À Paris, ce type d’événement, notamment proposé par l’Apéro du Jeudi, offre une expérience accessible, spontanée et résolument vivante, où les frontières entre artistes et spectateurs s’effacent.

Mais que se cache-t-il réellement derrière cette appellation ? Et pourquoi ces rendez-vous attirent-ils un public toujours plus curieux, notamment dans le milieu théâtral ?

Une scène libre, vivante et imprévisible

Le principe de la scène ouverte (aussi appelé Open Mic) est simple : chacun peut monter sur scène pour proposer une performance. Théâtre, stand-up, poésie, improvisation, chant ou encore lecture de texte — tous les formats sont les bienvenus. L’idée n’est pas de proposer un spectacle figé, mais au contraire de laisser place à l’expérimentation et à la découverte.

Dans le cadre d’un apéro scène ouverte, cette liberté artistique s’inscrit dans une ambiance détendue, souvent dans un bar ou un lieu convivial. Le public ne vient pas uniquement pour “voir un spectacle”, mais pour partager un moment, échanger, et parfois même oser franchir le pas de la scène.

Ce mélange des genres crée une dynamique particulière : chaque intervention est une surprise, chaque artiste apporte son univers, et la soirée se construit en direct, dans une forme d’improvisation collective.

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Un théâtre plus accessible

Ce type d’événement participe pleinement à la démocratisation du spectacle vivant. Là où le théâtre peut parfois sembler intimidant ou élitiste, l’apéro scène ouverte casse les codes.

Pas de rideau rouge ni de silence imposé : ici, on discute, on rit, on applaudit, parfois même on improvise avec les artistes. Le rapport au public est direct, immédiat, sans filtre. Cette proximité permet de rendre le théâtre plus accessible, notamment à un public qui n’oserait pas forcément pousser la porte d’une salle traditionnelle.

De plus, les conditions de participation sont souvent simples : il suffit de s’inscrire ou de se présenter sur place. Ce fonctionnement ouvert encourage les artistes émergents à tester leurs créations, à se confronter au regard du public et à gagner en confiance.

L’Apéro du Jeudi : une autre manière de rencontrer le spectacle

L’Apéro du Jeudi, à l’origine conçu comme un afterwork favorisant les rencontres, a su diversifier ses formats au fil des années. Lancé à Paris en 2005, le concept repose sur une idée simple : réunir des participants autour d’un verre dans une ambiance conviviale pour créer du lien social.

Avec le temps, ces événements ont évolué pour intégrer des propositions artistiques variées : karaoké, blind tests, soirées thématiques… et bien sûr, scènes ouvertes. Cette diversité témoigne d’une volonté d’enrichir l’expérience en mêlant divertissement et expression artistique.

Dans le cas de l’apéro scène ouverte, cette dimension sociale reste centrale. Le public est invité à échanger, à découvrir les autres participants et à partager un moment collectif, bien au-delà d’une simple représentation. On ne vient pas seulement “consommer” un spectacle, mais vivre une expérience.

Un tremplin pour les artistes émergents

Pour les comédiens, humoristes ou auteurs, ces scènes ouvertes constituent un véritable laboratoire. Elles offrent un espace d’expérimentation précieux, où il est possible de tester un texte, affiner un jeu ou explorer une nouvelle idée.

Contrairement à une programmation classique, souvent exigeante et sélective, la scène ouverte valorise l’audace et la prise de risque. Les erreurs y sont acceptées, voire encouragées, car elles font partie du processus créatif.

Ce format permet également de créer des rencontres entre artistes. Les échanges en coulisses, les discussions après les performances ou les collaborations spontanées participent à la vitalité de la scène artistique locale.

Une expérience immersive pour le public

Assister à un apéro scène ouverte, c’est accepter de ne pas savoir exactement ce que l’on va voir. Cette part d’inconnu fait tout le charme de la soirée.

Le public devient un acteur à part entière : par ses réactions, ses encouragements ou même sa participation, il influence le déroulement de la soirée. Cette interaction constante crée une atmosphère chaleureuse et vivante, où chacun trouve sa place.

Dans un contexte où les formats culturels évoluent, cette approche plus immersive et participative répond à une attente forte : celle de vivre des expériences authentiques, loin des cadres trop rigides.

Un reflet des nouvelles pratiques culturelles

L’engouement pour les apéros scène ouverte s’inscrit dans une tendance plus large : celle de la déformalisation des pratiques culturelles. Aujourd’hui, le public recherche des formats plus flexibles, plus interactifs et plus accessibles.

Ces événements répondent parfaitement à ces attentes en combinant plusieurs dimensions : artistique, sociale et festive. Ils permettent de découvrir de nouveaux talents tout en partageant un moment convivial.

À Paris, ville de théâtre par excellence, ces initiatives viennent compléter l’offre existante en proposant une alternative rafraîchissante. Elles témoignent d’une scène artistique en constante évolution, capable de se réinventer pour toucher de nouveaux publics.

Conclusion : une invitation à oser

L’apéro scène ouverte est bien plus qu’un simple événement : c’est une invitation. Une invitation à découvrir, à partager, mais aussi à oser.

Oser monter sur scène, oser proposer une idée, oser sortir des formats traditionnels. Dans un cadre bienveillant et convivial, chacun peut trouver sa place, qu’il soit artiste confirmé, amateur passionné ou simple curieux.

À l’heure où le spectacle vivant cherche à se renouveler et à toucher un public plus large, ces formats hybrides apparaissent comme une réponse pertinente et inspirante. Le théâtre y retrouve une dimension essentielle : celle du partage immédiat, humain et vivant.

Dans cet article, découvrez pourquoi le théâtre est un formidable tremplin pour les célibataires en quête de nouvelles rencontres… et peut-être plus si affinités.

Pourquoi choisir un atelier théâtre quand on est célibataire ?

Le théâtre n’est pas seulement réservé aux passionnés de la scène. C’est avant tout une discipline ludique qui invite à jouer, improviser, écouter et ressentir.

1. Briser la glace naturellement

Lors d’un atelier théâtre pour célibataires, les jeux d’improvisation et les exercices de mise en scène permettent de créer rapidement une atmosphère conviviale. Plus besoin de chercher le “bon sujet de conversation” : le rire, les émotions et les situations théâtrales cassent instantanément la barrière de la timidité.

2. Développer la confiance en soi

Être célibataire, c’est parfois ressentir une pression sociale ou manquer d’assurance. Le théâtre aide à dépasser ces blocages en travaillant la voix, la posture et l’expression corporelle. Chaque exercice devient une opportunité de se révéler et de gagner en assurance, aussi bien sur scène que dans la vie quotidienne.

3. Rencontrer des personnes qui partagent vos envies

Un atelier théâtre pour célibataires attire généralement des personnes curieuses, ouvertes d’esprit et prêtes à vivre une expérience hors du commun. C’est un terrain fertile pour créer des liens sincères, sans l’artifice des profils en ligne ou des rendez-vous parfois forcés.

Les avantages concrets d’un atelier théâtre pour célibataires

L’Apéro du Jeudi organise régulièrement des ateliers d’improvisation théâtrale pour célibataires à Paris et bientôt partout en France.

Au-delà du simple aspect ludique, un atelier théâtre dédié aux célibataires apporte de nombreux bénéfices :

• Une activité originale : vous sortez du cadre classique des speed datings ou des afterworks.
• Un cadre bienveillant : le théâtre favorise le respect et l’écoute mutuelle.
• Un mélange d’émotions : rire, surprise, créativité… tout concourt à créer des souvenirs communs.
• Des affinités naturelles : les liens se tissent au fil des improvisations, sans pression ni attentes figées.

Comment se déroule un atelier théâtre pour célibataires ?

Chaque atelier est conçu pour être accessible, même à celles et ceux qui n’ont jamais pratiqué le théâtre. En général, une séance se décompose ainsi :

1. Échauffement (corps et voix) pour se détendre et se mettre en confiance.
2. Exercices ludiques favorisant l’écoute, la spontanéité et la créativité.
3. Improvisations en duo ou en groupe pour stimuler l’imaginaire et créer des situations cocasses.
4. Moments d’échange entre les participants, souvent ponctués de rires et de complicité.

L’objectif n’est pas de préparer une pièce mais de partager un moment unique, riche en émotions et en rencontres.

Théâtre et rencontres : un duo gagnant

Contrairement aux rencontres en ligne, qui se basent souvent sur des photos et quelques mots, un atelier théâtre met en avant la vraie personnalité. Vous découvrez les autres participants tels qu’ils sont, à travers leurs rires, leurs improvisations et leur spontanéité.

C’est aussi une manière subtile de tester l’alchimie : jouer une scène à deux peut révéler des affinités inattendues et créer un lien naturel, bien loin des échanges virtuels.

À qui s’adresse ce type d’atelier ?

L’atelier théâtre pour célibataires s’adresse à tous les profils :

• Les timides qui veulent gagner en assurance.
• Les extravertis qui aiment s’amuser et se mettre en scène.
• Les curieux en quête d’expériences originales.
• Les célibataires lassés des modes de rencontre classiques.

Peu importe votre âge ou votre expérience, l’important est d’avoir envie de partager et d’oser.

« Il faut que ça se répète».

Le brasier, c’est un feu qui nous brûle comme un « coup de soleil en dedans », comme le « feu au ventre » quand une même paille est partagée entre un dragon et une reine, c’est un feu qui brûle tout, de la folie, aux biscuits qu’on met au four et qui nous écoutent.

Le brasier, c’est ce qui m’anime depuis toujours: la scène qui guérit, qui rejoue, qui libère, qui permet de rire de tout, même du pire.

C’est le feu qui me coule sur les joues alors que Queen antonne « Show must go on », morceau qui accompagnait le cercueil de notre papa magicien, spécialiste des flammes, né au ciel le 25 décembre dernier. «C’est ben le fun » ce spectacle sans accent québécois, digne de Robert Lepage, de Wajdi Mouawad, d’Anaïs Barbeau Lavalette, de la psychanalyste Anne Dufourmantelle auteur de « en cas d’amour », et de Salomon Sellam « le syndrome du gisant ».

Heureusement que les bébés s’échappent des cages, qu’ils savent voler avec des timbres, que les yeux savent se dire, que les tarentules ne ronronnent pas, que la vie est vivante, que les marteaux ne sont pas qu’à la télé, que l’archéologie permet de toucher les trous noirs, que s’aiment les arc-en-ciel et la boue, que l’on peut brûler de tout, d’amour, de mort, que l’on peut tout brûler et vivre, vivre vivre vivre…

Et qu’avec le sang de certaines lignées, des textes si beau soit joués.

Le Brasier, Cie L’Autre Rive.

Un texte de David Paquet Du 5 au 26 juillet, Avignon, 15h55,

La Factory- les antonins.

Mis en scène par Sarah Chovelon, Avec Thomas Agathocléous, Sarah Chovelon, Elodie Chouicha.

« Défenseur des récits mystérieux », défenseur de la joie, de la profondeur d’Henri Gougaud et de Luis Ansa dans « la voie du sentir ». De la grand-mère pissenlit au service de Dieu, de Maluco Beleza, la beauté folle invitant à croire en plus grand, du comédien aux cheveux gris incarnant l’adage « priez comme si vous étiez exaucés », des pensées d’amour de cet homme à Belle-Île-en-Mer, de la guérisseuse Pachamama envolée sur son drapeau la ramenant à Sirius, de cet adolescent et sa pierre lui ayant réinsufflé l’envie de la vie, de la guérison par l’amour et de la fête des morts sur une tombe aux fleurs orangées…

Arnaud a recueilli leur parfum et les fait vivre à travers son être. De l’Ashram d’Amma à l’homme qui faisait chanter le train à tue-tête grâce à une brosse à dents, de ce petit indonésien de 7 ans voyant l’invisible, et de cette femme polynésienne exempte de gros mots, de l’audace de la lumière, à la sœur nous rappelant que nous sommes aimés infiniment, des danses Katakali, au métier de service, prémisse du chemin, du Berry, à Jung, de René Guénon, à un sage soufi, de Paco de Lucia à Mickey Mouse… l’acteur Pèlerin offre ici ce qu’il aurait aimé enfant. Il nous rappelle à travers une vieille dame d’être toujours éveillé, de choisir la vie, à travers une jeune médecin que l’amour se répande… « réveille-toi », « souviens-toi de quel royaume tu viens ».

Et alors couleraient les larmes d’amour, d’être témoin silencieux de ce chemin rempli de foi et d’espérance, de ce chemin que 40 jours d’écriture ont recueilli, à l’image de cet homme tatoué de l’électrocardiogramme de son propre cœur.

Son rire dans la nuit, défenseur de la joie comme pure connaissance.
D’accepter d’être perdu au risque de rencontrer son véritable chemin.
Messager de l’espoir, nous invitant à nous offrir au monde avec confiance, à renouer avec la chance d’être vivant comme ce petit garçon de 8 ans, qu’il a peut-être été, et qui nous offre l’essentiel cette nuit : le message de l’Amour et de la foi éternelle.

Que plante-t-elle dans les yeux et les oreilles des spectateurs venus entendre comment son rêve, celui de devenir capitaine, a été exaucé?

Il est question d’addiction, de discrétion, d’adrénaline, de théatre de la vie, de la mort.

Dans ce seul en scène, où le rire s’invite autant que l’étonnement de ce qui se joue parfois sur l’eau, il y a la richesse et ce qu’elle salit parfois, les retrouvailles avec la boussole de son être, du mystère d’être vivant, il y a l’attitude des hommes envers les femmes, et des femmes travaillant pour les hommes, les rêves poursuivis jusqu’à ce que le réel nous apparaisse, il y a les bouteilles jetées à la mer, de la Mer Morte à la mer qui guérit ce que la mère n’a pas pu consoler, à la mer que « monsieur ne trouve pas assez bleue »…

De la la mer à la scène, c’est désormais ici que Déborah a choisi de vivre sa liberté.

Et c’est ce chemin là qui nous est révélé, avec autodérision, authenticité, avec une parole qui est la preuve que la guérison passe aussi par l’humour et la scène.

Cindy Mollaret
Représentations à Paris en janvier 2026
Deborah Falbo « Avant que j’oublie »
Lyon : Deborah Falbo dans Avant que j’oublie – Théâtre Instant T | Billet Réduc’

Le son comme liberté, celle qui capte et offre au spectateur les témoignages si riches de ces 8 êtres que la tradition rassemble, alors qu’ils ne se seraient pas rencontrés sans.« Ils ont déjà trop de temps sur leur dos, il faut trouver un moyen de passer son temps. » Est-ce cette question qui relie ces 8 êtres qu’a rencontré Anaïs Barbeau Lavalette qui nous offre qui ils sont sur cette scène ? On songe à Jacques Tati, à Raymond Depardon, à Bob Fosse « all that jazz », à Gennetines, à « Ghost story. » 

Parmi les 8 récits, il y a les mots que cet homme cache dans les maisons qu’il remet en état, comme une signature, comme la trace de son passage.. à ce qu’on fait à notre patrimoine immatériel, cette maison tombée en ruine, et à ce qu’on se fait, à soi en laissant faire, en laissant disparaître. Les mots de cet homme, qui n’a pas eu de père et qui a vécu l’abus parce qu’avec cet autre, il croyait avoir senti la chaleur du père. Pourtant il rit encore, et porte la joie.

Il est question de la « défense de la joie », écho à ce texte de Beneditti : « Défendre la joie comme un droit, la défendre de(…) l’hiver, des majuscules et de la mort, des noms de famille et des peines du hasard, et aussi de la joie.» 

La joie, comme moteur du monde, la joie qui jaillit au détour d’une ruelle en pleine canicule, la joie de récolter les récits si vivants et pouvoir garder intact cette impression de première fois grâce à ce dispositif de documentaire scénique, jamais vu ailleurs avant.  Émile Proulx a vu en celle qu’il aime et met en scène, ce grand talent lié au courage du silence.

Face à la parole de l’autre qu’Anaïs B.L recueille comme un trésor. Le geste qui rassemble, qui se répète, qui perpétue la tradition. Le documentaire comme témoin du monde, comme récolte des pas qui tissent le monde et le rendent plus humain. 

On songe à la saudade, entre mélancolie et espoir, à la mémoire et ce qu’elle permet de faire vivre, de transmettre, comme un cadeau, à la richesse infinie entre individus de cultures si différentes, rassemblés par les pas vers la joie.

Ce ne sera « pas perdu » ce qui est si justement offert ici, ce sera gardé en mémoire et vécu jusque dans nos chairs.
« Il faut arracher la joie aux jours qui filent. » Maïakovski
La joie circulait entre les spectateurs, rassemblés ici.

« Pas perdus » Anais Barbeau  Lavalette -Theatre Duceppe https://www.placedesarts.com/evenement/pas-perdus-documentaires-sceniques

Ce n’est pas un hasard si le magicien Raymond Raymondson qui rate ses tours, a travaillé sur ce spectacle. L’un et l’autre, de véritables clowns. Le clown, pour nous faire entendre les rires de chacun, ces mêmes rires qui provoqueraient le nôtre.

La beauté de cette voix déformée qui deviendrait mélodieuse avec « Cucurrucucú Paloma ».

On songerait à la BO de Parle avec elle, d’Almodovar.

On songerait à Yann Frisch, Thierry Nadalini et à Heinzi Lorenzen.

A ces artistes capables de nous transporter hors de nous-même.

A la fin, Fred Blin embrasserait chacun, du rouge sur la joue pour se reconnaitre et pouvoir rire ensemble encore.

« Vous faites corps, vous faites société ».

Oui, faire corps d’avoir ri des mêmes maladresses, des mêmes performances.

On songerait à Henri Michaux « Clown » : « Avec la sorte de courage qu’il faut pour être rien et rien que rien, je lâcherai ce qui paraissait m’être indissolublement proche. Je le trancherai, je le renverserai, je le romprai, je le ferai dégringoler. »

Fred Blin nous fait tomber à la renverse, et nos rires se souviennent qu’il nous faudra rire toujours, comme Pierre Desproges à la veille de sa mort. Toujours. 

Stomp, la musique sans instrument

Tout droit venus d’Angleterre (Birghton), le groupe Stomp propose un spectacle musicale inclassable et un peu fou.

L’idée ? Faire du rythme, de la musique avec tout ce qui tombe sous la main : poubelle, casserole, tuyaux, bouées, bidons… les accessoires les plus basiques deviennent de formidables instruments de musique.

Spectacle inventif, ryhtmé et plein d’humour

La scène est littéralement habité par une énergie folle : musique, rythme et percu mais aussi danse, humour… un véritable « big bang créatif » sous vos yeux.

Pas une seconde pour vous ennuyer, cet univers singulier ne pourra que vous fasciner !

Infos pratiques

• jusqu’au 16 juillet
• théâtre Bobino 14 -20 rue de la Gaité 75014 Paris
• site pour réservation
  
  

De place d’It’ à la Havane

Je n’avais pas encore eu l’occasion d’aller dans cette nouvelle salle (ouverte en 2018) place d’Italie qui reprend la place de l’ancien cinéma du centre commercial.

C’est tout simplement la plus grande salle de spectacle rive gauche.
Avec une programmation très éclectique, master class sur la peinture, comédies musicales, spectacles de danse, concerts, théâtre, vous pourrez profiter de tous les plaisirs du spectacle vivant.

Mais ce soir là, nous venions pour un voyage. Un voyage à Cuba.

Sur un air de salsa

Sur scène, les rues de la Havane. De la fabrique de cigare au ring de box, en passant par les carrefours de la capitale cubaine. Le décor est planté.

Et dans ce décor ? 14 danseurs qui enchainent les tableaux pour nous raconter l’histoire d’une danseus étoile, Alaya et d’un boxeur, Oscar que leurs destins séparent…

Une énerige folle dépensée sur scène pour un spectacle qui porte haut les couleurs de Cuba : en groupe, en duo, parfois en solo, les pas de salsa et le balet latino nous emmènent loin du XIIIème arrondissement.
(si Cuba vous intéresse j’ai écrit un article sur les 7 visites insolites à faire à la Havane).

Mais à Cuba, la danse ne va pas sans la musique. Sur scène c’est auss 6 musiciens qui nous fait vibrer aux rythmes cubains. Sous la houlette du grand compositeur Rembert Egües, les cuivres, les percus, les cordes et les voix nous donnent des frissons et des fourmis dans les jambes.

Ce spectacle cubain s’installe au 13emeART jusqu’au 26 mars.
Infos et résas : le13emeart.com/les-evenements/soy-de-cuba/

N’ayez pas peur, suivez-moi pour une découverte du Paris coquin !

Un « bar à fantasmes », cabaret érotique

C’était enfin le grand soir. Nous allions pouvoir découvrir cette salle de spectacle sulfureuse, le Sweet Paradise.

Cachée dans une petite rue du quartier de Montorgueil, en bas d’un escalier à colimasson, nous voici dans l’antre d’une salle de cabaret nouvelle génération.

A l’origine de ce « bar à fantasmes », deux figures bien connues du monde de l’érotisme.

Flore Cherry, journaliste et écrivaine, organisatrice du salon de la littértature érotique, que j’ai eu la chance de rencontrer il y a déjà longtemps à l’Apéro du Jeudi avec qui j’ai pu collaborer pour nos Apéros Libertins.

Et Arthur Vernon, auteur de pièces de théâtre, scénariste, j’avais notamment eu la chance de découvrir sa pièce, en partie jouée nu, Une Femme Extraordinaire.

L’antre des spectacles coquins

La salle de voûté en coeur de Paris, avec ses vieilles pierres, son ambiance intimiste est parfaite pour un cabaret de ce genre.

Un lieu, une adresse qu’on imagine volontiers réservée aux initiers ou qui se transmet sous le manteau, discrétement.
Mais je vous rassure, on retrouve le Sweet Paradise sur Billet Reduc donc rien de caché. Mais l’ambiance y est.

Une pointe de charme et un soupçon de chic à l’accueil ne serait pas de trop mais nous sommes déjà impatients de nous installer dans « la » salle.

Des spectacles érotiques dont tu es le héros

Avant de vous installer dans le salle on vous propose trois couleurs de bracelets lumineux qu’il vous faudra porter au poignet.

• bleu pour rester uniquement spectacteur
• jaune pour participer un peu
• rouge pour faire partie du show
  

Nous serons parés de bleu ce soir là. Joueurs oui, mais pas forcément devant tout le monde

La petite salle est bien pleine, des couples, des amis/amies qui s’offrent une sortie insolite, des hommes… un public bien équilibré, tant en homme, femme qu’en âge.

Le show commence. Enfin le game.

L’auteur du spectacle, Arthur Vernon donc, s’inspire des séries à succès comme la Casa Del Papel et Squid Game pour mettre en situations 4 performeuses et comédiennes.

Elles alternent scénettes pour nous faire rentrer dans l’histoire, strip-tease, danses lassives et jeux coquins qu’elles organisent avec le public. Les rouges et les jaunes sont alors à l’honneur.

Inutile de vous dévoiler l’intrigue, ou l’histoire. D’une parce que je n’ai pas envie de spoiler et deux car je pense que le coeur du spectacle est ailleurs : dans le public.

Oui la vraie originalité du Sweet Paradise, c’est bien cela : proposer au public de participer lui-même au spectacle (et d’en devenir un).

C’est original, sensations fortes garanties. Ceux qui osent participer prennent manifestement du plaisir.
La salle ce soir là était plutôt concquise.

Pour ma part, je ne vais pas vous mentir, je n’ai pas réussi à rentrer dedans.

Mention toute particulière pour la comédienne qu’on pourrait apparenter à « la meneuse de revue » qui a mis une belle énergie pour animer cette soirée pas comme les autres.

Avec beaucoup d’à propos, elle arrivait à porter le spectacle et les animations. Un grand bravo !

Une programmation variée qui peut vous emmener loin

Red Game est joué les mercredis et samedis mais les autres jours vous pourrez découvrir d’autres spectacles.

Et certains spectacles peuvent se faire… en tête à tête.
Oui le Sweet Paradise permet de choisir l’une des performeuses pour un strip-tease en tête à tête après les spectacles.
Un peu à la manière des clubs de strip-tease classiques.

Infos pratiques pour Red Game au Sweet Paradise

• tous les mercredis et samedis à 20h15
• entrée 30€
• adresse : 12, rue Marie Stuart 75002 Paris
• site : www.sweetparadiseparis.com