AMLETO di Danilo Ruocco | amleto.info

L'odio rende inumani

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Tue, 20 Oct 2026 11:27:07 +0200

Ospiti di Ayelet Gundar-Goshen edito in Italia da Neri Pozza è un romanzo strepitoso in cui si mostra come l’odio renda inumani tutti coloro che vi affogano sia consapevolmente, sia inconsapevolmente.

La trama prende avvio con una scena in cui una distrazione diventa una tragedia fatale: un martello viene incautamente lasciato su una balaustra di un balcone in ristrutturazione; un neonato sfugge al controllo della madre; un ragazzo viene preso in pieno da un martello in caduta da un terrazzo e muore; un operaio arabo viene arrestato dalla polizia di Israele con l’accusa di essere un terrorista e di aver colpito intenzionalmente il ragazzo ebreo con il martello.

Falso.

Una storia corale di cui non si racconta niente altro, perché si lascia al lettore il gusto della scoperta.

Una storia che si dipana principalmente tra Israele e la Nigeria e viene raccontata per mezzo di brevi capitoli in cui non cala mai la tensione e nei quali i personaggi principali vengono presentati sia nel loro presente, sia nel loro passato.

Una storia che racconta come l’odio generato dal razzismo, dal neocolonialismo e dai pregiudizi abbia reso inumani i popoli, tutti i popoli, sia quelli che si impongono con le loro azioni imperialiste, sia quelli che soccombono e cercano un riscatto.

L’odio, sembra dire il romanzo, corrode le anime, le divora come un fuoco che può covare sotto le ceneri per anni, per poi avvampare all’improvviso.

Una vampata che toglie lucidità e, in qualche modo, deresponsabilizza: nessuno di sente responsabile dei torti che fa; ma tutti si sentono legittimati a rispondere all’odio con altro odio, in una spirale negativa che risucchia nel Male come un mulinello.

Un Male che, a volte, però non si ha il coraggio di attuare fino alle estreme conseguenze…

Ma basta averlo pensato, quel Male, per rendere le persone inumane; come basta anche solo aver rimandato di qualche giorno di fare la cosa giusta, per essere, ormai, compromessi.

In definitiva, il romanzo sembra voler dire che “Occhio per occhio, dente per dente” non è una soluzione sostenibile, né nell’immediato, né nel lungo periodo.

Una lettura coinvolgente e scorrevole, quella di Ospiti, che si consiglia vivamente.

Ospiti è disponibile in Amazon.

La democrazia è difficile

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Mon, 12 Oct 2026 10:24:54 +0200

Marta M. Marangoni e Rossana Mola

«La democrazia è difficile» viene detto all’inizio dello spettacolo Nome di battaglia Lia di Renato Sarti, anche regista e interprete assieme a Marta M. Marangoni e Rossana Mola, andato in scena ieri e l’altroieri al Teatro della Cooperativa di Milano, in occasione del 25° anniversario del medesimo.

«La democrazia è difficile» e, sembra dire lo spettacolo, va difesa da quanti la mettono in discussione e la minano dall’interno anche al giorno d’oggi.

Lo si può evincere dai riferimenti all’attualità che ricorrono nel corso della narrazione: lo spettacolo, infatti, ricostruisce gli ultimi mesi del regime fascista a Milano e come esso sia stato messo alle strette dalla Resistenza; e - come detto - ogni tanto fa dei riferimenti mirati all’attualità.

Nella Resistenza un ruolo importante avevano le ragazze dei Gruppi di Difesa della Donna che avevano il loro “quartier generale” proprio là dove ora c’è il Teatro della Cooperativa.

Erano donne pronte a fare chilometri in bici per portare messaggi, viveri e vestiti agli uomini “sulle montagne”; a nascondere le armi; a organizzare una protesta tutt’altro che silenziosa; a nascondere i ricercati e ad aiutarli a darsi alla macchia.

Donne coraggiose e combattive, come Gina Galeotti Bianchi (la Lia del titolo) che venne raggiunta da un colpo d’arma da fuoco il 24 aprile 1945 mentre, incinta, stava facendo la staffetta per portare gli ordini dell’insurrezione.

Di lei (e delle altre donne della Resistenza) lo spettacolo ricostruisce la vita e l’impegno; e lo fa usando ritmi serrati e un certa leggerezza in grado di coinvolgere il pubblico in sala.

I tre interpreti danno corpo a tutti i vari personaggi che vanno a comporre la serie di brevi quadri con i quali la storia viene ricostruita.

Quadri più tipici del racconto cinematografico che di quello teatrale e che danno una piacevole sensazione di dinamicità all’azione scenica che, altrimenti, rischierebbe di restare statica, in quanto troppo legata all’idea del racconto/testimonianza.

Il risultato è assolutamente convincente e al metaforico “calar del sipario” i tre attori sono stati salutati da un lungo, caloroso e insistito applauso.

Del tutto meritato.

La lettera della civiltà aliena

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Wed, 22 Jul 2026 11:04:31 +0200

La voce del padrone di Stanisław Lem è un romanzo con una cornice fantascientifica e uno svolgimento politico-filosofico.

Lem, infatti, immaginando come verrebbe accolto un messaggio proveniente da una civiltà galattica molto più progredita della nostra, mette in evidenza tutti i limiti e le magagne della nostra cultura e, soprattutto, della politica.

Il romanzo finge di essere un’autobiografia scritta dal matematico Hogarth che, anni prima, ha fatto parte del board del Progetto denominato la Voce del padrone con il quale un gruppo consistente di scienziati di varie discipline ha tentato di decifrare una lettera proveniente da una progreditissima civiltà galattica.

Il segnale alieno è stato captato per puro caso e, ancora più casualmente, si è scoperto che esso conteneva in sé un messaggio.

L’io narrante dichiara fin dall’inizio che i tentativi di decifrazione sono miseramente falliti e il suo racconto altro non è che la spiegazione del perché si è deciso di rinunciare all’impresa di capire il contenuto del messaggio.

Il Progetto la Voce del padrone è stato voluto da esercito e politica e da loro finanziato e sorvegliato: la loro speranza, neppure tanto sottaciuta, è che il messaggio possa contenere le istruzioni per la fabbricazione di un'arma che dia agli Stati Uniti la supremazia mondiale.

L’io narrante, quindi, mette in evidenza come la politica e la cultura della sopraffazione siano alla base dell’evoluzione umana e come la nostra civiltà, che si crede tanto progredita, sia, in realtà, ancora a livelli di sviluppo assai bassi, non solo perché non è in grado di capire ciò che un’altra civiltà sta dicendo, ma perché non comprende che puntare sulla supremazia bellica non è la via giusta da percorrere se si vuole fare dell’Umanità una specie che le altre civiltà della Galassia possano prendere in seria considerazione.

Al posto della cultura della sopraffazione, servirebbe una governance mondiale che potesse coordinare e indirizzare lo sviluppo tecnologico e culturale.

Hogarth, però, non solo mette in luce come i rappresentanti politici e dell’esercito non siano dell’avviso di intraprendere una forma di collaborazione con l’altra parte della barricata, ma siano anche diffidenti dei propri stessi scienziati, che spiano senza ritegno.

In definitiva, se il messaggio non lo si è decifrato, è perché l’Umanità non è ancora all’altezza della situazione, in quanto ancora dominata da dinamiche di tipo tribale.

Pur non potendo non condividere le preoccupazioni espresse da Lem nel romanzo, va detto, con franchezza, che esso risulta un po’ verboso e a tratti caotico, in quanto, a volte, la narrazione si perde in “sottotrame” che potevano - a parere di chi scrive questa nota - essere benissimo espunte dalla trama principale.

La voce del padrone è disponibile in Amazon.

Altro sulla Speculative fiction

Il giorno della Verità

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Thu, 11 Jun 2026 10:00:05 +0200

Emily Blunt e Josh O'Connor in una scena di Disclosure day

La Verità sta comodamente in uno zainetto da città, ma tu hai le spalle sufficientemente larghe per poterne reggere il peso?

Disclosure day di Steven Spielberg non è un film di fantascienza, ma un film Politico (con la P maiuscola).

Forse il più politico realizzato dal regista.

Lo dichiara apertamente il titolo (Il giorno della divulgazione); lo racconta la storia (la cui trama non si svela) che termina là dove un canonico film di fantascienza inizierebbe.

Disclosure day non ipotizza, ma dà per certo e, soprattutto interroga.

Interroga gli spettatori ponendo loro una semplice domanda: avete il coraggio di guardare in faccia la Verità?

Una Verità già in possesso di un relativo ristretto numero di persone che la maneggia con estrema disinvoltura (si veda come viene bistrattato lo zainetto che la contiene) e che, soprattutto, impedisce che essa raggiunga l’intera popolazione umana, in quanto essere in possesso della Conoscenza dà sia Potere e sia Poteri.

Potere inteso come Dominio.

Poteri intesi come Capacità sovra-umane.

Spielberg dà per certo che il contatto con Entità Biologiche Extraterrestri (E.B.E) sia già avvenuto da almeno un’ottantina d’anni.

E dà per certo che tale contatto sia stato tenuto nascosto all’Umanità, nonostante - nel corso degli anni - qualcosa si sia venuto a sapere per via traverse.

Ciò che Spielberg ora chiede è se la giustificazione che è stata data per la costante opera di insabbiamento (cover up) operata da chi ha finora detenuto la Verità - ovvero che la rivelazione della stessa sarebbe dannosa per l’Umanità in quanto ne minerebbe nel profondo le Certezze - sia ancora (o sia mai stata) valida in quanto tale.

E la risposta è no: la Verità non può causare danni, ma soltanto essere accettata o rifiutata.

Spielberg sembra dire che è finito sia il tempo della favola bella (E.T.), sia quello della speranzosa ricerca di un contatto (Incontri ravvicinati del Terzo Tipo): ora è il Disclosure day in cui la Verità viene detta.

Basta ascoltare.

Si potrebbe concludere questa nota semplicemente affermando che Disclosure day è un capolavoro assoluto della cinematografia.

Piace però almeno ricordare le prove eccelse dei due protagonisti: Emily Blunt (nel ruolo di Margaret, colei a cui spetta il compito di fare da tramite, da medium, del messaggio) e Josh O’Connor (nel ruolo di Daniel, colui che quel messaggio deve tradurre - nel senso stretto di consegnare e in quello largo di rendere in altra lingua).

Al loro fianco vanno almeno ricordati Colin Firth (nel ruolo di Noah - nome evocativo quanti altri mai - che tenta di ostacolare la rivelazione, per poi cedere all’inevitabile e accettarlo) ed Eve Hewson (nel ruolo di Jean, una ex novizia che comprende che c’è spazio per una Verità che vada al di là di quella circoscritta negli stretti confini religiosi).

Un film di cui si consiglia vivamente la visione.

CULT Recap Distopie

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Fri, 5 Jun 2026 11:40:41 +0200

Il primo numero della newsletter CULT Recap è dedicato alle Distopie, in particolare a quelle descritte da Zamjatin, Huxley e Orwell, forse le tre più famose della letteratura.

Ho messo a confronto i tre romanzi distopici, non tenendo conto delle trame di ognuno di essi, ma del “sistema” sociale in essi rappresentato.

In altre parole, ho tentato di capire come, in una società distopica, il Potere controlla i cittadini e perché a chi comanda fa paura l’individuo, ma non la massa.

CULT Recap Distopie di Danilo Ruocco

Zamjatin Huxley Orwell

Leggi su Substack

Il pdf di CULT Recap Distopie è disponibile in Academia

Il maschio in crisi di Pinter e Fusi

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Wed, 6 May 2026 11:02:00 +0200

Foto di scena de L'amante per la regia di Luca Fusi

L’amante di Harold Pinter è un testo che si presta a differenti interpretazioni che possono variare a seconda del “peso” che viene dato a uno degli scambi dialogici, forse, più misteriosi del teatro pinteriano.

Nel testo il protagonista maschile afferma di essere attratto da «Dei tori con le mammelle. Grossi tori con le mammelle» e, quando la protagonista femminile chiede se si stia riferendo a delle «vacche», lui specifica: «No, non voglio dire delle vacche. Voglio dire degli enormi voluminosi tori femminili con le mammelle».

Cosa siano tali tori con le mammelle non è esplicitato ulteriormente.

Proviamo a indagare.

Attenzione spoiler

La lettura estetica (e datata)

L’amante è stato rappresentato per la prima volta nel 1963.

Prima, quindi, della rivoluzione sessuale.

Al centro dell’azione c’è una coppia sposata da dieci anni che, per dare un po’ di pepe al proprio rapporto, mette in scena un elaborato set erotico dove il marito diventa l’amante della propria moglie, per agire un sesso tribale (simboleggiato dal suono dei bongo).

Un sesso in cui la moglie può comportarsi come fosse una prostituta e venire, così, incontro, senza falsi pudori, ai desideri del marito.

Ma, dopo dieci anni, il maschio è in crisi: vorrebbe incontrare “il rivale” e/o porre fine alla messinscena.

In tale contesto, lo scambio dialogico che si sta analizzando, può essere visto sotto una luce estetica: al maschio piacciono i donnoni, pur avendo sposato una donna in forma e aggraziata.

Una donna con la quale si pavoneggia in pubblico.

La pièce termina con il maschio che, seppur in crisi, accetta di continuare il “gioco” erotico casalingo con la moglie «puttana» (è l’ultima parola pronunciata nel testo).

Lettura LGBT

Il maschio è in crisi non tanto perché è stanco del “gioco” erotico con la moglie; ma perché è stanco della donna in generale.

Vorrebbe incontrare il “rivale”, un maschio tribale, per conoscerlo (assai probabilmente in senso biblico).

Egli è attratto da grossi maschioni (dei veri tori) con pettorali ipertrofici.

Ne è talmente attratto da fingere, con la propria donna, di essere lui stesso un maschio testosteronico.

Non ha, però, il coraggio di dare concretezza ai propri reconditi desideri conoscendo un vero toro (si ricordi che in UK i rapporti omosessuali tra maschi sono stati depenalizzati solo a partire dal 1967) e, quindi, seppure in crisi di identità, si piega a recitare ancora il ruolo del maschio attratto dalla femmina, felice di poterla esporre pubblicamente.

La lettura claustrofobica di Fusi

Ieri sera, al Teatro Out Off di Milano, Luca Fusi ha presentato la propria lettura del testo pinteriano, protagonisti i bravi Erika Maria Cordisco e Simone Debenedetti.

Il testo è stato attualizzato e italianizzato: l’azione si svolge a Milano ai giorni nostri in quello che ha tutta l’aria di essere un angusto monolocale.

Un luogo claustrofobico per una storia claustrofobica, nella quale i due protagonisti vivono come reclusi da tre anni.

Lui è in crisi perché non regge più i ritmi da ninfomane (la definisce proprio così) di lei che, a sua volta, si sente a disagio in presenza di lui in veste di maritino, ma si scatena quando lui assume il ruolo di amante.

I loro corpi di toccano, si stringono, si avvolgono, ma assumono una plateale distanza quando lui, seduto seminudo in proscenio, dice a lei, stesa in sottoveste sul divano in fondo alla scena, di preferire i «tori con le mammelle».

La battuta sembra scherzosa ma la prossemica dice molto: i due non potrebbero essere fisicamente più distanti.

Eppure, quando si sono avvolti, lui ha dichiarato di essere contento di avere una moglie con cui poter uscire e mostrare agli altri maschi.

Una moglie con la quale, però, passa le serate sul divano a vedere serie TV.

L’atto erotico, in questa recita alienante, infatti, può essere agito solo quando lui si trasforma in un altro: un brutalone focoso; un toro.

Alla fine, l’unica scappatoia che pare loro percorribile è quella di evadere dal monolocale e correre nel traffico cittadino.

Una lettura, quella di Fusi, che sfiora solo tangenzialmente quella LGBT, ma si distanzia in modo netto da quella estetica.

Spettacolo da vedere.

Il passato che riemerge

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Tue, 21 Apr 2026 10:05:00 +0200

I dodici racconti che compongono la raccolta The history of sound di Ben Shattuck editi in Italia da Neri Pozza vanno letti uno di seguito all’altro e non in ordine sparso.
Questo perché, spesso, tra un racconto e l’altro, emerge un dettaglio che fa sì che due storie risuonino tra loro, come se un riverbero si trasmettesse da una all’altra.
E non succede solo a due racconti consecutivi, ma anche a quello che apre la silloge e a quello che la chiude: il primo, infatti, “si genera” dall’ultimo.
Collegamenti che fanno sì che nel lettore si alimenti il gusto per il riconoscimento e la sensazione di essere in un posto familiare.

Eppure tra i racconti “collegati” possono essere passati anche un paio di secoli. Ovvero, uno si svolge in un’epoca e quello collegato in un’altra epoca.

E ciò succede anche perché alla base dei racconti di Shattuck c’è la convinzione che il passato possa riemergere. O nella vita stessa del personaggio che lo ha vissuto, o in quella di altre persone, molto tempo dopo.

Il passato è lì, pronto a diventare il presente.

E lo spiega bene la protagonista di uno dei racconti, quando riflette che «il suo passato si era avvicinato così tanto alla sua nuova vita da rischiare di toccarla.» (L’innesto).

Un’altra particolarità dei racconti di Shattuck è che alcuni di loro “fingono” di essere qualcosa di diverso: un podcast; pagine di un diario; l’introduzione a un saggio.

Ciò conferisce dinamicità alla scrittura e varietà nello stile narrativo.

Molti sono i racconti assai belli, ma sopra tutti spicca quello che dà il titolo alla raccolta che è semplicemente strepitoso.

Una di quelle storie d’amore indimenticabili, con personaggi che entrano nel cuore del lettore e difficilmente ne usciranno presto.

Una storia, quella che unisce David e Lionel, che dura solo pochi mesi, ma che resta scolpita sia nella memoria di Lionel e sia, in qualche maniera, nei cilindri di cera che ne custodiscono i suoni.

Un volume di cui si consiglia vivamente la lettura.

The history of sound è disponibile su Amazon.

Pur di tenersi l'amico

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Mon, 20 Apr 2026 10:04:00 +0200

Tradimenti di Harold Pinter per la regia di Maurizio Schmidt con Gaetano Franzese, Lucrezia Mascellino e Claudio Pellegrini è decisamente un gran bello spettacolo.

Gli arredi in palcoscenico sono coperti da delle lenzuola antipolvere: tutto è già acqua passata.

Entrano gli interpreti e danno corpo a un lungo flashback che dal 1977 arriva al 1968 e che illumina i momenti salienti di una storia d’amore a tre.

Lei è sposata con lui ed è l’amante del migliore amico di lui.

Un classico.

Solo che lo sposo sa.

Attenzione spoiler

Lo sposo sa e fa di tutto per tenersi l’amico: non chiarisce con lui se non nel 1977, quando, ormai, la storia tra sua moglie e l’amico è finita ed è finita anche la sua relazione con la moglie e, quindi, non ha più nulla da temere.

Sa da sempre. Dal 1968: ha visto ed è stato zitto.

Anzi, nel finale modificato dal regista, accetta di stare tra l’amico e la moglie.

Il testo di Pinter, diversamente dallo spettacolo di Schmidt, termina in modo volutamente equivoco: dopo che Jerry ha detto a Robert di aver elogiato Emma in qualità di migliore amico e testimone dello sposo, Robert esce di scena e i due restano immobili a fissarsi.

Nello spettacolo di Schmidt, invece, Robert non solo non esce di scena, ma si sdraia in mezzo a Jerry ed Emma.

Complice e, assai probabilmente, speranzoso che la nascente relazione extraconiugale non lo escluda del tutto. Che, non solo continui a essere il marito di Emma, ma anche il migliore amico di Jerry.

E, forse, speranzoso che di Jerry possa diventare, tra una doccia post squash e l’altra, anche qualcosa di più che il migliore amico…

A dare corpo ai tre personaggi tre attori in stato di grazia: Gaetano Franzese, il marito che si dibatte tra un senso di rancorosa impotenza e la speranza di non perdere il suo migliore amico; Lucrezia Mascellino una donna che trova l’amore fuori dal matrimonio e che cerca nel marito l’amico sulla spalla del quale piangere quando l’amante è assente; e Claudio Pellegrini un eterno bambinone che cerca di sfuggire alle proprie responsabilità sia nei confronti della propria famiglia, sia nei confronti dell’amante e del suo migliore amico: una fuga che attua facendo finta di non sapere quello che gli si chiede di fare. E Robert glielo rinfaccia nel 1977: «[...] tu non sapevi mai niente di niente.».

Uno spettacolo che convince e coinvolge lo spettatore anche grazie a una recitazione motoria e costantemente forzata: i tre interpreti devono sovrastare il suono del pianoforte e ciò li aiuta ad abbandonare ogni falso ritegno tipico della compostezza british e a tuffarsi nella mischia.

Lunghi e insistiti applausi al “calar del sipario”.

Spettacolo da non mancare.

La tragedia dei vigliacchi

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Tue, 14 Apr 2026 15:54:00 +0200

Tradimenti di Harold Pinter è una tragedia e lo è senza che succeda nulla di convenzionalmente tragico.

Lo è proprio perché non succede nulla.

E non succede nulla perché i suoi protagonisti sono dei vigliacchi che non sanno prendere in mano le loro vite.

Sulla scena di Tradimenti ci sono tre protagonisti: due uomini di 40 anni e una donna di 38.

La donna è la moglie di uno dei due e l’amante dell’altro.

I due uomini sono talmente amici che uno dei due ha fatto da testimone di nozze dell’altro.

L’azione scenica procede a ritroso: la prima scena si svolge nel 1977; l'ultima nel 1968.

Lo spettatore, in tal modo, viene a conoscenza della tragedia vissuta quotidianamente dai protagonisti che sanno tutto, ma, per quieto vivere, fingono di non sapere.

Essi evitano di prendere in mano le proprie vite, perché “tengono famiglia”.

E ciò che evitano non è tanto il chiarirsi tra loro mettendo in piazza le corna che portano o che si sono fatti.

Ciò che evitano è di dirsi chiaramente la verità che li riguarda.

Una verità che sfugge a uno di loro in un momento di particolare tensione. Una tensione tutta british, sia chiaro!

Robert, infatti, dopo aver realizzato che sua moglie lo tradisce con Jerry, dice: «Mi è sempre piaciuto Jerry. A dir la verità, l’ho sempre preferito a te. Forse avrei dovuto avere io una relazione con lui.».

Ecco, questa consapevolezza del personaggio fa la tragedia: la tragedia di un vigliacco che non ha il coraggio di guardare in faccia la verità che lo riguarda e di agire di conseguenza.

Ma, si ripete, non è l’unico personaggio a essere un vigliacco!

Tradimenti è un testo clamoroso, perché è vero fino al midollo.

Tradimenti è disponibile in Amazon.

Alla ricerca dell'uomo moderno

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Mon, 13 Apr 2026 10:27:00 +0200

Con Un cuore greco, edito da Neri Pozza, Marina Valensise compie un viaggio in quella parte di letteratura del Novecento che si è rifatta ai classici con lo scopo di rifondare la società moderna.

Gli autori su cui Valensise ragiona sono quasi tutti dei drammaturghi e, nella sua analisi, la saggista privilegia il loro punto di vista, mettendo, più di una volta, in secondo piano quello dei registi e degli interpreti.

Una scelta precisa e un po’ inconsueta, dato che il Novecento è, senza alcun dubbio, il secolo in cui la regia teatrale si afferma e prende il dominio delle scene, anche a scapito della centralità del testo (di cui, specie negli Anni Settanta, si è anche fatto a meno).

Ma, evidentemente, lo scopo principale di Valensise era comprendere come gli autori novecenteschi abbiano “usato” il materiale letterario prodotto dai greci e dai romani per i loro fini.

Un materiale che, nel corso dei secoli, si è stratificato ed è diventato una sorta di immaginario collettivo, nel quale gli autori novecenteschi hanno intinto la penna con lo scopo non tanto di attualizzarlo, ma di farlo diventare un’isola da cui partire per il loro personalissimo viaggio nel mondo a loro contemporaneo.

Un viaggio che, in più di un’occasione, ha incontrato la nevrosi, la follia, la guerra, il totalitarismo, ma anche l’anelito alla libertà e il desiderio di provare a percorrere strade nuove per svecchiare la società.

La letteratura, dunque, come motore di cambiamento sociale e non solo di descrizione dell’esistente.

Un viaggio nella natura umana e nella società che, preferibilmente, si compie sulle tavole dei palcoscenici europei e le cui guide si chiamano von Hofmannsthal; Cocteau; Alvaro; Camus; Müller o Kane, ma, inevitabilmente, anche Picasso (nel suo ruolo di scenografo per i Balletti russi); Stravinskij (compositore per Djagilev); o Pavlova (nel doppio ruolo di regista e attrice).

Un saggio, quello di Valensise, scritto con competenza e passione e che ha anche il pregio di invogliare il lettore a riprendere in mano non solo i testi classici, ma anche quelli degli autori novecenteschi che hanno dato vita a moderni e umanissimi Edipo, Fedra, Medea, Antigone, Ippolito, Filottete e Pasifae.

Un cuore greco è disponibile in Amazon.

Droga, sesso e genitori

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Sat, 28 Mar 2026 10:19:00 +0100

Speed di Roberto Simonte, per la regia di Paolo Panizza e l’interpretazione di Maziar Firouzi è davvero un bello spettacolo in grado di coinvolgere gli spettatori e tenerli incollati alla poltrona dall’inizio alla fine.

Liberamente ispirato a In exitu di Giovanni Testori, Speed ne è quasi un antefatto: il protagonista non è ancora arrivato allo scalone della Stazione Centrale di Milano, ma sta ancora spacciando, prostituendosi e drogandosi in un lercio parchetto di periferia.

Gli episodi che racconta al pubblico ricordano, ma non ricalcano, quelli che il protagonista del romanzo di Testori racconta durante il suo ultimo viaggio.

Permangono nel testo teatrale il tema dell’attaccamento viscerale ai propri genitori, non scevro da accuse, anche assai gravi, rivolte loro; e il racconto della discesa agli inferi.

Ma, come già nel romanzo, lo spettatore non è portato ad avere una facile e superficiale reazione di sdegno o disprezzo nei confronti del protagonista, bensì una ben più profonda reazione empatica e solidale.

Risultato il cui merito va diviso tra il testo, la regia e, soprattutto, la performance attoriale.

La regia ha puntato sul coinvolgimento del pubblico (parte del quale invitato a sedersi direttamente sul palcoscenico), chiamato a partecipare alla storia, sia scegliendo tra varie opzioni narrative e sia affiancando il performer; e ha “alleggerito” i momenti più scabrosi con metafore visive davvero efficaci (come nella sequenza della fellatio al bidello, allusa grazie all'utilizzo di un ananas tenuto tra le mani da uno spettatore).

L’interpretazione dell’attore, poi, ha fatto sì che il testo prendesse corpo grazie anche a una fisicità motoria che ha sì “mimato” la frenesia di molti drogati, ma ha anche dato concretezza alla tenerezza verso la madre e alla sensualità perturbante verso il corpo del padre e del maschio in generale.

E, al metaforico calar del sipario, il pubblico ha tributato all’interprete un caldo, insistito e meritato applauso.

Uno spettacolo, in ultima analisi, di cui si consiglia vivamente la visione e che conferma il ruolo del Teatro come mezzo di espressione ancora capace di coinvolgere emotivamente lo spettatore, pur facendolo riflettere.

La taverna di Sergio Cotti

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Thu, 19 Mar 2026 16:41:00 +0100

Sergio Cotti torna in libreria con il memoir La taverna sulla prom’ edito da Bolis.

Giornalista e scrittore, Cotti, per cinque anni, è stato ristoratore a Nizza e, nel suo ultimo libro, ricorda alcuni episodi che si sono svolti nella città francese e, in un modo o nell’altro, lo hanno visto protagonista o testimone.

Fatti che sono avvenuti direttamente dentro il suo locale o nel palazzo in cui viveva; e/o che gli sono stati riferiti dai suoi clienti.

Dieci storie raccontate con garbo, un pizzico di ironia e tanta curiosità di sapere cosa sia realmente accaduto.

Una propensione all’investigazione giornalistica, quella di Cotti, vissuta con un atteggiamento mai giudicante.

Anzi, spesso Cotti è empatico.

Costante, però, la sua necessità di capire.

Comprendere il perché; il come; il chi; il dove e il quando: pur svolgendo l'attività di ristoratore, Cotti, infatti, è sempre restato il giornalista che era prima di trasferirsi in Francia e che, rientrato in Italia, è tornato a essere a tutti gli effetti.

Un libro vero quello di Cotti, non solo perché racconta storie vere, ma perché, nel farlo, Cotti non indossa i panni del narratore distaccato ed estraneo, ma si mette a nudo di fronte ai suoi lettori, parlando in modo palese delle sue speranze; paure; desideri; vittorie e fregature.

E tali, in fondo, dovrebbero sempre essere le motivazioni più autentiche per le quali si scrive un memoir: non per pavoneggiarsi, ma per raccontarsi senza reticenze, testimoniando di sé e del proprio vissuto.

Un memoir, quello di Cotti, che non ha il sapore amaro del rimpianto o della nostalgia, ma il gusto della vita vissuta appieno e con un pizzico di sana incoscienza; sempre, però, con la giusta attenzione agli altri, anche quelli più umili.

Un libro di cui si consiglia vivamente la lettura.

La taverna sulla prom’ è disponibile in Amazon.

Un capolavoro oltre il genere

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Tue, 10 Mar 2026 16:21:00 +0100

Una stanza tutta per sé di Virginia Woolf è un capolavoro assoluto.

Lo è per quello che dice e per come lo dice.

Lo è indipendentemente dal fatto che lo si incaselli tra i saggi o tra i romanzi.

Sì, perché, Una stanza tutta per sé è sia un saggio, sia un romanzo.

Letto come romanzo è il racconto di come l’io narrante, chiamata a tenere una conferenza a un pubblico femminile sul tema “le donne e il romanzo”, abbia condotto le sue ricerche e sia giunta a determinate conclusioni.

Letto come saggio è - né più, né meno - che una Storia delle donne. Donne comuni; donne altolocate; donne letterate.

Un libro, dunque, che potendo essere letto sia come saggio, sia come romanzo, va al di là del genere letterario.

Ma Virginia Woolf non si “limita” ad andare oltre il genere solo per quanto riguarda la forma del suo testo: essa va oltre il genere anche nelle sue conclusioni che, lo si dice subito, potrebbero non piacere a molti lettori, appartenenti a entrambi i generi.

[Spoiler alert]

Infatti, nelle sue conclusioni, dopo aver tracciato una sommaria Storia della Letteratura al femminile dal Cinquecento agli inizi del Novecento, partendo dall’affermazione di Coleridge che una grande mente è androgina, la Woolf giunge ad affermare che «per chiunque scrive è fatale pensare al proprio sesso. È fatale essere un uomo o una donna, puramente e semplicemente; dobbiamo essere una donna maschile o un uomo femminile.».

In altre parole, una persona che si dedica professionalmente alla scrittura, deve pensare e scrivere andando oltre le rigide divisioni di genere e diventare mentalmente androgina.

Chi non lo fa e continua a scrivere pensando «solo al proprio sesso», resta muto alle orecchie dell’altro genere, in quanto le emozioni che descrive sono davvero comprensibili soltanto ai lettori del suo stesso genere.

Una conclusione che - nel clima in cui il libro fu scritto - era davvero rivoluzionaria.

E, forse, in parte, ancora lo è.

Una stanza tutta per sé è disponibile in Amazon.

E che palle sto spettacolo!

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Mon, 23 Feb 2026 10:14:00 +0100

Ci sono testi nati per essere letti e testi nati per essere incarnati.

Cemento di Thomas Bernhard è un romanzo e l’operazione condotta da Roberto Trifirò di tradurlo in testo scenico non ha dato esiti felici.

Prova ne sia che, al metaforico calar del sipario, il pubblico presente al Teatro Out Off per la replica domenicale non ha subito compreso che lo spettacolo era terminato e si è prodotto in un timido applauso di cortesia.

Sarà che un romanzo sulla difficoltà di affrontare la pagina bianca può essere un’ottima lettura serale per conciliare il sonno; ma a teatro proprio non funziona e dormire in platea non è l’obiettivo che uno spettatore comune si prefigge di raggiungere quando esce di casa.

Anche se è domenica pomeriggio.

E a tener desta l’attenzione non ha giovato praticamente nulla:

non la scenografia di Gianni Carluccio: 6 tavolini uguali a far da leggio all’attore. Un tentativo di dare un po’ di dinamismo all’azione che si è, fatalmente, tradotto nel suo opposto;
né la lettura/interpretazione di Trifirò;
né l’esibizione/danza di Priscilla Cornacchia giunta ormai fuori tempo limite, quando il pubblico era ormai già narcotizzato;
né la trama che è una roba talmente esile che si fa anche fatica a definirla trama.

Non c’è bisogno di aggiungere altro se non che abbiamo rimpianto Anna Marchesini mentre diceva “E che palle sto spettacolo!”

Come sprofondare all'Inferno

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Mon, 9 Feb 2026 11:00:00 +0100

Sta scritto che una giovane donna incontri un bel tenebroso e ci vada a letto la sera stessa.

Sta scritto che, al mattino, il bel tenebroso chieda il conto alla donna per la nottata di passione.

Sta scritto che la giovane donna rifiuti il denaro dell’uomo.

Sta scritto che il bel tenebroso scateni l’Inferno perché non sta scritto da nessuna parte che qualcuno possa rifiutare dei soldi in questa nostra società fondata sul (e dal) Dio-Denaro…

Così leggono nel copione gli attori riuniti dal regista per la prima lettura.

Lettura che inizia un po’ svogliata, ma che si fa via via più immersiva, fino a quando gli attori diventano i personaggi e non hanno più bisogno, per sapere la loro parte, di leggerla nel copione.

Perché, in fondo, quello che la storia narra, sta scritto da sempre: è l’eterna lotta tra il Bene e il Male; tra il Diavolo e l’Angelo-Guida…

Come trattenere il respiro di Zinnie Harris per la regia di Marco Plini è davvero un gran bello spettacolo, in grado di catapultare lo spettatore dalle comode poltrone di platea a un barcone di migranti.

Migranti dalla “rotta inversa”: dall’Europa sprofondata nell’Inferno della povertà alle coste dell’Africa, in cerca di un riscatto; di un’opportunità; di una vita di lavoro e un pizzico di normalità.

Uno spettacolo che - oltre che sulla bellezza del testo - si fonda sulla bravura degli interpreti che - guidati da una regia non invasiva - riescono a trasmettere al pubblico l’ansia da precarietà di cui si diventa prede quando il terreno sotto i piedi inizia a perdere consistenza.

Ansia che si tenta di alleggerire cercando una soluzione nei manuali; ossia in testi nei quali tutto sta scritto…

Bravura degli interpreti che rendono normale (o, meglio, visivamente accettabile) il fatto che un bibliotecario vada in giro con le ali da angelo sulle spalle; che porti i libri stivati in un passeggino; che un diavolo masturbi una ragazza in una vasca da bagno; che un divano del salotto di casa si trasformi in una carrozza di un treno…

Di fronte alla bravura degli interpreti, cade ogni resistenza degli spettatori che, al calar del sipario, esplodono in un applauso fragoroso e convinto.

Interpreti che piace nominare uno per uno, a iniziare dall’eccezionale Alice Giroldini nel ruolo di Dana (la ragazza che rifiuta di essere pagata). Le sono accanto Cecilia Di Donato (sua sorella); Fabio Banfo (il bibliotecario/angelo); Luca Cattani (il regista) e Marco Maccieri (il diavolo).

Spettacolo di cui si consiglia vivamente la visione.

Visto ieri al Teatro Sala Fontana di Milano.

I viaggi di Marvin

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Wed, 17 Sep 2025 12:04:00 +0200

Nella collezione Urania torna disponibile Scambio mentale di Robert Sheckley, tradotto in modo brillante da Ranieri Carano.

Protagonista del romanzo è il giovane Marvin (ma nell’epoca in cui è ambientata la storia, si è giovani molto a lungo…) che, non potendosi permettere di viaggiare tra un mondo e l’altro con corpo e mente, decide di rispondere a un annuncio e di scambiare il proprio corpo con quello di un marziano, trasferendo la mente su Marte.

In tal modo, può visitare un altro pianeta praticamente a costo zero.

Ma le cose non vanno nel verso giusto: la mente che ora abita il corpo di Marvin è quella di un criminale che non ci pensa due volte a far perdere le proprie tracce, lasciando, così, Marvin senza un corpo.

Ma una mente senza un corpo è destinata a morire e, quindi, Marvin è costretto a procurarsi un altro corpo, almeno fino a quando non riuscirà a tornare nel proprio…

L’accenno alla trama è necessario per introdurre quello che è il vero viaggio di Marvin e, con lui, quello del lettore: al di là dei viaggi tra un pianeta e l’altro, il vero viaggio di Marvin è quello compiuto, volente o nolente, tra un genere letterario e l’altro.

All’interno del genere fantascientifico (che qui fa da grande contenitore), la storia di Marvin si snoda, infatti, tra i generi letterari dell’avventura; del romanzo rosa; del romanzo di cappa e spada; del poliziesco e del romanzo filosofico.

E, ogni volta che cambia il genere, cambia anche il linguaggio con il quale i protagonisti si esprimono, passando da una lingua imbastardita dallo slang di strada a quella raffinatissima di corte; dall’uso di un linguaggio pseudoscientifico a quello della poesia in rima…

Il tutto condito da una generosa dose di sarcasmo che non risparmia nulla e nessuno: vengono presi di mira i teorici (che si producono in spiegazioni scientifiche sconclusionate e incomprensibili), come i tutori della legge (che collezionano un sfilza di insuccessi tale da mettere in crisi il calcolo delle probabilità); gli stilemi e i topos della fantascienza (tanto che si può letteralmente inciampare in una piega del tempo mentre si è sul campo da golf); come quelli di tutti gli altri generi letterari in cui i protagonisti si trovano a compiere le proprie azioni.

Generi letterari che possono mutare all’improvviso o coesistere…

Un romanzo da cui si consiglia la lettura soprattutto in ragione del sarcasmo con cui la materia viene trattata dall’Autore.

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Altro sulla Speculative fiction

Giovani in crisi in cerca di identità

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Fri, 22 Aug 2025 10:34:00 +0200

Scritti tra il 1919 e il 1932, i Racconti giovanili di Klaus Mann (editi in Italia da Castelvecchi a cura di Massimo Ferraris) descrivono una società inizio secolo nella quale i giovani sono in crisi e cercano il loro posto nel mondo.

Sono racconti (specie i più brevi) non tutti perfettamente riusciti o che al lettore odierno non paiono tali, in quanto, assai probabilmente, la loro carica allegorica si è persa con il passare dei decenni.

Quelli più lunghi, invece, mantengono intatto il loro valore, forti del fatto che riescono assai bene sia a descrivere l’alta società dell’epoca, sia i giovani in crisi che la popolano.

Piuttosto che soffermarsi su ogni singolo racconto che compone la silloge, vale la pena sottolineare quei punti che mettono in rilievo la crisi esistenziale che attanaglia i ragazzi descritti dal giovane Mann.

Essi si auto-definiscono «figure tragiche, al punto di svolta di un’epoca» (I giovani); «europei degenerati» (L’avventura della coppia di fidanzati) che hanno «la percezione fisica dei loro corpi, anche se per il resto si sentivano smarriti» (ibidem) e che partecipano a «orge <che> avevano qualcosa della rivincita» (Di fronte alla Cina).

In altre parole, tali giovani, la stragrande maggioranza dei quali è perfettamente bisessuale, si aggrappano alla verità dei loro corpi e usano il piacere dei sensi per calmare le ansie che dà loro il passaggio da un’epoca a un’altra.

Un passaggio davvero epocale: la fine della Belle Époque; il bagno di sangue della Prima Guerra Mondiale (nei racconti “vissuta” solo per sentito dire); il progressivo affermarsi in Germania del nazismo hitleriano (al quale si fa un debole accenno).

Passaggio che mette in crisi i “valori tradizionali” strenuamente difesi da certi “vecchi” genitori (definiti vecchi nei racconti, ma la cui età si aggira attorno ai cinquanta), contro cui combattono tali giovani al fine di trovare una loro collocazione nel mondo.

Ma, ahiloro, le armi che usano paiono un po’ spuntate.

Alla fine non resta che dolersi dell’«assurda incoerenza dei nostri destini» (Dolore di un’estate).

Un libro, quello di Mann, che parla sì dei giovani degli anni Venti e Trenta del Novecento, ma che, ahinoi, può risultare, a tratti, ancora pienamente attuale.

I racconti giovanili sono disponibili su Amazon

Le Scritture dissacrate

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Tue, 29 Jul 2025 10:21:00 +0200

Uno dei significati di Dissacrare, secondo il Vocabolario Treccani, è «riportare alla realtà e verità storica ciò che ha assunto valore religioso, o che comunque si riteneva non potesse essere messo in discussione».

Ecco, Max Angioni con Mistero brutto. Il Vangelo secondo me, edito da Mondadori, dissacra in quanto (ri)mette in discussione alcuni fatti sui quali troppo spesso non ci si interroga più.

E lo fa in modo assai piacevole, con l’ironia e il sarcasmo che i suoi follower sui social e il pubblico televisivo gli riconoscono.

Va detto che alcuni capitoli del libro sono già noti al suo pubblico, in quanto Angioni li ha proposti come sketch in Tv o nei suoi canali social.

Nulla di male: anche alla lettura essi non perdono il loro smalto.

Questo in quanto i testi di Angioni fanno riflettere, oltre a far divertire.

Infatti, subito dopo lo scoppio di riso, il lettore non può non dirsi che certe cose rilevate da Angioni le aveva pensate anche lui o - nel caso non vi avesse mai riflettuto - sono degne di essere considerate sotto una prospettiva diversa: Angioni punta il dito sulle incongruenze, dissacrando non tanto, o non solo, il testo originale (le Scritture e non solo il Vangelo citato nel titolo), ma soprattutto l’interpretazione canonica che di esse viene data.

E lo fa usando spesso immagini iperboliche e un linguaggio giovanile che, a volte, sfocia nello slang dei maranza o di altri sottogruppi sociali.

Non mancano mai, poi, i riferimenti all’attualità e a personaggi noti al grande pubblico.

Ne esce, complessivamente, un Vangelo-formato-fumetto che, invece di risultare disturbante, ha il pregio di rendere il messaggio originale di nuovo immediato e vivo.

In fondo, il messaggio di Cri (come Angioni soprannomina Gesù) è ancora assai attuale e Angioni non fa che ribadirlo.

Una lettura piacevole che si consiglia vivamente.

Mistero brutto è disponibile in Amazon.

Il potere dell'immaginazione collettiva

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Mon, 16 Jun 2025 08:46:00 +0200

ph. Stefano Vaja

Noi siamo un minestrone (Imagine) di e con Paola Berselli e Stefano Pasquini del Teatro delle Ariette è la “dimostrazione” del fatto che l’immaginazione collettiva è potente, almeno a teatro.

Il testo dello spettacolo racconta una storia, ma, per l’obiettivo che si vuole raggiungere, potrebbe benissimo raccontarne anche un’altra del tutto differente: ciò che conta, infatti, è l’unione, la collaborazione, che si crea tra attori e spettatori nel corso della rappresentazione.

Una collaborazione che è rito.

Rito religioso e arcaico, come doveva essere alle origini il fare Teatro.

I due attori, quindi, sono due officianti e gli spettatori, che, letteralmente, “fanno quadrato” attorno ad essi, sono al contempo destinatari del rito e di esso co-officianti: infatti, affinché il miracolo si manifesti, è necessaria la loro immaginazione.

E i co-officianti lo sanno. Inconsciamente, ma lo sanno: da subito mettono a disposizione dei due sacerdoti il potere della loro immaginazione, accettando di credere che l’acqua che viene versata nelle loro ciotole sia reale. Che reali siano le verdure che dei volontari devono sminuzzare e altrettanto reali le patate che altri volontari sono chiamati a pelare.

Ma anche gli altri spettatori che “fanno quadrato” collaborano al rito: chi canta Cuccurucucú Paloma di Tomás Méndez; chi “piange” al ritmo di Cry To Me di Solomon Burke; chi - come tutti gli altri - crede nella realtà di ciò che vede.

Il tutto mentre si sta “preparando” il minestrone; ovvero, mentre si sta svolgendo un altro rito, quello quotidiano della preparazione del cibo da consumare a cena.

E la magia del Teatro si compie: l’aver immaginato tutti la stessa cosa fa sì che quella cosa si materializzi…

Uno spettacolo da gustare fino in fondo, ben oltre il metaforico calar del sipario.

Il processo creativo in azione

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Sat, 31 May 2025 08:22:00 +0200

Contronatura di Emanuele Giorgetti, Ivo Randaccio, Edoardo Rivoira, Sara Setti (riuniti nel Collettivo SE²I - dalle iniziali dei loro nomi di battesimo), con Ivo Randaccio, Edoardo Rivoira, Sara Setti, per la regia di Emanuele Giorgetti, è uno spettacolo denso figlio di un testo altrettanto denso.

Denso in quanto il testo è infarcito di molti temi di interesse contemporaneo, ma, anche, “eterni”; denso in quanto lo spettacolo è realizzato con ritmi veloci e serrati più vicini al linguaggio televisivo che a quello teatrale.

Un bello spettacolo - lo si dice subito - da vedere con attenzione e che non lascia indifferente lo spettatore.

Il tema principale su cui i protagonisti sono chiamati a “investigare” è quello (“eterno”) del rapporto tra padri e figli.

Padri e non genericamente genitori.

Figli, soprattutto maschi.

Lo spunto per iniziare “l’investigazione” è l’ideazione di una serie TV in dieci episodi che mette in scena una rivolta generazionale cruenta dei figli/e contro i padri.

Ecco, allora, che i tre attori (che in scena mantengono i loro nomi di battesimo) “simulano” le storie che, di volta in volta, saranno al centro dei vari episodi.

Il loro processo creativo, dunque, è una (simul)azione: essi, cioè, agiscono ciò che, poi, scriveranno nel copione.

E per poter calarsi completamente nei vari personaggi, essi si “calano” muffin “corretti” con una droga di origine naturale…

Ovviamente non si svela il finale della simulazione che diventa “evidente” (ossia comprensibile ai personaggi) solo quando la “realtà” bussa alla porta dell’ufficio nel quale i tre hanno “simulato”; o, meglio, agito.

Si è detto che il rapporto investigato è soprattutto quello tra i padri e i figli maschi. Ciò, in buona sostanza, è dovuto al fatto che i figli maschi sono “destinati” a diventare padri a loro volta (o già padri lo sono).

Ecco, allora, che si pone in loro un dissidio tra il non voler essere come i loro padri e il dover assumere il ruolo di padre.

Un ruolo - quello di padre - che, fanno notare i personaggi, non si sa da quando è diventato sinonimo di repressione.

Non stupisce, allora, che centrale diventa il tema della ricerca del piacere tra maschi vissuta, anche e, forse, soprattutto, come una forma di ribellione alla limitazione dell’eros imposta dai padri ai figli.

Ma se Edo non teme l’aver oltrepassato i confini del maschile, Ivo, che padre già lo è, invece, non accetta di aver ceduto (seppure sotto l’effetto di stupefacenti) al richiamo della carne.

La repressione patriarcale, quindi, è dura a morire o anche solo a cedere terreno…

Un spettacolo “agito” dai tre interpreti con piena convinzione: essi - complice anche il fatto che mantengono in scena i loro nomi di battesimo - in qualche modo “sono” i personaggi che impersonano.

Una adesione che li rende pienamente credibili non solo quando “sono” nei panni dei figli, ma anche quando vestono quelli dei padri.

Caldi applausi al calar del sipario alla prima nazionale al Teatro Out Off di Milano.

Pienamente meritati.

La vita in bilico dell'esule di ieri e di oggi

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Fri, 14 Feb 2025 10:41:00 +0100

Composti tra il 1933 e il 1943 gli scritti brevi di Klaus Mann (1906 - 1949) raccolti nel volume Speed. I racconti dell’esilio furono pubblicati con tale titolo in Germania per la prima volta nel 1990.

Ora Castelvecchi li ripropone in Italia nella versione di Massimo Ferraris.

Si tratta di racconti che Mann scrisse durante il periodo di esilio volontario, quando, per sottrarsi alla furia hitleriana, iniziò a spostarsi da uno stato all’altro d’Europa e, poi, finì con il rifugiarsi negli Stati Uniti.

Non tutti i racconti della raccolta furono originariamente scritti in tedesco, né tutti furono pubblicati mentre era vivo l’autore.

Complessivamente - anche se non pensati per una raccolta unitaria - i racconti mantengono un certo clima comune: quello che, leggendoli, si percepisce, infatti, è un forte senso di precarietà; di smarrimento.

Stati d’animo non solo dell’Autore, ma degli stessi personaggi protagonisti delle storie.

Precarietà e smarrimento palpabili anche quando non espressi direttamente e che - ahinoi - risultano - oggigiorno - di straordinaria attualità, così come attuali risultano alcune riflessioni dell’Autore e dei suoi personaggi.

A tal proposito, si legga quanto scritto in Le Dernier Cri:

[...] la bizzarra moralità del 1940 non muove alcuna obiezione al bombardamento di intere città, ma disapprova con forza le raffinatezze sensuali che potrebbero indebolire le forze della nazione. I ricchi preferiscono finanziare partiti politici piuttosto che donne costose; i poveri si inebriano di fronte alla tonante eloquenza dei dittatori; [...].

Si sostituisca la data 1940 con quella odierna e non si potrà che convenire sull’attualità dei racconti di Mann.

Precarietà e smarrimento che inducono i protagonisti delle storie di Mann a vivere situazioni “al limite” e scelte in modo non del tutto cosciente. La ragione è semplice: «È veramente difficile non smarrire la strada quando tutto si incrina, vacilla e collassa.» si legge in Idillio africano.

E l’incrinatura, il vacillare e il collassare della società si riverbera e si incarna nei personaggi stessi (oltre che manifestarsi nelle loro scelte di vita): i loro sentimenti e le situazioni vissute sono quasi sempre in bilico tra due estremi, così come magnificamente sintetizzato in Hennessy a tre stelle a proposito dello stato d’animo della giovane vedova protagonista della vicenda: «[...] appariva stanca e aggressiva allo stesso tempo - a metà amazzone esausta, a metà suora combattiva.».

I due racconti più strutturati dell’intera raccolta sono: Finestra con le sbarre (→ di cui si è già scritto altrove) e Speed.

Il racconto che dà il titolo all’intera raccolta è emblematico di quanto finora scritto: protagonista ne è un esule negli Stati Uniti che viene raggirato da una banda di sbandati che fanno leva sul suo senso di precarietà, solitudine e paura per coinvolgerlo in una losca storia di droga…

Un libro di cui si consiglia vivamente la lettura.

Speed. I racconti dell’esilio è disponibile in Amazon.

Non-recensione ad Angelo della morte di Jan Fabre

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Sun, 6 Oct 2024 19:40:00 +0200

Nel pomeriggio è andato in scena al Teatro Out Off di Milano il nuovo spettacolo di Jan Fabre: Angel of death (Angelo della morte); per la regia di Lorenzo Loris e l’interpretazione di Elena Callegari e Mario Sala.

Un critico di quelli scafati, per non ammettere di non aver capito nulla di ciò che ha visto, ora scriverebbe una recensione talmente arzigogolata da risultare incomprensibile.

Chi scrive, invece, non essendo minimamente furbo, preferisce ammettere i propri limiti e confessare candidamente di non aver capito niente del testo di Fabre.

A chi scrive, infatti, è sembrato tutto senza senso: un testo composto da una serie di frasi slegate l’una dall’altra che non arrivano a dare allo spettacolo un significato unitario vagamente comprensibile.

Parole in libertà, verrebbe da scrivere, se non fosse che il riferimento colto al Futurismo potrebbe far credere a un’operazione di neo-avanguardia letteraria, tesa, magari, alla provocazione del pubblico in sala.

Se, però, questa era l’inespressa intenzione di Fabre e di chi lo ha portato in scena, essa è miseramente fallita in quanto, al calar delle luci, il pubblico si è prodotto in un applauso di facciata che definire tiepido è troppo.

Nulla si è in grado di dire neppure sulla regia e sull’interpretazione degli attori.

IA come Intelligenza Antagonista

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Mon, 5 Aug 2024 07:30:00 +0200

Macchine IA e robot è un’antologia di racconti che Franco Forte ha curato per il numero estivo della collana “Urania” edita da Mondadori.

Undici testi creativi che guardano allo sviluppo tecnologico odierno, immaginando scenari possibili in un futuro non molto lontano dall’oggi.

Undici racconti che, pur nelle differenze narrative e stilistiche, hanno un denominatore comune: una manifesta inquietudine nei confronti dell’IA e dell’uso e abuso che se ne potrà fare.

Gli Autori di questa antologia, infatti, non paiono essere tra coloro che si entusiasmano per i progressi fatti in questi ultimissimi anni dalle Intelligenze Artificiali e simili.

Anzi, nei loro scritti, i Narratori selezionati da Forte sembra vogliano mettere in guardia i lettori proprio dai facili entusiasmi e dalle decisioni prese a cuor leggero.

A tal fine, essi raccontano futuri nei quali l’umanità è costretta - a causa di scelte sbagliate compiute in passato - a confrontarsi con IA per nulla amichevoli: IA antagoniste dell’umanità, quando non, addirittura, nemiche dichiarate o padrone dei destini degli uomini che vi si affidano.

Uomini che - in molti casi - hanno rinunciato a pensare con la propria testa o che, in altri, sono stati costretti a farsi impiantare nel cervello chip trasmettitori attraverso i quali le loro IA gli dicono come comportarsi.

IA, dunque, poco inclini a farsi dire cosa fare, ma in grado non solo di indirizzare i sapiens nelle loro scelte presenti, ma anche di modificare il loro passato, costruendo ad arte prove documentali di fatti mai accaduti.

IA di cui - nella maggioranza dei casi - si farebbe bene a non fidarsi affatto.

Un’antologia che il curatore è riuscito a rendere omogenea, forse proprio scegliendo quei testi nei quali il lettore viene tacitamente invitato a riflettere sui danni che può provocare la delega delle proprie responsabilità e scelte a IA prive di corpi biologici, valori e sensibilità tipicamente umane.

Completa il corposo volume l’utile postfazione di Mauro Gaffo nella quale il saggista fa una rapida carrellata della letteratura e della cinematografia nella quale compaiono robot e IA e di come questi sono stati narrati nel corso dei decenni passati.

Un’antologia di cui si consiglia la lettura.

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Altro sulla Speculative fiction

L'indagine del giovane cronista sull'omicidio Pasolini

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Fri, 26 Jul 2024 16:14:00 +0200

Il giallo Pasolini di Massimo Lugli edito da Newton Compton nel 2019 è un romanzo con protagonista un giovane cronista praticante di “Paese Sera” che decide di indagare autonomamente sull’omicidio di Pier Paolo Pasolini.

Marco Corvino - il cronista di nera al centro della storia - colpito dal barbaro assassinio del suo scrittore preferito e certo che i fatti si siano svolti diversamente da quanto accertato dagli inquirenti, intraprende un’indagine non autorizzata dal suo giornale, sicuro di poter svelare la verità sull’omicidio di Ostia.

Corvino è, infatti, convinto che Pino Pelosi non possa essere l’unico assassino di Pasolini e, soprattutto, sospetta che il movente del delitto vada ricercato fuori dall’ambiente dei marchettari romani.

La sua indagine solitaria inizia proprio dall’ambiente della prostituzione maschile della capitale e, pian piano, si allarga, fino a cozzare contro un gruppo di persone che non gradiscono affatto le sue domande sull’omicidio di Pasolini.

Durante la sua inchiesta, Corvino incontra anche personaggi come l’avvocato della famiglia Pasolini Nino Marazzita e la giornalista d’inchiesta Oriana Fallaci che - come lui - sono convinti che la ricostruzione dell’omicidio fatta da Pino Pelosi sia, quantomeno, parziale se non, addirittura, farlocca.

Corvino - con il passare dei giorni - riesce a mettere in rilievo le contraddizioni della “versione Pelosi” e a tratteggiare un’altra e più fosca versione dei fatti, ma è costretto dalla circostanze a interrompere la sua inchiesta poco prima dell'inizio del primo processo a carico di Pelosi.

Il romanzo, quindi, non arriva (né potrebbe farlo) a una conclusione certa di come si sono svolti i fatti la notte tra l’1 e il 2 novembre del 1975, ma mette in rilievo le contraddizioni della ricostruzione ufficiale.

Inoltre, racconta assai bene la vita di redazione di un giornale di sinistra come “Paese Sera” (testata per la quale Lugli ha realmente lavorato), e le difficoltà cui un giovane cronista può andare incontro, facendo del romanzo una sorta di vademecum del giovane praticante.

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Altro su Pasolini

I Borgia licenziosi di Jodorowsky e Manara

noreply@blogger.com (Danilo Ruocco) — Mon, 22 Jul 2024 10:32:00 +0200

Diviso in quattro tomi, I Borgia di Alejandro Jodorowsky e Milo Manara sono una lettura piacevole per quanto la trama, in molti punti, si allontani notevolmente dalla realtà storica.

Licenze "poetiche", le loro, che si perdonano facilmente, non solo perché con tali “deviazioni” storiche i due autori riescono, paradossalmente, a restare “fedeli” all’essenza del “progetto” borgiano così come tracciato da Alessandro VI e da Cesare; ma anche perché con esse, in qualche modo, la vicenda complessiva della famiglia Borgia si “snellisce”, diventando più compatta e, in qualche modo, più gradevole per il lettore medio, presumibilmente più interessato ai risvolti licenziosi della vicenda che alla verità storica dei fatti.

E di risvolti hot nei quattro albi di Jodorowsky e Manara ce ne sono parecchi e coinvolgono non solo gli appartenenti alla famiglia Borgia, ma anche altri personaggi storici che, a vario titolo, entrano in contatto con loro.

Ecco, allora, Leonardo Da Vinci cedere all’avvenenza di Cesare; il cardinale Giuliano della Rovere (futuro papa Giulio II) intrattenersi con aitanti ragazzotti; Savonarola sodomizzato da Alessandro VI…

Non mancano - come detto - le scene licenziose tra consanguinei: ad esempio, Cesare deflora Lucrezia davanti a tutta la famiglia e Alessandro VI possiede sua figlia sull’altare…

Ma la storia dei Borgia, si sa, non è solo una storia di sesso.

È anche, e, forse, soprattutto, una storia di sete di potere.

E, negli albi di Jodorowsky e Manara, tale voglia di accaparrarsi il potere viene incarnata prima da Rodrigo - che riesce a diventare papa Alessandro VI - e, successivamente, da Cesare, iconograficamente via via sempre più somigliante all’immagine di Gesù così come raffigurato dall’arte rinascimentale in poi.

Albi, quelli dei due autori, da leggere avidamente, tenendo presente - come detto al principio di questa nota - che si tratta più di un racconto erotico che di un quadro storico.