On connaît bien la chanson (c’est le cas de le dire) : les artistes streament, les plateformes encaissent, et les fans regardent. Quelques fractions de centime par écoute d’un côté, des milliards de valorisation boursière de l’autre. Tone Music veut changer ça — radicalement… Mais est-ce que cela va réellement arriver?

C’est quoi exactement Tone Music?

Tone Music (tonemusic.co) est à la fois une plateforme de streaming musical et un marché de trading d’actions d’artistes. Le concept : les fans peuvent acheter des parts liées aux royautés réelles générées par leurs artistes préférés sur la plateforme. Plus l’artiste cartonne, plus les détenteurs de parts gagnent.

En clair : tu crois en un artiste émergent ? Tu achètes ses parts. Il explose ? Tu gagnes avec lui.

Qui est derrière ?

Tone Music est développée par Tone Music Technologies LTD, une société fondée par Alon Haramati, ancien ingénieur logiciel dans une entreprise technologique de premier plan, reconverti en entrepreneur dans l’industrie musicale. La compagnie est basée à Tel Aviv, Israël (50 Dizengoff, Tel-Aviv-Jaffa).

La plateforme a été annoncée publiquement en mars 2026, et l’application mobile est disponible depuis le 9 avril 2026 sur Android (Google Play), avec une version web accessible en parallèle sur app.tonemusic.stream.

Comment ça marche concrètement ?

Le fonctionnement repose sur trois piliers :

Écoute et découverte — Tone Music est d’abord une appli de streaming classique où tu découvres des nouveaux artistes. Rien d’exceptionnel en apparence, mais c’est là que les écoutes génèrent des royautés qui alimentent tout le reste.

Achat et vente de parts — Chaque artiste présent sur la plateforme dispose de ses propres parts, échangeables 24h/24, 7j/7. Le prix fluctue selon l’activité de trading, exactement comme un marché boursier traditionnel. Il n’y a pas de montant minimum pour investir.

Revenus hebdomadaires — En détenant des parts, tu perçois chaque semaine une portion des royautés générées par l’artiste, proportionnelle à ta participation. Un revenu passif directement lié au succès musical.

La technologie derrière : la blockchain Starknet

Tone Music s’appuie sur Starknet, une blockchain de type Layer 2 construite sur Ethereum. Toute la collecte et la distribution des royautés, ainsi que les transactions, sont encodées dans des smart contracts — c’est-à-dire des contrats automatisés, immuables et publiquement vérifiables. Pas d’intermédiaire, pas de boîte noire.

C’est là que ça devient intéressant pour ceux qui suivent de près les enjeux de transparence dans l’industrie musicale : le système ne repose pas sur la bonne volonté d’une plateforme, mais sur un code qui s’exécute lui-même.

Pour les artistes

Du côté des créateurs, Tone Music propose un modèle radicalement différent des 0,003 $ par stream habituels. Les artistes qui rejoignent la plateforme peuvent émettre leurs propres parts et laisser leurs fans et soutiens les acheter, créant ainsi une communauté d’investisseurs directement motivés à faire circuler leur musique.

En retour, les artistes perçoivent des royautés bien supérieures aux standards du streaming classique. La plateforme est encore en croissance — elle revendique plus de 1 000 fans actifs (déjà en si peu de temps? C’est étrange…) — et les artistes peuvent candidater via un formulaire sur le site.

La parole des artistes : à noter que la plateforme étant très récente (lancée en avril 2026), les témoignages publics d’artistes utilisateurs sont encore rares sur le web. Alon Haramati, son fondateur, résume lui-même la vision ainsi : « We’re building a model where an artist’s success directly translates into value for both the artist and their supporters in a way that’s transparent, sustainable, and aligned. » (Nous construisons un modèle où le succès d’un artiste se traduit directement en valeur pour l’artiste et ses supporters). Une promesse à suivre dans les mois qui viennent, à mesure que le catalogue d’artistes s’étoffe.

Verdict ZiknBlog : ce qu’on en pense

Nous sommes face à un prototype ambitieux, pas encore à un écosystème. L’idée n’est pas entièrement nouvelle — on a vu passer des projets similaires avec les NFTs musicaux, et des plateformes comme Royal ou AnotherBlock avaient tenté des approches voisines. Ce qui distingue Tone Music, c’est l’intégration du streaming dans la boucle économique : les écoutes elles-mêmes alimentent les revenus, pas seulement la spéculation.

L’innovation du projet : relier l’écoute à la rémunération, et la rémunération à un marché transparent. C’est audacieux, stimulant, potentiellement transformateur. Mais c’est aussi un modèle qui risque de :

• financiariser encore davantage la carrière des artistes,
• créer une pression spéculative sur leur production,
• et déplacer le pouvoir vers ceux qui détiennent les parts plutôt que vers ceux qui créent la musique.

Reste des questions ouvertes : quelle masse critique d’artistes et d’auditeurs faut-il pour que le marché soit réellement liquide ? Comment éviter que des parts d’artistes populaires deviennent inaccessibles ? Et surtout — question qui nous est chère — est-ce que les artistes gardent le contrôle de leur catalogue et de leur image dans ce modèle ?

La technologie promet beaucoup, mais la valeur réelle reste dans les mains des artistes. À nous de rester vigilants — et à eux de continuer à faire vibrer ce que les marchés ne sauront jamais mesurer.

Ça mérite d’être suivi de près. Tone Music ouvre une porte intéressante — mais il faudra surveiller attentivement ce qui passe par cette porte. L’appli est disponible dès maintenant.

Liens utiles

• Site officiel : tonemusic.co
• Pour les artistes (candidature) : tonemusic.co/for-artists
• Google Play : Tone Music: Stream & Trade
• Instagram : @tonemusicapp

Le choc des univers

Vidéoclip « Céline » de François Staal

Dans Céline, François Staal marche dans un monde qui semble prêt à s’effondrer, mais qu’il continue de regarder avec tendresse. La caméra suit la fragilité humaine comme un souffle. La lumière est douce, les plans contemplatifs, presque suspendus.Son rock poétique, orchestral et introspectif s’ancre dans une humanité profonde, une errance lumineuse, une façon de regarder le monde avec douceur même lorsqu’il se fissure. Sa présence scénique est habitée, lente, grave, presque cinématographique. Sa signature : des textes ciselés et une voix qui porte le poids des histoires. Le clip Céline en est l’illustration parfaite.

Vidéoclip live « Sarniezz » d’Angine de Poitrine

Dans Sarniezz, Angine de Poitrine construit un univers où tout est tension : pulsations mécaniques, textures industrielles, images qui évoquent l’urgence et la répétition. C’est un choc sensoriel, une immersion dans la pression du quotidien. Leur musique est instrumentale, nerveuse, électro‑punk, post‑industrielle. Pas de voix, pas de mots : seulement des machines, des textures, des pulsations qui disent l’angoisse moderne mieux que n’importe quel discours. Leur langage scénique est fait de ruptures, de tension, de chaos maîtrisé. Leur signature : une intensité brute qui traverse le corps. Le clip Sarniezz en est la démonstration la plus frappante.

Là où Staal respire, Angine de Poitrine comprime : le point de collision

Ce qui les oppose est évident : Staal raconte, Angine ne parle jamais. L’un sculpte la nuance, l’autre découpe le réel au scalpel. Staal avance comme une rivière sombre, Angine frappe comme une sirène d’urgence. Le premier cherche la lumière dans la mélancolie, le second expose la tension du monde sans filtre.

Mais ce qui les rapproche est plus subtil et plus puissant. Tous deux travaillent la vérité, pas la perfection. Tous deux portent une sensibilité à vif, même si elle s’exprime différemment. Tous deux racontent une époque où la fragilité et la fureur cohabitent. Et tous deux construisent une narration forte : Staal avec ses mots, Angine avec ses machines.

Et pourtant, ces deux clips dialoguent. Staal montre la blessure. Angine montre la pression. Ensemble, ils composent une cartographie émotionnelle complète : l’intérieur et l’extérieur, le souffle et l’alarme, la poésie et la crise.

Si François Staal chantait sur une montée d’Angine de Poitrine : la rencontre imaginaire

On imagine une scène plongée dans une lumière bleutée. François Staal ouvre avec une ligne parlée, presque murmurée : un constat, une image, un fragment de vie. Puis Angine de Poitrine entre, non pas pour accompagner, mais pour fissurer la phrase, la déformer, la projeter dans un autre espace.

Le morceau fictif pourrait s’appeler “Respirer encore”. Staal y poserait une guitare lente, une voix grave, un texte poétique. Angine y injecterait des machines nerveuses, des textures instrumentales, une montée en tension qui enveloppe la voix sans jamais l’écraser. Le refrain serait un point de fusion : Staal chante, Angine transforme sa voix en halo abrasif, comme si le monde entier vibrait autour de lui.

On imagine même un clip : Staal dans un espace ouvert, Angine dans un espace clos. Les plans se superposent, se dédoublent, se confrontent. À la fin, les deux univers se rejoignent dans une lumière blanche, comme un souffle qui revient.

Les duos improbables – Signature Zik’n’Blog

Les duos improbables, une série qui explore les rencontres musicales qu’on n’attendait pas, mais qu’on aurait rêvé de voir.

Ce duo révèle une vérité simple : parfois, les artistes les plus éloignés sont ceux qui, mis ensemble, racontent le mieux ce que nous vivons. Il raconte notre époque. La douceur qui tente de survivre. La violence du quotidien. La poésie qui refuse de mourir. L’angoisse qui cherche une forme.

Nous pouvons découvrir que deux univers opposés peuvent créer une émotion nouvelle, un espace où la fragilité rencontre la fureur, où la beauté se cache dans les fractures. C’est un duo qui ne devrait pas fonctionner, mais qui, une fois imaginé, devient évident.

Et maintenant, selon toi : Quel duo improbable devrions-nous explorer la prochaine fois?

Dans ce paysage saturé, Tapedeck, lancé en 2024 par Zedge depuis les États‑Unis, débarque avec une proposition presque insolente dans sa simplicité : un centime par écoute comme minimum garanti — et les artistes fixent eux‑mêmes leurs tarifs. Un modèle qui tranche radicalement avec Spotify et même avec Bandcamp.

Pour l’instant, Tapedeck est en phase pilote, exclusivement aux États‑Unis et uniquement sur iOS. Mais son ambition dépasse largement ce territoire.

Pourquoi Tapedeck change la conversation

Tapedeck n’est pas un “nouveau Spotify”. C’est un rappel brutal : oui, on peut payer correctement les artistes. Et on le sait, parce que son créateur l’a déjà fait.

• En 2001, Rhapsody payait 1 centime par écoute
• Les apps Freeform (Lil Wayne, Chris Brown, The Cult…) montaient à 5–13 centimes par écoute
• Aujourd’hui, Tapedeck remet ce plancher au centre du débat : les artistes fixent leurs prix pour le streaming et les téléchargements

Et 80 % des revenus reviennent aux ayants droit

Pas de formule opaque. Pas de prorata. Pas de “pool global”. Juste un prix clair, choisi par l’artiste, payé par le fan.

Comparatif : Tapedeck vs Bandcamp/Subvert vs Spotify

Ce que Tapedeck dit tout haut

Tapedeck met le doigt sur un tabou : les majors ne sont presque jamais payées à l’écoute, elles imposent des contrats où le service doit payer la formule la plus avantageuse pour elles et les artistes, eux, finissent avec des fractions de centime

Tapedeck casse cette logique en redonnant le pouvoir aux créateurs. Pas de minimum syndical imposé par un label. Pas de plafond algorithmique. Pas de « 1 000 premières écoutes non payées » comme chez Spotify.

Une expérience pensée pour les fans

Tapedeck fonctionne avec un système de crédits :

• 10 crédits gratuits au départ
• 1 crédit = 0,01 $
• 30 premières secondes gratuites
• 1 crédit si l’écoute dépasse
• 100 crédits pour un morceau, 1 000 pour un album
• possibilité de payer plus (tip intégré)

C’est simple, lisible, assumé. Et surtout : ça remet la valeur au centre.

Alors, Tapedeck peut-il remplacer les plateformes en place ?

Soyons honnêtes : non. Et ce n’est pas son ambition.

• Spotify restera la plateforme de l’écoute passive.
• Bandcamp et Subvert resteront la maison des indés, du merch, des vinyles, des communautés.
• Tapedeck, lui, propose un acte de soutien immédiat, presque militant.

C’est un outil complémentaire, pas un concurrent. Un espace où l’écoute redevient un geste économique clair.

Ce que cela signifie pour les artistes indés

Tapedeck ouvre une brèche : et si on arrêtait de considérer la musique comme un flux illimité sans valeur ? Et si chaque écoute redevenait un acte de soutien ?

Pour les artistes, c’est une opportunité :

• de fixer leurs prix
• de tester des modèles
• de reconnecter valeur et écoute
• de sortir du piège du “plus d’écoutes = plus de visibilité mais pas plus de revenus”

Pour les fans, c’est un rappel : la musique n’est pas gratuite — elle est précieuse.

Verdict Zik’n’Blog

Tapedeck n’est pas une révolution technologique. C’est une révolution symbolique.

Dans un monde où les plateformes dictent la valeur de l’art, Tapedeck renverse la logique : ce sont les artistes qui décident. Ce sont les fans qui choisissent de payer plus. Et chaque écoute redevient un geste qui compte.

Un modèle imparfait, limité pour l’instant (iOS, États‑Unis seulement)… mais un signal fort.

Et chez Ziknblog, on aime les signaux qui bousculent l’industrie.

Quand le corps revendiqué rencontre le voyage intérieur.

Deux façons de tracer une frontière, deux manières de dire non.

Deux univers qui ne devraient pas se croiser… et pourtant, pour Zik’n’Blog, ce serait une belle fusion!

Le choc des univers

Ce duo improbable fonctionne parce que leurs univers, pourtant opposés, parlent de la même chose : comment exister pleinement dans un monde qui commente, projette, interprète sans cesse ce que l’on est.

Adélys — le corps qui se défend et se célèbre

Avec « Ton corps », Adélys signe un texte qui tient autant du poème que du coup de poing. Le morceau s’adresse à toutes les petites phrases qu’on a entendues mille fois : les commentaires sur le corps, les injonctions, les regards qui pèsent. Elle les renverse, les retourne, les expose.

Son esthétique :

• Sonore : électro-pop tendue, pulsation presque cardiaque, voix claire mais déterminée.
• Visuelle : couleur jaune, gestes précis, présence frontale, caméra comme témoin direct.
• Émotionnelle : colère lucide, vulnérabilité assumée, refus de se laisser réduire.

Ici, le corps n’est plus un objet à commenter : c’est un territoire souverain, un espace intime qui se défend, se raconte, se célèbre.

Vidéoclip « Ton corps » d’Adélys

Dans ce type de clip, tout repose sur la présence : peu de décor, beaucoup de regard. La répétition du texte devient incantation, presque rituel de désenvoûtement : on se débarrasse des phrases qu’on a intégrées malgré soi, on les renvoie à l’expéditeur.

Philippe B — le voyageur des mondes intérieurs

À l’opposé apparent, Philippe B avance avec une écriture plus feutrée, plus narrative, mais tout aussi incisive. Dans un titre de son dernier album, il tisse un voyage où les routes, les souvenirs et les références littéraires ou mythologiques se superposent.

Son esthétique :

• Sonore : guitares, arrangements subtils, parfois cordes ou cuivres, une production qui laisse respirer les mots.
• Textuelle : images précises, références discrètes, phrases qui restent longtemps après l’écoute.
• Émotionnelle : nostalgie, tendresse, lucidité, une mélancolie qui ne se complaît jamais.

Chez lui, le corps est moins frontal, mais toujours présent : c’est celui qui marche, qui traverse les saisons, qui porte les souvenirs, qui encaisse le temps.

Une chanson comme odyssée intime

Là où Adélys dit « stop » au regard extérieur, Philippe B raconte ce qui se passe après : quand on continue d’avancer, malgré tout, avec ce qu’on a vécu. Le voyage n’est pas seulement géographique : il est intérieur, fait de renoncements, de retours, de petites épiphanies.

Pas de vidéo pour Philippe B : https://music.youtube.com/watch?v=zzSiyjULo3I&si=XSxMbIMPaesTM9Qw

Deux visions, une même tension : qui raconte notre histoire ?

Ce qui relie ces deux artistes, c’est cette tension permanente entre :

• ce que les autres projettent sur nous,
• et ce que l’on décide de raconter de nous-mêmes.

Adélys coupe court aux projections : elle refuse qu’on commente son corps, son apparence, sa présence.

Philippe B, lui, reprend la main sur le récit : il choisit les mots, les images, les souvenirs qui vont le définir — ou le déformer volontairement.

Ensemble, ils posent une question essentielle : à qui appartiennent nos corps, nos histoires, nos trajectoires ?

Et s’ils collaboraient ?

On imagine très bien un morceau où :

• Adélys pose un texte parlé-chanté, direct, sur le corps, le consentement, la fatigue d’être constamment observé·e.
• Philippe B tisse autour une guitare douce, quelques cordes, une mélodie qui ouvre des paysages.
• Le refrain devient un point de rencontre : elle affirme, il raconte, leurs voix se croisent sans se confondre.

Un clip possible :

• Adélys en plan serré, dans un espace urbain, presque étouffant.
• Philippe B en mouvement, sur la route, dans des lieux plus ouverts.
• À la fin, les deux espaces se superposent : le corps et le voyage ne font plus qu’un.

Un duo qui surprend, mais qui résonne. Un duo qui ne cherche pas l’harmonie parfaite — mais la vérité.

Les duos improbables – Signature Zik’n’Blog

Les duos improbables — Une série qui explore les rencontres musicales qu’on n’attendait pas, mais qu’on aurait rêvé de voir.

Subvert a été fondé par Austin Robey, incorporé aux États‑Unis, dans l’État du Colorado fin 2025 mais annoncé publiquement bien avant avec notamment un forum d’échanges déjà présent en 2024.

On apprend selon Wikipedia qu’avant même d’ouvrir la plateforme, Subvert a publié un zine de 140 pages, Plans for an Artist-Owned Internet. Ce document, vendu en version papier et disponible gratuitement en numérique, a généré plus de 125 000 $ en ventes et adhésions dès 2025, un succès inattendu pour un manifeste coopératif.

Une plateforme qui ne se contente pas d’héberger de la musique

Subvert n’est pas un énième service de streaming ou un nouveau distributeur. C’est un espace où l’on peut acheter de la musique, découvrir des artistes, soutenir des projets sans être membre. Mais derrière cette façade accessible, se cache une structure beaucoup plus ambitieuse : une coopérative culturelle qui documente tout, du fonctionnement interne aux décisions stratégiques .

Là où d’autres plateformes demandent la confiance, Subvert propose la preuve à la recherche d’un modèle plus équitable pour les artistes.

Une coopérative qui joue cartes sur table à gouvernance démocratique

Sur leur site internet, on trouve tout ce que les artistes réclament depuis des années : une transparence qui tranche avec les géants du secteur, où les décisions tombent d’en haut et où les artistes découvrent les règles… après coup. C’est simple : tout ce qui définit Subvert est accessible.

Subvert ne se contente pas d’afficher le mot “coopérative” comme un vernis éthique. Les membres peuvent réellement :

• voter,
• proposer des changements,
• participer à l’assemblée générale,
• et même… révoquer un membre du conseil si nécessaire.

C’est une plateforme qui accepte l’idée que le pouvoir doit circuler. Et que les artistes, labels, fans et acteurs culturels ne sont pas des “utilisateurs”, mais des co-propriétaires potentiels.

Un site qui dit tout haut ce que l’industrie dit tout bas

Lorsque l’on explore Subvert, on comprend rapidement que la plateforme ne se contente pas d’exister : elle explique précisément comment elle fonctionne. Tout est présenté de manière structurée, depuis l’organisation interne de la coopérative jusqu’à la façon dont elle finance ses activités. On y découvre comment les décisions sont prises, comment la gouvernance est organisée, et comment la plateforme opère au quotidien. Le site détaille aussi les accords légaux qui encadrent les relations entre les membres, les politiques internes qui guident les comportements, les critères utilisés pour accepter de nouveaux participants, ainsi que les standards communautaires qui définissent l’esprit du projet. Même la manière dont Subvert aborde l’intelligence artificielle y est expliquée. L’ensemble forme un panorama complet qui permet à chacun de comprendre non seulement ce que fait Subvert, mais surtout comment et pourquoi elle le fait.

C’est un peu un mélange de Bandcamp, un syndicat d’artistes et un wiki open-source en un lieu.

L’expérience utilisateur

Subvert est une plateforme qui demande de choisir, pas de consommer. Ce n’est pas un endroit qui se “défile” en arrière‑plan comme Spotify ou Apple Music. Ici, rien ne se lance automatiquement, rien ne tourne en boucle sans toi. L’expérience est volontaire, presque militante : tu dois choisir d’écouter.

Et c’est précisément ce qui change tout.

• Pour les fans/soutiens : une écoute intentionnelle, pas algorithmique

Sur Subvert, il n’y a ni recommandations automatiques, ni playlists infinies, ni algorithmes qui décident pour toi, ni “radio d’artiste” qui t’emmène ailleurs sans t’en apercevoir. Tu arrives sur une page artiste, tu cliques, tu écoutes. Chaque écoute est un acte, pas un bruit de fond. En quelque sorte, c’est plus proche d’un disquaire numérique que d’un service de streaming. Une plateforme qui te demande : “Qu’as‑tu envie d’écouter, vraiment ?”

• Pour les artistes : un espace clair, sans pièges ni commissions

L’interface artiste est volontairement simple : tu crées ta page, tu ajoutes ta musique, tu fixes ton prix et tu publies. Le tout se fait sans frais cachés, pas de commission pour la plateforme (coût seulement des transactions bancaires), pas de “boost payant”, pas d’options premium, pas de hiérarchie algorithmique. La possibilité de vendre musique en accordant une priorité aux supports physiques et aux produits dérivés, tout en proposant également des téléchargements numériques avec une facilité de mise en ligne inégalée et une transparence totale des règles.

• Pour les labels : un outil de gestion simple et coopératif

Les labels ont un rôle de co‑décideur en y gérant bien évidemment plusieurs artistes, en organisant leurs sorties, en suivant leurs ventes, en participant à la gouvernance et en proposant des changements structurels.

• Les limites actuelles de l’expérience utilisateur

Subvert est jeune, et ça se voit par sa navigation parfois minimaliste (je n’ai pas réussi à trouver un artiste par pays par exemple mais en fouillant un peu, j’ai finalement réussi grâce une l’url), une interface encore en évolution, son manque d’application mobile dédiée et une communauté qui doit encore grandir. Mais ces limites sont assumées, expliquées, documentées.

En résumé : Subvert est une expérience culturelle, pas un produit.

Ce qu’en pensent les artistes

Du côté des artistes et des labels qui ont testé Subvert, un consensus se dégage : la plateforme apporte un souffle nouveau dans un écosystème souvent perçu comme verrouillé. Beaucoup y voient une alternative crédible à Bandcamp, surtout depuis les rachats successifs qui ont fragilisé la confiance dans ce dernier. Subvert séduit par sa transparence radicale, sa gouvernance ouverte et son modèle coopératif qui redonne une place réelle aux créateurs dans les décisions.

Les retours soulignent aussi la clarté du fonctionnement : pas de frais cachés, pas de commissions, pas de zones grises. Pour les artistes, cela change tout. Ils apprécient de pouvoir vendre leur musique dans un espace où les règles sont publiques, discutées et modifiables collectivement. Cette dimension démocratique est souvent perçue comme un contre‑pouvoir nécessaire face aux plateformes traditionnelles.

Mais les artistes ne sont pas naïfs. Ils reconnaissent que Subvert reste une plateforme jeune, encore en construction, avec un modèle économique basé sur la contribution volontaire qui devra faire ses preuves. Certains pointent aussi le défi majeur : attirer suffisamment d’acheteurs pour que l’écosystème soit viable, et pas seulement une communauté d’artistes convaincus.

Globalement, les retours sont enthousiastes mais lucides. Subvert est perçu comme un projet sérieux, structuré, et surtout aligné avec les valeurs que beaucoup d’artistes défendent : équité, transparence, autonomie. Une plateforme qui ne promet pas de révolutionner l’industrie du jour au lendemain, mais qui propose enfin une direction différente et ça, pour beaucoup, c’est déjà une petite révolution.

Aujourd’hui, Subvert rassemble plus de 19 000 artistes et près de 3 000 labels issus de plus de 120 pays, dont notre ami artiste Lyonnais Ben Popp, un signe clair de l’intérêt croissant pour ce modèle coopératif. 

Ce qu’en pense Zik’n’Blog, membre de soutien de la coop

On adore le forum SubVert. Il n’est pas un simple espace de discussion : c’est un véritable laboratoire d’idées, un endroit où la musique indépendante se pense, se débat et se réinvente au quotidien. On y croise une communauté qui n’a pas peur de dire ce qu’elle pense, de contester les modèles établis, de proposer des pistes nouvelles. Les échanges y sont francs, parfois passionnés, toujours stimulants, exactement ce qu’on attend d’un lieu où la musique n’est pas seulement écoutée, mais questionnée.

C’est là que se déroulent certaines des conversations les plus intéressantes du moment : comment imaginer un modèle plus juste pour les artistes, comment sortir des logiques opaques du streaming, comment redonner du pouvoir aux créateurs et aux communautés. On y lit des analyses fines, des témoignages d’artistes, des réflexions de fans engagés, des critiques du système actuel… bref, un espace où la pensée musicale circule librement.

Pour qui s’intéresse à l’avenir de la musique, à ses enjeux économiques, culturels ou technologiques, c’est un endroit où il faut traîner, écouter, participer, se laisser surprendre. Le forum SubVert n’est pas seulement un lieu d’échange : c’est une scène à part entière, un territoire où la musique retrouve sa dimension collective.

Parce que l’industrie musicale traverse une période où les artistes ont besoin de repères, de modèles alternatifs, de structures qui ne les considèrent pas comme des lignes de données. Subvert propose un modèle où :

• la propriété est partagée,
• les décisions sont collectives,
• la transparence est la règle,
• et la plateforme appartient à celles et ceux qui la font vivre.

Dans un monde où la musique est souvent traitée comme un flux anonyme, Subvert rappelle une évidence : la culture est un bien commun.

Un projet à suivre

Pour un artiste indépendant avec une fanbase active, Subvert peut déjà être plus rentable que Bandcamp ou Spotify. Pour un artiste inconnu, la rentabilité dépendra surtout de sa capacité à attirer du public. Parce qu’avec la domination totale du streaming aujourd’hui, on en vient presque à douter que le public ait encore la volonté, ou même l’habitude, de payer pour les œuvres des artistes…

Subvert n’est pas seulement un outil : c’est un laboratoire. Un espace d’expérimentation où l’on peut observer ce que devient la musique quand on la confie à une communauté plutôt qu’à un conseil d’administration invisible.

Et si ce modèle prenait racine ailleurs ? Et si les artistes reprenaient réellement la main sur les plateformes qu’ils alimentent ? Et si la prochaine révolution musicale n’était pas sonore, mais structurelle ? Subvert va-t-il tout renverser, faire tomber ou détruire un ordre bien établi?

Selon moi, Subvert restera une niche influente, mais son impact demeurera restreint puisqu’il s’adresse avant tout à un public curieux et spécialisé. La plateforme deviendra un refuge pour les artistes indépendants qui attirera une communauté fidèle, mais les fans « participatifs » ne seront, je pense, pas assez nombreux.

Quoi qu’il en soit, Zik’n’Blog soutien ce projet et continuera à le suivre parce que les alternatives crédibles méritent d’être mises en lumière, surtout quand elles redonnent du pouvoir à celles et ceux qui créent.

D’un côté : Thaïs, douceur électro‑pop, mélancolie lumineuse, sensibilité à fleur de peau. De l’autre : Lydia Képinski, pop dramatique, ironie tranchante, intensité théâtrale.

Deux univers qui ne devraient pas se croiser… et pourtant, pour Zik’n’Blog, ça fonctionnerait plutôt bien!

Le choc des univers

Ce duo improbable fonctionne parce que leurs univers, pourtant opposés, parlent de la même chose : la difficulté d’exister, de ressentir, de se tenir debout dans un monde qui bouscule.

• Thaïs murmure ce que Lydia crie.
• Lydia tranche là où thaïs caresse.
• Thaïs danse pour survivre.
• Lydia chante pour ne pas exploser.

Ensemble, elles créeraient un espace où la douceur rencontre la démesure, où la fragilité se teinte d’ironie, où la pop devient un terrain de jeu émotionnel.

Thaïs — la douceur qui danse malgré tout

Avec Arrête de danser, thaïs propose un clip où la fragilité devient mouvement. Une pop intime, presque chuchotée, qui se déploie dans un univers nocturne, sensible, suspendu. Chez elle, la danse n’est pas un geste festif : c’est un refuge, un exutoire, une manière de tenir debout quand tout vacille.

Son esthétique :

• électro-pop douce,
• mélodies enveloppantes,
• émotions à vif,
• une présence discrète mais magnétique.

Thaïs, c’est la lumière tamisée d’une fin de soirée où l’on ose enfin dire ce qu’on ressent.

Vidéoclip Arrête de danser de Thaïs

Dans ce clip nocturne, sensible, où la danse devient un langage intérieur, thaïs transforme la fragilité en mouvement — une esthétique minimaliste, fragile, profondément humaine, qu’on ne peut qu’avoir envie de ressentir plutôt que de simplement regarder.

Lydia Képinski — l’intensité qui tranche

À l’opposé apparent, Lydia Képinski avance avec une pop plus frontale, plus dramatique, plus explosive. Elle joue avec les contrastes, les ruptures, les éclats. Chez elle, la vulnérabilité n’est jamais passive : elle est revendiquée, assumée, amplifiée.

Son esthétique :

• pop alternative théâtrale,
• textes acérés,
• humour noir et autodérision,
• refrains qui frappent fort.

Lydia, c’est la lumière crue d’un néon qui révèle tout — même ce qu’on aurait préféré cacher.

Vidéoclip Premier juin de Lydia Képinski

Plonge dans un univers dramatique, presque cinématographique, où chaque rupture et chaque contraste sculptent une intensité qui ne s’excuse jamais — une montée émotionnelle signée Lydia Képinski qu’il faut vivre autant qu’écouter.

Deux visions du monde, deux manières de survivre à soi-même.

Et si elles collaboraient ?

On imagine un morceau où :

• Thaïs apporte la douceur,
• Lydia apporte la tension,
• les synthés oscillent entre caresse et tempête,
• le texte navigue entre introspection et ironie,
• la production joue sur les contrastes, comme un battement de cœur instable.

On imagine très bien la voix délicate de Thaïs sur une production plus dramatique, Lydia qui vient fissurer la douceur avec une ligne tranchante, un clip où l’on passe de l’intime au grandiose, un refrain qui bascule entre murmure et éclat.

Un duo qui surprend, mais qui résonne. Un duo qui ne cherche pas l’harmonie parfaite — mais la vérité.

Création inspirée de ces deux artistes avec Suno IA

Les duos improbables – Signature Zik’n’Blog

Les duos improbables — une série qui explore les rencontres musicales qu’on n’attendait pas, mais qu’on aurait rêvé de voir. Selon toi, quel duo serait improbable que je devrais explorer?

Origine et identité : une plateforme née au Liban, pensée pour une région entière

Anghami est fondée en 2012 par Eddy Maroun et Elie Habib, deux entrepreneurs libanais confrontés à une réalité simple : l’absence totale, à l’époque, d’une plateforme légale permettant d’écouter de la musique arabe en streaming. Le projet naît à Beyrouth, dans un contexte où l’accès à la musique passe encore par le piratage, les téléchargements informels et des catalogues fragmentés.

La plateforme est mise en ligne officiellement en novembre 2012, devenant la première application de streaming musical disponible dans le monde arabe. La société est d’abord enregistrée au Liban, puis s’étend en tant qu’entreprise technologique opérant dans plusieurs pays de la région MENA. Son lancement public marque un tournant : pour la première fois, une plateforme locale propose un accès légal, structuré et éditorialisé à la musique arabe.

Réponse à l’absence de représentation numérique de la musique arabe

Anghami est créée pour résoudre un problème structurel : la musique arabe n’existe quasiment pas sur les plateformes internationales, ou alors de manière dispersée, mal catégorisée, difficile à trouver. Les fondateurs veulent offrir un espace où les artistes locaux sont visibles, où les catalogues sont complets, et où les fans peuvent accéder à une bibliothèque qui reflète leur culture.

La plateforme s’adresse d’abord au marché MENA, puis s’ouvre progressivement à la diaspora arabe en Europe et en Amérique du Nord. Contrairement à une idée répandue, Anghami peut être installée dans n’importe quel pays : l’application est disponible mondialement sur les stores iOS et Android. Ce sont les catalogues qui varient selon les droits territoriaux, mais l’accès à la plateforme, lui, est global.

Ce qui distingue Anghami des plateformes traditionnelles n’est pas seulement son catalogue : c’est sa dimension culturelle, son travail éditorial, ses partenariats locaux, et sa volonté de créer un espace où la musique arabe n’est pas un “genre”, mais un univers complet. Là où les géants du streaming proposent un modèle global standardisé, Anghami revendique une approche enracinée dans les scènes locales, dans les langues, dans les traditions musicales.

Une plateforme pensée pour l’écoute, la découverte et la mise en avant des artistes locaux

Pour l’utilisateur, Anghami fonctionne comme un service de streaming classique : écoute en continu, playlists, recommandations, radios, téléchargements hors‑ligne. Mais la plateforme mise sur une découverte éditorialisée, avec des sélections locales, des playlists régionales, et une mise en avant des artistes arabes qui n’existe nulle part ailleurs.

Sur le plan technologique, Anghami utilise des outils d’analyse, des systèmes de recommandation, et des infrastructures cloud adaptées à un marché fragmenté. Elle a également développé des fonctionnalités sociales, permettant aux utilisateurs de partager des extraits, de suivre des artistes, ou de découvrir des tendances locales.

Anghami rémunère les artistes selon un modèle proche du streaming dominant, basé sur les écoutes. Mais la plateforme insiste sur une transparence accrue, un dialogue direct avec les labels locaux, et une meilleure prise en compte des artistes indépendants.

La différence majeure réside dans son écosystème régional : Anghami travaille avec des labels qui n’ont pas toujours accès aux infrastructures internationales, et propose un accompagnement plus direct. Les avantages pour les créateurs sont évidents : visibilité, accès à un marché immense, mise en avant éditoriale. Les limites restent celles du streaming : dépendance au volume d’écoutes, revenus parfois faibles pour les artistes émergents.

Une plateforme devenue incontournable dans le monde arabe

Anghami revendique des dizaines de millions d’utilisateurs et un catalogue de millions de titres, incluant la quasi‑totalité des artistes arabes majeurs. Les grandes stars de la région y sont présentes, tout comme une scène indépendante en pleine expansion.

Les témoignages d’artistes existent, mais restent souvent intégrés dans les communications officielles de la plateforme. Anghami met en avant des collaborations, des exclusivités, des lancements d’albums, et des partenariats avec des festivals ou des radios locales.

Pour rejoindre la plateforme, les artistes passent par un formulaire dédié, ou via leurs labels. Anghami accepte les créateurs indépendants, mais la sélection dépend de critères de qualité, de légalité des droits, et de cohérence avec son catalogue.

Le discours d’Anghami sur l’intelligence artificielle est nettement plus prudent que celui des plateformes occidentales. Là où Spotify, YouTube Music ou Deezer expérimentent déjà des outils de génération vocale, de création musicale automatisée ou de playlists entièrement produites par IA, Anghami adopte une posture défensive et protectrice. La plateforme a annoncé publiequement qu’elle n’accepte pas les morceaux créés par IA lorsqu’ils imitent des voix humaines ou des artistes existants. Elle est anti‑IA générative, pro‑IA analytique puisqu’elle utilise l’IA pour mieux recommander, mais pas pour remplacer les artistes.

Acquisition et intégration dans l’écosystème : une nouvelle ère avec OSN

En 2024, Anghami marque un tournant majeur quand le groupe OSN (Orbit Showtime Network), géant du divertissement basé à Dubaï, a acquis la majorité des parts d’Anghami, avant de racheter les actions restantes en 2025. Depuis, Anghami s’inscrit dans une stratégie financière que OSN déploie pleinement en 2026, où la plateforme devient un élément d’un écosystème multimédia unifié mêlant musique, séries et films. Derrière la promesse d’investissements et de modernisation, OSN cherche surtout à stabiliser ses revenus, rationaliser les coûts hérités de l’ère Nasdaq et concentrer ses efforts sur les marchés du Golfe, les plus rentables. Dans cette logique, Anghami risque de glisser d’un rôle culturel autonome vers celui d’un produit d’abonnement intégré, pensé pour renforcer la rétention des clients OSN.

Cette intégration ouvre une phase plus efficace mais aussi plus standardisée. En 2026, la priorité d’OSN est l’optimisation : mutualiser les infrastructures, renforcer les bundles télécoms et réduire tout ce qui ne contribue pas directement à la rentabilité. Cette approche pourrait diluer ce qui faisait la singularité d’Anghami, née pour défendre la musique arabe et offrir un espace aux artistes locaux. La question n’est plus seulement de savoir si Anghami peut redevenir rentable, mais si elle peut le faire sans sacrifier son identité culturelle au profit d’une logique commerciale plus large.

Une plateforme essentielle, mais confrontée à des défis structurels

Anghami porte une vision forte, mais elle n’est pas exempte de risques. La dépendance au modèle du streaming pose les mêmes questions que partout ailleurs : financiarisation de l’écoute, pression sur les artistes pour produire davantage, difficulté à garantir des revenus stables.

L’acquisition par OSN ouvre de nouvelles perspectives, mais aussi de nouvelles incertitudes. L’intégration dans un groupe multimédia peut offrir des moyens considérables, mais elle peut aussi diluer l’identité d’une plateforme née pour défendre une culture musicale spécifique.

Les zones d’incertitude demeurent nombreuses : la liquidité réelle du marché arabe, la capacité d’Anghami à rester accessible aux artistes indépendants, le maintien d’un contrôle équilibré du catalogue et la question de sa compétitivité face aux géants internationaux. Au fond, tout converge vers une interrogation centrale : Anghami pourra‑t‑elle préserver son indépendance éditoriale et sa mission culturelle dans un cadre désormais piloté par un groupe dont la logique est avant tout commerciale ? Les artistes y gagneront‑ils en visibilité ou verront‑ils se refermer un espace qui, jusqu’ici, leur appartenait davantage.

Verdict ZiknBlog : une plateforme culturelle locale qui a sa place

Anghami est bien plus qu’un service de streaming. Ce qui la distingue réellement, c’est son ancrage culturel, son rôle de plateforme régionale, et sa capacité à représenter une scène musicale entière. C’est un espace où la musique arabe existe pleinement, où les artistes locaux trouvent une visibilité que les plateformes globales ne leur offrent pas.

L’acquisition par OSN pourrait transformer la manière dont la région produit, distribue et valorise sa musique. Elle pourrait aussi perturber l’équilibre entre les géants du streaming et les plateformes régionales, en montrant qu’un modèle local peut rivaliser avec les standards internationaux.

La question qui demeure est simple : Anghami saura‑t‑elle préserver son identité culturelle tout en devenant un acteur multimédia global ?

C’est ce que nous surveillerons…

Deux artistes qui refusent les cases

Hubert Lenoir et Christine and the Queens (alias Redcar) partagent une même obsession : la liberté de se réinventer. L’un, enfant terrible de Québec, s’est imposé avec Darlène comme un météore glam‑rock, mêlant chaos et tendresse. L’autre, figure majeure de la pop française, explore la fluidité du genre et la spiritualité queer à travers des performances qui brouillent les frontières entre concert et théâtre.

Leur art est viscéral, incarné, parfois déroutant — mais toujours sincère.

Le choc des univers

Nom imaginé du duo : Hubert and the Queen

Et si on les imaginait ensemble sur scène, dans un spectacle intitulé « Les corps électriques » : Hubert au piano, Christine à la danse, un dialogue entre cris et silence, entre Québec et Paris, entre l’ombre et la lumière. Ce serait pas mal, n’est-ce pas?

• Parce qu’il incarne la liberté de création sans compromis.
• Parce qu’il unit deux continents francophones autour d’une même audace.
• Parce qu’il donne une voix à ceux qui refusent de choisir entre douceur et chaos.

Les clips à (re)découvrir

Hubert Lenoir – Fille de personne II

Christine and the Queens – Christine

Deux corps, deux langages, une même quête : exprimer la vérité sans filtre.

Les duos improbables – Signature Zik’n’Blog

Les duos improbables — une série qui explore les rencontres musicales qu’on n’attendait pas, mais qu’on aurait rêvé de voir. Quel sera le prochain duo? N’hésitez pas à nous partager vos duos improbables!

Le résultat de ces discussions en vidéo

Voici un exemple de ce qui s’y passe. Zik’n’Blog vous propose de découvrir une vidéo avec l’invitée Vanessa Potier que vous pouvez visionner plus bas. Elle aborde le booking en explorant les thèmes suivants :  :

1. Développement vs artiste confirmé : deux réalités différentes

Vanessa Potier explique que booker un artiste en développement demande de convaincre les salles, les programmateurs et le public. Pour un artiste confirmé, il n’y a plus à convaincre — mais il faut obtenir les meilleurs deals, les meilleures salles, et gérer un niveau d’exigence beaucoup plus élevé. Ce sont deux métiers différents, avec deux réseaux différents.

2. Comment un booker choisit un artiste

La sélection ne se fait pas sur une démo. Elle se fait :

• par rencontres,
• par coup de cœur,
• en voyant l’artiste en live,
• en observant son professionnalisme et son entourage.

Le facteur humain est central : un booker doit avoir envie d’accompagner la personne, pas seulement la musique.

3. Le live est indispensable

Pour intéresser un booker, un artiste doit :

• faire des concerts,
• aller à la rencontre des pros,
• être visible sur scène,
• créer une audience réelle.

La vidéo insiste : le live est la base du développement.

4. Le rôle des SMAC et des réseaux régionaux

Les SMAC (Scènes de Musiques Actuelles) jouent un rôle clé :

• accompagnement,
• résidences,
• studios,
• ateliers,
• mise en relation avec d’autres pros.

Être repéré par une SMAC peut mener vers les Inouïs, des premières parties, des aides, et parfois vers des tourneurs.

5. Comment un projet passe au niveau supérieur

Vanessa raconte l’exemple d’Asaf Avidan :

• au départ, un artiste inconnu en France,
• elle a eu un coup de cœur immédiat,
• elle a insisté malgré des salles de 100 places déficitaires,
• le bouche‑à‑oreille a fait monter l’audience,
• puis signature, remix, explosion du projet.

Le message : le développement demande du temps, de l’argent, de la conviction et du flair.

6. Un artiste peut-il être booké sans équipe ?

Oui, mais :

• si l’artiste est mal entouré, cela freine tout,
• un mauvais manager ou un entourage familial non professionnel peut bloquer,
• un booker peut accompagner l’artiste, mais pas « virer » son entourage.

Le cœur du projet reste l’artiste lui-même.

Conclusion

La vidéo rappelle que chercher un booker trop tôt est une erreur. Avant de vouloir être représenté, un artiste doit :

• faire du live,
• créer une audience,
• être repéré par des structures,
• avoir une identité claire,
• être professionnel et humainement agréable à accompagner.

Le booking n’est pas un raccourci : c’est la conséquence d’un développement solide, pas son point de départ.

L’annonce récente des nouvelles ententes collectives entre l’ADISQ, la GMMQ et l’UDA marque un moment important pour l’industrie musicale québécoise. En modernisant les conditions des musicien·ne·s accompagnateurs — cachets, protections, redevances, retraite — le Québec envoie un signal clair : la profession doit être mieux encadrée pour survivre à la précarité structurelle du secteur.

Mais cette avancée soulève une question incontournable : jusqu’où peut-on aller dans un système québécois qui ne dispose pas d’un équivalent aux « intermittents du spectacle » français ?

1. Ce qui vient de changer au Québec

Les nouvelles ententes améliorent plusieurs aspects essentiels des conditions de travail des musicien·ne·s accompagnateurs :

• Des cachets mieux définis et un cadre de rémunération plus clair
• Des protections sociales modernисées
• Des règles adaptées au numérique et au streaming
• Une reconnaissance plus claire du rôle des accompagnateurs

En résumé : le Québec améliore les conditions pendant les contrats. Mais entre les contrats, la sécurité reste limitée.

C’est une victoire importante, mais elle reste sectorielle : elle dépend de négociations entre associations, syndicats et producteurs. Autrement dit, le filet social dépend de la bonne volonté des partenaires et de la capacité à négocier — pas d’un cadre national structurant. Le résultat est une amélioration réelle, mais dans un système qui reste fragmenté, où la sécurité financière des artistes demeure fragile entre deux contrats.

2. Le système français : l’intermittence du spectacle

En France, les artistes et technicien·ne·s du spectacle peuvent bénéficier d’un statut unique au monde, mis en place dès 1936 et devenu central dans la vie culturelle : le régime des intermittents du spectacle.

Comment ça fonctionne ?

• Les artistes doivent cumuler 507 heures de travail sur 12 mois pour ouvrir leurs droits
• Une fois ce seuil atteint, ils reçoivent une allocation chômage entre les contrats
• Ils conservent une protection sociale complète (maladie, maternité, retraite)
• Le système reconnaît que l’activité artistique est par nature discontinue

En résumé : la France protège les artistes entre les contrats, pas seulement pendant.

Ce système reconnaît une réalité fondamentale : la discontinuité du travail artistique n’est pas une anomalie, mais la norme. L’intermittence ne règle pas tout — elle est critiquée, complexe, parfois inégalitaire — mais elle offre une sécurité structurelle que le Québec n’a jamais eue.

3. Deux visions du travail artistique

Ces deux systèmes reflètent des approches fondamentalement différentes :

4. Ce que la réforme révèle vraiment

Cette modernisation n’est pas seulement une mise à jour technique. Elle montre que le Québec reconnaît la précarité structurelle du travail artistique, tente de rééquilibrer les rapports entre artistes et producteurs, et cherche à adapter son industrie à l’ère numérique. Mais elle reste limitée par l’absence d’un cadre social global comparable à celui de la France.

En clair : le Québec avance, mais dans un modèle qui repose encore largement sur la négociation plutôt que sur un statut.

5. Un pas important, mais un débat plus large à ouvrir

Les nouvelles ententes sont une excellente nouvelle pour les musicien·ne·s accompagnateurs : elles modernisent, protègent, clarifient.

Mais elles posent aussi une question de fond : la question n’est plus seulement « comment mieux payer les artistes ? », mais aussi « comment mieux les protéger entre les projets ? ». Le Québec doit-il continuer à corriger un système contractuel, ou réfléchir à un véritable statut de l’artiste, plus proche de l’intermittence française ?

C’est un débat qui dépasse les syndicats et les producteurs. C’est un débat de société, sur la valeur que l’on accorde à la création.

Source : cet article a été rédigé entièrement par l'intelligence artificielle