VIRALATA

Um Wagner entre o grunge e o pop

2013-08-07T11:34:00.002-03:00

Direto do Caderno 2 - "Estado de S.Paulo"

Caetano Vilela fala sobre sua concepção para 'O Navio Fantasma', que estreia em agosto no Teatro da Paz, em Belém

23 de julho de 2013 | 2h 16

Zona Portuária: Modelo do cenário idealizado por Duda Arruk para a produção em Belém

João Luiz Sampaio - O Estado de S.Paulo

A relação do diretor Caetano Vilela com a obra de Richard Wagner é antiga. Como iluminador, ele já trabalhou em sete óperas do compositor: os quatro títulos do Anel e O Navio Fantasma, ambas em Manaus; e duas produções de Tannhäuser, uma no Municipal do Rio (com direção de Werner Herzog) e outra em Bogotá (esta no mês passado, com regência de Gustavo Dudamel). Em agosto, ele faz agora sua estreia em obras de Wagner como diretor, assinando a concepção do Navio Fantasma no Teatro da Paz, em Belém.

"O mais especial para mim é que justamente decidi trabalhar com ópera depois de estudar sobre as teorias de Wagner para o teatro total", ele conta. A tarefa, porém, não o assusta. "Não vejo no Navio as dificuldades que encontrei, por exemplo, ao iluminar a tetralogia ou Tannhäuser. Este é um Wagner em transição, muito da sua revolução artística seria apontada e amadurecida depois, em óperas como Parsifal e Tristão e Isolda. O Navio carrega ainda uma herança italiana em sua estrutura - não que isso seja simples, mas pelo menos não é assustador."

Estreada em 1843, a ópera narra a história de um marinheiro (Holandês) que, por invocar Satã, é condenado a vagar eternamente pelos mares em seu navio, aportando uma vez a cada sete anos; apenas o amor verdadeiro de uma mulher pode libertá-lo da maldição. "Li o livro de Heinrich Heine, Das Memórias do Senhor de Schnabelewopski, em que Wagner se baseou, e interpretei livremente algumas ações que trabalharei com os cantores, como tratar o Holandês e Senta como almas gêmeas ou estabelecer um prólogo, ao longo da abertura, em que ela tenta tirar a própria vida, se jogando no mar", diz o diretor.

Sobre os cenários, ele conta que procurou "mudar a perspectiva do olhar do público sobre a luz". "A ambientação será em uma zona portuária, com containers empilhados fechando a caixa cênica. Pichações no alfabeto rúnico também pontuam a cenografia, lembrando que a história se passa em uma Noruega distante e que esse alfabeto é ancestralmente ligado à cultura nórdica e estranhamente semelhante às pichações dos prédios paulistanos", explica. "O elemento água estará presente com uma piscina aberta no fosso do palco representando o mar. E o navio do título aparecerá em cena de uma forma inusitada: virá de cima, do urdimento do teatro, o que me obriga a trabalhar a luz toda encaixada dentro das estruturas de containers à vista do público."

Vilela também promete referências à cultura pop, "senão não seria eu", brinca. "Direcionei os figurinos para um período que pode lembrar muito o movimento grunge nas suas padronagens, já que trato, por exemplo, os marinheiros como estivadores e não somente como uma tripulação de um navio", explica o encenador, que vai trabalhar basicamente com a mesma equipe com a qual realizou no ano passado Salomé, de Strauss, também em Belém. Entre eles, a cenógrafa Duda Arruk e a figurinista Elena Toscano.

No elenco, estão o barítono Rodrigo Esteves, como o Holandês; a soprano Tati Helene, no papel de Senta; o baixo Denis Sedov (Daland); os tenores Ricardo Kamura e Antônio Wilson Azevedo (Erik e Steuermann) e a meio-soprano Alpha de Oliveira (Mary). A regência será do maestro Miguel Campos Neto. O festival também terá montagens de Il Trovatore, de Verdi (assinada por Mauro Wrona) e O Elixir do Amor, de Donizetti (por Iacov Hillel).

BELO HORIZONTE - O primeiro ato da Valquíria é um dos poucos trechos do Anel a ganhar frequentemente vida própria no palco de concertos, sem cenários ou figurinos. E foi escolhido pela Filarmônica de Minas Gerais para uma apresentação, na terça-feira passada, em homenagem ao compositor. Se no Municipal do Rio, o elo fraco foi a atuação da sinfônica do teatro, na capital mineira chamou atenção justamente o bom desempenho da orquestra, sob regência de seu titular, Fábio Mechetti. Não se trata apenas do bom desempenho individual dos naipes, mas, principalmente, do equilíbrio entre eles, em direção a uma fluência dramática capaz de criar um arco musical que não perde o fôlego em momento algum - no que ajudou a atuação do elenco composto por Eliane Coelho, Eduardo Villa e Denis Sedov. / J.L.S.

"Tannhäuser" - Bogotá

2013-07-23T13:11:00.001-03:00

"Tannhäuser" - Bogotá, um álbum no Flickr.

Mais um trabalho realizado que muito me orgulha.

Dramaturgia da luz, um conceito operístico

2013-01-11T23:43:00.003-02:00

Fui convidado pela SP Escola de Teatro a escrever um texto sobre iluminação para um número especial da especialíssima Revista A[l]berto de teatro. Claro que tinha de falar da minha experiência em iluminar óperas e dos meus estudos sobre as obras do encenador e teórico russo Meyerhold e o compositor alemão Richard Wagner, artistas que influenciam o meu trabalho até hoje.
O lançamento do número 3 da revista neste ano coincide com o bicentenário de nascimento de Wagner e o meu reencontro com duas de suas óperas num momento muito especial da minha carreira; ilumino pela segunda vez Tannhäuser (a primeira foi em 2001 para uma encenação do cineasta alemão Werner Herzog) desta vez ilumino sob a regência do enfant terrible Gustavo Dudamel em Bogotá/Colômbia em julho.
Será a segunda vez também que trabalharei na ópera Der Fliegende Holländer/O Navio Fantasma, em 2007 Christopher Schlingensief (infelizmente já falecido de forma tão prematura, já falei dele aqui) assinou a direção no Festival Amazonas de Ópera, a minha volta a este título não será só como iluminador mas também encenador! Esta nova concepção será realizada para o - cada vez mais importante - Festival de Ópera do Theatro da Paz, em Belém/PA no mês de setembro. Mais para frente contarei sobre estas duas experiências maravilhosas.
Enquanto isto mando na íntegra o texto e a sequência de fotos publicados na Revista A[l]berto.
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REVISTA A[L]BERTO #3

PONTO DE CONVERGÊNCIA

[a iluminação como dramaturgia]

Dramaturgia da Luz, um conceito operístico

O conceito da luz cênica como dramaturgia se deve ao compositor de óperas alemão Richard Wagner. Ironicamente a luz elétrica ainda não havia sido inventada por Thomas Edison (1879) mas isso não impediu Wagner de mandar apagar todos os candelabros da platéia do seu recém inaugurado teatro em Bayreuth (1876) para que a elite de amantes da música lírica prestasse atenção no que estava acontecendo no palco, especialmente construído por ele para receber seus espetáculos operísticos propagandeado (por ele mesmo) até hoje como Obra de Arte Total (Gesamtkunstwerk).

Seus escritos teóricos, principalmente Opera e drama e Arte e revolução, já apontavam uma preocupação em remodelar não só a mise-en-scène dos espetáculos líricos mas também toda a arquitetura cênica (palco, fosso de orquestra, platéia, acústica, urdimento, tecnologia de efeitos, etc...) e por sua vez o comportamento do público, exigindo deste uma resistência física (ciclos de ópera com mais de 15 horas) e intelectual nunca experimentada antes do século XIX.

O conceito de leitmotiv, outra de suas revoluções, não se limitava somente em identificar os “temas” musicais dos personagens ou dos elementos principais dos seus dramas, mas abrangia também a cor e a luz que acompanhavam cada personagem, criando assim o primeiro leitmotiv de iluminação numa partitura de ópera. Com isso possibilita-se a sofisticação dos efeitos de luz antes restritos às rubricas nos libretos como os raios e trovoadas tão frequentemente indicados nas óperas de Rossini e Mozart, por exemplo.

Wagner não viveu para assistir a evolução de suas propostas - aliás chegou a renegar o peso do próprio conceito influenciado pelo “pessimismo romântico” do filósofo Schopenhauer – sendo que suas produções operísticas eram dirigidas, regidas, compostas e concebidas no teatro construído e idealizado (1876) por ele mesmo em Bayreuth, na Alemanha, utilizando ainda recursos cênicos ultrapassados (segundo suas próprias teorias) como telões pintados, ribaltas de luz e outros efeitos identificados em montagens líricas barrocas que reduziram em parte, quando encenadas, a genialidade da sua maior criação: O Anel do Nibelungo, tetralogia completa estreada em 1874 composta pelas óperas O Ouro do Reno, A Valquíria, Siegfried e Crepúsculo dos Deuses.

Não era só a luz elétrica que não havia sido inventada neste período; o papel do encenador ainda não existia na ópera (muito menos o de iluminador ou cenógrafo): as montagens eram dirigidas pelos “pintores de arte”, responsáveis pelos telões e às vezes também pelos figurinos dos espetáculos, e era comum que compositores regessem e dirigissem suas próprias criações.

VISIONÁRIOS

Deve-se ao russo Vsevolod Meyerhold o status de primeiro encenador do teatro moderno. Ao contrários dos seus contemporâneos, ele não dirigia “peças de teatro”, dirigia “espetáculos”. Assim como Wagner que escrevia seus próprios libretos em busca de uma nova dramaturgia que representasse o povo alemão, Meyerhold é o principal responsável pela renovação da dramaturgia russa ao elevar a limites extremos o simbolismo teatral com autores como Ibsen, Maeterlinck e Aleksandr Blok. Se o simbolismo lhe trouxe sucesso, reconhecimento do público e diferenciou definitivamente seu teatro do de seu ex-mestre Stanislaviski, foi na vanguarda construtivista que Meyerhold pode se afirmar como um artista total; durante este período, apaixonado pela música erudita, exigia de seus atores conhecimentos musicais para aproximar a fala do canto lírico, desenvolveu uma método corporal conhecido como biomecânica,segundo o qual a partitura corporal dos atores era trabalhada em oposição à partitura vocal, criando uma “sinfonia corporal” que era muito mais do que uma coreografia hermética, sendo, na verdade, um primeiro passo para o desenvolvimento do ator tridimensional.

Se o compositor alemão causou revolta e perplexidade ao apagar as luzes da sua platéia no inicio das apresentações de suas óperas, o encenador russo causou estranheza e indignação em 1906 numa encenação de Espectros de Ibsen, ao eliminar a cortina do palco e utilizar o proscênio do palco italiano como extensão de área da encenação. Esse “descortinar” da cena foi um passo para, em montagens posteriores, revelar também toda a caixa cênica explorando toda a teatralidade de seus recursos de maquinaria e iluminação.

Suas encenações teatrais lhe deram segurança para arriscar seus conceitos em produções de ópera. Em 1909 ao dirigir Tristão e Isolda, de Wagner, ignorou certas rubricas do compositor com a justificativa de que na Obra de Arte Total do futuro seria sempre preciso criar o novo – como decorrência desse pensamento redimensionou o papel do cantor no espaço cênico, equilibrando a interpretação com o canto.

A Europa acompanhava as inovações meyerholdianas e estava atenta a elas, e dois pilares da renovação cênica do século XIX, Appia e Gordon Craig, deslocavam-se com freqüência a Moscou a fim de assistir a suas encenações teatrais e operísticas. Esses encontros evoluíam no processo criativo de cada um exatamente no ponto onde o outro, por falta de recursos ou apoio político, havia parado. No caso de Meyerhold, embora sempre contasse com uma companhia teatral para pôr em prática suas teorias, ele achava que com a sua popularidade, estivesse imune às exigências de uma política cultural imposta pelo regime totalitário de Stalin. Embora chocante, sua morte por fuzilamento, em 1940, era o final óbvio para os que resistiam na crença de que a arte e a vida podiam transformar o mundo.

Vem da arquitetura a última evolução dos conceitos wagnerianos; o suíço Adolphe Appia (encenador, cenógrafo e arquiteto) e o inglês Gordon Craig (encenador, ator, cenógrafo e filho de arquiteto) conceberam cenografias mais sólidas e imponentes inspiradas nas praças e na arquitetura dos prédios europeus, abrindo assim a ação para desníveis, planos, escadarias, janelas superiores, calabouços que surgem das quarteladas abertas do palco, etc. Uma exploração de toda a teatralidade possível da “nudez” já exposta por Meyerhold.

Appia, foi mais conhecido pelas encenações das óperas de Wagner, inclusive as que não conseguiu encenar, proibido pela mulher do compositor depois da sua morte por achar muito “modernas” suas propostas. Delas existem apenas esboços e detalhamento técnico, inclusive sobre a utilização da iluminação que para ele era o único elemento que podia evocar determinadas atmosferas e ambientes de forma subjetiva substituindo os signos da pintura (telões de fundo) e criando a cenografia de si mesma através de sombras e fontes assimétricas.

Craig radicalizou com imponentes cenários arquitetônicos fixos e representava qualquer ação lírica ou dramática num único cenário dando poder especial à iluminação para mudar este ambiente de acordo com o desenvolvimento das ações. Desrespeitava assim a noção geográfica exigida nos textos e libretos valorizando o simbolismo das ações e a capacidade mágica do jogo de ilusão da iluminação. Quando dá importância à luz como mais um elemento dramatúrgico em cena, Craig transforma seu cenário de arquitetura “sólida” num cenário de arquitetura “diáfana”, utilizando tules e telas transparentes - às vezes pintados de forma abstrata e geométrica - em tramas distintas e em sobreposição no palco criando camadas e volumes que são realçados pela iluminação revelando e escondendo ações, objetos e pessoas em diversos planos no palco.

O caminho já estava traçado quando surge a última evolução da Obra de Arte Total: o encenador, cenógrafo e também arquiteto Josef Svoboda (1920-2002). Até hoje copiado em encenações de ópera e teatro, esse artista nascido onde hoje é a República Tcheca foi a última evolução das teorias wagnerianas. A síntese do seu trabalho é a mais perfeita união entre a cenografia, iluminação, projeções fílmicas e atuação a serviço das artes cênicas. Construiu narrativas apenas com recursos cenográficos e efeitos de luz difíceis de serem superados na sua beleza e simplicidade. Se Wagner em busca de uma nova sonoridade para a sua orquestra inventa novos instrumentos para as suas óperas, Svoboda inventa também novos equipamentos de luz que até hoje são conhecidos pelo seu nome.*

Embora a tecnologia cênica tenha evoluído muito nas últimas décadas, nós, artistas, ainda estamos criando sem evoluir em absolutamente nada se confrontados com esses revolucionários do século XIX. Partimos de suas evoluções e criações, nos inspiramos em suas obras mas ainda assim estamos presos num coup-de-théâtre conservador, no que concerne a narrativa e técnica. Exemplos recentes de encenações do Ciclo do Anel wagneriano de “artistas totais” como Bob Wilson e Robert Lepage revelam muito pouco além do deslumbre tecnológico em que muitos encenadores, cenógrafos, iluminadores e figurinistas ficaram presos.

Mas nem tudo são trevas, um caminho para o futuro passa pelas experiências da companhia de teatro italiana Societas Raffaello Sanzio dirigida por Romeo Castelluci (reverenciado como um ‘pós-Artaud’) e as encenações e cenografias absolutamente inquietantes e geniais do artista russo George Tsypin.

Resta a nova geração de artistas e técnicos pensar as necessidades e crises de sua época antes de criar seus próprios espetáculos. Quem sabe por aí teremos uma nova revolução cênica sem reverenciar tanto o passado.

Há luz atrás da cortina!

CAETANO VILELA

Encenador e iluminador, diretor da Cia. de Ópera Seca

* O refletor Svoboda foi uma evolução dos antigos set-lights para iluminar cicloramas, o poder de controlar individualmente o conjunto de nove lâmpadas além de sua baixa voltagem e de uma qualidade de emissão de luz mais difusa próxima das lâmpadas fresnéis é o que o faz até hoje um equipamento moderno e especial.

...

Abaixo, primeira produção brasileira do ciclo completo de O Anel do Nibelungo, de Richard Wagner; regência Luiz Fernando Malheiro, direção Aidan Lang, cenografia e figurinos Ashley Martin-Davis, iluminação Caetano Vilela, Teatro Amazonas, 2005 (arquivo pessoal)

Crítica "Expresso do Pôr do Sol", direto da Ilustrada/Folha de S.Paulo

2012-09-20T12:13:00.001-03:00

Primeira crítica de "O Expresso do Pôr do Sol", peça que assino a luz sob a direção de Fábio Assunção. Em cartaz no Teatro Tuca Arena, SP.

São Paulo, quinta-feira, 20 de setembro de 2012

CRÍTICA / TEATRO

Maior mérito de Fábio Assunção foi montar texto importante

LUIZ FERNANDO RAMOS
CRÍTICO DA FOLHA

Um embate de ideias. "Expresso do Pôr do Sol", montagem brasileira de peça de Cormac McCarthy, discute o suicídio, este desencanto radical com a experiência humana, e suas implicações morais.

McCarthy está entre os grandes escritores norte-americanos vivos. Tornou-se famoso ao ser adaptado para o cinema pelos irmãos Coen em "Onde os Fracos Não Têm Vez" (2007), ganhador de quatro Oscars, incluindo o de melhor filme.

A peça "Sunset Limited" foi escrita em 2006 e é a segunda das duas únicas do consagrado romancista.

Tem o sugestivo subtítulo de "Novela na Forma Dramática" e demarca incursão na convenção básica do drama: o diálogo tenso entre dois personagens num mesmo espaço.

O encontro opõe posições extremas. De um lado, um professor branco que, perdida qualquer ilusão sobre o sentido da vida e desacreditado da possibilidade da arte e da cultura preencherem este vazio, vê a morte como melhor saída. De outro, um ex-presidiário negro que tornou-se pastor e argumenta com o suicida com base em sua fé.

O diretor estreante, Fábio Assunção, oferece no programa explicações sobre a escolha do texto e as opções da encenação, que assume como subjetivas. Porém, seu maior mérito foi mesmo ter realizado o espetáculo.

Assunção cercou-se de ótimos profissionais e conseguiu construir uma cena consistente, à altura da relevância do dramaturgo.

A começar de Maria Adelaide Amaral, que colabora na adaptação dramatúrgica da situação realista do original para uma mais convencionada e metafórica.

Esta se apresenta, principalmente, pelo cenário de Fábio Namatame, uma arena aberta sobre dormentes de trem, e pela luz de Caetano Vilela, que instaura ali diversas atmosferas.

É verdade que a tradução de Nelson Amorim não disfarça as características de um tratamento tipicamente norte-americano do tema. Assim, a estrutura psicológica dos personagens, suas ironias e revoltas, produzem algum estranhamento no contexto brasileiro.

A abrandar esse contraste cultural, o trabalho dos atores é bem convincente.

Cacá Amaral, como o professor desesperançado, e Guilherme Sant'Anna, como o pastor que tenta salvá-lo do ceticismo, são suportes seguros para a prosa de McCarthy fluir a contento.

Claro que todos os anteparos cênicos, carregados de significações alternativas às próprias formulações do autor, não as superam, e a encenação confirma-se como um jogo de pontos de vista contrários, ou melhor, mais como discussão do que como poética.

EXPRESSO DO PÔR DO SOL
QUANDO sex. e sáb., às 21h30; dom., às 19h30; até 30/11
ONDE Tucarena (r. Monte Alegre, 1.024; tel. 0/xx/11/3670-8455)
QUANTO de R$ 40 a R$ 50
CLASSIFICAÇÃO 12 anos
AVALIAÇÃO bom

Revistas sobre Teatro

2012-08-30T12:43:00.000-03:00

Chega de reclamar da falta de publicações especializadas sobre Teatro no País, direto de São Paulo - mas com abrangência nacional -nasceram duas importantes revistas (uma eletrônica e outra impressa) que aprofundam o tema Artes Cênicas sem restrições.

A revista impressa nasceu como uma extensão do importante trabalho educativo realizado pela SP Escola de Teatro, trata-se da A(l)berto justa homenagem ao crítico de teatro e ator Alberto Guzik. Cada número é temático, nesta segunda edição o tema é a dramaturgia (Ivan Cabral explica mais aqui), em breve sairá o número 3 com um artigo meu sobre a dramaturgia da luz.
Semanalmente o site da Escola promove um Papo de Teatro com profissionais da área, o meu está aqui.

A Revista Antro Positivo está no seu terceiro número e vale a pena ler as anteriores no site da revista aqui para ter uma idéia do amplo panorama traçado por diversos profissionais e personalidades que literalmente movimentam as artes cênicas no País. Trabalho de fôlego realizado pelo múltiplo e incansável casal Ruy Filho e Patrícia Cividanes.
Na última edição Ruy e Patrícia traçam um perfil meu em que falo sobre política cultural e a ópera no Brasil.

Expresso

2012-08-29T21:01:00.000-03:00

"O Expresso do Pôr do Sol", Cacá Amaral e Guilherme Santana (foto: João Caldas)

Minha segunda parceria com Fabio Assunção desta vez carrega uma aura de boas vindas, é a estréia dele como diretor. E ele começa da forma mais difícil, evitando lugares comuns e apostando numa encenação longe do naturalismo 'global' que domina os palcos comercias. Assim é "O Expresso do Pôr do Sol".

Depois da minha luz para "Adultérios" (onde ele está em tourneé como ator) desta vez assino a luz desta nova produção e vejo que o teatro acaba de ganhar um ótimo e dedicado diretor. Confiram!

Estado de S.Paulo

Primeira peça dirigida pelo ator Fábio Assunção estreia em SP

Jogo de contradições marca 'O Expresso do Pôr do Sol', texto do americano Cormac McCarthy

28 de agosto de 2012 | 21h 21

Ubiratan Brasil - O Estado de S. Paulo

Fábio Assunção é um ator inquieto. Sucesso na televisão como Jorge, personagem da divertida série Tapas & Beijos, ele busca novos desafios no palco. Foi o que o impulsionou a apostar em Oeste, texto claustrofóbico, árido, de Sam Shepard, ou mesmo no intrigante Adultérios, de Woody Allen. Agora, como uma nova etapa, Assunção decidiu estrear como diretor teatral. Mais: escolheu o um raro texto escrito para o palco pelo grande escritor americano Cormac McCarthy. O resultado é O Expresso do Pôr do Sol, que estreia nesta quinta-feira, 30, para convidados, no Tucarena - sexta-feira, 31, é a data para o público.

Ele não atua, preferindo o papel de encenador e produtor. "Fiquei fascinado por esse texto que mostra dois homens entre 40 e 50 anos, um suicida e um religioso, que travam um embate sobre o que pensam da vida", conta. "Utilizo não apenas a prosa poderosa de McCarthy, mas também o espaço para mostrar os momentos da consciência."

O Expresso do Pôr do Sol é a tradução paraSunset Limited, peça que, de tão palavrosa, foi definida pelo próprio autor como "um romance em forma de diálogos". Encenada pela primeira vez em 2006, em Chicago, a montagem narra a história de dois homens que, fechados em um apartamento no subúrbio, e com um passado completamente diferente, se veem envolvidos num intenso debate sobre o valor das suas existências.

Na trama, o ex-presidiário evangélico Black (Guilherme Sant’Anna) salva o professor ateu White (Cacá Amaral), que pretendia se jogar na frente de um comboio da linha Sunset Limited, nome de um trem de passageiros que viaja pelo trecho New Orleans - Los Angeles, cruzando diversos Estados dos EUA. A peça começa quando os dois estão no apartamento de Black - que se recusa a deixar White sair -, onde discutirão sobre religião, vida e morte.

O texto se sobressai, especialmente por contrariar a tradição ao deixar que o diálogo conduza a história e não a ação. Assim, a linguagem rica compensa a falta de incidentes. Apontada como um "poema em celebração da morte" pelo jornal The New York Times, a peça recebeu um luxuoso tratamento em sua versão brasileira: Fábio Assunção convidou a dramaturga Maria Adelaide Amaral para fazer a tradução. "Pedi a ela que não seguisse a linha realista, pois eu pretendia realizar uma montagem mais existencialista."

Para isso, o original sofreu uma redução, o que implicou uma diminuição na duração - se montado integralmente, o texto resultaria em uma peça de duas horas e meia; agora, terá 80 minutos. "Claro que os diálogos mais afiados foram preservados, pois dão substância à trama", observa Assunção, que confessa não ter nenhuma influência no ato de dirigir. "Na verdade, o trabalho nasceu a partir do compartilhamento de ideias entre toda a equipe".

É o que explica, por exemplo, a utilização do espaço para revelar a consciência dos personagens. Assunção queria que a iluminação tivesse tons distintos, necessários para demonstrar aquela variação. Assim, convidou Caetano Vilela para desenhar a luz, graças à sua experiência com óperas. "Gosto especialmente do jogo de elementos utilizando a sombra", explica o diretor. "É como Jung, que a utiliza para esconder o que é reprimido - o mesmo acontece na peça, em que o suicida é o personagem consciente, pois, pelo fato de ser um homem deprimido, por ter perdido a fé e o amor, ele realmente tem o direito de escolha."

Nesse duelo de liberdade, lucidez e escolhas, Fábio Assunção joga tanto com os significados do texto como com as diferenças que descobriu em seus atores. "Enquanto Guilherme filtra suas atitudes pela intelectualidade, Cacá se joga em todas as propostas oferecidas por mim", comenta. "Desse jogo de contradições, nasce naturalmente as diferenças entre Black e White."

Sunset Limited é uma raridade na carreira de McCarthy, assim como Assunção pretende que seja O Expresso do Pôr do Sol em sua trajetória.

O EXPRESSO DO PÔR DO SOL
Tucarena. Rua Monte Alegre, 1.024, 3670-8455.
6ª e sáb., 21 h; dom., 19h30.
R$ 40/ R$ 50. Até 30/11.

Para Maria Adelaide Amaral, peça segue linhagem do teatro de ideias

Dramaturga e escritora traduziu o texto de Cormac McCarthy a pedido de Fábio Assunção

28 de agosto de 2012 | 21h 34

Ubiratan Brasil - O Estado de S. Paulo

O diálogo é que conduz a trama e não a ação, graças à rica linguagem de Cormac McCarthy. Isso facilitou ou dificultou o trabalho de adaptação? A boa qualidade do texto facilitou a adaptação.

Como dramaturga, como você analisa a construção desses dois personagens que, embora em busca de uma suposta paz na solidão, conversam de uma forma tão feroz?

Essa é uma peça de embate e debate de ideias, crenças e descrenças. O texto pertence sem dúvida à melhor linhagem do teatro de ideias que foi inaugurado com Jean-Paul Sartre durante e a partir da 2.ª Guerra Mundial.

Os dois personagens, Black e White, têm nomes que sugerem orientações metafísicas contrastantes. Isso, por si só, já seria uma dica ao espectador do que virá pela frente ou, ao contrário, torna-se um truque dramatúrgico do autor? Acho que é um recurso do autor e uma forma de dividir a arena onde os personagens se digladiarão.

É curioso o confronto entre religiosidade e humanismo, evidente na posição dos dois homens, você concorda? Esse é o aspecto mais fascinante: Black tentando salvar White que recusa ferozmente aquele tipo salvação.

Fábio Assunção disse que pediu para que você fizesse uma adaptação menos realista e mais existencialista. Como foi? A minha principal preocupação foi aproximar os personagens do Brasil e do público brasileiro. Black pode ser um ex-presidiário que viveu sua epifania na enfermaria de uma prisão. Afinal, sabemos do trabalho dos evangélicos e sua atuação no sistema penitenciário. White, por sua vez, é um professor niilista, como tantos que conhecemos. Em alguns momentos, seus argumentos até se assemelham aos de Luiz Felipe Pondé.

Cormac McCarthy adaptou 'Sunset Limited' para a TV

Versão foi filmada pela HBO em 2011 e tem direção de Tommy Lee Jones e Samuel L. Jackson

28 de agosto de 2012 | 21h 38

Ubiratan Brasil - O Estado de S. Paulo

Sunset Limited ganhou uma versão para a televisão, filmada pela HBO em 2011 e disponível em DVD no Brasil. Tommy Lee Jones cuida da direção e também atua, ao lado de Samuel L. Jackson. Com roteiro adaptado pelo próprio Cormac McCarthy, o longa enfrenta o desafio de se concentrar em apenas um espaço, com sons externos e variação da luz dia como únicas fontes de interferência.

"É um trabalho muito profissional mas, tenho de confessar, morno demais", acredita Fábio Assunção. "Por isso que decidi não seguir uma linha realista, preferindo algo mais existencialista, que combina melhor com o palco."

Com a importância centrada nos diálogos, o filme traz apenas três músicas, que marcam incidentalmente determinadas passagens. Já Assunção apostou em uma trilha sonora especialmente criada por Eduardo Queiroz, com quem trabalha junto na quinta montagem. "Além da luz e do cenário, assinado por Fabio Namatame, também a música acirra de forma subliminar as diferenças entre os dois personagens", conta Assunção.

Se há um ponto em comum entre a versão para a TV e a montagem brasileira, essa é a predominância de diálogos afiados - já comparado a William Faulkner, Herman Melville e Mark Twain, o americano Cormac McCarthy cria mundos de inexplicáveis generosidade e crueldade, que se cruzam naturalmente.

Ele parece incapaz de escrever uma frase sem graça. Ao ler suas palavras, percebe-se que se está nas mãos de um gênio do estilo. Basta ler Onde os Velhos Não Têm Vez(Alfaguara), que inspirou o longa Onde os Fracos Não Têm Vez, dos irmãos Coen; ou mesmo Todos os Belos Cavalos (Companhia das Letras). Ou ainda frases contundentes que brilham na peça, como "a sombra do machado paira sobre toda alegria".

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FOLHA DE S.PAULO

30/08/2012 - 03h17

Fábio Assunção faz sua estreia na direção teatral

GABRIELA MELLÃO

COLABORAÇÃO PARA A FOLHA

A escola de interpretação de Fábio Assunção foi a televisão. Aos 19, trocou o teatro amador pela Rede Globo, projetando-se como um dos grandes atores da emissora.

Hoje, aos 41, depois de uma bem recebida temporada sobre os palcos com "Adultérios", ele passa à coxia e estreia na direção teatral com "O Expresso do Pôr do Sol".

Para montar o texto do autor norte-americano Cormac McCarthy (de "Onde os Velhos Não Têm Vez"), Assunção cercou-se de um time de artistas desconhecidos do público das telinhas --mas de grande reputação no teatro.

Buscou em Cacá Amaral e Guilherme Sant'Anna, atores com extenso currículo nos palcos, os protagonistas.

Fábio Assunção dirige o ator Cacá Amaral em ensaio de "O Expresso do Pôr do Sol"

Entregou a iluminação a um dos mais talentosos profissionais da cena brasileira, Caetano Vilela (com quem trabalhara em "Adultérios"), e valeu-se do renomado Fábio Namatame para conceber o cenário e o figurino.

Por fim, convocou Maria Adelaide Amaral, nome que faz a ponte entre televisão e teatro, para elaborar a dramaturgia de sua versão do embate filosófico, religioso e moral entre Black (Sant'Anna) e White (Amaral).

White é um professor ateu que não vê sentido na vida e tenta se matar jogando-se na linha de trem. É impedido pelo ex-presidiário Black, evangélico fervoroso que procura convencê-lo a mudar de ideia.

O resultado dessa reunião de esforços, que o público confere a partir de amanhã no Tuca Arena, em São Paulo, rejeita a linguagem realista que vige nas novelas e que baliza o teatro comercial.

A opção pelo risco é ressaltada por Vilela --que é também diretor, à frente da companhia Ópera Seca, de Gerald Thomas. "Fábio poderia ter optado por uma encenação palatável. Não foi o caso".

O novo encenador, porém, afirma que tampouco quis "criar teatro experimental". "Eu me preocupei apenas em fazer aquilo de que gosto e em que acredito. Quero oferecer o melhor ao público", resume Assunção à Folha.

De cunho originalmente realista, o texto chegou a ser adaptado para a TV americana, com Samuel L. Jackson e Tommy Lee Jones no elenco.

Assunção expôs a Maria Adelaide Amaral sua opção por cortar da história as referência da linguagem cotidiana. "Achamos que a discussão ficaria maior se saísse do plano do real", diz ele.

E, se na TV Assunção está habituado a um mundo cindido entre mocinhos e vilões, no teatro quis embaralhar as fronteiras entre bem e mal, servindo-se da iluminação para limar o maniqueísmo.

"Encontrei na montagem um embate precioso entre luz e sombra, elementos que representam aquilo que mostramos e escondemos, nossos deuses e fantasmas", diz.

Na leitura de Assunção, tanto White como Black foram amortecidos pela vida.

"O sol de White já se pôs. As coisas nas quais ele acreditava não existem mais. Por outro lado, ele está mais vivo do que Black, pois se dá à liberdade de escolher", diz.

O EXPRESSO DO PÔR DO SOL
QUANDO sex. e sáb., às 21h; dom., às 19h30; até 30/11
ONDE Tuca Arena (r. Monte Alegre, 1.024; tel. 0/xx/11/3670-8455)
QUANTO de R$ 20 a R$ 50
CLASSIFICAÇÃO 12 anos

"Licht + Licht": Resumo da Ópera... Seca

2012-06-10T00:23:00.001-03:00

Depois de ter estreado com um texto de Tom Stoppard na direção da Cia. de Ópera Seca minha afinidade eletiva caiu sobre Goethe no meu segundo trabalho. Em março estreamos Licht + Licht no Festival de Curitba (com apenas duas apresentações no Auditório Ibirapuera-SP) e agora continuamos toda a batalha para colocarmos a peça em cartaz.
Inspirado em Fausto, O sofrimento do jovem Werther e Os anos de aprendizado de Wilhelm Meister o espetáculo nasceu também depois de uma frustração com a não realização de duas produções de ópera (Faust/Gounod e Werther/Massenet) que fui convidado à dirigir e por diversos motivos não deram certo. Como eu prometi a mim mesmo que nunca mais me frustraria com projetos não realizados está aí o fruto da minha pesquisa de mais de 1 ano em cima da obra do autor alemão.
Aqui vai um resumo da repercussão do espetáculo:

- Em primeiro lugar segue o link do fotógrafo Gilson Camargo com seu 'storyboard' do espetáculo com trechos do texto. Assim como já havia feito em Travesties, Gilson é um parceirão que sempre nos acompanha em Curitiba.
- Jefferson Pancieri fotografou o espetáculo aqui em SP nas duas apresentações especiais que fizemos, como extensão do Festival de Curitiba, no Auditório Ibirapuera. Suas fotos estão no meu Flickr.
- Macksen Luiz: "... acrescido de muita ironia e auto-deboche. Os métodos de encenação e os meios de produção do teatro, triturados por Caetanto Villela, jogam em cena Fausto, Mephisto, Meister, Hamlet, numa salada luminosa que explode, a partir de zonas sombrias. Villela parece se divertir, provocando a plateia com o que poderá intrigá-la até a irritação. Por meios transversos atinge a acomodação de quem assiste e de quem faz teatro, e detona o melhor que o Festival de Curitiba mostrou este ano."
- Gazeta do Povo/Curitiba: "(...)embora Licht+Licht traga elementos que foram marcantes em Travesties – a grandiloquência algo operística, o cenário e iluminação impecáveis, Germano Mello, o protagonista de ambas, e livros, muitos livros – a nova peça não se assemelha à primeira no aspecto que mais a caracterizava, o da narrativa (...) é pela luz que ele conduz Licht+Licht, que ganha contornos operísticos pelas marcações estabelecidas em cena e pelos trechos de óperas que permeiam a estrutura da peça."
- Valor Econômico/SP: "(...) O texto não desponta como o único canal de acesso do espectador ao que se desenrola diante de seus olhos. A luz é quesito à parte nos trabalhos de Thomas e Vilela. Está na base de "Licht+Licht" (título que remete às últimas palavras de Goethe antes de morrer: "Luz, mais luz"). "Para mim, a luz não entra para iluminar, e sim para esclarecer. É conhecimento", diz Vilela"
- Tempo_Continuo/RJ: "(...) Na realidade, o texto atua como mais um elemento cênico, e pode-se até dizer que ele trocou de lugar com a iluminação. Neste sentido, arriscamos um neologismo, dizendo que se trata de um espetáculo – não textocêntrico – mas luminocêntrico."
- Guia da Folha/SP: "É uma peça que chama a atenção logo no começo. A música tensa, o texto forte e o cenário que surge aos poucos aos olhos do público já deixam claro que "Licht+Licht" não passa batido."
- O Globo/RJ: "(...) Criado em 1992, o evento encerra hoje sua 21 edição com uma programação que ofereceu boas surpresas, como "Licht + licht", de Caetano Vilela, da Cia. de Ópera Seca (SP)."
- O Globo/RJ - Entrevista Gerald Thomas e Caetano Vilela: "O encontro é o primeiro entre os dois núcleos da Cia. de Ópera Seca — o de São Paulo, hoje comandado por Vilela, e o de Londres, guiado por Gerald desde que foi viver lá, em 2009. Seguidor dos passos de Gerald desde “Electra com Creta” (1987), Vilela passou a ser diretor assistente e iluminador da companhia em 1997."

Estamos aprovados na Lei Rouanet e no PROAC/ICMS para captação de verba com incentivos fiscais.
Contato: ciadeoperaseca@gmail.com

Personagem nos muros (Direto da Ilustríssima - Folha de S.Paulo)

2011-10-02T09:45:00.000-03:00

Parte das minhas memórias está hoje no caderno "Ilustríssima" da Folha de S.Paulo deste domingo. A foto que acompanha a edição impressa é um detalhe do grafite que tenho do célebre Alex Valauri, como não dá para ver na edição online publico abaixo a foto original do meu arquivo pessoal. Enjoy:

São Paulo, domingo, 02 de outubro de 2011

ARQUIVO ABERTO
MEMÓRIAS QUE VIRAM HISTÓRIAS
Personagem nos muros
São Paulo, anos 1980

CAETANO VILELA
Em meados dos anos 80, antes mesmo de completar 18 anos, eu trabalhava como garçom ou vendedor para pagar meus cursos de teatro. As mais lindas lembranças daqueles tempos guardo de gente que conheci nos empregos temporários; Paulo Penna foi um deles.
Paulo morreu jovem, aos 39 anos, em decorrência da Aids. Era artista plástico, cenógrafo e figurinista. Gostava mais de pintar e quase sempre São Paulo era a sua modelo, retratada com óleo sobre tela, aquarela, litografia e xilografia. Era sua forma de retribuir a generosidade com que a cidade o acolheu quando chegou do Rio Grande do Sul, nos anos 70.
Nós nos conhecemos quando fui trabalhar numa papelaria na esquina da rua Duque de Caxias com a avenida São João. Ele morava 13 andares acima e aparecia para xerocar livros e documentos. Um dia nossa conversa foi além do "bom dia". Passamos a falar de arte, pintura, teatro; ele me indicou livros e filmes. Quando soube que pedi demissão, me convidou a organizar seu acervo, representá-lo nas galerias, enfim, organizar a burocracia da sua vida. Aceitei.
Passei a acompanhá-lo nos trabalhos mais loucos dos anos 80: apresentações das Dzi Croquettes; exposições no badaladíssimo Espaço Off, de Celso Curi; shows no Lira Paulistana; reuniões na redação da "Interview"; performances nas boates Madame Satã e Homo Sapiens; produções de filmes soft-pornô-trash da Boca do Lixo e de peças soft-pornô-chic no Bexiga.
Por aquela época, Paulo leu na Folha uma entrevista em que Carlos Drummond de Andrade falava de sua relação com religião. Ficou tão tocado que enviou ao poeta um cartão e uma gravura. Veio a resposta: "[...] Deixei o aconchego da religião tradicional para me instalar no cantinho tranquilo do agnosticismo, que não exclui a espiritualidade difusa."
Desde então deixei a cafonice de me declarar ateu para me assumir poeticamente como 'agnóstico difuso'.
Também naqueles anos, Paulo me apresentou um dos primeiros (ou "o" primeiro) grafiteiros da cidade, o italiano-etíope-brasileiro Alex Vallauri, uma figura. O cara saía de madrugada por Pinheiros e pela Vila Madalena com latas de spray e moldes vazados de lagartixa, frango assado e colunas gregas, com o objetivo de "deixar a cidade mais bonita, honey", como dizia com aquele delicioso sotaque indecifrável. Criou uma personagem nos muros, espécie de pin-up que batizou de Rainha do Frango Assado, até hoje um ícone kitsch.
Numa festa, antes de eu conhecer Paulo, Alex deu a ele um embrulho ilustrado com abacaxis, onde grafitou uma coluna e, é claro, o frango. Nunca soube o que tinha na caixa, mas o papel fez tanto sucesso que Alex teve de assiná-lo para para Paulo pôr na parede.
Drummond e Alex morreram em 1987. O poeta, vítima do coração; já o fim do grafiteiro foi mais triste, num quarto escuro, no aniversário de 38 anos, cego e inconsciente. Foi um dos primeiros artistas brasileiros a morrer com Aids.
Paulo morreu quase um ano depois, debilitado, mas com menos sofrimento. Os últimos dias não quis passar no hospital. Foi para casa, onde o vi morrer -ele parou de respirar e ficou ali deitado, os olhos voltados para a janela, de onde se via o Pico do Jaraguá.
Um dia antes, ele me deu a carta do Drummond, o grafite de Alex e uma jaqueta que comprara na Europa para invernos rigorosos. Ainda guardo a carta, e o grafite emoldura minha sala de trabalho. A jaqueta eu mantive por anos, até, numa turnê com o grupo de Antunes Filho, emprestar a um amigo que ia arriscar a vida na Espanha. Esse amigo trabalhou como pedreiro, lavador de pratos e quase morreu entre mercenários na Legião Estrangeira. Um dia, a fome foi maior que o frio e ele vendeu a jaqueta. Hoje é um promissor cineasta -mas isso é outra história.

10º Encontro Internacional de Ópera/Saltillo - México

2011-08-06T01:33:00.000-03:00

Participei como convidado de 2 semanas intensas em Saltillo (norte do México) dando classes de interpretação para jovens cantores de ópera. O resultado final foi um espetáculo com cenas de vários trechos de óperas apresentada no Teatro da Cidade.
Mas o resultado REAL, saberemos num futuro breve já que o México é famoso por exportar cantores líricos mundo afora; o que tenho a dizer é que o trabalho foi árduo e a dedicação foi intensa!
Abaixo, reportagem no jornal local "Vanguardia":

VANGUARDIA

Publicado en la edición impresa por Edgardo Valero - 04/08/2011

10 Encuentro Internacional de Ópera: Presentan ‘examen musical’

Concluyen curso con la presentación de ‘Escenas de Ópera’ en el Teatro de la Ciudad, evento en el que estudiantes y maestros comparten escenario y muestran frutos de su preparación
Fotos: VANGUARDIA-Daniel Becerril

Saltillo.- Como cada año en Saltillo, jóvenes cantantes de ópera detuvieron el tiempo en el escenario del Teatro de la Ciudad
Fernando Soler.
Fueron 46 voces extraordinarias las que unieron su talento a las creaciones de grandes autores de la ópera que hicieron pasar a muchos un momento inolvidable la tarde del martes.
Y es que el 10 Encuentro Internacional de Ópera una vez más triunfó, pues los cerca de 500 asistentes en cada una de las dos presentaciones quedaron encantados con el poder de la música y la versatilidad de cada uno de los intérpretes que en esta ocasión formaron parte del encuentro.
Sin prisa y a tiempo, la primera parte de la presentación de las “Escenas de Ópera” inició a las 18:30 horas. Un siempre bien recibido Mozart fue el encargado de hacer viajar a los espectadores con “Der Schauspieldirektor”, una comedia que parodia las relaciones entre aquellos que hacen posible la magia del teatro. Lo encargados de darle vida a los tres personajes de esta primera escena fueron Scherezada Cruz, Fabiola Ontiveros y el único tenor participante de Saltillo en este encuentro, Carlos Aveldaño.
La música W. Amadeus Mozart de nueva cuenta fue la protagonistas de las siguientes dos escenas, continuaron de “Indomeneo” y “Cosi Fan Tute”.
La manos de la recocida maestra de música Marioara Trifan se encargaron de dar la notas en el piano que acompañó a las potentes voces de los personajes de “Electra”, “Idamante” e “Idomeneo”.
Pieza clave de la ópera es “Carmen”. No hay quien no haya escuchado por lo menos una vez en su vida alguna aria de esta famosa obra del compositor Georges Bizet. Y en esta ocasión, “La Cigarrera” fue interpretada por Ligia López, quien con cabello rizado y labios carmesí, interpretó con pasión a este personaje que alguna vez intepretara la soprano María Callas.
Jacques Offenbach y C. Gounod fueron los compositores cuyas obras maestras se materializaron en el escenario con adaptaciones bastante actualizadas gracias al ingenio y la experiencia de cada uno de los alumnos de este encuentro.
La pieza “Chanson à Boiré” de “La Chanson de Fortunio”, de Offenbach, fue interpretado por mujeres, que le dieron juego y gracia a esta aria hecha para voces masculinas, cuyos personajes piden comida, pero terminan borrachos.
Para terminar esta primera parte, que duró alrededor de dos horas, volvió de nueva cuenta Mozart con “Don Giovanni”, en específico “La Nozze di Figaro”.
En punto de la 20:30 horas el espectáculo siguió. Ahora Giuseppe Verdi coronaría esta segunda entrega de escenas. “Rigoletto” contó la voz de una de las promesas de la ópera mexicana, Anabel de la Mora, interpretando a “Gilda”, mientras que “Rigoletto” corrió a cargo de Iván Nadal.
Otra vez el público quedaría maravillado, como lo había hecho una noche antes en la Plaza de Armas, pero ahora la ópera tuvo un escenario que se convirtió en diversos espacios para que el desarrollo de cada de una de las escenas fuera posible.
Los prestigiosos maestros que conformaron este encuentro fueron los encargados de crear la magia. Además, de Trifan, André Dos Santos, Claude Corbeil, Christian Capocaccia, Alejandro Sánchez Miyaki, estuvieron durante estas dos tandas frente al piano.
Oswaldo Martín del Campo, Caetano Vilela e Iker Arce Herrera pusieron su empeño en la dirección escénica.
Siguió Verdi de nueva cuenta con “Falstaff” y con las arias de Fenton y Nanneta, para continuar con “Romeo y Julieta” de G. Guonoud, “Thais” de J. Massenet.
Con la ópera “Der Rosenkavalier” las voces de la maestra Ivonne Garza, Anabel de la Mora y Rebeca Samaniengo se unieron para dar una melancólica interpretación de un tema sobre el amor no correspondido. Un pieza que logró sonoros aplausos del público.
Para finalizar, Offenbach con “La Belle Helene” dio ese toque de festividad al recinto con el aria de “Oreste” y “La Marche des Rois”. Esta ópera está basada en el famoso poema “La Ilidada” del poeta griego Homero.
Así, terminó el concierto y también el romance musical que por casi un mes llenó las calles de la ciudad y los corazones de muchos saltillenses que gracias a la labor de Teresa Rodríguez y un grupo de entusiastas enamorados de la ópera, ofrecieron al público otra opción músical.
Ahora queda esperar al verano del 2012 que seguramente traerá más voces a Saltillo, más experimentados maestros, más ópera a espacios de la ciudad y más arias a un público ávido de soñar.

Direto do Blog de Reinaldo Azevedo: "Gargólios, de Gerald Thomas: a nostalgia do sentido"

2011-07-19T02:31:00.001-03:00

Blog

Reinaldo Azevedo

11/07/2011

às 6:21

Gargólios, de Gerald Thomas: a nostalgia do sentido

Angus Brown e Maria de Lima em "Gargólios", de Gerald Thomas

Há dois anos, o teatro, ou a possibilidade de inovação do teatro, teve uma má notícia. Gerald Thomas anunciou que estava caindo fora. Não queria mais saber do ofício. Não era Jean-Paul Sartre dizendo que a literatura não fazia sentido diante do horror. Era Thomas dizendo que o teatro não fazia sentido diante da banalidade do mundo. Em setembro do ano passado, no entanto, ele estreou Throats, em Londres, com a London Dry Opera Company. Estava de volta. Era a sua leitura do mundo pós-11 de Setembro, o evento traumático da civilização ocidental que ele viu acontecer literalmente da janela de seu apartamento, em Nova York. Na mais absoluta escuridão de sentido, a exemplo do resto do mundo, restou-lhe descer e se integrar às brigadas civis que tentavam socorrer as vítimas.

Throats foi bem-recebida pela crítica, mas nem tanto pelo próprio Thomas. Percebia que o motivo que o levou a anunciar a renúncia ao teatro persistia na sua própria peça. Que motivo? Eu o resumiria assim: o discurso SOBRE a realidade não dava conta da complexidade do mundo nem como política nem como arte; no primeiro caso, ele se mostrava reducionista; no segundo, ah, meus amigos, no segundo, o problema vem lá de longe, da mimese aristotélica, segundo a qual, no drama, o verossímil, o crível, tem prevalência sobre o factível.

Thomas decidiu eliminar de Throats qualquer sombra de discurso programático, organizador, eficiente para a pólis (volto a este ponto daqui a pouco); decidiu também pôr fim a qualquer conforto ao espectador; os atores que estão no palco não querem iludir ninguém; são alegorias. O autor e diretor reduziu também Throats a escombros, e surgiu em seu lugar a performance Gargólios, que ele trouxe ao Brasil, junto com o London Dry Opera Company. A maior parte do espetáculo, pois, se desenvolve em inglês, com algumas falas em português da atriz Maria de Lima, que é portuguesa. Há legendas.

Assisti no sábado à pré-estréia do espetáculo, que fica no SESC Vila Mariana até o dia 24 de julho. Num palco tomado pelos mesmos escombros do 11 de Setembro, estranhos super-heróis disputam espaço no divã de um Freud (Adam Napier) da civilização, que usa vistosos sapatos femininos, vermelhos. Do teto do palco, pende uma mulher seviciada, e seu sangue se esvai em gotas numa espécie de pote macabro e sagrado, onde se persigna um mordomo elegantemente vestido (o espetacular ator Angus Brown). Num painel translúcido, vê-se uma grande imagem, acho, de Os Dez Mandamentos, de Cecil B. DeMille. Thomas vai tratar do mundo desde o começo. Ou desde o fim.

É inútil tentar perseguir o fio de uma narrativa linear. Num dado momento, Maria de Lima ensaia um discurso sobre a crise de valores do nosso tempo, em tom um tanto grandiloqüente, que ficaria bem na boca de um desses petistas ou esquerdistas que dão plantão na esquina. Interrompe a fala e a submete ao ridículo, dizendo ser uma porcaria de texto. Nada de falas programáticas. Thomas — isto arrisco eu, ele não me disse — parece estar disposto a contestar também a contestação.

Os escombros das Torres Gêmeas que estão no palco são menos uma metáfora do que uma metonímia. Numa linguagem muitas vezes telegráfica, cheia de citações, a performance — assim o próprio Thomas define o trabalho — eles são uma parte de algo muito maior que parece aos pedaços. Ali está um retrato angustiado, sarcástico, muitas vezes cômico, de uma cultura ocidental que perdeu suas referências. Ousaria dizer que a linguagem a que Thomas recorre é transgressora, incômoda, agressiva às vezes, mas a força que a inspira tem uma matriz nostálgica, conservadora quem sabe: o tempo em que havia hierarquia de valores.

Não por acaso, um dos poemas — e acho que a Gargólios é isto: um sucessão de poemas — ironiza impiedosamente estes dias dos iPhones, Ipods, Facebook, redes sociais, a era, enfim, da horizontalização da cultura, em que se misturam sagrado e profano, importante e desimportante, raso e profundo. Aqueles super-heróis alquebrados, impiedosamente psicanalisados por um Freud de sapatos vermelhos, são sobreviventes de uma catástrofe do sentido. Sim, estamos diante de uma visão bastante pessimista do mundo. Um dos ótimos momento do espetáculo, vejam lá, é o jogo de palavras entre “entender/ não entender”. Estamos esmagados pela informação. Faltam-nos idéias formadoras.

O próprio Thomas participa do espetáculo, como um narrador. Mas um narrador muito particular: fala por meio de solos de um baixo, que pontuam a música composta para o espetáculo por John Paul Jones, do Led Zeppelin.

É inútil falar e seria inútil não falar da briga que já tivemos, Thomas e eu — se não o faço, alguém o fará. E dela surgiu uma amizade fraterna, que nos gratifica a ambos. Não escrevo sobre o espetáculo do meu amigo, mas sobre o trabalho de um autor e diretor sem receio de ousar sobre a própria ousadia. Aprendemos a aprender na divergência, e elas existem, e compartilhamos algumas preocupações que considero civilizadoras.

De certo modo, aquele rompimento com o “teatro”, no sentido de um discurso programático, está mantido. Thomas preferiu o desconforto. E o Brasil, vocês verão, também está no palco, especialmente quando se ironiza certo tatibitate do nosso verde-amarelismo cafona. Assistam Gargólios. Não busquem o conforto da narrativa, mas o desconforto do sentido.

*
Gargólios, de Gerald Thomas
Até o dia 24 de julho no SESC Vila Mariana
Rua Pelotas, 141 - Tel. 5080 3000
No dias 30 e 31 de julho, no SESC Santos

Por Reinaldo Azevedo

Direto da Folha: "Google e FB são os concorrentes dos Jornais" (entrevista c/ Juan Luis Cebrián)

2011-07-11T14:39:00.002-03:00

São Paulo, segunda-feira, 11 de julho de 2011

ENTREVISTA DA 2ª JUAN LUIS CEBRIÁN

Google e Facebook são os concorrentes dos jornais

EDITOR ESPANHOL QUE FUNDOU O "EL PAÍS" É PESSIMISTA SOBRE FUTURO DOS JORNAIS PORQUE INTERNET NÃO TEM 'INTERMEDIÁRIOS'

RAUL JUSTE LORES
EDITOR DE MERCADO
SYLVIA COLOMBO
DE SÃO PAULO

Os veículos tradicionais de imprensa devem passar a preocupar-se mais com a concorrência de sites como o Google e o Facebook do que com seus tradicionais rivais.
É assim que pensa o jornalista espanhol Juan Luis Cebrián, 66, fundador do "El País" e presidente do Grupo Prisa, que, além do jornal, é dono da Santillana, grupo editorial ao qual pertence a brasileira Moderna.
O espanhol esteve no Brasil na semana passada para participar de encontros sobre a atuação da Santillana no país, que já é o maior mercado da empresa no mundo. Negocia também a produção de conteúdo para a televisão, no Rio Grande do Sul.
Leia abaixo a entrevista que ele concedeu à Folha, em São Paulo.

Folha - Há uma discussão muito intensa nos grandes jornais do mundo sobre se é conveniente ou não cobrar pelo conteúdo das versões on-line dos mesmos. O "El País" está todo aberto na rede há alguns anos. Crê que essa é a postura mais correta?
Juan Luis Cebrián - A pergunta mais importante é "um jornal pode migrar para a rede?".
Até agora a resposta tem sido negativa. Não houve veículo que foi capaz de fazer essa migração.
O problema está no fato de que um jornal na internet não é um jornal, é uma outra coisa. Sou radical nesse sentido, inclusive quando falamos da credibilidade das marcas. Até agora nenhuma das marcas tradicionais da imprensa escrita foi capaz de migrar para as operações virtuais com sucesso.

Por quê?
A rede é algo que se constrói a partir da experiência dos usuários. O Twitter, por exemplo. Jack Dorsey nunca imaginou que ele se tornaria um sistema de transmissão de notícias ou para convocar grandes manifestações.
Dorsey inventou o Twitter porque gostava de fazer mapas e não sabia como colocar as pessoas nos mapas que fazia.
O Facebook não nasceu para ser uma rede social. Provavelmente Mark Zuckerberg não teorizou a ideia de uma rede social.
Enquanto o Google nasceu com a intenção de ser um buscador mais potente, nada mais. O que determinou a transformação desses sites foi o uso que as pessoas fizeram deles.
Não foi a decisão dos que desenharam os programas que determinou seu destino, mas sim a experiência dos usuários que construíram essa força na internet.

Como ficam os jornais diante dessa nova situação?
Os jornais nasceram no começo do século 19, com a Revolução Industrial e a democracia representativa. Formam parte do establishment e das instituições da democracia moderna.
Se alguém leva a Folha ou o "Estado de S. Paulo" debaixo do braço, está se identificando com algo. Um jornal é uma bandeira, de certa maneira. E na internet não há bandeiras.
Jornal é uma concepção do mundo. Da primeira página à última está oferecendo uma visão sobre o que acontece. Está explicando a realidade aos usuários. Na rede não há intermediários.
Na internet, é comum que o protagonista de uma notícia seja aquele que a conte.
O relato das revoluções do norte da África foi feito por aqueles que as fizeram. O mesmo sistema para convocá-las foi usado para conta-las, por meio do Twitter.

O sr. crê que o leitor interessado em noticiário econômico está mais disposto a pagar pela informação?
Quem triunfou com o sistema de pagamento por conteúdo até o momento, foi o "Financial Times", e, em certa medida, o "Wall Street Journal" também, mas ambos são produtos muito específicos.
Sim, é preciso cobrar, mas por aquilo a que as pessoas estejam dispostas a pagar. E as pessoas, hoje, querem pagar aquilo que lhes interessa.
Pergunto a meus editores, por que publicamos as páginas de mercado de valores no "El País'? Seis páginas! Quem está no mercado de valores consulta isso na internet.
Para que publicar a previsão do tempo? Se eu venho a São Paulo, abro a internet no dia anterior para saber como está o clima. Não me ocorre ler isso no El País, com 24 horas de atraso. Mas continuamos a fazer isso.

Atender completamente aos leitores não deforma um jornal?
Não se trata de atender aos pedidos de todos os leitores, mas as demandas de cada leitor. Há leitores a quem lhes interessa a crise financeira, mas este mesmo leitor também pode querer saber o que aconteceu com Amy Winehouse em seu último show.
O "El País" tinha uma seção de esportes muito pequena e mal cobria celebridades. Hoje começamos a dar mais espaço para ambos.
Os diários já não dão notícias. Todo mundo já sabe as notícias quando vai ler os jornais. Os jornais explicam, fazem análises, debatem.
O competidor da Folha não é o "Estado de S. Paulo", é o Google, o Facebook, estes são nossos competidores reais. E não queremos admitir porque não sabemos como competir com eles.

Como fazer que Google, Facebook e Apple dividam esses ganhos, usando noticiário alheio?
Essa é uma discussão, porque o Google pode dizer que não quer pagar, mas se o "New York Times" não quiser estar, eles o tiram dali. E ninguém quer ficar fora do Google, de jeito nenhum, preferem estar ali mesmo que eles não paguem.
Com a Apple já é diferente. O iPad é uma rede de distribuição mundial para jornais, livros, filmes que já está implantada. Se alguém quer colocar uma estação de televisão no ar, precisa levantar postes. No iPad está pronto.
Cobrar 30%, como faz a Apple, pelos ingressos na rede pode parecer muito alto, mas o custo de distribuição de um jornal tradicional é cerca de 40%, entre o que se gasta em bancas, caminhões e aviões para distribuição.

As notícias que nos chegam da Espanha e da Europa são muito pessimistas. É uma crise de liderança ou há uma crise também na sociedade?
Há tal confusão e cumplicidade entre poder financeiro e político que os políticos se sentem débeis.
Existe um problema de liderança política que tem a ver com as eleições e com o curto-prazismo dos agentes que decidem em política.
A China, sem eleições, faz como grandes empresas, com políticas de longo prazo.
A Europa manteve um modelo de vida, provavelmente o melhor modelo de vida existente nesse momento no mundo, e jornadas de trabalho curtas. Esse sistema simplesmente não se pode mais pagar, porque já perderam-se as colônias e a economia tradicional europeia.

Nos círculos ilustrados da Espanha, qual a imagem que o Brasil tem hoje?
Creio que uma imagem extraordinária, que a merece. O Brasil é hoje um um ímã que atrai todos os olhares. Acabou-se a piada sobre o país do futuro. Hoje se vê o Brasil como um dos motores importantes do século 21, mesmo com a desigualdade.

E a imagem de Dilma?
Dilma é pouco conhecida na Europa, mas tem uma imagem boa. Estive com Dilma há um mês e me impressionaram muito suas ideias sobre economia.
Creio que vai triunfar, apesar de que opera em um entorno político complicado, em que a institucionalidade dos partidos não está bem resolvida. Mas creio que continua o "milagre brasileiro".
Só é bom lembrar que a felicidade não dura para sempre e é bom que os brasileiros também se preparem para momentos tristes.

RAIO-X

NOME
Juan Luis Cebrián
IDADE
66
- Nasceu em1944,em Madri
- Co-fundouojornal El País em 1976
- Presidente do Grupo Prisa

"The Economist" destaca jornais em emergentes

DE SÃO PAULO

A revista britânica "The Economist", com vendas em alta nos últimos anos, analisou o futuro dos jornais em sua última edição.
Em uma reportagem especial de 14 páginas, a revista diz que a internet demoliu "o velho jeito de fazer as coisas, mas tornou outros possíveis". Diz que a rede estimula a inovação e que há muita "experimentação" a caminho.
Apesar de sublinhar a queda na publicidade nos jornais europeus e americanos, que sofrem encolhimento de sua circulação, a "Economist" apresenta o crescimento nos emergentes.
Segundo a revista, entre 2005 e 2009, a circulação de jornais cresceu 39,7% na Índia, 20,7% no Brasil e 10,4% na China.
Enquanto houve quedas de 11% e 8% na América do Norte e na Europa, respectivamente, a circulação subiu 5% na América do Sul, 13% na Ásia e 30% na África.
Mesmo a presença das redes sociais, como Facebook e Twitter, é avaliada positivamente. "Leitores compartilham reportagens com seus amigos e as histórias mais populares causam um congestionamento na rede", destaca a revista.
Outro aspecto abordado é o dos novos negócios desenvolvidos pelos jornais, que contam a seu favor com marcas de prestígio. Grupos jornalísticos têm criado livrarias on-line, organizado seminários e eventos, e produzem material didático e apostilas.
O britânico "Daily Telegraph" e o americano "The New York Times" criaram clubes de vinhos, enquanto o espanhol "Marca" vende produtos esportivos exclusivos a seus leitores.
A conclusão da reportagem aponta para um retorno ao jornalismo mais caótico e partidário do século 19, antes do surgimento dos meios de comunicação de massa. (RJL)

Direto da Folha: "Preconceito de homofóbico o faz chafurdar no ódio" (entrevista com Carlos Ayres Britto, Ministro do STF)

2011-07-04T11:10:00.003-03:00

São Paulo, segunda-feira, 04 de julho de 2011

ENTREVISTA DA 2ª CARLOS AYRES BRITTO

Preconceito de homofóbico o faz chafurdar no ódio

PELA 1ª VEZ, MINISTRO CONHECIDO POR CITAÇÕES POÉTICAS E VOTOS PROGRESSISTAS NO STF DEFENDE PUBLICAMENTE A CRIMINALIZAÇÃO DA HOMOFOBIA

FELIPE SELIGMAN
JOHANNA NUBLAT
DE BRASÍLIA

Conhecido por citações poéticas e votos progressistas, o ministro do STF (Supremo Tribunal Federal) Carlos Ayres Britto, 68, defende, pela primeira vez publicamente, a criminalização da homofobia, ao entender que quem a pratica "chafurda no lamaçal do ódio".
Protestos de congressistas da bancada evangélica acabaram paralisando a tramitação do projeto de lei anti-homofobia, que está estacionado há dois meses no Senado.
Para o ministro, não são necessárias novas leis para garantir aos casais gays os mesmos direitos dos heterossexuais já que a Constituição é "autoaplicável".
Em entrevista concedida à Folha na beira do lago Paranoá, em Brasília, Ayres Britto disse que vê o debate sobre as drogas como uma questão de "saúde pública".
Afirmou ainda que "se nós, os homens, engravidássemos, a autorização para a interrupção da gravidez de feto anencéfalo estaria normatizada desde sempre".

FOLHA - O STF tem sido acusado de usurpar a competência do Legislativo. O sr. concorda com essa afirmação?
CARLOS AYRES BRITTO - Não concordo. Veementemente respondo que o Supremo não tem usurpado função legislativa, principalmente do Congresso. O que o STF tem feito é interpretar a Constituição à luz da sua densa principiologia. O parágrafo 2º do artigo 5º autoriza o Judiciário a resolver controvérsias a partir de direitos e garantias implícitos.

E por que essa crítica ao STF?
As pessoas não percebem que os princípios também são normas e com potencialidade de, por si mesmos, resolver casos concretos quando os princípios constitucionais têm os seus elementos conceituais lançados pela própria Constituição. O Judiciário está autorizado a dispensar a mediação do Legislativo, porque, na matéria, a Constituição se faz autoaplicável.

No caso das uniões estáveis homoafetivas isso aconteceu?
Aconteceu, fizemos o saque de princípios constitucionais, tanto expressos quanto implícitos. Como fizemos quando proibimos o nepotismo no Judiciário e nos demais poderes. Porque o nepotismo é contrário a princípios constitucionais, até explícitos, como o princípio da moralidade. E cumprimos bem com o nosso dever: tiramos a Constituição do papel. Também no caso da homoafetividade, interpretamos os artigos da Constituição na matéria à luz de princípios como igualdade, liberdade, combate ao preconceito e pluralismo.

Qualquer nova lei virá confirmar o que foi decidido, mas nunca para criar regra diferente do que foi debatido?
Exatamente. A isonomia entre uniões estáveis heteroafetivas e homoafetivas é para todos os fins e efeitos. Em linha de princípio, é isso. Assim foi pedido pela Procuradoria-Geral da República quando propôs a ação. Não pode haver legislação infraconstitucional, parece evidente, que amesquinhe ou nulifique essa isonomia.

O que exatamente o STF decidiu sobre homoafetividade?
Pela possibilidade da união estável entre pessoas do mesmo sexo. Possibilidade jurídica, lógico. Em igualdade de condições com as uniões estáveis dos casais heterossexuais. União estável com a força de constituir uma entidade familiar.

Qual a diferença entre a decisão que negou a união estável em Goiânia e a que permitiu o casamento civil em Jacareí?
Como desfrutam de independência técnica, além da política, os magistrados são livres para equacionar juridicamente as controvérsias, desde que fundamentem tecnicamente suas decisões. Natural, portanto, que dois juízes projetem sobre a mesma causa um olhar interpretativo descoincidente, cabendo às partes insatisfeitas os devidos recursos ou, quem sabe, reclamações para o próprio Supremo.

Sem entrar no mérito de decisões específicas, qualquer decisão que diferencie a relação entre o homossexual e o heterossexual vai contra o STF?
Sim. A decisão foi claramente no sentido da igualdade de situações entre os parceiros do mesmo sexo e casais de sexos diferentes.

O Congresso precisa fazer alguma lei complementar?
Entendo que a Constituição é autoaplicável na matéria. Entretanto, há aspectos de minúcias que ficam à disposição da lei comum.

A questão deve voltar ao STF?
A Constituição atual, caracterizando-se como redentora dos direitos e garantias, e não como redutora, estimulou muito a judicialização das controvérsias, inclusive as de natureza política. Daí a expectativa de que a matéria tem potencialidade para retornar ao tribunal.

O sr. é a favor de criminalizar a homofobia?
Tenho [para mim] que sim. O homofóbico exacerba tanto o seu preconceito que o faz chafurdar no lamaçal do ódio. E o fato é que os crimes de ódio estão a meio palmo dos crimes de sangue.

Recentemente o STF decidiu sobre o direito de organização para a defesa da legalização da maconha. Será assim para todas as marchas?
A decisão se circunscreveu à chamada Marcha da Maconha, mas os respectivos fundamentos se prestam para a discussão a céu aberto de toda e qualquer política de criminalização das demais substâncias entorpecentes.

O sr. tem opinião sobre o tema?
Minha inclinação pessoal é para ver o tema como uma focada questão de saúde pública. Me inquieta o fato de que temos tantas leis de endurecimento da resposta punitiva do Estado e, no entanto, a produção, o tráfico e o uso de tais substâncias não param de crescer.

Outro tema polêmico é o do aborto em caso de feto anencéfalo. O sr. já expôs opinião favorável à prática, certo?
No voto que proferi na discussão sobre o cabimento da ADPF [ação que trata do tema] manifestei opinião de que se nós, homens, engravidássemos, a autorização para a interrupção da gravidez de feto anencéfalo estaria normatizada desde sempre.
...

Novo projeto deve tratar preconceito de forma geral

LARISSA GUIMARÃES
DE BRASÍLIA

Parado há dois meses no Senado, o projeto de lei anti-homofobia deverá ser totalmente reformulado.
A proposta inicial previa punições para quem agredisse física ou verbalmente homossexuais, além de situações como negar acesso ao trabalho e ao comércio.
A tendência agora é que o texto trate de condutas preconceituosas de forma geral, não apenas contra gays.
A polêmica começou no início do ano, quando a senadora Marta Suplicy (PT-SP) conseguiu desarquivar o projeto, que fora apresentado em 2006 na Câmara.
A proposta provocou protestos da bancada evangélica, que temia a proibição de críticas a práticas homossexuais em pregações.
Marta chegou a propor uma emenda para garantir a liberdade de críticas, mas os evangélicos não ficaram satisfeitos. Parte dos críticos afirma que é preciso começar um novo texto.
Para a comunidade LGBT (lésbicas, gays, bissexuais, travestis e transexuais), a proposta dos evangélicos não combate a homofobia.

Direto da Folha: "Vitória gay, vitória do país" por Fernando de Barros e Silva

2011-05-06T14:19:00.002-03:00

São Paulo, sexta-feira, 06 de maio de 2011

FERNANDO DE BARROS E SILVA

Vitória gay, vitória do país

SÃO PAULO - Não foi apenas uma vitória dos homossexuais. Foi uma afirmação do Estado laico, do espírito democrático e do pensamento progressista. Não é pouco no Brasil.
Basta lembrar, por exemplo, que na campanha presidencial o aborto foi objeto de uma gincana obscurantista entre os candidatos "esclarecidos". Ou não esquecer que gays (de fato ou presumidos) são espancados por gangues nas ruas, como aconteceu outro dia na Paulista.
Ao reconhecer como legal a união estável entre pessoas do mesmo sexo, o STF estendeu a esses casais os direitos dos heterossexuais -partilha de bens e herança, pensão, declaração conjunta de IR etc.
Mas, além disso, ao facultar aos gays o direito de constituir família, o STF vai contra a discriminação e a favor de uma sociedade mais tolerante e inclusiva, capaz de lidar de maneira civilizada com suas diferenças e a multiplicidade da vida.
Eram dois os argumentos legais dos adversários da causa gay: 1) a Constituição diz que "é reconhecida a união estável entre o homem e a mulher como entidade familiar"; 2) para ampliar esse conceito aos gays, seria preciso mudar a Carta, tarefa que caberia ao Congresso.
Gilmar Mendes respondeu a essas objeções no seu voto: "O fato de a Constituição proteger a união estável entre homem e mulher não significa negar a proteção à união do mesmo sexo. É dever desta Corte dar essa proteção se de alguma forma ela não foi concedida pelo órgão competente (o Congresso)".
Mas feliz, de verdade, foi a fórmula do relator do caso, ministro Ayres Britto: "Aqui é o reino da igualdade absoluta, pois não se pode alegar que os heteroafetivos perdem se os homoafetivos ganham".
Mesmo sem perder nada, foram derrotados aqueles que se sentem ameaçados pela sexualidade alheia (ou antes a sua própria). Perderam a igreja, os conservadores em geral e os homofóbicos em particular. Nem sempre o Brasil nos decepciona. Avançamos. Com a omissão do Congresso, pelas mãos do STF.

Direto da Folha de SP/Cotidiano: "Chega de sexo!" por Barbara Gancia

2011-04-09T02:39:00.001-03:00

São Paulo, sexta-feira, 08 de abril de 2011

BARBARA GANCIA

Chega de sexo!

Nesta semana, Marcelo Tas nos apresentou sua filha Luísa. Obrigada, meu amigo, valeu! Dá-lhe, Santos!

NÃO É PRECISO ser nenhum Contardo Calligaris, nenhuma Rosely Sayão, diria que não é preciso nem mesmo saber se Sigmund Freud vivia entre os aborígenes australianos ou em Viena e Londres do século 19 para ter certeza de que o atirador que encerrou prematuramente a vida de 12 brasileirinhos tinha um problema de ordem sexual.
Fico pensando no quanto alguém tem de estar perturbado para se imaginar nu e sem sopro, jogado sobre a pedra fria do IML depois de cometer um crime bárbaro seguido de suicídio, cuja única preocupação ao se ver nessa posição seja a de que irá ter o corpo manipulado por mãos ímpias, ou melhor dizendo, por quem já perdeu a virgindade.
Tudo bem, os especialistas falam em esquizofrenia, em surto e coisa e tal. Mas eu fico pensando. O pedido que ele deixou na carta-testamento encontrada pela polícia foi esse, não? Que quando seu corpo estivesse sendo preparado para ser sepultado, não deveria ser tocado por nenhum "impuro", "fornicador" ou "adúltero". Será que ele imaginava estar livrando as crianças que matou do pecado?
Foi sugerido que o atirador pudesse ser portador do vírus da Aids. Ué? Ele tinha histórico de compartilhamento de seringas por uso de drogas? Ou se imaginava como tal em mais uma de tantas facetas de uma identidade fragmentada? Agora é fácil perguntar, mas como é que ninguém ao seu redor percebeu tamanho sofrimento?
E faz sentido que, quando parece estar manifestando sua espiritualidade, ele só consiga papagaiar uma caricatura de talibã que nada tem a ver com o islâmismo. O sujeito definitivamente tentava de tudo para dominar seus instintos mais rudimentares.
Em uma sociedade evoluída, a questão da preferência sexual -são quantas, 15 ou, sei lá, 56 opções no cardápio? Sendo que ao menos 55 parecem mais ou menos iguais- não deveria ser valorizada, discutida ou sequer admitida a sua existência. Sexualidade é uma só, posto que todos temos um cérebro, um coração, uma libido e uma língua. Por isso chamamos de "sexo" e não de "atletismo" ou quiçá de "boliche", justamente porque versa sobre o íntimo e metade ou mais da graça reside em seu mistério.
Alô, seu Bolsonarossauro! Até quando o Vaticano vai usar a sexualidade da gente como instrumento político é o que a gente deveria estar se perguntando, não se a Preta Gil faz suruba.
Nesta semana, a polícia encontrou o corpo de uma garota de 16 anos, em Itarumã, Goiás. Suspeita-se que tenha sido morta a facadas, depois de ter sido emboscada por parentes de sua namorada que não aceitavam o relacionamento.
Em outro caso, no sábado passado, Michael, jogador do Vôlei Futuro, se viu forçado a assumir sua homossexualidade publicamente ao ser humilhado em estádio de Contagem, MG. "Foi a primeira vez que vi um estádio inteiro gritando "bicha" em alto e bom som", diz. "Tinha até criança, senhora, muita gente gritando". Pois eu digo que ninguém mais merece sofrer por causa da sexualidade. Ninguém.
Para combater a boçalidade, Marcelo Tas nos apresentou sua filha Luísa no "CQC" desta semana, uma luminosa estudante de direito, bolsista da American University em Washington e estagiária da OEA: youtube.com/watch?v=WLhxyOMriXU.
Fui às lágrimas quando vi e agradeço profundamente pelo gesto.

@barbaragancia

barbara@uol.com.br

www.barbaragancia.com.br

A primeira 'Bohème' a gente nunca esquece

2011-03-18T00:17:00.010-03:00

Para quem não pode comparecer em Ribeirão Preto para a estréia da minha encenação de "La Bohème" publico aqui o texto do programa, assinado por Rubens Ricciardi, e algumas imagens do nosso último ensaio geral fotografadas por Andres Costa.
Enjoy!

Caetano Vilela transporta a cena para os anos 40 do século XX - tempos da 2ª Grande Guerra que por si só já contempla todo um ambiente de crise, quase mesmo de indulgência. Ele assume também deliberadamente as diferenças em relação o gestual do século XIX. A direção cênica confere, portanto, uma maior liberdade de movimento aos cantores/atores, mais próxima também ao nosso Zeitgeist contemporâneo. Assim, nada deve parecer falso.

Mas apesar da transposição de época, permanece resguardada a essência do romantismo, bem como a “ingenuidade dos personagens, jovens artistas boêmios, com uma interpretação mais centrada nas pequenas e verdadeiras motivações dos personagens”. Ainda de acordo com as concepções de Caetano Vilela, “o espaço cênico é tomado por uma grande e modular passarela em x por onde desfilarão os personagens, livres de qualquer parede ou construção que possa evocar uma arquitetura de uma época. Embora o espaço cênico seja atemporal e com uma estrutura mínima, ele carrega todo o simbolismo da fria solidão dos protagonistas. A única identificação de uma época será revelada pelos figurinos, focado no período de guerra dos anos 40 do século XX. Ato a ato essa passarela se transforma, revelando ao público ângulos diferentes da cena, transformando com luz e pequenos adereços espaços abertos em quarto, taberna, praça, bar e rua”.

Em especial, Caetano Vilela repensa ainda as condições existenciais e as relações pessoais conflituosas entre os dois pares protagonistas: Rodolfo e Mimì, Marcello e Musetta. Há também um reflexo invertido entre eles. Mimì é uma pessoa comum. E está claro que ela tem dificuldade em se adaptar à atmosfera intelectual de Rodolfo. Entre mundo, vida e literatura só pode haver encontros com muitos desencontros entre eles. O contraste evidente está também entre Mimì e Musetta. Se Mimì é toda insegura, já Musetta se torna uma personagem forte e segura de si. Musetta de modo algum é entendida aqui como prostituta (como ocorre na maior parte das vezes em que a ópera é encenada). Ela é antes uma mulher que quer ser conquistada, mas que já conquistou seu espaço próprio (sensual sim, mas também self-made). Portanto, a insegurança passa para o lado de Marcello, que tem dificuldades em lidar com uma mulher tão independente e que pensa e age por si mesma.

No final do primeiro ato, tradicionalmente, é o velho Alcindoro quem paga a conta. Nesta versão de Caetano Vilela, já de modo bem diverso, é Musetta quem dá o dinheiro ao jovem Alcindoro antes que este pague a conta. Aqui Alcindoro é um mero objeto de passatempo de Musetta (é ela quem arca com os custos da relação e não o contrário).

Por fim, segundo ainda Caetano Vilela, “o terceiro ato resume todo o simbolismo que carrega esta encenação com pouquíssimos, mas poderosos elementos: 80 cadeiras espalhadas pelo parque (como realmente ocorre ainda hoje nas praças e parques públicos franceses, inclusive nos rigorosos invernos), criando caminhos e obstáculos para a ação e uma árvore de pinheiro natural (pintado de vermelho) de aproximadamente 6 metros, flutuando no espaço e sombreando a tragédia que esta por vir”.

Mas voltando ao compositor Puccini, naqueles mesmos anos em que ele escrevia sua La Bohème, Claude Debussy estava compondo seu Clair de lune. Interessante como um mesmo Zeitgeist perpassa ambas as obras – ainda mais se observarmos os recursos harmônicos e um mesmo processo de esgotamento do sistema tonal.

No caso de La Bohème, o ambiente parisiense do Quartier Latin é só um pretexto, pois a miséria do poeta, do pintor, do músico e do filósofo - para não falar da moça (no mínimo “namoradeira”, sempre envolta em escândalos) - é sempre a mesma em toda parte. O que diremos da pobre costureira de trágica circunstância?

Mas o que será que por trás de toda uma estrutura musical em La Bohème – e não podemos esquecer o grande melodista que foi Puccini! – ainda mais nos comove? Talvez seja o caráter efêmero das relações humanas e mesmo a fragilidade da própria vida? Ou quem sabe ainda nossa procura sempre sem resultado por um sentido existencial? Ou nossas frustrações e irritações diante da própria impotência? Eis que o chão de nossa vida se torna um abismo quando até mesmo o amor não é forte o suficiente diante do destino implacável.

Prof. Dr. Rubens Russomano Ricciardi

Titular do Departamento de Música da FFCLRP-USP

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I Ato: Rosana Lamosa (Mimi) e Fernando Portari (Rodolfo)

II Ato - Todos no Quartier Latin no café Momus

III Ato - Soldados e Garis num parque; cai a neve em frente a taberna onde Musetta e Marcello trabalham.

III Ato - Rosana Lamosa (Mimi), Fernando Portari (Rodolfo) e Leonardo Neiva (Marcello)

III Ato - Rosana Lamosa (Mimi), Fernando Portari (Rodolfo), Leonardo Neiva (Marcello) e Yuka de Almeida Prado (Musetta)

IV Ato - De volta ao studio dos artistas, Fernando Portari (Rodolfo) e Leonardo Neiva (Marcello)

IV Ato - Morte da Mimi. FIM

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Direção Musical e Artística: Cláudio Cruz
Encenação e Iluminação: Caetano Vilela
Cenário: Chris Aizner
Figurino: Olintho Malaquias
Visagista: Eliseu Cabral
Realização: Matiz Eventos (Maria Helena Kowarick Spiritus, Mariangela Quartim e Isabel de Farias)
...

O site da Ópera você acessa aqui: http://www.operalaboheme.com.br/
E no meu Flicker tem mais fotos: http://www.flickr.com/photos/caetanovilela/

Sobre ser premiado, a amizade e a responsabilidade em ter discípulos

2011-03-16T01:35:00.010-03:00

"Dueto para Um" (foto by Lenise Pinheiro) no Tuca Arena/SP, pensei na luz como arquitetura, trabalhando com uma dramaturgia paralela que pudesse preencher o espaço seco desenhado por Cassio Brasil

Mais uma vez sou indicado a um prêmio e não posso comparecer à cerimônia de entrega, primeiro foi o Prêmio Carlos Gomes em 2009 e agora o Prêmio Shell de Teatro/SP de melhor iluminação com "Dueto para um".
Novamente passo pelo 'momento meryl streep' em ter de escrever um agradecimento para ser lido pela minha representante - e diretora - Mika Lins. O que reproduzo abaixo é uma tentativa de resumir meus sentimentos, espero que tenha conseguido:

"Dueto para um" não foi apenas mais uma peça que assinei a luz, foi uma peça em que pude retribuir 25 anos de amizade, confiança e talento à Bel Kowarick em sua primeira produção independente. Foi um convite irrecusável que aceitei sem hesitar e contei com toda a liberdade e generosidade de Mika Lins, despida de qualquer vaidade nesta sua primeira direção.
À toda equipe deste espetáculo parabéns e muito obrigado aos jurados do Prêmio Shell por terem escolhido justamente este trabalho que realizei com tanto amor e carinho.
Fiquei muito feliz em concorrer com meus talentosíssimos colegas de profissão em espetáculos elogiadíssimos! Mas o que me deixou realmente emocionado nesta lista de indicados é ter entre estes nomes uma pessoa que me procurou aos 16 anos para aprender a arte da Iluminação e que 10 anos depois ainda me acompanha em diversos trabalhos - inclusive neste momento numa ópera que dirijo e ilumino e que estréia amanhã em Ribeirão Preto. Estar numa relação de igualdade com um discípulo é tudo o que todos os mestres sonham e tenho certeza que esta luz não vai se apagar!
Todo o meu amor e respeito a Wagner Antônio que tem uma carreira brilhante pela frente. Muito obrigado.
Caetano Vilela

Eu, em si, e Wagner Antônio (foto by Andres Costa) na ópera "Viúva Alegre", produção de 2010 do Teatro S.Pedro/SP que assinei a luz e onde ele estreou como meu Iluminador Assistente, deixando para trás 10 anos de estágio comigo.

Direto do Estadão: "Literatura e Teatro, casamento feliz" por Caetano Vilela

2011-03-08T11:16:00.004-03:00

Casamento feliz

Grandes obras literárias estimulam reinvenção de linguagem nos palcos

08 de março de 2011 | 0h 00

Caetano Vilela - O Estado de S.Paulo

Não é de hoje que obras-primas da literatura servem de farol para diretores cênicos, atores e dramaturgos sedentos por um tema universal que possa tocar o público e - com sorte e talento - também apontar novos caminhos estéticos e conceituais para o teatro. Não é raro uma boa adaptação para o palco devolver o interesse ao livro, fazendo com que o público (re)descubra a obra na sua essência; e, por vezes, também é o leitor que sente curiosidade de ver seu livro/autor preferido nos palcos, fechando assim um círculo de conquista e sedução que amplia leitores e espectadores.

Cena de O Idiota. Trabalho coletivo relê romance

A adaptação expressionista de Gerald Thomas para A Metamorfose e O Processo, as duas peças mais importantes da sua Trilogia Kakfa, não só esgotou os exemplares do livro numa livraria próxima ao teatro em que estava em cartaz em São Paulo, como mudou a referência do teatro moderno brasileiro nos fins dos anos 80. Anterior a Thomas, é histórico e bastante citado o casamento moderno da literatura com o teatro em Macunaíma, do mestre Antunes Filho (ainda em ótima forma e em cartaz, resgatando Lima Barreto para o teatro com o "retrato nacional" Policarpo Quaresma). Ele plantou a semente dos rumos que o teatro nacional iria seguir e também divulgou o nome de Mario de Andrade pelos quatro cantos do planeta.

Foi com a adaptação inventiva do romance de Jorge Amado, Velhos Marinheiros, que Ulysses Cruz (dissidente do Centro de Pesquisa Teatral de Antunes Filho) fincou seu nome no teatro nacional, fundando o grupo Boi Voador, que fez história nos anos 80 influenciando dezenas de artistas e grupos que vieram logo em seguida - perda irreparável foi o fim do grupo com a ida de Cruz para o núcleo de diretores Globo; quem se deu mal foi o teatro. Suas adaptações literárias não pararam por aí, renderam ainda complexas encenações das obras de Guimarães Rosa (as sete novelas que compõem Corpo de Baile numa lisérgica encenação que deve muito ao teórico e diretor russo Meyerhold), Mario Vargas Llosa (Pantaleão e as Visitadoras, com atores enfrentando a Terra, o Ar - içados por um helicóptero cenográfico - e o Mar - o palco era literalmente inundado e invadido por patos e gansos) e Gabriel García Márquez (Erêndira, como convidado do grupo Delta de Londrina).

O gênio pau-brasil Zé Celso Martinez Corrêa buscou no rebuscado Euclides da Cunha toda a alegoria e antropologia teatral para o seu rebuscado teatro dionisíaco presenteando-nos com Os Sertões, peça em constante processo de criação, nunca trabalhada para se chegar a uma síntese, mas sempre numa versão reloaded, o que parece ser coerente com a proposta de "síntese do caráter povo brasileiro".

Cacá Carvalho, lançado como protagonista da primeira versão de Macunaíma de Antunes Filho, alcançou o status de "sir" com a sua definitiva atuação para Meu Tio Iauaretê, de Guimarães Rosa.

Mas o que leva esses artistas a construírem uma dramaturgia a partir de um texto literário? Para quem não é artista, a resposta imediata e mais óbvia é que com a literatura buscam-se temas não abordados por uma peça teatral. Mas essa resposta é um pouco mais complexa para quem lida com o fazer teatral. Talvez o enigma se esconda no processo de criação desse artista.

É esse termo caríssimo que dá embasamento teórico, subtexto e liberdade para que se crie algo absolutamente sem nenhuma referência de rubrica ou indicações de "aqui a luz se apaga", comum em textos teatrais mais conservadores. Claro que Shakespeare é genial e praticamente não existem rubricas em suas peças; claro, também, que a insuperável encenação de O Balcão, de Jean Genet, trazia imagens suficientes para o delírio destruidor do encenador franco-argentino Victor García, que literalmente destruiu um teatro. Mas saindo da obviedade dos Hamlets, Caixeiros-Viajantes e Alaides, a verdade é que entre os grandes personagens da literatura e os grandes personagens da dramaturgia ganham os primeiros, para alegria do "processo de criação" de atores e encenadores!

Totem cultural

Não é coincidência o relançamento de edições da literatura russa no Brasil (traduzidos diretamente do original e não mais de edições francesas) e recentes peças baseadas na obra de Fiodor Dostoievski, verdadeiro totem cultural. Artistas de insuspeitado talento têm procurado na obra do bardo russo motivações para questionamentos da ordem moral, espiritual e, por que não dizer, mundana da vida. Nos últimos dois anos, os teatros de São Paulo puderam conferir elogiadas encenações adaptadas de Memórias do Subsolo (monólogo com Mika Lins, numa interpretação que ia se desfigurando como em um quadro de Francis Bacon), O Grande Inquisidor (parte da narrativa do petardo Os Irmãos Karamazov) e Sonho de Um Homem Ridículo (ambas interpretadas pelo sempre denso Celso Frateschi).

Difícil mesmo será superar a ambiciosa encenação de O Idiota, realizada na sua íntegra no final do ano passado, e que volta no dia 17 ao SESC Pompeia, pela Mundana Companhia, um coletivo de artistas egressos de importantes grupos teatrais paulistanos como a Cia. Livre, o Teatro da Vertigem e o Teatro Oficina.

Como uma ópera wagneriana, a brilhante encenação de Cibele Forjaz traduz o leitmotiv novelesco de Dostoievski numa verdadeira obra de arte total, e para não perder o sotaque nacional: antropofagicamente carnavalizada. Para o sucesso desta empreitada foi muito importante a Companhia ter aceitado o conselho de Boris Schnaiderman, decano da divulgação da cultura russa no Brasil: "Ele nos aconselhou a não sermos turistas nem tampouco fiéis ao romance", relata Luah Guimarães (que também assina a dramaturgia, com a diretora e Vadim Nikitin), num esclarecedor texto no programa da peça em que descreve parte do diário de montagem e o árduo processo de criação.

Como em um "sonho de um homem ridículo" foi Aury Porto (idealizador, autor do roteiro adaptado e Príncipe Michkin, "o idiota") quem enxergou teatro naquelas mais de 600 páginas de resignação e dor. Seu príncipe não é "muito louro" como na descrição das primeiras páginas, tampouco calça "uns sapatos de sola grossa com polainas, tudo de feitio russo"; mesmo com cabelos pretos, descalços e um brasileiríssimo sotaque cearense, não há duvidas de que se está diante do ideal imaginado pelo autor, segundo citação de cartas: "Um homem positivamente belo, uma mistura de Cristo com D. Quixote".

O que se vê em cena é de tirar o fôlego: são nove atores num tour de force de 6h30 de construção/desconstrução e inventividade sob o poder dos quatro elementos da natureza, um hercúleo trabalho de produção e técnica teatral. É o olho do espectador (somente 80 pessoas por espetáculo) que vai editando a peça, dependendo do lugar em que ele se senta a cada deslocamento. A proximidade ou distância da ação oferece uma composição de cena diferente a cada um. Dependendo da disposição (física e espiritual), talvez a única coisa que todos levarão para casa será a certeza de que "o segredo da existência não consiste somente em viver, mas em saber para que se vive". Se for assim, a literatura e o teatro já cumpriram a sua função.

CAETANO VILELA, ENCENADOR E ILUMINADOR, ATUALMENTE DIRIGE A CIA. DE ÓPERA SECA NO BRASIL

Direto da Folha de SP/Ilustrada: "Banquete do terror" (Gerald Thomas volta ao palco em Londres)

2011-02-21T09:49:00.001-03:00

São Paulo, segunda-feira, 21 de fevereiro de 2011

Banquete do terror

Gerald Thomas volta ao palco em Londres, com peça sobre o mundo pós-11 de Setembro

Fotos Bruno Figueiredo/Folhapress

O diretor Gerald Thomas dá orientações ao ator inglês Angus Brown em ensaio do espetáculo no Pleasance Theatre

SYLVIA COLOMBO
ENVIADA ESPECIAL A LONDRES

Um ano e meio depois de dar adeus ao teatro, com uma catastrófica carta de despedida em que dizia que essa arte já não faz mais sentido nos dias de hoje, Gerald Thomas, 56, está de volta.
"Throats" (gargantas) estreou na última sexta-feira no Pleasance Theatre, em Londres. Trata-se de uma peça sobre o mundo pós-11 de Setembro. Há um atentado terrorista, que se confunde com um acidente de trânsito.
Depois dele os mortos se encontram numa espécie de banquete, onde o vinho servido é o sangue de outros atentados e de outras datas de conflitos históricos.
É a primeira obra da companhia de teatro que o dramaturgo montou na capital inglesa aos moldes, e com o mesmo nome, daquela que o tornou célebre no Brasil nos anos 80, a Ópera Seca.
Agora batizada de London Dry Opera (www.londondryopera.com), é composta de sete atores, escolhidos por meio de audições que contaram com a participação de mais de 600 candidatos.
Thomas justifica o retorno dizendo que não aguentou ficar muito tempo longe dos palcos e por não saber fazer outra coisa. "Se existisse um "rehab" para alguém se curar do vício do teatro, eu me internaria nele." Porém, afirma que tudo o que disse em seu manifesto segue valendo.
"O teatro como o conhecíamos não existe mais. Cada vez menos as pessoas se interessam por ele", diz. E culpa as novas mídias. "Há uma diluição no consumo das artes e das informações, uma personalização da percepção. Todos estão dentro de seus iPods ou iPads, cada um com aquilo que lhe interessa, não há espaço para uma arte mais aberta num mundo como este."
Também critica a "idiotização geral" do planeta. "Aqui e em Nova York, o que mais vejo é a popularização desses programas tipo "American Idol" ou "Britains Got Talent". É o show do Chacrinha globalizado; está acontecendo uma "brasileirização" do mundo."
É por sentir-se assim, meio perdido em seu próprio universo, que Thomas se incluiu em "Throats" na forma de um personagem que cruza a trajetória dos outros.
Há um garoto cego, com um nome de origem muçulmana, Yussef, que busca um endereço em Nova York. Pergunta por ele a várias pessoas. Leva nas mãos um bilhete (referência a Samuel Beckett) e uma rosa morta (referência a Jean Genet). "O menino sou eu, e o endereço é o do La MaMa, teatro onde me formei e onde está a fonte de tudo o que fiz."
A Folha acompanhou um ensaio e a estreia da montagem. Apesar de seu discurso pessimista, o diretor age como sempre.
Orienta os atores com vigor, dá broncas e faz piadas, irrita-se com a baixa qualidade da produção, improvisada às pressas. Orienta pessoalmente a entrada da luz, da trilha sonora e da fumaça, marcas pessoais de sua obra.
O cenário é montado entre ruínas das Torres Gêmeas, reforçando a mensagem política. "Meu teatro sempre foi político de certa forma. As pessoas no Brasil parece que nunca entenderam. Acham que faço teatro surreal e hermético, mas não é verdade."
Apesar disso, Thomas diz que o teatro tem pouca chance de mudar a realidade. "É arte de elite, portanto ineficaz nesse sentido. Se Augusto Boal ou Zé Celso achavam que podiam promover revoluções, estavam errados. Nem Bertolt Brecht mudou a Alemanha de Hitler."
Thomas se mostra desinteressado pela política brasileira atual. Crê que Lula "institucionalizou a burrice no poder" e não se conforma com os escândalos de corrupção que envolveram o PT.
Diz, porém, que não tem uma opinião formada nem de Dilma nem de Serra. "Estou afastado, nem me lembro bem as siglas dos partidos, prefiro assim."

Primeira noite lota teatro para 280 pessoas

DA ENVIADA A LONDRES

"Throats" estreou na última sexta-feira, uma noite gelada do inverno londrino, num teatro alternativo da cidade, o Pleasance, em Islington. O espaço, para 280 pessoas, estava praticamente lotado.
Na plateia, uma presença ilustre, John Paul Jones, do Led Zeppelin, responsável pela trilha sonora e com quem Thomas está montando uma ópera.
A peça tem todos os elementos que caracterizam o teatro do diretor, ingredientes operísticos, repetições, música alta, fumaça, texto cheio de citações, referências a Samuel Beckett (com quem Thomas trabalhou na juventude).
O palco giratório oferece dois espaços. No primeiro, acontece o banquete dos mortos após o atentado. No segundo, a crucificação e o local do acidente.
O elenco, variado, conta com dois destaques, Angus Brown, que interpreta o "garçom" do purgatório, e Adam Napier, que lembra muito o humorista Stephen Fry. A atriz portuguesa Maria de Lima canta trechos de uma canção de Cesaria Evora assim que chega à mesa do banquete.
Thomas conta que o título original era "Heaven Sexual Victims", mas que depois achou que isso "espantaria o público".
O texto foi escrito depois de escolhido o elenco, e terminado apenas dias antes da estreia. O diretor ainda estuda cortes de cenas e eventuais mudanças com relação ao que foi mostrado na sexta-feira.
Há planos de levar o espetáculo a São Paulo mais adiante, e o local escolhido seria o Sesc, mas tudo depende do desempenho dessa temporada londrina, que vai até 27 de março, com apresentações de terça a domingo.

Depoimento de Gerald Thomas sobre a perda da 'mama' Ellen Stewart

2011-01-20T12:36:00.004-02:00

São Paulo, quinta-feira, 20 de janeiro de 2011
DEPOIMENTO

Diretora, que morreu no último dia 13, foi uma "mama" de coração enorme

Ellen Stewart nos espalhou pelos teatros do mundo todo (photo: Ruby Washington/NYTimes)

GERALD THOMAS
ESPECIAL PARA A FOLHA

Ano que vem faria 30 anos de amor, filiação, admiração e algumas brigas na minha relação com a minha Mama, Ellen Stewart.
Foi em 1982 que ela me mandou dar um workshop para atores, num andar que o La MaMa [grupo teatral] tem de espaço de ensaio na Great Jones Street [em Nova York], a um quarteirão dos teatros em si.
"Texto demais", ela berrava nos ensaios finais. "Mas é Beckett, Ellen, é um texto de Beckett." "Não importa: é texto demais." "Você quer que eu corte Beckett?" Sem resposta, ela sumia.
Ellen não gostava de teatro de texto, não importa qual autor.
Entre brigas, carinhos, bajulos e críticas, esses 30 anos foram pontuados por algumas repetições engraçadas: "Welcome home baby and sit your ass right here" (Bem-vindo bebê e sente sua bunda aqui).
Num quarto mínimo, com a televisão sempre na maior altura, ela nos recebia e me pedia: "Honey, vá na geladeira e me traga uma 7 UP bem gelada".
Qual era a sua doença? O coração que não parava de crescer. Não, o que descrevo não é uma metáfora, e sim a mais pura realidade.
Ellen Stewart, a "mama" com o coração enorme, acabou morta por um coração grande demais.
Eu chegava de alguma ópera ou peça que havia montado na Europa e ela só queria mesmo saber se havia saído o nome do La MaMa no cartaz. E havia. Eu fazia questão de frisar que eu era fruto dela. Ela me inventou. E a partir da autoestima que ela me imprimiu, eu fui á luta.
O meu primeiro espetáculo que viajou saiu do La MaMa (era a Beckett Trilogy com o Julian Beck) e nos levou para o Theater am Turm, em Frankfurt (Alemanha), pelo crítico Peter Iden, da Frankfurter Rundschau.
Ela, sentada na plateia durante, distribuía notas de dinheiro, mas não entendia uma palavra do que o administrador dizia. Eu falo alemão, Julian falava alemão e Judith Malina e George Bartnenieff haviam nascido na Alemanha. "Shut up everyone. I know what I'm doing" (Calem-se todos. Eu sei o que estou fazendo).
Contou tudo errado, mas, num silêncio de admiração, gratidão e medo, não dissemos nada. A ovação que esse espetáculo recebeu em Frankfurt foi a última que Julian ouviria. Ele faleceu um mês depois.
Algumas de minhas peças que foram pra NY não foram pro La MaMa e isso foi motivo de briga entre mãe e filho que não há como descrever. Vão do inferno pra baixo.
"Flash and Crash Days", com as Fernandas, foi para o Lincoln Center: "Assim, eu não vou: nem tentem me levar porque você me traiu".
Não, eu não havia traído ninguém. "Flash and Crash" havia sido convidado pelo festival Serious Fun (1992), e eu pedi um amigo que a pegasse de carro na rua 4 e a levasse ao complexo artístico onde também fica o Metropolitan Opera House, na 66.
"Horrível aquela cena de masturbação entre mãe e filha. Como você pode pensar numa coisa suja como essa?" Nudez nunca foi um problema no La MaMa. Aquilo era pura cena de ciúme.
Foram quase 30 anos de levá-la aos hospitais e dando-lhe a mão dentro de uma ambulância, tentando um quarto melhor, com vista pra rua.
Foram quase 30 anos de um amor indescritível. O mesmo amor que ela teve quando cunhou o termo "experimental theater" (teatro experimental) nos anos 1960 e a mesma paixão que fez com que ela tirasse e salvasse o Grotowski [diretor de teatro polonês, 1933-1999], a força da Polônia de Jaruzelski [presidente entre 1989-1990].
Éramos todos adotados por ela, nós, as crianças que ela espalhou pelos teatros do mundo inteiro. Sim, De Niro, Pacino, Bob Wilson, Philip Glass, Charles Ludlam ou Harvey Fierstein e tudo que Firestein hoje chama de 80% do teatro americano.
Estou perdido e envolto numa tristeza que não tem descrição. Mas sei que esses 30 anos me serviram pra muita coisa. Entre elas, não me lamentar.
Sim, porque eu sou testemunha da dor física que ela sentiu nessas últimas décadas com um enorme sorriso nos seus lindos lábios.

GERALD THOMAS é diretor e autor teatral.

Direto da Folha de SP/Ilustrada: "Elite"/Fernanda Torres

2011-01-08T10:07:00.003-02:00

Concentremos nos três últimos parágrafos, tema constante nas discussões acaloradas por quem não é artista de 'manifestação de massa'.

São Paulo, sábado, 08 de janeiro de 2011

FERNANDA TORRES

Elite

SER CONSIDERADO parte da elite virou ofensa das mais graves. Um sinônimo daquilo que nas peças de Bertold Brecht é encarnado pelo burguês ganancioso, ameaçado pela ascensão dos mais humildes, cuja riqueza se baseia na exploração dos menos favorecidos.
Mas quem é a elite?
Quem, além dos que enriqueceram roubando, merece a acusação de ter contribuído ou desejado a desigualdade social? A classe A? B? Os profissionais liberais? Os engenheiros? Cientistas? Artistas? Empresários? Políticos? Latifundiários? Todos juntos?
Quem comanda a injustiça atávica, além dos que desviam milhões e lutam pelos votos da ignorância?
É bem verdade que não fomos formados pela mesma tradição protestante que fundou os Estados Unidos. Lá, desde os tempos de George Wa- shington, solidariedade se traduz em doações polpudas das grandes fortunas para instituições de caridade, hospitais, universidades, museus e pesquisa. Temos uma herança extrativista que culminou na lei de Gerson. A filantropia engatinha por aqui.
A recente estabilidade econômica possibilitou o milagre da distribuição de renda. O aumento do poder aquisitivo dos que ganham entre três e dez salários mínimos salvou o Brasil da crise de 2009 e continua prometendo.
Nenhuma revolução heroica deu voz ao povo; foi o crédito e a Bolsa Família. A classe C se transformou no Eldorado das grandes redes de TV, das poderosas agências de propaganda, do comércio varejista, dos bancos e de todas as demais forças geradoras de riqueza. Desvendar os seus anseios é o sonho de qualquer CEO com especialização em Harvard no momento.
O cacife dessa nova classe média multiplicou por sete nos últimos dez anos e, hoje, se equipara ao das classes A e B juntas.
As duas últimas abrigam o pessoal com bala na carteira para sonhar com mercado luxo.
Já é possível, sem sair de São Paulo, fazer fila para adquirir a sua bolsa de R$ 30 mil, vestir alta costura prêt-à-porter, harmonizar o vinho com a refeição e viver em ambientes paginados.
Antunes Filho considera uma tragédia a proliferação dos cadernos de culinária, moda e decoração. Jorge Mautner deu uma boa explicação para o fenômeno: até há pouco tempo, somente a nobreza e os reis tinham direito a tais requintes. A democratização do luxo se transformou na febre dos que têm direito à mais-valia.
Em um mundo que substituiu a ideologia pelo economia, não importa quanto dinheiro você tem no bolso, manda aquele que pode e deseja gastar, seja no crediário miúdo ou nas grandes tacadas dos cartões platinum. O resto é silêncio.
Tanto os que se endividam por um sapato Louboutin quanto os que o fazem pelo primeiro carro ou geladeira geram dividendos, aumentam o PIB e puxam as estatísticas mercadológicas para cima. Ambos alimentam a ciranda produtiva e estão perdoados. Quem se posicionou à margem deste rio de satisfação, arrisco dizer, foi o intelecto. O intelecto e seu imperdoável defeito de não ser consumista.
Lembro-me do choque que levei quando percebi que a primeira página da Ilustrada seria definitivamente ocupada por anúncios de meninas lânguidas e contorcidas em campanhas de estilo. A manchete podia se referir à um artista radical da Sibéria, mas a foto era de uma modelo adolescente de boca carnuda vestindo um jeans rasgado da Chanel.
Algo assim seria impensável na minha adolescência. Há 20 anos, a cultura servia de ponteiro; hoje, ela anda à mercê dos acontecimentos. Somente as manifestações de massa fazem sentido porque se justificam como mercado. Erudição é um crime.
Eu estive na posse de Darcy Ribeiro no Senado no fim da década de oitenta. Darcy fez um discurso belíssimo sobre a importância da educação e declarou que todo aquele que é capaz de ler, no Brasil, é responsável pelo analfabetismo.
Um ano de estudo significa 15% de aumento salarial. Eu espero que haja uma segunda revolução no Brasil, amparada pela reforma econômica, que se concentre não no comércio, mas na educação. Uma revolução que acabe com a ideia de que penso, logo escravizo.

Direto da Folha de SP/Ilustrada: "Senhor Albee" (ou: teatro não é fonte de felicidade)

2010-12-30T11:05:00.003-02:00

São Paulo, quinta-feira, 30 de dezembro de 2010

Senhor Albee

O americano Edward Albee, autor de "Quem Tem Medo de Virginia Woolf?", tem nova peça montada em São Paulo; ganhador de três prêmios Tony e três Pulitzer, ele defende que o teatro deve ser antes um ato de agressão do que uma fonte de felicidade

Mary Altaffer/Associated Press

O dramaturgo Edward Albee, em 2008, nos EUA

LUCAS NEVES
DE SÃO PAULO

Não venha falar de sonho americano para Edward Albee. Aos 82, o dramaturgo ainda prefere perturbar o sono americano com peças que desconstroem a felicidade conjugal de fachada, prospectam sem pudores as pulsões sexuais de gente comum e fazem personagens contracenar com a morte -seja a perspectiva dela a pairar sobre a cena, seja a dita cuja encarnada.
As opções temáticas fazem do teatro de Albee, há mais de 50 anos, um show de pirofagia em que quase tudo é permitido. Para atiçar chamas, vale desde um arsenal de imagens que oscilam entre o sádico e o grotesco (circuncisão reversa, mastectomia voluntária, estupro anal...) até reminiscências da juventude, marcada por um relacionamento frio com os pais adotivos.
Não espanta que as mães de sua lavra sejam quase sempre figuras odiosas. No Brasil, suas obras são montadas desde o começo dos anos 60. Em 1995, José Possi Neto dirigiu encenação bem recebida de "Três Mulheres Altas". Quatro anos anos depois, Walmor Chagas e Tônia Carrero buscavam "Um Equilíbrio Delicado" -estado que o casal beligerante vivido por Marieta Severo e Marco Nanini em "Quem Tem Medo de Virginia Woolf?" (2000) nem sonharia alcançar.
Depois de José Wilker se apaixonar por um ruminante em "A Cabra Ou Quem É Sylvia?" (2008), Karin Rodrigues interpreta a personagem-título de "A Senhora de Dubuque", em cartaz a partir do dia 29 de janeiro, no Sesc Pinheiros, em São Paulo. A morte mais uma vez tem os refletores voltados para si. E nada mais diremos aqui.
Em entrevista por telefone à Folha, Albee advoga por um teatro que configure "um ato de agressão" e não se acanhe em fazer as "perguntas difíceis", ainda que isso irrite grande parte do público -que busca "um entretenimento seguro e amigável".
Para ele, a arte "não tem de nos deixar felizes, mas sim mais conscientes de nossos sentimentos e valores". Valores que, no teatro ideal imaginado pelo americano, devem ser postos em xeque, jamais reafirmados.
Albee fala também da influência de sua biografia sobre a ficção que ele produz e da frágil formação intelectual do espectador médio de teatro na América de hoje.
Leia a seguir os principais trechos da conversa com o escritor, ganhador de três prêmios Pulitzer e igual número de Tonys:

Folha - A morte é uma presença marcante e até assume forma humana em peças de sua autoria, como "Três Mulheres Altas" e "A Senhora de Dubuque". Por que o senhor acredita que ela seja um mote tão forte para o teatro? Edward Albee - Só há duas coisas que realmente importam. Os dois grandes eventos na vida de qualquer pessoa são seu nascimento e sua morte. E então você escreve sobre esse parêntese, sobre tudo o que acontece nesse intervalo. Você não pode escrever sobre seu nascimento porque não se lembra dele.
Mas pode escrever sobre a morte, porque obviamente não tem memórias dela, mas espera por isso. Há vários tipos de morte. Muitas das minhas peças são sobre pessoas que estão vivas, mas morreram emocional e intelectualmente muito tempo atrás. Você pode estar morto no íntimo e ainda vivo.

As notícias que nos chegam sobre a cena americana incluem a estreia de uma adaptação musical de "Homem-Aranha" orçada em US$ 65 milhões (R$ 109,8 mi) e um número crescente de estrelas hollywoodianas buscando na Broadway legitimação. Que margem esse quadro deixa para provocação e tomada de riscos?
A maioria das pessoas quer um entretenimento seguro e amigável. Não desejam que seja um ato de agressão. E quase toda arte, em seu melhor, é um ato de agressão contra o status quo. Ou seja: está ali para levantar questões, não para fornecer respostas fáceis, simples.
Mas se você faz perguntas difíceis, irrita muita gente. Essa é a função da arte, entretanto. Se ela não lhe saca do conforto, não é arte. O problema é que boa parte das pessoas tem preguiça intelectual.

De que maneira a arte pode ser a um só tempo agressiva e divertida?
Atraente é uma palavra perigosa, significa que as pessoas vão gostar. O que a arte precisa é ser mobilizadora de nossa mente e de nossas emoções. Ela não tem de nos deixar felizes, mas sim mais conscientes de nossos valores. E deve nos levar a interrogar se estamos dando conta ou não de nossas responsabilidades. Não entendo como alguém pode querer ir ao teatro só para ver atores voando suspensos por fios [referência a "Homem-Aranha"]. Vá ao circo, então! O teatro deve mobilizar o intelecto e o olhar.

Como o sr. vê o jogo de forças entre o teatro que chama de comercial e o de vocação mais experimental, hoje, nos Estados Unidos?
Grande parte das obras que são produzidas com um olhar no lucro que voltará para o investidor tende a ser uma perda de tempo. Por outro lado, grande parte dos trabalhos feitos só de amor ao teatro, ainda que não seja rentável, costuma ter mais valor. Esses são feitos em teatros pequenos, não comerciais, geralmente com temporadas mais curtas do que a porcaria comercial.

E por que isso acontece?
Porque as pessoas não querem ser incomodadas quando vão ao teatro. Anseiam por ter seus valores reafirmados -se é que se chega a discutir valores em cena. Não esperam vê-los questionados. Não estão ali para ser perturbadas. Querem perder tempo e estão dispostas a gastar muito dinheiro para isso.

O sr. é, então, pessimista em relação ao futuro do teatro?
O único problema da democracia é que você tem o que quer, em vez daquilo que você deveria querer. Numa democracia, se você é bem educado, pode tentar alcançar aquilo que deveria querer. Mas tem de ser instruído para fazer a democracia funcionar e para querer um teatro que faça algo útil.
Quando eu ia à escola, tinha uma classe de formação cívica, em que aprendia como o governo trabalhava e o que significava um ato político. Não se ensina mais isso na América. Também tive aulas de música, literatura e artes visuais. Hoje, elas não são consideradas importantes. As preferências das plateias são ditadas pelo pouco que aprendem. Se o cardápio ensinado fosse mais amplo, a gama de interesses seria mais diversificada.

"Toda arte é reinvenção, não repetição"

Edward Albee defende uso de temas tabu, afirmando que se "vendidos como arte" são vistos de forma diferente

Dramaturgo também reclama de encenadores que tentam atenuar ou tornar mais "digestivo" o teor de seus trabalhos

DE SÃO PAULO

Nesta parte da entrevista, Edward Albee fala sobre sua preferência por temas tabu, nega o caráter autobiográfico de suas peças e critica a TV americana. A seguir, os principais trechos. (LUCAS NEVES)

Diante desse quadro, por que insiste em abordar temas tabu, como bestialismo (em "A Cabra"), mastectomia voluntária e circuncisão reversa (ambas em "Homelife")?
Porque isso representa o que sou, o que me interessa. É sobre isso que acredito que as pessoas deveriam refletir.

Mas esses temas ainda são capazes de ruborizar a plateia, tirá-la da zona de conforto?
As pessoas prestam atenção de um jeito diferente quando estão diante de algo que é vendido como arte.

Já foi sugerido que o sr. se vale fartamente de sua biografia para criar peças. As mães de seu teatro seriam variações da figura de sua mãe adotiva, com quem o sr. mantinha uma relação difícil. Como equilibra realidade e ficção?
Estou limitado pelas fronteiras da minha imaginação. Escrevo o que consigo imaginar. Mas não limito a minha escrita a fatos que tenham acontecido comigo, porque não penso ser um objeto teatral tão interessante assim. Me considero uma pessoa interessante, mas não um tema próprio para uma peça.

Qual a diferença entre ser uma coisa e a outra?
Para que a história de alguém se preste ao teatro, suas ações têm de fazer sentido em termos dramáticos, não apenas intelectuais. Senão você transforma uma vida chata numa peça idem. Não consigo imaginar uma peça muito boa sobre [o filósofo alemão] Immanuel Kant, por exemplo.

Em suas peças, surge com frequência um elemento "intruso", alguém que vem de fora do cenário principal para (às vezes à própria revelia) derrubar máscaras sociais, revelar hipocrisias. Como o jovem casal convidado pelos protagonistas de "Virginia Woolf", ou o par e a filha visitantes de "Um Equilíbrio Delicado". O inferno são os outros?
Dramaturgia se apoia em conflitos emocionais, físicos, psicológicos ou políticos. E se você tem um grupo de pessoas que se conhece bem, está muito feliz e não tem sobre o que falar, não há conflito. O que você tem em mãos nesse caso é televisão.

Mas não dizem que a televisão americana vive uma nova era de ouro, com enredos provocativos, personagens bem construídos?
Por "era de ouro", querem dizer um período muito rentável. Só vejo programas informativos, que possam me ensinar algo. Gosto daqueles que tratam de animais, ciência, o cérebro. A minha leitura também segue essa mesma inclinação.

E peças, o sr. lê?
Leio porque quero saber o que está acontecendo naquela história. Se vejo uma montagem sem antes ter lido o texto, não tenho a certeza de estar assistindo à peça que o dramaturgo imaginou.
Há uma hierarquia que deve ser respeitada, que determina que o texto venha antes, e a sua interpretação, depois. Essa deve apenas reforçar o que o autor concebeu.
Em duas ocasiões, senti que isso não estava acontecendo, e o resultado foi horrível. Mas não quero falar sobre isso. Você tem de ser forte para garantir que a sua visão é o que a plateia vai receber, porque às vezes tentam abrandá-la, facilitá-la, torná-la menos perturbadora, mais digestiva. Diretores às vezes fazem isso, seguindo comandos de quem está colocando dinheiro na produção.

O sr. dá aulas na Universidade de Houston. Como é o contato com grupos de jovens dramaturgos?
Ensino porque aprendo ao fazê-lo. Sou muito egoísta. Se não existisse essa via de mão dupla, não funcionaria para mim. Sempre digo aos alunos: "Escrevam a primeira peça de todos os tempos. Inventem a forma, a estrutura, a ideia". Toda arte é reinvenção, não repetição. Arte ruim é repetição. É simples assim.

RAIO-X
EDWARD ALBEE

VIDA
Nasceu em 12 de março de 1928, em Washington D.C., Estados Unidos

OBRA
Escreveu mais de 30 peças, dentre as quais "Quem Tem Medo de Virgínia Woolf", em 1962 e "A Cabra Ou Quem é Sylvia?", em 2002

PRÊMIOS
Ganhou três vezes o Tony Awards (por "Quem Tem Medo...", "A Cabra..." e pelo conjunto da obra), e três vezes o Pulitzer (por "Seascape", "Um Equilíbrio Delicado" e "Três Mulheres Altas")

Direto da Folha: "Pelo amor de Deus, não copiem os EUA" - Benjamin Moser

2010-10-24T14:21:00.003-02:00

São Paulo, domingo, 24 de outubro de 2010

TENDÊNCIAS/DEBATES

Pelo amor de Deus, não copiem os EUA!
BENJAMIN MOSER

Em vez de copiar os políticos americanos, que têm levado a nação à paralisia, os brasileiros deveriam aprender uma lição com a Argentina e Portugal

Ao longo dos últimos 40 anos, nós, americanos, temos assistido, em nome de "valores" ou da "família", a ataques religiosos contra as mulheres e os homossexuais.
Começou como reação a um movimento gay que ganhou grande ímpeto resistindo aos ataques da polícia de Nova York contra o bar Stonewall; e a um movimento feminista que celebrou uma vitória histórica em 1973, quando a Suprema Corte legalizou o aborto.
O ressentimento por essas liberdades duramente conquistadas forneceu uma oportunidade aos políticos de direita e aos pastores evangélicos.
Pastores deram a bênção aos políticos que compartilhavam da sua obsessão com a vida pessoal alheia.
Desnecessário dizer que esses mesmos pastores logo se tornaram um espetáculo nacional, caindo um atrás do outro em escândalos, quer sexuais, quer financeiros.
Mas os políticos covardes já entregaram a essa gente o direito de mandar em assuntos "morais".
Agora, com crescente desânimo, vejo o Brasil seguir o mesmo caminho. Sabe-se que o evangelismo brasileiro tem suas raízes nos missionários americanos que chegaram há exatamente cem anos, e cujos descendentes estão impondo a mesma "moralidade" na política.
Em uma carta aos candidatos, a Associação Brasileira de Gays, Lésbicas, Bissexuais, Travestis e Transexuais denunciou a "instrumentalização de sentimentos religiosos e concepções moralistas na disputa eleitoral".
Em vez de ressaltar suas admiráveis conquistas na luta contra a homofobia ou suas antigas posições a favor do aborto legalizado, Dilma e Serra estão tentando agradar a essa mesma banda.
Políticos corajosos teriam defendido uma outra moralidade. Denunciariam o fato de mulheres morrerem todo dia no Brasil por causa da criminalização do aborto.
Denunciariam a Igreja Católica, que, em nome da "família", excomungou uma mãe pernambucana que providenciou um aborto para a filha de nove anos, grávida de gêmeos após ser estuprada pelo padrasto. Denunciariam que o número de assassinatos de gays no país cresceu 62% desde 2007 e que, de acordo com um estudo do Grupo Gay da Bahia, um gay é morto a cada três dias no Brasil.
Para os americanos, isso é muito deprimente. Em vez de copiar os políticos americanos, que têm levado a nossa nação ao desastre e à paralisia, os brasileiros deveriam aprender uma lição com a Argentina, cuja presidente fez discursos eloquentes a favor de tratamento igual no casamento.
Outra lição vem de Portugal, cujo premiê, José Sócrates, conseguiu a igualdade para todos os portugueses. Não é vergonhoso -sejamos sinceros- ver o Brasil ficar atrás da Argentina e de Portugal?
Como aqueles países demonstraram, a moralidade e os valores têm, sim, um lugar na política. O Brasil oficial não se cansa de repetir que a tolerância é o valor por excelência do brasileiro. Mas não basta dizê-lo.
Um dia, o debate sobre o aborto e o casamento gay terá o mesmo caráter antiquado que hoje tem a lembrança das disputas sobre o divórcio. Mas, para ver esse dia chegar, o Brasil precisará de políticos com muito mais coragem do que a demonstrada por Dilma e Serra.
Para tornar o Brasil um país mais digno, os seus líderes terão, sim, que copiar os americanos. Não o que temos de mais detestável.
Copiem, em lugar disso, Martin Luther King, morto depois de libertar os negros; os militantes de Stonewall, que saíram na porrada com a polícia de Nova York; e os juízes da Suprema Corte, que garantiram que nenhuma mulher morreria por ter praticado um aborto ilegal.
Estes fizeram a grandeza de nosso país -a mesma grandeza hoje decadente, graças, também, aos fanáticos religiosos.

BENJAMIN MOSER, 34, americano, é escritor, crítico e tradutor. Colunista de livros da revista "Harper's", é autor de "Clarice," (Cosac Naify, trad. José Geraldo Couto).

Entrevista com Antunes Filho, direto da Ilustrada/FSP

2010-10-04T11:41:00.003-03:00

São Paulo, segunda-feira, 04 de outubro de 2010

ENTREVISTA ANTUNES FILHO

"Acabou a era do diretor tirano; o agora é a troca"

AOS 80 ANOS, DIRETOR GANHA LIVRO SOBRE SEU MÉTODO DE FORMAÇÃO TEATRAL E DIZ QUE ATOR PRECISA TER A CABEÇA LIVRE DE AUTORIDADE

Lenise Pinheiro/Folhapress

Flavia Pucci e Helio Cicero na peça "Paraíso, Zona Norte. A Falecida", em 1989

GUSTAVO FIORATTI
COLABORAÇÃO PARA A FOLHA

Com 60 anos de carreira, o diretor teatral Antunes Filho ainda vive um impasse.
Seu método de criação e de formação de atores, exposto agora no livro "Hierofania -°O Teatro Segundo Antunes Filho", de Sebastião Milaré, se consolidou como marco do cenário teatral brasileiro, para não dizer do mundo. Mas o diretor não se satisfaz em olhar apenas um caminho já percorrido.
"Meu legado eu não sei qual é. A palavra lembra morte, e eu não penso nisso.
Meu legado é o que eu vou fazer no ensaio hoje. É o espetáculo que vou apresentar amanhã", diz, em entrevista à Folha, na sede do Centro de Pesquisa Teatral (CPT), no Sesc Consolação.

Folha - O livro "Hierofania" cita o espetáculo "Macunaíma", de 1978, como marco do teatro brasileiro. O que acontecia no cenário internacional na época? Antunes Filho - Havia uma espécie de rito de transição. Tinham surgido Peter Brook, Kazuo Ohno, Tadeusz Kantor. Todo mundo apareceu quando houve uma explosão de festivais de teatro.
Foi o início da chamada "era do diretor". O teatro era tão multifacetado naquela época. E "Macunaíma" se inseriu nesse momento de potência teatral.

Por não ter participado expressivamente da ruptura do modernismo brasileiro, o teatro estava atrasado?
Pois é. Oswald [de Andrade] criou uma ou outra peça modernista, e elas não foram encenadas na época.
Mas, ao mesmo tempo, é o teatro que estoura com o modernismo nos anos 60 e 70. A passagem do moderno para o pós-moderno foi nesse movimento internacional.

E essa chamada "era dos diretores" acabou?
Não acabou. O que acabou foi a era do diretor tirano. Agora é a época do diretor que procura cooperação. Antigamente a expressão que se usava era que as coisas vinham do Céu para a Terra. Ao umbigo do mundo, através das catedrais, se instaurava no mundo o Dharma. Agora não tem mais o Dharma. Agora é a troca.

Texto, colaboração e coautoria ganharam importância?
Sim, mas, no trabalho colaborativo, de grupo, tem ainda o cara que precisa reger. Liberdade pressupõe ordem e exige consciência. O modo como vai se estabelecer essa ordem, se é por meio de um diretor ou de uma máquina... Sei lá se pode ter máquinas fazendo isso [risos].

O sr. defende o ator como peça principal do teatro.
Claro. Qualquer peça só pode sair da estante e ir para o palco se houver um ator. Seja no velho drama, seja no futuro, seja ainda no não drama, já que hoje tudo está sendo contestado.

O que está sendo contestado?
Não somente a hegemonia do diretor, a do texto, a da trama. Tudo revela um autoritarismo que está sendo sanado ou questionado.
O ator é a pessoa que, com a sua liberdade, fica à margem dessa coerção que imaginamos haver.
Ele tem de estar livre. A cabeça dele não pode ser autoritária. Só com consciência e liberdade poderá não mais representar, mas atuar. Projetar alguma luz nisso tudo que é contemporâneo.

Isso faz do ator uma espécie de coautor?
Não. Faz dele uma janela. Mas, se ele não tem base cultural e técnica, ele é uma janela fechada.

A criação dramatúrgica, que ganhou espaço no CPT, também representa uma procura sua por novos caminhos? O que ficou velho no teatro?
Estamos num momento de impasse em termos de criação. Tentamos caminhar. Ironizamos tal coisa, parodiamos aquilo outro. Damos margem ao outro lado do nosso inconsciente.
A forma de Brecht já pode ter envelhecido. Mas Brecht como poeta não. Como escritura, ele é atualíssimo. Por meio da linguagem poética, cria rituais. Daí os mitos do inconsciente vêm à tona.

O que significa para você as mortes de Kazuo Ohno (2010) e de Pina Bausch (2009)?
Dois modelos fundamentais que se foram, mas que continuam presentes. Duas guias. A gente chegou ao fim do túnel e tinha aquela luz.
Daí estávamos ali no claro e nos perguntávamos: "E agora? O que vamos fazer? Que luz maravilhosa, né? E daí? Estamos aqui agora iluminados por essas luzes e o que vamos fazer?". E essa luz ainda está acesa.

RAIO-X
ANTUNES FILHO

VIDA
José Alves Antunes Filho, 80 anos, nasceu em São Paulo em 12 de dezembro de 1929

OBRA
Foi pioneiro em criar a partir de estudos sobre metafísica, filosofia e cultura oriental

CPT
Em 1982, recebeu um convite do Sesc para coordenar o Centro de Produção Teatral, no Sesc Consolação

Autor segue trupe por 15 anos para decifrar detalhes

COLABORAÇÃO PARA A FOLHA

Poucos conhecem tão bem a obra de Antunes Filho quanto Sebastião Milaré.
Para escrever "Hierofania -O Teatro Segundo Antunes Filho", o autor acompanhou de perto o processo criativo do diretor por 15 anos.
Ele acabou se tornando alguém "da casa", o que lhe possibilitou decifrar detalhes do processo criativo abastecido também pelos jovens atores do CPT.
O foco do livro é justamente o desenvolvimento desse método a partir da estreia de "Macunaíma" (1978), o espetáculo em que o diretor decide romper com uma sólida carreira -em suas próprias palavras- "comercial".
Nos anos 80, Antunes passa a criar, sob a tutela do Sesc, sempre em sintonia com um projeto educativo e de formação do ator.
Milaré se debruça sobre a técnica corporal e vocal que deu origem a espetáculos antológicos, como "Velha Nova Estória" (1991), "Vereda da Salvação" (1964/1993), "Gilgamesh" (1995) e "Medeia" (2001/2002).
A respiração e o trabalho com a voz despontam como um dos tópicos principais.
O livro não se aprofunda em questões estruturais dos espetáculos, passa apenas pela superfície de conceitos como cenografia, figurino e o coro como opção estética.
"Mas essas questões acabam aparecendo, uma vez que o método de Antunes tem uma forte base em um processo de individuação ideológica e cultural."

HIEROFANIA - O TEATRO SEGUNDO ANTUNES FILHO
AUTOR Sebastião Milaré
EDITORA Edições Sesc-SP
QUANTO R$ 85 (397 págs.)

Beijo, abraço ou aperto de mão? Parte II

2010-09-03T21:36:00.004-03:00

Quando eu tinha saco para escrever sobre política (na verdade quando as pessoas tinham saco para ler sobre política em blogs) não precisava de muita concentração para lembrar que certos temas eram pisados e repisados na mídia como "O" assunto da semana. Se você, como eu, lê uma meia dúzia de jornais (físicos ou online) também já deve ter sido internado num hospício por ranzice quando se depara com as mesmas novas-velhas notícias. E não não estou falando da charlatanice petista, disto já desisti e já sou uma 'bicha de direita' conformada (título que ganhei após publicação de alguns links sobre a escória petista via Facebook e Twitter, na verdade recebi algumas ameaças também, mas isso é uma outra história), me refiro as tais 'Cúpulas da Paz' que poderiam se chamar 'Cúpula do Pega no Meu e Balança" já que PAZ mesmo só serve pra vender camisetas cafonas com pombas brancas entre as letras.

Capa de todos os jornais de hoje (aqui o link do NYTimes, Folha e Estado só para assinantes) trazem notícia do encerramento da tal cúpula, enquanto mudam os protagonistas e aumentam as vítimas eu, você ou o político que escolheremos nas próximas eleições não têm ideia do que está acontecendo no Oriente Médio. Pronto, já me lembrei porque parei de escrever sobre política.

Hillary Clinton 'segurando vela' para o aperto de mãos entre Binyamin Netanyahu e Mahmoud Abbas na cúpula da paz encerrada ontem. Cada vez mais 'cúpula' e cada vez menos 'paz'
...

Aqui, neste mesmo Viralata, post de 28/11/2007 que reproduzo na íntegra:

O histórico aperto de mãos patrocinado por Clinton, em setembro de 1993 em Washington. Yizhar Rabin (à esquerda) e Yasser Arafat. Esse aperto valeu o Nobel da Paz mas a paz mesmo durou pouco, o terrorismo voltou com tudo e o ressentimento ressurgiu.

O aperto de mãos entre o palestino Mahmoud Abbas (à esquerda) e o israelense Ariel Sharon, pós Arafat (morto em novembro de 2004) em fevereiro de 2005. Promessas de paz e nenhum acordo formal, apenas promessas de parar com as agressões mútuas.

Ehmud Olmert (Premiê Israelense) aperta a mão do Líder Palestino Mahmoud Abbas, no centro Bush que você já conhece. O trio na cúpula de paz para o Oriente Médio, em Annapólis nesta semana de 2007. O 'aperto' deste ano é para tentar criar um Estado Palestino (coisa que todo mundo aceita e concorda), acabar com o terrorismo, libertar os presos palestinos detidos por israelenses e otras cositas mas no varejo.

Do primeiro 'aperto' de 1993 sob o olhar de Clinton até 2008 com Bush no centro das negociações aproximadamente 120 homens-bombas explodiram em Israel, a maioria sob as ordens do Hamas, como se vê o terror age de forma independente e impiedosa.

Quem sabe se os acordos fossem selados com abraços, que podem ser mais 'calorosos' do que apertos de mãos, ou talvez beijos? Pensando bem russos e romanos se beijam desde priscas eras e as coisas não caminharam muito bem não é?
Melhor mesmo é esquecer estes gestos midiáticos, arregaçar as mangas e falar a mesma língua, mas aí colocaremos em cheque toda uma babel literária de conflitos e interesses que escapa a razão humana.

Como dizia Gerald Thomas (em off, of course!) em algum espetáculo perdido no século passado:
- "Está estabelecido o conflito".

Crítica "Dueto para um"/Vejinha-SP

2010-08-23T22:55:00.000-03:00