Aprenda Tocar Contra baixo

Ajuste da Altura do Captador no Contrabaixo Elétrico

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Fri, 20 Feb 2015 01:19:00 +0000

Captadores ajustados adequadamente garantem o melhor desempenho possível do seu contrabaixo. Mas, a altura inadequada do captador pode ser a fonte de alguns problemas que podem causar muita confusão. Captadores ajustados baixos demais irão parecer ter perdido output. Captadores ajustados altos demais podem causar uma força magnética excessiva na corda, que pode resultar em um trinado ou leituras de falsos agudos quando estiver afinando o seu instrumento. Os captadores no seu baixo novo têm uma altura ajustável para que se posicionem num local relativo apropriado em relação às cordas possibilitando um desempenho excelente.

Para medir a altura do captador, pressione cada corda externa do último traste. Usando uma régua, meça as distâncias entre a parte de baixo das cordas e o topo da estaca correspondente nos captadores, (Figura P). Para os captadores que não têm essas estacas, ou aqueles que são estacas rentes, meça a superfície do captador. Use o Gráfico de Ajuste de Altura de Captador como um ponto de partida.

A altura real a qual você ajusta pode variar, dependendo da quantidade de força magnética do captador e do tipo de cordas que estiver usando.

Cordas

Cordas mais pesadas geralmente produzem uma amplitude de vibração mais alta e podem requerer um pouco mais de apuramento. Ajuste a altura do captador com uma chave de fendas Phillips pequena, (Figura Q). Observação: Quando ajustar a altura do captador, pode ser necessário puxar fisicamente até a sua posição elevada, pois o espaçador de espuma embaixo do captador irá naturalmente comprimir o captador com o passar do tempo e precisará que a elevação ajude-o a expandir e preencher o vão.

Confira o artigo afinação do contrabaixo

Cuidados e Manutenção do Baixo Elétrico

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Mon, 16 Feb 2015 21:48:00 +0000

Cuidados e Manutenção do Baixo Elétrico

Alguns procedimentos de manutenção simples irão ajudá-lo a manter o seu instrumento em ótimas condições nos anos futuros. Mantenha o seu baixo limpo: Sujeira, poeira, suor, oleosidade da pele e fumaça podem fazer o acabamento e acessórios do seu baixo envelhecerem prematuramente. Limpe e lustre seu baixo periodicamente usando polidor

aprovados nas superfícies de madeira com acabamento e polidor/limpador nas superfícies de metal, depois seque com um pano macio. Verifique no site da Fender para obter informações sobre polidores aprovados e panos de polir.

Passe óleo no traste periodicamente: Óleos naturais em escalas de rosewood sem acabamento, ébano e pau ferro podem ressecá-los após um certo tempo. Bordas de traste ásperas e expostas mostram que a madeira está seca e encolhida. É aconselhável dar ao seu traste um pouco de óleo de limão, óleo de linhaça fervido ou outros óleos para madeira/móveis que não sejam a base de silicone, periodicamente para preservar sua integridade e beleza natural. Observação: Após ter removido as cordas, aplique óleo primeiro em um pano que não solte fiapos, esfregue na madeira, deixe absorver e então remova o excesso do óleo. Não aplique óleo em superfícies de baixos com acabamento.

Limpe os engates de correia periodicamente: Com o passar do tempo, o movimento do peso do seu baixo sob a correia pode fazer com que os engates da mesma se afrouxem. Aperte-os de vez em quando. Se parafusos frouxos forem negligenciados e não apertados, o movimento do peso no instrumento pode expandir os buracos de montagem a ponto de os parafusos não o reterem mais.

Observação: Negligenciar um instrumento que necessita de ajustes pode levar a complicações.

Ajustes sazonais: Seu baixo, assim como todos os instrumentos de madeira, podem ter sensibilidade a mudanças sazonais de temperatura e umidade. É natural que a madeira expanda e contraia ao ser exposta a estas mudanças e este movimento pode afetar a configuração e capacidade de tocar o baixo. É aconselhável agendar ajustes rotineiros para compensar os efeitos destas variações sazonais.

Evite a exposição do seu baixo a temperaturas extremas: Temperaturas e umidades extremas podem danificar seu instrumento. Mas se a exposição for inevitável, como durante transporte, afrouxe ligeiramente as cordas para minimizar os danos. Deixe o instrumento frio ser aquecido gradualmente antes de abrir o seu estojo para evitar rachaduras no acabamento. Nunca deixe seu baixo por qualquer período de tempo em um ambiente no qual você também não se sinta confortável.

Acabamentos em laca

Muitos baixos têm acabamento em laca, um tipo de acabamento de madeira natural e fino usado há muitos anos em móveis e instrumentos finos. A laca era o acabamento mais escolhido nos instrumentos vintage Fender mais colecionáveis e desejados dos anos 50 e 60. A laca é um acabamento relativamente fino e um tanto poroso que dá aos tons de madeira uma ressonância muito mais livre, resultando em um instrumento com sonoridade muito mais vibrante, e para muitos músicos, muito mais bonita. A laca deixa o instrumento vibrar generosamente, de acordo com sua natureza, ela é muito mais propensa aos efeitos de desgaste, envelhecimento da madeira que fica por baixo, interações químicas e condições climáticas, do que acabamentos de uretano ou poliéster.

Se seu baixo tiver acabamento em laca, por favor leia o cartão “Lacquer Finishes: Precautions and Care” (Precauções e cuidados para acabamentos em laca) que vem com ele. Tente não expor acabamentos em laca a tecidos tingidos, plásticos, sintéticos e tubos de materiais cirúrgicos sintéticos (usados em muitos descansos e correias de guitarras) esses materiais reagem de maneira adversa à laca e podem estragar o acabamento do instrumento. Se não souber ao certo que tipo de acabamento é usado no seu baixo, por favor verifique as especificações detalhadas do seu instrumento no site do fabricante.

Confira o artigo sobre limpeza do contrabaixo clicando aqui

História Baixo Elétrico Fender

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Mon, 16 Feb 2015 01:21:00 +0000

O baixo elétrico e o amplificador de baixo não eram disponíveis às massas antes de Clarence “Leo” Fender e sua pequena companhia na Califórnia conceber e produzir o Precision Bass® e o Bassman® amplifier no início dos anos 50.

Baixo Elétrico Fender

Por todos os anos 30 e 40, o contra-baixo, que era o padrão em música popular na época, mal podia ser ouvido sob todo o estrondo e volume das bandas pop e das big bands da época. Em 1951 a Fender lançou um desafio contra tudo aquilo com a criação do Precision Bass®, um baixo elétrico com entoação “precisa” que quando amplificado, podia facilmente ser ouvido e sentido nos coretos e por todos os salões de bailes da época, alterando para sempre a cena da música popular e gravada.

Em 1960 a Fender criou um outro instrumento revolucionário, o Jazz Bass®. Com cintura ornada, dois captadores e um braço estreito, o Jazz Bass era sonoramente versátil, mais rápido de se tocar, e logo se tornou o padrão pelo qual todos os outros baixos eram medidos.

Os baixos da Fender se tornaram os baixos mais gravados do planeta e eles persistiram dominando os catálogos da música popular da atualidade porque a característica única de suas vozes ajudaram a definir e moldar os vários estilos e gêneros da música elétrica que todos amamos e ouvimos.

A Fender continua a inovar com o desenvolvimento de baixos e oferece uma seleção fenomenal de baixos de classe mundial e amplificadores de baixo para todos, desde o músico iniciante até aqueles que saem em turnês sazonais e gravações profissionais. Passando por James Jamerson, Geddy Lee, Jaco Pastorius e Marcus Miller, o baixo da Fender tem sido o veículo de escolha dos mestres e inovadores. Com seu baixo novo, a mesma oportunidade de se tornar um virtuoso está nas suas mãos.

Como Ler Partituras - Figuras Musicais

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Sat, 07 Feb 2015 16:12:00 +0000

Como Ler Partituras - Figuras Musicais

Tempo e compasso - Regulam quantas unidades de tempo devem existir em cada compasso. Os compassos são delimitados na partitura por linhas verticais e determinam a estrutura rítmica da música, que está sempre diretamente associada ao estilo da música. Uma valsa, por exemplo, tem o compasso 3/4, ao passo que um rock tipicamente usa o compasso 4/4.

Em uma fórmula de compasso, o denominador indica em quantas partes uma semibreve deve ser dividida para obtermos uma unidade de tempo (na notação atual, a semibreve é a maior duração possível e, por isso, todas as durações a tomam como referência). O numerador define quantas unidades, de tempo o compasso contém. No exemplo a seguir, estamos perante um tempo de “quatro por quatro”, ou seja, a unidade de tempo tem duração de 1/4 da semibreve e o compasso tem 4 unidades de tempo. Neste caso, uma semibreve iria ocupar todo o compasso.

Figuras musicais - Valores ou figuras musicais são símbolos que representam o tempo de duração das notas musicais. São também chamados de valores positivos.

Os símbolos das figuras são usados para representar a duração do som a ser executado. As notas são mostradas na figura a seguir, por ordem decrescente de duração. Elas são:

semibreve, mínima, semínima, çolcheia, semicolcheia, fusa e semifusa.

Antigamente existia ainda a breve, com o dobro da duração da semibreve; a longa, com o dobro da duração da breve e a máxima, com o dobro da duração da longa, mas essas notas não são mais usadas na notação atual. Cada nota tem metade da duração da anterior. Se pretendermos representar uma nota de um tempo e meio (por exemplo, o tempo de uma mínima acrescentado ao de uma colcheia) usa-se um ponto a seguir à nota.

A duração real (medida em segundos) de uma nota depende da fórmula de compasso e do andamento utilizado. Isso significa que a mesma nota pode ser executada com duração diferente em peças diferentes ou mesmo dentro da mesma música, caso haja uma mudança de andamento.

Nota pontuada é uma nota musical que é seguida com um ponto logo à sua frente. Este ponto adiciona metade do valor da nota que o precede.

Pausas - Representam o silêncio, isto é, o tempo em que o instrumento não produz som nenhum, sendo chamados valores negativos. As pausas se subdividem também como as notas em termos de duração. Cada pausa dura o mesmo tempo relativo que sua nota correspondente, ou seja, a pausa mais longa corresponde exatamente à duração de uma semibreve. A correspondência é feita na seguinte ordem:

Representação das alturas

Deslocações de tom ou acidentes: o sustenido, o bemol, o dobrado sustenido e o dobrado bemol. São representados sempre antes do símbolo da nota cuja altura será modificada e depois do nome das notas, cifras e tonalidades. Um sustenido desloca a nota meio-tom acima (na escala), um dobrado sustenido desloca o som um tom acima, um bemol desloca a nota meio-tom abaixo e o dobrado bemol desloca o som um tom abaixo. Por exemplo, geralmente pode-se dizer que um “Fá sustenido” (Fá#) é a mesma nota que um “Sol bemol” (Sol), porém, devido às características de cada instrumento (e a sua própria disposição da escala), o timbre pode variar. Considere, como exemplo, o caso da guitarra, em que um Dó tocado na segunda corda (Si), primeira posição, é equivalente a um Dó tocado na terceira corda (Sol) na quinta posição, embora o timbre seja diferente.

Uma vez que um sustenido ou bemol tenha sido aplicado a uma nota, todas as notas de mesma altura manterão a alteração até o fim do compasso. No compasso seguinte, todos os acidentes perdem o efeito e, se necessário, deverão ser aplicados novamente. Se desejarmos anular o efeito de um acidente aplicado imediatamente antes ou na chave de tonalidade, devemos usar um bequadro, que faz a nota retornar à sua condição natural. No exemplo visto anteriormente, podemos notar que a terceira nota do primeiro compasso também é sustenida, pois o acidente aplicado à nota anterior permanece válido e só é anulado pelo bequadro que faz a quarta nota voltar a ser um Lá natural. O segundo compasso é semelhante a não ser pelo acidente aplicado, que é um bemol. No terceiro compasso, uma nota Sol, um Lá dobrado bemol e um Fá dobrado sustenido. Embora tenham nomes diferentes e ocupem posições diferentes na clave, os acidentes aplicados fazem com que as três notas soem exatamente iguais.

Clave ou tonalidade não é mais que a associação de sustenidos ou bemóis representados junto à clave, indicando a escala em que a música será expressa. Por exemplo, uma representação sem sustenidos ou bemóis, será a escala de Dó Maior. Ao contrário dos acidentes aplicados ao longo da partitura, os sustenidos ou bemóis aplicados na chave duram por toda a peça ou até que uma nova chave seja definida (modulação). Na figura, vemos a chave de tonalidade de uma escala de Lá maior. Nesta escala todas as notas Fá, Dó e Sol devem ser sustenidas, por isso os acidentes são aplicados junto à clave.

Para mais teoria sobre como ler partitura leia como ler tablaturas em nossa outra postagem.

Efeitos da Temperatura e Umidade no Contrabaixo

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Sat, 07 Feb 2015 16:00:00 +0000

Como parte da montagem final do contrabaixo, ele é ajustado a mão e configurado de acordo com as especificações do fabricante, que lhe oferece o melhor desempenho possível. No entanto, este instrumento, como todos instrumentos feitos de madeira, pode ser sensível a flutuações de temperatura e umidade. A madeira do seu baixo absorve a umidade do ar quando ele está úmido, e evapora umidade quando a umidade relativa do ar cai. A madeira
também expande e contrai com as mudanças de temperatura. Estes movimentos naturais são mínimos e como geralmente não são visíveis ao olho nú, podem afetar dramaticamente a configuração e habilidade de tocar o seu instrumento. Em um dia quente por exemplo, quando um instrumento previamente afinado é levado de um carro quente até um ambiente resfriado por ar-condicionado e é removido de seu estojo, suas madeiras resfriam e encolhem bem rápido. Esta contração diminui a tensão das cordas e faz com que a afinação fique visivelmente em um tom mais bemol. Estes mesmos aspectos podem acontecer quando um instrumento sai da fábrica e antes de você recebê-lo do revendedor. O desempenho e a configuração do instrumento quando você recebê-lo irá depender de vários fatores, tais como:

• Tempo gasto entre a montagem final e quando o instrumento é transportado vindo do fabricante.

• A quantidade de tempo gasto durante o transporte do envio do instrumento vindo do armazém do Fabricante para o seu destino final.

• Método de transporte ex: por terra, aéreo, etc.

• Condições climáticas aos quais o instrumento é exposto durante o transporte.
• Condições climáticas no local do destino final.

• Tempo passado no estoque do revendedor do fabricante antes de você recebê-lo.

• Foi feita ou não uma configuração de preparação do produto, realizado no instrumento pelo seu revendedor antes de recebê-lo ?.

Manutenção e Cuidados

- Mantenha o instrumento em lugar seco e arejado
- Não exponha por muito tempo ao sol ou calor intenso. Para manter o timbre desejado, substitua as cordas com frequência.
- Para a limpeza utilize produtos apropriados, testando antes em uma parte não visível.
- Utilize somente cabos de boa qualidade.

- Verifique a curvatura do braço, o braço convexo provoca trastejamento no começo da escala.

Leia o artigo Limpeza do baixo

Como Trocar as Cordas do Contra Baixo

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Thu, 25 Dec 2014 16:53:00 +0000

Aprenda a mudar corretamente o encordoamento de seu instrumento de forma a aumentar a durabilidade e extrair os melhores timbres de seu setup.

Talvez muitas pessoas pensem que, para mudar as cordas de um contrabaixo, basta tirar as velhas e pôr as novas no lugar, mas não é bem assim. Para que o jogo recém-comprado seja mais bem aproveitado em termos de timbre, durabilidade e outros fatores, é preciso seguir uma espécie de ritual. Abaixo, estão algumas dicas:

Trocar as Cordas do Seu Baixo

a) Nunca retire todas as cordas de uma só vez. Lembre-se de que elas imprimem uma tensão altíssima ao braço do instrumento, compensada pelo tensor. Ou seja, se o encordoamento for retirado por completo, vai fazer com que o braço seja puxado apenas de um lado, o que pode danificá-lo. Neste caso, a atitude correta seria levar o baixo a um luthier para que ele retire o jogo velho e solte o tensor. O mais prático, porém, é extrair uma corda (foto 1 e 2), colocar a nova e afiná-la (foto 3). Só então troque a próxima e assim por diante.

b) Cuidado na hora de enrolar o encordoamento! Deixe somente duas ou três voltas embrulhadas (foto 4), evitando problemas de estabilidade na afinação, e corte o excesso com um alicate (foto 5). Antes de prender definitivamente a corda na ponte, deixe um pedaço de mais ou menos três dedos para fora (foto 6). Deste modo, é possível evitar que a corda seja torcida, prejudicando sua vibração.

c) As cordas são projetadas para serem afinadas em um padrão específico. Portanto, nunca as estique ao máximo, deixando o som bem mais agudo do que o recomendável. Se uma corda Lá, por exemplo, for ajustada para produzir uma sonoridade muito além de 55 Hz, é bem provável que se quebre com facilidade.

d) Os diferentes padrões de cordas e marcas possuem valores muito variáveis de tensão. Por isto, é aconselhável usar sempre um jogo de mesmo calibre e modelo. Quando mudar o tipo de encordoamento, leve seu instrumento a um luthier para que o tensor seja ajustado.

e) Não caia no mito de que o músico deve soltar todas as cordas do baixo antes de guardá-lo. Na verdade, esta medida acaba por prejudicar o braço do instrumento, devido ao equilíbrio de tensões relatado acima.

Leia também o artigo curso de contrabaixo

Iniciando Nas Notas Musicais

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Fri, 31 Oct 2014 15:56:00 +0000

Os países anglófonos mantiveram a utilização de letras para a nomenclatura das alturas musicais. As letras A, B, C, D, E, F e G são utilizadas para as alturas musicais Lá, Si, Dó, Ré, Mi, Fá e Sol, respectivamente. Os países de língua inglesa utilizam os sinais # (em inglês: sharp, “sustenido”) e (em inglês: flat, “bemol”) para representar as alterações cromáticas dessas notas.

Nomenclatura das Notas Musicais

Já os países de línguas germânicas utilizam, além das sete letras universais, a letra H, exclusivamente para a nota Si natural, sendo a letra B utilizada para representar o Si bemol.

Bem, agora você sabe por que chamamos as notas de “Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá e Si”.

Iniciando nas Notas Musicais

Mas, e o que são notas?

Nota musical é o termo usado para designar o elemento mínimo de um som, formado por um único modo de vibração do ar. Sendo assim, cada nota corresponde uma duração e está associada uma frequência, cuja unidade mais utilizada é o hertz (Hz), que descreverá em termos da física se a nota é mais grave ou mais aguda.

As notas podem se combinar, sendo tocadas ao mesmo tempo (definindo a harmonia), ou em sequência (definindo a melodia); e se esses fatores, juntos a alguns outros, forem combinados dentro de um determinado padrão lógico pelo intelecto humano, na forma de arte, dá-se a essa sequência o nome de música.

Notação musical é o nome dado a qualquer sistema de escrita utilizado para representar graficamente uma peça musical, permitindo a um intérprete que a execute da maneira desejada pelo compositor ou arranjador. O sistema de notação mais utilizado atualmente é o sistema gráfico ocidental, que utiliza símbolos grafados sobre uma pauta de cinco linhas, também chamada de pentagrama. Diversos outros sistemas de notação existem e muitos deles também são usados na música moderna.

O elemento básico de qualquer sistema de notação musical é a nota, que representa um único som e suas características básicas: duração e altura.

Para mais conceitos sobre notas musicais visite: Conceitos Musicais.

Fundamentos do Som

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Mon, 18 Aug 2014 22:43:00 +0000

Os pulsos podem ser acentuados periodicamente, dando origem aos compassos binários, ternários e quaternários simples e compostos e aos compassos mistos.

Tradicionalmente, dividimos os compassos em:

- Binários: forte! fraco

- Ternários: forte! fraco! fraco

- Quaternários: forte! fraco! meio-forte! fraco

• Compassas simples Têm como unidade de tempo uma figura simples (figuras que não são pontuadas),
• Compassos compostos Têm como unidade de tempo figuras compostas (figuras pontuadas).
• Compassos mistos São formados pela união de dois ou mais compassos distintos (binários, ternários e quaternários), que tenham unidades de tempo iguais.
• Unidade de Tempo É a figura musical que preenche um tempo do compasso.
• Unidade de Compasso É a figura musical que preenche todo compasso.
• Contratempo É a acentuação de uma parte fraca do tempo ou do compasso, criando uma situação diferente da natural aos padrões dos compassos.
• Síncopa musical Ocorre quando uma nota executada no tempo ou parte fraca do compasso for prolongada até o tempo forte ou parte forte posterior. O compasso que tem articulação no primeiro tempo recebe o nome de tético. Quando o compasso inicial está incompleto e os tempos que estão faltando forem completados no final do trecho musical, dizemos que a música começou com um compasso anacruse ou levare.
• Acéfalo É o compasso no qual existe uma pausa em seu primeiro tempo ou em sua primeira metade.
• Quiálteras (tercinas, quintinas, duínas etc.) são grupos rítmicos que não obedecem à divisão normal dos compassos ou àsubdivisão de seus tempos.

Observações relativas à altura e ao timbre:

Notas enarmônicas são aquelas que têm alturas iguais, mas nomes diferentes. Ex: C# e Db.

Obs Em instrumentos com afinações variáveis existe diferença entre notas enarmônicas Semitom cromático é aquele em que as notas mudam de altura e de nome. Ex: C e Db. Tessitura define todas as notas que um instrumento ou voz pode executar (da mais grave até a mais aguda).

Cifras ou notação literal (anglo-germânica)

Uso de Cifras: as notas no sistema de cifragem são representadas por letras.
A B C D E F G
(Lá) (Si) (Dó) (Ré) (rvli) (Fá) (Sol)

• Observação 1: A notação silábica, criada posteriormente à notação literal, foi desenvolvida por um monge chamado Guido D’Arezzo. Sua ideia foi a de utilizar as primeiras sílabas de um hino a São João Baptista como modelo para a nomeação dos sons.

Confira o artigo sobre afinação do contra baixo

Conceitos Musicais

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Tue, 05 Aug 2014 23:13:00 +0000

Qualidades do Som

A) altura: determina o som ser grave ou agudo, de acordo com algum parâmetro estabelecido. Quanto mais vibrações por segundo são emitidas mais agudo é o som produzido. Assim, frequências altas se relacionam com sons agudos e frequências baixas com sons graves.

No violão, as notas graves, médias e agudas são obtidas de acordo com o lugar em que o som é emitido. Instrumentos de corda têm como uma de suas características produzir notas de mesma frequência em lugares distintos. Podemos encontrar a mesma nota, de frequência igual, em outros lugares no braço do violão.

B) intensidade: determina o som ser forte ou fraco, de acordo com a amplitude da onda sonora; como a duração das oscilações não varia com a mudança de amplitude, podemos emitir um som fraco ou forte sem mudar sua altura.
No violão, a força empregada para a obtenção do som pode ser controlada com a maneira como o som é produzido. Algumas pessoas têm, naturalmente, mais força do que outras. Repertórios específicos podem exigir um bom controle na força com que as notas são tocadas por parte do instrumentista.
C) timbre: depende da maneira como são apresentados e associados os sons harmônicos. De maneira simples, o timbre, é o que distingue a voz de uma pessoa de outra, mesmo quando essas falam em igual altura e intensidade.
Além das características próprias de cada instrumento e da qualidade dos componentes empregados em sua construção, existem muitas formas de alterar o timbre do violão. Naturalmente, instrumentos elétricos possuem uma gama maior de possibilidades nesse aspecto. O uso de pedais de efeito ou de amplificadores pode mudar bastante o timbre dos violões.
D) duração: tempo em que a produção sonora é manifestada (longa ou curta). Sons ordenados de diversas maneiras formam o que chamamos de música. A música composta por sons e silêncios é caracterizada pela melodia, pelo ritmo e pela harmonia, observando, entretanto, seu caráter também histórico e estético.
Alguns instrumentos, devido à qualidade de seus componentes, têm maior condição de produzir sons longos, sem que haja uma diminuição significativa do volume. Uma música é constituída por vários aspectos. O músico deve observar aqueles que vão além das qualidades do som. O conhecimento do estilo da música, a forma e o contexto histórico em que ela foi composta podem auxiliar na execução ao violão.

Melodia: relação entre notas sucessivas
Ritmo: pulsação musical
Harmonia: relação entre notas simultâneas

A música pode ser também vocal, instrumental e mista.
O violão pode executar tanto notas isoladas como notas simultâneas. Essa característica possibilita que o instrumento seja empregado de diversas maneiras em grupos ou como solista.

Transmissão do Som

O som é transmitido através de ondas sonoras, que se difundem em todas as direções. Quando essas ondas encontram obstáculos, são refletidas, desviando-se da direção primitiva (fenômeno da reflexão). Ecos e ressonâncias são produtos comuns da reflexão, que devem ser observados na disposição de amplificadores, instrumentos e músicos em shows, ensaios e gravações.

Série Harmônica

Ao produzirmos um som, este não aparece isolado. O som principal ou fundamental é acompanhado de uma série de outros cada vez menos perceptíveis, chamados sons secundários ou harmônicos; na escala maior natural, figuram coordenados os intervalos mais simples que o fenômeno da série harmônica apresenta. É necessário, no entanto, observar que estas notas foram ajustadas de forma a simplificar a construção de instrumentos e facilitar a prática musical. Esse ajuste recebeu o nome de temperamento (escala temperada) e consistiu na divisão mecânica da oitava em doze semitons iguais. A adaptação ocidental à música temperada faz com que estranhemos as músicas de outras procedências (principalmente a música oriental). Essa “falta de temperamento” também acontece com algumas melodias nordestinas ou fraseados típicos do “blues”. Desta maneira, a noção de afinação é um conceito com ligações estéticas e culturais.

Escrita Musical

A leitura musical é uma importante ferramenta para a comunicação entre os músicos. Foi desenvolvida durante séculos, principalmente na Europa. A prática é a melhor saída para dominar a leitura e a escrita musical. Essa prática pode ser feita por meio de métodos destinados especificamente a esse assunto ou pelo hábito da leitura de peças escritas. Muitos músicos desconhecem ou têm pouca prática nesse assunto, e o conhecimento por meio da oralidade também é importante para o desenvolvimento do aprendizado. Outras culturas possuem maneiras diferentes de comunicação e grafia musical, principalmente no Oriente (Índia, Japão e China) que tem pouco contato com o Ocidente, mas que podem ser bem interessantes.

Notas Musicais Para Iniciantes

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Tue, 05 Aug 2014 00:46:00 +0000

Já os países de línguas germânicas utilizam, além das sete letras universais, a letra H, exclusivamente para a nota Si natural, sendo a letra B utilizada para representar o Si bemol.

Bem, agora você sabe por que chamamos as notas de “Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá e Si”.

Mas, e o que são notas?

Nota musical é o termo usado para designar o elemento mínimo de um som, formado por um único modo de vibração do ar. Sendo assim, cada nota corresponde uma duração e está associada uma frequência, cuja unidade mais utilizada é o hertz (Hz), que descreverá em termos da física se a nota é mais grave ou mais aguda.

As notas podem se combinar, sendo tocadas ao mesmo tempo (definindo a harmonia), ou em sequência (definindo a melodia); e se esses fatores, juntos a alguns outros, forem combinados dentro de um determinado padrão lógico pelo intelecto humano, na forma de arte, dá-se a essa sequência o nome de música.

Notação musical é o nome dado a qualquer sistema de escrita utilizado para representar graficamente uma peça musical, permitindo a um intérprete que a execute da maneira desejada pelo compositor ou arranjador. O sistema de notação mais utilizado atualmente é o sistema gráfico ocidental, que utiliza símbolos grafados sobre uma pauta de cinco linhas, também chamada de pentagrama. Diversos outros sistemas de notação existem e muitos deles também são usados na música moderna.

O elemento básico de qualquer sistema de notação musical é a nota, que representa um único som e suas características básicas: duração e altura.

Leia mais sobre notas musicais

Tocando Fácil Baixo - Sherlock Gomes - DVD

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Mon, 07 Apr 2014 17:37:00 +0000

Detalhes da Vídeo Aula

Este DVD Tocando Fácil Baixo do baixista Sherlock Gomes, contém assuntos para iniciantes , intermediários e possui um DVD somente para assuntos avançados no estudo do contrabaixo!. Ele também já lançou vídeos ensinando sobre guitarra e violão.

Tudo está super detalhado com auxílio de closes, tabelas, cifras e tablaturas na tela. Sherlock Gomes possui uma das melhores didáticas do mercado nacional. Saiba Mais

Assuntos abordados:

Afinação;
Postura;
Notas musicais e sua localização;
Intervalos;
Exercícios de coordenação motora;
Ritmos de vários estilos;
Técnicas de Slap, Taps, Grooves e muito mais.

Vídeo Demonstração:

Amplificador Fender Rumble

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Wed, 26 Mar 2014 18:21:00 +0000

Escolha certo na hora de comprar um amplificador da série Fender Rumble.

Amplificadores Fender Série Rumble

Pequeno e poderoso, com um sistema de montagem magnética especial que mantém os cabeçotes firmemente fixos para qualquer um dos novos poderosos e robustos gabinetes sem a interferência de vibração, mesmo em volumes extremos. A nova série Rumble é um poderoso salto em frente na evolução de amplificadores de baixo portáteis.

Os amplificadores Fender Rumble foram começados a partir do zero, são mais leves e com som mais alto do que nunca, com ainda mais poder e uma Fender vibração clássico. Com todos os novos recursos, tais como atualizações Eminence em alto-falantes e drivers em alguns modelos, e uma gama versátil de cabeçotes, caixas de som e combos, amplificadores Rumble são uma solução para o palco, pronto para o usar no trabalho, bem como uma opção para ensaio em casa.

Modelos - Especificações

1 - Gabinete

Note que nesse modelo somete vem o gabinete sem o cabeçote, por isso do nome "gabinete".

2 - Combo

Note que nesse modelo vem o gabinete com o cabeçote embutido "parte de cima".

3 - Cabeçote

Note que nesse modelo somete vem o cabeçote.

Vou fazer uma matéria sobre as características específicas para amplificadores de contrabaixo, aguardem".

Os amplificadores do tipo combo da Fender série Rumble tem modelos nas potências de 15, 30, 75, 150 e 350 watts, aqui vou tratar do modelo de 15 e 30 watts.

Amplificador Fender Rumble 15" Combo

Caixa preta pequena, Excelente som de contra baixo. Isso é o que você recebe do bebê da família, o Rumble 15, coberto de vinil preto resistente e sacudindo as paredes com 15 watts de potência, som grave forte da marca Fender através de um 8 "Auto-falante Fender Design especial" e fácil portabilidade em um valor baixo.

Delta Comp circuito de compressão adaptativa mantém seu tom firme e no bolso, com um equalizador de 3 bandas para afinar o som geral. Ferramentas como um aux. de entrada para o seu leitor de CD/MP3 e um fone de ouvido fazer seus estudos. É tudo envolto em uma cobertura de vinil texturizado, com uma grade de metal preta resistente.

Resumo das Características

Especificações técnicas:

Potência de 15W

1 Alto-falante de 8 "Fender Especial Design"
Delta Circuito de compressão adaptável
Controle de 3EQ p/ grave, médio e agudo
Tomada para auscultadores
Conectores de entrada P-10 e entrada p/ CD (RCA)
Cobertura de vinil preto texturizado
Robusta grade de metal preta
Cantos de plástico de grandes dimensões
Excelente som e fácil portabilidade.

Benefícios

Fácil de usar
Excelente som
Portátil

Amplificador Fender Rumble 30

Especificações Técnicas
- Combo 30W
- 8 Ohms
- 1 falante de 10" Fender Special Design
- Controle de EQ p/ grave, médio e agudo
- Conectores de entrada P-10 ativa ou passiva
- Efeitos de loop
- Circuito de compressão adaptável
- Overdrive c/ controle "blend"
- Para você pode criar sua simulação de um amp valvulado
- Entrada p/ CD ou bateria eletrônica e saída e entrada preamp

Os cabeçotes Fender da série Rumble tem modelos: 150, 200, 350 e 500, aqui vou tratar do modelo 200.

Cabeçote Rumble Fender 200

Especificações técnicas:

Controles:	Ganho, brilhante On / Off, Contour On / Off, Vintage On / Off, Drive, Overdrive On / Off, Nível, Baixo, Baixo-Mid, High-Mid, Treble, Volume Master
Tensão:	120V
Potência:	200 Watts @ 4 ohms / 140 Watts @ 8 ohms
Efeitos Loop:	1/4 "- (Send / Return)
Entradas:	Um - 1/4 "
Entrada Auxiliar:	1/8 "Stereo
Headphone Jack:	1/8 "Stereo
Line Out:	One - (XLR com Ground Lift)
Speaker Jack:	Dois 1/4 "Parallel (4 ohms mínimo)
Canais:	One - (com interruptor luminoso selecionável, Contour, Switch e Vintage Overdrive)

Painel frontal:	Metal pintado
Amplificador Profundidade:	(18,26 centímetros)
Amplificador Largura:	(35 cm)
Amplificador Altura:	2,68 "(6,81 centímetros)
Amplificador Peso:	(2,04 kg)

Os gabinetes Fender da série Rumble tem modelos nas potências de 25, 40, 100, 200 e 500 watts, aqui vou tratar do de 25 watts.

Gabinete Fender Rumble 25

Especificações Técnicas - Parte Elétrica

Controles:	Volume, Overdrive On / Off, Bass, Contour On / Off, Mid, Treble
Tensão:	120V
Potência:	25 Watts @ 8 ohms
Entradas:	Um - 1/4 "
Entrada Auxiliar:	1/8 "Stereo

Auto Falante

1 Auto-Falante	8" Fender Especial Design
Impedância:	8 ohms

Painel

Painel frontal:	Metal pintado
Grill Capa:	Preto texturizado vinil
Amplificador Profundidade:	(27,94 centímetros)
Amplificador Largura:	(38,73 centímetros)
Amplificador Altura:	(38,73 centímetros)
Amplificador Peso:	(9,54 kg)

Características únicas:

Com um estilo do Fender clássico, botões de rádio de toque suave, recém-desenvolvido, o circuito de overdrive selecionável.

As caixas Fender da série Rumble tem modelos: 112, 410 e 2x8, aqui vou tratar do modelo de 112 e 410

Caixa Fender Rumble 112

Especificações técnicas:

O novo gabinete Fender Rumble 112 é o sonho de um baixista, capaz de lidar com 500 watts, pesando apenas 24 quilos. Portanto, não é apenas agradável aos ouvidos, é fácil em seu manuseio. Design leve e especial do gabinete, oferece resposta de baixa frequência mais pronunciada do que a maioria das pequenas cabinas, e seu alto-falante de 12 "dá-lhe o melhor dos dois mundos, diretamente entre o nocaute de um alto-falante de 10" e da batida sísmica de um alto-falante de 15 ". Combine esses recursos com o tweeter comutável (full/off/-6db). Outras grandes características incluem uma alça lateral para fácil portabilidade e um sistema magnético exclusivo para a colocação de um cabeçote Rumble firmemente no lugar ao executar uma quantidade de graves, sem interferência de vibrações..

Caixa Fender para Baixo Rumble 410

Especificações técnicas:

- Caixa 500W
- 4 Ohms
- 4 x 10" Fender® Special Design + 1 Tweeter
- Controle de nível das freqüências altas (full/off/-6dB)
- Tela em metal (preto)
- sistema de encaixe magnético para os cabeçotes da linha Rumble
- Acabamento em vinil preto
- Peso (34,5 Kg.)
- Rodinhas inclusas

Cuide do seu instrumento musical lendo o artigo manutenção do contrabaixo clicando aqui

Captadores no ContraBaixo Elétrico

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Sun, 02 Feb 2014 23:22:00 +0000

Os captadores do contrabaixo pode ser dividida em duas categorias: captadores passivos e captadores ativos. A diferença entre captadores passivos e captadores ativos é que os ativos são movidos a bateria enquanto captadores passivos não são movidos a bateria. Cada tipo tem seu próprio som e vantagens / desvantagens.

Tipos de Captadores no Contrabaixo Elétrico

Captadores Passivos

Os primeiros captadores usado em baixo eram passivos. Quando você ouvir as gravações clássicas como Motown hits com James Jamerson, The Beatles, e Cream, você está ouvindo captadores passivos. Captadores passivos tendem a ter um tom morno, cheio, redondo, dinâmico. O tom incisivo é o seu recurso.

Captadores passivos não lhe dão muito controle sobre seu tom. Baixos tem controles de graves e agudos bem como o seu sistema de som. Em captadores passivos só pode desligar (cortar) estas freqüências de graves e agudos. Isso significa que você só pode tirar agudos ou graves, pelo tom das picapes. Isso não é necessariamente ruim. Você apenas tem menos opções para moldar o tom de captadores passivos.

Captadores passivos usam ímãs maiores e pode pegar mais ruídos e interferências do que captadores ativos.

Captadores Ativos

Captadores ativos usam um pré-amplificador. O pré-amplificador é alimentado por uma bateria de 9 volts (ou às vezes duas - um sistema de 18 volts). O pré-amplificador permite que você use tanto frequências de corte e de impulso. Isso lhe dá mais controle sobre o tom que sai do seu baixo. Quanto controle você tem vai depender dos recursos do pré-amplificador. Alguns pré-amplificadores simplesmente tem um controle de graves e agudos, enquanto outros têm controles de médio-alcance e outros extras.

Se a bateria morre, muitos sistemas de captação ativa vai parar de trabalhar. Você precisa se lembrar de levar peças de reposição e colocar em baterias novas antes que fazer shows importantes. Dependendo do baixo e quanto você toca, as baterias podem durar de 6 semanas a um ano. Lembre-se sempre de desligar baixos ativos quando não estiver em uso para evitar a drenagem da bateria.

Captadores ativos têm uma saída mais forte (mais alto) do que captadores passivos. Existe uma menor perda de sinal. Captadores ativos tendem a ter sonoridade brilhante, clara e ágil.

Captadores ativos usam ímãs e captador com menos ruído externo e interferências menores. Mas, alguns pré-amplificadores podem ser ruidosos, especialmente quando você aumentar os agudos. Você pode ouvir um monte de chiado.

É difícil generalizar as diferenças sonoras entre captadores ativos e passivos. Um bom captador ativo pode parecer mais forte do que um captador passivo fraco. Você vai precisar ouvir e experimentar a diferença e testar muitos baixos e sistemas de captadores.

Se você está comprando o seu primeiro baixo, você provavelmente vai escolher entre captadores passivos ou ativos. Em baixos mais baratos, a qualidade dos produtos eletrônicos geralmente não é tão grande assim. Mas, você pode facilmente substituí-los com um bom luthier, se quiser ficar com o baixo.

Veja também o artigo conceitos musicais

Claves Musicais de Sol e Fá

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Sat, 01 Feb 2014 16:02:00 +0000

Notação padrão

A notação musical padrão é escrita sobre uma pauta de cinco linhas. Por isso também é chamada de pentagrama. O conjunto da pauta e dos demais símbolos musicais, representando uma peça musical, é chamado de partitura, seguem alguns dos elementos que podemos encontrar numa partitura.

Clave - clave de Sol, clave de Fá, clave de Dó. Propõe toda a representação musical a uma que mais seja adequada ao instrumento que a irá reproduzir. Por exemplo, as vozes graves usam geralmente a clave de Fá, enquanto que as mais agudas usam a clave de Sol. Costuma-se dizer que a clave de Fá começa onde termina a clave de Sol. De um modo geral, é a clave que define qual a nota que ocupará cada linha ou espaço na pauta.

Claves Musicais

Nome das Notas Nas Claves de Sol e Fá

Obs.: Cada nota nas linhas ou no espaço da pauta indica a altura da nota, ou seja, se a nota é grave ou aguda. Quanto mais baixo se escrever as notas (linhas e espaços da parte inferior), mais grave será a nota, e quanto mais alto se escrever as notas (linhas e espaços da parte superior), mais agudo será o som da nota.

Como mostrado na figura anterior, a pauta tem cinco linhas e quatro espaços. Além delas, existem as linhas suplementares que são usadas como complemento para escrever as notas na pauta:

Ao escrever (ou ler) uma música, para evitar usar tantas linhas suplementares, coloca-se um símbolo de oitava (8ª) acima ou abaixo da pauta. Ou mesmo utilizando “claves” diferentes.

Parece difícil à primeira vista. Sim, até é difícil, mas persevere nos estudos e, em caso de qualquer dúvida, volte ao assunto e estude de novo!.

Leia mais sobre o artigo em Como Ler Partituras

Especial Afinação do Contrabaixo

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Tue, 24 Dec 2013 00:48:00 +0000

Indispensável á execução musical, a regulagem da tensão das cordas requer atenção e cuidados especiais para ser feita de maneira correta.

De maneira concisa, pode-se definir a afinação como o ajuste feito em um instrumento de modo a atingir a freqüência correta, conforme padrões pré- estabelecidos, das notas a serem emitidas por ele. No contrabaixo, tal regulagem é feita por meio da definição de uma tensão especifica para cada corda, que é esticada ou afrouxada conforme o sentido dos giros realizados na tarraxa à qual ela está presa.

Saiba tudo sobre afinação do baixo

Durante a história da música, vários padrões de afinação foram criados. A primeira tentativa de unificar o tom em uma escala foi realizada na França, após protestos de cantores contra a tendência de aumento nas freqüências, que tornava as canções mais agudas, seguida por vários compositores ao longo do século 19. No dia 16 de Fevereiro de 1859, o governo local criou uma lei que fixava em 435 Hz o Lá abaixo do Dó central — que, na cultura ocidental, localiza-se exatamente entre as claves de Sol (que fica acima) e de Fá (localizada abaixo).

Conhecida como tom francês, continental ou internacional — este último não pode ser confundido com o que viria a ser o padrão internacional, adotado em 1939, este modelo tornou-se bastante popular também fora do país europeu, sendo utilizado por músicos de várias outras nacionalidades.

Outra variante, intitulada filosófica ou tom científico, determinava que o Dó tivesse exatamente 256 Hz, resultando no Lá abaixo em 430,54 Hz. Esta afinação ganhou alguma popularidade por causa de certas conveniências matemáticas, mas nunca foi amplamente usada porque não recebeu qualquer forma de reconhecimento oficial.

Ainda no século 19, os ingleses também tentaram padronizar a afinação de seus instrumentos, cunhando o chamado old philharmonic pitch, com base em Lá na freqüência de 452 Hz. Posteriormente, o formato foi substituído em 1896 pelo new philharmonic pitch, que equivale a 439 Hz.

Em 1939, uma conferência internacional recomendou a criação do tom concerto, em que o Lá abaixo do Dó central possui afinação de 440 Hz. Este parâmetro foi aceito em 1955 pela lnternational Organization for Standardization (ISO), responsável pelo estabelecimento de normas mundiais em diversos segmentos da atividade humana. O órgão reafirmou sua decisão em 1975, dando a este padrão o nome ISO 16.

Diferenças

De acordo com a ISO, o Lá abaixo do Dó central deveria ser alterado de 439 para 440 Hz porque a freqüência antiga era muito difícil de ser reproduzida em laboratórios, já que correspondia a um número primo. O novo valor passou a ser aceito pela grande maioria dos músicos, garantindo ao lSO 16 o posto de afinação mais comum usada em nível mundial.

Embora as orquestras americanas e inglesas sigam adotando este sistema em seus arranjos, alguns países vêm adotando tons mais altos. Nos grupos sinfônicos da Europa continental, por exemplo, o Lá é freqüentemente regulado em 442 Hz, enquanto na Alemanha, Áustria e China a nota costuma ser ouvida na freqüência de 445 Hz.

Na música popular, contudo, a regulagem contínua sendo realizada em 440 Hz na quase totalidade dos casos. Deste modo, a afinação mais popular do contrabaixo padrão é a mesma de uma guitarra ou violão, mas em uma oitava abaixo. A freqüência de cada corda solta, então, obedece ao seguinte quadro:

CORDA	NOTA	FREQÜÊNCIA
1 (mais fina)	G (sol)	97.999 Hz
2	D (Ré)	73.416 Hz
3	A(Lá)	55 Hz
4 (mais grossa)	E (Mi)	41.204 Hz

Em um baixo de seis, há o acréscimo da Si grave e da Dó aguda, que são normalmente afinadas a 30,868 Hz e 130,813 Hz, respectivamente. As cordas presentes em instrumentos de sete, oito ou mais, possuem outras faixas de freqüência e são reguladas em intervalos de quartas justas em relação às anteriores.

Afinações Alternativas

Hoje em dia, existem outros tipos de afinação para contrabaixos de seis cordas bastante comuns na música popular. Uma das principais é a chamada Drop D, que consiste em descer um tom do Mizão, tornando-se um Ré grave (36.708 Hz) quando solto. Há baixistas que instalam em seus instrumentos um equipamento chamado tarraxa extensora (em inglês, hipshot), dotado de uma alavanca capaz de fazer a corda mudar de Ré para Mi e vice-versa.

Existem ainda músicos que costumam descer um tom de toda a afinação de seu instrumento nas apresentações ao vivo. E o caso de bandas como o Jota Quest, que utilizam este expediente para ajudar o vocalista a poupar a garganta e, ao mesmo tempo, não mudar os desenhos das linhas. Outros artistas preferem descer a afinação em meio tom tanto nos palcos quanto nas gravações, como os paulistas do Charlie Rrown Jr. No fim dos anos 90, diversos grupos americanos e europeus de heavy metal, a grande maioria, pertencente ao movimento new metal — passaram a utilizar regulagens extremamente graves, visando dar a seus arranjos uma sonoridade mais sombria e agressiva. Uma delas é o System of a Down, que usa uma afinação intitulada Drop C. Nela, as cordas Lá, Ré e Sol ficam em um tom inferior ao original e a Mi, em dois tons, assumindo a configuração F-C-G-C.

Nas situações em que a afinação torna-se muito mais baixa do que o padrão, o encordoamento pode ficar excessivamente frouxo, o que afeta sua reverberação. Em casos assim, uma solução é trocá-lo por um de maior calibre; se a corda Mi é afinada em Dó grave, por exemplo, talvez seja melhor substituí-la por uma Si.

Há músicos que utilizam um instrumento de cinco cordas de maneira diferente da usual, instalando uma Dó aguda em vez da Si grave. Então, a afinação adquire o formato C-G-D-A-E, que é semelhante ao do baixo tenor (C-G-D-A), mais grave que o padrão. Num de seis, pode-se usar um ajuste igual ao de uma guitarra, ou seja, E-B-G-D-A-E. Há também os modelos piccolo, que soam exatamente uma oitava acima em relação ao tradicional.

Métodos de afinação

Entre as diversas maneiras de afinar um contrabaixo, a mais rápida, eficiente e prática é feita com o auxílio de afinador eletrônico. O aparelho é ligado ao baixo por meio de um cabo P10 comum ou, nos modelos mais simples, capta o som do instrumento com um microfone interno. Alguns modelos de afinador eletrônico têm entrada e saída, possibilitando seu uso constante durante shows ou gravações. Outros possuem um metrônomo embutido. Há ainda programas de computador que exercem a mesma função, assim como pedais de efeitos.

Neste método, ao se tocar uma corda ou harmônico, o aparelho exibe no visor a freqüência emitida pelo instrumento e sua distância em relação à nota mais prôxima, de acordo com padrões automáticos (440 Hz) ou regulados pelo usuário. Então, o músico sabe se deve apertá-la ou relaxá-la para chegar ao resultado que deseja.

Outro processo, mais indicado para quem possui experiência e uma audição apurada, é a utilização de outro instrumento. Dessa forma, o músico ajusta as cordas de modo que soem em uníssono com as referências dadas pela fonte sonora escolhida. Também é possível regular apenas uma nota e, em seguida, acertar as demais por harmônicos ou notas iguais, como veremos mais adiante.

Em um método mais antigo que os anteriores, o baixista pode fazer uso de um diapasão, inventado por John Shore, trompetista do compositor barroco alemão Georg Friedrich Hándel. O aparelho é feito de metal e capaz de emitir com precisão determinada frequencia (geralmente, 440 Hz) quando as duas pontas de sua extremidade em forma de forquilha vibram. Para que isso aconteça, é necessário golpeá-lo contra uma superfície.

Se você deseja amplificar o timbre do aparelho, deve encostar sua outra ponta na caixa de ressonância do instrumento ou em sua cabeça, em uma região próxima à orelha. Vale ressaltar que o Lá do diapasão está em três oitavas acima de encontrado na terceira corda do contrabaixo, o que causa um pouco de dificuldade para quem não está acostumado com essas diferenças. Entretanto, há uma dica: quando a afinação não é correta, dá para perceber uma leve ondulação entre os dois sons.

Há outra forma simples, mas polêmica, de afinar o contrabaixo. Em grande parte das linhas analógicas, podia-se ouvir a freqüência de Lá em 440 Hz quando o telefone era retirando do gancho antes de uma ligação. Hoje em dia, porém, tal estratégia não é nem um pouco conflável, já que cada aparelho possui um timbre diferente.

Dicas de regulagem das cordas

A princípio, o diapasão serve para ajustar apenas a corda Lá. As demais, então, são reguladas em uníssonos de notas e/ou harmônicos. Um exemplo: o Lá solto tem a mesma frequência encontrada na quinta casa de Mi, então basta tocar as duas notas simultaneamente (foto 1). Afine o Mizão até que ambas as alturas soem exatamente iguais. O próximo passo é pressionar Lá na quinta casa e comparar seu timbre com o de Ré solto. O mesmo processo é repetido nas outras cordas, mesmo em instrumentos de cinco e seis.

Um detalhe precisa ser reforçado: o contrabaixo trabalha em uma região muito grave, o que dificulta a definição das notas durante a afinação. Por isso, é bastante válido o uso dos harmônicos, em que as freqüências são mais claras e definidas. A nota Lá também é extraída, mas em uma oitava acima, quando o dedo da mão esquerda é levemente encostado na décima segunda casa (foto 2). Caso repouse de maneira suave em cima do quinto traste (foto 3), o som resultante é duas oitavas mais agudo.

Há outra importante informação: os harmônicos do trastes da quinta e da sétima casa de cordas consecutivas devem ser iguais, conforme mostra a imagem vista na página anterior (foto 4). Não se esqueça de que este método é correto apenas para a afinação padrão, ou seja, Lá em 440 Hz.

Dica

Em um contrabaixo previamente regulado, a afinação pode oscilar de acordo com inúmeros fatores: alguns deles são, por exemplo, mudanças de temperatura e umidade. Um dos mais comuns é a instalação de um novo encordoamento, que tende a afrouxar com facilidade. Para evitar este problema, no momento de colocar cordas zero quilômetro em seu instrumento, é recomendável puxá-las durante o processo de regulagem (foto 5).

Faça a manutenção do seu instrumento musical lendo o artigo

Pizzicato no Contrabaixo Acústico

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Sat, 14 Dec 2013 23:09:00 +0000

Há diferenças entre o pizzicato usado no erudito e na música popular. Na música clássica, temos um grande leque de arcadas, mas as opções são limitadas em relação ao pizzicato. Sinto-me mais à vontade para falar sobre a música popular, que abrange variadas formas de execução desta técnica, dando coloridos e brilhos variados á sonoridade.

Pizzicato

Existe uma forma diferente de “dedilhar” cada tipo de música e efeito sonoro do contrabaixo acústico na música popular. A seguir, vou dar quatro exemplos.

O primeiro é um pizzicato tocado de forma a conseguirmos um som parrudo, com força e sonoridade acústica. E executado simultaneamente com dois dedos, mais precisamente o indicador e o médio, na mesma corda. Nesta técnica, que se inicia no cotovelo, os dedos cutucam a corda na altura do fim do espelho, em direção ao cavalete.

É importante estudá-la em semínimas por um tempo prolongado até que se consiga um som homogêneo e facilidade de mudança de uma corda para outra. Não se esqueça de que a mão direita é uma grande aliada na execução e sonoridade de sua música. A foto 1 mostra como este pizzicato deve ser realizado.

O segundo tipo é feito com dois dedos, um atacando as cordas de cada vez. Tem menos corpo sonoro, mas é muito mais ágil do que o primeiro modelo. É possível tocar muito bem o capotraste e fazer frases mais rápidas e com notas mortas. Veja a foto 2.

O terceiro pizzicato é uma técnica muito recorrente na Europa, em que três dedos da mão direita são utilizados. De tão ligeiro e virtuoso, permite que as semínimas praticamente valham colcheias. Não é muito usado nas Américas, mas propicia frases muito rápidas e sonoras. Niels Petersen era um músico famoso que o empregava muito bem. Observe a foto 3 para saber como fazê-lo corretamente.

Quando se toca música erudita, o pizzicato mais usado é sempre tocado longe da ponte. Normalmente, o arco é sustentado por três dedos; o mínimo, o anular e o polegar. O indicador e o médio, por sua vez, puxam as cordas na altura do Sol oitava, como revela a foto 4.

Uma importante observação: nas três primeiras técnicas, lembre-se de que, as cordas não tocadas devem estar abafadas para não soarem acidentalmente.

Fonte: Itamatar Collaço é contrabaixista e professor de baixo elétrico da UniversidadeLivre da Música

Pedaleiras Zoom para Baixo

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Fri, 25 Oct 2013 21:31:00 +0000

Escolha certo na hora de comprar uma pedaleira da Zoom para contra baixo.

Embora não muito usada pelos baixistas, existem muitas pedaleiras e pedais para contrabaixo no mercado! Abaixo 4 modelos de pedaleiras da marca Zoom que já está a muito tempo no mercado!

Pedaleiras Zoom para contrabaixo

Pedaleira B1 / B1X

Som sólido de baixo graças à conversão A/D de 96 kHz

Novo processador ZFX-3 em 32 bits

13 tipos de modelagem de amplificadores e de pedais para baixos

46 efeitos dedicados para baixo

Sintetizador de baixo

Bateria eletrônica embutida com timbes PCM

Afinador cromático

Super compacto

Baixissmo ruído

Footswitch opcional permite operação remota (B1 somente)

Pedal de expressão opcional para maior versatilidade (B1 somente)

Pedaleira B2 / B2.1u

A conversão A/D de 96kHz traz as características sonoras originais do baixo
Sons de baixo para qualquer situação
EQ gráfico de 6 bandas ou EQ paramétrico de 2 bandas - flexibilidade total!!!
2 tipos de sintetizador de baixo com diferentes ajustes de filtros e formatos de onda
Novo processador ZFX-3 em 32 bits
13 tipos de modelagem de amplificadores e de pedais para baixos
47 efeitos de alta qualidade com processamento de 32 bits
Fácil e intuitivo de operar
Afinador cromático desenvolvido especialmente para baixo
Super compacto estrutura de metal ultra-resistente
Baixíssimo ruído alcance dinâmico de 120 dB
Redutor de ruídos ZNR
DIRECT BOX embutido -> Saída direta em XLR para conexão direta em mesas de PA (B2.1u somente)
Conexâo USB/Interface de audio - acompanha software de gravação/edição CUBASE LE (B2.1u somente)
Footswitch opcional permite operação remota (B2 somente)
Pedal de expressão opcional para maior versatilidade (B2 somente)
Pedal de expressão embutido (B2.1u somente)
A mudança de programas mais rápida do mercado!!! (apenas 8 milésimos de segundo)

Veja a matéria sobre o amplificador Fender no link

Limpeza do Contra Baixo

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Fri, 18 Oct 2013 22:53:00 +0000

Vamos abordar um tema repleto de sugestões e controvérsias: os cuidados com a limpeza do contrabaixo. O assunto é polêmico porque as medidas a serem tomadas diferem de acordo com o revestimento do corpo (apenas encerado ou com pintura protegida por verniz, que pode ser brilhante ou fosco) e da escala (com madeira clara envernizada ou escura e natural).

Normalmente, um instrumento de acabamento brilhante possui pintura com quatro tipos de aplicação: fundo aderente, fundo poliéster, tinta e duas a três mãos de verniz. Após ficar seco, o corpo é lixado para ficar nivelado e, em seguida é polido. Nesse processo, curiosamente, pode perder uma ou duas camadas de verniz.

Limpeza, cuidados e lubrificação do contrabaixo Parte 1

Quando em uso constante, o equipamento começa a apresentar problemas em sua superfície. A pintura retém a gordura das mãos, enquanto o suor mais ácido causa algumas pequenas manchas. O verniz, por sua vez, chega a “queimar”, apresentando aspecto amarelado e sem irregular. Também surgem, em decorrência de seu constante manuseio, pequenos arranhões e riscos.

Para tratar e corrigir tais problemas da forma mais correta, o baixista deve solicitar os serviços de um luthier competente, capaz de desmontar o corpo do contrabaixo e lixá-lo novamente de maneira bem leve. Depois, são realizados um polimento com máquinas e um novo lixamento. Evidentemente, este processo desgasta camadas de verniz. Neste caso, a solução adequada seria repintar ou, ao menos, retocar a pintura, o que seria mais custoso do que apenas fazer o polimento.

Se não forem aplicadas em instrumentos desmontados e com máquinas apropriadas, as ceras automotivas (foto 1) podem causar brilhos irregulares na pintura. O problema é que as mãos não conseguem polir com a mesma força e velocidade em todos os pontos por causa do cansaço dos músculos e dos obstáculos criados por captadores, pontes, escudos e outros componentes. Conseqüentemente, nem todos os lugares ficarão livres de manchas.

É claro que os danos citados acima não surgem da primeira vez que o instrumento é encerado. Mesmo assim, é mais recomendável empregar outros procedimentos para evitá-los, conservando o instrumento sempre com ótimo aspecto. Vale reforçar que tais dicas devem ser utilizadas em instrumentos com acabamento brilhante e fabricados a partir de 1995, revestimentos de nitrocelulose, que não obedecem a essas características, podem estragar se forem submetidos a esse método. Deve-se frisar ainda que esta não é a única maneira de conseguir bons resultados nesta atividade, ou seja, sugestões de outros luthiers podem ser tranquilamente aceitas e colocadas em prática.

Para retirar a gordura no corpo do instrumento, uma boa solução é o uso de um algodão hidrófilo (foto 2) embebido em álcool isopropílico (foto 3). Extremamente puro, sem água e com extrema facilidade de evaporação, o líquido retira com competência resíduos de suor, restos de cera e poluição, além de limpar e eliminar o mau cheiro.

Após a assepsia, várias pessoas utilizam uma cera especifica para guitarras (foto 4), que é

facilmente encontrada em lojas de instrumentos musicais. O produto possui baixa abrasividade e serve para proteger a pintura e torná-la mais lisa, evitando o aparecimento de riscos. Lembre-se de que sua aplicação deve ser feita somente após á do álcool, sob risco de não limpar a superfície, apenas tornando-a mais gordurosa.

Manchas pequenas ou muito antigas não são extraídas do corpo do instrumento nem com álcool nem com cera. Nesta situação, recomenda-se o emprego de um produto específico para guitarra chamado óleo de limão, que pode ser obtido em lojas especializadas e oficinas de luthiers. Em contato com a pintura, o líquido remove sujeiras grudadas e máculas de suor e de pintura queimada. Deve-se embebê-lo em um algodão hidrófilo, aplicando o conjunto no local desejado. Após cinco minutos, retira-se o excesso com um chumaço seco. Em seguida, a oleosidade resultante é removida com um algodão molhado apenas com álcool isopropílico. O último passo é aplicar a cera da maneira explicada anteriormente (foto 5).

Após o término dessa operação, o acabamento geral da pintura melhorará bastante. Embora não tenha exatamente a mesma qualidade do procedimento executado com máquinas de polir e lixar, fica bem melhor do que se o instrumento fosse apenas encerado. Em um instrumento novo, o resultado propicia enorme proteção contra possíveis desgastes prematuros.

Veja o artigo sobre os efeitos da temperatura e umidade no contrabaixo

Treinando o Ritmo Com o Uso do Metrônomo

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Thu, 17 Oct 2013 21:39:00 +0000

O pizzicato é uma das técnicas mais difíceis para o baixista tocar de maneira sincronizada com o metrônomo. O motivo é que o movimento alternadamente realizado pelos dedos indicador e médio, e por vezes também o anelar exige muita resistência física: são normais situações em que, por cansaço muscular, o instrumentista atrasa o andamento no meio de uma música, por exemplo.

Treinando O Pizzicato

Alunos mais inexperientes tendem a estudar “correndo atrás” do metrônomo, o que é errado. Na verdade, a pulsação deve ser determinada com um valor que permita tocar de maneira relaxada e precisa. Também é indispensável começar o treinamento utilizando o mínimo possível de notas por batida, de modo a se obter mais precisão.

Outra dica importante é saber qual dedo da mão direita deve tocar cada corda.

Após a fase inicial de adaptação à prática do pizzicato com o auxílio do metrônomo, passa-se a levar em consideração outros fatores. O primeiro deles é a acentuação. Faça os exercícios em várias fórmulas de compasso, reforçando sempre o tempo forte sugerido pelo aparelho. O próximo passo é tocá-los à exaustão, enfatizando a cada vez uma determinada nota dos grupos transcritos nas partituras ao lado, visando aprimorar a fluência e a independência da interpretação.

Toque o contrabaixo usando os 3 dedos, leia o artigo

Metrônomo Como Usar

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Wed, 11 Sep 2013 14:45:00 +0000

No Tempo Certo

Utilizado para determinar o andamento de uma música, o metrônomo é um recurso importantíssimo nos estudos do baixista que não quer atravessar o ritmo

Definido pelo dicionário Aurélio como “instrumento que serve para regular os andamentos musicais”, o metrônomo produz pulsos de duração regular e exata conforme parâmetros de velocidade e dinâmica estabelecidos por seu usuário. Pode ser considerado uma espécie de relógio usado por cantores, compositores, maestros, arranjadores e instrumentistas para determinar a velocidade de uma música ou de parte dela, a ser seguida por todos que devem executá-la. Além disso, quando a composição não possui marcação rígida (tempo rubato), o aparelho serve para delimitar uma pulsação em torno da qual as variações são realizadas.

Os valores estipulados pelo metrônomo indicam o número de batidas por minuto (bpm). A quase totalidade dos aparelhos, ao menos os mais tradicionais, faz marcações entre 40 e 240 bpm. Costuma-se subdividir este espectro em diversas faixas, chamadas de andamentos musicais (veja quadro). Escritos em italiano, eram usados originalmente para definir o caráter da obra, o que determinava sua velocidade. O andante, por exemplo, corresponde à velocidade dos passos de uma pessoa.

Afinal, qual a importância do metrônomo? Quando o músico está preocupado com a parte técnica da execução, muitas vezes não consegue manter a constância das pulsações, ou seja, os tempos que interpreta não são isócronos. O uso desse aparelho, portanto, auxilia o estudante a vencer tais dificuldades, mantendo o andamento correto. Isso também doutrina o instrumentista a manter sua performance precisa independentemente de fatores externos, dando segurança aqueles que o acompanham.

Outro aspecto importante está relacionado ao trabalho em estúdio. É comum a existência de problemas com baixistas que não conseguem seguir a pulsação, dificultando o encaixe de suas linhas com o restante do arranjo. Além disso, a maioria das gravações e shows com playback, samplers ou grooves eletrônicos — é feita com o uso do click (som de metrônomo produzido pelo software multipista), de acordo com a batida selecionada pelo produtor ou pela banda.

Trocando em miúdos, se você não consegue tocar sincronizado com metrônomo, pode dar adeus à carreira de sideman. E, muito provavelmente, quando a banda em que está se tornar mais profissional, seus companheiros vão preferir trocá-lo por outro músico que saiba trabalhar com o aparelho. Ademais, suas performances-solo também ficarão longe do esperado, pois o tempo oscilará, deixando a música sem pegada.

História do Metrônomo

o primeiro modelo de metrônomo foi criado em 1812 pelo relojoeiro holandês Dietrich Nikolaus Winkel. Quatro anos depois, o austríaco Johann Malzer baseou-se no produto criado por ele, fez diversas modificações e o patenteou. De acordo com historiadores, o primeiro compositor que se tem notícia a utilizá-lo para aferir a rítmica de suas canções foi Ludwig Van Beethoven, amigo de Malzer, em 1817. Curiosamente, estudiosos modernos defendem que o músico erudito alemão escreveu tempos aceleradíssimos nas partituras de algumas obras porque usou um aparelho sem muita precisão.

Os primeiros tipos de metrônomos

foram mecânicos, movidos a corda, com estrutura semelhante à de um relógio despertador. Neles, o pulso é ditado por um pêndulo, formado por uma

haste metálica e um peso deslizante, cuja posição em relação ao eixo que o sustenta determina a velocidade de oscilação: quanto mais para baixo, o período é mais rápido e vice-versa.

Marcado por um som de dique, cada balanço corresponde a um tempo de um compasso. Costumeiramente, o aparelho também contém notações relativas aos bpms e aos principais andamentos musicais.

Nas Ultimas três décadas, em virtude do desenvolvimento tecnológico do mercado de instrumentos musicais, começaram a ser fabricados metrônomos eletrônicos, que atualmente compõem a maioria dos modelos existentes no mercado. Neste tipo, luzes e sons são responsáveis pela marcação dos tempos, enquanto sua regulagem é realizada por cristais de quartzo, como nos relógios de pulso. As pulsações são reguladas por botões ou dials.

Atualmente, as lojas oferecem aparelhos de todo tipo, desde os mais tradicionais a espécies com vozes digitalizadas para auxiliar na contagem e opções de ajustes para tempos fortes e fracos além de marcação de subgrupos rítmicos dentro de compassos compostos (por exemplo, 12/8, 6/4 e 9/16). Os formatos também variam: podem ser de bolso,

elétricos, digitais, virtuais etc. Os metrônomos podem ainda estar inseridos em outros equipamentos, como afinadores, programas de gravação.

ANDAMENTOS MUSICAIS

Embora seja utilizada na música oriental, especialmente no gênero erudito, a definição dos valores relativos aos andamentos musicais não é totalmente exata. Seus tempos são estabelecidos de forma aproximada, ou seja, pode haver mais de um significado para a mesma categoria, conforme o estilo, a música, o compositor e o intérprete. Em seu consagrado livro Teoria da Música”, o theco Bohumil Med utiliza a seguinte tabela de referencia:

Confira o Metrônomo Online http://www.baixoweb.com/p/metronomo-online.html

Braços Empenados Tem Solução

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Mon, 09 Sep 2013 14:58:00 +0000

Braços Empenados Tem Solução

Neste artigo, vamos abordar um tema bastante presente na vida de quem toca contrabaixo: braços empenados ou torcidos.

Por estatística pessoal, diria que 70% dos baixistas sofrem deste problema, seja em pequena proporção ou até tão seriamente que o instrumento fica inutilizável. Este inconveniente ocorre, principalmente, por falta de manutenção periódica. Regulagens completas anuais, pequenas correções na concavidade do braço a cada trimestre e ajustes no tensor sempre que a tensão das cordas for alterada são algumas das medidas que garantem uma conservação adequada do equipamento.

Muitos baixos já saem da fábrica com este tipo de defeito, que se torna cada vez mais evidente à medida que o braço vai sendo utilizado. O problema é que este empenamento ou torção aumenta a ação das cordas — e não é possível abaixá-la, pois, se isto for feito, o instrumento começa a trastejar — e causa oscilações e discrepâncias na afinação ao longo da escala, dentre outras imperfeições. Em suma, compromete bastante a qualidade do material. Este mal, entretanto, tem cura!

Primeiramente, vamos entender o sentido do termo “empenamento”. Considera-se que um instrumento apresenta tal característica quando o arqueamento do braço está côncavo ou convexo em grau tão extremo que a falha não pode mais ser corrigida pelo tensor. Isso é provocado por várias situações: falta de ajustes preventivos, exposições a altas temperaturas, fabricação ruim ou uso incorreto dos acessórios.

Um braço é tido como torcido se o arqueamento na parte das cordas graves (Mi e Lá, no caso de um baixo de quatro) não coincidir com o das agudas (Sol e Ré). Neste caso, o ajuste no tensor é inócuo, já que, quando se tenta corrigir a concavidade de um dos lados, o outro se torna convexo. Este defeito é mais fácil em instrumentos que trazem dois tensores.

Outro motivo para o surgimento deste problema é a forma displicente com que muitas pessoas acomodam o instrumento quando não o estão utilizando. Não podemos, por exemplo, deixá-lo por muito tempo descansando, sem nenhum apoio sob o braço. Pior ainda é quando o músico o transporta no porta-malas em um ambiente de temperatura alta — se o automóvel permanecer aproximadamente uma hora sob o sol, este compartimento vai ter calor três vezes maior do que na rua, causando empenamento ou torção do braço. Caso o equipamento seja construído com madeiras húmidas, a ação do tempo pode ser responsável pela aparição deste tipo de inconveniente.

Na verdade, é quase impossível evitar que, um contrabaixo apresente torção em seu braço. Precisamos ter muito esforço e cuidado para retardar este processo. Pense em um instrumento de cinco cordas. Nele, Si e Mi exercem tensão na lateral superior da régua superior à que Ré e Sol desempenham na inferior. Como resultado, se não houver dois tensores, o defeito irá surgir. O ideal é que a torção ou o empenamento exista de forma moderada após alguns anos de uso, quando já for necessária a troca dos trastes por desgaste - então, o luthier aproveita para também corrigir esta deformidade.

A seguir, vou descrever procedimentos utilizador por mim e outros colegas para resolver tais falhas. Quero deixar claro que as soluções propostas não são as únicas possíveis, mas a idéia principal, independentemente da forma de trabalho, é uma só: tornar a escala novamente plana. Este processo, aliás, também é indicado quando se pretende trocar trastes gastos ou muito amassados.

Neste tipo de conserto, a primeira atitude é extrair os trastes do instrumento com cuidado para não lascar a escala. Para isso, o luthier os aquece — cada profissional pode utilizar um método diferente, como ferro de solda e soprador térmico — e retira, com auxilio de um formão (foto 1) ou qualquer outra ferramenta que sirva como alavanca. O próximo passo é lixar a escala levemente, apenas para eliminar possíveis imperfeições deixadas pelo processo anterior. Em seguida, com o auxílio de uma régua ou por meio da verificação visual das laterais do braço (foto 2), detecta-se o grau de empenamento ou torção a fim de ajustar o tensor adequadamente. É importante frisar que só um luthier experiente consegue perceber visualmente estas variações.

Começa-se, então, a aplainar a escala. Vários tipos de ferramenta podem ser empregados nesta operação, mas prefiro usar uma prancha de compensado muito bem alinhada, revestida de fórmica nos dois lados. A abrasividade da lixa depende do tamanho da irregularidade: em média, costumo usar os modelos de números 36 e 80, respectivamente. Não se deve desgastar a escala ininterruptamente por muito tempo, pois o calor gerado em decorrência do atrito pode empenar a escala (foto 3). De tempos em tempos, deve- se checar se o problema está sanado.

Nas vezes em que realizo este trabalho, normalmente deixo o braço no mínimo reto e com o tensor totalmente solto, pois, quando afinadas, as cordas já possuem tensão suficiente para tornálo côncavo. Se, após ser lixado, o braço ainda estiver escalopado, a força exerci-da pelo encordoamento pode obrigar o tensor a atuar praticamente no limite. Por isto, em alguns casos, prefiro deixá-lo um pouco convexo. Assim que o sucesso da operação for comprovado, o Iuthier refaz o abaulamento da escala (radius) (foto 4), que às vezes retirado por completo em razão do uso da lixa no processo anterior.

Na seqüência, com o auxilio de lixas finas de números 100, 180, 220 e 600, os riscos da escala são retirados (foto 5).

O Iuthier reabre, cuidadosamente para não riscar nem arranhar o braço, as cavidades destinadas aos trastes, utilizando uma serra normalmente destinada para esta finalidade (foto 6). Os novos trastes são encaixados com o auxílio de um martelo de plástico rígido (foto 7) e desgastado lateralmente por uma lima de superfície chata de média abrasividade (foto 8). Esta etapa é importante e deve ser feita com muita atenção, pois qualquer falha pode danificar o instrumento de maneira irreversível.

A seguir, os trastes são colados na escala com uma seringa de vidro e agulha (foto 9) ou com o próprio tubo de uma cola adesiva de média aderência (foto 10). Daí, um pequeno fret work deve ser feito para corrigir irregularidades que tenham surgido após a retífica da escala e o assentamento dos trastes. Finalmente, o baixo é montado e cordas novas são colocadas, fazendo-se as regulagens necessárias.

fonte: Edmar Luighi, músico e luthier profissional

Baixista do Queen - Análise do Baixo

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Mon, 09 Sep 2013 03:17:00 +0000

Análise do baixo nas Músicas do Queen

Nesse análise, será mostrado exemplos do estilo das linhas de John Deacon baixista da banda Queen, algumas vezes servindo com a tarefa da condução, e por outras dando um colorido especial às músicas. Mesmo com uma postura mais discreta, sempre muito criativo, mostrou-se fiel à sua concepção de contrabaixo dentro do grupo, com muita regularidade desde o primeiro álbum até o último lançamento. Podemos notar, nos trechos a seguir, que o baixista usava diversos recursos harmônicos e rítmicos nas composições. Foi também o responsável por vários sucessos da banda, não se limitando apenas ao papel convencional de um baixista. Os exemplos transcritos mostram um pouco das várias fases do grupo e como o baixista John Deacon se mantinha sempre coeso e funcional à concepção musical do quarteto.

Breakthru

A música “Breakthru’ pertencente ao álbum The Miracle, se encontra na tonalidade de Ré menor. O trecho aqui transcrito mostra o baixista executando um pequeno solo. John Deacon inicia sua linha tocando a terça e depois executa uma pequena convenção utilizando sétima, tônica e terça, três vezes. Segue então para a 4ª Maior (Sol), que mantém durante um compasso, colocando apenas na última nota a terça que inicia uma convenção, dessa vez com tônica, sétima e terça e em seguida tônica, sétima e tônica. Quanto à parte rítmica, o trecho não apresenta maiores dificuldades, pois é composto basicamente de colcheias. A única observação é quanto à utilização de síncopas (alteração do tempo forte para o fraco) no inicio dos compassos 2, 3, 5 e nas convenções dos compassos 3 e 5.

Radio Ga Ga

Um dos maiores sucessos do grupo e pertencente ao álbum The Works, “Radio Ga Ga” se encontra na tonalidade de Fá Maior. No exemplo, note que o inicio dos quatro compassos, sempre utilizando tônica e sua oitava, segue a mesma linha, sendo alterada somente suas finalizações. No primeiro compasso, o baixista utiliza quinta e sexta; no segundo, quinta e tônica, no terceiro há uma alteração na quinta; tornando-a diminuta, com a finalidade de gerar tensão, e então novamente é tocada a tônica oitavada. No último compasso, segue o mesmo principio, com tônicas e oitavas e finalizando na sexta (Ré). A grande dificuldade desse é a rítmica e os saltos de cordas que possui. Comece executando lentamente e não esqueça de obedecer às pausas, por mais sutis que pareçam ser, pois são de grande propriedade ao tema,

The Millionaire Waltz

Nesse exemplo estão transcritos nove compassos da música “The Millionaire Watz” do álbum A Day At Tire Races. O trecho escolhido está na tonalidade de Fá Maior e perceba que nos dois compassos que iniciam o exemplo, o baixista utiliza basicamente notas da tríade, com exceção da inclusão da sexta maior. Nos compassos 3, 4 e 5, são utilizadas somente as notas da tríade, primeiro em Sol menor, depois em Fá Maior e por fim em Dó Maior. No compasso 6, temos uma mínima pontuada cobrindo toda sua duração, pois a fórmula está em 3/4 em todo o trecho. Já no compasso 7, temos novamente o uso da tríade, só que dessa vez, usada de forma descendente. Nos dois últimos compassos, o baixista executa uma nota por tempo, sendo elas Dó, Ré e Mi bemol (sétimo grau alterado) e finaliza em Si bemol, quarto grau da tonalidade.

My Fairy King

Aqui a música exemplificada é “My Fairy King”, do disco homônimo e primeiro da carreira do grupo Queen. Com centro tonal em Sol Maior, esse trecho tem toda sua concepção sobre o quinto grau da escala, Ré Maior com sétima menor, ou seja, modo mixolídio. No primeiro compasso, é utilizada basicamente a nota fundamental (Ré), com exceção do último tempo que possui quinta e quarta justas. No segundo compasso, o baixista continua utilizando Ré, só que dessa vez, há uma pequena modulação em sua terça, tornando-a menor, dando uma sonoridade interessante ao trecho. Quanto à parte rítmica, são utilizadas somente variações de colcheias e semicolcheias.

Cuidados ao Ler Tablaturas

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Tue, 20 Aug 2013 17:12:00 +0000

Cuidados ao Ler Tablaturas

Para tocar uma música não adianta somente pegar a tablatura e sair tocando, você tem que saber de teoria musical, só se nasceu com dom de já sair tocando sem saber a parte teórica, saber qual o tipo de afinação para aquela canção, se o padrão da música está em colcheia, semicolcheia, etc, o estilo da música, porque um samba vai ser diferente para tocar no contrabaixo em relação ao rock!, Vai ter que ter noção de tempo, ritmo, melodia, etc..., sem falar de agilidade, movimentação que depende de exercícios diários para se conseguir!.

Veja exemplo de tablaturas e a Diferença Entre Elas

Afinação Padrão do Contrabaixo

Essa canção está na afinação padrão do contrabaixo que é EADG!.

Essa canção está com a afinação em DGCF, diferente da afinação padrão do contrabaixo!

No compasso abaixo notamos a divisão em semicolcheia e o tempo padrão em 1 2 3 4, característico no rock and roll ". Para executar essa linha você vai ter que ter velocidade e agilidade, diferente de quando pegar uma música lenta!. Por isso tem que estudar muito porque não vai conseguir tocar outras músicas sabendo somente esse padrão!.

Note que na tablatura abaixo o estilo da música já é mais lento e você vai ter que cadenciar mais para toca-la dentro do ritmo, o objetivo desse artigo é para mostrar que não adianta pegar as tablaturas e pensar que já vai sair tocando sem saber de teoria musical. Treinamento com metronomo no início do aprendizado também é muito importante!

Na próxima tablatura note que há uma pausa e essa habilidade você consegue treinando ritmo e tempo! Note que em um dos exemplos citados acima, um compasso encontra-se no padrão 1234, pode ocorrer várias variações como por exemplo 1 3 4, aqui você da uma pausa no segundo tempo e toca o tempo 1 , 3 e 4!. Mais exemplos você encontra nessa página Veja mais sobre ritmo e tempo!

Grooves de Reggae no Baixo

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Thu, 08 Aug 2013 14:55:00 +0000

Exercícios de Reggae

Groove de Reggae no Baixo

Este é um exercício fácil de reggae para contrabaixo, tentar repeti-lo cerca de duas ou três vezes.

Clique na Tablatura para Ouvir

Reggae Para a Linha do Baixo

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Reggae Para Iniciante

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Escrevendo uma linha de baixo Para Reggae

Reggae é pretencioso para ter groove. Isso é o mais importante aspecto que um baixista tem que ter em mente neste estilo de música. Sem isso, você não tem nada, você tem que manter a música centrada em torno da primeira e terceira batidas. O baixista mantém o impulso da música nessas batidas para dar o fechamento ao som da música.

Mais Groove de Reggae

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Toque-o cerca de oito vezes.

Reggae no Baixo

Exercício Para a Mão Direita

noreply@blogger.com (Raul Binder Junior) — Tue, 06 Aug 2013 21:41:00 +0000

Exercício Para Inciante no Contrabaixo Elétrico

Exercício Para a Mão Direita

Tempo: 120

Eu uso este exercício para aumentar a velocidade e força em minha mão direita. Comece devagar e aumente a velocidade.

Clique na Tablatura Para Ouvir