Subvert a été fondé par Austin Robey, incorporé aux États‑Unis, dans l’État du Colorado annoncé publiquement en juillet 2024 et ouvert fin 2025.

On apprend selon Wikipedia qu’avant même d’ouvrir la plateforme, Subvert a publié un zine de 140 pages, Plans for an Artist-Owned Internet. Ce document, vendu en version papier et disponible gratuitement en numérique, a généré plus de 125 000 $ en ventes et adhésions dès 2025 — un succès inattendu pour un manifeste coopératif.

Une plateforme qui ne se contente pas d’héberger de la musique

Subvert n’est pas un énième service de streaming ou un nouveau distributeur. C’est un espace où l’on peut acheter de la musique, découvrir des artistes, soutenir des projets — sans être membre. Mais derrière cette façade accessible, se cache une structure beaucoup plus ambitieuse : une coopérative culturelle qui documente tout, du fonctionnement interne aux décisions stratégiques .

Là où d’autres plateformes demandent la confiance, Subvert propose la preuve.

Une coopérative qui joue cartes sur table à gouvernance démocratique

Sur leur site internet, on trouve tout ce que les artistes réclament depuis des années : une transparence qui tranche avec les géants du secteur, où les décisions tombent d’en haut et où les artistes découvrent les règles… après coup. C’est simple : tout ce qui définit Subvert est accessible.

Subvert ne se contente pas d’afficher le mot “coopérative” comme un vernis éthique. Les membres peuvent réellement :

• voter,
• proposer des changements,
• participer à l’assemblée générale,
• et même… révoquer un membre du conseil si nécessaire.

C’est une plateforme qui accepte l’idée que le pouvoir doit circuler. Et que les artistes, labels, fans et acteurs culturels ne sont pas des “utilisateurs”, mais des co-propriétaires potentiels.

Un site qui dit tout haut ce que l’industrie dit tout bas

Lorsque l’on explore Subvert, on comprend rapidement que la plateforme ne se contente pas d’exister : elle explique précisément comment elle fonctionne. Tout est présenté de manière structurée, depuis l’organisation interne de la coopérative jusqu’à la façon dont elle finance ses activités. On y découvre comment les décisions sont prises, comment la gouvernance est organisée, et comment la plateforme opère au quotidien. Le site détaille aussi les accords légaux qui encadrent les relations entre les membres, les politiques internes qui guident les comportements, les critères utilisés pour accepter de nouveaux participants, ainsi que les standards communautaires qui définissent l’esprit du projet. Même la manière dont Subvert aborde l’intelligence artificielle y est expliquée. L’ensemble forme un panorama complet qui permet à chacun de comprendre non seulement ce que fait Subvert, mais surtout comment et pourquoi elle le fait.

C’est un peu un mélange de Bandcamp, un syndicat d’artistes et un wiki open-source en un lieu.

L’expérience utilisateur

Subvert est une plateforme qui demande de choisir, pas de consommer. Ce n’est pas un endroit qui se “défile” en arrière‑plan comme Spotify ou Apple Music. Ici, rien ne se lance automatiquement, rien ne tourne en boucle sans toi. L’expérience est volontaire, presque militante : tu dois choisir d’écouter.

Et c’est précisément ce qui change tout.

• Pour les fans/soutiens : une écoute intentionnelle, pas algorithmique

Sur Subvert, il n’y a ni recommandations automatiques, ni playlists infinies, ni algorithmes qui décident pour toi, ni “radio d’artiste” qui t’emmène ailleurs sans t’en apercevoir. Tu arrives sur une page artiste, tu cliques, tu écoutes. Chaque écoute est un acte, pas un bruit de fond. En quelque sorte, c’est plus proche d’un disquaire numérique que d’un service de streaming. Une plateforme qui te demande : “Qu’as‑tu envie d’écouter, vraiment ?”

• Pour les artistes : un espace clair, sans pièges ni commissions

L’interface artiste est volontairement simple : tu crées ta page, tu ajoutes ta musique, tu fixes ton prix et tu publies. Le tout se fait sans frais cachés, pas de commission pour la plateforme (coût seulement des transactions bancaires), pas de “boost payant”, pas d’options premium, pas de hiérarchie algorithmique. La possibilité de vendre musique en accordant une priorité aux supports physiques et aux produits dérivés, tout en proposant également des téléchargements numériques avec une facilité de mise en ligne inégalée et une transparence totale des règles.

• Pour les labels : un outil de gestion simple et coopératif

Les labels ont un rôle de co‑décideur en y gérant bien évidemment plusieurs artistes, en organisant leurs sorties, en suivant leurs ventes, en participant à la gouvernance et en proposant des changements structurels.

• Les limites actuelles de l’expérience utilisateur

Subvert est jeune, et ça se voit par sa navigation parfois minimaliste (je n’ai pas réussi à trouver un artiste par pays par exemple), une interface encore en évolution, son manque d’application mobile dédiée et une communauté qui doit encore grandir. Mais ces limites sont assumées, expliquées, documentées.

En résumé : Subvert est une expérience culturelle, pas un produit.

Ce qu’en pensent les artistes

Du côté des artistes et des labels qui ont testé Subvert, un consensus se dégage : la plateforme apporte un souffle nouveau dans un écosystème souvent perçu comme verrouillé. Beaucoup y voient une alternative crédible à Bandcamp, surtout depuis les rachats successifs qui ont fragilisé la confiance dans ce dernier. Subvert séduit par sa transparence radicale, sa gouvernance ouverte et son modèle coopératif qui redonne une place réelle aux créateurs dans les décisions.

Les retours soulignent aussi la clarté du fonctionnement : pas de frais cachés, pas de commissions, pas de zones grises. Pour les artistes, cela change tout. Ils apprécient de pouvoir vendre leur musique dans un espace où les règles sont publiques, discutées et modifiables collectivement. Cette dimension démocratique est souvent perçue comme un contre‑pouvoir nécessaire face aux plateformes traditionnelles.

Mais les artistes ne sont pas naïfs. Ils reconnaissent que Subvert reste une plateforme jeune, encore en construction, avec un modèle économique basé sur la contribution volontaire qui devra faire ses preuves. Certains pointent aussi le défi majeur : attirer suffisamment d’acheteurs pour que l’écosystème soit viable, et pas seulement une communauté d’artistes convaincus.

Globalement, les retours sont enthousiastes mais lucides. Subvert est perçu comme un projet sérieux, structuré, et surtout aligné avec les valeurs que beaucoup d’artistes défendent : équité, transparence, autonomie. Une plateforme qui ne promet pas de révolutionner l’industrie du jour au lendemain, mais qui propose enfin une direction différente — et ça, pour beaucoup, c’est déjà une petite révolution.

Aujourd’hui, Subvert rassemble plus de 19 000 artistes et près de 3 000 labels issus de plus de 120 pays, dont notre ami artiste Lyonnais Ben Popp, un signe clair de l’intérêt croissant pour ce modèle coopératif. 

Pourquoi Subvert est important aujourd’hui?

Parce que l’industrie musicale traverse une période où les artistes ont besoin de repères, de modèles alternatifs, de structures qui ne les considèrent pas comme des lignes de données. Subvert propose un modèle où :

• la propriété est partagée,
• les décisions sont collectives,
• la transparence est la règle,
• et la plateforme appartient à celles et ceux qui la font vivre.

Dans un monde où la musique est souvent traitée comme un flux anonyme, Subvert rappelle une évidence : la culture est un bien commun.

Pour Zik’n’Blog, un projet à suivre

Pour un artiste indépendant avec une fanbase active, Subvert peut déjà être plus rentable que Bandcamp ou Spotify. Pour un artiste inconnu, la rentabilité dépendra surtout de sa capacité à attirer du public. Parce qu’avec la domination totale du streaming aujourd’hui, on en vient presque à douter que le public ait encore la volonté — ou même l’habitude — de payer pour les œuvres des artistes…

Subvert n’est pas seulement un outil : c’est un laboratoire. Un espace d’expérimentation où l’on peut observer ce que devient la musique quand on la confie à une communauté plutôt qu’à un conseil d’administration invisible.

Et si ce modèle prenait racine ailleurs ? Et si les artistes reprenaient réellement la main sur les plateformes qu’ils alimentent ? Et si la prochaine révolution musicale n’était pas sonore, mais structurelle ? Subvert va-t-il tout renverser, faire tomber ou détruire un ordre bien établi?

Selon moi, Subvert restera une niche influente, mais son impact demeurera restreint puisqu’il s’adresse avant tout à un public curieux et spécialisé. La plateforme deviendra un refuge pour les artistes indépendants qui attirera une communauté fidèle, mais les fans « participatifs » ne seront, je pense, pas assez nombreux.

Quoi qu’il en soit, Zik’n’Blog soutien ce projet et continuera à le suivre — parce que les alternatives crédibles méritent d’être mises en lumière, surtout quand elles redonnent du pouvoir à celles et ceux qui créent.

D’un côté : Thaïs, douceur électro‑pop, mélancolie lumineuse, sensibilité à fleur de peau. De l’autre : Lydia Képinski, pop dramatique, ironie tranchante, intensité théâtrale.

Deux univers qui ne devraient pas se croiser… et pourtant, pour Zik’n’Blog, ça fonctionnerait plutôt bien!

Le choc des univers

Ce duo improbable fonctionne parce que leurs univers, pourtant opposés, parlent de la même chose : la difficulté d’exister, de ressentir, de se tenir debout dans un monde qui bouscule.

• Thaïs murmure ce que Lydia crie.
• Lydia tranche là où thaïs caresse.
• Thaïs danse pour survivre.
• Lydia chante pour ne pas exploser.

Ensemble, elles créeraient un espace où la douceur rencontre la démesure, où la fragilité se teinte d’ironie, où la pop devient un terrain de jeu émotionnel.

Thaïs — la douceur qui danse malgré tout

Avec Arrête de danser, thaïs propose un clip où la fragilité devient mouvement. Une pop intime, presque chuchotée, qui se déploie dans un univers nocturne, sensible, suspendu. Chez elle, la danse n’est pas un geste festif : c’est un refuge, un exutoire, une manière de tenir debout quand tout vacille.

Son esthétique :

• électro-pop douce,
• mélodies enveloppantes,
• émotions à vif,
• une présence discrète mais magnétique.

Thaïs, c’est la lumière tamisée d’une fin de soirée où l’on ose enfin dire ce qu’on ressent.

Vidéoclip Arrête de danser de Thaïs

Dans ce clip nocturne, sensible, où la danse devient un langage intérieur, thaïs transforme la fragilité en mouvement — une esthétique minimaliste, fragile, profondément humaine, qu’on ne peut qu’avoir envie de ressentir plutôt que de simplement regarder.

Lydia Képinski — l’intensité qui tranche

À l’opposé apparent, Lydia Képinski avance avec une pop plus frontale, plus dramatique, plus explosive. Elle joue avec les contrastes, les ruptures, les éclats. Chez elle, la vulnérabilité n’est jamais passive : elle est revendiquée, assumée, amplifiée.

Son esthétique :

• pop alternative théâtrale,
• textes acérés,
• humour noir et autodérision,
• refrains qui frappent fort.

Lydia, c’est la lumière crue d’un néon qui révèle tout — même ce qu’on aurait préféré cacher.

Vidéoclip Premier juin de Lydia Képinski

Plonge dans un univers dramatique, presque cinématographique, où chaque rupture et chaque contraste sculptent une intensité qui ne s’excuse jamais — une montée émotionnelle signée Lydia Képinski qu’il faut vivre autant qu’écouter.

Deux visions du monde, deux manières de survivre à soi-même.

Et si elles collaboraient ?

On imagine un morceau où :

• Thaïs apporte la douceur,
• Lydia apporte la tension,
• les synthés oscillent entre caresse et tempête,
• le texte navigue entre introspection et ironie,
• la production joue sur les contrastes, comme un battement de cœur instable.

On imagine très bien la voix délicate de Thaïs sur une production plus dramatique, Lydia qui vient fissurer la douceur avec une ligne tranchante, un clip où l’on passe de l’intime au grandiose, un refrain qui bascule entre murmure et éclat.

Un duo qui surprend, mais qui résonne. Un duo qui ne cherche pas l’harmonie parfaite — mais la vérité.

Création inspirée de ces deux artistes avec Suno IA

Les duos improbables – Signature Zik’n’Blog

Les duos improbables — une série qui explore les rencontres musicales qu’on n’attendait pas, mais qu’on aurait rêvé de voir. Selon toi, quel duo serait improbable que je devrais explorer?

Deux artistes qui refusent les cases

Hubert Lenoir et Christine and the Queens (alias Redcar) partagent une même obsession : la liberté de se réinventer. L’un, enfant terrible de Québec, s’est imposé avec Darlène comme un météore glam‑rock, mêlant chaos et tendresse. L’autre, figure majeure de la pop française, explore la fluidité du genre et la spiritualité queer à travers des performances qui brouillent les frontières entre concert et théâtre.

Leur art est viscéral, incarné, parfois déroutant — mais toujours sincère.

Le choc des univers

Nom imaginé du duo : Hubert and the Queen

Et si on les imaginait ensemble sur scène, dans un spectacle intitulé « Les corps électriques » : Hubert au piano, Christine à la danse, un dialogue entre cris et silence, entre Québec et Paris, entre l’ombre et la lumière. Ce serait pas mal, n’est-ce pas?

• Parce qu’il incarne la liberté de création sans compromis.
• Parce qu’il unit deux continents francophones autour d’une même audace.
• Parce qu’il donne une voix à ceux qui refusent de choisir entre douceur et chaos.

Les clips à (re)découvrir

Hubert Lenoir – Fille de personne II

Christine and the Queens – Christine

Deux corps, deux langages, une même quête : exprimer la vérité sans filtre.

Les duos improbables – Signature Zik’n’Blog

Les duos improbables — une série qui explore les rencontres musicales qu’on n’attendait pas, mais qu’on aurait rêvé de voir. Quel sera le prochain duo? N’hésitez pas à nous partager vos duos improbables!

Voici un exemple de ce qui s’y passe

L’annonce récente des nouvelles ententes collectives entre l’ADISQ, la GMMQ et l’UDA marque un moment important pour l’industrie musicale québécoise. En modernisant les conditions des musicien·ne·s accompagnateurs — cachets, protections, redevances, retraite — le Québec envoie un signal clair : la profession doit être mieux encadrée pour survivre à la précarité structurelle du secteur.

Mais cette avancée soulève une question incontournable : jusqu’où peut-on aller dans un système québécois qui ne dispose pas d’un équivalent aux « intermittents du spectacle » français ?

1. Ce qui vient de changer au Québec

Les nouvelles ententes améliorent plusieurs aspects essentiels des conditions de travail des musicien·ne·s accompagnateurs :

• Des cachets mieux définis et un cadre de rémunération plus clair
• Des protections sociales modernисées
• Des règles adaptées au numérique et au streaming
• Une reconnaissance plus claire du rôle des accompagnateurs

En résumé : le Québec améliore les conditions pendant les contrats. Mais entre les contrats, la sécurité reste limitée.

C’est une victoire importante, mais elle reste sectorielle : elle dépend de négociations entre associations, syndicats et producteurs. Autrement dit, le filet social dépend de la bonne volonté des partenaires et de la capacité à négocier — pas d’un cadre national structurant. Le résultat est une amélioration réelle, mais dans un système qui reste fragmenté, où la sécurité financière des artistes demeure fragile entre deux contrats.

2. Le système français : l’intermittence du spectacle

En France, les artistes et technicien·ne·s du spectacle peuvent bénéficier d’un statut unique au monde, mis en place dès 1936 et devenu central dans la vie culturelle : le régime des intermittents du spectacle.

Comment ça fonctionne ?

• Les artistes doivent cumuler 507 heures de travail sur 12 mois pour ouvrir leurs droits
• Une fois ce seuil atteint, ils reçoivent une allocation chômage entre les contrats
• Ils conservent une protection sociale complète (maladie, maternité, retraite)
• Le système reconnaît que l’activité artistique est par nature discontinue

En résumé : la France protège les artistes entre les contrats, pas seulement pendant.

Ce système reconnaît une réalité fondamentale : la discontinuité du travail artistique n’est pas une anomalie, mais la norme. L’intermittence ne règle pas tout — elle est critiquée, complexe, parfois inégalitaire — mais elle offre une sécurité structurelle que le Québec n’a jamais eue.

3. Deux visions du travail artistique

Ces deux systèmes reflètent des approches fondamentalement différentes :

4. Ce que la réforme révèle vraiment

Cette modernisation n’est pas seulement une mise à jour technique. Elle montre que le Québec reconnaît la précarité structurelle du travail artistique, tente de rééquilibrer les rapports entre artistes et producteurs, et cherche à adapter son industrie à l’ère numérique. Mais elle reste limitée par l’absence d’un cadre social global comparable à celui de la France.

En clair : le Québec avance, mais dans un modèle qui repose encore largement sur la négociation plutôt que sur un statut.

5. Un pas important, mais un débat plus large à ouvrir

Les nouvelles ententes sont une excellente nouvelle pour les musicien·ne·s accompagnateurs : elles modernisent, protègent, clarifient.

Mais elles posent aussi une question de fond : la question n’est plus seulement « comment mieux payer les artistes ? », mais aussi « comment mieux les protéger entre les projets ? ». Le Québec doit-il continuer à corriger un système contractuel, ou réfléchir à un véritable statut de l’artiste, plus proche de l’intermittence française ?

C’est un débat qui dépasse les syndicats et les producteurs. C’est un débat de société, sur la valeur que l’on accorde à la création.

Source : cet article a été rédigé entièrement par l'intelligence artificielle

Contrairement à ce que l’on entend souvent, l’industrie musicale n’est pas saturée. Ce qui l’est, ce sont les médias traditionnels et surtout l’attention du public, devenue la ressource la plus rare de notre époque. C’est précisément ce que rappelle Tarik Hamiche, producteur à succès, dans une vidéo qui bouscule quelques idées reçues.

Selon lui, un artiste peut aujourd’hui percer plus facilement qu’avant, à condition de comprendre les nouveaux usages et de construire un canal direct avec son public. Pas en attendant une validation extérieure, mais en créant sa propre dynamique.

Tarik, un flot d’idées… et de contradictions stimulantes

Des choses à dire, Tarik n’en manque pas. Et côté conseils pour les artistes, il ne se prive jamais. On peut débattre de certains points — et c’est tant mieux — mais impossible de nier à quel point son regard est stimulant, parfois dérangeant, souvent éclairant.

Il rappelle notamment que la concurrence ne se limite plus aux autres musiciens : un artiste affronte désormais le scroll, ce flux continu où se mêlent humoristes, influenceurs, actualités, vidéos virales et contenus de toutes sortes. Dans ce paysage saturé de distractions, capter l’attention devient l’enjeu central.

Une industrie ouverte… mais mal comprise

Là où beaucoup voient un marché bouché, Tarik voit au contraire une industrie en expansion, portée par le streaming et par une consommation musicale plus large que jamais. Ce ne sont pas les artistes qui manquent : ce sont les stratégies adaptées.

Et c’est là que son discours rejoint une conviction profonde de Zik’n’Blog : les artistes qui comprennent leur public, qui racontent quelque chose, qui créent du lien, ont plus de chances que jamais d’exister.
Ce que nous remarquons aujourd’hui, c’est que la diversité musicale n’a jamais été aussi riche et accessible. Ce qui manque, ce n’est pas la place : c’est la visibilité, la médiation, les passeurs.

Les médias traditionnels saturent ? Très bien. Cela ouvre la voie à d’autres espaces, d’autres voix, d’autres façons de découvrir. C’est exactement ce que nous défendons ici!

Alors, l’industrie est-elle saturée?

Non. Elle est mal comprise, parfois mal racontée, souvent mal abordée. Mais elle reste un terrain immense pour celles et ceux qui osent créer, expérimenter, se connecter, raconter.

Et vous, artistes, curateurs, passionnés : consommez-vous la musique comme des séries Netflix ? Comment percevez-vous cette idée de saturation ? Mythe paralysant ou réalité à contourner ?

Benjamin a bien voulu répondre a une petite interview :

• Depuis tes débuts comment qualifierais tu ton évolution musicale ?

– Je trace mon sillon. J’espère que je suis un moins mauvais musicien chaque jour que la veille.

• Quels styles aimerais-tu envisager que tu n’aies pas encore exploré au sein de tes compositions ?

– Je ne dirais pas que j’explore de style. Je fais de la musique, pas une musique pré établie, pré formatée. Chaque chanson est traitée différemment, elle a sa respiration propre, j’essaie en tout cas de m’étonner, de m’émerveiller, de me dépasser.

• Quels sont les artistes qui t’inspirent à présent ?

-Je ne vois pas. Il y a des milliers d’artistes dont j’ai à un moment ou un autre aimé la musique. Ils sont tous quelque part dans l’air, la société, dans la musique.

• As-tu des projets de performances en live ?

– Non, j’ai raccroché. C’est trop compliqué de monter un projet live, ça demande de trouver les bonnes personnes, que ça fonctionne sur le long terme. Que peut-on leur proposer en terme de revenus et de débouchés ? Pas grand-chose.

• Comment travailles tu : la musique en premier ou bien d’abord les mots ?

– Les deux ensemble, une mélodie est liée aux mots. Il m’arrive parfois de ne pas arriver à finir une chanson, ça ne sonne pas, ça ne tourne pas, bref, je n’y arrive pas bien que j’aime l’arrangement et l’accompagnement. Solution de secours, je change complètement le texte et ça implique de nouvelles césures, une nouvelle mélodie, un nouveau groove.

• Tu n’as pas souvent cosigné de chansons avec d’autres artistes : as-tu envie par exemple de mettre tes mots et ta voix sur la musique d’un autre, ou bien l’inverse ?

– Non.

• Est-ce que tu t’es déjà dit « j’arrête » ?

– Non, pas sérieusement. Pourquoi arrêter quelque chose qui me fait du bien ?

• Quels sont tes projets ? De nouvelles compos sont en route ?

– Tout plein.

• Entre les albums tu aimes sortir des EP, pourquoi ? Est-ce parce qu’en ce qui concerne les albums les chansons sont liées entre elles sur une même ligne de pensée ?

– Les EP, ce sont des projets qui demandent, comme dirait La Palisse, moins de temps et d’énergie. Je suis assez impatient, ça me permet de boucler un projet plus vite.

• Penses-tu que la qualité de la production a une importance primordiale auprès du jeune public, qui rejetterait ce qui est mal auto-produit et plus ou moins low-fi ?

– Pourquoi jeune public ? Auprès du public. Qu’est-ce que le public ? Difficile question. La plupart des gens suivent la mode, ce qu’on leur dit d’écouter, les algorithmes, ils ouvrent un robinet et boivent ce qu’on leur donne. Il faut avoir la force de frappe d’une industrie pour couler dans le robinet. Il y a des mélomanes, qui choisissent ce qu’ils écoutent, retiennent les noms des artistes et aiment le beau son. C’est une minorité. Les autres ne regardent pas à écouter en streaming sur un téléphone le produit qui leur est proposé.

• Pourquoi réédites-tu certain de tes albums ?

– Et pourquoi pas ?

• Ou peut-on écouter tes albums ? Sur quelles plateformes ? Es-tu attaché à l’objet CD ?

– Déjà pas sur Spotify, on est fâchés. Partout ailleurs, chez band camp notamment. J’achète toujours des cd. Les artistes que j’aime ne sortent plus toujours leurs disques en cd, je le regrette. J’aime l’objet, l’avoir en mains, le  sortir parce que j’ai choisi de l’écouter.

• Maintenant on peut tout faire : es-tu tenté d’éditer en Vinyle (ce qui induit encore un remix) ?

– Non. Tu parles de ces pressages à l’unité qu’on voit fleurir ci et là sur le net ? Je me demande quelle est leur qualité.

• as-tu un album dans toute ta disco qui a une place particulière dans ton cœur, ou bien un qui sort du lot… si tu devais n’en retenir qu’un lequel serait-ce ?

-Mon préféré c’est toujours le nouveau sur lequel je travaille, sur lequel je mets toute mon énergie, toute ma sensibilité et qui m’habite à l’instant présent.

• Tu es un artiste auto-produit, les nouvelles technologies d’enregistrement t’ont-elles aidé à développer ta créativité ?

– Hum, aidé à développer ma créativité, je ne pense pas. Aidé à mettre en œuvre mes chansons, certainement. J’ai commencé avec un magnétophone à bandes et un seul effet (de guitare) pour mixer cela. Le support coûtait horriblement cher. De nos jours, on a des plugins extraordinaires pour une somme raisonnable, et avec un disque dur, on peut enregistrer des centaines de chansons et on n’est plus obligé de tout réenregistrer en cas d’erreur comme avant. Tout cela facilite le travail.

• Une petite réflexion par rapport à l’IA, Suno par exemple, et en dehors du fait que les plateformes de streaming sont malheureusement inondées de piètres musiques plus ou moins complètement générées par IA, penses tu que cela puisse tout de même être un outil d’aide acceptable à la créativité, ou bien es-tu radicalement contre toute utilisation dans ce contexte ?

 – J’en sais rien, je ne connais pas le sujet. Cependant, voir présenter Jean-Michel Blanquer comme auteur de chansons alors qu’il a utilisé un texte de Baudelaire, ou de Rimbaud, je ne  sais plus, qu’il a écrit une phrase dans cette machine et cloné sa voix parce qu’il ne savait pas chanter, ça me laisse songeur.

La dernière parution en date est la réédition de « Septembre », auparavant édité en 2006 et qu’on ne pouvait plus se procurer. Il s’agit ici, pour le 20ème anniversaire de l’album, d’un mix plus moderne entièrement retravaillé, avec voix réenregistrée, de nouvelles lignes de basse et ajouts de nouveaux instruments… c’est bien plus qu’une réédition, pour magnifier cet album déjà exceptionnel qui a une place un peu à part.

On attend impatiemment le prochain opus !

liens :

https://benpopp.bandcamp.com/album/septembre-20th-anniversary-edition

https://benpopp.com

https://www.youtube.com/user/benpopp

https://www.facebook.com/BenjaminPopp

Lovi aborde ici la réalité souvent méconnue de la vie d’artiste et les défis qu’ils doivent surmonter. Parce que son travail est sérieux, je peux même vous proposer les différents chapitre pour vous permettre de vous rendre directement au sujet qui vous intéresse d’un simple clic sur les minutes ci-dessous!

Introduction des sujets abordés

00:00 – 02:53 : Explication des sujets abordés dans la vidéo avec les aspects négatifs de la vie d’artiste qui aimerait faire de sa passion, un métier.

Passion et carrière (métier passion)

02:53 – 05:10 : En un peu moins de 2mn30, nous allons en apprendre davantage sur ce qu’est vraiment une passion, qu’elle soit harmonieuse ou addictive. Lovi parle de la différence entre une passion et un métier. Elle explique que même si on est passionné par quelque chose, cela ne garantit pas le succès ni la satisfaction dans ce domaine en tant que carrière.

Réalité économique

05:10 – 07:33 : Lovi discute des difficultés financières que rencontrent les artistes, comme les coûts cachés, les frais de production, et le fait de devoir souvent avoir un emploi secondaire pour subvenir à ses besoins.

Santé mentale

07:33 – 09:33 : Lovi aborde les défis liés à la santé mentale, tels que le stress, l’anxiété et l’isolement social que peuvent ressentir les artistes en raison de la pression et de l’incertitude de leur carrière.

Le métier de rêve d’un artiste

09:33 – 11:21 : Dans cette partie est déconstruit l’idée romantique que les gens ont souvent de la vie d’artiste, en soulignant que même si cela peut sembler idyllique de l’extérieur, la réalité est souvent beaucoup plus difficile et complexe.

Choisir ses problèmes

11:21 – 14:40 : Bien que, jusqu’ici, tout ce qui a été dit semble assez négatif si l’on veut faire carrière en tant qu’artiste, ce n’est pas pour autant que l’on ne doit pas essayer. Lovi conclut en expliquant que chaque métier a ses propres problèmes et défis. elle encourage les artistes à être conscients des difficultés inhérentes à leur choix de carrière et à les accepter comme faisant partie du chemin.

Ma conclusion sur le sujet

Être artiste, c’est accepter de faire face à des sacrifices pour transformer sa passion en métier. Lorsque l’argent entre en jeu, il est parfois nécessaire de prendre des décisions qui limitent le temps et l’énergie consacrés à la musique. Pourtant, malgré ces défis, persévérer et trouver des moyens de maintenir sa passion est essentiel. Après tout, être artiste permet d’exprimer librement ses idées, ses émotions et ses visions uniques.

C’est une formidable opportunité de donner vie à des concepts et de partager sa perspective avec le monde. Les artistes ont le pouvoir de toucher les gens émotionnellement et de provoquer des réflexions profondes. Par leur musique, leurs paroles, ils peuvent inspirer, apaiser et même transformer les vies de ceux qui les écoutent.

Un artiste bénéficie de la flexibilité de travailler à son propre rythme et de choisir ses projets. Il peut rencontrer d’autres créateurs et faire partie d’une communauté artistique dynamique. Ces échanges et collaborations sont une source inépuisable d’inspiration et d’apprentissage.

En fin de compte, ces aspects positifs font de la vie d’artiste une aventure riche en expériences et en épanouissement personnel. Transformer sa passion en métier, c’est accepter les défis pour mieux profiter des moments magiques que l’art et le public offre.

La vidéo de Lovi

Lien vers la vidéo

Sources utilisées par Lovi pour réaliser cette vidéo

Études :

• Passion at the heart of musicians well being (Arielle Bonneville Roussy et Robert J. Vallerand)
• Predicting anxiety, depression, and wellbeing in professional and nonprofessional musicians (Sage Journals)
• Profils et conditions de vie des musiciens (metiersculture.fr)

Autres liens consultés

• Should I Make What I Like Doing My Job? Passion + Purpose (Vidéo YouTube)
• Le biais du survivant (mathflow.ai)
• Is making music for a living worth it (sur Reddit)
• Over 75 of artists on Spotify have fewer than 50 monthly listeners (Music Business Worldwide)
• Combien Spotify paie un artiste par stream ? (Rémunération par MarketingMusical.fr)

Titre : « Barely Know You » de JBNG

JBNG où l’histoire de Jaben Groome prend racine dans les rues vibrantes de Vancouver, où les échos du grunge se mêlent aux mélodies poignantes de Gordon Lightfoot… Nourri par une collection éclectique de disques vinyles, il a trouvé refuge dans les guitares puissantes et les rythmes percutants qui ont façonné son univers musical avec cette voix bien à lui!

Titre : « Jinn » de Red Grace

Une énergie contagieuse, des guitares qui nous entrainent dans ce monde de dépendance grandissante et des paroles qui font réfléchir. Ce titre est sorti il y a plus de deux ans suite à la mort d’un ami du band d’Edmonton d’une overdose. On nous rappelle ici de faire attention aux « dieux trompeurs » qui nous tentent de nous engager dans une voie injuste.

Titre : « Juste la fin du monde » de LEXIL

Découvert avec le titre Intouchable en 2022, ce band Montréalais puise son inspiration dans le rock alternatif et le punk des années 90 et 2000, tout en incorporant des éléments de la chanson québécoise dans ses mélodies. En 2024 est sorti l’album autour des maux et nous souhaitions vous partager ce titre.

Titre : Stadium de Pound Salt

Dès les premières secondes, le ton est donné : power rock, sans compromis. Les guitares en acier tranchent franc, la séparation stéréo ouvre l’espace sans rien sacrifier à la puissance — on est enveloppé mais pas écrasé. Les voix se posent haut dans les aigus, là où le chant respire et s’impose naturellement dans le mix. Ça sonne, ça propulse, ça donne envie de monter le volume. Du rock comme on n’en fait plus assez — nerveux, efficace, chromé. Du métal chrome.

Titre : Toxic de Jonathan Panetta

Dans un paysage musical saturé de productions formatées, certains artistes émergents choisissent la voie de la sincérité brute. C’est le cas du discret Jonathan Panetta, jeune voix de la scène pop indépendante, qui propose avec Toxic un morceau à la fois lumineux et lucide sur la nécessité de couper les liens avec ce qui nous abîme. Une chanson qui, sans révolutionner les codes, s’inscrit dans cette nouvelle génération d’artistes qui misent sur l’émotion directe et la proximité avec leur public.

Titre : Mayo de Julie & Dany

Julie Doiron et Dany Placard, deux figures connues de la scène indie québécoise et canadienne, avaient enregistré cet album ensemble pendant le confinement. Mayo, le premier extrait, parle du frigo vide, du quotidien qui s’effrite, de l’espoir qui s’épuise — le tout porté par des guitares distordues qui grincent et mordent, donnant à cette chanson sur la mayonnaise une urgence presque punk.