Verlust, Trauer und die Frage, wie man nach einem Schicksalsschlag überhaupt weitermacht: Forever Ago behandelt kein neues Thema, findet dafür aber sehr persönliche Bilder. Third Shift schickt uns auf einen melancholischen Roadtrip voller Erinnerungen, starker Gespräche und wunderschöner Musik – und trifft damit erstaunlich oft genau ins Herz.

Alfred hat einen Menschen verloren, der sein Leben geprägt hat – seine Frau Audrey. Und eigentlich scheint er seitdem auch selbst ein Stück weit stehen geblieben zu sein. Also steigt er in seinen Van und fährt nach Norden. Nicht, weil ein Roadtrip plötzlich alles reparieren könnte, sondern weil irgendwo zwischen alten Erinnerungen, neuen Begegnungen und ziemlich viel Landschaft vielleicht doch noch etwas wartet, das ihn wieder nach vorne schauen lässt.

Forever Ago erzählt von Verlust, Liebe, Reue und Loslassen. Das ist thematisch alles andere als neu. Up hat uns damit schon in wenigen Minuten das Herz gebrochen, Spiele wie Closer the Distance haben Trauer ebenfalls zum Mittelpunkt gemacht. Third Shift findet trotzdem einen eigenen Zugang, weil Alfreds Reise nicht nur traurig sein möchte. Über allem liegt eine bittersüße Melancholie, die immer wieder von Wärme, Humor und echter Zuneigung durchbrochen wird.

Erinnerungen auf vier Rädern

Eine Story, die das Gameplay trägt

Spielerisch bleibt Forever Ago bewusst ruhig. Wir erkunden Landschaften, untersuchen Gegenstände, reden mit Menschen und halten Erinnerungen mit Alfreds Sofortbildkamera fest. Diese kommt auch bei kleinen Umgebungsrätseln zum Einsatz, wird aber nie zu einem komplizierten Gameplay-System.

Das könnte man als spielerisch dünn kritisieren, für mich passt es aber gut zum Erzählfluss. Forever Ago braucht keine großen Herausforderungen, um beschäftigt zu halten. Das Gameplay gibt der Geschichte Raum und sorgt dafür, dass wir Alfreds Reise selbst erleben, statt nur einer langen Zwischensequenz zuzusehen.

Hinzu kommt die wunderschöne visuelle Gestaltung. Wälder, Wüsten und ruhige Aussichtspunkte werden von warmen Farben getragen, die beinahe im Gegensatz zur Schwere der Geschichte stehen. Genau daraus zieht das Spiel viel von seiner Wirkung: Trauer sieht hier nicht permanent grau aus.

Wenn Melancholie wunderschön klingt

Eine mindestens ebenso wichtige Rolle spielt die Musik. Den Original-Soundtrack hat Clark Aboud komponiert, der unter anderem durch Slay the Spire und Kind Words bekannt ist. Der 30 Stücke umfassende Score arbeitet mit Streichern, Gitarren, Klavier, Klarinette und stellenweise Gesang und trifft diese Mischung aus Traurigkeit und vorsichtiger Hoffnung hervorragend.

Die Musik legt sich wie eine warme Decke über Alfreds Reise, ohne jede emotionale Szene mit einem musikalischen Ausrufezeichen versehen zu müssen. Gerade ruhigere Stücke geben Erinnerungen Raum und machen manche Momente fast noch schwerer auszuhalten, während andere Passagen überraschend hoffnungsvoll wirken.

Auch die englische Vertonung trägt enorm viel. Piotr Michael spricht den älteren Alfred, während Cissy Jones, bekannt unter anderem aus Firewatch, Audrey ihre Stimme leiht. Andrew Russell und Saydee Dickinson übernehmen die jüngeren Versionen der beiden Figuren. Besonders Alfred und Audrey profitieren davon: Ihre Dialoge klingen nach einer Beziehung mit Geschichte und nicht nach zwei Figuren, die einem gerade ihre Charakterbiografie vorlesen.

Die Soundkulisse hält sich passend dazu häufig zurück. Naturgeräusche, Fahrzeuge und kleine Umgebungsdetails dürfen zwischen den Gesprächen atmen und sorgen dafür, dass sich der Roadtrip nicht wie eine Aneinanderreihung emotionaler Szenen anfühlt.

Forever Ago macht dabei etwas sehr Schönes: Es erzählt nicht davon, einen geliebten Menschen irgendwann einfach hinter sich zu lassen. Alfreds Reise handelt eher davon, mit der Erinnerung weiterleben zu können. Das führt zu einem Spiel, das traurig sein darf, ohne Hoffnungslosigkeit mit Tiefe zu verwechseln. Manche Momente treffen hart, andere zaubern ein Lächeln ins Gesicht. Und genau diese Mischung macht den Roadtrip so glaubwürdig.

Fazit:

Forever Ago ist ein wunderschöner, bittersüßer Roadtrip über Verlust, Liebe und die Erkenntnis, dass Loslassen nicht Vergessen bedeutet. Das ruhige Gameplay ordnet sich angenehm der Geschichte unter, die Figuren sind hervorragend geschrieben und Alfred entwickelt sich von einem zunächst grimmigen, verschlossenen Mann zu einer erstaunlich vielschichtigen Figur. Besonders stark sind jedoch die Dialoge und die audiovisuelle Gestaltung: warme Bilder, überzeugende Sprecher und Clark Abouds wunderschöner Score tragen die Melancholie, ohne sie zu erdrücken. Das Thema mag nicht neu sein – berührt hat mich Forever Ago trotzdem.

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Mit Justice holt Rockstar Games ein echtes Schwergewicht der elektronischen Musik nach Vice City. Das französische Duo komponiert den Original-Score von GTA VI. Doch damit ist die musikalische Seite des Spiels längst nicht abgedeckt: Ein Album mit 34 Songs, zahlreiche Radiosender und mehrere physische Editionen stehen ebenfalls auf dem Programm. Zeit für einen kleinen Überblick.

Gaspard Augé und Xavier de Rosnay, besser bekannt als Justice, übernehmen den Original-Score von Grand Theft Auto VI. Rockstar bestätigte die Zusammenarbeit mit dem Launch-Trailer vom 15. Oktober 2026. Zu hören ist darin „Flower in a Hurricane“, für das Justice unter anderem Tame Impala, SZA und King Gizzard & The Lizard Wizard an Bord geholt haben. Der Song ist bereits als Single erhältlich und gehört außerdem zum offiziellen Soundtrack-Album.

Justice stehen für druckvolle Elektronik, Disco und Rock mit ordentlich Wucht. Für das grelle Vice City klingt das zunächst nach einer ziemlich passenden Wahl. Wie ihre Musik im Spiel eingesetzt wird und ob der Score ähnlich dynamisch auf Aktionen reagiert wie beim Vorgänger, hat Rockstar allerdings noch nicht im Detail erklärt.

Score, Soundtrack und Radio – wo liegt eigentlich der Unterschied?

Kurz gesagt: Justice liefern die musikalische Untermalung des eigentlichen Spiels, das Soundtrack-Album sammelt eigens veröffentlichte Songs verschiedener Künstler und die Radiosender gehören direkt zur Welt von GTA VI. Dass sich diese Bereiche an einzelnen Stellen überschneiden können, macht die Sache nicht gerade einfacher – musikalisch dafür umso spannender.

Wie groß war der Soundtrack von GTA V?

Auf Tonträgern sah die Sache etwas übersichtlicher aus: Die 2014 veröffentlichte Edition von The Music of Grand Theft Auto V bot 59 Tracks auf drei CDs oder sechs Vinylplatten. Darunter waren ausgewählte Score-Stücke und Songs aus dem Spiel. Die 34 Tracks von GTA VI: The Album sind also nicht mit den 240 Radiosongs von GTA V vergleichbar. Sie beschreiben nur den Umfang dieser einen Albumveröffentlichung – weder den gesamten Justice-Score noch die komplette Musikauswahl der Radiosender.

GTA VI: Diese Soundtrack-Versionen sind angekündigt

• Digital und Streaming: GTA VI: The Album mit 34 Tracks, bereits zum Pre-Save verfügbar.
• Standard-Vinyl: Doppel-LP auf schwarzem Vinyl.
• Exclusive Vinyl: Doppel-LP in transparentem Magenta mit blauen Sprenkeln, im Rockstar-Store gelistet.
• Standard-CD: Album mit Booklet im Jewelcase.
• Exclusive CD: zusätzliche Ausgabe im Rockstar-Store, ebenfalls mit Booklet.
• Justice – Official Score Album: separat angekündigt; Termin, Trackliste und Formate sind noch offen.

Wie stark sich Justice am Ende tatsächlich nach Justice anhören dürfen, erfahren wir spätestens am Release-Tag, wenn Grand Theft Auto VI erscheint. Bis dahin ist „Flower in a Hurricane“ zumindest schon einmal ein ziemlich lautstarker Vorgeschmack. Danach wird man wohl wieder erstaunlich viel Zeit damit verbringen, im Auto den richtigen Radiosender zu suchen.

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Neuer Job, neues Setting – alte Angewohnheiten. Einige Jahre nach This Bed We Made kehrt Sophie Roy zurück und kann auch auf der Orpheus ihre Finger nicht von fremden Angelegenheiten lassen. Lost & Found bleibt den Stärken des Vorgängers treu: interessante Figuren, nachvollziehbare Rätsel und ein starkes Setting. Nur die großen Entscheidungen entpuppen sich erneut eher als kleinere Kurskorrekturen.

Schon im Clarington Hotel von This Bed We Made war ziemlich schnell klar: Sophie Roy möchte man vielleicht als Freundin haben, als Zimmermädchen aber eher nicht. Dafür interessiert sie sich entschieden zu sehr für Briefe, Schubladen und generell Dinge, auf denen sinngemäß „geht dich nichts an“ steht.

Lost & Found: A This Bed We Made Story setzt einige Jahre später, 1964, wieder bei Sophie an. Aus dem Hotel wurde der Transatlantikdampfer Orpheus, aus dem Zimmermädchen eine Stewardess. Als Passagieren persönliche Gegenstände abhandenkommen, dauert es erwartungsgemäß nicht lange, bis ihre Neugier wieder die Oberhand gewinnt. Das eigenständige Kurzabenteuer ist auf rund ein bis zwei Stunden ausgelegt und funktioniert auch ohne den Vorgänger, gewinnt mit dessen Kenntnis aber deutlich an Kontext.

Sophie ist noch immer keine Miss Marple

Rätsel für Menschen – nicht für Adventure-Alchemisten

Weniger stark bleiben für mich die Entscheidungen. Lost & Found wirbt erneut mit unterschiedlichen Beziehungen und möglichen Ausgängen, tatsächlich fühlen sich viele Entscheidungen aber eher wie erzählerische Färbung an als wie große Weggabelungen. Das stört den Mystery-Plot kaum, wer jedoch ein weit verzweigtes Entscheidungsspiel erwartet, dürfte erneut etwas ernüchtert sein.

Wenn das Schiff auch akustisch funktioniert

Sehr gelungen ist dagegen die akustische Seite. Victoria Diamond kehrt als englische Stimme von Sophie zurück und trifft ihren Mix aus Neugier, Unsicherheit und wachsendem Selbstbewusstsein überzeugend. Auch die übrigen Sprecher fügen sich gut in das kompakte Ensemble ein; vollständig vertont ist das Spiel auf Englisch und Französisch.

Für die Musik ist erneut Samuel Desrosiers verantwortlich, während David Caron Sounddesign und Music Supervision übernimmt. Der Score hält sich angenehm zurück und gibt Dialogen sowie der Umgebung genügend Raum. Gerade auf dem Schiff funktioniert das gut: Schritte, Türen, entfernte Geräusche und Gespräche sorgen dafür, dass sich die Orpheus trotz des kleinen spielbaren Bereichs glaubwürdig anfühlt.

Musik wird deshalb nicht zur Dauerbeschallung, sondern setzt eher Akzente. Das passt zu einem Spiel, das seine Spannung weniger aus großen dramatischen Momenten als aus Beobachtung und dem Gefühl zieht, gerade etwas gefunden zu haben, das man eigentlich gar nicht hätte sehen sollen.

Fazit:

Lost & Found ist kein großer Neuanfang, sondern eine gelungene kleine Fortsetzung dessen, was This Bed We Made bereits gut konnte. Die Orpheus ist ein starkes neues Setting, die Figuren sind interessant und Sophie wirkt deutlich konturierter als noch zu Beginn ihres ersten Abenteuers. Rätsel bleiben logisch und angenehm lösbar, während Musik, Soundkulisse und gute Sprecher viel zur Atmosphäre beitragen. Nur bei den Entscheidungen hätte ich mir weiterhin deutlichere Konsequenzen gewünscht. Wer Sophies notorische Neugier schon im Clarington Hotel mochte, darf deshalb bedenkenlos wieder anfangen, fremde Schubladen zu öffnen.

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Amsterdam, Hexerei und Dämonen, die sich hinter menschlichen Gesichtern verstecken: 1666: Amsterdam macht es einem atmosphärisch ziemlich leicht, neugierig zu werden. Unser erster Ausflug in die düstere Stadt faszinierte vor allem durch Optik und Musik. Spielerisch und erzählerisch bleiben dagegen noch ein paar Fragezeichen.

Amsterdam hat ja grundsätzlich schon genug enge Gassen, dunkle Ecken und Wasser, in das man nachts besser nicht unbedingt hineinfallen möchte. 1666: Amsterdam kommt allerdings zu dem Schluss: Da fehlen noch Dämonen. Und Hexerei. Klingt vernünftig.

Das düstere Action-Adventure von Panache Digital Games schickt uns als Noa, die sogenannte Collector, in ein Amsterdam, in dem dämonische Wesen unerkannt zwischen den Menschen leben. Tagsüber wird erkundet und nach ihnen gesucht, nachts zeigt sich, was wirklich hinter den menschlichen Fassaden steckt. Noa wiederum ist nicht vollkommen wehrlos: Hexerei und unterschiedliche Fähigkeiten gehören ebenso zu ihrem Repertoire wie die Möglichkeit, ihre Ziele auf verschiedene Arten anzugehen.

Amsterdam kann verdammt düster sein

Moment, wer schuldet hier wem was?

Das klingt spannend und irgendwie herrlich eigenwillig. Es fällt allerdings nicht immer leicht, sämtlichen Zusammenhängen zu folgen. Begriffe, Figuren und Mythologie werden relativ schnell aufeinandergelegt. Die grundsätzliche Geschichte besitzt definitiv Faszination – sie muss langfristig aber aufpassen, dass ihr eigenes umfangreiches Worldbuilding nicht zwischen Spieler und Handlung gerät.

Neugierig macht das Ganze trotzdem. Vielleicht sogar gerade deshalb.

Hexerei braucht noch etwas Feinschliff

Beim Gameplay fällt die Einschätzung schwieriger aus. Noa setzt verschiedene übernatürliche Kräfte und Zauber ein, während einzelne Ziele unterschiedliche Vorgehensweisen erlauben sollen. Ermittlungen am Tag bereiten dabei die Konfrontationen vor, die unter anderem während der sogenannten Esbats folgen. Das Konzept klingt interessant, beim Kampfsystem möchten wir uns nach der ersten Session aber noch nicht festlegen. Hier muss sich zeigen, wie abwechslungsreich die Fähigkeiten langfristig zusammenspielen und ob die Kämpfe das gleiche Niveau erreichen wie die audiovisuelle Präsentation.

Gerade dabei sollte man allerdings berücksichtigen, dass 1666: Amsterdam aktuell noch im Early Access steckt. Panache Digital Games versteht die veröffentlichte Version ausdrücklich als unfertigen Stand, der gemeinsam mit dem Feedback der Spieler weiterentwickelt werden soll. Seit dem Start wurden unter anderem bereits Navigation, Kampf, Audio und technische Probleme überarbeitet. Da darf sich also durchaus noch einiges bewegen.

Wenn Optik und Musik den Ton angeben

Musikalisch hat 1666: Amsterdam dagegen schon jetzt eine ziemlich klare Identität. Verantwortlich für den Soundtrack ist die kanadische Singer-Songwriterin und Cellistin Jorane, deren Musik stark mit Stimme, Cello und atmosphärischen Klangflächen arbeitet. Besonders spannend ist, dass sich der Score mit den verschiedenen Zeitebenen verändert: Das Jahr 1666 wird vor allem von Streichern und Gesang geprägt, während 1999 deutlich stärker elektronische und hybride Klänge einmischt. Auch Noa und Aaron besitzen eigene musikalische Themen. Damit begleitet die Musik nicht einfach nur das Geschehen, sondern hilft dabei, Figuren, Orte und Zeiten voneinander abzugrenzen.

Das erklärt auch, warum uns der Sound so schnell gepackt hat. Joranes teilweise ätherische Stimme und das Cello passen hervorragend zu dieser Mischung aus historischem Amsterdam, Hexerei und düsterer Fantasy. Der Soundtrack wirkt gleichzeitig schön und unheimlich – und unterstützt damit genau jene merkwürdig entrückte Stimmung, die optisch ohnehin schon eine der großen Stärken des Spiels ist. Der offizielle Soundtrack umfasst bereits zahlreiche Stücke und wurde parallel zum Early-Access-Start veröffentlicht.

Nach unserer ersten Session bleibt deshalb ein etwas zwiespältiger, aber vor allem neugieriger Eindruck. Die Geschichte hat viel Potenzial. Noch können wir allerdings nicht behaupten, ihrem Geflecht aus Hexerei, Jahrhunderten und dämonischen Gestalten jederzeit problemlos gefolgt zu sein. Auch das Kampfsystem muss sich erst noch beweisen.

Was dagegen bereits hervorragend funktioniert, ist die Atmosphäre. Das düstere Amsterdam, die ungewöhnliche Prämisse und vor allem das Zusammenspiel von visueller Gestaltung und Musik entwickeln einen ganz eigenen Sog. Und manchmal reicht für einen ersten Besuch ja genau das.

Ersteindruck

1666: Amsterdam hat uns noch nicht in allen Bereichen überzeugt, aber definitiv neugierig gemacht. Der Einstieg in die umfangreiche Mythologie fiel teilweise schwer und auch beim Kampfsystem möchten wir noch abwarten. Dafür besitzt das Spiel schon jetzt eine starke Identität. Das düstere Amsterdam sieht cool aus, die Geschichte hat ihren Reiz und vor allem die Verbindung aus Optik und hervorragender Musik erzeugt eine Atmosphäre, die hängen bleibt. Wenn Panache spielerisch noch nachlegt, könnte hier etwas ziemlich Eigenständiges entstehen.

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Schafe hüten, durch die Natur streifen und die Welt einfach einmal mit anderen Augen – oder besser: einer anderen Nase – erleben. Hubert schickt uns als Hütehund in ein charmantes Abenteuer, das lieber auf Atmosphäre und Geschichte als auf große Explosionen setzt. Spielerisch lief bei unserem Hands-on noch nicht alles rund, doch die Idee dahinter hat definitiv ihren Reiz.

Es gibt Spiele, in denen retten wir die Welt. Andere lassen uns Dämonen zerlegen, Königreiche erobern oder wenigstens den nächsten Weltuntergang verhindern. Und dann gibt es Hubert. Da sind wir Hund.

Genauer gesagt ein ziemlich selbstbewusster Hütehund, dessen Alltag zunächst daraus besteht, Schafe zusammenzuhalten, durch die Landschaft zu streifen und gemeinsam mit Lily seinen Job zu erledigen. Klingt überschaubar. Wobei jeder, der schon einmal versucht hat, auch nur einen Hund davon zu überzeugen, nicht genau jetzt dort drüben zu schnüffeln, vermutlich ahnt, dass „überschaubar“ relativ ist.

Brocap Studio schlägt mit Hubert jedenfalls bewusst leisere Töne an. Das Third-Person-Abenteuer erzählt von der Beziehung zwischen Hund und Mensch, von Vertrauen und davon, wie Hubert seine Umgebung wahrnimmt. Gleichzeitig wartet jenseits der vertrauten Weiden eine Wildnis, die offenbar nicht ganz so friedlich ist, wie sie zunächst wirkt.

Vielleicht stirbt diesmal einfach niemand

Die Welt riecht für Hubert vermutlich ganz anders

Spannend ist vor allem der Perspektivwechsel.

Natürlich können wir nicht tatsächlich wissen, wie ein Hund seine Umwelt erlebt. Genau diese Frage beschäftigte Mejzlík aber während der Entwicklung. Er selbst habe Hunde und sich oft gefragt, was sie denken oder tun, wenn der Mensch beispielsweise das Haus verlässt.

Die Herausforderung bestand deshalb darin, die Wahrnehmung eines Hundes in etwas zu übersetzen, das wir als Menschen beim Spielen nachvollziehen können. Schließlich sitzen am Ende weiterhin wir vor dem Bildschirm – auch wenn Hubert auf vier Pfoten unterwegs ist.

Das eröffnet spielerisch interessante Möglichkeiten. Hubert orientiert sich über Bewegung, Instinkt und Gerüche, hütet seine Schafe und erkundet eine Welt, die aus seiner Perspektive andere Schwerpunkte bekommt als bei einem menschlichen Protagonisten.

In unserer Session funktionierte das grundsätzlich gut. Ganz rund fühlte sich Hubert allerdings noch nicht an.

Vor allem Bewegungen und manche Interaktionen wirkten auf dem Steam Deck etwas hakelig und ließen noch die nötige Präzision vermissen. Das war kein grundlegendes Problem, aber durchaus etwas, das auffiel. Bis zum Release darf Brocap Studio hier gerne noch ein wenig nachbürsten.

Kein Grafikmonster – muss es aber auch nicht sein

Auch technisch sollte man kein Grafikfeuerwerk erwarten.

Hubert will offensichtlich nicht mit möglichst vielen Polygonen, Raytracing-Pfützen und einzeln modellierten Hundehaaren beeindrucken. Der Look ist vergleichsweise schlicht, besitzt dafür aber einen angenehmen eigenen Charme.

Und das reicht zunächst vollkommen.

Die Naturkulisse unterstützt den entspannten Grundton, während die Geschichte immer wieder andeutet, dass unter der gemütlichen Oberfläche noch etwas mehr lauert. Gerade diese Mischung könnte langfristig interessant werden: ein Spiel, das zunächst Cozy-Vibes verbreitet, ohne deshalb völlig auf Spannung zu verzichten.

Zumal wir eine noch nicht finale Version gespielt haben. Einige technische Ecken und Kanten sind deshalb für unseren Ersteindruck wichtiger als irgendeine Pixelzählerei.

Mit Huberts Ohren hören

Besonders interessant wird die Hundeperspektive beim Sound.

Mejzlík erklärt im Interview, dass die Musik weiterhin für menschliche Ohren komponiert beziehungsweise ausgewählt werde. Beim eigentlichen Soundscape versuche das Team allerdings stärker zu berücksichtigen, wie ausgeprägt insbesondere der Hörsinn eines Hundes ist.

Geräusche sollen dadurch stärker hervortreten und dabei helfen, Huberts Wahrnehmung der Welt zu vermitteln. Gleichzeitig möchte das Team nicht jede Szene permanent mit Musik zukleistern. Bei einer linearen Geschichte könne man gezielt überlegen, wie sich Spieler in einem bestimmten Moment fühlen sollen: Braucht die Szene musikalische Unterstützung – oder lässt man sie einfach atmen und hört der Natur zu?

Welche Variante besser funktioniert, versucht Brocap Studio unter anderem über Playtests herauszufinden. Das passt gut zu unserem Eindruck. Gerade die ruhigeren Passagen profitieren davon, dass Hubert nicht ständig versucht, Aufmerksamkeit zu erzwingen. Manchmal darf ein Hund eben auch einfach Hund sein.

Wer ist hier eigentlich der beste Junge?

Hubert hat uns nach der Anspielsession noch nicht komplett überzeugt – aber neugierig gemacht.

Spielerisch fehlt momentan noch etwas Feinschliff. Vor allem die stellenweise hakelige Steuerung und einige Bewegungsabläufe stehen dem ansonsten entspannten Spielfluss noch im Weg. Dafür besitzt das Spiel viel Charme.

Die Perspektive eines Arbeitshundes, die Beziehung zwischen Hubert und Lily sowie der bewusste Fokus auf eine abgeschlossene Geschichte machen das Abenteuer sympathisch. Auch der eher einfache Grafikstil passt zur ruhigen Ausrichtung und muss sich nicht dafür entschuldigen, kein technisches Feuerwerk zu sein.

Und offenbar verfolgt Brocap Studio am Ende sowieso ein ganz anderes Ziel. Auf unsere Frage, welches Gefühl Spieler nach dem Abspann mitnehmen sollen, antwortet Mejzlík ziemlich trocken:

„Du solltest danach ins Tierheim gehen und dir einen Hund holen.“ – Martin Mejzlík, Brocap Studio

Also ins Tierheim gehen und einen Hund adoptieren. Ob Hubert dieses Ziel tatsächlich erreicht, sehen wir bald. Die Voraussetzungen für ein charmantes Abenteuer auf vier Pfoten sind jedenfalls vorhanden. Hubert erscheint am 12. Oktober 2026. Auf Steam steht bereits eine spielbare Demo zur Verfügung.

Ersteindruck

Hubert braucht spielerisch noch etwas Feinschliff. Gerade auf dem Steam Deck fühlten sich Bewegungen und manche Interaktionen während unserer Session noch etwas hakelig an. Dahinter steckt aber ein sympathisches Abenteuer mit einer schönen Grundidee, einer vielversprechenden Geschichte und einem angenehm ruhigen Ton. Die Hundeperspektive funktioniert besonders beim Sound interessant, während der schlichte Grafikstil vollkommen zum Konzept passt. Kein großes Spektakel – aber vielleicht genau die richtige Art von Spiel, um zwischendurch einfach einmal auf vier Pfoten durchzuatmen.

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Mit Resonance: A Plague Tale Legacy schlägt Olivier Derivière musikalisch ein neues Kapitel innerhalb der Reihe auf. Im Gespräch mit ICO-Radio erzählt der französische Komponist, warum Videospielmusik für ihn weit mehr sein muss als Begleitung, wie aus dem Cello eine Yaylı Tambur wurde – und weshalb interaktive Musik für ihn etwas braucht, das künstliche Intelligenz bislang nicht ersetzen kann: Geschmack.

Mehr als zwei Jahrzehnte komponiert Olivier Derivière inzwischen für Videospiele. Trotzdem scheint Routine für ihn kaum eine Rolle zu spielen. Jedes neue Projekt zwinge ihn dazu, vertraute Herangehensweisen zumindest ein Stück weit hinter sich zu lassen.

„Jedes Spiel ist eine neue Herausforderung, aus der ich etwas lernen werde“, sagt Derivière. Erfahrung helfe ihm zwar dabei, manche Dinge schneller zu erfassen. „Aber jedes Team ist anders, jedes Spiel ist einzigartig, und man muss einige seiner Reflexe zurücksetzen, um sich anzupassen.“ Was er in all den Jahren vor allem gelernt habe? „Ich muss bescheiden bleiben und weiter lernen.“

„Jedes Spiel ist eine neue Herausforderung, aus der ich etwas lernen werde“ – Olivier Derivière

Diese Haltung passt zu Derivières grundsätzlicher Vorstellung davon, welche Aufgabe Musik in einem Videospiel überhaupt übernehmen sollte. Für ihn reicht es nicht, dass ein Soundtrack gut klingt oder eine Szene atmosphärisch untermalt.

Musik müsse etwas für das Spiel tun. „Musik ist niemals dazu da, die Aufmerksamkeit vom Spieler wegzunehmen. Aber wenn sie dem Spieler nicht bei Immersion, Emotionen oder Feedback hilft, dann fehlt etwas.“ Gerade die Funktion der Musik innerhalb des Game Designs sei entscheidend. Ein Soundtrack könne von Spielern geliebt werden und trotzdem nicht sein volles Potenzial ausschöpfen.

„Die Spieler können eine Musik lieben, obwohl sie kaum mehr tut, als das Spiel zu illustrieren. Das funktioniert – aber es könnte besser sein.“ Es ist eine Aussage, die viel über Derivières Arbeit verrät. Seine Musik soll nicht einfach neben dem Spiel existieren. Sie soll darauf reagieren, unterstützen und im besten Fall ein Teil dessen werden, wie Spieler eine Situation wahrnehmen.

Von Frankreich nach Griechenland

Bei Resonance: A Plague Tale Legacy bedeutete das allerdings auch, sich von vielem zu lösen, was den Klang der bisherigen Spiele geprägt hatte. Mit Sophia steht eine andere Figur im Mittelpunkt, Schauplätze und kulturelle Einflüsse verändern sich und auch spielerisch bewegt sich Resonance stärker in Richtung Action. Trotzdem trägt das Spiel weiterhin A Plague Tale im Namen. Für Derivière liegt die Verbindung deshalb weniger in bestimmten Instrumenten als im emotionalen Kern der Reihe.

„Sophia macht vielleicht keine so unmittelbare und geradezu körperliche Erfahrung durch wie Amicia, aber sie muss trotzdem sehr viel durchstehen. Genau das macht diese Reihe aus.“ – Olivier Derivière

Musikalisch ging es deshalb nicht darum, die bisherigen Klangfarben einfach weiterzuführen. Stattdessen übersetzte das Team sie gewissermaßen in eine neue musikalische Sprache.

„Wir haben die Instrumentierung von Frankreich nach Griechenland und Persien übertragen. Aus dem Cello wurde eine Yaylı Tambur, aus dem estnischen Chor ein zypriotischer Chor.“ Damit bleibt eine Verbindung zur musikalischen Identität von A Plague Tale bestehen, ohne dass Resonance lediglich Bekanntes wiederholt.

Eine andere Heldin braucht eine andere Musik

Auch Sophia selbst verlangte nach einem anderen musikalischen Ansatz als Amicia.„Sophia ist eine ganz andere Figur als Amicia. Sie wurde dazu geboren, eine Kriegerin zu werden“, erklärt Derivière. Ihre frühen Erfahrungen hätten sie geprägt und ihren starken Charakter geformt.

Genau diese Entschlossenheit wollte er musikalisch einfangen. „Für sie zu komponieren war ziemlich erfrischend, weil ich ihre Stärke und ihre Entschlossenheit einfangen musste.“ Doch gerade die offensichtliche Stärke einer Figur sei für ihn nur ein Teil dessen, was sie interessant macht. Unter Sophias harter Oberfläche liege auch eine verletzliche Seite. „Natürlich besitzt sie unter der Oberfläche auch eine gewisse Zerbrechlichkeit – und genau das ist für mich immer der interessanteste Aspekt.“

Die Musik sollte deshalb kraftvoll sein, ohne zu groß oder pathetisch zu werden. Gleichzeitig eröffnete die mystische Seite des Spiels weitere Möglichkeiten und sorgte dafür, dass der Score insgesamt etwas leichter ausfallen konnte als zuvor.

Einen entscheidenden Anteil am Klang von Resonance hatten dabei die Musiker selbst. Für Derivière war früh klar, dass er die kulturellen Einflüsse Griechenlands nicht allein über Recherche oder Instrumentenauswahl glaubwürdig abbilden konnte.

„Als Franzose wusste ich nicht besonders viel über diese Kultur. Deshalb war die Zusammenarbeit mit lokalen Musikern aus Griechenland und Zypern essenziell.“ – Olivier Derivière

Dabei ging es nicht einfach darum, dass die Musiker seine Kompositionen möglichst exakt nachspielten. Im Gegenteil: Ihre eigene musikalische Herkunft sollte hörbar werden. „Sie haben meine Musik in ihrem eigenen Stil gespielt und unzählige musikalische Artikulationen hinzugefügt, die die Musik fest in ihrer Kultur verankert haben.“ Für Derivière ist genau diese Zusammenarbeit ein wichtiger Bestandteil seiner Arbeit. Besonders dann, wenn Musiker etwas einbringen, das sich nicht vollständig auf Papier festhalten lässt.

Dass Derivière neuen Technologien grundsätzlich offen gegenübersteht, zeigt sich seit Jahren in seinen Experimenten mit interaktiver Musik. Bei generativer KI zieht er derzeit allerdings eine klare Grenze.

Auf die Frage nach Musik, die allein über Prompts erzeugt wird, findet er deutliche Worte: „Jeder, der dieses Werkzeug benutzt und anschließend behauptet, er sei Komponist, würde betrügen und lügen.“

Technologie selbst betrachtet er dabei keineswegs als Gegner der Kreativität. Im Gegenteil. „Technologie war schon immer eine treibende Kraft für Kreativität. Als das Klavier erfunden wurde, eröffnete das Komponisten unglaubliche Möglichkeiten.“ Auch generative KI könne für manche Menschen nützlich sein. Für seine eigene Arbeit sieht er aktuell jedoch keinen Bedarf.

„Ich habe immer mit echten Musikern gearbeitet und werde das tun, solange ich kann.“ Noch interessanter wird seine Haltung, wenn es um interaktive Musik geht. Derivière widerspricht der Vorstellung, dass deren Funktionsweise letztlich nur eine technische Aufgabe sei, die sich irgendwann automatisieren ließe.

Denn gute interaktive Musik besteht für ihn nicht einfach daraus, musikalische Bausteine passend aneinanderzusetzen.„Musik in ein Gameplay einzubauen bedeutet nicht, einfach einige Blöcke zusammenzusetzen. Es bedeutet, einen emotionalen Impuls auf Grundlage der kreativen Absicht und des Feedbacks zu erzeugen, das wir den Spielern geben wollen.“

Und dafür brauche es etwas, das Maschinen seiner Ansicht nach bislang nicht besitzen: „Geschmack.“

„Die Zukunft der Videospielmusik gehört Komponisten, die Videospiele für das lieben, was sie sind.“ – – Olivier Derivière

Trotz seiner langen Karriere wirkt Derivière nicht so, als habe er das Gefühl, die Möglichkeiten interaktiver Musik bereits ausgeschöpft zu haben. Im Gegenteil. „Ich glaube, dieser Weg kennt keine Grenzen, und ich habe noch unzählige Ideen, die ich gerne in Spielen umsetzen würde.“

Welche davon möglich werden, hängt für ihn immer vom jeweiligen Spiel ab. Gerade darin liegt für ihn bis heute der Reiz seiner Arbeit: herauszufinden, wie Musik ein Spielerlebnis unterstützen und auf neue Weise erweitern kann. „Ich liebe es, darüber nachzudenken, wie Musik ein Spiel aufwerten kann und neue Wege zu finden, das umzusetzen. Das ist mit Abstand der interessanteste Teil meines täglichen Lebens.“

Seine Vorstellung von der Zukunft der Videospielmusik fällt entsprechend schlicht aus. „Die Zukunft der Videospielmusik gehört Komponisten, die Videospiele für das lieben, was sie sind.“

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Was wäre The Witcher ohne seine Musik? Ohne jene Melodien, die uns durch die Landschaften von Velen begleiten, die raue Atmosphäre Skelliges einfangen oder selbst vermeintlich unscheinbaren Begegnungen eine besondere emotionale Tiefe verleihen? Wohl nur halb so schön. Mit The Witcher 3: Wild Hunt – Songs of the Past kehrt Geralt erneut zurück und bekommt nicht nur eine neue Geschichte spendiert, sondern auch frische Musik und einige technische Verbesserungen.

Im Rahmen unserer Gespräche mit CD Projekt Red und Fool’s Theory konnten wir mit Jakub Rokosz, Despoina Anetaki, Miles Tost und Karolina Kuzia-Rokosz über die musikalische Gestaltung der Erweiterung sprechen. Dabei wurde deutlich: Der neue Soundtrack soll weit mehr sein als eine hübsche akustische Untermalung.

Alte Bekannte und neue musikalische Ideen

Auch Karolina Kuzia-Rokosz von Fool’s Theory bestätigte, dass eigens für die Erweiterung neue Stücke komponiert werden. Erste musikalische Eindrücke sollen Fans bereits über die Steam-Seite erhalten können. Welche musikalischen Überraschungen darüber hinaus auf uns warten, bleibt allerdings offen. Zumindest eine Sache steht fest:

„Die titelgebenden Songs of the Past werden ein wichtiger Bestandteil der Geschichte sein. Aber das möchten wir vorerst noch im Dunkeln lassen, damit die Spieler es selbst entdecken und herausfinden können.“ – Karolina Kuzia-Rokosz

Tja, da werden wir uns wohl noch ein bisschen gedulden müssen.

Wenn die Geschichte den Ton angibt

Wie entsteht eigentlich die Musik für eine Geschichte, deren emotionale Wirkung so stark von ihren Figuren und den Entscheidungen der Spieler abhängt? Und wann entscheiden die Entwickler, welche musikalische Stimmung eine bestimmte Szene benötigt?

Für Despoina Anetaki beginnt diese Arbeit lange bevor die fertigen Szenen im Spiel zu sehen sind. Quest Designer und Komponisten tauschen sich eng miteinander aus, damit die Musik die erzählerische Absicht unterstützt.

„Es ist nicht so, dass diese Dinge unabhängig voneinander entstehen. Sie werden immer gemeinsam entwickelt, damit die Komponisten wissen, was wir erreichen wollen und die Musik wirklich die Emotionen auslöst, die wir bei den Spielern hervorrufen möchten.“

Der entscheidende Ausgangspunkt ist also nicht die Frage, welches Musikstück besonders gut klingt, sondern welche Gefühle eine Szene vermitteln soll.

Diese Überlegung bestimmt nicht nur die musikalische Gestaltung. Auch Autoren, Level Designer und die Verantwortlichen für die Zwischensequenzen müssen darauf hinarbeiten, dass die einzelnen Elemente ineinandergreifen.

Entscheidend ist dabei das richtige Zusammenspiel. Eine emotionale Szene braucht nicht zwangsläufig eine große musikalische Inszenierung. Viel wichtiger ist, dass Bild, Handlung und Musik dieselbe Geschichte erzählen. Neu ist dieser Ansatz allerdings nicht. Schon beim ursprünglichen The Witcher 3 reagierte die Musik dynamisch auf das Spielgeschehen. Rokosz erinnert sich: „Musik ist ein integraler Bestandteil der Witcher-Spiele. Im Hauptspiel haben wir viel Arbeit investiert, damit die Musik dynamisch auf die Dinge reagiert, die auf dem Bildschirm passieren, um Spannung oder Emotionen beim Spieler hervorzurufen.“

Für die neue Erweiterung soll dieses Zusammenspiel erneut eine zentrale Rolle übernehmen.

Rittersporn und das wichtige Motiv

Besonders interessant wird dieser Ansatz durch Rittersporn. Der wortgewandte Barde gehört seit jeher zu den unterhaltsamsten Figuren des Witcher-Universums. Doch hinter seiner oftmals humorvollen Fassade steckt ein Mensch, über dessen Vergangenheit wir bislang vergleichsweise wenig erfahren haben. Genau hier setzt Songs of the Past an. Die Erweiterung führt Rittersporn zurück zu seinen familiären Wurzeln und beleuchtet bislang weniger bekannte Seiten seines Charakters.

Dass ausgerechnet die künstlerische Identität des Barden dabei eine wichtige Rolle übernimmt, dürfte kaum überraschen. Jakub Rokosz wollte allerdings nicht zu viel verraten: „Es ist schwierig, über dieses Motiv zu sprechen, ohne die Geschichte zu spoilern. Aber die künstlerische Seite, nicht nur von Rittersporn, sondern auch von Letten, ist ein sehr wichtiges Motiv in der Erweiterung.“

Das eröffnet einige interessante Möglichkeiten für den Soundtrack. Schließlich ist Musik für Rittersporn nicht einfach eine Leidenschaft, sondern ein wesentlicher Bestandteil seiner Persönlichkeit. Welche Verbindung zwischen seinen Liedern, seiner Herkunft und den Ereignissen der Erweiterung besteht, wollten die Entwickler noch nicht preisgeben. Gerade darin liegt aber einer der spannendsten Aspekte des neuen Soundtracks: Werden die Kompositionen lediglich die Reise begleiten oder tatsächlich etwas über Rittersporns Vergangenheit erzählen? Die bisherigen Aussagen der Entwickler deuten zumindest darauf hin, dass Musik und künstlerische Motive für diese Geschichte besondere Bedeutung besitzen.

Mehr als schöne Melodien: Auch der Sound bekommt ein Upgrade

Abseits der neuen Kompositionen wird auch technisch am Klang geschraubt. Miles Tost, Lead Level Designer bei CD Projekt Red, berichtete uns von zahlreichen Veränderungen, die gewissermaßen unter der Motorhaube stattfinden.

Dabei verwies Tost insbesondere auf den räumlichen Klang. Die Verbesserungen an der Audioverarbeitung sollen dazu beitragen, das gesamte Klangerlebnis aufzuwerten. Wie deutlich sich diese Veränderungen letztendlich bemerkbar machen, bleibt abzuwarten. Konkrete technische Details oder einen direkten Klangvergleich mit dem Original lieferten die Entwickler während unseres Gesprächs nicht. Interessant ist dennoch, dass sich die Überarbeitung nicht allein auf Grafik, Gameplay und neue Inhalte beschränkt. Auch der Sound erhält technische Aufmerksamkeit.

Mit Songs of the Past steht die Musik vor einer interessanten Aufgabe: Sie muss die vertraute Klangwelt von The Witcher 3 aufgreifen und gleichzeitig eine neue, persönliche Geschichte erzählen. Dafür bringen die Entwickler bekannte musikalische Größen zurück und setzen auf eine enge Zusammenarbeit zwischen den unterschiedlichen Entwicklungsbereichen.

Gerade die Geschichte rund um Rittersporn verspricht dabei einige interessante Möglichkeiten. Schließlich gibt es wohl kaum eine passendere Figur, um die Verbindung zwischen Musik und Storytelling noch stärker in den Mittelpunkt zu rücken. Ob uns die neuen Kompositionen ebenso nachhaltig begleiten werden wie die Musik des Originals, muss sich allerdings erst noch zeigen.

Wir sind jedenfalls gespannt, welche musikalischen Geheimnisse Rittersporns Vergangenheit noch bereithält. An dieser Stelle auch nochmal vielen Dank, für das Gespräch!

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Von Geralts Rückkehr bis zum eisigen Frostpunk: Wir reisen in der neuen Folge durch vier ziemlich unterschiedliche Klangwelten – und Wolverine darf auch mit.

Diesmal wird es musikalisch ziemlich abwechslungsreich: Wir reisen mit The Witcher zurück in Geralts Welt und schauen darauf, wie der Sound des Klassikers für das Remaster neu gedacht wird. Wie viel vertraute musikalische Identität muss bleiben – und wo darf eine Neuauflage auch klanglich neue Wege gehen?

Mit Castlevania feiern wir anschließend 40 Jahre einer Reihe, deren musikalisches Erbe mindestens so prägend ist wie Vampire, Peitschen und ziemlich ungemütliche Schlösser. Grund genug für einen kleinen Blick zurück auf vier Jahrzehnte ikonischer Videospielmusik.

Danach wird es deutlich frostiger. Wir widmen uns der Musik von Frostpunk und einem Score, der Hoffnung, Verzweiflung und den erbarmungslosen Überlebenskampf erstaunlich eindringlich zusammenbringt. Warm wird einem dabei eher selten – großartig klingt es trotzdem.

Und schließlich fahren wir die Krallen aus: Wolverine steht ebenfalls auf unserem Programm. Wir schauen auf die musikalische Seite des Spiels und darauf, welcher Sound zu einem Helden passt, der eher selten für seine diplomatischen Fähigkeiten bekannt ist.

Vier Themen, vier sehr unterschiedliche Klangwelten – und jede Menge Videospielmusik.

Viel Spaß mit der neuen Folge von ICO-Radio!

Das komplette Special zu The Witcher 3: Wild Hunt Remaster und dem Add-on Songs of the Past könnt ihr hier nachlesen.

Das habt ihr in der Folge gehört:

• Forstpunk 2 OST: Piotr Musiał
• Forstpunk OST: Piotr Musiał
• Castlevania OST:
• Wolverine

Wir bedanken uns bei CD PROJEKT RED für das Interview!

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Die eigene Oma über ihre Vergangenheit ausfragen – klingt nicht nach klassischem Videospielstoff. Meine Oma(88) macht daraus ein ungewöhnliches Spiel über Erinnerung, Schweigen und verdrängte Familiengeschichte. Unser Hands-on war spannend und teils unangenehm – gerade weil das Spiel einem auch das eigene Verhalten vor Augen führt.

Oma erzählt eine Geschichte. Man hört zu – und plötzlich stimmt etwas nicht. Also nachfragen? Eigentlich selbstverständlich. Bis auf der anderen Seite eben die eigene Großmutter sitzt. Daraus zieht Meine Oma(88) seine Stärke. Wir bewegen uns durch die Erinnerungen einer Oma, suchen nach Widersprüchen und entscheiden, wann wir sie mit unangenehmen Fragen konfrontieren. Dabei geht es um Schweigen, verdrängte Familiengeschichte und ihre Folgen.

Aber Oma hat doch gesagt …

Erinnerungen dürfen auch seltsam aussehen

Optisch fällt das Spiel sofort auf. Der handgezeichnete Stil passt hervorragend zum Thema. Erinnerungen werden nicht wie sauber rekonstruierte Räume behandelt, sondern dürfen sich verschieben und brechen. Während unserer Session gefiel uns dieser Ansatz gut. Spielerisch machte die Demo ebenfalls einen runden Eindruck: Die Steuerung war flüssig, Interaktionen schnell verständlich und die Erzählstruktur führte uns gut durch die einzelnen Situationen.

Hinter der Geschichte stehen reale Erfahrungen. Für das Projekt wurden zahlreiche Erinnerungen aus Familien gesammelt und mit Erlebnissen des Teams verbunden. Beratend begleitet wird die Entwicklung von Dr. Jürgen Müller-Hohagen, der sich mit den psychischen Nachwirkungen des Nationalsozialismus und deren Weitergabe über Generationen beschäftigt.

Wie klingt eigentlich Schweigen?

Besonders stark ist der Sound. Zenker stellte seinem Team die Frage: „Was bedeutet Schweigen als Sound?“ Die Antwort ist nicht völlige Stille. Stattdessen treten Geräusche in den Vordergrund, die wir sonst kaum wahrnehmen: das Summen einer Lampe, Raumklang, Nebengeräusche.

Als Inspiration nennt Zenker David Lynch sowie Spiele wie Inside und Limbo. Die reduzierten Soundscapes sollen nicht permanent Emotionen vorgeben, sondern Nähe erzeugen – manchmal sogar eine unangenehme.

Das passt hervorragend zum Thema. Schweigen ist hier keine Leerstelle. Es erzählt selbst etwas über Distanz, Einsamkeit und darüber, was passiert, wenn Menschen bestimmte Dinge nicht miteinander teilen. Der Sound wird damit selbst Teil der Erzählung.

Vielleicht ruft man danach wirklich Oma an

Unser bisheriger Eindruck fällt sehr positiv aus. Die Idee ist ungewöhnlich, der Grafikstil eigenständig und die Mechanik rund um Vertrauen und Widerspruch zahlt direkt auf das Thema ein. Vor allem schafft es Meine Oma(88), eine bemerkenswerte Hürde aufzubauen: Man weiß, dass man Fragen stellen sollte – und muss sich trotzdem jedes Mal ein kleines Stück dazu überwinden.

Zenker sagt im Interview, das Team habe bereits viel erreicht, wenn Spieler danach bewusster mit ihren Großeltern sprechen. Sein Wunsch sei, dass man sich nach dem Spielen besser fühlt als vorher – und vielleicht etwas mehr über sich selbst oder einen Teil der Welt verstanden hat.

Ersteindruck

Meine Oma(88) verbindet ein schwieriges Thema mit einer starken Spielidee. Grafikstil, Erzählstruktur und das Zusammenspiel aus Vertrauen und Widerspruch funktionieren bereits sehr gut. Vor allem die Gespräche bleiben hängen, weil man selbst die Hürde überwinden muss, unangenehme Fragen zu stellen. Der reduzierte Sound verstärkt dieses Gefühl zusätzlich. Ein ungewöhnliches und bislang sehr gelungenes Spiel.

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Der Nebel ist zurück. Die Monster ebenfalls. Doch Silent Hill: Townfall führt uns nicht einfach zurück in bekannte Gefilde, sondern auf die schottische Insel St. Amelia. Unser erster Ausflug mit Simon Ordell erinnerte erstaunlich oft an die großen Stärken von Silent Hill 2. Das ist zunächst ein Kompliment – könnte für Townfall aber auch zur größten Herausforderung werden.

Es gibt Dinge, auf die kann man sich offenbar verlassen. Rechnungen kommen immer zum falschen Zeitpunkt, in Horrorfilmen sollte man besser nicht allein in den Keller gehen – und wenn dichter Nebel eine menschenleere Ortschaft verschluckt, ist das in einem Silent Hill meistens kein gutes Zeichen.

Also eigentlich ein ziemlich gutes.

Denn schon unsere ersten Schritte durch St. Amelia machen deutlich, dass Silent Hill: Townfall sehr genau verstanden hat, wie viel die Atmosphäre für diese Serie bedeutet. Der Nebel hängt schwer über den Straßen, irgendwo lauert etwas, das wir lieber nicht genauer kennenlernen möchten, und Protagonist Simon Ordell hat selbstverständlich einen sehr guten Grund, trotzdem weiterzugehen.

Oder zumindest einen Grund.

Simon wird zurück auf die abgelegene schottische Insel St. Amelia gerufen, um dort sprichwörtlich „die Dinge wieder in Ordnung zu bringen“. Warum gerade er? Was verbindet ihn mit diesem Ort? Und was ist hier überhaupt passiert? Genau aus diesen Fragen zieht Townfall einen großen Teil seiner anfänglichen Spannung. Das Spiel ist vollständig aus der Ego-Perspektive inszeniert und erzählt eine eigenständige Geschichte innerhalb des Silent Hill-Universums.

Ein Brief, ein Ort und ziemlich viele schlechte Erinnerungen

Denn nur den Stil eines der beliebtesten Teile der Serie überzeugend nachzuahmen, wäre auf Dauer ein bisschen wenig. St. Amelia muss mehr werden als ein schottischer Cousin von Silent Hill.

Die ersten Stunden lassen zumindest hoffen, dass Screen Burn Interactive genau das gelingen könnte.

Simon ist zum Glück kein Actionheld

Auch spielerisch erinnert Townfall angenehm daran, was Survival-Horror einmal bedeutete, bevor manche Vertreter des Genres beschlossen, ihren Hauptfiguren ein halbes Waffenlager auf den Rücken zu schnallen.

Simon Ordell ist kein Superheld.

Munition ist knapp, Waffen sind Mittel zum Zweck und eine verschlossene Tür kann plötzlich zu einem erstaunlich beruhigenden Erlebnis werden. Schließlich gilt weiterhin eine der wichtigsten Regeln des Horrorspiels: Was nicht durch die Tür kommt, kann uns zumindest gerade nicht stören.

Die Kreaturen von St. Amelia sind entsprechend keine Gegner, die man gedankenlos aus dem Weg räumt. Kämpfe können schnell hektisch werden und gerade zu Beginn waren einige Begegnungen durchaus knackig.

Das Spiel macht allerdings auch keinen Hehl daraus, dass Gewalt nicht immer die beste Lösung ist. Schleichen, verstecken, Gegner beobachten und notfalls einfach verschwinden gehören genauso zum Repertoire. Die Entwickler beschreiben genau diese Wahl zwischen Kampf, Flucht, Ablenkung und Verstecken als wesentlichen Teil des Begegnungsdesigns.

Das fühlt sich nach Silent Hill an – trotz der für die Reihe ungewohnten Ego-Perspektive.

Das Radio hat jetzt einen Bildschirm

Eine der interessantesten Neuerungen trägt Simon praktisch die ganze Zeit mit sich herum. Das ikonische Radio der Reihe musste einem kleinen tragbaren Fernseher weichen: dem CRTV. Und ja, zunächst klingt ein Taschenfernseher als wichtigstes Survival-Werkzeug ungefähr so vertrauenerweckend wie ein Toaster in der Badewanne. In der Praxis funktioniert die Idee allerdings erstaunlich gut.

Wo das klassische Radio hauptsächlich durch Rauschen vor Gegnern warnte, macht Townfall daraus ein aktives Werkzeug. Über die Signale des CRTV lassen sich Kreaturen aufspüren und ihre Positionen bestimmen. Gleichzeitig empfängt das Gerät Übertragungen, die Hinweise auf die Geschichte und auf Rätsel liefern können. Screen Burn bezeichnet den CRTV selbst als Weiterentwicklung des bekannten Radios – aus einem passiven Warnsystem soll ein Bestandteil von Erkundung, Story und Stealth werden.

Während unserer Session war das mehr als nur ein netter Retro-Gag. Das Rauschen, die verzerrten Bilder und die Suche nach Signalen passen hervorragend zur ohnehin unangenehmen Grundstimmung von St. Amelia. Vor allem aber besitzt Townfall damit ein Element, das tatsächlich nach Townfall aussieht und sich auch so anfühlt. Manchmal war das Suchen nach der Frequenz aber auch etwas ungewohnt, denn wer hat im Stress schon zeit dafür? Dennoch lernt man damit umzugehen.

Genau von diesen Alleinstellungsmerkmalen darf es gerne noch mehr geben.

Immer schön dem Albtraum hinterher

Auch die Rätsel greifen bekannte Silent Hill-Tugenden auf. Statt einfach einen Marker auf die Karte zu setzen und Simon drei Meter weiter zum nächsten blinkenden Gegenstand zu schicken, wird wieder gesucht, kombiniert und interpretiert. Hinweise führen zu neuen Orten, Fundstücke erzählen kleine Teile der Geschichte und nach und nach entsteht aus mehreren Puzzleteilen ein größeres Bild.

Oder zumindest glaubt man das. Denn natürlich wäre es kein ordentliches Silent Hill, wenn die Antworten nicht mindestens drei neue Fragen mitbringen würden.

Besonders gut funktioniert dabei, wie die Rätsel gleichzeitig zur Orientierung durch St. Amelia beitragen. Der Ort wird dadurch fast selbst zu einem Puzzle. Türen, Wohnungen, Straßen und Gebäude greifen ineinander und führen Simon Stück für Stück weiter durch dieses unangenehme Labyrinth.

Die Entwickler verfolgen bewusst einen Ansatz, bei dem Rätsel nicht vom Narrativ getrennt sind, sondern Fragmente der Geschichte freilegen. Hinweise auf St. Amelia und seine Bewohner sollen sich so nach und nach zu einem größeren Gesamtbild verbinden.

Hören, bevor man sieht

Was während unseres Hands-ons ebenfalls sofort hängen blieb, war der Sound. Silent Hill war schon immer eine Serie, bei der man lieber zweimal hinhört – und es anschließend häufig bereut.

Townfall setzt diese Tradition überzeugend fort. Geräusche aus der Umgebung, das Rauschen des CRTV, entfernte Bewegungen und die akustische Präsenz der Kreaturen sorgen dafür, dass selbst vermeintlich ruhige Momente selten wirklich ruhig wirken.

Gerade durch die Ego-Perspektive gewinnt das noch einmal an Bedeutung. Weil der Blick eingeschränkter ist als in den klassischen Teilen, wird Audio stärker zum Orientierungsmittel. Das Spiel setzt dafür unter anderem auf 3D-Audio, um Geräusche und Gegner räumlich wahrnehmbar zu machen.

Auch musikalisch weiß Townfall ziemlich genau, in wessen Fußstapfen es tritt. Für den Soundtrack zeichnet Anthony Scott Burns alias Pilotpriest verantwortlich, der selbst Akira Yamaokas Arbeit an den früheren Spielen als entscheidenden Einfluss nennt. Statt diesen Klang einfach zu kopieren, soll Townfall dessen Grundidee aufgreifen: flächige, beinahe ätherische Sounds treffen auf Melodien, industrielle Elemente und bewusst schmutzige Klangtexturen. Die Musik soll damit nicht nur unter einer Szene liegen, sondern Bilder und Emotionen praktisch mit erzeugen.

Interessant ist dabei vor allem, wie eng Musik und Sounddesign miteinander verzahnt werden. Byron Bullock und das Audio-Team von Arrival, mit dem Townfall-Regisseur Jon McKellan bereits bei Alien: Isolation zusammenarbeitete, kümmern sich nicht nur um Geräusche, Foley und Zwischensequenzen. Sie haben gemeinsam mit Pilotpriest ein dynamisches Musiksystem entwickelt: Einzelne musikalische Ebenen, Loops und Akzente reagieren auf das Verhalten des Spielers und der Gegner und können sich dadurch während des Spielens verändern. Der Soundtrack ist also nicht einfach eine feste Begleitung, sondern soll auf das reagieren, was gerade passiert.

Das passt erstaunlich gut zu unserem Eindruck der Anspielsession. Townfall versucht nicht permanent, einen mit einem lauten musikalischen Knall daran zu erinnern, dass man sich jetzt bitte gruseln möge. Vieles arbeitet subtiler: ein Geräusch aus der falschen Richtung, ein verzerrtes Signal, eine Fläche im Hintergrund – und plötzlich fühlt sich ein eigentlich leerer Raum gar nicht mehr so leer an.

Gerade das Zusammenspiel aus Musik, Umgebungsgeräuschen und dem CRTV könnte deshalb zu einer der großen Stärken des Spiels werden. Denn der Horror entsteht hier nicht erst dann, wenn ein Monster vor Simon steht. Manchmal reicht es schon, etwas zu hören und nicht zu wissen, woher es kommt.

Vertraut – vielleicht fast ein bisschen zu vertraut

Nach unserem ersten Ausflug nach St. Amelia bleibt deshalb vor allem ein sehr positives Gefühl zurück. Silent Hill: Townfall besitzt diese unangenehme Ruhe, die die besten Momente der Reihe immer ausgezeichnet hat. Der Nebel, die bizarren Kreaturen, die knappen Ressourcen, die Rätsel und eine Geschichte, bei der bereits nach kurzer Zeit klar wird, dass hinter Simons Reise deutlich mehr steckt.

Gleichzeitig schwebt der Vergleich mit Silent Hill 2 über dem Spiel wie der Nebel über St. Amelia. Das ist im Moment keineswegs negativ. Im Gegenteil: Wenn sich ein neues Silent Hill schon etwas abschauen möchte, gäbe es vermutlich schlechtere Vorbilder.

Langfristig muss Townfall allerdings beweisen, dass Simon Ordells Geschichte auf eigenen Beinen stehen kann. Der CRTV, die Ego-Perspektive und St. Amelia geben dem Spiel zumindest bereits eigene Werkzeuge dafür an die Hand. Die Grundlage stimmt jedenfalls.

Und wir wollen nach unserer Session vor allem eines wissen: Was zur Hölle ist auf dieser Insel passiert?

Ersteindruck

Silent Hill: Townfall hat uns erstaunlich schnell wieder in diesen ganz speziellen Silent-Hill-Sog gezogen. St. Amelia ist beklemmend, der Nebel herrlich unangenehm und Sound sowie Story machen definitiv Lust auf mehr. Knappes Inventar, gefährliche Gegner und klassische Rätsel sorgen spielerisch ebenfalls für vertrauten Survival-Horror. Der CRTV ist zudem eine clevere Weiterentwicklung des kultigen Radios. Jetzt muss Townfall nur noch beweisen, dass es mehr kann, als Silent Hill 2 hervorragend nachzueifern.

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Unser erster Ausflug in das postapokalyptische Moskau zeigte sich atmosphärisch enorm stark – und erinnerte angenehm daran, warum diese Reihe unter Tage immer noch am besten funktioniert. Willkommen in Metro 2039!

Ein paar Schritte durch einen dunklen Tunnel reichen eigentlich schon. Irgendwo flackert eine Lampe, Metall knarzt, Stimmen hallen durch die Metro und plötzlich fühlt es sich wieder erstaunlich vertraut an. Nicht gemütlich, wohlgemerkt. Gemütlichkeit ist in der Welt von Metro schließlich ein eher dehnbarer Begriff. Aber vertraut. Metro 2039 schafft in unserer Anspielsession ziemlich schnell genau das, worauf es für die Reihe ankommt: Man möchte eigentlich nicht tiefer in diese Tunnel hinein – und tut es trotzdem.

Der neue Teil spielt, wenig überraschend, im Jahr 2039 und führt zurück in das postapokalyptische Moskau. Sechs Jahre nach den Ereignissen des ersten Spiels steht diesmal der sogenannte Stranger im Mittelpunkt. Hunter hat die Bewohner der Metro inzwischen unter seinem Novoreich-Regime vereint, während der Stranger aus seinem Exil zurück in jene Tunnel gezwungen wird, die er eigentlich nie wieder betreten wollte. Die Geschichte entstand erneut in Zusammenarbeit mit Metro-Autor Dmitry Glukhovsky.

Zuhause ist da, wo die Luft besonders schlecht ist

Schleichen, schießen, irgendwie überleben

Spoiler: meistens vermutlich nicht.

Ganz wehrlos ist der Stranger allerdings keineswegs. Die Waffen hinterließen in unserer Session einen angenehm wuchtigen Eindruck und das eigentliche Gunplay machte bereits ordentlich Spaß. Damit bleibt die bekannte Spannung erhalten: Metro gibt einem durchaus mächtige Werkzeuge in die Hand, sorgt aber trotzdem dafür, dass man sich selten wirklich mächtig fühlt.

Unsere ersten Gefechte waren teilweise sogar überraschend knackig. Wer die Reihe kennt, dürfte darüber allerdings kaum erschrocken sein. Metro war noch nie besonders daran interessiert, Spieler permanent an die Hand zu nehmen und ihnen anschließend für jeden überstandenen Raum ein Fleißkärtchen auszuhändigen.

Die Mischung aus Stealth, Erkunden, Survival und direktem Kampf soll auch diesmal den spielerischen Kern bilden.

Moskau kann auch 2039 noch verdammt gut aussehen

Technisch machte die präsentierte Version ebenfalls einiges her. Besonders Beleuchtung, Schatten und die Detaildichte der Umgebungen tragen enorm zur Atmosphäre bei. Dunkelheit ist hier eben nicht einfach nur fehlendes Licht, sondern ein ziemlich effektives Spielelement.

Das passt dazu, dass Metro 2039 laut 4A Games als erster Teil der Serie von Grund auf für Raytracing entwickelt wurde. Für PS5, PS5 Pro und Xbox Series X ist zudem ein Performance-Modus mit 60 Bildern pro Sekunde inklusive Raytracing angekündigt.

Wichtiger als die reine Technik ist allerdings, was das Spiel daraus macht. Und genau hier sah unsere Session schon verdammt gut aus. Die unterirdischen Bereiche wirken dicht und beklemmend, während die Oberwelt wieder jene zerstörte Schönheit besitzt, die hervorragend zum melancholischen Grundton der Reihe passt.

Wenn die Metro auch akustisch wieder lebt

Mindestens genauso wichtig ist bei Metro allerdings das, was man nicht sieht. Das Sounddesign arbeitete während unserer Session hervorragend mit der Umgebung zusammen. Entfernte Geräusche, Schritte, Waffen und Stimmen sorgten dafür, dass selbst vermeintlich ruhige Passagen selten vollkommen entspannt wirkten. Gerade in den Tunneln hilft dieser Klangteppich enorm dabei, die Welt glaubwürdig wirken zu lassen.

Besonders positiv fielen zudem die Sprecher auf. Die Dialoge wirkten bereits sehr überzeugend und trugen dazu bei, dass die ruhigeren Szenen nicht einfach nur Wartezeit zwischen zwei Kämpfen waren. Gerade weil Metro 2039 erneut stark auf eine inszenierte Einzelspieler-Geschichte setzt, könnte das noch ziemlich wichtig werden.

Ein vertrauter Weg in eine neue Metro

Nach unserer ersten Session versucht Metro 2039 offensichtlich nicht, die eigene DNA komplett umzubauen – und das muss es auch gar nicht. Stattdessen wirkt es bislang wie eine Rückbesinnung auf jene Elemente, die diese Reihe stark gemacht haben: enge Tunnel, eine glaubwürdige Welt, vorsichtiges Erkunden, harte Gefechte und diese eigentümliche Mischung aus Hoffnung und völliger Trostlosigkeit.

Das Metro-Gefühl war jedenfalls erstaunlich schnell wieder da. Und manchmal ist genau das die beste Nachricht.

Ersteindruck

Metro 2039 brauchte während unserer Session nur wenige Minuten, um dieses ganz eigene Gefühl der Reihe wieder hervorzuholen. Die engen Tunnel sind beklemmend, gleichzeitig besitzen die bewohnten Bereiche fast etwas Heimeliges. Grafik und Sound sorgen bereits für eine enorm dichte Atmosphäre, die Sprecher überzeugten ebenfalls. Spielerisch funktioniert die Mischung aus Schleichen, Erkunden und angenehm wuchtigen Waffen weiterhin hervorragend. Manche Kämpfe waren bereits ziemlich knackig – aber mal ehrlich: Das wäre nicht Metro, wenn die Reise durch Moskau plötzlich zum entspannten Sonntagsspaziergang würde.

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Geralt kehrt zurück – und auch musikalisch fühlt sich The Witcher 3: Wild Hunt – Songs of the Past erstaunlich vertraut an. Fünf vorab veröffentlichte Stücke zeigen bereits, wie Marcin Przybyłowicz, Magda Urbańska und Daniel Elms den bekannten Witcher-Klang weiterführen. Dazu kehrt mit Percival ein entscheidender Teil seiner musikalischen DNA zurück.

Elf Jahre sind vergangen, seit The Witcher 3: Wild Hunt Geralt auf eine Reise durch Velen, Novigrad und Skellige geschickt hat. Trotzdem reichen oft wenige Takte, um musikalisch wieder mitten in dieser Welt zu stehen.

Das liegt auch daran, dass die Witcher-Spiele und ihre Erweiterungen nie einfach nur einen Soundtrack besaßen. Sie hatten eine musikalische Identität. Hauptthemen, Instrumente und Melodien tauchten wieder auf, wurden verändert und neu interpretiert – und trotzdem entwickelten selbst Hearts of Stone und Blood and Wine ihren ganz eigenen Klang. Mit Songs of the Past scheint genau dieses Prinzip zurückzukehren.

CD Projekt RED hat fünf Stücke aus der kommenden Erweiterung vorab veröffentlicht. Sie geben einen ersten Eindruck davon, wie Geralt im kommenden Jahr musikalisch wieder auf den Pfad geschickt wird. Der offizielle Gamescom-Soundtrack umfasst:

• Into Darkness – Daniel Elms
• Awoken – Magda Urbańska
• What’s Done – Marcin Przybyłowicz
• Return to the Path – Magda Urbańska
• Belleteyn Night – Magda Urbańska

Damit verteilt sich die erste musikalische Kostprobe gleich auf drei Komponisten.

Es klingt wieder nach The Witcher

Gerade diese Bandbreite ist wichtig. The Witcher bestand musikalisch schließlich nie nur aus rauen Stimmen, Streichern und aggressiven Folk-Instrumenten.

Bereits 2015 erklärte uns Marcin Przybyłowicz, dass es bei The Witcher 3 darum ging, eine eigene musikalische Identität zu entwickeln und dabei slawische Rohheit mit epischen und lyrischen Elementen eines Orchesters zu verbinden. Gleichzeitig sollten Velen, Novigrad und Skellige jeweils unverwechselbar klingen, ohne dass der Soundtrack als Ganzes auseinanderfällt.

Genau darin liegt nun eine der spannendsten Aufgaben von Songs of the Past: Die Erweiterung muss vertraut klingen – und trotzdem eine eigene musikalische Handschrift für Letten entwickeln.

Eine neue Region braucht einen eigenen Klang

Auch Karolina Kuzia-Rokosz bestätigte uns auf der Gamescom, dass für Songs of the Past neue Stücke entstehen. Das Audio-Team bei CD Projekt RED wird dabei von Senior Composer Magda Urbańska angeführt, unterstützt unter anderem von Marcin Przybyłowicz. Gleichzeitig deutete sie an, dass die namensgebenden „Songs of the Past“ selbst eine wichtige Rolle innerhalb der Geschichte spielen werden.

Das macht die Musik dieses Mal besonders interessant.

Letten soll sich einerseits selbstverständlich in die Welt von The Witcher 3 einfügen, gleichzeitig aber als neue Region erkennbar bleiben. Schon bei unserer Gamescom-Präsentation zeigte sich dieser Ansatz visuell: polnische Landschaften und ländliche Architektur treffen auf Einflüsse, die mit Rittersporns adliger Herkunft verbunden sind.

Die Musik steht damit vor derselben Aufgabe wie die Welt selbst: Sie muss bekannt und neu zugleich sein.

Ein Prinzip, das Przybyłowicz schon bei The Witcher 3 verwendete. In unserem Interview von 2015 beschrieb er, wie wiederkehrende Themen je nach Region mit anderen Instrumenten neu orchestriert wurden. Dadurch blieben Figuren und zentrale Motive musikalisch verbunden, während Orte trotzdem eine eigene Identität erhielten.

Songs of the Past könnte genau diese Idee nun für Letten fortsetzen.

Musik entsteht nicht unabhängig von der Geschichte

Besonders spannend ist dabei, wie eng Musik und Questdesign miteinander verzahnt werden.

Senior Quest Designer Despoina Anetaki erklärte uns im Gespräch, dass Questdesigner direkt mit den Komponisten zusammenarbeiten. Musik und Handlung entstehen demnach nicht unabhängig voneinander. Die Komponisten sollen wissen, welche Geschichte eine Szene erzählt und welche Emotion beim Spieler entstehen soll.

Game Director Jakub Rokosz beschreibt den Ansatz ähnlich. Musik sei ein integraler Bestandteil der Witcher-Spiele. Bereits im Hauptspiel wurde viel Aufwand betrieben, damit sie dynamisch auf das Geschehen reagieren und Spannung oder Emotionen verstärken kann. Genau diesen Ansatz wolle das Team auch bei Songs of the Past weiterführen.

Das ist mehr als eine nette Randnotiz.

Denn gerade The Witcher 3 lebt musikalisch davon, dass Musik nicht nur unter einer Szene liegt. Sie kommentiert Orte, Figuren und Situationen. Sie kann einen Kampf aggressiver wirken lassen, einer Landschaft Melancholie geben oder einen eigentlich kleinen Moment emotional aufladen.

Und offenbar wird auch bei Songs of the Past zunächst gefragt: Was soll der Spieler hier fühlen?

Erst dann müssen Questdesign, Inszenierung, Umgebung und Musik gemeinsam darauf hinarbeiten.

Percival kehrt zurück – und damit ein Teil der musikalischen DNA

Hinzu kommt ein Name, der für die Identität von The Witcher 3 kaum unwichtiger sein könnte: Percival Schuttenbach kehrt für den Soundtrack zurück.

Schon während der Entwicklung von Wild Hunt arbeitete Marcin Przybyłowicz eng mit der polnischen Folk-Gruppe zusammen. In unserem damaligen Interview erklärte er, dass die starke Verankerung des Spiels in slawischer Mythologie einer der Gründe dafür gewesen sei, gezielt Musiker einzubinden, die sich professionell mit dieser Art von Musik beschäftigen.

Aus diesem Austausch entwickelte sich ein entscheidender Teil dessen, was wir heute als typischen Witcher-Klang wahrnehmen. Despoina Anetaki bestätigte uns auf der Gamescom ebenfalls Percivals Rückkehr und verwies auf die Vielzahl an Musikern und Komponisten, die am neuen Soundtrack beteiligt sind.

Wichtig ist dabei: Percivals Beteiligung bedeutet nicht, dass Songs of the Past einfach den Soundtrack von 2015 kopieren muss. Im Gegenteil.

Die spannendere Frage ist, ob es dem Team gelingt, dieselben musikalischen Wurzeln zu nehmen und daraus etwas zu entwickeln, das eindeutig zu Letten gehört.

Auch technisch bekommt der Witcher-Sound ein Update

Nicht nur bei den Kompositionen hat sich seit 2015 etwas getan. Miles Tost sprach mit uns auf der Gamescom auch über technische Änderungen unter der Haube. Teile der Audio-Pipeline der Engine wurden überarbeitet, wovon unter anderem der räumliche Klang profitieren soll.

Für einen Soundtrackartikel klingt das zunächst nach einem technischen Nebenschauplatz. Für ein Spiel, das Musik und Atmosphäre so eng miteinander verbindet, ist es das allerdings nicht ganz. Wie Musik im Raum wirkt, wie Geräusche und Score zusammenspielen und wie deutlich eine Umgebung akustisch wahrgenommen wird, kann entscheidend dazu beitragen, ob sich Letten tatsächlich wie ein neuer Ort anfühlt – oder lediglich wie ein weiterer Teil der alten Karte.

Unser Höreindruck: Zurück auf dem Pfad

Fünf Stücke reichen natürlich noch nicht aus, um über den vollständigen Soundtrack von Songs of the Past zu urteilen. Sie reichen aber, um eine Richtung erkennen zu lassen.

Und die gefällt uns bislang ausgesprochen gut.

Marcin Przybyłowicz bringt sofort wieder diese unverkennbare Witcher-DNA mit. Magda Urbańska und Daniel Elms versuchen zugleich nicht, lediglich alte Stücke nachzubauen, sondern führen den bekannten Klang hörbar weiter. Wuchtige und eingängige Passagen stehen bereits jetzt leichteren und fröhlicheren Momenten gegenüber.

Vor allem aber besitzt die Musik wieder etwas, das für The Witcher entscheidend ist: Identität.

Jeder Teil und jede große Erweiterung hatte bislang einen Klang, ein Thema oder bestimmte musikalische Motive, die irgendwann untrennbar mit der jeweiligen Reise verbunden waren. Wenn die fünf ersten Stücke tatsächlich ein Vorgeschmack darauf sind, was uns in Letten erwartet, könnte Songs of the Past diese Tradition ziemlich überzeugend fortsetzen.

Geralt ist noch nicht zurück. Aber wenn man die Augen schließt, kann man den Pfad schon wieder hören.

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Eine kleine Maus, ein magischer Froschrucksack und Koop-Rätsel, die Erinnerungen an Unravel wecken: Wir haben Hela: of Mice & Magic angespielt und mit Studioleiter Alexander Benitez gesprochen.

Eine kleine Maus, ein magischer Froschrucksack und die ausgesprochen vernünftige Idee, einfach mal durch einen hübschen Wald zu spazieren. Hela: of Mice & Magic sieht auf den ersten Blick nach einem jener Spiele aus, bei denen selbst die größten Probleme vermutlich mit einer Tasse Tee und etwas gutem Willen gelöst werden können. Ganz so einfach macht es Wind-Up Games seinen kleinen Helden allerdings nicht. Spätestens wenn mehrere Mäuse gemeinsam an einem Rätsel zerren, Dinge durch die Gegend schleudern oder irgendwo hochkommen sollen, wird aus dem gemütlichen Waldspaziergang ziemlich schnell koordinierter Mäusewahnsinn.

Im Mittelpunkt steht eine gutherzige Hexe, die das Land seit langer Zeit beschützt. Als sie erkrankt und die Welt buchstäblich aus dem Takt gerät, müssen ihre kleinen Vertrauten einspringen. Als Maus sammeln wir Zutaten, brauen Tränke, helfen den Bewohnern der Welt und versuchen, die verlorene Harmonie wiederherzustellen. Das alles findet in einer offenen, von Nordschweden inspirierten Landschaft statt.

Und ja: Die Maus ist wirklich verdammt knuffig.

Ein virtuelles Waldbad mit Maus

Unravel lässt grüßen

Besonders interessant wurde unsere Anspielsession bei den Rätseln. Denn spätestens hier musste ich ziemlich schnell an Unravel denken – und insbesondere an Unravel Two.

Nicht unbedingt, weil Hela dessen Mechaniken kopieren würde. Vielmehr entsteht ein ähnliches Gefühl, wenn zwei Spieler überlegen, wer wo stehen muss, welchen Gegenstand man bewegt und wie man sich gegenseitig zum Ziel bringt. Das kann sehr spaßig sein. Und gelegentlich auch etwas fummeliger, als die putzige Präsentation zunächst vermuten lässt.
Genau dieser Vergleich ist übrigens gar nicht so weit hergeholt. Auch Benitez spricht über Unravel und sieht einen entscheidenden Unterschied im Aufbau:

„Bei einem 2D-Spiel wie Unravel muss man die Rätsel lösen, um weiterzukommen. Bei uns ist die Welt offen und nicht linear. Man kann dem relativ geradlinigen Hauptweg folgen, aber es wird auch komplexere Rätsel geben.“ – Alexander Benitez, Head of Studio, Wind-Up Games“

Das könnte sich als eine der cleversten Entscheidungen von Hela erweisen. Denn schwierigere Aufgaben sollen die Spieler nicht plötzlich vor eine Wand stellen. Wer ein bestimmtes Rätsel nicht lösen kann oder schlicht keine Lust darauf hat, muss nicht zwangsläufig eine halbe Stunde an derselben Stelle verbringen. Der gemütliche Charakter des Spiels bleibt damit zumindest theoretisch erhalten, ohne dass Wind-Up Games sämtliche Herausforderungen aus dem Weg räumen muss.

Mehr Mäuse, mehr Chaos

Hela lässt sich solo spielen, zu zweit im lokalen Splitscreen oder mit bis zu vier Spielern online. Für Solospieler gibt es sogenannte Shades, mit deren Hilfe sich Aktionen anderer Figuren nachbilden und dadurch auch eigentlich auf Kooperation ausgelegte Aufgaben alleine erledigen lassen.

Im Mehrspielerbetrieb verändert sich das Spielgefühl allerdings deutlich.

„Je mehr echte Spieler dabei sind, desto chaotischer wird es“, erzählt Benitez und ergänzt, dass daraus schnell allerlei Unsinn entstehe. Spieler würden versuchen, sich gegenseitig auf Bäume zu befördern oder schlicht ausprobieren, was die Physik des Spiels eigentlich alles zulässt.

Das konnten wir in Ansätzen bereits nachvollziehen. Gerade zusammen machen die kleinen physikbasierten Aufgaben Spaß, weil eben nicht immer alles so funktioniert, wie es ursprünglich geplant war. Und bekanntlich sind zwei Spieler, die gleichzeitig an derselben vermeintlich simplen Aufgabe scheitern, zumindest schon einmal doppelt so unterhaltsam.

Trotzdem bleibt genau hier für mich noch ein Fragezeichen.

Die ruhige Welt, die kleine Maus und dieses fast schon intime Abenteuer funktionieren wunderbar, wenn man allein oder zu zweit unterwegs ist. Mit drei oder vier Spielern dürfte Hela zwangsläufig lauter und chaotischer werden. Ob dabei etwas von seinem besonderen Charme verloren geht oder gerade daraus eine zweite Stärke entsteht, muss die fertige Version zeigen.

Ein bisschen Trine steckt ebenfalls drin

Und damit kommen wir zu einem zweiten Vergleich, der sich während des Spielens langsam aufdrängte: Trine.

Natürlich sind beide Spiele strukturell sehr unterschiedlich. Hela besitzt eine offene 3D-Welt und wirkt deutlich stärker auf Entschleunigung und Erkundung ausgelegt. Trotzdem gibt es diese gemeinsamen Momente, in denen mehrere Spieler mit unterschiedlichen Möglichkeiten vor einer Aufgabe stehen und gemeinsam herausfinden müssen, was die Entwickler eigentlich von ihnen wollen.

Wenn Wind-Up Games es schafft, seine physikbasierten Rätsel über die gesamte Spielzeit abwechslungsreich zu halten und den Koop-Modus nicht lediglich mit mehr Mäusen, sondern tatsächlich mit interessanten Situationen zu füllen, könnte Hela durchaus in eine ähnliche Kerbe schlagen.

Bis dahin muss die kleine Maus allerdings noch ein paar sehr große Fußstapfen ausfüllen.

Der Frosch auf dem Rücken

Eine zentrale Rolle übernimmt dabei ausgerechnet der kleine Froschrucksack der Maus. Entwickler Wind-Up Games nennt ihn „Froggy“ – und der ist erheblich mehr als nur ein putziges Accessoire.

Mit ihm lassen sich Gegenstände greifen, Ressourcen sammeln und Teile der Umgebung manipulieren. Gleichzeitig erweitert er die Bewegungsmöglichkeiten der Maus und bildet damit einen wichtigen Teil vieler Rätsel. Die Kombination aus sehr kleinem Charakter und vergleichsweise realistischer Umgebung sorgt dabei immer wieder für Situationen, in denen gewöhnliche Dinge plötzlich zu kleinen Hindernisparcours werden.

Die Idee der Maus entstand laut Benitez genau aus diesem Größenverhältnis.

Man habe von Anfang an mit einer sehr kleinen Figur in einer realistisch wirkenden Welt arbeiten wollen. Eine Hexe brachte das Team schließlich auf mögliche Vertraute wie Katzen, Frösche oder eben Mäuse. Die Wahl fiel auf Letztere – und durch den magischen Froschrucksack wurde aus der ohnehin agilen Maus schließlich der Held, den wir jetzt durch Hela schicken.

Knuffigkeitsfaktor: erfolgreich erfüllt.

Wenn der Wald die Musik übernimmt

Für ICO-Radio dürfte allerdings ein anderer Punkt mindestens genauso interessant sein: der Soundtrack.

Für die Musik konnte Wind-Up Games Frida Johansson und Henrik Oja gewinnen – also jenes Komponistenduo, das bereits maßgeblich den musikalischen Charakter von Unravel geprägt hat. Dass die Ähnlichkeit in der Atmosphäre gelegentlich durchschimmert, ist entsprechend kein Zufall. Die beiden komponieren auch den Soundtrack von Hela, der unter anderem Bestandteil der angekündigten Harmony Edition sein wird.

Noch spannender ist aber, wie Wind-Up Games Musik einsetzen möchte. Sie soll nicht permanent über der Spielwelt liegen. Entfernt man sich von Häusern und größeren Aufgaben und läuft einfach durch die Natur, treten stattdessen Vögel, Waldgeräusche und die eigentliche Umgebung stärker in den Vordergrund. Nähert man sich wichtigen Orten oder Story-Momenten, soll sich die Musik dynamisch wieder dazuschalten.

Benitez erklärt den Ansatz so: „Wir wollen Musik nicht ständig auf voller Lautstärke einsetzen, weil sie sonst irgendwann nur noch Hintergrund wird. Wenn Emotion gefragt ist, soll sie diese tragen – aber wir wollen Spielern auch die Ruhe geben, einfach den Wald zu erleben.“

Das passt erstaunlich gut zum gesamten Konzept. Besonders schön ist zudem, dass Musik nicht nur Begleitung sein soll. Benitez bezeichnet sie als einen „roten Faden“ des Spiels – schließlich geht es auch erzählerisch darum, die verlorene Harmonie der Welt wiederherzustellen.

Für ein Spiel, das Entschleunigung derart offensiv zum Teil seines Konzepts macht, könnte gerade dieser Wechsel zwischen Score und natürlicher Geräuschkulisse enorm wichtig werden.

Kann die Maus ihren Charme behalten?

Nach unserer ersten Runde ist Hela: of Mice & Magic deshalb vor allem eines: sympathisch. Warme Farben, niedliche und detaillierte Animationen und die Welt ist wunderschön.

Die Maus möchte man vermutlich innerhalb der ersten fünf Minuten adoptieren und die Mischung aus Erkundung, Physik und Koop-Rätseln funktioniert bereits erstaunlich gut. Gleichzeitig wird die entscheidende Frage sein, ob Wind-Up Games aus diesen einzelnen charmanten Situationen über mehrere Stunden hinweg ein abwechslungsreiches Abenteuer formen kann.

Besonders gespannt bin ich auf den Koop-Modus mit drei oder vier Spielern. Der Entwickler sieht gerade im entstehenden Chaos einen Teil des Spaßes. Ich bin mir noch nicht ganz sicher, ob Hela dadurch gewinnt oder ob aus dem virtuellen Waldbad irgendwann doch eher ein Mäuse-Kindergeburtstag wird. Beides kann lustig sein. Nur eben auf völlig unterschiedliche Art.

Ersteindruck

Hela macht nach unserer ersten Session vieles richtig: Die kleine Maus ist sofort sympathisch, die nordisch inspirierte Welt wunderschön und die Rätsel erinnern angenehm an Unravel, ohne dessen linearen Aufbau zu kopieren. Gerade im Koop entstehen witzige, manchmal überraschend fordernde Momente. Offen bleibt, ob die ruhige Atmosphäre mit drei oder vier Spielern nicht zu sehr im Chaos versinkt. Behält Hela seinen Charme auch dann, könnte Wind-Up Games hier sogar in Trine-Gefilde vorstoßen.

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Feld bestellen, Gemüse anbauen, Ernte einfahren. Klingt gemütlich? Nicht in Crop. Carbonara Games macht aus vertrauter Farmarbeit einen düsteren Thriller, in dem jeder weitere Tag auf dem Acker eher nach Zwang als Selbstverwirklichung aussieht. Wir haben Crop angespielt und mit Entwickler Torstein Vien über harte Arbeit, Unbehagen und die wichtige Rolle des Sounds gesprochen.

Ein Loch graben, Saat hinein, bewässern und warten. Eigentlich fehlt nur noch jemand, der freundlich über den Gartenzaun winkt, während im Hintergrund eine entspannte Melodie dudelt. Doch irgendetwas stimmt hier nicht. Die Umgebung wirkt abweisend, die Arbeit schwerfällig und selbst ein eigentlich banaler Gang über den eigenen Hof vermittelt das Gefühl, dass man besser nicht zu lange darüber nachdenken sollte, was hinter dem nächsten Hügel wartet.

Ein Feld, ein paar Samen und dieses ungute Gefühl

Schluss mit Cozy Farming

„Wir mögen Farming- und Cozy-Spiele. Aber irgendwann hatten wir einfach das Gefühl: Wir brauchen auch Farming-Spiele, die nicht so gemütlich sind. Man könnte komplett in die entgegengesetzte Richtung gehen.“ – Torstein Vien, Carbonara Games

Die romantische Vorstellung vom Landleben wollte das Team ganz bewusst hinterfragen. Gemüse anbauen, Freundschaften mit den Dorfbewohnern schließen und irgendwo zwischen Hühnerstall und Sonnenuntergang sein neues Glück finden? Nett. Aber eben nur eine Seite.

„Aufs Land zu ziehen, kleine Karotten anzubauen und sich mit den Leuten anzufreunden, ist eine schöne Fantasie“, sagt Vien. „Aber Landwirtschaft ist tatsächlich sehr harte Arbeit. Und das Leben in einer kleinen Stadt kann ziemlich erdrückend sein, wenn jeder weiß, was alle anderen tun.“ Statt die positiven Seiten des Genres hervorzuheben, möchte Carbonara Games also gerade dessen unangenehme Aspekte nach vorne holen. Und dann beobachten, ob Spieler darin trotzdem irgendeine Form von Trost finden können.

Das ist eine bemerkenswert passende Beschreibung für das, was Crop während unserer Anspielsession vermittelt hat.

Die Ernte ist nur Mittel zum Zweck

Natürlich wird trotzdem gepflanzt, bewässert und geerntet. Das Farming ist kein dekorativer Unterbau für die Geschichte, sondern tatsächlich ein wesentlicher Bestandteil des Spiels. Gleichzeitig ist es aber eben nur ein Baustein. Je mehr Gemüse wir anbauen und je weiter wir auf dem Hof vorankommen, desto mehr soll sich auch das große Geheimnis hinter der Welt von Crop entfalten.

Dabei spielt Carbonara Games durchaus bewusst damit, dass Farmarbeit repetitiv ist. Vien spricht von einem schwierigen Balanceakt: „Das Gameplay soll sich wie harte Arbeit anfühlen und wir wollen, dass man diese Wiederholung spürt. Es soll sich wie Arbeit anfühlen – aber natürlich soll es trotzdem Spaß machen.“

Fortschritt müsse deshalb erarbeitet werden. Verschiedene Dinge sollen sich dem Spieler entgegenstellen, damit sich ein Erfolg anschließend auch tatsächlich befriedigend anfühlt. Gleichzeitig treibt die Arbeit auf dem Feld unmittelbar die Geschichte voran.

Und genau an diesem Punkt liegt nach unserem Hands-on aktuell noch die größte Baustelle.

Die Idee dahinter funktioniert. Das tatsächliche Arbeiten ging allerdings nicht immer so sauber von der Hand, wie wir es uns gewünscht hätten. Manche Abläufe wirkten hakelig, gelegentlich war auch nicht unmittelbar ersichtlich, was als Nächstes zu tun war oder wie eine bestimmte Aktion umgesetzt werden sollte. Dass Farmarbeit in Crop anstrengend sein soll, ist nachvollziehbar. Dass die Steuerung oder Benutzerführung anstrengend wird, sollte dagegen besser nicht dazugehören.

Gerade als Fan des Genres hat uns das stellenweise etwas abgeschreckt. Hier muss Carbonara Games noch nachjustieren, damit aus bewusst mühsamer Arbeit keine unbeabsichtigte Frustration wird.

Harvest Moon trifft Silent Hill

Und dann ist da die Atmosphäre. Denn selbst wenn gerade überhaupt nichts Dramatisches passiert, lässt Crop seine Spieler nur selten vollständig zur Ruhe kommen. Was geschehen ist, was außerhalb dieser kleinen Welt wartet und wohin die Geschichte führt, bleibt lange unklar. Trotzdem liegt ständig dieses diffuse Gefühl in der Luft: Irgendetwas ist hier ganz gewaltig schiefgelaufen.

Beim Sound wird besonders deutlich, welchen Kontrast Carbonara Games erzeugen möchte.

Spielerisch orientieren sich viele Grundlagen laut Vien durchaus an Titeln wie Harvest Moon. Bei Stimmung und Sounddesign liegen die Vorbilder dagegen an einer völlig anderen Stelle.

„Wenn man das Gameplay von Harvest Moon nimmt und ihm eine Atmosphäre wie in Silent Hill gibt – genau in diese Richtung wollen wir gehen.“

Auch Twin Peaks nennt Vien als Inspiration. Nahezu alles, was Spieler auf dem Hof erledigen, soll dadurch eine leicht beunruhigende Note erhalten. Selbst gewöhnliche Tätigkeiten sollen sich nie vollständig gewöhnlich anfühlen. „Wir wollen, dass etwas Beunruhigendes in all den Dingen steckt, die man tut – und im gesamten Bauernhof“, erklärt Vien. Das eigene Haus bildet dabei eine Ausnahme. Es soll als eine Art sicherer Rückzugsort funktionieren und wenigstens kurz Entlastung von der permanenten Unsicherheit bieten.

Kurz gesagt: Draußen Ackerbau mit latentem Fluchtreflex, drinnen einmal kurz durchatmen.

Wenn auch die Stille mitspielt

Gerade weil Crop viel über Atmosphäre transportieren möchte, ist der Sound mehr als nur akustische Begleitung.

Vien selbst arbeitet innerhalb des Kernteams zwar am wenigsten am Audio, betont im Gespräch jedoch mehrfach dessen Bedeutung. Besonders interessant ist dabei, dass nicht nur Geräusche und Musik eine Rolle spielen. Auch deren Abwesenheit tut es.

„Sound ist extrem wichtig. Und auch die Abwesenheit von Sound kann sehr viel dazu beitragen, eine Stimmung zu erzeugen.“

Konkrete Details zum eigentlichen Soundtrack verrät das Team bislang nicht. Entsprechend wäre es verfrüht, bereits über musikalische Stilrichtungen oder wiederkehrende Motive zu spekulieren. Das akustische Konzept ist allerdings schon im Hands-on deutlich spürbar: Crop möchte keine behagliche Klangdecke über die Farm legen, sondern Unsicherheit erzeugen.

Vien beschreibt das ziemlich treffend: „Wir wollen, dass man sich möglichst oft ein bisschen unwohl fühlt. Deshalb besteht der Sound im Grunde die ganze Zeit aus unangenehmen Klängen.“

Das klingt nicht unbedingt nach dem Soundtrack für den nächsten entspannten Sonntagnachmittag – passt aber hervorragend zu dem, was Crop sein möchte.

Warum tue ich mir das eigentlich an?

Hinter all dem scheint außerdem eine interessante Metaebene zu stecken. Der Charakter ist gezwungen, die Arbeit auf dem Hof zu erledigen. Gleichzeitig entscheidet der Spieler selbst, weiterzumachen. Vien beschreibt genau diesen Widerspruch als eines der Themen, über die Crop seine Spieler nachdenken lassen möchte.

Man verrichte all diese harte Arbeit, werde gewissermaßen dazu gezwungen und entscheide sich gleichzeitig freiwillig dafür, daran teilzunehmen. Darin stecke auch der Gedanke, sich beim Spielen ganz bewusst selbst etwas Negatives zuzumuten.

Was genau Carbonara Games daraus macht, möchte Vien noch nicht verraten. Die Geschichte soll ihre Themen ohnehin nicht fertig ausformuliert servieren.

„Wir wollen den Leuten eine Erfahrung geben, die ihnen auch danach noch im Kopf bleibt“, erklärt er. Die verschiedenen Themen sollen sich durch Geschichte und Gameplay ziehen, ohne dem Spieler vorzuschreiben, was er daraus mitzunehmen hat.

Das macht neugierig.

Ersteindruck

Crop ist nicht das Farming-Spiel, das wir zunächst erwartet hatten – und genau das macht es spannend. Die Mischung aus vertrauter Feldarbeit, düsterer Atmosphäre und starkem Sounddesign funktioniert erstaunlich gut. Spielerisch hakt es allerdings noch: Manche Abläufe wirken sperrig, Orientierung und Bedienung nicht immer intuitiv. Bekommt Carbonara Games diese Punkte in den Griff, könnte aus der ungewöhnlichen Idee eine ziemlich besondere Ernte werden.

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Das Xenomorph ist zurück – und mit ihm das unangenehme Gefühl, dass jeder falsche Schritt der letzte sein könnte. Alien: Isolation 2 setzt erneut auf Schleichen, Verstecken und permanente Anspannung. Wir haben uns dem Alien gestellt.

Ein Geräusch im Lüftungsschacht. Schritte irgendwo hinter der nächsten Wand. Und plötzlich wird aus dem eigentlich simplen Weg durch einen Korridor eine erstaunlich komplizierte Angelegenheit. Weiterlaufen? Verstecken? Oder doch noch einmal hektisch den Pausen-Button drücken? Dabei sind wir diesmal nicht als Amanda Ripley unterwegs: Einige Monate nach den Ereignissen des ersten Teils übernimmt die Weyland-Yutani-Mitarbeiterin Blake die Hauptrolle. Eine Erkundungsmission auf einem abgelegenen Kolonieplaneten und das Wrack eines mysteriösen Fluggeräts sorgen allerdings recht schnell dafür, dass aus wissenschaftlicher Neugier ein ziemlich handfestes Überlebensproblem wird.

Alien: Isolation 2 braucht nicht lange, um an jene unangenehme Grundstimmung zu erinnern, die schon den Vorgänger ausgezeichnet hat. Das Alien ist zurück – und gewinnen kann man gegen dieses Ding weiterhin nicht.

Mehr als zehn Jahre nach Alien: Isolation setzt der Nachfolger erneut auf genau jene Stärke, mit der Creative Assembly damals überraschte: Das Alien ist kein gewöhnlicher Gegner, sondern eine permanente Bedrohung. Wer hier auf einen actionreichen Shooter im Stil mancher früherer Alien-Spiele hofft, dürfte entsprechend schnell feststellen, dass Mut allein kein besonders zuverlässiger Überlebensplan ist.

Im All hört dich wieder niemand schleichen

Leicht wird Alien: Isolation 2 somit offenbar nicht. Bereits während unserer ersten Anspielsession wurden Fehler ziemlich konsequent bestraft – inklusive einiger durchaus fieser Todesanimationen. Das Alien bleibt damit genau das, was es sein sollte: kein Endgegner mit Lebensbalken, sondern ein Problem, das man möglichst gar nicht erst lösen muss.

Bekanntes Monster, alte Nervosität

Gerade deshalb funktioniert die Anspannung erneut hervorragend. Man weiß eigentlich, was passieren kann. Vielleicht sogar gerade deswegen schaut man ständig über die Schulter.

Interessanterweise war ausgerechnet der erste richtige Auftritt des Aliens für uns weniger wirkungsvoll als noch im Vorgänger. Dort gehörte die Begegnung mit dem Xenomorph zu jenen Momenten, in denen Alien: Isolation seine Karten sehr bewusst und langsam auf den Tisch legte. Der Nachfolger konnte bei unserer Session diesen besonderen ersten Schrecken nicht ganz reproduzieren. Das ist allerdings Meckern auf atmosphärisch ziemlich hohem Niveau. Sobald das Alien tatsächlich unterwegs ist, funktioniert das alte Katz-und-Maus-Spiel wieder.

Alien: Isolation 2 und der Sound mit Sahnehaube

Einen großen Anteil an der Wirkung hat erneut die akustische Seite. Geräusche aus Schächten, entfernte Bewegungen und das mechanische Brummen der Umgebung sorgen dafür, dass man ständig glaubt, irgendetwas gehört zu haben. Der Soundtrack hält sich dabei angenehm zurück und drängt sich nicht permanent in den Vordergrund. Stattdessen unterstützt er die Spannung punktuell und lässt der Geräuschkulisse genügend Raum. Gerade in einem Spiel, in dem Hören beinahe genauso wichtig ist wie Sehen, funktioniert das bislang ausgesprochen gut.

„Unsere Sound-Designer haben echte Regentropfen aufgenommen“ – Creative Assembly

Reicht Verstecken allein?

Genau hier liegt allerdings auch die entscheidende Frage für das gesamte Spiel. Schon bei unserem damaligen Ersteindruck zu Alien: Isolation war offen, ob Leveldesign und Aufgaben langfristig genügend Abwechslung bieten würden. Denn selbst die beste Atmosphäre nutzt sich ab, wenn sich jede Situation irgendwann auf „verstecken, warten, weiterlaufen“ reduzieren lässt.

Alien: Isolation 2 muss deshalb beweisen, dass es nicht nur die Stärken seines Vorgängers reproduzieren, sondern dessen Grundidee spielerisch weiterentwickeln kann. Story, Begegnungen und Aufgabenstruktur dürften dabei mindestens ebenso wichtig werden wie das Alien selbst.

Ersteindruck

Alien: Isolation 2 knüpft atmosphärisch genau dort an, wo der Vorgänger aufgehört hat. Das Xenomorph bleibt eine nicht zu bezwingende Bedrohung, Fehler werden schnell und teilweise ziemlich fies bestraft. Der erste Auftritt des Aliens zündete bei uns zwar weniger stark als damals, die Anspannung ließ während der Session trotzdem kaum nach. Entscheidend wird sein, ob Story und Spielmechanik langfristig genug Abwechslung bieten.

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Diese Folge wird musikalisch ziemlich abwechslungsreich. Wir sprechen über die Arbeit von Olivier Derivière für den Soundtrack von Resonance: A Plague Tale Legacy und damit über die Rückkehr in eine Welt, in der Musik schon immer weit mehr war als bloße Begleitung. Düstere Atmosphäre, emotionale Motive und eine Klangsprache, die hervorragend zum besonderen Charakter der Reihe passt, stehen dabei im Mittelpunkt.

Deutlich meditativer wird es mit Sword of the Sea. Der Soundtrack von Austin Wintory begleitet die Reise durch seine fließenden Landschaften mit jener Mischung aus orchestraler Größe, Ruhe und Emotionalität, für die der Komponist bekannt ist. Ein Score, der auch wunderbar abseits des Spiels funktioniert.

Und dann wäre da noch DOOM. Zum zehnjährigen Jubiläum bekommt Mick Gordons brachialer Soundtrack eine besondere Neuauflage: Er erscheint erstmals auf Kassette. Gleichzeitig legen id Software, Bethesda und Laced Records verschiedene Vinyl-Ausgaben sowie die Deluxe-Doppel-CD neu auf. Ein schöner Anlass, noch einmal darüber zu sprechen, warum dieser Mix aus Metal, Synthesizern und ziemlich viel kontrolliertem Lärm Videospielmusik nachhaltig geprägt hat.

Drei Soundtracks, drei vollkommen unterschiedliche Klangwelten – von emotional und atmosphärisch über meditativ bis hin zur musikalischen Abrissbirne.

Viel Spaß mit der neuen Folge von ICO-Radio!

Jetzt reinhören auf Spotify, Apple Podcasts oder direkt hier im Player!

Das habt ihr in der Folge gehört:

• Olivier Derivière – Resonance: A Plague Tale Legacy
• Austin Wintory – Sword of the Sea

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Geralt ist zurück – und schon die ersten Minuten von The Witcher 3: Wild Hunt – Songs of the Past fühlen sich erstaunlich vertraut an. Wir konnten einen ersten Blick auf Letten, neue Gegner, Geralts ungewöhnliche neue Waffe und das überarbeitete Kampfsystem werfen.

Ein Wiedersehen, das sofort nach Witcher aussieht

Es braucht erstaunlich wenig Zeit, bis dieses ganz bestimmte Gefühl wieder da ist. Geralt, eine Landschaft irgendwo zwischen malerisch und unheilvoll, kleine Geschichten am Wegesrand und das sichere Gefühl, dass hinter der nächsten Ecke garantiert irgendetwas wartet, das Zähne hat.

Schon in den ersten Minuten unserer Session zu The Witcher 3: Wild Hunt – Songs of the Past wird diese beinahe poetische Schönheit sichtbar, die die Witcher-Spiele schon immer ausgezeichnet hat. Der Charme der älteren Abenteuer ist von Minute eins an wieder da. Und vielleicht ist genau das momentan die wichtigste Erkenntnis: Trotz aller Überarbeitungen fühlt sich Geralts Rückkehr nicht wie der Versuch an, The Witcher 3 plötzlich zu einem anderen Spiel zu machen.

Grafisch möchten wir nach dem bislang gezeigten Material noch kein endgültiges Urteil fällen. Dafür ist die Entwicklung schlicht noch nicht weit genug und bis zur für 2027 angekündigten Veröffentlichung bleibt Zeit. Atmosphärisch funktioniert Letten aber bereits hervorragend.

Rittersporn ist weg – natürlich ist Rittersporn weg

Geralt kämpft sich (moderner) durch

Die Animationen wirkten in unserer Präsentation deutlich direkter und „snappiger“. Besonders das überarbeitete Targeting könnte dabei eine jener Änderungen werden, die auf dem Papier unspektakulär erscheinen, beim Spielen aber umso wichtiger sind. Gegner sollen zuverlässiger erfasst werden, wodurch Geralt seine Angriffe gezielter auf das aktuelle Ziel ausrichten kann.

Auch bei den Hexerzeichen gibt es Neuerungen. Zusammen mit den flüssigeren Animationen entsteht dadurch der Eindruck eines Kampfsystems, das seinen bekannten Kern behält, aber wesentlich unmittelbarer reagieren soll. Das ist keine komplette Neuerfindung – und das ist wahrscheinlich auch gut so. Vielmehr werden genau jene Stellen angefasst, an denen man The Witcher 3 sein Alter inzwischen am deutlichsten anmerkt.

The Witcher an der Kette

Eine der spannendsten Neuerungen von Songs of the Past ist Geralts Kette. Sie ergänzt Schwerter und Zeichen um eine Waffe, die sich besonders für Gegner eignet, die nicht unmittelbar vor dem Hexer stehen. In der Präsentation konnten wir sehen, wie Geralt mit ihr Gegner aus der Distanz attackiert beziehungsweise einzelne Ziele aus einer Gruppe herauszieht. Auch gezieltes Anvisieren ist möglich.

Gerade bei den neuen Schwärmern, die wir ebenfalls in Aktion gesehen haben, ergibt das Sinn. Statt sich einfach in eine komplette Gruppe zu stürzen, erhält Geralt damit zusätzliche Möglichkeiten, Gegner voneinander zu trennen oder auf Distanz zu kontrollieren.

Damit wirkt die Kette bislang weniger wie ein nettes neues Spielzeug und vielmehr wie eine tatsächliche Erweiterung des bestehenden Kampfsystems.

Neue Monster, bekannter Komponist

Natürlich wäre eine neue Witcher-Region ohne neue Monster nur halb so interessant. Unsere Session zeigte bereits mehrere bislang unbekannte Kreaturen, darunter die erwähnten Schwärmer.

Das Entscheidende ist dabei weniger ihre reine Anzahl als die Frage, ob sie Geralt auch spielerisch zu neuen Strategien zwingen. Die ersten Kämpfe deuten zumindest an, dass genau daran gearbeitet wurde: Neue Gegnertypen, die Kette, das veränderte Targeting und die überarbeiteten Animationen greifen ineinander.

Songs of the Past versucht damit nicht nur, noch einmal eine Geschichte mit Geralt zu erzählen. Es nutzt die Gelegenheit offenbar auch, das Spielgefühl von The Witcher 3 behutsam zu modernisieren. Für den markanten slavisch, mittelalterlichen Soundtrack wurde erneut Komponist Marcin Przybyłowicz ins Boot geholt.

Erster Eindruck:

Nach unserer ersten Session bleibt vor allem ein Gedanke hängen: Es fühlt sich wieder nach The Witcher an. Das klingt zunächst banal, ist nach so vielen Jahren aber wahrscheinlich das größte Kompliment. Letten verbindet wunderschöne Landschaften mit Melancholie und unterschwelliger Gefahr, während die Suche nach Rittersporn angenehm persönlich beginnt. Gleichzeitig wird nicht einfach nur mehr The Witcher 3 geboten. Überarbeitetes Kampfsystem, neuer Talentbaum, neue Gegner und Geralts Kette modernisieren das bekannte Spielgefühl sinnvoll. Grafisch ist ein Urteil noch zu früh – atmosphärisch hat uns Songs of the Past aber schon nach wenigen Minuten wieder auf den Pfad zurückgeholt.

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Ein kleines Dorf, ein vergessenes Badehaus und jede Menge Geister: Spirittea verbindet Cozy-Life-Sim, Management und wunderbar schräge Geschichten zu einem der charmantesten Genrevertreter der vergangenen Jahre.

Es gibt offenbar eine wichtige Regel für Cozy-Games: Wer sein altes Leben hinter sich lässt, nimmt den Bus. Auch in Spirittea kommen wir auf diese Weise in einem kleinen Dorf an – allerdings nicht, um eine Farm zu übernehmen oder einen Supermarkt zu eröffnen.

Unser Charakter ist Schriftsteller und sucht eigentlich nur etwas Ruhe, um endlich sein Buch fertigzustellen. Nach einer Begegnung mit einer ziemlich besonderen Teekanne nimmt dieser Plan jedoch eine unerwartete Wendung. Plötzlich können wir die Geister sehen, die überall im Dorf ihr Unwesen treiben. Und mit Wonyan bekommen wir einen spirituellen Begleiter an die Seite gestellt, der uns schließlich zu einem alten Badehaus führt. Spätestens hier war es um uns geschehen.

Ein bisschen wie Chihiro – und das ist durchaus beabsichtigt

Handtücher, Holz und anspruchsvolle Geister

Das Herzstück ist natürlich das Badehaus. Und das ist weit mehr als eine hübsche Kulisse.
Handtücher müssen gewaschen und getrocknet, Holz gehackt und die Becken auf Temperatur gehalten werden. Gleichzeitig wollen immer neue Geister hereingelassen, zu ihren Bädern gebracht und anschließend wieder verabschiedet werden. Je größer das Badehaus wird, desto mehr müssen wir gleichzeitig im Blick behalten.

Besonders schön: Die Geister sind keine austauschbaren Kunden. Sie besitzen eigene Vorlieben – und nicht jeder versteht sich mit jedem. Wer seine Gäste einfach wahllos nebeneinander in die Becken setzt, sorgt deshalb nicht unbedingt für Entspannung. Das macht aus dem anfänglich recht simplen Badehausbetrieb nach und nach eine kleine Management-Aufgabe, ohne den Cozy-Charakter zu verlieren.

Genau diese Detailverliebtheit hat uns besonders gut gefallen. Immer wieder entdeckt man neue Kleinigkeiten, Mechaniken oder Eigenheiten der Geister. Und manchmal wollen die übernatürlichen Gäste offenbar gar nicht mehr gehen – selbst im eigenen Zuhause kann man plötzlich Gesellschaft bekommen.

Eigentlich sind wir doch zum Schreiben hier

Fast könnte man darüber vergessen, dass das Badehaus nur einen Teil von Spirittea ausmacht.

Das Dorf selbst steckt voller kleiner Geschichten. Seine Bewohner haben Beziehungen untereinander, Probleme, Eigenheiten und teilweise herrlich schräge Angewohnheiten. Wer sich mit ihnen beschäftigt, bekommt deshalb weit mehr als die üblichen kurzen NPC-Dialoge serviert.

Gerade diese Geschichten haben uns immer wieder überrascht. Mal sind sie lustig, mal ein wenig mysteriös und manchmal tatsächlich spannend. Dazu kommen Freizeitaktivitäten und gemeinsame Unternehmungen mit den Bewohnern. Das Dorf fühlt sich dadurch nicht lediglich wie ein Ort zwischen zwei Badehausschichten an, sondern wie ein wichtiger zweiter Teil des Spiels.

Und dann wäre da natürlich noch Wonyan.

Wonyan hat heute wieder ausgezeichnete Laune

Der katzenartige Geist begleitet uns durch unser neues Leben und gehört für uns zu den besten Figuren des Spiels. Nicht unbedingt, weil er besonders herzlich wäre.

Eher im Gegenteil.

Wonyan wirkt gefühlt permanent leicht genervt, wenig beeindruckt von unseren Aktionen und grundsätzlich so, als müsste er sich mit einem ausgesprochen begriffsstutzigen Menschen herumschlagen. Genau daraus entstehen einige der lustigsten Dialoge von Spirittea. Während viele Figuren ausgesprochen freundlich und herzlich geschrieben sind, sorgt Wonyans latent angefressene Art für einen wunderbaren Kontrast.

Überhaupt funktioniert der Humor erstaunlich gut. Spirittea versucht nicht permanent, einen Gag nach dem nächsten abzufeuern. Die komischen Momente entstehen vielmehr durch Figuren, Situationen und die teilweise ziemlich absurden Geistergeschichten.

Mehr als genug zu entdecken

Dass es einem dabei so schnell nicht langweilig wird, liegt auch daran, wie viele unterschiedliche Dinge Spirittea miteinander verbindet. Wir betreiben das Badehaus, verbessern unser Zuhause, lernen Dorfbewohner kennen, lösen die Probleme der Geister und versuchen irgendwann vielleicht tatsächlich noch, dieses Buch zu schreiben.

Cheesemaster Games gibt dem Spieler dabei vergleichsweise viel Freiheit. Das eigentliche Ziel ist zwar, das Buch fertigzustellen, doch der Weg dorthin schreibt kaum vor, womit man seine Tage verbringen muss. Das trifft ziemlich genau unseren eigenen Eindruck: Unser Buch war irgendwann fertig – aus dem Dorf abreisen wollten wir deshalb aber noch lange nicht. Und vermutlich ist das eines der größten Komplimente, die man einer Life-Sim machen kann.

Musik, die lieber begleitet als bestimmt

Auch der Soundtrack passt zu dieser zurückhaltenden Art. David Linares hat insgesamt 50 Stücke für Spirittea komponiert – darunter eigene Themen für Jahreszeiten, Tageszeiten, das Badehaus, Geschäfte, Figuren und verschiedene Aktivitäten.

Auf dem Papier klingt das nach enormer musikalischer Vielfalt. Beim Spielen selbst wirkt die Musik allerdings deutlich homogener. Viele Stücke sind bewusst dezent gehalten und begleiten den Alltag eher, als sich in den Vordergrund zu drängen.

Das funktioniert für uns grundsätzlich gut. Gerade im Badehaus oder beim entspannten Herumlaufen fügt sich der Soundtrack angenehm in die Atmosphäre ein und verstärkt dieses leicht verträumte, ostasiatisch geprägte Gefühl des Spiels.

Trotz der stattlichen Anzahl an Tracks hätten wir uns über die lange Spielzeit stellenweise etwas mehr hörbare Abwechslung gewünscht. Viele Melodien erfüllen ihre Aufgabe sehr gut, bleiben dabei aber eher im Hintergrund. Das ist keine große Schwäche – gerade für ein Spiel, in dem man viele Stunden verbringt, hätten ein paar deutlich markantere musikalische Momente der Welt aber zusätzlich Profil gegeben.

Ein bemerkenswert persönliches Projekt

Was Spirittea rückblickend noch beeindruckender macht: Hinter Cheesemaster Games steht im Wesentlichen Dan Beckerton als Solo-Entwickler. Entwicklung, Pixelgrafik und die zahlreichen Systeme stammen größtenteils von ihm; Unterstützung gab es unter anderem durch David Linares bei der Musik sowie Publisher No More Robots beim Testing und der Veröffentlichung.

Bei der Menge an Figuren, Geschichten, Geistern und kleinen Mechaniken ist das durchaus bemerkenswert.

Fazit:

Spirittea war für uns ein echtes Highlight. Das detailreiche Badehaus, die herrlich schrägen Geister und die abwechslungsreichen Geschichten der Dorfbewohner sorgen dafür, dass es immer etwas zu entdecken gibt. Dazu kommen viel Humor, Wonyans wunderbar schlechte Laune und eine stimmige Atmosphäre. Der Soundtrack bleibt eher dezent, passt aber hervorragend zum Spiel. Unser Buch war fertig – abreisen wollten wir trotzdem noch lange nicht.

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Tanken, Regale auffüllen und Kunden abkassieren klingt zunächst nach überschaubarem Alltag. The Last Gas Station macht daraus jedoch eine charmante Cozy-Simulation mit hübscher Pixelgrafik, überraschend viel Beschäftigung und einer Geschichte, die neugierig macht.

An der letzten Tankstelle der Welt gibt es seit dem 6. August 2026 noch etwas mehr zu tun. Mit einem kostenlosen Content-Update hat Alawar (u.a. Beholder, Distrust) eine Kamera ins Spiel gebracht, die zunächst gefunden und repariert werden muss. Anschließend können die unterschiedlichen Fahrzeuge fotografiert und in einem Album gesammelt werden. Seltene Autos bringen zusätzliche Belohnungen, außerdem wurden neue Fahrzeugvarianten, Lackierungen und weitere Anpassungsmöglichkeiten ergänzt.

Die letzte Zapfsäule macht Arbeit

Genau dieser zunehmende Umfang ist Fluch und Segen zugleich. The Last Gas Station lässt sich grundsätzlich wunderbar als Cozy-Game spielen. Die hübsche Pixelgrafik, das abgelegene Setting und viele der alltäglichen Routinen besitzen etwas angenehm Entschleunigendes.

Wenn gleichzeitig Kunden warten, Regale leer sind und irgendwo noch Arbeit liegen geblieben ist, kann es aber auch überraschend hektisch werden. Wer unter „Cozy“ ausschließlich stressfreies Dekorieren und Herumlaufen versteht, dürfte stellenweise etwas überrascht sein. Uns gefällt gerade diese Mischung jedoch ziemlich gut. Das Spiel verlangt Aufmerksamkeit, ohne daraus eine knallharte Wirtschaftssimulation zu machen. Zudem sorgen die nach und nach freigeschalteten Möglichkeiten dafür, dass sich der Arbeitsalltag entwickelt und nicht permanent aus denselben zwei Handgriffen besteht.

Inzwischen hat Alawar beispielsweise auch Angeln und zusätzliche Automatisierungsmöglichkeiten ergänzt. Katzen-Helfer können bei verschiedenen Arbeiten unterstützen, während automatische Bestellungen später einen Teil der täglichen Routine abnehmen.

Nachts ist etwas anders

Doch The Last Gas Station ist eben nicht nur eine Simulation über das Auffüllen von Chipsregalen. Besonders gut gefällt uns die Geschichte, die neben dem normalen Tankstellenbetrieb immer wieder durchscheint.

Warum ist der vorherige Besitzer verschwunden? Was stimmt mit diesem Ort nicht? Und weshalb sollte man nachts besser nicht vor die Tür gehen?

Das Spiel beantwortet diese Fragen nicht sofort, sondern baut sein Mystery-Element langsam auf. Dadurch entsteht ein schöner Kontrast zur niedlichen Pixeloptik und dem eigentlich recht gemütlichen Arbeitsalltag. Gerade weil uns The Last Gas Station nicht permanent mit seiner Geschichte bombardiert, bleiben die kleinen Hinweise interessant und motivieren dazu, weiterzumachen.

Zwischen entspannter Schicht und Mystery-Stimmung

Auch musikalisch funktioniert dieser Wechsel. Der von Deallry komponierte Soundtrack umfasst 17 Stücke und begleitet sowohl den normalen Tankstellen-Alltag als auch die deutlich mysteriöseren Momente des Spiels.

Die Musik drängt sich dabei nicht permanent in den Vordergrund. Gerade während der normalen Arbeit entsteht vielmehr eine angenehm ruhige Klangkulisse, die gut zur Pixeloptik und dem Cozy-Charakter passt. Interessanter wird es, wenn sich die Stimmung verändert: Dann darf auch der Sound etwas merkwürdiger und unruhiger werden und unterstützt damit den Kontrast zwischen gemütlicher Simulation und Mystery-Geschichte.

Hinzu kommen die Geräusche des Tankstellenbetriebs selbst. Fahrzeuge kommen und gehen, die Kasse arbeitet und rund um den Shop entsteht eine kleine akustische Geschäftigkeit. Das aktuelle Kamera-Update brachte darüber hinaus weitere Verbesserungen an Musik und Sound mit.

Noch lange nicht Feierabend

Und Alawar scheint mit der Tankstelle noch nicht fertig zu sein. Seit dem Release am 28. April 2026 wurde das Spiel bereits mehrfach erweitert. Neben Angeln kam zuletzt die Fotografie hinzu. Laut den aktuellen Plänen sollen weitere Updates folgen – darunter auch ein Koop-Modus sowie ein größeres Winter-DLC. Konkrete Termine dafür wurden bislang nicht genannt.

Das macht die Entwicklung durchaus spannend. Denn The Last Gas Station besitzt bereits jetzt genug unterschiedliche Aufgaben, um nicht nur als kleiner „Zapfsäulen-Simulator“ durchzugehen. Weitere Aktivitäten können diesem Konzept besonders dann guttun, wenn sie sich ähnlich natürlich in den bestehenden Alltag einfügen.

Fazit:

The Last Gas Station hat uns positiv überrascht. Hinter der hübschen Pixelgrafik steckt eine kleine, aber erstaunlich umfangreiche Management-Simulation, die ihre Mechaniken angenehm langsam einführt. Tanken allein wäre auf Dauer sicherlich zu wenig – doch Regale, Kasse, Reinigung, Warenbestellungen und die stetige Weiterentwicklung der Station sorgen für genügend Beschäftigung. Ganz entspannt geht es dabei nicht immer zu. Gerade wenn mehrere Aufgaben gleichzeitig Aufmerksamkeit verlangen, kann der Tankstellen-Alltag durchaus fordernd werden. Gleichzeitig macht genau das den Ausbau sinnvoll und verhindert monotone Abläufe. Besonders gelungen finden wir jedoch die Mystery-Geschichte, die sich langsam zwischen die täglichen Routinen schiebt. Sie gibt dem Spiel eine eigene Identität und sorgt dafür, dass wir nicht nur wissen wollen, wie unsere Tankstelle morgen aussieht, sondern auch, was an diesem merkwürdigen Ort eigentlich passiert ist.

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In Rust ist selten etwas wirklich sicher. Vielleicht das eigene Versteck, vielleicht der mühsam gesammelte Loot – aber auch das nur so lange, bis jemand an die Tür klopft, der garantiert nicht nur nach Zucker fragen möchte. Genau diese Mischung aus Anspannung, Einsamkeit und roher Überlebenslogik steckt auch im Soundtrack von Alex Rehberg, der nun als Vinyl erscheint.

Die Laced Records Exclusive Edition kommt auf grau-schwarzen Splatter-Schallplatten, inspiriert von der industriellen Landschaft des Spiels. Zusätzlich erscheint eine klassische schwarze Vinyl-Edition über Laced Records und ausgewählte Handelspartner. Vorbestellungen sind ab sofort möglich.

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