Belcanto.ru

Концертный зал на Английской набережной в Петербурге

Tue, 01 Sep 2026 18:56:07 +0300

Открытый в январе 2026 года Концертный зал на Английской набережной — вторая сцена Музыкального театра имени Ф. И. Шаляпина — вступает в свой первый полноценный сезон, все органные концерты которого пройдут под знаком 150-летия старинного английского органа, одного из трёх самых старых в России. Он был изготовлен в 1877 году специально для Англиканской церкви Петербурга — и в том же году занял почетное место в этом зале.

В 2026 году, спустя столетие молчания, орган был возрожден — в качестве главного инструмента второй сцены Музыкального театра имени Ф. И. Шаляпина.

5 сентября честь открыть юбилейный сезон предоставлена Даниэлю Сальвадору — испанскому музыканту, Титулярному органисту Папской Базилики Св. Михаила в Мадриде, где он также руководит Международным циклом органных концертов. Выпускник Мадридской Королевской консерватории, исполнитель активно концертирует в Европе, преподает и является членом жюри престижных международных органных конкурсов. В России его имя также известно: органист не раз выступал в Москве, Санкт-Петербурге и многих других городах страны.

В программе «Золотой век Испании» — органная музыка XVII–XVIII столетий, редко звучащая за пределами Пиренейского полуострова. Она родилась на стыке культур, вобрав в себя лучшее из разных традиций, что придало испанскому органному искусству особый, ни на что не похожий характер. Здесь есть место и народным танцам, и литургическим песнопениям, и батальным сценам. Даниэль Сальвадор — признанный знаток этой традиции, именно ему доверяют музыкальное оформление важнейших религиозных событий Испании.

12 сентября Концертный зал представит органную программу для юных слушателей: «Сказки Английского органа». Проводником в сказочную музыку выступит ведущая Наталия Энтелис — автор сценариев и постоянная ведущая детских проектов Мариинского театра и Санкт-Петербургской филармонии им. Д. Д. Шостаковича.

18 сентября концертом Камерного оркестра Музыкального театра имени Ф. И. Шаляпина «Северная Симфониетта» под управлением маэстро Фабио Мастранджело откроется и концертный сезон зала. В вечере также примут участие солисты Театра, наполняя стены с богатым прошлом живой оперной музыкой.

Сладковский и Госоркестр Татарстана записали 8-ю симфонию Малера

Tue, 01 Sep 2026 18:51:04 +0300

С 1 сентября запись симфонии «тысячи участников», самой масштабной и концептуально насыщенной партитуры Густава Малера, доступна на всех цифровых платформах, а также выпущена в физическом формате – на виниле. Этот релиз – подарок Государственного академического симфонического оркестра Республики Татарстан себе и всем меломанам в год 60-летия коллектива.

В дискографии ГАСО РТ Малер – новая страница. К монографическим релизам, посвященным всем симфониям и инструментальным концертам П. И. Чайковского, Д. Д. Шостаковича, всем симфониям Л. ван Бетховена, к антологии симфонических опусов С. В. Рахманинова коллектив под управлением художественного руководителя и главного дирижера Александра Сладковского добавляет Восьмую симфонию Малера. Она открывает серию записей, посвященных всему симфоническому творчеству композитора.

Малер, симфония No. 8: вершина пути художника Симфонические

Маэстро Сладковский постепенно подводил ГАСО РТ к погружению в творчество композитора: «С 2010 года я взял курс на все симфонии Малера, понимая, что уважающий себя оркестр не может не играть эту музыку». Только собрав полную коллекцию симфоний Малера в репертуаре коллектива, сыграв их в разных залах России, Александр Сладковский перешел к записи. Так что амбициозный малеровский проект фиксирует не только мастерство музыкантов, но и творческую зрелость и выстраданные дирижерские трактовки.

«Для меня любая симфония Малера — абсолютный шедевр, masterpiece, вершина оркестрового письма. Что объединяет все его сочинения и делает их такими современными? Чувство щемящей боли, проходящей через все симфонии, как лейтмотив человеческой обреченности. Но при этом Малер всегда дает надежду — и это тоже невероятно актуально. Как без надежды можно смотреть в будущее? Переживая разные коллизии, страхи, сомнения, делая ошибки, мы все равно движемся вперед и приходим к свету и мощи. Вот, что меня вдохновляет больше всего в этой музыке. Она мне близка по грандиозной масштабности и космическому мироощущению», — признается Сладковский.

Александр Сладковский: «Дирижёр в России больше, чем дирижёр» Музыка

Эти слова и оценки как нельзя точно отражают смыслы Восьмой симфонии, в которой музыканты Госоркестра Республики Татарстан и маэстро Сладковский вслед за композитором стремятся выйти в новые духовные измерения.

В Восьмой симфонии Малера кроме оркестра участвуют восемь солистов, два хора и орган. В записи принимали участие солисты Большого театра России: Алексей Кулагин (бас), Роман Коллерт (тенор), Василий Ладюк (баритон), Рамиля Миниханова (сопрано), Валерия Терейковская (сопрано), Анна Юрукус (сопрано), а также Елена Логинова (сопрано) и Полина Шамаева (меццо-сопрано); Академический Большой хор «Мастера хорового пения» (художественный руководитель — Лев Конторович), Муниципальный хор «Нижний Новгород» (художественный руководитель — Иван Стольников), Детский хор СССМШ при Казанской государственной консерватории имени Н.Жиганова. Партия органа — Евгения Кривицкая.

Запись была осуществлена в БКЗ имени С. Сайдашева членом Академии Российского телевидения, звукорежиссером Павлом Лаврененковым.

«Это первый пример издания студийной записи Восьмой симфонии Малера в России, — отмечает продюсер ГАСО РТ Алексей Пилюгин. — Релиз отвечает мировому тренду, когда меломаны имеют возможность слушать и взаимодействовать со своей любимой музыкой когда, где и как им удобно. А винил становится и средством прослушивания, и предметом коллекционирования».

Рахманинов в США: каким его видели американцы

Tue, 01 Sep 2026 09:31:05 +0300

К сожалению, расцвет грандиозной исполнительской карьеры Рахманинова пришёлся на годы эмиграции. Советская публика смогла услышать игру великого исполнителя только в грамзаписях, и то, спустя довольно большое время после его смерти.

Американская карьера

Между тем в США он дал более тысячи концертов, каждый из которых так или иначе освещался в прессе. Рахманинов входил в топ главных фигур американской культуры наряду с Чарли Чаплином или Уолтом Диснеем, играл в Белом доме и привлекал к себе большое внимание журналистов. И хотя он старался избегать светских мероприятий, не слишком часто давал интервью и оберегал свою личную жизнь от любопытства прессы, всё же по американским СМИ можно составить представление о том, каков был масштаб его карьеры и как воспринимала его американская публика.

Сергей Васильевич Рахманинов Композиторы

После отъезда из России в конце 1917 года Рахманинов жил как бы «на два дома». Европа была для него, главным образом, местом отдыха, а Америка — страной, где он зарабатывал деньги и строил карьеру — здесь был бурно развивающийся музыкальный рынок.

За 25 лет жизни в эмиграции Рахманинов достиг вершины фортепианного Олимпа. В 1939 году музыкальный мир США отметил 30-летие со дня дебюта Рахманинова в Америке восьмидневным музыкальным фестивалем. При его появлении на сцене вся трёхтысячная аудитория Карнеги-холла от партера до галёрки поднялась на ноги и приветствовал своего кумира бурными овациями.

Нет смысла специально останавливаться на оценках его игры в прессе. Слова «гениальный», «знаменитый», «великий» и «феноменальный», «колоссальный» и «титанический» можно увидеть почти во всех заголовках газетных рецензий практически с самых первых его гастрольных туров. Для американской публики гениальность Рахманинова-пианиста была абсолютно безусловной категорией.

Другой вопрос, каким она видела Рахманинова-человека.

«Мона Лиза фортепианного мира»

Больше всего американцев — привыкших к культу лучезарной улыбки — шокировал суровый и аскетичный облик Рахманинова и отсутствие всякой «артистичности», как её понимала публика. Он не был похож на других звёзд концертной эстрады того времени.

Об этом, не сговариваясь, писали почти все рецензенты:

• «Успех двух других великих пианистов — Падеревского и Гофмана — во многом зависит от их причесок и манеры поведения, привлекающих внимание и аплодисменты публики. Но у Рахманинова нет манер. Он выглядит как бизнесмен и больше похож на финансиста, чем на артиста».

• «Он играл, сгорбившись — яркий пример того, как не надо сидеть за фортепиано, об этом вам скажет любой учитель музыки, и играл как бог. Его лицо выражало смесь угрюмости и иронии, что заставляло гадать, кто же он — сфинкс, сатир или одинокая душа. Похоже, он мужской вариант Моны Лизы фортепианного мира».

• «Очень худой, долговязый человек с лицом, как будто вырубленным топором, и короткой стрижкой вышел на сцену вчера вечером. Он сел за концертный Стейнвей и вступил с ним в глубоко интимный диалог. В результате эти два часа музыки оставили неизгладимое впечатление на каждого, кто был в зале».

• «Как все гении, он разрушает представления о том, как должен выглядеть и вести себя гений. Рахманинов необычайно высокого роста, худощавый, тщательно выбритый с коротко подстриженными волосами. Он выглядит как любой успешный бизнесмен с улиц Толидо. Но когда он сидит за своим инструментом и играет, нагнувшись над клавиатурой и широко расставив локти, о! тогда он в своей стихии, и те, кто его слушает, уже думают не о нём, а о музыке».

Поклоны и бисы

Многократно склоняемая в американской прессе «мрачность» Рахманинова имела свое продолжение в его манере общения с публикой.

Он почти никогда не улыбался в ответ на овации в свой адрес и не делал обычных в таких случаях артистических жестов благодарности, кроме сдержанного поклона. Рахманинов так и не внял совету своего друга юности Фёдора Шаляпина, прирождённому шоумену, который когда-то учил его, что «надо улыбаться и встречать публику радушно». Он относился к этому с иронической усмешкой.

Фортепианное творчество Сергея Рахманинова Фортепианные

Восторженная американская публика не получала от сурового Рахманинова не только улыбки признательности за радушный приём, но иногда лишалась также своего законного, утверждённого вековой традицией концертного бонуса — пьесы на бис. Со стороны это выглядело как высокомерие и неуважение к аудитории.

В марте 1923 года городская газета Сент-Луиса опубликовала статью под названием «Публика зашикала Рахманинова за отказ выйти на бис». Эта новость имела большой резонанс, и Рахманинову пришлось объясняться в одном из интервью.

В своё оправдание он сказал, что поскольку в тот вечер он играл с оркестром, выходить на бис одному солисту было бы неучтиво по отношению к оркестрантам и дирижёру.

В других случаях его отказ выйти на бис был формой протеста против диктата публики, которая везде и всюду требовала от него исполнения сверхпопулярной Прелюдии до-диез минор, ставшей уже личным проклятием её автора. Поэтому Рахманинову приходилось выбирать между плохим и очень плохим: обидеть публику отказом или всё же скрепя сердце и сдерживая отвращение к собственной музыке, сыграть свою Прелюдию в очередной, какой-нибудь четырёхтысячный раз.

«Этот русский»

По заголовкам в американской прессе можно судить о том, что «русскость» Рахманинова была едва ли не главным атрибутом его художественного облика, символом его исключительности:

• «Великий русский пианист приводит в восторг огромную аудиторию» («Atlanta Constitution», 12 января 1922 г.).

• «Играет Рахманинов: знаменитый русский пианист восхищает своим колоссальным искусством» («Los Angeles Times», 7 февраля 1925 г.).

• «Великая магия Рахманинова: дух великой русской личности торжествует» («Saint Paul Pioneer Press», 9 января 1932).

• «Рахманинов — лучший: русский пианист радует своей игрой большую аудиторию на своём первом концерте» («Cleveland Press», 31 Oктября, 1934).

• «Триумф Рахманинова: сольный концерт русского пианиста — один из самых ярких за последние годы» («The New York World-Telegram», 5 ноября, 1934).

Образно говоря, Рахманинов, уехав из России, привёз её с собой в Америку. И несмотря на то, что часто делал комплименты США в своих интервью, хвалил публику, с удовольствием слушал джаз, а также всегда восхищался американскими оркестрами и американскими автомобилями, Рахманинов тщательно оберегал свою духовную автономность: «Я — русский».

Многим американцам (особенно в начале его зарубежной карьеры) он казался инородным явлением, чужаком, посланцем загадочной и суровой страны на другой стороне земного шара, овеянной мрачными мифами и пугающими новостями. Другой, непонятный, не такой, как мы, «славянский варвар» — такой мотив встречался в некоторых рецензиях.

В 1922 году критик из Северной Каролины выразил это таким образом:

«Он — воплощение флегматичной мрачности, мистического фатализма своего народа. Он затмил всё трагическое, что явила миру эта страна в своей литературе и музыке.

Он не романтик. Этот русский с аскетичной стрижкой может быть только угрюмым и мрачным. Он не умеет смеяться, а ведь фортепиано создано для счастья.

Без сомнения — он гений. Но я очень сомневаюсь, что люди, открытые для радости, будут восхищаться этим апостолом скорби. Они могут рукоплескать техническому совершенству его игры или быть ошеломлены неумолимой силой его звука, но не более того…

Рахманинов и Россия — нечто за пределами понимания».

Образ изгнанника и американское гражданство

В незаурядной аскетичной внешности Рахманинова (почему-то особенно часто упоминалась его короткая стрижка), в его худобе, угрюмом выражении лица и манере поведения на сцене американская публика видела трагический образ изгнанника, лишенного родины. Тем более, что Рахманинов и сам не раз публично высказывался в таком духе.

«Он выходил нескладной походкой с намёком на хромоту, с видом человека много страдавшего и повидавшего в прошлом нечто ужасное, воспоминания о котором до сих пор не отпускают его».

Неудивительно, что американская публика очень хотела усыновить этого печального и неприкаянного гения.

Вопрос о том, когда же Рахманинов примет гражданство США, не раз обсуждался в прессе ещё с 20-х годов. Но сам Рахманинов ощущал своё положение вне России временным и жил надеждой, что всё ещё, может быть, поправимо.

В октябре 1938 года журнал «Time» опубликовал его интервью, где на вопрос «когда же он сделает то, чего от него ждёт американская публика, то есть, станет гражданином США», он ответил так:

«Моя привязанность к старой России всё ещё слишком сильна. Возможно, американцы не могут понять того, что я чувствую, но — прошу меня простить — я всё же считаю правильным оставить всё так, как есть».

Однако довольно скоро — всего через несколько месяцев после этого интервью — ему пришлось смириться с тем, что родина для него потеряна окончательно, и принять решение, которое он так долго откладывал. Новость о том, что он подал Декларацию о намерении получить гражданство, в конце концов просочилась в прессу.

1 декабря 1939 года газета «New York Times» обрадовала поклонников русского пианиста: «Рахманинов выбирает США: он собирается стать американским гражданином».

Рахманинов вынужден был комментировать эту новость разным американским изданиям. Все корреспонденты интересовались, повлияла ли на это решение ситуация в России (как раз в конце ноября 1939 года Красная Армия перешла границу Финляндии). Рахманинов отказался комментировать эти события, но сказал: «Теперь я потерял всякую надежду».

Наконец, спустя три года, 2 февраля 1943 года газета «New York Times» опубликовала статью под заголовком: «Рахманинов — гражданин Америки».

«Вчера Сергей Рахманинов, 69-летний композитор и концертирующий пианист, а также г-жа Рахманинова и еще 218 человек приняли участие в церемонии натурализации».

Американцем Рахманинов пробыл недолго. Меньше чем через два месяца — 28 марта 1943 года он скончался от неизлечимой болезни в своём доме в Беверли-Хиллз.

Рахманинов как Дед Мороз

Привычный для американской публики образ вечно хмурого гения-миллионера в чёрном пальто и дорогом старомодном костюме с жёстким воротничком, хоть и внушал пиетет (персонал фирмы Стейнвей называл его «генералом»), но создавал вокруг него некую зону изоляции. Сам он не допускал прессу в свою личную жизнь и считал, что «публика должна судить о художнике по тому, что он делает».

Но публике было очень интересно знать и другую — человеческую сторону гения. Только в тридцатые годы подлинный Рахманинов — человек с тонким чувством юмора, по-детски смешливый, нежный и щедрый к близким людям и очень тёплый и сердечный с друзьями — стал постепенно открываться американцам благодаря публикациям в прессе.

Сообщения о том, что Рахманинов, оказывается, может шутить и смеяться, подавалось как новость в духе «невероятно, но факт». Американская аудитория с интересом читала интервью с Софьей Сатиной — двоюродной сестрой Рахманинова, с рассказом о том, как весело Рахманинов проводит время в компании Фёдора Шаляпина, и требовала новых подробностей о своём кумире.

В последние годы жизни Рахманинов и сам приоткрыл глухой занавес, защищавший его частную жизнь от любопытства американской публики. Интересно, что это произошло с того момента, когда он стал дедушкой. О своих любимых внуках — Софиньке и Саше — об их успехах и о том, как их надо воспитывать, он был готов рассказывать всем и даже корреспонденту «Washington Post».

Когда в предрождественские дни газета «New York Sun» стала опрашивать звёзд оперной и концертной сцены США о том, как они проводят зимние праздники, Рахманинов с удовольствием рассказал, что в их семье он выполняет роль самого доброго в мире Деда Мороза, поскольку дарит подарки внукам дважды — сначала на американское Рождество, а через две недели — на русское.

Эти публикации открыли для американской публики Рахманинова-человека. Стало понятным, откуда в его музыке столько душевной теплоты и сердечности. Только теперь его личность и его музыка слились для многих в единый образ.

Ольга Леоненкова
Источник: Культшпаргалка

В Театральном музее показывают красоту мужского танца

Mon, 31 Aug 2026 12:21:11 +0300

Главные герои выставки «Балет. Земные боги» в Санкт-Петербургском государственном музее театрального и музыкального искусства — балетмейстеры и танцоры, благодаря которым в СССР случился расцвет мужского балетного искусства. При этом их спектакли, роли, новаторские идеи продолжают оказывать влияние на работы современных танцовщиков, хореографов и режиссеров.

Балет — исторический очерк Опера и балет

Кураторам Виктору Бочарову, Марии Курбатовой и директору музея Наталье Метелице удалось совместить в трех залах имена Владимира Васильева, Аскольда Макарова, Вахтанга Чабукиани, Леонида Якобсона и многих других.

Наряду с личными вещами, фотографиями, эскизами костюмов и афишами из советского прошлого, здесь представлено и настоящее: в последнем зале показывают фрагменты из балетов Владимира Варнавы, Вячеслава Самодурова, Юрия Смекалова и других наших современников.

«Когда я работала над кураторским текстом, мне очень понравилось, как поэт Всеволод Некрасов назвал эпоху 1970–1980-х годов „эпохой возражения“. Наша выставка и есть в каком-то смысле возражение, поскольку каждый танцовщик, о котором мы здесь рассказываем, шел против системы, не боялся выделяться, не желал придерживаться канона и хотел создавать новое искусство», — рассказала на пресс-показе Мария Курбатова.

Стоит отметить, что в последнее время в музее прошли уже две выставки, посвященные балетному искусству: «Пьер и Сильфиды» и «Балет. Притяжение». «Выставку „Балет. Притяжение“ можно связать с текущей экспозицией. Там мы говорили о дуэте в танце, теперь же — только о танцовщиках-мужчинах», — подчеркнула Мария Курбатова в беседе с нашим изданием.

Несколько арок в залах, оформленные в нежно-голубых тонах, внешне просты, но полны острых углов и разрывов — напоминание о том, как великие танцовщики буквально разрывали привычные, традиционные шаблоны и каноны в области балета.

Неожиданным вкраплением в экспозицию стало изобразительное искусство: работа Эрика Булатова «Слава КПСС» (как объяснили в музее, это «кураторская дань памяти художнику») и эскиз картины Гелия Коржева «Егорка-летун».

Санкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства
«Балет. Земные боги»
До 31 января

Дарья Медведева
Источник: The Art Newspaper Russia

Оперы и балеты в кинозалах Москвы

Mon, 31 Aug 2026 11:37:17 +0300

«Двое Фоскари»

Мы продолжаем знакомить вас и себя с редкими «птицами» оперного мира, и в рамках этого знакомства начинаем показы ранней оперы Верди «Двое Фоскари».

Трагическая история отца и сына разворачивается в Венеции, но могла бы случиться где угодно, где людям приходится выбирать между семьей и долгом, где месть оказывается сильнее справедливости.

В основу сочинения Верди, впервые, кстати, тогда попробовавшего трехактную структуру оперы, легла драма Байрона. За право поставить «Двух Фоскари» на родине композитора, в Италии, пришлось побороться, несмотря на то, что события оперы отделяло от современности четыре столетия. Возможно потому, что и люди, и методы, и власть оставались прежними? Как бы то ни было, композитор своего добился — а оперный мир обрел еще один замечательный «драгоценный камушек» в своей короне.

Постановка со сцены Ла Скала, роскошно-костюмная, прекрасна и привлекательна не только своим внешним обликом (и, разумеется, музыкой Верди), но и совершенно неподражаемым Пласидо Доминго в партии старшего Фоскари, венецианского дожа, который разрывается между государственным долгом и любовью к сыну.

О ранней работе Верди и ее значении для его более позднего творчества, о блистательной работе Доминго и многом другом поговорим на премьере в «Иллюзионе» 4 сентября с Екатериной Муковозчик.

«Григорий Соколов. Концерт в Экс-ан-Провансе»

Впервые в нашей афише концерт легендарного музыканта Григория Соколова!

Артист, на чьи концерты невозможно достать билеты, играет Баха, Бетховена, Шуберта, Шопена и Дебюсси в фортепианной «Мекке», на фестивале в Ла-Рок-д’Антерон.

Соколова называют, и не зря, одним из самых интеллектуальных пианистов современности. Виртуозность сочетается в его исполнении с каким-то совершенно медитативным, даже философским подходом к интерпретации музыки. То, как он играет, нельзя назвать просто словом «красиво». Да и игрой это не хочется называть, скорее волшебством и… сеансом терапии.

Музыка будто обволакивает нас, утешает и дает надежду. Без спецэффектов и надрыва, с ясной мыслью и филигранным исполнением — чистое счастье меломана.

Упоение прекрасной музыкой и ее прекрасной интерпретацией в нашей афише с 11 сентября.

«Леверенц. Божественная тьма»

Шведа Сигурда Леверенца называют одним из главных ориентиров для современных архитекторов по всему миру. Модернист, несомненно опередивший свое время, был очень закрытым человеком, никогда не давал интервью, и, создавая шедевры для внешнего мира, свой собственный маленький мир оберегал ревностно, мало кого туда впуская. Он не искал славы, не хотел публичности — он работал. Контролируя каждую деталь и привнося в мир элементы суровой красоты.

Как всегда бывает в таких случаях, имя обросло легендами. Фильм «Леверенц. Божественная тьма», снятый спустя полвека после смерти архитектора, приоткрывает завесу тайны над его личностью. Основанный на случайно найденных бесценных архивных кадрах и аудиоматериалах, фильм, без лишних фантазий и домыслов, создает документальный портрет одного из величайших скандинавских архитекторов, а заодно размышляет о том, какое место занимает архитектор-универсал в современном мире.

А Леверенце и его наследии поговорим в «Иллюзионе» 12 сентября с историком искусств Олегом Грозновым.

Фильм транслируется в рамках ЛАФ. Также в рамках нашего Летнего Архитектурного Фестиваля в «Иллюзионе» можно посмотреть байопик «Большая арка», документальные фильмы «Сила утопии. Ле Корбюзье в Чандигархе», «Павильон на воде», «Миральес», «Борьба за Бруклин», «Видит бог», «Зеленое на сером».

«Равель: Балеты Шеркауи и Вербрюггена»

Балетная премьера сентября — диптих со сцены Фламандской королевской оперы на музыку и оркестровку Равеля в хореографии Сиди Ларби Шеркауи и Йеруна Вербрюггена.

Шеркауи взял за основу для своей «Выставки» оркестрованные Равелем «Картинки с выставки» Мусоргского и сделал удивительную смесь иллюстраций и смыслов.

Работа Йеруна Вербрюггена, «Моя Матушка-Гусыня» — более сумрачная и нежная, это история любви и прожитой потери, путешествие по воспоминаниям.

Два очень разных хореографа объединились под «крылом» музыки Равеля, чтобы пойти за ней, найдя собственные интерпретации и образы. Получилось причудливо и красиво, с контрастом между массивным золотом и тончайшим пухом, между границами и свободой, позерством и искренностью.

О Равеле, Мусоргском, Шеркауи и Вербрюггене поговорим в «Иллюзионе» 16 сентября с куратором музыкального направления TheatreHD Майей Фарафоновой.

Оперный клуб TheatreHD в Кинозале ГУМ в сентябре

Продолжаются и встречи в Оперном клубе TheatreHD в кинозале ГУМ, и сентябрь для нас — месяц особенный, поскольку у клуба первый день рождения. Уже целый год мы встречаемся и говорим о современной режиссерской опере, смотрим новые и классические постановки, разбираемся в нюансах, знакомимся с подходами и ищем отсылки.

И мы постарались подобрать для сентябрьской афиши клуба спектакли особенно яркие и оригинальные, отмеченные влиянием кинематографа — что особенно символично для нас как проекта, создающего мостик между театром и кино.

11 сентября смотрим и обсуждаем «Трубадура» со сцены Берлинской оперы, волей Филиппа Штёльцля решенного в стиле Тима Бёртона и его «Алисы в стране чудес». В главных партиях Анна Нетребко и Пласидо Доминго, за дирижерским пультом Даниэль Баренбойм (на 11 сентября билетов уже практически нет, но у этого спектакля есть и другие сеансы в Москве).

А 23 сентября посмотрим и обсудим с музыковедом Татьяной Беловой «Сказки Гофмана» на музыку Оффенбаха, где, среди прочего, заметно особое влияние Уэса Андерсона.

«Сказки Гофмана» это смесь реальности и фантазии, биографии и сказок, окутанная романтическом ореолом. Разбитое сердце Гофмана отзывается тремя историями, где главные героини — намеки на его вероломную возлюбленную. Режиссер Мариам Клеман создала для Зальцбурга историю комичную и красочную, темную и тревожную. Такую, которую хочется не только слушать и смотреть, но и порыться поглубже.

Подробности и билеты — на сайте TheatreHD

Пресс-служба TheatreHD

Александринскому театру исполнилось 270 лет

Mon, 31 Aug 2026 11:05:50 +0300

По традиции день рождения всегда проходит так. Утром церемония возложения цветов — белых и алых роз в соборе Святых Петра и Павла Петропавловской крепости на надгробия императрицы Елизаветы Петровны, основавшей театр в 1756 году, и императрицы Александры Федоровны, чье имя театр получил в 1832 году при открытии созданной по проекту архитектора К. И. Росси исторической сцены.

Петербуржцы и гости города с удивлением и восхищением разглядывали юбилейные брендированные автобусы, на которых ехали александринцы. Красивые автобусы будут курсировать теперь по Невскому проспекту (окрашены в цвет Александринского театра, «рассказывают» о его юбилее и спектаклях).

Александринский театр Театры и залы

Кстати, в ноябре еще одна дата: великолепному зданию исполнится 195 лет. Как отметил президент театра Валерий Фокин, оно «неразрывно связано с театром, их нельзя разделить. Это редкий случай, когда здание является одной из существенных частей души театра, его художественной идеи. Спектакли в диалоге с залом».

Затем на Основной сцене состоялся сбор труппы.

Тем временем на Новой сцене имени Вс. Мейерхольда открыли фотовыставку «Лица театра», посвященную александринцам, которые сегодня служат в первом Национальном театре России. А в историческом здании провели экскурсию-променад «Театр, открытый городу» (было шесть сеансов), которая дала старт XVII Международному фестивалю «Александринский».

Журналистов пригласили на пресс-конференцию, где руководители подробно рассказали о грядущих премьерах, фестивале, творческих планах на новый, 271-й сезон.

Из Монголии, Ирана, Японии, Бразилии…

В день юбилея — и открытие фестиваля. Продлится он до 11 октября.

«Традиционно программа делится на несколько частей, — сообщил художественный руководитель театра Никита Кобелев. — Первая — международная программа. Мы всегда стараемся сделать что-то интересное, необычное и познакомить петербуржцев с театрами разных стран, некоторые из них впервые участвуют в фестивале „Александринский“. Вторая программа — это премьеры нашего прошлого сезона. Третья — посвящена юбилею Валерия Владимировича Фокина (это девять спектаклей мастера, созданные в Александринском театре в разные годы, и кинопоказы)».

4 сентября основную программу откроет спектакль Монгольского государственного академического театра драмы «Сын Тенгри». Автор пьесы — Цогнэмэх Битогтох, режиссер Наранбаатар Намнан (он же директор театра) удостоен за эту постановку Государственной премии Монголии.

Это обращение к исторической личности и легенде Модун шаньюя — правителя Империи хунну, древнего государства, являющегося одним из истоков монгольской государственности. «Для нас большая честь — представить петербургской публике свою работу. Пусть искусство, объединяющее нас, живет вечно!» — сказал режиссер на пресс-конференции.

Далее — спектакли из Ирана, Японии, Бразилии. Будут и сопроводительные мероприятия, лекции, чтобы зрители могли лучше погрузиться в спектакли. Запланированы и встречи с режиссерами.

XVII Международный театральный фестиваль «Александринский» проходит под эгидой «Года петербургской культуры — 2026» при поддержке Комитета по культуре Санкт-Петербурга. Полную программу можно узнать на сайте.

Шекспир, Тынянов и Водолазкин

Театр планирует выпустить в новом сезоне пять премьер.

9 октября состоится премьера спектакля Никиты Кобелева «Последний год». Литературной основой стал исторический роман Юрия Тынянова «Смерть Вазир-Мухтара», посвященный великому русскому драматургу Александру Сергеевичу Грибоедову. Главную роль репетирует артист Виктор Шуралев. Эта постановка завершит фестиваль 11 октября.

Далее в творческих планах театра — спектакль Андрея Калинина «Как вам это понравится» по Шекспиру (январь 2027).

На февраль предполагается премьера спектакля Валерия Фокина «Цирк «Модерн» по пьесе Евгения Водолазкина. Весной задумано выпустить два моноспектакля юбиляров — народного артиста России Игоря Волкова и заслуженной артистки России Елены Немзер.

В конце сезона начнет работу над новым спектаклем в театре Константин Богомолов — это «Братья Карамазовы» по мотивам романа Достоевского.

Продолжится сотрудничество с Китайской Народной Республикой. В Петербург приедет режиссер Фэн Юаньчжэн, художественный руководитель Пекинского Народного театра, и приступит к работе над спектаклем по пьесе Цао Юя «Гроза» (1934). А Валерий Фокин приглашен на постановку в Китай.

Кстати, 12 и 13 сентября на фестивале представят новую редакцию спектакля Фокина «Литургия Зеро» по роману Достоевского «Игрок». Туда вводятся четыре новых исполнителя. В роли Бабушки, которую играет Эра Зиганшина, увидим актрису БДТ им. Товстоногова Марину Игнатову.

Валерий Фокин, народный артист России, президент Национального драматического театра России:

— 270 лет театру — дата замечательная. Самое главное то, что за этими цифрами стоят десятилетия и очень сложные, очень разные периоды жизни страны — со своими особенностями, трудностями, проблемами.

На протяжении всего времени театр старался держать (моментами — держать чрезвычайно высоко) свое художественное лицо. 270 лет — это путь, который театр проделал очень ответственно, успешно. И дал другим толчки, даже отдельные направления, своими постановками, режиссерами и драматургами, которые здесь дебютировали (сегодня это мировые классики! Грибоедов, Фонвизин, Лермонтов, Гоголь приносили сюда свои первые пьесы…). Здесь работали выдающиеся мастера.

Наша задача — несмотря ни на что, делать все возможное от нас, чтобы это художественное лицо продолжать держать. Держать на том уровне, на котором он существует. Это счастье, это везение — работать в таком театре.

Очень важно знать, любить, сохранять великую историю и продолжать двигаться вперед. Театр — живой организм. Он тогда живой, когда чувствует, что происходит вокруг. Тем более Национальный театр.

Светлана Мазурова
Источник: «Российская газета»

Вадим Репин: «Будем взаимовежливы — и в музыке, и в жизни»

Mon, 31 Aug 2026 10:34:57 +0300

31 августа народному артисту Вадиму Репину исполняется 55. Для музыканта, чье имя неразрывно связано с русской скрипичной школой, эта дата — не повод для пышных торжеств, а скорее момент тишины перед новым творческим витком.

В эксклюзивном интервью «Российской газете» знаменитый скрипач и художественный руководитель одного их крупнейших в стране Транссибирского Арт-Фестиваля, рассказал о великих скрипках, которые побывали в его руках, о миссии искусства в современном мире, о гармонии со Светланой Захаровой и рецепте долгих отношений, который подарил ему Юрий Темирканов.

Вадим, ваш день рождения — прямо накануне открытия сезона…

Вадим Репин: … И учебного года, что немаловажно! Сейчас я в состоянии отпуска, и настроение, соответственно, спокойное. А через пару недель начинается новый концертный сезон — понемногу начинаю работать, входить в форму и возвращаться в необходимое для сцены состояние. А праздновать — для меня это обычный день, им я обязан своей маме, поэтому отношусь к этой дате, скорее, как к ее празднику. Поздравлять хочется именно ее.

Вадим Репин: «Власть музыканта в шёпоте, а не в крике» Музыка

Чего от нового сезона вы ждете особенно?

Много интересных концертов будет и в Москве, и по России в целом. Предстоит еще осенняя сессия тринадцатого Арт-фестиваля в Самаре, и можно будет сказать, что он будет завершен. И я, конечно, ожидаю уже четырнадцатый Транссибирский Арт-Фестиваль.

Ноябрь будет интересным гастрольным месяцем. Мы с Николаем Луганским будем в Испании с сольной программой, я буду в Америке с оркестровой программой. Концертные планы в Японии, в Италии и в других странах. Сезон очень насыщенный, и это радость любого артиста — чтобы до окончания концерта тебя перепригласили.

То есть, при всех сложностях в отношениях России и Запада — а культурные мосты, к сожалению, часто горят первыми — вам, удается продолжать активно выступать на международной сцене. С чем вы там сталкиваетесь сейчас — с давлением или, наоборот, с особой теплотой? Интерес к русской скрипичной школе по-прежнему жив?

Вы знаете, мне кажется, интерес к артистам, к творческим людям всегда был и будет. Иначе не может быть. И этот интерес друг к другу — со всех сторон. На концерты часто приезжает публика из двадцати соседних стран. В Любляне была такая история: больше тридцати человек, которых я знаю многие годы, приехали из совершенно разных стран. И не так только с моими концертами — с концертами многих артистов.

Для нас построение культурных мостов всегда было параллельной действительностью, естественным результатом. Нельзя сказать, что я еду строить какой-то мост, однако отношения между музыкантами, между людьми — всегда доброжелательные, концерты проходят с большим успехом, и я чувствую, что публика приходит именно послушать меня. Да, бывают концерты, которые под давлением отменяются. А бывает, наоборот, организаторы фестивалей или оркестры говорят, что в этом они видят путь к правде, что они не могут оборвать общение из-за политики. На данный момент ситуация такая.

А что вы чувствуете каждый раз, возвращаясь после дальних странствий в родной Новосибирск, откуда начинался ваш музыкальный путь?

Я чувствую любовь. Помню, где я делал свои первые шаги, и кто были те люди и коллективы, которые уже в юном возрасте строили мой характер, музыкальный и артистический вкус. Конечно, наш симфонический оркестр, камерный оркестр, такие имена, как Арнольд Кац, — это часть моей жизни, моей истории. Поэтому у меня совершенно особые чувства к Новосибирску, поэтому я так горю нашим Транссибом, благодаря которому я чаще бываю в Новосибирске, где могу и с мамой повидаться. Она у меня настоящая сибирячка и одна из составляющих успеха фестиваля.

Московская остановка Транссибирского арт-фестиваля Музыка

Каждая из премьер Транссибирского Арт-фестиваля уникальна — а вошло ли что-то из представленного здесь в мировой концертный репертуар?

Сложно выделить два-три примера — особенно запомнившихся премьер немало, но назову несколько ключевых. София Губайдулина побывала в Новосибирске единственный раз в жизни — благодаря нашему фестивалю. И скоро, буквально через месяц, в честь большого юбилея Новосибирской филармонии и оркестра мы будем исполнять ее произведение «Диалог: Я и Ты». Не только в Новосибирске — в Петербурге и в Москве также будут концерты, приуроченные к этой дате.

Откровением для меня стал и концерт для скрипки с оркестром Михаила Плетнева — это произведение, которое заставляет переживать, задумываться. Помню нашу первую премьеру скрипичного концерта Юсупова: шесть частей, в которых скрипка переживает метаморфозы — старинная музыка, джазовая импровизация, индийская рага, венгерская цыганская импровизация…

Подарок нашему фестивалю сделал в канун своего 85-летия Арво Пярт — прислал сочинение «Плащаница» для скрипки с оркестром… Это только если копнуть чуть-чуть сверху, то, что на поверхности.

Кстати, а вы продолжаете играть на скрипке Страдивари?

Я сейчас играю на Амати. Но я на многих скрипках играл. В основном, конечно, на Страдивари, Гварнери и Амати, в разные периоды жизни — это же все у нас связано с везением. Будь то Страдивари «Сарасате», или Гварнери «Стерн», или Страдивари «Роде». Вот сейчас — Амати «Репин» — наверное, можно так нескромно сказать (смеется).

Диалог со скрипкой для скрипача — это годы, когда ты начинаешь понимать, как инструмент реагирует на мысли. Не просто чувства, а мысли. И когда ты чувствуешь, что инструмент может не просто петь, а разговаривать, — ты переходишь на следующий уровень исполнительства.

Правда, что вы играли на скрипке Паганини?

Да, и не раз. Просто однажды получил приглашение сыграть на ней сольный концерт. Обычно на ней регулярно выступают победители конкурса Паганини. И я, получив предложение без участия в конкурсе сыграть на ней сольный концерт, сразу же согласился!

Она же до сих пор хранится в Генуе, под охраной?

Да, да. И тот первый раз, и последующие встречи с этим инструментом, убедили меня: однозначно, это самый великий инструмент, который я видел на Земле. Главное, что меня поразило — необычайный комфорт инструмента. Чем выше мы забираемся в позицию на инструменте, тем должно быть сложнее, а тут — порой бывало даже проще. Легкость звукоизвлечения, когда струна становится очень короткой, и при этом полнокровный звук в любой ситуации, в любой позиции, в любой тональности — это невероятно.

Рассказывая мне о Транссибирском фестивале и его образовательных программах, вы как-то сказали: «Возраст призывает делать добрые дела, больше отдавать». Не было идеи создать свою школу — или, может быть, скрипичный конкурс Вадима Репина?

Я не фанат конкурсов. А что касается систематической работы, я на пути к этому. Не могу назвать себя педагогом, не возьмусь за отдельно взятого талантливого молодого музыканта — здесь нужно больше, чем личный опыт. А вот через мастер-классы и мастер-курсы, приглашая замечательных педагогов и исполнителей, пытаюсь понять, что дает лучший результат. С прошлого года у меня появилась идея начать с азов и постараться привлечь как можно больше молодых педагогов, чтобы вырастить, прежде всего, поколение педагогов. Посвятим этой работе несколько лет и посмотрим, будет ли результат, повлияет ли это положительно на традицию.

Повседневная педагогическая работа — наименее азартная и наименее, как вам сказать, развлекательная, что ли, — при этом самая сложная. Мастер-класс — это всплеск эмоций, мыслей и импровизации. А профессия педагога подразумевает каждодневную работу. И она невероятно важна. Мне кажется, педагогам можно было бы дать новый стимул. Не в виде конкурсов, а с помощью каких-то других критериев. Постараюсь придумать их.

Но молодое поколение, если взять широкий срез, живет сейчас в клиповом мире: информационный шум, соцсети, интернет, развлечения, гаджеты, искусственный интеллект. Классическая музыка уходит в некую узкую нишу. Не сказывается это на современном исполнительском искусстве?

Понимаете, симфоническая, классическая музыка — для людей, которые уже обладают каким-то жизненным опытом, вкусами. До этого нужно дорасти, к этому нужно прийти. Но есть и очень много молодых ребят, которые страстно любят это, причем чем восточнее, тем их больше — сейчас такая мода в Азии, и это прекрасно. Мне кажется, настоящее искусство выживет всегда — без него жизнь немыслима.

С другой стороны, технологии, искусственный интеллект — неизвестно, что окажется важнее: знание технологических азов, умение общаться с искусственным интеллектом или оградить свои взгляды исключительно великим искусством. Боюсь давать оценку или судить на эту тему.

Для меня главное — живой концерт в концертном зале с замечательной акустикой, с прекрасными музыкантами и заинтересованной публикой. Это вершина счастья. Лет с семи-восьми я понял, что это венец того состояния и того счастья, во имя которого мы всю жизнь кладем на служение этой профессии.

Вадим Репин: «Новая Зеландия меня не забудет» Музыка

А какие свои достижения вы считаете сегодня главными, какие моменты — незабываемыми, даже если их не замечает зритель?

Всё вместе взятое — главное и незабываемое. Жизнь у меня счастливая: рядом соратник, друг, и муза. Все, что связано с семьей, включая нашу замечательную дочь, меня очень радует. Еще у меня растет сын, ему уже больше двадцати, он учится в университете и тоже радует успехами…

Что касается музыкантских вещей — это участие в концертах на открытии Олимпийских игр в Афинах и в Сочи. Нельзя не вспомнить зал Московской консерватории, с которым связана вся моя юность — здесь я впервые выступил лет в 11–12. Дорог мне и Зал Чайковского, и Московская филармония — одна из самых замечательных в стране. И совершенно особенные залы, как Карнеги в Нью-Йорке, Музикферайн в Вене, Сантори-Холл в Токио.

Кстати, буквально пару недель назад я выступал в Сантори-Холле, одном из моих любимейших залов на планете: это был юбилей Сантори, и мне подарили небольшой карт-бланш — я выступил с оркестром и сыграл сольный концерт.

Вы говорите о залах — а за ними, конечно, люди, с которыми сводит судьба?

У меня был фестиваль в Париже, в Лувре, и помню, как нам, артистам, несколько раз разрешали гулять ночью по закрытому Лувру. Или, например, в начале двухтысячных концерт в Берлине, в парке Вальдбюне, где собралось больше тридцати тысяч зрителей — мы там играли с Марисом Янсонсом, запись этого концерта есть.

И не могу не сказать и о Темирканове. Его уход до сих пор не отпускает. Помимо моего педагога Захара Брона, который был, наверное, самым важным человеком в моей музыкальной жизни, такие личности, как Менухин, Ростропович, — среди самых сильных потрясений в моей жизни. Или запись с Риккардо Мути концерта Бетховена в Венской филармонии. Или запись Крейцеровой сонаты с Мартой Аргерих, когда мы просто один раз прогнали финал в пять утра!

Захар Брон: «После победы Репина у меня было множество предложений» Музыка

Конечно, с Колей Луганским нас связывает многолетнее сотрудничество. Валерий Гергиев, конечно, проходит через всю мою жизнь, с самого раннего возраста. На каждом этапе моего становления у нас были незабываемые концерты. Помню Роттердам — мы должны были играть сонату Бетховена, а вечером — концерт. Но соната не вышла. А симфонический концерт стал, наверное, одним из самых запомнившихся в моей жизни — потом даже разговаривать было сложно.

Да у нас сейчас такая плеяда молодых дирижеров в России, каждый — как бриллиант. Ждем теперь поколение скрипачей, поколение виолончелистов, у пианистов тоже много интересных звеедочек, заметных за последние пару лет. Посмотрим.

Как вы отдыхаете между гастролями, что помогает держаться в такой прекрасной форме?

Рецепта нет, каждый день — что-то новое. Нам посчастливилось, скажем, со Светланой где-то провести несколько дней вдвоем и насладиться красотой, свободным временем, которое целиком для нас. Конечно, есть друзья, с которыми приятно встретиться. Но все разбросано, географически очень широко.

Ваш союз со Светланой Захаровой — встреча стихий: балет и музыка. Как гении уживаются в одном пространстве — бывают творческие споры или сплошная гармония, как в музыке?

Наша гармония состоит из таких понятий, как взаимопонимание с одного взгляда и уважение мнения друг друга. Если возникает вопрос, по которому у нас два мнения, — то чей вопрос, того и решение. А если решение оказалось не на сто процентов правильным, всегда можем совместно это поправить или забыть. А если правильным — порадоваться. Нужно принимать друг друга такими, какие мы есть.

Одна из самых любимых историй, которую я рассказываю друзьям: каждый концерт (а их было немало), который мы сыграли вместе с великим Темиркановым, железно, выходя на сцену, он произносил: «Вадюля, дорогой, ну что, будем взаимовежливы». Так и в жизни, и в музыке — рецепт для долгих и глубоких отношений.

Вы рассказывали, что ваша дочь Аня занимается художественной гимнастикой у Ирины Винер. Бываете на ее тренировках?

Конечно! И волнуемся, порой даже специально летим в другой город поболеть за нее. Это сложная вещь, болеть: в гимнастическом зале — как на балете в Большом или на симфоническом концерте — состояние порой даже более стрессовое, чем у того, кто на сцене. Поэтому стараемся всегда быть её тылом.

Светлана Мелентьева
Источник: «Российская газета»

Концертный центр «Сириус»: сезон 2026/27

Sun, 30 Aug 2026 18:00:24 +0300

1 сентября второй сезон стартует на самой молодой и современной концертной сцене мирового уровня — в Концертном центре «Сириус». Его откроют два дневных концерта Оркестра Большого театра России под управлением народного артиста России маэстро Валерия Гергиева.

В 12:00 в Камерном зале — программа «Время первых». Прозвучат «первые» произведения крупнейших русских композиторов XX века: Первый концерт Дмитрия Шостаковича для фортепиано, трубы и струнного оркестра, Первая симфония Сергея Прокофьева и Сюита из музыки первого балета Игоря Стравинского «Жар-птица».

В 14:00 на Главной сцене в рамках программы «Время Шостаковича» будет исполнена его Пятая симфония, отличающаяся удивительной глубиной, многоплановостью и чутким отображением окружающей автора действительности. Концерт даст старт яркому циклу тематических программ к 120-летию композитора.

За прошедший первый сезон, открытый Президентом России Владимиром Путиным 3 октября 2025 года Концертный центр «Сириус» задал высочайшую художественную планку, объединив современнейшую архитектуру здания и обоих залов, главной сцены на 1200 мест и камерного на 500 мест, с мировым уровнем исполнителей и постановок. На сегодня события «Сириуса» стали заметными вехами культурной жизни всей России. Всего в рамках первого сезона состоялось 149 событий, которые посетили 58 тысяч зрителей.

«Концертный центр стал сердцем культурной жизни Сириуса и всего Черноморского побережья. Во втором сезоне мы соединяем юбилей Дмитрия Шостаковича, лучшие оркестры и театры страны и собственные проекты Сириуса — от «Живого слова» до второго международного фестиваля «Сириус — Роза Хутор», — отметила председатель Совета федеральной территории «Сириус», руководитель Фонда «Талант и успех» Елена Шмелева.

Основные события Второго сезона КЦ «Сириус», который стал уже 11-м, поскольку сцены Сириуса неизменно принимают зрителей с 2015 года, уже известны.

Юбилей Дмитрия Шостаковича, 120-летие которого отметят 25 сентября, станет ключевой темой концертов начала сезона. Ведущие симфонические коллективы страны представят слушателям многогранный образ композитора, который соединил в своём творчестве традицию и новаторство, осмыслил через музыку и исторические события, и судьбу народа, и автобиографические переживания. Юбилейные концерты состоятся 1, 11, 25 и 26 сентября.

Юбилейные программы будут посвящены великим композиторам и деятелям искусства: В. А. Моцарту, К. Веберу, Ф. Листу, Дж. Россини, Ф. Шуберту, Н. Паганини, С. Танееву, А. Скрябину, И. Стравинскому, С. Дягилеву, Р. Щедрину, Ю. Григоровичу, М. Ростроповичу и другим. В рамках юбилейных программ будут представлены все основные жанры музыкального искусства — симфоническая и камерная музыка, хоровые произведения, опера и балет.

Традиционно в концертном сезоне 2026–2027 запланировано проведение праздничных мероприятий, посвящённых государственным праздникам, памятным и юбилейным датам, имеющим важное значение в истории и культуре нашей страны.

Оперная афиша осени откроется 6 сентября спектаклем Нижегородского государственного академического театра оперы и балета им. А. С. Пушкина, которые представят оперу «Кармен» Ж. Бизе на языке оригинала (французский) с русскими субтитрами. Уже 12 сентября Челябинский государственный академический театр оперы и балета им. М. И. Глинки представит один из самых грандиозных проектов последних лет — монументальную новую русскую историческую оперу М. Богданова «Пётр I», мировая премьера которой состоялась в 2025 году. Пермский театр оперы и балета им. П. И. Чайковского 13 ноября покажет одну из самых любимых во всем мире опер — «Евгений Онегин» Петра Ильича Чайковского.

Также заметное место в афише нового сезона занимают концерты с участием звёзд оперной сцены, которые исполнят сольные программы, наполненные шедеврами мировой оперной музыки. Уже в 2026 году на Главной сцене выступят: народная артистка Азербайджана Динара Алиева (сопрано), заслуженный артист России Василий Ладюк (баритон), заслуженная артистка России Надежда Павлова (сопрано), Василиса Бержанская (сопрано) и другие.

3 октября 2026 года, в день годовщины открытия Концертного центра «Сириус», на Главной сцене, как и год назад в день открытия площадки, выступит симфонический оркестр Мариинского театра и маэстро Валерий Гергиев.

В новом концертном сезоне продолжится цикл «Мастера музыки», который успешно стартовал осенью 2025 года и за это время обрёл широкую популярность и любовь публики. Мероприятия цикла представят ведущих солистов и педагогов Санкт-Петербургского Дома музыки, которые сами когда-то начинали свой путь как молодые участники программ Дома музыки, а сегодня принадлежат к числу признанных мастеров. А концерты цикла «Музыкальная сборная России» продолжат знакомить публику с новым поколением отечественных исполнителей — яркими молодыми солистами, которым предстоит определять будущее российской исполнительской школы.

В концертном сезоне 2026—2027 вв. Сириусе выступят ведущие оркестры страны: Национальный филармонический оркестр России и народный артист СССР Владимир Спиваков, Заслуженный коллектив России Академический симфонический оркестр Санкт-Петербургской филармонии и народный артист России Николай Алексеев, Государственный симфонический оркестр «Новая Россия» и народный артист СССР Юрий Башмет, Государственная академическая симфоническая капелла России и народный артист России Валерий Полянский, Российский национальный оркестр и народный артист России Александр Рудин, и другие флагманские оркестры и дирижёры страны.

Творческие встречи мастеров искусств позволят в атмосфере непосредственного и живого общения проникнуться секретами академического музыкального искусства и ближе познакомиться с любимыми артистами — дирижёрами, вокалистами и солистами-инструменталистами.

Масштабными событиями предстоящего сезона станут разнообразные и насыщенные фестивальные программы Нового года, весны и лета, которые традиционно привлекают большое количество зрителей из числа туристов, планирующих свой отдых на Черноморском побережье в период проведения фестивалей Сириуса.

Новогодний музыкальный фестиваль «Сириус» откроется в День федеральной территории «Сириус» 22 декабря 2026 года выступлением Государственного академического симфонического оркестра Санкт-Петербурга и народного артиста России Сергея Ролдугина. Декабрьскую программу продолжат мероприятия Музыкального театра имени Ф. Шаляпина во главе с маэстро Фабио Мастранжело.

Январская фестивальная афиша насыщена мероприятиями для детской и семейной аудитории. Московский детский музыкальный театр им. Н. Сац представит дневные и вечерние показы опер «Ночь перед Рождеством», «Морозко» и «Белоснежка». Мариинский театр покажет оперу Р. Щедрина «Рождественская сказка». Театр «Астана-Опера» даст несколько показов самого новогоднего спектакля в мире — балета «Щелкунчик» П. Чайковского с каноническими костюмами, декорациями и хореографией Ю. Григоровича. Завершится фестиваль тематическими спектаклями «Снежная королева» и «Зимушка» в исполнении Московского театра танца «Гжель».

Весенний музыкальный фестиваль «Сириус» продлится весь март и представит тематическую афишу мероприятий, посвящённых весне, пробуждению природы, созерцанию, любви и красоте. В фестивале наряду с прославленными коллективами также принимают участие молодые талантливые исполнители из числа лауреатов Конкурса «Созвездие» и молодых солистов Санкт-Петербургского Дома музыки, творческие дебюты которых символизируют будущее отечественной музыкальной культуры.

Большой летний музыкальный фестиваль «Сириус», самое ожидаемое событие летнего периода, традиционно представит калейдоскоп ведущих творческих сил страны и всех жанров исполнительского искусства — оркестров, театров и звёздных солистов. Избранные произведения из числа шедевров мировой классики, оперы, балеты, музыкальные премьеры и «золотой фонд» репертуара ведущих учреждений культуры.

В 2027 году состоится второй Международный фестиваль искусств для детей и молодёжи «Сириус — Роза Хутор», который охватит свыше 50 событий — оперы, балеты, симфонические концерты, образовательные и познавательные проекты, кинопоказы, творческие встречи и мастер-классы, а также совместное творчество детей и молодёжи из разных стран.

В рамках фестиваля запланировано проведение творческих резиденций Российского национального молодёжного симфонического оркестра и Российского института театрального искусства — ГИТИСа, выступления российских и зарубежных детских и юношеских оркестров и танцевальных коллективов, солистов, а также выдающихся мастеров. Фестиваль «Сириус — Роза Хутор» — уже стал платформой для культурного обмена и диалога поколений, развития молодёжной дипломатии, поиска единомышленников и знакомства зарубежных участников с культурой, природой, возможностями России.

Федеральная территория «Сириус» запускает собственный театральный проект. В год празднования 90-летия выдающегося учёного, филолога, лингвиста-русиста Людмилы Вербицкой начинает работу Театр-лаборатория «Живое слово» — постоянная площадка для реализации мультижанровых проектов, посвящённых русской речи и слову, на стыке образовательной, исследовательской и постановочной деятельности.

Справка

Концертный центр «Сириус» — исполнительская площадка с естественной акустикой высочайшего уровня проектирования и воплощения, знаковый объект, формирующий архитектурный облик федеральной территории.

Уникальная особенность Концертного центра — его многофункциональность, позволяющая превратить театр оперы и балета в филармонию за 20 минут. Параметры главной сцены Концертного центра подходят для всех видов исполнительских искусств.

В 11-ти этажном здании созданы два концертных зала: Главная сцена вместимостью 1 200 мест и Камерный зал на 500 мест. Общая площадь здания — 48 942 м², максимальная высота — 51 м. Главный вестибюль площадью 1 700 м², который может трансформироваться в музейно-выставочное пространство.

Акустические решения Концертного центра были разработаны всемирно известным Ясухисой Тойотой. Сценическая механика обеспечена специальными театрально-техническими системами, созданными в сотрудничестве с компанией Kunkel Consulting.

Акустические репетиции в залах Концертного центра летом 2025 года провели ведущие симфонические коллективы страны. «Концертный центр получил два отличных зала. Их акустические качества нас порадовали и даже поразили», — подчеркнул Валерий Гергиев.

2-й Конкурс хоровых дирижеров имени Свешникова

Sun, 30 Aug 2026 16:37:37 +0300

Состязание пройдет в четыре конкурсных тура с 23 по 28 ноября 2026 года в Москве.

В жюри II Международного конкурса хоровых дирижеров имени народного артиста СССР Александра Васильевича Свешникова — выдающиеся хоровые дирижеры шести стран (России, Беларуси, Казахстана, Китая, Франции, Италии), среди них Станислав Калинин, Валерий Полянский и другие.

Призовой фонд — 2 млн рублей. Конкурсанты от 18 до 35 лет получат возможность работать с тремя лучшими хорами России в каждом очном туре: хором Госкапелы России, капеллой «Ярославия» Ярославской филармонии, Театром хоровой музыки Саратовской филармонии.

Прием заявок по 20 октября 2026 года (видеозапись двух сочинений без сопровождения).

Участие в конкурсе бесплатное. Аналогов конкурсу нет ни в России, ни за рубежом.

Подробная информация о конкурсе на официальном сайте и в социальных сетях.

Организатор — Культурный фонд отечественного искусства «Классика XXI».

Александр Васильевич Свешников Дирижёры

Проект реализуется при поддержке Президентского фонда культурных инициатив с использованием Гранта Президента Российской Федерации, при содействии Россотрудничества Министерства иностранных дел России по инициативе и под руководством выпускника кафедры хорового дирижирования Московской консерватории, студента кафедры оперно-симфонического дирижирования Московской консерватории, гендиректора-худрука Фонда «Классика XXI» Алексея Пугачева.

Впервые конкурс прошел в 2024 году в городе Сочи, объединив молодых дирижеров из 14 государств, в состав жюри вошли представители 6 стран мира. Победу в конкурсе одержала представитель Республики Беларусь.

На счету Фонда Алексея Пугачева, созданного им в 19 лет, реализация более 10 всероссийских и международных творческих проектов, среди которых Всероссийский музыкальный фестиваль «Во имя жизни» в Сочи, Казани, Краснодаре, Ростове-на-Дону, Всероссийская образовательная программа с участием молодых творцов из всех регионов России, Всероссийский благотворительный проект «Они сражаются Za Родину», направленный на поддержку участников СВО в 20 российских регионах и многие другие.

В программах фонда за 4 года приняли участие свыше 800 артистов, включая Госкапеллу России, Ансамбль Александрова, Хиблу Герзмава, Екатерину Мечетину, Аскара Абдразакова и более 30 профессоров Московской и Санкт-Петербургской консерваторий.

Пресс-служба Культурного Фонда отечественного искусства «Классика XXI»

Премьера «Мадам Баттерфляй» в Большом театре

Sun, 30 Aug 2026 16:20:02 +0300

По классике, но с оттенком лукавства: последняя премьера юбилейного 250-го сезона Большого театра

Первой оперной премьерой Большого театра России в его юбилейном 250-м сезоне – в сезоне 2025/2026 – год назад в сентябре стала «Иоланта» Чайковского на Новой сцене, а последней – «Мадам Баттерфляй» Пуччини на Исторической сцене: пять показов состоялись 21–23 июля. И хотя масштаб и стиль опусов – одноактной «Иоланты» и трехактной «Мадам Баттерфляй» – несопоставимы, в пандан к «Иоланте» постановка «Мадам Баттерфляй» тоже скроена в целом по лекалу традиции – тоже по классике, но с оттенком лукавства.

«Иоланта» в Большом театре: по классике и без лукавства Опера и балет

Впрочем, в визуальной концепции спектакля лукавство со стороны постановщиков совсем уж в лоб не проступает: всё вполне благопристойно и чинно. Внимая недвусмысленно статичной атмосфере в одном и том же на три акта антураже сценографии (такова специфика сюжета), лишь ощущаешь латентный пиетет создателей к эстетике предыдущей постановки, хотя новая постановка и предыдущая американца-авангардиста Роберта Уилсона на Новой сцене Большого театра (премьера – 12 июня 2005 года) – вовсе не одно и то же. В новой вдруг появилась жизнь: наконец-то возник подлинно оперный свет, которого не было ранее…

Место рождения «Мадам Баттерфляй» Уилсона (режиссера, сценографа и художника по свету в одном флаконе [с костюмами Фриды Пармеджани]) – Парижская национальная опера (сцена Оперы Бастилии). Год рождения – 1993-й, так что даже в 2005 году аренда постановки Большим театром на 30 спектаклей была арендой явно залежалого товара.

«Мадам Баттерфляй» Роберта Уилсона в Большом театре Опера и балет

В последний раз она было показана 2 октября 2009 года, и сэппуку в Большом театре до нынешней премьеры не совершалось почти 17 лет.

Новая постановка – пятая, а первые три под названием «Чио-Чио-сан» – 1925 и 1949 годов на сцене филиала (нынешнего Театра оперетты), а также 1966 года на Исторической сцене (с 1974 года спектакль шел и в Кремлевском Дворце съездов).

Таким образом, «Мадам Баттерфляй» Джакомо Пуччини на либретто Луиджи Иллики и Джузеппе Джакозы, жанровая принадлежность которой согласно либретто и партитуре – японская трагедия, под своим исконным названием впервые была поставлена в Большом театре лишь в XXI веке. И дело здесь вовсе не в названии, а в том, что в контексте истории постановок этой оперы в главном музыкальном театре страны со сменой названия «Чио-Чио-чан» на «Мадам Баттерфляй» сменилась и парадигма подхода к данному материалу.

В 2005 году в откровенно картонной инсталляции Уилсона эта парадигма предстала жесткой и деструктивной. Напротив, парадигма режиссера Ксении Шостакович образца 2026 года заведомо мягка и конструктивна, и в отношении этой работы можно уверенно говорить уже не как об инсталляции, не как о «спектакле по приколу», а как о полноценно зрелищной музыкально-драматической театральной «фреске» в стиле психологического ноктюрна.

В команду режиссера вошли сценограф Альона Пикалова, режиссер по пластике Нана Татишвили, художник по костюмам Игорь Чапурин, художник по свету Андрей Абрамов и видеохудожник Наталья Дмитриева. Музыкальным руководителем и дирижером постановки выступил Валерий Гергиев, главным хормейстером – Валерий Борисов.

И если инсталляции Уилсона был присущ, с позволения сказать, рельефно выраженный мужской характер с холодной расчетливостью, то на сей раз именно тройка спевшихся в одноголосии женщин-единомышленниц (режиссер, сценограф и режиссер по пластике) создала типично женский спектакль – подкупающе добрый и даже нежный, несмотря на его кровавую развязку…

Опера Джакомо Пуччини «Мадам Баттерфляй» Оперы

Латентный пиетет этой тройки к минималистскому примитивизму Уилсона, к счастью, в обсуждаемой постановке навязчиво не проявившийся, но взятый всей тройкой на вооружение, при первом знакомстве с новой работой ничуть не раздражал, причем – до такой степени, что при продвижении к финалу спектакля об этом благополучно забылось. Но концептуальные мысли названной тройки четко обозначены на страницах премьерного буклета, и все экспликационные комментарии неожиданностью не стали.

Углубляясь в них после просмотра, понимаешь: заявленная концепция – всего лишь дань модным, но, с точки зрения чистоты оперного жанра, отнюдь не прогрессивным веяниям, которые с водой надуманной концепции «а-ля Уилсон» ребенка оперы более чем осознанно выплеснули изначально. Хотя в японском сюжете нет ничего итальянского, это, прежде всего, итальянская опера: и лирическая трагедия, и мелодрама – слезливая, сентиментальная и кровавая. Это законная вотчина настоящего драматического сопрано, и во главе угла – вовсе не пластика с японским церемониалом, а вокальные и музыкально-драматические задачи.

А на премьере 2005 года в Большом театре, за дирижерским пультом которой находился итальянец Роберто Рицци Бриньоли, как раз в вокальном аспекте был полный провал: партию Мадам Баттерфляй румынская певица Адина Нитеску «прощебетала», словно опереточная субретка, зато пластические указания режиссера, которые, безусловно, с наскока не осилить, выполнила графически точно. Полноценное драмсопрано на партию Баттерфляй Большой театр выставить тогда просто не мог: невозможно говорить всерьез и о Лолитте Семениной, «щебетавшей» в той постановке в очередь с приглашенной зарубежной «знаменитостью».

Хотя речь о солистах новой постановки «Мадам Баттерфляй» еще впереди, в контексте новой постановочной парадигмы отметим: сегодня певица на партию Баттерфляй в Большом есть, и это Динара Алиева, влившаяся в труппу театра в 2010 году. Сегодня голос певицы – истинное драмсопрано, и именно его мы услышали на премьере 21 июля.

Но в биографии артистки есть ведь и партия Мадам Баттерфляй в постановке Уилсона, спетая ею в Париже на сцене Оперы Бастилии в 2019 году. И это было феноменально: в пластику образа певица вжилась идеально, и всё же главная магия спектакля заключалась в ее голосе и драматизме!

Дебют Динары Алиевой в Парижской национальной опере Опера и балет

Постановочная парадигма создателей нынешней «Мадам Баттерфляй» в Большом театре наиболее рельефно и явно проступает в экспликации сценографа Альоны Пикаловой, и вот выдержки из нее: «Для нас концептуально важен спектакль Роберта Уилсона. Театральный язык режиссера включал в себя лексику ритуального классического японского театра и внимание к силуэту актера на гладком фоне. Уилсон смог пересказать страстную музыку Пуччини внешне бесстрастным театральным языком. Если Уилсон эстетически очистил историю от страстей, то все предыдущие постановки Большого театра в XX веке – это “итальянские страсти” в экзотическом японском дизайне».

В общем и целом, так и есть, но лукавство начинается с того, что Уилсон якобы «смог пересказать страстную музыку Пуччини внешне бесстрастным театральным языком». Да еще как не смог! Не смог, ибо к японской трагедии Пуччини отнесся не как к опере итальянских страстей, взывающих к яркому вокально- и музыкально-драматическому осмыслению, а как к понтовой игре в режиссерские бирюльки.

Уилсону в его «гениальной» постановке дела до оперы нет ровным счетом никакого! И всё же, несмотря на весь пиетет к «мэтру» тройки постановщиц-«воительниц», в нынешней постановке «Мадам Баттерфляй» оперу, к счастью, не хоронят: позитив к новой продукции именно на этом и основан.

Альона Пикалова: «С режиссером Ксенией Шостакович нам было важно обозначить место действия минимальными средствами. Первая экспозиционная картина (как ранее было сказано, в целом «застывающая» на три акта – И.К.) представляет собой хрестоматийный образ театральной декорации: каркасный японский дом, ствол сухой сосны, символический сад камней и скамья. Все эти конструкции – на нейтральном фоне, так любимом японскими художниками и Уилсоном. В отличие от спектакля 2005 года, где был один игровой уровень, у нас их три: планшет сцены, деревянный настил пола дома и терраса второго этажа».

И опера получилась! Получился спектакль, в сценографии которого бьющая через край японская экзотичность (тоже изрядно поднадоевшая) оказалась пастельно приглушена, но за счет графически тонких множественных элементов антураж театрального действа предстал изысканно живописным. Получился спектакль с не менее тонко стилизованными под эпоху начала XX века костюмами – как японских персонажей, так и противопоставленных им янки, то есть представителей самонадеянной, но якобы «передовой» американской цивилизации.

Спектакль – в визуально японском стиле. Минимум церемониала и восточной пластики, но сюжетная реальность психологического ноктюрна дополняется метафизической линией духов смерти – духов потустороннего мира в исполнении артистов миманса, среди которых выделяется дух-тень Баттерфляй, наперед предрекающая ее судьбу. В сложной системе ширм дома главной героини заботливо предусмотрен даже портал-иллюминатор, через который эти духи проникают в реальность сюжетного измерения, и данная режиссерская фишка с духами, особенно в пластическом решении финального сэппуку, – находка, несомненно, удачная!

Хотя режиссер в этой постановке – фигура не ведущая, а ведомая как сценографом, ратующим, условно говоря, за театр кабуки, так и режиссером по пластике, консультантом постановочной команды по японской культуре, исповедующим идеологию традиционного японского театра Но, итог совместной работы всей тройки вполне укладывается в классику оперного жанра и того закономерного скепсиса, что в свое время вызвал нашумевший «хит» Уилсона, не вызывает. Если тогда было много шума из нечего, то сейчас безо всякой шумихи мы получили результат, абсолютно толерантный задачам музыкальной эстетики Пуччини.

На этот раз музыкальные и, конечно же, вокальные впечатления довелось получить на трех первых спектаклях 21 и 22 (день и вечер) июля. Первые два показа прошли с Валерием Гергиевым, третий – с Антоном Гришаниным, и не только ансамблево-хоровой, но и богатый симфонический пласт японской трагедии Пуччини с новаторской для стиля композитора оркестровкой – необычайно изысканной, утонченной, эмоционально живописной – ожил для рецензента в этих стенах впервые, подарив подлинное музыкальное пиршество, которое с иными певцами на вокальное пиршество походило мало, если походило вообще…

Назовем составы «квартета» главных персонажей, последовательно услышанных за три названных дня. Мадам Баттерфляй (Чио-Чио-сан) – Динара Алиева, Рамиля Миниханова, Светлана Лачина. Б. Ф. (Бенджамин Франклин) Пинкертон, лейтенант американского флота, воспользовавшийся наивной преданностью Чио-Чио-сан, женившийся на ней, покинувший ее и возвратившийся лишь через года, – Иван Гынгазов, Карлен Манукян, Михаил Пирогов. Сузуки (Судзуки), служанка Чио-Чио-сан, – Алина Черташ, Екатерина Воронцова, Юлия Мазурова. Шарплес, американский консул в Нагасаки, где происходит действие, – Дмитрий Чернов, Константин Шушаков и снова Дмитрий Чернов.

Чтобы не утонуть в море эпизодических японских персонажей, сюжетно связанных с Чио-Чио-сан (в том числе являющихся ее многочисленной роднёй), останавливаться на них не станем, тем более что вокальных проблем с ними, как правило, не бывает: не было таковых и сейчас. К числу персонажей-эпизодов также добавляется и Кэт (Кейт) Пинкертон, которая перед Чио-Чио-сан, сломленной предательством, но не сломленной духовно, предстает лишь в третьем акте. Что же до выделенного «квартета» главных персонажей, то и у меццо-сопрано с партией Сузуки, и у баритонов с партией Шарплеса дела обстояли абсолютно зачетно.

В цехе теноров в партии Пинкертона тщетно силился обнаружить драматические краски лирический от природы тенор Иван Гынгазов, но в силу непреодолимой немузыкальности партию своего персонажа превратил в трафарет-эрзац. Лирическая форманта делала погоду и в звучании тенора Карлена Манукяна, но в этой партии ему всё же удалось выехать за счет тонкой музыкальности и довольно «ловкой» спинтовости.

Завершая галерею Пинкертонов, поразить тембрально роскошным звучанием драматического тенора уверенно смог Михаил Пирогов, и это было попадание в десятку. Но, что ни говори, данная партия всё же не очень-то выигрышна и «престижна», ибо вся эта опера – сплошной бенефис Чио-Чио-сан!

Звёзды оперы: Михаил Пирогов Опера и балет

Рамиля Миниханова и Светлана Лачина – сопрано лирические, и образ Чио-Чио-сан у обеих исполнительниц вокального драматизма заведомо недобирает, хотя и в артистизме, и в музыкальности отказать им, определенно, нельзя. Возраст главной героини, о чём в первом акте сообщает Чио-Чио-сан, пятнадцать лет (!). Исходя из современных реалий, возраст для заключения брака кажется непостижимым, но ведь «слóва из песни», то есть из либретто оперы, действие которой локализовано в Японии в начале XX века, не выбросишь!

На основании этого на полном серьезе выстраивается теория, что Чио-Чио-сан должны петь лирические сопрано – жаль, что до лирико-колоратуры не додумались! Но опера – жанр условный, и совсем юному созданию Чио-Чио-сан, исходя из вокальных задач и наделения ее чертами зрелости, даже не снящимися инфантильному Пинкертону, вокальный драматизм необходим как воздух: де-факто это партия драмсопрано!

Заметим: путь к Чио-Чио-сан и для Динары Алиевой был тернисто долгим, но тщательно подготовленным, и сегодня эта партия в галерее ее драматических героинь наряду с Турандот и Тоской занимает почетное место.

Премьера «Турандот» Пуччини на Исторической сцене Большого театра Опера и балет

После парижской «Мадам Баттерфляй» нынешняя премьера в Большом театре стала для певицы еще одной важной творческой вехой. Образ новой для нее Чио-Чио-сан обрел новый эмоционально-выразительный абрис, заиграл более рельефными и правдивыми вокально-драматическими красками, стал философски углубленным, психологически цельным.

Среди сопрано Большого Динара Алиева сегодня – единственная певица драматического амплуа, и как жаль, что на июльской серии «Мадам Баттерфляй» истинно драматические голоса – сопрано Динара Алиева и тенор Михаил Пирогов – не встретились в одном спектакле!

Не пересеклись они, спев разные спектакли, и на июльской серии постановки «Бала-маскарада» Верди – на продукции 2018 года, которой Большой театр закрыл свой юбилейный 250-й сезон. В эту постановку Динара Алиева вошла не с премьеры, но партия Амелии также стала ее восхитительным коньком, чувственным светом и пламенем озарив и на сей раз. А для Михаила Пирогова, влившегося в труппу в марте этого года, партия Ричарда, оставившая в душе рецензента неизгладимый меломанский восторг, явилась в Большом театре восьмой.

250-й сезон стал весьма насыщенным для обоих артистов, а Михаил Пирогов с момента зачисления его в труппу кроме названных партий выходил на сцену Водемоном («Иоланта»), Каварадосси («Тоска»), Калафом («Турандот»), Отелло («Отелло» Верди), Канио («Паяцы») и Андреем («Мазепа»).

Новый 251-й оперный сезон Большого театра открывается 5 сентября однократным показом новой постановки «Мадам Баттерфляй»: в главных партиях заявлены Рамиля Миниханова и Карлен Манукян, за дирижерским пультом – Валерий Гергиев…

Нина Ломанович: «Нет ничего выше оперного искусства»

Sun, 30 Aug 2026 11:16:03 +0300

Хормейстер Большого театра Беларуси о репертуаре и преданности музыке

Каждая ее работа — новая нота в звучании хора Большого театра Беларуси. На протяжении почти 50 лет талант и энергия главного хормейстера театра, народной артистки Беларуси Нины Ломанович помогали ткать многоголосую симфонию, которая удивляла зрителей разным настроением. 27 августа в театральных стенах хормейстер встретил 75-летний юбилей. Как Нина Ломанович пришла в музыку, какими качествами должен обладать оперный исполнитель, и что самое сложное в работе хормейстера, узнавала корреспондент БЕЛТА.

— Как вы подходите к своему юбилею: подводите итоги или для вас это обычный рабочий день?

— Я никогда не подвожу итогов на подобные праздники, а просто продолжаю работать, пока есть такая возможность. Хочется, чтобы это длилось как можно дольше, ведь я люблю свою работу.

— В какой момент жизни вы осознали, что хоровая музыка и дирижирование — ваше призвание?

— Когда я приехала из Мозыря в Гомельское музыкальное училище, то мой педагог Петр Федорович Кирейцев помог мне влюбиться в оперу. Я однолюб и считаю, что нет ничего выше оперного искусства. Мне повезло — поступив в Белорусскую государственную консерваторию (сейчас Академия музыки. — Прим. БЕЛТА), я попала в класс к главному хормейстеру нашего театра, народному артисту Беларуси Алексею Петровичу Когадееву.

С первого курса я оказалась в театральной среде, а на третьем, в 1976 году, Алексей Петрович пригласил меня работать хормейстером в театре. Вначале вводила в репертуар молодых певцов. Время пролетело как один миг. Мне поступало много предложений уйти в другие коллективы, но я отказывалась. Если я не буду работать в опере, то, наверное, не буду заниматься хором вообще.

Большой театр оперы и балета Республики Беларусь Театры и залы

— Какие уроки ваших наставников вы помните до сих пор?

— Петр Федорович Кирейцев воспитывал во мне музыканта. Не разъяснял и не разжевывал, а клал передо мной ноты и спрашивал, как я могу это произведение исполнить. Тогда я поняла, что нужно думать самой, а не ждать, когда педагог объяснит тебе темп или характер композиции. Алексей Петрович Когадеев был первым профессиональным хормейстером в театре. Он говорил: «Если ты захочешь, то сама научишься» и «Слушай всех и бери лучшее», ведь в каждом музыканте, пусть даже не в самом на первый взгляд талантливом, можно найти какое-то зерно.

— Как вам удается развивать единый организм хора, при этом сохраняя индивидуальность каждого музыканта?

— Оперный хор этим и сложен. Важна индивидуальность тембров, нельзя заменить одни голоса другими, как бывает в других хорах, а уже соединить их в единое целое помогут опыт и умение хормейстера, которые нарабатываются с годами.

— Что в работе для вас самое сложное?

— Общение с людьми. Нужно заставить их думать и мыслить о музыке так, как это слышится тебе. Пока мне, к счастью, удается.

— Вы работали с совершенно разными артистами. Какие качества в исполнителях вы цените больше всего?

— Конечно, за 50 лет работы сюда приходили разные люди, в том числе случайные, проработавшие год-два, но я очень ценю тех, кто остается тут надолго. У оперных певцов объемный и сложный репертуар. В любом другом коллективе профессиональный певец может подготовиться к концерту за пару репетиций, но в опере так никогда не получится. Необходимо запомнить огромное произведение на языке оригинала, войти в спектакль, спеть вместе с хором, почувствовать свою партию и костюм, понять режиссерскую задачу. В хоре есть артисты, которые служат театру и 30, и 35 лет.

— Насколько сложно составлять репертуар? Что для вас является определяющим: сложность, эмоциональная глубина, историческая ценность?

— Репертуар я составляю не одна. Этим занимается целый худсовет, куда входят и главный режиссер, и главный дирижер театра. Коллегиальное решение зависит от возможностей труппы. Если берется оперный спектакль, то, конечно, в театре должен быть не один состав, способный исполнить музыкальный материал.

Мы также учитываем, видела ли наша сцена такую постановку. Если спектакль здесь никогда не шел, это вызывает интерес публики. Бывает, что постановка возобновляется, потому что к ней есть особенное внимание. Так, по настоянию публики мы вновь поставили «Набукко».

— А какие у вас любимые постановки?

— Я очень люблю русскую классику и всегда мечтаю, чтобы у нас шли Прокофьев, Шостакович, Чайковский, Мусоргский. Мои любимые спектакли — «Хованщина», «Борис Годунов», «Катерина Измайлова». «Царская невеста», которая сейчас идет в нашем театре, это абсолютный шедевр. И в целом у нас сейчас очень много хороших молодых исполнителей.

— На что вы в первую очередь обращаете внимание, когда выбираете артистов в хор?

— На диапазон, силу голоса, тембр. У меня особое представление о звучании хора, поэтому даже если голос большой и сильный, я не беру человека, чей тембр мне не нравится. Важно и образование. Конечно, бывают самородки, но 80% хорового коллектива окончили Академию музыки.

Возраст — до 30 лет, потому что у нас огромный репертуар, учить который нужно не один сезон. Чем быстрее человек входит в репертуар, тем раньше мы можем доверить ему выход на сцену в коллективе хора и тем скорее он начинает приносить театру пользу. К тому же у женщин достаточно рано начинают проявляться гормональные изменения, которые влияют на голос. Важна и внешность, ведь артисты выступают на сцене. Их физический вид, умение двигаться и держать себя тоже играет большую роль.

— А как артисты становятся солистами? Сразу пытаются пройти прослушивание на сольную роль или набираются опыта в хоре и потом пробуют себя в соло?

— Конечно, театр объявляет прослушивание в труппу. Люди участвуют в конкурсе и художественный совет решает, кого пригласить. Иногда бывает так, что люди приходят в хор не потому, что они хуже солистов, а потому что любят коллективное творчество. Им чисто психологически петь в хоре легче.

Быть солистом очень сложно. Можно иметь замечательный голос и все равно не вытянуть сольное выступление из-за психофизики. Некоторые, не пройдя прослушивание в качестве солистов, приходят в хор и там настолько вокально и творчески вырастают, что позже вновь проходят прослушивание и становятся солистами. Хор оперного театра — хорошая ступень к будущей карьере солиста. За все время служения театру 14 моих артистов ушли в труппу солистов.

— Что помимо музыки вас в жизни вдохновляет?

— Не могу сказать, что музыка это все, и я не могу без нее жить. Я люблю жизнь и меня все понемногу интересует: моя работа, театр, история, медицина.

— Кто-то еще в вашей семье пошел по творческой стезе?

— Моя дочь стала балериной. Она пошла по линии моего мужа, который тоже был артистом балета, а старший внук музыкально одарен, но играет на рояле только для себя.

— Многие артисты отговаривают своих детей идти по похожему пути. Как вы отреагировали на выбор дочери?

— Я ее отговаривала, даже просила приемную комиссию поставить ей низкую оценку, чтобы она не поступила, ведь знала, что такое тяжелейший труд балерины, но у дочери были данные, поэтому преподаватели не смогли ей отказать.

— Хормейстер работает над хоровой партитурой оперы, но при этом сам спектакль ведет дирижер. Насколько важна его роль в успешном выступлении?

— Очень важна, ведь в театре два музыкальных коллектива: оркестр и хор. Во время работы над спектаклем у дирижера и хормейстера должно быть абсолютное взаимопонимание. Хормейстер делает для дирижера большую долю музыкального материала, особенно, если это хоровой спектакль. От того, как он подготовит партитуру, зависит, насколько сложно или легко будет работать дирижеру.

— Что нужно солистам и артистам хора для поддержания голоса в форме?

— Каждый певец знает особенности своего голоса и в какие моменты ему нужно быть внимательнее. Конечно, необходимо беречь голос, нельзя браться не за свои партии, даже если очень хочется. Вокалистам необходимо держать голос в форме, но отдых голосу крайне необходим. Невозможно петь все время. Перед спектаклем голос должен быть свежим, отдохнувшим.

— С чего бы вы посоветовали начать знакомство с оперой тем, кто никогда не был в Большом театре и не знает, какую постановку выбрать?

— Любовь к театру начинается с любви к спектаклю. Я советую начинать с русской классики. Скорее всего вы уже знакомы с сюжетом, ведь читали произведение в школе. Главное — найти тот спектакль, который вас искренне увлечет. Тогда вы полюбите оперу и захотите вернуться еще раз.

Справка

Нина Иосифовна Ломанович родилась 27 августа 1951 года в деревне Лапичи Осиповичского района Могилевской области. В школе участвовала в самодеятельности — пела в вокальном ансамбле. Поступила в Гомельское музыкальное училище им. Н. Ф. Соколовского (Гомельский государственный колледж искусств им. Н. Ф. Соколовского). После его окончания приняла решение продолжить учебу, став студенткой Белорусской государственной консерватории (теперь — Академия музыки).

Она попала в класс к главному хормейстеру Большого театра народному артисту Алексею Когадееву. На третьем курсе консерватории Алексей Петрович привлек Нину к работе над сложнейшей вагнеровской оперой «Лоэнгрин». К окончанию учебы ее дипломной работой в театре стала комическая опера Гаэтано Доницетти «Дон Паскуале».

В 1976 году Нина Иосифовна официально вошла в штат театра, а с 1993 года бессменно возглавляет его хоровой коллектив. Артисты под ее руководством в оперном спектакле не просто поют, а вносят яркий драматический вклад в постановку, проживают сценическую жизнь.

Под ее руководством хор достиг высокого профессионального уровня исполнения сложных по объему и исполнительским задачам хоровых партий в операх «Борис Годунов» и «Хованщина» М. Мусоргского, «Набукко» и «Аида» Дж. Верди, «Снегурочка» Н. Римского-Корсакова, «Турандот» Дж. Пуччини, «Князь Игорь» А. Бородина, «Сельская честь» П. Масканьи. Белорусскому хору рукоплескали зрители Германии, Франции, Италии, Испании, Бразилии, Таиланда и др. В материалах зарубежной прессы он удостоился высокой оценки за свои выступления на престижном фестивале Classic Openair в Швейцарии.

Театральные критики говорят, что оперный хор — это самый крупный бриллиант в короне Большого театра, а его идеальная ювелирная огранка — это заслуга Нины Ломанович.

В 1999 году ей было присвоено почетное звание заслуженного деятеля искусств Беларуси, в 2010 году — народной артистки Беларуси.

Нина Ломанович внесла неоценимый вклад в развитие отечественного оперного искусства, способствуя росту духовного потенциала. Ее высокий профессионализм и заслуги в сфере музыкального исполнительства отмечены многочисленными наградами. Она лауреат специальной премии Президента деятелям культуры и искусства в номинации «Музыкальное искусство», лауреат Государственной премии, кавалер ордена Франциска Скорины. Награждена нагрудным знаком Министерства культуры «За вклад в развитие культуры Беларуси».

Талантливый хормейстер регулярно входит в состав жюри престижных международных конкурсов. Хор театра участвует во многих значимых культурных мероприятиях Беларуси: церемонии вручения премии Президента «За духовное возрождение», фестивалях «Славянский базар в Витебске», у стен старинного замка в Несвиже, гала-концертах, посвященных Дню Победы.

26 сентября в Большом театре состоится показ оперы «Турандот» Джакомо Пуччини, приуроченный к юбилею Нины Ломанович. Спектакль станет частью масштабного творческого проекта «Год женщины в Большом театре Беларуси».

Источник: БЕЛТА

Приморская сцена Мариинского театра представит яркую культурную программу

Sat, 29 Aug 2026 14:50:39 +0300

С 1 по 4 сентября во Владивостоке состоится Восточный экономический форум. В рамках культурной программы мероприятия на Приморской сцене Мариинского тетра пройдет выступление народного артиста России Дениса Мацуева и концерт детского музыкального фестиваля «Белый пароход», также будут представлены масштабные репертуарные спектакли.

3 сентября для жителей и гостей столицы Дальнего Востока в Большом зале Приморской сцены в сопровождении Российского национального молодежного оркестра выступит прославленный российский пианист Денис Мацуев. В концерте под управлением дирижера Юрия Медяника также примут участие Артём Баскаков, Екатерина Мочалова, Давид Ткебучава, Софья Тюрина, Владимир Съянов.

4 сентября ярким акцентом культурной афиши ВЭФ-2026 станет концерт детского музыкального фестиваля «Белый пароход» в сопровождении Российского национального молодежного оркестра.

Детский музыкальный фестиваль «Белый Пароход» — это уникальный социальный проект, в котором принимают участие 174 талантливых ребенка со сложной судьбой, прошедшие конкурсный отбор по всей России. Концертную программу участники фестиваля подготовили под руководством опытных педагогов и наставников в ходе вокально-хоровой школы, которая предваряет большую гастрольную географию: детский сводный хор выступит в Мариинском театре в Санкт-Петербурге, в Большом театре в Москве и завершит серию концертов на Приморской сцене во Владивостоке.

Продолжат серию масштабных событий культурной программы Восточного экономического форума грандиозные спектакли репертуара Приморской сцены, с успехом показанные труппой в России и за рубежом.

5 сентября дважды будет дан балет Фикрета Амирова «Тысяча и одна ночь» — постановка, чаще других представляющая Приморскую сцену на гастролях. Спектакль с успехом шел в столицах Китая, Омана, Катара и Беларуси, а в России получил признание публики Мариинского и Большого театров.

6 сентября в Большом зале Приморской сцены представят масштабную оперу Джузеппе Верди «Аида» в постановке заслуженного деятеля искусств России Алексея Степанюка. Кроме родной сцены, постановка была дважды показана в Большом театре России, где ее высоко оценили зрители и музыкальные критики.

Пресс-служба Мариинского театра

«Сказки для взрослых» в особняке Мясникова

Sat, 29 Aug 2026 14:35:05 +0300

20 сентября 2026 (воскресенье) в 18:00. Концерт фортепианного дуэта в Особняке Мясникова в Петербурге

За что мы любим сказки? Уютные вечера, проведенные с родными за чтением сказок, увлекательные, захватывающие дух истории, волшебство и чудеса, пробуждающие наше воображение. Всё это и хотят отобразить через музыку петербургские пианисты Анна и Максим Маручек.

Концерт откроет Баркарола Рахманинова из 6 пьес для фортепиано в 4 руки, op. 11. Музыка ее похожа на старинную русскую сказку-быль, а стремительное Скерцо перенесет слушателя к элегантному Вальсу.

Затем этюд-картина ля минор из op. 39, известная под названием «Красная шапочка», сменится душевной, но и искрометной сказкой Метнера. Такие музыкальные истории способны навеять воспоминания об уютных вечерах с любимой бабушкой или мамой.

Немного космической фантастики привнесут две поэмы Скрябина опус 32. Французского шарма добавит цикл в 4 руки Равеля «Моя матушка Гусыня».

Второе отделение наполнится колоритом арабских сказок «Тысяча и одна ночь». В основе симфонической сюиты «Шехеразада» Римского-Корсакова — образ рассказчицы Шехеразады, которая своими историями спасает жизнь: каждую ночь она рассказывает султану Шахриару новую сказку и тем самым откладывает свою казнь.

Римский-Корсаков. Симфоническая сюита «Шехеразада» Симфонические

Авторское переложение в 4 руки для фортепиано ставит перед исполнителями сложнейшую задачу — подтвердить статус фортепиано как инструмента-оркестра и проявить виртуозность и слаженность игры вдвоем как одно целое.

Этот музыкальный вечер пройдёт в одном из самых красивых концертных залов Петербурга, в Особняке Мясникова (ул. Восстания, 45). Гости события побывают в тех старинных парадных и гостиных времён XIX века, в которых в прошлом столетии на популярных вечерних салонах Николая Карабчевского собирались главные представители светского общества: от прима-балерины Мариинского театра Матильды Кшесинской до знаменитого режиссера Всеволода Мейерхольда.

До начала концерта и во время антракта у гостей концерта будет время свободно прогуляться по отреставрированным парадным и гостиным, выполненным в стиле необарокко, сделать фотографии в интерьерах XIX века, а также отдохнуть у фонтана в Зимнем саду или насладиться классическими театральными закусками в буфете.

Вы также можете заранее забронировать стол с фуршетом и игристым на время антракта. Индивидуальная бронь осуществляется по телефону: +7 (931) 988-86-82.

Продолжительность концерта: 1 час 30 минут
Стоимость билета от 1500 рублей
Подробности и заказ билетов на сайте концертного зала

Об исполнителях:

Анна Маручек (Маркова) — лауреат международных конкурсов, среди которых Landolt piano competition 2012 (Цюрих, Швейцария, 1 премия), Brest International piano competition (Франция, 1 премия), International piano competition «Performance without limits» (Лодзь, Польша, 3 премия). Успешно выступала с сольными и камерными концертами в России, Финляндии, Германии, Швейцарии, Франции, Италии, Японии.

Максим Маручек — пианист, неоднократно участвовал в международных мастер-классах и летних Академиях у таких музыкантов, как Ж. Дюкро, А. Маркаров, М. Воскресенский, Д. Башкиров. Лауреат международных конкурсов, среди которых Brest International piano competition (Франция, 1 премия) и Smetana international piano competition (Чехия, III премия).

Как Родион Щедрин открыл для нас XXI век

Sat, 29 Aug 2026 13:04:57 +0300

Год назад, 29 августа, ушел из жизни композитор Родион Константинович Щедрин. Можно перечислять все его награды — нашей страны и не нашей, — но это все равно не отразит того, сколько потерял мир искусства и культуры с уходом Родиона Щедрина. Близкий друг композитора, его соавтор по многим произведениям (одна только «Поэтория» чего стоит!) поэт Андрей Вознесенский писал, что в других алфавитах нет буквы «Щ» — а в ней таится суть, назначение судьбы. Щедрин — большое «Щ» русской музыки. Великие Шостакович, Шёнберг, Шнитке, Штокхаузен работали в рамках XX века. Щедрин же прыгнул с нами в XXI век.

Родион Константинович Щедрин Композиторы

Произведения из последнего нотного сборника сочинений для хора a cappella «Век двадцать первый», который сам Щедрин еще успел увидеть, подержать в руках, — прозвучали в апреле 2021 года в исполнении его любимого Камерного хора Московской консерватории под управлением профессора Александра Соловьева, любимого ученика, давнего щедринского друга и «соавтора» Бориса Тевлина, многие годы возглавлявшего этот хор. И было естественно, что именно этот хор с Александром Соловьевым первым в прошлом году отдал дань ушедшему композитору в рамках фестиваля «Алексин Щедрина», проходившего в Тульской области…

Не случайно и воспоминаниями с «РГ» сегодня делится именно руководитель Камерного хора Московской консерватории Александр Соловьев.

Именно эти ваши концерты год назад первыми прозвучали уже в память Родиона Константиновича Щедрина…

Александр Соловьев: Это было естественно для нашего хора. Я понимаю, что многие оркестры мира, оперные и балетные театры, и солисты-инструменталисты, и вокалисты — с полным правом назовут Родиона Константиновича — СВОИМ композитором. И будут правы. Ведь свое первое сочинение — фортепианный концерт — Родион Константинович написал в 1954 году. Он сам был блестящим пианистом — школа Якова Флиера! И в том же году — первые работы для драматических театров, и почти сразу же балет для Большого театра «Конек-Горбунок». И музыка для кино. До сих пор, уже седьмое десятилетие, поют его задорный марш «Не кочегары мы, не плотники». Песенные стили менялось, а песня живет. Мы еще при жизни Родиона Константиновича сделали свою, хоровую версию. Он одобрил!

Наш хор не мог не откликнуться на уход великого Мастера. Именно по моей просьбе, по моему заказу композитор Кузьма Бодров написал «Вокализ» памяти Родиона Щедрина. И уже 15 сентября 2025 года, меньше чем через полмесяца после прощания с Щедриным, прозвучало это сочинение в исполнении Камерного хора МГК в Большом зале консерватории. Боль была еще так остра: слезы на сцене, слезы в зрительном зале… И это было первое сочинение не Родиона Константиновича, а в Память о нем…

Да, я помню этот концерт. И ту звенящую тишину зала в первые минуты после окончания вместо аплодисментов. Мы же привыкли к торжественным словам на ваших концертах: «А сейчас премьера сочинения Родиона Щедрина, написанная специально для Камерного хора Московской консерватории»... Сколько же было таких премьер?

Крылатая фраза «Пиши для хора», которой вместо «до свидания» завершал свои беседы с Щедриным профессор Борис Тевлин, действительно имела магическое действие: Родион Константинович создал немало произведений в хоровом жанре. Но особо выделил бы русскую хоровую оперу «Боярыня Морозова», подаренную композитором Тевлину на его 75-летие. Премьера состоялась в октябре 2006, в Большом зале консерватории, и с той поры сочинение исполняется нередко, в том числе, в Мариинском театре и маэстро Валерием Гергиевым, главным сохранителем, близким другом и гением продвижения творчества Родиона Щедрина практически во всех жанрах, в которых он писал.

А когда вы открыли для себя Щедрина-композитора — в музыкальной школе, в хоровом училище?

Будучи студентом Гнесинского музыкального училища в середине девяностых годов прошлого века мне довелось исполнить известную фортепианную пьесу Щедрина «В подражание Альбенису».

А личное знакомство?

Первую личную встречу с Щедриным судьба подарила мне в декабре 1997 года, когда я принимал участие — в качестве артиста Камерного хора Московской консерватории под управлением профессора Бориса Григорьевича Тевлина — в исполнении поэмы «Казнь Пугачева» и ряда хоровых миниатюр. Это было в Малом зале консерватории на юбилейном концерте в честь 65-летия Родиона Щедрина. Потом была совместная поездка в Италию на фестиваль, многочисленные юбилейные вечера композитора, в которых Камерный хор неизменно участвовал. В 2000-е годы, общался с Щедриным уже как директор Камерного хора, был свидетелем и участником многих его творческих побед.

Каким он вам запомнился, что вам дало общение с ним?

Мне было дорого его неформальное, отеческое отношение. Дружба Щедрина с Тевлиным, продолжавшаяся более полувека, после безвременного ухода нашего руководителя, «по наследству» передалась мне, и в последнее десятилетие наше общение было интенсивным, как очно, так и в переписке, и в частых телефонных контактах. Дорогого стоила сама возможность советоваться по самому широкому кругу профессиональных тем и жизненных вопросов.

Щедрин был современным человеком, активно пользовался компьютером, мобильником, мессенджерами. Я отправлял ему ссылки на трансляции наших концертов или видео, и он всегда внимательно смотрел, слушал и давал подробные оценки и рекомендации. Многие разговоры остались в записи, и теперь это не просто свидетельства нашего общения, но бесценные уроки!

Ко времени вашего знакомства Щедрин был уже мировой величиной, почти что классиком — при этом все, кто с ним общался, помнят озорную мальчишескую смешинку в его глазах. Не замечали? Не только в музыке — а в нем самом — этот вечный мальчишеский задор?

Вспоминаю главное его напутствие, которым он любил настраивать исполнителей, говоря о том, что «музыка — это контрасты», а самый ужасный музыкант — «меццефортист».

А Майя Михайловна Плисецкая бывала на ваших репетициях?

Бывала, и не раз. Но Камерному хору посчастливилось даже выступить с Майей Михайловной, когда она станцевала в версии балетного номера, поставленного Морисом Бежаром. Знаменитый «Танец с веерами» на музыку транскрипции Щедрина Ave Maria Баха-Гуно для хора a cappella, которая была названа Ave Maya. Это был незабываемый вечер «50 лет вместе!» в Малом зале Московской консерватории.

В столице, на Тверской, теперь их квартира стала музеем — в былые времена вы часто бывали здесь. Майя Михайловна и Родион Константинович шутили: «У нас всегда здесь чемоданное настроение — то отъезды, то приезды». Но гостей любили принимать.

Даже сейчас, когда квартира стала музеем, в ней сохранилась атмосфера, которая была при жизни этой удивительной семьи. Приятно, что по-прежнему висит и памятная афиша с премьеры «Боярыни Морозовой»… Но наше творческое общение с Родионом Константиновичем чаще проходило в квартире по соседству, на том же этаже. Там был его «кабинет» с роялем, аппаратурой, там он сочинял свои произведения, показывал исполнителям.

Вот я сама про себя проигрываю: какое же сочинение Щедрина вспоминается ярче всего? За «Поэторией» с Андреем Вознесенским всплывает балет «Конек-горбунок». Совершенным чудом вспоминается грандиознейшая «Гамлет-сюита» для 1001 виолончели! У автора, правда, было для 1000 — но одну «приписал» Мстислав Ростропович, первый дирижер этого сочинения в Японии, шутливо заметив автору: он ведь тоже виолончелист — следовательно должна быть 1001 виолончель! Или «Автопортрет», премьеру которого я услышала в Музее Глинки, ныне — Музее музыки (Родион Константинович говорил мне, что Майя Михайловна это сочинение не очень любила — а мне интересно его разгадывать). Или «Приключения обезьяны» по рассказу Зощенко. И, конечно же, Лесков… Как среди его произведений выбрать любимейшее? Вам — удается?

Партитур дорогих сердцу и по-настоящему трогающих музыкально много. Некоторые давно мечтал исполнить в качестве дирижера и рад, когда желания осуществляются. Одно из них — «Многие лета» для фортепиано, ударных и хора.

Очень дорожу тем, что при жизни Щедрина дважды провел фестиваль «Запечатленный ангел», названный по одноименной русской литургии Щедрина на слова Лескова. И, кстати, Камерный хор Московской консерватории осуществил уникальное исполнение этой музыки в храмовом пространстве Успенского собора Алексина (особом месте, где служил настоятелем дед Щедрина). А масштаб фестиваля еще в 2017 году настолько впечатлил композитора, что он посвятил нам новый цикл «Русские народные пословицы». Их выбор, несомненно, неслучаен и во многом автобиографичен. «Сладок будешь расклюют, горек будешь расплюют», «Богу не грешен, царь не виноват»…

Этот цикл, как и хоровые миниатюры «Бурлеска», «Эпиталама», «Колыбельная», написан с Щедриным в самый поздний период творчества. И как символический знак для меня его автограф-посвящение: «Александру Владиславовичу Соловьеву» — на его последней работе «Притча».

Эти хоры абсолютны созвучны вибрациям времени и вошли в сборник, который назван по стихотворению Андрея Вознесенского: «Век XXI». Примечателен выбор поэтов, к которым обратился Щедрин: его любимый Маяковский, лично знакомые ему Давид Бурлюк, Николай Глазков, неожиданный Эдуард Лимонов — на него внимание Щедрина обратила когда-то Лиля Брик. Казалось, композитор замыкал жизненный круг, возвращаясь к ярким фигурам времен своей юности.

Начинал он с Пушкина — самые первые хоровые опусы были написаны на его стихи и, конечно, «Строфы „Евгения Онегина“»… И ведь всю жизнь Щедрин писал только на тексты русских писателей и поэтов! Чехов, «Дама с собачкой», Толстой, «Анна Каренина», Лесков, протопоп Аввакум…

А какими они были ярыми спортивными болельщиками! Однажды по моей просьбе они даже поработали в эфире нашей радиостанции «Маяк» спортивными комментаторами важного футбольного матча, проходившего в Мюнхене. Пока у нас устраняли какую-то техническую неполадку, Плисецкая с Щедриным очень профессионально провели несколько минут в эфире, комментируя происходящее. Жаль, не сохранилась та запись…

И что бы ни происходило, как бы далеко не заносила жизнь, в Щедрине до последнего дня жил его родной тульский городок Алексин… Вы ведь там бывали вместе с ним?

Да, дважды мы ездили с ним в город его детства — он всегда хотел вернуться к своим истокам, к тем местам, которые сформировали его ощущение, понимание России. Но еще раньше мы с одним из кропотливых исследователей творчества Щедрина, профессором Евгенией Кривицкой обнаружили в Алексине на улице Радбужской старинный дом Щедриных, половина которого была выставлена на продажу. Рассказали Родиону Константиновичу и… благодаря серьезным усилиям его друзей и меценатов теперь здесь Музей семьи Щедриных.

Здесь звучит голос самого композитора — его рассказ о роде, о традициях их дома. Он записал за несколько месяцев до смерти по просьбе Евгении Кривицкой, и до последних дней беспокоился, каким будет музей.

В сентябре этого года уже в третий раз пройдет фестиваль «Алексин Щедрина», где в исполнении Камерного хора прозвучат его хоровые сочинения, над которыми автор непосредственно работал с нашим коллективом. Фирма «Мелодия» заказала нам студийную запись этих хоров, и мы успешно ее осуществили, выход релиза намечен на ноябрь — это один из наших подарков к предстоящему дню рождения композитора.

Вознесенский писал — во что ни одень Щедрина, в джинсовку, водительскую кожанку, литой костюм, костюм для виндсерфинга — все равно перед нами большой Мастер, вся жизнь которого до секунды посвящена Искусству… А вдруг найдутся в неразобранном архиве композитора наброски, неизвестные сочинения для вашего хора?

Все может быть. Рукописи ведь не горят и не исчезают. Пару лет назад так нашлись в частном архиве органного мастера Наталии Малиной «Телеграммы» для органа соло. Представляю, какое счастье было бы — торжественно объявить на нашем концерте: «Премьера нашего великого композитора Родиона Константиновича Щедрина». Какая буря аплодисментов встретит эти слова… Хотелось бы!

Людмила Дубовцева
Источник: «Российская газета»

Памятник Сергею Прокофьеву установят в Донецке

Fri, 28 Aug 2026 11:43:07 +0300

Реставраторы восстановили спасенный российскими солдатами памятник композитору Сергею Прокофьеву. Скульптурная композиция великому музыканту в прошлом году под обстрелами ВСУ была эвакуирована из села Красное в Донецк.

Планируется, что монумент до конца года будет установлен в сквере рядом с Донецкой филармонией.

«Хотим сохранить полувековые ели, дополнить существующее озеленение, стилизовать пространство вокруг и обустроить зоны для отдыха. Хочется, чтобы сюда можно было прийти немного раньше концерта, сесть в тени деревьев и услышать из окон репетицию», — заявил вице-премьер ДНР Кирилл Макаров.

Сергей Сергеевич Прокофьев Композиторы

Сергей Прокофьев родился в 1891 году в селе Сонцовка Бахмутского уезда Екатеринославской губернии (ныне село Красное Красноармейского района ДНР). К 100-летию со дня рождения композитора на его родине был установлен памятник работы скульптора Василия Полоника. Монумент изображал музыканта сидящим на скамье и весил около пяти тонн.

В декабре 2024 года российские солдаты освободили Красное от ВСУ и доставили поврежденный памятник в Донецк. Помимо монумента в Донецкий республиканский краеведческий музей были переданы и другие спасенные экспонаты: рояль композитора, архивные фотографии и уникальные музыкальные пластинки.

Тимур Алиев, Донецк
Источник: «Российская газета»

9-й концертный сезон в Зале Зарядье

Fri, 28 Aug 2026 11:19:43 +0300

Девятый концертный сезон в Зале Зарядье откроется 6 сентября циклом концертов к 120-летию со дня рождения Дмитрия Шостаковича. В первый вечер на сцене зала – симфонический оркестр Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева.

Ранее в этот день пройдет органный концерт «Москва златоглавая», посвященный Дню города.

В Девятом сезоне запланированы более 500 мероприятий, среди них симфонические и камерные программы, сольные концерты, оперные и балетные постановки, хоровые, этно- и джазовые проекты, проекты направления «Зал Зарядье – детям».

Московский концертный зал «Зарядье» Театры и залы

«Девятый сезон откроется масштабным циклом к 120-летию Дмитрия Дмитриевича Шостаковича. Симфонический оркестр Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева исполнит все симфонии Шостаковича в течение сентября и октября, а сам цикл продлится до декабря и завершится в рамках Пятого зимнего фестиваля «Зарядье». В Девятом сезоне пройдет более 500 мероприятии с участием ведущих коллективов, выдающихся российских и зарубежных артистов. Наша главная задача – показать слушателям все многообразие жанров: от барокко до наших дней. Конечно, особенное внимание мы уделяем проекту «Зал Зарядье – Детям» и его зрителям, для которых готовим как премьеры, так и повторим наиболее востребованные проекты», – отметил генеральный директор Зала Зарядье Иван Рудин.

Он уточнил, что на сцену выйдут Валерий Гергиев, Владимир Спиваков, Денис Мацуев, Николай Луганский, Ильдар Абдразаков, Кристоф Барати, Симон Трпчески, Вадим Репин, Альбина Шагимуратова, Борис Березовский и многие другие. В программах примут участие артисты из США, Кубы, Германии, Венгрии, Румынии, Финляндии, Италии, Греции, Турции, Китая, Южной Кореи, Японии и других.

К 120-летию Дмитрия Шостаковича зал представит цикл из более чем 20 концертов: в программу войдут все симфонии, инструментальные концерты, а также квартеты, прелюдии и фуги для фортепиано и многие другие сочинения композитора.

Цикл откроется концертами симфонического оркестра Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева, а в день рождения композитора, 25 сентября, пианист Юрий Фаворин и Московский государственный симфонический оркестр под руководством Ивана Рудина исполнят Первый концерт для фортепиано с оркестром.

Юрий Фаворин: в предчувствии болида Музыка

Девятый сезон представит циклы концертов, приуроченные к другим памятным датам: к 100-летию Мстислава Ростроповича и Галины Вишневской, юбилеям Франца Шуберта и Ференца Листа и других.

Фестиваль Российского национального оркестра

Fri, 28 Aug 2026 11:08:51 +0300

10 сентября стартует Фестиваль Российского национального оркестра – одно из крупнейших событий, открывающих новый концертный сезон Московской филармонии. Форум приурочен к 120-летию со дня рождения Дмитрия Шостаковича; этой дате посвящены три программы, подготовленные специально для фестиваля.

Наряду с художественным руководителем оркестра Александром Рудиным за дирижерский пульт встанут Александр Сладковский и Федор Безносиков, солистами выступят пианисты Владимир Вишневский и Дмитрий Шишкин, а также тенор Игорь Морозов. Ведущий концертов – Ярослав Тимофеев.

Большой фестиваль РНО ежегодно проходил в Москве с 2009 по 2020 год. В 2024-м проект был возрожден в обновленном формате и годом позже открыл юбилейный сезон коллектива, отмечавшего 35-летие; украшениями программы стали мировая премьера вокального цикла «Немая Вега» Андрея Головина и концертное исполнение оперы «Дафна» Рихарда Штрауса.

Движение к свету: XII Большой фестиваль РНО Музыка

Нынешний фестиваль также не обойдется без мировой премьеры (над новым сочинением работает Владимир Горлинский) и без шедевра позднего романтизма – его завершит Шестая симфония Густава Малера.

В двух программах наряду со знаковыми симфониями Шостаковича – Десятой и Пятой – прозвучит музыка его старших и младших современников: от Александра Глазунова и Сергея Прокофьева до Бенджамина Бриттена и Родиона Щедрина.

Выбор имен не случаен: Глазунов, представленный сюитой «Из средних веков», поддерживал Шостаковича в начале творческого пути, отмечая его «исключительно разностороннее музыкально-художественное дарование».

Прокофьев и Шостакович во многом противоположны – и по складу личности, и по природе таланта: это подчеркивает соседство их сочинений – солнечного Первого фортепианного концерта и сумрачной Десятой симфонии. Судьбы композиторов не раз пересекались, в том числе в драматических обстоятельствах, что и сегодня побуждает находить в их музыке различия и сходства.

Не менее выразительный контраст – виртуозный Фортепианный концерт Бриттена и драматическая Пятая симфония Шостаковича, созданные почти одновременно, во второй половине 1930-х годов.

Дмитрий Дмитриевич Шостакович Композиторы

Бриттен уже был знаком с оперой «Леди Макбет Мценского уезда». Шостакович услышал музыку Бриттена существенно позже, а их первая встреча состоялась только в 1960-м. Композиторы стали друзьями и неоднократно виделись, их взаимное уважение и влияние трудно переоценить.

Шостакович стал кумиром и для Щедрина, которого поддерживал на разных этапах пути и оказал на него заметное влияние. Третий концерт для оркестра Щедрина, «Старинная музыка российских провинциальных цирков», прозвучит на открытии фестиваля.

Если первые две программы сосредоточены на современниках Шостаковича, то финальная выстроена иначе: самое раннее и самое позднее сочинения в ней разделяет больше века – 122 года.

Шостакович не пересекался ни с Горлинским, родившимся через девять лет после его смерти, ни с Малером, умершим, когда Шостаковичу не было и пяти лет. Тем интереснее драматургия концерта: Шесть романсов на слова японских поэтов – ранний вокальный цикл Шостаковича, впервые исполненный через 32 года после создания, – окружают сочинения его великого предшественника и нашего современника.

Фестиваль завершит Шестая симфония Малера – одного из важнейших для Шостаковича композиторов: малеровскую «Песнь о земле» (по свидетельству Щедрина) он называл единственной партитурой, которую взял бы на необитаемый остров.

О своей пьесе «Контрафорсы» для двух оркестров – симфонического и электронного – Горлинский рассказывает: «Состав включает электронный звук, который распространяется из колонок, распределенных над оркестром. Звук перемещается от акустических инструментов наверх и “падает” обратно… В пьесе нет прямых отсылок к Шостаковичу – есть некоторые аллюзии и пересечения на уровне общей идеи: от натиска и мрака, через очищение и осмысление – переход к тихому свету, просветлению».

За годы существования Российский национальный оркестр под управлением выдающихся дирижеров представлял и мировые премьеры, и незабываемые интерпретации произведений Малера, Глазунова, Прокофьева, Бриттена, Щедрина, Шостаковича. В трех программах фестиваля РНО вновь предстанет перед слушателями гибким, универсальным, современным симфоническим коллективом.

«Нос» Шостаковича — премьера в Самарской опере

Thu, 27 Aug 2026 14:55:35 +0300

К 120-летию со дня рождения Дмитрия Шостаковича на сцене Самарского театра оперы и балета – премьера оперы «Нос». Спектакль состоится 6 и 8 сентября в рамках VII Международного фестиваля искусств «Шостакович. Над временем».

Создатели спектакля: дирижер-постановщик – Павел Смелков, дирижер – Евгений Хохлов, музыкальный консультант – Ирина Соболева, режиссер-постановщик – Ксения Шостакович, художник-постановщик и художник по костюмам – Юлиана Лайкова, художник по свету – Денис Солнцев.

В 1928 молодой Дмитрий Шостакович написал оперу, основанную на повести Николая Гоголя «Нос». По словам Шостаковича, сюжет был выбран, потому что давал возможность создания сатиры на эпоху Николая I.

Опера Дмитрия Шостаковича «Нос» Оперы

«Музыка в этом спектакле не играет самодовлеющей роли, – писал композитор. – Здесь упор на подачу текста. Добавлю, что музыка не носит нарочито пародийной окраски. Нет! Несмотря на весь комизм происходящего на сцене, музыка не комикует. Считаю это правильным, так как Гоголь все комические происшествия излагает в серьезном тоне. В этом сила и достоинство гоголевского юмора. Он не острит. Музыка тоже старается не острить».

Либретто опирается на подлинный текст повести, но со значительными вставками – фрагментами из других сочинений писателя («Женитьбы», «Старосветских помещиков», «Мертвых душ», «Тарана Бульбы» и др.).

Драматургическое своеобразие «Носа» заключается в стремительном развороте интриги, многомерности музыкально-сценического действия, близкого работам Всеволода Мейерхольда, с которым Шостакович в эти годы активно общался.

Первоначально планировалось, что Мейерхольд и поставит оперу на сцене Большого театра, однако режиссер был слишком занят другими спектаклями. Тогда оперу передали в Малый оперный театр, где 18 января 1930 состоялась премьера (дирижер – Самуил Самосуд, режиссер – Николай Смолич, художник – Владимир Дмитриев).

Советская критика встретила «Нос» скептически, музыка была объявлена «слишком сложной» для рядового зрителя. В период 1930–1931 опера была показана 16 раз, но затем снята с репертуара.

В 1962 партитура «Носа» была издана венским издательством «Universal Edition», после чего оперу стали ставить в различных зарубежных театрах.

В СССР опера вернулась лишь в 1974 в постановке Московского камерного музыкального театра под управлением Геннадия Рождественского (режиссер – Борис Покровский, художник – Виктор Талалай).

Прикоснуться к «Носу» Опера и балет

Следующее появление «Носа» на отечественной сцене относится лишь к 2004, когда опера была показана в Мариинском театре (дирижер – Валерий Гергиев, режиссер – Юрий Александров, художник – Зиновий Марголин).

Опера была поставлена в Бостонской опере в начале 2009, а также в Метрополитен-опере в Нью-Йорке в марте 2010. Эта постановка была возобновлена в 2013 и транслировалась в кинотеатрах по всему.

В 2021 поставлена в Баварской государственной опере в Мюнхене. Режиссер – Кирилл Серебренников, музыкальный руководитель – Владимир Юровский.

«Нос» Шостаковича в Баварской опере Опера и балет

По материалам пресс-службы театра

Британский хореограф Джона Пол Кук представит балет по роману Достоевского

Thu, 27 Aug 2026 14:05:26 +0300

Британец Джона Пол Кук в последние годы стал заметным участником российской балетной жизни. Экс-премьер Баварского и Цюрихского балетов вместе с женой Ксенией Рыжковой пять лет назад приехал в Россию и стал ведущим солистом Театра Станиславского и Немировича-Данченко. Вскоре он начал пробовать себя как хореограф и сейчас бесперебойно выпускает спектакли, созданные для Севастопольского театра оперы и балета.

Самый молодой из театров России пока ждет, когда закончится строительство его здания, и базируется в Москве, но на глазах обретает имя и репутацию. Прошлый сезон театр завершил получением первой «Золотой маски» за балет Джоны Кука «Грозовой перевал», а нынешний начинает с премьеры — балета по роману Достоевского «Игрок». Первыми ее увидят зрители в Новосибирском театре оперы и балета.

Балет «Игрок» — премьера Севастопольского театра

Для Севастопольского театра вы поставили «Грозовой перевал» по роману Эмили Бронте и «Поликушку» по рассказу Льва Толстого — для балета произведения не очень популярные. Теперь вы продолжаете эту линию «Игроком» Достоевского. Чем он вас привлек?

Джона Пол Кук: Когда я что-то читаю, всегда одновременно думаю, возможно это поставить как балет или нет. И когда я читал «Игрока» в первый раз, мне казалось, что это прямо очень сложно — столько нюансов, необычная история. Но потом, когда я перечитывал роман, то подумал, что те сцены, что происходят в казино, для танцев могут быть очень цельными. Для меня это было очень интересно, потому что балеты, которые я делал раньше, были скорее для солистов — в нашей севастопольской труппе не было кордебалета. Но в этом году Ксения (Рыжкова, художественный руководитель балета Севастопольского театра. — Прим. ред.) нашла ребят. У нас пока небольшой коллектив — двадцать два человека, но я почувствовал, что в этот раз надо сделать какие-то настоящие массовые номера.

Двадцать два человека — это именно кордебалет?

Нет, это вся труппа, включая солистов. Немного, но это лучше, чем было раньше, когда в штате была только Ксения, приглашали несколько солистов — и все. С февраля мы уже начали работать как настоящая труппа. Я понял, что это надо использовать. «Игрок» для этого отличный вариант. В нем много персонажей: Англичанин, Француз, Бабушка, Генерал, Алексей, Полина — каждый с интересным характером… И, конечно, эстетика казино, эстетика отеля в Европе. И очень стимулировало то, что в балете этот роман никто еще не использовал, мы будем первыми.

Ориентировались ли вы при этом на одноименную оперу Прокофьева?

Конечно, я смотрел, я слушал. Сначала думал использовать в балете музыку из оперы — самый простой вариант. Но понял, что тогда нужно использовать и драматургию оперы. Поэтому решил искать другой путь. Петипа было легко — у него рядом был Чайковский, у нас, конечно, такого композитора нет. Я думал поставить весь балет на музыку Бетховена. Но либретто у нас прыгает туда-сюда, потому что роман очень короткий и…

…лихорадочный, как рулетка?

Да, как рулетка. И я хочу, чтобы зрители так же воспринимали наш балет. По-английски мы говорим об игроках в рулетку, что они словно оказываются в красном тумане. Или как лошадь на скачках в шорах — она уже ничего не видит вокруг. Мне хочется, чтобы зрители почувствовали эту страсть, это состояние полной поглощенности игрой.

Поэтому я отказался от Бетховена и обратился к музыке барокко. Это была очень долгая работа: я слушал Баха, Вивальди, Скарлатти. И в какой-то момент понял, что барочная музыка — далеко не только красота и изящество, как мы иногда привыкли ее воспринимать. Для себя я называю её barrock «n» roll — это такая игра слов: baroque и rock «n» roll, своего рода «барокко-н-ролл». Потому что в этой музыке есть невероятная энергия, страсть, драйв. Именно это ощущение мне и было нужно для «Игрока».

Музыка в вашем спектакле будет звучать вживую или в записи?

Живая, конечно. Мы давно работаем с дирижером Артемом Абашевым, он музыкальный руководитель спектакля. Он же помогает сделать его музыкальную партитуру. Я нашел всю музыку, которую хочу использовать. Думал включить пару композиций с соло фортепиано, но Артем считает, что энергия от этого чуть падает. Поэтому я нашел дополнительную оркестровую музыку, а он все это должен соединить, аранжировать, возможно, где-то использовать другие музыкальные инструменты, чтобы все звучало как единое целое.

Кто разрабатывал драматургию спектакля и написал либретто?

Я сделал сценический план, опираясь, конечно, на Федора Михайловича: внутри этой сцены должно происходить то и это, для нее подходит такая-то музыка. Конечно, мы не можем показать каждую сцену романа, и нужно решить, что важнее. Это обычные сложности, когда литературу выводят на сцену. А красивый текст краткого содержания пишет для нас филолог Ольга Кузнецова, с которой мы сотрудничали при работе над «Поликушкой».

Как хореограф начинали вы с постановки одноактных балетов. Что заставило вас сменить формат?

Я не думал, что буду хореографом. Еще когда я работал в Мюнхене (Джона Кук — экс-премьер Баварского балета. — Прим. ред.), Игорь Анатольевич (Зеленский, в те годы худрук Баварского балета. — Прим. ред.) как-то сказал мне, что готовится тройчатка одноактных балетов, и предложил стать в ней хореографом третьего балета. Да, это был одноактный балет. И таким был сюжет — не очень понятный, но был. А когда мы приехали в Россию, я поставил одноактный балет «Рахманинов. В память». После этого мне сказали, что нужен большой балет. Работа над большой и короткой формой в принципе одинаковая, только времени занимает больше. Тридцатиминутный балет — это месяц с карандашом и месяц в зале. Если большая работа, три акта, тогда это три месяца на блокнот и три месяца в зале.

Вы ведь в отличной танцевальной форме, могли бы просто продолжать выступать. Что сподвигло вас развивать карьеру хореографа?

Нужно развиваться. «Грозовой перевал» получил «Золотую маску». Для меня это стало важным подтверждением того, что мои работы интересны зрителю, что стоит двигаться дальше. С каждой новой постановкой мне хочется ставить перед собой более сложные задачи. «Игрок» в этом смысле — следующий шаг: здесь больше масштаб, больше артистов, сложнее драматургия, есть решения, которых я раньше не пробовал. Получится ли все именно так, как я задумал, пока не знаю. Но для меня важно продолжать искать и развиваться как хореограф.

Есть стандартная модель воспитания танцовщика. А как становятся хореографами?

Я думаю, это просто опыт. Когда я был в зале, репетировал с хореографами и педагогами, я об этом не думал, но сейчас понимаю, что это была моя школа хореографа. Самая лучшая школа — это работа танцовщика.

Для вас с кем из хореографов было интереснее всего работать?

Думаю, это те хореографы, которые очень хорошо знали, чего хотят от любого танцовщика, вплоть до любого движения пальца. Конечно, как артист думаешь: почему же только так? Но когда видишь результат, то понимаешь, почему. Так было в работе с Ноймайером и всеми его ассистентами — у них все было абсолютно точно. Такой же была работа с командой Пины Бауш. С Уильямом Форсайтом. Он работает совсем иначе, потому что у него бессюжетный балет, виртуозный, но как школа встреча с ним была тоже важна. По сравнению с ними в своих балетах я не придумываю ничего абсолютно нового, я, как и все хореографы, понемногу беру от всех и создаю из этого свой язык.

Сами вы оставляете артистам простор или дотошно требуете выполнения своего плана?

Когда мы начинали ставить «Грозовой перевал», я до репетиций знал, чего хочу. Я ставил на себя и на Ксению, а потом показывал остальным. Но оказалось, так не работает. Можно два часа репетировать и добиваться того, что ты придумал, но на теле другого человека хореография смотрится совсем иначе и часто выглядит нелогично. Поэтому лучше вместе с танцовщиком найти общий вариант. У каждого артиста есть что-то, что он делает лучше всех остальных. Надо использовать это.

Вы начали сотрудничество с Севастопольским театром как приглашенный артист и хореограф. Сейчас, с формированием труппы, ваш статус изменился?

Я по-прежнему не в штате, потому что сейчас это просто нереально — у меня есть и другая работа, вот сейчас я одновременно готовлю спектакль в Петербурге, премьера должна быть в феврале. Но планирую дальше ставить и танцевать с Севастопольским театром. Мы сейчас как семья. В большом театре, где в труппе двести человек, невозможно так близко знать каждого, а у нас пока небольшой круг: все хорошо знаем друг друга, стараемся помогать и каждый день вместе работаем в зале. Поэтому у нас есть доверие, мы можем быть откровенными. Для меня как для хореографа это очень хорошо, потому что сразу видно, чувствует человек хореографию или нет.

Несколько лет назад вы круто изменили свою жизнь и приехали из Европы жить в Россию. Чем это было обусловлено?

У нас с Ксенией двое маленьких детей, и нам хотелось, чтобы рядом были их бабушка и дедушка. Для нас это было важно. Мы уже знали о Севастопольском театре и тогда рассчитывали, что довольно скоро сможем работать непосредственно на его сцене. Открытие театра пока приходится ждать, поэтому сегодня мы репетируем в Москве, а спектакли показываем на гастролях. Конечно, нам очень хочется, чтобы у театра появилась возможность как можно скорее полноценно работать в Севастополе.

Для меня это решение оказалось важным и в профессиональном смысле. Как артист балета я понимал, что нужно думать о дальнейшем развитии. За четыре года я работаю уже над третьим большим балетом, и у меня есть возможность расти в новом для себя качестве — как хореографу.

Вы приехали в страну с огромной балетной традицией. Но и выросли вы в большой традиции британского балета. Не сложно ли для вас их совмещать?

Я не думаю, что это проблема. В каждой стране есть свои традиции, но балетный мир единый, и все труппы танцуют общий репертуар — французские, русские, американские балеты. Сейчас в России появились сложности, потому что только российские хореографы ставят здесь, и мы не можем танцевать Баланчина или Пину Бауш — права на исполнение их произведений сейчас отменены. Но когда я работаю с Владиславом Лантратовым (премьер Большого театра. — Прим. ред.), я чувствую за его исполнением огромный опыт артиста, знакомого с самыми разными хореографическими стилями и языками мирового балета. А вот для молодых танцовщиков, которые только начинают танцевать, это будет другая история. Я хочу помогать им, помогать развиваться, становиться опытными артистами.

Ваша карьера хореографа полностью связана с Россией. Но если отвлечься от географических реалий, как вы видите перспективу своего профессионального развития?

Я не смотрю надолго вперед. Мне нравится то, что я уже сделал, а сейчас у меня есть «Игрок», есть премьера в феврале — и я не хочу думать дальше, на данном этапе достаточно. Это так сложно для меня — поставить спектакль! Я чувствую большую ответственность — не только за танцовщиков, но за все службы театра, которые задействованы — техническую команду, администрацию. Они ждут, что получится. Лучше отдать сто процентов того, что я могу, сейчас, а дальше посмотрим.

Что вас питает как творческую личность? Чем вы живете, помимо спектаклей?

Для работы и для жизни мне важна музыка. Я просто люблю музыку. Там столько разных стилей, эпох, они дают разные эмоции. Еще — жить внимательно, смотреть на людей. И дети, конечно. Они такие честные, искренние. Наблюдать за людьми важно, потому что это я должен использовать в работе, в спектаклях. Я хореограф, но как постановщик спектакля я еще и театральный режиссер, а на пятьдесят процентов — психолог, потому что я должен чувствовать, с одной стороны, эмоцию зрителя, а с другой — уметь взаимодействовать с артистами, потому что все они разные, у каждого своя жизнь, но я должен их объединить для создания спектакля. Это сложно, но для меня это очень интересно.

Вы хорошо говорите по-русски. Давно учите язык?

Я знаю, что делаю очень много ошибок, и сначала стеснялся, не хотел говорить, все переводил с помощью телефона. Но потом мне стали помогать дети — они гораздо быстрее учат язык, потому что с ними Ксения дома говорит по-русски и им везде приходится говорить по-русски. Матвей, наш старший сын, уже меня поправляет, когда я ошибаюсь. Сам я чувствую, что если я хочу работать здесь, надо общаться с людьми, поэтому я решил просто стараться не думать об ошибках и все время практиковаться.

Анна Галайда
Источник: «Российская газета»

Петербургская премьера «Реквиема Незабытых»

Thu, 27 Aug 2026 13:10:54 +0300

8 сентября, в День памяти жертв блокады Ленинграда, в Большом зале филармонии впервые в Петербурге прозвучит «Реквием Незабытых» современного композитора Валерия Воронова. Петербургской премьерой продирижирует Юрий Башмет — всемирно известный музыкант, по заказу которого и было создано сочинение; первое исполнение «Реквиема» состоялось в 2025 году в Москве.

Юрий Башмет: «Я не боюсь реакции западных коллег. Да и не хочу там выступать» Музыка

Филармония, в зале которой все военные годы — за исключением месяцев первой, самой страшной блокадной зимы — звучала музыка, чтит память о трагических страницах великой истории Ленинграда — Петербурга. Концерт в День памяти жертв блокады — единственный, который Филармония проводит в Большом зале до официального открытия концертного сезона.

Стихотворные тексты Константина Симонова, Бориса Пастернака, Расула Гамзатова, Юрия Левитанского — неотъемлемая часть монументального «Реквиема Незабытых» — прозвучат 8 сентября в исполнении выдающейся актрисы Светланы Крючковой.

На сцене в этот вечер — уникальный, созданный по инициативе Юрия Башмета Всероссийский юношеский симфонический оркестр, объединяющий молодых музыкантов из разных городов страны: в Большом зале коллектив впервые выступит в новом, восьмом, составе, сформированном в 2026 году в ходе большого национального отбора. Среди исполнителей также: один из старейших и крупнейших хоровых российских коллективов — Государственная академическая капелла России имени А. А. Юрлова, баритон Николай Землянских, бас Данил Князев.

«Для меня человеческая память и уважение к своей истории, к своим корням, к своей стране — одно из самых ценных и важных человеческих качеств. Когда мы задумали создать с Валерой Вороновым это произведение, для меня очень важно было понимание, что есть безымянные герои, их большинство, но все они незабытые. Порой они в памяти только самых близких людей. Но пока память жива, мы сами остаёмся людьми», — говорит народный артист России Юрий Башмет.

«Тема памяти — одна из самых важных. Это форма жизни, продолжающаяся в нас. Возможно, это и есть вера в жизнь. Когда я писал это сочинение, используя стихи людей, прошедших и переживших войну, я как будто погружался в их память, в то, что невозможно забыть. Их стихи стали сердцем этого сочинения. „Реквием Незабытых“ — моё посвящение людям, судьбы которых навсегда изменены Великой Отечественной войной», — отмечает Валерий Воронов.

Справка:

Всероссийский юношеский симфонический оркестр (ВЮСО) объединяет лучших молодых музыкантов в возрасте от 10 до 22 лет из разных городов России. Идея создания коллектива принадлежит Юрию Башмету, она реализована Дмитрием Гринченко в 2012 году. Оркестр сформирован на основе уникального конкурса, масштаб которого помог выявить музыкально одаренных детей на территории всей Российской Федерации.

Отборочные туры проходят во всех федеральных округах с периодичностью раз в два года, в прослушиваниях принимают участие как студенты высших учебных заведений, так и ученики детских музыкальных школ, школ искусств и музыкальных училищ.

За 14 лет существования коллектив дал концерты в 19 регионах России и 16 странах мира, принял участие в церемонии закрытия XXII Зимних Олимпийских игр в Сочи и Церемонии открытия Чемпионата мира по футболу в России. Всероссийский юношеский симфонический оркестр — постоянный участник крупнейших российских творческих проектов.

Билеты на концерт доступны в кассах и на официальном сайте Петербургской филармонии.

Пресс-служба Петербургской филармонии