Die legendären Briten bei Aardman Animations haben mit der Pokémon Company einen fantastischen Deal geschlossen und eine Stop-Motion-Serie im Stil ihrer Erfolge Shaun das Schaf oder Wallace & Gromit produziert. Unter dem Banner “Pokémon Tales” – so meine Vermutung – erscheinen in Zukunft wohl mehrere kurzweilige Serien für Kinder mit süßen handanimierten Pokémon wie schon bei Pokémon Concierge (2025, Netflix). The Misadventures of Sirfetch’d & Pichu heißt die neue Serie auf Disney+, erscheint 2027 und kann mit den beiden Hauptdarstellern natürlich zwei absolute Fanfavoriten anbieten und dazu eine spaßige Dynamik anzubieten, die die Popkultur in den letzten Jahren von The Last of Us über The Mandalorian bis zuletzt A Knight of the Seven Kingdoms dominiert hat. Das wird sicherlich ein großer Familienspaß.

Wenn das “Pokéversum” so aufgebrochen wird, würde ich mir aber auch vielleicht mal eine Legacy-Serie oder so etwas wünschen für ein älteres Publikum? Klar, Pokémon ist das größte Franchise auf dem Planeten und aus gutem Grund. Die kontinuierlichen Erneuerungen und der stetige Fokus auf jüngere Fans haben es zu einem generationenübergreifenden Phänomen gemacht, das uns noch lange beschäftigen wird. Aber ältere Fans wie ich, die jetzt nicht mit Karten scalpen wollen, hätten vielleicht auch ein bisschen mehr Spaß an einer Fortsetzung der alten Geschichten um Ash, oder? Also ich habe das natürlich auch mindestens 25 Jahre nicht mehr aktiv verfolgt und weiß daher nicht, wo Ashs Reise endete. Ich bin da neugierig und es dürfte mir nicht alleine so gehen, auch wenn für viele (vor allem jüngere Fans) Ash nicht mehr selbstverständlich in einem Atemzug zu nennen ist oder stellvertretend für alles steht.

Am Rande: Während der Recherche habe hierzu habe ich gerade erfahren, dass Aardman auch eine neue Pingu-Serie produzieren soll?! Mega!

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Ich find’s immer noch recht crazy, dass ich dieses Jahr das Plattencover von Cambres Debütalbum Shoulder beisteuern durfte. Also eine Musikapp anzumachen und dann das eigene Bild sehen, während der geile Song spielt – das ist schon ein sehr schönes Gefühl. Der gleichnamige Titeltrack des Albums ist auch mein Favorit von der Platte; er bekam jetzt ein sehr schönes Musikvideo mit Road Trip Vibe. Tatsächlich gab es keinen anderen Song, der mir dieses Jahr im Sommer beim Autofahren mehr Spaß brachte. Toll, das Ding hier operiert einfach auf meiner Wellenlänge.

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Dritte Singleauskoppling von Wishys neuem Album Nature’s Pill und für mich macht das 3/3. Ein Bop nach dem anderen. Super pumped für das Album, das am 2. Oktober erscheint.

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Monstera, Lochblatt, Fensterblatt – es gibt ja viele Namen für diese Zimmerpflanze, die irgendwie jeder schon mal hatte und die man überall findet. Aber bisher noch nicht aus LEGO! Der dänische Konzern feiert mit seiner Botanical-Themenreihe, die Sonnenblumen, Kakteen und andere gern gesehene Pflänzchen aus Klemmbausteinen nachbildet, einen Megaerfolg. Diese kurvigen, löchrigen Formen an dünnen Stielen sind aber wohl zu schwierig umzusetzen für kommerzielle Produkte.

Hier im Video zeigt der YouTuber hinter Brick by Brick Designs, welche komplizierte Technik dahintersteckt: Die Blätter fallen tatsächlich lebensecht, die Stiele biegen sich – ohne zu brechen – und alles sieht erstaunlich authentisch aus. Besonders die Animationen klicken hier sehr ASMR-mäßig. Tolles Video!

Ich finde Monsteras total dufte, aber die Teile sind giftig für Katzen und fallen daher raus. In diese LEGO-Steinchen würde meine Katze aber auch liebend gerne reinbeißen – insofern für mich auch keine Abhilfe.

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Shyamalans neuer Film Remain, dessen Stoff bzw. Buchvorlage er gemeinsam mit dem Autor Nicholas Sparks konzipierte, kommt in wenigen Monaten ins Kino. Dafür – aber wohl auch einfach um nach über 25 Jahren im Biz zurückzuschauen – kündigte der feinfühlige Auteur einen YouTube-Kanal an, auf dem er in Zukunft über sein Werk sprechen will. Und das erste Video, in dem er aus seinem Drehtagebuch zu Signs liest, hätte für mich als Riesenfan nicht mehr gemacht sein können.

This is my diary from making Signs in 2001. I haven’t gone back to read this in 25 years, but I wanted to go back and read it and share this experience here. It was harder to do this than I was expecting, but my hope is that maybe you can also learn something from it.

Finde es höchst faszinierend, wie kaputt er da wirkt und scheinbar mit letzter Kraft Szenen drehte, die ich nie in dieser Art hinterfragt hätte; Szenen, die ich immer und immer wieder sehen könnte. Der Schnitt rettet da sicher viel, auch die Darsteller, aber schon sehr spannend zu wissen, dass der Filmemacher selbst nicht mehr 100% geben konnte – denn das hätte ich nie gedacht, für mich ist das alles perfekt und ikonisch.

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Es soll Fans geben, die den sexy A-Wing mehr lieben als mich – aber viele können es nicht sein! Der YouTuber und Modellbauer Maker Mark kennt aber einen: Sein guter Freund hat sogar Ralph McQuarries legendäre Konzeptzeichnung auf den Unterarm tätowiert, die sich ja nochmal in einigen Aspekten vom finalen A-Wing unterscheidet – u.a. in der Farbe, wegen dem Bluescreen. (An dieser Stelle könnte man Rian Johnson für Tallie in The Last Jedi danken, aber er macht ja nichts mit ihr). Okay, chapeau der feine Herr. Weil er so ein guter Freund ist, hat er ihm das Ding basierend auf einem Modellbausatz custom mit Lichtern und allem drum und dran ausgestattet. Das Ding ist sooo hübsch. Ich würd’s nicht so hinkriegen, aber dieses Design gefällt mir noch ein Stück mehr als das on-Screen-Modell und vielleicht könnte ich das mal versuchen auch zu bauen? $275 ist aber recht viel für so ein Experiment. Zuerst reicht mir das Video. Immerhin fehlt mir auch z.B. noch eine Vakuumpresse und ähnliches Werkzeug, das hier eingesetzt wird.

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Movie Scene Map ist das Google Maps für Andrea Davids Filmtourismus: Auf der Weltkarte kann man sich rumklicken und Drehorte von Filmen finden. Der jeweilige Film kann nochmal ausgewählt werden, worauf dann alle Drehorte angezeigt werden. Ziemlich beeindruckend gemacht, funktioniert schnell und problemlos. Könnte sicherlich mehr Bilder vertragen, rechtlich wahrscheinlich schwierig.

Natürlich ist der zweite Screenshot hier von meiner Heimat dem Saarland völlig inkorrekt, wenn man die ganzen Tatorte mitzählt – was ja Letterboxd zum Beispiel tut. Ansonsten ziemlich trist für den gesamten Südwesten Deutschlands. Kein Horrorklassiker aus der Eifel? Keine cozy Winzer-Romcom aus der Pfalz? Die Völklinger Hütte bietet sich doch quasi perfekt an für einen postapokalyptischen Streifen wie Mad Max?!

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Ein “cozy adventure” mit Maschinenpistole und ein Motorrad, das fliegen kann?! Ich bin dabei! So ziemlich alles an Into The Wind finde ich süß und spannend: Das Setting, den Grafikstil, das Gameplay… alles irgendwie eine riesige Mischung aus Ghibli-Sachen wie Kiki’s Delivery Service und Porco Rosso, aber auch der Logik von Death Stranding und einem cartoonhaften Stil, der mich vor allem bei den Flugsequenzen an das wohl inzwischen popkulturell komplett vergessene und short-lived Battlefield Heroes erinnert, das ich sehr sehr sehr gerne spielte. Lässt sich   wishlisten auf Steam.

Drive, fly, and run deliveries together with your sentient motorcycle-plane, Ermes. Make friends, battle rowdy air pirates, upgrade your bike, decorate your home, explore the islands of Santa Rosa, and solve the mystery of your uncle’s disappearance. It’s time to build a new life, far away from the mainland, out here among the aviation crazy, freedom loving islanders and sky pirates!

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Beach Vacation zählt knapp eine halbe Million monatliche Hörer auf Spotify und ist seit vielen Jahren mit seinem fein destillierten Dreampop ein fester Garant für Sommerplaylists, haut hier für “Heal Again” aber zum ersten Mal ein Musikvideo raus. Krass! So ist das inzwischen, ganz normal leider in der Musikindustrie. Ist nichts Besonderes geworden, aber ich wollte diese Jungs aus Seattle auch mal im Blog haben.

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Was dreht man, wenn man eine Indieband ist, kein Geld hat und trotzdem ein Musikvideo zu einem Song veröffentlichen will? Crisman zeigt uns hier hauptsächlich Touraufnahmen und charmante Spiegeleffekte, aber das spielt keine Rolle, wenn der Song im letzten Drittel aus dem Nichts sich zu diesem BRETT entwickelt. Einer meiner Favoriten der diesjährigen Sommerplaylist.

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1. September, der Sommer neigt sein Haupt und die Tage werden kürzer. Ich kann das immer gut beobachten in dem großen Fenster links über mir, das eine komplette Süd-West-Ausrichtung hat und über einige Gärten hinwegschaut. Ein bisschen grün, dann Bäume, Hügel am Horizont und die Sonne. Dass ich jeden Abend den Sonnenuntergang sehen kann, wenn ich nur in meinem Wohnzimmer aufstehe, wird das Ausziehen hier irgendwann einmal sehr schmerzlich machen. Aber am Horizont sehe ich auch inzwischen, dass die Sonne links neben dem großen Baum untergeht und das ist für mich schon seit vielen Jahreszeiten das Zeichen des Wechsels. Das passiert zweimal im Jahr, erst im Mai und dann im September.

Für mich ist damit der Sommer vorbei und es war definitiv einer der besseren in meinem Leben, mit Sicherheit Top 10. Ich mache es nicht daran fest, merke es aber, wenn die zurückliegende Zeit sehr lang wirkt. Ein Nebeneffekt davon, wenn man viel macht, aus der Routine ausbricht, aktiv und bemüht nach Momenten sucht. Das ist mir sehr wohl gelungen diesen Sommer. Ich bin froh damit, auch ein bisschen stolz, weil ich merke, wie viel Energie das immer mehr erfordert, aus den bekannten Mustern auszubrechen. Ein Teil des Erfolgs war sicherlich auch ein Mindset im Sinne des Titels meiner diesjährigen Sommerplaylist You Can Put Me In Coach. I’m ready!

Auch cool, dass ich das jetzt seit zehn Jahren schon mache. Tatsächlich ein wahnsinnig hilfreiches Tool, um nochmal Erinnerungen aus den letzten Jahren aufzuwärmen oder so einen ganzen Sommervibe nachzufühlen.

Meine Sommerplaylist 2025: The Feeling Stuck
Meine Sommerplaylist 2024: The Comeback
Meine Sommerplaylist 2023: I Hear It Happens All The Time
Meine Sommerplaylist 2022: Going To The Sun
Meine Sommerplaylist 2021: American Water
Meine Sommerplaylist 2020: Lost Summer
Meine Sommerplaylist 2019: Dreamy Summer
Meine Sommerplaylist 2018: Night Drive
Meine Sommerplaylist 2017: Nostalgic for Summer

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I remember thinking, “I’ll remember this.”

The post Happy 15th, Oslo 31. august appeared first on PewPewPew.

Als ich vor ein paar Jahren auf die Youtuberin brahkie stieß und ihre “normal san andreas review” sah, überkam mich so ein beschützendes Gefühl. Ich maße mir hier gar nicht an, irgendwelche Multiplikationspower mit dem Blog zu haben, aber so ein paar Sachen sind mir irgendwie zu süß, ja zu precious um selbst hier drüber zu schreiben oder das mit anderen Leuten zu teilen. Das fand ich besonders und ich wollte, dass es möglichst lange frei von Einflüssen bleibt.

Da ist wer, offensichtlich gerade mal Anfang 20 oder so, und sie vlogt als wäre es 2007 mit einem relativ deepen knowledge bezüglich Referenzen und dieser Ästhetik, die über das Benutzen einer Digicam hinausgeht. (Randnotiz: Ich war schon sehr stutzig, als vor zwei Jahren so dieser Trend darin peakte, dass die Abiturienten des damaligen Jahrgangs vieler ihrer Fotos absichtlich alt aussehen lassen wollten, indem sie eine Digicam aus den Zweitausendern benutzten. Was natürlich ironisch ist, denn – wouldn’t ya know it – aktuelle Handyfotos werden in ein paar Jahren schon genau diesen Zweck erfüllen. Naja.)

Inzwischen scheint sie nach einer längeren Uploadpause zurückgekehrt und auch keine Inside-Nischen-Vloggerin mehr zu sein, der mein Spezialinteresse “Nostalgie für YouTube 2007” bedient. Da sind inzwischen ein Discord und hunderttausende Abonnenten hinzugekommen, weshalb ich das jetzt auch einfache so teile.

Was ich beeindruckend an ihren Videos finde, ist nicht nur die passgenaue visuelle Dimension, sondern eben auch die Aufmachung, den Schnitt (or lack thereof), selbst die Videotitel fühlen sich stimmig an. Im neuesten Video “MY SUPER AWESOME CAR!!!” dreht sie eine Runde, aber ohne Stativ und mit der Kamera einfach auf dem Boden, während das Auto eine Runde dreht. BALL KNOWER.

Ich frage mich, was sie bewegt; weil diese ästhetische Zeitreise wäre ja annehmbar für alternde Millenials, die mit diesem nostalgischen Grind Klicks machen wollen oder ihre Midlife-Crisis bewältigen. Brahkie selbst scheint aber so jung, dass sie selbst keine eigenen Erinnerungen an die Zeit haben kann und es liegt hier schon mehr in der Luft als nur ein regressiver Wunsch nach einfacheren Zeiten bei GenZ, immerhin ist da ein Zimmer wie eine Zeitkapsel perfekt eingerichtet.

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Wie treu sich Kane Parsons, Regisseur und 21 Jahre jung, trotz des Erfolgs mit Backrooms bleibt und wie gut sich der Film mit seinen (Backrooms)-Szenen in sein größeres liminale Gesamtwerk schmiegt, zeigt dieser sympathische Upload. Parsons hat (ich vermute aus Langeweile in Erwartung des Filmreleases) eine “Extended Edition” gebastelt, die am Ende des Films den eigentlich Anfang zeigt, nämlich wie der erste Async-Mitarbeiter vom Rest des Teams getrennt und vom “Piratenmonster” verfolgt wird. Eigentlich aber geht es um eine nerdige Addition, die ein bisschen bemüht erscheint, diesen analytischen Zugang zu den Backrooms im Gespräch um den Film nicht gänzlich zu verlieren. Diese “Everything Must Go”-Edition läuft noch in den Kinos aktuell, doch ist bereits auf YouTube einzeln einsehbar. I just like that kid.

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Ein paar Stahlträger, ein Flachdach, jede Menge Glas, das einen weiten Blick über die Stadt bieten. Und klar, natürlich ist da auch noch der Blick auf die Klippe über den Pool, der das Bild abrundet. Vielleicht das ikonischste Haus von Los Angeles, definitiv das ikonischste aus der Reihe experimenteller Häuser von legendären Architekten, ist das Stahl House, auch bekannt als Case Study #22 von Pierre Architekt Koenig. Vertraut aus Filmen und legendär für sein klares modernes Design, macht es nur Sinn, dass auch das AD Video zu Stahl House das in meinen Augen bisher beste aller Zeiten wurde. Eben weil es nicht nur den Wikipediaeintrag einer Ikone nacherzählt, sondern weil die Kinder vom Bauherrn Buck Stahl selbst hier viel persönliche Geschichten und Fotos beisteuern. Sie erzählen davon, wie es war, in solch einem Gebäude groß zu werden. Sie kennen es als ihr Zuhause, wir als das coolste Haus in Los Angeles. Das führt zu einem besonderen Mix im Video, toll!

Random Mandela-Effekt (oder so?): Ich hatte bis zum Release gedacht, das Ding wäre beim Brand in Los Angeles letztes Jahr verloren gegangen und wurde durch den Upload doppelt freudig überrascht.

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Noah Kalinas gigavirales Video aus den YouTube-Kindertagen wird heute 20 Jahre alt. 27 Millionen Klicks wirken retrospektiv fast spottwenig, aber die Nullerjahre waren eben eine andere Zeit. Und wen die Simpsons parodieren, der ist sowieso unsterblich – zumindest war das damals so.

Ich bin ein großer Fan Kalinas seither, unter dem Video habe ich sogar einen fast genauso alten Kommentar von mir gefunden und eine ähnliche Aura in Kleinformat verspürt. Auf seinem Youtube-Kanal reflektiert er inzwischen wöchentlich seine Kunst extrem clever und witzig. Vor einiger Zeit habe ich auch über seine Gedanken zu Langzeitprojekten gepostet.

Witzig, wie das Video inzwischen recht überholt ist. Das 20-Jahres-Video zeigt immerhin viel mehr den Zahn der Zeit und den Wandel in Kalinas Geschicht und beruflicher Geschichte. Ein digitales Relikt aus einer anderen Zeit, genau wie unsere eigenen Digicam-Fotos. Eines der bewegendsten digitalen Kunstwerke, die ich kenne.

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Tim Curry hat nie etwas auf dem Spielfeld zurückgelassen, immer alles gegeben, egal in welcher Rolle – ob Muppets, Home Alone 2: Lost in New York, Rocky Horror Picture Show, Three Musketeers (ein personal fav!), Clue, It oder ja, genau, auch im Videospiel Command & Conquer, wo er wahrscheinlich die beste Line Read aller Zeiten gab. Die Art von Schauspieler, die in den Rollen verschwindet, weil sie durch seine Kunst so greifbar und dennoch überlebensgroß werden. Mehr geht nicht. RIP to the goat

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Ich bin erfreut: Das holt mich wieder mehr ab. Ich mochte durchaus schon “HOLE” von vor zwei Wochen, aber die zweite Singelveröffentlichung vom neuen Album, “WILDFIRE”, ist so das erste Anzeichen, dass Nick Rattigan sein Soloprojekt Current Joys wieder in vertraute Emosphären zurückführen wird. In den letzten Jahren verlor er sich in meinen Augen in so einer spätpubertären Coverphase, in der er Lil Peep ganz großartig fand. Okay! Jeder, wie er will. Aber es ist schon komisch, wenn ein Künstler über Jahre einem so ans Herz wächst (Das Bandprojekt Surf Curse veröffentlichte eines meiner Lieblingsalben des Jahrzehnts mit Heaven Surrounds You), nur um dann mit mehreren Projekten in meinen Augen willkürlich gegen etablierte Sounds zu rebellieren. Das war weniger Wachstum als Demonate. Bitte wieder mehr aus der Richtung vom Album Voyager sowie der Single “California Rain” aus 2024, das würde mir deutlich besser gefallen.

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Diese Bodycam-Games üben scheinbar eine Faszination auf mich aus, so oft wie ich in letzter Zeit darüber bloggte. Ich muss sagen, dass mit diesem “Trench Warfare”-Update wiederum eine neue Grenze überschritten wird. I’m too woke for this shit, sorry. Ich habe zu viele Kriegsvideos aus der Ukraine in den letzten Jahren gesehen, um nicht sofort die offensichtliche Inspiration hierfür zu erkennen bzw. dieses Footage für mehr als eine kurze Sekunde mit der Realität verwechselt zu haben.

Kriegsspiele, Killerspiele, etc. als Kontroverse will ich gar nicht stark thematisieren, aber bei all diesen Spielen war für mich immer eine Art der Absraktion vorhanden. Entweder eine zeitliche in den ersten Titeln Medal of Honor oder Call of Duty und Battlefield. Abstrakte Welten oder Settings wie Titanfall oder Arc Raiders oder The Finals oder bei den S.T.A.L.K.E.R.-Spielen. Hier wird diese Ebene komplett verwischt. Es ist der Versuch, das, also die gerade sich im Prozess befindliche Realität, ein Kriegsgeschehen, so genau und lebendig und greifbar wie möglich nachzubilden. Dabei geht es weniger um Geschichte, um Moral, um Figuren, sondern nur diese Erfahrungswelt. Und das ist einfach nicht in Ordnung. Idk man, maybe I’m getting too old for this shit.

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Das ist einfach so gut gemacht lmao I miss my friends.

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Wahnsinniger Trailer zum Spiel Stray Dog: nobody cares (das ist kein Typo), was in etwa so ein Mix aus Dark Souls und der Reverse-Version von John Wick ist. Die Beschreibung verrät: Ein Meister wird entführt und sein Hund schwört Rache. Daher greift der Vierbeiner zum Schwert des Herrchens und schnetzelt sich durch Fantasy-Horden.

Die Eindrücke in diesem Announcement Trailer stammen rein aus cineastischen Kamerafahrten und kommen ohne Gameplay aus. Alles in allem sieht das aus wie viele dieser Titel: Untertitel Soulslike-Spiele aus Asien – halt ein weiterer Beweis für die Dominanz der Asset-Bibliotheken von Unreal etc.

Der Titel ist wohl der schlimmste für ein Videospiel aller Zeiten. Sicher, dass es sich hier nicht wieder um ein KI-entwickeltes Spiel handelt? Kein Wunder also, dass auf der Gamescom, die diese Woche startet, mit über 700 Spielen eine Rekordzahl präsent sein wird.

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Es war wohl Schicksal oder so. Als ich neulich einen Suchaufruf für einen Star Wars Comic startete, der meine Sammlung komplettieren sollte, fand ich das Ding direkt am gleichen Abend bei eBay. Zwei Tage vorher eingestellt, da hatte ich die Hoffnung bereits aufgegeben. Es war nicht so, als wäre der Comic besonders selten oder teuer (am Ende ergatterte ich ihn für lächerlich 1,99€), aber er muss halt eben auch irgendwo angeboten werden. Und das ist 25 Jahre schon nicht unbedingt garantiert. Lange Zeit war er tatsächlich zum Sofortkauf angeboten und ich bin mir sicher, dass es nicht nur mir mit solchen Sachen manchmal so geht, aber ich hatte einfach das Gefühl, dass der auf mich warten wird. Nach über einem halben Jahr hatte ihn dann jemand anderes am Ende “weggeschnappt” und ich saß dumm da. Als würde mich das Schicksal auslachen wollen, gibt es inzwischen mehrere Angebote des Comics. Ich bin dran!

Meine Suche hat mich tatsächlich in ein paar interessante Ecken gebracht, wo ich ein zweite Exemplare von seltenen Variantausgaben für meine Sammlung fand. Andere wiederum waren mir völlig neu, es handelte sich dabei oft um Paninis Comic-Con Stuttgart Exclusives, die ich nun auch alle habe – glaube ich zumindest! Keine Ahnung wieso, aber mir bereitet dieses Comic Game gerade großen Spaß. Es ist extrem low stakes und einfach nett. Ich rede mir ein, dass es besser ist, als sich jetzt noch ins Pokémon TCG o.ä. einzukaufen. Nach vielen YouTube-Videos zum Comic-Grading und -Archivieren habe ich mich auch dazu entschieden, endlich mal ein paar Mylar Sleeves aus den USA zu ordern und in die Champions League des Archivals einzusteigen.

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Pretty accurate title, as you’d expect. Really fun track – very cool 90s/Britpop vibe. I could see play 10 times daily on Mtv back then. Kevin Krauter can do no wrong.

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Zwar habe ich auch jeden einzelnen Titel der Spielereihe in der Vergangenheit gezockt. Ein Hype für diesen neuen Teil bildet sich für mich jedoch nicht. Im Laufe der ständigen Verschiebungen und durch die endlos nervige Fanbubble hat sich bei mir im vergangenen Jahr die Entscheidung herausgebildet, dass ich das einfach skippen werde. Oder vielleicht auf die PC-Version warte.

Das sollte sich insgesamt als gute Entscheidung herausstellen. Denn sowohl die komplett unbegründete Preissteigerung, keine Disc-Version, Robux-like Gerüchte, und auch das Ausbleiben von Gameplay-Teasern kreieren doch eigentlich unterm Strich das Gefühl, dass das Spiel so ziemlich alle schlimmen Trends der Gamingindustrie verkörpert und deshalb scheitern sollte. Das wird natürlich nicht passieren. Aber ein RDR2 übersetzt in moderne Zeiten klingt jetzt auch nicht so spannend, wie man sich das vielleicht vorstellt.

Der Entschluss, erstes Gameplay exklusiv auf Netflix – also hinter einer Paywall – zu veröffentlichen, setzt dieser gesamten, verkorksten Marketingkampagne natürlich die Krone auf. Der gewählte Zeitpunkt zur Gamescom ist dazu extra arschig gegenüber anderen Spieleentwicklern – als hätte man selbst zu dieser Zeit keine andere Minute frei für andere Spiele. Man kann den Leuten an den großen Hebeln bei Take-Two eigentlich nur Böses wünschen. Bereits in der Vergangenheit wurden Kapazitäten für GTA Online geschürt, um literally Geld zu drucken, während andere Franchise wie Max Payne vernachlässigt wurden.

Genau habe ich mich nicht eingelesen ins Thema, aber jemand lädt gerade wohl von einem Build aus dem letzten Jahr relativ fertige Spielsegmente und Cutscenes irgendwo hoch, die ihren Weg auf Social Media finden. Ein bisschen Häme ist hier durchaus erlaubt, will sagen: Ich verspüre Schadenfreude. Ich verstehe nicht, warum die Leute das alle so hypet.

Im neuesten Clip fliegt die Spielfigur Jason in einem Doppeldecker durch Not-Miami und es sieht größtenteils aus wie eine Mischung aus Microsofts Flight Simulator und diesen near-reality graphics mods. Das soll das Spiel aller Spiele sein? Ist das nicht einfach zu groß und real? GTA kreierte doch immer diese satirische, überhöhte Form unserer Realität. Wieso wollen jetzt alle, dass sie fast lebensecht abgebildet wird? Was ist da der Reiz?

Rockstar sitzt derweil wohl auf heißen Kohlen, während im Hintergrund nach diesem Typen gefahndet wird. Es ist schon witzig, dass man nicht einfach den Move pullen kann, den auch Marvel oder andere Studios in der Vergangenheit gepullt haben in solchen Fällen: Einfach selbst raushauen. Da der Gameplay-Trailer vertraglich bei Netflix Premiere feiern muss, gibt es aktuell nur Funkstille und man kommt nicht vor die Welle. Das ist schon sehr ironisch und durchaus witzig. Wer Pre-Orders zu den Preisen für einen Code verlangt, obwohl nichts gezeigt wurde bisher vom eigentlichen Spiel, der darf auch für einen Moment ausgelacht werden.

In ein paar Monaten wird sich wohl niemand mehr daran erinnern.

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Der Oasis-Sommer letztes Jahr war mega geil und bereue es inzwischen doch sehr, dass ich nicht stärker um Tickets für diese wunderbaren Shows kämpfte. Für 2027 wird eine Tour gemutmaßt, dann auch hoffentlich auch endlich auf Mainland-Europe, ihr Drecksbastarde.

Bis dahin gibt es den Film Don’t Look Back In Anger in IMAX-Kinos, der wohl halb Doku, halb Konzertfilm sein wird. Kann man also nachholen, was verpasst wurde. Hype für nächstes Jahr aufbauen. Mit Ausnahme der Oscars 2011 habe ich noch nie einen Konzertfilm im Kino gesehen, dabei sind das ja inzwischen seit vielen Jahren gute Geldquellen für Kinos. Keine Ahnung, ob da der Funke für mich auch überspringen würde. Ich hatte erst befürchtet, dass das so ein US/UK-Ding sein wird, aber auch deutsche Kinos werden den Film zeigen. We’re so back.

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Ich freue mich sehr über die Rückkehr dieser Ästhetik, ich war schließlich da.

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Avengers: Doomsday hat nichts zu bieten, so viel ist mehr als klar. An dem Special Look einer D23 Präsentation ist nichts speziell, die Bilder sind visuell ebenso lasch, ausgewaschen und abgedroschen wie eh und je sowie auf eine besonders tragische Art bemüht, groß zu wirken.

Aber je mehr von der Geschichte – wenn man sich überhaupt begrifflich so weit aus dem Fenster lehnen will – nun bekannt wird, desto mehr scheinen zwei Sachen recht klar: Marvel gelingt diese notgedrungene Kehrtwende mit Doom überhaupt nicht. Rückblickend ist es sogar fahrlässig, wie er als Figur in dem Fantastic Four Film keine Rolle spielt, ja mit Ausnahme der Mid-Credits nicht einmal in irgendeiner Weise auftaucht.

Und zweitens, wie sehr mich dieses Drehbuch an Kane Parsons Interpretation der Backrooms erinnert, in denen die Realität bis zur Unkenntlichkeit prismatisch verfälscht wird. Die Einzelteile sind noch da, sie sind erkennbar, aber der Kontext geht verloren.

Patrick Stewart, der als Professor X zum dritten Mal stirbt. Aber an der Wohl erneut alle Spider-Men. Rebecca Romijn al s Mystique, aber nicht im ikonischen Full-Body-Makeup. Channing Tatum, der erst als Gambit gecastet wurde, nur um nach einer gescheiterten Verfilmung dann als Gag wiederzukehren und nun einfach regulär mitzuwirken. Doom, der das Universum wie Thanos vor eine Wahl stellt und aufhaltbar scheint. Er gewinnt mutmaßlich, nur um dann im Sequel Secret Wars sein Wirken revidiert zu bekommen, alles wieder auf Anfang gesetzt wie nach Endgame.

Das offensichtlichste Beispiel dafür ist Robert Downey Jr. in der Rolle natürlich selbst. Er spielte erst Iron Man und dominierte das Franchise, den Blockbuster, die 2010er Jahre. Nun kehrt er in einer anderen Rolle zurück, wohl als “Variant”, wie Loki sie im MCU einführte. Kopien. Varianten. All the same. A copy of a copy of a copy. AI all the down, inhaltlich wie visuell.

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Dann: Fes steht für Frank Erik Schmitt, ein Musiker aus meiner Heimatstadt Saarlouis. In der Zeit als ich nicht genug bloggte (was ich nun bereue, wie cool wäre hier jetzt eine Referenz zu einem 7 Jahre alten Fund!), stieß ich zufällig beim Stöbern nach Schallplatten auf dieses Cover vor dem Klim Bim, einer mir und schon den Eltern bekannten Kneipe in unserer Altstadt. Ich ging nach Hause mit dem Ding and fell in love. Jeden Sommer höre ich “Urlaub dahemm,” “Die Katz” singe ich im Kopf mindestens einmal in der Woche und “Sommernaad” ist ein wahrer Banger. Will sagen: Wichtige Platte in meinem Leben.

Bis vor ein paar Jahren war das alles online, leider sind die Lizenzen inzwischen wohl ausgelaufen, weshalb eben – Stichwort physical media – diese Entdeckungen dem Heiligen Gral in nichts nachstehen. Heute fand ich diese Single im Bunde mit dem Album, von der ich gar nicht wusste, dass es sie gibt! “Altstadtking” ist so ein verheißungsvoller Titel; ich höre mir das morgen an und zelebriere das richtig.

Und natürlich: Die ALF-Tonne! Ja, Mann, checkt ihr?! Ich sah das Ding und wusste sofort: Muss ich haben. Wusste sooofort wo das Ding stehen wird. Die ALF-Tonne! Scheinbar ist das eine Sitztonne – also quasi ein Hocker -, für die ein paar Verrückte bei Ebay aktuell 90€ für vergilbte Exemplare fordern. Das heißt: Nicht nur ein magischer persönlicher Moment, sondern ein richtiges Schnäppchen gemacht. Die ALF-Tonne wird eineb integraleb Teil meiner Lebenswelt darstellen. Weder werde ich mich mit meinem dicken Arsch da draufsetzen, noch sie als Mülltonne oder dergleichen zwecktentfremden. Sie wird einfach da stehen und mich glücklich stimmen. Die ALF-Tonne!! Ihr checkt, oder?

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Große Sorge um Star Wars-Fan (38): Mann mit neuen Produktbildern konfrontiert! Okay, nein, ein Grund zur Freude ist der erste Teaser zur zweiten Staffel von Ahsoka nicht – aber ganz so leblos und schlimm wie noch vor über drei Jahren (!) sieht das auch nicht aus.

Es gibt wohl mehrere Space Battles, einige aufmunternde Fananalysen wollen hier insgesamt drei verschiedene erkennen. Nice! Dazu kommen ein paar neue Designs bei der Neuen Republik, dynamischere Shots bei Lichtschwertduellen und das wohl mit Abstand Wichtigste: Lars Mikkelsen sieht viiiel besser als Thrawn aus und nicht mehr wie ein blau geschminkter Elon Musk.

Ein bisschen liegt das alles an der Tatsache, dass die Produktion in die Pinewood Studios umgezogen ist. Trotzdem bleibt man beim Volume, welches schon hier in vielen Shots in all seinen hässlichen Limitationen zu erkennen ist. Mary Elizabeth Winsteads Look bleibt uncanny, wie bei so ziemlich allen anderen kaum wiederzuerkennenden Rebels-Charakteren in diesem Stealth-Rebels-Live-Action-Sequel. Denn das ist Ahsoka nun mal. Da muss man sich nichts vormachen.

Inhaltlich bleibt Dave Filonis Erzählung im Rahmen einer Teenager-Geschichte: “Live… or die!” und “Are you a Jedi… or not?!” – Wow, groundbreaking stuff! Ihr “Trial”? Sie hat Maul besiegt, mehr noch als Obi-Wan! Ahsoka ist Ende 40 hier, mind you. Ahsoka is a jedi in all but name!

Auch vor den Szenen mit Hayden Christensen graut es mir, egal ob es um die kaum veränderte Schüler-Meister-Beziehung auch 30 Jahre später oder einen möglichen Exar Kun Geist Flashback geht. Das ist doch alles lahm und regressiv.

Am meisten ärgert mich, dass hier ganz ungeniert Thrawns Kampagne aus Heir to the Empire in dieser Serie adaptiert wird. Die TIE-Bomber tragen hier relativ klar die Plasma-Jet Mole Miners, die er benutzt, um die Sluis Van Schiffswerften der Neuen Republik anzugreifen. Diese Bohrmaschinen werden als unübliche Enterschiffe benutzt und so auch in der Serie scheinbar eingesetzt: Diverse Shots zeigen Soldaten der NR, die nach oben blicken, wo gerade Funken fliegen und sich etwas durchbohrt.

Das war wohl zu erwarten nach der ersten Staffel. Dennoch ist es einfach pervers, dass Filoni seine Kreationen nimmt und in die beliebteste aller EU-Geschichten verpflanzt. Und dann kommt die Frage: Dürfen dann am Ende womöglich Deepfake-Versionen von Luke, Leia, Han und Chewie kurz auftreten und die Kuh vom Eis bringen? Das ist ganz düstere Aussichten.

Nerdy Side-Stuff: YouTuber EckartsLadder will hier einen Super-Laser bei Thrawns Schiff erkannt haben, ähnlich wie bei der Eclipse aus Dark Empire. Lucasfilm betreibt also weiterhin Grabräuberei und Rosinenpicken beim Post-Endor Expanded Universe.

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Drei Tage lang spielen King Gizzard and the Lizard Wizzard mit befreundeten Bands den ganzen Tag auf einem Feld in Colorado Musik. Field of Vision heißt das eigens kreierte Festival für den Weirdo Swarm, der gerade den Release des neuen Albums Alien Metal feiert – nicht mein Ding, weil wieder elektronischer Schmarrn wie The Silver Cord, aber trotzdem wie immer “always good” und eben ein ganz eigener, erkennbarer Sound. Das Ganze wird natürlich wieder komplett umsonst auf YouTube gestreamt. Live hat das heute Nacht deutscher Zeit doch mehr gepoppt und mir eher zugesagt. Warm werde ich damit aber sicher nicht. Die Live-Performance von “Magma” heute Nacht hat mich aus meinem Schlaf gerissen, like, “no, I need to wake up for this.” Krank!

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Der perfekte Sommerabschluss: Phoebe Bridgers kehrt nach sechs Jahren mit ihrem dritten Album zurück. Es ist phänomenal gut. Lieblingstracks: “Governors Waltz”, “Kill Me”, “Lost Weekend (Reprise).” Der “Titel Track” “Lost Boys” gefällt mir nach mehrmaligem Hören auch inzwischen viel besser, u.a. auch dank diesen süßen Live-Auftritten im TV. Fuck, vielleicht muss ich das doch live sehen?!

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Vor mehr als zehn Jahren waren Death Cab for Cutie bereits einmal bei NPR zu Gast und spielten ein Tiny Desk Concert – ein Mix aus damals neuen Releases und Fanfavoriten. Heute gibt es zum neuen Album I Built You A Tower ein weiteres Konzert, inklusive meinem Lieblingstrack “Stone over Water” sowie zwei Klassikern “Title and Registration” sowie “Soul Meets Body” von den personal diamond platinum Platten Transatlanticism und Plans, bei denen hier kein Auge trocken blieb. Very underrated core millenial shit.

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Dieser neue Trailer zu Hope ist der Beste und alle anderen sollten vom Erdboden verschwinden. This is how it’s done.

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Mit der Static Hour meint man im Broadcasting eine vorprogrammierte, festgelegte Stunde Radiozeit. In dem gleichnamigen Spiel übernimmt man die Rolle eines Redakteurs in den Achtzigern, der die Nachtschicht beim Kleinstadtsender WDRP übernimmt.

Nun hat man es als Spieler selbst in der Hand, die Sendezeit für “Breaking News” zu unterbrechen. Als Berichte eintreffen über Familienmitglieder, die sich gegenseitig beißen, kann man selbst entscheiden über Wahrheit und Angst: Sieht man sofort die Zombieapokalypse am Horizont und will die Leute warnen, verbreitet man Panik. Lässt man die Sache einfach laufen, sterben eventuell mehr unschuldige Menschen, die keine Chance hatten, sich vorzubereiten.

Das Spiel erzählt das aus einer isometrischen Kameraperspektive, ähnlich wie Project Zomboid – also fast wie ein Prequel. So einfach machen die Entwickler es aber nicht, denn der Spieler kann durch seine Entscheidungen den Ausgang der Geschichte wohl selbst beeinflussen. Klingt sehr cool, erinnert mich stark an den Indieklassiker Pontypool mit ganz ähnlichem Setting und sieht im Trailer schon wirklich hübsch retromäßig aus.

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Yes, but not to change anything, just to see it all again.

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The post Musikvideo: Abbie Ozard – Tyrant appeared first on PewPewPew.

You see how this looks, right? Yeah, fucking great. Pattinson doing a voice, Hansen shown as the unhinged freak he is, cinematography out of this world. Moving images are back!

I think Pattinson has a real chance this year. Hansen is the unhinged character/performance voters like and the film seems dirty in a Real Movie Oscars sense. He’s also had an immense year and Dune Part 3 will be out making waves when voting happens. It’s bit of a McConaissance situation.

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Ich sammle die Serien seitdem der Dino-Verlag mit der Veröffentlichung von Issues im Juni 1999 bzw. von Sammelbändern (hier “Sonderband” genannt) ein paar Monate danach begann. Gelesen, geliebt, eingetütet (mit Backing Board versteht sich), für die Nachwelt sicher fernab von UV-Strahlung und anderen schädlichen Einflüssen verpackt. Manche davon sogar in Top Loadern. Ja, die sind teilweise mehr wert als die Comics selbst, aber das ist nur eine Metapher für meine große Liebe.

Jetzt kommt’s: Ich besitze sie alle. Alle bis auf einen. Es fehlt: Star Wars: Angriff der Klonkrieger (2 von 2) aus dem Mai 2002 und – super wichtig – in der Comicshop-Edition mit dem Variant-Cover. Und die Suche danach gestaltet sich schwierig – vielleicht bin ich aber auch blind?!

Denn weder auf eBay noch auf Seiten von anderen Comic-Händlern wurde ich bisher fündig bzw. wurden mir dann sogar manchmal falsche Comics zugesendet. Denn nein, ich suche die Edition mit dem Variant-Cover, hier “Comicshop-Edition” genannt. Das überforderte einige Händler leider. So sieht er aus:

Ich habe ihn auch bei Comic-Läden wie der Sammlerecke bestellt, wo mir dann die falsche Version geliefert wurde und auf Nachfrage wenig geholfen wurde leider, denn der Kollege mit Ahnung wäre erst demnächst wieder im Haus. Na toll, vielen Dank.

Auch auf passenden Discords deutschen Star Wars-Communities blieben meine Anfragen unbeantwortet, ja sogar gänzlich unbeachtet.

Kurzum: Ich bin verzweifelt. Ich hätte diesen Comic gerne. Ich will meine Sammlung vervollständigen. Hast du ihn und willst du dich davon trennen? Gerne auch für einen absurd hohen Betrag? Dann schreib mir bitte eine Mail mit einem Angebot an mail ät pewpewpew punkt de und fülle dieses Loch in meinem Herzen.

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The first good Holland Spider-Man movie since Homecoming. Probably as good as they’re gonna get under this leadership, and way too long and full! Lots to like and enjoy still, amazing swinging sequences that feel alive, a great score (I’m not hating a movie that opens with “Wolf in Me,” hello?!) but come on, the glaring poblem at the heart of these movies is Holland himself, who – besides looking really old here! Call Garfield’s hair fixer immediately! – can look either sad or constipated.

I have never believed his love story with MJ and this movie rests more heavily on it than ever before. Despite this being their fourth Spidey movie together and Zendaya being literally his wife at this point, I just don’t feel their chemistry on screen. I don’t see it, it never comes alive for me, it’s really sad. I don’t understand the Jean Grey thing either, as it completely dissolves all tension and antagonism from the movie. Same with MJ’s boyfriend who just simply disappears from the movie?!? I also also hated Spider-Man’s money issues again not being addressed in any real sense and all that entails. It’s absolutely central to the character!

And on top of that, I understand wanting some of those Insomniac’s videogame-y map features because that is fun and moves the plot forward but through AI facial recognition that Peter himself employs — are you insane?! I guess, in general, I’m not a fan of how these last few Marvel movies have ended with everyone hugging their feelings out in some trippy, metaphysical head dimension. But then you get to the “I’m both” scene, and none of that really.

Rating: 3.5 out of 5 stars

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Das ist in letzter Zeit meine Art Lieblingsgenre bei Onlinevideos. Eindrücke vom Himmel, oder so.

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Passend zum heutigen 30. Jahrestag der Erstveröffentlichung von A Game of Thrones von George R.R. Martin: Ein hübsches, kleines LEGO MOC im Retrostil, als wäre es passend zur Literatur in den Neunzigern in der Castle Themenreihe erschienen.

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Dank der Wayback Machine des Internet Archives konnte ich ihn schließlich doch noch aufspüren – und ihn hier für die Nachwelt retten.

Der Wald als gefährlicher oder unheimlicher Ort hat schon viele Filmemacher fasziniert. Sascha Brittner von pewpewpew.de hat sich zum Kinostart von THE FOREST näher an die bösen Wälder der Filmgeschichte herangetraut:

Absolute Dunkelheit: Heather und ihre zwei männlichen Begleiter sind aufgewühlt, denn bereits in der zweiten Nacht in Folge hören sie in einem Wald im US-Staat Maryland sonderbare Geräusche. Sie schalten ihre Kamera ein und filmen in die Dunkelheit hinein. Totenstille – doch plötzlich ist ein Geräusch zu hören. Ein scheinbar natürliches, dumpfes Geräusch, als ob ein morscher Ast auf Gestrüpp am Boden fällt. Dann folgen hellere Geräusche. Ein Stein, der auf eine Wand trifft. Vielleicht ist es ein Tier, das einen Steinrutsch auslöste? Doch plötzlich ist das Geräusch wieder zu hören. Und wieder. Es wird stärker. Rhythmischer. Bald wird klar, dass „etwas“ dort draußen mit der Angst der Gruppe spielt. Und dann sind Fußschritte zu hören…

„Blair Witch Project“ (1999) schafft mit einfachsten filmischen Mitteln diese Angst wie kaum ein zweiter Film im Subgenre des „Wood-Horrors“ effizient und packend einzusetzen. Es wird eine unheilvolle und verdächtige Atmosphäre des Waldes kreiert – ohne auch nur ein Monster oder die titelgebende Hexe zu zeigen. Das Kunst des Films liegt darin, das sich der Horror in den Köpfen der Zuschauer abspielt.

„Das älteste und stärkste Gefühl ist Angst, die älteste und stärkste Form der Angst, ist die Angst vor dem Unbekannten.“ H.P. Lovecraft, der Meister des übernatürlichen Horrors

Wälder haben schon seit Anbeginn der Menschheit einen Ruf als Ort des Übernatürlichen. Das lässt sich vor allem evolutionsbiologisch erklären. Vor Millionen von Jahren erhob sich Homo Erectus, um über die Sichtgrenze der Steppe herannahende Feinde zu erkennen und auch Wild jagen zu können. Somit konnte der Mensch sich eine Übersicht verschaffen, seine Welt nach seinem Blick und Willen prägen. In den dichten und unübersichtlichen Wäldern mit einer vielschichtigen Flora und Fauna, die mysteriöse, unheilvolle und schwer zu identifizierende Geräusche hervorbringen, verliert man schnell den Überblick und die Kontrolle.

Diese Angst vor den Wäldern ist bis heute tief im Menschen verwurzelt: sich in der Dunkelheit zu verirren, wo niemand die eigenen Hilfeschreie hören kann oder in Notsituationen auf sich selbst gestellt zu sein, ist für viele DIE Horrorvorstellung. Inmitten von Bäumen und Sträuchern fühlt man sich als Mensch der übermächtigen Natur hilflos ausgesetzt.

Man muss nicht unter Hylophobia, der irrationalen Angst vor Bäumen und Wäldern leiden, um bei diesen Szenarien eine Gänsehaut zu bekommen. Für nahezu alle Menschen ist die Angst der Protagonisten in diesen Situationen sehr rational und nachvollziehbar. Wälder sind groß, dunkel, geheimnisvoll, verwachsen und beherbergen mittelgroße Tiere, die mitunter dem Menschen gefährlich werden können. Wälder bieten nur wenige Rückzugsmöglichkeiten.

Diese Angst vor dem Unbekannten machen sich Filmemacher seit Jahrzehnten zu Nutze. Die Filmwälder sind meist dunkel und schwierig zu durchqueren. Ihre Opfer fahren in den Wald zur Erholung, wollen in einer Hütte entspannen oder mit Freunden ein Abenteuer erleben und begegnen stattdessen einem blanken, vorzeitlichen Horror. Natürlich wird das noch oft gesteigert: Die Figuren verlaufen sich nicht nur im Wald, sondern werden gleichzeitig von einem mörderischen Verrückten gejagt. Dann doch lieber Strandurlaub.

Schon in Grimms Märchenerzählungen finden sich pädagogisch wirksame Warnungen vor Wäldern wieder. Sei es die Gefahr durch den trickreichen Wolf im Rotkäppchen oder die prototypische Hütte im Wald, bzw. ein Lebkuchenhaus wie bei Hänsel und Gretel, in der die böse Hexe haust.

Das Setting ist sogar so genreprägend und omnipräsent, dass es titelgebend für Drew Goddard und Joss Whedons modernen Klassiker THE CABIN IN THE WOODS fungierte. In ihrer meisterhaften Dekonstruktion des Subgenres wird der Wald mit seiner Hütte im Zentrum zur buchstäblichen Bühne, die durch eine detailreiche Logistik hinter den Kulissen unterstützt wird – und all das nur, um den Atem der Zuschauer zum Stocken zu bringen.

Inzwischen müssen Filmemacher schon mehr bieten, als nur mit der Urangst zu spielen. Sonst läuft der Film Gefahr, nur das zum Klischee gewordene Setting für exploitative Teeniestreifen zu bedienen. Doch es gibt spannende Ansätze, die die stereotypische Darstellung durchbrechen. In dem vielleicht berühmtesten Beispiel des Genres, EVIL DEAD, wird der Wald wie auch bei THE FOREST selbst zum Antagonisten. Das buchstäbliche Böse sucht Wurzeln, Äste und Sträucher heim, die in einer berühmt-berüchtigten Szene eine der Hauptfiguren vergewaltigen.

Auch in M. Night Shyamalans THE VILLAGE gibt es eine Warnung vor dem Wald. Shyamalan stellt sich jedoch dem Unbekannten und fragt, ob das bekannte Übel, das den Menschen innewohnt, nicht viel größer ist als die Bedrohung von außen? Sein Wald dient auch als Schutz oder als Barriere vor der Außenwelt, die womöglich noch schlimmer als die unbestimmte Angst vor dem Ungewissen sein kann.

In TUCKER DALE VS. EVIL wird die Angst vor dem Unbekannten auf den Kopf gestellt. Die liebevollen Rednecks stoßen nahe ihrer Hütte im Wald auf eine Gruppe junger Menschen, die sie für verrückte Mörder halten. Die stereotypischen Opfer werden daher aktiv und wollen sich ihrem mutmaßlichen Schicksal nicht beugen. Das hilfsbereite Redneck-Duo sieht sich fortan auf Grund eines bloßen Missverständnisses mit dem eigenen Tod konfrontiert. Ein totlustiger Überlebenskampf beginnt.

Doch bei aller Liebe für dekonstruktive, humorvolle und abwechslungsreiche Ansätze, die die Erwartungshaltung des Zuschauers überraschen, geht doch nichts über einen gepflegten Horrorstreifen im Wald wie THE FOREST. Auf sich alleine gestellt, wird Sara (Natalie Dormer) mit ihrer Fantasie sich selbst zum schlimmsten Feind… Es lebe der Waldhorror!

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“This is something you’d see as a 4 year old and remember for the rest of your life” in the comments lol ja! Ich glaube ich habe nur einmal über Dan Hentschel hier gepostet, obwohl ich so viel davon abfeier. Klar, viel miss, aber einige Hits, die instant zu Internetklassikern wurden. Das hier ist eine sehr witzige Therapy Homework Parody.

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Zwei Filmszenen für die Ewigkeit. Manche kriegen nicht einmal eine. Das macht mich sehr, sehr traurig. RIP

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Also, nein, keine politische Behauptung von Noch-Nur-Kanzler Sheev Palpatine während der Klonkriege, sondern eine physische Feststellung, nachdem Star Wars Lore-Master EC Henry hat in seinem neuen Video nachgemessen hat. Keeping them honest!

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Hot off the presses: Die erste Single vom neuen Album von Greg Freeman. Sehr wohlige Klangfarben, die er aus seiner Gitarre da zaubert.

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Ich habe dieses Video sehr genossen, weil es die positiven Vibes der Convention wunderbar einfängt.

Für uns, die leider zu Hause bleiben mussten und die Mutter aller Cons nur aus der Ferne verfolgen konnten, stechen naturgemäß vor allem die großen Film- und Serienankündigungen hervor. Gehen wir sie einmal gemeinsam durch.

Resident Evil wird der Horrorfilm des Jahres

Kennt ihr das Gefühl, dass sich einfach von der ersten Ankündigunge über die ersten Bilder bis zur Trailer-Vermarktung einfach alles “richtig” anfühlt? So geht es mir mit Resident Evil von Zach Creggar mit Austin Abrams in einer Erzählung, die mehr die Spielmechaniken und die Vibes als nähere Plotelemente etablierter Narrativen übernimmt für einen Film, für den ich inzwischen enormen Hype hege. Dieser neue Trailer zeigt sehr viel vom Anfang, wo sich einfach alles stimmig anfühlt. Die Suche nach den Waffen, der Munition, die Schubladen, das Verhalten der Gegner… Das wird für mich wohl einer der Filme des Jahres, da muss sonst schon recht viel passieren.

Endlich ein erster Teaser zu Blade Runner 2099

ENDLICH Bilder von Blade Runner 2099, der Amazon-Serie mit Michelle Yeoh und Hunter Schafer in den Hauptrollen. 2019 – 2049 – und jetzt 2099. Der Sprung in die Zukunft ist nochmal größer als der vom Originalfilm zum Sequel und ein halbes Jahrhundert nach dem Ende von Blade Runner 2049 haben die Replikanten gewonnen. Denis Villeneuve und dem Drehbuch von Michael Green ging es zwar thematisch um eine Auflehnnung, die Revolution mutet aber größtenteils abseits der Bildfläche an. Ich habe den Film gerade nochmal nur angemacht, um mich diesbezüglich zu vergewissern – und ihn dann doch nochmal ganz geschaut lol. Wahnsinn. Die beiden Filme stehen sich in Nichts nach, es grenzt an ein Wunder. Die gleiche Hoffnung traue ich mich nicht für diese Serie zu hegen, alleine der Trailer ist visuell schon ein step down. Statt dem regnerischen Neon Noir gibt es eher “sunshine noir”, so die zumindest die Showrunnerin in Interviews. Die Idee ist, dass Hunter Schafer als Mensch in dieser Welt sich als Replikant ausgeben muss und hofft, zu “passen” nicht entdeckt zu werden. Daher ist ihr Casting schon mal inspired und interessant.

Mit Blick hinter die Kamera findet sich aber durchaus einiges an Talent. Die Kameraarbeit übernimmt Rob Hardy (Alex Garlands Mann: Civil War, Ex Machina). Für das Kostümdesign ist Helen Huang (Station Eleven) verantwortlich. Für das Szenenbild wurde unter anderem Paul Inglis (Blade Runner 2049) zurückgeholt. Ridley Scott zeichnet sich als Produzent verantwortlich. Für mich Showrunnerin Silka Luisa noch das größte Rätsel. Mit ihr steht und fällt das Ding. Es heißt, dass Drehbuchautor Michael Green ebenfalls beteiligt wäre, aber in dem Wiki zur Episodenliste sucht man ihn vergebens. Das ist sehr schade, denn gerade seine Vision dieser Welt Jahrzehnte später, inklusive den großartigen Worldbuilding-Kurzfilmen, war integral für den Erfolg von 2049. Bei Blade Runner 2099 handelt es sich um eine abgeschlossene Miniserie, eine zweite Staffel ist nicht geplant. Die Serie hätte also Zeit, diese dunklen Ecken weiter zu beleuchten und viel Zeit für die Post-Produktion gab es ebenfalls. Wäre sehr schade, wenn die Serie zur Enttäuschung wird.

The Rings of Power lässt Sauron endlich Sauron sein

Speaking of Enttäuschungen von Amazon Prime …. ayyyyy! Während es zur ersten Staffel noch einen am Ende recht versöhnlichen PewCast gab, habe ich die zweite Staffel von The Rings of Power nur noch halb katatonisch wahrgenommen. Mir ging es da nicht alleine so. Das scheint bei Herrn Bezos angekommen zu sein. Im Autorenraum wurde viel rotiert und die dritte Staffel setzt vor allem auf Sauron: Der Eine Ring wird geschmiedet, die Harfoots kommen nicht mehr vor, Gandalf ist Gandalf (wenn er auch hier im zweiten ZA nichts zu suchen hat), etc. Man will jetzt abliefern, so der Gesamteindruck. Na dann, bitte…

Lanterns sieht im neuen Trailer doch ganz gut aus

I have no dog in this fight but… Lanters sah bisschen recht kagge aus, oder? Statt kosmischer, grenzenloser Vorstellung laufen da zwei sehr gute Schauspieler durch den Südwesten der USA und wenn man dann Kostüme sah, waren die nicht mal grün.

Ich glaube, dass Damon Lindelofs Beteiligung hier diese DCU-Serie auf ein Watchmen-Niveau heben kann und die CGI-Action scheint nun für den Trailer endlich vorzeigbar. Alles in allem wirkt das runder. Mal schauen, ob ich da wirklich einsteige und wenn dann nur für Lindelof, Pierre und Chandler, weil DC-Helden und vor allem das GL Corps mich eigentlich null interessieren.

Apple TVs Neuromancer-Adaption

Für mich das größte Ding bei der SDCC 26: Apple veröffentlicht endlich einen Trailer zur Neuromancer-Adaption (Es gibt übrigens auch eine gute deutsche Adaption des WDRs!). Tja, was will man sagen? Der erste Shot trifft sehr gut die erste Zeile des Buchs, alle scheinen perfekt gecastet, der Look der Figuren stimmt, und die Serie wurde auf Film gedreht und mutet Cassette Futuristisch an. Es ist sehr wichtig, dass die Adaption eines Stoffes, der so einflussreich für viele Filmklassiker war und jetzt wie John Carter so verspätet kommt und daher ironischerweise wie ein Abklatsch wirken könnte, einen eigenen Look hat. Ich denke, das ist der Serie hier gelungen im Ersteindruck.

Witzig, dass dies nach Foundation schon die zweite Apple-Serie ist, die sich einen Stoff vorknöpft, der als unfilmbar galt. Danke, Steve Jobs!

Der Matchbox-Film sieht natürlich fürchterlich aus

Ja, und hier kann man eigentlich das ganze Lob wieder zurücknehmen. Alles, was Apple TV bei den Serien richtig macht, machen sie bei den Filmen falsch. Das ist wirklich witzig, wie man einmal auf HBO-Niveau konkurriert und dann wiederum David Ellisons Skydance Kacke da onlinestellt. Peinlich!

Ich bin kein Matchbox-Kind gewesen und mir ist das auch egal, aber was hat dieser Film denn an Autostunts oder auch überhaupt Automomenten zu bieten? Dem Trailer nach wohl kaum etwas.

The Transformers: The Movie kehrt zurück in die Kinos

Zum 40. Jubiläum kehrt der Transformers-Film in die Kinos zurück und am Ende soll es wohl neues Material zu sehen geben, das auf eine mögliche, direkte Fortsetzung deutet. Ich habe den Film nie gesehen, aber wenn der auch hier in deutschen Kinos laufen wird, geb ich mir das mal.

Dark Matter wird in der 2. Staffel noch komplexer

Ich mochte Dark Matter sehr und freue mich auch grundlegend auf die zweite Staffel, aber ich bin ehrlich wenn ich sage, dass man es auch bei einer Staffel hätte belassen dürfen. Wenn ich das richtig verstehe, hat man in der ersten Staffel das Buch von Blake Crouch doch komplett adaptiert. Da er Showrunner ist, konnte er bereits in der Adaption einiges anpassen und darf nun über das eigene Buchende hinaus seine Ideen weiterspinnen. Eigentlich cool, aber da die vielen Nebenfiguren nun wichtiger werden und ebenfalls weitreichende Entscheidungen treffen werden, wird das alles noch sehr viel komplexer und könnte eventuell einige Zuschauer verlieren. Ein riskantes, aber doch sehr spannendes Unterfangen. Ich bin dabei!

Hasbro bringt hübsche Zelda-Figuren auf den Markt

Toy- und Print-mäßig ist die SDCC einige reine Enttäuschung in meinen Augen. Bei den angekündigten Star Wars-Figuren regt sich bei gar nichts; höchstens finde ich vielleicht den angekündigten Thermal Detonator hübsch, den ich mal gerne für eine Minute in der Hand halten würde.

LEGO setzt seine Star Trek-Reihe fort mit der Brückenszene der originalen Enterprise, aber die Umsetzung (es gibt nich einmal einen Boden) für den Preis ist eine bodenlose Frechheit.

Alle Jahre wieder werden Sideshow-Quality-Jurassic-Figuren angekündigt, die dann doch nicht erscheinen. Dieses Mal stellte Factory Entertainment Prototypen vor, die mehr oder weniger wie Ian Malcolm und Alan Grant aussahen.

Das einzige Highlight für mich war die Ankündigung Hasbros, Zelda-Figuren auf den Markt zu bringen. Und sie sehen ziemlich grandios aus. Check them out, courtesy of Hasbro:

Weil ich mit diesn Tears of the Kingdom/Breath of the Wild-Versionen persönlich nicht so viel anfangen kann, warte ich noch auf die Ankündigung von der Ocarina of Time-Version. Aber dann greife ich 100% zu, die sehen super aus.

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Ich mag den Flohmarkt auf dem IKEA-Parkplatz bei uns in Saarlouis überhaupt nicht. Da stehen jedes Wochenende immer wieder dieselben Leute und dazu besteht knapp ein Drittel des Flohmarkts, je nach Wetterlage auch vielleicht sogar die Hälfte, aus diesen riesigen Ständen mit billigen Klamotten und Werkzeugmassen. Sachen, die vom LKW gefallen sind halt. Das ist für mich nicht Flohmarkt. Trotzdem bin ich wieder hin, auch weil ich letzte Woche nirgends war und ich auf eine längere Fahrt woandershin keine große Lust hatte. Ich sollte es nicht bereuen, denn hier fand ich mehrere alte Star Wars-Bücher aus dem Expanded Universe in exzellenter Condition. Ich habe das noch nicht gecheckt, aber ich bin mir ziemlich sicher, dass ich sie schon besitze. Aber total egal, denn der Verkäufer wollte nur je ein Euro dafür und das war blind einfach mal das Schnäppchen wert.

Dabei war auch dieses Buch: Star Wars – Das Diplomatische Korps: Die Aufnahmeprüfung. Ich halte mich für recht bewandert, was Star Wars-Veröffentlichungen angeht, doch dieses Teil ist mir noch nie unter gekommen. Also noch nicht mal irgendwann online gesehen oder so. Ich bin davon extrem fasziniert, weil ich noch nie vom Diplomatischen Korps gehört hatte. Es handelt sich dabei um eine Art In-Universe-Führerscheinprüfung für angehende Diplomaten des Imperiums. So ein bisschen wie PoWi studieren in einer weit, weit entfernten Galaxis. Totales Geek-Ding also, spricht mich natürlich an, und ich hätte es gerne schon 1998 kurz nach der Veröffentlichung gehabt, um die Popkulturquizze in unserem Freundeskreis damit zu erweitern.

Hier mal ein paar Einblicke. Ich finde das teilweise richtig schwer und auch cool gemacht mit den schematischen Zeichnungen. Die lieben Leute der Jedi Bibliothek machen solche Quizze auch gerne digital bei ihren Con-Ständen, da erinnert mich das total dran.

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Das chinesische Roboter-Unternehmen Unitree ging vor ziemlich genau einem Jahr schon einmal mit ein paar Clips viral, in denen ihr humanoides Robotermodell inmitten von Kindergruppen ein paar Meter laufen konnte. Bekleidet in einem langen Shirt wirkte das wie Interaktion, als würden die Kinder mit “G-1” Fangen spielen. Seitdem kursierten auch andere Clips, in denen der Roboter versuchte wie Michael Jackson zu tanzen und damit kläglich scheiterte. Ganz so cyberpunkig ist das alles also noch nicht.

Mich interessiert die Entwicklung von diesen humanoiden Modellen auch gerade weniger. Der tägliche Einsatz von diesen Dingern folgt irgendwann vielleicht, wenn andere Drohnen schon längst alltäglich sind. Gerade aber machen mir andere Teile viel größere Sorgen. Follow the money, und dann ist klar, dass der Einsatz von diesen Teilen vor allem zunächst militärischer Art sein wird, bevor sie Omas ins Bett bringen werden.

Unitrees neuestes Modell wurde gerade vorgestellt: “Super Athlete AS2-W” ist eine Art Hund auf vier Rädern. Ultra wendig, hypermobil, rasend schnell, wird nie müde und macht Tricks auch ohne Leckerli. Über Geröll, durch einen Bach, eine Klippe runter – dieses Ding steht dem Jagdroboter aus der Black Mirror-Folge “Metalhead” in wenig nach. Da fehlt eigentlich nur noch die Schrotflinte, und das ist schnell gemacht.

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Mit Charli xcx konnte ich bisher relativ wenig anfangen. Weder gefällt mir ihr Synthiepop noch fand ich diesen Brat-Summer charmant. Beim Überfliegen ihres Wikipedia-Artikels sehe ich, dass sie Musik für viele Künstler*innen geschrieben haben und offensichtlich sehr talentiert ist. Mir war das relativ egal, irgendwie nicht für mich auch, hatte ich das Gefühl.

Im Rahmen ihrer Konzerte inszenierte sie sich teilweise als Cineastin mit Letterboxd-Account und Einblendungen wie “Joachim Trier Summer” oder  auf den Videowänden bei ihren Auftritten. Das fand ich schon besser und mit dieser Neuerfindung war sie auch beginnend im letzten Jahr in Filmrollen zu sehen. Filmkritiker Richard Brody hebt besonders ihr Debüt in Erupcja hevor. Wäre sie nicht schon bekannt, dies müsste ihr Durchbruch sein, meint der Mann vom New Yorker. Es folgt in diesem Jahr noch Faces of Death, I Want Your Sex und The Gallerist. Durchaus ambitioniert.

Passend dazu kann das neue Album Music, Fashion, Film auch nicht ohne dazugehörigen Album-Film erscheinen. Digital gefilmt und in Schwarz/Weiß gehalten sehen wir eine Reihe von Musikvideos, in denen sie leicht bekleidet vor der Kamera herumläuft. Hier und da werden ein paar BTS-Aufnahmen während der Produktion als Übergänge eingebaut.

Das ist recht uninspiriert und wirkt vor allem in diesen monochromen Bildern sehr prätentiös. Man kennt das aus dem Freundeskreis: Jemand kauft sich eine DSLR und “macht jetzt Fotos”. Von Feldern, von Blumen und Insektionen – und von Aktmodellen, natürlich in Schwarz/Weiß, weil das stilvoll aussieht. Insofern recht sophomoric, aber auch irgendwie charmant und – das muss an dieser Stelle gesagt werden, weil ich zum ersten Mal richtig hingesehen habe – schon hot.

The post Music, Fashion, Film ist der neue Album-Film von Charli xcx appeared first on PewPewPew.

The review results of LEGO ideas projects took place! Unfortunately, the model focused on LOST show did not pass this time.

The model currently has almost 3500 votes out of 10k. If the project receives support, it has a chance to become an official LEGO set!

Repost if you… pic.twitter.com/S6VMrqeOBD

— LOST (@TheLOSTworld_) July 16, 2026

Ein Fan hat LOST als umfangreiches LEGO-Set nachgebaut namens Lost: The Island. Das Projekt umfasst rund 4.850 Teile und versammelt neben Jack, Locke, Sawyer, Kate, Hurley und Co. auch da Hatch, die Swan Station, die Black Rock, den Dharma-Van, das Floß, das Beechcraft-Wrack und zahlreiche weitere Schauplätze und Easter Eggs. Selbst Smokey und der Man in Black dürfen natürlich nicht fehlen. Dazu ist das Set ähnlich wie die großartigen Lord of the Rings Veröffentlichungen von LEGO selbst designt: Von vorne / außen sieht es super als Diorama aus, aber dahinter gibt es hübsche, bespielbare Innenräume, die sogar inhaltlich hier perfekt passen!

Dass Serien als LEGO-Sets funktionieren, ist längst bewiesen. Von Stranger Things bis The Office hat LEGO in den vergangenen Jahren immer wieder beliebte TV-Welten in Klemmbausteine übersetzt – und mit dem gerade angekündigten X-Files-Set zeigt sich, dass auch ältere Kultserien weiterhin enormes Nostalgiepotenzial besitzen.

Aber wie sieht es bei LOST aus? Die Serie ist inzwischen fast 22 Jahre alt. Ist die Insel selbst noch präsent genug, um ein solches Set zu tragen, oder ist meine Lieblingsserie aller Zeiten mittlerweile vor allem ein Stück Fernsehgeschichte für eine bestimmte Generation? So richtig viele LOST-Memes finden sich heute nicht mehr. Die Stars der Serie haben kaum an den Erfolg anknüpfen können. Selbst die Showrunner Damon Lindelof und Carlton Cuse sind eher wackelig unterwegs. Das LEGO-Ideas-Projekt setzt jedenfalls vor allem auf die frühen Staffeln und damit auf jene mysteriöse, faszinierende Insel, in die sich damals Millionen Zuschauer verliebten.

Reicht das? Bis heute sind viele Falschinformationen unterwegs (“Sie waren alle tot die ganze Zeit” etc.) und das Ende bzw. die sechste Staffel hat sogar einige Fans enttäuscht zurückgelassen. Auf dem Weg zum Finale hat LOST viele Fans verloren, aber mein Eindruck ist immer, dass die Leute, die die Serie und auch ihr Ende mochten, es wirklich lieben und für die funktionierte alles zu 100%. Und davon dürften sich sicherlich 10000 Leute für so ein Set finden, damit es realisiert wird.

Ob LEGO das genauso sieht, hängt zunächst von der Community ab: Das Projekt muss aktuell auf LEGO Ideas unterstützt werden und das ist mit einem einzigen Klick schon getan. Also los, bitte! We have to go back!

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Noch ein Game of Thrones-Spin-off, die inzwischen dritte HBO-Serienadaption der Westeros-Geschichten von Autor George R.R. Martin – braucht es das wirklich? Nach der ersten Staffel A Knight of the Seven Kingdoms stellt sich diese Frage gar nicht mehr, denn die Serie hat sich im Handumdrehen in die Herzen vieler Fans gespielt.

Die Vorlage, die Novelle The Hedge Knight aus dem Jahr 1998, die die Anfänge der Reisen von Dunk and Egg erzählt, ist eine zeitlose Geschichte über Männlichkeit, soziale Mobilität und Moral als letzte Hoffnung in einer verlorenen Welt.

Mit Miriam Kasteleiner spreche ich schon seit den frühen Game of Thrones-Staffeln über diese Welt. In diesem neuen PewCast diskutieren wir darüber, warum A Knight of the Seven Kingdoms für uns zu den besten Serien des Jahres gehört.

Für Feedback oder Fragen verfasst ihr einen Kommentar unter diesem Post, eine Mail an mail@pewpewpew.de oder einen Tweet @PewPewPewBlog bzw. @reeft. Wenn ihr den Podcast unterstützen wollt, dann hinterlasst doch gerne eine Bewertung auf iTunes oder Spotify.

Shownotes:
Bildquellen: © HBO Max

Hier die Links zu MP3, Soundcloud und Podcast-Feeds:
MP3: pewcast180.mp3 (53 MB)
Soundcloud: PewCast 180: A Knight Of The Seven Kingdoms – Staffel 1
iTunes: PewCast
Spotify: PewCast
Podcast-Feed: https://feeds.feedburner.com/pewcast

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Moviepilot wird die Community-Blogs – und damit auch meinen Blog – löschen. In der Ankündigung von Chefredakteurin Jenny Jecke wird die Entscheidung damit begründet, dass die Blogs eine große Altlast darstellen, einem Rückgang der Nutzung zu verzeichnen war und schließlich will man neue Wege beschreiten.

Ich halte das alles für nachvollziehbar und inzwischen für den natürlichen Gang der Dinge. So nischig Blogs auch früher schon waren, interessiert sich heute schon recht kaum noch wer dafür. Ich kann mir vorstellen, dass die aktive Nutzung durch die Moviepilot-Blogger*innen noch kaum der Rede wert war. (Ich verstehe sowieso nicht so recht, wie sich dieses Format urheberrechtlich so lange halten konnte?) Es ist aber auch eben ein weiteres Zeichen dafür, dass das geschriebene Wort im Internet und in unserer Kultur insgesamt weiter an Wert verliert.

Zugleich haben sich seit 2014 die Möglichkeiten, eigene Inhalte im Netz zu veröffentlichen und zu konsumieren, noch einmal deutlich multipliziert, vor allem im Bereich der sozialen Medien.

Ich teile diese Feststellung in der Mitteilung und daher stellt sich bei einem kommerziellen Unternehmen wie Webedia, das hinter Moviepilot und auch Filmstarts steckt, am Ende eine ganz einfache Kosten-Nutzen-Frage. Aus eigener Erfahrung weiß ich, dass ein paar tausend Beiträge nicht viel wiegen an Webspace. Ein paar tausende Beiträge mit Bildern aber schon wiederum sehr. Vielleicht will man auch ganz anders umschalten und ein neues Webdesign wagen, die Internetpräsenz schlanker gestalten und sich von dem “Ballast” (finde ich schon eine interessante Wortwahl) trennen. Wer weiß das schon? Das muss man abwarten.

In den Kommentaren lassen die Moviepiloten kein gutes Haar an der Entscheidung und leider auch der Redaktion. Einerseits verstehe ich ein wenig den Unmut über die Abschaltung bei einzelnen, leidenschaftlich noch tippenden Nutzer*innen. Andererseits sollte man sich immer im Klaren sein, dass nur der eigene Webspace einem gehört im Netz und sonst nichts – und das auch nur solange die Abbuchung monatlich erfolgt lol. Das Internet vergisst sehr wohl und auch schnell. Mit großer Leidenschaft Inhalte auf einer fremden Seite zu pflegen, während immer das Damoklesschwert über einem schwebt, habe ich schon immer für hirnrissig gehalten.

Die Redaktion dürfte für die Entscheidung wohl kaum verantwortlich sein, weswegen ich auch die einzelne Kommentare unter der Ankündigung verurteile. Wahrscheinlich aber dürften sich da einige freuen über den Wegfall der Arbeitslast, denn irgendwer muss da schon bestimmt mal die Beiträge überprüft haben, oder? Jedenfalls lässt sich auf Instagram sehr gut erkennen, wo der Weg hingeht: In einem neuen Reel haben die Redakteurinnen ihren Hot Takes freien Lauf gelassen. Pivot to Video in the year of our Lord 2026? Das ist fernab von dem Moviepilot, das ich mal kannte und schätzte; auf dem Filmkritiker Georg Seeßlen veröffentlichte, Rajko Burchardt seine Mr. Vincent Vega Takes abfeuerte oder einige mir durchaus nahestehende Autorinnen großartige Texte schreiben. Aber die marktwirtschaftliche Logik zwingt den Inhalt in Form und das ist eben Short Video Content aktuell leider.

Ich darf diese Entwicklung auch persönlich etwas betrauern. Zwischen 2014 und 2020 war ich für Moviepilot als freier Autor tätig. Ich begleitete dort die Serien The Leftovers und Fear The Walking mit wöchentlichen Kritiken (Ich musste sie leider “Recaps” nennen, was ich fürchterlich fand!) sowie einigen Thinkpieces und diversen Essays. Ich bin bis heute stolz auf die Arbeit, die dort entstanden ist. Die redaktionellen Anforderungen zwangen mich dazu, meine Texte professioneller zu strukturieren und zu präsentieren – und ich bin sicher, dass ich in dieser Zeit auch schlicht besser schreiben gelernt habe.

Die meisten Artikel, die ich dort veröffentlichte, sind auch hier in ganzer Länge online – und das schon seit längerer Zeit. Vor Jahren hatte ich mir mal die Mühe gemacht, alle Artikel, die zunächst hier nur als Teaser veröffentlicht wurden, zu vervollständigen. Eben genau aus der Angst geboren heraus, dass dieser Content irgendwann von heute auf morgen verschwinden könnte.

Die Blogs werden bei Moviepilot erst am 30. September abgeschaltet und vorher gibt es noch die Möglichkeit einer kompletten Datenabfrage. Das ist nicht selbstverständlich, sondern ein Zeichen der Wertschätzung. Das sollten auch die wütenden Moviepiloten anerkennen – und dann jetzt ihre eigenen, richtigen Blogs starten.

An dieser Stelle möchte ich bei Ines, Jenny, Andrea und Matthias für die gute Zusammenarbeit und das Vertrauen über die vielen Jahre bedanken.

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Sandcastle wird wohl das “das ultimative Sandbox-Spiel”, denn hier schaltet man eine Vielzahl von Werkzeugen frei, um nassen Sand zu sammeln und gewaltige Mauern am Strand zu errichten, kunstvolle Zinnen zu formen und ausgeklügelte Wassergräben anzulegen, um die geilste Sandburg überhaupt zu haben. Ich kann mich hier entweder Stunden verlieren sehen oder nur einmal zocken nach dem Install, je nachdem welche Features es hier geben wird. Konzeptionell wäre da noch mehr drin, mal abwarten und wishlisten! Eigentlich müsste es einen Koop-Modus geben, weil gemeinsam sowas bauen irl noch geiler war/ist.

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Klar, Michael Clayton ist geil und alleine für Andor genießt der Mann für mich auf ewig Gottstatus, aber Tony Gilroy gefällt mir besser in der Rolle als Autor und Produzent. Seine bisherigen Regiearbeiten abseits des großen Erfolgs, der nun auch zwanzig Jahre zurückliegt, sind mit Duplicity und The Bourne Legacy eher schwächelnd. Aber: Behemoth! sieht ziemlich gut aus in diesem schnittigen Teaser, der kunstvoll anmutet. Immerhin mal etwas Interessantes mit dem Medium gemacht. Das bockt!

Der Film über Musik mit Pedro Pascal als Cellist kann dazu mit Filmmusik von neun – ja, richtig gelesen – Komponisten aufwarten, darunter James Newton Howard, Alan Silvestri, Michael Giacchino uvm. Das ist schon wild, ich bin gespannt, wie das wird. Außerdem fühlt sich dieser Film richtig an für Eva Victor als nächster Karriereschritt, die mit Sorry, Baby ein tolles Debüt hinlegte.

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been there, buddy

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Ich musste nach diesem Trailer zunächst mal zurück auf den Marvel-Kanal gehen und mir den Teaser nochmal anschauen, um mich zuversichern, dass dies wirklich ein Trailer sein soll. Was wurde da denn nochmal im Teaser, well, angeteaset, und wo setzt jetzt dieser Trailer daran? Mir war das nicht klar.

Wer es ebenfalls vergaß: Marvel/Disney hatten sich nicht für einen traditionellen Teaser entschieden, sondern in mehreren, über Wochen an Avatar 3-Showings gebundene Character-Teaser veröffentlicht; also ein paar Shots von Patrick Stewart und Ian McKellen gezeigt, woraufhin dann “The X-Men will return in Avengers: Doomsday” eingeblendet wurde. Aha, gut zu wissen!

Das machten sie mit mehreren Figuren wie den Fantastic Four oder Captain America, was die maximalistische Logik bei Kevin Feige und Co. offenbart. Je mehr Helden auf der Leinwand zu sehen sind, desto besser, weil mehr Geld – Avengers: Endgame hat das schließlich bewiesen.

Nach dieser Verfahrensweise ist auch natürlich nichts mehr heilig: Chris Evans kehrt als Steve Rogers zurück und wahrscheinlich wird dies nicht das einzige Sakrileg im Marvel-Kosmos hier bleiben. Es ist beinahe köstlich zu beobachten, wie verzweifelt Marvel versucht, an die Magie der 2010er anzuknüpfen – an eine Zeit, in der dem Studio scheinbar alles gelang.

Wer sich auch nur ein wenig für den Film interessiert, dürfte davon allerdings längst erfahren haben. Weder das große Reveal am Ende des Trailers noch manche Überraschungen im Film selbst können deshalb ihre beabsichtigte Wirkung entfalten. Teilweise kursierten eklatante Leaks: Figuren, zentrale Plotpunkte, ja sogar ganze Sequenzen des mutmaßlichen Finales landeten zwischenzeitlich auf Twitter.

Bemerkenswert finde ich, wie diese Logik nun dazu führt, dass ein Trailer zum hoffnungsvollen, großen Comeback in dieser Form veröffentlicht wird. Dieser Vermarktung gelingt es innerhalb der zweieinhalt Minuten Laufzeit zu keinem Zeitpunkt, ein Gefühl für Ort, Zeit oder so etwas wie eine Geschichte zu etablieren. “Something is coming.” warnt uns Robert Downey Jr. als Doctor Doom (mit Akzent!) zu Beginn. Wer genau war das nochmal? Nicht so wichtig, eigentlich auch egal, auf jeden Fall müssen alle gegen den jetzt kämpfen! Warum wird aber nicht so wirklich klar, halt ein böser Wicht.

Natürlich wissen du und ich wer das ist, du liest immerhin gerade einen Popkulturblog, aber zwei kleine Post-Credits-Teaser taugen nicht als formale Einführung des neuen Über-Villains. Basierend auf dem Vorwissen, wie diese Filme geschrieben und gedreht werden, liegt die Vermutung nahe, dass man vielleicht bei Marvel selbst noch nicht so richtig weiß, worum es hier eigentlich geht. Es sind ja noch 5 Monate, ein paar Reshoots sind da schon drin.

Grundsätzlich wäre so ein abschließender, riesiger, neu definierender Film mit diesen verzweifelten Figuren in einem aussichtslosen Kampf durchaus spannend. Auch die Casting-Gerüchte zum neuen X-Men-Film, der dann die Basis für das Danach legen soll, finde ich aufregend (Cooper Hoffman, Cailee Spaeny werden da z.B. genannt). Aber ja, der Film hat auch visuell einfach gar nichts zu bieten. Es ist schon alles sehr schade, weil da viel Geld verbraten wird und es am Ende trotzdem so aussieht. Es wäre gut, wenn der Film floppt und mit The Odyssey und Dune – Part 3 zwei Filme dieses Jahr einen neuen Weg fürs Blockbusterkino vorschlagen. Aber ich befürchte, es dürften anomale Auswüchse zweier Auteure bleiben.

Immerhin sieht Florence Pugh sehr hot aus.

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Über die LEGO Island aus dem ikonischen Videospiel der Neunzigerjahre von YouTuber Kelton habe ich schon mal berichtet und nun ist das Ding tatsächlich komplett fertig. Das fertige MOC hat Custom-Minifiguren, Custom-Bricks und andere Details wie eigens designte Fliesendecals. Auch die vielen kleinen Nachbauten der im Spiel interaktiven Fahrzeuge und Amaturen sind einfach beeindruckend. Eines der besten MOCs ever für mich. Verrückt: Das Ding hat wohl 2500€ gekostet.

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Mich hat der tragische Unfalltod von Musiker Oliver Tree vor einem Monat in Rio De Janeiro ziemlich erschüttert. Ich war nicht unbedingt ein riesiger Fan seiner Musik, aber ich fand seine Onlinepräsenz und der Auftritt als Künstler abseits der Konzertbühne, als Enfant terrible auf Social Media und auf den Kanälen vieler Youtuber, höchst unterhaltend und charmant. Dieses Spiel als Mix aus Troll und beleidigte Leberwurst mit einem Herzen aus Gold, als jemand, der nur irgendwo respektiert und angenommen werden will, hat mich teilweise auch an mich selbst erinnert. So wird er mir schwer fehlen. Ich hatte dieses Bild von Tree mit dem Text schon länger irgendwo auf dem PC liegen und es mir letzte Woche als T-Shirt drucken lassen. Natürlich oversized. RIP King

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Einer geht noch – dann ist Schluss. Diesmal wirklich.

Zumindest versichert uns Johnny Knoxville in Jackass: Best and Last mehrfach, dass dies der endgültige Abschied vom wohl prägendsten Franchise vieler, vor allem männlicher Millennials ist. Das Alter hat die Crew vorsichtiger, müder und spröder werden lassen, doch der Wille, gemeinsam Schmerzen zu ertragen und mit uns gemeinsam darüber zu lachen, ist immer noch ungebrochen.

Ganz rund fühlt sich dieser Abschied allerdings nicht an. Die neuen Crew-Mitglieder bleiben weiterhin größtenteils außen vor, Bam Margera taucht nur in Archivaufnahmen auf und insgesamt wirkt Best and Last wie ein kurioser Hybrid aus Klassikern, Bonusmaterial und ein paar neuen Bits. Nach Jackass Forever drängt sich deshalb unweigerlich die Frage auf: Ist das hier noch würdiger Epilog – oder doch eher ein Cashgrab? Stimmt das und wenn ja, ist das überhaupt schlimm?

Über diese Fragen und mehr geht es erneut mit Lucas Barwenczik (Gelesen, CUTS), mit dem ich im PewCast schon mehrfach über unsere gemeinsame Liebe zu Jackass gesprochen habe.

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Shownotes:
Bildquellen: © Paramount Pictures Germany
PewPewPew: Einer geht noch: Trailer zum letzten Jackass-Film
PewCast 055: Jackass
PewCast 098: Jackass Forever

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Phoebe Bridgers spielt bei Fallon zwei Versionen der Debütsingle “Lost Boys” vom neuen Album Lost Weekend. Einmal mit einer Gruppe YouTube-Kids und dann stripped down eine accoustic version mit ein paar älteren Boys, die mir viel besser gefällt als die Studioversion. Sehr charmante Ideen!

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Aus, Schluss, vorbei! Star Wars ist toter als tot, das macht The Mandalorian and Grogu glasklar. Nachdem Filmjournalist (und wichtiger: mein guter Freund) Matthias Hopf und ich gemeinsam über viele Jahre jede. einzelne. Folge. der Serie The Mandalorian besprochen haben, wollten wir es uns nicht nehmen lassen, auch diese cineastische Vollkatastrophe ausführlichst auseinananderzunehmen.

An dem Film, in dem sich kein einziges Bild finden lässt, lassen wir völlig zurecht kein gutes Haar. Zuerst zanken wir uns noch bis Minute 43:00 darüber, wie faul Jon Favreau nun wirklich ist. Ab dann geht es über den eigentlichen Film, bei dem wir dann schon eher einer Meinung sind. Dazu geht es auch um die aktuelle Allgemeinsituation, fehlende Vorfreude auf einen Star Wars-Film und mixed feelings für unser Lieblingsfranchise. It’s complicated! Schade, dass es alles so enden musste scheinbar.

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Shownotes:
Bildquellen: © Lucasfilm / The Walt Disney Co. Germany
PewPewPew: Ein neuer Star Wars Film, some little guys und ein bisschen Vorfreude
PewPewPew: The Mandalorian and Grogu: Der Kino-Trailer zum TV-Film ist da!
PewPewPew: The Mandalorian & Grogu ist ein fürchterlicher Filmtitel, passt aber total in Lucasfilms Muster
Instagram: Matthias.Kino

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Soundcloud: PewCast 178: The Mandalorian and Grogu
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Es ist die Filmsensation des Jahres: Der 20-jährige Filmemacher Kane Parsons bringt seine gefeierten Kurzfilme als Kinofilm Backrooms auf die Leinwand. Die virale Creepypasta, auf der der Film basiert, fasziniert mich in ihren vielen Auswüchsen seit Jahren.

Gemeinsam mit Filmkritiker, Podcaster und Pew-Freund Lucas Barwenczik (Gelesen, CUTS) spreche ich im neuen PewCast über Übergangswelten, Internetfilme, digitale Ästhetik – und darüber, warum Backrooms schon jetzt zu den spannendsten Filmen des Jahres zählt.

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Shownotes:
Bildquellen: © A24
Kulturindustrie 044: Peak TV, Robert Pfaller, The Backrooms
Twitter: Nope ist eine SCP Story
Adult Swim: This House Has People In It

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MP3: pewcast177.mp3 (71 MB)
Soundcloud: PewCast 177: Backrooms
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Mein 1/1 von Nicole Gustafsson. Als sie Auftragsarbeiten für Filmcharaktere anbot, fiel mir noch vor Luke Skywalker jemand anderes ein.

In meiner Jugendzeit entwickelte sich dieses Bild dann, weg von dieser Rolle hin zu einem Schauspieler, der in seine Rollen eintauchen konnte. Verrückt war, wenn es von ihm verlang wurde. Der vielleicht der spannendste Bond ever hätte sein können. Plötzlich tauchte er auf hier und da, vertraut als guter Leinwandfreund, bei dem man sich gerne freut, ihn zu sehen.

Auch wenn die Figur, vor dem Casting produziert auf Konzeptzeichnungen, ihm nicht so ähnelt: Dr. Alan Grant war ein ständiger Begleiter auf Reisen.

Die dritte und nachhaltigste Phase begann vor knapp zehn Jahren, als Neill begann, kurze Videos von seiner Farm in Neuseeland auf Twitter zu posten. Hier eine Gans, die er ihm Arm beruhigt und dabei wie ein Jesusgemälde wirkt. Dort Späßle, Gedanken, Anekdoten. Ich habe die fast tägliche Präsenz dieses Mannes sehr geschätzt – eines Mannes, über den niemand je ein schlechtes Wort verlor und dessen trauriger Tod, kurz nach einer endlich überstandenen Krebsbehandlung, alle tief bestürzt hat. Möge auch das seiner Familie in dieser schwierigen Zeit ein Trost sein. RIP

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Sehr spannende Entwicklung abseits von elevated trauma horror bei Leviticus: Im australischen Indiefilm wird ein junger schwuler Mann aus dem Leben gerissen und zu einer Konversionstherapie gezwungen. Neben ihm selbst kehrt dabei eine Art übernatürliche Version von ihm zurück, die wütet und jagt und viele spannende Interpretationsmuster eröffnet. Interessiert mich sehr, leider aber bisher gar keine Meldung bezüglich einem internationalen Start. Wenig überraschend, weil queerer Horror es durchaus schwer an den Kinokassen hatte. I Saw The TV Glow, Bones and All, das Suspiria Remake sind ja alle mehr oder weniger gefloppt.

The post Leviticus ist ein Conversion-Therapy-Horrorfilm appeared first on PewPewPew.

Nach Unrecord und Bodycam ist Better Than Dead der inzwischen dritte größere Vertreter des “Bodycam-Trends” bei Ego-Shootern. Diese Spiele zeichnen sich dadurch aus, dass sie zwar typischerweise eine First-Person-Perspective haben, gleichzeitig aber mit starken Kamerabewegungen, Fisheye-Effekt und fehlendem HUD fotorealistische Grafik erreichen, die teilweise wie echtes Bodycam-Material aus einem Polizeieinsatz wirkt.

Eben nicht, weil es perfekt ist, sondern wegen den vielen Ungereimtheiten in diesen Aufnahmen, die detailgetreu nachgebildet werden. Dazu fokussieren sich die Spiele auf kurze, intensive Schusswechsel statt klassischer Arcade-Action mit Wellen an NPC-Gegnern. Better Than Dead verbindet dies nun mit dem Hong Kong Kino der 80er- und 90er-Jahre, setzt dazu auf Bullet Time.

Dieser visuelle Realismus kann in den Aufnahmen höchst verstörend wirken, die ursprüngliche Tech-Demo von Unrecord hat da einen Trend losgetreten, der zwar eine neue Qualität an Authentizität erreicht, gleichzeitig aber auch Fragen der Legitimität von Waffengewalt bei Einsätzen aufwirft. Sprich: Normalisiert diese Ästhetik durch die Popularität der Spiele automatisch die Gewalt?

Der großartige Jacob Geller (Ich sage das hier vielleicht häufiger, weil ich meist über Sachen poste, die ich sowieso gut finde, aber hier trifft es wirkt zu! Wahrscheinlich einer der Top 5 Internettypen für mich.) hat sich mit der Ethik und Ästhetik dieser Spiele in seinem neuen Video-Essay beschäftigt, das ich jedem nur wärmstens ans Herz legen kann.

The post Trailer: Better Than Dead treibt den verstörenden Bodycam-Trend weiter voran appeared first on PewPewPew.

Sieht aus wie Pineapple Express 2, den ich mir immer wünschte. Es gibt inzwischen auch einen Trailer für den Film von Macon Blair, den ich in Jeremy Saulniers Filmen mehr mochte als auf dem Regiestuhl. Ich werde es aber hierbei belassen, denn das ist der perfekte Appetizer.

The post Alle Teaser sollten so sein wie der für IDIOTS appeared first on PewPewPew.

Ein schöner Trailer, der wohl zu viel zeigt, alleine mit seinem key visual bereits hier im Thumbnail. Dennoch bietet er eine spannende Horrorprämisse im Stil von 50 First Dates, nur aus der schlimmeren Perspektive heraus: Von einem rätselhaften Zustand betroffen, der ihr Gedächtnis immer wieder zurücksetzt, findet sich Ellie (Jessica Rothe) in einem sich ständig wiederholenden Albtraum wieder. An ihrer Seite steht ein Mann, der behauptet, ihr Ehemann zu sein. Mit jeder neuen Wiederholung wächst der Druck, die Wahrheit über ihre eigene Existenz aufzudecken, bevor die Erinnerungen erneut verschwinden. Der “Twist” scheint hier recht klar, oder? Hoffentlich irre ich mich.

The post Trailer: Affection ist 50 First Dates als Horrorfilm appeared first on PewPewPew.

Ich hege eine ironische Liebe für japanisches Marketing, das übersetzt ins Englische immer wie konzerninterne Rundmails klingt: “WE CAN ANNOUNCE THE CONFIRMATION OF THE PRODUCTION OF OUR NEW SERIES. REJOICE, REJOICE!” Diesem todernsten Tonfall – kombiniert mit dieser extrem seriösen, humorlosen Herangehensweise an die eigenen, selbst für Fanskaum noch verständlichen Plotentwicklungen – kann ich von meiner Seite immer ein Schmunzeln garantieren.

Tatsächlich gelang es mir im Mai, im dritten Anlauf Neon Genesis Evangelion endlich nach über 25 Jahren einmal zu bingen. 26 Folgen in knapp 30 Stunden – eine wirklich verblüffende Erfahrung, da mich das entgegen meiner Erwartung alles recht kalt ließ.

Ich will seitdem einen Podcast darüber machen, weil ich die Titelidee von “PewCast: NGE” ziemlich cool finde und auch einfach den passendsten Gast überhaupt im Kopf dafür habe. Vorher will ich mir aber noch ein bisschen mehr der weiteren filmischen Entwicklungen aus diesem Jahrtausend reinziehen, um ein breiteres Urteil zu fällen. Das braucht etwas Überwindung angesichts des Serienendes.

Zur Serie ist außer dem beteiligten talent nichts bekannt bisher. Ich weiß nicht, wo diese Rebuild-Filmreihe inhaltlich steht und so richtig leidenschaftlich werde ich das nicht verfolgen – dafür hat es bei mir leider nicht genug geklickt trotz… ja, hier könnte ich jetzt wild gestikulieren, irgendwie ja ganz vielen Elementen, die hier mitspielen. Spannend hingegen finde ich aber, dass man sich dem Medium der Serie wieder annimmt; ein Zeichen der Zeit.

The post Neue Evangelion Anime-Serie angekündigt appeared first on PewPewPew.

Seit The Weight auf der Berlinale lief, freue ich mich auf diesen neuen Ethan Hawke Joint, bei dem einem sofort zwei weitere Filme in den Kopf schießen: John Hustons Treasure of the Sierra Madre und und William Friedkins Sorcerer. Survival Thriller in denen Männer mit großer Mühe aufs Ganze gehen. Hier spielt Hawke einen verurteilten Mann in einem Arbeitslager, der seine Strafe verkürzen kann, wenn er für den Gefängnisdirektor Gold durch unwegsames Gelände im Pacific Northwest passieren kann. Truly the kind of movies they don’t make anymore. Und Ethan Hawke war noch nie schlecht. Old school movie, old soul. Love this shit.

The post The Weight Trailer: Ethan Hawke macht The Sorcerer zu Fuß appeared first on PewPewPew.

Der gesamte Criterion Closet ist jetzt betretbar als Webseite, wo sich alle 1347 Filme der Criterion Collection in den Regalen finden lassen. Der digitale Schrank wurde geskriptet von Redditor olievans, dem man hier einen Kaffee dafür kaufen kann.

A walk-in closet of 1.327 real Criterion editions, shelved in spine-number order — exactly as a true collector keeps them. Look around, read the spines, and pull any one off the shelf to inspect the case.

Sicherlich ‘ne coole Sache, auch wenn die schönen spines so eben nicht aussehen – hier aber in dieser Form leserlicher sind. Also wirklich wohl eher eine hilfreiche Methode, um eventuell über einen neuen Film zu stoßen statt einer detailgetreuen Nachbildung des ikonischen Closets. Finde ich klasse!

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Es gab im Voraus schon einige verrückte Behauptungen über Werwulf, den neuen Film von Robert Eggers. So sollten zum Beispiel alle Schauspieler nur Middle English sprechen, also so wie bei The Canterbury Tales vor dem Great Vowel Shift. Diese zeitliche Einordnung lässt bei jemandem wie Eggers, der für seine historisch peniblen Darstellungen bekannt ist, natürlich auch die Gedanken euphorisch kreisen.

Am Ende – zeigt uns nun der Trailer – mutet das auf dem Papier dann doch eher wie eine recht unkomplizierte, direkte Werwolfnarrative an – mit recht verständlichem Modern English. Aber Eggers ist Eggers und der Look, die Kostüme, das Makeup und vor allem eben die Sets sind die wahren Stars seiner Filme. Dieser Film erinnert so mit seinen Extras und grimmen Lebenssituationen viel eher an Alexei Germans visionäres Meisterwerk Hard To Be A God.

Mein Freund Matthias bloggt seit einiger Zeit nun auf Instagram (unbedingte und uneingeschränkte Follow-Empfehlung!) und hat in einem Post erklärt, wie dieser raue Filmlook erreicht wurde. Meine Vorfreude ist unendlich! Es ist für mich leider wirklich unverständlich, wieso so viele Leute so performativ und oft auch schlicht böswillig den Filmen von Eggers gegenübertreten. He’s the doing one doing this!

 

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Das Statistische Bundesamt hat die Auswertung der Sterbefallzahlen für den Juni 2026 veröffentlicht und wir sehen ein analoges Bild zu anderen westeuropäischen Staaten, die in der Hitzeglocke gefangen waren.

In der dritten Juniwoche stiegen die Sterbefallzahlen zeitgleich mit dem Beginn einer Hitzewelle leicht darüber hinaus an (+1 % in Kalenderwoche 25 vom 15. bis zum 21. Juni). In Kalenderwoche 26 (22. bis 28. Juni), die durchgehend von der Hitzewelle geprägt war, lagen die Sterbefallzahlen nach ersten vorläufigen Ergebnissen der Hochrechnung um 30 % über dem mittleren Wert der Vorjahre. In dieser Woche starben in Deutschland demnach etwa 23 700 Menschen. Das waren etwa 6 800 Sterbefälle mehr als noch zwei Wochen zuvor.

Zum Vergleich: Der Höchstwert während der Corona-19-Pandemie “wurde Anfang Januar 2021 mit mehr als 6000 Todesfällen pro Woche erreicht.” Aber früher war’s ja auch heiß!

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Wünsche mir das genau so für jeden Film.

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Mich hat das ehrlich gesagt ziemlich gewurmt. Nicht nur, weil ich Fälle dieser Art bei anderen Vorhaben schon sehr gut kenne, sei es bei mehr Sport machen, besserer Ernährung oder anderen Projekten, wo der innere Schweinehund irgendwann die Zügel übernimmt.

Auf der anderen Seite sind knapp 1,5 Jahre fast tägliches Posten mehr als in den Jahren zuvor. Mich hat dieser Erfolg glücklich gestimmt, zudem mein Leben einfach bereichert. Ich war am Ende wieder viel mehr drin in diversen Hobbys und insgesamt macht mir das öffentliche Schreiben doch großen Spaß. Am Ende zählt sowieso nur der Vergleich mit sich selbst, und dass ich jetzt weitermache ist klar der wichtigste Punkt. And also let’s be clear: Nobody cares! Es gab keine Nachfragen, wo denn die Posts bleiben oder ähnliches. I’m doing this for myself. And I like it this way.

Insofern sehe ich das eigentlich als positive Erfahrung, auch wenn es jetzt nicht unbedingt die Woche vor dem 17. Bloggeburtstag hätte sein müssen! Trotzdem bietet mir dies die Möglichkeit, ein bisschen offene Selbstreflexion zu üben und mich zu fragen, wieso es jetzt dazu kam. Nun, ich habe zumindest ein paar Gedanken. Zunächst einmal war da ein ziemlich schönes Wochenende in den Niederlanden, das mich ziemlich auslaugte.

Richtig schöne Zeit in Den Bosch gehabt, viel auf dem Pink Pop Festival in Landgraaf gesehen, aber am Ende von langen Fahrten und der Hitze ziemlich erschlagen – und damit sollte es ja erst richtig losgehen. Für das Wochenende hatte ich noch Beiträge vorab geschaltet, danach war mir das alles einfach zu viel und der PC blieb mal aus. Ich blogge ungern am Handy und mein Macbook ist über 20 Jahre alt, insofern wurde aus einem Tag Pause plötzlich zwei. Und insgesamt war das auch nicht der einzige Lebensbereich, der unter diesen Temperaturen litt.

So entwickelte sich das, bis dann die Sache so groß wurde, dass sich ein Gefühl der Ohnmacht entfaltet, als könne man die Sache gar nicht mehr bewältigen. Einige können da sicherlich mitfühlen. Dabei hilft es jedoch, sich einfach hinzusetzen und zu machen. Das ist eine Lektion, die ich schon hunderte Mal gelernt habe und dies war auch wohl bestimmt leider nicht das letzte Mal.

Das Wichtigste aber: Es geht weiter und das auch im inzwischen 18. Jahr. Dieser Geburtstag muss sonst ohne große Worte oder Ankündigungen auskommen. Wer sich letztes Jahr für die PewPost angemeldet hat und bisher nichts erhalten hat, den möchte ich beruhigen: Das ist kein Fehler! Bisher fehlte mir noch immer eine gute Idee, die sich richtig anfühlt. Es soll sich ja auch lohnen. Wahrscheinlich overthinke ich das aber. Eigentlich will ich dieses Projekt unbedingt im kommenden Jahr angehen.

Ein visuelles Redesign finde ich auch nach all den Jahren immer noch nicht wirklich notwendig. Da dürften womöglich die Meinungen auseinandergehen. Wo ich mir aber sicher bin, dass etwas geschehen muss, ist unter der Motorhaube. Das dürfte inzwischen alles mal grundsätzlich zu überholen sein.

Ansonsten möchte ich mich bedanken für die Kommentare im letzten Jahr und Rückmeldungen, die schon seit langer Zeit mehr auf Social Media und privat in DMs stattfinden als öffentlich. Grundsätzlich erfreut mich natürlich jede Rückmeldung – und sie sind ausnahmslos alle positiv. Es dürften aber schon ein paar mehr im eigentlichen Blog sein, das wäre mein Wunsch für das neue Jahr. Und natürlich, dass ihr, meine treuen und lieben Leser*innen, genauso wie ich und der Blog im nächsten Jahr noch hier sind.

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Das Beste Album von Arcade Fire, The Suburbs, – überhaupt eines der besten Indie-Rock-Alben überhaupt und wohl auch das letzte große Album der Band (RIP) – endet mit einer super melancholischen Reprise des gleichnamigen, titelgebenden, träumerischen Tracks namens “The Suburbs (Continued)”, der nach Reue und Wehmut schreit. Schon seit vielen Jahren stecken mir die traurigen, von Win Butler gehauchten Lyrics im Kopf:

If I could have it back
All the time that we wasted
I’d only waste it again
If I could have it back
You know I would love to waste it again
Waste it again and again and again

Daran musste ich gerade wieder denken, als ich dieses Video von Videospielkartograf Any Austin gesehen habe. Wie viele Stunden über Stunden ich als Kind damit verbracht haben muss, die Grenzen der damals scheinbar endlosen Welt in Ocarina of Time abzusuchen, vermag ich kaum zu sagen. Der Ritt auf Epona durch die Steppe Hyrules in meinem ersten Open World Game lud aber auch förmlich dazu ein. Denn irgendwo befindet sich sicher ein geheimer Raum, eine Spalte, die in ein neues Gebiet führen wird, so der kindliche Glaube.

So viel Zeit… verschwendet? Ich weiß nicht. Wohl eher, und das sage ich mit einem Schmunzeln, würde ich es wohl analog zum Song wieder tun auf der Suche nach dem Ende der Welt. Any Austin versteht den Reiz und hat das hier aber für jedes große Zelda-Spiel der letzten 30 Jahre gemacht. Hätte ich das mal besser damals schon geschaut.

The post Das Ende der Welt in Zelda appeared first on PewPewPew.

Es ist schon bezeichnend für die menschliche Naivität, unsere Hybris oder auch Einsamkeit, dass so viele Darstellungen von Robotern in Literatur oder Filmen uns ähneln. Wie süß, dass wir dachten, dass unsere Schöpfungen natürlich auch uns ähneln würden. Wahrscheinlich wird es auch tatschächlich irgendwann ziemlich menschengleiche Androiden gehen – wohl alleine für die Sexindustrie. Doch schon vorher wird es solche Lovecraft’schen Horrormaschinen wie im Video oben geben, die vielseitiger, nützlicher und erfolgreicher im Einsatz sein werden als unsere digitalen Nachkommen. Sowas wie Argus hier, entwickelt von der Duke University und inspiriert von einer Seegurke, gleicht nämlich eher den biblischen Beschreibungen von Engeln oder den Rollminen aus Half-Life 2. Ein kosmischer Terror, der sich unaufhaltsam seinen Weg bahnen kann.

Noch plumpst das Ding wie ein Steppenläufer so durch die Gegend, aber in schon wenigen Jahren wird sich dieses Ding mit Hochgeschwindigkeit durch jedes Terrain bewegen können. Im Video werden die positiven Einsatzmethoden hervorgehoben und die sehe ich ja auch: Überwachung von abgelegenen Wäldern, Rettungsmissionen in Unglücksgebieten oder sogar die nächste Evolutionsstufe von Mars-Rovern. Ja, okay, klar. Die Drohnenentwicklung in der Ukraine zeigt aber, wohin es mit Sicherheit auch geht. Eine kleine Sprengladung an das Ding gepackt und es wird jedem Soldaten auf dem Schlachtfeld erbarmungslos bis ins kleinste Schlupfloch hinterherjagen können.

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Wann auch immer ich mal von Planetes erzählt habe, selbst in einschlägigen Animekreisen, bekam ich nur leere Gesichter als Reaktion. Insofern erstmal: Ein ziemlicher schicker Turn of Millenium Anime über eine Zukunft Ende des 21. Jahrhunderts, in der Raumfahrt zum Alltag geworden ist – und wo wir hingehen, da bringen wir unseren Müll mit. Deshalb muss da aufgeräumt werden, der Anime erzählt von den Figuren und ihren Zwischenfällen. Ich habe gute Erinnerungen daran, aber es ist schon ewig her, dass ich das geschaut habe.

Das Videospiel Orbitals erinnert mich stark daran und macht mit seinem witzigen Gameplay-Trailer insgesamt einen positiven Eindruck. Auch hier fliegt man in Animeoptik herum und muss im Koop-Modus verlassene Raumschiffe erkunden und mit unterschiedlichen Werkzeugen reparieren. Wie schon in anderen Spielen von Hazelight Studios (Way Out, It Takes Two, Split Fiction) geht der Weg zum Erfolg nur gemeinsam. Sieht sehr spaßig aus!

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Wir hier bei PewPewPew sind echte Connaisseure des Haifilms. Nachdem Thrash zu Beginn des Jahres eher enttäuschte, gibt The Devil’s Mouth etwas Mut zur Hoffnung. Der Film vereint nun hungrige Haie in einer Unterwasserhöhle mit einer Gruppe Touris zu einem schaurigen Sommerhorror, der mich schon im Trailer hier einmal zusammenschrecken ließ. Erinnert mich sehr an das Videospiel Depth, für das ich auch keinen Mumm hatte. In dem Spiel mussten Menschen auf der einen Seite gegen spielbare Haie auf der anderen auf Maps wie einem Unterwassertempel antreten.

Five friends explore The Devil’s Mouth cave system in Thailand for one last adventure before life in the real world begins. But they soon discover that something is hunting them under the water…fast, silent, and deadly. In the suffocating darkness, trust erodes, panic spreads and every wrong turn becomes a fight for survival.

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Nur Liebe für die Videos der Postermagierinnen bei Fourth Cone Restoration, einem Kunststudio in LA, das Filmposter und diverse Kunstdrucke restauriert. Dieses ikonische Princess Mononoke Poster von Studio Ghibli hatte sogar einen Riss, der mit Tape geflickt wurde – und die kriegen das am Ende so hin, als wäre nie was gewesen und das Ding käm krachneu aus der Rolle. Wahnsinn. Am geislten finde ich, wie da über diverse Bereiche mit Tape abgedeckt werden und dann jenes Tape so beschnitten wird, dass das Poster darunter nicht beschädigt wird. Das würde ich gerne noch genauer sehen und vielleicht mal selbst probieren, denn das erfordert sicherlich ein unfassbares Maß an Fingerspitzengefühl.

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Diese und mehr Weirdness fand ich in der neuen Ausgabe von Onlinevideogenie Vic Bergers This Is The Feed-Serie. Pflichtprogramm für alle, die gute Onlinekuratierung wertschätzen. Mir ist diese Arbeit tatsächlich so viel wert, dass ich sie bei Patreon unterstütze!

Die Cleverlys sind übrigens eine Comedy-Cover-Band und meinen das nicht ganz ernst; wobei ja eigentlich schon, weil es sich mega anhört!

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Phoebe Bridgers ist zurück! Nach ihrem Megaerfolg Punisher und mehreren Grammys für Boygenius ist “Lost Boys” das erste Lebenszeichen nach einer mehrjähigen Pause. Für mich klickt dieser Track vom neuen Album Lost Weekend noch nicht so richtig. Meine erste Reaktion war, dass ich das als sehr safen Release empfand – wäre es ein “lost track” vom letzten Album, ich würde es sofort glauben. Aber trotzdem ist meine Vorfreude auf das neue Album immens und nach mehrmaligem Hören denk ich mir schon so: Ja, doch, das ist ein Bop!

Produziert wurde er von Jack Antonoff, der für mich ein wenig in zu vielen Küchen mitkocht. Das charmante Musikvideo ist von u.a. von Lance Oppenheim, in dessen Film Primetime Bridgers mitspielen wird. Am Album haben jedoch auch Alex G, Christian Lee Hutson, diverse Bright Eyes-Mitglieder und auch Langzeitprodueznt Marshall Vore mitgewirkt. Insofern dürfte sie sich mit diesen Freunden an den Instrumenten doch musikalisch treu bleiben.

Ich habe mich vor Kurzem fragen müssen, wie sehr ich Fan von Phoebe Bridgers bin, denn auf ihrer Lost Tour macht sie auch in Deutschland Halt. Die Tickets dafür waren mir jedoch mit 100€ zu hoch angesetzt. Dazu wird bei ihren Konzerten ein striktes Handyverbot herrschen, was mich ziemlich abturnte. Like, I probably get where she is coming from! Bridgers’ Fanbase ist schon ziemlich rabiat und schmerzlos, teilweise wurde ihre Privatsphäre verletzt und ihre skandalfreien Beziehungen zu Paul Mescal und Bo Burnham wurden online massiv diskutiert und memefiziert. She wants to teach these youths a lesson! Celebrities haben darunter schon immer leiden müssen, aber in unserem modernen Handypanoptikum stelle ich mir das als noch größere Tortur vor. Insofern, I get it, I feel you!

Aber ich bin hier of two minds, weil es so ein Handyverbot eigentlich nicht geben sollte. Die Leute geben hunderte, wenn nicht sogar inzwischen tausende Euro aus, um ihre Lieblingskünstler live performen zu sehen und das festzuhalten für die eigene Erinnerung ist eigentlich ein no brainer. Diese Freiheit einzuschränken finde ich schon einen sehr krassen Schritt.

Aber um auf einer positiven Note zu enden: Isaac Wood, der ehemalige Sänger von Black Country, New Road wird als Vorband bei den EU-Konzerten auftreten. Seine Band verließ er vor ein paar Jahren überstürzt, seitdem gab es nichts mehr zu hören. Ich bin sehr gespannt, was daraus wird.

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Nachdem ich bereits das Cover für die Singleauskopplung beisteuern durfte, hat Cambre auch für sein Album ein Foto von mir genommen. Das ist schon ziemlich verrückt. Also auch wenn er noch ein Indiekünstler ist und die Musik wohl nie Millionen erreichen wird, finde ich es schon eine extrem coole Sache, die mich mit Stolz erfüllt.

Ich bin ein großer Fan seiner Musik und dass er etwas von mir nimmt, um seine Kunst zu visualisieren, ehrt mich. Das Cover ist ja oft noch das erste, was man wahrnimmt, noch vor der Musik. Und dass etwas, das ich geschaffen habe, dann gut genug ist für ihn, freut mich so sehr! Ich würde mir wünschen, dass das irgendwann mal produziert wird; oder ich lasse mir selbst ein 1/1 drucken. Ich will das Album auf jeden Fall in den Händen halten!

Hier ist mein Lieblingstrack des Albums, “Shoulder.” Wie schon bei “What I Said” handelt es sich hierbei kurioserweise nicht um eins meiner vielen Filmfotos, sondern um eine iPhone-Aufnahme aus dem 2016. Damals durch meine dreckige Windschutzscheibe gegen die Sonne gehalten, durch mehrere Instagramfilter in der App selbst gejagt und später etwas geupscalet für den Release. Ist ein Vibe!

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Nun, es ist jetzt nicht so als würde ich behaupten, dies sei kein guter Trailer, aber er geht haarscharf an einem Plagiat von The Last Of Us vorbei. Nur dass dort eben die Zombiepilze etwas besser als eine Mischung aus Sperma und Holzkleber aussehen. Ich mochte Train To Busan schon gut genug, um Colony hier eine Chance zu geben. Wobei ich das scheinbar völlig überdrehte Sequels damals schon übersprang. Aber Zombies gehen ja immer und der Titel ist sehr spannend, wenn man mit dem Konzept der Zombies als Kolonie mit eventueller Königin etwas machen will.

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Es ist schon ziemlich verrückt, dass es hier keinen einzigen Blogbeitrag bisher zum LEGO-Stadt-Projekt von Bob Brickman gibt, fiebere ich doch seit bestimmt knapp einem Jahrzehnt jedem einzelnen Videoupdate entgegen. Der Österreicher begann zunächst im heimischen Keller mit dem Bau einer Stadt aus LEGO: Vorstadt, Innenstadt, Berg, Landschaft, U-Bahn, Hochhaus – alles da in einer sich stets erweiternden, realistischen Version.

Vor einigen Jahren schloss er sich mit dem YouTuber BrickStory zu einem “LEGO-Museum” zusammen, welches in bisher mehrfachen Locations in Rosenheim Besucher*innen seine Tore öffnete. BrickStory ist eher ein Händler und Sammler, so ich habe mal vor einiger Zeit seine Star Wars Minifigurenwand vorgestellt. Gemeinsam stellen sie in ihrem Museum riesige Welten aus, neben der Stadt gibt es noch eine Mondbasis, eine Westernwelt und inzwischen auch eine riesige römische Landschaft.

Gerade machen sich die Beiden auf, ein drittes Mal umzuziehen – hoffentlich in die letzte Location, die groß genug sein soll für alle bisherigen Welten und die geplanten Erweiterungen. Kurz bevor Bob seine Stadt nun für den Umzug abbaut, gibt er hier im Video nochmal eine sehr gute Übersicht über all seine kreativen Meisterwerke. Der LEGO Master DuckBricks alias Christopher Lee tourte erst vor ein paar Wochen während eine Europatrips durch das Museum und fand, dass es sich wohl um die beste LEGO-City neben der in Billund selbst handelt. Ich kann ihm da schwer widersprechen.

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“The odds of being swallowed alive by a whale are not zero.” ist schon eine der geilsten Taglines seit Jahren. Und über die letzten Jahre habe ich auch realisiert, dass ich Austin Abrams sehr gerne leiden sehe. In Weapons war er schon der geheime Hauptdarsteller für mich und Resident Evil ist wohl mein #1 Most Anticipated Movie für den Rest des Jahres. In Whalefall wird er von einem Wal verschluckt und muss dann um sein Überleben kämpfen bevor ihm die Luft ausgeht. Das klingt schon als Logline so verrückt, dass der Trailer zum Film einfach diese Sequenz mal komplett zeigt.

Following the death of his father (Josh Brolin), Jay Gardiner (Austin Abrams) goes diving off the central Coast of California in search of his remains, but is swallowed by a massive sperm whale. While trapped inside its belly with only one hour of oxygen left, Jay comes to realize that the hard-earned lessons his father imparted may be the key to his escape.

Ziemlich genialer Marketingkniff für einen Film, der – als er angekündigt wurde – sich für mich irgendwie unverfilmbar anfühlte; zumindest nicht ernsthaft umsetzbar. Brian Duffield belehrt mich eines Besseren, aber das ist keine große Überraschung, denn auch schon sein Alien-Knaller No One Will Save You landete damals auf meiner Jahresbestenliste. Das Buch, auf dem der Film basiert, muss wohl zwischen Flashbacks und seiner misslichen Lage hin und her switchen und sehr gut sein. Hype!

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Wunderschönes Musikvideo für einen Song, den mir der Algorithmus zuspielte und der mich mit seiner friedlich chilligen Besinnlichkeit gerade genau richtig trifft. Auch ein ganz spannendes Konzept für ein Video, totaler Vibe. In den Kommentaren schreibt wer nur “old soul” und halt einfach ja.

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Hübscher Teaser zu einem wahrlichen Schmaus: Die Criterion Collection verspricht ein “complete” Set von Stanley Kubricks Filmen. Weiß nicht, ob sich das unbedingt lohnt für mich, da ich alles schon in diversen Sammelausgaben habe, aber vielleicht wird da auch was restauriert oder etwas Elementares neu veröffentlicht. Mal abwarten! Das Produktdesign muss auf jeden Fall stimmen. Dieses Wes Anderson Gesamtpaket aus dem letzten Jahr ist nämlich wahrhaft scheußlich.

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Marc DeMarco, I owe you an apology! In der Vergangenheit war ich hier an diversen Stellen recht hart im Umgang mit einem Künstler, den ich ja doch schließlich so mag, so sympathisch finde und dessen Musik mir so viel bedeutet. Sogar sein letztjähriges Album Guitar hat inzwischen einen Platz in meinem Herz gefunden und nach meinem Konzertbesuch am Montag in Offenbach fühle ich mich richtig doof, da so hart mit ihm ins Gericht gegangen zu sein. Diese stage antics hat er stark zurückgefahren und dann spielt er ja schließlich da doch zwanzig Songs, die ich allesamt liebe und er hätte bestimmt nochmal so viele, über die ich mich ebenso freuen würde.

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France v Senegal FIFA World Cup 2026 through Geoff Lowe’s lens pic.twitter.com/uUoyP0i6Ze

— Fľøkï (@Dee_Floki) June 18, 2026

Jetzt wo ich drüber nachdenke, ja, doch: Diese Sportfotografie von Geoff Lowe habe ich beim Tennis irgendwann einmal wahrgenommen, aber noch nicht beim Fußball. Und ja, wow. Ich hätte davon teilweise gerne ein paar hübsch eingerahmt. Definitiv ein Follow wert.

Insane photos taken at World Cup football matches captured by Geoff Lowe (2026) pic.twitter.com/AB9rXjFb1b

— Outlander Magazine (@StreetFashion01) June 18, 2026

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Erst viele Jahre nachdem das Backrooms-Phänomen bereits zum viralen Erfolg wurde, hat man den Ort der originalen Fotoaufnahme gefunden. Über einem heutigen Hobbystore in Wisconsin findet sich der heute als RC-Racetrack genutzte Raum. Es lassen sich noch ein paar Perspektiven erahnen. Ich liebe es, wie das Video eines Fans hier wie der Zapruderfilm analysiert wurde und auch wie diese Räumlichkeiten nicht ganz ihren liminal character/charme verloren haben.

Es ist schon sehr spannend, welche Bedeutung dieser Erzählwelt beigemessen wird und wie stark daraus eine Suche nach dem Ursprung entstanden ist. Verständnis hängt zusammen mit Herkunft. Wenn jemand wie hier diese Räume in ihrem ursprünglichen Zustand in Blender rekonstruiert, passiert etwas Interessantes. Denn es gleicht dem Versuch einen Traum zurück in die Realität zu setzen durch digitale Archäologie und somit Mythos und Realität wieder zusammenzubringen. Besonders beeindruckend hier ist dann die Qualität, denn der Ursprung nimmt dem Mythos nicht seine Kraft. Es sind nicht nur ein paar Perspektiven, die die Backrooms formen.

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4000 Einwohner versus knapp 4 Millionen Touristen pro Jahr – so sieht es in Cinque Terre aus, einem Küstenstreifen entlang der italienischen Riviera. Influencer auf der Jagd nach dem perfekten Foto auf der einen Seite, genervte Einheimische auf der anderen. Ich hoffe, der Film wird das am Ende nicht ganz so plump mit diesen abgedroschenen Argumenten abfrühstücken und das differenzierter betrachten. Ich denke mir zum Beispiel, dass auch einige nicht so genervte alte Männer zur Sprache kommen könnten.

Für die, die dort geboren und aufgewachsen sind, stellt diese Masse an Touris sicherlich eine massive Veränderung dar, das würde mich wohl auch ärgern. Aber dann fahr halt selbst mal ein paar Kilometer weiter und mach selbst mal Urlaub woanders. Von dem Airbnb-Geld, das das geerbte Familienhaus abwirft, lässt es sich sicherlich auch gut leben. Dennoch sieht The Siege of Paradise vor allem recht spannend gefilmt aus – für einen Dokumentarfilm doch sehr ambitioniert auf der Suche nach Bildern – und bereits im Trailer mit Momenten aufwartend, die wie geskriptet wirken.

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In the running for the most Turkish thing ever: Eine Katze landete während einer Ballettadaption von Romeo und Julia auf der Bühne gelandet und spielt im Finale überzeugend mit. Doofes Video mit KI-Stimme, aber einfach Ton aus oder vorspulen zum Ende hin. Liebs!

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Sleep well, NY. pic.twitter.com/xg9JLLKT4K

— Nike Basketball (@nikebasketball) June 14, 2026

Gänsehaut.

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Sara Dosa meldet sich vier Jahre nach dem bildgewaltigen und Oscar-nominierten Dokumentarfilm Fire of Love über das Vulkanlogen- und Autorenehepaar Katia und Maurice Krafft zurück. Der Film spielt auf Island und lässt sie somit die Magie der Vulkane nicht ganz hinter sich; auch ihr Fokus auf die antreibende Kraft der Liebe zwischen den Menschen, die zu Taten ermutigt oder beflügt, bleibt ein Motiv in ihrem Werk. Time and Water wirkt daher wie ein Companion Piece oder Sequel. In dem Film betrachtet sie die Auswirkungen des Klimawandels auf der Insel durch die Augen und Familiengeschichte des isländischen Autoren Andri Snær Magnason. Sieht ähnlich grandios und virtuos aus.

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Dieser großartige Edit ist ein kleines Kunstwerk. Es gibt neuerdings diesen Trend, Spielberg basierend auf The Fabelmans entschlüsseln zu wollen durch kleine Referenzen aus dem Film. “Ah, genau, der Zug!” oder auch gerne “Ja, stimmt, Mama und Papa, Gegensätze, hm, schwierig.”

Ich halte das für recht nervig und der Ansatz ist dazu gefährlich reduktiv. Der Edit gibt mir recht.

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Mag das Riff und die lyrische Repetition sehr.

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