Noticias de Guía Cultural - Información de Guía Cultural - Periodista Digital

Struere, paso incierto de la Compañía Nacional de Danza

José Catalán Deus — Sat, 30 May 2026 20:28:30 +0000

Más técnica experimental que belleza, más concepto que sensaciones. Esta incursión en las últimas tendencias a cargo de coreógrafos españoles concebida específicamente para la CND se presentaba como una reflexión sobre lo común como motor de creación. Resultó irregular e inaccesible. La directora de la compañía, Muriel Romero, la ha titulado Struere, el término del latín que significa construir, juntar, ordenar. Con ella se pretende sentar las bases de la parte de su proyecto dedicada a la danza más actual creada aquí. La primera propuesta es ‘Masa’, de Luz Arcas, que aspira a representar la fuerza telúrica y política de lo que antes se llamaba pueblo y ahora gente como una criatura o anatomía mitológica en constante transformación. Una energía colectiva que puede ser tan acogedora como asfixiante, abrumadora, y que resulta tan fascinante como peligrosa y manipulable. Cuerpos sin rasgos individuales que se disuelven y multiplican en rezos, proclamas, enjambres, mediante un movimiento muy físico, iconográfico y visceral. Sin embargo, llega a resultar insufrible. Aunque ese cuerpo colectivo formado por los 23 bailarines vibra y se ondula al unísono, y en los momentos más inspirados, recuerda a un tejido vivo formado de múltiples células, a menudo, cuando algún individuo trata de separarse, distinguirse, elevarse, o cuando esta masa sufriente se eleva en un gran y sonoro salto colectivo, es una presencia angustiosa, torturada, cuyos devenires resultan opacos al espectador. No hay danza propiamente dicha en esta propuesta, no hay cuerpos humanos ni movimientos enérgicos, elásticos o sincronizados. En este sentido, es extremadamente abstracta y exigente para el público, y una parte no regresó tras el descanso de veinte minutos que había entre ambas representaciones. En la segunda parte, ‘Tablero’, creada por Mattia Russo y Antonio de Rosa, los Kor’sia, quiere hablar de fundamentos y raíz argumentando que, para construir...

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La dama que era boba y se volvió discreta

José Catalán Deus — Fri, 29 May 2026 16:16:36 +0000

La dama boba es una de las mejores comedias de enredo del siglo de oro y se estrenó en 1613. Forma parte de lo mejor y más inspirado de Lope de Vega y con eso se dice todo; gira en torno al poder transformador del amor, que convierte a la tontuela Finea en una chica avispada al descubrir de repente el impulso amoroso que es el motor del mundo, lo que aviva el sexo y con ello el seso, lo que eleva el ánimo y nos transforma. El rico anciano Otavio tiene dos hijas casaderas, Finea y Nise, la una tan ingenua e inocente que parece boba, y la otra muy leída y bachillera. A Finea la concede mucha más dote que a Nise, y ello atrae a la corte al joven caballero sevillano Liseo que viene a pedir su mano acompañado de su lacayo Turín. Y en la fonda toledana de Illescas, se cruza con el caballero Leandro que viene de Madrid, conoce a la familia y le pone en antecedentes sobre ambas hermanas, una es tonta de capirote, pero la otra, ah, la otra es discreta en grado sumo. Discreta que entonces significaba más juiciosa que prudente. A partir de ahí nace su interés por Nise: puede ser mejor matrimonio a la larga. El caballero Laurencio, que pretende a Nise, también se lo piensa dos veces y cambia de objetivo femenino hacia la hermana y su dote. Hay otros caballeros, y otros criados y sirvientas, algunos de los cuales también establecen amoríos. El embrollo alcanza altura genial cuando Finea se vuelve a embobar para engañar a todos, Nise pierde su coraza racional, y Otavio alucina con las ocurrencias de ambas. Por supuesto, tras confusión prolija, todo se ajusta y, -como debía ser entonces y debe ser ahora en...

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Deslumbrante gótico mediterráneo

José Catalán Deus — Thu, 28 May 2026 10:43:29 +0000

El Museo del Prado propone un viaje iniciático por un tiempo muy lejano y misterioso en el que el arte era casi siempre religioso. Pero, para retratar santos y obispos, los artistas se inspiraban en la gente que les rodeaba y por eso junto a su apariencia magnificente son una conexión emocionante con nuestros antecesores de hace 20-30 generaciones, un desfile de rostros y expresiones que nos sacan de este tórrido mayo y nos transportan a un oasis melancólico que nunca viene mal entre tanto ajetreo. ‘A la manera de Italia. España y el gótico mediterráneo (1320-1420)’ tiene un aspecto docto y un contenido muy culto; revela el impacto italiano en el gótico español antes del Renacimiento, una profunda transformación artística cuyo eco encontró en los reinos hispanos uno de sus principales espacios de recepción. La exposición, creada por Joan Molina Figueras, responsable en el Museo de la colección de pintura europea hasta 1500, cuenta con más de un centenar de obras (pintura, escultura, orfebrería, manuscritos iluminados, dibujos, bordados, tejidos de seda…) que proceden de 31 instituciones españolas y 25 extranjeras, para abordar cómo los modelos del Trecento italiano fueron asimilados y reformulados por los artistas hispanos, dando lugar a un lenguaje visual híbrido, sofisticado y de gran originalidad. Lejos de plantear un relato unilateral, la exposición subraya la complejidad de estos cruces artísticos y propone un giro final revelador: el impacto de la creación hispana en la propia Italia. Un diálogo de ida y vuelta que cuestiona los límites tradicionales entre centros y periferias en el arte medieval europeo. Y no olvidemos que esa devolución de la visita entre la península ibérica a la italiana incluyó dos Papas valencianos, Clemente III y Alejandro VI, junto a toda su familia, los Borja/Borgia que dominarían la historia italiana del último tercio...

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Una barranca tremendista

José Catalán Deus — Mon, 25 May 2026 18:01:33 +0000

Si la novela original de Blasco Ibáñez es un duro drama rural, esta adaptación teatral busca más impacto aún, y la puesta en escena da casi miedo. De esta forma se tergiversa en sensacionalismo barato una trama interesante: cómo un colectivo social puede convertirse en el peor tirano espoleado por infundios y conjuras y creyendo buscar justicia, cómo la plebe es fácilmente manipulable, cómo la buena gente desata a menudo rencor en vez de emulación. ‘La barraca’ se publicó en el año fatídico de 1898. Es ‘naturalismo’ puro y duro, una exacerbación del realismo literario que descubría el mundo de los pobres, pero pintando la realidad de la forma más cruda posible, un infra proletariado de trastornados, malvados, alcohólicos, violentos y depravados personajes. El valenciano Vicente Blasco Ibáñez (1867-1928) fue su más conspicuo representante español, hasta que conoció mejor el mundo y la vida, y se convirtió en superventas mundial con ‘Los cuatro jinetes del apocalipsis’. La novela describe en diez capítulos las duras condiciones de vida de la huerta valenciana en aquellos lejanos tiempos. El tío Barret se ve expulsado de la parcela que habían cultivado sus antepasados durante generaciones al no poder pagar el arrendamiento al propietario de la tierra, don Salvador. El huertano le mata, va a presidio y sus hijas a la prostitución. Los vecinos de la aldea, con Pimentó a la cabeza se conjuran para impedir que nadie vuelva a trabajar en esa parcela. Hasta que llega Batiste, su mujer Teresa y sus hijos Roseta, Batistet y Pasqualet, que, acuciados por la necesidad, se instalan en la finca y acceden a cultivar la finca abandonada a cambio de dos años de carencia en el pago del arrendamiento correspondiente. Lo hacen mejor que nadie y por eso se verán acosados por las gentes del lugar, que...

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Los boletines de ‘Crónica de Medio Siglo’

José Catalán Deus — Sun, 24 May 2026 09:41:17 +0000

A lo largo de una fecunda vida, nos contaron hace ya un tiempo, la filósofa María Zambrano ofreció una de las definiciones más íntimas y certeras de ser humano: somos “soledades en convivencia” marcadas por un permanente sentimiento de zozobra e inquietud, y que intentan, a cada paso, no sucumbir al miedo y a la angustia ante lo desconocido. Toda biografía es un viaje, un tránsito, un peregrinaje. En uno de sus escritos más compendiosos, ‘Hacia un saber sobre el alma’, defendía que la vocación es aquello que no se puede dejar de hacer incluso cuando se ha querido dejar de hacer. La vocación como impulso irreprimible, la vocación como motor incandescente de pensamiento y acción. Mayo se acaba y antes de despedirlo queremos recordar los dos boletines mensuales que con asuntos en torno a la Crónica de Medio Siglo hemos publicado. En el que distribuye Brevo, ya el nº 57, se da un avance del próximo episodio, el 31º, en vías de edición, que se publicará este verano.Se titulará ‘Cambio de milenio’ y cubre el período 2000-2004. Comienza así: ‘Los catastrofismos fin de milenio se disiparán por ensalmo: ni colapso informático ni conjunciones astrales, ni advenimiento de una nueva era estupenda… Ha llegado el siglo XXI y un nuevo milenio, pero aparentemente las cosas siguen su curso. El aldabonazo inesperado tendrá lugar cuando casi nadie se lo espere: el 11-S’. Repasaremos el ‘Nunca mais’ de la catástrofe ecológica del Prestige y el ‘No a la guerra’ contra la intervención en Iraq. Intentaremos saber qué ha sido de los antiguos miembros del desaparecido FRAP mientras vemos los orígenes ‘indignados’ de donde salió Podemos Aquí puede verse. Y paralelamente, el otro boletín, el de Substack, da un ligero vistazo a cómo fueron los sucesivos mayos a lo largo de la Crónica...

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Lo esencial y lo arbitrario en ‘La vengadora de las mujeres’

José Catalán Deus — Fri, 15 May 2026 16:20:16 +0000

No todo lo mucho que escribieron nuestros grandes clásicos era áureo, había también pacotilla apresurada. Con ‘La vengadora de las mujeres’ Lope de Vega concibió un texto magnífico muy poco teatral, de parrafones sesudos en personajes ridículos. Esta versión lo convierte en una astracanada chusca, puesta en escena e interpretada con bajísimo nivel estético. Laura, princesa de Bohemia, es mujer de fuerte personalidad y muchos estudios que desprecia a los hombres y ha creado una escuela feminista en su palacete. Su hermano Arnaldo está empeñado en casarla y ha seleccionados dos pretendientes de alcurnia -Alejandro y Augusto- para que elija. Mientras, llega Lisardo, otro príncipe que solo quiere divertirse y que se gana a Laura para que le haga su secretario. La princesa, que es una sofista inaguantable entre debates etéreos con sus alumnas Lucena y Diana, convoca un torneo para seleccionar al candidato, torneo al que se presenta ella disfrazada de caballero y Lisardo de incógnito. Ella gana el torneo y Lisardo queda segundo, pero Alejandro recurre a una cinta encantada para ganarse sus favores que Lisardo cambia de rumbo y hace que encandile a Julio, el criado de la princesa, que cae rendido de enamoramiento ante Alejandro, escandalizando al personal con su mariconería. Tras un lío muy prolijo todo se aclarará y Julio recobrará su hombría y habrá triple boda de antimachistas arrepentidas. Se ha querido hacer de esta comedia de enredo de hace cuatro siglos un alegato feminista y no binario a la moda actual, malinterpretando sus grandes méritos que son muchos: Lope defendió la causa femenina de igualdad de trato y oportunidades de forma absolutamente pionera y valiente, pero muy lejana de la epidemia políticamente correcta y realmente despendolada que nos aqueja. No está entre las cumbres teatrales de Lope de Vega pero merece recuperarla como...

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‘Julieta y Romeo’ o como mejorar un clásico

José Catalán Deus — Sat, 09 May 2026 17:32:46 +0000

De las obras de Shakespeare, es la que ha inspirado más adaptaciones, ya sean literarias, pintadas, cantadas (24 óperas) y composiciones corales, orquestales y de ballet, por no hablar de versiones para cine y televisión e incontables producciones teatrales. Mats Ek se atrevió hace una década a coreografiarla en un ballet moderno de más de dos horas de duración sobre una fusión de músicas de Chaikovski. No creemos que esta temporada se pueda contemplar un espectáculo mejor que el que ayer por fortuna pudimos disfrutar. Este coreógrafo sueco de 81 años, que sin duda figura en el podio de la danza actual, se atrevió hace más de una docena de años a crear algo nuevo sobre tema tan trabajado. Había que desafiar las convenciones y su personal relectura del mito shakespeariano para el Royal Swedish Ballet con motivo del 240 aniversario de la compañía prescinde de la conocida partitura de Prokófiev en favor de una selección personal e intransferible de piezas de Chaikovski. Invierte el título, y no solo modifica la trama del dramaturgo más reverenciado -incluido el final- sino que se inventa una partitura. Añádase su irreverente estilo de movimientos cotidianos sazonando la danza contemporánea sobre un rediseño del compositor más afamado. Esto nos da idea del ambicioso proyecto. Y que no haya fracasado en el intento sino que trece años después mantenga activo el desafío, merece sin duda el mayor de los reconocimientos. Y es que Shakespeare no creo de la nada su ‘The Most Excellent and Lamentable Tragedy of Romeo and Juliet’, sino que se basó en ‘La tragedia de Julieta y Romeo’, traducida del italiano al inglés unos diez años antes. Y véase que entonces Julieta iba delante. La historia forma parte de una larga tradición de romances trágicos que se remontan a la antigüedad, es...

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Medea al alcance de la mano

José Catalán Deus — Sun, 03 May 2026 19:55:24 +0000

Declan Donnellan, como los grandes directores teatrales, termina prescindiendo de la tramoya para ir a la esencia. Su versión de la tragedia griega Medea es puro teatro, un argumento original, un texto preciso, un lugar cualquiera, un reparto adecuado, una duración breve. Esta Medea es una experiencia conmovedora y una vivencia auténtica. Medea se estrenó en el 431 a. C., y parte de que Jasón tras las aventuras que lo llevaron a conquistar el vellocino de oro, se casó con Medea en Yolco. Deciden marchar a Corinto donde reina Creonte y donde transcurre la obra. Según algunos mitógrafos, fueron expulsados de Yolco porque Medea había participado en la muerte de Pelias, al engañar a las propias hijas de aquel para que lo mataran. Sin embargo, otras versiones señalan que se marchan por voluntad propia. En la tragedia de Eurípides no se indica nada al respecto. Ya en Corinto y tras tener dos hijos, Jason ha abandonado a Medea para casarse con la hija del rey. La obra empieza con la nodriza de Medea lamentando lo ocurrido y temiendo las consecuencias. Creonte, que había planeado el matrimonio, ante el temor de que Medea, sabia y hábil, dotada de poderes mágicos, se vengue, ordena su destierro inmediato. Medea, fingiendo aceptar solo pide un día de plazo y lo aprovecha para vengarse: pide a Jasón que consiga de su prometida que su padre permita a sus hijos quedarse, y les envía con unos regalos magníficos para la novia, una corona de oro y una túnica que causan la muerte por el simple contacto. La hija del rey muere de manera horrible y también Creonte al abrazarla moribunda. Finalmente, Medea tal y como había planeado mata a sus hijos para completar su venganza del marido traidor. Y tras ello en un carruaje tirado por...

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Un lexicón de ocurrencias variopintas y dictámenes frivolones

José Catalán Deus — Sun, 03 May 2026 10:43:06 +0000

Siete piezas breves se suceden hasta conformar los casi 150 minutos que dura esta propuesta políticamente correctísima de banales angustias existenciales en contextos chocantes. Se trata de una notable producción, con escenografía e iluminación muy cuidadas, un espectáculo efectista que esconde entre documentación superficial un enorme vacío de fondo. Convencerá a los convencidos. Esto es lo que hay: 1.- Cuatro personas reproducen de madrugada en el bajo de un edificio una obra emblemática del pintor Jean-Michel Basquiat, la que en 1981 inició su carrera sin título y a la que más tarde se tituló ‘Skull’ (cráneo). Desde enfrente les contempla una mujer que tiene insomnio, y 2.- El escritor Vilá-Matas en su discurso de aceptación del sillón G de la RAE hace decir a una marioneta toda clase de inconveniencias sobre el habla humana y su papel en la sociedad. 3.- Los rótulos proyectados nos cuentan que una mujer que conduce de madrugada hasta casa después de una cena amorosa con una amiga se estrella (pero se salva) mientras en escena diversos paseantes nocturnos -un homeless, una madre empujando un cochecito de bebé, una liberada con las bolsas de la basura, un repartidor de Glovo- intercambian absurdamente las cosas que portan, ya sea el bebé o la basura. 4.- Dos turistas españolas visitan en la Documenta de Kassel dos performances a cual más enloquecida, lo que sirve para apostillar las grandes aportaciones ideológicas de la pieza: que los alemanes son unos pocos muy listos y los demás unos zotes peligrosos y que los españoles somo unos impresentables porque no hemos encontrado el cadáver de Lorca y tenemos cien mi desparecidos en las cunetas desde 1936. 5.- El festival cinematográfico de Cannes premia la película ‘Paradise’ que no tiene imágenes sino unos iplantes cerebrales que se aplican a cada espectador para...

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Yo solo quiero irme a Francia (y que acabe la función)

José Catalán Deus — Sat, 02 May 2026 11:38:54 +0000

Elisabeth Larena es una bilbaína de cuarenta años que lleva quince haciendo teleseries. Con tan escaso bagaje se ha atrevido a escribir esta comedieta cuyo mediano éxito se basa en la presencia de una actriz nonagenaria que genera comprensibles simpatías y tres cuartas partes del aforo. La otra cuarta parte, a poco que se mantenga despierta saldrá de la función muy cabreada porque la propuesta es impresentable. Lo mejor, que dura solo ochenta minutos. Lo peor, un amateurismo al que le falta una década de oficio y aprendizaje. El argumento es un velatorio con la muerta muy presente, una vieja insoportable llamada Pilar, con la única asistencia de su nieta reconocida Leo muy contrariada y la llegada inesperada de su nieta secreta, Inés, con la novedad de que tiene derecho a la mitad de la herencia. Leo la acoge de mala manera pero Inés consigue que a regañadientes empiece a interesarse por la que se revela ahora misteriosa vida de su abuela. Todo se limita a un diálogo abrupto entre ambas nietas en el que tercia a menudo la abuela muerta/viva con ocurrencias manidas. Cuando tal memez no da ya más de sí, aparece un cuarto personaje, la fallecida supuesta madre de Leo e Inés y supuesta hija de Pilar, y así dos muertas y dos vivas seguirán dando carrete al rollo hasta que nos revelen quien es abuela, hija y nieta de quién, un lío que no veas. De velatorios donde se reconstruye una historia está el teatro lleno. Trama tan tópica le da pie a la autora para ironizar sobre ‘un país al que antes llamábamos España’ y loar a la vecina Francia como si allí por la misma época no pasaran las mismas cosas; para despreciar a Cuenca como si fuera una aldeucha de mala muerte, y...

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‘El gitano por amor’, recuperación agridulce de la primera ópera española

José Catalán Deus — Sun, 26 Apr 2026 19:58:52 +0000

Dulce, porque esta pionera ópera española de 1828 nunca se había estrenado y porque musicalmente tiene enormes méritos. Algo desabrida más que ácida en su pesado libreto, plúmbea puesta en escena y duración insoportable. Con producción e interpretación aceptables, las direcciones musical y escénica dejaron que desear. ‘El gitano por amor’ es una ópera bufa en dos actos con música y libreto de Manuel del Pópulo Vicente García (1775-1832), una de las figuras esenciales y desconocidas de la lírica española, basada en ‘La gitanilla’ de Miguel de Cervantes aunque solo se parezca en líneas generales a la anagnórisis cervantina , por la que su protagonista Preciosa, la gitanilla, terminará reconocida en el desenlace como de origen noble: robada de su casa, crecida entre gitanos, vive tocando y cantando para ganar su sustento cuando un noble se enamora de ella. Para seguirla y como prueba de amor, acepta incorporarse a la vida nómada y marginal junto a ella y al final, tras el reconocimiento de su verdadera condición, todo acaba en feliz matrimonio entre iguales. García era músico, no literato, y su libreto tiene momentos afortunados y muchos otros, no. Donde había una tierna historia resulta una bufonada típica y tópica de la españa cañí que necesitaría más trabajo para ponerla al día. La lectura escénica de Emilio Sagi plantea una torpe comedia de enredo en un estático tablao tras una cortina de cuentas y delante de un fondo de rosas gigantes y reventonas que intimida un poco, una escenografía de Daniel Bianco realmente desafortunada donde todo es durante la primera hora y media asomarse por la cortina y los rosetones, sentarse y levantarse, y mover las sillas de un lado a otro. El vestuario de Jesús Ruiz es puro tipismo ahistórico y no hay más que destacar. La dirección musical...

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Panorama espeluznante desde un puente lejano

José Catalán Deus — Thu, 23 Apr 2026 10:17:01 +0000

Una gran producción de ‘Panorama desde el puente’, el clásico moderno de Arthur Miller con un final de violencia inusitada y una indefinición moral que puede dejar descontento a quien no gusta de brutalidades en el escenario y prefiere que se haga justicia incluso sobre las tablas. Empecemos por el desconcertante final, dado que la pieza no pretende sorpresas. El abogado Alfieri, personaje que nos va comentando la historia, pone el punto final o moraleja señalando la inevitabilidad de la tragedia ocurrida, y sentencia que, aunque Eddie Carbone estaba equivocado, fue fiel a sí mismo, a su naturaleza impulsiva y destructiva, aunque su obsesión le llevó a un destino inevitable. Infiere que la mayoría de las personas se conforman con una vida a medias, reconociendo finalmente en la trágica caída de Eddie una pureza escalofriante. Dice textualmente: ‘La mayoría de las veces nos conformamos con la mitad, y me gusta más. Y aún así, cuando la marea va bien, y el olor verde del mar flota hasta mi ventana, las olas de esta bahía son las olas que baten Siracusa. Y veo un rostro de repente que parece tallado; los ojos semejan túneles conduciendo de regreso hacia alguna playa ancestral donde todos vivimos alguna vez. Y me pregunto en esos momentos cuántos de nosotros realmente vivimos allí todavía y cuándo realmente nos fuimos de aquel oscuro lugar, de aquel mundo caído como una piedra. Este es el final de la historia. Buenas noches’. Hombre, una moraleja como poco desatinada, que casi presenta como un héroe o un mártir al buen estibador; un final impostado, quién sabe la razón de Miller para ello. Veamos la trama y veamos como en el comportamiento del protagonista hay poca justificación. Eddie Carbone vive con su esposa Bea y con Katie, su sobrina, hija de...

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‘La novia vendida’, milagro en el escenario

José Catalán Deus — Fri, 17 Apr 2026 16:51:16 +0000

Cuando un original excelente en libreto y partitura se pone en escena de manera fidedigna y sobresaliente, y encima se cuenta con un reparto vocal y actoralmente inspirado, se produce una de esas veladas milagrosas que el aficionado busca y algunas veces encuentra. Es lo que sucedió en la representación de este jueves en el Teatro Real. Esta alegre y luminosa comedia de enredo de profundas raíces checas, tronco de porosa inspiración y poblado ramaje europeo , inauguró en 1870 su teatro de la ópera nacional, que consolidaron posteriormente otros compositores, como Antonín Dvořák y Leoš Janáček. Estrenada inicialmente como una opereta, en 1866, y posteriormente revisada y reestrenada, en 1870, ya sin las partes habladas, La novia vendida es, sin duda, la más popular de las siete óperas que creó Bedřich Smetana (1824-1864), compositor checo que vivió activamente las turbulencias revolucionarias que resquebrajaron la hegemonía del imperio austrohúngaro en un período en el que las regiones centro europeas luchaban por sus ideales de independencia y libertad, afianzando los signos de su identidad, como las lenguas y dialectos autóctonos, el folclore, las tradiciones y los mitos ancestrales. Smetana compatibilizó su atribulada carrera profesional con una desdichada vida personal, en la que perdió muy joven a su primera mujer y varias hijas, no tuvo el reconocimiento que anhelaba y fue aquejado prematuramente de una sordera total derivada de la sífilis, componiendo sus últimas obras sin poder escucharlas. El libreto es una sencilla comedia de enredo en la que el casamentero Kekal propone a los padres de Mařenka casarla con Vasek, joven con recursos, pero tartamudo y bobalicón, que nadie relaciona con un hermanastro mayor, hijo de su padre, Marik, que fue apartado del hogar familiar por su madrastra, el avispado Jenik, que mantiene relaciones con Marenka manteniendo secretos sus orígenes. Kekal...

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Berenice en la centrifugadora posmoderna

José Catalán Deus — Sat, 11 Apr 2026 16:18:11 +0000

Esta princesa judía, hija de Herodes, personaje medio legendario, ha pasado por dos mil años de versiones literarias y musicales para llegar a esta cumbre del teatro europeo actual, deconstruida hasta ser un monólogo plañidero de actriz famosa. Una producción resonante en efectos especiales, que apenas contiene algo dentro. Un paradigma de la decadencia cultural del continente. El dramaturgo italiano Romeo Castellucci, sin duda ocupante del podio europeo, se apodera de la versión neoclásica del francés Jean Racine en el siglo XVII para dejarla en mera exhibición discutible de una de las actrices consagradas del momento, la muy francesa Isabelle Huppert. Pero vayamos por partes, explicando lo que nadie se molestará en hacer. Y es que, aunque nos maten, no vamos a prescindir de la lógica y la razón como métodos para analizar los artefactos culturales. Berenice de Cilicia, hija de Herodes Agripa I y hermana del rey Herodes Agripa II, reina clientelar del imperio romano durante la segunda mitad del siglo I. Escasos datos sobre su vida han llegado a través de Flavio Josefo y además se encuentran menciones sobre ella en Tácito, Juvenal, Dion Casio y Suetonio. En los Hechos de los Apóstoles, también se la nombra. Desde el Renacimiento se ha hecho famosa por su tumultuosa vida amorosa, reputación que comenzó a partir de los antiguos autores romanos. Después de una serie de matrimonios fallidos, pasó gran parte del resto de su vida en la corte de su hermano, entre rumores de una relación incestuosa. Durante la primera guerra judeo-romana, comenzó una relación amorosa con Tito Flavio Vespasiano, futuro emperador, que tuvo que acabar cuando fue nombrado emperador en el año 79, tras la destrucción del Segundo Templo y el saqueo de Jerusalén, con aproximadamente un millón de muertos y 97.000 cautivos. Triunfante, Tito volvió a Roma...

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‘El veneno del teatro’, el ombligo de la farsa

José Catalán Deus — Fri, 10 Apr 2026 13:56:35 +0000

Cada vez más, el gremio teatrero se perfuma con el incienso de su gran aportación al mundo, del enorme significado de su oficio, como si no fueran simples comparsas de la sociedad del espectáculo. Este diálogo cuya mayor virtud es su poca duración ya estaba en el tema hace medio siglo y ahora retorna sin tener en cuenta que nos pilla fatigados de banal ombliguismo. Sinopsis oficial: París en un futuro cercano, Gabrielle de Beaumont, una actriz de moda es invitada por una marquesa de aficiones extravagantes a visitarla en su palacio. Allí recibirá el encargo de interpretar una pieza teatral sobre la muerte de Sócrates, escrita por la propia marquesa, desencadenando una serie de reflexiones sobre el arte de actuar y una trampa para someterla a un experimento mortal. Dice la marquesa: ‘En la vida real como trataba de explicarle antes actuamos… todos nosotros en todo momento… esta actuación cotidiana es por otro lado absolutamente necesaria para la supervivencia del estatus social… Incluso para nuestra propia supervivencia como individuos’. Quizás haya alguien que no lo haya pensado u oído veinte veces, pero habría que buscarlo con candil. Este diálogo entre una aristócrata y una comedianta quiere ser una exploración profunda y peligrosa de lo que supuestamente escondería el teatro, ‘el riesgo de dedicarse a una actividad que no puede garantizar éxito económico, familiar o mental’, nos dicen, como si los otros oficios pudieran asegurarlo. Neguemos la mayor: no hay nada heroico en el teatro, no hay nada excepcional, es una actividad de personas corrientes, eso sí, especialmente falsos, fatuos, presumidos y vanidosos. Por eso resulta cargante esta propuesta como tantas otras variaciones banales metateatrales que abundan hoy día. Rodolfo Sirera cuando la estrenó en 1993 en Barcelona, con sus personajes masculinos originales, escribía que uno de los momentos clave...

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Greenpiss, catálogo de zafiedades

José Catalán Deus — Thu, 09 Apr 2026 16:33:28 +0000

Dicen que es una divertidísima sátira sobre la ecología junto a una crítica al calentamiento global, el uso abusivo de los plásticos, el consumismo y todo lo demás. Algunos lo vemos más bien como un monumento a la chabacanería rebosante de ruidos guturales, horriblemente puesto en escena y lamentable de todo punto. Estrenada en 2023, después de una gira celebrada por la crítica, en esta comedia sin diálogos, a base de onomatopeyas y gesticulaciones, cuatro actores hacen sobre todo de activistas ambientales enfrentados a una multinacional cuyo ceo es una caricatura de Trump, pero también sirven como aves de corral, árboles, trabajadores de oficios diversos y de todo lo que se tercie. Desarrollan una trama de sucesivas ocurrencias en la que destacan el número del gallo y la gallina apareándose en el matadero y el de la cornisa del rascacielos donde se suben a desplegar pancartas ayudados de un espectador elegido al azar o quizás no. Presumen de ‘humor ácido y sin barreras que no dejará a nadie indiferente’. Y así es: a la casi totalidad de los espectadores convocados a este reestreno en Madrid, que lo aplauden todo, lo corean todo, lo ríen todo y salen a la gloria, y a algún raro mirón que no puede creer el meritorio despliegue de todos esos gestos y sonidos guturales con los que antaño los humanos se burlaban unos de otros e imitaban a los animales y a las incidencias de la vida cotidiana. Antaño porque la mayor parte están ya fuera del uso habitual que les dieron obreros y campesinos, las clases bajas y algún señorito para hacer gracias. Ese es el principal mérito de la propuesta, porque la puesta en escena es pobre de solemnidad a pesar de lo rica, rica, que es esta compañía, y ni siquiera han...

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Tras el ensayo, Bergman retocado

José Catalán Deus — Sun, 05 Apr 2026 19:33:31 +0000

El gran cineasta Ingmar Bergman en 1984 fusionó teatro, cine y televisión en una película corta que presentaba a un veterano director de teatro enfrentado a su pasado con el fantasma de su amante muerta, y enfrentado al presente con la hija de ambos a la que ha dado el papel protagonista que su madre bordara hace años. Y lo contamos, disculpen, porque en esta versión las cosas son bastante distintas. Si te sientas en tu butaca, te lees las notas promocionales del programa de mano y vienes ya predispuesto por reportajes y entrevistas que son pura publicidad, vas a ver una pieza de teatro de bolsillo con buenos actores, bien montada y dirigida de ochenta minutos de duración que va gustarte. Nos la presentan así: una obra íntima y penetrante que explora las fronteras entre la vida y el arte, la memoria y el deseo. En un escenario vacío tras un ensayo teatral, el veterano director Henrik se queda solo, reflexionando sobre su carrera y sus obsesiones. La llegada inesperada de Anna, una joven actriz, y la irrupción del recuerdo de Rachel, una actriz del pasado, desencadenan un tenso y revelador triángulo emocional. A través de un diálogo denso y afilado, Bergman desvela las contradicciones del artista: su necesidad de control, su vulnerabilidad y su eterna lucha entre el compromiso con el arte y con los afectos reales. Con una estructura casi confesional y una atmósfera cargada de introspección, es una meditación sobre el tiempo, la herencia emocional y la complejidad de las relaciones humanas bajo el prisma implacable del teatro; la profundidad psicológica y el lirismo de Bergman, una experiencia teatral en la que arte y la vida se entrelazan en un juego de espejos. Y está bien resumido el contenido original. Pero por razones misteriosas -llamémoslas así-...

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Espesa niebla sobre Unamuno

José Catalán Deus — Thu, 02 Apr 2026 17:13:18 +0000

En el superficial y caótico panorama de la cultura actual -posmoderna, prerracional, anti espiritual y consumista- todo sirve para presunciones impostadas que pretenden innovar estropeando. Y no iba a pasar menos con Miguel de Unamuno y esa novela suya con la que rompió los convencionalismos del género. Esta versión teatral es un chiste malo y largo, otro insulso producto del teatro subvencionado. ‘Niebla’, escrita en 1907 y publicada en 1914, es la historia de Augusto Pérez, un joven rico y culto que en vez de dedicarse a pasarlo bien, le ha dado por buscar el sentido a la vida -vaya por dios, qué ocurrencia- y se pregunta por el por qué de sus actos, de los del prójimo, de la misma existencia, en medio de devaneos amorosos fallidos, espoleado por los discursos rebeldes de su amigo Víctor Goti. Como no entiende nada, visita a un filófo ridículo y luego a un señor que le han dicho que es muy listo, que se llama Miguel de Unamuno y que va a resultar -casualidades de la vida- que es el autor de esta novela de la que Augusto es protagonista. Cuando le revela que él, tan joven, tan rico y tan culto, no es nadie, que no es más que un ente de ficción que depende del autor y al que puede suprimir cuando quiera, el bueno de Augusto queda patidifuso, pero enseguida, como hacemos todos, encuentra argumentos para contentarse, pues quizá el escritor este también sea un personaje creado por alguien, Dios mismo, que terminará con su vida cuando menos lo espere; y Augusto al menos volverá a vivir cada vez que alguien lea su historia, mientras que don Miguel morirá para siempre. ¿Original, no? De esta forma, Unamuno (Bilbao, 1864-Salamanca, 1936) intenta plasmar el encuentro de un creador con su...

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La vida ordinaria es extraordinaria

José Catalán Deus — Fri, 27 Mar 2026 17:38:56 +0000

Una comedia optimista y positiva para dar ánimos a la gente corriente. Solo tal propósito merecería respeto, pero es que además estamos ante un texto y una interpretación del mismo sobresalientes para vencer la dificultad intrínseca de dos horas escuchando a dos personajes, eso sí, sabiamente acompañados de buenas música original y puesta en escena. Su autor y director, el argentino Mariano Tenconi, es solo cuarentón pero acumula larga carrera dramática y muchos éxitos. Explica así la obra: ‘Cuenta la historia de dos amigas: Aurora y Blanca. Padres, madres, hijos, amores, muertes, nacimientos; la vida de estas dos mujeres es una vida tan inmensa y tan baldía como cualquier otra. Sin embargo, Aurora Alonso y Blanca Sancho tienen un milagro secreto: la literatura. Ellas son poetas, pero son, antes que nada, lectoras. Por un lado, La vida extraordinaria es un tributo a la amistad, el amor más honesto y perdurable. Pero también es una ofrenda al verbo leer. Considero a la dramaturgia como literatura, de la más alta’. Estrenó la pieza en 2018 y para traerla a España la ha actualizado en las intérpretes y las referencias para que estén a tono en nuestro país y hasta ha cambiado el segundo apellido de los personajes en honor de El Quijote, el Alonso de Quijano y el Sancho de Panza. Y es que el gran resultado conseguido debe la mitad del mérito sino mas a Malena Alterio y Carmen Ruiz, que encarnan a estas dos amigas a lo largo de su vida juntas, separadas y rejuntadas en diálogo permanente entre sus vicisitudes, en persona, por carta y por sus queridos y redentores diarios personales. La vida extraordinaria pretende contar eso. Dos vidas normales. Sin grandes premios, historias trágicas, aventuras inolvidables. Aurora y Blanca son amigas toda la vida. Ambas son del...

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Jugar con fuego… y quemarse

José Catalán Deus — Thu, 26 Mar 2026 16:37:22 +0000

El infierno teatral está lleno de versiones que quisieron corregir y actualizar grandes obras del pasado, y Marina Bollaín se suma con sobresaliente cum laude a tales despropósitos con esta puesta en escena abracadabrante y esta reescritura de las partes habladas del libreto original de Ventura de la Vega. Impide realmente disfrutar plenamente de esta gran zarzuela y malograr la notable producción de esta reposición. Jugar con fuego sigue siendo una zarzuela de gran valor artístico, ejemplar y a la vez divertida, que habla de cómo somos, de nuestra historia, una historia de amor con engaños e intrigas que el dramaturgo Ventura de la Vega supo adaptar a la españa de un siglo antes. El Teatro de La Zarzuela recuerda que ‘Jugar con fuego’ es uno de los títulos más citados de la lírica española, que ya en su época y a lo largo de las siguientes décadas se convirtió en algo más que una zarzuela, en piedra angular del género más que todas las demás obras juntas. Y el director musical Álvaro Albiach añade que la inspirada música de esta magnífica zarzuela grande bebe en la tradición de la ópera italiana, hace constantes guiños a Rossini o a Donizetti, pero el talento de Barbieri también nos deja muestras de nuestra tradición musical más cercana; como el animado primer número que sirve de introducción o el disparatado coro de locos del acto tercero, estamos ante una de las obras clave del desarrollo posterior del género en manos de un Barbieri en estado de gracia». Y ciertamente, sus tres actos, extensión inusitada en aquellos primeros años del renacido género de la zarzuela. la acercaban al modelo de la opéra comique francesa, y el público se extrañó de su argumento serio y trenzado, de la zarzuela, pues el género venía siendo más...

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El sueño veraniego de Britten sobre la comedia de Shakespeare

José Catalán Deus — Tue, 24 Mar 2026 11:17:36 +0000

Han sido seis las funciones de esta nueva producción de El sueño de una noche de verano, y ha sido muy celebrada. Pero sintiendo disentir, nos pareció inferior a otras suyas ya vistas en el Real, una ópera tediosa y ñoña con mucho coro infantil, poco esmero vocal y eso sí, excelente orquestación que Ivon Bolton elevó a las alturas, mientras que su contraparte artística, Deborah Warner, ilustraba con fantasía una producción de notable factura formal para un contenido bien corriente. Este ‘Sueño de una noche de verano’ está basado en ‘A Midsummer Night’s Dream’ la comedia de William Shakespeare, escrita alrededor de 1595, de la que la traducción correcta del título sería Sueño de una Noche de San Juan, ya que la midsummer night es la noche del solsticio de verano, la noche de san juan en España, del 23 al 24 de junio. El compositor británico Benjamin Britten (1913-1976) recibió un encargo con apenas un año de antelación, y se inclinó por el comodín de basarse en una obra literaria que fuera muy conocida de un autor muy valorado, y quien mejor que Shakespeare para los británicos, decidiendo escribir él mismo el libreto con la colaboración de su pareja, el tenor Peter Pears. Suprimió la primera escena del primer acto de la comedia original, que transcurre en la corte ateniense, y optó por subrayar la parte fantástica, el mundo mágico de las hadas gobernado por Oberón y Titania. El rey, frustrado por no conseguir quedarse con el joven paje de la reina, decide vengarse y encarga al duende Puck que la unte un brebaje en los párpados que la hará enamorarse locamente del primer ser que vea al despertarse, y al tiempo haga lo mismo con el joven de una de las dos parejas humanas que se han...

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Un libro polémico aconseja consumir más sal

José Catalán Deus — Fri, 20 Mar 2026 10:48:24 +0000

Entre tantos con consejos para una buena alimentación, este debe ser el más escandaloso de los últimos años. Frente a la opinión generalizada de que es bueno reducir el consumo de sal hasta suprimirla, sugiere e intenta demostrar lo contrario, que hay que consumir entre 8 y 12 gramos de sal al día. La solución está en la sal. Hemos culpado al cristal blanco equivocado, afirma el doctor James DiNicolantonio en ‘The Salt Fix’. Durante años se nos ha dicho que la sal es perjudicial, que debemos reducirla para cuidar el corazón. Médicos, medios y campañas sanitarias repiten la misma idea: «menos sal, más vida». Pero ¿y si el verdadero enemigo de nuestra salud no fuera la sal, sino el azúcar? DiNicolantonio no es un cualquiera, sino un reputado investigador en salud cardiovascular, y se atreve a desmontar uno de los mayores axiomas de la nutrición moderna. Con apariencia científica, citas médicas y lenguaje claro expone cómo ‘la demonización de la sal, basada en estudios incompletos y décadas de dogma’ nos habría llevado a una epidemia de fatiga, obesidad, ansiedad y enfermedades metabólicas. Según su tesis, la mayoría de las personas no necesita reducir la sal, sino consumirla en la cantidad adecuada. Este mineral es esencial y sostiene funciones vitales para el organismo: aporta energía, mejora la concentración, favorece el rendimiento físico y ayuda a mantener el equilibrio hormonal. Su déficit, en cambio, puede desencadenar ansia de azúcar, aumento de peso y resistencia a la insulina. Recuperar su nivel óptimo ayuda a mejorar el metabolismo, la fertilidad y la salud cardiovascular. Así que deberíamos consumir más sal, no menos. Sostiene pues que ingerir más sal reduce el consumo de azúcar y, por lo tanto, ayuda a perder peso. También afirma que un mayor consumo de sal podría ser beneficioso para...

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Conocer a Hammershøi, el ojo que escucha

José Catalán Deus — Thu, 19 Mar 2026 17:08:24 +0000

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ha inaugurado la primera retrospectiva en España dedicada a Vilhelm Hammershøi (1864-1916). A través de noventa óleos y dibujos del artista y de algunos de sus contemporáneos, ofrece una completa visión de la obra de este pintor danés que captó las penumbras cotidianas del ambiente escandinavo. Muy original, francamente interesante. La exposición es un viaje a otro mundo, el del norte de Europa, de clima y ambiente tan distintos a los mediterráneos. Es una inmersión en tonos grises y apagados, silencios espesos, estancias desoladas y tristeza infinita. Este contraste atmosférico con la luz y el sol primaverales de Madrid resulta muy hermoso, altamente sugerente y ciertamente reparador, aunque no precisamente optimista. Creó poco más de 400 piezas en sus 51 años de vida. Fue respetado en vida, pero tras la irrupción de las vanguardias cayó en el olvido y ha sido rescatado en las últimas décadas, El subtítulo de la muestra, “el ojo que escucha”, remite a la relación metafórica entre su pintura, el silencio, la aparente calma que transmite, y el interés del artista por la música. La exposición aborda este y otros temas insistentes en su obra, como el de su mujer Ida Ilsted en su proceso creativo, los interiores domésticos austeros y su fiel visión de los paisajes gélidos de su tierra. El montaje de la exposición se compone de seis capítulos: 1. Obertura.- Hammershøi encontró pronto los motivos y la paleta que caracterizan toda su trayectoria. Tras su formación académica y sus estudios en las Frie Studieskoler (Escuelas de Estudios Libres), a comienzos de la década de 1880 pinta los primeros paisajes y figuras. Las obras que presenta a los salones oficiales de la Academia danesa encuentran detractores entre el jurado, pero también defensores, a quienes se une para fundar un salón...

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‘ROM – Range of motion’, la CDN evalúa su renovación

José Catalán Deus — Sun, 15 Mar 2026 20:49:56 +0000

La Compañía Nacional de Danza confirma vivir un momento optimista con su última propuesta, bien elegida e interpretada, en una de sus mejores actuaciones de los últimos años. Ensamblando piezas de dos de los mejores coreógrafos actuales ha presentado en cuatro funciones un espectáculo de belleza e intensidad sobresalientes. Esta vez se trata de una muestra poliédrica de lenguajes de danza actuales, pero siempre en conexión con la tradición y la historia de la danza, dice su directora, Muriel Romero, que lo titula ROM, acrónimo de la expresión ‘Range of Motion’, un término técnico para referirse a la medición del movimiento que puede recorrer una articulación sometida a rehabilitación. Romero explica que en la CND convergen conceptos, estilos y lenguajes coreográficos que parten de orígenes distintos y confluyen en la Europa de entre siglos, y que por ello la propuesta propone un viaje a esa memoria partiendo del lenguaje abstracto, algorítmico, de William Forsythe, hasta la herencia expresionista y dramatúrgica de Johan Inger, dos autores imprescindibles para entender la historia de la danza de nuestros días. Y así es, pues efectivamente ambas piezas son un continuum de ambos lenguajes, y juntas una experiencia intensa que pocas veces los espectáculos de danza consiguen. A lo largo de su carrera creativa, William Forsythe ha desarrollado un estilo propio sumamente original. ‘The Second Detail’ es puro forsythe, permite al público relajarse y disfrutar de las evoluciones dispares de los catorce integrantes de un cuerpo de baile milimétricamente conjuntado. En cuanto a ‘Become’ de Johan Inger, lo que nos explican es casi más complicado que la simple visión de la pieza. El programa habla de que ‘en la quietud del cambio, algo se desprende. Una piel, una idea, una identidad que ya no abriga. ‘Become’ es el gesto de soltar para volver a empezar....

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Malquerida y bienhallada

José Catalán Deus — Sun, 15 Mar 2026 16:20:22 +0000

Esta versión del famoso drama rural de hace un siglo hace justicia a su autor y premio nobel Jacinto Benavente. Puede decirse que la adaptación -con Juan Carlos Rubio- y la dirección de Natalia Menéndez son un ejemplo de actualización de las grandes piezas del pasado, sin moderneces absurdas ni historicismo tópico. Una excelente producción que reivindica a un gran dramaturgo injustamente eclipsado. En la hacienda de Esteban y Raimunda, se celebra la pedida de boda de la hija de esta, Acacia, que odia a su padrastro. Cuando Faustino y su padre Eusebio se vuelven de noche a su casa, alguien emboscado mata al novio de un disparo al corazón. Todos sospechan de Norberto, el anterior novio de Acacia, que será detenido y encarcelado, pero que podrá probar su inocencia. No obstante, Eusebio y sus otros hijos le siguen considerando culpable y los hermanos quieren matarlo a toda costa. Pero pronto por indiscreciones de El Rubio se extenderán las sospechas hacia Esteban y una copla recorrerá el pueblo: “El que quiera a la del Soto… tiene pena de la vida. Por quererla quien la quiere le dicen… la Malquerida”. Los personajes van devanando el misterio con sucesivas revelaciones que aumentan la intriga hasta estallar todo en un desenlace explosivo. Menéndez explica que la conmovió sobremanera la relectura de ‘La Malquerida’ y que mano con Juan Carlos Rubio pudimos ir mucho más allá, por eso hoy es solo Malquerida. Nos propusimos una versión donde algunos personajes se perfilarán más, eliminamos otros para centrarnos en la esencia de la tragedia y, con respecto a la forma, preferimos ahondar en la vertiente más poética de la obra. Benavente dibuja con maestría un triángulo amoroso en el que no hay vértices triunfadores, un duro retrato de la condición, la humana, difícil de doblegar ante...

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El escondido y la tapada, apoteosis de la comedia de enredo

José Catalán Deus — Fri, 13 Mar 2026 16:38:59 +0000

Entre sus 110 comedias y 80 autos sacramentales, esta obra de Calderón había pasado desapercibida como tantos otros tesoros aún por descubrir del siglo de oro. Prodigio de dramaturgia, con argumento endiablado y texto glorioso, esta producción opta por el bullicio juvenil y la parafernalia escénica en un espectáculo vibrante, una antología del disparate. No crean que es fácil de resumir: César llega a Madrid acompañado de Mosquito, su criado: había huido de la justicia tras haber matado al hermano de Lisarda, a la que pretende sin ser correspondido. Vuelve porque ha recibido una carta de Celia —la otra dama a la que corteja— en la que le propone que se refugie en su casa para esconderlo y poder así continuar en secreto su relación amorosa. Él acepta con el propósito de acercarse a Lisarda, pero sus planes se complican con la llegada a Madrid de Félix, hermano de Celia, al que un anónimo ha advertido de su lío amoroso con César. Nada más llegar, y acompañado de su amigo Juan, que es el prometido oficial de Lisarda, localizan el rastro de César en una fonda, pero se confunden y matan a otro huésped. Huyendo de la justicia, Félix arrastra a Celia a abandonar su domicilio en el que esta ya ha escondido a César y Mosquito, que quedan encerrados dentro. La situación se vuelve aún más delicada cuando don Diego, el padre de Lisarda, alquile la casa para el futuro matrimonio de Lisarda y Juan. A partir de aquí el lío ya es inenarrable con Celia, cubierta con un manto para no ser reconocida, acudiendo a rescatar a César, es decir, el título de la obra, El escondido y la tapada. No contaremos el final porque ni siquiera lo recordamos. Don Pedro Calderón de la Barca (1600-1681) es el...

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El jardín de los cerezos era una plantación de guindos

José Catalán Deus — Sat, 07 Mar 2026 20:59:04 +0000

La última de las cuatro grandes obras de Antón Chéjov se parece tanto a la anterior ‘Tío Vania’ que uno confunde trama y personajes. Junto a ‘La gaviota’, y ‘Las tres hermanas’, se han convertido en clásicos contemporáneos. Esta notable producción no solo es fiel a un original que el tiempo ha sometido a indudable desgaste, sino que lo adorna hasta llegar a unos excesivos 140 minutos sin pausa. Los herederos de un rico terrateniente están en la ruina y ven vencer la hipoteca de su hermosa hacienda sin encontrar cómo pagarla y evitar que sea subastada, una propiedad cuya joya más preciada es el enorme huerto de árboles frutales junto al río. El hijo Leonid habla y habla sin haberlo evitado mientras Varya su sobrina adoptiva le reprocha su dejadez; la hija Liuba se ha gastado su herencia en una vida derrochadora en París y vuelve sin un rublo con Anya, su hija de 17 años, y la institutriz Carlota. Ermolai, hijo de antiguos siervos, ahora un rico comerciante al que todos suponen que se casará con Varya, les ofrece la solución: talar la plantación y venderla por parcelas a los veraneantes de la ciudad. A tal oprobio se oponen los hermanos, sobre todo la arrogante Liuba. Y así llega el día fatídico de la subasta y para sorpresa general es Ermolai el que compra la finca para realizar el gran negocio inmobiliario. Hay otros personajes que colaboran a alargar la obra con disgresiones paralelas a la trama esencial, entre los que destacan Piotr, el estudiante utópico, y Dunyasha, la soñadora sirvienta, cuyo romance frustrarán las circunstancias; el ambicioso lacayo Yasha juguetea con ella sin que le importe, el anciano mayordomo Fritz recuerda tiempos pasados, el administrador Semion va y viene para irritación de Varya, que ve precipitarse la...

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‘Más acá de los romances’, un placer exquisito

José Catalán Deus — Wed, 04 Mar 2026 15:38:22 +0000

Dicen que es el primer musical que se hace a partir del Romancero, y es todo un acierto. Dicen que es un viaje para escuchar, aprender y disfrutar con Ramón Menéndez Pidal, su esposa María Goyri y su hija Jimena en una emocionante travesía en busca de la «flor nueva de romances viejos», y es una magnífica producción para redescubrir esa joya literaria que es el Romancero, sus orígenes y su prolongación hasta nuestros días. España es el país del Romancero, cuya importancia puede compararse a la de La Ilíada; y está henchido de emociones, ingenio y hermosa sensatez, de la historia y la personalidad del pueblo que lo renueva y conserva; de él nace el teatro español del Siglo de Oro, seduce luego a los románticos del mundo entero, y alimenta a los poetas españoles del siglo XX. Redescubrirlo y llevarlo a la máxima altura académica y popular fue obra de María, Ramón y Jimena, esta familia de eruditos, símbolo de lo mejor de la cultura española de su época. Un retablo biográfico musical lo consideran sus creadores, Antonio Castillo Algarra e Ignacio Rodulfo Hazen, que tejen con palabras y datos de Azorín, Lope, Lorca, Fray Luis de León, Rafael Lapesa, José Ortega y Gasset y Julián Marías, junto a músicas de Luis de Salinas, Juan del Encina y otros compositores del siglo de oro y de la llamada edad de plata del XX, un entramado músico-literario de excelente factura, con Rodulfo a cargo de la dirección musical y Castillo de la artística ayudado en la escenografía por Gala Vivancos. Todo un ejemplo de esmerada producción con bajo presupuesto, de imaginativa puesta en escena con pocos y acertados recursos, de combinación de texto, música, cantos y danzas realmente encomiable. Antonio Castillo Algarra demuestra un conocimiento de nuestra literatura y...

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Un gigante caricaturizado, un debate tergiversado

José Catalán Deus — Fri, 27 Feb 2026 10:16:31 +0000

La actual política del Estado de Israel es uno de los temas más controvertidos globalmente. Esta pieza teatral se posiciona contra cualquier crítica que se le haga, tachándola de antijudía, y montando un debate no situado en sus términos justos, una ficción a partir de hechos reales. El actor José María Pou se ha apresurado a traerla a España y ya está en la cartelera madrileña. ‘Giant’ (Gigante) es la primera obra de Mark Rosenblatt, director teatral británico desde 1998. Se estrenó en 2024 y el año pasado ganó el premio británico más prestigioso. Es ficción que recrea un episodio célebre de la vida de Roald Dahl (1916-1990), el escritor británico de ascendencia noruega célebre por sus cuentos y literatura infantil, cuyos libros han vendido más de 300 millones de ejemplares, considerado uno de los más grandes narradores para la infancia del siglo XX. Y al que envolvió la polémica unos años antes de su fallecimiento por expresar lo que pensaba sobre Israel y la conocida como Masacre de Sabra y Shatila en 1982. El asunto en el que se basa ‘Gigante’ -alusión a que Dahl medía 198 centímetros- es que en el verano de 1983 el famoso escritor publicó una reseña en la ‘Literary Review’ sobre ‘God cried’, un documento histórico y periodístico con textos de Tony Clifton y fotos de Catherine Leroy, centrado principalmente en el asedio de Beirut Occidental en 1982 durante la Guerra del Líbano. A través de relatos personales y fotografías desgarradoras, describe el sufrimiento de la población civil libanesa y los combatientes palestinos bajo el bombardeo de las fuerzas israelíes. El autor declararía en las primeras páginas que está escrito desde la vivencia directa de quienes sufrieron el asedio, ofreciendo una visión profundamente crítica de la intervención israelí. Aunque el foco es el «verano sangriento»...

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‘La última noche con mi hermano’, vuelve el mejor Sanzol

José Catalán Deus — Sun, 22 Feb 2026 20:27:46 +0000

Este año la temporada viene densa y tras otros dramas en cartelera llega el que les supera en factura y autenticidad. Las relaciones fraternales y el cáncer terminal articulan esta tragicomedia urbana de excelentes texto, puesta en escena e interpretación. Alfredo Sanzol Sanz (Pamplona, 1972) confirma su buen hacer autoral, mejor que el de dirigir el Centro Dramático Nacional desde hace seis años. Su propuesta es dura de pelar a pesar de no cargar las tintas, a pesar del tono agridulce que lo impregna todo. Pero su realismo y densidad exigen del espectador bajarse del tono superficial y festivo con que acude al teatro para enfrentar asuntos de calado. A una mujer madura la diagnostican un avanzado cáncer de ovarios y su hermano, su cuñada y sus dos sobrinos tejen a su alrededor cariño y compañía lo mejor que pueden. A la estrecha relación de los hermanos Nagore y Alberto Oyarbide se unirán paralelas otras historias de hermanos, la estropeada de la cuñada Ainhoa con su hermano Claudio Iturbe, y la palpitante de sus sobrinos Naia y Oier. Toda la gama de las relaciones fraternales, tan complicadas por el paso del tiempo, tan frágiles y a menudo tan convencionales. Son dos temas que se entrelazan en un argumento sólidamente construido y unos diálogos y situaciones que convencen desde el primer momento. Estamos ante el mejor teatro del que somos capaces hoy en España y eso vence lo duro del tema y la duración de la propuesta, en la que todo está tan medido que no sobra una lágrima ni un minuto. El autor se ha explicado así: ‘En diciembre del año pasado murió el hermano de una amiga. Hablando con ella, me contó que había pasado la última noche acompañando a su hermano y me dijo que esa experiencia había...

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Un enemigo del pueblo, el drama de Ibsen con música de Francisco Coll

José Catalán Deus — Thu, 19 Feb 2026 18:35:29 +0000

Resultaba difícil convertir el famoso drama de Ibsen en ópera y hay que aplaudir el intento, aunque el libreto de Àlex Rigola deje que desear. Pero lo compensa la partitura elaborada por este compositor valenciano, que resulta brillante en lo instrumental y estridente y destemplada en lo vocal, tal y como es habitual en todos los intentos contemporáneos de prolongar el género con hechuras posmodernas que no terminan de casar. En todo caso una notable nueva ópera española que celebramos sinceramente. ‘En folkefiende’ fue publicada por Henrik Ibsen en 1882 y estrenada al año siguiente. Desde entonces no ha dejado de representarse en todo el mundo. Es la historia del doctor Thomas Stockmann y de un repentino suceso la localidad donde vive, cuyo balneario es la principal atracción turística y el motor de la economía local. El doctor descubre que el agua del balneario está contaminada y que puede afectar a la salud de los clientes. Cuando quiere advertir del peligro se encuentra con que todas las fuerzas vivas, incluido su hermano el alcalde y el periódico local en el que colabora, se oponen por lo que costaría arreglar el problema en tiempo y dinero, y la ruina que supondría para el lugar. La gente les dará la razón y a él le declararán enemigo del pueblo. La tesis es que la mayoría no siempre tiene la razón, muy al contrario, casi nunca la tiene, y que la democracia por eso mismo no funciona para establecer un orden justo sino que perpetua el gobierno de los poderosos apoyados por la mayoría ignorante frente a la minoría consciente. Algo que resultaba sensacional entonces, en los albores del sistema democrático como gran progreso frente a los absolutismos anteriores. Algo que el tiempo está demostrando en nuestros días, lo difícil que es una...

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Helen Levitt, archivo visual de la vida neoyorquina

José Catalán Deus — Wed, 18 Feb 2026 20:24:00 +0000

Fotógrafa de vocación, pionera del acceso femenino al que aspira a ser el octavo arte, se pasó buena parte de su vida cámara en ristre captando escenas urbanas de los barrios populares de su ciudad. Dicen que sus imágenes son enigmáticas y que transforma vistas cotidianas en algo más. Puede ser, transmite vida. Helen Levitt (1913-2009) nació en un barrio de Brooklyn, en una familia inmigrada de origen ruso-judío. Con 19 años compró su primera cámara y, poco después conoció a Henri Cartier-Bresson, cuya influencia fue decisiva en su carrera. Entre 1938 y 1942 recorrió el Spanish Harlem, el Lower East Side y Brooklyn documentando la vida cotidiana en las calles, especialmente la de los niños, con una mirada sensible y sin artificios. En 1943 el MoMA le dedico su primera exposición individual. En 1959 se le concedió una beca Guggenheim para explorar la irrupción cromática en la fotografía. Aunque un robo en 1970 hizo desaparecer una gran parte de su trabajo en color, en 1974 el MoMA proyectó una selección de sus dispositivas. Durante las décadas siguientes regresó al blanco y negro y exploró nuevos escenarios, como el metro de Nueva York o zonas rurales del noreste estadounidense. Su obra, nos dicen, está marcada por la ambigüedad y la emoción contenida, reconocida por su capacidad para capturar momentos fugaces de contacto entre personas en entornos urbanos complejos, con espontaneidad, empatía y sensibilidad. A pesar de que su nombre es asociado con la «fotografía de calle», los gestos en movimiento y la complicidad entre las personas que captura con su cámara van mas allá de escenas corrientes, y a lo largo de su trayectoria hizo incursiones en el cine -entre otras el montaje del documental Tierra española (1937) supervisado por Luis Buñuel-, visitó otros países, como México, y como dijimos...

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Recorrer el mundo y recordar la tierra con Anders Zorn

José Catalán Deus — Wed, 18 Feb 2026 18:13:45 +0000

Un gran artista sueco de hace un siglo, auténtico maestro de la acuarela, del que nada sabíamos. Cosmopolita y patriota al mismo tiempo, supo reflejar el mar como pocos y captar la esencia de todo tipo de gentes, desde jovencitas sevillanas a potentados norteamericanos. Tras el terremoto de las vanguardias del siglo XX y en medio de sus marejadas actuales, un remanso que se disfruta. Anders Zorn (1860-1920) es uno de los pintores suecos más destacado. Nacido en un entorno rural humilde en la región de Dalecarlia, alcanzó proyección internacional gracias a su talento y su dominio de distintas técnicas artísticas. Llegó a convertirse en uno de los retratistas más solicitados de su tiempo, y se relacionó con naturalidad con monarcas, aristócratas y banqueros, con la alta sociedad europea y estadounidense. Sin embargo, nunca olvidó sus raíces, y, además de captar la vida tradicional de su región de origen, participó activamente en la promoción y conservación de sus costumbres y su patrimonio frente a los enormes cambios que se avecinaban. La exposición ofrece una visión integral de la trayectoria artística del pintor, marcada por una fecunda tensión entre cosmopolitismo y arraigo local que le valió ser descrito por sus contemporáneos como «una mezcla entre caballero y campesino». A pesar del papel decisivo que desempeñó tanto en la escena internacional como en la sueca, el prestigio y fama de Zorn se vieron eclipsados por la construcción del relato historiográfico posterior, que privilegió las narrativas estéticas asociadas a las vanguardias, que solo valoraba la ruptura y despreciaba cualquier intento de reinterpretar lo de siempre. Sus viajes de juventud a España y Argelia, sus periodos en Londres y París y sus estancias en Estados Unidos, Alemania, Rusia y Latinoamérica, no impidieron que finalmente se instalara en su tierra y captara gentes y paisajes,...

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Arte de 1975 hasta hoy, un relato interesante y aceptable

José Catalán Deus — Mon, 16 Feb 2026 16:47:48 +0000

403 piezas de 224 artistas conforman la propuesta, la mitad inéditas y en un 75% de españoles. Están los ecos de la movida, el impacto del sida, y en especial la huella de la ‘agenda woke’, el neo progresismo todavía dominante en la cultura occidental. Autoafirmación o canto del cisne, este hoy inaugurado del Museo Reina Sofía resulta un despliegue suntuoso, de recorrido interesante, una medianía curiosa en la que resaltan dos o tres docenas de grandes obras de arte. Para el ministro de Cultura, Ernest Urtasun, “un acontecimiento cultural de primera magnitud que refuerza el arte contemporáneo, con la que se abre el foco, se recogen más voces, más miradas y especialmente más miradas femeninas”. Para el director del MCARS, Manuel Segade, “la tarea del museo no es releer el pasado buscando un espejo para la sociedad actual, sino permitir que las preocupaciones del presente encuentren en aquel una multitud de respuestas, intentar reconocer en el presente aquellos futuros deseables que ya estaban aquí”. Para la subdirectora artística del museo, Amanda de la Garza, «un recorrido más accesible, dinámico y didáctico con el que conseguir un museo más habitable y generoso”. Rafael Canogar. La exposición ocupa más de tres mil metros cuadrados. Predomina la fotografía y abunda el video-arte. Es muy larga y quizás hay demasiado espacio vacío. Es un recorrido lineal y no siempre cronológico que se extiende a lo largo de 21 capítulos y presta especial atención al panorama artístico español. Junto a los 137 artistas presentes de nacionalidad española, un tercio de los extranjeros es iberoamericano, como Leonilson o Beatriz González. Están los conocidos Juan Genovés, Juan Muñoz, Cristina Iglesias, Susana Solano, Juan Navarro Baldeweg, Esther Ferrer o Cristina García Rodero, , y están los nombres inevitablemente unidos a la Transición y la Movida como Guillermo...

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El nudo gordiano que no nos parece tal

José Catalán Deus — Fri, 13 Feb 2026 19:14:50 +0000

Una tensa discusión sobre las causas de un horrible suceso entre la madre de un niño que se ha suicidado y la profesora que le expulsó de clase desencadena el drama. Una pieza sencilla , que no pretende ser lógica sino emocional, que asusta cuando se llega al nudo y de la que no compartimos su escepticismo moral. Aceptable producción y notable interpretación para una tragedia horrenda. Nudo gordiano se emplea como metáfora para definir un problema extremadamente complejo e irresoluble, y es una expresión originada en una leyenda griega sobre un nudo imposible de desatar en Gordio, la actual Turquía. Alejandro Magno resolvió el desafío cortándolo con su espada, lo que ha llegado a nuestros días como sinónimo de solucionar un problema difícil de manera rápida, audaz y directa. Basado en ello, ‘Gidion’s knot’ (el nudo de Gidion) es un intenso drama psicológico ambientado en una pequeña comunidad estadounidense que enfrenta a dos mujeres, la madre Corryn en busca de la causa de lo sucedido y la sucesión de revelaciones que efectuará la profesora Heather a la defensiva. Se publicó en 2014 y se ha programado bastantes veces a lo ancho de Estados Unidos; entre las últimas en Ashland (Oregon) en 2024. La autora, Johnna Adams, no es una muy conocida, pero ha escrito veinte piezas teatrales desde entonces. La sinopsis oficial nos dice que la obra invita a mirar de frente las complejidades morales de un mundo donde el bien y el mal rara vez están claramente definidos. Pero cuesta asentir cuando se conoce el desencadenante. El niño ha difundido entre sus compañeros una narración espantosa de la mayor violencia sádica que pueda imaginarse y por ello la profesora le ha expulsado cinco días. Pero resulta que el escrito está basado en leyendas gaélicas que la madre le...

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‘Tres noches en Ítaca’ con sobrecarga sentimental

José Catalán Deus — Sat, 07 Feb 2026 18:05:16 +0000

Una reflexión en la cincuentena -sobre lo que se hizo mal y el camino que queda recorrer- del dramaturgo Alberto Conejero, con moldes clásicos del género y dilemas eternos, con alguna carencia argumental, bien escrita y puesta en escena. Más literaria que realista, bajo el excesivo peso poético le sirve a su autor para hacer examen de conciencia y propósito de enmienda, y pretende que el público lo haga también. Quizás le falta un punto de credibilidad para ello. Una mujer abandona el hogar familiar y a su marido, su trabajo de profesora de griego en un instituto y el contacto con sus jóvenes hijas para irse a vivir a esa mítica isla griega. Cuando muere dos décadas después, las tres hijas ya por los cincuenta deben acudir al lugar para hacerse cargo de sus cosas y organizar su entierro. Son muy diferentes y lo son las relaciones que tuvieron con su madre. Aflorarán recuerdos y juicios muy diversos en una catarsis que creerán finalmente que les descubrirá cómo fue su madre y cómo son ellas. ‘Durante tres noches de duelo, secretos y heridas compartidas, -nos dice Octubre Producciones- las hermanas se enfrentarán no solo a la ausencia materna, sino también a sus propios fantasmas…pero esa intemperie puede arrojar una luz inesperada. Una tragicomedia que se aproxima a la elegía desde la luz: una pieza sobre la madre ausente, sobre el derecho a renacer una y otra vez y también un canto de amor a las Humanidades y a las personas que nos invitaron a imaginar’. La directora Maria Goiricelaya se identifica con la propuesta en una puesta en escena que quiere ser tan emotiva o mas, y Pablo Chaves le aporta una escenografía sugerente con un salón idealizado de la casita de la fallecida, flanqueado por una fila de...

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Lo que son las mujeres listas y los hombres tontos

José Catalán Deus — Fri, 06 Feb 2026 15:21:53 +0000

Una inteligente y amena comedia de hace cuatro siglos, cuando ya se halagaba a las mujeres para tenerlas contentas. Divertida de origen, esta producción exagera su gracia hasta lo jocoso. Pero se puede ver con buena voluntad y mejor talante. Hay que ser más Roque que Marcos -personajes del evento- y dejarse llevar por la ola buenista. Publicada en 1645, ‘Lo que son mujeres’ fue una de las setenta obras que se le calculan a Francisco de Rojas Zorrilla (1607-1648), que vivió poco, escribió mucho y bueno, y perteneció a la generación post-Calderón del siglo de oro. Famoso en los siglos XVII y XVIII, siguió representándose muy esporádicamente. En 2007 se celebró con atención y subvenciones el cuarto centenario de su nacimiento, lo que dio lugar a recordarlo con encuentros académicos y subida a los escenarios de remembranzas y algunas de sus obras. Recordemos que en 2023 se estreno ‘Abre el ojo’ en versión y dirección de Eduardo Vasco (ver nuestra reseña), y casi una década antes la CNTC recuperó ‘Donde hay agravios no hay celos’ (ver nuestra reseña) en la que Helena Pimenta convertía un elegante enredo en un jocoso sainete, exagerando el histrionismo igual que se ha hecho ahora con ‘Lo que son mujeres’, la obra de Rojas que se estrenó este jueves y que pasamos a comentar. La propuesta de la compañía Morboria lo deja claro desde el principio; se basan en que ‘el espectador de comedias de los siglos XVI Y XVII y el que se sienta hoy en día en el teatro o ante una pantalla para ver la televisión, busca sobre todo entretenerse, distraerse, sorprenderse, salir de su realidad cotidiana, en la manera de distraernos hay cosas que siguen siendo iguales y en muchos casos nos reímos de lo mismo que hace 400 años’....

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‘Ariadna y Barbazul’, gran envoltorio con poco dentro

José Catalán Deus — Sun, 01 Feb 2026 21:11:36 +0000

Una buena pero insustancial partitura para un libreto infame. Una ópera del montón cuya programación sobraba. Un gran esfuerzo escenográfico que a duras penas salva la velada. Pero en todo caso un espectáculo grande, como solo se ven en el Teatro Real. Reconozcamos el nivel que tenemos, el de coproducir con la ópera de Lyon. Reconozcamos que la programación no siempre es acertada porque depende de la coyuntura y los gustos de su director artístico desde hace trece años, que ha sabido imponer criterios como el de insistir en este personaje legendario con dos óperas casi seguidas, ‘El castillo de Barbazul’ de Béla Bartok, en noviembre pasado (ver nuestra reseña), y esta ‘Ariadna y Barbazul’ dos meses después, ambas a partir del cuento que escribiera Charles Perrault a finales del siglo XVII. Ambas marginales en el podio operístico y ambas rescates que Joan Matabosch sabrá por qué realiza, habiendo tanto donde escoger. Barbazul no es el cuento más apreciado de Perrault -recuérdense Pulgarcito, La Cenicienta, La bella durmiente, Caperucita Roja y El Gato con Botas- y cuenta la historia de un hombre varias veces casado y viudo, del que su nueva mujer descubre que oculta en una habitación prohibida los cadáveres de sus anteriores esposas. Su popularidad fue decayendo conforme se consideró una lectura poco adecuada para niños, y así terminó siendo adoptado por el cine, la danza, la ópera y hasta los videojuegos para adultos. Parece que Perrault se basó en la leyenda del noble Gilles de Rais, ajusticiado por haber matado en serie a un centenar de adolescentes masculinos. Las interpretaciones psicológicas del argumento son infinitas y variadas, y ninguna aporta demasiado, así que la que ha querido darle Àlex Ollé al son de la ideología feminista tampoco convence. Digamos que convence aún menos. Maurice Maeterlinck (1862-1949) fue...

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Puentes musicales para almas predispuestas

José Catalán Deus — Wed, 28 Jan 2026 21:03:42 +0000

Un recital de la veterana mezzosoprano María José Montiel con canciones españolas, francesas y sudamericanas cierra un ciclo interesante en el Teatro de la Zarzuela. Tras 42 años en los escenarios vuelve emocionada al lugar donde surgió su vocación musical. Titulado ‘De Puentes y Almas’ quiere ser un recorrido por las más bellas canciones del repertorio hispanoamericano y francés, reuniendo algunas de las piezas que le han acompañado a lo largo de su carrera, como ‘À Chloris’ de Reynaldo Hahn, el compositor venezolano que fuera pareja de Marcel Proust, o ‘Morucha’ de Juan García y Juan Quintero, que desde que fuera la canción del año en el lejano 1932 no ha dejado de ser cantada, por Kraus, carreras e Imperio Argentina entre muchos. Un recital que se inició con Cinco canciones negras , de Xavier Montsalvatge, e incluyó piezas de Debussy y Ginastera. Sin olvidar la presencia de Manuel de Falla, que aparece en el espectáculo ‘La Edad de Plata’, programado estos días en este mismo teatro. Acompañándola al piano estuvo el mallorquín Miquel Estelrich, que demostró en todo momento su compenetración con el repertorio y la solista, con la que ya había actuado a menudo en el pasado. La puesta en escena, con un recatado recinto oscuro y una tamizada iluminación, sirvió de adecuado marco a un recital que se desarrolló pausado a lo largo de hora y media, y se caracterizó por su agradable suavidad, escogida dulzura y un buen gusto y elegancia mantenido en todo momento. Montiel agradeció a los muchos familiares y amigos presentes su apoyo de siempre, y a la directora del teatro, Isamay Benavente, el haberla convocado a este ciclo de cuatro conciertos que se abrió a mediados de octubre pasado con ‘La última Folclórica’ de Laura Gallego, seguida de Maite Alberola y Sergio...

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Esa edad de plata para envolver a Granados y Falla

José Catalán Deus — Sun, 25 Jan 2026 20:30:52 +0000

Esta coproducción astur-malagueña es ejemplo de las piruetas que pueden hacerse con presupuesto potable e ínfulas suficientes. Parece muy española, pero es tópica y típica, parafernalia hueca sobre dos composiciones menores de Granados y Falla, con Goya y el Quijote frente a Hitler y Franco, qué bonita mezcolanza. El creativo esta vez se llama Paco López y anuncia: ‘El espectáculo propone una soirée española ficticia en casa de Ignacio Zuloaga, en el París de los Felices 20, donde la variopinta bohemia de jóvenes artistas que alborotan la capital francesa y la burguesía culta que los impulsa se reúnen para ser partícipes de la presentación de Goyescas y El retablo de Maese Pedro. En tiempo como los actuales, donde —con tanta urgencia— se nos plantea la necesidad de «repensar» España, solo la cultura nos salva —o nos redime— de la barbarie. O sea, para salir corriendo. Pero ya estás sentadito en tu butaca y el asunto no tiene remedio. Dos prestigiosas instituciones culturales, unidos norte y sur peninsulares, se han confabulado en esta producción de 2023 encomendada a este gestor cultural, con muchas experiencia en el montaje de espectáculos musicales. Francisco López (El Carpio, 1954). Su estreno en Oviedo hace algo más de dos años fue definido como ‘un fiasco, además de un dispendio innecesario, pues, amparándose en los nombres de Granados y Falla, el director cordobés ha diseñado un espectáculo que necesita de un manual de instrucciones para ser entendido, tanto por los números añadidos a los originales como por la confusión escénica’. Y la visita a La Zarzuela lo confirma plenamente. ‘Goyescas’ se inspira en las pinturas de Goya, retratando el majismo madrileño (bohemios elegantes), integrando elementos folclóricos españoles con un refinado romanticismo. Era una suite para piano, pero Granados se decidió a convertirla en ópera narrando el trágico...

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