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Cine Gótico

noreply@blogger.com (...wes...) — Fri, 26 Mar 2010 15:16:00 +0000

El gótico siempre ha estado presente en el cine, de alguna u otra forma las temáticas “oscuras” se han utilizado en distas épocas del cine, incluso mucho antes de que el gótico existiera como tal.

El cine también ha influenciado este movimiento, algunos de los primeros artistas del rock gótico y el death rock adoptaron imágenes de clásicos del terror, y utilizaban también las bandas sonoras de éstas películas en busca de inspiración. Sus audiencias respondieron adoptando vestidos y accesorios propios del movimiento. El uso de accesorios comunes en el cine de terror, murciélagos de goma y telarañas fue frecuente como decoración en el club gótico “The Batcave”. Tales referencias en su música y en su imagen fueron en un comienzo una parodia, pero a medida que pasaba el tiempo, las bandas y los miembros de la subcultura tomaron sus influencias más en serio. Como resultado, los elementos morbosos, supernaturales y ocultistas se convirtieron en elementos más notables de la subcultura.

En el cine, hay cinco grandes subgéneros que tienen relación con el gótico, ya sea por sus temáticas, su ambientación o sus personajes, caracterizándose por recrear atmósferas tétricas y enrarecidas, en que las arquitectura y paisajes, llenos de formas con bordes difuminados, y la poca iluminación, capturan las sombras más escalofriantes y crean una sensación indescifrable de irrealidad

Expresionismo Alemán

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc.

En relación al cine, la primera película de esta corriente que tiene temáticas relacionadas con el Gótico es El Gabinete del Doctor Caligari (Das Kabinett des Doktor Caligari), dirigida por Robert Wiene en 1919.

Si bien la escenografía no encuadra dentro del esquema de lo gótico, ya que es netamente surrealista, el film en sí, tanto en su tema como en la atmósfera, introduce los primeros conceptos del Terror Gótico.

Esta original historia sobre sueños, sonambulismo, locura, amor y maldad nos transporta a un ambiente Gótico sin necesidad de valerse de cementerios ni de castillos embrujados.

A pesar de estar también enmarcado dentro del expresionismo mudo alemán, Nosferatu (Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens), es un film netamente representativo del Gótico. Dirigido por F. W. Murnau en 1922 esta película incorpora elementos distintivos del género tanto en su escenografía, clima, actuación y tema, incluyendo el primer vampiro de la historia del cine.

El vampirismo es el tema gótico por excelencia siendo Nosferatu la primera adaptación fílmica no acreditada de la novela Dracula de Bram Stocker.
Max Schreck interpretaba al conde Orlock ya que por razones de derecho de autor no se podía utilizar el nombre de Drácula. Su caracterización era la de un demonio infernal, calvo, con orejas puntiagudas, rostro pálido, dientes afilados y garras. El maquillaje iba sufriendo cambios sutiles a lo largo del film volviendo su aspecto progresivamente más repelente. En muchas escenas de ataque y depredación su larga y grotesca sombra lo predecía como si se tratara de una profecía maligna.

La película es al mismo tiempo aterradora y ricamente romántica siendo considerada una de las mejores expresiones del género vampírico.
Otros representativos del Expresionismo Alemán son: Der Golem (1920), Ana Bolena (Lubitsch, 1920), Las tres luces (Lang, 1921), El doctor Mabuse (Lang, 1922), Sombras (Robison, 1923), Die Strasse (Grüne, 1923), Sylvester (Pick, 1923), Los Nibelungos (Lang, 1923-1924), El hombre de las figuras de cera (Leni, 1924), Las manos de Orlac (Wiene, 1924), El último (Murnau, 1924), Bajo la máscara del placer (Pabst, 1925), Tartufo (Murnau, 1925), Varieté (Dupont, 1925), Fausto (Murnau, 1926), El amor de Jeanne Ney (Pabst, 1927), Metrópolis (Lang, 1927), La caja de Pandora (Pabst, 1929), El ángel azul (Sternberg, 1930), M, el vampiro de Düsseldorf (Lang, 1931), etc.

Terror de la Universal

Con El fantasma de la ópera, dirigida por Rupert Julián, Estados Unidos da su primer paso en el Cine Gótico en 1925 a cargo de los estudios Universal. Conocida es la historia de amor tortuoso y no correspondido de un hombre que debido a su rostro desfigurado por el fuego, se esconde en las catacumbas medievales ocultas debajo de un teatro de Ópera Gótico, de las cuales sólo sale cubierto por una máscara para ver cantar a Chrstine Daae, de quien está tristemente enamorado.

Ya en tiempos de cine sonoro, la Universal lleva a la pantalla Drácula (Tod Browing- 1931); en la adaptación de la novela de Stocker, Bela Lugosi hace la interpretación más recordada del estereotipado conde de elegantes estilo y larga capa negra de revés rojo. El éxito de la película marcó la pauta para una seguidilla de películas de terror en los años '30, como La hija de Drácula, dirigida por Lambert Hillyer en 1936.

El tema de una mujer vampiro ya había sido tocado anteriormente en el film de Carl Dreyer Vampyr (1931-1932) que estaba sutilmente basado en la novela Carmilla de Sheridan Le Fanu. Este fue uno de los films de vampiros más extraños y menos reconocidos. Se encuentra a mitad de camino entre el cine mudo y el sonoro, ya que ha pesar de estar sonorizado continua usando la técnica de carteles explicativos típicos del período mudo.

Otro célebre personaje literario es llevado al cine en esta década, Franskenstein, creado por la escritora Mary Shelley en una lluviosa noche de 1816, en que en una velada en el castillo suizo de Lord Byron, junto al poeta Percy Bysshe Shelley (su marido) y a otros intelectuales, aceptó el desafío de escribir la más escalofriante historia de terror.

En la versión de 1931 de la Universal, dirigida por James Whale, el infeliz monstruo es interpretado por otro icono del cine de horror, Boris Karloff, cuya personificación y maquillaje, forjaron la imagen más representativa del triste personaje de Shelley.

Al Frankenstein clásico se agrega una curiosa saga de películas como La Novia de Frankenstein (James Whale-1935), El hijo de Frankenstein (Rowland Lee-1939), El fantasma de Frankenstein (Earle C. Kenton-1942) y Frankenstein contra el hombre lobo (Roy William Neill-1943).

Terror de la Hammer

En los años sesenta y setenta el predominio del Cine Gótico paso a Inglaterra, siendo su responsable la Hammer Films, que produjo numerosos remakes de clásicos como Drácula, Frankenstein, El Hombre Lobo y La Momia.

La atmósfera que la Universal había creado con sombras y penumbras, la Hammer la muestra en primer plano y a todo color. El uso de una exuberante fotografía en colores sirve para remarcar la significación simbólica de la sangre, mostrada en todo su rojo esplendor.

En este período, considerado la edad de oro del Terror Gótico, se explota el esquema narrativo de la lucha entre el bien y el mal, representado por la contraposición del monstruo con el sabio. El director de la mayoría de las películas fue Terence Fisher y los protagonistas más repetidos fueron Christopher Lee y Peter Cushing.

El ciclo Gótico comienza en 1957 con La maldición de Frankenstein, dirigida por Terence Fisher y termina con La Monja Poseída, realizada por Peter Sykes en 1976. Durante estos años se alcanzó a producir 44 películas, entre las que se encuentran La Maldición de Frankenstein ( Terence Fisher-1957), La Revancha de Frankenstein (Terence Fisher-1958), Drácula (Terence Fisher-1958), Las Novias de Drácula (Terence Fisher-1960), Drácula Vuelve de la Tumba (Freddie Francis-1968), Drácula 1972 D.C. (Alan Gibson-1972) y Los Amores del Vampiro (Roy Ward Baker-1970).

A partir del año 1962 con el cambio de política dentro de la Casa, la filmografía vampírica de la Hammer comienza a incorporar escenas de desnudos conservando la ambientación y temática Gótica. Generalmente estas películas estaban inspiradas en Carmilla de Sheridan Le Fanu, famosa novela de vampiras lesbianas, y la Condesa Bathory. Estas son : El Beso del Vampiro (The Kiss of the Vampire / Kiss of Evil - Don Sharp - 1963), Los Amores Del Vampiro (The Vampire Lovers - Roy Ward Baker - 1970), La Condesa Drácula (Countess Dracula - Peter Sasdy - 1971), Lust for a Vampire / To Love a Vampire (Jimmy Sangster - 1971), Las Mellizas del Diablo (Twins of Evil - John Hugh - 1971), Vampire Circus (Robert Young - 1972), Capitán Kronos: Cazador de Vampiros (Captain Kronos: Vampire Hunter - Brian Clemens - 1973).

Adaptaciones de Poe con Vincent Price

A principios de los '60 la American International Pictures quería competir con el éxito creciente de Hammer Films, fue así que contrató a Roger Corman para dirigir una película basada en un relato de Edgar Allan Poe.

Roger Corman es un realizador americano que durante los años '50 escribía, dirigía y producía películas Clase B sobre monstruos y Ciencia Ficción. El sentía que esta temática ya estaba agotada y por eso decide incursionar en un nuevo terreno: El Tenebroso Terror Gótico. El resultado fue La Caída de la Casa Usher (The Fall of the House of Usher - 1960). Este originó una década de films estrechamente emparentados, siempre basándose en relatos de Edgar Allan Poe.

Las historias se situaban en castillos viejos, tenebrosos y mazmorras con herrumbrosos implementos de tortura. Estos eran casi siempre los mismos sets, solo que arreglados e iluminados de manera un poco diferentes. Según el mismo Corman: “...me servía de la niebla para disimular la ausencia del decorado, ya que en la mayor parte de los casos sólo teníamos detrás la pared del estudio”. Gracias al uso del color, Corman acentuaba el sentido de ciertos detalles, logrando que sus films se vieran muy por encima del status “B”. Las películas eran casi indistinguibles unas de otras. Por lo general los relatos de Poe fueron utilizados como base para crear otras historias que conservaban poco de la trama pero mantenían el espíritu del original. El insuperable protagonista de casi toda la serie es Vincent Price como un noble paranoico, obsesionado por antiguas maldiciones familiares o la idea de ser enterrado vivo.

Entre la películas de Poe de esta época se encuentran: The Fall of the House of Usher (1960), The Pit and the Pendulum (1961), The Premature Burial (1962), Tales of Terror (1962), The Haunted Palace (1963), “basada en The Case of Charles Dexter Ward de Lovecraft pero se hizo pasar por una película basada en Poe porque en ese tiempo Poe era mas popular”, The Raven (1963), The Terror (1963), The Masque of the Red Death (1964), The Tomb of Ligeia (1964), The Conqueror Worm (1968), The Oblong Box (1969) y Cry of the Banshee (1970).

Neo-Gótico

Tras estas dos décadas de esplendor, el Terror Gótico ha sido gradualmente reemplazado por otros subgéneros como el Gore y el Slasher. Muy pocas películas se realizaron en los años posteriores, como el remake de Nosferatu, escrita, producida y dirigida por el alemán Werner Herzog en 1979, y protagonizada por Klaus Kinski, quien realiza una magistral interpretación del conde Orlock.

El único autor moderno que incursionó con continuidad dentro del género gótico es Tim Burton. Ex director de los estudios Disney, admirador de Vincent Price y de las películas sobre Poe, reflejó todo su mundo oscuro y fantástico en sus posteriores realizaciones. El fue responsable de la multimillonaria versión de Batman del año 1989. Batman podría ser considerado como un film Post-Gótico o Neo-Gótico ya que transcurre en un tiempo indefinido y en una ciudad moderna, pero que conserva todas las características de una escenografía Gótica clásica, donde los castillos medievales son reemplazados por imponentes edificios sumidos en sombras macabras. Gotham City es una transposición de Metropolis de Fritz Lang, donde se mezcla la estética Gótica con la de los años `30 con la actual.

Tras el éxito de taquilla de Batman, el próximo proyecto de Burton fue más personal. Basándose en una idea propia concibió Edward Scissorhands (1990). Esta es una surrealista y hermosa variación del mito de Frankenstein que bajo la inocente apariencia de un cuento de hadas se esconde un sustrato mucho más retorcido y perverso.

Mientras dirigía Batman Return, Burton tenía en producción Nightmare Before Christmas (1994). A pesar de ser un típico film burtoriano la dirección la llevo a cabo Henry Selick, utilizando la antigua técnica de animación cuadro por cuadro o Stop Motion. El film es cercano a una ópera dónde la banda sonora tiene una importancia fundamental. El guión se basa en un poema de Tim Burton, por lo tanto los personajes tienen las características de su mundo: son seres solitarios que intentan cambiar su realidad moviéndose entre escenografías que remiten al Expresionismo Alemán.

También en la década de los noventa resurge la temática del vampirismo con Subespecies (Ted Nicolaou-1991), pero el impulso definitivo lo da Drácula de Bram Stocker, dirigida por Francis Ford Coppola en 1992, que es la que mejor representa el espíritu de la novela escrita por el irlandés en 1897. La película conserva la estructura de la novela, pero la diferencia está dada en el tratamiento que hace de los personajes y de la historia. Aquí los personajes son tan ambiguos como en Batman Return, lo cual nos hace pensar en una nueva clase de héroe/antihéroe gótico, ya que Drácula es el malo que goza con el mal por despecho y venganza, y al mismo tiempo es el bueno que sufre por amor. Esta dualidad también está dada en el personaje de Van Helsing (Anthony Hopkins), distanciándolo del clásico de Peter Cushing, porque al estar tan obsesionado por el mal llega a parecer él mismo el malo de la película.

En 1994, Robert de Niro interpreta al monstruo de Franskenstein (dirigida por Kenneth Branagh), ya sin el aspecto rígido clásico, explota la dualidad del personaje, que va desde la venganza y la agresividad hasta una ternura casi infantil.

Del mismo año es el film más representativo de lo que se ha denominado Terror Neo-Gótico, El Cuervo, dirigida por Alex Poyas y protagonizada por Brandon Lee. En ésta se recrean los elementos puros Góticos, pero en un escenario moderno, el antihéroe que renace de las tinieblas para vengar la muerte de su novia y la de él, reemplaza las estilizadas catedrales por los altos edificios de la ciudad.

La versión fílmica de la novela de Anne Rice, Entrevista con un Vampiro ( Neil Jordan - 1994), agrega el elemento de ambigüedad sexual entre hombres, que es representada en la relación entre Louis (Brad Pitt) y Lestat (Tom Cruise), el primero como creación y el segundo como el que lo salvó de la muerte y lo engendró como vampiro, y en la atracción que siente Armand (Antonio Banderas) por Louis.

La nostalgia de Louis por su vida mortal y la impotencia de Claudia (Kirsten Duntsts), la pequeña vampira que él convirtió, por no poder crecer y concretar su amor por Louis, le da a la película un acento romántico, que se agrega a su marcada atmósfera de sensualidad.

Dado el éxito de El Cuervo, en la siguiente década se puso de moda realizar adaptaciones de comic, hay varias que aparentemente tienen señales de pertenecer al Cine Neo-Gótico, pero en realidad solo se quedan en matices básicos que no les permite entrar a esta categoría, películas como Blade, Spawn, Underword, Hellboy, Matrix o hasta la misma Crepúsculo se tienden a confundir con esta corriente, pero su temáticas centrales tienen otros intereses.

A pesar de los cambios surgidos por el paso del tiempo, el gótico se mantiene vigente. Hay espectadores que prefieren las películas del período clásico a las actuales, pero lo cierto es que el género ha sido siempre el mismo que ha ido evolucionando, pero manteniendo vivo su espíritu, que despierta nuestro lado más oscuro y melancólico.

Neorrealismo Italiano

noreply@blogger.com (...wes...) — Mon, 08 Feb 2010 02:08:00 +0000

El neorrealismo italiano fue un movimiento cinematográfico surgido en Italia durante la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, cuyos principales representantes fueron Roberto Rossellini, Luchino Visconti y Vittorio de Sica.

El neorrealismo italiano se puede entender como una especie de escuela o tendencia con determinadas premisas estéticas (como pueden serlo la nouvelle vague o el free cinema) o como un simple producto de determinadas circunstancias histórico-sociales (la situación de Italia de la posguerra). Sea como sea, lo que no pareció encontrar tal corriente fue una "voz" musical propia: los filmes que siguieron a Roma, ciudad abierta (Roma, città aperta, 1946) de Roberto Rosellini continuaron una tradición musical anterior a la guerra, un sinfonismo con cierto tono popular y un gusto por la búsqueda de la "gran melodía" de corte puccinesco.

Quizá por ello, las partituras de Renzo Rosellini para los filmes de su hermano no sean las más adecuadas para la austeridad de la puesta en escena que propone Roma, ciudad abierta, o el detallismo conductista de Alemania, año cero (Germania, anno zero, 1947): son en exceso redundantes y ancladas en los clichés del melodrama fácil. Del mismo modo, la música de un Alessandro Cicognini -un compositor iniciado antes del neorrealismo- cuadra mejor con el sentimentalismo humanista de Vittorio de Sica, al igual que el carácter popular de ciertas composiciones de Nino Rota se adecúa más al costumbrismo de Eduardo de Filippo.

En todo caso, parece que la relación entre ese "ente" no muy definido considerado como neorrealismo condujo a éste por caminos que lo apartaban cada vez más del mero rigor documental, del simple testimonio de "urgencia" sobre una situación social determinada. Luchino Visconti fue uno de los realizadores que mejor supieron trascender las fronteras del neorrealismo para llevarlo a los terrenos de un cine más personal, trágico y operístico. En este sentido, Rocco y sus hermanos (1960) es su obra maestra. (Roberto Cueto)

El movimiento se desarrolló alrededor de un círculo de críticos cinematográficos que se agrupaban en torno a la revista Cinema, entre los que se encontraban Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti, Gianni Puccini, Giuseppe de Santis y Pietro Ingrao. Lejos de abordar temas políticos (el director de la revista era Vittorio Mussolini, hijo de Benito Mussolini), los críticos atacaban las películas que dominaban la industria de los tiempos. Por oposición a la escasa calidad de las películas de la época, algunos críticos consideraban que el cine debía mirar hacia los escritores realistas de principios del siglo.

Los neorrealistas fueron fuertemente influenciados por el realismo poético francés. De hecho, tanto Antonioni como Visconti trabajaron en estrecha colaboración con Jean Renoir. Por otro lado, muchos directores neorrealistas habían madurado trabajando en películas caligrafistas, si bien dicho movimiento era notablemente distinto al neorrealismo. Se pueden encontrar elementos emparentados con el neorrealismo, igualmente, en las obras de Alessandro Blasetti y en los documentales de Francesco de Robertis. Los precursores más significativos del neorrealismo fueron Toni, de Renoir, de 1935 y la película 1860, de Blasetti, realizada en 1934.

El neorrealismo adquirió resonancia mundial por primera vez con Roma, città aperta, primera película importante realizada en Italia tras el fin de la guerra. A pesar de la presencia de muchas características ajenas al neorrealismo, reflejaba claramente la lucha por la existencia que los italianos libraban día a día bajo la ocupación alemana de Roma, haciendo lo posible por resistir a la ocupación. Los niños juegan en la película un papel clave, y su presencia al final del film es indicativa de su papel general en el neorrealismo: como observadores de la dificultad del mundo de hoy que tienen la llave del futuro.

El cine neorrealista se caracteriza por tramas ambientadas entre los sectores más desfavorecidos, abundante en el uso de los rodajes exteriores, con importante presencia de actores no profesionales entre sus secundarios, y, con frecuencia, incluso entre los protagonistas. Las películas reflejan principalmente la situación económica y moral de Italia en la posguerra, y reflexionan sobre los cambios en los sentimientos y en las condiciones de vida: frustración, pobreza, desesperación... Dado que los estudios Cinecittà, que habían sido el centro de la producción cinematográfica italiana desde 1936, se encontraban ocupados por una multitud de personas desalojadas a causa de las penurias de la guerra, las películas se rodaban en el exterior, con las devastaciones bélicas como fondo.

Su aspecto e intención principal consistía en plasmar la realidad tal cual era. Se trataba de un cine con orientación social capaz de representar la terrible depresión de una guerra tan atroz: un cine casi de desesperanza con un claro contenido social.

Se puede decir que el neorrealismo italiano se inicia en 1945 con Roma, ciudad abierta (Roma, città aperta) de Roberto Rossellini y continúa con cineastas tan destacados como Vittorio De Sica con Ladron de bicicletas en 1948 y Luchino Visconti con La tierra tiembla (La terra trema) en 1947.

Los guionistas Suso Cecchi d'Amico y Cesare Zavattini fueron, entre otros escritores, autores importantes en este movimiento, escribiendo las historias para los directores del neorrealismo italiano. Robert McKee considera infravalorada la figura del guionista en cuanto a la autoría de las películas cinematográficas y, por otra parte, que se sobrevalora al director como autor único. Por eso, varios teóricos del cine como McKee, consideran responsables de la calidad artística del neorrealismo italiano a "autores" como Suso Cecchi d'Amico y Cesare Zavattini.

Begotten (1991)

noreply@blogger.com (...wes...) — Sat, 16 Jan 2010 21:27:00 +0000

Un Dios se suicida y de el nace La Madre Tierra la cual después tiene un hijo, que al igual que los habitantes de la Tierra es indefenso y fácil de atacar por los humanos.

A pesar de estar lleno de sobre lecturas su temática central es simple, demuestra lo malo que son los humanos y el poder que tiene La Tierra de regenerarse. Pero su mayor fuerza radica en la forma en como se realizó, con una técnica experimental con tonalidades muy sobrecargadas, tanto que en algunos pasajes de la película cuesta diferenciar las imágenes que se están viendo, además carece de diálogos y a ratos muestra imágenes bastante explícitas. Toda esa mezcla hace de esta película digna de ver y disfrutar si de desea ver algo fuera de lo común.

Su director, E. Elias Merhinge, años después realizo Shadow of the Vampire (2000), en donde otra vez vemos tonalidades exageradas y personajes extravagantes, demostrándonos que su fascinación por la época del expresionismo alemán lo seguirá por toda su carrera (mientras tenga libertad para hacer lo que quiera).

Valerie and Her Week of Wonders (1970)

noreply@blogger.com (...wes...) — Thu, 14 Jan 2010 00:00:00 +0000

En un pequeño pueblo de Checoslovaquia llega un tenebroso personaje con rasgos de vampiro al cual todos temen y revoluciona la monótona vida de una niña de 13 años. A partir de ahí comenzará una serie de acontecimientos que dejará colgado al mas experto cinéfilo fanático de David Lynch.

Esta versión mas que libre de Alicia en el país de las maravillas bordea los límites de la lógica mezclando la realidad con los sueños de Valerie, en donde, se tiene que suponer que es real y que no, todo inmerso en una atmósfera folklórica muy típica de la localidad en donde se realizó la película.

Esta es la película mas rara de vampiros que he visto hasta ahora, no es fácil de ver, su ritmo es muy lento y confuso, pero es una experiencia muy recomendable que los hará verla más de una vez.

The Box (2009)

noreply@blogger.com (...wes...) — Mon, 28 Dec 2009 23:50:00 +0000

Una joven pareja recibe en su casa un paquete, en el se encuentra una extraña caja con un botón rojo, si deciden apretar el botón recibirán automáticamente un millón de dólares, pero a cambio alguien en el cualquier lugar del mundo morirá. A partir de ahí comienza todo un cuestionamiento moral de apretar o no el botón, descubriendo que todo no es tan sencillo como parece.

Genial regreso de Richard Kelly, acá volvemos a ver (menos mal) todas sus obsesiones que ya vimos en Donnie Darko (viajes en el tiempo, destrucción de la humanidad, etc.) y que en Southland Tales no vimos por ningún lado.

El cuento en que se basó esta película es de un famoso escritor llamado Richard Matheson, el cual también ha escrito las novelas en que se basaron las películas Soy Leyenda, Más allá de los Sueños, Ecos Mortales, entre varias mas. La película sigue fielmente la base del cuento, pero le agrega algunas modificaciones que son perfectas y demuestran todo el potencial que puede lograr Richard Kelly cuando anda inspirado.

Este cuento ya ha sido llevado a la televisión bajo la serie La Dimensión Desconocida de los años ’80, el capítulo se llamó botón, botón, al igual que el cuento.

Quizás lo mas irregular sea las actuaciones de la pareja principal Cameron Díaz y James Marsden, que no me convencieron mucho, en cambio la de Frank Langella como el misterioso Sr. Steward es escalofriantemente perfecto.

Película misteriosa, inquietante, con un transfondo moral digno de analizar. Un buen regreso de este ya joven director de culto.

Botón, botón, de Richard Matheson

El paquete estaba junto a la puerta —una caja de cartón sellada con cinta, la dirección y sus nombres escritos a mano: Señor y Señora Lewis, 217 E. calle 37, Nueva York, Nueva York, 10016. Norma lo levantó, abrió la puerta y entró al apartamento. Apenas empezaba a oscurecer.

Después de haber puesto los trozos de cordero en la parrilla, se sentó y abrió el paquete.

Dentro de la caja de cartón había una unidad provista de un botón y sujetada a una pequeña arca de madera. Una cúpula de vidrio cubría el botón. Norma intentó levantarla pero estaba sellada. Volteó la unidad y vio un papel doblado y pegado con cinta adhesiva a la parte inferior de la caja. Lo desprendió: El señor Steward los visitará a las 8 p.m.

Norma colocó la unidad del botón a su lado, sobre el sofá. Releyó el mensaje impreso, sonriendo.

Unos minutos después regresó a la cocina para hacer la ensalada.

El timbre sonó a las ocho en punto. —Yo abro —gritó Norma desde la cocina. Arthur estaba en la sala, leyendo.

Había un hombre pequeño en la entrada. Se quitó el sombrero cuando Norma abrió la puerta. —¿Señora Lewis? —preguntó cortésmente.

—¿Sí?

—Soy el señor Steward

—Ah, cierto. Norma reprimió una sonrisa. Ahora estaba segura de que se trataba de un truco para vender algo.

—¿Puedo pasar? —preguntó el señor Steward.

—Estoy bastante ocupada —dijo Norma—, pero le traeré su paquete. Le dio la espalda.

—¿No quiere saber lo que es?

Norma se volteó. El tono del señor Steward fue ofensivo. —No, creo que no —contestó ella.

—Podría resultar muy provechoso —le dijo.

—¿Económicamente? —lo cuestionó.

El señor Steward asintió. —Económicamente —dijo.

Norma frunció el ceño. No le gustó la actitud del hombre. —¿Qué está intentando vender? —preguntó ella.

—No estoy vendiendo nada —respondió él.

Arthur salió de la sala. —¿Pasa algo?

El señor Steward se presentó.

—Ah, el … —Arthur señaló hacia la sala y sonrió—. ¿Y qué es ese aparato, a todo esto?

—No me tomará mucho tiempo explicarlo —contestó el señor Steward—. ¿Puedo pasar?

—Si está vendiendo algo… —dijo Arthur.

El señor Steward negó con la cabeza. —No, no vendo nada.

Arthur miró a Norma. —Como quieras —le dijo ella.

Dudó un poco. —Bueno, ¿por qué no? —dijo él.

Entraron a la sala y el señor Steward se sentó en la silla de Norma. Metió la mano en el bolsillo de dentro de su abrigo y sacó un pequeño sobre sellado. —Aquí dentro hay una llave para abrir la cúpula del timbre —dijo y colocó el sobre encima de la mesa auxiliar—. El timbre está conectado a nuestra oficina.

—¿Para qué sirve? —preguntó Arthur.

—Si oprime el botón —le dijo el señor Steward— en alguna parte del mundo alguien que usted no conoce morirá. A cambio, recibirá un pago de 50.000 dólares.

Norma se quedó mirando al hombrecillo. Estaba sonriendo.

—¿De qué habla? —le preguntó Arthur.

El señor Steward pareció sorprendido. —Pero si lo acabo de explicar —dijo.

—¿Es esto una broma de mal gusto?

—De ningún modo. La oferta es completamente genuina.

—Eso que usted dice no tiene sentido —dijo Arthur—. Usted espera que creamos…

—¿A quién representa? —inquirió Norma.

El señor Steward se notó apenado. —Me temo que no estoy autorizado para revelarle eso —dijo—. Sin embargo, le aseguro que la organización es de talla internacional.

—Creo que es mejor que se vaya —dijo Arthur poniéndose de pie.

El señor Steward se levantó. —Por supuesto.

—Y llévese la unidad con usted.

—¿Está seguro de que no le interesaría pensarlo hasta mañana, quizás?

Arthur levantó la unidad del botón y el sobre y los tendió bruscamente en las manos del señor Steward. Caminó por el pasillo y abrió la puerta.

—Dejaré mi tarjeta —dijo el señor Steward. La colocó encima de la mesilla que estaba cerca de la puerta.

Cuando se había ido, Arthur rompió la tarjeta por la mitad y arrojó los pedazos sobre la mesa.

Norma permanecía sentada en el sofá. —¿Qué crees que era? —preguntó.

—No me interesa saber —contestó él.

Ella intentó sonreír pero no pudo. —¿No te da ni un poco de curiosidad?

—No —negó con la cabeza.

Después de que Arthur había retomado su libro, Norma regresó a la cocina y acabó de lavar los platos.

—¿Por qué no quieres hablar de eso? —preguntó Norma.

Los ojos de Arthur se movían constantemente mientras se cepillaba los dientes. Miraba el reflejo de Norma en el espejo del baño.

—¿No te intriga?

—Me ofende —dijo Arthur.

—Ya sé, pero —Norma colocó otro rulo en su pelo— ¿no te intriga también?

—¿Crees que es una broma de mal gusto? —preguntó ella cuando entraban a la habitación.

—Si lo es, es una broma asquerosa.

Norma se sentó en la cama y se quitó las pantuflas. —Tal vez sea algún tipo de investigación psicológica.

Arthur se encogió de hombros. —Podría ser.

—Tal vez algún millonario excéntrico la está realizando.

—Tal vez.

—¿No te gustaría saber?

Arthur negó con la cabeza.

—¿Por qué?

—Porque es inmoral —le dijo.

Norma se deslizó bajo las cobijas. —Bueno, yo creo que es intrigante —dijo. Arthur apagó la lámpara y se agachó para besarla. —Buenas noches —le dijo.

—Buenas noches —Norma le dio palmaditas en la espalda.

Norma cerró los ojos. «Cincuentamil dólares», pensó.

En la mañana, cuando iba a salir del apartamento, Norma vio las dos mitades de la tarjeta sobre la mesa. Impulsivamente, las arrojó dentro de su cartera. Cerró la puerta y alcanzó a Arthur en el ascensor.

Mientras estaba en su descanso sacó las dos partes de la tarjeta y juntó los pedazos rasgados. Solamente el nombre del señor Steward y un número telefónico estaban impresos en la tarjeta.

Después del almuerzo volvió a sacar las dos mitades y unió los bordes con cinta adhesiva. «¿Por qué estoy haciendo esto?», pensó.

Poco antes de las cinco marcó el número.

—Buenas tardes —dijo la voz del señor Steward.

Norma por poco cuelga, pero se contuvo. Aclaró la garganta.

—Habla la señora Lewis —dijo.

—Sí, señora Lewis —el señor Steward se escuchó complacido.

—Tengo curiosidad.

—Es natural —dijo el señor Steward.

—No es que crea una sola palabra de lo que nos dijo.

—Sin embargo, es la pura verdad —contestó el señor Steward.

—Bueno, como sea —Norma tragó saliva—. Cuando manifestó que alguien en el mundo moriría, ¿qué quiso decir?

—Exactamente eso —contestó—. Podría ser cualquier persona. Todo lo que garantizamos es que usted no la conoce. Y, por supuesto, que usted no tendría que verla morir.

—Por 50.000 dólares—dijo Norma.

—Es correcto.

Ella hizo un sonido de burla.

—Eso es una locura.

—Pero esa es la propuesta —dijo el señor Steward—. ¿Desea que le lleve de nuevo la unidad?

Norma se puso tensa.

—Claro que no —colgó malhumorada.

El paquete estaba junto a la puerta principal, Norma lo vio al salir del ascensor. «Bueno, ¡qué frescura!», pensó. Fijó la mirada en el paquete mientras abría la puerta. «Simplemente no lo entraré», se dijo. Entró y empezó a preparar la cena.

Más tarde, salió al pasillo principal. Abriendo la puerta, levantó el paquete y lo trasladó hasta la cocina, dejándolo sobre la mesa.

Se sentó en la sala, mirando a través de la ventana. Después de un rato, fue a la cocina para colocar las chuletas en la parrilla. Colocó el paquete en la alacena inferior. Lo tiraría en la mañana.

—Tal vez algún millonario excéntrico está jugando con la gente —dijo ella.

Arthur levantó la mirada de su plato. —No te entiendo.

—¿Qué quieres decir?

—Olvídalo —le dijo a ella.

Norma comió en silencio. De repente bajó su tenedor. —Supón que es una oferta real —dijo ella.

Arthur se quedó mirándola.

—Supón que es una oferta real.

—Está bien, supón que lo es —él se veía incrédulo—. ¿Qué querrías hacer? ¿Volver a tener el botón y oprimirlo? ¿Asesinar a alguien?”

Norma pareció disgustada. —Asesinar.

—¿Cómo lo definirías?

—¿Si ni siquiera conoces a la persona? —dijo Norma.

Arthur quedó estupefacto. —¿Estás diciendo lo que creo que estás diciendo?

—¿Si es algún viejo campesino chino a diez mil millas de distancia? ¿Algún aborigen enfermo en el Congo?

—¿Qué tal un bebé en Pennsylvania? —Arthur replicó—. ¿Alguna hermosa niña en la otra cuadra?

—Ahora estás exagerando las cosas.

— Norma, el hecho es—continuó—, no importa a quién matas sigue siendo asesinato.

—El hecho es —interrumpió Norma—, si es alguien a quien nunca has visto en la vida y a quien nunca verás, alguien de cuya muerte ni siquiera tendrás que saber aun así ¿no apretarías el botón?

Arthur se quedó mirándola, horrorizado. —¿Quieres decir que tú lo harías?

—Cincuenta mil dólares, Arthur.

—¿Qué tiene que ver la cantidad…

—Cincuenta mil dólares, Arthur —interrumpió Norma—. Una oportunidad para hacer ese viaje a Europa del que siempre hemos hablado.

—Norma, no.

—Una oportunidad para comprar esa cabaña en la isla.

—Norma, no —su cara había palidecido.

Ella se encogió de hombros. —Está bien, tranquilízate —dijo ella—. ¿Por qué te enojas tanto? Sólo estamos hablando.

Después de la cena, Arthur fue a la sala. Antes de abandonar la mesa dijo:

—Preferiría no discutirlo más, si no te importa.

Norma levantó los hombros. —Está bien.

Ella se levantó más temprano que de costumbre para preparar panqueques, huevos y tocino para el desayuno de Arthur.

—¿Qué estamos celebrando? —preguntó Arthur con una sonrisa.

—No, no se trata de ninguna celebración —Norma se mostró ofendida—. Quise hacerlo, es todo.

—Bueno —dijo él—, me alegro de que lo hayas hecho.

Ella volvió a llenar la taza de Arthur. —Quería demostrarte que no soy… —se encogió de hombros.

—¿Que no eres qué?

—Egoísta.

—¿Dije que lo eras?

—Pues —ella gesticuló vagamente—, anoche...

Arthur permaneció callado.

—Toda esa charla acerca del botón —dijo Norma—. Creo que… pues, me malinterpretaste.

—¿En qué sentido? —su voz fue cautelosa.

—Creo que pensaste —gesticuló de nuevo— que yo sólo estaba pensando en mí.

—Ah.

—No lo hacía.

—Norma…

—Pues no lo hacía. Cuando hablé de Europa, la casa en la isla…

—Norma, ¿por qué te estás involucrando tanto en esto?

—De ninguna manera lo estoy haciendo —respiró nerviosamente—. Sólo intento decir que…

—¿Qué?

—Que quisiera un viaje a Europa para nosotros. Que quisiera una cabaña en la isla para nosotros. Quisiera un apartamento mejor para nosotros, mejores muebles, mejor ropa, un auto. Me gustaría que nosotros por fin tuviéramos un bebé, a decir verdad.

—Norma, ya lo haremos —dijo él.

—¿Cuándo?

Se quedó mirándola, consternado. —Norma…

—¡¿Cuándo?!

—¿Estás… —pareció retractarse un poco—, estás diciendo en serio…?

—Estoy diciendo que probablemente lo están haciendo para un proyecto investigativo —lo interrumpió—. Que quieren saber qué haría la gente común frente a tal circunstancia, que sólo están diciendo que alguien moriría para estudiar las reacciones, para ver si hay sentimiento de culpa, ansiedad, ¡lo que sea! No crees que en realidad matarían a alguien, ¿verdad?”

Él no contestó. Ella vio que a Arthur le temblaban las manos. Después de un rato él se levantó y se fue.

Cuando se había ido a trabajar, Norma permaneció en la mesa, mirando fijamente su café. «Voy a llegar tarde», pensó. Se encogió de hombros. ¿Qué importaba?, ella debería estar en casa y no trabajando en una oficina.

Mientras acomodaba los platos, se volvió abruptamente, se secó las manos y sacó el paquete de la alacena inferior. Lo abrió y colocó la unidad del botón sobre la mesa. Se quedó mirándola un rato antes de sacar la llave del sobre y retirar la cúpula de vidrio. Fijó su mirada en el botón. «Qué ridículo», pensó. «Todo este alboroto por un botón sin importancia».

Estiró la mano y lo oprimió. «Por nosotros» —se dijo con rabia.

Se estremeció. ¿Estaría sucediendo? Un escalofrío aterrador la recorrió.

En un momento ya todo había terminado. Hizo un ruido desdeñoso. «Ridículo», pensó. «Exaltarse tanto por nada».

Tiró la unidad del botón, la cúpula y la llave a la caneca de la basura y se apresuró a vestirse para ir al trabajo. Acababa de dar vuelta a los filetes para la cena cuando sonó el teléfono. Levantó la bocina. —¿Aló?

—¿Señora Lewis?

—¿Sí?

—Este es el hospital Lenox Hill.

Se sintió irreal cuando la voz le informó del accidente en el subterráneo: los empujones de la multitud, Arthur había sido arrojado de la plataforma cuando el tren pasaba. Era consciente de que estaba negando con la cabeza pero no podía parar.

Cuando colgó, recordó la póliza de seguro de vida de Arthur por 25.000, con doble indemnización por…

— ¡No! Parecía que no podía respirar. Se incorporó con gran dificultad y caminó atontada hasta la cocina. Algo helado presionaba su cráneo mientras sacaba la unidad del botón de la caneca de la basura. No había clavos ni tornillos a la vista. No podía ver cómo estaba ensamblada.

De repente, comenzó a estrellarla contra el borde del lavaplatos, golpeándola cada vez con más violencia hasta que la madera se quebró. Separó las partes, cortándose los dedos sin darse cuenta. No había transistores en la caja, ni cables, ni tubos. La caja estaba vacía.

Se volvió con un grito ahogado cuando el teléfono sonó. Tropezándose para llegar hasta la sala, levantó la bocina.

—¿Señora Lewis? —preguntó el señor Steward.

No era su voz la que chillaba de tal manera, no podía ser. —¡Usted dijo que yo no conocería al que muriera!

—Mi querida señora —dijo el señor Steward—, ¿en verdad cree que usted conocía a su esposo?

Mirrors (2008)

noreply@blogger.com (...wes...) — Wed, 16 Dec 2009 01:43:00 +0000

Ben Carson (Kiefer Sutherland) ha tenido días mejores. Ha pasado casi un año desde que el inestable detective fuera suspendido de su trabajo en el Departamento de Policía de Nueva York tras haber disparado fatalmente a otro policía que trabajaba de incógnito, un accidente que no sólo le costó su empleo, sino que le llevó al alcoholismo y desató la ira que le alejó de su esposa e hijos, teniendo que pernoctar ahora en el sofá de su hermana, en Queens. Ansioso por superarlo y reunirse de nuevo con su familia, Carson se emplea como vigilante nocturno en las calcinadas ruinas de los almacenes Mayflower.

Mirrors es el nuevo remake de Alexandre Aja, ahora el turno fue de la película Surcoreana "Geoul sokeuro" (Into the Mirror), dirigida por Kim Seong-ho en 2003.

A pesar de ser un remake, la película no es mala, tiene muy buenos momentos y hay partes en que la tensión es muy alta (lo más valorable de la película). Eso si, recomiendo ver la original que es mucho más profunda en su temática y no se queda solo en mostrar fantasmas detrás de un espejo.

24: Redemption (2008)

noreply@blogger.com (...wes...) — Wed, 16 Dec 2009 01:40:00 +0000

Buscado por el gobierno de los Estados Unidos y trabajando como misionero en África, Jack Bauer debe detener a un despiadado caudillo que recluta niños inocentes para su mortal organización militar. Pero antes, Bauer debe confrontar su propio pasado tormentoso y enfrentar una difícil decisión que cambiará su vida para siempre.

Esperada película basada en la serie de suspenso más provocativa de la televisión en los últimos tiempos. Acá vemos a un Jack Bauer retirado en un lejano país africano, el cual es azotado por un golpe militar de unos terroristas que reclutan niños, así empieza la acción desenfrenada de ésta película de 24, no tiene muchas sorpresas, de hecho su guión es bastante simple, lo bueno que tiene es que mantiene los mismos códigos de la serie, es como estar viendo un capítulo de larga duración, es entretenida y dinámica, las dos horas se pasan volando y al terminar lo único que uno espera es ver la sexta temporada lo antes posible. No es necesario haber visto todas las anteriores temporadas para entenderla, yo creo que por eso su guión no mezcla historias de temporadas pasadas, pero si da el gancho justo para ver la siguiente temporada. Imperdible para cualquier fanático de la serie.

Tony Manero (2008)

noreply@blogger.com (...wes...) — Wed, 16 Dec 2009 01:33:00 +0000

Santiago de Chile, 1978. En medio del complejo contexto social provocado por la dictadura de Pinochet, Raúl Peralta, un hombre de cincuenta años, está obsesionado con la idea de ser lo más parecido posible a "Tony Manero", el personaje de John Travolta en "Fiebre de Sábado por la Noche".

Raúl lidera un pequeño grupo de bailarines que regularmente actúan en un bar ubicado en los barrios bajos de la ciudad. Cada sábado en la noche, él desata su pasión por la película, imitando a su ídolo. Su sueño de ser reconocido como una estrella del entretenimiento está próximo a hacerse realidad cuando Televisión Nacional anuncia el concurso de imitadores de "Tony Manero". Su necesidad de reproducir la atmósfera de la película lo lleva a cometer una serie de crímenes y robos para así crear la ilusión.

Mientras tanto, sus compañeros de baile, quienes están involucrados en actividades secretas en contra del régimen, son perseguidos por la CNI (policía secreta del gobierno en ese entonces).

Segunda película de Pablo Larrain, el cual sigue con su obsesión de los personajes perturbados mentalmente, si en Fuga vimos a un músico frustrado por creer que su composición maestra en realidad mataba a todo aquel que la escuchaba, acá vemos a un tipo cincuentón que hará todo lo posible, incluso matar, para ser lo más parecido a Tony Manero y ganar el concurso de dobles que se hará en televisión.

The Midnight Meat Train (2008)

noreply@blogger.com (...wes...) — Wed, 16 Dec 2009 01:28:00 +0000

La dueña de una exitosa galería de arte le propone al fotógrafo Leon Kauffman llevar a cabo un trabajo sobre la parte más oscura del ser humano. Sabiendo que ésta es su oportunidad para el éxito, Kauffman comienza una búsqueda obsesiva sobre el tema más oscuro que pueda existir, empezando a seguir los pasos de un asesino serial llamado Mahogany, quien en el tren subterráneo descuartiza a sus víctimas que viajan en los servicios nocturnos. Aquí comienza un juego de obsesión que lleva al fotógrafo a meterse cada vez más profundo en los túneles de la ciudad hasta el punto de poner en riesgo su vida y la de su novia Maya, embarcándose en un viaje a las profundidades del horror y de la más pura maldad.

Pelicula basada en un cuento corto de Clive Barker y dirigida por Ryuhei Kitamura (Versus, Azumi), lo que explica el nivel de gore que tiene. Clive Barker es uno de los autores actuales mas retorcidos de la actualidad, y ésta historia no es la excepción, parte como una película de un psicopata que mata brutalmente personas en el metro y termina mostrando a los "antiguos" (personajes ilustres de la mitología Barker). Tiene una vuelta de tuerca final excelente, se nota la mano Clive Barker. Como dijo el gran Stephen King “He visto el futuro del horror y su nombre es Clive Barker”.

Sukiyaki Western Django (2007)

noreply@blogger.com (...wes...) — Wed, 16 Dec 2009 01:24:00 +0000

Algunos cientos de años después de la batalla de Dannoura, los clanes Genji y Heike se ven las caras de nuevo en desamparado pueblo de montaña donde, dice la leyenda, hay un tesoro enterrado. Un solitario pistolero, marcado emocionalmente y dotado de una increíble destreza para las armas, llega entonces al lugar. Ambos clanes se disputarán sus servicios.

Cada vez que veo una nueva película de Takashi Miike me sorprende en todos los sentidos, es que la capacidad que tiene de saltar del terror, a la acción, después al musical, al drama, y ahora al western es impresionante.

Sukiyaki Western Django homenajea al género con guiños de películas clásicas de western, es como una mezcla de Django con Por un Puñado de Dólares pero a lo Takashi Miike. Kill Bill queda chica al lado de Sukiyaki Western Django, y no es chiste.

Cómo dato freak, en la película actúa Tarantino, le devolvió la mano ya que Miike actuó en Hostel, película producida por Tarantino.

Someone's Watching Me! (1978)

noreply@blogger.com (...wes...) — Wed, 16 Dec 2009 01:09:00 +0000

Lee Michales es la flamante directora de noticas de una cadena de televisión neoyorquina que acepta el traslado a Los Ángeles para poner tierra de por medio en un asunto del corazón, pero ni su privilegiada posición ni sus encantos hacen mella en la policía cuando denuncia el acoso al que está siendo sometida. Lee recibe llamadas telefónicas de un misterioso individuo que vive en el apartamento frente al de ella.

Ésta película es de las primeras que hizo John Carpenter, pero solo salió para la televisión por eso es tan desconocida. Acá podemos ver los inicios de Carpenter y varios de los elementos que ocupará a lo largo de toda su filmografía. La película es un claro homenaje a Hitchcock y a su Ventana Indiscreta, pero lo que la diferencia con otros directores que han partido homenajeando a Hichocock es que Carpenter no se quedó pegado en homenajes y definió su estilo propio, eso es uno de los elementos que lo han hecho uno de los grandes del cine

El Gabinete del Doctor Caligari (1920)

noreply@blogger.com (...wes...) — Sat, 28 Nov 2009 03:28:00 +0000

Esta película es espectacular, es muda, de los años 20, ícono del expresionismo alemán, pero tiene una frescura y una originalidad que ya lo quisieran las superproducciones de hoy en día.

Toda la película está ambientada en espacios en puntas y con unos ángulos que me recordó a Tim Burton, además su historia del hipnotista que controla al sonámbulo Cesare tiene claras referencias a los Nazis que controlaban a los Alemanes. Además su final abierto me encantó.

Es una película imperdible, histórica, reflejo de un movimiento que fue clave para la evolución del arte y del cine en particular.

Tiene dos remake, uno de 62 y otro del 2005, no los he visto, pero no creo que aporten alguna mejora, la versión original es perfecta tal como está.

Zeitgeist: The Movie (2007)

noreply@blogger.com (...wes...) — Thu, 19 Nov 2009 02:45:00 +0000

Aclamado documental que relaciona el Cristianismo, el 11S y la Reserva Federal Americana. De distribución exclusiva por Internet pero disponible en algunos países ya en DVD, obtuvo excelentes críticas por parte de los internatuas. No confundir con el documental "American Zeitgeist", documental de Rob McGann del año 2006, estrenado en cines y que aborda un tema parecido.

La parte en que habla de las religiones está muy bien hecha, pero como toda teoría religiosa debe tomarse de ese modo, como una teoría. La parte del atentado a las Torres Gemelas me pareció muy reveladora, es impresionante como sacrificaron tantas vidas con tal de ganar dinero y poder. La tercera y última parte habla de la Reseva Federal Americana y de la manipulación de las guerras con tal de ganar dinero, acá queda otra vez demostrado que el hombre es capaz de hacer lo que sea con tal de ser más rico.

El Documental nos invita a reflexionar sobre el futuro de la humanidad, nos dice que si dejamos todo tal cual como está ahora la Tierra será un caos por obtener el control total de ella, el documental nos dice que tenemos que hace algo al respecto, pero hacerlo ahora…

Pig (1998)

noreply@blogger.com (...wes...) — Thu, 19 Nov 2009 02:42:00 +0000

Este corto muestra como un tipo (Rozz Williams) basándose en un libro, tortura a un sujeto con la cara vendada (James Hollan). Este es el corto que mas me a costado encontrar y es de los que menos información sale en Internet, de hecho ni siquiera aparece en la pagina del IMDB, es como si no existiera.

El corto es una especie de falso snuff pero con un toque “artístico”, me recordó en momentos al Perro Andaluz. A pesar de que el director es el alemán Nico B., quien está detrás del proyecto es Rozz Williams, vocalista de Christian Death que se suicidó en el año 1998. Aquí se entiende en parte su motivación final ya que no hay más que tormento y torturas de grueso calibre y, si bien nunca se chapotea en la sangre, el tono general es denso e incómodo, además con esos ruidos ambientales a lo Lynch sonando de fondo creados por el mismo Rozz la hace aún más perturbadora.

Es de lo más freak que he visto últimamente, recomendada solo para gente que guste del gore extremo o para fanáticos de Rozz Williams.

Como dato curioso, encontré que el nombre del filme es un homenaje a Charles Manson y sus secuaces, quienes escribieron "Pigs'' con la sangre de Sharon Tate inspirándose en Los Beatles.

Pig (1998)

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Entrevista a Nico B. (director del corto)

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Archivos cortados con programa Hacha

The Mist (2007)

noreply@blogger.com (...wes...) — Thu, 19 Nov 2009 02:40:00 +0000

En un pequeño pueblo de Maine, una espesa niebla cubre el lugar matando a todo aquel que se adentra en su oscuridad. Los aterrorizados supervivientes buscan refugio en un supermercado mientras un grupo de crueles criaturas con tentáculos intentan entrar.

Ësta nueva adaptación de Stephen King destaca más por la situación de fanatismo religioso extremo que se forma dentro del supermercado que por las criaturas gigantes que salieron de la nada de la niebla.

Es una muy buena película que demuestra otra vez que ninguna criatura gigante con tentáculos a lo cthulhu es mas malvada y cruel que los mismos humanos, y como bien dicen en la película “Los humanos cuando se enfrentan a situaciones de terror creen en lo que sea y buscan algún responsable”

A los que la vieron, a más de alguno le sorprenderán los cuadros del inicio. Aunque lo parezca, el personaje del sombrero no es Clint Eastwood, sino Roland, el protagonista de las novelas de la serie La Torre Oscura de Stephen King. Hay otro cuadro que se ve claramente que es el póster de la película La Cosa, de John Carpenter.

The X Files: I Want to Believe (2008)

noreply@blogger.com (...wes...) — Thu, 19 Nov 2009 02:37:00 +0000

Un grupo de mujeres son secuestradas en las montañas de Virginia y las únicas pistas de su desaparición son grotescos restos humanos en los bancos de nieve y las dudosas “visiones” de un sacerdote, que ponen a las autoridades en búsqueda de un extraño experimento médico, que puede o no estar relacionado con las desapariciones.

Por fin llega al cine ésta esperadísima secuela de The X Files, si bien todos los fanáticos esperaban que fuera el desenlace de la verdadera “verdad” o el descubrimiento de una nueva conspiración gubernamental, la película resultó ser nada de eso, más bien parece ser un capitulo más de la serie, en donde vemos a un Mulder que extraña ser un agente del FBI y una Scully que quiere seguir siendo Doctora.

La única explicación posible del porque la película tomó ese rumbo tan simplista sería que se preparará otra película para el año 2012, año en donde según el último capitulo de la última temporada de la serie se debiera de destruir el mundo por causa de una invasión extraterrestre, los productores pensaron que es mucho tiempo de espera y decidieron hacer ésta película como una especie de apronte a la gran verdad.

A pesar de todo, la película tiene esa esencia que caracterizaba a la serie, tiene ese misticismo que encantó a miles de personas en el mundo, la parte en que muestran la foto de Bush y suena de fondo el tema de X Files es notable!!!.

Ver juntos a Mulder y Scully en el cine es un placer que no se disfruta todos los días, la película es menos de lo que esperaban todos los fanáticos de la serie, pero aún así funciona y funciona bien, quizás debieron complementarla un poco más, involucrar a gente del gobierno o ponerle uno que otro extraterrestre, pero solo se limitaron a mostrar un caso que no es ni tan paranormal. Ahora solo resta esperar hasta el 2012 para ver la película que todos queríamos ver…

The Dark Knight (2008)

noreply@blogger.com (...wes...) — Thu, 19 Nov 2009 02:31:00 +0000

La película comienza con una Ciudad Gótica donde la lucha contra el crimen oficialmente es encabezada por el Fiscal Harvey Dent (Aaron Eckhart) y el Tte. Gordon (Gary Oldman), mientras que en las sombras son apoyados por Batman (Christian Bale). La dualidad acompleja a Batman/Bruce Wayne, mientras ve como la posibilidad de una vida normal, especialmente junto a Rachel Dawes (Maggie Gyllenhaal) se aleja cada vez más. Entra en escena The Joker (Heath Ledger), quien busca dominar a las organizaciones criminales de Ciudad Gótica, agarrándolos desde donde más les duele, la billetera…

Es imposible no compararla con la versión de Tim Burton. La de Tim Burton es muy buena, pero está más orientada al público infantil, de hecho solo en Batman Returns recién vemos algunos de los conflictos internos de Batman. En The Dark Knight vemos a un Batman acomplejado por su posición de héroe, siente que serlo le hace mal a la sociedad y a su vida sentimental, The Joker se aprovecha de esto y trata de perturbar aún más a Batman.

También es muy difícil poder comparar al Joker de Nicholson contra el Joker de Ledger ya que están envueltos en contextos muy diferentes, uno es un villano gracioso que está loco y que mató a los papás de un niño, mientras tanto que el otro es un psicópata muy inteligente que pone en jaque a toda una ciudad, los dos tienen sus meritos pero encerrados en los contextos que fueron determinados.

Es notable la aparición de Two Faces, su transformación de ser un personaje que llega a ser petulante de lo “bonito y bueno” que es, a ser un asesino desfigurado que busca venganza, me pareció muy pero muy bueno, todo lo que significó su transformación, la muerte de la esperanza, todo eso me pareció muy acertado.

En resumen, The Dark Knight es una muy buena película, muy cercana al comics por lo que me han dicho muchos fanáticos, es una drama que muestra los conflictos internos de Batman, muestra los riesgos y las consecuencias que tiene ser un héroe, el cual se tiene que enfrentar a un psicópata muy inteligente que quiere ser dueño de la ciudad y que al final le demuestra a Batman que la línea que los diferencia es muy delgada, casi transparente…

Le Viol du vampire (1968)

noreply@blogger.com (...wes...) — Thu, 19 Nov 2009 02:27:00 +0000

Película dividida en dos actos. En uno de ellos, un psiquiatra acude a un castillo con la esperanza de demostrar que las supuestas vampiras que lo habitan no son más que dementes. En la siguiente y última de sus partes, que enlaza directamente con la anterior, la reina de los vampiros promueve la idea de revivir a los muertos mientras un investigador intenta lograr un antídoto que consiga curar el vampirismo.

Primera pelicula del director de culto frances Jean Rollin, originalmente la pelicula era solo un corto, que es la primera parte de la pelicula "Le Viol Du Vampire", el productor Sam Selsky quedó tan impresionado del corto que financió la segunda parte "Les Femmes Vampires" que es muy irregular y latera, se nota que lo hizo a la fuerza o a la rápida.

En conclusión, en ésta pelicula podemos ver los inicios de éste director especialista del explotation, podemos ver el comeinzo de su fascinación por los vampiros y por los desnudos femeninos. Lamentablemente solo se puede rescatar su primera parte, la segunda quedará solo como anecdota...

Rabbits (2002)

noreply@blogger.com (...wes...) — Thu, 19 Nov 2009 02:06:00 +0000

David Lynch está en el limite de ser un director genial que crea historias sin sentido aparente pero que al final todo es encerrado es un saco de simbolismos inpensados por el simple espectador o de ser un viejo loco que filma todas las incohoerencias que se le ocurre, eso nunca lo sabremos del todo, solo nos queda disfrutar de su obra para los que somos fanáticos de su cine, y sentarnos a molernos la cabeza tratando de entender lo que el trata de expresar.

Rabbits, que es un corto que data del 2002, consta de 8 capitulos de apoximadamente 5 minutos cada uno, en ellos se muestra un solo escenario, en donde intervienen tres conejos humanoides que supuestamete debieran representar la formación estelar de los tipicos sitcom nortemericanos, hasta intervienen las tipicas risas y aplausos de estas series de comedia.

Las historias entre si no tienen sentido aparente, podriamos decir que es una familia con problemas maritales, que hay asesinatos entre ellos, pero es dificil determinar un hilo conductor que afirme esta hipótesis ya que los dialogos son sin sentido y los monologos de los conejos no tienen relación.

Este corto es de los más raro que he visto, por ahí lei que el final del corto son las imágenes de los conejos que aparecen en Inland Empire, la tendré que ver de nuevo para ver si encuentro alguna relación, que viniendo de David Lynch, lo dudo mucho...

Cigarette Burns (2005)

noreply@blogger.com (...wes...) — Thu, 19 Nov 2009 02:01:00 +0000

Kirby Sweetman es propietario de un pequeño cine en el que proyecta películas baratas de género, y también es una especie de buscador de películas raras. Impelido por su tórrido pasado, que le amenaza con quitárselo todo en el presente, incluida la vida, acepta un nuevo encargo de manos de un excéntrico millonario: encontrar "La fin absolute du monde", un oscurísimo film maldito, cuyos autores fueron fulminados por una especie de anatema, desaparecidos o muertos en inexplicables y secretas circunstancias, y cuyos espectadores, al parecer, han corrido la misma suerte. Mucho más que una pelicula, "La fin absolute du monde" es la aniquilación hecha película, el infierno fílmico, la maldad física, una puerta a una verdad cósmica aterradora, el conocimiento que nunca querrías tener...

Este capitulo es una verdadera joya, a mi gusto deberia de haber sido una pelicula y no un capitulo de una serie. El capitulo es un verdadero resumen de su estilo fimográfico, tiene todos los elementos que lo caracterizan, su parecido con In The Mouth of Madness (una de sus mejores peliculas) es indiscutible.

Es sin duda una obra maestra, una verdadera clase de como hacer cine de terror de calidad...

La Terza Madre (2007)

noreply@blogger.com (...wes...) — Thu, 19 Nov 2009 01:50:00 +0000

En el año 1977 el maestro Dario Argento hizo su primera incursión en el género sobrenatural con una gran película. Esta película se llamaba Suspiria y dio comienzo a la trilogía sobre "Las tres madres" Mater Suspiriorum, Mater Tenebrarum y Mater Lacrimarum, tres antiguas brujas que viven en ciudades modernas diferentes. La segunda película de la saga fue Inferno en el 1980 que trataba sobre Mater Tenebrarum. ¿Y que pasó con Mater Lacrimarum? los años han pasado y mucho se había rumoreado sobre la tercera parte que pondría fin a esta trilogía, hasta se llegó a pensar que la película “El Engendro del Diablo” de Michele Soavi (de la que Argento era guionista y productor) era esta esperada secuela, pero no lo era.

Con un presupuesto estimado en 20 millones de dólares, “La terza madre” comenzó a rodarse con absoluto secretismo el pasado 30 de Octubre de 2006, extendiéndose su planificación hasta bien entrado Enero de 2007 en los conocidos Estudios Cinecittà, Roma y Turín.

El guión lo firman, además del propio cineasta romano, la pareja Jace Anderson y Adam Gierasch (autores de los libretos de infamias como “La masacre de Toolbox” dirigida por el veterano Tobe Hooper), colaboradores habituales del universo Argento como Walter Fasano y debutantes como Simona Simonetti. Produce Claudio Argento, hermano del realizador, y la directora Giulia Marletta. Claudio Simonetti (Goblin para los amigos del clan) repite, como viene haciendo desde 1975, con la composición de la banda sonora.

El heterogéneo reparto lo encabezan Asia Argento (hija del director), Daria Nicolodi (su esposa), Udo Kier, Cristian Solimeno, Coralina Cataldi-Tassoni, Robert Madison, Moran Atias, Araba Dell’Utri y Gisella Marengo entre otros.

El argumento es el siguiente: los trabajos de reconstrucción de una calle próxima al cementerio de Viterbo permiten el hallazgo de una enigmática urna. La urna se remite al Museo de Arte Antiguo de Roma, donde trabaja la arqueóloga Sarah Mandy (la arrebatadora Asia Argento) a las órdenes de Giselle (Coralina Cataldi-Tassoni,) viceconservadora de esta institución.

Arrastradas por la curiosidad abren la urna, hallando en el interior de la misma una serie de misteriosos objetos. Lo que no saben es que acaban de liberar de su encierro a la Mater Lacrimarum. A partir de aquí podemos referirnos directamente a la sinopsis que conocemos desde hace tiempo: “la historia nos traslada a un punto apocalíptico donde los poderes psíquicos de una joven estudiante norteamericana son la última esperanza para vencer los poderes maléficos de la última de las brujas que protagonizaron los dos anteriores films”.

Después de la resurrección de Argento gracias a la serie “Masters of Horror”, nos llega esta esperadísima ultima parte de la hasta hace poco inconclusa trilogía de las madres. El film es una vuelta a los orígenes delirantes, sangrientos y bizarros de su etapa en los ochenta, es una película inquietante, con escenas grotescamente muy bien elaboradas, es sin duda un deleite para los fanáticos de este afamado director italiano.

Control (2007)

noreply@blogger.com (...wes...) — Mon, 19 Oct 2009 18:48:00 +0000

Agobiante película del debutante Antón Corbijn, fotografo y realizador de videoclips, quien ya había realizado el video de la canción “Atmosphere cuando Factory editó el recopilatorio “Substance”

El elegido para interpretar a Ian Curtis fue San Riley, cantante del grupo “10.000 Things”, desbancando a candidatos como el mismísimo Jude Law. Samantha Morton interpreta a la esposa de Ian y New Order se encargó de su banda sonora, reinterpretando temas de Joy Division.

La película está inspirada en las memorias de la viuda de Ian, Deborah Curtis “Touching fron a distance: Ian Curtis and Joy Division” editado por Faver en 1995 y que roza en muchas ocasiones el amarillismo mas que resaltar la figura romántica del cantante. La esposa recuerda anécdotas y pasajes de su vida que muestran a un Ian Curtis más cotidiano, quien hacia las compras y se emborrachaba en los pubs, lejos del mito.

Su epilepsia, sus problemas físicos y su figura desgarbada contribuyeron a crear una figura desgarrada (recordemos su standard “Lowe will tear us appart”) que tampoco sale muy bien parada o al menos desvirtuada en el film de Michael Winterbotton “24 Hour Party People” sobre Tony Wilson, el sello Factory y la música independiente de Manchester en los primeros ochenta.

También es de significar cómo el resto de miembros del grupo formaron New Order que se convirtió en uno de los referentes de la música dance de los ochenta abrazando ritmos bailables y el acid house y los sonidos ibicencos. En sus declaraciones recuerdan a Ian Curtis como uno más en las borracheras y líos de la banda, aunque eso sí, con tendencia a la depresión y agobiado por problemas sentimentales.

Sin embargo veinticinco años después Joy Division sigue siendo uno de los grandes iconos de la música independiente y su influencia no cesa, desde gente como Interpol, Nouvelle Vague y sus canciones siguen sonando tan intensas como al principio.

Rodada en un impecable blanco y negro, la película hace un recorrido por los inicios de la banda, pero hace más hincapié en la perturbada vida de Ian Curtis. Antón Corbijn logra capturar el espíritu de la banda, es una película densa y torturadora, al verla se siente ese aire deprimente que rondaba la vida de Ian Curtis. Su final es perfecto, muy limpio, sin mostrar mucho ni poco, sin ser tan explicito ni tan pobre, es una película centrada, muy recomendada.

La Maschera del Demonio (1960)

noreply@blogger.com (...wes...) — Mon, 19 Oct 2009 18:40:00 +0000

"En el siglo XVII, Satán estaba en toda la tierra. Y era grande la ira contra aquellos seres monstruosos sedientos de sangre humana, a los cuales la tradición les dio el nombre de vampiros. No había lugar para pena o piedad. Hermanos no vacilaban en acusar a hermanos. Y padres acusaban a sus hijos. En un intento desesperado de purificar la tierra, del terrible surgimiento de asesinos con sed de sangre. Antes de matarlos, la justicia humana se anticipaba al juicio divino, marcando en sus pieles con fuego, la marca de Satán…"

Así nos introducimos en un desolador claro de lo que parece ser un pantano boscoso de Moldavia. Blanco y Negro. La bruma todo lo cubre mientras los verdugos preparan la ejecución. Luego de que el hierro candente con la "S" quema, en medio de un alarido la piel de Asa, hija de la casa de Vajda; su hermano, aparente líder del grupo de inquisidores encapuchados, lanza la sentencia determinante. Cerca de la muchacha, yace atado a otro poste y con una máscara incrustada en el rostro, el cuerpo sin vida de Igor Yavutich, su amante.

Luego del veredicto, Asa maldice con la soberbia que le da su dolor a todos y cada uno de los presentes, y a sus hijos. Y a los hijos de sus hijos. Ya que la misma sangre corre por sus venas. Y así será por siempre. En un dilatado crescendo, la máscara de Satán, la sentencia final se aproxima a su rostro, en forma irreductible. Su parte interna, llena de clavos de hierro, se acerca cada vez mas, transformándole el semblante de furia en una imagen de pavor.

El verdugo levanta el mazo de madera y lo estrella pesadamente contra el rostro de la muchacha, cuya sangre emana en medio de un grito ahogado, a través de los orificios de la mascara. La lluvia apaga las antorchas y las hogueras. El cuerpo de Igor se sepulta en tierra no consagrada junto a los asesinos y el de Asa, en la cripta de sus ancestros.

Dos centurias después y luego de un terremoto que destruyera la cripta, dos médicos (padre e hijo) conseguirán descubrir en las ruinas abandonadas en un bosque fantasmagórico, el féretro y revivir (accidentalmente) a Asa con una gota de sangre.

Una de las grandes películas de uno de los directores insignes del terror italiano que con la película “La Muchacha que sabia demasiado (1963) “, fundó uno de los géneros mas característicos del cine de terror, el Giallo. La Maschera Del Demonio (Black Sunday / The Mask Of Satan) de 1960, es quizá la representación más ajustada, de lo que claramente podría definirse como Cine de Terror Gótico.

Si bien, esta mala denominación se ha aplicado sobradamente a películas de neto corte oscuro o con atmósferas agobiantes, contrastes extremos, sadomasoquismo, etc., siempre parece acabar en una representación estética mas cercana a la síntesis que pretende ser en la música Marilyn Manson por ejemplo; que a los referentes y a la estética claramente construida a partir de los íconos literarios y pictóricos del siglo XVIII en pos de una atmósfera para contar, mas que en la anécdota de quedarse solo en lo estéticamente bello.

Esta película es fundacionalmente canónica. Es quizá aquí, donde los distintos elementos que hacen a los formalismos históricos del gótico del siglo XI o XII por ejemplo, se ven mejor representados, en las ruinas de la cripta o en el castillo cuyos pasadizos o los pilares de la chimenea cubiertos por monstruos inmensos de piedra, se pierden e invitan a sufrir tormentos.

Tal vez solo se debe a la soberbia impronta que irrumpió en 1960 a través de la mirada prodigiosa de Mario Bava (Realizador y fotógrafo de la película), cuyo cine se caracterizó siempre por estar ambientado en climas enrarecidos, tiempos que se dilatan en una tensión eterna, cierta dosis de sadismo gráfico y un manejo del encuadre que muchas veces se recorta mas allá del relato mismo, convirtiéndolo en uno de los directores mas influyentes de la historia. Aun hoy, sin una justicia real y un reconocimiento abiertamente manifiesto.

El travelling hacia atrás de la criada atravesando el cementerio junto a ese bosque pantanoso, es un buen ejemplo que deja a las claras un manejo de cámara minucioso y bastante poco habitual para este género. Muchos de los films de horror de Bava, están hechos con el mayor grado de compromiso hacia los cánones del género, pero sin emular o repetir lo ya hecho, sino haciendo una relectura entre los cuentos mas clásicos (aquí, Gogol) como con los miedos y fobias mas arraigados en el inconsciente colectivo.

"El terror a la sangre las atrae y las repele" diría Martin Landau encarnando al crepuscular Bela Lugosi en la maravillosa Ed Wood…

Antichrist (2009)

noreply@blogger.com (...wes...) — Sat, 17 Oct 2009 17:39:00 +0000

Al leer el nombre Antichrist uno piensa, ¡hoo noooo!, otra película tipo El Exorcista o un pseudo-remake malogrado de the Omen, pero al leer que el director es el genial Lars Von Trier, nuestro chip crítico se da un giro de 360º y nace la curiosidad de ver el último trabajo de este tan particular director.

Esta película comienza con un excelente e impecable prólogo en blanco y negro, mostrándonos como si lo que siguiera fuera una más de esas típicas películas dramones familiares, pero Lars nos tenía una gran sorpresa guardada. Antichrist de a poco se empieza a convertir en algo que ni el más acérrimo fans podría haberse imaginado, es sin duda la película más porno y gore de toda su filmografía.

Lars Von Trier en todas sus películas “casualmente” los personajes femeninos sufren toda clase de desgracias, recordemos todas las penurias que sufre el personaje de Björk en “Dancer in the Dark” o el de Nicole Kidman en “Dogville”, además también se sabe que siempre termina peleado con las actrices que interpretan dichos papeles, quienes lo acusan de ser muy violento e impulsivo. Por estas razones muchos lo acusan de misógamo, cosa que el siempre lo ha negado.

Si antes los rumores de que Lars es misógamo solo se quedaban en eso, después de Antichrist todos aquellos que lo criticaban dirán “¡Já!, ¡lo sabía!”. Eso es porque acá en vez de tratarlas mal, deja a todas las mujeres del mundo como seres malvados culpables de todas las desgracias de la tierra, justificando la caza y muerte de ellas en varias épocas de la historia.

En una entrevista que le hicieron en Cannes dijo que lo había hecho porque estaba pasando por una separación muy dura y estaba con depresión, de hecho dijo que hacer Antichrist era una especie de terapia. Es como si con su película dijera “¡son todas las mujeres iguales!”, pero en su particular estilo.

Otra cosa que me llamó la atención fue que en esa misma entrevista explicó porqué en los créditos finales dedica la película a Andrei Tarkovsky, cosa que cuando vi la película quedé aún mas desconcertado que con su apoteósico final. Dijo que lo hizo porque la película tiene varios rasgos del cine de Tarkovsky, y como siempre lo había admirado, se inspiró en parte en él para hacer Antichrist. Yo creo que lo hizo para que no lo trataran de copión, pero personalmente esta película tiene muy poco que ver con el cine de Tarkovsky, salvo los paisajes del bosque, o las metáforas psicológicas, pero en concreto no tiene mucho que ver con su cine.

Antichrist ha tenido diversas críticas, pero yo la encontré memorable, una de sus mejores trabajos, pero ojo, no es apta para todo público, se recomienda primero no haber almorzado y no haber discutido con tu pareja, porque quizás, quizás, quizás, le puedas encontrar la razón a su teoría de quienes son los verdaderos anticristos de la tierra.

Cine Giallo

noreply@blogger.com (...wes...) — Sat, 01 Aug 2009 14:53:00 +0000

El Cine Giallo es un subgénero cinematográfico de origen italiano, derivado del thriller, slasher y del cine de terror en general. El nombre de "Giallo" (amarillo en italiano), se debe a que estas películas, están basadas en los argumentos de una colección de novelas con la cubierta de ese color. Este subgénero fue iniciado por Mario Bava con la película La muchacha que sabía demasiado (1963)

Dicha película provocó que durante la década de 1970 (y gran parte de la década de 1980) surgieran otros grandes directores como Dario Argento, Lucio Fulci, Sergio Martino, etc. llenando las salas de cine con títulos enigmáticos, protagonizados por psicópatas enmascarados, con guantes de cuero, y bellas mujeres en peligro que se movían compulsivamente en una trama enrevesada.

Alfred Hitchcock influenció de gran manera a este subgénero al grado de que algunos títulos se parecen mucho a sus propias películas

Algunas Características de este subgénero

° La trama suele incluir una sub-trama policial en la cual se investiga a un asesino en serie cuya identidad es un misterio.

° El asesino SIEMPRE usa guantes negros y a veces máscara para así ocultar su identidad y no dejar rastro de sus crímenes.

° Las escenas de muerte son bastante explícitas, largas, y son verdaderamente impactantes ya que son el fin inmediato de la película.

° La identidad del asesino no se revela si no hasta el final de la película en alguna escena "impactante" o que no te esperas; a pesar de que el Director normalmente deja algunas pistas.

° Las tramas se basan en casos psicológicos como locura, fobias, invasión extranjera en Italia, paranoia, sexo, etc.

° El Giallo está influenciado y a su vez influye el Cine Anglo-Americano.

Algunos Giallos destacados:

* 1963 - La muchacha que sabía demasiado, de Mario Bava

* 1964 - Seis mujeres para el asesino, de Mario Bava

* 1965 - La dama del lago, de Luigi Bazzoni y Franco Rossellini

* 1967 - Dos menos uno, tres, de Giulio Questi

* 1969 - Una sull'altra, de Lucio Fulci

* 1970 - El pájaro de las plumas de cristal, de Dario Argento

* 1971 - Cuatro moscas sobre terciopelo gris, de Dario Argento

* 1971 - El gato de las nueve colas, de Dario Argento

* 1971 - La cola del escorpión, de Sergio Martino

* 1971 - La corta notte delle bambole di vetro, de Aldo Lado

* 1971 - La tarántula del vientre negro, de Paolo Cavara

* 1971 - Lo strano vizio della Signora Wardh, de Sergio Martino

* 1971 - Reazione a catena, de Mario Bava

* 1971 - Una lagartija con piel de mujer, de Lucio Fulci

* 1971 - Una mariposa con las alas ensangrentadas, de Duccio Tessari

* 1971 - Vicios prohibidos, de Sergio Martino

* 1972 - Angustia de Silencio, de Lucio Fulci

* 1972 - El ojo del laberinto, de Mario Caiano

* 1972 - La dama rosa mata siete veces, de Emilio Miraglia

* 1972 - Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer?, de Giuliano Carnimeo

* 1972 - ¿Qué habéis hecho con Solange? de Massimo Dallamano

* 1972 - Sette orchidee macchiate di rosso, de Umberto Lenzi

* 1972 - Todos los colores de la oscuridad de Sergio Martino

* 1973 - Amenaza en la sombra, de Nicholas Roeg

* 1973 - Il tram (TV), de Dario Argento

* 1973 - Torso, violencia carnal, de Sergio Martino

* 1974 - Black Christmas, de Bob Clark

* 1974 - Il profumo della signora in nero, de Francesco Barilli

* 1974 - La polizia chiede aiuto, de Massimo Dallamano

* 1974 - Una libélula para cada muerto, de León Klimovsky

* 1975 - L'assassino è costretto ad uccidere ancora, de Luigi Cozzi

* 1975 - La casa dalle finestre che ridono, de Pupi Avati

* 1975 - Morte sospetta di una minorenne , de Sergio Martino

* 1975 - Rojo Oscuro, de Dario Argento

* 1977 - Sette note in nero, de Lucio Fulci

* 1982 - Tenebre, de Dario Argento

* 1985 - Phenomena, de Dario Argento

* 1986 - Aquarius, de Michele Soavi

* 1987 - Opera, de Dario Argento

* 2004 - Occhi di cristallo, de Eros Puglielli

* 2005 - La bestia nel cuore, de Cristina Comencini

* 2006 - Black Christmas, de Glen Morgan

* 2007 - La ragazza del lago, de Andrea Molaioli