Per questo, l’esposizione al Museo Archeologico riveste la mostra di un doppio significato: le fotografie  non solo entrano in rapporto, ovviamente, con lo sguardo dello spettatore, ma anche con i reperti custoditi nel museo, che idealmente fanno parte della ricerca di Lynn Davis, sia come oggetti in sé – spesso si tratta di statuaria celebrativa, votiva, funeraria   sia come oggetto della memoria dei lungimiranti collezionisti che, a partire dai raffinati prelati rinascimentali, Domenico e Giovanni Grimani nel XVI secolo, hanno contribuito a creare la raccolte di antichità del Museo Archeologico veneziano.

Così, il viaggio ideale e fisico di Lynn Davis trova finalmente il suo luogo d’elezione, che è il luogo della memoria – e delle memoria antica, ancestrale, quasi atavica -, dove le grandi foto magistralmente stampate su rarissima carta fotografica, diventano non semplicemente l’esposizione temporanea di una stagione, ma il luogo dove “sono sempre state”, e dove potrebbero idealmente rimanere per sempre.

Promossa dall’Associazione di Promozione Culturale ASLC. La Città – Progetti per l’arte

Organizzazione a cura di Studio la Città, Verona
Su progetto di Elena Povellato – Venezia
In collaborazione con Galerie Karsten Greve – Colonia, St. Moritz, Parigi

Mostra curata dal Prof. Marco Meneguzzo

Modern View of Ancient Treasures
Fotografie di antichi luoghi sacri in Oriente
Inaugurazione: 21 settembre 2012, ore 17.30

Preview per i giornalisti e conferenza stampa: 21 settembre 2012, ore 11.00

Durata della mostra: dal 22 settembre 2012 al 13 gennaio 2013
MUSEO ARCHEOLOGICO NAZIONALE
Venezia, Piazza San Marco (entrata dal Museo Civico Correr)
apertura: tutti i giorni dalle 10.00 alle 19.00, dal 1 novembre dalle 10.00 alle 17.00. Giorni di chiusura: 1 Gennaio, 25 Dicembre.
Con il Patrocinio della Regione Veneto e del Comune di Venezia
Si ringrazia: Az. Agricola Ottella

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Una vita intesa e difficile che però la regista rappresenta con toni morbidi, per renderla comprensibile a chiunque. Reham affronta anche un problema personale. Avvia una relazione con un giovane, ma quest’ultimo deve fare i conti con l’opposizione di suo padre che non approva il rapporto con la ragazza perchè sorella di un tossicodipendente. La conclusione sarà positiva, ma gli ostacoli che Reham dovrà superare non saranno pochi e di poco conto.
«La Sposa di Gerusalemme» e’ stato presentato in Francia e in altri paesi europei e arabi e all’Istituto di Cultura Italiano di Haifa. Ha vinto il premio speciale della giuria del Festival del Cinema Arabo di Cagliari, sponsorizzato dalla Regione Sardegna e organizzato dall’Associazione Sardegna-Palestina.

Sahera Dirbas, è nata e cresciuta ad Haifa, ma risiede da quasi venti anni a Gerusalemme, ha cominciato la sua carriera girando documentari. La «Sposa di Gerusalemme» e’ il suo primo film con la partecipazione anche di attori professionisti

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di Davide Auricchio

Tuttavia, non dovrebbe sorprendere, a maggior ragione  un osservatore attento come la Cervasio, lo stato di salute del Madre di Napoli, forse l’unico museo al mondo privo di una collezione propria. Voglio dire che le bugie hanno le gambe corte o come direbbe un contrabbandiere navigato “la cassa prima o poi deve salire a galla” alludendo evidentemente al teorema di Euclide.

Dunque, spiazza tutto questo clamore sulla vicenda del Madre, come se una certa politica culturale avrebbe potuto produrre ben altri risultati che non il lento e irreversibile declino di carrozzoni inefficienti e ispirati a logiche da prima repubblica (d’altronde è un dato di fatto che gli enti pubblici napoletani sono in default). Eppure fino a qualche mese fa non c’era un giornalista in tutta la regione Campania che avesse avuto l’ardire di entrare nel merito di una politica attenta più all’effimero che alla sostanza.

Un museo, il Madre, che nel breve ma dispendioso corso di vita, non ha acquisito neanche un’opera d’arte raccattando a destra e a manca comodati d’uso o donazioni da parte di chi pure aveva qualche interesse a rilanciare le proprie collezioni private con ingenti investimenti pubblici.  Ma già a gennaio scorso le prime avvisaglie di una situazione diventata ormai impossibile: sul tavolo di un vertice tra la Regione e la Scabec, la società che gestisce i servizi del museo di via Settebrini, incombeva il macigno dei dodici milioni di euro vantati da vari creditori nei confronti della Fondazione Donnaregina che fa capo alla Regione da cui dipende il Madre.

Eppure c’è stato chi ha difeso l’operato di Cicelyn in una vera e propria apologia – così recitava il titolo – apparsa sulle pagine del primo quotidiano cittadino: “Il Madre è l’istituzione in cui Napoli si confronta con la scena contemporanea delle arti, provando a ripetere, con le varianti dettate da un grande spazio espositivo, lo schema della galleria di Amelio che tanta parte ebbe nell’apprendistato di Martone e di Falso Movimento”. Affermazioni piuttosto ardite, così come il paragone con colui che per primo aprì la città al contemporaneo inaugurando una stagione assolutamente irripetibile. C’è poi il particolare poco trascurabile che Lucio Amelio non dilapidava montagne di soldi pubblici ma arrischiava investimenti propri con capacità imprenditoriali, a quanto pare, del tutto sconosciute al direttore del Madre.

Direttore che ha fatto del museo il simbolo di una stagione politica finita e che oggi butta benzina sul fuoco: “Chi ha stabilito che l’ opera di Carl Andre (che peraltro la vedova del gallerista Konrad Fischer rivuole) va da sola in una stanza, che Paladino si accosta a Pisani? Queste cose deve deciderle un curatore”. A quanto pare Cicelyn ne contesta l’ assenza: “Il direttore non viene nominato da un anno, ma il vero problema sono i fondi privati che non sono arrivati, come da modifica dello statuto e i fondi della Regione pari a zero. Se volevano ammazzare il Madre bastava dirlo, non era necessario cambiare lo statuto”.

Nelle sale rese inaccessibili da transenne (quasi l’ intero secondo piano) sono rimaste solo cinque opere. Per una, quella di Gianni Pisani, “Incidente”, è in corso una querelle: l’ artista la vuole indietro, perché chi l’ ha prestata al Madre purtroppo non c’ è più e Pisani teme anche per le sorti del suo lavoro. Percorsi anomali per i visitatori, ridotti a cinque al giorno, ma si annuncia una svolta per il museo di via Settembrini: “Dovremmo essere alla vigilia dell’ arrivo delle misure che aspettiamo – dice l’ amministratore Pierpaolo Forte – nel frattempo alla Fondazione abbiamo predisposto tutto quello che serve: il museo è una macchina pronta per ripartire ma manca la benzina. La prossima settimana la considero decisiva. E intanto esponiamo quello che abbiamo”.

Ma, a parte le incapacità gestionali e le dichiarazioni propagandistiche, quello che è più mancato in questi anni è un lavoro di storicizzazione. Si è preferito bypassare le enormi difficoltà che una ricostruzione dei fatti che hanno segnato la vita artistica della città avrebbe comportato. Forse, per non scontentare nessuno – d’altronde le rivalità e gli screzi tra le gallerie storiche sono proverbiali –  o più probabilmente per creare una discontinuità con il passato in nome di una svolta politica e culturale senza precedenti. Qui, più che altrove, sta la debolezza del progetto museale di Cicelyn che giustificherebbe almeno in parte il numero sempre crescente dei suoi detrattori.

Ma non sia detta l’ultima parola, speriamo che il Madre si salvi e che la nuova direzione faccia i conti con il passato. Non solo con quelli economici, s’intende.

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www.collezioneperuzzi.it

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La Maison Européenne de la Photographie è lieta di presentare Un Vrai Semblable, la prima personale di Paul Thorel in un istituto francese. L’artista italo-francese esporrà un’estesa raccolta di nuove opere realizzate appositamente per questo evento.
Le stampe in digitale di Paul Thorel, spesso in grande formato, sono state paragonate all’esperienza di guardare la televisione negli  anni ‘60 e ‘70, quando l’immagine veniva spesso disturbata e distorta dalle linee della trasmissione. Le sue opere ostacolano la comprensione della realtà visiva, obbligandoci ad accettare che non si avranno mai risposte esaurienti alle domande che esse pongono.

Centrale in questa mostra parigina è la figura umana: tutte le opere si sviluppano intorno a questo elemento. La mostra propone ritratti, paesaggi, elementi botanici e una nuova serie in cui protagonista è la folla; mentre le opere con soggetti botanici nascono nelle immagini delle folle, i paesaggi contengono come loro punto di partenza un ritratto. È solo durante la fase di realizzazione del lavoro che le linee e le forme dell’immagine originale prendono vita in qualcosa di nuovo, un processo di ‘spostamento’ essenziale al metodo di lavoro digitalizzato di Thorel.

I tentativi di leggere le opere di Thorel rivelano che sono di fatto l’opposto della fotografia tradizionale. I suoi lavori costringono ‘l’occhio della mente’ a compensare i dettagli mancanti o oscurati, resi irriconoscibili: si entra in una semi-realtà dove i fatti reali hanno ceduto il passo al flusso e riflusso di colore e struttura, luce e ombra, movimento e immobilità. Eppure, al cuore di ogni immagine resta il fondamento di una struttura originale, sebbene rintracciabile solo dal fantasma della sua presenza precedente. Solo in alcuni casi si è consapevoli dell’immagine originale, mentre in altri il processo di spostamento ha portato a qualcosa di completamente nuovo.

Paul Thorel è stato introdotto alla tecnologia digitale nel 1979 ed è uno dei primissimi artisti in Europa ad aver intuito le possibilità che questa tecnica offre, utilizzandola sin dal 1981. Il metodo che adotta nel realizzare ogni pezzo è ben diverso di quello di un pittore: invece di costruire gradualmente un’immagine, è  l’immagine stessa a divenire il punto di partenza dal quale poi l’artista si allontana lentamente. Le opere partono sempre con un’immagine fotografica pulita, all’interno della quale le interferenze vengono create stratificando sull’originale una moltitudine di altre, dove ogni strato in successione viene distorto e mutato dal successivo. Un’opera finita può richiedere diverse centinaia di strati e molti mesi di lavoro per crearla.

Il lavoro di Thorel corre in parallelo con il suo personale interesse al mondo della psicoanalisi. Le sue opere costringono la mente a rivalutare quello che vede, restituendo all’immagine quel mix di carattere, emozione e condizione atmosferica che non può essere riprodotta fotograficamente: una quasi-realtà.

Paul Thorel - Un Vrai Semblable
inaugurazione martedì 26 giugno
fino al 26 agosto 2012

http://www.mep-fr.org/

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Lo Studio d’Arte Raffaelli di Trento è lieto di annunciare la mostra di nuovi acquerelli e opere su carta di Francesco Clemente. Ispirandosi agli irti picchi frastagliati e alle profonde valli delle Dolomiti, con le loro pareti a strapiombo in candido e luminoso calcare, le opere di Clemente sono una riflessione sul fascino misterioso e sacro che le montagne esercitano da millenni sugli uomini. La forza naturale presente in questi nuovi lavori risulterà familiare a chiunque conosca questi meravigliosi paesaggi; così come lo sarà il delicato gioco di simboli e miti che ha reso Clemente un poeta fra i pittori.

Vieni a leggere la Recensione su
http://www.artslife.com/2012/06/14/francesco-clemente-emblems-and-mountains/

La mostra sarà accompagnata da un catalogo riccamente illustrato, con saggi dei noti poeti e studiosi Louise Landes Levi e Charles Stein. Entrambi gli autori sono da sempre allievi di Chögyal Namkhai Norbu, talentuoso insegnante della scuola Dzogchen del Buddismo tibetano, che aprì la sua prima comunità a Napoli negli anni Settanta organizzando incontri ai quali presero spesso parte Francesco e Alba Clemente. I due autori dibattono il lavoro di Clemente dal punto di vista Dzogchen, esplorando i temi della luce, dell’emanazione, della visualizzazione, del sogno lucido e, infine, del vuoto.

Francesco Clemente è nato a Napoli nel 1952. Dopo gli studi di architettura a Roma, si recò in Afghanistan con l’amico Alighiero Boetti. Durante gli anni Settanta ha esposto lavori che riflettevano il suo interesse per le tradizioni contemplative dell’India, dove aveva vissuto diverso tempo. Tra la fine degli anni Settanta e l’inizio degli Ottanta Clemente fu uno degli artisti internazionali più noti a dare nuovo slancio alla pittura figurativa con la nascita dei movimenti del Neo-espressionismo e della Transavanguardia. Lo stile unico di Clemente coniuga la tradizione dell’immaginario indiano, il Romanticismo di William Blake e degli affreschi del Rinascimento italiano in opere evocative e potenti dalle sfumature cromatiche sensuali. In molti dei suoi lavori si ritrovano riferimenti a simboli non occidentali, miti e spiritualità, astrologia e i quattro elementi, sensualità e sensi oltre a visioni oniriche. Clemente ha preso parte a numerosi progetti di collaborazione, dipingendo con Jean-Michel Basquiat e Andy Warhol e illuminando la poesia di Robert Creeley, Allen Ginsberg, John Wieners, Rene Ricard e Salman Rushdie. Clemente è membro dell’Accademia Americana delle Arti e delle Lettere, lavora ancora spesso in India e vive a New York con la moglie Alba e i loro quattro figli. Retrospettive ed esaustivi studi sul suo lavoro sono stati commissionati dal Museo Madre di Napoli (2009), il Museo Maxxi di Roma (2006), la Galleria d’Arte Moderna di Bologna (2001), il Guggenheim (New York & Bilbao, 1999/2000), il Philadelphia Museum of Art (1990), la Nationalgalerie di Berlino (1984-85) e numerose altre istituzioni. I suoi lavori fanno parte delle collezioni permanenti di oltre cento musei e gallerie pubbliche fra i quali il Museum of Modern Art di New York, il Guggenheim (New York e Bilbao), il Metropolitan Museum of Art di New York, la Tate Modern di Londra, la Galleria degli Uffizi di Firenze, il Centre Georges Pompidou di Parigi, lo Stedelijk Museum di Amsterdam e il Kunstmuseum di Basilea.

FRANCESCO CLEMENTE
Emblems and Mountains:
Recent Watercolors and Works on Paper
7 Giugno – 30 Settembre 2012
Inaugurazione 7 Giugno 2012 ore 18.30

Palazzo Wolkenstein Via Marchetti 17 Trento T +39 0461 982595
studioraffaelli@tin.it www.studioraffaelli.com
Lunedì – Sabato 10.00-13.30 e 16.00-19.30

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di Davide Auricchio
Gilbert & George, per la nuova mostra negli spazi della galleria Alfonso Artiaco, presenteranno 13 lavori del nuovo ciclo LONDON PICTURES, la più grande serie mai creata dall’inseparabile duo londinese. In diverse interviste Gilbert & George hanno descritto come Londra, la sua grandezza, il suo mistero e il suo dramma, è stata per quasi cinque decenni una grande fonte di ispirazione per la loro arte, decisamente provocatoria e ricca di atmosfera. In questo periodo Gilbert & George hanno tratteggiato gli stati d’animo di Londra individuando all’interno delle insonni vie della città tutti i disordinati, preziosi, innegabili aspetti della condizione umana moderna.

Continua a leggere l’articolo su
http://www.artslife.com/2012/05/25/gilbert-george/

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da un’idea di Elisa Lenhard e Francesca Solero

TorinOver nasce da uno sguardo sulle dinamiche di mobilità nelle produzioni artistiche contemporanee. A partire dal viaggio come pratica artistica, l’esposizione si apre alle più libere forme dell’itinerare creativo. Alla base di ogni intervento proposto l’aspetto esplorativo ricopre un ruolo determinante, dall’accezione geografica e territoriale all’attitudine visionaria e storica. La rielaborazione di nuove esperienze attraverso paesaggi remoti e marginali, scenari quotidiani e urbani, luoghi erranti dell’immaginazione, attiva narrazioni che comunicano nuovi modi di percepire e percorrere il mondo.
La mostra sarà ospitata al MAO, istituzione non solita alle mostre d’arte contemporanea ma di grande suggestione, capace di stimolare la dimensione evocativa dell’altrove. Le opere esposte, nelle loro libere strategie comunicative, si inseriscono negli spazi del museo e della collezione creando un dialogo aperto, alcune in stretta relazione altre in totale autonomia, invitando lo spettatore a compiere un percorso all’interno delle sale della collezione.
La rassegna video, parte integrante della mostra, ha acquisito nel corso delle varie edizioni sempre più spessore, diventando un evento autonomo. 1 YEAR TOUR rappresenta il cuore itinerante del progetto, capace di sostenere e alimentare una rete di sinergie internazionali volte alla cooperazione e allo scambio di reciproche relazioni. Dal 7 al 30 giugno i video saranno esposti nei monitor delle stazioni della metropolitana di Torino e in seguito partiranno per il tour europeo.

Torinover è inoltre arricchito da eventi collaterali realizzati in collaborazione con associazioni e istituzioni del territorio e internazionali, caratterizzati da un’apertura alla multidisciplinarità, tra cui la performance dell’artista scozzese David Sherry che avrà luogo giovedì 7 giugno alle 12.00 e alle16.00 presso la Stazione della metropolitana di Porta Nuova.
Il calendario eventi è visionabile sul sito dell’associazione www.ellecontemporaryprojects.com.

da un’idea di Elisa Lenhard e Francesca Solero
Inaugurazione mercoledì 6 giugno 2012 dalle 18,00 alle 20,00
MAO – Museo d’Arte Orientale, Via San Domenico 11, Torino

Road Directions
mostra collettiva in collaborazione con MAO, Torino
dal 7 giugno al 15 luglio 2012 – MAO, Torino
aiPotu, Diego Canato, Claudio Conti, Michele Dantini,
Ilana Halperin, Michael Höpfner, Andrea Massaioli, Gosia Turzeniecka,
Maurizio Cilli /Cosimo Veneziano, Marco Cordero in collaborazione con Lonely Planet

1 YEAR TOUR
rassegna video itinerante
Torino Edimburgo Maribor Rotterdam Bordeaux Tirana/Himare Glasgow
Rebecca Agnes, Paola Anziché, Franco Ariaudo, Donika Çina, Simona Da Pozzo,
Misha de Ridder, Julien Discrit, Eastern Surf, Matej Jarc, Erion Kadilli, Judit Kurtàg,
Hilario Isola e Matteo Norzi, Michael Höpfner /Antonio Rovaldi,
Eric Van Hove, Kathrin Wolkowicz

In collaborazione con:
GTT
ISTITUTO ITALIANO DI CULTURA DI EDIMBURGO
STILLS Scotland’s Centre for Photography, EDINBURGH
CENTRAL STATION (Centralna Postaja Project), MARIBOR
NAC FOUNDATION, ROTTERDAM
LIBRAIRIE MOLLAT, BORDEAUX
THE OFFICE_ Contemporary art space affair, TIRANA
PATRICIA FLEMING PROJECTS,

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INFORMAZIONI MOSTRA
Titolo: Wassily Kandinsky e l’arte astratta tra Italia e Francia
A cura di: Alberto Fiz

Sede: Aosta, MAR Museo Archeologico Regionale, Piazza Pietro Leonardo Roncas 12 – www.regione.vda.it
Date: 26 maggio – 21 ottobre 2011
Inaugurazione: Sabato 25 maggio ore 18
Orario: Tutti i giorni dalle 9 alle 19
Ingresso: € 5,00 intero, € 3,50 ridotto, gratuito per i minori di 18 anni e per i maggiori di 65 anni
Realizzazione: Assessorato Istruzione e Cultura della Regione autonoma Valle d’Aosta
In collaborazione con: Fondazione Antonio Mazzotta, Milano
Comitato scientifico: Pietro Bellasi, Riccardo Carazzetti, Guido Magnaguagno, Martina Mazzotta Lanza
Catalogo: Edizioni Gabriele Mazzotta, Milano
Per informazioni: Assessorato Istruzione e Cultura della Regione autonoma Valle d’Aosta,
Museo Archeologico Regionale, tel. 0165 275902, Servizio attività espositive, tel. 0165 274401, u-mostre@regione.vda.it, www.regione.vda.it
Ufficio stampa mostra: Irma Bianchi Comunicazione, tel 02 89404694 r.a., info@irmabianchi.it
Testi e foto http://www.irmabianchi.it/Kandinskybis.htm

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di Davide Auricchio
British Black “Sinapsi” ovvero la nuova attesissima mostra di Jonathan Guaitamacchi presso Giampiero Biasutti arte moderna e contemporanea. Una trentina di opere, di cui cinque di grandi dimensioni, che ripercorrono l’ultimo ciclo pittorico dell’artista britannico: dalle vedute londinesi di “Battersea” alle suggestioni sudafricane di “the Mother City”, fino alle algide visioni di ghiacciai.
Celebre in Italia e all’estero (mostre in Europa, Cina, Sud Africa e America) per i suoi originalissimi paesaggi urbani, Guaitamacchi interpreta la metropoli muovendo dalla memoria, dal ricordo che lega l’artista al territorio inglese e alla cultura anglosassone dalla quale proviene. Le imponenti scogliere di Dover o la M25 (tangenziale londinese), diventano metafora della condizione umana contemporanea, riflessione antropologica sul vivere attuale.

Continua a leggere l’articolo su
http://arslife.com/dettaglio2/2012/5/british-black-%E2%80%9Csinapsi%E2%80%9D.htm

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