Aquí, una selección de lo que más nos gustó este 2025.

Underworld | Boiler Room

02/08/25 @ Burgess Park, Londres

El debut de Underworld en Boiler Room fue un evento generacional. Karl Hyde y Rick Smith, las leyendas británicas cuya música definió la rave de los 90 (gracias en parte a Trainspotting), demostraron que la energía del dance no tiene edad. Su set fue una clase magistral de Progressive House, Techno y Trance. Lejos de apoyarse únicamente en la nostalgia, mezclaron himnos inmortales como «Born Slippy» con kicks modernos y producción dura, dejando contentos a veteranos y nueva guardia. El hype no era solo por ver a los pioneros en un formato íntimo, sino por presenciar la conexión perfecta entre la historia de la música electrónica y su vibrante presente. Fue un recordatorio de que la verdadera cultura rave siempre mira hacia adelante.

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Parcels | The Lot Radio

23/10/25 @ Nueva York

El quinteto australiano Parcels, famoso por su impecable Synth-Funk y Disco en vivo, ofreció un raro set de selector en The Lot Radio de Brooklyn. Este stream mostró cómo una banda orientada a la instrumentación traduce su groove característico al formato de djing continuo. El set fluyó entre cortes de House clásico, Funk setentero y Disco elegante, demostrando que su sonido tiene raíces profundas en la cultura club. The Lot Radio, conocido por ser un faro de la diversidad musical neoyorquina, sirvió como el telón de fondo perfecto para que la banda compartiera sus influencias, ofreciendo una escucha perfecta para el día o para la previa íntima.

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Scruz | Rinse FM

26/01/25 @ Londres

Scruz es un DJ que mezcla principalmente funky UKG, breaks, garage, disco, hip hop/rap y electrónica. Sus sets hablan por él. No hay timidez en la selección de Scruz, donde la abunda la adrenalina. Es por esta mezcla sin censura que se ha vuelto relevante: su sonido es la vibración exacta de lo que ha sido la electrónica de la GenZ de beats acelerados y mucho subwoofer. Con base en Bristol, son varios los sets que ha preparado para Rinse FM, acá la sesión HQ102. Consigue agua porque no tiene descanso.

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L.P. Rhythm | Mixmag Lab

16/10/25 @ Londres

L.P. Rhythm es la nueva cara del house británico, y su set en el Mixmag Lab de Londres fue una declaración de intenciones. Conocido como un connoisseur de los cortes del House de los 90, L.P. Rhythm entregó una sesión de Tech-House vibrante y rítmica. El takeover de CHAOS fue un regreso a la estética sudorosa y sin pretensiones de la pista de baile en su era dorada. El artista exhibió una técnica impecable y una selección que demostró por qué tiene el apoyo de la élite underground. Su set se celebra como un manifiesto del groove puro, demostrando que la mejor música de baile es la que honra el pasado sin dejar de sonar fresca y urgente.

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Thomas Bangalter B2B Fred Again, Erol Alkan, Busy P | Because Beaubourg

25/10/25 @ París

Este set en el Centre Pompidou de París fue un momento monumental. Thomas Bangalter, cofundador de Daft Punk, regresó a pinchar públicamente después de 16 años, y lo hizo sin máscara por primera vez en más de dos décadas, para celebrar el 20 aniversario de Because Music. Flanqueado por íconos de la French Touch como Busy P y Erol Alkan, y el fenómeno actual Fred Again.., el set fue una cápsula del tiempo del mejor Techno y House clásico francés. Escuchar tracks como «Rollin’ & Scratchin'» en ese contexto, mezclados con selecciones modernas, fue un homenaje histórico a una de las eras más influyentes de la música electrónica.

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A Ma Maniére x Jordan Brand

A Ma Maniére (AMM) no lanza zapatillas, lanza declaraciones. La colaboración con Jordan es siempre una de las más esperadas por su profundo enfoque social y narrativo.

El concepto «Built For This» (Construida para esto) apela directamente al empoderamiento y la resiliencia. La ejecución es de lujo total: la silueta Air Jordan 6 de Nike se envuelve en una paleta de colores apagados y elegantes (Smokey Mauve, Cameo Rose), utilizando ante premium y detalles acolchados que elevan la zapatilla de ícono deportivo a artículo de alta costura urbana.

Air Jordan 3 «Champagne and Oysters»

Este drop es el contrapunto directo al de AMM: el lujo sin disculpas. El nombre «Champagne and Oysters» evoca un estilo de vida de alta sociedad, apelando a un público más maduro y fashionista.

El colorway presenta tonos crema y sail (Champagne) combinados con grises iridiscentes y toques de perla (Oysters). Es la prueba de que las Air Jordan 3 Retro «Sail and Pale Ivory» son un ícono de la cancha, pueden mutar en una pieza de vestuario ready-to-wear que se aleja del streetwear juvenil para buscar la elegancia sobria.

Levi’s 501 x BEAMS Dark Indigo

La 501 es la base de todo. Cuando se une a BEAMS, el resultado es la perfección de la herencia. Este lanzamiento en Dark Indigo es una edición limitada que refina el corte clásico de Levi’s con el toque sutil japonés.

BEAMS es famoso por agregar un giro baggy perfecto y prestar atención obsesiva a los detalles del hardware y las costuras. Es la máxima expresión del «Quiet Luxury» aplicado al denim: la versión de la 501 que solo la gente que sabe reconocerá como superior.

Arc’teryx x BEAMS BOY

Arc’teryx es el uniforme del gorpcore y la moda técnica. Su unión con BEAMS BOY (la línea femenina de BEAMS) toma el hype de la funcionalidad y lo adapta con una paleta de colores más direccional.

La «Glacial Collection» utiliza colorways exclusivos (hielos, blancos y grises fríos) que transforman el equipo técnico de alto rendimiento en prendas de declaración urbana. Es la moda de la montaña que conquista la ciudad, pero con el giro estético y la curación de una de las mejores boutiques del mundo.

JJJJound x Descente

JJJJound, el colectivo de diseño fundado por Justin Saunders, es el zen del hype. Su filosofía es que la calidad debe ser susurrada, no gritada. Su colaboración con Descente, la marca japonesa de sportswear de alta tecnología (famosa por su equipo de esquí), es el ejemplo perfecto.

Los drops de JJJJound se agotan por su exclusividad y el compromiso con la estética minimalista y atemporal. No hay logos gigantes, solo un ajuste perfecto y materiales superiores.

Descente aporta la ingeniería técnica de élite, creando piezas de utilidad funcional diseñadas para el clima invernal, pero con la paleta de colores sobria y el diseño limpio de JJJJound. Es el uniforme ideal para quienes buscan que la calidad del material sea su logo. Chaquetas y básicos que definen el lujo silencioso técnico.

El Hype Index de esta semana se enfoca en la sofisticación a la hora de colaborar, un microcosmos donde el diseño, la narrativa y la exclusividad definen el verdadero valor de una prenda.

La serie sigue a los hinchas de los clubes más importantes de Latinoamérica, para conocer cómo se vive la pasión por el deporte, la pelota y sus jugadores. Cada club tiene su propia historia que contar y acá te dejamos el trailer.

Este es un estreno de POUSTA Studio, a cargo de la dirección creativa, y de Blackstar Content en la producción de esta serie para el canal de Youtube de Conmebol Libertadores donde ya puedes ver los tres primeros episodios, dedicados a los hinchas de Racing de Argentina, Flamengo y Palmeiras de Brasil.

Uno de sus principales éxitos, «Illegal» justamente se nutre de esa fórmula. La canción fue editada como el tercer single adelanto de su último mixtape/álbum. Además del sello 2 steps que lo hace contingente, la selección de “pedacitos”, transformó el estreno en una deconstrucción y redescubrimiento de referencias. Tras la voz melancólica y cristalina de la inglesa, acá latía una base electrónica con profundo arraigo en toda una generación de ravers.

La base es un extracto de la canción «Dark & Long (Dark Train Mix)» del dúo inglés Underworld. Si bien la original de 1994 nada tiene que ver con lo que llegó a manos de Victoria (PinkPantheress), tras la producción del mix, el éxito de la canción solo iría al alza hasta que dos años después fuera también incluida en la banda sonora de la película Trainspotting , que también catapultó ese himno del techno progresivo que es “Born Slippy .NUXX”.

Hoy ese clásico del dúo inglés Underworld fue rescatado por PinkPantheress donde no pierde ese pulso hipnótico, pero lo lleva a su nuevo universo: donde se mezcla la dulzura glitchy de sus producciones, el R&B flotante y el drum & bass nostálgico que le pone ritmo a su estética. El resultado es una cápsula temporal —mitad rave, mitad diario adolescente— donde el pasado y el presente se tocan sin miedo.

Adidas, Nike y Puma —el Big Three de la sportswear— han soltado más de 45 equipaciones oficiales o filtradas en las últimas semanas, transformando la previa mundialista en una pasarela de heritage y diseño. La tendencia no es accidental; responde a una estrategia de branding que busca conectar el consumo actual de streetwear con la épica deportiva. El común denominador son los homenajes a kits legendarios, cuellos polo retro, y patrones que reviven la estética maximalista de los años 90. Estos uniformes ya no son solo ropa de juego; son coleccionables, piezas de vintage contemporáneo.

Porque nos encantan las camisetas, seleccionamos las más relevantes, aquellas que entienden mejor el mood de esta era de la moda futbolística y que están generando más conversación cultural.

AMÉRICA: La ironía chilena y el clasicismo del campeón

El subcontinente que más respira fútbol no se queda atrás en diseño, aunque un lanzamiento local se roba la atención por su audacia y su contexto irónico:

Chile (Adidas): El rojo pasión de la eliminación y el logo de colección
Si hay una camiseta con más drama que la trama de cualquier teleserie, es la de La Roja. El lanzamiento del kit local, de un rojo vibrante y poderoso, llega en un momento amargo: la selección está matemáticamente fuera del Mundial 2026. Esto convierte la camiseta de juego en una pieza de coleccionista instantánea y un símbolo de la «pasión sin recompensa». Adidas ha enfocado el diseño en la nostalgia pura: el jersey luce un sutil patrón gráfico en el frontal que busca evocar diseños de los 80s, y lo más importante para los sneakerheads y amantes de lo vintage, mantiene el icónico logo trefoil (el de las tres hojas) en el pecho. Es un diseño que, a pesar del fracaso deportivo, se convierte en un objeto de culto por su profundo guiño retro y su carga simbólica de tragedia deportiva.

Argentina (Adidas): El minimalismo del campeón
Tras bordar la tercera estrella y consolidar su estatus de leyenda, la nueva camiseta de Argentina tenía una misión imposible: ser simple y majestuosa. Adidas lo logra con un diseño sobrio que apenas toca la fórmula sagrada de las franjas celestes y blancas. El foco está en los detalles dorados —un recordatorio permanente de su título en 2022— que equilibra la euforia con una elegancia inmutable. Es el kit más limpio del drop, demostrando que cuando la historia es tan potente, el diseño solo necesita ser su contenedor.

EUROPA: El Adiós Chevron y la sastrería europea

El viejo continente siempre marca la pauta en la fusión entre sastrería y performance, y sus lanzamientos siempre son objeto de análisis.

Alemania (Adidas): El cisne de los noventa
Esta es una pieza con fecha de caducidad y, por eso, un tesoro. Será el último uniforme de Alemania creado por Adidas antes de que Nike tome el relevo en 2027. La camiseta local rinde homenaje al triunfo épico de Italia 90 y Brasil 2014, reviviendo los icónicos patrones de rombos y chevrones en los colores de la bandera. Es una despedida nostálgica que funciona como el perfect throwback de la marca a sus mejores años en la indumentaria alemana.

Italia (Adidas): La elegancia azzurra renovada
Italia, más que una selección, es una marca de estilo global, y su camiseta siempre es sinónimo de diseño. Aunque las opciones de los italianos se ven cada vez más inciertos, la nueva azzurra busca la sofisticación en los detalles. El color principal, un azul profundo, se combina con apliques en dorado y un cuello estructurado que evoca la sastrería deportiva europea. Es el kit ideal para quienes buscan que la indumentaria de fútbol se mezcle sutilmente con un atuendo de alta costura deportiva.

CENTROAMÉRICA Y EL CARIBE: El tributo neo-azteca y el estallido tropical

México (Adidas): De vuelta a Francia 98
Uno de los anfitriones del Mundial se tira de cabeza al throwback más solicitado. Su camiseta local es un homenaje descarado al diseño más famoso en la historia del Tri: el jersey usado en el Mundial de 1998 en Francia. Con una base borgoña oscura y patrones geométricos inspirados en las culturas prehispánicas, este kit demuestra cómo la moda futbolística puede ser un vehículo potente de orgullo e identidad cultural y un absoluto éxito comercial.

Costa Rica (Adidas): El pura vida tropical
Una inyección de color y alegría. El kit de Costa Rica es, posiblemente, el más camp y festivalero de los lanzamientos. En lugar de un diseño sobrio, nos regalan un lienzo vibrante que utiliza toques de azul y rosa con un all-over print de tucanes y hojas tropicales que es imposible de ignorar. La frase «Pura Vida» aparece sutilmente. Es un diseño que celebra la cultura caribeña y que es perfecto para el street style veraniego.

ÁFRICA: La maestría del streetwear y la fusión de texturas

Las selecciones africanas son las que históricamente han dictado las tendencias más audaces, fusionando texturas tradicionales con el streetwear de alta gama.

Nigeria (Nike): La Dinastía del Adire
Nigeria es el rey indiscutible de la moda futbolística desde 2018, con kits que se agotan en minutos. Para el 2026, Nike no decepciona y rinde tributo a la tradición textil. El diseño incorpora patrones inspirados en el tejido Adire, un arte textil y de teñido tradicional del pueblo Yoruba. El resultado es un kit que se siente orgánico, culturalmente profundo y listo para ser adoptado por la moda urbana global.

Marruecos (Puma): Geometría Zellige
Tras su histórica campaña en 2022, la indumentaria de Marruecos es ahora un artículo de culto. Puma se centra en la rica artesanía marroquí, utilizando patrones geométricos sutiles inspirados en los mosaicos Zellige que adornan su arquitectura. Es una camiseta que, sin ser ruidosa, transmite sofisticación y orgullo cultural.

ASIA: El estilo minimalista y la fusión cultural

El continente asiático aporta diseños que priorizan la fluidez, el minimalismo y la abstracción poética.

Japón (Adidas): La Abstracción Kumode
Japón siempre trae un diseño conceptual y pulido. El uniforme principal es un azul profundo y oscuro, que utiliza un sutil patrón inspirado en el Kumode, las nubes japonesas tradicionales que simbolizan la fluidez y el movimiento rápido, cualidades de su juego. El resultado es un kit minimalista, elegante y con una profundidad conceptual que apela a los seguidores de la moda avant-garde.

Corea del Sur (Nike): El Tigre Eléctrico
Corea del Sur utiliza el fútbol como una plataforma para el arte visual. Sus nuevos kits se inspiran en el Taegeuk (el símbolo de la bandera), buscando el balance a través del contraste. El uniforme alternativo utiliza colores atrevidos, como un Electric Pink o un rojo vibrante, con un patrón de «piel de tigre» abstracto, creando un diseño agresivo, audaz y que resuena con la estética K-Pop y streetwear contemporáneo.

Desde sus primeros tracks caseros por allá en 2020 hasta su aclamado último disco «No somos iguales» (2025), su trayectoria se puede leer como una línea de tiempo llena de pruebas, errores, vaivén emocional y aciertos creativos.

Los primeros años: el instinto por encima de la forma

Cuando FaceBrooklyn empezó, su música tenía esa energía desprejuiciada típica de un adolescente con la urgencia de decirlo todo ya. En su primer EP «Brooklyn 999» (2021), podemos escuchar a un Face transitando entre el indie y sonidos urbanos con naturalidad. Como si el trap y el reggaetón tuviesen una cita doble con el bedroom–pop y el R&B. O metiéramos a Arcángel, Childish Gambino, Clairo y The Cure juntos a la misma juguera.

Ese primer periodo fue un laboratorio: beats improvisados, capas de reverb buscando un refugio y letras que oscilaban entre la ironía y la vulnerabilidad. Aún no había una “identidad sonora” clara, pero sí un patrón emocional: la necesidad de experimentar.

El quiebre: entender que buscar un sonido también es perderse

Con el tiempo, FaceBrooklyn entendió que no basta con sumar influencias. Y que a veces hay que aprender a dejar algunas atrás. Entre 2023 y 2024, pareciera que el joven viñamarino dejó de “probar géneros” y empezó a construir desde un lugar donde se sentía más cómodo.

Es precisamente el período entre «Caricias» y «Hablando de Ti» –ambos álbumes cargados de hits– donde más que experimentar en lo sonoro, se volcó a hacerlo desde las letras. Con una marcada inclinación al reggaetón y un puñado de colaboraciones con colegas de la escena urbana local, todo lo que sacaba sonaba a “palo”. Como si de pronto se hubiese aburrido de sonar “under” y hubiese tomado la decisión consciente de colarse en el mainstream.

En esa transición, los productores Daiki y Taiko fueron aliados claves. Con ellos su música se volvió más robusta, con atmósferas más intensas y bajos más pesados que contrastan de buena forma con su narrativa más introspectiva.

El presente: el retorno a la búsqueda

Hoy, FaceBrooklyn se encuentra en un momento bisagra. Y es que después de “pegarse” haciendo reggaetón (y haber conseguido su primer contrato discográfico con ello), vuelve a visitar ese sendero más exploratorio por el que transitó en sus inicios.

Su música suena más madura, más consciente del espacio que ocupa y más atrevida creativamente. En su último largaduración «No somos iguales» (2025), el título no es casualidad. Este álbum funciona como una carta al pasado, y al mismo tiempo, un statement de cara a lo que planea para su futuro. Un ejercicio donde bebe de su propia fuente, pero a la vez se deja influenciar por amigos cercanos como AKRIILA, EasyKid o Young Cister, y se anima a colaborar con productores como Heartgaze, jugando con sonidos más contemporáneos y abriendo una nueva ventana de escape en la lucha interna entre la reinvención y la aceptación de sí mismo.

La identidad sonora no es un destino: es un proceso

Face no es un artista de respuestas rápidas. Lo suyo es la búsqueda: la curiosidad, la duda, la mezcla.

Y quizá esa sea su identidad real. No un sonido perfectamente etiquetable, sino la voluntad constante de mutar, y entender que crecer también es soltar versiones antiguas de uno mismo.

A esta altura, lo más interesante no es pensar en “qué será lo próximo”, sino en cómo seguirá reformulando su lenguaje. FaceBrooklyn no está copiando referencias: está dialogando con ellas.

NOCTA x Nike — “Cardinal Stock” Holiday 2025

La nueva colección Holiday de NOCTA confirma por qué la línea de Drake se ha convertido en un punto clave dentro del streetwear contemporáneo. Nike utiliza a NOCTA como un espacio para experimentar con materiales más premium, siluetas minimalistas y un código visual que mezcla deporte, lujo y clima frío. “Cardinal Stock” amplía ese ADN con puffer jackets sobrios, fleece de alta calidad y prendas diseñadas para la movilidad urbana. Más que ropa, NOCTA busca construir un uniforme moderno para quienes quieren discreción con actitud. La colaboración reafirma el poder de Nike para dominar ambos mundos: performance y lifestyle.

Revisa acá.

SNIPES x Timberland — “Rooted in Concrete”

La alianza entre SNIPES y Timberland rinde homenaje a la importancia cultural de la Yellow Boot dentro de la estética urbana global. SNIPES, con fuerte influencia en las comunidades afroamericanas y europeas, se alía con Timberland para reinterpretar la bota desde un simbolismo más profundo: raíces que crecen en concreto, representando resiliencia y herencia. La pieza destaca por su emboss detallado y un diseño que conecta moda, identidad y ciudad. Esta colaboración demuestra cómo Timberland continúa renovándose sin perder su esencia, defendiendo su estatus como ícono del streetwear y reafirmando su presencia entre nuevas generaciones sin sacrificar su legado.

La encuentras acá.

NIGO x Nike — Air Force 3 Low “Kintsugi” Pack

La colaboración entre NIGO y Nike sobre la Air Force 3 Low se siente como un encuentro histórico entre dos mundos: el streetwear japonés que definió una época y la herencia deportiva estadounidense. Inspirado en el arte del kintsugi, NIGO propone dos colorways que celebran la imperfección a través de detalles metálicos y fisuras doradas. El diseño refleja la visión del fundador de BAPE y Human Made: nostalgia, cultura pop japonesa y obsesión por la artesanía. Esta reinterpretación eleva un modelo menos explorado del archivo de Nike, demostrando que NIGO sigue influyendo tanto en estética global como en narrativa cultural.

Desde el jueves, disponible acá.

CLOT x adidas — Pro Model Collection

CLOT continúa consolidando su rol como puente cultural entre Asia y Occidente con esta versión invernal del emblemático adidas Pro Model. Edison Chen transforma la silueta clásica con cuero premium, suela serrada y acabados metálicos que equilibran tradición y modernidad. La colección incluye una varsity y prendas con estética Ivy League reinterpretada desde Hong Kong, demostrando la habilidad de CLOT para tomar símbolos occidentales y reescribirlos con sensibilidad asiática. Esta colaboración subraya el retorno estratégico de adidas al reinterpretar modelos históricos con aliados culturales fuertes. El resultado es un drop elegante, funcional y con un storytelling claro.

Toda la info acá.

Martín González, conocido artísticamente como Marttein, comenzó su recorrido musical hace poco más de cinco años, en la escena independiente porteña que orbitaba entre la música urbana y el pop experimental. Autodidacta y con un oído preciso para la producción, comenzó como tantos otros subiendo canciones a SoundCloud y YouTube, construyendo de a poco una identidad sonora propia, que se pasea por lo performático y la fineza para armar un relato que permitan contar sus historias de manera orgánica y grandiosa, tal como lo hizo en «Una Película Argentina», como ahora en su reciente EP «Espectacular».

Su desarrollo artístico fue de la mano del colectivo y sello Boedo Records, una plataforma clave en la nueva movida alternativa argentina que ha funcionado como punto de encuentro para productores, diseñadores, filmmakers y artistas que entienden la música como un todo estético. Desde ahí, Marttein comenzó a consolidar una comunidad alrededor de su música, un público joven que vibra con su mezcla de R&B digital, hyperpop contenido y pop electrónico atmosférico.

Entre sus influencias se pueden rastrear nombres como Frank Ocean, James Blake, The Weeknd o C. Tangana, pero también artistas más cercanos como CA7RIEL, Paco Amoroso o Ralphie Choo, con quienes comparte la búsqueda de un sonido híbrido entre lo urbano, lo electrónico y lo sentimental.

En estos cinco años, Marttein ha pasado de ser un nombre de culto en la escena underground de Buenos Aires a posicionarse como una de las figuras más coherentes y prometedoras de su generación.

Y sorpresa (o no tanto): Viña Santa Rita se quedó con el primer lugar, superando a nombres gigantes de Francia, Australia, Argentina y Estados Unidos.

O sea, si alguna vez te dijeron que en Chile solo hay buen vino “para exportación”, esto lo contradice oficialmente.

Una historia que parte en 1880, pero sigue siendo relevante en 2025

Santa Rita no es precisamente la nueva promesa del vino chileno. Fundada en 1880 y declarada Monumento Histórico en los 70, la viña tiene ese tipo de mística que mezcla historia, arquitectura, vino y leyenda nacional (sí, hablamos de los 120 Patriotas que la mismísima Paula Jaraquemada escondió ahí durante la independencia).

Pero más allá del relato patrio, lo interesante es cómo la marca ha logrado reinventarse sin perder el estilo: vinos ícono como Casa Real, tours donde puedes ser “enólogo por un día”, catas verticales premium, una iglesia pintada por los restauradores de la Capilla Sixtina y un museo que guarda más de 3.000 piezas arqueológicas y etnográficas.

Literal, una mezcla de vino + historia + estética patrimonial chilena que podría estar en una película de Wes Anderson versión Maipo Valley.

¿Qué destacó Forbes?

Según la publicación, Santa Rita no solo encabeza por calidad, sino por el combo completo:

• Patrimonio e innovación (sí, ambas en la misma frase).
• Enoturismo de nivel mundial.
• Sustentabilidad real, no solo de brochure.
• Y vinos que consistentemente rompen rankings internacionales.

Además, Forbes la describió como “una experiencia inmersiva en la tradición vitivinícola chilena” y “una propiedad que encapsula la esencia del Valle del Maipo”.

No lo dijimos nosotros, lo dijo Forbes.

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Chile en el mapa (otra vez)

Junto a Santa Rita, otras cuatro viñas chilenas se colaron en el top 50: Santa Carolina (#11), Viu Manent (#14), De Martino (#37) y VIK (#48).

Nada mal para un país que a veces se subestima en la conversación global del vino, pero que sigue marcando tendencia.

Lo que esto significa (más allá del vino)

Este reconocimiento no es solo para los winelovers. Es una señal de que Chile está logrando que su cultura, su historia y su creatividad también se traduzcan en experiencias con valor global.

Así que sí, mientras el resto del mundo busca autenticidad, acá la teníamos embotellada desde 1880.

Entérate de todo lo que necesitas saber de esta viña ubicada a solo 45 minutos de Santiago siguiendo a @santaritawines o en santarita.com.

Rosalía nos invita a su universo lumínico y nos incandila con amor, poder, soledad y muerte.
La base fue 13 idiomas, la sinfónica de Londres y un solo single. Pero para llegar al paraíso, necesitamos atravesar por el infierno dantesco primero.

Desde el álbum debut Los Ángeles, pasando por ese proyecto académico-popular llamado El Mal Querer y esa suerte de Yeezus reguetonero nombrado Motomami, la carrera de Rosalía es un claro ascenso a los cielos del mainstream y el pop. Dos conceptos que no necesariamente van de la mano, y menos si incluimos una tercera variable en la ecuación que es la de obra. Los discos de Rosalía son piezas de museo: una conjunción perfecta de productos empaquetables y comercializables en un vinilo rojo sangre, y composiciones destinadas a trascender.
Finalizado su último tour, el silencio, el temple y la expectativa fueron parte de una estrategia y un camino a recorrer para llegar a LUX.

La filtración de la partitura de Berghain, el primer y único single seguido de su posterior video, ya nos ponía en contexto: ¿Es un tanto pretencioso mostrar a la orquesta en el video?
El cuarto álbum de Rosalía no iba a ser para cualquiera. Saber leer música o interpretar las diferentes prosas nos iba a dar un trabajo extra. Ahí la duda fue: ¿Rosalía es amiga de los Boulez, los Ligeti y los Stockhausen? ¿O estaba más cerca de Glass y Reich?
La respuesta tal vez no es ninguna de las dos y la solución que podemos encontrar es Caroline Shaw. La compositora, violinista y ganadora del Pulitzer es una de las piezas clave en los fragmentos corales del disco que son parte estructural y definitiva de la obra. Noah Goldstein y Dylan Wiggins, por su parte, aportaron su expertise y magia para que el LP se magnifique.

Flashing Lights

Admirar este disco nos obliga a apagar el celular como acto de contemplación contracultural (Mark Fisher estaría orgulloso), sumergirnos en las historias hagiográficas e interpretar sus idiomas. Una verdadera escucha activa y no lo que el algoritmo de turno nos dice que tenemos que escuchar.
El disco funciona como un haz que nos ilumina las tragedias y devociones del pasado. Las historias de monjas, santas, regentes y poetisas son el norte e inspiración absoluta, todas ellas atravesadas por la misericordia, la soledad y la muerte.

Nutrido de siglos de ideas femeninas entre lo humano y lo divino, LUX se inspira en la mística femenina para elegir trascender por motus propio. Olga de Kiev, Santa Rosa de Lima, Rabi’a al-‘Adawiyya, Sun Bu’er, Hildegard von Bingen, Miriam de Jerusalén, son algunas de las musas de Rosalía para armar su intervención divina.
En todas ellas, el hilo conductor es la búsqueda de trascendencia —sea en Kiev, Lima o donde sea—: la mujer que canta, reza, profetiza o lidera lo hace desde los márgenes. Rosalía se hace carne de esta memoria y padecimiento como liturgia emocional y estética del 2025.

Rosalía en el evento presentación en Barcelona

De santas, poetas y nobleza

Su propia tragicidad es la que comparte con sus mujeres inspiradoras y dueñas de LUX y del mundo.
Esa inspiración se nota que constituyó horas y horas de trabajo. Según Rosalía, un año entero solo para las letras. Y realmente vale la pena. La prosa es exquisita: por momentos, preguntas trascendentales destinadas a un otro o al mismo Dios; en otros, barras dropeadas que pueden ser notas escritas después de tomarse una botella entera de vino blanco; y como regla primordial, respetar la sonoridad estética de las 13 lenguas que nos invaden.
Las melodías dentro de Reliquia (compuesta en parte por Guy-Manuel de Homem-Christo, de Daft Punk) son casi tan increíbles como la idea de viajar por el mundo escuchando las historias que tiene la autora para contar: Roma, París, Buenos Aires, Bangkok, Berlín.
El inglés y el catalán se arremolinan en Divinize, una obra de techno que espero escuchar más pronto que tarde en algún antro/club de España o de Tokio. Sin remix. El DJ que juegue esa carta tendrá mis respetos. El flow español de la autodenominada «Diva del Tigueraje» desencadena en latín y cierra en japonés con una cachetada de geisha en la cara bautizada Porcelana. El cierre del primer movimiento, cantando en italiano, es la veneración hecha expresión sonora mientras imaginamos esos diamantes cayendo por las mejillas del Cristo luxero.

El single (tal vez lo más popero junto con Reliquia del disco) y el vals beefero inauguran el segundo tramo. Mundo Nuevo (con un samplazo de La Niña de los Peines) y De Madrugá producida por Pharrell y El Guincho (con prosa en ucraniano, culpa de Olga de Kiev, gobernante, regente y noble que fue reconocida por la Iglesia Ortodoxa como isapostola —“igual que los apóstoles”—) cierran este movimiento. Clave aclarar que las ensoñaciones referidas a las mujeres se atraviesan una y otra vez en el disco: es un colectivo constante donde todas opinan y debaten con ella.

Sun Bu’er, Rabi’a al-‘Adawiyya, Santa Maria de Lima.

El tercer movimiento está compuesto por Dios es un Stalker, La Yugular (en árabe), Focu ‘ranni (en siciliano) y Jeanne (en francés). En este tramo, resuenan ecos de Irak, evocando a Rabi’a al-‘Adawiyya, que abandonó el matrimonio para dedicar una vida de entrega y amor a Dios. Se asoma también la figura de Juana de Arco, envuelta en llamas mientras dialoga con esa deidad omnipresente en LUX. Desde Alemania, Hildegard von Bingen usando sus visiones y conexión espiritual para bajar data desde la música, a la medicina y la botánica.
Un sample sutil que recuerda a Patti Smith nos ancla al presente: imaginamos a la poeta neyorkina sentada con Santa Miriam de Israel en una esquina de Barcelona, mientras Rosalía—en silencio—toma nota.
Sauvignon Blanc merece una mención aparte: incendiar un Rolls Royce, desechar unos Jimmy Choo, renegar de perlas y caviar. ¿Amor desmedido o anticapitalismo? ¿Estaría Mark Fisher orgulloso de nuevo? Celebramos indiscutiblemente el rechazo a la acumulación indiscriminada por la primacía del amor y la ¿idealización?

Como conclusión del disco, y un funeral anticipado lleno de magnolias, hay japonés, mandarín, hebreo y portugués. Hay flamenco. Hay varios puentes tendidos entre Occidente y Oriente donde encontramos a Sun Bu’er, poeta y representante del taoísmo femenino y maestra de alquimia interna para mujeres. Y si saltamos a Perú, encontramos a la primera santa de América, Santa Rosa de Lima, quien abandonó las comodidades de su mundo para vivir en austeridad.
La idea de estar «solo guapa pa’ mi Dios» es brillante, siempre y cuando el énfasis esté en la libertad autodeterminada por la propia autora y sus seguidoras. Y sus seguidores.

El tinte eclesiástico y litúrgico de LUX, su musicalidad y templanza lírica, sus mujeres, nos obligan a darle el carácter sagrado de síntesis que tienen las grandes obras maestras de la humanidad.
Este álbum de sacro-pop, que obliga a la reflexión y nos abstrae de la digitalidad, es necesario para cuestionar la vida detrás de un smartphone y con contenidos de 15 segundos.
Nos pide que entendamos que hay maneras de vivir iluminados por ni más ni menos que la música, y no por una pantallita.

Más allá del set que puedes escuchar arriba, dentro del setlist de dos horas, sonó (nuevamente) una de las colaboraciones más encendidas de verano europeo. Se trata de lo que está tramando el productor inglés y la dupla bonaerense Ca7riel & Paco Amoroso.

Si bien este pololeo viene desde hace meses, cuando se filtró como un track todavía sin nombre, ahora ya con el FOMO a mil, creemos que la canción se llama «¿O no?». Fred lo ha estado incluyendo en varios sets de Fred Again…, se han filtrado detalles de cómo se gestó y fue una de las notas altas en el show del festival parisino Because Beaubourg ya tiene a todos con la ansiedad a tope por más detalles, más con el live de Twitch que se mandó el trio el pasado martes, donde obviamente sonó «¿O no?» y quedó claro que hay una relación entre los argentinos y el inglés, que siguen grabando y produciendo cosas y que promete dar frutos, todavía no sabemos en qué formato… un álbum quizás?

Una colaboración inesperada pero que junta a tres de las estrellas musicales más hypeadas del momento. Seguiremos atentos a ver qué nueva pista nos dan.