Agosto de 1945. La II Guera Mundial ha trasladado su campo de batalla al Pacífico. La cosa se alarga más de lo necesario. El día 6, el Enola Gay sobrevuela Hiroshima dejando caer a Little Boy, la primera bomba nuclear empleada como arma. Tres días después Fat Man acababa con Nagasaki. ¿Misión cumplida? ¡No! Ryokichi Sato salvó el pellejo. Sin embargo, el lanzamiento de bombas atómicas se puede planear con mayor eficiencia para evitar efectos no deseados para el agresor. Nukemap es la respuesta.

El caso de Sato podría haberse evitado. Habría sido pasto de neutrones sólo con un pequeño estudio demográfico y el cálculo de los efectos del lanzamiento del pepino. Incluso el exterminio debe ser estudiado con detenimiento.

Nukemap es el servicio perfecto que toda persona con ansias de dominación mundial debe saber utilizar. Este mashup de Google Maps permite elegir una localización que creamos que debe ser eliminada del mapa y la potencia de la bomba o bombas a arrojar ((la combinación de objetivos puede ser muy útil en un plan de exterminio).

La aplicación calcula qué partes se ven afectadas por la explosión de fuego, onda expansiva o por las altas temperatudas generadas por el lanzamiento, capaces de provocar quemaduras de tercer grado en la piel de todo aquel que se encuentre a menos de 13 km. del lugar de la explosión.

Nukemap ha sido creado por Alex Wellerstein, científico histórico del Instituto Americano de Física que, además, edita un interesante blog acerca de armas nucleares.

¿Ejemplo? Dos lanzamientos sobre Washington. El objetivo está, por supuesto, escogido al azar. Recuerden que la meta es la dominación MUNDIAL.

Kevyn Cyr nunca condujo una Vandura, ni una Chevy ni una Econoline Chateau. Simplemente las veía a menudo por las calles de Madawaska. Y las cogió cariño. Cuando se trasladó a Nueva York, centró su atención en las furgonetas de carga.

“Las veía por todas partes. Eran como los caballos de batalla de la ciudad”, declara Cyr en The New York Times.

Aunque poco a poco, comenzaron a dejar de ser omnipresentes en las calles de Brooklyn o Queens. “De un tiempo a esta parte están siendo reemplazadas por monovolúmenes y otros vehículos más rápidos”. Y probablemente algo menos contaminantes…

El caso es que Cyr decidió hacer su propio censo de las últimas vans neoyorquinas. Comenzó a fotografiarlas de perfil para después ‘retratarlas’ en lienzos de madera.

Ya lleva unas 30 ilustraciones entre las que son mayoría Chevrolets y Fords de los 70. “Me gustan las que tienen abolladuras y graffitis aunque prefiero que no tengan óxido”.

La afición de Kevyn Cyr por las camionetas le llevó a probar con el 3D. A su manera. El resultados fueron tres reproducciones a escala 1:24 a las que no falta ni un solo detallle (“Para reproducir los arañazos utilicé unas pequeñas cuchillas”) que se expondrán, junto a las pinturas, en una galería neoyorquina a partir del mes de mayo.

Malos tiempos para los poderes fácticos. Del sonido de su nombre rebota la palabra ‘descrédito’. Las personas, mientras tanto, empiezan a despertar. Los dioses han caído. Para construir un nuevo mundo ya no se mira al cielo. Se mira al suelo. Ahí viven muchos héroes que en su anonimato levantan grandes obras. Son los Superhéroes de barrio.

Existen desde el nacimiento de las comunidades. Pero, a menudo, la historia los ha silenciado. Los libros siempre miraron al poder institucional y con frecuencia despreciaron el poder de los anónimos.

Hoy el foco se atreve a girar al otro lado y orientar su luz a las sombras. Allí, de pronto, aparecen personas, muchas personas, que hacen cosas importantes, muy importantes. Están en todos los lugares del mundo. Están, por ejemplo, en el barrio madrileño de Aluche.

Allí cayó un foco. Lo encendieron diez jóvenes. “Descubrimos que había mucha gente comprometida. Eran personas que hacían cosas increíbles por los demás y por salir adelante”, explica Andrea Fernández, una de las impulsoras de la plataforma. Pero su trabajo quedaba en el silencio y el silencio, más que espolear, precipita hacia el olvido.

Fernández y nueve jóvenes más se propusieron “dar valor a estas personas que intentan cambiar las cosas”. Crearon una plataforma llamada Superhéroes de barrio para que estos ciudadanos puedan contar las cosas que hacen, las cosas que consiguen y las cosas que con ayuda de otras personas quieren hacer.

En esta web hay un espacio (Grandes episodios) donde se cuentan hazañas de superhéroes “con final feliz”, especifica Daniel Muñoz, otro de los impulsores. Por ejemplo, la cabalgata que organizaron los vecinos de Aluche cuando el ayuntamiento les dijo que ese año no había presupuesto para sacar a los reyes en sus camellos. O el hombre que ha evitado que el Banco Santander lo desahucie porque no puede pagar una hipoteca que ha duplicado su cuota mensual. O el anciano de 77 años que consiguió evitar el cierre de un centro ocupacional para discapacitados.

También hay un espacio para pedir la colaboración de otras personas (Necesito superhéroe). “Contamos historias reales de personas que no se conforman con lo que les toca. Si no les gusta su realidad, intentan cambiarla”, dice Daniel Muñoz.

En la web de superhéroes solo caben historias reales. “Nos basamos en la realidad porque es más poderosa que la ficción”, continúa. “La única concesión a la ficción es el nombre que hemos dado a la plataforma”.

“Nuestra intención es poner en contacto a personas que quieran cambiar las cosas. Individuos que no se conforman con lo que le toca a ellos o los demás”, comenta Muñoz. “Buscamos gente que reflexiona y que quiere resolver problemas. No hace falta volar para ser un superhéroe. Solo hay que tener voluntad y ser crítico”.

Porque, además, “la plataforma es una reflexión en sí misma”, según el madrileño. “Pretendemos despertar el espíritu crítico. Si las personas que aparecen aquí pueden hacer esto, tú también”.

El curso Comunicación del presente y del futuro, de Mr. Marcel, donde se gestó el proyecto acabó. Pero la iniciativa ya crece sola. “La web funciona por sí misma. Nosotros la creamos pero ahora es la gente la que aporta contenido y la que busca allí a otras personas”, dice Muñoz. “La idea es crear una red de contactos y dar a conocer estas cosas que pasan todos los días. Es una red de solidaridad”.

En la vocación de esta plataforma está también el deseo de “romper miedos”, dice Fernández. “No tenemos que ir de la mano de un hermano mayor. Nosotros podemos hacer las cosas. Y esto es solo el principio. Hemos empezado por Aluche pero ya estamos investigando cómo se puede extender la plataforma en el barrio de Lavapiés. También hemos hablado con otros colectivos de Madrid y de otras ciudades”.

Siete de los diez jóvenes que comenzaron el proyecto llevan hoy las riendas de una iniciativa que nació y continúa funcionando con un presupuesto de cero euros. “Esta plataforma intenta fomentar el espíritu de colaboración y nosotros somos los primeros que tenemos que aplicarnos el cuento. Todo lo hacemos mediante cooperación y también hemos conseguido muchas cosas por intercambio o trueque”, explica Muñoz. “Nos hicieron las chapas, por ejemplo, a cambio de pintar la puerta de un local”.

Superhéroes de barrio llevan apenas dos meses funcionando. Pero en este tiempo no solo han calado en Aluche. Desde esta semana tienen un espacio radiofónico en Onda Latina, la radio libre más antigua de Madrid, para hablar de las hazañas que no se cuentan en otros medios y conversar con personas que buscan a esos Supermanes que viven en su barrio y no van con los calzoncillos por fuera.

Probablemente hay pocas cosas menos estéticas que el cerco dejado por una taza de café en una mesa o en un papel (y no digamos si éste resulta que es un documento importante…). Aunque si en vez de una mancha son cientos de ellas y la taza pertenece a Red, el resultado puede ser una obra de arte.

Fue así como la artista de origen malayo creó una de sus últimas obras. Red dice que se inspiró en Secret, un tema del cantante y actor taiwanés Jay Chou, que forma parte de la banda sonora de la película que lleva el mismo título, y que habla de una historia de amor que traspasa los límites del tiempo.

“Quería que pareciese una fotografía antigua, en sepia, para así capturar la esencia de la historia”.

‘Dibujar’ el retrato le llevó a Red unas 12 horas. “El café es un material muy interesante pero difícil de trabajar. Si tiene mucha o poco agua influye en el resultado final del cerco. Además, hay que ser muy preciso a la hora de elegir el lugar en el que posar la taza”.

Red reconoce que no es una artista convencional porque no suele emplear los materiales ni los instrumentos más habituales: “No suelo utilizar pinceles, lienzos o acuarelas. Prefiero la salsa de tomate, la leche, las rocas, la sal, las camisetas…” O la pelotas de baloncesto…

¿Qué marca de lubricantes patrocina al equipo de Ferrari? Seguro que es algo en lo que piensas a menudo… El caso es que la concha de Shell lleva ahí desde hace… ¿Cuánto? ¿100 años?

¿Sabías que la semana de Blancolor debe de estar a punto de acabar? Aunque siempre puedes esperar a la del año que viene. O a Expoelectrónica. O a los 8 días de Oro, como en los últimos. ¿Cuántos? ¿100 años?

¿Sabías que te quedan solo unos días para que acabe la oferta hasta fin de mes de Citröen? Bueno, quizás, solo quizás, lo renueven el mes que viene como en los últimos.. ¿Cuántos? ¿100 años? ¿Y cuánta gente vive ya para toda la vida a costa del sueldo de Nescafé en España?

Qué mala es la inercia de pensamiento. “Siempre se ha hecho así”. “El año pasado funcionó igual de bien”. Seguro que algunos de los ejemplos anteriores siguen siendo eficaces, pero me sirven para describir esas campañas de toda la vida.

No tengo datos así que no los cuestiono, pero me pregunto cuánto tienen de inercia y herencia, y cuánto de estrategia real. En ocasiones, ésa es la enfermedad en muchas empresas. Construyen hitos de comunicación que se acaban convirtiendo en íconos y parte de la cultura corporativa.

¿No habíamos quedado en que una promoción, por definición, es temporal y debe dar sensación real de oportunidad? Así que tan malo es ser predecibles como estar instalado en la promo.

Siempre he oído decir: Si algo funciona bien siempre, o estás haciendo trampas al solitario con los resultados o es que no te pones bien los objetivos. (Hay una tercera opción que es ser Apple, pero no cuenta).

¿De verdad a nadie le extraña que cada año la gente cumpla, por norma con sus resultados? Ni siquiera después de…¿Cuántos? ¿100 años? ¿Por qué los planes de marketing se construyen usando la plantilla del año anterior? El mercado va cambiando año a año, y en algunos sectores en plazos incluso menores.

Un buen objetivo debería calcular dónde te gustaría llegar. No ser un descriptivo de hasta dónde vas a llegar. Y eso no debería ser un problema, de hecho un buen objetivo no debería poder alcanzarse nunca.

Las empresas de esquemas rígidos han construido durante años auténticas fortificaciones comerciales, pero estamos en la generación en la que Luis del Olmo dejó de hacer Protagonistas. La que ha visto nacer y caer a Marsans y Spanair.

En pocos años han cambiado todos los indicadores, los canales de comercialización, la actitud de los consumidores, los umbrales de precios, las redes de distribución, los controles de calidad, los servicios postventa… Pero seguro que si compramos una pizza grande tendremos un mediana gratis durante… ¿Cuántos? ¿100 años más?

Foto: William Hook bajo licencia CC

‘Shame’.

En un memorable discurso cargado de ironía, Santiago Segura enmendó la plana a todos sus compañeros de la Academia de Cine durante la Gala de los Goya: sacó pecho y defendió su criatura, ‘Torrente 4’, la última entrega de la saga más taquillera del cine español. Su “Yo acuso” puede resumirse en: “Daos premios los unos a los otros mientras yo sigo reventando las taquillas”.

Pero Torrente –digo Segura- predica en el desierto: los miembros de la Academia de Cine no son su público, sino los miembros de la llamada “industria del cine”, divididos entre “numerarios” y “supernumerarios”, como en el Opus. Por eso en la ceremonia de los Goya abundaban los fracs y los vestidos de noche tanto como escaseaban las capuchas, las gorras y las caretas de Guy Fawkes.

Mas no estés compungido, amiguete. La composición de la Academia de Cine española juega tanto en tu contra como la demografía de la Academia de Cine de EEUU contra películas independientes como ‘Shame’ y ‘Drive’, celebradas por la crítica y refrendadas por el público de medio mundo como dos de las mejores cintas del año, pero olvidadas en las nominaciones de los Oscars: Los académicos que votan las películas son “hombres viejos blancos”, según la investigación realizada por el diario ‘Los Angeles Times’ entre sus 5.800 miembros.

Según averiguó el rotativo angelino, el 94% de los votantes de los Oscar son blancos, el 77% son hombres y su media de edad es de 62 años. En contraste, los negros sólo suponen el 2% de los miembros y los latinos algo menos (12 y 13% respectivamente de la población de EEUU). Sólo el 14% de los académicos tienen menos de 50 años. ¿Votan (o tan siquiera ven) estos “viejos hombres blancos” películas tan poco complacientes como ‘Shame’? No, dice el periódico.

No obstante, el sesgo demográfico “importa más en las votaciones finales que en la selección de nominadas”, opina Manu Piñón, editor jefe online de Cinemanía: “Para llegar a ser nominado necesitas el respaldo de agentes como Scott Rudin o los hermanos Weinstein, que prácticamente copan las nominaciones [ambos suman 400 nominaciones y 76 estatuillas] o bien que compre tus derechos una productora como Fox Searchlight, que impulsa pequeñas producciones”, explica Piñón. Ni ‘Shame’ ni ‘Drive’ han tenido esta suerte, y aunque a esta última está distribuida por Disney, “no sabía ni cómo venderla”.

Lo que están de acuerdo tanto en Cinenamía como en el resto de medios especializados es que ‘Drive’, ‘Shame’ y ‘The Arstist’ son las tres mejores películas del año y tres de las mejores interpretaciones masculinas de 2011. Sin embargo, sólo ‘The Artist’ está nominada a ambas categorías y las otras dos están completamente olvidadas, salvo una nominación técnica secundaria (mejor montaje) para ‘Drive’.

¿Y el sexo? ¿Puede haber sido las imágenes calenturientas rodadas por Steve McQueen un motivo de peso para descolgar a ‘Shame’ de la puja de los Oscars 2012? No lo cree así Manu Piñón: “’Cowboy de medianoche’ se lo llevó todo a pesar de ser una película calificada X y en su momento (1969) fue mucho más fuerte que ‘Shame’ ahora”. Sea como fuere, parece que Michael Fassbender se ha quedado fuera de las nominaciones por mostrar profusamente su (envidiada) anatomía.

Another shame.

¿Y ‘Torrente 4’? ¿Demasiado grosera o demasiado mala para los académicos españoles? “Por ser justos, debería haber competido en 5 o 6 categorías técnicas perfectamente –explica Piñón- e incluso en alguna como el mejor actor revelación”. Sin embargo, “los académicos tienen una idea muy estándar de lo que es serio y lo que es cutre, y cuando una película se queda fuera, se queda toda ella”.

Lo que no sabe nadie es quiénes son esos académicos que conceden los Goya, salvo a título individual. “No se sabe. Es un misterio”, dice Piñón. “Lo que sí es cierto es que suceden cosas raras en los Goya, como que películas que no están estrenadas en 2011, como ‘Katmandú’, sean nominadas, o la existencia de grupos de presión regionales, como el cine catalán o el cine andaluz, que votan en bloque por sus candidatas”.

Por cierto, no es cierto que Torrente no pueda llevarse un Goya. Ya lo hizo por duplicado con la película original, ‘Torrente, el brazo tonto de la ley’ (1999), cuando la saga aún se dejaba ver…sin gafas.

Visto en LA Times y Cinemanía.

Probablemente, compañero, estés pensando en escribirme un email para compartir una apreciación acerca de ese balance que tanto nos inquieta. Ahórratelo. Es innecesario. Al menos, en la mayoría de ocasiones. ¡Y traigo esta infografía para mostrártelo!

Hace ya casi un año que Thierry Breton, CEO de Atos, anunció su intención de acabar con los emails internos en su empresa. De cada 200 emails que un empleado recibía en un día, sólo entre un 10% y un 15% era realmente útil y eso provocaba que sus trabajadores gastasen entre 15 y 20 horas cada semana revisando el correo electrónico.

Hace unas semanas, Breton puso en marcha su plan, que respondía a un estudio previo y que decía, entre otras cosas, que los recién graduados ya no usan el email como medio de comunicación principal en internet. El viejo correo había sido sustituido por mensajería instantánea y medios sociales. Como declaraba Breton a la BBC, “algunos utilizaban por primera vez herramientas que usábamos para correo interno como Micrososft outlook”.

En dos meses, el correo interno de la empresa se ha reducido en un 20%. El lanzamiento de las directrices ha hecho a los empleados mucho más precavidos con los mensajes que envían.

OnlineITDegree.net ha lanzado esta infografía con un diagrama para ayudarte a dilucidar si tu email es necesario o sólo un pedazo de basura que acabará haciéndote perder tu tiempo y el de los demás.

Y ahora, ¿vas a enviar ese correo?

Cuando Hitchock pisó Hollywood, un viejo guionista le dijo: “Si quieres hacer mejores películas, piensa en la audiencia femenina”. Parece que la HBO recordó al viejo guionista cuando tomó la fantasía épica Canción de Hielo y Fuego para transformarla en Juego de tronos.

La serie de la HBO tiene una galería de personajes femeninos llenos de ricos matices. Ellas son el verdadero motor de la historia y quizá las verdaderas protagonistas.

La mayoría de libros y películas de fantasía épica está destinada al público masculino. En estas producciones, las mujeres son brujas, monstruos disfrazados de doncellas, inocentes muchachas o Jessica Rabitt con faldita y espada al hombro. Caricaturas más cercanas a los videojuegos que a las mujeres reales.

Juego de Tronos se desarrolla en una época imaginaria, pero las mujeres son reales: sufren, pero se hacen fuertes ante las adversidades; son inteligentes y no esperan nada de los hombres. Ellas no se colocan en “posición de princesa” para ser rescatadas (como aquella secuencia de Shrek en la que Blancanieves, Rapunzel y La Cenicienta se quedan paralizadas). Las mujeres de Juego de Tronos organizan los rescates.

LADY CATELYN STARK, LA MADRE PROTECTORA

Lady Catelyn Stark parece una mujer débil. La esposa que sufre en silencio el pasado infiel de su esposo, al que sigue amando, y tolera la presencia de un bastardo.  Ella representa una triste realidad. Sin embargo, no es de porcelana. Cuando sus hijas están en peligro no llora en su habitación: comanda soldados al rescate e impone a las tribus que su inexperto hijo sea el futuro rey. Lady Catelyn no derrama sangre para imponer su voluntad ni maquina intrigas ni usa “ardides femeninas”, sólo emplea su inteligencia y la palabra.

ARYA STARK, LA NIÑA REBELDE

Arya es la pequeña de la familia Stark. Una niña que quiere hacer cosas de hombres, pero no quiere dejar de ser una niña. Mientras que su hermano –algo mayor– actúa como un crío, ella se prepara para suceder a su padre. La niña representa a las mujeres que jugaron al fútbol y que quisieron pilotar aviones o ser superheroínas.

CERSEI LANNISTER, SUPERVIVIENTE ENTRE CAIMANES

A Cersei Lannister le ha tocado ser la mala de la historia, pero no es una caricatura. Los malos de la serie son brutos, engreídos y poco razonables, pero ella es inteligente, culta y juega bien sus cartas en una corte de caimanes. Si no fuera así, perdería la cabeza. Todos quieren ocupar el trono forjado con espadas. Las tradiciones no permiten Cersei sea reina, pero ella coloca a su estúpido hijo adolescente. ¿Qué madre no quiere ver bien colocado a su hijo?

DAENERYS TARGARYEN, KHALEESI, LA REINA DE LOS DRAGONES

Daenerys es la adolescente que se hace adulta a su pesar. Estaba destinada a ser un juguete erótico de su ambicioso hermano y un objeto de intercambio por favores políticos. Un personaje secundario. Pero descubre un arma poderosa: la iniciativa. Y cuando deja de ser un personaje pasivo se convierte en uno de los personajes más poderosos de la serie. Y también, en uno de los personajes favoritos del público.

Juego de tronos no podría ser Juego de tronos sin estas mujeres.  Juego de tronos es Juego de damas.

Juan Carlos Paz es Bakea, un director de arte con 5 años de experiencia en algunas de las mejores agencias del país. De la noche a la mañana este manchego de 27 años, dejó el mundo de la publicidad, para dar vida a todos los habitantes de su cabeza y hacer tangible un lugar muy especial, surrealista y repleto de cosas abrazables. Porque aunque la mayoría de sus creaciones son bichos raros, ninguno asustaría ni debajo de la cama.

“Todo viene de un mismo concepto; mi cerebro es un planeta con flora y fauna propia. La idea es crear un animalário que explique cómo son y cómo se relacionan las especies que habitan en él”.

Sus últimos trabajos son trofeos cazados en su mundo interior. Desde un amigable Yeti, que decoró parte de la instalación de Pictoplasma el pasado diciembre en París, a encargos que hace adentrándose en los miedos y las cabezas de otros.

Bakea sigue ilustrando como freelance publicitario, mientras escucha música, toca su bandurria y hace garbanzos, pero no tiene ni idea dónde irá a parar con sus animalitos.

Eduardo Vea Keating, redactor creativo hiperactivo en DraftFCB, Chicago.

Dos adolescentes de 14 años han sumido la inmensidad del universo en una infografía. El viaje empieza en la partícula más minúscula conocida y acaba en los límites del universo observable. Antes y después solo está lo desconocido. Los hermanos Cary y Michael Huang acaban de presentar su segunda versión de The Scale of the Universe.

En 2010 apareció su primer intento de mostrar el universo mediante un proyecto de visualización interactiva. Fue un hit. Esta nueva versión contiene información más detallada y los gráficos han sido mejorados. La música, titulada Frosen Star, es de Kevin MacLeod.

El californiano Cary Huang dijo en una entrevista con ABC News que este proyecto no tiene nada que ver con sus estudios. Lo hizo por diversión y ahora anima a todas las personas que lo vean a corregir posibles errores que pueda contener.

La información en la que se basa The Scale of the Universe procede de la Wikipedia y de libros de astronomía. Huang indicó en la entrevista con ABC News que, con este trabajo, había descubierto que la humanidad es una parte muy pequeña del universo. Está convencido de que podría haber mucho más ahí fuera. Pero aún no lo conocemos.

Gracias por la pista, Capitan Cook.

Una mañana, Theron Humphrey decidió que quería conocer gente. A una persona cada día. Así que cogió su cámara de fotos y emprendió un viaje a lo largo y ancho de Estados Unidos.

Theron es fotógrafo aunque su aventura va más allá de una mera cuestión profesional. “Necesito la fotografía para conectar con la gente y contar su historia”. Porque eso es lo que hace. Narrar la historia de cada persona que conoce.

Ya hace 205 días que emprendió el viaje. Y de momento ha cumplido con su propósito porque ya son 205 personas las que ha conocido y han accedido a contar su historia a través de la cámara de Theron.

Después de Florida, Georgia, Carolina del Norte, Carolina del Sur o Virginia, el fotógrafo tiene previsto dejarse caer por otros estados como Iowa o Missouri. Aunque sus planes pueden cambiar. Theron está abierto y, de hecho, anima a sus compatriotas a hacerle cambiar su trayecto. “¡Me encanta cambiar mi ruta! Cualquier usuario de la web puede formar parte del proyecto (…) No se trata de autopromoción sino de un proyecto en el que todos y cada una de las personas que forma parte de Estados Unidos pueden participar”.

Cuando los popes de la música alternativa -y no tan alternativa- deciden tirarse al barro del sonido mundano, lo único que nos queda es sentarnos y rezar porque esto no sea producto de un abuso de sustancias que haga que peligre su creatividad. Ocurre que a veces les da por interpretar la música de masas a su, normalmente acústica manera. Eso nos deja una serie de pintorescos vídeos que ayudan a pasar una bonita mañana de febrero de manera más plácida.

Habrán leído, no menos de en un millar de ocasiones, a sesudos críticos con gafa de pasta hablar del estado de la música pop. Esto lleva ocurriendo 60 años y seguirá pasando otros 600. Habrán escuchado que es un producto de laboratorio, que le falta alma y que su único objetivo es la venta masiva de discos. Es cierto, al menos, en parte, aunque ello carezca de importancia. Es un negocio como cualquier otro y si bien mucho mejor vender discos que rifles de asalto.

El asunto es que los músicos respetados por la crítica también son de este mundo y escuchan, aunque sea en el taxi que los lleva de sus torres de marfil al supermercado, las radios comerciales. Ellos también saben quién es Katy Perry y Black Eyed Peas y, a veces, les da por interpretar sus propuestas. El hecho de que sea desde la sinceridad o el descojone es el detalle más insignificante. Lo bueno de esto es que quedan para el disfrute un puñado de versiones en las que los sonidos tratados, las producciones megalomaníacas y los pedales de voz se hacen más orgánicos a través de cálidas guitarras acústicas y sencillos arreglos de voz. O también a través de las salvajadas de Me First and the Gimme Gimmies. Echen un ojo.

Travis, give me a sign

¿Recuerdan a Britney Spears, la chica calva del chándal gris? Travis, la banda británica a cuyo cantante le acuciaba la alopecia igual que a Chris Martin, hizo hace ya una década una versión de Baby, One More Time, la oda al amor de instituto sobrebarnizado de maquillaje y faldas de colegiala de 10 cm. de largo. Les quedó intenso como una paliza de Los Miami.

I Gotta Tweedy

Lo único aprovechable que Black Eyed Peas ha dejado a la historia de la música es que la versión de su clásico para karaokes trasnochados, I Gotta Feeling, vio como Jeff Tweedy, voz de Wilco, hizo una desternillante versión que dejó charcos de pis en un directo de sala en Chicago. Tonight’s the night!

I will die if I listen to this song again

I Will Survive es un clásico de Gloria Gaynor que se convirtió en himno del colectivo gay hace ya un buen puñado de años. Me acabo de dar cuenta de que el apellido de Gaynor empieza con ‘gay’, qué cosas tiene la vida. Bueno David, no te distraigas. El asunto es que la canción se convirtió también en icono para gente que no necesitaba sobrevivir a palizas de homófobos, como el equipo español de Copa Davis. La banda norteamericana Cake hizo una versión y Movistar la metió en un anuncio. Lo demás es historia y a mi me encontraron en la calle.

I will always love your black hole sun

Comenzamos con las variantes. I Will Always Love You no es necesariamente un producto de pop basura, por mucho que su sobreexplotación pueda provocar urticaria. Y entre nosotros, tampoco es de Whitney Houston. Pero lo que sí no se espera uno es que la misma persona que hacía versiones de Black Sabbath y los Stones con su banda Soundgarden, es decir, uno de los de Satán de toda la vida, se ponga a hacer el moñas con la canción de la chica con la espalda mejor guardada del cine. Lo peor de todo es que la versión es muy buena.

Friday (I wanna commit suicide)

Si buscásemos un motivo por el que una turba de ciudadanos indignados tendría que echarse a la calle a prender fuego a los servidores donde se alojan los archivos de Youtube, ya lo tendríamos: Rebecca Black. Richard Cheese, que es un tipo al que le va la marcha, hizo no hace mucho una versión del clásico botellonero de piscina. No está mal par aun tipo que tiene que estar frito de pisar clubs con cincuentonas dispuestas a todo.

Si seguís cantando voy a necesitar el paraguas

Si Elvis hubiera tenido un auténtico hijo rockero durante el periodo en el que estuvo cumpliendo con el servicio militar en Alemania, no se habría parecido a alguno de los miembros de la banda germana The Baseballs ni por asomo. The Baseballs son también un producto para paladares poco exigentes, pero resulta cómico ver cómo habría sido el paso de Rihanna por un jukebox de American Grafitti.

Crazy in Resnais

Atención que viene la propuesta para empollones. El autor de esta versión no es una estrella del indie. De hecho sí que hace versiones de hits más o menos independientes. Pero como siempre, todo es más risible si el cover es de, por ejemplo Beyoncé. Maxence Cyrin ha mezclado su sugestiva versión a piano de Crazy in Love con un cóctel de imágenes de “Last year at Marienbad” by Alain Resnais. Doble minipunto gafotas con tirabuzón.

Mala Vida, pero a lo francés

Otra versión de una buena canción original. Es probable que Manu Chao nunca se plantease que sus canciones podían ser cantadas por gente bien peinada pero, qué diantres, la vida te da sorpresas. Nouvelle Vague es un grupo francés que se dedica a hacer versiones de clásicos de los 80 y 90. Lo hacen con menos pegada el Atlético de Madrid fuera de su estadio pero lo hacen, al fin y al cabo. La Mala Vida de Mano Negra se convierte, bajo la dirección de los franceses, en Buena Vida. Y aburrida.

This is hardcore

Atención que vienen curvas. El hardcore melódico merece su propia mini sección. ¡De hecho, Me First and the Gimme Gimmies merecen su propia sección! Si la derezamos con un previo de Zebrahead nos queda una deliciosa oda a los frenéticos ritmos de bombo y guitarras a mil. Be my Barbie Girl.

Por supuesto, los Gimmies tienen su propia versión de I Will Always Love You.

Y de O Sole Mio.

Y del Hava Nagila.

Y de Heart of Glass de Blondie.

BONUS TRACK: Hemos colgado el extra de origen patrio en nuestro Google +. Bombones haciendo una versión de Stroke y ¡Christina Aguilera!

No sé cuántos de vosotros habréis hecho el magno ejercicio de ver un debate parlamentario, ya sea un Pleno, una sesión de control, una sesión de investidura o un debate sobre el Estado de la Nación. Cualquier acto en el que haya diputados preguntando y diputados respondiendo en el Hemiciclo vale. Un coñazo, diréis muchos. Quizá, pero hay una sutil estrategia en cada intervención marcada por un enemigo común: el tiempo de las intervenciones. ¿Quieres consejos sobre cómo ganar un debate usando el cronómetro a tu favor?

¿Cómo dar la opinión de tu grupo parlamentario y preguntar a la vez? Es más, ¿cómo preguntar para hacer quedar en evidencia a tu rival político? Dicho así suena aburrido, pero tratémoslo de otra forma. ¿Cómo aprender a dejar desarmado a tu rival en un debate? Ese es uno de los principales trabajos de los portavoces en el Congreso: luchan frente a frente con rivales, con las palabras como armas y el tiempo como límite.

Técnica 1, ‘la granada de mano’. Esto es, lanzar tu arma más explosiva primero y luego ya veremos. Se trata de invertir la mayor parte de tu tiempo en hacer la pregunta, desgranando tu crítica e intentando poner a la Cámara en contra del diputado al que se pregunta. La ventaja es el efecto sorpresa: si la granada hace impacto dejas a tu rival con poco margen de respuesta. El inconveniente: agotas gran parte de tu tiempo y confías en que tu ataque sea tan bueno no haga falta replicar.

Técnica 2, ‘mejor lo hablamos’. Eso lo usan los diputados que no quieren hacer mucha sangre, fundamentalmente los del mismo grupo parlamentario del Gobierno o los de grupos ideológicamente afines. Lanzas la pregunta usando un tiempo medio, responden en un tiempo medio, replicas agradeciendo y subrayando algo de lo dicho y se replica cerrando el debate.

Técnica 3, ‘banzai’. Es una de las técnicas favoritas de los grupos en la oposición. Plantean preguntas breves, sin argumentación, a veces hasta obvias para facilitar que el rival se cebe en la respuesta. Si tienes suerte, tu rival agotará gran parte de su tiempo destrozándote por hacer una pregunta nimia. La ventaja: tú dispondrás de todo tu tiempo para la réplica y evidenciar que lo más probable es que no te haya contestado, sino que se haya dedicado a mofarse, momento adecuado para lanzar tu argumentación final y devolver el golpe. Arriesgado, pero efectista si sabes hacerlo.

Técnica 4, ‘mejor ni hablamos’. Es una de esas contestaciones que ni contestan, pero que no hacen falta. Puede ser una variante de cualquiera de las anteriores cuando la técnica sale mal, algo así como ir a tirar un penalty a lo Panenka y que el portero se quede quieto y la bola le vaya mansamente a las manos.

Técnica 5, ‘el contraataque’. A veces la mejor forma de ganar un debate es una respuesta ingeniosa que anule la posibilidad de réplica. Es especialmente recomendable para preguntas reiteradas a los que no se quiere contestar. Eso sí, hace falta saber hacerlo.

Para saber qué técnica es mejor usar será importante saber de cuánto tiempo dispones. Y en el Congreso eso es una muy buena pregunta: el reglamento del Congreso es tan disperso que es prácticamente imposible saber cuánto tiempo tiene cada diputado para hablar. Varios fragmentos del reglamento del Congreso, fundamentalmente en el Tomo 9 (capítulo primero y capítulo segundo)

Artículos que afectan al uso del tiempo en las intervecniones en el Congreso:

183.1. Las interpelaciones se sustanciarán ante el Pleno, dando lugar a un turno de exposición por el autor de la interpelación, a la contestación del Gobierno y a sendos turnos de réplica. Las primeras intervenciones no podrán exceder de diez minutos, ni las de réplica de cinco.

183.2. Sobre las interpelaciones: Después de la intervención de interpelante e interpelado podrá hacer uso de la palabra un representante de cada Grupo Parlamentario, excepto de aquel de quien proceda la interpelación, por término de cinco minutos para fijar su posición.

188.3. Sobre las preguntas: En el debate, tras la escueta formulación de la pregunta por el Diputado, contestará el Gobierno. Aquél podrá intervenir a continuación para replicar o repreguntar y, tras la nueva intervención del Gobierno, terminará el debate. Los tiempos se distribuirán por el Presidente y los intervinientes, sin que en ningún caso la tramitación de la pregunta pueda exceder de cinco minutos. Terminado el tiempo de una intervención, el Presidente automáticamente dará la palabra a quien deba intervenir a continuación o pasará a la cuestión siguiente.

189.2. Sobre las preguntas: Se tramitarán conforme a lo establecido en el apartado 3 del artículo anterior, con la particularidad de que las primeras intervenciones serán por tiempo de diez minutos y las de réplica de cinco. Podrán comparecer para responderlas los Secretarios de Estado y los Subsecretarios.

Artículo 191. Las semanas en que exista sesión ordinaria del Pleno se dedicarán, por regla general, dos horas como tiempo mínimo a preguntas e interpelaciones.

¿Queda claro? No, ¿verdad? Seguimos sin saber exactamente cuánto tiempo tiene cada grupo, si un grupo más representativo tiene más peso que otro minoritario, si el Grupo Mixto reparte sus tiempos… Así que mejor recurrimos al texto ‘ya lo apañamos’ y listo, el artículo 32 del reglamento del Congreso, que habla sobre el papel del presidente :

1. El Presidente del Congreso ostenta la representación de la Cámara, asegura la buena marcha de los trabajos, dirige los debates, mantiene el orden de los mismos y ordena los pagos, sin perjuicio de las delegaciones que pueda conferir.

2. Corresponde al Presidente cumplir y hacer cumplir el Reglamento, interpretándolo en los casos de duda y supliéndolo en los de omisión. Cuando en el ejercicio de esta función supletoria se propusiera dictar una resolución de carácter general, deberá mediar el parecer favorable de la Mesa y de la Junta de Portavoces.

3. El Presidente desempeña, asimismo, todas las demás funciones que le confieren la Constitución, las leyes y el presente Reglamento.

Es decir, que se reparte el tiempo y el orden de las intervenciones como el presidente diga. Así las cosas, preparad las armas, que os harán falta.

Las humanidades en el siglo 21 están desprestigiadas. El pensamiento excesivamente racional apela a la necesidad de poner nuestros recursos en carreras ‘útiles’ como la ingeniería, medicina o empresariales. El cliché reduccionista de que si estudias estas materias acabarás siendo un profesor de secundaria (sin menospreciar esta noble profesión) o engordando las listas del paro se escucha en muchos hogares. Juan Luis Suárez, catedrático de la universidad de Western Ontario, reclamó anoche en una conferencia en Media Lab Prado una reevaluación profunda de lo que significan las humanidades en este siglo. El futuro, aunque cueste verlo, es esperanzador.

Suárez no está solo en su optimismo.  Ya hay empresas punteras que están encontrando valor en especialistas en filosofía, historia y literatura. “Recientemente, el vicepresidente de Google anunció que contratará a más de 4.000 personas doctoradas en humanidades en los próximos años”, anunció.

¿Qué es lo que encuentra esta compañía en las humanidades que no están viendo los demás? “Se han dado cuenta de que no pueden poner todo su esfuerzo exclusivamente en los ingenieros. Necesitan la parte social. Necesitan estudiar la empatía, la emoción y la cultura en un mundo más global”.

Pero el reclamo no es solo encontrar un trabajo en una gran empresa. También hay oportunidades para emprender y participar en proyectos que tienen impacto sobre el mundo. “El lector digital de Amazon debería haber surgido de una startup de humanistas”.

Antes de que ocurra este cambio, Suárez piensa que hace falta ser autocríticos con los académicos. “No hemos sabido transmitir nuestro valor para la sociedad en los años recientes. Hemos vivido en una torre de marfil con un exceso de teoría y poca búsqueda de la utilidad”.

El nuevo perfil de humanista tiene que tener más conocimientos de programación, estar más dispuesto a colaborar y experimentar con herramientas digitales. Ser capaz de trabajar con datos. Tener habilidades para recabar información cultural y saber hilarlos. ”Tenemos que ser flexibles. No has llegado a los 30 ¿y no eres capaz de aprender un poco de python?”, afirmó en referencia a la necesidad de alfabetización digital en este sector.

En la búsqueda de esta nueva concepción de las artes, The Age of Big Data, de Chris Anderson, ha sido una gran ayuda para impulsar esta visión. “Fue una llamada de atención. Nos impactó el mensaje de que había llegado la época de los datos. Da igual tus teorías porque las preguntas surgen del análisis de datos. A partir de allí se elaboran. Antes, las grandes conclusiones se basaban en datos muy pequeños”.

Dejando de lado la teoría, Suárez enseñó ejemplos concretos de cómo debe trabajar el humanista del siglo 21:

En Nueva York se han digitalizado 40.000 menús del siglo 18 al 21. ¿Te imaginas el valor que eso puede tener para los chefs de la ciudad? Revela hábitos históricos, la influencia de la inmigración sobre la comida, información histórica accesible desde una enorme base de datos.

“Biólogos marinos pueden saber qué veranos tuvieron muchas ostras y cuáles no. Un escritor puede averiguar lo que sus personajes comían en un restaurante típico de Nueva York en 1942. El chef Rich Torrisi dijo en un artículo, en The Globe and Mail, que este proyecto ha sido la principal inspiración para crear su nuevo restaurante”.

Suárez, por su parte, participa en un proyecto que está digitalizando toda la información sobre el barroco español. En algunas visualizaciones mostradas en su ponencia se pudo apreciar, por ejemplo, cómo la independencia de los países sudamericanos influyó en la creación de obras de arte en el siglo 18. “Se pasó de hacer mayoritariamente vírgenes a retratos de personas civiles. A través de los retratos se articuló la creación de la nueva sociedad civil”.

Detrás de esta iniciativa hay un esfuerzo de las instituciones canadienses para financiar este tipo de proyectos. “Saben que la diplomacia se puede hacer también a través de la cultura”.

¿Cómo se forma este nuevo perfil de humanista?

En la universidad de Western Ontario, el catedrático ha puesto en marcha un programa para formar a este nuevo perfil de humanista. En él, enseña nociones básicas de programación, emprendimiento digital y crítica práctica. “Estos cursos son perfectamente compatibles con cualquier tipo de carrera”.

“En vez de pedirles un ensayo, les digo que armen una base de datos o que hagan un trabajo multimedia”.

En la misma facultad han elaborado varios proyectos que dan un ejemplo sobre los aspectos que deben tratar los interesados en este campo. Algunos de ellos son:

- Sylva Project, un sistema de base da datos para humanistas.

- Yutzu, una herramienta de coleccción de materiales para la creación de paquetes multimedia.

El cambio ya se está produciendo. Los humanistas resistentes a ello no podrán mantenerse mucho más tiempo en su torre de marfil. Si no actúan, llegarán otros perfiles que tomarán su lugar. ”Si ves la lista de firmantes en Culturomics, un proyecto que analiza las similitudes semánticas entre millones de libros digitalizados, solo uno de los participantes, el linguista Steven Pinker, es humanista. El proyecto está dominado por matemáticos y científicos”.

Se suele pensar que las ideas tienen precio cuando lo cierto es que las ideas son gratuitas. Obviamos que en ocasiones los que nos entregan las ideas son clientes que lo único que buscan es ser tenidos en cuenta, o que nos proponen recibir un servicio de una manera diferente a la habitual. La otra fuente inagotable de ideas gratuitas para la empresa son los trabajadores. Ahora bien, ¿éstas les escuchan o fomentan de la manera correcta su colaboración y entrega?

Las normas sociales dentro del día a día de la empresa marcan mucho el escepticismo de éstas respecto a cualquier acción o innovación disruptiva. Me refiero a aquellas que rompen con el estándar natural y que son contrarias a la innovación sostenida, y que de alguna manera intentan cambiar las reglas del juego de la industria en la que se mueve la empresa.

Normalmente, las empresas se mueven según los designios que marcan los clientes respecto a qué ofrecerles, cuando aparece algo que en principio el sentido común dice que nadie lo va a utilizar, no dejan lugar a dudas y el proyecto termina escondido en el baúl de los recuerdos. Sin embargo, existen personas que se niegan a aceptar el escepticismo y se arriesgan con productos que a primera vista el mercado rechaza o no se ajustan a lo que quieren oír las empresas que les digan los estudios de mercado que han solicitado. Son productos que no se tienen en cuenta porque el cliente no lo demanda o no los valora, porque seguramente ni siquiera sabe que existe, lo que impide en muchas ocasiones reinventarse a las empresas en algo tan vital como su modelo de negocio.

El dilema de la innovación al que se ven sometidas muchas empresas, por lo general las grandes, y también las que no son tan grandes, habla de eso, de hacer o no caso a lo que nos digan los clientes, tanto los externos (negocio), como los internos (conocimiento), a fijarnos sólo en las necesidades que ellos tengan ahora, cuando la reinvención de la empresa y del negocio piden conectarse a aquello que aún no saben que necesitan.

¿Qué implica esto? Que, por lo general, cuando pensamos en innovación, lo hacemos de acuerdo a lo que pueden necesitar nuestros clientes y a que si ellos no están interesados en lo que se les ofrece, se pare en el desarrollo que se esté llevando a cabo. Esto en sí mismo es un contrasentido. Si analizamos detenidamente lo que implica la innovación, en la mayoría de los casos el cliente no sabrá si realmente le interesa el producto o servicio, porque éste es nuevo e innovador y no sabrá qué utilidad darle sin una demanda a la que poder ofertar. Ahí es donde está ese dilema de la innovación al que ahora nos estamos refiriendo, seguir con nuestra idea o hacer caso al freno que puede suponer la negativa de un cliente importante a ese desarrollo “social” que la organización tiene entre sus manos.

Ante estos puntos de vista o maneras de entender la gestión muy del siglo pasado, de lo que se habla hoy en día dentro de las organizaciones es de la innovación abierta o colaborativa entre diferentes personas, clientes externos e internos, distintas compañías o delegaciones territoriales dentro de un mismo grupo empresarial, e incluso empresas sin nexo accionarial común, para compartir la semilla del conocimiento entre el mayor número de miembros posibles en esa comunidad que se empieza a organizar. La innovación, tal y como debe ser entendida hoy, no es un ente cerrado, es abierto. El conocimiento no está en poder de una única persona, departamento, organización, delegación… sino que es más factible, y a la larga beneficioso, compartir tus conocimientos con aquellos que te pueden sacar del atolladero, ya sea otro departamento dentro de tu organización, otra empresa e incluso la universidad, compartiendo y colaborando.

Aquí es donde entran en juego los medios sociales y lo que su uso implica en cualquier organización: tener a estas herramientas como un semillero de ideas, donde esparcir y compartir las mismas de manera abierta, encontrando a aquellos innovadores y emprendedores que pueden lograr que un proyecto que parece que va a ir a la deriva se enderece en base a los comentarios recogidos. Supone poner en el “mercado”, por la organización, ese negocio, usando las ideas de la innovación abierta, buscando la optimización de los recursos disponibles no sólo entre las personas conocidas, sino más allá. Algo en donde todos salgan beneficiados tanto en conocimiento, como en información y tiempo.

Algunos autores, entre ellos Tom Peters, cuando tocaban estos temas en sus conferencias, indicaban que “la innovación es sencilla”. No lo veo así, porque la innovación abarca muchas más cosas que la “simple” creatividad, que ésta sí veo, dentro de lo que cabe, sencilla (es complicado llegar a la idea, cuando se llega, pero eso no es innovación, lo complicado viene cuando hay que ponerla en marcha). Ya la investigación y la implementación son complicadas y requieren sus procesos, sobre todo en lo referente a limar y desprenderse de las ideas y conceptos que la gente entiende que sí son innovación, cuando en realidad no lo son.

Reflexiono de nuevo con esa idea de que la innovación es sencilla, y entiendo que esa afirmación iría más relacionada con la idea de que es algo que no hay que complicar ni tratar como algo habitual en una empresa, sino que hay que dejar que fluya natural por sí misma. La innovación tiene que ser transparente y bidireccional, además de ir acompañada del apoyo y el esfuerzo de la alta dirección, que será quienes den luz y marcarán el camino a quienes tienen que ir alimentando todo proyecto innovador. Lo sencillo sería la misión que se debe asignar a toda innovación, la complejidad empieza al implementarla, y esto es un ejemplo muy válido cuando se trata de traer los medios sociales dentro de una organización.

Le preguntaban en una entrevista a Don Tapscott si la economía digital es una economía real, a lo que él respondía indicando que en la actualidad el único activo valioso y la única forma importante de capital es el intelectual. Que en la era de la Web social, de las personas por encima de todo, las tecnologías de la wikieconomía posibilitan como nunca antes el desarrollo de ideas junto a la comunicación, gestión e intercambio de conocimientos. Para él, una compañía sigue siendo competitiva sólo si adquiere, desarrolla y emplea el conocimiento con más rapidez que la competencia, y que el éxito en el mercado depende del genio creativo y del conocimiento de los estrategas, diseñadores y vendedores del producto.

En The Social Organization (traducido al español) se dice que una organización social es aquella que aplica estratégicamente la colaboración de masas para tratar los retos y oportunidades empresariales importantes. Aquella en la que sus líderes son conscientes de que convertirse en una organización o empresa social (apuntemos aquí lo de innovadora), no implica una mejora incremental (y aquí la idea de la disrupción). Para los autores, esas organizaciones saben que el cambio requiere una nueva manera de pensar (principios de la innovación abierta), y por eso intentan ir más allá de esas iniciativas tácticas originadas tiempo atrás y tratan de aumentar su impacto mediante un enfoque planificado y reflexionado de aplicación de los medios sociales.

Como resultado de esto, toda organización social será más ágil, producirá mejores resultados, e incluso desarrollará formas de operar totalmente nuevas. Y será así porque tendrá metido dentro de su adn el gen de la innovación, con el que movilizará todo el talento y la energía de sus empleados, a través de las comunidades sociales y el esfuerzo colectivo que se va creando al compartir y conversar de igual a igual.

Si eres un directivo o un empresario no tan familiarizado con las implicaciones que tiene acercarse a los medios sociales, y que ha empezado a dejarse engatusar por las bondades de estas herramientas, tendrás que buscar la ayuda necesaria para aprender a introducir lo “social” dentro de tu organización. Aprendiendo de lo que sepas compartir y recoger de tus conversaciones con esos otros “clientes”, ahora sociales, que tan necesarios son. Y lo más importante, mostrarás a la sociedad que tu organización se está reinventando y comunicando, sobre todo esto, y que también sabes cómo ser una empresa innovadora.

Más información | Social Business News
En We Are Social | Social business: Social media integration

Además de ofrecer sus dibujos para publicaciones y marcas, muchos ilustradores están recurriendo a otras fórmulas para vivir de su trabajo. Hay quien diseña camisetas, pósters, chapas o pinta murales por encargo. Una de las que más está ayudando al ilustrador a Ricardo Cavolo para ganarse la vida es el diseño de tatuajes. “No digo que sea mi mayor fuente de ingresos, pero sí el más constante”, explica.

“Empezaron a encargármelo amigos o gente que veía mis propios tatuajes y sabían que eran a partir de dibujos míos. Luego empecé a colgar en mi blog los tatuajes que diseñaba para mis amigos”, comenta.

Una cosa llevó a otra y desde entonces ha recibido encargos de Inglaterra, Alemania, Italia, Francia, Rusia, Japón, Estados Unidos, México, Corea del Sur, Argentina y Colombia. “Yo les mando el diseño y ellos luego se lo llevan a un tatuador”, indica el ilustrador.

Otro ejemplo más de que debemos dejar de cerrarnos solo en nuestra fronteras. Internet abre posibilidades inabarcables para quien sepa aprovecharlo.

Estos son algunos de los diseños de Cavolo que ahora lucen en el cuerpo de personas de todo el mundo.

Lo que para un humano es una simple caja de cartón, para un gato es un auténtico parque de atracciones. Y no digamos un ovillo de lana… Está claro que los gatos tienen su propia visión del mundo. Estéticamente, hay quien piensan que ese mundo debe de parecerse mucho a un cuadro de Mondrian.

O de Kandinsky. O incluso de Miró. ¿Qué quién piensa eso? Ollie Clark, Helana Santos, Jon Mann y Chris Randle. Ellos son los creadores de The Cat that got the milk, un videojuego para PC y Mac cuya estética está inspirada en la obra de artistas como los citados.

“La inspiración visual del juego la encontramos en las galerías de arte de Londres. Ollie (el encargado del diseño) es un gran fan del arte abstracto”.

Chris Randle, autor de las palabras y de la música del videojuego, cuenta que todo el proceso de creación del mismo se ha caracterizado por no seguir ningún criterio preestablecido. “La mayor parte se ha basado en la experimentación. Si a alguno de nosotros se le ocurría una idea, el resto del equipo tratábamos de probarla. Por ejemplo, cuando estábamos desarrollando el último nivel, Ollie me pidió que creara ‘música visual’ inspirada en Kandisky”. Randle lo intentó y el resultado fue una especie de partitura llena de movimiento y paisajes abstractos.

Otra de las características del juego es su duración. Bastan 15 minutos para completarlo. “Con una jornada de trabajo de 40 horas, pocos pueden dedicar el mismo tiempo a los videojuegos. Por eso pensamos en The Cat that got the milk como una forma de entretenimiento para la hora de la comida o para una noche de entre semana”.

Aunque eso de jugar con el móvil mientras se está terminando de cenar no es posible. De momento. “El sencillo sistema de control del juego de The Cat that got the milk (sólo dispone de dos comandos: para arriba y para abajo) se adaptaría perfectamente a cualquier dispositivo móvil pero eso conlleva un largo proceso de adquisición de licencias, pruebas y largas esperas hasta conseguir la aprobación”.

Y como el objetivo de Randle y el resto de su equipo es lanzar un juego cada seis o siete meses, han preferido preocuparse de la burocracia en otro momento y dedicarse en cuerpo y alma a su próximo lanzamiento: The Button Experiment.

Pueden permitirse el lujo de elegir prioridades porque Randle y el resto hace algún tiempo decidieron llevar a la práctica todas esas ideas sobre lo que les gustaría encontrar en un videojuego y que normalmente solían desechar por arriesgadas e inusuales. “Después de varios años trabajando juntos en el sector de los videojuegos decidimos desarrollar nuestros propios videojuegos bajo la premisa de la diversión y la innovación”.

Con The Cat that got the milk, Randle asegura que, además, “hemos tratado de sumergir al jugador en un mundo cargado de arte, de música y de juegos accesibles”.

Cuando uno trabaja con conceptos y con palabras que se usan constantemente, como ‘diseño e innovación’, muchas veces uno puede sentirse frustrado por la dificultad que encuentra a la hora de transmitir con claridad y sencillez el significado real de lo que hace y el valor que puede aportar. Sobre todo si lo que está tratando de contar es el verdadero sentido de su trabajo: mejorar la calidad de vida de las personas.

No es una cuestión de definiciones, que por encontrarse se encuentran hasta debajo de las piedras, sino de acepciones. Ambos conceptos se han utilizado tantas veces y en contextos tan diversos que sin darnos cuenta caemos en los ‘tipiquismos’. Innovación igual a tecnología, diseño igual a estética. Y nos limitamos a trabajar en esas dimensiones incapaces de ver el verdadero potencial.

Puede que todo pase porque no nos hemos preguntado nunca cuál es el sentido real de innovar en nuestra organización, o en qué me puede ayudar realmente el diseño, además de para ‘ponerlo en bonito’.

Porque… ¿sabemos qué queremos realmente? ¿Ganar más dinero o hacerle la vida más fácil a nuestros clientes? ¿Conseguir premios o luchar por mejorar y ofrecer más oportunidades adecuadas a sus necesidades reales? ¿Transformar los productos y los servicios o transformar el mundo?

En definitiva, ¿qué papel juegan las personas (tus clientes) a la hora de ponerte a innovar o a diseñar un nuevo producto o servicio dentro de tu organización? ¿Un papel principal en el que se conoce perfectamente a los actores, el rol que juegan, lo que necesitan…? ¿O uno secundario pero perfectamente orquestado por una súper-campaña de marketing?

Quizá ahí este el error de interpretación, la razón por la cual tu proyecto, tu organización nunca será capaz de ofrecer nada singular, nada distinto, y seguirá cayendo en el bucle del ‘más de lo mismo’, sin saber realmente qué es lo que tiene que hacer para abandonar el ‘tipiquismo’ y ofrecer un valor diferencial.

Es hora de cambiar el foco, de incorporar un toque más humano en todo lo que hacemos, de replantearnos ciertas estrategias vinculadas a mejorar resultados en vez de a mejorar experiencias. Es hora de empezar a pensar de verdad en las personas. De pasar del marketing puntual a la cultura del día a día.

Las personas son —o deberían ser— la clave de cualquier proceso de innovación, de cualquier estrategia de diseño, porque son ellas y no la tecnología ni la estética las que elevan a categoría de primer orden lo que un innovador puede conseguir para cambiar su organización, para cambiar la sociedad y, por supuesto, para cambiar el mundo.

—

Carmen Bustos. Socia fundadora de Soulsight.

Foto: Wikimedia Commons

Somos humanos y errar es parte de nuestra naturaleza. Pero en ocasiones suceden fallos de comunicación tan garrafales que se convierten en carne de cañón para un caso de estudio de cómo no se debe tratar con los blogs y la prensa en general. Este es uno de ellos.

Todo empezó el pasado 16 de febrero cuando un periodista del blog de videojuegos GameBlog.fr vio en Amazon que acababa de salir a la venta la nueva entrega de Call of Duty: Black Ops 2. El reportero hizo un pantallazo y escribió un artículo a la espera de confirmación de la compañía con el interrogante: Call of Duty Black Ops 2 confirmado por Amazon?

También averiguó que varias personas habían recibido una newsletter de Amazon anunciando su disponibilidad. No fueron los únicos en recogerlo. Su competencia Jeuxvideo.com escribió sobre ello y algunos medios internacionales se hicieron eco de la noticia enlazando a GameBlog como fuente.

Una hora más tarde de su publicación recibieron un email de la productora del juego Activision con el asunto: ‘Quitar artículo-Urgente’, según declaraciones del fundador de la página Grégory Szriftgiser a Kotaku.

Resulta que el juego se había subido por error a Amazon y los responsables de comunicación de la compañía pidieron que se descolgara la noticia.

Szriftgiser mantuvo la calma y explicó a la compañía que no podía hacerlo. No había cometido ninguna ilegalidad y simplemente reflejaba lo visto en Amazon.

Pasó todo un día y la noticia se mantuvo en línea. La mañana siguiente Activision volvió a insistir en que se retirara la noticia y empezaron a dejar caer que esto tendría consecuencias sobre la relación profesional entre las dos partes. Informaron, además, de que habían hablado con su agencia de publicidad para dejar de planificar en su web.

La cosa no acabó aquí. Cuando el responsable de la página preguntó si seguía en pie la invitación a una rueda de prensa sobre el lanzamiento de Transformers: Fall of Cybertron que habían recibido semanas antes, la compañía respondió que se les revocaría la entrada.

Szriftgiser explicó a Activision que todo esto que había ocurrido lo iba a tener que explicar a sus lectores para que tengan toda la información. Ese artículo en donde cuenta lo sucedido tiene ya más de 800 comentarios.

La entrevista de Kotaku con los responsables de la página sobre el caso tiene más de 80.000 visitas y 600 comentarios.

Previsiblemente, Activision ha anunciado que revisará su actuación. “Esto es un malentendido y estamos trabajando para encontrar una solución”, han explicado posteriormente.

No se va a hundir una de las mayores empresas de videojuegos del mundo pero sí ha recibido un revés y una clase avanzada sobre cómo funcionan los medios en internet.

- Una vez que un artículo se ha subido a un blog y ha sido difundido por redes sociales, ya es tarde. No hay nada que hacer para detenerlo.

- En este caso, la noticia llevaba más de 24 horas colgada, intentar detenerlo es aún más contraproducente y torpe. El scoop de GameBlog ya había sido recogido en muchos otros medios.

- Cuando se pide a un medio quitar una noticia hay otro factor a tener en cuenta. La mala imagen que puede causar ante sus lectores. Si se dan cuenta que ya no está (siempre se darán cuenta) empezarán a hacer preguntas a sus responsables.

- Cuando nos conviene, nos encantan los blogs. Cuando hacen cosas que no nos gustan, nos parece mal. Para que aparezcan las cosas exactamente como las queremos, existe un medio llamado publicidad pero no tiene nunca la credibilidad de una reseña de un medio independiente.

- Amenazar a un periodista que lleva más de 20 años cubriendo el sector es una enorme falta de respeto. Chantajear con que vas a quitar publicidad solo contribuye a que pierdas legitimidad.

- El periodista solo ha cumplido con su trabajo. El no es responsable del error de comunicación de Activision y Amazon.

- Activision podría no haber hecho caso a las especulaciones. Un escueto ‘no comment’ y los rumores se propagarían haciendo además de campaña de comunicación para el futuro lanzamiento del juego como suele hacer Apple.

- Por mucho poder de presión que tengas, un pequeño blog tiene la capacidad de hacerte mucho daño si no lo respetas. No se pide nada especial. Simplemente respeto por su trabajo.

Cuando la cineasta de Singapur Tan Siok Siok (@sioksiok) comenzó a usar Twitter, lo que más le llamo la atención fueron los vínculos personales que se pueden crear y se decidió a plasmarlo en un documental. Twittamentary es una historia al estilo roadtrip sobre Twitter o, mejor dicho, sobre las relaciones humanas que se construyen gracias y a través de esta red social.

A través de la web Twittamentary.com, la directora recogió muchas ideas y sugerencias que le ayudaron a planificar el proyecto y el viaje que les llevaría a ella y a su equipo en autobús desde Nueva York a Los Ángeles.

Utilizó la red social para formar el equipo de producción y para seleccionar, a través de los feedbacks que recibían, qué historias compondrían finalmente el documental. Incluso la banda sonora sale de Twitter gracias a Benjamin Walker (@ihatemornings) un músico que usa la red social como fuente de inspiración y para promover su música.

@sioksiok cuenta en el documental , que vio su primera proyección en Europa en Londres con motivo de la Social Media Week y gracias a Media140.com, que “el plan que teníamos en mente se evaporó nada más comenzar el viaje y decidimos que el espíritu espontaneo y natural del sitio de microblogging tomara, en cierta manera, el control del proyecto”. El plan ahora sería seguir y contar aquellas historias que espontáneamente fuesen llegándoles a través de Twitter conforme el viaje transcurría.

Mezclando un estilo narrativo con testimonios y entrevistas, Twittamentary consigue crear una atmósfera natural, cercana e íntima que contrasta con la falta de privacidad que caracteriza a la red social. Un publicista, una periodista, un encargado de pizzería, un bróker, un estudiante o una camionera forman el casting y acompañan al espectador en este viaje que adquiere su punto más exótico al hacer escala en Las Vegas.

Mika Tan (@Mika_Tan) es una prostituta y estrella del porno de la ciudad de las luces que utiliza twitter con objetivos variados. Lo hace para promover su trabajo, para estar en contacto con algunos de sus clientes, para hacer amigos e incluso para buscar el amor. De hecho @Mika_Tan reconoce “haber conocido a alguien especial pero del que todavía no me fío porque él aun no ha cambiado su estado de “soltero” en la otra gran red social”.

La historia más sobrecogedora es, sin duda, la de Anne Marie Walsh (@padschicago). @padschicago era una sin techo de la ciudad de Chicago que solía usar los ordenadores de las librerías publicas de la ciudad en busca de información y consejos que le ayudasen a salir de su situación. También intentaba encontrar lugares donde poder pasar la noche.

Tras abrirse una cuenta en Twitter comenzó a contactar con gente y a sentirse parte de una comunidad. “Dejé de sentirme sola y de vez en cuando recibía de mis followers ayudas como ropa o paquetes con comida” cuenta @padschicago en la cinta. Tras entrevistarla para el documental, @sioksiok la invitó a que les acompañara durante su viaje y a que hablase en una conferencia sobre Social Media a la que se dirigían en Los Angeles. @padschicago aceptó, los acompañó y compartió su experiencia con una conmovida audiencia en el mismísimo Kodak Theatre de Los Angeles. El número de seguidores de @padschicago en el momento en que yo estoy terminando esta historia es de 5838 y su perfil ahora dice: Ann Marie Walsh, @padschicago #NoLongerHomeless

Ahora no se llaman ni C3PO ni R2D2 sino Elvira o Nuka. Tampoco están diseñados para acompañar a los Jedis en sus misiones contra el lado oscuro sino para proezas mucho más del día a día, como ayudar a los niños en las aulas, servir de apoyo en los tratamientos dirigidos a mayores, niños hospitalizados o personas con algún tipo de demencia o discapacidad.

(Advertorial)

Hace tiempo que los robots dejaron de ser algo exclusivo de la ciencia ficción y se instalaron en nuestro mundo. La realidad les debió gustar porque su población no ha dejado de crecer: en 2011, el número de autómatas superaba los 10 millones.

Con su presencia en todo tipo de ámbitos, los robots comenzaron a mostrar también su capacidad de adaptación a nuestra sociedad. Incluso sectores tan poco early adopters, como el sociosanitario, empezaron a demandar los servicios de autómatas como Nuka, un bebé foca empleado en terapias con personas mayores.

Su función es similar a la que desempeñaría cualquier otra mascota: activar la comunicación, reforzar la autoestima, relajar o motivar a sus dueños. Solo que a Nuka no hay que alimentarla, ni sacarla a pasear. Aunque sí reacciona cuando es acariciada, hace compañía y resulta de los más achuchable.

Adele Robots es la empresa que está detrás del proyecto: “Participamos junto al  Instituto Nacional de Ciencia y Tecnología Industrial Avanzada de Japón en la difusión del proyecto Nuka, en el que también colaboran  otros países europeos como Dinamarca, Alemania, Holanda, Suecia además de España”, explica Joaquín Martín, cofundador de Adele Robots.

Pese a los buenos resultados de terapias efectuadas con robots como Nuka, su implantación en nuestro país está lejos de ser la deseada por empresas como la de Martín: “En España nos enfrentamos a un desconocimiento en este tipo de herramientas y a poco apoyo desde las administraciones, ya que siguen asociando a la robótica a la ciencia ficción y no a productos que aporten gran beneficio para la sociedad”.

Y sí, el ejemplo a seguir en este sentido siguen siendo sociedades asiáticas, como la japonesa o la coreana: “Allí es fácil ver robots en escuelas ayudando al profesorado o en museos guiando a los visitantes. Consideran a los robots como amigos que están ahí para ayudarles y entretenerles”.

Claro que considerar ‘amigo’ a un autómata solo es posible cuando la robótica ha alcanzado un grado aceptable de humanización. ¡Ojo! Eso no quiere decir que los robots tengan que tener una apariencia humana, advierte Joaquín Martín: “El reto es que los robots sean empáticos, tenga una apariencia amigable. En definitiva, el objetivo es conseguir que la relación humano-máquina sea lo más natural y cómoda posible”.

Un robot en el aula

Otro sector en el que la robótica está dando muestras de gran utilidad es el de la educación. Según Elena Merino, de Minirobots, “la tecnología está cobrando cada vez un papel más importante en la enseñanza”. Y empresas como la suya se encargan de que así siga siendo.

En el caso concreto de Minirobots, lo hace a través de Moway, un robot encargado precisamente de mostrar a los alumnos (desde los de educación secundaria hasta los universitarios) los avances tecnológicos y su aplicación en la sociedad: “Si bien la tecnología avanza a pasos agigantados a nuestro alrededor, la oferta formativa disponible en los centros de enseñanza no lo hace al mismo ritmo, lo que impide a los alumnos comprender situaciones cotidianas y les limita en sus aspiraciones acerca de preferencia en sus estudios futu­ros, ya que no pueden plantearse algo que ni siquiera conocen”.

Según Merino, Moway es capaz de ajustarse a los diferentes niveles de enseñanza y a los sistemas educativos de cualquier parte del mundo así como a los recursos disponibles en cada uno de ellos.

Inteligencia Artificial, el mejor complemento

Educación, entretenimiento, cuidados socio-sanitarios… La robótica es aplicable a todos los campos y funciones. Los límites los ponemos nosotros: “Sólo cuando consigamos conocernos perfectamente lograremos crear una Inteligencia Artificial que, basada en los modelos que nos hacen inteligentes, nos complemente. En ese camino, avanzar en nuestro propio conocimiento implica identificar y potenciar nuestras mejores capacidades, así como acotar y suplir nuestras carencias. La tecnología que se produce como resultado de ese continuo aprendizaje debe ser el medio para que la humanidad se libre de actitudes, modelos y estructuras esclavizantes, como por ejemplo el trabajo no creativo, que puede llegar a ser la cárcel más asfixiante”.

Lo dice Diego García Sánchez, co-founder. engineering and product R&D de AISoy Robotics, especializada en robótica social. Su objetivo,  acercar la tecnología a “todos los públicos”, creando robots asequibles económica y funcionalmente y, sobre todo, versátiles en su software.

“Es un complicado reto, pero creemos estar un poquito más cerca de este objetivo con nuestro primer producto, AISoy1, una plataforma robótica con un potente hardware (cámara, sensores de luz, tacto, temperatura, inclinación, etc.), y un core software configurable y ampliable mediante un Kit de Desarrollo (SDK)”.

Compañero lúdico-educativo para niños de entre 6 a 99 años, plataforma de desarrollo de aplicaciones, con posibilidad de integración con otros dispositivos (domótica, dispositivos multimedia en red) o mascota para personas mayores, son algunas de las posibles funciones que puede desarrollar AISoy1. “Con él hemos tratado de reflejar el estado del arte en Inteligencia Artificial”.

Empresas como las responsables de AISoy1, Nuka o Moway serán algunas de las que estarán presentes en la 4º edición de Creativity Meeting Point, que se celebrará en Bilbao del 13 al 15 de marzo, y en el que la robótica será uno de los principales temas a tratar.

Foto portada: ChelseaWa bajo licencia CC

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La mayor parte del público que pase por el festival Estrella Levante SOS 4.8 dentro de tres meses sabrá quienes Mogwai, Cansei de Ser Sexy o Pulp. Las propuestas de los festivales de rock se construyen, por supuesto, alrededor de las letras de mayor tamaño del cartel. En el festival murciano, además, también contará conocer a Omar, a Tony Soprano o a Sheldon Cooper. La sección Voces del evento analizará la edad dorada de las series televisivas de ficción.

Para entender la parte más relevante de la narrativa visual actual sólo debemos pulsar el botón ON en la tele. En la última década una incontable cantidad de historias apabullantes han hecho que el espectador recupere la fe en la (cada vez menos) pequeña pantalla. Los Soprano, The Wire, House o Lost son ya leyenda y/o fenómenos de masas que han replanteado la forma de crear ficción y de presentársela a los consumidores.

El festival Estrella Levante SOS 4.8, que se celebra en Murcia los días 5 y 6 de mayo, tratará de entender por qué ha ocurrido lo que ha ocurrido con una serie de conferencias talleres y workshops. “La ficción televisiva es un referente y ha cambiado nuestro hábitos de consumo de ficción. Vamos a analizar a las raíces de este momento dorado que es inusual porque la TV ha sido un medio tradicionalmente mediatizado por una publicidad que constreñía los límites del discurso y favorecía un lenguaje mainstream”, explicó Jordi Costa, comisario del Espacio Mustang, las secciones de Arte y Voces del festival, en la presentación del mismo.

Costa ha invitado a diez ponentes para que propongan su particular visión del fenómeno. Agustín Fernández-Mallo, Rubén Ontiveros, Joaquín Reyes, Ernesto Sevilla y el resto de creadores chanantes o Fran Benavente repasarán las particularidades de la escena creativa nacional, el interesante trasvase de talento que procede de web series y, por supuesto, el establecimiento como referente cultural de comienzos de siglo de producciones como las de HBO. “El Festival consigue aunar reflexión y pensamiento con experiencias divertidas. Es una manera de educar desde los referentes actuales: música y series de tv”, señaló David Barro, uno de los antiguos responsables de la sección en SOS.

Completa la ‘cara B’ de la cita murciana la sección de arte contemporáneo. Eugenio Merino, con Franco aún en la nevera, los ultrashows de Miguel Noguera o el ilustrador Rubén Garzas intentarán que el visitante indie se quite las Ray Ban aunque sea por un rato. “En pocas ocasiones puede uno contar con tanto público entregado. No es necesario estar en el entorno protector de un museo para poder disfrutar de la cultura”, dijo Fernando Castro, el comisario del pasado año.

El festival también presentó el libro electrónico que recopila las ponencias de todas las ediciones previas de SOS 4.8.

“El verdadero gastrónomo es tan insensible al sufrimiento como el conquistador” (De un antiguo manual británico sobre maneras en la mesa)

Pese a alcanzar su apogeo y reconocimiento histórico durante el Renacimiento, el mecenazgo debe su nombre a Cayo Cilnio Mecenas. Mano derecha y hombre de confianza del César Augusto en la Roma de un siglo antes de Cristo, compaginó su ajetreada vida política con una poderosa vocación literaria. Dicho interés lo llevó a escribir algunas obras (hoy en el olvido) y a brindar su dinero y protección a los principales talentos de su tiempo, entre los que destacan nombres tales como Horacio o Virgilio. De esta desinteresada actividad en favor de las artes nació el concepto de mecenazgo tal y como lo entendemos hoy en día.

Pero ¿qué es lo que entendemos hoy en día por un mecenas? Básicamente a alguien con mucho dinero (o al menos el suficiente) para donar parte de su patrimonio a otro individuo, el artista, con el fin de que éste pueda dedicarse a desarrollar su obra. A priori dicha contribución parece ser de naturaleza desprendida, pese a que a menudo resulta inevitable asociar la obra del artista al nombre y al reconocimiento público de su generoso benefactor. ¿Se recordaría sino, más allá del ámbito de la historia romana, a Cayo Cilnio Mecenas?

Resulta poco probable que, ni su actividad política ni su demasiada afortunada inmersión en las letras como autor, fueran lo suficientemente relevantes como para otorgarle una posición de privilegio en la memoria colectiva. Sin embargo, su ‘desinteresada’ ayuda al talento de Virgilio y Horacio lo ha llevado a ser recordado en todo tipo de libros de historia y enciclopedias. E incluso a integrarse en nuestro vocabulario cotidiano a través de una palabra repleta de admirables connotaciones.

Cuando hablamos de mecenas, a menudo nuestras cabezas generan la imagen de alguien no sólo adinerado y poderoso, sino también cultivado y generoso. Alguien a quien admirar o, por lo menos, a quien envidiar.

Está claro que, históricamente, gran parte de la creación y de la difusión del arte ha sido posible gracias a individuos como éstos. A su vez, también resulta obvio que ése, precisamente, es el motivo por el cual nos acordamos de ellos y reconocemos públicamente su filantrópica labor. Sin su apoyo, probablemente, no existirían algunas de las obras de arte más importantes de todos los tiempos. Pero sin estas mismas obras de arte, indudablemente, no hablaríamos de ellos.

En este sentido, a nadie se le escapa que a menudo los artistas han trabajado (siendo conscientes o no) a mayor gloria de sus benefactores. Ya sea de ellos propiamente dichos o, de un modo más abstracto pero sin duda más poderoso, de sus ideas. De Botticelli y Lorenzo de Médici a Velázquez y Felipe IV, pasando por Jackson Pollock y la CIA, hasta llegar a Damien Hirst y Charles Saatchi; durante siglos se ha ido trazando un fuerte vínculo entre el creador y el poder que lo financia. Una conexión y una influencia desarrolladas en diferentes niveles y formas de retroalimentación. Todo ello sin mencionar la fructífera relación entre el arte y la religión. Y es que la difusión de las ideas de orden espiritual constituye una parte fundamental de lo que hoy consideramos historia del arte.

De todos modos, uno debería ser capaz de apreciar una obra por lo que ésta es, dejando a un lado las ideologías más o menos subrepticias que su autor o su mecenas hayan querido introducir en ella. No es imprescindible creer en la Inmaculada Concepción para saber apreciar la belleza de algunas de sus representaciones. Ni mucho menos comulgar con el nacionalsocialismo alemán para reconocer la relevancia, en la evolución de la narrativa audiovisual, de estas imágenes.

Si reconocemos que muchos artistas necesitan habitualmente de un mecenas para poder desarrollar su obra (o al menos de un mercado, que a efectos prácticos ejerce un rol parecido). Si asumimos que, más allá de su amor por la creación, gran parte de la ayuda ofrecida por estos mecenas se debe a una intencionalidad concreta en la difusión de ciertas ideas y mensajes (ya sea sobre ellos mismos o sobre su modo de entender el mundo). ¿Por qué cuando una mecenas llamado Nike, Audi o Ikea ayuda a promover la obra de un creador, el resultado no suele llamarse arte sino publicidad? Tal vez la contrapartida exigida en este caso sea demasiado evidente y el objetivo final excesivamente obvio a los ojos de todos. Ese ‘desinterés’, por tanto, ya no hay nadie que se lo trague. O puede que, cuando la firma del artista sobre su obra se sustituye por el logo de una marca, el valor de dicha obra pierde puntos, a pasos agigantados, en la bolsa de ‘lo que se supone es arte’. Y es que, hasta la metomentodo Iglesia permitía al díscolo Caravaggio firmar sus propios cuadros, ¿no?

Pero ¿realmente cambia tanto que una obra en lugar de llegarnos firmada exclusivamente por Timothy y Stephen Quay, lo esté además por una marca de ropa que desea promocionar su nueva fragancia? ¿Esta obra se hubiera llegado a concebir o a producir sin el encargo de dicha marca? ¿Tendría la Capilla Sixtina la misma relevancia si Miguel Ángel la hubiera pintado en el techo de su casa? ¿Hubiera dispuesto del suficiente espacio para ello? ¿Se lo hubiera, ni tan siquiera, planteado?

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Adrià Rosell es creativo en Altraforma y fotógrafo freelance

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Los contenedores de basura comen cada día toneladas de alimentos. La mayoría de ellos permanecen todavía en buen estado. No llegan ahí porque estén podridos. Probablemente alguien no calculó bien la ración de la cena o pensó que se habían convertido en veneno porque su fecha de caducidad coincidía con la del periódico del día. Pero, realmente, ¿es necesario destruir tanta comida?

El realizador alemán Valentin Thurn se hizo esta pregunta y buscó la respuesta grabando un documental que se mostrará en el festival de cine y gastronomía Flim&Cook. El director siguió la pista de las toneladas de alimentos en perfectas condiciones que acaban en el cubo de la basura y descubrió que en Europa el 50% de la comida termina en el contenedor. Mientras tanto, en todo el mundo, un billón de personas pasa hambre y 25.000 individuos mueren cada día por desnutrición.

Thurn no descubrió nada nuevo. Lo más grave de esta situación es que resulta de sobra conocida. Pero el alemán se propuso recordarla y abrir un debate. Creó la plataforma Taste The Waste y abrió un espacio destinado a que otras personas aporten ideas para evitar que se desperdicie tanta comida.

“En el trayecto de los alimentos desde su producción, envase, transporte y venta hasta su consumo, desperdiciamos casi la misma cantidad que consumimos”, asegura este movimiento en su site. “En la mayoría de países no hay cifras concretas de la cantidad de alimentos que se tiran. Sin embargo, Gran Bretaña ha realizado el esfuerzo de medir la montaña de basura y ha llegado al espeluznante resultado de que se desechan 15 millones de toneladas de comida al año. Ello equivale a 484 millones de vasos de yogur sin abrir, 1,6 billones de manzanas sin tocar (o 27 por persona) y 2,6 billones de rebanadas de pan”.

Thurn recuerda que su madre (igual que miles de mujeres europeas) le decía cuando era pequeño que no tirase la comida. Los niños de Africa no podían tenerla y hubiesen estado muy contentos de tener en su plato lo que él quería ver en la basura. Ese argumento, dice el realizador en la presentación de su documental, ha resultado ser “profético”.

“Los precios ascendentes del trigo muestran claramente el asunto. En la actualidad compramos nuestra comida en el mismo mercado mundial que compran los países en desarrollo. Si nosotros tiramos menos comida y, en consecuencia, compramos menos, los precios bajarán y habrá más alimentos para las personas con menos recursos”.

“Pero, ¿por qué demonios seguimos desperdiciando cada vez más y más?”, se pregunta el movimiento Taste The Waste en su manifiesto. “Por la lógica de la producción industrial de la comida”.

“Los agricultores tiran su producción cuando los precios caen por debajo de la cantidad de dinero que ellos tienen que gastar por la mano de obra y las máquinas. Así, si el precio en el mercado es bajo, el trigo se pudre en el campo. La comida también se desperdicia cuando es transportada por la rigidez de las leyes. Cuando un sistema de refrigeración en un camión de tomates se estropea, se destruye toda la partida. O cuando un melocotón se pudre, se tira todo el palé”, continúa el manifiesto.

“Los supermercados desperdician porque se sienten obligados a ofrecer a sus clientes todo tipo de alimentos todo el tiempo. Temen que si sus estanterías no están llenas, sus clientes se vayan a la competencia. Por eso, cuando llegan nuevos artículos, los antiguos acaban en la basura (independientemente de si son comestibles o no). Y los consumidores desperdician comida porque no conocen el significado real de la etiqueta ‘Consumir antes de’. Una tercera parte de los británicos piensan que un producto pasado de fecha los puede envenenar o no debería ser comido jamás. Obviamente, tenemos que volver a aprender cómo reconocer si un alimento es aún comestible o no”.

Una forma de protesta ante esta situación es rescatar comida de la basura en buenas condiciones. Esto es lo que propone Thurn.

Pero, además, hay muchas otras formas de hacerlo. La web del documental Taste The Waste menciona varias personas e iniciativas que ofrecen una alternativa a este derroche masivo de alimentos.

Hablan, por ejemplo, de Thomas Pocher, manager de un supermercado francés, que pretende concienciar a sus clientes para que compren productos que hagan menos daño a la naturaleza. O del granjero alemán Friedrich-Wilhelm Graefe zu Baringforf, que se niega a desechar casi la mitad de la producción de su cosecha porque no está en “condiciones óptimas”. O Timo Schneider, que enseña a los niños de Berlín a cocinar verduras frescas.

Thurn Film continúa ahondando en la promoción de un consumo más responsable de la comida. Ahora están grabando un documental para la TV alemana sobre las fórmulas que se están utilizando para evitar el desperdicio de alimentos, según Yvonne Miehlke, colaboradora del realizador.

Miehlke asegura, además, que la concienciación va aumentando y que ya existe, incluso, un proyecto de la Unión Europea destinado a reducir el despilfarro de alimentos a la mitad para el año 2025.

Parece que la máxima de “no eres ciudad si no tienes un puente firmado por Calatrava” ha saltado el charco con fuerza. Después de los 750 millones que la Comunidad Valenciana se gastó en obras del arquitecto, el grifo de la crisis hizo que el profeta en su tierra echara el cierre a su sede valenciana a principios de febrero, para seguir con el negocio en otros lares donde también surge el dinero del suelo como petróleo. Y donde quizá no se conozca tanto su obra.

La ciudad texana de Dallas encargó en 2005 al arquitecto valenciano que diseñara tres puentes “de firma” para que sirvieran de gancho para captar un mayor turismo internacional; y el primero de ellos acaba de levantar sus cables. Ha sido bautizado con el nombre de Puente de Margaret Hunt Hill y quiere convertirse un componente importante de los esfuerzos de revitalización urbana de la ciudad, mejorando el paisaje que rodea el río Trinity.

Además de servir como un nuevo icono para la línea del horizonte de Dallas, que es básicamente lo que se busca con el sello Calatrava, el Puente Margaret Hunt Hill también actuará como una puerta de entrada figurada en la ciudad. Se espera que alrededor de 14.000 vehículos al día pasen bajo el enorme arco blanco brillante que firma la obra.

Se trata un puente de 365 metros de longitud que consta de seis carriles para el tráfico de vehículos, cuyos cables están conectados a un arco transversal central de 120 metros de altura que sostiene la estructura. El coste total estimado para el puente ha sido de 115 millones de dólares americanos, a costearse con fondos procedentes de los ciudadanos de la localidad, el Condado de Dallas y organismos federales y estatales. Todo muy “Calatrava”.

Tanto, que tirando de hemeroteca arquitectónica se puede descubrir sin mucho esfuerzo que el nuevo puente Margaret Hunt Hill es clavadito a otro puente Calatrava que está en Italia, lo que refuerza, por no confirmar, que el arquitecto valenciano tiene la costumbre de autocopiarse en todos los sentidos; y no sólo en el estético.

La obra en cuestión es un puente que se construyó en 2007 en Reggio Emilia, Italia; más concretamente tres puentes en uno que forman parte de un proyecto arquitectónico que incluye la nueva estación de ferrocarril de la línea de alta velocidad Roma-Milán y que, también, dan la bienvenida en la entrada a la ciudad.

El conjunto vial está compuesto por El Ponte di Scavalcamento dell’Autostrada A1, un puente atirantado con un arco que se desarrolla siguiendo su eje longitudinal y cuya altura máxima es de 46 metros; y dos puentes gemelos, el Ponte sulla Rotatoria su Via Filangeri y el Ponte sulla Rotatoria sullo Svincolo Autostrada A1, que también son puentes atirantados, pero esta vez con un arco central de 69 metros de altura que se desarrolla siguiendo su eje transversal, de idéntica forma y aspecto en como lo hace el nuevo puente de Dallas.

Sin embargo, y aunque la copia es evidente, a lo mejor hay que dar algo de crédito a Santiago Calatrava. Así que asumiremos que hizo el puente como un gesto de modestia, pues él sabe en lo profundo que sus obras no son tan valiosas para las ciudades como los gestores municipales quieren creer. Y por lo tanto, él simplemente se está burlando de sí mismo y no de todos los demás.

Por cierto, este será el segundo puente que tiene preparado para Dallas. Quizá también les suene.

En este segundo caso parece que en Dallas ya se han dado cuenta del truco, así que en abril de 2011 el Consejo Municipal de la ciudad aprobó dar el arquitecto español Santiago Calatrava otros 10,7 millones más, pero para rediseñar las partes de su segundo puente de “firma” que cruzará el río y así reducir los costes de 178 millones de dólares del proyecto final, para configurar un diseño “más frugal”.

“Vamos a ser inteligentes con nuestro dinero”, dijo la concejal del Distrito Angela Hunt a la CBS en aquella ocasión. “Ya tenemos un puente de Calatrava; y parece que uno debería ser suficiente para que vayamos hacia delante con un puente más simple”.

Fuentes: Trinity Bridges, Evolo, NBC, CBS News, Reggio Emilia e Calatrava

Los tiempos difíciles abonan terrenos fértiles para la sátira y el humor ácido. Le Raúl lo practica a menudo en su blog ¿Y si nos quitan lo bailao?

A veces basta con una imagen para transmitir lo que quiere comunicar:

One Flag

Afgunistan

Jauja

Otras una pequeña frase acompaña a esa imagen:

Vive!

€

Exporta

Sin olvidarse del GIF animado:

Electoralidades

GO!!

Deadtime

Entrenando

Estas viñetas son una forma de escapismo, “donde nadie me dice lo que tengo que hacer y donde creo en lo que digo”, explica el ilustrador.

Empezó con un estilo más disperso. Ahora ha adquirido una fuerza y propiedad más definida. “Cuido más el dibujo desde que un grande como El Roto me dijo que era importante. Aun así, siempre he creído que la idea está por encima de la técnica y no me corto”.

No Future

Hay de ti

5 y pico

Tantos

—

Gracias a Eduardo Vea por la pista.

Un tsunami destruye tu país y provoca el mayor accidente nuclear desde Chernóbil. Eres cineasta y, de forma casi instintiva, tomas tu cámara al hombro y acudes al lugar donde miles de personas están siendo evacuadas. Improvisas, no tienes plan de trabajo y desconoces el verdadero objetivo de lo que estás rodando. Pero estás ahí, haciendo el trabajo que consideras que ni tu gobierno ni los medios de comunicación están cumpliendo.

Dos de esos cineastas japoneses, Toshi Fujiwara y Atsushi Funahashi, han proyectado durante estos días sus documentales en el Festival de Cine de Berlín. Nos cuentan en primera persona su experiencia. También hablan acerca del prolífico cine post-Fukushima, que en apenas un año ha invadido la industria audiovisual nipona como reacción al silencio general. En este tiempo se han rodado una treintena de filmes -cortometrajes incluidos- relacionados con el terremoto o la crisis nuclear.

Atsushi Funahashi rodó “Nuclear Nation” para agitar conciencias. En él se traslada hasta Futaba, en la prefectura de Fukushima y muestra los esfuerzos de un alcalde que lucha por una ciudad que ya no existe. Hasta entonces era firme defensor de la energía nuclear y de las ventajas que ofrecía a sus ciudadanos.

“Acudí solo a la región de Futaba. No encontré nadie que me quisiera acompañar. Estaba a punto de iniciar el rodaje de mi siguiente película, precisamente en la zona, pero la tragedia paró todos los planes. Me quedé sin nada que hacer durante los siguientes meses, así que decidí acudir allí por una deuda personal.

Soy la segunda generación de “Hibakushas“ -que en japonés significa personas bombardeadas-. Parte de mi familia se vio afectada por Hiroshima. Mi abuela y mi padre sufrieron las consecuencias de lo que ocurrió allí y mi tía murió por la bomba. Crecí en Osaka escuchando historias sobre la bomba atómica. Siempre pensé que tenía que hacer algo.

‘Nuclear Nation’ es un alegato en contra de un sistema casi colonial, en el que un gobierno central explota las zonas rurales del país para su propio disfrute, aunque las consecuencias las paguen otros. Algo que ocurre en casi todos los lugares del planeta… En Tokio se sigue pensando que la gente de Fukushima se ha beneficiado económicamente durante años gracias a esa planta nuclear, y que por eso ahora están en problemas. Pero lo cierto es que Tokio es más responsable, ya que la que reclama enormes cantidades de energía para su funcionamiento diario”.

Toshi Fujiwara muestra en la fantasmal “No Man´s Zone” a un grupo de personas que quedan suspendidas en un limbo temporal: Permanecen entre los escombros de su pasado porque no tienen un futuro definido.

“Lo primero que pensé fue en esa gente que permanecía viva, entre las ruinas, y que a diferencia de las de otras zonas del país, nadie iba a ayudar. La actuación de nuestro gobierno fue poco honesta e incompetente y decidí rodar por primera vez una película de un modo completamente improvisado!.

Yo sí que conté con equipo de rodaje. Aunque solo constaba de tres personas. Una de ellas era uno de los mejores operadores de cámara de la industria japonesa. Por eso parte de la película puede centrarse en la belleza técnica. Muchos planos están hechos con trípode. Queríamos registrar para la posteridad los paisajes de la región, aún intactos en apariencia, pero que no volverán a verse jamás.

Fue una decisión espontánea, aunque quizá sea una cuestión cultural. Los grandes artistas japoneses siempre se han centrado en los paisajes. Pero también surgió como reacción opuesta a lo que los medios de comunicación estaban mostrando en sus coberturas. Leía en Internet cómo la gente que hasta entonces había vivido en la zona se quejaba y decía: Nuestro hogar es mucho más bello.

Yo soy un urbanita que siempre ha vivido en Tokio. De la gente que conocí allí aprendí la importancia de las tradiciones. Ahora estoy intentando rodar un nuevo documental, contando lo que ocurre allí un año después. Es una petición que me han hecho la gente del lugar tras ver esta película. La primavera es la época de los cerezos en flor, Sakura lo llamamos en japonés. Mi intención es celebrarlo allí y grabarlo con mi cámara”.

La tercera de las películas post-Fukushima que proyecta la Berlinale, “Friends after 3.11“, refleja la reacción social que, entre otras cosas, ha dado lugar a este prolífico subgénero cinematográfico. El director Iwai Shunji muestra a una sociedad nipona conversando sobre ciencia, política, altruismo, egoismo o dinero, y de la posibilidad de renunciar a la energía atómica. En definitiva, plantea un radical cambio de mentalidad.

La belleza de la estructura helicoidal de los ácidos nucleicos se ha explotado de muy diversas maneras, desde que Watson y Crick determinaran su elegante andamiaje en forma de escaleras paralelas unidas por peldaños de ACTG (Adenina, Citosina, Timina y Guanina). Algunos artistas, que cabalgan entre la estética pop y el microscopio electrónico se han fijado en las posibilidades de expresar eso que algunos llaman Dios y otros Naturaleza en sus creaciones.

Doscientos años después de su muerte, el divino Ludwig van Beethoven ha compuesto una pieza musical más… Ya saben que periódicamente en Christie’s o Sotheby’s, los templos de subastas más reputados del mundo, se incluyen lotes compuestos de porquerías orgánicas de difuntos. Desde caspa de Elvis (que la tenía y mucha) hasta unas bragas sucias de Marilyn (ahí soy más comprensivo), pasando por otras lindezas, que vienen a reemplazar la adoración que antes se brindaba a las reliquias de santos, no menos antihigiénicas.

Así, en las ermitas más remotas de Italia y España se puede rendir culto a uñas, dedos momificados, huesos y restos de sangre de numerosos protagonistas de las páginas del catecismo. Puede que una prueba de ADN revele su falsedad, como sucedió con la sábana santa de Turín, pero aquí lo que importa es la fe, que no entiende de aminoácidos ni de bases nitrogenadas.

Otra cosa es la Ciencia con mayúsculas, y el Negocio, también con mayúsculas. Así que volvamos a Sotheby’s. En 2009, el subastador golpeó con el mazo el estrado al grito de “Awarded!” (¡Adjudicado!) y un peculiar lote encontró comprador. En pocos minutos, y por una cifra de 6 dígitos, alguien se hizo con un mechón de cabellos del autor de la novena sinfonía más famosa de la Historia.

El artista italiano Nicholas Caposina pidió permiso al nuevo dueño de los pelillos de Beethoven, que entregó después al compositor escocés Stuart Mitchell, que suele enfocar sus trabajos bajo el prisma de una ciencia – arte llamada cymática, (ver cymatics.org) que explora las posibilidades del sonido en relación con las vibraciones en el agua o en la arena.

Mitchel asignó a cada uno de los 22 aminoácidos una nota musical, y a partir de ahí compuso una pieza para piano y viola basada en el ADN de Beethoven. A eso lo llamo yo rizar el rizo. Literalmente.

Un tenor escocés, Martin Aelred se sumó al proyecto, y entre todos han obtenido una pieza de cinco minutos de duración que hará las delicias de los necrófilos.

A un nivel más mundano, la empresa DNA 11 hace grandes retratos con la secuencia del ADN del usuario, y los entrega enmarcados en elegantes colores. Basta entregarles los restos de un beso en un sobre, o una colilla o cualquier pelo, y podremos encargar la obra, que está haciendo furor.

¿Arte? ¿Decoración? Los cuadros son bonitos, aunque quizá más adecuados para vestir las habitaciones de un hotel que las paredes de una galería. Para encargar una obra hay que solicitar antes el kit de recolección, que consta de un bastoncillo y un soporte plegable donde queda recogida la muestra. El precio más económico ronda los 200 euros, y ciertamente son obras originales, en la acepción más pura del término.

Volviendo a la obra póstuma del divino Ludwig, la autoría de la misma será objeto de disputa entre los herederos de Beethoven, Sotheby’s, el tenor escocés, Stuart Mitchel y el artista italiano que tuvo la idea.

Todo un quebradero de cabeza para las entidades de gestión de derechos, en el improbable caso de que se convierta en la canción del verano.

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Antonio Dyaz es director de cine

Foto: Wikimedia Commons

Pocas cosas van a escapar de los medidores de la ciencia. Ni siquiera se libra el amor. La compañía editorial estadounidense McSweeney y el laboratorio de investigación de sistemas de resonancia magnética de la Universidad de Stanford (MRSR) han organizado The Love Competition (La competición de amor). Y eso significa que hay que aprender a medirlo…

McSweeney y el MRI Lab convocaron a siete personas de diferentes edades y le pidieron que amaran a alguien, durante cinco minutos, lo más intensamente que pudieran. Ese amor (o, en realidad, la actividad cerebral que produce) quedaría recogido por las máquinas del laboratorio.

El vídeo se grabó para la entrega número 15 de Wholphin.

Gracias por la pista, Pablo Albacete.

70 formas de designar la lluvia en gallego, por qué tener más de 354 amigos en Facebook no trae nada bueno y consejos para escribir comedia aprendidos de Sheldon Cooper, en los 5 posts más leídos de la semana.

1. Los gallegos y sus 70 palabras para designar la lluvia

2. Por qué no deberías tener más de 354 amigos en Facebook

3. Seis reglas de la comedia (y la tragedia) con Sheldon Cooper

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