una de estas artistas contemporáneas pinta con un lenguaje propio, pero desde una misma querencia: habitar la pintura como espacio de soberanía e identidad femenina, en escenarios donde la memoria se cristaliza y encuentra su lugar, revelando una verdad que late bajo lo visible. Aquí, el cuerpo trasciende la frontera para revelarse como un ámbito vivo. Una geografía moldeada por el recuerdo y la experiencia común, donde pintar se convierte en un acto de presencia y resistencia. Un modo de decir: estoy, somos, existimos desde nuestra propia voz, entendiendo lo femenino no como una idea, sino como una forma de estar en el mundo, recordando de esta forma a Simone de Beauvoir que planteaba que la identidad femenina no es un hecho biológico, sino una experiencia que se construye y se vive.

Enraizada en el contexto cultural del archipiélago canario, Territorios Interiores abre un espacio de encuentro, reconocimiento y resonancias donde la pintura no solo se contempla sino que nos mira de vuelta. Abandónate a esta inmersión, déjate llevar. En realidad, hay trayectos que no comienzan al partir, sino cuando elegimos mirar hacia dentro.

Más sobre Julia Chillón, Nazareth Hernández y Yaiza Hernández

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Elena Martí, Caminos Secretos

Susana Valcarcel — Fri, 13 Mar 2026 08:58:23 +0000

https://desvanblancoec.blogspot.com/2026/02/caminos-secretos-elena-marti-zaro-del-7.html

¿Qué habría sido de tantos artistas si alguien hubiera reconocido, desde el primer latido, la promesa de su talento y hubiera apostado por él sin reservas? ¿Cuántas obras y mundos habrían florecido a tiempo si una sola mirada hubiera sabido intuirlo cuando todo era apenas un comienzo?

En la trayectoria de nuestra artista, ese apoyo llegó temprano y cambió el rumbo de su vida. Su relación con el arte se forja desde la infancia y se revela como una vocación inevitable. Desde niña destacó por sus cualidades para el dibujo, un talento que sus profesores reconocieron muy pronto y no dudaron en estimular. El elogio inicial que recibió en la escuela se vio reforzado por el apoyo de sus padres, quienes, en un gesto poco habitual para la época, impulsaron decididamente su formación artística y la encaminaron hacia los estudios de Bellas Artes.

Ese apoyo germinante se transformó con el tiempo en una actitud casi ética hacia su práctica artística. Para Elena Martí Zaro, el arte no es únicamente una profesión, sino una forma de fe. Concibe su trabajo como un deber moral, una fidelidad que requiere constancia y disciplina, y cuya omisión le genera frustración. En su visión, el arte constituye lo que diferencia al ser humano del animal: la capacidad de percibir la belleza incluso en lo cotidiano, de encontrar en lo más simple una dimensión que trasciende lo visible y toca lo esencial. “Creo en el arte, y además, pienso que es lo único que nos salva” sentencia Elena.

Un dibujo como territorio interior

En la exposición Caminos Secretos, la artista madrileña, reconocida internacionalmente, presenta una selección de obras sobre papel desarrolladas desde 2020. Realizadas en carboncillo y grafito, estas piezas construyen un universo visual austero y complejo al mismo tiempo, donde la economía de medios convive con una intensa densidad simbólica.

Las composiciones se articulan mediante arquitecturas esquemáticas, juegos geométricos y perspectivas que dialogan con una iluminación muy medida: contraluces, blancos radicales y negros profundos que generan espacios vibrantes. En estos dibujos, la línea, protagonista absoluta, no es solo un recurso formal, sino una metáfora del tránsito: caminos, trayectorias, decisiones, bifurcaciones. Cada obra se presenta como fragmento de un mapa mayor: caminos que no avanzan de forma lineal, sino que se entrecruzan a semejanza de pensamientos o sueños.

Símbolos, laberintos y umbrales

Los dibujos de Martí proponen una lectura del espacio como territorio mental. Nos evocan laberintos, puertas entreabiertas, senderos que se pierden en la sombra o estructuras arquitectónicas fragmentadas. Las líneas del dibujo se convierten así en huellas de tránsito, rastros de historias que son apenas sugeridas. Son imágenes que remiten a procesos internos: emociones ocultas, recuerdos latentes, narraciones invisibles. En este sentido, los “caminos” del título no deben entenderse únicamente como rutas físicas, más bien, decisiones vitales, trayectorias personales que rara vez se muestran con claridad.

La artista trabaja con una tensión constante entre lo visible y lo oculto. Los espacios en blanco, lejos de ser vacíos, actúan como pausas de respiración visual y como zonas de silencio. Las sombras, por su parte, funcionan como umbrales: lugares donde la mirada se detiene y comienza la interpretación.

La presencia humana sin figura

Uno de los rasgos más distintivos de su obra es la ausencia de la figura humana. Pese a que el cuerpo no aparece, su presencia se hace sentir de manera constante en la arquitectura y los espacios construidos que cruzan escaleras. Son estructuras creadas por el ser humano, pero ahora convertidas en símbolos. Como motivo recurrente, la escalera despliega múltiples significados: subir y bajar, entrar y salir, evocando movimiento, tránsito y transformación. Para EMZ, estos elementos arquitectónicos no son simples objetos representados, sino que actúan como metáforas del viaje interior, transformándose en espacios que sugieren una dimensión metafísica. “Cuando ves mi obra tienes que ir más allá de lo que se ve”, aclara Elena. En esta afirmación se condensa una de las claves de su trabajo: la pintura entendida como una puerta hacia lo sutil.

Una trayectoria centrada en el espacio

Nacida en Madrid en 1961, se licenció en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid en 1986. Desde finales de los años noventa ha desarrollado una trayectoria expositiva constante en galerías e instituciones españolas y europeas, articulando un discurso centrado en la memoria, la arquitectura y la construcción simbólica del espacio.

Un momento decisivo en su formación fue la beca concedida por el Ministerio de Asuntos Exteriores que le permitió residir entre 1991 y 1992 en la Academia Española de Historia, Arqueología y Bellas Artes en Roma. Esta etapa contribuyó a consolidar su lenguaje artístico y su interés por la dimensión histórica y simbólica de la arquitectura.

A lo largo de su trayectoria, Martí ha presentado proyectos que profundizan en distintas dimensiones de la representación: desde Paisajes y Arquitecturas (1997) hasta exposiciones como Elegías (2004), Desnudos (2010), Incógnita (2015) o La Sombra de Babel (2017), donde la fragmentación del relato visual y la tensión entre lo visible y lo oculto se convierten en temas centrales.

Más recientemente, proyectos como Espejismos (2022), Cuentos Cortos (2023) o Proyecto 0 (2024) muestran una progresiva síntesis formal y conceptual que culmina en Caminos Secretos, presentada en el espacio cultural Desván Blanco.

Esta muestra invita al espectador a una experiencia activa. No se trata únicamente de observar, sino de descubrir: de recorrer con la mirada los trayectos que la obra apenas insinúa y de completar sus silencios. En estos dibujos, cada línea parece señalar un desplazamiento posible y cada sombra abre la puerta a un relato latente. Lo invisible —sugiere Elena Martí— no está ausente; simplemente requiere una mirada atenta. Quizá por ello, quien se acerca a contemplarlas termina aceptando una invitación más profunda: la de detenerse, mirar con calma y descubrir que, a veces, los caminos más reveladores son precisamente aquellos que permanecen ocultos.

Aquí puedes ver a la pintora Elena Martí Zaro hablar de su exposición Caminos Secretos:

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Valkarze, Piroklástika

Susana Valcarcel — Thu, 19 Feb 2026 11:36:03 +0000

https://villademazo.com/el-museo-casa-roja-acoge-la-exposicion-piroklastika-de-la-artista-valkarze/

Tras un período de investigación posterior a su primera muestra expositiva en Canarias, Telúrika, la artista plástica Valkarze regresa con un nuevo proyecto en solitario: Piroklástika, que se puede disfrutar en el Museo Casa Roja (Villa de Mazo, La Palma).

En el corazón volcánico del Atlántico, donde la tierra se alza, tiembla y se transforma, el arte de Valkarze encuentra su resonancia más profunda. Así nace Piroklástika: un encuentro entre geología y gesto pictórico; entre lo que la tierra expresa y lo que el ser humano imagina.

El título alude a los términos volcánicos que definen el habitar en estas tierras jóvenes y emergentes. Como los fragmentos piroclásticos expulsados en las erupciones que dieron forma al archipiélago, la artista española expande su universo artístico con un lenguaje propio, cargado de fuerza y sensibilidad.

La muestra comprende más de sesenta obras inéditas en distintos formatos, algunas de ellas pertenecientes a su anterior proyecto Telúrika (2023), invitando a redescubrirlas en un diálogo renovado. De esta manera, se completa un díptico conceptual entre ambas exposiciones.

En estos cinco años de residencia en Tenerife, con los ecos aún presentes de la erupción de Cumbre Vieja y el incendio de la Corona Forestal, Valkarze ha recorrido nuevos territorios que han dejado huella en su experiencia vital y espiritual. Su participación en el colectivo Albazul también ha marcado esta etapa de intercambio y vanguardia creativa.

“Creo una pintura que se construye a partir del gesto, del ritmo, de la materia. Una pintura que no busca representar la naturaleza, sino actuar con ella.
Que se deja llevar por lo espontáneo, por lo instintivo, como si el acto de pintar fuera también un proceso volcánico. En esta muestra encontrarán diferentes lenguajes plásticos que conviven: desde obras muy gestuales hasta piezas más contenidas” explica la artista sobre su proceso creativo.

El gesto pictórico de Valkarze, afinado con la tierra y sus pulsaciones, funde lo ancestral con lo imaginado en un proceso espontáneo, casi ceremonial. Piroklástika también alude a la diversidad de lenguajes plásticos que conforman la propuesta: manifestaciones que invitan a ser contempladas con calma, para permitir que emerja el onirismo que atraviesa cada obra.

Su pintura se despliega como fuerza en transformación: formas dinámicas que se fragmentan, se expanden y fluyen. La serie negra, singular dentro de su trayectoria, ejemplifica de manera contundente esta propuesta, en sintonía con la energía telúrica de la Macaronesia. En última instancia, Piroklástika se presenta como un homenaje poético y visual a esa metamorfosis constante que define tanto a la naturaleza como al arte.

La exposición invita al espectador a detenerse, a mirar con atención y a dejarse atravesar por la intensidad estética de cada pieza. Es un llamado a reconectar con la imaginación: esa fuerza esencial que devuelve al arte su dimensión ritual, como comunión con lo inasible de la existencia.

En todo momento, la exposición estará acompañada por la música del compositor lanzaroteño Samuel Aguilar, cuya creación sonora intensificará la vivencia sensorial del público, generando un diálogo íntimo entra la plástica y la música, dos pasiones esenciales en la trayectoria de Valkarze.

“Decidí unir imagen y sonido, con el trabajo de este compositor lanzaroteño, para que el público pueda sentir de otra manera, la energía de esta tierra mientras recorre la sala, como si cada cuadro guardara el rumor del mar, el latido de la montaña y el rugir de la lava que se desliza a sus anchas” revela la artista.

Este proyecto expositivo se presenta como un ejercicio de imaginación en estado puro, donde la abstracción y el surrealismo dialogan con un territorio marcado por el fuego, el mar y la transformación constante. Inspirada en el archipiélago canario, la muestra no reproduce el paisaje: lo reinterpreta, lo fragmenta y lo reinventa desde una mirada libre y contemporánea. La invitación está hecha: entrar, mirar y dejar que la erupción creativa haga el resto.

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