Mexican Ninja es un roguelike de acción en 2.5D que mezcla la estructura de runs repetibles al estilo Hades con la esencia de un beat ‘em up clásico. Encarnas a un ninja mexicano que se une a una rebelión para recuperar Nuevo Tokio, una ciudad donde narcos y yakuzas se fusionaron en una facción llamada los Narkuzas. Es un juego pensado para quienes disfrutan el combo entre combate rápido basado en combos, humor negro/satírico y la fórmula de “muere, mejora, vuelve a intentar” típica del género.

Ficha técnica

• Título: Mexican Ninja
• Desarrollador / Distribuidor: Madbricks (desarrollador) / Amber Studio (distribuidor)
• Plataforma jugada (Steam / PS5 / Xbox): Jugamos la versión de Steam
• Fecha de lanzamiento: 20 de agosto de 2026
• Género: Roguelike / Roguelite Beat ‘em up, 2.5D
• Precio de referencia: $8.95 en Latinoamérica ($16.99 en EE.UU.)

Premisa

La historia se ambienta en Nuevo Tokio, una ciudad donde la cultura mexicana y la japonesa colisionaron, y donde los cárteles narcos se fusionaron con la yakuza para formar a los Narkuzas, el régimen corrupto que domina las calles. El protagonista es el propio “Mexican Ninja”, que se levanta junto a un grupo de rebeldes para enfrentar a esta facción y liberar la ciudad.

Sin embargo, esta premisa no se explica de forma clara dentro del juego: la introducción se limita a mostrar una serie de titulares de periódico que el jugador debe leer con atención para atar cabos. Si no te detienes a leerlos todos, es fácil quedarte con la idea general (“narcos + yakuza = malos, tú eres el ninja bueno”) pero sin entender bien el cómo o el porqué. Una escena introductoria narrada, o incluso una cinemática corta, habría comunicado el conflicto de forma mucho más efectiva que depender de que el jugador se detenga a leer texto de fondo antes de entrar en acción.

Gameplay

• Combate rápido basado en combos, con énfasis en posicionamiento y timing preciso de los ataques
• Los “Mexican Jutsus” funcionan como habilidades de control de multitud y poderes especiales
• El árbol de habilidades “Way of the Donkey” (“El Camino del Burro”) permite personalizar el estilo de pelea entre runs
• Entrenar con el mentor El Mero Mero Sensei entre intentos desbloquea nuevas habilidades ninja
• Cada run reorganiza los niveles y ofrece enfrentamientos y armas distintas, favoreciendo la rejugabilidad
• El juego tiene una única dificultad en su campaña y se siente bastante equiibrada, considerando que se trata de un roguelike, recuerda que morir repetidas veces forma parte de la progresión de tu personaje.

Apartado técnico

• Gráficos / dirección de arte: El juego usa un estilo 2.5D colorido.
• Rendimientos recomendados:
  • SO: Windows 10/11 64-bit
  • PROCESADOR: Intel Core i5-10400F or AMD Ryzen 5 3600
  • MEMORIA: 16 GB de RAM
  • GRÁFICOS: NVIDIA GeForce RTX 2060 or AMD Radeon RX 5600 XT
  • DIRECTX: Versión 12
  • ALMACENAMIENTO: 10 GB de espacio disponible
  • NOTAS ADICIONALES: SSD para mejor desempeño
• Sonido y música: Acordes al género acelerado de roguelke

Narrativa y personajes

Este es el punto más flojo del juego, al menos en cuanto a claridad narrativa. Aunque el mundo de Nuevo Tokio tiene una premisa interesante y original (la fusión cultural mexicano-japonesa, el choque entre narcos y yakuza), la forma en que se presenta —una serie de titulares de periódico al inicio, sin más contexto ni una escena que dramatice el conflicto— hace que el jugador promedio comience a jugar el prólogo sin tener claro quién es exactamente el protagonista, por qué comienza su cruzada, o qué llevó a la fusión de los Narkuzas en primer lugar. El humor negro y la actitud satírica del juego están presentes desde el arranque, pero la introducción a la historia se siente como un trámite que hay que superar antes de llegar al combate, en lugar de un gancho narrativo.

Contenido y valor por tiempo/dinero

• El juego incluye distritos, jefes, jutsus y skins como parte de su alcance de lanzamiento
• La rejugabilidad depende de la variedad de runs, armas y builds.
• A USD $8.95 es una buena compra en líneas generales.

Lo mejor

• La premisa: la fusión cultural mexicano-japonesa es original y le da identidad propia frente a otros roguelikes.
• El combate rápido y basado en combos, con el toque extra de los Mexican Jutsus.
• Skins divertidas como la de Don Ramen (haciendo alusión a Don Ramón del Chavo del 8, le dan un toque muy especial al juego).

Lo peor

• La introducción a la historia es confusa: se apoya solo en titulares de periódico que hay que leer con atención, sin una escena que explique con claridad el conflicto
• Si morir muchas veces no es lo tuyo, no juegues este título porque es un roguelike clásico.

Veredicto final

Recomiendo este título a quienes disfruten roguelikes de acción tipo Hades y no les moleste tener que reconstruir la historia por su cuenta a partir de pistas ambientales.

Pero si eres de los que busca encontrarse una narrativa clara y bien guiada de la historia desde el primer minuto, este juego no te va a conquistar en ese aspecto.

• Jugabilidad: 8/10
• Gráficos: 7/10
• Trama de la historia o campaña principal: 2/10

Reseña de Mexican Ninja vía NFTGameArena

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Cars: una aventura sobre ruedas de Disney y Pixar reestrena en cines de Venezuela -y de todo el mundo- este 8 de octubre de 2026 con motivo de su 20.º aniversario. La película animada, protagonizada por el auto de carreras Rayo McQueen y su amigo Mate, transcurre en Radiador Springs, un pueblo ubicado sobre un tramo de la Ruta 66.

A dos décadas de su estreno original, Cars: una aventura sobre ruedas mantiene el cariño de los fanáticos y ofrece una oportunidad única para volver a disfrutarla en pantalla grande.

¿De qué trata Cars: una aventura sobre ruedas?

La película sigue a Rayo McQueen, un joven auto de carreras rojo que, camino a una competencia en California, queda varado en Radiador Springs, un pueblo de la Ruta 66. Allí conoce a su entrañable compañero Mate y al resto de los habitantes del lugar. La película introdujo a las audiencias de todo el mundo a estos queridos personajes.

¿De dónde surgió la inspiración para Radiador Springs?

Para crear Cars: una aventura sobre ruedas los equipos creativos de la película realizaron varios viajes de investigación:

• Ruta 66, donde se ubica Radiador Springs en la historia.
• Charlotte Motor Speedway, una de las pistas de carreras automovilísticas más importantes de Estados Unidos. Allí buscaron capturar la sobrecarga sensorial de los motores rugientes, los focos cegadores y el olor a escape, goma quemada y barbacoa en la parte trasera de los autos.
• Detroit, considerada la meca del automovilismo. Allí observaron cómo se diseñan y ensamblan los autos desde cero.

La inspiración automovilística también está presente en el paisaje de Radiador Springs. Las montañas detrás del pueblo son una serie de aletas traseras de Cadillac idénticas a las de los autos fabricados entre 1956 y 1963. La aleta trasera del modelo de 1959 se ubica en el centro y, en la parte superior de las montañas, los fanáticos más atentos pueden reconocer luces traseras y de freno.

¿Por qué el protagonista se llama “Rayo” McQueen?

El nombre de Rayo McQueen es un homenaje a Glenn McQueen, un animador de Pixar que trabajó en Cars: una aventura sobre ruedas y falleció durante su producción. Rayo McQueen tiene 14 variantes de pintura diferentes. Van desde cantidades sutilmente distintas de suciedad y polvo hasta los trabajos de pintura completamente nuevos que aparecen cerca del final de la película.

¿Con cuántos autos llenaron las tribunas?

En la escena inaugural de Cars: una aventura sobre ruedas animaron 60.000 autos “sentados” en las tribunas y otros 700 en la zona central y los pasillos. La carrera final tuvo 100.000 autos en las butacas, además de casi 1.500 en la zona central y los pasillos. Por último, casi 13.000 autos entraron al estadio de la carrera final para buscar asiento.

Para retratar las carreras con autenticidad, los realizadores convocaron a Richard Petty, legendario corredor que prestó su voz en inglés a “El Rey”, el Plymouth Superbird de 1970 que compartía su apodo.

¿Cuáles guiños para fanáticos de Pixar esconde la película?

• A113: es la matrícula de Mate y una referencia al número del salón de clases de CalArts donde estudiaron animación varios artistas de Pixar. El número aparece oculto en todas las películas de Pixar.
• Dinoco: es el patrocinador principal con el que Rayo McQueen sueña competir en Cars: una aventura sobre ruedas. La marca se conecta con Toy Story, donde Buzz y Woody se pierden en una estación de servicio Dinoco.

¿Qué detalles tiene el universo 100% automovilístico de la película?

Todo el universo de Cars: una aventura sobre ruedas está inspirado en autos. Algunos de los detalles que los fans pueden descubrir son…

• Flores hechas de luces traseras y aletas de automóviles.
• Rastros de humo de aviones en el cielo con forma de marcas de neumáticos.
• Insectos con forma de autos escarabajo de Volkswagen.
• Casi la mitad de los efectos diseñados por computadora involucran suciedad, polvo, humo y gases de escape.
• El trofeo y el escritorio de la oficina de Doc Hudson están cubiertos con 1,7 millones de piezas de polvo modelado.
• Los sonidos de Doc Hudson, cuya voz en inglés interpreta Paul Newman, fueron grabados de un auto Hudson Hornet real de 1951.
• La matrícula de Luigi, un Fiat 500 de 1959, lleva el número 44.5-10.8: la latitud y longitud exactas de la sede de Ferrari en Maranello, Italia.

Cars: una aventura sobre ruedas ya está en las carteleras de los cines.

SOBRE CARS: UNA AVENTURA SOBRE RUEDAS

Rayo McQueen (voz en inglés de Owen Wilson), un audaz y presumido auto de carreras novato destinado al éxito, descubre que la vida es acerca del recorrido, no de la meta final, cuando se encuentra de pronto en el tranquilo pueblo de Radiador Springs, en la Ruta 66. Allí McQueen conoce a los peculiares personajes de este pueblo, entre ellos Doc Hudson (voz en inglés de Paul Newman), Mate (voz en inglés de Larry The Cable Guy) y Sally (voz en inglés de Bonnie Hunt).  Cars: una aventura sobre ruedas está dirigida por John Lasseter, producida por Darla K. Anderson, y cuenta con música original del tres veces ganador del Premio de la Academia®, Randy Newman.

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Johnny Depp se prepara para dar vida a uno de los personajes más emblemáticos de la literatura en Ebenezer, la nueva película dirigida por Ti West que promete ofrecer una perspectiva diferente de la historia de Ebenezer Scrooge. Con el lanzamiento de su nuevo tráiler oficial, la producción invita al público a descubrir una versión renovada de un relato que ha acompañado a generaciones durante las fiestas navideñas.

Bajo el lema «Si crees que conoces su historia, piénsalo bien», la película adelanta una reinterpretación del clásico literario Cuento de Navidad, escrito por Charles Dickens, con una propuesta que busca sorprender incluso a quienes conocen de memoria la historia del hombre que aprendió el verdadero significado de la Navidad.

Johnny Depp se convierte en Ebenezer Scrooge

El protagonista de Piratas del Caribe asumirá el papel de Ebenezer Scrooge, el célebre personaje conocido por su avaricia, su desprecio por las celebraciones navideñas y su indiferencia ante las dificultades de quienes lo rodean. Su historia, marcada por un encuentro sobrenatural que transforma su perspectiva de la vida, regresa ahora a la gran pantalla con Johnny Depp al frente del reparto.

La elección de Depp para interpretar a Scrooge representa uno de los principales atractivos de esta nueva adaptación. El actor cuenta con una trayectoria caracterizada por personajes excéntricos y complejos, una cualidad que podría aportar una identidad particular a esta nueva versión del clásico de Dickens.

Sin embargo, la película no pretende limitarse a reproducir una historia conocida. Su campaña promocional insiste en que el público debe prepararse para descubrir una interpretación diferente del personaje y de los acontecimientos que marcaron su transformación.

Ti West dirige esta nueva adaptación del clásico navideño

La dirección está a cargo de Ti West, cineasta reconocido por su trabajo en el género de terror, especialmente por películas como X y Pearl. Su participación despierta curiosidad ante la posibilidad de que su particular sensibilidad cinematográfica aporte una atmósfera distinta a una historia tradicionalmente asociada con la Navidad.

El guion fue escrito por Nathaniel Halpern, mientras que Emma Watts figura como productora. La producción ejecutiva reúne a Ti West, David Reid, Adam Bohling, Stephen Deuters, Jason Forman, Pete Chiappetta, Anthony Tittanegro y Andrew Lary.

La película es presentada por Paramount Pictures, en asociación con Domain Entertainment, y cuenta con la producción de Wattsco e IN.2 Film.

Aunque la historia de Scrooge ha sido adaptada en numerosas ocasiones para el cine y la televisión, la combinación de Johnny Depp y Ti West ofrece una aproximación llamativa para una producción que busca diferenciarse de las versiones anteriores.

Un reparto encabezado por grandes nombres

Además de Johnny Depp, Ebenezer contará con un elenco integrado por Rupert Grint, Andrea Riseborough, Sam Claflin, Daisy Ridley, Arthur Conti, Ellie Bamber, Henry Lloyd-Hughes y Charlie Murphy. Tramell Tillman e Ian McKellen también forman parte de la producción.

La presencia de intérpretes con experiencia en distintos géneros cinematográficos amplía las expectativas alrededor de esta adaptación, que buscará combinar el peso de un personaje clásico con una nueva propuesta visual y narrativa.

Por ahora, el tráiler oficial constituye una primera oportunidad para conocer el tono de la película y descubrir cómo sus responsables pretenden abordar una historia cuya popularidad ha trascendido generaciones.

¿Cuándo se estrena Ebenezer en los cines?

Ebenezer llegará exclusivamente a las salas de cine el 12 de noviembre, según el anuncio oficial de la película. Su estreno está previsto para noviembre, justo cuando comienza la temporada de películas asociadas con las fiestas de fin de año.

Con Johnny Depp en el papel principal, Ti West detrás de las cámaras y un reparto que incluye a Ian McKellen, Daisy Ridley y Rupert Grint, esta nueva adaptación de la obra de Charles Dickens se perfila como una de las propuestas cinematográficas que buscarán renovar un relato navideño ampliamente conocido.

La pregunta que deja su campaña promocional es directa: ¿realmente conocemos la historia de Ebenezer Scrooge o todavía queda algo por descubrir sobre el hombre que se convirtió en el símbolo de la redención durante la Navidad?

Título original: Ebenezer
Director: Ti West
Guion: Nathaniel Halpern
Protagonista: Johnny Depp
Fecha de estreno: 12 de noviembre
Distribución: Paramount Pictures
Estreno: Exclusivamente en cines

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¿Qué sucede cuando un hombre con un poder extraordinario provoca una catástrofe y, en lugar de asumir las consecuencias de sus actos, intenta convertirse en el héroe que salvará a la humanidad? Esta es la premisa de Digger, una producción que reúne a dos figuras de gran peso en el cine contemporáneo: el actor estadounidense Tom Cruise y el director mexicano Alejandro González Iñárritu.

Lejos de las persecuciones vertiginosas, las acrobacias y las misiones imposibles que han definido la mayor parte de la trayectoria cinematográfica reciente de Cruise, esta película apuesta por la sátira, el humor negro y una mirada incómoda sobre la ambición humana. El resultado es una propuesta que utiliza el espectáculo cinematográfico para cuestionar precisamente a quienes creen tener la capacidad de controlarlo todo.

La historia gira en torno a Digger Rockwell, un poderoso magnate cuya actividad comercial desencadena una catástrofe que amenaza con destruirlo todo. Ante la magnitud de la crisis, el protagonista emprende una carrera desesperada para demostrar que es el único capaz de salvar a la humanidad de las consecuencias de sus propias decisiones.

La premisa establece una contradicción fundamental: el responsable del desastre también pretende ocupar el lugar del héroe. A partir de esa paradoja, la película construye una sátira sobre el poder económico, la responsabilidad individual y la facilidad con la que determinados personajes transforman sus errores en oportunidades para alimentar su propia imagen.

El conflicto trasciende la historia de un empresario enfrentado a una emergencia. También plantea preguntas sobre la relación entre los intereses privados y el bienestar colectivo, especialmente cuando las decisiones de quienes concentran el poder repercuten sobre millones de personas.

Uno de los mayores atractivos de Digger es la decisión de Cruise de alejarse de su imagen habitual de héroe carismático, atlético e invencible. Aquí interpreta a un magnate petrolero envejecido, autoritario, grotesco y convencido de su propia superioridad moral.

El trabajo de caracterización, apoyado en prótesis y maquillaje, transforma notablemente su apariencia. Pero el cambio más importante es interpretativo: Cruise canaliza su conocida intensidad hacia un personaje dominado por la arrogancia, el egoísmo y una necesidad permanente de imponer su voluntad.

Su interpretación apuesta por la exageración. Digger no es un villano discreto ni un antagonista que esconda sus intenciones; es una figura estridente que convierte cada conversación en una demostración de poder. Esta decisión puede resultar fascinante por su audacia, aunque también corre el riesgo de reducir al personaje a una caricatura.

La apuesta tiene especial interés dentro de la carrera de Cruise. El actor demuestra su disposición a abandonar temporalmente la fórmula del espectáculo de acción para asumir un papel que exige ridiculizar su propia imagen de estrella. Sin embargo, el compromiso del intérprete no garantiza por sí solo que todos los matices del personaje alcancen la profundidad dramática deseada.

Alejandro González Iñárritu, reconocido por películas como Birdman y El renacido, construye una obra que privilegia la personalidad visual y la deformación satírica de la realidad.

La fotografía de Emmanuel Lubezki y el diseño de producción de Dennis Gassner y Richard Johnson aportan una identidad estética poderosa. La composición de los encuadres, los espacios cuidadosamente diseñados y la atmósfera inquietante contribuyen a presentar un mundo en el que la riqueza y el poder parecen haber perdido cualquier conexión con la responsabilidad humana. La película fue rodada en VistaVision, formato que refuerza su apuesta por una experiencia visual de gran escala.

No obstante, el director opta por una sátira deliberadamente excesiva. Los personajes tienden a representar ideas, intereses y contradicciones sociales antes que individuos de psicología sutil. Para algunos espectadores, esta estrategia intensifica la mordacidad de la propuesta; para otros, termina convirtiendo el relato en un discurso demasiado evidente.

La principal debilidad de la película radica precisamente en esa falta de contención. Cuando la dirección subraya constantemente el absurdo de sus personajes, el espectador puede sentir que la película no confía lo suficiente en su capacidad para interpretar lo que ve.

El núcleo temático de Digger es la responsabilidad de quienes explotan los recursos naturales y concentran un poder económico capaz de influir sobre las decisiones políticas. La catástrofe ambiental que desencadena la historia sirve como representación de un modelo de desarrollo que privilegia el beneficio inmediato sobre las consecuencias a largo plazo.

La película también cuestiona la hipocresía política, la desigualdad y la facilidad con la que los poderosos presentan sus intereses particulares como si fueran los intereses de toda la sociedad. Digger pretende ser indispensable para resolver una crisis que él mismo ha contribuido a producir. Esa contradicción constituye el fundamento de su humor negro.

En este sentido, la obra puede recordar a “No miren arriba”, aunque Digger adopta un tono más grotesco, oscuro y formalmente elaborado. Ambas películas utilizan una amenaza de dimensiones catastróficas para explorar la negación de los problemas colectivos y la incapacidad de las estructuras de poder para responder con sensatez.

Sin embargo, Digger no siempre consigue que su crítica resulte tan incisiva como pretende. La acumulación de exageraciones puede restarle fuerza al mensaje y dificultar la conexión emocional con los personajes. La película tiene mucho que denunciar, pero su voluntad de hacerlo todo de manera explícita termina siendo, en ocasiones, contraproducente.

Digger es una película ambiciosa, visualmente llamativa y dispuesta a correr riesgos. Su mayor mérito consiste en reunir a una estrella acostumbrada a interpretar héroes con un director interesado en retratar las contradicciones más oscuras de la sociedad contemporánea.

Tom Cruise ofrece una interpretación radicalmente distinta de sus papeles más populares, mientras que Iñárritu construye una sátira sobre la arrogancia empresarial, la irresponsabilidad ambiental y la peligrosa convicción de que el poder concede el derecho a decidir por los demás.

Sus limitaciones son igualmente evidentes: la exageración constante, el desarrollo desigual de los personajes y una crítica que a veces prefiere explicar sus ideas antes que permitir que las imágenes y las situaciones hablen por sí mismas.

Aun con sus tropiezos, la película resulta interesante por lo que intenta hacer y por la voluntad de sus responsables de abandonar terrenos seguros. No es una obra redonda, pero sí una propuesta que invita a debatir sobre los límites del poder, la responsabilidad colectiva y el papel del cine como instrumento de crítica social.

En conlcusión, Digger confirma que Tom Cruise está dispuesto a asumir desafíos interpretativos más allá de sus éxitos de acción, aunque también demuestra que una gran estrella, un director prestigioso y una idea relevante no bastan para garantizar una película plenamente conseguida. Su valor está menos en la perfección de sus resultados que en el riesgo que decide asumir.

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Hay pocas cosas más aterradoras que descubrir que alguien en quien confiamos puede esconder algo monstruoso. Pero ¿qué sucede cuando esa amenaza tiene el rostro de nuestra propia madre? Esa es la inquietante premisa de Madre Siniestra (Other Mommy), la película de terror sobrenatural dirigida por Rob Savage, que convierte una figura asociada con el amor y la protección en el centro de una pesadilla familiar.

Protagonizada por Jessica Chastain, Jay Duplass y la joven Arabella Olivia Clark, la producción apuesta por una combinación de terror psicológico, apariciones perturbadoras y sobresaltos para explorar los miedos infantiles desde una perspectiva siniestra. Sin embargo, aunque parte de una idea capaz de despertar una auténtica sensación de angustia, su ejecución no siempre está a la altura de sus posibilidades.

Una presencia que imita a la persona más importante

La historia sigue a Bela, una niña de ocho años que comienza a experimentar encuentros inquietantes con una entidad que aparece en su hogar y adopta la apariencia de su madre, Ursula. La pequeña llama a esta presencia «Other Mommy», una figura que inicialmente puede confundirse con una compañía imaginaria, pero que pronto revela intenciones mucho más peligrosas.

El problema se vuelve todavía más perturbador cuando la criatura empieza a reclamar un lugar en la vida de Bela, mezclando muestras de afecto con comportamientos amenazantes. La frontera entre lo familiar y lo monstruoso desaparece progresivamente, mientras la niña intenta comprender qué quiere realmente esa falsa madre y por qué parece interesada en ella.

La película encuentra su principal atractivo en esa inversión de la seguridad doméstica. Los espacios que deberían ofrecer tranquilidad se transforman en lugares de incertidumbre, y un rostro conocido adquiere una dimensión aterradora. Es una premisa sencilla, pero efectiva, que aprovecha uno de los temores más primarios: no poder reconocer el peligro cuando se presenta bajo una apariencia confiable.

Jessica Chastain, el gran atractivo de la película

Uno de los elementos más interesantes de Madre Siniestra es el trabajo de Jessica Chastain, quien interpreta tanto a Ursula como a la inquietante entidad que suplanta su identidad. La actriz debe diferenciar dos presencias que comparten el mismo rostro, pero que transmiten sensaciones completamente distintas.

Su interpretación resulta especialmente valiosa cuando la película explota los pequeños cambios de expresión, las miradas prolongadas y los gestos que parecen normales durante un instante, hasta que algo en ellos comienza a sentirse fuera de lugar. En este terreno, Chastain demuestra que no siempre hace falta recurrir a una transformación física exagerada para generar incomodidad.

Arabella Olivia Clark también desempeña un papel importante como Bela, pues buena parte de la tensión depende de transmitir la vulnerabilidad de una niña atrapada en una situación que los adultos no parecen comprender del todo. Jay Duplass completa el núcleo familiar en una historia donde las relaciones personales tienen tanta importancia como la amenaza sobrenatural.

A pesar de ello, las actuaciones no siempre consiguen compensar las debilidades del guion. Algunos personajes reaccionan de maneras poco convincentes ante acontecimientos extraordinarios, lo que dificulta mantener la sensación de peligro y hace que determinadas situaciones pierdan parte de su impacto.

Terror, sobresaltos y una atmósfera que no siempre convence

Rob Savage, conocido por su trabajo en el terror de corte experimental y por películas como Host y The Boogeyman, construye aquí una experiencia que privilegia el movimiento, las apariciones repentinas y la sucesión de momentos diseñados para inquietar al espectador.

La puesta en escena consigue generar imágenes perturbadoras y aprovecha los rincones oscuros de la casa para alimentar la sensación de que algo puede aparecer en cualquier momento. El concepto de una presencia capaz de imitar a una madre también proporciona oportunidades para jugar con la percepción y cuestionar qué es auténtico y qué no.

El inconveniente es que la película depende demasiado de los sobresaltos. En lugar de permitir que la tensión crezca lentamente y que el miedo se instale en la imaginación del público, recurre con frecuencia a estímulos repentinos que pierden efectividad cuando se vuelven previsibles.

Además, ciertas decisiones visuales y algunos efectos pueden romper la inmersión en momentos que deberían resultar especialmente aterradores. Lo que comienza como una propuesta de terror psicológico termina inclinándose, por momentos, hacia un espectáculo de imágenes extremas que no siempre consigue provocar una inquietud duradera.

Una historia familiar con más potencial del que desarrolla

Debajo de las apariciones y las escenas de peligro existe una dimensión dramática que podría haber convertido a Madre Siniestra en una película mucho más interesante. La relación entre Bela y sus padres está marcada por tensiones familiares, distanciamiento emocional y dificultades de comunicación que afectan la manera en que la niña experimenta su entorno.

La figura de Other Mommy permite plantear preguntas incómodas sobre la necesidad de atención, la ausencia emocional y el deseo infantil de encontrar refugio incluso en circunstancias adversas. La criatura no resulta inquietante únicamente por su naturaleza sobrenatural, sino también porque ocupa un espacio afectivo que debería pertenecer a una relación auténtica.

Sin embargo, estos elementos no siempre reciben el desarrollo necesario. La película introduce ideas sugerentes, pero a menudo parece más interesada en avanzar hacia el siguiente encuentro terrorífico que en explorar las consecuencias emocionales de lo que sucede.

Esta falta de profundidad también afecta a la mitología de la entidad. Aunque su presencia genera curiosidad, las reglas que gobiernan sus capacidades y su comportamiento no siempre quedan suficientemente claras. Como resultado, algunas situaciones parecen responder más a las necesidades de cada escena que a una lógica narrativa consistente.

¿Consigue ser una película realmente aterradora?

La respuesta dependerá en buena medida de las expectativas del espectador. Quienes disfrutan del terror sobrenatural cargado de apariciones, imágenes grotescas y cambios bruscos de ritmo encontrarán momentos capaces de mantenerlos atentos. La premisa tiene fuerza, la presencia de Chastain aporta interés y ciertas secuencias demuestran que Savage sabe construir imágenes visualmente incómodas.

No obstante, quienes busquen una historia sólida, personajes bien desarrollados y un miedo psicológico que se mantenga después de terminar la película podrían sentirse decepcionados. La acumulación de sobresaltos no siempre se traduce en auténtico suspense, y el potencial emocional de la historia queda parcialmente eclipsado por su insistencia en provocar reacciones inmediatas.

La película tampoco aprovecha todas las posibilidades de su concepto central. Una criatura que imita a una madre podría dar lugar a un estudio mucho más profundo sobre la confianza, la identidad y los temores de la infancia. Aquí, esas ideas aparecen, pero no siempre encuentran el espacio necesario para convertirse en el verdadero corazón de la narración.

Madre Siniestra es una propuesta de terror que parte de una premisa poderosa y cuenta con una actriz principal capaz de darle personalidad a su amenaza más memorable. Rob Savage consigue construir algunos momentos inquietantes, pero la película pierde fuerza cuando sustituye el desarrollo psicológico por una sucesión de sobresaltos y explicaciones insuficientes.

Su mayor virtud es transformar una imagen cotidiana, la de una madre junto a su hija, en algo que puede generar desconfianza y temor. Su principal defecto es no profundizar lo suficiente en las emociones y los conflictos que hacen que esa idea resulte tan perturbadora.

En definitiva, Madre Siniestra puede funcionar como entretenimiento para quienes buscan una experiencia de terror directa y visualmente intensa, aunque difícilmente satisfará a todos los aficionados al género. Es una película con una idea central que permanece en la memoria, pero que no siempre sabe convertirla en una historia tan aterradora y emocionalmente contundente como podría haber sido.

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La lista de talentos venezolanos en la 27.ª entrega del Latin Grammy® suma a Gregorio Nieto. El solista de proyección internacional celebra este nuevo logro en su carrera al ser nominado en la categoría de Mejor Álbum de Música Clásica por su producción Opus 33 – Romantic Cello, fruto de su colaboración con la prestigiosa London Symphony Orchestra.

Editado por el sello ARIA Classics con la producción musical de Fernando Arias y la producción ejecutiva de Cora Capriles, este trabajo discográfico reúne once obras emblemáticas del romanticismo para violonchelo y orquesta firmadas por Camille Saint-Saëns, Piotr Ilich Chaikovski y Aleksandr Glazunov, bajo la dirección del maestro Josep Vicent.

En esta grabación —realizada en directo en la Iglesia de San Agustín de Kilburn, en Londres— Nieto tocó un instrumento de singular valor histórico construido por Omobono Stradivari (hijo del célebre luthier italiano Antonio Stradivari), aportando una profunda sonoridad y una riqueza patrimonial única a la producción.

El reconocimiento otorgado por la Academia Latina de la Grabación® llega en un momento de indiscutible madurez y proyección internacional para Nieto, quien participó como solista en el álbum Life Is a Dream de Sir Anthony Hopkins, grabado junto a la Philharmonia Orchestra y bajo la dirección del maestro Gustavo Dudamel.

Cabe destacar que el pasado 23 de agosto, Nieto hizo su debut como solista con la Filarmónica de Los Ángeles (LA Phil) y Dudamel en el legendario Hollywood Bowl, presentando el estreno mundial de la pieza compuesta por Hopkins, Stella Aria.

“Esta primera nominación al Latin Grammy® representa una alegría inmensa y una experiencia profundamente emotiva”, expresó Gregorio Nieto tras conocer la noticia. “Recibir este reconocimiento de la Academia Latina de la Grabación me llena de orgullo. Es el fruto de años de entrega, disciplina y preparación, desde mis inicios en Venezuela hasta mis estudios en Rusia bajo la tutela de mi admirada maestra Natalia Gutman. Haber materializado este proyecto con la London Symphony Orchestra, con la producción ejecutiva de Cora Capriles, me impulsa a seguir llevando nuestra voz interpretativa al mundo”.

En esta edición, en la categoría de Mejor Álbum de Música Clásica, junto a Nieto compiten figuras de destacada trayectoria internacional como Gustavo Dudamel, Alisa Weilerstein, Hermeto Pascoal, Jorge Glem y Tania León. El ganador se dará a conocer el próximo 12 de noviembre de 2026 en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas.
 
 
SOBRE GREGORIO NIETO

Formado en El Sistema y guiado por la visión del maestro José Antonio Abreu, Gregorio Nieto ha construido una destacada trayectoria internacional como violonchelista solista y de cámara. Perfeccionó su arte en el exigente y reconocido Conservatorio P. I. Tchaikovsky de Moscú bajo la tutela de la legendaria maestra Natalia Gutman.

Merecedor del Primer Premio en el Concurso Internacional de Violonchelo Heitor Villa-Lobos, a lo largo de su carrera ha actuado en los principales escenarios de Europa, América y Asia, colaborando con maestros y directores de renombre global como Simon Rattle, Claudio Abbado, Gustavo Dudamel, Giuseppe Sinopoli, Eugene Kohn, Josep Vicent y Arturo Márquez, entre otros.

Su versatilidad interpretativa abarca desde los grandes conciertos del repertorio sinfónico hasta exigentes proyectos de cámara y grabaciones de alto perfil —incluyendo su participación en Life Is a Dream y su reciente debut en el Hollywood Bowl—. Tras el éxito de su álbum debut Esencia (2023) junto a la pianista Riko Higuma y el reconocimiento de Opus 33 – Romantic Cello (2026), el artista se prepara para el lanzamiento del primer sencillo de su próximo trabajo discográfico, Berceuse for the Soul – Canción de cuna para el alma.
 
Más información sobre el artista en sus redes sociales: @gregorionietocellist y en su sitio web: gregorionieto.com

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Brad Pitt vuelve a ponerse al frente de una intensa aventura de supervivencia con El Corazón de la Bestia, el nuevo thriller dirigido por David Ayer que llevará al reconocido actor hasta las inhóspitas tierras de Alaska. La película plantea una historia de acción, supervivencia y compañerismo en la que la relación entre un hombre y su perro de combate será fundamental para superar una situación extrema.

Una lucha por sobrevivir en Alaska

La historia sigue al oficial de las Fuerzas Especiales James Belmont, interpretado por Brad Pitt, quien queda varado en medio de la naturaleza salvaje de Alaska después de sufrir un terrible accidente aéreo.

Sin posibilidad de recurrir a la ayuda convencional y enfrentándose a un entorno tan implacable como peligroso, Belmont deberá utilizar todas sus habilidades para mantenerse con vida. Sin embargo, no estará completamente solo: junto a él se encuentra Odin, su perro de combate.

La supervivencia de ambos dependerá de su capacidad para enfrentarse a los elementos y superar las numerosas amenazas que encontrarán en el camino. El frío extremo, el aislamiento y la hostilidad del territorio convertirán cada momento en una nueva batalla.

Brad Pitt y Odin, una alianza para sobrevivir

Uno de los principales atractivos de El Corazón de la Bestia será precisamente la relación entre James Belmont y Odin. Más allá de una historia convencional de supervivencia, la película pretende explorar el vínculo inquebrantable que puede desarrollarse entre un soldado y su compañero de cuatro patas.

Odin no será simplemente un acompañante dentro de la historia. Su presencia será fundamental para Belmont mientras ambos intentan encontrar una salida de la naturaleza salvaje de Alaska.

Esta relación permite que el filme combine grandes dosis de tensión y acción con un componente emocional centrado en la confianza, la lealtad y el instinto de supervivencia.

David Ayer se pone al frente del proyecto

La película está dirigida por David Ayer, cineasta conocido por su trabajo en producciones de acción y thrillers con protagonistas vinculados al mundo militar y policial.

Con El Corazón de la Bestia, Ayer apuesta nuevamente por un relato de supervivencia cargado de tensión, pero esta vez trasladando el conflicto a uno de los escenarios naturales más extremos del planeta.

El guion está escrito por Cameron Alexander, mientras que la producción está a cargo de Olivia Hamilton, Marty Bowen, David Ayer y Brad Pitt, todos como productores, con Pitt y Ayer también involucrados directamente detrás de cámaras.

Un reparto encabezado por Brad Pitt

Además de Brad Pitt en el papel de James Belmont, el reparto de El Corazón de la Bestia incluye a J.K. Simmons y Anna Lambe.

La presencia de Pitt vuelve a colocar a una de las grandes estrellas de Hollywood al frente de una producción de acción, después de una extensa trayectoria en películas que abarcan desde el drama y el thriller hasta las grandes superproducciones.

Un thriller de aventuras con una historia de supervivencia

Más que una película de acción tradicional, El Corazón de la Bestia busca construir su tensión a partir de la lucha de sus protagonistas contra un entorno que parece estar constantemente en su contra.

El accidente aéreo será apenas el punto de partida de una historia en la que Belmont y Odin tendrán que depender el uno del otro para sobrevivir. La naturaleza de Alaska se convertirá así en uno de los grandes elementos de la película, funcionando prácticamente como un personaje más dentro de la aventura.

Con Brad Pitt como protagonista y David Ayer detrás de las cámaras, El Corazón de la Bestia se perfila como una propuesta dirigida a quienes disfrutan de los thrillers de supervivencia, las historias de acción y las películas que exploran el vínculo entre humanos y animales.

Ficha técnica

Título: El Corazón de la Bestia
Título original: Heart of the Beast
Género: Thriller / aventura / supervivencia
Director: David Ayer
Guion: Cameron Alexander
Protagonistas: Brad Pitt, J.K. Simmons, Anna Lambe
Productores: Olivia Hamilton, Marty Bowen, David Ayer y Brad Pitt
Productores ejecutivos: Damien Chazelle, Scott Lumpkin, Cameron Alexander, Chris Long, Pete Chiappetta, Anthony Tittanegro, Andrew Lary, Sophie Cassidy y Zack Conroy.

El Corazón de la Bestia presenta así una nueva historia de supervivencia en la que la fuerza, la experiencia y, sobre todo, la confianza entre un hombre y su perro serán determinantes para enfrentar la que podría convertirse en su batalla más difícil.

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Caballo salvaje nueve tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde recibió una ovación de pie de 14 minutos y donde John Malkovich fue distinguido con la Copa Volpi al Mejor Actor por su interpretación en la película. Su recorrido por festivales incluye el Festival de Cine de Telluride, el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF), el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, el Festival de Cine de Zúrich, donde Martin McDonagh recibió un Premio Tributo por su labor como director, y el BFI London Film Festival. En Telluride, Malkovich sumó otro reconocimiento a su trayectoria al recibir el Silver Medallion, galardón que el festival otorga a figuras destacadas de la industria cinematográfica. Además, Caballo salvaje nueve será la película de apertura del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

Poco antes del golpe de Estado de 1973 en Chile, los agentes de la CIA Chris (John Malkovich) y Lee (Sam Rockwell) son enviados desde Santiago a la Isla de Pascua por su jefe, MJ (Steve Buscemi). Entre las icónicas estatuas de la isla, y mientras los socios de larga data lidian con sus pasados oscuros y conspiraciones presentes, el nuevo vínculo de Chris con unas estudiantes rebeldes (Mariana di Girolamo y Ailín Salas) pone en riesgo el curso de la misión en ese paraíso remoto.

Dirigida por el ganador del Premio de la Academia® Martin McDonagh (Escondidos en Brujas, Siete psicópatas, Tres anuncios por un crimen, Los espíritus de la isla) Caballo salvaje nueve está protagonizada por el dos veces nominado al Oscar® John Malkovich (En un lugar del corazón, En la línea de fuego), el ganador del Oscar® Sam Rockwell (Fosse/Verdon, Tres anuncios por un crimen, Vice), Steve Buscemi (Fargo, Ghost World), Mariana Di Girolamo (Ema, El jockey), Ailín Salas (El Secreto, Monzón), junto a Tom Waits (Siete psicópatas) y Parker Posey (The White Lotus).

Imágenes de la película

Con guion de McDonagh, la película reúne nuevamente al director y guionista con Searchlight Pictures, Blueprint Pictures y Film4, tras su colaboración en Los espíritus de la isla, nominada a 9 Premios de la Academia®. La producción es de Graham Broadbent, Pete Czernin, Martin McDonagh y Anita Overland. 

Caballo salvaje nueve estrena solo en cines el 5 de noviembre 

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DreamWorks Animation, el estudio que nos trajo los inolvidables vínculos entre un niño y un dragón en Cómo Entrenar A Tu Dragón, entre un ogro y un burro en Shrek, y entre un robot y un gansito en Robot Salvaje, nos presenta ahora una historia deslumbrante y emotiva sobre dos mejores amigas de toda la vida que deben unirse antes de que el tiempo las separe en La Isla Olvidada.

La nueva película original está escrita y dirigida por Joel Crawford y Januel Mercado, ambos nominados a los Premios de la Academia®, y producida por Mark Swift, también nominado a los premios de la Academia®, el equipo cinematográfico detrás de Gato con botas: El último deseo.

La isla olvidada sigue a Jo y Raissa, dos recién graduadas de bachillerato que han sido mejores amigas desde la primaria, pero que ahora están a punto de emprender caminos separados.
            
Mientras celebran su última noche juntas, Jo y Raissa se topan con un misterioso portal que las transporta a la fantástica isla de Nakali, repleta de criaturas mágicas y mitológicas de las que crecieron escuchando historias contadas por sus familias filipinas.

Algunas de estas figuras se convertirán en amigas, otras en enemigas. Acompañadas por el bienintencionado pero desventurado hombre-perro Raww y una pequeña pero poderosa manada de amigos, Jo y Raissa deben enfrentarse a la temible Manananggal, la criatura más temida de la isla. Cuando descubren que los recuerdos de toda su amistad son el precio a pagar por volver a casa, Jo y Raissa se verán obligadas a encontrar una forma de abandonar la isla antes de olvidarse la una de la otra para siempre.

La Isla Olvidada, de DreamWorks Animation, es distribuida por Universal Pictures.

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Este noviembre, el ícono de la comedia y ganador del Emmy Ben Stiller y el dos veces ganador del Oscar Robert De Niro se reúnen nuevamente, acompañados por la ganadora del Grammy y nominada al Oscar Ariana Grande, en La Nueva Focker, un nuevo capítulo de la exitosa franquicia La Familia de mi Novia.

El estelar elenco de comedia incluye el regreso de Teri Polo, nominada al Actor Award, y Blythe Danner, ganadora de los premios Tony y Emmy, además de las nuevas incorporaciones Skyler Gisondo (Superman), Beanie Feldstein, nominada al Golden Globe (La noche de las nerds), y Eduardo Franco (Stranger Things).Dirigida por John Hamburg, quien coescribió las tres películas anteriores de La Familia de mi Novia, La Nueva Focker es producida por la nominada al Oscar Jane Rosenthal (El irlandés) y Robert De Niro para Tribeca Productions; Ben Stiller y el ganador del Oscar John Lesher (Birdman) para Red Hour Films; el ganador del Emmy Jay Roach (Game Change) para Delirious Media; y John Hamburg para Particular Pictures.

El guion es de John Hamburg, basado en una historia de John Hamburg, la ganadora del Tony y nominada al Emmy Ilana Glazer (Broad City) y Austen Earl (Happy Together).

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Durante años, Resident Evil pareció haber olvidado qué era lo que hacía especiales a sus videojuegos. Las primeras adaptaciones cinematográficas fueron alejándose progresivamente del terror de supervivencia para abrazar la acción, los tiroteos y los protagonistas prácticamente indestructibles. Resident Evil: Noche Cero toma otro camino. La nueva película, dirigida por Zach Cregger, vuelve a Raccoon City para contar una historia independiente y mucho más cercana al espíritu del survival horror. En lugar de construir una enorme mitología alrededor de personajes conocidos, la cinta coloca a un protagonista completamente nuevo en medio de una situación que rápidamente se sale de control. Y esa decisión termina siendo uno de sus mayores aciertos.

Una noche que comienza con una simple entrega

La historia sigue a Bryan, interpretado por Austin Abrams, un repartidor médico que acepta realizar una última entrega durante una noche particularmente complicada. Lo que parece un trabajo rutinario termina llevándolo hacia Raccoon City, justo cuando un brote convierte la ciudad en el escenario de una pesadilla.

Bryan no es un militar, un agente especial ni un experto en armas. Tampoco tiene las habilidades de los protagonistas tradicionales de las películas de acción. Es simplemente un hombre común que se encuentra en el peor lugar posible y que debe aprender a sobrevivir sobre la marcha.

Esa vulnerabilidad cambia completamente la experiencia.

Cada criatura representa una amenaza auténtica y cada enfrentamiento transmite la sensación de que Bryan podría morir en cualquier momento. Incluso cuando consigue un arma, no se convierte mágicamente en un experto. Su torpeza y desesperación forman parte de la experiencia, y permiten que el espectador se identifique con él.

En ese sentido, Austin Abrams resulta fundamental para que la película funcione.

Una película que entiende cómo se siente jugar Resident Evil

Uno de los aspectos más interesantes de Noche Cero es que Cregger no intenta adaptar literalmente uno de los videojuegos. En cambio, busca trasladar al cine la sensación de estar jugando una partida de Resident Evil.

La película utiliza espacios que deben ser explorados, amenazas que pueden aparecer inesperadamente, recursos limitados y situaciones en las que avanzar resulta tan importante como decidir cuándo enfrentarse a un enemigo.

La cámara también contribuye a esa sensación. En determinados momentos adopta una perspectiva cercana a la primera persona, especialmente durante los enfrentamientos, haciendo que el espectador prácticamente comparta el punto de vista de Bryan. No se trata simplemente de colocar referencias reconocibles para los fanáticos: la puesta en escena intenta reproducir la tensión de avanzar por un lugar desconocido esperando que algo aparezca.

Ese planteamiento ha sido destacado por varias reseñas, que encuentran en la película una conexión especialmente efectiva entre el lenguaje cinematográfico y las mecánicas del videojuego.

También aparecen elementos reconocibles para los seguidores de la saga, pero Cregger evita convertir la película en una colección de guiños. La prioridad está puesta en construir una experiencia que funcione por sí misma.

El humor negro es una de sus mejores armas

Otro de los grandes aciertos de Resident Evil: Noche Cero es la manera en que Zach Cregger introduce humor negro en los momentos adecuados.

La película entiende que el terror no siempre necesita mantenerse completamente serio para funcionar. Al contrario, una situación extremadamente peligrosa puede resultar todavía más efectiva cuando, justo antes o después de un momento de tensión, aparece una reacción absurda, un comentario inesperado o una circunstancia que provoca una carcajada.

El humor nace principalmente de Bryan y de su incapacidad para procesar todo lo que está ocurriendo a su alrededor. No es un héroe preparado para enfrentarse a una invasión de criaturas: es alguien que está completamente sobrepasado, y sus reacciones resultan tan humanas como divertidas.

Lo interesante es que Cregger no utiliza esos momentos para convertir la película en una parodia. El humor funciona como una herramienta para modificar el ritmo emocional. Una escena puede generar tensión, provocar una risa nerviosa y, casi inmediatamente, volver a convertirse en una situación peligrosa.

Ese equilibrio entre horror y comedia no aparece de la nada. Forma parte de la identidad creativa que Cregger ha desarrollado en sus trabajos anteriores y es particularmente importante aquí porque permite que Noche Cero tenga personalidad propia.

El sello de Zach Cregger

Para entender por qué esta combinación funciona, hay que mirar los dos proyectos que colocaron a Cregger en el radar del público del terror: Barbarian y Weapons.

Barbarian, estrenada en 2022, fue su debut como director de largometrajes y sorprendió por su capacidad para transformar una premisa aparentemente sencilla en una experiencia imprevisible. La película consiguió superar los 40 millones de dólares en taquilla mundial frente a un presupuesto relativamente modesto, consolidando a Cregger como una nueva voz dentro del género.

Tres años después llegó Weapons, una producción mucho más ambiciosa que volvió a combinar misterio, horror y humor oscuro. La película amplió considerablemente el alcance comercial del director y superó los 270 millones de dólares en la taquilla mundial, demostrando que el éxito de Barbarian no había sido simplemente una casualidad.

Resident Evil: Noche Cero representa, por tanto, un paso importante en su carrera. Cregger ya no está trabajando con una idea original creada por él, sino con una de las propiedades más conocidas del mundo de los videojuegos.

Sin embargo, consigue introducir algunos de los elementos que caracterizan su cine: personajes vulnerables, situaciones que pueden cambiar de dirección inesperadamente, violencia gráfica y una mezcla muy particular de tensión y humor.

Monstruos, sangre y supervivencia

La película tampoco escatima en horror físico.

Las criaturas no son simplemente obstáculos destinados a ser eliminados. El diseño de los monstruos apuesta por deformaciones corporales, mutaciones y una estética deliberadamente desagradable. Hay momentos en los que la película se acerca al horror corporal y otros en los que parece rendir homenaje al cine de monstruos de décadas anteriores.

Esta aproximación ayuda a recuperar una característica esencial de Resident Evil: la sensación de que el virus no solamente mata, sino que transforma la vida en algo grotesco.

Cregger tampoco necesita explicar constantemente cada elemento del universo. La película funciona mejor cuando deja que el espectador descubra las amenazas junto con Bryan.

Un ritmo que no da demasiado tiempo para respirar

Con aproximadamente hora y media de duración, Resident Evil: Noche Cero apuesta por avanzar rápidamente. La estructura se siente casi como una partida: Bryan llega a un lugar, descubre un nuevo problema, consigue algún recurso, se enfrenta a otra amenaza y debe continuar.

Esa velocidad es una de sus virtudes, aunque también puede ser una de sus limitaciones.

La película está mucho más interesada en producir sensaciones que en construir una compleja historia sobre la mitología de Umbrella o explicar cada detalle del brote. Quienes busquen una expansión profunda del universo quizá encuentren la propuesta demasiado sencilla.

Pero esa simplicidad parece deliberada.

Cregger entiende que el atractivo de Resident Evil no depende necesariamente de conocer treinta años de historia. Basta con colocar a una persona en un lugar peligroso, darle recursos limitados y hacerle avanzar hacia algo que preferiría no encontrar.

Una nueva oportunidad para la franquicia

La recepción inicial ha sido especialmente positiva. Diversas críticas han destacado la capacidad de Cregger para combinar terror, acción, comedia y elementos propios de los videojuegos sin convertir la película en una sucesión de referencias para los fanáticos.

También ha tenido un comienzo comercial contundente: durante su primer fin de semana consiguió aproximadamente 60 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá y unos 108 millones a nivel mundial.

Más allá de las cifras, lo interesante es que Noche Cero parece haber encontrado una identidad propia.

No intenta competir con las películas anteriores en cantidad de explosiones ni en escala de acción. Tampoco necesita llenar la pantalla de personajes conocidos. Su apuesta es mucho más sencilla: recuperar la sensación de vulnerabilidad que convirtió a Resident Evil en uno de los nombres fundamentales del survival horror.

¿Vale la pena ver Resident Evil: Noche Cero?

Resident Evil: Noche Cero demuestra que una adaptación de videojuegos no necesita reproducir literalmente una historia para respetar su material de origen. Zach Cregger entiende que, en este caso, lo importante era trasladar una experiencia.

La película funciona cuando convierte al espectador en acompañante de Bryan: avanzando con cautela, intentando entender qué está ocurriendo, buscando recursos y esperando que la próxima puerta no esconda algo peor.

A eso se suma el humor negro, utilizado con bastante inteligencia para romper la tensión sin destruirla. Esa mezcla de miedo, violencia, absurdo y desesperación es probablemente una de las características que mejor definen la película.

Después de Barbarian y Weapons, Cregger confirma que su interés por el terror no dependía de una única fórmula. Ahora consigue trasladar su particular sensibilidad a una franquicia de enorme reconocimiento mundial y, al mismo tiempo, recuperar algo que las adaptaciones anteriores habían dejado progresivamente de lado: la sensación de que sobrevivir en Raccoon City debería dar miedo.

Resident Evil: Noche Cero no necesita convertir a Bryan en un héroe invencible. Su mayor virtud está precisamente en lo contrario: poner a una persona normal frente a una pesadilla extraordinaria y dejar que el espectador descubra, junto a él, cuánto tiempo puede permanecer con vida.

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Con el inicio de un nuevo año escolar, las familias venezolanas se preparan para uno de los momentos más esperados por niños y jóvenes: volver a las aulas, reencontrarse con sus compañeros y comenzar una nueva etapa llena de aprendizajes y experiencias. Morrales, loncheras, estuches, termos y accesorios integran una propuesta en la que diseño, funcionalidad, comodidad y durabilidad se combinan con colores, innovación, tendencias y personajes que permiten que cada estudiante encuentre productos acordes con sus necesidades y personalidad.

Un morral para cada etapa

Las necesidades cambian a medida que los estudiantes crecen. Por eso, CAPI estructura su propuesta escolar en diferentes líneas y tamaños que acompañan las distintas etapas de la vida estudiantil.

Toddler está pensada para los más pequeños que comienzan su experiencia en maternal y preescolar, con morrales talla XS ligeros y fáciles de llevar, además de loncheras térmicas, estuches y otros accesorios.

Kids acompaña los primeros años de primaria con morrales talla S, tanto tradicionales como ergonómicos con ruedas, que pueden combinarse con loncheras y estuches escolares.

Para quienes necesitan mayor capacidad y organización, Tweens incorpora morrales talla M de dos y tres compartimentos, disponibles en modelos tradicionales y con ruedas, además de loncheras y organizadores.

Por su parte, Young / Young Adult ofrece alternativas para jóvenes estudiantes, con morrales talla L de mayor capacidad, compartimentos internos y espacios para laptop y carpetas, complementados con estuches, loncheras y otros accesorios.

De esta manera, cada estudiante puede encontrar un morral que responda a lo que necesita llevar, a la forma en que lo utiliza y a su propio estilo.

Organización e hidratación para el día a día

La propuesta de CAPI se extiende a productos que complementan la rutina escolar y ayudan a hacerla más práctica.

Entre ellos destacan los termos de acero inoxidable de 500 y 720 ml, con base de silicona antideslizante, cierre hermético y atractivos diseños.

Los estuches y organizadores también forman parte de la colección, con alternativas de varios compartimentos y modelos desplegables tipo escritorio, cierres de fácil deslizamiento y forros impermeables que facilitan la limpieza y ayudan a mantener lápices, marcadores y demás útiles escolares en orden.

Diseños que reflejan su personalidad

Para los niños, el escoger el morral que los acompañará durante el año escolar también forma parte de la emoción del regreso a clases. Los colores, diseños y personajes que les gustan les permiten expresar su personalidad y hacer suyo ese compañero que llevarán cada día.

Por eso, la colección CAPI combina diseños propios con productos de licencias de Sanrio, con personajes como Hello Kitty, My Melody y Kuromi, además de otros personajes favoritos de los niños, ofreciendo distintas alternativas para que cada uno pueda encontrar un producto con el que se identifique.

Diseño y funcionalidad se unen así a un componente emocional: la ilusión de estrenar ese morral que eligieron y que los acompañará durante las experiencias del nuevo año escolar.

• Calidad respaldada por garantía

Como parte de su compromiso con la calidad y durabilidad, CAPI ofrece un año de garantía en sus productos, que cubre defectos de fabricación y materiales bajo condiciones normales de uso. Un respaldo que brinda mayor confianza a las familias al momento de elegir los productos que acompañarán a sus hijos durante el año escolar.

“Morrales que inspiran”: una elección que también ayuda a otros niños

Este regreso a clases tiene además un significado especial para CAPI. A través de su programa de responsabilidad social “Morrales que inspiran”, la empresa busca transformar la temporada escolar en una oportunidad para contribuir con otros niños. Este 2026 cumple 5 años obsequiando sonrisas, en los que ha beneficiado a más de 7.000 niños venezolanos.

Cada morral CAPI comprado contribuye a llevar morrales nuevos a niños en situación vulnerable, para que ellos también puedan comenzar el año escolar con ilusión y contar con una herramienta que los acompañe en su aprendizaje. Este año el esfuerzo estará especialmente dirigido a niños afectados por el terremoto ocurrido en Venezuela, sumando la contribución de las familias que eligen CAPI a una iniciativa que busca acompañarlos en su regreso a clases.

Porque un morral puede llevar mucho más que útiles escolares: puede llenarse de sueños, aprendizajes y nuevas aventuras.

55 años creciendo junto a Venezuela

Desde 1971 Corporación CAPI diseña, manufactura y comercializa productos para las familias venezolanas. A lo largo de más de cinco décadas, la empresa ha construido una trayectoria basada en diseño, calidad, funcionalidad y una adecuada relación precio-valor, renovando su portafolio para responder a las necesidades y preferencias de sus consumidores.

Hoy, con 55 años de labor ininterrumpida en el país, CAPI reafirma su compromiso con Venezuela y con las nuevas generaciones, respaldada por un equipo humano que suma experiencia, conocimiento y pasión por desarrollar productos pensados para acompañar la vida cotidiana.

Los productos CAPI están disponibles en puntos de venta autorizados en Venezuela, tiendas CAPI y a través de capi.com.ve

Las novedades de la marca pueden seguirse en @capi_ve

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El cine de animación español ha demostrado en los últimos años que puede construir personajes capaces de trascender sus fronteras y competir en el imaginario internacional con las grandes franquicias del género. Dentro de ese panorama, Tadeo Jones se ha convertido en uno de sus protagonistas más reconocibles. “Tadeo Jones y la Lámpara Maravillosa” retoma ese espíritu aventurero para ofrecer una nueva travesía en la que el arqueólogo errático vuelve a enfrentarse a peligros, misterios y situaciones disparatadas.

La película parte de una premisa que resulta familiar para los aficionados a las aventuras de exploración: un objeto extraordinario desencadena una carrera contra el tiempo y obliga al protagonista y a sus compañeros a recorrer distintos escenarios en busca de una solución. El elemento fantástico de la lámpara funciona como motor narrativo y permite combinar el imaginario de las antiguas leyendas con el tono ligero y contemporáneo que caracteriza a la saga.

Uno de los mayores aciertos de la producción está en comprender qué espera el público de una aventura protagonizada por Tadeo. La película no pretende reinventar radicalmente al personaje, sino explotar sus principales virtudes: su entusiasmo, su torpeza, su capacidad para meterse en problemas y, sobre todo, su perseverancia. Tadeo no es el héroe infalible que domina cada situación; precisamente sus errores y limitaciones son los que generan buena parte del humor y permiten que el espectador se identifique con él.

En términos narrativos, “Tadeo Jones y la Lámpara Maravillosa” apuesta por una estructura de aventura clásica. Hay persecuciones, enigmas, descubrimientos, obstáculos y sucesivos cambios de escenario. Este planteamiento mantiene un ritmo dinámico y procura que la historia avance constantemente. Para el público infantil, esa velocidad constituye uno de sus principales atractivos; para los adultos que acompañan a los más pequeños, la película incorpora suficientes referencias humorísticas y situaciones absurdas como para evitar que la experiencia resulte exclusivamente infantil.

El humor es, de hecho, uno de los pilares fundamentales de la propuesta. La película utiliza la comedia física, los malentendidos y las reacciones exageradas de sus personajes para construir momentos destinados principalmente a provocar la risa. Algunas situaciones responden a fórmulas conocidas del cine de aventuras, pero su ejecución consigue mantener el tono desenfadado que identifica a la franquicia.

Visualmente, la producción apuesta por una animación colorida y espectacular, especialmente apropiada para representar los escenarios arqueológicos y fantásticos de la historia. Las ruinas, los espacios monumentales y los elementos asociados a la mitología permiten que la película juegue con una estética de grandes dimensiones. El objetivo no es únicamente contar una historia, sino convertir cada escenario en parte de la aventura.

También resulta interesante la manera en que la película acerca a los espectadores más jóvenes a determinados elementos de la historia, la arqueología y la mitología. Aunque evidentemente no pretende funcionar como una lección académica, sí utiliza el entretenimiento como puerta de entrada hacia culturas, leyendas y civilizaciones que pueden despertar la curiosidad infantil. En ese sentido, la aventura cumple una función adicional: estimular el deseo de conocer aquello que existe detrás de la ficción.

Otro aspecto importante es el valor que la saga concede al trabajo en equipo. Tadeo puede ocupar el centro de la acción, pero rara vez consigue resolver los problemas completamente solo. Sus compañeros cumplen funciones esenciales y recuerdan que la inteligencia, la amistad, la cooperación y la confianza pueden ser tan importantes como la fuerza o el heroísmo individual.

Sin embargo, la película tampoco está completamente libre de ciertas limitaciones. Su estructura responde a convenciones muy conocidas del cine de aventuras y algunos acontecimientos pueden resultar previsibles para un espectador adulto habituado al género. Asimismo, el ritmo acelerado y la acumulación de situaciones cómicas pueden restarle profundidad a determinados personajes secundarios. La película parece priorizar claramente el entretenimiento inmediato por encima de una construcción dramática especialmente compleja.

Pero esa elección también debe juzgarse de acuerdo con su público objetivo. Exigirle a una producción como esta la misma densidad narrativa de una película dramática sería perder de vista su propósito fundamental. “Tadeo Jones y la Lámpara Maravillosa” está concebida como una aventura familiar, busca divertir, sorprender y mantener la atención de los espectadores más jóvenes, mientras ofrece a los adultos suficientes elementos para disfrutar del viaje.

En última instancia, el principal mérito de la película consiste en mantener vivo el espíritu aventurero que convirtió a Tadeo Jones en una figura reconocible dentro de la animación española. El personaje continúa representando una idea sencilla pero efectiva: no hace falta ser el héroe perfecto para enfrentarse a grandes desafíos. A veces basta con tener curiosidad, valentía, buenos amigos y la disposición para levantarse después de cada tropiezo.

“Tadeo Jones y la Lámpara Maravillosa” funciona como una entretenida propuesta de animación familiar que apuesta por la aventura, el humor y la fantasía. No busca transformar las reglas del género, sino ofrecer una experiencia accesible y dinámica para espectadores de distintas edades. Su mayor fortaleza está precisamente en esa sencillez, es una película concebida para recuperar el placer elemental de sentarse frente a la pantalla grande y dejarse llevar por una nueva aventura.

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Jason Statham parece haber encontrado una fórmula que conoce mejor que nadie: darle vida a hombres aparentemente comunes que esconden un pasado mucho más peligroso de lo que dejan ver. “Código Venganza” vuelve a colocar al actor británico en ese territorio y lo reúne nuevamente con el director David Ayer, después de su colaboración en El apicultor. El resultado es un thriller de acción violento, directo y diseñado principalmente para quienes llegan al cine buscando golpes, persecuciones, tiroteos y a Statham haciendo lo que mejor sabe hacer.

En esta ocasión, Statham interpreta a Levon Cade, un antiguo militar de operaciones especiales que intenta dejar atrás su vida anterior para dedicarse a algo mucho más tranquilo: trabajar en la construcción. Levon ha cambiado las misiones secretas por el casco, las herramientas y una rutina relativamente sencilla. Sin embargo, esa nueva vida se derrumba cuando la hija de su jefe desaparece después de caer en manos de una peligrosa red criminal.

Lo que comienza como un favor personal rápidamente se convierte en una misión de rescate. Levon decide utilizar nuevamente las habilidades que había intentado sepultar y emprende una búsqueda que lo lleva directamente hacia una organización criminal mucho más grande y brutal de lo que imaginaba.

Una historia que no pretende reinventar el género

Uno de los principales problemas de “Código Venganza” es también una de sus características más evidentes: la película no intenta ser particularmente original.

La estructura resulta familiar. Tenemos a un protagonista con un pasado letal, una persona inocente que debe ser rescatada, criminales despiadados y un hombre que decide enfrentarse prácticamente solo contra todos ellos. Es una combinación que recuerda inevitablemente a películas como Búsqueda implacable y, en determinados momentos, al universo de John Wick.

Pero tampoco sería justo juzgarla únicamente por lo que no pretende ser. “Código Venganza” entiende perfectamente qué tipo de película quiere ofrecer. No estamos ante un thriller interesado en desarrollar complejas reflexiones sobre la condición humana ni en sorprender al espectador con constantes giros argumentales. Su objetivo es mucho más sencillo: poner a Jason Statham frente a una colección de tipos desagradables y dejar que resuelva los problemas a puñetazos, balazos y golpes de una contundencia considerable.

Y en ese aspecto, la película cumple.

Jason Statham interpreta a… Jason Statham

Si existe un actor que ha convertido su propia personalidad cinematográfica en una marca registrada, ese es Jason Statham.

Levon Cade tiene pocas palabras, una mirada permanentemente seria y una capacidad aparentemente ilimitada para enfrentarse a grupos enteros de delincuentes. No es precisamente un personaje lleno de matices, pero Statham sabe cómo hacerlo funcionar.

El actor no necesita grandes discursos para transmitir que su personaje es peligroso. Una mirada, un cambio de expresión o la manera en que entra en una habitación suelen ser suficientes para comunicar que alguien está a punto de pasar un muy mal rato.

La película tampoco intenta esconder las similitudes entre Levon y muchos de los personajes anteriores de Statham. Al contrario, prácticamente las abraza. Es como si el filme entendiera que buena parte del público no está entrando en la sala para descubrir una nueva faceta del intérprete, sino para disfrutar precisamente de aquello que lo convirtió en una de las figuras más reconocibles del cine de acción moderno.

David Ayer apuesta por la violencia

La dirección de David Ayer aporta una estética áspera y bastante más oscura que la de una película de acción convencional.

El director construye un mundo poblado por criminales exagerados, lugares sórdidos y situaciones cada vez más violentas. Hay momentos en los que la película parece querer acercarse al thriller criminal tradicional, mientras que en otros abraza sin demasiadas reservas el espectáculo de acción.

Ese cambio de tono puede resultar irregular. Algunas escenas parecen tomarse demasiado en serio a sí mismas, mientras que otras prácticamente parecen una invitación a disfrutar del absurdo de ver a Statham enfrentándose a una cantidad desproporcionada de enemigos.

Paradójicamente, cuando la película deja de intentar aparentar que está contando una historia especialmente profunda es cuando mejor funciona.

Las escenas de acción son el verdadero atractivo

Si el guion no representa precisamente el elemento más novedoso de “Código Venganza”, las secuencias de acción compensan buena parte de esa carencia.

Statham utiliza prácticamente todo lo que encuentra a su alrededor como herramienta de combate. Puños, armas, objetos cotidianos y elementos del entorno terminan convirtiéndose en instrumentos para acabar con sus adversarios.

Las peleas tienen un componente físico que encaja perfectamente con la presencia del protagonista. No estamos ante coreografías extremadamente estilizadas como las de determinadas producciones asiáticas o ante la precisión casi acrobática de John Wick. Aquí los enfrentamientos buscan sentirse más brutales, rápidos y contundentes.

Cada golpe parece diseñado para que el espectador pueda sentir el impacto.

Y aunque algunas situaciones requieren aceptar una considerable suspensión de la incredulidad, ese probablemente sea uno de los requisitos para disfrutar realmente de la película.

Un protagonista más humano de lo habitual

Uno de los aspectos más interesantes de Levon es que detrás de su faceta de máquina de combate existe un hombre que intenta recuperar una vida normal.

Su relación con su hija y los problemas derivados de su pasado aportan una dimensión emocional que evita que el personaje sea simplemente una máquina de matar con rostro inexpresivo.

El problema es que el guion no desarrolla suficientemente algunos de esos elementos. La película presenta conflictos personales que podrían haber servido para construir un protagonista mucho más complejo, pero rápidamente vuelve a aquello que realmente le interesa: encontrar a los responsables, localizarlos y golpearlos hasta que dejen de representar una amenaza.

Por eso, la parte emocional funciona mejor como complemento que como verdadero motor dramático.

¿Es una de las mejores películas de Jason Statham?

Probablemente no.

“Código Venganza” difícilmente alcanza el nivel de algunas de las mejores películas de acción de Statham y tampoco posee la personalidad suficiente para convertirse en un nuevo referente del género. Incluso dentro de su filmografía reciente, resulta difícil no compararla con El apicultor, una película que abrazaba su propia exageración con mayor energía y sentido del humor.

Sin embargo, eso no significa que sea una mala película.

Su mayor virtud consiste precisamente en no complicar innecesariamente una propuesta que sabe cuál es su público. Quienes busquen una historia sofisticada, personajes extraordinariamente desarrollados o una reinvención del género probablemente terminarán decepcionados. Pero quienes disfruten del cine de acción clásico, los protagonistas prácticamente indestructibles y las películas en las que el héroe resuelve los problemas de la manera más física posible probablemente encontrarán suficientes motivos para pasar un buen rato.

“Código Venganza” es una película de Jason Statham en el sentido más puro de la expresión. Tiene un protagonista duro, criminales despiadados, una misión de rescate, abundante violencia y suficientes enfrentamientos para mantener ocupada la pantalla.

Su historia es predecible y en algunos momentos demasiado seria para lo disparatadas que llegan a ser determinadas situaciones. También se nota que el género ha utilizado muchas veces esta misma fórmula.

Pero Statham continúa teniendo una presencia cinematográfica difícil de reemplazar. Cuando entra en acción, la película recupera inmediatamente su propósito y recuerda por qué el actor sigue siendo uno de los grandes nombres del cine de acción contemporáneo.

No es una película que vaya a cambiar las reglas del género.

Es, sencillamente, una película para ver a Jason Statham haciendo aquello que el público espera de Jason Statham. Y, para muchos espectadores, eso puede ser más que suficiente.

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Everest: la otra cara, un retrato íntimo de dos esquiadores de alta montaña de élite unidos por el amor y la búsqueda de lo imposible, celebró su estreno mundial en el 83.º Festival Internacional de Cine de Venecia. La película está dirigida por Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chin, los cineastas ganadores de un Oscar® responsables de Free Solo y Meru. El documental, producido por Walt Disney Studios, National Geographic Documentary Films y Little Monster Films, acaba de ser incluido en la programación oficial del 53.º Festival de Cine de Telluride.

El tráiler de esta emocionante experiencia cinematográfica adelanta la hazaña que supuso una de las escaladas más peligrosas que se hayan intentado. La película se proyectará en el Festival Internacional de Cine de Toronto, el Festival Internacional de Cine de Camden y el Festival de Cine de Londres del BFI, antes de estrenarse en exclusiva en cines de Latinoamérica el 29 de octubre.

En Everest: la otra cara los esquiadores de élite de alta montaña Jim Morrison e Hilaree Nelson se enamoran profundamente mientras alcanzan la cima de su deporte. Su determinación se convierte en un sueño compartido: escalar y esquiar por la cara norte directa del Everest, el camino más difícil y peligroso de la montaña y la ruta de esquí más codiciada del mundo. Miles de personas han coronado la montaña por la cresta sureste de Nepal, pero solo un puñado ha llegado a la cima por esta ruta y nadie ha conseguido descender esquiando con éxito. Ya conocidos por sus extraordinarias hazañas en la montaña y acostumbrados a las pérdidas, Morrison y Nelson lo apuestan todo a este exigente y hasta desalentador reto.

Everest: la otra cara está dirigida y producida por Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chin, y producida por Shannon Dill, Anna Barnes, Bob Eisenhardt y Janet Yang. Los productores ejecutivos son Carolyn Bernstein, Tim Horsburgh, Nina Fialkow, David Fialkow, Andrew Reiner, Elizabeth Reiner, Moudhy Al-Rashid, Sam Frohman, Kenneth A. Howery, Jason Bowden, Will Griffith y Bettina Kadoorie. El montaje está a cargo de Bob Eisenhardt, ACE, y Simona Ferrari. Los directores de fotografía son Clair Popkin, Jimmy Chin y Christopher Murphy.

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STREET FIGHTER inicia la gira World Warrior en Japón y hace historia con su tráiler en YouTube. Paramount Pictures y Legendary Entertainment dieron inicio hoy a la gira mundial World Warrior con el lanzamiento de un épico primer tráiler en las pantallas del Shinjuku Yunika Vision de Tokio, el pasado martess 1 de septiembre.

Los protagonistas Noah Centineo, Andrew Koji, Callina Liang y Jason Momoa estuvieron acompañados por el actor local Hirooki Goto, la actriz de doblaje japonesa Eiko Kano, el director Kitao Sakurai y el director del juego Street Fighter, Takayuki Nakayama, en este evento sin precedentes.

SINOPSIS

Ambientada en 1993, los distanciados luchadores de Street Fighter, Ryu (Andrew Koji) y Ken Masters (Noah Centineo), se ven obligados a volver a la acción cuando la misteriosa Chun-Li (Callina Liang) los recluta para el próximo Torneo Mundial de Guerreros: un brutal choque de puños, destino y furia. Pero tras esta batalla campal se esconde una conspiración mortal que los obliga a enfrentarse entre sí y a los demonios de su pasado. ¡Y si no lo hacen, it´s Game Over!

Dirigida por Kitao Sakurai, Street Fighter trae la acción de las recreativas a la gran pantalla con Hadoukens, patadas giratorias y todos tus personajes favoritos.

Paramount Pictures y Legendary Pictures presentan

En asociación con Capcom

Una producción de Legendary Pictures

“STREET FIGHTER”

PRODUCCIÓN EJECUTIVA DE

JJ Hook, Jay Ashenfelter, Kenzo Tsujimoto, Haruhiro Tsujimoto

PRODUCIDA POR

Mary Parent, Cale Boyter, Jason Momoa, Takayuki Nakayama, Stefan Makhoul

Basado en el videojuego de CAPCOM

HISTORIA DE

Dalan Musson y Gary Dauberman

GUION DE

T.J. Fixman y Kitao Sakurai

DIRIGIDA POR

Kitao Sakurai

PROTAGONIZADA 

Noah Centineo como “Ken Masters”

Andrew Koji como “Ryu”

Callina Liang como “Chun-Li”

Joe “Roman Reigns” Anoai como “Akuma”

David Dastmalchian como “M. Bison”

Cody Rhodes como “Guile”

Andrew Schulz como “Dan Hibiki”

Eric André como “Don Sauvage”

Vidyut Jammwal como “Dhalsim”

Orville Peck como “Vega”

Olivier Richters como “Zangief”

Hirooki Goto como “E. Honda”

Rayna Vallandingham como “Juli”

Alexander Volkanovski como “Joe”

Con Curtis ’50 Cent’ Jackson como “Balro

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Sony Pictures Television ha lanzado oficialmente Live TV on PS5, una nueva experiencia de televisión gratuita que convierte a la PlayStation 5 en un centro de entretenimiento con más de 100 canales en directo, además de una creciente biblioteca de películas, series, anime, deportes, noticias y contenido bajo demanda.

El servicio debutó el 31 de agosto de 2026 en Estados Unidos y, a diferencia de plataformas como Netflix o Disney+, no requiere una suscripción de pago. El modelo es de televisión gratuita con publicidad, conocido como FAST (Free Ad-Supported Streaming TV).

Lo más importante para los usuarios internacionales es que el lanzamiento inicial está limitado a Estados Unidos. Sony ya confirmó que está trabajando para llevarlo a Canadá y que continuará estudiando su expansión a otras regiones, pero por ahora no ha anunciado fechas concretas para Latinoamérica, Europa u otros mercados.

¿Qué es Live TV on PS5?

Live TV on PS5 es una nueva sección integrada directamente en la interfaz de la consola. No se trata de una aplicación tradicional que el usuario tenga que descargar desde PlayStation Store.

Desde la pestaña Media de la PS5, los usuarios elegibles pueden acceder a un catálogo que combina:

• Más de 100 canales de televisión en directo.
• Películas gratuitas.
• Series de televisión.
• Anime.
• Deportes.
• Noticias y meteorología.
• Gaming y esports.
• Contenido producido por creadores.
• Documentales.
• Podcasts y otros contenidos especializados.

Sony Pictures Television es responsable de seleccionar y organizar la programación, reuniendo contenido de numerosas compañías y marcas de entretenimiento. La oferta, además, irá cambiando con el tiempo, con nuevos canales, programas y eventos.

En otras palabras, Sony está intentando convertir la PS5 en algo más que una consola para jugar: también quiere que funcione como un centro gratuito de televisión y streaming.

Gratis, pero con publicidad

Una de las principales características de Live TV on PS5 es que no hace falta pagar una suscripción.

Esto significa que el servicio no requiere una membresía adicional como Netflix, Max o Disney+. Sin embargo, el modelo es financiado mediante publicidad, por lo que los usuarios tendrán que ver anuncios durante la programación.

El concepto es similar al de servicios FAST como Tubi, Pluto TV o The Roku Channel: en lugar de cobrar al espectador, las plataformas generan ingresos mediante publicidad.

Sony también está utilizando tecnología publicitaria especializada para gestionar esta experiencia.

¿Qué contenido se puede encontrar?

La propuesta resulta bastante amplia para tratarse de un servicio gratuito.

Películas

Sony ha incorporado canales dedicados a diferentes géneros cinematográficos, incluyendo:

• MovieSphere by Lionsgate
• 50 Cent Action
• FilmRise Free Movies
• Sony One Horror Hits
• Cinevault

La programación incluye películas de acción, terror, ciencia ficción y otros géneros. Entre los títulos destacados alrededor del lanzamiento se encuentran producciones como The Hunger Games, The Other Guys, Elysium y películas de la franquicia Resident Evil.

Series de televisión

También existe una selección considerable de series y canales temáticos.

Entre los contenidos destacados se encuentran:

• Community
• The Shield
• Hell’s Kitchen
• The Walking Dead
• Forensic Files
• Unsolved Mysteries
• Deal or No Deal USA
• Fear Factor
• Ice Road Truckers

Parte de esta programación procede de compañías como A+E Global Media, AMC y otros socios de Sony.

Anime

El anime es otra de las categorías importantes de Live TV on PS5.

El servicio incluye contenidos como:

• Naruto
• Sailor Moon
• Hunter x Hunter
• Death Note
• Black Clover

Además, Crunchyroll participa con canales de anime creados específicamente para Live TV on PS5, incluyendo canales de Black Clover y otros contenidos agrupados en formato de maratón o “Box Sets”.

Deportes

Los aficionados al deporte también encontrarán canales y programación relacionada con:

• UFC
• NASCAR
• FOX Sports
• NBC Sports Now
• NFL Channel
• Fútbol
• Hockey
• Golf
• Boxeo
• MMA
• Automovilismo

Uno de los elementos más interesantes es NFL Channel, el canal gratuito 24/7 de la NFL, que ofrece programación relacionada con la liga, repeticiones de partidos y contenido original, además de cobertura durante días de partido.

Eso sí, es importante no confundir esto con tener acceso gratuito a todos los partidos deportivos en directo. La disponibilidad de eventos concretos depende de los derechos de transmisión y del mercado.

Noticias y meteorología

Live TV on PS5 también incorpora canales informativos y meteorológicos.

Entre los ejemplos anunciados por Sony están:

• ABC News Live
• NBC News Now
• FOX Weather
• LiveNOW from FOX

Esto permite utilizar la PS5 como una fuente de información en directo además de como plataforma de entretenimiento.

También hay contenido de creadores y gaming

Sony no se ha limitado a televisión tradicional.

La plataforma incorpora contenido relacionado con:

• Gaming.
• Esports.
• Creadores digitales.
• Podcasts.
• Comedia.
• Deportes extremos.
• Cultura de internet.

Entre los canales destacados aparecen The Ringer, Hot Ones, Futcrunch y eCLUTCH, este último presentado como una incorporación exclusiva para la plataforma.

También existe programación relacionada con Spotify y contenido de entretenimiento especializado.

¿Cómo acceder a Live TV on PS5?

Sony ha intentado que el proceso sea bastante sencillo.

Desde la PS5 hay que:

1. Abrir la pestaña Media

Desde la pantalla principal de la consola, cambia de la sección de juegos a Media.

2. Seleccionar Live TV on PS5

Busca el nuevo icono de Live TV on PS5.

3. Iniciar sesión

Selecciona “Log In With My PlayStation Account” para conectar tu cuenta de PlayStation y comenzar a utilizar el servicio.

No es necesario descargar una aplicación adicional.

Sony indica además que Live TV on PS5 requiere vincular la cuenta de PlayStation con una cuenta de Sony Pictures CORE, o utilizar una cuenta existente de ese servicio.

¿Está disponible en Venezuela?

No. Live TV on PS5 no está disponible actualmente en Venezuela.

Y esto no parece ser un problema relacionado con la configuración de idioma de la consola o con la ausencia del icono por algún fallo.

El lanzamiento oficial de Sony Pictures Television se realizó exclusivamente para Estados Unidos, mientras que Sony ha indicado que está trabajando para llevar el servicio posteriormente a Canadá y que continuará explorando otros mercados.

Por lo tanto, para un usuario con una cuenta o territorio de PlayStation correspondiente a Venezuela, no debería esperarse actualmente que aparezca Live TV on PS5 en la pestaña Media.

Regiones donde está disponible actualmente

Región	Estado
Estados Unidos	Disponible
Canadá	Próximamente / expansión prevista
Venezuela	No disponible
Reino Unido	No anunciado
España	No anunciado
México	No anunciado
Brasil	No anunciado
Resto de Latinoamérica	No anunciado
Otros mercados	Sin disponibilidad confirmada

Es importante señalar que Canadá todavía no debe considerarse un mercado activo confirmado: Sony dice que está buscando expandir la experiencia allí, pero no ha proporcionado una fecha de lanzamiento.

Para el resto de regiones tampoco existen fechas oficiales anunciadas.

¿Por qué Sony está haciendo esto?

El lanzamiento forma parte de una estrategia más amplia de Sony para aprovechar el ecosistema de entretenimiento de PlayStation.

La compañía no solamente posee la plataforma PlayStation mediante Sony Interactive Entertainment. También cuenta con un enorme catálogo audiovisual a través de Sony Pictures y relaciones con múltiples compañías de entretenimiento.

Live TV on PS5 permite reunir todo esto dentro de la consola.

La estrategia también contempla llevar posteriormente la experiencia a televisores BRAVIA, lo que apunta a que la PS5 podría ser solamente el primer paso de un proyecto mucho más amplio.

Esto permitiría a Sony utilizar su ecosistema de dispositivos para distribuir televisión gratuita financiada mediante publicidad y competir directamente por el tiempo de los usuarios frente a plataformas como YouTube, Pluto TV, Tubi y otros servicios FAST.

No es el regreso de PlayStation Vue

Aunque el nombre pueda recordar a la antigua plataforma de televisión de Sony, Live TV on PS5 no es un nuevo PlayStation Vue.

PlayStation Vue era un servicio de televisión de pago que ofrecía paquetes de canales y funcionaba como alternativa a la televisión por cable. Fue cerrado por Sony en 2020.

Live TV on PS5 funciona bajo un modelo completamente diferente: contenido gratuito financiado por publicidad, con una combinación de canales FAST y programación bajo demanda.

Por eso, conceptualmente se encuentra mucho más cerca de Tubi, Pluto TV o The Roku Channel que de un servicio tradicional de televisión de pago.

Una PS5 cada vez más orientada al entretenimiento

La llegada de Live TV on PS5 representa un movimiento interesante para Sony. Una consola que normalmente sirve para jugar ahora incorpora un servicio gratuito de televisión que puede utilizarse incluso cuando el usuario no está jugando.

Y la propuesta resulta particularmente atractiva porque no requiere instalar otra aplicación, pagar una suscripción adicional ni contratar un paquete de televisión.

La principal limitación, al menos inicialmente, es geográfica. Estados Unidos es el único mercado confirmado en el lanzamiento, mientras que Canadá está en los planes de expansión y Sony solamente ha indicado que continuará explorando otras regiones.

Para los usuarios de Venezuela y otros países de Latinoamérica, por ahora toca esperar. Sony no ha anunciado cuándo —o incluso si— Live TV on PS5 llegará oficialmente a esos territorios.

Mientras tanto, el servicio ya representa una nueva forma de utilizar la PS5: más de 100 canales gratuitos, películas, series, anime, deportes, noticias y contenido bajo demanda, todo integrado directamente en la consola y financiado mediante publicidad.

Nota de prensa oficial de PlayStation

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Una noche. Una ciudad. Una regla bastante peculiar y dos desconocidos que quizá estén destinados a encontrarse. Así se presenta Sólo por una noche (One Night Only), la nueva comedia romántica dirigida por Will Gluck, cineasta detrás de éxitos como Con todos menos contigo y Se dice de mí. La película llegó a los cines el 27 de agosto con una propuesta que combina romance, humor y una situación tan absurda como intrigante.

Protagonizada por la nominada al Óscar, Monica Barbaro y el nominado al BAFTA, Callum Turner, la cinta plantea una pregunta sencilla: ¿qué ocurriría si encontrar el amor verdadero tuviera que competir contra una ciudad entera intentando aprovechar al máximo una única noche de libertad?

Una noche al año para los solteros

La historia de Sólo por una noche transcurre en una versión ligeramente ficticia de Nueva York, donde existe una regla extraordinaria: las personas solteras únicamente tienen permitido mantener relaciones sexuales durante una noche específica del año.

La premisa convierte a la ciudad en un escenario completamente diferente. Lo que normalmente podría ser una noche cualquiera se transforma en un acontecimiento colectivo en el que los solteros salen a las calles con un objetivo muy concreto.

Pero entre todas esas personas que buscan un encuentro casual hay dos que parecen estar buscando algo mucho más difícil de encontrar: una conexión auténtica.

Ellos son Owen y Allie.

Owen y Allie: dos románticos en la noche menos romántica

Callum Turner interpreta a Owen, un hombre que acaba de ser abandonado por su pareja justo cuando comienza esta particular noche. En lugar de entregarse completamente a la dinámica de encuentros pasajeros que domina la ciudad, Owen parece estar buscando algo diferente.

Por su parte, Monica Barbaro interpreta a Allie, una romántica esperanzada que todavía cree en la posibilidad de encontrar una conexión genuina.

Cuando ambos se conocen, la química aparece prácticamente de inmediato.

El problema es que conocerse no significa necesariamente poder permanecer juntos.

Una sucesión de tropiezos, malentendidos, encuentros inesperados y aventuras por diferentes rincones de Nueva York hace que Owen y Allie pasen buena parte de la noche intentando encontrarse mientras, paradójicamente, las circunstancias parecen empeñadas en mantenerlos separados.

La película convierte así la búsqueda del amor en una especie de carrera contrarreloj.

Y mientras los protagonistas se acercan y se alejan una y otra vez, la historia plantea una idea particularmente interesante: quizá aquello que estamos buscando desesperadamente está mucho más cerca de nosotros de lo que imaginamos.

Will Gluck vuelve a apostar por la comedia romántica

La dirección de Sólo por una noche está a cargo de Will Gluck, realizador que se ha convertido en uno de los nombres reconocibles de la comedia romántica contemporánea.

Gluck dirigió anteriormente Se dice de mí (Easy A), protagonizada por Emma Stone, y más recientemente Con todos menos contigo (Anyone But You), película que consiguió convertirse en uno de los fenómenos comerciales recientes del género.

Con Sólo por una noche, el cineasta vuelve a explorar los ingredientes clásicos de la comedia romántica: dos personas que se conocen por casualidad, una fuerte atracción inicial, obstáculos aparentemente insuperables y una serie de situaciones que complican la posibilidad de que terminen juntos.

Sin embargo, la película introduce un elemento distintivo: una sociedad en la que el sexo entre solteros está limitado a una única noche del año.

Esa premisa permite que Gluck juegue con las convenciones tradicionales del género mientras construye una historia sobre las relaciones humanas en una época marcada por las conexiones rápidas y pasajeras.

Una crítica a las conexiones fugaces

Aunque Sólo por una noche se presenta principalmente como una comedia romántica, su particular mundo también permite abordar una cuestión muy contemporánea: la dificultad de establecer conexiones verdaderamente significativas.

La película coloca a Owen y Allie en una situación extrema. Mientras prácticamente toda la ciudad está concentrada en aprovechar una noche excepcional, ellos parecen estar interesados en algo mucho más complicado: encontrar a alguien con quien realmente puedan conectar.

Ese contraste entre el deseo inmediato y el deseo de una relación auténtica se convierte en uno de los elementos centrales de la historia.

De hecho, durante la promoción de la película, Monica Barbaro habló sobre la dificultad actual de establecer conexiones reales y sobre la importancia de recuperar espacios para conocer personas y relacionarse cara a cara.

De esta manera, detrás de la premisa aparentemente disparatada existe una reflexión sobre algo bastante reconocible: en un mundo lleno de posibilidades para conocer gente, encontrar una conexión auténtica no necesariamente resulta más fácil.

Un reparto que combina nuevas estrellas y rostros conocidos

Además de Monica Barbaro y Callum Turner, Sólo por una noche cuenta con un reparto particularmente variado.

Entre los nombres que acompañan a sus protagonistas destacan:

• Maya Hawke, conocida mundialmente por su participación en Stranger Things.
• Julia Fox, actriz de Diamantes en bruto (Uncut Gems).
• King Princess, artista de indie pop que también ha participado en producciones como Nueve perfectos desconocidos.
• Ben Marshall, integrante de Saturday Night Live.
• Ziwe, conocida por Baited with Ziwe.
• Molly Ringwald, una de las grandes figuras del cine juvenil estadounidense de los años 80.
• LeVar Burton, actor y presentador reconocido por trabajos como Star Trek: The Next Generation y Reading Rainbow.

La combinación de intérpretes de distintas generaciones encaja con la intención de Gluck de recuperar y actualizar algunos de los elementos clásicos de la comedia romántica.

Una película construida alrededor de una noche

Uno de los aspectos más atractivos de la propuesta es que la propia estructura de la historia está condicionada por el tiempo.

Owen y Allie no disponen de semanas o meses para conocerse tranquilamente. Todo sucede durante una noche extraordinaria en la que la ciudad está viviendo su propio caos.

Eso permite que la película se apoye en una dinámica de persecución romántica en la que cada minuto cuenta.

Los protagonistas tienen que atravesar situaciones inesperadas, falsas pistas y encuentros que los llevan en direcciones diferentes, mientras la ciudad se convierte prácticamente en otro personaje de la historia.

El resultado es una aventura romántica que intenta recuperar esa sensación clásica de las películas donde dos personas parecen destinadas a estar juntas, pero necesitan superar una serie interminable de obstáculos antes de descubrirlo.

¿Una nueva apuesta por recuperar la comedia romántica?

En los últimos años, la comedia romántica ha vuelto a ganar protagonismo después de haber pasado por una etapa en la que el género tuvo mucha menos presencia en las grandes salas de cine.

El éxito de producciones como Con todos menos contigo demostró que todavía existe público dispuesto a acudir al cine para disfrutar de una historia romántica con humor, química entre sus protagonistas y una buena dosis de entretenimiento.

Sólo por una noche llega precisamente con esa intención: ofrecer una historia original que utilice los códigos conocidos del género, pero colocándolos dentro de una premisa completamente diferente.

La película tiene una duración aproximada de 102 minutos y está clasificada dentro de los géneros de comedia, drama y romance.

Will Gluck también está detrás del guion y la producción

Además de dirigir la película, Will Gluck participa como coguionista y productor.

El proyecto está basado en un guion de Travis Braun, quien aparece acreditado como guionista junto a Gluck. La película es producida por Gluck a través de Olive Bridge Entertainment, compañía que también está vinculada a Jacqueline Monetta, productora ejecutiva de Con todos menos contigo.

La película cuenta además con Este Haim y Christopher Stracey a cargo de la composición musical, mientras que la fotografía está a cargo de Yaron Orbach.

“Sólo por una noche”: romance, caos y una oportunidad inesperada

En esencia, Sólo por una noche parte de una idea muy sencilla: dos personas que buscan el amor en una noche en la que aparentemente nadie más está interesado en encontrarlo.

Owen acaba de ser dejado.

Allie todavía cree en el romance.

Nueva York está completamente desatada.

Y el reloj corre.

Lo que comienza como una noche destinada a ser caótica podría terminar convirtiéndose en el acontecimiento más importante de sus vidas.

Porque quizás el amor no aparece cuando lo estamos buscando desesperadamente, sino cuando una cadena de circunstancias inesperadas nos coloca frente a la persona correcta.

Sólo por una noche llegó a los cines el 27 de agosto de 2026, con distribución de Universal Pictures.

Título original: One Night Only
Director: Will Gluck
Guion: Travis Braun, Will Gluck
Protagonistas: Monica Barbaro, Callum Turner
Reparto: Maya Hawke, Julia Fox, King Princess, Ben Marshall, Ziwe, Molly Ringwald y LeVar Burton
Géneros: Comedia, romance y drama
Duración: 102 minutos
Estreno: 27 de agosto de 2026
Distribuidora: Universal Pictures

Si eres fanático de las comedias románticas y disfrutaste del estilo de Con todos menos contigo, Sólo por una noche propone una nueva oportunidad para volver a disfrutar de ese tipo de historias en la pantalla grande, esta vez con una ciudad completamente descontrolada, una regla imposible de ignorar y dos desconocidos que quizá descubran que el amor puede aparecer en el momento menos esperado.

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Marvel Studios presenta los nuevos tráiler y póster de Avengers Endgame: Bonus. La épica conclusión de la Saga del Infinito regresará a los cines a partir del 24 de septiembre en salas Infinity Vision, una nueva certificación para salas Premium Large Format (PLF) que garantiza una experiencia cinematográfica excepcional, con pantallas de gran formato, imágenes de alta calidad y sonido envolvente.

El reestreno especial de la película que batió récords de taquilla incluye un adelanto exclusivo de Avengers: Doomsday de Marvel Studios, que estrena en cines el 17 de diciembre. Además, los espectadores que asistan a funciones de Avengers Endgame: Bonus en salas con certificación Infinity Vision tendrán acceso a un adelanto adicional de la película. Las entradas ya están disponibles. Los detalles de compra, precios y horarios para las funciones pueden consultarse de forma online, presencial, tienda web y/o aplicaciones para teléfonos móviles de los cines en Venezuela.

En Avengers Endgame: Bonus, tras los devastadores acontecimientos que acabaron con la mitad de la población mundial, los héroes restantes luchan por seguir adelante. En última instancia deben unir sus fuerzas para restablecer el orden y la armonía en el universo y recuperar a sus seres queridos en un dramático enfrentamiento contra Thanos. La película está producida por Kevin Feige y dirigida por Anthony y Joe Russo. Louis D’Esposito, Victoria Alonso, Michael Grillo, Trinh Tran, Jon Favreau, James Gunn y Stan Lee son los productores ejecutivos.

Avengers Endgame: Bonus de Marvel Studios estrena en cines el 24 de septiembre de 2026.

INFINITY VISION es una certificación para salas de cine Premium Large Format (PLF), lo que garantiza a los espectadores una proyección cinematográfica excepcional. Esto incluye pantallas gigantes con imágenes nítidas y un sonido extraordinario. Con INFINITY VISION los fanáticos podrán vivir una experiencia cinematográfica sorprendente.

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El cine de terror contemporáneo atraviesa una etapa en la que ya no basta con hacer que una puerta se cierre sola o que una figura aparezca repentinamente detrás de un personaje. El público se ha vuelto más exigente y reconoce con facilidad los mecanismos tradicionales del género. En ese contexto, “La noche del demonio: están entre nosotros” apuesta por recuperar uno de los elementos más efectivos del terror clásico, la sensación de que lo cotidiano puede convertirse, en cualquier momento, en una amenaza.

La película se inscribe dentro del universo de Insidious, una franquicia que ha construido buena parte de su identidad alrededor de los fenómenos paranormales, las entidades sobrenaturales y la existencia de una dimensión donde las reglas de nuestro mundo dejan de tener sentido. Sin embargo, su principal atractivo no está únicamente en la presencia de demonios o apariciones, sino en la capacidad de transformar los espacios familiares en escenarios inquietantes.

Uno de los mayores aciertos de la propuesta es precisamente esa utilización del espacio doméstico. La casa, tradicionalmente asociada con seguridad y refugio, adquiere una dimensión completamente diferente. Cada habitación puede esconder una amenaza y cada silencio parece tener un significado. Esta estrategia permite que el espectador experimente una sensación de vulnerabilidad que resulta fundamental para que el terror funcione.

Desde el punto de vista narrativo, la película juega con una idea particularmente perturbadora, el enemigo puede estar mucho más cerca de lo que imaginamos. El título no es simplemente una referencia a la presencia de entidades sobrenaturales; también funciona como una declaración de principios. El verdadero miedo surge cuando los personajes descubren que aquello que consideraban seguro quizá nunca lo estuvo.

Visualmente, la película apuesta por una atmósfera oscura y por una puesta en escena que privilegia la tensión antes que la exposición permanente de las criaturas. Esta decisión resulta importante porque, en el terror, aquello que el espectador no puede ver suele ser más inquietante que aquello que se muestra completamente. La imaginación termina convirtiéndose en una herramienta narrativa tan poderosa como los efectos visuales.

Otro aspecto destacable es el componente emocional. Las películas de Insidious han entendido que el terror sobrenatural funciona mejor cuando existe un conflicto humano que sostenga la historia. El miedo deja de ser únicamente una reacción ante un monstruo y se convierte en una manifestación de pérdidas, inseguridades y vínculos familiares amenazados.

Sin embargo, la película tampoco está completamente libre de los problemas habituales del género. Algunos recursos pueden resultar familiares para quienes han seguido la franquicia desde sus primeras entregas. Los sobresaltos repentinos, determinados sonidos utilizados para provocar tensión y algunas convenciones del cine de casas embrujadas forman parte de un lenguaje que el público ya conoce. El desafío, por tanto, consiste en conseguir que esos mecanismos conocidos sigan produciendo una reacción genuina.

Desde una perspectiva crítica, “La noche del demonio: están entre nosotros” funciona mejor cuando apuesta por la atmósfera y la incertidumbre que cuando intenta explicar demasiado. El terror pierde parte de su fuerza cuando el misterio queda completamente expuesto. En cambio, cuando la película deja preguntas sin respuesta y permite que el espectador complete mentalmente aquello que no observa, alcanza algunos de sus momentos más efectivos.

“La noche del demonio: están entre nosotros”, es una propuesta dirigida principalmente a los aficionados del terror sobrenatural y a quienes disfrutan de historias donde la amenaza se introduce progresivamente en espacios familiares. No pretende reinventar el género, pero sí aprovechar recursos que han demostrado su eficacia para construir tensión y mantener al público en estado de alerta.

Su mayor virtud está en recordarnos que el miedo no siempre necesita grandes escenarios ni criaturas espectaculares. A veces basta una casa silenciosa, una puerta entreabierta y la sospecha de que alguien (o algo) está al otro lado.

Es una película recomendable para los seguidores de Insidious, especialmente para quienes disfrutan más de la tensión psicológica, las atmósferas inquietantes y los fenómenos paranormales que del terror explícito.

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La celebración del 20.º aniversario de Cars: Una aventura sobre ruedas, de Disney y Pixar, trae de regreso a los cines de todo el mundo la aclamada película animada original. Los fanáticos podrán disfrutar nuevamente de esta divertida aventura en la pantalla grande, en su formato original, a partir del jueves 8 de octubre.

Cada 5 de septiembre, que en EE. UU. se representa como 9/5, se celebra el Día de Rayo McQueen en honor al número de competición del personaje: el 95. Asimismo, las celebraciones anuales incluyen diversas colaboraciones y activaciones temáticas a nivel global y local. Entre ellas, un Rayo McQueen en tamaño real y un Mercedes Safety Car intervenido con la temática de Cars en el Fórmula 1 Pirelli Gran Premio D’italia 

2026, en septiembre. Allí los fanáticos podrán adquirir la nueva colección de “Cars para Fórmula 1”.

Desde junio pasado están disponibles en el canal de YouTube de Disney Junior cuatro contenidos especiales que reúnen los mejores momentos de Rayo McQueen. Además, para celebrar el 20º aniversario, el canal lineal de Disney Junior emitirá una maratón con los mejores Cars Toons.

Cars: Una aventura sobre ruedas regresa solo a los cines de Venezuela el jueves 8 de octubre.

Sobre Cars: una aventura sobre ruedas

Rayo McQueen (voz en inglés de Owen Wilson), un audaz y presumido auto de carreras novato destinado al éxito, descubre que la vida es acerca del recorrido, no de la meta final, cuando se encuentra de pronto en el tranquilo pueblo de Radiador Springs, en la Ruta 66. Allí McQueen conoce a los peculiares personajes de este pueblo, entre ellos Doc Hudson (voz en inglés de Paul Newman), Mate (voz en inglés de Larry The Cable Guy) y Sally (voz en inglés de Bonnie Hunt). Cars: Una aventura sobre ruedas está dirigida por John Lasseter, producida por Darla K. Anderson, y cuenta con música original del tres veces ganador del Premio de la Academia®, Randy Newman.

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Rápido y Furioso: 25 aniversario, es la celebración de una saga que convirtió la velocidad en una experiencia cultural. Durante más de dos décadas, la franquicia Rápido y Furioso ha dejado de ser una simple serie de películas sobre carreras clandestinas para convertirse en un fenómeno cinematográfico global que combina acción, adrenalina y una particular visión de la familia como núcleo emocional. En su 25 aniversario, la saga vuelve a ser objeto de revisión y análisis como una de las marcas más influyentes del cine comercial contemporáneo.

Desde nuestra humilde perspectiva, resulta evidente que el mayor logro de Rápido y Furioso no ha sido únicamente su capacidad para ofrecer escenas espectaculares, sino su habilidad para construir una identidad propia dentro de Hollywood.

La historia de la franquicia comenzó en 2001 con una propuesta relativamente sencilla, mostrar el mundo de las carreras ilegales, la cultura automotriz y la rivalidad entre conductores. Sin embargo, con el paso del tiempo, la saga evolucionó hasta transformarse en una mezcla de espionaje, acción internacional y aventuras imposibles, donde los vehículos dejaron de ser simples máquinas para convertirse en símbolos de libertad, lealtad y pertenencia.

Uno de los elementos más importantes de su éxito es la construcción del concepto de familia. La frase de Dominic Toretto, “la familia es lo más importante”, se convirtió en el lema emocional de una franquicia que entendió que detrás de las explosiones, persecuciones y escenas de riesgo debía existir una conexión humana con el espectador. Aunque muchas situaciones llegaron a niveles exagerados, esa dimensión afectiva permitió que millones de seguidores desarrollaran un vínculo con sus personajes.

Desde el punto de vista audiovisual, Rápido y Furioso representa una evolución del cine de acción moderno. Sus secuencias han aumentado progresivamente en escala, pasando de carreras urbanas a misiones internacionales con vehículos atravesando ciudades, aviones, puentes y escenarios que desafían las leyes de la física. Para algunos, este crecimiento significó perder parte del realismo inicial; para sus seguidores, fue precisamente esa exageración la que convirtió a la saga en un espectáculo único.

La celebración de sus 25 años también permite observar el impacto cultural de la franquicia. Rápido y Furioso ayudó a popularizar la cultura del tuning, acercó al público masivo al mundo automotor y abrió espacios de representación para un elenco diverso en una industria tradicionalmente dominada por otros modelos de protagonistas. La saga logró conectar con audiencias de diferentes países gracias a su mensaje universal de amistad, sacrificio y unión.

No obstante, su trayectoria también tiene puntos cuestionables. La repetición de ciertas fórmulas narrativas, el aumento constante de la espectacularidad y la poca preocupación por la lógica científica han generado críticas entre quienes consideran que la franquicia se alejó demasiado de sus raíces. El desafío para el futuro será encontrar un equilibrio entre la nostalgia de sus primeros capítulos y la necesidad de ofrecer historias nuevas.

A 25 años de su nacimiento, Rápido y Furioso no puede evaluarse únicamente como una colección de películas de acción. Es un fenómeno social y cinematográfico que refleja una época donde el entretenimiento busca experiencias cada vez más grandes y emocionales. Su legado está marcado por millones de espectadores que crecieron viendo sus carreras, sus conflictos y sus discursos sobre la importancia de permanecer unidos.

Más allá de la velocidad, los motores y las explosiones, la verdadera fuerza de esta saga ha sido su capacidad para crear una comunidad alrededor de una idea sencilla, la cual se puede resumir en que incluso en un mundo lleno de desafíos, siempre existe un lugar donde sentirse parte de una familia. Y ese, posiblemente, sea el combustible que ha mantenido encendido su motor durante un cuarto de siglo.

Con el reestreno de la película que lo inició todo, es la oportunidad perfecta para volver a ver en pantalla grande un filme atemporal, encontrarse otra vez con aquellos personajes que lograron hacer que no solamente nos enamoráramos de la velocidad, sino también dejaron lecciones importantes, tales como la importancia de los vínculos y los valores, que jamás debe faltar el respeto, el amor y la amistad a lo largo de nuestras vidas.

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