El director André Øvredal vuelve a demostrar su habilidad para crear atmósferas perturbadoras con El pasajero del diablo, una película que mezcla terror psicológico, suspenso sobrenatural y un constante sentimiento de paranoia. Con una narrativa que juega con la percepción de la realidad y el miedo a lo desconocido, la cinta logra mantener al espectador atrapado en una experiencia incómoda y absorbente desde sus primeros minutos.

La historia gira en torno a un viaje aparentemente rutinario que poco a poco se transforma en una pesadilla llena de señales extrañas, comportamientos inquietantes y una presencia que parece manipular todo a su alrededor. Lo más interesante de la película es cómo evita depender exclusivamente de los sustos fáciles para generar tensión. Øvredal apuesta más por el ambiente, los silencios y la sensación de peligro inminente que por los clásicos “jump scares”, y eso le da una personalidad mucho más oscura y elegante.

Visualmente, la película aprovecha muy bien los espacios cerrados y los escenarios nocturnos para transmitir claustrofobia. La fotografía juega constantemente con las sombras y las luces tenues, creando un escenario donde cualquier rincón parece esconder algo aterrador. Esa sensación de aislamiento se convierte en uno de los elementos más efectivos de toda la experiencia.

Las actuaciones también cumplen un papel importante. El elenco logra transmitir miedo y vulnerabilidad sin exageraciones, haciendo que las reacciones se sientan naturales incluso cuando la historia comienza a adentrarse en terrenos más sobrenaturales. La película consigue que el espectador dude constantemente de lo que está ocurriendo realmente, y esa incertidumbre mantiene viva la tensión durante casi todo el metraje.

Uno de los mayores aciertos de El pasajero del diablo es que no entrega todas las respuestas de forma inmediata. La trama deja espacio para la interpretación y permite que el misterio se desarrolle poco a poco, algo que puede resultar fascinante para quienes disfrutan del terror más atmosférico y psicológico. Sin embargo, algunos espectadores podrían sentir que ciertas revelaciones llegan demasiado tarde o que el ritmo se vuelve pausado en algunos momentos.

Aun así, la dirección de André Øvredal demuestra nuevamente por qué se ha convertido en uno de los nombres más interesantes del cine de horror moderno. Su capacidad para construir tensión y generar incomodidad sin caer en excesos convierte a El pasajero del diablo en una propuesta distinta dentro del género.

En conclusión, la película ofrece una experiencia inquietante, cargada de misterio y tensión constante. No es un terror diseñado únicamente para sobresaltar, sino uno que busca permanecer en la mente del espectador incluso después de terminar la función. Para los fanáticos del horror psicológico y las historias sobrenaturales con una atmósfera pesada y perturbadora, El pasajero del diablo resulta una propuesta bastante efectiva y memorable.

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Bad Bunny (Benito Antonio Martínez Ocasio) se une a las voces en inglés y español de Toy Story 5 para Latinoamérica y España. La esperada aventura animada de Disney y Pixar reúne nuevamente a Woody, Buzz Lightyear, Jessie y todo el grupo en una misión para enfrentarse a Lilypad, una nueva tableta inteligente con ideas propias sobre cuál es la mejor manera de ayudar a Bonnie a hacer nuevas amistades.

El artista global multiplatino que trasciende géneros, ganador de 6 premios Grammy®, ofrece un cameo de voz en la película como el nuevo personaje Pizza con Anteojos. Misterioso y muy cool, Pizza con Anteojos forma parte de una pequeña pero poderosa comunidad de juguetes olvidados en un patio trasero.

El actor ganador del Emmy® y Tony® Alan Cumming (The Traitors, The Good Wife, Cabaret) también se incorpora al elenco de voces en inglés con un cameo prestando su voz a Tiro al Blanco Malvado, el alter ego de juego de Tiro al Blanco en el nuevo filme. Aunque el fiel caballo de Woody continúa sin hablar dentro del universo de Toy Story, durante una divertida secuencia de juego en Toy Story 5 Cumming presta su voz a Tiro al Blanco. 

Toy Story 5 estrena en cines el 17 de junio.

Sobre Toy Story 5

Los juguetes están de regreso en Toy Story 5 de Disney y Pixar, y esta vez se encuentran con la tecnología. El propósito de jugar de Woody (voz en inglés de Tom Hanks), Buzz Lightyear (voz en inglés de Tim Allen), Jessie (voz en inglés de Joan Cusack) y el resto del grupo se ve amenazado cuando se enfrentan a Lilypad (con la voz en inglés de Greta Lee), una nueva tableta que llega con sus propias ideas disruptivas sobre lo que es mejor para su niña, Bonnie. ¿Volverá el juego a ser como antes?

Toy Story 5 está dirigida por el ganador del Premio de la Academia® Andrew Stanton, codirigida por Kenna Harris, producida por Lindsey Collins y escrita por Stanton y Harris. La película cuenta con una banda sonora original del ganador del Oscar® Randy Newman, quien regresa para musicalizar su quinta película de la saga. Toy Story 5 estrena exclusivamente en cines el 17 de junio de 2026.

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Dirigida por Jon Favreau, Star Wars: The Mandalorian and Grogu llega a los cines de toda Venezuela este jueves 21 de mayo. En la nueva película de Star Wars dirigida protagonizada por Pedro Pascal, Sigourney Weaver y Jeremy Allen White, el cruel Imperio ha caído, pero los señores imperiales de la guerra siguen dispersos por toda la Galaxia. La incipiente Nueva República trabaja para proteger las conquistas de la Rebelión con la ayuda del legendario cazarrecompensas mandaloriano, Din Djarin (Pascal), y su joven aprendiz, Grogu.

El tráiler final, junto a un nuevo póster, anteceden el esperado estreno en la gran pantalla del filme escrito por Jon Favreau, Dave Filoni y Noah Kloor, bajo la producción de de Jon Favreau, p.g.a., Kathleen Kennedy, p.g.a., Dave Filoni, p.g.a., e Ian Bryce, p.g.a.; con Karen Gilchrist, John Bartnicki y Carrie Beck como productores ejecutivos. La banda sonora original de Star Wars: The Mandalorian and Grogu incluye música del compositor ganador del Premio de la Academia® Ludwig Göransson.

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Obsesión, dirigida por Curry Barker, es una de esas películas que parte de una premisa aparentemente sencilla y termina convirtiéndose en una experiencia inquietante y perturbadora. Lo que en un inicio parece una historia romántica juvenil pronto se transforma en un relato de horror psicológico que juega con la incomodidad del espectador y plantea una visión oscura sobre los límites del deseo y la obsesión.

La trama sigue a un joven reservado que lleva años enamorado en silencio de su mejor amiga. Incapaz de expresarle sus sentimientos y consumido por la frustración, recurre a un misterioso objeto con la esperanza de cambiar su suerte. Su deseo parece inocente: lograr que ella finalmente se enamore de él. Sin embargo, lo que obtiene es una versión distorsionada y aterradora de ese anhelo, dando pie a una historia que mezcla romance, terror sobrenatural y tensión psicológica.

Uno de los aspectos más destacados de la película es su capacidad para cambiar de tono sin perder fuerza. Hay momentos que parecen sacados de una comedia incómoda y otros que se convierten en auténticas escenas de pesadilla. Esa dualidad hace que la historia mantenga al espectador en constante tensión, sin saber si lo siguiente provocará risa nerviosa o verdadero miedo.

La dirección de Barker apuesta por un estilo visual sobrio, sin depender de grandes efectos especiales. En lugar de eso, construye el suspenso mediante silencios, encuadres cerrados y una atmósfera cada vez más opresiva. El resultado es una sensación persistente de que algo no encaja, incluso en los momentos más cotidianos.

Más allá de su elemento sobrenatural, Obsesión funciona como una reflexión sobre el lado más oscuro del amor idealizado. La película explora cómo el deseo de controlar los sentimientos de otra persona puede convertirse en una forma de posesión, y cómo una fantasía romántica puede derivar en algo profundamente perturbador.

En conclusión, Obsesión es una propuesta original dentro del cine de terror reciente. No busca asustar únicamente con sobresaltos, sino generar una incomodidad que se va instalando poco a poco. Para quienes disfrutan de historias psicológicas con un trasfondo emocional retorcido, esta cinta ofrece una experiencia intensa y bastante memorable.

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Hay documentales musicales que funcionan como piezas de museo, ordenados, elegantes, cuidadosamente empaquetados para glorificar a una banda y luego, existen trabajos como Iron Maiden: Burning Ambition, que prefieren capturar el sudor antes que la estatua. Esta producción no intenta construir un mito; intenta mostrar cómo nace uno. El resultado es un retrato áspero, eléctrico y profundamente humano de los años formativos de Iron Maiden, cuando todavía eran una promesa rabiosa peleando por sobrevivir en los bares londinenses.

Más que una simple cronología, el documental se siente como una cápsula de tiempo de la escena británica de finales de los setenta y principios de los ochenta. El espectador no encuentra aquí a la maquinaria gigantesca que llenaría estadios alrededor del mundo, sino a músicos hambrientos, obsesivos y convencidos de que el heavy metal todavía podía ser peligroso. Esa es, quizás, la mayor virtud de la película, recordar que Iron Maiden nació desde la marginalidad, desde escenarios diminutos, equipos precarios y una ambición casi irracional.

La narrativa gira inevitablemente alrededor de Steve Harris, presentado no solamente como líder creativo, sino como arquitecto emocional del proyecto. El documental deja claro que Maiden no fue producto del azar ni de la moda, fue consecuencia directa de la disciplina casi militar de Harris y de una visión artística que parecía demasiado grande para los clubes donde tocaban. Cada entrevista, cada fotografía granulada y cada fragmento de archivo refuerzan esa idea de obstinación absoluta.

Visualmente, Burning Ambition abraza la estética del rock clásico: imágenes envejecidas, tomas de conciertos con iluminación cruda y testimonios que parecen grabados entre humo, cerveza y nostalgia. Lejos de jugar en contra, esa textura imperfecta le da autenticidad. El documental entiende algo esencial sobre el heavy metal: la pulcritud excesiva mata parte de su espíritu.

Musicalmente, la película es un regalo para los seguidores de la llamada New Wave of British Heavy Metal. Las apariciones de canciones tempranas y las referencias al circuito underground permiten entender por qué Iron Maiden terminó diferenciándose de tantas bandas contemporáneas. Mientras otros apostaban únicamente por agresividad o velocidad, Maiden incorporaba narrativa, épica y una sensibilidad melódica poco común dentro del género. El documental logra transmitir cómo esa combinación empezó a gestarse desde los primeros años.

También resulta interesante cómo la película retrata el contexto social británico de la época. Hay desempleo, desencanto juvenil y una necesidad urgente de identidad cultural. El heavy metal aparece entonces no solo como entretenimiento, sino como válvula de escape para una generación frustrada. En ese sentido, Burning Ambition funciona igualmente como documento histórico, muestra cómo el rock duro se convirtió en refugio emocional y declaración de resistencia.

Sin embargo, el documental no está exento de limitaciones. Por momentos, la estructura narrativa se vuelve repetitiva y ciertos pasajes parecen dirigidos exclusivamente al fanático hardcore, dejando fuera a espectadores menos familiarizados con la historia de la banda. Además, algunas entrevistas carecen de profundidad emocional y se enfocan más en anécdotas que en análisis artístico. Aun así, esos tropiezos nunca logran apagar la energía genuina que atraviesa toda la obra.

Lo más valioso de Iron Maiden: Burning Ambition es que entiende que el verdadero rock no nace cuando llegan los discos de platino, sino mucho antes, cuando nadie cree en ti excepto tú mismo. La película captura ese instante exacto en el que una banda deja de ser un sueño improbable y comienza a convertirse en leyenda.

Para los seguidores de Iron Maiden, el documental es prácticamente obligatorio. Para los amantes del rock, es un recordatorio de una época donde la música todavía se construía en garajes húmedos, pubs ruidosos y noches interminables cargadas de hambre artística. Y para el cine documental musical, representa una obra honesta que privilegia la pasión sobre el espectáculo.

Burning Ambition no busca impresionar con artificios modernos. Su fuerza está en otra parte, se encuentra en la convicción feroz de unos músicos que se negaron a desaparecer. Como el mejor heavy metal, la película suena cruda, directa y eterna.

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La franquicia de Mortal Kombat vuelve a la pantalla grande con una secuela que entiende mucho mejor qué es lo que los fanáticos querían ver desde el inicio. Dirigida nuevamente por Simon McQuoid, esta segunda entrega deja atrás varias de las debilidades de la película de 2021 para enfocarse en lo que realmente convirtió a la saga en un fenómeno mundial: combates salvajes, personajes icónicos y un espectáculo cargado de violencia exagerada y nostalgia gamer.

Uno de los mayores aciertos de la cinta es la incorporación de Karl Urban como Johnny Cage. Su presencia aporta carisma, humor y una energía mucho más desenfadada que ayuda a equilibrar el tono oscuro de la historia. El personaje roba varias escenas gracias a su actitud arrogante y a diálogos cargados de ironía, convirtiéndose rápidamente en uno de los favoritos de la película. Su llegada revitaliza la franquicia y le da una personalidad mucho más entretenida.

A diferencia de la entrega anterior, esta vez el esperado torneo sí ocupa el centro de la trama. Eso permite que la película tenga más enfrentamientos directos, fatalities más creativos y un ritmo mucho más intenso. Las coreografías de pelea están mejor trabajadas, con escenas violentas y visualmente impactantes que abrazan por completo la esencia arcade de los videojuegos.

Sin embargo, Mortal Kombat 2 no es perfecta. Aunque la acción cumple con creces, el guion sigue siendo bastante simple y en ocasiones parece solo una excusa para conectar una pelea con otra. Algunos personajes secundarios tienen poco desarrollo y ciertas decisiones narrativas resultan apresuradas. Aun así, la película parece consciente de sus limitaciones y nunca intenta ser algo que no es: un espectáculo brutal pensado para divertir a los seguidores de la saga.

Visualmente, la cinta mejora notablemente respecto a la anterior. Los escenarios inspirados en Outworld, los efectos especiales y el diseño de personajes logran transmitir una sensación más cercana a los videojuegos clásicos. Además, el filme está lleno de referencias y guiños para los fanáticos veteranos, algo que seguramente será celebrado por la comunidad gamer.

En conclusión, Mortal Kombat 2 no busca reinventar el cine de acción ni convertirse en una obra profunda, pero sí entrega exactamente lo que promete: peleas sangrientas, personajes legendarios y entretenimiento explosivo de principio a fin. Para quienes crecieron jugando la saga, esta secuela probablemente se sentirá mucho más cercana al espíritu original de los juegos que cualquier adaptación previa reciente.

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Un problema que puede desconcertar a muchos usuarios del control Nova Pro Controller es la vibración constante al conectarlo por Bluetooth a una PC con Windows 11, específicamente al abrir Steam. A simple vista parece un fallo del hardware o incluso un defecto del control, pero la realidad es mucho más sencilla: se trata de un error en el proceso de emparejamiento. En este artículo se explica qué está pasando realmente y cómo solucionarlo en pocos pasos.

El origen del problema: Emparejamiento incorrecto

El Nova Pro cuenta con distintos modos de conexión dependiendo del dispositivo. El detalle clave es que cada modo se activa con una combinación de botones distinta, y no todos son compatibles con PC.

Modo para PC: Mantener presionado Share + Home

Modo para Nintendo Switch (deja el control incompatible para PC): Mantener presionado Option + Home

El error ocurre cuando el usuario empareja el control con la PC usando la combinación destinada a Nintendo Switch. En ese caso, Windows detecta el dispositivo como un Pro controller, pero lo interpreta de forma incorrecta, generando conflictos de funcionamiento del control y la vibración permanente al abrir Steam.

¿Por qué el control vibra sin parar?

Cuando el control está mal emparejado en la PC, Steam intenta aplicar su sistema de configuración (Steam Input). El sistema recibe señales erróneas del control y se genera un bucle de retroalimentación en la vibración (rumble).

El resultado: el control comienza a vibrar de forma constante apenas se abre Steam.

¿Cómo solucionar el problema paso a paso?

1. Elimina el emparejamiento actual: Ve a la configuración de Bluetooth en Windows y elimina el dispositivo del control.
2. Empareja correctamente el control:
   • Apaga el control
   • Mantén presionado Share + Home
   • Busca el dispositivo en Bluetooth
   • Conéctalo como “Wireless Controller”
3. Abre Steam y verifica que todo esté funcionando correctamente con tu control Nova Pro.
   • Ve a Configuración → Controller.
   • El control debería ser detectado sin problemas (nada de vibración constante).

Señales de que todo está funcionando bien

Se sabrá que el proceso fue correcto si:

• El control aparece como “Wireless Controller”
• Steam lo reconoce sin necesidad de ajustes extra
• No hay vibración automática
• Los juegos responden correctamente

¿Y si el control sigue fallando?

Si obtienes un comportamiento no esperado del control, o simplemente no aparece en la lista de dispositivos Bluetooth al intentar emparejarlo usando “Share + Home”, la solución más efectiva es actualizar o reinstalar el firmware oficial del dispositivo desde Fantech.

El proceso es sencillo:

• Descarga el firmware más reciente desde la página oficial de Fantech
• Ejecuta el archivo en tu PC.
• Conecta el control vía USB mientras mantienes presionado el botón triángulo.
• Inicia la instalación del firmware.
• Espera a que el proceso finalice completamente.

Incluso si ya se tiene la última versión instalada, realizar una reinstalación puede corregir errores internos del dispositivo.

Una vez completado este procedimiento, el control debería dejar de presentar problemas de conectividad, reconocimiento o vibración.

El problema de vibración constante del Nova Pro en PC no es un defecto del control ni de Steam, sino un simple error de emparejamiento. Usar la combinación correcta (Share + Home) marca toda la diferencia entre una experiencia fallida y un funcionamiento perfecto.

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Miranda Priestly está de regreso. La icónica directora de la revista Runway está taconeando en las salas de cine de toda Venezuela por el estreno de El diablo viste a la moda 2, la esperada secuela de la película de 2006. Protagonizada una vez más por Meryl Streep(Priestly), Anne Hathaway(Andy), Emily Blunt(Emily)yStanley Tucci (Nigel), la nueva historia reencuentra a las audiencias con los queridos personajes veinte años después, transportándolas nuevamente al sofisticado mundo de Runway, donde la periodista Andy Sachs regresa a trabajar bajo el mando de la inigualable Miranda.

A dos décadas del fenómeno cultural en que devino el primer filme, El diablo viste a la moda 2 hace su entrada triunfal de la mano del mismo equipo creativo detrás de la primera película, regalando a los fanáticos nuevas frases memorables y mucha moda.

Un mundo diferente que merecía ser explorado

El elenco y el equipo creativo coinciden: la secuela más esperada llegó cuando tenía que llegar. David Frankel, director de la película original y de la nueva entrega, sostiene que fueron los cambios sucedidos en el mundo del periodismo impreso durante los últimos años los que prepararon el terreno para la continuación de la historia. “A medida que vimos cómo el periodismo impreso seguía en declive año tras año, empezó a tener sentido explorar ese cambio y desarrollar una historia en la que estos personajes volvieran a interactuar”, explica, al tiempo que la actriz Meryl Streep agrega: “El negocio prácticamente se desvaneció, y todos están tratando de ver cómo hacer para hacerlo funcionar. Y es en ese contexto donde surge la tensión y surge la trama, y donde pasan a primer plano todas las cosas que la gente tiene que hacer para mantener el barco a flote en tiempos turbulentos”.

Con respecto al reencuentro con los personajes principales en este contexto, Frankel comenta: “La cuestión de cómo Miranda Priestly enfrentaría el declive de su imperio nos resultó fascinante. Y en el caso de Andy Sachs, si la primera película era una historia de aprendizaje en la que una joven descubre su lugar en el mundo, la secuela trata sobre una mujer madura que enfrenta la realidad de todas las decisiones que tomó en su vida”.

Meryl Streep, la pieza clave

La realización de la secuela dependía de una buena trama, pero había una pieza clave para que se convirtiera en realidad: Meryl Streep. Según Frankel, no había posibilidad de avanzar con una secuela sin ella. Gracias a una serie de eventos de los últimos años que llevaron a la legendaria actriz a volver a ver la película original y a reencontrarse con Hathaway, la guionista Aline Brosh McKenna y Frankel, la idea de la secuela comenzó a tomar forma. 

Una vez confirmada para el proyecto, Streep conversó extensamente con Brosh McKenna sobre el camino que habría recorrido Miranda Priestly en estos últimos veinte años. Cuenta la guionista: “Fue muy emocionante simplemente sentarme a conversar nuevamente con Meryl. Hablamos durante unas cuatro o cinco horas después de que le envié el primer borrador, y fue muy interesante hablar con ella. Tiene grandes preguntas, grandes ideas y ofrece una colaboradora fantástica”.

Evoluciones profesionales y personales

“Lo que hace única y especial a esta secuela es que no surgió porque el estudio nos la pidiera. Nació del deseo de los creadores de la película original de volver a este material. Así que tuvimos la oportunidad de desarrollarla por nuestra cuenta y definir qué nos importaba, qué nos gustaba y qué nos resultaba interesante”, cuenta Brosh McKenna. En ese proceso, la guionista y el director hicieron foco en el tema central de la nueva historia: el cambio. “Las historias que nos interesan tratan sobre los seres humanos y lo que atraviesan cuando sus circunstancias cambian o cuando el mundo cambia a su alrededor”, comenta la guionista, al tiempo que Frankel agrega: “El cambio es algo que todos experimentamos en nuestra carrera profesional, y la forma en que lo afrontamos está muy presente; es algo que todos nuestros personajes deben atravesar”, señala. En este sentido, y en el marco de un contexto muy diferente al de comienzos de los 2000, la película acompaña a Miranda, Andy, Emily y Nigel en sus trayectos personales y profesionales, poniéndolos en el centro de nuevas circunstancias en momentos vitales muy diferentes a los que transitaron en el primer filme.

Una historia que no pasa de moda

Brosh McKenna asegura que el interés principal de los realizadores siempre estuvo en los personajes y las relaciones entre ellos, y no hay duda de que ahí está el secreto de la vigencia de esta historia. “Hay algo en esta historia, en estos personajes y en sus vidas que parece producir alegría”, observa la guionista. Y la actriz Emily Blunt coincide. “La primera película se convirtió en una especie de reserva nostálgica de alegría para la gente. Es una experiencia que une: hay gente que se separó, volvió a la casa y vio El diablo viste a la moda para animarse. La pasan en los aviones. La ven cuando sus padres están enfermos. La ven en Navidad. Tiene algo que genera mucha conexión”, asegura.

Veinte años después de aquel estreno que marcaría a toda una generación, los desafíos, las alegrías y las tristezas de los personajes de Runway continúan conmoviendo a espectadores de todas las edades. Y tener la posibilidad de reencontrarse con ellos es simplemente maravilloso.

El diablo viste a la moda 2 ya está disponible en cines.

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Han pasado dos décadas desde que El diablo viste a la moda se convirtió en un fenómeno cultural, y ahora su secuela, El diablo viste a la moda 2, llega con una mezcla de nostalgia, glamour y expectativas muy altas. El resultado es una película que, aunque funciona a nivel comercial y emocional, deja sensaciones encontradas cuando se analiza con más profundidad.

Un reencuentro que funciona… y vende

Uno de los mayores aciertos de esta secuela es, sin duda, el regreso del elenco original. Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci retoman sus personajes con una naturalidad que demuestra que el tiempo no ha borrado la química que los hizo icónicos.

Esa misma energía —afilada, elegante y cargada de personalidad— es clave para entender por qué la película ha logrado mantener una buena taquilla desde su estreno. No se trata solo de nostalgia: los actores realmente vuelven a habitar sus roles como si nunca se hubieran ido. La dinámica entre Miranda, Andy y Emily sigue siendo magnética, y eso sostiene gran parte del interés del público.

Además, la película aprovecha el contexto actual: una industria editorial en crisis y un mundo de la moda dominado por nuevas reglas y poderes económicos . Este enfoque le da una base temática interesante… al menos en teoría.

Una historia que no logra enganchar

Aquí es donde la película empieza a perder fuerza.

Aunque la premisa —el declive de las revistas impresas y el enfrentamiento entre viejos y nuevos poderes— tiene potencial, el desarrollo narrativo se siente plano. Varias críticas coinciden en que la secuela cumple más como “fan service” que como una evolución real de la historia .

Los conflictos no terminan de escalar, los momentos dramáticos carecen de impacto y el humor, aunque presente, no alcanza el nivel fresco y mordaz de la primera entrega. La película avanza, pero rara vez sorprende.

En otras palabras: entretiene, pero no deja huella.

Andy Sachs: El punto más débil

Uno de los aspectos más desconcertantes es la evolución —o falta de ella— de Andy Sachs.

A pesar de que han pasado 20 años dentro del universo de la historia , el personaje interpretado por Anne Hathaway sigue mostrando una actitud excesivamente inocente y jovial. Esta decisión rompe un poco la credibilidad del relato: se esperaba una Andy más madura, más marcada por su experiencia, pero en cambio parece estancada en el tiempo.

Esto genera un contraste extraño con el resto del elenco, cuyos personajes sí reflejan mejor el paso de los años y los cambios del entorno.

Espectáculo visual vs. profundidad narrativa

Donde la película sí cumple sin discusión es en su apartado visual. Vestuario impecable, escenarios lujosos y una estética que vuelve a capturar el universo aspiracional de la moda.

Sin embargo, ese brillo externo no logra compensar la falta de una historia realmente interesante o innovadora. La secuela parece más preocupada por recrear la fórmula original que por reinventarla.

El diablo viste a la moda 2 es una película que funciona… pero principalmente por lo que ya fue, no por lo que logra construir.

El regreso del elenco original es su mayor fortaleza y la razón principal de su éxito en taquilla: mantienen intacta la esencia y la energía que enamoró al público hace años. Sin embargo, la historia se queda corta, sin ofrecer un relato realmente atractivo o memorable.

Es, en esencia, un reencuentro elegante y entretenido… pero que deja la sensación de que pudo haber sido mucho más.

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“Michael” (2026), dirigida por Antoine Fuqua, es una película biográfica que busca rendir homenaje a una de las figuras más influyentes de la música: Michael Jackson. Desde el inicio, la cinta deja claro que no es solo una historia, sino una experiencia audiovisual pensada para emocionar tanto a fans como a quienes simplemente conocen su legado.

Es innegable el cuidado y el amor que se le puso a todo el aspecto artístico de la película. Las escenas musicales están muy bien logradas; clásicos como “Thriller” cobran vida con una energía que pone la piel de gallina. A esto se suma uno de los puntos más fuertes de la obra: la actuación. Tanto Juliano Valdi en la etapa infantil como Jaafar Jackson en la adultez ofrecen interpretaciones espectaculares. Jaafar, en específico, logra capturar no solo los movimientos y la voz, sino también la esencia escénica de Michael, hasta el punto de que en varias escenas parece que estamos viendo al propio artista.

Sin embargo, donde la película puede quedarse un poco corta es en el desarrollo más profundo del lado personal de Michael. Esta primera parte se centra principalmente en su infancia y en los miedos que arrastra debido a la relación con su padre, mostrando cómo este control estricto y ambicioso marcó su vida. En ese sentido, la historia se enfoca sobre todo en sus inicios junto a sus hermanos (The Jackson 5) y en su proceso de liberación de esa figura paterna.

Aun así, el enfoque emocional se siente algo limitado, ya que se concentra casi exclusivamente en ese trauma. Se deja entrever cómo ese pasado influye en su personalidad adulta (como esa imagen de “niño grande” que intenta llenar vacíos emocionales con lujos, juguetes y animales), pero no profundiza demasiado en otras complejidades de su vida.

En mi opinión, “Michael” sí logra honrar el legado del Rey del Pop, ya que como espectadores nos hace conectar con su faceta de prodigio y entender por qué su figura marcó a generaciones enteras. Sin embargo, a pesar de ese acierto, queda la sensación de que la historia se queda un poco en la superficie cuando se trata de su lado más personal. Aun así, funciona muy bien como una primera parte, y espero que en la segunda logren explorar más esas complejidades y ofrecer una visión más completa de quién fue, no solo como ícono, sino también como persona.

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Netflix ha dado luz verde a uno de sus proyectos más ambiciosos dentro del terreno de las adaptaciones: el live-action de Gundam, una de las franquicias más influyentes de la historia del anime. El anuncio, publicado en su cuenta oficial de X, confirma que la película ya está en plena producción y promete llevar a la pantalla una historia épica de guerra, rivalidad y mechas colosales.

La plataforma no sólo apuesta por el espectáculo visual, sino también por un enfoque narrativo más humano, centrado en pilotos rivales que luchan en bandos opuestos dentro de un conflicto que abarca tanto la Tierra como sus colonias espaciales.

Una historia de guerra, rivalidad y supervivencia

El argumento adelantado por Netflix apunta a una narrativa clásica del universo Gundam: dos pilotos de mechas enfrentados en una guerra de gran escala. Sin embargo, el giro está en el desarrollo de su relación, ya que ambos personajes deberán confrontar no solo a su enemigo, sino también a una amenaza mayor que podría redefinir el destino de la humanidad.

Este enfoque mantiene intacto el ADN de la franquicia, que desde 1979 ha explorado temas como los conflictos bélicos, la política, la evolución humana y las consecuencias de la guerra, todo enmarcado en combates espectaculares entre robots gigantes.

Un elenco internacional de alto perfil

Uno de los aspectos más llamativos del anuncio es su reparto, encabezado por dos rostros muy conocidos dentro del ecosistema de Netflix: Sydney Sweeney y Noah Centineo.

Pero el casting va mucho más allá, conformando un elenco diverso y potente. La lista completa confirmada en el anuncio es la siguiente:

• Sydney Sweeney
• Noah Centineo
• Jackson White
• Shioli Kutsuna
• Nonso Anozie
• Michael Mando
• Javon Walton
• Oleksandr Rudynskyi
• Ida Brooke
• Gemma Chua-Tran
• Jason Isaacs

Este grupo mezcla actores consolidados con nuevas promesas, lo que sugiere una apuesta por equilibrar experiencia y frescura en pantalla.

Producción y ambición cinematográfica

La película está siendo desarrollada por Legendary Pictures en colaboración con Bandai Namco Filmworks, con Netflix como distribuidor global. Además, la dirección está en manos de Jim Mickle, conocido por su trabajo en Sweet Tooth, lo que da pistas sobre el tono: una mezcla de espectáculo con carga emocional.

El rodaje ya comenzó, lo que confirma que el proyecto ha pasado de ser una promesa a una realidad tangible.

El reto de adaptar una leyenda

Llevar Gundam al formato live-action no es tarea fácil. Se trata de una franquicia con décadas de historia, múltiples líneas temporales y una base de fans extremadamente exigente. Sin embargo, el éxito reciente de otras adaptaciones de anime por parte de Netflix ha elevado las expectativas.

La clave estará en encontrar el equilibrio entre fidelidad al material original y accesibilidad para nuevas audiencias. Si lo logran, esta película podría convertirse en el siguiente gran fenómeno global de la plataforma.

Una apuesta que puede marcar época

El anuncio de Netflix deja claro que Gundam no será una adaptación más. Con un elenco sólido, una historia cargada de tensión emocional y un universo rico en posibilidades, el proyecto tiene el potencial de redefinir cómo se adaptan los animes al cine live-action.

Ahora solo queda esperar a ver si esta ambiciosa producción logra estar a la altura del legado de una saga que, durante más de cuatro décadas, ha definido el género mecha.

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La Posesión de la Momia no es la película que muchos esperan cuando escuchan la palabra “momia”. Aquí no hay aventuras exóticas ni héroes carismáticos: lo que propone Lee Cronin es una experiencia incómoda, enfermiza y profundamente perturbadora, más cercana a una posesión demoníaca que a una maldición milenaria.

Desde sus primeros minutos, la cinta deja claro que su intención no es entretener de forma ligera, sino incomodar. La historia gira en torno a una familia marcada por la desaparición de su hija, quien regresa años después… pero convertida en algo que desafía toda lógica humana. Este enfoque transforma el relato en una mezcla de drama familiar y horror psicológico, donde el verdadero terror no está en la criatura, sino en la descomposición emocional de quienes la rodean.

Pero si algo define a esta película —y la hace destacar para bien o para mal— es su apuesta sin filtros por el gore extremo. Cronin no se guarda absolutamente nada: cuerpos que se deforman, fluidos que brotan sin pudor y escenas que rozan lo grotesco convierten varias secuencias en auténticas pruebas de resistencia para el espectador. No es exagerado decir que hay momentos que pueden provocarte náuseas, especialmente por su crudeza explícita y su insistencia en lo físico y lo repulsivo.

La cámara, además, juega un papel clave en esa incomodidad. Se acerca demasiado, invade espacios, se retuerce junto con los personajes. Todo está diseñado para que no puedas escapar visualmente del horror. Es un cine que no solo quiere que lo veas, sino que lo sientas… incluso cuando preferirías apartar la mirada.

Sin embargo, esta obsesión por el impacto visceral también es su mayor debilidad. En su intento por ser brutal, la película descuida aspectos esenciales como la coherencia narrativa o el desarrollo de personajes. En varios momentos, el film se siente más como una colección de escenas impactantes que como una historia sólida, con un tono irregular y una duración que puede hacerse pesada.

Aún así, La Posesión de la Momia no pasa desapercibida. Es una obra que divide, que incomoda y que apuesta por llevar el horror corporal a límites poco comerciales. Puede que no sea una película redonda, pero sí es una experiencia intensa que se queda pegada en la mente… y en el estómago.

Una propuesta arriesgada y visceral que transforma a la momia en algo mucho más perturbador. Si tienes tolerancia alta al gore y buscas una experiencia extrema, aquí la encontrarás. Pero si eres sensible a lo gráfico, prepárate: esta película no solo te asustará… también puede revolverte el cuerpo en más de una ocasión.

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En un panorama cinematográfico donde las historias de ambición suelen disfrazarse de superación personal, Jugada Maestra (2026) apuesta por una ruta mucho más oscura… y, en ocasiones, incómodamente divertida. Dirigida por John Patton Ford, la película mezcla comedia negra, thriller y sátira social para contar la historia de un hombre dispuesto a todo —literalmente todo— para reclamar una fortuna que siente suya.

Una premisa tan elegante como retorcida

La historia sigue a Becket Redfellow, interpretado por Powell, un joven marcado por el resentimiento de clase y una obsesión casi enfermiza por recuperar el estatus perdido de su familia. ¿El problema? Está muy abajo en la línea de herencia. ¿La solución? Eliminar, uno por uno, a quienes lo separan de una fortuna multimillonaria.

La película toma inspiración de relatos clásicos sobre ambición criminal, pero los adapta a una sensibilidad moderna donde el dinero, el privilegio y la desigualdad funcionan como combustible narrativo.

Glen Powell: carisma que seduce… pero no siempre sostiene

Uno de los mayores atractivos del film es, sin duda, la presencia de Powell. Su interpretación juega con su imagen de galán para construir un personaje encantador en la superficie, pero profundamente perturbador en el fondo.

Sin embargo, aquí es donde la película divide opiniones: mientras su carisma facilita la conexión inicial con el espectador, también puede restarle peso dramático a un personaje que requería mayor profundidad emocional.

Curiosamente, quien roba varias escenas es Margaret Qualley, aportando misterio y tensión con un personaje que funciona como detonante emocional y símbolo del mundo de lujo que Becket anhela.

Humor negro y crítica social: una combinación irregular

Jugada Maestra intenta equilibrar su tono entre lo satírico y lo macabro. Por momentos, logra ser una crítica mordaz sobre la obsesión por la riqueza y el estatus social, mostrando cómo el deseo de pertenecer puede convertirse en una espiral de violencia.

Pero ese equilibrio no siempre funciona. La película arranca con una premisa afilada y provocadora, aunque en su desarrollo pierde algo de contundencia, quedándose a medio camino entre la comedia elegante y el thriller despiadado.

Ritmo ágil, impacto moderado

Narrada a través de flashbacks y con una estructura que mantiene la intriga, la cinta resulta fácil de seguir y entretenida en términos generales. Sin embargo, a medida que los eventos se acumulan, la historia puede sentirse más mecánica que impactante, como si el guion priorizara el concepto por encima de la emoción.

Jugada Maestra no es una obra maestra… pero tampoco lo intenta ser del todo. Es una película con una idea potente, una ejecución estilizada y momentos de brillante ironía, aunque limitada por un tono inconsistente y un protagonista que nunca termina de evolucionar.

Aun así, resulta una propuesta interesante dentro del cine comercial actual: atrevida en su premisa, entretenida en su desarrollo y lo suficientemente provocadora como para dejar una pregunta incómoda flotando en el aire:

¿Hasta dónde llegarías por pertenecer al mundo que te negó todo?

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Paramount Pictures ha revelado el esperado primer tráiler de Street Fighter, una ambiciosa nueva adaptación del icónico videojuego de Capcom que promete llevar toda la intensidad de los arcades a la gran pantalla. El adelanto no solo destaca por su despliegue de combates y efectos, sino también por incluir una versión inédita del clásico “Ambitionz Az a Ridah” de Tupac Shakur, originalmente creada para Mike Tyson en la década de 1990.

Una historia ambientada en los orígenes del torneo

La película nos transporta a 1993, donde los legendarios luchadores Ryu y Ken Masters —interpretados por Andrew Koji y Noah Centineo— deberán dejar atrás sus diferencias para enfrentar una amenaza mayor.

La misteriosa Chun-Li, encarnada por Callina Liang, los recluta para participar en el Torneo Mundial de Guerreros, un brutal enfrentamiento donde no solo está en juego la gloria, sino el destino de todos.

Pero lo que parece ser una simple competencia pronto revela una conspiración mortal que obligará a los combatientes a enfrentarse entre sí… y a sus propios demonios. Como advierte el tráiler: si fallan, será Game Over.

Un elenco repleto de estrellas

El filme, dirigido por Kitao Sakurai, apuesta por un reparto tan diverso como potente:

• Noah Centineo como Ken Masters
• Andrew Koji como Ryu
• Callina Liang como Chun-Li
• Joe Anoa’i como Akuma
• David Dastmalchian como M. Bison
• Cody Rhodes como Guile
• Andrew Schulz como Dan Hibiki
• Eric André como Don Sauvage
• Vidyut Jammwal como Dhalsim
• Orville Peck como Vega
• Olivier Richters como Zangief
• Hirooki Goto como E. Honda
• Rayna Vallandingham como Juli
• Alexander Volkanovski como Joe

Además, el filme cuenta con la participación de 50 Cent como Balrog y Jason Momoa como Blanka.

Producción y equipo creativo

La película es una colaboración entre Paramount Pictures y Legendary Pictures, en asociación con Capcom.

Cuenta con producción de Mary Parent, Cale Boyter, Jason Momoa, Takayuki Nakayama y Stefan Makhoul, mientras que la historia corre a cargo de Dalan Musson y Gary Dauberman.

El guion fue escrito por T.J. Fixman junto al propio Kitao Sakurai.

Acción clásica con espíritu moderno

El tráiler deja claro que Street Fighter apostará por una mezcla de nostalgia y espectáculo moderno, con Hadoukens, patadas giratorias y enfrentamientos que buscan capturar la esencia del videojuego original.

Con un enfoque en los orígenes de sus personajes y una trama más oscura de lo habitual, esta nueva adaptación apunta a convertirse en uno de los estrenos más llamativos para los fans del género de acción y de los videojuegos.

La pelea está por comenzar.

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20th Century Studios reveló el primer tráiler y póster de La guerra de los últimos en la presentación anual de CinemaCon®. La nueva película del visionario director Ridley Scott es un apasionante thriller épico ambientado en un mundo donde la supervivencia es un instinto, pero la humanidad es una elección.

Scott cuenta la historia de Hig, un joven piloto que, junto a Bangley, un militar experto en supervivencia, ha construido un refugio eficiente pero aislado en un despiadado mundo postapocalíptico, hasta que una misteriosa transmisión de radio lo impulsa a aventurarse en lo desconocido en busca de la esperanza y la humanidad en las que aún cree.

Basada en el cautivador bestseller de Peter Heller (“The Dog Stars”), La guerra de los últimos reúne a un aclamado elenco que incluye a Jacob Elordi, Josh Brolin, Margaret Qualley, Guy Pearce, Benedict Wong y Allison Janney. La película cuenta con guion de Mark L. Smith, y está producida por Ridley Scott, Michael Pruss, Mark L. Smith y Cliff Roberts.

La guerra de los últimos llega en agosto a los cines.

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Este noviembre, el ícono de la comedia y ganador del Emmy, Ben Stiller, y el dos veces ganador del Oscar®, Robert De Niro, se reúnen, junto a la ganadora del Grammy y nominada al Oscar®, Ariana Grande, en La Nueva Focker, un nuevo capítulo de la exitosa franquicia Meet the Parents.

Escrita y dirigida por John Hamburg, coguionista de las tres películas anteriores de Meet the Parents, La Nueva Focker está producida por la nominada al Oscar® Jane Rosenthal y Robert De Niro para Tribeca Productions; y por Ben Stiller y el ganador del Oscar® John Lesher para Red Hour Films.

Reparto: Robert De Niro, Ben Stiller, Ariana Grande, Owen Wilson, Blythe Danner, Teri Polo, Skyler Gisondo, Beanie Feldstein, Eduardo Franco

Guion y dirección: John Hamburg

Productores: Jane Rosenthal, Robert De Niro, Ben Stiller, John Lesher, Jay Roach, John Hamburg

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La maquinaria del terror vuelve a ponerse en marcha. Paramount Pictures ha lanzado oficialmente el primer tráiler y el afiche de El pasajero del diablo (Passenger), una nueva propuesta que mezcla horror sobrenatural con tensión psicológica en carretera.

La película parte de una premisa inquietante: tras presenciar un espantoso accidente de tráfico, una joven pareja cree haber salido ilesa… pero pronto descubre que algo oscuro los ha acompañado. Una presencia demoníaca conocida como “El Pasajero” se adhiere a ellos, transformando su viaje en furgoneta en una pesadilla implacable de la que parece imposible escapar.

Un viaje sin retorno

El tráiler adelanta una atmósfera opresiva y claustrofóbica, donde la carretera se convierte en una trampa y el vehículo en un espacio de horror constante. La figura del “Pasajero” se presenta como una entidad que no solo acecha, sino que persigue con una determinación sobrenatural, elevando la tensión a cada kilómetro recorrido.

El afiche, por su parte, refuerza esta sensación con una estética oscura y minimalista, dejando claro que el verdadero peligro no viene del exterior… sino de lo que ya está dentro.

Equipo creativo con experiencia en el terror

Detrás de la producción se encuentra un equipo con amplio recorrido en el género. La película está dirigida por André Øvredal, conocido por su habilidad para construir atmósferas inquietantes y relatos cargados de tensión.

El guion corre por cuenta de Zachary Donohue y T.W. Burgess, mientras que la producción está liderada por Walter Hamada y Gary Dauberman, ambos nombres asociados a exitosas franquicias de terror en los últimos años.

Como productores ejecutivos figuran Jenny Hinkey, Nathan Samdahl, Pete Chiappetta, Anthony Tittanegro y Andrew Lary.

Reparto

El elenco está encabezado por Jacob Scipio, Lou Llobell y Melissa Leo, quienes dan vida a los personajes atrapados en esta pesadilla sobrenatural.

Producción

El pasajero del diablo es una producción de 18 Hz y Coin Operated Production, presentada por Paramount Pictures en asociación con Domain Entertainment.

Con su combinación de horror demoníaco, tensión en espacios cerrados y un concepto que juega con la inevitabilidad del destino, la película promete convertirse en una de las propuestas más inquietantes del género en su próximo estreno.

El tráiler ya está disponible, y todo apunta a que este “viaje” será uno que pocos espectadores olvidarán fácilmente.

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Ya está disponible el tráiler de Wild Horse Nine, la nueva película de Martin McDonagh que llega a los cines de Venezuela en noviembre de 2026. Poco antes del golpe de Estado chileno de 1973, los agentes de la CIA Chris (John Malkovich) y Lee (Sam Rockwell) son enviados desde Santiago a la Isla de Pascua por su jefe, MJ (Steve Buscemi). Entre las icónicas estatuas de la isla, y mientras los socios de larga data lidian con sus pasados oscuros y conspiraciones presentes, el nuevo vínculo de Chris con unas estudiantes rebeldes (Mariana di Girolamo y Ailín Salas) pone en riesgo el curso del viaje en este paraíso remoto.

Dirigida por el ganador del Premio de la Academia® Martin McDonagh (Escondidos en Brujas, Siete psicópatas, Tres anuncios por un crimen, Los espíritus de la isla), Wild Horse Nine está protagonizada por el dos veces nominado al Oscar® John Malkovich (En un lugar del corazón, En la línea de fuego), el ganador del Oscar® Sam Rockwell (Fosse/Verdon, Tres anuncios por un crimen, Vice), Steve Buscemi (Fargo, Ghost World), Mariana Di Girolamo (Ema, El jockey), Ailín Salas (El secreto, Monzón), junto a Tom Waits (Siete psicópatas) y Parker Posey (The White Lotus). Con guion de McDonagh, la película reúne nuevamente al director y guionista con Searchlight Pictures, Blueprint Pictures y Film4, tras su colaboración en Los espíritus de la isla, nominada a 9 Premios de la Academia®. La producción es de Graham Broadbent, Pete Czernin, Martin McDonagh y Anita Overland.

Imágenes de la película

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Con el nuevo tráiler de El diablo viste a la moda 2 debutó “Runway”, la canción original interpretada por Lady Gaga y Doechii para el estreno que 20th Century Studios trae a los cines de Venezuela el próximo 30 de abril. También debutaron nuevos pósters de los personajes encarnados por Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci. Los icónicos personajes de Miranda, Andy, Emily y Nigel regresan tras casi 20 años a las elegantes calles de Nueva York, y a las sofisticadas oficinas de la revista Runway, en la esperada secuela del fenómeno de 2006 que definió a toda una generación.

La película reúne al reparto principal original con el director David Frankel y la guionista Aline Brosh McKenna, e introduce una nueva pasarela de personajes interpretados por Kenneth Branagh, Simone Ashley, Justin Theroux, Lucy Liu, Patrick Brammall, Caleb Hearon, Helen J. Shen, Pauline Chalamet, B.J. Novak y Conrad Ricamora. Tracie Thoms y Tibor Feldman también retoman sus papeles como Lily e Irv de la primera película. 

20th Century Studios presenta un nuevo tráiler, pósters de los personajes e imágenes de la esperada secuela El diablo viste a la moda 2. Casi 20 años después de interpretar a los icónicos personajes de Miranda, Andy, Emily y Nigel, Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci regresan a las elegantes calles de Nueva York y a las sofisticadas oficinas de la revista Runway, en la esperada secuela del fenómeno de 2006 que definió a toda una generación.

El diablo viste a la moda 2 está producida por Wendy Finerman y cuenta con la producción ejecutiva de Michael Bederman, Karen Rosenfelt y Aline Brosh McKenna. LA película se estrenará exclusivamente en cines el 30 de abril de 2026.

Imágenes de la película

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Existen filmes que no solo se ven, sino, que se sienten, se discuten y se quedan orbitando en la cabeza días después, “El Drama”, es uno de ellos. Desde su planteamiento inicial, la cinta apuesta por una narrativa íntima, casi claustrofóbica, donde los conflictos emocionales pesan más que la acción. En ese terreno, la elección de sus protagonistas no es casual: Robert Pattinson y Zendaya sostienen el relato con interpretaciones que, lejos del artificio, buscan una verdad incómoda.

Pattinson, en particular, continúa su evolución como actor. Atrás quedó definitivamente el ídolo juvenil; aquí construye un personaje quebrado, contenido, cuya tensión interna se percibe incluso en los silencios. Zendaya, por su parte, reafirma su madurez interpretativa, su presencia es magnética, pero no dominante; entiende cuándo contenerse y cuándo irrumpir con fuerza emocional. La química entre ambos no es necesariamente cómoda y ahí radica parte del mérito de la película.

En términos formales, “El Drama” se decanta por una estética sobria: planos largos, iluminación tenue y una dirección que privilegia el tiempo muerto, ese espacio donde los personajes respiran o se asfixian. Este ritmo, sin embargo, puede resultar exigente para ciertos espectadores; no es una obra complaciente, ni diseñada para el consumo ligero.

El guión, aunque sólido en su exploración de las relaciones humanas, particularmente en torno al amor, la culpa y la identidad, presenta algunos momentos donde la densidad temática roza lo reiterativo. Posee escenas que parecen insistir más de la cuenta en ideas ya planteadas, lo que puede afectar el ritmo general.

Aun así, la película logra algo cada vez más escaso en el cine contemporáneo: incomodar sin caer en la provocación vacía. Obliga al espectador a posicionarse emocionalmente, a preguntarse no solo qué ocurre en pantalla, sino por qué resuena tanto.

En conclusión, “El Drama” no es una película perfecta, pero sí una obra valiente, sostenida por dos actuaciones de alto calibre y una dirección que confía en la inteligencia del espectador. No busca gustar; busca permanecer.

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La nueva película de Gore Verbinski, “Buena suerte, diviértete, no mueras”, es una propuesta difícil de encasillar. Se mueve entre la ciencia ficción, la comedia negra y la sátira social con una energía caótica que, dependiendo del espectador, puede resultar fascinante o abrumadora.

Una premisa absurda… que se siente demasiado cercana

La historia arranca con un giro tan extraño como intrigante: un hombre asegura venir del futuro para advertir sobre el colapso de la humanidad causado por la inteligencia artificial, y decide reclutar a un grupo de desconocidos en un restaurante para cambiar el destino.

A partir de ahí, la película se convierte en una montaña rusa de situaciones impredecibles que combinan humor incómodo, paranoia tecnológica y una crítica bastante directa a la dependencia digital. Lo más interesante es que, aunque la premisa parece exagerada, muchas de sus ideas resuenan con la realidad actual.

Un elenco que sostiene el desorden

Sam Rockwell carga con gran parte del peso narrativo, entregando una actuación excéntrica y carismática que funciona como ancla en medio del caos. Su personaje es impredecible, pero logra mantener el interés incluso cuando la historia se dispersa.

El reparto se complementa con nombres como Juno Temple, Michael Peña y Zazie Beetz, quienes aportan dinamismo y ayudan a construir ese tono coral que refuerza la sensación de estar viendo un mundo al borde del colapso.

Ritmo frenético y exceso de ideas

Uno de los sellos de la película es su ritmo acelerado. Verbinski apuesta por una narrativa cargada de estímulos, con cambios constantes de tono y múltiples subtramas que se entrelazan sin detenerse demasiado en ninguna.

Cuando funciona, la experiencia es vibrante y entretenida. Pero en otros momentos, esa misma ambición juega en contra: la historia se siente sobrecargada, como si intentara abarcar demasiados conceptos a la vez —viajes en el tiempo, crítica social, violencia estilizada y humor absurdo— sin darles el espacio necesario para desarrollarse plenamente.

Una sátira que incomoda más de lo que divierte

Más allá del entretenimiento, la película busca incomodar. Su mirada sobre la inteligencia artificial, las redes sociales y la desconexión humana es mordaz, incluso agresiva por momentos.

El contraste es interesante: critica la sobreestimulación y la cultura digital… mientras adopta precisamente ese estilo narrativo acelerado y saturado. Esa contradicción no necesariamente es un error, pero sí hace que la experiencia sea intensa y, para algunos, agotadora.

En conclusión, “Buena suerte, diviértete, no mueras” es una película que no pasa desapercibida. Es audaz, provocadora y visualmente estimulante, pero también irregular y excesiva en varios tramos.

Gore Verbinski apuesta por una obra que refleja el caos del mundo moderno tanto en su mensaje como en su forma. Puede que no todas sus ideas encajen, pero el intento es tan ambicioso que resulta difícil ignorarlo.

En pocas palabras: una experiencia desordenada pero interesante, que deja más preguntas que respuestas… y que probablemente te hará mirar con otros ojos la tecnología que usas todos los días.

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Tras el fenómeno mundial que llevó a The Super Mario Bros. a la pantalla grande en 2023, recaudando más de $1.3 miles de millones de dólares en la taquilla, Illumination y Nintendo se reúnen para traer un nuevo y cósmico capítulo repleto de acción: Super Mario Galaxy: La Película.

Después de establecerse en su nueva vida en el Reino Champiñón, Mario (CHRIS PRATT) y Luigi (CHARLIE DAY) entran de nuevo en acción cuando una misteriosa llamada de auxilio apunta hacia un pasado inexplorado de la princesa Peach (ANYA TAYLOR-JOY). La misión saca a Mario y Luigi, a su familia —y a su nueva familia de amigos— de su entorno habitual, iniciando un apasionante viaje intergaláctico a través de nuevos mundos y con alianzas inesperadas.

La película reúne al elenco original multiestelar de voces en inglés que incluye a JACK BLACK (películas de Jumanji), interpretando la voz de Bowser; al ganador del Emmy KEEGAN-MICHAEL KEY (The Lion King), como Toad; y al nominado al Emmy KEVIN MICHAEL RICHARDSON (American Dad!), como Kamek. Se unen nuevos miembros al elenco, que incluye al ganador del Premio Emmy BENNY SAFDIE (Oppenheimer)como Bowser Jr.; al ganador del Emmy y del Grammy Donald Glover, como Yoshi; a la nominada al Emmy y al Globo de Oro ISSA RAE como Abeja Reina; a LUIS GUZMÁN, como Wart; y a la ganadora del Premio de la Academia^® BRIE LARSON (Captain Marvel)como Rosalina.

La película es dirigida por los cineastas nominados al Globo de Oro AARON HORVATH y MICHAEL JELENIC (colaboradores en Teen Titans Go!, Teen Titans Go! To the Movies) que vuelven a colaborar tras la primera entrega; fue escrita por el guionista MATTHEW FOGEL (Minions: The Rise of Gru), quien también escribió el guion de la primera entrega; y el compositor nominado al Premio Emmy BRIAN TYLER (Fast X) vuelve para componer la música original.

De Nintendo e Illumination —creador de las exitosas franquicias mundiales Despicable Me, Minions, Sing y The Secret Life of Pets— Super Mario Galaxy: La Película es producida por el fundador y CEO de Illumination CHRIS MELEDANDRI, p.g.a., nominado al Premio de la Academia^®; y por el Director Representante y socio de Nintendo SHIGERU MIYAMOTO, el creador de Mario.

Los productores ejecutivos son BRETT HOFFMAN, BILL RYAN y YUSUKE BEPPU. Los codirectores son PIERRE LEDUC y FABIEN POLACK, y los coproductores son BRICE COLINET y KELLY LAKE. Super Mario Galaxy: La Película es cofinanciada por Universal Pictures y Nintendo, y será estrenada a nivel mundial por Universal Pictures.

La historia

Cuando Super Mario Bros.: La Película estrenó en las salas de cine en 2023, se convirtió en un fenómeno mundial y en la adaptación cinematográfica de un videojuego más taquillera de la historia. La película, que se encuentra ubicada entre las cinco películas animadas más taquilleras de todos los tiempos, confirmó la permanencia cultural de Super Mario Bros. después de estar más de cuatro décadas en el centro de la cultura popular y marcó un momento decisivo en la trayectoria de éxitos animados mundiales de Illumination. Para Illumination y Nintendo, también marcó el inicio de una colaboración creativa continua basada en la gestión compartida del futuro cinematográfico de Super Mario.

“La respuesta a la primera película fue profundamente gratificante para todos nosotros”, expresa Chris Meledandri, fundador y CEO de Illumination. “Uno siempre espera que el público conecte con algo que has hecho, pero la magnitud de esa conexión superó por mucho lo que anticipábamos. Lo que lo hizo especialmente significativo fue observar cómo los fans de toda la vida lo acogían junto con el público cinematográfico que descubría estos personajes por primera vez. Nintendo fue un verdadero aliado en todas las decisiones relacionadas con la película, y creo que el público así lo percibió. Eso nos dio la confianza necesaria para seguir construyendo de una manera que respeta el legado y, al mismo tiempo, mira hacia el futuro”.

Con el éxito de la primera película aún resonando, la pregunta era qué rincón del universo de Super Mario explorar a continuación. “Esta nueva película nos dio margen para expandirnos”, dice Shigeru Miyamoto, Director Representante y socio de Nintendo, creador de Mario y productor de ambas películas junto con Meledandri. “Cuando desarrollamos videojuegos, trazamos las líneas generales del futuro de la serie. Pero en nuestro trabajo con Illumination, Chris-san y su equipo nos propusieron diferentes caminos. Fue algo estimulante y nos demostró lo valiosa que puede ser otra perspectiva. No tenía una visión clara para la segunda película, pero cuando sugirieron Galaxy, todo encajó. Repasé la historia de la serie y me di cuenta de que, después de Super Mario Bros., Galaxy fue un punto de inflexión importante. La historia de la primera película era mucho más contenida. Esta película lleva nuestra historia al espacio exterior, y me emociona que expanda el escenario a una escala cósmica. Creo que lo que define a Galaxy es su sensación de grandeza”. 

El videojuego Super Mario Galaxy, que Nintendo lanzó en 2007 y es la tercera entrega de la serie en la emblemática era 3D de la serie, sigue siendo uno de los videojuegos mejor calificados de la historia. En él, Mario fue enviado por primera vez al espacio exterior, impulsando a los jugadores a través de planetoides esféricos, cada uno de ellos gobernado por su propia fuerza gravitacional. El diseño introdujo una progresión más dirigida y cinematográfica, preservando el espíritu innovador de la serie. Super Mario Galaxy 2, la secuela de Nintendo de 2010, profundizó en ese enfoque y consolidó los videojuegos de Galaxy como uno de sus puntos culminantes en lo relativo a su creatividad.

Para los ya conocidos directores de cine Aaron Horvath y Michael Jelenic, Galaxy ofreció un lienzo expansivo. “Para nosotros, Super Mario Galaxy fue una oportunidad para expandir el mundo en todas direcciones”, señala Horvath. “La primera película fue muy clásica; nos enfocamos en el espíritu retro de Super Mario Bros. En aquel momento, pensábamos que habíamos puesto todas nuestras mejores ideas en esa película, pero luego descubrimos que quedaba un enorme universo por descubrir. Llevar Galaxy a la gran pantalla nos proporcionó mucho más espacio visual y sensación de escala”.

La expansión fue tanto conceptual como visual. “Me encantan el videojuego de Galaxy porque ejemplifica la creatividad de Nintendo”, dice Jelenic. “Tienes unos pequeños planetas que son increíblemente fascinantes, y la forma en que la gravedad da forma a la manera de jugar es muy divertida. Tomar esas ideas lúdicas y traducirlas a la narrativa fue una de las partes más emocionantes de hacer esta película”.

Expandir el universo también significó expandir lo que estaba en juego. “La primera película estaba inspirada en la evolución del personaje de Mario, ese pequeño que nunca se rinde”, señala el guionista Matthew Fogel, quien vuelve a participar en el proyecto. “En esta entrega, el tema central pasó a ser el poder y la importancia de la familia, lo cual me pareció acertado, ya que jugar Nintendo es, en gran medida, una experiencia familiar. El público responde a los personajes que enfrentan juntos algo enorme; quiere ver cómo se apoyan entre ellos. Cuanto mayor es la aventura, más espacio hay para las emociones reales; y es la familia lo que le ofrece a esta película su escala emocional”.

Crear un mundo de tal magnitud exigió tanto disciplina como imaginación. “Cuando cuentas una historia de esta magnitud, la comprensión es fundamental”, dice Jelenic. “Quieres centrar la atención del público, pero en un mundo tan extenso, está sucediendo algo por todas partes. Se convierte en un reto de iluminación, en un reto de animación y en un reto de personajes. Hay varias capas de actividad en todas las direcciones. Aun así, hay que coreografiar la acción para que el público pueda seguirla y no se pierda en el entorno”.

Entre los logros más destacados de la película es su nueva visión del espacio exterior. “Los entornos espaciales de esta película han resultado ser hermosos”, explica Horvath. “No queríamos que pareciera que nuestros personajes estuvieran a la deriva en un vacío negro. Queríamos crear una versión del espacio que se percibiera claramente muy de Super Mario. Trabajamos en estrecha colaboración con el equipo de animación de París para diseñar paisajes llenos de nebulosas y campos estelares que transmiten una sensación cálida, luminosa y acogedora, lo cual es más o menos lo contrario de lo que solemos imaginar cómo es el espacio”.

Llevar el videojuego a la gran pantalla también requirió de ajustar el tono. “Cuando trabajas con planetas diminutos y personajes adorables, eso puede restar importancia a la sensación de escala”, dice Jelenic. “En la primera película nos esforzamos mucho por transmitir una sensación real de alcance y de lo que estaba en juego, incluso cuando los villanos tienen cierto encanto; y eso fue algo que seguimos teniendo en cuenta para esta película. ¿Cómo se consigue que unos elementos diseñados para el juego, muchos de ellos inherentemente adorables, transmitan una sensación cinematográfica? Nos apoyamos en ese encanto, pero también nos aseguramos de que la acción y lo que estaba en juego crearan un fuerte contraste”.

Para Miyamoto, la película refleja una visión que se ha mantenido desde hace mucho tiempo sobre la evolución de Mario. “Cuando creé a Mario, ya existía un personaje más famoso y antiguo llamado Mickey Mouse”, señala Miyamoto. “Cuando imaginé el futuro de Mario, pensé en cómo Mickey había crecido junto con las películas y la animación; por eso, decidí que Mario crecería junto con los videojuegos. Ahora, también lo vemos evolucionar a través de las películas. La primera película de Super Mario presentó a nuestros personajes principales y estableció cómo se vería este mundo en la pantalla grande. Ahora, realmente empezamos a ver las dinámicas que hay entre ellos con mayor claridad, y con base en ello, se sientan las bases para el futuro de la serie”.

Esa sensación de tener un objetivo común define la colaboración entre Illumination y Nintendo. “Desde el principio, Miyamoto-san y Nintendo han confiado en nosotros para que tomemos algo que han estado construyendo durante 40 años y llevarlo al público a través de un nuevo medio”, expresa Meledandri. “No nos tomamos esa confianza a la ligera. Cada decisión que tomamos sobre estas películas está al servicio de ese legado. Con Galaxy, vimos la oportunidad de hacer evolucionar la franquicia de una manera significativa”.

La película también es un homenaje al universo completo de Super Mario. Repleta de referencias, descubrimientos y con combinaciones inesperadas de personajes extraídas de décadas de videojuegos, recompensa a los fans de toda la vida atrayendo, al mismo tiempo, a nuevas audiencias.

Tras el 40 aniversario de la franquicia celebrado en 2025, esta nueva película llega en un momento en el que Mario sigue siendo tan culturalmente relevante como siempre. “Hay tantas sorpresas y mezclas de otros videojuegos y personajes que nunca esperarías ver”, señala Horvath. “El nivel de descubrimiento en esa película es increíble. Creo que los fans apreciarán la atención al detalle, la expansión de la historia y la profundidad de estos personajes. Les encantará ver el universo de Galaxy recreado con tanta fidelidad, pero también los escenarios sorpresa y los cruces entre universos. Aquí hay algo para cada generación de fans, y espero que el público se lleve una gran historia sobre la familia y que, cuando salga de verla en el cine, aprecie un poco más a la suya propia”.

Los personajes

El mundo de los videojuegos de Super Mario Bros. siempre ha estado definido por los personajes que son fácilmente reconocibles y muy queridos por la audiencia, pero cuya vida interior ha permanecido en gran medida sin explorar. Para los directores Aaron Horvath y Michael Jelenic, volver a este universo significaba profundizar en esas identidades. “Para nosotros, una de las cosas más emocionantes de regresar a este mundo fue volver a trabajar con el elenco de voces en inglés”, relata Jelenic. “Son algunas de las personas más talentosas del mundo. Poder crear junto con ellos y definir quiénes son estos personajes es un verdadero placer. La primera película confirmó que íbamos por el buen camino, así que esta vez, todos se sintieron cómodos llevando a los personajes aún más lejos”.

Esa confianza se tradujo en especificidad. “Nuestro objetivo con estas películas es expandir el mundo que el público conoce a través de los videojuegos de Nintendo, y una de las mejores formas de hacerlo es a través de los personajes”, señala Horvath. “Los videojuegos nos ofrecen personajes audaces e icónicos. La película nos permite explorar qué los motiva, qué quieren y de dónde vienen; ahí es donde el mundo empieza a sentirse más rico”.

Mario (Chris Pratt)

Tras salvar tanto Brooklyn, su ciudad natal, como el Reino Champiñón, Mario, cuya voz en inglés vuelve a ser interpretada por Chris Pratt, sigue demostrando que el héroe más pequeño del lugar también puede ser el más valiente. En Super Mario Galaxy: La Película, Mario se embarca en el viaje más ambicioso de su vida. “Mario sigue siendo nuestro héroe común y corriente”, expresa el director Aaron Horvath. “Es extremadamente leal a las personas que ama, y su viaje en esta ocasión consiste en mantener esa lealtad incluso cuando lo que está en juego se sienta abrumador. Cada decisión que toma nace de una convicción sincera de hacer lo correcto”.

En el fondo, el poder de Mario nunca ha tenido que ver con su tamaño ni con su fuerza. “Es pequeño, pero nunca se rinde”, expresa Pratt. “Es imparable, porque cree en sí mismo; no es presumido; simplemente está ahí para las personas que le importan. Me encanta su relación con su hermano, su familia y con Peach. Ningún desafío es demasiado grande para él, y eso es lo que lo convierte en un héroe”.

Ver ese espíritu traducido en animación dejó una huella imborrable en Pratt. “Cuando vi la primera película me quedé boquiabierto”, comenta Pratt. “En la animación, no ves cómo el mundo cobra vida de la misma manera que en un set de una película de acción en vivo. Ver la película terminada y encontrar mi nombre en el papel de Mario fue algo surrealista”.

Galaxy fundamenta la aventura de la historia en preguntas sorprendentemente sinceras. “En esta película hay temas que invitan seriamente a la reflexión”, dice Pratt. “La dinámica entre hermanos, el anhelo de saber de dónde vienes, el deseo de defender lo que es correcto. Preguntas sobre la identidad, sobre ser definido por cómo te ven los demás, y sobre saber cuándo aceptarlo y cuándo rechazarlo”.

La energía de Pratt en la cabina de grabación se convirtió en un elemento fundamental en la evolución del personaje. “Trabajar con Chris es uno de los grandes placeres de hacer estas películas”, anota el director Michael Jelenic. “Es muy divertido grabarlo porque cuando le pides que diga una frase, no te da una sola versión: te da cincuenta. Luego empieza a improvisar y, justo cuando crees que ha agotado todas las ideas, se le ocurren veinte más”.

Para Pratt, el enfoque de la película en la hermandad tiene mucho peso. “Mi hermano y yo crecimos jugando juntos a los juegos de Super Mario”, relata Pratt. “La película capta algo auténtico sobre tener hermanos. Se conocen de toda la vida; pasan por todo juntos. Algunas relaciones son efímeras, pero los hermanos son para toda la vida. Para mí significa mucho poder plasmar eso en la pantalla. Cuando éramos chicos, mi hermano siempre era Mario cuando jugábamos. Ahora, por fin, me tocó serlo a mí”.

Peach (Anya Taylor-Joy)

Peach regresa a Galaxy como la carismática y segura de sí misma gobernante del Reino Champiñón. Si bien en la primera película demostró ser una luchadora espectacular y una líder nata, en esta ocasión la historia de Peach se centra en su interior. Durante mucho tiempo, Peach se ha definido a sí misma por la responsabilidad de proteger a los demás, pero nunca ha llegado a comprender del todo su propio origen. “Peach siempre ha sido una líder fuerte y capaz, pero falta una pieza en su historia”, observa el director Aaron Horvath. “Explorar eso se sintió como una evolución natural. En la búsqueda de sus orígenes, vemos una vulnerabilidad que la vuelve más cercana”.

Para Anya Taylor-Joy, quien vuelve a interpretar la voz en inglés de Peach, ese giro le dio más profundidad al personaje. “Al inicio de Galaxy, es la víspera del cumpleaños de Peach y todos la están felicitando, pero ella está afuera, mirando las estrellas”, explica Taylor-Joy. “Ahí es cuando nos damos cuenta de que no sabe de dónde viene. Ella sabe que la encontraron los Toads y que fue criada para convertirse en alguien que pudiera protegerlos. Esta vez se muestra mucho más introspectiva; está buscando un sentido de pertenencia y de identidad”.

Pero esa introspección no disminuye su determinación. “Mis momentos favoritos de Peach son aquellos en los que lucha cuerpo a cuerpo”, dice Taylor-Joy. “Esta película le ofrece unas secuencias de acción increíbles. Me encantaría poder hacer en la vida real lo que ella hace en esta película, pero si nunca tengo la oportunidad, me alegro de que Peach lo haya hecho por mí”.

Taylor-Joy sigue siendo muy consciente del legado del personaje. “Cuando piensas en personajes icónicos de los videojuegos, Peach es uno de ellos”, expresa Taylor-Joy. “Tener la oportunidad de ser la persona que le pone voz y la lleva a este nuevo capítulo significa todo para mí”.

Luigi (Charlie Day)

El hermano menor de Mario siempre ha sido el más prudente de los dos, pero lo que le falta a Luigi de valentía, lo compensa con su corazón. En Super Mario Galaxy: La Película, permanece al lado de Mario durante toda la aventura. “Luigi es muy tierno y, a veces, es increíblemente ansioso y casi excesivamente valiente por igual”, señala el guionista Matthew Fogel. “Pero en la primera película no tuvimos muchas oportunidades de explorar más allá de eso. Esta vez sabíamos que queríamos sacarle más partido, y queríamos que los hermanos estuvieran juntos durante toda la película. Fue emocionante explorar al personaje de Luigi en momentos de inocencia, miedo y auténtica valentía”.

Para Charlie Day, que vuelve para interpretar la voz en inglés de Luigi, el atractivo del personaje radica en su vulnerabilidad. “Luigi tiene un aire de desvalido”, dice Day. “Mario, por su parte, es el clásico héroe que se lanza al peligro para salvar el día. Con Luigi, tienes a la persona que dice: ‘Quiero salvar el día, pero no quiero salir lastimado’, y creo que eso hace que resulte más cercano. Su inocencia es algo que te hace animarlo, porque quiere tanto a su hermano que lo seguiría a cualquier parte”.

Ese optimismo no es ingenuidad: es convicción. “Luigi es el tipo de persona que ve lo bueno en todo el mundo”, dice Day. “Cree que todo el mundo tiene la posibilidad de redimirse, tiene la capacidad de ser bondadoso, y superar los errores del pasado. Hay algo conmovedor en un personaje que dice: ‘Alguien puede ser malo, pero eso no significa que vaya a serlo siempre’”.

Para Day, la experiencia tiene un significado personal. “Tengo un hijo de catorce años, y al ver esta película me emocioné al recordar cuánta alegría me daban estos videojuegos cuando era niño”, dice Day. “Jugaba con mi hermana y mis amigos, y nos perdíamos en ese mundo. Tanto la película como ver a mi hijo descubrir los videojuegos por sí mismo me transportan a esa época; ese es el poder de este mundo”.

La relación de Mario y Luigi está marcada por un instinto creativo deliberado. “A la hora de contar una historia, puede resultar tentador crear un conflicto entre las dos personas más cercanas”, relata el director Michael Jelenic. “Pero siempre hemos pensado que estos hermanos son tan sinceros y su relación es tan pura, que forzar esa tensión se sentiría falso. Luigi ve lo mejor de cada persona, incluido su hermano, y Charlie le aporta una calidez y un humor que hacen que el público quiera ser su amigo”.

Bowser (Jack Black)

Jack Black vuelve a interpretar la voz en inglés de Bowser, el rey de los Koopas. Tras los acontecimientos de la primera película que lo dejaron derrotado, miniaturizado y encarcelado en el castillo de Peach, Bowser está intentando, al menos en teoría, ser una mejor persona. Con la renuente ayuda de Luigi, afronta su cambio como un proyecto en constante evolución, según sus propias palabras.

Ese esfuerzo es puesto a prueba con la llegada de Bowser Jr., su hijo del que ha estado distanciado, quien está menos interesado en la redención y más en restaurar la reputación de su padre. Ahora, Bowser se ve forzado a confrontar una pregunta incómoda: ¿Puede convertirse en el padre que quiere su hijo sin volver a ser el villano del que está tratando de desprenderse? “Queríamos que el público sintiera que Bowser ha cambiado, o que por lo menos está intentándolo”, señala el director Aaron Horvath. “No se trata sólo de una actuación; hay bondad auténtica en él. Cuando juegas Mario Kart, Bowser no intenta arruinar la carrera; simplemente es otro competidor que lucha por el trofeo. Hay espacios en los que estos personajes pueden coexistir, y explorar esa idea nos resultó divertido”.

Para Black, esa tensión impulsa su interpretación. “Bowser tiene la furia metida en el cuerpo”, indica Black. “Eso forma parte del personaje. Pero también quiere amor; quiere respeto; quiere ser visto como algo más que el malo de la película. En esta entrega, está tratando de evolucionar. Está trabajando en su arte, intenta meditar, trata de no escupir fuego ante el primer inconveniente. Pero cuando tu hijo te mira y te dice: ‘Me gustabas más cuando eras malo’, eso te saca del centro. De repente, los viejos instintos empiezan a dejarse sentir”.

Black tuvo cuidado de no diluir aquello que hace impredecible a Bowser. “No podíamos suavizarle todas los asperezas”, dice Black. “Bowser tiene que seguir siendo peligroso. Si es demasiado amable, ya no es Bowser. Pero hay algo interesante en verlo luchar consigo mismo para descubrir quién quiere ser. Tiene un temperamento volcánico; a veces lo controla y otras veces, no lo hace en absoluto”.

Esa intensidad se traslada al estudio de grabación. “Jack es un verdadero profesional”, expresa el director Michael Jelenic. “La gente lo conoce por su gran personalidad, y aborda el papel con una concentración increíble. Es físicamente exigente. Debido a la aspereza que le da a la voz de Bowser, sólo puede grabar durante un par de horas seguidas antes de que, como le gusta decir, ‘le empiecen a sangrar las venas esofágicas’. Pero en esas sesiones lo da todo. Ese esfuerzo se escucha en cada escena”.

Toad (Keegan-Michael Key)

Tras ayudar a Mario y Luigi a salvar el día en la primera película, Toad, cuya voz en inglés es interpretada nuevamente por el actor Keegan-Michael Key, ha sido ascendido. Ahora es la mano derecha de Peach, y se toma el trabajo con mucha seriedad. Él es pequeño, intrépido, y siempre está preparado. En Super Mario Galaxy: La Película, Toad acompaña a Peach a rincones desconocidos de la galaxia, y su lealtad hacia ella sigue siendo inquebrantable. Lo que sí ha cambiado es su confianza. “En pequeños detalles visuales que los fans con vista de águila podrán apreciar, insinuamos que Toad ha vivido algunas aventuras entre ambas películas”, relata el director Aaron Horvath. “Ha conocido mejor el Reino Champiñón y sus alrededores, y esa experiencia lo ha ayudado a crecer”.

Sin embargo, el crecimiento no lo libra de la inseguridad. La llegada de Yoshi altera la dinámica del grupo, y Toad siente el desplazamiento. “Nos encanta la valentía y la lealtad de Toad, a pesar de su tamaño”, puntualiza el guionista Matthew Fogel. “Pero en este caso queríamos darle mayor complejidad, algo que se manifiesta en sus celos hacia Yoshi. Cuando alguien nuevo entra en tu mundo y de repente acapara la atención de todos, eso puede resultar divertido y a la vez cercano. La idea de que Toad se sintiera amenazado por el personaje más adorable que se pueda imaginar fue algo a lo que no pudimos resistirnos”.

Bowser Jr. (Benny Safdie)

Bowser Jr., cuya voz en inglés es interpretada por Benny Safdie, está decidido a recuperar el honor del apellido Bowser y a ganarse la aprobación de su padre. En Super Mario Galaxy: La Película, él dirige el ejército de Koopas de su padre y empuña un poderoso pincel mágico capaz de invocar cualquier cosa, desde armas hasta criaturas gigantescas. Pero su motivación es más simple y personal que el dominio del mundo: quiere recuperar a su padre.

Bowser Jr. creció con un padre más interesado en sus conquistas que en ejercer su papel de padre. “Bowser ama a su hijo, pero estaba demasiado ocupado como para estar presente durante su infancia”, relata el director Aaron Horvath. “Bowser estaba enfocado en conquistar el mundo, no en estar presente como padre. Ahora, Jr. se ha obsesionado con impresionar a su padre tan sólo para poder pasar tiempo con él”.

A Safdie le atrajo la psicología emocional del personaje. “Amo los videojuegos y me encantó la primera película, así que cuando me propusieron formar parte de este proyecto, no lo dudé ni un segundo”, señala. “Jr. es un niño que creció viendo a su padre intentando conquistar el mundo. Eso se convierte en el estándar que cree que debe cumplir. Así que, por supuesto, logra alcances extremos. Es la única manera que cree que puede llamar la atención de su padre”.

Lo que vuelve peligroso a Bowser Jr. es la misma cosa que lo hace ser un niño: su imaginación. “Su pincel le permite convertir cualquier cosa que tenga en la cabeza en algo real”, dice Safdie. “Eso es aterrador cuando piensas en lo que es capaz de hacer, pero también es lo más infantil que tiene. Un pincel así es la fantasía de cualquier niño”.

El diseño del personaje se inspira directamente de los videojuegos. “El aspecto clásico de Bowser Jr. es adorable y accesible”, explica Horvath. “Mientras desarrollábamos la película, salió a la venta Super Mario Wonder, y en ese videojuego él usa una armadura dentada, casi monstruosa. En esta película, cuando tiene que luchar, utiliza su pincel para crear esa armadura y se transforma en algo mucho más intimidante”.

Esa dualidad requería un tipo específico de intérprete. “Benny es capaz de tomar lo que probablemente sea el personaje más desafiante de la película y convertirlo en alguien adorable, sensible y vulnerable”, explica el director Michael Jelenic. “Después da un giro radical y se vuelve genuinamente aterrador. Sólo un actor de talla mundial puede hacer eso de forma tan convincente”.

Yoshi (Donald Glover)

Los espectadores que se quedaron hasta el final de los créditos de Super Mario Bros.: La Película pudieron disfrutar del primer indicio de la llegada de Yoshi. Super Mario Galaxy: La Película cumple esa promesa. Yoshi, cuya voz en inglés es interpretada por Donald Glover, aparece al principio de la historia tras ser rescatado por Mario y Luigi, y rápidamente se convierte en su compañero más leal. Su lengua elástica, su apetito insaciable y su entusiasmo incontenible lo convierten en un personaje tan impredecible como indispensable.

Yoshi ha formado parte del universo de Super Mario desde su debut en Super Mario World en la década de 1990, y los cineastas eran muy conscientes de las expectativas que eso conlleva. “Yoshi es el favorito de todos, y sentimos esa responsabilidad desde el principio”, explica el director Michael Jelenic. “No necesita un diálogo para robarse una escena. El equipo de animación le proporcionó una personalidad espectacular, sólo a través de sus movimientos y expresiones. Lo que la gente siempre ha amado de Yoshi es su sinceridad y su alegría, y queríamos que cada momento con él reflejara eso”.

Rosalina (Brie Larson)

La voz en inglés de Rosalina es interpretada por la actriz ganadora del Premio de la Academia^® Brie Larson. Este personaje es la protectora intergaláctica y madre adoptiva de las Destellos, unas criaturas con forma de estrella que viven en el cosmos. Su dominio de la energía cósmica la convierte en una de las fuerzas más poderosas de la galaxia, y ese poder inevitablemente atrae a quienes desean controlarlo. Aun así, su autoridad se basa en el cuidado. Las Destellos acuden a ella en busca de orientación y protección, y ella no se toma esa responsabilidad a la ligera.

Para Larson, el papel representó algo personal. “He sido una gran fan de Nintendo toda mi vida, así que Rosalina fue parte muy importante de mi infancia”, señala Larson. “Cuando era niña me sentía como un ser de otro mundo, llena de misterio. Gracias a esta película he podido comprender mejor su historia y su complejidad. Ella es mucho más que una persona tranquila y pacífica. Ella es una cuidadora nata y cariñosa, pero también es una guerrera, y ha vivido una vida llena de sacrificios”.

En Galaxy, La fuerza de Rosalina se manifiesta de múltiples formas. “Hay fuerza en la seguridad que crea para quienes la rodean”, dice Larson. “Hará todo lo que esté en sus manos para proteger a sus Destellos. También hay fortaleza cuando llega el momento de luchar. Ella defiende aquello en lo que cree y a las personas que ama; y tiene que aprender a dejar ir. Eso es difícil, pero lo hace porque es fuerte. Es alguien que asume responsabilidades y elige cómo ejercerlas”.

La conexión de Larson con el personaje dio forma a su interpretación. “Brie no solo es una actriz increíble, sino una auténtica fan de los videojuegos, y entiende lo que estos personajes significan para el público”, expresa el director Michael Jelenic. “Esa combinación aportó a Rosalina algo que no hubiéramos podido encontrar en ningún otro sitio. Su interpretación tiene una calidez y una seriedad que son exactamente lo que el personaje necesitaba”.

La música

Para la música original de Super Mario Galaxy: La Película, los cineastas acudieron nuevamente al compositor nominado al Emmy Brian Tyler, cuyo trabajo en la primera película fusionó sus temas originales con la icónica música de Koji Kondo de los videojuegos, creando un lenguaje musical que se sentía auténticamente Nintendo y claramente cinematográfico a la vez. Para Galaxy, Tyler amplía ese vocabulario para estar a la altura del alcance cósmico de la película. “La alegría de musicalizar estas dos películas de Super Mario Bros. nunca la he dado por sentada, sobre todo como compositor de bandas sonoras y como fan que creció jugando a los videojuegos”, indica Tyler. “Tras la maravillosa experiencia de componer la música original de la primera película, estaba deseando ver qué nos depararía el futuro. La magnitud y el carácter épico de esta película son innegables. La banda sonora debía estar a la altura de esa increíble sensación de sumergirse en otro universo. Compuse muchos temas nuevos, utilizando orquesta, coro y sintetizadores para crear un sonido épico que invita al espectador a sumergirse por completo en la película”.

El eje central del enfoque de Tyler era el desafío de crear algo que resultara familiar para los fans de toda la vida, sin dejar de hacer avanzar la historia. “Necesitaba encontrar un equilibrio entre la familiaridad que disfrutan los fans, el avance del drama de la historia, y la creación de un paisaje musical que fuera a la vez nostálgico y novedoso”, explica Tyler. “Utilicé instrumentos sinfónicos junto con sonidos de todo el mundo, e incluso elementos del videojuego en cuestión”.

La banda sonora de Galaxy incluye referencias de más de 300 piezas musicales de toda la serie de videojuegos de Super Mario, entrelazándolas con tal perfección en la película que es posible que el público no siempre pueda distinguir los temas de Tyler de los de Kondo. Para Tyler, esa confusión es el mayor de los cumplidos. “Entre las dos películas, la gente se me acercaba y me cantaba temas que yo había compuesto para la primera, sin darse cuenta de que eran nuevos”, cuenta Tyler. “Asumían que eran temas de Nintendo. Eso es lo mejor que podía escuchar, porque significa que la música se siente como si perteneciera a la película”.

A pesar de la magnitud y la orquestación, Tyler insiste en que la base es simple: la melodía. “No hay que adornar lo que ya es perfecto”, expresa Tyler. “No hay que añadir adornos sólo para que algo parezca grandioso. Escribo melodías que son fáciles de recordar y de tararear. Luego, las rodeamos de orquesta y coros y dejamos que cobren vida. Un niño puede reconocer la melodía, y un adulto puede apreciar lo que sucede a su alrededor”.

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