Edición original: Batman: The Cult #1-4 USA (Marvel Comics, 2026)

Edición España: Batman: La secta (ECC Ediciones, 2024)

Guion: Jim Starlin

Dibujo: Bernie Wrightson

Color: Bill Wray

Traducción: Bárbara Azagra Rueda

Diseño: Isaac Romana

Formato: Cartoné · 256 páginas · 32,5 €

«Encárgate de ese cabrón por mí, ¿vale?»
Cuenta con ello amigo.

En agosto de 1988 se publicó el primer número de Batman: The Cult, una miniserie de cuatro entregas dobles escrita por Jim Starlin y dibujada por Bernie Wrightson. Una historia violenta en la que el guionista juega con la idea del héroe roto y su posterior resurgimiento. Funciona, es más, si no fuese por la alargada sombra de otras obras del personaje como Batman: Año Uno o Batman El regreso del caballero oscuro, podríamos catalogar Batman: La secta como una de sus mejores obras.

Como el propio guionista explica en el prólogo introductorio, este proyecto nace como la necesidad de reivindicar a ese Batman más visceral, más violento y desencadenado, una versión que curiosamente es el camino por el que ha decidido llevar Scott Snyder su Absolute Batman con tanto éxito.

La sinopsis de la obra es sencilla pero no su ejecución cargada de matices y mensajes entre líneas. Entra en escena un nuevo personaje, el diácono Blackfire, Jim Starlin juega a lo largo de la historia con su origen, en ocasiones insinuando una longevidad que le lleva a ubicarlo en actividades cien años en el pasado, en otros momentos lo tilda de un simple charlatán que aprovecha su situación de ascendencia de la que se ha erigido como el salvador, o más concretamente, el salvador de Gotham. Su misión en primera instancia es ayudar a los pobres sin hogar, pero rápidamente quedan claras sus intenciones, la creación de un ejército de sin techos promovidos por una fe ciega hacia su persona con el objetivo de adueñarse de la ciudad. Como no puede ser de otra manera, el papel de Batman es trascendental, pero el guionista lo convierte en un mero peón de la partida, en una escaramuza, han conseguido reducirlo, y mediante el uso de drogas y la debilidad ocasionada por no proporcionarle alimentos en su cautiverio le convierten en un presa fácil, subyugada a las órdenes del Blackfire y habiendo perdido todo raciocinio.

Jim Starlin pone el foco en las consecuencias de este tipo de personas, de lo peligroso de determinados discursos, y la capacidad que tienen determinadas personas para captar devotos que – llevándolo al extremo aunque dudo que difiera mucho de la realidad – lleguen al punto de no dudar a la hora de dar su vida por su líder.

Gotham y su atmósfera como protagonista

No se entiende Batman sin su ciudad, Gotham, y en buena medida, esta termina siendo una protagonista más en buena parte de las historias del personaje. Es increíble hasta qué punto puede llegar a condicionar el desarrollo de la trama la forma en que funcionan sus calles y ciudadanos. Y en esta ocasión, no podía ser menos, la obra transcurre a dos niveles, a pie de calle tenemos el caos perpetrado por los adeptos de Blackfire, el objetivo es ni más ni menos que limpiar la ciudad y el plan tiene dos vértices, por un lado, la acción popular, eliminar de las calles a los sin techo con el objetivo de ser bien visto por los ciudadanos “de bien”, y en cuanto se desvela el auténtico rostro de Blackfire y sus intenciones el plan rápidamente muta a erradicar a los diferentes mandos de la ciudad, en algunos casos aplaudidos por la ciudadanía – ya sabemos que la corrupción es uno de los estigmas de Gotham -, y por otro, daños colaterales que sirven no sólo para sorprender al lector sino para evidenciar, que Jim Starlin va con todo dispuesto a no dejar indiferente a nadie.

A pie de calle es un caos, pero en las entrañas de Gotham la situación no es mucho mejor. La ciudad que nos muestran Starlin y Wrightson parece enferma, atrapada en una espiral de violencia, corrupción y abandono que convierte el terreno en el escenario perfecto para que alguien como Blackfire pueda erigirse en salvador. No necesita construir el problema, tan solo aprovecharse de uno que ya existe. Los ciudadanos tienen miedo, los más desfavorecidos han sido olvidados y las instituciones no son capaces de ofrecer una respuesta convincente. En ese contexto, la aparición de alguien que promete orden puede resultar mucho más peligrosa que el propio caos.

Y aquí es donde Gotham adquiere una dimensión especialmente interesante. Blackfire no pretende conquistar una ciudad sana para después transformarla, sino apropiarse de una ciudad que ya está rota. Su discurso encuentra un terreno abonado en una sociedad cansada de la delincuencia y de la corrupción, y lo realmente inquietante es comprobar que, durante buena parte de la historia, sus métodos pueden llegar a confundirse con una solución. La secta no solo impone su voluntad mediante la violencia, también consigue que una parte de Gotham perciba esa violencia como algo necesario.

Bernie Wrightson juega un papel fundamental a la hora de construir esta atmósfera. Su Gotham es oscura, sucia y amenazante, una ciudad en la que las sombras parecen ocupar tanto espacio como los propios personajes. El dibujante, maestro indiscutible del terror, consigue trasladar a las calles de Gotham una sensación de pesadilla que encaja como un guante con el relato de Starlin. Hay algo casi orgánico en sus edificios, en sus callejones y en esos espacios subterráneos que recorren los protagonistas, como si la propia ciudad estuviera observando lo que sucede en sus entrañas.

Y ese aspecto resulta especialmente importante porque Batman: La secta es, en buena medida, una historia de descenso. Batman cae física y psicológicamente, Gotham cae bajo el control de Blackfire y los ciudadanos terminan abrazando una violencia que inicialmente parecía dirigida contra aquellos que consideraban responsables de sus problemas. Todo parece conducir hacia abajo, hacia un lugar cada vez más oscuro del que escapar resulta complicado.

Por eso Gotham funciona aquí casi como un personaje más. No es únicamente el lugar donde Blackfire pone en marcha su plan ni el territorio que Batman debe recuperar. Es la razón por la que ese plan puede funcionar. La ciudad está lo suficientemente deteriorada como para que alguien pueda presentarse como su salvador y, al mismo tiempo, lo suficientemente desesperada como para que muchos estén dispuestos a creerle.

En ese sentido, quizá uno de los mayores aciertos de Batman: La secta sea precisamente ese retrato de Gotham como una ciudad que no necesita un enemigo para convertirse en un infierno. Blackfire solo tiene que abrir la puerta.

La influencia de Batman: La secta

No releía esta obra desde que la publicó Planeta Cómic en 2025, han pasado más de veinte años, y sigue conservando tanto su fuerza como su vigencia, y de la misma manera que ante determinados secuencias o composiciones de página es inevitable ver la influencia de Batman: Año Uno o Batman: El regreso del Caballero Oscuro en el trabajo de Jim Starlin y Bernie Wrightson, también es más que evidente que podemos encontrar un poco de Batman: La secta en historias recientes de una importancia capital. Por ejemplo, ante esa salida masiva de los ciudadanos de Gotham por el caos creado en las calles el Diácono nos empuja a recordar el gran clásico Batman: Tierra de nadie, si bien es cierto, que esa sensación de desesperación, de abandono del hogar aquí se resuelven en tan solo algunas escenas y el desarrollo en la macro saga tuvo un mayor detalle por su extensión, pero no sería arriesgado deducir que ese concepto tan bien plasmado en estas páginas terminó llevando años después a una propuesta mucho mayor.

Por otro lado, Scott Snyder y Nick Dragotta sorprendieron hace un par de años con la “enormidad” de su Absolute Batman, y es inevitable realizar un gesto de aprobación al ver la entrada en escena del gigantesco batmovil con el que Batman y Robin tratan de asaltar la ciudad.

Esta es la grandeza del cómic, que nunca sabes en qué momento una idea, por muy difuminada que parezca no se va a convertir en el germen de algo inmensamente mayor.

La grandeza de Bernie Wrightson

Es imposible hablar de Batman: La secta y no detenerse en la importancia capital de la figura de su dibujante, Bernie Wrightson, a quien por su carrera profesional tendemos a vincularlo al género del terror con sus trabajos para Eerie y Creepy o su Frankenstein y por supuesto a La Cosa del Pantano junto a Len Wein, y por supuesto, este Batman. Aquí Wrightson lleva su sensibilidad hacia el terror creando una Gotham especialmente opresiva y una versión del personaje sometida física y psicológicamente.

Y precisamente ahí encontramos una de las grandes virtudes de Wrightson. Su Batman no es el héroe omnipotente al que estamos acostumbrados. A medida que avanza la historia, su figura se va descomponiendo, tanto física como mentalmente, y el dibujante convierte ese proceso en una auténtica pesadilla. El cuerpo de Batman se encoge, se encorva, se deteriora y pierde progresivamente esa sensación de control que transmite habitualmente. Cuando el personaje cae, Wrightson no se limita a mostrarnos que está derrotado, consigue que lo sintamos.

Lo mismo sucede con Gotham. Sus calles, sus edificios, sus alcantarillas y sus espacios abandonados parecen diseñados para esconder algo. Las sombras tienen un peso enorme en sus páginas y Wrightson sabe perfectamente cuándo enseñar y cuándo reservarse información. La oscuridad no es únicamente un recurso estético, forma parte de la narración. Hay momentos en los que apenas necesitamos distinguir qué está sucediendo para comprender que algo terrible está a punto de ocurrir.

Y si hay algo que me parece especialmente destacable es su capacidad para hacer que lo grotesco resulte creíble. Rostros desencajados, cuerpos deformados, multitudes convertidas en una masa amenazante, cadáveres, sangre, enfermedad… Wrightson introduce todo ese imaginario propio del terror sin que Batman deje de sentirse como Batman. Al contrario, consigue llevar al personaje a un terreno en el que probablemente nunca había estado de una manera tan explícita.

Hay tantas secuencias grabadas a fuego en la retina que no hacen sino evidenciar que estamos ante uno de los grandes autores de la historia del cómic. Su dominio de la anatomía, la iluminación, la expresividad y, sobre todo, de la atmósfera, convierte cada página en una pieza susceptible de ser contemplada más allá de la propia narración. Y ese es, probablemente, el gran triunfo de Wrightson en Batman: La secta. Su trabajo eleva la calidad de esta obra hasta la cota de obra maestra.

Si nos ponemos puntillosos, es cierto que la obra tiene algunos grises, claramente difuminados por el excelso trabajo de los autores, decisiones como el uso de las armas en el último acto por más que Jim Starlin se sirva de Batman y Robin para argumentar los motivos de esa polémica decisión no deja de ser algo poco natural y que no casa con la esencia del personaje, tampoco decisiones como la de abandonar a su compañero herido – Robin – por priorizar resolver el problema del Diácono por encima de cuidar de la «familia» un sentimiento quizás más arraigado en los últimos años que en el momento en que se publicó la obra, con todo, estos detalles no empañan la que es uno de los imprescindibles de Batman.

No me quiero despedir sin poner sobre la mesa que por desgracia, esta obra aun no ha sido publicada por Panini Cómics, a buen seguro que antes o después lo harán, con lo que la última edición es de ECC Ediciones en la que además incluyeron otras historias del artista con Batman como protagonista.

Existen muchas formas de celebrar un Batman Day, pero cuando en la redacción le dimos vueltas a qué hacer este año, pensamos que una buena forma de hacerlo sería que una serie de redactores a los que nos une la pasión por el murciélago dedicásemos unas palabras a esa obra suya que tanto nos fascina. No tiene por qué ser la mejor, ni siquiera ser una gran obra maestra; simplemente, aquella obra que, de forma especial, nos transmite todo aquello que convierte a Batman en uno de nuestros personajes favoritos.

De esta forma, y cada hora y media, encontraréis un artículo en la web en el que desgranamos obras tan importantes como *Batman: La secta*, el cruce entre Batman, Hellboy y Starman; habrá tiempo para *El regreso del Caballero Oscuro*, algo de *Detective* y, por supuesto, una cita con Tom King, el lado más noir de Gotham, caballeros de guante blanco, *Cacofonía*, reseñas absolutas y, por supuesto, algo de asesinatos y videojuegos.

Esperamos que disfrutéis de este Batman Day y de los contenidos que hemos preparado para este día tan especial.

Y aprovechamos para preguntaros… ¿Con que obra celebraríais vosotros el Batman Day?

El tiempo vuela y, tras pasar el treinta aniversario de las Jornadas del cómic Villa de Avilés, volvemos a la normalidad con la edición trigésimo primera, lo que significa… ¡lo mismo que el año pasado! Autores de primera, vida en la calle, charlas impresionantes, presentaciones y más cosas, aunque para empezar hay que destacar que se recuperaron dos elementos importantes en este tipo de eventos, las exposiciones y los talleres. Estos últimos fueron realizados por Max Vento en la Casa de la Cultura, de los que escuché muy buenas impresiones, por cierto. Por otro lado, las exposiciones repasaban el trabajo de los artistas Rafa Fonteriz y Pere Pérez. De hecho los asistentes pudimos disfrutar de una presentación de ambas expos de mano de los dibujantes. Todo un lujo, donde Rafa Fonteriz hizo un recorrido por su carrera, llegando hasta su Olvido Culpable publicado por Cartem el año pasado. La de Pere Pérez se centraba más en su trabajo en Marvel pero, aunque recibí buen feedback de su charla, no pude asistir por otros compromisos.

Por desgracia diversas personas de esta casa (no voy a decir nombres para preservar el anonimato de Edu Sesé, Alfonso del Pino y José María Vicente) decidieron dejar abandonado a un servidor y no acudir a las Jornadas de este año (alegaban nosequé de trabajar para comer, cuidar hijos…), así que decido coger la mochila e ir a Avilés porque la ocasión lo merece. Vale, no me voy a hacer el duro, aunque vivo fuera soy de allí y solo tengo que coger las llaves de casa y del coche para pasar unos días de lujo disfrutando del evento. Mi única maleta estaba llena de cómics. Eso sí, no pude llegar hasta el miércoles por la tarde, con lo que me perdí un buen puñado de cosas interesantes (tenía especial ganas de ver a Juni Ba y Danide, entre otros) y para más inri llegué justo para ver a un Rob Williams que no pudo llegar debido a la incidencia con el sistema de los aeropuertos británicos. No sería el único, pues Dan Watters no pudo viajar, pero esperamos verlos el año que viene.

Así mis jornadas empezaron de jueves, que no es poco, con la presentación de dos de las mejores obras de la actualidad USA que han llegado este mismo año a España, Las Hermanas Seasons, a cargo de su dibujante Paul Azaceta, y Sucesos Críticos Variados, por su guionista Deniz Camp. Destacar que ambos hablaron de la duración de las series, en el caso de Las Hermanas Seasons, Azaceta comentó que tenían un primer arco ya cerrado pero que nos esperan nuevas aventuras en un futuro no muy lejano, después de que él haga un par de trabajos en los que quiere cambiar de registro, que por lo poco que comentó parecen bastante interesantes. En el caso de Deniz Camp tenemos Eventos Críticos Variados para rato, recordemos que la serie es una antología siempre con el mismo equipo creativo, por lo que él premiado escritor afirmó tener unas cincuenta historias más, si son al nivel de las vistas hasta ahora pues serán bienvenidas.

La tarde estuvo copada por las charlas de autores nacionales de Homs, la siempre interesante Raquel Gu y el precioso dibujo de David Morancho para luego pasar a internacionales como Stipan Morian, contando su interesante vida y amenizado por un Deniz Camp que gritaba desde el público (nota personal: hay que entrevistar a este hombre), y el arte de Declan Shalvey, cuya charla recorrió gran parte de su dilatada carrera. También se mencionó que el irlandés se integró muy bien con la cultura asturiana (si es que en realidad no estamos tan lejos).

Repetimos con Homs y David Morancho el viernes por la mañana, en una rueda de prensa junto con Fernando Dagnino, donde se debatieron temas muy interesantes sobre el estado del cómic actual, incidiendo en la necesidad de tender puentes entre el manga y el cómic occidental para que lectoras y lectores jóvenes se muevan en ambos mundos. Dagnino además daría esa misma tarde una estupenda charla donde hablaba de todo su trabajo e insistía en que tarde o temprano saldrán más partes de sus trabajos como autor completo, cosa importante ya que por aquí amamos tanto Smart Girl como Winter Queen.

Tengo que admitir que la mañana se me fue en una entrevista con Matthew Rosenberg que espero ofreceros pronto (una entrevista que disfruté como nadie) y la tarde conjugó tres charlas muy interesantes, con Keko, un autor que no necesita presentación, José Villarubia, un hombre al que el propio Alan Moore admira, y Ana Oncina, superventas donde la haya. Con Villarubia tuve el enorme placer de intercambiar unas palabras hablando de la obra que editó en Image Comics, Infiel, tras atracarle para pedir una firma. Esto en realidad es lo grande que tienen estas jornadas, todo el mundo lo dice e incidir en ello es repetirme, pero es que es así, el ambiente que se respira, el poder hablar con los autores en las calles, su disposición a atender, firmar o dibujar en una terraza mientras se toman algo es increíble, es el sello de identidad de Avilés y algo que me encanta. Aunque la gente me dice que peco de prudente, no soy yo de perseguir, no es algo que esté mal visto allí. Pero Avilés también es un lugar de encuentro entre ellos y nosotros, los autores tienen su tiempo para conocerse entre ellos y los asistentes para hacer nuevas amistades o poner cara a los que conocemos por estos lares. En mi caso cada vez que voy tengo una experiencia nueva y positiva con todo el mundo.

El sábado amanecía con una multi-presentación de novedades que se convirtió en una especie de mesa redonda muy agradable en la que cuatro autores hablaban de la concepción de sus últimas obras, con Rafa Fonteriz (Olvido culpable en Cartem), Enrique V. Vegas (El Bárbaro en Dolmen) y Pere Pérez (Spiderman: Dividido para Marvel que aquí lanza Panini) a los que se les unió un antiguo miembro de esta casa, Koldo Apitarte, para presentar su último trabajo junto a Mike Bao (Relaciones Peligrosas, en Norma Editorial). Siempre es bueno ver a cuatro autores de obras diferentes charlando sobre sus filias y sus fobias a la hora de crear nuevos mundos, dando lugar a un encuentro muy ameno. Eso sí, la sala se puso en pie cuando llegaron Javier Rodriguez y Deniz Camp, la eisnerizada pareja del momento, a presentar su nuevo Batman. El dibujante asturiano no paraba de cortar a su compañero con la frase “cuidado con los spoilers” mientras este admitía que él pensaba que Javi no iba a querer trabajar con el personaje por ser un “millonario que pega palizas a la gente”. Bromas aparte, se nota que ambos tienen muy buena química y lo poco que contaron sobre Shadow of the bat nos puso los dientes largos.

Por la tarde Scott Kolins habló de su carrera en Marvel, aunque se centró más en su trabajo para Flash, y anunció que el mes que viene podremos ver y apoyar en la plataforma Kickstarter su nuevo proyecto como autor completo (no dudéis que hablaremos de ello en nuestras noticias indie semanales). Después Natalia Velarde nos maravilló con su trabajo en Encías Quemadas (de ella es el único dibujo que me llevo en estas jornadas), que a la postre fue quien se llevó el premio Zona Negativa este mismo año. Por último cerró las jornadas Matthew Rosenberg, guionista de un puñado de series en Marvel, con trabajos propios muy interesantes y que ahora está con Spawn y las Tortugas Ninja. Pero de él hablaremos otro día.

Como decía, Avilés no solo es esto, es el ambiente, es conocer gente (y para mí es pasar un rato con mi buen amigo Sito) así que voy a mandar un saludo y un fuerte abrazo a todas aquellas personas de otros medios, gente que lee Zona Negativa, gente que se acercó a saludarme y a aquellos que han tomado algo conmigo. Ha sido un auténtico placer.

Para acabar quiero dar las gracias como siempre a la organización, que además de hacer un magnífico trabajo creando este espacio siempre están dispuestos a ayudar en lo que sea necesario, haciendo que la experiencia sea aún mejor. Sin lugar a dudas, un trabajo que no está pagado. Gracias.

FOTOS: ROCÍO ORRACA CAMBLOR

Edición original: Six of Us #1 (Dark Horse Comics, 2026)

Guion: Tom King

Dibujo: Gabriel Hernández Walta

Color: Jordie Bellaire

Rotulado: Clayton Cowles

Formato: Grapa · 32 páginas · 4,99 $

Una deconstrucción de Friends a la Tom King

«We have each other’s back.»

Una de las novedades destacadas del mes en el panorama indie norteamericano (y en general, también) es la reunión del equipo autoral de The Vision en una obra original que comenzó a ser publicada bajo el sello de Dark Horse Comics días atrás. Tom King, Gabriel Hernández Walta, Jordie Bellaire y Clayton Cowles se reencuentran para desarrollar Six of Us, una serie limitada de siete entregas que se postula como una deconstrucción de la fama televisiva pasajera y su tránsito por detrás de ella así como, en un plano más cotidiano y humano, de las relaciones de un grupo de amigos.

A primera vista, desde la imagen promocional y la portada, se nota la clara referencia a la sitcom Friends, un hito en la televisión norteamericana (y occidental) contemporánea, que es también un buen ejemplo de un pico de fama que no se volvió a repetir en ningún otro trabajo para la mayoría de sus integrantes. La seña visual no es un mero juego de marketing, sino que el paralelo con esa serie y su reparto de actores es constante y evidente en todo el cómic. Desde el título del capítulo (The Thing About Me Dying) que refiere a la manera de titular de la sitcom (The One With…) hasta las cualidades y características de los personajes y su derrotero profesional. No son exactamente iguales ni podemos decir que apunta a ser biográfico, pero el paralelo es muy claro.

Inclusive, la trama de Six of Us gira en torno a la muerte de uno de ellos ocurrida en circunstancias poco claras, que dará lugar a investigaciones y a versiones cruzadas. El personaje fallecido es el del actor que sería Chandler Bing, interpretado por Matthew Perry, quien encontró su muerte en circunstancias que ameritaron una investigación. Es un caso muy reciente, de hace poco menos de tres años, y valerse de éste para inspirar una historia de ficción es tan válido e interesante como puede resultar incómodo en alguna lectura, extendiendo la trama ficcional hacia la realidad y de vuelta a las relaciones de los personajes del cómic. Es efectivo y está bien logrado por King, pero deja un cierto sabor de extrañeza.

La narrativa de la historia es similar a la que consagró al equipo autoral en The Vision, y que Tom King replicó con mayor o menor éxito junto a otros artistas en, por ejemplo, Mister Miracle o Heroes in Crisis. Un ritmo pausado, basado en diálogos que apuntan a aspectos reflexivos de los personajes, abordando su psicología y sus traumas, deseos, logros y frustraciones. Se vale asimismo de saltos temporales que no son marcados explícitamente, manejando varios tiempos de la historia: desde el mismo germen de la sitcom a momentos posteriores a su final, girando en torno al eje que es la muerte misteriosa del personaje de Tim McQueen (el doppelgänger de Matthew Perry). Ese manejo de los tiempos es utilizado, además, como herramienta del guión para mantener el misterio en torno a los hechos, sus causas y su relación con todos los implicados, que se concentra claramente en los seis protagonistas.

En el retrato de la psicología de los personajes, como decíamos al comienzo, es central el tema de la fama televisiva. El cómic hace foco, en este sentido, en la relación de los actores con el público, en lo que deseamos y demandamos y esperamos de ellos en esa relación mediada por las cámaras, confundiendo ficción con realidad, y qué efectos les genera a quienes están detrás de ellas, cómo pueden sufrirla tanto como disfrutarla.

En el apartado visual, en lo que aporta desde el guión Tom King vuelve a utilizar recursos que se han demostrado efectivos. La diagramación de páginas en nueve paneles, la interacción entre textos e imágenes para reforzar o contradecir (y con ello, acentuar un poco más) con palabras lo que representan los dibujos, los golpes de efecto emocionales, los giros bruscos de la trama. El dibujo de Hernández Walta marca el ritmo pausado de este guión, y potencia las sensaciones con la expresividad lograda en los personajes, a los que con pocas líneas define su personalidad con claridad. El color de Bellaire, en tanto, le aporta el aire de felicidad perfecta que suele cargar esta sitcom y sus personajes, contrastada con la oscuridad del mundo real y sus vidas fuera de cámara, profundizada por la muerte poco clara de uno de ellos.

Six of Us se planta como una lectura obligada para los seguidores habituales de Tom King, y en particular para quienes han sabido disfrutar del trabajo de The Vision. Pero los excede a ellos y apunta a un público más amplio, ya que la serie es un paso adelante en el trabajo del escritor, y en este caso de todo el equipo, al salir de los universos superheroicos y jugar al filo de un hecho real, con el volumen de sus implicaciones que exceden a la ficción.

Edición original: Sangliers FRA (L’employé du Moi, 2025)

Edición España: Jabalíes (Garbuix Books, 2026)

Guion: Lisa Blumen

Dibujo: Lisa Blumen

Color: Lisa Blumen

Traducción: Montserrat Terrones

Maquetación y rotulado: Galder Regueiro

Corrección: Joan Abril

Formato: Rústica · 206 páginas · 26,95 €

La cara menos vistosa de los influencers.

«Me siento permanentemente observada.»

Es inevitable que cuando somos niños no seamos capaces de ver la cara oculta de las profesiones con más glamour y exposición pública, así no nos debería resultar extraño que cada vez que preguntamos a un grupo de niños que quieren ser de mayores muchos respondan diciendo una de ellas. Antes podían ser futbolista, cantantes, modelos o actrices y ahora es posible que nos digan que influencers. Unas respuestas marcadas por la inocencia de no ser conscientes de que todas tienen sus sacrificios y pegas. La gran diferencia entre las que teníamos en el mundo pre-internet y el actual es el alcance que se ha multiplicado exponencialmente universalizándolo todo, para lo bueno y para lo malo. Algo que no es sencillo de explicar, sobre todo para los más pequeños. Por eso resultan muy necesarios cómics como Jabalíes recientemente editada por Garbuix Books en nuestro país y que le ha servido para obtener el premio Pépite Bande Dessinée del Salón del Libro Juvenil de Montreuil de 2025. Se trata de la tercera obra de Lisa Blumen (Roubaix, 1994) tras su debut con Avant loable que le valió el premio ADAGP Révélations del festival Quai des Bulles de 2022 inédita en nuestro país y la estupenda historia de ciencia ficción Astra Nova editada por Salamandra Graphic y ganadora del premio al cómic de los Utopiales de 2023.

Jabalíes nos cuenta la historia de Nina, una joven maquilladora de talento, pero que se ha ido forjando una incipiente carrera alternativa como influencer de belleza. Una actividad que se ha convertido en su modo de vida publicando contenido con el seudónimo de Nina Makeup. Una cotidianidad marcada por la creación constante de videos para dotar a sus redes de mayor contenido que le permita conseguir un mayor número de seguidores que le posibilitará acceder a contratos más lucrativos de los anunciantes. Ese enorme nivel de trabajo y autoexigencia provoca que su vida se haya vuelto cada vez más solitaria, con un agente que no para de presionarla, una familia que no entiende ni apoyo lo que hace, el hato de varios seguidores e, incluso, el acoso de un desconocido. Una vida cada vez más vacía marcada por la exposición mediática constante que solo le genera desilusión y tristeza poniendo en peligro su salud mental.

A través de una estructura de thriller psicológico Blumen crea una historia que le permite abordar la cara más oscura de la vida de los influencers con esa sobreexposición incesante que acaba por deshumanizarlos ante su público, pero también para reflexionar sobre otros temas igual de interesantes como la mercantilización del cuerpo de las mujeres y su representación de cuerpos totalmente irreales, además del machismo cotidiano que ha encontrado en las rr.ss. una enorme y tóxica caja de resonancia. Un lugar donde muchos se comportan como los jabalíes del título de obra, acosando a personas como a Nina. Haciendo que vivan con miedo que vemos perfectamente reflejado en las páginas del cómic ante eso acosador silencioso y amenazante, pero que es igual de dañino que los trolls que pueblan internet. Una realidad de la que casi nunca se habla, lo que convierte a esta obra en mucho más necesaria.

Además de todos esos mensajes sobre los peligros de internet contados una forma cercana, sin concesiones y sin caer en el sensacionalismo, en Jabalíes Blumen se nos descubre como una narradora de raza capaz de crear una historia en la que la tensión va en aumento a cada página. Algo que consigue sin necesidad de ninguna escena de acción simplemente mostrándonos todo lo que bulle en la cabeza de la protagonista a través de una narrativa llena de primeros planos y diferentes encuadres que sirven tanto para su sufrimiento como para imitar la forma en la que están grabados los videos de la influencers de moda cuando se maquillan o hablar a sus seguidores. Algo que denota el enorme trabajo que se ha tomado la autora francesa para poder reflejar ese mundo tan particular que apenas tiene presencia en las historias de ficción pese a que ya forma parte indivisible de nuestra vida diaria.

Pero sin ninguna duda la parte más brillante de Jabalíes es la visual, sobre todo el uso del color. Estamos ante un cómic coloreado mediante rotuladores que emplea principalmente tonos flúor, beige y rosas bastante saturados que son parte esencial de la estética habitual de los videos de las influencers de belleza y que van generando una sensación de opresión que se traslada también al lector. A medida que la historia se va adentrando por caminos más turbios que afectan a la salud mental de Nina los tomos rojos adquiere mucha más presencia reflejando esas heridas internas que están destrozándola, saliendo a la superficie.

Como es habitual Garbuix no trae una edición muy cuidada con un diseño y preproducción perfectos que pasa a formar parte de uno de los catálogos más interesantes del panorama editorial español.

En Jabalíes Lisa Blumen da un salto de calidad con respecto a su ya notable anterior trabajo ofreciéndonos un cómic lleno de capas que nos habla sobre cánones de belleza y su mercantilización; el machismo cotidiano y muchos de los peligros de las redes para nuestra salud mental. Todo ello con un apartado gráfico muy cuidado y trabajado, sobre todo el extraordinario uso del color. Uno de esos cómics que debería ser lectura obligatoria en centros escolares que te tiene un enorme potencial educativo.

¡El verano ya animó, ya anime, ya animú!

¡Señoras y señores! ¡Niños y niñas! ¡Inus y nekos fumetas! Bienvenidos a la penúltima temporada del año, que como el calentamiento global viene a que no salgamos de casa. A última hora para que hayáis aprovechado bien los días de arena y excursionismo, que no todo va a ser estar pegados a la pantallita (o pantalla grande los pudientes que tengan suerte). En fin. Ya hacía tiempo que no presentábamos este formato a lo grande, esperemos volver a vernos en unas semanas con la selección de otoño. No tan cargada como esta pero siempre digna de mención. Y de aquí para abajo, la selección de lo mejorcito y que más gente tiene en las listas de esperados desde el pasado julio.

Estrenos de temporada

Fumando juntos detrás del súper

Título original: Super no Ura de Yani Suu Futari (スーパーの裏でヤニ吸うふたり)
Título: Smoking Behind the Supermarket with You
Autor de la obra original: Jinushi
Directores: AOI Mori y MASATO Suzuki
Productor: TBS
Estudio: Asahi Production
Género: Slice of Life
Enlace al tráiler

Cuando Panini Manga presentó la obra se intuía que podía ser un slice of life de los que gustan y amenizan a partes iguales. Con ese toque urbanita, misterioso y protagonistas que difieren tanto en edad y aspecto. Lo que no se intuía es que fuese un fenómeno del calibre de ser la obra de estreno más esperada de la temporada.

La historia versa de lo más mundano entre lo mundano para la sociedad nipona. Un salary man que acude al konbini a comprar algo tras el trabajo y llevarse la sonrisa de la amable cajera para calentar el corazoncito. La cajera que cuando termina su turno se quita esa forma modosita y se vuelve una punk arisca para inadvertida para nuestro hombre trajeado, y entre cigarrillos y confesiones de la vida que cada uno lleva saldrá un espacio libre de malos humos y lleno de buenas vibras.

Gateta fumeta

Título original: Yani Neko (ヤニねこ)
Título: Chainsmoker Cat
Autor de la obra original: Nyannyan Factory
Productores: Kodansha, Magic Capsule y Tokyo MX
Estudio: Bibury Animation Studios
Género: Comedia escatológica
Enlace al tráiler

Y de fumar va la cosa, que no es solo que sean dos series con temática fumadora sino que son de las más esperadas de la temporada. Yani (ヤニ), además del nombre de la gata prota, es una palabra japonesa que se refiere a colilla de forma coloquial. Una chusta. Y lo digo por la palabra, que no por la serie. Esta es escatológica a más no poder, con un humor del mismo nivel de cochinería.

En sí, se podía ver como una crítica a los malos hábitos y la problemática de las adicciones, ya que de alcohol, tabaco y otras sustancias va la vaina. Pero más bien es una mirada indiscreta al cubo de basura donde se está metiendo Yani (a veces literalmente). Que las chicas neko son mu monas y su versión fumeta crea una antítesis curiosa menos kawaii y más de hacerse las guayys, que sí que el opening tiene referencias al cine americano donde el cigarrillo es una constante. Pero, no deja de ser un anime costumbrista que saca una temática como los vicios de la forma más blanca posible (si es que es eso posible con las paredes amarillentas de la nicotina y el alquitrán).

Black Torch

Título original: BLACK TORCH
Título: Black Torch
Autor de la obra original: TAKAKI Tsuyoshi
Productores: Shogakukan-Shueisha Productions, Delfi Sound Y Shueisha, Hike
Estudio: 100studio
Género: Acción
Enlace al tráiler

Adaptación al anime del manga homónimo que ya nos llegó por parte de Norma Editorial hace sus buenos 7 añitos y completada en 5 tomos.

Anime shounen de los de la vieja escuela, con su buena dosis de acción y su dúo de protagonistas + la chica (hasta el co prota tiene gafas como Ishida de Bleach. Azuma tiene la habilidad de hablar con los animales y junto a ser descendiente de un clan shinobi hizo que su encontronazo con Ragou, un mononoke transformado en gato cambiase su vida por completo. Eso y sufrir una herida mortal que ligó los lazos de ambos.

Ahora con la capacidad de transformarse en un mononoke, Jirou luchará junto con el equipo Black Torch contra cualquiera de estos seres demoníacos que se la han jurado a la humanidad para mantener la paz en la Tierra.

The Ghost in the Shell

Título original: 攻殻機動隊 THE GHOST IN THE SHELL
Título: Koukaku Kidoutai
Autor de la obra original: SHIROW Masamune
ProductorES: Production I.G, Dentsu, Kodansha, flying DOG…
Estudio: Science SARU
Género: Acción Distópica
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Poca presentación necesita una obra tan reconocida como Ghost in the Shell, pero también pocas necesitaban un anime como este. Una obra con adaptación al cine tanto en versión animada como americanizada por al siempre fabulosa Scarlett Johansson. Ahora en una adaptación que sorprende por su renovado estilo gráfico, reimaginando un mundo cyberpunk futurista con la misma violencia animal de antaño.

Lo que esta obra trae es un apartado visual nuevo para una historia que se mantiene más vigente que nunca. Con el alzamiento de las IAs, cada vez más se difuminan los límites entre la vida y la máquina.

Te quiero amar hasta el día de tu muerte

Título original: Kimi ga Shinu made Koi wo Shitai (きみが死ぬまで恋をしたい)
Título: I Want to Love You Till Your Dying Day
Autor de la obra original: Aono, Nachi
Productor: WOWOW, Movic, AT-X, Magic Capsule
Estudio: ROLL2
Género: Drama / Yuri
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En un orfanato donde los críos se educan para ser soldados, no es de extrañar la noticia de que una de sus compañeras haya fallecido. Pero esto marca un punto de inflexión para Sheena la princesa protagonista de esta serie, cuando se encuentra con otra chica de su edad cubierta de sangre, alegre, pese a lo que estaban a vivir en ese mundo en guerra.

Es esta reunión de una chica rota por las tragedias que las circundan, y otra sobreviviente a toda situación que las hará unirse para sobrellevar un campo de batalla que ninguna había escogido vivir.

Amor ciego bajo el claro cielo estrellado

Título original: Toumei na Yoru ni Kakeru Kimi to, Me ni Mienai Koi wo Shita. (透明な夜に駆ける君と、目に見えない恋をした。)
Título: Love Unseen Beneath the Clear Night Sky
Autor de la obra original: SHIMA Nanigashi
Productor: Shochiku, AT-X, Studio Mausu
Estudio: Makaria
Género: Drama
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Y también de optimismos va la cosa, no por vivir en un mundo en guerra sino a sobrellevar una condición vital. Adaptación de las light novel homónimas Koharu es una estudiante universitaria que lleva un optimismo refulgente, tanto que su condición de persona invidente parece que quede opacado por su carácter jovial. De esta forma creará unos lazos con quienes han vivido ciegos a las bondades de la gente.

Jaadugar: Una bruja en Mongolia

Título original: Tenmaku no Jaadugar (天幕のジャードゥーガル)
Título: Jaadugar: A Witch in Mongolia
Autor de la obra original: Tomato Soup
Productor: TV Asahi, Bit grooove promotion, BS Asahi y TV Asahi Music
Estudio: Science SARU
Género: Drama
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Llegada recientemente al catálogo de manga español por parte de Panini Manga, esta espectacular obra nos trae una región asiática no tan explorada por el mundo del manganime (y no, BECK: Mongolian Chop Squad no cuentan).

En el gran imperio mongol, la belleza es medida según la inteligencia, y a Fátima la han adquirido para ser una de las intelectuales esposas del Khan Ögedei. Aunque esta desprecie el estudio por lo tedioso que este se puede volver, encerrada en un cuarto, con gente desconocida y lejos de su casa; comprenderá el mundo que le descubre ese conocimiento. Junto a Töregene, srán las esposas del Khan que comiencen una revolución en el imperio mongol.

Adiós Lara

Título original: Sayonara Lara (さよならララ)
Título: Goodbye, Lara
Director: MATSUI Yuuko
Productor: Yomiuri Telecasting, Sound Team Don Juan
Estudio: Kinema Citrus
Género: Drama / Reencarnación
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Mukashi mukashi (hace mucho mucho tiempo), existía una princesa sirena que se enamoró de un humano, un amor prohibido en el mundo de los tritones. Pero esta sirena consiguió una poción para volverse humana, una poción que si no lograba que ese amor fuese correspondido, se convertiría en espuma de mar.

Ahora Ariel Lara ha renacido 200 años después, en una segunda oportunidad de encontrar a su amor predestinado. Eso o su compañera de aventuras Mari reventará todo a guantazo limpio.

Pueblerino Nv.999

Título original: Lv999 no Murabito (LV999の村人)
Título: The Villager of Level 999
Autor de la obra original: HOSHIZUKI Koneko
Productor: MediaNet, BS Fuji, DMM.com, Bit grooove promotion y Pia
Estudio: Brain’s Base
Género: Fantasía
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¿Quién dijo que un ciudadano de a pie no puede tener un árbol de habilidades que desarrollar? Y si te vuelves op de la clase básica, sigues estando op. Y si la forma de ganarte el pan es cargándote monstruos, mejor dejarse el lomo contra criaturas demoníacas que contra el dueño de las tierras.

The World Is Dancing

Título original: World Is Dancing (ワールド イズ ダンシング)
Título: The World Is Dancing
Autor de la obra original: MIHARA Kazuto
Productor: Shochiku, Tokyo MX, Toy’s Factory, CyberAgent y Cygames
Estudio: Cypic
Género: Seinen / Artes
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Recientemente han aparecido bastantes obras sobre el baile, con Welcome to the Ballroom, Dance Dance Danseur, Wandance (con su animación CGI nefasta por parte del estudio Cyclone Graphics que luego cogió el propio autor del manga y se puso a animar por su cuenta), Medalist o Yuri on Ice. Era turno de ahondar en la tradición japonesa.

Oniyasha busca ese baile que ahonde en la esencia humana, llevando el Nihon Buyo a las cotas más altas mezclando sensibilidad, belleza, curiosidad y una arrollante energía que hará aflorar todo tipo de sentimientos mientras combate sus propios conflictos internos.

Reiwa no Dara-san

Título original: Reiwa no Dara-san
Título: Dara-san of Reiwa
Autor de la obra original: TOMOTSUKA Haruomi
Productor: Lantis, AT-X, Docomo Anime Store, Kansai TV, BS NTV, Kadokawa
Estudio: Asahi Production
Género: Comedia / Sobrenatural
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Y vamos con un poco de perversión cómica… ¿furry? Ya con Monster Musume hemos podido ver cómo se puede perversionar a una criatura mitológica como la lamia, pero aquí tenemos a una pareja hermanos (Japón y sus cosas) los cuales encuentran a la lamia Dara en una zona de acceso restringido. Y en vez de asustarse por lo grotesca que puede ser la criatura, la abrazan como un todo (un todo muy erótico) y la meten al mundo del cosplay como si no hubiese mañana.

Que sigo sin entender cómo hacen pechugonas todos los autores a las lamias.. se supone que son mitad reptil mitad humano.. que los reptiles son ovíparos y estes además reptan, no tiene sentido ninguno. Y con las sirenas igual, he dicho.

Jan Wok de Acero

Título original: Tetsunabe no Jan! (鉄鍋のジャン！)
Título: Iron Wok Jan!
Autor de la obra original: SAIJYO Shinji
Productor: TV Tokyo, Marvelous Entertainment, Magic Capsule, KlockWorx
Estudio: TROYCA
Género: Gourmet
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Y si de animes de baile hemos tenido un puñado, con los de cocina últimamente tenemos el menú copado. Del manga homónimo que nació hace ya sus buenos 31 años y con sus 27 tomarros (+ secuela) para atestiguar buena calidad culinaria, Tetsunabe no Jan nos trae el shonen de cocina. Jan ha heredado la pasión culinaria de su abuelo, pero también su archinémesis Gobancho, aunque en vez de un abuelete decrépito le viene en forma de rubia pechugona. Con dos enfrentamientos diferentes sobre la cocina, siendo Kiriko la que prima el servicio al cliente, y Jan el que solo piensa en vencer la competición.

Let’s Go Kaikigumi

Título original: Let’s Go Kaiki-gumi (レッツゴー怪奇組)
Título: Let’s Go Kaiki-gumi
Autor de la obra original: Byuu
Productor: TBS, Half H.P Studio, KlockWorx
Estudio: C-Station
Género: Comedia / Supernatural
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Una pequeñaja de nombre Mechako, cuenta con su propio cuerpo policial que acaba con estos espíritus que puedan amenazar a los que aún tienen el espíritu en el más acá. Esta organización llamada Kaiki-gumi (que no Shinsengumi) tendrá la colaboración del protagonista, así sin nombre, para qué; un chaval seis veces más sensible a los fenómenos del más allá y pues, le tocará pasarlas canutas para que otros la pasen algo mejor. Aquí. Vivos al menos.

Thunder 3

Título original: Thunder 3 (サンダー3)
Título: Thunder 3
Autor de la obra original: IKEDA Yuuki
Productor: Animax, Kodansha, Fuji TV, KlockWorx, Slow Curve
Estudio: Unend
Género: Acción / Ciencia ficción
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Una historia de rescate a través de realidades paralelas, dos estilos muy diferentes colisionando y una reminiscencia a las obras de OKU Hiroya muy clara. Una obra de acción cuyo manga hace pasar las páginas y los tomos volando, pero que con animación CGI pierde mucho de su encanto. Personajes adorables al estilo cartoon resistiendo ataques tácticos con misiles balísticos de tecnología alienígena y una resistencia armada y trucada con sangre alien para enfrentar a los conquistadores de mundos.

Recomendada para todos los que disfrutan este tipo de obras donde lo principal son los paneles copados de tecnologías imposibles y explosiones a cada página, para los que siguen la obra de OKU-sensei y para los que quieran algo extravagante sin mucho diálogo.

Segundas buenas partes (y terceras, cuartas…)

– Mushoku Tensei III: Isekai Ittara Honki Dasu
– Youjo Senki II
– Bleach: Sennen Kessen-hen – Kashin-tan
– Seihantai na Kimi to Boku Segunda Temporada
– Grand Blue Season 3
– Clevatess II: Majuu no Ou to Itsuwari no Yuusha Denshou
– Kimi no Koto ga Daidaidaidaidaisuki na 100-nin no Kanojo 3ª Temporada: (curioso que haya dos terceras partes donde el prota liga con sus primas)
– Katainaka no Ossan, Kensei ni Naru II
– Nige Jouzu no Wakagimi Segunda Temporada
– Kabushikigaisha Magi-Lumière Segunda Temporada

Películas

– Mahou Shoujo Madoka★Magica Movie 4: Walpurgis no Kaiten
– Sekiro: No Defeat
– Shibou Yuugi de Meshi wo Kuu. 44: Cloudy Beach
– Cherry and Virgin
– Doko yori mo Tooi Basho ni Iru Kimi e
– Grotesqqque
– Shiranuhi
– Crayon Shin-chan Película 34: Kikikaikai! Ora no Youkai Bake-shon

¿Emocionados gentes? ¿Cuántas tenéis ya para amenizar desayunos, comidas, cenas y semanas que dure el bochorno? Si hay alguna que hay que recomendar y se me ha escapado del radar aquí abajo todo lo que gustéis. Un abrazo y recordad que una gran animación conlleva una gran inversión de tiempo.

FUENTES

• My Anime List – https://myanimelist.net/anime/season
• Listado Manga – https://www.listadomanga.es
• Anime Data Base (aniDB) – https://anidb.net
• Anime News Network – https://www.animenewsnetwork.com
• Syoboi – https://cal.syoboi.jp

Edición original: The Brave and the Bold #85 (DC Comics, 1969)
Guion: Bob Haney
Dibujo: Neal Adams
Entintado: Dick Giordiano
Formato: Grapa. 32 páginas.

La modernización de los valientes

«Le han disparado al senador «

A raíz de que el sábado 19 se celebra el Batman Day en todo el mundo y que Panini ha anunciado sendos regalos por ir a las tiendas a por cómics y empaparnos del personaje, nosotros no podíamos ser menos y celebraremos el día con varios artículos de compañeros con aventuras del Caballero Oscuro y un podcast sobre varios team-up.

Por eso, servidor aprovecha para ir abriendo boca y hablar sobre un team-up de Batman (que se ha quedado fuera por espacio y aquí se aprovecha todo, como las páginas de los cómics) y Green Arrow. Un clásico, que sigue funcionando como un puñetazo del guante de boxeo.

Creo que ya es de sobra conocido por quienes llevan tiempo en el mundillo del cómic, incluso por los que menos bagaje tienen, sobre lo que era Batman antes de la llegada de O’Neil y Adams, sus aventuras en los cómics y la serie del mítico Adam West y lo que supuso ese gran cambio de tono de las aventuras al personaje y su revitalización para todo lo que ha supuesto al personaje y es quien es a día de hoy. De eso ya habló nuestro amigo compañero Juan Iglesia.

Pues bien, Neal Adams, que sabemos era un dibujante nada convencional, defensor incansable de los derechos de sus compañeros, que se les reconociera y su lucha por ser igual que los escritores, al fin y al cabo era la mano de obra barata, los «fantasmas», y como persona con diversas inquietudes artísticas, y en diversos campos de la escritura y su forma de mirar el paradigma del arte en los cómics modernos, siguiendo presente a día de hoy, pues aprovecho y en la cabecera de Team-Ups de Batman, Brave and the Bold, redefinió a Flecha Verde como todos lo conocemos actualmente.

El famoso traje verde y su icónica y carismática perilla junto a su ya famosa mala leche e ideas de izquierdas. Así como Batman volvió a nacer, a Ollie le ocurrió lo mismo y tiempo después revolucionará todo junto a Green Lantern, pero es como se dice, es otra historia.

Ya con este lavado de imagen y devolviendo a la palestra un personaje olvidado, el número como tal es más que impresionante y no el típico team-up de todos los meses con grandes artistas de la casa en esa época.

Además, cuentas con Neal Adams en su momento más impactante como artista, claro está, así que por mucho que el guion fuese ramplón, que es funcional y hasta muy divertidas las dinámicas entre Bats y Ollie, se nota la mano del propio Adams acompañando a Bob Haney.

Tenemos una aventura de investigación política y carrera contrarreloj.

Han disparado al senador elegido en Gotham City por intentar llevar a cabo su plan contra el crimen y claro, eso para ciertas personas influyentes y no solo rateros o mafiosos de medio pelo es un problema. Bruce Wayne es elegido para sustituirle y llevar a cabo el voto que haga posible la ley y ahí entran nuestros héroes, con Batman haciendo su habitual doble papel y Flecha Verde su ya característico tono burlón, conflictos político-sociales con el resto de compañeros de la serie.

Y, cómo no, escenas de acción marca de la casa Adams, dinámicas, potentes, con un gusto para el encuadre y la espectacularidad tan perfecta que parece hasta fácil de replicar, como su anatomía y el juego que hace con los colores y los personajes en la penumbra, amén a la típica pelea con un tigre. Pura pelicula en movimeinto en viñetas.

Uno de los cómics por los que nunca pasa el tiempo, redefiniendo a un personaje que sin este número no sería igual a día de hoy, buena aventura, tensión en su justa medida, acción y todo muy bien planteado y desarrollado, sin acabar de la manera tan artificial como cualquier cómic de la época, dejando un poso en el lector a raíz de todo lo que ha ocurrido.

Así que eso es todo por aquí y recordar que el sábado se celebra el Batman Day y hay varios regalos por asistir a vuestra librería de confianza.

Edición original: Ultimate Wolverine #13-16 USA (Marvel Comics, 2025)

Edición España: Ultimate Wolverine 5 (Panini Cómics, 2026)

Guion: Chris Condon

Dibujo: Domenico Carbone, Alessandro Capuccio

Entintado: Domenico Carbone, Alessandro Capuccio

Color: Bryan Valenza

Formato: Rústica · 104 páginas · 11 €

Desconectado de la realidad

«¿Leyéndome la mente, Fénix?»

Alcanzamos el final de otra de las cabeceras del universo Ultimate, siendo ahora le turno de Ultimate Wolverine, con un último tomo de tapa blanda que llega de la mano de panini cómics al tiempo que las demás series de la línea también llegan a su fin en nuestro país y que recopila los últimos cuatro números de la colección. Hasta ahora la serie ha pasado por una difícil búsqueda de identidad, sufriendo por sacarse de encima la sensación de familiaridad que lleva arrastrando desde el comienzo, pero la última entrega nos permitía apuntar al optimismo alejándose de los cánones más que hasta ahora. Veamos si el guionista Chris Condon, cuya miniserie Reborn: Ultimate Impact que sirve de continuación al final del universo Ultimate ya ha sido publicada en nuestro país, es capaz de poner el punto final a la serie en lo alto.

Después de unos cuantos números en los que Lobezno formaba parte del movimiento mutante llamado «la Oposición», cuyo objetivo era derrocar a los Rasputín de su poder en Eurasia, en la última entrega fuimos testigos de la parte final de este enfrentamiento. Un ataque a la base de la Oposición acaba con todos los aliados de Lobezno, que de forma inmediata decide encabezar una expedición a Moscú para acabar finalmente con Magik y Coloso. La pelea se resuelve con la muerte de Coloso y con la huida de Magik, mientras que Logan encuentra un nuevo grupo de aliados en una Jean Grey que libera del encarcelamiento en el Kremlin y un centinela reformado. De este modo la última batalla de este Logan en su colección será por encontrar a Magik, que se ha visto recluida al Limbo, y asegurarse de que él y Jean son los últimos mutantes que han de pasar por la serie de experimentos a los que fueron sometidos.

El guion de Condon es correcto, pero bastante irregular. El principal problema que hallo en el guion de estos números es uno de estructura, Condon parece no lograr dar con el ritmo adecuado y como resultado aparecen escenas que no parecen seguir una dirección clara. En líneas generales, el autor aparenta quedarse sin ideas y por lo tanto este final se alarga innecesariamente. Además, el nuevo status quo para este personaje (instaurado tan solo en la entrega anterior) no se explora de ninguna manera: la confianza entre Lobezno y Jean es inmediata e inamovible, y Centinela Uno queda reducido a una máquina de conveniencia para el guion, con pocas interacciones con los demás protagonistas. Con todo, pienso que la premisa de ver a este grupo de personajes descubriendo el territorio de Eurasia es acertada, pero dado que es introducida tan tarde en la colección es un aspecto que solo podemos disfrutar en un par de números. De la misma manera, el enfrentamiento que sirve como colofón final de toda la serie se siente bastante anticlimático. Después de haberlo anticipado durante una parte importante de la serie las últimas escenas apenas sirven como clímax, carecen de tensión o de emoción, y se terminan de forma repentina.

El dibujo corre a cargo de dos artistas italianos que ya se conocen de su paso por la colección de Caballero Luna de Mackay, el artista titular Alessandro Capuccio y el artista invitado Domenico Carbone. Carbone hace un buen trabajo que no desentona, por algo fue ya elegido para servir como suplente de Capuccio. El juego de luces y sombras no aparece tan marcado a pesar de un entintado intenso, pero el dinamismo y expresividad de las escenas de acción sirven de soporte para todo el trabajo artístico, que sin duda para mí sufre de encontrarse con un guion más bien pobre. Por su parte, Capuccio está tan inmenso como siempre, e incluso aumentando su desempeño en los escenarios. Los colores de Bryan Valenza le sientan muy bien al arte de Capuccio, aumentando el contraste combinando tonos cálidos y fríos, y como era de esperar se adapta a la perfección al arte de Carbone.

En definitiva, un final que como toda la serie deja un sabor agridulce. Hay una sensación de oportunidad perdida que rodea esta cabecera. Las posibilidades de explorar una nueva versión de Lobezno, y de otros mutantes, queda desaprovechada al reiterar en exceso motivos y temas que ya hemos visto en incontables ocasiones. En estos números en particular, la caracterización de Logan es casi indistinguible de su versión habitual, con pocas exploraciones de cómo el nuevo origen del personaje y el universo que lo rodea genera desviaciones de su camino habitual.

Novedades Nacionales de septiembre 2026.

Su reentré tras el verano viene con tres novedades con autoría nacional. Para los más pequeños de la casa han publicado la primera entrega de la serie Lola y Estrella en la que el conocido ilustrador Ricardo Cavolo de debuta en el cómic infantil con una historia sobre dos amigas que deben emprender un viaje para salvar una parte de su mundo. En Ya no llama nadie Elizabeth Casillas (La palabra que empieza por A, Todas nosotras) y Blanca Vázquez (Juntas en esto) nos cuentan una historia sobre la vejez y esas ausencias que pesan como losas cuando nos hacemos mayores. Javi de Castro regresa al cómic para adultos con Encarna viva un cómic en el que, tal y como sucedía en Villanueva, se entremezcla el costumbrismo rural con el terror. En esta ocasión tenemos un cómic de vampiros que transcurre en un pueblo asturiano.

– Lola y Estrella 1. El monolito de las voces, de Ricardo Cavolo; 21,00€.
– Ya no llama nadie, de Elizabeth Casillas y Blanca Vázquez; 20,00€.
– Encarna viva, de Javi de Castro; 19,00€.

Nos traen la tercera entrega de ese despiporre de violencia desenfrenada que es la serie de Víctor Dvnkel Proyecto secreto: Exoesqueleto. Un bizarro homenaje sin ningún tipo de complejos ni pretensiones a los excesivos cómics de superhéroes de los años noventa y al manga más salvaje.

– Proyecto secreto: Exoesqueleto 3, de Víctor Dvnkel; 8,00€.

Publican Ojalá fuera tan fácil, un cómic heredero del underground más clásico de Rafffeijoo que nos habla de la cotidianidad de un historietista en plena crisis creativa y existencial y las peculiares personas que le rodean.

– Ojalá fuera tan fácil, de Rafffeijoo; 27,00€.

Este mes nos traen tres novedades. La primera es Ibáñez. Un país en viñetas, un libro en el que Antoni Guiralcon la ayuda de Jordi Canyissà explora todo lo que los cómics del creador de Mortadelo y Filemón han signidicado para este país. Además tenemos la sexta entrega de El Corsario de Hierro que recopila las últimas historias de sus creadores Víctor Mora e Ambrós, además de algunas creadas más recientemente por nuevos autores. También podremos leer la tercera entrega de Anacleto: Agente Secreto del siempre genial Manuel Vázquez que incluye historias creadas a finales de los setenta y principios de los ochenta.

– Ibáñez. Un país en viñetas, de Francisco Ibáñez, Antoni Guiral y Jordi Canyissà; 30,95€.
– El Corsario de Hierro. Serie Grandes Aventuras 6 1971-2026, En las garras de Drakovitz y otras aventuras, de Víctor Mora, Ambrós, Antonio Bernal, Juan Manuel González Cremona, José Luís Barón Sesé y David Bernad; 51,95€.
– Anacleto: Agente Secreto. Edición Limitada 3 1975-1981, de Manuel Vázquez; 57,95€.

Vuelven de vacaciones con fuerza y tres novedades tan variadas como interesantes. EN Bienvenidos a C.A.S.A. Tomeu Riera nos cuenta una historia que mezcla ciencia-ficción con fantasía para proponernos una crítica sobre el consumismo y la necesidad de tenerlo para ya que es parte cotidiana de nuestras vidas. La noche de los gatos es un thriller lleno de humor negro de Sebastià Cabot que transcurre en una ciudad distópica. Por último, Best seller. La cara oculta de la Luna es un metacómic de Joan Mundet que arranca tras los atentados del 11 de septiembre donde las fronteras entre realidad y ficción se desdibujan.

– Bienvenidos a C.A.S.A., de Tomeu Riera; 30,00€.
– La noche de los gatos, de Sebastià Cabot; 24,00€.
– Best seller. La cara oculta de la Luna, de Joan Mundet; 20,00€.

Para la vuelta al cole nos han traído XI-36 Batalla por Madrid, un cómic de Juanjo Ruiz e Isidre Mones que nos traslada a los años en los que la capital tuvo que resistir como pudo el ataque fascista de los golpistas. Además, tenemos la novena entrega de la serie de capa y espada Capablanca de Joan Mundet donde vemos los primeros pasos como bandolero del protagonista tras su paso por la cárcel.

– XI-36 Batalla por Madrid, de Juanjo Ruiz e Isidre Mones; 18,00€.
– Capablanca 9 Infausta partida, de Joan Mundet; 18,00€.

Dentro de su línea Albion nos traen la octava entrega de Zarpa de Acero que supone la vuelta de sus creadores tras diferentes problemas editoriales de la serie Tom Tully y Jesús Blasco. También publican la décima entrega de Esther y su mundo. Serie Turquesa, un pedazo de historia del cómic de nuestro país de la mano de la inmensa Purita Campos.

– Zarpa de Acero 8, de Ken Bulmer, Tom Tully y Jesús Blasco; 27,90€.
– Esther y su mundo. Serie Turquesa 10, de Purita Campos y Phillip Douglas; 29,90€.

La novedad más interesante que nos traen este mes es Relaciones peligrosas, el nuevo cómic de los eximios Koldo Azpitarte y Mikel Bao que nos relata todas las dificultades que tuvieron que atravesar las científicas durante el franquismo. Además, tenemos una nueva entrega de la edición integral de El mercenario, la serie de espada y brujería de Vicente Segrelles y una edición en bolsillo de la estupenda El ala rota de Antonio Altarriba y Kim. Dentro de su sello infantil Astronave nos traen El color de los tulipanes en la que Toni Galmés y Catalina González Vilar nos trasladan a la Ámsterdam del Siglo de Oro para ver de primera mano cómo en sus calles conviven el progreso con la miseria mientras su protagonista trata de resolver el misterio que la ha llevado allí y tratar de conseguir su sueño de dibujar el mundo.

– Relaciones peligrosas, de Koldo Azpitarte y Mikel Bao; 28,00€.
– El mercenario integral 2, de Vicente Segrelles; 39,50€.
– El ala rota edición bolsillo, de Antonio Altarriba y Kim; 19,50€.
– El color de los tulipanes, de Toni Galmés y Catalina González Vilar; 23,95€.

Nos traen un integral que recopila 36-39: Malos tiempos, la imprescindible serie del maestro Carlos Giménez que aborda la guerra civil española tratando de ser lo más objetivo posible, pero teniendo en cuenta que era una contienda entre demócratas y fascistas. Un imprescindible para entender nuestra historia reciente que parece que puede volver a repetirse si no tenemos cuidado.

– 36-39: Malos tiempos, de Carlos Giménez; 39,90€.

Este mes publican El Iglú. Una historia de fantasmas el cómic de Guillermo Corral y Laura Pérez en que nos cuentan una historia que nos habla de sobre la importancia de entender lo que soñamos como vehículo para cerrar heridas de nuestra infancia.

– El Iglú. Una historia de fantasmas, de Guillermo Corral y Laura Pérez; 24,95€.

Este mes publican 0.25 GR, un cómic de Julen Cúneo que nos cuenta la historia de un joven que a los 16 años empezó a consumir drogas y cómo se convirtieron en el centro de su vida y de todos sus seres queridos.

– 0.25 GR, de Julen Cúneo; 23,00€.

En Reliquias: La puerta de Shambhala nos encontramos con una historia de aventuras de Nacho Golfe y Daniel Azconegui en la que se mezclan nazis, reliquias religiosas, misterio en el más puro estilo Indiana Jones. Desde el mercado francono nos traen Muerte blanca de Kid Toussaint y Iñaki Holgado, una historia basada libremente en la vida del militar finlandés Simo Häyhä, uno de los francotiradores más letales de la historia.

– Reliquias: La puerta de Shambhala, de Nacho Golfe y Daniel Azconegui; 22,00€.
– Muerte blanca, de Kid Toussaint y Iñaki Holgado; 18,00€.

Crowdfundings destacados y preventas

Geografía e historieta

Es un cómic de Fran Toro y Juaco Vizuete. 96 páginas en rústica. Preventa en la página de Grafito Editorial finaliza el 30 de septiembre.

«¡LO SABEMOS! Es increíble que en pleno siglo XXII no podamos fiarnos de lo que vemos en las pantallas. Desde que la INTELIGENCIA ARTIFICIAL tomó el control de toda la información de la red, es imposible estar seguro de nada. ¡La IA se limita a darte la razón en todo, inventarse lo que falta y mezclarlo todos los datos en un batiburrillo!

Pero tenemos la solución: ¡Nuestra editorial está elaborando la NUEVA ENCICLOPEDIA HISTÓRICA UNIVERSAL! Geografía e historieta es una publicación fiable, un cómic hecho por humanos y para humanos. Y ahora que lo retro ha vuelto con fuerza, ¡impresa en papel! Tenemos un ejército de expertos trabajando en la historia del EL SIGLO XX.»

Historicómics 3 Antigua Roma

Es un cómic de Jordi Bayarri y Elena Domingo. 56 páginas en cartoné. Preventa a través de Verkami finaliza el 6 de octubre.

«HISTORICÓMICS es una serie de tebeos en los que se cuentan diversos relatos de la Historia, incidiendo especialmente en aquellos avances técnicos, sociales o científicos que marcaron un hito en aquellas culturas en que se dieron.

Como sucede con las entregas anteriores, es un volumen que se puede leer de forma independiente y que contiene tres pequeñas historias sobre un importante avance de la Humanidad, ya sea técnico o cultural.

En HISTORICÓMICS. ANTIGUA ROMA conoceremos cómo eran los libros en aquella época, la ingeniosa forma de conducir y utilizar el agua que tenían los romanos y su extensa red de comunicaciones y transporte.»

#Cosasdetebeos 4. Más de lo mismo

Es un cómic de Iván García. 102 páginas en rústica. Preventa a través de Verkami finaliza el 6 de octubre.

«cosasdetebeos es una serie de viñetas que se publica periódicamente en mi Instagram.

Se publica periódicamente desde 2022 (actualmente 3 veces por semana). recientemente se alcanzaron las 1250 entregas y se completó este cuarto libro.

Es la cuarta entrega de esta serie postmoderna, conceptual y referencial sobre cómic en todas sus facetas.»

Próximamente

¿Qué novedades os interesan más?

¿Cuál será la más votada este mes?
Nota: hay una encuesta incluida en esta entrada, por favor, visita el sitio para participar en la encuesta de esta entrada.

Mucho tiempo llevábamos rumiando poder llevar a cabo un podcast sobre la figura del gran Hermann Huppen y su obra. El pasado 22 de marzo murió a los 87 años pero, lejos de dejarnos huérfanos, un buen puñado de cómics permanecerán para la eternidad. Así pues, hacemos un repaso de títulos como Jeremiah, Comanche, Duke, Las torres de Bois-Mauri, Caatinga o Luna de guerra, analizando al detalle el estilo inconfundible de este artista belga. Sirva, pues, como homenaje de Zona Negativa a este grande de las viñetas.

Colaboradores: Diego García Rouco y Tristan Cardona.
Edición y publicidad: Sergio Fernández Atienza.
Portadas: Igor Álvarez Muñiz.

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ENLACES DE INTERÉS

– Adiós a Hermann, un coloso de la BD. Escrito por Diego García Rouco.

– Reseña de Luna de guerra, escrita por Tristan Cardona.

– Reseña de Caatinga, escrita por Diego García Rouco.

– Reseña de Las torres de Bois-Mauri. El hombre del hacha, escrita por Diego García Rouco.

– Reseña de Duke, escrita por Diego García Rouco.

– Reseña de Jeremiah 1, escrita por Diego García Rouco.

– Reseña de Jeremiah 2, escrita por Diego García Rouco.

– Reseña de Jeremiah 3, escrita por Diego García Rouco.

– Reseña de Jeremiah 4, escrita por Diego García Rouco.