A prototype game based on Zach Cregger’s movie in the style of classic ‘RESIDENT EVIL’ games with fixed camera angles.

Developer Adoci shared an early version of the project, showing what the game might have looked like if it had been made for PS1 in 1998.

(via: tt/adoci) https://t.co/NU7to6Dixw

— RENEWS (@RENews_X) October 23, 2026

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Sehr cooler, weil verspielter und recht geheimnisvoller Trailer für einen Film mit einem ziemlich bescheuerten Namen: Above The Below ist der zweite Spielfilm von und mit Idris Elba, von dem ich bis zu diesem Trailer noch nichts wusste. Eine coole Überraschung, denn der Film erzählt eine Sci-Fi-Story über die Crew eines Raumschiffs, das nach einem Unfall im Weltall eine Wasserlandung machen muss und dann auch noch im Wasser versinkt. Also oben und unten Pech. As Above, So Below wohl eher?

After three astronauts survive a disaster in space, their unscheduled crash-landing leaves them trapped in the crushing depths of the ocean with no contact with mission control and oxygen rapidly running out. In a race against time where every breath could be their last, the crew faces impossible choices, mounting odds, and new dangers in this pulse-pounding story about what we do when faced with the greatest stakes imaginable.

So richtig kann das ja noch nicht alles sein als nur Gus Grissom mit der Liberty Bell 7. Hier muss es ja einen Twist geben. In der Logline steht zwar überall, dass das Raumschiff im Ozean versinkt, aber die eigentlich Frage ist wohl eher, um welchen Ozean es sich handelt und ob es einer auf der Erde ist. Ich glaube, ich bin da etwas ganz Heißem auf der Spur! Startet bereits am 3. Dezember im Kino und ist nur knapp 90 Minuten lang. Sowas lobe ich mir mal!

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Es muss am Alter liegen, dass mich diese Cozy Games so reizen. Aber so richtig kann das nicht stimmen, denn eigentlich wollte ich schon früher bei Spielen aus der Anno-Reihen oder bei Age of Empires immer einfach nur bauen – ohne zu handeln oder mich um das lästige Ressourcenmanagement kümmern zu müssen. Militär? Ja, gerne, aber eigentlich nur zur Abschreckung. Eine große Armee, hinter noch größeren Mauern, aber nach der Eroberung weiterer Lande war mir nie. Dahinter steckte wohl ein reiner, zweckloser Aufbaugedanke, den diese neuen Spiele aufgreifen.

Vielleicht sprechen mich diese Games deshalb so an, sie bieten mir genau diese Möglichkeit. Brushland ist ein neues Spiel in diesem Genre und es vereint die Mittelalter- und Burgästhetik von Tiny Glade mit dem Städtebau von Townscaper. Garniert wird das in einer süßen low-fi Pixelgrafik, die aber in dem Aufploppen bzw. Modellieren der Landschaft dynamisch wirkt. Und wer wollte nicht einmal Lehnsherr inmitten dieser hübschen Dorfromantik sein? Mich holt das alles ab. Geht direkt auf die Wishlist.

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Zwei meiner Lieblingsspiele der letzten Jahre waren die Science-Fiction Horrorspiele The Invincible und Inside. Bei beiden stretche ich mal die Definition, um auf meine persönliche Erfahrung hinzuweisen: Ich fand die beide unglaublich packend und großartig inszeniert – und eben in ihrer Präsentation bzw. den behandelten Szenarien erschreckend.

A few more screenshots from The Invincible, which is one of the most breathtakingly crafted hard sci-fi stories I’ve ever experienced. Every frame feels like a window in a beautifully haunting and bitter future. Really can’t recommend this highly enough. https://t.co/fWN8VUEyAs

— reeft (@reeft) October 22, 2025

In Inside ist man von Anfang an auf sich allein gestellt und auf der Flucht, man wird gejagt und jede Umgebung bietet neue Gefahren und Wege, wie man ihnen gerade noch so von der Schippe springen kann. The Invincible erzählt langsamer, es gibt keinen solchen Druck; doch dadurch verliert das Szenario kaum seinen Schrecken: Man erwacht allein auf einem fremden Planeten und ist Teil einer Rettungsmission, die ebenfalls bereits schief gelaufen ist. Auf der langen Reise über große Strecken durchquert man tiefe Schluchten und weite, offene Ebenen. Und dieser Planet borgt apokalyptische Gefahren, die man nach und nach erst begreift bis es zu spät ist und die Schlinge sich bereits zugezogen hat.

Beide Spiele haben auch jeweils einen wunderschönen Art Style. Bei The Invincible alleine habe ich oben nur eine Selektion von hunderten ebenso schönen Momenten mal eingebaut. All das vereint das Spiel Magenta Down schon in seinem Trailer. Es wirkt tatsächlich wie die Vereinigung dieser beiden Ansätze und Ideen, quasi ein Inside-Take von The Invincible. Ich bin entzückt!

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Pre Internet ist ein toller Kanal, der Name ist Programm. Im neuesten Video geht es um die Videothekenkette Blockbuster. Eine solche Videothek wird liebevoll als Miniaturmodell nachgebaut. Was mich besonders an diesen Videos freut, ist der hohe Detailgrad und die Produktionsqualität. So wurden hierfür von einem Architekten literally die Pläne angefragt, um das Diorama maßstabsgetreu und exakt zu bauen. Dann werden ehemalige Mitarbeiter interviewt, um die Authentizität zu gewährleisten. Auch passende Musik, die früher in den Videotheken gespielt wurde, wird eingestreut. Sehr, sehr schön!

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Diese unlizenzierten Figuren sind berühmt-berüchtigt für ihre witzigen Verpackungen; die Cardsbacks zeigen oft kaum mit der echten Handlung verwandte Szenen und die Figuren haben auch jegliche Identität und Kontext verloren. Es wurde halt sehr billig improvisiert. Sehr schicker Low-Fi-Kram eben, der nun in LEGO nachgebaut wurde. Finde ich super charmant und süß.

 

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The post LEGO MOCs der Uzay Star Wars Figuren appeared first on PewPewPew.

Überraschend geil – im Unterschied zu dem Rest seines neuen Albums. Leider hat sich da seit jetzt echt vier Alben ein Trend manifestiert, dem ich nicht mehr folgen will.

The post Musikvideo: Current Joys covert Justin Biebers Stay appeared first on PewPewPew.

Es ist recht unfair, dass Ethan Hawke sowohl einer der schönsten Männer der Welt – und sicherlich kein “Radiogesicht” – auch gleichzeitig eine so spannende Stimme hat. Letzte setzt er bald effektiv ein in Midnight Radio, aus der Feder von C. Robert Cargill und Scott Derickson. Die stecken hinter mehreren Hawke-Filmen wie Sinister und Black Phone; u.a. war Cargill auch früher als Blogger / Filmkritiker aktiv für Ain’t It Cool News von Harry Knowles, was ich recht witzig finde. In diesem episodischen Format spielt Hawke einen Radiohost, der gespenstige Anrufe bekommt.

Told in real-time through the lens of a cult-favorite late-night AM radio show, the series follows a host (played by Ethan) whose eerie, conspiracy-themed call-in program takes a chilling turn. One night, he receives a call from a man claiming to be part of a secret U.S. space mission lost to history—just the first thread in a sprawling web of government cover-ups, interdimensional breaches, and psychological warfare.

As the broadcast unfolds, strange signals hidden in the radio static reveal themselves. With each episode building on the last, one question grows more urgent—who, or what, is really on the other end of the line? And what do they want?

The series boasts an incredible ensemble cast, including Noah Centineo, Willa Fitzgerald, Vincent D’Onofrio, Levon Hawke, Hubert Point-Du Jour, Austin Pendleton, and more.

Erinnert mich ein wenig an die Apple TV-Serie Calls von Fede Álvarez, die wir damals in der Kulturindustrie recht positiv besprochen hatten, wenn ich mich recht erinnere. Ich habe jedenfalls gute Erinnerungen dran. Spooky! Auf Midnight Radio setzte ich auch große Hoffnungen. Startet schon am 22. Oktober überall wo es Podcasts gibt.

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I also enjoyed I Saw The TV Glow. Less so as a film but for its network of scenes and ideas. It comes as no surprise that this one felt even more personal given Schoenbrun’s own transfeminine journey and yet it didn’t lose a universal accessibility thanks to the amazing Oh-God-I’m-wasting-my-life nightmares it has dreamt up for us.

Teenage Sex and Death at Camp Miasma however completely loses itself in that self-absorbed spiral of meta-textuality and personal recollections and expressions. As such it loses the previously deeply felt vulnerability of their other films and thinks itself more clever than it is, and also so very pleased with itself. Above all, it felt very insular. Like it wasn’t made for anyone else, not really. Consequently, it has very little to offer except for a few visual ideas and two sex scenes; meanwhile it seems disparaging at everything it professes to be concerned with (i.e. the movie-within-the-movie looks horrendous).

I did enjoy Einbinder’s lead performance though, whereas Anderson is beyond terrible in the film – despite having perhaps the funniest line read of the century. Unfortunately a very disappointing experience and overall discouraging trajectory of its filmmaker. It’s been said before by someone else but at some point you gotta make a movie that’s not about yourself.

I did enjoy the craft and creativity that went into the title sequence.

Rating: 1.5 out of 5 stars

I’ve decided that – in the spirit of owning my own work – I will put longer Letterboxd reviews on here as well. They’re in English, but that’s okay. You’ll do just fine.

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Tolkien war bei seiner Schöpfung von Mittelerde stark von christlichen und nordische Mythologie inspiriert und insofern gab es auch Entwürfe für ein Ragnarok-/Weltuntergangsszenario in seiner Welt, welches Robert von InDeepGeek im Video darlegt. Wie so häufig bei den Unfinished Tales gibt es auch hier keine eindeutige Erzählung, sondern viele Ideen und Ansätze. Wie aber auch im Christentum kehren viele Helden und Melkor ein letztes Mal für eine letzte Schlacht zurück, das Gute siegt und Arda wird in einem hoffnungsvollen Ende neu geschaffen.

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Interesting premise and fun for a while but it quickly turns stale and repetitive. The ending adds a little flavour but it‘s too little too late. The film hinges on Weaving‘s big beautiful blue eyes in that wonderful dress and those tasteful yellow chucks and she carries it over the finish line. A relevation!

Rating: 3 out of 5 stars

Ready or Not 2: Here I Come

Choosing to focus on the legal and political ramifications despite the first film’s supernatural strokes was an inspired choice that is immediately tossed out the window to instead broaden this Mr. Le Bail stuff. Indeed, this could have been the correct move by creating your own heightened societal castes, customs and rules à la the John Wick universe. Instead, what we get here are some half-baked satanic ideas. Oh, the rich worship the devil, they’re the Illuminati, they sacrifice the poor and innocent! This conspiratorial take is enjoyed by many extreme weirdos when the reality is often a lot more boring. Doubling down on that is a disappointing choice and a bad look!

Despite its expanded setting with more actors (some solid casting choices here, Wood among them) and higher stakes, the end result feels a lot smaller. The directors’ first and foremost fault: The action and fights haven’t evolved at all, and with the loss of the haunted house aspect, it all becomes even looser and more weightless. This includes some plot mechanics that confidently refer to a certain set of bylaws which seem to be written on the spot whenever the screenwriters run out of ideas on how to move ahead creatively. It’s one thing for these scenes to feel like someone is explaining the rules of a boardgame to you when the film’s whole concept is supposed to be so easy: it’s child’s play. It’s another to buy into those scenes and balance the rest of the film on them.

Again, the ending itself closes off with this enticing eat-the-rich thought whose implications the film is wholly uninterested in considering, even for a second. Why go to such lengths to show the demonic depravity of this Epstein class and not question the consequences of your own plot? It’s not a contradiction either. You can feature a demonic presence in your movie and give society at large some thought. Don’t be so unsophisticated in your take. Horror movies are plebeian enough already.

I welcomed the inclusion of Kathryn Newton, but Weaving’s solemn demeanor saved the first film for me; this constant superficial emotional banter felt incredibly tacked on and tiring. I didn’t believe their relationship at all. Could’ve used a few more close-ups of Weaving in those yellow Chucks. Might’ve added a full star just for those.

Rating: 2 out of 5 stars

I’ve decided that – in the spirit of owning my own work – I will put longer Letterboxd reviews on here as well. They’re in English, but that’s okay. You’ll do just fine.

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First poster for Greta Gerwig’s ‘NARNIA’.

Trailer releases tomorrow. https://t.co/CZ9kUEDIVm

— DiscussingFilm (@DiscussingFilm) October 12, 2026

Bisher stand Greta Gerwigs Narnia-Reboot unter keinem guten Stern. Die ersten Pressebilder vor ein paar Wochen waren eher Anlass zum Spott (Sie sahen aus wie eine neue Staffel von Doctor Who) und die vagen Äußerungen ihres kreativen Ansatzes (Irgendwas mit Rock und David Bowie aus Labyrinth) wollte ich im Produktionsdesign nicht sehen – auch wenn das erstmal eigentlich geil klingt. Dance, Magic dance? Eijo!

Ich bin dazu kein wirklicher Fan ihres Karriereweges. Das begann mal viel spannender als mit diesen aufgeblasenen high-stakes Adaptionen. Aber vergessen wir das mal bis morgen, wenn der erste Trailer zu diesem überteuerten Film erscheinen soll. Denn das Teaserposter ist so wunderschön, dass es zum Träumen einlädt. Was, wenn der Film vielleicht doch ziemlich cool wird und ein Fantasy-Revival im Kino lostritt? Das wäre doch mal was.

Bis dahin bleibt uns dieses wirklich grandiose Design, das mich in bester Manier an ein Magic: The Gathering Box-Cover erinnert. Das ist ein Poster, das an Kinderzimmertüren gehört und eine ganze Generation verzaubern soll.

Fun Fact: Nach 18 Jahren Bloggen nun zum ersten Mal “Narnia” als Tag eingeführt. Spannend, wie sich das bisher nicht überschnitten hatte. Der letzte Film der alten Trilogie erschien im Jahr 2010.

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GAKHED ist ein Musiker mit ganz vielen Katzen und seine kurzen, instrumentalen Songs sind immer ein Vibe. In seinem neuen herbstlichen Video laufen die Katzen durch den Garten, klettern auf Bäume, die ihr Laub verloren haben, spielen in den raschelnden Blätter am Boden.

Aber auch ein wunderschöner goldener Herbstag täuscht nur schwer darüber hinweg, dass nun – vielleicht etwas wehmütig – das Ende des Jahres eingeläutet wird. Hat man alles geschafft, was man sie vorgenommen hatte? Die Zeit in vollen Zügen genossen? Muss man schon bald an Weihnachtsgeschenke denken?

“We still have so much time” ist daher ein positiver Bop mit einer guter Nachricht für diese Zeit, die auch mal für ein bisschen schlechte Stimmung sorgen kann. Und Merksatz: Zeit, die mit Katzen verbracht wird, ist nie verschwendete Zeit. Süße Aufnahmen hier im Video wie immer. Ich folge ihm dafür am liebsten auf Instagram.

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Mike Flanagan hat mich mit Midnight Mass und Doctor Sleep sicherlich genug als Horror-Typ überzeugt, um bei einem neuen Release etwas Aufmerksamkeit zu bekommen. Zwischen diversen TV- und Filmprojekten stretcht er sich in meinen Augen in den letzten Jahren etwas thin, wodurch dann so mittelmäßige Werke wie Life of Chuck oder – wie ich höre – die neue Carrie-Serie dabei rauskommen. Doch dieser Trailer zu seinem neuen FIlm The Exorcist: Martyrs hat es in sich. Ich lehne mich nach vorne zum Bildschirm, ich locke in.

Kurze Erinnerung: Universal kaufte sich die Rechte für 400 Millionen US-Dollar und floppte dann gigantisch mit The Beginning von David Gordon Green, der zuvor schon dem Halloween-Franchise zuerst neues Leben einhauchte, nur um dann grandios mit zwei mittelmäßigen bis katastrophalen Sequels zu enttäuschen. Bei Universal brach Panik aus, wie es nun weitergehen sollte – denn eigentlich war eine neue Trilogie geplant. Man gab Flanagan daraufhin freie Hand und herausgekommen ist dieser Film mit Scarlett Johansson in der Hauptrolle.

Mir ist das Franchise eigentlich recht egal. Das ist wie bei Jaws: Der erste Film ist legendär, ikonisch, Kanon, Punkt. Danach wankt das alles und zehrt nur vom Original. (Mit Jurassic Park gelang das Spielberg sogar zwei Mal!) Spannend aber ist, dass es hier eindeutige Hinweise im Hintergrund wie auch im Dialog gibt, dass sich Flanagans Film als Sequel zu The Exorcist III sieht, der wiederum selbst eine Fortsetzung des Originals war und ebenso die Buchfortsetzung von William Peter Blatty namens Legion adaptierte. Jene wird auch hier zitiert.

Das finde ich zehn Mal spannender als das Prequel von Green und dazu sieht der Film dank der Kameraarbeit von Michael Fimognari auch aus wie ein Fincher-Film aus ~2004. Es gibt hier eine Handvoll an Einstellungen und visuellen Ideen, die ich sehr spooky finde. Nicht allesamt neu, aber in der Masse und in dem Aufbau des Trailers sehr überzeugend gemacht. Diese leere Mall erinnert mich auch stark an Kane Parsons’ The Oldest View, ebenfalls verstörend. Also definitiv schon ein Filmhighlight des kommenden Jahres für mich!

The post Trailer: Mike Flanagans The Exorcists III-Sequel “Martyrs” sieht spitze aus appeared first on PewPewPew.

A24 hat im Jahr 2023 das historische Cherry Lane Theatre im Greenwich Village gekauft und umbauen lassen. Das Filmunternehmen baut somit sein eigenes Profil aus und lässt dort seither unter dem Titel “Sound Check” Musiker für YouTube spielen.

A24 produzierte dieses Jahr u.a. auch Primetime von Lance Oppenheim mit Robert Pattinson sowie – in ihrem Filmdebüt – Phoebe Bridgers, die auch den Song “On Video” beisteuert und sich in meinen Augen durchaus Hoffnungen auf eine Oscar-Nominierung machen darf.

Videoexperimente sind auch hier in Bridgers Performance in der Oppenheims Aufnahme von ihrem “Sound Check at Cherry Lane Theatre” an der Tagesordnung. Sehr schöne, ghostly Interpretation mit ihren Boysgenius-Bandmitgliedern Julien Baker und Lucy Dacus von “On Video”, “Haunted” und “Lost Boys”, für den Oppenheim bereits das Musikvideo drehte.

Ich fand das Handy-Verbot auf ihrer Tour zuerst schon doof (aus Konzertgehererfahrung würde es mir immer noch so gehen, ich würde das einfach ein Stück weit vermissen), aber es ist schon beeindruckend zu sehen, wie ein/e Künstler*in dadurch eine Autorität über ihr Medienimage zurückgewinnt und das so dann mit solchen Releases wie hier klug und schön steuern kann. In der Welt leben wir nicht mehr leider, aber durchaus mal ein spannendes Experiment.

The post Live: Phoebe Bridgers @ Cherry Lane Theatre appeared first on PewPewPew.

Zunächst einmal: Es gibt einen CROSSED-FILM?!?!?! Das hätte ich nie für möglich gehalten! Diese YouTube-Empfehlung hielt ich im ersten Moment für einen billigen AI-Fake. Aber nein, das ist tatsächlich echt: Dies ist der Teaser zur Verfilmung des Comics von Garth Ennis, der u.a. auch The Boys und Preacher kreiert hat, und er ist real. Mir entging die Ankündigung der Verfilmung vor zwei Jahren, aber sie hat es in sich: Ennis selbst schreibt das Drehbuch und Regisseur ist Rob Jabbaz, der mit The Sadness ja quasi einen Crossed-Film in all but name bereits gedreht hat. Vielleicht wurde er sogar hier engagiert, um nicht nachträglich eine Strafe zahlen zu müssen? Spaß! Definitiv ein match made in heaven hell hier!

Worum geht es in Crossed? Der Comic erschien 2010 auf der Höhe der zweiten Zombiewelle und ist eine Mischung aus The Walking Dead und den Terrifier-Filmen. Eine Pandemie bricht aus und von jetzt auf gleich machen die Infizierten, die ihre Intelligenz behalten und einen kreuzartigen Ausschlag quer übers Gesicht tragen, Jagd auf die Überlebenden, um an denen ihre schlimmsten, bösartigsten Fantasien auszuleben. Folter, Verstümmelungen, Vergewaltigungen, brutalste Mordfantasien und alles dazwischen. Schlimmster Gore steht auf der Tagesordnung. Es ist die Zombieapokalypse auf Drogen und so ziemlich die krasseste, edgelordigste Bildgewaltorgie, die es in englischsprachigen Comics gibt.

Ich habe damals den ersten Sammelband gelesen und mochte dieses Szenario sehr. Ich fand diese Vorstellung enorm beängstigend, naheliegend und einnehmend. Die darauffolgenden Serien habe ich nicht gelesen, aber ich habe via Google und 4chan-Threads alle paar Jahre die kreativsten, abgefucktesten Double Splash Pages mit Neugierde verfolgt. Einfach um mein morbides Interesse zu stillen und zu sehen, wie man denn die ersten Issues kreativ noch toppen könnte. Spoiler: Durchaus möglich! Bis heute verspüre ich den Reiz, da nochmal einzusteigen. Mich spricht da vor allem diese trostlose, hoffnungslose Atmosphäre an. Das transgressive Storytelling ermöglicht Schockeffekte diesseits des guten Geschmacks und eine vollumfängliche Horrorerfahrung, die es in der Form einfach selten gibt.

Ennis wrote the screenplay, while elsewhere behind the scenes, Crossed‘s crew includes cinematographer Benji Bakshi (Bone Tomahawk), production designer Freddy Waff (Megalopolis), stunt coordinator Steve Brown (Avatar: The Way Of Water) and editor Greg D’Auria (Guardians Of The Galaxy Vol. 3). Carl Choi of Six Studios produces. (via)

Daher war mir eigentlich klar, dass so etwas niemals verfilmt werden würde. Doch nun ist der Film abgedreht und die Crew darf sich sehen lassen, das macht durchaus Hoffnung: Bone Tomahawk ging ja schon in eine ähnliche Richtung! Für eingeweihte Leser und Fans dürfte auch der erste Teaser deutlich zeigen, dass Ennis’ Drehbuch die Geschichte vom Ausbruch und dem ersten Sammelband adaptieren wird – einige Einstellungen und Figuren machen das eindeutig. Im Prinzip: Roadtrip von Überlebenden quer durch die USA auf der Flucht vor einer bösen Gruppe. Gleichzeitig sind auch ein paar neue spannende Szenarien in diversen Einstellungen zu vermuten.

Der Teaser oben ist bereits age-restricted und inwiefern der Film überhaupt in die Kinos finden wird, ist durchaus fraglich. Auch The Sadness erschien damals nur auf dem Horror-Streamingservice Shudder. Wie auch immer: Verrückt, dass es den Film gibt – und dass er wohl recht authentisch den Comic adaptieren wird ohne Einschnitte und Kompromisse!

The post WTF?! Der erste Teaser zur CROSSED-Verfilmung hält nicht zurück! appeared first on PewPewPew.

Das ist irgendwie durchgerutscht: Vor vier Jahren veröffentlichte Vacations das dritte Studioalbum No Place Like Home. Ich mag die Band vom ersten Release an sehr für ihre stringenten dreamy Alt-Pop-Songs, zugänglichen Songtexte und insgesamt diesen nostaligschen, sehnsuchtsvollen Vibe in der Stimme von Sänger Campbell Burns (was ein geiler Name!). Vor zwei Jahren erschien dann die Live-Version des Albums, aufgenommen und gefilmt in einem Motelzimmer, die mich leider irgendwie nicht erreichte. Zumindest nicht diese Videoveröffentlichung! Eigentlich wollte ich mich gerade in das am Freitag erschienen vierte Album reinhören, blieb dann aber hier hängen und habe da Ding schon zwei Mal komplett am Stück durchlaufen lassen. Wunderschön!

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Other than that: Beautiful work by Emmanuel Lubezki, as you’d expect. Great production design, some lovely miniature work here. It’s evident where the money went. Performances vary, in most cases to the bad (Goodman), while others really don’t get much to do (Hüller). For example: Cruise as Digger, for the most part, but Cruise playing Curtis Markson playing Digger Rockwell worked for me. There’s something there there. Riz Ahmed and Jesse Plemons great as always.

Rating: 3.5 out of 5 stars

I’ve decided that – in the spirit of owning my own work – I will put longer Letterboxd reviews on here as well. They’re in English, but that’s okay. You’ll do just fine.

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Wahrscheinlich hätte ich noch etwas mehr im Laufe des Oktobers mit mir gerungen, aber dank eines sehr guten MediaMarkt-Deals ging es dann übers Wochenende doch ganz schnell und heute – Schatztruhensound hier vorstellen – hielt ich meine neue Nintendo Switch 2 in den Händen (im Bild nur in einer Hand, aber ihr könnt euch das vorstellen). Ein Freund erinnerte mich daran, dass es ein besonderer Tag ist, wenn man eine neue Spielekonsole nach Hause nimmt und ich kann da nur zustimmen. Ich kann mich an jedes einzelne Mal gut erinnern und ich konnte es kaum glauben, aber das letzte Mal war es tatsächlich die erste Nintendo Switch vor inzwischen echt über neun Jahren. Verrückt!

Ich mache meinen Hehl daraus: Das Ocarina of Time-Remake ist daran schuld und zwar ganz alleine. Nicht mehr, nicht weniger. Eigentlich hatte ich damit gerechnet, dass ich am Ende doch einknicken und mir eine PS5 holen werde für GTA VI, aber nun ist es doch anders gekommen. Das liegt natürlich daran, ich 11 Jahre alt war, als The Legend of Zelda: Ocarina of Time herauskam und selbstverständlich mein ganzes Leben fortan übernahm. Ich habe noch einen Ordner voller Zeichnungen von damals und ging als Link verkleidet an Fasching in die Schule. It was a big fucking deal!

Das Spiel selbst wohl aber auch. Die Jungs bei Stay Forever haben in ihrer Folge zum Original sehr gut herausgearbeitet, wie revolutionär das Spiel tatsächlich war. Sachen wie das Anvisieren von Gegnern oder kontextabhängig Buttons gab es vorher nicht. Dazu Tag-/Nachtwechsel, diese riesige Steppe als Game-Hub, Action-Adventure mit RPG-Elementen, und, und, und.

Aber so ein Spiel kann nur einmal revoluionär sein und das Remake wird neben einem Grafikupdate wohl einige Quality of Life-Verbesserung und Komfortanpassungen mit sich bringen, die das Spielgefühl verändern könnten. Zum Beispiel sind die Charaktere jetzt vertont, Link selbst spricht aber weiterhin nicht. Ganz banal: Link kann jetzt zum Beispiel springen!

Ganz ehrlich? Dieser Trailer musste in mir reifen bis zur Kaufentscheidung. Man gab sich hier seitens Nintendo sehr viel Mühe, die Nostalgie komplett steil gehen zu lassen und das Video unten zeigt die direkten 1:1-Vergleiche sehr gut auf. Das hatte einen Effekt, und dieser hatte Erfolg. Ja, ich wollte das dann doch nochmal erleben, genau wie ich mir letztens doch ein Boosterpack der neuen Pokémon-Karten zum 30. Geburtstag unter den Nagel riss. Und überhaupt, Nintendo hat sicherlich noch andere Spiele, die ich mitnehmen will. Donkey Kong, das neue Mario Odyssey 2 (oder s0), wenn es denn mal erscheint, usw.

Die größte Hürde dahin war sicherlich dieser Grafikstil, der mich sehr an diese Zelda-Videos aus der Unreal Engine 4 erinnern, über die ich schon vor vielen Jahren schrieb. Damals mit etwas mehr Begeisterung, als ich das heute für diesen Look verspüre. Da liegen natürlich Welten dazwischen und Nintendos Remake sieht gut aus. Aber da ist auch dieser typische polierte, nasse Look. Hier glänzt viel, was nicht glänzen sollte und die Ferne wirkt arg nebelig.

Bei der Figurenzeichnung schließt sich zumindest konzeptionell ein Kreis. Die Charaktere sehen tatsächlich nun ihren illustrierten Vorbildern aus dem damaligen Marketing oder der Komplettlösung sehr ähnlich. Gleichzeitig ist da aber auch dieser puppenhafte Look, der beim jungen Link am schlimmsten wirkt und mich tatsächlich echt etwas abstößt. Totales Uncanny Valley, aber zum Glück sieht den Hero of Time ja eher tendenziell von hinten. Auch sein Kostüm wirkt im Vergleich zum Rest recht overdesignt.

Das ist auch das Stichwort für meine größte Sorge. Die damaligen grafischen Einschränkungen sorgten dafür, dass die Spielwelt von Ocarina of Time – das Königreich Hyrule – recht karg und unwegsam daherkam. Aus Abenteuer wurde schnell echte Gefahr. Diese Detailarmut trug zu einer mysteriösen, verwunschenen Atmosphäre bei, die besonders in der hoffnungslosen Zeit nach dem Zeitsprung großartig wirkte. Die Welt schien groß und verlassen, was auf ein Kind damals schon einen prägenden Eindruck hinterließ.

Das beste Beispiel für mich ist da vielleicht die Hyrule-Ranch, die unser geliebtes Pferd Epona ihre Heimat nennt. Im Original – und ich basiere das jetzt wirklich nur auf Erinnerungen – schien das mit den Felsumrandungen wie eine Festung inmitten dieser offenen, vor allem nachts gefährlichen Steppe. In dem Trailer ist es eine kleine Farm in Indiana geworden. Ein anderes Beispiel wäre der Wasserfall bei den Zoras. Klar, da glitzert jetzt was, die Wassereffekte sind für Nintendo genial, da ist viel stimmiges grün unter und über Wasser – aber der Wasserfall scheint selbst nur ein Schatten seiner selbst zu sein.

Das muss alles nichts heißen, die Erinnerungen bleiben natürlich. Ich freue mich total, dass ich jetzt mit dem Remake neue machen kann.

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Mit seinem Faible für Zombies, Gewaltgrad und Sexszenen war Game of Thrones nie ein Franchise, das leicht einen Weg zu einer LEGO-Kooperation finden würde – trotz den geteilten staples wie Rittern, Burgen und Drachen.

A Knight of the Seven Kingdoms ist ein Spin-off, das leichtfüßiger und süßer anmutet. Auch hier kann ich mir nicht wirklich Sets oder sowas in naher Zukunft vorstellen, aber angesichts dieser aggressiven Markstrategie, die einerseits Kinder mit affluenten Erwachsenen als Stammklientel austauschen versucht und mit überraschenden Sets aufwartet (Ich hätte z.B. nie an Sets für Tim und Struppi oder Wallace and Gromit gedacht, geschweigedenn Dragonball), würde ich niemals nie sagen.

Bis möglicherweise dahin gibt es aber schon jetzt dieses wunderschöne MOC von Rebelnili auf Rebrickable. Gezeigt wird eine Szene, die mir seit Beginn des Jahres mindestens einmal pro Woche irgendwo im Netz aufploppt und mein Herz erwärmt. Sehr, sehr cute und auch weniger protzig als viele andere Dioramen; könnte dezent auf einem Heimkinoregal viel hermachen.

Die Baukosten belaufen sich auf rund 100€, wenn man die Steine allesamt kaufen müsste, was ich für einen verrückt hohen Preis halte. Als Set sollte so etwas niemals mehr als 40, vielleicht 50€ mit Lizenzbonus kosten. Aber diese Zeiten sind leider vorbei.

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“bogus” ist die erste Single vom neuen fog lake Album hollowbody, das am 13. November erscheinen wird. Aaron Powell aka fog lake wäre nicht der erste Künstler, der mir auf die Frage nach meiner Lieblingsbands bzw. -musiker in den Kopf schießt, doch schon seit seiner ersten EP Inference (III) aus dem Jahr 2013, die ich bis heute mindestens einmal im Monat aufsuchen muss, ist er ein ständiger Begleiter gewesen. Total cool einen Künstler von Anfang an zu begleiten, Veränderungen zu sehen und “bogus” ist dahingehend schon überraschend. Als ich die Push Notifcation sah, wurde mir beim Gedanken “neue fog lake Musik!!!11” sofort warm ums Herz und dieser neue Song – vielleicht auch das dazugehörige Album? – ist etwas more upbeat als sonst, etwas sperriger, lauter, mehr noise. Definitiv weniger Katzengejammer (Ich meine das liebevoll!). Das ist ja auch mal spannend!

The post Musikvideo: fog lake – bogus appeared first on PewPewPew.

Wishys zweites Studioalbum Nature’s Pill ist heute raus! Angesichts der warmen Töne, melodischen Hooks und dem 90s-Vibe eine verdammte Schande, dass das Album nicht schon früher im Juni oder generell Sommer erschien. Definitiv eine der besten Platten des Jahres!

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Spaßiger Logo Generator für The Legend of Zelda: Ocarina of Time von Pixelframe, der weitere Zelda- und andere Logos auf seiner Webseite anbietet und auch in einem Making-of sehr detailliert offenlegt, welche Arbeit in sowas reinfließt.

The Legend of Zelda: Ocarina of Time is set to return as a remake for Nintendo Switch 2 on November 5, 2026, and the red stone lettering that defined the 1998 original is not making the trip. The remake swaps it for a gold, weathered logo in the style introduced with Breath of the Wild.

That makes the original logo worth preserving. The Ocarina of Time logo generator on this page rebuilds it from scratch: an oversized capital, red rock-textured letters, a lit edge and a shaded edge, and the Hylian Shield and Master Sword planted behind it all. Type a title and the small lines above and below it, pick a background, and download the result.

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Maybe one of the most interesting, exciting, proto-iconic and also expensive(I guess?)-looking music videos in recent memory — with choregraphy in the current year — for one of the most atrocious non-songs of all time. Like, what the actual fuck?

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It’s a shot effectively well, Cregger’s play with light in all his films has been great and naturally by extension his jumpscares. The film does everything you could wish for as a fan of the franchise (and videogames for that matter, you don’t need to have played any of them to get all references), both mechanically and when it comes to the worldbuilding.

Its execution is undercut tragically by a supremely bad ending imo (Cregger is 3 for 3 for me here) and a surprising amount of attempts to contrast the gory goopiness with humor, both in dialogue and slapstick to a less annoying degree. Which is – even though I’ve never played any of the games – something I’m sure a lot of fans will just not vibe with, as they’re the most edgy, bigoted crowd of gamers there is.

This contradiction was reflected in many interviews, which makes me feel like Cregger’s read on the games and the community is just off slightly. Which is a shame because for the first hour or so, the film’s escalation is haunting and visceral.

It’s maybe telling that, just as the dread starts pounding in the second act, the arrival of new characters veers the film off the road. I guess you could read this as some kind of meta commentary many entries in the series itself, but why derail your own movie that way; especially since you’re not following any specific storyline to begin with?

I also wish the movie had more balls to drop the whole Michelle storyline altogether because as much as I like Austin Abrams (he’s delivering an all-time bozo performance), no one is here for his character. Would’ve been more immersive as well, and more honest.

Rating: 3.5 out of 5 stars

I’ve decided that – in the spirit of owning my own work – I will put longer Letterboxd reviews on here as well. They’re in English, but that’s okay. You’ll do just fine.

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In Brasilien gibt es eine Sage über das Fabelwesen Boiuna, das häufig als große schwarze Schlange auftaucht und Fischer aus seinem Gebiet verjagt. Beware Boiuna macht daraus einen Horrorfilm mit einer Riesenschlange im Amazonas-Regenwald, den ich im Genre immer noch frisch finde und dessen Gefahren – ob tierische, Cannibal Holocaust-esque oder die Wildnis selbst – auf mich immer noch eine große Wirkung entfalten können. Ein Shot eines horizontweiten Dschungels finde ich da zum Beispiel schlimmer als viele andere Horrorstaples. Werner Herzog lag da schon richtig.

Im Trailer sieht das schon ziemlich spaßig aus. Die Effekte eher so lala (Bootszene gut, Baumattacke eher weniger), aber bisher sind die Kritiken recht solide und daher bleibe ich mal bei Vorfreude. Als Kind sah ich Anaconda wahrscheinlich viel zu früh und dann viel zu oft und bis heute finde ich einige der Kills verdammt effektiv. Der Streifen hat sicherlich ein Platz in meinem Herzen. Ich erinnere mich ganz gut an diverse Samstagabende, an denen ich die Sequels in der Videothek auslieh und regelrecht enttäuscht wurde. Da fanden sich schon ein paar coole Kills (ich meine mich an so eine Sumpfszene zu erinnern, wo die Anaconda zwischen allen so herumschwimmt?), aber grundsätzlich war das eher Direct-to-DVD-B-Cash-In-Trash als gute Horror.

Der große Sommerspaß des Jahres, The End of Oak Street, konnte ja ebenfalls für mich völlig überraschend mit einer Titanoboa aufwarten und die Szenen gehörten für mich definitiv zu den Highlights des Films. Da gibt es diesen einen Moment, in dem das Vieh kurz vor einem Angriff direkten Blickkontakt mit der Kamera hält, den ich wahnsinnig beängstigend finde. Da kommt eine Urangst in mir hoch.

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Die New York Times will wissen, welche die besten TV-Serien des 21. Jahrhunderts sind. Dafür hat sie viele Kritiker, Kreative und Influencer gefragt und auch wir Leser*innen dürfen 10 Picks einreichen. Die Auswahl lässt sich dadurch erklären, dass eher Lieblingsserien oder spannende idiosynkratische Picks die Nase vorn hatten als Genre- oder mediumdefinierende Meisterwerke. You don’t need me to tell you The Wire is great.

Müsste ich eine Top 20 erstellen, wären sicherlich noch Louie, Girls, Atlanta, Arrested Development, House of the Dragon, Chernobyl, Eastbound & Down, Nathan For You, True Detective, Boardwalk Empire unbedingt auf der Liste. Sicherlich lässt sich auch diese Ansammlung ergänzen, aber insgesamt fasst mich das dann doch sehr gut zusammen.

Bereits im letzten Jahr hat die New York Times das ähnlich für die besten Filme gemacht, meine Liste findet ihr hier.

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Beatles-Historiker werden die Ankunft von Dark Paul nicht verkraften.

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Ich kann mich nicht erinnern, wann zuletzt ein DokumentarFILM so gut ausgesehen hat. The Act of Killing/The Look of Silence, maybe? Fielder treibt seine Masche hier cineastisch auf die Spitze und einen Karrierehöhepunkt. Nachdem ich bereits den enigmatischen, magnetischen Teaser Trailer bestimmt zwei Dutzend Mal sah, belasse ich es hier bei einem Mal und sage nur: Wow! Gigantisch große Vorfreude und auch das sichere Gefühl: Er wird hierfür den Best Doc Oscar gewinnen.

Fun Fact: Der Film erhielt ein R-Rating für “graphic nudity”. Ohje!

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Brad Birds Aura ist in diesem Trailer zu seinem lang gereiften Film Ray Gunn, für den er bereits in den Neunzigerjahren das Drehbuch schrieb, in jedem Bild zu sehen. The Iron Giant. The Incredibles. Ratatouille. Klar, das gebührt Aufmerksamkeit, wenn der einen neuen originellen Animationsfilm rausbringt. Dazu ist der Film mit seinem retrofuturischen Design und der Detective Noir-Erzählung in der Zukunft wie gemacht für mich like, that’s my shit.

Aber: Tomorrowland. Ja, auch Ghost Protocol. Aber: Tomorrowland. Auch der hatte einen Trailer, der mich hoffen lief; selten wurde ich je so enttäuscht von einem Film, der geradezu befremdlich endete. Genau wie bei Andrew Stanton (ebenfalls Aura: A Bug’s Life, Finding Nemo, WALL-E) und John Carter waren die Ausflüchte des Pixar-Braintrusts in die Live-Action eher gemischt, finanziell definitiv vernichtend. Also zurück zu dem, was man kennt. Stanton machte Finding Dorie und wirkte bei vielen guten Sci-Fi-Serien mit.

Bird hingegen machte sich recht rar. Es kam The Incredibles 2 und obwohl der sich lange von Fans gewünscht wurde, wirkte das wie eine Flucht für mich. Und diesen Rückzieher-Vibe konnte der Film für mich nicht abschütteln. Beim dritten Teil zeichnet er sich nur noch für das Drehbuch verantwortlich.

Ray Gunn wirkt wie so ein letzter Versuch, nochmal aus alledem herauszukommen und wirkt dabei doch total gefangen. Ich war erschrocken, angesichts des Settings, dass der Film nur ein PG-Rating haben wird. Und wenn auch an dem Stil prinzipiell nichts auszusetzen ist – der Trailer sieht gut aus! -, wirkt das doch etwas aus der Zeit gefallen. Als hätte man die Spider-Verse-Zäsur komplett verpennt. Das seit Jahren herumgereichte Konzeptposter versprach zumindest einen ganz anderen, in meinen Augen vielversprechenderen Zeichentrickstil.

Die derivativen Designs helfen natürlich auch nicht. Der Trailer verspricht einen guten Film ohne Kanten, der sich visuell sehr bekannt anfühlt. Wie Hausmannskost aufbereitet vom Michelin-Sternekoch. Auch hier das Problem, dass der Film vielleicht einfach zu spät daherkommt. Ein R-Rating würde hier trotz des generischen Trailers vielleicht doch mehr Mut machen, noch einiges im ganzen Film entdecken zu können.

Aber ey, trotzdem habe ich irgendwie Bock drauf! Wäre Ray Gunn auf Netflix, wo er erscheinen wird, jetzt schon abrufbar, ich würde ihn sofort anmachen.

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Heute vor 40 Jahren, am 22. September 1986, startete die erste von insgesamt vier Staffeln ALF und – bitte nicht erschrecken – lief über 99 Folgen (bzw. mit drei einstündigen Specials, d.h. eigentlich 102 Folgen aufgeteilt in der Syndication). Wahnsinn, sowas ist heute unvorstellbar. Die Erstausstrahlung im deutschen TV begann dann im ZDF ab 1988.

Ich habe ALF wohl zum ersten Mal in Wiederholung auf RTL II, Sat.1 oder definitiv später Kabel 1 gesehen in den Neunzigern und frühen Zweitausendern und bin bis heute großer Fan. Mir gefiel die Figur als nerviger, snappy Kauz schon als Kind und ich befürchte, das hatte bei mir eine Zeit lang zu sehr abgefärbt. Wahrscheinlich habe ich deshalb bis heute ein Faible für ihn. Natürlich teilen wir auch eine gewisse Affinität für Katzen.

Vielleicht spielt mir meine Erinnerung einen Streich, aber meine Wahrnehmung bleibt, das ALF ein richtig großes Ding war. Auf Flohmärkten sehe ich bis heute unglaublich viel ALF-Kram, von DVDs über meine geliebte ALF-Tonne bis hin zu random CDs. So war das früher: Ein paar Songs auf ‘ne Platte zusammengepackt, ALF draufgeklebt als Vermarkter und fertig, das Ding hat sich verkauft wie warme Semmel.

Sowas ist heute kaum mehr vorstellbar, ALF ist wirklich so ein Sitcom-Superstar gewesen, der binnen kürzester Zeit überall mit einer Zeichentrickserie, Hörspielen und Kinderbüchern war. Dabei war nach dem unrühmlichen vierten Staffelfinale plötzlich Schluss. Nur knapp vier Jahre war ALF ein aktives Phänomen, dann zog NBC den Stecker.

Hinter ALF – eigentlich ja Gordon Shumway – steckt Paul Fusco, der die Figur kreiert hat. Er diente der Serie als Co-Creator mit Tom Patchett, Director, Writer, Producer und natürlich war er auch die Stimme von ALF (Ich fand die deutsche Synchro immer viel passender für die Figur als das Original!); größtenteils also eine Ein-Mann-Show. Ihm sicherte NBC eine weitere Staffel zu, entschied sich aber anders. So kam es, dass ALFs vermeintliche Entdeckung durch die “Alien Task Force” nicht nur der Cliffhanger der Staffel wurde, sondern das Serienende.

Einige Jahre später haben NBC Execs Fusco gegenüber das Ende bereut. Der ließ wiederum nicht locker und produzierte mit ABC einen Fernsehfilm ohne die Tanners. Project ALF aka ALF – Der Film lief bei uns ebenfalls 1996 in den Kinos und ich erinnere mich gut daran, wie enttäuscht ich über das Szenario bzw. den Ausgang des Cliffhangers alleine basierend auf den Trailern war. Die Idee war jedoch immer, dass ALF auch in der fünften Staffel auf einem Militärstützpunkt gewesen wäre. Wohl aber mit den Tanners dann?

Später versuchte Fusco immer wieder einen Neustart mit der Figur, diverse Reboots scheiterten. Zunächst war das ALF’s Hit Talk Show, die aber gar kein so großer Hit war und 2004 nur für sieben Folgen lief. Hier der Pilot auf YouTube:

Vor etwas mehr als zehn Jahren gab es Meldungen, dass ein CGI-Reboot anstünde. Daraus ist nichts geworden. Fusco gilt als Perfektionist, der schnell ungeduldig wird mit anderen Leuten. Mental Floss hat da vor einiger Zeit eine fantastische Oral History zur Serie zum 30. Geburtstag festgehalten, in der viele bekannte Gesichter zu Wort kommen und das genügend Details besser zusammenfasst als ich.

Irgendwie schade, denn leider überraschen mich solche Geburtstage und Jubiläen immer und dann verfasse ich hier kurz ein paar Gedanken und halte fest, aber eigentlich könnte ich zu ALF auch einen PewCast machen.

Kein Post zu ALF wäre komplett, wenn ich nicht die leider recht beliebte (?) bzw. bekannte Synchro-Parodie mit saarländischem Akzent anmerken würde, die ich noch nie lustig fand und ganz ehrlich ziemlich schrecklich finde als Ganzes. Einzelne Sprüche daraus – weil ich’s mahn han, usw. – wurden durchaus recht kultig.

Wünsche ich mir ein ALF-Comeback, ein letztes Aufgebot? Nein, das Ding ist natürlich durch. Alle Beteiligten sind zu alt, die Nostalgie für die Figur ist eine Randnotiz und der liebe Melmacianer hat auch seinen Dienst erwiesen. Ich finde ihn als zeitlichen Referenzpunkt immer ganz nützlich und witzig. Im Sinne von Ja, genau, das ist ALF. Checkt ihr?

Den ALF-Film habe ich bis heute nicht geschaut. Es fühlt sich nicht so an, als hätte ich etwas verpasst; aber vielleicht ändere ich das ja zum Jubiläum: ein letztes Mal ALF!

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Reading Maps came out of a nagging thought that every story has happened somewhere. Odysseus crossed a real sea. The Pequod sailed real water. Phileas Fogg’s eighty days ran on real railways and real steamer lines and that you could follow him in a way.

Es handelt sich hier um ein offenes Community-Projekt, jeder kann sich anmelden und mitmachen, u.a. auch mitdiskutieren über die Genauigkeit. Ich habe zum Beispiel gerade mal die Reise von Cormac McCarthys The Road anvisiert und da bin ich mir nicht so sicher. Ich habe den Roman mehrfach gelesen, die Geschichte ist mir wohl vertraut und grundsätzlich stimme ich mit der Route auch überein: Kontinentalamerika, Südosten, Weg durch die Appalachen, nahe Tennessee, Richtung Panhandle. Aber grundsätzlich geht es ja weniger um einen genauen Ort als ein universales Gefühl eines entrückten Ortes. The Road spielt überall und nirgends. Insofern: Cool, but take it with a grain of salt! (via eay)

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Skinwalker ist so ein Begriff, der im Internet und besonders in Horror-Communities oft wie selbstverständlich benutzt wird. Mir war der Begriff bis vor fünf Minuten unklar. Ja, irgendwas im Wald und etwas, das schreit – so wird es schon sein. Ein Monster eben. Scheinbar aber ist es eine böse Hexe, die sich als Tier verkleidet. Die Grenzen und Definitionen sind da etwas schwimmend, der Ursprung geht auf die Navajo Nation zurück. In dem Bereich ist mir dieser Begriff auch geläufiger, also irgendwas mit Wüstensteppe. Gab es nicht auch mal einen Dokumentarfilm über Skinwalker/Alien-Angriffe auf eine Farm oder sowas?

Naja, wie auch immer, jedenfall gibt es hier einen postapokalyptischen Film namens Hollow Trees in Irland, ja genau. Basiert auf einem überzeugenden Kurzfilm, den ich hier unten eingebunden habe. Visuell überzeugt er mich fast mehr als die Bilder vom Spielfilm, der noch nirgends ein Startdatum hat. Hoffentlich findet der irgendwann mal den Weg ins Streaming wenigstens, weil ich dieses Konzept schon ganz witzig finde.

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Jeden Frühling sieht man immer wieder die schrecklichen Bilder: Lange Schlangen von Bergsteiger-Touristen auf der letzten Etappe in der Todeszone des Mount Everests. Über 7.200 Menschen sind bisher in den letzten 73 Jahren zu einem der entlegendsten Ort auf der Welt gestiegen. Aber nur eine Handvoll davon kletterten bis 2025 über die so genannte “Super Direct” Route, also über das Hornbein-Couloir, zwei Steilschluchten an der Nordseite des Bergs. Dieser Weg ist technisch noch schwieriger, kein Millimeter für Fehler ist hier möglich. Reinhold Messner nannte sie “die vielleicht schönste Route am Berg” – und ist sie selbst nie geklettert.

Das Free Solo-Team um die Regisseure Jimmy Chin und Elizabeth Chai Vasarhelyi, inzwischen geschieden, hat einen neuen Abenteuer-Film über Jim Morrison gedreht, dem nicht nur die Besteigung über diese Route gelang. 30 Jahre lang ist sie niemand geklettert, es ist eines der letzten großen Abenteuer, die der Berg bereithält. Morrison war dann auch als erster Mensch auf Ski den Berg über den Weg wieder runter. Mit ihm waren elf weitere Personen auf dem Gipfel, darunter Sherpas, Kletterer und das Filmteam um Jimmy Chin. Chin berichtete letztes Jahr auf Instagram davon. Am 30. Oktober läuft Everest: The Other Side, gefilmt mit IMAX-Kameras, in den amerikanischen Kinos an. Bei uns in Deutschland soll der Film im Januar in den Kinos starten.

Speaking of: Tom Hiddleston wird in Biopic Tenzing über die Erstbesteigung des Mount Everest zu sehen sein. Sir Edmund Hillary sieht er nicht unbedingt sehr ähnlich, aber das spielt eine geringere Rolle, denn das Biopic wird aus der Perspektive von seinem Partner Tenzing Norgay erzählt. Das fühlt sich richtig an, auch wenn der Trailer nicht mit großen Momenten oder Bildern aufwartet. Passend dazu: In Select Theaters und streambar ab 16. Oktober auf Apple TV.

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Jedenfalls: Zum Start der neuen Staffel hat 3D-Grafiker und App-Dev Charly Delaroche, der sonst mit Apple Maps arbeitet, die beiden Silos 17 und 18 als interaktive Karte gebaut. Das Menü fährt auf einfachen Klick die Kameraperspektive automatisch zu dem angeführten Ort im Silo und erklärt dort mit einem Begleittext sowie Zitaten sehr gut den Handlungsort. Man kann sich aber auch frei bewegen. Ich habe versucht nicht so genau hinzuschauen und mich trotzdem leicht gespoilert. Also: Achtung!

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Das Cosy-Game-Genre zieht mit Miniopolis in die Großstadt. Tiny Glade ist ein Bausimulator und Sandbox zugleich. Es gibt keine Story, keine Ressourcenbegrenzungen oder sonstige bekannte Features des Aufbaugenres. Der Spieler kann einfach bauen, wie er will – cozy halt.

Während Tiny Glade damit und einem Burgen-/Mittelalter-Setting riesigen Erfolg feierte, konnten Spieler*innen bei Hozy Zimmer einrichten wie bei The Sims – nur eben ohne Sims und ohne Arbeit.

Miniopolis wird dabei die Sim City-Funktion in diesem Genre erfüllen, hier lässt sich nämlich eine Großstadt mit typischen Innenstadtfeatures in die Höhe ziehen. Dazu gibt es auch unterschiedlich Belichtungsmöglichkeiten und einen Modus, der uns durch die Straßen der selbstgebauten Stadt schlendern lässt.

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In meinen Augen sind Conans Talente in einem Podcastformat verschwendet, aber er hat damit natürlich Erfolg und ist man heute überhaupt noch Celebrity, wenn man keinen Podcast hat? Wesentlich wichtigere Fragen stellte er sich und Simpsons-Schöpfer Matt Groening sich in der neuen Folge von Conan O’Brien Needs A Friend. Dabei musste Conan seinen Gast kaum von sich überzeugen, die beiden kennen sich seit über 30 Jahren aus der Zeit, als O’Brien noch im Autorenteam mitwirkte.

Conan steuerte zwar nur dreieinhalb Folgen bei, diese haben es aber in sich. Er ist Autor der legendären Monorail-Folge, von “Homer Goes To College” und der “New Kid on the Block”-Folge über die süße neue Nachbarin, in die Bart sich verliebt. In dem Video oben diskutieren die beiden Regeln, wie und was bei den Simpsons funktioniert und was nicht. Also wieso Homer zum Beispiel eigentlich als plumper Depp dargestellt wird, manchmal aber mit cleveren Referenzen überrascht. Super spannend und Conans von Natur aus gegebenes Verständnis erklärt hier schön, wieso die Folgen bis heute ikonisch sind.

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Die legendären Briten bei Aardman Animations haben mit der Pokémon Company einen fantastischen Deal geschlossen und eine Stop-Motion-Serie im Stil ihrer Erfolge Shaun das Schaf oder Wallace & Gromit produziert. Unter dem Banner “Pokémon Tales” – so meine Vermutung – erscheinen in Zukunft wohl mehrere kurzweilige Serien für Kinder mit süßen handanimierten Pokémon wie schon bei Pokémon Concierge (2025, Netflix). The Misadventures of Sirfetch’d & Pichu heißt die neue Serie auf Disney+, erscheint 2027 und kann mit den beiden Hauptdarstellern natürlich zwei absolute Fanfavoriten anbieten und dazu eine spaßige Dynamik anzubieten, die die Popkultur in den letzten Jahren von The Last of Us über The Mandalorian bis zuletzt A Knight of the Seven Kingdoms dominiert hat. Das wird sicherlich ein großer Familienspaß.

Wenn das “Pokéversum” so aufgebrochen wird, würde ich mir aber auch vielleicht mal eine Legacy-Serie oder so etwas wünschen für ein älteres Publikum? Klar, Pokémon ist das größte Franchise auf dem Planeten und aus gutem Grund. Die kontinuierlichen Erneuerungen und der stetige Fokus auf jüngere Fans haben es zu einem generationenübergreifenden Phänomen gemacht, das uns noch lange beschäftigen wird. Aber ältere Fans wie ich, die jetzt nicht mit Karten scalpen wollen, hätten vielleicht auch ein bisschen mehr Spaß an einer Fortsetzung der alten Geschichten um Ash, oder? Also ich habe das natürlich auch mindestens 25 Jahre nicht mehr aktiv verfolgt und weiß daher nicht, wo Ashs Reise endete. Ich bin da neugierig und es dürfte mir nicht alleine so gehen, auch wenn für viele (vor allem jüngere Fans) Ash nicht mehr selbstverständlich in einem Atemzug zu nennen ist oder stellvertretend für alles steht.

Am Rande: Während der Recherche habe hierzu habe ich gerade erfahren, dass Aardman auch eine neue Pingu-Serie produzieren soll?! Mega!

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The internet is full of forgotten films, and this archive is a growing library of that collection. When synthetic footage can now fabricate the past, preserving verifiable history matters more than ever before. übersetzt auf deutshc

Es handelt sich hierbei logischerweise um viele staatlich produzierte Inhalte, aber auch viele Filme mit abgelaufenem Urheberrecht lassen sich hier finden.

Ich habe mich da gestern Abend mal ein bisschen durchgeklickt und natürlich auch nach Katzen gesucht und ein paar Tränchen verdrückt. Hier lassen sich ein paar Stunden gut und gerne verlieren. Tolle Ressource und sehr wichtig. Auch, weil es so ein bisschen der Letterboxd-Effekt ist: IMDb existierte natürlich bereits mit ähnlichen Funktionen, aber diese Webseite hier sieht einfach sexier aus als das Internet Archive.

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Andor und Rogue One bewiesen jedoch, dass es auch anders geht: Hier flossen spürbar so viele Gedanken in Charaktere, ins Setting und das Worldbuilding, dass eine überzeugende visuelle Qualität logisch folgen musste. Je spezifischer die Vision und Erzählung, desto klarer das Design. Eigentlich eine klare Handlungsmaxime, oder? Serien wie The Book of Boba Fett oder Obi-Wan Kenobi verblüfften aber mit gegenteiligen Entwürfen: Unfertige Gedanken, unklare Vorstellungen und oberflächliche Drehbücher enden am Ende mit Bildern wie der Sandgrube, in der Vader und Kenobi das “Rematch of the Century” haben – in Wahrheit wohl das visuelle Lowlight der gesamten Star Wars-Saga.

Ich ramle hier diese paar Gedanken runter, weil ich diese vage Designsprache von Orten wie dem Star Wars-Themenpark im Disneyland, Galaxy’s Edge, eigentlich verabscheue. Dieses Amalgan aus diversen Space-Western-Einflüssen könnte auch Handlungsort einer Firefly– oder Cowboy Bebop-Folgen sein (No shade). Bis auf die ikonischen Raumschiff-, Waffen- und Charakterdesigns wäre man hier verloren. Insofern bin ich visuell eigentlich gar nicht so der Fan von diesem LEGO MOC, das einen Outpost im Outer Rim zeigen soll und dann doch exakt diese Merkmale teilt.

Die Umsetzung aber wie so oft spielt hier eine größere Rolle, denn die modulare Bauweise ermöglicht etwas, das die dänischen Franchise-Produkte sonst kaum noch liefern: Spielspaß. Ich spiele nicht mit LEGO-Produkten, aber ich denke mir häufig, dass auch die Raumschiff-Designs und anderen Spielprodukte für Kinder gar nicht so weit entfernt sind von den Display-Modellen für die Glasvitrine der Erwachsenen entfernt sind. Das kommt alles einfach so nackt daher.

Hier aber wächst und wuchert es aus allen Ecken, es gibt viel zu entdecken. Dazu wird es super schön präsentiert. Gefällt mir sehr und es würde mich echt freuen, auch wenn das mit Sicherheit nicht passieren wird, sollte LEGO mit Star Wars mehr in diese Richtung gehen. Etwaige Produkte wie der Yavin IV-Tempel von vor ein paar Jahren waren nämlich so spärlich ausgestattet, dass sämtliche Maßstäbe nicht mehr stimmten. Eine riesige Enttäuschung.

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Die Färöer sind auch ein absoluter Sehnsuchtsort für mich, mehr noch als das nahegelegene Island, das für manche vielleicht auch gedanklich näherliegt. Dieser wunderschöne Kurzfilm, gedreht auf 16-mm-Film, fungiert fantastisch als Transportvehikel. Irgendwann fahre ich dort auch hin, bewaffnet mit Kamera und einem Dutzend Rollen Film, und schieße die Fotos meines Lebens. Ich weiß das ganz genau.

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Ich bin kein wirklicher Comic-Sammler, so weit würde ich nicht gehen, denn eigentlich interessieren mich nur zwei Dinge: Star Wars Comics und ein paar frankbelgische Science-Fiction/Science-Fantasy-Szenarien von Künstlern wie LEO und Bec. Dennoch interessiert mich die ganze Welt ums Comic-Publishing und besonders die Musealisierung von Items und Collections sehr.

Jeden Sommer gehe ich meine Star Wars Abos durch, d.h. ich lese dann die ganzen monatlich erschienenen Geschichten in einem Rutsch durch. Danach werden die Hefte eingetütet, natürlich mit Backing Board, und in eine Kiste in einem Raum mit konstanter Temperatur und relativ konstanter Luftfeuchtigkeit bis zum nächsten Jahr gelagert. Dieses Jahr jedoch fiel mir auf, dass ein paar besondere Heftchen meinem Argusauge bisher entgingen und ich habe nachgerüstet.

Dazu habe ich mih ein wenig in die Vergänglichkeit von Kunststoffen eingelesen und gemerkt, dass die Hüllen von ein paar Sommern zuvor inzwischen gar nicht mehr so gut sind – es mussten also Mylar-Tüten her, das absolute Nonplusultra in Sachen Comic-Konservierung.

Und als die Heftchen dann allesamt schön dort lagen, fiel mir auf, dass einige der Exemplare in wirklich großartiger Verfassung sind. Obwohl ich nie mit dem Gedanken spielen würde meine Sammlung zu verkaufen, finde ich die Idee eines Gradings der Comics durchaus reizvoll – bis ich mich tatsächlich mal mit dem ganzen Thema beschäftigt habe. Die Kosten, das Risiko und besonders der teure Versand von Europa aus in die USA macht die Sache insgesamt nicht nur wirtschaftlich zur Nullnummer, sondern klingt alles in allem recht verrückt für mich.

Deshalb habe ich es gelassen. Ironischerweise stieß ich dann aber ein paar Tage später auf dieses Video, in dem ein Entwickler und Comic-Sammler den Robograder vorstellt – eine App, die per KI Comics analysiert, graded und dann ein Etikett ausspuckt, das für Privatverkäufe in Zukunft vielleicht wegweisend könnte. Grundlegend ist der Einsatz von KI zu hinterfragen und wird einen erfahrenen Experten mit einem geschulten Auge nie ersetzen können, aber als Alternative für die kartellhaften Grading-Services dient das allemal.

The post Comic DIY Grading App appeared first on PewPewPew.

Ich find’s immer noch recht crazy, dass ich dieses Jahr das Plattencover von Cambres Debütalbum Shoulder beisteuern durfte. Also eine Musikapp anzumachen und dann das eigene Bild sehen, während der geile Song spielt – das ist schon ein sehr schönes Gefühl. Der gleichnamige Titeltrack des Albums ist auch mein Favorit von der Platte; er bekam jetzt ein sehr schönes Musikvideo mit Road Trip Vibe. Tatsächlich gab es keinen anderen Song, der mir dieses Jahr im Sommer beim Autofahren mehr Spaß brachte. Toll, das Ding hier operiert einfach auf meiner Wellenlänge.

The post Musikvideo: Cambre – Shoulder appeared first on PewPewPew.

Dritte Singleauskoppling von Wishys neuem Album Nature’s Pill und für mich macht das 3/3. Ein Bop nach dem anderen. Super pumped für das Album, das am 2. Oktober erscheint.

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Monstera, Lochblatt, Fensterblatt – es gibt ja viele Namen für diese Zimmerpflanze, die irgendwie jeder schon mal hatte und die man überall findet. Aber bisher noch nicht aus LEGO! Der dänische Konzern feiert mit seiner Botanical-Themenreihe, die Sonnenblumen, Kakteen und andere gern gesehene Pflänzchen aus Klemmbausteinen nachbildet, einen Megaerfolg. Diese kurvigen, löchrigen Formen an dünnen Stielen sind aber wohl zu schwierig umzusetzen für kommerzielle Produkte.

Hier im Video zeigt der YouTuber hinter Brick by Brick Designs, welche komplizierte Technik dahintersteckt: Die Blätter fallen tatsächlich lebensecht, die Stiele biegen sich – ohne zu brechen – und alles sieht erstaunlich authentisch aus. Besonders die Animationen klicken hier sehr ASMR-mäßig. Tolles Video!

Ich finde Monsteras total dufte, aber die Teile sind giftig für Katzen und fallen daher raus. In diese LEGO-Steinchen würde meine Katze aber auch liebend gerne reinbeißen – insofern für mich auch keine Abhilfe.

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Shyamalans neuer Film Remain, dessen Stoff bzw. Buchvorlage er gemeinsam mit dem Autor Nicholas Sparks konzipierte, kommt in wenigen Monaten ins Kino. Dafür – aber wohl auch einfach um nach über 25 Jahren im Biz zurückzuschauen – kündigte der feinfühlige Auteur einen YouTube-Kanal an, auf dem er in Zukunft über sein Werk sprechen will. Und das erste Video, in dem er aus seinem Drehtagebuch zu Signs liest, hätte für mich als Riesenfan nicht mehr gemacht sein können.

This is my diary from making Signs in 2001. I haven’t gone back to read this in 25 years, but I wanted to go back and read it and share this experience here. It was harder to do this than I was expecting, but my hope is that maybe you can also learn something from it.

Finde es höchst faszinierend, wie kaputt er da wirkt und scheinbar mit letzter Kraft Szenen drehte, die ich nie in dieser Art hinterfragt hätte; Szenen, die ich immer und immer wieder sehen könnte. Der Schnitt rettet da sicher viel, auch die Darsteller, aber schon sehr spannend zu wissen, dass der Filmemacher selbst nicht mehr 100% geben konnte – denn das hätte ich nie gedacht, für mich ist das alles perfekt und ikonisch.

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Es soll Fans geben, die den sexy A-Wing mehr lieben als mich – aber viele können es nicht sein! Der YouTuber und Modellbauer Maker Mark kennt aber einen: Sein guter Freund hat sogar Ralph McQuarries legendäre Konzeptzeichnung auf den Unterarm tätowiert, die sich ja nochmal in einigen Aspekten vom finalen A-Wing unterscheidet – u.a. in der Farbe, wegen dem Bluescreen. (An dieser Stelle könnte man Rian Johnson für Tallie in The Last Jedi danken, aber er macht ja nichts mit ihr). Okay, chapeau der feine Herr. Weil er so ein guter Freund ist, hat er ihm das Ding basierend auf einem Modellbausatz custom mit Lichtern und allem drum und dran ausgestattet. Das Ding ist sooo hübsch. Ich würd’s nicht so hinkriegen, aber dieses Design gefällt mir noch ein Stück mehr als das on-Screen-Modell und vielleicht könnte ich das mal versuchen auch zu bauen? $275 ist aber recht viel für so ein Experiment. Zuerst reicht mir das Video. Immerhin fehlt mir auch z.B. noch eine Vakuumpresse und ähnliches Werkzeug, das hier eingesetzt wird.

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Movie Scene Map ist das Google Maps für Andrea Davids Filmtourismus: Auf der Weltkarte kann man sich rumklicken und Drehorte von Filmen finden. Der jeweilige Film kann nochmal ausgewählt werden, worauf dann alle Drehorte angezeigt werden. Ziemlich beeindruckend gemacht, funktioniert schnell und problemlos. Könnte sicherlich mehr Bilder vertragen, rechtlich wahrscheinlich schwierig.

Natürlich ist der zweite Screenshot hier von meiner Heimat dem Saarland völlig inkorrekt, wenn man die ganzen Tatorte mitzählt – was ja Letterboxd zum Beispiel tut. Ansonsten ziemlich trist für den gesamten Südwesten Deutschlands. Kein Horrorklassiker aus der Eifel? Keine cozy Winzer-Romcom aus der Pfalz? Die Völklinger Hütte bietet sich doch quasi perfekt an für einen postapokalyptischen Streifen wie Mad Max?!

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Ein “cozy adventure” mit Maschinenpistole und ein Motorrad, das fliegen kann?! Ich bin dabei! So ziemlich alles an Into The Wind finde ich süß und spannend: Das Setting, den Grafikstil, das Gameplay… alles irgendwie eine riesige Mischung aus Ghibli-Sachen wie Kiki’s Delivery Service und Porco Rosso, aber auch der Logik von Death Stranding und einem cartoonhaften Stil, der mich vor allem bei den Flugsequenzen an das wohl inzwischen popkulturell komplett vergessene und short-lived Battlefield Heroes erinnert, das ich sehr sehr sehr gerne spielte. Lässt sich   wishlisten auf Steam.

Drive, fly, and run deliveries together with your sentient motorcycle-plane, Ermes. Make friends, battle rowdy air pirates, upgrade your bike, decorate your home, explore the islands of Santa Rosa, and solve the mystery of your uncle’s disappearance. It’s time to build a new life, far away from the mainland, out here among the aviation crazy, freedom loving islanders and sky pirates!

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Beach Vacation zählt knapp eine halbe Million monatliche Hörer auf Spotify und ist seit vielen Jahren mit seinem fein destillierten Dreampop ein fester Garant für Sommerplaylists, haut hier für “Heal Again” aber zum ersten Mal ein Musikvideo raus. Krass! So ist das inzwischen, ganz normal leider in der Musikindustrie. Ist nichts Besonderes geworden, aber ich wollte diese Jungs aus Seattle auch mal im Blog haben.

The post Musikvideo: Beach Vacation – Heal Again appeared first on PewPewPew.

Was dreht man, wenn man eine Indieband ist, kein Geld hat und trotzdem ein Musikvideo zu einem Song veröffentlichen will? Crisman zeigt uns hier hauptsächlich Touraufnahmen und charmante Spiegeleffekte, aber das spielt keine Rolle, wenn der Song im letzten Drittel aus dem Nichts sich zu diesem BRETT entwickelt. Einer meiner Favoriten der diesjährigen Sommerplaylist.

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1. September, der Sommer neigt sein Haupt und die Tage werden kürzer. Ich kann das immer gut beobachten in dem großen Fenster links über mir, das eine komplette Süd-West-Ausrichtung hat und über einige Gärten hinwegschaut. Ein bisschen grün, dann Bäume, Hügel am Horizont und die Sonne. Dass ich jeden Abend den Sonnenuntergang sehen kann, wenn ich nur in meinem Wohnzimmer aufstehe, wird das Ausziehen hier irgendwann einmal sehr schmerzlich machen. Aber am Horizont sehe ich auch inzwischen, dass die Sonne links neben dem großen Baum untergeht und das ist für mich schon seit vielen Jahreszeiten das Zeichen des Wechsels. Das passiert zweimal im Jahr, erst im Mai und dann im September.

Für mich ist damit der Sommer vorbei und es war definitiv einer der besseren in meinem Leben, mit Sicherheit Top 10. Ich mache es nicht daran fest, merke es aber, wenn die zurückliegende Zeit sehr lang wirkt. Ein Nebeneffekt davon, wenn man viel macht, aus der Routine ausbricht, aktiv und bemüht nach Momenten sucht. Das ist mir sehr wohl gelungen diesen Sommer. Ich bin froh damit, auch ein bisschen stolz, weil ich merke, wie viel Energie das immer mehr erfordert, aus den bekannten Mustern auszubrechen. Ein Teil des Erfolgs war sicherlich auch ein Mindset im Sinne des Titels meiner diesjährigen Sommerplaylist You Can Put Me In Coach. I’m ready!

Auch cool, dass ich das jetzt seit zehn Jahren schon mache. Tatsächlich ein wahnsinnig hilfreiches Tool, um nochmal Erinnerungen aus den letzten Jahren aufzuwärmen oder so einen ganzen Sommervibe nachzufühlen.

Meine Sommerplaylist 2025: The Feeling Stuck
Meine Sommerplaylist 2024: The Comeback
Meine Sommerplaylist 2023: I Hear It Happens All The Time
Meine Sommerplaylist 2022: Going To The Sun
Meine Sommerplaylist 2021: American Water
Meine Sommerplaylist 2020: Lost Summer
Meine Sommerplaylist 2019: Dreamy Summer
Meine Sommerplaylist 2018: Night Drive
Meine Sommerplaylist 2017: Nostalgic for Summer

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I remember thinking, “I’ll remember this.”

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Als ich vor ein paar Jahren auf die Youtuberin brahkie stieß und ihre “normal san andreas review” sah, überkam mich so ein beschützendes Gefühl. Ich maße mir hier gar nicht an, irgendwelche Multiplikationspower mit dem Blog zu haben, aber so ein paar Sachen sind mir irgendwie zu süß, ja zu precious um selbst hier drüber zu schreiben oder das mit anderen Leuten zu teilen. Das fand ich besonders und ich wollte, dass es möglichst lange frei von Einflüssen bleibt.

Da ist wer, offensichtlich gerade mal Anfang 20 oder so, und sie vlogt als wäre es 2007 mit einem relativ deepen knowledge bezüglich Referenzen und dieser Ästhetik, die über das Benutzen einer Digicam hinausgeht. (Randnotiz: Ich war schon sehr stutzig, als vor zwei Jahren so dieser Trend darin peakte, dass die Abiturienten des damaligen Jahrgangs vieler ihrer Fotos absichtlich alt aussehen lassen wollten, indem sie eine Digicam aus den Zweitausendern benutzten. Was natürlich ironisch ist, denn – wouldn’t ya know it – aktuelle Handyfotos werden in ein paar Jahren schon genau diesen Zweck erfüllen. Naja.)

Inzwischen scheint sie nach einer längeren Uploadpause zurückgekehrt und auch keine Inside-Nischen-Vloggerin mehr zu sein, der mein Spezialinteresse “Nostalgie für YouTube 2007” bedient. Da sind inzwischen ein Discord und hunderttausende Abonnenten hinzugekommen, weshalb ich das jetzt auch einfache so teile.

Was ich beeindruckend an ihren Videos finde, ist nicht nur die passgenaue visuelle Dimension, sondern eben auch die Aufmachung, den Schnitt (or lack thereof), selbst die Videotitel fühlen sich stimmig an. Im neuesten Video “MY SUPER AWESOME CAR!!!” dreht sie eine Runde, aber ohne Stativ und mit der Kamera einfach auf dem Boden, während das Auto eine Runde dreht. BALL KNOWER.

Ich frage mich, was sie bewegt; weil diese ästhetische Zeitreise wäre ja annehmbar für alternde Millenials, die mit diesem nostalgischen Grind Klicks machen wollen oder ihre Midlife-Crisis bewältigen. Brahkie selbst scheint aber so jung, dass sie selbst keine eigenen Erinnerungen an die Zeit haben kann und es liegt hier schon mehr in der Luft als nur ein regressiver Wunsch nach einfacheren Zeiten bei GenZ, immerhin ist da ein Zimmer wie eine Zeitkapsel perfekt eingerichtet.

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Wie treu sich Kane Parsons, Regisseur und 21 Jahre jung, trotz des Erfolgs mit Backrooms bleibt und wie gut sich der Film mit seinen (Backrooms)-Szenen in sein größeres liminale Gesamtwerk schmiegt, zeigt dieser sympathische Upload. Parsons hat (ich vermute aus Langeweile in Erwartung des Filmreleases) eine “Extended Edition” gebastelt, die am Ende des Films den eigentlich Anfang zeigt, nämlich wie der erste Async-Mitarbeiter vom Rest des Teams getrennt und vom “Piratenmonster” verfolgt wird. Eigentlich aber geht es um eine nerdige Addition, die ein bisschen bemüht erscheint, diesen analytischen Zugang zu den Backrooms im Gespräch um den Film nicht gänzlich zu verlieren. Diese “Everything Must Go”-Edition läuft noch in den Kinos aktuell, doch ist bereits auf YouTube einzeln einsehbar. I just like that kid.

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Ein paar Stahlträger, ein Flachdach, jede Menge Glas, das einen weiten Blick über die Stadt bieten. Und klar, natürlich ist da auch noch der Blick auf die Klippe über den Pool, der das Bild abrundet. Vielleicht das ikonischste Haus von Los Angeles, definitiv das ikonischste aus der Reihe experimenteller Häuser von legendären Architekten, ist das Stahl House, auch bekannt als Case Study #22 von Pierre Architekt Koenig. Vertraut aus Filmen und legendär für sein klares modernes Design, macht es nur Sinn, dass auch das AD Video zu Stahl House das in meinen Augen bisher beste aller Zeiten wurde. Eben weil es nicht nur den Wikipediaeintrag einer Ikone nacherzählt, sondern weil die Kinder vom Bauherrn Buck Stahl selbst hier viel persönliche Geschichten und Fotos beisteuern. Sie erzählen davon, wie es war, in solch einem Gebäude groß zu werden. Sie kennen es als ihr Zuhause, wir als das coolste Haus in Los Angeles. Das führt zu einem besonderen Mix im Video, toll!

Random Mandela-Effekt (oder so?): Ich hatte bis zum Release gedacht, das Ding wäre beim Brand in Los Angeles letztes Jahr verloren gegangen und wurde durch den Upload doppelt freudig überrascht.

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Noah Kalinas gigavirales Video aus den YouTube-Kindertagen wird heute 20 Jahre alt. 27 Millionen Klicks wirken retrospektiv fast spottwenig, aber die Nullerjahre waren eben eine andere Zeit. Und wen die Simpsons parodieren, der ist sowieso unsterblich – zumindest war das damals so.

Ich bin ein großer Fan Kalinas seither, unter dem Video habe ich sogar einen fast genauso alten Kommentar von mir gefunden und eine ähnliche Aura in Kleinformat verspürt. Auf seinem Youtube-Kanal reflektiert er inzwischen wöchentlich seine Kunst extrem clever und witzig. Vor einiger Zeit habe ich auch über seine Gedanken zu Langzeitprojekten gepostet.

Witzig, wie das Video inzwischen recht überholt ist. Das 20-Jahres-Video zeigt immerhin viel mehr den Zahn der Zeit und den Wandel in Kalinas Geschicht und beruflicher Geschichte. Ein digitales Relikt aus einer anderen Zeit, genau wie unsere eigenen Digicam-Fotos. Eines der bewegendsten digitalen Kunstwerke, die ich kenne.

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Tim Curry hat nie etwas auf dem Spielfeld zurückgelassen, immer alles gegeben, egal in welcher Rolle – ob Muppets, Home Alone 2: Lost in New York, Rocky Horror Picture Show, Three Musketeers (ein personal fav!), Clue, It oder ja, genau, auch im Videospiel Command & Conquer, wo er wahrscheinlich die beste Line Read aller Zeiten gab. Die Art von Schauspieler, die in den Rollen verschwindet, weil sie durch seine Kunst so greifbar und dennoch überlebensgroß werden. Mehr geht nicht. RIP to the goat

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Ich bin erfreut: Das holt mich wieder mehr ab. Ich mochte durchaus schon “HOLE” von vor zwei Wochen, aber die zweite Singelveröffentlichung vom neuen Album, “WILDFIRE”, ist so das erste Anzeichen, dass Nick Rattigan sein Soloprojekt Current Joys wieder in vertraute Emosphären zurückführen wird. In den letzten Jahren verlor er sich in meinen Augen in so einer spätpubertären Coverphase, in der er Lil Peep ganz großartig fand. Okay! Jeder, wie er will. Aber es ist schon komisch, wenn ein Künstler über Jahre einem so ans Herz wächst (Das Bandprojekt Surf Curse veröffentlichte eines meiner Lieblingsalben des Jahrzehnts mit Heaven Surrounds You), nur um dann mit mehreren Projekten in meinen Augen willkürlich gegen etablierte Sounds zu rebellieren. Das war weniger Wachstum als Demonate. Bitte wieder mehr aus der Richtung vom Album Voyager sowie der Single “California Rain” aus 2024, das würde mir deutlich besser gefallen.

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Diese Bodycam-Games üben scheinbar eine Faszination auf mich aus, so oft wie ich in letzter Zeit darüber bloggte. Ich muss sagen, dass mit diesem “Trench Warfare”-Update wiederum eine neue Grenze überschritten wird. I’m too woke for this shit, sorry. Ich habe zu viele Kriegsvideos aus der Ukraine in den letzten Jahren gesehen, um nicht sofort die offensichtliche Inspiration hierfür zu erkennen bzw. dieses Footage für mehr als eine kurze Sekunde mit der Realität verwechselt zu haben.

Kriegsspiele, Killerspiele, etc. als Kontroverse will ich gar nicht stark thematisieren, aber bei all diesen Spielen war für mich immer eine Art der Absraktion vorhanden. Entweder eine zeitliche in den ersten Titeln Medal of Honor oder Call of Duty und Battlefield. Abstrakte Welten oder Settings wie Titanfall oder Arc Raiders oder The Finals oder bei den S.T.A.L.K.E.R.-Spielen. Hier wird diese Ebene komplett verwischt. Es ist der Versuch, das, also die gerade sich im Prozess befindliche Realität, ein Kriegsgeschehen, so genau und lebendig und greifbar wie möglich nachzubilden. Dabei geht es weniger um Geschichte, um Moral, um Figuren, sondern nur diese Erfahrungswelt. Und das ist einfach nicht in Ordnung. Idk man, maybe I’m getting too old for this shit.

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Das ist einfach so gut gemacht lmao I miss my friends.

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Wahnsinniger Trailer zum Spiel Stray Dog: nobody cares (das ist kein Typo), was in etwa so ein Mix aus Dark Souls und der Reverse-Version von John Wick ist. Die Beschreibung verrät: Ein Meister wird entführt und sein Hund schwört Rache. Daher greift der Vierbeiner zum Schwert des Herrchens und schnetzelt sich durch Fantasy-Horden.

Die Eindrücke in diesem Announcement Trailer stammen rein aus cineastischen Kamerafahrten und kommen ohne Gameplay aus. Alles in allem sieht das aus wie viele dieser Titel: Untertitel Soulslike-Spiele aus Asien – halt ein weiterer Beweis für die Dominanz der Asset-Bibliotheken von Unreal etc.

Der Titel ist wohl der schlimmste für ein Videospiel aller Zeiten. Sicher, dass es sich hier nicht wieder um ein KI-entwickeltes Spiel handelt? Kein Wunder also, dass auf der Gamescom, die diese Woche startet, mit über 700 Spielen eine Rekordzahl präsent sein wird.

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Es war wohl Schicksal oder so. Als ich neulich einen Suchaufruf für einen Star Wars Comic startete, der meine Sammlung komplettieren sollte, fand ich das Ding direkt am gleichen Abend bei eBay. Zwei Tage vorher eingestellt, da hatte ich die Hoffnung bereits aufgegeben. Es war nicht so, als wäre der Comic besonders selten oder teuer (am Ende ergatterte ich ihn für lächerlich 1,99€), aber er muss halt eben auch irgendwo angeboten werden. Und das ist 25 Jahre schon nicht unbedingt garantiert. Lange Zeit war er tatsächlich zum Sofortkauf angeboten und ich bin mir sicher, dass es nicht nur mir mit solchen Sachen manchmal so geht, aber ich hatte einfach das Gefühl, dass der auf mich warten wird. Nach über einem halben Jahr hatte ihn dann jemand anderes am Ende “weggeschnappt” und ich saß dumm da. Als würde mich das Schicksal auslachen wollen, gibt es inzwischen mehrere Angebote des Comics. Ich bin dran!

Meine Suche hat mich tatsächlich in ein paar interessante Ecken gebracht, wo ich ein zweite Exemplare von seltenen Variantausgaben für meine Sammlung fand. Andere wiederum waren mir völlig neu, es handelte sich dabei oft um Paninis Comic-Con Stuttgart Exclusives, die ich nun auch alle habe – glaube ich zumindest! Keine Ahnung wieso, aber mir bereitet dieses Comic Game gerade großen Spaß. Es ist extrem low stakes und einfach nett. Ich rede mir ein, dass es besser ist, als sich jetzt noch ins Pokémon TCG o.ä. einzukaufen. Nach vielen YouTube-Videos zum Comic-Grading und -Archivieren habe ich mich auch dazu entschieden, endlich mal ein paar Mylar Sleeves aus den USA zu ordern und in die Champions League des Archivals einzusteigen.

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Pretty accurate title, as you’d expect. Really fun track – very cool 90s/Britpop vibe. I could see play 10 times daily on Mtv back then. Kevin Krauter can do no wrong.

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Zwar habe ich auch jeden einzelnen Titel der Spielereihe in der Vergangenheit gezockt. Ein Hype für diesen neuen Teil bildet sich für mich jedoch nicht. Im Laufe der ständigen Verschiebungen und durch die endlos nervige Fanbubble hat sich bei mir im vergangenen Jahr die Entscheidung herausgebildet, dass ich das einfach skippen werde. Oder vielleicht auf die PC-Version warte.

Das sollte sich insgesamt als gute Entscheidung herausstellen. Denn sowohl die komplett unbegründete Preissteigerung, keine Disc-Version, Robux-like Gerüchte, und auch das Ausbleiben von Gameplay-Teasern kreieren doch eigentlich unterm Strich das Gefühl, dass das Spiel so ziemlich alle schlimmen Trends der Gamingindustrie verkörpert und deshalb scheitern sollte. Das wird natürlich nicht passieren. Aber ein RDR2 übersetzt in moderne Zeiten klingt jetzt auch nicht so spannend, wie man sich das vielleicht vorstellt.

Der Entschluss, erstes Gameplay exklusiv auf Netflix – also hinter einer Paywall – zu veröffentlichen, setzt dieser gesamten, verkorksten Marketingkampagne natürlich die Krone auf. Der gewählte Zeitpunkt zur Gamescom ist dazu extra arschig gegenüber anderen Spieleentwicklern – als hätte man selbst zu dieser Zeit keine andere Minute frei für andere Spiele. Man kann den Leuten an den großen Hebeln bei Take-Two eigentlich nur Böses wünschen. Bereits in der Vergangenheit wurden Kapazitäten für GTA Online geschürt, um literally Geld zu drucken, während andere Franchise wie Max Payne vernachlässigt wurden.

Genau habe ich mich nicht eingelesen ins Thema, aber jemand lädt gerade wohl von einem Build aus dem letzten Jahr relativ fertige Spielsegmente und Cutscenes irgendwo hoch, die ihren Weg auf Social Media finden. Ein bisschen Häme ist hier durchaus erlaubt, will sagen: Ich verspüre Schadenfreude. Ich verstehe nicht, warum die Leute das alle so hypet.

Im neuesten Clip fliegt die Spielfigur Jason in einem Doppeldecker durch Not-Miami und es sieht größtenteils aus wie eine Mischung aus Microsofts Flight Simulator und diesen near-reality graphics mods. Das soll das Spiel aller Spiele sein? Ist das nicht einfach zu groß und real? GTA kreierte doch immer diese satirische, überhöhte Form unserer Realität. Wieso wollen jetzt alle, dass sie fast lebensecht abgebildet wird? Was ist da der Reiz?

Rockstar sitzt derweil wohl auf heißen Kohlen, während im Hintergrund nach diesem Typen gefahndet wird. Es ist schon witzig, dass man nicht einfach den Move pullen kann, den auch Marvel oder andere Studios in der Vergangenheit gepullt haben in solchen Fällen: Einfach selbst raushauen. Da der Gameplay-Trailer vertraglich bei Netflix Premiere feiern muss, gibt es aktuell nur Funkstille und man kommt nicht vor die Welle. Das ist schon sehr ironisch und durchaus witzig. Wer Pre-Orders zu den Preisen für einen Code verlangt, obwohl nichts gezeigt wurde bisher vom eigentlichen Spiel, der darf auch für einen Moment ausgelacht werden.

In ein paar Monaten wird sich wohl niemand mehr daran erinnern.

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Der Oasis-Sommer letztes Jahr war mega geil und bereue es inzwischen doch sehr, dass ich nicht stärker um Tickets für diese wunderbaren Shows kämpfte. Für 2027 wird eine Tour gemutmaßt, dann auch hoffentlich auch endlich auf Mainland-Europe, ihr Drecksbastarde.

Bis dahin gibt es den Film Don’t Look Back In Anger in IMAX-Kinos, der wohl halb Doku, halb Konzertfilm sein wird. Kann man also nachholen, was verpasst wurde. Hype für nächstes Jahr aufbauen. Mit Ausnahme der Oscars 2011 habe ich noch nie einen Konzertfilm im Kino gesehen, dabei sind das ja inzwischen seit vielen Jahren gute Geldquellen für Kinos. Keine Ahnung, ob da der Funke für mich auch überspringen würde. Ich hatte erst befürchtet, dass das so ein US/UK-Ding sein wird, aber auch deutsche Kinos werden den Film zeigen. We’re so back.

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Ich freue mich sehr über die Rückkehr dieser Ästhetik, ich war schließlich da.

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Avengers: Doomsday hat nichts zu bieten, so viel ist mehr als klar. An dem Special Look einer D23 Präsentation ist nichts speziell, die Bilder sind visuell ebenso lasch, ausgewaschen und abgedroschen wie eh und je sowie auf eine besonders tragische Art bemüht, groß zu wirken.

Aber je mehr von der Geschichte – wenn man sich überhaupt begrifflich so weit aus dem Fenster lehnen will – nun bekannt wird, desto mehr scheinen zwei Sachen recht klar: Marvel gelingt diese notgedrungene Kehrtwende mit Doom überhaupt nicht. Rückblickend ist es sogar fahrlässig, wie er als Figur in dem Fantastic Four Film keine Rolle spielt, ja mit Ausnahme der Mid-Credits nicht einmal in irgendeiner Weise auftaucht.

Und zweitens, wie sehr mich dieses Drehbuch an Kane Parsons Interpretation der Backrooms erinnert, in denen die Realität bis zur Unkenntlichkeit prismatisch verfälscht wird. Die Einzelteile sind noch da, sie sind erkennbar, aber der Kontext geht verloren.

Patrick Stewart, der als Professor X zum dritten Mal stirbt. Aber an der Wohl erneut alle Spider-Men. Rebecca Romijn al s Mystique, aber nicht im ikonischen Full-Body-Makeup. Channing Tatum, der erst als Gambit gecastet wurde, nur um nach einer gescheiterten Verfilmung dann als Gag wiederzukehren und nun einfach regulär mitzuwirken. Doom, der das Universum wie Thanos vor eine Wahl stellt und aufhaltbar scheint. Er gewinnt mutmaßlich, nur um dann im Sequel Secret Wars sein Wirken revidiert zu bekommen, alles wieder auf Anfang gesetzt wie nach Endgame.

Das offensichtlichste Beispiel dafür ist Robert Downey Jr. in der Rolle natürlich selbst. Er spielte erst Iron Man und dominierte das Franchise, den Blockbuster, die 2010er Jahre. Nun kehrt er in einer anderen Rolle zurück, wohl als “Variant”, wie Loki sie im MCU einführte. Kopien. Varianten. All the same. A copy of a copy of a copy. AI all the down, inhaltlich wie visuell.

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Dann: Fes steht für Frank Erik Schmitt, ein Musiker aus meiner Heimatstadt Saarlouis. In der Zeit als ich nicht genug bloggte (was ich nun bereue, wie cool wäre hier jetzt eine Referenz zu einem 7 Jahre alten Fund!), stieß ich zufällig beim Stöbern nach Schallplatten auf dieses Cover vor dem Klim Bim, einer mir und schon den Eltern bekannten Kneipe in unserer Altstadt. Ich ging nach Hause mit dem Ding and fell in love. Jeden Sommer höre ich “Urlaub dahemm,” “Die Katz” singe ich im Kopf mindestens einmal in der Woche und “Sommernaad” ist ein wahrer Banger. Will sagen: Wichtige Platte in meinem Leben.

Bis vor ein paar Jahren war das alles online, leider sind die Lizenzen inzwischen wohl ausgelaufen, weshalb eben – Stichwort physical media – diese Entdeckungen dem Heiligen Gral in nichts nachstehen. Heute fand ich diese Single im Bunde mit dem Album, von der ich gar nicht wusste, dass es sie gibt! “Altstadtking” ist so ein verheißungsvoller Titel; ich höre mir das morgen an und zelebriere das richtig.

Und natürlich: Die ALF-Tonne! Ja, Mann, checkt ihr?! Ich sah das Ding und wusste sofort: Muss ich haben. Wusste sooofort wo das Ding stehen wird. Die ALF-Tonne! Scheinbar ist das eine Sitztonne – also quasi ein Hocker -, für die ein paar Verrückte bei Ebay aktuell 90€ für vergilbte Exemplare fordern. Das heißt: Nicht nur ein magischer persönlicher Moment, sondern ein richtiges Schnäppchen gemacht. Die ALF-Tonne wird eineb integraleb Teil meiner Lebenswelt darstellen. Weder werde ich mich mit meinem dicken Arsch da draufsetzen, noch sie als Mülltonne oder dergleichen zwecktentfremden. Sie wird einfach da stehen und mich glücklich stimmen. Die ALF-Tonne!! Ihr checkt, oder?

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Große Sorge um Star Wars-Fan (38): Mann mit neuen Produktbildern konfrontiert! Okay, nein, ein Grund zur Freude ist der erste Teaser zur zweiten Staffel von Ahsoka nicht – aber ganz so leblos und schlimm wie noch vor über drei Jahren (!) sieht das auch nicht aus.

Es gibt wohl mehrere Space Battles, einige aufmunternde Fananalysen wollen hier insgesamt drei verschiedene erkennen. Nice! Dazu kommen ein paar neue Designs bei der Neuen Republik, dynamischere Shots bei Lichtschwertduellen und das wohl mit Abstand Wichtigste: Lars Mikkelsen sieht viiiel besser als Thrawn aus und nicht mehr wie ein blau geschminkter Elon Musk.

Ein bisschen liegt das alles an der Tatsache, dass die Produktion in die Pinewood Studios umgezogen ist. Trotzdem bleibt man beim Volume, welches schon hier in vielen Shots in all seinen hässlichen Limitationen zu erkennen ist. Mary Elizabeth Winsteads Look bleibt uncanny, wie bei so ziemlich allen anderen kaum wiederzuerkennenden Rebels-Charakteren in diesem Stealth-Rebels-Live-Action-Sequel. Denn das ist Ahsoka nun mal. Da muss man sich nichts vormachen.

Inhaltlich bleibt Dave Filonis Erzählung im Rahmen einer Teenager-Geschichte: “Live… or die!” und “Are you a Jedi… or not?!” – Wow, groundbreaking stuff! Ihr “Trial”? Sie hat Maul besiegt, mehr noch als Obi-Wan! Ahsoka ist Ende 40 hier, mind you. Ahsoka is a jedi in all but name!

Auch vor den Szenen mit Hayden Christensen graut es mir, egal ob es um die kaum veränderte Schüler-Meister-Beziehung auch 30 Jahre später oder einen möglichen Exar Kun Geist Flashback geht. Das ist doch alles lahm und regressiv.

Am meisten ärgert mich, dass hier ganz ungeniert Thrawns Kampagne aus Heir to the Empire in dieser Serie adaptiert wird. Die TIE-Bomber tragen hier relativ klar die Plasma-Jet Mole Miners, die er benutzt, um die Sluis Van Schiffswerften der Neuen Republik anzugreifen. Diese Bohrmaschinen werden als unübliche Enterschiffe benutzt und so auch in der Serie scheinbar eingesetzt: Diverse Shots zeigen Soldaten der NR, die nach oben blicken, wo gerade Funken fliegen und sich etwas durchbohrt.

Das war wohl zu erwarten nach der ersten Staffel. Dennoch ist es einfach pervers, dass Filoni seine Kreationen nimmt und in die beliebteste aller EU-Geschichten verpflanzt. Und dann kommt die Frage: Dürfen dann am Ende womöglich Deepfake-Versionen von Luke, Leia, Han und Chewie kurz auftreten und die Kuh vom Eis bringen? Das ist ganz düstere Aussichten.

Nerdy Side-Stuff: YouTuber EckartsLadder will hier einen Super-Laser bei Thrawns Schiff erkannt haben, ähnlich wie bei der Eclipse aus Dark Empire. Lucasfilm betreibt also weiterhin Grabräuberei und Rosinenpicken beim Post-Endor Expanded Universe.

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Drei Tage lang spielen King Gizzard and the Lizard Wizzard mit befreundeten Bands den ganzen Tag auf einem Feld in Colorado Musik. Field of Vision heißt das eigens kreierte Festival für den Weirdo Swarm, der gerade den Release des neuen Albums Alien Metal feiert – nicht mein Ding, weil wieder elektronischer Schmarrn wie The Silver Cord, aber trotzdem wie immer “always good” und eben ein ganz eigener, erkennbarer Sound. Das Ganze wird natürlich wieder komplett umsonst auf YouTube gestreamt. Live hat das heute Nacht deutscher Zeit doch mehr gepoppt und mir eher zugesagt. Warm werde ich damit aber sicher nicht. Die Live-Performance von “Magma” heute Nacht hat mich aus meinem Schlaf gerissen, like, “no, I need to wake up for this.” Krank!

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Der perfekte Sommerabschluss: Phoebe Bridgers kehrt nach sechs Jahren mit ihrem dritten Album zurück. Es ist phänomenal gut. Lieblingstracks: “Governors Waltz”, “Kill Me”, “Lost Weekend (Reprise).” Der “Titel Track” “Lost Boys” gefällt mir nach mehrmaligem Hören auch inzwischen viel besser, u.a. auch dank diesen süßen Live-Auftritten im TV. Fuck, vielleicht muss ich das doch live sehen?!

The post Musikvideo: Phoebe Bridgers – I Can’t Wait appeared first on PewPewPew.

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Vor mehr als zehn Jahren waren Death Cab for Cutie bereits einmal bei NPR zu Gast und spielten ein Tiny Desk Concert – ein Mix aus damals neuen Releases und Fanfavoriten. Heute gibt es zum neuen Album I Built You A Tower ein weiteres Konzert, inklusive meinem Lieblingstrack “Stone over Water” sowie zwei Klassikern “Title and Registration” sowie “Soul Meets Body” von den personal diamond platinum Platten Transatlanticism und Plans, bei denen hier kein Auge trocken blieb. Very underrated core millenial shit.

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Dieser neue Trailer zu Hope ist der Beste und alle anderen sollten vom Erdboden verschwinden. This is how it’s done.

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Mit der Static Hour meint man im Broadcasting eine vorprogrammierte, festgelegte Stunde Radiozeit. In dem gleichnamigen Spiel übernimmt man die Rolle eines Redakteurs in den Achtzigern, der die Nachtschicht beim Kleinstadtsender WDRP übernimmt.

Nun hat man es als Spieler selbst in der Hand, die Sendezeit für “Breaking News” zu unterbrechen. Als Berichte eintreffen über Familienmitglieder, die sich gegenseitig beißen, kann man selbst entscheiden über Wahrheit und Angst: Sieht man sofort die Zombieapokalypse am Horizont und will die Leute warnen, verbreitet man Panik. Lässt man die Sache einfach laufen, sterben eventuell mehr unschuldige Menschen, die keine Chance hatten, sich vorzubereiten.

Das Spiel erzählt das aus einer isometrischen Kameraperspektive, ähnlich wie Project Zomboid – also fast wie ein Prequel. So einfach machen die Entwickler es aber nicht, denn der Spieler kann durch seine Entscheidungen den Ausgang der Geschichte wohl selbst beeinflussen. Klingt sehr cool, erinnert mich stark an den Indieklassiker Pontypool mit ganz ähnlichem Setting und sieht im Trailer schon wirklich hübsch retromäßig aus.

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Yes, but not to change anything, just to see it all again.

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The post Musikvideo: Abbie Ozard – Tyrant appeared first on PewPewPew.

You see how this looks, right? Yeah, fucking great. Pattinson doing a voice, Hansen shown as the unhinged freak he is, cinematography out of this world. Moving images are back!

I think Pattinson has a real chance this year. Hansen is the unhinged character/performance voters like and the film seems dirty in a Real Movie Oscars sense. He’s also had an immense year and Dune Part 3 will be out making waves when voting happens. It’s bit of a McConaissance situation.

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Ich sammle die Serien seitdem der Dino-Verlag mit der Veröffentlichung von Issues im Juni 1999 bzw. von Sammelbändern (hier “Sonderband” genannt) ein paar Monate danach begann. Gelesen, geliebt, eingetütet (mit Backing Board versteht sich), für die Nachwelt sicher fernab von UV-Strahlung und anderen schädlichen Einflüssen verpackt. Manche davon sogar in Top Loadern. Ja, die sind teilweise mehr wert als die Comics selbst, aber das ist nur eine Metapher für meine große Liebe.

Jetzt kommt’s: Ich besitze sie alle. Alle bis auf einen. Es fehlt: Star Wars: Angriff der Klonkrieger (2 von 2) aus dem Mai 2002 und – super wichtig – in der Comicshop-Edition mit dem Variant-Cover. Und die Suche danach gestaltet sich schwierig – vielleicht bin ich aber auch blind?!

Denn weder auf eBay noch auf Seiten von anderen Comic-Händlern wurde ich bisher fündig bzw. wurden mir dann sogar manchmal falsche Comics zugesendet. Denn nein, ich suche die Edition mit dem Variant-Cover, hier “Comicshop-Edition” genannt. Das überforderte einige Händler leider. So sieht er aus:

Ich habe ihn auch bei Comic-Läden wie der Sammlerecke bestellt, wo mir dann die falsche Version geliefert wurde und auf Nachfrage wenig geholfen wurde leider, denn der Kollege mit Ahnung wäre erst demnächst wieder im Haus. Na toll, vielen Dank.

Auch auf passenden Discords deutschen Star Wars-Communities blieben meine Anfragen unbeantwortet, ja sogar gänzlich unbeachtet.

Kurzum: Ich bin verzweifelt. Ich hätte diesen Comic gerne. Ich will meine Sammlung vervollständigen. Hast du ihn und willst du dich davon trennen? Gerne auch für einen absurd hohen Betrag? Dann schreib mir bitte eine Mail mit einem Angebot an mail ät pewpewpew punkt de und fülle dieses Loch in meinem Herzen.

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The first good Holland Spider-Man movie since Homecoming. Probably as good as they’re gonna get under this leadership, and way too long and full! Lots to like and enjoy still, amazing swinging sequences that feel alive, a great score (I’m not hating a movie that opens with “Wolf in Me,” hello?!) but come on, the glaring poblem at the heart of these movies is Holland himself, who – besides looking really old here! Call Garfield’s hair fixer immediately! – can look either sad or constipated.

I have never believed his love story with MJ and this movie rests more heavily on it than ever before. Despite this being their fourth Spidey movie together and Zendaya being literally his wife at this point, I just don’t feel their chemistry on screen. I don’t see it, it never comes alive for me, it’s really sad. I don’t understand the Jean Grey thing either, as it completely dissolves all tension and antagonism from the movie. Same with MJ’s boyfriend who just simply disappears from the movie?!? I also also hated Spider-Man’s money issues again not being addressed in any real sense and all that entails. It’s absolutely central to the character!

And on top of that, I understand wanting some of those Insomniac’s videogame-y map features because that is fun and moves the plot forward but through AI facial recognition that Peter himself employs — are you insane?! I guess, in general, I’m not a fan of how these last few Marvel movies have ended with everyone hugging their feelings out in some trippy, metaphysical head dimension. But then you get to the “I’m both” scene, and none of that really.

Rating: 3.5 out of 5 stars

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Das ist in letzter Zeit meine Art Lieblingsgenre bei Onlinevideos. Eindrücke vom Himmel, oder so.

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Passend zum heutigen 30. Jahrestag der Erstveröffentlichung von A Game of Thrones von George R.R. Martin: Ein hübsches, kleines LEGO MOC im Retrostil, als wäre es passend zur Literatur in den Neunzigern in der Castle Themenreihe erschienen.

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Dank der Wayback Machine des Internet Archives konnte ich ihn schließlich doch noch aufspüren – und ihn hier für die Nachwelt retten.

Der Wald als gefährlicher oder unheimlicher Ort hat schon viele Filmemacher fasziniert. Sascha Brittner von pewpewpew.de hat sich zum Kinostart von THE FOREST näher an die bösen Wälder der Filmgeschichte herangetraut:

Absolute Dunkelheit: Heather und ihre zwei männlichen Begleiter sind aufgewühlt, denn bereits in der zweiten Nacht in Folge hören sie in einem Wald im US-Staat Maryland sonderbare Geräusche. Sie schalten ihre Kamera ein und filmen in die Dunkelheit hinein. Totenstille – doch plötzlich ist ein Geräusch zu hören. Ein scheinbar natürliches, dumpfes Geräusch, als ob ein morscher Ast auf Gestrüpp am Boden fällt. Dann folgen hellere Geräusche. Ein Stein, der auf eine Wand trifft. Vielleicht ist es ein Tier, das einen Steinrutsch auslöste? Doch plötzlich ist das Geräusch wieder zu hören. Und wieder. Es wird stärker. Rhythmischer. Bald wird klar, dass „etwas“ dort draußen mit der Angst der Gruppe spielt. Und dann sind Fußschritte zu hören…

„Blair Witch Project“ (1999) schafft mit einfachsten filmischen Mitteln diese Angst wie kaum ein zweiter Film im Subgenre des „Wood-Horrors“ effizient und packend einzusetzen. Es wird eine unheilvolle und verdächtige Atmosphäre des Waldes kreiert – ohne auch nur ein Monster oder die titelgebende Hexe zu zeigen. Das Kunst des Films liegt darin, das sich der Horror in den Köpfen der Zuschauer abspielt.

„Das älteste und stärkste Gefühl ist Angst, die älteste und stärkste Form der Angst, ist die Angst vor dem Unbekannten.“ H.P. Lovecraft, der Meister des übernatürlichen Horrors

Wälder haben schon seit Anbeginn der Menschheit einen Ruf als Ort des Übernatürlichen. Das lässt sich vor allem evolutionsbiologisch erklären. Vor Millionen von Jahren erhob sich Homo Erectus, um über die Sichtgrenze der Steppe herannahende Feinde zu erkennen und auch Wild jagen zu können. Somit konnte der Mensch sich eine Übersicht verschaffen, seine Welt nach seinem Blick und Willen prägen. In den dichten und unübersichtlichen Wäldern mit einer vielschichtigen Flora und Fauna, die mysteriöse, unheilvolle und schwer zu identifizierende Geräusche hervorbringen, verliert man schnell den Überblick und die Kontrolle.

Diese Angst vor den Wäldern ist bis heute tief im Menschen verwurzelt: sich in der Dunkelheit zu verirren, wo niemand die eigenen Hilfeschreie hören kann oder in Notsituationen auf sich selbst gestellt zu sein, ist für viele DIE Horrorvorstellung. Inmitten von Bäumen und Sträuchern fühlt man sich als Mensch der übermächtigen Natur hilflos ausgesetzt.

Man muss nicht unter Hylophobia, der irrationalen Angst vor Bäumen und Wäldern leiden, um bei diesen Szenarien eine Gänsehaut zu bekommen. Für nahezu alle Menschen ist die Angst der Protagonisten in diesen Situationen sehr rational und nachvollziehbar. Wälder sind groß, dunkel, geheimnisvoll, verwachsen und beherbergen mittelgroße Tiere, die mitunter dem Menschen gefährlich werden können. Wälder bieten nur wenige Rückzugsmöglichkeiten.

Diese Angst vor dem Unbekannten machen sich Filmemacher seit Jahrzehnten zu Nutze. Die Filmwälder sind meist dunkel und schwierig zu durchqueren. Ihre Opfer fahren in den Wald zur Erholung, wollen in einer Hütte entspannen oder mit Freunden ein Abenteuer erleben und begegnen stattdessen einem blanken, vorzeitlichen Horror. Natürlich wird das noch oft gesteigert: Die Figuren verlaufen sich nicht nur im Wald, sondern werden gleichzeitig von einem mörderischen Verrückten gejagt. Dann doch lieber Strandurlaub.

Schon in Grimms Märchenerzählungen finden sich pädagogisch wirksame Warnungen vor Wäldern wieder. Sei es die Gefahr durch den trickreichen Wolf im Rotkäppchen oder die prototypische Hütte im Wald, bzw. ein Lebkuchenhaus wie bei Hänsel und Gretel, in der die böse Hexe haust.

Das Setting ist sogar so genreprägend und omnipräsent, dass es titelgebend für Drew Goddard und Joss Whedons modernen Klassiker THE CABIN IN THE WOODS fungierte. In ihrer meisterhaften Dekonstruktion des Subgenres wird der Wald mit seiner Hütte im Zentrum zur buchstäblichen Bühne, die durch eine detailreiche Logistik hinter den Kulissen unterstützt wird – und all das nur, um den Atem der Zuschauer zum Stocken zu bringen.

Inzwischen müssen Filmemacher schon mehr bieten, als nur mit der Urangst zu spielen. Sonst läuft der Film Gefahr, nur das zum Klischee gewordene Setting für exploitative Teeniestreifen zu bedienen. Doch es gibt spannende Ansätze, die die stereotypische Darstellung durchbrechen. In dem vielleicht berühmtesten Beispiel des Genres, EVIL DEAD, wird der Wald wie auch bei THE FOREST selbst zum Antagonisten. Das buchstäbliche Böse sucht Wurzeln, Äste und Sträucher heim, die in einer berühmt-berüchtigten Szene eine der Hauptfiguren vergewaltigen.

Auch in M. Night Shyamalans THE VILLAGE gibt es eine Warnung vor dem Wald. Shyamalan stellt sich jedoch dem Unbekannten und fragt, ob das bekannte Übel, das den Menschen innewohnt, nicht viel größer ist als die Bedrohung von außen? Sein Wald dient auch als Schutz oder als Barriere vor der Außenwelt, die womöglich noch schlimmer als die unbestimmte Angst vor dem Ungewissen sein kann.

In TUCKER DALE VS. EVIL wird die Angst vor dem Unbekannten auf den Kopf gestellt. Die liebevollen Rednecks stoßen nahe ihrer Hütte im Wald auf eine Gruppe junger Menschen, die sie für verrückte Mörder halten. Die stereotypischen Opfer werden daher aktiv und wollen sich ihrem mutmaßlichen Schicksal nicht beugen. Das hilfsbereite Redneck-Duo sieht sich fortan auf Grund eines bloßen Missverständnisses mit dem eigenen Tod konfrontiert. Ein totlustiger Überlebenskampf beginnt.

Doch bei aller Liebe für dekonstruktive, humorvolle und abwechslungsreiche Ansätze, die die Erwartungshaltung des Zuschauers überraschen, geht doch nichts über einen gepflegten Horrorstreifen im Wald wie THE FOREST. Auf sich alleine gestellt, wird Sara (Natalie Dormer) mit ihrer Fantasie sich selbst zum schlimmsten Feind… Es lebe der Waldhorror!

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“This is something you’d see as a 4 year old and remember for the rest of your life” in the comments lol ja! Ich glaube ich habe nur einmal über Dan Hentschel hier gepostet, obwohl ich so viel davon abfeier. Klar, viel miss, aber einige Hits, die instant zu Internetklassikern wurden. Das hier ist eine sehr witzige Therapy Homework Parody.

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Zwei Filmszenen für die Ewigkeit. Manche kriegen nicht einmal eine. Das macht mich sehr, sehr traurig. RIP

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Also, nein, keine politische Behauptung von Noch-Nur-Kanzler Sheev Palpatine während der Klonkriege, sondern eine physische Feststellung, nachdem Star Wars Lore-Master EC Henry hat in seinem neuen Video nachgemessen hat. Keeping them honest!

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Hot off the presses: Die erste Single vom neuen Album von Greg Freeman. Sehr wohlige Klangfarben, die er aus seiner Gitarre da zaubert.

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Ich habe dieses Video sehr genossen, weil es die positiven Vibes der Convention wunderbar einfängt.

Für uns, die leider zu Hause bleiben mussten und die Mutter aller Cons nur aus der Ferne verfolgen konnten, stechen naturgemäß vor allem die großen Film- und Serienankündigungen hervor. Gehen wir sie einmal gemeinsam durch.

Resident Evil wird der Horrorfilm des Jahres

Kennt ihr das Gefühl, dass sich einfach von der ersten Ankündigunge über die ersten Bilder bis zur Trailer-Vermarktung einfach alles “richtig” anfühlt? So geht es mir mit Resident Evil von Zach Creggar mit Austin Abrams in einer Erzählung, die mehr die Spielmechaniken und die Vibes als nähere Plotelemente etablierter Narrativen übernimmt für einen Film, für den ich inzwischen enormen Hype hege. Dieser neue Trailer zeigt sehr viel vom Anfang, wo sich einfach alles stimmig anfühlt. Die Suche nach den Waffen, der Munition, die Schubladen, das Verhalten der Gegner… Das wird für mich wohl einer der Filme des Jahres, da muss sonst schon recht viel passieren.

Endlich ein erster Teaser zu Blade Runner 2099

ENDLICH Bilder von Blade Runner 2099, der Amazon-Serie mit Michelle Yeoh und Hunter Schafer in den Hauptrollen. 2019 – 2049 – und jetzt 2099. Der Sprung in die Zukunft ist nochmal größer als der vom Originalfilm zum Sequel und ein halbes Jahrhundert nach dem Ende von Blade Runner 2049 haben die Replikanten gewonnen. Denis Villeneuve und dem Drehbuch von Michael Green ging es zwar thematisch um eine Auflehnnung, die Revolution mutet aber größtenteils abseits der Bildfläche an. Ich habe den Film gerade nochmal nur angemacht, um mich diesbezüglich zu vergewissern – und ihn dann doch nochmal ganz geschaut lol. Wahnsinn. Die beiden Filme stehen sich in Nichts nach, es grenzt an ein Wunder. Die gleiche Hoffnung traue ich mich nicht für diese Serie zu hegen, alleine der Trailer ist visuell schon ein step down. Statt dem regnerischen Neon Noir gibt es eher “sunshine noir”, so die zumindest die Showrunnerin in Interviews. Die Idee ist, dass Hunter Schafer als Mensch in dieser Welt sich als Replikant ausgeben muss und hofft, zu “passen” nicht entdeckt zu werden. Daher ist ihr Casting schon mal inspired und interessant.

Mit Blick hinter die Kamera findet sich aber durchaus einiges an Talent. Die Kameraarbeit übernimmt Rob Hardy (Alex Garlands Mann: Civil War, Ex Machina). Für das Kostümdesign ist Helen Huang (Station Eleven) verantwortlich. Für das Szenenbild wurde unter anderem Paul Inglis (Blade Runner 2049) zurückgeholt. Ridley Scott zeichnet sich als Produzent verantwortlich. Für mich Showrunnerin Silka Luisa noch das größte Rätsel. Mit ihr steht und fällt das Ding. Es heißt, dass Drehbuchautor Michael Green ebenfalls beteiligt wäre, aber in dem Wiki zur Episodenliste sucht man ihn vergebens. Das ist sehr schade, denn gerade seine Vision dieser Welt Jahrzehnte später, inklusive den großartigen Worldbuilding-Kurzfilmen, war integral für den Erfolg von 2049. Bei Blade Runner 2099 handelt es sich um eine abgeschlossene Miniserie, eine zweite Staffel ist nicht geplant. Die Serie hätte also Zeit, diese dunklen Ecken weiter zu beleuchten und viel Zeit für die Post-Produktion gab es ebenfalls. Wäre sehr schade, wenn die Serie zur Enttäuschung wird.

The Rings of Power lässt Sauron endlich Sauron sein

Speaking of Enttäuschungen von Amazon Prime …. ayyyyy! Während es zur ersten Staffel noch einen am Ende recht versöhnlichen PewCast gab, habe ich die zweite Staffel von The Rings of Power nur noch halb katatonisch wahrgenommen. Mir ging es da nicht alleine so. Das scheint bei Herrn Bezos angekommen zu sein. Im Autorenraum wurde viel rotiert und die dritte Staffel setzt vor allem auf Sauron: Der Eine Ring wird geschmiedet, die Harfoots kommen nicht mehr vor, Gandalf ist Gandalf (wenn er auch hier im zweiten ZA nichts zu suchen hat), etc. Man will jetzt abliefern, so der Gesamteindruck. Na dann, bitte…

Lanterns sieht im neuen Trailer doch ganz gut aus

I have no dog in this fight but… Lanters sah bisschen recht kagge aus, oder? Statt kosmischer, grenzenloser Vorstellung laufen da zwei sehr gute Schauspieler durch den Südwesten der USA und wenn man dann Kostüme sah, waren die nicht mal grün.

Ich glaube, dass Damon Lindelofs Beteiligung hier diese DCU-Serie auf ein Watchmen-Niveau heben kann und die CGI-Action scheint nun für den Trailer endlich vorzeigbar. Alles in allem wirkt das runder. Mal schauen, ob ich da wirklich einsteige und wenn dann nur für Lindelof, Pierre und Chandler, weil DC-Helden und vor allem das GL Corps mich eigentlich null interessieren.

Apple TVs Neuromancer-Adaption

Für mich das größte Ding bei der SDCC 26: Apple veröffentlicht endlich einen Trailer zur Neuromancer-Adaption (Es gibt übrigens auch eine gute deutsche Adaption des WDRs!). Tja, was will man sagen? Der erste Shot trifft sehr gut die erste Zeile des Buchs, alle scheinen perfekt gecastet, der Look der Figuren stimmt, und die Serie wurde auf Film gedreht und mutet Cassette Futuristisch an. Es ist sehr wichtig, dass die Adaption eines Stoffes, der so einflussreich für viele Filmklassiker war und jetzt wie John Carter so verspätet kommt und daher ironischerweise wie ein Abklatsch wirken könnte, einen eigenen Look hat. Ich denke, das ist der Serie hier gelungen im Ersteindruck.

Witzig, dass dies nach Foundation schon die zweite Apple-Serie ist, die sich einen Stoff vorknöpft, der als unfilmbar galt. Danke, Steve Jobs!

Der Matchbox-Film sieht natürlich fürchterlich aus

Ja, und hier kann man eigentlich das ganze Lob wieder zurücknehmen. Alles, was Apple TV bei den Serien richtig macht, machen sie bei den Filmen falsch. Das ist wirklich witzig, wie man einmal auf HBO-Niveau konkurriert und dann wiederum David Ellisons Skydance Kacke da onlinestellt. Peinlich!

Ich bin kein Matchbox-Kind gewesen und mir ist das auch egal, aber was hat dieser Film denn an Autostunts oder auch überhaupt Automomenten zu bieten? Dem Trailer nach wohl kaum etwas.

The Transformers: The Movie kehrt zurück in die Kinos

Zum 40. Jubiläum kehrt der Transformers-Film in die Kinos zurück und am Ende soll es wohl neues Material zu sehen geben, das auf eine mögliche, direkte Fortsetzung deutet. Ich habe den Film nie gesehen, aber wenn der auch hier in deutschen Kinos laufen wird, geb ich mir das mal.

Dark Matter wird in der 2. Staffel noch komplexer

Ich mochte Dark Matter sehr und freue mich auch grundlegend auf die zweite Staffel, aber ich bin ehrlich wenn ich sage, dass man es auch bei einer Staffel hätte belassen dürfen. Wenn ich das richtig verstehe, hat man in der ersten Staffel das Buch von Blake Crouch doch komplett adaptiert. Da er Showrunner ist, konnte er bereits in der Adaption einiges anpassen und darf nun über das eigene Buchende hinaus seine Ideen weiterspinnen. Eigentlich cool, aber da die vielen Nebenfiguren nun wichtiger werden und ebenfalls weitreichende Entscheidungen treffen werden, wird das alles noch sehr viel komplexer und könnte eventuell einige Zuschauer verlieren. Ein riskantes, aber doch sehr spannendes Unterfangen. Ich bin dabei!

Hasbro bringt hübsche Zelda-Figuren auf den Markt

Toy- und Print-mäßig ist die SDCC einige reine Enttäuschung in meinen Augen. Bei den angekündigten Star Wars-Figuren regt sich bei gar nichts; höchstens finde ich vielleicht den angekündigten Thermal Detonator hübsch, den ich mal gerne für eine Minute in der Hand halten würde.

LEGO setzt seine Star Trek-Reihe fort mit der Brückenszene der originalen Enterprise, aber die Umsetzung (es gibt nich einmal einen Boden) für den Preis ist eine bodenlose Frechheit.

Alle Jahre wieder werden Sideshow-Quality-Jurassic-Figuren angekündigt, die dann doch nicht erscheinen. Dieses Mal stellte Factory Entertainment Prototypen vor, die mehr oder weniger wie Ian Malcolm und Alan Grant aussahen.

Das einzige Highlight für mich war die Ankündigung Hasbros, Zelda-Figuren auf den Markt zu bringen. Und sie sehen ziemlich grandios aus. Check them out, courtesy of Hasbro:

Weil ich mit diesn Tears of the Kingdom/Breath of the Wild-Versionen persönlich nicht so viel anfangen kann, warte ich noch auf die Ankündigung von der Ocarina of Time-Version. Aber dann greife ich 100% zu, die sehen super aus.

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Ich mag den Flohmarkt auf dem IKEA-Parkplatz bei uns in Saarlouis überhaupt nicht. Da stehen jedes Wochenende immer wieder dieselben Leute und dazu besteht knapp ein Drittel des Flohmarkts, je nach Wetterlage auch vielleicht sogar die Hälfte, aus diesen riesigen Ständen mit billigen Klamotten und Werkzeugmassen. Sachen, die vom LKW gefallen sind halt. Das ist für mich nicht Flohmarkt. Trotzdem bin ich wieder hin, auch weil ich letzte Woche nirgends war und ich auf eine längere Fahrt woandershin keine große Lust hatte. Ich sollte es nicht bereuen, denn hier fand ich mehrere alte Star Wars-Bücher aus dem Expanded Universe in exzellenter Condition. Ich habe das noch nicht gecheckt, aber ich bin mir ziemlich sicher, dass ich sie schon besitze. Aber total egal, denn der Verkäufer wollte nur je ein Euro dafür und das war blind einfach mal das Schnäppchen wert.

Dabei war auch dieses Buch: Star Wars – Das Diplomatische Korps: Die Aufnahmeprüfung. Ich halte mich für recht bewandert, was Star Wars-Veröffentlichungen angeht, doch dieses Teil ist mir noch nie unter gekommen. Also noch nicht mal irgendwann online gesehen oder so. Ich bin davon extrem fasziniert, weil ich noch nie vom Diplomatischen Korps gehört hatte. Es handelt sich dabei um eine Art In-Universe-Führerscheinprüfung für angehende Diplomaten des Imperiums. So ein bisschen wie PoWi studieren in einer weit, weit entfernten Galaxis. Totales Geek-Ding also, spricht mich natürlich an, und ich hätte es gerne schon 1998 kurz nach der Veröffentlichung gehabt, um die Popkulturquizze in unserem Freundeskreis damit zu erweitern.

Hier mal ein paar Einblicke. Ich finde das teilweise richtig schwer und auch cool gemacht mit den schematischen Zeichnungen. Die lieben Leute der Jedi Bibliothek machen solche Quizze auch gerne digital bei ihren Con-Ständen, da erinnert mich das total dran.

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Das chinesische Roboter-Unternehmen Unitree ging vor ziemlich genau einem Jahr schon einmal mit ein paar Clips viral, in denen ihr humanoides Robotermodell inmitten von Kindergruppen ein paar Meter laufen konnte. Bekleidet in einem langen Shirt wirkte das wie Interaktion, als würden die Kinder mit “G-1” Fangen spielen. Seitdem kursierten auch andere Clips, in denen der Roboter versuchte wie Michael Jackson zu tanzen und damit kläglich scheiterte. Ganz so cyberpunkig ist das alles also noch nicht.

Mich interessiert die Entwicklung von diesen humanoiden Modellen auch gerade weniger. Der tägliche Einsatz von diesen Dingern folgt irgendwann vielleicht, wenn andere Drohnen schon längst alltäglich sind. Gerade aber machen mir andere Teile viel größere Sorgen. Follow the money, und dann ist klar, dass der Einsatz von diesen Teilen vor allem zunächst militärischer Art sein wird, bevor sie Omas ins Bett bringen werden.

Unitrees neuestes Modell wurde gerade vorgestellt: “Super Athlete AS2-W” ist eine Art Hund auf vier Rädern. Ultra wendig, hypermobil, rasend schnell, wird nie müde und macht Tricks auch ohne Leckerli. Über Geröll, durch einen Bach, eine Klippe runter – dieses Ding steht dem Jagdroboter aus der Black Mirror-Folge “Metalhead” in wenig nach. Da fehlt eigentlich nur noch die Schrotflinte, und das ist schnell gemacht.

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Mit Charli xcx konnte ich bisher relativ wenig anfangen. Weder gefällt mir ihr Synthiepop noch fand ich diesen Brat-Summer charmant. Beim Überfliegen ihres Wikipedia-Artikels sehe ich, dass sie Musik für viele Künstler*innen geschrieben haben und offensichtlich sehr talentiert ist. Mir war das relativ egal, irgendwie nicht für mich auch, hatte ich das Gefühl.

Im Rahmen ihrer Konzerte inszenierte sie sich teilweise als Cineastin mit Letterboxd-Account und Einblendungen wie “Joachim Trier Summer” oder  auf den Videowänden bei ihren Auftritten. Das fand ich schon besser und mit dieser Neuerfindung war sie auch beginnend im letzten Jahr in Filmrollen zu sehen. Filmkritiker Richard Brody hebt besonders ihr Debüt in Erupcja hevor. Wäre sie nicht schon bekannt, dies müsste ihr Durchbruch sein, meint der Mann vom New Yorker. Es folgt in diesem Jahr noch Faces of Death, I Want Your Sex und The Gallerist. Durchaus ambitioniert.

Passend dazu kann das neue Album Music, Fashion, Film auch nicht ohne dazugehörigen Album-Film erscheinen. Digital gefilmt und in Schwarz/Weiß gehalten sehen wir eine Reihe von Musikvideos, in denen sie leicht bekleidet vor der Kamera herumläuft. Hier und da werden ein paar BTS-Aufnahmen während der Produktion als Übergänge eingebaut.

Das ist recht uninspiriert und wirkt vor allem in diesen monochromen Bildern sehr prätentiös. Man kennt das aus dem Freundeskreis: Jemand kauft sich eine DSLR und “macht jetzt Fotos”. Von Feldern, von Blumen und Insektionen – und von Aktmodellen, natürlich in Schwarz/Weiß, weil das stilvoll aussieht. Insofern recht sophomoric, aber auch irgendwie charmant und – das muss an dieser Stelle gesagt werden, weil ich zum ersten Mal richtig hingesehen habe – schon hot.

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The review results of LEGO ideas projects took place! Unfortunately, the model focused on LOST show did not pass this time.

The model currently has almost 3500 votes out of 10k. If the project receives support, it has a chance to become an official LEGO set!

Repost if you… pic.twitter.com/S6VMrqeOBD

— LOST (@TheLOSTworld_) July 16, 2026

Ein Fan hat LOST als umfangreiches LEGO-Set nachgebaut namens Lost: The Island. Das Projekt umfasst rund 4.850 Teile und versammelt neben Jack, Locke, Sawyer, Kate, Hurley und Co. auch da Hatch, die Swan Station, die Black Rock, den Dharma-Van, das Floß, das Beechcraft-Wrack und zahlreiche weitere Schauplätze und Easter Eggs. Selbst Smokey und der Man in Black dürfen natürlich nicht fehlen. Dazu ist das Set ähnlich wie die großartigen Lord of the Rings Veröffentlichungen von LEGO selbst designt: Von vorne / außen sieht es super als Diorama aus, aber dahinter gibt es hübsche, bespielbare Innenräume, die sogar inhaltlich hier perfekt passen!

Dass Serien als LEGO-Sets funktionieren, ist längst bewiesen. Von Stranger Things bis The Office hat LEGO in den vergangenen Jahren immer wieder beliebte TV-Welten in Klemmbausteine übersetzt – und mit dem gerade angekündigten X-Files-Set zeigt sich, dass auch ältere Kultserien weiterhin enormes Nostalgiepotenzial besitzen.

Aber wie sieht es bei LOST aus? Die Serie ist inzwischen fast 22 Jahre alt. Ist die Insel selbst noch präsent genug, um ein solches Set zu tragen, oder ist meine Lieblingsserie aller Zeiten mittlerweile vor allem ein Stück Fernsehgeschichte für eine bestimmte Generation? So richtig viele LOST-Memes finden sich heute nicht mehr. Die Stars der Serie haben kaum an den Erfolg anknüpfen können. Selbst die Showrunner Damon Lindelof und Carlton Cuse sind eher wackelig unterwegs. Das LEGO-Ideas-Projekt setzt jedenfalls vor allem auf die frühen Staffeln und damit auf jene mysteriöse, faszinierende Insel, in die sich damals Millionen Zuschauer verliebten.

Reicht das? Bis heute sind viele Falschinformationen unterwegs (“Sie waren alle tot die ganze Zeit” etc.) und das Ende bzw. die sechste Staffel hat sogar einige Fans enttäuscht zurückgelassen. Auf dem Weg zum Finale hat LOST viele Fans verloren, aber mein Eindruck ist immer, dass die Leute, die die Serie und auch ihr Ende mochten, es wirklich lieben und für die funktionierte alles zu 100%. Und davon dürften sich sicherlich 10000 Leute für so ein Set finden, damit es realisiert wird.

Ob LEGO das genauso sieht, hängt zunächst von der Community ab: Das Projekt muss aktuell auf LEGO Ideas unterstützt werden und das ist mit einem einzigen Klick schon getan. Also los, bitte! We have to go back!

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Noch ein Game of Thrones-Spin-off, die inzwischen dritte HBO-Serienadaption der Westeros-Geschichten von Autor George R.R. Martin – braucht es das wirklich? Nach der ersten Staffel A Knight of the Seven Kingdoms stellt sich diese Frage gar nicht mehr, denn die Serie hat sich im Handumdrehen in die Herzen vieler Fans gespielt.

Die Vorlage, die Novelle The Hedge Knight aus dem Jahr 1998, die die Anfänge der Reisen von Dunk and Egg erzählt, ist eine zeitlose Geschichte über Männlichkeit, soziale Mobilität und Moral als letzte Hoffnung in einer verlorenen Welt.

Mit Miriam Kasteleiner spreche ich schon seit den frühen Game of Thrones-Staffeln über diese Welt. In diesem neuen PewCast diskutieren wir darüber, warum A Knight of the Seven Kingdoms für uns zu den besten Serien des Jahres gehört.

Für Feedback oder Fragen verfasst ihr einen Kommentar unter diesem Post, eine Mail an mail@pewpewpew.de oder einen Tweet @PewPewPewBlog bzw. @reeft. Wenn ihr den Podcast unterstützen wollt, dann hinterlasst doch gerne eine Bewertung auf iTunes oder Spotify.

Shownotes:
Bildquellen: © HBO Max

Hier die Links zu MP3, Soundcloud und Podcast-Feeds:
MP3: pewcast180.mp3 (53 MB)
Soundcloud: PewCast 180: A Knight Of The Seven Kingdoms – Staffel 1
iTunes: PewCast
Spotify: PewCast
Podcast-Feed: https://feeds.feedburner.com/pewcast

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Moviepilot wird die Community-Blogs – und damit auch meinen Blog – löschen. In der Ankündigung von Chefredakteurin Jenny Jecke wird die Entscheidung damit begründet, dass die Blogs eine große Altlast darstellen, einem Rückgang der Nutzung zu verzeichnen war und schließlich will man neue Wege beschreiten.

Ich halte das alles für nachvollziehbar und inzwischen für den natürlichen Gang der Dinge. So nischig Blogs auch früher schon waren, interessiert sich heute schon recht kaum noch wer dafür. Ich kann mir vorstellen, dass die aktive Nutzung durch die Moviepilot-Blogger*innen noch kaum der Rede wert war. (Ich verstehe sowieso nicht so recht, wie sich dieses Format urheberrechtlich so lange halten konnte?) Es ist aber auch eben ein weiteres Zeichen dafür, dass das geschriebene Wort im Internet und in unserer Kultur insgesamt weiter an Wert verliert.

Zugleich haben sich seit 2014 die Möglichkeiten, eigene Inhalte im Netz zu veröffentlichen und zu konsumieren, noch einmal deutlich multipliziert, vor allem im Bereich der sozialen Medien.

Ich teile diese Feststellung in der Mitteilung und daher stellt sich bei einem kommerziellen Unternehmen wie Webedia, das hinter Moviepilot und auch Filmstarts steckt, am Ende eine ganz einfache Kosten-Nutzen-Frage. Aus eigener Erfahrung weiß ich, dass ein paar tausend Beiträge nicht viel wiegen an Webspace. Ein paar tausende Beiträge mit Bildern aber schon wiederum sehr. Vielleicht will man auch ganz anders umschalten und ein neues Webdesign wagen, die Internetpräsenz schlanker gestalten und sich von dem “Ballast” (finde ich schon eine interessante Wortwahl) trennen. Wer weiß das schon? Das muss man abwarten.

In den Kommentaren lassen die Moviepiloten kein gutes Haar an der Entscheidung und leider auch der Redaktion. Einerseits verstehe ich ein wenig den Unmut über die Abschaltung bei einzelnen, leidenschaftlich noch tippenden Nutzer*innen. Andererseits sollte man sich immer im Klaren sein, dass nur der eigene Webspace einem gehört im Netz und sonst nichts – und das auch nur solange die Abbuchung monatlich erfolgt lol. Das Internet vergisst sehr wohl und auch schnell. Mit großer Leidenschaft Inhalte auf einer fremden Seite zu pflegen, während immer das Damoklesschwert über einem schwebt, habe ich schon immer für hirnrissig gehalten.

Die Redaktion dürfte für die Entscheidung wohl kaum verantwortlich sein, weswegen ich auch die einzelne Kommentare unter der Ankündigung verurteile. Wahrscheinlich aber dürften sich da einige freuen über den Wegfall der Arbeitslast, denn irgendwer muss da schon bestimmt mal die Beiträge überprüft haben, oder? Jedenfalls lässt sich auf Instagram sehr gut erkennen, wo der Weg hingeht: In einem neuen Reel haben die Redakteurinnen ihren Hot Takes freien Lauf gelassen. Pivot to Video in the year of our Lord 2026? Das ist fernab von dem Moviepilot, das ich mal kannte und schätzte; auf dem Filmkritiker Georg Seeßlen veröffentlichte, Rajko Burchardt seine Mr. Vincent Vega Takes abfeuerte oder einige mir durchaus nahestehende Autorinnen großartige Texte schreiben. Aber die marktwirtschaftliche Logik zwingt den Inhalt in Form und das ist eben Short Video Content aktuell leider.

Ich darf diese Entwicklung auch persönlich etwas betrauern. Zwischen 2014 und 2020 war ich für Moviepilot als freier Autor tätig. Ich begleitete dort die Serien The Leftovers und Fear The Walking mit wöchentlichen Kritiken (Ich musste sie leider “Recaps” nennen, was ich fürchterlich fand!) sowie einigen Thinkpieces und diversen Essays. Ich bin bis heute stolz auf die Arbeit, die dort entstanden ist. Die redaktionellen Anforderungen zwangen mich dazu, meine Texte professioneller zu strukturieren und zu präsentieren – und ich bin sicher, dass ich in dieser Zeit auch schlicht besser schreiben gelernt habe.

Die meisten Artikel, die ich dort veröffentlichte, sind auch hier in ganzer Länge online – und das schon seit längerer Zeit. Vor Jahren hatte ich mir mal die Mühe gemacht, alle Artikel, die zunächst hier nur als Teaser veröffentlicht wurden, zu vervollständigen. Eben genau aus der Angst geboren heraus, dass dieser Content irgendwann von heute auf morgen verschwinden könnte.

Die Blogs werden bei Moviepilot erst am 30. September abgeschaltet und vorher gibt es noch die Möglichkeit einer kompletten Datenabfrage. Das ist nicht selbstverständlich, sondern ein Zeichen der Wertschätzung. Das sollten auch die wütenden Moviepiloten anerkennen – und dann jetzt ihre eigenen, richtigen Blogs starten.

An dieser Stelle möchte ich bei Ines, Jenny, Andrea und Matthias für die gute Zusammenarbeit und das Vertrauen über die vielen Jahre bedanken.

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Sandcastle wird wohl das “das ultimative Sandbox-Spiel”, denn hier schaltet man eine Vielzahl von Werkzeugen frei, um nassen Sand zu sammeln und gewaltige Mauern am Strand zu errichten, kunstvolle Zinnen zu formen und ausgeklügelte Wassergräben anzulegen, um die geilste Sandburg überhaupt zu haben. Ich kann mich hier entweder Stunden verlieren sehen oder nur einmal zocken nach dem Install, je nachdem welche Features es hier geben wird. Konzeptionell wäre da noch mehr drin, mal abwarten und wishlisten! Eigentlich müsste es einen Koop-Modus geben, weil gemeinsam sowas bauen irl noch geiler war/ist.

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Klar, Michael Clayton ist geil und alleine für Andor genießt der Mann für mich auf ewig Gottstatus, aber Tony Gilroy gefällt mir besser in der Rolle als Autor und Produzent. Seine bisherigen Regiearbeiten abseits des großen Erfolgs, der nun auch zwanzig Jahre zurückliegt, sind mit Duplicity und The Bourne Legacy eher schwächelnd. Aber: Behemoth! sieht ziemlich gut aus in diesem schnittigen Teaser, der kunstvoll anmutet. Immerhin mal etwas Interessantes mit dem Medium gemacht. Das bockt!

Der Film über Musik mit Pedro Pascal als Cellist kann dazu mit Filmmusik von neun – ja, richtig gelesen – Komponisten aufwarten, darunter James Newton Howard, Alan Silvestri, Michael Giacchino uvm. Das ist schon wild, ich bin gespannt, wie das wird. Außerdem fühlt sich dieser Film richtig an für Eva Victor als nächster Karriereschritt, die mit Sorry, Baby ein tolles Debüt hinlegte.

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