Edición original: The A-Team USA (Marvel Comics, 1984)

Edición España: El Equipo A (Comics Forum, 1987)

Guion: Jim Salicrup,Alan Kupperberg

Dibujo: Marie Severin, Jim Mooney, Alan Kupperberg

Entintado: Chic Stone, Joe Giella, Brian Moore

Color: Marie Severin, Stan Goldberg

Portadas: John Romita Sr.,Marie Severin,Frank Springer,Mike Esposito

Traducción: Francisco Pérez Navarro

Diseño: S. D.

Realización: S. D.

Formato: Rústica · 80 páginas · 8,95 €

En 1972…

«Si logra dar con ellos, quizá pueda contratarlos.»

Prólogo: Soldados de fortuna

En 1972, cuatro de los mejores hombres del ejército americano que formaban un comando, fueron encarcelados por un delito que no habían cometido. No tardaron en fugarse de la prisión en la que se encontraban recluidos. Hoy, todavía buscados por el Gobierno, sobreviven como soldados de fortuna. Si usted tiene algún problema, y si logra dar con ellos, quizá pueda contratarlos… ellos son: El Equipo A.

Así iniciaba -en una de sus versiones en español- una de las series de referencia para quienes vivieron los años ochenta del siglo pasado. Este prólogo explicativo era seguido por una emocionante cabecera, con una música que prometía acción y entretenimiento a raudales:

Uy, que no era esto. Ahora sí:

Pues tampoco. A ver si a la tercera va la vencida:

Bromas aparte, que haya dos parodias fílmicas por estos barrios, una en fecha tan lejana respecto del original como el año 2007, da buena cuenta del éxito que tuvo esta serie televisiva en nuestro país, pero no adelantemos acontecimientos y pongámonos en situación. Puede ser que para las nuevas generaciones esta serie suene a desconocida por su antigüedad, ya que se emitió originalmente en Yanquilandia entre 1983 y 1987, si bien ha sido repuesta una y otra vez en canales de todo el mundo y de toda condición. En Hispanoamérica fueron conocidos como Los Magníficos y también como Brigada A. En Portugal se les llamó Soldados de Fortuna. Aquí se hizo una traducción más apegada al original en inglés, pero todas estas denominaciones destacaban algún aspecto definitorio del serial.

El Equipo A fue creado por dos ilustres currantes del negocio televisivo estadounidense como fueron Stephen J. Cannell y Frank Lupo. El primero fue el creador de otra serie de gran popularidad en los setenta del siglo pasado como fue Baretta -como atestigua la pervivencia durante cierto tiempo del chascarrillo de hora del recreo «si te gusta Toni Baretta, súbete la bragueta»- El Gran Héroe Americano -cita veraniega obligada de sobremesa en la TVE-1 de mediados de los ochenta- o Renegado -cuando el rey de las camas cambió el vino por la motocicleta-; como escritor firmó trabajos en series como Ironside o Colombo. Por su parte, el señor Lupo tiene en su haber la creación de Hunter -que en España se vio con casi diez años de retraso en la primera Telecinco de Valerio Lazarov- habiendo trabajado en series tan recordadas como Galáctica: Estrella de Combate -la versión origina- o Walker: Texas Ranger -con el inolvidable Chuck Norris-. A principios de los ochenta, recibieron el encargo de Brandon Tartikoff, presidente de la NBC, de crear una serie que combinara las premisas de filmes como Mad Max, Los Siete Magníficos o Doce del prostíbulo con las de series como Misión Imposible y Canción Triste de Gil y Gil. La guinda del pastel tenía que ser que Laurence Tureaud, Mr. T., debía conducir el coche del equipo. El resultado ya es conocido.

Cannell y Lupo presentaron la historia de cuatro miembros de un equipo de élite que se había conformado durante la guerra de Vietnam y que habían sido acusados y condenados por un crimen que no habían cometido. El delito en cuestión no era otro que el asalto al Banco de Hanoi, ejecutando unas órdenes que luego no pudieron ser ratificadas cuando ya se había alcanzado un alto el fuego. Como se explicaba en la narración de inicio, no tardaron de fugarse y convertirse en mercenarios. Su condición de fugitivos perseguidos por una policía militar dirigida por oficiales no muy competentes será uno de los elementos recurrentes de las cuatro primeras temporadas. Su profesión de soldados de alquiler, la otra, aunque pronto se verá que, más que eso, son en realidad una especie de bienhechores al estilo de Robín de los Bosques o el Zorro.

La serie era de naturaleza grupal, con cinco protagonistas que, pronto, pasaron a ser cuatro:

John «Aníbal» Smith (George Peppard): el antiguo jefe de la unidad con el grado de coronel. Toma su nombre del general cartaginés que fue considerado uno de los más grandes estrategas de la Antigüedad, por sus heterodoxas aproximaciones al planeamiento de acciones militares. Socarrón y cínico, es un maestro del disfraz y disfruta burlando a sus perseguidores, los coroneles Lynch y Dekker y el general «Toro» Fullbright. Para la posteridad dejó su frase «me encanta que los planes salgan bien».

Templeton Arthur «Faceman» Peck (Dirk Benedict): el antiguo oficial «conseguidor» de la unidad con el grado de teniente. Un ladino embaucador que se encarga de obtener todo cuanto es necesario para cada misión, para lo cual utiliza tanto su labia como su atractivo. Su apodo juega con la premisa de su guapura, así como con el hecho de que en su función es quien siempre da la cara. En la versión para España se le llamó Fénix y en la de Portugal, más fielmente, Caras.

H. M «Loco Aullador» Murdock (Dwight Schultz): el piloto de la unidad con el grado de capitán. Víctima de estrés post-traumático, suele presentar un comportamiento maniático pero inofensivo, al hablar, según el episodio, con su perro imaginario Billy, con una langosta disecada o con una marioneta de calcetín. Las siglas H. W. hacen referencia a la versión original de su apodo, Howling Mad, y en la serie nunca se supo su nombre real.

Bosco «M. A.» Baracus (Mr. T): conductor, manitas e incipiente informático de la unidad con el grado de sargento. «M. A.» es la adaptación al español del original «B. A.» pues son las siglas del apodo que se ganó por ser contestatario y poco proclive a tolerar injusticias: Mala Actitud (Bad Attitude). Tiene fobia a volar y ese miedo se convierte en uno de los elementos argumentales recurrentes de la serie, al igual que sus constantes discusiones con Murdock, al que considera un loco sin remedio posible.

El cuarteto se presenta como un grupo de bandidos -por su condición de presos fugados- de gran corazón, que -al menos que se vea en pantalla- nunca toman una misión que no pase por ayudar al desvalido y ajustarles las cuentas a los malos del episodio. La serie estaba estructurada episódicamente, con lo que cada misión se despachaba en una entrega o, a lo sumo, dos. Partiendo de la premisa de que iba a ser un producto para todos los públicos, hay explosiones, tiros y persecuciones, amén de cierta escasez de sangre y una casi total ausencia de difuntos. Memerables son aquellas escenas de automóviles volcando espectacularmente sin lamentar muertos o heridos o las de disparo de ráfagas de arma automática que no le daban a nadie (para que digan de las tropas de asalto imperiales). A partir de cierto tiempo, se incorporó a la estructura de cada episodio que los miembros del equipo, comandados por M. A., fabricaran algún cachivache con el que poner fin a la emisión y dar la consabida golpiza a los malandros. Casualidad o no, cuando El Equipo A llevaba dos años en antena hizo su aparición catódica un tal Angus MacGyver, pero ésa es otra historia.

Durante la primera temporada hubo un personaje femenino, la periodista Amy Amanda Allen (Melinda Culea). Su rol en el piloto de la serie es el de una investigadora que rastrea las acciones del equipo, para acabar incorporándose como apoyo y enlace. Posteriormente sería sustituida por un personaje con un rol similar pero mucho menos peso, Tawnia Baker (Maria Heasley). La camaradería de la ficción distaba mucho de existir detrás de las cámaras.

Para empezar, George Peppard había sido presentado como la estrella del espectáculo, habida cuenta de su trayectoria fílmica previa, con clásicos como Desayuno con diamantes. Sin embargo, su carácter difícil y su afición al agua de fuego no hicieron de él el mejor de los compañeros de trabajo y cuando otros personajes demostraron ser más populares y, particularmente, Mr. T. Sus conflictos con el resto del elenco han dado para muchas historias, algunas de las cuales se contradicen con otras. Así, se cuenta que el propio Peppard había advertido al resto que era una mala persona y que no le gustaban ni el señor T por el color de su piel ni Culea por su sexo, ya que pensaba que aquél era un serial de tíos duros. En un momento dado, fue Dirk Benedict el que tuvo que mediar y actuar de intermediario entre la estrella decadente y la ascendente porque, hay que remarcarlo, Mr. T fue uno de los iconos de la década.

Cuando se estrena la serie, el musculoso chicaguense está disfrutando de las mieles de su participación en Rocky III, donde había interpretado al agresivo James «Clubber» Lang que disputa a Balboa el título de los pesos pesados. Cuentan las crónicas que las contundentes frases que le tocaron por obra y gracia del equipo guionista avergonzaron a su madre en el estreno, pero no sería como villano que pasaría a la cultura popular de esos años, sino como un héroe que, detrás de su apariencia ceñuda y malencarada, esconde -no mucho- un corazón de oro. El personaje de M. A. Baracus será una pieza fundamental en la construcción de su fama, compartiendo con él varios rasgos en común. Ambos respetan a la familia, tienen una sólida escala de valores y practican una vida sana. M. A. nunca bebe alcohol y tiene preferencia por la leche fresca. Mr. T colaboraría con la primera dama Nancy Reagan en su campaña contra las adicciones -de la que saldría la célebre frase Just say no-. El Equipo A sería su serie, hasta el punto de que después de su cancelación no volvería a tener, ni de lejos, un papel de tanto nivel, de los que le consiguieron su propia serie de dibujos animados, durante la época dorada del sector en los Estados Unidos.

Cuando la serie avanza hasta su cuarta temporada, la fórmula empieza a dar signos de desgaste. A sus sucesivos perseguidores habituales, el incompetente coronel Derryck Lynch y el aguerrido y rígido Roderick Decker (Lance LeGault) sustituye el contumaz general «Toro» Fulbright (Jack Ging) que será una de las dos únicas muertes en pantalla, cuando contrate al grupo para rescatar a una hija que tuvo en Vietnam, la cual estaba interpretada por una joven Tia Carrere. El conflicto de Indochina aún estaba cerca y en los ochenta veríamos historias parecidas en obras tan dispares como Desaparecido en Combate III o Autopista hacia el cielo, pero me estoy yendo por las ramas. La posibilidad de que el personaje de Carrere se incorporara como quinto miembro fue descartada por razones de agenda y contrato, de modo que para la quinta temporada se ejecutó una práctica que el lector medio de tebeos de pijamas conoce bien: la introducción de cambios en profundidad, porque como decía don Federico, lo que no mata bien puede hacerte más fuerte. Si tenemos en cuenta que estamos ante los episodios finales, ya pueden intuir que la cosa no mejoró.

La quinta temporada arranca con unas fuerzas militares que, por fin, le echan el guante a los tres fugitivos oficiales del equipo (pues Murdock, por su inestabilidad mental, se supone recluido en un sanatorio para veteranos cuya pobre seguridad se convirtió en un gag recurrente). Condenados a muerte, son pretendidamente ejecutados en un paredón, pero todo ha sido un engaño. Un nuevo personaje, el general Hunt Stockwell (Robert Vaughn) sería su supervisor y les ofrece la posibilidad de obtener la redención a cambio de trabajar encubiertamente para el gobierno estadounidense. Previamente, ha hecho su aparición un nuevo miembro para el equipo, Frankie «Encanto» Santana (Eddie Vélez) un especialista en efectos especiales que parece llamado a cubrir ese quinto puesto vacante por el que han pasado Adams y Baker. Los cambios no son suficientes como para que la serie sobreviva y es cancelada definitivamente a dos episodios de llegar a la centena.

En España, la serie llegó a las pantallas a través de TVE-1 en el verano de 1985. Tenía el papelón de sustituir a uno de los fenómenos catódicos de esos años, y, ciertamente, cumplió con creces. Hay que tener en cuenta que en aquellos días, el país contaba con dos cadenas a nivel nacional y algunas a nivel regional; el consumo de la caja tonta -o no tan tonta, como decía el cineasta Jesús Yagüe- era un fenómeno social. En lo que a programación se refería, las tardes de los sábados eran coto para la programación infantil y juvenil. Había series de dibujos animados después del Telediario, espacios musicales como Aplauso y, antes de que empezara el horario nocturno, series televisivas episódicas de acción y aventura (casi siempre). Por allí pasaron clásicos de la pequeña pantalla como Los ángeles de Charlie, Vacaciones en el mar o MacGyver. El Equipo A fue uno más y la popularidad que alcanzaron las aventuras de Aníbal y sus muchachos convertiría a la serie en un referente generacional.

Para empezar, ocupó el espacio dejado por V en Teleindiscreta, una revista semanal dedicada a la programación televisiva que incluía reportajes, entrevistas, pósteres, pegatinas y demás recortables de las series del momento. Si no me falla la memoria, en sus páginas se llegó a anunciar la posibilidad de que El Equipo A continuara con la participación de Chabeli Iglesias (¡¿?!) pero cuando en España leíamos eso, la serie ya estaba cancelada en su país de origen. También se dio bombo al hecho de que en el episodio doble de inicio de la cuarta temporada -emitida en las sobremesas del verano de 1988, después de la primera edición de Telediario- apareciera Ana García Obregón, en los tiempos de su aventura audiovisual norteamericana. Cuando has salido en un clásico canónico como Bolero, solamente puedes ir hacia arriba.

Para seguir, hubo cuatro jóvenes que decidieron formar un grupo musical dedicado a cantar las aventuras de los Magníficos, llegando a sacar un sencillo en el mismo año 1985.

Por cierto que, buscando el incunable musical precedente, me he topado con una versión de la misma canción, interpretada por el grupo infantil Nins en un programa navideño del mítico Un, dos, tres. Pasen y vean.

Para concluir con el repaso ejemplar, en el año 1988, cuando la serie llevaba un año cancelada en los Estados Unidos, la compañía española Zafiro Software se hizo con los derechos para llevar al Equipo A al mundo de los videojuegos, lanzando un título al estilo del Operation Wolf de Taito que podía usarse con la Gunstick, la pistola desarrollada por MHT Ingenieros. El juego no pasó a la historia por su calidad, pero no deja de tener cierta guasa que una serie en la que solamente hubo dos muertes se convirtiera a un género caracterizado para que no quedara vivo ni el del carrito de los helados.

La aparición de las cadenas públicas de gestión privada en 1990 supuso la recuperación de la serie para unos canales que necesitaban rellenar su programación y hacerse con una parte de una tarta que, hasta ese momento, había estado en manos casi exclusivas del ente -como se conocía en aquellos días a RTVE-. El Equipo A jugó la carta de la reposición en la primera Antena 3 TV y, desde entonces, sus aventuras se han emitido y reemitido en bucle hasta nuestros días, yendo más allá de la primera generación que tuv la suerte de disfrutarlas.

A su debido tiempo, la fiebre nostálgica ochentera y el hecho de que, como dijo el sabio, el negocio es el negocio supuso la oportunidad para recuperar el concepto y llevarlo al nuevo siglo. En 2010 vio la luz una película llamada a ser el inicio de una serie que, sin embargo, no pasó de este prólogo en el que se cuenta una versión actualizada del origen del equipo como grupo de operaciones especiales, del crimen que no habían cometido y de su primera misión como fugitivos. Desde entonces, son periódicos los rumores de un relanzamiento y quizá lo acabemos viendo, como ha pasado con otros clásicos pretéritos como El Coche Fantástico, Magnum, Los hombres de Harrelson o Hawai 5.0.

Una adaptación de corto recorrido

Después de haber escrito uno de los prólogos más largos de cuantas reseñas haya publicado en esta página, toca hablar del tebeo en cuestión. Como podrán imaginar, con el panorama descrito las aventuras de los cuatro hombres que formaban un comando resultaron de interés para la casa de las ideas. Por aquí no se vieron con regularidad, pero Marvel probó suerte adaptando a la viñeta series y películas del más variado pelaje y condición. Recordamos sus colecciones dedicadas a Star Wars y Star Trek, pero no está de más mencionar nuevamente el hecho de que tocaron todo tipo de palos, incluyendo los juguetes.

En el caso de El Equipo A, la cabecera marveliana fue de tres números, cada uno de su padre y de su madre, pues con la excepción de algún nombre suelto, no hubo repeticiones en el elenco autoral de turno. Vamos a entrar en materia.

El primero número está firmado por Jim Salicrup como guionista, Marie Severin como dibujante y colorista y Chic Stone como entintador. La portada corresponde a John Romita padre y a la propia Severin. Como ven, se trata de un equipo conformado por nombres bien conocidos de la casa de las ideas por su veteranía, su calidad o su condición de currantes. El tebeo repite la naturaleza episódica general de la serie original y presenta una aventura en la que el equipo -con Amy presente, como lo estará en todas las entregas- recibe el encargo de un empresario para vigilar a un hijo sobre el que alberga ciertas sospechas. La historia comienza con un reflexivo M. A. que observa a unos niños, rememora sus orígenes y se cruza con un amigo de tiempos pasados que, por esas casualidades que tiene la vida, es agente de la ley. El relato tiene acción, intriga y un giro inesperado en su final, más propio de las series detectivescas televisivas contemporáneas que de la de nuestros magníficos mercenarios.

El segundo presenta de nuevo a Salicrup como guionista, en tanto que los bártulos gráficos han pasado a Jim Mooney, Joe Giella y Stan Goldberg como dibujante, entintador y colorista, respectivamente. Repite John Romita padre en la portada, pero esta vez junto a Frank Springer. En esta aventura, Aníbal y sus huestes se embarcan en la búsqueda de un potentado nipón que, presuntamente, está secuestrado en una fortaleza radicada en una zona desértico del interior de Norteamérica, pero construida y dirigida según las reglas del Japón feudal. El intento de rescate termina con la captura de casi todo el equipo, siendo Smith y Baracus obligados a luchar con un nunchakuka tuerto el primero y un enorme sumotōri el segundo. La primera pelea tiene un tono más cómico, en tanto que la segunda es más épica. El final es más propio de alguna seria ñoña de la época que del producto original, pero aun así, es una adaptación bastante fiel.

El tercero y último presenta a Alan Kupperberg como guionista y dibujante, con Brian Moore como entintador y Stan Goldberg nuevamente como colorista. La portada es también del Romita veterano, pero esta vez junto a Mike Esposito. Aquí el quinteto se embarca en una misión para un millonario tejano que decide meter las narices en la guerra fría. La premisa es interesante, pues nuestros héroes tienen que infiltrarse en una base soviética y hacerse con un prototipo de caza, pero Kupperberg la desarrolla tan malamente que no termina de comprenderse cuál es el propósito de su empleador y por qué la revelación de la operación acaba mosqueando a todo el mundo. Quizá el profesor Loki tenía razón, cuando consideraba que don Alan y su hermano don Paul eran autores bastante pobres en cuanto a la calidad de sus tebeos.

Con el tercer número se cerró el periplo marveliano de estos mercenarios altruistas. Habría más tebeos bajo otros sellos y de hecho, en España la colección duraría algo más, pero ésa es otra historia… que será contada a continuación.

Tribulaciones de un tebeo con indudable sabor ochentero

En España, la serie llegaría de la mano de Comics Forum, como creo haber comentado un poco más arriba. Sin embargo, no sería en su propia cabecera que vería la luz por primera vez, sino en las páginas de la ya mencionada revista Teleindiscreta, que publicó estos tres primeros números por entregas en el otoño de 1985. La colección propiamente dicha se publicaría en 1987 y cuando se acabó el material, en la editorial barcelonesa echaron mana de otras aventuras del grupete salidas en Gran Bretaña. El formato era completamente distinto, pero sirvió para que la serie alcanzara la docena de episodios en una cadencia quincenal, algo que no estaba al alcance de muchas cabeceras. Quizá en algún momento del futuro se reseñe por aquí.

Vista con la perspectiva que dan cuarenta años de distancia, resulta entrañable ver el logo del ente público como gancho para vender el tebeo. Evoca unos tiempos en los que las opciones audiovisuales eran muy limitadas y salir en la caja tonta -que nunca fue del todo tonta y que ahora ni siquiera es caja- suponía un impulso publicitario tremendo. Menos entrañable es el intento de lenguaje juvenil perpetrado desde la redacción, que remite directamente al «mola cantidubi» de Verano azul y que, parafraseando a un comentarista trinador, es un espeluznante ejemplo de tu padre con la gorra para atrás.

Epílogo: a la altura de su fuente de inspiración

La adaptación a la viñeta de las aventuras del Equipo no pasará a la historia por su calidad gráfica o literaria. Son tres tebeos cuyo interés intrínseco está relacionado con la habilidad de sus autores; hay nombres con mucho oficio y nombres con poco beneficio, pero el tebeo da lo que promote: más aventuras de un magnifico número de antiguos brigadistas que prestaban sus servicios en alquiler para luego no cobrar y practicaban una violencia no letal en la que la sangre era entre escasa e inexistente.

Novedades Destacadas es una propuesta en la que un grupo selecto de redactores comparte su listado e impresiones sobre una selección de obras escogidas a criterio personal entre la extensa oferta comiquera que las editoriales publican a ritmo mensual en nuestro país. Cómic europeo, nacional, mainstream e independiente americano, manga y lo que se tercie, todo tiene cabida en este espacio de interconexión entre secciones de Zona Negativa. Cada segundo lunes de mes en el mismo lugar y a la misma hora, una nueva entrega con recomendaciones variadas para todo tipo de público. Pero tú que nos lees, también tendrás puesto el ojo a algún título que se publica este mes en nuestro país y puede que lo eches en falta en nuestro listado. ¿Solución? ¡Comenta! En la publicación de este mes han participado los siguientes redactores zoneros: Diego García Rouco, Fer García, Igor Álvarez, Laura Calvo, Raúl Gutiérrez, Román de Muelas, Sergio Fernández y Tristan Cardona.

Vidas con nombre, de Fermín Solís y Almudena Ariza. Salamandra Graphic; Tomo rústica. 248 páginas. 26,95€

Cuando ya se han cumplido tres años del inicio del último estallido del larguísimo conflicto palestino-israelí se estima que el gobierno de Israel ha asesinado a casi 75.000 palestinos incluyendo niños, mujeres y ancianos. Unas cifras que no nos dejan ver la magnitud de la tragedia, ya que solo vemos números no vidas sesgadas de forma injusta y aleatoria para que un presidente acusado de corrupción se mantenga en el poder. Pero todavía hay quienes buscan la forma de informar de la tragedia desde el lugar donde se producen los hechos como Almudena Ariza que ha escrito los textos que Fermín Solís ha transformado en este cómic que se convierte en la crónica íntima y cercana de esas víctimas que en sus páginas dejan de ser fríos números para volver a ser personas. Un recordatorio de un conflicto que no debemos olvidar.

Atón. La gran sombra del roble, de Mikel Begoña y Gastón. Harriet Ediciones; Tomo rústica. 88 páginas. 20,00€

Los cómics que nos cuentan la intrahistoria del medio son una de mis grandes debilidades, así que uno que nos relata la vida de Abdón Gonzalez de Alaiza conocido como Atón y fundador de la primera revista de cómics en euskera me interesa enormemente. También fue el responsable de la fundación del Atlético de Madrid, pero eso me interesa bastante menos. Detrás están dos autores tan solidos como Mikel Begoña, guionista de trilogía de Ötzi o 3 casas en Santa Mónica, y Gastón, autor de Beti Berdin Taberna y bisnieto de Atón. Si ya tenía unas enormes ganas de leerlo estas crecieron exponencialmente cuando hace unas semanas el editor me enseño las pruebas de imprenta y puede ver el magnífico aspecto que tenía, así que estoy contando los días para poder echarle el guante.

Total THB 1, de Paul Pope. Astiberri (Horse Press). Contiene THB 1-4 USA; Tomo rústica con solapas. 208 páginas. 22,00€

Escapo, Heavy Liquid, Battling Boy, Batman: Año 100… son algunas de las mejores obras de Paul Pope, uno de los autores de cómic estadounidenses más importantes de los últimos cuarenta años y de los que mejor han sabido conjugar sus apariciones en el cómic mainstream con una carrera como autor en la que siempre ha buscado nuevo retos sin acomodarse. Una trayectoria que empezó a despegar en THB, una serie que se autopublicó en los años noventa y donde le vimos evolucionar a pasos agigantados, abriéndole de par en par las puertas del mercado japones. Ahora por fin la podemos leer en castellano gracias a Astiberri. En sus páginas nos vamos a encontrar una epopeya de ciencia-ficción que nos traslada a un mundo complejo y rico donde se funden las influencias más diversas. Una gran ocasión para descubrir los orígenes de uno de esos autores que de verdad marcan el mundo del cómic, más allá de modas pasajeras.

El Sinsentido, de Manu Larcenet. Norma Editorial (Dargaud). Contiene L’Insensé FRA; Tomo cartoné. 176 páginas. 29,50€

Como muchos descubrí a Manu Lacernet con la fantástica Los combates cotidianos y desde entonces he comprado todas sus obras descubriendo a un autor capaz de cambiar de registro gráfico en innumerables ocasiones firmando obras de una belleza enorme como El informe de Brodeck o La carretera y con un sentido del humor con el que conecto a la perfección. Así que cada vez que se anuncia un nuevo trabajo suyo lo espero con muchas ganas como me sucede con este. Un cómic que nos cuenta una historia intimista sobre cómo afrontar el final de la vida y sobre la importancia de disfrutar de las cosas que realmente nos hacen felices. Una nueva muesca en la carrera de uno de los mejores autores de cómic que ha surgido en las últimas décadas que huye de cualquier tipo de tentación caer en el acomodamiento.

La ocupación de los terrenos, de Guy Delisle. Astiberri (Gallimard). Contiene L’Occupation des sols FRA; Tomo cartoné. 80 páginas. 15,00€

Aunque no es un autor de un estilo tan cambiante como Larcenet, el canadiense Guy Delisle es otra de las figuras indispensables del medio gracias a obras como Pyongyang, Shenzhen, Crónicas birmanas o Crónicas de Jerusalén en las que retrata sus vivencias en diferentes países un género autobiográfico que ha dejado de lado en sus últimos trabajos Una fracción de segundo en el que nos contaba la vida de Eadweard Muybridge, uno de los pioneros del cine y en la que cierra mi selección de este mes: La ocupación de los terrenos. Se trata de la adaptación del relato de Jean Echenoz que nos habla sobre el dolor por la pérdida de un ser querido, los recuerdos, la familia y la voracidad empresarial que está creando una sociedad cada vez más deshumanizada.

Edición original: Teenage Mutant Ninja Turtles: Shredder 1-6 USA. (IDW)

Edición España: Shredder Volumen 1 (Moztros, 2026)

Guion: Dan Watters

Dibujo: Michele Bandini y Sid Kotian,

Entintado: Scott Hanna

Color: Marco Lesko

Traducción: Ariel Albinati

Diseño y maquetación: Mauro Mantella, Juan Pablo Marse y Germán D’Agostino

Corrección: Alfonso del Pino, Andrea Bernal y Jana Baró

Formato: Rústica · 160 páginas · 19,90 €

El regreso del Despedazador

«Homicidio, extorsión, intimidación, todos los clásicos del crimen organizado, además de un par de crímenes completamente nuevos que tal vez tengamos que legislar gracias a usted»

Ya hemos visto que la apuesta que están haciendo desde Moztros por las Tortugas Ninja es fuerte y no solo en lo que a series de los cuatro hermanos se refiere, pues están lanzando los spin-offs de más rabiosa actualidad USA. Por aquí vamos hablando poco a poco de estas series según caen en nuestras manos, lo hicimos con la etapa de Jason Aaron en la serie principal, lo haremos con la de Gene Luen Yang y Freddie E. Williams II, que empieza este mes, pero hoy vamos con el villano, Shredder, que la ocasión lo merece.

¿Qué ha pasado aquí? Se ve que hay muchas cosas de las que los lectores españoles no nos hemos enterado. Es abrir el tomo y empiezan los problemas, nos encontramos con un hombre que no es la sombra de lo que fue, atacando la base de los restos del Clan del Pie pero sin mucha explicación. Ahí ya nos recuerdan la triste historia de la publicación de las tortugas en nuestro país. Soy de los que rompe una lanza en favor de ECC por lo que hicieron con esta serie, su recopilación en rústicas era muy completa al incorporar a la serie mensual todas las miniseries y especiales sobre el resto de personajes, pero la editorial cerró, dejando esta serie sobre su número 88 USA, cuando esta llegó al 150. En todo ese proceso de avance nos quedamos sin ver cosas como la muerte de Shredder, su posterior llegada al Infierno, para lo que tuvo una miniserie propia, su resurrección y su cambio de bando, entre otras cosas.

Esperemos que Moztros se anime, ventas mediante, a publicar todo esto (o los integrales de IDW) pero mientras tanto nos tendremos que mentalizar de que a Shredder le han pasado cositas. Así que toca abrir el tomo y aceptar lo que nos cuenta sin darle muchas vueltas. Al fin y al cabo tenemos a Dan Watters a los guiones y eso es un punto a favor.

Efectivamente, Dan Watters es un escritor con tablas y no tarda mucho en hacernos comprender la actualidad del personaje, así como sus cambios, lo cual no quiere decir que se haya vuelto “bueno”, ya nos lo deja claro desde el principio. El argumento de esta serie es que Shredder está solo y se enfrenta al nuevo Clan del Pie hasta que es detenido por las Fuerzas de Protección de la Tierra, una suerte de agencia gubernamental que se dedica a acabar con las grandes amenazas. En esta ocasión La Doliente, nueva líder del clan, tiene una peligrosa bomba extradimensional, por lo que Shredder se alía con la agente Alda Avon para evitar que la detone.

El autor de La mano y los seis dedos, Destro, Nightwing o Home Sick Pilots nos muestra un tipo duro, muy chungo, capaz de todo, que colabora con la justicia porque le beneficia. Los primeros capítulos beben de las series de televisión procedimentales clásicas de los USA, a mi me venía a la cabeza cosas como El Mentalista, donde un personaje fuerte pero de moralidad “juguetona” resuelve los casos de aquella manera. Aquí los autores nos van planteando situaciones variadas muy ligadas al mundo de las Tortugas Ninja, que si un teleportador dimensional por aquí, que si un objeto mágico por allá… El tema es ir siguiendo las pistas hasta la bomba, con la consecuente pelea final. Y, como no podía ser de otra manera, el estilo de las Tortugas Ninja donde se mezcla magia, ciencia-ficción, dimensiones alternativas… un poco de todo.

Argumentalmente es un cómic sencillo, rápido y sin sorpresas a la vista, bastante plano en algunos sentidos, pero muy bien escrito y con un personaje magnético. Eso no se puede negar, Shredder es todo un icono de la villanía.

A nivel gráfico es normal. El estilo de Michele Bandini es muy correcto, no destaca, no es espectacular y abusa de la falta de fondos, pero la narración es buena y tiene algún que otro momento memorable, logrando poner la fuerza en Shredder, que es donde debe estar. El segundo capítulo está dibujado por Sid Kotian, con un tono muy similar pero cuyos personajes me han gustado algo menos. Es todo un poco estilo manga, que al final esto es una licencia y se van un poco a lo que está de moda, y a mi me hubiera gustado más otro tipo de dibujo, pero lo único que realmente le puedo echar en cara es que le falta algo de violencia. El guion lo pide y el dibujo lo deja ver en alguna parte, pero no es tan explícito como debería, al final hablamos de Shredder, no es un villano cualquiera.

Como conclusión se puede decir que es un cómic que me ha sorprendido por darme más de lo que esperaba. Iba con pocas expectativas, aunque Watters es buen guionista y se nota que levanta la serie, por eso me ha alegrado encontrarme ante un cómic resultón y muy entretenido. No lo pondría en un top tortuguil pues la serie principal está viviendo muy buenos momentos, pero si te gusta este mundo vas a pasar un buen rato. De momento, y con ese final, me tienen dentro para el segundo tomo.

Edición original: Servitude #1-6 FR (Soleil productions, 2006-2020)

Edición España: Servitud. Edición integral (Norma Editorial, 2026)

Guion: Fabrice David, Éric Bourgier

Dibujo: Éric Bourgier

Color: Éric Bourgier

Traducción: Carmen Gros, Alfred Sala, David Dominguez, Marion Carriere

Rotulación: Rocío Vargas

Formato: Cartoné· 384 páginas · 59,00 €

El fin de la Servitud, el fin del mundo

«Que no guie hacia la estrella, y que la estrella nos guie.»

Norma Editorial recupera en formato integral una de las series de fantasía más importantes del presente siglo: Servitud. La obra magna de Fabrice David y Éric Bourgier regresa en un tomo de factura impecable para revivir el último enfrentamiento de los Hijos de la Tierra.

El primer álbum de Servitud apareció en el mercado francés en 2006, cosechando un notable éxito y llamando la atención por su espectacular apartado gráfico. Publicada a rebufo de sagas literarias como Juego de tronos o El ciclo de Darwath, la obra presenta un mundo medieval en el que las diferentes facciones del Reino de los Hijos de la Tierra están al borde de una guerra civil.

En este contexto encontramos a Kiriel, maestro de armas del rey y de origen plebeyo, que va a contraer matrimonio, mediante una unión concertada, con la hija del monarca: una joven bellísima cuyos amores son mal vistos por la moral imperante. El regente le concede un dominio cercano al de un señor poco inclinado a servir a la Corona y le encarga que acuda a él para solicitar su ayuda en una guerra que ha estallado en sus propias tierras.

Pronto descubre que el peligro que amenaza al reino va mucho más allá de una disputa dinástica. Un antiguo enemigo, los temibles Drekkars, está moviendo los hilos para provocar su destrucción. Pero ¿son realmente los Drekkars el auténtico enemigo o hay algo aún más temible que está forzando el destino del mundo? Traicionado, Kiriel y sus aliados se ven arrastrados a un torbellino de odio y sangre que pondrá en juego el destino de todos los hombres.

El arranque de Servitud puede recordar al de Juego de tronos, con una pareja de hermanos incestuosos, una persona de confianza del rey enviada a una misión peligrosa y una guerra civil en ciernes. Sin embargo, David y Bourgier pronto se alejan de ese camino al introducir un lore propio que dota de personalidad a la historia y la distingue de sus referentes más evidentes.

Es cierto que el guion transita por algunos lugares comunes presentes en las obras mencionadas, pero el cuidado que prestan los autores a la construcción y explicación del mundo en el que se desarrolla la trama proporciona suficientes puntos de interés para que las comparaciones no vayan más allá de esas similitudes iniciales. Precisamente, el tratamiento de ese lore constituye uno de los grandes aciertos de la obra, aunque también supone una de sus debilidades, ya que resta tiempo al desarrollo de los personajes. De hecho, no es hasta los últimos álbumes cuando estos despliegan todo su potencial.

El arte de Éric Bourgier llama la atención desde las primeras páginas gracias a un estilo realista, minucioso y repleto de detalles, acompañado de un coloreado muy personal, realizado a mano por el propio artista y basado en semitonos. Su trabajo destaca por el cuidado extremo de la ambientación, dotando a personajes, razas, entornos y culturas de una identidad visual propia, fruto de un diseño muy estudiado. Cada escenario y cada elemento del mundo de Servitud contribuyen a dar forma a un universo rico y coherente, en el que el apartado gráfico desempeña un papel fundamental en la construcción del lore propuesto por los autores.

Este carácter meticuloso también se refleja en el tiempo que Bourgier invertía en completar cada álbum, cerca de tres años, y permite apreciar una notable evolución a lo largo de la serie. Si en la primera entrega el retrato de los rostros podía resultar algo menos conseguido y la narrativa visual parecía quedar en ocasiones supeditada al detalle, en los últimos álbumes se aprecia una mejora considerable en la representación anatómica de los personajes y una narrativa gráfica mucho más espectacular, plenamente al servicio del drama.

La edición de Norma Editorial sigue el modelo del integral francés, con encuadernación holandesa, tela y cartoné, un gran formato que permite apreciar el detallado arte de Bourgier y una excelente reproducción gráfica. El tomo incluye, además, diversos extras, como glosarios, mapas y textos complementarios que ayudan a comprender mejor el rico lore de la obra.

Servitud es una gran obra de fantasía, con una trama de intriga y guerra que se enriquece progresivamente mediante la incorporación de nuevos personajes y un interesante universo narrativo, hasta culminar en un desenlace épico. Una serie en la que queda patente el enorme esfuerzo y la atención que sus autores han dedicado a construir una propuesta con entidad propia dentro del saturado mercado de la fantasía heroica. Una obra muy interesante que merecía una edición integral como esta para poder apreciarla en toda su magnitud..

Edición original: Absolute Green Arrow #1 USA (DC Comics, 2025)

Edición España: Absolute Green Arrow 1 (Panini Cómics, 2026)

Guion: Pornsak Pichetshote

Dibujo: Rafael Albuquerque

Entintado: Rafael Albuquerque

Color: Marcelo Maiolo

Traducción: Santiago García

Diseño: Enrique Acebes

Realización: Funhunter

Formato: Grapa· 32 páginas · 3,80 €

Green Arrow contra Jeffrey Epstein

Flecha Verde es un justiciero millonario sin superpoderes. Urbano, con aire noir, desde su creación como el Robin Hood de DC, ha ido evolucionando hasta ser un vigilante. Pero DC tiene ya allí a Batman con su cueva, sus cachivaches y sus millones.

Con Green Arrow, DC decidió marcar diferencias para no perder en la irrelevancia del pastiche, a un personaje muy querido.

Metió a Ollie en una relación más o menos estable, lo mató varias veces, le dio una personalidad más definida, una ideología política más compleja y, sobre todo, lo metió en tramas más mezcladas con el mundo empresarial.

Si bien, el mundo empresarial en Batman es más difuso, en Green Arrow la corrupción moral y económica, las grandes corporaciones y el capitalismo salvaje son mucho más presentes, llegando a momentos como la excelente etapa de la serie regular de Condon y Montos.

¿Qué nos vamos a encontrar en su versión Absolute?

La línea se ha caracterizado por revisiones más o menos radicales de los personajes y su entorno. Tenemos por un lado la absolute reconstrucción del entorno Green Lantern o la modificación de un par de detalles (importantes) de Batman.

¿Iba a ser el Green Arrow de Absolute un personaje reconocible?

Pornsak Pichetshote y Rafael Albuquerque han elegido un punto de partida que podría estar en la continuidad, cambiando las relaciones de los personajes como Jubal y Ollie, pero en esencia podría ser un reboot tras una crisis convencional.

Quien lea el cómic dirá que qué estoy diciendo. Pero es así, lo que ocurre es que este primer número está tan desestructurado que empieza por la mitad de la trama con Ollie asesinado y un misterioso arquero verde que se dedica a sembrar el caos y la destrucción, matando a los antiguos socios y cómplices del asesinato de Ollie.

La maldad de los ricos y de los poderosos es un tema sobado, pero su impunidad es un tema que (aunque ya tratado) está de actualidad a través del caso Epstein.

Aprovecha Pichetshote para atribuir todas las repugnantes acusaciones de Epstein a Jubal Slade: acoso sexual a menores, una isla de libertad pedófila, el poder del dinero…

Los autores perpetran su particular venganza contra el reconocido pedófilo sin contemplaciones a la vez que despliegan el entorno de Green Arrow y su marco de relaciones.

Se trata de un arco que empieza con el turbo, con trazas de terror (el misterioso arquero verde luce una máscara cadavérica que evoca a la muerte), mucha violencia con explícitas amputaciones, mucho ritmo y una trama descomprimida.

En realidad, en el cómic pasan tres cosas, muy bien explicadas, con una gran capacidad de síntesis de los autores. El guion de Pichetshote es directo y eficaz.

Siendo Albuquerque un gran nombre del cómic mainstream, sorprende verlo en la línea absolute que la están protagonizado dibujantes “diferentes” o muy impactantes en su desempeño, peo algo saben los editores de DC porque el brasileño está como nunca con un trazo muy “europeo” y una narrativa trepidante.

El color de Maiolo da una intensidad de comic de terror clásico que nos recuerda a antologías como Creepshow, con esos rojos petones y llamativos que encienden todas las alarmas.

Se trata de un inicio prometedor, espectacular, atractivo… pero que puede pecar de liarse a medida que avancen los números debido a su estructura narrativa. Además de que veremos a qué viene tanto misterio cuando parece todo bastante evidente.

Como inicio uno de los mejores de la línea Absolute, por debajo de las dos obras super top (Detective Marciano y WW) pero podría decirse que está por encima de las demás o al menos empatada con alguna de la segunda unidad.

A ver que tal le sienta la grapa, un formato apreciado pero controvertido por su precio “aparentemente” barato y su periodicidad. (el primer número es más caro pero es que tiene más páginas).

Promete.

IDW adaptará al cómic la novela web Worm…

Allá por 2011, John McCrae comenzó a publicar Worm, una novela web de corte superheroico que tuvo el honor de convertirse en la más exitosa de América. Durante dos años, el serial llegó a alcanzar hasta un millón de visitas diarias, acumulando un total de 80 millones de lectores. Ahora, IDW Publishing ha anunciado una colaboración con el escritor para trasladar la historia al cómic.

Worm cuenta las aventuras de Taylor, una joven que, tras superar un terrible episodio de bullying, consigue la habilidad de controlar a los insectos, un poder que podría usar para convertirse en heroína, o quizás para hacer pagar a los que la hirieron. Con un mundo de grises en el que la línea entre héroes y villanos no siempre está del todo clara, Worms da el salto a las viñetas de la mano de la guionista Meghan Fitzmartin (Robin) y el dibujante Javier Ortiz (La noche perdida de Luis Buñuel), junto al color de David Vaquero y la rotulación de Andriy Lukin. Podremos leer un adelanto en mayo, con el Día del Cómic Gratis, y echar un ojo al primer número en julio de 2027.

Fuente: io9

IDW será el nuevo hogar de White Ash Comics

Un nuevo universo llega a IDW. Bajo el título White Ash Comics y con el hito de haber recaudado más de un millón de dólares en sus campañas de Kickstarter, encontramos una serie de obras de corte sobrenatural que mezclan fantasía y romance ambientadas en el pueblo minero White Ash.

Así que tras meterse de lleno en el terror y en el crimen, IDW se va al romantasy con el primer número de White Ash en abril seguido del de The Game en junio, siendo ambas series regulares que se complementan con otras limitadas como Glarien: Short and deadly que empieza en septiembre. Una apuesta fuerte, a ver si tienen el mismo éxito que con sus otras (y muy recomendables) líneas.

Fuente: IDW

BOOM! anuncia The Carvers

El joven Max lleva toda la vida en el orfanato, y hace tiempo que ha rebajado sus expectativas con respecto a encontrar un lugar de acogida. Eso cambia tras los Carvers, una familia rica que lo adopta y lo lleva a vivir a su mansión de ensueño. Pero detrás de la fachada ideal, Max pronto descubrirá que los Carvers esconden secretos muy, pero que muy oscuros.

Así se presenta The Carvers, una nueva publicación de BOOM! Studios encuadrada dentro del slasher. La obra vendrá firmada por un equipo de nuevas caras en la industria, con Breyden Boyd en el guion y Nathan Wells en el dibujo. The Carvers #1 se estrena el próximo 10 de febrero de 2027.

Fuente: AIPT

RAM V funda el estudio Mirror Maker

Nuestro amado Ram V, guionista de obras como Las muchas muertes de Laila Starr, Costas salvajes o La mano y los seis dedos, ha anunciado la creación de Mirror Maker, un estudio creativo con el fin de acelerar proyectos basados en ideas de autores. El lanzamiento viene acompañado del lanzamiento de un canal de Youtube homónimo en el que pretende adentrarse en el proceso creativo de sus obras, mostrando los entresijos del arte. «En un tiempo en el que las compañías parecen dispuestas a hacer tragar tanto a autores como a consumidores con contenido sin perspectiva humana, creo que es importante que los autores expresen la magia que hay detrás de crear cosas, no solo por su resultado final».

El canal se estrena con un vídeo que explora la creación de Deicidium, la nueva serie que estrenan Ram V y Evan Cagle en Image Comics, y cuyo estreno coincide con el lanzamiento del estudio.

Fuente: Comicsbeat

Edición original: Moi, Fadi le frère volé Tome 1 FRA (Les Livres du futur, 20246)

Edición España: Yo, Fadi, el hermano robado. Tomo 1 (1986-1994) (LGD 175) (Salamandra Graphic, 2026)

Guion: Riad Sattouf

Dibujo: Riad Sattoufr

Color: Riad Sattouf

Traducción: Julia C. Gómez Sáez

Compuesto por: Sergi Puyol

Formato: Rústica · 144 páginas · 23,95 €

La historia de Fadi.

«Vamos, Fadi. ¡Hemos llegado a casa!»

Con El árabe del futuro (Salamandra Graphic), Riad Sattouf (Paris, 1978) firmo una de las mejores series del medio en los últimos años. Un relato de su infancia a caballo entre Francia y Oriente Medio marcada por la búsqueda de identidad, los choques culturales, el desarraigo y los problemas de convivencia entre su madre francesa y su padre sirio, que explotaron cuando este último secuestro a Fadi, su hermano pequeño, para llevarlo a la Siria de Hafez al-Asad (1930-2000) perdiendo la familia todo el contacto con él hasta el estallido de la primavera árabe. En los seis volúmenes que componen la serie habíamos podido conocer la historia de la familia desde el punto de vista del Gran Premio de Angoulême de 2023, pero no como vivió esa terrible situación Fadi, ya que desaparecía de la serie cuando su padre lo secuestraba. Una deuda que Sattouf ha decido saldar con Yo, Fadi, el hermano robado, un díptico en el que relatara las vivencias de su hermano tal y como él se las ha contado del que Salamandra Graphic acaba de publicar el primer volumen que transcurre entre los años 1986 y 1994, cuando Fadi es todavía un niño.

La principal incógnita a la hora de afrontar esta historia era saber si iba a aportar algo a lo que Sattouf ya había contado en El árabe del futuro y, por suerte, la respuesta es que sí, ya que la visión de Fadi es diferente a la del autor de Las pobres aventuras de Jeremías (Nuevo Nueve). Una visión que como sucedía con la serie original comparte una de sus grandes virtudes como es que el relato está contado en todo momento con los ojos del Fadi, de forma que su visión comienza siendo la de un niño muy pequeño que no entiende nada de lo que sucede a su alrededor, para ir cambiando a medida que crece. Algo en lo que Sattouf es un absoluto maestro. Lo que si cambia es la forma de narrar la historia, ya que, aunque está narrada en primera persona el autor francés es consciente de que no está contado su propia historia por lo que el tomo tiene un toque de tristeza que refleja el dolor que ha sentido durante años por la ausencia de su hermano y, aunque el humor y sátira están presentes no al nivel que cuando relata su propia historia. Sobre todo, en la figura de su padre, ya que la visión que tiene de él Fadi está lejos del ser idealizado que veía el Riad niño al que quería dar todo su amor. Otra de las dudas que, a priori, puede despertar este díptico es saber si se puede leer de forma independiente sin conocer la serie previa o no. De nuevo, la respuesta es afirmativa, ya que se entiende perfectamente, pero si ya se conoce la serie anterior el impacto de lo que sucede y la vinculación emotiva con los personajes es mucho mayor y se pueden ver muchos paralelismos entre las vivencias de Fadi y Riad en Siria que nos permiten comprobar como las cosas han cambiado poco. De hecho, en Francia este cómic es la séptima entrega de la serie, así que lo recomendable es leerla primero, aunque no es imprescindible.

Aclarados esos puntos, hay que señalar que es una historia que muy continuista con lo que veníamos en la serie autobiográfica tanto a nivel de dibujo como de decisiones narrativas. Sattouf sigue dibujando con un estilo heredero de la línea clara, con unos personajes caricaturescos de una enorme expresividad. También nos encontramos con un uso muy interesante del color que emplea diferentes colores para indicarnos en país transcurre la historia tal y como sucedía en El árabe del futuro, aunque aquí cambian los tonos elegidos. En las partes que transcurren en Francia el color principal es el amarillo mientras que en Siria usando el rojo y el verde para enfatizar alguna acción u objeto y también para destacar alguna emoción. Un recurso que ya había demostrado usar muy bien. Como también controla a la perfección el ritmo narrativo sabiendo cuando acelerar y cuando parar, poniendo siempre por encima de todo la legibilidad como sucede con todos los elementos del relato.

Aunque conocemos gran parte de la historia de Fadi, ya que nos encontramos con cosas que Sattouf ya nos había contado, lo cual hace que se pierda en parte la capacidad de sorprendernos. Pero verlas desde el punto de vista de un niño pequeño las enriquece. Al igual que hace ese sentido del humor que tiene que, en esta ocasión, no está tan centrado en reflejar todos esos choques culturales, si no en dejar ver lo cruel y egoísta de la decisión de su padre. Sin embargo, ese sentido del humor y esa naturalidad con lo que se cuentan las cosas no rebaja para nada el drama que vivió Fadi teniendo que ver como su padre constantemente va tratando de reescribir la realidad y manipularle, mientras trata de adaptarse a un nuevo entorno y cultura.

En Yo, Fadi. El niño robado Riad Sattouf vuelve a demostrar que es un autor único a la hora de reflejar como va cambiando la forma de ver y entender el mundo y lo que nos rodea a medida que crecemos. En las páginas de esta nueva serie por fin podemos ver todo lo que tuvo que vivir su hermano pequeño tras ser secuestrado por su padre y llevado a Siria. Una nueva prueba de que estamos ante uno de los mejores autores que ha dado el cómic en los últimos años con una personalidad desbordante, una enorme sensibilidad para ver el mundo y un sentido del humor muy especial.

Edición original: Harley and Ivy: Life and Crimes 1-6 (DC Comics, 2026)

Edición España: Harley y Hiedra: Vida y crímenes (Panini Cómics, 2026)

Guion: Erica Henderson

Dibujo:Erica Henderson

Entintado:Erica Henderson

Color:Erica Henderson

Traducción: Bárbara Azagra

Corrección: Enrique Acebes y Gabriela Miciulevicius

Rotulación: Carlota Llobet

Realización: Fanhunter, Nuria Moresa, David Carro y Maria Gonfaus

Formato: Rústica · 152 páginas · 13,00 €

Con zarzas y a lo loco.

Para ser una relación tan popular y consolidada, la de Harley Quinn y Hiedra Venenosa ha atravesado más baches de lo que cabría esperar. Que había algo más que una simple amistad entre las dos villanas era evidente desde su primer encuentro en la serie animada de Batman en los 90, pero en la práctica les esperaba un largo camino de veladas insinuaciones y chistes sexuales antes de que fuese algo explícito en las viñetas. En la continuidad principal ocurrían cosas como acabar retocando un morreo entre ambas para que fuese en la mejilla mientras otras versiones les adelantaban por la derecha como la de Injustice o la propia serie animada de Harley Quinn en 2019.

Por suerte, y porque más vale tarde que nunca, en 2021 llegaría el primer beso canónico entre la pareja de la mano de James Tynion IV y Jorge Jiménez en el evento Estado de miedo. Desde entonces la relación ha atravesado sus baches, pero de vez en cuando surgen proyectos para reivindicar este dúo explosivo, como la miniserie Harley & Ivy: Vida y Crímenes, por Erica Henderson como autora completa.

Esta miniserie supone un ejercicio de retrocontinuidad de los que son habituales en DC, puesto que propone situar el origen de la relación romántica de Harley y Hiedra en un punto difuso del pasado (el único marcador de la continuidad es que el Joker lleva la cara arrancada, lo que nos sitúa al comienzo de los Nuevos 52). Harley se encuentra en el punto más bajo de su relación abusiva con el Joker y se cruza de nuevo en el camino de Hiedra en su momento de mayor necesidad, situación que pronto creará un vínculo entre ambas.

A lo largo de la historia el romance entre la payasa y la ecoterrorista se desarrolla con mucha naturalidad, diversión y sensualidad, pero sin restar importancia a los traumas que acarrea Harley ni tampoco a la dificultad de Hiedra para abrirse ante otra persona debido a sus propias cargas. El resultado es un cómic ligero, pero con buen desarrollo de personajes. Si hay que ponerle una pega en lo argumental, la segunda mitad de la miniserie me resultó algo menos efectiva que la primera, con la aparición de un personaje del rico pasado de DC que sin embargo no parece aportar demasiado a la trama más allá del mero homenaje. Pero por suerte el cómic consigue enderezar el ritmo con su final.

Si hay algo que destacar de Harley y Hiedra: Vida y Crímenes, es su apartado gráfico. Erica Henderson con su particular estilo cartoon es clave para la expresividad de la historia en todo momento. Pero, por si fuera poco, el trabajo de Hassan Otsmane-Elhaoun como rotulista, maravillosamente adaptado por Carlota Lloret y Estudio Fanhunter en la edición española, se convierte en un elemento más de la narración digno de comentarse por sí mismo. Los bocadillos interactúan de forma muy original con el espacio físico en el que se encuentran, además de perfilar el ritmo de las conversaciones y personalidad de cada interlocutora con su tamaño.

Harley y Hiedra: Vida y Crímenes, es una carta de amor a una de las parejas más queridas por los lectores que no siempre ha merecido el trato que merecía por parte de la editorial. Se trata de un divertido alegato a la sororidad repleto de situaciones descacharrantes pero también de momentos más intimistas y reflexivos. Un cómic con un estilo artístico distinto al habitual en cómics de superhéroes que le sienta de maravilla para reflejar la personalidad de sus protagonistas.

El brindis perfecto para nuestras Thelma y Louise huyendo hacia la puesta de sol.

Género: Terror.
Creador Brad Kane.
Reparto: Linda Cardellini, William Catlett, Devin Kessler, Cameron Scoggins, Gwendolyn Sundstrom, Danielle Kotch, Phoenix Parnevik, Callum Vinson, Daniel Stewart Sherman, Bernadette Quigley, Joy Suprano, Callum Vinson, Zachary Branch, Hamish Linklater.
Producción: A24, Peacock, Sky, HBO Max.
Plataforma streaming: HBO Max

JASON VOORHEES: EL ORIGEN

«Kill Them, Mommy»

Aunque en los países de habla hispana y en Grecia, la superstición equivalente de mala suerte se concentra tradicionalmente en el martes 13, vinculado a Marte, el dios romano de la guerra, la superstición del viernes 13 nace de la combinación de dos elementos considerados tradicionalmente como de mal fario: el número 13 y el día viernes (crucifixión y muerte de Cristo). Curiosamente, Jason Voorhees nació un viernes 13 y los hechos, que tienen lugar en la cinta original que presta su nombre al título, son en esa misma fecha. A rebufo del éxito de La noche de Halloween, el director Sean S. Cunningham y el guionista Victor Miller trataron de replicar la fórmula con un slasher de manual. Un misterioso matarife asesinaba, uno a uno, a un grupo de jóvenes que preparaba el campamento de verano Crystal Lake. En el desenlace descubríamos que quien se encontraba detrás de las muertes no era otra que Pamela Voorhees, madre de un tal Jason, niño ahogado años atrás por culpa de unos monitores más preocupados en copular que en sus propias responsabilidades. Corría el año 1980 y Viernes 13, que se rodó con pocos medios, resultó un éxito rotundo. Con un presupuesto aproximado de medio millón de dólares consiguió una taquilla mundial de 59 millones. Pese a que ni en el mejor de sus sueños Cunningham se hubiera planteado hacer una secuela, Viernes 13 fue el punto de partida de una franquicia que sigue más viva que nunca.

A lo largo de doce películas hemos sido testigos de la evolución de un Jason cuyo outfit le convirtió en un auténtico icono de la cultura popular. Con su icónica máscara de Hockey, este serial killer juega en la misma liga que Michael Myers o Leatherface (La matanza de Texas) e, incluso, ha emprendido viajes imposibles al infierno o al espacio. No solo eso, sino que en una de las entregas rivalizó con el mismísmo Freddy Krueger (Freddy vs. Jason) para ocupar el trono del terror. De esta guisa, era de esperar que la franquicia se dejara querer en plena saturación de plataformas streaming. La compañía A24, responsable de películas como Hereditary, La bruja o Devuélvemela, junto a Peacock dieron luz verde a la producción de la serie. Aunque inicialmente el showrunner elegido fue Bryan Fuller (Hannibal), este abandonó el proyecto por diferencias creativas siendo Brad Caleb Kane quien se puso manos a la obra como mandamás de Crystal Lake.

Aunque se ha catalogado a Crystal Lake de precuela de Viernes 13, siendo totalmente puristas con el término, esto no es así. Si bien la serie hace el esfuerzo por contarnos el origen asesino tanto de Jason como de su madre, lo cierto es que hay ciertas inconsistencias si tratas de encajar las piezas como si de un puzle se tratara. Desde la cronología de los hechos hasta la naturaleza de los propios personajes, Crystal Lake homenajea sentidamente a la cinta original (de eso no hay duda), pero decide tomar su propio camino reescribiendo el canon de la saga. A lo largo de los ocho capítulos que componen esta primera temporada, se amplía la mitología destacando sobremanera el background tanto de Jason como de su madre.

Tanto los créditos iniciales, que nos retrotraen a la película dirigida por Sean S. Cunningham, como los títulos elegidos para cada episodio son unos detallazos que demuestran el amor a Viernes 13 por parte de las partes implicadas. Crystal Lake nos sitúa en el legendario campamento de verano. Pamela Voorhees trabaja como cocinera mientras que su enfermizo hijo Jason es víctima de burlas por su aspecto físico. Tras una serie de catastróficas desdichas, Jason se ahoga en el lago y su cuerpo nunca aparece… mermando la fragilidad emocional de su madre.

Crystal Lake ha funcionado a las mil maravillas gracias a que resulta tremendamente entretenida pero, principalmente, por el buen hacer de Linda Cardellini. La actriz californiana se dio a conocer gracias a Freaks and Geeks. Producida por Judd Apatow, esta serie de culto sirvió como trampolín para nombres como James Franco, Jason Segel, Seth Rogen, Martin Starr o John Francis Daley. Pues bien, Cardellini era la punta del iceberg. Aunque en su carrera ha participado en producciones de renombre como Mad Men, Green Book o Brokeback Mountain, daba la impresión de que su talento no estaba siendo del todo aprovechado. Conocida por dar vida a Velma en Scooby-Doo y Laura Barton en el Universo cinematográfico de Marvel, ha tenido que llegar a la cincuentena para que recibiera su primer premio interpretativo (Emmy como mejor actriz de reparto por DTF St. Louis). De manera consecutiva, Cardellini ha encadenado dos trabajos que pueden verse (y disfrutarse) en la misma plataforma (HBO Max).

Por lo tanto, una Linda Cardellini estelar tomó el testigo de Betsy Palmer para interpretar a la primera asesina de Viernes 13. Recordemos que en la escena inicial de Scream, Ghostface lanza la insidiosa pregunta «¿Quién es el asesino en la película «Viernes 13»?, a lo que el personaje interpretado por Drew Barrymore respondió erroneamente Jason Voorhees, lo que le costó la vida. Palmer tras leer el guion de Viernes 13 pensó “esto es una basura, no lo va a ver nadie” pero los mil dólares diarios por diez días de trabajo le hicieron cambiar de opinión. Humanizando al personaje, la Pam Voorhees de Cardellini es una mujer de corazón puro que quiere muchísimo a su hijo. Sin embargo, pronto constatamos que algo no va bien en su cabeza. Gracias al séptimo capítulo (un flashback completo) descubrimos que el embarazo de Pamela dejó un tanto que desear. De aquellos barros, estos lodos. Cardellini hace suyo al personaje con una entrega total consiguiendo hacer creíble tanto desequilibrio. Amor de madre.

Que Linda Cardellini se ha coronado como Scream Queen al más puro estilo Jamie Lee Curtis no puede ponerlo en duda nadie. A pesar de tener bastante menos protagonismo, por razones obvias, el pequeño Callum Vinson está genial como un enternecedor Jason. Del resto del reparto cabe destacar a Hamish Linklater, actor especialista en hacer de villano (Gen V, La maldición de Widow’s Bay, Legión). El actor nacido en Massachusetts encarna a Elias Wittering, padre de Jason y miembro de Bellflower Chemical, una empresa que puede rivalizar con la Tyrell Corporation o Weyland Yutani por sus pocos escrúpulos. No obstante, en el afán de los creadores por querer dar explicaciones, Crystal Lake cojea con un pretencioso trasfondo que resulta del todo innecesario. La tortura a la que se somete a Jason de niño no tiene ningún sentido y menos si quien lo aprueba no es otro que su progenitor.

Más allá de Jason y Pam, en Crystal Lake aparecen personajes secundarios que ya conocimos brevemente en Viernes 13. Cameron Scoggins hereda el rol de Dorf mientras que Nick Cordileone hace lo propio como Ralph, papeles interpretados por Ron Millkie y Walt Gorney en la cinta de 1980. William Catlett, metiéndose en la piel de Levon Brooks, goza de un mayor protagonismo al ser el jefe de policía y asunto romántico de Pamela. En caso de haber segunda temporada (no tengo pruebas, pero tampoco dudas), Brad Caleb Kane ha asegurado que Brooks tendrá un peso mayor en la trama.

Como cada año por estas fechas, aprovechando la llegada de Halloween, las plataformas estrenan películas y series que mariden para la ocasión. Si hace unas semanas diseccionábamos Carrie, esta vez toca hablar de un boy scout con espíritu de asesino en serie. Con una buena gama de fatalities, Crystal Lake no está exenta de escenas sangrientas. Pese a que el número de asesinatos cometidos por Pam es similar en Viernes 13 (nueve) y en Crystal Lake (diez), la tensión se diluye como un azucarillo en favor del melodrama siendo este el aspecto a mejorar en próximas temporadas.

¡Muy buenas, marvelitas de pro! Este mes de noviembre llega a las tiendas la muy esperada reedición de los Vengadores de Jonathan Hickman, que protagoniza nuestro Juicio a. Aunque no es un mes con demasiadas novedades, a la espera de lo que nos tiene preparados Panini para Navidad, en esta entrega de nuestro Magazine os hablamos también de otra esperadísima reedición: JLA/Vengadores; y el 4º volumen de la recopilación en Marvel Héroes de La Telaraña de Spiderman. ¡Esto y aún más en nuestro Magazine Marvel España edición Noviembre 2026!

TITULARES MAGAZINE

• Columna de opinión
• Juicio a…
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Columna de opinión

En el apartado de opinión del Magazine Marvel de este mes hablamos de ese extraño experimento que es Patrulla X: en otro momento.

En la introducción del Magazine hemos mencionado las principales novedades de este mes en lo que a cómics Marvel se refiere… pero nos hemos guardado una cosita. En noviembre llega a España el primero de los tres volúmenes que recopilarán un experimento inédito en lo que respecta a los superhéroes mainstream: Patrulla-X de John Byrne: en otro momento. Originalmente titulada X-Men: Elsewhen, estamos hablando de una reinterpretación/continuación de la etapa realizada por Chris Claremont y el propio Byrne pero sin Claremont, claro. La idea de Byrne es seguir la historia de la serie a partir de La Patrulla X #143 publicado en 1980, ¡hace más de 45 años!

Esta aparente locura se inició en 2018 y se extendió hasta 2021, periodo en el cual Byrne publicó 31 números únicamente online de su particular fan-fiction, sin cobrarle a nadie por leerlos. Porque él mismo siempre ha reconocido que estos cómics eran un fan-fiction, como los que muchos aficionados han hecho en las últimas décadas de otros universos de ficción como el de Harry Potter o el de Crepúsculo.

La pregunta para muchos de vosotros será, ¿cómo narices “vuelve” Byrne a Marvel? Y aquí las cosas no son tan directas como parecen. X-Men: elsewhen es Byrne, sí; pero también el editor Chris Ryall que ya había trabajado con Byrne en la editorial IDW (cómics de Star Trek) y que convenció al canadiense para darle una salida en papel a su creación. Cebulski dio el OK pero el bueno de John, más cerca de los 80 que de los 70 años iba a necesitar un ritmo de publicación adaptado a su situación por lo que el sello que publicaría la serie en Estados Unidos sería Abrams ComicArts, compañía que ya había publicado cómics especiales de la Casa de las Ideas. Si esta colaboración os suena rara, pensad en los cómics de Marvel publicados por Taschen que no es lo mismo pero veréis por donde quiero ir.

Lo cierto es que la iniciativa ha sido un verdadero éxito, con una primera edición completamente agotada antes de salir a la venta en USA (25.000 ejemplares) más una reimpresión de 20.000 más. Nada mal para un fan-fiction, bueno, con sus retoques, claro. Se ha publicado el primer volumen al que seguirán dos más, en 2027 y 2028. La repercusión ha sido tal que se han escrito piezas en The Hollywood Reporter o The New York Times.

Más allá del morbo de ver qué ideas tenía Byrne para la serie, ¿sería esta una iniciativa que los aficionados querríamos ver en otros contextos? ¿Querríamos leer cómo Frank Miller hubiera seguido en Daredevil? ¿El mismo Byrne en Los 4 Fantásticos? ¿MacFarlane en Amazing Spiderman? (Esta última ha ido a hacer daño, lo sé). Seguramente X-Men: Elsewhen no dejará de ser una curiosidad pero a la que muchos aficionados se acercarán con algo de miedo, algo de respeto y mucho de “en peores plazas hemos toreado”.

Juicio a… Jonathan Hickman

En la intro os avisamos. El juicio a… de este mes se centra en Jonathan Hickman, el escritor nacido en Carolina del Sur y una de las figuras que más ha polarizado los últimos 10 años en el Universo Marvel. Parece que con Hickman no hay término medio: o lo amas o lo odias. Nosotros estamos más cerca del amor que del odio pero, claro, ¿qué pensarán nuestros reporteros más conocidos? ¡Leámoslo!

¡Que comience el juicio!

A favor… Robbie R.

Hay autores que escriben cómics y autores que construyen arquitecturas. Jonathan Hickman pertenece, sin discusión, al segundo grupo. Cuando aterrizó en Marvel con Fantastic Four (2009), no llegó a rellenar un hueco en la parrilla de lanzamientos: llegó con un plan. Y esa es, probablemente, la mejor razón para defenderlo ahora que por fin se reeditan sus Vengadores en España y su Secret Wars (2015) en formato facsímil en EE.UU.

Lo primero que hay que reconocerle es su capacidad de planificación a largo plazo. En una industria acostumbrada a historias que se agotan en seis números y a eventos que se olvidan al siguiente verano, Hickman planteó sus series como piezas de un mismo mecanismo. Lo que sembró en Fantastic Four y FF floreció en Avengers y New Avengers, y todo desembocó en Secret Wars (2015). Releído de seguido, ese recorrido se siente como una novela por entregas con un final previsto desde el principio, algo rarísimo en el cómic de superhéroes, pues los planes muchas veces cambian o se cortan de golpe. Las pistas estaban ahí, a la vista, esperando a que el lector las uniera.

Lo segundo es su ambición conceptual. Hickman entendió que el Universo Marvel no tenía por qué pensarse a escala humana. Con él, Reed Richards vuelve a ser el hombre más inteligente del planeta y no solo un padre de familia con poderes: se une al Consejo de Reeds, cruza realidades y se enfrenta al peso moral de sus propias decisiones. Los Vengadores dejan de ser un simple equipo de lucha contra villanos para convertirse en una cuestión de escala: Vengadores más grandes, amenazas que se cuentan por mundos, dilemas sobre qué merece ser salvado y a qué precio. Las incursiones – que es la colisión de universos- son una de las ideas de ciencia ficción más potentes que ha tenido Marvel en décadas, y funcionan porque convierten el fin del mundo en una cuenta atrás que obliga a los héroes a tomar decisiones imposibles.

Lo tercero es que convirtió el worldbuilding en el protagonista. Sus páginas están llenas de infografías, diagramas, organigramas y mapas que no son adorno, sino parte del relato. Se le puede discutir que a veces eso puede enfriar la emoción o hacer pesado el relato, pero también es una forma de respetar la inteligencia del lector, a quien se le pide que se asome, que investigue, que relea.

Y su influencia no se queda en sólo ahí. Su etapa en los mutantes con House of X y Powers of X (2019) reinventó a la Patrulla-X con una claridad de propósito que llevaba años sin verse: Krakoa, la resurrección, las tres eras de los mutantes, una gran evolución para muchos personajes, eventos como X of Swords que implican muchas consecuencias como la reintroducción de Arakko…

Se le puede reprochar, y con razón, que sus personajes a veces funcionan más como ideas que como personas, que su ritmo es pausado y que la densidad del conjunto puede echar atrás a quien busca acción inmediata. Pero incluso eso forma parte de su identidad: Hickman escribe pensando en el todo, no en la viñeta suelta.

Por eso la reedición de sus Vengadores en España es una excelente noticia. Permite descubrir, o redescubrir, una etapa que se lee mejor de golpe que a salto de grapa, y que recuerda que el cómic de superhéroes también puede tener la ambición de una gran saga de ciencia ficción.

La verdad, nada más que la verdad.

En contra… Ronan El Acusador

PRIMERO. OBJETO DE LA ACUSACIÓN.
Por medio del presente escrito, esta parte formula acusación contra Jonathan Hickman, guionista de cómics, por presuntos delitos de abuso de complejidad narrativa en primer grado, ocultación de información relevante al lector y reincidencia en la utilización de diagramas, esquemas y conceptos científicos como sustitutos ocasionales del desarrollo dramático.

SEGUNDO. RELACIÓN DE LOS HECHOS.
Se imputa al acusado una tendencia manifiesta a confundir la planificación exhaustiva con la calidad literaria. Allí donde otros guionistas construyen personajes, Hickman levanta arquitecturas argumentales; donde debería existir emoción, aparece un gráfico; y donde el lector espera una conversación reveladora, recibe una página de texto cuya densidad informativa haría palidecer a un manual de física teórica.

Esta parte sostiene que el acusado padece una confianza excesiva en su propia capacidad para diseñar grandes relatos, hasta el punto de sacrificar la naturalidad de los diálogos, la espontaneidad de los personajes y, en ocasiones, el ritmo narrativo en beneficio de una estructura que parece concebida para impresionar antes que para emocionar.

TERCERO. DE LA REINCIDENCIA.
Especialmente grave resulta la reiteración de estos procedimientos en obras como Los 4 Fantásticos y Los Vengadores. En ellas, el acusado despliega complejas tramas de alcance cósmico, multiplica las amenazas y acumula misterios con la solemnidad de quien pretende estar escribiendo el destino del universo.

Sin embargo, la grandilocuencia no siempre se traduce en profundidad. Sus personajes corren el riesgo de convertirse en piezas de un mecanismo previamente calculado, subordinados a una planificación que deja poco espacio para la imperfección humana. El lector, entretanto, debe realizar horas extraordinarias para descifrar una historia que no siempre compensa semejante esfuerzo.

CUARTO. CALIFICACIÓN DE LOS HECHOS.
Esta parte considera que los hechos descritos podrían constituir un caso agravado de hickmanismo: acumulación de conceptos, diálogos solemnes, misterios encadenados y una fe casi religiosa en que todo adquirirá sentido al final.

QUINTO. PETICIÓN FINAL.
Por todo lo expuesto, se solicita que el acusado sea declarado culpable de escribir cómics excesivamente calculados, ocasionalmente pretenciosos y no siempre tan profundos como pretenden aparentar.

Se recomienda, como medida correctiva, la lectura obligatoria de varias obras centradas en personajes, el abandono temporal de los diagramas y la redacción de un diálogo en el que nadie mencione el destino del multiverso.

Es justicia que se espera alcanzar en beneficio del lector, de la narrativa y de todos aquellos que alguna vez han tenido que releer tres veces una página de Jonathan Hickman para descubrir que, al final, el problema era mucho más sencillo de lo que parecía.

¡Desataré mil años de justicia Kree!

Novedades

El cómic destacado del mes

TITULO

Ahora que Marvel y DC han vuelto a llegar a un entendimiento para hacer proyectos conjuntos, hay pista libre para que las empresas abordadas en el pasado puedan ser publicadas nuevamente, siendo el encuentro entre los Vengadores y la Liga de la Justicia el más importante de todos ellos, con permiso del fundacional que, como todo el mundo sabe, fue la adaptación al tebeo de la película El Mago de Oz.

La miniserie cuya reedición se inicia este mes es importante a varios niveles. Para empezar, se trata de la culminación de un anhelo que había empezado dos décadas antes, durante la primera época de colaboraciones entre las dos grandes editoriales. Su abrupto final dejó inédito el segundo encuentro entre la Patrulla-X y los Nuevos Titanes y también, una aventura de la que ya se habían dibujado varias páginas a lápiz, protagonizada por vengativos y ligueros. Estamos a mediados de los ochenta del siglo pasado y habrá de pasar una década para que unas Marvel y DC que asistían con preocupación a la pujanza de Image Comics y a la sucesiva aparición de nuevos jugadores, procedieran a un deshielo que se traduciría en diez años de tebeos de calidad e interés variable. Esta aventura supuso el broche de oro a esa segunda época y es, en muchos sentidos, un homenaje al género superheroico que se había desarrollado durante los cuarenta años precedentes.

George Pérez, que había firmado etapas memorables en las cabeceras de uno y otro grupo y que había dibujado las páginas del fallido proyecto previo, volvió a ponerse al frente del apartado gráfico. En la parte literaria tenemos a Kurt Busiek, gran conocedor de las continuidades de una y otra editorial y guionista que, en esos momentos, contaba con el favor de ambas. Dos nombres de prestigio para una obra que casi tenía el sambenito de estar maldita y que iba a ser vista con lupa por las aficiones marveliana y deceera. Ambos cumplirían y lo harían con creces.

Han pasado veinticinco años desde su primera edición y esta nueva publicación es una buena forma de acercarse a lo que era el negocio de los pijamas poderosos a principios de este siglo y, en cierto sentido, marca el final de una época.

Clásicos WTF

Cuarto volumen de la durante muchos años conocida como tercera cabecera de Spiderman tras Amazing y Spectacular. Este tomo continúa la serie Web of Spiderman desde la marcha de Gerry Conway. Para los despistados, las etapas (que en realidad es más bien la misma) a caballo entre Web of y Spectacular acaba de ser recopilada por Panini en tres tomos también en formato Marvel Héroes. Este volumen incluye los Web of Spider-Man #71-100, Annual #9 y Ghost Rider/Blaze: Spirits of Vengeance #5-6. No vamos a adelantar mucho pero aquí tenemos la llegada de Howard Mackie a las series de Spiderman… y ya nada volverá a ser igual para el lanzarredes. Para mal, claro, excepto contadas excepciones durante los siguientes casi 10 años. Vamos a ver cuánto de WTF! hay en estos comics.

Aquellas maravillosas novedades

Llegamos al final de esta edición del Magazine y toca mirar al pasado porque no solo de Novedades vive el lector de Marvel. Compañeros y amigos de Zona Negativa, ¿recordáis que pasó…

…hace 10 años?

A finales de 2016 Marvel era un lugar de nuevas iniciativas, aún metidos de lleno en el proyecto ‘All-new, All-different’ que había comenzado un año antes y que empazaba a ser testigo de sus primeros relanzamientos. Jason Aaron proseguía a paso firme con su etapa al frente de Thor, que además de darse en la colección Mighty Thor protagonizada por Jane Foster se expandía hacia Unworthy Thor con el protagonismo de Odinson. La colección de Veneno se relanzaba dejando atrás a Flash Thompson y dando la bienvenida a Lee Price, Jeff Lemire narraba el regreso de Thanos tras los eventos de Secret Wars, Gerry Conway deleitaba a una facción importante de los fans arácnidos con el segundo volumen de Amazing Spider-Man: Renew Your Vows, Mark Waid por su parte retomaba sus Vengadores después de los eventos de Civil War II con un nuevo número #1, y Brian Michael Bendis hacía lo mismo en Invencible Iron Man.

… hace 20 años?

A principios de siglo el mundo que acababa de ser testiugo de la tercera película de la Patrulla-X y del retorno, nunca mejor dicho, de Superman a la gran pantalla, y en el universo Marvel los héroes se enfrentaban unos a otros en la recta final de su guerra civil. En las trincheras de aquella guerra se encontraba el Punisher: War Journal de Matt Fraction, mientras que la Patrulla-X de Mike Carey cerraba su primera aventura en X-Men #193, al igual que el Caballero Luna de Charlie Huston en su regreso a una cabecera en solitario tras casi 10 años. En otras tierras Steve Rogers se ponía el traje de Iron Man en Bullet Points #1, una nueva generación de Vengadores se unía en Avengers Next #1 y los 4 Fantásticos se enfrentaban a sus últimos días en Fantastic Four: The End #1 de Alan Davis. Pero sin duda la joya de la corona es el primer número de la obra de culto Immortal Iron Fist, de Brubaker y Fraction.

…hace 40 años?

En 1986, mientras las Naciones Unidas declaraban patrimonio de la humanidad tanto Toledo como Cáceres, y en las oficinas de Marvel de Nueva York se celebraba el 25 aniversario de la editorial con un número especial que cruzaba a los dos personajes más populares, Spider-Man Versus Wolverine #1, narrado por Jim Owsley. Claremont continuaba con su titánica tarea mutante junto a Barry Windsor-Smith en Uncanny X-Men #214, y lo complementaba enfrentándolos a los 4 Fantásticos en una nueva miniserie, los Vengadores de Roger Stern se disponían a retomar el control de su mansión en Avengers #276, y también a manos de Stern Johnny Storm le pedía a Ben Grimm que fuera su padrino en su boda con… ¿Alicia Masters? en Fantastic Four #299, y David Michelinie y Bob Layton reabrían una nueva etapa en Iron Man con el número #215.