Así suenan los colores

LA VIUDA ALEGRE - El abanico comprometedor -Año XIV. Nº 966

2026-05-01T06:58:00.000+02:00

Gustav Klimt - Mujer con abanico - 1917 (Colección privada)

Pintura

En este retrato de medio cuerpo de una joven Klimt muestra un fondo impresionante con adornos asiáticos. La dama viste un vestido, del estilo de un kimono, con motivos propios de un vestido de dragón chino.

Música

Die Lustige Witwe (La viuda alegre), opereta en dos actos con música Franz Lehár y libreto de Victor Léon y Leo Stein, estrenada en Viena el 28 de diciembre de 1905, es, sin duda, la opereta más conocida del compositor y una de las de mayor éxito entre las estrenadas en el siglo XX. Con ella Lehár consiguió, como ningún otro compositor de operetas, entrelazar la música con la acción. Como dato curioso señalar que La Viuda Alegre era una de las operetas favoritas de Hitler y se llegó a representar dieciocho mil veces, en los primeros cinco años después de su estreno. La acción transcurre en el París de la Belle Époque, en 1905, y en ella se entrelazan elementos de la vida cotidiana como el amor, el dinero y la sociedad.

En la embajada de Pontevedro en París se está celebrando una fiesta ofrecida por el barón Mirko Zeta. La esposa de Zeta, Valencienne, está coqueteando con el joven Camille de Rosillon. Sin embargo, el barón no lo nota pues su única preocupación es que Hanna Glawari, quien acaba de heredar cincuenta millones de francos tras la muerte de su marido, no se case con un extranjero, pues la salida de tal fortuna de Pontevedro traería la ruina al empobrecido reino. Para evitarlo, envía a su ayudante N'jegus a traer al conde Danilo Danilowitsch quien se encuentra en Maxim´s. Mientras tanto, Camille escribe en el abanico de Valencienne "Te quiero" pero ésta contesta afirmando que es "una esposa respetable, una mujer honrada" (“Ich bin eine anständige Frau”)

Franz Lehar - No. 2 "Ich bin eine anständ'ge Frau" - Die lustige Witwe

RETRATOS DE MUJER - Paulina -Año XIV. Nº 965

2026-04-24T06:18:00.000+02:00

Albert Joseph Moore - Conchas - 1874 (Walter art Gallery, Liverpool)

Pintura

Artísticamente Moore vivió en un mundo creado por él mismo, un lugar poblado de robustas especies humanas de patrón griego, alegres ropajes de brillantes colores y flores de fulgurantes matices. Como artista fue cuidadoso y certero; la precisión del dibujo y su sentido del color era notable por su exquisitez y sutileza. Pocos le han igualado como pintor de ropajes y aún menos se han acercado a su habilidad en la aplicación de los principios decorativos al arte pictórico. Sus pinturas tenían encanto, delicadeza y un tono suave. Se abstuvo de mostrar el lujo, sino a una clase diferente de mujeres de la sociedad europea que se vestía de una manera no lujosa. Sus pinturas exhibían finos tejidos delicados como prendas. La precisión, el uso de la luz y la visualización de la atmósfera se mostraron bien con pinceladas finas y precisión en los detalles.

Música

Josef Strauss presentó su Pauline, Polka Mazur, op. 190 en el baile de los industriales del 28 de enero de 1866, en la Redoutensaal.

El baile de los industriales de aquel año estuvo bajo el patrocinio de Su Alteza, la princesa Pauline Metternich-Winneburg. El beneficio neto del baile se destinaría a un proyecto que deseaba fomentar la emprendedora y extraordinariamente influyente esposa de Richard, Príncipe de Metternich-Winneburg, embajador austríaco en la corte de París: el establecimiento de un hospital alemán en la capital francesa. Sin embargo, Josef Strauss había compuesto una segunda polca mazurca titulada Pauline, la cual apareció — con la dedicatoria a la princesa Pauline en la portada de la edición para piano — el 15 de febrero de 1866, a la cual siguió la edición de las partes orquestadas, el 7 de julio de 1866. Dado que muy raras veces se encontró una polca mazurca titulada Pauline en los programas de la orquesta de los Strauss, no está claro cuál de estas versiones reconoció Josef Strauss finalmente como definitiva. Pudiera haber sido la segunda, pero, por lo pronto, no se ha logrado determinar en qué ocasión tuvo lugar el estreno de la misma.

Josef Strauss - Pauline, Polka Mazur, op. 190

RETRATOS DE MUJER - Eva -Año XIV. Nº 964

2026-04-21T06:16:00.000+02:00

Lawrence Alma Tadema - Retrato de una mujer - 1902 (Colección privada)

Pintura

Esta obra se trata de un estudio inacabado de una cabeza femenina. Alma-Tadema describía así su método: “En general, hago un pequeño bosquejo de la imagen que voy a pintar ... directamente en el lienzo o panel respectivo ... Pinto a mis modelos directamente de la vida en toda circunstancia, y siempre insisto en que deben vestirse y peinarse tan completamente como si estuvieran sentados para los últimos retoques”.

Música

Franz Lehar compuso el vals Eva, con motivos de su opereta del mismo nombre, estrenada el 24 de noviembre de 1911, en el Theater an der Wien de Viena.

A partir de la primera década del siglo XX, Lehár decidió alejarse de los temas ligeros para centrarse en argumentos de mayor profundidad. Así, en su opereta Eva nos muestra los problemas de una mujer que trabaja en una fábrica.

Franz Lehar - Eva - Vals

RETRATOS DE MUJER - Salomé -Año XIV. Nº 963

2026-04-17T06:19:00.000+02:00

William Clarke Wontner - La tañedora de saz - 1903 (Colección Pérez Simón, Ciudad de México)

Pintura

Wontner fue un pintor relativamente menor que formaba parte del movimiento neoclásico en Inglaterra, dirigido por Alma-Tadema. Su estilo favorecía a las mujeres seductoramente lánguidas frente a los fondos de mármol clásicos u orientales. Sus telas fielmente envueltas sobre modelos europeos patentes, de alguna manera crearon un aire de orientalismo. El saz o bağlama se refiere a una familia de instrumentos de cuerda o cordófonos, descendiente de la antigua pandura, de tipo laúd con mástil largo, que se toca en varias regiones como Turquía, Irán, Irak, Siria y los Balcanes. Se puede tocar con plectro o con los dedos.

Música

Salome, schönste Blume des Morgenlands. Orientalischer foxtrot (Salomé, la flor más bella del Oriente. Foxtrot oriental) es una canción escrita por Robert Stolz en 1920, con letra de Arthur Rebner. La canción toma su título y se inspira en el personaje del Nuevo Testamento, responsable de la muerte de Juan el Bautista.

El símbolo del erotismo oriental es la figura de Salomé, cuyo mito es problemático, especialmente en lo que respecta a sus encantos. Con la muerte de Salomé, el texto muestra que, en el exotismo, la fascinación y la amenaza van de la mano. La poderosa atracción sexual de Oriente se encuentra conectada a la brutalidad de los habitantes, lo cual hace que los encantos de la extraña sean un poco peligrosos y por lo tanto más atractivos.

Robert Stolz - Salome, schönste Blume des Morgenlands - Orientalischer foxtrot

Robert Stolz - Salome, schönste Blume des Morgenlands - Orientalischer foxtrot (orquesta)

RETRATOS DE MUJER - Amelia -Año XIV. Nº 962

2026-04-14T06:25:00.000+02:00

William Clarke Wontner - Valeria - 1916 (Colección privada)

Pintura

Inspirándose en sus referentes artísticos, Alma-Tadema y Leighton, Wontner prescinde de los densos detalles y, en cambio, coloca a sus modelos sobre simples fondos de mármol, siguiendo los ideales contemporáneos de estilo y manteniendo los preceptos clásicos de belleza. El artista prefiere los tonos más fríos; los contrastes entre la luz y la oscuridad que confieren una mayor definición a sus elegantes modelos.

Música

Amélie vals fue compuesta por Hans Christian Lumbye durante un tour de conciertos por Berlín en el invierno de 1845 y fue interpretado por primera vez en Dinamarca el 10 de mayo de 1846 con ocasión de un concierto público en el Palacio de Christiansborg.

Este vals, quizás el más famoso de los escritos por el compositor, fue dedicado a la cantante alemana Amélie Hartmann, que fue objeto de un intenso amor por parte del, por entonces, ya casado Lumbye; un sentimiento que fue sin duda correspondido dado que la artista viajó con Lumbye a Copenhague para actuar en sus conciertos. Durante una década la mezzo-soprano fue la musa del compositor, en la cual encontró inspiración para muchas de sus más famosa melodías y de cuyas opiniones en asuntos musicales fue particularmente receptivo.

Hans Christian Lumbye - Amélie vals

RETRATOS DE MUJER - Ana María -Año XIV. Nº 961

2026-04-10T06:18:00.000+02:00

Ferran Xumetra - Aldeana de Alonsótegui - 1885

Pintura

Esta Cromolitografía debida a Xumetra retrata una aldeana de Alonsótegui (en euskera y oficialmente Alonsotegi), municipio de la provincia de Vizcaya, País Vasco, España. El actual Alonsótegui aparece en los años 1990 al segregarse de Baracaldo, municipio al que estaba unido desde finales del siglo XIX. Alonsótegui está a una distancia aproximada al centro de Bilbao de 8 kilómetros.

Música

El Caserío es una zarzuela de principios del siglo XX escrita por Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, con música de Jesús Guridi. Se estrenó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 11 de noviembre de 1926.

Ana Mari está enamorada de Joshe Miguel, pero este no fija en ella su atención. Para evitar el casamiento de su tío, José Miguel anuncia a Ana Mari que se dedicará a enamorar a las jóvenes que aquél escoja por novia. Entonces Ana Mari se ofrece como futura esposa de su tío, lo que sirve para encender en Joshe Miguel un verdadero amor por ella (“Yo no sé qué veo en Ana Mari”)

Jesús Guridi - Romanza 'Yo no sé que veo en Ana Mari' - El Caserío

Jesús Guridi - Acto II. Preludio - El Caserío

RETRATOS DE MUJER - Silvia -Año XIV. Nº 960

2026-04-05T07:00:00.000+02:00

Henri Matisse - La bailarina de ballet, armonía en gris - 1927 (Colección privada)

Pintura

Matisse conoció en 1920 a Henriette Darricarrere, una joven estudiante, que durante los siete siguientes años iba a ser la principal modelo del artista, para quién acabaría trabajando en exclusiva, ya que cuando la conoció colaboraba posando para otros artistas, principalmente fotógrafos. En este caso nos la presenta como una bailarina, ya que por aquel entonces el artista tenía en su estudio diferentes vestidos de ballet empleados para diseñar distintos decorados y vestuarios de espectáculos.

Música

Sylvia ou La Nymphe de Diane (Sylvia o la ninfa de Diana) es un ballet en tres actos, con coreografía de Louis Mérante y música de Léo Delibes, estrenado el 14 de junio de 1876 en París.

El libreto es considerado uno de los puntos débiles del ballet ya que la trama, en esencia, no tiene mucha acción ni es particularmente cautivadora. Sylvia, una ninfa casta y cazadora, sirviente a la diosa Diana es objeto del deseo de Aminta, un sencillo y joven pastor que está enamorado de ella. Esta partitura es significativamente más famosa por dos secciones: el Preludio al primer acto y el Pizzicati en el tercero.

Léo Delibes - Preludio al Acto I - Sylvia

Léo Delibes - Pizzicato - Sylvia

OKLAHOMA – Amor y muerte en la pradera -Año XVI. Nº 959

2026-03-27T06:19:00.000+01:00

Thomas Cole - Cruz al atardecer - c. 1848 (Museo Thyssen, Madrid)

Pintura

Esta obra presenta una imponente cruz en primer plano, a cuya izquierda y un poco alejado se yergue un campanario. Tras estas dos construcciones se extienden un valle y unas montañas que recortan el horizonte. La luz que emana el sol poniente, que se proyecta en forma de abanico, adquiere un carácter fantástico, y entra en diálogo con la cruz más próxima al espectador, que genera su propia luz. El dramatismo y teatralización son propios de la obra de Cole, que suele buscar un efecto moralizante. Por otro lado, el carácter inacabado de la pintura nos permite apreciar el dibujo subyacente y la preparación de color naranja que Cole aplicó en la franja inferior de la composición.

Música

El musical Oklahoma!, escrito por el compositor Richard Rodgers y el libretista Oscar Hammerstein II, se estrenó el 31 de marzo de 1943 en el St. James Theatre de New York. Hasta entonces los musicales empleaban actores que pudiesen cantar, pero Rodgers y Hammerstein buscaron cantantes que supiesen actuar, lo cual marcó una diferencia notoria, ya que se primaba la música y letras, sobre la actuación. Llegaron a sugerirles a Shirley Temple como Laurey y Groucho Marx como Ali Hakim, pero afortunadamente los compositores con el apoyo del director Rouben Mammoulian, consiguieron contratar a gente que se adecuase a sus papeles aunque fueran desconocidos, pero que pudiesen cantar e interpretar el papel, tal como fue escrita la partitura, lo cual también era algo inusual para la época.

Laurey compra una "poción mágica" (en realidad, una botella de sales aromáticas) a Ali Hakim, un vendedor ambulante sin escrúpulos que le garantiza que le revelará su verdadero amor. Ella reflexiona sobre dejar atrás sus sueños de amor y unirse al hombre que ama ("Out of My Dreams") Curly y Jud participan en una feroz guerra de ofertas en la subasta, y Curly vende todas sus posesiones más preciadas para recaudar dinero: su montura de su caballo, e incluso su arma. Sin ellos, Curly ya no puede ser un vaquero y tendrá que convertirse en un agricultor. Jud, contrariado por haber perdido, trata discretamente de matar a Curly, pero su plan es frustrado. Tres semanas más tarde, Laurey y Curly se casan y todo el mundo se regocija por la creación inminente del estado ("Oklahoma!") Aparece Jud con intenciones asesinas, pero Curly esquiva el golpe y Jud cae sobre su propio cuchillo y muere.

Richard Rodgers - Out of My Dreams - Oklahoma!

Richard Rodgers - Oklahoma! - Oklahoma!

OKLAHOMA – Cuidado con el “qué dirán” -Año XVI. Nº 958

2026-03-20T06:23:00.000+01:00

John George Brown - Vaquera - s. XIX (Colección privada)

Pintura

Como Brown declaraba a uno de sus primeros biógrafos, «quiero que dentro de cien años la gente sepa qué aspecto tenían los niños que yo pinto». Los niños de los cuadros de Brown tienen un aspecto sorprendentemente sano, limpio y alegre. Lo que más le costaba a Brown era conseguir que aquellos modelos de carita triste sonrieran, «porque pintar una sonrisa es una de las dificultades del retrato; me refiero a una sonrisa lograda, una sonrisa que haga sonreír al espectador».

Música

El musical Oklahoma!, escrito por el compositor Richard Rodgers y el libretista Oscar Hammerstein II, estrenado el 31 de marzo de 1943 en el St. James Theatre de New York, seguía la pauta marcada por Hammerstein en Show Boat y tanto las canciones como los bailes estaban perfectamente integrados en la acción, incluso se atrevieron a terminar el primer acto con un ballet de quince minutos de duración, en el que sirviéndose de un sueño nos desvelaban una pesadilla de Laurey en medio de sus dos pretendientes. Tras el primer estreno de prueba, fuera de Broadway con el título de Away we go!, decidieron cambiar el nombre y añadir una canción que llevase el nuevo título del musical Oklahoma. El estado de Oklahoma aprobó en 1953 que este tema central, que daba título al musical, pasara a convertirse desde entonces en el himno del estado.

Mientras tanto, el vaquero Will Parker regresa deslumbrado y cargado de recuerdos de un viaje a la moderna ciudad de Kansas ("Kansas City") Allí ganó 50 dólares en la feria, dinero que, según el padre de su novia Ado Annie, es el que necesita para casarse. Desafortunadamente, gastó todo el dinero en los regalos para ella. Curly descubre que Laurey va a la subasta benéfica con Jud y trata de convencerla de que vaya con él. Debido al miedo que tiene de decir a Jud que no se irá con él, Laurey trata de convencer a Curly (y ella misma) de que no lo ama ("People Will Say We're in Love" - "La gente dirá que estamos enamorados").

Richard Rodgers - Kansas city - Oklahoma!

Richard Rodgers - People will say we're in love - Oklahoma!

OKLAHOMA – Optimismo a caballo -Año XVI. Nº 957

2026-03-13T07:00:00.047+01:00

Thomas Eakins - Vaqueros en Badlands - 1888 (Colección privada)

Pintura

Este óleo de Eakins fue concebido directamente a partir de estudios fotográficos preparatorios realizados por el artista durante un viaje por el territorio de Dakota, en el T-Ranch situado al noroeste de Dickinson. Allí pudo inspirarse de la gente que encontró y sus trabajos fueron fruto de las reacciones que le provocó la nueva cultura de los cowboys de la cual estaba muy impresionado. El término «badlands» tiene un doble origen: por un lado, el pueblo Lakota llamó a la topografía “mako sica”, literalmente «malas tierras», y los cazadores franceses “les mauvaises terres à traverser”, «las tierras malas para cruzar». Las badlands se forman en áreas de infrecuentes pero intensas lluvias y escasa vegetación, receta perfecta para una erosión devastadora. El paisaje se caracteriza por sus cuestas empinadas, su tierra suelta y arcilla, hecho que impide viajar cómodamente por él. Cañones, cárcavas, barrancos, canales, chimenea de hadas (columnas de roca con formas en sus picos) y otras formas geológicas del estilo son comunes, como aquí se representan.

Música

“Green grow the lilacs” fue una obra de teatro escrita por Lynn Riggs, que se estrenó con escaso éxito en 1931 en el Theatre Guild de New York y se olvidó hasta que diez años más tarde, uno de los productores de dicho teatro tuvo la idea de, insertando algunas canciones y bailes del folk americano, convirtirla en un musical que devolviera el éxito al Theatre Guild que no levantaba cabeza hacía tiempo. Para ello entró en contacto con Richard Rodgers y Lorenz Hart, quienes ya estrenaran en dicho teatro The Garrick Gaieties en 1925. Lorenz Hart al poco de comenzar a trabajar en el tema, ya con serios problemas con el alcohol y sin interés por seguir escribiendo, manifestó a Rodgers que no le atraían las historias fuera de la época actual y que los granjeros del argumento le parecían cursis y aburridos, por lo que se marchó de vacaciones a Méjico, deseando a Rodgers y Hammerstein II, mucha suerte en su nuevo proyecto. Oklahoma! es el primer musical escrito por el compositor Richard Rodgers y el libretista Oscar Hammerstein II y se estrenó el 31 de marzo de 1943 en el St. James Theatre de New York.

El cowboy Curly McLain se regocija ante el bonito día que tiene por delante mientras pasea por la granja de Laurey Williams ("Oh, What a Beautiful Mornin") Esa noche va a tener lugar una subasta de cestas de comida, preparadas por las chicas, para recaudar fondos para una escuela. El hombre que se haga con cada cesta se comerá el almuerzo con la chica que lo preparó. Curly pide a Laurey que vaya con él, pero ella se niega, sintiendo que Curly ha esperado demasiado. Éste trata de convencerla diciéndole que la llevará en el mejor carro que pueda comprar ("The Surrey with the Fringe on Top"), pero ella se burla de él.

Richard Rodgers - Oh, what a beautiful mornin' - Oklahoma!

Richard Rodgers - The surrey with the fringe on top - Oklahoma!

OKLAHOMA – Una historia del oeste -Año XVI. Nº 956

2026-03-06T06:17:00.000+01:00

Wislow Homer - Viento del oeste - 1891 (Addison Gallery, Andover)

Pintura

La figura, pequeña y anónima, de espaldas a nosotros, se balancea precariamente al borde del acantilado, con los pies ocultos por la caída de la tierra, con su capa azotada por el viento. Los trazos de color enérgicos de Homer rompen en primer plano en forma de ráfaga de pintura fluida para capturar la sensación del vendaval que se aproxima. El control de la composición y el color es seguro y la sutileza del tono contra el tono maestro, como los barridos de hierba de color olivo, salpicados por golpes de ramitas rojas, forman diagonales que se elevan hacia la izquierda. La figura en el borde de la orilla y el arbusto central abajo, en forma de mosaico de verdes y marrones, se inclinan hacia la derecha en contra de la dirección del viento. Finalmente, una pluma de spray azul marino pálido se eleva hacia la derecha contra el cielo. En la composición altamente controlada y reducida, la figura, el arbusto, y el rocío salino, colocados uno detrás del otro, empujan con fuerza hacia la derecha contra las diagonales del borde del acantilado y azote el viento que se elevan hacia la izquierda. La tierra, el hombre, el agua y el viento se mantienen en un equilibrio intemporal.

Música

Oklahoma! es el primer musical escrito por el famoso equipo formado por el compositor Richard Rodgers y el libretista Oscar Hammerstein II. Richard Rodgers quería hacerse con los derechos de la obra para reescribirla con Lorenz Hart y pidió a Oscar Hammerstein que les ayudase con el trabajo. Curiosamente Hammerstein también había querido escribirla, pero cuando se lo comentó a su colaborador Jerome Kern, éste no se sintió atraído por la historia y abandonó el proyecto, hasta que la repentina invitación de Rodgers le pareció un regalo caído del cielo. Se estrenó el 31 de marzo de 1943 en el St. James Theatre de New York.

El argumento no puede ser más sencillo: las rivalidades entre los granjeros y vaqueros en el Oeste de principio de siglo, en Oklahoma, donde vive la joven Laurey, por la que se disputan su amor el rudo granjero Jud y el atractivo vaquero Curley. También asistimos a los devaneos de la enamoradiza Ado Annie que no sabe decir “no” a los hombres y debe decidirse entre el buhonero Ali Hakim y el vaquero Will Parker.

Richard Rodgers - Obertura - Oklahoma!

EL MISTERIO DE LA NOCHE – Tranquilidad -Año XVI. Nº 955

2026-02-27T06:20:00.000+01:00

John Atkinson Grimshaw - Noche con luna - 1880 (Museo Thyssen, Madrid)

Pintura

Este cuadro es un magnífico ejemplo del estilo personal creado por Grimshaw, que se especializó en pintar avenidas iluminadas por la luz de la luna, calles en sombra y caminos mojados por la lluvia, con el fin de crear composiciones atmosféricas de marcado sello individual. La casa que se ve en este óleo es probablemente ficticia, inventada por el artista, basándose en una combinación de estilos que observaría y asimilaría. A menudo incluía una figura solitaria que añadía a la escena una sensación de contemplación y ambigüedad, invitando al espectador a imaginar una narrativa, a analizar los pensamientos y los sentimientos del personaje y a meditar sobre su caminar en una noche perdida y solitaria. Transmite una sensación de aislamiento y, a la vez, de libertad, al representar a una mujer que, abandonando los convencionalismos, camina de noche a solas con sus pensamientos.

Música

El pianista y compositor alemán Carl Bohm escribió la antigua canción alemana de amor Still wie die Nacht (Tranquilo como la noche), Op.326, No.27, sobre un texto anónimo, antes de 1913.

Bohm es considerado como uno de los principales compositores alemanes del siglo XIX. Como Schubert, fue más que un escritor de lieder, componiendo en la mayoría de los géneros. Su música de cámara, en su mayoría cuartetos y tríos de piano, fueron muy populares no sólo entre los aficionados, sino también entre los grupos de profesionales que, en sus giras, se veían en la necesidad de agradar y encandilar a su público.

Carl Bohm - Still wie die Nacht, Op.326, No.27

EL MISTERIO DE LA NOCHE – A media noche -Año XVI. Nº 954

2026-02-20T06:21:00.000+01:00

Luis Rigalt y Farriols - Paisaje nocturno con monasterio en ruinas - c. 1850 (El Prado, Madrid)

Pintura

En este paisaje crepuscular de Rigalt ubicado en las orillas de un lago, protagonizan la escena los restos de un monasterio gótico iluminado por la luna, escondida tras la mole arquitectónica del torreón fortificado. El foco de luz incide expresivamente sobre el interior de las ruinas, en una clara referencia al universo interior de la persona, a lo más recóndito, dejando en penumbra el exterior del edificio, cuyas formas, invadidas por la naturaleza, se enmascaran ante la evidencia de su potencialidad destructora e irreversible.

Música

Las Rückert-Lieder son cinco canciones para voz y orquesta o piano, compuestas entre 1901 y 1902 por Gustav Mahler, basándose en poemas escritos por Friedrich Rückert. En concreto “Um Mitternacht” (“A medianoche”) está fechada en el verano de 1901.

La única canción del ciclo que no es lírica es "Um Mitternacht." El texto épico y filosófico de esta canción se refleja en forma de himno más bien austero para conjunto de vientos, metales, timbales, arpa y piano. Mientras el cantante contempla el destino de la humanidad, la orquesta le acompaña con líneas contrapuntísticas de movimientos amplios. Un gran coro de metales subraya el depósito del destino de la humanidad en las manos de Dios para el culminante final. Siendo menos canción y más oda Sinfónica, la obra parece demasiado grande para un único solista vocal. El último verso, en particular, es una reminiscencia de las grandes sinfonías corales/orquestal de Mahler.

Gustav Mahler - No.4. Um Mitternacht - Ruckert Lieder

EL MISTERIO DE LA NOCHE – Buenas noches -Año XVI. Nº 953

2026-02-13T06:20:00.000+01:00

Juan Frank Negelsfürst - Paisaje nocturno con figuras junto al fuego - 1820 (Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid)

Pintura

Negelsfürst fue nombrado Académico de mérito de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando por esta pintura que representa un paisaje nocturno con figuras junto al fuego.

Música

Marthe, oder der markt von Richmond (Marta o la feria de Richmond) es una ópera en cuatro actos con música de Friedrich von Flotow y libreto de Friedrich Wilhelm Riese. Fue estrenada en el Kärntnertortheater de Viena el 25 de noviembre de 1847.

ACTO II
Martha (Lady Harriet) y Julia (Nancy, su sirvienta), disfrazadas de campesinas, no saben nada sobre el trabajo en una granja. Rehúsan colgar ropa y no saben usar la rueca. Martha rechaza la propuesta matrimonial del hacendado Lyonel. Llega la noche y se despiden para ir a dormir "Schlafe wohl! Und mag Dich reuen (Cuarteto de buenas noches)" Sir Tristán Mickleford (primo de Lady Harriet) llega para rescatar a las mujeres.

Friedrich von Flotow - Acto II, Nocturno - Martha

EL MISTERIO DE LA NOCHE – Incorformismo -Año XVI. Nº 952

2026-02-06T06:21:00.000+01:00

Zacarías González Velázquez - Alegoría de la noche - 1818 (El Prado, Madrid)

Pintura

Esta pintura de González Velázquez, que decora el techo de una alcoba, representa a Diana, diosa de la luna, mientras cubre con su manto a la Noche, cuyo geniecillo lanza sus flechas a Morfeo, que dormita con sus adormideras en la mano. El genio del lucero Vespertino vuela sobre él, sujetando una lechuza, símbolo de la Noche, mientras una ninfa arroja sobre la tierra el rocío.

Música

El número final de un conjunto de cuatro canciones para voces masculinas, publicado originalmente en 1823, Die Nacht, D. 983c (Opus 17, núm. 4), fue compuesto por Franz Schubert, probablemente en algún momento de 1822. El autor del poema nunca ha sido identificado con certeza real; pudo ser el trabajo de F. W. Krummacher, el conocido teólogo y filósofo, un hombre cuyas palabras nunca antes habían sido y nunca más serían puestas en música por Schubert.

“Die Nacht” (“la noche”), que no guarda relación musical o textual ni con el D. 358 ni con el D. 534 (dos Lieder titulados también “Die Nacht”), está escrito en cuatro partes. El texto transmite sentimientos de paz —ej. "Qué hermosa eres, bienvenida tranquila y celestial paz"— y Schubert lo trata de una manera no muy diferente al famoso, entonces recientemente compuesto, villancico de Navidad "Noche de paz" (una canción casi seguro desconocida para Schubert, pero cuyo texto tiene algunas similitudes superficiales)

Franz Schubert - Die Nacht (Op.17, No. 4)

LA TABERNERA DEL PUERTO – Por el ancho mar en la noche -Año XVI. Nº 951

2026-01-30T06:20:00.000+01:00

Claude Monet - Marina, tormenta - 1866 (Clark Art Institute, Massachusetts)

Pintura

Monet experimentó con la técnica en este paisaje marino (obra temprana), utilizando colores tenues y aplicando la pintura a grandes trazos, en ocasiones con una espátula de paleta. La composición es simple: la línea del horizonte divide el lienzo en bandas de mar y cielo, interrumpidos por el velero colocado ligeramente descentrado, con su bandera aleteando en el viento. Mientras que muchos de los paisajes de Monet son escenas soleadas, en esta obra destacan los cielos oscuros, las sombras profundas y las agitadas olas. Habiendo crecido en la costa de Normandía, el artista estaba familiarizado con el aspecto del mar en diferentes condiciones atmosféricas.

Música

Tras el triunfo en Barcelona, y pasado el paréntesis de la guerra, La tabernera del puerto, romance marinero en tres actos, con música de Pablo Sorozábal basado en el libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, estrenada el 6 de abril de 1936 en el Teatro Tivoli de Barcelona, llegó a Madrid y subió al escenario del teatro de la Zarzuela el 23 de marzo de 1940. Es más que probable que los autores, especialmente Sorozábal, esperaran alguna reacción negativa hacia la obra, pues hubo momentos de tensión durante el estreno. Algunos críticos mostraron más interés en desacreditar al compositor por sus ideas políticas que en comentar los valores musicales de la zarzuela. Sin embargo, la obra gustó tanto y era tan atractiva que, según escribe Sorozábal en sus memorias, llegaron a pedirle que cediera los derechos de autor de la obra a la Falange.

Leandro, acompañado de su amada, se dirige en una pequeña embarcación hacia una cueva que solo tiene acceso por mar, para cargar el fardo de cocaína, pero son sorprendidos por una tormenta y desaparecen ("Por el ancho mar en la noche") Juan de Eguía a quien le abruman los remordimientos explica a todos su verdadera identidad. Declara que él es el padre y no el marido de Marola y que ha cometido la infamia de arrastrar a Leandro y a Marola a la aventura del contrabando. Comprende el sacrificio de Leandro, quien por obtener el amor de Marola, ha accedido a realizar esta operación. Todos están indignados y gritan: «Juan de Eguía es el culpable». Aparecen en el puerto Marola y Leandro seguidos por los carabineros. Juan de Eguía se declara culpable y los carabineros le apartan de la pareja y le conducen con ellos. Marola y Leandro enlazan sus manos y Verdier declara que ahora sí cree en Dios y en la justicia divina. Leandro entra en la taberna con Marola y la rutina vuelve al pueblo.

Pablo Sorozabal - No.11 Intermedio - La tabernera del puerto

Pablo Sorozabal - No.11 Escena de la barca - La tabernera del puerto

LA TABERNERA DEL PUERTO – Contrabando -Año XVI. Nº 950

2026-01-23T06:23:00.000+01:00

Joaquin Sorolla - Los contrabandistas - 1919 (Colección Privada)

Joaquín Sorolla - El mar de Ibiza (estudio de Los contrabandistas) - 1919

Pintura

Acantilado batido por las olas del mar, éste de color verde oscuro con reflejos amarillos y malvas. Unos contrabandistas a plena luz del día ascienden afanosos por las rocas del precipicio con sus fardos a cuestas y abajo una cala angosta. En este sentido, bastantes investigadores coinciden en que las peñas que aparecen son los acantilados ibicencos de s´Aranyet. Además del cuadro definitivo, Sorolla llevó a cabo varios apuntes o bocetos preparatorios. La perspectiva aérea picada, la coloración más diluida, el apunte geométrico del trazo, la novedad temática de la roca ebusitana como protagonista y la sutileza narrativa, nos sitúan en un Sorolla en evolución, consciente de la transformación estética que en esos mismos años las vanguardias históricas comenzaban a consolidar.

Música

La tabernera del puerto, es un romance marinero en tres actos, con música de Pablo Sorozábal basado en el libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, estrenado el 6 de abril de 1936 en el Teatro Tivoli de Barcelona. Un cronista, que firma “Lara”, escribió en El Diluvio de Barcelona, tras el estreno: “Una partitura que no tiene desperdicio, altamente agradable, que se escucha con atención y penetra, adecuada y siempre, el ambiente de la obra. Toda ella perfectamente instrumentada, viéndose siempre el sello característico de un gran maestro como lo es Pablo Sorozábal”

Marola está desesperada porque ama con pasión a Leandro y decide explicarle todo el asunto. Habla con él, le declara su amor y le explica que Juan de Eguía es el padre de ella y que ahora le ha pedido su colaboración para llevar a cabo la operación del contrabando. Leandro comprende toda la situación y ambos entonan un apasionado dúo de amor, Marola no quiere abandonar a Leandro y decide acompañarle en la barca en que ha de salir al día siguiente con la partida de cocaína. Un delicioso trío es como un descanso para la gran escena final (“Marola resuena en el oído”) La gente, murmuradora al ver a Marola y a Leandro salir, imagina que ambos se escapan para emprender una nueva vida lejos de Juan de Eguía.

Sorozabal - No.9 Terceto cómico - La tabernera del puerto

LA TABERNERA DEL PUERTO – En un país de fábula -Año XVI. Nº 949

2026-01-16T07:00:00.039+01:00

Joaquin Sorolla - En la taberna, San Sebastián - 1910 (Museo Sorolla, Madrid)

Pintura

Sorolla presenta a la izquierda, dos hombres sentados de perfil y detrás otros tres levantados. Al centro, uno sentado de frente. En la parte derecha, uno de pie, apoyado en un objeto de madera, y otro agachado. Hacia el fondo, otras tres figuras indefinidas. Todos llevan gorras y parecen estar bajo un toldo.

Música

No deja de ser curioso que dos de los grandes éxitos de nuestra zarzuela y sobre todo de Sorozábal, los compusiera el músico vasco porque otros colegas los rechazaron. Si Moreno Torroba dijo no a La del manojo de rosas, Guridi hizo lo propio cuando se le ofreció el libreto de La tabernera del puerto, romance marinero en tres actos, con música de Pablo Sorozábal basado en el libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, estrenada el 6 de abril de 1936 en el Teatro Tivoli de Barcelona. Nunca sabremos si Ascensión y Marola hubieran sido tan populares y celebradas de no haberles puesto música Sorozabal. Lo que sí sabemos es que la zarzuela que compuso Guridi está totalmente olvidada.

Primero Marola (“En un país de fábula...Yo también soy un pájaro viejo”) y luego Juan de Eguía ("Chibiri, Chibiri") cantan para animar el ambiente en la taberna. Los planes de Marola y Juan de Eguía son descubiertos por el marino inglés, Simpson quien denuncia a Leandro que va a ser juego de los manejos de Juan de Eguía para llevar a cabo una operación de contrabando. Leandro queda abrumado; él pensaba que el amor que le había demostrado Marola era sincero y ahora se da cuenta de que es falso e interesado.

Pablo Sorozabal - No.6 En un pais de fábula - La tabernera del puerto

Pablo Sorozabal - No.6 Romanza de Juan de Eguia - La tabernera del puerto

LA TABERNERA DEL PUERTO – Marinero vete a la mar -Año XVI. Nº 948

2026-01-09T06:20:00.000+01:00

Joaquin Sorolla - Taberna valenciana - 1889-90 (Museo Sorolla, Madrid)

Pintura

En primer término Sorolla representa, alrededor de una mesa, a tres hombres jugando a las cartas. A la izquierda, más alejado, otro grupo compuesto por cuatro figuras que, igualmente, juegan a las cartas y un mirón de pie, los contempla. Chimenea con gran campana volada, al fondo.

Música

La tabernera del puerto, romance marinero en tres actos, con música de Pablo Sorozábal basado en el libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw, estrenado el 6 de abril de 1936 en el Teatro Tivoli de Barcelona, llegó a manos del compositor por casualidad. Inicialmente, los autores del libro la habían ofrecido a Guridi pero éste estaba trabajando en su zarzuela Mari–Eli de ambiente similar. En consecuencia, el texto de La tabernera fue entregado a Pablo Sorozábal que vio en él “buenas situaciones musicales”, aunque el músico donostiarra hizo algún retoque, como sustituir un inicial número de vicetiples bailando claqué, por la magnífica romanza de Simpson “Despierta negro”.

Juan de Eguía quiere hacer contrabando con una partida de cocaína y comunica a Marola que como Leandro está enamorado de ella, ha de convencerle para que él sea el que lleve a cabo esta operación, Marola duda, no sabe si atender la propuesta de Juan de Eguía o salvar de una situación enojosa a Leandro, por el que siente un verdadero y apasionado amor. Por fin se decide a hacerle la propuesta a Leandro (“Todos lo saben... Marinero vete a la mar”)

Sorozabal - No.4 Duo de Marola y Leandro - La tabernera del puerto

EL RINCÓN DE LOS NIÑOS – Juguetes -Año XVI. Nº 947

2026-01-06T07:00:00.021+01:00

John Singer Sargent - Marionettes - 1903 (Colección privada)

Pintura

La sensación de energía dramática que impregna lo mejor de la obra de Sargent encuentra una representación explícita en este cuadro en el que presenta cuatro personas que operan unas marionetas sicilianas dentro de un interior confinado y dramáticamente iluminado. La brillante paleta dorada que utiliza sugiere el calor sofocante que impregna el espacio, también indicado por el torso sin camisa de uno de los operadores. De hecho, el aire se siente espeso, con ansiosa anticipación: aunque el artista no representa el resto de la audiencia, una quinta figura observa atentamente desde el lateral del escenario. Su claro compromiso con el tratamiento dramático se suma a la sensación general de emoción que emana de la escena. Los titiriteros sicilianos preferían los dramas románticos y sangrientos, y la representación de dos caballeros en duelo observados por una mujer visiblemente angustiada en negro sugiere que la obra específica que el artista representa aquí está basada en el poema épico italiano del siglo XV, Orlando Furioso.

Música

Descrito como una extravagancia, Babes in Toyland se estrenó en Chicago en 1903. Los críticos se ensañaron con la producción, que fue una de las más magníficas y costosas de su tiempo. La partitura está brillantemente orquestada, con un ligero toque de humor que equilibra el espléndido lirismo de Victor Herbert, habiéndose convertido su “Marcha de los juguetes” en una melodía famosa.

En el segundo acto los protagonistas, Jane y Alan, consiguen llegar a Toyland y al taller del hechizado maestro juguetero. Todo termina felizmente, como debe ser, para nuestros héroes cuando terminan con los planes que su malvado tío ha dispuesto contra ellos.

Victor Herbert - Marcha de los juguetes - Babes in Toyland

LA TABERNERA DEL PUERTO – Pasado oculto -Año XVI. Nº 946

2026-01-02T07:00:00.053+01:00

Eugenio Lucas Velázquez - Vista costera con un pequeño puerto pesquero - 1868 (Museo Lázaro Galdiano, Madrid)

Pintura

Lucas Velázquez nos ofrece una vista costera con un pequeño puerto pesquero, protegido por muro y, al fondo, alguna construcción dispersa.

Música

La tabernera del puerto es un romance marinero en tres actos, con música de Pablo Sorozábal basado en el libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw. Fue estrenada el 6 de abril de 1936 en el Teatro Tivoli de Barcelona. Se trata de un verdadero drama lírico en el que están retratados una amable y enamorada tabernera, un padre autoritario y violento, las envidias de las mujeres del pueblo que desconocen el pasado de Marola y ven en su juventud y belleza un peligro para su tranquilidad, el amor apasionado de un muchacho capaz de todo por su enamorada, y el paisaje sonoro de un pequeño puerto marinero al que llega el drama.

El marinero Verdiet que ha perdido la fe y no cree en la justicia divina llega al puerto de su ciudad natal del que ha estado seis años ausente (“Eres blanca y hermosa... ¡Ay que me muero por unos ojos!... Salve, Señora, Reina y Madre de misericordia!”) Allí se entera de que hay una taberna nueva a la que acuden los marineros atraídos por la belleza de Marola que regenta la taberna ayudada de su compañero Juan de Eguía. Todos los marineros están enamorados de Marola y todas las mujeres están celosas de ella. Verdier se reúne con sus antiguos compañeros Simpson y Juan de Eguía y rememoran sus días de juventud v sus aventuras. Ripalda dueño del café del Vapor disgustado por la falta de clientes, ya que todos acuden a la taberna de Marola, trama contra ésta escenas de celos y siembra cizaña entre el matrimonio de Antigua y Chinchorro (“Ven aquí camastrón... ¡Ay pobre de mi! mi vieja está borracha”)

Pablo Sorozabal - No.1 Preludio y escena - La tabernera del puerto

Pablo Sorozabal - No.3 Dueto cómico - La tabernera del puerto

BRINDEMOS – Por un alegre compañero -Año XVI. Nº 945

2026-01-01T00:00:00.045+01:00

Walter Dendy Sadler - Por el que es un alegre buen compañero y así lo afirmamos todos nosotros - 1897 (Colección privada)

Pintura

Es la convivencia y la comida deliciosa, recuerdos de su infancia, lo que el artista representa en este cuadro, con sus platos llenos de nueces y frutas, junto a las servilletas, en mitad de un brindis por el "alegre buen compañero". En retrospectiva, este estilo de vida ya se sentía encantadoramente "pasado de moda" en la juventud del artista. El buen ojo de Dendy para la pintura y su refinada destreza para pintar los elegantes trajes y detalles permitió revivir en sus pinturas "viejas alegrías, emociones antiguas, viejas risas". Este cuadro está animado con los gestos convincentes y variadas expresiones que sugieren astutamente el humor inherente en los rituales sociales. Las caras sonrosadas de los caballeros y las bocas abiertas en una canción transmiten con encanto la alegría presente en esta noche, el invitado honrado colocado en una posición similar al espectador al que se invita a la cálida reunión.

Música

Boule de neige es una opéra-bouffe en tres actos, compuesta por Jacques Offenbach, con libreto de Charles Nuitter y Êtienne Tréfeu, estrenada en el Théâtre des Bouffes-Parisiens, el 14 de diciembre de 1871.

Olga y Schamyl han escapado del harén y se disponen ha impedir el intento de los conspiradores de atentar contra la vida de Hospodar, quien es en realidad Kachmir disfrazado. En el almuerzo fiesta de Hospodar, Schamyl observa que están vertiendo veneno en la copa de Hosdpodar. Olga responde anunciando a la concurrencia que Hospodar, con gran alegría, invita a todos los ministros que beban de su copa. Cuando renuncian a ello, Olga desvela su traición.

Jacques Offenbach - Choeur du lunch et Brindisi - Boule de neige

LA BOHEME – Esperanza y muerte -Año XVI. Nº 944

2025-12-26T07:00:00.055+01:00

Edvard Munch - Muerte en la habitación del enfermo - 1893 (Galería Nacional, Oslo)

Pintura

La imagen muestra lo que podemos suponer que es la familia del artista reunida en torno a su hermana Sophie, que murió en 1877. Ella está sentada en una silla con su espalda vuelta hacia el espectador. A la derecha se encuentra una tía, Karen Bjølstad, que se trasladó con la familia para cuidar de los niños y de la casa después de que la madre muriera de tuberculosis en 1868. Al fondo se encuentra el padre, el doctor Christian Munch, con las manos en actitud de oración. En el centro de la imagen figura un hombre, probablemente Edvard Munch. La hermana menor Laura está sentada en primer plano con las manos en su regazo, mientras que la tercera hermana, Inger, permanece en pie mirando hacia nosotros. La figura masculina de la izquierda se identifica como Andreas, el hermano pequeño de Edvard. En esta pintura no se aprecia contacto físico entre las personas, salvo la mano que tía Karen ha puesto en la parte posterior de la silla en la que se sienta la enferma.

Música

Fue quizás el interés que en el siglo XIX se tenía por el fenómeno cultural de la bohemia lo que condujo a Giacomo Puccini y a su contemporáneo Ruggiero Leoncavallo a decidir componer sendas óperas sobre el tema de los artistas bohemios parisinos. Con independencia de cual fuera el origen de los respectivos proyectos, lo cierto es que en un encuentro entre ambos compositores, en 1893, Puccini mencionó de forma casual su proyecto. Esto indujo a ambos compositores a publicar en la prensa milanesa artículos en los que reclamaban, cada uno por su parte, la originalidad de la idea. La bohème (La bohemia), ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, fue estrenada en en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896.

ACTO IV
Preocupados, Musetta y Marcello salen de la habitación para vender las joyas de ella y así comprar algunas medicinas, y Colline sale para empañar su abrigo (“Vecchia zimarra, sentí” - "Viejo abrigo, escucha") Solos, Rodolfo y Mimí, recuerdan sus tiempos felices (“Sono andati? – "¿Se han ido?") Y aunque todos tratan de ayudarla, ella expira en brazos de su amado.

Giacomo Puccini - Vecchia zimarra, sentí - La boheme

Giacomo Puccini - Sono andati? - La boheme

NAVIDAD – Hoy ha nacido Cristo -Año XVI. Nº 943

2025-12-25T00:00:00.001+01:00

El Greco - La Sagrada Familia con Santa Ana y San Juanito - c. 1600 (El Prado, Madrid)

Pintura

Este cuadro del Greco nos muestra una María de cuerpo entero y sentada, centrando la composición. Es una joven de rostro ensimismado, cubierta por el característico manto azul; sostiene en su regazo al Niño mientras acoge bajo su brazo derecho a Santa Ana, tocada ésta con un velo blanco y rizado. La santa se inclina hacia el Niño, y a diferencia de otras versiones en las que aparece dormido, aquí éste le devuelve la mirada. La madre de la Virgen se dispone a envolver al pequeño con un paño blanco que sostiene con ambas manos. Al otro lado, emergiendo tímidamente tras la Virgen, San José observa la escena. El Greco lo ha representado como un hombre maduro, no anciano, un santo activo y vigoroso que viste chaleco verde sobre camisa blanca y capa ocre-amarillenta, una ropa propia de un trabajador artesano castellano de la España de finales del siglo XVI, que cuadraba bien con el filius fabri que algunos textos de la época proyectaron del santo. Delante de éste y próximo a la Virgen, el pequeño San Juan se convierte en un acompañante un tanto más desligado de la escena, y no sólo por dirigir su mirada a un punto inconcreto fuera del cuadro, también el tratamiento pictórico que le ha otorgado el artista le convierte en una figura desdibujada y de una escala reducida en relación con el resto de las figuras. Está desnudo, a pesar de que se insinúa la tradicional piel de camello a su espalda, y lleva consigo un cuenco de vidrio con fruta; el índice izquierdo próximo a la boca parece reclamar silencio. Todo el grupo está constreñido en un estrecho espacio culminado por celajes que se ciernen sobre las cabezas de los personajes.

Música

Publicado en 1575, el motete Hodie Christus natus est es una de las primeras obras policorales de Giovanni Pierluigi da Palestrina, tipo de escritura musical que el compositor no cultivó demasiado. Esta técnica no es la más característica de su estilo pero en ella muestra una maestría semejante a la del resto de su producción.

Hoy ha nacido Cristo.
Hoy ha aparecido el salvador.
Hoy cantan los ángeles en la tierra
Y se alegran los arcángeles.
Hoy los justos dicen exultantes:
Gloria a Dios en las alturas.

Giovanni Pierluigi da Palestrina - Hodie Christus natus est

LA BOHEME – Desdicha y felicidad -Año XVI. Nº 942

2025-12-19T06:18:00.000+01:00

Amadeo Modigliani - Autorretrato - 1919 (Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Sao Paulo)

Pintura

En esta pintura de Modigliani prevalecen los tonos de amarillo armonizándose con los marrones y cenizas azulados. La composición del auto retrato se ofrece con la presentación de la figura en tres cuartos de plano (no es frontal ni de perfil) El artista trabaja con líneas sinuosas, alargando la figura, de forma elegante, estableciendo contrapuntos de curvas, por ejemplo, entre el arco descrito por la inclinación de la cabeza y el correspondiente a la curva del brazo que reposa sobre la rodilla. La chaqueta envejecida y el pañuelo azulado en el cuello provocan un sentimiento de nostalgia y de fragilidad del artista. La falta de expresión en los ojos, de órbitas vacías, generan un clima melancólico y preanuncian un abandono de la vida, de la realidad. Este es su único autorretrato realizado en pintura.

Música

El libreto de La bohème (La bohemia), ópera en cuatro actos con música de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, estrenada en en el Teatro Regio de Turín el 1 de febrero de 1896, se basa en la novela “Scènes de la vie de bohème” de Henri Murger, una colección de viñetas que retratan jóvenes bohemios viviendo en el Barrio Latino de París en los años 1840. Como la obra teatral de 1849 de Murger y Théodore Barrière, el libreto de la ópera se centra en la relación entre Rodolfo y Mimì, acabando con su muerte. También como en la obra teatral, el libreto funde dos personajes de la novela, Mimì y Francine, en un solo personaje, el de Mimì.

ACTO IV
Nuevamente en la buhardilla Marcello y Rodolfo parecen trabajar (“In un coupé?”), aunque están principalmente lamentándose por la pérdida de sus respectivas amadas (“¡O Mimì!, ¡Tu più non torni!” – "¡Oh Mimí! ¡No regresarás!") De pronto entra en la buhardilla la afligida Mussette acompañando a Mimí, que está gravemente enferma.

Giacomo Puccini - In un coupé? - La boheme

Giacomo Puccini - ¡O Mimì!, ¡Tu più non torni!” – "¡Oh Mimí! ¡No regresarás! - La boheme