Des origines : Le choix de Charles Lewis Tiffany

Pour comprendre l’impact de ce bleu si particulier, il faut remonter en 1845. À cette époque, le fondateur de la maison de haute joaillerie new-yorkaise, Charles Lewis Tiffany, cherche une couleur distinctive pour la couverture du Blue Book, le catalogue annuel présentant ses collections de pièces d’exception.

Son choix se porte sur un bleu turquoise doux, légèrement tiré vers le vert. Deux raisons dictent ce choix :

La tendance de l’époque : Au XIXe siècle, la turquoise est la pierre reine de la joaillerie fine. Les mariées de l’époque victorienne ont pour coutume d’offrir à leurs demoiselles d’honneur une broche en forme de colombe sertie de cette pierre, ancrant la couleur dans l’univers des grands événements de la vie.

Un bleu qui ne s’achète pas, il se mérite.

L’instinct du luxe : Charles Lewis Tiffany comprend avant l’heure l’importance du branding visuel. Il veut une teinte qui tranche avec la grisaille urbaine et qui évoque instantanément l’exclusivité.

La Blue Box : L’art du packaging érigé en symbole

Le mythe prend une tout autre ampleur avec la création de la célèbre Tiffany Blue Box®. Cette boîte au design minimaliste, entourée d’un ruban de satin blanc satiné, devient rapidement un objet de désir en soi.

L’anecdote la plus célèbre de la maison est rapportée par le New York Sun en 1906 : Charles Lewis Tiffany avait établi une règle stricte, presque sacrée. Personne ne pouvait obtenir une boîte de la maison, contre aucune somme d’argent, à moins d’avoir acheté une pièce de joaillerie de la marque. Le packaging devient alors le sésame d’une expérience globale.

En 1961, le film Breakfast at Tiffany’s (Diamants sur canapé) avec Audrey Hepburn achève de figer la boîte bleue dans l’inconscient collectif comme l’incarnation absolue du glamour romantique et de l’élégance new-yorkaise.

De la joaillerie au Pantone 1837

Pendant plus d’un siècle, la formule de la couleur reste un secret bien gardé. Mais au tournant des années 2000, la maison s’associe au prestigieux Pantone Color Institute afin de standardiser et de protéger sa nuance signature.

Le résultat ? La création de la teinte officielle « 1837 Blue », nommée ainsi en hommage à l’année de fondation de Tiffany & Co. Cette couleur étant une marque déposée, elle n’est pas disponible dans les nuanciers Pantone publics. Elle est produite exclusivement pour les besoins de la maison, garantissant qu’où que vous soyez dans le monde, la couleur de la boîte reste d’une régularité absolue.

Pourquoi cette couleur fonctionne-t-elle encore aujourd’hui ?

Sur le plan purement psychologique, le bleu Tiffany réussit le grand écart parfait entre deux vibrations :

La fraîcheur et la vitalité : Porté par ses pigments jaunes qui tirent vers le vert d’eau, il évoque la clarté, la mer des Caraïbes et le renouveau.

Le calme et l’autorité : En tant que déclinaison de bleu, il conserve les attributs de confiance, de sérénité et de prestige propre au monde du luxe discret.

Aujourd’hui, alors que la maison américaine a rejoint les rangs du géant du luxe LVMH, le Tiffany Blue continue de se réinventer et prouve que le minimalisme graphique d’une simple couleur peut traverser les siècles sans prendre une seule ride.

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Depuis plusieurs saisons, la frontière entre performance et mode ne cesse de s’effacer. Les leggings techniques remplacent les pantalons ajustés, les tops compressifs deviennent des pièces de layering et les sneakers pensées pour courir s’invitent dans les silhouettes les plus pointues. Marine Serre fait partie des créateurs qui ont largement participé à ce mouvement en transformant des vêtements fonctionnels en objets de désir.

Avec Under Armour, marque historiquement associée à la performance sportive, la créatrice française pousse encore plus loin cette réflexion. La capsule réinterprète les baselayers, ces premières couches techniques conçues pour accompagner l’effort, en leur donnant une dimension mode assumée. Les silhouettes sculptent le corps sans jamais sacrifier le confort, tandis que les matières techniques quittent leur statut utilitaire pour devenir un véritable langage esthétique.

Le résultat ne cherche pas à déguiser le vêtement de sport en vêtement de luxe. Au contraire, il revendique pleinement son ADN athlétique. Tops près du corps, leggings graphiques, coupe-vents techniques et sneakers inspirées des archives running composent un vestiaire pensé pour passer naturellement de la salle d’entraînement à la rue.

À une époque où l’on cherche autant le confort que le style, cette collaboration illustre parfaitement l’évolution du sportswear contemporain : des vêtements conçus pour bouger, mais suffisamment désirables pour être portés bien au-delà du sport. Une nouvelle preuve que la performance est devenue l’un des terrains de jeu les plus intéressants de la mode actuelle.

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Avec des concentrations d’absolus allant de 40 à 48 %, les trois premières créations, imaginées par le parfumeur Jordi Fernández pour Givaudan, revendiquent une intensité rare. Chaque fragrance s’inspire d’un tissu, d’une texture ou d’un geste de création, transformant le parfum en véritable seconde peau, ultime détail capable de compléter une allure.

La collection s’articule autour de trois univers distincts. Stellar Silk célèbre la fluidité de la soie à travers un sillage enveloppant mêlant bois de santal crémeux, iris, vanille et fève tonka. Une composition délicate et lumineuse qui évoque la sensualité des étoffes les plus précieuses.

Plus sombre et magnétique, Oud Paradisio explore la puissance du cuir et du violet. Le bois de oud y rencontre un trio de roses, le cacao et des accents safranés dans une construction opulente et mystérieuse, à l’image des silhouettes audacieuses imaginées par des créateurs comme Rick Owens ou Claude Montana.

Enfin, Silver Ceremony s’inspire de l’éclat métallique des sequins et des vêtements futuristes. Bergamote, mandarine verte, gingembre et bois précieux composent une fragrance vibrante et architecturale, évoquant autant l’héritage de Paco Rabanne que les visions futuristes de Thierry Mugler.

Présentée dans des flacons aux finitions sophistiquées et aux teintes inspirées de la synesthésie, Collection Studio incarne la rencontre entre savoir-faire artisanal, expression artistique et élégance contemporaine. Une nouvelle démonstration du talent de BDK Parfums pour faire dialoguer mode et émotion à travers le parfum.

Une galerie immersive à Paris pour les 10 ans de la Maison

Pour prolonger le lancement de Collection Studio et célébrer ses dix ans, BDK Parfums investit Paris avec une galerie éphémère immersive ouverte au public. Pensé comme un véritable lieu de vie, cet espace hybride mêle découverte olfactive, expériences artistiques et moments de partage dans une atmosphère contemporaine et chaleureuse.

Dès l’entrée, un pop-up store associé à un coffee shop invite les visiteurs à explorer les créations de la Maison sous un nouveau prisme. Gravure personnalisée, estampage artisanal ou emballage furoshiki transforment chaque flacon en pièce unique. L’expérience se poursuit autour d’une collaboration avec Simple Coffee Paris, qui imagine boissons et douceurs inspirées des trois fragrances de Collection Studio.

À l’étage, un parcours immersif retrace dix années de création et dévoile des installations dédiées aux nouvelles compositions. Masterclasses, rencontres avec parfumeurs et créatifs, puis un brunch exclusif imaginé avec Tableaux Paris viennent rythmer cette semaine d’exploration sensorielle. Plus qu’un anniversaire, BDK Parfums signe ici une célébration vivante de son univers, à la croisée du parfum, de la mode et de la création contemporaine.
 

Galerie éphémère BDK Parfums – Galerie Le Molière – 40, rue de Richelieu Paris 1er – du 6 au 16 juin

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Vans x Merci

Avec cette collaboration en édition limitée, Vans s’associe au concept-store parisien Merci pour faire dialoguer deux univers : l’énergie « Off The Wall » venue de Californie et la sensibilité graphique du design français. Photographiée par Nicolas Huynh aux côtés du skateur César Dubroca, la capsule capture une allure libre et spontanée, entre culture skate et esthétique minimaliste. T-shirts, sweats, bandanas et planches de skate composent une garde-robe hybride, ponctuée de broderies fines et de motifs checkerboard revisités avec subtilité.

Pour célébrer ce lancement, Merci transforme son espace en véritable terrain d’expression. Au cœur du Marais, un skate bowl sur mesure, imaginé par les architectes du lieu avec le studio Atelier Veneer, vient injecter l’énergie brute du skate dans l’univers feutré de la boutique. Une installation immersive qui confirme le skate comme langage culturel autant que visuel. La collection est disponible dès maintenant chez Merci à Paris et en ligne sur Vans et Merci.

Adidas x Miaou

Avec cette nouvelle collaboration, Miaou et adidas Originals poursuivent leur dialogue entre sport et féminité affirmée. Fondée par Alexia Elkaim, Miaou impose depuis ses débuts une vision audacieuse du corps, où empowerment et style se rencontrent dans des silhouettes assumées.

Inspirée par l’esthétique du football du début des années 2000, la collection rend hommage à l’allure glamour des supporters de l’ère Y2K. Au cœur de cette capsule, la sneaker adidas Megaride se réinvente dans une version en cuir lisse, dotée d’une fermeture zippée et proposée en coloris argent ou bleu ciel.

Le vestiaire explore quant à lui le style « sideline » avec un maillot ajusté, un corset technique et un pantalon en nylon revisitant les codes du survêtement. La campagne, portée par Riccardo Calafiori et le mannequin Alyson Dubey, s’inspire des clichés paparazzi des années 2000 pour revisiter la figure de la supportrice contemporaine.

Birkenstock 1774 x Song For The Mute

Pour le printemps-été 2026, Song for the Mute s’associe à Birkenstock 1774 autour d’une collaboration pensée comme une galerie de personnages. Plutôt qu’une esthétique uniforme, le label australien imagine quatre archétypes distincts, chacun incarné par une silhouette emblématique revisitée avec une forte dimension narrative.

Ainsi, la London se transforme en toile vivante pour l’Artiste, éclaboussée de peinture comme sortie d’un atelier. L’esprit Rebelle s’exprime à travers la Paris, habillée de pony hair noir, tandis que le Jardinier s’approprie la Super Birki 2.0 avec une semelle intérieure imprimée d’herbe. Enfin, le Collectionneur trouve son équilibre dans la sobriété minimaliste de la Amsterdam en cuir noir poli.

Fidèle à l’univers narratif de Song for the Mute, la capsule se prolonge à travers une ligne de vêtements composée de combinaisons pensées pour accompagner chaque personnage. Une approche qui souligne le lien historique entre les deux marques, nourri par des années d’inspirations partagées et de références croisées.

Clarks x Walk In Paris

Avec cette nouvelle collaboration, Walk in Paris et Clarks revisitent la classique Craft James Lo dans une approche aussi sobre que narrative. Déclinée en cuir bordeaux et noir, la silhouette se distingue par une semelle en cuir italien et un marquage discret, fidèle à une élégance mesurée qui privilégie le détail à l’ostentation.

Mais au-delà de l’objet, c’est l’imaginaire qui retient l’attention. Pour accompagner le lancement, la marque fondée par Gary Neveu imagine un court-métrage aux accents de Pulp Fiction. Entre silhouettes affûtées et une iconique BMW E30 Convertible, le récit convoque une esthétique brute et cinématographique.

Cette fascination pour l’automobile n’est pas nouvelle : depuis plusieurs saisons, Walk in Paris explore ce territoire visuel, confirmant l’affinité grandissante entre culture automobile et vestiaire masculin contemporain.

Salomon x L’Art de L’Automobile

Pour leur troisième collaboration, L’ART et Salomon poursuivent une exploration commune où performance et culture automobile se rencontrent. Fondée en 2017 par Arthur Kar, L’ART transpose l’esthétique de l’ingénierie automobile dans l’univers du vêtement et de l’objet, considérant chaque création comme une œuvre en mouvement.

Au cœur de cette nouvelle capsule, deux silhouettes incarnent cette dualité. La Salomon S/LAB Phantasm 3 adopte une approche résolument tournée vers la vitesse, pensée comme une machine de course inspirée par l’aérodynamisme des voitures sportives. En parallèle, la Salomon ACS PRO L’ART revisite une silhouette culte à travers un prisme motorsport, mêlant précision technique et esthétique racée.

Autour de ces modèles, une capsule complète — mêlant vêtements techniques, ensembles d’échauffement et accessoires — prolonge cet univers hybride. Une campagne cinématographique, inspirée des tests en soufflerie et du développement des chaussures de course, renforce cette narration où sneakers et voitures partagent un même langage : celui de la vitesse et de l’innovation.

Lee x Feng Chen Wang

Avec cette nouvelle collaboration, Lee invite la designer londonienne Feng Chen Wang à revisiter l’héritage denim de la maison à travers son esthétique expérimentale. À partir des pièces emblématiques de la ligne Lee 101, la créatrice imagine un vestiaire hybride où tradition et avant-garde dialoguent librement.

Pensée comme un terrain d’exploration textile, la capsule déconstruit les silhouettes classiques à coups d’asymétries, de panneaux superposés et de volumes recomposés. Le denim devient ici une matière vivante, travaillée par des traitements innovants — du laser au tie-dye — qui bousculent ses codes historiques.

Au cœur de cette proposition, la nature agit comme fil conducteur. Inspirée par le bambou, symbole de résilience et de flexibilité dans la culture chinoise, Feng Chen Wang transpose ses lignes organiques à travers des motifs gravés et des constructions modulables. Résultat : un vestiaire unisexe, pensé pour accompagner des silhouettes libres et affirmées, où le denim s’émancipe de ses formes traditionnelles pour devenir un véritable langage créatif.

New Balance x Lack Of Guidance

Avec la campagne Around the World, New Balance et Lack of Guidance donnent une dimension internationale à leur nouvelle collaboration. Shootée entre Curaçao, l’Égypte, les Pays-Bas et l’Italie, la capsule de 11 pièces célèbre la portée universelle du football, tout en faisant écho au célèbre geste technique qui lui prête son nom.

Capturées sur smartphone par des artistes tels que Sam Youkilis et Mohamed Sherif, les images mêlent instantanéité et regard documentaire. Chaque territoire devient un terrain d’expression visuelle, révélant comment une même culture se décline à travers des contextes locaux variés.

Au cœur de la collection, une pièce familière devient symbole : le chasuble d’entraînement jaune fluo, référence directe aux matchs amateurs du dimanche. Habituellement utilitaire, il est ici élevé au rang d’élément graphique central, guidant les matières en mesh et l’esthétique générale.

Pensée comme un hommage aux terrains du quotidien, la capsule rappelle que l’essence du football se joue autant dans la rue que sur les grandes scènes internationales.

Reebok x Ice Cream

Icône du skate des années 2000, la Board Flip fait son retour sous l’impulsion de Reebok et Ice Cream. Initialement lancée en 2005 par Pharrell Williams et NIGO, la silhouette s’est rapidement imposée comme un symbole de la rencontre entre skate, streetwear et culture sneaker.

Après une première réintroduction remarquée lors du ComplexCon 2025, la Board Flip revient aujourd’hui avec deux coloris gourmands : Watermelon et Pink Lemonade. Fidèle à son ADN, le modèle conserve sa construction robuste, tige en cuir perforé, embout en caoutchouc texturé et semelle pensée pour la pratique du skate, tout en affirmant son identité graphique grâce aux signatures visuelles d’Icecream, dont le logo Bones & Cones.

Plus qu’un simple revival, ce retour s’inscrit dans l’engouement actuel pour l’esthétique Y2K. Entre nostalgie assumée et regard contemporain, la Board Flip retrouve sa place dans un paysage où héritage skate et culture mode continuent de dialoguer.

Schott NYC x Lou Menais

La rencontre entre Schott NYC et Lou Menais donne naissance à un projet où la mode se construit avant tout autour de liens humains. Pensée comme le prolongement naturel de son parcours, la démarche de Lou Menais s’inscrit dans une vision intime et évolutive, nourrie par ses expériences entre univers du luxe et initiatives personnelles.

Au cœur de cette collaboration, plusieurs vestes iconiques de Schott NYC sont réinterprétées grâce au savoir-faire de Atelier Montex, maison d’art résidente du le19M, lieu dédié aux métiers d’art soutenu par Chanel. Chaque pièce devient un terrain d’expérimentation où broderie et précision artisanale dialoguent avec l’esthétique brute du vestiaire américain.

Au-delà des vêtements, le projet s’inscrit dans une dynamique collective, portée par un film réunissant proches et artistes issus de l’entourage créatif de Lou Menais. Une manière d’affirmer une vision contemporaine de la mode, où collaboration et transmission deviennent le véritable moteur de création.

Keen x Snow Peak

À la croisée de l’innovation technique et du design épuré, KEEN et Snow Peak dévoilent une collaboration qui célèbre un mode de vie en mouvement. Au cœur de cette capsule, la KEEN HYPERPORT H2 se réinvente dans une version pensée pour accompagner les transitions entre ville et nature.

Récompensée par un ISPO Award 2024, la silhouette s’appuie sur une semelle maximaliste à forte adhérence, conçue pour évoluer aussi bien sur l’asphalte que sur les sentiers ou au bord de l’eau. Elle s’inscrit dans l’héritage de la mythique KEEN Newport, pionnière d’un vestiaire outdoor hybride mêlant protection et liberté de mouvement.

La collection se décline en une version adulte entièrement noire et un modèle enfant inspiré des couleurs de la Snow Peak Hozuki, clin d’œil à l’univers du camping japonais. Accompagnée d’un film mettant en scène une famille en pleine nature, cette capsule souligne une ambition commune : rapprocher le quotidien urbain de l’expérience outdoor, sans compromis sur le confort ni sur le style.

Carhartt WIP x F.C.Real Bristol

Pour leur toute première collaboration, Carhartt WIP et F.C.Real Bristol imaginent une capsule hybride entre sportswear, culture foot et design fonctionnel. Fondé en 1999 sous l’égide de SOPH., F.C.Real Bristol repose sur un concept unique : celui d’un club de football fictif né en amont de la Coupe du Monde 2002 au Japon.

Depuis, la marque développe un vestiaire complet pour joueurs et supporters imaginaires, nourri par les codes du football britannique et les cultures créatives de Bristol. Après une collaboration historique avec Nike jusqu’en 2015, puis avec Casio ou New Era, le label s’associe aujourd’hui à Carhartt WIP pour une capsule inédite.

La collection mêle silhouettes performantes et matières techniques dans une palette signature de noirs, navy, wax et Dusty Hamilton Brown. Varsity jackets, ensembles d’échauffement, maillots respirants, écharpes de supporters et accessoires composent un vestiaire complet, enrichi d’objets décalés comme un ballon custom ou un canard en caoutchouc.

Accompagnée d’une campagne signée Theodor Guelat, la collaboration explore une vision presque onirique du football, réduisant le jeu à ses émotions les plus brutes. Une célébration du rituel collectif et de la passion partagée.

Puma x Super Yaya

Pour cette collaboration inédite, Puma s’associe à Super Yaya autour d’une réinterprétation de la Speedcat, silhouette iconique du vestiaire sportswear. Le projet, soutenu par Zalando, marque une étape clé dans la mise en lumière de la marque fondée par Rym Beydoun.

Pensée comme un dialogue entre héritage et modernité, la collection se déploie en deux drops. Le premier propose une version en toile, déclinée dans des palettes neutres et contrastées, rehaussée d’un motif pois graphique inversé. Le second explore une approche plus sophistiquée, avec une Speedcat en cuir verni noir et prune, où la texture embossée devient un signe distinctif.

La collaboration joue sur les tensions : sport et élégance, quotidien et couture, énergie brute et raffinement. Cette dualité est incarnée dans la campagne par la supermodel et militante Alek Wek, qui apporte une dimension narrative et corporelle au projet.

Plus qu’une simple réinterprétation, cette Speedcat devient un objet culturel hybride, où l’archive sportive de PUMA se mêle à une vision intime et contemporaine de la féminité.

Topologie x Maison Mihara Yasuhiro

Avec cette collaboration, Topologie et Maison Mihara Yasuhiro explorent un territoire poétique : celui des premières heures du matin, entre silence et commencement du jour. Une capsule pensée comme un moment suspendu, où fonctionnalité et expérimentation se rencontrent.

La collection réunit l’univers déstructuré de Yasuhiro Mihara et l’approche utilitaire de Topologie, donnant naissance à des pièces hybrides à forte dimension graphique. Les motifs signatures de MMY — Banana, Soft Serve et Toothpaste — viennent se greffer aux systèmes modulaires de Topologie, notamment le Wares System, composé de sacs, sangles et accessoires pour smartphone.

L’un des points centraux de la collaboration réside dans un système de poignées détachables, permettant de transformer les objets au gré des usages et des envies. Une approche qui pousse plus loin la notion de personnalisation et de modularité.

La capsule sera lancée en exclusivité au pop-up Topologie Hyundai à Séoul, avant une sortie mondiale début mai. Une rencontre entre design japonais et fonctionnalité contemporaine, où l’objet du quotidien devient un terrain d’expérimentation ludique et conceptuel.

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Dans ce quartier parisien devenu un véritable laboratoire créatif, l’espace dévoile une scénographie pensée comme une expérience sensorielle. Derrière de larges vitrines, le lieu mêle boutique, galerie et librairie d’art dans une atmosphère brute et minimaliste. Imaginée en collaboration avec les galeries Galerie Jacques Lacoste, Galerie Laffanour et Galerie Patrick Seguin, l’installation invite à déambuler entre mobilier iconique, œuvres design et pièces de prêt-à-porter. Les compositions florales signées Nina Charles ponctuent le parcours d’une touche poétique, tandis que les accessoires et silhouettes se dévoilent comme autant d’objets à contempler.

Au cœur de ce dispositif, la collection Limited Edition propose une vision épurée et sophistiquée du vestiaire estival. Les silhouettes jouent sur la fluidité et la superposition, privilégiant des matières nobles comme le lin italien, la soie ou le cuir souple. Les tons neutres, crèmes, beiges lumineux et bruns profonds, dessinent une garde-robe pensée pour durer, où la précision des coupes et la qualité des textures priment sur l’effet spectaculaire.

L’expérience se prolonge avec un espace café et librairie conçu avec Café Nuances et Librairie Yvon Lambert, proposant une sélection pointue de boissons et de livres d’art. Des rencontres et ateliers viennent également rythmer ces dix jours, notamment avec la cheffe Rose Chalalai Singh ou la curatrice Gemma Janes.

Plus qu’un simple lancement de collection, ce pop-up affirme la volonté de Massimo Dutti d’inscrire la mode dans un dialogue plus large avec la culture et le design, transformant l’acte d’achat en véritable expérience esthétique. Pop-up Massimo Dutti, du 17 au 26 avril 2026, 7 rue Froissard, 75003 Paris.

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OTW by Vans x OAMC – Half Cab SP Boot – 175€

Dr Martens – 1461 65th Anniversary – 250€

Birkenstock 1774 – Boston Leather

New Balance – ABZORB 1980 – 190€

Birkenstock – Solana VL – 130€

Birkenstock – Loma – 150€

Salomon – ACS Pro Shell – 180€

Dr Martens – Adrian Ben Tassel – 195€

Asics x C.P. Company – Gel-Quantum 360 – 200€

Converse x Tyler, the Creator – 1908 Jogger – 100€

Converse x Eric Emanuel – Chuck 70 – 99,99€

On x Kith – K-Tech 1 – 200€

Alohas – Aven Loafers – 160€

Hoff – Bridge Dopamine – 160€

Hoff – Bridge Woven – 160€

Alohas – tb.490 World Cup Brasil – 180€

Tory Burch – Babies Romy Sport – 320€

Shoe.Shoe – Idealo Boot – 530€

Hoka – Mach Remastered – 140€

Keen – Jasper Zionic – 160€

Keen x Phileo – Targhee – 180€

Dr Martens – Lowell – 200€

New Balance x CAYL – M10L – 160€

Asics x OTTO 958 – Gel-SD Arzachotto – 230€

Puma x Jil Sander – K-Street – 430€

Reebok – Freestyle Low – 90€

Keen x Snowpeak – Hyperport H2 SP – 139,99€

Puma – Speedcat Ballet – 90€

Puma x J.L.-A.L. – Cell Geo 1 Umbre – 190€

Vans – Classic Pearlized – 114,95€ sur Zalando

Adidas x Pharrell Williams – Vario Flat Earther – 140€

Havaianas – Tong – 21,95€ sur Zalando

Adidas – Samba OG Leopard – 129,95€ sur Zalando

Nike – Cortez Dot – 109,99€ sur Zalando

Maison Kitsuné – Bicolor Leather Loafers – 420€

Crocs x Lego – Clog – 89,99€

Acne Studios – Bottes de cowboy – 1600€

GH Bass – Weejuns Penny Slides – 195€

COS – Ballerines en cuir – 99€

VIBAe – Roma – 175€

Miu Miu – Sandales de pécheur en cuir – 910€

Diemme – Roccia Basso – 471,14€

Sebago – Docksides – 250€

Repetto – Mules Camille – 320€

UGG – Sabot Otzo – 179,95€

UGG – Tasman II – 144,95€

Subu – Originals F-Line – 54€

Paraboot – Adonis – 495€

Arc’teryx – Kragg – 140€

Oakley – Studio Sandal – 95€

Victoria – Berlin Ciclista – 99€

Ganni – Bottes Chelsea – 445€

Mizuno – Wave Prophecy Moc – 260€

Saucony – ProGrid Omni 9 – 160€

The North Face – Mules Hedgehog – 135€

Aigle – Chaussure de marche – 95€

Burberry – Sandales Urchin – 590€

Veja – Jitsu suede – 170€

Autry – Baskets Medalist – 185€

Vivaia – Ballerines Margot – 158€

Novesta – LG Lone Star – 110€

Superga – 2432 Works Low Cut – 120€

Maje – Mocassin bateau – 295€

Claudie Pierlot – Baskets Swing – 225€

New Balance – 204L – 130€ chez JD Sports

Adidas – Adistar Control 5 – 110€

Jonak – Sandales à talons et brides – 135€

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Plongez dans les « after party » et événements de Balenciaga, Ganni, Veja x Baserange, L’Artisan Parfumeur, Maje et bien d’autres. Des créatures, des anonymes, de la sueur, des néons, des soirées, de l’alcool… voilà un programme bien chargé !

Crédits photo : Paul Fogiel

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Inspirée par le cinéma de Claude Lelouch et la musique d’Étienne Daho, la collection évoque les rencontres nocturnes, les trajets en moto dans la ville et cette atmosphère électrique propre à la capitale. Au cœur du projet : la rencontre imaginaire entre une danseuse venue d’ailleurs et le Paris vibrant des années 1920.

La danse structure l’ensemble du vestiaire. Ancienne élève de l’Opéra, Alice Vaillant puise dans cette discipline pour construire des silhouettes précises mais fluides, pensées pour accompagner le mouvement du corps. Un body en maille seconde peau ouvre le défilé, suivi d’un manteau en satin de soie brodé de fleurs. Les références parisiennes apparaissent à travers une casquette marin ou un t-shirt proclamant « Vaillant is for Lovers ».

Entre veste aviateur en shearling, jupe en soie et dentelle de Calais ou robe patchwork aux volumes circulaires, la collection compose une silhouette féminine multiple : à la fois princesse slave, titi parisien et danseuse. Le final dévoile une robe en georgette de soie blanche ornée de fleurs, évoquant un tutu contemporain.

Avec Le Rendez-Vous, Alice Vaillant signe une ode à la nuit parisienne, où mémoire personnelle, danse et identité urbaine se rencontrent.

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La palette oscille entre rouges profonds, verts mousse, oranges rouille et bleus nocturnes. Les matières, elles aussi, jouent sur le contraste : chambray bicolore, suède à poil long, cuir de veau grainé ou jacquards déformés se mêlent à des sequins denses, créant des surfaces riches et vibrantes. Le travail technique transforme le familier en élément presque organique : une soie dorée imite la fourrure, tandis que le coton est teinté pour évoquer une terre fraîchement retournée.

Le tailoring traditionnel se voit bousculé par des asymétries étudiées, alors que des structures souples reliées par des anneaux métalliques se superposent aux silhouettes. Chez Pasqualetti, le vêtement devient une extension du corps — un espace où matière terrestre et dimension spirituelle ne font plus qu’un.

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Le défilé s’est tenu dans l’enceinte iconique du Stade Roland-Garros, dont les courts d’argile recouverts de bâches orange et enveloppés d’un léger brouillard donnaient au show une ambiance presque cinématographique. En ouverture, une collaboration avec Mackintosh introduit des trenchs oversize à double épaisseur, conçus pour résister aux caprices de la météo.

Sur le podium, l’esprit du « Lacoste Tennis Club » s’exprime à travers des tracksuits rouge intense, des silhouettes masculines en cuir découpé au laser et un tailoring inspiré de l’univers des tournois. Les polos s’allongent et se parent de rayures roses et vertes, tandis que les pulls en maille torsadée sont raccourcis pour jouer avec les proportions.

Pour le final, des couches translucides en plastique prennent le relais, imprimées de slogans comme « Lawn Tennis » ou « Slam Open ». Une manière ludique de rappeler que, chez Lacoste, la performance sportive reste indissociable du style.

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La créatrice imagine cette saison un vestiaire évoluant dans un « liminal realm », cet espace fragile entre deux états. Sur le podium, les silhouettes incarnent une féminité moderne, à la fois affirmée et mystérieuse. La palette chromatique glisse du noir profond vers des bruns terreux, des verts mousse et des éclats de jaune évoquant la ligne d’horizon après la tombée de la nuit.

L’ADN équestre de la maison reste omniprésent : manteaux structurés ceinturés de chaînes métalliques, bottes cavalières montant jusqu’à la cuisse et lignes nettes inspirées de l’univers du cheval. Des zips stratégiquement placés permettent de transformer les volumes et introduisent une dimension fonctionnelle inattendue.

Ailleurs, des shorts biker en cuir, des robes entièrement façonnées dans cette matière et des bombers multi-poches insufflent une énergie plus rebelle. Les jupes matelassées rouge profond apportent quant à elles une intensité dramatique. Le défilé dévoile aussi de nouvelles interprétations des sacs iconiques Birkin bag et Kelly bag, revisités avec subtilité. Une collection nocturne où Hermès confirme son équilibre singulier entre modernité, artisanat et mystère.

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Avant même le début du défilé, une carte placée sur chaque siège invitait les invités à regarder le show avec leurs yeux plutôt qu’à travers leurs téléphones — un geste discret mais révélateur de la vision du designer. Sur le podium, Yamamoto revisite l’héritage du kimono à travers ses drapés emblématiques et ses volumes fluides. Les silhouettes se déploient autour du corps avec une liberté presque chorégraphique, entre respect de la tradition et esprit de rébellion.

Le noir, signature absolue du créateur, sert de toile de fond à l’ensemble de la collection. Il est ponctué d’imprimés inspirés des œuvres de Katsushika Hokusai, qui apportent des éclats de couleur et une dimension narrative aux silhouettes. Flamants stylisés, rayures psychédéliques, jacquards texturés et carreaux subtils enrichissent les robes et manteaux aux proportions généreuses.

Pour le final, cinq silhouettes apparaissent chaussées de traditionnelles sandales geta, rarement vues hors du Japon. Une conclusion solennelle pour un défilé suspendu entre passé et futur, où Yohji Yamamoto confirme, une fois encore, la maîtrise intemporelle de son art.

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Baptisée ClairObscur, la collection explore le dialogue entre lumière et ombre. Sur le podium, les silhouettes semblent sculptées par l’éclairage : cachemires profonds, cuirs souples et surfaces brodées captent ou réfléchissent la lumière selon les mouvements du corps. Fidèle à son esthétique cinématographique saturée de néons, Levinson enveloppe le show d’une atmosphère nocturne, presque hypnotique, qui rappelle l’intensité émotionnelle de son univers visuel.

Les accessoires prolongent ce jeu de contrastes. Le sac Midnight City et les sneakers D’Orsay apparaissent dans des dégradés ombrés évoquant une lumière urbaine diffuse. La collaboration avec J.M. Weston introduit quant à elle des chaussures aux formes pliantes, conçues pour donner l’illusion d’un mouvement suspendu.

Projetées autour du podium, les installations vidéo de Levinson mêlent portraits d’un casting multigénérationnel et images inédites de la future saison d’Euphoria. Entre cinéma et couture, Balenciaga propose ainsi un défilé pensé comme un paysage visuel : une exploration sensorielle où la mode se raconte à travers la lumière.

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Cette métaphore traverse la collection à travers une réinterprétation du vestiaire classique : carreaux, laine traditionnelle, cuir et soie structurent des chemises, overshirts et manteaux tailleurs emblématiques du label. Ces pièces évoluent grâce à des tissus cirés, des finitions imperméables et des références au vêtement utilitaire, entre codes ruraux et construction contemporaine.

Le styling évoque une vie passée dans les bois : fils apparents, matières patinées, vêtements comme transformés par leur environnement. Une atmosphère qui rappelle aussi l’univers de la série animée Over the Garden Wall.

La collection s’accompagne enfin d’une collaboration avec Converse, où les iconiques Chuck Taylor All Star sont revisitées à travers textures et finitions inattendues.

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Présenté au Carrousel du Louvre pendant la Paris Fashion Week, le défilé dévoile des silhouettes qui semblent figées au cœur de leur propre transformation. Drapés mouvants, superpositions et volumes inattendus donnent l’impression que les vêtements évoluent en temps réel, laissant au corps la liberté d’en compléter la forme.

Certaines pièces sculptent la silhouette à l’aide de plastrons rigides aux proportions surprenantes, tandis que d’autres libèrent des cascades de tissu qui se déploient à chaque mouvement. Des tops volontairement déstructurés, aux encolures amplifiées, côtoient des mailles laissées brutes, comme si elles venaient tout juste de quitter l’atelier.

Des trenchs oversize, portés avec bérets marins et gants longs, introduisent une dimension théâtrale. Les couleurs vibrantes — jaune, orange, violet ou bleu intense — dialoguent avec les célèbres plis de la maison, qui ondulent au fil du défilé.

Avec Creating, Allowing, Satoshi Kondo rappelle que la mode n’est pas seulement un résultat final, mais un processus vivant, ouvert à l’interprétation et à la transformation.

Crédits photo : Paul Fogiel

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Off-White

En 1970, le trompettiste bouleverse l’histoire du jazz avec Bitches Brew, un disque visionnaire qui mêle jazz, rock, funk et expérimentations électroniques. Plus qu’un album, un moment de rupture culturelle. Pour Kamara, cette énergie de collision devient un point de départ créatif : une façon d’imaginer des vêtements comme des improvisations.

Dans les archives de Miles Davis, le directeur artistique découvre un style aussi audacieux que sa musique. Silhouettes affûtées, allure flamboyante, refus des conventions : une attitude qui fait écho à l’héritage laissé par Virgil Abloh, fondateur d’Off-White, dont la vision reposait sur des micro-gestes capables de transformer la perception du vêtement.

La collection masculine traduit cette énergie en silhouettes mouvantes. Denim évasé, chemises en maille, vestes tailleurs ou gilets structurés oscillent entre précision sartoriale et nonchalance street. Rien n’est figé : les matières semblent évoluer, comme une partition en train de s’écrire.

Le vestiaire féminin s’inspire quant à lui de Betty Davis, muse électrique et pionnière de la liberté féminine. Silhouettes élancées, épaules marquées et tailles sculptées composent une allure affirmée, adoucie par la transparence de la dentelle ou des robes seconde peau. Rouge vibrant, bleu acide et vert Kelly injectent un rythme chromatique à l’ensemble.

La saison s’accompagne également d’une capsule réalisée avec le Miles Davis Estate, transformant l’univers créatif du musicien en langage vestimentaire. Une manière de rappeler que, chez Off-White, la mode se joue comme un morceau de jazz : libre, instinctive et en perpétuelle mutation.

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