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Ollee-Watch-Firmware-Update Q2 | Deine Retro Casio Smartwatch kann jetzt mehr

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Mon, 06 Jul 2026 09:54:37 +0000

Ollee-Watch-Firmware-Update Q2 2026

Heute ist schon wieder Montag, der 6. Juli 2026, und pünktlich zum Wochenstart spendiert Gregor, der Kopf hinter Ollee, der Ollee-Watch ein ordentliches Firmware-Update. Version 1.0.6 für Spring beziehungsweise Q2 2026 steht ab sofort bereit und wird in Wellen ausgerollt.

Wer die Uhr seit dem Start vor fast einem Jahr trägt, dürfte schnell merken, dass sie mit jedem Update ein gutes Stück reifer wird, und für mich fühlt sich das Gesamtpaket daher inzwischen erstaunlich rund an.

Bevor wir zu den Neuerungen im Detail kommen, noch ein kleiner Blick hinter die Kulissen. Das neue Gezeiten-Watchface namens „Ocean Tides“ war laut Gregor eine echte Herausforderung. Die Grundidee der Uhr war schließlich von Anfang an klar, nämlich möglichst unabhängig vom Smartphone und ohne permanente Cloud-Anbindung. Die Lösung basiert auf sogenannten Lunitidal-Intervallen, also kurz LTI. Die App überträgt einmalig die Referenzdaten der nächstgelegenen Küstenstation auf die Uhr und anschließend berechnet die Ollee Watch Ebbe und Flut vollständig lokal. Das liefert keine sekundengenaue Vorhersage, reicht allerdings für den Alltag völlig aus und ist damit ein ziemlich eleganter Ansatz, wie ich finde.

Update installieren

Die Version 1.0.6 wird aktuell über den App Store und den Play Store verteilt. Der Rollout erfolgt wie eingangs erwähnt schrittweise im Laufe dieser Woche. Falls das Update also bei euch noch nicht angezeigt wird, braucht ihr einfach nur etwas Geduld.

Wichtiger Hinweis:
Nach der Installation der App müsst ihr zusätzlich das Firmware-Update direkt auf der Uhr durchführen. Schaut euch vorher am besten das offizielle YouTube-Video von Ollee an. Einige Nutzer mit iPhones und iOS 26 haben vereinzelt über Probleme während des Update-Vorgangs berichtet und das passiert netterweise nur selten, kann aber lästig sein. Im Zweifel hilft der Troubleshooting-Guide weiter.

Die wichtigsten Neuerungen in Version 1.0.6

Mehr als 15 neue Funktionen und Fehlerkorrekturen sind in dieses Release eingeflossen, was wirklich der Hammer ist. Das vollständige Changelog findet ihr im Handbuch der App. Aber die spannendsten Neuerungen sind aus meiner Sicht diese:

Wetter deutlich erweitert: Das Weather-Watchface zeigt jetzt eine echte Tagesvorhersage. Insgesamt werden fünf Tage gespeichert, davon sind drei direkt auf der Uhr sichtbar. Mit dabei sind Höchst- und Tiefsttemperaturen, gefühlte Temperatur, Niederschlag, Luftfeuchtigkeit und UV-Index.
Sonne, Mond und Gezeiten: Das bisherige Sunrise- und Sunset-Watchface wurde deutlich ausgebaut. Neu sind Moonrise, Moonset, die aktuelle Mondphase sowie Gezeiteninformationen mit den nächsten Hoch- und Niedrigwasserzeiten, sofern ihr euch in Küstennähe befindet.
Wecker und Timer: Das neue Watchface unterstützt fünf unabhängige Alarme mit Einmalmodus und Ein- sowie Ausschalter. Der bisherige Wecker bleibt zusätzlich erhalten. Beim Timer gibt es einen Schnellmodus sowie die Möglichkeit, per Tastendruck eine Minute hinzuzufügen. Im Alltag ist das überraschend praktisch.
Background Services unter Android: Ist Bluetooth dauerhaft aktiviert, synchronisiert die App Wetterdaten, Uhrzeit und Aktivitätsdaten einmal pro Stunde automatisch im Hintergrund. Unter iOS verhindern Apples Systembeschränkungen diese Funktion. Dort helfen nur Automatisierungen oder Shortcuts.
Neue Datenbankfunktion: Zehn Speicherplätze mit jeweils zwanzig Zeichen stehen für Notizen, Telefonnummern, Passwörter oder Einkaufslisten bereit. Die Texte werden bequem in der App eingegeben und anschließend auf die Uhr übertragen.
Mehrere Favoriten: Statt nur eines Lieblings-Watchfaces könnt ihr jetzt mehrere Favoriten speichern und bequem mit der MODE-Taste zwischen ihnen wechseln.
Multi-Watch-Support: Wer mehrere Ollee-Watches besitzt, kann sie jetzt komfortabel verwalten. Profile lassen sich speichern und wiederherstellen. Das erleichtert den Batteriewechsel oder den Umzug auf eine neue Uhr erheblich. Die Schrittedaten werden weiterhin gemeinsam gespeichert.

Neue Einstellungen

Die neuen Optionen findet ihr in der App unter Settings > Device.

Disco-Backlight: Bei jedem Einschalten der Beleuchtung erscheint eine zufällige RGB-Farbe. Spielerei? Ja. Macht trotzdem Spaß.
Screensaver: Der eigene Name kann jetzt als einfacher Bildschirmschoner angezeigt werden. Ein Tastendruck oder der Bewegungssensor aktiviert die Uhr sofort wieder.
Nightly Deep Sleep: Der bisherige Motion Deep Sleep wurde ersetzt. Stattdessen legt ihr eine feste Uhrzeit fest, zu der die Uhr in den energiesparenden Tiefschlaf wechselt. Display und Sensoren werden deaktiviert. Wecker und Timer funktionieren selbstverständlich weiterhin.

Wie geht es weiter?

Gregor wird das Entwicklungstempo während des kanadischen Sommers etwas reduzieren. Trotzdem stehen für den weiteren Jahresverlauf bereits spannende Themen auf der Liste. Geplant sind Verbesserungen beim Schrittzähler, optimierte Benachrichtigungen und langfristig sogar Unterstützung für echte Drittanbieter-Apps. Sollte das umgesetzt werden, wäre das ein großer Schritt für die gesamte Plattform.

Installiert das Update, probiert die neuen Funktionen aus und genießt den Sommer. Denn diese Uhr ist definitiv die Urlaubsuhr schlechthin.

olleewatch.com

SUPER RAPPIN' mit Grandmaster Flash And The Roots Of Rap | Der Anfang von HipHop discovery of New York Rap

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Fri, 03 Jul 2026 10:30:26 +0000

Kulturfreitag!

Sag mal, wie fing das eigentlich mit HipHop an? Also, ja … ich weiß es ja, HipHop ist über 50 Jahre alt. Absolut verrückt. Nun, lass mal in den Keller gehen und eine lang vergessene Kiste öffnen. Die mit der Aufschrift SUPER RAPPIN'.

Schau mal an, in New York fing das alles an und sechs Tracks, frühe Crews wie Grandmaster Flash & The Furious Five, Spoonie Gee oder Funky Four Plus One More, waren die Initialzündung für diese Art von Musik. Aber keine Sorge, mit den Songs aus der Kiste bekommst du nicht den polierten Oldschool-Sound, den man von Playlists kennt, sondern den rohen Kern: langlaufende Party-Raps, viel Raum für Stimmen, wenig Schnickschnack.

Spannend ist auch die Perspektive des Labels dahinter, das die Songs kuratiert hat. Charly Records ist seit den 70ern auf Reissues spezialisiert, sortiert hier die Pionierzeit des Rap noch einmal neu und macht sie bequem hörbar als 12″-Vinyl und digital in hoher Auflösung. Wer sich für die Wurzeln von HipHop interessiert oder einfach wissen will, wie Rap klang, bevor er zur globalen Industrie wurde, findet in „SUPER RAPPIN'“ einen ziemlich direkten Draht in diese Zeit. Und oh Wunder, es ist heute noch hörbar. Man ist sogar überrascht, wie viel davon in die Neuzeit übernommen wurde.

Yes, yes, yo!

SUPER RAPPIN' Grandmaster Flash And The Roots Of Rap by Various Artists

Highballs at The Beach Club von Creative Use

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Thu, 02 Jul 2026 10:28:07 +0000

Aufgewacht in einer lang geschlossenen Strandbar.

Augen und Ohren geöffnet, es fühlt sich wie früher an, nur moderner. Ich nicke mit dem Kopf im Takt mit, es erreicht mein Herz, meine Augen werden feucht, es hat meine Seele erwischt. Eine Träne rollt sanft meine rechte Wange herunter und ich merke, wie in meinem Kopf Erinnerungen längst vergangener Urlaubstage aufwachen …

Das mag gerade total kitschig klingen, aber dieses Gefühl hat diese Mini-EP gerade in mir erweckt.

Motor Mouth Drum Ensemble · Creative Use · CU012

Highballs at The Beach Club by Creative Use

Und da sitze ich nun.

Nicht wirklich natürlich in der Realität, aber in meinem Kopf, auf einem dieser alten Holzstühle mit Bastgeflecht, die immer ein bisschen wackeln, während irgendwo hinter der Theke noch ein Kühlschrank voll mit Fanta Limón brummt, obwohl hier eigentlich seit Jahren niemand mehr ausgeschenkt hat.

Der Boden klebt nicht mehr, aber man sieht die vertrockneten Reste von Flüssigkeiten. Die Gläser sind natürlich längst weggeräumt, aber die Luft hat noch diesen Rest von Sommer in sich, der riecht wie alte Sonnencreme, Salz, zu warme Nächte, ein bisschen billiges Parfum, Sand und diese merkwürdige Melancholie, die man nur bekommt, wenn Musik plötzlich eine Tür aufstößt, die man gar nicht gesucht hat.

„Highballs at The Beach Club“ macht genau das mit mir. Verrückt.

Drei Tracks, mehr braucht es gerade nicht, um im Kopf ein ganzes Archiv aufzuziehen, also dieses leise Gefühl von: „Du warst hier schon mal, vielleicht nicht genau hier, aber irgendwo dazwischen.“ Zwischen Urlaub, Jugend, späten Abenden, offenen Autofenstern und diesem einen Moment, in dem alles einfach leicht und unbeschwert war.

Die Songs kommen nicht mit der Tür ins Haus, nope, sie schieben sich ganz langsam durch den Vorhang der Vergangenheit hindurch und man ist überrascht, dass der Sound aus England kommt.

Langsam, lässig, mit einem warmen Disco-Pop-Funkeln, das sofort den kalten Nacken erwischt. Jetzt aber nicht diese Sorte Musik, bei der man aufspringen muss. Ne, ne, eleganter. Und während ich zuhöre, merke ich, wie sich Bilder sortieren, die gar nicht sortiert werden wollen. Eine Finca irgendwo im Süden, Plastikstühle und die zu helle Mittagssonne dazu eine Cola mit Zitronenscheibe und zu viel Eis. Da liegt ein Lustiges Taschenbuch herum, die Seiten von der Sonne ausgeblichen... Vielleicht ist es auch gar nicht meine Erinnerung, sondern eine, die ich mir über Jahre aus Filmen, Plattencovern und alten Familienfotos zusammengebaut habe. Ach, egal, wenn es sich echt anfühlt, funktioniert es auch echt.

Das ist der Moment, in dem meine Augen feucht werden, weil es etwas berührt, das nicht jeden Tag angefasst wird, halt dieses innere Regal, ganz oben, hinten links. Da, wo die alten Urlaubstage liegen, die langen Hinflüge, das Buddeln im Sand und die Nächte in den Bars. Die Kassetten im Auto. und das Gefühl, müde und glücklich zu sein, ohne es benennen zu müssen. Und ja, vielleicht ist das jetzt ein bisschen viel für eine wirklich kleine EP mit drei Tracks, aber was soll ich machen, wenn sie genau dort landet?

Und genau das mag ich an diesem kleinen Cluster.

Singapore Ray: Midtempo-Disco-Pop mit warmem Flimmern und diesem Kopfnicker-Reflex.

Night Mine Balearic Funk für die Stunde, in der keiner mehr auf die Uhr schaut.

Fool You For Real Digitaler Synth-Funk, kühler, klarer und genau richtig nach dem ganzen Dunst.

„Highballs at The Beach Club“ hat diesen alten Glanz, diese leicht vergilbte 12-Zoll-Aura, aber es wirkt nicht aufgesetzt oder überzogen. Klar, es steht mit einem Bein in der Vergangenheit, aber mit dem anderen ziemlich sicher im Jetzt. 2026 ist ja auch so ein Jahr, in dem alles gleichzeitig passiert und alle graben im Archiv, Serien sehen wieder aus wie früher, Mode sowieso, Musik fischt ständig in alten Kisten. Eigentlich cool.

Gleichzeitig vibriert aber wieder das Handy, irgendeine App will Aufmerksamkeit und irgendein Feed dreht schon wieder frei, und man selbst steht mittendrin und fragt sich: War früher wirklich alles besser, oder hatten wir nur weniger Tabs offen?

Nun, kurz gesagt:
Es war nicht alles besser, aber die Erinnerung sorgt für dieses Gefühl. Lassen wir es einfach zu. Vielleicht ist „Highballs at The Beach Club“ genau deshalb so wohltuend.

Whatever you think it is... It might be.

Am Ende sitze ich wieder in dieser geschlossenen Strandbar und die Stühle stehen noch immer schief und draußen wird es heller. Irgendwo liegt Sand in einer Ecke, obwohl hier niemand Sand reingetragen haben kann. Mein Handy vibriert wieder. Natürlich. Die Gegenwart klopft an, ungeduldig wie immer, aber ich reagiere diesmal nicht sofort, denn ich lasse den letzten Ton noch ein bisschen im Raum stehen. Lasse das Gefühl sacken und wische meine Wange trocken. Danke für diesen schönen Trip.

Irgendwo in meinem Kopf ist gerade der Sommer wie früher aufgewacht und für einen kurzen Moment fühlt sich das Leben an wie damals, als alles unbeschwert und leicht war.

Release bei Bandcamp anhören

FIFA Heroes auf dem Motorola Foldable | Football is calling

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Wed, 01 Jul 2026 09:16:47 +0000

ᵂᴱᴿᴮᵁᴺᴳ

Falls ihr es noch nicht mitbekommen habt:

Der globale Rollout von FIFA Heroes markiert gerade den ersten richtig fetten Meilenstein in der Partnerschaft mit Motorola. Die gehören ja bekanntlich zu Lenovo und sind seit März die offiziellen Smartphone-Partner des Spiels. Und ich habe ja gerade das Motorola Razr in der FIFA Edition zugeschickt bekommen. Da muss ich das Game auch direkt mal antesten, zumal es perfekt für die aufgeklappte Breite funktioniert.

Vergesst bei FIFA Heroes diese stundenlangen, zähen Taktik-Analysen. Das hier ist ein 5-gegen-5-Format, entwickelt für pure, schnelle Action. Also ein klassisches Spiel für zwischendurch. Was ich irgendwie schräg, aber extrem geil finde: Auf dem Platz kicken nicht nur echte Profis im Anime-Style. Da turnen plötzlich WM-Maskottchen rum, völlig frei erfundene Figuren und sogar ein paar der größten Content-Creator der Welt. Es ist laut, es ist bunt, und es macht, besonders nach einer realen Fußballenttäuschung mit der DFB-Elf, unverschämt viel Spaß.

FIFA Heroes Trailer

Der Klapphandy-Flex auf dem virtuellen Rasen

Weil Motorola hier die Finger im Spiel hat, wird man als Moto Nutzer glücklicherweise nicht nur mit warmen PR Worten abgespeist. Es gibt tatsächlich handfeste Vorteile im Spiel. Ich habe mich gestern direkt durch die Extras gewühlt und meine, ich sag es mal so: Der Nostalgiefaktor für Smartphonefans kickt hart.

Das könnt ihr abgreifen, wenn ihr auf einem Motorola-Gerät unterwegs seid:

Der Level-Boost: Ihr kriegt 5.000 Münzen geschenkt. Damit kann man sofort einen seiner Charaktere auf Stufe 5 bringen. Ein ziemlich angenehmer Frühstart.
80 Edelsteine: Perfekt für den Shop im Spiel, um direkt ein paar Bundles oder zusätzliche Jubel freizuschalten.

Angeblich soll da demnächst noch mehr Content nachgeschoben werden. Da bin ich gespannt, ob noch etwas kommt, vielleicht in Richtung spezieller Trikots. Auf den kommenden Motorola Smartphones wird das Game übrigens direkt vorinstalliert sein. Alle anderen können es sich ganz normal aus dem Google Play Store ziehen.

Noch ein kurzes Wort zur Hardware, weil ich ganz ehrlich skeptisch war, was das Zocken auf Foldables angeht. Aber mit aufgeklappten 7 Zoll, genauer gesagt 6,9 Zoll, und einem Displayformat von 22:9 hat man für diese Art von Game ordentlich Platz für die Finger. Auf dem brandaktuellen motorola razr fold geht das Erlebnis dann noch einen Schritt weiter. FIFA Heroes wurde nämlich speziell für Motorolas Portfolio an faltbaren Smartphones optimiert und nutzt das großzügige, im aufgeklappten Zustand 8,1 Zoll große Display des razr fold für ein übersichtlicheres und ergonomischeres Erlebnis aus.

Bock, es zu spielen? Here we go. Erzähl mir gerne, wie du es findest.

playfifaheroes.com

Miller (Music for Interiors #001) von Chris Read | Beatmusik für Innenräume

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Mon, 29 Jun 2026 07:04:57 +0000

Chris Read richtet deine Zimmer neu ein.

Ein warmer Rhodes-Ton und schon macht der Tag kurz weniger Lärm.

So simpel ist das natürlich nicht, aber bei Chris Read, dem Beatproduzenten aus London, komme ich immer wieder genau an diesen Punkt. Da läuft ein Beat an, irgendwo klackert die Snare trocken aus der Ecke, ein Piano legt sich sanft drüber wie Licht auf altes Holz, und plötzlich ist man wieder da. Kopf nickt. Kaffee wird kalt. Alles wie immer. Nur heute mit offenen Fenstern, da die erste starke Hitzewelle abgeklungen ist, bevor sich nächste Woche die nächste anmeldet.

Chris Read ist hier im Blog natürlich kein Fremder, ganz im Gegenteil: Seine Mixtapes, seine Rekonstruktionen alter HipHop-Jahre, seine Arbeit mit Wax Poetics und Classic Material – das alles hat bei mir über die Jahre immer wieder einen Platz gefunden. Und das nicht aus Pflichtgefühl, sondern weil dieser Mann Musik nicht einfach zusammenklebt. Er versteht, warum ein Break funktioniert, warum ein Sample atmet und warum ein Beat einfach mehr erzählt als drei Strophen voller Selbsterklärung.

Genau deshalb fühlt sich „Miller (Music for Interiors #001)“ auch so angenehm vertraut an, so wie: Da kennt jemand die alten Räume, macht die Fenster auf und stellt neue Lautsprecher rein.

Zurück zu den Beats von Miller

Ein bisschen über drei Jahre ist es her, dass Chris Read mit „Inner Tribe Records Remixed“ ein komplettes HipHop und Soul-orientiertes Projekt veröffentlicht hat. 2023 war er dann mit monatlichen Mixtape-Veröffentlichungen zusammen mit Wax Poetics ziemlich gut beschäftigt. Danach rückte sein Nebenprojekt Suburban Architecture in den Fokus, mit fast monatlichen Vinyl-Drops. Auch schön, aber jetzt sind wir wieder bei den Beats und beim Montagsmixtape bzw. Beattape. Ja, über die Jahre habe ich hier wirklich einige coole Beattape im Blog kuratiert und euch damit ordentlich versorgt, Beats, die man vielleicht nicht so generic findet, die aber nicht ungehört irgendwo an dir vorbeirauschen sollten.

Die zehn Instrumentals auf „Miller“ bewegen sich alle in diesem klassischen HipHop-Tempo, bei dem man nicht hektisch wird, aber eben auch nicht wegdämmert, perfekt, um dabei zu arbeiten. Musik für Menschen, die beim Hören gern irgendwo zwischen Sofa, Plattenregal und innerem Stadtplan stehen, den Laptop gerade aufgeklappt haben, den ersten kaffe geschlürft haben und angenehm in eine neue Woche einsteigen möchten. Warm, jazzy, mit Rhodes, Piano, etwas Elektronik, Live-Instrumenten und hier und da einem Soul-Hook. Keine Baukastenmusik.

Musik für Innenräume, aber nicht als Fahrstuhlware.

Der Titel „Music for Interiors“ könnte schnell nach Designhotel-Playlist klingen. Nach diesem Zeug, das im Hintergrund läuft, während jemand in einer Lobby zu lange auf seinem MacBook tippt, aber keine Sorge, so steril wird es hier nicht. Keine Fahrstuhlmusik, sondern Beats mit Kopfnickerpotenzial.

Chris Read meint Innenräume offenbar nicht als seelenlose Einrichtungskulisse, sondern eher als Zustand. Vielleicht ist es auch Musik für diese seltsamen Nachmittage, an denen man nur kurz etwas hören wollte und dann doch die ganze Platte durchlaufen lässt. Nur diesmal halt ohne Platte, denn Read setzt auf echtes Tape, welches man auf Bandcamp noch erstehen kann, und wer wie ich einen neuen "Walkman" hat, der erfreut sich an diesem Move.

„Carbon Bounce“ eröffnet das Ganze mit einem angenehm federnden Einstieg und danach schiebt „I Just Wanna“ diesen Soul-Unterton dezent nach vorn, ohne gleich zu dick aufzutragen. „When You Need Me“ und „All Night Long“ haben dann genau diese Chris-Read-Handschrift, bei der Jazz, Soul und HipHop nicht nebeneinander im Regal stehen, sondern gemeinsam auf dem Teppich sitzen. „Bonita's Jam“ darf ein wenig lockerer aus der Hüfte kommen, während „No Talk“ seinem Namen ziemlich passend folgt. Weniger reden, mehr Groove.

Zum Ende hin bleibt das Album sehr rund. „Heart Beat“ nickt dabei weich durch den Raum, „SNG“ hält die Spannung, und „World Keeps Burning“ macht als Abschluss nicht auf große Geste, sondern lässt die Tür angelehnt, so dass es passt, denn „Music for Interiors #001“ ist ja ausdrücklich der Start einer Reihe. Da kommt also noch mehr, auf das wir uns freuen dürfen. Ich habe Chris Read hier früher schon im Zusammenhang mit Nas, Common, Pete Rock & CL Smooth, Little Brother und den ganzen herrlichen Sample-Ausgrabungen gefeatured. Wer sich durch die alten Beiträge klicken möchte, findet in der Chris-Read-Suche im Atomlabor genug Futter für einen längeren Abend, wobei leider einige Tapes gelöscht wurden, da Rechteinhaber diese neuen Arrangements nicht hören wollten, was sehr bedauerlich ist – aber einige Perlen kannst du noch finden.

Besonders schön als Anschluss ist natürlich das „The Breaks of '90“ Mixtape, weil dort diese Liebe zum Originalmaterial ziemlich deutlich wird. „Miller“ ist ergo nicht die nächste Archiv-Expedition von Chris, es ist eher der Moment, in dem der Sammler wieder selbst am Tisch sitzt und baut. Also etwas mit ruhiger Hand, viel Gefühl für Raum und einer Produktion.

Für mich ist „Miller (Music for Interiors #001)“ ein sehr schöner Neustart in die Beat-Spur von Chris Read. Starten, laufen lassen, kurz vergessen, dass schon wieder fünf Tabs offen sind.

Trackliste:

Carbon Bounce
I Just Wanna
When You Need Me
All Night Long
Lay It All Down
Bonita's Jam
No Talk
Heart Beat
SNG
World Keeps Burning

Chris Read · Music for Interiors #001

Miller

Warme Rhodes-Töne, Piano, Soul-Splitter und klassische HipHop Tempi. Chris Read baut mit „Miller“ zehn Instrumentals, die genug Raum für Stimmen lassen, aber auch allein wunderbar funktionieren.

10 Instrumentals
Hip Hop
Soul
Jazz
Bandcamp Release

Album bei Bandcamp öffnen

Mehr Chris Read im Atomlabor findest du über die Chris Read Suche im Blog.

Jetzt anhhören Chris Read · Miller

Miller (Music for Interiors #001) by Chris Read

Was bald nicht kommt: die globale KI-Wirtschaftskrise.

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Wed, 24 Jun 2026 12:54:22 +0000

Warum die KI-Blase platzen wird und wir trotzdem keine globale Rezession erleben werden.

Wenn man sich aktuell durch die einschlägigen Wirtschaftsforen oder LinkedIn-Feeds liest, könnte man fast den Eindruck gewinnen, der technologische Himmel fiele uns demnächst auf den Kopf. Und um ehrlich zu sein, ärgert es mich. Mich ärgert, dass sich Personen als Visionäre darstellen und bei solchen Aussagen schreiben: „Sag also nicht, Du hättest es nicht gewusst.“ Diese Narrative sind extrem laut und oft erstaunlich düster. Muss ja schließlich Engagement bringen, um im Algorithmus gut zu funktionieren. Die gängige These lautet, dass generative künstliche Intelligenz völlig überbewertet ist, Unsummen an dringend benötigtem Kapital verbrennt und uns zielsicher in die nächste globale Wirtschaftsrezession stürzt, sobald diese immense Blase unweigerlich platzt.

Ich unterschreibe sofort, dass wir momentan einen nahezu absurden Hype erleben, wirklich. Viele Unternehmen kaufen KI-Lösungen aktuell nicht aus einer durchdachten strategischen Überzeugung heraus, sondern aus reiner Panik, den Anschluss an den Markt zu verlieren. Einsatzmöglichkeiten werden vorab nicht ordentlich ausgelotet, also das klassische Phänomen der Fear Of Missing Out. Dennoch halte ich die Schlussfolgerung, dass daraus zwangsläufig eine weltweite Rezession entsteht, für eine fundamentale wirtschaftshistorische Fehlkalkulation. Wir müssen die Kausalitäten sauber trennen, anstatt uns von Panikszenarien leiten zu lassen.

Der Unterschied zwischen Bilanzkosmetik und volkswirtschaftlichem Kollaps.

Das größte Missverständnis in der aktuellen Debatte ist die Gleichsetzung von fallenden Aktienkursen mit einer makroökonomischen Zerstörung. Es steht völlig außer Frage, dass es zu gewaltigen Abschreibungen kommen wird, wenn der momentane Sprachmodell-Hype abkühlt. Die großen Hyperscaler wie Amazon Web Services (AWS), Google oder Microsoft werden in ihren Quartalsberichten ein ziemliches Blutbad vermelden müssen, was irgendwie auch okay ist. Aber ein finanzieller Kater für Investoren ist noch lange keine globale Rezession. Das ist Risiko. Das ist Kapitalismus.

Hier lohnt sich also tatsächlich mal ein nüchterner Blick in die Geschichte, denn wir haben diese Dynamik bereits beim Dotcom-Crash Anfang der 2000er Jahre erlebt.

Damals pflasterten Telekommunikationsunternehmen in einem beispiellosen Investitionswahn die halbe Welt mit sündhaft teuren Glasfaserkabeln zu. Zum Niedergang habe ich auch noch Telekom-Aktien gekauft. Hat sich nicht gelohnt. Als die Blase dann endgültig platzte, wurden unfassbare Summen an Anlegerkapital vernichtet. Das war ein unbestreitbares Desaster für die Aktionäre, aber die verlegten Kabel blieben im Boden liegen. Goldgräberstimmung vorbei, aber die Werkzeuge blieben zurück. Diese plötzlich massiv im Preis gefallene, bilanziell abgeschriebene Bandbreite war exakt das Fundament, auf dem Jahre später das komplette Web 2.0 überhaupt erst skalieren und entstehen konnte. Die renommierte Ökonomin Carlota Perez beschreibt genau diesen Mechanismus in ihrem Standardwerk zur technologischen Entwicklung „Technological Revolutions and Financial Capital“. Phasen des Überinvestments schaffen die zwingend notwendige Infrastruktur für die spätere, tatsächliche Produktivitätsphase.

Die extrem stabile Finanzierung der Infrastruktur.

Ein weiteres Argument der Crash-Propheten ist die angeblich wackelige Finanzierung dieser enormen Investitionen, aber wenn wir uns die Akteure genauer ansehen, wird schnell klar, dass diese These auf wackeligen Füßen steht. Wir sprechen hier nicht von windigen Start-ups, die komplett auf Kante genäht sind und bei der nächsten ausbleibenden Finanzierungsrunde sofort Insolvenz anmelden müssen. Das sind gestandene Global-Player, Unternehmen wie Meta oder Apple finanzieren ihre gigantischen Hardware-Investitionen beinahe aus der Portokasse, um es mal so salopp zu formulieren. Meta besitzt mit seinem Werbegeschäft eine Gelddruckmaschine, die völlig unabhängig vom KI-Hype jedes Quartal Milliarden an freiem Cashflow generiert. Apple rollt seine neuen Funktionen auf dem wohl stabilsten und profitabelsten Hardware-Ökosystem der Welt aus. Selbst ein Traditionsunternehmen wie Oracle stützt sich auf steinalte, bombenfeste Enterprise-Verträge. Diese Konzerne werden durch eine Korrektur im KI-Sektor vielleicht temporär an Börsenwert verlieren, aber sie werden definitiv nicht den Markt in den Abgrund reißen, never. Und das schreibe ich, obwohl Oma immer sagte: Sag niemals nie.

Die Demokratisierung der Rechenleistung.

Was passiert also wirklich, wenn die großen Anbieter ihre Racks massiv abwerten müssen, weil das reine Geschäftsmodell mit Chatbots vielleicht doch nicht die erhofften Billionengewinne abwirft? Die Serverfarmen verwandeln sich mit Sicherheit nicht in leere Lagerhallen. Sobald die Investoren bluten und die Racks bilanziell abgeschrieben sind, stürzen die Mietpreise für die Cloud-Instanzen rasant in den Keller und exakt in diesem Moment wird High Performance Computing für die breite Masse der Wirtschaft endlich bezahlbar.

Bislang herrscht bei der GPU-Nutzung eine Art digitale Mangelwirtschaft und Forscher, mittelständische Unternehmen, kämpfen um Rechenzeit, die durch die gigantischen Budgets der KI-Giganten künstlich verteuert wird. Fallende Preise lösen diesen Flaschenhals dann rapide auf und der Bedarf in der echten Wirtschaft ist halt riesig und erstreckt sich auf völlig andere Bereiche:

Medizinforschung und Wirkstoffdesign:
Die Simulation von Proteinfaltungen erfordert enorme Rechenkapazitäten. Der Stanford AI Index Report 2024 belegt, dass KI-Modelle in der Wissenschaft bereits enorme Durchbrüche erzielen, aber oft noch an den hohen Kosten für die Rechenleistung scheitern. Das könnte sich dann ändern.
Maschinenbau und Strömungsdynamik:
Die Optimierung von Turbinen oder Windkraftanlagen über digitale Zwillinge verschlingt massive GPU-Ressourcen. Günstigere Cloud-Instanzen beschleunigen diese Prozesse von Wochen auf wenige Stunden. Wünschenswert für uns alle.
Lokale Klimasimulationen:
Geowissenschaftliche Institute an Hochschulen benötigen dringend bezahlbare Hardware, um hochaufgelöste Mikroklimamodelle für den regionalen Katastrophenschutz berechnen zu können. Hey, wäre dann machbar.
Fehlererkennung in der Fertigung:
Die Qualitätskontrolle am Fließband profitiert enorm von kleinen, spezialisierten Modellen, die über Kamerasysteme in Echtzeit Fehler erkennen und minimieren. Endlich weniger Montagsmodelle und auch im Automobilsektor eine höhere Sicherheit in der Fertigung.

Die Faktenlage zur Produktivität sieht ganz gut aus.

Wir müssen auch den Diskurs über die angebliche Kapitalvernichtung durch mangelnde Produktivität gehen. Es gibt tatsächlich Studien, die aufzeigen, dass der unbedarfte Einsatz von KI in bestimmten Kontexten bremsen kann. Das Gesamtbild sieht jedoch weitaus positiver aus, als man sich das als Laie so vorstellt. Das National Bureau of Economic Research hat in umfangreichen Feldstudien nachgewiesen, dass generative KI die Produktivität von Arbeitnehmern im Kundenservice um durchschnittlich 14 Prozent steigert, wobei unerfahrene Kräfte am stärksten profitieren. Das klingt doch auch für Unbedarfte plausibel, oder? Zumal das NBER in einem Paper von 2025 noch einen echten Praxis-Hammer draufgelegt hat, denn wenn Angestellte ein GenAI-Werkzeug direkt in ihre ganz normalen, täglichen Tools integriert bekommen, sparen sie im Schnitt locker zwei Stunden nervige E-Mail-Schubserei pro Woche. Und das absolut Beste daran? Sie schieben messbar weniger Überstunden in ihrer Freizeit, ohne dass sich ihr eigentlicher Workload oder die Zusammensetzung ihrer Aufgaben auch nur im Geringsten verändert hätte. Es ist reiner, echter Zeitgewinn. Und ebenso prognostiziert Goldman Sachs in einer großen Makro Analyse aus dem Jahr 2023, dass generative KI das globale Bruttoinlandsprodukt im Laufe eines Jahrzehnts um beachtliche sieben Prozent steigern könnte. Für 2027 hat man die Aussicht für die USA ein wenig vorsichtiger formuliert. Dennoch wird KI das BIP im kommenden Jahrzehnt vermutlich positiv beeinflussen, aber die Effekte tauchen erst mit einigen Jahren Verzögerung sichtbar in den Zahlen auf. Diese Technologie fungiert vielleicht nicht als sofortiger, magischer Turbo, der alle Probleme über Nacht löst, dennoch ist sie aber zweifellos eine transformative Kraft, die echte wirtschaftliche Werte schafft, sobald sie richtig integriert wird.

Also lasst es mich so aufschreiben:
Der Crash ist nur der Startschuss.

Wir sollten wirklich aufhören, das Gespenst einer globalen KI-Wirtschaftskrise an die Wand zu malen. Ich kann es auch nicht mehr hören und lesen.

Ja, der Markt wird sich bereinigen.

Ja, wir werden unfassbare Summen sehen, die in Bilanzen weggestrichen werden.

Aber das ist der normale und sogar notwendige Schmerzzyklus einer neuen Basistechnologie. Ich dachte, das hätten wir gelernt.

Die gebaute Infrastruktur löst sich schließlich nicht in Luft auf, sie wird vielmehr das Fundament bilden, auf dem der breite Mittelstand, Universitäten und die Wissenschaft in den kommenden Jahren Innovationen vorantreiben werden, die heute noch schlicht unbezahlbar sind. Der drohende Kursrutsch an den Börsen ist deshalb nicht das Ende der technologischen Entwicklung, er ist vielmehr der Startschuss für die wirklich breite, nützliche und bezahlbare Anwendung dieser Rechenkapazitäten.

Und falls jetzt der eine oder andere heimlich in sein Tech-Portfolio weint, weil die Kurse demnächst vielleicht krachend baden gehen... hey, ganz ehrlich:

Kopf hoch, nimm erstmal ein Taschentuch...
Die wirklich relevanten Meilensteine standen ohnehin noch nie in irgendeinem glattgeleckten Quartalsbericht. Die entstehen historisch gesehen fast immer genau dort, wo sich der Staub vom letzten absurden Hype wieder legt.

Machen wir uns also bitte nichts vor:
Die Investoren haben in ihrer ganzen FOMO-Panik netterweise die kompletten Straßen für uns vorfinanziert und geteert. Tja. Und jetzt sind wir eben verdammt nochmal an der Reihe, da endlich mal ein paar vernünftige Karren drauf fahren zu lassen.

Ideen?

Die Geschichte des Fußballs | Vom Dorfchaos zur globalen Bühne

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Tue, 23 Jun 2026 07:50:52 +0000

Fußball wurde nicht erfunden, er wurde gebändigt.

Fußball wirkt auf den ersten Blick absurd einfach:

ein Ball
zwei Tore
22 + 1 Menschen
ein paar Linien auf dem Rasen und fertig ist die Nummer.

Zumindest erzählen wir uns das gerne so, weil es schöner klingt als die Wahrheit.

Denn eigentlich ist dieses Spiel ein ziemliches Wunder aus Zufall, Gewalt, Regelwut, Kolonialgeschichte, Vereinsmeierei, Klassenfrage, Nationalstolz und sehr viel menschlicher Sehnsucht nach Zugehörigkeit. Genau daran erinnert das folgende Video „The history of football | Summary on a Map“ auf eine angenehm nüchterne Art und Weise.

Der schöne Punkt an diesem Video ist, dass es nicht so tut, als hätte irgendwann ein kluger Engländer auf einer Wiese gestanden und gesagt:

„So, Freunde, ab heute spielen wir Fußball.“

Tja, so war es natürlich nicht.
Auch wenn sich viele Engländer das gerne schönreden.
Passt schon. I feel you.

Doch der Anfang liegt viel tiefer im Staub der Geschichte begraben, als die meisten sich vorstellen können. In China wurde mit Cuju schon vor sehr langer Zeit ein Ball mit dem Fuß gespielt. Auch in der Antike tauchen bei Griechen und Römern Ballspiele auf, die noch nicht unser Fußball waren, aber schon etwas von diesem alten Reflex zeigen: Menschen bilden Gruppen, jagen einem Objekt hinterher und machen daraus sofort Bedeutung. Das ist fast ein bisschen beruhigend, denn offenbar brauchte der Mensch nie viel, um Wettbewerb, Körpergefühl und Gruppendynamik in Bewegung zu setzen. Gib ihm einen Ball, gib ihm Gegner, und der Rest eskaliert früher oder später von allein. Ich plädiere ja dafür, statt Kriege und Waffen eher Fußballspiele auszutragen.

Im europäischen Mittelalter hat man es nämlich schon ähnlich gemacht, Dorffeden mit nem Ball geklärt, es wurde wild. Ganze Dörfer traten gegeneinander an, Regeln waren eher eine vage Idee, und der Weg zum Ziel führte gern mal durch Gärten, Gassen und Zäune. Das hatte natürlich mit dem heutigen Spiel ungefähr so viel zu tun wie ein Straßenumzug mit einer Champions-League-Choreografie, aber der Kern war schon da. Der Ball musste irgendwohin, die Menschen auch.

Dann kamen Regeln, und plötzlich wurde aus Chaos ein Sport.

Der eigentliche Moment, in dem Fußball zu Fußball wurde, liegt nicht in einer genialen Erfindung, sondern in der Normierung. Das klingt trocken, ist aber der entscheidende Zündfunke in dieser Geschichte.

Im 19. Jahrhundert kochten britische Schulen und Colleges ihre eigenen Regelwerke. Mal durfte man den Ball tragen, mal nicht, mal war das Spiel körperlich näher an einer Kneipenschlägerei, mal sah es schon eher nach dem aus, was wir heute kennen. Für sich genommen funktionierte das, sobald aber verschiedene Schulen, Clubs oder Regionen gegeneinander spielen wollten, wurde es extrem kompliziert. Jetzt kann man schlecht ein Spiel austragen, wenn beide Seiten mit einer anderen Bedienungsanleitung auf den Platz kommen. 1863 wurde daher in England die Football Association gegründet, und damit bekam das Spiel einen gemeinsamen Rahmen. Dieser Moment ist wichtiger, als man im ersten Augenblick denkt. Nicht, weil danach sofort alles perfekt war, sondern weil Fußball ab da transportierbar wurde. Ein Spiel mit gemeinsamen Regeln kann dann nämlich reisen, es kann kopiert werden und kann in anderen Städten, Ländern und Milieus funktionieren.

Genau hier trennt sich dann auch der Weg vom Rugby.
Der eine Strang bleibt stärker beim Tragen, Rammen und Körperkontakt, der andere konzentriert sich stärker auf den Fuß, den Raum, den Pass, den Laufweg. Aus einer Familie werden zwei Geschwister, die sich bis heute ähnlich sehen, aber auf Familienfeiern trotzdem sehr unterschiedlich auftreten.

Das britische Empire war dabei allerdings nicht der nette Sportbotschafter mit Lederball unter dem Arm, es war ein Machtapparat. Aber in seinen Schattenräumen reiste der Fußball mit. Häfen, Bahnlinien, Fabrikstädte und Handelsplätze wurden zu Andockstellen für ein Spiel, das wenig Ausrüstung brauchte und sofort verstanden wurde. Das ist vielleicht einer der Gründe, warum Fußball weltweit so brutal gut funktioniert. Du brauchst halt keinen teuren Einstieg, keine komplizierte Technik, kein heiliges Vorwissen. In Städten wie Buenos Aires, Zürich, Paris oder später überall dort, wo Vereine und Verbände entstanden, bekam das Spiel lokale Gesichter. Es blieb dabei englisch geprägt, wurde aber schnell nicht mehr nur englisch, was den feinen Unterschied ausmachte.

1904 bekommt der Weltfußball endlich eine Adresse.

Mit der Gründung der FIFA in Paris begann die nächste Stufe. Aus einem wachsenden Netz nationaler Verbände wurde ein internationaler Verwaltungsraum. Aber ohne diese Ebene hätte der Fußball nicht diese weltweite Turnierlogik entwickeln können mit Freundschaftsspielen, olympischen Turnieren, nationalen Meisterschaften, Pokalwettbewerben, internationalen Rivalitäten. Alles bekam nach und nach Struktur und wir Menschen lieben ja Strukturen und Regeln. Und wie das bei Menschen so ist: Sobald Struktur da ist, will jemand gewinnen und sobald jemand gewinnt, will jemand anderes Revanche und sobald genug Länder mitspielen, wird aus Sport plötzlich eine Bühne. Und schon sind wir im Kapitalismus angekommen, wo es um viel Kapital geht. Oft geht darüber das eigentliche Spiel verloren. Schade eigentlich.

Das Spiel ist schön, keine Frage, aber schöner wäre es, wenn hinter den Kulissen nach denselben Regeln gespielt würde wie auf dem Platz.

rabbitOS 2.2 Update | Claude Code, Terminal-Comeback und Magic Camera 2.0

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Mon, 22 Jun 2026 11:54:05 +0000

Update vom Wochenende | Das neue OS ist auf meinem r1

Natürlich bin ich noch im Rabbit-R1-Game. Das kleine Gadget bekommt genau jetzt ein Update spendiert, das es für mich als Vibe-Coder noch wertvoller macht, denn rabbitOS 2.2 rollt aktuell aus und bringt Features zurück, die wir vermisst haben. Das Update pusht die Kamera auf ein neues Level und integriert ein Tool, das meinen Workflow massiv verändert.

Claude Code direkt auf dem r1

Das absolute Highlight für alle, die gerne abseits des Rechners an Projekten schrauben, ist die Integration von Claude Code. Du installierst einfach den Rabbit-Agenten über das rabbithole auf deinem Rechner. Danach reicht ein doppelter Swipe nach links auf dem Homescreen deines r1, um direkt auf Claude Code zuzugreifen. Du kannst neue Sessions starten, bestehende fortsetzen und alles komplett per Sprache steuern. Das ist perfekt, um beim Kaffee abseits des Schreibtisches kurz einen Build zu checken oder den Code-Flow am Laufen zu halten.

Welcome back, Terminal

Wer rabbitOS 1 genutzt hat, wird sich über diese Neuigkeit freuen, denn der Terminal-Mode ist endlich wieder da. Er war kurz weg, als das OS komplett neu gebaut wurde, aber jetzt feiert er sein Comeback. Du kannst deine Claude-Code-Sessions nun direkt mit Text oder Voice über den r1 steuern. Zudem funktioniert das Ganze auch mit dem Rabbit-Agenten und OpenClaw. Das ist genau der Tech-Nerd-Shizzle, den wir wirklich alle lieben.

Image Gen 2 in der Magic Camera

Unter der Haube der Magic Camera arbeitet jetzt ein brandneues Modell. Image Gen 2 ist ab sofort live und wartet auf deine Prompts. Nett dabei, es spielt keine Rolle, ob du schräge Experimente, wunderschöne Konzepte oder verrückte Ideen umsetzen möchtest. Du richtest den r1 einfach auf dein Motiv und schaust, was die KI daraus zaubert.

Aufgeräumte Creations-Cards und Docked Mode

Das Interface wurde ebenfalls clever angepasst. Deine installierten Creations liegen jetzt ordentlich sortiert als Kartenstapel unter dem Main Stack. Du tippst darauf, um sie aufzuklappen, und drückst auf das Wort „Creations“, um sie wieder zu verstecken. Ein langes Drücken lässt dich die Reihenfolge individuell anpassen. Das bringt mehr Fokus und weniger Unordnung auf den Homescreen.

Weiterhin bekommen die Agents einen eigenen Manager in den Einstellungen, damit du alles zentral an einem Ort verwalten kannst. Gleichzeitig gibt es jetzt den neuen Docked-Mode. Wenn dein r1 am Stromkabel hängt, bleibt das Display auf Wunsch dauerhaft an. Dein Rabbit bleibt also wach und einsatzbereit, egal ob er auf dem Schreibtisch steht oder neben deinem Bett lädt.

Kleine Details mit großer Wirkung

Die Memory-Refresh-Funktion über das fünfmalige Drücken der PTT-Taste meldet sich jetzt mit einem neuen Sound und einer Benachrichtigung, sobald sie fertig ist. Das sind natürlich kleine Verbesserungen, aber sie helfen extrem im Alltag. Dazu kommen wichtige Bugfixes für das Magic Interface, die Bildsuche und den Memory Recall. Falls deine ausgewählte Magic Voice einmal nicht gefunden wird, springt der r1 nun automatisch auf die Standardstimme zurück, anstatt dich anzuschweigen. Zudem funktionieren die Musikwiedergaben über Spotify und Apple Music endlich wieder fehlerfrei. Ein Bug, der mich persönlich echt richtig genervt hat.

Das rabbitOS 2.2 Update macht den r1 zu einem noch besseren Begleiter für alle, die täglich bauen, kreieren und experimentieren. Das Gadget wächst stetig weiter und integriert sich immer tiefer in unsere Arbeitsabläufe. Lediglich der Akku ist echt ein Problem für mich, da er langsam schwächelt. Mit Powerbank ist das unterwegs natürlich kein Problem. Habt ihr das Update schon geladen und was baut ihr aktuell damit?

Detroit Rising Lush Grooves Vol. 2 | Full EP Stream & Musiktipp

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Fri, 19 Jun 2026 10:41:42 +0000

Hey Wochenende und frische Musik von Detroit Rising.

Vol. 1 hatte noch diesen lässigen Blick über die Schulter, dazu warmes Licht, Neo-Soul im Rücken, ein bisschen Jazzkeller, ein bisschen Lounge, ein bisschen später Abend mit gutem Getränk in der Hand. Also, genau mein Ding. Ich hatte euch Lush Grooves Vol. 1 hier ja vor kurzem ans Herz gelegt, weil diese Remix-Sammlung so schön gezeigt hat, wie man alten Soul-Geist nicht einstauben lässt, sondern in Bewegung bringt, ganz modern.

Jetzt kommt Lush Grooves Vol. 2.

Und ja, da steht keiner mehr entspannt an der Bar herum, versprochen.

Die Sneaker sind fest gebunden, die Bassdrum schaut nicht mehr fragend in den Raum, sondern macht direkt klar, wer heute die Haustür auftritt. Nicht brutal., nicht stumpf, aber deutlich. DownJazz Records und Detroit Rising schieben den warmen Kern aus „This is Neo Soul“ diesmal tiefer in Richtung Club. Mehr House, mehr Bruk, viel mehr Bass und es ist genau der Shice den ich liebe. Dieses schöne leichte Flackern von Vol. 1 ist natürlich noch da, nur hängt die Lampe jetzt etwas tiefer und der Boden leuchtet mit.

Das ist elektronische Dance Music, die richtig Emotionen erweckt. Ich nicke mit dem Kopf und mein Körper wippt mit. Klingt vielleicht etwas pathetisch, aber genau so fühlt es sich an. Schon der Einstieg mit MAKEZ auf Dre’s World macht nicht lange Smalltalk, dieser Remix rollt tief, drückt sauber nach vorne und hat diese trockene Selbstverständlichkeit, die ich bei guten House-Produktionen liebe.

Da passiert nichts Überflüssiges und der Groove kommt rein und bleibt.

Schön ist auch, dass MAKEZ gleich noch einmal an Open Letter ran dürfen und diesmal etwas länger ausgelegt, etwas mehr Geduld im Aufbau, aber nicht träge. Dann kommt EVM128 mit dem Broken-Beat-Remix von Open Letter, und genau da wird es für mich richtig interessant, denn der Beat federt, stolpert, fängt sich wieder, schiebt seitlich aus der Hüfte. Das kann schnell verkopft wirken, so ein bisschen wie Musikerlatein im Club, tut es hier aber nicht. Es bleibt körperlich sehr warm und greifbar. Und es steckt genug Unruhe drin, um wach zu bleiben, aber nicht so viel, dass der Groove auseinanderfällt. Für eine Breakbeat-Variante richtig cool und erinnert mich latent auch an alte Jungle-Zeiten.

Jimpster ist natürlich auch wieder dabei. Bei Vol. 1 hat er noch diese luftige Dub-Seite bedient, elegant und absolut geschmackssicher, sehr fein geführt. Auf Vol. 2 packt er bei „Don't Stop the Feeling“ mehr Druck darunter. Der House-Remix geht geradewegs nach vorne, bleibt aber immer noch Jimpster. Also nicht plump, nicht auf schnelle Hände in der Luft gebaut, sondern mit Raum, Tiefe und diesem kleinen Funkeln, das man nicht einfach so auf die Schnelle programmieren kann.

Und Kai Alcé? Der nimmt sich Talking Walls vor und macht daraus einen warmen Four-to-the-Floor-Moment. Richtig erdiger Deep House, nicht zu sauber gebügelt, nicht zu brav und auf keinen Fall glatt. Ich mag daran besonders, dass der Remix nicht versucht, die Herkunft des Materials zu verstecken, denn man hört die Soul-Unterkonstruktion sehr schön heraus.

Streeton, Don Surf und Bruk Rogers setzen dann weitere Ecken und Kanten ins Bild. Mehr Breakbeat, mehr Bruk, mehr UK-Energie, mehr Bewegung zwischen den Geraden. Das Album wirkt dadurch nicht wie eine lose Restekiste aus Remix-Dateien, sondern wie ein zweiter Gang. Vol. 1 war das Aufwärmen. Vol. 2 startet jetzt richtig durch. Ich möchte das alles zusammen gerne auf Platte haben.

Part tribute to the late, great Roy and part reverane to the 1970's sound of Neo-Soul-Jazz, this electronic dance album has a stellar roster of remix artists.

Was ich an dieser ganzen Detroit-Rising-Geschichte mag, ist natürlich der Umgang mit Herkunft. Die Basis kommt aus „This is Neo Soul“, also aus einem live eingespielten musikalischen Umfeld mit Mark Adams und Chris DeCarmine, beide aus der Nähe von Roy Ayers Ubiquity. Da ist dann diese 70er-Wärme drin mit Rhodes, Soul, Jazz, Funk, ein bisschen kosmisches Funkeln, ohne gleich total in Nostalgie zu baden und genau das ist wichtig. Wer auf Deep House, Breakbeat, Bruk, Soulful House und Nu-Jazz steht, dürfte hier ziemlich schnell andocken und es so feiern, wie ich es tue. Wer dagegen nur glatte Streaming-Tapete sucht, wird vielleicht kurz irritiert gucken.

Checkt das Ding auf Bandcamp.
Und ja, diesmal darf es ruhig etwas lauter werden.

DownJazz Records

Lush Grooves Vol. 2

House, Bruk, Soul und dieser kleine nächtliche Glimmer, wenn der Bass endlich den Raum übernimmt.

Bandcamp

Lush Grooves Vol #2 by Down Jazz

Sinnieren Teil XLVIII | Larmoyante Leckeier-Attitüde

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Wed, 17 Jun 2026 07:59:12 +0000

Die unerträgliche Aalwindung des Zeitgeistes.

Während ein Kriegstreiber im Westen das Ende seines Angriffskrieges verkündete, welcher eine Weltwirtschaftskrise verschärfte, die auf fossile Brennstoffe aufgebaut ist, erst richtig ins Rollen brachte, beglückwünschte ein Sauerländer diesen Despoten auch zur Beendigung eines Krieges, den dieser selbst entfachte. Caligulärische Verhältnisse mit Brot und Spielen, Blut und Rassismus vor dem Weißen Haus zum Geburtstag des 47ers und der windige Aal schenkt dem Ausrichter nachträglich zu seinem 80sten ein Deutschlandtrikot der Fußball-WM 2026 in der Größe L. Alles so traurig und beschämend, aber man erwartet nichts mehr von diesem Mann, der im zweiten Anlauf Kanzler dieser wirklich schönen Republik wurde. Ein Mensch, der aus meiner Sicht mit Worten nach unten tritt, Sozialabbau scheinbar begrüßt und begünstigt, die Vermögenssteuer ablehnt und Lobbyismus fördert. Versöhnen kann er sicher nicht, rückrudern muss er oft. Zu oft vergriff und vergreift er sich in seinem Ton und ordnet erst nach dem öffentlichen Aufschrei seine Worte neu. Seine Frau unterstützt ihn dabei, aktiv, aus ihrem Amt heraus. Brandmauer spricht er aus, sieht aber blindlings dabei zu, wie Parteimitglieder den Schulterschluss mit "blaun" vollziehen möchten. Haltung, kann er... nicht! Dabei ist das jetzt absolut vonnöten, also jemand, der Brücken schlägt, vereint, entzerrt, versöhnt und Weitsicht an den Tag legt, der nicht die Wirtschaft als größtes Gut sieht, sondern den Menschen dahinter.

Hätte man mir vor drei Jahren gesagt, dass wir in so eine moralische und ethische Krise abrutschen können, hätte ich es für eine schlechte Vorausschau gehalten und abgewunken. Wirtschaftlich war es zu erwarten. Ja, die Jahre mit und nach Corona waren hart, hart für alle. Zeitenwende(n), Weltordnung auf dem Kopf, Rohstoffe und Geldmacherei im Vordergrund. Die Endphase des Kapitalismus, den wir alle mit dem Wunsch nach mehr Konsumgütern befeuern und obendrauf Millionäre, Multimillionäre, gar einen Billionär auf dem Papier. Vieles, wenn nicht alles, auf dem Rücken der kleinen Leute ausgetragen, getragen, ergaunert, erlogen, erkämpft, geklaut. Und auch Friedrich will bei dem Spiel dabei sein, welches wir alle durch unsere Haltung auch mitunterstützen.

Während gerade der Reflecting Pool nach 14,2-Millionen-Sanierung wieder grün wie Vomiertes wird, hat der G7-Gipfel für viele cringe Momente gesorgt. Aber an die Gelder der Überreichen mag man nicht rangehen, ein Schlag. Tacheles sprechen mag man nicht, ist unbequem und man könnte in Ungnade fallen. Dabei ist "die Gesellschaft" in den Grundzügen ein Miteinander, ein sich selbst erzeugendes System, das durch Kommunikation aufrechterhalten wird und werden muss. Aber diese Kommunikation scheint gestört zu sein. Der Stärkste trägt die Schwächsten mit, wäre richtig. Man spricht aufrecht und offen miteinander. Aber wenn du das nie kennengelernt hast, dann fehlt halt die Sicht, die Empathie, das (fein-)Gefühl. Unterdessen versucht der Billionär, einen deutschen öffentlich-rechtlichen Sender zu verklagen und Russland greift weiter die Ukraine an, so wie Israel weiter im Libanon bleibt. Tja, das Abkommen des lethargischen Mannes im Oval Office wird auch von einigen Verbündeten nicht als bindend wahrgenommen, während der hochgewachsene Mann aus Brilon schon erwägt, Fulda und Mosel in den Hormus entsenden zu lassen. Dann gehen die Tankpreise auch wieder ordentlich runter und das "Gemaule" hört endlich mal auf.

Ach, wenn das alles nicht so traurig wäre. Und dann schaue ich wirklich noch die WM an und freue mich darüber, wie Fans aus aller Herren Länder zusammen feiern, auch wenn das System dahinter absolut korrupt ist. Wir sind wirklich am Ar*** und einfach wirklich zu dumm. Auf der einen Seite verhungern Kinder, auf der anderen Seite werden Raketen ins All geschickt, um Satelliten für Telekommunikationsnetzwerke zu erweitern. Aber unsere Kommunikation bleibt weiterhin gestört. Und dann freut man sich darüber, wenn man Aktenpakete des größten Bluffs der Kapitalmärkte in sein Portfolio legt. Das hat alles wenig mit Larmoyanz zu tun, aber erkläre das mal unserem Kanzler. Und es ist und bleibt, wie es immer war: Menschen verenden für nichts und Reiche werden immer reicher. Weltgemeinschaft ist eine Illusion und der Ball ist rund. Traurig, sehr traurig, aber wahr. Wir müssen reden, nein, lernen, richtig zu kommunizieren.

Musste ich nur mal wieder loswerden und dabei nicht vergessen:

Marty McFly told me the Future will be Great.

Commodore Callback 8020 | Das neue "Not-So-Smart"-Phone im ersten Blick

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Tue, 16 Jun 2026 09:14:13 +0000

Das Commodore Callback 8020 Smartphone ist vielleicht wirklich eine starke Idee.

Wenn ich hier am Schreibtisch sitze und kurz nach links schaue, stehen da ein C64 und rechts ein C16. Voll funktionsfähig. Nicht als Deko, nicht als ironisches Retro-Statement, sondern weil diese Kisten für mich immer noch etwas auslösen und zwar dieses kleine Klicken im Kopf. Einschalten, warten, loslegen. Commodore ist für mich deshalb keine Marke, die man einfach auf ein T-Shirt druckt und dann nostalgisch verklärt, Commodore ist ein Stück Tech-Geschichte, das bei mir noch ganz real herumsteht und zum Einsatz kommt. Und genau deshalb war ich sofort wach, als das Callback sich anmeldete.

Ein Commodore Telefon.

Welcome to the Internot
Smartphones? Too smart.
Dumbphones? Too dumb.

We built the phone in between.
Does everything you want, nothing you don’t.From Commodore… the friendly tech company.

Ein neues Commodore-Telefon, ja ja, es gab schon mal eins, das Commodore PET Android Smartphone und eigentlich habe ich bei der Ankündigung eher auf einen AMIGA CD64 Pocket gehofft.

Also diesmal kein weiterer Mini-Rechner für die Glasvitrine, kein Emulator-Spielzeug für den schnellen Nostalgie-Kick, sondern ein echtes Telefon für den Alltag. Oder besser gesagt: ein Gerät irgendwo zwischen Smartphone und Dumbphone. Ich bin irritiert und auch ein wenig gefrustet. Ja, 2026 kann man ein Dump-Phone sicher gebrauchen, denn wir sind alle zu sehr von Social Media getrieben.

Commodore nennt das beim Callback ziemlich charmant „Less scroll. More soul.“ Hmm.. ich bin zwiegespalten. Zumal ich das vorgestellte Gerät auch ein bisschen hässlich finde.

Das Callback will also nicht zurück in eine komplett analoge Welt, was ja schon mal nice ist, denn das wäre auch Quatsch. Niemand will heute ernsthaft wieder mit einem Telefon leben, das zwar Charakter hat, aber bei Navigation, Messenger oder Alltagssachen sofort aussteigt. Zumindest ist dieser Ansatz gelungen, denn das Callback lässt die nützlichen Dinge drin und wirft die nervigen raus, also kein Browser, keine Social-Media-Apps, keine klassischen Arbeits-Apps. Also genau die Bereiche, bei denen man sich gerne einredet, man würde nur ganz kurz etwas nachsehen, und 25 Minuten später weiß man nicht mehr, warum man das Gerät überhaupt entsperrt hat.

Gut, das begrüße ich wirklich. Und ja, mein Konsum an dem neuen Motorola Razr in der FIFA-Edition ist bei mir echt hoch. Nun, klar, ich arbeite beruflich mit Content, Social Media und digitalen Mechaniken. Und daher kenne ich diesen ganzen Aufmerksamkeitsapparat nicht aus einer Doku, sondern aus dem Maschinenraum. Das System ist halt nicht darauf gebaut, dich schnell wieder gehen zu lassen, sondern es will dich halten und das möglichst lange, möglichst unauffällig.

Und zugegeben, da hat Commodore mit dem Callback wirklich einen Punkt. Aber sie haben nicht das Rad neu erfunden, sondern den Zwischenphones ein neues Gewand mit Retroduktus geschenkt. Ob das reicht? Ich wage es zu vorerst stark zu bezweifeln.

Das Callback ist ein Klapptelefon und schon das ist eine kleine Geste, die ich liebe.

Du klappst es auf, nutzt es, klappst es wieder zu. Ende. Das klingt banal, ist aber im Alltag gar nicht so unwichtig, wie ich gerade mit meinem neuen Motorola festgestellt habe. Moderne Smartphones haben keinen echten Schlusspunkt, du legst sie weg, sie leuchten wieder auf, du schaust drauf, schon bist du wieder drin. Klappen ist für mich unterwegs schon eine kleine Hürde, die zwar, wenn ich will, durch das Außendisplay sanft wird, aber mich tatsächlich ein wenig ausbremst und das genieße ich wirklich.

Das Callback geht also einen Schritt weiter:
Es setzt auf T9-artiges Tippen, ein kleines Außendisplay, LED-Benachrichtigungen und einen Touchscreen, der standardmäßig nicht im Vordergrund steht. Touch gibt es, aber nicht als Dauer-Einladung zum Wischen, also erst, wenn eine App ihn braucht, wird er relevant. Okay, die Philosophie ist ein wenig wie bei der Pebble. So weit, so gut, das ist clever. Nicht, weil Touch schlecht wäre, sondern weil Touch zu bequem geworden ist. Unsere Daumen haben ein Eigenleben entwickelt.

Diese kleine Unbequemlichkeit könnte genau der Trick sein, der bei einigen ziehen wird.

Wir sind an einem Punkt angekommen, an dem viele Menschen ihre Technik nicht mehr loswerden wollen, aber wieder Kontrolle darüber spüren möchten. Nicht dieses moralinsaure „Leg doch einfach mal dein Handy weg“. Spannender ist daher ein Gerät, das den ganzen Quatsch natürlich gar nicht erst mitbringt.

Messenger? Ja.
Navigation? Ja.
Musik? Ja.
Kamera? Ja.

Kalender, Notizen, QR-Scanner, Wetter, Hotspot?
Alles sinnvoll.

Aber keine endlose Timeline, keine Mails vom Job am Abend, kein Browser als Hintertür in den nächsten Strudel. Das ist kein Luxusproblem, das ist ziemlich nah an digitaler Selbstverteidigung.

So. Jetzt der Teil, bei dem die Begeisterung für die Idee kurz mit Anlauf gegen die Tischkante läuft.

Commodore rief ursprünglich für das Callback 8020 einen Startpreis von 499,99 US-Dollar auf. Ohne Steuer. Alter, habt ihr sie noch alle? Klar, gute Hardware darf was kosten, aber für den Kurs würde ich zu anderen Geräten greifen oder im Android-Phone endlich mal Wellness einstellen. Klar, es ist ein kleines Nischenprodukt mit eigener Software, physischer Tastatur, wechselbarem Akku, Sailfish OS, Android-App-Support, Audio-Fokus und all dem Retro-Feinschliff, hoffentlich kein Retro-Ramsch.

Aber trotzdem bleibt bei mir die Frage im Raum stehen:
Wie viel Geld ist ein Telefon wert, dessen wichtigste Superkraft darin besteht, Dinge nicht zu können?

Das klingt böser, als ich es meine, denn genau diese Begrenzung ist ja der Punkt. Denn für rund 500 Dollar kauft man hier nicht das beste Smartphone, man kauft eine Haltung ein, nichts anderes. Und optisch finde ich das StarTac-Design, welches auf das Razr trifft, hier nicht so gelungen. Es wirkt für mich in den Renderbildern doch zu billig. Und siehe da, Commodore hat auf die Community reagiert und den Preis rund 100$ runtergeschraubt. Vielleicht zuckt jetzt ja doch der Eine oder Andere? Denn jetzt soll es zum Launchpreis "nur noch" €351.80 kosten. Ja, okay.. für 200€ wäre ich dann auch am Start.

Mark your calendar

Pre-Order: 30. Juni, 10:00 Uhr MESZ

Commodore Callback 8020:
ProtoPET White

Dieses pure, metallisch-weiße Gehäuse mit kühlen, blauen Akzenten bringt den originalen Commodore-Spirit in dein neues digitales Leben – clean, ruhig und minimalistisch. Wie bei jedem Modell leuchten auch hier die fünf Dome-LEDs durch das gravierte Logo. Mach dich frei von der Cloud und verbinde dich wieder mit der echten Welt.

Was mich außerdem bremst, ist die Tatsache, dass Commodore selbst sagt, dass einige Produktbilder Renderings sind, Screens simuliert werden und Design, technische Daten sowie Features noch nicht final sind. Ey, warum habt ihr jetzt das Ding veröffentlicht? Denn wir sehen hier halt gerade noch kein fertiges Gerät, das man im Laden in die Hand nimmt, aufklappt, testet und danach wirklich beurteilen kann.

Ich wünsche Commodore wirklich, dass das Callback funktioniert und nicht aus blindem Fanboy-Reflex, sondern weil der Gedanke dahinter natürlich richtig ist. Technik muss nicht immer schneller und lauter werden. Manchmal wäre schon viel gewonnen, wenn sie einfach wieder etwas respektvoller mit unserer Aufmerksamkeit umgehen würde. Aber ich zweifle echt hart an diesem Gerät. Vielleicht liege ich ja falsch und es ist der Nobrainer den wir endlich auf dem Mobilfunkmarkt benötigen um wieder klarzukommen.

Hier kannst du dir die Webseite mal reinziehen. Lass gerne auch mal deine Meinung dazu hier.

commodore.net/callback/

20 Years Later... | Eirenicon & Bean Lebouc Beattape

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Mon, 15 Jun 2026 07:05:05 +0000

Zehn Instrumentals, knapp über eine halbe Stunde, kein überflüssiger Speck.

Das Ding für diesen Montag fühlt sich nicht wie ein aufgeblasenes Beattape an, sondern wie ein bewusst gesetzter Marker und es ist einer. Zwei Produzenten schauen zurück auf 20 Jahre gemeinsame Arbeit und machen daraus keine sentimentale Fotowand, sondern Musik, die zwischen Erinnerung, Stadtlicht und staubigen Samples ihren eigenen Puls findet. Jetzt habe ich hier im Blog ja immer wieder über die Jahre auch Bean Leboucs Musik gefeatured und dann ist so ein Recap wirklich angebracht.

„20 Years Later…“ ist hier ein digitales Album von Eirenicon und Bean Lebouc, veröffentlicht im Umfeld von Ooh La La Music, DeckHead Records und UnXpected Productions. Schon diese kleine Struktur erzählt etwas über dieses Tape, denn da kommen viel Musikwissen und unterschiedliche Strömungen zusammen. Der Kern bleibt instrumentaler HipHop. Samplebasiert, warm, stellenweise rau, mit genug Luft zwischen den Beats, aber das Album bleibt nicht brav im klassischen Rahmen sitzen, denn hier schimmern Alternative, Rock und Nu-Jazz durch, ohne dass daraus ein Genre-Schaufenster wird. Vielleicht wie ein Griff in die Plattenkiste, die die beiden über die Jahre begleitet hat. Genau das mag ich an solchen Releases, wenn sie nicht komplett glatt sind, Ecken und Kanten haben und eine Story erzählen. Beats überlagern sich, Verschiebungen, schräge Klänge, es wirkt wie ein Teilausschnitt eines Lebens im Zeitraffer. Gerne mal sperrig, nicht gefällig und dann mit harmonischen Zwischentönen.

Bei einem Titel wie „20 Years Later…“ liegt die Gefahr natürlich direkt auf dem Tisch, dass ein Rückblick schnell nach Klassentreffen klingen kann.

Ein bisschen verklärte Vergangenheit, ein bisschen „früher war mehr Sample“, fertig ist die Nostalgie-Tapete. Aber ich kann beruhigen: Ist hier nicht passiert und daher auch hier in meinem Blog gelandet. Natürlich scheinen die Tracks Wegmarken zu sein, um Gefühle und Zustände der beiden festzuhalten, aber so frei, dass man sich nicht in einem Mikrokosmos der Dudes gefangen fühlt. „City Life Pt. 2“ trägt schon im Titel diesen urbanen Blick. „The Underpass“ klingt nach Beton, Schatten, Bewegung. „Lost Feelings“ macht nicht viel Theater um Emotionen, deutet aber genug an. Und mit „40 Years Later…“ am Ende setzen Eirenicon und Bean Lebouc einen schönen gedanklichen Haken und zeigen uns, dass das Duo noch lange nicht Schluss machen möchte. Das finde ich ziemlich sympathisch. Nach 20 Jahren hätten Eirenicon und Bean Lebouc sich auch selbst feiern können, das Archiv öffnen, ein bisschen droppen und gut wäre es gewesen, aber nope, sie zeigen Zwischenschritte und machen weiter.

Ich glaube, „20 Years Later…“ funktioniert genau deshalb, weil es nicht versucht, größer zu sein als es ist. Zehn Instrumentals, zwei Produzenten, 20 Jahre gemeinsame Geschichte und basta. Jetzt dürfen wir uns darauf freuen, wie die nächsten 20 Jahre klingen werden. In der Zwischenzeit fangen wir mit diesem Tape an.

Now playing

20 Years Later...

Eirenicon & Bean Lebouc

Beattape Instrumental Ooh La La

20 Years Later... by Eirenicon & Bean Lebouc

Out Now & Rotierend | Earth-o-Naut mit „This Is Nowhere. This Is Everywhere.“ endlich auf Vinyl

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Fri, 12 Jun 2026 08:45:05 +0000

Auf Vinyl: Earth-o-Naut „This Is Nowhere. This Is Everywhere.“

Ende Mai hatte ich euch hier im Blog ja schon mit der Vorab-Single „Everything. All At Once. All Of The Time.“ auf das Debüt von Earth-o-Naut aufmerksam gemacht und damals lief der Track bei mir auf Dauerrotation, um den ständigen Lärm des Alltags einfach mal auszublenden. Aber sind wir ehrlich, digital ist praktisch, um schnell reinzuhören oder unterwegs abzuschalten, aber es ist eben nicht das echte, vollkommene Erlebnis, wenn du verstehst, was ich meine. Jetzt ist das Album „This Is Nowhere. This Is Everywhere.“ über Agogo Records draußen, und noch viel wichtiger: Das schwarze Gold liegt hier endlich bei mir auf dem Dreher.

Es ist einfach ein komplett anderer Schnack, ob man auf dem Screen beiläufig auf „Play“ tippt oder ob man sich bewusst die Zeit nimmt, eine echte Schallplatte in die Hand zu nehmen. Aber wenn du den Beitrag hier liest, dann weißt du das sicherlich. Der Geruch der frisch bedruckten Hülle, das vorsichtige Herausziehen aus dem Sleeve, das sanfte Aufsetzen der Nadel. Und wenn dann das leise, warme Vorknistern aus den Boxen kommt, bevor der erste Groove einsetzt, schaltet der Kopf sofort einen Gang runter. Ja, genau für dieses analoge Ritual ist dieses Album absolut wie gemacht.

Auf dem heimischen Setup bekommt die ohnehin schon angenehm unaufgeregte und organische Produktion des Liverpoolers noch einmal eine ganz andere Tiefe. Wenn Steve White an den Drums den Takt vorgibt, spürt man die Dynamik und den Raum zwischen den Instrumenten physisch. Die ganze smarte Mischung aus Brit-Funk, Acid Jazz und Soul-Jazz atmet auf Vinyl einfach viel freier. Keine Algorithmen, die dir nach dem Song sofort den nächsten „passenden“ Track in die Ohren spülen, sondern ein geschlossenes Werk, das man ganz bewusst von Seite A bis Seite B durchhört, so wie es angedacht wurde. Die Platte hat diese wunderbare musikalische Patina, die sich auf einem physischen Tonträger erst richtig entfaltet.

Die stoische Haltung, die ich schon an der Vorab-Single so gefeiert habe, zieht sich wunderbar durch die gesamte Pressung. Kein glattgebügelter Pop für die schnelllebige Playlist, sondern tatsächlich ein Album, um sich an einem entspannten Abend darin zu verlieren. Für mich reiht sich die Scheibe nahtlos und völlig zurecht in meine Sammlung neben die geliebten Jazz-Funk- und Soul-Klassiker ein.

Wer meinen ersten Deep Dive zur Single verpasst hat, kann hier noch mal meine Gedanken dazu nachlesen. Allen anderen lege ich wärmstens ans Herz: Gönnt euch die physische Version, supportet gute Musik abseits des Mainstreams, legt das schwarze Gold auf den Plattenteller und holt euch dieses Stück stilvolle Entschleunigung nach Hause. Musik, die euch gehört.

Dreht auf und genießt den Sound!
earth-o-naut-agogo.bandcamp.com

Akari Raheem | Das Doppelalbum Radio im Full Album Stream & Vinyl-Tipp

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Thu, 11 Jun 2026 07:54:58 +0000

Akari Raheem senden auf eigenen Frequenzen.

Im Radio rauscht es im Hintergrund und plötzlich taucht ein Beat auf, der nicht um Erlaubnis fragen muss.

„You are now listening to Akari Raheem Radio. Live from the backyard.“

Doppelalbum 20 Tracks Akari Audio Vinyl limitiert auf 100 Stück

Genau mit diesem Intro holt einen das experimentelle Projekt von Lito Akari und F. Raheem ab. Wer gerade genug von Beats hat, die klingen, als wären sie für den Algorithmus weichgespült worden, darf hier einmal die Antenne neu ausrichten, denn unter dem Namen Akari Raheem schicken die beiden Produzenten aus Stuttgart ihr neues Doppelalbum „Radio“ über den Äther.

Das Konzept ist angenehm klar, ohne sich dabei selbst zu wichtig zu nehmen, zwei Frequenzen, zwei Stimmungen, ein gemeinsamer Kern. Auf „Radio 99.8“ dominieren warme, jazzige HipHop-Beats, die eher glimmen als blenden und latent die Ohren verwöhnen. „Radio 99.9“ dreht dann den Regler weiter auf und kippt die Sache in elektronischere, experimentellere Klangwelten.

akari raheem | photo © rob hak | presse

Radio 99.8 Jazzinspirierte Wärme, organische HipHop-Grooves und dieser leicht verrauchte Kopfnicker-Modus.

Radio 99.9 Elektronischer, kantiger, etwas weiter draußen. Immer noch soulful, aber mit mehr Spannung im Signal.

Lito Akari, dessen musikalische Wurzeln zwischen Berlin und Istanbul liegen, based in Stuttgart, bringt einen Vibe aus Neo-Soul, Jazz und G-Funk an die Regler. F. Raheem ergänzt das Ganze aus Basel heraus mit einem Background in zeitgenössischer Instrumentalmusik und ja, ich weiß, das klingt so aufgeschrieben schon interessant, aber wichtiger ist, was daraus wird: Musik, die nicht nur nach Loop und Drumkit klingt, sondern nach echten Entscheidungen und dadurch sehr organisch und rund wird.

Handgemacht statt Sample-Tapete

Das eigentliche Gewicht dieses Tapes liegt mal wieder in der Arbeitsweise. Akari Raheem verzichten bei den Produktionen vollständig auf Samples, was in diesem Genre wirklich ungewöhnlich ist. Jeder Akkord, jede Textur, jede kleine Verschiebung im Raum ist tatsächlich selbst eingespielt und dadurch bekommt „Radio“ eine absolut organische Note. Wer den satten Sound von The Alchemist, El Michels Affair, Portishead, Nosaj Thing oder BadBadNotGood schätzt, dürfte hier ziemlich sicher schnell andocken. Nicht, weil Akari Raheem diese Namen kopieren würden, sondern eher, weil sie ein ähnliches Gespür für Atmosphäre haben, wie diese Heroen. Das Album wirkt nicht steril, sondern handwerklich dicht. Es hat Ecken und Kanten, Wärme und diese kleinen Unschärfen, die Beats oft erst lebendig machen.

Auch das musikalische Netzwerk der beiden kann sich hören lassen. Namen wie Dexter und Smoke Trees auf der Feature-Liste bringen den passenden Headnod-Faktor mit, der noch mehr aufhorchen lassen sollte. Dazu steuern Gäste wie Jasmin Albash, Arbee, Meticulous Prime und D. Rymz ihren Teil zu dieser dichten Mischung aus HipHop, Ambient und Soul bei. Den finalen Feinschliff im Mix hat Smoke Trees übernommen. Das Mastering kommt von Heitech und auch das passt zur Platte. Ja, „Radio“ wirkt nicht überproduziert, aber sauber gesetzt. Ein Sender, den man nachts findet und dann nicht mehr wegdreht, laufen lässt und sich darin verliert.

Vinyl nur in kleiner Runde.

Wer physische Tonträger sammelt, sollte hier nicht zu lange grübeln, denn die Vinyl-Ausgabe erschien schon am 27. März 2026 über Akari Audio, HHV, und ist auf exakt 100 Stück limitiert. Das ist jetzt keine künstlich aufgeblasene Knappheit, sondern passt ziemlich gut zu diesem Release. Klein, eigenständig, geschlossen.

„Radio“ sitzt an der Schnittstelle von modernem Jazz, instrumentalem HipHop, Ambient und elektronischen Ausläufern. Ein Doppelalbum, das beweist, dass dichte Atmosphäre nicht aus dicken Sample-Katalogen kommen muss. Manchmal reichen eben zwei Produzenten, ein klarer Frequenzbereich und genug Gespür dafür, wann ein Beat atmen darf, und genau das finden wir hier. Abgesehen davon ist die Coverart auch absolut passend gewählt. Ich feiere das Album wirklich sehr.

Für Freunde von handgemachtem Instrumental-HipHop, warmem Jazzstaub und nächtlichen Frequenzen mit Charakter: der Geheimtipp.

Live from the backyard

Radio

Akari Raheem senden auf eigenen Frequenzen. Warm, rau, leicht verschoben und mit genug Störsignal im Bild, damit es nicht nach sauber geleckter Playlist aussieht.

99.8 Jazz Beats 99.9 Experimental Double Album

Radio by Akari Raheem, Lito Akari, F. Raheem

In Bandcamp öffnen

football is calling. ready to answer? | Ein Stück WM in meiner Hand

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Wed, 10 Jun 2026 11:49:50 +0000

ᵂᴱᴿᴮᵁᴺᴳ

football is calling.

Mein aktuelles Phone schwächelt seit Wochen spürbar, der Akku hat diese unangenehme Phase erreicht, in der man morgens noch optimistisch aus dem Haus geht und nachmittags schon vorsichtig auf die Prozentanzeige starrt, mehr als 800 Ladezyklen später halt. Kein echtes Drama, aber eben nervig. Gerade dann, wenn man unterwegs viel fotografiert, filmt, schreibt, teilt und zwischendurch noch schnell checken will, was gerade passiert. Und ich habe schon geschaut, wie man den Akku ersetzen kann, denn grundsätzlich bin ich ja zufrieden mit dem Gerät. Nun, war.

Tja, gestern stand plötzlich ein Paket von Motorola auf dem Office-Tisch.

Wer Atomlabor schon länger liest, weiß, dass Motorola bei mir einen kleinen Bonus hat. Jetzt nicht, weil ich blind alles abnicke, was aus einer schicken Box kommt, sondern weil diese Marke für mich immer noch diesen besonderen Mix hat. Ein bisschen Tech-Geschichte, ein bisschen Klapphandy-Erinnerung, ein bisschen Zukunft in der Hosentasche. Mal kurz Google, jetzt Lenovo, Motorola war nie komplett weg. Irgendwie war es immer da, nur manchmal leiser. Auch hier im Blog leiser.

Doch diesmal kam das Paket ziemlich passend zur FIFA WM 26. In der schwarzen Box lag neben einem Trionda-Mini-Replica-Spielball (Size 1) auch eine mattschwarze Karte mit der Zeile:

football is calling. ready to answer?

Ja, schon. Irgendwie erwischt mich sowas hart.

Motorola ist offizieller Smartphone-Partner der FIFA World Cup 26™ und bringt dazu die Motorola Razr FIFA World Cup 26™ Edition ins Spiel. Das klingt erst einmal nach klassischer Markenpartnerschaft, klar. Logo drauf, großer Sportmoment, bisschen Gänsehaut im Begleitschreiben. Kennt man. Aber beim Auspacken hatte ich trotzdem diesen kleinen Nerd-Moment, weil das Razr als Foldable ohnehin schon mehr kann als einfach nur Smartphone sein. Es ist ein Gerät, das man generell anders benutzt. Aufklappen, kurz hinstellen, filmen, Selfies machen, Reactions aufnehmen, kleine Szenen festhalten. Gerade bei Fußball-Events, wenn es nicht nur um das Spiel selbst geht, sondern um alles drumherum, passt dieses Format ziemlich gut. Abgesehen davon, stehe ich eh auf das Colourway. Grün ist meine Farbe.

Auf der Begleitkarte steht der Satz:

Inside, a piece of the game. In your hand, the power to tell the story.

Natürlich ein Claim. Kein schlechter, eher einer, der bei mir hängenbleibt.
Weil genau darum geht es ja oft bei Atomlabor, nicht nur um Geräte, Datenblätter oder Hochglanz, sondern um die Frage, was Technik im Alltag auslöst. Ob sie nervt, ob sie hilfreich ist und wo man sie am besten einsetzt. Ob sie Geschichten besser festhält oder nur so tut.

Das Razr kommt für mich jedenfalls genau zur richtigen Zeit.
Ich bin gerne unterwegs, laufe abends meine Runde, nehme ständig kleine Eindrücke mit und werde die kommenden Wochen natürlich auch die WM begleiten. Natürlich nicht als Sportjournalist, sondern als jemand, der Fußball mag, Technik ausprobiert und wissen will, wie sich so ein Foldable im echten Alltag schlägt, zumal auch der Akku eines Foldable nicht riesig dimensioniert sein kann.

Ich nehme das Smartphone also mit beim Laufen, zum Fotografieren, für schnelle Clips. Beim Akku. Beim Display draußen. Beim Aufklappen mit einer Hand. Bei all den kleinen Momenten, bei denen ein Smartphone nicht glänzen muss, sondern einfach funktionieren soll, und lasse mich mal überraschen.

Und ja, mir ist in den nächsten Wochen auch etwas anderes wichtig. Wenn der Ball rollt, möchte ich den Fokus bewusst auf den Sport legen, auf die eigenartige Mischung aus Spannung, Nervosität, Freude, Frust und gemeinsamem Mitfiebern. Genau das will ich mitnehmen.

Das Motorola Razr FIFA World Cup 26™ Edition werde ich mir in den nächsten Wochen genauer anschauen. Wie immer nicht als steriler Testbericht aus dem Labor, sondern so, wie ich Technik am liebsten bewerte: im Alltag, draußen, nebenbei, ehrlich und mit einem Blick darauf, ob das Gerät am Ende wirklich etwas besser macht. Optisch finde ich das Ding auf jeden Fall sehr gelungen.

Football is calling.

Ich klappe dann mal auf.

Habt ihr schon einen Favoriten für den Titel?
Schreibt es gerne in die Kommentare.

So war der Sommerempfang der Bergischen IHK 2026 | Zwischen Festrede und Fremdscham

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Wed, 10 Jun 2026 08:31:11 +0000

Warum auch am Mikrofon nur mit Wasser gekocht wird.

Gestern war ich beim Sommerempfang 2026 der Bergischen IHK zu Gast. Peer Steinbrück als Festredner mit „Dimension der Zeitenwende – eine Reformagenda für Deutschland“, der ehemalige Ministerpräsident von NRW und Bundesfinanzminister a. D. ist sichtbar kaum gealtert, geistig messerscharfer Analyst. Ich mag seine Art sehr. Kleine Anekdote am Rand: Vor gut 22 Jahren, ich hatte gerade eins der ersten Fotohandys mit einem 256-Farbdisplay, habe ich ein Selfie mit ihm und mir im Ständehaus Düsseldorf gemacht, da war Peer Steinbrück noch Ministerpräsident (ich erspare euch das Foto ehrlich). Das war ganz witzig, denn er war wirklich sehr irritiert, dass keine Kamera, sondern ein Klapphandy uns aufnahm, das Erste auf dem deutschen Markt. "Hey, wo ist denn hier die Kamera?!", na, hier im Handy.

Optisch hat er sich seitdem kaum verändert, ich schon, denn zu dem Zeitpunkt hatte ich noch Haare auf dem Kopf. Steinbrücks Humor ist heute trockener denn je und er ist mit fast 80 Jahren ein begnadeter freier Redner. Mehr als beeindruckend, zumal er von seinem aktuellen Schaffen und seiner Perspektive auf die aktuelle Lage des Landes sehr scharf analysiert und auch Strategiepapiere an die aktuelle Bundesregierung als Leitfaden einreichte. Er schaffte einen Ausblick auf Hoffnung, in einer Situation, Lage, die viele vielleicht gerade als hoffnungslos ansehen. Listete aber auch vorab die Versäumnisse präzise auf. Dieses Land hat viel zu tun und jeder ist in die Pflicht genommen, sich einzubringen.

Der Mangel an Fahrplänen und an sichtbaren Strategien wurde natürlich erwähnt, aber auch, dass im Hintergrund vieles passiert, was von der breiten Öffentlichkeit nicht oder nur latent wahrgenommen wird. Jetzt sitzt er natürlich immer noch näher an den Quellen und erfährt vieles, aber darum geht es nicht. Es geht darum, dass jeder selbst aktiv werden kann und sollte. Dass man Gemeinschaft erkennt, sich unterstützt und proaktiv voranschreitet. So habe ich seine Worte aufgefasst.

Und bevor noch die Panel-Diskussion der Bergischen IHK startete, hat Henner Pasch, der IHK-Präsident, sich "im Maßanzug" positioniert, und das war aus meiner persönlichen Sicht wirklich auf vielen Ebenen cringe. Vorstellung des Regionalradars. Die Technik streikte, das iPad wollte nicht via AirPlay streamen, aber die Techniker im Hintergrund fingen das Problem live gekonnt auf. Die Präsentation fand ich persönlich inhaltlich wie optisch sehr ermüdend, auch wenn die Idee dahinter sicher gut ist, ein Druckmittel für die Politik aufzubauen. Aber was mir wirklich fehlt, ist eine Analyse und Einschätzung, denn ein reiner Vergleichsspiegel bringt die bergische Wirtschaft nicht nach vorne. Strategien durch Analyse der Zahlen schon. Zahlen sind natürlich immer gut, eine direkte Einschätzung, ein Vergleich sind sinnvoll, aber eine Strategie, wie auch Peer Steinbrück es anleitete, lässt sich daraus nur individuell ableiten.

Ich habe mich eher gefragt, warum IW Consult aus Köln diese KI-Auswertung machte und keine Firma aus unserem Städtedreieck. Gibt es in Wuppertal, Solingen und Remscheid keine Beratungsinstitute? Nun, generell wurde aus meiner Sicht hier eher der Finger in die Wunde gelegt, statt ein Pflaster und Pasch verpackte dies nicht wirklich integer.

Das IHK RegionalRadar machte die Defizite zwar für uns alle in der bergischen Wirtschaft visuell greifbar und erschwert es der Verwaltung der Städte Wuppertal, Solingen und Remscheid, sich hinter Anekdoten oder fehlenden Daten zu verstecken. Eine echte, proaktive Standortstrategie, die den Unternehmen einen klaren Weg aufzeigt, wie die Hürden in den nächsten Jahren abgebaut werden, sucht man darin leider vergeblich. Ja, es klang wie reine PR. Die eigentliche Hausaufgabe der strategischen Ableitung wird hier lediglich elegant verpackt an die Politik weitergereicht, was ich wiederum sehr ernüchternd empfand.

Henner Pasch und das Regionalradar: Neues aus der rhetorischen Kreisklasse.

Generell war Paschs Wirken auf der Bühne eher holprig ("Dann gebe ich schon mal den "Mädels" die Blumen"), gespickt mit unglücklichem Wording oder auf der Bühne unangebrachten Kraftausdrücken, um vielleicht nahbar zu wirken. Auch mit der aufgesetzten Suche nach Schulterschluss zu Peer Steinbrück, der das Gastgeschenk zum Abschluss (ein Solinger Messer) natürlich abkaufen muss, um die Freundschaft zu wahren.

Aberglaube rund ums Messer

Ein Messer schenkt man nicht einfach so

Der bekannteste Aberglaube besagt, dass ein Messer das Band der Freundschaft zerschneiden könne, wenn es verschenkt wird. Um dieses vermeintliche Unglück abzuwenden, gibt der Beschenkte dem Schenkenden traditionell ein Geldstück zurück. Selbst ein Cent reicht aus, um das Messer symbolisch zu kaufen und die Freundschaft zu bewahren.

1¢ Kleiner Trick, große Symbolik.

Das Münzgeld, welches Steinbrück von Dr. Andreas Groß bekam, der es wiederum schade fand, kein Streitgespräch mit Peer Steinbrück führen zu können, da er d’accord mit seiner Ausführung war (cringe), steckte Steinbrück in seine eigene Jackettasche und nahm das Messer entgegen.

Auf vielen Ebenen war dieser Moment so meta und hat die lange, luftleere Rede Paschs wieder wettgemacht, die selbst die Moderatorin des Abends, Sissi Hajtmanek, kaum auffangen konnte.

Mein Fazit zum IHK-Sommerempfang in der Historischen Stadthalle Wuppertal.

Beeindruckt von der Rede Steinbrücks, ernüchtert durch das Vorpreschen des IHK-Präsidenten, der kaum Raum für die einzige Dame am Tisch, IHK-Vizepräsidentin Katrin Becker, übrigließ und versuchte, den Selbstdarsteller zu mimen, freute ich mich auf das Feierabendbier und kurzes Netzwerken. Ich hoffe darauf, dass die Wuppertaler IHK zumindest in meiner nahen Zukunft hilfreicher für mich sein wird als an diesem Abend.

Lichtblick war auf jeden Fall mal wieder der Aufenthalt in unserer wunderschönen Stadthalle. Auch der musikalische Act, Leonora mit Band, welcher im zweiten Teil endlich gut abgemischt wurde, war absolut okay. Mein größter Spaß war aber auf jeden Fall, dass ich durch Jacket und ohne Cap nahezu inkognito unterwegs war. Menschen erkennen mich nur in Baggy, Sneaker und Cap. Selbst mein Nachbar hat mich nicht erkannt. Bei der diesjährigen Teilnehmerzahl von mehr als 1000 Personen habe ich erst danach über Social Media einige bekannte Gesichter gesehen, die ich gerne mal wieder getroffen hätte – tja, beim nächsten Mal.

Chillhop Essentials Summer 2026 | Old Port, warme Beats und limitiertes Vinyl

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Wed, 03 Jun 2026 09:28:10 +0000

Auf zum Old Port.

Sommer ist ja wirklich auch so eine Sache. Erst wartet man wochenlang darauf, dann steht er plötzlich in der Tür, als hätte er nur kurz die Jacke geholt und dann verschwindet er mal kurz wieder. Aber wenn er bleibt, dann Fenster auf, Getränk kaltstellen, Sonnenbrille suchen, obwohl sie natürlich wieder irgendwo zwischen Kabelkiste und Plattenstapel liegt. Und in ziemlich genau diesem Moment rutscht jetzt Chillhop Essentials Summer 2026 rein. Wie immer nicht unbedingt laut und aufdringlich, eher so wie ein guter Freund, der einfach den passenden Sound mitbringt und nichts weiter erklären muss. Auf den Lippen das Wort „Entspannung.".

Die neue Ausgabe der saisonalen Chillhop-Reihe bringt diesmal 24 Tracks mit. Das Setting ist wieder schön aus der eigenen kleinen Chillville-Welt gezogen. Nach dem Frühling geht es nun nach Old Port, einem Küstenviertel, in dem die Dinge offensichtlich etwas langsamer laufen als anderswo. Also genau da, wo man im Kopf gerne wäre, während draußen der Asphalt warm wird.

24 Tracks, alles easy.

Was mir an den Chillhop-Essentials immer wieder gefällt: Die Compilations wollen nichts beweisen und daher gibt es keine große Geste, keinen Sommerhit mit Leuchtreklame im Gesicht, stattdessen eine verlässliche Mischung aus Lofi-HipHop, jazzig, warmen Drums und kleinen Melodien, die sich nie nach vorne drängen, aber trotzdem hängen bleiben. Ich mag das "Gedudel" sehr.

High Tide von anbuu und Monsieur Teddy macht diesmal den Anfang und setzt direkt die Temperatur. Danach gleitet Palm von Nosmoh genau in dieses leicht träge Nachmittagsgefühl, bei dem man eigentlich etwas erledigen wollte, aber dann doch erst mal den Kopf aus dem Fenster hält, Siesta. Shin Ski liefert mit Leaving You dann einen dieser Tracks, die sofort etwas cineastisches haben. Spannend wird es für mich vor allem dort, wo die Compilation kurz die Sonnenliege verlässt und etwas mehr Bewegung reinbringt, zum Beispiel mit Pass the Plate von DESH und Deviant Sounds, Brockettlanding von Birocratic und Brockett Parsons wirkt dann wie ein kleiner Zwischenstopp an der Promenade, und Evil Needle bringt mit Lunar Funk genau die richtige Portion nächtlichen Glanz mit.

Old Port klingt nach Sommer ohne Postkartenkitsch.

Chillhop beschreibt Old Port also als Küstenviertel von Chillville, in dem der Rhythmus der Flut folgt. Das ist natürlich erstmal hübsches Worldbuilding, funktioniert hier aber auch erstaunlich gut. Die Platte klingt tatsächlich nach Wasser in der Nähe, nicht nach Urlaubskatalog, eher nach einem langen Tag, der nicht hektisch enden muss. nach, "Ich gehe gleich noch ins Freibad".

Gerade Tracks wie Curls von L'Indécis und ØDYSSEE, Carmesim von Bao oder Velarium von Plusma und Guillaume Muschalle nehmen sich Platz, ohne langsam zu werden. Das ist somit Musik für Balkon, Küche, Schreibtisch, Parkbank, Bahnfenster oder HomeOffice. Also für diese normalen Orte, die mit dem richtigen Sound plötzlich ein bisschen besser aussehen. Und ja, natürlich ist das auch wieder eine sehr sichere Bank, denn wer hier im Blog schon lange mitliest, die Essentials-Reihe seit Jahren verfolgt, weiß ungefähr, was kommt. Ich will bei dieser Serie gar nicht jedes Mal komplett überrascht werden. Ich will dieses Gefühl, dass jemand die Jahreszeit einmal sauber sortiert und auf zwei Platten legt oder halt besser auf zwei LPs mit vier Seiten. Ihr wisst schon.

Die Tracklist:

Chillhop Essentials Summer 2026 versammelt 24 neue Stücke, die zusammen eher fließen als springen. Trotzdem lohnt sich der Blick auf die einzelnen Namen, weil hier wieder ein paar bekannte Gesichter aus der Chillhop-Welt neben spannenden kleinen Abzweigungen stehen.

anbuu, Monsieur Teddy: High Tide
Nosmoh: Palm
Shin Ski: Leaving You
EverythingIsAWave: HmHm
L'Indécis, ØDYSSEE: Curls
Teddy Roxpin: The Limit does not Exist
DESH, Deviant Sounds: Pass the Plate
Datsunn, cre8: Elsewhere
Birocratic, Brockett Parsons: Brockettlanding
Bao: Carmesim
Snarez, Phlocalyst: Beyond the Clouds
7th Realm: Never Know
xander.: Gospel Story
Evil Needle: Lunar Funk
Linn Mori: Sugarless
Mo Anando: Heatwave
Kissamilé: The Journey
Mac Kay: Rosa
Plusma, Guillaume Muschalle: Velarium
C4C, Leavv: Tropic Spin
Heem, Woojinee: Summer Souls, ft. Fo1006, Glance
Toonorth: Roller Skates
Leavv: Spectral
goosetaf: Soup

Vinyl, CD und dieser verdammte Sammler-Reflex.

Natürlich gibt es Chillhop Essentials Summer 2026 wieder limitiert auf Vinyl und seit 2016 habe ich sie alle. Natürlich schreibe ich das mit diesem leichten inneren Augenrollen, weil ich mir wirklich jedes Mal vornehme, jetzt mal vernünftig zu bleiben und mein Regal sagt nein. Der Kopf sagt auch nein. Die Hand klickt trotzdem. Damn... ich komme nicht davon los. Dieses Mal stehen übrigends mehrere physische Varianten bereit, eine schwarze Doppel-LP ist auf 300 Exemplare limitiert, eine gelbe Doppel LP mit 125 Exemplaren und eine transparent gelbe Doppel LP, ebenfalls mit 125 Exemplaren. Wer noch einen CD-Player im Leben hat, bekommt zusätzlich eine CD-Edition mit 100 Exemplaren. Das Ganze kommt bei den Vinyl Ausgaben mit Gatefold Artwork, bedruckten Innenhüllen, Handnummerierung und Download.

Ich mag an diesen Releases, dass sie nicht nur Begleitmusik liefern, sondern auch als Reihe im Regal Sinn ergeben. Man sieht die Jahreszeiten, man erinnert sich an alte Ausgaben, und plötzlich weiß man wieder, warum dieses Compilationsfach schon lange nicht mehr nur ein Fach ist, sondern eher ein logistisches Problem mit hübschen Covern.

Chillhop Essentials Summer 2026

24 Tracks aus Old Port. Warm, entspannt, unaufgeregt. Genau richtig, wenn der Sommer nicht brüllen, sondern einfach laufen soll.

Chillhop Esssentials Summer 2026 by Chillhop Music

Auf Bandcamp anhören und Vinyl checken

Die Essentials-Reihe läuft seit 2016 und hat sich längst diesen kleinen Stammplatz im Atomlabor verdient. Nicht, weil jede Ausgabe das Rad neu erfindet, sondern weil sie zuverlässig diese bestimmte Ecke im Kopf aufräumt, in der Musik, Wetter, Plattencover und Alltag zusammenpassen. Und wenn du Vinyl sammelst, wie ich es tue, dann kennst du das Spiel sowieso.

chillhop.ffm.to/summer2026.SYR

Detroit Rising Lush Grooves Vol. 1 | Full EP Stream & Musiktipp

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Wed, 27 May 2026 11:29:18 +0000

NeoSoul zieht Sneaker für den Dancefloor an.

Detroit Rising Lush Grooves Vol. 1 ist am Start. Auf dem Papier liest sich das erstmal wie eine sehr geschmackssichere Remix-Sammlung , denn Mark Adams, musikalischer Leiter aus dem Umfeld von Roy Ayers, trifft auf Produzenten wie Jimpster, DJ Spinna, Kai Alcé, Kaidi Tatham und Matica. DownJazz Records und Detroit Rising kuratieren das Ganze. Fertig ist die Sache?

Nee, eben nicht. Also, nicht ganz.

Das hier ist nämlich keine dieser Remixplatten, bei denen man ein paar Beats unter bestehende Songs legt und hofft, dass der Club schon gnädig sein wird. Lush Grooves Vol. 1 fühlt sich real an wie ein Gespräch zwischen Generationen. Auf der einen Seite dieser warme, live eingespielte Neo-Soul-Jazz-Geist und auf der anderen Seite Produzenten, die genau wissen, wie man einen Groove in Bewegung bringt, ohne ihm die Seele aus der Tasche zu ziehen. Ya´ll know what I mean.

Detroit Rising Lush Grooves Vol #1 by Jimpster, DJ Spinna, Kai Alce, Kaidi Tatham, Matica, Detroit Rising Detroit Rising Lush Grooves Vol #1 by Jimpster, DJ Spinna, Kai Alce, Kaidi Tatham, Matica, Detroit Rising

Aus Brooklyn, Detroit und dieser warmen Ecke zwischen Jazzkeller und Club

DownJazz Records ist das Label, das schon vom Selbstverständnis her nicht nach Algorithmus klingt und das ist in diesem Fall mehr al gut, sehr gut. Boutique Imprint, NYC und Detroit im Rücken, ein Ohr auf Soul, R&B, Nu-Jazz und Electronica, das andere Ohr offenbar direkt am Basslauf. Und dahinter steht David Schwartz. Man merkt dieser Veröffentlichung an, dass hier nicht wahllos Namen auf ein Cover geklebt wurden.

Die Basis kommt von This Is Neo Soul, dem Live-Album von Mark Adams. Drei Jahre Arbeit, ein Ensemble mit reichlich Erfahrung und im Groove, dazu Verbindungen zu Namen wie Lonnie Liston Smith, Chic, Chaka Khan, Luther Vandross, Gloria Gaynor, Gil Scott Heron und Gladys Knight. Das klingt ja fast wie eine Museumsplakette. Das ist hier aber nicht so.

Weil Lush Grooves Vol. 1 genau den richtigen Gedanken hat: nicht konservieren, sondern weiterdrehen.

Die Remixe | Fünf Blickwinkel auf denselben warmen Kern

Die EP öffnet mit Talking Walls im Kai Alcé BBQ Mix und schon der Name passt. Keine sterile Clubnummer erwartet dich, sondern eher dieses warme Flackern, wenn Leute auf einer Terrasse stehen, jemand legt eine Platte auf und plötzlich reden alle leiser, weil der Groove gerade wichtiger ist als die Gespräche die man eigentlich führen wollte. Kai Alcé bringt diese Detroit-geerdete House-Wärme mit, ohne die jazzige Herkunft glattzubügeln.

Danach kommt Don’t Stop The Feeling im Jimpster Dub. Jimpster ist hier erwartbar elegant, aber nicht dekorativ. Sein Dub lässt Luft im Raum und die Nummer rollt, schiebt, federt, bleibt aber geschmackvoll genug, um nicht in diese Lounge-Falle zu laufen, in der alles nett klingt und nichts hängen bleibt, wie solche Balearen-Dinger.

DJ Spinna sollte eh ein Begriff sein. Er nimmt sich Open Letter vor und macht daraus einen Galactic-Soul-Remix. Der Titel ist nicht zu hoch gegriffen, denn das Ding schaut eher nach oben als nach vorne, aber ohne wirklich massiv abzuheben. Spinna kann diesen Trick: Soulful Dance Music, die nicht nach Retro-Kostüm müffelt, sondern nach Erfahrung.

Bei Day Dreaming darf Kaidi Tatham dann ran. Und ja, natürlich hört man diese Handschrift., denn diese Tasten, dieser Swing, diese gebrochene Bewegung, die nie nach Berechnung klingt, obwohl da rhythmisch einiges passiert. Broken Beat ist bei Kaidi kein Genre-Schild, sondern Körpergefühl und Pflicht.

Den Abschluss macht Talking Walls im Matica Funk Dub. Matica bringt dabei eine frischere Perspektive rein, etwas kantiger, etwas offener, aber ohne den Faden zu verlieren. Genau das tut der Sammlung wirklich gut. Die alten Wurzeln bleiben sichtbar, aber sie stehen nicht wie Betonpfeiler im Weg.

Lush Grooves Vol. 1 hat diese 70er DNA, aber sie wird nicht ausgestellt wie ein seltenes Möbelstück, sie wird benutzt. Bass an, Licht etwas runter, Raum öffnen, Menschen bewegen lassen.

Und genau deshalb passt die EP auch so gut in diese Zone zwischen Deep House, Soulful House, Broken Beat, Nu Jazz und Cosmic Groove. Sie ist nicht hektisch, nicht anbiedernd, nicht auf Streaming-Sekunden gebaut. Sie will nicht sofort alles erklären, sondern legt los, vertraut auf Musiker, Produzenten und auf dieses alte Versprechen, dass ein guter Groove mehr sagen kann als ein ganzer Pressetext.

Ein paar harte Fakten für die Plattenkiste

Artist: Jimpster, DJ Spinna, Kai Alcé, Kaidi Tatham, Matica, Detroit Rising

Titel: Detroit Rising Lush Grooves Vol. 1

Label: DownJazz Records

Release: 29. Mai 2026

Das Artwork stammt übrigens von MAST, einem Graffiti-Künstler aus Brooklyn.

Das ist also Musik für Leute, die Roy Ayers nicht nur als Referenz kennen, Deep House nicht als Hintergrundtapete begreifen und bei Broken Beat nicht sofort nervös werden, wenn die Snare ein bisschen schiefer sitzt als erwartet. Wer das mag, ich liebe es, der kommt auf seine Kosten.

Unterm Strich also: warm, groovig, musikalisch, mit genau der richtigen Menge Clublicht auf den Schultern. Keine große Pose. Einfach eine schöne EP, die ihren Stammbaum kennt.

Moonbuggy mit Europa Inside | NASA setzt auf Venturi

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Wed, 27 May 2026 06:52:42 +0000

Die NASA setzt auf Venturi und plötzlich fährt Europa mit über den Mond.

Es gibt mal wieder Space-News, bei denen man erst einmal nur halb hinschaut, denn: NASA, Artemis, Mond, Rover, Südpol, neue Verträge, große Pläne. Klingt zuerst nach langweiliger Pressemitteilung mit hübschem Renderbild und drei Menschen in blauen Poloshirts, die sehr ernst neben einem Fahrzeug stehen.

Und dann liest man mal genauer.

NASA hat Astrolab und Lunar Outpost für neue Mond-Rover-Aufgaben ausgewählt. Astrolab bekommt dabei einen Auftrag über 219 Millionen Dollar. Das Fahrzeug heißt CLV 1, basiert auf der FLEX-Plattform von Venturi Astrolab und soll im Rahmen des Artemis-Programms zum Einsatz kommen und mittendrin steckt dann Venturi Space aus Europa. Nun, genauer gesagt: Räder, Batterien und Energiemanagement, also nicht gerade Zierleisten und Getränkehalter, sondern die Teile, bei denen man auf dem Mond wirklich nicht möchte, dass sie schlechte Laune bekommen. Irgendwie ja schon bezeichnend, wenn die Teile, auf die man sich verlassen muss, aus Europa kommen. Nun, die NASA will schließlich eine Mondbasis bauen, um Menschen dauerhaft auf dem Mond leben zu lassen und das Projekt soll bis 2030 umgesetzt werden. Und natürlich benötigt man dann auch Transportmittel, welche Material und Astronauten über die Mondoberfläche transportieren können.

Und wenn in ein paar Jahren Astronautinnen und Astronauten am Mond-Südpol unterwegs sind, könnten sie auf Technik sitzen, die in Monaco, Frankreich und der Schweiz mitentwickelt wurde. Das ist schon ein ziemlich guter Satz.

Der letzte Moonbuggy sah eher nach Rodeo aus.

Wer alte Aufnahmen der Apollo-Missionen anschaut, besonders vom Lunar Roving Vehicle bei Apollo 17, bekommt sofort dieses schöne Gefühl von Technikgeschichte zum Anfassen. Zwei Astronauten in aufgepumpten Raumanzügen, darunter ein kleines Elektrofahrzeug, das über den Mond hüpft wie ein Einkaufswagen auf kaputtem Kopfsteinpflaster.

Apollo 17 EVA 3: In dieser späten Missionsphase entstand auch der legendäre Mond-Rover-Geschwindigkeitsrekord von rund 18 km/h.

Bei Apollo 17 wurde das Fahrzeug auf der letzten Mondmission mit Rover ziemlich ordentlich geshreddet Der inoffizielle Geschwindigkeitsrekord lag bei rund 11,2 mph, also etwa 18 km/h und ja, das klingt auf der Erde wie Parkplatztempo. Auf dem Mond sah es eher aus wie eine Mischung aus Abenteuerurlaub, Feldweg und sehr optimistischem Fahrwerk. Der Rover sprang, wackelte, vibrierte und wirkte für heutige Augen fast ein bisschen improvisiert. Gleichzeitig war dieses Ding natürlich genial, denn es hat den Aktionsradius der Astronauten massiv erweitert und damit erst ermöglicht, dass sie in kurzer Zeit deutlich mehr Mondfläche untersuchen konnten.

Die NASA will nicht nur wieder kurz auf dem Mond landen, ein paar Fotos machen, Staub einsammeln und dann sagen: „War schön, bis in fünfzig Jahren.“ Diesmal geht es um längere Aufenthalte, Forschung, Logistik, Infrastruktur und um die Vorbereitung auf spätere Missionen Richtung Mars und dafür reicht ein sympathisch wackelnder Mondbuggy nicht mehr.

Bildnachweis: Venturi Space / Romero | Presse

CLV 1, kein Spielzeug, sondern Mondinfrastruktur.

Das Crewed Lunar Vehicle, ein bemanntes Mondfahrzeug. Quasi ein extrem teurer Gabelstapler für die unwirtlichste Baustelle, die wir aktuell erreichen können. Genau hier liegt der Unterschied zu früher, der alte Apollo-Rover war eine Erweiterung der Astronautenbeine, der neue Rover wird eher ein Teil der Mondinfrastruktur. Er gehört zu einer Idee, bei der der Mond nicht nur besucht, sondern genutzt, untersucht und über längere Zeit betrieben werden soll. Und das ist ein anderer Maßstab.

Spannend wird die Geschichte jetzt aus europäischer Sicht, weil Venturi Space nicht nur irgendwo im Abspann auftaucht. Dazu muss man wissen: Ein Rad auf dem Mond ist kein normales Rad. Es fährt nicht über Asphalt, nicht über Schotter und auch nicht über den Parkplatz vom Baumarkt, es fährt über Regolith. Regolith ist dieser feine, aggressive Mondstaub, der überall hineinkriecht und sich ungefähr so benimmt, wie Sand am Strand und der Badehose. Dazu kommen noch Steine, Kraterkanten, Schrägen, tiefe Schatten, extreme Temperaturunterschiede und eine Umgebung, in der niemand mal eben mit einem Wagenheber vorbeikommt. Venturi arbeitet dafür mit hyperverformbaren Rädern, also keine klassischen Reifen, sondern flexible Strukturen, die sich an den Untergrund anpassen, Stöße schlucken und Traktion liefern sollen. Die Idee dahinter ist ziemlich clever: Nicht härter werden, sondern klüger nachgeben.

Die Batterie ist der eigentliche Endgegner.

Räder sieht man sofort. Batterien nicht. Trotzdem hängt bei einem Mondrover extrem viel an der Energieversorgung. Der Mond ist elektrisch betrachtet kein wirklich freundlicher Ort, denn es gibt dort extreme Kälte, extreme Hitze, lange Phasen ohne direktes Sonnenlicht und hohe Anforderungen an Zuverlässigkeit. Wenn auf der Erde ein Akku schwächelt, fährt man in die Werkstatt, hängt das Ding an die Diagnose oder flucht an der Ladesäule. Die Batterien müssen also ordentlich Energie speichern, Temperaturfenster überstehen, kontrolliert arbeiten und auch nach harten Bedingungen zuverlässig wieder liefern. Das Batteriemanagementsystem überwacht die einzelnen Zellen, balanciert sie aus und schützt das Gesamtsystem vor kritischen Zuständen. Im Grunde ist das verwandt mit dem, was moderne E-Autos heute schon brauchen und nutzen, nur erweitert. Auf der Erde ist Batteriemanagement moderne Fahrzeugtechnik., auf dem Mond ist es natürlich Überlebenslogik.

Netter Nebeneffekt: Wenn keine Crew auf dem Mond ist, soll das Fahrzeug nicht einfach nur dekorativ herumstehen. Es kann ferngesteuert oder autonom Aufgaben übernehmen, Ausrüstung bewegen und Nutzlasten transportieren, wahrscheinlich auch Roboter. Das ist schon wild. Aus dem alten Moonbuggy, der aussah wie ein mutiger Campingstuhl auf Rädern, wird also eine mobile Arbeitsplattform für eine neue Mondinfrastruktur.

Warum das jetzt für uns alle relevanter ist, als man zuerst denkt!

Jetzt könnte man natürlich sagen: Schön, Jens, ein Mondauto. Nett für NASA, ESA und Leute, die beim Wort Regolith nicht sofort an ein neues Müsli denken. Aber was hat das bitte mit unserem Alltag zu tun?

Mehr, als man zuerst glaubt.

Raumfahrt ist im Grunde der härteste Produkttest der Welt. Während auf der Erde die Technik nachgebessert, ausgetauscht, zurückgerufen, upgedatet oder in irgendeiner Werkstatt auf die Hebebühne gebracht werden kann, geht das auf dem Mond natürlich nicht so ohne Weiteres. Da steht niemand mit ölverschmierten Händen neben dem Rover und murmelt: „Ich hör da was.“ Wenn dort oben also ein Rad versagt, eine Batterie schwächelt oder das Energiemanagement Mist baut, wird aus einer technischen Kleinigkeit sehr schnell ein echtes Problem, und deshalb müssen solche Systeme unglaublich effizient, leicht, robust und klug gebaut sein.

Und jetzt kommt der spannende Teil: Viele dieser Lösungen bleiben nicht für immer im Weltraum.

Der Mond ist bisher noch keine ferne Spielwiese für Milliardenträume, er ist ein brutales Testlabor für Technik, die später wieder auf der Erde landen kann, zum Beispiel in Robotik, Logistik, Elektromobilität, Batterietechnik, Sensorik oder autonomen Fahrzeugen. Was dort oben im Staub überlebt, hat hier unten ziemlich gute Karten. Und Venturi ist in der Elektromobilität kein unbekannter Name, denn das Unternehmen hat sich über Jahre mit elektrischen Rekordfahrzeugen, besonderen Prototypen und Rennsportprojekten beschäftigt. Diese Erfahrung fließt nun in eine Umgebung, die noch einmal deutlich härter ist als jede Rennstrecke.

Der NASA-Rover ist nicht das einzige Projekt in diesem Umfeld. Venturi Space arbeitet parallel an weiteren Plattformen, darunter FLIP und MONA LUNA. FLIP steht für FLEX Lunar Innovation Platform und ist als kompaktere Rover-Plattform gedacht, mit der kleine Nutzlasten und Technik unter echten Mondbedingungen getestet werden können. MONA LUNA wiederum ist als europäischer Rover für ESA und CNES gedacht. Auch dort geht es um Mobilität am Mond-Südpol, wissenschaftliche Instrumente und Transportaufgaben.

Das zeigt ziemlich gut, dass hier nicht nur ein einzelnes Prestigeprojekt entsteht, es geht eher um einen Baukasten für lunare Mobilität. Räder, Batterien, Elektronik, Plattformen, Betriebsmodelle. Alles zahlt auf dieselbe große Frage ein:

"Wie bewegt man sich zuverlässig auf einem Himmelskörper, der keine Fehler verzeiht?"

Eigentlich ganz schön wild, wenn man kurz darüber nachdenkt: Vor gut fünfzig Jahren sahen 11 mph auf dem Mond aus wie ein Rodeo in Zeitlupe und beim nächsten Mal soll daraus ein Arbeitstag werden.

Titelbild CLV-1 Rover © Venturi Astrolab | Presse

Masters of The Universe 2026 | Der offizielle finale Trailer

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Thu, 21 May 2026 09:06:53 +0000

Masters of The Universe | Official Final Trailer

Irgendwo zwischen Nostalgie und dem unvermeidlichen Kitsch einer Franchise-Wiederbelebung positioniert sich der finale Trailer zu „Masters of the Universe“ mit einer erstaunlichen Sturheit. Man erwartet eigentlich das übliche, auf Hochglanz polierte Blockbuster-Gewitter aus der modernen Hollywood-Schmiede, doch stattdessen präsentiert sich hier eine Ästhetik, die ganz bewusst in eine längst vergangen geglaubte 80er-Jahre-Fantasy-Optik zu glitchen scheint. Das Faszinierende an diesem visuellen Eigensinn ist die Beschaffenheit der Effekte, denn anstatt Eternia in steriler, seelenloser Rechenleistung ertrinken zu lassen, verströmen selbst die ausufernden Computeranimationen stellenweise eine wunderbar greifbare, klobige Haptik, was mich wiederum ein wenig anfixt. Man hat fast den Eindruck, als blicke man durch den digitalen Schleier direkt auf physische Latex-Masken und klassische Animatronics, was dem Ganzen eine gewollte, fast schon theatralische Cheesy-Note verleiht, die sich nicht für ihre Plastikschwert-Wurzeln mit CGI-Blitzen drumherum schämt.

Masters of the Universe

Regie: Travis Knight
Cast: Nicholas Galitzine, Jared Leto, Camila Mendes, Idris Elba

In MASTERS OF THE UNIVERSE bringt Regisseur Travis Knight das legendäre Franchise in diesem epischen Live-Action-Abenteuer zurück auf die große Leinwand.

Nach 15 Jahren der Trennung führt das Schwert der Macht Prinz Adam (Nicholas Galitzine) zurück nach Eternia, wo er seine Heimat unter der grausamen Herrschaft von Skeletor (Jared Leto) zerstört vorfindet.

Um seine Familie und seine Welt zu retten, muss sich Adam mit seinen engsten Verbündeten, Teela (Camila Mendes) und Duncan/Man-At-Arms (Idris Elba), zusammentun und sein wahres Schicksal als He-Man annehmen, dem stärksten Mann des Universums.

Ob sich der Weg ins Kino für dieses Spektakel am Ende lohnt, hängt folglich stark davon ab, mit welcher Erwartungshaltung man sich in den Kinosessel fallen lässt. Für die echten He-Man-Veteranen, die nach all den Jahren endlich diese schmerzhaften Bilder von Protagonisten aus dem Kopf bekommen wollen, welche eher an drittklassige Hulk-Hogan-Imitationen erinnerten als an den legendären Retter von Grayskull, dürfte dieser Film eine überfällige Katharsis sein. Wer zudem schon das Reboot der Netflix-Serie feierte und längst akzeptiert hat, dass diese Welt ohne eine gehörige Portion übersteuerten Pathos und maskuline Theatralik gar nicht funktionieren kann, wird exakt diesen unperfekten Charme zu schätzen wissen. Es ist also eine Gratwanderung des guten Geschmacks, die vermutlich genau jene Fans abholt, die Eternia in all seiner skurrilen Pracht nie wirklich verlassen haben. Und das schreibe ich, der nur Orko als einzige He-Man-Figur besessen hat und immer zu einem Nachbarsjungen ging, um dort mit ihm seiner Sammlung von Man-at-Arms, Battle Cat, Skeletor, Beast-Man und der Festung Snake Mountain zu spielen. Das Coolste war der Stimmverzerrer in der Festung.

Plastik gewordene Nostalgie

Wenn schon der Trailer eine Brücke in die goldene Ära der 80er-Jahre schlägt, dann darf das passende Merch natürlich nicht fehlen. Für alle, die den heimischen Schreibtisch oder das Sammlerregal mit geballter Eternia-Energie aufrüsten wollen, bringt Amazon begleitend zum Film das exklusive The First Ones 4-Pack auf den Markt.

Ein absolutes Must-have, das den Vibe des neuen Live-Action-Spektakels direkt in deine Hände transferiert. Die Figuren fangen genau diesen wunderbaren Spagat zwischen modernem Design und klobiger Retro-Haptik ein, den der Film verspricht.

Bei der Macht von Grayskull | Jetzt sichern!

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Behörden-Cosplay im Briefkasten | DMG Deutsche Messwesen im Faktencheck

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Tue, 19 May 2026 15:11:01 +0000

Wenn Smart Meter Werbung nach Amt klingt.

Zwischen Pizza-Flyern, Versicherungswerbung und der üblichen Papierlage liegt plötzlich ein Schreiben, das so viel amtliche Wichtigkeit ausstrahlt, dass es fast automatisch gerade im Briefkasten steht. Und, nein, ich meine jetzt nicht die lustige Postkarte der Bundeswehr für meinen mittleren Sohn. ;)

So ein Kandidat als Anschreiben ist mir hier in Wuppertal auf jeden Fall gerade ins Haus geflattert und ich bin ein wenig irritiert. Absender: DMG Deutsche Messwesen und das klingt auf den ersten Blick nach Behörde, Messamt oder mindestens nach jemandem mit Klemmbrett und sehr ernstem Gesicht, der deine Wohnung betreten möchte.

Ist es aber nicht.

Dahinter steht die metrify smart metering GmbH, also ein privater Anbieter im Bereich Smart Meter und genau deshalb wird die Sache interessant. Nicht, weil Smart Meter grundsätzlich schlecht wären, also ganz im Gegenteil, moderne Messtechnik kann durchaus sinnvoll sein, sondern weil dieses Schreiben auf mich persönlich so wirkt, als würde hier sehr bewusst mit Amtston, Fristen und Gesetzesvokabular gearbeitet. Und nein, das ist kein klassischer Behördenbrief, es ist ein Werbeschreiben mit für meinen Geschmack sehr offizieller Anmutung.

Atomlabor Kurzfassung:

Wenn ein Brief an „die Bewohner des Hauses“ adressiert ist, mit Pflicht, Gesetzgeber und einer knappen Frist arbeitet, aber im Kleingedruckten ein kostenpflichtiger Vertrag steht, solltest du nicht hektisch den QR-Code scannen. Du solltest erst einmal tief durchatmen.

Der Vibe-Check | Anatomie eines sehr amtlich wirkenden Schreibens.

Lass uns diesen Brief doch einmal in Ruhe auseinandernehmen, denn er zeigt ziemlich gut, wie viel Wirkung ein paar gut platzierte Begriffe entfalten können.

Zuerst der „Wir wissen, wo du wohnst“-Effekt

Adressiert ist das Schreiben sinngemäß an die Bewohner eines Hauses und das wirkt auch erst einmal persönlich. Fast so, als hätte jemand genau diese Adresse auf dem Schirm und möchte genau dir was mitteilen. Als wäre da eine konkrete Maßnahme geplant. Und hey, so können auch städtische Anschreiben sein, welche zum Beispiel über ein Bauvorhaben in deiner Straße mitteilen. Aber hier lohnt sich der genaue Blick.

Denn da steht dieses kleine Zauberwort: Postwurfspezial.

Das ist daher keine persönliche Behördenpost, sondern eine gezielt verteilte Werbesendung. Sie landet in Briefkästen eines bestimmten Gebiets, ohne dass du persönlich gemeint sein musst. Klingt weniger spektakulär, ist aber genau der Punkt, denn die Wirkung ist persönlich, die Zustellung ist aber eher wie Masse mit Zielgebiet bzw. Targeting offline.

Das Paragraphen-Gewitter

Im Text wird dann ordentlich mit Gesetzesluft gearbeitet. Da ist vom Pflichteinbau die Rede, vom Gesetzgeber und von § 14a EnWG. Das klingt schnell nach: Bitte handeln, sonst passiert etwas.

Und genau hier wird es aus meiner Sicht heikel, nicht zwingend juristisch, aber kommunikativ. Denn solche Begriffe lösen natürlich bei vielen Menschen etwas aus. Pflicht klingt nicht nach Angebot. Pflicht klingt nach: Du musst jetzt.

Fact-Check: Was ist eigentlich § 14a EnWG?

Der § 14a des Energiewirtschaftsgesetzes betrifft nicht deinen normalen Haushaltsstrom, das Licht im Flur oder die Kaffeemaschine.

Das Gesetz regelt die Netzintegration von steuerbaren Verbrauchseinrichtungen. Im Klartext: Wenn du eine fette Wärmepumpe, eine eigene Ladesäule (Wallbox) fürs E-Auto oder einen Klimaanlagen-Komplex hast, darf der Netzbetreiber diese im absoluten Notfall "dimmen", um das Stromnetz vor dem Kollaps zu bewahren.

Der Deal dabei: Als Ausgleich für diese Fernsteuerung durch den Netzbetreiber bekommst du reduzierte Netzentgelte (das sind z. B. die im Brief erwähnten 115 Euro). Wer das alles nicht hat, braucht diesen Paragraphen nicht mal zu googeln.

Hinweis: Die Neuregelung gilt primär für große Verbraucher, die ab dem 01.01.2024 in Betrieb genommen wurden. Dein alter Zähler muss deswegen nicht überteuert von einer Privatfirma getauscht werden.

Ob die konkrete Passage für dich als normalen Stromkunden überhaupt relevant ist, solltest du also im Zweifel immer direkt bei deinem bekannten Netzbetreiber oder Messstellenbetreiber prüfen. Entscheidend ist für mich hier die Wirkung des Schreibens. Es baut Druck auf, statt ruhig zu erklären.

Künstliche Eile ist selten ein guter Ratgeber.

Dann kommt die Frist, Termine seien angeblich nur bis zum 07.06.2026 freigeschaltet. Dazu die Formulierung, man bündele aktuell Kapazitäten in der Gegend.

Das ist ein bekanntes Muster aus dem Direktmarketing. Die Knappheit erzeugt Bewegung. Nur reden wir hier nicht über Sneaker, Konzerttickets oder ein limitiertes Vinyl-Release, sondern über einen Stromzähler.

Viele Menschen lesen dann nicht: „Hier möchte mir jemand ein Angebot machen.“

Sie lesen: „Da läuft eine Frist ab, ich muss mich kümmern.“

Der eigentliche Vertrag steht dann weiter unten.

Der wichtigste Punkt steht dort, wo viele nicht mehr genau hinschauen, ganz unten. Klein, grau, zwischen Formulierungen, die man im Alltag schnell überliest. Vielleicht gerade, wenn man ein wenig älter ist.

Dort wird nach meinem Lesen klar: Es geht um einen privaten Vertrag, der laut Schreiben über 24 Monate und 99 Euro brutto pro Jahr läuft.

Und da kippt der Vorgang für mich natürlich komplett. Denn ein Angebot darf natürlich ein Angebot sein. Ein Anbieter darf Kunden gewinnen. Alles okay. Aber wenn ein kostenpflichtiger Vertrag in einem Schreiben steckt, das auf den ersten Blick sehr amtlich wirkt, sollte man besonders genau hinsehen.

Wichtig für Eltern, Großeltern und Nachbarn:

Ein echter Pflichttermin deines zuständigen Netzbetreibers oder Messstellenbetreibers sollte klar nachvollziehbar sein. Wenn du unsicher bist, ruf direkt bei deinem bekannten Anbieter an. Nicht über den QR-Code im Schreiben. Nicht über eine unbekannte Werbeseite. Sondern über die Kontaktdaten, die du selbst recherchierst oder bereits aus deinen Unterlagen kennst.

Warum mich sowas nervt.

Wir beide, die wir vielleicht ein bisschen technikaffin sind, riechen diesen Braten ziemlich schnell. Man liest das Schreiben, hebt kurz eine Augenbraue, schaut ins Kleingedruckte und legt es dann wahrscheinlich dahin, wo es hingehört.

Ablage P.

Aber jetzt stell dir Oma Erna vor oder deinen Vater oder die ältere Nachbarin, die ohnehin schon genug damit zu tun hat, bei Strom, Gas, Glasfaser, Bank-Apps und Krankenkassenportalen den Überblick zu behalten. Ich bekomme da wirklich sehr häufig Anrufe, um genau diesen Menschen zu helfen.

Und hey, da steht Pflichteinbau. Da steht „Gesetzgeber“. Da steht eine Frist.
Und plötzlich fühlt sich ein privates Angebot wie eine amtliche Aufforderung an. Ein Schreiben, das verunsichern kann. Und genau das ist der Punkt, der mich stört, nicht die Technik, nicht der Smart Meter an sich. Sondern diese Art der Ansprache, die aus meiner Sicht unnötigen Druck erzeugt. Klar, der Markt rund um moderne Messeinrichtungen und Smart Meter ist geöffnet und Anbieter dürfen Angebote machen, schreiben, werben. Aber es gibt einen Unterschied zwischen einem transparenten Angebot und einem Schreiben, das sich sehr amtlich anfühlt. Wer ein gutes Produkt hat, sollte es klar erklären können. Verständlich, offen und ohne diesen „Du musst jetzt reagieren“-Ton.

Was du tun solltest, wenn du so ein Schreiben vorfindest.

Wenn dein tatsächlicher grundzuständiger Messstellenbetreiber deinen Zähler tauschen möchte, bekommst du normalerweise eine nachvollziehbare Information. In Wuppertal sind dafür in der Regel die WSW beziehungsweise die zuständigen Stellen im Netzbetrieb (z.B. Stadtwerke) relevant.

Wenn du also so einen Brief bekommst, scanne nicht hektisch den QR-Code (ich habe ihn oben im Anschreiben natürlich abgeändert), unterschreibe nichts aus einem schlechten Gefühl heraus und buche keinen Termin, nur weil irgendwo eine Frist steht. Ruf lieber direkt bei deinem bekannten Netzbetreiber oder Messstellenbetreiber an. Oder frag jemanden, der sich damit auskennt.

Zwei Minuten Gegencheck können dir am Ende einen Vertrag ersparen, den du vielleicht gar nicht wolltest, denn aus meiner Sicht hören sich 99€ und ein 2-Jahres-Vertrag nicht so sinnvoll an. Hier bei uns zahlt ein Haushalt mit steuerbaren Verbrauchern: (Also genau die Leute mit Wärmepumpe oder Wallbox nach § 14a EnWG, die im Brief erwähnt werden) maximal 50 Euro brutto im Jahr. Und bei Oma Erna ohne diese Technik liegt man bei round about 20 Euro brutto im Jahr.

Die goldene Atomlabor-Regel:

Sprich mit deinen älteren Verwandten. Mit deinen Nachbarn. Mit den Leuten, die bei solchen Schreiben eher nervös als skeptisch werden.

Wenn oben „An die Bewohner“ steht, innen mit Pflicht gearbeitet wird und unten im Kleingedruckten plötzlich ein Preis auftaucht, dann gilt:

Erst prüfen. Dann entscheiden.

Und danach vielleicht einmal kurz Oma Erna anrufen.

Smart Meter können also sinnvoll sein, Transparenz aber auch. Schreiben, die wie Behördenpost wirken und am Ende ein privates Vertragsangebot enthalten, brauchen daher einen sehr wachen Blick.

War of Lights | Kurzfilm von A. Shipwright

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Tue, 19 May 2026 08:00:14 +0000

Krieg im Weltall | Ein Feuerwerk

War of Lights von A. Shipwright, drei Minuten, dunkler Raum, Lichtkörper, Bewegung, Einschläge, Stille im Kopf. Und plötzlich sitzt du da und merkst, dass du gerade etwas Schönes angeschaut hast, das eigentlich aus etwas Schrecklichem gebaut ist. Das ist natürlich ein unangenehmer Gedanke, denn Krieg ästhetisch aufzuladen, ist immer gefährlich. Sobald Zerstörung schön aussieht, geht es schnell schief, aber genau an dieser Kante arbeitet der Film sich ab. Nicht platt, nicht mit erhobenem Zeigefinger, sondern eher wie ein kleines kosmisches Gedankenexperiment mit abgefahrenen Bildern. Ich arbeite den Kurzfilm mal kurz auf, ohne die Pointe zu spoilern. Wer mag, kann sich auch vorab den Clip unten anschauen.

Auf den ersten Blick wirkt War of Lights nämlich wie ein abstraktes Sci-Fi-Feuerwerk. Lichtspuren ziehen durch die Dunkelheit, Körper werden zerstört, Explosionen leuchten beinahe feierlich auf, ein Kampf. Und genau daraus entsteht diese seltsame Spannung, die den Film so stark macht. Die Schönheit die daraus entstand, ist halt nicht unschuldig, sie ist ein Rest, ein Nachglimmen, ein Abdruck der Vergangenheit. Vielleicht sogar das Einzige, was am Ende von der Katastrophe übrig bleibt. Der Film macht daraus dann keine Moralpredigt, sondern lässt uns mit diesem Widerspruch zurück. Am Ende schaut man also hin, weil es schön ist und man bleibt hängen, weil man merkt, dass diese Schönheit ihren Preis hat.

Das Licht der toten Dinge

Ich musste beim Anschauen an Sterne denken. An dieses alte Staunen darüber, dass Licht unterwegs sein kann, während seine Quelle vielleicht längst verändert, verglüht oder verschwunden ist. Ganz sauber astronomisch muss man mit solchen Bildern vorsichtig sein, aber als Gedanke sitzt das tief: Wir schauen ins All und sehen nicht einfach Gegenwart. Wir sehen Verzögerung, Erinnerung in Lichtgeschwindigkeit.

Bei War of Lights wirkt der Krieg deshalb nicht nur wie ein Ereignis, sondern wie etwas, das nachleuchtet. Vielleicht sehen wir gar nicht den Moment selbst, sondern sein Echo, vielleicht schauen wir auf Orte, Kulturen oder Planeten, die längst verloren sind, während ihr Licht uns noch erreicht. Das ist zynisch, ja absolut, vielleicht sogar bitter, aber als Bild ist es verdammt stark. Der Film braucht daher keine große Erklärung. Er braucht nur Licht, Dunkelheit, Bewegung. Gerade dadurch bekommt das Ganze Kraft. Der Südkoreaner A. Shipwright vertraut darauf, dass das Publikum die Lücken selbst füllt und das mag ich sehr. Denn genau dort entsteht Kunst oft am besten: nicht im Zentrum, wo alles beleuchtet ist, sondern am Rand, wo man selbst anfangen muss zu denken.

Video: War of Lights von @ashipwright

Credits

War of Lights
Artist Credit: @ashipwright

Direct & Art: A. Shipwright
Executive PD & Edit: RealRock
Sound FX: RealRock

Vielleicht ist das die stärkste Idee dieses Kurzfilms, dass selbst im Schlechten manchmal etwas zurückbleibt, das uns berührt. Nicht, weil das Schlechte dadurch besser wird, sondern weil unser Blick darauf manchmal etwas entdeckt, das nicht ganz verschwinden will.

Schön ist das nicht im einfachen Sinn, aber es leuchtet.

via TheAwesomer

TASHEENO | Layover im Full EP Stream

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Fri, 15 May 2026 06:58:53 +0000

Layover klingt wie ein Zwischenstopp mit laufendem Motor.

Layover von TASHEENO klingt erst einmal nach Zwischenstopp, nach Flughafenlicht, nach Kaffee im Pappbecher und diesem kurzen Moment, in dem man eigentlich nur warten soll, warten auf das kommende Album. Aber diese EP wartet nicht und lässt dich nicht warten. Sie steht eher mit laufendem Motor am Gate und nickt dir zu: „Komm, steig ein, wir sind noch nicht fertig, es geht weiter.“ Die Österreicher von TASHEENO parken hier also kurz den Tourbus, aber sie ziehen definitiv nicht die Handbremse an.

Layover ist eine kompakte Zwischenstation auf dem Weg zum kommenden Album Dance Music inna different style. Und ja, dieser Satz passt ziemlich gut zu dem, was hier passiert, denn das österreichische Kollektiv bewegt sich irgendwo zwischen Club, Dub, Afrohouse, Ska-Vibes und Liveband-Druck. Nicht als wild zusammengewürfelte Genresuppe, sondern erstaunlich klar geführt mit einem roten Faden.

Electronic Afro Dub und was TASHEENO daraus macht:

TASHEENO sind kein klassisches DJ-Projekt und auch keine Band im herkömmlichen Sinne, eher ein Kollektiv, das elektronische Produktion mit echten Instrumenten verschaltet. Drums, Bass, Synths, Gitarre und Brass landen nicht als Deko auf den Tracks, sondern tragen den Sound komplett mit. Das merkt man schnell, weil hier nichts nach Baukasten klingt, denn die Musik hat Körper. Sie schiebt, federt, schwankt und bleibt trotzdem sauber auf Kurs. Und wenn "On my Way" mit dem sanften SKA-Beat ertönt, dann fühlt sich das sogar herrlich retro an und wird durch den DUB in die Moderne gezogen, um daraus dann wirklich Electronic Afro Dub zu zaubern.

Doch was meint der Begriff Electronic Afro Dub eigentlich und ist das nicht nur ein hübsches Etikett? Nun, ist es nicht, der Begriff hilft tatsächlich, dieses Ding zu greifen. TASHEENO nehmen Dub-Delay, bassige Club-Energie, afrokaribische Impulse, Afrohouse-Texturen und ein paar Offbeat-Reflexe, rühren das aber nicht zu kompletter Retro-Nostalgie zusammen. Viel eher klingt es so, als würde jemand den alten Soundsystemgeist aus dem Proberaum direkt auf eine heutige Tanzfläche tragen und das ist dann wirklich innovativ. Ja, genau das macht Layover spannend, denn die EP fühlt sich nicht wie eine lose Sammlung von Singles an, sondern wie ein kurzer Reisebericht. Fünf Stopps, fünf Perspektiven, aber eine klare Richtung.

Die Tracks | Fünf Stationen mit eigener Temperatur

Time To Go mit Charlie P
Mbife mit Idd Aziz
Niokire mit Nes Mburu
On My Way mit Shniece McMenamin als Extended Dub
Trippin

Schon die Gästeliste sagt einiges. UK-Soundsystem-Energie, kenianische Stimmen, Afrohouse-Verweise, Dub-Culture, dazu ein Instrumental, das wie ein Blick in den Maschinenraum funktioniert. TASHEENO denken ihre Musik international, aber nicht beliebig, und das ist ein wichtiger Unterschied. Es geht nicht darum, möglichst viele Einflüsse in den Topf zu werfen und zu schauen, was aus der Suppe wird, es geht um Verbindung.

Time To Go mit Charlie P ist so ein Track, der seinen Titel ernst nimmt.
Da ist sofort Bewegung drin. Charlie P bringt diese Soundsystem-Präsenz mit, die nicht laut auftreten muss, um Raum zu füllen. Die Vocals sitzen auf einem Fundament, das Dub kennt, aber nicht im Museum wohnt. Ein bisschen getoaste, schöner, tiefer, grollender Bass, lockere Vocals. Nice. Der Track hat Druck, aber keinen Muskelshirt-Gestus. Er rollt eher. Bass nach vorne, elektronische Spannung darunter, dazu dieses Gefühl, dass gleich irgendwo ein Stroboskop anspringt. Für meinen Geschmack hätte es gerne ein wenig aggressiver sein dürfen. TASHEENO zeigen hier aber ziemlich direkt, dass sie Dub nicht nachspielen wollen.

Mit Niokire holen TASHEENO die kenianische Sängerin Nes Mburu ins Zentrum. Der Track hat einen warmen Puls, organische Percussion und Vocals, die nicht einfach oben auf dem Beat liegen, sondern sich in ihn hineinlehnen. Das klingt nicht nach einem Feature, das man nachträglich draufgeklebt hat. Eher nach einem gemeinsamen Raum, in dem alle kurz die Schuhe ausziehen und dann doch anfangen zu tanzen. Was mir daran gefällt: Niokire kippt nicht in diese glattpolierte Afrohouse-Ästhetik, die inzwischen an jeder zweiten Playlist-Ecke wartet. Der Track bleibt handgemacht im Gefühl, auch wenn die Produktion elektronisch denkt. Natürlich ist das kein Zufall, sondern genau die Stärke dieses Kollektivs.

On My Way mit Shniece McMenamin geht noch einmal anders an die Sache heran. Hier kommt dieses TASHEENO eigene CyberSka-Gefühl durch. Ska-Rhythmik, Dub-Raum und elektronische Produktion treffen sich in einer Extended-Dub-Version, die nicht hetzt. Der Track darf sich ausbreiten. Wer bei Ska sofort an verschwitzte Keller, karierte Hemden und sehr viel Hüpfen denkt, bekommt hier ein Update. Der Offbeat ist da, aber er ist futuristischer, flächiger, dubiger. Und trotzdem passiert genau das, was guter Offbeat eben macht: Irgendwann bewegt sich der Fuß von allein.

Mbife mit Idd Aziz bringt noch einmal eine andere Schwere mit. Nicht im Sinne von düster, sondern im Sinne von geerdet. Die Basslines sitzen tief, der Groove arbeitet körperlich, und die Stimme wirkt weniger wie ein Pop-Element, sondern fast rituell. Das ist Musik, die nicht nur nach vorne will, sondern auch nach unten. In den Bauch, in die Knie, irgendwo dahin, wo man nicht mehr groß analysiert.

Auch hier vermeiden TASHEENO die üblichen Tricks, also keine billige Drop-Dramaturgie, kein künstliches Aufpumpen, kein „Jetzt kommt der große Moment“-Schild über dem Track. Mbife bleibt dichter, geduldiger und dadurch am Ende wirksamer.

Zwischen den Vocal-Tracks steht Trippin wie ein Instrumental mit offener Motorhaube. Man hört, wie TASHEENO denken. Elektronische Grooves, Bass, Brass, Percussion, alles greift ineinander. Gerade deshalb ist Trippin kein Füllstück, sondern ein gekonntes Outro.

Natürlich ist Layover ein Teaser auf das kommende Album Dance Music inna different style, das hört man. Die EP fasst zusammen, was in den letzten Releases schon angelegt war, und schiebt es in eine kompakte Form, was für uns neue Hörerinnen und Hörer ein guter Einstieg ist. Für alle, die TASHEENO schon verfolgt haben, ist das eher eine Art Zwischenbilanz. Aber das Wort „Zwischenbilanz“ klingt fast zu nüchtern. Layover fühlt sich eher an wie dieser kurze Stopp auf einer Reise an und das gefällt.

Hier liegt tatsächlich der Charme dieser EP, sie erklärt nicht zu viel, sie stellt sich nicht wichtig in den Raum, sie drückt einfach aus, was TASHEENOs DNA ist: Bass, Bewegung, Dub-Raum, globale Stimmen und eine ziemlich klare Vorstellung davon, wie moderne Tanzmusik klingen kann, wenn man sie nicht nur am Rechner, sondern auch mit Bandohren denkt und umsetzt.

Layover by TASHEENO

linktr.ee/tasheeno

Musikgeschichte mit Fred again.. & Thomas Bangalter Live | USB002

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Fri, 08 May 2026 09:36:43 +0000

Ja, ich weiß, was ihr jetzt denkt:

„Jens, der Gig war doch schon Ende Februar, wach mal auf!“

und ihr habt natürlich völlig recht.

Ich bin verdammt spät dran, das hier ins Atomlabor zu packen. Aber ganz ehrlich? Manches ist so gut, dass es einen festen Platz im digitalen Archiv finden muss, völlig unabhängig vom schnelllebigen Hype-Zyklus, und dieses zweistündige musikalische Meisterwerk gehört definitiv in diese Kategorie.

Für das furiose Finale seiner 10-wöchigen USB002-Residency im Londoner Alexandra Palace hat Fred again.. mal eben Geschichte geschrieben. Sein Überraschungsgast hinter den Decks? Keine Geringerer als Thomas Bangalter, also die eine Hälfte der legendären, nicht mehr existierenden Roboter von Daft Punk.

Um das jetzt mal kurz einzuordnen: Das war Bangalters erster Auftritt auf britischem Boden seit sage und schreibe 19 Jahren! Das letzte Mal stand er dort 2007 beim Wireless Festival während der unvergessenen Alive-Tour mit Daft Punk auf der Bühne. Die beiden haben sich vor dem Gig eine Woche lang in London im Studio eingeschlossen, um einen USB-Stick mit feinsten Edits, Mashups und rohen Ideen vollzupacken. Das Ergebnis ist daher ein wilder Ritt: Ein grandioser Clash aus Freds emotionalen Bangern und Bangalters ikonischen French-House-Wurzeln ergänzt mit Motown-Sound im EDM-Gewand. Echte Gänsehaut-Momente garantiert, vor allem, wenn Daft Punk-Klassiker wie „One More Time“ oder „Digital Love“ kongenial mit Freds Tracks verschmelzen.

Warum du das hören (und sehen) musst:

2 Stunden purer Flow: keine Unterbrechungen.
Werbefrei: Fred hat das Set auf YouTube komplett ohne Ads hochgeladen.
Exklusivität: Ein seltener Einblick in die Arbeitsweise zweier Genies.

Da ich weiß, dass viele von euch (genau wie ich beim Laufen oder Arbeiten) lieber nur den Ton haben, habe ich euch das Ganze auch via SoundCloud eingebunden. Perfekt für den Hintergrund-Vibe.

Gönnt euch diese zwei Stunden Magie. Besser spät als nie!

Earth-o-Naut mit Everything. All At Once. All Of The Time | SOTD & Albumtipp

noreply@blogger.com (Atomlabor) — Tue, 05 May 2026 08:31:30 +0000

Everything. All At Once. All Of The Time.

Langjährige Blogleser wissen es, Musik ist für mich Rehabilitation. Zu jeder Zeit und zu jeder Gemütslage, suche ich mir die passende Musik, den passenden Soundtrack für mein Leben aus. Gerade ist eher so eine Phase, die ein wenig holprig ist, da kann man Support gut gebrauchen. „Everything. All At Once. All Of The Time.“ von Earth-o-Naut, der heutige Song, klingt so, als hätte jemand sehr genau verstanden, warum britischer Soul manchmal dann am besten funktioniert, wenn er nicht auf Soul macht. Zusätzlich ist es der Opener zum Debüt-Album.

Earth-o-Naut kommt aus Liverpool. Das ist bei Musik natürlich immer ein schwerer Rucksack, weil sofort alle anfangen, irgendwelche Linien durch die Popgeschichte zu ziehen. Beatles hier, Mersey Beat da, große Stadt, große Legenden. Kann man machen, muss man aber nicht und bei Earth-o-Naut ist spannender, wie unaufgeregt er mit diesem Hintergrund umgeht. „Everything. All At Once. All Of The Time.“ wirkt auf mich nicht wie der Versuch, Liverpool zu erklären, man hat eher das Gefühl, der Song trägt diese Stadt im Blut, mit ein bisschen Soul, ein bisschen Mod-Gefühl, ein bisschen grauem Himmel über warmem Verstärkerlicht, und das reicht absolut aus. Mehr muss man da gar nicht reininterpretieren.

Musikalisch liegt das für mich ziemlich nah an Paul Weller, was auch nicht verwundert, denn es ist Verwandtschaft im Geiste. Dieses kantige Melodiegefühl, diese Mischung aus britischer Direktheit und souligen Unterströmungen kommt direkt rüber. Ich besitze glaube ich alle Alben aus Wellers The-Jam-Zeit, und genau deshalb bin ich bei solchen Vergleichen eher vorsichtig, aber hier darf man den Namen ruhig in den Raum stellen. Jetzt nicht als Etikett, sondern als Koordinate, denn

Steve White sitzt nicht zufällig an den Drums.

Dass ausgerechnet Steve White auf dem Track spielt, ist natürlich ein wenig mehr als nur ein schöner Credit für die Presseinfo, denn White war bei Paul Weller und The Style Council nicht einfach der Typ im Hintergrund, der sauber den Takt hielt, er war Teil dieses eleganten Drucks, den diese Songs hatten. Präzise, federnd, nie zu viel, aber immer genau da. Ich will ihn jetzt nicht in die Riege der Superdrummer heben, aber er hat den Wellersound schon sehr gut miterzeugt.

Genau diese Qualität spürt man auch hier auch. Das Schlagzeug schiebt den Song nicht plump nach vorne, es hält ihn lebendig durch kleine Bewegungen, kontrollierten Puls, keine Angeberei. Ein guter Drummer weiß, wann er den Raum nicht vollstellen darf. White weiß das.

Earth-o-Naut hat den Song selbst geschrieben, aufgenommen und produziert. In seinem eigenen Studio, an einem nicht näher benannten Ort. Das klingt im ersten Moment nach geheimnisvoller Promosprache, aber der Sound macht diese Angabe glaubwürdig. Klingt einfach rund und nicht nach "jetzt muss ich liefern". Also, kein glattgebügelter Streaming-Pop, bei dem jede Ecke entfernt wurde, damit niemand hängenbleibt, ne ne, hier darf die Musik noch ein bisschen Pattina haben. Die Stimme sitzt nah genug, um persönlich zu wirken, aber nicht so nah, dass sie dir mit Pathos auf den Schoß fällt. Die Produktion lässt Luft zwischen den Instrumenten und man hört, was bewusst weggelassen wurde, was ich sehr zu schätzen weiß.

This Is Nowhere. This Is Everywhere. by Earth-o-Naut

All At Once. All Of The Time.

Der Titel klingt erstmal wie ein Zustand, den viele gerade kennen dürften.
Alles. Gleichzeitig, immer. Nachrichten, Termine, Erwartungen, kleine Krisen, große Krisen, und irgendwo dazwischen versucht man noch, ein halbwegs klarer Mensch zu bleiben. Das ist der Grund, warum ich den Song hier auch gerade so für mich feiere. Denn es wird daraus kein plumper Kommentar über unsere überdrehte Gegenwart, eher klingt er wie ein stiller Gegenentwurf dazu. Mal kein erhobener Zeigefinger, keine große Weltdeutung, sondern ein Stück Musik, das dir für ein paar Minuten den Lärm aus dem Kopf nimmt. Und das ist vielleicht seine eigentliche Stärke. „Everything. All At Once. All Of The Time.“ redet nicht über Entschleunigung, sondern verhält sich einfach so. Der Track bleibt kontrolliert, warm, fast stoisch. Als würde jemand sagen: Ja, ich sehe das Chaos, aber ich renne ihm nicht hinterher. Latent ein "Fuck ya", was mir gefällt.

Bei Musik mit Mod, Soul und Weller-Nähe besteht immer die Gefahr, dass sie nur alte Knöpfe drückt. Parka an, Krawatte richten, Northern Soul Pose, fertig ist der Traditionsbetrieb. Earth-o-Naut tappt da aber nicht rein. Jedenfalls nicht mit dieser Single. Jedoch versetzt er mich natürlich schon in die Stimmung, die ich als 16jähriger hatte, als ich die ersten Mod- und SKA-Partys besuchte. Man merkt dann halt doch, der Song kennt seine Referenzen, aber er wedelt nicht damit herum. Das ist ein Unterschied. Man hört die britische Schule, man hört die Liebe zu klassischem Songwriting, man hört auch diese feine Spannung zwischen Pop und Soul, aber es bleibt im Hier und Jetzt.

Vielleicht ist genau das der Grund, warum mich der Track catched. Er vertraut auf Groove, Stimme, Atmosphäre und auf diesen kleinen Moment, in dem ein Refrain nicht explodiert, sondern sich festsetzt.

Das Album „This Is Nowhere. This Is Everywhere.“ kommt Ende Mai

„Everything. All At Once. All Of The Time.“ ist die erste Single aus dem kommenden Earth-o-Naut Album „This Is Nowhere. This Is Everywhere.“, das am 29. Mai 2026 erscheinen soll. Veröffentlicht wird das Ganze über Agogo Records.

Und ja, ich durfte schon komplett reinhören in die illustre Mischung aus Brit-Funk, Acid Jazz, Soul-Jazz und R'n'B. Gelungen.

Da Earth-o-Naut diese Mischung aus britischem Soul, sauberer Songschreiberhand und unaufgeregter Produktion über ein ganzes Album trägt, kann ich beruhigt schreiben: „This Is Nowhere. This Is Everywhere.“ ist eine Platte, die nicht nach Aufmerksamkeit bettelt sondern eher eine, die man irgendwann zufällig wieder auflegt und sich fragt, warum man sie nicht schon früher öfter gehört hat. Und solche Platten sind mir meistens lieber als die, die beim ersten Hören schon alles erzählen.

Also haltet den Ende des Monats mal im Kalender fest. In der Zwischenzeit geben wir uns die Single in Dauerrotation.