Con el inicio de un nuevo año escolar, las familias venezolanas se preparan para uno de los momentos más esperados por niños y jóvenes: volver a las aulas, reencontrarse con sus compañeros y comenzar una nueva etapa llena de aprendizajes y experiencias. Morrales, loncheras, estuches, termos y accesorios integran una propuesta en la que diseño, funcionalidad, comodidad y durabilidad se combinan con colores, innovación, tendencias y personajes que permiten que cada estudiante encuentre productos acordes con sus necesidades y personalidad.

Un morral para cada etapa

Las necesidades cambian a medida que los estudiantes crecen. Por eso, CAPI estructura su propuesta escolar en diferentes líneas y tamaños que acompañan las distintas etapas de la vida estudiantil.

Toddler está pensada para los más pequeños que comienzan su experiencia en maternal y preescolar, con morrales talla XS ligeros y fáciles de llevar, además de loncheras térmicas, estuches y otros accesorios.

Kids acompaña los primeros años de primaria con morrales talla S, tanto tradicionales como ergonómicos con ruedas, que pueden combinarse con loncheras y estuches escolares.

Para quienes necesitan mayor capacidad y organización, Tweens incorpora morrales talla M de dos y tres compartimentos, disponibles en modelos tradicionales y con ruedas, además de loncheras y organizadores.

Por su parte, Young / Young Adult ofrece alternativas para jóvenes estudiantes, con morrales talla L de mayor capacidad, compartimentos internos y espacios para laptop y carpetas, complementados con estuches, loncheras y otros accesorios.

De esta manera, cada estudiante puede encontrar un morral que responda a lo que necesita llevar, a la forma en que lo utiliza y a su propio estilo.

Organización e hidratación para el día a día

La propuesta de CAPI se extiende a productos que complementan la rutina escolar y ayudan a hacerla más práctica.

Entre ellos destacan los termos de acero inoxidable de 500 y 720 ml, con base de silicona antideslizante, cierre hermético y atractivos diseños.

Los estuches y organizadores también forman parte de la colección, con alternativas de varios compartimentos y modelos desplegables tipo escritorio, cierres de fácil deslizamiento y forros impermeables que facilitan la limpieza y ayudan a mantener lápices, marcadores y demás útiles escolares en orden.

Diseños que reflejan su personalidad

Para los niños, el escoger el morral que los acompañará durante el año escolar también forma parte de la emoción del regreso a clases. Los colores, diseños y personajes que les gustan les permiten expresar su personalidad y hacer suyo ese compañero que llevarán cada día.

Por eso, la colección CAPI combina diseños propios con productos de licencias de Sanrio, con personajes como Hello Kitty, My Melody y Kuromi, además de otros personajes favoritos de los niños, ofreciendo distintas alternativas para que cada uno pueda encontrar un producto con el que se identifique.

Diseño y funcionalidad se unen así a un componente emocional: la ilusión de estrenar ese morral que eligieron y que los acompañará durante las experiencias del nuevo año escolar.

• Calidad respaldada por garantía

Como parte de su compromiso con la calidad y durabilidad, CAPI ofrece un año de garantía en sus productos, que cubre defectos de fabricación y materiales bajo condiciones normales de uso. Un respaldo que brinda mayor confianza a las familias al momento de elegir los productos que acompañarán a sus hijos durante el año escolar.

“Morrales que inspiran”: una elección que también ayuda a otros niños

Este regreso a clases tiene además un significado especial para CAPI. A través de su programa de responsabilidad social “Morrales que inspiran”, la empresa busca transformar la temporada escolar en una oportunidad para contribuir con otros niños. Este 2026 cumple 5 años obsequiando sonrisas, en los que ha beneficiado a más de 7.000 niños venezolanos.

Cada morral CAPI comprado contribuye a llevar morrales nuevos a niños en situación vulnerable, para que ellos también puedan comenzar el año escolar con ilusión y contar con una herramienta que los acompañe en su aprendizaje. Este año el esfuerzo estará especialmente dirigido a niños afectados por el terremoto ocurrido en Venezuela, sumando la contribución de las familias que eligen CAPI a una iniciativa que busca acompañarlos en su regreso a clases.

Porque un morral puede llevar mucho más que útiles escolares: puede llenarse de sueños, aprendizajes y nuevas aventuras.

55 años creciendo junto a Venezuela

Desde 1971 Corporación CAPI diseña, manufactura y comercializa productos para las familias venezolanas. A lo largo de más de cinco décadas, la empresa ha construido una trayectoria basada en diseño, calidad, funcionalidad y una adecuada relación precio-valor, renovando su portafolio para responder a las necesidades y preferencias de sus consumidores.

Hoy, con 55 años de labor ininterrumpida en el país, CAPI reafirma su compromiso con Venezuela y con las nuevas generaciones, respaldada por un equipo humano que suma experiencia, conocimiento y pasión por desarrollar productos pensados para acompañar la vida cotidiana.

Los productos CAPI están disponibles en puntos de venta autorizados en Venezuela, tiendas CAPI y a través de capi.com.ve

Las novedades de la marca pueden seguirse en @capi_ve

The post Corporación CAPI acompaña a los estudiantes en este regreso a clases appeared first on NO LA PELES!.

El cine de animación español ha demostrado en los últimos años que puede construir personajes capaces de trascender sus fronteras y competir en el imaginario internacional con las grandes franquicias del género. Dentro de ese panorama, Tadeo Jones se ha convertido en uno de sus protagonistas más reconocibles. “Tadeo Jones y la Lámpara Maravillosa” retoma ese espíritu aventurero para ofrecer una nueva travesía en la que el arqueólogo errático vuelve a enfrentarse a peligros, misterios y situaciones disparatadas.

La película parte de una premisa que resulta familiar para los aficionados a las aventuras de exploración: un objeto extraordinario desencadena una carrera contra el tiempo y obliga al protagonista y a sus compañeros a recorrer distintos escenarios en busca de una solución. El elemento fantástico de la lámpara funciona como motor narrativo y permite combinar el imaginario de las antiguas leyendas con el tono ligero y contemporáneo que caracteriza a la saga.

Uno de los mayores aciertos de la producción está en comprender qué espera el público de una aventura protagonizada por Tadeo. La película no pretende reinventar radicalmente al personaje, sino explotar sus principales virtudes: su entusiasmo, su torpeza, su capacidad para meterse en problemas y, sobre todo, su perseverancia. Tadeo no es el héroe infalible que domina cada situación; precisamente sus errores y limitaciones son los que generan buena parte del humor y permiten que el espectador se identifique con él.

En términos narrativos, “Tadeo Jones y la Lámpara Maravillosa” apuesta por una estructura de aventura clásica. Hay persecuciones, enigmas, descubrimientos, obstáculos y sucesivos cambios de escenario. Este planteamiento mantiene un ritmo dinámico y procura que la historia avance constantemente. Para el público infantil, esa velocidad constituye uno de sus principales atractivos; para los adultos que acompañan a los más pequeños, la película incorpora suficientes referencias humorísticas y situaciones absurdas como para evitar que la experiencia resulte exclusivamente infantil.

El humor es, de hecho, uno de los pilares fundamentales de la propuesta. La película utiliza la comedia física, los malentendidos y las reacciones exageradas de sus personajes para construir momentos destinados principalmente a provocar la risa. Algunas situaciones responden a fórmulas conocidas del cine de aventuras, pero su ejecución consigue mantener el tono desenfadado que identifica a la franquicia.

Visualmente, la producción apuesta por una animación colorida y espectacular, especialmente apropiada para representar los escenarios arqueológicos y fantásticos de la historia. Las ruinas, los espacios monumentales y los elementos asociados a la mitología permiten que la película juegue con una estética de grandes dimensiones. El objetivo no es únicamente contar una historia, sino convertir cada escenario en parte de la aventura.

También resulta interesante la manera en que la película acerca a los espectadores más jóvenes a determinados elementos de la historia, la arqueología y la mitología. Aunque evidentemente no pretende funcionar como una lección académica, sí utiliza el entretenimiento como puerta de entrada hacia culturas, leyendas y civilizaciones que pueden despertar la curiosidad infantil. En ese sentido, la aventura cumple una función adicional: estimular el deseo de conocer aquello que existe detrás de la ficción.

Otro aspecto importante es el valor que la saga concede al trabajo en equipo. Tadeo puede ocupar el centro de la acción, pero rara vez consigue resolver los problemas completamente solo. Sus compañeros cumplen funciones esenciales y recuerdan que la inteligencia, la amistad, la cooperación y la confianza pueden ser tan importantes como la fuerza o el heroísmo individual.

Sin embargo, la película tampoco está completamente libre de ciertas limitaciones. Su estructura responde a convenciones muy conocidas del cine de aventuras y algunos acontecimientos pueden resultar previsibles para un espectador adulto habituado al género. Asimismo, el ritmo acelerado y la acumulación de situaciones cómicas pueden restarle profundidad a determinados personajes secundarios. La película parece priorizar claramente el entretenimiento inmediato por encima de una construcción dramática especialmente compleja.

Pero esa elección también debe juzgarse de acuerdo con su público objetivo. Exigirle a una producción como esta la misma densidad narrativa de una película dramática sería perder de vista su propósito fundamental. “Tadeo Jones y la Lámpara Maravillosa” está concebida como una aventura familiar, busca divertir, sorprender y mantener la atención de los espectadores más jóvenes, mientras ofrece a los adultos suficientes elementos para disfrutar del viaje.

En última instancia, el principal mérito de la película consiste en mantener vivo el espíritu aventurero que convirtió a Tadeo Jones en una figura reconocible dentro de la animación española. El personaje continúa representando una idea sencilla pero efectiva: no hace falta ser el héroe perfecto para enfrentarse a grandes desafíos. A veces basta con tener curiosidad, valentía, buenos amigos y la disposición para levantarse después de cada tropiezo.

“Tadeo Jones y la Lámpara Maravillosa” funciona como una entretenida propuesta de animación familiar que apuesta por la aventura, el humor y la fantasía. No busca transformar las reglas del género, sino ofrecer una experiencia accesible y dinámica para espectadores de distintas edades. Su mayor fortaleza está precisamente en esa sencillez, es una película concebida para recuperar el placer elemental de sentarse frente a la pantalla grande y dejarse llevar por una nueva aventura.

The post Reseña de “Tadeo el explorador y la lámpara maravillosa” appeared first on NO LA PELES!.

Jason Statham parece haber encontrado una fórmula que conoce mejor que nadie: darle vida a hombres aparentemente comunes que esconden un pasado mucho más peligroso de lo que dejan ver. “Código Venganza” vuelve a colocar al actor británico en ese territorio y lo reúne nuevamente con el director David Ayer, después de su colaboración en El apicultor. El resultado es un thriller de acción violento, directo y diseñado principalmente para quienes llegan al cine buscando golpes, persecuciones, tiroteos y a Statham haciendo lo que mejor sabe hacer.

En esta ocasión, Statham interpreta a Levon Cade, un antiguo militar de operaciones especiales que intenta dejar atrás su vida anterior para dedicarse a algo mucho más tranquilo: trabajar en la construcción. Levon ha cambiado las misiones secretas por el casco, las herramientas y una rutina relativamente sencilla. Sin embargo, esa nueva vida se derrumba cuando la hija de su jefe desaparece después de caer en manos de una peligrosa red criminal.

Lo que comienza como un favor personal rápidamente se convierte en una misión de rescate. Levon decide utilizar nuevamente las habilidades que había intentado sepultar y emprende una búsqueda que lo lleva directamente hacia una organización criminal mucho más grande y brutal de lo que imaginaba.

Una historia que no pretende reinventar el género

Uno de los principales problemas de “Código Venganza” es también una de sus características más evidentes: la película no intenta ser particularmente original.

La estructura resulta familiar. Tenemos a un protagonista con un pasado letal, una persona inocente que debe ser rescatada, criminales despiadados y un hombre que decide enfrentarse prácticamente solo contra todos ellos. Es una combinación que recuerda inevitablemente a películas como Búsqueda implacable y, en determinados momentos, al universo de John Wick.

Pero tampoco sería justo juzgarla únicamente por lo que no pretende ser. “Código Venganza” entiende perfectamente qué tipo de película quiere ofrecer. No estamos ante un thriller interesado en desarrollar complejas reflexiones sobre la condición humana ni en sorprender al espectador con constantes giros argumentales. Su objetivo es mucho más sencillo: poner a Jason Statham frente a una colección de tipos desagradables y dejar que resuelva los problemas a puñetazos, balazos y golpes de una contundencia considerable.

Y en ese aspecto, la película cumple.

Jason Statham interpreta a… Jason Statham

Si existe un actor que ha convertido su propia personalidad cinematográfica en una marca registrada, ese es Jason Statham.

Levon Cade tiene pocas palabras, una mirada permanentemente seria y una capacidad aparentemente ilimitada para enfrentarse a grupos enteros de delincuentes. No es precisamente un personaje lleno de matices, pero Statham sabe cómo hacerlo funcionar.

El actor no necesita grandes discursos para transmitir que su personaje es peligroso. Una mirada, un cambio de expresión o la manera en que entra en una habitación suelen ser suficientes para comunicar que alguien está a punto de pasar un muy mal rato.

La película tampoco intenta esconder las similitudes entre Levon y muchos de los personajes anteriores de Statham. Al contrario, prácticamente las abraza. Es como si el filme entendiera que buena parte del público no está entrando en la sala para descubrir una nueva faceta del intérprete, sino para disfrutar precisamente de aquello que lo convirtió en una de las figuras más reconocibles del cine de acción moderno.

David Ayer apuesta por la violencia

La dirección de David Ayer aporta una estética áspera y bastante más oscura que la de una película de acción convencional.

El director construye un mundo poblado por criminales exagerados, lugares sórdidos y situaciones cada vez más violentas. Hay momentos en los que la película parece querer acercarse al thriller criminal tradicional, mientras que en otros abraza sin demasiadas reservas el espectáculo de acción.

Ese cambio de tono puede resultar irregular. Algunas escenas parecen tomarse demasiado en serio a sí mismas, mientras que otras prácticamente parecen una invitación a disfrutar del absurdo de ver a Statham enfrentándose a una cantidad desproporcionada de enemigos.

Paradójicamente, cuando la película deja de intentar aparentar que está contando una historia especialmente profunda es cuando mejor funciona.

Las escenas de acción son el verdadero atractivo

Si el guion no representa precisamente el elemento más novedoso de “Código Venganza”, las secuencias de acción compensan buena parte de esa carencia.

Statham utiliza prácticamente todo lo que encuentra a su alrededor como herramienta de combate. Puños, armas, objetos cotidianos y elementos del entorno terminan convirtiéndose en instrumentos para acabar con sus adversarios.

Las peleas tienen un componente físico que encaja perfectamente con la presencia del protagonista. No estamos ante coreografías extremadamente estilizadas como las de determinadas producciones asiáticas o ante la precisión casi acrobática de John Wick. Aquí los enfrentamientos buscan sentirse más brutales, rápidos y contundentes.

Cada golpe parece diseñado para que el espectador pueda sentir el impacto.

Y aunque algunas situaciones requieren aceptar una considerable suspensión de la incredulidad, ese probablemente sea uno de los requisitos para disfrutar realmente de la película.

Un protagonista más humano de lo habitual

Uno de los aspectos más interesantes de Levon es que detrás de su faceta de máquina de combate existe un hombre que intenta recuperar una vida normal.

Su relación con su hija y los problemas derivados de su pasado aportan una dimensión emocional que evita que el personaje sea simplemente una máquina de matar con rostro inexpresivo.

El problema es que el guion no desarrolla suficientemente algunos de esos elementos. La película presenta conflictos personales que podrían haber servido para construir un protagonista mucho más complejo, pero rápidamente vuelve a aquello que realmente le interesa: encontrar a los responsables, localizarlos y golpearlos hasta que dejen de representar una amenaza.

Por eso, la parte emocional funciona mejor como complemento que como verdadero motor dramático.

¿Es una de las mejores películas de Jason Statham?

Probablemente no.

“Código Venganza” difícilmente alcanza el nivel de algunas de las mejores películas de acción de Statham y tampoco posee la personalidad suficiente para convertirse en un nuevo referente del género. Incluso dentro de su filmografía reciente, resulta difícil no compararla con El apicultor, una película que abrazaba su propia exageración con mayor energía y sentido del humor.

Sin embargo, eso no significa que sea una mala película.

Su mayor virtud consiste precisamente en no complicar innecesariamente una propuesta que sabe cuál es su público. Quienes busquen una historia sofisticada, personajes extraordinariamente desarrollados o una reinvención del género probablemente terminarán decepcionados. Pero quienes disfruten del cine de acción clásico, los protagonistas prácticamente indestructibles y las películas en las que el héroe resuelve los problemas de la manera más física posible probablemente encontrarán suficientes motivos para pasar un buen rato.

“Código Venganza” es una película de Jason Statham en el sentido más puro de la expresión. Tiene un protagonista duro, criminales despiadados, una misión de rescate, abundante violencia y suficientes enfrentamientos para mantener ocupada la pantalla.

Su historia es predecible y en algunos momentos demasiado seria para lo disparatadas que llegan a ser determinadas situaciones. También se nota que el género ha utilizado muchas veces esta misma fórmula.

Pero Statham continúa teniendo una presencia cinematográfica difícil de reemplazar. Cuando entra en acción, la película recupera inmediatamente su propósito y recuerda por qué el actor sigue siendo uno de los grandes nombres del cine de acción contemporáneo.

No es una película que vaya a cambiar las reglas del género.

Es, sencillamente, una película para ver a Jason Statham haciendo aquello que el público espera de Jason Statham. Y, para muchos espectadores, eso puede ser más que suficiente.

The post Código Venganza: Jason Statham vuelve a repartir golpes sin frenos appeared first on NO LA PELES!.

Everest: la otra cara, un retrato íntimo de dos esquiadores de alta montaña de élite unidos por el amor y la búsqueda de lo imposible, celebró su estreno mundial en el 83.º Festival Internacional de Cine de Venecia. La película está dirigida por Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chin, los cineastas ganadores de un Oscar® responsables de Free Solo y Meru. El documental, producido por Walt Disney Studios, National Geographic Documentary Films y Little Monster Films, acaba de ser incluido en la programación oficial del 53.º Festival de Cine de Telluride.

El tráiler de esta emocionante experiencia cinematográfica adelanta la hazaña que supuso una de las escaladas más peligrosas que se hayan intentado. La película se proyectará en el Festival Internacional de Cine de Toronto, el Festival Internacional de Cine de Camden y el Festival de Cine de Londres del BFI, antes de estrenarse en exclusiva en cines de Latinoamérica el 29 de octubre.

En Everest: la otra cara los esquiadores de élite de alta montaña Jim Morrison e Hilaree Nelson se enamoran profundamente mientras alcanzan la cima de su deporte. Su determinación se convierte en un sueño compartido: escalar y esquiar por la cara norte directa del Everest, el camino más difícil y peligroso de la montaña y la ruta de esquí más codiciada del mundo. Miles de personas han coronado la montaña por la cresta sureste de Nepal, pero solo un puñado ha llegado a la cima por esta ruta y nadie ha conseguido descender esquiando con éxito. Ya conocidos por sus extraordinarias hazañas en la montaña y acostumbrados a las pérdidas, Morrison y Nelson lo apuestan todo a este exigente y hasta desalentador reto.

Everest: la otra cara está dirigida y producida por Elizabeth Chai Vasarhelyi y Jimmy Chin, y producida por Shannon Dill, Anna Barnes, Bob Eisenhardt y Janet Yang. Los productores ejecutivos son Carolyn Bernstein, Tim Horsburgh, Nina Fialkow, David Fialkow, Andrew Reiner, Elizabeth Reiner, Moudhy Al-Rashid, Sam Frohman, Kenneth A. Howery, Jason Bowden, Will Griffith y Bettina Kadoorie. El montaje está a cargo de Bob Eisenhardt, ACE, y Simona Ferrari. Los directores de fotografía son Clair Popkin, Jimmy Chin y Christopher Murphy.

The post “Everest: la otra cara” debuta en Venecia y llegará a cines en octubre appeared first on NO LA PELES!.

STREET FIGHTER inicia la gira World Warrior en Japón y hace historia con su tráiler en YouTube. Paramount Pictures y Legendary Entertainment dieron inicio hoy a la gira mundial World Warrior con el lanzamiento de un épico primer tráiler en las pantallas del Shinjuku Yunika Vision de Tokio, el pasado martess 1 de septiembre.

Los protagonistas Noah Centineo, Andrew Koji, Callina Liang y Jason Momoa estuvieron acompañados por el actor local Hirooki Goto, la actriz de doblaje japonesa Eiko Kano, el director Kitao Sakurai y el director del juego Street Fighter, Takayuki Nakayama, en este evento sin precedentes.

SINOPSIS

Ambientada en 1993, los distanciados luchadores de Street Fighter, Ryu (Andrew Koji) y Ken Masters (Noah Centineo), se ven obligados a volver a la acción cuando la misteriosa Chun-Li (Callina Liang) los recluta para el próximo Torneo Mundial de Guerreros: un brutal choque de puños, destino y furia. Pero tras esta batalla campal se esconde una conspiración mortal que los obliga a enfrentarse entre sí y a los demonios de su pasado. ¡Y si no lo hacen, it´s Game Over!

Dirigida por Kitao Sakurai, Street Fighter trae la acción de las recreativas a la gran pantalla con Hadoukens, patadas giratorias y todos tus personajes favoritos.

Paramount Pictures y Legendary Pictures presentan

En asociación con Capcom

Una producción de Legendary Pictures

“STREET FIGHTER”

PRODUCCIÓN EJECUTIVA DE

JJ Hook, Jay Ashenfelter, Kenzo Tsujimoto, Haruhiro Tsujimoto

PRODUCIDA POR

Mary Parent, Cale Boyter, Jason Momoa, Takayuki Nakayama, Stefan Makhoul

Basado en el videojuego de CAPCOM

HISTORIA DE

Dalan Musson y Gary Dauberman

GUION DE

T.J. Fixman y Kitao Sakurai

DIRIGIDA POR

Kitao Sakurai

PROTAGONIZADA 

Noah Centineo como “Ken Masters”

Andrew Koji como “Ryu”

Callina Liang como “Chun-Li”

Joe “Roman Reigns” Anoai como “Akuma”

David Dastmalchian como “M. Bison”

Cody Rhodes como “Guile”

Andrew Schulz como “Dan Hibiki”

Eric André como “Don Sauvage”

Vidyut Jammwal como “Dhalsim”

Orville Peck como “Vega”

Olivier Richters como “Zangief”

Hirooki Goto como “E. Honda”

Rayna Vallandingham como “Juli”

Alexander Volkanovski como “Joe”

Con Curtis ’50 Cent’ Jackson como “Balro

The post Paramount Pictures lanzó el nuevo tráiler de Street Fighter appeared first on NO LA PELES!.

Sony Pictures Television ha lanzado oficialmente Live TV on PS5, una nueva experiencia de televisión gratuita que convierte a la PlayStation 5 en un centro de entretenimiento con más de 100 canales en directo, además de una creciente biblioteca de películas, series, anime, deportes, noticias y contenido bajo demanda.

El servicio debutó el 31 de agosto de 2026 en Estados Unidos y, a diferencia de plataformas como Netflix o Disney+, no requiere una suscripción de pago. El modelo es de televisión gratuita con publicidad, conocido como FAST (Free Ad-Supported Streaming TV).

Lo más importante para los usuarios internacionales es que el lanzamiento inicial está limitado a Estados Unidos. Sony ya confirmó que está trabajando para llevarlo a Canadá y que continuará estudiando su expansión a otras regiones, pero por ahora no ha anunciado fechas concretas para Latinoamérica, Europa u otros mercados.

¿Qué es Live TV on PS5?

Live TV on PS5 es una nueva sección integrada directamente en la interfaz de la consola. No se trata de una aplicación tradicional que el usuario tenga que descargar desde PlayStation Store.

Desde la pestaña Media de la PS5, los usuarios elegibles pueden acceder a un catálogo que combina:

• Más de 100 canales de televisión en directo.
• Películas gratuitas.
• Series de televisión.
• Anime.
• Deportes.
• Noticias y meteorología.
• Gaming y esports.
• Contenido producido por creadores.
• Documentales.
• Podcasts y otros contenidos especializados.

Sony Pictures Television es responsable de seleccionar y organizar la programación, reuniendo contenido de numerosas compañías y marcas de entretenimiento. La oferta, además, irá cambiando con el tiempo, con nuevos canales, programas y eventos.

En otras palabras, Sony está intentando convertir la PS5 en algo más que una consola para jugar: también quiere que funcione como un centro gratuito de televisión y streaming.

Gratis, pero con publicidad

Una de las principales características de Live TV on PS5 es que no hace falta pagar una suscripción.

Esto significa que el servicio no requiere una membresía adicional como Netflix, Max o Disney+. Sin embargo, el modelo es financiado mediante publicidad, por lo que los usuarios tendrán que ver anuncios durante la programación.

El concepto es similar al de servicios FAST como Tubi, Pluto TV o The Roku Channel: en lugar de cobrar al espectador, las plataformas generan ingresos mediante publicidad.

Sony también está utilizando tecnología publicitaria especializada para gestionar esta experiencia.

¿Qué contenido se puede encontrar?

La propuesta resulta bastante amplia para tratarse de un servicio gratuito.

Películas

Sony ha incorporado canales dedicados a diferentes géneros cinematográficos, incluyendo:

• MovieSphere by Lionsgate
• 50 Cent Action
• FilmRise Free Movies
• Sony One Horror Hits
• Cinevault

La programación incluye películas de acción, terror, ciencia ficción y otros géneros. Entre los títulos destacados alrededor del lanzamiento se encuentran producciones como The Hunger Games, The Other Guys, Elysium y películas de la franquicia Resident Evil.

Series de televisión

También existe una selección considerable de series y canales temáticos.

Entre los contenidos destacados se encuentran:

• Community
• The Shield
• Hell’s Kitchen
• The Walking Dead
• Forensic Files
• Unsolved Mysteries
• Deal or No Deal USA
• Fear Factor
• Ice Road Truckers

Parte de esta programación procede de compañías como A+E Global Media, AMC y otros socios de Sony.

Anime

El anime es otra de las categorías importantes de Live TV on PS5.

El servicio incluye contenidos como:

• Naruto
• Sailor Moon
• Hunter x Hunter
• Death Note
• Black Clover

Además, Crunchyroll participa con canales de anime creados específicamente para Live TV on PS5, incluyendo canales de Black Clover y otros contenidos agrupados en formato de maratón o “Box Sets”.

Deportes

Los aficionados al deporte también encontrarán canales y programación relacionada con:

• UFC
• NASCAR
• FOX Sports
• NBC Sports Now
• NFL Channel
• Fútbol
• Hockey
• Golf
• Boxeo
• MMA
• Automovilismo

Uno de los elementos más interesantes es NFL Channel, el canal gratuito 24/7 de la NFL, que ofrece programación relacionada con la liga, repeticiones de partidos y contenido original, además de cobertura durante días de partido.

Eso sí, es importante no confundir esto con tener acceso gratuito a todos los partidos deportivos en directo. La disponibilidad de eventos concretos depende de los derechos de transmisión y del mercado.

Noticias y meteorología

Live TV on PS5 también incorpora canales informativos y meteorológicos.

Entre los ejemplos anunciados por Sony están:

• ABC News Live
• NBC News Now
• FOX Weather
• LiveNOW from FOX

Esto permite utilizar la PS5 como una fuente de información en directo además de como plataforma de entretenimiento.

También hay contenido de creadores y gaming

Sony no se ha limitado a televisión tradicional.

La plataforma incorpora contenido relacionado con:

• Gaming.
• Esports.
• Creadores digitales.
• Podcasts.
• Comedia.
• Deportes extremos.
• Cultura de internet.

Entre los canales destacados aparecen The Ringer, Hot Ones, Futcrunch y eCLUTCH, este último presentado como una incorporación exclusiva para la plataforma.

También existe programación relacionada con Spotify y contenido de entretenimiento especializado.

¿Cómo acceder a Live TV on PS5?

Sony ha intentado que el proceso sea bastante sencillo.

Desde la PS5 hay que:

1. Abrir la pestaña Media

Desde la pantalla principal de la consola, cambia de la sección de juegos a Media.

2. Seleccionar Live TV on PS5

Busca el nuevo icono de Live TV on PS5.

3. Iniciar sesión

Selecciona “Log In With My PlayStation Account” para conectar tu cuenta de PlayStation y comenzar a utilizar el servicio.

No es necesario descargar una aplicación adicional.

Sony indica además que Live TV on PS5 requiere vincular la cuenta de PlayStation con una cuenta de Sony Pictures CORE, o utilizar una cuenta existente de ese servicio.

¿Está disponible en Venezuela?

No. Live TV on PS5 no está disponible actualmente en Venezuela.

Y esto no parece ser un problema relacionado con la configuración de idioma de la consola o con la ausencia del icono por algún fallo.

El lanzamiento oficial de Sony Pictures Television se realizó exclusivamente para Estados Unidos, mientras que Sony ha indicado que está trabajando para llevar el servicio posteriormente a Canadá y que continuará explorando otros mercados.

Por lo tanto, para un usuario con una cuenta o territorio de PlayStation correspondiente a Venezuela, no debería esperarse actualmente que aparezca Live TV on PS5 en la pestaña Media.

Regiones donde está disponible actualmente

Región	Estado
Estados Unidos	Disponible
Canadá	Próximamente / expansión prevista
Venezuela	No disponible
Reino Unido	No anunciado
España	No anunciado
México	No anunciado
Brasil	No anunciado
Resto de Latinoamérica	No anunciado
Otros mercados	Sin disponibilidad confirmada

Es importante señalar que Canadá todavía no debe considerarse un mercado activo confirmado: Sony dice que está buscando expandir la experiencia allí, pero no ha proporcionado una fecha de lanzamiento.

Para el resto de regiones tampoco existen fechas oficiales anunciadas.

¿Por qué Sony está haciendo esto?

El lanzamiento forma parte de una estrategia más amplia de Sony para aprovechar el ecosistema de entretenimiento de PlayStation.

La compañía no solamente posee la plataforma PlayStation mediante Sony Interactive Entertainment. También cuenta con un enorme catálogo audiovisual a través de Sony Pictures y relaciones con múltiples compañías de entretenimiento.

Live TV on PS5 permite reunir todo esto dentro de la consola.

La estrategia también contempla llevar posteriormente la experiencia a televisores BRAVIA, lo que apunta a que la PS5 podría ser solamente el primer paso de un proyecto mucho más amplio.

Esto permitiría a Sony utilizar su ecosistema de dispositivos para distribuir televisión gratuita financiada mediante publicidad y competir directamente por el tiempo de los usuarios frente a plataformas como YouTube, Pluto TV, Tubi y otros servicios FAST.

No es el regreso de PlayStation Vue

Aunque el nombre pueda recordar a la antigua plataforma de televisión de Sony, Live TV on PS5 no es un nuevo PlayStation Vue.

PlayStation Vue era un servicio de televisión de pago que ofrecía paquetes de canales y funcionaba como alternativa a la televisión por cable. Fue cerrado por Sony en 2020.

Live TV on PS5 funciona bajo un modelo completamente diferente: contenido gratuito financiado por publicidad, con una combinación de canales FAST y programación bajo demanda.

Por eso, conceptualmente se encuentra mucho más cerca de Tubi, Pluto TV o The Roku Channel que de un servicio tradicional de televisión de pago.

Una PS5 cada vez más orientada al entretenimiento

La llegada de Live TV on PS5 representa un movimiento interesante para Sony. Una consola que normalmente sirve para jugar ahora incorpora un servicio gratuito de televisión que puede utilizarse incluso cuando el usuario no está jugando.

Y la propuesta resulta particularmente atractiva porque no requiere instalar otra aplicación, pagar una suscripción adicional ni contratar un paquete de televisión.

La principal limitación, al menos inicialmente, es geográfica. Estados Unidos es el único mercado confirmado en el lanzamiento, mientras que Canadá está en los planes de expansión y Sony solamente ha indicado que continuará explorando otras regiones.

Para los usuarios de Venezuela y otros países de Latinoamérica, por ahora toca esperar. Sony no ha anunciado cuándo —o incluso si— Live TV on PS5 llegará oficialmente a esos territorios.

Mientras tanto, el servicio ya representa una nueva forma de utilizar la PS5: más de 100 canales gratuitos, películas, series, anime, deportes, noticias y contenido bajo demanda, todo integrado directamente en la consola y financiado mediante publicidad.

Nota de prensa oficial de PlayStation

The post Live TV llega a PS5 con 100 canales gratis: Todo lo que debes saber acerca del nuevo servicio appeared first on NO LA PELES!.

Una noche. Una ciudad. Una regla bastante peculiar y dos desconocidos que quizá estén destinados a encontrarse. Así se presenta Sólo por una noche (One Night Only), la nueva comedia romántica dirigida por Will Gluck, cineasta detrás de éxitos como Con todos menos contigo y Se dice de mí. La película llegó a los cines el 27 de agosto con una propuesta que combina romance, humor y una situación tan absurda como intrigante.

Protagonizada por la nominada al Óscar, Monica Barbaro y el nominado al BAFTA, Callum Turner, la cinta plantea una pregunta sencilla: ¿qué ocurriría si encontrar el amor verdadero tuviera que competir contra una ciudad entera intentando aprovechar al máximo una única noche de libertad?

Una noche al año para los solteros

La historia de Sólo por una noche transcurre en una versión ligeramente ficticia de Nueva York, donde existe una regla extraordinaria: las personas solteras únicamente tienen permitido mantener relaciones sexuales durante una noche específica del año.

La premisa convierte a la ciudad en un escenario completamente diferente. Lo que normalmente podría ser una noche cualquiera se transforma en un acontecimiento colectivo en el que los solteros salen a las calles con un objetivo muy concreto.

Pero entre todas esas personas que buscan un encuentro casual hay dos que parecen estar buscando algo mucho más difícil de encontrar: una conexión auténtica.

Ellos son Owen y Allie.

Owen y Allie: dos románticos en la noche menos romántica

Callum Turner interpreta a Owen, un hombre que acaba de ser abandonado por su pareja justo cuando comienza esta particular noche. En lugar de entregarse completamente a la dinámica de encuentros pasajeros que domina la ciudad, Owen parece estar buscando algo diferente.

Por su parte, Monica Barbaro interpreta a Allie, una romántica esperanzada que todavía cree en la posibilidad de encontrar una conexión genuina.

Cuando ambos se conocen, la química aparece prácticamente de inmediato.

El problema es que conocerse no significa necesariamente poder permanecer juntos.

Una sucesión de tropiezos, malentendidos, encuentros inesperados y aventuras por diferentes rincones de Nueva York hace que Owen y Allie pasen buena parte de la noche intentando encontrarse mientras, paradójicamente, las circunstancias parecen empeñadas en mantenerlos separados.

La película convierte así la búsqueda del amor en una especie de carrera contrarreloj.

Y mientras los protagonistas se acercan y se alejan una y otra vez, la historia plantea una idea particularmente interesante: quizá aquello que estamos buscando desesperadamente está mucho más cerca de nosotros de lo que imaginamos.

Will Gluck vuelve a apostar por la comedia romántica

La dirección de Sólo por una noche está a cargo de Will Gluck, realizador que se ha convertido en uno de los nombres reconocibles de la comedia romántica contemporánea.

Gluck dirigió anteriormente Se dice de mí (Easy A), protagonizada por Emma Stone, y más recientemente Con todos menos contigo (Anyone But You), película que consiguió convertirse en uno de los fenómenos comerciales recientes del género.

Con Sólo por una noche, el cineasta vuelve a explorar los ingredientes clásicos de la comedia romántica: dos personas que se conocen por casualidad, una fuerte atracción inicial, obstáculos aparentemente insuperables y una serie de situaciones que complican la posibilidad de que terminen juntos.

Sin embargo, la película introduce un elemento distintivo: una sociedad en la que el sexo entre solteros está limitado a una única noche del año.

Esa premisa permite que Gluck juegue con las convenciones tradicionales del género mientras construye una historia sobre las relaciones humanas en una época marcada por las conexiones rápidas y pasajeras.

Una crítica a las conexiones fugaces

Aunque Sólo por una noche se presenta principalmente como una comedia romántica, su particular mundo también permite abordar una cuestión muy contemporánea: la dificultad de establecer conexiones verdaderamente significativas.

La película coloca a Owen y Allie en una situación extrema. Mientras prácticamente toda la ciudad está concentrada en aprovechar una noche excepcional, ellos parecen estar interesados en algo mucho más complicado: encontrar a alguien con quien realmente puedan conectar.

Ese contraste entre el deseo inmediato y el deseo de una relación auténtica se convierte en uno de los elementos centrales de la historia.

De hecho, durante la promoción de la película, Monica Barbaro habló sobre la dificultad actual de establecer conexiones reales y sobre la importancia de recuperar espacios para conocer personas y relacionarse cara a cara.

De esta manera, detrás de la premisa aparentemente disparatada existe una reflexión sobre algo bastante reconocible: en un mundo lleno de posibilidades para conocer gente, encontrar una conexión auténtica no necesariamente resulta más fácil.

Un reparto que combina nuevas estrellas y rostros conocidos

Además de Monica Barbaro y Callum Turner, Sólo por una noche cuenta con un reparto particularmente variado.

Entre los nombres que acompañan a sus protagonistas destacan:

• Maya Hawke, conocida mundialmente por su participación en Stranger Things.
• Julia Fox, actriz de Diamantes en bruto (Uncut Gems).
• King Princess, artista de indie pop que también ha participado en producciones como Nueve perfectos desconocidos.
• Ben Marshall, integrante de Saturday Night Live.
• Ziwe, conocida por Baited with Ziwe.
• Molly Ringwald, una de las grandes figuras del cine juvenil estadounidense de los años 80.
• LeVar Burton, actor y presentador reconocido por trabajos como Star Trek: The Next Generation y Reading Rainbow.

La combinación de intérpretes de distintas generaciones encaja con la intención de Gluck de recuperar y actualizar algunos de los elementos clásicos de la comedia romántica.

Una película construida alrededor de una noche

Uno de los aspectos más atractivos de la propuesta es que la propia estructura de la historia está condicionada por el tiempo.

Owen y Allie no disponen de semanas o meses para conocerse tranquilamente. Todo sucede durante una noche extraordinaria en la que la ciudad está viviendo su propio caos.

Eso permite que la película se apoye en una dinámica de persecución romántica en la que cada minuto cuenta.

Los protagonistas tienen que atravesar situaciones inesperadas, falsas pistas y encuentros que los llevan en direcciones diferentes, mientras la ciudad se convierte prácticamente en otro personaje de la historia.

El resultado es una aventura romántica que intenta recuperar esa sensación clásica de las películas donde dos personas parecen destinadas a estar juntas, pero necesitan superar una serie interminable de obstáculos antes de descubrirlo.

¿Una nueva apuesta por recuperar la comedia romántica?

En los últimos años, la comedia romántica ha vuelto a ganar protagonismo después de haber pasado por una etapa en la que el género tuvo mucha menos presencia en las grandes salas de cine.

El éxito de producciones como Con todos menos contigo demostró que todavía existe público dispuesto a acudir al cine para disfrutar de una historia romántica con humor, química entre sus protagonistas y una buena dosis de entretenimiento.

Sólo por una noche llega precisamente con esa intención: ofrecer una historia original que utilice los códigos conocidos del género, pero colocándolos dentro de una premisa completamente diferente.

La película tiene una duración aproximada de 102 minutos y está clasificada dentro de los géneros de comedia, drama y romance.

Will Gluck también está detrás del guion y la producción

Además de dirigir la película, Will Gluck participa como coguionista y productor.

El proyecto está basado en un guion de Travis Braun, quien aparece acreditado como guionista junto a Gluck. La película es producida por Gluck a través de Olive Bridge Entertainment, compañía que también está vinculada a Jacqueline Monetta, productora ejecutiva de Con todos menos contigo.

La película cuenta además con Este Haim y Christopher Stracey a cargo de la composición musical, mientras que la fotografía está a cargo de Yaron Orbach.

“Sólo por una noche”: romance, caos y una oportunidad inesperada

En esencia, Sólo por una noche parte de una idea muy sencilla: dos personas que buscan el amor en una noche en la que aparentemente nadie más está interesado en encontrarlo.

Owen acaba de ser dejado.

Allie todavía cree en el romance.

Nueva York está completamente desatada.

Y el reloj corre.

Lo que comienza como una noche destinada a ser caótica podría terminar convirtiéndose en el acontecimiento más importante de sus vidas.

Porque quizás el amor no aparece cuando lo estamos buscando desesperadamente, sino cuando una cadena de circunstancias inesperadas nos coloca frente a la persona correcta.

Sólo por una noche llegó a los cines el 27 de agosto de 2026, con distribución de Universal Pictures.

Título original: One Night Only
Director: Will Gluck
Guion: Travis Braun, Will Gluck
Protagonistas: Monica Barbaro, Callum Turner
Reparto: Maya Hawke, Julia Fox, King Princess, Ben Marshall, Ziwe, Molly Ringwald y LeVar Burton
Géneros: Comedia, romance y drama
Duración: 102 minutos
Estreno: 27 de agosto de 2026
Distribuidora: Universal Pictures

Si eres fanático de las comedias románticas y disfrutaste del estilo de Con todos menos contigo, Sólo por una noche propone una nueva oportunidad para volver a disfrutar de ese tipo de historias en la pantalla grande, esta vez con una ciudad completamente descontrolada, una regla imposible de ignorar y dos desconocidos que quizá descubran que el amor puede aparecer en el momento menos esperado.

The post ¿Qué pasaría si una noche caótica resulta ser lo mejor que te ha pasado en la vida? “Sólo por una noche” llega a cines appeared first on NO LA PELES!.

Marvel Studios presenta los nuevos tráiler y póster de Avengers Endgame: Bonus. La épica conclusión de la Saga del Infinito regresará a los cines a partir del 24 de septiembre en salas Infinity Vision, una nueva certificación para salas Premium Large Format (PLF) que garantiza una experiencia cinematográfica excepcional, con pantallas de gran formato, imágenes de alta calidad y sonido envolvente.

El reestreno especial de la película que batió récords de taquilla incluye un adelanto exclusivo de Avengers: Doomsday de Marvel Studios, que estrena en cines el 17 de diciembre. Además, los espectadores que asistan a funciones de Avengers Endgame: Bonus en salas con certificación Infinity Vision tendrán acceso a un adelanto adicional de la película. Las entradas ya están disponibles. Los detalles de compra, precios y horarios para las funciones pueden consultarse de forma online, presencial, tienda web y/o aplicaciones para teléfonos móviles de los cines en Venezuela.

En Avengers Endgame: Bonus, tras los devastadores acontecimientos que acabaron con la mitad de la población mundial, los héroes restantes luchan por seguir adelante. En última instancia deben unir sus fuerzas para restablecer el orden y la armonía en el universo y recuperar a sus seres queridos en un dramático enfrentamiento contra Thanos. La película está producida por Kevin Feige y dirigida por Anthony y Joe Russo. Louis D’Esposito, Victoria Alonso, Michael Grillo, Trinh Tran, Jon Favreau, James Gunn y Stan Lee son los productores ejecutivos.

Avengers Endgame: Bonus de Marvel Studios estrena en cines el 24 de septiembre de 2026.

INFINITY VISION es una certificación para salas de cine Premium Large Format (PLF), lo que garantiza a los espectadores una proyección cinematográfica excepcional. Esto incluye pantallas gigantes con imágenes nítidas y un sonido extraordinario. Con INFINITY VISION los fanáticos podrán vivir una experiencia cinematográfica sorprendente.

The post “Avengers Endgame: Bonus” llega el 24 de septiembre a cines appeared first on NO LA PELES!.

El cine de terror contemporáneo atraviesa una etapa en la que ya no basta con hacer que una puerta se cierre sola o que una figura aparezca repentinamente detrás de un personaje. El público se ha vuelto más exigente y reconoce con facilidad los mecanismos tradicionales del género. En ese contexto, “La noche del demonio: están entre nosotros” apuesta por recuperar uno de los elementos más efectivos del terror clásico, la sensación de que lo cotidiano puede convertirse, en cualquier momento, en una amenaza.

La película se inscribe dentro del universo de Insidious, una franquicia que ha construido buena parte de su identidad alrededor de los fenómenos paranormales, las entidades sobrenaturales y la existencia de una dimensión donde las reglas de nuestro mundo dejan de tener sentido. Sin embargo, su principal atractivo no está únicamente en la presencia de demonios o apariciones, sino en la capacidad de transformar los espacios familiares en escenarios inquietantes.

Uno de los mayores aciertos de la propuesta es precisamente esa utilización del espacio doméstico. La casa, tradicionalmente asociada con seguridad y refugio, adquiere una dimensión completamente diferente. Cada habitación puede esconder una amenaza y cada silencio parece tener un significado. Esta estrategia permite que el espectador experimente una sensación de vulnerabilidad que resulta fundamental para que el terror funcione.

Desde el punto de vista narrativo, la película juega con una idea particularmente perturbadora, el enemigo puede estar mucho más cerca de lo que imaginamos. El título no es simplemente una referencia a la presencia de entidades sobrenaturales; también funciona como una declaración de principios. El verdadero miedo surge cuando los personajes descubren que aquello que consideraban seguro quizá nunca lo estuvo.

Visualmente, la película apuesta por una atmósfera oscura y por una puesta en escena que privilegia la tensión antes que la exposición permanente de las criaturas. Esta decisión resulta importante porque, en el terror, aquello que el espectador no puede ver suele ser más inquietante que aquello que se muestra completamente. La imaginación termina convirtiéndose en una herramienta narrativa tan poderosa como los efectos visuales.

Otro aspecto destacable es el componente emocional. Las películas de Insidious han entendido que el terror sobrenatural funciona mejor cuando existe un conflicto humano que sostenga la historia. El miedo deja de ser únicamente una reacción ante un monstruo y se convierte en una manifestación de pérdidas, inseguridades y vínculos familiares amenazados.

Sin embargo, la película tampoco está completamente libre de los problemas habituales del género. Algunos recursos pueden resultar familiares para quienes han seguido la franquicia desde sus primeras entregas. Los sobresaltos repentinos, determinados sonidos utilizados para provocar tensión y algunas convenciones del cine de casas embrujadas forman parte de un lenguaje que el público ya conoce. El desafío, por tanto, consiste en conseguir que esos mecanismos conocidos sigan produciendo una reacción genuina.

Desde una perspectiva crítica, “La noche del demonio: están entre nosotros” funciona mejor cuando apuesta por la atmósfera y la incertidumbre que cuando intenta explicar demasiado. El terror pierde parte de su fuerza cuando el misterio queda completamente expuesto. En cambio, cuando la película deja preguntas sin respuesta y permite que el espectador complete mentalmente aquello que no observa, alcanza algunos de sus momentos más efectivos.

“La noche del demonio: están entre nosotros”, es una propuesta dirigida principalmente a los aficionados del terror sobrenatural y a quienes disfrutan de historias donde la amenaza se introduce progresivamente en espacios familiares. No pretende reinventar el género, pero sí aprovechar recursos que han demostrado su eficacia para construir tensión y mantener al público en estado de alerta.

Su mayor virtud está en recordarnos que el miedo no siempre necesita grandes escenarios ni criaturas espectaculares. A veces basta una casa silenciosa, una puerta entreabierta y la sospecha de que alguien (o algo) está al otro lado.

Es una película recomendable para los seguidores de Insidious, especialmente para quienes disfrutan más de la tensión psicológica, las atmósferas inquietantes y los fenómenos paranormales que del terror explícito.

The post Reseña de “La noche del demonio: Están entre nosotros” del universo de Insidious appeared first on NO LA PELES!.

La celebración del 20.º aniversario de Cars: Una aventura sobre ruedas, de Disney y Pixar, trae de regreso a los cines de todo el mundo la aclamada película animada original. Los fanáticos podrán disfrutar nuevamente de esta divertida aventura en la pantalla grande, en su formato original, a partir del jueves 8 de octubre.

Cada 5 de septiembre, que en EE. UU. se representa como 9/5, se celebra el Día de Rayo McQueen en honor al número de competición del personaje: el 95. Asimismo, las celebraciones anuales incluyen diversas colaboraciones y activaciones temáticas a nivel global y local. Entre ellas, un Rayo McQueen en tamaño real y un Mercedes Safety Car intervenido con la temática de Cars en el Fórmula 1 Pirelli Gran Premio D’italia 

2026, en septiembre. Allí los fanáticos podrán adquirir la nueva colección de “Cars para Fórmula 1”.

Desde junio pasado están disponibles en el canal de YouTube de Disney Junior cuatro contenidos especiales que reúnen los mejores momentos de Rayo McQueen. Además, para celebrar el 20º aniversario, el canal lineal de Disney Junior emitirá una maratón con los mejores Cars Toons.

Cars: Una aventura sobre ruedas regresa solo a los cines de Venezuela el jueves 8 de octubre.

Sobre Cars: una aventura sobre ruedas

Rayo McQueen (voz en inglés de Owen Wilson), un audaz y presumido auto de carreras novato destinado al éxito, descubre que la vida es acerca del recorrido, no de la meta final, cuando se encuentra de pronto en el tranquilo pueblo de Radiador Springs, en la Ruta 66. Allí McQueen conoce a los peculiares personajes de este pueblo, entre ellos Doc Hudson (voz en inglés de Paul Newman), Mate (voz en inglés de Larry The Cable Guy) y Sally (voz en inglés de Bonnie Hunt). Cars: Una aventura sobre ruedas está dirigida por John Lasseter, producida por Darla K. Anderson, y cuenta con música original del tres veces ganador del Premio de la Academia®, Randy Newman.

The post Cars: Una aventura sobre ruedas, de Disney y Pixar, vuelve el 8 de octubre a la gran pantalla para celebrar su 20º aniversario appeared first on NO LA PELES!.

Rápido y Furioso: 25 aniversario, es la celebración de una saga que convirtió la velocidad en una experiencia cultural. Durante más de dos décadas, la franquicia Rápido y Furioso ha dejado de ser una simple serie de películas sobre carreras clandestinas para convertirse en un fenómeno cinematográfico global que combina acción, adrenalina y una particular visión de la familia como núcleo emocional. En su 25 aniversario, la saga vuelve a ser objeto de revisión y análisis como una de las marcas más influyentes del cine comercial contemporáneo.

Desde nuestra humilde perspectiva, resulta evidente que el mayor logro de Rápido y Furioso no ha sido únicamente su capacidad para ofrecer escenas espectaculares, sino su habilidad para construir una identidad propia dentro de Hollywood.

La historia de la franquicia comenzó en 2001 con una propuesta relativamente sencilla, mostrar el mundo de las carreras ilegales, la cultura automotriz y la rivalidad entre conductores. Sin embargo, con el paso del tiempo, la saga evolucionó hasta transformarse en una mezcla de espionaje, acción internacional y aventuras imposibles, donde los vehículos dejaron de ser simples máquinas para convertirse en símbolos de libertad, lealtad y pertenencia.

Uno de los elementos más importantes de su éxito es la construcción del concepto de familia. La frase de Dominic Toretto, “la familia es lo más importante”, se convirtió en el lema emocional de una franquicia que entendió que detrás de las explosiones, persecuciones y escenas de riesgo debía existir una conexión humana con el espectador. Aunque muchas situaciones llegaron a niveles exagerados, esa dimensión afectiva permitió que millones de seguidores desarrollaran un vínculo con sus personajes.

Desde el punto de vista audiovisual, Rápido y Furioso representa una evolución del cine de acción moderno. Sus secuencias han aumentado progresivamente en escala, pasando de carreras urbanas a misiones internacionales con vehículos atravesando ciudades, aviones, puentes y escenarios que desafían las leyes de la física. Para algunos, este crecimiento significó perder parte del realismo inicial; para sus seguidores, fue precisamente esa exageración la que convirtió a la saga en un espectáculo único.

La celebración de sus 25 años también permite observar el impacto cultural de la franquicia. Rápido y Furioso ayudó a popularizar la cultura del tuning, acercó al público masivo al mundo automotor y abrió espacios de representación para un elenco diverso en una industria tradicionalmente dominada por otros modelos de protagonistas. La saga logró conectar con audiencias de diferentes países gracias a su mensaje universal de amistad, sacrificio y unión.

No obstante, su trayectoria también tiene puntos cuestionables. La repetición de ciertas fórmulas narrativas, el aumento constante de la espectacularidad y la poca preocupación por la lógica científica han generado críticas entre quienes consideran que la franquicia se alejó demasiado de sus raíces. El desafío para el futuro será encontrar un equilibrio entre la nostalgia de sus primeros capítulos y la necesidad de ofrecer historias nuevas.

A 25 años de su nacimiento, Rápido y Furioso no puede evaluarse únicamente como una colección de películas de acción. Es un fenómeno social y cinematográfico que refleja una época donde el entretenimiento busca experiencias cada vez más grandes y emocionales. Su legado está marcado por millones de espectadores que crecieron viendo sus carreras, sus conflictos y sus discursos sobre la importancia de permanecer unidos.

Más allá de la velocidad, los motores y las explosiones, la verdadera fuerza de esta saga ha sido su capacidad para crear una comunidad alrededor de una idea sencilla, la cual se puede resumir en que incluso en un mundo lleno de desafíos, siempre existe un lugar donde sentirse parte de una familia. Y ese, posiblemente, sea el combustible que ha mantenido encendido su motor durante un cuarto de siglo.

Con el reestreno de la película que lo inició todo, es la oportunidad perfecta para volver a ver en pantalla grande un filme atemporal, encontrarse otra vez con aquellos personajes que lograron hacer que no solamente nos enamoráramos de la velocidad, sino también dejaron lecciones importantes, tales como la importancia de los vínculos y los valores, que jamás debe faltar el respeto, el amor y la amistad a lo largo de nuestras vidas.

The post Reseña de Rápido y Furioso 25 aniversario appeared first on NO LA PELES!.

Juan Pablo Raba, Diane Guerrero y Laureano Olivarez, dirigidos por Diego Velasco (La Hora Cero) encabezan el elenco de esta impecable producción internacional con la perfecta combinación de suspenso y terror. La cinta basa su historia en la conocida y temible leyenda nacida en los Llanos Venezolanos. El duelo de una pareja por la pérdida de su pequeña hija, y el misterioso fallecimiento de un poderoso hacendado, son el punto de partida de una ola de crímenes cometidos en un oscuro pueblo sin explicación aparente. El filme se estrena en Venezuela el próximo jueves 24 de septiembre, gracias a Mundo D Película.

Sebastián Castillo (Juan Pabo Raba), residente en Estados Unidos, regresa a tierras venezolanas debido al fallecimiento de su padre Vicente Castillo, un poderoso hacendado. Lo acompaña su esposa Nicole (Diane Guerrero). La pareja atraviesa un difícil momento: la partida de su pequeña hija Daniela. El ambiente es sombrío y desolador: la hacienda de Los Castillo y sus zonas aledañas son afectados por constantes cortes de electricidad que dejan a toda la población en penumbra. Sumado a ello, las causas de la muerte de don Vicente no son precisas. Isabel (Laura García Marulanda), la madre de Sebastián, advierte que todas las hectáreas están rodeadas de “invasores” que desean quedarse con su propiedad, roban el ganado y destruyen infraestructuras.

Así, mientras Sebastián intenta poner las cosas en orden, Nicole descubre un culto en las entrañas de la hacienda y se le mete una idea en la cabeza: pedirles a sus practicantes que le permitan comunicarse con el espíritu de su hija fallecida. Todo se complica en medio de una ola de crímenes sin explicación. Almas inocentes están a merced de un ser maligno que azota el pueblo… Esa es, a grandes rasgos, la historia de “El Silbón” de Diego Velasco, una cinta que distribuye Mundo D Película y que se estrena el jueves 24 de septiembre en la cartelera venezolana.   

Detrás y delante de cámaras

Esta nueva versión cinematográfica de la conocida y temible leyenda venezolana de “El silbón” cuenta con altos estándares de producción. La dirección de la puesta en escena, el ritmo narrativo, el trabajo actoral, la musicalización, el maquillaje, los efectos especiales y la posproducción la convierten en una pieza de calidad y alto nivel dentro de los géneros suspenso y terror, con sello latinoamericano, pero de alcance en todas las audiencias. Fue filmada en 2024, en Cali, Valle del Cauca, Colombia, durante cinco semanas.

Destacan las interpretaciones del trío protagónico: el colombiano Juan Pablo Raba como Sebastián, la colombo-estadounidense Diane Guerrero como Nicole, y el venezolano Laureano Olivarez como Laureano Silveiro Moré. Las actrices de reparto también sobresalen en sus respectivas secuencias: la reconocida hispano-colombiana Laura García Marulanda como Isabel Castillo, y la colombiana Indira Serrano (otrora protagonista de la cinta venezolana “Piel”, de Oscar Lucién) como Petra, la misteriosa mujer de servicio de la hacienda. Participan también otros talentos venezolanos como Ernesto Campos como Darío y Laura Sofía Domínguez como Greisy. Campos tiene una amplia trayectoria en las tablas venezolanas y también en el cine, en cintas como “El Inca” y “Desde allá”. Domínguez hace carrera en Los Ángeles con proyectos como la serie “Quarantine Leap” y el cortometraje “The Tide Inside”, de la realizadora colombiana Lorena Villanueva.

La impecable dirección de fotografía es del realizador de largometrajes, cortometrajes, documentales videos musicales y comerciales Camilo Monsalve. Y el guion está basado en un trabajo conjunto de investigación y composición entre Diego Velasco, Carolina Paiz, Nacho Palacios y Esteban Orozco. La banda sonora está a cargo del compositor venezolano Freddy Sheinfeld, quien hizo lo propio para cintas como “La Hora Cero”, de Velasco y “Simón”, de Diego Vicentini. Participaron en el soundtrack muchos músicos venezolanos, como el arpista Eduardo Betancourt, y en la percusión Yonathan Gavidia, conocido en el entorno musical como “El Morocho”. 

Sobre el director

La leyenda de “El silbón” es harto conocida dentro de la cultura popular venezolana, llena de mitos y leyendas que bien pueden transformarse en una película escalofriante. No obstante, la filmografía criolla poco se ha nutrido de sus propios espantos.

En esta ocasión, Diego Velasco (nacido en Estados Unidos, pero criado en Caracas) es quien decide incursionar en ambos géneros con esta nueva versión de “El Silbón”. En 2010, el director marcó un hito en la cinematografía venezolana con su ópera prima “La Hora Cero”, basada en un hecho real: la huelga médica venezolana ocurrida en 1996. Mezcla de sátira, acción, crítica a los medios de comunicación y un particular romance, esta cinta se convirtió en una de las más taquilleras de la cartelera local, a la par de concurridos filmes internacionales estrenados ese año en el país, y con 35 premios internacionales, sumándose a la lista de récords de taquilla nacional en el que ya estaban cintas como “Macu, la mujer del policía”, “Secuestro Express” y luego la comedia “Papita, maní, tostón”.

En palabras del realizador:

“El Silbón nació de las historias que me contaban de niño, cuando pasaba veranos en la finca de mi tío en Los Llanos. Hacer esta película fue un proceso profundamente personal, y estrenarla en Venezuela, la tierra donde nació esa leyenda, es el cierre perfecto de este viaje. Espero que el público sienta el mismo escalofrío que yo sentí al imaginar a El Silbón.”

La carrera de Velasco no se ha detenido. Entre otros trabajos, el realizador ha consolidado su trabajo como director en series de Netflix como: “Social Distance”, “Orange is the new black”, “Teenage Bounty Hunters” y “Gentefied”. A eso se suma la webserie Cybergeddon. También dirigió la comedia “Diary of a Future President”, para Disney +.

Sus créditos más recientes incluyen las direcciones de series como “Grease, Rise of the Pink Ladies”, de Paramount+, y “This Fool”, de Hulu, cuyo episodio “Sandy Says” fue incluido como “uno de los mejores de la televisión de 2022″ por The New York Times. En el año 2011, la revista Variety incluyó a Velasco en su lista de los 10 principales cineastas y reformadores del cine latinoamericano (Ten Movers and Reshapers of Latin American Cinema).

Si deseas más información o imágenes sobre la película “El silbón” visita en Instagram:

@thewhistlermovie

@mundodpelicula

@chavaina

The post “El Silbón”: Un sonido que anuncia la muerte appeared first on NO LA PELES!.

Ya están disponibles el nuevo póster y el tráiler de Oasis: Don’t Look Back in Anger, la esperada cinta que sigue el reencuentro de la legendaria banda británica Oasis. Disney+ presenta un estreno especial en cines de la película original de Hulu, que se estrenará en cines de toda Latinoamérica el 10 de septiembre. El documental, de Magna Studios y Sony Music Vision, fue creado por el escritor, productor y director nominado al BAFTA y al Oscar® Steven Knight (Peaky Blinders y Mil Golpes) y dirigido por Dylan Southern y Will Lovelace (LCD Soundsystem: Cállate y toca los éxitos, Nos vemos en el baño).

Oasis: Don’t Look Back in Anger narra la triunfal gira de reunión de Liam y Noel Gallagher, Oasis Live ’25, uno de los regresos al rocanrol más esperados de nuestro tiempo. La película es un relato inspirador de lo que podría considerarse el mayor evento musical de 2025, que captura la experiencia y las emociones de la banda y sus fanáticos en todo el mundo. Esta perspectiva única incluye acceso a los ensayos, al backstage y al escenario, así como las primeras entrevistas conjuntas de Noel y Liam en más de 25 años. Además de la gira mundial con entradas agotadas de la banda, la película también explora el profundo impacto emocional de este fenómeno cultural global y lo que su música significa para el público y las generaciones de todo el mundo.

Oasis: Don’t Look Back in Anger, desde el 10 de septiembre en cines.

The post El 10 de septiembre llega a cines “Oasis: Don’t Look Back in Anger” appeared first on NO LA PELES!.

Para salvar su empleo en el zoológico, David acepta una arriesgada encomienda: debe traer de vuelta un paquete misterioso desde Sudamérica. Así termina en un crucero con su ex, su hijo y su no muy inteligente amigo Stéphane, a quien David usa para transportar en secreto la delicada caja. Pero todo se descontrola cuando Stéphane abre accidentalmente el paquete y libera a un adorable bebé Marsupilami. Esta criatura rara y valiosa transforma rápidamente el viaje en un caos total. En medio de esta alocada aventura, David y su familia redescubren la fuerza de sus lazos familiares.

Desde este jueves 20 de agosto los cines de toda Venezuela reciben a Marsupilami. Caos a bordo, la comedia familiar dirigida por Philippe Lacheau que viene de romper récords de espectadores en su debut por las salas de cine europeas. La cinta, que trae a la acción real al personaje de los cómics creado por André Franquin en 1952, está protagonizada por el propio Lacheau, Élodie Fontan, el pequeño Corentin Guillot, y por Julien Arruti.

Marsupilami. Caos a bordo desde el 20 de agosto en cines.

The post ¡”Marsupilami: Caos a bordo” llega a los cines este jueves 20 de agosto! appeared first on NO LA PELES!.

Paramount Pictures presentó el nuevo tráiler de El corazón de la bestia (Heart of the Beast), un intenso thriller de supervivencia protagonizado por Brad Pitt y dirigido por David Ayer, cineasta conocido por películas como Fury y End of Watch.

La historia sigue a James Belmont (Brad Pitt), un oficial de las Fuerzas Especiales que, tras sufrir un terrible accidente aéreo, queda atrapado en lo más profundo de la naturaleza salvaje de Alaska junto a Odin, su perro de combate.

Sin comunicación ni ayuda inmediata, Belmont y Odin deberán enfrentarse a un entorno extremo en el que las bajas temperaturas, el aislamiento y los peligros de la naturaleza pondrán a prueba sus límites. Pero más allá de la lucha contra los elementos, la película promete centrar buena parte de su historia en el vínculo entre el soldado y su compañero de cuatro patas.

El nuevo avance muestra una aventura cargada de tensión y acción, con Brad Pitt encabezando una historia de supervivencia que combina el instinto humano con la lealtad de un perro entrenado para el combate. La relación entre James y Odin será fundamental para superar las amenazas que los rodean.

El corazón de la bestia cuenta con un guion de Cameron Alexander y está producida por Olivia Hamilton, Marty Bowen, David Ayer y Brad Pitt. Entre sus productores ejecutivos figuran Damien Chazelle, Scott Lumpkin, Cameron Alexander, Chris Long y Pete Chiappetta.

El reparto también incluye a J.K. Simmons y Anna Lambe, quienes acompañan a Pitt en esta producción de Wild Chickens, Temple Hill y Kino World, presentada por Paramount Pictures en asociación con Domain Entertainment y Gulfstream Pictures.

Con David Ayer detrás de las cámaras y Brad Pitt como protagonista, El corazón de la bestia apunta a ofrecer una experiencia de supervivencia visceral, donde la naturaleza se convierte en el principal enemigo y la confianza entre un hombre y su perro puede marcar la diferencia entre vivir o morir.

The post Brad Pitt enfrenta la naturaleza salvaje de Alaska en el nuevo tráiler de El corazón de la bestia appeared first on NO LA PELES!.

Miles de fanáticos de Disney de todo el mundo se reunieron en Anaheim, California, para el D23: The Ultimate Disney Fan Event, presentado por Visa. Los asistentes vivieron una jornada cargada de momentos inolvidables, historias entrañables y adelantos exclusivos de lo próximo que llega de la mano de los storytellers de Disney. La propuesta incluyó un área de exhibición ampliada en el Anaheim Convention Center, repleta de experiencias inmersivas y ofertas exclusivas, y culminó con el espectacular Disney Entertainment Showcase nocturno en el Honda Center.

Josh D’Amaro, CEO de The Walt Disney Company, dio inicio al evento dando la bienvenida a los fanáticos a D23 destacando la extraordinaria relación que Disney mantiene con sus seguidores a través de generaciones en todo el mundo.

“Ahora mismo hay casi medio millón de personas en nuestros parques y cruceros. Millones más están viendo nuestras historias en los cines o en casa. En este preciso momento, alguien está viendo El rey león en Broadway por primera vez”, dijo D’Amaro. “Si sumamos todo esto, Disney tiene algo que ninguna otra marca en el mundo puede decir que tiene. No solo una base de clientes, no solo una audiencia, sino una conexión real. Una conexión que llega a cada rincón del planeta, que atraviesa todas las edades y todos los orígenes, y que se vuelve parte de la vida de las personas y de los recuerdos que llevan consigo. Una conexión con más de cuatro mil millones de fanáticos. Eso es la mitad de la población mundial, personas que no solo acuden a nosotros en busca de entretenimiento, sino de inspiración”.

A lo largo de más de un siglo, Disney ha construido un fandom global que atraviesa edades, culturas y cada rincón de su universo. D23: The Ultimate Disney Fan Event reúne a esa comunidad en un mismo lugar, con experiencias de Disney, Pixar Animation Studios, Walt Disney Animation Studios, Marvel, Star Wars, National Geographic, Disney+, Hulu, ESPN, Disney Experiences y mucho más.

​En esta ocasión, algunos de los storytellers, talentos, realizadores, creadores e intérpretes más celebrados de Disney subieron al escenario del Honda Center para el esperadísimo Disney Entertainment Showcase. Conducido por los talentos de voces en inglés de Zootopia 2 (2025), de Walt Disney Animation Studios, Ginnifer Goodwin y el ganador del Óscar® Ke Huy Quan, el evento incluyó apariciones sorpresa de celebridades, proyección de material exclusivo, impresionantes actuaciones musicales, grandes anuncios y adelantos inéditos de los próximos proyectos de los estudios de cine de Disney, sus marcas de televisión, plataformas de streaming y de sus producciones teatrales en vivo.

Dana Walden, presidenta y Chief Creative Officer de The Walt Disney Company, abrió el Disney Entertainment Showcase junto a uno de los personajes más icónicos de la historia de la televisión: Bart Simpson. Tras haber sido una pieza clave en el éxito de la franquicia deLos Simpson a lo largo de toda su carrera, Walden presentó un adelanto especial de la próxima película, que llegará solo a los cines en septiembre de 2027.

Disney Entertainment, gran protagonista

La ganadora del Óscar® Anne Hathaway (El diablo viste a la moda 2, La Odisea), quien este domingo será nombrada Disney Legend, subió al escenario para hablar sobre lo que ha significado para ella formar parte de la familia Disney desde la película con la que empezó todo: El diario de la princesa.

Maia Kealoha, quien interpreta a Lilo en la película de acción real Lilo y Stitch, salió al escenario en busca de su amigo alienígena fugitivo Stitch, quien sorprendió a los asistentes de D23 en la pantalla grande junto a su nueva compañera rosa, Angel. Lilo y Stitch 2, la secuela del éxito de taquilla que recaudó más de mil millones de dólares en 2025, comenzará a filmarse en Hawái a finales de este año bajo la dirección de Chris Sanders, cocreador, coguionista y director de la película animada original de 2002. Sanders también fue la voz en inglés de Stitch tanto en la versión animada como en la de acción real. El productor es Jonathan Eirich, y los productores ejecutivos son Ryan Halperin y Tom Peitzman. Lilo y Stitch 2 estrenará solo en cines en mayo 2028.

El showcase de Disney presentó los primeros tráiler y póster de Bluey: la película, con una sorpresa incluida: un juego gigante de “Que no toque el piso” para los fanáticos, con versiones enormes de los icónicos globos rojos. El tráiler ofrece las primeras imágenes de película animada con CGI (imágenes generadas por computadora por sus siglas en inglés) basada en la querida serie sobre Bluey, una perrita heeler azul, encantadora e incansable, que vive con su mamá, su papá y su hermanita Bingo. Bluey: la película transcurre en un día lleno de aventuras, en el que una gran sorpresa lo cambia todo para Bluey y su familia. La película llega solo a los cines en agosto 2027.

La película está escrita y dirigida por su creador, Joe Brumm, y producida por Ludo Studio en colaboración con BBC Studios, con distribución de Walt Disney Studios. La producción está a cargo de Amber Naismith, con Richard Jeffery como codirector. Joe Brumm también es productor ejecutivo, junto con Charlie Aspinwall y Daley Pearson por Ludo Studio, y Justine Flynn por BBC Studios. Regresan como voces en inglés Melanie Zanetti y David McCormack, en el papel de Mamá (Chilli) y Papá (Bandit).

¡La manada está de regreso! Los actores de voces en inglés de La era de hielo: mundo de lava, Queen Latifah y Denis Leary, subieron al escenario para presentar un clip exclusivo para los asistentes de D23 con Scrat, Baby Scrat, y la presentación de su enorme primo prehistórico, Jurassic Scrat. Esta esperada película es una alocada aventura repleta de dinosaurios y lava que lleva a Manny (voz en inglés de Ray Romano), Sid (voz en inglés de John Leguizamo), Diego (voz en inglés de Denis Leary), Ellie (voz en inglés de Queen Latifah), Buck (voz en inglés de Simon Pegg), el trío obsesionado con bellotas —Scrat, Baby Scrat y Jurassic Scrat— y el resto de la manada a explorar rincones nunca antes vistos del peligroso Mundo Perdido. Dirigida por John C. Donkin (La era de hielo: las aventuras de Buck) y producida por Lori Forte (La era de hielo, La era de hielo: choque de mundos), llega solo a los cines en 2027.

Kathryn Hahn (The Studio, Agatha en todas partes), en la piel de Madre Gothel, subió al escenario para hablar sobre Enredados, una nueva versión en acción real de la película animada de Disney de 2010, basada en el cuento de los hermanos Grimm sobre Rapunzel. El público de D23 también disfrutó de un mensaje grabado por Rapunzel y Flynn Rider, interpretados por Teagan Croft (Titans) y Milo Manheim (franquicia Zombies), quienes actualmente están rodando en España. La película está dirigida por Michael Gracey (El gran showman) y producida por Kristin Burr (Cruella) para Burr! Productions, con Lucy Kitada (Proyecto Hail Mary) como productora ejecutiva. También participan Diego Luna (Andor) en el nuevo personaje Hawthorne, Caitríona Balfe (Outlander, Belfast) como la reina Arianna, Elliot Cowan (The Crown) como el rey Frederic, y Patrick y Hugo McPherson (Pear) como los gemelos Stabbington. Enredados estrena solo en cines en marzo de 2028.

Pixar Animation Studios

Alan Bergman, presidente de Disney Entertainment Studios, habló en el escenario sobre Pixar y presentó a su Chief Creative Officer, Pete Docter. Bergman contó que, siendo un joven animador, Docter estuvo a punto de aceptar un puesto en Los Simpson antes de incorporarse a Pixar. “Pete y su equipo siguen entregando películas con muchísimo corazón y humor”, dijo Bergman. “Y este año tuvieron la fantástica Hoppers: Operación Castor, así como Toy Story 5, la película más grande de la franquicia que dio origen a Pixar”.

Pete Docter recibió una calurosa bienvenida al abrir la sección de Pixar en el showcase, comenzando con imágenes exclusivas de Los Increíbles 3, de Disney y Pixar, con la familia de superhéroes favorita del público de vuelta a la acción. Los Increíbles 3 está dirigida por Peter Sohn (Elementos), producida por los ganadores del Óscar® Dana Murray (Soul) y Brad Bird (Los Increíbles ), y llega solo a los cines en junio de 2028.

Más tarde Docter presentó novedades sobre Coco 2, de Disney y Pixar, y luego de que un nuevo arte conceptual revelara a Miguel ya adolescente, Benjamin Bratt (voz en inglés de Ernesto de la Cruz) entró al escenario para acompañar a Docter y confirmar que el villano de la primera película reaparecerá en Coco 2, lo que llevará a Miguel a un viaje de vuelta a la Tierra de los Muertos que le cambiará la vida. Coco 2 reúne de nuevo al equipo de la película original, incluyendo al director ganador del Óscar® Lee Unkrich (Toy Story 3) y al codirector Adrian Molina (Coco). El ganador del Óscar® Mark Nielsen (Toy Story 4) es el productor. Coco 2 estrena solo en cines en noviembre de 2029.

Docter también anunció que Pixar está desarrollando una nueva película original titulada Ghost Market (título en español a confirmar). Se presentó un clip que muestra a ʻOno Market, un pequeño local de comida tradicional hawaiana escondido en una zona remota de la costa norte de Oʻahu, que atiende a espíritus atrapados entre la vida y la muerte. Ninguna persona había puesto un pie allí hasta que Kyle, un niño extrovertido, irrumpe por error y se ve envuelto en una inesperada aventura sobrenatural. Ghost Market está dirigida por Trevor Jimenez (Weekends) y Jesse Andrews (Hoppers: Operación Castor), producida por la ganadora del Óscar® Becky Neiman-Cobb (Bao), y llega solo a los cines en marzo de 2028.

Docter cerró la sección de Pixar Animation Studios mostrando imágenes exclusivas de Gatto, de Disney y Pixar, que estrena solo en cines en marzo de 2027. En Gatto, tras años de ingeniárselas por los canales y callejones de la supersticiosa Venecia, Nero (voz en inglés de Mark Ruffalo) comienza a cuestionarse si realmente vivió como debía. Endeudado con Rocco (voz en inglés de Laurence Fishburne), el jefe de la mafia felina local, Nero se encuentra en un dilema y se ve obligado a forjar una amistad totalmente inesperada que podría llevarlo a encontrar su propósito… a menos que Venecia acabe con él primero. Gatto está dirigida por Enrico Casarosa y producida por Andrea Warren, el mismo equipo creativo detrás de la nominada al Oscar® Luca.

Marvel Studios

Mientras crece la expectativa por Avengers: Doomsday, el estreno de Marvel Studios previsto para el 17 de diciembre de 2026, Kevin Feige fue acompañado en el escenario por el ganador del premio de la Academia® Robert Downey Jr. (Victor von Doom/Doctor Doom), Chris Evans (Steve Rogers) y Hayley Atwell (Peggy Carter) para presentar un adelanto especial de la película junto con un nuevo póster. En Avengers: Doomsday, queridos héroes de tres universos distintos se verán arrastrados hacia una colisión mortal y enfrentarán una amenaza existencial como ninguna otra que hayan encontrado. La película está dirigida por Anthony y Joe Russo; producida por Kevin Feige, Louis D’Esposito y Jonathan Schwartz; y protagonizada por Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Pedro Pascal, Paul Rudd, Anthony Mackie, Florence Pugh, Vanessa Kirby, Ebon Moss-Bachrach, Wyatt Russell, Channing Tatum, Simu Liu, Ian McKellen, Hayley Atwell, Tom Hiddleston, James Marsden, Patrick Stewart, Joseph Quinn, Sebastian Stan, David Harbour, Letitia Wright, Lewis Pullman, Kelsey Grammer, Kathryn Newton, Danny Ramirez, Winston Duke, Alan Cumming, Hannah John-Kamen, Rebecca Romijn, Mabel Cadena y Tenoch Huerta Mejía.

La presentación de Marvel Studios llegó a un electrizante cierre cuando Feige subió al escenario junto a Sadie Sink, quien debutó como Jean Grey en Spider-man: Un Nuevo Día, y el director Jake Schreier (Thunderbolts*), para hablar sobre la nueva película de X-Men en desarrollo. El trío dio la bienvenida a los nuevos compañeros de elenco de Sink: Kit Connor (Heartstopper) como Scott Summers, Christopher Abbott (Catch-22) como el profesor Charles Xavier, Samara Weaving (Boda Sangrienta) como Emma Frost, Inde Navarrette (Obsession) como Rogue, y Maya Boyd (& Juliet) como Storm. En un video especial grabado, Adam Driver (Star Wars: el despertar de la fuerza) anunció que interpretará a Nathaniel Milbury. La película de X-Men (título aún no anunciado) estrena solo en cines en mayo de 2028.

Lucasfilm

Shawn Levy (Deadpool & Wolverine, Stranger Things), director y productor de Star Wars: Starfighter, de Lucasfilm, subió al escenario para hablar sobre esta nueva aventura cinematográfica que estrena solo en cines en mayo de 2027, e invitó a Ryan Gosling (Proyecto Hail Mary, Barbie), protagonista de la película, a acompañarlo. Gosling entró con una chaqueta de cuero retro del Mickey Mouse Club, tras un video de sus días como Mouseketeer, y Levy le entregó una chaqueta de cuero especial con un símbolo importante de la película. Después, el dúo proyectó un adelanto exclusivo para el público presente. Cuando un pícaro cínico se enfrenta a su misterioso pasado, se ve arrastrado a una peligrosa aventura por la Galaxia que lo pone en curso de colisión con el destino. La película también cuenta con Matt Smith, Mia Goth, Aaron Pierre, Jamael Westman, Daniel Ings, Flynn Gray y Amy Adams. Star Wars: Starfighter está escrita por Jonathan Tropper, producida por Shawn Levy y Kathleen Kennedy, con Ryan Gosling, Dan Levine, Mary McLaglen y Josh McLaglen como productores ejecutivos.

Walt Disney Animation Studios

Los conductores de la noche y protagonistas del gran éxito de Walt Disney Animation Studios, Zootopia 2, Ginnifer Goodwin (voz en inglés de Judy Hopps) y el ganador del Óscar® Ke Huy Quan (voz en inglés de Gary De’Snake), fueron acompañados en el escenario por el Chief Creative Officer de Disney Animation y ganador del Óscar® Jared Bush (Encanto, Zootopia). Los tres revelaron que Zootopia 3 ya está oficialmente en desarrollo y proyectaron una secuencia exclusiva para el eufórico público de D23. La fecha de estreno de Zootopia 3 se anunciará más adelante.

Bush también reveló que ya está en marcha la producción de una nueva película original de Walt Disney Animation Studios llamada Clay (título port confirmarse), y que el ganador del Óscar® Kieran Culkin (Succession, Un dolor real) será la voz en inglés principal de Flip. Bush presentó un arte conceptual exclusivo para el público de D23 y contó que esta aventura animada original transcurre en un bosque mágico lleno de criaturas fantásticas. Cuando Flip, un inadaptado de espíritu rebelde, es elegido contra su voluntad durante un ritual anual para convertirse en mentor de una joven e influenciable bola de arcilla llamada Mushy, la improbable dupla se ve arrastrada a una aventura caótica, divertida y que, al final, les cambiará la vida. Clay está dirigida por Fawn Veerasunthorn (Hechizo: bienvenidos a Hexe, Lilo & Scratch) y producida por el ganador del Óscar® Peter Del Vecho (Frozen, Frozen 2). Se estrena solo en cines en 2028.

Para contar una importante novedad con relación al reparto de Hechizo: bienvenidos a Hexe de Disney, la nueva saga mágica sobre el paso a la adultez, que estrena el 26 de noviembre de 2026, Bush estuvo acompañado en el escenario por Hailee Steinfeld (Sinners, Valor de Ley), la voz en inglés de la protagonista Billie Doe, una impulsiva y poco convencional adolescente que descubre poderes mágicos secretos. Ambos dieron la bienvenida al escenario a Walton Goggins (Fallout, The White Lotus), quien será la voz en inglés de Beef Roger Crummchuk, un recluso gato mágico de tres ojos que forja una alianza incómoda con Billie y su cautelosa madre, Alice (voz en inglés de Rashida Jones), mientras emprenden un viaje espectacular fuera de los suburbios hacia a un reino mágico llamado Hexe. Además, se presentó en exclusiva para los asistentes una escena protagonizada por Beef Roger Crummchuk.  Después subió al escenario la dos veces ganadora del Óscar® Jodie Foster, revelándose que será la voz en inglés de la Reina Celeste, una figura siniestra dispuesta a todo con tal de mantener su poder sobre Hexe para siempre. Hechizo: bienvenidos a Hexe de Disney está dirigida por Fawn Veerasunthorn (Wish: el poder de los deseos) y Jason Hand (Moana 2), codirigida por Josie Trinidad (Zootopia+), y producida por los ganadores del Óscar® Roy Conli (Grandes héroes) e Yvett Merino (Encanto).

Como cierre de D23 con un gran final cargado de emoción, los integrantes del elenco de Frozen 3 Kristen Bell (voz en inglés de Anna) e Idina Menzel (voz en inglés de Elsa) interpretaron una nueva versión de la canción “Frozen Heart”, mientras que Josh Gad (voz en inglés de Olaf) presentó “Ooooh, Samantha”, una nueva canción de amor dedicada al primer enamoramiento de Olaf. Ambos temas fueron escritos por el dúo de compositores ganadores del Premio de la Academia® Kristen Anderson-Lopez y Robert Lopez (Frozen, Coco, Frozen 2). Como sorpresa final de la noche, el trío presentó un nuevo material animado de Anna, Elsa, Olaf, Kristoff y Sven, que dejó entrever a una nueva villana cuyos poderes rivalizan con los de Elsa. En Frozen 3, de Walt Disney Animation Studios, Anna, Elsa, Kristoff y Olaf regresan para una nueva aventura. La película está dirigida por la ganadora del Óscar® Jennifer Lee (Frozen, Frozen 2) y Trent Correy (Once Upon A Studio, Once Upon A Snowman, Zootopia+), producida por Christina Chen (Moana 2, Iwájú), y llega solo a los cines en noviembre de 2027.

Durante toda la jornada, los asistentes también recorrieron el área de exhibición más grande en la historia de D23, en el Anaheim Convention Center, disfrutando de activaciones inmersivas, experiencias interactivas y oportunidades para conectar directamente con los storytellers detrás de algunas de las franquicias más queridas de Disney. Los fanáticos también tuvieron acceso a una amplia oferta de tiendas exclusivas distribuidas por toda el área de exhibiciones, con productos de edición limitada, coleccionables, pines, arte, ropa, libros y artículos exclusivos del evento, disponibles únicamente en D23: The Ultimate Disney Fan Event.

The post Disney traza el futuro del entretenimiento en D23: The Ultimate Disney Fan Event appeared first on NO LA PELES!.

“Siempre estoy buscando algo que no haya hecho antes”, enfatiza el legendario realizador Ridley Scott en un nuevo contenido adicional sobre La guerra de los últimos, su nueva película que lo tiene como director y productor, y que llega a los cines de toda Venezuela el próximo 27 de agosto.

Las palabras no solo representan con fidelidad la naturaleza curiosa y el espíritu inquieto que ya son el sello de Scott, sino que además adelantan algo sobre la singularidad de la nueva historia que las audiencias verán en pocos días en la pantalla grande.

“Quería evitar hacer algo que ya se hubiera hecho hasta el cansancio. Estoy dispuesto a hacer lo que sea para evitar un cliché. Ese es mi mantra en todo lo que hago”, completa el realizador.

Protagonizada por Jacob Elordi, Josh Brolin, Margaret Qualley, Allison Janney, Benedict Wong y Guy Pearce, La guerra de los últimosllega a los cines con la inconfundible visión de Scott, tras un largo camino que comenzó en 2012 con una idea prometedora.

“La constelación del perro”: el bestseller literario que lo cambió todo

La guerra de los últimos cuenta la historia de Hig (Elordi), un joven piloto que junto a Bangley (Brolin), un militar experto en supervivencia, ha construido un refugio eficiente pero aislado en un despiadado mundo postapocalíptico, hasta que una misteriosa transmisión de radio lo impulsa a aventurarse en lo desconocido en busca de la esperanza y la humanidad en las que aún cree.

Esta historia nació 14 años atrás con “La constelación del perro”, la novela de Peter Heller publicada en agosto de 2012 que se convirtió en un éxito de ventas y crítica. El relato captó la atención del productor ejecutivo Brandon Scott Smith, quien se lo dio a su padre, el guionista Mark L. Smith. Tras leerlo, Mark supo de inmediato que allí había una historia digna de llevar a la pantalla. Rápidamente adquirió los derechos y, sin esperar recibir el encargo, se puso a escribir un guion.

Una adaptación inspiradora

El atractivo guion de Mark L. Smith llegó a manos de Scott, admirador de trabajos anteriores del guionista como El renacido y Remando como un solo hombre. El director estaba en busca de un nuevo proyecto tras concluir el rodaje de Gladiador II, y apenas terminó de leer el guion supo que esa sería su siguiente película.

Apoyado en la historia original de Peter Heller, Smith aportó su propia maestría y creatividad, apartándose eficazmente de ciertos elementos del libro en momentos clave.

“El guion de Mark plasma a la perfección el espíritu de lo que Peter buscaba transmitir en el libro y de lo que planteaba, desde un punto de vista filosófico, sobre la sociedad y el mundo. Además, le imprimió su propio lenguaje visual y su propio vocabulario”, señala el productor Michael Pruss.

La parábola que cautivó a Ridley Scott

Scott quedó sorprendido por el guion de Smith, un relato distinto sobre el fin del mundo en el que cobra especial relevancia el elemento humano. “Lo que Mark logró fue dotar a los personajes de una auténtica dimensión humana. La convivencia entre los personajes de Jacob y Josh tiene cierta dosis de humor, incluso de comedia. Son como una pareja dispareja obligada a convivir y soportarse indefinidamente”, describe el realizador, al tiempo que agrega que el drama y el terror también forman parte de la historia, convirtiéndola en la “tormenta perfecta”.

Pese a ese cóctel irresistible que indudablemente cautivará a las audiencias en el cine, Scott asegura que la magia de La guerra de los últimos está en otro lado. A respecto Pruss cuenta que “Ridley veía la historia como una especie de parábola y le gustaba que fuera diferente de muchas otras historias sobre el fin del mundo. Esta habla más de cómo la desolación conduce a la soledad y de cómo se recupera la conexión con el mundo natural que nos rodea. Le gustaba que, si bien la historia no era necesariamente optimista, tampoco fuera pesimista. Eso fue lo que realmente lo atrajo”.

La guerra de los últimos estrena el 27 de agosto en cines.

The post “La constelación del perro”, el bestseller que inspira “La guerra de los últimos”, la nueva película de Ridley Scott appeared first on NO LA PELES!.

Hay ideas que, apenas las escuchas, te hacen pensar que alguien debería convertirlas en una película. Un vecindario suburbano de los años 80 que, de la noche a la mañana, termina atrapado en plena era de los dinosaurios es una de ellas. Suena absurdo, exagerado y hasta un poco ridículo. Pero precisamente esa es la gracia de El final de la calle Oak: toma una premisa que podría haber sido un desastre y consigue convertirla en una aventura bastante entretenida.

La película, dirigida por David Robert Mitchell, no pretende esconder lo extraño de su propuesta. Desde el principio nos presenta a la familia Platt, formada por Denise y Greg, interpretados por Anne Hathaway y Ewan McGregor, junto a sus hijos Audrey y Brian. Como cualquier familia, tienen sus propios problemas y tensiones, pero nada podría haberlos preparado para despertar en un mundo completamente diferente al suyo.

De repente, su tranquila calle residencial deja de estar rodeada de vecinos, coches y casas familiares. Ahora hay un mundo desconocido a su alrededor y, como si eso no fuera suficiente, está habitado por dinosaurios.

Y sí, la idea sigue sonando completamente descabellada. Pero funciona.

Una aventura que abraza su propia locura

Uno de los mayores aciertos de El final de la calle Oak es que no intenta convertir una idea tan extravagante en algo excesivamente serio. La película sabe perfectamente que su premisa resulta difícil de creer y, en lugar de luchar contra eso, aprovecha esa rareza para construir una aventura con personalidad propia.

Hay algo especialmente divertido en ver a personas normales intentando adaptarse a una situación para la que no existe ningún tipo de preparación. No estamos ante científicos especializados ni ante soldados capaces de enfrentarse a cualquier amenaza. Son personas que, hasta hace poco, tenían problemas cotidianos y que ahora deben preocuparse por sobrevivir en un mundo donde cualquier paseo puede terminar de la peor manera posible.

El contexto de los años 80 también le da un sabor particular a la historia. No existe la posibilidad de sacar un teléfono y buscar respuestas en Internet, ni hay tecnología moderna que pueda explicar rápidamente qué ha ocurrido. Esa ausencia ayuda a que la película se sienta más cercana a las aventuras de ciencia ficción de otra época, cuando los protagonistas tenían que enfrentarse a lo desconocido prácticamente con sus propias manos.

Y es precisamente en esos momentos cuando la película resulta más entretenida.

Los dinosaurios no están solo para decorar

Era inevitable pensar en Jurassic Park antes de entrar a ver una película protagonizada por dinosaurios. La comparación siempre estará ahí y probablemente nunca desaparecerá. Sin embargo, El final de la calle Oak no intenta contar la misma historia.

Aquí no hay un parque temático ni un experimento que se sale de control. Los protagonistas son quienes han terminado en el lugar equivocado. Son ellos los intrusos en un mundo que pertenece a esas criaturas.

Ese cambio, aunque parezca pequeño, modifica por completo la sensación de peligro.

Los dinosaurios no necesitan perseguir a los personajes por motivos especiales. Simplemente existen en su entorno natural, y los humanos deben aprender a sobrevivir entre ellos. La película aprovecha bastante bien esa idea y consigue transmitir, en varias ocasiones, la sensación de que sus protagonistas están completamente fuera de su elemento.

Hay secuencias en las que la diferencia de tamaño entre los humanos y estas criaturas funciona especialmente bien. Es fácil olvidar, mientras vemos películas de este tipo, lo insignificante que sería una persona frente a determinados animales prehistóricos. El final de la calle Oak recuerda eso constantemente.

Los efectos visuales, eso sí, no siempre mantienen el mismo nivel. Hay momentos en los que los dinosaurios resultan bastante convincentes y otros en los que es más fácil notar el trabajo digital. No llega a arruinar la experiencia, pero sí es uno de esos detalles que pueden sacarte momentáneamente de la película.

Anne Hathaway y Ewan McGregor hacen que te importe la familia

Más allá de los dinosaurios y de toda la espectacularidad que rodea la premisa, la película necesita que el espectador se interese por las personas que están intentando sobrevivir. Ahí es donde Anne Hathaway y Ewan McGregor tienen un papel importante.

Denise y Greg no son presentados como una pareja perfecta que descubre de repente el verdadero valor de la familia. Sus problemas ya existían antes de que el mundo cambiara a su alrededor. Y, de alguna manera, terminar atrapados en una situación imposible obliga a ambos a enfrentarse también a sus propios conflictos.

Hathaway consigue transmitir bastante bien esa mezcla de fortaleza y miedo que requiere un personaje en una situación semejante. McGregor, por su parte, interpreta a un hombre que no siempre tiene las respuestas correctas y que, como el resto de la familia, debe improvisar constantemente.

Esa imperfección juega a favor de la historia. Sería muy fácil convertirlos en héroes capaces de adaptarse inmediatamente a cualquier circunstancia, pero la película entiende que resulta más interesante verlos cometer errores.

El problema es que no todos los personajes reciben la misma atención. Mientras la familia protagonista logra tener una presencia clara dentro de la historia, algunos secundarios aparecen con ideas interesantes que luego no terminan de desarrollarse. En ciertos momentos queda la sensación de que la película tenía más que decir sobre ellos, pero simplemente decide continuar adelante.

El gran problema: hay muchas buenas ideas y no todas reciben el tiempo que merecen

Quizás esa sea la mayor debilidad de El final de la calle Oak.

La película plantea varias preguntas interesantes. ¿Qué ocurrió realmente? ¿Por qué terminó ese vecindario en ese lugar? ¿Qué significa todo esto? Además, está el conflicto familiar y todo lo relacionado con la supervivencia en un entorno completamente ajeno.

Son muchos elementos para una historia que no quiere detenerse demasiado.

Eso tiene una ventaja: el ritmo suele mantenerse y rara vez sientes que la película está perdiendo el tiempo. Pero también provoca que algunas situaciones parezcan avanzar demasiado rápido. Hay misterios que podrían haberse explorado más y relaciones entre personajes que habrían ganado mucho con un poco más de desarrollo.

No es que la película deje de funcionar por eso. Simplemente resulta imposible no pensar en el potencial que tenían algunas de sus ideas.

Aun así, David Robert Mitchell parece tener claro que su prioridad es mantener la aventura en movimiento. Y, para bien o para mal, lo consigue.

Una película imperfecta, pero difícil de llamar aburrida

Hay momentos en los que El final de la calle Oak te pedirá que no pienses demasiado en la lógica de todo lo que está ocurriendo. Algunas decisiones de los personajes pueden resultar discutibles y ciertas situaciones requieren aceptar las reglas de este extraño universo sin hacer demasiadas preguntas.

Pero si consigues entrar en su juego, la experiencia puede ser bastante divertida.

La película tiene esa energía de las aventuras que no buscan ser profundas en cada segundo, sino llevarte de una situación a otra y mantener la sensación de que cualquier cosa podría ocurrir. Hay tensión, hay momentos de peligro y también existe ese espíritu de espectáculo que hace que quieras seguir viendo qué sucederá después.

Eso sí, no es exactamente una película infantil solo porque haya dinosaurios y niños entre sus protagonistas. Algunas escenas pueden resultar intensas para los espectadores más pequeños, y el tono está más cerca de una aventura de ciencia ficción para un público amplio que de una producción familiar convencional.

Una aventura extraña que encuentra su propio camino

El final de la calle Oak probablemente no cambiará la manera en la que vemos las películas de dinosaurios. Tampoco está a la altura de las mejores obras del género ni consigue aprovechar todas las posibilidades de su excelente premisa.

Pero tiene algo que muchas películas mucho más ambiciosas terminan perdiendo: personalidad.

Es una producción extraña, consciente de lo extraña que es, y que no parece tener miedo de construir toda una aventura alrededor de una idea que en cualquier otra circunstancia podría haber terminado siendo motivo de burla. Un vecindario de los años 80 en la era de los dinosaurios no debería funcionar tan bien como funciona por momentos, y quizás ese sea su mayor logro.

Anne Hathaway y Ewan McGregor ayudan a mantener el componente humano de la historia, los dinosaurios aportan el espectáculo y la ambientación retro termina dándole un toque diferente a una película que fácilmente podría haber sido mucho más genérica.

No todo sale bien. Algunos personajes necesitan más desarrollo, ciertos efectos visuales son irregulares y el misterio central deja la sensación de que podía haberse aprovechado mejor. Sin embargo, nunca tuve la impresión de estar viendo una película hecha en piloto automático.

Y eso, hoy en día, ya es bastante.

El final de la calle Oak es una aventura imperfecta, pero entretenida, que funciona mejor cuando dejamos de intentar descubrir si su premisa tiene sentido y simplemente nos permitimos disfrutar del viaje. Si te atraen las historias de ciencia ficción con espíritu retro, los misterios imposibles y, por supuesto, los dinosaurios, es una película que merece al menos una oportunidad.

No es una película que reinvente el género, pero sí una propuesta lo suficientemente peculiar y entretenida como para dejar su propia huella. A veces tropieza con sus ambiciones, pero cuando abraza por completo su extraña premisa, El final de la calle Oak demuestra que todavía hay espacio para aventuras cinematográficas capaces de sorprendernos con una idea tan sencilla como absurda: ¿Qué pasaría si tu casa siguiera en el mismo lugar… pero el mundo entero hubiera retrocedido millones de años?

The post Reseña de la película “El Final de la Calle Oak”: Una aventura de dinosaurios que se siente original appeared first on NO LA PELES!.

Steam acaba de hacer uno de los cambios más importantes a su sistema de regalos en años. A partir de ahora, regalar un videojuego a un amigo que vive en otra región es mucho más sencillo: ya no tienes que enfrentarte a las antiguas restricciones de precios regionales que impedían enviar determinados juegos entre países.

La novedad forma parte de una importante actualización del sistema de regalos anunciada por Valve el 22 de julio de 2026, que también incorpora regalos enviados directamente por correo electrónico, compras como invitado y nuevas funciones relacionadas con las listas de deseos.

Y sí: Steam finalmente permite regalar juegos entre diferentes regiones, calculando automáticamente el precio correspondiente a la región del destinatario durante el proceso de pago.

Adiós a una de las mayores molestias de regalar juegos en Steam

Durante años, el sistema de precios regionales de Steam convirtió los regalos internacionales en un auténtico dolor de cabeza.

Si querías regalarle un juego a un amigo que vivía en otro país, podías encontrarte con restricciones que impedían realizar la compra directamente. Las diferencias de precios entre regiones eran precisamente uno de los principales motivos detrás de estas limitaciones.

Por ejemplo, un juego podía costar considerablemente menos en tu país que en el país donde vivía tu amigo. Steam había utilizado restricciones regionales para evitar que el sistema de regalos se convirtiera en una vía para aprovechar los precios más baratos de determinados mercados.

En muchos casos, la alternativa era recurrir a una tarjeta regalo digital, pero esto obligaba al comprador a conocer cuánto dinero necesitaba realmente el destinatario para comprar el juego en su propia región.

Ahora eso cambia.

Steam permite regalar juegos entre regiones

La nueva función se llama Cross-region gifting y simplifica radicalmente el proceso.

Valve explica que, cuando quieres comprar un regalo para un amigo que se encuentra en una región con precios diferentes, Steam calcula el precio correspondiente a la región del destinatario durante el proceso de pago.

En otras palabras, ya no necesitas comprar el juego al precio de tu propia región y esperar que Steam permita enviarlo.

El sistema identifica la región del destinatario y ajusta el importe del regalo.

¿Cómo funciona?

El proceso es mucho más sencillo:

1. Seleccionas el juego que quieres regalar.
2. Eliges la opción de regalarlo.
3. Seleccionas al amigo al que quieres enviárselo.
4. Steam identifica la región de ese usuario.
5. Durante el checkout, Steam calcula el precio correspondiente a esa región.
6. Pagas el importe mostrado.
7. El juego se envía como regalo a tu amigo.

Eso significa que la diferencia de precios regionales deja de ser un obstáculo para enviar directamente el juego, al menos cuando Steam admite el regalo entre esas regiones.

Un ejemplo práctico

Imaginemos que estás en un país donde un juego cuesta $20, mientras que tu amigo vive en una región donde Steam lo vende por $30.

Antes, esa diferencia podía impedir que compraras directamente el juego para él.

Con el nuevo sistema, Steam detectará que el destinatario pertenece a la región donde el juego cuesta $30 y te cobrará el precio correspondiente a esa región durante el checkout.

No tienes que calcular la diferencia manualmente ni comprar una tarjeta regalo por separado.

Y aquí está precisamente la parte más interesante: el regalo se adapta al precio de la región del destinatario, no al precio de la región del comprador.

¿Significa que ahora puedes regalar juegos literalmente a cualquier país?

Hay que hacer una pequeña aclaración.

Aunque Valve presenta esta función como Cross-region gifting, eso no significa que hayan desaparecido absolutamente todas las restricciones regionales de Steam.

La función está diseñada para permitir regalos entre regiones con diferentes precios, pero Steam continúa controlando la disponibilidad de los juegos y las restricciones que puedan existir para determinados productos o mercados.

Por eso, no sería correcto interpretar la actualización como “todos los juegos pueden enviarse a cualquier país sin ninguna restricción”.

Lo que realmente cambió es que la diferencia de precios entre regiones ya no impide por sí sola realizar el regalo.

Y hay otra gran novedad: Ya no siempre necesitas ser amigo en Steam

El cambio en los regalos viene acompañado de otras mejoras bastante importantes.

Steam ahora permite enviar regalos directamente desde una lista de deseos compartida, y el destinatario ni siquiera tiene que estar obligatoriamente en tu lista de amigos para determinados métodos de regalo. Valve explica que las listas de deseos compartidas pueden utilizarse para que familiares o amigos compren juegos directamente.

Esto hace que el sistema sea mucho más parecido a una tienda de regalos convencional.

Puedes compartir tu lista de deseos y otra persona puede utilizarla para elegir y comprar algo para ti.

También puedes regalar juegos por correo electrónico

Otra de las novedades más interesantes es la posibilidad de enviar juegos directamente a una dirección de correo electrónico.

¿No sabes cuál es la cuenta de Steam de la persona?

No hay problema.

Ahora puedes introducir su correo electrónico y Steam enviará un mensaje con un enlace para que el destinatario inicie sesión y acepte el regalo. Incluso puede utilizarse la misma dirección de correo que la persona tiene asociada a su cuenta de Steam.

Eso elimina otra de las pequeñas molestias del sistema tradicional de regalos.

Pero hay una condición importante

Los regalos enviados por correo electrónico que no sean aceptados en un plazo de 30 días se reembolsan automáticamente.

Por lo tanto, esta modalidad no permite comprar un regalo hoy y dejarlo indefinidamente pendiente para que alguien lo acepte meses después. Valve también señala que el destinatario debe vivir en el mismo país que el comprador cuando se utiliza este método específico de regalo por correo electrónico.

Esto es diferente de la nueva función de regalos entre regiones.

Compras como invitado: Ahora también para juegos

Valve también amplió una función que había introducido en 2024.

Originalmente, Steam permitía realizar determinadas compras como invitado, sin necesidad de crear una cuenta de Steam. Esa posibilidad estaba limitada a tarjetas regalo digitales y compras de hardware.

Ahora las compras de juegos también pueden realizarse como invitado.

Esto abre una posibilidad especialmente interesante: alguien que no utiliza Steam habitualmente puede recibir un enlace a una lista de deseos y comprar un juego para otra persona sin tener que crear primero una cuenta.

Steam está haciendo que regalar juegos sea mucho más parecido a comprar cualquier otro producto digital.

La lista de deseos también recibe una actualización

Las novedades de los regalos llegan junto con una renovación de las listas de deseos de Steam.

Ahora los usuarios pueden crear categorías personalizadas para organizar sus juegos, además de mejorar las opciones de búsqueda, filtrado y compartir listas.

También es posible generar un enlace para compartir una lista de deseos con familiares o amigos. Ese enlace puede mostrar únicamente los juegos correspondientes al filtro seleccionado.

Por ejemplo, podrías crear una categoría llamada:

“Juegos que quiero que me regalen”

Compartirla con tus amigos y familiares y dejar que ellos elijan qué comprar.

Y con las nuevas funciones de regalos, pueden hacerlo directamente desde esa lista.

¿Por qué este cambio es tan importante?

Aunque pueda parecer una actualización menor, para quienes tienen amigos o familiares viviendo en otros países es una mejora enorme.

Durante años, Steam tuvo que equilibrar dos cosas complicadas:

precios regionales + sistema de regalos.

Los precios regionales existen para adaptar el coste de los juegos al poder adquisitivo y las condiciones de cada mercado. Pero esa misma estructura podía convertirse en un problema cuando una persona quería comprar legítimamente un juego para alguien que vivía en otro país.

Valve parece haber encontrado una solución bastante elegante: No elimina los precios regionales; los incorpora al sistema de regalos.

El comprador paga el precio correspondiente a la región del destinatario y Steam se encarga de realizar el cálculo.

Una gran noticia para jugadores con amigos en otros países

Esta actualización será especialmente bienvenida por jugadores que tienen comunidades internacionales.

Amigos que juegan juntos desde distintos países, familiares que viven en el extranjero, parejas que utilizan cuentas de diferentes regiones y comunidades gaming internacionales ahora tienen una forma mucho más sencilla de regalarse juegos.

Y, sobre todo, se elimina la necesidad de recurrir constantemente a tarjetas regalo para solucionar diferencias de precios.

La reacción de la comunidad fue mayoritariamente positiva tras el anuncio. En los comentarios de Steam, varios usuarios celebraron específicamente la posibilidad de realizar regalos entre regiones, incluyendo jugadores que mencionaron que ahora podrían regalar juegos a amigos que viven en países como Australia, Reino Unido o Estados Unidos.

Steam vuelve a marcar la diferencia

Steam no está cambiando únicamente la forma de comprar videojuegos. Con esta actualización, Valve está convirtiendo su plataforma en un ecosistema mucho más cómodo para comprar, compartir y regalar juegos.

Regalos entre regiones, regalos por correo electrónico, compras como invitado y listas de deseos mucho más útiles forman parte de una misma estrategia: quitar fricción al proceso de regalar.

Y la modificación más esperada es, sin duda, el Cross-region gifting.

Ya no tienes que preguntarte si Steam te permitirá enviarle ese juego a tu amigo porque vive en otro país.

Seleccionas el regalo, Steam comprueba la región del destinatario, calcula el precio correspondiente y te cobra ese importe.

Así de sencillo.

Después de años de restricciones y soluciones alternativas, Steam finalmente está haciendo que regalar juegos internacionalmente sea mucho más fácil.

Valve acaba de anotarse otro punto.

Entre precios regionales, listas de deseos, regalos por correo electrónico y ahora regalos entre diferentes regiones, Steam demuestra una vez más por qué continúa siendo una de las plataformas digitales más importantes del PC Gaming.

No es una revolución que cambie cómo jugamos.

Es algo mucho más sencillo: Hace que comprarle un juego a un amigo sea menos complicado.

Y para los jugadores que tienen amigos repartidos por todo el mundo, eso es una mejora enorme.

Steam ganó el Gaming.

The post Steam CAMBIA su política de regalos: Ahora puedes regalar juegos entre regiones diferentes y pagar la diferencia de precio para tu amigo appeared first on NO LA PELES!.

La película “El Día D Bajo Presión”, dirigida por Anthony Maras y protagonizada por Andrew Scott y Brendan Fraser, se centra en las 72 horas previas al desembarco de Normandía y en el papel decisivo que desempeñó la meteorología en el éxito del Día D. Está basada en la obra teatral homónima de David Haig.

Las películas sobre el desembarco de Normandía suelen concentrarse en la violencia de las playas, el heroísmo de los soldados y el estruendo de las armas. Anthony Maras, sin embargo, decide mirar hacia un lugar completamente distinto: una sala de planificación donde mapas meteorológicos, cálculos científicos y discusiones estratégicas pesan tanto como los fusiles. En el filme, el enemigo inmediato no es el ejército alemán, sino la incertidumbre del clima.

Lejos de construir un espectáculo bélico convencional, Maras apuesta por un thriller histórico contenido, donde la tensión nace de la responsabilidad de tomar una decisión capaz de alterar el rumbo de la Segunda Guerra Mundial. La película reconstruye las 72 horas previas al Día D, cuando el meteorólogo James Stagg debía determinar si las condiciones atmosféricas permitirían ejecutar la mayor operación anfibia de la historia.

Andrew Scott ofrece una de las interpretaciones más sólidas de su carrera reciente. Su James Stagg es un hombre reservado, meticuloso y profundamente consciente del peso moral de sus decisiones. Scott evita cualquier exceso dramático y convierte el silencio, las miradas y las dudas en las principales herramientas de su actuación. Frente a él, Brendan Fraser encarna a Dwight D. Eisenhower con una interpretación que transmite la enorme carga política y militar que recae sobre sus hombros. La relación entre ambos constituye el verdadero corazón emocional de la obra.

Uno de los mayores aciertos del guion consiste en demostrar que la guerra también se libra desde la inteligencia, la ciencia y el análisis de datos. Las discusiones entre meteorólogos y estrategas militares transforman conceptos aparentemente técnicos en conflictos dramáticos de enorme intensidad. El espectador comprende que un error de cálculo no solo significaría una equivocación científica, sino la muerte de miles de soldados y el posible fracaso de toda la operación aliada.

Visualmente, Anthony Maras mantiene una puesta en escena elegante y sobria. La fotografía utiliza una paleta de colores fríos y apagados que refleja la incertidumbre permanente de aquellos días. Los espacios cerrados potencian la sensación de claustrofobia, mientras que el montaje administra la información con precisión para mantener una tensión constante, incluso cuando la acción física es mínima.

La banda sonora acompaña sin imponerse. Evita el sentimentalismo fácil y apuesta por una composición contenida que incrementa la sensación de ansiedad conforme el tiempo avanza hacia la decisión definitiva. Esa moderación resulta coherente con una película que entiende que el verdadero espectáculo no está en las explosiones, sino en la presión psicológica de quienes deben decidir el destino de millones de personas.

No obstante, “El Día D Bajo Presión” también presenta algunas limitaciones. Su origen teatral es evidente en determinados momentos, especialmente en la abundancia de diálogos y en el desarrollo casi exclusivo dentro de espacios interiores. Quienes esperen un filme de guerra cargado de acción, se llevarán la sorpresa de dar es con una película que maneja un ritmo pausado y contemplativo. Sin embargo, precisamente ahí reside su principal virtud: convertir una reunión de estrategas y meteorólogos en un relato de suspenso genuino.

Más que una película sobre el Día D, es una reflexión sobre el liderazgo, la incertidumbre y la enorme responsabilidad que acompaña a las decisiones históricas. Anthony Maras demuestra que existen episodios fundamentales de la guerra que nunca ocurrieron en el campo de batalla, sino alrededor de una mesa donde la ciencia, la intuición y el coraje debían imponerse al miedo.

“El Día D Bajo Presión” no busca competir con los grandes clásicos del cine bélico mediante secuencias espectaculares. Su apuesta consiste en recordar que, antes del estruendo de los cañones, hubo hombres cuya arma más poderosa fue un mapa meteorológico. El resultado es un drama histórico inteligente, elegante y profundamente humano que reivindica el valor de quienes cambiaron el curso de la historia sin disparar ni una sola bala.

The post Reseña de la película “El Día D: Bajo Presión” con Brendan Fraser appeared first on NO LA PELES!.

Searchlight Pictures presentó oficialmente el primer tráiler y póster de ¡Behemoth! Una vida. En piezas, la nueva película escrita y dirigida por el nominado al Oscar® Tony Gilroy (Star Wars: Andor, Michael Clayton). El estudio confirmó además que la cinta llegará a las salas de cine de toda Venezuela el próximo 3 de diciembre.

La producción marca el regreso de Gilroy al largometraje con una historia de fuerte carga emocional y artística encabezada por Pedro Pascal, uno de los actores más solicitados del momento tras el éxito de The Last of Us y Amores materialistas.

Una historia sobre el arte, el regreso y la transformación

En la película, Pascal interpreta a Alex Serian, un talentoso violonchelista que vuelve a su hogar en Los Ángeles después de pasar dos décadas recorriendo el mundo. La música, descrita como el “río constante y absorbente” que ha guiado toda su existencia, comienza a conducirlo hacia una experiencia inesperada que transformará su vida para siempre.

El adelanto publicado por Searchlight sugiere un drama íntimo centrado en la memoria, la identidad y el peso de las decisiones tomadas a lo largo del tiempo. El póster, por su parte, refuerza el tono contemplativo de la obra y sitúa a la música como eje central del relato.

Un elenco destacado

Además de Pedro Pascal, ¡Behemoth! Una vida. En piezas cuenta con un reparto coral integrado por:

• Olivia Wilde (La invititación, No te preocupes, cariño)
• Eva Victor (Lo siento, cariño)
• Alexa Swinton (And Just Like That…, Thunderbolts*)
• Kaya Ralls
• Erik Griffin (Misterio de asesinato)
• JoBeth Williams (Poltergeist: Juegos diabólicos)
• Margarita Levieva (El abogado de Lincoln)
• Hank Azaria (Los Simpson)
• Will Arnett (¿Está funcionando esto?)

La combinación de intérpretes provenientes del cine, la televisión y la comedia aporta una diversidad de registros que anticipa una película con múltiples matices dramáticos.

El regreso de Tony Gilroy al cine

Tony Gilroy es ampliamente reconocido por su trabajo como guionista y director en títulos como Michael Clayton y por su reciente labor creativa en la aclamada serie Star Wars: Andor. Con ¡Behemoth! Una vida. En piezas, el realizador vuelve a explorar personajes complejos enfrentados a dilemas personales profundos, una de las constantes de su filmografía.

La película fue producida por el propio Tony Gilroy, junto a Sanne Wohlenberg (Star Wars: Andor, Chernóbyl: La película) y John Gilroy (Star Wars: Andor).

Estreno en cines

Searchlight Pictures confirmó que ¡Behemoth! Una vida. En piezas se estrenará en los cines venezolanos el 3 de diciembre, convirtiéndose en uno de los lanzamientos de prestigio más importantes de la temporada para los amantes del drama contemporáneo y del cine de autor.

Con un director de reconocido prestigio, un elenco encabezado por Pedro Pascal y una historia que promete combinar música, emociones y redescubrimiento personal, ¡Behemoth! Una vida. En piezas se perfila como una de las películas más esperadas de finales de año.

The post “¡Behemoth! Una vida. En Piezas” llega en diciembre a cines appeared first on NO LA PELES!.

Paramount Pictures presentó oficialmente el primer tráiler de Hijos de sangre y hueso (Children of Blood and Bone), la ambiciosa adaptación cinematográfica de la exitosa novela de fantasía escrita por Tomi Adeyemi. El adelanto ofrece un vistazo al universo de Orïsha, un reino marcado por la opresión y la pérdida de la magia, y confirma que el estudio apuesta por una producción épica de gran escala.

La película llega bajo el sello de Paramount Pictures, en asociación con Domain Entertainment y 2.0 Entertainment, como una producción de Temple Hill y Sunswept Entertainment. El proyecto está dirigido por Gina Prince-Bythewood, reconocida por su trabajo en The Woman King y The Old Guard, quien además coescribe el guion junto a la propia Tomi Adeyemi.

Un reparto de primer nivel

Uno de los aspectos más llamativos del anuncio es su impresionante elenco internacional. La película está protagonizada por:

• Thuso Mbedu
• Damson Idris
• Amandla Stenberg
• Tosin Cole

A ellos se suman figuras de enorme prestigio como Cynthia Erivo, Lashana Lynch, Zackary Momoh, Richard Mofe-Damijo, Chiwetel Ejiofor, Regina King, Idris Elba y Viola Davis. También participan Saniyya Sidney, Diaana Babnicova, Bukky Bakray, Ayra Starr, Shamz Garuba, Kola Bodunde, Pamilerin Afolake Ayodeji y Tèmítópé Fágbénlé.

La combinación de actores emergentes y veteranos ganadores del Premio de la Academia refuerza la ambición del proyecto y lo posiciona como uno de los estrenos de fantasía más importantes del próximo calendario cinematográfico.

Una historia de magia, resistencia y revolución

Según la sinopsis oficial, Hijos de sangre y hueso se desarrolla en el épico mundo de Orïsha, donde una joven inicia una peligrosa misión para recuperar la magia que fue arrebatada violentamente a su pueblo. Junto a su hermano, forma una inesperada alianza con la hija y el hijo del rey para enfrentarse a un régimen brutal que ha perseguido a los portadores de magia.

La premisa combina aventura, conflicto político y elementos mitológicos inspirados en tradiciones africanas, uno de los rasgos que convirtió a la novela original en un fenómeno editorial internacional.

El tráiler adelanta una producción de gran escala

El primer avance destaca por su cuidada dirección artística, sus escenarios monumentales y una fuerte presencia de elementos sobrenaturales. El metraje muestra rituales mágicos, enfrentamientos armados y paisajes espectaculares que sugieren una producción de alto presupuesto orientada al gran público.

La fotografía, el diseño de vestuario y la música del adelanto apuntan a una identidad visual propia, alejada de la fantasía medieval tradicional y más cercana a una épica inspirada en culturas africanas.

Del fenómeno literario a la gran pantalla

La novela de Tomi Adeyemi, publicada originalmente en 2018, se convirtió rápidamente en un éxito de ventas y dio inicio a una popular saga juvenil. Su adaptación cinematográfica ha sido seguida de cerca por los lectores desde su anuncio, especialmente por el potencial de trasladar a la pantalla un universo poco representado en las grandes franquicias de fantasía.

Adeyemi participa activamente en el proyecto como productora ejecutiva y coautora del guion, una señal de que la película busca preservar el espíritu de la obra original.

Un equipo creativo sólido detrás de la película

La producción cuenta con Wyck Godfrey, John Fischer, Isaac Klausner, Karen Rosenfelt y Matt Jackson como productores, mientras que el apartado ejecutivo reúne a nombres como Jeff Waxman, Jennifer Madeloff, Reggie Rock Bythewood, Marty Bowen, Pete Chiappetta, Anthony Tittanegro, Andrew Lary, Sophie Cassidy y Zack Conroy, entre otros.

Un estreno que ya genera expectación

Con el lanzamiento del tráiler, Hijos de sangre y hueso entra oficialmente en la conversación de los estrenos más esperados del cine fantástico. La combinación de una historia de resistencia, un universo original y un elenco repleto de estrellas ha despertado un fuerte interés tanto entre los fans de la novela como entre los aficionados al género.

Paramount Pictures aún no ha revelado todos los detalles de su estreno internacional, pero el primer avance deja claro que el estudio busca convertir Hijos de sangre y hueso en una nueva gran franquicia cinematográfica de fantasía.

The post Paramount Pictures revela el primer tráiler de Hijos de sangre y hueso, la esperada adaptación de la novela de Tomi Adeyemi appeared first on NO LA PELES!.