Belcanto.ru

Премьера фильма «Шостакович. Композитор — нерв»

Wed, 23 Sep 2026 23:25:28 +0300

Премьера документального фильма «Шостакович. Композитор — нерв» к 120-летию композитора, чья музыка стала «кардиограммой ХХ века», пройдёт на Первом канале в ночь с 26 на 27 сентября, в 00:35.

Дмитрий Шостакович родился в 1906 году. В семь лет он услышал, что началась Первая мировая, в десять, что больше нет царя, в одиннадцать, что нет и страны, в которой родился. Дальше была революция, неотапливаемая Петроградская консерватория, туберкулез в семнадцать лет, смерть отца и вечерняя работа тапером в кинозалах…

Дмитрий Дмитриевич Шостакович Композиторы

Фильм «Шостакович. Композитор — нерв» прослеживает этапы становления Шостаковича. В том числе и кинематограф, куда он вернулся уже соавтором и написал музыку более чем к тридцати картинам.

Отдельная линия фильма — Шостакович, которого мало кто знает. Автор музыки к комедии Маяковского «Клоп», циркового балета «Условно убитый», джазовых сюит и романсов на письма читателей журнала «Крокодил». Человек, для которого юмор был не развлечением, а способом выжить. Архивная хроника, документы, письма и графика — все это есть в ленте.

Ведущий: Евгений Миронов.

Музыкальные фрагменты из произведений Шостаковича исполняют молодые пианисты Ева Геворгян и Иван Бессонов, а также скрипач Равиль Ислямов.

В фильме принимают участие: Мария Шостакович, внучка композитора, Юрий Башмет, Ильдар Абдразаков, Николай Цискаридзе, Василий Бархатов, Фабио Мастранджело, Игорь Бутман и другие.

По материалу Сусанны Альпериной
Источник: «Российская газета»

Певец Ильдар Абдразаков отмечает юбилей

Wed, 23 Sep 2026 22:48:08 +0300

Народный артист России Ильдар Абдразаков, один из самых харизматичных и любимых публикой российских певцов, празднует 26 сентября свой полувековой юбилей.

В день рождения он готовится выйти на сцену Большого театра в заглавной партии оперы Арриго Бойто «Мефистофель».

Ильдар Абдразаков в опере «Мефистофель» на сцене Большого театра

Сам спектакль, который ставит режиссер Джанкарло Дель Монако, дань юбилею, это новое редкое название в афише. Партию Мефистофеля когда‑то пел Фёдор Шаляпин, с которым Ильдара Абдразакова нередко сравнивают. Именно он озвучивал вокальную часть телевизионного сериала, посвященного великому басу.

Ильдар Абдразаков родился в Уфе в семье, близкой к театру и искусству, однако решение стать оперным певцом пришло не сразу — повлиял старший брат Аскар, тоже известный оперный бас. И потом все шло по нарастающей: после побед в международных конкурсах — приглашение в Мариинский театр, где состоялся его дебют в партии Фигаро в опере Моцарта. И это было только началом его выступлений на ведущих оперных сценах.

Звёзды оперы: Ильдар Абдразаков Опера и балет

Везде исполнение певцом ведущих оперных партий и сольные концерты сопровождались восторженными отзывами критики и любовью публики. Абдразаков работал со многими выдающимися дирижерами, но особенно хочется отметить две фигуры: Риккардо Мути и Валерия Гергиева. Для обоих Абдразаков — из любимейших басов.

Идеальная подача звука, легато, произношение делают Абдразакова особенно аутентичным в итальянском репертуаре. Здесь ему доступны не только драматические образы, как, например, Филипп II в «Дон Карлосе» Верди или партия баса в «Реквиеме», но и комические. Именно он предложил Валерию Гергиеву поставить «Итальянку в Алжире» в Мариинском театре, где спектакль в оригинальной постановке тоже идет с огромным успехом.

Благодаря Абдразакову в репертуаре Мариинского театра появилась и опера Верди «Аттила», и нередко новые премьеры ставят в расчете на его участие. Последняя постановка авторской версии «Бориса Годунова» Мусоргского тоже во многом была рассчитана на замечательного баса.

Артистические контрасты Ильдара Абдразакова Опера и балет

Конечно, певец прежде всего запоминается своими коронными партиями, его героям сочувствуешь всегда, а в случае с Мусоргским веришь в невиновность «преступного царя Бориса». Конечно, привлекает голос широкого диапазона, гибкий, с красивым тембром, для которого доступны партии не только традиционно басовые, но и те, что чаще поют баритоны: он с успехом исполнял Дон Жуана и Фигаро в операх Моцарта, Тореадора в «Кармен».

И все же основа репертуара — это классические басовые партии: король Филипп II в «Дон Карлосе», Аттила в одноименной опере Верди, Борис Годунов в одноименной опере Мусоргского, Мустафа в «Итальянке в Алжире», Мефистофель в операх Гуно и Бойто. Каждого из этих персонажей певец наделяет своим обаянием, образу безусловно веришь.

У певца большое количество проектов: уже в девятый раз проходит Международный музыкальный фестиваль Ильдара Абдразакова, основанный в 2018 году и призванный объединить звезд с молодыми исполнителями.

Ильдар Абдразаков forever Опера и балет

В нынешнем году фестиваль стартовал после завершения II Летней школы, также им учрежденной, где признанные мастера оперной сцены в течение недели делятся своим опытом с молодыми исполнителями.

Попасть в число участников школы непросто, в этом году 12 лучших были отобраны по конкурсу из 250 заявок. Занятия проходили в классах Михайловского театра (певец в марте 2026‑го стал его художественным руководителем), а концерт открытия фестиваля, школу завершивший, прошел в зале Капеллы. Вместе с Абдразаковым в нем приняла участие Ольга Перетятько — певица с мировым именем.

Концерты фестиваля продолжатся осенью в Мурманске, Архангельске, Петрозаводске, Салехарде и Воткинске — на родине П. И. Чайковского.

Ильдар Абдразаков является также художественным руководителем Севастопольского театра оперы и балета. Пока здание театра строится, его труппа активно гастролирует, в том числе и в Петербурге. Осенью 2025 года на сцене Мариинского театра была представлена первая премьера театра — опера Рахманинова «Алеко», где Абдразаков выступил не только как исполнитель заглавной партии, но и как режиссер (это уже не первый его режиссерский опыт). Сейчас певец заинтересовался и дирижированием.

Интервью с Ильдаром Абдразаковым, 2011 год Опера и балет

Широкую известность Ильдару Абдразакову добавляет и его участие в телевизионных шоу, в других общественных проектах. Но народным любимцем делает его и особая широта души, человеческое тепло, которое просвечивает в каждом образе певца и во всей его деятельности.

Вера Степановская
Источник: «Санкт-Петербургские ведомости»

Мариинский театр: афиша октября 2026

Tue, 22 Sep 2026 22:39:15 +0300

Октябрь в Мариинском в 244-м сезоне как никогда богат событиями, от которых захватывает дух: первая премьера сезона и яркие гастроли, любимые проекты и экспериментальные произведения. Рассказываем, на что обратить внимание в афише второго осеннего месяца.

16 октября в 19:00 и 17 октября в 12:00 и 19:00 на новой сцене пройдет главная премьера осени в Мариинском — опера Россини «Вильгельм Телль» в постановке Джанкарло дель Монако. Знаменитый итальянский режиссер уже успел покорить не только петербургскую публику, но и экспертный совет премии «Золотая маска» — награду получила его предыдущая работа в Мариинском, «Аида», поэтому премьера обещает быть очень интересной! Художник по декорациям — Антонио Ромеро, художник по костюмам — Габриела Салаверри. Музыкальный руководитель — Валерий Гергиев.

6 и 8 октября Мариинский-2 принимает в гостях Московский академический музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко. Коллектив представит петербургскую премьеру постановки оперы Доницетти «Анна Болейн» с ослепительной Хиблой Герзмава в титульной партии. Выразительный спектакль создали режиссер Сергей Новиков и главный дирижер МАМТ Феликс Коробов. Сценография и костюмы — Иван Складчиков.

21 октября на новой сцене публику ждет уникальный творческий эксперимент — симфонический спектакль-концерт «Лавр» по роману-бестселлеру Евгения Водолазкина, предваряющий будущую экранизацию. Представление пройдет при участии самого писателя, а также актера театра и кино Юры Борисова. Дирижер — Петр Дранга.

С 20 октября по 4 ноября в Концертном зале уже в четырнадцатый раз пройдет Международный органный фестиваль «Мариинский». Публику по традиции ждет широкий репертуар разных эпох и школ — для органа соло и в ансамбле, оригинальные сочинения и транскрипции и уже ставший любимым формат — органный концерт для детей.

Великолепная концертная афиша месяца подарит еще массу приятных поводов посетить театр. Так, 22 октября состоится сольное выступление блистательной Альбины Шагимуратовой. Сопрано с редким по красоте голосом подготовила для своих петербургских поклонников особенную программу с Симфоническим оркестром Мариинского театра и дирижером Кристианом Кнаппом.

18 октября пройдет сразу два ярких события: в 15:00 публику ждет концерт Брасс-ансамбля Мариинского театра, а в 19:00 — выступление одного из самых востребованных петербургских пианистов Ильи Папояна.

Говоря о ярких коллективах театра, нельзя не упомянуть Страдивари-ансамбль под руководством неподражаемого Лоренца Настурика-Гершовичи. 9 октября состоится концерт в рамках уникального проекта — Первой оркестровой академии Страдивари-ансамбля, а 16 октября с коллективом выступит пианист Абисал Гергиев.

Также в вокально-инструментальной афише месяца: концерт солистов оперы Мариинского театра (1 октября), Симфонический оркестр Мариинского театра и София Виланд (флейта) (6 октября), Торжественная месса Бетховена (7 октября), Квартет Новосибирской государственной филармонии и Софья Кипрская (арфа) (23 октября).

В октябре театр продолжит чествовать выдающегося сентябрьского юбиляра — к 120-летию со дня рождения Дмитрия Шостаковича маэстро Валерий Гергиев и Симфонический оркестр Мариинского театра представят в Концертном зале специальную программу (14 октября).

Юбилейным датам будут посвящены и спектакли. У шедевра бельканто — «Нормы» Беллини — их сразу три: 225 лет со дня рождения композитора, 195 лет мировой премьере и 165 лет премьере в Мариинском театре. Масштабный спектакль, впервые представленный в прошлом году, будет показан 24 октября в 19:00 и 25 октября в 13:00 и 19:00.

«Ариадна на Наксосе» Рихарда Штрауса (3 и 4 октября) отмечает 110 лет со дня мировой премьеры, «Волшебная флейта» Моцарта (31 октября в 13:00 и 19:00) — 235 лет со дня мировой премьеры, «Царская невеста» Римского-Корсакова (15 октября) — 125-летие со дня премьеры в Мариинском театре. А «Идиот» Вайнберга (29 октября) посвящен 205-летию со дня рождения Федора Достоевского и 35-летию мировой премьеры.

Многие из этих произведений не так часто идут на сцене, и потому круглая дата — отличный повод посетить их вновь или услышать впервые. К репертуарным редкостям месяца добавим «Саломею» Рихарда Штрауса (9 октября), «Нюрнбергских мейстерзингеров» (10 октября) и «Парсифаль» (11 октября) Рихарда Вагнера, «Сон в летнюю ночь» Бриттена (13 октября), «Адриану Лекуврёр» Чилеа (20 октября) и вердиевскую «Аиду» в постановке Алексея Степанюка (2 октября).

Не пропустите также первый в новом сезоне «Театральный урок» (3 октября) — иммерсивно-образовательный спектакль, представляющий лучшие образцы искусства музыкального театра.

Широкая балетная палитра месяца представлена как классическими произведениями — «Баядерка» Минкуса (1 и 3 октября), «Корсар» (6 октября) и «Жизель» (29, 30 октября) Адана, «Сильфида» Левенскьольда (7 октября), «Лебединое озеро» Чайковского (9, 10, 11 октября), так и постановками современных хореографов: «Пульчинелла», «Игра в карты», «Поцелуй феи» Стравинского (12 октября), «Пахита» на музыку Дельдевеза, Минкуса, Дриго (14, 15, 16 октября), «Конек-горбунок» (18 октября в 13:00 и 19:00) и «Анна Каренина» (27 и 28 октября) Щедрина, «Коппелия» Делиба (22 и 23 октября).

И конечно, афишу украшают шедевры XX века — «Шопениана» на музыку Шопена, «Блестящий дивертисмент» на музыку Глинки, «Юноша и смерть» на музыку Баха (8 октября), «Ромео и Джульетта» (20 и 21 октября) и «Каменный цветок» (31 октября в 13:00 и 19:00) Прокофьева, «Бахчисарайский фонтан» Асафьева (4 октября в 13:00 и 19:00), «Анюта» на музыку Гаврилина (17 октября), «Шурале» Яруллина (24 октября в 19:00, 25 октября в 13:00 и 19:00).

Пресс-служба Мариинского театра

В Москве стартует 26-й музыкальный фестиваль ArsLonga

Tue, 22 Sep 2026 22:14:58 +0300

8 октября в Большом зале Московской консерватории откроется XXVI Международный музыкальный фестиваль ArsLonga. В программе фестиваля — симфонические концерты, оперные постановки, музыкально-хореографические спектакли, гастроли по России, а также просветительский проект #AdLibitum для студентов столичных вузов и бесплатные мастер-классы.

Особое место в фестивальной программе займет музыка Дмитрия Шостаковича — в год 120-летия со дня рождения композитора. Также прозвучат сочинения Сергея Рахманинова, Сергея Прокофьева, Петра Чайковского, Ференца Листа, Гектора Берлиоза, Густава Малера, Рихарда Вагнера и других композиторов.

В концертах примут участие солисты Денис Мацуев, Алла Сигалова, Симон Трпчески, Аня Чиповская, Игорь Цвирко, Филипп Копачевский, Равиль Ислямов и другие исполнители. Главные партии в опере Рихарда Вагнера «Лоэнгрин» исполнят звезды мировой оперной сцены Иван Гынгазов и Елена Стихина. В постановке также примут участие молодые артисты творческого вызова #OperaCall.

Концерты московской программы фестиваля стартуют в Большом зале Московской консерватории и Зале Зарядье с участием Московского государственного симфонического оркестра (МГСО) под управлением художественного руководителя фестиваля, заслуженного артиста России Ивана Рудина.

8 октября в Большом зале Московской консерватории на открытии фестиваля прозвучит Второй концерт для фортепиано с оркестром Сергея Рахманинова. Солист — Филипп Копачевский. Во втором отделении прозвучит Пятая симфония Сергея Прокофьева.

11 октября в Зале Зарядье вместе с МГСО выступит пианист Симон Трпчески (Македония). В программе, посвященной 215-летию со дня рождения Ференца Листа, прозвучат Второй концерт для фортепиано с оркестром Листа, «Фантастическая симфония» Гектора Берлиоза и увертюра-фантазия Петра Чайковского «Ромео и Джульетта».

15 октября в Большом зале Московской консерватории вместе с МГСО выступит скрипач Равиль Ислямов. Он исполнит Концерт для скрипки с оркестром Петра Чайковского. Во втором отделении прозвучит Десятая симфония Дмитрия Шостаковича.

22 октября солистом концерта станет народный артист России Денис Мацуев. В первом отделении прозвучат симфоническая поэма «Прелюды» и Первый концерт для фортепиано с оркестром Ференца Листа, во втором — Четвертая симфония Густава Малера.

Мультижанровое направление фестиваля ArsLonga будет представлено спектаклем «Нунча», который состоится 28 ноября в Калуге. Постановка Аллы Сигаловой по мотивам одноименной новеллы Максима Горького соединяет драматическое искусство, хореографию и симфоническую музыку.

География фестиваля традиционно выходит за пределы Москвы. В 2026 году мероприятия ArsLonga пройдут в Светлогорске, Калуге, Челябинске, Озерске, Южно-Сахалинске и других городах России.

Отдельное направление фестиваля — долгосрочный просветительский проект #AdLibitum, созданный совместно с Национальным исследовательским технологическим университетом МИСИС и впервые реализованный в 2021 году. С 2024 года проект проходит также в концертном зале РАНХиГС.

В рамках #AdLibitum студенты и преподаватели получают возможность первыми познакомиться с фестивальными программами на генеральных репетициях Московского государственного симфонического оркестра, которые проходят в концертном формате. За годы существования проекта в концертных залах МИСИС и РАНХиГС прозвучали симфонии Бетховена, Брамса, Рахманинова и других композиторов.

Традиционно в рамках фестиваля в Зале Зарядье пройдут бесплатные мастер-классы ведущих российских и зарубежных музыкантов для молодых исполнителей и преподавателей музыкальных учебных заведений.

Завершится XXVI Международный музыкальный фестиваль ArsLonga 19 декабря в Зале Зарядье оперой Рихарда Вагнера «Лоэнгрин». Главные партии исполнят Иван Гынгазов и Елена Стихина. Музыкальный руководитель и дирижер — Иван Рудин. В постановке примут участие Московский государственный симфонический оркестр, Государственный академический русский хор имени А. В. Свешникова, Национальный русский балет «Возрождение», а также участники творческого вызова для молодых оперных солистов #OperaCall.

Иван Рудин, художественный руководитель фестиваля ArsLonga:

«Решение организовать фестиваль пришло ко мне в 2000 году, и, как оказалось, в тот момент я выбрал путь, которым иду и сегодня. За эти годы география и программа ArsLonga значительно расширились, и для нас по-прежнему важно знакомить слушателей с классической музыкой во всем ее многообразии.

В программе XXVI фестиваля особое место занимает творчество Дмитрия Шостаковича — в год 120-летия со дня рождения композитора. По традиции слушателей ждет разнообразная программа, объединяющая симфонические концерты, оперные и мультижанровые проекты, гастрольные и просветительские события. Нам хочется, чтобы ArsLonga и дальше оставался местом встречи музыки, исполнителей и слушателей».

XXVI Международный музыкальный фестиваль ArsLonga проходит в рамках национального проекта «Семья» Министерства культуры Российской Федерации и при поддержке Президентского фонда культурных инициатив.

Пресс-служба фестиваля ArsLonga

Голоса нового поколения

Tue, 22 Sep 2026 21:55:10 +0300

Итоги 20-го конкурса композиторов имени Андрея Петрова

В Малом и Большом залах Петербургской филармонии прошли гала-концерты финала ХХ Открытого конкурса композиторов им. А. П. Петрова в номинациях «Симфоническая музыка», «Новый взгляд на духовой оркестр» и «Берег надежды».

Сентябрь стал тесно связан с именем Андрея Петрова. В день его рождения в сквере имени композитора прошел ставший традиционным концерт под открытым небом с большой программой песен в исполнении ведущих артистов Петербурга.

Андрей Павлович Петров Композиторы

Знаменитые песенные шлягеры Петрова из любимых советских кинофильмов были представлены в ярких вокально-драматических интерпретациях Мананы Гогитидзе, Олега Погудина, Эдуарда Хиля-младшего, Романа Дряблова, Елены Газаевой.

Манана Гогитидзе и Роман Дряблов захватили слушателей «Маршем гезов» из спектакля «Тиль Уленшпигель». 78‑летний Альберт Асадуллин (еще один герой сентября) покорил публику феноменальной свежестью и полетностью голоса, исполнив «Крылья в небе» из «Синей птицы».

Музыкальный театр детей Марины Ланда вокально-хореографически разыграл «Песенку солдата» из «Старой, старой сказки» под заразительный аккомпанемент инструментального ансамбля Александра Болдачева, славящегося своими элегантными аранжировками.

Мелодическая стихия песен Андрея Петрова, подаренных горожанам, идеально предвосхитила двадцатый композиторский конкурс его имени, напомнив о том, как важно сочинять музыку, которую захочется исполнять и слушать вновь и вновь.

Завоевывая репутацию одного из самых независимых состязаний, Открытый конкурс им. А. П. Петрова продолжает открывать новые таланты со всего мира, которым небезразлична судьба мелодии в крайне немелодичном XXI веке. А принципом отбора сочинений на конкурс, а также их дальнейшего продвижения по турам является полная анонимность участников, которая способна обеспечить честную игру и показать объективную картину жанра и состояние индустрии.

20-й Конкурс композиторов имени Андрея Петрова

Двадцатый конкурс композиторов получил 175 заявок на участие из четырнадцати стран мира. Одним из неожиданных результатов объективной анонимности стала 14‑летняя Шерил Гау из канадского Гамильтона, получившая диплом в номинации «Берег надежды» и ставшая самой юной участницей за всю историю конкурса.

Градус минорности, опустошенности и отчаянного стремления разорвать круг этих состояний витает в воздухе разных стран. На конкурсе появилась номинация, которой прежде не было, — «Новый взгляд на духовой оркестр». В состязании участвовал оркестр Военного учебно-научного центра ВМФ Военно-морской академии им. адмирала флота Советского Союза Н. Г. Кузнецова. Этот духовой оркестр, выступив от лица многих других духовых оркестров, дал понять проблему обновления и пополнения репертуара.

Лауреатом первой премии стал Эльмир Низамов, уже известный по участию в предыдущих конкурсах, представив на суд жюри свой опус «Нардуган». Вторая премия ушла Глебу Колчину за сочинение «Мирные марши», а третья и приз зрительских симпатий — Татьяне Астафьевой за сюиту «Алиса в Зазеркалье».

Разумным решением организаторов стало проведение сразу трех концертов финала в разных номинациях, причем итоги конкурсных прослушиваний подводились оперативно, тут же за время вторых отделений концертов, пока публика слушала музыку самого Андрея Петрова. Однако после объявления результатов по всем трем номинациям очень бы хотелось вновь услышать сочинения лауреатов на одном пусть и очень большом, но крайне важном со всех точек зрения концерте.

В самой главной номинации — «Симфоническая музыка» — лауреатом первой премии и специального приза Союза композиторов Санкт-Петербурга стала Лина Тониа (Греция) за опус Jupiter III, сделавшая данные космических аппаратов NASA «строительным материалом» своей «музыки будущего». Игорь Друх получил вторую премию за «Перламутровые сети» — Вибрации для фортепиано и симфонического оркестра, а третья досталась иранцу Хасану Рахими за ALBORZ.

Но интереснее всего было знакомиться с сочинениями, представленными в номинации «Берег надежды» для тех, кому до 25 лет. Именно здесь можно было услышать голоса нового поколения, их представления о том, какой может быть «современная музыка».

Пять сочинений удивляли еще и своими экстравагантными названиями, открыв программу балетом для струнного оркестра «Прощай, моя наложница», автором которого оказалась китаянка Линь Цзяцзе, получившая третью премию. Композитор эффектно использовала ресурс академических струнных европейского оркестра для того, чтобы передать тембральный колорит национальных инструментов с их щипковой природой и завораживающим «плывущим» звуком.

Вторая премия досталась Дмитрию Кузнецову за импульсивный, технически сложный Concerto brevis, в котором через разные эмоциональные состояния он переплавил узнаваемые стили, добавив под занавес псевдоцитат Рахманинова и Чайковского, намекнув на русскую духовность, без которой никуда.

Камерный оркестр Петербургской консерватории под управлением Аркадия Штейнлухта вызывал немалое восхищение своим неравнодушным отношением к новому материалу, а солистка Наталья Лисанова вновь показала себя за роялем невероятным виртуозом.

Лауреатом первой премии в этой молодежной номинации стал Тимофей Суслов за яркое театральное и даже кинематографичное сочинение — Арию немой служанки Servetta Muta, в которой чего только нельзя было не расслышать: от традиций бельканто до «Пульчинеллы» Стравинского и «Бразильской бахианы» Вилла-Лобоса.

Сопрано Марии Баканиной достались в изобилии сладостно-меланхоличные консонансы на итальянском, что не могло не добавить баллов этой музыке — слушатели отдали ей свои голоса в виде приза зрительских симпатий.

Владимир Дудин
Источник: «Санкт-Петербургские ведомости»

Режиссер Ксения Шостакович: «Фамилия и обязывает, и усложняет существование»

Tue, 22 Sep 2026 11:18:13 +0300

Постановкой Ксении Шостакович «Мадам Баттерфляй» главная сцена страны открыла свой 251-й сезон. О своем творчестве и роли великого композитора в нем режиссер рассказала «Культуре» накануне 120-летия со дня рождения Дмитрия Дмитриевича.

— Ксения, как юбилей Шостаковича отметят в Большом театре?

— Будут исполнены его главные сочинения, в том числе оперы «Леди Макбет», «Нос» в совершенно замечательной петербургской постановке. Руководитель и главный дирижер Большого театра маэстро Валерий Гергиев, как всегда, балует посетителей исчерпывающим репертуаром. А я буду ждать гастроли нашего «Носа»…

— Фамилия, как вы сами признаетесь, «и обязывает, и усложняет существование». Часто ли недоброжелатели списывают ваш успех именно на нее и как вы справляетесь с этим давлением?

— Мне как молодому режиссеру и тем более женщине-режиссеру приходится периодически сталкиваться со снисходительным к себе отношением и объяснением моего успеха чем угодно, но только не талантом. Это бывает не редко, я бы предпочла, чтобы меня судили не по фамилии, а по работе.

Многие из людей, пытающихся меня критиковать, даже не видели спектакль, только слышали знакомую фамилию. Меня это не задевает, я смеюсь. Я обожаю свою работу, живу ею, самоцели снискать славы нет, только добросовестно работать и проживать вместе со зрителями каждую оперу.

— Вы ставите «Нос» Шостаковича в Самарском театре. Эта опера написана 22-летним композитором, и вы сказали, что работаете со своим ровесником. Чувствуете ли вы, что сегодняшняя молодежь, для которой вы пытаетесь сделать оперу современной, способна понять иронию и абсурд молодого Шостаковича так же, как и публика 1930-х? Трудна ли музыка Шостаковича для понимания?

— Музыку Шостаковича нельзя назвать простой, но я уверена, что современной публике эта опера будет понятна и интересна. В ней есть и сквозное развитие, и очень образная звукопись, и много юмора, она яркая, а главное, очень театральная. Здесь мы как раз сталкиваемся с более гротескным театром: для меня это буквально подарок судьбы, так как такой стиль мне очень понятен, я точно знаю, как эту оперу решать.

Такой стиль работы я в шутку называю «Том и Джерри», так как принцип очень похож на мультик, в музыке что-то происходит, а значит, и в действии в этот момент параллельно что-то работает, двигается. Говорят, что у современной молодежи клиповое мышление: считаю, что это опера должна очень понравиться поколению «Тик-Тока». В нашем «Носе» постоянно что-то происходит, обилие действие и мизансцен, визуальных эффектов, скучать точно не придется.

Также поджанром непосредственно моего спектакля я бы назвала жанр ужасов: будем щекотать зрителю нервы. И здесь я не могу не отметить работу нашей команды: Юлиана Лайкова создала невероятное атмосферное пространство, Екатерина Зеленская работала над необычной пластикой героев, Денис Солнцев наколдовал невероятно красивый свет.

«Нос» Шостаковича — премьера в Самарской опере

— Предлагали ли вам когда-нибудь поставить что-то из Шостаковича именно из-за фамилии и как вы относитесь к таким предложениям?

— Не думаю, что идея поставить оперу Шостаковича в театре Шостаковича режиссером с фамилией Шостакович — случайность. Хотя художественный руководитель Евгений Хохлов видел мой спектакль «Мертвые души», и он ему очень понравился. Опять же, помимо Шостаковича в моей жизни регулярно появляется и Гоголь.

Моя, наверное, самая большая мечта — поставить оперу «Леди Макбет» Дмитрия Дмитриевича. Но пока я не чувствую в себе достаточно силы. Надеюсь, я когда-нибудь дорасту до этого материала как режиссер, ведь эта опера одна из моих любимых, она буквально режет ножом по сердцу, я чувствую, что смогла бы поставить ее хорошо.

— Расскажите о постановке «Мадам Баттерфляй», которой открылся сезон. Вы говорили, что ощущали боль героини и испытали катарсис в финале. Сложно ли было передать эти чувства зрителю, особенно в этой опере Пуччини, где музыка и так уже эмоционально насыщена?

— Поженить действие и музыку в опере Пуччини достаточно просто: само течение веризма (от итальянского vero — «истинный, правдивый», художественное и литературное течение, которое возникло в Италии во второй половине XIX века) предполагает максимальный реализм, правдивость, непосредственную связь психологии персонажей с происходящим в музыке.

Премьера «Мадам Баттерфляй» в Большом театре Опера и балет

Мне как музыканту музыка только помогала в сценическом воплощении образов. И самым приятным сюрпризом в работе с Баттерфляй было обнаружить в музыкальной драматургии прямое подтверждение моей концепции: Пуччини разделил музыку на земную, сопровождающую психологический монолог персонажа, и музыку более инфернального характера — я трактовала это как образы извне, образы духов древних предков Баттерфляй, существующих в потустороннем пространстве.

Дело оставалось за малым — найти правду на сцене, добиться от артистов слияния со своим персонажем. Мне хотелось, чтобы каждый из образов — Баттерфляй, Пинкертон, Судзуки, Шарплесс — получился многогранным, объемным, важно было пронести психологическую линию от начала и до конца с важными внутренними изменениями к финалу. В антракте и финале спектакля я видела плачущих в зрительном зале, что скрывать — у меня самой минимум дважды за спектакль глаза на мокром месте.

— Для пластического решения вы пригласили Нану Татишвили, которая работает в Японии в театре Тадаси Судзуки. С какими главными сложностями столкнулись оперные певцы, осваивая технику Судзуки, где движение и жест так же важны, как и голос?

— Я наблюдала работу Наны Татишвили с артистами миманса: каждую репетицию они начинали с часового тренинга, для балетных артистов это был совершенно новый опыт, пластическая концентрация совсем другого, не балетного рода. Движения чрезвычайно просты, даже статичны, и нам как представителям европейского сознания, привыкшим к экшену совсем другого рода на сцене, было непросто перестроиться, эта статика и сдержанность пластики имеет удивительный эффект. Японский минимализм в действии. Порой мне даже было сложно довериться Нане, мне хотелось вскочить и добавить еще сто движений, но как я ошибалась…

Финальный результат восхитил. Работа с вокалистами тоже была очень подробной, представители японского мира разительно отличались от американцев, сложно было поженить итальянскую эмоциональность и азиатскую статику движения, но нам это удалось.

— В вашей постановке появилась новая сюжетная линия — духи предков Чио-Чио-сан, которые появляются на сцене в экспозиции. Расскажите, как родилась эта идея, почему решились на мистическую линию?

— Начиная работать над спектаклем, я несколько раз прослушиваю оперу и пытаюсь прислушаться к своим внутренним ощущениям, чтобы найти подходящие ассоциации. Именно музыка подтолкнула меня к созданию новых образов: я слышу их в партитуре.

Художники подарили этим образам внешнее воплощение — Нана показала мне японскую книжку о многообразных японских духах, мы буквально выбрали реальные прообразы для них. Главным из них явился дух Ойва — призрак преданной мужем женщины, покончившей с собой и являвшейся предателю в каждом фонаре. Невероятное совпадение, именно поэтому призрак Баттерфляй появляется на сцене в свете фонаря.

Опера Пуччини «Мадам Баттерфляй» Оперы

— Вы говорили в интервью, что вам хочется, чтобы зритель и слушал, и смотрел оперу как кино. Что конкретно вы для этого делаете?

— В первую очередь мне важна правда на сцене. Оперные артисты привыкли работать на огромный зал, это крупные жесты, крупные эмоции. Мне важно было детализировать каждый взгляд и жест, а не рисовать крупными мазками — я всегда говорю артистам: представьте, что вас снимает камера, каждая мелочь важна.

Спектакль получился очень подробный, во многом даже бытовой, мне хотелось, чтобы зритель увидел эту историю не как гротескный комикс о Японии, а увидел настоящих людей в настоящей исторической драме. Мы отказались от гиперболизированного грима, от чрезмерной театральщины, которой так любят «украшать» эту оперу.

Была опасность разочаровать зрителя: те, кто ждал летающих бабочек, танца восточных фонариков, летящих журавликов, не получили желаемого. У нас на сцене только правда, только жизнь, приправленная мистической специей. Декорация статична, нет цветущий сакуры, наша Япония сурова и жестока, и в этом много честности и жизни — мы слишком долго ее изучали, чтобы скормить зрителю полуфабрикат европейского представления об азиатской «красивости».

— Спектакль отличается выразительным сценографическим решением: сухая сосна и ирисы на скале, круг — портал в иные миры…

— Мы со сценографом Альоной Пикаловой работаем вместе не первый раз и хорошо понимаем друг друга: именно она подтолкнула к сценографическому решению, можно сказать, поставила перед фактом: будет так и так, теперь живите в этом пространстве.

Вопрос, почему на сцене мертвая сосна, возникал у всех, в том числе и артистов. Мы призывали ни о чем не спрашивать, так как их задача жить на сцене, а сценография как раз эту жизнь определяет. Сосна — это будущий могильный камень, мрачное знамение: это и невозможность любви между главными героями, это и будущая трагедия в Нагасаки, а также сосна — это священное дерево в Японии, непосредственный атрибут каждого спектакля театра Но, одного из видов японского драмтеатра.

Также «работает» и каменная скала за домом — любовь Баттерфляй настолько сильна, что сквозь каменные глыбы прорвутся ирисы, и она срежет их, возложив цветы как жертву к ногам Пинкертона в черных кашпо-гробиках.

Дина Райдер
Источник: газета «Культура»

18-летний корейский пианист победил на конкурсе имени Энеску в Бухаресте

Mon, 21 Sep 2026 11:43:58 +0300

Южнокорейский 18-летний пианист Ли Чжон У (Jeongwoo Lee) одержал победу на 20-м Международном конкурсе имени Джордже Энеску.

Финал на сцене Атенеума

Финальный тур фортепианной секции состоялся в субботу, 19 сентября, на сцене румынского Атенеума в Бухаресте. В финале выступили три пианиста, все — представители Азии.

Ли Чжон У исполнил Концерт № 2 фа минор для фортепиано с оркестром Фридерика Шопена. Его соперниками были 24-летний Имин Го (Китай) с Третьим концертом Прокофьева и 25-летний Линь Пиньхун (Тайвань, Китай) со Вторым концертом Брамса.

Все три выступления транслировались в прямом эфире телеканала TVR.

Пять специальных наград

Помимо первой премии, Ли Чжон У собрал практически все специальные призы:

• Премию «Раду Лупу» (3 000 евро) — за лучшее исполнение произведения Джордже Энеску. В полуфинале пианист исполнил Сюиту № 2 ре мажор для фортепиано, соч. 10;
• Премию за лучшее исполнение обязательного произведения (2 000 евро) — за интерпретацию пьесы «Hammers and Tongs» Карима аль-Занда;
• Приз зрительских симпатий (1 000 евро);
• Премию «Playing for Tomorrow» (1 500 евро) от BRD — Groupe Société Générale;
• Премию École Cortot — сольный концерт в престижном зале «Зале Корто» в Париже в сезоне 2028/29, приуроченном к 100-летию зала.

Итоги конкурса

Вторую премию завоевал Имин Го из Китая, третью — Линь Пиньхун из Тайваня (Китай).

Жюри пианистов возглавляла Лилия Зильберштейн, в состав вошли также Нельсон Гёрнер, Рена Шерешевская, Мари-Анж Нгучи, Владимир Ашкенази, Дидье де Котиньи, Дана Боршан, Энтони Фогг и Ралука Штирбец.

О победителе

Ли Чжон У родился 23 января 2008 года в южнокорейском городе Соннам. В 12-летнем возрасте завоевал первую премию на Музыкальном конкурсе Ихва Кёнхян — одном из престижных юношеских состязаний Южной Кореи. В 2024 году, в возрасте 16 лет, одержал победу на Международном конкурсе пианистов в Эттлингене (Германия), став самым молодым победителем за всю его историю.

В настоящее время Ли Чжон У обучается в Новоанглийской консерватории в Бостоне (США) под руководством профессора Пэк Хесон.

О конкурсе

Международный конкурс имени Джордже Энеску был учреждён в 1958 году в честь румынского композитора и скрипача Джордже Энеску. Конкурс проводится раз в два года по четырём направлениям: композиция, виолончель, скрипка и фортепиано. Фортепианная секция завершила XX юбилейный конкурс, который в этом году собрал рекордные 819 заявок из 58 стран.

Энтони Хопкинс: как Ганнибал Лектор оказался композитором-романтиком

Mon, 21 Sep 2026 10:28:39 +0300

21 августа 2026 года мир узнал сэра Энтони Хопкинса с совершенно новой стороны. В возрасте 88 лет обладатель двух «Оскаров» и один из величайших актеров современности выпустил свой первый полноформатный альбом классической музыки — «Life Is a Dream» («Жизнь — это сон»). Пластинка вышла на легендарном лейбле Decca Classics, а за дирижерским пультом встал знаменитый Густаво Дудамель.

Это не прихоть знаменитости, решившей на старости лет попробовать себя в новом амплуа. Музыка была первой любовью Хопкинса задолго до того, как он стал актером.

«Музыка была моим первым желанием, моим первым желанием, — говорит он. — Я сочиняю музыку всю свою жизнь. Некоторые из этих пьес живут со мной десятилетиями, и я до сих пор к ним возвращаюсь».

Мальчик из Уэльса, который хотел стать музыкантом

Энтони Хопкинс родился в 1937 году в Порт-Талботе, Уэльс. Он начал играть на фортепиано в четыре года и уже через несколько лет исполнял Бетховена и Шопена. В шесть лет он импровизировал, а в подростковом возрасте сочинял музыку для местных театральных постановок.

Энтони Хопкинс Актёры

Но путь в музыку оказался непростым. «У меня не было ни навыков музыканта, ни терпения к теории, — признается Хопкинс. — Так что технических знаний у меня нет».

В 1955 году, в возрасте 17 лет, он отправился в Кардифф, чтобы попробовать поступить в Колледж музыки и драмы — но как актер. «Я подумал: если я смогу поступить как актер, может, я смогу пробраться в музыкальное отделение и стать музыкантом». Его приняли, дали стипендию — и он стал актером.

Музыка, однако, никуда не ушла. В 1963 году, работая молодым актером в Ливерпульском театре, Хопкинс каждое утро перед репетициями садился за расстроенное пианино за кулисами и импровизировал. Так родилась мелодия «Bracken Road» — ностальгический портрет улиц, лугов и гор Маргама, южного Уэльса, где прошло его детство.

60 лет в ящике стола

«Life Is a Dream» — это не сборник песен, записанных за пару месяцев. Двенадцать композиций альбома создавались на протяжении более чем шести десятилетий. Некоторые из них родились в 1960-х, другие — совсем недавно.

«1947: Сюита для фортепиано с оркестром» — дань памяти послевоенному детству. Вторая часть, «Bracken Road», вдохновлена походами с отцом в кинотеатр «Плаза» и звуками оркестра Гарри Джеймса и Фрэнка Синатры, которые заполняли послевоенную Британию. Оркестровка отсылает к медленной части Первой симфонии Элгара — с парящими струнными, приглушенной трубой, кларнетом и солирующим фортепиано.

«My Fatherland» («Моя родина») — признание в любви Уэльсу. «Я сын своего отца, пекаря», — говорит Хопкинс, подчеркивая свое скромное происхождение. Пьеса построена на традиционных валлийских мелодиях, четыре из которых исполняются на валлийском языке.

«Stella Aria» и «Farewell My Love» посвящены жене Хопкинса, Стелле Арройаве, с которой он вместе уже более 23 лет. «Tara» написана для племянницы.

Открывающая альбом «Fanfare and March» — мощная, кинематографичная пьеса с доминирующими медными духовыми. Сам Хопкинс связывает ее с воспоминаниями о кинотеатре детства: «Фанфары обладают такой силой, что они сформировали меня».

«Я пишу из чистой радости быть живым»

Запись альбома проходила в апреле 2026 года в лондонском Александра-Паласе. Густаво Дудамель, тогда еще музыкальный директор Лос-Анджелесского филармонического оркестра, согласился встать за пульт.

«Меня привлекла подлинность этой музыки, — говорит Дудамель. — Энтони пишет без притворства и следует своему художественному инстинкту. Когда я изучал его партитуры, я не думал о том, что они написаны одним из величайших актеров мира. Я просто откликался на саму музыку. В ней есть тепло, воображение и очень личный голос».

В записи приняли участие Филармонический оркестр, Баховский хор (отмечающий в 2026 году свое 150-летие), хористы Винчестерского собора, венесуэльский виолончелист Грегорио Ньето и аргентинский пианист Серхио Тьемпо.

Хопкинс называет свой подход к композиции инстинктивным. «Поскольку я так и не понял до конца технику музыки или ее теорию, я свободен», — говорит он. И добавляет: «Я пишу из чистой радости быть живым».

Реакция критиков: «Музыка эта действительно хороша»

Критики встретили альбом с удивлением и, в большинстве своем, с искренним восхищением.

The Guardian отметил «легкость, гармоничность и едва заметную ностальгичность композиций, в которых мелодика 1940-х и 1960-х выступает наравне с современным ритмом».

Обозреватель The Times Клайв Пэджет написал: «История музыки полна свидетельств голливудского тщеславия... Поэтому вполне естественно скептически приподнять бровь, узнав, что сэр Энтони Хопкинс выпускает альбом. И все же вы глубоко заблуждаетесь. В этой музыке есть нечто удивительно светлое и жизнеутверждающее... О проекте легко было бы отозваться снисходительно, если бы не тот факт, что музыка эта действительно хороша».

Коммерсантъ был более сдержан: «Композиторские творения Энтони Хопкинса именно таковы — трогательная мелодика и неумелая робость гармонического воображения». Но даже в этой критике слышится признание искренности: музыка Хопкинса не претендует на авангардные открытия — она просто хочет быть услышанной.

Не Бетховен, но...

Сам Хопкинс относится к своему композиторскому дебюту с обезоруживающей скромностью. «Я не Бетховен», — говорит он. Он признается, что читал книги о Бетховене, но вдохновлялся больше французским композитором Лео Делибом.

А когда режиссер Джордж Фентон услышал его импровизации и предложил написать музыку к фильму «Август» (1996), Хопкинс сначала отнекивался: «Нет, нет, нет». Фентон настаивал: «Просто сделай это, потому что ты музыкант». «Я музыкант? — удивился Хопкинс. — Да. И я написал всю музыку для этого фильма».

В 2012 году Хопкинс уже получил Classic Brit Award за заглавный трек к альбому Андре Рьё «And the Waltz Goes On». В 2025 году его музыка впервые прозвучала на концерте в Саудовской Аравии в исполнении Королевского филармонического оркестра.

Жизнь как сон

Название альбома отсылает к пьесе Кальдерона «Жизнь есть сон» — но для Хопкинса это не философская абстракция, а личное credo. «Вся моя жизнь — сон. Подписание контракта с Decca — честь всей моей жизни», — говорит он.

В 88 лет Хопкинс не собирается останавливаться. «У меня в голове все еще жужжат музыкальные идеи, как пчелы, — говорит он. — Я просто не могу дождаться, когда снова начну. Я не хочу уходить на пенсию. Я просыпаюсь утром и думаю: "Что ж, я все еще здесь. Давай просто хорошо проведем день"».

Его музыка — это не попытка доказать что-то миру. Это скорее подведение итогов, ностальгическая ретроспектива, в которой семья, Уэльс, послевоенное детство и любовь сплетаются в единое звуковое полотно. И, возможно, именно поэтому она находит отклик: за нотами слышен голос человека, который прожил долгую жизнь и нашел в ней главное — радость быть живым.

Премьера «Корсара» в Екатеринбурге — новая версия классики

Mon, 21 Sep 2026 09:53:56 +0300

В Екатеринбурге 17 сентября 2026 года состоялась мировая премьера балета «Корсар» — этой постановкой театр «Урал Опера Балет» открыл свой 115-й юбилейный сезон. Спектакль стал не очередной редакцией классики, а полностью новой авторской версией: театр заказал оригинальную музыку и написал собственный сценарий, перенеся действие в современность.

От классики к ремейку: новая жизнь «Корсара»

Балет «Корсар» ведёт свою историю от парижской премьеры 1856 года, поставленной по мотивам одноимённой поэмы Джорджа Байрона. Однако за 170 лет произведение утратило связный сюжет: канонической версии не существует, и в каждом театре «Корсар» превращался в набор танцевальных номеров на музыку разных композиторов.

«Урал Опера Балет» выбрал путь ремейка: команда вернулась к сюжетной канве XIX века, но рассказала её современным сценическим языком. Главная цель, по словам хореографа Константина Хлебникова, — «убрать пафос и восстановить логику», очистив историю от лишних наслоений и сделав её внятной и последовательной.

Создатели спектакля

Над постановкой работала большая творческая команда:

· Композитор — Дмитрий Мазуров, автор «Синей бороды» из «Сказок Перро»; партитура написана по заказу театра.
· Хореограф — Константин Хлебников, для которого «Корсар» стал первой крупной самостоятельной постановкой.
· Режиссёр — Максим Соколов, специально приглашённый в театр.
· Дирижёр-постановщик — Павел Клиничев, дирижёр Большого театра России.
· Сценография — Анастасия Юдина; костюмы — Елена Трубецкова; свет — Константин Бинкин.

Современный порт вместо «сказочного Востока»

Постановщики решительно отошли от традиционного образа «условного Востока». Действие перенесено в современный порт с контейнеровозами, а визуальный ряд лишён «мишуры и пафосных красивостей».

Сюжетная основа сохранена: смелые герои, похищения, любовь, предательство и кораблекрушение. При этом введён новый персонаж — Мать Сеида-паши, «пешеходная партия» без танца, которая помогает понять мотивацию героя.

Важная деталь: в спектакль бережно инкрустированы четыре канонических танцевальных ансамбля XIX века, включая знаменитый «Оживлённый сад». Их восстановили легендарные балетмейстеры Наталья Большакова и Вадим Гуляев.

Даты премьерных показов

Первый показ состоялся 17 сентября, а официальная премьера прошла 18 сентября. Премьерная серия продолжилась 19, 20, 25 и 26 сентября, а затем спектакль вернётся 27, 28 и 29 ноября. Билеты на сентябрьские показы были практически раскуплены ещё до премьеры.

Первые отзывы

Зрители, уже увидевшие спектакль, называют екатеринбургский «Корсар» самым оптимистичным из всех известных версий: здесь даже Конрад не убивает вероломного друга, а Медора предстаёт сильной и мужественной героиней. Современные сценографические решения — инсталляции и видеопроекции — создают ощущение, что «море плещется прямо на сцене».

Новый «Корсар» в Екатеринбурге — это смелый эксперимент, в котором классическая основа соединилась с современным театральным языком, а бережное отношение к историческому наследию — с готовностью к радикальному обновлению.

В юбилейном сезоне театр также готовит премьеру оперы Чайковского «Чародейка» (30 октября).

«Кармина Бурана» в Аспендосе: 250 артистов, 2000 лет истории и 22-летний дирижёр

Mon, 21 Sep 2026 09:27:21 +0300

20 сентября 2026 года в античном театре Аспендоса состоялось одно из самых масштабных событий 33-го Международного фестиваля оперы и балета — сценическая кантата Карла Орфа «Кармина Бурана». Вчерашний показ стал центральным в программе фестиваля и собрал около 250 артистов на одной сцене.

ЗА ПУЛЬТОМ — 22-ЛЕТНИЙ ДИРИЖЁР

Главной интригой вечера стало имя за дирижёрским пультом. Немецко-турецкий дирижёр Максимилиан Джем Хабершток, которому всего 22 года, руководил оркестром Государственной оперы и балета Антальи, хором, детским хором, солистами и балетной труппой.

Хабершток — основатель и главный дирижёр Мюнхенского фестивального оркестра (ранее Мюнхенский юношеский филармонический оркестр), в состав которого входят 97 молодых музыкантов из 32 стран. Он выступал на таких площадках, как Моцартеум в Зальцбурге, Сметана-холл в Праге и Альте Опер во Франкфурте.

Для самого дирижёра выступление в Аспендосе имеет глубоко личное значение. Его мать родом из Стамбула, а отец — немец.

«Я родился и вырос в Мюнхене. Карл Орф — также важная фигура в культурной истории Мюнхена. Рукописи, вдохновившие „Кармина Бурану“, были найдены в аббатстве Бенедиктбойерн недалеко от Мюнхена. С другой стороны, моя мать из Стамбула, и Турция была естественной частью моей жизни с детства. Теперь дирижировать этим произведением, которое так сильно связано с Мюнхеном, в Турции и в таком необычном месте, как Аспендос, означает, что эти две стороны моей жизни соединяются очень красивым и естественным образом».

Фестиваль оперного и балетного искусства в Аспендосе Фестивали, конкурсы, премии

АНТИЧНЫЙ ТЕАТР КАК ЧАСТЬ СПЕКТАКЛЯ

Аспендосский античный театр, построенный почти 2000 лет назад, обладает уникальной акустикой и атмосферой, которые, по словам Хаберштока, добавляют спектаклю дополнительное измерение.

«В театре, подобном Аспендосу, с историей почти 2000 лет, вы неизбежно ощущаете концепцию времени по-другому. Тексты „Кармина Бураны“ также касаются очень фундаментальных и по сути вневременных аспектов человеческой жизни: судьбы, любви, желания, счастья, потери и постоянной изменчивости жизни. Возвращение этих текстов к жизни в таком древнем окружении создаёт, на мой взгляд, очень естественную и сильную связь между произведением и местом».

Дирижёр отметил, что главной сложностью для него было «контролировать мощную энергию „Кармина Бураны“, сохраняя при этом детали, краски и драматургическую структуру музыки».

250 АРТИСТОВ НА ОДНОЙ СЦЕНЕ

Постановка, осуществлённая Государственной оперой и балетом Антальи, объединила оркестр под управлением Хаберштока, хор под руководством Махира Сейрека, детский хор под руководством Сины Эмине Улусой, солистов и балетных артистов. Всего в спектакле участвовало около 250 человек.

В первом составе солистов выступили сопрано Нурдан Кючюкекмекчи, тенор Эрдем Эрдоган и баритон Тугрул Энвер Тёре. Во втором представлении, которое состоится сегодня, 21 сентября, тенора заменит Дагхан Эргюн.

Режиссёром-постановщиком выступил А. Волкан Эрсой, декорации создал Ферхат Каракая, костюмы — Олджай Энгин Каймаз, свет — Мустафа Эски.

ИСТОРИЯ И СМЫСЛ ПРОИЗВЕДЕНИЯ

«Кармина Бурана» — сценическая кантата Карла Орфа, созданная на основе около 200 стихов и песен, найденных в монастыре недалеко от Мюнхена. Это первая часть трилогии «Trionfi» («Триумфы»). Произведение исследует переменчивость человеческой судьбы, любовь, природу и рок через мощные хоровые пассажи, яркие ритмы и динамичную сценическую постановку.

Кантата, премьера которой состоялась в 1937 году, считается одним из самых зрелищных произведений мирового репертуара благодаря сочетанию музыки, танца и сценического искусства.

Карл Орф. «Кармина Бурана» Оперы

ФЕСТИВАЛЬ И ЕГО КОНТЕКСТ

33-й Международный фестиваль оперы и балета в Аспендосе проходит с 12 по 26 сентября 2026 года. В программе — четыре крупные постановки: опера «Аттила» Верди (открытие, 12 сентября), балет «Анна Каренина» (15 сентября), «Кармина Бурана» (19 и 21 сентября) и балет «Спартак» Хачатуряна в исполнении Казахского национального театра оперы и балета имени Абая (25—26 сентября). Все спектакли начинаются в 21:00.

Фестиваль является членом Европейской ассоциации фестивалей (EFA).

РЕАКЦИЯ ПУБЛИКИ

Турецкие СМИ сообщают, что зрители смотрели представление «затаив дыхание», а мощный финал был встречен с восторгом. «Кармина Бурана» стала одним из самых ярких событий фестиваля: музыка, танец и сценическое искусство слились воедино в исторической атмосфере Аспендоса, превратив древний театр в гигантскую сцену.

Сегодня, 21 сентября, состоится второе и последнее представление «Кармина Бураны» на этом фестивале.

Актер Максим Матвеев спел в «Трехгрошовой опере»

Fri, 18 Sep 2026 23:16:46 +0300

Почему нужно идти в Театр Пушкина на «Оперу нищих» с Матвеевым в главной роли

Театр им. Пушкина выпустил безусловный хит — музыкальный спектакль «Оперу нищих» по культовой «Трехгрошовой опере» Бертольда Брехта.

Режиссер — худрук театра Евгений Писарев. В музыкальном жанре он чувствует себя прекрасно: достаточно вспомнить мюзикл «Шахматы» в его постановке, оперу «Адриана Лекуврёр» в Большом театре или «Почтальона из Лонжюмо» в Новой опере.

Главная приглашенная звезда нового спектакля — Максим Матвеев, один из самых снимаемых актеров десятилетия, исполнитель главных ролей в «Триггере», «Союзе спасения», «Стилягах», «Бесах».

На театральную сцену он не выходил почти шесть лет. И чтобы уверенно спеть партию разбойника с большой дороги Макхита, по кличке Мэкки-Нож, в течение года ему пришлось брать уроки вокала.

Как признается актер, он не пел со времен учебы в Школе-студии МХАТ. Но первый немецкий мюзикл как раз и задумывался для исполнения именно не профессиональными певцами, а немного поющими драматическими артистами.

Спектакль предваряет краткое видеопогружение в историю. Впервые «Трехгрошовая опера» увидела свет в 1930 году через два года после постановки в Берлине. Перед зрителями на экране — кирпичной стене заброшенного метродепо — мелькают оживленные искусственным интеллектом сцены спектакля «Опера нищих» Александра Таирова. Брехт лично передал Таирову текст и нотную партитуру.

«Трёхгрошовая опера» Оперы

Напомним, его Камерный театр с 1914 по 1949 год существовал на месте Театра им. Пушкина. Название «Опера нищих» тоже придумал Таиров. А Евгений Писарев старается не забывать о корнях «пушкинцев».

История театра XX века знает немного триумфов, подобных тому, который выпал на долю «Трехгрошовой оперы».

Это одно из самых любимых названий у режиссеров всего мира: в России достаточно вспомнить спектакль Валентина Плучека с Андреем Мироновым в главной роли, постановку Игоря Владимирова с Михаилом Боярским в роли Мэкки-Ножа, а на Бродвее Брехт до сих пор не сходит с афиш.

Писарев признается: обилие постановок не упрощало задачу — очень не хотелось повторяться. И тогда режиссер решил вернуть пьесе дерзкое оригинальное звучание самой первой версии спектакля. У Писарева сильная труппа, а потому он сделал ставку на звезду среди звезд.

В глубине сцены — живой оркестр, играющий нахальные джазовые мелодии. На сцене — взрывоопасный набор героев. Старик Пичем (Александр Матросов), бизнесмен в современном понимании, основатель артели «Нищета и доброта», раздающий лицензии попрошайкам на работу. Он вечно попрекает своих подопечных: «С таким-то животом нельзя стоять на паперти с табличкой «Накормите голодного», надо говорить: «Я пухну от голода».

В арсенале его артели — сотни способов разжалобить прохожих: ведь по мнению Пичема, в человеке жалости и доброты ни на грош. А еще в его каморке — десятки фальшивых протезов рук и ног и затертых до дыр пиджаков, которые он дает напрокат профессиональным попрошайкам.

Его жена Селия, алкоголичка, экзальтированная особа с вечно трясущимися руками (Анастасия Лебедева) периодически обновляет бизнес-стратегию. Так как пьесу перевели заново — автор инсценировки Сергей Плотов, — то в спектакле появляются рассуждения на злобу дня, например, об охватах новой целевой аудитории: «От побьют до подадут — всего один шаг».

Парочка прекрасно знает человеческую природу — повсеместная брезгливость и отвращение к непохожим.

Их единственная дочь Полли (Елизавета Кононова) влюбляется, но в кого — в убийцу и вора Макхита. Упрятать его в тюрьму, а лучше отправить на виселицу — новая бизнес-стратегия семейки Пичем.

В обаятельного плохиша Мэкки (Матвеев подтверждает это всей своей актерской фактурой) влюблены все куртизанки лондонского Сохо. Но больше всех по нему страдает Дженни-Ягодка (Александра Урсуляк) — томная дама с выбеленным лицом, покуривающая трубку.

Предприимчивые Пичемы объявляют вознаграждение за поимку Мэкки-Ножа. И только Дженни мучает совесть: как поступить — сдать любовника полиции и заработать или мучиться очередным приступом ревности, что Мэкки никогда не будет с ней. «Блажен, кто не любил ни дня», — поет повидавшая многое Дженни. Первое решение для нее самое правильное — а разве может быть по-другому: Дженни просто слишком много раз предавали.

За внешней водевильностью, гротеском, игривостью и юмором «Оперы нищих» — невероятная глубина.

Брехт и Писарев напоминают: не люди такие, — среда, а зло в мире неистребимо. «Весь мир — бардак», — поют герои, чья нищета не в карманах, а в душе.

Все продается и предается — увы, это по-прежнему актуальная аксиома бытия. Неужели главарь банды головорезов Мэкки-Нож — вор и убийца, которого лично покрывает шеф лондонской полиции Браун (Антон Феоктистов), с которым они вместе служили, — больший преступник, чем другие? Неужели только он заслуживает казни?

В «Трехгрошовой опере» нет ни одного положительного героя. Но создатели новой постановки не морализируют и не предлагают бороться со злом, а призывают хотя бы не стать его соучастником.

Наталья Соколова
Источник: «Российская газета»

Оперу «Леди Макбет Мценского уезда» покажут в Большом театре

Fri, 18 Sep 2026 22:32:11 +0300

К 120-летию со дня рождения Дмитрия Шостаковича: опера «Леди Макбет Мценского уезда» в постановке Мариинского театра будет представлена на Исторической сцене Большого.

20 и 21 сентября на Исторической сцене Большого театра состоятся показы оперы «Леди Макбет Мценского уезда» в постановке Ирины Молостовой и Георгия Цыпина. Спектакли пройдут при участии солистов Мариинского театра, Объединённого симфонического оркестра Большого и Мариинского театров и хора Большого театра. Показы первой редакции знаменитой оперы Дмитрия Шостаковича станут частью программы празднования 120-летия композитора, широко отмечаемого в этом году.

Музыкальный руководитель и дирижёр постановки — Валерий Гергиев.

«Леди Макбет Мценского уезда» — одна из самых проникновенных и шокирующих опер XX века, которая сегодня воспринимается как последний шедевр советского авангарда. Дмитрий Шостакович, много лет тапером сопровождавший немые фильмы, отлично чувствовал нерв и темп драмы. В его оперном «триллере» напряжение то нагнетается исподволь, то взрывается истошными кульминациями: автор «крупным планом» воспроизводит в музыке сцены нежности и жестокости, суеты отчаяния и бесчувственности на краю гибели.

Опера Шостаковича «Леди Макбет Мценского уезда» Оперы

В опере двадцатипятилетнего Шостаковича главная героиня — гордая и сильная молодая женщина, безоглядная в страсти и бесстрашная в бунте. Композитор встаёт на её защиту и последовательно разоблачает её окружение. Катерина — единственный персонаж оперы, который глубоко и по-настоящему чувствует; совершив преступление, она испытывает муки совести. Композитор определил жанр своего сочинения как трагедию-сатиру — феномен, объединивший гуманизм, гротеск, лирику и боль.

Мировая премьера оперы состоялась практически одновременно в двух городах: 22 января 1934 года в ленинградском Малом оперном театре, а двумя днями позже — в московском Музыкальном театре имени Немировича-Данченко. Спустя всего несколько месяцев о партитуре Шостаковича заговорил весь мир. Но вскоре после триумфа была опубликована разгромная статья в газете «Правда», вслед за которой развернулась масштабная травля композитора.

Вернуться на сцену сочинение смогло в новой редакции, под названием «Катерина Измайлова»: в 1962 году она была представлена в Музыкальном театре имени Станиславского и Немировича-Данченко и под этим именем обошла десятки сцен СССР и мира.

Мариинский театр осуществил постановки обеих редакций: по инициативе и под музыкальным руководством Валерия Гергиева 20 мая 1995 года состоялась премьера «Катерины Измайловой», а 21 июня 1996 года — «Леди Макбет Мценского уезда».

Сегодня в Мариинском театре звучит первая, оригинальная редакция, созданная Шостаковичем в 1932 году. Именно она будет исполнена на Исторической сцене Большого.

Опера «Ромео и Джульетта»: премьера в МАМТе

Fri, 18 Sep 2026 22:09:13 +0300

27, 28 и 29 ноября 2026 года на Основной сцене Московского академического музыкального театра имени К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко состоится премьера — опера Шарля Гуно «Ромео и Джульетта» в постановке Тимура Зангиева и Алексея Смирнова.

МАМТ впервые обращается к опере Гуно «Ромео и Джульетта». Премьера продолжит богатую историю шекспировских постановок театра.

Опера была написана в 1867 году на либретто Жюля Барбье и Мишеля Карре и стала одним из самых известных музыкальных прочтений трагедии Шекспира. В центре произведения — внезапно вспыхнувшее чувство, противостоящее унаследованной вражде двух семей. Основу партитуры составляют четыре развернутых дуэта Ромео и Джульетты — от первой встречи и робкого узнавания до трагического прощания.

Опера Шарля Гуно «Ромео и Джульетта» Оперы

Режиссер Алексей Смирнов сохраняет исторический и литературный контекст, но помещает героев в современную Верону — город, где история Ромео и Джульетты давно стала частью повседневности, туристической культуры и коллективной памяти. Постановка исследует, как великий художественный сюжет проходит сквозь века, распадается на цитаты и образы, но при этом не утрачивает эмоциональной силы.

«Со временем история Ромео и Джульетты рассыпается на цитаты, сувениры и ритуалы туристического мифа, но не исчезает, а обретает форму современного паломничества. Для нас это возможность исследовать преломление классического текста в сегодняшней культуре и понять природу постоянного возвращения к нему как к образу чистой любви, потребность в которой сохраняется вопреки исторической дистанции и повседневному скепсису», — говорит режиссер-постановщик Алексей Смирнов.

В сценографии Анвара Гумарова условные очертания старого города соединяются с укрупненными образами туристической Вероны — сувенирами, открытками и узнаваемыми городскими символами. Костюмы Марии Лукка не воспроизводят эпоху буквально, а свободно переосмысливают силуэты Возрождения. Герои предстают хранителями веронского мифа, вновь и вновь проживающими свою историю в пространстве современного города.

В столкновении времен постановочная команда стремится сохранить главное — хрупкое, стремительное и азартное чувство двух молодых людей, для которых любовь становится единственно возможной реальностью. Драматургия спектакля строится на резком переходе от легкости первой части — встречи, признания и тайного венчания — к трагическим событиям второй.

Музыкальный руководитель постановки Тимур Зангиев — дирижер МАМТ, заслуженный артист Республики Северная Осетия — Алания, главный приглашенный дирижер Михайловского театра. Он сотрудничает с Большим и Мариинским театрами, театром «Ла Скала», Метрополитен-оперой, Венской и Баварской государственными операми и другими ведущими музыкальными театрами мира. В МАМТ под его руководством были поставлены оперы «Похождения повесы», «Орфей и Эвридика», «Фрау Шиндлер» и «Русалка», а также ряд балетных спектаклей.

Режиссер-постановщик Алексей Смирнов — выпускник ГИТИС, победитель Конкурса молодых режиссеров Мариинского театра и лауреат конкурса «Нано-опера». Его спектакли представлены в Мариинском театре, Новосибирском театре оперы и балета, Электротеатре Станиславский, Азербайджанском театре оперы и балета, Казахском национальном театре оперы и балета имени Абая и на других сценах. С 2022 по 2025 год занимал должность главного режиссера Астраханского театра оперы и балета. Его постановки неоднократно выдвигались на соискание Российской национальной театральной премии «Золотая маска».

3-й фестиваль «Гений места»: Шостакович

Fri, 18 Sep 2026 21:55:44 +0300

III Фестиваль «Гений места» торжественно завершится празднованием 120-летия со дня рождения Дмитрия Шостаковича

24 сентября в Санкт-Петербурге, на родине Дмитрия Дмитриевича Шостаковича, открывается заключительный этап масштабного фестиваля музыкальных приношений «Гений места». Чествование композитора в год 120-летия со дня его рождения станет торжественным завершающим аккордом третьего сезона фестиваля, в рамках которого Валерий Гергиев и ведущие музыкальные силы страны выступают на родинах выдающихся русских композиторов с их сочинениями. Мероприятия проходят при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, Министерства культуры РФ и ФГБУК РОСКОНЦЕРТ.

24 сентября в 21:00 в Концертном зале Мариинского театра пройдет первое событие петербургского этапа фестиваля «Гений места». Его откроет знаковое сочинение для всех жителей города на Неве — оглушающая в своей пронзительности Седьмая («Ленинградская») симфония Шостаковича. За пультом Симфонического оркестра Мариинского театра — Валерий Гергиев.

В день рождения выдающегося композитора, 25 сентября, в 19:00 в Концертном зале его сочинения представят блистательные петербургские инструменталисты Илья Папоян (фортепиано), Антон Козьмин (скрипка), Екатерина Грибанова (скрипка), Юрий Афонькин (альт) и Олег Сендецкий (виолончель). В программе: Фортепианный квинтет и Фортепианное трио № 2 Шостаковича.

28 сентября в 20:00 гостей Мариинского-2 ждет спектакль-концерт «Шекспир. Шостакович. Гамлет» в исполнении Симфонического оркестра Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева. Партию чтеца исполнит народный артист России Евгений Миронов. Самая знаменитая пьеса мировой драматургии будет воплощена на сцене через синтез слова Шекспира и музыки Шостаковича. Выдающийся композитор неоднократно обращался к шекспировским произведениям, в том числе и к «Гамлету»: прозвучат его композиции из одноименного фильма 1964 года и из спектакля Николая Акимова, поставленного в Театре им. Вахтангова в 1932 году.

Завершится третий сезон масштабного фестиваля 30 сентября в 19:00. На новой сцене будет дано одно из самых трудных, загадочных и талантливых сочинений XX века — фантасмагорическая опера Шостаковича «Нос», являющаяся репертуарной редкостью. В Мариинском театре она идет в блестящей постановке Юрия Александрова, отмеченной Высшей театральной премией Санкт-Петербурга «Золотой софит». За час до начала спектакля в фойе Стравинского состоится лекция музыковеда Анны Петровой «Водим за „Нос“».

Старт III Фестивалю музыкальных приношений «Гений места» был дан 20 марта в Великом Новгороде, на родине Сергея Васильевича Рахманинова, далее выступления Валерия Гергиева, артистов Мариинского и Большого театров с огромным успехом состоялись в Пскове, на родине Модеста Петровича Мусоргского, в Тихвине, на родине Николая Андреевича Римского-Корсакова, в Воткинске, на родине Петра Ильича Чайковского, в Смоленске, на родине Михаила Ивановича Глинки, и в Ораниенбауме, на родине Игоря Федоровича Стравинского.

Третий сезон фестиваля стал рекордным по географии, охватив семь великих имен и семь городов России.

Пресс-служба Мариинского театра

Балет «Пламя Парижа» представит Большой театр в Мариинском

Wed, 16 Sep 2026 15:27:29 +0300

27 сентября в 15:00 и 20:00 в Мариинском-2 пройдут первые в новом сезоне гастроли балетной труппы Большого театра России. В этот раз коллектив покажет один из самых масштабных и зрелищных спектаклей своего репертуара — балет Бориса Асафьева «Пламя Парижа». Главные партии исполнят яркие имена столичной сцены: в дневном спектакле — Элеонора Севенард, Филиппо Фердинандо Пагани, Ратмир Джумалиев, Денис Захаров, Дарья Хохлова, Маюко Фудзии, Максим Иванов, в вечернем — Елизавета Кокорева, Павел Смирнов, Алексей Путинцев, Артём Овчаренко, Анастасия Сташкевич, Мария Виноградова, Дмитрий Выскубенко. За дирижерским пультом — Павел Сорокин.

В начале 1930-х годов Борис Асафьев, выдающийся теоретик и композитор, начал работу над балетом о Великой французской революции — в основу сценария лег сюжет исторического романа Феликса Гра «Марсельцы». Асафьев избрал творческим методом реконструкцию музыкального наследия Франции XVII–XVIII веков, цитируя ряд композиторов той эпохи и самые знаменитые песни, звучавшие на улицах революционного Парижа. Композитор определил жанр балета как «музыкально-исторический роман».

Асафьев. Балет «Пламя Парижа» Балеты

«Я смотрел на эту музыку глазами историка: не отдельные произведения, не индивидуальные достижения того или иного композитора интересовали меня, а музыкальное творчество великой эпохи во всем богатстве его содержания как исторический документ и как живая, убедительно-страстная, эмоциональная речь, доносящая до нас героический пафос, величие скорби и бурную радость народного ликования», — отмечал Борис Асафьев.

Автором хореографии выступил молодой балетмейстер Василий Вайнонен, уже заявивший о себе как о талантливом постановщике. Перед ним стояла трудная задача — воплотить в танце народно-героическую эпопею, но он справился с ней блестяще. Главным действующим лицом спектакля впервые в истории советского балета стал народ — средствами массового танца были решены все кульминационные эпизоды, а характерный танец органично переплетался с академизмом классической хореографии.

Премьера балета «Пламя Парижа» («Триумф республики») состоялась в ноябре 1932 года в Ленинградском государственном театре оперы и балета (Мариинский театр) и была приурочена к торжественной дате — 15-летию Октябрьской революции. Спектакль на революционную тему был близок советскому зрителю и потому имел огромный успех, войдя в историю как одно из самых ярких произведений балетного театра первой половины XX века.

6 июля 1933 года Вайнонен осуществил московскую премьеру спектакля на сцене Большого театра. «Пламя Парижа» долгие годы триумфально шло на сценах обеих столиц, а в 50-х балет был поставлен в Свердловске, Перми, Будапеште, Братиславе, Праге, Лейпциге и ряде других городов Европы. В 1960-е годы балет «Пламя Парижа» начал постепенно исчезать с театральных подмостков и целиком не дошел до наших дней. Сохранились лишь отдельные фрагменты, вошедшие в фильм «Мастера русского балета» и украшающие сцены балетных конкурсов и концертной эстрады.

Балет Большого театра Театральные труппы

В 2008 году было принято решение вернуть легендарный балет на московские афиши. Сценическая версия Большого театра России создана на основе хореографии Василия Вайнонена. В ткань спектакля вошли поставленные советским балетмейстером танец басков, па-де де Мирей и Антуана Мистраля, фарандола, две карманьолы и знаменитое па-де де Жанны и Филиппа.

Артистам Большого помогали вспоминать «Пламя Парижа» те, кто не понаслышке знал этот балет, — ветераны Большого. А то, что не сохранилось, было воссоздано в стиле утраченного оригинала. Сюжет же, согласно требованиям времени, претерпел некоторые изменения. «Пламя Парижа» в XXI веке — это размышление о единстве людей перед лицом великих испытаний, это калейдоскоп личных судеб, которые становятся частью грандиозных исторических событий.

Так получился выразительный, динамичный, эмоционально насыщенный спектакль, требующий от исполнителей не только безупречной техники, но и яркого актерского дарования, позволяющего раскрыть характеры персонажей. Даже спустя 18 лет после премьеры «Пламя Парижа» с его триумфальными сражениями и горькими потерями, надеждами и разочарованиями, любовью и верой в светлое будущее остается одной из самых эффектных постановок в репертуаре Большого театра, неизменно вызывая восхищение у публики.

Пресс-служба Мариинского театра

Открытие нового сезона Петербургской филармонии

Wed, 16 Sep 2026 13:34:03 +0300

Петербургская филармония открывает концертный сезон в день рождения Дмитрия Шостаковича — композитора, чье имя с гордостью носит уже более 50 лет. 25 сентября на сцене Большого зала Заслуженный коллектив России выступит под управлением главного дирижера филармонии, народного артиста России Николая Алексеева.

В 120-ю годовщину со дня рождения композитора прозвучит его последняя, Пятнадцатая симфония. В программе также — увертюра к опере «Вильгельм Телль» Джоаккино Россини и Третий фортепианный концерт Сергея Прокофьева, солист — Борис Березовский.

В этот же день в фойе Большого зала запланировано открытие уникальной выставки «Филармония Шостаковича. Гений места», посвященной взаимоотношениям композитора и зала, сыгравшего знаковую роль в его биографии. Выставка подготовлена филармонией при участии и в партнерстве с ведущими федеральными и петербургскими музеями и архивами. Многие экспонаты будут представлены впервые.

Пятнадцатая симфония Шостаковича впервые была исполнена Заслуженным коллективом в этом зале 5 мая 1972 года под управлением Евгения Мравинского — в присутствии автора.

«Пятнадцатая симфония мне как-то очень ясна была, как она должна получиться <…>. Я очень много над ней работал, и, как ни странно, я ее писал в больнице, потом вышел из больницы — писал на даче, понимаете, но оторваться от этого совершенно не мог. Это одно из тех произведений, которое просто очень меня захватило, и… может быть, одно из немногих моих сочинений, которое мне показалось ясным от первой до последней ноты, понадобилось только время, чтобы это записать», — говорил в одном из интервью Дмитрий Шостакович.

Дмитрий Шостакович. Симфония No. 15 Симфонические

«Удивительная концепция: от баловства в музыке, шутки — к постижению самых сокровенных тайн мироздания, — размышлял о Пятнадцатой симфонии композитор Борис Тищенко, ученик Дмитрия Шостаковича, — Все последние сочинения Дмитрия Дмитриевича <…> являются каким-то особым тоном, что ли, в собрании его сочинений. К великолепному мастерству, удивительной глубине, зоркости прибавилось еще постижение, я бы сказал, <…> потусторонней сущности бытия».

«К репетиции Пятнадцатой симфонии мы с Заслуженным коллективом приступили еще в июле, до полноценного начала отпуска. Во-первых, мы давно ее не исполняли, во-вторых, в традициях нашего оркестра вдумчивое, бережное отношение к интерпретации, максимально отвечающей замыслам композиторов. Пятнадцатая — последнее слово Дмитрия Дмитриевича в симфоническом жанре, вслушайтесь внимательно в это произведение — Шостаковичу было, о чем в нем рассказать…», — говорит главный дирижер филармонии Николай Алексеев.

Также в программу концерта вошли увертюра к опере «Вильгельм Телль» Джоаккино Россини (ее знаменитую тему Дмитрий Шостакович цитирует в своей последней симфонии) и Третий фортепианный концерт Сергея Прокофьева, солист — Борис Березовский.

«Увертюра к „Вильгельму Теллю“ — это, как ни странно, тоже маленькая дань Дмитрию Дмитриевичу. Конкретно — его любимым шуткам. Всем хорошо известная музыка Россини, которой мы откроем наш первый концерт в сезоне, была популярна в музыкальных кругах во времена Шостаковича и Прокофьева, Третий концерт которого мы также с удовольствием исполним с Борисом Березовским. В чем шутка? „Копайте“, ищите разгадки, вдруг через музыку придет ответ…», — добавил интриги Николай Алексеев.

Дмитрий Дмитриевич Шостакович Композиторы

Билеты на концерт доступны в кассах и на официальном сайте филармонии.

120-летию со дня рождения Дмитрия Шостаковича посвящены лекционный и концертный абонементы нового сезона.

Абонемент «DSCH — код Шостаковича» — это пять вечеров, на которых прозвучат все шесть концертов композитора для солирующих инструментов с оркестром: фортепианные, виолончельные и скрипичные. С Заслуженным коллективом России и Академическим симфоническим оркестром филармонии выступят Вадим Репин, Борис Андрианов, Александр Рамм, Иван Бессонов, Гайк Казазян. Дирижеры — Дмитрий Юровский, Феликс Коробов, Александр Соловьев, Максим Алексеев, Анатолий Рыбалко.

Авторский лекционный абонемент «Шостакович и футбол» Дмитрия Брагинского, преподавателя Средней специальной музыкальной школы Петербургской консерватории, кандидата искусствоведения, посвящен одной из главных страстей в жизни композитора. Автор книги «Шостакович и футбол. Территория свободы» расскажет о малоизвестных страницах биографии великого музыканта и профессионального болельщика.

Пресс-служба Петербургской филармонии

Монахи изготовили для донецких музыкантов уникальную скрипку

Wed, 16 Sep 2026 11:48:37 +0300

Рожденная в тиши

Уникальную скрипку получила в дар Донецкая государственная академическая филармония. Музыкальный инструмент изготовили в мастерской Свято-Иоанно-Предтеченского мужского монастыря в ЛНР.

— Профессиональные музыканты очень хорошо отзываются о качестве этих инструментов, их звучании, акустических характеристиках. Очень приятно, что в коллективе симфонического оркестра появится такой инструмент, дополняя его обертоны и звучание. Замечательная солистка Алла Чередниченко, в руки которой попал этот инструмент, будет блистать на сцене и вместе с оркестром, и в ансамблевых программах. Этому инструменту предначертана прекрасная концертная жизнь, — заявил генеральный директор — художественный руководитель Донецкой филармонии Александр Парецкий.

Он подчеркнул, что инструмент будет задействован в ключевых программах симфонического оркестра и струнного ансамбля «Дива-квартет».

Алла Чередниченко, в руках которой зазвучит новая скрипка, — вторая скрипка «Дива-квартета» и лауреат международных конкурсов. В составе этого коллектива она выступает вместе с первой скрипкой Анастасией Корниенко, альтисткой Оксаной Сарычевой и виолончелисткой Анастасией Ямполец.

Уникальная скрипичная мастерская, в которой работают пять человек, находится в селе Чугинка, где в 2003 году был основан Свято-Иоанно-Предтеченский мужской монастырь. Руководит работой мастеров архимандрит Варфоломей (Кузнецов).

— Обычно в монастырях пишут иконы, шьют ризы. Но когда видят скрипку, это многих удивляет. Честно говоря, я не могу сказать, как это получилось. Все это началось с 2014 года, когда наш монастырь оказался в изоляции, практически на военной черте. Тогда у нас появилось время и тишина. Раньше было много паломников и прихожан, а тут появилось то, чего раньше не было, — рассказал настоятель монастыря.

Вскоре к мастерам пришел опыт, и им доверили реставрировать скрипки XVII и XVIII веков, а также мандолины XIX века. На работу над одним инструментом у них уходит около полугода. Монахи не только восстанавливают старинные музыкальные инструменты, но и создают новые альты, виолончели и скрипки. Одна из них, например, есть у известного музыканта Петра Лундстрема.

Ранее работу скрипичной мастерской оценила народная артистка ЛНР, лектор-музыковед Анна Мокрова: «Как и в те далекие времена, четыре столетия назад, в монастырской обители в трудах и тиши рождается этот совершенный инструмент — скрипка. Отец Варфоломей продолжает традицию — его скрипки созданы в духе Страдивари, Амати, Гварнери и Якоба Штайнера. Мы надеемся, что это чудо возрождения скрипичного мастерства на нашей многострадальной земле, в святой обители получит колоссальное развитие и прославит нашу землю, такую мужественную и верующую, во всем мире».

Николай Грищенко
Источник: «Российская газета»

Динара Алиева и Эльчин Азизов: шедевры мировой оперы

Wed, 16 Sep 2026 11:21:53 +0300

Открытие 96-го концертного сезона БСО им. П.И. Чайковского

Открытие 96-го сезона Государственного академического Большого симфонического оркестра им. П.И. Чайковского (БСО) состоялось в Большом зале Московской консерватории 9 сентября. Концерт назывался «Шедевры мировой оперы», и его солистами стали солисты Большого театра России Динара Алиева (сопрано) и Эльчин Азизов (баритон). Последний экстренно заменил своего коллегу по цеху, заявленного в афише солиста Мариинского театра Владислава Сулимского: планку ожиданий это заведомо снизило и априори, и де-факто.

В программу концерта вошли арии из русских (первое отделение) и западноевропейских (второе отделение) опер, а сцен (дуэтов) практически не было. Но от привычного гала-вечера под оркестр, когда вокальные номера разбавляются увертюрами, вступлениями, антрактами или иными фрагментами из опер, инструментальный пласт этого вечера, делав бóльший упор на симфонизм, подчеркнуто яркой «оперностью» не отличался, так что программа, несмотря на свое название, в целом предстала пестро-музыкальным «лоскутным одеялом».

Шедевры мировой оперы с Динарой Алиевой Опера и балет

Место за дирижерским пультом занял главный дирижер оркестра Арсентий Ткаченко, и начнем мы с инструментально-симфонической составляющей, дабы венцом наших заметок стал разговор о певцах-солистах. Итак, в русском отделении прозвучали «Похвала пустыне» и «Сеча при Керженце» из оперы Римского-Корсакова «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии», вступление к редко исполняемой кантате Аренского «Бахчисарайский фонтан» и четыре фрагмента (сюита) из балета Стравинского «Жар-птица».

Западноевропейское отделение открыли три части – «Марш» (№ 1), «Болеро» (№ 4) и «Тарантелла» (№ 5) – из пятичастной оркестровой сюиты Бриттена «Музыкальные вечера» («Soirées musicales», 1937, op. 9). То же название – и у альбома Россини с пьесами для голоса и фортепиано (1835), хотя для своей сюиты Бриттен переработал из него лишь три ариетты. Истоки «Марша» – танец солдат из оперы «Вильгельм Телль» Россини, «Тарантеллы» – хор «Доброта» («La Charité», № 3) из его же «Трех духовных хоров» («Trois choeurs religieux»).

Из всех прозвучавших номеров сюиты Бриттена сáмой «неузнаваемой» при сравнении с оригиналом Россини предстает «Тарантелла»: взяв религиозное хоровое сочинение в темпе andante molto, Бриттен ускорил его до темпа сицилийской тарантеллы с весьма бурным выплеском экспрессии. Оркестровый ряд продолжили фа-мажорное «Adagietto» из Пятой симфонии Малера и финал «Cюиты вальсов» из оперы Рихарда Штрауса «Кавалер розы», а финальным бисом стала зажигательная «Тарантелла» из балета Гаврилина «Анюта».

Из шести композиторских блоков (три – в первой части, три – во второй) непоколебимый, уверенный слушательский оптимизм возник в отношении ровно половины, и это Римский-Корсаков, Бриттен – Россини и Малер. Разноплановая по своему эмоциональному аффекту музыка этих авторов, а также «Тарантелла» Гаврилина, прозвучала полновесно красочно, с изысканно тонкой и точной нюансировкой, доставив слуху истинное наслаждение! Музыка Аренского и Штрауса была лишь «принята к свéдению», а музыке Стравинского, особенного «Поганому плясу Кащеева царства», явно недоставало изысканного лоска и филигранности.

Говоря о лоскутности программы, нельзя не заметить, что, к примеру, «Adagietto» из Пятой симфонии Малера, «зажатое» между арией Риголетто из одноименной оперы Верди и куплетами Эскамильо из оперы Бизе «Кармен», выглядело довольно странно, тем более что исполнитель этих вокальных номеров Эльчин Азизов не смог предъявить ни итальянскую драматическую кантилену, ни – еще в бóльшей степени – элегантность французского стиля, делая ведущий в никуда упор на форсирование эмиссии, на силовую манеру звукоизвлечения.

Не смог впечатлить исполнитель и в русской опере – ни в арии Грязного из «Царской невесты» Римского-Корсакова, ни в балладе Томского из «Пиковой дамы» Чайковского, ни в каватине Алеко из одноименной оперы Рахманинова. Отсутствие кантилены проявилось и здесь. Отсутствие объемности, полетности звучания, натужность вокала, зажатость верхнего регистра, «выбелявшая» тембральную окраску высоких фермат едва ли не до драматически-теноровой, каждую исполненную арию превращали в отчаянный шквал героических усилий.

А ведь каждая из пяти выбранных певцом арий – материал музыкально развернутый, масштабный, и поэтому создалось ощущение, что исполнитель опрометчиво самонадеянно решил взять не качеством, а количеством. Отметим также, что помимо этого он «помогал» Динаре Алиевой и в арии Земфиры из «Алеко», фактически предстающей сценой героини с участием главного героя этой оперы. И всё же, как бы то ни было, чуда не случилось, и весь вокальный пласт обсуждаемого вечера держался исключительно на солистке!

В русском отделении кроме Земфиры Динара Алиева обратилась к зарисовкам портретов героинь Чайковского: ими стали Лиза в «Пиковой даме» и Мария в «Мазепе». Прозвучали ариозо Лизы «Откуда эти слезы?» и колыбельная Марии. И если Мария в репертуар певицы в Большом театре вошла уже давно, став ее единственной партией русского репертуара (не считая Ольги в концертном исполнении «Псковитянки» Римского-Корсакова) и одной из ее знаковых ролей, то партии Лизы в репертуаре певицы нет. Хочется верить, что пока нет.

«Пиковая дама» в постановке опального Римаса Туминаса, ушедшего из жизни в 2024 году, в репертуаре Большого театра на его официальном сайте по-прежнему числится, хотя имя режиссера загадочно исчезло, а его постановка названа сценической версией Большого театра России (в то время как с его же «Катериной Измайловой» ничего подобного не произошло: спектакль прокатывается, в частности, два текущих показа в этом сентябре посвящены 120-летию со дня рождения Шостаковича).

Но этой серой и убогой «Пиковой дамы» на сцене Большого театра в его сценической версии не было уже давно – с серии показов пяти спектаклей в сентябре 2022 года.

Серая премьера «Пиковой дамы» в Большом театре Опера и балет

Стоит ли возвращаться к этой весьма сомнительной работе – вопрос большой и сложный, но ария Лизы, исполненная Динарой Алиевой на обсуждаемом концерте – всего лишь толика большой музыкально-драматической партии – сразу же выявила очевидное: истинно драматического сопрано в этой постановке мы еще не слышали!

Лишь ради этого и хочется возвращения опальной «Пиковой дамы» на сцену Большого! А между тем глубинный драматический стержень объединяет характеры и Лизы, и Марии, и Земфиры, и героини оперы Верди «Сила судьбы» Леоноры, ария которой из четвертого акта также прозвучала в этот вечер музыкально полновесно и ярко. Героини Динары Алиевой – типажи, как правило, сильные, страстные и роковые, но контраст с ними в этот вечер явили Лауретта и Джудитта (одна – из оперы Пуччини «Джанни Скикки», другая – из одноименной оперетты Легара).

Лирически светлая ария Лауретты и мощно темпераментная, но лишь внешне эффектная (без претензии на психологизм вердиевской Леоноры) ария Джудитты явились словно двумя сторонами одной музыкальной медали, хотя Пуччини и Легар – вселенные музыки, просто несопоставимые. А в отличие от Лауретты и Джудитты – моцартовская Церлина, казалось бы, с амплуа Динары Алиевой ничего общего не имеет вовсе. И всё же в этот вечер на бис из культовой оперы Моцарта «Дон Жуан» прозвучал игровой дуэт Дон Жуана и Церлины.

Творческий вечер Динары Алиевой в Большом театре Опера и балет

Он стал единственным дуэтным номером программы, и в нём сопрано ощущала себя вполне естественно и органично, музыкально и артистически убедительно, в то время как в моцартовскую куртуазность и музыкальную вальяжность зычный силовой напор баритона вписаться ожидаемо не смог. Благодаря Эльчину Азизову, заменившему своего коллегу, этот концерт состоялся, и поскольу не только история вообще, но и история музыки в частности сослагательного наклонения не имеет, скажем спасибо всем, кто в этот вечер был на сцене!

Фото Владимира Волкова (предоставлены пресс-службой БСО им. П.И. Чайковского)

Юбилейный гала-концерт Игоря Бутмана в Петербурге

Wed, 16 Sep 2026 10:45:00 +0300

1 ноября 2026 Народный артист России, главный джазовый посол нашей страны и художественный руководитель Московского джазового оркестра, Игорь Бутман, отметит 65-летие масштабным гала-вечером на сцене БКЗ «Октябрьский» в родном Санкт-Петербурге.

Поздравлять маэстро будут звёзды мировой величины, ведущие российские джазмены и яркие молодые таланты. Варвара Убель, Фантине, Shaman, Сергей Мазаев, Лариса Долина, Давид Голощекин, Виктор Добронравов и конечно Московский джазовый оркестр — «созвездие виртуозов», как называют коллектив зарубежные критики. В этот вечер на сцене встретятся сразу несколько поколений — и каждый сыграет свою ноту в честь юбиляра.

Зрителей ждут эксклюзивные номера, уникальные совместные импровизации и, конечно, та неподражаемая атмосфера драйва и вдохновения, которая всегда сопровождает выступления маэстро.

Игорь Бутман — всемирно известный саксофонист, композитор и продюсер, Народный артист России, лауреат Государственной премии РФ, кавалер ордена «За заслуги перед Отечеством» IV степени. По праву считается главным послом российского джаза на международной сцене.

Игорь Бутман Инструменталисты

За долгие годы творческой деятельности музыкант выступал в 50 странах мира. Маэстро сотрудничал с легендарными российскими коллективами: ансамблем Давида Голощёкина, группами «Кино» и «Аквариум», оркестрами Олега Лундстрема, Георгия Гараняна, Юрия Башмета. На мировой сцене выступал с такими величинами джаза, как Херби Хэнкок, Гровер Вашингтон, Натали Коул, Пэт Мэтини, Дейв Брубек, Рэй Чарльз, Чик Кориа, Мишель Легран и Уинтон Марсалис.

Дискография артиста включает 18 альбомов. По его инициативе и под художественным руководством в России проводятся 12 крупнейших международных фестивалей джаза.

Юбилейный концерт в БКЗ «Октябрьский» станет важным событием большого всероссийского тура, приуроченного к двум знаковым датам: 65-летию маэстро и 30-летию легендарного альбома Blues for 4.

Подробности: https://65.igorbutman.com/spb

Игорь Бутман 65. Юбилейный гала-концерт (6+)
1 ноября, 19.00 БКЗ «Октябрьский» (Лиговский пр., 6)
Билеты: bkz.ru

Ильдар Абдразаков в опере «Мефистофель» на сцене Большого театра

Tue, 15 Sep 2026 20:58:55 +0300

На Исторической сцене 26, 27 и 29 сентября состоятся премьерные показы оперы Арриго Бойто «Мефистофель». Впервые почти за 120 лет московские зрители смогут увидеть постановку этого редчайшего произведения итальянского оперного репертуара в режиссёрской версии Джанкарло Дель Монако, который также выступил художником-постановщиком спектакля. Музыкальный руководитель и дирижёр — Валерий Гергиев.

Большой театр посвящает спектакль 26 сентября 50-летию Народного артиста России Ильдара Абдразакова. Он исполнит заглавную партию 26 и 29 сентября.

Арриго Бойто вошёл в историю прежде всего как либреттист — автор выдающихся драматических текстов опер «Отелло» и «Фальстаф» Джузеппе Верди, «Джоконда» Амилькаре Понкьелли. Но композитор оставил и одну собственную законченную оперу — «Мефистофель», которая заслуживает большего, чем статус раритета.

Опера Арриго Бойто «Мефистофель» Оперы

Работа над сочинением шла с невероятной амбициозностью: Арриго Бойто стремился вместить в действие своей оперы обе части гётевского «Фауста». До него композиторы — от Людвига Шпора до Шарля Гуно — обращались преимущественно к первой части трагедии, к истории Фауста и Маргариты. Бойто же сохранил и символическое путешествие героя в Древнюю Грецию, и встречу с Еленой. Но главное — он выстроил оперу вокруг Мефистофеля, но не Фауста: на авансцене оказался не искатель истины, а дух отрицания.

Премьера оперы 5 марта 1868 года в театре Ла Скала обернулась катастрофой. После неудачи композитор переработал партитуру: существенно сократил её, передал партию Фауста тенору вместо баритона, заново переинструментовал сочинение. В 1875 году в Болонье преобразившаяся опера была принята с восторгом. Окончательная редакция, утвердившаяся к 1881 году, прочно вошла в репертуар итальянских театров.

Арриго Бойто Композиторы

Музыка «Мефистофеля» стоит на перекрёстке итальянской и немецкой традиции. Будучи молодым вагнерианцем, Арриго Бойто использует лейтмотивы и сквозное развитие, подчёркивает выразительность декламации и значительность роли оркестра. Но при этом не отказывается от традиционных итальянских форм итальянской оперы XIX века.

В опере есть и арии-портреты, и дуэты, и квартеты, и балетные сцены, и монументальные хоровые эпизоды. Ораториальные Пролог и Эпилог обрамляют композицию произведения: в Прологе Мефистофель бросает дерзкий вызов Творцу, в Эпилоге сеющий тьму терпит поражение — и хор херувимов славит милосердие Создателя.

Для Большого театра это четвёртое обращение к опере Арриго Бойто после постановок 1887, 1894 и 1902 годов. Последняя из них вошла в историю благодаря участию Федора Шаляпина — один из величайших исполнителей роли Мефистофеля лично переводил на русский язык фрагменты партии своего героя.

Мефистофель покоряет мир Опера и балет

Над новой сценической версией в Большом театре также работают художник-постановщик Антонио Ромеро, художник по свету Луис Пердигеро, художник по видеоконтенту Альба Траперо Гарсиа и хореограф Игорь Клинский. Как отмечает Джанкарло Дель Монако, новая постановка не предлагает богословской дефиниции Ада: его режиссерский подход продиктован исключительно театральной, творческой фантазией со всей мерой свободы и ответственности.

«Для меня Ад — это такое место, где всё перевёрнуто вверх дном, любой момент истины превращается в роль, а любая роль оборачивается вечным пленом. Это царство вынужденного смеха. Каждый находящийся в нём навечно обречён смеяться и смешить других, и никакие слова, жесты или страдания никогда не будут вновь восприняты всерьёз. Оно удивительное, это царство, смешное, жестокое и глубоко человеческое», — рассказывает режиссёр-постановщик.