Questo blog, con la selezione degli articoli pubblicati su l’Opinione, si è trasferito all’indirizzo: http://doracalva.blogspot.com. Ci vediamo di là?

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Ecco che la tragedia abruzzese e italiana di questi giorni è l’occasione – infelice, beninteso; indesiderata, sfortunatissima – di vedere Bruno Vespa condurre Porta a Porta emozionato al naturale.
L’aquilano, attraverso le ultime puntate del suo show, dedicate al parere di Ignazio La Russa e Antonio Di Pietro sulla situazione abruzzese, dopo le scosse di terremoto dei giorni scorsi, sta dando una straordinaria prova di coscienza del suo potere e della possibile veicolazione emotiva di esso. E del potere che, invece, si può comunque sfruttare quando questa coscienza venga messa da parte.

Quello che di norma svolge Bruno è un lavoro complesso e difficilissimo. Si tratta, sostanzialmente, di essere impassibile di fronte al peggio (se proviene dall’ospite giusto, soprattutto quando questo appartiene alla classe politica, che sia di uno schieramento o di un altro), e sedare la spontaneità, che sia di pubblico che di ospite “tecnico”. Dove ospite tecnico significa soprattutto ospite competente o testimone di qualcosa, non soltanto non politico.
Questi sono gli strumenti del regno di Vespa, che ha un da fare considerevole per rendersi sempre mediaticamente sostenibile e, al tempo stesso, il meno noioso possible.

In questi giorni vediamo un conduttore diverso al timone del suo prodotto, suonabile come uno strumento musicale, di norma. A volte è indeciso sul da farsi, su quanto tempo ancora concedere a un’intervista forse non decisiva, ma straziante. Altre quasi sembra non ascolta un parere che sta dichiarando troppa verità, qualcosa che, a regime, avrebbe preferito un po’ tagliare per non sprecare cartucce, o per vari criteri di convenienza imperscrutabili ai comuni mortali, ma vitali per l’economia del suo lungo, decennale discorso.
Sono poche, pochissime le occasioni in cui il carattere di Bruno viene fuori, e siccome è un carattere infinitamente migliore di quello che vuole o può darci a vedere, è bello notificarlo.

Anche gli architetti paleocristiani sanno essere molto persuasivi, quando ci costringono a percorrere tutta una lunga navata, per poi farci approdare alla verità contenuta in un’abside magnificamente adorna di mosaici. Ma è tutta un’altra cosa quando quella stessa verità ce la dicono invece i più umili scultori dello stesso periodo, con un semplice fregio di pietra, che la sa ancora più lunga sulla questione di Dio e tutto il resto.
Così, Vespa è un grande quando lo vediamo all’opera nelle puntate ordinarie di Porta a porta, quando quello che vuole dirci ce lo dice con decine di sotterfugi, ospiti presentati prima o dopo, frasi mozzate con classe, e un certo innegabile gusto per quelle scampanellate che annunciano che qualcosa nella puntata sta cambiando, per poi non cambiare mai. Ma è un mito quando quello che vuole dirci ce lo dice e basta, come succede le volte in cui non si parla di delitti, per quanto irrisolti; non si parla di Sanremi, ma si parla di un dramma umano, politico, economico e sociale che sta toccando L’Aquila, amata come sanno essere solo le terre d’origine.
Bravo, coraggioso, emozionato Bruno: ci piaci come non mai, anche se pure le altre volte non scherzi, proprio perché, speriamo, tu scherzi.

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Per nessun altro ospite di questa stagione Piero Chiambretti aveva diffuso tanta pubblicità preventiva, e tante attenzioni a posteriori. Tutta la puntata di mercoledì sera di Chiambretti Night è stata incentrata su uno e ad un solo “numero uno”: l’allenatore del Football Club Internazionale, Mourinho. Lo stesso José odiato dalla stampa che conta; lo stesso idolatrato dalla stampa che vorrebbe non contare, e trascorrere il suo tempo ad addormntarsi contando le questione di lana caprina; ma è costretta ad essere alla moda e a dedicare proprio a Mourinho un’intera pagina giornaliera.

Solo, è successo un fatto. La puntata di mercoledì è stata la più noiosa di tutte le puntate noiose di questo Chiambretti @Mediaset. José dos Santos Félix Mourinho ha saputo deludere non solo alcuni dei suoi fan più integralisti, che scrivano o no sul Foglio di Giuliano Ferrara, ma anche ciascuno dei numerosi milanisti che, di norma, guardano Italia Uno in seconda serata. I primi si attendevano battute salaci e dandismo portoghese come se piovesse, e hanno avuto una semplicissima giacchetta destrutturata e musi lunghi. I secondi si attendevano polemismo finalmente salottiero, e invece hanno trovato diplomazia da politico d’altri tempi e occhietti alle signore.
A parte questo, The Special One si è rivelato fin dalle primissime mancate battute The Boring One: quello che annoia. Il tormentone alla giovane Holden, per tutto il tempo a disposizione (davvero tanto), è stato: dove vola tutto il sublime senso dell’umorismo di cui non si fa che parlare, nei parrucchieri ambosex di mezza Europa, quando Mourinho diventa se stesso?

Non legge i giornali, non guarda la tv: ok, speciale è speciale. E’ brizzolato con un rapporto talmente favorevole fra capelli grigi, bianchi e neri da fare invidia a un caporedattore di Condé Nast America. E’ una delle poche presenze umane che continua ad essere meglio di se stesso a vent’anni, negli occasionali filmati di repertorio che Chiambretti proietta, instancabile, alla ricerca di almeno un piccolo difetto, ma niente da fare. A parte che, quello grosso, è semplicemente davanti agli occhi di tutti: è una palla mortale. In cosa risiede la sua specialità: l’essere uno che lavora molto e che parla poco. Come se fosse una straordinaria invenzione, o una trovata pubblicitaria. D’accordo, forse in un paese come il nostro lo è. Però, a guardar bene, bello è bello, fico ancora di più. E’ quel fine dicitore che è forse un’invenzione.

Fra uno sguardo al monitor occultato male come una Lecciso (ma qui è l’inesperienza, lì è l’emozione), e un’occhiata all’orologio di cui forse ingiustamente la regia ostenta il marchio, non conta affatto che il Mou trascorra la sua interminabile ora e mezzo a cercare un equilibrio fra verità e finzione.
Il grande pregio di questa serata è quello che serpeggiava a mezza tinta fin dal suo principio, fino a un attimo prima che José raccogliesse gli omaggi del Foglio, le cui pagine, unite fra di loro, somigliavano tanto un rotolo di carta igienica lungo, resistente e tanto morbido. Josè è, per una solo volta, fra noi, solo per smentire tutto quello che si dice di lui quando non è dietro i microfoni di una conferenza stampa, o appena al termine della fatica di una partita. E per farsi una vagonata di fatti suoi.

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Ci sono serie televisive epocali, che raccontano attimi del nostro presente come e meglio di quanto sanno fare interi cicli ad affresco, nei confronti di epoche scomparse. C’è da dire che il nostro tempo scompare e riappare tanto rapidamente (e non sempre in nome di una progressione) che, a tratti, non possiamo sentirci neanche rappresentati dalla televisione. Ci viene incontro il web, ma non basta nemmeno il cosiddetto microblogging, che racconta selezioni di istanti, a restituirci con molto affanno un po’ di realtà, da consumare come una sigaretta che ci sappia lasciare il desiderio di volerne ancora.

Così, forse è più facile, ma più illusorio, che sia il cinema seriale, ad uso domestico, a spiegarci cosa siamo, mentre lo siamo: è imperfetto; inattuale, già nel momento in cui si consuma l’ultima mensa sul set, a riprese appena finite; ma la componente della durata introduce la possibilità di un tale evoluzionismo psicologico (che a volte è anche “biologico”: attori che invecchiano o crescono, fra le stagioni della serie e della vita), che le trame della finzione possono sembrare meno evanescenti del solito.

Gossip Girl, serie sugli adolescenti, ma fatta soprattutto per i loro fratelli maggiori, per almeno due stagioni è stata un capolavoro di televisione. Diciamo “almeno”, visto che possiamo solo sperare che anche la terza, confermata e attesa per il prossimo anno (negli USA), possa essere sullo stesso livello delle prime. Rifiutatevi di guardarla in italiano: meglio non sapere chi sia Serena van der Woodsen, o da chi e come presti servizio, per uno stage da sogno, la piccola Jenny Humphrey. Doppiata male e adattata peggio, la versione distribuita da Italia Uno non ha reso giustizia a quasi nessuno degli elementi di spicco dell’originale. Non c’è traccia della crudeltà in cerca d’amore di Chuck Buzz, che viene ridotto alla stregua di un cattivo qualunque. Uno di quei piccoli personaggi fastidiosi, di cui si attende con ansia la ciclica sconfitta, che riescono meglio in serie di ben più basso livello drammatico, come Orange County. Eppure, serie che giustamente i nostri adolesenti non possono che preferire alle complessità a loro occulte di Gossip Girl, e che hanno gridato alla delusione quando ne hanno viste le prime puntate, quest’inverno.

Alcuni elementi sublimi, però, possono sfuggire alle cure malriposte dei nostri adattatori. Uno lo abbiamo visto in una delle ultime puntate della stagione in corso per la tv statunitense, e racchiude gran parte del senso di Gossip Girl in una sola brevissima scena. Gossip Girl è una blogger che riporta in forma anonima pettegolezzi sulla giovanissima alta società newyorkese, basandosi perlopiù su suggerimenti e foto inviati via mail dai suoi affezionatissimi lettori-informatori.

Serena van der Woodsen è la stella più brillante di quella società, e ha una relazione con un coetaneo, intellettuale di basso ceto, poco popolare e non canonicamente bello (per quanta fortuna con le donne abbia poi consegnato quel ruolo al suo interprete). Passeggiando per la città, Serena scorge in un ristorante il suo ragazzo che accarezza la guancia di un’altra donna. Serena ha un cellulare in mano, e c’è un istante preciso in cui si rende conto che i due potrebbero stare per baciarsi. Ha troppa paura di vedere coi suoi occhi il momento successivo e, senza badare a cosa può riprendere, scatta una foto con il telefonino alla coppia, attraverso la vetrina del locale. La rabbia la porta a recapitare la foto a Gossip Girl.
La paura di assistere alla realtà nel suo svolgimento, e la facile possibilità di riprodurla, la spingono a fingere di rappresentare la vita invece che viverla veramente. Siamo o non siamo tutti Serena?

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Di solito, i talk show condotti dalle signorine accattivanti e solidamente ciarliere come Victoria Cabello (passata a la7) tendono a mettere in mostra il lato più spontaneo e meno istituzionale dei loro ospiti, e quanto più i loro nomi sono altisonanti e i loro fisici maldestri, più quelli hanno piacere a lasciarsi andare nei vari toccamenti e sfregolamenti cui la ragazza li sottopone. “Victor Victoria” non fa eccezione. Quanto più si è un mostro sacro e più ci si piace dissacrati dalle mani e dalla lingua di questa ex-veejay, che ha il vizio della performance e del mash-up. Non ultimo, proprio Marco Travaglio si è reso responsabile di una parodia del video-clip di Centro di gravità permanente, che è andata in onda per qualche giorno come teaser della puntata di questa settimana, e poi è stata trasmessa in versione integrale sotto gli occhi di Antonio Di Pietro in studio. La leggenda dice che ne siano registi i Manetti Bros., quelli dell’Ispettore Coliandro e di Zora la Vampira.

Ma giusto di Di Pietro volevamo parlarvi. Popolarissimo leader politico, eccepisce doppiamente dalla tendenza di cui parlavamo sopra: non soltanto, di norma, è talmente spontaneo dal rasentare la sguaiatezza e dallo sfondare abbondantemente la grammaticatura. In più, al cospetto di Victoria si formalizza, affetta professionalità malriposta, irrigidisce le membra; in poche parole si caga sotto dalla vergogna.
Unico vero momento di distensione di questa parte della puntata quando Di Pietro, cui Victoria decide di dare del lei, ma di chiamare Tony, comincia ad allentare la tensione imitando l’accento bergamasco, con risultati da parente più appenninico e pastorale del celebre terruncello di Diego Abatantuono. Gli aneddoti da giovane magistrato meridionale in terra lombarda non farebbero sorridere, per come li espone oggi, neanche quei ladruncoli da ufficio postale che racconta di aver arrestato tanti anni fa.

Il resto del tempo a disposizione si consuma con Afef Jnifen fra le grinfie della Geppi Cucciari (ex Zelig, crudelissima), che ha intenzione di tentare un atteggiamento femminile nei confronti di Afef del tutto inedito, grazie a un giustissimo equilibrio fra un certo sfottò consapevole di rosicare e un certo rosicamento consapevole di sfottere. La brava sarda, comica resident del programma della Cabello, aveva preparato delle ottime battute, tutte da rivolgere alla modella tunisina che, secondo il suo divertente copione, dopo aver inventato l’alfabeto farfallino (“quanti ricordi, nel quadrilatero della moda”), avrebbe avuto tutte le fortune, fra cui aver sposato un uomo molto figo e troppo ricco. Ma non appena Afef entra realmente in studio, e siede alla poltrona di scena che le è predestinata, quei capelli devono essere troppi; qualcosa non va in quei denti da discendente di schiava nubiana a sua volta discendente di qualche imperatrice dimenticata; e quelle battute, che avrebbero fatto tanto ridere se riferite, ad esempio, ad un’Alba Parietti – soprattutto nel caso avesse un abbozzo di marito – non scalfiscono nemmeno per sogno le nostre orecchie appaltate ancora per qualche minuto al suono, francofono e meodioso, di quell’altra voce che sembra arrivare da lontano.

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E’ stata interessante la puntata di “Palco e Retropalco” (Rai 2) dedicata Enrico Brignano, sia per la sua contestualizzazione nei momenti durissimi che la satira italiana sta vivendo in televisione, sia per quello che testimonia dell’evoluzione di un personaggio anomalo fra i suoi colleghi e rivali.

Brignano nacque come ragazzo prodigio tardivo del Maurizio Costanzo Show, con la parte del maldestro dialettale, specialmente con le donne, ma portando questa vecchia responsabilità ad un nuovo livello, puntando sul glottologico (grandissimo imitatore di accenti, con caratterizzazione anche psico-sociale della parlata) e sull’immediatezza fra ruolo nella gag e ruolo come ospite. Spesso era impossibile distinguere fra le due fasi della sua presenza, e non sappiamo ancora oggi se ciò rappresentò più uno sprone per la sua carriera televisiva o più un ostacolo per quella sentimentale. I più crudeli ritengono che la cosa abbia favorito e a tratti sfavorito entrambe nella stessa misura.

Il ragazzo prodigio tardivo del Maurizio Costanzo Show è un mestiere delicato, che richiede davvero una grande capacità. Ripetere per mesi lo stesso sketch (simulandone la freschezza) è una missione impervia, soprattutto se si viene presentati al pubblico da un uomo di un certo prestigio che vi indica come un nipotino durante un pranzo di Natale, invitandovi a mettervi in piedi su una sedia per recitare una poesia. Spesso, appunto, dialettale. E, questo, senza permettersi di essere ripetitivo, a meno che non vogliate finire come quei due comici che si assiepavano fra il pubblico del Parioli, uno grasso e scuro e uno alto e biondo di cui non tutti ricordano il nome, e nessuno l’utilità.

Oggi Enrico è molto cambiato. L’esperienza sul grande schermo lo ha reso un personaggio a tutto tondo. Certo, ogni tanto tornare sul ruolo del maldestro dialettale gli piace, ma più per ricordare che è ancora il vecchio ragazzo prodigio tardivo di un tempo, che per farci ridere veramente. Così, al cinema propone un personaggio difettoso ma adorabile, che contiene al tempo stesso la timidezza e la concretezza, la buona e la cattiva sorte di un bravo attore condannato ad indossare sì una maschera, ma la migliore maschera che gli potrebbe capitare: quella che gli somiglia di più.

Palco e Retropalco propone un suo monologo teatrale di ampio respiro: “A briglia sciolta”. Tocca gli argomenti più disparati, dalla socialità da chat fino a episodi della vita di provincia, bozzetti alla Maupassant ma post-moderni abbastanza da essere trattati ognuno con il suo particolare accento, forse per rinverdire la tradizione glottologica di cui sopra. E’ principalmente un monologo, o una serie di monologhi; ma non per questo non è dotato dei suoi momenti ricreativi, come gli stacchetti musicali fra una parte e l’altra, affidati a un corpo di ballo di strabone decontestualizzate, che forse sono una parte dell’eredità di Buona Domenica che Brignano si contende con Claudio Lippi e Massimo Lopez.

Ma qual è la vera novità? La novità è che nessuno dei monologhi proposti fa effettivamente ridere. Dove il vecchio Enrico ripetitivo e natalizio poteva a volte far sorridere, a volte – lo ammettiamo – anche far sganasciare (nei ruoli da donna agitata, soprattutto), il nuovo Brignano è un lontano ricordo di temi mutuati da Checco Zalone (sviluppati dall’originale in modo spesso geniale) o di stili da vecchio comico romano agli esordi. Uno di quelli in quei filmati recuperati per miracolo in cui si vede un grande di poi ancora impacciato col microfono o con la scaletta, e ci si domanda come abbia fatto poi a diventare poi quello che conosciamo.

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Dopo un paio di stagioni vere, X-Factor può assurgere a modello vincente del talent show italiano, e non soltanto per l’effettiva capacità, ormai assodata a più livelli, di poter proporre altrove il suo prodotto. Questo, anche se quell’altrove somiglia sempre di più a un’omogenea Skaiset (Sky più Rai più Mediaset), in cui gli opposti non solo toccano, ma si baciano con la lingua. Il vero motivo per cui è il talent show di riferimento nel nostro paese è un altro: X-Factor, molto più di Amici di Maria De Filippi, infinitamente più di un’anomalia del sistema come Ballando con le stelle, è il talent show che ha saputo meglio addomesticare il format internazionale da cui deriva. E con addomesticare intendiamo, innanzitutto, italianizzare – il giusto – dei modi che, altrove, troppo americanizzati, possono semplicemente sembrare asettici. Ma, soprattutto, spettacolarizzare le emozioni, e non solo dei concorrenti, vere o presunte vere che siano, ma anche quelle della giuria, elemento centrale ovunque American Idol, il talent show da cui deriva, anche se non ufficialmente, X-Factor, abbia attecchito.

E qui ci sentiamo di affermare che pochi altri giurati al mondo, nelle condizioni di Morgan dei Bluvertigo, abbiano saputo fare altrettanto in termini di simulazione e dissimulazione del suo ruolo, sapendo uscire a testa alta da ogni puntata del reality senza che la sua vecchia immagine di musicista intellettualistico, parolaio, dimestico con Asia Argento, possa essere minimamente intaccata. Anzi, la sua apertura al mondo dei soldi facili, accompagnata dalla giusta dose di disprezzo per quello che fa e per quello che si fa davanti a lui, lo rendono un piccolo grande eroe per chiunque abbia sempre desiderato trovarsi nelle sue condizioni, un tempo, ma aveva o troppi soldi per farlo disinteressatamente, o troppa poca materia grigia per farlo e basta.

Morgan appare come l’opposto esatto di DJ Francesco, come ci piace continuare a chiamare questo particolare figlio di Roby Facchinetti. DJ, per tutta la durata di una puntata, si divertirà si e no per cinque minuti, ma fa finta di divertirsi per tutto il resto, e anche bene, se di questo suo intrattenimento si accetta una dimostrazione puerile e stressata. Morgan, al contrario, si diverte per due ore, ma preferirebbe essere anche lui figlio di Pooh piuttosto che mostrarlo per un attimo al pubblico o a un compagno giurato. Anche mostrare di essere figlio di Pooh, beninteso.

Risiede in questo la sua particolare rivoluzione comunicativa, che lo rende così affascinante come vero volto televisivo rivelazione degli ultimi anni. E ora che siamo riusciti a parlare di X-Factor senza ancora nominare una sola volta Simona Ventura, è il momento di passare a una breve menzione di come Fiorello abbia reso la puntata di questa settimana una delle più belle di sempre.
A metà del generoso tempo concesso da Rai Due alla formazione professionale di questi musici, il grande entertainer siculo sfotte Mara Maionchi per un quarto d’ora divertendosi e mostrando di divertirsi per davvero. Morgan rosica al suo posto, mentre DJ Francesco

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Come tutti sanno, il vero evento culminante della prima serata di questa edizione del Festival di Sanremo è stato l’outing sessuomane di Iva Zanicchi.
Detto questo, si possono trascorrere intere mezz’ore a cercare momenti più rilevanti dal punto di vista estetico, e non ultimo quello in cui ci si è proposta l’idea che la valletta Alessia Piovan possa essere un’attrice dal cuore d’oro, o comunque una valletta illuminata. Il concetto stesso ci è suggerito più volte nel corso di questa sua performance, ma soprattutto nell’istante del suo errore col gobbo: quando, invece della sua parte da leggere, nel presentare un concorrente, le sue labbra da statua classica ridipinta enunciano chiaramente “Alessia, Paolo, Paul”. Nient’altro che i nomi dei personaggi di questa messa in scena, apparentemente grandiosa, ma in realtà tanto più piccola della sua stessa semplicità.

Tacciamo del duo Povia-Grillini che, sebbene non perfettamente in accordo sullo strumento da suonare e sui tempi d’esecuzione (l’uno, cantando dal palco e l’altro monologando dalla platea), ha dimostrato di possedere in grande misura il dono del relativismo, nonché di una certa, relativa signorilità espressiva (qui, però, ci spostiamo più nettamente nel campo d’azione del parlamentare omofobo-fobico). E in un Festival della canzone italiana in versi liberi, ma che ad ogni nuovo concorrente minaccia tanto di tornare a certe rime fin tropo baciate, non diciamo che possa rappresentare una ventata di freschezza, ma almeno un alito sapientemente deodorato.

Potremmo aggiungere che un piccolo difetto dell’edizione in questione possa essere rilevato in una certa tendenza alla faciloneria da parte di un Bonolis, altrove, sudato ma cosciente, sboccato ma forbito. Un presentatore la cui vera professionalità, in questa occasione, somiglia troppo alla capacità di far sembrare quella faciloneria emozione. Non crediamo per un solo fotogramma ai suoi imbarazzi davanti al pubblico, gay o macho, filo-delnoce o semplicemente onesto-lavoratore che possa essere. Il problema vero è che Bonolis spesso tende ad avvicinarsi stilisticamente a Luca Laurenti (noiosissime tutte le interviste in cui finge di sapere male l’inglese), senza che Luca Laurenti si avvicini al Bonolis cui siamo abituati. Il perché di tutto questo ci è ignoto.

Ci è noto invece, e solo da ieri, qualcosa che non avremmo forse dato per scontato, ma che comunque sapere con certezza, a un certo punto della storia di un lungo rapporto, può fare la differenza: Iva Zanicchi ha molta voglia di fare sesso. Anche senza amore, beninteso. Ma non solo. Come l’hanno parafrasata sul social network di fini dicitori Twitter: “ti voglio senza sesso, mi fa più effetto averti cesso”. Non pretende neanche per l’anticamera delle culotte di essere amata, ma solo accontentata.
La sua canzone è un monologo della vagina che conosce solo un prezzo giusto: quello non sempre sempre emozionante della gratuità e della generosità.

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Fin dall’infanzia, Dietlinde Gruber fu benedetta da una consuetudine felicemente ossimorica. Fu subito sua la giustapposizione di un diminutivo infinitamente più dolce di quel nome di battesimo: Lilli – disneyano, languido, a tratti quasi tenero; ad un cognome che la voleva dire lunga, fin da subito, su una natura da donna in carriera che non sa e non vuole rinunciare alla cattiveria o all’antipatia neanche per un istante.
Cresciuta, Dietlinde seppe fare di quella dicotomia qualcosa di più di un semplice stile di vita: un manifesto politico, colmo di licenze poetiche.

Lasciamo da parte il primo periodo della sua carriera giornalistica, e la parentesi europarlamentare, e prendiamo ad esempio la sua sola resa in “Otto e mezzo”, su la7. Di puntata in puntata, sera dopo sera, è chiaro che è principalmente Gruber – e non Lilli – che parla, gesticola, si lascia truccare. E, tutto questo, nemmeno per sogno è un’operazione di reazione alla mollezza, seppure relativamente mascolina, del suo co-conduttore Federico Guiglia. Si tratta, più che altro, di pura e semplice crudeltà nei confronti della memoria che noi tutti dobbiamo serbare della compostezza di Ritanna Armeni, che tanto moderatamente aveva saputo tener testa a ciascuna delle provocazioni, sia fisiche che professionali, che Giuliano Ferrara le lanciava dal suo sediolone.

Ciò, per tacere delle sue continue invettive tacite verso ogni incertezza lessicale e lookologica delle ospiti femminili in studio, che si tratti di una collega giornalista dal presente meno brillante del suo, oppure di una parlamentare più stanziale di quella che a lei stessa riuscì di essere.
Gruber è per antonomasia la donna che non piace alla donne italiane, e che maggiormente le donne italiane desiderano di farsi piacere davanti agli uomini, soprattutto in un centro-sud come il nostro, logorato com’è, ancora nel 2009, dal complesso delle pari opportunità o di Rosy Bindi.

Solo molto più raramente entra in scena Lilli. Si tratta di episodi limitati ma ricorrenti, come lo sanno essere gli incubi o certe pietanze nei menù odiati da certi bambini. Dietlinde diventa Lilli, o lo torna, principalmente in presenza di leader spirituali dotati della giusta quantità di peluria sotto il naso o sullo stomaco, adorati da lei anche – o soprattutto – quando non dicono qualcosa di sinistra.
Gruber e Lilli amano le contraddizioni in vasti e vari territori. L’una è talvolta scomoda come una di quelle seggiole in finta pelle che mostrano la gommapiuma; l’altra è invece spalmabile, come la migliore marmellata di prugne sa essere. In entrambi i casi, è fatta salva l’impressione di essere qualcosa su cui o per cui è molto scomodo sedersi.
Esiste una terza via? Solo quel che resta di questa vivacissima stagione di Otto e mezzo ce lo potrà rivelare.

Il fatto che la messa in onda dell’Ispettore Coliandro abbia avuto una storia travagliata non deve aver stupito troppo i fan dei Manetti Bros. Solo in queste settimane di febbraio, difatti, Rai Due sta trasmettendo gli episodi della seconda stagione di quest’eccellente serie poliziesca. Eppure, tutti erano stati finiti di girare nell’autunno 2007: tempi lunghi anche per un prodotto dalla qualità meno evidente, o magari per un kolossal in cerca di marketing. Chi ama e segue i lavori dei due fratelli Marco e Antonio Manetti, romani (autori, per dirla tutta, di qualcosa come “Zora la vampira”), si aspettava un trattamento del genere, soprattutto da parte di una certa critica istituzionale o immobilistica, come quella rappresentata dai baby decani di quel sottogenere del giornalismo umoristico-involontario, che si basa sull’imitazione del senso dell’umorismo di Aldo Grasso.

Tutti costoro stanno dando in coro contro la serie, muovendo accuse di cui una delle poche ripetibili è probabilmente: “furbetta”. Ma questo ce lo saremmo aspettato anche noi. Quando una serie televisiva nuova, fatta da giovani, piace molto ai giovani, è scomoda (e da giovani, qui, per comodità, siamo costretti ad escludere tutti quelli che effettivamente conoscono i nomi di più di due concorrenti di Amici di Maria De Filippi, anche senza saperli mettere in ordine di bravura nel canto).

Aggiungi un certo maledettismo dei collaboratori alla sceneggiatura (area settentrionale, intelligenza, produzione di battute realmente divertenti); l’ineffabile bravura del protagonista, e qualche altro dettaglio esecutivo: l’impiego di veri attori, per esempio, e un’aria esagerata, farsesca, fumettistica (la magistrata troppo bona, troppo brava, troppo stronza), ed ecco che il programma potrebbe ricordare troppo da vicino la concreta realtà, per essere approvato o amato da chi con la realtà ha a che fare. O, perlomeno, ne ha a che fare di più dei soliti giovani scanzonati, che però ti sanno tirare fuori un prodotto come questo.

Quelli che si aspettavano un prodotto solo comico, si sono trovati davanti la comicità di certi aspetti della realtà poliziesca e giudiziaria, e non solo; chi si aspettava un prodotto immaturo e involuto linguisticamente, ha potuto constatare che il coacervo di dialetti di cui si nutre ogni passaggio importante della sceneggiatura, è lo stesso, affascinante, mistilineo linguaggio delle strade italiane, ogni volta che succede qualcosa di interessante o di illegale. Giampaolo Morelli, la forza del disordine che ne è il protagonista, è uno dei migliori attori sottovalutati italiani, e ce lo dimostra una volta per tutte con questo personaggio donchisciottesco, amabile e tenero come tutti i meridionali onesti, quando vogliono fare un lavoro al Nord senza saperlo fare, ma amandolo da imopazzire.
Bellissimo il cameo che si ritaglia Carlo Lucarelli, inventore letterario del personaggio di Coliandro, nella prima puntata della prima stagione (“Il giorno del lupo”).

E’ stata smarrita una bella mazzetta di contanti in un ospedale pubblico, la mazzetta finisce nello smaltimento rifiuti ed è lui l’inceneritore che la brucia, con tutti i sogni di chi, buono o cattivo, bello o brutto che fosse, raccomandato o talentuoso, l’aveva inseguita fino a quel momento.