El Cerebro de la Bestia

Vortex

2026-03-18T20:23:00.001+01:00

INTRODUCCIÓN:

Super Nintendo fue una consola que obtuvo muchísimo amor, sustento y dedicación por parte de casi todas las compañías desarrolladoras del momento, y sobre todo, medios e innovación por un tubo. Sin duda, una de las argucias más sonadas fue la creación de chips dedicados. Es algo sobradamente conocido por todos que, en el amplio catálogo de la consola, existen unas cuantas decenas de títulos que se sirvieron de ellos para ‘echarle un cable’ al procesador de nuestro querido cerebro de la bestia en lo que a operaciones lógicas se refiere. El Ricoh 5A22 (aunque en su momento, era algo que nos importaba un pimiento), no era precisamente el más rápido del mercado, pero junto a estas pequeñas maravillas de pura ingeniería, podía llegar a crear cosas tan asombrosas que casi nos permitían asomarnos al futuro a través de nuestro televisor. Como se decía entonces, transportaban al jugador a otro nivel.

Su presentación con aires de lujo, el brillo de su título, la primera muestra de dolby surround, y por supuesto, la orgullosa presentación de su chip Super FX, hablan a las claras: Vortex fue, como poco, uno de los más ambiciosos proyectos que existieron en Super Nintendo. Tras él, se erige el nombre de Argonaut Software, que no solo fueron los desarrolladores del juego, sino también del susodicho chip. Aquellos que maravillaron a medio mundo con Starwing, el primero juego enteramente construido con polígonos en una consola de 16 bits, volvían a la carga un año después (1994) con vistas a repetir la proeza, pero esta vez sirviéndose de un Super FX de segunda generación (el GSU-1). Sin embargo, Vortex (a pesar de ser distribuido en las tres regiones principales), no tuvo, ni de lejos, el mismo impacto ni reconocimiento que las aventuras de Fox McCloud, a quien todos recordamos con mucho más cariño.

TRAMA:

De hecho, es uno de los juegos con este añadido tecnológico menos conocidos, y es muy probable que un juegazo como es Stunt Race FX, técnicamente superior a este, y aparecido tan solo unos meses antes, oscureciera todavía más su presencia. Tal vez si hubiese sucedido al citado Starwing, un año antes, la historia habría sido distinta. A través de una transmisión audiovisual, la teniente Dante nos hace llegar desde Trantor un mensaje completamente desesperanzador. El jefe del comité científico describe la situación: están acorralados por el enemigo, esperando una muerte segura cuando, finalmente, se extinga el campo de fuerza que les envuelve, dando rienda suelta a la organización criminal Aki-do para destruir el núcleo del sistema central… de no ser porque dichos científicos lo han protegido con una carcasa inexpugnable. Esto nos otorga cierto tiempo para recuperar las partes en las que se ha dividido y transportado hasta a las distintas bases enemigas.

Y más nos vale. Porque de preservar la integridad de dicho núcleo depende la supervivencia del sistema Deoberon, y a su vez, de toda la galaxia civilizada conocida. Esto nos sitúa ante una difícil posición, ya que encarnamos al único piloto lo suficientemente capaz de llevar a cabo esta orden de defensa y rescate. Para ello, contaremos con el Morphing Battle System, una unidad cibernética de combate construida por el mismo grupo de científicos, poderosísima, estrictamente secreta… y también experimental. Pero la situación es muy grave, el tiempo apremia, y no existe lugar para más pruebas: hay que pasar en seguida a la acción. Siete serán los destinos hacia los que nos llevará nuestra encarnizada batalla con las fuerzas de Aki-do, e irán desde el primer vórtice de acceso al espacio exterior, hasta el regreso a Trantor para recolocar las fracciones recuperadas del sistema y liquidar a Vercigetrix, líder de las llamadas tropas negras.

GRÁFICOS:

Al ser ya el tercer juego con estas características visuales que pisaba la consola, era lógico que el factor sorpresa se hubiese debilitado un poco, también contando con que la generación de 32 bits estaba prácticamente llamando a la puerta, y algunas imágenes filtradas ya nos hacían babear como locos. Por desgracia, no llegué a comprarlo, pero situándome en contexto, he de reconocer que a mí personalmente, ver esas imágenes en las revistas de la época todavía me resultaba alucinante, y todo lo demás quedaba en un hándicap secundario al pensar que podría disfrutar en mi salón de un juego 100% en tres dimensiones. Gracias al potencial de cálculo que aporta el chip, absolutamente todo está resuelto con polígonos, cualquier objeto, cualquier enemigo, y por supuesto, nuestro propio robot de batalla. No esperéis, claro está, velocidades vertiginosas de 60 frames por segundo, ni texturas detalladas, ni una solidez impecable en las superficies. Esto es de sentido común. Aquí la magia residía en el sencillo hecho de que todo pudiese moverse correcta y dignamente, algo impensable tan solo unos pocos años atrás.

Si bien la primera se podría considerar como una especie de tutorial, la siguiente fase ya refleja de forma más fiel la naturaleza de lo que veremos en mayor medida: escenarios muy grandes y completamente abiertos que podremos explorar a nuestro aire y ritmo. Cada uno de ellos tiene su propia personalidad, basada en la paleta de colores y en los elementos que los componen: hay extensiones de hielo, desiertos, lugares más allá de las nubes, y terrenos áridos en donde apenas penetra la luz. Todos poseen sus propios fondos en 2D, en algunos casos, como el de Magmemo, realmente trabajados y profundos, que contribuyen a enfatizar la sensación de movimiento con sus rotaciones. La delimitación es algo confusa, ya que nada marca los límites, pero podemos hacernos una idea consultando los mapas. Esto es algo importante, por un motivo que después explicaré. En cuanto a la aparición de los enemigos, el ‘motor’ hace un buen trabajo, mostrándolos a la suficiente distancia para que no nos pillen desprevenidos. Sin duda, los más espectaculares son los jefes finales, ya que vistos de cerca, no caben en la pantalla.

Según el ángulo de nuestra máquina, veremos muchos tramados en las partes superficiales, y tan solo texturas mapeadas en su sistema hidráulico, y curiosamente, en las suelas. La sensación de vacío nos acompañará más de lo deseable, y cuando en el campo de visión se juntan, al mismo tiempo, unos cuantos enemigos y elementos escénicos, las ralentizaciones serán notables. En ocasiones el movimiento es mareante por su brusquedad, aunque por otra parte, la velocidad de los vehículos terrestre y aéreo, es bastante aceptable. Sí, son unos cuantos puntos los que cojean en este apartado, pero no debemos dejar de recordar de qué año y sistema estamos hablando, y sobre todo, tener en cuenta un factor muy determinante a la hora de valorar con justicia sus virtudes y carencias: todo el programa se aloja en un cartucho de unos irrisorios 4 megabits (el tamaño máximo de los que usaban el chip FX, era de 8), con lo que se compensa el mérito, a lo que hay que añadir las vistosas y bien realizadas animaciones de nuestro MBS al desplazarse a pie o transformarse.

SONIDO:

No siempre es fácil, pero normalmente hago un esfuerzo extra para intentar apreciar cualquier banda sonora de todo aquello que juego, me guste más o menos su estilo musical. En este caso, y sin ser yo fan en absoluto de las tendencias más electrónicas, ya me veía yo por dónde iba a tirar este Vortex desde las primeras horas de partida. Y creedme cuando os digo que soy el primer sorprendido en el hecho de que me haya gustado bastante. El juego consta de 18 temas largos, repartidos entre menús, pantallas de información, intro, segmentos de bonificaciones, y por supuesto, las fases, en donde hay una distinta para cada una (solo se repiten las de los vórtices siderales). Conociendo quién estuvo detrás de su entera composición, es más fácil encajarla. Justin Scharvona, en cuyo historial se encuentran bandas sonoras para más de 50 videojuegos, apostaba normalmente por estos ritmos machacones y tesituras más industriales, y en este caso en particular, se movió entre el techo y la música dance de los primeros 90.

Como cabía esperar, dichas cadencias y sonoridades le vienen como anillo al dedo a un juego que transcurre en una galaxia de extraños planetas infestados por todo un ejército de enemigos mecánicos. El caso es que la gran mayoría tiene algo que te acaba enganchando, y bastante rápidamente además. Su ‘beat’ es lo suficientemente movidito como para invitarte a menear el pie sin descanso, pero no son demasiado estruendosas como para molestar. Tienen cierto grado de temas ambientales puros y duros, pero también mucha presencia, con buenas melodías y un montón de detalles, aprovechando bien el chip sonoro de la consola, muchas líneas superpuestas, y cambios estructurales inesperados y creativos. Algunos sonidos en particular me han traído cierto sabor nostálgico, como ecos y fadings muy similares a los que empleaba mi amado Commodore 64, pero adaptados a las posibilidades. También hay cortes que se salen de la dinámica general, como el que escuchamos en la introducción, más suave y dramático, o ese “color” más oriental sobre suelo desértico. Fantástica, de verdad, no dejéis de escucharla, tanto en el propio juego, como en el test de sonido que incluye.

JUGABILIDAD:

Siete fases, siete misiones, todas ellas con el mismo objetivo (recuperar las partes del núcleo), y con procedimientos agrupados, entre los que se cuentan la aniquilación de todo lo que se mueva, el rescate de discos y científicos, encontrar objetos y depositarlos en sus lugares correspondientes, memorizar secuencias, o localizar llaves bien protegidas, incluso a través de túneles subterráneos. Antes de lanzarnos a por ellas, Dante nos explica los pormenores de forma superficial, pero al meternos en faena, solo el mapa y el radar serán nuestra guía. Es normal que al principio uno se encuentre muy perdido, sin saber hacia dónde ir ni a qué disparar, y cualquier mínima emboscada puede provocar que nos hagamos un nudo con los dedos intentando ejecutar las acciones correctas para cada ocasión. Pero también con la novedad de las primeras horas, es cuando más disfrutaremos de ese placer que nos proporciona el simple hecho de poder recorrer sus enormes escenarios, lo que tuvo que ser toda una experiencia en su momento, prácticamente reservada en exclusiva a ordenadores personales mucho más potentes que una simple y humilde consola de 16 bits.

Las fases de campo abierto predominan, pero no son las únicas. Comenzaremos recorriendo una interminable pista espacial, sin más decorado que millones de estrellas sobre negro. En Voltair nos enfrentaremos a una carrera contrarreloj de una dificultad extrema (no sabéis cuántas veces he tenido que introducir ese password…) y Trantor, la más divertida y equilibrada, nos propondrá algo así como una mezcla de todo lo visto anteriormente. Los jefes finales son para salir corriendo, absolutamente terroríficos. Sin embargo, una de las mayores trabas está en el propio control. Para tener mínimas posibilidades de avanzar, debemos dominarlo a la perfección, y además, ser muy rápidos e intuitivos, aunque después de ver tutorial que ofrece el juego lleguemos a pensar que va a ser imposible. En la teoría, parece sencillo, pero en la práctica, ya es otra historia. Tendremos que manejar, de forma casi simultánea, la dirección del desplazamiento (muy, muy sensible), los cambios de armas, las metamorfosis (caminante, vehículo de ruedas, volador, y escudo), el ángulo de disparo, y sobre todo, la velocidad, a la que nos costará horrores cogerle el punto, con un ojo siempre puesto en el radar.

Y todo ello, mediante un montón de combinaciones, entre las que se llega a usar todos los botones del mando. Cada forma física, además, tiene sus propias particularidades en cuanto a armas, resistencia, comportamiento… y en su óptima combinación, estriba gran parte del éxito. Existen mini tutoriales, tres niveles de entrenamiento, y otros tantos de dificultad, pero ni del fácil podemos fiarnos. No pretende ser un juego rápido, y sus niveles piden más cautela que celeridad. El problema no es que estos lleguen a hacerse muy largos (hasta 20 o 30 minutos, y eso cuando los conocemos), sino que, al enfrentar a sus respectivos jefes, nos aniquilarán a la velocidad de la luz sin que apenas sepamos qué carajo ha pasado. Y vuelta a empezar desde cero. Entonces nos damos cuenta de que es un juego divertido, pero no tanto, algo que ni los benditos passwords alivian. Al menos, salir de límites en ciertas fases nos permite recuperarnos por completo, pero no penséis que esto lo soluciona todo. No solo estaremos rodeados de enemigos, sino además, de trampas y centinelas que no dudarán en hacernos pedazos en todo momento.

CONCLUSIÓN:

Con la sinceridad por delante, Vortex es un juego torpón, lento e impreciso, y no se puede mirar con ojos del presente. A la hora de jugarlo, entenderlo y disfrutarlo, de primeras hay que intentar meterse al máximo en contexto, y eliminar de raíz esa siempre estúpida pregunta de ‘¿merece la pena jugarlo a día de hoy?’. Insisto en que hay que conocer al dedillo la época y consola en que salió para poder valorarlo como se merece, y aunque estuvo muy lejos de ser perfecto, tiene bastantes cualidades, y muchas partes en las que me lo he pasado de miedo con él. Eso sí, dada su particular naturaleza, y el (a ratos) casi experimental concepto que propone, creo que debería haberse centrado más en la propia experiencia que en una dificultad tan límite y agobiante de la que en muchas ocasiones adolece, sobre todo, en los enfrentamientos finales.

Desde luego, no le vamos a quitar el mérito de ser técnicamente impresionante. Su banda sonora es una auténtica pasada (contra todos mis pronósticos), sus entornos y enemigos se mueven y se crean con una velocidad, suavidad y distancia plausible, y es ciertamente divertido cuando se domina. Pero también quisiera hacer mención a unos cuantos descuidos y bugs que me han provocado carcajadas por su ridiculez. En el primer grupo, tenemos una traducción al español (nativa) que es un constante desfile de faltas graves ortográficas y gramaticales, signos mal usados, palabras sin separar... En el segundo, podemos encontrarnos con que el salto deje de funcionar, que los disparos pasen de largo sin razón, incluso que el tercer jefe literalmente desaparezca ante nuestras narices si llegamos hasta él con el tiempo raspado. ¡Increíble! Durante años, se especuló con que Vortex fuese un reciclaje del cancelado Transformers Generation 2, pero su programador desmintió en Retro Gamer (2015) cualquier relación entre ambos.

- Lo que más me gusta: Verlo en movimiento es un pasote. Me encanta la cadencia relajada e inmersiva de las fases abiertas. Aprender a usar las transformaciones es gratificante. Su banda sonora.

- Lo que menos me gusta: La dificultad de casi todos los jefes finales es aberrante. Los citados bug claman al cielo. Su control es bastante duro y terco. Puede marear en determinados momentos.

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Justin Scharvona es un compositor británico que estuvo ligado durante unos años a la propia Argonaut Software, para la que escribió unas cuantas bandas sonoras. Pero su trabajo no se limita a ella, ni siquiera a los videojuegos, habiendo trabajado también en el cine y produciendo discos para los más diversos artistas. Su impresionante currículum se puede ver en su web. Sin alejarse demasiado de sus preferencias estilísticas, dio luz, en Vortex, a una banda sonora con un acabado fantástico, grandes temas, y un aire perfecto para la aventura, que además de ser muy extensos, podremos escuchar en Dolby Surround, por lo que es recomendable el uso de cascos.

The ice planet Cryston. Algunas tienen más gracia que otras, pero creo que, en general, lo realmente bueno se encuentra entre los temas de sus fases. Sirva este como primer ejemplo de lo bien que suenan, y cuánto se adaptan al carácter de los entornos. Esas notas 'de hielo' abren la sesión, con teclados sintetizados a los que se irán agregando más sonidos y capas de efectos conforme progrese. Se trata de una de las canciones más variadas, no solo en cuanto a melodía, sino en registros, ya que hay unos cuantos cambios sustanciales en sus cuatro extensos minutos.

Opening. Dejemos a un lado, de momento, los ritmos más machacones, aunque no la electrónica, para detenernos en uno de los temas que más me ha sorprendido por su contraste. Mientras se nos pone al corriente de la situación, el juego nos obsequia con esta pieza mucho más ambiental y tranquila, pero al mismo tiempo, una de las más melodramáticas y épicas que escucharemos. Los científicos se enfrentan a una muerte segura, y no hay nada que puedan hacer para evitarlo, por eso me ha gustado especialmente cómo lo refleja su final desolado, abierto, descendente y lejano.

The Sky World Voltair. La tercera fase es aquella a la que, sin duda, más horas he dedicado. Esto implicaría haber terminado aborreciendo su acompañamiento musical... pero nada más lejos de la realidad, y lo cierto es que sigue siendo de mis favoritas. Muy bailable, pero sin descuidar ni la melodía ni los detalles, el ascendente inicio nos lleva a otra sesión de techno suave, casi atmosférico, pero lo suficientemente variado como para que no se haga pesado. Además, lo dicho, adoro esos sonidos ondulantes tan retro, que tanto me recuerdan a mi viejo Commodore 64.

Home to the core Trantor. Puro sabor a los 90s cada vez que la escucho. Algunos de sus fragmentos me devuelven a mis 7 u 8 años, cuando flipaba con aquellos primeros Máquina Total. Lo más destacable del corte es su uso de pianos sintetizados, y más instrumentos en general que el resto. Su cadencia te va secuestrando poco a poco y sin poderlo evitar, y a partir del minuto 2, nos descoloca con el desvanecimiento de los acompañamientos, para terminar formando unas líneas totalmente nuevas, pero igual de pegajosas. En cuanto a progresión, es la pieza más trabajada.

The desert planet Thermis. En cuanto a ambientación, es una de las composiciones que se llevan la palma. Teniendo en cuenta que, además, me flipan esos aires orientales, tan misteriosos y ondeantes como las dunas de un desierto, desde su inicio tan progresivo, hasta sus múltiples variaciones (aunque de insistente base rítmica), se ha convertido en una de las que no he llegado a hartarme, pese a estar tantas horas escuchándola. Lo que me vuela la cabeza, es cómo diablos lo hicieron para meter tantos temas de más de cuatro minutos de duración en 4 escuetos megabits de memoria.

Super Tekkyu Fight!

2025-08-31T23:07:00.002+02:00

INTRODUCCIÓN:

¡Vuelve a la carga el Compati Hero Team al blog El Cerebro de la Bestia! Han pasado ya lustros desde que analicé uno de sus títulos para la consola (aquel The Great Battle II: Last Fighter Twin), y ya tenía yo ganas de volver a estar de nuevo frente a estos simpáticos personajes, tan extremadamente populares en Japón. El caso es que, a pesar de que la citada saga es la principal, con nada menos que cinco entregas solo en Super Famicom (todas ellas, como cabría esperar, exclusivas del mercado nipón), Gundam y compañía no le hicieron ascos a prácticamente ningún género, y este caso que tenemos entre manos es un ejemplo tan bueno como cualquier otro de los muchos roles que adoptaron en aquellos primeros años de existencia consolera. Sin dejar de lado la acción, Super Tekkyu Fight! encaja mucho más en la fórmula Super Bomberman, que en la de los beat-em up tradicionales.

Para que os hagáis una idea, el primero que representó esta recién creada franquicia de héroes japoneses (en Famicom, 1990), se tituló SD Battle Oozumou: Heisei Hero Basho y no fue otra cosa que… ¡un juego de peleas de sumo! A partir de ahí, con la evolución de las distintas entregas, sagas, spin-offs… que han visto la luz, ha quedado más que claro que los creadores de la franquicia, Banpresto, siempre rehuyeron de encasillarla. De hecho, incluso ha habido múltiples empresas que se han ido haciendo cargo de la programación de los sucesivos títulos, y en este caso, en lugar de la propia Banpresto, o los habituales Sun L, fueron Metro los encargados de llevarlo a cabo. Una desarrolladora con cuatro juegos en Super Famicom, a cada cual más recóndito, desconocido, y exclusivo de Japón, no especialmente vinculada al mundo Compati Hero, pero sí al género de puzles / inteligencia.

TRAMA:

De este cartucho que nos ocupa, se pueden buscar referencias, aunque solo sea por su nombre, en otra videoconsola como Game Boy, donde encontramos el Tekkyu Fight!, un curioso y realmente interesante plataformas de acción (que también acabo de descubrir), de lo más atractivo. Sin embargo, nada tiene que ver, ni en presentación, ni en jugabilidad con este que analizamos hoy, salvo, claro está, los súper robots protagonistas. Parece que la galaxia nunca estará libre de las malas intenciones de esos seres extraterrestres, que vuelven una y otra vez para sembrar el pánico en ella. Por fortuna, el equipo Compati, constituido esta vez por Kamen Rider Black RX, Ultraman Powered, RX-78 Gundam, y Roar Fighter (todos ellos grandes conocidos del universo tokusatsu, salvo Roar Fighter, que es una creación original de Banpresto), no van a permitir que ninguno de esos entrañables y a la vez malévolos monstruos de gomaespuma perturben la paz.

Jashinryu (o Dragón Malvado), según el propio ending, es el nombre del enemigo principal, responsable de armar el estropicio de turno. Sus secuaces principales también conforman todo un crossover de las series en las que se basa la aventura, como pueden ser Zeong (Gundam), King Joe (Ultraman), o Jyumenki Golgos (Kamen Rider). Para deshacerse del principal escollo que puede dar al traste con sus maquiavélicos planes de dominación, el gran dragón ha arrojado a nuestros cuatro héroes a un profundo e intrincado laberinto, dividido en siete zonas principales, cada una situada en un lugar del mundo, para que nunca puedan escapar de allí. Pero este súper villano ha pasado por alto un detalle: la inmensa experiencia, y el gran poder de los cuatro robots les llevarán, si es necesario, hasta los confines del mundo, y no habrá obstáculo que se interponga entre ellos hasta conseguir que vuelva a reinar la paz.

GRÁFICOS:

Aquí se adopta la vista aérea, precisamente como hizo el primer juego de la serie Great Battle, Aratanaru Chousen, aunque con un esquema muy distinto al de este. Como digo, se pueden coger al vuelo varias referencias de Super Bomberman que llegan hasta su jugabilidad, pero que son especialmente patentes en el apartado gráfico. Al igual que aquel, Super Tekkyu Fight! consta de varias pantallas distintas entre sí, que hacen las veces de fases, sin emplear ningún scroll. Cada una de ellas nos presenta una distribución única de elementos, caminos, obstáculos, barreras, y partes destructibles. Y cabe decir que sus diseños pueden llegar a ser de lo más inteligente a la hora de proponernos retos gracias a sus estructuras, a veces traicioneras y engañosas. Cada una de las siete fases que habremos de superar se adapta a una temática concreta, basadas en lugares del mundo, y completamente diferente entre sí, y esto añade una motivación extra por avanzar, ya que los cambios en la paleta de color, formas y objetos, son bastante marcados y por tanto, refrescantes.

En el volcán, superficies cálidas y rocas crudas, en la Antártida, bloques de hielo y pequeños icebergs, en la jungla, flores exóticas y puentes de troncos… solo son ejemplos de las bonitas estampas que vamos a ver dentro de cada mundo, y por supuesto, con unas tonalidades en plena sintonía. El estatismo de sus pantallas se compensa con un buen puñado de animaciones en algunos de los elementos que las forman, y claro está, las de los personajes deambulando por ellas, que pueden llegar a ser seis o siete más el / los protagonista /s. Para ofrecer un aspecto irresistiblemente ‘chibi’, aunque poco sorprendente (ya que en la inmensa mayoría de Compati Hero lucen muy parecidos), se presentaron con perfiles super deformed, bajitos, cabezones y regordetes. Sus movimientos no son nada del otro mundo, pero como digo, hay tantos personajes simultáneos, que suele haber mucha sensación de vida en la pantalla. Tal vez el alargamiento de la cadena sea la más vistosa. Y si queréis ver a los héroes con todo lujo de detalle, no paséis por alto su desfile estelar en la introducción.

Pero me he dejado para el final el que es, posiblemente, el añadido más espectacular de todos en este apartado, y esos son sus fondos. Hay uno para cada área que termina de darle identidad a la ambientación, y aunque siempre los veremos detrás de los propios escenarios (una lástima, la verdad, no poder apreciarlos de forma más limpia), son bastante bonitos, elaborados, y con buen nivel de detalle, incluidas unas animaciones exclusivas de cada uno, como el fluir de ese río amazónico, el fulgor de la ardiente lava, o los cambios de coloración en la factoría. Y todos ellos quedan por debajo del que, sin duda, es el mejor de cuantos hay, el fondo marino, con su barco hundido, su vida marina, y esas constantes ondulaciones tan relajantes. Una verdadera preciosidad. Su forma ligeramente curvada hacia el horizonte, además, dan sensación de profundidad. Tan solo en el quinto fondo parece que se les acabaron las ideas. No todos los final boss son igual de llamativos, pero en general, sus diseños son bastante minuciosos y bien dibujados, y algunos, como el final, o el quinto, intimidan por su tamaño.

SONIDO:

Tratándose de un juego de estilo rompecabezas, lo cierto es que sus músicas tienen bastante más presencia de lo que uno esperaría, si bien es necesario recordar que también la acción prima en Super Tekkyu Fight! casi en la misma proporción. Su filosofía sonora, por llamarlo de ese modo, se asienta en tres pilares que encajan con su estética, y su ambientación. Por una parte, como digo, la constante acción se ve respaldada por temas bastante animados que insuflan todavía más ritmo al perpetuo movimiento de ataques y correteos que vemos en pantalla. Su punto alegre y desenfadado, comulga la mar de bien con las versiones empequeñecidas de los personajes, y sus entrañables expresiones (al caerse, o al ser alcanzados por los enemigos) y animaciones. Y por último, obviamente, la épica también debía estar presente para un juego protagonizado por las estrellas de esas series de culto japonesas, tan llenas de explosiones, heroicidades y grandilocuentes victorias sobre el mal. Su compositor fue Sven Maz, cuya carrera fue poco relevante, con alguna incursión en arcade, y varias en Snes.

Son en total 19 temas, nada mal, aunque a las canciones como tal hay que restar unas cuantas fanfarrias, las que anuncian la superación de niveles y fases, sus inicios, o la siempre fatídica pantalla de game over. Aunque es encomiable que haya varias músicas exclusivas para cada pantalla (como la de selección de fase), la chicha real se encuentra en los temas que acompañan a cada uno de los escenarios de acción, aunque por desgracia, debido a su sonoridad y a su estilo compositivo tan homogéneo, salvo alguna excepción, todas acaban resultando demasiado similares. A pesar de ello, sí encontramos algunas melodías que relucen más que el resto… pero desde luego, no será durante los enfrentamientos con los jefes, cuyas composiciones son puro hard techno, tremendamente machaconas a base de un impepinable bombo y sonidos electrónicos a porrillo. La excepción, curiosamente es la del final boss, que contra todo pronóstico, es etérea, suave y completamente atmosférica. La cifra que impresiona de verdad es la de sus nada menos que 56 sonidos FX, que dan voz a cada mínima acción existente.

JUGABILIDAD:

Mi evolución personal con este juego fue rápida y muy positiva. De parecerme un juego lento y algo anodino, pasó a ser tremendamente divertido, y de ahí, a adictivo a más no poder, aun cuando su curva de dificultad no está siempre trazada con la misma finura. Existen seis niveles y uno extra a desbloquear, divididos en siete pantallas cada uno, más la del jefe. Nuestros cuatro héroes deberán abrirse camino a través de enemigos y trabas varias con la ayuda de su poderosa arma, una bola de hierro con pinchos y cadena extensible, y también con su habilidad para saltar. Para terminar cada prueba, hay que hacerlo antes de que el tiempo llegue a cero, dejando el escenario limpio de enemigos. Cada pantalla tiene una estructura exclusiva, y siempre hay una ruta maestra para terminarlas de la forma más rápida y eficiente posible, entre varias posibilidades, sorteando trampas, ataques, y sobre todo, tratando de no caer al vacío, una de las mayores dificultades. El escenario tiene ‘limites’ que por suerte no podemos traspasar caminando, pero un salto mal calculado, y nos precipitaremos al vacío.

Sin embargo, bien usada, esta habilidad puede ser nuestra mejor aliada, ya que podremos sortear enemigos, y pisar objetos del escenario para rebotar y tomar impulso. Lo ideal es pausar antes de pasar a la acción, para poder estudiar detenidamente los caminos y las complicaciones que nos presenta cada pantalla. Alcanzar la perfección en cada una de las pruebas es realmente difícil, y requiere nervios de acero, una coordinación a veces milimétrica, y rapidez de reacción ante imprevistos repentinos. Al contrario que los protagonistas, nuestros enemigos tienen sus propios dotes y flaquezas, y conviene conocerlos al dedillo, pues no podemos enfrentarlos a todos del mismo modo. Conveniente aprovechar elementos del escenario como plantas de espinos o lanzallamas para castigar a distancia, y aparte de lo dicho, contaremos con otra grandísima ayuda: la de los power ups. Los hay de muchos tipos, desde los que alargan considerablemente nuestra cadena, hasta los que dan poder extra a nuestra bola, pasando por los que aumentan velocidad (que puede llegar a ser bastante incontrolable), corazones, vidas extra, e ítems POW, que nos permitirán lanzar un devastador ataque, diferente en cada personaje.

Y creedme, contar o no con la ventaja de dichos potenciadores cambia un mundo la experiencia y dificultad del juego, obligándonos a replantear estrategias, o arriesgar al límite. Así que más nos vale conservarlos, teniendo en cuenta que cada impacto enemigo nos los irá restando poco a poco, que hay algunos que anulan otros, y que aparecen de forma completamente aleatoria. De hecho, el juego nos plantea tres modos de dificultad, y en el más difícil de todos, apenas aparecen ayudas, por no hablar de que los enemigos son mucho más agresivos e inteligentes. Y aunque tenemos libertad total, también se nos sugiere un orden para escoger los niveles, comenzando por el de lava, y acabando por la fábrica (más el nivel final en otra dimensión). Esto no es algo casual, ya que cada una es considerablemente más difícil que la anterior, y merece la pena tomar en cuenta dicha sugerencia. Los jefes finales son muy divertidos de combatir, con una dificultad bien medida, y en unos escenarios con configuraciones bastante caprichosas para que puedan dar rienda suelta a toda su mala baba.

CONCLUSIÓN:

Super Tekkyu Fight! fue el penúltimo juego Compati Hero que apareció en Super Famicom, en 1995 y, para variar, nunca fue lanzado más allá de tierras niponas, quedándose en una creación bastante oscura del catálogo, incluso dentro de su universo de súper héroes SD. Si eres uno de esos a los que se les da de maravilla cualquier entrega de la saga Bomberman, tienes un buen trecho recorrido para ponerte con esta aventura de acción e inteligencia, pero no vayas a creer que se trata de un simple clon. En Super Tekkyu Fight!, la forma de atacar a nuestros enemigos es mucho más activa que en los clásicos de Hudson, y las pantallas suelen ser bastante más complejas: en ocasiones, hay que calcular y pensar bastante para llegar a ciertas zonas, y dominar los saltos nos puede llevar unas cuantas horas a los mandos. Lo bueno es que no hace falta saber leer un solo kanji para disfrutar de él.

Su capacidad de atrapar crece con cada pantalla superada, y resulta difícil despegarse de él, por mucho que a veces existan considerables saltos de dificultad incluso dentro de cada nivel. En las opciones fácil y medio, es relativamente sencillo llegar a ver el ending, pero la verdadera belleza de su reto reside en terminárselo en modo difícil, sin usar passwords, y hacerlo con la máxima elegancia y rapidez posible a la hora de resolver sus pantallas. No tendremos bonus por ello, pero resulta muy gratificante. En el modo Vs. pueden competir hasta cuatro jugadores tirando de multitap, y contiene ocho mapas exclusivos, amén de unos cuantos power ups que solo aparecen aquí. También ofrece un modo cooperativo para dos jugadores, que no he podido probar por ‘falta de personal’, pero que promete ser la mar de emocionante. Así pues, sácale brillo a tu bola de hierro (de hecho, es lo que significa la palabra ‘tekkyu’), ¡y a machacar monstruos!

- Lo que más me gusta: Todo tiene tamaño reducido, pero buena definición y mucha simpatía. Los fondos son muy chulos. Su poder adictivo va subiendo exponencialmente. Reto bien calibrado.

- Lo que menos me gusta: Ciertos cruces de ataques son injustos. Los cuatro personajes son idénticos en sus habilidades corrientes. Todos los endings son iguales. Algunas ralentizaciones puntuales.

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Junto al del consabido compositor, Sven Maz, suele aparecer en distintos sitios de información el de Less Series, pero no acabo de estar seguro de si con ello se refieren a un segundo artista, o a alguna compañía externa en la que se apoyaron los de Banpresto / Metro a la hora de dar vida a la banda sonora de este Super Tekkyu Fight!. A la hora de la verdad, no es que tenga tanta importancia, ya que precisamente la banda sonora de este juego, pese a ser muy simpaticona y enriquecer debidamente la acción que prevalece a raudales en el juego, tampoco pasará a la historia.

Opening. Y ojo, no con ello quiero decir a que sean temas poco agradables, o que estén mal compuestos. Pero adolecen, en conjunto, de ciertos problemas que con las horas pueden hacerlos algo cargantes. No es el caso de la canción que sirve como introducción del juego, pero por el hecho de que ya no la volveremos a escuchar, y no precisamente por su longitud y variedad. Como veis, se acoge plenamente a ese ritmo atolondrado y fogoso que va a tener el juego, es notoriamente épica, y su melodía es pegadiza desde el primer contacto, se repite cada solo 10 segundos...

Bottom of the Ocean. Como dije, las piezas más disfrutables, largas y menos repetitivas son las que, por suerte, ambientan cada una de las fases, cambiando con cada nuevo nivel. Esta es probablemente mi favorita. Algunas de ellas podrían encajar en géneros como el beat-em up o el arcade de acción, pero yo a esta la veo muy apta para juegos como, pongamos, Pop'n TwinBee por su melodía tan colorista y tan cambiante de tono, su regusto dulzón que me encanta, y su aire tan amigable, sin dejar de lado un ritmo constante y alegre. Además, es la que suena en las fases más bonitas.

Boss Battle 3. Lo de "bonito" y "dulzón" no va con los cortes escogidos para los jefes finales, a los que se les quiso dar un estilo único, muy alejado de la tónica dominante, y con muchísima más tensión. Las tres que existen son bastante parecidas, y quienes disfrutaban a finales de los 90 de ese techno / hardcore más machacón, repetitivo y contundente, con bombo a todo trapo, las sabrán apreciar más. Porque lo que es a mí, me cuesta hasta terminarlas, jeje. Esta es un pelín distinta del resto, por sus momentos de bajada y subida, y por ciertos sonidos particulares.

Arctic Glaciers. Más que estos últimos de los jefes, el tema más bailable, desenfadado y marchoso se encuentra, para mí, en el segundo nivel. Paradójicamente, su ritmo tórrido y 'sambero' no va demasiado con la gélida y silenciosa ambientación que propone, pero tiene un carisma muy diferenciado del resto. Sin dejar de lado esa pizca de humor que la mayoría contienen en sus notas, o ese carécter sintetizado, emplea tonos y esquemas que solo escucharemos en él, como esas cristalinas escalas que suben y bajan, además de una de las melodías más contagiosas del cartucho.

Zero the Kamikaze Squirrel

2025-08-18T11:51:00.000+02:00

INTRODUCCIÓN:

Plataformas… ¿será por juegos de plataformas en Super Nintendo? Probablemente, uno de los géneros más abundantes en el catálogo de la consola. Los hubo de todas las variedades y tipos, impresionantes, feos, aburridos, difíciles, carismáticos, simplones, memorables… ¿pero sabéis lo que más me gustaba? Que no todo era triple A, ni tan pretencioso como ahora. Había títulos soberbios, auténticas obras maestras, pero también aquellos que eran puro fondo de armario, del montón. De esos que se compraban por la carátula, y aunque a veces decepcionaban, se les acababa cogiendo cariño incluso con sus muchos defectos. Y aquello, también tenía su magia. Hoy me lanzo a escribir sobre uno de esos viejos conocidos de las revistas de antaño, que por alguna razón, nunca desapareció de mi memoria, y al que siempre quise darle un buen tiento: Zero the Kamikaze Squirrel, que dicho sea de paso, encaja justo en medio de los dos extremos cualitativos antes citados.

Realmente, para ser un título aparecido en un ya avanzado 1994 (y un año después en Europa), hay que reconocer que innovó poco en el género. Y mientras que Aero the Acrobat, sin ser la octava maravilla de los plataformas, fue bastante recordado (su protagonista llegó a ser mascota de la compañía durante varios años), este que nos ocupa, por alguna razón, y a pesar de ser un spin-off de la serie, no tuvo tanto impacto. Sin querer adelantarme demasiado en mis razonamientos, os puedo decir que, para mí, que les he dedicado a ambos un porrón de horas, y sin meter en la ecuación a Aero the Acrobat 2 (por no haberlo jugado), está bastante claro: Zero the Kamikaze Squirrel es superior, en casi todos los aspectos, al primer juego protagonizado por el circense murciélago. Más aún, me he llevado una más que agradable sorpresa con un título del que no esperaba tanto.

TRAMA:

Uno de los mayores atractivos y revelaciones de la aventura, al menos en el ámbito narrativo, recae en el hecho de mostrarnos de forma mucho más extendida rasgos de la personalidad de nuestro héroe, la ardilla ninja Zero, que algunos recordarán por el papel secundario que tuvo en Aero the Acrobat, pilotando algunos de los artilugios mecánicos inventados por el diabólico Edgar Ektor para derrotar al murciélago. En aquella ocasión, se le pudo considerar como una especie de anti-héroe paralelo, pero en el fondo, no tenía nada personal contra Aero: solo actuaba como mercenario. Por lo tanto, no podemos sacar la conclusión de que Zero sea realmente un mal tipo. Algo materialista, tal vez, pero no malvado, como demuestran sus nobles actos e intenciones en esta, su gran odisea en solitario. Y es que no van a ser pocos los problemas que tendrá que afrontar, a tenor de la preocupante carta que recibe al inicio.

La situación parece extremadamente grave, y nuestro héroe no duda en abandonar su cargo a las órdenes de Ektor. A pesar de las amenazas e impedimentos de este último, son causas de fuerza mayor, y retándole a pararle los pies, corre al rescate del padre de Amy, su novia, secuestrado por un energúmeno, un leñador sin escrúpulos, llamado Jaques Le Sheet. Este último lo emplea como rehén para salvaguardar sus desalmados planes, que consisten en imprimir dinero clandestino usando unas planchas robadas. Para colmo, piensa obtener el material necesario arrasando el bosque de Stony Forest hasta sus raíces, y además, también la propia Amy ha desaparecido sospechosamente en última instancia. Pero cuando nuestro protagonista se dirige en su avión hacia su objetivo, es derribado en la costa por un ataque a traición, algo que le obligará a recorrer a pie el largo trecho que le separa de la guarida mecánica de Jaques.

GRÁFICOS:

De verlo impreso en papel, a apreciarlo en plena acción, Zero the Kamikaze Squirrel cambia una auténtica barbaridad, y el visual es, seguramente, uno de sus apartados estrella, de los que te hace caer irremediablemente rendido ante él. En su paleta de colores, no deja estar presente el uso de cromatismos pastel, pero no son tan predominantes como los anteriormente citados juegos de la compañía. Son saltones, luminosos, pero también profundos y con bastante nivel de cambios y progresiones tonales dentro de los mismos elementos. Uno de los mejores ejemplos es aquel con el que el juego nos enamora por primera vez, como son esos espectaculares degradados en el cielo de la playa, limpios y armoniosos, amén de hacer gala de un colorido natural y vibrante, que podemos ver en muchas otras partes del juego. Lástima que no todos los fondos son igual de bonitos… El concienzudo empleo de paletas muy distintas, les otorga una personalidad única, e incluso dentro de las varias fases de cada nivel, hay cambios muy notorios, como sucede en el bosque, con ese paso a registros más otoñales.

Los decorados, paredes, terrenos y superficies, están plagados de detalles, con un dibujo muy artesanal. Los efectos visuales no dejarán de sorprendernos, muy bien repartidos por todo el juego, como las ostentosas llamaradas que caldean el escenario de la pelea con el segundo jefazo, los planos de scroll de las nubes al avanzar, los flashes que se suceden en la cueva al derrotar enemigos, o las capas de ghost layering en la segunda y quinta fase (exclusivas de esta versión). También vemos una gran variedad de diseños de ítems, así como de enemigos, en los que se puso un especial interés para otorgarles una personalidad única y original. Esto también se aplica a los jefes finales. No es que sean la panacea de lo llamativo, pero son lo suficientemente carismáticos para ganarse el título. No sé si estoy en lo cierto, pero las estampas que vemos en la pantalla de título, la introducción, o el ending, parecen incluso pre-renderizadas por su voluptuosidad y plasticidad. El desarrollo, ya puestos en faena, va acompañado de un scroll muy dinámico, sin tirones, que favorece al aspecto jugable.

Suele haber mucha vida en pantalla, gracias a las numerosas animaciones de objetos, enemigos, y algunos elementos de los escenarios, y si hablamos en concreto de las de nuestro protagonista, el juego se apunta otro de sus mejores tantos. A parte del hecho de ser un sprite muy definido, y con mucho cuerpo (al igual que lo son los de sus adversarios), sus movimientos son absolutamente fantásticos, muy fluidos, y los hay para parar un tren. Saltar, agacharse, impulsarse, otear, disparar, golpear, trepar, saltar, correr… Zero es puro dinamismo en cada uno de sus píxeles y acciones. De hecho, existen hasta algunas, como la de activar palancas, que solo se usan en un par de ocasiones, y no será por su falta de calidad y nivel de detalle. El diseño de las fases, en el que haré hincapié más adelante, puede suscitar opiniones encontradas, parecer desestructuradas y demasiado amplias, especialmente la del bosque, un auténtico barullo de caídas y subidas a varios niveles bastante confuso, pero no carente de rasgos de inteligencia creativa.

SONIDO:

De entre la oferta que su banda sonora nos presenta, podríamos decir que es muy homogénea, y no precisamente en el mejor sentido. En otras palabras, hay muy poco contraste sonoro entre ellas, y parece que la gran mayoría han sido cortadas por el mismo patrón, empleando prácticamente los mismos instrumentos, y esquemas rítmicos muy similares. Su escritor fue Rick Fox, acreditado como Fox Productions, quien se cargó a espaldas todo el trabajo compositivo, algo muy loable por esa parte. Impregnó cada una de sus creaciones con un imperante y bailable sabor funky que se hace de notar en cada compás, sobre todo, por el tipo de sonidos empleados: bajos muy resaltados, percusiones fuertemente sincopadas y tonalidades bastante graves, aunque a veces aparezcan de por medio algunas notas más luminosas. También está presente, casi de forma constante, cierto halo electrónico que no siempre encaja bien, y esto es uno de los principales problemas, a parte de su limitada y artificial gama sonora.

En términos generales, son demasiado planas y monótonas, les falta chispa, melodía, expresividad y sobre todo, para una aventura tan encarnizada como la de nuestro amigo Zero, más épica. Aunque algunas piezas sí son moviditas, su linealidad no es apta para ambientar todos los escenarios por igual. Además, hay mucha guitarra eléctrica, con lo cual, al no ser uno de los instrumentos que mejor plasmaba Super Nintendo, son muchas partes las que no me convencen. Hay 18 distintas, cada nivel cuenta con la suya propia, siendo solo tres las que se reutilizan, y en determinados final bosses, también escucharemos músicas exclusivas, las más cañeras, de hecho. Los temas más densos y oscuros están destinados a lugares cerrados, empleando algunos efectos como ecos en la gruta, o esa atmósfera casi psicodélica en la peligrosa fábrica, que hace un buen uso del estéreo. Suelen rondar el minuto y medio, algo destacable, pero salvo excepciones, nuestros sentidos las acabarán desplazando a un segundo plano, debido a su naturaleza un tanto insípida y repetitiva.

JUGABILIDAD:

Volviendo al diseño de las fases, no son precisamente fáciles de memorizar, al menos, no sin echarle muchas horas de juego (que es lo suyo, claro). Su estructura puede ser enormemente laberíntica, y están llenas de pasadizos, bucles, y caídas, especialmente en el caso de la segunda y la quinta. En ellas, el objetivo es llegar hasta el final, pero no sin dejar de recoger las toneladas de ítems y refuerzos que se encuentran por doquier, para conseguir vidas extra y bonificaciones por puntos. El catalejo, muy útil, nos permite ver a distancia, una ayuda impagable cuando la amplitud de los niveles suele ser enorme, tanto en horizontal como en vertical. Y esto último, da mucho juego a la exploración de sus recovecos, y al hallazgo de sus múltiples estancias secretas, que incluso pueden contener otras dentro de ellas. Tan bien escondidas están, que me ha sido imposible encontrarlas todas. Con mucha pericia y conocimiento del entorno, hasta se puede ahorrar uno algún mid boss. Por muy difícil que pueda parecer al principio, todo es cuestión de hacerse con el alocado control de Zero.

No es moco de pavo la misión que tiene por delante, pero está muy dotado para el combate, tanto cuerpo a cuerpo como a distancia. Puede ejecutar ataques aéreos, golpes bajos, caídas en picado y saltos sierra, además de esas patadas voladoras laterales tan funkies con los botones L y R. Para mayor poder de ataque, también es muy diestro lanzando shurikens (aunque son finitos) en varias direcciones y posiciones. Un considerable número de movimientos que tendremos que seleccionar para cada enemigo, ya que todos tienen unos patrones y debilidades únicas. No nos lo van a poner fácil, ya que algunos de ellos son especialmente irritantes, como las piedras vivientes de la segunda fase, o los leñadores de la quinta, por no hablar de los enemigos que se nos abalanzan desde fuera del margen de la pantalla. Hay que dedicarles tiempo, y merece la pena eliminarlos, pues no reaparecen. El control puede ser algo conflictivo, y hay que trabajárselo duro para hacerse con él, pero su increíble versatilidad es el mejor premio, ya que nos regala un sinfín de posibilidades.

No se puede escoger nivel de dificultad, no hay passwords, y no podríamos afirmar que sea un juego precisamente fácil, pero está muy bien promediado, y es relativamente permisivo gracias a ciertas ventajas, como los checkpoints en las fases, las continuaciones infinitas, o el hecho de que la vida de los jefes se mantenga cuando perdemos una vida contra ellos. El scroll es veloz, pero fiable. Aun así, hay que llevar cuidado de no ir a lo loco, ya que la inexactitud en posiciones y colisiones puede jugarnos malas pasadas, especialmente, en el control de aterrizaje, uno de los mayores retos de la aventura. Pero sin duda, el mayor de todos son las pruebas ‘dive test’, que nos exigirán la perfección con las técnicas de vuelo, tremendamente difíciles de dominar hasta el punto de hacerse insoportables. A destacar que en cada fase podremos realizar acciones únicas gracias a ciertos elementos, como cortar puentes, accionar interruptores, saltar sobre plantas carnívoras, dejarnos llevar por el viento… y especialmente divertidas, aunque muy retadoras, son aquellas a los mandos de un vehículo por ríos plagados de obstáculos.

CONCLUSIÓN:

Estamos ante un claro producto del tándem Sunsoft + Iguana Entertainment, y esto se aprecia tanto a primer golpe de vista como a la hora de empuñar el mando. La compañía del reptil programó para el sistema Aero the Acrobat, varios juegos de la NFL, ambos NBA Jam, o la conversión del Might and Magic II. En este caso, Zero tuvo que competir con Aero the Acrobat 2, siendo ambos estrenados en EEUU en el mismo mes y año. No es un producto tan original como Bubsy, ni tan profundamente adorable como Mr. Nutz, juegos que nos podrían venir al recuerdo viendo sus pantallas (aun sin tener nada que ver, ni en origen, ni en parámetros jugables), pero bajo mi punto de vista, Zero the Kamikaze Squirrel les pasa por encima en casi todos los aspectos, tal vez salvo el sonoro. Es un plataformas mucho mejor medido, equilibrado y divertido.

La gran cantidad de movimientos de Zero ofrece un montón de posibilidades jugables, los múltiples secretos, una garantía de longevidad, y su interesante, frenético y variado ritmo, hará que sea difícil despegarnos del mando hasta terminarlo. Hay pocas, pero a veces no tan sutiles, diferencias con la entrega de Mega Drive, que también he concluido. Los degradados son mucho más bruscos en la consola de sega, algunos efectos sonoros suenan mejor en ella, desaparecen algunos trucos visuales, hay alguna escena extra, y su paleta de colores es más apagada. Lógicamente, las músicas, aunque son las mismas, suenan mucho más metálicas y sintetizadas en Mega Drive por la abismal diferencia entre ambos chips. En cualquier caso, ha sido un inmenso placer vivir las aventuras de la ardilla más pendenciera, chuleras y aguerrida de los videojuegos… con permiso de Conker. Si se le dedica el tiempo suficiente al aprendizaje del control, se convierte en una experiencia de altos vuelos.

- Lo que más me gusta: Las muchas habilidades de Zero se traducen en una jugabilidad a prueba de bombas. El scroll es suave y rápido, pero controlado. La fase de la playa y sus magníficos gráficos.

- Lo que menos me gusta: Las pruebas de caída libre nos pueden provocar muchísimos dolores de cabeza, igual que algunos enemigos, que son una auténtica pesadilla. Las composiciones no están al nivel del resto de apartados.

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Con un montón de buenas cualidades presentes, Zero the Kamikaze Squirrel languidece en cierto modo cuando nos acercamos hasta su aspecto musical. Si no fuera porque anteriormente compuso la mucho más colorista banda sonora de Aero the Acrobat, podríamos decir que a Rick Fox se le daban mucho mejor las de los juegos deportivos, que no necesitan de apenas melodías. Tampoco quiero parecer exagerado, ya que hay más de una (y nada mala) presente en este cartucho, pero lo cierto es que esperaba bastante más epicidad y acción, y porque no decirlo, mejor sonoridad, en un título así.

Opening. Vamos allá, con la pieza que podemos escuchar en la introducción. Siendo una de las que más énfasis pone en su melodía, a los pocos compases ya resulta algo mediocre y apagada, y tampoco se percibe ninguna variación, ni en su ritmo, ni en su progresión. Los bajos en ella suenan bastante más comedidos que en la mayoría, lo cual le quita el sobrante de estridencia que escuchamos en otras, pero no es suficiente para afirmar que es un tema realmente bueno y los teclados, que forman su melodía, resultan algo apáticos. Un tema que no llega a despegar en ningún momento.

Stony Forest (Stage 2). De nuevo, volvemos a encontrarnos con registros marcadamente funk, aunque en verdad, es la tónica dominante en toda la colección de temas. Al menos a esta sí la veo bastante en conjunción con el entorno al que acompaña, el interior de la montaña, con duras paredes de roca y pasadizos estrechos y agobiantes. Pese a su apagado inicio, son los teclados los que, una vez más, le infunden algo de vidilla, con cierto puntito épico en ellos. ¿El problema? Pese a ser un poco más variada en cuanto a melodía, continúa resultando demasiado monótona y seca.

Magma Tunnels (Stage 2). En el segundo nivel de la oscura cueva, donde apenas entra algún rayo de luz entre sus paredes, columnas y estalactitas, escuchamos esta composición, que sí resulta interesante desde su inicio, más animado y colorista de lo que cabría esperar. Sus varias capas musicales le aportan un dinamismo extra, reforzado considerablemente por esos constantes bajos, y esos ritmos cruzados que le dan el toque más bailable. Sin ser una grandiosidad, podríamos decir que es bastante aceptable, es sosegada pero sin aburrir, y con presencia pero sin molestar.

Beach Shores (Stage 2) ~ Ending. Dejo en último lugar la que a mí me ha parecido, de lejos, la más interesante del juego. No es que se diferencie una barbaridad del resto que podremos escuchar en otros niveles: ritmo bailón, buen colchón de bajos, y los mismos teclados monocromáticos, pero lo mejor, sin duda, llega a las puertas del minuto, con una melodía muy ochentera formada por las teclas, que da un subidón importante a la épica del tema, realmente inspirada. Creo que los autores del juego también les parecería de las mejores, ya que la reutilizaron para el ending.

Pop'n TwinBee

2025-05-14T18:48:00.001+02:00

INTRODUCCIÓN:

Más de uno de los presentes, de aquellos que empezamos a disfrutar de los videojuegos a muy temprana edad, informándonos a través de nuestras queridas revistas, deseando con frenesí añadir nuevos títulos a nuestra juegoteca… seguramente hemos perdido algún tesoro de entonces. Y aunque este sea el contexto, no me refiero necesariamente a juegos, o a consolas, sino a esas entrañables memorabilias confeccionadas por nosotros mismos, que inspiradas por nuestra gran pasión, alimentaban nuestros deseos, ya fuesen dibujos, recortes, álbumes, listas… Sí, yo fui uno de esos. En una de mis listas recuerdo, con gran nostalgia, cómo anotaba todos esos juegos que veía en aquellas publicaciones, y que, supuestamente, pasarían a formar parte mi estantería en algún momento. Desafortunadamente, los escasos medios, y la etiqueta de ‘caprichos innecesarios’ con los que se marcaba entonces a los videojuegos por quienes tenían el poder de concedérnoslos, hicieron que muchos de ellos se quedasen en el tintero.

Lástima que esa lista se haya perdido, seguramente, para siempre, y sin embargo, todavía recuerdo perfectamente casi todos los juegos que formaron parte de ella. Esto me viene de perlas para presentar este fenomenal Pop’n Twinbee, que siempre estuvo en los puestos más altos del manuscrito, pero que, finalmente, por diversos motivos, nunca llegó a mis manos. La primera señal de mi atracción por él, nació de la experiencia que tuve con el primer TwinBee de NES, por medio de uno de esos cartuchos piratas con decenas de juegos hackeados, saltándome la recreativa, a la que nunca tuve ocasión de jugar. Al descubrir en las páginas de la prensa de la época la versión de Super Nintendo, quedé anonadado por el salto técnico, por ese derroche de color, por esas posibilidades jugables, por esa opción tan divertida para dos jugadores que prometía… los shoot’em up nunca fueron mi género favorito, pero había algo fascinante en él.

TRAMA:

Pop’n TwinBee vio la luz en 1993, y solo fue distribuido en Japón, Europa y Australia. Un juego exclusivo para la 16 bits de Nintendo, y secuela directa de la segunda recreativa de la franquicia, Bells & Whistles, en la que se basa solo en parte. A día de hoy, y tratándose además de un juego de Konami (con lo que ello conlleva), está muy lejos de mis posibilidades conseguir una copia original completa. Pero al menos, por medio de mi Everdrive, al fin he llegado a disfrutarlo en toda su plenitud. No se puede entender al 100% un juego hasta que se le dedican muchas horas y se termina, y al margen de aquellas vagas y primerizas impresiones que me transmitió en su momento, ahora es cuando realmente he descubierto su auténtica magia, esa esencia inocente y pura que envuelve un auténtico juegazo como la copa de un pino.

Acercándonos ya a esa gama de tonos coloristas, y a esa sencillez de conceptos, la demo que arranca tras unos momentos de espera en la pantalla de título, nos narra, de forma ligera, la trama en la que se asienta la aventura. Es un día radiante. Light y su prima Pastel transitan los cielos de Isla Donburi, sin más novedades de las habituales. Todo está en calma hasta que su amiga Madoka les comunica por vídeo-transmisión, alarmada, que su abuelo tiene graves problemas. El Dr. Madock, genio y respetadísimo científico en la isla, que hasta entonces había puesto sus conocimientos y habilidades al servicio del bien y el progreso, está actuando de forma malévola, revirtiendo sus intereses hacia el dominio absoluto del lugar con puño de hierro, creando para tal fin todo un ejército de máquinas destructivas. Definitivamente, ha perdido la cabeza, ¡y de la manera más tonta!: golpeándosela contra una barra.

GRÁFICOS:

Más que de unos gráficos luminosos, más que de una amplísima paleta, lo de este Pop’n TwinBee se puede clasificar abiertamente como una exuberante, fastuosa e irresistible explosión masiva de color que casi parece atravesar nuestra pantalla. Cada uno de sus pequeños píxeles rebosa alegremente con una erupción de vida y fantasía gracias al hecho de ser, sin duda, uno de los juegos que más abusó sin medida de esas admiradas por unos, y rechazadas por otros, tonalidades pastelosas que el hardware de Super Nintendo era capaz de mostrar como ninguna otra consola de su generación. Un estallido de colores y texturas tan diversas como almibaradas, que pueden llegar a empachar a más de uno, pero no hay ninguna duda de que consiguen que este shoot’em up entre directamente, y a lo grande, por los ojos. Y cuanto más avanzamos, más nos hace abrirlos. Su estilo alegre y su naturaleza desenfadada, además, lo acercaron a todo tipo de públicos. Uno de los juegos más bonitos, en el sentido estricto del término, de su promoción, como también lo fue el arcade Bells & Whistles.

Los abultados equipos que se encargaron de cada uno de los apartados son una buena muestra del mimo y la dedicación que se invirtieron en el juego. Muy pocos, por no decir nadie, sabía optimizar y sacar tantísimo rendimiento a las posibilidades técnicas de El Cerebro de la Bestia como Konami, y su sello de calidad indiscutible volvió a brillar aquí. El diseño de los personajes y sus gráciles, detalladas y divertidas animaciones nos cautivarán de inmediato, y el suavísimo scroll (con varios planos simultáneos) y la deslumbrante originalidad en cada uno de sus fondos y localizaciones, son de reverencia. En el primer mapa, superar esas colinas con lagos y cascadas da una sensación de altura y profundidad increíble, a la que se unen muchas más a través de los ondulantes fondos marinos, esa idílica China, la gigantesca nave, la ciudad surrealista, los mares ardientes o el entramado mecánico, que llenan de ostentoso color y genialidad cada una de las respectivas fases. Y son solo unos pocos ejemplos. Más de una vez nuestra nave morderá el polvo al quedarnos pasmados con sus preciosos e innumerables detalles.

Incluso dentro de cada una de las fases, la variedad de zonas distintas será la nota dominante. No es un juego que “corra” demasiado si nos referimos al avance del scroll. Pero el maremágnum de balas, enemigos, ítems y explosiones que se pueden llegar a formar en cada pantalla fascina, una vez más, por el descomunal contraste de tonalidades, pero sobre todo, por el hecho de que es prácticamente imposible encontrar ni una sola ralentización, ni siquiera cuando hacemos uso de los “chibis”, que son decenas de diminutos organismos moviéndose y rebotando a toda velocidad. ¿Quién dijo que las posibilidades de Super Nintendo flaqueaban en todos los Shoot’em up? Konami llegó con este cartucho para hacer una contundente demostración de lo contrario. Los enemigos no dejan de renovarse, y existe una notable colección, desde robots a especies vegetales, desde piñas andantes a muelles multicolor, relojes de arena, hipopótamos, kendamas, medusas… con especial atención a esos ciempiés mecánicos enormes, o por supuesto, los jefes finales, que se debaten entre su amenazador aspecto y el estilo kawaii que impregna el juego de la cabeza a los pies.

SONIDO:

Y no solo deberíamos definir como inmensamente coloristas a sus gráficos. Porque todo lo que respecta al apartado musical posee unas tonalidades, unas cadencias y un espíritu tan afín a sus diseños y a todo lo que vemos en pantalla, que cuesta imaginar una banda sonora mejor para ambientar sus maravillosos paisajes. Es el mucho más que el complemento perfecto. Cada tema es una auténtica delicia que disfrutaremos a cada minuto. Están cargados de positividad, son brillantes y portan un halo nostálgico difícil de describir, pero muy fácil de percibir. Con tan solo unas pocas escuchas, la mayoría de ellas se quedarán rondando en nuestra cabeza, hasta el punto de que sería muy difícil concebir el juego sin ellas. De nuevo, la inigualable calidad con la que Konami bordaba sus productos, vuelve a salir a la superficie en este aspecto. Según los propios créditos del juego, hasta siete personas estuvieron involucradas en el diseño del sonido, algo que pone a las claras la importancia que se le dio.

La música de la pantalla de título ya es todo un aluvión de esa dulce nostalgia a la que me refiero. Es una banda sonora cuyas composiciones caminan más o menos por la misma senda, con mucha tendencia a desarrollar melodías muy elaboradas, azucaradas y optimistas, de esas que tanto me gustan, capaces de transmitirte su buen humor con solo unos minutos, absolutamente perfectas para surcar los cielos multicolor, pero sin renunciar a un ritmo muy vivo y marchoso, que apela a su componente más épico. Y en ese aspecto, disfruta de un equilibrio muy pulido. También el espectro de algunos de los sonidos empleados, percusiones suaves, tintineos, algún pequeño coro sampleado de fondo, arpegios de fantasía… le acaban de dar esa chispa y ese dinamismo tan especial, pero también destaca la labor de los bajos y sus formaciones melódicas, incluso se arranca con algún poderoso doble bombo por ahí. Aunque sí encontramos alguna discreta base con más orquestaciones, no es realmente ese su estilo.

JUGABILIDAD:

Adictivo, bien equilibrado y frenético. Son tres de los adjetivos que mejor casan con nuestro Pop’n TwinBee. Su procedencia del mundo arcade ya deja sus bases jugables bien asentadas y definidas, pero Konami, lejos de limitarse a producir un simple port de su anterior mueble (1991), introdujo en él significativas modificaciones y añadidos. Obviamente, nunca se pueden plantear del mismo modo juegos para recreativa y consola. Por supuesto, las campanas, símbolo inseparable de la saga, siguen presentes. Ellas son la fuente de todos los power ups, y al mismo tiempo que eliminamos hordas de enemigos, tendremos que dispararles para ‘pulirlas’ y cambiar su color en busca de la mejora que más necesitemos, ya sea una mayor velocidad, dos tipos distintos de disparo, aliados extra (acumulables hasta cuatro), más bombas chibi, y la siempre bienvenida barrera protectora, que nos salvará de mil y un apuros. Las mayores diferencias respecto a su antecesor se refieren al modo de disparar los proyectiles terrestres, la ausencia de disparo de carga, unas campanas más estables y casi lo más importante, una dificultad considerablemente suavizada.

Entiendo que muchos expertos en la materia de los shoot’em up lo considerarán una entrega bastante fácil, sobre todo comparado con la cantidad de colosos de monstruosa dificultad que ampara este género. Como he dicho al principio, nunca fue mi estilo de cabecera, pero precisamente por su accesibilidad, este Pop’n TwinBee es uno de los ‘juegos de naves’ (que recuerdos me trae esta expresión…) con los que más he disfrutado nunca, con una dificultad y una curva que me parecen más que justas, incluso diría ideales para hacer los primeros pinitos en el género. Tenemos 7 continuaciones para llevar a buen puerto nuestra misión, y lo mejor de todo, una barra de vida que puede soportar 6 o 7 impactos. Al morir, tan solo conservamos algunas de las ventajas, como las bombas o el disparo, pero nuestra barra se rellena. El escalonado de exigencia entre fase es lógico y bien trazado. Y para quien busque un reto para verdaderos expertos, siempre podrá, mediante truco, desbloquear un octavo nivel de dificultad, que requiere de una habilidad, unos reflejos y una técnica perfectos.

El poderosísimo puñetazo es uno de los movimientos exclusivos de este shooter que más juego puede dar. Sirve tanto para el ataque como para la defensa, puede tener efectos de lo más sorprendente, y nos puede librar de enemigos que no se pueden derrotar de ningún otro modo. Y es que no solo cambia la forma en la que ellos nos atacan, sino también aquella en la que han de ser eliminados. Hace falta pericia y correr cierto riesgo, pero una vez aprendamos a usarlo bien, no sabremos jugar sin él. En lo que respecta a opciones, es un juego sencillo y directo, como me gustan, y como tanto añoro. Dificultad, modo de fijación enemiga, comportamiento de aliados, controles, sonido… darle al start… ¡y a disfrutar! Y por descontado, si optáis jugar a dobles, la euforia se dispara, incluso hay movimientos exclusivos para este modo, aunque con tanto movimiento y elemento en pantalla, incluidas nuestras naves satélite, al principio cuesta un poco centrar la atención. Muy bien compensados también (repito, para mi gusto) los jefes finales, escollos duros pero razonables, y muy divertidos de combatir.

CONCLUSIÓN:

No quiero que a nadie le quepa la menor duda del tiempo que dedico a cada juego antes de poder reseñarlo convenientemente en este blog, ya sean obras más que elogiadas por su calidad, o auténticas mediocridades. Sin embargo, a este Pop’n Twinbee me lo he planteado de una forma todavía más extensa y profunda, motivado especialmente por las tremendas ganas que le tenía después de tantos años. Al fin, todos esos recuerdos que guardo de ver sus imágenes en el papel de las revistas de antaño, se han materializado en sensaciones, y estas últimas no han podido ser mejores. Muchas decenas de horas a los mandos de Twinbee y Winbee, solo y acompañado, atravesando frondosas nubes, sobrevolando encantadores pueblecitos, barriendo ejércitos enteros de los más variados y originales enemigos… en unas partidas tremendamente intensas y divertidas entre entornos simpáticos y coloristas de los que son un obsequio para los ojos.

Y todo ello, desde el primer hasta el último nivel de dificultad, aunque reconozco no me he atrevido a tomarme en serio el secreto (8), pues ya las primeras fases son una auténtica locura, un reto extremo solo para avezados expertos en el encomiable arte de esquivar miles de disparos a la velocidad de la luz. Su música me ha dejado también prendado. Los temas son capaces de reflejar y comprimir en sus notas toda la belleza, la alegría, y en general todo aquello que transmiten sus exquisitos colores y vivarachos diseños, y ello los convierte en una parte imprescindible de la experiencia. Pop’n TwinBee es un ejemplo perfecto de shoot’em up para todos los públicos, tanto por su estética, como por su apropiada dificultad, con cualidades infinitas para divertir. Si a todo le añadimos un baño de calidad técnica made in Konami, podemos concluir que se trata de un imprescindible de su clase en Super Nintendo.

- Lo mejor del juego: Su hirviente colorido te transporta, desde el primer golpe de vista, a la más pura y adorable fantasía. Todos son magníficos, pero algún tema en concreto, me ha tocado el alma. Diversión instantánea y acción extasiante. Dificultad exigente, pero tolerable.

- Lo peor del juego: Por el contrario, muchos die hard fans del género lo encontrarán demasiado fácil. Quizá algunos temas se queden algo cortos en cuanto a duración.

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Pocas cosas hay mejores que encontrarse con una banda sonora que, lejos de quedarse en cumplir con su papel de ambientar sin molestar, encaje y refuerce y revalorice de una forma tan genial la ya de por sí inmensa personalidad de un juego. En aquellos primeros 90, Konami no fallaba, ni en este, ni en ningún otro apartado. Pop'n TwinBee es un título al que continuaré jugando durante mucho tiempo, y todos y cada uno de sus temas quedarán para siempre en mi memoria auditiva. Esa calidez, ese colorido musical, y ese exacerbado optimismo, es de los que no se olvidan nunca.

Pop'n Twinbee. En ella se encuentra la más auténtica materialización de la suma a partes iguales de alegría y melancolía que muchos de sus temas consiguen transmitirnos. Su empleo y heterogénea mezcla de tonos mayores y menores da como resultado una ambientación cálida, con ese puntito de nostalgia no siempre fácil de plasmar, y te agarra por la manga para que te quedes un buen rato frente a la pantalla de título escuchándola. Una verdadera maravilla, que no podría haber sido una mejor carta de presentación para avisarnos de por dónde irán los tiros en las siguientes.

A Rainbow Colored Wind. Tiene un inicio único que no se vuelve a repetir, y eso siempre mola. Durante muchas partidas fue mi favorita. Suena en la tercera fase, y va totalmente en consonancia con el deslumbrante colorido de sus nubes, sus bosques y montañas. Aunque por la China rural que representa, se echa en falta algún elemento oriental, lo cierto es que es tan risueña y divertida que ni caeremos en la cuenta. Los constantes y notorios bajos, que le imprimen un ritmo más marchoso aún, no nos dejarán parar de mover el pie mientras gozamos de esa fantasiosa y alegre melodía.

A Walk on the Bottom of the Ocean. Para que no todo sea tan azucarado, he decidido incluir alguna que atenúa ligeramente sus melodías en favor de un desarrollo más variado, cambiante y técnico, como es esta de la fase 2. Sus componentes sintetizados, casi mecánicos, pero envueltos en esa aura más misteriosa que presenta su melodía principal, nos harán disfrutar más aún del fondo marino que acompaña. Tiene un tono, una cadencia y una selección instrumental que es 100% shoot'em up: bajos con slaps muy prominentes, teclados, trompetas, alguna flauta escondida... a más escuchas, más jugo se le saca.

Mecha Boss Rogue's Theme. De los varios cortes dedicados a los jefes, este es el que más me gusta. Va en la onda del anterior, pero con un tono todavía más agresivo y enérgico, con ese inicio tan metálico, y esa percusión que no parece repetir dos compases iguales, veloz y virtuosa. Las distintas intensidades de viento le confieren un aire acusadamente tenso, ideal para estas batallas. Pero lo mejor, como sucede en otros temas, es la gran cantidad de detalles que se pueden escuchar entre notas principales. Uno de los temas más trabajados del juego a nivel compositivo.

Sky Avenue. Volvemos a las nubes esponjosas, a los encantadores pueblecitos y bosques desde el aire, a los vibrantes y maravillosos tonos pastel. Durante mis partidas, he deseado llegar al quinto nivel para regocijarme con esta canción, repleta de pureza, positividad y nostalgia. Su melodía es increíble, extremadamente armoniosa y adorable, sus dulces notas nos sumergen de lleno en esos entornos multicolor y en la esencia humorística del juego, y además, están envueltas en mil y un detalles, como clarinetes que revolotean en forma de arpegios, varias líneas melódicas simultáneas, bajos juguetones... No puedo parar con ella.

Star Trek: The Next Generation - Future's Past

2025-03-27T20:27:00.003+01:00

INTRODUCCIÓN:

Prácticamente en cualquier ámbito del arte y la cultura han existido las rivalidades entre distintos bandos de fans, que defienden con uñas y dientes aquello que más les apasiona: un artista frente a otro, ese jugador por encima de aquel… y por supuesto, también a la gran pantalla del celuloide han llegado esas pequeñas (o a veces, no tanto) fricciones. Tal vez los dos grandes pilares de la historia en cuanto a cine de ciencia ficción, Star Wars, y Star Trek, son algunos de los más claros ejemplos en lo que a defensa de gustos y preferencias del espectador / seguidor se refiere. Enfoques distintos a universos y personajes tan carismáticos y bien escritos que, tal vez junto a Battlestar Galactica, prácticamente acabaron monopolizando, desde hace ya muchas décadas, la atención y el fervor de los ‘freaks’ de los viajes intergalácticos, razas alienígenas, tecnologías inalcanzables o las más inverosímiles tramas político-cósmicas.

No reniego, en absoluto, de la ciencia ficción, a la cual me acerco de vez en cuando a través de la literatura, el cómic, el anime o el cine en general. Pero sinceramente, nunca fui fan de ninguna de las citadas franquicias. Battlestar Galactica no sé ni de qué va. Star Wars sí me gusta mucho, pero no me considero, ni de lejos, un acérrimo fanático de los que coleccionan todo lo que lleve su nombre (lo cual, me parece fabuloso, ojo). Y sobre Star Trek… mis pocos recuerdos de la serie clásica, cuando era un renacuajo, se reducen al impulso instantáneo de cambiar de canal al toparme con cualquier capítulo emitido en TV. Por varias razones (supongo que una de ellas era el limitado criterio de la edad), me resultaba soporífero aguantar más de dos minutos. Eso no quiere decir que, dada su gran trayectoria y la huella que ha dejado su universo, no le guarde el debido respeto.

TRAMA:

En lugar de reaprovechar alguna de las innumerables tramas que se enmarcan en cualquiera de las temporadas, este Star Trek - The Next Generation - Future's Past nos narra una completamente exclusiva, en la que se descubren nuevos elementos y misterios, y que se aleja, aunque solo en parte, de las típicas reyertas y negociaciones entre las distintas razas, tan recurrentes en la obra original. En su incansable patrulla por preservar la paz en el espacio exterior, la tripulación de la Enterprise se encarga de vigilar un comportamiento sospechoso por parte de los romulanos. Con el pretexto de la desaparición de uno de sus escuadrones, dicha especie se adentra sin el debido permiso en una zona neutra de la galaxia donde no deberían estar. Lo más inquietante de todo, es que este hecho coincide con el descubrimiento, por parte de la doctora T’Lirus, de la facción protagonista, de información sobre un extraño artefacto proveniente de la antigüedad.

Dicho artefacto fue hallado, en primera instancia, por una civilización ancestral ya extinta, los senatorius, quienes fueron los primeros en darse cuenta del inmenso poder que poseía dicho dispositivo, sobre todo, por su capacidad para transmutar tanto materia como energía. Temiendo que pudiese condicionar incluso la seguridad del universo si caía en malas manos, los senatorius hicieron transportar 10.000 años en el futuro el Integrated Field Derandomizer (que así se llama el artilugio) junto con todos sus componentes, es decir, a la época en la que se desarrolla esta aventura. Aun después de miles de años, ninguna de las razas está preparada para tener tanto poder en sus manos, por lo que las órdenes son claras: encontrar el IFD, y volver a mandarlo otros tantos siglos hacia el futuro. Sin embargo, no seremos los únicos que andan tras él. Diversas entidades, ambiciosas de poder, no dudarán en interferir con esta misión oficial.

GRÁFICOS:

Nuestra principal base de operaciones será, como era de esperar, las propias dependencias de la legendaria nave Enterprise. Como si el punto de vista se situara en el centro mismo de las secciones principales, podremos acceder a ellas a través de un efecto rotatorio, que resulta algo extraño al principio, pero al que pronto se le coge el tranquillo. Todo bien decorado, con cantidad de pantallas, botones, consolas y lucecitas mil, pero de entre todo lo que veremos a nuestro alrededor, destaca el uso de las digitalizaciones. No son las mejores que se han visto en Super Nintendo, y en ocasiones parecen demasiado ‘pegote’, pero son bastante decentes, y muestran de forma reconocible a todos los miembros principales de la tripulación, cuyos rostros, de igual modo, también podremos ver en la pantalla de selección de equipo. La sala de reuniones se representa tirando de la misma técnica gráfica, que se repite de nuevo en las espectaculares secuencias fijas a pantalla completa que veremos al completar cualquier evento importante. Se echa de menos alguna animación, pero es una forma original de representar el entorno.

Desde luego, en este sentido fue un buen método para atraer a los fans, mostrando imágenes realistas en todo momento. A través del visor de comunicaciones, podremos contemplar el viaje sideral, los interlocutores, y todo un universo de planetas, satélites y estrellas, que en conjunto, dan un empujón tremendo a la variedad, a despertar nuestra imaginación, y al interés que plantea. También es cierto que al final se queda en eso, imágenes sin movimiento, y solo podremos explorar unos pocos de dichos cuerpos astrales por tierra. Pero como ambientación, da el pego con creces, aporta sensación de profundidad, y hace que te sumerjas fácilmente en el mundo Star Trek. El viaje, por otra parte, no se queda entre las paredes de la Enterprise, ya que nos ofrece distintos esquemas visuales aparte del ya descrito, según el tipo de misión o circunstancia. En los encuentros con otras naves hostiles, el enfoque cambiará a una rejilla cenital, en la cual, aparecerán ambos combatientes, y en la parte superior, un visor por el que seguiremos el combate desde una perspectiva 3D, simple, pero resultona.

La última variación surge cuando emprendemos una misión por tierra. Es al mismo tiempo, la parte menos original, pero también la más virtuosa del apartado gráfico. Desde un punto de vista aéreo, los personajes escogidos no lucen demasiada definición en su indumentaria, ni son demasiado grandes, pero ello contrasta con unas animaciones realmente magníficas, similares a las conseguidas con la rotoscopia en otros títulos como Flashback o The Lord of the Rings, muy fluidas y naturales en todas las acciones, desde el caminar, hasta el empleo de los distintos cachivaches, con añadidos sorprendentes como el movimiento del cabello, propio de cada sprite. Además, es fácil distinguir a los personajes tan solo con ver su rostro, algo que será bastante útil en relación con sus mecánicas. No todo es tecnología y futurismo en sus entornos. A veces, nos adentraremos en minas sinuosas y oscuras, otras, en gélidas extensiones, y también en alguna taberna alienígena, donde incluso podremos ver una actuación en directo. Algún detalle extra, como la permanencia de los cadáveres enemigos, o varios escalados de sprites, completan un apartado respetuoso con la esencia original televisiva.

SONIDO:

Puesto que está basado en la etapa Next Generation de la saga, es todo un acierto que, nada más arrancar el juego, salga a recibirnos en toda su grandilocuencia (aunque con las lógicas limitaciones sonoras), el tema central de dicha serie, adornando la breve introducción y la pantalla de título. Sin embargo, al poco rato de andar trasteando por la nave, nos daremos cuenta de algo bastante inusual de la ambientación musical, y es que cumple de forma estricta, precisamente, con su función ambiental, pero no solo por sus características compositivas, ni por su cadencia rítmica o intensidad. Me refiero, sobre todo, a su volumen, que en el interior de la Enterprise, es tan intencionadamente bajo que, para escuchar el tema que aquí se nos presenta, tendremos que subir unos cuantos puntos el volumen del televisor. En el resto de lugares y situaciones, es algo que se subsana, pero en cualquier caso, no es una música que busque destacar por encima del resto de apartados, más bien acompañar con suavidad la acción.

Lo que escuchamos es un buen pero corto conjunto de melodías que tienden sobre todo al funk, pero integrando ideas bastante buenas en forma de melodías. Sin duda, y con diferencia, las líneas más destacadas son las que forman los bajos, muy predominantes y sólidos, que les dan a los temas un regustillo misterioso y oscuro, pero sin ser demasiado cargantes. Para servidor, que disfruta de los buenos dibujos de bajos, es todo un acierto, tanto por el clima, como por su afinidad a esos decorados, en los que también encajan de maravilla algunos vientos o teclados, y para variar de registro, algunas marimbas, que tiñen a ciertas canciones de un color exótico. Algunas pisan más el pedal, otras resultan más épicas por sus progresiones melódicas, pero en general, mantienen un estilo homogéneo, sin que ninguna se salga para bien o para mal de la tónica. Entre los efectos sonoros (según tengo entendido, fieles a aquellos que se escuchan en la serie de TV), existen algunos muy conseguidos, como el sonido de las puertas o de los enemigos al enterrarse, quedando algo por debajo los disparos o impactos.

JUGABILIDAD:

A decir verdad, me costó mucho engancharme a él. Su jugabilidad no es precisamente intuitiva, así que lo primero que recomiendo es echarle un ojo al manual para ir entrando en materia. Los controles para manejar los menús de la ventana de observación de la Enterprise son algo confusos, y la cantidad de opciones por las que navegar es tan inmensa, que no resultará extraño sentirse perdido, o no saber qué diantres hacer. Por supuesto, aquí no hay ningún tutorial que nos oriente mínimamente, y todo habrá que descubrirlo a base de prueba y error, teniendo en cuenta que todo hay que hacerlo en un orden determinado hasta llegar a las misiones principales. Atender mensajes del exterior, visitar la sala de reuniones, o informarnos de las condiciones de cada planeta, serán algunas de las acciones a realizar. Hasta este punto, todo son cifras e información, contando también con una gigantesca base de datos (de las mayores que he visto en un juego de 16 bits) que contiene hasta el más mínimo e insignificante detalle sobre las características de la nave y su tripulación.

El problema es que se trata de información tan extremadamente técnica, que no hay Dios que la entienda, y al final, sirve más bien de poco. Pasemos ahora a las fases de acción pura, comenzando por los ataques de naves enemigas, que pueden ser un auténtico dolor hasta que nos hagamos con el control. Son combates muy directos pero algo tediosos, que requieren estrategia y velocidad de acción con el empleo del movimiento y las distintas armas, y que en los primeros intentos, seguramente terminen con nuestra nave hecha pedazos. El problema es que estos se producen casi a cada desplazamiento que hagamos, y solo podemos reparar de forma instantánea la nave acudiendo a alguna de las bases aliadas, lo cual seguramente, implicará más ataques con una Enterprise ya en condiciones nulas para el combate (fin del juego garantizado). El otro método de subsanar los daños es distribuir equitativamente los medios técnicos disponibles entre las partes afectadas, pero este proceso puede llegar a demorarse hasta 30 o 40 minutos, sin posibilidad de acelerarlo ni hacer prácticamente nada más que aburrirnos frente a la pantalla.

Solo en dichas bases podremos obtener los passwords, y más nos vale guardarlos bien, ya que las misiones sobre la superficie también son de lo más peliagudo. En principio, esa mezcla de arqueología, exploración, misterio y acción que nos proponen suena de lo más atractivo, pero solo lo es a medias. La primera incursión es casi anecdótica, pero a partir de aquí, poca broma, ya que el simple hecho de saber qué hacer, supone todo un reto. El diseño de fases es laberíntico hasta la desesperación, y nunca tendremos del todo claro lo que es susceptible de ser usado o destruido. La duración y dificultad entre misiones está fuertemente descompensada, y cuidado, porque las muertes en el equipo son permanentes. Cada personaje, controlable en 8 direcciones, portará determinados objetos atendiendo a sus características (más o menos apropiadas para cada misión), como la pistola phaser o el tricode, que nos permitirá conocer detalles del entorno y curar a los compañeros. Podremos escoger hasta 4 integrantes para cada misión, y alternar entre ellos de forma independiente, algo original que da bastante profundidad a los complicados y en muchas ocasiones, ilógicos puzles.

CONCLUSIÓN:

Al igual que sucede con las respectivas sagas originales, conozco mucho más de La Guerra de las Galaxias que de Star Trek en el mundo consolero. Tampoco he profundizado una barbaridad en ninguno de los título existentes en Super Nintendo (salvo en este que repasamos), pero si bien la trilogía dedicada a las aventuras de Skywalker y compañía ostentó unas virtudes colosales (tanto como su dificultad), en el caso de las de la USS Enterprise, que también obtuvieron su triplete de cartuchos en este sistema, pasaron muchísimo más desapercibidas, y no por casualidad, ni por poco afecto de sus fans, sino por el abismo de calidad que separaba ambas sagas en su forma lúdica. En este caso, no hace falta ser necesariamente fan de Star Trek, aunque obviamente, estos últimos disfrutarán mucho más de la odisea, de sus personajes, de su universo, y de la tonelada de información tecnológica con la que nos abruma.

La versión para Mega Drive se subtituló Echoes from the Past, y aunque en esencia ambas son iguales, hay varias diferencias, como la introducción, distintos plantel protagonista, personajes con distinto aspecto, y alguna misión inédita al final. Curiosamente, el juego contaba con un sistema anti piratería que detectaba si estabas jugándolo en un sistema de otra región. Y ya dentro de lo cómico / lamentable, comentar también que el cartucho adolecía de varios bugs, como la generación de incoherencias gráficas con ciertos textos, o el más sonado de todos: en la fase 9 (Verenitor Alpha I), en ciertas versiones (y me refiero al lanzamiento original), el juego ignoraba la creación de determinada pasarela, imprescindible para poder terminar el capítulo, por lo que si no poseías el password para saltar el error, podías dar tu experiencia por terminada o enloquecer en el intento. De hecho, no es este el único detalle que nos incita a pensar que el juego fue terminado deprisa y corriendo.

- Lo que más me gusta: Las animaciones de los personajes en las misiones terrestres. El sistema de cambio entre ellos. El amor por los fans acérrimos que demuestra su sobredosis de información.

- Lo que menos me gusta: Es, en general, demasiado lento, y en demasiadas ocasiones, confuso y mareante. Hacer reparaciones a la nave es de un tedio insuperable. Los bugs son de risa.

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La clara uniformidad que se muestra a lo largo y ancho de su banda sonora, puede que sea su mayor virtud, y al mismo tiempo, su peor defecto, así que es complicado quedarse con algunas. Lástima que no haya más temas extraídos de la obra original aparte del más representativo. Recorreremos siniestras minas y laberínticos entramados de estética futurista a ritmo de composiciones que rápidamente se fundirán con los decorados, y disfrutaremos en pequeñas dosis de algunas partes especialmente elaboradas, pero todo envuelto en una movida funk y melodías bastante apagadas.

Main Theme. Estaba claro que tenía que incluirla por fuerza, ¿no? Y es que, seas o no seguidor de Star Trek, seguro que reconoces este tema, aunque sea de oídas. Su imponente presencia, sus clamorosas orquestaciones, y su melodía bombástica acompañaron, de seguro, a más de una generación de 'Trekkies' en esta tercera saga de la línea oficial. Al mismo tiempo, resulta que ni pintada para abrir esta aventura, con su inicio suave que va ganando en intensidad a cada nota, hasta alcanzar toda la grandilocuencia esperada de un compositor tan grande como Jerry Goldsmith.

Fizaal's Happy Haven. Bajemos hasta registros más calmados con esta pieza que me ha parecido de lo mejorcito del cartucho. Su cadencia rompe bastante con la media, para presentarnos unas notas armoniosas y bien relajantes, aunque ninguna misión lo sea, realmente. En ella, la melodía sí destaca por encima de otros aspectos, y está muy bien engalanada de detalles por los que merece la pena escucharla con calma y atención. Aparte de los bajos, con un carácter casi percusivo, destacaría el empleo de los teclados y alguna flauta escondida que nos brinda cierto aire tropical.

Crystal Shard Worlds. Encontrar los numerosos cristales que se exigirán en la prueba final para decidir quién se agenciará el codiciado IFD, es una de las tareas más duras que tendremos que realizar en el juego. Por suerte, en gran parte de esta misión escucharemos una música más bien sosegada, pero que no renuncia a cierto deje misterioso y una melodía ciertamente melancólica en algunos fragmentos. Otra de las mejores que saldrán a nuestro encuentro, bonita, atmosférica, y estupendos cambios marcados que dan paso a la repetición de la melodía con distinta sonoridad.

Nakatomi Freighter. La música va de maravilla para reflejar la tensión del rescate de un carguero secuestrado. Los bajos vuelven a coger mucho peso, en esta ocasión resultando especialmente graves y pesados, pero de entre ellos, siempre en tonos más setenteros y hasta progresivos, emergen melodías realmente sorprendentes, determinadas estructuras casi disonantes o notas más atmosféricas y dilatadas, que se encajan perfectamente en un ritmo intenso y con gancho. Cortes como este elevan considerablemente el nivel musical del juego, que en conjunto, no está pero que nada mal.

Donkey Kong Country 3: Dixie Kong's Double Trouble!

2024-12-23T16:15:00.004+01:00

INTRODUCCIÓN:

Lo sé, es imperdonable que haya pasado tanto tiempo entre la creación del blog y la aparición en sus páginas de este Donkey Kong Country 3: Dixie Kong’s Double Trouble! Lo es por tratarse de la tercera entrega de una de mis sagas favoritas de entre cuantas salieron para el Cerebro de la Bestia, y lo es porque estamos hablando de uno de los juegos que más flagrantemente rebasaron el techo técnico de la consola, algo completamente impensable tan solo unos años atrás. Pero siguiendo un orden lógico, y gracias a un reto que me propuso mi compañero Emi PV en uno de los grupos de videojuegos retro en los que ando metido por Facebook (y ante el que no opuse la menor resistencia), por fin he tomado la iniciativa de disfrutar, pixel a pixel, tema a tema, y fase a fase, de esta grandiosa creación de una de las compañías que más contribuyeron a mitificar la leyenda.

Su propia leyenda, podríamos decir. Y es que, coincidiendo con la aparición del primer Donkey Kong Country, y en adelante, Super Nintendo comenzó a desmarcarse salvajemente de la competencia, sirviéndose de unas capacidades técnicas que nunca fueron tan explotadas como a partir de entonces. Unos de los principales culpables de ello, fueron los otrora todopoderosos Rare, que nos hicieron alcanzar el paraíso a través de los mandos de nuestra querida y eterna Super Nintendo. Incluso ya hacia el final de su vida comercial, incluso cuando los sistemas de 32 bits ya llevaban años implantados en el mercado, y la Nintendo 64 casi llamaba a las puertas de Europa, la compañía británica, valiéndose de una descomunal y nunca antes empleada tecnología, continuaron empeñados en regalarnos más y más obras de arte audiovisual, como es el caso del título que tenemos entre manos, la genial culminación de una saga a todas luces gloriosa.

TRAMA:

Pocas veces, en un juego de plataformas, un argumento trabajado ha sido realmente fundamental. Aun así, los de Rare siempre se esmeraron concienzudamente por crear en esta saga, al menos, un trasfondo, una excusa bien trazada para que el jugador comenzase la aventura con ganas, fuese quien fuese el simio que adoptara el papel protagonista. Aunque ya suena un poquito trillada, porque tampoco había mucho más de donde rascar, esta tercera entrega de Donkey Kong Country no fue la excepción. El constante cambio de personajes principales en cada entrega siempre fue un perfecto motivo para ir también modificando la historia, aunque manteniendo siempre al ejército de los malvados y esquivos reptiles ‘kremlings’ como los antagonistas, comandados por el persistente King K. Rool (¿o no?), que nunca cesará en su objetivo de convertirse en el amo del mundo mediante astutas argucias, incluso si ello implica pasar por encima de nuestro héroe y su fortuna de bananas.

En este caso, al hojear el manual, encontramos un tono algo distinto respecto a los dos primeros juegos, y casi echamos de menos los insultos del viejo Cranky hacia los protagonistas. Sin embargo, la trama no le va a la zaga a las dos aventuras previas. Entre celebraciones, batidos de plátano y una siesta tras otra, Donkey y Diddy han adoptado un relajado estilo de vida tras su última incursión en la jungla, pero su espíritu aventurero continúa llevándoles a hacer pequeñas exploraciones por los alrededores de la isla. Cuando una de ellas se alarga más de lo normal, Dixie empieza a tener la mosca tras la oreja. Después de preguntarle a la anciana Wrinkly y a Funky si han visto a la pareja, la chimpancé empieza a temerse lo peor, sobre todo, cuando se adentra en territorios inhóspitos y se encuentra con toda una nueva horda de kremlings infestando el lugar. Tal como se temía, Donkey y Diddy… ¡han sido secuestrados!

GRÁFICOS:

Pese al incontestable sello de calidad que el binomio Rare / Nintendo siempre imprimió a todas sus creaciones, es posible (aunque ciertamente improbable) que Donkey Kong Country no hubiese llegado a ser un súper ventas de la consola de no haber sido por sus prodigiosos gráficos. Sus modelados en 3D, una técnica solo posible en aquel entonces gracias a la avanzadísima tecnología de los ordenadores Silicon Graphics, rompieron esquemas en el mundo de los videojuegos para consola, y fascinaron al mundo entero, que sintió la imperativa necesidad de hacerse con una Super Nintendo para contemplar tal milagro técnico con sus propios ojos. Casi todo lo visto anteriormente en un sistema de 16 bits, parecía ahora arcaico. Y si el primer título llegó, en este sentido, a unas alturas de majestuosidad ensoñadoras, ya os podéis imaginar lo que fueron capaces de hacer sus programadores con dos años más de experiencia, en pleno 1996, y con un dominio casi absoluto del hardware y prestaciones de la consola. El resultado fue uno de los juegos más bonitos e impresionantes de todo su catálogo.

Absolutamente todo lo que podemos ver en pantalla se llevó a otro nivel, e incluso a día de hoy, el juego nos puede dejar atónitos por su extrema belleza, voluptuosidad y dinamismo visual. No solamente todos los personajes lucieron un aspecto más trabajado y definido, con unos modelos actualizados y perfectamente perfilados, tanto los de los propios protagonistas como de los enemigos. Lejos de caer en reaprovechamientos, se creó un mundo completamente nuevo, más vivo que nunca, más amplio, y más original, si cabe. La evolución en el uso de una paleta de colores distinta, con un aspecto más realista y plástico, lo hace muy reconocible respecto a sus antecesores, con una profundidad brutal en sus tonalidades, que se aprecia en cada centímetro de cada uno de los mundos, a lo que hay que añadir el empleo de unas cuantas técnicas gráficas alucinantes, como filtros de nieve, que tanto extrañamos en la segunda parte, o diversos efectos de luz y oscuridad. También se dio un nuevo impulso a la variedad, aunque es cierto que unas pocas fases se diferencian entre ellas solo por cambios de tono (y estructura, claro).

Las escenas estáticas y los interiores, son de esos en los que descubriremos detalles nuevos, entre los cientos existentes, cada vez que aparezcan ante nosotros. Pero sobre todo, los fondos creados para la ocasión, nos dejarán sin aliento. Desde los bosques hasta las cumbres nevadas, desde las grutas a los muelles (qué locura, esos horizontes…), incluso en las zonas industriales, hay destellos de una calidad masiva miremos donde miremos, y reconozco que al visitar por primera vez cada fase, no he podido evitar lanzar una exclamación de asombro. Algunas submarinas, como Bazza’s Blockade, violan sistemáticamente los límites de color de la consola, poseyendo algunos de los decorados más desconcertantemente hermosos que he visto nunca en un videojuego. La calidad en el diseño de los enemigos continuó estando por las nubes, y mientras que en algunos de ellos se apreció un ligerísimo recorte de animaciones, en otros, como los erizos y sus púas, o los peces y sus contoneos, se pone de manifiesto el increíble detallismo y fluidez de unas animaciones que nos vuelven a dejar de piedra, incluso vistas con los ojos del presente.

SONIDO:

También la renovación en el sonido fue total, pero siempre manteniendo la original esencia y personalidad forjadas ya desde los inicios de la serie. Se dejó, no obstante, algún huequecito para el recuerdo de temas ya escuchados y remozados para la ocasión, como el de los bonus del primer Donkey Kong Country o algunas fanfarrias, que descubriremos en el momento menos esperado. La compositora Eveline Fischer, que participó en el primer juego, coge ahora el timón principal de la banda sonora, y tan solo algunos temas adicionales fueron compuestos por el portentoso David Wise. Eso sí, el ardiente jazz, algún Calipso, cierto Rock’n’Blues, mucha carga electrónica, o la inmensa sutileza de las ambientaciones, siguen aquí juntas y bien revueltas, con una enorme selección de instrumentos, demasiados para citarlos todos, que suenan de auténtico lujo, enfatizando vientos, marimbas, o percusiones tropicales que encajan de fábula con los entornos. Hay que decir que, en cuanto a carisma, quizá perdió algún puntito respecto a anteriores scores, pero en cualquier caso, es un apartado que se cuidó muchísimo. Es verdad que se echa de menos aquel maravilloso Aquatic Ambiance que nos hechizó a todos en las fases acuáticas, pero bueno, para eso ya está el primero, ¿no?

Cada vez que visitemos a Wrinkly, por ejemplo, alternará una melodía distinta (incluyendo una que me robó una lagrimita), y para liberar a los pájaros banana se han de superar pruebas musicales. Por supuesto, cada tipo de fase posee su composición propia, hasta 14 diferentes, idóneas para complementar su naturaleza, y en ocasiones, también su cadencia de intensidad, aunque las más atmosféricas tendrán ahora un peso mucho mayor en cantidad. En el resto, suelen predominar esos aires desenfadados y vibrantes que también son aquí santo y seña. Jugar con cascos es altamente recomendable para mejorar la experiencia aún más, ya que de esta forma se aprecian muchos efectos sonoros que podrían pasar inadvertidos por su gran suavidad. En este sentido, estamos ante una colección tremendamente variada y pulida, con el ingenio por bandera, son divertidos, muy realistas en algunos casos, destacando los gritos de los enemigos al sucumbir, ecos, lanzamientos, onomatopeyas simiescas a porrillo… y la gran mayoría, son totalmente exclusivos de esta tercera entrega. Definitivamente, Rare lo volvió a conseguir, y es que no solo en gráficos se quedaron los DKC: también sus magníficas y profundas composiciones, y en definitiva, su inigualable estética sonora, sobrevivieron con muchísima dignidad al paso del tiempo.

JUGABILIDAD:

Incluso en el caso de que no hubiese llegado con elementos realmente novedosos, una tercera entrega de una calidad técnica tan colosal seguiría siendo perfectamente justificable. Pero tratándose de Rare, sabíamos que no se conformarían con eso. Dixie Kong’s Double Trouble! trajo consigo un buen arsenal de cambios que hicieron honor a la serie, pero preservando intactos, en el marco jugable, el espíritu original, y sus innumerables virtudes. Básicamente, si se dominan las dos primeras entregas, será mucho más fácil arrancar en esta, a pesar de las nuevas habilidades, características y personajes, pero eso no quiere decir en ningún caso que no vaya a suponer un desafío considerable. De hecho, creo que de los tres, este fue el más equilibrado en muchos aspectos, fruto sin duda de la experiencia y del buen hacer que nunca faltó en la saga. En su primera visita a Funky Kong, este ‘endosa’ a Dixie a su nuevo compañero, que es nada menos que su primo pequeño, el bebé Kiddy. No es precisamente la figura más carismática de todas… pero sigue siendo tan manejable como el que más, con sus propias fortalezas y debilidades.

Muchos otros personajes ayudarán a nuestra pareja, la mayoría ya familiares. Algunos han cambiado de oficio, y otros mantienen sus funciones, como el propio Funky, que ahora nos obsequiará con algunos de sus inventos en forma de medios de transporte, y que a su vez nos permitirán ir explorando más y más mapeado, según mejoren. Dentro de este, se sitúan los 8 mundos distintos que habremos de recorrer, desde un gigantesco lago, hasta la inexpugnable fortaleza del villano de turno. En sus fases, manda de sobremanera la diversidad, y claramente, esta vez están más orientadas a esquemas de pruebas de habilidad, escapando del típico ‘salta y mata hasta llegar al final’, aunque por supuesto, también contiene sus dosis de esto último. Trepar por una cuerda ardiendo, escapar de la amenaza de un serrucho gigante, atravesar unas tuberías sumergidas con el control invertido, o pilotar un trineo empujado por un trepidante scroll, son solo unos pocos ejemplos. Algunos niveles poseen una mayor verticalidad y varios caminos posibles, y casi todos tienen dos bonus secretos escondidos, a lo que hay que añadir la moneda DK. Y por supuesto… ¡montones de barriles de toda clase y efecto!

El control, para variar, sigue siendo prácticamente perfecto, muy fácil de dominar, y con movimientos enormemente versátiles que siempre invitan a la experimentación. Quienes lo hayan jugado, saben a lo que me refiero. Kiddy aporta habilidades nuevas, aunque no deja de ser un Donkey híper vitaminado, y algunas de ellas son casi anecdóticas y apenas se usan (como la de romper el suelo). Nuestros amigos animales también volvieron para echarnos un cable, algunos ya conocidos como Enguarde o Squitter, pero sin duda, sobresale la inclusión de Ellie, rizando el rizo con sus magníficas habilidades. Sigue sin haber tiempo en los niveles, lo cual nos da para explorarlos una libertad cuyo único límite será nuestra perspicacia e imaginación, ideal para dedicarnos con calma a descubrir los barriles ocultos, que por suerte, no están escondidos con tanta malicia como sucedía en Diddy Kong’s Quest. Por último, nombrar también a los 13 osos, cuyos establecimientos están diseminados por un mapeado que, ahora, es mucho más interactivo. Estos añaden otra capa más de jugabilidad, y sobre todo, backtracking, con divertidos juegos de intercambio de objetos que nos ayudarán a encontrar áreas ocultas.

CONCLUSIÓN:

Donkey Kong Country 3 era para mí, hasta hace tan solo unos días, algo así como el eslabón perdido. Era esa tercera entrega que en su día, dado el aluvión de juegazos que aparecieron en su misma añada, y la proximidad de las nuevas generaciones de consolas, tuve que dejar escapar, y nunca vi el momento oportuno para enfrentarla con la dedicación que merecía. Ahora, por fin he comprobado, en mi propia Super Nintendo, que es un auténtico título triple A que no tuvo absolutamente nada que envidiar a sus predecesores, si acaso, con un mayor nivel técnico, alcanzando unos picos de preciosismo gráfico como muy pocos fueron capaces. Sus decorados, sus finísimos modelados en 3D, su exuberante y pasmoso colorido, sus sedosas animaciones… todo en él es un auténtico prodigio visual sin parangón. Algunas publicaciones apuntaron, a pesar de verter sobre él todo tipo de elogios, a que fue más de lo mismo. Pero aunque así lo considerásemos, nada tendría de malo cuando el resultado es tan desmesuradamente bueno.

En este blog, todos los juegos reciben un espacio y un criterio de evaluación idéntico (sean obras maestras o auténticas bazofias), pero Donkey Kong Country 3 para mí no iba a ser uno más. Es por ello que, una tras otra, lo he llegado a terminar 4 veces, incluso una de ellas con el conocido código TUFST, que incrementa la dificultad a lo bestia al eliminar los barriles DK y los de salvado, y te permite conseguir el 105%. Y todo ello sin servirme de guías ni trampas de ningún tipo. De este modo, he logrado integrarlo y apreciarlo al mismo nivel que los anteriores, a los que metí cientos de horas en su día. Y qué queréis que os diga, estoy seguro de que en un futuro volveré a él. Sencillamente, no he podido parar. Es adictivo a más no poder y muy equilibrado, sus mecánicas son más originales y sorprendentes que nunca, y siempre hay algún detalle visual cuyo descubrimiento nos maravilla. Una verdadera joya de la corona para una saga que, por muchos años que pasen, seguirá siendo como conjunto una obra maestra, literal, e indiscutible, del género plataformas.

- Lo que más me gusta: Las fases, sus entornos y fondos, consiguen quitarte la respiración por su inmensa belleza. Dificultad muy equilibrada, incluyendo la localización de los secretos. El elefante Ellie. El juego de los osos y el backtracking. Pruebas muy originales y retadoras.

- Lo que menos me gusta: Kiddy, y algunos nuevos enemigos, no es que sean la quintaesencia del carisma. La fase Koindozer Klamber es un dolor. Algunas habilidades nuevas están prácticamente de adorno.

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Donkey Kong Country 3 tiró más o menos por los mismos senderos musicales que contribuyeron a engrandecer esta saga. Haciendo hincapié en las atmósferas más profundas, pero también regalándonos un buen conjunto de temas marchosos y con mucho punch, su variedad musical acoje desde la samba hasta el blues, pasando por todo tipo de ritmos exóticos. Creados entre Eveline Fischer y David Wise, de nuevo quedó bien patente la creatividad y el esfuerzo, en los cerca de 40 temas distintos, a la hora de revestir un título tan distinguido con la calidad musical merecida.

Stilt Village. Si a temas propiamente dichos de fases nos referimos, la odisea de Dixie y Kiddy empieza realmente bien. Sin desentonar un ápice con el estilo y la sonoridad de los primeros Donkey Kong Country, ya tenemos, de buenas a primeras, esa orquesta de vientos graves y marimbas alocadas alegrando los primeros pasos del jugador, con combinaciones y melodías muy divertidas, casi humorísticas, en las que ambos instrumentos (entre otros que suenan), se repiten a sí mismos y van rehaciendo la línea principal. El exotismo del entorno, también está muy presente en ella.

Jungle Jitter. Algo más calmada, pero sin resultar tan apagada como otras que son puramente ambientales, la más profunda y traicionera jungla nos regala el sentido auditivo con una pieza en clave jazzística de lo más particular. Haciendo un intenso uso de las marimbas que tanto predominaron en el primer juego de la serie, y con un sólido entramado de percusiones que le dan ese aura tribal tan marcada, su ritmo nos atrapará rápidamente, poniendo a mover nuestros pies sin remedio. Además, destacan enormemente esos sonidos simiescos que suenan repartidos aquí y allí.

Crazy Calypso. ¿Alguien dijo fiesta tropical? ¡Pues toma Calipso! Siguiendo la tónica musical del juego, en la cual los temas de las fases resultan más densos y oscuros, y los que acompañan menús o personajes mucho más vivarachos, encontramos esta en la pantalla de selección de partida, y difícilmente podremos resistirnos escucharla durante un rato. Una verdadera lástima que no se haya reaprovechado más, porque las marimbas, los güiros, las distintas percusiones y los vientos forman una de las piezás más motivadoras, apropiadas y alegres de todo el juego

Treetop Tumble. Las fases que se desarrollan en el bosque, y sus enormes troncos, se encuentran entre mis grandes favoritas. No solo sus enormes gráficos crean una atmósfera increíblemente cautivadora, también esta composición que nos acompaña en ellos pone su parte para que realmente nos sintamos completamente inmersos en esos mágicos bosques de fantasía. Básicamnte, se compone de varios tipos de percusión tribal, y es la flauta de madera la que aporta unos sutiles sazonados de misteriosa melodía. Recuerda mucho a la de las copas de los árboles de Donkey Kong Country.

Mama Bird. No esperéis poder escuchar esta hasta bien avanzado el juego, ya que pertenece a la madre de todos los pájaros banana. Me ha llamado mucho la atención por su cariz distinto, pero sin alejarse del todo del tono predominante en el juego, y me encanta, por su espontaneidad, por la cantidad de sonidos que contiene, por ese viento ululando al fondo, pero sobre todo, por esa melodía de marimba que también inspira cierta melancolía. También tiene sus vaivenes rítmicos, incluyendo momentos de gran sosiego, con notas maravillosamente gráciles y etéreas.

Porky Pig's Haunted Holiday

2024-09-12T16:59:00.003+02:00

INTRODUCCIÓN:

Estoy convencido que a muchos de los que me leéis, sobre todo a los más talluditos, de una forma u otra los viejos dibujos animados de la Warner Bros os marcaron una parte importante de la infancia. En mi caso, volver a verlos o recordarlos, siempre me devuelve unas sensaciones completamente únicas e incomparables. Memorias de aquellas mágicas mañanas despreocupadas en casa, esos fines de semana de poco madrugar cuando, sin tener ni idea de los horarios de programación, encendía la TV y, con gran alegría, veía que por pura casualidad estaban pasando alguno de esos cortos protagonizados por cualquiera de aquellos celebres personajes que nos conquistaron para toda la eternidad a golpe de gags y carcajadas. Y por supuesto, todo ello con su insustituible doblaje latino. Ellos eran el pato Lucas, el Correcaminos, Silvestre y Piolín… o aquel simpático, aunque algo cascarrabias, cerdito que protagoniza el juego que nos ocupa, el bueno de Porky.

Indagando de cerca en la ‘carrera’ de dicho personaje, pese a mostrar un gran carisma y atractivo, nunca estuvo entre los más representativos ni destacados. Y aunque protagonizó varias cintas, lo normal era verle en la pantalla como personaje más bien secundario. Pero hablando ya de la era de los 16 bits en los videojuegos, si Daffy Duck, Bugs Bunny, Taz o incluso los Animaniacs tuvieron una aventura que llevaba sus nombres… ¿por qué no iba a poder protagonizar la suya propia este orondo gruñón? Y efectivamente, aunque fue ya bastante tarde, a finales de 1995, llegó su gran oportunidad de lucimiento. Detrás de dicha aventura hubo cuatro nombres que la hicieron posible: la Warner, cediendo los derechos de los personajes, Sunsoft, que programaron la primera versión beta, Acclaim en la distribución… y unos completos extraños como Phoenix Interactive Entertainment en la imprescindible labor de desarrollo.

TRAMA:

Tanto para ilustrar, como para narrar la trama a la que vamos a hacer frente, basta tan solo una pantalla (muy trabajada, eso sí), y un escueto párrafo de texto. Ya lo adelanto, es un juego de plataformas extremadamente clásico a más no poder, y aunque no necesitaba más, también es cierto que algo más de entusiasmo, alguna animación de transición, un poquito más de contexto para que el jugador pudiese empatizar un pelín más con el protagonista o su situación… tampoco le habría hecho daño. Y de hecho, tan concisa y sobria es su presentación, que la próxima información ya la recibiremos en una muy breve y misteriosa pero simpática secuencia, en el ending. Ni siquiera entre fase y fase, algo que tampoco es tan extraño en este género, se nos brinda ninguna aclaración ni escena sobre la evolución de la odisea de Porky…o mejor dicho, del devenir de su más aterradora pesadilla.

Disfrutando del momento de anticipación, Porky ya casi puede verse a sí mismo gozando de sus más que merecidas vacaciones. Esa misma noche, tras ojear el programa, se acuesta por última vez, con su gorro y su pijama, antes de que, al día siguiente, se conviertan en realidad. Pero tan obcecado está con ellas, que tras apagar la vela de su mesita, durante su descanso, su ‘escapada’ se convierte en una dantesca, terrorífica y delirante pesadilla. En ella, tomarán parte sus peores miedos, y también sus peores enemigos. Y ahí es cuando empieza el papel del jugador. Esta aventura está claramente inspirada en uno de los cortos protagonizados por Porky y Sylvester como fue el titulado ‘Claws for Alarm’, de la serie Merrie Melodies, emitido por primera vez en el año 1959. Las referencias son más que evidentes en nombres, entornos y apariciones, aunque en este caso sin su compañero gatuno.

GRÁFICOS:

¿Qué es lo mínimo que se le debe exigir a un juego tan estrictamente basado en series de animación clásica y personajes inolvidables de estas? Al menos, un apartado gráfico que refleje y transmita toda la esencia de dichas obras, que tan gloriosas animaciones ostentaban, y tan personales dibujos nos regalaron. Encontramos ejemplos anteriores en Super Nintendo como Daffy Duck: The Marvin Missions o Bugs Bunny: Rabbit Rampage (quizá, el mejor de todos) que trasladaron de maravilla, al menos en lo visual, el universo Warner a la pantalla de nuestros televisores. En este apartado, y en la mayoría de sus vertientes, Porky Pig’s Haunted Holiday se podría decir que es uno de los más logrados, con unos gráficos muy, muy fieles en cuanto a estilo y colorido a los cartoon originales. Esta afirmación se puede comprobar en muchos frentes, por ejemplo, en sprites como el del protagonista o los enemigos, perfilados con unas líneas muy gruesas, de un tamaño respetable, y que además poseen cierta voluptuosidad que los hacen realmente agradables a la vista.

Con cierta preferencia por las líneas suaves y asimétricas, 100% dibujo animado, juega bastante bien con la paleta de la consola, ofreciéndonos fases muy diferenciadas entre sí, desde los apagados pasadizos de la mina o la lúgubre ambientación de la primera fase, pasando por los vivos colores del paseo en barca o la fase de hielo. Fijaos, concretamente, en las primeras pantallas de cada nivel, una verdadera gozada en cuanto a calidad y fotografía. Como veis, aunque el argumento así lo sugiere, no todos los escenarios están enmarcados dentro de un contexto de terror. Así, visitaremos un poblado del lejano oeste (de nombre Dry Gulch, como en el corto de dibujos), descenderemos hasta el fondo del mar o visitaremos un mundo de formas y colores de pura psicodelia, digno de la imaginación del mismísimo Salvador Dalí. Incluso escalaremos hasta la copa de un árbol, representado con un efecto rotativo muy vistoso, a la usanza de lo visto en otros títulos como Ys III: Wanderers from Ys, o Skyblazer, con un efecto brillo realmente espectacular, que enfatiza sensación 3D.

No todos están al mismo nivel, pero los fondos son aquí otro de los puntos fuertes. Contienen elementos enormes y son bastante artísticos y elegantes. Inspiran mucha profundidad, y resultan tremendamente atractivos. Lástima que no veamos más planos de scroll en ellos, aunque todos corren muy suaves. Tampoco se pueden pasar por alto las animaciones, sobre todo las de las acciones de Porky y las de algunos elementos y enemigos. Dejar un rato quieto al cerdito nos recompensará con sus refunfuños o sus muestras de canguelo. Las de los jefes finales son más acartonadas, pero compensa enormemente su grandísimo tamaño, que llega a ocupar un tercio de la pantalla. De entre las sorpresas que guarda este cartucho, lo que más me ha impresionado ha sido que, cada vez que iniciemos una partida, se producen cambios en la climatología y adornos de cada fase de forma aleatoria, lo cual nos ofrece todo un surtido de efectos, como bruma, nieve o cambios de noche / día, sin olvidar otros permanentes, como las burbujas del fondo marino o la lluvia.

SONIDO:

El test de sonido, disponible desde el principio en la pantalla de título, arroja cifras bastante meritorias: 30 temas distintos para ambientar las fases, y 48 efectos de sonido para todo tipo de movimientos. Sin embargo, al final son poco más de 20 canciones como tal, y precisamente el tema que abre el juego no suena demasiado prometedor, más bien chatarrero, tanto en el aspecto sonoro como en el compositivo. Durante el juego, podemos escuchar una miscelánea de calidades, entre temas que aportan una ambientación fantástica a las ya de por sí expresivas fases, y otras con las que, al cabo de 5 minutos, habrás bajado el volumen debido a la terrible saturación que provocan. La inmortal sintonía del final de aquellos entrañables capítulos de dibujos nos sacará una sonrisa, pese a significar el fin de nuestras vidas. Pero la que suena en el nivel del pueblo fantasma, por ejemplo, es sencillamente para ponerse a llorar. Por lo tanto, hablamos de una banda sonora un tanto irregular, creativa en cierto modo, pero que no siempre llega a funcionar bien.

En ellas, podemos reconocer una variedad más que aceptable de instrumentos, como trombones, contrabajos, órganos, violonchelos, y por supuesto, esas marimbas tan imprescindibles, que nos acercan más a las locas bandas sonoras de los dibujos. Asimismo, escucharemos varias marchas circenses, alguna referencia a grandes piezas de la música clásica, y ambientaciones oscuras y terroríficas. Como buen ejemplo de cantidad, cada final boss tiene su propia melodía, aunque sean cortas y bastante repetitivas, y también cada pantalla de entrada a los distintos niveles. Cabe destacar que la primera demo, programada por Sunsoft, tenía una banda sonora prácticamente del todo distinta a esta versión final, y mucho más extensa. Para la mayoría de acciones de nuestro héroe, se emplearon distintas notas y sonoridades de instrumentos (por ejemplo, un golpe de timbal para los impactos), dándoles así un regusto de lo más cómico a los golpes, porrazos y coscorrones que recibe nuestro héroe, así como sus gruñidos… y algún susto que se llevará a causa de ciertas risotadas malévolas. Y como no podía ser de otro modo, tampoco faltará ese tronchante That’s All Folks!

JUGABILIDAD:

En Daffy Duck: The Marvin Missions, controlábamos al mítico pato Lucas empuñando un arma. En Taz-Mania, el protagonista se embarcaba en una eterna carrera en 3D, deshaciéndose de sus enemigos a base de giros y zarpazos. Y Looney Tunes B-Ball era un simpático y desenfrenado arcade de baloncesto, y hasta hubo un juego para editar música, diseño y animaciones basado en los clásicos Looney Tunes (donde por cierto, también aparecía nuestro Porky). Sin embargo, tratándose del último juego de la franquicia aparecido en la consola, sus programadores decidieron adaptarlo a la que es quizá la mecánica más simple y accesible de entre todos ellos. Porky solo contará con su voluminoso trasero, y en el mejor de los casos, algunas frutas, para atacar a sus enemigos mientras brinca entre superficies y salientes varios. O lo que es lo mismo: un plataformas de pura cepa, 100% tradicional. Sus habilidades incluyen, además, trepar escaleras, balancearse en cuerdas colgantes dispuestas en algunas zonas, agacharse, deslizarse por las pendientes o volar cual globo si encontramos el ítem correspondiente.

Y todo ello, para bien o para mal, con un control de lo más sencillote, sin inercias raras ni misterios, bastante manejable y fiable, tanto en saltos como en caídas, aunque con algunas excepciones, como pueden ser las burbujas en la fase submarina, que nos harán arrancarnos los pelos a tirones. En cuanto a las acciones de ataque, el juego se muestra bastante permisivo con las rutinas de impacto, pero ojo con el cabezón que se gasta nuestro amigo Porky, que nos puede jugar alguna mala pasada si no calculamos bien las distancias. Determinados niveles, por sus características, condicionan un poco más la mecánica, como puede ser el teleférico, el susodicho fondo del mar, o las minas, que aparte de hacernos saltar y escalar a mansalva, nos obligarán a mantener nuestro sentido de la orientación en vilo, ya que resultan bastante laberínticas, en contraposición a la linealidad de otras fases. Algunas de ellas poseen cierta verticalidad, lo cual también las hace propensas a albergar más de un secreto en estancias ocultas, traicioneras, pero bien provechosas, aunque sin llegar a la creatividad de juegos como Addams Family.

Un buen detalle es la posibilidad de mover la cámara para adelantarnos a ciertas trampas o enemigos. Nuestro porcino héroe también deberá recolectar cupcakes y porciones de tarta para amasar puntos y conseguir más vidas, existiendo algunos patrones de recogida que nos proporcionarán agradables sorpresas. De hecho, es bastante generoso en vidas extra y corazones con los que rellenar nuestro marcador de energía, y su dificultad se podría calificar como bien moderada. Para los más aguerridos, existen 3 niveles de dificultad, que modifican aspectos como el número de enemigos y su agresividad, o los puntos de vida disponibles. En el más exigente, sí hay momentos y enemigos, como los avestruces de la quinta fase y sus lluvias de proyectiles, con los que el juego puede volverse bastante odioso. También me he topado, para mi desgracia, con algún lugar en donde podemos quedar atrapados sin remedio, si no hemos desbloqueado antes cierto objeto. Las continuaciones son infinitas, pero no existen passwords ni posibilidad de salvar partida, por lo que pasárselo todo del tirón puede hacerse algo pesado, como sucedía con el juego protagonizado por Duck Rogers.

CONCLUSIÓN:

Me encanta la aparición de Aero (la mascota de Sunsoft por aquellos tiempos) en el logo, y me intriga la dedicatoria (a la memoria de Charles Lawrence (1965-1993)) presente en los créditos. Entre medias, como digo, un plataformas puro y duro, de los de toda la vida, sin demasiados artificios en su mecánica, solamente saltos, escaleras, pisotones y algún que otro secretillo que nos alegrará la partida. ¿Es algo demasiado sencillote para ser un juego tan tardío? Pues sí. ¿Es realmente divertido? Por supuesto, y además, muy gracioso, porque una cosa no quita la otra, aunque con una habilidad media por parte del jugador, se pueda terminar en un par de tardes sin problema. Pero sobre todo, es fiel al carisma y al estilo visual de la fuente de donde proviene: aquellos maravillosos Looney Tune clásicos. Todo casa con el espíritu de la Warner, desde las letras inundadas de colorines, hasta el tono del humor, pasando (aunque no siempre) por su música.

Valorando su calidad, es imposible equipararlo a grandes titanes de esa añada, como Donkey Kong Country 2 o Yoshi's Island, pero en el ámbito de juegos de dibujos animados, se encuentra muy por encima de otras mediocridades, como Itchy & Scratchy Game o Ren & Stimpy Show: Buckeroo$. La palabra Haunted es precisamente lo que le aporta esa chicha especial, aunque no todo el juego esté ambientado en entornos de terror. Es el único juego oficial que existe con Porky como protagonista y, como era de esperar, solamente se lanzó en USA y Europa. Las referencias a otros personajes de los Looney Tunes está a la orden del día, también al corto animado que inspiró está aventura (está el hotel, está el pueblo, y están los renos con escopetas en la boca), y los cambios climatológicos le brindan cierta rejugabilidad. Seis fases largas, relativamente variadas y muy entretenidas que nos ofrecen un reto sin abusar excesivamente de nuestra paciencia. ¡Todo un plataformas ma-ma-marca ACME!

- Lo mejor del juego: Los cambios aleatorios en los escenarios en cada partida, y los fondos de estos. Sprites grandes, atractivos y fieles al espíritu original. Dificultad agradable y variedad visual.

- Lo peor del juego: A algunos su mecánica les parecerá simplona y falta de alicientes. La fase submarina, y en concreto, la prueba de las burbujas. Algunas músicas no hay por donde cogerlas.

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Su calidad sonora, salvando excepciones puntuales, no es la mejor, y en general, posee luces y sombras casi a partes iguales en este apartado. Su carácter ambiental, que intenta dar profundidad, pero no enfatiza apenas las melodías, hace difícil que nos lleguemos a encariñar con ellas. Pero en cuanto a ambientación, no se puede reprochar del todo su labor. También se le puede dar el visto bueno si atendemos a su tono, que cuadra bien tanto con el estilo de los dibujos clásicos, como con los entornos, aportando ese toque extra de misterio que algunos de ellos requieren.

World of Nightmares!. Divertida, estrafalaria, bailona y con un puntito surrealista. Una de las marchas circenses que encontramos a lo largo del juego, para mí, la mejor de todas. Tal vez no inspire precisamente terror, el eje central de la ambientación del juego, pero sí encaja a las mil maravillas con el espíritu desenfadado de los personajes que aparecen en él, sobre todo, gracias a su ritmo saltón e instrumentos empleados. Sirve para ambientar el mapa, aunque dada la brevedad con la que esta pantalla se presenta, difícilmente la llegaremos a escuchar entera.

Dangerous Lake: Me sorprendió que dentro del juego, concretamente en la sub-fase en que navegamos un río sobre una barcaza, apareciera esta pieza que se aparta un poco de la media en cuanto a estilo musical. No es, ni más ni menos, que un divertido Rock'n'Roll, muy simplificado, eso sí, que se limita a coger la escala clásica, e ir hacia arriba y hacia abajo. Por desgracia, adolece del mismo defecto que muchos de los cortes de la aventura, es decir, su corto ciclo, sus pocas variaciones, y su carácter repetitivo. Pero le da a la fase un punto de acción extra que mola mucho.

The Sunken Ship. Por algunas reseñas que he leído tras escribir la mía, parece ser que hay mucha gente que odia este tema, y la verdad, no entiendo la razón. De hecho, podría decir que es uno de mis favoritos. El inicio es perfecto para situar en contexto al jugador, tras lo cual, las pequeñas escalas de piano que van danzando junto a esa melodía, casi de aires marineros, aportan mucha musicalidad al conjunto. Es espontánea, y me recuerda incluso a alguno de los trabajos de los hermanos Follin por su estructura y sonido, incluida esa parte de notable sabor barroco.

The Abandoned Mine. Si bien no es mi nivel predilecto, debido a su laberíntico diseño y a estar plagado de trampas con muy mala gaita, su música pone la cara más atractiva. No necesitaréis más que unos segundos para reconocer que se inspira de forma bastante obvia en la pieza clásica In the Hall of the Mountain King de Grieg... y desde luego, le va como anillo al dedo, tanto por la rudeza del escenario, como por el aura de misterio que despliega. Las marimbas, trombones y timbales son imprescindibles en su composición, y también esas constantes subidas y bajadas de tono.

Bishoujo Senshi Sailor Moon SuperS Zenin Sanka!! Shuyaku Soudatsusen

2024-01-28T00:10:00.003+01:00

INTRODUCCIÓN:

Sobre principios y mediados de la década de los 90, aquellos afortunados poseedores de una Super Famicom, y al mismo tiempo, seguidores del manga o de la mítica serie Sailor Moon, se podría decir que estaban de enhorabuena en cuanto a la proliferación de videojuegos para su consola. Nada menos que la casi escalofriante cifra de nueve juegos, basados en la franquicia de las guerreras Sailor, vieron la luz en la 16 bits de Nintendo, tocando varios palos, como el beat’em-up, el puzle, o la lucha uno contra uno, como el que nos ocupa, y además, algo de lo más curioso, casi todos ellos desarrollados por una compañía distinta. Como es posible que no sea el único juego de la serie que aparezca por estas páginas, no me voy a enrollar más con el contexto, pero de lo que no cabe duda, es que fue una de las sagas más exprimidas en el sistema.

Casi más llamativo todavía es el hecho de que, salvo el primer título, el brawler Bishoujo Senshi Sailor Moon, que sí recibimos en Europa, el resto de entregas nunca salieron de Japón, a pesar de la relativa popularidad que tuvo a nivel mundial el universo de Sailor Moon. El género de la lucha ‘versus’, al más puro estilo Street Fighter II, fue uno bastante extendido en Super Nintendo, y por él apostó también este Bishōjo Senshi Sailor Moon SuperS: Zenin Sanka! Shuyaku Soudatsusen, aunque como más tarde iré comentando, es difícil no compararlo con su antecesor, Bishoujo Senshi Sailor Moon S: Jougai Rantou!? Shuyaku Soudatsusen (vaya con los nombrecitos…), ya que más que un juego completamente nuevo, podríamos decir que se trató de algo así como una extensión, o una especie de actualización, dadas las escasas novedades que introdujo, y lo mucho que heredó del anterior… y no siempre para bien.

TRAMA:

Como su propio título ya nos quiere dar a entender, está basado en la etapa Sailor Moon SuperS, o lo que es lo mismo, en la cuarta temporada del anime, basado a su vez en el manga homónimo. Sin embargo, al final, esto termina siendo algo puramente teórico. Me explico. En cuanto a la trama del juego, y los personajes presentes en ella, este Sailor Moon SuperS (para abreviar), parece ignorar completamente ese periodo de la serie, ya que aquí no hay ni rastro de algunos de las nuevas apariciones del anime, como las amazonas o Nehelenia, y tan solo un brevísimo cameo testimonial de Pegaso / Helios en parte de la introducción. Aun supuestamente en sus transformaciones como Súper Guerreras Sailor, nada se menciona al respecto, pero lo más extraño y discordante del todo, es la aparición de las cuatro guardianas del sistema solar externo, cuando en el anime ni siquiera se les llega a mencionar.

No terminan ahí las incongruencias. Aquellos que estuviesen familiarizados con la anterior entrega, también un juego de lucha, se quedarían de una pieza al comprobar, atónitos, cómo la introducción de ambos títulos es prácticamente idéntica, y no solamente me refiero a las imágenes que la componen, sino incluso al concepto del núcleo argumental, algo que tiene todavía más delito, teniendo en cuenta que es simplón como él solo. Tras una de tantas batallas libradas por nuestras guerreras, surge en el grupo el debate sobre si Sailor Moon (Bunny, en España) debería seguir siendo la líder de este, o si por el contrario, se debería designar a una nueva. Tal como sucedía en el juego anterior, deciden zanjar la cuestión a guantazos, organizando un torneo en el que solamente la vencedora obtendría tal título, incluyendo en este a las guardianas del sistema solar externo, Pluto, Urano, Neptuno y Saturno.

GRÁFICOS:

Técnicamente, el juego se puede considerar como un paso adelante en muchos aspectos, y como un firme retroceso en otros, lo cual choca bastante al tomar en consideración los dos años que pasaron entre uno y otro. Concretamente, en el apartado gráfico, observamos bastante de cerca este contraste. Comenzando por los personajes, sus diseños son estilizados, definidos y son relativamente grandes en tamaño, diría que algo mejores en general que en su antecesor, pero quizá demasiado parecidos. Sus animaciones son bastante decentes, algo que nos permite apreciar con detalle cada movimiento de sus elaboradas técnicas y golpes, las cuales se renovaron en esta entrega. Siguiendo la tónica que nos presentaba el anime, aquí uno de los puntos más destacables es el humor que destilan sus personajes en determinados momentos, y de transmitírnoslo también se encargan esas animaciones al final de cada combate, los gestos y muecas al empatar la contienda, o esas divertidas expresiones de las luchadoras cuando fallan las magias. También en sus escenarios vemos múltiples animaciones.

Esto les da mucha vidilla, siendo, ya de por sí, uno de los mejores aspectos del cartucho. Los fondos de estos son realmente buenos, muy coloridos, detallados, y totalmente dispares entre sí. Son 10 los que podremos disfrutar, aunque hay que recalcar que uno de ellos (el de Guerrero Venus) es la versión nocturna del de Mercurio, en el que observamos esa majestuosa y reconocible figura del Dead Moon Circus. A destacar especialmente otros, como la calle comercial (con su salón arcade incluido) o el templo de Marte, con varios espectadores que animan el combate o, simplemente, hacen sus tareas, y mi favorito, el puerto, con su precioso horizonte de tonos púrpura y el gigantesco crucero atracado. El tema es que muchos de ellos ya existían, idénticos, en Sailor Moon S, lo cual denota cierta vagancia creativa. Incluso algunos, como la puerta de Pluto, han salido mal parados, con la ausencia de los cambios de coloración, o la fuente de Sailor Uranus, con bonitas transparencias, pero sin los espectaculares chorros de agua que saltaban en la primera entrega.

Otros efectos menores, pero que también contribuyen a la ambientación, son la niebla en los escenarios de Pluto y Saturno, el fluir del agua, o los planos de scroll extra de algunos escenarios, que les imbuyen cierta profundidad. Sin duda, algunos de los momentos más espectaculares, en lo visual, lo protagonizan los Desperation Moves, que desencadenan fogonazos, velocidades de vértigo, efectos de luz parpadeante, y grandes sprites exclusivos. Sin embargo, y a lo mejor es mi impresión particular, a pesar de que las animaciones son más vistosas y detalladas, el movimiento en pantalla, en los combates, me ha resultado algo menos fluido y más rígido que en su predecesor. Una vez hayamos terminado el juego, y según la guerrera con la que lo hayamos hecho, al reiniciarlo veremos una imagen de esta casi a pantalla completa, muy lustrosa. Tal como sucede en la introducción, y sus pantallas estáticas, el ending nos regala otra bonita imagen, al estilo anime, en donde por primera y única vez, da la cara el enmascarado Mamoru Chiba (conocido aquí como Armando).

SONIDO:

Los fans del anime original y sus músicas, disfrutarán especialmente de aquella que nos recibe desde la presentación hasta la pantalla de título, el tema principal de la serie, muy bien adaptado al chip de Super Nintendo, que no podremos evitar dejar durante un rato, y que suena muchísimo mejor que en el juego de 1994. También nos invadirán, a quienes vimos la serie en algún momento, entrañables recuerdos al escuchar la melodía que servía para acompañar la introducción de cada capítulo de la serie, presente aquí también en el inicio del modo historia. Son solamente dos muestras de que Sailor Moon SuperS conserva y respeta en gran medida la esencia musical de la obra original, y no solamente a través de temas extraídos de su banda sonora. También los que suenan en los combates, el ending, el torneo, o la pantalla de configuración de atributos muestran una gran cercanía, en cuanto a su tono y sus divertidas melodías, a las composiciones que disfrutamos en la pantalla de nuestros hogares.

Poseen ese punto entre lo sencillo, lo inocente, lo hilarante y lo épico que nos ayudarán a sumergirnos en su universo sin que nada nos resulte extraño o fuera de lugar. En lo referente a las asignadas para cada personaje, algunas, como la de ChibiMoon o la propia Sailor Moon, son bastante tontorronas (sin dejar de ser simpáticas), y pueden llegar a hacerse algo repetitivas, pero otras, como la de Venus y su pico de intensidad, o la de Neptuno, y su toque ligeramente barroco, transpiran más tensión y son mucho más apropiadas para un frenético combate. Los efectos de sonido, muy importantes en un juego de estas características, ofrecen luces y sombras. Algunos son lo suficientemente contundentes, mientras que otros suenan demasiado desaliñados y faltos de fuerza, peor que en su primera entrega. En este aspecto, destacan de sobremanera las voces digitalizadas. El juego está plagado de ellas, y suenan con una calidad más que aceptable, desde los chascarrillos o gritos, hasta el nombre de las técnicas, y con un timbre completamente distinto para cada luchadora.

JUGABILIDAD:

En los primeros combates, me dio la impresión de ser un juego algo simple y limitado, de esos con una mecánica encorsetada que ofrecen poca chicha a la hora de profundizar, y pocos alicientes para progresar. Pero mi opinión fue mejorando ostensiblemente a fuerza de dedicarle horas, dominar las combinaciones, el timing de los impactos, y los patrones de cada personaje. En realidad, cuando se coge el punto, es un juego bastante manejable y sólido, y con bastantes posibilidades si atendemos al hecho de que cada una de las Sailor posee un estilo de lucha muy distinto al resto. No es un juego demasiado complejo en cuanto a aprendizaje, sobre todo si nos referimos al número de técnicas especiales, cuyas combinaciones podemos aprender en el modo práctica. Cada luchadora, posee entre tres y cuatro de estas, y su ejecución con el mando no es nada difícil, recordando a las combinaciones ya vistas en otros juegos de este género, como los Dragon Ball Z – Super Butoden, o especialmente, Pretty Fighters, que comparte bastantes puntos en común con este, tanto en lo estético como en lo jugable.

Algunas participantes son más sencillas de dominar que otras, sobre todo por aspectos como la naturaleza de sus movimientos especiales, su velocidad, o incluso su estatura, ya que en ocasiones podemos esquivar ataques simplemente agachándonos con una luchadora como ChibiMoon, quien al mismo tiempo, es la más rápida con diferencia. Otras, como Pluto, o Urano, tienen un alcance superior debido a la longitud de sus extremidades, pero requieren más práctica para convertirnos en maestros de su control. También nos convendrá hacernos con los rapidísimos saltos de evasión, que nos sacarán de más de un apuro, una de las novedades que incluye su mecánica. Por otra parte, en cuanto a la inteligencia artificial, todas las participantes poseen algún punto flaco bastante descarado, pero el grado de calificación que obtendremos al final, se basa en buscar la variedad y la espectacularidad en los combates… como el uso de los Desperate Moves para culminar una gran jugada, golpes absolutamente devastadores que solamente se pueden usar con cierto nivel de vida, son difíciles de llevar a cabo, pero pueden restar más de la mitad de la barra del rival.

En total, son cinco modos de juego, Historia, Vs (contra otro jugador o contra la consola), torneo y combate contra un “sparring”, que nos vendrá de perlas para ir soltándonos con los controles. Una opción de lo más interesante, que salvo en su antepasado, no he visto en ningún otro juego de este estilo para el sistema, es la que nos permite distribuir 10 puntos de refuerzo entre distintos parámetros, como fuerza, resistencia o defensa. Y dicho esto, voy a dedicar esta última parte a hablaros brevemente del hack / traducción que el usuario Metaquarius liberó hace 4 años. Como sabéis, yo siempre tiro de versiones originales, y esa misma es la que he jugado y la que analizo aquí, pero es de justicia reconocer que, si el producto final hubiese sido como esta ‘revisión’ llamada Sailor Moon Fighter S, habría ganado muchísimos enteros. Me refiero a la modificación de ciertos aspectos que, incomprensiblemente, no fueron incluidos de serie, y más concretamente, a la posibilidad de jugar el modo historia con las 10 guerreras, cuando en el original, solo se puede con 6 de ellas.

CONCLUSIÓN:

En general, creo que es un juego que captura bastante bien la esencia Sailor Moon, destilando un humor irresistible, y llevando a sus personajes al terreno en el que mejor se manejan: la lucha uno contra uno. También a través de sus músicas, con su estilo tan humorístico, rinde honores a la serie de origen. En su salida, el juego no obtuvo las mejores críticas, pero fundamentalmente, debido a sus evidentes y a veces exageradas similitudes con la anterior entrega. Sin embargo, esto no lo excluye de ser un título de peleas disfrutable y divertido por sí mismo, especialmente, cuando le cogemos el tranquillo a las combinaciones y a la inteligencia artificial de nuestras oponentes. De todas formas, incluso siendo fanáticos del universo Sailor Moon, y con una Super Famicom en casa, no creo que muchos esperaran a comprar este juego, ya que se trató de un lanzamiento muy tardío, de la hornada de 1996, prácticamente la última en firme de la consola.

Un juego con combates bastante retadores e intensos, pero sencillo de aprender, ya que solo ofrece dos tipos de patada, dos de puñetazo, y un reducido número de golpes especiales. De hecho, yo al menos, casi prefiero juegos con ese moderado número de movimientos y técnicas, a tener un abanico infinito de imposibles combinaciones de botones y combos que nos hacen dejarnos las huellas dactilares en la cruceta. Además, la posibilidad de personalizar atributos en el modo historia, puede dar bastante juego y aumentar el desafío (sin tocar esta opción, puede ser bastante duro). Si te decides por probar el hack, tiene muchos más añadidos aparte de los enumerados, como la inclusión de personajes jugables de otras franquicias, como Raphael (TMNT) o Aoki (Pretty Fighters), o la adición de fondos, melodías e incluso efectos sonoros del Bishōjo Senshi Sailor Moon S. Francamente, es increíble lo que hicieron con la rom original.

- Lo que más me ha gustado: El humor es muy afín a la creación original. Los golpes Desperate son bestiales. Personajes con habilidades, fortalezas y debilidades muy definidas. Muchas voces, y de calidad.

- Lo que menos me ha gustado: No poder jugar el modo historia con Pluto, Urano, Neptuno o Saturno. El involuntario cruce de posiciones entre personajes puede ser molesto. Muy poco original respecto al primer juego.

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No solamente será por sus carismáticas personajes, su sentido del humor tan netamente japonés, o los detalles en sus escenarios, como el circo Dead Moon asomando entre los edificios de la ciudad. También por medio de su banda sonora, nos sentiremos inmersos en la mítica serie que, quien más y quien menos, casi todos disfrutamos en los 90. Aparte de recuperar temas directamente extraídos del anime, muy pocos de cosecha propia, y muchos heredados del anterior fighting game para la consola. Pocos cambios, pero eso sí, aquí es donde mejor calidad de sonido ostentan.

Moonlight Densetsu. Vamos a destapar esta selección con el que es, sin duda, el tema más reconocible del juego. Es la eterna introducción presente en todas y cada una de las temporadas clásicas del anime de Sailor Moon, y a buen seguro os traerá un buen puñado de recuerdos volver a escucharla, esta vez, en formato Super Nintendo. Suena resplandeciente, muy animada, y tan épica como de costumbre. Siempre me pareció un temazo, y ocupa el puesto de honor en la introducción y pantalla principal. Además, la mejoraron mucho, en cuanto a sonidos, respecto al primer juego.

Theme of Sailor Pluto. Entre los temas que representan a todas esas grandes luchadoras protagonistas, hay una gran variedad de ritmos, tonalidades y melodías a escuchar. La que ambienta el escenario de Sailor Pluto es una de las más movidas, con una melodía que engancha y, al mismo tiempo, hace uso de sonidos bastante dispares y únicos, como esos sintetizados en su inicio, que incluyen esa especie de 'pitidos'. También posee melodías secundarias que refuerzas la sensación épica de sus combates, con una base rítmica muy constante y rápida.

Theme of Sailor Venus. Está entre mis favoritas del score, aunque pueda no ser de las más destacadas, en principio. No es tan cañera como otras, pero eso no quiere decir que no soporte perfectamente el fragor del combate. Su cadencia es algo inusual, con una percusión bastante dura, marcada y virtuosa, pero su principal fortaleza, para mi gusto, es esa subida paulatina de intensidad que sucede pasado el medio minuto de duración, que va elevando el nivel épico de su melodía, gracias entre otras cosas a esas notas bruscas que producen los sonidos electrónicos.

Ability Customize System. Para cambiar un poco de tónica y de registro, escuchemos ahora el tema que suena durante la pantalla de personalización de parámetros, como digo, una de las opciones más originales de este juego (y su antecesor). Aquí, más que por el camino de la acción, se tira más por el de ambientar y relajar, con un vaivén rítmico parecido al vals, una melodía suave, sin estridencias en sus cambios, una percusión más ligera y menos electrónica. Es ideal para poder concentrarnos en definir las habilidades de nuestra luchadora.

Theme of Sailor Saturn. La inclusión de Guerrero Saturno es la novedad más notable respecto al anterior Sailor Moon de lucha. Hace las veces de final boss, en un escenario neblinoso, oscuro e inquietante, y afortunadamente, todas esas cualidades se reflejan de maravilla en su banda sonora. No es de las que más relucen a primera escucha, pero sí de las más especiales en cuanto a cadencia y tonalidad, inspirando ese momento culminante con su apaciguada y profunda cadencia, y el contraste entre notas entrecortadas y extensas, con cierto toque de tristeza en su melodía.

Mega Man X

2024-01-09T00:07:00.004+01:00

INTRODUCCIÓN:

Estoy seguro de que, en algún momento u otro, de alguna u otra manera, todos aquellos que ya llevamos unos cuantos años navegando por este apasionante universo que son los videojuegos, hemos entrado en contacto con la saga Mega Man, para la que pocas palabras de presentación son necesarias. El androide azul más célebre de la historia de los videojuegos ha protagonizado no pocas aventuras, para prácticamente todos los sistemas existentes a partir de su nacimiento en la vieja y querida NES, donde dejó nada menos que seis títulos, a cada cual más renombrado y pulido. La evolución de la serie ha ido en un ascenso imparable con el paso del tiempo, y cada nuevo juego superaba al anterior en términos de gráficos, planteamiento, añadidos y jugabilidad, existiendo un verdadero abismo entre el primero de todos y la sexta entrega, que cerró la etapa de la 8 bits de Nintendo.

Llegado el año 1993, con la carrera de Super Nintendo en plena ebullición, era el momento de dar un nuevo paso hacia adelante, pero sorprendentemente para muchos, no sería a través de la saga principal (aunque posteriormente sí tendríamos aquí un séptimo Mega Man, de la serie canónica), sino por medio de una nueva serie de aventuras protagonizada por su sustituto, el fastuoso X. Esta primera sub-saga (de las tantas que surgirían con el tiempo, incluyendo spin-off varios) cobraba vida casi al mismo tiempo que lo hacía la última y tardía entrega para la Nintendo, y supuso un salto en todo lo visto, escuchado y jugado hasta el momento realmente bestial, situando, en particular a esta primera entrega, en varias listas de los mejores videojuegos de la historia, donde todavía permanece. Y no es para menos. Cualquiera que haya probado las mieles que nos ofrece este Mega Man X podrá corroborar sobradamente dicho estatus.

TRAMA:

Incluso su argumento, que no necesariamente debería seguir esa regla de tres al no estar atado al aspecto técnico, ni es lo más crucial en un juego de estas características, también se empapó de dicha evolución, ofreciéndonos una historia más trabajada, desarrollada y madura, pero también aportando numerosas novedades en forma de contexto y personajes, algunas de las cuales, se quedaron como fijas en los siguientes Mega Man X. Para empezar, esta aventura transcurre unos 100 años después de la ‘era Mega Man’. Con el paso de un siglo, las otrora punteras instalaciones del Dr. Thomas Light yacían enterradas, y fueron descubiertas por el científico y arqueólogo Dr. Cain en una de sus excavaciones. Entre otros artefactos y maravillas tecnológicas, se descubrió a X, un androide en plena fase de diagnóstico, que poseía características humanas, como voluntad propia y sentimientos. Inspirados por este hallazgo, se inició la construcción en masa de los ‘Reploids’…

…Que no eran otra cosa que réplicas cibernéticas, con sus respectivas conciencias. Sin embargo, no todas ellas eran igual de puras, y una gran parte de dichos robots, conocidos a partir de entonces como ‘Mavericks’, instigó una revolución sin precedentes, persiguiendo el objetivo de conquista de la Tierra, y de paso, erradicar a la raza humana. Para detener su avance y frenar el alzamiento, el gobierno, con la ayuda del Dr. Cain, formó un ejército de cazadores de Mavericks, liderados por un poderoso robot llamado Sigma. Pero incluso este, junto a diversos miembros de dicho ejército se levantó contra sus creadores, apoyando la causa de los insurgentes. Tan solo X y su compañero Zero, cuya personalidad les condujo por el camino del bien, quedaron como únicos responsables de la misión, cargándose a sus espaldas la desafiante tarea de eliminar a los líderes malvados y restaurar la paz.

GRÁFICOS:

Mega Man X es uno de esos cartuchos que deslumbra sin excepción a primer golpe de vista, y más que de una simple evolución, podríamos hablar de revolución. El rediseño fue total, pero al mismo tiempo, se supo conservar con gran maestría la esencia gráfica de los títulos de la serie principal, para que nadie echase en falta los elementos que le infundieron su enorme personalidad, comenzando por el propio X. Tanto el dibujo del personaje, como el de cada una de las piezas de su armadura (una de las grandes novedades aquí presentes), fueron creados a conciencia, y el equipo que de ello se encargó tuvo entre sus filas, por supuesto, al genio Keiji Inafune, máximo responsable en este sentido de los anteriores Mega Man. Además, también co-escribió la trama, e ideó al personaje de Zero, que fue puesto a prueba aquí por primera vez, y a dos personajes más que finalmente se desecharon. Existen 50 enemigos distintos sin contar jefes, la mayoría completamente nuevos y otros rediseñados a partir de sus homónimos en NES, destacando esos descomunales colosos con los que el juego nos obsequia cada dos por tres.

En general, se les dio mucha vida, definición y personalidad, además de unas animaciones fabulosas, casi tanto como las del protagonista, que en mi opinión, son uno de los puntos técnicos fuertes de este juego. Verle correr, saltar, disparar y moverse por superficies verticales es una auténtica maravilla visual, con una fluidez, detalle y solidez abrumadores. Su aspecto, más ‘cool’, se modernizo, se le otorgaron más rasgos y una tonelada de carisma para adaptarlo al gusto de los nuevos jugadores. El desbordante colorido impresiona, y grita ‘Super Nintendo’ a los cuatro vientos, con su enorme paleta, su variedad y diferenciación entre zonas, y esto nos lleva hasta los escenarios, verdaderas obras de arte en sí mismas. Nunca me cansaré de admirar las luces de la ciudad que es testigo de los primeros pasos de X. Tanto sus fondos como elementos del decorado y superficies, denotan un mimo infinito, con cantidad de cachivaches mecánicos, iluminaciones, o paisajes de una belleza formidable, como las cataratas de los exteriores de la mina, los cielos en las alturas, la frondosidad de los bosques, las profundidades del mar o los horizontes nocturnos, auténtico arte 2D, aderezado en algunos casos, con vistosos efectos.

Son muy distintos, incluso dentro de la misma fase, y ya de por sí, cada una de ellas es un universo aparte, con grandísimas ideas, como el bosque electrónico o el vertiginoso aeropuerto. Y hablando de efectos visuales, el juego está bien cargadito de ellos. Ya sean las nubes al pasar, las transparencias empleadas en Sting Chameleon, los enemigos saltando en pedazos al destruirse y sus explosiones, las ondulaciones y burbujas en el agua, la suspensiones de los vehículos, o los cristales rompiéndose en la fase del aire, son excelentes muestras de ello. E insisto, con una definición y colorido explosivos, sencillamente inalcanzables para cualquier otra consola de su generación. Todo destila una armonía idónea entre movimiento y arte, y tan bien programado, que es bastante inusual encontrar ralentizaciones. Los enemigos finales, una de las señas de identidad de la saga, lucen aquí más grandes, y mejor animados que nunca, optando esta vez por formas antropomórficas de distintos animales. Y recordemos, todo ello, al contrario de lo que sucedió con Mega Man X2 y Mega Man X3 (que albergaban el CX4), esta primera parte no contó con ningún chip de refuerzo.

SONIDO:

Desde la fase introductoria, que nos sirve de entrenamiento, e incluso desde la misma pantalla de título, ya vamos a formarnos una idea de cómo se las gasta la banda sonora de esta joya, cuyo incalculable valor se extiende también al panorama musical. Un juegazo de tal envergadura, y de tan elevado grado de acción, merecía un score a la altura, al que se encargó de dar vida el equipo de Alph Lyla, artífices de toda la grandiosidad sonora de títulos como Captain Commando, Strider, o el mismísimo Street Fighter II. Tal vez el conjunto de temas que nos ocupa no llegase a las intocables alturas de este último, pero sin duda, se convirtió en uno de los imprescindibles de Super Nintendo, en un apartado que aportó todavía más grandeza y carisma a un juego que, ya de por sí, fue glorioso como él solo. Setsuo Yamamoto fue el que mayor número de temas compuso, pero en general, no hay uno solo de ellos que no destaque por su musicalidad y su tremenda energía, al compás de la desbocada acción del cartucho.

Potentes riffs de Rock duro ya nos dan la bienvenida en su presentación, y si bien las guitarras eléctricas nunca fueron la especialidad de Super Nintendo, aquí, o en cualquier pantalla de la que formen parte, suenan realmente bien, con mucha garra. Pero sería injusto aclamar tan solo estos registros (aunque reconozco que son mis favoritos), porque su banda sonora va mucho más allá, con cortes más jazzísticos, pero también muchos otros que, atendiendo a la naturaleza de la historia y contexto, optan por sonidos más cercanos al tecno, con elementos industriales, incluso en varias ocasiones se mezclan con mucho acierto tanto instrumentos rockeros como sintéticos, pero eso sí, con el ritmo acelerado siempre por bandera, transmitiendo una sensación épica con la que uno no puede parar de jugar. Tampoco hay que dejar de prestar atención, por ejemplo, al tema que suena durante el ending, que derrocha sensibilidad, o al que nos sorprende, mucho más alegre, durante la pantalla de passwords. Los FX de los incesantes disparos, cargas, explosiones, descomunales naves, impactos en diferentes superficies también suenan de lujo, haciéndonos sentir en una gran batalla, aunque no resaltan tanto como la música.

JUGABILIDAD:

Profundizar en la experiencia que ofrece Mega Man X es, ni más ni menos, que viajar directos al cielo de los videojuegos de acción, con unas intachables virtudes que, incluso treinta años después de su lanzamiento, hacen que siga pareciendo un juego contemporáneo. Conforme evolucionó la saga Mega Man en NES, también lo hicieron aspectos como el control, la cadencia de juego o el equilibrio en su nivel de dificultad, pero en este caso, todo se elevó de golpe a la enésima potencia, sin que exista posibilidad de comparación. El manejo de nuestro héroe es, sencillamente, perfecto. Entre muchas otras cosas, novedades como la habilidad de deslizarse / escalar por las paredes, la exactitud de los saltos, junto a la impecable respuesta a los mandos, hacen se puedan calcular las acciones de X al milímetro con una facilidad pasmosa, y resulta imposible dejar de jugar. Bajo estas premisas, nos enfrentaremos, como de costumbre, a ocho fases con sus respectivos enemigos finales, más otras tres de orden fijo que nos llevarán hasta el enfrentamiento final con Sigma, nuestro némesis en esta ocasión.

Existen elementos novedosos introducidos aquí por primera vez, y también muchos otros heredados de la saga madre que ya disfrutamos en algunas entregas de NES, pero convenientemente potenciados. Disfrutarán de él, especialmente, todos aquellos que no gusten de cambios radicales en estructura y mecánicas, pero que acepten cierta evolución, y por supuesto, los fans de los anteriores juegos de Mega Man. Aquí, la espina dorsal siguen siendo los jefazos a los que X tendrá que hacer frente, y que a su vez, suponen el principal obstáculo de dificultad, ya que las fases principales, en realidad, no son difíciles cuando uno coge práctica (otra cosa ya son los episodios finales, que nos apretarán más las tuercas). Cada guardián tiene un patrón de ataque bien definido, y debilidades a ciertas armas, aunque tal vez no tan exageradas como antaño. Al principio pueden parecer una locura, pero aprendiéndonos bien sus movimientos, nos haremos con ellos con unos cuantos intentos. En general son todo un reto, y al mismo tiempo, muy divertidos de combatir, con una segunda oportunidad de disfrutar de ellos en el también clásico ‘boss rush’ final.

En cuanto al orden de las fases, el jugador sigue teniendo la libertad de escoger, y se puede volver a las ya superadas para poder emplear en ellas nuevas habilidades aprendidas a posteriori, lo que nos dará acceso a algunos de los grandes secretos que nos aguardan en el juego. Dichos secretos son uno de los aspectos más interesantes. A parte de las clásicas armas nuevas robadas a los final boss, en Mega Man X, podremos mejorar nuestra vestidura con distintos gadgets que nos facilitarán la ardua tarea, como el dash, el casco para romper bloques, la armadura de defensa extra, o la carga aumentada para el Mega Buster. Además, podremos encontrar en cada fase un corazón para incrementar la barra de vida, y muy bien escondidos, cuatro tanques de reserva de energía. Dichas mejoras engrandecen todavía más su jugabilidad, al igual que el hecho de que, dependiendo en el orden en que se superen las fases, se modificarán en ellas ciertas características (por ejemplo, la lava en la fase del Flame Mammoth estará congelada si hemos superado antes la de Chill Penguin), haciéndolas más llevaderas.

CONCLUSIÓN:

La primera fase del juego, algo así como una etapa de calentamiento, es una de las más bonitas y espectaculares que se vieron en un juego de Super Nintendo. Coches a la carrera, puentes, edificios, y las luces de la ciudad de fondo. A partir de ahí… todo es una auténtica fiesta visual, sonora, y jugable en este Mega Man X, incluyendo una historia con más cuerpo, que se nos cuenta en la intro y en breves y escasas, pero intensas y épicas secuencias. Un juego que inauguró una nueva saga y que, sin duda, sentó algunas bases para futuras entregas, y para el género de acción en general, sin abandonar del todo las que ya estableció su saga madre. Especialmente Mega Man 5 y 6 ya fueron un deleite para los ojos, llevando la NES al límite, pero esta entrega, gracias a la potencia extra del sistema, es, lógicamente, otro nivel.

Mega Man X es un auténtico tesoro, uno de esos juegos que desde su nacimiento, alcanzó la inmortalidad. En su momento fue la culminación y cohesión de una serie de elementos que han ido evolucionando desde el primer juego de la saga principal (passwords, vehículos, ítems ocultos, cambios en la armadura, mid-bosses), a los que se añadieron otros que elevaron su calidad jugable al nivel de obra maestra, como la opción de escalar superficies verticales, una dificultad mejor calibrada y más secretos que nunca. Absolutamente todo brilla con luz propia en pantalla, con un uso increíble de la paleta de colores, pero también de las posibilidades sonoras de la consola, brindándonos unas músicas de las que no se olvidan. Incluso se recuperaron, de Mega Man 1, 2 y 4, esas espectaculares fanfárrias de presentación de los enemigos, tan extremadamente épicas, que uno no puede escucharlas sin venirse arriba. Un MUST ineludible de Super Nintendo.

- Lo que más me gusta: Jugarlo es un placer infinito, no tendréis suficiente con terminarlo una vez. La cañera e inspiradísima banda sonora. El diseño de los fondos y escenarios. El radiante colorido.

- Lo que menos me gusta: Que se desestimase la inclusión de caminos alternativos o varias salidas que vimos en Mega Man 4 y 6. Se puede quedar ligeramente corto.

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A mi entender, fue a partir de Mega Man 3 cuando la música de la saga comenzó a despuntar, con melodías más elaboradas y temas más largos. Gracias a las maravillas técnicas del chip de sonido de Super Nintendo, y a sus posibilidades de representar instrumentos reales, en Mega Man X encontramos una selección fantástica de temas que, en su mayor parte, tiran de baterías poderosas y guitarras eléctricas bien afiladas para brindar al jugador una inmersión todavía mayor ante tal aluvión de energía y acción que es su parte jugable.

Intro Stage. La primera fase que deberemos superar es algo así como una prueba de calentamiento. Pero no por ello penséis que el juego no pone ya toda la carne en el asador en cuanto a acción. Vehículos huyendo de la ciudad, carreteras destruidas, y toda una marabunta de entes mecánicos que van a por la cabeza de nuestro héroe. En concordancia, el tema que acompaña dicha fase es pura adrenalina, con una batería trepidante, riffs gruesos y punteos de guitarra eléctrica a toda pastilla, una melodía que desparrama épica a raudales, redobles, y notas de bajo constantes.

Chill Penguin. Esta en particular es una de las pocas canciones firmadas por Yuki Iwai en el juego, y me encanta, entre otras cosas, por su valor diferencial respecto al resto. La fase que ambienta también es una de las más chulas, con la nieve cubriéndolo todo, y este corte ambienta perfectamente ese entorno, con notas aceleradas, cristalinas y 'frías' su inicio, perseguidas por las del bajo. Su ritmo de percusión, al contrario de la mayoría, no es demasiado acelerado, y su melodía, sin dejar de lado la épica, es algo más relajante, con cierto sabor ambiental.

Zero 2. Para seguir rompiendo los esquemas y variando en tesituras, incluyo también este corte en la selección. Las apariciones de Zero en el juego conllevan composiciones exclusivas, una de ellas mucho más rockera y cañera, y la otra, esta que podéis escuchar aquí. También, a su manera, se la puede calificar de épica, sobre todo por su melodía tan elocuente, pero también guarda entre sus notas cierta sensación de melancolía, que se ve engrandecida por las notas que van marcando los teclados, que a su vez, aportan al tema un ligerísimo aire de psicodelia.

Armored Armadillo. Vuelven a explotar los fusibles cuando nos damos de bruces con este pedazo de tema, que muy probablemente, se ha convertido en mi favorita del juego, a pesar de ser, con diferencia, la que más veces he escuchado (tratando de encontrar el secreto del Hadōken, jeje). En ella, una batería realmente electrizante abre el camino para guitarras, vientos de lo más excitados, y casi tomando protagonismo absoluto, unos teclados que forman unas melodías tremendamente vibrantes. La parte en la que se imita el sonido Hammond, le otorga un feeling que te pone a 100.

Ending. Llegado el final, salta otra melodía que nos deja perplejos, tanto por su enorme belleza, como por salirse de los cánones que marcan la media musical en el juego. Nos puede transmitir unas cuantas sensaciones distintas, dependiendo de en qué punto de esta nos fijemos. Me encanta, sobre todo, la progresiva incorporación de instrumentos, comenzando con un discreto tintineo, añadiendo bajos y percusión, una intensa subida en el ritmo a su mitad, y los dibujos entre metalófono y bases de teclado, que me parecen increíblemente maravillosos, sobre todo, en sus combinaciones finales. Otra de mis grandes favoritas.

Final Fight

2023-04-10T11:40:00.003+02:00

INTRODUCCIÓN:

Desde el año 1984, con la aparición del legendario Kung Fu Master (que luego tuvo por secuela a Vigilante, uno de mis beat’em-ups favoritos de todos los tiempos), la evolución del género fue, durante década y media, comedida pero constante. Especialmente dentro del mundo de los arcades, llegaron muchos juegos que consiguieron aportar novedades al género, tanto a nivel técnico, como en cuanto a mecánicas, movimientos, formas de obtener bonus, personajes de gran carisma, etc. Pero de entre todos solo unos cuantos rubricaron su nombre con letras de oro en la historia de las máquinas de tipo “yo contra el barrio”, aquellos que se revelaron como un firme paso adelante en el género y un modelo a seguir para títulos posteriores. Sobresaliendo por encima de la enorme cantidad de clones excesivamente inspirados en otros pioneros, como Double Dragon o Renegade, no podemos dejar de mencionar a Final Fight.

Su conversión a Super Nintendo trajo consigo ciertas polémicas, que aun a día de hoy, dan de qué hablar. Soy consciente de que se han escrito ya miles de líneas hablando, tanto del juego original, como de esta versión que nos ocupa, y también lo soy de que no voy a descubrir nada nuevo con este análisis salvo mi humilde opinión, pero aun así, sentía que en este blog había un enorme vacío con su ausencia, y tras haberlo terminado de nuevo, por activa y por pasiva, me apetecía mucho cubrir ese hueco. Y es que Final Fight, en lo personal, va tácitamente ligado a algunos de mis mejores y más inolvidables recuerdos de aquellos primeros días con la consola posada sobre el mueble del salón. Aquella flamante caja roja de la versión Pal, y la promesa de poder disfrutar de la recreativa desde el sillón de casa… era algo sencillamente irresistible.

TRAMA:

La ciudad de Metro vive, desde hace ya demasiado tiempo, envuelta en conflictos, sumida en un auténtico infierno de delincuencia perpetrada por pandilleros y bandas del crimen organizado. Nadie escapa a este caos, ni los policías corruptos, ni políticos que miran hacia otro lado, ni siquiera le propio alcalde del lugar. Pero con el ascenso de Mike Haggar al cargo, las cosas van a cambiar radicalmente, ya que entre sus planes está el de dar un duro y definitivo golpe contra toda esta avalancha de maldad que infecta y deteriora las calles de su ciudad. Afamado ex-luchador de wrestling, poco llega a imaginar, sin embargo, que tendrá que ser él mismo, con la sola ayuda de sus músculos de hierro, quien tendrá que echarse a las calles para poner fin al dominio de Horace Belger, cabecilla de la banda de los Mad Gear, y hacerle entrar en razón a golpe de nudillo.

Para empeorar las cosas, el alcalde recibe una fatídica llamada, en la que tratan de extorsionarle con el secuestro de su hija, Jessica. Habiendo tomado también la emisión de TV, el alcalde puede ver en ella a Damnd (traducido aquí como Thrasher), amenazándole para que olvide sus planes, y caiga en el soborno y la sumisión que mostraron antes otros en su lugar, a cambio de devolverle a su hija. Pero Mike, hombre de principios sólidos, no se va a dejar amedrentar por una panda de violentos andrajosos como esos, y rápidamente se pone en contacto con Cody, su yerno, para formar un equipo imparable y limpiar Metro City de costa a costa, desde los barrios bajos al mismo complejo donde reside el gran capo (y puesto que Guy es la gran ausencia de esta conversión, su parte en el guión también fue eliminada). Ha llegado la hora, literalmente, de gobernar la ciudad con puño de hierro.

GRÁFICOS:

El beat’em-up, dada su sencilla mecánica, linealidad e inmediatez, no solía ser un género demasiado exigente en cuanto a recursos técnicos, pero existen unos cuantos puntos que marcaron una gran diferencia entre los que resultaron ser un punto y aparte, y aquellos que se amontonaron sin pena ni gloria en su momento. Y si bien es cierto que, en general, es un tipo de juego que se ha resguardado en sus propios clichés, son precisamente estos los que le daban una personalidad completamente única. Uno de esos puntos es, sin duda, la ambientación. Y Final Fight (o Street Fighter ’89, como en principio se iba a llamar), sin realmente revolucionar el género en este aspecto, sí lo llevó a otro nivel, enfatizando esos entornos tan rematadamente clásicos para que transmitieran más que nunca esa sordidez, esa sensación de descontrol y suciedad que gobierna las calles, con escenarios como el paseo costero, los bajos fondos, las noches de la costa oeste y, ojo, que no me entere yo de que exista un solo beat’em-up en el que no subamos a un transporte público para seguir repartiendo leña sobre la marcha.

De Final Fight me encanta todo: el uso de la paleta de colores, los pequeños detalles que le dan vida a los lugares, farolas, columnas superpuestas, cubos de basura, mobiliario urbano deteriorado, bidones, árboles, vehículos amontonados… y especial mención a la decoración de los interiores, con algunas de las mejores ambientaciones de su momento, ese bar de la segunda fase con sus clientes como si no pasara nada, los pasillos enmoquetados del lujoso resort de Belger, los áticos, o el restaurante de fondo con sus cristaleras. Realmente son cruciales para meternos en esa acción frenética, para hacernos creer que estamos pateando los más sucios suburbios. No fue, ni mucho menos, el único en presentar todos estos elementos, pero sí uno de los que mejor lo hizo. Los fondos también son una delicatesen, con esas vistas de altura, las nubes y el mar, esas fascinantes luces de la ciudad en mitad de la noche o los preciosos degradados frente a la estatua de la libertad. La mayoría, y esto es de sentido común, presentaron cambios o recortes frente a la versión coin-op original.

Si de algo podíamos sentirnos orgullosos los afortunados usuarios de Super Nintendo que tuvimos el juego en nuestras manos, es del enorme tamaño, tanto de los personajes seleccionables, como de la mayoría de los enemigos, y de unas animaciones más que dignas y detalladas que exprimían la austera capacidad de memoria disponible en el cartucho, movimientos rápidos, golpes muy contundentes y notable variedad cromática para formar un conjunto dinámico y muy atractivo, superior incluso a la media de los exponentes del género en la consola, pese a ser el primer juego dentro de este que vio la luz. Pongamos ahora el punto de mira sobre las diferencias entre la versión japonesa y la que llegó al resto del mundo, básicamente debidas a la censura, como el cambio de nombre de Sodom a Katana, o la sustitución de las féminas Roxy y Poison por dos punkarras llamados Sid y Billy, eliminando de un plumazo posibles polémicas de violencia de género, prostitución e incluso transexualidad, lo que no fue sino un ejemplo más de lo remilgadas y absurdas que podían llegar a ser las políticas de distribución de la época.

SONIDO:

Pero si hubo un apartado en el que esta conversión de Final Fight quedó a un nivel tan alto, tan sólido y brillante, que podía mirar de tú a tú a la máquina recreativa, ese fue el del sonido. Comparar ambas versiones, incluso aquí, sigue siendo totalmente inapropiado, pero de hacerlo, veríamos la enorme dignidad y capacidad con la que el chip de Super Nintendo emuló al YM2151 de la placa original. Y hablo en términos generales, tanto de la música como de los efectos de sonido y voces que podemos escuchar a lo largo del juego. Respecto a cantidad, la consola de Nintendo acogió todas y cada una de las del juego original (salvo las de la fase eliminada, que para mi gusto eran las más flojas), y si bien algunas suenan con menos contrastes y ligeramente menos instrumentadas, algunas recibieron un buen lavado de cara, como la de la introducción y otras en cuanto a sonoridad me gustan más, incluso, en la versión doméstica. La adaptación fue obra de Toshio Kajino, también conocido por su trabajo en U.N. Squadron / Area 88.

Lo que vamos a encontrar en Final Fight es pura acción barriobajera, y a eso precisamente es a lo que suena su música, a hostilidad, a tensión, a inseguridad. Y además, mostrando una variedad estilística sorprendente, aunque el conjunto no sea demasiado amplio. Por supuesto, hay percusiones aceleradas y guitarras eléctricas que ponen ese punto más agresivo, pero en conjunto no es una banda sonora especialmente ‘dura’, hay Rock contundente, pero también hay Jazz, hay Funk, mucho saxo, mucho teclado, bases complejas, y muchísima melodía que rápidamente atrapará nuestro sentido auditivo, y que, junto a todo lo dicho anteriormente, nos sumergirá de pleno en esos ambientes violentos y callejeros. Los efectos de sonido también juegan un papel fundamental. Los distintos golpes tienen una calidad enorme en los impactos, en las caídas y al emplear las armas, pero también es importante fijarse en las múltiples voces en el uso de las técnicas, risotadas histéricas, gritos de ira, en las carreras de Andore o en el sonido ambiente en general, como el murmullo del público o el frenazo del metro.

JUGABILIDAD:

No se puede esperar de Final Fight una gran profundidad argumental, sencillamente porque no la necesita. ¿Pero tortazos? Eso, sin duda, lo vamos a tener a raudales. Ni más, ni menos que en otros juegos del género, pero sí mejor. Porque al igual que Street Fighter II quedó como una de las piedras angulares en la historia de los juegos de lucha, Final Fight supuso lo propio para el género del beat’em-up, un género que tal vez por su intrínseca reticencia a evolucionar, ha quedado hoy en día, si bien no extinguido, reducido a un ridículo porcentaje de juegos respecto a la primera mitad de los 90. Depuró enormemente la mecánica, introdujo unos personajes principales de gran carisma, y redefinió los estereotipos enemigos (el enano rápido, el paleto gigante, los gordos a la carrera…), invitando a emplear distintas estrategias sencillas para enfrentar a cada uno de ellos. Y todo ello repercutió en una jugabilidad explosiva, más perfeccionada, más atractiva y rompedora, siendo los momentos más intensos y complicados las peleas contra los jefes de final de fase, todos muy distintos entre ellos.

El objetivo es tan claro como sencillo: aplasta la cabeza de los enemigos, sin importar cómo lo hagas, machaca los botones del mando (no sin rehusar de cierta habilidad) para llegar al siguiente, y al siguiente, y así hasta concluir la fase. Sin más. Y tan simple como eso, para mí es una verdadera delicia, una gratificante forma de canalizar estrés, de jugar sin necesidad de calentar las neuronas. Ya sea tirando de la agilidad del esbelto Cody, o mediante los descomunales bíceps de Mike Haggar, tendremos que recorrer las calles de Metro City cargándonos a cuanto macarra se cruce en nuestro camino, recogiendo objetos, acumulando puntos y recuperando vida. Cada luchador cuenta con su propio combo base, y su forma de ejecutar llaves aéreas y de presa, pero básicamente, el control sobre ambos es el mismo. Si bien Haggar resta más vida a los adversarios, es bastante más lento en sus movimientos, por lo que es necesaria una mayor habilidad, y diría que resulta más complicado terminar el juego con él. La variedad de movimientos es limitada, pero suficiente para crear unas cuantas combinaciones.

Emplear movimientos de presa como último golpe del combo es algo tremendamente útil, y se controla mejor incluso que en la recreativa. La detección de impactos es absolutamente perfecta, y resulta un placer extraordinario, como siempre, barrer a dos o tres enemigos al mismo tiempo con una única serie de golpes. La aparición de, como máximo, tres enemigos en pantalla al mismo tiempo facilita notablemente las cosas, aun así, el juego mantiene un ritmo de dificultad creciente pero muy equilibrado, que sí puede llegar a ponernos en aprietos en determinadas secciones. Siempre se puede tirar de truquillos, como abusar de la llave especial (a costa de reducir el medidor de vida) o del margen invisible de la pantalla. Cuando se le coge bien la medida, cinco fases se nos antojan algo cortas. E independientemente de que estuviese o no en la recreativa original, la ausencia del modo para dos jugadores sí es algo que resta bastantes enteros en la valoración global de este título, ya que un beat’em-up, por su propia naturaleza, pide a gritos la opción de poder ser jugado junto a otro amigo.

CONCLUSIÓN:

Casi dos años después, fue lanzado Final Fight Guy, cuya única diferencia respecto a esta versión fue la de sustituir a Cody por Guy. ¿Por qué he escogido la inicial para analizar? Pues porque no solo fue el primer Beat’em-up de Super Nintendo, sino también la primera conversión de recreativa para la consola y el primer juego de Capcom en su catálogo. Además, es la que la inmensa mayoría jugamos aquí en España, y creo que todos la recordamos con mucho cariño. Prácticamente todos los análisis que he leído acerca de esta versión de Final Fight para Super Nintendo, casi se centran más en criticar sus omisiones respecto al arcade que en alabar las bondades que finalmente pudimos disfrutar, así que yo he preferido simplemente reseñar el cartucho tal como fue (salvo comparaciones estrictamente necesarias), como juego individual, atendiendo solamente a lo que hubo y no a lo que ‘podría haber sido’.

Se eliminaron muchos detalles gráficos, una fase completa y otra de bonus, el personaje de Guy, el modo a dobles, y solo aparecían tres enemigos en pantalla simultáneamente. No, no tuvimos una conversión perfecta, eso se ha repetido hasta el aburrimiento… pero vamos a ver… ¡Por supuesto que no! ¿Cómo demonios iban a meter toda una recreativa que corría sobre una CPS1, y además ‘pixel perfect’, como quisieran algunos, en un cartucho de 8 míseros megabits, que era la máxima capacidad en ese momento? ¡Es de cajón! Sí, tal vez hubiese sido mucho más fiel de haber salido tres años después, de haberse invertido más tiempo perfeccionándolo y no tan ‘a la carrera’, con más experiencia y más tecnología, pero, ¿sabéis qué? A la mayoría de nosotros, hablando en plata, eso nos importó un carajo. Teníamos el juego de los salones recreativos en casa, antes que nadie, y eso era todo lo que podíamos desear.

- Lo mejor del juego: Personajes enormes y muy bien animados. La contundencia de los golpes, la impecable detección de impacto y su enorme jugabilidad. Los fondos de la cuarta fase.

- Lo peor del juego: Hay que reconocerlo: la ausencia de modo a dobles sí fue una gran pérdida. Existe bastante desequilibrio entre los jefes finales. El tema de la censura llegó a cotas ridículas.

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Excluyendo la música de la cuarta fase (que, ojo, también se encuentra entre la información desechada en la memoria del cartucho), el resto de temas que tanto disfrutamos escuchando en los salones arcade, se encuentran presentes en esta versión doméstica. Aunque fue un compositor ajeno al score original, Toshio Kajino realizó un trabajo sobresaliente a la hora de plasmarlas a través del chip de nuestra Super Nintendo, en una banda que derrocha al mismo tiempo calidad, variedad, y acción electrizante. Ganas de aplastar a los enemigos, con ella, no nos van a faltar.

Prologue theme. Centrándome en algunas de las melodías que más me han gustado, lo cierto es que la del prólogo merece estar entre ellas. Imaginaos la sensación de impotencia y rabia de Haggar al recibir esa fatídica llamada. Pues para mí, este tema representa ese momento con gran acierto. Es una joya, y eso que es prácticamente la primera que escuchamos en el juego, pero ya habla por sí misma, tira de ti y te obliga a ponerte en faena, pide que juegues a gritos con esa tensión y desasosiego que levanta ya desde el inicio.

Streets of luxury. Este tema es para mí, si se puede decir así, lo más 100% Final Fight que encontramos en el cartucho a nivel musical. Comenzando con un simple órgano y batería, la progresión de instrumentos es rápida y contundente, bajo muy rítmico y veloz que servirá de colchón para una melodía tremendamente épica, especialmente en esa subida de tonos central, para pasar ya a su espectacular final, en el que el teclado vuelve a ser el protagonista, con un solo cada vez más endiablado. Mi favorita, y es que transmite de maravilla todo lo que el juego representa.

Bay area. En la cuarta fase del juego existen dos melodías que se suceden en cierto punto, y aunque la de la segunda parte no está nada mal, esta es la que más me llena. No es destacadamente rápida, pero su conjunto instrumental es más que notable, muy atractivo, se nos queda grabado en seguida gracias a sus varios ritmos cruzándose, tiene Rock, tiene Funk, y tiene una intensidad que crece de forma sutil pero perceptible. Es perfecta para las noches de la Bay area, peligrosas, impredecibles, acechantes...

Katana Theme. Es una de las que más recordaba de su momento, y no me extraña. Su aparición es exclusiva del escenario de Katana (o Sodom, su nombre original), y es tan frenética y tan tajante como la habilidad del segundo jefe para destrozarnos con su espada. Es la más claramente inspirada por el Rock duro, algo que se puede apreciar sobre todo en esa parte de doble bombo cabalgante mientras la guitarra sintetizada, presente en toda la duración, despliega un solo. Al tanto con el bajo, porque tiene dibujos que son una chulada.

Bronkie the Bronchiasaurus

2023-03-05T12:25:00.005+01:00

INTRODUCCIÓN:

Existe cierto... "sector" en los videojuego que siempre atrajo mi curiosidad y me gusta mirar de cerca. Y no me refiero a géneros en particular, ni si quiera a títulos concretos. Hablo de todos aquellos que, especialmente en la era de los 8 y 16 bits, formaban parte de ese grupo de juegos que, literalmente, no podrían existir a día de hoy, ni siquiera en unas cuantas generaciones atrás. Esos juegos que, a pesar de sus características tan peculiares, y su, por lo general, dudosa y olvidable calidad, se mezclaban más uniformemente con los títulos triple A de la época, y aportaban variedad y colorido al catálogo de las consolas, pese a que el destino de la mayoría era ser tragados por la historia para no volver a ver la luz. Nunca pretendieron ser Donkey Kong Country, ni siquiera Bubsy, pero ahí estaban, ocupando su pequeño mercado y discreto lugar.

A lo largo de mis más de 30 años como jugador empedernido e incorregible, he visto cosas extrañas, absurdas e impensables, ya no en futuras generaciones, sino en la propia. Y uno se puede creer que lo ha visto todo en cuestión de videojuegos, pero nunca es así. Porque un videojuego de plataformas ambientado en la prehistoria, con un dinosaurio (o dos) de protagonista, que además es asmático, y cuyo objetivo es claramente educativo para aquellos que padecen esta enfermedad… creo que se acerca a esos límites hasta rebasarlos. Y aunque a muchos, de hecho, pueda parecerles un esperpento indigno de dedicarle siquiera cinco minutos, como ya he dicho en infinidad de ocasiones, me encanta desmigajar estos títulos tan insólitos, especialmente cuando pertenecen a mi consola favorita de todos los tiempos. Y es que aquí se analiza absolutamente todo lo que cae en ‘mis mandos’, así que… ¡vamos allá con Bronkie the Bronchiasaurus!

TRAMA:

¿‘Bronquiosaurio’? Obviamente, de ninguna manera existió semejante especie de dinosaurios. A través de su mismo título, el juego ya nos da una ligera idea de la orientación que adopta. En su forma, se trata de un juego de plataformas muy clásico y simplón, pero en su concepto, va claramente destinado a educar, concretamente, a un público muy juvenil, con consejos e indicaciones prácticas, sencillas pero específicas para niños que sufran de asma, advirtiendo, por otra parte, que no se trata de información que suplante a la propia atención médica. Dicha enfermedad no es ninguna broma, y el juego lo enfoca de forma amigable, cercana, pero seria, siendo su argumento y mecánica jugable (que por cierto, no es tan infame como en un primer momento se podría pensar de un título como este) casi una excusa entre las lecciones y consejos que se nos dan entre las fases, o incluso en el transcurso de estas.

La trama de este Bronkie the Bronchiasaurus es de lo más absurda… pero ¿qué esperabais? Mezclando edad antigua y tecnología, básicamente sirve para colocar un objetivo al final del camino y motivar de forma muy relativa al jugador. Situándonos en una aleatoria era de los dinosaurios, su introducción nos cuenta que, años atrás, un colosal meteorito cayó sobre ‘San Saurian’ (¿el territorio habitable?), levantando del suelo una gran masa de polvo y suciedad que contaminó el aire. Para poder sobrevivir, construyeron (nadie sabe quién) una máquina que absorbía el polvo, para que todo el mundo pudiese volver a respirar con normalidad. Pero el tiránico Mr. Rexo desmanteló dicha máquina, dejando las piezas en manos de sus súbditos a lo largo de la zona (por alguna estúpida razón, ya que él sería un afectado más) y recayendo en nuestros jóvenes Bronkie y Trikie la nada desdeñable tarea de recuperar esos fragmentos y volver a montar el armatoste.

GRÁFICOS:

Estamos, claramente, ante un producto de muy bajo status, tanto en lo técnico como en lo jugable, que antepone la enseñanza casi a la propia diversión o a aprovechar los versátiles recursos de el cerebro de la bestia. Sin embargo, como he dejado caer antes, la cosa podrá haber sido muchísimo más catastrófica. Comencemos a analizar la parte técnica por el apartado gráfico, que nos puede dejar ciertos momentos bastante respetables, incluso hacernos exclamar aquello de ‘¡oye, pues no está tan mal!’. El juego se divide en seis áreas que cuentan con una personalidad muy marcada y son completamente distintas entre sí, plasmando en pantalla, en todo momento, las características (reales o de fábula) de la era prehistórica, interpretándola visualmente con resultados bastante dispares pero en general, acertados. Destacan sobre todo aquellas en las que recorremos parajes abiertos, como la jungla, el cañón rocoso y, especialmente, el lago. No son ninguna maravilla, pero al menos, saben sacar relativamente buen provecho de la diversidad cromática de Super Nintendo, con degradados algo chuscos pero muy coloristas y agradables a la vista, frondosos decorados o elementos bastante originales.

El encuadre prehistórico en sí mismo puede buscarle las simpatías de aquellos que, como yo mismo, sean amantes de las distintas eras de los dinosaurios, aunque tan solo sea de refilón o por pura curiosidad. El resto de las fases se componen de la ciudad, con construcciones que recuerdan descaradamente a aquellas que veíamos en la serie The Flintstones, con algunos motivos cómico-modernos como carteles y anuncios, y también una oscura montaña y una cueva plagada de motivos paleolíticos (de lejos, las dos más repetitivas y apagadas visualmente), todo ello dibujado de forma muy cuadriculada, y que da una sensación sorprendentemente artesana, a pesar de que la gama de colores tampoco es para lanzar cohetes. Los sprites dan sensación de ser bastante estáticos, con animaciones muy justitas. Al menos, también vemos algunos de un tamaño aceptable, como los enormes brontosaurios que nos echarán una mano, y los jefes de final de fase, algunos con un diseño de lo más curioso y atractivo. El resto de enemigos quedan muy por debajo, como ranas, erizos, dinosaurios varios… o figuras tan ‘apelotonadas’ que resultan irreconocibles.

Entre fase y fase, podremos ver animaciones entre lo simpático y lo risible (no os perdáis esa cara de éxtasis de Trikie al usar su broncodilatador) que tratan de acompañar los consejos para manejar el asma, mostrando unos diseños que parecen haber sido trazados, al igual que los sprites de los enemigos, por un niño de 7 años. En el otro extremo, los fondos de casi todas las fases pueden llegar a ser realmente bonitos, como los tonos pastel en la segunda fase, la espesura que transmiten los de la tercera, los pequeños detalles en las paredes de la cueva, las evocadoras siluetas del horizonte de la ciudad de piedra, o ese bello atardecer que da mucho ambiente al cañón. Sin embargo, dependiendo del flujo espiratorio máximo que tenga nuestro héroe en cada momento, la pantalla estará más o menos iluminada, algo que puede llegar a deslucir severamente lo poco vistoso que encontramos en el juego. Visualmente merece pocas alabanzas, sobre todo por la enorme calidad gráfica que llegaron a mostrar otros plataformas de Super Nintendo, y debido a que se trata de un juego de finales de 1995.

SONIDO:

Bronkie the Bronchiasaurus es un título con escasas luces y muchas sombras. Y en particular, su banda sonora, es de lejos la peor de sus cualidades. Muestra algunos intentos de equiparar sus músicas, en cuanto a simpatía, al ya de por sí escueto atractivo de los personajes protagonistas o de la ambientación de sus entornos. Tal vez en esto último sí acierta, pues las canciones, o digamos más bien, piezas de acompañamiento, poseen un aire muy primitivo en su instrumentación y esencia de composición, algo positivo en ese aspecto, aunque por desgracia, también en su calidad sonora se muestra arcaico hasta el bostezo. Que no te engañe esas melodías casi juguetonas que suenan durante la introducción, en la pantalla de estado, o incluso durante la primera fase. Porque si en ellas encontramos algo bueno, conforme avanzamos desaparece paulatinamente, como si fuese un globo que se deshincha, perdiendo el poco brillo por completo, tornándose los temas cada vez más secos, repetitivos y aburridos, sin ninguna vida o detalle musical a destacar, y es que además, en general, adolecen de un sonido muy muteado y demasiado grave.

Si bien se intentaron emplear sonidos que casaran con la época y los entornos, y las cañas o marimbas no suenan del todo mal, las guitarras eléctricas chirrían horriblemente, muy electrónicas y obviamente anacrónicas, fallando estrepitosamente si su objetivo era añadirle un rollo más ‘cool’ y moderno que hiciera referencia a la juventud de los protagonistas. Los bajos son una constante, y tal vez el instrumento más destacado, creando colchón para las (escasas) melodías o directamente creándola ellos mismos. Al menos los cortes no suelen ser estridentes, de hecho son, por lo general, bastante tranquilos y suaves, no molestan, y consiguen plasmar, más o menos, ese clima prehistórico, pero son de baja calidad. Hay algunos cuya duración es inusualmente larga, pero cuando llevemos un rato escuchándolos, es un detalle que pasará a segundo plano. Cada zona, algo que se agradece, cuenta con un tema principal y una variación de este, dependiendo de cada sub-fase, siendo más interesantes los segundos por sus esquemas rítmicos. Cada enemigo tiene su propio sonido que, junto a los varios que producen Bronkie / Trikie, conforman un apartado de efectos sonoros… bastante paupérrimo.

JUGABILIDAD:

En esencia, y concretamente en lo jugable, nos encontramos ante un título de plataformas corriente y moliente. Guiamos a Bronkie o a Trikie (según el personaje que escojamos) a través de las seis grandes fases, divididas cada una en tres áreas hasta llegar a cada uno de los respectivos jefes finales. Y entre medias, cientos de plataformas, pero también cuerdas para trepar, medios de transporte para llegar a otras zonas y gran cantidad de ítems para alargar nuestra partida, como vidas extra, pulmones (literal) para poder atacar soplando, kits médicos o inhaladores para el asma. Lo que realmente lo diferencia del resto de plataformas existentes para la consola, son las formas en que nuestros protagonistas pueden sufrir daño. No solamente bajará nuestro medidor de vida si colisionamos contra enemigos o andamos sobre superficies dañinas. Sobre todo, tendremos que tener cuidado con aquellos elementos que puedan resultar un detonante para el asma, como plumas, pelo de animal, goteos tóxicos, tabaco, etc. En el momento de acusar la enfermedad, es cuando tendremos que hacer uso de los objetos para poner en marcha el ‘plan de emergencia’.

Con el botón Select accederemos a nuestro estado de salud, y valoraremos qué medida conviene tomar para que Bronkie mejore el estado de su asma. Como digo, entre las fases recibiremos multitud de consejos para el día a día, explicaciones que tendremos que poner en práctica, a modo de examen, para que alguno de los amigos repartidos por el mapeado nos echen una mano, ya sea para darnos piezas de la máquina, impulsarnos, o llevarnos volando a otra parte de la fase. Los medidores no se entienden demasiado bien, pero tampoco importa mucho: controlarlo todo es bastante sencillo, incluido el movimiento de nuestro dinosaurio, que responde bastante bien a ataques y saltos… aunque la física deja mucho que desear. A su vez, al conseguir nuevas piezas del artefacto, se abrirán zonas que permanecían cerradas, dando lugar a otro de los aciertos del título: las fases, a pesar de que la salida siempre se encuentra en el mismo lugar, y en general son bastante sencillas, no son nada lineales, y tendremos que buscar la ruta escalando, desandando camino, y descendiendo, algo que se acentúa conforme vamos avanzando.

A pesar de que, en teoría, es un plataformas para un público infantil, no hay que fiarse, pues esto no lo salva de cantidad de triquiñuelas que nos pondrán las cosas difíciles, como saltos muy apurados y trampas con bastante mala baba. Aunque lo cierto es que comparándolo con, por ejemplo, Aero the Acro-Bat (anterior análisis en el blog), es pan comido, es simple, pero, al mismo tiempo, agradable de jugar, aunque no suponga un gran reto. No tiene opción de salvado ni de contraseñas, pero tampoco nos harán falta. Al final de cada fase, a parte de los susodichos consejos, obtendremos bonus como vidas extra. Habiéndolo terminado una vez con cada protagonista, ya os adelanto que no cambia absolutamente nada entre ambos, pero eso sí, puede ser bastante más divertido si aprovechamos el modo para dos jugadores simultáneos que nos brinda. También llama la atención que se pueda jugar en inglés y en castellano… aunque esta última traducción es hilarantemente cutre. Algún secreto escondido, que siempre se agradece, puede añadir un puntito a favor de su rejugabilidad, pero muy poco más.

CONCLUSIÓN:

Este forma parte de una serie de juegos educativos, todos ellos publicados por Raya Systems, que también alberga ‘perlas’ como Packy & Marlon o Capitan Novolin, y a los que la historia del género ha borrado de un plumazo. Y con toda la justicia del mundo. No sé, concretamente este Bronkie the Bronchiasaurus, hasta qué punto fue capaz de aportar algo de ayuda a niños asmáticos. Pero al menos su intención fue buena, y por intentarlo… Decir que fue un juego supervisado por el departamento de sanidad de EEUU, e intervinieron en su concepción varios miembros del personal cualificado del sector. No deja de ser un plataformas simpático y entrañable (aunque algo repelente), pero desde luego, mi ética de videojugador experimentado me impide recomendarlo públicamente, so pena de perder lectores. Aun así, esto no contradice lo dicho al inicio de este análisis: me encanta descubrir este tipo de bazofias casposas.

Posiblemente, su lanzamiento en exclusiva para la región norteamericana, y el hecho de que, casi con total seguridad, sus ventas fueron bastante penosas, deben ser las razones principales por las que un ejemplar en buen estado y completo del juego supere actualmente la escalofriante cifra de 1000 dólares en el mercado de segunda mano. Algo que, dada su discutible calidad general, lo convierte casi únicamente en pieza de coleccionista para aquellos más completistas. Porque no creo que nadie en su sano juicio esté dispuesto a desembolsar una cifra tan astronómica para hacerse con esta completa mediocridad por ningún otro motivo. Ni su relativo humor, ni sus buenas intenciones, ni siquiera su modalidad para dos jugadores lo salvan de la quema. Si bien algunos destellos gráficos o la bien traída mecánica para acabar con el jefe final son elementos mínimamente interesantes que nos pueden atraer hacia él, su plana jugabilidad y su espantosa música harán que en seguida corramos en la dirección opuesta.

- Lo mejor del juego: El diseño de las fases tiene cierta miga al no ser nada lineales. Opción de dos jugadores. Algunos fondos chulos y entornos originales. Al menos, es fácil…

- Lo peor del juego: Muy pocos alicientes para ponerse con él. Empleo confuso del menú. La traducción española es para partirse. Diseños de principiante. Simplón a más no poder.

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Me ha resultado enormemente difícil escoger unos pocos temas para la sección musical de este juego. Pero, al contrario de lo que suele suceder, esta vez el motivo ha sido la alarmante falta de calidad que presenta esta banda sonora. Insípida, tosca y apagada, su autor fue John Bartelt, quien también trabajó para el inmundo Packy & Marlon. Su ambientación para la era prehistórica que presenta el juego podría haber sido incluso decente si hubiese contado con una mejor sonoridad e inspiración compositiva. Lamentablemente, se queda en el saco de las olvidables.

City 2. Esta composición es la primera y única variación de la principal de la primera fase. Su notorio cambio se aprecia mejor al escuchar ambas. Mientras la melodía no cambia apenas y tampoco la instrumentación empleada, le da por completo la vuelta al ritmo, siendo más cruzado y complejo en esta. Tal vez la primera sea más accesible al oído, pero esta me resulta más original y atractiva tras unas cuantas escuchas. Volviendo a su melodía, sin ser nada del otro mundo, es de las mejores, bastante alegre y capta bastante bien la esencia del entorno.

Cave 1. El bajo es el instrumento principal de este corte, el que forma y conduce la melodía, siguiendo también el esquema de la percusión y esos sonidos tribales constantes que escuchamos de fondo. Conforme se desarrolla, van apareciendo retazos de nuevos sonidos, algún timbal, algún redoble, algún sonido de viento... pero en general es tan apagada que no llega a decirnos prácticamente nada, le falta vida, sonoridad, más cuerpo melódico. Básicamente, la única variación que encontramos en este último son cíclicos cambios de tono que no la sacan de la monotonía.

Lake 2. ¡Al fin un poco de movimiento y dinamismo! También me quedo con ella, respecto a su forma original, por esos cambios y contrastes en su ritmo, más rápido, más alegre que el de la mayoría de temas del juego. También se aprecia un mayor énfasis en la melodía, los habituales cambios de tonalidad, variaciones rítmicas que le aportan cierta variedad, e incluso contiene guitarras eléctricas en casi toda su duración, que aunque no suenan nada bien, también le dan el toque distintivo al contrastar con el resto de instrumentos más étnicos.

Aero the Acro-Bat

2023-02-09T14:29:00.007+01:00

INTRODUCCIÓN:

A principios / mitad de la década de los 90, muchas compañías contrajeron la ‘fiebre de la mascota’. Siguiendo los pasos de otras ya más que consolidadas en aquellos tiempos, como lo fueron Mario y Sonic , Titus lo intentó con su conocido zorro, Gremlin con el alienígena Zool y Accolade con el gato montés Bubsy, la mayoría de ellos con buena acogida en su momento, pero escasa repercusión en el futuro. Sunsoft, una compañía bastante prolífica, especialmente en los 8 y 16 bits, no quiso quedarse atrás, y combinando un poco de esa actitud contestona que se empezaba a ver en los videojuegos, otro tanto de carisma con un animal cuya imagen es bastante popular y querida, y una estética atractiva para todo chaval aficionado a los videojuegos que se preciase: gafas de sol, comportamiento chulesco, movimientos muy ‘cool’… lo consiguieron. Y ese ingenioso juego de palabras ya redondeaba la propuesta.

Así nació Aero, protagonista de este videojuego, y mascota corporativa de Sunsoft durante gran parte de aquella mágica década. El público le adoraría, crearía escuela, una prolífica saga, y vendería como churros. O al menos, esa debió de ser la idea primordial de Sunsoft al encargar a David Siller (con el tiempo, muchísimo más reconocido por la creación del marsupial Crash Bandicoot) el diseño del héroe. Si bien dejó una segunda parte casi inmediata para Super Nintendo y Mega Drive, el juego no pasó a los anales de la historia y, sin embargo, Aero se recuerda aún a día de hoy, quizá con más nostalgia que apego, especialmente por todos aquellos que vivimos la época en su máximo esplendor, ya que la publicidad que alimentó dicha creación no fue precisamente poca. Aunque relacionado íntimamente con Sunsoft, no olvidemos que el juego fue obra de Iguana Entertainment, de hecho, su primer trabajo en Super Nintendo.

TRAMA:

La piscina lista, el trampolín preparado, y miles de ojos fijos en Aero, el murciélago acróbata, que está a punto de ejecutar, una vez más, uno de sus arriesgados números de caída libre, demostrando sus grandes habilidades en el aire. Pero justo antes de dar el paso… ¡horror! ¡Las luces de toda la carpa se desvanecen! ¿Quién podría ser el artífice de tan desconsiderado acto? Nadie tiene la más mínima idea… pero mirando atrás en el tiempo, encontramos una historia relacionada con el lugar, y un pérfido personaje llamado Edgar Ektor. Era un niño de clase alta, mimado y consentido, que siempre conseguía lo que quería. En una de sus habituales visitas al “The world of amusement circus and funpark”, que así es como se llamaba el espectacular circo, quiso gastar una broma pesada, manipulando uno de los números, lo que casi provocó la muerte de uno de los animales participantes.

Edgar fue descubierto, acusado, y expulsado para siempre del circo, despertando así su ira y frustración. Con el tiempo, el niño se convirtió en un poderoso y rico empresario, algo que no hizo sino alimentar su enorme ego. Y lo que es peor todavía: nunca olvidó su humillante expulsión de dicho circo que, por su parte, también fue prosperando. Así pues pasados los años, decidió hacer efectiva su venganza, secuestrando a algunos miembros del equipo, saboteando las pruebas y arruinando el gran espectáculo. Pero no contaba con nuestro protagonista, Aero, firme defensor de la justicia que, a lo largo y ancho del lugar y sus alrededores, se propuso dar caza al payaso malvado (personalidad anti heroica de Edgar Ektor), aliado a su vez con Zero, la ardilla kamikaze (que posteriormente protagonizaría su propia aventura en 16 bits) y asegurarse de que el espectáculo pudiese continuar sin más altercados para el público.

GRÁFICOS:

Al estar situada la acción en una inmensa carpa de circo y, posteriormente, en sus alrededores, se podría pensar que la variedad gráfica queda algo encorsetada y limitada, pero la verdad, afortunadamente, es distinta. En las primeras fases, podemos degustar lo que uno espera de tal ambiente: colores muy vivos (mucho más que en la versión Mega Drive) y relucientes, aunque tal vez excesivamente pasteleros, y cantidad de motivos circenses tanto en los enemigos como en los decorados, pero todo se expande enormemente al llegar a la segunda área y sucesivas. El Funpark tiene una puesta en escena que me recuerda fuertemente al segundo mundo de Bubsy, y no sin razón. Casi se podrían confundir ambas obras si atendemos a esto, pero al ser contemporáneas, el plagio está descartado. Estas fases, manteniendo ese reluciente colorido, dan una sensación menos claustrofóbica, aunque en general el tamaño de todas y cada una de las sub-fases es realmente enorme, tanto en horizontal como en vertical, plagadas de ítems, obstáculos, escaleras y artefactos de lo más original y resultón, como vagonetas, colchonetas, o plataformas ascendentes.

El diseño de enemigos denota una gran personalidad: desde payasos perturbados, secuaces de Edgar que se hacen pasar por personal del circo, animales fuera de sí o magos voladores, pero se echa en falta una mayor variedad, ya que a pesar de que en ciertas fases se incorporan algunos nuevos, el plantel en general se repite bastante durante todo el juego. Obviamente, aquí el rey es el propio Aero, un héroe basado en estereotipos de su tiempo, aspecto moderno, desafiante, y con mucha seguridad, que conseguirá sacarnos más de una sonrisa con sus múltiples animaciones, saltos, expresiones faciales (algunas, exclusivas de ciertos momentos u acciones) y ataques. Aunque su control ya es otra historia, se mueve de forma bastante fluida, no es un personaje tan rápido como Sonic o el mismo Bubsy, pero sí tiene gran cantidad de recursos, acompañado siempre por un scroll que cumple bien con su desplazamiento, y que se acelera notablemente, quizá demasiado, en las fases en que vamos montados en algún artefacto. Particularmente, hay una fase de bonus que emplea el modo 7 para simular una caída libre, al estilo Pilotwings.

Los fondos son otro gran acierto. Tienen su propio ritmo de scroll, dando cierta sensación de profundidad, un colorido ligeramente más difuminado, y una ambientación fabulosa, desde los retazos por los que está formada la carpa a esos bellos atardeceres, anocheceres y degradados de cielo que se nos presentan en algunas fases, con paisajes de fondo formados por sombras y siluetas, o los marcos más lúgubres ya llegando a la recta final. Cambian continuamente de paleta para intentar no resultar repetitivos, aun con un diseño muy similar dentro de cada área, la noche en Funpark es una maravilla, y también esas misteriosas estancias en el museo, un estilo inconfundiblemente 16 bits. Cada fase, como no, dispone de su propio jefe final, siguiendo la tónica del aspecto gráfico, y mostrando unos sprites más grandes, con diseños de lo más alocado y humorístico, malévolos saltimbanquis, malabaristas y todo tipo de personajes de lo más peculiar. Muy bonita esa pantalla de título, en la que ya podemos observar el gran colorido del que hará gala el juego, al igual que las que vemos presentando cada nueva etapa, con efecto relieve.

SONIDO:

Si Aero the Acro-Bat muestra un colorido vibrante, unas animaciones llenas de gracia y entornos basados en ferias lúdicas en general, la banda sonora no podría tildarse de otra cosa que de divertida, y muy apropiada para el mundo creado por Iguana Entertainment. Todo en ella tiene un claro aire de espectáculo de masas en general, y de circo en particular, incluso ya mientras desfila el logo de Sunsoft podremos escuchar una composición claramente inspirada en la conocida Entry of the Gladiators de Julius Fucik, con algunas notas prácticamente idénticas de forma intencionada. Por una parte, sin salir de este contexto, encontraremos algunas melodías realmente sorprendentes y trabajadas, que se salen de la estructura imaginada. Incluso podremos escuchar algunos pasajes que incluyen guitarras eléctricas, pero la gran parte de ellas están formadas por vientos, algún que otro teclado, y bajos muy rítmicos. Por otra parte, estar escuchándolas durante un rato prolongado puede resultar un tanto repetitivo debido a la uniforme tesitura de estas, haciéndonos confundir unas con otras.

Incluso las pantallas de título de fase están acompañadas por estos registros tan insistentes. Algunas destacan sobre otras, especialmente en cuanto a ritmo y variedad dentro de sí mismas se refiere, pero también respecto a sus melodías, que sin ser la panacea, encajan a la perfección con el espíritu jovial de la aventura de nuestro murciélago. No todas ellas son necesariamente festivas ya que haciendo uso de estructuras y tonos más dramáticos, también tratan de meternos la tensión en el cuerpo, especialmente durante los combates finales (inconfundible la inspiración del Flight of the Bumblebee), con percusiones por lo general más aceleradas. Y seguimos con referencias a grandes compositores de la historia. Ojo a la segunda del Funpark, por ejemplo, que es clavadita a la mítica pieza clásica Sabre Dance, del compositor Aram Khachaturian, pero también encontramos marcados guiños a la música clásica en otras, como una de las primeras que encontramos, con partes que suenas descaradamente a In the hall of the mountain King de Peer Gynt. Es un recurso que emplea de forma casi constante, mezclando cromatismos típicos de ferias y circos con estructuras sinfónicas.

JUGABILIDAD:

Nuestro Aero va sobrado de recursos para sortear todas las dificultades impuestas, a lo largo de los cuatro niveles y 25 subfases distintas, incluyendo bonus y final boss, de las que consta el juego. No solo puede dar grandes saltos, también puede usar su molinillo destructor para acabar con los enemigos, y emplear a modo de arma arrojadiza las estrellas que va encontrando en los rincones más escondidos. Su manejo puede hacerse algo duro al principio, incluso un poco incontrolable hasta que le cogemos el punto a la inercia de los movimientos, especialmente a la hora de acertar golpes a los enemigos o detenernos sobre plataformas. Pero también hay elementos como cañones o colchonetas cuyas particularidades tendremos que aprender, cada uno de ellos con su propia física. Y por supuesto, trampas, toneladas de trampas, pinchos que nos provocarán la muerte instantánea, caídas al vacío, hojas de sierra… Tampoco podían faltar las odiadas fases de vagoneta y/o sucedáneos, que si bien no son para tirarse de los pelos tanto como en otros juegos, nos van a dar más de un quebradero de cabeza, y un descenso exponencial en nuestro número de vidas.

Todo ello ya es un indicativo de que nos enfrentamos a un plataformas tremendamente clásico, atractivo y con una estupenda factura técnica. Dispondremos de hasta seis oportunidades (a no ser que seamos pasto de una trampa mortal) antes de ver caer a nuestro héroe. No es un juego en el que se pueda correr a lo loco sin poner en él los cinco sentidos, y de obrar así, será cuestión de pocos minutos encontrarnos ante la pantalla de Game Over. Afortunadamente, Aero es avispado, y puede ampliar su campo de visión para anticiparse a los peligros, una habilidad muy útil, ya que estos pueden venir desde cualquier ángulo. También disponemos de unas cuantas ayudas repartidas por los escenarios, como invencibilidad temporal, capacidad de vuelo, doble remolino, y asimismo, es pródigo en vidas, siempre que seamos curiosos y lleguemos hasta las incontables habitaciones secretas, uno de los puntos más interesantes del juego y que, también gracias a la disposición amplia y abierta de sus fases, aportan ese divertido punto de exploración.

Otra de sus mayores bazas reside, precisamente, en la estructura y planteamiento de esas fases. Lejos de optar por simplemente llegar hasta el final, Aero the Acro-Bat nos propone cumplir una serie de objetivos que difieren prácticamente en cada sub-nivel. Debemos encontrar llaves, saltar sobre determinado número de plataformas, rescatar a Aeriel, la chica de Aero, atravesar círculos… condiciones imprescindibles para que, en algún punto, se abra un portal que nos haga pasar a las siguientes pruebas. También existen suculentas zonas escondidas de bonus, casi cruciales para amasar un buen número de vidas extra y potenciadores. Cuando se aprende bien el control, resulta un juego divertido, con una curva de dificultad menos intransigente de lo que podríamos pensar en un primer momento. La mayor pega, aunque tampoco esto lo hace único en su especie, es la ausencia total (que solo se remediaría en el remake que se hizo nueve años después para Game Boy Advance) de passwords o batería de salvado, lo cual significa que tendremos que terminar el juego en una misma sesión, un reto extenuante para verdaderos guerreros del mando.

CONCLUSIÓN:

A la hora de publicitarlo, Sunsoft no dudó, incluso, en crear un anuncio televisivo con mucho gancho, que llamaba a gritos a la juventud de aquella época, en el que veíamos al protagonista tocando las seis cuerdas de una flamante Jackson King mientras nos vacilaba con sus gafas de sol y su actitud algo macarrilla. Es más, ¡hasta se creó una serie animada para la televisión americana de tres temporadas! David Siller creó un personaje con un carisma a la altura de las grandes mascotas del momento. Se cancelaron las versiones de NES y Jaguar, y en el futuro fue rescatado para protagonizar un remake en Game Boy Advance y, por último, también fue porteado para la consola virtual de Wii. Un juego que recuerdo con mucho cariño desde las reviews de aquellas viejas revistas, pero no ha sido hasta ahora cuando ha llegado el momento de ponerme a fondo con él.

Aero the Acro-Bat puede ser una buena inversión si lo que buscamos es un juego retador y con ciertos puntos de originalidad en su mecánica. El hecho de transcurrir ambientado en un circo y los lugares relacionados ya le aporta frescura, y su agradable colorido, fluidas y simpáticas animaciones de su atractivo protagonista, ponen el resto en el apartado visual. Es un juego con el que hay que invertir unas cuantas horas de práctica para acabar dominando su control, su inercia, sus límites, ya que no se contenta, como muchos otros plataformas del sistema, únicamente con que machaquemos a los enemigos a base de saltos, y tendremos que hacer un buen uso de los múltiples talentos de Aero para superar las diversas pruebas, que son muchas y variadas. Su objetivo: derrotar al ruin Edgar Ektor y restaurar la normalidad en su adorado circo. Porque como dice la canción, el espectáculo debe continuar.

- Lo mejor del juego: Las distintas situaciones a resolver por nuestro encantador protagonista. Posee escenas y fondos muy bonitos en unas fases muy abiertas, con muchísimos secretos.

- Lo peor del juego: Con solo tres continuaciones, y sin posibilidad de salvar ni usar passwords, se puede hacer muy cuesta arriba, porque es muy difícil. Algunos temas pueden resultar machacones en exceso.

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Aunque acreditado como Fox Productions (presumiblemente, a petición del autor), el verdadero compositor de la banda sonora que escuchamos a continuación fue Rick Fox. Músico profesional, teclista de David Bowie durante la gira Sound and Vision tour y colaborador con artistas de la talla de Alan Parson, Iguana se fijó en él a la hora de fichar un diseñador sonoro para sus videojuegos. De él salió esa resonancia tan particular que muestran los juegos de la compañía para los que trabajó.

Circus 3. Puesto que repetí infinidad de veces estas primeras fases del juego hasta conseguir superarlas (posiblemente el trago más amargo del juego), esta es una de las melodías que más se me ha quedado. Y es que, sin abandonar esa tesitura tan personal y apegada al estilo visual del juego, algunas notas destacan y a la vez, quiebran la armonía de lo que habíamos escuchado hasta ahora, añadiendo ese toque ligeramente dramático. Lástima que sea una de las más cortas, pero también una de las que más escucharemos.

Funpark 3. A nivel sonoro, puede que sea una de las más duras del conjunto, y por eso personalmente es una de mis favoritas. Pasados los primeros segundos, algo toscos y exclusivamente rítmicos, los teclados Hammond empiezan a hacer de las suyas, enrevesando cada vez más la estructura y tornándose de lo más virtuosos, formando un colchón sonoro que suena incluso progresivo en ciertas partes, especialmente tras las escalas ascendentes. Aunque con cuentagotas, también podemos escuchar algún que otro acorde de guitarra eléctrica.

Outside 2. Hay ciertas melodías que son reaprovechadas a lo largo y ancho de la aventura, y otras que solamente suenan en subfases muy determinadas, como es el caso de esta. Demostrando que, a pesar de hacer gala de un estilo muy marcado y persistente, en ocasiones la banda sonora "se sale" de algún modo de esas ataduras, y en esta ocasión, mientras nuestro personaje rueda alocadamente por el suelo, esquivando decenas de trampas mortales, podemos disfrutar de este divertido y bailable Rock'n'Roll escrito en escala de Blues.

Final boss. Es justo lo que uno podría esperar escuchar en una situación tensa del juego, como pueda ser el final boss, pero al mismo tiempo sorprende por sus numerosos ritmos cruzados, su ligero toque barroco en escalas concretas y su intrépido ritmo, que nos acompañará durante esa eterna escalada en busca de Edgar Ektor y Zero. También destacar el trabajo de los bajos, que no cesan en su rápida cadencia en toda la composición. De nuevo, la melodía principal está formada por teclados, con un idóneo sonido para ambientar el gran circo.

Revolution X

2020-08-15T18:27:00.003+02:00

INTRODUCCIÓN:

Al igual que otras míticas bandas de Hard Rock (Mötley Crüe, en el pinball para Mega Drive titulado Crüe Ball) o AOR (Journey, en Atari 2600 con el juego de acción Journey Escape), y posteriormente KISS en un FPS, o Queen en una aventura de acción, y dejando a un lado la avalancha de Guitar Hero, Rock Band y sucedáneos varios, los todopoderosos Aerosmith (tal vez mi banda de Hard Rock favorita junto a Def Leppard y L.A. Guns) también quisieron hacer sus pinitos en el variado mundo de los videojuegos, prestando para ello su imagen, su música y su gran personalidad, hecho que a buen seguro ayudó a los de Midway a popularizar su recreativa Revolution X e incitar a unos cuantos melenudos a gastarse los cuartos en ella con el principal objetivo de ver aparecer por la pantalla a los cinco miembros de la banda y a escuchar sus canciones de fondo.

Dicha recreativa, aparecida en el 1994 a nivel mundial tenía, a parte de los alicientes mencionados arriba, un nivel técnico bastante atractivo y adoptaba una mecánica de juego que, aunque no fue original ni supuso ninguna revolución (al contrario de lo que podría indicar el título), si ofrecía unos gráficos muy resultones que enganchaban, y un ritmo frenético lleno de disparos, caminos alternativos y algunos secretos por descubrir. Midway no perdió el tiempo en su propósito de abarcar más, y un año después, delegando en los británicos Rage Software el port correspondiente para Super Nintendo y Mega Drive, los usuarios de las consolas de 16 bits también pudieron disfrutar de este Revolution X en la tranquilidad de sus hogares. Como sucede en la mayoría de estos casos, en ningún momento se esperaba que las conversiones fuesen pixel perfect… pero aun así, mucho más de lo deseable se perdió por el camino.

TRAMA:

El juego nos planta en una versión distópica del año 1996. De forma progresiva, la facción más corrupta del gobierno, dejándose llevar por sus instintos más bajos a nivel de represión de toda cultura, se alía con las fuerzas militares, formando así un poderoso grupo cuya meta final es eliminar toda fuente de ocio en el mundo. ¿El principal objetivo? Los jóvenes de entre 13 y 30 años, que poco a poco van viendo sucumbir todo aquello que motiva su ocio: música, videojuegos, lectura, televisión… para crear algo así como un mundo sin distracciones innecesarias (de hecho, eliminando algunas de ellas sin las cuales muchos no podríamos vivir). Al cargo de esta organización terrorífica, se encuentra la pérfida Headmistress Helga, su cabeza visible, con quien nos enfrentaremos indirectamente en más de una ocasión (pero que, curiosamente, por su aspecto y vestimentas, parece recién sacada de una banda de Heavy Metal de los 80 jeje).

La actriz que puso su figura para el personaje no fue otra que Kerri Hoskins, especialmente reconocida por su papel de Sonya Blade en la saga Mortal Kombat. El argumento, aun siendo algo bastante secundario, tiene cierto peso en el cartucho, aunque también poca elasticidad, ya que aunque en varios puntos del desarrollo se nos ofrecerá la posibilidad de cambiar el recorrido y/o el orden de las misiones, este permanecerá inalterable. ¿Pero qué esperabais? Los Aerosmith ya hicieron bastante con prestar sus voces y su imagen para un argumento que a veces es de lo más absurdo que uno se pueda imaginar. Por supuesto, en el papel de un joven a quien la crisis ha sorprendido de lleno en medio del recorrido hacia un concierto de los americanos, tu misión es no solamente rescatar a los cinco miembros de la banda, sino acabar con todos los cuerpos de represión para, finalmente, derribar al estado dictatorial desde sus cimientos.

GRÁFICOS:

La placa sobre la que se asentaba Revolution X en su versión recreativa era, obviamente, muchísimo más potente que sus objetivos de conversión: Super Nintendo y Mega Drive. Dichas adaptaciones fueron bien recibidas por muy pocos y vapuleadas por un gran número de revistas y programas del sector. Ciertamente, en algunas cosas desde luego no les faltaba razón (teniendo siempre en cuenta que nunca podrían haber sido conversiones perfectas), pero aun así, creo que fueron tratadas de una forma excesivamente cruel para lo que realmente supusieron: unas conversiones que perdieron muchísimo por el camino, pero que conservaron su esencia y algunos de los aspectos que más se celebraron en los arcades. También se ha de tener en cuenta que ambas versiones para consola de 16 bits tienen sus diferencias, virtudes y carencias que curiosamente, eran análogas a las de otros ports que se hicieron, en donde el cerebro de la bestia superaba a Mega Drive en el aspecto técnico, y esta última era mucho más agradecida en el tema jugable (Mortal Kombat, por ejemplo, sin ir más lejos también de Midway). Pero ninguna se salvó de la quema en las críticas.

Como he dicho antes, uno de los principales ganchos del arcade fue su aspecto gráfico, especialmente porque la máquina empleaba ciertos recursos que eran enormemente vistosos, como un suave y dinámico scaling que en algunos momentos duplicaba y más allá el tamaño de algunos objetos y partes de escenarios. Y creo que en cuanto a fidelidad respecto a este punto, la versión de Super Nintendo ofreció una alternativa que podía mantener la cabeza bien alta a este respecto. El escalado de los sprites es relativamente suave sin que estos pierdan del todo su aspecto, aunque mucho más discreto que en el original, claro. Sin embargo estamos hablando de uno de los mejores trabajos que se hicieron en la consola utilizando estas técnicas. Ya no hay zoom continuo en los escenarios, pero los que quedan están muy bien realizados y hay que hacer una mención especial sobre la batalla con el final boss, con un sprite que va y viene continuamente, con una gran resolución y pixelándose lo mínimo posible, al que podremos observar con todo detalle sin emborronamientos ni ralentizaciones durante toda la pelea. Para un cartucho de 16 megas… ¡no está nada mal!

En cuanto a las carencias, no se puede decir que sean pocas, sinceramente. La mayoría de ellas están relacionadas con grandes pérdidas respecto al original. El diseño de algunos enemigos es bastante tosco y simplón (aunque hay algunos con un tamaño realmente grande, como los ninjas), y tras la eliminación de una gran cantidad de elementos decorativos, algunos fondos quedan desangelados y extremadamente pobres, como es el caso de la jungla, que sin el escalado de escenarios y sin la espesura vegetal, pierden muchísimo poder. Otros, como el del bar, conservan gran parte de su atractivo, pero se nota una gran falta de elementos. Se redujeron de tamaño algunos enemigos como los gigantescos tanques de la recreativa o los helicópteros, y hubo un notable recorte de animaciones en general. Me gustaría resaltar algunos efectos visuales, como los túneles con efecto 3D por los que avanzamos en distintos momentos, que dan sensación de mezcla de técnicas poligonales y video. Hablando de videos, los cinco miembros de la banda se dirigirán a nosotros a través de pequeñas escenas FMV, muy raras de ver en estas consolas, y con una calidad más que razonable.

SONIDO:

Vamos al grano, que este apartado también tiene su miga (pero también sus grandes lagunas). Lógicamente, en un juego que prácticamente protagonizan los Aerosmith, el Rock’n’Roll inunda casi todas las melodías del juego. Sería injusto, de hecho, que algunas de sus composiciones más conocidas (aunque solo sean de tres de sus discos más queridos, como el Permanent Vacation, el Pump o el soberbio Get a Grip) no salieran a escena para ambientar algunos de sus escenarios. De primeras, nos alegrarán los oídos varias cosas, una de ellas es que el juego tome la canción de Rag Doll para presentar los menús, y otra es que, por suerte, los temas no fueron creados con el chip de sonido de Super Nintendo (que a pesar de ser un prodigio en lo suyo, hubiese sido una catástrofe, las cosas como son), sino que fueron digitalizadas e incluidas en este formato para algarabía de sus fans.

Pero ojo, que nadie se escape de la realidad, que estamos hablando de una consola de 16 bits y de un cartucho de solo 16 megas, por lo que, obviamente, lo que encontraremos son fragmentos de dichas canciones, que suenan bien, que incluyen hasta algunas voces, pero son partes muy reducidas que se repiten de forma cíclica. Igualmente, como digo, la calidad de estas es elogiable, y así, a ritmo de las cientos de balas y discos compactos que salen de nuestra arma, podremos mover la cabeza y los pies a ritmo de los frenéticos riffs de Fever mientras intentamos reducir a escombros un autobús lleno de niños en su camino al “reacondicionamiento mental”, o deleitarnos junto a Steven Tyler, Joe Perry y el resto del grupo mientras escuchamos la parte del estribillo de Eat the Rich a toda castaña. Los efectos, aunque escasos, se reparten bien y no suenan nada mal para crear una buena ambientación, bastante fieles a lo que buscan representar. Incluso las voces digitalizadas de los músicos suenan de lujo cuando se dirigen a nosotros para darnos consejos y pistas.

JUGABILIDAD:

Tildar a Revolution X de un simple clon o discípulo oportunista del legendario Operation Wolf (el juego que prácticamente creó este estilo de juego) sería un poco injusto, ya que el juego tiene la suficiente personalidad como para desmarcarse aunque realmente tampoco rompa ningún molde. Nuestra misión consiste en acabar con la maligna organización dictatorial del NON (New Order Nation) que, lejos de conformarse con prohibir cualquier forma de actividad lúdica audiovisual, han raptado a los mismísimos Aerosmith para que cesen de una vez por todas de dar esas míticas y largas giras por todo el mundo. No es poca la misión que se encomienda al jugador, pero para ello dispone de un arma (que no se sabe exactamente cuál es) con la que puede disparar infinitas ráfagas de balas, pero al mismo tiempo, cds de varios tipos que irá recogiendo a lo largo de los escenarios, escondidos en paredes u objetos ornamentales. Mientras que la recreativa fue pensada para poderse jugar entre tres jugadores simultáneos, en Super Nintendo este número se ha reducido a dos, cada uno manejando un cursor de distinto color ¡Menos da una piedra!

Así pues, nos iremos abriendo camino a través de enemigos y bosses de fin de fase a pase de disparos. Por suerte, el turbo viene de serie y no tendremos que machacar mil veces el botón para disparar, tan solo pulsar L o R para lanzar los cd’s complementarios, que tienen mucha más potencia que el disparo normal. El juego ofrece tres niveles de dificultad, que se diferencian en el número de enemigos, de continuaciones disponibles, y poco más, no hay fases exclusivas ni nada que motive excesivamente para sufrir más de la cuenta. La escasez de enemigos distintos queda en cierto modo compensada por el número de estos que aparecerán de forma simultánea: hordas de ninjas y soldados de chaqueta amarilla que nos volverán locos en más de una ocasión, sobre todo los indígenas lanza-plumas-envenenadas que llegaremos a odiar con toda nuestra alma. No se acaba de entender el por qué este juego no vino preparado para utilizar el Nintendo Scope, ya que su mecánica, un shooter sobre raíles, es muy adecuada para este periférico, como lo fueron juegos como Yoshi’s Safari o Battle Clash.

Por suerte, tenemos la alternativa del mouse, aunque a nivel personal, aconsejo sencillamente utilizar el pad de toda la vida. La velocidad del puntero se puede adaptar y en general el control es decente en el modo más rápido (aunque en este sentido, la versión de Mega Drive se llevó la palma). En general tiene un ritmo muy intenso, pero a los pocos minutos ya puede resultar bastante repetitiva su mecánica si uno no sabe ya de antemano a qué se enfrenta, aunque siempre hay de aquellas fases que nos van a animar en cierto modo, por ejemplo, la del medio Este, que consiste en destruir el autobús, me ha resultado de lo más divertido del juego. Eso sí, los boss tienen un pequeño problema, y es que a veces las partes a las que tendremos que atacar son minúsculas, y la escasa precisión del puntero no ayuda demasiado. El otro gran problema es que dichas partes no se destacan de ninguna forma al recibir impactos, por lo que puede pasar un buen rato (y unas cuantas continuaciones) hasta que lo adivinemos por insistencia y a base de probar.

CONCLUSIÓN:

Después de haberlo terminado varias veces y machacado durante horas, llego a la conclusión de que Revolution X no es un mal juego. Tampoco es la quintaesencia de la jugabilidad o brilla de sobremanera en su apartado técnico, pero las críticas que siempre se le hicieron me parecen algo exageradas en determinados aspectos. Tiene un scaling realmente bueno, tiene digitalizaciones que sorprenden por su elevada calidad, incluso muestra videos (muy cortos, claro) de los miembros de la banda con sus voces reales incluidas. Y lo importante, si no se tienen demasiadas pretensiones más allá de disparar a todo lo que se mueva y encontrar algún que otro secreto, se puede pasar un buen rato con él. Su rejugabilidad se puede basar en los distintos niveles de dificultad y en la búsqueda de objetos ocultos, pero lo más reseñable es que en algunas de sus fases se encuentran muy bien escondidos Steven, Joe, Tom, Joey y Brad, que te darán alas (get your wings!).

También es cierto que existen juegos mucho mejores de este género en el catálogo de El cerebro de la bestia, y con los cuales además se puede emplear el Super Scope. No entiendo críticas extremadamente negativas, pero tampoco entiendo como en ciertas revistas del sector su puntuación ascendiese más allá del 90 (ahí hubo gato encerrado jeje). Eso sí, como conversión la cosa ya adquiere tintes más peliagudos, ya que los recortes fueron bastante notables y quienes estuviesen acostumbrados al arcade no le pasarían ni una sola de sus carencias. Solo escuchar partes de la música de estos titanes del Hard Rock ya puede ser un buen aliciente, aunque sea por curiosidad. Lástima que el resto de melodías in-game sean bastante sosas y las guitarras sampleadas suenen opacas y sin vida. Si eres fan de Aerosmith, te recomiendo sin duda probarlo, aunque solo sea por conocer este pequeño inciso de la banda en el mundo de los videojuegos. Y recuerda… ¡la música es el arma!

- Lo Mejor del Juego: Por supuesto, los Aerosmith y las partes de sus temas incluidas. El efecto scaling es realmente bueno en algunas partes. La fase del autobús.

- Lo Peor del Juego: Se cargaron muchos fondos y hubo recortes muy severos. La mecánica resulta repetitiva. Acabar con algunos final boss es muy tedioso. El diseño de algunos enemigos es risible.

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Aunque commo compositores de gran parte de la música que suena en el juego aparezcan acreditados Chris Granner y Kev Bruce, no nos vamos a engañar, aquí el principal aliciente (y uno de los mayores atractivos del juego en general) fue, en su día, poder escuchar partes de composiciones de los grandísimos Aerosmith a través de nuestra Super Nintendo, que además quedaron genialmente plasmadas en el cartucho, con una calidad fuera de toda duda teniendo en cuenta la época.

Main Theme. Notas perfectamente reconocibles aunque al tema en sí no se le diese el nombre de la canción, que no es otra que la fantástica Rag Doll, incluída en su disco Permanent Vacation del 1987. En esta ocasión, no escuchamos la voz de Tyler, supongo que por limitaciones de espacio y por el hecho de que el fragmento que escuchamos es perfecto para repetir una y otra vez, y de hecho, uno se puede quedar un buen rato escuchando esas magníficas guitarras de Joe y Brad.

NON helicopter pursuit. De entre los temas incluidos en el juego que no forman parte de la discografía de Aerosmith, esta me ha parecido una de las más inspiradas. Es obvio que en su composición, tanto en la construcción de las guitarras como en las baterías, sus creadores se inspiraron en gran parte en la música y estilo de los americanos (y es que su groove es inconfundible). Cuando pensamos que va a repetirse por tercera vez la estructura inicial, aparece un solo frenético que nos alegra los oídos.

The Rock'n Roll concert. Otra que nos va a subir la tensión nada más escucharla, de hecho, una de mis favoritas de la banda como es Dude (Looks like a lady). Uno de los temas más vibrantes y cachondos de la historia del Hard Rock que escucharemos, eso sí, si tenemos paciencia para llegar al final del juego. En cuanto a calidad, parece que está un poco por debajo del resto de temas digitalizados, pero de cualquier modo, ¡a ver quien es el guapo que se está quieto mientras suena este temazo!

Lester the Unlikely

2020-08-04T19:00:00.274+02:00

INTRODUCCIÓN:

De nuevo, más de uno se hará varias preguntas ante la review de un videojuego como Lester the Unlikely. ¿Por qué dedicarle tanto tiempo a un ejemplar de plataformas tan mediocre habiendo infinidad de grandes títulos del género en Super Nintendo? ¿Por qué torturarse de ese modo, si el juego ofrece muchos más aspectos negativos que positivos? Sí, de nuevo me ha vuelto a caer una pequeña cruz con Lester the Unlikely, pero la respuesta a ambas preguntas ya la he dado varias veces: este no es un blog de “Grandes éxitos” ni van a ser siempre tópicos ultra conocidos los que pasen por estas páginas, sencillamente porque a mí me gusta probarlo todo, y no por el hecho de ser un título mediocre voy a ofrecerle menos dedicación o cantidad de texto. Es, ni más ni menos, otro plataformas del montón, de los que pasaron sin pena ni gloria. Pero existió.

Tampoco creo que sea justo martirizar a la compañía Visual Concepts. No todo fueron juegos lastimeros. A parte de la tonelada de obras deportivas que salieron a partir de sus creadores (muy de lejos, su gran especialidad), encontramos otras bastante más decentes que esta que nos ocupa, como el conocido Clayfighter o el, ahora sí, fantástico WeaponLord. Lester the Unlikely salió en exclusiva para Super Nintendo, pero obviamente, dado su carácter de “casi” rareza, nunca llegó a fronteras europeas… si con suerte salió de Japón, ya que es un plataformas de fuerte estilo americano tanto en lo visual, como en su concepto y su control, aunque no tanto en su historia, que podría relatar las vivencias de cualquier nerd japonés. Sí, existen decenas, centenares de juegos de plataformas mejores, pero Lester the Unlikely tiene algunos puntos interesantes y originales que tal vez merezcan, al menos, unos minutos de dedicación para cualquier jugador.

TRAMA:

Normalmente el jugador medio está acostumbrado a que los personajes u objetos que protagonizan un videojuegos sean fuertes, poderosos, que tengan una personalidad heroica y que posean una apariencia dura e intimidatoria. Pues bueno, nada de eso sirve para calificar al protagonista de la aventura que nos ocupa, que se aleja diametralmente de la gran mayoría de superhéroes de concepto clásico. Lester es clásico, pero en el sentido del típico freak, del completo nerd, del cerebrito, empollón, y sobre todo, pardillo. Llamémosle como queramos, pero la ilustración de héroe tradicional no va en absoluto con él. Un teenager miedoso, con pocas habilidades sociales y mucho menos físicas, que se verá envuelto en la que sin duda será la aventura de su vida… aunque nunca más se volviese a saber de él pese al “Watch for Lester, he will be back!” que se nos prometía justo en la última pantalla del ending.

Como buen aficionado al sedentarismo, Lester es un joven dormilón y algo excéntrico, coleccionista y gran consumidor de cómics y revistas. Dando un paseo por los muelles de su ciudad, la atención de Lester está únicamente centrada en el nuevo número recién adquirido de “Super Duper Hero Squad”, supuestamente el mejor de la historia. “Ojala pudiese coleccionar las 52 portadas distintas que existen”. Con esta idea en la cabeza, de repente considera que es hora de hacer un descansito de tan ardua y fatigadora tarea, y se recuesta en una de las cajas cercanas a un carguero… sin percatarse de que la grúa está a punto de subirla a cubierta. Lester se encuentra, de repente, a bordo del barco, pero la cosa no termina ahí, y poco después de zarpar, unos piratas lo asaltan y desmantelan, lanzando a Lester al mar y encomendándolo a su propia suerte para finalmente llegar a nado a las costas de una isla cercana.

GRÁFICOS:

Lester the Unlikely, como la propia descripción que se le da al protagonista, es un juego… inverosímil. Es extraño a primera vista. Para el diseño del personaje, se optó por una apariencia realista en cuanto a proporciones. No hay rasgos de super deformed ni estilo cómico, sino que el protagonista es tal cual lo vemos, un chico normal y corriente de raquíticas extremidades, ridículas gafas y porte enclenque, algo que también se mantiene para los enemigos con los que nos toparemos. Los entornos también podrían entrar en el ámbito de la realidad: playas, junglas, cuevas, pantanos, ríos… En la contraportada de la versión americana, de hecho, con la intención de prometer variedad, se incluyeron cuatro capturas, una de cada tipo de entorno en el que manejaremos a Lester, por otra parte bastante típicos si atendemos a la situación en que se encuentra. Pero en realidad, ahí termina la cosa, y al superar tres o cuatro fases nos daremos cuenta que la supuesta variedad es tan solo una ilusión limitada, ya estos parajes que se repiten de forma más o menos cíclica salvo alguna honrosa excepción, como la ciénaga.

Sí, algunos de ellos destacan por su buen uso de los colores, incluso llegan a ser agradables a la vista, pero la repetición de estos con el transcurso de la aventura termina por cansar. La primera fase, situada en una playa tropical, nos da ciertas esperanzas sin ser para tirar cohetes. Un buen uso de la paleta de Super Nintendo (no genial), varios elementos como palmeras en primer plano, estrellas de mar diseminadas, e incluso tótems tribales para acrecentar esa sensación exótica, acantilados, y animales / enemigos acordes como tortugas gigantes o cangrejos. Pero la decepción llega con la segunda. Una cueva monótona, con decorados insulsos, unos fondos apenas salvables y sin apenas alicientes gráficos en toda su extensión. Las fases de jungla vuelven a arrojar un poco de luz, con mucho verde y bastantes elementos ornamentales, que vuelve a disiparse en otras como el barco, que son de nuevo bastante repetitivas. Un juego bastante irregular a nivel gráfico, con ciertos picos de calidad, pero que en ningún momento sobresale por encima de los plataformas de calidad media de los que Super Nintendo también estaba bien cargada.

Sin embargo, como siempre digo, al menos en aquellas maravillosas generaciones de los videojuegos, se intentaba aportar variedad y juegos poco comunes. No se puede culpar a Lester the Unlikely de no haberlo intentado. No me extraña que el texto que figura en la caja también intente vender el juego, principalmente, por sus animaciones rotoscópicas, porque es uno de los pocos puntos destacables del conjunto. Los gestos y movimientos de Lester… vaya vaya, ¡están bastante bien!, especialmente a la hora de caminar y correr… pero quedan a años luz de otros ejemplos como Prince of Persia, Flashback o The Lord of the Rings Vol. 1. Sorprenden hasta cierto punto otras como el tembleque de piernas de Lester ante una situación inédita o reacción miedosa al encontrarse con enemigos nuevos, pero apenas las podremos disfrutar en un par de ocasiones durante todo el juego. Otras, como encaramarse o lanzar objetos, a pesar de la técnica con la que fueron creadas, no dejan de ser las que podríamos encontrar en cualquier otro plataformas de clase media / baja. Tampoco le pidáis a este ningún efecto especial, ya que cuando lo intenta, sale ridiculizado del todo.

SONIDO:

Voy a intentar sacar todos los aspectos posibles del apartado sonoro… pero os aseguro que no es tarea nada sencilla, ya que posiblemente estemos ante la peor calamidad del juego (o una de las peores, al menos). El principal valor diferencial de las melodías que nos ofrece este Lester the Unlikely es estar formadas, casi en su mayor parte, por instrumentos que uno esperaría escuchar en un sinuoso pantano lleno de malas vibraciones, en una playa inexplorada o en una cueva subterránea plagada de trampas pero con un toque exótico extra. No es que nos vayan a hacer más llevadera la aventura, precisamente, de hecho, algunas tienen su mayor virtud en su capacidad para pasar desapercibidas a los pocos minutos de juego, lo cual no es demasiado alentador. Sobre todo son tediosas y aburridas las que comparten nuestro tiempo en las cuevas, cuyo desarrollo ya es de por sí poco apetitoso, para más inri.

A ritmo de reggae jamaicano, la ambientación musical de la primera y sucesivas fases de playa es, sin duda, la más destacable y personal del juego, que sí nos ayudará a sumergirnos un poquito más en el agradable paisaje, lo cierto es que le va como anillo al dedo. Lástima que del resto no se pueda hablar tan bien. Todas son bastante parecidas, el ritmo reggae se repite en otra, pero no llega ni de lejos a la musicalidad de la primera, y tal vez ese sea el principal problema. Todas abusan en exceso de percusión de aires tribales, dejando las melodías en muy segundo plano, incluso cuando aparecen trompetas o marimbas bienintencionadas que desgraciadamente se pierden en la oscuridad de sus composiciones. También se dotó a Lester de voces medianamente bien digitalizadas, reconocibles como tal, pero que muestran tan poca pasión que acaban resultando extremadamente irritantes. Sobre todo, la que suena al recibir un golpe es, directamente, para bajar del todo el volumen con tal de no ponernos de los nervios con ella.

JUGABILIDAD:

Cuando vayáis a enfrentaros a él (algo que no puedo precisamente recomendar), debéis tener en cuenta que se trata de un juego de plataformas… pero no de acción. Este hecho amortigua aun más la ya de por sí escasa diversión de la que adolece el juego. A veces da la impresión de buscar más la aventura y la exploración que el plataformeo puro y duro… pero también ahí fracasa a medias. Los enemigos son casi anecdóticos, y a base de patadas nos libraremos de crustáceos o reptiles, espada en mano nos desharemos de piratas y tan solo nos enfrentaremos a un par de final boss que, o bien apenas ofrecen reto (el gorila furioso), o son tan insufribles que nos tentarán a pulsar el botón de Off (la maldita araña gigante). Ni siquiera se molestaron en incluir un Final boss como manda la tradición… aunque visto lo visto, tal vez fuese mejor así. Parece que la técnica de la rotoscopia se la agenció el bueno de Lester en exclusiva, porque el resto de fieras que pueblan el juego parecen animadas por un niño pequeño.

Terminar la aventura es cuestión de aprendizaje más que de reflejos, y esto rara vez me ha gustado, ya que puede demostrar que las situaciones peligrosas se situaron al tun tun, como las serpientes que caen de los árboles en la fase de la barcaza. Si es cierto que otras fases exigen más habilidad para esquivar zonas con pinchos o interruptores en el suelo, e incluso velocidad, como aquella en la que somos perseguidos por una ola de lava o la del techo lleno de pinchos que trata de aplastarnos. Pero le falta gracia y personalidad, no es realmente atractivo, y eso que hay que admitir que existe una cierta variedad en la que el juego nos plantea las situaciones. De hecho, algunas fases básicamente son pantallas únicas en las que deberemos buscar una solución al problema (algunas con más lógica que otras), como la de la prisión de bambú. Existen muchos elementos que nos van a sacar de quicio por su nefasto diseño, pero las lianas… uf… las lianas es lo peor que he visto en mucho tiempo por su pésimo sistema de detección de agarre.

Una vez lo hayamos terminado, no ofrece ninguna virtud de rejugabilidad, porque no contiene secretos ni fases extra y además se nos antojará cortísimo, y un juego tan breve pero cuya dificultad puede llegar a ser extrema en muchos momentos… es clara señal de un desarrollo y una curva muy mal planificadas. Sin batería para salvar ni opción de passwords, será obligatorio pasárnoslo del tirón, aunque como ya digo, es algo que puede hacerse en una hora escasa si ya tenemos ubicados los peligros, pero puede extender su duración hasta las 7 u 8 en total desde un primer contacto. El primer y principal escollo con el que habremos de lidiar es el poco apurado y complejo control de Lester, que aunque no sea demasiado pródigo en acciones, tiene unas cuantas (andar, correr, encaramarse, golpear, saltar…). De forma muy lejana se podría comparar con juegos como Flashback o Nosferatu, pero sin llegar ni de lejos tan precisos e intuitivos como los de estos últimos. En pocas ocasiones, nos tocará recoger objetos y pensar de qué manera y dónde utilizarlos, pero ahí termina su condición de aventura.

CONCLUSIÓN:

En principio, tenemos un plataformas con un inicio bastante luminoso, con sprites relativamente grandes, bonitos colores, una personalidad divertida e inusual del protagonista y un desarrollo que, en teoría, requerirá de nuestra habilidad con el mando y nos instará a usar la cabeza en algunas situaciones. Si los elementos que conforman esta buena teoría se hubiesen implementado bien, es probable que el producto final hubiese sido algo más destacado de entre la montaña de plataformas que se apegan al estilo clásico del género… pero lamentablemente no fue así. El control va a ser el punto de corte con el que decidiremos si merece la pena esforzarse en continuar la aventura o desecharla para siempre. Aunque en este sentido quiera parecerse a un Prince of Persia, la realidad es muy distinta. A partir de aquí, casi todo va en curva descendente. Algunos fondos con scroll son bastante decentes e incluso interesantes, pero otros son horrendos y aburridos, y los escenarios tampoco son precisamente para quitarse el sombrero.

Si decidís hacer de tripas corazón y adentraros junto a Lester en esta corta pero difícil aventura, os va a dar más penas que alegrías. Su desarrollo se sale un poco de lo habitual, lo cual podría ser algo positivo si las ideas hubiesen sido bien plasmadas en él. Su constante humor no tiene el encanto suficiente como para mantenernos por sí solo pegados al mando, y eso que es un aspecto de los que más brillan, con un concepto, una introducción y un final que se mueven entre lo hilarante y lo casi grotesco. No, amigos, Lester no volvió a protagonizar ninguna aventura (supongo que ya tuvo bastante con esta desestructurada odisea), y seguramente los jugadores que le acompañaron en esta su primera y última, quedarían agradecidos. Casi mejor que se continuara dedicando a leer cómics, porque definitivamente parece que hacer de héroe en un videojuego no le salió demasiado bien.

- Lo Mejor del Juego: Las animaciones de Lester, y cómo estas evolucionan a lo largo del juego. El aspecto de las fases playeras. Pese a todo, el argumento tiene su gracia.

- Lo Peor del Juego: El control es desesperante, sobre todo a la hora de interactuar con los elementos. Gráficamente es pobre e irregular. Respecto a la música mejor no hablar, y las voces son patéticas. Dificultad mal equilibrada.

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Ni siquiera la presencia de Byte Size Sound, grupo en donde se encontraban compositores con cierta experiencia, logró salvar la papeleta musical de este juego. En esta ocasión, voy a subir un único tema por varias razones. Porque es el único que medianamente vale la pena, porque la media general de calidad es bastante negativa y porque aunque todos fuesen como este que suena, tampoco estaríamos hablando precisamente de la octava maravilla. Un conjunto muy simplón en general.

Washed Up on the Beach. Creedme, esto es lo más refrescante y animado que vais a encontrar a lo largo de la aventura. Sé que no es un tema demasiado elocuente, pero sin duda es el más melódico. No está nada mal el ritmo reggae, tan exótico y apropiado para una soleada y peligrosa playa desierta, ni tampoco los xilófonos que van formando la melodía principal (aunque les falte fuerza y presencia), y el ritmillo ya de por sí te hace mover la cabeza.

B.O.B.

2020-07-16T19:44:00.003+02:00

INTRODUCCIÓN:

Mi primera experiencia con B.O.B., prestado por un amigo para mi Super Nintendo, reconozco que fue algo caótica. Con los ojos de aquel entonces (hablo de hace más de 25 años), solo alcancé a ver un juego ramplón, con una dificultad desmesurada que no me enganchó demasiado y que, debido a esta última, no conseguí llegar a terminar a pesar de mis frustrados intentos. Pero a veces, lo maravilloso del mundo de los videojuegos es poder redescubrirlos, y juzgarlos desde otra perspectiva, desde otro tiempo y con otro grado de experiencia superior. Y es aquí donde B.O.B., después de tanto tiempo, me ha demostrado cuán errónea era mi visión del que en realidad es uno de los juegos de plataformas y acción más atractivos que se crearon para la 16 bits de Nintendo, lleno de posibilidades y un carisma tremendo que no se supieron valorar (no solamente por mí) en su justa medida.

Porque hoy muchos lo recordamos, bajo un prisma u otro, pero es un juego que pasó con más pena que gloria por muchas revistas especializadas del sector. Tal vez leer el nombre de Gray Matter Inc. en la pantalla de presentación era un mal augurio (aunque en Mega Drive fue programado por Foley Hi-Tech Systems) por mucho que Electronic Arts estuviese amparando el proyecto. Dicha compañía canadiense fue artífice de algunas de las mayores mediocridades que vimos en su día en Super Nintendo, como Wayne’s World o The Incredible Crash Dummies, ambos analizados en este mismo blog, y su suerte no mejoró a lo largo de los años hasta su quiebra, a principios de los 2000. Sin embargo, dejaron para la posteridad esta genuina creación por la que años después continuarían siendo recordados gracias a su ingenioso desarrollo y a sus múltiples puntos de genialidad.

TRAMA:

B.O.B es también el nombre del protagonista de esta aventura, un joven robot con forma humanoide y unas antenas de hormiga. Y como casi todo adolescente, muestra rebeldía en su conducta. Empeñado en acudir a su cita con su querida novia, B.O.B. tiene ciertas diferencias con su padre a la hora de tomar prestado su coche. Mientras este le advierte sobre la hora máxima de llegada y sobre no hacer ni un rasguño al vehículo, nuestro protagonista escapa de la “murga” mientras surca el espacio plagado de asteroides, esquivándolos y canturreando feliz un tema de los Rolling Stones (It’s only Rock’n’Roll (but I like it)) hasta que un premonitorio cartel le anuncia que pronto va a dar con sus huesos contra una de las rocas espaciales, dejando el coche hecho un asco y estampándose contra un inhóspito y amenazante planeta. El camino hacia su cita se ha convertido en un infierno.

El lugar, lleno de trampas y formas de vida hostil, no intimidan a nuestro aguerrido robot, que ni corto ni perezoso, emprende la búsqueda de un nuevo vehículo con el que llegar a tiempo a su encuentro, a través de edificios mecánicos, selvas futuristas y gigantescos templos plagados de peligros. Poco más se nos cuenta a lo largo de la aventura, pero entre mundo y mundo, podremos ver unas simpatiquísimas secuencias en las que B.O.B. se esfuerza torpemente por alcanzar su objetivo, llenas de momentos humorísticos que no hacen sino enfatizar la gran personalidad de esta genuina creación de Chris Gray que además es, sin duda alguna, uno de los pilares maestros del juego. Y dicho sentido del humor, tan marcado y gamberrete, se mantiene hasta un final corto y simple, pero tronchante. Un personaje que, extrañamente, no tuvo gran repercusión en este mundillo ni repitió odisea, pero que sin duda mereció otra oportunidad.

GRÁFICOS:

Su diseño es una pasada, y no hablo solo de nuestro héroe de color amarillo, sino de escenarios, fondos, y algunos elementos y enemigos. Es algo que también he conseguido apreciar mucho más con el tiempo. Es de justicia comenzar por las detalladas, fluidas y variadas animaciones de B.O.B., a quien se atribuyeron una cantidad de movimientos que llegan casi hasta donde alcance la imaginación. Y no solo son técnicamente impecables, sino que además son disparatadamente divertidos. La forma en que sube escaleras, se “desplaza” con sus dedos agarrándose a cuerdas o se “comprime” para agacharse y seguir avanzando es sublime, son animaciones llenas de encanto y es casi imposible que no lleguen a sacarnos más de una sonrisa. La picardía del héroe se refleja perfectamente en ellas y es que como digo, estamos ante uno de los personajes más carismáticos que pisaron los 16 bits. A parte de este aspecto, que merecería un mini-análisis para él solo, contamos con armoniosas animaciones para las explosiones, ataques (tanto propios como enemigos) y un scroll bastante fluido que no nos deja vendidos como ocurría con otros títulos de la compañía.

De hecho, y aunque sorprenda, el motor gráfico utilizado en este B.O.B. para Super Nintendo fue exactamente el mismo que para el desnutrido Wayne’s World, pero a nivel de calidad general, jugabilidad y gráficos, el juego que nos ocupa juega en otra liga completamente distinta. B.O.B. nos regala frases divertidas, hace girar 360º su cabeza, se asusta y se sorprende, e incluso su forma de morir varía en cada ocasión, se derrite, explota o se hace polvo (literalmente). Para quienes disfruten de escenarios futuristas perdidos en el espacio, sin duda este juego será una gozada, ya que tanto los elementos que los componen, como los fondos, parecen sacados de una era de ciencia ficción, llegando a cotas incluso de surrealismo en esos bosques de partículas en los que uno no sabe exactamente qué va a encontrar en el siguiente paso. Las fases que transcurren dentro de edificios, ya sean templos (con una fuerte inspiración egipcia) o grandes edificios metálicos son mis favoritas, y lo mejor de todo es que todos los elementos se adaptan al estilo de la fase, ya sean trampas, escaleras, plataformas, etc.

Con esta atmósfera tan trabajada, en donde casi siempre encontramos un plano extra de scroll en los bonitos fondos que albergan cada una de las fases, el jugador puede meterse en el papel tanto como guste, y creo que eso es importantísimo en todo juego, pero además simpatizar con B.O.B. es algo que ocurre desde el primer paso. Dichas fases están muy bien distribuidas para no repetir en exceso el concepto: tras una cueva de lava, tendremos un laberíntico entramado metálico, y después un mundo orgánico que nos llevará hasta un gigantesco templo en ruinas. La variedad de enemigos también resulta gratificante (otra cosa es el odio que lleguemos a desarrollar hacia ellos jeje), diseños alocados e hilarantes, desde misiles desbocados hasta insectos o plantas alienígenas, pero también imponentes jefes finales. Algunos de ellos ocupan buena parte de la pantalla y están deliciosamente animados para que no todo sea sufrir en las batallas contra ellos. Y atención al mapa general que se nos muestra en el paso de una fase a otra, toda una belleza en miniatura que alimentará todavía más nuestra imaginación.

SONIDO:

El nombre con el que se bautizó a esta obra en Japón (Space Funky B.O.B.) podría darnos una idea muy general de lo que vamos a poder escuchar a lo largo y ancho de la aventura, pero habría que matizar más hondo para entender realmente por qué su acompañamiento musical es difícilmente superable a la hora de recorrer los parajes tan peculiares que nos esperan. Una buena pero pequeña colección de cortes que se mueven entre lo ambiental y la fantasía, pero todos ellos con una gran carga de Funk, esto es, notas muy graves, bajos prominentes, scratching, y por supuesto, toda clase de sonidos que pueden recordar perfectamente a una película de aventuras siderales de los años 70. A pesar de su naturaleza más apagada, consiguen hacerse un hueco perpetuo en nuestros oídos, resultando lo suficientemente pegadizas y representando cada una de ellas a los diferentes escenarios que pasaran delante de nuestros ojos.

Aun así, el principal problema del score musical de este juego es precisamente que se quedan un tanto cortas en número, tan solo seis melodías distintas para un juego que nos puede deparar muchísimas horas de juego por longitud y dificultad. Aun así, mantienen su virtud de no hacerse excesivamente machaconas ni repetitivas. Aquellas con más melodía acabaremos tarareándolas, y las más “mecánicas” terminarán haciéndose su huequecito hacia el fondo del subconsciente sin molestar. Incluso las de los final boss mantienen una cadencia moderada, basándose en ritmo y no en melodía. Una vez más, es injusto comparar las composiciones de B.O.B. con las de otras obras de Gray Matter, ya que la calidad de estas es muy superior respecto a pulcritud sonora y a esmero instrumental. Si en la variedad está el principal gusto del cartucho, los efectos sonoros hacen justicia a esta máxima, ya que su capacidad para divertirnos está a la par que con los gráficos, con derrapes, colisiones metálicas, disparos y reventones de enemigos (estos últimos se llevan la palma) con gran fidelidad y carisma.

JUGABILIDAD:

Pero si algo no ha cambiado en mí respecto a este juego con tanto tiempo de por medio ha sido su terrorífico nivel de dificultad. En B.O.B. no solo hay obstáculos, no son simples trabas para la aventura: son trampas colocadas meticulosa y estudiadamente con el principal objetivo de fastidiar, en los momentos más incómodos y con un nivel de crueldad y mala idea que nos harán acordarnos en voz alta, con mayúsculas y en más de una ocasión de la persona que diseñó los laberintos, enemigos y elementos dañinos del escenario. El “prota” puede ser electrocutado, fundido, espachurrado o encontrar su horrible muerte en un pozo del que no podrá salir, mediante secuencias y mecánicas que es prácticamente imposible detectar o esquivar a la primera sin unos cuantos ensayos / errores de por medio. Los primeros niveles son benevolentes en este sentido, pero conforme avance el juego todo será cuestión de prueba, fracaso y memorización. Pero eso sí, que nadie se confunda, la curva de dificultad fue notablemente diseñada, e irá requiriendo de un aumento de práctica y paciencia bastante suave, sin subidas demasiado bruscas (bueno… salvo algún que otro nivel…) y equilibrado en general.

No va a ser, ni mucho menos, un camino de rosas. El juego nos engatusa con la gran variedad de posibilidades al principio, haciéndonos creer que va a ser moderado para que luego caigamos en su trampa. Pero todo esto es tan divertido y tan adorable hasta en los momentos más desvergonzadamente malévolos que es muy difícil que nos terminemos hartando de él, porque cada fase ofrecerá alicientes nuevos, ya sean nuevas armas, nuevos escenarios o fondos, o estructuras no vistas antes… ¡hasta travesías a toda velocidad en un bólido! Estas últimas, por demenciales laberintos y a contratiempo. Porque precisamente este último es uno de los factores que más va a apretarnos las tuercas. Mientras que existen fases que nos dan minutos de sobra para explorarlas en toda su magnitud (que puede llegar a ser enorme), otras nos obligarán a ir a toda mecha sin pararnos demasiado a buscar recovecos secretos o caminos alternativos. Aunque por supuesto, esto puede transformarse en un importante valor de rejugabilidad. De hecho, os puedo confesar que he tardado en tiempo y en esfuerzo lo mismo en pasarme un 80% del juego que el restante 20% final.

Pero no creáis que B.O.B. es un don nadie y está indefenso a la hora de afrontar peligros. Entre sus alardes mecánicos se encuentran la friolera de seis armas distintas, a cada cual más mortífera, que van desde el clásico disparo de proyectiles individuales a misiles teledirigidos, un lanzallamas cuya distancia de alcance dependerá del tiempo que presionemos el botón o una mortífera y enorme onda de energía capaz de acabar con cualquier engendro que aparezca por pantalla, salvo los final boss, que son gigantes resistentes a todo cuanto les echemos encima y que supondrán algunos de los mayores quebraderos de cabeza que nos aguardarán en el juego. A estas armas se unirán en igual número seis gadgets de los que B.O.B. podrá disponer (al igual que las armas, siempre que los obtenga antes) para superar obstáculos que de otra forma serían insalvables. De hecho, muchas veces el juego nos fuerza a utilizarlos, so pena de quedar atrapados para siempre. El control del robot es bastante versátil, y una vez dominemos sus puntos flacos (tiempo que tarda en levantarse o en recuperarse de las caídas), tan solo nuestra velocidad de reflejos y astucia contarán a la hora de llegar al final.

CONCLUSIÓN:

Puede que Gray Matter Inc. no sea un nombre asociado especialmente a la calidad debido a algunos de sus desastrosos lanzamientos. Pero todas las carencias, todas las lagunas y defectos que tuvieron aquellos se convierten precisamente en las fortalezas de B.O.B. Tal vez no sea perfecto y haya algunos aspectos que podrían haberse pulido más, pero con una mecánica muy simple y a priori bastante trillada, ofrece toneladas de diversión y lo más importante, atractivos motivos para rejugarlo, una vez se termina por primera vez y se da uno cuenta de que, aunque su dificultad parece monstruosa al llegar a cierta altura de este, con observación, memorización (como sucedería en cualquier shoot’em-up) e insistencia, no hay nada imposible de superar. La simpatía rodea todos los aspectos del cartucho, desde las animaciones a los textos o los diseños de los enemigos, haciendo que su atractivo y simpatía suban exponencialmente a cada paso.

Un juego y un personaje enormemente carismático que extraña e injustamente quedó relegado en exclusiva a Mega Drive y Super Nintendo, siendo de mayor calidad técnica y jugable la entrega que nos ocupa, en parte debido a la cantidad de botones del mando y la facilidad de manejo de armas y gadgets. Ya quisieran muchos de los lanzamientos actuales poseer la jugabilidad de esta joyita, que combina plataformas, acción y un punto de exploración de forma excelente, y que tiene como mayor atractivo el hecho de representar todo un reto incluso para los plataformeros más experimentados debido a su curva de dificultad, relativamente justa pero muy exigente, en un juego que con el añadido de su larga duración nos va a proporcionar muchas horas de frenética diversión. Y es que sus tres mundos y sus cerca de cuarenta y cinco fases no son para tomárselas a broma. No quisiera terminar sin dedicar esta reseña a mi colega fran_friky, que sé de buena tinta que es un gran admirador y experto de este juego.

- Lo Mejor del Juego: La colección de armas y gadgets le añaden mucho potencial. Las animaciones de B.O.B. son fantásticas, variadas y muy divertidas. Su duración. Algunos efectos sonoros. El tono humorístico y la simpatía que desprende todo en general.

- Lo Peor del Juego: Algunos saltos de dificultad son demasiado bruscos, incluyendo los de los final boss. Escasas melodías distintas. Que su secuela fuese cancelada y no salieran más juegos con el protagonista.

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Seguramente no pasará a la historia, ni de lejos, por su banda sonora. Pero hay que afirmar que la pequeña colección de temas con la que el compositor Michael C. Bartlow dotó a esta versión de Super Nintendo pasó a formar una parte de su enorme carisma. Y es que el hecho de que no aproveche al máximo las grandes posibilidades del chip sonoro de la consola no quiere decir que cada tema esté perfectamente acoplado al juego y a cada una de sus fases, especialmente por su estilo Funk.

Underground. En este caso, el sonido de imitación de las guitarras eléctricas sí recuerda al de otros títulos de la compañía como Wayne's World, pero en cuanto a nivel compositivo es algo superior, además de contener otros instrumentos como una sólida base de percusión y alternar distintos tempos dentro del mismo tema. Sin llegar a la sosa composición que ambienta las batallas contra los jefes finales, es la más oscura de todas las que escucharemos.

Space City. Diría sin temor a equivocarme que estamos ante el corte que mejor define el estilo musical de B.O.B. y la más acertada de todas a la hora de ensalzar la ambientación de la que se quiso dotar al juego. Sus teclados con sonido futurista, sus contratiempos a la batería y sobre todo, el efecto scratching, bastante conseguido, le confieren ese groove perfecto para observar como nuestro amarillo amigo da sus primeros pasos con esa chulería que le caracteriza.

Techno Pyramid. No, no es que vayamos a escuchar un tema de reminiscencias a lo Techno. De hecho, no se desmarca en exceso de los otros presentes en la banda sonora, pero sí añade algún instrumento interesante. Sus primeras notas poseen un sonido entre campanadas y órgano hammond que tal vez aportan un aire más místico a los grandes templos en donde suena. Pero por supuesto, también encontraremos baterías entrecortadas, slap de bajos y un ritmo de lo más vacilón.

Mortal Kombat

2020-06-06T17:22:00.004+02:00

INTRODUCCIÓN:

Se podrían escribir cientos, miles de líneas, incluso libros enteros y detallados tratando de recopilar y ordenar los sucesos derivados del impacto real (e imaginario) que el título que nos ocupa tuvo, tanto en los jugadores aficionados a las salas recreativas como en aquellos que lo disfrutamos en la tranquilidad de nuestro hogar. Echando la vista atrás, se podrían decir cosas como que fue algo excesivo, que cambió incluso la dirección del mundo de los videojuegos, o que marcó el momento clave en el que los aficionados un pasatiempo tan inocente como los videojuegos comenzaron a insensibilizarse. Sin embargo, a pesar de lo mucho que se habló en su momento, sigo pensando que tales afirmaciones son algo exageradas (tal vez salvo la segunda…), porque Mortal Kombat fue y sigue siendo algo mucho más sencillo que todo eso: un videojuego de lucha que quiso llevar un paso más allá el tema del realismo.

Y John Tobias y Ed Boon sabían a lo que se exponían, vaya si lo sabían, pero creo que ni en sus más abiertas previsiones fueron capaces de imaginar la que iba a liar su nueva creación. No fue el primero videojuego en el que quienes se enfrentaran a él descubrirían violencia, pero sí uno de los más explícitos con ella. Videojuegos como Death Race (Atari 2600, 1976) o Chiller (Arcade, 1986) plantaron las semillas en este aspecto, especialmente este último, en el que debíamos torturar hasta la muerte a personas sometidas en una cámara de tormento. Sin embargo, y hasta la llegada de joyas como Doom o Carmaggedon, pocos juegos se regocijaron con la sangre como lo hizo Mortal Kombat en su primera aparición en salas recreativas. Su llegada a las consolas provocaría poco después, por sí sola, la creación de un sistema de clasificación recomendada por edades.

TRAMA:

El torneo Shaolin de artes marciales era un evento que se celebraba cada cincuenta años desde tiempos inmemoriales y reunía a las más grandes figuras de la lucha de todo el mundo, enfrentándolos en singulares combates siempre desde la perspectiva de la justicia y el honor en la batalla. Durante muchos siglos, dichas reglas fueron constantes… hasta que desde 500 años a esta parte, el demoníaco hechicero Shang Tsung, desterrado de Earthrealm (uno de los dieciocho reinos del mundo imaginario donde tiene lugar la competición) regresó con su nuevo pupilo, una grotesca bestia irracional mitad humano mitad dragón que, al ser infiltrada en el torneo, derrotó uno tras otro a todos los oponentes que le plantaron cara, tomando sus vidas y entregando sus almas a su maestro, Shang Tsung, que con el tiempo se convirtió en el dueño y señor de un torneo cuyos días de gloria quedaron atrás, transformándolo en una competición llena de muerte y corrupción.

Con Kung Lao (el anterior maestro de ceremonias del torneo) muerto y con su sed de almas todavía por saciar, Shang Tsung invitó a su torneo durante incontables años a poderosos guerreros para aplacar su propia sed de sangre. En el que nos ocupa, Raiden, dios del trueno que otrora fuese el protector de Earthrealm, urde un plan para hacer sucumbir la maldad del tenebroso mago. Este trae consigo a seis luchadores, escogidos por él mismo y preparados con extraordinarias habilidades marciales para terminar con el reinado de terror y eliminar de una vez por todas al odioso Goro de la faz del mundo. En dicha trama ya se puede apreciar el tono oscuro y monstruoso que inunda a este primer Mortal Kombat, lo que viene a ser uno de sus principales pilares de identidad. En la introducción, podremos leer un resumen de la biografía de cada uno de los siete luchadores del juego y también la presentación de Goro.

GRÁFICOS:

Los siete luchadores seleccionables lucen un aspecto bien definido y diferenciado entre ellos. Los de la hace años difunta Acclaim se propusieron crear un elenco de personajes de gran personalidad para intentar hacer frente de tú a tú al gran rey de los juegos de lucha: Street Fighter II. Cada uno de ellos se nos presenta con su propia vestimenta, sus propias animaciones y su propio estilo de lucha bien plasmado en el juego. Algunos de ellos, de hecho, siguieron utilizándose durante muchas entregas futuras. La técnica de la digitalización, no demasiado empleada en aquellos días en los videojuegos, fue sin duda uno de los puntos clave del reconocimiento que obtuvo Mortal Kombat y algo que le dio ese toque realista que le imprimía de forma más marcada todavía esa aura macabra y casi terrorífica que todos pudimos sentir en su momento. El hecho de poder controlar a luchadores semejantes a personas reales en sus rostros y su colorido era un paso más allá hacia el realismo en comparación a los sprites con más aspecto de dibujo que lucían otros juegos del género.

El juego luce unos personajes de muy buen tamaño, con unas animaciones bastante detalladas, fluidas y variadas que contribuyen a esa sensación de realismo grotesco que siempre me transmitió esta saga. La ambientación oscura, inundada de magia negra, bestias inmundas, misterio oriental y detalles truculentos era algo que muchos todavía no habíamos vivido hasta entonces y creaba cierta sensación de desasosiego tan solo con ver los combates en movimiento, con toda esa imaginería tan particular. Nubes oscuras, hostiles decorados, atmósferas subyugantes… todo eso y más forma parte de los escenarios en los que las luchas transcurren para desestabilizar mentalmente al jugador. Puede que hoy en día haya perdido su factor de impacto, pero en pleno 1993, cuando el juego fue portado primero para las consolas de 16 bits, era algo, como poco, inquietante, algo que casi se percibía más que se veía, esa especie de malas vibraciones que te imbuía su apartado gráfico, y creo que esta sensación era en realidad el aspecto más especial del juego. Por suerte para los usuarios de Super Nintendo, pudimos disfrutar de unos escenarios mucho más llenos de vida y movimiento, fieles a la recreativa original.

Los decorados estaban plagados de detalles en la versión que nos ocupa (no así la de Mega Drive, que a nivel gráfico quedó muy esmirriada y plana). Público, objetos, nubes en movimiento, estatuas, bonitos tapices y motivos escabrosos… A pesar de las limitaciones, se intentó hacer que el port, sin ser ni de lejos pixel perfect, captara toda la esencia visual del arcade. Las digitalizaciones no son tan vistosas (hay algunos fallos y zonas grises que afean ciertas posturas de algunos personajes) y falta un pelín de definición, pero aun así la sensación de tridimensionalidad en las animaciones es más que digna, con los personajes en posición neutra y ejecutando llaves. Otra cosa es que, respecto a los luchadores, estos den la impresión a veces de no estar completamente integrados en los escenarios, ya sea por las sombras o por los recortes que hubo que practicar, pero aun así no se le pueden poner demasiadas pegas a la conversión en este aspecto; hasta que aparecieron las versiones de 32 bits, tal vez fue la forma más aproximada de disfrutar del arcade original en el sillón de nuestro hogar para quienes ya nos habíamos pulido unas cuantas monedas jugando al original.

SONIDO:

Respecto al apartado musical en concreto, hubo grandes variaciones entre una conversión y otra dentro de los 16 bits. Mientras que en Mega Drive (cuya adaptación fue realizada por Probe) se optó por concebir melodías nuevas y bastante distintas a las del arcade original, en Super Nintendo (que vino de la mano de Sculptured Software) se respetaron estas en gran medida de fidelidad, algo que agradecieron los fans del juego. Gracias a la potencia del chip sonoro del Cerebro de la Bestia, pudimos disfrutar de ellas en toda su grandeza sin que apenas se apreciaran diferencias. Así como seis escenarios tiene el juego, seis composiciones principales son las que amenizarán los combates. Como una prolongación de lo dicho en el apartado gráfico, las melodías del juego contribuyen en gran medida a crear ese halo de misterio, de brujería y de “mal rollo” en cualquier pantalla del juego. El estilo escogido para la ocasión fue, como no podía ni debía ser de otra forma, puramente oriental.

Prácticamente todo lo que podremos escuchar está formado por instrumentos que recuerdan a la artesanía y la ortodoxia de las culturas orientales, pero también a la disciplina y rectitud de las artes marciales, entre otras cosas gracias a sus percusiones y al sonido inherente a cada una de ellas. Crecientes en nivel de tensión la mayoría de ellas, fortalecen la violencia y “casquería” de cada combate pero sin resultar excesivamente cargantes, más bien acompañándolos con elegancia y siendo todas bastante parecidas en espíritu, aunque algunas son un poco más desquiciantes, como la que nos acompaña en nuestra lucha contra Goro, con ese ritmo tan confuso y enervante. La máquina original hacía gala de un gran número de voces digitalizadas que, aunque a día de hoy resulten bastante pobres, añadieron muchos puntos de personalidad al juego. Y por suerte, estas se mantuvieron en casi su totalidad en el Mortal Kombat de Super Nintendo, sin sonar excesivamente enlatadas, aunque en este sentido existen contrastes de calidad.

JUGABILIDAD:

Hay quienes ven en este aspecto uno de los mayores problemas de esta conversión, y con argumentos bastante indiscutibles. Mortal Kombat, como juego de lucha nunca llegó a tocar al inalcanzable Street Fighter II (el espejo en el que todos los productos del género se miraban por fuerza), pero sí es cierto que logró crear una jugabilidad muy personal a la que, una vez se le cogía el tranquillo, resultaba bastante cómoda y divertida aun con sus limitaciones. Los golpes son bastante sólidos y en cierto modo coherentes, aunque no existe demasiada variedad en ellos y en esta primera entrega todos los luchadores poseen básicamente los mismos… a pesar de que cada uno tenga un estilo de lucha y golpes especiales. Sin embargo, esta versión funciona un tanto diferente al original. Mientras que los golpes aéreos son razonablemente fáciles de asestar, la lucha cuerpo a cuerpo puede convertirse en un auténtico infierno por culpa de ciertos fallos en la adaptación de los movimientos y ciertos patrones que nos pueden llevar por la calle de la amargura. A esto se debe añadir cierto retraso entre el timing de ejecución.

La similitud entre los movimientos básicos de todos los combatientes hace que tengamos las mismas posibilidades de éxito que de fracaso sea cual sea el escogido, decisión en la que terminará influyendo sobre todo el aspecto que más nos guste o los pocos movimientos especiales exclusivos (como los proyectiles o los ataques a distancia). La movilidad es buena, las dinámicas de colisiones bastante bien llevadas a cabo salvo ciertos momentos puntuales, y el concepto de las distancias bien traído cuando aprendemos a manejarlo bien, pero el torpe control (en su hermana de 16 bits fue más preciso) puede hacer que nos frustremos en más de una ocasión. El juego no tiene una dificultad especialmente elevada, pero tampoco es un camino de rosas: habrá que trabajar bastante el control y aprender a captar la velocidad de juego para hacernos con él. Existen 5 niveles a escoger pero a partir del intermedio todos resultan muy parecidos. Los golpes especiales son muy fáciles de ejecutar (si el ligero desfase del control no nos lo impide), incluyendo los “fatalities”, otro de los puntos clave por los que este juego siempre será recordado.

He querido dejar para el final uno de los temas más polémicos de esta conversión en particular, aunque existirán pocos que desconozcan este detalle. Y es que… ¿cómo iba a permitir Nintendo, con su recatada política de lanzamientos, que la pantalla de nuestro televisor se tiñera con sangre? Tras muchas negociaciones y cambios, finalmente Mortal Kombat apareció en Super Nintendo sin una sola gota del rojo líquido, arrancando así de cuajo uno de los principales alicientes para aquellos cuya curiosidad fue atraída entre otros motivos por la implícita violencia del juego original. Al contrario que en Mega Drive, aquí no había forma posible de activar la sangre, que en los impactos fue substituida por unos salpicones grisáceos que representaban inocente sudor, e incluso se modificaron todos y cada uno de los fatalities, que quedaron ambiguos y sin imágenes explicitas. En esta versión solo había uno por personaje, pero pensándolo bien… ¿para qué más? Como un bistec sin aliño, o un Ferrari sin su alerón, la castrada versión para la máquina de Nintendo lanzó nuestro gozo a un pozo, decepcionando así a muchos usuarios de la consola en uno de sus grandes batacazos frente a la bestia de Sega.

CONCLUSIÓN:

A pesar de todo, huelga decir que la ausencia de la sangre y de las escenas más violentas no hicieron de este un mal juego. Aun sin toda la parafernalia que lo mitificó, sin ese extra de picante que nos atraía como la miel a las moscas, continuó siendo un juego divertido y bastante jugable, pero es algo que muchos echaron en cara a Nintendo durante años. De hecho, y esto es un dato muy conocido, la versión de Mega Drive vendió la friolera de hasta cinco veces más. Y esto nunca puede ser simple casualidad. Sin sangre en los golpes y con unos fatalities bastante ridículos en algunos casos, muchos nos lo pensamos dos veces antes de hacernos con él… y eso que en versiones muy primitivas del juego, algunas revistas mostraban imágenes sin censura, pero solo fue un sueño efímero. Si queríamos casquería fina, los Super Nintenderos debíamos seguir acudiendo a los salones recreativos.

Dejando a un lado todo este aspecto, que ya hizo correr ríos de tinta y malas caras suficientes en su momento, es una experiencia bastante disfrutable. Básicamente se puede entender de la misma forma: sigue siendo un juego de lucha con personajes extraídos de la mitología y la cultura pop oriental, con combates rápidos y cortos, con la ambientación fantasmagórica que conseguía ponernos los pelos de punta en su día, con personajes carismáticos y con un buen nivel de adaptación jugable. El apartado técnico es más que notable, un fidedigno acercamiento a la recreativa original con todas sus voces digitalizadas y músicas (tan solo se echan en falta algunos sonidos ambientales propios de los escenarios), conservando su oscura esencia sin carencias remarcables salvo en el tema del control, que puede ser algo rudo y poco fiable en ocasiones. Hoy en día se puede acceder a él como curiosidad, como un recuerdo de hasta dónde consiguieron llegar las “políticas familiares” de la gran N.

FATALITIES

ENDINGS

- Lo Mejor del Juego: Las digitalizaciones, animaciones y escenarios están muy bien realizados. Conservaron los fatalities (aunque de aquella manera) y los movimientos especiales son muy fáciles de ejecutar. Su tétrica y diabólica ambientación me encanta.

- Lo Peor del Juego: El control poco preciso puede jugarnos más de una mala pasada. Hay patrones muy indeseables y traicioneros. La supresión de casi toda la violencia del original.

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A la hora de adaptar el score que podíamos escuchar en la máquina recreativa a Super Nintendo, Acclaim echó mano de unos cuantos compositores experimentados que ya habían trabajado anteriormente en obras como World League Basketball o Wing Commander de Super Nintendo, pero para rematar la jugada, el mismo Dan Forden estuvo implicado en su creación para así mantener fiel el espíritu del juego original. Un disco llamado Mortal Kombat: The Album acompañó, por separado, al juego en su lanzamiento para consola.

Palace gates. La melodía en cuestión, que arranca de forma suave y sin apenas instrumentación, va tomando ese cariz dramático del que el juego hace gala en todo momento para comenzarnos a meter el miedo en el cuerpo y poner a prueba nuestros nervios durante el combate. Y no lo consigue por ser especialmente estruendosa, sino por ese tono fantasmal que consigue a base de la mezcla de sus teclados y su percusión endémica. Su ritmo lento y oscuro hace el resto.

The Pit. Al igual que la mayoría de las composiciones, empieza con un ritmo apagado y casi ambiental, pero va subiendo de tono poco a poco, se añade la percusión oriental, se añaden más teclados y se van formando melodías que rozan lo escabroso. Al igual que The Pit es uno de los escenarios más mortíferos y recordados, la melodía que lo representa es una de las que quedó grabada en la memoria auditiva de los fans de la máquina original, y en Super Nintendo la escuchamos en todo su esplendor.

Warrior Shrine. Esta es algo más compleja que la media, aunque sin llegar a las enrevesadas percusiones de aquella que aparece en el escenario de Goro. Sus notas más graves retumban de fondo para enfatizar esa sensación de peligro y oscuridad constantes. Poco a poco, da la sensación de ir entrelazando distintos tempos hasta parecer que nos va a mostrar un ritmo casi progresivo. Su melodía es de las más tétricas que podemos escuchar, y es una de las que mejor se adapta al combate.

Ending theme. La primera parte se escucha en el momento en que Shang Tsung es derrotado y va liberando una a una las almas robadas de los contendientes. Después llega la parte que más me gusta, más movida, más terrorífica si queréis, y a pesar de haber superado ya el torneo, nos sigue creando una sensación perenne de que algo malo está por llegar gracias a sus notas llenas de incertidumbre y el "mal rollo" que desprende. A mí es una de las que más me ha transmitido.

Flashback: The Quest for Identity

2020-05-16T11:56:00.003+02:00

INTRODUCCIÓN:

Tras haberme tocado analizar en los últimos meses algunos juegos un tanto irregulares en cuanto a calidad, hoy me llena de ilusión el poder hablaros de un juego del que llevo muchos años enamorado por diversos motivos. Un juego que pasó por los más variados sistemas de su momento y sigue dando la cara, con mejor o peor resultado, en plataformas más actuales. Considerado de culto ahora y totalmente rompedor en su nacimiento, Flashback no fue otra cosa sino el sueño hecho realidad de un equipo de programación llamado Delphine Software, quienes pusieron en el año 1992 toda su ilusión, su esfuerzo y sus medios en crear algo distinto, que difícilmente pudiera encasillarse en un género concreto, pero cogiendo elementos de casi todos ellos al mismo tiempo. De entre todos los que formaban parte del grupo, destaca el nombre de Paul Cuisset, un talento que desarrolló el concepto, lo diseñó entero, y fue el autor de sus escenarios y cinemáticas.

¿El resultado? Un juego con tal encanto que fue algo incomparable, al que ni siquiera Another World, anterior y similar en concepto pero con el que no guarda ninguna relación, conseguía acercársele. El proceso fue costoso e innovador para la época, pero el esfuerzo mereció la pena, situándole dentro del libro de los records Guinness como el juego de cuna francesa más vendido de todos los tiempos. Millones de jugadores disfrutaron de sus virtudes, desde usuarios de MS-DOS hasta los de la maltrecha Jaguar, que fue el último sistema que albergó a esta joya (excepto refritos actuales). Una mecánica lenta pero apasionante, adictiva, tensa y que no deja de sorprender, con un control tremendamente arriesgado que no es precisamente coger el mando y jugar, pero tan preciso y efectivo como elaborado y con posibilidades. Mi primera experiencia fue con una Mega Drive, pero hoy os traigo, cómo no, la versión para nuestro Cerebro de la Bestia.

TRAMA:

No debe ser cosa fácil despertar aturdido y desorientado, cautivo por sospechosas figuras todavía borrosas y habiendo perdido por completo la memoria. Así retoma el conocimiento nuestro héroe, cuya peligrosa investigación le llevó a meter las narices en temas más allá de los límites de la prudencia, llegando a la conclusión de que, entre la raza humana, camuflados y casi imposibles de detectar, se han infiltrado seres invasores de otra galaxia cuya intención no es sino llegar hasta las altas esferas de poder y desde allí acabar dominando el mundo. Una historia de auténtica pesadilla de la que nuestro protagonista sabía demasiado. Los ojos asustados y ansiosos de Conrad B. Hart, agente secreto de la oficinal de investigación de la Galaxia, son los que nos miran desde la intrigante carátula del juego en su versión Pal, mostrando el reflejo en su frente del rayo que devuelve su memoria.

Esto le hace entender y recordar, por fin, la magnitud del terrible complot en el que se halla inmerso. No es cosa de risa estar luchando contra toda una poderosa organización extraterrestre que pretende esclavizarle a él y a toda la humanidad. La historia transcurre en el año 2142 (un año que ahora ya no parece tan lejano). Huyendo de sus captores, Conrad hace uso del primer vehículo que se le pone por delante, esquivando los láseres que atentan contra él, y dirigiéndose en una persecución hacia la selva de Titan, que forma parte del territorio de una colonia humana en otro planeta. Una de las armas alcanza a nuestro hombre, quien despierta poco después en plena y salvaje naturaleza después de que sus perseguidores le hayan dado por muerto, y con la única referencia de un cubo de memoria en el que él mismo grabó un mensaje ante la suposición de que esta situación llegase a producirse.

GRÁFICOS:

Debemos, casi de forma obligatoria, volver a traer a la palestra al sr. Paul Cuisset y su enorme nivel creativo a la hora de dar una vida y una identidad tremenda a todo lo que podemos ver en nuestra pantalla con este Flashback. Porque muchos de los aspectos técnicos, sobre todo en cuanto a gráficos, que vemos en él tienen referencias anteriores, pero nunca fueron tan bien cohesionados como en esta apasionante aventura. Las animaciones creadas a partir de la técnica de la rotoscopia ya se vieron en ejemplares como Prince of Persia o el anteriormente citado Another World. Y tampoco fue el primer juego en incluir cinemáticas, ya que sin pensar mucho podemos recordar el Dragon’s Lair de Cinematronics. Sin embargo, es la reunión, encaje y maravilloso tratamiento de estos aspectos los que llevan a Flashback a un nivel de personalidad y capacidad de atracción muy pocas veces visto en la época tan solo con echar un vistazo. La prensa y el público en su momento lo aclamaron vigorosamente, y no sin razón, ya que para muchos fue como una especie de primer contacto con el realismo hecho videojuego.

Incluso a día de hoy (pensadlo, después de casi treinta años), las animaciones siguen siendo tan gratificantes de ver que tan solo por disfrutarlas en acción más de uno ya iniciaría una partida con el juego. Su meticulosa creación y las técnicas empleadas, muy avanzadas para su momento, nos brindan unos movimientos fluidos, suaves, milimétricamente detallados y espectacularmente realistas. Y no escatimaron en acciones. Desde los saltos, rodar por el suelo, golpearse contra una pared, frenar en carrera, perder el equilibrio, encaramarse, superar distancias… todo ello plasmado en pantalla de una forma que siempre me pareció y sigo pensando que es un auténtico deleite para la vista y superando ampliamente en cantidad y calidad a lo visto en Prince of Persia. Esto mismo se puede aplicar a las acciones y gestos de todos los enemigos, incluso a los mecánicos, o a las explosiones… en general a todo lo que se mueva en pantalla. Pero desde luego, no solamente de sus animaciones puede enorgullecerse Flashback, ya que los lugares en los que nos sumerge son todo un portento visual, y consiguen transmitirnos esa angustiosa sensación de estar en una tierra hostil y desconocida.

Tanto por su estilo gráfico (nada hecho de forma mecánica y fría, todo dibujado a mano con el máximo esplendor y cariño) como por su paleta de colores (suaves y oscuros, sin grandes contrastes, perfectos para crear ambientación), Flashback se quedará clavado en nuestra retina. Existe un choque radical entre el aspecto visual de cada una de sus fases. Si la primera nos sitúa en una procelosa jungla con plataformas y mecanismos consumidos por la naturaleza, en la segunda nos encontraremos en sórdidos lugares mucho más parecidos a los de la Tierra, incluso más que los de la cuarta, que precisamente es allí a donde nos llevará… y muchas más sorpresas, ya que como digo cada una de las seis es un mundo totalmente aparte, lleno de gusto por el detalle y una creatividad pasmosa. Las escenas cinemáticas nos van contando poco a poco la historia. Estas, a pesar de su gran personalidad e inconfundible carisma, no han envejecido bien en la parte técnica, pero aun así, si uno se sitúa en su época, siguen siendo deliciosas. En lo negativo, decir que esta versión de Super Nintendo se ralentiza más de lo deseable comparada con otras, aunque solamente en momentos puntuales.

SONIDO:

Este puede considerarse por muchos como el apartado más especial de Flashback. Especial en todos los aspectos, y también el más difícil de analizar. Y no porque su calidad no esté a la altura, sino por su escasez. Tan solo contamos con unas poquísimas melodías largas, todas ellas realizadas para encuadrar en un mundo futurista y sonando todas ellas muy electrónicas, sin melodías destacables. Destaca sobre todo un bajo siempre muy presente que es el instrumento que conduce las líneas principales junto a sonidos más “espaciales” formados por teclados y derivados, teniendo todas ellas un carácter muy ambiental, y nos acompañarán en momentos muy determinados pero no desviarán nuestra atención de los textos o situaciones correspondientes. Su clave de misterio y serenidad son fundamentales, sin embargo, para meternos más todavía en la historia. El resto no se pueden calificar como temas en sí, sino más bien como incursiones musicales, que aparecen atendiendo a un momento en el que por algún motivo requiere que el jugador se mantenga despierto y atento.

Me gusta mucho el detalle de que a veces suenen cuando menos lo esperamos pareciendo (sin ser así en realidad) que aparecen de forma aleatoria, algo así como sucedería también en el maravilloso Equinox, aunque mucho más cortas en duración, recordando más por su personalidad a otra grandísima pieza, Shadowrun. También en el ending, junto a las bonitas escenas de vídeo, podremos disfrutar de un tema exclusivo con un aura épica que pone punto y final a la historia. Sin embargo, la poca predominancia de las melodías no tiene por qué verse como algo negativo, ya que para la estética y mecánica de este Flashback, el silencio le sienta de auténtico lujo, dejando protagonismo entonces a los efectos sonoros, muy convincentes. Los de los engendros mecánicos recuerdan a los que emitía R2D2, y de este tipo está el juego plagado, pero también de sonidos de animales, pasos, efectos de electricidad…

JUGABILIDAD:

Como digo, es muy complicado dictar a qué género concreto pertenece esta joya única y casi incomparable. ¿Plataformas? ¿Aventura? ¿Inteligencia? ¿Acción? A todos ellos y a ninguno a la vez. Si bien en la primera fase se nos exige explorar cada centímetro buscando objetos y personajes, en la segunda prima más el diálogo y la “investigación”, en la siguiente es más fuerte la acción… y así sucesivamente. A pesar de su ritmo lento, Flashback no permite ni un segundo de aburrimiento, aunque es indispensable en muchas ocasiones pararse a reflexionar sobre cómo afrontar cada situación. Es un juego puñetero y exigente desde la primera pantalla, pero con una dificultad magistralmente ajustada para cualquiera de ellas. Una vez hayamos superado una prueba, nos acordaremos del procedimiento para la siguiente, aunque siempre se añadirán nuevos elementos, y este avance será más intuitivo de lo que podamos presagiar en un principio. El broche de oro para esta mecánica es su sistema de sucesión de pantallas. No existe scroll, aunque sí son correlativas unas con otras, por lo que si salimos corriendo de una, entraremos de igual modo en la siguiente.

Este es uno de sus muchos puntos de identidad, pero existen muchísimos más. El control puede parecer excesivamente enrevesado en un principio, pero denota que tras la programación de este hay mucho estudio. En los pasos, saltos, caídas… la distancia siempre es exactamente la misma. A veces superar una pantalla plataformera es más cuestión de dominar las medidas de los movimientos del protagonista que el propio timing. En las partes de acción y disparos, este último cobra más importancia, y ambos factores se combinan con una perfección casi absoluta. Todo está escrupulosamente calculado en Flashback. Cada acción tiene su consecuencia. Aprender a dominar a Conrad desde el principio es fundamental, porque las trampas y los enemigos no perdonan ni una, y la inteligencia artificial de estos últimos es, a veces, temible. Su gran definición visual implica que a veces los objetos a buscar y recoger sean muy pequeños, pero un aviso aparecerá cada vez que andemos cerca de ellos (teletransportes, llaves, tarjetas, dinero, rocas…). Al cambiar de nivel, tan solo conservaremos algunos de ellos, los verdaderamente imprescindibles, lo que en cierto modo alivia la dificultad.

Y sí, también hay picos de dificultad que pueden hacernos querer estampar el mando, pero serán muy concretos (como el primer tramo de la última fase, o la última tarea encomendada en la tercera). Una de las claves para ir avanzando es hacerlo poco a poco. Hay que controlar las distancias y “asomarse” con cuidado a la próxima pantalla, sea en vertical o en horizontal, y si no dominamos las alturas, acabaremos hechos puré a las primeras de cambio. Pero esto no es cuestión de prueba y error, sino de cuidado, porque el juego es espontaneo en presentar las trampas y las sorpresas desagradables, pero siempre da una oportunidad salvo casos muy contados. La otra clave es aprender a utilizar con la mayor frecuencia posible los puntos de salvado y los generadores para recargar nuestra batería (escudo); nuestra munición será infinita y también nuestro armamento, y debemos aprovechar esto para aniquilar hasta el último enemigo, so pena de dejarnos algún objeto crucial. Conversar con algunos personajes, aunque tampoco exista gran cantidad de texto, será también algo básico para progresar, y esto refuerza a su vez el lado más aventurero del juego.

CONCLUSIÓN:

Recuerdo que la primera vez que entré en contacto con este Flashback, más que otros videojuegos del mismo estilo me vinieron a la mente películas como Blade Runner o The Running Man, en las que probablemente el juego de Delphine Software tenga más de un punto de inspiración. Y es que bajo su aspecto retro-futurista y la tensión que la propia historia crea sobre nosotros, se esconde una aventura con acción, disparos y puzles absolutamente apasionante en donde gracias a la versatilidad del control de Conrad deberemos resolver decenas de situaciones de lo más variado y original. No es especialmente largo y con dedicación se puede completar en un par de días o tres, pero nos queda una experiencia que se aferra a nosotros con intensidad, y que pronto querremos volver a recorrer, ya con el control más dominado, para intentar tomar acciones distintas, resolver las situaciones con otros pasos o superar nuestro tiempo.

Si bien algunos aspectos los tomó prestados (y los mejoró) de juegos anteriores, su concepto es bastante único, y ya no hablemos de su estética, de sus animaciones, de su fantástica escenografía, de sus colores o de su peculiar forma de presentarnos el apartado sonoro, porque todo es pura genialidad se mire por donde se mire. Respecto a la versión para Mega Drive, Flashback en Snes se nos antoja más lento en las secuencias vectoriales, y por otra parte, presenta más definición en algunos detalles gráficos como sombras, pero ambos juegos son prácticamente idénticos salvo ciertos cambios de color en el atuendo del protagonista y el de los enemigos. Según tengo entendido, los remakes que se han hecho de este tesoro de juego no han estado a la altura de las expectativas. Y es que cuando el original ya tocó techo en prácticamente todos sus apartados… ¿cuál es la necesidad? Es algo que nunca me entrará en la cabeza.

- Lo Mejor del Juego: Sus animaciones, su ambientación, sus sugerentes formas… todo sabe a misterio, a investigación e incluso a cine. Muy buena trama. Desborda carisma en todos sus apartados. La física es brillante.

- Lo Peor del Juego: En espacios muy abiertos o con muchos enemigos se ralentiza bastante. Algunos puntos de salvado no están del todo bien distribuidos.

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Tras pensarlo detenidamente, he decidido poner tan solo un tema de Flashback en esta sección. La escasez de cortes largos en su banda sonora no da para mucho más, pero eso no quiere decir que no vayamos a quedar satisfechos con este apartado, ya que el silencio empasta perfectamente con su ambientación oscura y futurista, junto a esas pequeñas salidas musicales en los momentos más procedentes que son lo que realmente le dan su verdadera identidad.

Opening. Tal vez la más conocida por ser la primera que escuchamos y la que nos introduce en el juego acompañando a la presentación. Su sonido, oscuro y su ritmo más rápido que el de la mayoría que encontramos más tarde se desarrolla a base de marcados bajos con percusión e instrumentos más peculiares. Es un ejemplo del sonido que buscó John Hancock para este juego, sin salirse de su estilo compositivo pero quedando de perlas para esta ambientación tan profunda que presenta Flashback.

Cacoma Knight in Bizyland

2020-04-21T17:53:00.003+02:00

INTRODUCCIÓN:

Quien más y quien menos, sobre todo refiriéndome a aquellos que ya contamos con unos añitos a las espaldas (y a aquellos que han revivido tan gloriosa época a través del M.A.M.E.) habrá echado alguna moneda o, al menos, visto alguna partida en vivo a uno de aquellos juegos de salón recreativo que consistían en destapar alguna pantalla estática oculta a base de ir formando poco a poco su contorno mediante figuras rectangulares, esquivando los enemigos y desvelando ítems ocultos por el camino. Gals Panic (sin duda, la saga más longeva y conocida de todas), Qix de Taito, Harem Challenge, Fantasia… todos estos juegos tomaron ese estilo con escasas modificaciones en la mayor parte de los casos, pero con un factor en común: su mayor gracia estaba en las escenas subiditas de tono que acabábamos por desvelar y que representaban tal vez el mayor aliciente para seguir adelante pantalla tras pantalla.

Un género que, pese a su extrema simpleza en casi todos los apartados, supo hacerse un hueco en la mayoría de salones y evolucionar con la llegada de los polígonos y las tres dimensiones, como hizo el Dancing Eyes de Namco, con mayor o menor éxito. Sin embargo, no fue un estilo demasiado popular entre los usuarios de consola, y no son muchos los ejemplos que se puedan poner fuera del mundo del ordenador. Sin embargo, cual rara avis, Cacoma Knight in Bizyland llegó para cubrir ese hueco en el catálogo de Super Nintendo, como (a no ser que me equivoque) único exponente en la consola. Aunque por supuesto, tratándose de un producto aprobado por Nintendo, toda la parte picantona ha sido tajantemente eliminada, y aquí tan solo descubriremos bonitas pantallas a todo color dentro de un ambiente fantasioso y mucho más recatado. Eso sí, la mecánica es casi idéntica a los juegos antes mencionado.

TRAMA:

Pocas cosas puede haber tan irrelevantes para un juego tan centrado en esta mecánica de puzle como la historia que lo rodea, aunque imagino que al tratarse de un juego para consola, sus creadores quisieron darle aunque fuese un liviano y básico argumento para que el jugador se sintiese mínimamente identificado con el personaje. En realidad, tenemos tres de ellos para elegir, pero como cabía esperar, la historia es exactamente la misma en cualquier caso. No hubiese estado de más añadir alguna escena, o cambiar ni que fuese algún texto de los diálogos, pero no es en este apartado donde el hecho de escoger a uno u otro personaje ocasionará cambios. A parte de los tres protagonistas, intervienen en el argumento el rey de Bizyland, que es donde tiene lugar la aventura, como archienemiga la reina Wagamama y sus terribles ansias de riqueza y como rehén y objetivo último de nuestros héroes salvadores, la princesa de turno.

Toda la historia da comienzo en una tierra idílica, cubierta por verdes páramos, cielo azul y nubes blancas llamada Bizyland. Sus habitantes no tienen más preocupaciones que desempeñar sus trabajos diarios y ser felices con su rutina. Pero esta se verá gravemente perturbada por la codicia de una malvada reina llamada Wagamama, del oscuro reino de Lasyland, que en sus ansias de conseguir todo el poder, sabiduría y riquezas del reino vecino, decide hacer un pacto con un espejo mágico que intercambiará las posiciones de ambos reinos, sumiendo a Bizyland en las tinieblas y subyugando a sus habitantes bajo el poder de una terrible magia. Pero no todos quedaron cautivos. Aquellos cuya vida transcurría sin más preocupación que la de jugar y divertirse esquivaron, sin saberlo, el maleficio, y por supuesto serán a quienes el rey encomiende la misión de salvar a su hija. De otra forma, pasada la próxima luna llena, esta quedará presa para siempre en el espejo maligno.

GRÁFICOS:

Como dije en la introducción, y a pesar de que más de uno pueda tener ligada esta mecánica tan particular a imágenes con desnudos y bastante explícitas (aunque vistas a día de hoy no creo que logren ni siquiera sonrojar al más mojigato), aquí podemos olvidarnos de ellas de forma diametral, y dejarnos llevar por otro tipo de pantallas estáticas que nos muestran bonitas escenas de pueblos, interiores de grandes máquinas, palacios… etc. muy del estilo medieval pero con cierto toque steam mezclado, curiosas y bien dibujadas que de un modo u otro nos alegrarán la vista, aunque tampoco creáis que son un prodigio del diseño, simplemente son resultonas, con colores bien aplicados y cumplen su cometido de agradar, pero no suponen un gran aliciente para el jugador a no ser que sea para avanzar y pasar a la siguiente. Desde luego, no tienen la profundidad que se le exige a una Super Nintendo a pleno rendimiento; un uso más intensivo de la paleta, tratamientos de sombras, etc. le hubiesen dado mucho más brillo a este apartado.

En un año donde grandes títulos ya comenzaban a exprimir el hardware de la consola y sus muchísimas virtudes, los de Affect (compañía responsable del juego, y autora de otros menos conocidos y exclusivos del mercado japonés) decidieron no arriesgar y ofrecieron un apartado gráfico muy llano y sencillo. Lo mismo que ya dije respecto a la trama, el problema es que si bien el argumento queda en un plano muy secundario, los gráficos deberían servir para motivar al jugador más de lo que lo hacen, y ni siquiera encontraremos rastro de pantallas ocultas o algún tipo de exclusividad en este sentido que premie nuestra persistencia a la hora de completar el juego de la forma más pulida posible (creedme, lo he comprobado por activa y por pasiva). Tal vez, de hecho, las escenas que se nos muestran durante la introducción sean de lo más llamativo del juego, su diseño es divertido y convincente. Las animaciones, como cabe esperar sobre todo viendo el tamaño de los sprites que pululan por la pantalla, tampoco son para quitarse el sombrero.

Pero aunque su tamaño sea bastante imperceptible y sus animaciones no sean un apartado realmente destacable, se observa acción y bastante movimiento en la pantalla. Los principales enemigos de cada una de ellas cambiarán conforme vayamos pasando de pantallas o fases. Los movimientos que más resaltan por suerte son los de los tres personajes a escoger, un chico, una muchacha y un robot, pero básicamente son los mismos, así como los de los enemigos más grandes que nos acosarán continuamente lanzándonos toda clase de proyectiles. Si acaso, creo que ganan más las pantallas que veremos a partir del último reto por parte de la reina, por ser estas más conceptuales (distintas habitaciones de su palacio) y menos genéricas, pero la paleta de colores sigue sin brillar aquí tanto como debería. La más bonita de todas me parece la última, con montones de oro y objetos preciosos. Eso sí, lo que no me explico de ninguna manera es que, sin ser un juego para nada técnico en ninguno de sus apartados, ¿por qué diablos se originan tantas y tan molestas ralentizaciones?

SONIDO:

Entre los trabajos del compositor Takahiro Wakuta en Super Nintendo no encontramos gran cosa destacable, si acaso la de aquel curioso pero no notable Kendo Rage. En este Cacoma Knight su tarea se limita a cumplir, sin grandes pretensiones más allá que la de ambientar debidamente cada una de las pantallas del juego, donde sonarán las piezas más destacadas, no solamente por su consistencia, sino porque también son las más largas que escucharemos. A parte, también encontraremos otras de menor duración que pasan más desapercibidas, cada una con un tono en concreto que busca asociarse con la escena presente, como aquella de la audiencia con el rey que nos pide rescatar a la princesa, o la de la intro, algo más interesante, que cambia las tesituras alegres por otras más dramáticas según el momento en que la oigamos. La pantalla de selección de personaje también tiene su propio acompañamiento, uno de los más divertidos del cartucho.

Y es que en general percibimos una atmósfera muy divertida en el concepto global del juego respecto a su música, algo que empasta perfectamente con el espíritu alegre y fantástico que muestra su historia y su entorno y sobre todo con su agradable y adictiva mecánica, que sin duda es el punto fuerte de este Cacoma Knight. No son nada ambiciosas, y pueden resultar desapercibidas por el hecho de que la mayoría se parecen bastante entre sí, pero al menos muestran cierta coherencia en el sentido que he descrito. Los ritmos son vacilones y alegres, y la instrumentación no está del todo mal, con instrumentos que resaltan como los vientos o los metales que le dan un aire que recuerda a algunos dibujos animados clásicos. Muy poco que destacar sobre los efectos de sonido, ya que son muy escasos (quizá demasiado), y se limitan a hacernos saber cuando nuestro personaje traza una línea, cuando pierde una vida, cuando adquiere súper-velocidad…

JUGABILIDAD:

Si os soy sincero, el sistema de juego que originalmente inventó el Qix de Taito no ha sido nunca de mis favoritos, me resulta demasiado plano e incluso monótono cuando uno lleva un rato desvelando pedacitos de pantalla. Pero voy a intentar ser objetivo con este juego que nos ocupa, ya que también faltaría a la verdad si dijera que no me he divertido o no he pasado buenos momentos con él, ya que la mecánica en pequeñas dosis sí es atractiva y llega a enganchar para volver una y otra vez a él hasta conseguir terminarlo. Bajo un entorno de agradables colores y sencilla música, la jugabilidad tampoco presenta grandes objetivos fuera de la diversión inmediata y sin grandes complicaciones. Nuestro héroe (o heroína) debe ir destapando con el báculo mágico que le entrega el mismo rey de Bizyland trocitos de pantalla, transformando poco a poco la decadente y tristona imagen inicial en otra que refleja la verdadera naturaleza de dicho reino pasando por distintas etapas, como la ciudad, el mundo de las golosinas, la región de las máquinas o el imponente palacio de Wagamama.

En el menú de opciones inicial podremos configurar algunos pocos aspectos del juego, como el sonido, los controles o el nivel de dificultad. Respecto a los controles, nada más sencillo. Un botón para trazar líneas y formar cuadrículas para posteriormente cerrarlas y destapar otro trocito de imagen, y otro botón para desplazarnos más rápidamente cuando simplemente caminemos por las líneas ya dibujadas o por los bordes de cada pantalla. Como se puede imaginar, el juego no presenta más dificultades, simplemente pretende que le demos al botón Start y comencemos a disfrutar de inmediato. Pero respecto al nivel de dificultad, ahí sí hay más chicha. Porque dispondremos de tres niveles, fácil, normal y difícil, pero no solamente de ellos dependerá la resistencia que nos ofrezca el transcurrir del juego. De hecho, la diferencia principal entre ellos es el número de cofres ocultos (con sus ítems de ayuda correspondientes): cuanto más difícil, menos cofres. Más que esto, la dificultad la marca la elección de personaje. Porque si gráficamente no ofrecen grandes diferencias, a nivel de control cada uno es un mundo, básicamente por la velocidad.

Si la chica es la más veloz y el chico tiene una rapidez moderada, el robot hace gala de una lentitud completamente desesperante, solo apta para expertos o para aquel que quiera auto torturarse. Porque además, cada pantalla cuenta con un límite de tiempo, y con este personaje es toda una proeza terminar aquellos que pasan más allá de la mitad del juego. Pero con los otros dos, la dificultad es muy razonable. No es que esté especialmente equilibrada, porque la diferencia entre los primeros y los últimos niveles es casi abismal (especialmente dentro del castillo, vais a sudar tinta), pero se puede ir progresando en el juego poco a poco sin demasiados problemas y a buen ritmo. Puede que para alguno peque de excesiva brevedad. Cuando cojamos la práctica del control, de esquivar enemigos, de esperar el momento justo para trazar o de manipular la línea para volver atrás si es necesario, entrará de lleno en juego la diversión más pura y sencilla, y ahí es donde radica la principal fuerza del juego. Y si sabemos aprovechar bien los ítems, saldremos del paso sin despeinarnos.

CONCLUSIÓN:

En esta ocasión me ha tocado desgranar las virtudes y defectos de un juego muy poco usual, que es un ejemplar único en Super Nintendo atendiendo a su género. Para aquellos que invirtieron largas horas junto a recreativas tan recordadas como Gals Panic o Dancing Eyes, tal vez esta versión del género les sepa a poco por su falta de “picante extra” o por su relativamente baja dificultad, pero aun con todo no deja de ser divertido con ese punto de estrategia y de cálculo para dibujar las mejores formas de la manera más eficiente. En realidad nunca le di mucha cancha a este estilo, pero he de reconocer que los pocos días que me ha durado (he dedicado más tiempo a la música o a las capturas para este análisis que a terminármelo) he tenido ratos bastante divertidos con él y como es un juego al que se le pueden dedicar sesiones cortas, cualquier momento es bueno para echarle una.

Su apartado técnico tiende a la mediocridad en el sentido de que no veremos ni escucharemos nada que nos haga saltar del asiento, gráficos coloristas, suaves y algo empalagosos y una música que acompaña bien aunque si se le presta demasiada atención puede llegar a cansar un poco. La variedad entre las pantallas de cada mundo compensa en cierto modo la falta de profundidad de su mecánica tan simple, aunque por otro lado ahí es donde reside una de las grandes virtudes del juego: su inmediatez de cara al jugador. Eso sí, si se supone que el objetivo narrativo del personaje es recoger los fragmentos del espejo que tiene encerrada a la princesa… a nivel del juego es totalmente irrelevante el hecho de descubrirlos todos o no, ya que el final es de lo más decepcionante aunque te dejes la piel en ello, pues por desgracia va a ser exactamente el mismo (independientemente del nivel de dificultad).

- Lo Mejor del Juego: Su mecánica sencillísima de aprender. Las pantallas son bonitas y coloridas sin grandes pretensiones. Abrir todos los cofres puede ser un buen reto.

- Lo Peor del Juego: Es un juego muy corto que se perderá sin pena ni gloria en el recuerdo de nuestras experiencias. La poca velocidad del robot es desquiciante. El final siempre es el mismo, hagas lo que hagas.

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Si en el análisis dije que el acompañamiento musical del juego en general pasa bastante desapercibido... tal vez la principal razón de esto sea la propia mecánica del juego. Esta nos exige gran concentración y apenas podremos pararnos unos segundos para disfrutar de ella, y con la brevedad de las pantallas a superar, rara será la vez que podamos llegar a escucharlas enteras. Pero en realidad tiene buenos detalles y realza la tónica divertida y alegre del juego.

Wildlife. Algo bastante común en las canciones que presenta el juego son las bases construidas a base de vientos en tonos graves, que le aportan ese toque risueño que tan bien encaja con el resto de apartados. Y es que las melodías están ahí para alegrarnos y darnos ánimos, aunque a veces su presencia no sea del todo reconocible debido a la concentración necesaria. A lo largo de esta, nos sorprenden unos cuantos instrumentos como las marimbas, que tienen un gran protagonismo.

Candyland. Esta es otra de las melodías principales que podremos escuchar, en este caso, ambientando la fase en la que todo son dulces, golosinas y guindas de colores. Un apartado gráfico infantiloide y pastel que sin embargo encuentra en este acompañamiento musical un gran compañero para recrear ese espíritu de nuevo tan gracioso y simpático Su ritmo así lo pretende, con trombones alegres, flautas y marimbas que conforman una de las más destacadas y agradables del juego

The Tale of Bizyland. Durante la intro, en la que se nos narran los acontecimientos, encontramos el mayor gusto por la variedad en forma de canción. De hecho, mi favorita. Si bien empieza de forma muy edulcorada con marimbas y clavicordios formando un delicado conjunto, al aparecer en pantalla la reina toma unos aires mucho más oscuros, cuya tensión va en aumento gracias tanto a la composición de instrumentos como al ritmo, que se acelera en ciertos momentos y tiene contrapuntos muy interesantes.

Jurassic Park

2020-04-15T23:41:00.003+02:00

INTRODUCCIÓN:

Si alguien tiene a mano la caja original del juego (al menos la versión inglesa), podrá ser testigo, en su parte trasera, de una de las frases más osadas y exageradas que nunca han descrito un videojuego: el mejor de todos los tiempos. Vaya, no cabe duda de que en aquellos tiempos las desarrolladoras no se cortaban un pelo a la hora de hacer la publicidad de su producto lo más rimbombante posible. Pero dejando esto atrás como una fanfarronería anecdótica, lo cierto es que a este Jurassic Park le guardo un grandísimo cariño por muchos motivos, por la época en que me tocó jugarlo, por las sensaciones que me dejó en su momento, por los recuerdos de aquellos días… y no, no será el mejor juego de todos los tiempos, pero es un juego que arriesgó e innovó a la hora de llevar a videojuego una de las películas más populares de la historia del cine.

Esta, basada a su vez en la novela homónima que Michael Crichton escribió tan solo unos años antes, contó con esa magia comercial que pocos como Steven Spielberg saben imprimir a sus creaciones, fue un despampanante éxito de taquilla, y estaba claro como el agua que más pronto que tarde iban a llover las conversiones a formato videojuego. Sin embargo, mi afición por los dinosaurios en particular y por las eras antiguas en general se remonta a mi más tierna infancia. Siempre fue un tema que me fascinó profundamente y pude disfrutar a través de libros, animes, juguetes, colecciones… etc. Por supuesto, y aunque fue de prestado, tampoco pude evitar la tentación de hincarle el diente a este juego tan pronto como salió al mercado, pero la versión de Super Nintendo tiene la gran diferencia de ser exclusiva en muchos aspectos respecto a las realizadas para otros sistemas… aunque en realidad, todos tenían sus particularidades.

TRAMA:

Amiga, Mega Drive / Genesis o Game Gear fueron algunos de los sistemas que recibieron a Parque Jurásico en sus entrañas, todas ellas con adaptaciones bastante distintas y, sin embargo, con una historia fiel a la original, aunque a fin de cuentas, poco relevante. Obviamente, el tirón de la película les dio un buen empujón en cuanto a ventas. Jurassic Park gira en torno a la fantasiosa teoría de que, a partir de la sangre almacenada en un mosquito que quedó atrapado y conservado en ámbar hace decenas de millones de años, se puede extraer ADN y con suerte este puede pertenecer a alguna especie de dinosaurio. Valiéndose de este hallazgo, el filántropo John Hammond pone en práctica el gran sueño de su vida, recrear estos animales en carne y hueso y construir un parque temático donde puedan ser observados por los visitantes viviendo en un entorno muy similar a como lo hicieron en sus tiempos.

Pero el Dr. Ian Malcom, fiel seguidor de la teoría del Caos, acabó teniendo razón. Un pequeño fallo informático, un comportamiento impredecible en alguno de los especímenes… y el parque se convirtió en una trampa mortal que arrancó la vida de cientos de visitantes. Un grupo formado por el Dr. y la Dra. Alan y Ellie junto a sus hijos padecen en sus propias carnes este absoluto desorden de muerte y destrucción, quedando atrapados en uno de los vehículos y tratando de sobrevivir ocultándose en los distintos edificios y cámaras del parque para tratar de escapar sanos y salvos de aquella isla maldita. Es el mismo Alan Grant quien protagoniza esta enorme aventura, y sobre él tendremos el control, aunque los distintos personajes de la novela aparecerán en algún momento (aunque solo sean sus nombres en realidad) para facilitarnos pistas sobre cómo avanzar… o contarnos sucias mentiras como el caso del detestable Dennis Nedry.

GRÁFICOS:

El innovador y distintivo apartado técnico de la versión de Super Nintendo comienza de forma evidente en el plano gráfico. Siguiendo los pasos de las versiones de Game Boy y Amiga, Jurassic Park presenta el entorno desde una vistosa perspectiva cenital, dándonos ya una buena pista de que nos encontramos ante una aventura con todas las de la ley, y diferenciándola claramente de otras como la de Mega Drive que salió en el mismo año o la de Mega CD, una aventura point n’click. Respecto al resto, la de Super Nintendo muestra un acabado que no encontramos en ninguna otra. El exuberante colorido, la espesura de sus junglas o la animación del personaje principal poco tienen que ver con el resto, y es que el juego empleó bastantes recursos de la consola para resaltar su atractivo aspecto. El gran portal del parque nos da paso a una gigantesca extensión formada por edificios, salvajes arboledas, ríos brillantes y yermas y laberínticas zonas rocosas, todo un mosaico de texturas y paletas distintas que aportan una frescura y un carisma al juego que nos hace querer continuar a toda costa.

Como no podía ser de otra forma, nuestros “amigos” prehistóricos los Dilophosaurus, Pachycephalosaurus, Compsognathus y así hasta ocho especies distintas de dinosaurios, estarán presentes a lo largo y ancho de la aventura: sus tamaños y animaciones son correctas, aunque estas últimas algo cortadas en el exterior, y muchísimo más en los interiores, aunque de estos hablaré largo y tendido en el siguiente párrafo. Hay un detalle interesante, y es que si matamos a algunos de estos especímenes con la escopeta, sus cadáveres se nos mostrarán tendidos en el suelo durante el resto de la partida. Las zonas no son excesivamente distintas entre sí, pero la situación de sus elementos geográficos nos ayudará a orientarnos. El aspecto de todo lo que se muestra en pantalla resulta coherente con la Isla Nublar que se muestra en la película, limitada por vallas, y creo que se ha logrado plasmar el clima exótico de esta especialmente en las partes de la jungla, lástima que no aparezca ninguno de los personajes del film. Destacan los enormes tamaños de bestias como el Triceratops o el gran Tyrannosaurus Rex.

Cuando nos adentremos en cualquiera de los edificios (barraca nublar, control de raptors, edificio de la playa…) observaremos un cambio muy radical en la concepción del juego, y posiblemente este sea uno de los aspectos que más especial hace a esta versión para Super Nintendo, ya que tan solo esta y la de PC contienen esta particularidad. La vista aérea habitual hasta ahora cambiará de repente a una en primera persona, transformando visualmente al juego como si de un Wolfenstein 3D se tratase. El resultado de ambas apenas se puede comparar, ya que si la de PC muestra un movimiento bastante fluido y detallado, en la versión Snes todo es mucho más brusco. El uso del texture mapping y del modo 7 logran salvar más o menos la papeleta de esta ardua tarea para el procesador de la consola (y sin chips especiales), aunque tampoco es nada del otro mundo: paredes y objetos extremadamente pixelados y dinosaurios con una pérdida casi total de detalle que sin embargo son reconocibles a distancia. La dureza con la que se mueve la pantalla puede llegar a resultar en ocasiones algo mareante.

SONIDO:

La cálida y grave voz que nos da la bienvenida al parque jurásico nos hace recordar que a Super Nintendo ninguna consola de su generación podía hacerle sombra respecto a estas digitalizaciones, y no será la única, aunque el resto se reduce a avisar a nuestro protagonista de algún mensaje importante. Un buen detalle, no obstante. Pero es en el marco general donde los efectos de sonido cobran una personalidad casi única. Los programadores no usaron el camino fácil para incorporar los típicos sonidos ya escuchados en decenas de juegos: arriesgaron bastante con la mayoría, y en mi caso al menos, es uno de los aspectos por los que más recordaba el juego, por esos efectos tan metálicos y huecos al coger objetos, por los sólidos disparos, el sonido que suena al activar los paneles o los crujidos de las puertas al abrirse creo que dotan al juego de una buena seña de identidad. Detalle divertido el de la música en los ascensores.

También es muy destacable el esfuerzo en el apartado musical por mantener y reforzar esa ambientación tan característica que muestra el juego, diferenciando en este caso dos partes, las del exterior y las de interior. Bajo cielo abierto, las melodías que escucharemos no salen del formato atmosférico predominante, pero ciertamente nos sorprenden con climas bastante intensos pese a su suavidad (como por ejemplo el sonido del mar en algunas partes), y con determinados instrumentos que le vienen fetén, como timbales de fondo, flautas andinas o sonidos oscuros y casi apagados que logran meternos la tensión en el cuerpo en las zonas clave, sobresaliendo la tensa composición que suena cuando el Tyrannosaurus está cerca (señal de muerte inminente casi garantizada). En los interiores la ambientación se basa en una música todavía más calmada e imperceptible, trasfondos misteriosos e inquietantes, aunque de subirnos la tensión ya se encargarán los rugidos y escupitajos de los dinosaurios que se escondan al acecho a nuestro alrededor.

JUGABILIDAD:

Supongo que en este apartado será en donde Jurassic Park divida más las opiniones de los jugadores. Dejando a un lado el gran cariño que le tengo al juego, y objetivamente hablando, estamos ante una aventura en toda regla, original, interesante y que se deja jugar muy a gusto salvo por determinados aspectos puntuales que pueden dificultar más de lo debido nuestra misión. Esta no es otra que escapar con vida de la isla, intentando poner solución al entuerto presente, limitando el acceso a los dinosaurios en la medida de lo posible y haciendo ciertas gestiones a través de las terminales que encontraremos en los agobiantes edificios. Supongo que fue algo de agradecer que en su distribución por Europa, el juego fuese traducido a varios idiomas, aunque… no sé los en los demás, pero en nuestro idioma el resultado es realmente penoso, incluso confuso a veces. Por suerte los textos importantes se entienden lo suficiente: aquellos que encontraremos al acercarnos a los sensores repartidos por el extenso terreno del juego y que nos indicarán (a veces de forma excesivamente imprecisa) el siguiente paso que debemos dar.

El duro control en los edificios puede resultar bastante molesto a veces, sobre todo hasta que cojamos el truquillo de no quedarnos encallados en esquinas o abrir puertas con la suficiente agilidad. La dificultad en estos lugares se rebaja notablemente en cuanto a presencia de dinosaurios, pero aumenta en temas de orientación, ya que la similitud de las texturas no ayuda a no perder el norte y tampoco sus laberínticas estructuras. Nótese, además, que el juego tiene la opción para poder desplazarse por el interior de los edificios utilizando un ratón, aunque si dicha tarea ya es un tanto dificultosa mediante el pad, es mucho peor con el ratón, por lo que desaconsejo su uso. Básicamente, nuestra tarea consistirá en encontrar tarjetas de acceso, activar paneles o hacer uso de las terminales bien escondidas, sin olvidar que existen habitaciones a oscuras que obligatoriamente se deben visitar llevando las gafas de visión nocturna. Deberemos ir con mucho ojo y cautela para no saltarnos ninguna estancia ni pasar por alto ningún objeto esencial, ya que de otra forma nos podemos volver locos dando vueltas.

Mi consejo: bolígrafo y papel para ir anotando las habitaciones cerradas, la localización de los terminales y las tarjetas necesarias o encontradas. En otros juegos es un detalle que se podría pasar por alto, pero la no existencia mapas de ninguna clase hace especialmente difícil la aventura y más teniendo en cuenta la extensión del parque. Para darle otra vuelta de tuerca, la aventura carece de cualquier opción de passwords o salvar partida, tan solo nos permite salvar nuestra posición en cada sesión de juego, pero si apagamos la consola, podemos decirle adiós a todo lo avanzado / obtenido. Y para ponerle la guinda en este sentido, algunas misiones del juego implican realizar acciones exclusivas de esa situación, como la inusualidad de desplazar una caja (cuyo movimiento apenas se aprecia) o dejar un objeto en un lugar en particular, además de tener que encontrar huevos en zonas prácticamente secretas o lugares como el helipuerto, a donde poder llegar es cuestión de pura suerte. Para el resto, es habilidad lo que vamos a necesitar, sobre todo apuntar bien y mantener la distancia con los raptors que nos asaltarán.

CONCLUSIÓN:

Las seis armas a encontrar con las que contaremos no serán suficiente para poder sortear todas las dificultades que se nos van a presentar en la Isla Nublar. Tirar de ingenio y pararnos a pensar más de una vez va a ser algo imprescindible, sobre todo a la hora de orientarnos en los oscuros laberintos que son los edificios y para descifrar correctamente las misiones que se nos encomiendan para asegurar el lugar. Un camino equivocado (atentos a la música) y seremos pasto sin poder evitarlo del Tyrannosaurus, así que mucho cuidado con los terrenos inexplorados, porque son condenas a muerte bastante injustas con el jugador, a parte de las anteriormente mencionadas. Y si la orientación no es lo nuestro, el juego nos va a dar muchos quebraderos de cabeza, pero también unas cuantas alegrías en forma de ítems ocultos o atajos; y es que la exploración libre es uno de los mayores dones de Jurassic Park.

Porque a pesar de todas sus asperezas, y a poco que te gustase la película o la novela, sobre todo si te gusta el mundo de los dinosaurios y la prehistoria, creo que es un juego muy recomendable. Como extra, al pausar o al estar quietos durante un rato, podremos acceder a varias explicaciones de datos poco conocidos como si de una pequeña enciclopedia se tratase. Uno de los aspectos que más me gustan es poder recorrer todas esas junglas, escuchando sonidos de los animales y hacerlo con relativa tranquilidad; no es un título que uno se deba coger con prisas. Su banda sonora es muy original y sorprendente, especialmente cuando cambia suavemente a otras tesituras sin repetirse cíclicamente todo el rato. Y además, curiosamente, el juego incorpora una opción para escucharlo todo en Dolby Surround. Eso sí, y no quisiera desmotivar a nadie, pero preparaos para uno de los peores y más decepcionantes endings de la historia.

- Lo Mejor del Juego: La ambientación en general, tanto en lo musical como en paisajes. Efectos de sonido muy originales. Tremendamente abierto a la exploración y a las sorpresas.

- Lo Peor del Juego: El diseño de algunos niveles interiores es de aúpa y la brusquedad del movimiento aquí puede ser incómoda. Algunas misiones son extremadamente confusas, así como el uso de las terminales. El ending.

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La visión de John Dunn a la hora de ambientar el enorme parque jurásico se enfocó en mezclar diversos estilos como la electrónica o el drum & bass con sorprendentes añadidos de percusiones o flautas tribales que, en última instancia, quedan de maravilla y se funden a la perfección con el estilo gráfico y los entornos que recorrerá Alan Grant bajo nuestro mando, desde la de la pantalla de presentación (que recuerda al tema principal de Terminator), hasta los incesantes tambores de la impenetrable jungla.

Gallimimus Gallop. Algunas especies de dinosaurios tienen su propia influencia en la banda sonora cuando nos acercamos a ellos. En este caso de los Gallimimus, esta composición nos avisará cada vez que nos acerquemos a una estampida. Es movida sin resultar demasiado estruendosa, con el típico estilo industrial / electrónico que caracteriza la banda sonora de este juego. Aunque es algo repetitiva, tiene buenos detalles melódicos más allá de su constante base de percusión.

Triceratops Trot. Los nombres de los temas tienen la particularidad de que cada uno nombra un tipo de pieza musical. Esta no va vinculada exclusivamente al Triceratops, pero sí a las zonas donde puede aparecer. Creo que atravesar las junglas con esta composición de fondo es una de las mejores experiencias que nos puede regalar este juego, porque es perfecta para estar rodeado de cocoterso y fauna prehistórica. Su percusión sucumbe ante una bonita melodía de flauta de lo más atractiva.

T-Rex Sample. Lo aprenderás por ti mismo a base de palos, pero cuando escuches que de repente empieza a sonar esta melodía... ¡corre como alma que lleva el diablo! Haciendo honor a la película y a sus momentos más tensos y desquiciantes, estamos ante un corte muy instrumental y más sinfónico que el resto de los presentes, y que alberga en sus notas mucho peligro, y no es para menos, está muy bien compuesto y seleccionado para el momento más necesario.

Submarine Symphony. Aunque pueda parecer algo simple en su estructura general, lo cierto es que es uno de los temas que más me ha cautivado de todo el juego, y de paso curiosamente me ha recordado mucho al Panzer Dragoon Saga que analicé no hace mucho en mi otro blog. Su combinación de instrumentos y vaivenes de intensidad son pura delicia, y el sonido del mar le da un acabado fantástico y casi relajante, si no fuese porque otras partes inspiran un misterio bastante perturbador.

Whirlo

2020-04-09T18:22:00.003+02:00

INTRODUCCIÓN:

Bautizado en Japón con el aparatoso título de Xandra no Daibōken: Valkyrie to no Deai, pocos meses después, aun dentro del año 92, dio el salto fuera de esas fronteras para ser conocido en otros lares como Whirlo. Pero fue un salto bastante corto, al contrario de los que ejecuta nuestro protagonista, ya que tan solo en Europa se le conoce por este último nombre. Los americanos nunca llegarían a catarlo, y probablemente esta sea una de las principales razones por las que el juego es mucho más conocido como objeto de culto para coleccionistas que como el bonito y colorido plataformas que es. Es un caso bien curioso. Tanto la versión española como la italiana adaptada (las únicas en formato Pal existentes) alcanzan unos precios absolutamente desorbitados y totalmente desmedidos en los mercados de segunda mano, siendo muchísimo más alto su valor de coleccionismo que el que le podemos atribuir como juego en sí.

Whirlo forma parte de ese conjunto de juegos de plataformas en los que Snes todavía estaba mostrando sus cartas, siendo uno de los primeros para la consola, y enérgicamente anunciado en su día tanto en revistas del sector como en vídeos promocionales, seguramente debido a que, aunque fueron los de Nova Games (una compañía sin gran currículum ni trayectoria) quienes lo desarrollaron, el gigante Namco se encargó de su distribución aunque esta, como ya digo, fue muy reducida. Recuerdo que en su día el juego suscitó mi interés gracias a la publicidad, a sus bellos gráficos y al dinamismo de su movimiento, pero al final lo olvidé en detrimento de un gran clásico como Super Mario Kart. Y si a nivel de mi futura pasión por el coleccionismo me arrepiento profundamente de la decisión, como juego no llega ni a la sombra del gigantesco nivel especulativo que se cierne sobre él.

TRAMA:

Por sorprendente que pueda parecer, la trama es uno de los aspectos más destacados y que más fuerza y personalidad aportan al cartucho, sobre todo si tenemos en cuenta que se trata de un plataformas que a primera vista y en primera toma de contacto acata las normas más básicas del género. Ya de inicio Whirlo se empeña en darle más protagonismo al argumento del que uno se puede imaginar. La introducción nos cuenta la triste historia que acaba con la paz de la aldea de Sandros, un lugar recóndito donde sus habitantes, unos seres de color verde con aspecto mixto entre vegetal y muñeco de plastilina, gozaban de una vida tranquila, dedicándose a la tierra y a cuidar de los suyos. Pero un buen día, el enorme volcán que supervisaba aquellas tierras desde las alturas entró en erupción con tal violencia que los cimientos de la ciudad se desmoronaron y esta se hundió en las profundidades de la tierra.

Desde luego, no se puede culpar a la misma naturaleza por sus actos. Pero este suceso, a su vez, desató algo todavía más catastrófico, a una maldad que hasta aquel momento dormitaba en el subsuelo más profundo. Y así fue como Malix, la entidad diabólica, extendió una ponzoñosa plaga sobre Sandros y toda la región, unas cenizas que caían del cielo y provocaban la enfermedad y la muerte a sus habitantes, y muy pocos se libraron de ella. El retoño de Whirlo, nuestro héroe, ha sido alcanzado por esa plaga, y cada día la enfermedad le gana terreno. Sin pensarlo dos veces, su valeroso padre emprende una descomunal odisea para encontrar la solución a este terrible suceso. Por el camino, además, encontrará a decenas de personajes en remotos lugares con sus propios problemas a los que también, en una muestra más de amabilidad y coraje, deberá ayudar para así obtener los siete fragmentos de cristal que acabarán con la epidemia.

GRAFICOS:

Es junto al sonido en general y a su banda sonora en particular, el apartado que más atractivo nos va a resultar y se podría decir que el principal gancho para meternos de lleno en esta aventura épica y difícil hasta la extenuación. En aquellos primeros años de Super Nintendo, los programadores más inexpertos intentaban sacar partido a su paleta gráfica tirando de su amplio abanico de colores y tonos pastel, como aquellos de los que se beneficia este juego. Y es que jugando con los colores y los contrastes, Whirlo nos ofrece un aspecto visual de lo más bonito que podamos encontrar en un plataformas de la época. Gráficos muy limpios (algo que ya se aprecia desde la introducción hasta la pantalla misma de título), diseños bastante innovadores y chocantes, fondos de auténtica fábula y un toque original que hace posible identificarlo a primera vista. Si bien en general saca un notable medio, también tiene sus pormenores, y estos vienen desde el diseño de algunos enemigos que se quedan muy atrás comparándolos con otros, con un nivel de detalle mucho más austero.

Gustosísima variedad a la hora de ambientar las distintas fases y sus varias pantallas correspondientes, que aun siguiendo, digamos, un patrón conceptual, difieren enormemente unas de otras, como es perfecto ejemplo la primera de todas, que se divide en el poblado, el bosque encantado y el paraje nevado, pero más adelante también encontraremos otras fases geniales como la del barco pirata, la de introducción al palacio de la princesa con sus hermosos jardines, o las ardientes cuevas subterráneas y sus enormes llamaradas. Impacta especialmente aquella sub-fase en la que podemos apreciar atónitos cómo hasta siete planos de scroll independientes se mueven con total fluidez dando un efecto de profundidad notable mientras el plano principal de todos ellos intenta aplastar a nuestro personaje. No tira especialmente de efectos especiales, sino que basa su agradable aspecto en colores vivos y contrastes que otorgan un brillo muy especial a todo lo que vemos en pantalla. Los enemigos también varían en cada fase, pero tampoco son lo más destacable. Si acaso, el enorme tamaño de algún que otro final boss, aunque estos son escasos.

Entre fase y fase, vemos escenas que junto a textos nos narran la historia. Aquí, a pesar de su intencionada vistosidad, se percibe un bajón en la calidad de dibujo de los personajes salvo en algún caso particular. Si tuviese que destacar otros highlights del juego, sería la entrada al barco y esa enorme calavera en la proa, las exuberantes pantallas de las cajas de madera con excelentes combinaciones de colores o algunas construcciones y murales de pared con los que nos encontraremos. En las animaciones se puso bastante empeño, ya que Whirlo tiene una asignada para cada acción e incluso varias de ellas a la hora de morir. Los fondos son, por lo general, otro aspecto muy destacable, fantásticos, y podremos desatar nuestra imaginación con estampas de un bosque cristalizado, un vasto bosque de bambú, o el inmenso espacio estrellado que ambientará uno de los momentos más turbios y excesivos del juego. El scroll en general es fluido y a veces, como el caso anteriormente mencionado, toma mucho protagonismo en las fases más frenéticas, adornadas por preciosos saltos de agua y brillos por doquier.

SONIDO:

Entre los compositores de la banda sonora del juego encontramos un nombre especialmente destacado, el de Norihiko Togashi, sin duda el más experimentado de todos ellos, autor también de los acompañamientos musicales de Burning Force (Mega Drive), Zoids (Famicom) o dentro de la consola de 16 bits de Nintendo, varios capítulos de The Great Battle (entre ellos, Last Fighter Twin, que podéis encontrar analizado aquí). Su dilatada trayectoria jugó a su favor a la hora de dar vida musical a Whirlo, y en este título podemos ver a un artista especialmente inspirado, con cantidad de melodías que, en su concepción, van más allá de lo que uno espera de este género, pudiendo ser algunas extrapoladas al universo de los RPG sin ningún problema, como la espiritual y cándida melodía que acompaña nuestra aventura en los bosques encantados, o la épica marcha que ambienta la torre legendaria, creada en tesituras tan épicas que son un empujón a la moral en tan complicada odisea.

También encontramos ciertas diferencias de calidad entre unas u otras (aunque no tan abruptas como las mencionadas en el tema de los gráficos). Si bien algunas son 100% ambientales y carecen de ese brillo y personalidad que muestran otras, ciertos parajes ganan muchísimo con las más enérgicas. No es un score especialmente amplio, pero los temas se repiten mínimamente, lo cual se agradece por la cantidad de veces que tendremos que insistir en cada una de las fases. Se pueden escuchar dos vertientes principales, las más animadas y las más tristes y apagadas, que de hecho encajan más en la desoladora historia que nos cuenta el juego. Puede haber distintas opiniones sobre los efectos de sonido, no encontramos voces ni ningún alarde que se salga de lo normal, pero según la mía, están bastante bien producidos, solo hace falta fijarse en el sonido de la horca de Whirlo, o en el que se emite al pisar suelo, bastante sólidos y creíbles.

JUGABILIDAD:

Aquí vamos a ponernos serios y hablar claro. En Whirlo, el nivel de dificultad se les fue de las manos por completo a sus creadores, y esto acaba por afectar gravemente a la dificultad del cartucho. Respecto al concepto de dificultad, es algo que puede manifestarse de varias formas distintas en cada juego, por enemigos, por diseño laberíntico, por dificultades en el control o por falta de entendimiento de la situación en la que el jugador se encuentra. Pero Whirlo abarca todos esos “tipos” de dificultad y lo hace de la peor manera posible. Para comenzar con algo positivo, el control de Whirlo es bastante bueno y manejable. Los golpes que asesta con su horca son bastante precisos y fáciles de dominar, y lo mismo se puede decir de la detección de golpes contra los enemigos. La dificultad sube de forma gradual en general, pero hay algunos picos demasiado marcados en zonas tempranas en las que en mi opinión no deberían estar y pueden ahuyentar definitivamente al jugador, como por ejemplo, en la segunda fase, la pantalla de las plataformas que caen al pisarlas.

Y enlazando con esto, entra uno de los temas más polémicos del juego: el salto (o mejor dicho, los saltos) de nuestro personaje. Porque hay de varios tipos. Con el botón B usaremos el salto “de toda la vida”, pulsar, saltar, y ya. Sin embargo, con el botón A realizaremos un salto más técnico que nos costará mucho más de dominar, ya que aunque parezca lo contrario, en este influye la velocidad que lleve el personaje, y no el tiempo que presionemos el botón, lo cual es extraño y engañoso, porque es difícil apreciar con inmediatez en la animación de Whirlo cuándo corre, y esto nos va a causar cuantiosos dolores de cabeza, sobre todo porque el juego es terriblemente exigente con ellos y con el timing a la hora de alcanzar la plataforma deseada. La habilidad apurada del jugador es imprescindible, algo que no sería necesariamente malo si la mecánica de estos saltos no fuese de dudosa calidad. Muy útiles algunos ataques como el giratorio en el aire o la estocada vertical que nos salvará el pellejo en más de una ocasión.

Whirlo posee muchas más técnicas y ataques desde el principio, y de hecho el juego nos obligará a utilizarlos constantemente, y no solo para aquello que creíamos que fueron concebidos, lo cual es buscar un punto de originalidad que no está nada mal, pero nuevamente, el problema es que resolver algunas de esas situaciones es más cuestión de prueba y error que de verdadera habilidad. Y aquí otro de los puntos oscuros. El personaje muere ante el más mínimo roce con cualquier objeto u enemigo (que a veces aparecerán delante de nuestras narices sin posibilidad de detectarlos). El número de vidas alcanza las siete iniciales, una buena cifra podríamos pensar, pero nada más lejos de la realidad. En cualquier fase que no tengamos absolutamente repasada, medida, y que no nos sepamos de pura memoria, las vidas caerán como churros. Pero si hablamos de las últimas localizaciones, incluidas las pruebas finales (plataformas cambiantes, resolver situaciones sin ningún tipo de explicación y escenario invisible), el nivel de dificultad roza lo aberrante, y a nivel de paciencia y cordura, no es para nada recomendable a todo el mundo.

CONCLUSIÓN:

Lo que en aspecto puede parecer un juego para un público medio, con agradables tonalidades pastel, diseños limpios, fondos muy poderosos y bellos y mucha simpatía en sus escenarios y personajes, se torna en una pesadilla insufrible de dificultad no apta para nadie que no sea un auténtico experto en el género de las plataformas y demuestre tener una templanza, un cálculo y una habilidad pasmosa, es decir, para un auténtico jugador de acero. La verdad, aun no me explico cómo he tenido la paciencia para llegar hasta el final, con una oportunidad por cada vida que se esfuma en cuanto pestañeamos. El más mínimo error supondrá volver atrás un montón de obstáculos en fases que, si no conocemos con total exactitud, van a suponer un delirio horroroso en los casos más extremos (casos que abundan casi desde primeras) y llegar hasta el jefe final supone un reto que acaba traspasando la barrera de la sencilla diversión.

No te equivoques con él. El brillo y simpatía que desbordan su banda sonora y sus gráficos perfilados son inversamente proporcionales a su monstruoso nivel de dificultad, que es de todo menos amable y justo. Por suerte, su apartado técnico es fantástico en la mayoría de aspectos, y esto nos puede ir haciendo tirar para adelante aunque solo sea para descubrir qué bonitas composiciones nos aguardan o nuevos e interesantes escenarios llenos de luz y detalles. Propone pruebas interesantes, diferentes, que nos obliguen a usar nuestra imaginación con los medios de los que disponemos, lo cual le desmarca del resto de plataformas en parte, pero los errores en los que cae este Whirlo acaban por posicionarlo (como poco) como un plataformas de tercera fila, de esos que podrían haber sido mucho mejores pero que terminan cayendo en el olvido. A no ser, como digo, que lo veas desde la perspectiva del coleccionismo.

- Lo Mejor del Juego: A primera vista, es precioso. Su uso de tonos suaves, su paleta de colores y esa banda sonora que alimenta nuestra ilusión por continuar. Hay situaciones que exigen nuestra perspicacia, bien resueltas. La historia es también algo destacable.

- Lo Peor del Juego: Salvando la primera fase, el resto va a ser una pesadilla. No acaba de gustarme el sistema de salto. Algunas pruebas son de pura demencia. No hay barra de energía, y el sistema de passwords es largo y engorroso.

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Muy interesante el enfoque que se le dio a la banda sonora de este Whirlo. Siempre lo es cuando puedes intercambiar las melodías de un juego a otro sin que apenas desentonen, y lo que viene a ser un plataformas más o menos estandar tiene ese aire tan característico que podríamos atribuir a los RPG. Al fin y al cabo, lo que se nos cuenta en Whirlo es una aventura épica y plagada de fantasía de principio a fin, con muchos personajes y diálogos. Es sin duda uno de los mejores apartados del juego en el plano técnico.

Dark Clouds. Es una canción casi tan bonita como inmenso es el nivel de dificultad en la fase donde aparece. Su orquestación está presente casi en todo momento, y su ritmo similar a una marcha militar en ciertos momentos nos recarga las pilas. También vemos bastante variedad en ella, ya que el potente y fluido ritmo entre su principio y su final se transforma en un fragmento más calmado que al mismo tiempo también es una de sus partes más grandilocuentes con el bombo marcando el paso.

Cauldra Castle. El ritmo de vals es uno que se utiliza en varios cortes del juego como este. En el castillo, en busca del verdadero Nick, podemos disfrutar de una de las partes más calmadas del juego. El tema ambienta a la perfección estos momentos de búsqueda y razonamiento con un aire deliciosamente divertido que hace honor a la situación, incluyendo una parte más "misteriosa" y con cierto toque medieval, llena de tintineos y una melodía que se desmarca del resto de su duración.

Haunted Forest. Y he aquí una de mis partes favoritas del juego, antes de que este se convierta en un auténtico calvario. La pieza que escuchamos a continuación también es una de las que más he disfrutado porque coge una magia especial entre las corrientes, los espectros y los árboles que forman parte de ese maravilloso paraje de ensueño, un bosque encantado inundado de misterio, sombras y enigmáticas apariciones que con esta música de fondo cobran todo su esplendor.

Legendary Tower. Nos movemos ahora hacia temas más pomposos y épicos. Complicado encontrar otra en el cartucho que tenga tanta fuerza como esta y una orquestación tan bien integrada. De nuevo, los compases repetitivos guían la musicalidad al principio, y en su longitud se introducen otras tesituras menos recargadas que aportan variedad, pero la parte sinfónica principal es la que se lleva la palma. El sentimiento heroico que transmite, creedme, os va a hacer falta.

Super Mario All-Stars (Super Mario Bros 3)

2020-03-26T13:41:00.003+01:00

INTRODUCCIÓN:

Y por fin, aunque esta cuarta y última entrega incluida en el recopilatorio Super Mario All-Stars para nuestra 16 bits favorita se ha hecho de rogar más de lo habitual, llegamos al final, habiendo exprimido absolutamente todo lo que esta compilación puede dar de sí. Recordemos que más adelante, otro cartucho también incluiría Super Mario World, pero al ser este un juego tan especial para mí que se sale de lo normal, le dedicaré una review aparte. Precisamente ahora que cito este último, dentro de mis gustos personales puedo catalogarlo como el mejor plataformas de la historia en 2D… pero Super Mario Bros 3 le anda muy, muy cerca. Y es que NES nos dio muchísimas alegrías dentro de este género, pero la tercera entrega del fontanero italiano es algo tan excepcional que sería para tratarlo aparte, si bien en este análisis me voy a centrar en el remake producido especialmente para este cartucho.

Porque tras el memorable y rotundo éxito que cosechó el primer título de la saga, tras las abrumadoras críticas recibidas, y habiendo instaurado una nueva forma de ver y entender las plataformas, creo que, aun tratándose de la mismísima Nintendo, muy pocos jugadores se esperaban lo que se les iba a venir encima con Super Mario Bros 3. En 1988, pocos estaban preparados para esta auténtica revolución de videojuego, y en el año 1990, los estadounidenses pudieron dar fe del que para muchos se convertiría en uno de los mejores videojuegos jamás creados, mejorando astronómicamente en todos los aspectos a sus dos predecesores (tres, si contamos el Super Mario Bros 2 que salió en el mercado internacional). Su enfoque, su calidad técnica, sus enormes posibilidades, sus decenas de añadidos y su control notablemente mejorado dejó al primer Super Mario Bros como un juego casi arcaico a pesar de que nunca perdió su atractivo.

TRAMA:

Si el cartucho del primer Super Mario Bros contó con tan solo un mega de potencia, y dicha cifra se duplicó para el segundo, para esta tercera entrega Miyamoto y compañía decidieron tirar la casa por la ventana con la entonces espectacular cifra de tres megas. Todo los aspectos del juego, sin excepción, se beneficiaron de dicho aumento… pero la historia, como sucede en todas las partes anteriores, continuó siendo algo casi anecdótico y de soporte muy básico para la nueva aventura de Mario, que ahora se sitúa en el mundo champiñón, una dimensión mágica dividida en ocho zonas distintas, a la que se accede a través del reino champiñón, lugar en donde la paz ha reinado gracias a las heroicas aventuras de los hermanos. En esta ocasión, sigue siendo el pérfido Bowser quien está detrás de todo el desbarajuste que a nuestros protagonistas les tocará, una vez más, resolver.

Cada zona de este sugerente mundo está gobernada por rey sabio, y es a estos a quienes Bowser ha decidido atacar en esta ocasión, pero no de forma directa, sino enviando a cada una de ellas a sus distintos hijos: Larry, Morton., Wendy, Roy, Iggy, Lemmy y Ludwig Von Koppa, dándoles absoluta libertad para subyugar a cada uno de los reyes y robar los báculos mágicos, con el poder de los cuales han sido capaces de transformar tanto a los habitantes como a los reyes en animales y plantas, dándoles formas grotescas y creando así el entorno perfecto para el malvado rey tortuga. La princesa y Toad piden ayuda a los hermanos Mario, quienes deberán emprender esta colosal aventura para rescatar dichos báculos y devolver a su forma original a todos aquellos que han quedado presos de la maldición. Para colmo de males, en cierto momento, la princesa también es secuestrada por el mismísimo Bowser en persona, así que… ¡al turrón!

GRAFICOS:

Tened en mente por unos momentos a las dos primeras entregas originales de Mario (Super Mario Bros y Super Mario Bros 2, llamado internacionalmente The Lost Levels) tal como fueron concebidas, con su simplicidad y sus limitadas formas y diseños. Ahora imaginad que, sobre aquellos gráficos, se vierte una tonelada extra de colorido, se rediseñan por completo todos y cada uno de los ítems, personajes y enemigos y se añaden muchas más zonas y conceptos totalmente innovadores que suponen una ampliación enorme de las posibilidades del juego, es decir, una renovación casi total. Y aquí es donde el citado mega extra de memoria se nota de forma contundente, comenzando obviamente por el apartado gráfico, que es el más reluciente de todos. Sin embargo, si nos centramos ahora en este remake para Super Nintendo, se puede asegurar con toda certeza que este es en el que menos destacan los cambios y mejoras introducidas respecto al cartucho original de NES. Y es que en las anteriores partes, el cambio era muy notable, pero en esta en particular se reduce a mejores fondos, más color y más definición en los sprites.

Super Mario Bros 3 es, junto con la segunda parte japonesa, el título que, sin duda, más valor aporta a este Super Mario All-Stars. Es, con permiso de Super Mario World (y en opinión de un servidor), el mejor juego de plataformas de la historia. Más rápido, más definido, más personal y más bonito. El sprite de Mario usado en todos los títulos del recopilatorio está basado en el de la tercera parte original, por lo que en este sentido es la más fiel. Por otra parte, como ya se añadieron montones de nuevos diseños, estructuras y enemigos, la versión Snes tan solo se encarga de aplicar la potencia digna de la propia consola. Como digo, en este la diferencia no es tan abrumadora, pero hay que destacar lo bonitos que son algunos de los fondos que se han añadido, sustituyendo especialmente aquellos que continuaban siendo monocromáticamente negros, o aquellos coloridos pero en los que solo encontrábamos algún dibujo sencillo… ahora todo es mucho más vistoso, con grandes picos de montaña, bosques nevados, y horizontes que otorgan una mayor sensación de profundidad a los escenarios.

La potencia de los 16 bits contribuyó también a mejores animaciones y a mostrar muchos más elementos en pantalla sin el mínimo rastro de las ralentizaciones que de vez en cuando hacían de las suyas en el original y lo mismo se puede decir del efecto flickering. Salvo los magníficos fondos, y algún que otro pequeño efecto de ghost layering, no se ha añadido nada que no estuviera en la aventura original, es decir, no encontraremos efectos especiales ni ningún tipo de floritura similar, simplemente se ha pulido y mejorado el aspecto general, y aun así, como ya sucedió en los otros, mantiene su espíritu al 100%, todo sigue resultando igual de limpio, visualmente encantador y con ese toquecito de sorpresa que siempre envuelve los mágicos entornos de las aventuras que protagoniza el bigotudo, lo cual es muy de agradecer, pero ahora gracias al colorido y a las mejoras visuales, todavía es capaz de desatar nuestra imaginación en mayor medida. También añade más variedad el mapa general tipo tablero, concepto que fue toda una revolución y no solo en el universo Mario, y que adoptarían la mayoría de aventuras posteriores.

SONIDO:

El hecho de que se tardase más de dos años en concluir el juego puede dar muestra del mimo y la atención por el detalle y la renovación que se puso a la hora de crear esta tercera parte. El reto para todas las personas involucradas en su desarrollo fue algo incomparable hasta aquella fecha, pero uno de los que más presión sufrió fue el gran maestro de la música de los videojuegos, Koji Kondo, autor de las bandas sonoras de las entregas anteriores. No solo tenía la misión de crear un score mucho más amplio, variado y atractivo, sino que además lo más complicado de todo fue introducir una renovada colección de melodías que sustituyeran a las que muchos jugadores continuaban teniendo en su memoria asociadas inseparablemente al nombre de Super Mario Bros. Debió de ser un esfuerzo monumental prescindir de Overworld, que sigue siendo santo y seña del personaje, para crear otras que, sin cambiar la esencia del juego, sí le añadieran una musicalidad distinta.

Pero Koji Kondo es una de esas personalidades en cuyo trabajo se puede confiar con los ojos cerrados sin ni siquiera haber escuchado una sola nota. Existen muy pocos compositores de quienes se pueda decir esto. Y en su ardua labor, tras meses y meses componiendo, de seguro logró lo que se proponía, y el resultado es una banda sonora que sigue sonando fresca, entrañable y que destila una calidad incuestionable y una variedad que fue mucho más allá de lo creado hasta entonces. Takashi Tezuka y Shigeru Miyamoto supervisaron e hicieron selección de entre las decenas y decenas de composiciones en la fase final de creación, y el resto del staff hizo el resto con sus geniales arreglos. Y es que para quien jugase en su día a esta maravilla de plataformas, es casi imposible quitarse de la cabeza composiciones como la de algunos mapas, como la exótica Ocean side o la misteriosa Ice Land, pero sobre todo, la segunda de las melodías de nivel me parece una auténtica obra maestra, divertida, luminosa, adorable… tan solo al nivel de algunas posteriores para Super Mario World 1 y 2.

JUGABILIDAD:

Pero si en los gráficos ya se podía apreciar el bestial lavado de cara que iba a sufrir la serie, en el apartado de la jugabilidad fue donde el juego creó una auténtica revolución sin precedentes. Lejos de continuar con el mismo esquema de sortear niveles uno tras otro en un orden predefinido sin mucha más opción, en Super Mario Bros 3 se incluyen tantos elementos, tantas posibilidades y una renovación tan enorme en su concepto de avance que directamente no se puede comparar con anteriores entregas. Como ya he hecho antes mención, ahora nuestro héroe debe avanzar, antes de meterse en faena con una fase en concreto, por un mapeado general que le permitirá tomar rutas alternativas, atajos, o si es posible, decidir con qué fase proseguir la aventura, cuál de ellas saltarse o meterse derecho a alguna de las pantallas de bonus que irán apareciendo con el avance en un concepto que se reciclaría en títulos venideros, como el gigantesco Super Mario World. Esto aporta muchísima libertad, ya que si se nos atraganta una fase y es posible escoger, siempre podemos ir a por otra distinta.

Entre fases, las mencionadas pantallas de bonus, de varios tipos distintos, y algunas luchas ocasionales en pantallas estáticas con los siempre peligrosos hermanos martillo, nos proporcionarán la ocasión de conseguir objetos, y estos irán a parar a un gran inventario donde se almacenarán hasta 28 items a nuestra disposición, otro concepto revolucionario que puede hacer variar enormemente la aventura entre setas, utensilios y disfraces, siendo estos últimos principal novedad respecto a anteriores aventuras. Porque mientras estas se limitaban a que Mario pudiese crecer o lanzar bolas de fuego, ahora las posibilidades se multiplican exponencialmente, y podremos darle poderes para nadar como una rana, protegerse con un casco irrompible, saltar sobre un calcetín mágico… ¡¡y hasta volar por los aires tomando la suficiente carrerilla!! Así se nos da la posibilidad de terminar cada una de las fases de las más diversas formas y utilizando, dentro de lo posible, la estrategia que prefiramos, teniendo así la posibilidad de encontrar muchos más secretos. Porque si en las dos primeras partes había algunos bien escondidos, en Super Mario Bros 3 ni os podéis imaginar la astucia con la que se han guardado ni la magnitud de estos.

El modo para dos jugadores no cambió demasiado; Mario y Luigi pueden alternar (cada uno controlado por un jugador) para sortear niveles, pero exprimiendo todavía más esos tres megas, se añadió un minijuego que no es otra cosa que las pantallas del Mario Bros original para que ambos puedan dar rienda suelta al espíritu competitivo. La dificultad también sufrió cambios. Esta serie nunca fue fácil, y no digo que esta tercera entrega lo sea más que las anteriores, pero el nivel ahora es más equilibrado por su mejor diseño. La curva sigue comenzando apta para principiantes y terminando para auténticos maestros del mando en las últimas fases del mundo 8, siendo las grandes flotas el punto álgido donde cualquier mínimo error de cálculo en un salto o en una frenada será fatal sin remisión, tanto, que a veces nos darán ganas de estampar el control. Imagino la titánica odisea que debió ser para los usuarios de NES el tener que comenzar el juego de nuevo al perder todas las vidas o al resetear la consola… pero por suerte, este remake pone a nuestra disposición (como en el resto) la opción de salvar partida, aunque tan solo se guarden los castillos superados.

CONCLUSIÓN:

Uno de los principales motivos por los que la segunda entrega de la saga nunca saliese de Japón hasta la llegada de Super Mario All-Stars fue su extremo parecido con la primera, tanto en aspecto visual como en mecánica y fases. Pero esto dio un giro muy radical en la tercera aventura. Aunque la base de la mecánica sigue siendo llegar de un punto A a un punto B de cada fase, ahí terminan las similitudes. La tremenda ampliación en la extensión de estas (por tierra, aire y mar) y la opción de escoger nuestra propia ruta mediante el mapa general amplían enormemente el abanico de posibilidades, convirtiéndolo en un videojuego adelantado a su época. Con el equipo que hubo tras él y la experiencia acumulada, era algo de esperar, pero creo que no hasta aquel nivel tan enorme que revolvió y reorganizó las bases de la saga hasta tal punto que muchos de los elementos se continúan utilizando, de una forma u otra,; hasta nuestros días.

A parte de los precisos y coloristas fondos añadidos, o las mejoras técnicas que evitan ciertos momentos de sobrecarga presentes en el original (como el flickering o cortes de la música provocados por los efectos de sonido), el añadido que más puede favorecer a la jugabilidad es la opción de salvar partida, lo cual no nos exime de volver a pasar ciertas fases de nuevo una vez se reinicia la consola o se pierden todas las vidas, pero hace que la ruta hasta el objetivo principal pueda ser más llevadera. Un juego que es diversión en estado puro, con una banda sonora de las que se quedan grabadas para siempre en nuestra memoria y que además tiene un valor rejugable muy a tener en cuenta, pues está plagadito de secretos y zonas ocultas. Además, con el tema de los disfraces y sus habilidades, cada partida puede ser distinta a la anterior. Una joya que ha envejecido extremadamente bien y que nadie debería dejar de probar. Eso sí, en este caso me quedo sin duda con la versión original de NES.

- Lo Mejor del Juego: Los niveles de jugabilidad son asombrosos. Los fondos añadidos dan belleza y profundidad a raudales. Se respeta la esencia del original al 100%. Tan adictivo y divertido que es imposible dejar de jugarlo. La música es absolutamente entrañable.

Lo Peor del Juego: Creo que el control, la precisión y la velocidad general han salido perdiendo con el remake. Las últimas fases son para tirarse de los pelos. Es el juego en el que menos se aprecian las mejoras técnicas.

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Me encanta la banda sonora de Super Mario 3. Y me encanta por muchas razones más allá del sorprendente y meticuloso trabajo técnico de Mr. Koji Kondo y su siempre eficiente dirección y composición musical. Sin duda, hay piezas en esta tercera entrega que pasaron inmediatamente a los anales de la historia de los videojuegos, pero personalmente con lo que más he disfrutado siempre al escucharla es con la gran variedad de influencias estilísticas que el compositor tomó, y lo excelentemente plasmadas que están en cada uno de los cortes.

World 04 Map. La genialidad compositiva de Koji Kondo para crear temas que ambienten los mapas generales de cada uno de los 8 mundos con los que nos obsequia la aventura parecía no tener fin. Esta es una de esas que, nada más comenzar a sonar, me envuelve en la más absoluta nostalgia por la composición de sus notas, y me transporta a aquellos inocentes y despreocupados días en los que iba a casa de mi primo a disfrutar de esta grandísima obra maestra de juego.

Battle Mode. Esta es la que suena en los minijuegos exclusivos del modo para dos jugadores. Empezando por las influencias musicales, esta se guía indiscutiblemente por la escala del blues, dando un 'groove' espectacular a la partida y nos hace disfrutar a más niveles. Es idéntica a la que suena con los jefes finales menores, pero con una introducción distinta y exclusiva. Tampoco pierde ese tono divertido y simpático que muestra la mayoría de composiciones.

World 06 Map. Aunque dicho tono divertido desaparece en esta composición que rezuma misterio e inquietud en cada una de sus notas. Una lástima que el tema en sí sea corto y se repita, pero para dibujar la atmósfera de este sexto mundo cubierto por el hielo, es ideal por sus notas tintineantes. Es una melodía bastante sencilla que sin embargo, con sus limitadas notas, cumple su objetivo sin necesidad de más añadidos, porque la sensación que nos crea es justo la que pretende.

Athletic (Level Theme 2). Y aquí dejo caer, para disfrute de todo el mundo, la que sin duda siempre fue y sigue siendo mi favorita del juego. Es una auténtica fiesta para nuestros oídos, divertida, refrescante, tremendamente musical, pegadiza a más no poder y uno de los mejores estandartes sonoros de este Super Mario Bros 3. A nivel compositivo desborda espontaneidad y calidad, aunque sorprendentemente a pesar de los arreglos de este remake, prefiero la original. Aun recuerdo mi gran alegría al encontrarme con ella de nuevo en el primer Super Mario Galaxy :D.

World 05 Map. Y para despedir la sección, entro una a última hora por la que finalmente me he decidido, a pesar de su brevedad. Y esto es una lástima, porque este delicioso reggae con su ritmo tropical es de las que uno se quedaría escuchando durante muy largo rato. Curiosamente, en cuanto ascendamos al cielo, segunda parte de este mundo, la melodía cambia, así que hay que aprovechar el transcurso entre las primeras fases para escucharla bien y relajarse con ella.

The Incredible Crash Dummies

2019-11-12T19:45:00.003+01:00

INTRODUCCIÓN:

Los Crash Dummies, sí, esos maniquíes que se diseñaron a finales de los años 80 para simular accidentes de coche y mejorar las prestaciones de seguridad de los vehículos. El hecho, simplemente, de que en su día saliese al mercado un videojuego basado en su imagen que nos mete en una estrafalaria aventura protagonizada por dos de ellos (aunque en realidad solo uno es el que participa activamente), no hace más que confirmar lo que hace unos días comentaba en uno de mis grupos favoritos de Facebook: en tiempos de los 16 bits la variedad era tal que escoger un juego, aun centrándose en un género concreto, era una decisión que podía llevarnos días consultando revistas, viendo sus capturas, guiándonos por opiniones de los colegas. Había mayor porcentaje de pifias (como esta que nos ocupa), pero de alguna forma eso le daba mucha vida a cada sistema. Ah… bendita variedad.

Claro que, a la hora de elegir sin tantos medios en los que apoyarse como los que existen ahora era arriesgado, y gastarse las 10 o 12.000 pesetas de turno y encontrarse con un juego tan lastimero y poco inspirado como este… debía doler. Y podía pasar, sobre todo si uno lo compraba ya no para uno mismo, sino como regalo para alguien, sin haberse informado lo suficiente, pues estos simpáticos personajillos fueron lo suficientemente populares en su momento como para enfocar la atención de algunos sobre todo aquello que tuviese su imagen plasmada. No os digo más, que llegó a salir en su día una serie e incluso una película protagonizada por estos personajillos, que de hecho fue la primera completa realizada con animación por ordenador, y no Toy Story como la mayoría piensan. Dejo para el final una frase para presentar el juego que nos ocupa: es una experiencia totalmente insípida.

TRAMA:

El doctor Zub es un científico un poco freak que en su búsqueda sobre cómo fabricar nuevas y más resistentes piezas para los Crash Dummies (él es uno de ellos, por cierto), diseña y fabrica un prototipo de torso indestructible llamado el T-9000. El Dummie encargado de testear tan magno invento es uno llamado Ted, pero debido a un accidente, su cabeza se mezcla con un ser de malvadas intenciones llamado Junkman (el nombre lo dice todo). Este, siendo consciente del descubrimiento, acude al laboratorio a lomos de una retroexcavadora, atravesando la pared, pasando por encima de Stick y Slick (los protagonistas del juego), dejando fuera de combate al doctor y robando el citado T-9000 para hacer uso personal de este. Preocupado por cómo Junkman pueda emplear esta nueva tecnología, Slick sale a su encuentro, que le llevará por todo tipo de entornos siempre mostrando alguna referencia al oficio de estos personajes.

El archienemigo de los Dummies planea iniciar una fabricación en masa del torso y crear su propio ejército para sus propósitos. En realidad, el juego en sí se basa más en el corto animado y en la serie de principios de los noventa que en los anuncios o las historias que se contaban de ellos en sus inicios a finales de los 80. Obviamente, se mantienen sus características físicas y sus aspectos, y como se puede observar, si es que alguien ha visto la serie o película, se conservan los nombres de estas. La trama tan solo se nos explica justo antes de la primera fase en forma de viñetas con bocadillos estilo cómic (también existió uno en 1993). Entre el resto de fases, tan solo veremos unas cortas secuencias que pretenden ser divertidas, pero cuyo humor es, sinceramente, para echarse a llorar, y solo hace gracia en los primeros segundos del juego.

GRAFICOS:

No todo es negativo en los gráficos de este plataformas para Super Nintendo, pero no pretendamos compararlo ni con las obras maestras del género para la consola ni siquiera con títulos de segunda fila. Hay que apuntar más bajo todavía para encontrar características en este apartado que realmente merezcan la pena. Obviamente la que más destaca es aquella relacionada con la fisionomía de estos maltratados personajes. Se diseñaron con el objeto de testear consecuencias en caso de accidente, por lo Slick, nuestro protagonista, irá perdiendo partes de su cuerpo si recibe algún ataque o contacto por parte de los distintos enemigos. Esto apenas afecta al control del juego en sí, simplemente actúa como medidor de energía, y en ese sentido es de lo más original del juego, realmente lo que le otorga algo de personalidad. De hecho, si no hubiese sido protagonizada por estos maniquíes, el juego hubiese caído en la vulgaridad más absoluta, y aun así, no se libra del todo de ella. Los enemigos… podéis imaginároslos. Señales de tráfico, cyborgs, motoristas locos y una batidora gigantesca en el papel del primer final boss.

Otra lanza que hay que romper a su favor es en las animaciones. Estas están bastante cuidadas, especialmente las del protagonista. Tienen bastantes cuadros y resultan fluidas. Nuestros personajes se mueven con agilidad y también los enemigos, aunque no están ni de lejos al mismo nivel. Al ir quedando mutilado, Slick continúa desplazándose haciendo gala de nuevas animaciones, una diferente para cada uno de sus estados físicos. El tamaño de los final boss es realmente decente, llegando algunos a ocupar cerca de media pantalla, y el diseño también sorprende, pero el del resto de enemigos es malo, casi tan malo como el de los dibujos que aparecen en las viñetas que vemos antes de cada fase, que parecen haber sido dibujadas por un niño de seis años. Son tan insufribles que tan pronto aparezcan estaremos deseando pulsar el botón para pasarlas y librarnos de ellas. El scroll, por el contrario, resulta bastante suave, manteniendo centrado al personaje y desplazándose a una velocidad agradable sin saltos ni brusquedades. El humor está presente en casi todos los motivos que encontramos formando partes del escenario. Algunos tienen cierta chispa. Otros, cero.

Puede que os encontréis con cierto atractivo al ver las capturas que acompañan estas líneas, pero para apreciarlas mejor, cargad el juego en la consola o en algún emulador. La decepción llegará pronto. La paleta de colores utilizada se queda muy corta, dando una impresión de pobreza general y sin alicientes para la vista. Las primeras fases alternan aspectos graciosos y ligeramente agradables visualmente con otros tremendamente aburridos y monótonos. Por suerte, parece que con el transcurso de las fases les entró más inspiración a los desarrolladores y la cosa mejora bastante, en gran parte gracias a los fondos. Si en las primeras fases estos son prácticamente un copia-pega unos de otros, en la penúltima, por ejemplo, nos encontramos con un cielo nublado en varios tonos de azul y gris, dejando una impresión muy resultona y cierta sensación de profundidad que se agradece. De todas formas, no esperemos efectos especiales como varios planos de scroll o aprovechamiento de los chips gráficos extra de Super Nintendo, porque lo que se hizo aquí difiere muy poco de lo que se podría haber conseguido en un sistema de 8 bits.

SONIDO:

Pobre, muy pobre, en la línea general del juego o incluso más. Se podría decir que es uno de los peores apartados del juego, y eso ya tiene delito de por sí, pero solamente con escuchar la irritante melodía que aparece nada más encender la consola… ya empezamos a temernos lo peor. Suena a música muy ‘barata’, a que se le ha dedicado muy poco tiempo, y la melodía es tan simple que también encajaría en una NES. Si se puede destacar algo, son las marimbas en ciertos cortes, que recuerdan a las que encontramos en los antiguos dibujos de la Warner Bros. pero desgraciadamente esto no hace que las melodías dejen de ser totalmente planas, se repitan constantemente sin ofrecer ninguna sorpresa, ninguna melodía que nos haga agudizar los tímpanos. De algunas también se puede decir que resultan originales solamente por su surrealismos y caótica composición, pero la parte positiva de esta sensación tan solo durará unos segundos antes de aborrecerla.

La parte de las percusiones suena totalmente indigna de una Super Nintendo, incluso a veces da la impresión… ¡de que van a destiempo! La que suena en la fase militar (la más chula gráficamente) puede destacar por ser la que más instrumentos utiliza, trompetas, ‘bajos’ (por llamarlos de alguna forma), y resulta bastante más épica, motivadora y sobre todo variada. Siendo la mejor del juego, es bastante aburrida, así que podéis imaginaros el resto. En la sección “Un poco de música”, como siempre, os pongo algún ejemplo. Los efectos de sonido no son demasiado pródigos ni variados, aunque visto el resultado general en el apartado sonoro, casi mejor… pero aunque no lo creáis, algunos son de lo más llamativos. Las explosiones no dejan de ser del montón, pero hay otros como los golpes de nuestro protagonista contra paredes y techos o el rebote de las plataformas que nos lanzan por los aires no están tan mal y resultan, al menos, mínimamente divertidos.

JUGABILIDAD:

¿Alicientes para ponerse con este título? Pues muy poquitos, la verdad. Ser muy fan de estos Crash Dummies podría ser una razón, aunque lo veo bastante improbable. Sin embargo y como siempre, en vez de cebarme con sus grandes lagunas voy a intentar sacar a reflote lo poco que pueda brillar en él. El inicio no es tan malo. Un juego de plataformas con un protagonista de buen tamaño y unas animaciones graciosas que parece tener (solo parece) un planteamiento original. El control de Slick no es del todo nefasto, es relativamente preciso si se sabe dominar y esto no cuesta excesivamente, es cuestión de saber dominar la inercia y la longitud de los saltos para las plataformas más pequeñas. La velocidad a la que transcurre el desarrollo es buena y está llena de acción a cada nueva pantalla, con nuevos enemigos y obstáculos a sortear aunque no nos exija precisamente devanarnos los sesos para lograrlo, sino más bien aprendernos de memoria cada centímetro del mapeado para anticiparnos a los posibles peligros que nos sobrevengan. Existen dos formas de acabar con los enemigos: saltando sobre ellos o a base de lanzarles llaves inglesas.

Esta será la única arma con la que contaremos, y podremos ir recogiendo más a lo largo del mapeado, pero cuidado con abusar de ellas, porque son muy limitadas. Si el protagonista pierde alguno de sus miembros (brazos o piernas) ¡tranquilos! Siempre podremos repararlo recogiendo los destornilladores. Junto a estos ítems, también encontraremos símbolos amarillos y azules que nos darán puntos, alguna vida extra MUY escondida y escasa o pequeñas esferas con la letra A en ellas, que permitirán al personaje hincharse cual globo para salir volando mientras nosotros controlamos su ruta. Hacerlo no es precisamente fácil, pero es cuestión de habilidad, no diría que es a causa de una mala realización. Las fases en las que tenemos que sortear enemigos y pasadizos estrechos volando son realmente difíciles y hechas con bastante mala baba, y requieren un dominio del control casi milimétrico, pero gracias a ellas encontramos algo más de variedad en la mecánica de avance, y se aleja del modelo típico de plataformas que es la verdadera base del juego. Los enemigos aparecen de forma tan brusca que en los primeros intentos nos daremos de bruces con casi todos ellos.

El juego hace gala, en términos generales, de una dificultad bastante elevada, aunque como digo es cuestión de aprendernos al dedillo cada rincón de las fases, el patrón de los enemigos y el timing en los saltos. A parte, nos puede ayudar enormemente tener bien localizados tanto llaves inglesas, como destornilladores y cualquier objeto que pueda beneficiarnos. El problema de la dificultad viene cuando, al perder todas las vidas, nos damos cuenta de que tenemos que empezar el juego desde cero, ya que no existe ninguna opción de claves o de salvado de partida. Si el juego fuese ameno, divertido y vibrante, sería un hándicap menor, pero siendo un título que empieza a aburrir pronto, bastante monótono y con una mecánica que deja bastante que desear… en seguida se nos planteará la duda de por qué tenemos que pasar por todo eso otra vez, porque además las fases son tirando a largas y los jefes finales, son de lo más difícil del juego. Los niveles (para más inri) cuentan con un diseño bastante pobre, laberíntico y confuso, ya que los fondos simplones y la monotonía en los colores no ayudan precisamente a orientarse.

CONCLUSIÓN:

Con la enorme cantidad de juegos de plataforma con scroll horizontal que existieron en Super Nintendo… me cuesta encontrar argumentos para recomendar este juego. Tal vez a aquellos que busquen alguna rareza (aunque salió en las tres regiones y tampoco es especialmente desconocido) o a los que tengan la idea de ‘jugarlo todo’ les puede apetecer este plataformas, que no es tan lamentable y censurable como Bebe’s Kids (por citar lo peorcito) pero que adolece de muchísimos defectos, y más que eso, carece de alicientes para ir más allá de la primera o segunda fase, en cuanto nos demos cuenta de que su mecánica y dificultad están tristemente calibradas y que su apartado técnico entra de lleno en la más solemne mediocridad. Existen juegos en los que pese a esto, una banda sonora de calidad o una mayor variedad pueden tener el gancho necesario para hacerte continuar, pero no es este precisamente el mejor ejemplo.

Ni siquiera a las fases de bonus, con un concepto que podría haber dado mucho más de sí, se les ha sacado partido. Aunque sinceramente, viendo quienes estuvieron tras el desarrollo de este The Incredible Crash Dummies de Super Nintendo, podemos hacernos una idea. Gray Matter fue una compañía con una reputación bastante dudosa y una carrera con lanzamientos como el propio Bebe’s Kids (‘casualmente’…) o Wayne’s World, otro juego de lo más cutre que se ha visto en la consola, y que suelen encabezar las listas de lo peor que se ha visto en ella. Si este juego que nos ocupa debe entrar en esta lista o no, eso ya es cuestión de opiniones personales, pero si no traspasa la línea, desde luego se queda muy cerca de ella. Al menos es corto, y si te encuentras inspirado y eres hábil, te lo podrás terminar en una sola tarde y olvidarte para siempre jamás de él.

- Lo Mejor del Juego: Las animaciones del protagonista y su forma de perder vida. Los final boss son bastante grandes. Algunos fondos son bonitos aunque sin alardes.

- Lo Peor del Juego: Una experiencia tan plana no compensa una dificultad tan elevada. El apartado sonoro es flojísimo. La mecánica es tremendamente repetitiva y la monotonía de colores tampoco ayuda demasiado en la experiencia. Su sentido del humor es penoso.

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Uno de los apartados de sonido más flojos que he escuchado junto a unos efectos sonoros bastante vulgares y de dudosa calidad se unen en The Incredible Crash Dummies, quitándole uno de los posibles alicientes que podría tener para atraer a algún jugador. Un tema por cada fase (que no cambia en las distintas pantallas), uno para los jefes y muy poco más. Tampoco cuentan con la suficiente personalidad para que no acabemos teniendo la sensación que todas han sido compuestas siguiendo el mismo patrón.

Title. Que la única composición más o menos reseñable sea la del título ya dice suficiente sobre este juego. No es que no haya ningún otro detalle en el juego que llame la atención, pero se centra en partes muy concretas, ya que la instrumentación es pobre y su sonido más cercano a una consola de 8 bits que a una de 16. Esta al menos es simpática, alegre, y tiene una introducción divertida, incluso llegará a hacernos mover el pie por su animado ritmo. Puede motivarnos a pulsar el botón Start, pero poco durará esa sensación.

Super Mario All-Stars (Super Mario Bros - The Lost Levels)

2019-10-28T19:50:00.008+01:00

INTRODUCCIÓN:

Super Mario Bros – The Lost Levels. Analizado pobremente y en pocas palabras, este plataformas de Mario se podría definir como un Super Mario Bros en esencia, con niveles nuevos… y una dificultad criminal que a veces roza el ridículo. Pero por supuesto, este no es mi estilo, y siendo objetivos, la segunda entrega real de la saga da para profundizar muchísimo más, porque en el fondo es un juego frenético y divertido, que supone un reto descomunal para aquellos que ya son (o eran) capaces de terminarse el primer Super Mario Bros con los ojos vendados. En esta ocasión, nos enfrentamos a nueve niveles ‘básicos’ y otros cuatro (que es donde llega la verdadera pesadilla) etiquetados con letras de la A a la D. En espíritu, estética y personalidad, es la continuación ‘real’ de uno de los videojuegos más grandes en la historia de la industria, aquel que todo el mundo conoce.

Su lanzamiento se produjo en Japón, un Junio del año 1986, aunque no en formato cartucho, sino en disco para el periférico Famicom Disk, y en su país natal vendió la nada despreciable cifra de 2,66 millones de unidades, aunque si se compara con las de su antecesor, no se le acerca demasiado en número, especialmente a nivel mundial. A pesar de que Miyamoto también supervisó y trabajó en The Lost Levels, su repleta agenda le impidió dedicarse a él a tiempo completo, por lo que delegó parte de sus obligaciones en Takashi Tezuka, que precisamente hizo su debut como director con esta entrega. Ya trabajó de asistente en la anterior, por lo que experiencia no le faltaba, y en pocos años se convertiría en uno de los nombres más relevantes de la compañía, co-dirigiendo otras joyas como Super Mario World o The Legend of Zelda – A Link to the Past.

TRAMA:

Existe muy poca información acerca de la trama que lleva a nuestro fontanero favorito a iniciar una nueva aventura para acabar con el malvado Rey Koopa de una vez por todas, algo que parece ser que no consiguió del todo en la primera entrega (y sin saberlo, no lo lograría en mucho tiempo jeje). De hecho, lo que se conoce apunta a que es prácticamente idéntica a la que ya describí en el análisis del primer juego: con todo un ejército de soldados a sus espaldas formado por goombas, escarabajos armados, cañones, koopas, hermanos martillo, y pequeños cheep cheeps, el enemigo por excelencia de Mario ha invadido el reino champiñón y convertido a todos sus habitantes en bloques de piedra, privándoles de su libertad. Esto no sería un problema mayor… si no fuese porque la princesa Peach, la única persona capaz de quebrar el hechizo, está cautiva en la fortaleza del rey de las tortugas.

La excusa perfecta para repetir la historia (aunque realmente esto es algo casi anecdótico para un juego de estas características) es que en esta ocasión, todo lo que vemos se sitúa en un mundo paralelo, y de ahí que haya más fases, más enemigos y más difíciles. Aunque, si así lo deseamos, podemos cambiar ligeramente el punto de vista, ya que esta vez Luigi también puede ser seleccionado para terminar la aventura en solitario (en detrimento del modo dos jugadores alternativos). Ni siquiera en el manual, por lo que he podido traducir del japonés (usando un traductor, obviamente) menciona gran cosa sobre cambios en esta nueva historia de Mario. Y de todas formas, tampoco es algo relevante como digo, ya que ni siquiera existe una intro como sucedía en Super Mario Bros 2 que al menos nos narraba en pocas líneas los acontecimientos que enlazan con el inicio de la aventura.

GRAFICOS:

Aunque no llega al nivel de colorismo, detalle y animaciones de Super Mario World, el lavado de cara que se le dio al original Super Mario Bros 2 japonés en este remake para Super Nintendo incluido en el juego Super Mario All-Stars fue francamente impresionante. Aumentó el nivel de contraste, la intensidad de colores, estos fueron mejor seleccionados para dar más sensación de vividez y por supuesto, se rediseñaron absolutamente todos los sprites presentes en la aventura para hacerlos más dignos de la potencia de los 16 bits de Nintendo, comenzando por el protagonista, que luce un aspecto mucho más parecido al que se mostraba en el manual original, con cantidad de colores para su vestimenta. Se añadieron también efectos como brillos, y pequeñas explosiones al terminar con los enemigos, que a su vez tienen muchísima más personalidad que en el original. Pero lo que más destaca son, sin duda, los fondos. En esta versión, las fases se diferencian mucho más entre sí gracias a ellos, a su abrumador colorido y animaciones como cascadas, estrellas, montañas multicolores gigantescas o en las fases submarinas, todo un mundo de corales y arrecifes.

En su afán de respetar en todo lo posible la identidad del juego original, no se añadieron nuevos movimientos ni habilidades: todo continúa en este sentido como estaba para que la experiencia no se alejase demasiado de lo que podríamos haber conocido si el juego alguna vez hubiese traspasado las fronteras japonesas… cosa que, estrictamente, no sucedió hasta el año 2007 cuando pudimos jugarlo a través de la consola virtual de la Wii. De hecho, si miramos el juego con detalle, tan solo encontraremos un elemento realmente novedoso en lo visual: los champiñones nocivos. Todo lo demás ya pudimos verlo en el Super Mario Bros original, por lo que realmente no vamos a encontrar grandes sorpresas. Tal vez se puede apreciar que algunos niveles son más bonitos y están más llenos por la mejor distribución de los elementos en ellos, todo hecho, por supuesto, con el fin de atormentar más al jugador, pero de eso ya hablaré en el apartado correspondiente. De momento quedaos con los alucinantes fondos que se incluyeron que en comparación con los fondos mucho más simples del original, son un manantial de alegría para el sentido visual.

Incluso diría que son uno de los principales alicientes para echarle horas al juego, por muy inhumano que resulte a veces. Las fases ya tenían su propia personalidad, pero ahora esta ha mejorado una barbaridad. Los elementos, las plataformas, las trampas, etc., siguen estando donde siempre, pero todo tiene más brillo y un aspecto mucho más amigable y atractivo. Solo ha que fijarse en la muralla que solo vemos en el último mundo antes del primer enfrentamiento, o en los colosales retratos del Rey Koopa que hay decorando las paredes de sus castillos. Desde luego, hubo un trabajo inmenso en el diseño de estos, en sus animaciones, transparencias y efectos. Los elementos en pantalla dejaron de ser tan cuadradotes y toscos, y se les añadieron capas y una mayor resolución para que resultaran más agradables a la vista. Hablando de las versiones originales, respecto a Super Mario Bros, en la segunda parte (y sobre todo gracias a la ampliación de memoria que supuso el Disk System de Famicom) se pudieron ver muchas mejoras a nivel gráfico, aunque en Super Nintendo estos cambios no se aprecian al ser ambas versiones remakes, por decirlo de algún modo, ‘igualados’ en calidad.

SONIDO:

Algo muy similar a lo comentado en la última parte de los gráficos sucede con las melodías y los efectos de sonido de este The Lost Levels. En esta segunda parte, y debido al formato original en disco, la calidad del sonido general se vio mejorada notablemente, dando más cuerpo instrumental a los temas que rodean al juego y más presencia y calidad a los efectos de sonido. Si se comparan las dos partes en NES / Famicom, la diferencia es ciertamente apreciable, pero si centramos la atención en estos remakes, queda en algo que pertenece a la historia, ya que las incluidas en Super Mario All-Stars son idénticas nota por nota y en cuanto a calidad. De hecho, aquí radica uno de los principales problemas que llevó a Nintendo América a no tener ningún interés en distribuir el juego en aquel territorio en su momento: demasiados aspectos calcados a su predecesor. Si en cuanto a las fases, estas al menos eran distintas y renovadas, la banda sonora permaneció totalmente idéntica… salvo dos temas.

Estos dos, a pesar de que ante tan magnífica banda sonora no son los más destacados, sí le dan una pinceladita de personalidad, al menos para darnos cuenta de que la aventura no es la misma en la pantalla de inicio, que es donde suena una de ellas. La otra en cuestión es la que ambienta el ending del juego. A primera escucha puede parecer la misma que suena al finalizar la primera aventura (una de esas que se pegan tanto que cuestan de olvidar), pero es más larga y cambiante. De hecho, esta que suena en la segunda parte fue compuesta para estar en la primera, pero se tuvo que recortar por problemas de memoria, dando lugar a dos distintas. El resto son las que ya todos conocemos, y la magia de Koji Kondo sigue inundando cada una de las notas de esa entrañable Overworld, de ese puntito de misterio en Underworld y las nuevas, como la de las pantallas de bonus, compuesta exclusivamente para la ocasión del remake.

JUGABILIDAD:

La estructura jugable de Super Mario Bros – The Lost Levels sigue intacta. Un plataformas en toda regla en el que nuestro objetivo es llegar al final de cada fase saltando sobre las cabezas de nuestros enemigos y haciendo virguerías para alcanzar sitios inaccesibles valiéndonos de los distintos objetos difuminados por el mapa. Definición pura y dura del género que en estos primeros capítulos tiene su referente máximo. Cada mundo se divide en cuatro secciones. Cada una de ellas cambia de aspecto (fases subterráneas, fases en el cielo, nevadas o de noche) salvo en la última, que siempre nos sitúa en un castillo de Bowser, con unos retos especialmente difíciles y elementos como líneas de fuego o los propios ataques del archienemigo incluso antes de llegar hasta él. Pero la mecánica continúa invariable. Los enemigos no han cambiado, así que tendremos la ventaja de estar familiarizados con sus movimientos y patrones, aunque en la versión original de Famicom sí que hubo un rediseño de su ‘inteligencia’ para que estos fuesen, si cabe, más puñeteros todavía. Por otra parte, los movimientos de Mario siguen siendo los mismos, con sus virtudes y defectos.

Y es que de hecho, el juego recibió el sobrenombre de ‘For super players’ y esto, lejos de ser una exageración, era más bien una advertencia para tomársela muy en serio antes de ponerse a manejar al fontanero en su segunda aventura. Esta consta de 9 mundos, ocho más uno que solo podremos jugar si hemos evitado todos los warp secretos (aunque sean de los que nos transportan hacia atrás). Pero no contentos con esto, si estos primeros ya son absolutamente demenciales en cuanto a dificultad, añadieron cuatro más, que son una auténtica locura y una prueba de fuego para nuestros nervios, que al llegar a ellos, ya estarán alterados al máximo. Aquí es cuando llega el auténtico infierno de este Super Mario Bros 2, con una marabunta de enemigos enloquecedora, saltos que exigen perfección absoluta y obstáculos que solo superaremos a base de perder decenas, incluso cientos de vidas. Hay algunas fases en concreto que son tan difíciles que rivalizan con el hoy conocido Super Mario Maker, mundos prácticamente imposibles de superar si no se ha invertido ya muchas horas en ellos y se posee una habilidad y precisión impecables.

De hecho, a parte del extremo parecido entre la primera y la segunda parte, esta ciclópea y casi enfermiza dificultad fue el detonante para que el juego original nunca llegase a ver la luz fuera de Japón. Howard Phillips, encargado en aquel entonces de testar los juegos para la división americana, consideró que su brutal dificultad sería un hándicap demasiado poderoso y pernicioso para las ventas. Así que, en lugar de este, la segunda entrega que los jugadores estadounidenses disfrutaron fue una conversión del Yume Kōjō: Doki Doki Panic! (también de Nintendo) con los personajes del universo Mario y renombrado como Super Mario Bros 2. Ellos nunca disfrutarían de dicho Super Mario Bros 2 internacional, pero muchos años después y debido a la acogida del título, apareció en Japón bajo el nombre de Super Mario USA. Y es que verdaderamente el tema se les fue de las manos. En ocasiones, el tremendo nivel que exhibe el juego es para echarse las manos a la cabeza y esto termina afectando negativamente a la jugabilidad. Por suerte, en este Super Mario All-Stars, cada cambio de fase cuenta como un checkpoint, y no tendremos que empezar desde el principio cada vez que perdamos todas las vidas.

CONCLUSIÓN:

El resto de novedades aparte de las ya comentadas son la aparición de un hongo mortal, que se une a los ítems de toda la vida que Mario puede emplear, como la seta que le convierte en un héroe más grande o la planta que le da poderes de fuego y por cierto… se redujo considerablemente la aparición de estos. En cualquier caso, ni esto, ni los secretos como warpzones o fases en el cielo, donde podremos obtener gran cantidad de monedas, son un atenuante para su brutal, y desesperante dificultad. A lo añadido en la review del Super Mario Bros, este juego requiere además una templanza mayor y un grado de paciencia mucho más alto, porque su crueldad con el jugador no conoce límites. Él mismo se creó la fama y creedme, está más que justificada. La última diferencia, a grandes rasgos, es la desaparición del modo alternativo para dos jugadores y la inclusión de Luigi como personaje secundario.

Las diferencias de control entre ambos personajes son bastante marcadas, e incluso diría que pretender terminar el juego con el hermano de verde es algo todavía más exigente y enervante, ya que su control es más complejo de dominar que el de Mario. Hablando de este tema, repito lo dicho en la review del primer juego: no me termina de gustar cómo se adaptó el control de la versión original. Ahora Mario puede que sea más versátil para aquellos expertos, pero sus movimientos, su inercia y su aceleración son bastante más acartonados y rígidos, por lo que casi la mitad de veces que perdamos una vida será culpa de dificultades con el manejo. En cualquier caso, si lo que uno busca es ponerse a prueba para superar lo casi insuperable, exigiéndose pasar un rato de lo más intenso con un plataformas que rebosa clasicismo y unos gráficos bonitos y coloristas, y ya se conoce el Super Mario Bros. de memoria, esta puede ser una opción muy apropiada. De lo contrario… mejor ir subiendo poco a poco el nivel.

- Lo Mejor del Juego: Los fondos añadidos son fantásticos, brillantes y muy naturales. La música sigue siendo tan deliciosa como la original pero mejor acabada. Si se toma como reto de fuerza, es de las mejores opciones. Poder salvar al final de cada sub-fase.

- Lo Peor del Juego: La desmesurada, agónica y frustrante dificultad. Hay momentos en los que el azar influye demasiado. El control es algo tosco y cuesta mucho hacerse con él.

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Cuando escribí la reseña del primer capítulo, ya añadí a la sección musical los temas que consideraba más representativos de la esencia más pura de Super Mario Bros. Una banda sonora inconfundible que por muchos años que pasen siempre seguirá formando parte de nuestra historia como jugadores y probablemente, de nuestra más tierna infancia. Puesto que la banda sonora de este Super Mario Bros 2 es prácticamente idéntica al anterior, pongo algunas que se quedaron el tintero y las dos exclusivas de este remake.

Lost Levels Title. Me parece hasta irónico que en su momento compusiesen y escogieran este tema para acompañar la primera pantalla del juego, y más cuando ya de primeras una tortuga aparece saltando amenazante sobre nuestro protagonista incluso antes de pulsar Start. Sus notas irradian mucha ternura y calma, algo así como si se tratase de una composición para un Zelda por los arpegios iniciales... pero a partir de aquí, amor más bien poco.

Castle. Fue una de las melodías pioneras en poner un trasfondo de auténtico terror en un videojuego, y ya aparecía en Super Mario Bros. Su cadencia es rápida y su repetición muy corta, pero es precisamente esa insistencia en sus notas la que nos pondrá los nervios a flor de piel mientras esquivamos las mil y una trampas que los castillos de Bowser nos tienen preparadas, pero lo mejor de todo es escucharla con los truenos entrecortándola. La melodía principal se adaptaría en Super Mario World.

King Bowser. Se podría aceptar que existen algo así como dos versiones del tema, una (esta mismo que podéis escuchar) presente en todos los enfrentamientos contra el malvado rey, y otra exclusiva del último, más machacona y marcádamente electrónica. La primera me gusta más, porque tiene ese ritmo de samba tropical tan característico del universo mezclado con funk mientras un bajo hace saltar notas rápidas. De todas formas en esos momentos estaremos tan nerviosos que poca atención le prestaremos.

Ending. Solo escucharla unos segundos... ya nos trae un sentimiento único, y a la mente, esos maravillosos recuerdos que muchos hemos pasado con cada capítulo de Super Mario Bros. Está muy bien compuesta para el momento en que Mario se encuentra con Peach, con esos aires de realeza que tiene. Esta es más larga y elaborada (al menos la original) que la que encontrábamos en la primera parte, aunque en realidad es la misma adorable melodía acompañada por distintos sonidos e instrumentos. Genial.

Michael Jordan: Chaos in the Windy City

2019-10-11T13:08:00.003+02:00

INTRODUCCIÓN:

Con cierta frecuencia, en el mundo del videojuego nos hemos ido acostumbrando, ya desde sus más tiernos inicios, a ver participar en ellos de forma digitalizada a distintas personalidades sobradamente conocidas que pertenecen a otros ámbitos, pero sobre todo al mundo del deporte. Grandes estrellas han prestado su nombre e incluso su imagen para apadrinar videojuegos que han basado en su reconocida personalidad gran parte de su éxito y nivel de ventas aunque en realidad el juego en sí no destacara en ninguna de sus facetas. Es lo que tiene la venta de imagen. En este caso, es una de las figuras más conocidas de la historia del baloncesto, el mismísimo Michael Jordan, el que pone su cara, su nombre e incluso protagoniza este cartucho que, sin ser completamente desconocido, no llegó en su día a plantear rivalidad a otros juegos de su mismo género, bastante extendido en Super Nintendo.

Electronic Arts no perdió la oportunidad de llevarse el gato al agua, a pesar de que cuando este juego salió al mercado, Michael Jordan estaba retirado del básquet profesional, dedicándose al béisbol, donde cosechó un éxito bastante discreto. Tener al famoso jugador, que con el tiempo se había convertido ya en todo un icono de la cultura popular, como insignia, les garantizaría más reconocimiento y unas buenas ventas… o eso debieron imaginar. Su carrera “videojueguil” en aquellos años iba ‘in crescendo’ con la aparición del primer título de su saga más conocida, Fifa International Soccer y otras franquicias ya establecidas, y la cosa no había hecho más que arrancar, así que probaron intentando mezclar al gran astro con el mundo de… los juegos de plataformas con un título no exento de ciertos detalles de gran calidad y otros mejorables que no fue el petardazo que seguramente esperaban los de la compañía americana.

TRAMA:

Así pues, en lugar de crear un nuevo juego del tipo “equipo vs. equipo” tan de moda en aquellos tiempos, o enfrentar al mítico personaje con otro de su misma talla (como sucedió en Jordan vs. Bird), EA decidió hacer que el gigante se embarcara en una aventura de acción y plataformas que además resulta ser de lo más delirante, surrealista e inesperada si a todo esto le juntamos una trama que puede ser tildada de grotesca, no porque sea particularmente mala o descuidada, sino los elementos que forman parte de ella y por el marco en el que se desarrolla. Algo que ni el propio Michael hubiese sabido predecir unos años antes. Sin embargo, desde el principio vemos que se puso empeño en contarnos sus pormenores, ya que tras pulsar el botón Start para iniciar una nueva partida, aparece ante nosotros una tira cómica bastante bien representada en la que se nos cuenta el porqué de esta estrafalaria aventura.

Jordan, aunque retirado de la profesión que le hizo famoso a nivel mundial, acude por última vez al estadio de Chicago para el que será el último partido que se celebraría en dicho lugar. Un partido benéfico organizado por el mismísimo Scottie Pippen en el que se enfrentan las mayores estrellas que este deporte ha conocido nunca. Hasta este punto, el guión está extraído de la realidad. Pero al llegar al estadio, Jordan ve la cancha y los vestuarios completamente vacíos y en silencio, solo perturbado repentinamente por una nota que entra rompiendo una de las ventanas, y en la que se reta al jugador a rescatar a sus compañeros, secuestrados y presos por el repelente Dr. Cranium, un científico chiflado cuyo objetivo es reunir a todos estos jugadores y convertirlos en seres mutantes modificados genéticamente para constituir entre todos ellos el equipo definitivo de básquet (¿¿??).

GRAFICOS:

Tras este argumento que verdaderamente quita el hipo por su categoría de serie B, se encuentran algunos detalles técnicos bastante notorios que dan al juego mucha personalidad, si es que no posee bastante ya gracias a sus elementos casi únicos. Los gráficos, junto con algún otro sub-apartado, son lo mejor de este juego. Algo importante a destacar es que el propio Jordan, pese a lo increíble de su argumento, participó en el juego de forma activa, prestando sus movimientos a captura para realizar unas animaciones muy creíbles y bien hechas en cada cuadro al lanzar, saltar, tambalearse, machacar o incluso bailar de alegría. A la hora de andar, su aspecto es fluido, reconocible, siempre botando la pelota y listo para la acción. También nos encontraremos con sus compañeros de deporte, aunque estos pasan mucho más desapercibidos. Aunque algo más recortadas, las animaciones de sus adversarios son bastante decentes, y de estos hay un buen catálogo, también de lo más rocambolesco, como arañas, robots, monos mecánicos, babosas o serpientes formadas por balones de baloncesto… todo muy acorde al espíritu impredecible del juego.

Si magníficas son las animaciones, se puede decir que el resto del juego goza de buen nivel en el apartado gráfico. Recuerdo cuando, a finales del 1994, aparecían imágenes en las revistas del sector. Este juego me llamaba poderosamente la atención y se me quedó en el recuerdo. Sprites bien perfilados y definidos, muchos elementos y motivos en pantalla, un estilo muy peculiar y una paleta de colores que le daba una identidad única… aunque ciertamente a la hora de jugar esto último no corre a su favor, ya que encontramos decorados y fases en general muy tenues y aunque cambiemos de entorno, bastante repetitivas por sus tonos oscuros y colores apagados y muy similares entre ellas. Dicha monotonía queda rota, por encima de todo, en el parque de atracciones y en las casas encantadas que forman el reto final del juego, sublimes a nivel de ambientación (también gracias a su música) y en las fases de tren, divertidas y poseedoras de unos fondos mucho más destacados, además de una buena velocidad sin saltos ni cortes que las convierten en las más frenéticas. Una lástima que estas últimas no estén más explotadas, porque aportan mucha vidilla a este apartado.

La inmensa cantidad de ítems repartida por cada recoveco de las fases también es un punto a destacar. En estos el colorido cambia radicalmente para que se puedan distinguir perfectamente de los decorados. Ítems de puntos, distintas clases de balones, zapatillas, corazones, vidas extra… aportan mucha luz al conjunto. Hablando sobre la intro en formato cómic, no se quiso desechar totalmente este estilo a la hora de concebir a algunos enemigos, como los árbitros locos o los zombis sin cabeza, aunque es un aspecto muy poco desarrollado que se podría haber trabajado más y hubiese encajado a la perfección en una historia tan deliciosamente absurda. Nada que ver con, por ejemplo, Comix Zone de Mega Drive. El diseño de los niveles opta claramente por una estructura laberíntica, con puertas laser, rayos eléctricos por doquier y un final boss por cada uno de los mundos con tamaños y animaciones que destacan enormemente sobre el resto de enemigos. También vemos algunos efectos interesantes, como el del agua o explosiones de partículas. Solamente por los elementos comentados hasta ahora, es uno de esos juegos que sería impensable ver hoy en día en ningún sistema.

SONIDO:

De un juego en el que la acción, pero también la exploración meticulosa son las dueñas de la mecánica, uno espera algo más animado de lo que vamos a encontrar aquí. También es cierto que el juego en sí mismo es bastante impredecible, así que en esencia la banda sonora le viene como anillo al dedo, pero que nadie se equivoque y espere temas muy animados de esos que motivan a saltar y correr. Más bien la banda sonora está en consonancia con el apartado gráfico, con pasajes muy repetitivos, casi ambientales, pero sin duda bien hecha. El primer juego que me vino a la mente al escuchar algunos cortes (los primeros, concretamente) fue Super R-Type y, sobre todo y de una forma muy intensa, a Gods. No tardé en comprobar que tras este último y el Michael Jordan: Chaos in the windy city que nos ocupa está el mismo maestro compositor: David Whittaker, que se convirtió en toda una leyenda gracias a sus trabajos para microordenadores de 8 bits a finales de los años 80, aunque no es el único que trabajó en esta; hay que añadir los nombres de Murray Allen, Marc Farly y Don Veca.

Un score, como poco, curioso, cuyas melodías están formadas por bajos, sintetizadores y otros efectos electrónicos. Una colección que podría pertenecer perfectamente al género de los shoot’em-up por su cadencia sin alteraciones en la melodía ni en el ritmo. Incluso algunas cuesta distinguirlas entre ellas, y solo será con unas cuantas horas de juego a los mandos cuando comenzaremos a diferenciarlas. Sin embargo, en mi opinión, valen mucho como ambientación pero escuchadas fuera de contexto pierden la gracia (esto ya es algo de gustos personales), si incluso en algunos momentos ya resultan excesivamente monótonas controlando a Jordan. Es de reseñar que se han empleado múltiples efectos sonoros muy bien combinados que recuerdan a la música bailable de los años 90, con toques industriales, ambientaciones techno, mucha percusión y bajos… etc., pero muy poca melodía. Sin embargo, hay un curioso símil al comparar los gráficos con la música. Se podría decir que las canciones son al decorado lo que los efectos sonoros son a los ítems: mucho más vívidos y coloristas, más alegres y llamativos. En seguida identificaremos el objeto recogido gracias a estos últimos. Los alaridos de algunos enemigos, geniales.

JUGABILIDAD:

El protagonista digitalizado del cartucho acomete una misión que nunca tendría el verdadero Michael Jordan… pero su identidad en la parte baloncestística se mantiene casi intacta. Su mejor arma siempre ha sido y sigue siendo aquí una pelota de básquet, y nadie sabe usarla como él. La misión principal es lograr encontrar al Dr. Cranium e impedirle continuar con sus delirantes planes, pero también nos toparemos con unas cuantas misiones secundarias; de alguna de las cuales, incluso, dependerá la secuencia final que veamos una vez destruyamos al científico. Una de ellas, la más resaltable, es la de encontrar y liberar a los compañeros de equipo, tarea que con cada fase que se avanza, se vuelve más ardua y meticulosa, ya que los programadores no dudaron en usar recursos como paredes secretas, suelos que se pueden romper o ilusiones ópticas ayudándose de las texturas de fondo para confundirnos. Están tan escondidos que tendremos que ingeniárnoslas de varias formas para dar con ellos, congelando enemigos o atravesando muros a ciegas, algo que a veces resulta un tanto desesperante. Sin embargo, no es algo fundamental para terminar el juego.

Como tampoco lo es reunir todas las llaves, pero en cierto modo, ambas cosas van relacionadas, ya que muchos compañeros se hallan tras cerraduras protegidas con una llave de cualquiera de los tres colores, sin contar con los manojos de color plateado y dorado. Los niveles están diseñados con bastante inteligencia y, porque no decirlo, con cierta malicia, y nos obligarán en muchas ocasiones a desandar lo andado para buscar esa llave escondida necesaria para seguir adelante, o si somos más perfeccionistas, cualquier compañero encarcelado o nivel de bonus que hayamos podido dejar atrás. Estos últimos son una gran oportunidad para recargar nuestra barra de energía, coger más armas e incluso alguna vida extra o los tan ansiados corazones dorados (todo ello contra el tiempo). Y con armas me refiero a los distintos tipos de pelotas que existen, cada una con características propias. La bola negra se tira como si de una de bolos se tratase, las moradas rebotan, las de béisbol sirven para coger objetos a distancia, y las de fuego son incendiarias (entre otras). Racionarlas y usarlas en el momento adecuado debe ser una de nuestras prioridades.

El scroll está bien logrado y nos permite calcular distancias y observar a los enemigos antes de ser atacados. Pero la dificultad viene por otro frente. De los tres niveles de dificultad a elegir desde un principio, el primero es relativamente asequible, el segundo nos pondrá en aprietos y el tercero solo es para jugadores de acero. Uno de los aspectos que más se criticaron en su día fueron los relacionados con el control del protagonista, y ahora que he tenido la ocasión de terminarlo varias veces, he visto el porqué. Se llega a dominar bien con la práctica, pero en cualquier caso es bastante cruel, sobre todo a la hora de lidiar con las plataformas. Un paso en falso, o un descontrol en el equilibrio, y seguramente iremos a parar a una trampa (ya sean pinchos, lava, o pozos sin fondo) que aniquilarán todos nuestros puntos de vida de un plumazo, por lo que hay que ir muy al tanto cuando no vemos suelo bajo nuestros pies. Por otra parte, a veces resulta algo confuso cambiar de pelota (con el botón R) y de llaves (con el Select, mal empleado), sobre todo si nos acosan enemigos que se mueven rápidamente.

CONCLUSIÓN:

Ha sido sin duda a partir de la segunda pasada al terminármelo cuando realmente me ha enganchado, ya que es un juego que me entró algo cruzado por la dificultad a veces dudosamente calibrada. A pesar de los intrincados laberintos que son cada fase, ir con calma y pisar firme es la clave para no malgastar vidas, y de paso, no olvidar objetos por el camino. Desde luego, no es un juego para pasarse a la carrera, porque terminará frustrando al jugador. A pesar de que su ambientación no es muy atractiva en un primer momento, pronto nos acostumbramos a ella y empezaremos a cogerle el tranquillo, porque los fondos están muy bien hechos, la resolución es buena y además todo tiene mucha personalidad, algo que también abarca el campo de la banda sonora, que nos puede resultar demasiado plomiza en determinados momentos (sobre todo en esos en los que nos encontramos atrapados sin saber por dónde seguir) pero que no está exenta de calidad compositiva gracias a la mano de, entre otros, el gran David Whittaker.

En cuanto dominemos los saltos, cambiemos rápido de pelota y sepamos usar rápidamente las llaves, tan solo nos quedará tener muchos reflejos para esquivar enemigos y mucho tino para encertarles, además de pulir ciertos aspectos como los saltos giratorios, que son muy útiles para coger ítems alejados. Por lo demás, siempre es divertido machacar las canastas que hay repartidas, cada una con su propia función, buscar ese objeto que se nos resiste y recorrer cada nivel hasta saberlo casi de memoria, la experiencia se vuelve más gratificante cada vez. Si unos pocos meses antes le tocó a Shaquille O’neal demostrar sus dotes en el combate cuerpo a cuerpo en Shaq Fu, ahora Michael Jordan debe batirse contra mutantes, robots medio humanos y demás engendros para salvar a sus compañeros y al mundo del baloncesto en general. Tareas poco relacionadas con sus verdaderas profesiones, sí, pero es que a mediados de los años 90 con una idea, por disparatada que pudiese parecer, casi todo era posible. Era parte de la magia del momento.

- Lo Mejor del Juego: El diseño de las fases y la animación de Jordan, muy conseguida y convincente. Su atractivo va a ritmo creciente. Ciertos toques de humor bastante ácido. Una idea original con una realización lograda. Los interludios del tren son muy divertidos.

- Lo Peor del Juego: La música se puede hacer un poco cargante. Hay ciertos aspectos del control que no se pulieron bien. Que no se avisen de alguna forma las salidas de nivel. Los gráficos de cada fase pueden resultar excesivamente iguales unos a otros.

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No son precisamente, como menciono en el análisis, melodías para escuchar fuera de contexto. No son de esas que pueden aportarte sensaciones extra si se escuchan apartadas del propio juego, aunque eso no quiere decir que no tengan el suficiente carisma. Simplemente, su falta de melodía y monocromatismo sonoro les dan un aura casi hipnótica que las hacen perfectas para ambientar un juego de estas características, y con más razón al observar el entorno gráfico y su peculiar paleta de colores. Busca, sobre todo, sumergirnos más todavía en este extraño mundo.

Main Theme. Así pues, he tenido en cuenta para hacer esta selección la capacidad que pueden tener distintas melodías para aportar incluso fuera del contexto del juego, y esta es una de ellas. Es bastante animada, con una percusión más destacada incluso que el resto y con cierta melodía para darle vueltas y vueltas, creando una ambientación fantástica para esta especie de mundo subterráneo oculto en el que se desenvuelve nuestro protagonista.

Freight train boogie. No se calentaron mucho la cabeza sus creadores a la hora de ponerle título, 100% descriptivo tanto por la zona que ambienta como por el estilo musical, un boogie bastante rítmico y absorbente que, a pesar de todo, desentona un poco con el entorno de un tren a toda velocidad con toneladas de acción desenfrenada. Algo más enérgico le hubiese quedado mejor, pero en cuanto al tema en sí nada que objetar, bien compuesto, de tesitura suave y bastante atractivo al oído.

Riverview amusement park. Totalmente genial la idea de hacer de la última fase un parque de atracciones bastante macabro y delirante en el que se esconden distintas mansiones embrujadas con miles de trampas, enemigos y secretos. A ritmo de un vals decadente, la música que suena en la zona abierta es absolutamente perfecta con su compás y su instrumentación, formando una melodía muy perturbadora y con aires terroríficos sin quitar ese punto grotesco que puede recordar a un parque de atracciones o a un circo. De las más inspiradas del cartucho.

Super Mario All-Stars (Super Mario Bros 2)

2019-08-27T01:15:00.003+02:00

INTRODUCCIÓN:
Si en la primera incursión de este Super Mario All-Stars en El Cerebro de la Bestia hablé largo y tendido sobre el más que mítico y legendario Super Mario Bros, como continuación lógica hoy vengo a analizar con detenimiento al que fue su sucesor, aunque trasladándolo a este último, realmente eso de “continuación lógica” no encaja demasiado con él. Y es que, tras la explosión de buenas críticas, ventas millonarias y cientos de miles de jugadores adictos al título de plataformas por excelencia de Mario, lo que llegó después fue, cuanto menos, chocante e inesperado ya que, quitando los conocidos personajes, algunos elementos (como las conchas de tortuga o las estrellas de inmunidad) y enemigos, muy poco tuvo este Super Mario Bros 2 que ver con su antecesor. El estilo gráfico fue totalmente modificado, la mecánica dio un vuelco insólitio y tanto el objetivo final del juego como el mismo final boss fueron sustituidos.

Para mayor rareza, este título salió directamente en Estados Unidos, saltándose a su país de origen, que no pisaría hasta pasada la friolera de cuatro años bajo el nombre de Super Mario Bros 2 USA. Aunque detrás de todo esto, hay una historia esclarecedora que probablemente muchos de vosotros ya conozcáis, una de esas que a día de hoy suena casi surrealista, pero que en su día fue en realidad una estrategia comercial más que otra cosa, marcada por un alto riesgo de rechazo en el continente americano del que fue en Japón el ‘verdadero’ y original Super Mario Bros 2, aunque por supuesto los nipones tampoco se quedaron sin su ración de Mario mirando a los americanos mientras babeaban envidiosos (faltaría más). Aun con todo este desaguisado de cambios de nombre, fechas y ‘múltiples personalidades’ el juego cosechó un éxito inmenso (aunque lejos del primer título de la serie), cifrándose las ventas en alrededor de siete millones de copias vendidas.

TRAMA:

Esto último, por otra parte, no era de extrañar. Tras el arrollador lanzamiento de Super Mario Bros, estaba más que claro que cualquier videojuego que, a partir de entonces, utilizase el nombre del fontanero iba a tener el camino allanado, y para Super Mario Bros 2 fue llegar y besar el santo, lo que no quita que más de uno quedara con cara de póker ante los grandes y múltiples cambios en el universo ya conocido. Por otra parte, una de las premisas en la filosofía de Nintendo siempre ha sido no repetirse, así que la excusa les vino que ni pintada. En esta ocasión, no vemos ni rastro del malvado Bowser en toda la aventura, pero sin embargo se amplía el plantel de personajes jugables a cuatro, pudiendo controlar a Mario y a Luigi y, como novedad, a Toad y a la princesa, que se enfunda en su papel de heroína en lugar de víctima.

Me encanta el detalle de que, tanto en el original como en la versión incluida en este Super Mario All-Stars (del cual estoy haciendo un análisis fragmentado) se nos narre, aunque de forma muy breve y compacta, la historia que lleva a Mario y a sus compañeros a enfrentarse de nuevo a fuerzas malignas. En una apacible noche, y en uno de sus plácidos sueños, el bigotudo se topa, tras subir una larga escalera, con una puerta misteriosa que le da paso a un mundo mágico y sinuoso, en el cual una voz pide ayuda desesperadamente a cualquiera que pueda liberarle del maléfico hechizo que alguien ha lanzado sobre su presencia. Despierto pero todavía aturdido por la experiencia, Mario se embarca en una más de sus muchas expediciones cuando, de repente, al cruzar el umbral de una cueva, este se encuentra exactamente con el mismo mundo que acaba de presenciar en su visión onírica.

GRAFICOS:

La pregunta del millón, que se puede formular para cualquiera de los cuatro juegos que forman parte de Super Mario All-Stars. ¿Con qué gráficos se queda uno, con los originales o con los de este remake? Francamente, nunca he sido muy partidario de estos últimos, pero en el caso de Super Mario Bros 2 he de romper una lanza a favor de la revisión que se hizo para Super Nintendo por muchas cosas, pero sobre todo por el absoluto respeto que se tuvo con la obra original a la hora de rediseñar objetos, personajes y entornos, factor que yo valoro especialmente. Si al noventa por ciento de todos ellos le quitamos el extra de color, algún que otro detalle y la mayor resolución, obtendremos exactamente los mismos dibujos que fueron concebidos por Shigeru Miyamoto allá por el 1988 en NES. Pero todavía podemos ir más allá, ya que quitando de un plumazo casi todo lo que tenga que ver con el universo Mario obtendremos el verdadero germen de esta segunda entrega: el Yume Kōjō: Doki Doki Panic.

Así, comparando este último con la versión Snes de Super Mario Bros 2, se aprecian diferencias notables en cuanto a mejoras gráficas y añadidos muy lejos del alcance del sistema original para el que fue concebido, pero al mismo tiempo observamos igualdades casi pixel perfect en cuanto al diseño de la gran mayoría de los sprites. Salta a la vista, evidenciando el salto tecnológico, esos fondos creados a todo color y con un gran número de detalles, degradados, formas suaves, tonos pastel y golosas texturas en donde originalmente tan solo existía el negro vacío, y con ellos se ha dotado de un nivel de vida maravilloso que por sí solo cambian el aspecto gráfico por completo. La diferencia es asombrosa y llegan a parecer dos juegos distintos con una diferencia de ‘tan solo’ cinco años. Aunque no de forma tan contundente, también se aprecia una mejora en las animaciones, en las carreras de los protagonistas, en el aleteo de los pájaros y en los movimientos de los enemigos, que son ahora bastante más fluidos.

Dejando las comparaciones a un lado y centrándonos en el juego como tal, la verdad es que a primer golpe de vista es complicado identificarlo como a un juego de de esta saga. Incluso los sprites de los héroes fueron completamente rediseñados para disfrazar de Mario & company a la peculiar familia protagonista del Doki Doki Panic. Sin embargo, uno de los principales motivos por los que en USA se lanzó este Super Mario Bros 2 en lugar del original japonés fue precisamente por el excesivo parecido de este último con la primera entrega así que, certada o no, la decisión llevó a Nintendo a modificar otros aspectos del Doki Doki Panic (en el que por cierto también trabajó Shigeru Miyamoto) para intentar adaptarlo al universo de Mario con mayor o menor atino. Destacan, por tamaño y diseño, los jefes de final de fase, que sustituyen al sempiterno Bowser, aportando más variedad y sobre todo dificultad. Los entornos ya conocidos como el desierto, la fase de hielo o las cuevas cobran aquí una nueva dimensión de color y volumen.

SONIDO:

Si en cuanto a gráficos e incluso jugabilidad muy pocos recuerdos quedan a Super Mario Bros, de su apartado sonoro se puede decir otro tal de lo mismo, pero no olvidemos que, a pesar de todo, fue un buen equipo de la propia Nintendo el que estuvo detrás de Doki Doki Panic y por supuesto tras esta segunda parte, por lo que las músicas y los efectos sonoros conservan esa calidad intrínseca a casi todos los lanzamientos de la compañía. Centrándonos en las del propio juego, encontramos unas melodías risueñas y divertidas, algunas de ellas heredadas de la creación original que en sí misma, fue la base, el auténtico prototipo de este juego que ahora nos ocupa. La diversión inunda sus líneas y notas musicales desde el principio, contando casi todas ellas con el piano como principal instrumento y unas bases lo suficientemente cómicas como para hacer que movamos la cabeza de un lado a otro mientras saltamos entre obstáculos y enemigos.

A los más doctos en esto de los juegos de Mario, sin duda el tema de la pantalla de selección de personaje os traerá al recuerdo a la principal del Super Mario World, su inicio y sus pianos saltarines forman una melodía muy similar solo al principio, y vale la pena escucharla hasta el final porque es fantástica y casa al 100% con el estilo Mario. Tal vez sea este apartado el que menos extrañemos por su estilo compositivo y es que la simpatía que todo lo que hay en pantalla transmite, incluidos los personajes, requieren a la fuerza este tipo de música para alcanzar la combinación perfecta. Aunque echaremos de menos el corte Underworld, aquí ha sido sustituida por una muy resultona que también viene como anillo al dedo, y en los espacios ocultos nos caerá una lagrimilla de nostalgia al comprobar cómo han adaptado la clásica melodía de Mario. No aprovecha ni de lejos el potencial completo de la máquina, pero nos queda una revisión muy digna e interesante.

JUGABILIDAD:

Más de uno quedaría atónito en su día al enterarse de que en la segunda entrega de la saga, Mario y sus colegas habrían de deshacerse de sus enemigos, no saltando como es norma, sino lanzando hortalizas extraídas del suelo o a los propios enemigos. De hecho, un dato muy interesante es que estas acciones se podrían haber realizado entre los propios personajes para colaborar jugando a dobles y poder alcanzar sitios lejanos o resolver puzles. Esta última idea fue desechada porque no encajaba con las características de la NES aunque, si nos fijamos, aquí podría haber nacido la semilla más primitiva del New Super Mario Bros y secuelas. Tampoco hubo modo de dos jugadores, aunque sí se puede escoger entre cuatro personajes con sus características perfectamente definidas. Así pues, si Mario conserva un buen equilibrio en sus movimientos, Luigi tiene un salto muy estirado, Toad es fuerte y puede ir más deprisa y la princesa tiene la sorprendente habilidad de planear por el aire gracias a su vestido.

Aquí no vale ser experto en Super Mario Bros (1) para superar el juego en un abrir y cerrar de ojos. La mecánica, para aquellos novatos en este, debe ser aprendida desde cero, ya que como digo, ya no vale lo de saltar sobre los monstruos para eliminarlos. Dominar el lanzamiento de objetos, productos varios de la tierra y enemigos es esencial, la puntería con los objetivos puede cambiar radicalmente nuestra suerte, y esto va en relación al movimiento y velocidad con la que ejecutemos el lanzamiento, algo que por cierto no se deja hacer con demasiada facilidad y hacen falta unas cuantas horas para hacernos con el control. La a veces temida inercia de Mario también desaparece en el control. Ahora es cuestión de apurar con finura los saltos, que son más precisos, pero el control a veces se pasa de sensible, sobre todo a la hora de caer sobre plataformas minúsculas o enemigos, algo a lo que nos veremos obligado en fases avanzadas, especialmente con Luigi.

El control de este último es sin duda el más duro de aprender, ya que en el aire es muy inestable. Y a quien Super Mario Bros le pareciese un juego muy difícil, para mí siempre ha sido un juego de niños comparado con esta segunda parte. Las nuevas habilidades, las escaleras, el submundo… a parte del nuevo control, son factores que van a encrudecer bastante la experiencia hasta llegar a límites bastante incómodos para el jugador. Por suerte, al perder una vida (tenemos cinco en lugar de las tres del original) volveremos a la misma pantalla, no así si las perdemos todas, que tendremos que volver a empezar el mundo desde el principio. La función de salvar partida en este caso nos va a venir de perlas, especialmente si hemos acumulado alguna que otra vida extra en las pantallas de bonus, en donde tendremos tantas oportunidades de ganar en la tragaperras como monedas hayamos recogido. Los nuevos elementos no dejan de aparecer ante nosotros.

CONCLUSIÓN:

A la hora de afrontar esta aventura de Mario debemos olvidar todo lo aprendido en las anteriores. Y es que su estilo es tan distinto que resulta incluso complicado asociarlo con las otras tres entregas clásicas de la saga. Su naturaleza es así porque podemos encontrar sus verdaderas raíces en otro juego de Nintendo: el Yume Kōjō: Doki Doki Panic, un juego que por mecánica nada tiene que ver, adaptado y vestido de universo Mario para la continuación de la exitosa primera aventura. Su desarrollo es de lo más curioso, debiendo lanzar objetos y enemigos contra sus propios semejantes, aunque también bastante complicado debido a ciertos factores. No penséis que por tener un control más fino y no tener que apurar los saltos sobre las cabezas de los enemigos esto va a ser un juego de niños, porque desde las primeras fases ya muestra su implacable dureza. En esto, desde luego, sí es 100% Mario.

Pero la personalidad que el personaje y su mundo habían cimentado firmemente en la primera entrega, se diluyeron en esta, quizá demasiado, y quedase un producto demasiado impersonal e irreconocible para muchos, siendo considerado como la oveja negra. Yo mejor diría la oveja distinta, porque no deja de ser un juego divertido, aunque a otro ritmo, y con una jugabilidad que dejando a un lado sus errores es más que notable. Fue por estos buenos motivos que el juego vendió de forma espectacular en su día y el tiempo le ha terminado colocando la etiqueta de ‘juego de culto’, especialmente recomendado a aquellos que quieran probar una aventura distinta en la que quedan los personajes y muy poco más… dicho esto, también se podría optar directamente por el Doki Doki Panic, pero desde luego, con aspecto de Mario Bros todo es más divertido ya de por sí, y los alicientes que posee esta revisión de Super Nintendo terminan por hacerlo lo suficientemente sugerente.

- Lo Mejor del Juego: El estilo de juego puede dar bastante de sí. Los gráficos fueron mejorados, pero lo justo para conservar la esencia original. Se eliminaron los bugs. El control es más exacto que en su predecesor. Poder escoger personaje.

- Lo Peor del Juego: El control de Luigi es desesperante. La dificultad es un poco desigual y llega a desesperar. La identidad original se difumina.

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Aunque esta segunda aventura de Mario se me ha hecho algo larga y más pesada que la primera vez que la terminé, uno de los alicientes destacados ha sido poder disfrutar de su música a lo largo del camino. A nadie amarga un dulce, y todas estas composiciones, pese a haber sido compuestas la mayoría para Yume Kōjō: Doki Doki Panic, encajaron con este Super Mario Bros 2 a la perfección, añadiendo algunas y modificando algunas partes para mejorarlas. En Super Mario All-Stars, esto último se consiguió por segunda vez en la historia.

Title. Comparándola con la versión original de Super Mario Bros 2 (en Doki Doki Panic es distinta), en la melodía que ambienta la pantalla de título ya se pueden apreciar algunas grandes mejoras de esta conversión que se hizo para Super Nintendo. La pianola que suena en toda su duración se convierte en la protagonista, sonando fabulosa y dándole mucha más alegría al tema, mientras que los vientos graves le dan ese toque tan amistoso y humorístico del que gozan todas las entregas de la saga.

Wart. Que así se llama el enemigo final del juego, en ausencia de Bowser. El momento más decisivo y dramático del juego se acerca al encontrarnos en presencia suya y toda la simpatía reinante en las anteriores melodías escuchadas desaparece aquí en pos de una ambientación de lo más tensa, por lo que es la composición más distinta del juego, que ejecutará a la perfección su papel de ponernos nerviosos y con los niveles de atención por las nubes para derrotar a la rana gigante que ha lanzado el maleficio contra los habitantes de Subcon.

Overworld. Mejorar o simplemente sustituir el tema que todos conocemos como emblema musical de Super Mario Bros era una tarea inalcanzable para cualquier músico, incluso para su mismísimo creador Koji Kondo. Aun así, para esta segunda entrega creo una composición que es una absoluta genialidad, rebosante de alegría y entusiasmo y por supuesto, respetando la esencia del universo Mario, aunque sea una de las heredadas de Doki Doki Panic, recordemos que el compositor es el mismo maestro, y eso se aprecia desde las primeras notas.

Ending. Como suele suceder especialmente en los juegos de Mario, la melodía que nos despide con gran melancolía del juego es la más larga de todo el título, y en esta ocasión no es diferente. Pasando de una etapa más épica a otra más ambiental, con sencillos pero adorables tintineos, la misma nos descubrirá que esta gran odisea de Mario no fue más que un sueño, y el estilo y carácter de la canción se brinda mucho a que veamos cómo ronca Mario mientras dibujamos una gran sonrisa en nuestra cara.