Em Enshrouded, seremos um personagem sem nome, alguém nascido das chamas com o objetivo principal de salvar o reino de Embervale de um grande mal. Conhecida como Mortalha, a névoa que ameaça o local foi liberada por anciões que buscavam um maior poder mágico.

Crédito: Divulgação / Keen Games

O enredo pode não parecer muito interessante e, de fato, eu não diria que está nele uma das melhores qualidades de Enshrouded. A história servirá como um fio condutor para explorarmos Embervale, enquanto purificamos as regiões do vasto mapa e tentamos descobrir mais sobre aquele mundo ao encontrarmos documentos. 

No entanto, o centro do jogo está mesmo na maneira como mistura sobrevivência, criação de itens, construção de bases e elementos de RPG de ação. De forma bem simples, podemos dizer que nele iremos explorar, coletar recursos, melhorar nossa base e evoluir para chegar a áreas cada vez mais perigosas. Tudo girando em torno de um elemento chamado altar da chama, que definirá a área em que poderemos construir e nos dará acesso a teletransporte.

Esses altares também poderão ser melhorados, o que nos permitirá permanecer mais tempo na mortalha ou ampliar a área de construção. Além disso, será nesses locais que poderemos colocar alguns NPCs que despertarmos, o que nos dará acesso a missões e estações de criações. 

Mas, se nas bases teremos toda a tranquilidade para gerenciar itens ou nos preparar, a situação mudará completamente ao entrarmos em uma região tomada pela mortalha. O problema é que, embora seja possível encontrar itens mais poderosos ou até exclusivos dessas áreas, o nosso personagem só durará alguns minutos nesses ambientes, fazendo com que cada expedição precise ser planejada e o risco calculado. 

Já quando se trata da construção, ela funciona de maneira simples e modular, com as “peças” podendo se alinhar de maneira automática. O interessante é que mesmo se tratando de um jogo com boa qualidade visual, tudo pode ser moldado ou destruído, afinal, estamos falando de um mundo criado com voxels. 

Crédito: Divulgação / Keen Games

Com a criação de itens seguindo um sistema de camadas, onde, por exemplo, uma arma mais forte precisa da criação de uma mais fraca, cada material novo abre receitas melhores, e isso incentiva a exploração. Em sua versão 1.0, Enshrouded também ganhou um sistema que nos permite montar mecanismos lógicos e, com eles, podemos criar desde interruptores, armadilhas e quebra-cabeças.

Passando para os combates, além de usar armas variadas para enfrentar monstros a curta distância, aqui também teremos acesso a arcos, varinhas mágicas e cajados. É um sistema flexível e que permite que estilos variados possam ser alternados. Não chega a ser algo tão divertido (e preciso) quanto um hack and slash, mas também não considero que as batalhas sejam um problema.

O que me surpreendeu positivamente foi a parte visual. Mesmo tendo jogado o Enshrouded no PC logo que ele foi disponibilizado, agora no PlayStation 5 seus gráficos me causaram uma impressão ainda melhor. Rodando sem queda de frames no modo Performance, esse não é um título capaz de duelar visualmente com as grandes produções, mas, se considerarmos o mundo aberto imenso em que quase tudo pode ser destruído e que até 16 pessoas podem jogar online no PC (8 no PS5), acredito que o pessoal da Keen Games tenha conseguido um ótimo resultado.

Saindo do Acesso Antecipado

Crédito: Divulgação / Keen Games

Após passar cerca de dois anos como em Acesso Antecipado no Steam, em outubro o Enshrouded venceu essa barreira, entregando um refinamento bastante impressionante. Contando com um novo modo de construção com câmera livre, quem gosta de criar fortalezas ou qualquer tipo de construção de grande porte se sentirá mais à vontade, com o limite sendo o que tivermos no nosso inventário, não a interface.

Adicione a isso o sistema de lógicas e conexão, que nos permite criar mecanismos com interruptores e armadilhas. O problema em relação a isso é que, como o jogo não explica a mecânica, ter conhecimento sobre o funcionamento de circuitos será fundamental para fazer com que sistemas mais elaborados funcionem corretamente. Com sorte, o estúdio implementará um bom tutorial para que algo tão poderoso não fique restrito a um pequeno grupo de pessoas. 

Essa nova versão também passou por uma reformulação na árvore de habilidades. Com isso, o progresso se tornou mais equilibrado, com ganhos passivos misturados a habilidades ativas. Houve ainda as adições de biomas e masmorras, que, somadas a todo o conteúdo disponibilizado ao longo do Acesso Antecipado, fazem com que tenhamos muito a conhecer durante as partidas.

Crédito: Divulgação / Keen Games

Contudo, um escopo tão grande pode ser visto como um ponto negativo. Enshrouded possui um inicial lento, em que tudo demora muito para acontecer e, no fundo, se trata de um jogo que exige muita dedicação. Essa morosidade será reduzida ao jogarmos na companhia de outras pessoas, multiplayer, que, por sinal, é a forma como o título foi pensado. Mesmo assim, é bom saber que ele poderá ser aproveitado mesmo se estivermos sozinhos.

Vencer a etapa do Acesso Antecipado é o sonho de muitas desenvolvedoras — e das pessoas que gostaram do jogo neste estágio —, mas, em muitos casos, isso não significa que o projeto tenha sido deixado de lado. No caso do Enshrouded, a minha torcida é para que seus criadores aproveitem os próximos meses para implementar outras melhorias, como partidas entre plataformas e a chegada ao Xbox Series S|X.

Ainda assim, da maneira como se encontra atualmente, já é suficiente para considerar a criação da Keen Games uma das melhores experiências que tive com jogos de construção/sobrevivência. Eu só queria ter tempo para me dedicar mais a ele, podendo construir tudo aquilo que passou pela minha cabeça, mas que sei que não conseguirei, porque não terei os materiais necessários.

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Contando com versões para PC e Xbox Series X|S, o título, que à primeira vista pode parecer apenas um dungeon crawler, pode ser descrito de forma mais simples como um jogo com elementos de sobrevivência e Metroidvania que se passa em um calabouço desenhado à mão e que pode ser explorado tanto sozinho quanto acompanhado de mais dois amigos.

Crédito: Divulgação / Behold Studios

Mas isso não é suficiente para explicar por que este é um jogo recomendável. Nele, acordaremos em um calabouço, sem saber ao certo como fomos parar no local, e a sensação de estarmos perdidos, sem muita noção do que fazer e para onde ir, será uma constante.

A principal característica (e qualidade) de Deep Dish Dungeon é mesmo a sua filosofia de informação. Nele não temos um tutorial explícito, marcadores de missão ou mesmo um mapa. O jogo quase não explica nada e deixa com que tenhamos que deduzir o que fazer, e o resultado é um calabouço que nos recompensa por pensar de forma criativa. Quando esse sistema funciona, os atalhos aparecem e a geografia interna vai se revelando como uma rede de corredores que se retroalimentam. Mas, quando falha, faz com que a dúvida sobre a falta de um item ou possibilidade de não termos visto alguma passagem se torne um tormento.

Algumas pessoas poderão encarar essa opção de design como uma falha. Já para quem gosta de imersão e vem sendo forjado nos games há muitos anos, esse alto nível de paciência exigido compensará pela recompensa prometida no fim do arco-íris.

Parte dessa imersão proporcionada também deve ser creditada à simulação de física e aos quebra-cabeças baseados nela. Com tábuas, caixas, cordas, fogo e água servindo para alcançar a próxima área, conseguir ultrapassar alguns obstáculos dependerá da nossa criatividade — e habilidade, já que a manipulação dos objetos é um pouco desajeitada —, não de uma resposta pronta, uma seta imensa indicando a direção ou algum NPC para nos soprar a solução.

Crédito: Divulgação / Behold Studios

Outro ponto importante da jogabilidade de Deep Dish Dungeon está no ciclo de sobrevivência. Sempre que renascermos no calabouço, o ideal será cozinhar alguma comida, pois desta forma receberemos alguns bônus em relação a alimentos crus. Então partiremos em busca de itens que poderão ajudar nossa jornada, enquanto muitos monstros tentarão nos aniquilar, e a outra parte da nossa preocupação estará no gerenciamento do inventário.

Inicialmente conseguiremos carregar no máximo seis itens, o que inclui o que coletarmos pelo caminho, armas, comida e armaduras. Por um lado, esse inventário reduzido incentiva expedições curtas, mas, ao jogar sozinho, o resultado é ter que ir e voltar muitas vezes para a base, com o objetivo de guardar alguns itens e pegar comida.

Um detalhe curioso está no sistema de renascimento dos inimigos. De tempos em tempos nos depararemos com monstros que derrotamos anteriormente. Num primeiro momento, não gostei da ideia, mas então entendi que isso aumenta a tensão e faz com que uma incursão nunca seja igual à anterior.

Mas aquilo que deverá causar mais reclamações é o sistema de combate. Com um estilo bastante parecido com o do clássico King’s Field, as batalhas quase sempre se resumirão a desferir um ataque, recuar e repetir. É uma mecânica simples, repetitiva e um tanto rígida. A variedade de ataques dos monstros é pouco criativa e motivadora, o que não significa que teremos vida fácil.

Crédito: Divulgação / Behold Studios

Na verdade, Deep Dish Dungeon é um jogo extremamente impiedoso. Mesmo um monstro mais fraco poderá nos matar com poucos golpes, e atravessar as salas e corredores de forma acelerada quase nunca será uma boa ideia. Ou seja, se você não tiver paciência, provavelmente se frustrará tanto que abandonará o título antes mesmo de ele te apresentar suas principais qualidades.

No entanto, se o objetivo for ter contato com uma experiência imersiva e que se torna ainda mais divertida quando encarada com a ajuda de amigos, o trabalho da Behold Studios poderá te conquistar.

O importante aqui é que você esteja disposto a partir em uma viagem que remete há 30 anos, quando o primeiro PlayStation nos apresentava às maravilhas dos gráficos em três dimensões. Entendo quem não gosta desse tipo de estética, mas, neste caso, a escolha faz todo o sentido. Além de proporcionar uma atmosfera sombria, o visual tem sua beleza artística e ajuda a aproximar o título daquela que parece ser sua maior fonte de inspiração: o clássico King’s Field.

Para mim, a satisfação em encontrar um atalho, de desvendar um quebra-cabeça ou entender como certas mecânicas funcionam acaba superando todos os problemas que o Deep Dish Dungeon apresenta. Não é um jogo perfeito, mas é um dungeon crawler que eu precisava (e nem sabia) no momento.

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Confesso que, enquanto assistia ao vídeo, pensei: ora, por que não?

Quer dizer, estamos vivendo numa época em que a inteligência artificial consegue escrever código, explicar algoritmos, ajudar a encontrar erros e até reconstruir partes de sistemas que já existem há décadas. Se antes você precisava passar horas tentando entender o que um programa fazia, agora tem uma espécie de assistente que, pelo menos em tese, pode ajudar a encurtar bastante esse caminho.

E eu digo em tese porque, como todo mundo que já pediu para uma IA fazer alguma coisa um pouquinho mais complexa sabe, existe uma diferença considerável entre ela dizer que terminou o trabalho e o trabalho realmente estar terminado. Mas isso é assunto para outra hora.

O fato é que o vídeo do Leonardo me deu uma ideia: e se eu tentasse fazer a mesma coisa com alguns jogos do Atari?

Voltando aos tempos do Atari

Para quem cresceu jogando videogame nos anos 1980, o Atari 2600 dispensa apresentações. Estamos falando de uma época em que os jogos cabiam em pouquíssima memória, os gráficos eram extremamente simples e os desenvolvedores precisavam fazer verdadeiros malabarismos para transformar aquelas limitações técnicas em alguma coisa divertida.

E funcionava! Pelo menos na maioria das vezes.

É curioso pensar que, décadas depois, ainda estamos aqui falando desses jogos. Alguns envelheceram melhor do que outros, evidentemente, mas existe algo fascinante em tentar entender como aquelas pequenas máquinas conseguiam fazer tanta coisa com tão pouco.

Foi justamente aí que resolvi colocar a IA para trabalhar.

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Peguei alguns jogos clássicos do Atari e comecei a experimentar uma espécie de engenharia reversa assistida por inteligência artificial. A ideia não era simplesmente colocar uma imagem do jogo antigo numa página e fingir que tínhamos feito alguma coisa. Eu queria reconstruir a lógica, entender o comportamento dos inimigos, reproduzir a movimentação, implementar as regras e, principalmente, chegar a algo que fosse realmente jogável.

Em outras palavras, queria sair daquela fase em que você apresenta um protótipo, diz que está quase pronto e torce para ninguém apertar o botão errado.

Do cartucho para o navegador

O resultado foi a criação de versões em HTML5 e JavaScript de alguns desses jogos.

Para quem não é da área, HTML5 e JavaScript são tecnologias que permitem criar experiências interativas diretamente no navegador. Isso significa que, em vez de precisar instalar um emulador específico, configurar um monte de coisas ou procurar aquele cartucho que provavelmente está guardado numa caixa na casa dos seus pais, basta abrir uma página e jogar.

Ou, pelo menos, essa é a ideia.

O processo envolve muito mais do que pedir para a inteligência artificial copiar um jogo. É preciso analisar o comportamento original, definir como os objetos se movimentam, implementar colisões, pontuação, inimigos, condições de vitória e derrota e, claro, testar tudo isso. Porque não adianta o jogo parecer bonito se o personagem atravessa uma parede, os inimigos ficam presos num canto ou a pontuação resolve entrar numa realidade alternativa.

E a IA ajuda bastante nesse processo. Ela pode propor implementações, explicar trechos de código, encontrar problemas e ajudar a acelerar tarefas que, de outra forma, exigiriam muito mais trabalho manual.

Mas não é mágica. É preciso orientar, corrigir, testar e insistir. Às vezes, insistir bastante.

O mais interessante é que esse exercício também acaba sendo uma forma de aprender. Quando você tenta reconstruir um jogo antigo, começa a prestar atenção em detalhes que talvez nunca tivesse percebido enquanto jogava. Por que determinado inimigo aparece naquele momento? Como o jogo aumenta a dificuldade? O que acontece quando você ultrapassa certo limite da tela? Qual é a lógica por trás de uma mecânica que parecia tão simples?

De repente, aquele joguinho que você conhecia desde criança vira um pequeno laboratório de programação.

E por que não compartilhar?

Depois de reconstruir os jogos, resolvi publicar as versões na internet de forma aberta, para que qualquer pessoa possa acessá-las e jogar.

Afinal, de que adianta passar horas reconstruindo um jogo se o resultado vai ficar escondido numa pasta do meu computador, junto com outros projetos que comecei numa empolgação de domingo e nunca mais abri?

A proposta é justamente facilitar o acesso. Você abre o navegador, entra na página e começa a jogar. Sem precisar instalar nada, sem configurações complicadas e sem a obrigação de entender uma linha sequer de JavaScript.

Quem quiser apenas matar a saudade pode jogar. Quem tiver curiosidade sobre programação pode olhar o código, entender como as coisas foram implementadas e experimentar suas próprias modificações. E quem também gosta de inteligência artificial pode usar o projeto como ponto de partida para descobrir o que essas ferramentas conseguem fazer quando colocadas diante de um problema concreto.

É uma maneira interessante de aproximar duas coisas que, à primeira vista, parecem pertencer a mundos diferentes: os videogames de uma época em que a tecnologia era extremamente limitada e as ferramentas de inteligência artificial que temos hoje.

Existe também uma satisfação particular em ver algo funcionando depois de horas de tentativa e erro. Principalmente quando esse algo é um jogo que você pode abrir no navegador e compartilhar com outras pessoas.

Alguns exemplos: 

• RiverRaid: https://river-raid-hack.netlify.app 
• Enduro: https://enduro-hack.netlify.app 
• Bobby is Going Home: https://bobby-is-going-home-hack.netlify.app 
• Frostbite: https://frostbite-hack.netlify.app 
• Hero: https://hero-hack.netlify.app 
• Seaquest: https://seaquest-hack.netlify.app 

Crédito: Reprodução/Jonatas Afonso

A IA não faz tudo sozinha. Ainda bem?

Uma coisa que ficou clara durante esse processo é que a inteligência artificial não elimina a necessidade de saber o que você está fazendo. Na verdade, quanto mais você conhece o assunto, mais consegue aproveitar o que ela oferece.

Se você não sabe o que espera do resultado, pode acabar aceitando qualquer coisa que pareça funcionar. E, como já descobri algumas vezes, existe uma diferença enorme entre um programa que roda e um programa que realmente faz aquilo que deveria fazer.

A IA pode produzir código rapidamente, mas alguém precisa decidir se aquele código faz sentido, se o comportamento está correto e se o resultado corresponde ao objetivo original.

No caso dos jogos antigos, isso é ainda mais interessante. Não basta produzir algo que lembre visualmente o original. A graça está justamente em recuperar aquela experiência, respeitando tanto quanto possível as mecânicas que tornaram o jogo reconhecível.

É um trabalho de reconstrução, experimentação e aprendizado. E, convenhamos, se no final ainda dá para jogar, melhor ainda.

O passado também pode ser um ótimo projeto para o futuro

O vídeo que o Leonardo me mandou nesta manhã acabou servindo como ponto de partida para um projeto que mistura nostalgia, programação e inteligência artificial.

Comecei querendo experimentar engenharia reversa em alguns jogos do Atari e terminei publicando versões jogáveis em HTML5 e JavaScript, disponíveis gratuitamente na internet.

Não estou dizendo que reinventei a roda, muito menos que substituí os jogos originais. A proposta é outra: explorar o que conseguimos reconstruir com as ferramentas de hoje, aprender durante o processo e compartilhar o resultado com quem também gosta dessas coisas.

E talvez essa seja uma das partes mais legais de trabalhar com tecnologia atualmente. Você pode pegar uma curiosidade que surgiu durante o café da manhã, transformar a ideia num projeto concreto e, algumas horas ou dias depois, ter alguma coisa funcionando que outras pessoas também podem experimentar.

Agora, se me dão licença, preciso voltar aos testes. Ainda há coisas para ajustar, detalhes para melhorar e, evidentemente, alguns jogos para jogar em nome da ciência.

Porque desenvolver software é uma atividade séria. Mas, quando envolve Atari, pelo menos uma parte do expediente pode ser dedicada à diversão.

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Para que fique claro, assumir o comando de um clube (quase sempre pequeno) e tentar fazer com que ele se torne quase imbatível tem sido meu foco na franquia já há muitos anos e, por isso, raramente falo sobre outros modos — como o famigerado Ultimate. Por isso, essa análise abordará principalmente esse aspecto, mas preciso começar pela jogabilidade.

Crédito: EA

A diferença que os jogadores mais sentirão no EA Sports FC 27 é a parte defensiva. Se antes os marcadores agiam de forma mais independente, sob o comando da inteligência artificial, agora o jogador precisará pensar e agir mais durante as partidas. O velho truque de assumir o controle do volante e deixar que os zagueiros atuassem por conta própria perdeu relevância. Mesmo com zagueiros de alto nível ainda possuindo um maior raio de ação, o tempo de bote e a leitura de espaço agora dependem diretamente dos comandos do usuário. 

Porém, enquanto aqueles que dominarem esse novo padrão defensivo farão com que as partidas pareçam mais reais — mesmo que ainda longe da simulação —, os que sentirem dificuldade em se adaptar proporcionarão lances bizarros e jogos com placares elásticos. 

O jogo agora exige posicionamento, leitura e controle manual, o que torna o ato de se defender mais desafiador, mas recompensa quem faz diferença na habilidade pura. A EA Sports também parece ter dedicado um bom tempo em aperfeiçoar o estilo de jogo Autêntico, agora em sua versão 2.0, deixando-o mais cadenciado, técnico e tático. Talvez nem todos gostem disso, mas o modelo competitivo continua disponível para quem aprecia um estilo mais arcade.

Já com a bola no pé, me agradou como as disputas corpo a corpo influenciam mais as jogadas. A cada edição, o jogo tem tornado mais necessário estarmos virados para a direção em que faremos um passe ou estarmos bem posicionados ao fazer um chute. E no EA Sports FC 27, se um zagueiro estiver marcado duramente seu jogador, a possibilidade de acertar aquele chute irreal se torna mais difícil. 

Crédito: EA

Passando para o modo Carreira, talvez a principal (e melhor) novidade seja o OVR Dinâmico, ou seja, a nota geral do jogador deixa de ser estática e passa a oscilar conforme sua condição física e moral. O rodízio no elenco então passa a ser uma necessidade, já que a condição física do atleta nunca gerará benefícios, apenas penalidades. O sistema se torna ainda mais interessante para quem disputa várias temporadas seguidas, fazendo com que as competições e a evolução dos atletas pareçam mais naturais.

Desta forma, dedicar-se ao modo Carreira faz com que as consequências de nossas ações sejam mais palpáveis. Se antes podíamos ir com os onze melhores jogadores do início ao fim, nesta edição se torna fundamental equilibrar forma, humor do vestiário e desgaste físico. 

Além disso, o vestiário e as rivalidades ganharam peso narrativo no Modo Carreira. Desentendimentos entre atletas podem afetar o rendimento em campo, exigindo intervenção da comissão técnica. Já em clássicos e jogos decisivos, o desempenho da equipe concede Pontos de Personalidade, permitindo moldar o estilo de liderança do treinador e influenciar a postura do time em momentos de pressão ao longo da temporada.

O desenvolvimento de jogadores da base também recebeu mudanças, com as promessas não seguindo mais uma linha ascendente garantida, pois temos tanto aqueles de pico precoce quanto os de desenvolvimento tardio. Da minutagem em campo até a moral do elenco, tudo influenciará a maneira como o jogador evoluirá, com um save nunca sendo igual a outro.

Crédito: EA

Quanto às negociações, elas se tornaram muito mais dinâmicas e até mesmo emocionantes. A assinatura de contratos abandonou o modelo simplificado de conversa única, com o processo ocorrendo em estágios sequenciais, iniciando por sondagens formais para medir o interesse antes de abrir negociações diretas. Com a parceria oficial da plataforma TransferRoom, as avaliações dos atletas utilizam o modelo de Valor Esperado de Transferência (xTV), fazendo os preços flutuarem conforme a fase do jogador, a força da liga e as oscilações de mercado ao longo das temporadas. 

Assim, as negociações podem levar semanas e sofrer reviravoltas, como propostas concorrentes de clubes rivais, tentativas de “chapéu” de última hora e renegociações de cláusulas contratuais. Além disso, novas cláusulas contratuais foram introduzidas, incluindo cláusulas de recompra, empréstimos com obrigação e pagamentos parcelados.

Também senti que a contratação de atletas se tornou muito mais difícil (e plausível) quando estamos num clube menor e/ou de uma liga menos atrativa. No meu primeiro save, escolhi um time da Argentina e consegui despertar o interesse de atletas maiores, mesmo sem contratos, mostrou-se um enorme desafio, já que, no fim, eles quase sempre optavam por ir jogar na Europa. Felizmente, aquelas constrangedoras animações em 3D com os managers envolvidos nas negociações foram removidas, dando lugar a uma interface 2D mais dinâmica.  

Crédito: EA

Contudo, tantas escolhas, ajustes e aperfeiçoamentos fazem com que o modo esteja se tornando bastante complexo. Se voltarmos alguns anos, lembraremos de Carreiras em que basicamente nos preocupávamos em contratar o melhor jogador para cada posição e testar o time no campo. Agora, o tempo que passamos “nos bastidores” é imenso, fazendo com que as partidas em si fiquem em segundo plano.

Como alguém que sempre desejou um modo Carreira o mais detalhado e realista possível, não reclamarei disso. Mesmo sem muita paciência para testar as táticas mais mirabolantes ou para escavar a base, adoro passar horas tentando algumas contratações, só para descobrir que o investimento não valeu a pena ou que meu time não é tão bom quanto eu imaginava.  

Então, com as melhorias implementadas no Carreira do EA Sports FC 27, tenho muito mais motivos para comemorar do que lamentar. Para quem gosta de dedicar tempo a cada detalhe da equipe e se sentir como um técnico no controle de um time de futebol, o EA Sports FC 27 representa um salto considerável e um sandbox de respeito. A lamentar, apenas a ausência de um campeonato brasileiro ou, pelo menos, a possibilidade de criarmos e editarmos equipes para fazermos manualmente um torneio assim.

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Se desconsiderarmos a remasterização Onimusha: Warlords e o jogo de estratégia Onimusha Soul, este ano completaríamos duas décadas desde o último lançamento, mas a Capcom resolveu aproveitar a data para resgatar uma marca tão importante e fez isso da maneira correta — aliás, impressiona como os japoneses tem acertado tanto nos últimos anos.

Em Onimusha: Way of the Sword o protagonista será Miyamoto Musashi, figura baseada no lendário guerreiro japonês autor d´O Livro dos Cinco Anéis, texto de estratégia militar no estilo do livro Arte da Guerra. O enredo se passa em uma Quioto do período Edo que está sofrendo com ataques de monstros conhecidos como Genma. 

Crédito: Capcom

Equipado com a clássica e senciente Manopla Oni, que consome as almas dos inimigos abatidos, Musashi protagoniza uma narrativa muito mais focada no desenvolvimento de personagens do que apenas em salvar o mundo. O tom sabe ser sério e perturbador quando necessário, mas nunca tem medo de ser “canastrão” na medida certa.  

Isso acontece devido ao fato de que, ao contrário do que vemos na maioria das histórias de samurais, aqui Musashi será um sujeito barulhento, confiante e extremamente expressivo. Algo que ajuda a torná-lo ainda mais carismático é o fato de os desenvolvedores terem usado como modelo o saudoso ator japonês Toshiro Mifune (Os Sete Samurais, Yojimbo, Sanjuro).

Mas, no fim das contas, caberá a Miyamoto Musashi a dura missão de salvar a humanidade, o que inclui encarar chefes imensos, derrotar uma infinidade de seres muito menos poderosos e andar de um lado para o outro de Quioto enquanto coletamos itens que nos deixarão melhor preparados para futuros desafios. 

Crédito: Capcom

Para quem valoriza o peso de cada golpe e títulos que nos recompensem por cada  executado precisamente, Onimusha: Way of the Sword parecerá estarmos participando de uma luta de arte marcial. Como o sistema do jogo não exige descanso entre ataques leves e pesados, a estratégia foca inteiramente na nossa defesa. Bloquear consome fôlego rapidamente, o que obriga o jogador a abandonar a zona de conforto e dominar o parry e os desvios no momento exato.  

Já durante o ataque, acertar o timing perfeito recompensa o jogador com o icônico Issen — um contra-ataque cinematográfico e devastador que geralmente aniquila o inimigo na hora. Nas batalhas contra os chefes da campanha, esse sistema brilha intensamente. Esses embates exigem a leitura impecável de padrões e levam os nossos reflexos ao limite e, quando bem executado, o Issen nos presenteia com uma dose de dopamina que poucos jogos são capazes de entregar.

Crédito: Capcom

Contudo, por mais que esse retorno brilhe como uma nova e suntuosa katana, não quer dizer que ela não apresente pontos de ferrugem aqui ou ali. Passada a empolgação do início da campanha, em que a linearidade impera, ao chegarmos na área semiaberta de Quioto, os problemas aparecem.

Em vez de manter a fluidez dos “corredores” mesclados com combates contra chefes, Onimusha: Way of the Sword derrapa ao nos colocar em missões secundárias repetitivas, como interpretar mapas desenhados à mão para achar baús escondidos ou vasculhar o cenários em busca de materiais.  

A baixa variedade de inimigos normais agrava esse cenário. Uma vez que desvendamos os padrões de ataque daquela pequena seleção de Genmas, o trajeto de um chefe a outro passa de desafiador para burocrático. Então, esse prolongamento artificial da campanha, tão comum em jogos modernos de ação e aventura, quebra os momentos fantásticos com os quais nos deparamos.

Crédito: Capcom

Para quem conhece pouco a franquia (meu caso), esses problemas podem incomodar menos, mas o fato é que se trata de um jogo com um ótimo sistema de combate que privilegia a técnica e reflexos apurados; com batalhas contra chefes muito bem projetadas (e difíceis); um protagonista muito carismático e bem construído; e uma qualidade gráfica excepcional, sendo mais um título da Capcom que se beneficia de um dos melhores kits de desenvolvimento da atualidade, a RE Engine. 

Ou seja, Onimusha: Way of the Sword é um ótimo recomeço para uma série que eu deveria ter dado uma chance quando ela chegou ao mercado. Mesmo com sua exploração tendo testado minha paciência muito mais do que sua exigência por pensamentos rápidos, o desafio oferecido nas grandes lutas compensa os momentos entediantes.  

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Desenvolvido pelo estúdio espanhol Weird Beluga, o título chegou em agosto de 2026 para PC, PlayStation 5, Xbox Series X|S e Nintendo Switch 2, assumindo sem muita cerimônia a missão de recuperar uma fórmula que foi extremamente popular durante a era do PlayStation 2: mundos coloridos, exploração, colecionáveis, plataformas tridimensionais, combate em terceira pessoa e personagens carismáticos.

Para quem jogou Jak & Daxter, Ratchet & Clank, Spyro, Sly Cooper ou os primeiros Kingdom Hearts, a familiaridade será imediata. Duskfade não tenta esconder suas referências, e o resultado é curioso porque, ao mesmo tempo em que consegue reproduzir muito bem aquela sensação de aventura que os jogos de plataforma 3D do início dos anos 2000 transmitiam, também expõe o principal problema de seguir tão de perto uma fórmula antiga: em determinados momentos, a homenagem se aproxima demais da imitação.

Crédito: Weird Beluga

Nele, o jogador assumirá o controle de Zirian, um jovem aprendiz que vê sua vida virar de cabeça para baixo quando sua irmã, Allira, desaparece em circunstâncias relacionadas à misteriosa Clock Tower. O acontecimento também mergulha o mundo em uma noite aparentemente interminável, levando Zirian a atravessar diferentes regiões enquanto tenta encontrar a irmã e compreender os segredos relacionados aos chamados Master Clockmakers. Contudo, ele não fará essa jornada sozinho: seu companheiro Cuckoo, um pequeno pássaro mecânico, acompanha a aventura e ajuda a dar personalidade à dupla. 

Sem dar muitos detalhes, é justamente na maneira como Duskfade utiliza o conceito de tempo que a história fica mais interessante. A aventura começa parecendo apenas uma missão de resgate, mas o tema central aos poucos se aproxima de questões como perda, amadurecimento, memória e a dificuldade de aceitar aquilo que não pode ser mudado. O contraste é uma das características mais interessantes do jogo: enquanto visualmente o Duskfade parece uma fantasia colorida e quase infantil, sua narrativa trabalha emoções muito mais maduras. 

No entanto, Duskfade é, no fundo, um jogo de exploração. O prazer está menos em enfrentar inimigos extremamente inteligentes e mais em entrar em uma nova área, perceber que existe alguma coisa interessante no horizonte e descobrir como chegar até ela. O arsenal de movimentação de Zirian aumentará com o decorrer da aventura, permitindo combinar ações como salto, dash, gancho e deslize. A consequência é uma exploração que fica gradualmente mais interessante à medida que ganhamos novas ferramentas. Em vez de simplesmente atravessar os cenários, existe um incentivo constante para olhar para cima, procurar caminhos alternativos e lembrar de locais que anteriormente pareciam inacessíveis. 

Crédito: Weird Beluga

Em Duskfade o objetivo não é punir o jogador a todo instante. A intenção é oferecer uma aventura confortável, cheia de segredos e com progressão baseada em habilidades. É uma estrutura muito característica da época em que os jogos 3D queriam que você explorasse um mundo por curiosidade, e não necessariamente porque o mapa estava cheio de marcadores obrigando você a fazê-lo.

A movimentação é outro ponto forte. Ao nos entregar um personagem extremamente ágil, mover-nos pelos cenários é algo quase sempre muito agradável. Há momentos em que o jogo consegue combinar salto, deslocamento aéreo, gancho e outras habilidades de maneira bastante satisfatória, uma das melhores experiências que já tive no gênero. 

O combate, entretanto, é onde Duskfade demonstra suas limitações claramente. Ele funciona, mas raramente é a razão pela qual você estará ansioso para continuar jogando. Zirian possui uma arma parecida com a Keyblade de Kingdom Hearts e enfrenta inimigos em “arenas” espalhadas pelos mundos, mas a variedade de golpes e a profundidade das batalhas não chegam ao nível dos melhores representantes do gênero. 

Esse ponto fraco se torna mais perceptível quando colocamos Duskfade ao lado das próprias referências que o jogo escolheu. Ratchet & Clank tinha armas extremamente variadas; Kingdom Hearts desenvolveu progressivamente um sistema de ação mais elaborado; Jak & Daxter equilibrava movimentação e combate com uma identidade própria. Porém, mesmo chegando perto da sensação desses jogos, ele não consegue reproduzir integralmente a mesma qualidade dessas mecânicas. Os inimigos comuns se tornam previsíveis e algumas batalhas parecem existir mais para quebrar o ritmo da exploração do que para oferecer um desafio realmente memorável. Em compensação, os chefes receberam um tratamento mais cuidadoso, frequentemente misturando combate com elementos de plataforma e aproveitamento do cenário. 

Crédito: Weird Beluga

Já na parte visual, o título mostra força. Combinando “arquitetura clockpunk” — como o estúdio gosta de chamar —, fantasia e uma estética de desenho animado, o resultado é muito bonito, com cenários que conseguem chamar atenção. Castelos, vilarejos, estruturas mecânicas, áreas naturais e ambientes fantásticos apresentam uma variedade considerável, e a direção de arte utiliza iluminação e cores para criar uma identidade visual bastante consistente. 

Outro mérito vai para a variedade dos cenários. Duskfade não parece satisfeito em repetir o mesmo bioma com pequenas alterações. As regiões possuem características próprias e o jogo merece destaque quando somos apresentados a uma nova área, deixando o jogador descobrir como ela funciona. Essa variedade ajuda a manter a aventura visualmente interessante e contribui para a sensação de uma verdadeira jornada.

Com tantos jogos atuais incorporando elementos de RPG, é bom ver uma obra que evita seguir por este caminho. Aqui o foco está na simplicidade, em chegarmos a um lugar, coletar o máximo de coisas que conseguirmos, eventualmente derrotar um chefe e seguir adiante. 

Crédito: Weird Beluga

Isso faz com que Duskfade pareça muito um jogo do início dos anos 2000, o que poderá desagradar algumas pessoas. Talvez os desenvolvedores pudessem ter arriscado mais, se desgarrado mais das fontes que os inspiraram. Mas, se você busca um jogo que está mais preocupado em oferecer exploração e testar suas habilidades de saltar de uma plataforma para outra em uma progressão linear, isso não deverá ser um problema.  

Para o público old school, portanto, Duskfade é uma recomendação relativamente fácil, desde que se entenda o produto pelo que ele é. Não é um novo Jak & Daxter, nem um sucessor espiritual perfeito de Kingdom Hearts, muito menos uma revolução no gênero. É uma produção independente extremamente consciente de suas influências, que tenta recuperar uma sensação específica: um platformer 3D de aventura feito com carinho, em que explorar uma nova área é até mais importante do que derrotar o próximo inimigo.

Talvez ainda seja muito cedo para dizer isso, mas a sensação é de que o pessoal da Weird Beluga conseguiu o que muitos estúdios perseguiram por anos e até mais do que isso, que estão com uma poderosa nova franquia nas mãos.

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Conhecido no Ocidente como Truxton (Tatsujin no Japão), não posso dizer que o jogo se tornou um dos meus shoot ‘em up favoritos, mas nunca o esqueci. Então, com versões para PC, Nintendo Switch 2 e PlayStation 5, mais de três décadas depois aquele clássico retorna com o Truxton Extreme.

Nele, a civilização humana se espalhou por sete planetas colonizados, vivendo uma era de prosperidade sem precedentes — até que essa paz foi destruída de forma repentina por uma invasão de uma civilização extraterrestre. Diante do poder tecnológico do inimigo, a humanidade se vê obrigada a resistir com o que lhe resta, e é nesse contexto que os três protagonistas jogáveis são trsnformados em ciborgues conhecidos como Tatsujin, e assim poderão assumir o os controles de naves na tentativa de conter o avanço inimigo.

Crédito: Tatsujin

Em Truxton Extreme, a narrativa é conduzida por meio de quadrinhos animados entre as fases do modo História. Com arte do mangaká Junya Inoue (Batsugun e DoDonPachi), a HQ alterna entre as perspectivas dos três pilotos ao longo de seis estágios, numa campanha que mistura drama humano com a urgência da guerra pela sobrevivência.

Por mais que o enredo seja batido, fiquei surpreso em ver algo um pouco mais complexo em um jogo do gênero, e a alternância (e interação) entre o trio ajuda a tornar a história mais interessante. O que lamento é a estrutura das fases não mudar, já que seria muito melhor se cada estágio fosse mostrado por um ponto de vista diferente.

Mesmo assim, o ponto em que Truxton Extreme se destaca positivamente é na sua jogabilidade. Aqui temos um título que, embora seja conservador em seu design, entrega um shooter vertical com execução refinada. Ao longo das fases teremos um desafio elevado, com os chefes desafiadores sem parecerem injustos, e a recompensa pela memorização de padrões de inimigos, bem como pelo gerenciamento estratégico de recursos, como a escolha de armas, o controle de velocidade da nave e uso do medidor de energia especial (EX) para causar maior dano.

Crédito: Tatsujin

Outra escolha de design acertada é o sistema de penalidade ao morrer: perder uma vida não zera todo o progresso do jogador, apenas reduz um nível os upgrades de ataque e velocidade, e o renascimento ocorre um pouco antes do ponto da morte. Contra chefes, o jogo até recua o suficiente para permitir recuperar parte do poder perdido antes do confronto.

A apresentação também merece elogios. Com visuais construídos em 3D, eles preservam o design icônico da série, com criaturas de aparência insectoide, tentáculos, serpentes assustadoras e luzes pulsantes que remetem diretamente à estética original, mas com efeitos gráficos modernos. Já a trilha sonora é outro destaque: composta por Masahiro Yuge, pianista de formação clássica e que nos deu o primeiro jogo, ele retorna com uma trilha nova que mistura faixas reimaginadas dos jogos originais com composições inéditas, mantendo o caráter empolgante que se tornou marca registrada da série.

Em termos de variedade, Truxton Extreme oferece um pacote generoso de modos, com um modo Arcade tradicional sem narrativa, um modo Time com cooperativo local simultâneo para dois jogadores, um modo Arena voltado a pontuação e um tutorial, além do modo História. Essa variedade permite que tanto veteranos quanto novatos encontrem uma porta de entrada adequada ao seu nível, sem que isso comprometa a dificuldade do núcleo arcade para quem busca um bom desafio. Porém, senti falta da possibilidade de jogar o primeiro capítulo da série. Isso seria um ótimo bônus, mas, como ela se encontra à venda em algumas lojas digitais, a editora provavelmente optou por garantir uma renda extra.

Crédito: Tatsujin

Mesmo podendo desagradar pela falta de inovação, Truxton Extreme é um shoot ‘em up sólido e tecnicamente impecável, que presta uma homenagem respeitosa à herança da Toaplan sem tentar reescrever as regras do gênero. Para os jogadores mais antigos que valorizam mecânicas precisas, desafio genuíno e uma trilha sonora à altura do legado da série, é uma adição praticamente obrigatória. Para os novos, ele serve como uma ótima porta de entrada para uma franquia que conseguiu reservar seu lugar na história — e não apenas pela sua bela capa.

Com uma ponta de otimismo, torço para que essa aposta mais segura tenha sido feita como forma de resgatar o saudosismo dos antigos fãs e assim um Truxton Extreme 2 consiga sair um pouco da sua zona de segurança. Mas, se isso não acontecer, foi bom ver um novo trabalho de Masahiro Yuge, principalmente pela alta qualidade alcançada.

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Fundando as bases do que anos depois se tornaria uma das franquias mais adoradas e influentes do mercado, a Demon’s Souls, aquele RPG para o primeiro console da Sony é constantemente reverenciada por muitos que acompanham a genealogia do gênero “soulslike”. Mesmo assim, a série raramente foi revisitada competentemente por outros estúdios e Verho – Curse of Faces surgiu como uma tentativa de quebrar essa, com o perdão do trocadilho, maldição.

Desenvolvido pela pequena Kasur Games e publicado pela CobraTekku Games, o título chegou em novembro de 2025 ao PC e agora salta para o PlayStation 5, Xbox Series S|X e Nintendo switch tentando ocupar esse vazio — e faz isso bem, mesmo com as limitações de uma produção modesta.

Crédito: Kasur Games

Verho – Curse of Faces conta a história de uma guerra entre duas ordens rivais de feiticeiros que deixou como legado a chamada Maldição dos Rostos, um fenômeno pelo qual duas pessoas que se enxergam sem proteção morrem instantaneamente, ao mesmo tempo. Por causa disso, o mundo quase desmoronou nos 264 anos seguintes, período conhecido como “Era da Solidão”. Com o passar do tempo, uma pessoa descobre que máscaras podem ser usadas para evitar o mal, funcionando como um mecanismo de sobrevivência coletiva. Será nesse universo surreal que assumiremos o papel de um viajante sem nome, permanentemente mascarado, e que se aventura pelas terras devastadas de Yariv, um lugar com castelos em ruínas, masmorras úmidas, florestas sombrias e muitos monstros.

O título usa esse contexto para nos apresentar às classes que precisaremos escolher. Cada máscara molda atributos iniciais e sugere (sem nunca travar de vez) um estilo de combate. A partir dessa decisão, Verho – Curse of Faces evita nos entregar qualquer coisa parecida com um diário de missões ou uma bússola de objetivos. A mitologia se revela em fragmentos por meio de diálogos esparsos com NPCs, anotações escondidas pelo cenário e a arquitetura do mundo que narra sua própria decadência.

Assim, a exploração de Yariv se apresenta como uma das principais dualidades do jogo. Enquanto alguns adorarão explorar aquele mundo e ter que interpretar boa parte de sua história, outros se sentirão perdidos e sem dar muita atenção ao enredo. Contudo, para quem está acostumado com as criações de Hidetaka Miyazaki, essa zona cinzenta em que se encontram os detalhes da história não deverá ser uma surpresa. 

Crédito: Kasur Games

Mas, se a narrativa criada pela Kasur Games pode dividir opiniões, o sistema de combate lento e pesado, que exige leitura de padrões de inimigos, deverá agradar, principalmente quem jogou a principal fonte de inspiração para o Verho – Curse of Faces. Ele recompensa aqueles que entendem que cada arma se comporta de um jeito radicalmente distinto: enquanto floretes empurram o personagem para a frente em investidas de precisão, armas pesadas pedem posicionamento estático e paciência para carregar o golpe certo. Já a magia soma uma camada extra de profundidade real, com um sistema de fraquezas elementais. O jogo entrega combates que se recusam a copiar a linguagem contemporânea dos soulslikes, sem contar com esquivas invencíveis.

O desenho de mundo segue a mesma lógica de reverência inteligente. Yariv é construída como um Metroidvania orgânico, com atalhos, segredos e uma sensação constante de que cada corredor pode esconder tanto uma armadilha mortal quanto um equipamento que muda o rumo de uma build inteira. É um tipo de exploração que praticamente desapareceu nas grandes produções — sem marcador no mapa, sem seta indicando para onde ir —, e que funciona porque os desenvolvedores confiam na curiosidade de quem está jogando.

A direção de arte retrô, com modelos poligonais simples e paletas de cor contidas, também merece crédito além da nostalgia óbvia: o visual que muitos considerarão datado ajuda a manter a legibilidade do combate e reforça a sensação de isolamento que a narrativa quer transmitir, funcionando como decisão estética coerente, não como desculpa para falta de recursos. O design sonoro reforça esse clima, com passos ecoando pelos corredores vazios e rugidos distantes que constroem tensão antes mesmo de qualquer ameaça aparecer na tela.

Contudo, Verho – Curse of Faces não está livre de problemas. Além de eventuais bugs, o sistema de detecção de acerto é inconsistente, especialmente contra inimigos voadores, gerando picos de dificuldade que parecem mais injustos do que desafiadores.

Outro ponto que merece crítica é sua estrutura estrutural. Com o mundo reiniciando todos os inimigos derrotados a cada vez que salvamos o progresso, a ideia remete diretamente ao Dark Souls, mas resulta em uma desmotivadora repetição. É conveniente para quem quer nivelar o personagem rapidamente, mas também esvazia parte da tensão que o próprio combate trabalhou tanto para construir, criando um atalho que desequilibra a curva de dificuldade pensada pelos designers.

Crédito: Kasur Games

Com seus acertos e equívocos, Verho – Curse of Faces não é um jogo para todo mundo, e não tem a menor intenção de ser. Embora alguns possam considerar seus gráficos e controles muito datados, é inegável que o título sirva como um dos exercícios de arqueologia de design mais sinceros que o gênero recebeu em muito tempo, com um sistema de combate que recompensa paciência de verdade e um mundo que existe para ser decifrado, não digerido passivamente.

Para o público que sempre quis “mais King’s Field” e nunca recebeu, a Kasur Games conseguiu entregar uma das melhores experiências que o gênero teve em décadas. Ou seja, para conhecedores do gênero, pessoas que sentiram falta daquela sensação específica de vulnerabilidade que o clássico da FromSoftware oferecia e que o mercado atual raramente arrisca replicar, Verho – Curse of Faces é obrigatório, mesmo com seus defeitos. Se mesmo assim você tiver dúvidas, vale a pena dar uma chance à generosa demo disponível no Steam.

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Nesta nova versão, a espinha dorsal da narrativa permanece a mesma que nos encantou em 2013: Edward Kenway, um corsário galês movido por ambição e falta de rumo, se vê arrastado para dentro de um conflito muito maior do que imaginava, envolvendo assassinos e templários no Caribe do século XVIII. Nessa jornada, ele cruza caminho com figuras lendárias da Idade de Ouro da Pirataria, incluindo Barba Negra, cujo processo de transformação no temido pirata é acompanhado com riqueza de detalhes ao longo da campanha. É importante dizer que a estrutura original da trama foi mantida quase intacta: os desenvolvedores não reescreveram a história de Edward, apenas revisaram tudo o que a envolve.

Crédito: Ubisoft

E justamente por preservar essa espinha dorsal, Assassin’s Creed IV: Black Flag Resynced ganha peso simbólico dentro da série. Não é coincidência que a Ubisoft tenha escolhido Black Flag para ser refeito: trata-se do capítulo mais aclamado por boa parte dos fãs e um dos poucos títulos antigos que ainda atrai jogadores novos mais de uma década depois do lançamento original. O anúncio, inclusive, veio após quase três anos de rumores e vazamentos, sendo oficialmente revelado em abril de 2026, poucos meses antes do lançamento em julho do mesmo ano. O projeto também marca um momento de transição tecnológica para a Ubisoft, já que foi construído sobre a mesma versão do motor Anvil desenvolvida para Assassin’s Creed Shadows, reaproveitando avanços de renderização, parkour e inteligência artificial que antes existiam apenas no jogo mais recente da série.

Inicialmente pensei que essa versão traria apenas um tapa no visual, mas o que diferencia Resynced de um simples remaster é a profundidade das mudanças na jogabilidade. Começando pela movimentação, a Ubisoft reformulou o parkour com foco em responsividade e ritmo: Edward se recupera mais rápido de quedas, salta com mais agilidade e ganha um pequeno impulso de velocidade ao subir em superfícies após correr por paredes. A grande novidade é o retorno aprimorado do Parkour Avançado, que desativa as redes de segurança e o travamento automático de bordas do jogo original, entregando deslocamentos laterais e para trás, saltos manuais e rolamentos de amortecimento controlados diretamente pelo jogador. Sim, esse sistema existia na versão de 2013, mas de forma mais limitada, e agora tira proveito da tecnologia de movimentação refinada no Assassin’s Creed Shadows. Complementam essa reformulação a adição de tirolesas espalhadas pelas cidades, permitindo rotas mais rápidas entre pontos altos e baixos, e novos trajetos de escalada usando a vegetação nas áreas de selva.

Crédito: Ubisoft

A melhoria também aparece na furtividade. A Visão de Águia retorna para destacar inimigos atrás de obstáculos e isolar sons relevantes, mas agora é reforçada pelo recurso Observar, incorporado de Shadows, que permite estudar o ambiente para localizar objetivos, pistas e marcar adversários. Edward também pode se agachar a qualquer momento e permanecer oculto em telhados, vegetação ou atrás de estruturas, enquanto a mistura com multidões foi ampliada para funcionar com qualquer grupo de três ou mais civis, não apenas com tipos específicos de NPCs como no original. Outros retornos, como a bomba de fumaça e a possibilidade de pagar civis para acompanhar e distrair guardas, somados à opção clássica de jogar dinheiro para atrair curiosos. Um detalhe que resume bem essa filosofia de “mais do mesmo, só que melhor” é o dardo com corda: a ferramenta continua permitindo capturar inimigos à distância e suspendê-los em vigas, mas agora está disponível já no início da campanha, muito antes do ponto em que era liberada no jogo de 2013.

O combate segue caminho parecido, e é provavelmente onde a reformulação é mais sentida. A Ubisoft implementou um sistema de inteligência artificial em que os adversários percebem padrões repetidos de ataque e passam a se esquivar deles, enquanto falhas ao aparar golpes agora resultam em um ataque especial punitivo do inimigo. Essas mecânicas forçam o jogador a variar seu repertório de golpes e armas, em vez de repetir o mesmo combo à exaustão. Isso torna os confrontos mais desafiadores, sem eliminar a possibilidade de assassinatos rápidos e discretos quando a abordagem furtiva é bem executada.

Crédito: Ubisoft

Já no mar, a equipe responsável pelo Assassin’s Creed IV: Black Flag Resynced optou por preservar praticamente intacta a fórmula de exploração e combate naval, que sempre foi o diferencial da franquia, limitando-se a ajustes pontuais, como nos canhões giratórios do navio, que exigem mira mais precisa para acertar pontos fracos, e a adição de modos de disparo secundários para canhões e morteiros, além de novas condições climáticas, como trombas d’água e tempestades mais intensas, tornando as travessias oceânicas menos previsíveis.

A escrita permanece como um dos maiores trunfos do jogo, com diálogos afiados e personagens marcantes, enquanto a experiência naval continua entre as melhores do gênero, se não for a melhor. A movimentação em terra também representa um salto real de qualidade sobre o original: onde antes Edward tinha uma locomoção mais travada, agora ele se desloca com fluidez sensivelmente maior entre telhados, cordames de navio e sacadas das cidades caribenhas. A ausência de telas de carregamento entre o mar e a terra, unida à reconstrução visual proporcionada pelo motor Anvil, também contribui para uma sensação de mundo contínuo capaz de impressionar até os veteranos da franquia.

Por outro lado, ainda temos pequenos travamentos de cenário, como protagonista recusando-se a subir em saliências baixas sem que se segure o botão de escalada correspondente. O parkour, apesar de mais responsivo, ainda herda alguns dos problemas clássicos da série, como uma tendência ocasional a “grudar” em superfícies erradas.

Crédito: Ubisoft

Reunindo todos os aspectos, fica claro que o Assassin’s Creed IV: Black Flag Resynced não é uma simples repaginação visual, o que não significa que seja uma reinvenção completa, o que considero sua maior qualidade. Uma mudança que poderá incomodar os mais puristas é a remoção total das sequências no presente ligadas à Abstergo, um elemento que sempre dividiu opiniões entre os fãs da franquia, mas sempre considerei as partes mais chatas do início da franquia; o espaço aberto por essa remoção foi preenchido por cerca de seis horas adicionais de conteúdo, incluindo os chamados “Rifts”, cenários alternativos que exploram desdobramentos hipotéticos da jornada de Edward. Paralelamente, a jogabilidade recebeu sua própria camada de refinamento: o parkour ganhou o retorno aprimorado do modo avançado com ejeções e saltos manuais, além de tirolesas e novos caminhos pela vegetação; a furtividade incorporou o recurso Observar e uma mistura com multidões mais flexível; o combate passou a contar com inimigos que se adaptam ao estilo do jogador; e a navegação manteve sua essência praticamente intacta, apenas com o acréscimo de mira mais técnica nos canhões giratórios, modos de disparo secundários e climas mais variados e imprevisíveis.

O resultado dessa aposta um tanto ousada é um (quase) remake que se recusa a mexer no que já funcionava: a essência de ação/aventura sem árvores de habilidade ou sistemas de nível, ao contrário dos jogos mais recentes da série, concentrando-se justamente nos pontos em que o jogo de 2013 mais mostrava sua idade.

Hoje essa é uma das minhas franquias favoritas e, mesmo defendendo que ela se beneficiou ao adotar elementos de RPGs (a partir do Assassin’s Creed Origins), não achei que algo mais “tradicional” ainda poderia me divertir tanto. Assassin’s Creed IV: Black Flag Resynced reforçou esse como um dos meus jogos favoritos da série, muito pelos seus ótimos personagens, história envolvente e pelo quanto é divertido explorar os mares e participar de batalhas navais. Se você gostou do original, provavelmente encontrará novidades suficientes para encarar a aventura de Edward Kenway novamente. Se deixou passar aquele título marcante, não perca essa ótima oportunidade de conhecer uma versão melhorada do que, para muitos, é o ápice de uma marca tão adorada.

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Com versões para PlayStation 5, Xbox Series, Nintendo Switch, Switch 2 e PC, o projeto foi liderado pelo estúdio alemão Kritzelkratz e publicado pela ININ Games, em parceria com a Tozai Games e a IREM (detentora original da licença). Sua ideia era revisitar completa o clássico R-Type III: The Third Lightning para Super Nintendo com gráficos 3D modernos e uma série de recursos de acessibilidade que tentam equilibrar tradição e praticidade para o jogador contemporâneo.

Crédito: Kritzelkratz

Mantendo uma narrativa de ficção científica sombria e carregada de tensão existencial típica da série, em R-Type Dimensions III, a premissa se aprofunda ainda mais nesse universo opressivo. Nele, estamos em um futuro distante, onde a humanidade criou deliberadamente uma forma de vida biomecânica como arma de guerra, algo que ficaria conhecido como Império Bydo. O problema é que o experimento saiu do controle e agora, os Bydo existem numa dimensão além do espaço convencional, tentando invadir e absorver a realidade humana de forma contínua.

Após múltiplas guerras e eventos de quase extinção, os Bydo retornam mais fortes, mais adaptados e agressivos do que nunca. Para enfrentar essa ameaça, o Corpo Espacial da Terra desenvolve uma nova nave de última geração: a R-90 Ragnarok, herdeira direta das lendárias aeronaves R-Type das gerações anteriores. Como piloto, você é enviado a zonas hostis que alternam entre o espaço normal e a dimensão distorcida dos Bydo, com a missão de destruir as redes centrais do império e seu núcleo, antes que a ameaça acabe com a humanidade. Sem revelar detalhes dos bosses ou do clímax, basta dizer que o jogo mantém a tradição da série de misturar horror cósmico com design de fases opressivo e memorável.

Mas para entender a existência do R-Type Dimensions III, é importante contextualizar a sua inspiração. Lançado originalmente em 1993 para o console de quarta geração da Nintendo, o título se tornou raro e caro — chegando a ser vendido por algumas centenas de reais no mercado de usados do SNES — e frequentemente confundido com Super R-Type, um jogo diferente e muito mais acessível. Isso o tornou uma espécie de joia escondida entre os fãs da franquia, apreciada por quem teve a sorte (ou o bolso) de jogá-lo na época.

Crédito: Kritzelkratz

A série R-Type Dimensions, iniciada com o primeiro jogo de mesmo nome e seguida pelo Dimensions EX (que reunia remakes dos dois primeiros R-Types), sempre funcionou como um arquivo vivo da franquia. Contudo, com o Dimensions III, a Kritzelkratz e a ININ Games optaram por cobrir apenas este título específico, fazendo com que o seu preço seja questionável.

Para quem não conhece, R-Type é um “jogo de navinha” com nível de dificuldade elevado. Esta nova versão segue a fórmula clássica da série, nos colocando para navegar horizontalmente por cenários hostis, com uma nave que possui um módulo de força (Force) que pode ser destacado para funcionar como canhão frontal, traseiro ou como uma pastilha flutuante ao redor da nave. A escolha do power-up é feita antes da partida, e ao iniciarmos uma fase, será pura habilidade, reflexo, paciência e memorização de padrões dos inimigos.

A dificuldade é impiedosa, já que um único toque mata instantaneamente. Para amenizar isso, o jogo inclui um modo de vidas infinitas, tornando a experiência mais acessível sem alterar o design dos níveis em si — mas sem garantir nossa pontuação no placar ou o desbloqueio de conquistas. O design das fases é desafiador e muito bem construído, um dos melhores da série, embora a quantidade de detalhes possa tornar a nossa missão ainda mais difícil.

Crédito: Kritzelkratz

A possibilidade de jogar na companhia de outra pessoa é um recurso que merece ser comemorado. Por outro lado, a impressão de o “remake” contar com um hitbox maior tem sido motivo de críticas, já que o aumento da área em que a nave não pode ser atingida acaba gerando mortes frustrantes e tornando o anaço pelas fases uma tarefa ainda mais árdua.

Toda a apresentação visual foi reconstruída do zero com gráficos 3D de alta qualidade, animações aprimoradas e ambientes ricos em detalhes. O recurso mais divertido é a possibilidade de alternar em tempo real entre os gráficos modernos 3D e os visuais originais do SNES — uma ferramenta que, além de ser ótima para a nostalgia, permite comparar as duas eras em tempo real. Há ainda uma câmera inédita que muda levemente a perspectiva 3D, dando uma sensação de profundidade incomum para um shooter lateral. Eu queria ter gostado mais da novidade, mas talvez pela falta de costume, não conseguir achar confortável jogar com essa perspectiva.

Na parte sonora, o destaque absoluto é a trilha musical composta por Eric Krause. Tanto a versão clássica 16-bit quanto o arranjo moderno estão presentes, e o jogo roda com framerate estável e suave.

Crédito: Kritzelkratz

Por se tratar de uma recriação que tenta ser fiel ao original, o que a própria desenvolvedora faz questão de salientar, talvez os mais puristas prefiram tratar o R-Type Dimensions III como uma remasterização e não um remake. De qualquer forma, essa é um muito bem-vindo novo olhar sobre um clássico que permaneceu escondido no Super Nintendo por 30 anos.

Se olharmos para essa nova versão como uma homenagem, é possível descrevê-la como sólida e bem executada. Talvez o novo visual em três dimensões não lhe agrade, mas a poder alternar entre os gráficos originais e modernos se mostra mais do que um bônus, e sim uma maneira de vermos como a parte visual dos games evoluiu durante essas mais de três décadas.

Para quem ama a franquia, o jogo é uma oportunidade histórica de jogar R-Type III com visuais modernos e sem se preocupar com cartuchos raros e caríssimos. Já para quem busca uma experiência renovada, ele pode decepcionar pelo conteúdo relativamente enxuto e pelo preço elevado. No fim das contas, R-Type Dimensions III se posiciona como uma escolha recomendada para os fãs do gênero, mas desde que as expectativas estejam devidamente calibradas.

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