Primeira nova propriedade intelectual da desenvolvedora japonesa em quase uma década, o título reafirma o momento espetacular vivido pela empresa e mostra que a ousadia pode render bons frutos, mesmo considerando todo o risco relacionado a projetos de grande porte.

Crédito: Capcom

Pragmata acontece em um futuro distante, no qual a humanidade descobriu na Lua um recurso raro chamado lumen. Utilizado para a produção de lunafilamentos, o material permitiu à corporação Delphi construir e replicar estruturas inteiras por impressão 3D, incluindo uma enorme base lunar. Quando essa base cai em silêncio repentinamente, a Delphi envia uma equipe de investigação.

No papel de um auditor de sistemas da corporação chamado Hugh Williams, que vê os membros de sua equipe morrerem após um terremoto, no meio do caos seremos resgatados por um androide cuja aparência remete a uma criança. O objetivo então passa a ser descobrir o que está acontecendo na instalação e, claro, encontrar uma forma de escapar do lugar.

Embora não revolucione a ficção científica, a história cumpre seu papel, com a narrativa não recaindo exclusivamente sobre o conflito com a IA antagonista chamada IDUS, que, vale dizer, não é explorada a ponto de nos causar repulsa ou mesmo alguma simpatia. Aqui, o ponto alto fica com a relação entre o protagonista e a pequena androide Diana, no jogo descrita como um… pragmata. Conforme avançamos pela base lunar, a dinâmica de pai e filha cresce de forma orgânica e emocionante ao longo das cerca de 15 horas de campanha.

Crédito: Capcom

Quando soube que a missão se passaria apenas na Lua, fiquei preocupado com a repetição, pois deduzi que ficaríamos apenas indo de uma sala com tons claros para outra. Porém, ao implementar a ideia dos lunafilamentos, a Capcom permitiu que a criatividade tomasse conta; afinal, o recurso permite que quase qulauqe coisa seja impressa.

Na prática, isso significa que os funcionários da Delphi poderiam personalizar a base lunar como quisessem, o que não quer dizer apenas um objeto decorativo aqui ou ali. Não darei detalhes sobre os lugares que visitaremos no jogo, mas você pode esperar desde grandes cidades a lugares que serviriam como ótimos refúgios durante algum feriado aqui na Terra.

Desta forma, exceto por erros na impressão que parecem glitches no cenário, por alguns momentos esqueceremos que estamos a centenas de milhares de quilômetros do nosso planeta. A ideia é brilhante, pois, além de garantir que uma área da base seja bastante diferente da outra, ajuda a demonstrar o nível tecnológico alcançado pela humanidade.

Crédito: Capcom

Mas o grande diferencial de Pragmata está no seu sistema de combate, que consegue inovar em um gênero em que novas ideias demoram tanto para surgir — especialmente quando se trata de um projeto AAA.

Nele, Hugh ficará responsável por manejar o armamento e se locomover pelo cenário usando propulsores, enquanto Diana terá que utilizar suas habilidades como uma máquina para hackear os inimigos.

O que torna o sistema tão divertido e desafiador é o fato de ambas as ações acontecerem simultaneamente. Como os inimigos possuem uma armadura que torna os tiros praticamente ineficazes, teremos que desativar essa proteção, o que será feito em tempo real.

O hackeamento funciona como um minigame, em que guiamos um cursor por um painel com os botões do controle. No caminho, teremos que desviar de obstáculos e ativar bônus que nos darão vantagens, tudo enquanto controlamos o protagonista para desviar dos ataques.

Num primeiro momento, essa mecânica que une atirar e hackear pode parecer muito complicada, mas, aos poucos, tudo passa a funcionar de forma natural, mesmo com o sistema ficando gradativamente mais complexo. Isso acontece pois, conforme o jogo avança, novos tipos de nodos de hacking são desbloqueados liberando efeitos distintos, como fazer um inimigo atacar os próprios aliados, hackear múltiplos inimigos ao mesmo tempo, superaquecer o adversário para acionar uma finalização devastadora ou paralisar grupos inteiros. A combinação dessas ferramentas com as armas de Hugh acaba garantindo que o combate evolua durante a campanha.

Crédito: Capcom

Pragmata foi produzido com a RE Engine, mesmo motor que a Capcom utiliza na série Resident Evil, e o resultado impressiona. O “mundo” mostrado nele possui um ótimo nível de detalhes, mesmo em espaços maiores, e o desempenho é consistente, embora mostre alguns serrilhados ocasionalmente.

A direção artística consegue transmitir uma atmosfera perturbadora sob uma normalidade aparente, com os robôs inimigos contando com designs interessantes, principalmente quando se trata dos chefes (que também merecem elogios por serem variados e exigirem algum raciocínio para serem derrotados).

E numa indústria que costuma ser tão criticada pela falta de criatividade e ousadia dos grandes estúdios, Pragmata surge como um oásis, uma boia de salvação para as pessoas que ainda acreditam que ainda é possível ser surpreendido com um videogame. Do inovador sistema de combate à tocante relação entre Hugh e Diana, a Capcom conseguiu consolidar seu nome como uma das melhores desenvolvedoras da atualidade.

Alguém poderá reclamar que a campanha é muito curta ou que a progressão é exageradamente linear, mas não vejo esses fatores como pontos negativos. Na ânsia de entregar experiências cada vez maiores, alguns criadores acabam esquecendo que algo mais enxuto e com conteúdo pode ser tão ou até melhor que um gigantesco mundo virtual vazio e sem “alma”. E Pragmata mostra isso muito bem.

Eu só gostaria que a IDUS fosse mais interessante e que o universo do jogo tivesse sido melhor explorado. No entanto, esses pequenos problemas não chegam a prejudicar a satisfação que senti ao enfrentar as muitas ameaças encontradas na Lua — e quem sabe, continuações não venham por aí, talvez nos levando para uma estação espacial, para outro planeta ou até mesmo de volta à Terra. Agora que descobrimos os lunafilamentos, tudo é possível! 

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A nova história retoma diretamente os eventos do jogo anterior, abordando as consequências da queda do chefe do crime Geese Howard sobre South Town. Terry Bogard, após derrotar Geese em um confronto lendário, assumiu a responsabilidade de criar Rock Howard, o filho do vilão. Então, com o passar dos anos, Rock escolhe trilhar o próprio caminho em busca da mãe que acreditava ter perdido para sempre. A tensão aumenta quando um novo torneio é convocado em South Town, prometendo como prêmio o legado herdado de Geese, uma bela desculpa para reunir velhos rivais e novos lutadores ao redor desse espólio.

O enredo será contado pelo modo Arcade e pelo modo Episódios de South Town, em que cada personagem tem seu próprio arco. Embora a história não costume receber muita atenção em jogos de luta, City of the Wolves utiliza a narrativa para apresentar cada lutador e suas motivações, mantendo-nos interessados em cada “novela”.

Crédito: SNK

Essas histórias se mostram mais interessantes em Episódios de South Town, em que poderemos explorar a cidade e nos envolver em combates com diversos lutadores… e objetos (!). Voltado a quem gosta de jogar sozinho, ele conta com elementos de RPG e foi inspirado no World Tour de Street Fighter 6. No modo, cada personagem possui seu próprio arco narrativo curto para ser explorado — exceto pelo Cristiano Ronaldo (que, convenhamos, nem ele nem o DJ Salvatore Ganacci deveriam estar no jogo).

O mapa de South Town é dividido em três regiões desbloqueadas progressivamente, com cada uma oferecendo encontros com diferentes dificuldades. Ao vencer batalhas, o jogador ganha experiência, sobe de nível e desbloqueia habilidades, que funcionam como modificadores de combate que podem ser equipados. Vale dizer que as habilidades desbloqueadas por um personagem ficam disponíveis para toda a equipe e podem ser combinadas entre si — uma forma de incentivo a explorar múltiplos personagens.

Cada região conta com Estágios Secretos, identificados por um som característico ao aproximar o cursor e que revelam um ícone laranja escondido no mapa. Esses encontros têm mecânicas incomuns: o adversário tem 1/66 de chance de receber 9.999 de dano em qualquer golpe; fora isso, ele recebe zero dano, independentemente do ataque. Ou seja, a melhor estratégia é partir para o ataque, pois, ao vencer, seremos recompensados com uma grande quantidade de experiência.

Crédito: SNK

O enredo de Fatal Fury: City of the Wolves pode merecer elogios, mas não resta dúvida de que a sua principal qualidade está no sistema de combate. Sua estrutura central gira em torno do Sistema REV, uma abordagem de risco e recompensa que, de certa forma, substitui as tradicionais barras de super.

Funciona assim: o medidor REV começa vazio no início de cada round e aumenta conforme o jogador usa ações REV ou bloqueia ataques do adversário. Ele diminui com o tempo e ao golpear o oponente. Se o medidor chegar a 100%, o personagem entra em estado de Overheat, perdendo acesso a todas as ações REV e ficando vulnerável a quebras de guarda caso continue bloqueando. Por outro lado, acertar um Hidden Gear remove instantaneamente o Overheat e zera o medidor.

A novidade então se desdobra em três partes, são elas:

•  REV Arts: são as versões melhoradas dos golpes especiais de cada personagem, executadas adicionando o botão REV ao comando normal do especial. Eles causam mais dano e têm propriedades extras. Usá-los aumenta o medidor REV, então o jogador precisa decidir quando vale a pena o risco.
  
• REV Accel: é a mecânica de cancelar um REV Art diretamente em outro REV Art, criando sequências de golpes especiais encadeados. O segredo aqui está no timing, já exige muita precisão.
  
• REV Guard: é a versão do sistema de empurrão de bloqueio do jogo, criando distância ao defender um ataque e anulando dano. Pode ser mantido pressionado, mas quanto mais tempo for usado, mais o medidor REV sobe.

Crédito: SNK

Além disso, City of the Wolves conta com diversas outras técnicas que poderão mudar o rumo de uma partida apenas utilizando a defesa na hora certa, como Just Defense, Hyper Defense, Breaks e Feints. Já para os ataques, duas se destacam:

•  S.P.G. (Super Power Gauge): antes de cada batalha, definimos em qual terço da barra de vida o S.P.G. estará localizado: no início, meio ou final. Logo, o posicionamento do S.P.G. tem implicações estratégicas nas lutas, pois se colocarmos no terço inicial, teremos acesso imediato às habilidades extras, mas será difícil usar o Hidden Gear; já no terço final, ele servirá como uma mecânica de recuperação, porém talvez não tenhamos a chance de ativá-lo no caso de sofrermos um combo pesado muito cedo. Mas independentemente de onde escolher posicionar o efeito, quando a vida do personagem alcançar  esse segmento específico, duas habilidades exclusivas são desbloqueadas:
  
  • REV Blow: um ataque com algum nível de invencibilidade e que pode ser executado também no ar.
  • Hidden Gear: o ataque especial mais poderoso do jogo, que consome os dois medidores de super, mas reinicia completamente o medidor REV.

• Ignition Gear: é um golpe especial superpoderoso que consome uma fatia da barra de força do personagem.

Crédito: SNK

Fatal Fury: City of the Wolves conta ainda com os Counter Hit e Wild Punish, técnicas de contra-ataque que se baseiam em explorar a vulnerabilidade do oponente enquanto ele tenta nos acertar. No caso do segundo, isso acontece ao atacar o adversário durante os frames de recuperação de um ataque, o que abre espaço para os combos mais devastadores do jogo e, obviamente, é bastante difícil de ser aplicado. 

Por fim, temos as trocas de planos, algo que os fãs mais antigos de Fatal Fury se lembrarão. Com elas, a qualquer momento durante uma luta, podemos mover o personagem entre o plano da frente e o plano do fundo, criando uma dimensão extra de mobilidade e espacialidade que não existe em outros jogos de luta 2D convencionais.

O sistema nos permite executar um afastamento de plano no meio de um combo e, em seguida, dar continuidade com um salto de plano, criando sequências que exploram a profundidade do cenário. Novamente, apenas os jogadores mais habilidosos conseguirão explorar o recurso totalmente. 

Crédito: SNK

Na parte visual, City of the Wolves adota a tática de outros jogos de luta com gráficos em 3D no estilo cel shading, o que nos passa a sensação de estarmos vendo uma revista em quadrinhos em movimento. Essa é uma aposta que tem dado certo, pois funciona como uma modernização da época das pixel art.

A trilha sonora remete à era de ouro dos arcades e gostei bastante da jukebox disponibilizada, já que ela nos permite ouvir as músicas de outros clássicos da SNK e até mesmo da série Street Fighter. Ponto para a desenvolvedora por acertar com um recurso que muitas outras preferem ignorar. 

Portanto, assim como aconteceu com o seu antecessor, considero impossível olhar para o Fatal Fury: City of the Wolves e não me sentir intimidado. Sim, eu consigo aproveitar algumas partidas nele e me divertir ao acertar golpes poderosos (ou passar muita raiva ao ser massacrado). Porém, esse é o tipo de jogo para o qual sempre olharei com extrema admiração (e espanto) ao assistir a uma partida travada entre dois ótimos jogadores.

Infelizmente, hoje não tenho nem tempo nem paciência para me dedicar a algo tão complexo. Mas graças aos seus dois ótimos modos single-player (Arcade e Episódios de South Town), vez ou outra poderei aproveitar alguns minutos neste excelente jogo de luta da SNK. As partidas multiplayer deixarei para os melhores lutadores.

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Desenvolvido pelo estúdio parisiense ZDT Studio em parceria com a Konami, o título para PlayStation 5, Xbox Series X/S, Nintendo Switch 2 e PC se destaca por diversos motivos, começando pela sua ambientação.

Crédito: ZDT Studio

No jogo, Darwin é um pequeno polvo que acaba capturado no oceano e levado às instalações da UFOOD, uma megacorporação do setor alimentício que o vê apenas como o principal ingrediente da próxima comida enlatada a ser produzida em larga escala.

Porém, apesar de o objetivo inicial ser um tanto simples — sobreviver e escapar —, aos poucos perceberemos que há algo muito maior por trás daquela companhia. Com funcionários que claramente não são humanos, na pele daquele polvo azul assistiremos ao desdobramento de um plano perturbador, uma conspiração silenciosa que coloca a humanidade em risco.

Um ponto positivo de Darwin’s Paradox é conseguir contar uma história interessante, divertida e grandiosa sem usar uma linha de diálogo. Toda a saga do protagonista e a ameaça aos seres humanos são passadas apenas pela linguagem corporal do simpático molusco e da narrativa por meio do ambiente (environmental storytelling).

Ao lado da direção artística bastante colorida, o comportamento de Darwin inevitavelmente nos faz associar o título às animações de Hollywood, especialmente as da Pixar. E aqui vale uma observação: a ZDT Studio merece elogios por apostar em uma atmosfera leve, algo muito diferente do que vimos em outros jogos do gênero, como Limbo, Deadlight ou Reanimal.

Contudo, a narrativa falha em não se aprofundar no passado do protagonista. Darwin’s Paradox poderia aproveitar melhor os flashbacks, o que seria um bom motivo para nos colocar mais tempo embaixo d’água. Assim, não sabemos qual a relação do polvo azul com outras criaturas que aparecem ao longo da jornada, ou por que deveríamos nos importar além do mero instinto de sobrevivência. 

Também lamento a maneira como a história termina abruptamente, mas talvez esses problemas se justifiquem pelo provável baixo orçamento do projeto. De qualquer forma, não consegui deixar de desejar que a subida dos créditos não passasse de uma trollagem e que no final eu teria a oportunidade de jogar mais um pouco para ver o desfecho de uma história tão bacana.

Crédito: ZDT Studio

Mas se os desenvolvedores poderiam ter caprichado um pouco mais no enredo, não há o que reclamar da parte audiovisual. 

Com cenas não interativas que não diferem de qualquer grande produção lançada no cinema, mesmo a animação de Darwin durante a jogabilidade impressiona, sendo fluida e expressiva, comunicando emoção e personalidade sem precisar de uma única palavra. 

Além disso, temos ambientes detalhados e iluminação convincente para um jogo em duas dimensões, o que infelizmente cobra um preço em algumas transições de tela. As quedas de framerate nessas passagens são notáveis, ao menos no Nintendo Switch 2, onde encarei a aventura. Outro problema são os tempos de carregamento. Em um jogo que funciona muito na base da tentativa e erro, ter que esperar alguns segundos para retornar à ação quebra o ritmo, o que acaba sendo um ponto contra.

Crédito: ZDT Studio

E essa quebra também acontece devido a uma das principais mecânicas do Darwin’s Paradox: o sistema de furtividade. Entre as habilidades de Darwin está sua capacidade de se camuflar com o ambiente. Isso lhe permite ficar invisível às câmeras, holofotes e linha de visão dos inimigos. O problema aqui não está na dificuldade, mas na passividade da experiência. 

Ter que aguardar o momento certo para passar por certos trechos é uma mecânica que funciona melhor quando há tensão emocional para sustentá-la. Aqui, o tom leve e descompromissado da produção trabalha contra o design de stealth. Digo isso por achar difícil sentir nervosismo numa estética que remete a um desenho animado. Exceto pela parte hilária que faz referência a um clássico da indústria, não posso dizer que a ideia me conquistou — mesmo sendo justificável, afinal, controlamos um polvo. 

No entanto, se a jogabilidade falha nesta parte, ela acerta em todo o resto. Com o estúdio tendo feito o dever de casa ao estudar o comportamento de um polvo e como isso poderia ser transformado em um jogo, o resultado é um sistema de habilidades que soa orgânico e natural.

Além da já citada camuflagem, Darwin pode escalar praticamente qualquer superfície com suas ventosas, nadar em águas não contaminadas e atirar tinta (com comportamentos diferentes dentro e fora d’água). Fora d’água, a tinta funciona como um projétil capaz de desativar caixas de eletricidade e interagir com elementos do cenário. Na água, ela se transforma num jato que cria cortinas de invisibilidade temporária.

As habilidades são desbloqueadas de forma progressiva ao longo da campanha, justificadas narrativamente por um golpe na cabeça que faz Darwin esquecer temporariamente quem é. Assim, à medida que o herói avança, recorda essas capacidades. É um recurso narrativo simples, mas funcional, que mantém o ritmo sem sobrecarregar o jogador logo de início.

Já o level design flui de forma contínua, sem telas de carregamento entre os ambientes, com o título costurando as fases de forma orgânica, como se fosse um filme sem cortes bruscos. Os cenários vão desde fábricas industriais até galerias de esgoto, nos colocando ainda em ruas movimentadas à noite sob chuva e em profundezas aquáticas, com cada cenário exigindo combinações diferentes das habilidades disponíveis.

Crédito: ZDT Studio

Ao reunir uma equipe formada por profissionais que passaram tanto pela indústria de videogames quanto pela do cinema, Darwin’s Paradox buscava servir como um elo entre os longas-metragens animados e os jogos eletrônicos. E eles conseguiram.

Ver um cinematic platformer que nos coloca numa ambientação tão colorida e com uma história mais leve foi uma grata surpresa, mas o que mais me encantou na saga do pequeno Darwin foi o próprio protagonista; afinal, não é todo dia que podemos controlar um simpático polvo cujas características físicas foram tão bem utilizadas em prol da jogabilidade.

Espero um dia poder continuar encarando sua aventura, e não só por essa primeira parte terminar de forma tão abrupta, mas por acreditar que, com mais dinheiro, tempo e experiência, o ZDT Studio poderá nos entregar algo ainda mais fantástico do que vimos nessa estreia.

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Desenvolvido pelo Space Sauce Studio, este jogo independente nasceu de uma premissa simples, mas que resultou em um título carregado de simbolismo. Nele seremos uma carta, uma mera folha de papel que ganha vida e assim teremos uma missão importante pela frente.

Tudo começa no Arquivo da Memória, um lugar etéreo repleto de pensamentos que se dissipam, onde palavras nunca ditas e correspondências que jamais chegaram ao seu destino residem. As cartas dormem em gavetas intermináveis, esquecidas, mas não perdidas. Em meio a esse limbo de papéis, uma carta específica desperta com uma centelha estranha dentro de si, o suficiente para fazê-la tremer e ganhar consciência.

Crédito: Space Sauce Studio

Na mesma noite, uma anomalia temporal chamada de Time Glitch surge no Arquivo e a carta desaparece. Contudo, ela não foi roubada: escapou. Mas, como em algum lugar o destinatário ainda espera, a jornada tem início.

Longe de tentar ser grandiosa, a história abraça a leveza, adotando tons nostálgicos e emocionais que vão se revelando conforme avançamos pelos diferentes capítulos e eras históricas. A premissa de uma carta tentando chegar ao seu destino tem algo de simples, quase poético. E, justamente por não exagerar, acaba funcionando melhor. É uma história que parece falar de memória, distância e intenção.

Eventualmente até nos deparamos com uma ou outra ameaça, mas em Origament: A Paper Adventure não há vilões ameaçadores nem conflitos épicos. Com uma narrativa mais delicada, o foco estará em sermos encontrados por quem nos escreveu.

Mas, se a ambientação merece elogios, a principal qualidade da obra recai mesmo em sua mecânica. Nele seremos capazes de nos transformar em quatro formas de origami, cada uma com física e habilidades únicas:

• Bola de papel — rola pelo chão, pode empurrar objetos e acessar espaços estreitos
• Barco de papel — navega por superfícies aquáticas e correntes
• Avião de papel — plana pelo ar, alcançando plataformas elevadas
• Shuriken (estrela ninja) — gira em alta velocidade, ativa mecanismos e quebra obstáculos

Crédito: Space Sauce Studio

A troca entre formas é fluida e, na prática, funciona como o eixo de todos os quebra-cabeças. Não existe combate. Zero. O jogo é completamente construído em torno de exploração, observação e adaptação criativa ao ambiente. Logo, quem busca uma experiência de ação provavelmente ficará frustrado; aqueles que entenderem (e aceitarem) encontrarão uma experiência mais meditativa e satisfatória.

Já o que aumentará o fator replay é o fato de as fases terem múltiplos caminhos, com moedas escondidas em locais de difícil acesso e segredos que exigem a experimentação de todas as formas antes de encontrar o caminho certo. Há também algumas side quests leves, vindas de NPCs espalhados pelos cenários, dando aquela sensação de um mundo habitado e vivo.

Também merece destaque a direção artística de Origament: A Paper Adventure. Os ambientes são construídos para parecer dioramas artesanais, com cada fase evocando uma época histórica diferente. Templos japoneses com lanternas, canais de Veneza, uma cidade do Velho Oeste com portas de saloon rangendo… Enfim, cada cenário é montado com um nível de atenção e carinho visível. O estilo visual inspirado em origami não é apenas cosmético, já que se conecta diretamente à mecânica central do jogo. Por sua vez, a trilha sonora contribui para tornar a experiência mais fantástica, com ela se adaptando ao ritmo e ao ambiente de cada era.

Infelizmente, por enquanto a obra está disponível apenas para PC. Isso reduz bastante o seu alcance e me deixou pensando como um jogo assim casaria perfeitamente com o Switch. Se os objetos em que nos transformamos pudessem ser controlados com o sensor de movimentos do videogame da Nintendo, talvez o Origament: A Paper Adventure se tornasse ainda mais divertido.

Como ponto negativo, eu também citaria a dificuldade quase inexistente, o que contribui para tornar a progressão entediante em alguns momentos. Dos quebra-cabeças às plataformas, a campanha é mais tranquila que qualquer passeio pelo parque, com a curta duração pesando contra o jogo.

Crédito: Space Sauce Studio

Origament: A Paper Adventure é daqueles jogos que conquistam primeiro pelo charme e só depois pela proposta. À primeira vista, ele parece só mais um indie bonitinho com visual artesanal, mas basta avançar alguns minutos para perceber que existe uma ideia muito bem amarrada por trás de tudo: transformar o papel em linguagem de jogo. E isso não é só um truque visual, é o coração da experiência.

Seu maior acerto é a coerência. Tudo nele conversa com a mesma ideia: você é uma carta em um mundo de papel, então faz sentido que o movimento, os cenários e até a lógica dos puzzles sejam construídos em torno dessa fragilidade elegante. A mecânica de alternar entre formas de origami é simples de entender, mas tem personalidade suficiente para não parecer genérica. Não é o tipo de sistema que te faz pensar “uau, nunca vi nada parecido”, mas é o tipo de coisa que, quando encaixa, te faz sorrir porque faz muito sentido.

Sabendo exatamente o seu lugar no mercado, onde nunca conseguiria competir com os arrasa-quarteirões financiados pelas grandes editoras, o jogo abraça sua identidade com confiança e entrega uma aventura pequena, mas que transparece o carinho dos seus criadores. Origament: A Paper Adventure é perfeito para quem quer descansar a cabeça depois de um dia longo sem largar o controle.

Para os fãs de jogos que misturam quebra-cabeça com plataforma de forma criativa ou que simplesmente entregam uma direção de arte bem executada, esta será uma boa adição à biblioteca.

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Servindo mais como uma expansão do que uma reinvenção, essa continuação nos leva de volta ao universo do primeiro jogo, mantendo a estranheza orgânica que parece ter nascido de uma fusão da obra de H.R. Giger com arte expressionista.

Em GRIME II, seremos uma entidade conhecida como Sem Forma, uma criatura com a capacidade de absorver os inimigos derrotados e transformá-los em moldes, para assim usar suas habilidades como ataques especiais. 

Crédito: Clover Bite

Trazido à vida para saciar o apetite de um ser superpoderoso, o que encontraremos pelo caminho será um mundo com visual assustador, em que cada criatura lembra algo saído de um pesadelo, com suas deformidades e estruturas biomórficas remetendo à área em que estamos. Por exemplo: no Templo das Mãos, as criaturas parecem dedos e mãos; já em Mudfalls, os inimigos são formados por lama. E são os perigos e a direção de arte grotesca que nos motivam a querer entender como o mundo do jogo surgiu.

Explorar GRIME II nos levará a diferentes áreas, de um submundo sombrio e perturbador a arquiteturas mais desenvolvidas e elaboradas, com designs únicos e culturas distintas, além de nos depararmos com chefes representativos de cada região.

No geral, o enredo do jogo aborda temas existenciais, como por que sentimos fome, por que fomos criados e no que o protagonista se tornará, mas  faz isso utilizando um tom críptico e não linear, o que será um empecilho para quem prefere histórias mais claras.

A atmosfera alimentada por um design de áudio baseado em sons viscerais e orgânicos é certamente um ponto alto do título, mas não o único. GRIME II conta com um robusto sistema de batalhas, cujo destaque está na mecânica de moldes. Ela funciona por meio de uma barra de vida para os inimigos que, ao serem atacados, ficarão atordoados e, quando isso acontecer, teremos uma breve janela para absorvê-los. Isso nos dará acesso a uma habilidade que se enquadra em quatro estilos: arremesso, projétil, armadilha ou transformação temporária.​

Crédito: Clover Bite

O sistema de moldes funciona em duas camadas, com a primeira delas sendo a absorção imediata, o que significa que só poderemos carregar uma dessas habilidades por vez. Ou seja, se você absorver um novo inimigo, perderá o anterior. Isso serve como uma forma de incentivo para usar a habilidade rápida e estrategicamente, já que ela poderá durar apenas até o próximo confronto. 

Já a segunda etapa dos moldes funciona na base do colecionismo. Ao acumular absorções suficientes do mesmo tipo de inimigo, desbloquearemos o molde correspondente. Com ele teremos uma versão permanente e equipável daquela habilidade, sendo preciso atribuí-las nos pontos de descanso espalhados pelo mapa, com esses golpes consumindo tinta.​

Pois aqui entra outro elemento-chave do GRIME II. A tinta será gerada ao atacarmos inimigos, servindo como combustível para todos os moldes padrão. Pense nela como a mana em um RPG, com a sua geração sendo lenta demais no início da aventura para usarmos moldes frequentemente. 

Logo, podemos enxergar o molde como um sistema que começa simples, mas se expande em profundidade estratégica à medida que desbloqueamos versões permanentes e aprendemos a combinar três dessas habilidades.

Crédito: Clover Bite

O que também ajuda a tornar as batalhas mais divertidas é o fato de podermos adaptar o protagonista a um estilo com o qual nos sintamos mais a vontade. Isso se deve às mais de 30 armas, 20 armaduras e 40 habilidades disponíveis. 

Infelizmente, consegui notar algumas quedas na taxa de frames enquanto jogava no PlayStation 5, algo imperdoável para um jogo com jogabilidade em duas dimensões, mesmo porque, isso eventualmente atrapalha a precisão em saltos ou nos combates. Talvez a desenvolvedora melhore esse aspecto com atualizações, mas isso não passa de mera especulação da minha parte.

Mesmo assim, GRIME II possui praticamente apenas pontos positivos: belos visuais, trilha sonora melancólica (e marcante), ótima jogabilidade, um bom nível de dificuldade e muito conteúdo, com cerca de 30 horas de duração para sua campanha, fazendo dele mais um ótimo Metroidvania que chega a um mercado saturado. Ele também serve para comprovar o talento do pessoal da Clover Bite, embora tenha ficado curioso em saber como eles se comportarão com novas franquias e até como se sairiam explorando outros gêneros.  

No futuro, pode ser que o estúdio até ganhe a oportunidade de trabalhar com marcas já consolidadas de outras empresas, assim como os espanhóis do MercurySteam, que puderam criar capítulos para gigantes como Castlevania e Metroid. Mas, novamente, estou aqui apenas especulando…

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Desenvolvido por James Wragg, sua criação começou em 2019 na cidade de Brighton, Inglaterra, partindo do desejo do game designer em unir os RPGs com o estilo walking simulator. Para ele, os RPGs modernos estavam “desnecessariamente sobrecarregados de combate repetitivo” e por isso queria criar algo diferente.​

Após alguns meses dedicados ao projeto, em fevereiro de 2020 Wragg submeteu uma versão jogável ao projeto colaborativo Haunted PS1 Demo Disc, coletânea indie de demos com estética de PlayStation e que acabou servindo como uma vitrine para o título. 

Com a atenção do público capturada, em junho de 2022, o jogo chegou ao Steam como em Acesso Antecipado, após uma parceria com a editora DreadXP. A princípio, o inglês planejava lançar direto em versão completa, mas acabou sendo convencido pelo programa da loja da Valve ao receber o feedback dos jogadores. O lançamento completo aconteceria em maio de 2024, trazendo o ato final da história e, só agora, em março de 2026, Dread Delusion estreia nos consoles, com versões para ​Nintendo Switch 2, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox One e Xbox Series X.

Crédito: Lovely Hellplace

Mas o que faz desse um jogo que considero especial? Bom, principalmente a sua estética que remete à época do primeiro console da Sony, o que fará algumas pessoas lembrarem de um clássico cult que praticamente desapareceu, o primeiro jogo da adorada FromSoftware, King’s Field.

Tendo servido ao lado de The Elder Scrolls III: Morrowind como uma fonte de inspiração para Wragg, daquele jogo o game designer tirou elementos como a perspectiva em primeira pessoa, uma narrativa mais escorada na atmosfera entregue e muitos segredos espalhados pelo mundo.

No entanto, a principal característica que o Dread Delusion aproveitou daquele título, sem dúvida, está na estética de polígonos em baixa resolução. Do mundo em si à paleta de cores, quem teve a oportunidade de jogar King’s Field na época de seu lançamento provavelmente lembrará do título assim que iniciar uma campanha na obra de Wragg.

Para os saudosistas (meu caso), o jogo servirá como uma viagem ao passado, pois, mesmo com os títulos do primeiro PlayStation parecendo muito datados devido à capacidade daquele console em produzir gráficos em 3D, algumas pessoas conseguem enxergar um charme nesse estilo. 

Seu visual certamente causará estranheza em várias pessoas, com seu efeito de distorção visual que faz os modelos “respirarem” e ondularem na tela, como se o mundo estivesse sob o efeito de alucinógenos, podendo incomodar. Esteticamente, o recurso é coerente com o universo, mas não deixa de ser algo visualmente pesado. Felizmente, ele pode ser desativado nas configurações.

Crédito: Lovely Hellplace

Porém, eu não diria que essa é a melhor característica do Dread Delusion. Onde o jogo realmente brilha é na sua capacidade de nos colocar em um mundo em que a exploração é tanto motivada quanto recompensada. Aqui não temos um mundo gigantesco, mas o que ele nos proporciona é suficientemente vasto a ponto de querermos visitar cada canto, conversar com cada personagem que encontramos pelo caminho.

Em nossas andanças, será comum ficarmos pensando se vale o risco de irmos até um determinado lugar, se aquela casa possui alguma passagem secreta ou se há uma forma alternativa (e mais segura) de invadirmos uma construção. E quando percebemos que aquela alavanca desbloqueará um atalho, a sensação de sermos um bom aventureiro nos motivará a continuar em nossa missão.

E por falar no nosso papel nas Oneiric Isles, em Dread Delusion acordaremos como um prisioneiro da Inquisição da Apostatic Union, a força que controla as ilhas flutuantes que surgiram após um apocalipse conhecido como o “World Rend”. O evento destruiu a superfície do planeta há muito tempo e, para conseguir nossa liberdade, teremos que capturar Vela Callose, uma foragida que já foi filha de um almirante da União e hoje lidera os mercenários Dark Star.

Obviamente, o que começa como uma mera caçada vai se transformando em algo muito maior. As Oneiric Isles são divididas em regiões com características próprias: o Endless Realm, onde os habitantes não conseguem morrer e veem seus corpos apodrecerem eternamente; o Clockwork Kingdom, dominado por um rei robótico enlouquecido que condena seus súditos ao vazio. A Union, que por sua vez não persegue hereges no sentido religioso tradicional, mas sim quem ainda acredita nos velhos deuses, enfim…

O enredo de Dread Delusion não será de fácil compreensão, com nuances de sua história precisando ser reunidas e ganhando sentido só após muita exploração. Mesmo não sendo algo tão obscuro quanto um Demon’s Souls ou um Dark Souls, nem todos conseguirão entender muito bem o que sua história tem a contar. Também contribuiu para isso o fato de o título não estar localizado para o português.

Ou seja, aqui temos um universo denso e envolvente, onde cada diálogo, cada livro encontrado nas prateleiras, cada NPC tem algo a acrescentar à história do mundo. O jogo recompensa quem para pra ler e se você prefere RPGs focados a ação, provavelmente se decepcionará.

Aliás, duas das principais reclamações em relação ao jogo recaem sobre o quão vazio é seu mundo e sobre o sistema de combate muito simples. Nele, quase sempre que nos envolvemos em um confronto se resumirá a realizar três passos: avançar, atacar e recuar. Com uma inteligência artificial muito previsível, os inimigos raramente oferecem algum desafio, tornando os combates tediosos e desinteressantes. Some a isso não recebermos experiência por lutar, mas sim após coletar cristais, e fica claro como esse não é um jogo para “guerreiros”.

Verdade seja dita, talvez isso nem possa ser visto como demérito, afinal seu criador queria trazer muito dos walking simulators para os RPGs e, por isso, podemos dizer que ele alcançou o objetivo. Para quem prefere explorar a viver se metendo em brigas, Dread Delusion parecerá a realização de um sonho, com destaque para algumas missões com fortes dilemas morais, como aquela que aborda rituais de sacrifício ou outra sobre fazendas de carne humana. 

Até pela sua estética incomum, Dread Delusion não é um jogo recomendável a qualquer pessoa. Se você estiver esperando um souls-like ou mesmo algo mais parecido com o King’s Field, certamente se decepcionará. Agora, se o objetivo for explorar um mundo com muitos segredos a serem descobertos, está disposto a conversar com vários NPCs e não se importa com uma “estética PS1”, encontrará nele um indie muito interessante.

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Ao colocar os olhos sobre o título da dupla francesa responsável pelo SoulGame Studio, a primeira impressão pode ser de estarmos diante de um mero shoot ‘em up. Porém, já nos primeiros minutos de partida perceberemos que ele é muito mais complexo do que isso. 

Crédito: SoulGame Studio

Para começar, em Minishoot’ Adventures teremos um mundo semiaberto à nossa disposição, podendo nos mover em uma direção e atirar em outra. Esse é um estilo que nos habituamos a chamar de twin-stick shooter, o que exigirá alguma habilidade por parte do jogador, bem como reflexos rápidos. 

Essa segunda parte se deve principalmente ao fato de que, durante boa parte do tempo teremos que tomar o maior cuidado possível para não sermos alvejados por uma chuva de balas, e aqui entra um aspecto de outro subgênero dos “jogos de novinhas”, os bullet hell. 

Mesmo não sendo algo tão punitivo quanto um Radiant Silvergun, um Ikaruga ou um DoDonPachi, veremos muitos projéteis voando pela tela, principalmente nos divertidos confrontos com os chefes. 

Contudo, não considero que essas características sejam o ponto alto de Minishoot’ Adventures. O destaque deste jogo acaba ficando mesmo para sua estrutura de fase e sistema de progressão, inspirado nos metroidvanias.

Crédito: SoulGame Studio

Funciona assim: no início nossa nave será indefesa, situação que será levemente revertida logo, ao encontrarmos uma arma. Então, conforme exploramos o mapa, encontraremos itens que nos darão acesso a certos locais do mundo, além de ganharmos experiência para realizarmos upgrades nos equipamentos.

O que torna o sistema eficiente é a combinação de frequência e significado, ou seja, level ups acontecem com regularidade e, ao longo da aventura, nossa base se enche com os personagens que resgatamos, criando uma sensação visual de que o progresso importa de verdade.

Essa inusitada mistura de estilos já seria suficiente para chamar a atenção dos jogadores, mas há outro detalhe que merece ser citado: sua clara inspiração em um dos melhores jogos de todos os tempos, o The Legend of Zelda: A Link to the Past.

Por mais estranho que possa parecer, Minishoot’ Adventures parece muito com o clássico para o Super Nintendo, mas, ao invés de estarmos no controle de um jovem elfo, aqui pilotamos uma simpática navesinha.

Mesmo tendo achado o design da nossa nave e dos inimigos um tanto simples, a direção artística possui seu charme, lembrando um desenho animado cheio de cores e fugindo da pixelart (obs.: adoro pixelart, mas é bom ver outros estilos de vez em quando).

Crédito: SoulGame Studio

Infelizmente, o título peca no seu enredo, que, além de demasiadamente simples, em momento algum me pareceu suficientemente interessante. Nele, um ser conhecido como Não-Escolhido retorna, o que leva nossa vila a ser destruída e nossos amigos são aprisionados. Obviamente, restará ao jogador a dura missão de salvar o mundo, com a ajuda de personagens. 

Mesmo reconhecendo que o gênero não se destaque por enredos complexos, a história poderia ter sido melhor preparada. Não chega a ser algo que prejudique a experiência, mas também não consigo deixar de lamentar o foco quase total na jogabilidade.

Mas na soma de suas partes, Minishoot’ Adventures se mostra um jogo muito bem acabado, com um polimento acima da média, seja para um indie ou para uma grande produção. 

Com uma jogabilidade viciante, um fluxo de progressão constante, muitos segredos a serem descobertos e chefes muito legais, a criação da SoulGame Studio surge como uma grata surpresa com potencial para agradar fãs de diversos gêneros. Eu realmente não imaginava que precisava desse jogo, até colocar as mãos nele.

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Mas antes de falar sobre essas que são duas das principais novidades do 9º capítulo da série principal, é importante abordar sua história, pois ela justifica um recurso que poderia não ter dado certo.

Em Resident Evil Requiem teremos dois protagonistas: a analista do FBI, Grace Ashcroft, e o já popular Leon S. Kennedy. A história começa 28 anos após a destruição de Raccoon City, sucedendo os eventos de Resident Evil Village. Nela, a jovem é destinada a investigar uma cena de crime no Hotel Wrenwood e o que poderia ser apenas um procedimento de rotina imediatamente se mostra uma enorme barreira, já que foi naquele local em que a mãe de Grace foi assassinada. Paralelamente, Leon precisa lidar com uma infecção que ameaça sua vida, com a busca por uma cura fazendo com que o seu caminho cruze com o da outra protagonista.

Crédito: Capcom

Embora o enredo siga a linha temporal da franquia, abordando pontas soltas deixadas principalmente pelos Resident Evil 2 e 4, ele toma o cuidado para que novatos não se sintam perdidos, contextualizando muito do que está sendo mostrado. Porém, os fãs mais atentos perceberão uma referência aqui e outra ali, servindo quase como um presente. Outro ponto interessante é a maneira como a história é contada, pois ao alternar entre os dois protagonistas, acabamos sabendo mais do que cada um deles saberia individualmente. Esse estilo de narrativa normalmente me incomoda, mas aqui a ideia cria uma tensão verdadeira, com a troca de perspectivas gerando uma sensação de suspense que campanhas separadas provavelmente não conseguiriam criar.

Mas o fato de trazer duas histórias não chega a ser a principal novidade. Usando como argumento a personalidade de cada protagonista, Resident Evil Requiem nos entrega duas experiências bastante diferentes. Enquanto na pele de Grace teremos pela frente um survival horror, com recursos escassos e ambientes claustrofóbicos, com Leon partiremos para a ação, usando armas poderosas, desferindo golpes contra os infectados e estando no controle de alguém muito melhor preparado para a situação.

Essa dualidade pode ser percebida nos primeiros minutos da campanha, com Grace transparecendo sua insegurança — as vezes até irritantemente — e estando claramente desconfortável com a situação em que se encontra. Com ela também teremos que utilizar um item para coletar sangue infectado para produzir recursos. Já Leon nunca se esquiva do confronto, chegando a protagonizar uma perseguição cinematográfica nas ruas de uma movimentada cidade partindo para cima de monstros imensos.

A alternância também tem o ponto positivo de funcionar como uma válvula de pressão, nos deixando extremamente tensos com a Grace e “soltando as rédeas” com o Leon. Desta forma, nenhum dos estilos se torna maçante, um revigorando o outro.

Além disso, a Capcom acertou ao nos permitir escolher se jogaremos com a visão em primeira ou terceira pessoa. Embora ela recomende a primeira opção para Grace, já que favorece o terror, e a segunda para Leon, com o foco na ação, podemos encarar a campanha como acharmos melhor. Contudo, isso não afetará a estrutura da jogabilidade em si, com os recursos permanecendo escassos na parte survival horror e o combate corpo a corpo sendo fundamental na parte de ação.

Crédito: Capcom

Mas se há um quesito praticamente inquestionável em Resident Evil Requiem, é sua parte visual. Dos efeitos de iluminação à água, o jogo nos oferece uma fidelidade visual digna de derrubar queixos. O trabalho realizado pela equipe responsável pelo jogo impressiona, mesmo tendo jogado em um PlayStation 5 (não o Pro), parte também pela belíssima direção artística, com sua ambientação sombria e monstros assustadores.

Aliás, algumas das aberrações com as quais cruzamos pelo caminho estão entre as mais impressionantes que vi em um videogame, com aparências grotescas capazes de nos fazer sentir impotentes, principalmente quando estamos controlando a Grace. Só é uma pena que o vilão da história pareça subutilizado, sem nunca alcançar o potencial que demonstra desde o início.

Também senti falta de quebra-cabeças mais complexos, já que os desafios são, em sua maioria, muito óbvios e quase autoexplicativos. Não chega a ser um problema que comprometa a diversão, mas não acharia ruim se, vez ou outra, meu raciocínio fosse mais desafiado.

Também vale destacar a tentativa de agradar os fãs mais antigos. Da necessidade de gerenciar o inventário com o Leon à maneira como o Centro de Cuidados Crônicos de Rhodes Hill lembra a mansão do primeiro jogo, a escolha por nos levar de volta às ruas de Raccoon City foi acertada, principalmente por a atual tecnologia permitir recriar as ruínas do epicentro da pandemia.

Crédito: Capcom

Tanto tempo depois da sua estreia, uma franquia só permanece relevante com uma base dedicada de fãs, mas o ponto negativo nisso é que essas pessoas costumam ser muito exigentes. Embora eu acompanhe a série Resident Evil desde o primeiro lançamento (curiosidade: a conheci no Sega Saturn), estou longe de ser um ardoroso fã, tendo perdido minha admiração quando os capítulos principais se distanciaram do terror.

Foi só a partir do Resident Evil 7: Biohazard e sua menor atenção à ação que voltei a me interessar pela série e, por mais que o Resident Evil Requiem tenha uma porção estilo RE4, não terem ignorado aqueles que adoram terror foi o suficiente para me conquistar. Essa mescla de estilo também serve para mostrar que ambos os públicos podem ser atendidos, mas até por se tratar de um recurso que não foi implementado ao acaso, termos duas estruturas de jogo nos próximos capítulos parece improvável.

Mas é mera especulação da minha parte. O fato é que, com esse capítulo, a Capcom pode não ter inovado tanto quanto alguns esperavam, mas acertou ao entregar praticamente dois jogos distintos, pois mesmo se tratando de uma campanha relativamente curta, a diferenciação entre suas metades é significativa — e muito bem executada. 

Portanto, a menos para aqueles que possuem aversão a jogos de terror, Resident Evil Requiem provavelmente será visto como mais um ótimo trabalho magistral da Capcom.

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A aventura coloca Scott Pilgrim e Ramona Flowers em uma nova jornada pelas ruas de Toronto, em uma missão que envolve salvar os companheiros de banda do Sex Bob-Omb, com a ajuda de Young Neil. O grande antagonista, Gideon Graves, continua como a mente por trás de tudo, um vilão que usa o poder psicológico sobre os traumas alheios para manipular e controlar, fazendo dele alguém que vai muito além de um simples chefe de fase.

Crédito: Tribute Games

O enredo mantém o espírito caótico e engraçado dos quadrinhos criados por Bryan Lee O’Malley, misturando humor nerd e referências a jogos clássicos. Para quem já conhece a franquia — seja pelos HQs, pelo filme ou pela série da Netflix —, a narrativa parecerá como reencontrar velhos amigos. Já para quem chega de primeira viagem, o mundo é acolhedor o suficiente para não deixar ninguém de fora.​

Também pode ser considerado positivo que, se o Scott Pilgrim vs. the World: The Game se baseia na história dos quadrinhos e do filme, com Scott enfrentando os sete ex-namorados de Ramona, em EX temos uma história original, ambientada após os eventos da série animada Scott Pilgrim Takes Off, da Netflix, nos colocando diante de dinossauros, clones robóticos e outros tipos de maluquices.

Contudo, a principal diferença deste novo capítulo está na estrutura de suas fases. Se o jogo de 2010 respondia como um beat ‘em up clássico com scroll lateral, com fases lineares jogadas em sequência, Scott Pilgrim EX transforma Toronto em um mundo totalmente explorável, com zonas interconectadas, caminhos escondidos, várias rotas a serem seguidas e passagens secretas. Assim, revisitar áreas antigas desbloqueia novos conteúdos conforme avançamos, fazendo do design algo no estilo Metroidvania.

Crédito: Tribute Games

Isso acaba com a tradicional linearidade dos jogos de briga de rua, fazendo dele algo como um jogo de (pequeno) mundo aberto, com zonas exploráveis. Ou seja, teremos que viajar pela cidade, encontrar NPCs, aceitar missões secundárias e descobrir segredos escondidos em locais que pareciam inacessíveis.

E, como acontece em quase todos os Metroidvania, o título da Tribute Games não se foge da utilização do backtracking, que é a necessidade de revisitarmos áreas já conhecidas. Isso acontecerá após a aquisição de itens ou habilidades específicas, o que permitirá que caminhos se abram e o retorno a esses pontos seja visto como algo recompensador.

Outro sistema adotado por este beat ‘em up são os elementos típicos de RPGs. Com cada inimigo derrotado rendendo recursos, as lojas espalhadas pelo mapa permitem investir em atributos do personagem. Desta forma, gradativamente sentimos o herói se tornando mais poderoso, forte e rápido. Os personagens também podem ser otimizados com emblemas especiais que melhoram habilidades e concedem bônus únicos, além de contarem com um sistema de assistências e itens de bônus.

Crédito: Tribute Games

Mas enquanto muitos beat ‘em ups modernos colocam toda a ênfase em longas sequências de combos, Scott Pilgrim EX foca na mobilidade. Ou seja, o jogador tem à sua disposição esquivas, saltos altos e dashes para se mover pelo cenário, encadeando ataques de formas variadas. Assim, mesmo com a tela repleta de inimigos, teremos várias opções para lidar com a situação, fazendo com que “dominar” o caos seja tanto desafiador quanto divertido.​

Também merece destaque a pixel art do jogo, que mantém o estilo da franquia. Porém, prefiro a arte do título anterior, pois trazia muito mais detalhes e uma direção artística que considero mais bonita. Já a trilha sonora é assinada pela banda Anamanaguchi, cujo som eletrônico e acelerado combina com o ritmo do jogo. Essas partes juntas resultam em uma identidade audiovisual que funciona muito bem.

Ao todo, temos sete personagens selecionáveis, cada um com seu próprio conjunto de movimentos, assistências e sensação única no controle. A troca entre eles é possível, mas o que deverá desagradar algumas pessoas é que, para isso, teremos que ir até a casa de Wallace Wells, localizada no início do mapa. Essa é uma burocracia que poderia ter sido evitada e que não existe em outro ótimo beat ‘em up da mesma desenvolvedora, o Marvel Cosmic Invasion.

Crédito: Tribute Games

No fim das contas, o que pode incomodar os mais exigentes é a curta duração da aventura. Atravessar o jogo direto, sem se preocupar com suas missões paralelas, pode ser feito em cerca de uma hora. Por outro lado, obter todos os upgrades e explorar tudo o que ele tem a nos oferecer fará esse tempo mais do que dobrar, o que dá uma ideia da quantidade de conteúdo disponível.

Scott Pilgrim EX entrega uma boa jogabilidade, com combates fluídos e uma estrutura de fases que, mesmo com o vai e vem dos metroidvanias, não se tornam enfadonhas. Na teoria, essa mistura de gêneros poderia sugerir um desastre, mas na prática ela se mostra uma boa escolha — e, principalmente, muito bem executada.

Trata-se de um título recomendado aos fãs da franquia, mas principalmente a quem aprecia um bom beat ‘em up. Se o seu desejo é por um jogo de briga de rua complexo, que ofereça combos imensos e com uma história madura, há outras opções melhores, mas se procura apenas a mais pura diversão, poderá encontrar nele um ótimo passatempo.

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Inspirado nos eventos da saga de quadrinhos Aniquilação, a motivação do vilão sugestivamente conhecido como “A Morte Viva que Caminha” se deve à percepção de que a expansão constante do nosso universo estaria reduzindo a Zona Negativa, fazendo com que ele dispare a Onda de Aniquilação, um evento massivo de invasão interdimensional.

Crédito: Tribute Games

Dividida por 15 missões, a campanha nos levará a locais conhecidos dos quadrinhos, da cidade de Nova York à Terra Selvagem, passando por Wakanda, Destromundo, Lyntar e Hala, só para citar alguns.

O que torna a jornada mais interessante é a capacidade do Aniquilador de capturar e controlar alguns seres extremamente poderosos, que não citarei quais para não estragar a surpresa de quem ainda não teve a oportunidade de jogar.

E para quem cresceu jogando beat ‘em ups, principalmente nos fliperamas, será fácil perceber as inspirações para o Marvel Cosmic Invasion por parte da Tribute Games, estúdio que já havia nos dados o elogiado Teenage Mutant Ninja Turtles: Shredder’s Revenge e que adotou melhorias significativas baseadas em sua experiência anterior.

Já na parte visual o estúdio também buscou a época em que os jogos de “briga de rua” floresciam, com cores vibrantes e personagens com alguns designs clássicos das décadas de 80 e 90. Os cenários são detalhados, com alguns apresentando personagens enormes que nem cabem inteiros na tela, o que contribui para tornar a experiência mais divertida.

Tag Team

Crédito: Tribute Games

Mas se o Marvel Cosmic Invasion chama atenção pela sua temática, lembrando bastante um beat ‘em up que adorava na minha infância, o Captain America and The Avengers, dois fatores serviram para me conquistar. O primeiro deles é o seu sistema de troca de personagens, que nos permite escolher dois heróis antes do início de cada fase e assim, poderemos alterná-los a qualquer momento, bastando apertar um botão.

Embora estejamos acostumados a ver algo assim nos jogos de luta do estilo versus, a mecânica adiciona um ar de novidade aos beat ‘em ups, pois com ela o jogador consegue, por exemplo, iniciar um combo com um personagem e continuá-lo com outro, tudo em tempo real. Além disso, como os heróis possuem características distintas e seremos motivados a experimentar, mesclando aqueles voltados para ataques rápidos com os capazes de acertar os inimigos à distância, ou apostando numa mistura de força bruta com alguém capaz de atravessar os estágios voando. Algumas duplas podem ser extremamente poderosas, chegando a tornar boa parte do jogo menos desafiador do que poderia.

Quem gosta de jogos de luta como Marvel vs Capcom também ficará empolgado ao acionar um especial. Com alguns preenchendo boa parte da tela, o estrago será ainda maior se ambos os heróis estiverem com suas barras completas, permitindo que os dois ultimate sejam acionados simultaneamente.

O título também possui um sistema de progressão para os personagens, que ganharão experiência exclusivamente no modo Campanha e podem evoluir até o nível dez.

Um elenco cósmico

Crédito: Tribute Games

Mas lembra quando disse que dois pontos do Marvel Cosmic Invasion fizeram com que eu me apaixonasse pelo jogo? Pois o segundo é a lista de personagens disponíveis. Ao todo, teremos 16 deles, sendo quatro secretos e que serão desbloqueados conforme avançarmos pela campanha principal.

Confira a lista completa, um resumo e minha opinião sobre cada personagem:

• Capitão América: pode usar seu escudo para bloquear projéteis, além de um golpe especial efetivo em curta e longa distância. Porém, sua velocidade de movimentos é reduzida, o que me fez não gostar tanto dele;
• Nova: herói cósmico focado em velocidade e mobilidade aérea. Sinceramente, achei um pouco sem graça;
• Tempestade: mutante com ataques elementais baseados em controle climático. Boa, mas não entrou nas minhas favoritas;
• Wolverine: personagem corpo a corpo com capacidade de agarrar e arremessar inimigos. Ele foi um dos com quem joguei a demo e coloco-o entre os melhores do jogo;
• Homem-Aranha: herói ágil com capacidade de balançar por teias, oferecendo alta mobilidade e velocidade. Foi minha segunda escolha na demo e também se tornou um dos meus favoritos;
• Bill Raio Beta: guerreiro korbinita com esquiva ágil e pode usar seu machado como projétil. É o típico personagem tanque e embora não costume gostar do arquétipo, achei muito divertido controlá-lo;
• Pantera Negra: utiliza lâminas de vibranium que causam dano atrasado, criando aberturas contra inimigos mais resistentes por meio de atordoamento inicial e vulnerabilidade estendida. Outro que sempre está entre os que prefiro jogar, devido sua velocidade e capacidade de atingir a longa distância;
• Motoqueiro Fantasma Cósmico: variante do Motoqueiro Fantasma e na minha opinião, um dos personagens mais poderosos. Seus golpes atingem uma área enorme, passando até a sensação de estarmos trapaceando ao jogar com ele;
• Homem de Ferro: herói com ataques de energia de longo alcance, bastante rápido e capaz de voar. Outro dos meus preferidos, com destaque para o ataque especial, copiado dos jogos de luta da Capcom em que ele aparece;
• Rocket Raccoon: um Guardião da Galáxia especializado em armamento pesado. Não chamou muito minha atenção;
• Mulher-Hulk: Personagem de força bruta com capacidade de agarrar e arremessar oponentes. Infelizmente se tornou a personagem que menos gostei;

Crédito: Tribute Games

Contudo, por mais que um elenco tão grande e variado de personagens deva ser comemorado, ao usar este artifício a Tribute Games criou uma armadilha contra si mesma. Para começar, é estranho o jogo não nos permitir jogar com nenhum membro do Quarteto Fantástico, sendo que o grupo é o principal adversário do vilão que pretende destruir o nosso universo.

Mas essa não é a única dúvida que deverá passar pela cabeça de muita gente. Embora tenhamos a presença de vários personagens “clássicos”, por que outros foram preteridos a figuras menos conhecidas? Por que o Bill Raio Beta e não o Thor? Por que Phyla-Vell e não Carol Danvers? Porque a Mulher-Hulk e não o Gigante Esmeralda?

Com sorte o Marvel Cosmic Invasion receberá atualizações que adicionarão novas campanhas, nos levando a mundos diferentes com novos inimigos e vilões, e trazendo novos personagens para escolhermos. Magneto, Ciclope, Viuva Negra, Demolidor, Deadpool, Gambit… Enfim, as opções são muitas e num mundo ideal, esse conteúdo chegaria ao jogo de forma gratuita. Não custa sonhar…

Crédito: Tribute Games

Mesmo inovando pouco e preferindo investir numa jogabilidade mais sóbria, a criação da Tribute Games agrada os apaixonados por beat ‘em ups e fará a alegria de todos que sempre desejaram colocar diversos heróis para brigar na rua contra hordas de inimigos.

Com gráficos pixelados muito bonitos, suporte para até quatro pessoas jogarem simultaneamente e a presença de diversas figuras conhecidas da Casa das ideias, Marvel Cosmic Invasion te divertirá por um bom tempo, especialmente se os criadores puderem mantê-lo abastecido com novidades pelos próximos meses.

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