Desenvolvido pelo estúdio espanhol Weird Beluga, o título chegou em agosto de 2026 para PC, PlayStation 5, Xbox Series X|S e Nintendo Switch 2, assumindo sem muita cerimônia a missão de recuperar uma fórmula que foi extremamente popular durante a era do PlayStation 2: mundos coloridos, exploração, colecionáveis, plataformas tridimensionais, combate em terceira pessoa e personagens carismáticos.

Para quem jogou Jak & Daxter, Ratchet & Clank, Spyro, Sly Cooper ou os primeiros Kingdom Hearts, a familiaridade será imediata. Duskfade não tenta esconder suas referências, e o resultado é curioso porque, ao mesmo tempo em que consegue reproduzir muito bem aquela sensação de aventura que os jogos de plataforma 3D do início dos anos 2000 transmitiam, também expõe o principal problema de seguir tão de perto uma fórmula antiga: em determinados momentos, a homenagem se aproxima demais da imitação.

Crédito: Weird Beluga

Nele, o jogador assumirá o controle de Zirian, um jovem aprendiz que vê sua vida virar de cabeça para baixo quando sua irmã, Allira, desaparece em circunstâncias relacionadas à misteriosa Clock Tower. O acontecimento também mergulha o mundo em uma noite aparentemente interminável, levando Zirian a atravessar diferentes regiões enquanto tenta encontrar a irmã e compreender os segredos relacionados aos chamados Master Clockmakers. Contudo, ele não fará essa jornada sozinho: seu companheiro Cuckoo, um pequeno pássaro mecânico, acompanha a aventura e ajuda a dar personalidade à dupla. 

Sem dar muitos detalhes, é justamente na maneira como Duskfade utiliza o conceito de tempo que a história fica mais interessante. A aventura começa parecendo apenas uma missão de resgate, mas o tema central aos poucos se aproxima de questões como perda, amadurecimento, memória e a dificuldade de aceitar aquilo que não pode ser mudado. O contraste é uma das características mais interessantes do jogo: enquanto visualmente o Duskfade parece uma fantasia colorida e quase infantil, sua narrativa trabalha emoções muito mais maduras. 

No entanto, Duskfade é, no fundo, um jogo de exploração. O prazer está menos em enfrentar inimigos extremamente inteligentes e mais em entrar em uma nova área, perceber que existe alguma coisa interessante no horizonte e descobrir como chegar até ela. O arsenal de movimentação de Zirian aumentará com o decorrer da aventura, permitindo combinar ações como salto, dash, gancho e deslize. A consequência é uma exploração que fica gradualmente mais interessante à medida que ganhamos novas ferramentas. Em vez de simplesmente atravessar os cenários, existe um incentivo constante para olhar para cima, procurar caminhos alternativos e lembrar de locais que anteriormente pareciam inacessíveis. 

Crédito: Weird Beluga

Em Duskfade o objetivo não é punir o jogador a todo instante. A intenção é oferecer uma aventura confortável, cheia de segredos e com progressão baseada em habilidades. É uma estrutura muito característica da época em que os jogos 3D queriam que você explorasse um mundo por curiosidade, e não necessariamente porque o mapa estava cheio de marcadores obrigando você a fazê-lo.

A movimentação é outro ponto forte. Ao nos entregar um personagem extremamente ágil, mover-nos pelos cenários é algo quase sempre muito agradável. Há momentos em que o jogo consegue combinar salto, deslocamento aéreo, gancho e outras habilidades de maneira bastante satisfatória, uma das melhores experiências que já tive no gênero. 

O combate, entretanto, é onde Duskfade demonstra suas limitações claramente. Ele funciona, mas raramente é a razão pela qual você estará ansioso para continuar jogando. Zirian possui uma arma parecida com a Keyblade de Kingdom Hearts e enfrenta inimigos em “arenas” espalhadas pelos mundos, mas a variedade de golpes e a profundidade das batalhas não chegam ao nível dos melhores representantes do gênero. 

Esse ponto fraco se torna mais perceptível quando colocamos Duskfade ao lado das próprias referências que o jogo escolheu. Ratchet & Clank tinha armas extremamente variadas; Kingdom Hearts desenvolveu progressivamente um sistema de ação mais elaborado; Jak & Daxter equilibrava movimentação e combate com uma identidade própria. Porém, mesmo chegando perto da sensação desses jogos, ele não consegue reproduzir integralmente a mesma qualidade dessas mecânicas. Os inimigos comuns se tornam previsíveis e algumas batalhas parecem existir mais para quebrar o ritmo da exploração do que para oferecer um desafio realmente memorável. Em compensação, os chefes receberam um tratamento mais cuidadoso, frequentemente misturando combate com elementos de plataforma e aproveitamento do cenário. 

Crédito: Weird Beluga

Já na parte visual, o título mostra força. Combinando “arquitetura clockpunk” — como o estúdio gosta de chamar —, fantasia e uma estética de desenho animado, o resultado é muito bonito, com cenários que conseguem chamar atenção. Castelos, vilarejos, estruturas mecânicas, áreas naturais e ambientes fantásticos apresentam uma variedade considerável, e a direção de arte utiliza iluminação e cores para criar uma identidade visual bastante consistente. 

Outro mérito vai para a variedade dos cenários. Duskfade não parece satisfeito em repetir o mesmo bioma com pequenas alterações. As regiões possuem características próprias e o jogo merece destaque quando somos apresentados a uma nova área, deixando o jogador descobrir como ela funciona. Essa variedade ajuda a manter a aventura visualmente interessante e contribui para a sensação de uma verdadeira jornada.

Com tantos jogos atuais incorporando elementos de RPG, é bom ver uma obra que evita seguir por este caminho. Aqui o foco está na simplicidade, em chegarmos a um lugar, coletar o máximo de coisas que conseguirmos, eventualmente derrotar um chefe e seguir adiante. 

Crédito: Weird Beluga

Isso faz com que Duskfade pareça muito um jogo do início dos anos 2000, o que poderá desagradar algumas pessoas. Talvez os desenvolvedores pudessem ter arriscado mais, se desgarrado mais das fontes que os inspiraram. Mas, se você busca um jogo que está mais preocupado em oferecer exploração e testar suas habilidades de saltar de uma plataforma para outra em uma progressão linear, isso não deverá ser um problema.  

Para o público old school, portanto, Duskfade é uma recomendação relativamente fácil, desde que se entenda o produto pelo que ele é. Não é um novo Jak & Daxter, nem um sucessor espiritual perfeito de Kingdom Hearts, muito menos uma revolução no gênero. É uma produção independente extremamente consciente de suas influências, que tenta recuperar uma sensação específica: um platformer 3D de aventura feito com carinho, em que explorar uma nova área é até mais importante do que derrotar o próximo inimigo.

Talvez ainda seja muito cedo para dizer isso, mas a sensação é de que o pessoal da Weird Beluga conseguiu o que muitos estúdios perseguiram por anos e até mais do que isso, que estão com uma poderosa nova franquia nas mãos.

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Conhecido no Ocidente como Truxton (Tatsujin no Japão), não posso dizer que o jogo se tornou um dos meus shoot ‘em up favoritos, mas nunca o esqueci. Então, com versões para PC, Nintendo Switch 2 e PlayStation 5, mais de três décadas depois aquele clássico retorna com o Truxton Extreme.

Nele, a civilização humana se espalhou por sete planetas colonizados, vivendo uma era de prosperidade sem precedentes — até que essa paz foi destruída de forma repentina por uma invasão de uma civilização extraterrestre. Diante do poder tecnológico do inimigo, a humanidade se vê obrigada a resistir com o que lhe resta, e é nesse contexto que os três protagonistas jogáveis são trsnformados em ciborgues conhecidos como Tatsujin, e assim poderão assumir o os controles de naves na tentativa de conter o avanço inimigo.

Crédito: Tatsujin

Em Truxton Extreme, a narrativa é conduzida por meio de quadrinhos animados entre as fases do modo História. Com arte do mangaká Junya Inoue (Batsugun e DoDonPachi), a HQ alterna entre as perspectivas dos três pilotos ao longo de seis estágios, numa campanha que mistura drama humano com a urgência da guerra pela sobrevivência.

Por mais que o enredo seja batido, fiquei surpreso em ver algo um pouco mais complexo em um jogo do gênero, e a alternância (e interação) entre o trio ajuda a tornar a história mais interessante. O que lamento é a estrutura das fases não mudar, já que seria muito melhor se cada estágio fosse mostrado por um ponto de vista diferente.

Mesmo assim, o ponto em que Truxton Extreme se destaca positivamente é na sua jogabilidade. Aqui temos um título que, embora seja conservador em seu design, entrega um shooter vertical com execução refinada. Ao longo das fases teremos um desafio elevado, com os chefes desafiadores sem parecerem injustos, e a recompensa pela memorização de padrões de inimigos, bem como pelo gerenciamento estratégico de recursos, como a escolha de armas, o controle de velocidade da nave e uso do medidor de energia especial (EX) para causar maior dano.

Crédito: Tatsujin

Outra escolha de design acertada é o sistema de penalidade ao morrer: perder uma vida não zera todo o progresso do jogador, apenas reduz um nível os upgrades de ataque e velocidade, e o renascimento ocorre um pouco antes do ponto da morte. Contra chefes, o jogo até recua o suficiente para permitir recuperar parte do poder perdido antes do confronto.

A apresentação também merece elogios. Com visuais construídos em 3D, eles preservam o design icônico da série, com criaturas de aparência insectoide, tentáculos, serpentes assustadoras e luzes pulsantes que remetem diretamente à estética original, mas com efeitos gráficos modernos. Já a trilha sonora é outro destaque: composta por Masahiro Yuge, pianista de formação clássica e que nos deu o primeiro jogo, ele retorna com uma trilha nova que mistura faixas reimaginadas dos jogos originais com composições inéditas, mantendo o caráter empolgante que se tornou marca registrada da série.

Em termos de variedade, Truxton Extreme oferece um pacote generoso de modos, com um modo Arcade tradicional sem narrativa, um modo Time com cooperativo local simultâneo para dois jogadores, um modo Arena voltado a pontuação e um tutorial, além do modo História. Essa variedade permite que tanto veteranos quanto novatos encontrem uma porta de entrada adequada ao seu nível, sem que isso comprometa a dificuldade do núcleo arcade para quem busca um bom desafio. Porém, senti falta da possibilidade de jogar o primeiro capítulo da série. Isso seria um ótimo bônus, mas, como ela se encontra à venda em algumas lojas digitais, a editora provavelmente optou por garantir uma renda extra.

Crédito: Tatsujin

Mesmo podendo desagradar pela falta de inovação, Truxton Extreme é um shoot ‘em up sólido e tecnicamente impecável, que presta uma homenagem respeitosa à herança da Toaplan sem tentar reescrever as regras do gênero. Para os jogadores mais antigos que valorizam mecânicas precisas, desafio genuíno e uma trilha sonora à altura do legado da série, é uma adição praticamente obrigatória. Para os novos, ele serve como uma ótima porta de entrada para uma franquia que conseguiu reservar seu lugar na história — e não apenas pela sua bela capa.

Com uma ponta de otimismo, torço para que essa aposta mais segura tenha sido feita como forma de resgatar o saudosismo dos antigos fãs e assim um Truxton Extreme 2 consiga sair um pouco da sua zona de segurança. Mas, se isso não acontecer, foi bom ver um novo trabalho de Masahiro Yuge, principalmente pela alta qualidade alcançada.

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Fundando as bases do que anos depois se tornaria uma das franquias mais adoradas e influentes do mercado, a Demon’s Souls, aquele RPG para o primeiro console da Sony é constantemente reverenciada por muitos que acompanham a genealogia do gênero “soulslike”. Mesmo assim, a série raramente foi revisitada competentemente por outros estúdios e Verho – Curse of Faces surgiu como uma tentativa de quebrar essa, com o perdão do trocadilho, maldição.

Desenvolvido pela pequena Kasur Games e publicado pela CobraTekku Games, o título chegou em novembro de 2025 ao PC e agora salta para o PlayStation 5, Xbox Series S|X e Nintendo switch tentando ocupar esse vazio — e faz isso bem, mesmo com as limitações de uma produção modesta.

Crédito: Kasur Games

Verho – Curse of Faces conta a história de uma guerra entre duas ordens rivais de feiticeiros que deixou como legado a chamada Maldição dos Rostos, um fenômeno pelo qual duas pessoas que se enxergam sem proteção morrem instantaneamente, ao mesmo tempo. Por causa disso, o mundo quase desmoronou nos 264 anos seguintes, período conhecido como “Era da Solidão”. Com o passar do tempo, uma pessoa descobre que máscaras podem ser usadas para evitar o mal, funcionando como um mecanismo de sobrevivência coletiva. Será nesse universo surreal que assumiremos o papel de um viajante sem nome, permanentemente mascarado, e que se aventura pelas terras devastadas de Yariv, um lugar com castelos em ruínas, masmorras úmidas, florestas sombrias e muitos monstros.

O título usa esse contexto para nos apresentar às classes que precisaremos escolher. Cada máscara molda atributos iniciais e sugere (sem nunca travar de vez) um estilo de combate. A partir dessa decisão, Verho – Curse of Faces evita nos entregar qualquer coisa parecida com um diário de missões ou uma bússola de objetivos. A mitologia se revela em fragmentos por meio de diálogos esparsos com NPCs, anotações escondidas pelo cenário e a arquitetura do mundo que narra sua própria decadência.

Assim, a exploração de Yariv se apresenta como uma das principais dualidades do jogo. Enquanto alguns adorarão explorar aquele mundo e ter que interpretar boa parte de sua história, outros se sentirão perdidos e sem dar muita atenção ao enredo. Contudo, para quem está acostumado com as criações de Hidetaka Miyazaki, essa zona cinzenta em que se encontram os detalhes da história não deverá ser uma surpresa. 

Crédito: Kasur Games

Mas, se a narrativa criada pela Kasur Games pode dividir opiniões, o sistema de combate lento e pesado, que exige leitura de padrões de inimigos, deverá agradar, principalmente quem jogou a principal fonte de inspiração para o Verho – Curse of Faces. Ele recompensa aqueles que entendem que cada arma se comporta de um jeito radicalmente distinto: enquanto floretes empurram o personagem para a frente em investidas de precisão, armas pesadas pedem posicionamento estático e paciência para carregar o golpe certo. Já a magia soma uma camada extra de profundidade real, com um sistema de fraquezas elementais. O jogo entrega combates que se recusam a copiar a linguagem contemporânea dos soulslikes, sem contar com esquivas invencíveis.

O desenho de mundo segue a mesma lógica de reverência inteligente. Yariv é construída como um Metroidvania orgânico, com atalhos, segredos e uma sensação constante de que cada corredor pode esconder tanto uma armadilha mortal quanto um equipamento que muda o rumo de uma build inteira. É um tipo de exploração que praticamente desapareceu nas grandes produções — sem marcador no mapa, sem seta indicando para onde ir —, e que funciona porque os desenvolvedores confiam na curiosidade de quem está jogando.

A direção de arte retrô, com modelos poligonais simples e paletas de cor contidas, também merece crédito além da nostalgia óbvia: o visual que muitos considerarão datado ajuda a manter a legibilidade do combate e reforça a sensação de isolamento que a narrativa quer transmitir, funcionando como decisão estética coerente, não como desculpa para falta de recursos. O design sonoro reforça esse clima, com passos ecoando pelos corredores vazios e rugidos distantes que constroem tensão antes mesmo de qualquer ameaça aparecer na tela.

Contudo, Verho – Curse of Faces não está livre de problemas. Além de eventuais bugs, o sistema de detecção de acerto é inconsistente, especialmente contra inimigos voadores, gerando picos de dificuldade que parecem mais injustos do que desafiadores.

Outro ponto que merece crítica é sua estrutura estrutural. Com o mundo reiniciando todos os inimigos derrotados a cada vez que salvamos o progresso, a ideia remete diretamente ao Dark Souls, mas resulta em uma desmotivadora repetição. É conveniente para quem quer nivelar o personagem rapidamente, mas também esvazia parte da tensão que o próprio combate trabalhou tanto para construir, criando um atalho que desequilibra a curva de dificuldade pensada pelos designers.

Crédito: Kasur Games

Com seus acertos e equívocos, Verho – Curse of Faces não é um jogo para todo mundo, e não tem a menor intenção de ser. Embora alguns possam considerar seus gráficos e controles muito datados, é inegável que o título sirva como um dos exercícios de arqueologia de design mais sinceros que o gênero recebeu em muito tempo, com um sistema de combate que recompensa paciência de verdade e um mundo que existe para ser decifrado, não digerido passivamente.

Para o público que sempre quis “mais King’s Field” e nunca recebeu, a Kasur Games conseguiu entregar uma das melhores experiências que o gênero teve em décadas. Ou seja, para conhecedores do gênero, pessoas que sentiram falta daquela sensação específica de vulnerabilidade que o clássico da FromSoftware oferecia e que o mercado atual raramente arrisca replicar, Verho – Curse of Faces é obrigatório, mesmo com seus defeitos. Se mesmo assim você tiver dúvidas, vale a pena dar uma chance à generosa demo disponível no Steam.

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Nesta nova versão, a espinha dorsal da narrativa permanece a mesma que nos encantou em 2013: Edward Kenway, um corsário galês movido por ambição e falta de rumo, se vê arrastado para dentro de um conflito muito maior do que imaginava, envolvendo assassinos e templários no Caribe do século XVIII. Nessa jornada, ele cruza caminho com figuras lendárias da Idade de Ouro da Pirataria, incluindo Barba Negra, cujo processo de transformação no temido pirata é acompanhado com riqueza de detalhes ao longo da campanha. É importante dizer que a estrutura original da trama foi mantida quase intacta: os desenvolvedores não reescreveram a história de Edward, apenas revisaram tudo o que a envolve.

Crédito: Ubisoft

E justamente por preservar essa espinha dorsal, Assassin’s Creed IV: Black Flag Resynced ganha peso simbólico dentro da série. Não é coincidência que a Ubisoft tenha escolhido Black Flag para ser refeito: trata-se do capítulo mais aclamado por boa parte dos fãs e um dos poucos títulos antigos que ainda atrai jogadores novos mais de uma década depois do lançamento original. O anúncio, inclusive, veio após quase três anos de rumores e vazamentos, sendo oficialmente revelado em abril de 2026, poucos meses antes do lançamento em julho do mesmo ano. O projeto também marca um momento de transição tecnológica para a Ubisoft, já que foi construído sobre a mesma versão do motor Anvil desenvolvida para Assassin’s Creed Shadows, reaproveitando avanços de renderização, parkour e inteligência artificial que antes existiam apenas no jogo mais recente da série.

Inicialmente pensei que essa versão traria apenas um tapa no visual, mas o que diferencia Resynced de um simples remaster é a profundidade das mudanças na jogabilidade. Começando pela movimentação, a Ubisoft reformulou o parkour com foco em responsividade e ritmo: Edward se recupera mais rápido de quedas, salta com mais agilidade e ganha um pequeno impulso de velocidade ao subir em superfícies após correr por paredes. A grande novidade é o retorno aprimorado do Parkour Avançado, que desativa as redes de segurança e o travamento automático de bordas do jogo original, entregando deslocamentos laterais e para trás, saltos manuais e rolamentos de amortecimento controlados diretamente pelo jogador. Sim, esse sistema existia na versão de 2013, mas de forma mais limitada, e agora tira proveito da tecnologia de movimentação refinada no Assassin’s Creed Shadows. Complementam essa reformulação a adição de tirolesas espalhadas pelas cidades, permitindo rotas mais rápidas entre pontos altos e baixos, e novos trajetos de escalada usando a vegetação nas áreas de selva.

Crédito: Ubisoft

A melhoria também aparece na furtividade. A Visão de Águia retorna para destacar inimigos atrás de obstáculos e isolar sons relevantes, mas agora é reforçada pelo recurso Observar, incorporado de Shadows, que permite estudar o ambiente para localizar objetivos, pistas e marcar adversários. Edward também pode se agachar a qualquer momento e permanecer oculto em telhados, vegetação ou atrás de estruturas, enquanto a mistura com multidões foi ampliada para funcionar com qualquer grupo de três ou mais civis, não apenas com tipos específicos de NPCs como no original. Outros retornos, como a bomba de fumaça e a possibilidade de pagar civis para acompanhar e distrair guardas, somados à opção clássica de jogar dinheiro para atrair curiosos. Um detalhe que resume bem essa filosofia de “mais do mesmo, só que melhor” é o dardo com corda: a ferramenta continua permitindo capturar inimigos à distância e suspendê-los em vigas, mas agora está disponível já no início da campanha, muito antes do ponto em que era liberada no jogo de 2013.

O combate segue caminho parecido, e é provavelmente onde a reformulação é mais sentida. A Ubisoft implementou um sistema de inteligência artificial em que os adversários percebem padrões repetidos de ataque e passam a se esquivar deles, enquanto falhas ao aparar golpes agora resultam em um ataque especial punitivo do inimigo. Essas mecânicas forçam o jogador a variar seu repertório de golpes e armas, em vez de repetir o mesmo combo à exaustão. Isso torna os confrontos mais desafiadores, sem eliminar a possibilidade de assassinatos rápidos e discretos quando a abordagem furtiva é bem executada.

Crédito: Ubisoft

Já no mar, a equipe responsável pelo Assassin’s Creed IV: Black Flag Resynced optou por preservar praticamente intacta a fórmula de exploração e combate naval, que sempre foi o diferencial da franquia, limitando-se a ajustes pontuais, como nos canhões giratórios do navio, que exigem mira mais precisa para acertar pontos fracos, e a adição de modos de disparo secundários para canhões e morteiros, além de novas condições climáticas, como trombas d’água e tempestades mais intensas, tornando as travessias oceânicas menos previsíveis.

A escrita permanece como um dos maiores trunfos do jogo, com diálogos afiados e personagens marcantes, enquanto a experiência naval continua entre as melhores do gênero, se não for a melhor. A movimentação em terra também representa um salto real de qualidade sobre o original: onde antes Edward tinha uma locomoção mais travada, agora ele se desloca com fluidez sensivelmente maior entre telhados, cordames de navio e sacadas das cidades caribenhas. A ausência de telas de carregamento entre o mar e a terra, unida à reconstrução visual proporcionada pelo motor Anvil, também contribui para uma sensação de mundo contínuo capaz de impressionar até os veteranos da franquia.

Por outro lado, ainda temos pequenos travamentos de cenário, como protagonista recusando-se a subir em saliências baixas sem que se segure o botão de escalada correspondente. O parkour, apesar de mais responsivo, ainda herda alguns dos problemas clássicos da série, como uma tendência ocasional a “grudar” em superfícies erradas.

Crédito: Ubisoft

Reunindo todos os aspectos, fica claro que o Assassin’s Creed IV: Black Flag Resynced não é uma simples repaginação visual, o que não significa que seja uma reinvenção completa, o que considero sua maior qualidade. Uma mudança que poderá incomodar os mais puristas é a remoção total das sequências no presente ligadas à Abstergo, um elemento que sempre dividiu opiniões entre os fãs da franquia, mas sempre considerei as partes mais chatas do início da franquia; o espaço aberto por essa remoção foi preenchido por cerca de seis horas adicionais de conteúdo, incluindo os chamados “Rifts”, cenários alternativos que exploram desdobramentos hipotéticos da jornada de Edward. Paralelamente, a jogabilidade recebeu sua própria camada de refinamento: o parkour ganhou o retorno aprimorado do modo avançado com ejeções e saltos manuais, além de tirolesas e novos caminhos pela vegetação; a furtividade incorporou o recurso Observar e uma mistura com multidões mais flexível; o combate passou a contar com inimigos que se adaptam ao estilo do jogador; e a navegação manteve sua essência praticamente intacta, apenas com o acréscimo de mira mais técnica nos canhões giratórios, modos de disparo secundários e climas mais variados e imprevisíveis.

O resultado dessa aposta um tanto ousada é um (quase) remake que se recusa a mexer no que já funcionava: a essência de ação/aventura sem árvores de habilidade ou sistemas de nível, ao contrário dos jogos mais recentes da série, concentrando-se justamente nos pontos em que o jogo de 2013 mais mostrava sua idade.

Hoje essa é uma das minhas franquias favoritas e, mesmo defendendo que ela se beneficiou ao adotar elementos de RPGs (a partir do Assassin’s Creed Origins), não achei que algo mais “tradicional” ainda poderia me divertir tanto. Assassin’s Creed IV: Black Flag Resynced reforçou esse como um dos meus jogos favoritos da série, muito pelos seus ótimos personagens, história envolvente e pelo quanto é divertido explorar os mares e participar de batalhas navais. Se você gostou do original, provavelmente encontrará novidades suficientes para encarar a aventura de Edward Kenway novamente. Se deixou passar aquele título marcante, não perca essa ótima oportunidade de conhecer uma versão melhorada do que, para muitos, é o ápice de uma marca tão adorada.

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Com versões para PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch, Switch 2 e PC, o projeto foi liderado pelo estúdio alemão Kritzelkratz e publicado pela ININ Games, em parceria com a Tozai Games e a IREM (detentora original da licença). Sua ideia era revisitar completa o clássico R-Type III: The Third Lightning para Super Nintendo com gráficos 3D modernos e uma série de recursos de acessibilidade que tentam equilibrar tradição e praticidade para o jogador contemporâneo.

Crédito: Kritzelkratz

Mantendo uma narrativa de ficção científica sombria e carregada de tensão existencial típica da série, em R-Type Dimensions III, a premissa se aprofunda ainda mais nesse universo opressivo. Nele, estamos em um futuro distante, onde a humanidade criou deliberadamente uma forma de vida biomecânica como arma de guerra, algo que ficaria conhecido como Império Bydo. O problema é que o experimento saiu do controle e agora, os Bydo existem numa dimensão além do espaço convencional, tentando invadir e absorver a realidade humana de forma contínua.

Após múltiplas guerras e eventos de quase extinção, os Bydo retornam mais fortes, mais adaptados e agressivos do que nunca. Para enfrentar essa ameaça, o Corpo Espacial da Terra desenvolve uma nova nave de última geração: a R-90 Ragnarok, herdeira direta das lendárias aeronaves R-Type das gerações anteriores. Como piloto, você é enviado a zonas hostis que alternam entre o espaço normal e a dimensão distorcida dos Bydo, com a missão de destruir as redes centrais do império e seu núcleo, antes que a ameaça acabe com a humanidade. Sem revelar detalhes dos bosses ou do clímax, basta dizer que o jogo mantém a tradição da série de misturar horror cósmico com design de fases opressivo e memorável.

Mas para entender a existência do R-Type Dimensions III, é importante contextualizar a sua inspiração. Lançado originalmente em 1993 para o console de quarta geração da Nintendo, o título se tornou raro e caro — chegando a ser vendido por algumas centenas de reais no mercado de usados do SNES — e frequentemente confundido com Super R-Type, um jogo diferente e muito mais acessível. Isso o tornou uma espécie de joia escondida entre os fãs da franquia, apreciada por quem teve a sorte (ou o bolso) de jogá-lo na época.

Crédito: Kritzelkratz

A série R-Type Dimensions, iniciada com o primeiro jogo de mesmo nome e seguida pelo Dimensions EX (que reunia remakes dos dois primeiros R-Types), sempre funcionou como um arquivo vivo da franquia. Contudo, com o Dimensions III, a Kritzelkratz e a ININ Games optaram por cobrir apenas este título específico, fazendo com que o seu preço seja questionável.

Para quem não conhece, R-Type é um “jogo de navinha” com nível de dificuldade elevado. Esta nova versão segue a fórmula clássica da série, nos colocando para navegar horizontalmente por cenários hostis, com uma nave que possui um módulo de força (Force) que pode ser destacado para funcionar como canhão frontal, traseiro ou como uma pastilha flutuante ao redor da nave. A escolha do power-up é feita antes da partida, e ao iniciarmos uma fase, será pura habilidade, reflexo, paciência e memorização de padrões dos inimigos.

A dificuldade é impiedosa, já que um único toque mata instantaneamente. Para amenizar isso, o jogo inclui um modo de vidas infinitas, tornando a experiência mais acessível sem alterar o design dos níveis em si — mas sem garantir nossa pontuação no placar ou o desbloqueio de conquistas. O design das fases é desafiador e muito bem construído, um dos melhores da série, embora a quantidade de detalhes possa tornar a nossa missão ainda mais difícil.

Crédito: Kritzelkratz

A possibilidade de jogar na companhia de outra pessoa é um recurso que merece ser comemorado. Por outro lado, a impressão de o “remake” contar com um hitbox maior tem sido motivo de críticas, já que o aumento da área em que a nave não pode ser atingida acaba gerando mortes frustrantes e tornando o anaço pelas fases uma tarefa ainda mais árdua.

Toda a apresentação visual foi reconstruída do zero com gráficos 3D de alta qualidade, animações aprimoradas e ambientes ricos em detalhes. O recurso mais divertido é a possibilidade de alternar em tempo real entre os gráficos modernos 3D e os visuais originais do SNES — uma ferramenta que, além de ser ótima para a nostalgia, permite comparar as duas eras em tempo real. Há ainda uma câmera inédita que muda levemente a perspectiva 3D, dando uma sensação de profundidade incomum para um shooter lateral. Eu queria ter gostado mais da novidade, mas talvez pela falta de costume, não conseguir achar confortável jogar com essa perspectiva.

Na parte sonora, o destaque absoluto é a trilha musical composta por Eric Krause. Tanto a versão clássica 16-bit quanto o arranjo moderno estão presentes, e o jogo roda com framerate estável e suave.

Crédito: Kritzelkratz

Por se tratar de uma recriação que tenta ser fiel ao original, o que a própria desenvolvedora faz questão de salientar, talvez os mais puristas prefiram tratar o R-Type Dimensions III como uma remasterização e não um remake. De qualquer forma, essa é um muito bem-vindo novo olhar sobre um clássico que permaneceu escondido no Super Nintendo por 30 anos.

Se olharmos para essa nova versão como uma homenagem, é possível descrevê-la como sólida e bem executada. Talvez o novo visual em três dimensões não lhe agrade, mas a poder alternar entre os gráficos originais e modernos se mostra mais do que um bônus, e sim uma maneira de vermos como a parte visual dos games evoluiu durante essas mais de três décadas.

Para quem ama a franquia, o jogo é uma oportunidade histórica de jogar R-Type III com visuais modernos e sem se preocupar com cartuchos raros e caríssimos. Já para quem busca uma experiência renovada, ele pode decepcionar pelo conteúdo relativamente enxuto e pelo preço elevado. No fim das contas, R-Type Dimensions III se posiciona como uma escolha recomendada para os fãs do gênero, mas desde que as expectativas estejam devidamente calibradas.

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Primeira nova propriedade intelectual da desenvolvedora japonesa em quase uma década, o título reafirma o momento espetacular vivido pela empresa e mostra que a ousadia pode render bons frutos, mesmo considerando todo o risco relacionado a projetos de grande porte.

Crédito: Capcom

Pragmata acontece em um futuro distante, no qual a humanidade descobriu na Lua um recurso raro chamado lumen. Utilizado para a produção de lunafilamentos, o material permitiu à corporação Delphi construir e replicar estruturas inteiras por impressão 3D, incluindo uma enorme base lunar. Quando essa base cai em silêncio repentinamente, a Delphi envia uma equipe de investigação.

No papel de um auditor de sistemas da corporação chamado Hugh Williams, que vê os membros de sua equipe morrerem após um terremoto, no meio do caos seremos resgatados por um androide cuja aparência remete a uma criança. O objetivo então passa a ser descobrir o que está acontecendo na instalação e, claro, encontrar uma forma de escapar do lugar.

Embora não revolucione a ficção científica, a história cumpre seu papel, com a narrativa não recaindo exclusivamente sobre o conflito com a IA antagonista chamada IDUS, que, vale dizer, não é explorada a ponto de nos causar repulsa ou mesmo alguma simpatia. Aqui, o ponto alto fica com a relação entre o protagonista e a pequena androide Diana, no jogo descrita como um… pragmata. Conforme avançamos pela base lunar, a dinâmica de pai e filha cresce de forma orgânica e emocionante ao longo das cerca de 15 horas de campanha.

Crédito: Capcom

Quando soube que a missão se passaria apenas na Lua, fiquei preocupado com a repetição, pois deduzi que ficaríamos apenas indo de uma sala com tons claros para outra. Porém, ao implementar a ideia dos lunafilamentos, a Capcom permitiu que a criatividade tomasse conta; afinal, o recurso permite que quase qulauqe coisa seja impressa.

Na prática, isso significa que os funcionários da Delphi poderiam personalizar a base lunar como quisessem, o que não quer dizer apenas um objeto decorativo aqui ou ali. Não darei detalhes sobre os lugares que visitaremos no jogo, mas você pode esperar desde grandes cidades a lugares que serviriam como ótimos refúgios durante algum feriado aqui na Terra.

Desta forma, exceto por erros na impressão que parecem glitches no cenário, por alguns momentos esqueceremos que estamos a centenas de milhares de quilômetros do nosso planeta. A ideia é brilhante, pois, além de garantir que uma área da base seja bastante diferente da outra, ajuda a demonstrar o nível tecnológico alcançado pela humanidade.

Crédito: Capcom

Mas o grande diferencial de Pragmata está no seu sistema de combate, que consegue inovar em um gênero em que novas ideias demoram tanto para surgir — especialmente quando se trata de um projeto AAA.

Nele, Hugh ficará responsável por manejar o armamento e se locomover pelo cenário usando propulsores, enquanto Diana terá que utilizar suas habilidades como uma máquina para hackear os inimigos.

O que torna o sistema tão divertido e desafiador é o fato de ambas as ações acontecerem simultaneamente. Como os inimigos possuem uma armadura que torna os tiros praticamente ineficazes, teremos que desativar essa proteção, o que será feito em tempo real.

O hackeamento funciona como um minigame, em que guiamos um cursor por um painel com os botões do controle. No caminho, teremos que desviar de obstáculos e ativar bônus que nos darão vantagens, tudo enquanto controlamos o protagonista para desviar dos ataques.

Num primeiro momento, essa mecânica que une atirar e hackear pode parecer muito complicada, mas, aos poucos, tudo passa a funcionar de forma natural, mesmo com o sistema ficando gradativamente mais complexo. Isso acontece pois, conforme o jogo avança, novos tipos de nodos de hacking são desbloqueados liberando efeitos distintos, como fazer um inimigo atacar os próprios aliados, hackear múltiplos inimigos ao mesmo tempo, superaquecer o adversário para acionar uma finalização devastadora ou paralisar grupos inteiros. A combinação dessas ferramentas com as armas de Hugh acaba garantindo que o combate evolua durante a campanha.

Crédito: Capcom

Pragmata foi produzido com a RE Engine, mesmo motor que a Capcom utiliza na série Resident Evil, e o resultado impressiona. O “mundo” mostrado nele possui um ótimo nível de detalhes, mesmo em espaços maiores, e o desempenho é consistente, embora mostre alguns serrilhados ocasionalmente.

A direção artística consegue transmitir uma atmosfera perturbadora sob uma normalidade aparente, com os robôs inimigos contando com designs interessantes, principalmente quando se trata dos chefes (que também merecem elogios por serem variados e exigirem algum raciocínio para serem derrotados).

E numa indústria que costuma ser tão criticada pela falta de criatividade e ousadia dos grandes estúdios, Pragmata surge como um oásis, uma boia de salvação para as pessoas que ainda acreditam que ainda é possível ser surpreendido com um videogame. Do inovador sistema de combate à tocante relação entre Hugh e Diana, a Capcom conseguiu consolidar seu nome como uma das melhores desenvolvedoras da atualidade.

Alguém poderá reclamar que a campanha é muito curta ou que a progressão é exageradamente linear, mas não vejo esses fatores como pontos negativos. Na ânsia de entregar experiências cada vez maiores, alguns criadores acabam esquecendo que algo mais enxuto e com conteúdo pode ser tão ou até melhor que um gigantesco mundo virtual vazio e sem “alma”. E Pragmata mostra isso muito bem.

Eu só gostaria que a IDUS fosse mais interessante e que o universo do jogo tivesse sido melhor explorado. No entanto, esses pequenos problemas não chegam a prejudicar a satisfação que senti ao enfrentar as muitas ameaças encontradas na Lua — e quem sabe, continuações não venham por aí, talvez nos levando para uma estação espacial, para outro planeta ou até mesmo de volta à Terra. Agora que descobrimos os lunafilamentos, tudo é possível! 

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A nova história retoma diretamente os eventos do jogo anterior, abordando as consequências da queda do chefe do crime Geese Howard sobre South Town. Terry Bogard, após derrotar Geese em um confronto lendário, assumiu a responsabilidade de criar Rock Howard, o filho do vilão. Então, com o passar dos anos, Rock escolhe trilhar o próprio caminho em busca da mãe que acreditava ter perdido para sempre. A tensão aumenta quando um novo torneio é convocado em South Town, prometendo como prêmio o legado herdado de Geese, uma bela desculpa para reunir velhos rivais e novos lutadores ao redor desse espólio.

O enredo será contado pelo modo Arcade e pelo modo Episódios de South Town, em que cada personagem tem seu próprio arco. Embora a história não costume receber muita atenção em jogos de luta, City of the Wolves utiliza a narrativa para apresentar cada lutador e suas motivações, mantendo-nos interessados em cada “novela”.

Crédito: SNK

Essas histórias se mostram mais interessantes em Episódios de South Town, em que poderemos explorar a cidade e nos envolver em combates com diversos lutadores… e objetos (!). Voltado a quem gosta de jogar sozinho, ele conta com elementos de RPG e foi inspirado no World Tour de Street Fighter 6. No modo, cada personagem possui seu próprio arco narrativo curto para ser explorado — exceto pelo Cristiano Ronaldo (que, convenhamos, nem ele nem o DJ Salvatore Ganacci deveriam estar no jogo).

O mapa de South Town é dividido em três regiões desbloqueadas progressivamente, com cada uma oferecendo encontros com diferentes dificuldades. Ao vencer batalhas, o jogador ganha experiência, sobe de nível e desbloqueia habilidades, que funcionam como modificadores de combate que podem ser equipados. Vale dizer que as habilidades desbloqueadas por um personagem ficam disponíveis para toda a equipe e podem ser combinadas entre si — uma forma de incentivo a explorar múltiplos personagens.

Cada região conta com Estágios Secretos, identificados por um som característico ao aproximar o cursor e que revelam um ícone laranja escondido no mapa. Esses encontros têm mecânicas incomuns: o adversário tem 1/66 de chance de receber 9.999 de dano em qualquer golpe; fora isso, ele recebe zero dano, independentemente do ataque. Ou seja, a melhor estratégia é partir para o ataque, pois, ao vencer, seremos recompensados com uma grande quantidade de experiência.

Crédito: SNK

O enredo de Fatal Fury: City of the Wolves pode merecer elogios, mas não resta dúvida de que a sua principal qualidade está no sistema de combate. Sua estrutura central gira em torno do Sistema REV, uma abordagem de risco e recompensa que, de certa forma, substitui as tradicionais barras de super.

Funciona assim: o medidor REV começa vazio no início de cada round e aumenta conforme o jogador usa ações REV ou bloqueia ataques do adversário. Ele diminui com o tempo e ao golpear o oponente. Se o medidor chegar a 100%, o personagem entra em estado de Overheat, perdendo acesso a todas as ações REV e ficando vulnerável a quebras de guarda caso continue bloqueando. Por outro lado, acertar um Hidden Gear remove instantaneamente o Overheat e zera o medidor.

A novidade então se desdobra em três partes, são elas:

•  REV Arts: são as versões melhoradas dos golpes especiais de cada personagem, executadas adicionando o botão REV ao comando normal do especial. Eles causam mais dano e têm propriedades extras. Usá-los aumenta o medidor REV, então o jogador precisa decidir quando vale a pena o risco.
  
• REV Accel: é a mecânica de cancelar um REV Art diretamente em outro REV Art, criando sequências de golpes especiais encadeados. O segredo aqui está no timing, já exige muita precisão.
  
• REV Guard: é a versão do sistema de empurrão de bloqueio do jogo, criando distância ao defender um ataque e anulando dano. Pode ser mantido pressionado, mas quanto mais tempo for usado, mais o medidor REV sobe.

Crédito: SNK

Além disso, City of the Wolves conta com diversas outras técnicas que poderão mudar o rumo de uma partida apenas utilizando a defesa na hora certa, como Just Defense, Hyper Defense, Breaks e Feints. Já para os ataques, duas se destacam:

•  S.P.G. (Super Power Gauge): antes de cada batalha, definimos em qual terço da barra de vida o S.P.G. estará localizado: no início, meio ou final. Logo, o posicionamento do S.P.G. tem implicações estratégicas nas lutas, pois se colocarmos no terço inicial, teremos acesso imediato às habilidades extras, mas será difícil usar o Hidden Gear; já no terço final, ele servirá como uma mecânica de recuperação, porém talvez não tenhamos a chance de ativá-lo no caso de sofrermos um combo pesado muito cedo. Mas independentemente de onde escolher posicionar o efeito, quando a vida do personagem alcançar  esse segmento específico, duas habilidades exclusivas são desbloqueadas:
  
  • REV Blow: um ataque com algum nível de invencibilidade e que pode ser executado também no ar.
  • Hidden Gear: o ataque especial mais poderoso do jogo, que consome os dois medidores de super, mas reinicia completamente o medidor REV.

• Ignition Gear: é um golpe especial superpoderoso que consome uma fatia da barra de força do personagem.

Crédito: SNK

Fatal Fury: City of the Wolves conta ainda com os Counter Hit e Wild Punish, técnicas de contra-ataque que se baseiam em explorar a vulnerabilidade do oponente enquanto ele tenta nos acertar. No caso do segundo, isso acontece ao atacar o adversário durante os frames de recuperação de um ataque, o que abre espaço para os combos mais devastadores do jogo e, obviamente, é bastante difícil de ser aplicado. 

Por fim, temos as trocas de planos, algo que os fãs mais antigos de Fatal Fury se lembrarão. Com elas, a qualquer momento durante uma luta, podemos mover o personagem entre o plano da frente e o plano do fundo, criando uma dimensão extra de mobilidade e espacialidade que não existe em outros jogos de luta 2D convencionais.

O sistema nos permite executar um afastamento de plano no meio de um combo e, em seguida, dar continuidade com um salto de plano, criando sequências que exploram a profundidade do cenário. Novamente, apenas os jogadores mais habilidosos conseguirão explorar o recurso totalmente. 

Crédito: SNK

Na parte visual, City of the Wolves adota a tática de outros jogos de luta com gráficos em 3D no estilo cel shading, o que nos passa a sensação de estarmos vendo uma revista em quadrinhos em movimento. Essa é uma aposta que tem dado certo, pois funciona como uma modernização da época das pixel art.

A trilha sonora remete à era de ouro dos arcades e gostei bastante da jukebox disponibilizada, já que ela nos permite ouvir as músicas de outros clássicos da SNK e até mesmo da série Street Fighter. Ponto para a desenvolvedora por acertar com um recurso que muitas outras preferem ignorar. 

Portanto, assim como aconteceu com o seu antecessor, considero impossível olhar para o Fatal Fury: City of the Wolves e não me sentir intimidado. Sim, eu consigo aproveitar algumas partidas nele e me divertir ao acertar golpes poderosos (ou passar muita raiva ao ser massacrado). Porém, esse é o tipo de jogo para o qual sempre olharei com extrema admiração (e espanto) ao assistir a uma partida travada entre dois ótimos jogadores.

Infelizmente, hoje não tenho nem tempo nem paciência para me dedicar a algo tão complexo. Mas graças aos seus dois ótimos modos single-player (Arcade e Episódios de South Town), vez ou outra poderei aproveitar alguns minutos neste excelente jogo de luta da SNK. As partidas multiplayer deixarei para os melhores lutadores.

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Desenvolvido pelo estúdio parisiense ZDT Studio em parceria com a Konami, o título para PlayStation 5, Xbox Series X/S, Nintendo Switch 2 e PC se destaca por diversos motivos, começando pela sua ambientação.

Crédito: ZDT Studio

No jogo, Darwin é um pequeno polvo que acaba capturado no oceano e levado às instalações da UFOOD, uma megacorporação do setor alimentício que o vê apenas como o principal ingrediente da próxima comida enlatada a ser produzida em larga escala.

Porém, apesar de o objetivo inicial ser um tanto simples — sobreviver e escapar —, aos poucos perceberemos que há algo muito maior por trás daquela companhia. Com funcionários que claramente não são humanos, na pele daquele polvo azul assistiremos ao desdobramento de um plano perturbador, uma conspiração silenciosa que coloca a humanidade em risco.

Um ponto positivo de Darwin’s Paradox é conseguir contar uma história interessante, divertida e grandiosa sem usar uma linha de diálogo. Toda a saga do protagonista e a ameaça aos seres humanos são passadas apenas pela linguagem corporal do simpático molusco e da narrativa por meio do ambiente (environmental storytelling).

Ao lado da direção artística bastante colorida, o comportamento de Darwin inevitavelmente nos faz associar o título às animações de Hollywood, especialmente as da Pixar. E aqui vale uma observação: a ZDT Studio merece elogios por apostar em uma atmosfera leve, algo muito diferente do que vimos em outros jogos do gênero, como Limbo, Deadlight ou Reanimal.

Contudo, a narrativa falha em não se aprofundar no passado do protagonista. Darwin’s Paradox poderia aproveitar melhor os flashbacks, o que seria um bom motivo para nos colocar mais tempo embaixo d’água. Assim, não sabemos qual a relação do polvo azul com outras criaturas que aparecem ao longo da jornada, ou por que deveríamos nos importar além do mero instinto de sobrevivência. 

Também lamento a maneira como a história termina abruptamente, mas talvez esses problemas se justifiquem pelo provável baixo orçamento do projeto. De qualquer forma, não consegui deixar de desejar que a subida dos créditos não passasse de uma trollagem e que no final eu teria a oportunidade de jogar mais um pouco para ver o desfecho de uma história tão bacana.

Crédito: ZDT Studio

Mas se os desenvolvedores poderiam ter caprichado um pouco mais no enredo, não há o que reclamar da parte audiovisual. 

Com cenas não interativas que não diferem de qualquer grande produção lançada no cinema, mesmo a animação de Darwin durante a jogabilidade impressiona, sendo fluida e expressiva, comunicando emoção e personalidade sem precisar de uma única palavra. 

Além disso, temos ambientes detalhados e iluminação convincente para um jogo em duas dimensões, o que infelizmente cobra um preço em algumas transições de tela. As quedas de framerate nessas passagens são notáveis, ao menos no Nintendo Switch 2, onde encarei a aventura. Outro problema são os tempos de carregamento. Em um jogo que funciona muito na base da tentativa e erro, ter que esperar alguns segundos para retornar à ação quebra o ritmo, o que acaba sendo um ponto contra.

Crédito: ZDT Studio

E essa quebra também acontece devido a uma das principais mecânicas do Darwin’s Paradox: o sistema de furtividade. Entre as habilidades de Darwin está sua capacidade de se camuflar com o ambiente. Isso lhe permite ficar invisível às câmeras, holofotes e linha de visão dos inimigos. O problema aqui não está na dificuldade, mas na passividade da experiência. 

Ter que aguardar o momento certo para passar por certos trechos é uma mecânica que funciona melhor quando há tensão emocional para sustentá-la. Aqui, o tom leve e descompromissado da produção trabalha contra o design de stealth. Digo isso por achar difícil sentir nervosismo numa estética que remete a um desenho animado. Exceto pela parte hilária que faz referência a um clássico da indústria, não posso dizer que a ideia me conquistou — mesmo sendo justificável, afinal, controlamos um polvo. 

No entanto, se a jogabilidade falha nesta parte, ela acerta em todo o resto. Com o estúdio tendo feito o dever de casa ao estudar o comportamento de um polvo e como isso poderia ser transformado em um jogo, o resultado é um sistema de habilidades que soa orgânico e natural.

Além da já citada camuflagem, Darwin pode escalar praticamente qualquer superfície com suas ventosas, nadar em águas não contaminadas e atirar tinta (com comportamentos diferentes dentro e fora d’água). Fora d’água, a tinta funciona como um projétil capaz de desativar caixas de eletricidade e interagir com elementos do cenário. Na água, ela se transforma num jato que cria cortinas de invisibilidade temporária.

As habilidades são desbloqueadas de forma progressiva ao longo da campanha, justificadas narrativamente por um golpe na cabeça que faz Darwin esquecer temporariamente quem é. Assim, à medida que o herói avança, recorda essas capacidades. É um recurso narrativo simples, mas funcional, que mantém o ritmo sem sobrecarregar o jogador logo de início.

Já o level design flui de forma contínua, sem telas de carregamento entre os ambientes, com o título costurando as fases de forma orgânica, como se fosse um filme sem cortes bruscos. Os cenários vão desde fábricas industriais até galerias de esgoto, nos colocando ainda em ruas movimentadas à noite sob chuva e em profundezas aquáticas, com cada cenário exigindo combinações diferentes das habilidades disponíveis.

Crédito: ZDT Studio

Ao reunir uma equipe formada por profissionais que passaram tanto pela indústria de videogames quanto pela do cinema, Darwin’s Paradox buscava servir como um elo entre os longas-metragens animados e os jogos eletrônicos. E eles conseguiram.

Ver um cinematic platformer que nos coloca numa ambientação tão colorida e com uma história mais leve foi uma grata surpresa, mas o que mais me encantou na saga do pequeno Darwin foi o próprio protagonista; afinal, não é todo dia que podemos controlar um simpático polvo cujas características físicas foram tão bem utilizadas em prol da jogabilidade.

Espero um dia poder continuar encarando sua aventura, e não só por essa primeira parte terminar de forma tão abrupta, mas por acreditar que, com mais dinheiro, tempo e experiência, o ZDT Studio poderá nos entregar algo ainda mais fantástico do que vimos nessa estreia.

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Desenvolvido pelo Space Sauce Studio, este jogo independente nasceu de uma premissa simples, mas que resultou em um título carregado de simbolismo. Nele seremos uma carta, uma mera folha de papel que ganha vida e assim teremos uma missão importante pela frente.

Tudo começa no Arquivo da Memória, um lugar etéreo repleto de pensamentos que se dissipam, onde palavras nunca ditas e correspondências que jamais chegaram ao seu destino residem. As cartas dormem em gavetas intermináveis, esquecidas, mas não perdidas. Em meio a esse limbo de papéis, uma carta específica desperta com uma centelha estranha dentro de si, o suficiente para fazê-la tremer e ganhar consciência.

Crédito: Space Sauce Studio

Na mesma noite, uma anomalia temporal chamada de Time Glitch surge no Arquivo e a carta desaparece. Contudo, ela não foi roubada: escapou. Mas, como em algum lugar o destinatário ainda espera, a jornada tem início.

Longe de tentar ser grandiosa, a história abraça a leveza, adotando tons nostálgicos e emocionais que vão se revelando conforme avançamos pelos diferentes capítulos e eras históricas. A premissa de uma carta tentando chegar ao seu destino tem algo de simples, quase poético. E, justamente por não exagerar, acaba funcionando melhor. É uma história que parece falar de memória, distância e intenção.

Eventualmente até nos deparamos com uma ou outra ameaça, mas em Origament: A Paper Adventure não há vilões ameaçadores nem conflitos épicos. Com uma narrativa mais delicada, o foco estará em sermos encontrados por quem nos escreveu.

Mas, se a ambientação merece elogios, a principal qualidade da obra recai mesmo em sua mecânica. Nele seremos capazes de nos transformar em quatro formas de origami, cada uma com física e habilidades únicas:

• Bola de papel — rola pelo chão, pode empurrar objetos e acessar espaços estreitos
• Barco de papel — navega por superfícies aquáticas e correntes
• Avião de papel — plana pelo ar, alcançando plataformas elevadas
• Shuriken (estrela ninja) — gira em alta velocidade, ativa mecanismos e quebra obstáculos

Crédito: Space Sauce Studio

A troca entre formas é fluida e, na prática, funciona como o eixo de todos os quebra-cabeças. Não existe combate. Zero. O jogo é completamente construído em torno de exploração, observação e adaptação criativa ao ambiente. Logo, quem busca uma experiência de ação provavelmente ficará frustrado; aqueles que entenderem (e aceitarem) encontrarão uma experiência mais meditativa e satisfatória.

Já o que aumentará o fator replay é o fato de as fases terem múltiplos caminhos, com moedas escondidas em locais de difícil acesso e segredos que exigem a experimentação de todas as formas antes de encontrar o caminho certo. Há também algumas side quests leves, vindas de NPCs espalhados pelos cenários, dando aquela sensação de um mundo habitado e vivo.

Também merece destaque a direção artística de Origament: A Paper Adventure. Os ambientes são construídos para parecer dioramas artesanais, com cada fase evocando uma época histórica diferente. Templos japoneses com lanternas, canais de Veneza, uma cidade do Velho Oeste com portas de saloon rangendo… Enfim, cada cenário é montado com um nível de atenção e carinho visível. O estilo visual inspirado em origami não é apenas cosmético, já que se conecta diretamente à mecânica central do jogo. Por sua vez, a trilha sonora contribui para tornar a experiência mais fantástica, com ela se adaptando ao ritmo e ao ambiente de cada era.

Infelizmente, por enquanto a obra está disponível apenas para PC. Isso reduz bastante o seu alcance e me deixou pensando como um jogo assim casaria perfeitamente com o Switch. Se os objetos em que nos transformamos pudessem ser controlados com o sensor de movimentos do videogame da Nintendo, talvez o Origament: A Paper Adventure se tornasse ainda mais divertido.

Como ponto negativo, eu também citaria a dificuldade quase inexistente, o que contribui para tornar a progressão entediante em alguns momentos. Dos quebra-cabeças às plataformas, a campanha é mais tranquila que qualquer passeio pelo parque, com a curta duração pesando contra o jogo.

Crédito: Space Sauce Studio

Origament: A Paper Adventure é daqueles jogos que conquistam primeiro pelo charme e só depois pela proposta. À primeira vista, ele parece só mais um indie bonitinho com visual artesanal, mas basta avançar alguns minutos para perceber que existe uma ideia muito bem amarrada por trás de tudo: transformar o papel em linguagem de jogo. E isso não é só um truque visual, é o coração da experiência.

Seu maior acerto é a coerência. Tudo nele conversa com a mesma ideia: você é uma carta em um mundo de papel, então faz sentido que o movimento, os cenários e até a lógica dos puzzles sejam construídos em torno dessa fragilidade elegante. A mecânica de alternar entre formas de origami é simples de entender, mas tem personalidade suficiente para não parecer genérica. Não é o tipo de sistema que te faz pensar “uau, nunca vi nada parecido”, mas é o tipo de coisa que, quando encaixa, te faz sorrir porque faz muito sentido.

Sabendo exatamente o seu lugar no mercado, onde nunca conseguiria competir com os arrasa-quarteirões financiados pelas grandes editoras, o jogo abraça sua identidade com confiança e entrega uma aventura pequena, mas que transparece o carinho dos seus criadores. Origament: A Paper Adventure é perfeito para quem quer descansar a cabeça depois de um dia longo sem largar o controle.

Para os fãs de jogos que misturam quebra-cabeça com plataforma de forma criativa ou que simplesmente entregam uma direção de arte bem executada, esta será uma boa adição à biblioteca.

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Servindo mais como uma expansão do que uma reinvenção, essa continuação nos leva de volta ao universo do primeiro jogo, mantendo a estranheza orgânica que parece ter nascido de uma fusão da obra de H.R. Giger com arte expressionista.

Em GRIME II, seremos uma entidade conhecida como Sem Forma, uma criatura com a capacidade de absorver os inimigos derrotados e transformá-los em moldes, para assim usar suas habilidades como ataques especiais. 

Crédito: Clover Bite

Trazido à vida para saciar o apetite de um ser superpoderoso, o que encontraremos pelo caminho será um mundo com visual assustador, em que cada criatura lembra algo saído de um pesadelo, com suas deformidades e estruturas biomórficas remetendo à área em que estamos. Por exemplo: no Templo das Mãos, as criaturas parecem dedos e mãos; já em Mudfalls, os inimigos são formados por lama. E são os perigos e a direção de arte grotesca que nos motivam a querer entender como o mundo do jogo surgiu.

Explorar GRIME II nos levará a diferentes áreas, de um submundo sombrio e perturbador a arquiteturas mais desenvolvidas e elaboradas, com designs únicos e culturas distintas, além de nos depararmos com chefes representativos de cada região.

No geral, o enredo do jogo aborda temas existenciais, como por que sentimos fome, por que fomos criados e no que o protagonista se tornará, mas  faz isso utilizando um tom críptico e não linear, o que será um empecilho para quem prefere histórias mais claras.

A atmosfera alimentada por um design de áudio baseado em sons viscerais e orgânicos é certamente um ponto alto do título, mas não o único. GRIME II conta com um robusto sistema de batalhas, cujo destaque está na mecânica de moldes. Ela funciona por meio de uma barra de vida para os inimigos que, ao serem atacados, ficarão atordoados e, quando isso acontecer, teremos uma breve janela para absorvê-los. Isso nos dará acesso a uma habilidade que se enquadra em quatro estilos: arremesso, projétil, armadilha ou transformação temporária.​

Crédito: Clover Bite

O sistema de moldes funciona em duas camadas, com a primeira delas sendo a absorção imediata, o que significa que só poderemos carregar uma dessas habilidades por vez. Ou seja, se você absorver um novo inimigo, perderá o anterior. Isso serve como uma forma de incentivo para usar a habilidade rápida e estrategicamente, já que ela poderá durar apenas até o próximo confronto. 

Já a segunda etapa dos moldes funciona na base do colecionismo. Ao acumular absorções suficientes do mesmo tipo de inimigo, desbloquearemos o molde correspondente. Com ele teremos uma versão permanente e equipável daquela habilidade, sendo preciso atribuí-las nos pontos de descanso espalhados pelo mapa, com esses golpes consumindo tinta.​

Pois aqui entra outro elemento-chave do GRIME II. A tinta será gerada ao atacarmos inimigos, servindo como combustível para todos os moldes padrão. Pense nela como a mana em um RPG, com a sua geração sendo lenta demais no início da aventura para usarmos moldes frequentemente. 

Logo, podemos enxergar o molde como um sistema que começa simples, mas se expande em profundidade estratégica à medida que desbloqueamos versões permanentes e aprendemos a combinar três dessas habilidades.

Crédito: Clover Bite

O que também ajuda a tornar as batalhas mais divertidas é o fato de podermos adaptar o protagonista a um estilo com o qual nos sintamos mais a vontade. Isso se deve às mais de 30 armas, 20 armaduras e 40 habilidades disponíveis. 

Infelizmente, consegui notar algumas quedas na taxa de frames enquanto jogava no PlayStation 5, algo imperdoável para um jogo com jogabilidade em duas dimensões, mesmo porque, isso eventualmente atrapalha a precisão em saltos ou nos combates. Talvez a desenvolvedora melhore esse aspecto com atualizações, mas isso não passa de mera especulação da minha parte.

Mesmo assim, GRIME II possui praticamente apenas pontos positivos: belos visuais, trilha sonora melancólica (e marcante), ótima jogabilidade, um bom nível de dificuldade e muito conteúdo, com cerca de 30 horas de duração para sua campanha, fazendo dele mais um ótimo Metroidvania que chega a um mercado saturado. Ele também serve para comprovar o talento do pessoal da Clover Bite, embora tenha ficado curioso em saber como eles se comportarão com novas franquias e até como se sairiam explorando outros gêneros.  

No futuro, pode ser que o estúdio até ganhe a oportunidade de trabalhar com marcas já consolidadas de outras empresas, assim como os espanhóis do MercurySteam, que puderam criar capítulos para gigantes como Castlevania e Metroid. Mas, novamente, estou aqui apenas especulando…

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