Bitácora de un melómano

Hasta siempre HERBERT BLOMSTEDT (1927-2026)

2026-11-04T15:05:06.470-04:00

Herbert Blomstedt ha fallecido hoy, 4 de noviembre de 2026, con 99 años de edad. Inigualable en su trayectoria, el legendario director ha abordado “la barca que nunca ha de tornar”, como escribiera Machado, despertando un homenaje unánime en el ancho mundo de la música docta, sentimiento al cual esta página quiere sumarse.

Sólo cabe recordar al insigne músico sueco con gratitud, asombro y gozo por su larguísima entrega a la Música, derrochando un talento que los años volvieron monumental, a la vez que una entrañable integridad personal, con lo cual se mantuvo ajeno a esos titulares amarillistas que han salpicado la carrera de otros colegas. En cambio, su espíritu demostró siempre un entusiasmo juvenil cuando se trataba de cosechar Belleza desde las grandes partituras.

Hoy el hombre y el artista se han despedido… pero su arte queda con nosotros. ¡Hasta siempre, grandísimo, inolvidable maestro!

MINIATURE MASTERPIECES | In Memoriam MICHAEL TILSON THOMAS

2026-10-31T19:30:00.000-03:00

Michael Tilson Thomas falleció el 22 de abril del presente año, víctima de un agresivo cáncer cerebral, y hasta ahora no había tenido ocasión de recordarlo en esta página. Remedio esa falta aprovechando la festividad que celebra a los Difuntos.

El recordado director norteamericano fue destacadísimo. Dueño de un talento innegable y una personalidad reconocible, mereció alabanzas del propio Leonard Bernstein. Llamarlo director a secas quizá rebaja un poco sus capacidades, puesto que Tilson Thomas fue además pianista, educador y compositor… un “pack” que seguramente explica el piropo de Lenny.

Subió al podio de prestigiosas orquestas de todo el mundo, pero su asociación más larga y fructífera fue con la Sinfónica de San Francisco, a la que dirigió por un cuarto de siglo. De hecho, su último concierto con esa formación ocurrió un año antes de fallecer. Con Tilson Thomas al frente, la orquesta elevó sus estándares y ganó una merecida reputación internacional. También fue el “lienzo” donde el añorado maestro supo plasmar consistentemente su energía, claridad, sentido del color y capacidad comunicativa.

Como celebración de veinte temporadas juntos, en 2014 fue lanzado el disco que hoy les comparto, Masterpieces in Miniature (“Obras maestras en miniatura”), el cual reúne una cuidada y variada antología del director y su orquesta interpretando piezas breves, ofrecidas muchas de ellas como “propina” al público tras una presentación. La colección recoge páginas orquestales que van de Schubert a Mahler, pasando de nombres famosos como Rachmaninov, Debussy o Sibelius, a otros menos frecuentes como Litolff, Delius o Ives.

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MP3 CBR 320 kbps 48 Hz | 12 Tracks | .7z 180 MB

GOULD | ‘A Consort Of Musicke’ | BYRD & GIBBONS

2026-09-27T23:32:50.004-03:00

Glenn Gould tuvo intereses de lo más variopintos. Uno de ellos fueron las obras para teclado de los compositores del Renacimiento e inicios del Barroco, como los virginalistas ingleses —rareza que se volvió marca de la casa para Gould. El canadiense fue minucioso en estudiar las ornamentaciones de aquellas páginas, tanto como fuera posible, empeñado por recuperar obras casi desterradas del quehacer pianístico. Analítico, se ocupó de exponer con toda la claridad posible la multiplicidad de capas que los antiguos compositores habían dispuesto en estas piezas. E hizo posible el milagro de revivir música extraordinaria, a la vez que anticipó al movimiento historicista... o casi, porque no tenía reparos en utilizar un piano moderno para ofrecer este repertorio al mundo. No obstante, su particular toque, prodigiosamente preciso, se avenía perfectamente con un repertorio que no pretendía confesiones románticas sino una forma de sinceridad anclada en la música misma.

Ese genial esfuerzo cristalizó en el disco que les comparto hoy, “A Consort Of Musicke” con creaciones de William Byrd y Orlando Gibbons. Es, a no dudarlo, uno de los logros artísticos más valiosos de Gould — aunque le tomara cuatro años terminar el disco, que disfrutamos hoy gracias a la insistencia de los productores.

El bueno de Glenn incluyó unas notas a la edición LP de 1971 con algunas ideas bastante excéntricas (un exabrupto contra Monteverdi y “los calurosos sureños” para enaltecer a los hombres del Norte... fobia persistente en el genio de Toronto), mientras elogia a William Byrd como “santo patrono de la escritura para teclado”, u observa en Orlando Gibbons una capacidad que, nacida de su familiaridad con el canto vocal, a veces empuja su producción para teclado hacia resultados inesperados. (Pueden revisar esas notas en inglés, así como un extraordinario análisis de cada pieza ¡con partituras! en este artículo de Ethan Iverson).

Disfruten, amigos, este registro único.

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MP3 CBR 256 kbps 44.1 Hz | 8 Tracks | .7z 80,26 MB

Feliz aniversario Mr. GOULD | BRAHMS Baladas y Rapsodias

2026-09-26T21:09:44.863-03:00

Glenn Gould nació el 25 de septiembre de 1932 en Toronto, Canadá. Fue uno de los músicos fundamentales del siglo XX, sea como pianista prodigioso e iconoclasta, sea como personalidad artística única, provocadora y genial. Dueño de enfoques personalísimos sobre las obras del gran repertorio, los cuales sabía plasmar efectivamente en sus interpretaciones, Gould sintió una afinidad total con Bach y compositores que plantearan desafíos intelectuales. Frecuentó con entusiasmo por un lado a los virginalistas ingleses y por otro a Sibelius y Schönberg, al paso que evitó el Romanticismo. Beethoven y Brahms fueron las pocas excepciones que concedió al siglo XIX.

Hoy, para recordar a Gould, comparto un disco que recoge su versión —tan personal como cabría esperar— de las tempranas Baladas (4) y las maduras Rapsodias (2) de Johannes Brahms. Todo aquello que en el creador alemán supone maestría constructiva, contrapunto, elaboración motívica, polirritmia… es precisamente lo que destaca en la aproximación “antirromántica” del gran pianista canadiense. Para mí, su recio abordaje de la última Rapsodia (en sol menor) fue un descubrimiento que me acompaña hasta hoy.

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MP3 CBR 256 kbps 44.1 Hz | 6 Tracks | .7z 77,8 MB

Enrique Soro: Gatomaquia

2026-09-18T22:30:00.000-03:00

Para festejar el 18 de septiembre, Fiesta Patria de Chile, les propongo la audición de una pieza creada por un compositor chileno, el insigne Enrique Soro Barriga (★ Concepción, 15 Jul. 1884 — ✚ Santiago, 3 Dic. 1954).

La Wikipedia consigna que Soro fue “reconocido como un gran improvisador en el piano” y que “su vida se vinculó con grandes personalidades como Pau Casals, Vincent d'Indy, Pietro Mascagni, Ignacy Paderewski, Giacomo Puccini, Maurice Ravel y Camille Saint-Saëns”. Este último nombre es importante como referencia para la breve suite pianística que les traigo: titulada “Gatomaquia” (a la manera de Lope) o “Escenas de Gatos”, fue escrita en 1930 y consta de tres piezas, cada una de ellas evocando un “tipo” de gato mediante temas, ritmos y dinámicas sugerentes:

Gato juguetón – Allegro vivace
Gato melancólico – Moderato
Gato enamorado – Allegro moderato

Comparto la versión de referencia debida a la extraordinaria pianista rusa residente en Chile Svetlana Kotova, cuyo talento —de quilate mundial— ha dado a la obra del chileno una radiante proyección ante nuevos auditorios:

SPOHR | Gran Noneto para vientos y cuerdas

2026-09-03T00:45:58.984-03:00

Nuestro querido Elgatosierra, indispensable padrino de este fogón, recomienda una obra de Louis Spohr para hacernos una idea más cabal de este compositor: el Noneto para vientos y cuerdas, op.31. Escrito el año 1813 por encargo del músico y mecenas Johann Tost, esta obra contiene una serie de peculiaridades muy interesantes que hacen honor a la siempre acertada indicación de nuestro “Gato tutelar”.

La sugerencia de interpretación también fue compartida por nuestro amigo y la cuelgo inmediatamente a continuación. Sigue más abajo una breve crónica de la obra:

El Noneto fue resultado de un encargo. El comitente se llamaba Johann Tost, personaje muy interesante del cual sólo diremos esta vez que al comenzar el siglo XIX era un próspero comerciante en Viena, pero en su juventud durante el siglo XVIII había sido violinista en la corte del príncipe húngaro Nikolaus Esterházy, es decir, bajo las órdenes del mismísimo Haydn, a quien asistió tiempo después buscando editor en París para sus cuartetos. Pocos años más tarde, Tost estuvo directamente relacionado con el encargo de los dos últimos quintetos de Mozart.

Cuando visitó a Spohr en Viena el año 1813 para encargar el Noneto, entre otras obras, Tost le sugirió también la plantilla instrumental. «Escríbame una obra para nueve instrumentos», le dijo, y especificó: violín – viola – violonchelo – contrabajo, en las cuerdas, más flauta – oboe – clarinete – trompa – fagot, en los vientos. Una combinación muy cercana a la que Beethoven había consagrado con su Septimino.

Tost agregó algo más: quería una obra en la que nueve individualidades tímbricas pudieran reconocerse dentro del conjunto. Spohr aceptó precisamente porque le atrajo «la dificultad de la tarea». Y de esta entrevista, relatada por Spohr en su autobiografía, nacería una de las piezas fundacionales del repertorio para noneto, que pueden escuchar ustedes en el video más arriba. Sus notas cifran una ilustre genealogía: Haydn → Mozart → Beethoven → Spohr. ¡Disfrútenla!

#prosa | GREGUERÍAS

2026-08-31T23:49:58.927-03:00

Greguerías*

Ramón Gómez de la Serna

El agua se suelta el pelo en las cascadas.

Los tornillos son clavos peinados con raya en medio.

El cerebro es un paquete de ideas arrugadas que llevamos en la cabeza.

Nuestra verdadera y única propiedad son los huesos.

El vapor es el fantasma del agua.

Si te conoces demasiado a ti mismo, dejarás de saludarte.

El pitido del tren solo sirve para sembrar de melancolía los campos.

El que está en Venecia es el engañado que cree estar en Venecia. El que sueña con Venecia es el que está en Venecia.

La cabeza es la pecera de las ideas.

La luna es un banco de metáforas arruinado.

El libro es el salvavidas de la soledad.

* Una greguería es una composición muy breve que ofrece una asociación ingeniosa o poética. Gómez de la Serna la definió así: «Humorismo + metáfora = greguería».

Louis SPOHR | Misa a capella & 3 salmos | Bernius, etc.

2026-08-07T18:39:14.947-03:00

La memoria humana es reduccionista. Parece un rasgo inherente a la mente racional: buscar patrones repetidos, elegir puntos de referencia, resumir y simplificar a fin de comprender mejor. Describir un paisaje con brevedad —montañas, lago, bosque, cielo azul— omitiendo los detalles sutiles que harían la gloria de un Marcel Schwob. En suma, obviar la “decoración” a fin de retener “lo esencial”.

Trasladando este hábito a la música, frecuentes listas de nombres pretenden agotar épocas enteras, como si cuantos vivieron en determinado momento sólo hubieran conocido aquellos mismos nombres y disfrutado aquella misma música... Obviamente, nada más lejos de la realidad. Eso impone la gratificante tarea de descifrar cada período, restituyendo su vibrante complejidad y recuperando así nombres que nunca debimos descuidar ni olvidar; por ejemplo el de Louis Spohr (★ Brunswick, 5 Abr. 1784 — ✚ Kassel, 22 Oct. 1859).

Entre dos eras: el caso Spohr

El compositor hacia 1850

Ludwig Spohr, conocido después como Louis, cosechó enorme reconocimiento durante su vida, tanto, que los teatros y el público lo agasajaban como un equivalente de Mozart, Haydn o Beethoven, repitiendo su apellido en la programación de conciertos sin objeciones.

Fue un hombre ávido de aprendizaje, depositario de influencias cosmopolitas (desde la Escuela de Manheim hasta los clásicos vieneses de su tiempo, pasando por las huellas de Francia e Italia), disciplinado, trabajador y comprometido con cada tarea que emprendió. Vivió en una época de transición —la generación “bisagra” que experimentó el ocaso del Clasicismo y el despuntar del Romanticismo— y tal vez por eso, aun ejerciendo influencia en la música de su tiempo, el interés por su obra se apagó poco después de su muerte. No obstante, Spohr fue crucial al convertirse, junto a otros contemporáneos como Ries o Hummel, en un eslabón entre generaciones, un vaso comunicante de estéticas artísticas.

Despacho de trabajo de Spohr en Kassel

Aunque fue un virtuoso del violín, dejó su firma en múltiples géneros: sinfonías (10), óperas (10), ciclos de lieder (~105), cuartetos de cuerda (36), conciertos (18), piezas de ocasión, oratorios… y un corpus de música sacra que aún espera ser redescubierto. En este terreno brilla su Misa en Do menor a capella, para doble coro mixto y solistas, op. 54, una obra que prescinde de orquesta para concentrarse en lo esencial: la voz humana entrelazada en un tapiz contrapuntístico que, sin ornamentos, busca elevar el espíritu.

La síntesis de un estilo

La Misa en do menor encarna de manera ejemplar la síntesis estilística que define a Spohr: una convergencia entre la claridad mozartiana, la tradición coral protestante alemana y el renacimiento del modelo polifónico de Palestrina que cautivó a compositores de su generación —Beethoven entre ellos, como atestigua su propia Missa solemnis. Concebir una obra de esta envergadura para voces a cappella, sin apoyo instrumental alguno, fue un gesto deliberadamente arcaizante en 1821: una recuperación del arte polifónico estrictamente vocal que muchos entendían como el ideal de la música sacra. El resultado es una partitura que mira hacia el pasado sin dejar de ser moderna, donde la densidad contrapuntística del Renacimiento dialoga con la sensibilidad romántica de un compositor que, en vida, fue celebrado como heredero directo de Mozart.

Romanticismo sacro

“Catedral en invierno” — Ernst Ferdinand Oehme, 1821

Borges dijo alguna vez que la música no es algo que se agrega al mundo; la música ya es un mundo (“Borges, oral”. 1979). La Misa de Spohr puede definirse así: un mundo, no una reliquia. Hay en ella ciertamente una recapitulación de estilos tamizados por la sensibilidad de su autor, pero a diferencia de un mero pastiche su arquitectura sonora respira vida propia, animada por un pulso que late con urgencia romántica.

El doble coro produce un efecto espacial notable: las voces se responden, se entrelazan, se separan y vuelven a encontrarse como dos ríos que confluyen y divergen. Los solistas aportan momentos de intimidad lírica, contrastando con la densidad del tutti. En el Kyrie y el Gloria especialmente, Spohr logra equilibrar la claridad del texto y la riqueza contrapuntística; una hazaña que fusiona las mejores tradiciones sacras de los mundos germano y latino.

Al conocer esta obra uno podría preguntarse por qué no es más interpretada. La respuesta no está en la maravillosa partitura, sino en los caprichos de la historia. Spohr murió en 1859; Brahms estrenó su Réquiem alemán en 1868. En menos de una década, el centro de gravedad se había desplazado. Por eso esta creación llena de originalidad, recibida en su día como una cumbre, hoy es apenas una cita al pie de los libros de texto. Pero las buenas partituras guardan un tipo de magia inmune al tiempo: suenan tan bien hoy como el día en que fueron escritas.

Frieder Bernius es uno de los nombres más interesantes en el escenario contemporáneo cuando se trata de interpretaciones corales o sinfónico-corales del repertorio romántico o barroco con estilo historicista. Fundó en 1968 el Kammerchor Stuttgart, coro junto al cual ha sido galardonado múltiples veces por registros de nombres diversos (aunque estéticamente coherentes) como Mendelssohn, C.P.E. Bach, Schütz, Zelenka u Homilius. Estamos, pues, en las mejores manos para redescubrir la gran Misa en do menor de Louis Spohr, grabada bajo el sello Carus.

Bernius eligió un complemento estupendo para la Misa, como son los Tres salmos, op.85, creados por Spohr para el Cäcilienverein de Kassel en 1832:

Unendlicher! Gott, unser Herr! —Salmo 8—,
Gott ist mein Hirt —Salmo 23— y
Aus der Tiefen ruf’ ich, Herr, zu dir —Salmo 130—.

Escritos sobre la traducción alemana de Moses Mendelssohn (el abuelo de Félix), los tres están destinados a doble coro mixto y solistas, sin acompañamiento instrumental.

Pero estos Salmos no son una repetición de fórmula: el texto alemán, más inmediato y declamatorio que el latín litúrgico de la Misa, favorece una expresión distinta, más próxima a la tradición coral protestante; y la brevedad relativa de cada pieza permite que el contrapunto se concentre. El Salmo 8 concluye con una fuga, mientras que el Salmo 130 alcanza su culminación en una doble fuga.

Escuchar los Tres salmos junto a la Misa permite advertir que el arcaísmo de Spohr nunca es una renuncia al presente: las formas antiguas reviven transformadas por la melodía romántica, la intensidad armónica y el peso expresivo de la palabra, multiplicándose en una invisible catedral sonora.

Disfruten estas obras en el enlace:

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MP3 CBR 224 kbps 48 Hz | 10 Tracks | .7z 84,9 MB | yandex.ru

Quiero dedicar esta entrada a mis queridos amigos venezolanos, que siguen batallando con el doloroso rescate de víctimas tras el trágico terremoto del 24 de junio pasado. A ellos les acompaño con el corazón, especialmente a mis queridos Carlos, Efrén, Daniela y tantos más. #PrayforVenezuela

Aniversario de ABBADO | Schubert, Mendelssohn, Brahms

2026-06-26T08:00:00.000-03:00

Claudio Abbado

93 años habría cumplido hoy el inolvidable e influyente maestro italiano Claudio Abbado, nacido un 26 de junio de 1933 en Milán. Obtuvo temprano en su vida un reconocimiento e influencia que muchos otros sólo alcanzan tras décadas o post mortem. Y dicho reconocimiento no vino mediado por astucias comerciales ni contactos oportunos, sino por el propio, inmenso talento que demostró siempre el milanés. Fue extraordinario como director de ópera, subió a podios privilegiados (Londres, Berlín, Salzburgo, Viena) para hacer historia, inspiró a colegas, formó agrupaciones señeras, defendió la música contemporánea al paso que equilibraba como pocos su calor y apasionamiento mediterráneo con la profundidad del repertorio austro-germano, inscribiéndose en el linaje de los Toscanini y De Sábata, sin descuidar el repertorio francés o el eslavo.

Su estilo musical atravesó diversas fases, conservando siempre un sonido suntuoso a la vez que transparente, cayendo a veces en la tentación del control minucioso (como le ocurría también a Toscanini) pero, al paso que luchaba con la enfermedad, aprendió a rendirse ante el acontecimiento musical logrando una expresividad y trascendencia que sobrecogían los auditorios, como atestiguan sus conciertos en el Festival de Salzburgo.

En homenaje al genial director, les comparto un disco que recopila interpretaciones suyas de tres emblemas del Romanticismo germano, Schubert, Mendelssohn y Brahms, al frente de tres formaciones que dirigió con aplausos durante su vida: la Orquesta de Cámara Europea, la Orquesta Sinfónica de Londres y la Filarmónica de Viena.
Con ellas nos ofrece:

la Sinfonía «Inconclusa» en Si menor, de Franz Schubert
la obertura «Rosamunda» del mismo autor
la obertura «Las Hébridas», de Felix Mendelssohn
y una selección de las «Danzas Húngaras» de Johannes Brahms.

Basta pulsar la carátula del disco para ir a la descarga:

#poesía | TARKOVSKI

2026-06-14T21:11:14.054-03:00

El Espejo *

Tercer Poema

No creo en los presentimientos, tampoco me asustan las señales,
no huyo ni del veneno ni de las calumnias.
La muerte no existe en el mundo, todos son inmortales,
todo es inmortal, no hay que temer a la muerte
ni a los diecisiete años, ni a los setenta.

Existe solamente la realidad y la luz.
No hay en este mundo ni oscuridad, ni muerte.
Estamos todos reunidos en la orilla del mar,
y soy de aquellos que recogen las redes
cuando viene, en cardumen, la inmortalidad.

Sigan viviendo en la casa, y ella no se destruirá.
Convocaré a cualquiera de los siglos,
entraré en él, y construiré allí mi morada.
Por eso están conmigo sus hijos y sus mujeres comparten mi mesa,
pues la mesa es una sola para el bisabuelo y para el nieto.

Lo venidero acontece ahora, y si yo levanto la mano,
quedarían cinco rayos de luz para todos ustedes.
Mis clavículas apuntalaron, como vigas, los días del pasado,
medí los años con cadenas de agrimensor, horadé el tiempo,
como si fuese los Urales, y elegí el siglo según mi estatura.

Bajamos al sur y levantamos el polvo de las estepas...
El pasto alto se alborotó, bromeó el grillo, tocó las herraduras,
nos auguró el futuro con sus bigotes,
y me amenazó, como un monje, con la perdición segura.

Até mi destino con las correas a la silla de montar,
aún erguido en los estribos, cabalgo como un muchacho en los tiempos venideros;
me satisface mi inmortalidad, para que mi sangre corra de siglo en siglo.
Por un rincón seguro de dulce tibieza pagaría obstinado con mi vida,
si ella no fuera una aguja voladora, que me tira, como a un hilo, por todo el mundo.

Arseni Tarkovski

* “El Espejo” (1975) es una película de Andrei Tarkovski en donde utilizó poemas publicados previamente por su padre, Arseni.

“Noche oscura”, añoranza del hogar en una canción soviética de la Segunda Guerra.

Aleksandr, el otro Tanéyev

2026-06-09T19:15:45.737-03:00

Característica de muchos músicos rusos del siglo XIX fue una “doble militancia existencial”: el alma efervescente del artista se asomaba a la vida pública revestida con una personalidad oficial, “seria” de cara a las convenciones, que ganaba así el pan de cada día: Chaikovsky fue abogado del Ministerio de Justicia, cargo que abandonó recién cuando el Conservatorio de San Petersburgo abrió sus puertas; Rimsky-Kórsakov, un oficial naval que componía durante sus viajes marítimos o mientras inspeccionaba bandas militares; Borodín, científico eminente; Músorgsky, funcionario público de rango menor.

En ese grupo cabe otro creador, mucho menos conocido y además muy fácil de confundir con un famoso pariente de igual apellido. Me refiero a Tanéyev… pero no el que pensaríamos primero.

Aleksandr Serguéievich Tanéyev (★ San Petersburgo, Imperio Ruso, 17 Ene. 1850 — ✚ Petrogrado, República Socialista Federativa Soviética de Rusia, 7 Feb. 1918) ha quedado desplazado a los márgenes de la historiografía musical por una clara razón: la proyección internacional ganada por su pariente Serguéi Ivánovich Tanéyev (1856–1915), figura genial del conservatorio de Moscú y a quien hemos alabado antes en este blog.

A diferencia de este último, un serio profesional de la música, Aleksandr fue ante todo un alto funcionario del Estado imperial —aristócrata y jefe de la Cancillería de Su Majestad durante 22 años— que escribía música “a espaldas” de su carrera administrativa. En efecto, se cuenta que Aleksandr escondía papel pautado bajo los documentos oficiales para componer entre audiencias y citas. El memorialista Aleksandr Mosólov lo dibuja como hombre “ampliamente educado”, “músico destacado”, hábil e inteligente; muy cercano a los zares, pero cuidadoso en ocultar su influencia, y con el sello —ambivalente— del perfecto cortesano, “muy adulador”.

Como músico, su formación no fue decorativa. Estudió en Alemania y en San Petersburgo, donde recibió orientación de nombres clave: Rimski-Kórsakov como maestro directo y consejos de Balákirev. Además, su interés por el acervo popular lo llevó a encabezar un proyecto de recopilación de canciones para la Sociedad Geográfica Rusa, con materiales que luego circularon gracias a arreglos y publicaciones asociadas a Anatoli Liádov. Ese dato importa, pues explica por qué su lenguaje es vecino de la escuela nacionalista, aunque sin la estridencia de un manifiesto. Nacionalismo, sí; pero de salón, disciplinado, esbozado en giros y colores antes que en consignas.

Para infortunio de Aleksandr, la sombra de su primo Serguéi es tal, que incluso los responsables del disco que comparto hoy se confundieron al elegir el retrato de la carátula. Por lo menos la música sí corresponde al autor anunciado.

El registro contiene dos obras que demuestran el alto grado de maestría y sofisticación que nuestro compositor supo alcanzar: su Sinfonía nº 2 en Si bemol mayor, op. 21, y su Suite orquestal nº 2 en Fa mayor, op. 14.

Ambas obras cuentan con cuatro movimientos. La sinfonía, como decíamos más arriba, remite a un mundo sonoro en donde el acento ruso es intenso, pero a la vez maleable a formas claramente definidas. El melodismo y el buen gusto sorprenden muy gratamente al oyente, preguntándose uno cómo esta música sigue sin merecer interpretaciones más frecuentes. La suite posee un espíritu más liviano pero igualmente encantador y lleno de méritos musicales. No andan muy lejos las influencias del ubicuo Rimsky, como también Glinka y Borodín; no obstante, el compositor construye su propio lenguaje.

Los intérpretes son Werner Andreas Albert al frente de la Philharmonia Hungarica.

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MP3 320 kbps CBR · 44.1 kHz | .7z 143 MB | Yandex.ru

FELIZ ANIVERSARIO 193, Johannes BRAHMS

2026-05-07T23:30:00.000-03:00

Hoy se cumplen 193 años del nacimiento de Johannes Brahms. Para conmemorarlo, qué mejor que recordar parte del profético artículo de Schumann, “Nuevos Senderos”, con que presentó ante el mundo musical europeo al genio desconocido:

«Ha aparecido: un joven cuya cuna velaron las Gracias y los Héroes. Su nombre es Johannes Brahms. Vino de Hamburgo, donde trabajó silenciosamente en la penumbra; allí recibió de un maestro venerable las primeras lecciones de las arduas leyes del arte, y recientemente un artista célebre me condujo hasta él. Desde el primer instante llevaba en sí todos los signos que anuncian al elegido. Sentado ante el piano comenzó a revelarnos regiones maravillosas. Nos sentimos arrastrados hacia esferas cada vez más mágicas. Su ejecución transformó el piano en una orquesta de voces veladas y jubilosas... Cuando haga resonar su vara mágica allí donde las fuerzas del coro y de la orquesta le presten su poder, y cuando los secretos más profundos del espíritu le sean revelados aún más claramente, podremos esperar perspectivas todavía más admirables acerca del mundo del arte... Sus compañeros lo saludan en su primer viaje por el mundo, donde quizá le esperan heridas, pero también laureles y palmas; en él acogemos a un fuerte campeón.»

FELIZ PASCUA 2026

2026-04-06T15:02:00.014-03:00

«Resurrección de Cristo», tapicería flamenca / Museos vaticanos

Felices Pascuas a los queridos visitantes y lectores de esta página. Que los mejores deseos de esta época dichosa se realicen en las vidas de cada uno.

El gran Bach nos proporcionó el soundtrack para el pasado Viernes Santo; volvemos hoy a su inagotable genio para tomar la música con que alegrar la ocasión: Et Resurrexit, parte del Symbolum Nicenum (Credo) de la monumental Misa en Si menor. La versión corre a cargo de Agnieszka Żarska y el coro y orquesta “Baroque Collegium 1685”, espléndida agrupación musical polaca que presentó la citada obra el año 2023 en Przemyśl, Polonia.

A diferencia de sus dos grandes Pasiones, la de San Juan y la de San Mateo, cuyos años de creación son claros y definitivos (1724 la primera, 1727 la segunda), con la Misa en Si menor el maestro realizó una labor que abarcó 25 años. Las partes iniciales, Kyrie y Gloria, fueron escritas el año 1733 y ofrecidas al nuevo príncipe elector de Sajonia, Augusto III (católico y rey de Polonia) a fin de ganar su favor.

A contar del año 1747 hasta 1749 el maduro compositor amplía la composición y da forma a una misa completa. Agrega el Credo (del cual, luterano al fin, toma distancia y llama “Símbolo Niceno”), el Sanctus/Hossana/Benedictus y el Agnus Dei. En todo esto Bach reutiliza obras anteriores, pero llevando a cabo un intensivo trabajo de adaptación gracias al cual logra una summa, es decir, un compendio en el que selecciona, reelabora y combina estilos y técnicas de toda su carrera (desde cantatas tempranas hasta movimientos nuevos de los años 1740).

En el caso de “Et Resurrexit”, su música procede aproximadamente del año 1714, de una cantata secular festiva hoy perdida, lo cual explica su carácter de “fanfarria danzante” que Bach ajustó perfectamente al texto sagrado.

BACH :: Pasión según San Mateo :: Suzuki, Netherlands Bach Society, etc.

2026-04-03T23:27:00.012-03:00

Un ángel consuela a Cristo en Getsemaní – Carl Bloch

En el día de la muerte de Cristo para la cristiandad occidental, les comparto la obra que probablemente sea la síntesis más extraordinaria lograda jamás entre fe, arte, técnica musical, contenido, emoción y expresión formal: me refiero a la Pasión según San Mateo, de Juan Sebastián Bach.

La versión que les comparto hoy se ha estrenado (y subido a las redes) ayer, 2 de abril. Los intérpretes son el gran maestro japonés Masaaki Suzuki, proverbial especialista en la obra del compositor alemán; la agrupación “Netherlands Bach Society”, una de las mejores posibles en el panorama actual de la interpretación “históricamente informada” y, vamos, de la música en general; y una pléyade de solistas vocales que podrán descubrir ustedes mismos bajo estas líneas.

Mientras nuestro mundo parece precipitarse —otra vez— en el horror, pueda la Belleza a través de obras como ésta salvaguardar nuestra humanidad.

Música, la Afirmación de un Mundo

2026-02-26T15:43:00.003-04:00

Considero a la Música la afirmación de un cosmos, una declaración de principios, un acto positivo, encaminado no a destruir sino a construir. En eso radica la creación, ese “sacar de la nada” algo consistente.

Es el itinerario de los compositores: primero perciben dentro de sí mismos una determinada visión de las cosas (la misteriosa “inspiración”) y luego la transforman en música, “pronuncian” en sonido esas ideas coherentes. El concepto mismo de “armonía” supone una construcción —si se quiere, un organismo— que no sucumbe a contradicciones internas, sino que perdura a la manera de una Verdad comprobada.

Esto lo obran todos los artistas genuinos, y suele ocurrir que los más simples en su propósito sean los más lúcidos. Siempre tratan de manifestar un tipo de belleza particular que perciben con la claridad de la evidencia y cuya manifestación despierta en muchos otros una afinidad íntima, como una vibración común; belleza que a su vez entraña determinados principios aceptados como ciertos. Cada auditorio, cuando aplaude a su artista, clama “así es, así debe ser”.

Luego vendrá la posteridad, ese tribunal insobornable, para hacer rendir cuentas a la obra y darle el premio de la inmortalidad. O no. Hasta las mejores necesitan pasar este examen y probar si hay en ellas Belleza y Verdad efectivas, universales. Pues a veces creemos ver mares donde sólo hay espejismos e ignoramos el manantial que brota a unos pasos.

De lo anterior se desprende mi apego al mundo tonal y mi renuencia con sus opuestos. Diría que es inevitable, pues se basa en un ejercicio de auto-descubrimiento: discernir el acto de afirmación que cada obra trae consigo, las afinidades que en lo profundo de mí mismo cantan junto a ella. Buscar las obras “en donde estoy”.

No obstante, nuestra personalidad se enriquece y nuestra cultura se amplía con los años —eso quiero creer—, así que en estas cosas no se puede ser tan tajante… pero tampoco se puede jugar a la confusión. Caos y Cosmos no se llevan.

¡FELIZ NAVIDAD y FELIZ AÑO NUEVO! · Mendelssohn: “Magnificat” en Re mayor

2026-01-01T21:30:00.017-04:00

Feliz Navidad y feliz Año Nuevo a todos los queridos amigos que visitan esta página. Para celebrar a mi estilo old-fashioned (sin remordimiento alguno, por cierto) y para no repetir, al menos por esta vez, a la socorrida familia Strauss, vayamos con uno de mis grandes favoritos, Felix Mendelssohn, y su poco conocida versión del “Magnificat”, himno de alabanza de María que registró el Evangelio de Lucas y que ha conocido espléndidas traducciones musicales.

Es indiscutible el amor que el prodigioso Mendelssohn sintió por Bach, amor que caló en él hasta el tuétano. Bien lo demuestra en esta obra sacra donde recupera —con soltura y entusiasmo— las firmas estilísticas del barroco. Es una creación temprana, escrita en 1822 cuando su autor contaba... 13 años de edad (lo de “prodigioso” no lo dije por casualidad). Constituye su primera pieza a gran escala para orquesta, coros y solistas, y anticipa su perdurable interés por este formato que años más tarde cristalizaría en oratorios y diversas piezas sacras, siempre equilibrando la influencia barroca con su personal buen gusto y su sensibilidad afín con el Romanticismo naciente.

¡Que la alegría mendelssohniana pueda comunicar a ustedes mis mejores deseos de alegría, prosperidad y, sobre todo, paz para este año! Sepan que los aprecio enormememente, y son mi continua motivación para rescatar tiempo de donde puedo a fin de mantener esta bitácora.

¡Felicidades!

Sibelius :: ‘Casazzione’

2025-12-21T22:56:00.026-04:00

160 años se cumplieron el 8 de diciembre pasado desde el nacimiento del insigne compositor finlandés Jean Sibelius (★ Hämeenlinna, Finlandia, 8 Dic. 1865 — ✚ Järvenpää, 20 Sep. 1957) el cual, como mis avezados lectores habrán notado, figura entre los elegidos de mi panteón personal.

La larga vida de Sibelius (falleció con 91 años) le permitió recibir extensos honores cuando, escondido entre los umbríos bosques fineses, su figura era descubierta y celebrada por el público anglosajón. También, más lentamente, aquella Europa reconstruida de las cenizas comenzó a otorgarle el reconocimiento que le había escamoteado en nombre de las vanguardias radicales — oposición bien ejemplificada por la crítica agresiva que le dirigió Theodor Adorno durante décadas.

Aquella inquina ha quedado atrás. Así pues, quiero recordar al gran autor de inolvidables páginas orquestales con una pieza tildada de “menor” pero que carga mucha belleza en su factura: Casazzione, op. 6, escrita en 1904 como “relleno” para un concierto que dirigió el propio Sibelius el 8 de febrero de aquel año.

Su nombre, “Casación”, refiere a una forma caduca de divertimento, prácticamente gemelo de la serenata, pensada para alegrar espacios abiertos. El compositor de hecho la concibió como una especie de suite, organizada a la manera de episodios contrastantes que avanzan de uno en otro sin interrupción, con una fluidez narrativa que hoy podemos llamar “cinematográfica”. Elegir una forma antigua y tan particular a fin de darle uso renovado es una audacia estilística que dice mucho de la originalidad de sus ideas y delata, también, su voluntad por mantenerse en diálogo creativo con la tradición precedente, adecuándola a su estro.

Descubrí esta pieza en uno de los muchos registros dedicados por el sello BIS a la música del gran emblema cultura de Finlandia. Para mis oídos, Sibelius prodiga geniales aciertos en esta página ocasional; su consabida habilidad como orquestador exhibe la gran paleta de colores que había explorado en sus poemas sinfónicos y primeras sinfonías (este op. 6 es contemporáneo de la Tercera) y crea momentos de extraordinaria belleza y elocuencia. Los compases iniciales guardan un parecido exacto con la famosa introducción al tema de James Bond... si bien para mí lo inolvidable surge a contar del minuto 5:25 (tomando como referencia el video más abajo) cuando las cuerdas elevan su canto ondulante y apasionado.

La crítica miró en menos esta pieza y Sibelius la retocó, aunque no quedó conforme (anotó un “debe revisarse” en la nueva versión y nunca volvió a ella, aunque rescató algunos temas para su musicalización de “La Tempestad”). En el video bajo estas líneas encontrarán ambas versiones, la original y la retocada, para que elijan su preferida. ¡Feliz cumpleaños, maestro de las auroras boreales!

Felices 90 años, Arvo Pärt

2025-09-14T22:47:00.005-03:00

Nombre insigne en el panorama actual de la música “clásica”, el compositor estonio-austríaco Arvo Pärt (★ Estonia, 1935–) ha entrado este 11 de septiembre en la novena década de existencia. Desde aquí quiero rendir homenaje a este gran artista, cuya evolución en las postrimerías del siglo XX hizo de su música una propuesta única, personal e influyente hasta hoy.

Hasta siempre, Maestro Brendel

2025-06-20T16:33:00.047-03:00

Feliz inmortalidad, maestro Brendel

Una nueva estrella refulge en el firmamento de la Música con mayúsculas: ha muerto (y ha entrado a la historia) Alfred Brendel (★ Wiesenberg, Moravia del Norte – actual Loučná nad Desnou, República Checa, 5 Ene. 1931 — ✚ Londres, Reino Unido, 17 Jun. 2025). Tuvo una vida extensa, 94 años, y una carrera artística rutilante frente al piano, aunque a la menor oportunidad él se desbordaba hacia su otra gran pasión, la literatura. Por unanimidad, el maestro checo fue celebrado como un gigante de la música, uno de los inmortales de su instrumento y gestor de un legado legendario, del cual muchos aplaudimos con especial fervor lo que logró con Schubert. Me atrevo a decir que fue mérito definitivo de Brendel darle a Schubert los laureles y la importancia que a mediados del siglo pasado aún tardaban en llegar.

Editorial Acantilado publicó en español el opúsculo De la A a la Z de un pianista donde Brendel, con estilo aforístico, estampó sabrosas reflexiones a propósito del arte que amó. Sobre su instrumento, el piano, dice allí: «Un violín es y sigue siendo un violín. El piano es un lugar de transformación. Cuando el pianista así lo desea, el piano permite sugerir la voz humana en el canto, el timbre de otros instrumentos, la orquesta, el arco iris, las esferas. Esa capacidad de transformación, esa alquimia, es nuestro mayor privilegio.»

Para homenajear al inolvidable Músico que acabamos de despedir —al que algunos amigos aludíamos afectuosamente como “The Boss”— comparto un recital suyo dedicado a dos sonatas de Schubert que él, cómo no, quiso introducir con una breve lectura, erudita, desafiante, salpicada por su infaltable sentido del humor.

¡Hasta siempre, maestro Brendel!

Separen a los cumpleañeros

2025-05-07T23:30:00.022-03:00

Dos grandísimos creadores comparten la torta de cumpleaños el día de hoy, 7 de mayo. Me refiero a Johannes Brahms (nacido en esta fecha el año 1833, en el puerto de Hamburgo) y a Piotr Chaikovsky (nacido este día el año 1840 en Vótkinsk, Rusia imperial). La distancia geográfica anticipaba la brecha que existiría entre ambos a niveles tanto personal como artístico, no por una intención deliberada o algún episodio concreto, sino simplemente por ser muy ajenos el uno al otro. En todo.

Mientras el alemán se afanaba por otorgar lógica y coherencia al tumulto del deseo, la inspiración o la pasión, valiéndose para ello de una arquitectura extraordinaria que domina cada obra por sobre el color instrumental o la libre melodía, el ruso no sabía ni quería contenerse: se desgarró a sí mismo en páginas sacudidas por una pasión abrasadora, una orquestación brillante y una capacidad melódica que a menudo alcanza la gloria.

Otra diferencia se sumaba a la anterior: su personalidad cotidiana era como el opuesto paradojal de su sello artístico. Así, el riguroso Brahms era un hombre que no sabía moderar su lengua impredecible, no temía ofender a sus iguales, marcado por su origen humilde, portuario; era abierto enemigo de la etiqueta al vestir, desmedido en la mesa y atropellador con sus íntimos, aunque también muy apegado a éstos. A su vez el desbocado Chaikovsky en cambio era un hombre fino, educado, pulcro, de trato ameno y con innata elegancia que causaba encanto a propios y ajenos, aunque sus más allegados conocían sus arranques de excentricidad. No extraña, pues, que al conocerse ambos artistas no congeniaran, como revelaron testigos de tales encuentros y ciertas páginas del diario de Chaikovsky.

Aun así, valoraron el quilate mutuo: se sabe de la impresión que causó la Quinta sinfonía de Chaikovsky sobre el alemán, y por su parte el ruso calificó a Brahms, en una de sus cartas, como “fuerza de la naturaleza”. ¡Gente contradictoria!

Lo bueno es que los melómanos podemos ser politeístas y celebrar a ambos genios por igual, sobre todo el día de su cumpleaños:

¡Felices 185 años, Piotr Ilich!

¡Felices 192 años, Johannes!

#poesía | AJMÁTOVA

2025-04-08T00:30:00.007-03:00

La Música

Para Dmitri Shostakovich

En ella arde algo maravilloso,
y en sus ojos se tallan los lugares.
Solo la música me habla
cuando otros temen acercarse.

Cuando el último amigo se apartó
ella estuvo conmigo en mi tumba
y cantó como la primera tormenta
o como si todas las flores conversaran.

Anna Andréyevna Ajmátova (Górenko)

Shostakovich: segundo movimiento del Concierto para piano nº 2.

Ha llegado el otoño

2025-03-31T14:49:00.061-03:00

Llegó la estación de tonos dorados que dibuja cierta sonrisa en los corazones introvertidos, el Otoño. Mientras menguan los ardores veraniegos, se acortan los días y la vida vegetal elige otros colores, también se da paso a otros estados de ánimo; para algunos será una época de liviana, dulce melancolía, para otros el pretexto de lucir prendas más largas, o de variar el sabor de las comidas, del café, de las conversaciones… en fin, el otoño trae siempre como un hechizo. Y la música no queda ajena a él.

No buscaré repertorios clásicos sino algo contemporáneo, el piano de Yann Tiersen, para darle la bienvenida a la estación. Aquí, el premiado músico francés interpreta en un hermoso clip su creación “Porz Goret”:

BEETHOVEN y BRAHMS en arreglos de MAHLER y SCHÖNBERG

2025-02-26T10:50:00.008-04:00

Les traigo un disco estupendo, y en la actualidad bastante inubicable. Son dos obras “recreadas”, el Cuarteto nº 11 en Fa menor “Serioso” de Beethoven, trasladado por Mahler a una orquesta de cuerdas (como hiciera también con el Cuarteto “La Muerte y la Doncella” de Schubert), y el Cuarteto con piano en Sol menor de Brahms, en la orquestación de Arnold Schönberg que Uds. ya conocieron en esta misma página años atrás, bajo la batuta de Neeme Järvi.

Los intérpretes de esta ocasión son de gran nivel: la Filarmónica de Viena (para quien escribe, la mejor orquesta del mundo) y en la dirección, el húngaro Christoph von Dohnányi, consumado maestro que merece mucho más reconocimiento del obtenido hasta ahora. En este disco de 1996 los artistas interpretan con autoridad y fascinante riqueza estas “traducciones sinfónicas”. Me llama la atención el distingo que hace el disco al llamar arreglo la elaboración de Mahler, y orquestación lo hecho por Schönberg. Quizá se deba el matiz a que Mahler no alteró la textura tímbrica de la obra, que permanece en la familia de las cuerdas, mientras que Schönberg reemplaza atrevidamente la materia sonora original por otra muy distinta.

Pero no nos pongamos bizantinos. Disfrutemos esta vibrante interpretación... AQUÍ.

Feliz Cumpleaños, maestro ARRAU

2025-02-06T13:11:00.013-04:00

Un día como hoy hace 122 años nacía el mayor pianista de la historia de Chile, Claudio Arrau León (1903-1991). Artista sensacional, considerado uno de los más grandes intérpretes de su instrumento en el siglo pasado, me inspira también un peculiar cariño.

Para valorarlo con justicia, cabe un certero comentario del crítico David Hurwitz: “Arrau no era ‘un pianista’, era un gran músico que tocaba el piano”. A su memoria dedico este homenaje junto a un puñado de registros inolvidables en la playlist que encontrarán más abajo.

Disfrútenlo, amigos y amigas.

Una selección de interpretaciones del gran Claudio Arrau incluyendo obras de Chopin, Beethoven, Bach, Schubert, Brahms y Stravinsky

Recordando a SCHUBERT

2025-01-31T22:30:00.008-04:00

Bibelot de Schubert con la Sonata en La menor D. 784 como fondo

“Schwammerl” es un término alemán que significa “honguito”. Un ruidoso grupo de amigotes austríacos lo usaba como apodo para el más querido entre ellos, cierto regordete miope que medía 1,56 mt de estatura y era a la vez tímido, entusiasta… y muy, muy dotado cuando de música se trataba. Cada 31 de enero, como hoy, celebraban a Schwammerl del mismo modo que hoy lo hacemos en este blog: Feliz cumpleaños Franz Peter Schubert. La corta estatura resultó engañosa, porque el chico de las gafas era en realidad un Gigante que seguimos festejando, mientras nos embelesamos con su extraordinaria inspiración creadora.

Les dejo aquí un resumen biográfico a cargo de Alberto Musitaro:

Y por supuesto, la música: primer movimiento de la Sonata Arpeggione, escrita para la particular creación de un luthier vienés en 1823, y que luce como un híbrido de violonchelo y guitarra. Schubert escribió la única obra importante en la efímera existencia del instrumento. Les comparto esta música extraordinaria en versión de Nicolas Deletaille, arpeggione, y Alain Roudier, fortepiano, en una grabación de 2012 (por cierto, el trazo melódico inicial de cuatro notas, a cargo del piano, coincide con la melodía inicial de los bajos que abre la sinfonía “inconclusa”):