Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  

Margot Palomino es una de las más destacadas intérpretes, investigadoras y difusoras de la música andina peruana contemporánea. Su trayectoria artística se ha caracterizado por la defensa y promoción de las expresiones musicales tradicionales del Perú, especialmente el huayno, el yaraví, la muliza y otras formas del cancionero andino. Además de cantante, ha desarrollado una importante labor cultural vinculada a la preservación de la identidad andina y popular peruana.

Margot Palomino desarrolló una profunda vinculación con la cultura andina, particularmente con las tradiciones musicales de la región de Ayacucho. Su trabajo artístico se consolidó a partir de la investigación, recopilación e interpretación de canciones tradicionales y poesía musicalizada de autores peruanos.

Desde sus primeras grabaciones, Margot Palomino destacó por una voz de gran expresividad y por un estilo interpretativo que combina sensibilidad artística con compromiso cultural. Su repertorio incluye huaynos, yaravíes, mulizas, canciones tradicionales y obras inspiradas en la poesía peruana.

Ha participado en numerosos escenarios nacionales e internacionales, convirtiéndose en una de las principales embajadoras de la música andina peruana. Diversas instituciones culturales la reconocen como una de las mayores difusoras del patrimonio musical del país.

Además de cantar, Margot Palomino ha desarrollado una intensa labor de investigación y promoción del folclore peruano. Ha impulsado encuentros culturales, recitales poéticos y actividades dedicadas a la difusión del legado de figuras como José María Arguedas, a quien ha rendido homenaje en numerosas ocasiones.

También ha promovido la recuperación y vigencia del yaraví, uno de los géneros más antiguos y representativos de la tradición andina peruana. En entrevistas ha resaltado la importancia de abrir espacios para que las nuevas generaciones conozcan y reinterpreten este género musical.

Su aporte al estudio y difusión de la cultura popular peruana ha sido reconocido por diversas instituciones. En 2011 recibió la Medalla de la Cultura otorgada por la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, distinción concedida a personalidades destacadas de la vida cultural peruana.

Margot Palomino ha continuado desarrollando presentaciones artísticas dentro y fuera del Perú. En 2023 realizó una gira por varios países europeos y, a su regreso, presentó el concierto Patria de mi ternura, dedicado a la música andina y a la reflexión sobre la realidad social y cultural del país.

La importancia de Margot Palomino radica no solo en su calidad interpretativa, sino también en su papel como defensora de la cultura popular andina. Su obra ha contribuido a mantener vigentes géneros tradicionales y a acercar la música de los Andes peruanos a nuevas generaciones de oyentes dentro y fuera del país.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Bea Mar, cantautora y productora peruana radicada en París, ha cautivado al público con su mezcla única de indie pop y raíces latinoamericanas. Tras el lanzamiento de su EP Homebeats a principios de 2024, una sensación en las redes sociales que derivó en una colaboración con BBC Mundo,

Bea Mar ha experimentado un crecimiento exponencial. Desde 2021, ha dejado su huella en la escena musical francesa, presentándose en México, España, Francia y Perú. Su álbum debut, Alas Bajo La Piel, lanzado por Warner Chappell México, solidificó su estatus como una voz en ascenso. Actualmente trabajando en su próximo álbum, Bea Mar continúa brillando como una destacada artista latinoamericana en Francia.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Dardo Néstor “Rudi” Flores nació el 18 de febrero de 1961 en Mburucuyá. Es uno de los guitarristas más importantes de la música folklórica argentina y una figura fundamental en la renovación y proyección internacional del chamamé, género tradicional del nordeste argentino.

Rudi creció en una familia profundamente ligada a la música. Es hijo del reconocido bandoneonista y compositor Avelino Flores, quien influyó decisivamente en su formación artística. Desde niño comenzó a tocar la guitarra de manera intuitiva, guiado por músicos cercanos a su padre y por maestros como Juan Pinto. Más tarde realizó estudios formales en el Conservatorio de la Provincia de Corrientes.

Durante su infancia y adolescencia formó un dúo de guitarras con su hermano menor, Nini Flores, quien posteriormente se convertiría en uno de los acordeonistas más influyentes del chamamé. Ambos comenzaron actuando en reuniones familiares, actos escolares y eventos populares de Corrientes.

A comienzos de los años ochenta integró el conjunto de su padre y participó en sus primeras grabaciones profesionales. También formó parte de Los de Imaguaré, una de las agrupaciones más representativas del folklore litoraleño, con la que grabó el álbum Nuestro Canto. Esta experiencia consolidó su prestigio dentro de la escena chamamecera.

En 1984 los hermanos fundaron el célebre dúo instrumental Rudi y Nini Flores, integrado por guitarra y acordeón. Con una propuesta innovadora, combinaron el respeto por la tradición chamamecera con recursos armónicos y técnicos poco habituales en el género. El dúo alcanzó reconocimiento nacional e internacional y grabó alrededor de diez discos.

En 1991 realizaron su primer viaje a Europa invitados por el acordeonista correntino Raúl Barboza. El éxito obtenido impulsó una intensa actividad internacional. En 1993 grabaron en Francia el disco Chamamé, musique du Paraná, distribuido en varios países de Europa, Canadá y Japón.

A mediados de los años noventa los hermanos se radicaron en Francia y desde allí desarrollaron una importante tarea de difusión de la música argentina. Actuaron en numerosos festivales y escenarios europeos, convirtiéndose en verdaderos embajadores culturales del chamamé.

A lo largo de su carrera, Rudi y Nini trabajaron junto a figuras fundamentales de la música argentina. Entre ellas sobresale su participación en la emblemática Misa Criolla de Ariel Ramírez. También colaboraron con el grupo Los Quilla Huasi y compartieron proyectos con destacados intérpretes del folklore nacional.

Paralelamente al dúo, Rudi desarrolló diversos proyectos propios. Formó el Trío Rudi Flores, con el que exploró no solo el chamamé sino también tangos, valses y milongas, siempre con la guitarra como protagonista principal. Su estilo se distingue por una extraordinaria riqueza armónica, precisión técnica y una profunda sensibilidad interpretativa.

Entre sus trabajos más reconocidos se encuentra el álbum Tardes Provincianas, donde reúne composiciones propias y versiones de clásicos del repertorio litoraleño.

La labor artística del dúo Rudi y Nini Flores fue ampliamente reconocida. En 2015 recibieron el Diploma al Mérito de los Premios Konex como uno de los conjuntos folklóricos más destacados de la década. También fueron distinguidos por su aporte a la cultura correntina y a la difusión internacional del chamamé.

El fallecimiento de Nini Flores en agosto de 2016 significó una pérdida enorme para la música argentina. Desde entonces, Rudi continuó desarrollando su actividad artística como solista y en distintas formaciones, manteniendo vivo el legado musical construido junto a su hermano y profundizando su trabajo como compositor, arreglador e intérprete.

Rudi Flores es considerado por críticos y músicos como uno de los mayores referentes de la guitarra chamamecera. Su obra contribuyó a elevar el nivel artístico del género, ampliando sus posibilidades expresivas y acercándolo a nuevos públicos en Argentina, Europa y otras regiones del mundo. Su influencia puede apreciarse en varias generaciones de guitarristas que reconocen en él un modelo de excelencia técnica y creatividad musical.

Pero antes y acompañados por el editor David Ferré, han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  

María Velasco nace en 1984 en Burgos. Estudia con las Franciscanas Misioneras de María hasta los dieciséis años, edad a la que comienza el Bachillerato de Artes y a tomar clases de teatro. A los dieciocho, se instala en Madrid, donde estudia Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense y Dramaturgia en la RESAD. En estos años asiste como oyente a asignaturas de Filosofía y de Bellas Artes, a la vez que desarrolla trabajos basura de todo tipo. Su formación continúa con el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de ARTEA y el doctorado en Comunicación Audiovisual.

Ha publicado más de una docena de obras. Algunos de sus títulos han sido traducidos al euskera, al catalán, al inglés, al francés, al italiano, al alemán y al turco, y le han valido reconocimientos como el Accésit Marqués de Bradomín o el Premio de Teatro Max Aub (Premios Literarios Ciutat de València). Ha desarrollado también dramaturgias para la compañía de danza hispanoitaliana Kor’sia y para la compañía interdisciplinar catalana Les Impuxibles (con esta última y Judith Pujol creó Suite TOC núm. 6, que obtuvo el Premi Butaca Fundación SGAE a las Nuevas Aportaciones Escénicas). También ha firmado ensayos sobre cine de autor y ha pertenecido al comité asesor de las ayudas del ICAA.

Su carrera como directora de escena (Pecado de Hybris) comienza en salas alternativas de Madrid, con performances como Los dolores redondos (2013, Teatro Pradillo) y obras como Günter (2014, Sala Cuarta Pared). Destacan sus dos últimos montajes: La espuma de los días (2019, Teatro Español / 2020, Teatre Lliure) y Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra (2020, 38º Festival de Otoño). Este volumen recoge los textos de ambos espectáculos, junto con otros más personales que la autora ha desarrollado para la escena en los últimos años.

Albert Boronat se graduó en Filosofía en la Universitat de Barcelona y en dirección escénica y dramaturgia en el Institut del Teatre de Barcelona. 

Es el fundador, dramaturgo y codirector de la compañía del Projecte NISU (Proyecto de Navegación Incendiaria y Salvamento Unilateral), que hasta la fecha ha hecho Vamos a por Guti (1r Premio Festival Escena Simulacro de Madrid, estrenada en Versus teatro, 2012); Waits F.M., dirigida por  Chevallier Nicholàs/Ana Roca (Espai La Cuina-Nous autors, Festival griego, 2012);  Bostezo 2.0 (Teatre Lliure, 2013, dentro del ciclo Aixopluc-3 d’un glop); Shell (Premio Adrià Gual de 2013; Mercat de les Flors, Festival GREC, 2014) y Teenage Dream (Nou Tantarantana, 2015).

Además, efectúa las obras de creación y dramaturgia con otros autores: Zero, dirigida por Pep Pla (Teatre Lliure, Festival GREC 2012, La Seca-Espai ); Televisor i misèria de la II transició, dirección de Carme Portaceli (Teatro Romea, Festival GREC, 2013) o Snorkel, de la Comanyia La Virgueria (Sala Beckett, 2015).

Trabaja de forma habitual con la compañía Obskené, que ha estrenado: Trossos, dirección de Ricard Soler (Fira Tàrrega- Festival TNT Terrassa, 2012); Este no es un lugar adecuado para morir (2013), dirigida por Judith Pujol (Sala Beckett, 2013) y De carenes al cel, dirigida por Judith Pujol (Sala Beckett, 2017).  Recibió la beca (ETC) En Blanco (2014) que da a la sala La Cuarta Pared de Madrid y la Beca Studio Européen des Écritures pour le Théâtre 2016, otorgada por La Chartreuse-Centre National des Ecritures du Spectacle-ENSATT-SACD.

Combina la autoría con la docencia en el Institut del Teatre de Barcelona, ESAD Eòlia y otros centros. Actualmente, forma parte del Consejo Editorial de la revista pausa (cuadernos de la etapa), vinculado a la Sala Beckett.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Lautaro Tissera Favaloro es un guitarrista argentino nacido el 21 de septiembre de 1980 en La Plata, Argentina, y formado en el Conservatorio de Música Popular de Avellaneda, Argentina. Se presenta como solista, toca con la Orquesta Típica La Sacada y es miembro del cuarteto El Mondongo de Palermo, para el cual también compone y realiza arreglos. Además, Lautaro Tissera fundó el Espacio Cultural Don Juan, ubicado en La Plata, Argentina, donde se desempeña como director artístico. Su trayectoria artística dentro de la música argentina, orientada hacia el tango y los ritmos arraigados en el folclore argentino, le ha permitido compartir experiencias musicales en el escenario con figuras destacadas como Raúl Barboza, Sexteto Mayor y Rodolfo Mederos.

Música Argentina

El objetivo original de esta singular propuesta musical es revitalizar el repertorio de ritmos tradicionales argentinos, como el tango, la milonga, el vals argentino, la zamba, el carnavalito y el gato, a través de la nueva generación de compositores de música tradicional. Busca abrir nuevos espacios para el descubrimiento, el intercambio y la creación. Durante el concierto, el público emprenderá un viaje a través de una diversa gama de estilos musicales, desde el tango de Buenos Aires hasta las expresiones musicales de las danzas argentinas del norte del país.

Festivales 

Festival de Tango de Buenos Aires (Argentina 2012) - Festival de Tango Independiente (Argentina 2013, 2014) - Festival de Guitarra Abel Fleury (Argentina 2017) - Festival Guitarras del Mundo (2017) - TimeFest (Mumbai 2016) - Bombay Time (Mumbai 2016) - Festival Internacional de Guitarra Clásica de Calcuta (Calcuta 2016) - Festival Lerdantino (Lerdo/México 2017) - Festival Internacional de Música “World of Guitar” (Kaluga/Rusia 2018) - Festival Internacional de Cancún (Cancún/México 2018) -  Festival Mundial del Espíritu Sagrado (Nagaur, Jodhpur/India 2019) - Festival Internacional de Guitarra Clásica de Calcuta (Calcuta 2019) - Festival de Tango de Bakú (Bakú 2019) - Festival des Cultures du Monde de Voiron (Francia 2020)

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Flor María Muñoz Bañales es una escritora, promotora cultural y gestora cultural panameña radicada en Francia, reconocida por su labor de difusión de la cultura panameña e hispanoamericana en Europa. Nació en Puebla, México, hija de padre panameño y madre mexicana, y creció en Panamá, país con el que mantiene una profunda vinculación cultural y afectiva. Sus raíces familiares se encuentran en la provincia de Coclé, particularmente en las localidades de Paritilla y Penonomé.

Realizó estudios de Administración Empresarial en Florida University de Panamá y en Tulane University. A lo largo de su vida residió en diversos países de América, África y Oceanía, entre ellos Papúa Nueva Guinea, Yibuti, Martinica y San Martín, experiencias que contribuyeron a forjar su visión multicultural e internacional. También trabajó para entidades diplomáticas y organizaciones internacionales antes de establecerse definitivamente en Francia junto a su esposo, el conde Pascal Gambirasio d’Asseux.

Instalada en Francia desde mediados de 2008, inició una intensa actividad de promoción cultural destinada a dar mayor visibilidad a Panamá y a Hispanoamérica en el continente europeo. Convencida de que la riqueza cultural panameña era poco conocida fuera de sus fronteras, comenzó a organizar conferencias, exposiciones, encuentros literarios y actividades académicas en París y otras ciudades europeas.

Su proyecto más reconocido es el Encuentro de Literatura Hispanoamericana en París, fundado en 2017 y del que es directora y presidenta. Este evento reúne anualmente a escritores, poetas, académicos y diplomáticos de numerosos países hispanoamericanos y europeos con el objetivo de promover la literatura en español y fortalecer los vínculos culturales entre ambos continentes. Gracias a esta iniciativa, Panamá ha sido país homenajeado en varias ocasiones y numerosos autores latinoamericanos han encontrado una plataforma de proyección internacional.

Su trabajo ha sido reconocido por instituciones panameñas y francesas. En 2021 recibió la Medalla del Senado francés, otorgada por el presidente del Senado, Gérard Larcher, en reconocimiento a su contribución al fortalecimiento de los lazos culturales entre Panamá, Francia y Europa. Ese mismo año fue distinguida por el Gobierno de Panamá entre los gestores culturales destacados del Bicentenario de la Independencia. Posteriormente recibió nuevas distinciones de la Embajada de Panamá en Francia y de la Société Académique Arts-Sciences-Lettres de París.

Además de su labor como promotora cultural, ha desarrollado una faceta literaria. En 2018 publicó junto a Sara Bassan el libro "Con C de Couture, glamour en todas circunstancias", dedicado a testimonios de lucha contra el cáncer de mama. Más recientemente publicó "Cultura, Política y Diplomacia", obra en la que recoge sus experiencias en el ámbito de la gestión cultural y reflexiona sobre la relación entre la cultura, la acción política y la diplomacia internacional.

Su actividad se extiende también al ámbito periodístico y diplomático. Ha colaborado en medios especializados y revistas culturales, participando en la difusión de temas relacionados con la diplomacia, las relaciones internacionales y la cultura iberoamericana. Actualmente continúa organizando eventos culturales en Francia y otros países europeos, consolidándose como una de las principales embajadoras culturales de Panamá en Europa.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  

Enrique Mazzola nació en Barcelona en el seno de una familia de músicos. Creció en Milán, donde estudió violín y piano. Posteriormente, cursó estudios de dirección de orquesta con Daniele Gatti y de composición con Azio Corghi en el Conservatorio Giuseppe Verdi de la misma ciudad.

Obtuvo reconocimiento por primera vez en 1997 en festivales europeos como el Festival de Aix-en-Provence con una nueva producción de Falstaff , y en 1998 con Isabella de Azio Corghi en el Festival Rossini de Pesaro . De 1999 a 2003, fue director artístico y musical del festival Cantiere Internazionale d'Arte en Montepulciano, Italia. También especialista en música contemporánea, ha dirigido varias obras nuevas, incluyendo Il Processo de Alberto Colla en La Scala de Milán en 2001, Medusa de Arnaldo De Felice en la Ópera Estatal de Múnich en 2005, e Il Re Nudo de Luca Lombardi en la Ópera de Roma en 2009. Durante la temporada 2010-2011, dirigió Don Giovanni en el Nuevo Teatro Nacional de Tokio y Macbeth en Estrasburgo . En 2010 dirigió L' Elisir d'amore de Donizetti en Niza , y dos obras de Rossini  : El barbero de Sevilla  en la Deutsche Oper Berlin y La Cenerentola ,  añadiendo a su lista de logros uno de los festivales más importantes, el de Glyndebourne . Es director de la Orchestre national d'Île-de-France desde 2012 .

En 2013, dirigió Don Pasquale en Glyndebourne e hizo su debut en el Bolshoi con La Sonnambula de Bellini . Al año siguiente, estuvo en el Théâtre des Champs-Élysées para dos óperas de Rossini: Tancredi y The Silken Ladder . Ese mismo año, cantó en Dinorah de Meyerbeer en la Deutsche Oper Berlin. Regresó en 2015 al Théâtre des Champs-Élysées para L'Occasion fait le larron de Rossini y a la Deutsche Oper Berlin para L'Africaine de Meyerbeer . También regresó a Glyndebourne y Pesaro para dirigir Poliuto y Pesaro de Donizetti , respectivamente.La Gazzetta por Rossini. Al año siguiente, volvió a dirigir a Donizetti ( L'Elisir d'amore ) en la Metropolitan Opera de Nueva York y viajó por primera vez a la Lyric Opera de Chicago para dirigir Lucia di Lammermoor . Ese mismo año, dirigió I Puritani de Bellini en Zúrich . En el circuito de festivales, Bregenz lo invitó dos años seguidos a dirigir la Misa de Réquiem de Donizetti y luego Moisés en Egipto de Rossini en 2017, y viajó al Théâtre des Champs-Élysées (TCE) para Il Signor Bruschino . También en 2017, dirigió La Creación en el Festival Haydn de Eisenstadt y Le Prophète en la Deutsche Oper Berlin. En 2018, dirigió María Estuardo en Zúrich y el Réquiem de Verdi en la Royal Opera de Versalles . Durante la temporada 2018-2019, fue director invitado principal de la Deutsche Oper Berlin.

En junio de 2018, regresará al Théâtre des Champs-Élysées para La Cenerentola y luego continuará la temporada de verano dirigiendo Don Giovanni en Oslo . Dirigirá Don Pasquale en la Ópera Estatal de Viena en septiembre de 2019 y regresará a la Deutsche Oper Berlin como primer director invitado de la temporada con Los cuentos de Hoffmann de Offenbach . Comenzará 2019 en la Metropolitan Opera con La Fille du régiment de Donizetti en febrero y luego viajará a Zúrich en abril para Il Turco in Italia de Rossini .

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI

Laura Cardoner es una artista visual argentina especializada en fotografía, fotograbado, grabado experimental y prácticas artísticas vinculadas a la memoria, el archivo y la identidad. Su trayectoria se ha desarrollado principalmente entre Buenos Aires y diversos circuitos artísticos internacionales, con exposiciones en Argentina, Francia, España, México y otros países.

Comenzó sus estudios de fotografía en 1993 en la Escuela Barabino Devoto. Posteriormente amplió su formación en el Fotoclub Argentino y participó en talleres de creatividad con reconocidos fotógrafos y docentes como Diego Ortiz Mugica, Julie Weisz, Julieta Escardó y Raquel Bigio. Entre 2012 y 2016 se formó en fotograbado con Lucrecia Urbano. Más adelante asistió a clínicas de obra y talleres de arte contemporáneo dirigidos por Vivian Galbán y Ana Sánchez Zinny. También participó en el taller “Arte en Origen”, coordinado por Andrea Juan en Cantabria, España.

Desde fines de la década de 1990 se dedica profesionalmente a la fotografía artística, incorporando posteriormente técnicas de fotograbado, collage y procesos gráficos experimentales.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Vicente Ulive Schnell (Caracas, Venezuela, 1976) escritor, cineasta y filósofo venezolano.​ Es autor de varias novelas de ficción, así como cuentos, artículos de opinión, cortometrajes y ensayos filosóficos. Sus trabajos han aparecido en periódicos y revistas electrónicas y en papel, y sus libros han sido editados en Venezuela y España.

Hijo del dramaturgo uruguayo-venezolano Ugo Ulive y de la médico y profesora universitaria Mercedes Schnell, Ulive-Schnell estuvo inmerso en un ambiente intelectual y bohemio desde temprana edad. Vivió en Londres cuando niño, mientras su madre completaba un segundo Ph.D., lugar donde se sumergió en la vasta cantera de libros escritos en inglés y se interesó por la literatura en esa lengua.

De regreso a Venezuela, siguió estudios de música y composición antes de inscribirse en la Escuela de Psicología de la Universidad Central de Venezuela. Cursó dos menciones (Psicología Clínica y Psicología Social), formó parte del Centro de Estudiantes y participó activamente en el grupo Léxicos, escribiendo artículos y ensayos para la revista estudiantil del mismo nombre y ayudando a organizar conferencias en 1999.

En 2001, decide continuar sus estudios superiores en París, Francia. Ahí se desempeña en todo tipo de empleo y comienza a formar parte de la bohemia nocturna parisina. Todas estas experiencias alimentaron su novela semi-autobiográfica, Historias de un arrabal parisino y condujeron a un doctorado en Filosofía en el 2007 en la Universidad de Paris 8.​

Historias de un arrabal parisino fue escrito originalmente en francés, pero el manejo burdo y rudimentario de la lengua gala decepcionaron al autor y lo llevaron a considerar engavetar el texto. Sin embargo, en 2006 el escritor y periodista español Xavier B. Fernández se ofreció a mostrárselo a la editorial independiente mexicana Resistencia que había publicado su novela “Kensington Gardens”. Para ello, el manuscrito debía estar en español, lo que llevó a Ulive-Schnell a encerrarse diez días en su apartamento y producir la traducción completa y reescrita del manuscrito.

Su obra Caracas cruzada fue rechazada por varias editoriales que criticaron el estilo oscuro, nihilista y asfixiante de los personajes, así que, su consumo casi compulsivo de sexo y drogas que enmascaraba "las cosas bonitas" (sic) que podían escribirse sobre la ciudad.

Vicente Ulive-Schnell ha expresado una gran preocupación por los vínculos entre el lenguaje y las imágenes y la capacidad de un escritor de manipular las palabras para crear ideas y cuadros que de otra manera no existirían en la cabeza del lector. Sus estudios en filosofía del lenguaje, su reivindicación temprana de Ludwig Wittgenstein (Anécdotas de la decadencia caraqueña) y su atención al papel de la música y lo musical en la narrativa forman una aproximación particular a la literatura y a los textos en general.

Pero antes ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI.

Yael Lizárraga de Vuilleminroy nació el 13 de agosto de 1957 en Moquegua, Perú. Hija de padre arequipeño y madre puneña, creció desde los 8 años en el emblemático distrito limeño de Barranco, muy cerca del icónico Puente de los Suspiros. En 1980 viajó por primera vez a París, ciudad que no solo marcaría su vida profesional, sino también personal, al convertirse en su nuevo hogar.

Ingeniera Agrónoma por la Universidad Nacional Agraria La Molina (Lima, Perú), se especializó posteriormente en Mercados Internacionales en el Conservatorio Nacional de Artes y Oficios (CNAM) de París. En 1999 fundó en Francia la consultora internacional Cabinet VLPM, dedicada al asesoramiento en comercio exterior, análisis de mercados agroalimentarios, ganadería y promoción de la oferta tecnológica y genética bovina francesa hacia América Latina.

Desde 2002, Yael ha sido consultora para la Comisión Europea en el marco de los programas de cooperación Al-Invest II, III y IV, participando en más de 150 proyectos de internacionalización en sectores productivos claves para América Latina y Europa. Su experiencia ha sido clave en el desarrollo de vínculos comerciales sostenibles entre ambos continentes, especialmente en rubros como la agricultura, la ganadería y los agro alimentos.

Comprometida con la formación de nuevas generaciones, fue docente e investigadora en la Universidad de La Sorbona (París) durante más de dos décadas, dictando cursos sobre mercados latinoamericanos y negociación internacional. También impartió clases en escuelas superiores de negocios e ingeniería en Francia, siendo jurado de admisión, de tesis y de titulación.

Actualmente, continúa liderando proyectos desde Francia como asesora internacional, realizando misiones técnicas y brindando conferencias en América Latina. Su trabajo ha impulsado la promoción y exportación de productos latinoamericanos como café, cacao, frutas exóticas y Pisco, contribuyendo activamente a posicionar la riqueza de los productores latinoamericanos en el escenario global.

Con una visión estratégica, pasión por el desarrollo sostenible y profundo amor por su país, Yael Lizárraga de Vuilleminroy es una peruana que inspira y deja huella.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Mario Terzano es un abogado y gestor de medios argentino, conocido principalmente por su labor como presidente de Radio Cultura (FM Cultura 97.9), una de las emisoras culturales más tradicionales de la ciudad de Buenos Aires. Bajo su conducción, la radio amplió su perfil periodístico y cultural, incorporando espacios dedicados a la actualidad política, económica, artística y social, con una propuesta plural y orientada al debate de ideas.

Junto con Gonzalo Peltzer asumió la dirección de la emisora a comienzos de la década de 2010, impulsando una renovación de la programación y fortaleciendo el posicionamiento de Radio Cultura como medio de referencia para el pensamiento, las artes y la divulgación cultural.

Uno de los ejes más destacados de su gestión ha sido la promoción de la cultura argentina a través del Premio RFI–Radio Cultura al Fomento de las Artes, desarrollado en alianza con Radio France Internationale. Desde su creación en 2014, el premio ha reconocido diversas disciplinas artísticas —artes escénicas, visuales, fotografía, muralismo, cine y proyectos culturales innovadores— consolidándose como un espacio de estímulo para artistas emergentes y consagrados. Terzano participa permanentemente como miembro del jurado y representante de la emisora organizadora.

Su visión de la radio y la cultura se caracteriza por una perspectiva humanista, abierta al diálogo y al intercambio internacional, especialmente a través de los vínculos culturales entre Argentina y Francia.

Naturalmente ha estado junto al actor Juan Loriente con Jordi Batallé en El invitado de RFI.  

Nacida en Madrid en 1962, María Ribot empieza formándose en danza clásica a mediados de los años 70. Crítica desde muy pronto con las convenciones del ballet, continúa su formación en danza contemporánea en Francia, Alemania y los Estados Unidos antes de fundar, a su regreso a Madrid en 1986 Bocanada Danza junto a la coreógrafa Blanca Calvo. La experimentación de los años 80, cimentada en las prácticas colectivas y transdisciplinares, participa de la mezcla de géneros que se desarrolla dentro del underground madrileño, y que conjuga la danza, el cabaré, el free jazz, la música contemporánea y las artes visuales. Aunque España representa para La Ribot un punto de anclaje artístico e intelectual constante, su trayectoria la expone a entornos diversos. Entre 1997 y 2004 se instala en Londres, donde su trabajo recibe el apoyo de la corriente del live art, que presagia una cada vez mayor hibridación entre las artes del espectáculo y la performance artística. Desde 2004 vive, trabaja y enseña en Ginebra, donde ha fundado su compañía, La Ribot-Genève.

A partir de 1989, La Ribot se aleja de los colectivos de Madrid para dedicarse a radicalizar los elementos principales de su investigación. En 1991 firma, por primera vez con el nombre de La Ribot, una pieza llena de humor y autocrítica que ocupa un lugar seminal en su obra: Socorro! Gloria! Sola sobre el escenario, vestida con una montaña de ropa, la artista baila e interpreta un interminable estriptís con la sonata n.º 22 de Beethoven como banda sonora. La deconstrucción de los códigos de la danza apunta a la economía del espectáculo, al voyerismo y al acto de consumición del artista por parte del público que dirigen el ritual vivo del teatro. Abre la posibilidad a un regreso conceptual de esa información. Desde que deja al desnudo, literalmente, el material corporal de la danza, La Ribot desarrolla sus Piezas distinguidas que, de momento, constan de cinco series y cincuenta y tres piezas (1993-2020). Se trata de solos breves, encadenados sin solución de continuidad a lo largo de varias horas, con la fuerza poética de las pequeñas formas, y en los que la expresión se vuelve nítida y mordaz. El cuerpo que los interpreta se convierte en material entre objetos cotidianos, reinventados con una aparente ligereza y que destilan una crítica silenciosa de la sociedad. Con un gran ahorro de medios y una dramaturgia precisa, la artista convierte el espacio en sí en una partitura coreográfica, y llega incluso a incluir al público cuando pasa de un escenario a un cubo en blanco. Esta obra pionera se enmarca en un enfoque conceptual que, desde los años 90, ha surgido de la coreografía para reflexionar sobre las convenciones del arte contemporáneo y las prácticas sociales del museo. No se conforma con abrir la danza a espacios no escénicos, sino que se atreve a proponer, por primera vez en el campo de la performance, un principio de transacción inmaterial que permite que cada Pieza distinguida sea adquirida por un/a «propietario/a distinguido/a».

Desde el año 2000, las piezas coreográficas y las instalaciones de La Ribot se cuestionan los límites del tiempo real de la obra viva comparándolo con el de los medios. La grabación de vídeo, así como los circuitos de transmisión directa que permiten la presencia «a distancia», dan pie a comprimir o dilatar el espacio-tiempo de la performance, a cuestionar la representación del cuerpo. Despliegue (2001) rompe, por así decirlo, la larga secuencia de las Piezas distinguidas en el espacio-tiempo reducido a un único plano fijo de vídeo de cuarenta y cinco minutos. Por el contrario, la herramienta del «cuerpo-operador», origen de su serie Traveling (2003), de Mariachi 17 (2009) o de su homenaje a Loïe Fuller, Beware of Imitations ! (2014), dota a los bailarines de su propia cámara, en un desafío cada vez más complejo al plano secuencia. El espacio percibido a partir del cuerpo es el de una avalancha visual que, en contraposición a los medios de comunicación, ofrece un sensorium orgánico que el cerebro no es capaz de asimilar. Renace en él la teatralidad por medio del suspense, el trampantojo, el vuelco de las escalas y de las distancias. En su serie de vídeos FILM NOIR (2014-2017), la artista hace una labor de observación política del cine de los años 60, analizando lo que revelan las posturas de los figurantes, contratados de entre la población local, de las grandes películas históricas rodadas en España bajo el régimen de Franco.  

La obra de La Ribot va y viene entre los cuerpos y las cosas, entre el teatro y la exposición. Su instalación performática de 2006, Laughing Hole, que reúne a tres bailarinas entre un cúmulo de cartones rotulados, tiene una carga crítica de alto voltaje. «Fiesta en Gaza», «inmigrante en venta», «agujero brutal»… Palabras que las intérpretes llevan, literalmente, a modo de precaria pancarta mientras no dejan de reírse. En 2010 concibe Walk the Chair, una instalación de cincuenta sillas plegables con citas, que sugiere una conciencia activa del papel del espectador y se plantea su relación con los objetos de la exposición. En una de las sillas escribió: «He soñado que todas las obras de arte del mundo, millones y millones, cobraban vida y nos devoraban a todos». La presencia humana circula, inestable, y el lugar del individuo nunca se concreta. Es lo que muestran también piezas escénicas como Gustavia (2008), escrita e interpretada junto a Mathilde Monnier, un homenaje a la comedia física o a la rebelión anárquica y absurda de las cosas, o la radical El Triunfo de la Libertad (2014), escrita y puesta en escena con Juan Domínguez y Juan Loriente. En esta última pieza, el público se enfrenta a un escenario completamente vacío y desierto. El texto de una obra invisible va desfilando por pantallas de LED, como las cotizaciones de la bolsa de Times Square, a la vez que una cronología de efectos tan precisa como enigmática deja al desnudo la fábrica del teatro. Por último, en sus trabajos en grupo, que encarnan toda la dimensión experimental de su obra, La Ribot explora las posibilidades de un cuerpo colectivo, en el que se presenta un reparto orgánico e intuitivo del gesto creador. Entre estos trabajos cabe citar 40 Espontáneos (2004), que recurre a cuarenta figurantes cuya actividad en escena consiste, por medio de una lenta repetición, en la recopilación gráfica y material de una memoria colaborativa. O, más recientemente, Happy Island (2018), creada junto a la compañía Dançando com a Diferença y representada por bailarines con capacidades diferentes. La obra, que combina los retratos individuales y la energía del grupo, desarrolla con pudor un espacio de movimiento en el que sensualidad, sexualidad e imaginario afirman su derecho a cabalgar entre el arte y la vida.

Hasta el momento, las Piezas distinguidas siguen siendo para la Ribot una obra en curso inacabada y, a la vez, un laboratorio conceptual que alimenta el conjunto de su filosofía coreográfica y un diario de su perspectiva política del mundo. Las tres primeras series, sutilmente estructuradas a partir del arte encontrado y el ensamblaje, anclan la obra a lo largo del solo, en la línea de los grandes gestos de ruptura protagonizados desde el auge de la danza moderna por parte de las bailarinas coreógrafas: son 13 Piezas distinguidas (1993-1994), Más distinguidas (1997) y Still Distinguished (2000). Estos tres conjuntos darán lugar a Panoramix (1993-2003), antología completa de tres horas creada en la Tate Modern (Londres), que explota todas las características de una sala de museo. En PARAdistinguidas (2011), La Ribot vuelve a escena para dedicarse a alterar su propia obra, introduciendo solos coreografiados para otras bailarinas y la participación de veinte figurantes. Más recientemente, el trío inquieto y palpitante que forma La Ribot junto a Juan Loriente y Tami Manhekela representa las diez piezas agrupadas en la serie Another Distinguée (2016). En semipenumbra, en una escena obstaculizada por una masa informe, ningún cuerpo parece capaz de quedarse quieto. El espacio se estrecha en torno a movimientos forzados, en sainetes burlescos y mordaces, de una violencia contenida.

Los vídeos e instalaciones de La Ribot se han presentado en varias exposiciones, y algunos de ellos se conservan en las colecciones permanentes de instituciones públicas, como el Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo de Vitoria – Artium (Euskadi), el Centre National des Arts Plastiques (París), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, el Musée National d’Art Moderne – Centre Pompidou (París), el MUSAC- Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (León) o La Panera (Lleida).

Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Magdalena Suárez Pomar es estudiante del cuarto año del programa de Estudios Hispánicos en Washington University in St. Louis. Es egresada de la maestría en Estudios Literarios por la Universidad de Buenos Aires (UBA) y bachiller en Literatura por la Universidad Nacional Federico Villarreal.

Es cofundadora de Ediciones Achawata, una editorial independiente peruana, y directora del proyecto Biblioteca Popular Achawata, una iniciativa dedicada a democratizar el acceso al libro y a la lectura.

Su investigación, materializada en artículos publicados en diversas revistas académicas, se centra en los circuitos intelectuales y editoriales del Perú de inicios del siglo XX, así como en las experiencias de producción cultural popular en el Perú de los años sesenta y setenta, enfocándose en sus soportes, prácticas y articulaciones con espacios públicos no hegemónicos.

Suárez Pomar ha registrado, escrito y publicado el testimonio de Máxima Acuña, una campesina peruana y activista ambiental galardonada con el Premio Medioambiental Goldman en 2016 en el libro Máxima. La voz de la tierra.

César Coca Vargas es licenciado en Literatura en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos con una tesis dedicada a la narrativa de las vanguardias peruanas. Magíster en Análisis Político por la Universidad Complutense de Madrid.

Es doctor en Estudios Latinoamericanos en la Universidad de la Ciudad de Nueva York, con una tesis que estudia las discusiones intelectuales en torno a nacionalismo y decolonialidad en México, Perú y Bolivia de los últimos veinte años. Dirigió la revista de literatura Entre caníbales.

Actualmente es codirector de Ediciones Achawata y director de la revista Indoamérica, así como del Centro de Estudios Populares Achawata (CEPA). Tiene como temas centrales de investigación las figuras intelectuales peruanas de los primeros años del siglo XX en el Perú. Viene desarrollando una investigación sobre el anarquismo peruano.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para contárnoslo.

Leonardo García Alarcón nació el 5 de agosto de 1976 en La Plata, Argentina. Es director de orquesta, clavecinista, organista, pianista, compositor e investigador musical, reconocido internacionalmente como una de las figuras más importantes de la interpretación de música antigua y barroca de las últimas décadas.

Realizó sus estudios iniciales de piano y música en La Plata, donde obtuvo el título de Bachiller en Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. En 1997 se trasladó a Europa para perfeccionarse en el Conservatorio de Ginebra, estudiando clavecín con la prestigiosa maestra Christiane Jaccottet. Durante esos años trabajó junto al especialista en música antigua Gabriel Garrido, de quien fue asistente y colaborador.

En 2005 fundó el conjunto barroco Cappella Mediterranea, dedicado inicialmente a la exploración del repertorio barroco italiano, español y latinoamericano. Bajo su dirección, la agrupación se convirtió en uno de los conjuntos especializados en música barroca más prestigiosos del mundo.

Su reputación creció especialmente gracias a la recuperación de obras olvidadas del siglo XVII y XVIII. Uno de sus mayores éxitos fue la redescubierta interpretación del oratorio Il diluvio universale de Michelangelo Falvetti en el Festival de Ambronay en 2010, producción que le otorgó reconocimiento internacional.

Desde 2010 es director artístico del Chœur de Chambre de Namur, una de las agrupaciones corales especializadas en repertorio barroco más importantes de Europa. También fundó la Millenium Orchestra y ha desarrollado una intensa actividad pedagógica en la Haute École de Musique de Genève, donde enseña clavecín, canto barroco y dirección musical.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI. 

Julio Roldán es sociólogo y doctor en Filosofía por la Universidad de Bremen, Alemania. A lo largo de su trayectoria académica ha ejercido la docencia e investigación en diversas universidades de Perú y Alemania, entre ellas las universidades de Hamburgo, Bremen, Potsdam y la Universidad Libre de Berlín.

Especialista en sociología histórica, filosofía política y análisis geopolítico, ha dedicado gran parte de su trabajo al estudio de las transformaciones del sistema mundial, las relaciones de poder entre las grandes potencias y los cambios civilizatorios que marcan el siglo XXI. Su producción intelectual incluye dieciséis obras de investigación en los campos de la historia política, la filosofía y las ciencias sociales.

Además de su labor académica, participa como analista en medios de comunicación internacionales, donde aborda temas relacionados con la política global, los procesos históricos contemporáneos y la evolución del orden internacional.

Su publicación más reciente es China. ¿El nuevo centro de la civilización?, editada por Icaria, un ensayo en el que examina el ascenso de China y las profundas transformaciones económicas, políticas y culturales que están redefiniendo el equilibrio mundial. En esta obra, Roldán propone una reflexión sobre el posible desplazamiento del eje de la civilización contemporánea hacia Asia y los desafíos que este proceso plantea para Occidente y el resto del mundo.

Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Neda Cainero nació el 5 de noviembre de 1989 en el cantón del Tesino, en la Suiza italiana. Es hija de la reconocida clown suiza Gardi Hutter y del narrador y director teatral italiano Ferruccio Cainero. Desde niña estuvo vinculada al mundo artístico y comenzó a participar en proyectos de música, teatro, danza y artes de calle.

Estudió Biología y Etnología en la Universidad de Neuchâtel, pero paralelamente desarrolló una intensa carrera musical. Su repertorio abarca estilos muy diversos, desde la canción de autor y el jazz hasta la cumbia, el reggae y la tarantela italiana. También ha trabajado en proyectos artísticos por Europa, América Latina y África.

En CAMiNOS es la voz principal y una de las autoras de textos. Su estilo refleja la mezcla de influencias culturales que caracteriza al grupo, viajando musicalmente entre Europa, Latinoamérica y África.

Germain Chaperon es compositor, guitarrista, cantante y fundador de CAMiNOS. El proyecto está construido sobre sus composiciones originales y su visión artística. Su formación musical se centra especialmente en la guitarra flamenca, aunque incorpora influencias procedentes de la India, África, Europa del Este y América Latina.

En el grupo desempeña múltiples funciones: compositor, arreglista, autor de textos, guitarrista y cantante. Su propuesta artística busca tender puentes entre culturas a través de un repertorio mediterráneo interpretado en occitano, español e italiano, enriquecido con elementos de jazz y músicas del mundo.

Aunque suele ser presentado principalmente como guitarrista, en distintos proyectos también ha utilizado instrumentos de cuerda afines a las tradiciones mediterráneas; algunas referencias lo mencionan asimismo como mandolinista dentro de su trayectoria musical. Su trabajo creativo es el eje sobre el que gira la identidad sonora de CAMiNOS.

CAMiNOS es una formación radicada en la región de Marseille que reúne influencias del flamenco andaluz, músicas mediterráneas, jazz y tradiciones de distintas partes del mundo. La banda está integrada por Germain Chaperon, Neda Cainero, Marek Eichler y Sven Clerx. En 2026 publicaron su primer EP homónimo, Caminos.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Gustavo Faverón Patriau es un destacado novelista, ensayista, crítico literario, periodista y académico peruano, considerado una de las voces más importantes de la literatura peruana contemporánea. Nació en Lima el 31 de diciembre de 1966 y creció en el distrito de La Punta, en el Callao. Desde temprana edad desarrolló una profunda afición por la lectura, influenciado por un ambiente familiar donde los libros ocupaban un lugar central. Estudió Literatura en la Pontificia Universidad Católica del Perú, institución en la que consolidó su formación humanística y su interés por la crítica literaria.

Durante la década de 1990 trabajó intensamente en el periodismo cultural y político. Formó parte del diario El Comercio y llegó a dirigir la revista Somos. En los últimos años del gobierno de Alberto Fujimori participó activamente en el periodismo de oposición. En el año 2000 renunció a su cargo para trasladarse a Estados Unidos y continuar sus estudios de posgrado. Ingresó a la Cornell University, donde obtuvo una maestría y posteriormente un doctorado (PhD) en Literaturas Hispánicas con especialización en Literatura Comparada. Durante su estancia académica colaboró con la prestigiosa revista Diacritics y trabajó junto a reconocidos intelectuales y escritores latinoamericanos.

Como escritor, Faverón ha desarrollado una obra diversa que incluye novela, ensayo, crítica literaria e investigación histórica. Entre sus libros de ensayo destacan Rebeldes, dedicado a las rebeliones indígenas en Hispanoamérica; Contra la alegoría; Puente aéreo; y El orden del Aleph. Asimismo, editó importantes volúmenes colectivos como Toda la sangre y Bolaño salvaje, este último en colaboración con Edmundo Paz Soldán.

Su producción narrativa ha recibido amplio reconocimiento internacional. Su primera novela, El anticuario, obtuvo elogios de la crítica por su compleja estructura narrativa y su exploración de los límites entre realidad, memoria y ficción. Más tarde publicó Vivir abajo, considerada por numerosos críticos como una de las novelas latinoamericanas más importantes del siglo XXI. Esta obra fue finalista de la Bienal de Novela Mario Vargas Llosa y recibió elogios de medios y escritores de prestigio internacional por su tratamiento de la violencia política, la memoria histórica y las relaciones familiares. Posteriormente aparecieron las novelas Minimosca y Madame Vargas Llosa, que consolidaron aún más su trayectoria literaria.

Además de su labor como escritor, Gustavo Faverón ha desarrollado una destacada carrera académica en Estados Unidos. Ha sido profesor invitado en la Stanford University y en Middlebury College. Desde 2005 está vinculado al Bowdoin College, donde actualmente se desempeña como profesor de Lenguas y Literaturas Romances y dirige actividades relacionadas con los estudios latinoamericanos. Sus investigaciones se centran en la literatura latinoamericana contemporánea, la representación de la violencia política, la enfermedad mental en la literatura y la obra de Jorge Luis Borges.

La obra de Gustavo Faverón Patriau se caracteriza por la combinación de erudición académica, experimentación narrativa y reflexión histórica. Sus libros han sido traducidos a diversos idiomas, entre ellos inglés, francés, italiano, alemán, árabe, japonés y chino. Gracias a su producción intelectual y literaria, es considerado una figura fundamental de la literatura peruana y latinoamericana contemporánea, destacando por su capacidad para abordar temas como la memoria, la violencia, la identidad y el poder desde perspectivas innovadoras y profundamente críticas.

Naturalmente ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI para presentárnoslo.

Mariano Pacheco nació en Quimes, la Zona Sur del Conurbano Bonaerense en 1980. Ha desarrollado una trayectoria vinculada al periodismo cultural, la investigación histórica, la filosofía política y los movimientos sociales argentinos. Durante varios años residió en Córdoba y colaboró con diversos medios gráficos, revistas culturales y proyectos de comunicación popular.

Su formación fue en gran medida autodidacta, aunque cursó estudios en las carreras de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires. También participó en experiencias de militancia social y política vinculadas a los movimientos populares surgidos en Argentina durante las décadas de 1990 y 2000.

Entre sus libros más conocidos se encuentran:

Montoneros silvestres (2014), una investigación sobre la resistencia militante durante la última dictadura argentina.

Cabecita negra. Ensayos sobre literatura y peronismo, donde analiza la relación entre la literatura argentina y el peronismo.

Kamchatka. Nietzsche, Freud, Arlt.

Desde abajo y a la izquierda, dedicado a los movimientos sociales y las militancias populares.

2001. Odisea en el Conurbano.

Darío Santillán, el militante que puso el cuerpo, del que fue coautor.

Respecto de Literatura y revolución. Ensayos argentinos, publicado en 2026, el autor examina cómo la literatura argentina del siglo XX se relacionó con la política y los procesos revolucionarios. El libro analiza obras y trayectorias de escritores como Raúl González Tuñón, David Viñas, Manuel Puig, Néstor Perlongher, Ricardo Piglia y Juan José Saer, explorando cómo la escritura puede adquirir una dimensión política más allá de los temas o la militancia explícita.

A lo largo de su obra, Pacheco ha trabajado de manera recurrente sobre las relaciones entre literatura, memoria histórica, movimientos populares, peronismo, izquierda y cultura política argentina, convirtiéndose en una voz reconocida dentro del ensayo político-cultural contemporáneo.

Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

La obra que estrenan en París es Centroamérica, la última creación de “Lagartijas tiradas al sol”. Al igual que en otros trabajos anteriores del grupo, el proyecto se compone de un libro y de una obra de teatro. El libro como otra manera de compartir la investigación, lo que necesita quizás ser contado o asimilado de otra forma (el libro estará disponible para comprarlo en el masterclass que darán lxs artistas, abajo les compartimos la información). La obra como reflexión escénica.

Para desarrollar, Luisa y Lázaro viajaron por distintos lugares de Centroamérica, especialmente por Guatemala, donde tuvieron varios encuentros con mujeres migrantes. La obra nace a partir de los viajes a esa región tan cercana a México y que, sin embargo, no aparece en los imaginarios ni en los relatos públicos de la mayoría de los mexicanos. La preponderancia de Estados Unidos en las fantasías de ese país, hace que ese territorio permanezca velado, aislado por unas fronteras al sur protegidas y cada vez más militarizadas.

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La directora, actriz, escritora y artista visual cubana Mariam Montero se graduó del Instituto Superior de Artes y de la Escuela Nacional de Teatro de La Habana. Fundó su compañía, La Perla Teatro, en Cuba en 2016 y luego en Francia en 2023, dirigiendo diversos espectáculos que fusionan teatro, música, danza, artes visuales y cine. Estos son los primeros pasos cruciales hacia el desarrollo de sus primeras creaciones en Francia: una trilogía de espectáculos unipersonales que Mariam Montero presentará en Plateaux Sauvages.

Cuatro semanas de exploración para esta artista multifacética, quien escribirá e interpretará esta primera historia —la suya propia— sobre una artista que aún busca su identidad en un nuevo país, sin encontrar del todo su lugar. Un primer paso que se dará durante una muestra de residencia que promete ser profundamente conmovedora…

Cuba está experimentando el mayor éxodo masivo de su historia y se está vaciando a un ritmo alarmante. La Trilogía de Mujeres Cubanas presenta tres historias de migración, tres voces que resuenan entre sí, narrando la partida y la llegada a otros lugares, con la necesidad de crear nuevos rituales para el país de origen y reconstruir una vida en el país de destino. Tres poemas dramáticos entrelazados con performance, video y danza, enriquecidos con rituales yoruba, que reflejan la herencia africana de las actrices. Tres maneras de expresar la migración como mujer artista. La primera, Yo soy una denuncia, cuenta la historia de la propia creadora.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Rafael Dumett nació en Lima el 28 de julio de 1963. De madre de raíces ayacuchanas y padre ayacuchano quechuahablante descendiente de una familia que emigró desde Siria.

Estudió en el colegio La Recoleta y posteriormente Lingüística en la PUCP. A los 18 años tras una crisis nerviosa abandona y universidad y viaja a Argentina. Al regresar al Perú, reanuda sus estudios universitarios y además, por consejo de uno de sus profesores, inicia estudios de teatro en el Teatro de la Universidad Católica, graduándose profesionalmente como actor luego de tres años.

En 1990 Viaja a París, Francia, huyendo de la inestabilidad política y económica del Perú en ese entonces, donde continuó sus estudios de teatro en la Sorbona y vivió más de 8 años. Posteriormente se muda a California, Estados Unidos donde trabaja como profesor a tiempo parcial en la Universidad de San Francisco.

Después de escribir el guión de la película Both (2005), Rafael Dumett decidió escribir una novela basada en la "Construcción del Personaje" de Konstantín Stanislavski, en la cual los personajes ensayan una obra de teatro que escribiría también como un anexo a la novela. Para la obra teatral investigó la vida del traductor indígena Felipillo y ante la cantidad de información descartó la idea inicial y escribió "El Espía del Inca" una novela que narra un intento de rescate del Inca Atahualpa.

"El Espía del Inca", tardó 11 años en ser escrita. Inicialmente fue publicada en formato digital en el año 2012 y en 2018 fue publicada en papel por la editorial independiente Lluvia y luego por la editorial Alfaguara en 2021.

El crítico literario Carlos García-Bedoya la considera la mejor novela peruana del siglo XXI y además una respuesta arguediana a la pregunta vargasllosiana “¿Cuándo se jodió el Perú?”.

Su segunda novela "El Camarada Jorge y el Dragón" (2023) es el primer volumen de una saga en torno a la vida del político peruano Eudocio Ravines. Obra ganadora del Premio Nacional de Literatura del Perú del año 2024.

Pero antes han estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Jimena Gómez es actriz y cantante criolla. Ha llevado a cabo varios trabajos como actriz de teatro musical como lo son en este último tiempo "La Desgracia", "Narices", "Tangos Mágicos" y "Benito de La Boca" (Complejo Teatral de Buenos Aires). Como cantante de música criolla, se encuentra cantando en el proyecto "A duelo criollo" junto al cuarteto de Pablo Juárez Levar, así como también difundiendo su material solista "Nodriza mía", junto al percusionista Patricio Pompozzi.

Pablo Juárez Levar es guitarrista, arreglador y productor bonaerense. Desde el Tango como eje, aborda la estética más criolla del género interpretando Tangos, Milongas y Estilos como se puede apreciar en su primer EP solista titulado "Madera" (2021) y su simple de dúos "Tango y Triunfo" (2021), como así también en el trabajo que lleva junto a la cantante Jimena Gómez.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Edsel Sierralta es un realizador, director, productor y guionista venezolano originario de Barquisimeto, estado Lara. Pertenece a una nueva generación de cineastas venezolanos que han impulsado proyectos audiovisuales independientes utilizando recursos tecnológicos accesibles, especialmente el cine realizado con teléfonos móviles y producciones de bajo presupuesto con enfoque autoral y experimental. Su trabajo comenzó a ganar notoriedad internacional a partir de 2018 gracias al cortometraje Pálida, obra que lo llevó a participar en espacios asociados al Festival de Cannes y al Mobile Film Festival de Francia.

Sierralta estudió Comunicación Social en la Universidad Fermín Toro y posteriormente realizó estudios especializados en cine en la escuela Cieca Escuela de Medios. Desde temprana edad mostró interés por el arte, la narrativa visual y la literatura, aunque no provenía de una familia vinculada directamente al medio cinematográfico.

Durante sus primeros años en el audiovisual desarrolló proyectos experimentales influenciados por el cine de acción, el thriller psicológico y el lenguaje visual contemporáneo. Él mismo ha señalado influencias provenientes del arte venezolano, mencionando referencias visuales asociadas a Armando Reverón, César Rengifo y Macario Colombo.

El gran impulso en la carrera de Sierralta ocurrió con el cortometraje Pálida (2018), filmado íntegramente con un teléfono celular Samsung Galaxy. La obra fue seleccionada entre más de 2.000 propuestas internacionales y quedó dentro de los 50 mejores trabajos del Mobile Film Festival de Francia.

Gracias a ese reconocimiento fue invitado al programa “Tres días en Cannes” del Festival de Cannes en 2019, convirtiéndose en uno de los jóvenes representantes del cine venezolano contemporáneo presentes en el prestigioso evento francés.

Pálida llamó la atención no solo por sus limitaciones técnicas convertidas en recurso artístico, sino también por demostrar que era posible realizar cine independiente en Venezuela en medio de dificultades económicas y tecnológicas. El corto narra una persecución vinculada al narcotráfico y utiliza un lenguaje visual dinámico y urbano.

Sierralta ha estado vinculado a un movimiento creativo denominado “Acción”, cuya propuesta consiste en explorar nuevas formas de hacer cine utilizando herramientas digitales accesibles y narrativas contemporáneas. Parte de su discurso creativo gira alrededor de democratizar la producción audiovisual y fomentar el talento emergente venezolano.

Su visión del cine está asociada al trabajo colectivo, la experimentación estética y la producción independiente. En entrevistas ha señalado que las limitaciones presupuestarias del cine venezolano obligan a los realizadores jóvenes a innovar técnicamente y replantear las formas tradicionales de producción cinematográfica.

Posteriormente fundó la productora “Sierralta Films”, orientada tanto a la realización cinematográfica como a la formación de nuevos actores, directores y técnicos audiovisuales. Desde Barquisimeto impulsó talleres y programas de formación intensiva para jóvenes interesados en el cine.

A través de esta iniciativa organizó cohortes de formación cinematográfica cuyos estudiantes desarrollaban cortometrajes que luego eran proyectados en salas comerciales venezolanas. Según declaraciones del propio director, el objetivo era profesionalizar talentos locales y construir una industria regional desde Lara hacia el resto del país.

Pero antes, junto al antropólogo guatemalteco Sergio Palencia, ha estado con Jordi Batalle en El invitado de RFI. 

La Dra. Anouk Guiné es socióloga, investigadora y profesora asociada en la Facultad de Asuntos Internacionales de la Université Le Havre Normandie. Forma parte del Groupe de Recherche Identités et Cultures (GRIC) y participa en redes internacionales dedicadas a los estudios de memoria, resistencia y ciudadanía. Su trayectoria académica se caracteriza por un enfoque interdisciplinario que articula sociología, estudios de género, teoría crítica y estudios poscoloniales.

Sus investigaciones se concentran en los conflictos armados, la violencia de género, los movimientos sociales y las memorias colectivas, especialmente en América Latina y, de manera particular, en el conflicto interno peruano (1980-2000). Ha desarrollado estudios sobre violencia sexual en contextos de guerra, ciudadanía multicultural y feminismos decoloniales. Asimismo, su trabajo previo abordó el debate británico sobre la mutilación genital femenina entre comunidades migrantes africanas en el Reino Unido, mostrando un interés constante por los derechos humanos y las violencias estructurales.

Sergio Palencia es antropólogo y sociólogo guatemalteco, actualmente profesor asistente en el Departamento de Antropología de la William & Mary. Su formación combina estudios en sociología, antropología y teoría crítica realizados en Guatemala, México y Estados Unidos. Antes de incorporarse a William & Mary, impartió clases en instituciones como la City University of New York y universidades guatemaltecas, consolidando una trayectoria académica centrada en la historia social y política de Centroamérica.

La obra de Sergio Palencia examina las memorias indígenas, las relaciones interétnicas, la formación del Estado y las experiencias de las comunidades mayas durante la guerra guatemalteca y la Guerra Fría en América Latina. Sus investigaciones integran antropología histórica, etnografía visual y economía política para estudiar los procesos de resistencia indígena y las formas de violencia estatal y colonial. Ha publicado libros y artículos sobre racismo, genocidio, movimientos indígenas y memoria histórica en Guatemala, destacándose por su compromiso con la recuperación de las voces y narrativas de las comunidades mayas.

Pero antes ha estado con Jordi Batallé en El invitado de RFI.

Riber Oré es un destacado concertista y compositor peruano especializado en guitarra andina y criolla. Nació en Lima, dentro de una familia de profundas raíces ayacuchanas y cajamarquinas, donde la música formó parte esencial de su formación desde la infancia. Su padre, Poli Oré, integrante del conjunto ayacuchano Evocación Huanta, fue su primer maestro y quien lo introdujo en las afinaciones y estilos tradicionales de la guitarra andina.

Riber Oré comenzó a tocar guitarra a los 3 años y debutó públicamente a los 4 años de edad. A los 10 años ofreció su primer concierto en el Teatro Felipe Pardo y Aliaga. Más adelante perfeccionó su técnica con reconocidos maestros de la guitarra peruana como Carlos Hayre, Pepe Torres, Álvaro Lagos, Sergio Valdeos y Jaime Basulto. También recibió la influencia artística del legendario guitarrista ayacuchano Raúl García Zárate.

Considerado desde joven como un “niño prodigio” de la guitarra, desarrolló una carrera internacional difundiendo la música peruana en América, Europa y Asia. Ha realizado conciertos en países como Japón, Estados Unidos, Francia, Suiza, España, Suecia, Noruega y Taiwán, llevando especialmente la guitarra andina peruana a públicos internacionales.

Además de su labor como solista, ha participado en grabaciones y presentaciones junto a importantes artistas peruanos como Tania Libertad, Jaime Guardia, Diosdado Gaitán Castro, Daniel Lazo y Amanda Portales.

En 2017 presentó su libro Guitarra Andina Contemporánea, una obra que reúne partituras, historia y elementos visuales relacionados con la música andina peruana. El libro fue publicado por el sello estadounidense Goin’ Native y consolidó su aporte académico y artístico a la guitarra peruana contemporánea.

Su trayectoria ha sido reconocida por instituciones como el Congreso de la República del Perú y la UNESCO, debido a su labor de difusión de la música andina en el mundo. Actualmente también se dedica a la enseñanza musical mediante cursos y plataformas digitales de guitarra andina y criolla.