Aerith Tribal Fusion

Live sobre Dark Fusion

noreply@blogger.com (Aerith Tribal Fusion) — Wed, 03 Jun 2020 10:26:00 +0000

por Aerith Asgard & Hölle Carogne

No dia 11 de maio, realizamos uma live no Instagram sobre o tema Dark Fusion. Infelizmente, a conexão da internet não estava muito boa e o diálogo foi prejudicado. Por isso, decidimos organizar as ideias em um post, elaborando um material bacana para todos que curtem o lado mais underground da dança. Organizamos esse post em blocos, seguindo as perguntas que vocês nos enviaram. Deixe um feedback para saber se vocês curtiram esse tipo de material. :3

1. Não sei o quê é Dark Fusion?

Aerith: Sobre a perspectiva do processo histórico, o Dark Fusion é o sub-estilo do Tribal Fusion criado pela norte-americana Ariellah. Para ela, o Dark Fusion e o Gothic Bellydance são a mesma coisa, pois ela veio da sub-cultura gótica e todos os conceitos para criação de sua dança partem dessa subcultura. Contudo, para que ela tivesse maior liberdade de expressão e não se limitasse a um rótulo, permanecendo coerente com o trabalho que ela vinha desenvolvendo, Ariellah começou a chamar seu estilo de dança por "Dark Fusion", se afastando do estigma que existia com o uso do termo "gothic" na época.

Hölle Carogne: O Dark Fusion, ao meu ver, é uma extensão do Tribal Fusion que priorizada a expressão e a teatralidade, tendo como temas e enredos o lado obscuro da própria existência, que se reflete na dança através da escolha das músicas, figurinos, makes, etc.

Em seu site, Ariellah explica, com suas palavras, "O quê é Dark Fusion Belly Dance?":

http://www.ariellah.com/about.php#history

Texto traduzido por Gabriela Miranda

Do meu ponto de vista, Dark Fusion Belly Dance é uma das muitas ramificações do Tribal Fusion Belly Dance. Dark Fusion Belly Dance bate no mais teatral, dramático, passional e emocional lado da Dança do Ventre. Ele utiliza os elementos básicos de dança do ventre e os mistura com as mais obscuras estilizações, músicas e figurinos das dançarinas. No meu caso como dançarina, eu misturo meus movimentos de dança do ventre com meu próprio estilo pessoal e minha personalidade que contém muito da subcultura gótica, seu modo de vida, atitude, estilos e gostos.

Dark Fusion belly dance é uma estética mental e física que a dançarina tem dentro do seu ser, que se manifesta através de sua dança. Há uma contínua estética da dançarina gótica, por assim dizer, que é trazida para a mesa. Eu tenho notado que nas performances de Dark Fusion belly dance, um emoção muito profunda é evocada na platéia e há uma sensação de que a platéia é trazida para a performance. A energia que flui da dançarina é forte e penetrante e chama a platéia com a sua expressividade.

Como isso acontece? Bem, de ínicio, as mãos são mais expressivas e a energia transportada e lançada pelas mãos e pontas dos dedos pode ser poderosa e de grande alcance. As expressões faciais e presença de palco desempenham um grande papel no Dark Fusion belly dance... isso pode ser feito com os olhos, olhando bem fundo nos olhos da platéia, implorando que eles sintam seus sentimentos, bem como uma inclinação da cabeça desta ou daquela maneira para expressar um pensamento ou emoção ou enredo ou, simplesmente, para comandar a atenção ou se envolver ou capturar a surpresa da platéia. Também acho que no Dark Fusion belly dance enredos podem vir de histórias de fantasia que invocam sombras, escuridão ou cobras ou mitos, ou invocar as divindades ou se basear em um ritual , ou simplesmente a própria história das dançarinas, sua emoção e expressão...

Em sua prática, formação e desempenho, encorajo vocês a elevar a sua dança e encontrar o equilíbrio entre técnica e arte e entre emoção e dança ... Encorajo vocês a trazer maior energia para todos os seus movimentos e consciência de sua postura e consciência de suas emoções e de seu próprio estilo de dança do ventre e como isso vem através de você, trazer o drama para a sua dança... elevá-la...

2. Até que ponto o Tribal Fusion chega antes de virar Dark Fusion, em termos de criação e improviso?

Aerith: Existem muitas bailarinas de Tribal Fusion que são extremamente expressivas e não fazem Dark Fusion, utilizando técnicas do próprio Teatro, mas de outras danças como o Butoh, Dança Contemporânea e Dança Moderna, por exemplo.

Bailarinas de Tribal Fusion podem ter elementos de "dark fusion" em suas performances e não ser considerado "Dark", por não estar imerso totalmente na proposta, mesmo vestindo preto, ter algumas linguagens corporais "características" do estilo, etc Gosto muito do conceito que a Hölle usou na live sobre o termo Dark Arts entrelaçado com o Tribal Fusion. Acho que resume e define bem o "Dark Fusion".

No Brasil, desde 2009, e por uns cinco anos, mais ou menos, estivemos estudando com a Ariellah. Então, eu acredito que receber essa "herança" de estudo dela tenha trazido para o repertório da cena tribal brasileira elementos do Dark Fusion diluídos.

Outra bailarina que não é de Dark Fusion, mas usa muitos elementos teatrais com muita expressão e emoção (e a própria Ariellah estudou com ela), sendo uma mestra para as principais bailarinas da cena mundial e brasileira, deixando também seus "genes" no "DNA Tribal brasileiro" é a Mira Betz (EUA).

A própria Zoe Jakes (EUA), que não é uma bailarina de Dark Fusion inspira bailarinas de Dark em todo mundo com seus figurinos, sua forte presença de palco, olhar penetrante, movimentações peculiares e impactantes.

Aqui no Brasil, um exemplo de trabalho que não é de Dark Fusion, mas tem elementos fortes desse sub-estilo é a performance "Carcará" da Shaman Tribal Co. (vídeo abaixo), que é uma apresentação de Tribal Brasileiro. Podemos observar características como a forma de se locomover, a força, o olhar, a conexão e a própria energia são similares.

OBS: Isso também não significa que a companhia não trabalhe com o Dark Fusion! Pelo contrário, a cia possui coreografias totalmente imersas na proposta do Dark.

Outro elemento que causa muita confusão para ser considerado Dark Fusion é trabalhar com uma linha narrativa, interpretando personagens e contando histórias. Isso não é uma característica exclusiva desse estilo, mas sim uma das propostas do próprio Tribal Fusion, desde a Jill Parker (pioneira do Tribal Fusion, que inclusive, chamava sua dança de Theater Belly Dance).

Hölle Carogne: Acho que são impulsos diferentes que movem o bailarino a optar por uma via mais obscura ou seguir pelo terreno do Tribal Fusion. Tecnicamente, o limiar entre um e outro pode ser muito estreito/invisível. Mas a visceralidade e o conflito interno trabalhado vai te guiar para um caminho além do Tribal.

3. As pessoas enxergam o Dark Fusion como uma coisa muito caricata, como usar preto, colocar uma música pesada, botar chifres, tem que fazer cara de mau...Isso é Dark Fusion?

Aerith: Sobre a questão do caricato, de uma forma geral, quando você não tem uma vivência, uma experiência ou um conhecimento aprofundado sobre um assunto e você traz um personagem ou uma persona só para "causar" com um figurino trevoso, vai soar esquisito de uma forma mau executada, como se você quisesse vestir uma fantasia de Halloween. Se você não é honesto com sua proposta, não sendo verdadeiro com aquilo que você vai levar no palco, ou seja, não somente com seus sentimentos, emoções e experiências vividas, mas também na questão de não estudar, pesquisar e se aprofundar no tema que você quer abordar, a performance vai se esvaziar e se tornar algo esdrúxulo.

O figurino nunca deve ser o foco da sua apresentação. Ele é um acessório e serve para apoiar o que você vai interpretar em cena. A cor preta não representa o estilo Dark Fusion, pois você pode dançar de branco, vermelho, dourado ou até pelada (hahaha) e o importante é sua entrega no palco, sua corporeidade e trazer esse lado sombrio para compartilhar com o público.

Hölle Carogne: Na minha opinião, para ser Dark Fusion tem que ter uma estética dark. Mas isso não significa que precise ser caricato, bem pelo contrário. Um trabalho de DF pode ser feito sem preto/chifre, desde que este sentimento grotesco seja compartilhado com o público de alguma forma. O caricato acontece muitas vezes, por falta de experiência do bailarino e por possíveis falhas na hora de tentar vivenciar em cena um certo aspecto/sombra/conflito/trauma/arquétipo. Um mergulho verdadeiro dificilmente deixa a desejar.

4. Diferenças entre Dark/ Metal/ Gothic/ Rock Fusion e Metal/ Rock/ Gothic Bellydance .

Hölle Carogne: Uma é fusão de dança do ventre com musicalidade e estética específica (rock/metal/gothic), outra é fusão de tribal com musicalidade e estética específica (rock/metal/gothic), e outra muito diferente é o Dark Fusion (que independente da escolha musical e estética), deve conter este mergulho interno e trazer para o palco esta visceralidade, podendo causar sentimentos profundos em si mesmo e no público.

Aerith: Bom, sobre o Dark Fusion, acredito que estejamos explanando sobre o assunto ao longo de todo o post, então vou "pular" essa parte hehehe.

Gothic Bellydance (ou "Raks Gothique") seria todo o universo que engloba a dança do ventre (nos formatos oriental, tribal e folclórico) com a sub-cultura gótica. Tal movimento pode ser notado a partir da década de 90, ao redor do mundo. Uma das primeiras bailarinas do estilo e que tem uma pesquisa profunda no assunto é a Tempest (EUA), que desenvolveu em 2003 o site http://gothicbellydance.com/ com artigos e informações importantes sobre o estilo.

Retirando e traduzindo um trecho muito interessante do site da Tempest ( e que não vale somente para a sub-cultura gótica, mas para qualquer assunto que você for desenvolver no palco):

"Uma pergunta comum é: você tem que ser gótico para dançar gótico? A resposta curta é não - MAS o dançarino deve ter uma forte compreensão da cultura gótica - assim como alguém estudaria a cultura por trás de qualquer gênero de arte. Pode não estar enraizado em um país, mas definitivamente possui todas as qualidades de uma identidade cultural e pode ser estudado com grande detalhe por meio de literatura, arte e música. Não entender a cultura, ou nem mesmo tentar fazê-lo, embora afirme realizar o Gothic Belly Dance, é o equivalente a zombar do credo ou do passado de outra pessoa. A Dança do Ventre Gótica não é "brincar de se vestir" ou "parecer estranha". É sobre a expressão do seu eu mais sombrio, descobrindo sua alma em uma performance de dança teatral.

Deve-se notar que a maioria dos dançarinos do ventre góticos conhecidos estão extremamente familiarizados com a música e os movimentos tradicionais de dança do ventre, e consideram esse gênero de dança uma exploração adicional do talento e dos interesses apaixonados."

http://gothicbellydance.com/defined.html

Apesar de, na minha concepção pessoal, o universo do Gothic Bellydance ser divido em Dança do Ventre Gótica propriamente dita (aquela que pega a técnica da dança do ventre tradicional com a estética gótica), Gothic Fusion e Dark Fusion, para as bailarinas norte-americanas, que divulgaram massivamente o estilo, principalmente com os DVD's Gothic Bellydance "The Darker Side of Fusion" (2006) e "Revelations" (2007), para elas tudo é a mesma coisa, não há essa distinção.

Abaixo, algumas das principais praticantes da Dança do Ventre Gótica:

BLANCA (EUA):

JENIVIVA (EUA):

Nota: Infelizmente, a bailarina Jeniviva faleceu em 2011, por conta de um acidente.

TEMPEST (EUA):

Já o Gothic Fusion, para mim, é a quando você busca uma estética, musicalidade, conceitos e uma proposta gótica atrelados à técnica do Tribal Fusion.

ARIELLAH (EUA)

MAVI (EUA)

SASHI (EUA)

TEMPEST (EUA)

Metal (Fusion) Bellydance não tem nada a ver com o Gothic Bellydance, mas ambos estariam dentro do universo das "fusões" alternativas. E, podemos ver apresentações de Dark Fusion com músicas de rock e metal. Por isso, ao meu ver, o Dark Fusion não é um sub-estilo exclusivo do Gothic Bellydance.

Um outro exemplo que podemos ver disso é o estilo Dark Fusion do Sombras Tribal, companhia dirigida pela Akzara, com núcleos na Venezuela e agora em Madrid, Espanha. No estilo Sombras, elas fusionam o Tribal Fusion, Hip Hop e Dança do Ventre com a musicalidade pesada do Rock e Metal.

Ou seja, quando usamos o termo "Metal/ Rock Fusion", geralmente queremos dizer que é uma proposta com uma música de metal/rock com uma estética headbanger (ou mais dark) associada à técnica do Tribal Fusion. "Metal Bellydance" já seria algo mais voltado para a técnica da dança do ventre com esse lado mais underground. Contudo, é muito comum as praticantes desse gênero mesclarem elementos do Tribal Fusion, tendendo a uma estética e movimentos mais usuais da dança do ventre convencional. Então, de uma forma geral, chamam de "Metal Bellydance" por ser um termo mais abrangente.

AKZARA (Venezuela)

DIANA BASTET (Ucrânia)

KAHINA BELLYDANCE (SP/ Brasil)

Bailarina de dança do ventre realizando uma fusão dentro dessa proposta.

KAHINA SPIRIT (Portugal)

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KAMBRAH (México)

LORYEN ZEYTIN (SP/ Brasil):

Bailarina de dança do ventre realizando uma fusão dentro dessa proposta.

| Entrevista no Blog |

MAHAFSOUN (Canadá)

NATÁLIA PIASSI (ES/ Brasil)

Bailarina de dança do ventre realizando uma fusão dentro dessa proposta.

NYX NAMOR (EUA)

RHADA NASCHPITZ (RJ/Brasil)

Quando você começa a sair muito da técnica do Tribal Fusion e ter uma maior teatralização ou até mesmo mais elementos de outras técnicas de dança, como butoh, contemporâneo, hip hop, etc, que tenham pouco ou, às vezes, absolutamente nada de vestígios da dança do ventre Tribal, você começa a trabalhar no universo livre das fusões experimentais (deixando claro que as fusões experimentais não são exclusivas do 'Dark').

É importante esclarecer que uma mesma bailarina, por mais que o trabalho dela seja representado por um estilo (como no nosso caso, o Tribal), ela pode passear entre outras linguagens e possibilidades de dança... e até mesmo artísticas, não sendo considerada Tribal Fusion. É muito comum as pessoas confundirem e jogarem tudo que é exótico, diferente e mais teatral para a "caixinha" do Tribal Fusion e/ou Dark Fusion. E não é assim. Aquela bailarina não é única, exclusiva e estática de uma modalidade de dança e estilo. Falando agora de Tribal, de uma forma ampla, você vai encontrar referências internacionais saindo de suas "caixinhas" e inovando, elas fazem isso porque, ora, o corpo precisa falar mais alto e temos a necessidade de nos expressarmos com a linguagem que está mais latente naquele momento. Nem sempre a performance daquela bailarina icônica de Tribal Fusion vai ser uma performance de Tribal Fusion. Abaixo, vou citar alguns exemplos de bailarinas que sempre estão fazendo fusões mais experimentais e geralmente se chamam de "fusion dancer" (eu chamo carinhosamente de 'fusionistas" hahaha).

AMY SIGIL (EUA)

MICHELLE SORENSEN (EUA)

PINY ORCHIDACEAE (Portugal)

VIOLET SCRAP (Itália)

ZOE JAKES (EUA)

Quando a performer mantém um lado mais obscuro, trabalhando ainda com a proposta de Dark Arts e outras linguagens, saindo muito da técnica do Tribal Dark Fusion temos algo que soe como "Experimental Dark Dance", pois a expressão evoca esse lado sombrio, mas a fusão trabalha com outras linguagens artísticas.

ALONDRA MACHUCA (Chile)

ASHARAH (EUA)

HÖLLE CAROGNE (RS/ Brasil)

IDHUN (Espanha):

LELYANA STANISHEVSKAYA (RÚSSIA)

LONG NU (Argentina)

MARIANA MAIA (SP/Brasil)

RAVEN EBNER & EGO UMBRA (EUA):

SABA KHANDROMA (Argentina)

SHAKRA DANCE CO. (USA)

TRIUM PARCAE (BÉLGICA):

Vou transcrever uma reflexão que a Hölle fez na live sobre a parte que conversamos sobre fusões experimentais e acho interessante compartilhar aqui nesse post:

"Em nenhum momento do início da minha carreira eu olhei para o meu trabalho e falei "Cara, eu faço Dark Fusion!" ou "Eu vou fazer uma coreografia de Dark Fusion!" Eu nunca olhei para o meu trabalho dessa forma encaixotada, pensando em enquadrar em algum rótulo. Apesar de eu ter como foco de estudo o Tribal há muito tempo, quando eu me expresso com a dança, dificilmente sai Tribal no meu corpo...sai muitas outras coisas. Eu normalmente tenho muito mais esse tipo de trabalho experimental ou com dança-teatro ou fusão com butoh...coisas que não são e que não vai ter a estética do Tribal. E mesmo assim as pessoas começaram a "rotular" o meu trabalho como "Dark Fusion". Foi a partir do olhar alheio que eu me descobri como uma bailarina de Dark Fusion. Então, fica esse questionamento também: até que ponto esse rótulo "Dark Fusion" tem que estar realmente agregado com a técnica do Tribal, se ele está se comunicando com o público de outras formas. Se ele está levando essa mensagem, dentro do 'Dark', sem esse "apego".

5. Elementos para que uma performance seja considerada de "Dark Fusion".

Aerith: Dark Fusion é um sub-estilo dentro do universo do Tribal Fusion. Observamos uma maior presença de palco da bailarina, que evoca maior força, expressividade, teatralidade, dramaticidade, uma linguagem corporal mais profunda e um olhar penetrante, conectando-se profundamente com o íntimo do seu público, hipnotizando-o, aproximando-o da proposta que o artista se propôs em desenvolver.

O termo "Dark" tem a ver com o lado mais sombrio, não ocultando-o do mundo, mas sendo honesto, verdadeiro com os sentimentos mais obscuros do ser humano, exteriorizando, evidenciando suas experiências, sua psique; a visão do artista que trabalha com esse sub-estilo é ver beleza no trágico, no bizarro, sob um ideal de contracultura.

Hölle Carogne: expressão, emoção, teatralidade, visceralidade, verdade.

Abaixo, um trecho que a Hölle comenta na live e que dialoga com essa questão:

"Pra ser Dark Fusion, tem que ter uma estética 'Dark'. Eu gosto muito de relacionar o Dark Fusion com a Dark Arts. Então, eu só me comunico com o público e eu faço com que o público compreenda esse "algo grotesco" que mora em mim se eu dou a ele algum tipo de material de palco que vai fazer ele sentir isso.

Então, por exemplo, eu quero fazer um trabalho de Dark Fusion falando sobre a minha depressão. Se isso é algo extremamente denso pra mim, mas eu vou para o palco levando uma coreografia super leve, com um figurino super bonito, demonstrando para o público algo suave, não vai ser Dark Fusion, pois eu não vou estar demonstrando pro público essa angústia que mora em mim. Então, pra ser Dark Fusion, precisa ter o elemento Dark. Precisa compreender o trabalho performático como algo grotesco, como algo sombrio. A arte, no momento que a gente pare, ela deixa de ser nossa e ela vai comunicar com o público como ela quiser. O público vai entender, vai interpretar muito mais de acordo com a vivência pessoal dele do que ele vai saber exatamente do que a gente tá falando. O público vai olhar um trabalho sobre depressão e vai associar com algo que é interno, mas que é dele.

Pra mim, pra ser Dark, precisa sim ter esse mergulho interno, sobre algo obscuro que a gente quer trabalhar, mas também a gente tem que dar a possibilidade para o público entender que é Dark. Isso não significa que tem que ter chifre, que tem que ter preto. Às vezes é uma questão da movimentação ou da expressão de agonia, ou de dor, ou de sofrimento que vai tentar passar pro público que é algo Dark, que é algo da Sombra, que é algo desse lado nosso que as pessoas tendem a ocultar. E que no Dark a gente não quer ocultar, a gente quer compartilhar."

6. Ícones da cena mundial:

ARIELLAH (EUA):

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AEPRIL SCHAILE (EUA):

AKZARA (VENEZUELA):

ALICIA BELLYCRAFT (EUA):

ASHARAH (EUA):

BELLADONNA (EUA):

BEX (UK):

DARK STAR (UK):

GIOIA SAMARA (ITÁLIA):

IDHUN (ESPANHA)

| Entrevista para o Blog parceiro |

IMAN NAJLA (ARGENTINA):

DELIRIUM (ESPANHA)

ETHEL (RÚSSIA):

LONG NU (ARGENTINA):

| Entrevista no Blog |

MARJHANI (USA)

MORGANA (Espanha)

SABA KHANDROMA (ARGENTINA):

| Entrevista no Blog |

SASHI (EUA):

SCATHA BELLYDARK (CHILE):

SERA SOLSTICE (EUA):

6. Quero aprender.

Oba! Experimente,tendo sempre responsabilidade psicológica e espiritual, pois o processo de mergulho interno pode ser muito doloroso. Converse com professores responsáveis e que tenham vivência/experiência com este formato.

Caso você não encontre uma professora de Dark Fusion na sua região, entre em contato com a gente, pois podemos orientar qual é a mais próxima de você.

Conheça algumas bailarinas da cena nacional de Dark Fusion:

Aerith (PR)

Aline Bulkan (SC)

Aline Pires (SC)

Anath Nagendra (RS)

Annamaria Marques (MG)

| Entrevista no Blog |

Camila Middea (RJ)

Carol Freitas (DF)

Crys Eda (SP):

| Entrevista no Blog |

Gabriela Miranda (RS)

NOTA: Atualmente, a Gabriela se aposentou como bailarina profissional, não sendo mais ativa na cena.

| Entrevista no Blog |

Gilmara Cruz (SP)

Hölle Carogne (RS)

| Entrevista no Blog |

Honora Haeresis (CE)

Irene Rachel Patelli (SP)

Jhade Sharif (RJ)

NOTA: Atualmente, a Jhade não reside mais no Brasil.

Kilma Farias (PB)

| Entrevista no Blog |

Lailah Garbero (MG)

Mariana Maia (SP)

Paula Braz (SP)

| Entrevista no Blog |

Renata Violanti (RJ)

Rhada Naschpitz (RJ)

| Entrevista no Blog |

Rossana Mirabal (PR)

| Entrevista para Blog parceiro |

Shabanna Dark (DF)

| Entrevista no Blog |

Vanessa Liddell (RJ)

Yiskah Lilith (CE)

Na coluna Venenum Saltationes da Hölle Carogne, você também encontrará informações que dialogam com o universo do Dark Fusion.

[Venenum Saltationes] Chifres - O uso como acessório no Tribal Fusion

noreply@blogger.com (Aerith Tribal Fusion) — Sat, 04 Apr 2020 22:38:00 +0000

por Aerith Asgard & Hölle Carogne

Zoe Jakes (EUA)

Talvez muitas pessoas não saibam, mas, apesar de morfologicamente parecidos, chifres e cornos são estruturas diferentes. Apesar disso, tais "apêndices cranianos" possuem funções semelhantes, como defesa contra predadores, reconhecimento social, apresentação sexual e disputa entre os machos por fêmeas e território.

Os chifres são estruturas revestidas por uma camada de pele altamente vascularizada, chamada "veludo" . Estes se ramificam, caem e crescem anualmente.

A troca do chifre acontece quando este torna-se “maduro”, havendo a interrupção da circulação no veludo. Dessa forma, tal estrutura "morre", cujo "veludo" se desprende dos chifres, deixando o osso exposto. Então, o chifre cai e outro nasce no lugar, sendo acompanhado por uma nova deposição de camada de veludo. A cada troca, aparece um ramo adicional, até chegar à galhada típica do adulto.

E F G H I- desenvolvimento dos chifres em cervídeos

Apesar dos chifres serem encontrados na maioria dos machos dos cervídeos, estes também estão presentes nas fêmeas de renas e de alguns caribus.

Ex: cervídeos.

Enquanto que os cornos são estruturas cônicas e pontiagudas, ocas, queratinizadas e permanentes encontradas, geralmente, em ambos os sexos (pode variar em algumas raças) de ungulados artiodáctilos (ordem de mamíferos biungulados com um número par de dedos nas patas). Estes se formam e se projetam ao redor dos "processos cornuais", localizados no seio frontal do osso frontal e crescem continuadamente, não são trocados ao longo da vida, mudando de tamanho, forma e curvatura, de acordo com a idade, sexo, raça e espécie de ruminante. Dentro dos cornos há três tipos de tecidos: conjuntivo fibroso, adiposo e cartilaginoso.

Existem diversos tipos : grossos, largos, enrolados, em espiral, entre outros. A morfologia dos cornos podem ser circular ou oval, no caso dos bovinos. Os ovinos possuem um formato triangular; e caprinos possuem uma forma oval.

Além disso, em cabras e bodes, há outro anexo cutâneo, conhecido por "glândulas sebáceas dos cornos", que se encontram caudomediais à base, cuja função é de atração sexual, sendo o odor mais forte nos machos.

Glândulas sebáceas dos cornos em caprinos

Ex: bovinos, caprinos, ovinos, veados, antílopes, cobras, girafas (coberto por pele - ossicones), rinocerontes ( completamente queratinizado), são alguns dos animais que possuem chifres.

Exceções:

Algumas estruturas de chifres e cornos são exceções aos padrões de tais apêndices, como no caso das girafas e rinocerontes.

Apesar de serem mais parecidos visualmente com os chifres, a estrutura no topo da cabeça das girafas são cornos, conhecidos pelo nome de "ossicones", que apresentam uma formação e constituição diferenciada dos demais cornos. Ossicones estão presentes no nascimento, mas não estão presas ao crânio para evitar lesões no nascimento. O desenvolvimento dessas estruturas não ocorre a partir do osso frontal, e sim de um osso à parte, através de suturas entre os ossos frontais e parietais, que se fundem ao frontal durante o desenvolvimento e, depois disso, acontece o depósito de pele e pêlos, e não de queratina como acontece com a maioria dos casos.

Outro tipo diferente de corno é o do rinoceronte, que não é pareado, e sim, único, cuja composição é apenas de queratina. Além disso, não se desenvolverem no topo da cabeça como a maioria desses animais, mas na linha média da região do nariz.

Significados Ocultos / Simbologia:

Símbolo fálico que representa força, poder, fecundidade, elevação, prestígio e glória. No Egito simbolizava “abrir caminhos”. No altar israelita, significa a onipotência de deus. Para os gnósticos é símbolo de maturidade e a perfeição de todas as coisas. Para os chineses, simboliza prosperidade. Na psicanálise, é símbolo de equilíbrio e maturidade psíquica.

Nas regiões sírio-fenícias e na mesopotâmia antiga a coroa de cornos era atributo dos deuses. No Avesta é narrado que nos cornos do antigo deus persa da vitória (Verethragna) se manifestava a força divina. Soberanos helenísticos (Alexandre Magno, Seleuco) mandavam cunhar sua efígie em moedas, ostentando cornos na fronte.

Também no velho testamento o chifre aparece como símbolo do poder (Sl 148,14; Jr 48,25; Sl 17,3). Por vezes designa os braços transversais da cruz cristã e colocados em altares são intermediários entre deus e o homem (Ex 3,10).

Também a simbologia lunar está presente, sendo que ambos os chifres podiam transformar-se no símbolo da lua crescente e minguante. No Rigveda (7,55,7) a lua é designada como “touro de mil cornos”. Por outro lado os chifres de touro, búfalo, carneiro são o local mítico de nascimento do sol (pinturas em rochas no norte da África); um mito egípcio narra como Hátor (a deusa-vaca) transportou a criança-sol em seus cornos para o céu. O significado apotropaico de soprar a corneta (como em Heimdall) está relacionado com a luz que vence as trevas. O chifre pode também remeter à abundância da colheita (cornucópia) e à fertilidade animal, tendo sentido fálico possivelmente já no relevo em rocha pré-histórico da chamada Vênus de Laussel.

Cornucópia: Um chifre cheio de flores ou frutos, pertencente originalmente à Cabra Amaltéia. Símbolo da fertilidade e da abundância na Antiguidade, atributo das divindades da terra (Gaia), da paz (Irene), da riqueza (Pluto) e do destino (Tique). Desde a Renascença, a cornucópia é um conhecido símbolo de sorte. Na representação das estações, é atribuída ao outono.

Maria Bonaparte chama a atenção para o fato de que, em hebraico, “queren” quer dizer, ao mesmo tempo, chifre, poder, força. O mesmo acontece com o sânscrito “linga” e com o latim “cornu”. O chifre não sugere apenas a potência, pela sua forma; pela sua função natural, é a própria imagem da arma poderosa, potente (em gíria italiana, o pênis se diz “corno”).

Segundo uma lenda peul, a envergadura dos chifres nodosos do bode mede a sua virilidade (HAMK, 17).

Na tradição celta, por duas ou três vezes, os textos mitológicos ou épicos mencionam um personagem, Conganchnes, “o de pele de chifre”, totalmente invulnerável, salvo na planta dos pés (OGAC, 10, 375-376). O chifre simbolizaria neste exemplo, por sua dureza, uma força defensiva, como o escudo.

Os cornos, na análise contemporânea, são considerados também como uma imagem de divergência, podendo, como o forcado, simbolizar a ambivalência e, no mesmo contexto, forças regressivas: o diabo é representado de chifres e com cascos fendidos. Mas por outro lado os chifres podem ser também um símbolo de a bertura e de iniciação, como no mito do carneiro de tosão de ouro, por exemplo.

C. G. Jung percebe outra ambivalência no simbolismo dos chifres: eles representam um princípio ativo e masculino pela sua força de penetração; e um princípio passivo e feminino, por sua abertura em forma de lira e de receptáculo. Reunindo esses dois princípios na formação de sua personalidade, o ser humano assumindo-se integralmente, atinge a maturidade, o equilíbrio, a harmonia interior, o que não deixa de ter relação com a ambivalência solar-lunar.

O chifre (ou lua crescente) era o símbolo mais comum da deusa Astarte de acordo com o pesquisador de assuntos religiosos Jeffrey Burton Russell.

O Unicórnio, o Fauno, o Sátiro, Pan, Leshie, Minotauro, Cernunnos, Deus Khnum, Deus Cornífero e o Diabo são alguns dos seres mitológicos que ostentam chifres em suas frontes.

Unicórnio - Arte de Anne Bachelier

Fauno - Arte de Carlos Schwabe

Diabo - Pintura Medieval - Autoria Desconhecida

Estatueta de Astarte com uma touca com chifres, Museu do Louvre

O uso do acessório no Tribal Fusion :

Urban Tribal Dance Co., dirigido por Heather Stants, em 2001

Origem: desconhecida.

Atualidade: A partir de 2011, com Zoe Jakes, o acessório se popularizou no Tribal Fusion, mas seu uso já foi identificado antes por outras companhias de dança.

A banalização de um símbolo em virtude da moda: Acontece, muitas vezes, de um determinado acessório ou objeto de cena ganhar repercussão entre a comunidade e acabar sendo usado apenas com intuito estético, o que não é errado, mas banaliza algo que poderia ser melhor investigado e trazer riqueza de enredo e conteúdo para a performance.

A importância da intenção ao se utilizar um objeto imbuído de valor simbólico: Um trabalho artístico ganha em intensidade e força quando o performer se dispõe a estudar e conhecer historicamente as origens dos apetrechos escolhidos para fazer parte da cena. Se conseguirmos responder a nós mesmos o porquê de usarmos tal acessório, conseguimos dar intenção ao trabalho, trazemos à tona as mensagens ocultas que aquele conteúdo simbólico nos provoca, e direcionamos energia psíquica para um fim além-dança. O acessório torna-se, então, ferramenta ritualística.

Fotos:

Mariana Maia (SP)

Mariana Quadros e alunas (SP) - 2015

Long Naja (Argentina) - 2016

Al Málgama (RS) - 2016

Asgard Tribal Co. (PR) - 2018

Rossana Mirabal ( Venezuela/ Curitiba-PR) - 2019

Cia Ônix Tribal (PB) - 2020

Vídeos de performances com chifres:

INTERNACIONAIS:

- Zoe Jakes - EUA (2011):

- Anasma - EUA (2011):

- Kami Liddle no clipe "Cat Skillz" do Beats Antique - EUA (2012):

- Zoe Jakes - EUA (2013):

- Akzara - Venezuela (2014):

- Ambrosia - Eslovênia (2014):

- Elizabeth Zohar Ensamble - Israel (2016):

- Ethel - Rússia (2016):

- Ethel & AnimA - Rússia (2016):

- Saba Khandroma - Argentina (2016):

- Tash - Ucrânia (2016):

- Tribal Beat Dance Company (2016):

- La Catalina - Rússia (2017):

- Nefru Merit - Rússia (2017):

- Tribal Pro. Triada.Almaty by Amina Rahman - Cazaquistão (2017):

- Tribal Pro. Astana by Olga Meos - Cazaquistão (2017):

- Tribal Pro. Karaganda by Elena Parfilova - Cazaquistão (2017):

- Ethel - Rússia (2018):

- Maureen - EUA (2018):

- Zoe Jakes- EUA (2019):

- Anima - Rússia (2019):

- Ethel (Rússia) & Moria Chappell (EUA) (2019):

- Ethel & AnimA - Rússia (2019):

- Triptych: BLOOD (The Battle) - EUA (2020):

NACIONAIS:

- Hölle Carogne - RS (2014):

- Bety Damballah - PR (2015):

- Mariana Quadros e Turma de Tribal Fusion - SP (2016):

- Izadora Ferreira - RS (2016):

- Camila Middea - RJ (2016):

- Irene Rachel Patelli - SP (2016):

- Mariáh Voltaire - PR (2016):

- Gilmara Cruz - SP (2017):

- Carol Freitas - DF (2017):

- Mariana Maia - SP (2018):

- Bia Vasconcelos - BA (2018):

- Marcelo Justino - SP (2019):

- Patrícia Nardelli - RS (2019):

- Cia Ônix Tribal - PB (2020):

https://www.facebook.com/andreza.rodrigues.1694/videos/2864883973572371/

Onde comprar:

http://www.petrusbrand.com.br/produtos-ct-24209c

Como fazer:

Bibliografia:

- Dicionário de Símbolos, O Alfabeto da Linguagem Interior – Maria Cecília Amaral de Rosa.

- Dicionário de Simbologia – Manfred Lurker.

- Dicionário de Símbolos – Jean Chevalier Alain Gheerbrant.

- Urroz, Carlos. (S.f.). Elementos de anatomía y fisiología animal.

http://sagradofeminino.saberes.org.br/

https://brasilescola.uol.com.br/biologia/cornos-chifres.htm

https://www.sobiologia.com.br/conteudos/FisiologiaAnimal/revestimento3.php

https://pt.slideshare.net/mariliagomes7921/aula-4-tegumento-comum-anatomia-animal-ii

https://docplayer.com.br/23213108-Mammalia-7-licenciatura-em-ciencias-usp-univesp-eleonora-trajano-7-1-diversidade-origem-e-evolucao-7-2-mammalia-principais-caracteristicas.html

https://en.wikipedia.org/wiki/Ossicone

https://pt.slideshare.net/carreiravet/anatomia-dos-animais-de-produo-i

[Venenum Saltationes] A Dança & O Tarot – O Imperador

noreply@blogger.com (Aerith Tribal Fusion) — Sat, 15 Jun 2019 00:18:00 +0000

por Hölle Carogne

Hercules and the Lernaean Hydra by Gustave Moreau

93!

Seguimos nosso estudo com o Arcano IIII ~ O construtor de nossas fundações mundiais: O Imperador. Estável, prático, bem sucedido, ele cria o império de sua visão. É o arquétipo do Pai e do macho, daquele que promove a construção de vários mundos.

Tarot de Visconti Sforza

‎

Esta carta é atribuída à letra Tzaddi e se refere ao signo de Áries no Zodíaco. Este signo é regido por Marte e aí o Sol é exaltado. Este signo é assim uma combinação de energia em sua forma mais material com a ideia de autoridade.

O Imperador é também uma das mais importantes cartas alquímicas, constituindo com o Atu II e III a tríade: Enxofre, Mercúrio, Sal. Seus braços e cabeça formam um triângulo ereto; abaixo, as pernas cruzadas representam a Cruz. (4) Esta figura é o símbolo alquímico do Enxofre. O Enxofre é a energia ígnea masculina do Universo, o Rajas da filosofia hindu. Esta é a energia criativa ágil, a iniciativa de todo o Ser. O poder do Imperador é uma generalização do poder paterno, daí tais símbolos como a Abelha e a Flor-de-Lis, exibidos na carta de Crowley. Com referência à qualidade desse poder, é forçoso notar que ele representa atividade súbita, violenta, porém impermanente. Se persistir tempo demais, queima, destrói. Trata-se de energia distinta da Energia Criativa de Aleph e Beth: esta carta está abaixo do Abismo.

Enquanto rei este arcano propicia a prosperidade e o crescimento de seu povo, fazendo correspondência ao mito de Hércules, herói solar, que resume como nenhum outro as fases do processo iniciático no sentido da liberação individual que, esotericamente, só se pode alcançar através do trabalho e do esforço.

Austin Osman Spare

Símbolos:

Caminho da Árvore da Vida: De Netzach a Yesod.
Letra Hebraica: Tzaddi – anzol.
Tattwa: Fogo.
Signo: Áries.
Os Sóis: Instinto material. Também fala de sua Vontade. Um sábio.
Abelha: Capacidade de trabalho.
Escudo: Poder solar.
Cordeiro: Aspecto ígneo, poderes espirituais.
A posição de pernas cruzadas "em quatro" (4): A base da perfeição.
Cetro: Autoridade.
Orbe: Construção de impérios, inteligência, ação por instinto.
Fênix: Transformação.
Cor Laranja: Fogo e Terra. Visão pragmática de colocar as coisas em prática.
Carneiro: Exacerbação do poder e da autoridade.
Bandeira: Autoridade, estabilidade e sucesso.
Fogo: Sêmen.

‎Golden Tarot

Representação:

Marselha: Um homem oferencendo-nos, sem medo, uma vista de perfil do seu lado esquerdo, ou seja, do seu lado inconsciente. Está sentado em um trono com as pernas cruzadas, sobre um terreno aparentemente árido, do qual brota uma solitária planta. Usa uma coroa, traz em sua mão direita um cetro com um globo e uma cruz, enquanto a mão esquerda segura o cinto.No chão, à direita, há um escudo com a imagem de uma águia.

‎

‎Marselha

Rider-Waite: Homem com barba longa e branca e uma coroa: um Rei. Encontra-se sentado com uma atitude austera num trono com representações de cabeças de bode e, ao fundo, vemos montanhas alaranjadas, talvez rochosas. Entre as montanhas e o trono, vê-se um rio (em algumas versões do baralho ele é azul). O céu está em “chamas”, como em um pôr-do-sol. Na mão direita o Imperador segura um Ankh egípcio e, na esquerda, a orbe. Seu manto é vermelho.

Rider-Waite

Thoth:

A carta representa uma figura masculina coroada, de vestes e insígnias da dignidade imperial. Está sentado no trono cujos remates de coluna são as cabeças do carneiro selvagem do Himalaia, já que Áries significa Carneiro. Aos seus pés, deitado com a cabeça levantada está o Cordeiro com o Estandarte para confirmar essa atribuição no plano inferior, pois o carneiro, por natureza, é um animal selvagem e corajoso se solitário em sítios solitários, enquanto que quando domesticado e forçado a repousar em pastos verdes, é reduzido a um animal dócil, covarde, gregário e suculento. Esta é a teoria do governo.

O Imperador porta um cetro e uma esfera encimada por uma cruz de Malta, que significa que sua energia atingiu uma emissão bem sucedida, que seu governo foi estabelecido.

Há ainda outro símbolo importante. Seu escudo representa a águia bicéfala coroada por um disco carmesim. Isto representa a tintura vermelha do alquimista, da natureza do ouro, como a águia branca mostrada no Atu III pertence à sua consorte, a Imperatriz, e é lunar, de prata.

Deve-se finalmente observar que a luz branca que desce sobre ele indica a posição desta carta na Árvore da Vida. A autoridade do Imperador provém de Chokmah, a Sabedoria criativa, a Palavra, e é exercida sobre Tiphareth, o homem organizado.

Thoth Tarot

‎

Estrutura Mística:

Posição normal: Força, proteção, solução de problemas materiais.
Posição invertida: Tirania, arrogância, inaptidão, problemas legais ou profissionais, erro de julgamento.
Sentido geral: Estabilidade, ordem, inteligência prática, disciplina.
Sentido espiritual: Estruturação.
Símbolo: A águia dourada no chão representa a consciência da realidade.
Arquétipo: O pai.
Objetivo: Garantir a segurança e a ordem.

Interpretações usuais na cartomancia:

Direito, rigor, certeza, firmeza, realização. Energia perseverante, vontade inquebrantável, execução do que está resolvido. Protetor poderoso.

Mental: Inteligência equilibrada, que não despreza o plano utilitário.
Emocional: Acordo, paz, conciliação dos sentimentos.
Físico: Os bens, o poder passageiro. Contrato firmado, fusão de sociedades, situação do acordo. Saúde equilibrada, mas com tendência à exuberância excessiva.
Desafios e sombra: Resultados contrários ao pretendido, ruptura do equilíbrio. Queda. Perda dos bens, da saúde ou do domínio sobre coisas e seres. Oposição tenaz, hostilidade preconcebida. Teimosia, adversário obstinado; assunto contrário aos interesses. Autodestruição, grande risco de ser enganado. Autoritarismo, tirania, absolutismo.

‎ ‎‎Golden Tarot of the Tsar

Curiosidade: Sobre o “IIII” – Essa forma de grafar faz parte da tradição gráfica do Tarot, tal como aparece na versão de Marselha e na maioria das coleções de cartas antigas.

Trabalhos relacionados à dança:

1) The Emperor, por Datura Tarot

Datura Tarot

Melhor trabalho, melhor pessoa! Obrigada, Rachel Brice, por me trazer tanta alegria e orgulho nesta pesquisa!

Como é incrível ter acesso a um exemplo cheio de significados, onde cada milímetro da obra faz referência ao arquétipo do arcano! Sempre te aplaudindo de pé!

Considerações: Primeiramente, ela usa como figura central da carta a imagem de uma escultura de Hércules (a própria referência mítica do Imperador). A coroa do Rei adorna o peitoral do herói. Ao fundo, o terreno que desenha a paisagem é árido, como na maioria das versões mais tradicionais e é cortado por um rio (como em algumas versões do Rider-Waite). Em torno do Imperador está um desenho que se assemelha a uma flor ou um vitral. Coincidentemente (ou não) aparecem cinco pétalas inteiras, como também cinco lados de coroa no Rider-Waite. A coroa está adornada com quatro “moedas” (não tenho certeza o que são realmente), uma possível alusão ao símbolo (4) da carta. Finalmente, no centro da coroa está a imagem de um touro (mas e o carneiro? rs) e agora, através de mera hipótese e sendo bem otimista, me arrisco a dizer que pode ser uma menção ao “Touro de Creta” (um dos doze trabalhos de Hércules).
Um belo trabalho!

2) IV, por Divon & TarotNoir

Arcanum II. Tribal Fusion Show, realizado em 18.12.2016, por Divon & TarotNoir (Rússia).

Considerações: Não fica claro se esta cena realmente refere-se ao arcano do Imperador. Como o trabalho está intitulado com o número “IV”, pode-se supor que sim. Entretanto, a inscrição utilizada no vídeo é: “Nós somos cartas de tarô. Todos e cada um de nós têm seu próprio significado e prevemos o destino. Mas esta é a última vez que estamos desvelando o futuro. O que vem depois? Nós estamos entre vocês.”
Se supormos que trata-se realmente do arcano IV, a única simbologia possível seria a referência ao número 4 (quatro integrantes, a quarta carta, as pernas cruzadas em quatro, o cubo, o domínio dos 4 elementos).
Sempre considerei os snujs como um elemento extremamente solar, mas trata-se apenas de especulação pessoal, visto que nunca encontrei referência sobre isso.
Resumindo, trata-se de um trabalho comum de tribal fusion, extremamente pobre em conteúdo mágicko ou esotérico.

3) O Imperador, no 5º Portal do Egito, pelo grupo de Débora Spina

Considerações: Existe uma possível alusão ao “fogo/terra/sol/Áries” através da cor da vestimenta: vermelho.
Entretanto, a bailarina Débora Spina fala sobre a proposta de simbologia e intenção que existe na concepção do trabalho:
“A Imperatriz e O Imperador, outra combinação de arcanos isolados, mas com simbologia complementar. Talvez, uma das coreografias mais complexas, com grande número de bailarinas. Elas iniciam a dança em uma linha diagonal que divide o palco, assim como o Imperador e a Imperatriz se dividem entre humildade e poder, estabilidade e audácia, riqueza e confiança. No Tarot, é uma carta de realizações, por isso vê-se uma coreografia muito rica, de ritmo acelerado e com incrível mobilidade na formação das belas em palco, sempre audaciosas, como a Imperatriz, ao longo de movimentos coordenados e precisos, como o Imperador, que é senhor de seus passos. A ousadia e beleza desta dança em particular remete ao risco que se corre em certa parte da vida, quando as conquistas materiais e a beleza, podem sobrepor-se ao plano espiritual.”

4) A dança através do Tarot – O Imperador – Coreografia por Lu Hassany

Considerações: Trabalho comum de bellydance, com uma possível alusão ao “fogo/terra/sol/Áries” através da cor da vestimenta: vermelho. Nenhuma outra simbologia aparente.

Seguimos firme, queridos leitores!

Mesmo sendo um material raro, seguimos garimpando!

Bem-vindos à Venenum Saltationes de 2019 e até a próxima!

93,93/93

Bibliografia:

Antigo Tarô de Marselha – Nicolas Conver;
O Livro de Thoth – Aleister Crowley;
O Tarot Universal de Rider Waite;
Clube do Tarô;
Ocultura.

[Resenhando-SP] Cena Tribal na Baixada Santista – Tribal Beach Pocket Show

noreply@blogger.com (Aerith Tribal Fusion) — Sun, 03 Mar 2019 18:06:00 +0000

por Karen Evangelista

Fotografia Dayeah Khalil - Organizadora do Evento by @dauramenezes

Tribal Beach foi um evento idealizado pela bailarina, coreógrafa e professora Dayeah Khalil em 2016.

Com formação nacional e internacional, Dayeah Khalil traz essa bagagem para a cena cultural da Baixada Santista. Possui um currículo de peso, tendo iniciado no mundo tribal em 2006 desde então não parou mais. Foi aluna de professores consagrados nacionais e internacionais de países como USA, Argentina, Egito, Chile, Itália, Espanha e Alemanha.

Participou de eventos internacionais importantes como Ahlan Wa Sahlan, festival no Egito; Roma Tribal Meeting, na Itália; Be Tribal, no México; e Opa Fest!, na Argentina.

Dayeah Khalil ainda desenvolve aulas e eventos de dark fusion, ATS, Tribal Brasil, ATS com saia, derbake e outras modalidades, além da produção de eventos que trazem toda essa diversidade e riqueza para região metropolitana de Santos.

E não para por aí, Dayeah foi integrante da companhia de dança DSA (Dancers South America – Cia Internacional de Dança), Cia Lunay SP Capital. Participou ainda da Cia Pandora ATS® e do grupo do Grupo Tribal Elendälie – São Paulo. Confira sua fanpage e veja o histórico completo de sua carreira como profissional de dança: https://www.facebook.com/pg/dayeahk/about/?ref=page_internal

Criadora dos Grupos Art Fusion, Dark Ladies, Dark INfusion e Troupe Al Salam, Dayeah Khalilé considerada um dos mais importantes nomes da cena tribal da região.

Tribal Beach Festival

A primeira edição do Tribal Beach aconteceu no Studio Al Salam, Santos-SP, e contou com a participação de bailarinxs e artistas das mais variadas regiões do estado de São Paulo.

E além da mostra de danças, contou com o Projeto Vídeo e Dança por Melissa Art, oficinas de Tribal Fusion por Fahir Sayeg e Tribal Brasil por Aldenira Nascimento. Confira um gostinho do festival que rolou em 2016 clicando no link:

Em março de 2017, Al Salam de Studio transformou-se em Empório e Dança, em São Vicente-SP. E sob direção de Hayla Al Salam e Jefferson Reis manteve a parceria com Dayeah Khalil. Al Salam Empório e Dança possui um ambiente aconchegante associado a culinária árabe, lugar perfeito para combinar dança, cultura e boa comida.

Dayeah Khalilcriou um conceito de Tribal Beach Pocket Show desde o início de 2018, com uma proposta mais dinâmica e edições mensais. Sem dúvidas, um espaço acolhedor para bailarinas de dança tribal e outras modalidades, como dança do ventre, dança medieval e cigana.

Tribal Beach Pocket Show 1ª. Edição

E assim nasceu o Tribal Beach Pocket Show, que ganha cada vez mais prestígio na região. TB, como carinhosamente o evento é chamado, já contou com temáticas variadas como "Baile de Máscaras", "Dark", "Steam Punk", "Brazuca" (dedicado ao Tribal Brasil), "Circo" e "Classic Noir".

Tribal Beach Pocket Show 9ª. Edição – Classic Noir

Em uma das edições, foi realizado um projeto de vídeo dança de Tango Fusion e Indian Fusion, que rendeu um clipe especial para cada um desses temas. Clique nos links a seguir e confira:

Nada define melhor o TB do que um espaço democrático, colaborativo e um grande laboratório para processos criativos das turmas de aulas regulares de Tribal Fusion, lecionadas por Dayeah. É desafiador para as alunas criar e transformar a dança incorporada aos temas em cada edição.

Fotografia by @dauramenezes

Além de apresentações solos e de grupos convidados, os participantes têm a experiência de dançar improvisos, dança circular e ITS. Garantindo assim muita diversão, descontração e aproximação das sisters, finalizado sempre com uma roda de música ao som de derbak.

Fotografia by @dauramenezes

E para completar, o show conta com os registros da fotógrafa Daura Menezes (também bailarina) que tem um olhar apurado a cada expressão e movimentação das apresentações. As fotos são lindas e marcam cada pedacinho especial do TB.

Confira alguns desses momentos registrados pela lente de Daura Menezes, fotógrafa especializada em dança.

A décima edição ocorreu em 14 de outubro e explorou as sombras do Dark October e todas as suas emoções. Contou ainda com workshop de "Butô" no Dark por Irene Patelli e "Dark Creations" por Dayeah Khalil.

O workshop de "Butô" proporcionou uma imersão nas emoções e suas expressões no corpo. Já no "Dark Creations" foram exploradas ferramentas de criação coreográfica em grupo utilizando-se dos contrates e características do universo dark.

Tribal Beach Pocket Show 10ª. Edição – Workshops Dark

Workshops Butô no Dark Fusion e Dark Creations, por Irene Patelli e Dayeah Khalil

O TB 10 contou com a participação de bailarinas da região e da capital de São Paulo, recheado de apresentações de ATS com Saia, dark fusion, ITS, ATS sisterhood, dança circular e roda de derbake.

Como destaques e convidadas especiais da capital, TB 10 teve a participação de Irene Patelli, Raquel Serafim, Shalah Noah, ainda contou com a presença das artistas regionais: Dayeah Khalil, Ana Lua, Kayra Nataraja, Karen Evangelista [eu!], Nivia Romig e Troupe Al Salam.

A 11ª edição ocorreu no dia 11 de novembro de 2018, explorando as brasilidades e seus encantos, permeando as matrizes brasileiras.

Tribal Beach Pocket Show 11ª. Edição - Brazuca

Confira a página do evento no facebook e participe!

[Folclore em Foco] A influência do folclore árabe na formação do Estilo Tribal - Parte 3: Ghawazee

noreply@blogger.com (Aerith Tribal Fusion) — Sat, 02 Mar 2019 18:15:00 +0000

por Nadja El Balady

“Ghawazee” é plural da palavra “Ghazya” que significa originalmente “invasores”, posteriormente ganhando o significado “dançarinas” dentro do dialeto árabe egípcio, segundo inúmeras fontes. Segundo Mirian Peretz, no artigo “Dances of the “Roma” Gypsy Trail From Rajastan to Spain: The Egyptian Ghawazi Dance”, a origem da palavra designa grupamento de pessoas no Egito de origem das etnias Nawar, Halab e Bahlawan. Peretz dá destaque aos nawari que seriam um povo originário do Curdistão, tendo imigrado pelo oriente médio até o norte da África. Existem controvérsias entre os pesquisadores a respeito se seriam ou não considerados etnias ciganas. Como bem coloca o Dr. G.A. Williams em seu artigo “Dom of the Middle East: An Overview”, frequentemente se usa a palavra “cigano” para designar um estilo de vida comum de grupamentos étnicos que podem ou não ter uma origem comum comprovada. Dentro deste ponto de vista, estes clãs que imigraram para o Egito pertencentes a estas etnias seriam considerados ciganos por muitos de pesquisadores.

Os clãs de ciganos passaram séculos se deslocando e comercializando com outros povos nômades como Beduínos e Berberes. Desde a diáspora cigana, imagina-se que as tribos que desceram pelo Oriente Médio transitaram por alguns séculos até atingir o norte da África e por ali ainda se dividiram por diferentes regiões, como Egito, Argélia, Tunísia e Marrocos. Estes que imigraram para o Egito se estabeleceram em algumas regiões do território do país, principalmente na região delta do rio Nilo, no sul (região conhecida como alto Egito ou Said) e no próprio Cairo.

É de conhecimento público que para estes povos um meio de vida é também uma antiga tradição: A música e a dança. Se adaptando aos costumes locais onde vão, costumavam a se apresentar nas praças, em mercados, em casamentos e outras festividades familiares.

Tendo se tornado muito populares há alguns séculos, segundo o professor Khaled Eman, as vestimentas Ghawazeepoderiam ser consideradas sinônimo de luxo pelo uso de jóias, moedas e metais em suas vestes que, segundo ele, seria a melhor maneira de carregar os próprios pertences.

Não se sabe bem se as Ghawazeelevaram consigo para o Egito sua corporeidade típica ou se ao chegar ao Egito ali já encontraram as movimentações sinuosas e somando estas à sua própria maneira de dançar, criaram algo novo. Encontramos no texto de Edwina Nearing a opinião de Mulouk, que esteve em contato direto com algumas famílias desta etnia: Segundo a autora, os Nawaretnicamente são ciganos, ainda falam a língua Nawari, e em sua opinião "Se, através de sua jornada no Egito, um país de língua árabe, estes grupos preservaram algo de suas línguas nativas, eles devem também ter preservado algo de seu estilo nativo de dança.” (Mulouk apud Nearing)

O fato é que a dança das Ghawazee pode ser considerada o estilo originário da dança do ventre como a conhecemos, pois estas foram as primeiras bailarinas profissionais do povo egípcio. Suas apresentações em praça pública foram objeto das primeiras cartas dos soldados franceses a seus superiores durante a ocupação francesa em solo egípcio em 1798. Foram diversas vezes descritas como lascivas e obscenas para os olhos dos ocidentais cristãos. Segundo Claudia Cenci em seu livro “A dança da libertação” (2001), as descrições sobre o Egito feitas por estudantes e pesquisadores franceses “despertou um enorme interesse sobre o Oriente, dando início a era Orientalista que influenciou a produção artística ocidental dos séculos seguintes”.

No século XIX, o rei Mohammed Ali expulsou muitas famílias Ghawazee e proibiu suas apresentações no Cairo e em Alexandria. Mediante a proibição, os artistas sediados nestas cidades precisaram se mudar. Encontramos o seguinte trecho no livro “Folclore Árabe – Cultura, arte e dança” de Melinda James e Luciana Midlej: “Alguns grupos foram para o alto Egito, para Aswan, Luxor, Qena, Edfu e Esna, e outros foram para um local no centro da região felahichamado Soumboti.”

A maioria imigrou para o sul, para a região do alto Egito, ou Said. Assim como a família Maazin, há muito estabelecida no sul. "Banat Maazin" - As filhas de Maazin - São ainda muito conhecidas por suas apresentações de música e dança típicas da região Said. Este grupo ficou muito famoso e internacionalmente conhecido, tendo feito participações em filmes e grandes festivais de cultura. Nos dias de hoje, são as mais conhecidas e ainda é possível contato com Khairiyya Maazin, descrita por Melinda James como “a última Ghawazee”, que ainda dá aulas de dança para dançarinas pesquisadoras em sua casa em Luxor.

A região do delta do rio Nilo conhecida como Soumboti abrigou (e talvez ainda abrigue) um clã de famílias ciganas. Música, ritmo, dança soumboti, se conectam com a expressão Ghawazee e segundo Melinda James e Luciana Midlej seu estilo sofre grande influência beduína, da cultura felahicaipira, do Cairo e de Alexandria, sendo uma dança ousada, enérgica e sensual.

À primeira vista a dança das Ghawazee pode ser considerada como que “sem acabamento”, por se tratar de uma dança popular genuína. Podemos listar alguns movimentos típicos conhecidos pela dança do ventre com twist, as batidas laterais de quadril, contrações pélvicas, shimmies de ombro, o shimmie conhecido pelas americanas como shimmie de ¾ e básico egípcio.

Faz parte do estilo o uso predominante dos snujs durante as apresentações e no caso de uma representação das Ghawazee do alto Egito, o uso de bastão ou bengala é opcional. Desde o século XIX encontramos diversos registros de vestimentas típicas: Grandes batas, saias longas, bolerinhos ou cholis, saias de babado na altura dos joelhos, calças bufantes. A Ghawazee moderna usa sempre galabia, que pode ser de asuit, bordada com pastilhas, paetês ou muitas franjas. A Ghawazeesempre usa muitos adornos como colares, brincos e pulseiras e sempre adornos na cabeça que pode ser uma tiara grande bordada, um lenço de moedas ou bordado com vidrilhos. O colar com as luas crescentes invertidas é uma marca dos adornos Ghawazee.

A dança Ghawazee e o Estilo Tribal Americano de Dança do Ventre

Little Egypt

Os artigos que contam a história da dança do ventre nos Estados Unidos contam que a primeira apresentação se deu em 1893 na World’s Columbian Exposition em Chicago, uma feira organizada para a comemoração de 400 anos da chegada de Colombo à América e que contava com exibições culturais internacionais. Havia nesta feira uma área chamada “Streets of Cairo” onde aconteceram apresentações de dança de um grupo que seria de origem Ghawazee. Segundo Michelle Harper, o grupo foi levado para Chicago pelo empresário Sol Bloom, que teria visto a apresentação do grupo em 1889 em Paris na Paris Exposition Universelle. A partir do evento em Chicago, onde a sociedade americana ficou chocada com as apresentações, muitas dançarinas passaram a se apresentar pelos Estados Unidos usando o nome artístico “Little Egypt” dando origem ao “estilo cabaré americano de dança do ventre”.

Jamila Salimpour

É possível dizer que já no chamado “estilo pré-tribal” da dança do ventre de Jamila Salimpour, em seu grupo Bal Anat na década de 70, podemos encontrar muitas influências da dança e da música Ghawazee. Desde o uso massivo dos snujs, dos elementos usados para os figurinos até a formação do vocabulário técnico do estilo de Jamila com muitos movimentos de origem Ghawazee. É importante entender aqui que o estilo criado por Jamila Salimpour influenciou fortemente o American Tribal Style®. Podemos citar alguns movimentos muito marcantes da técnica de ATS® que tiveram influência direta do estilo Bal Anat e que têm na dança Ghawazee a sua origem: Shimmie Step, Egyptian Basic, Shoulder Shimmie, Reach and Sit, Doble back, Layback, Arabic, Circle Step, Body Wave, Taxeem e claro: Ghawazy Shimmie Combo, criado posteriormente. Diversos destes movimentos fazem parte também do vocabulário gestual de outras danças de etnias do norte da África como beduínos e berberes e foram largamente usados por Jamila Salimpour em suas coreografias. Este vocabulário técnico se tornou a marca da dança do ventre californiana que deu origem ao ATS®. Carolena Nericcio, criadora do estilo, trabalhou em cima destes movimentos ao longo dos anos incluindo movimentações de braço específicas, acrescentando a postura flamenca e criando novas combinações de movimento exclusivas para o ATS®, modificando o caráter popular dos movimentos. As músicas típicas Ghawazee também são bastante apreciadas para performances de ATS®.

Apesar da clara influência da movimentação no vocabulário de tribal, onde mais se percebe a presença da dança Ghawazee é na tradição do improviso. O American Tribal Style® é um estilo de dança criado para o desenvolvimento da chamada coreografia improvisada ou improvisação coordenada. A dança das Banat Maazin, por exemplo, era sempre dançada em grupo, como no ATS®. Uma das dançarinas tomava uma posição de liderança e as outras a seguiam, sendo esta liderança compartilhada com outra dançarina, como no ATS®. Assim como o vocabulário técnico, a formação do grupo e posicionamento das dançarinas foi modificado e estilizado sempre pensando no aspecto cênico da performance artística, na estética apresentada ao público.

Fat Chance Belly Dance

Acredito que apesar das estilizações, o Estilo Tribal carrega consigo algo universal, que é marca da dança Ghawazee e que faz com que esta tradição sobreviva por tantos séculos: A alegria da dança coletiva e espontânea. A beleza da diversidade, a sensualidade natural da mulher que é livre para se expressar através de seu corpo e de sua arte.

| Parte 1 | Parte 2 |

Fontes:

HARPER, Michelle “Hoochie Coochie: The Lure of the Forbidden Belly Dance in Victorian America” publicado no site https://www.readex.com

CENCI, Claudia “A dança da libertação”, Vitória Régia, São Paulo, 2001.

MIDLEJ, Luciana ; JAMES, Melinda “Folclore Árabe cultura, arte dança”, Kaleidoscópio de Ideias, São Paulo, 2017.

NEARING, Edwina, “The Gawazee Tradition”, publicado no site www.gawazee.com

WILLIMAS, A. “Dom of the Middle East: An Overview” publicado no site http://www.domresearchcenter.com

PERETZ, Miriam “Dances of the “Roma” Gypsy Trail From Rajastan to Spain: The Egyptian "Ghawazi" Dance” publicado no site http://www.domresearchcenter.com

MOHAMED, Shokry” La danza mágica del vientre”, Mandala Ediciones, Madrid 1995.

ALMEIDA, Isabela “Dança do Ventre: Transformações através do tempo”, Univercidade, Rio de Janeiro, 2009.

[Resenhando-SP] Tribal Fusion e as Danças Urbanas

noreply@blogger.com (Aerith Tribal Fusion) — Fri, 01 Mar 2019 18:00:00 +0000

por Irene Rachel Patelli

FICHA TÉCNICA:

Vídeo e voz: Irene Patelli

Edição: Diego Muñoz

Local: Centro Cultural São Paulo

Evento: Prática no CCSP (Que ocorre toda quinta a partir das 19h)

Idealização do evento: Popping Dil

[Resenhando-SP] O tribal em prol da causa animal.

noreply@blogger.com (Aerith Asgard) — Sun, 21 Oct 2018 12:30:00 +0000

por Irene Rachel Patelli

No dia trinta de setembro ocorreu o evento, na Vila Guilherme – SP, chamado AADC – Amigos dos Animais Dançam e Cantam, onde artistas se apresentam em prol da causa animal. Nele são recebidas doações de ração, remédios, materiais de limpeza e muito mais, que após o evento são repassados a cuidadoras como Vanessa Lovecats e a senhoraMárcia, que são pessoas que sozinhas cuidam de mais de 100 animais entre gatos e cachorros.

Como nós sabemos, infelizmente ainda temos muitos animais sofrendo nas ruas. Mas essas pessoas se esforçam ao máximo para dar uma vida decente para esses seres inocentes que por vários motivos acabam indo parar nas ruas ou sofrendo maus tratos dentro do próprio lar.

As cuidadoras se doam de corpo e alma para esses pequenos e muitas vezes acabam em situação financeira desfavorável, pois os animais chegam machucados e doentes em sua maioria e precisam de cuidados veterinários que não são baratos.

Este evento vem para mostrar essa realidade e fazer as pessoas entenderem que, com um pouquinho de cada um de nós, podemos fazer muito. Cada saco de ração, cada remédio já ajuda e muito as cuidadoras. Não é preciso ser rica para ajudar aos animais e nem é preciso ter espaço em casa para adotar vários como é o problema da maioria das pessoas.

E em prol dessa causa já passaram pelo AADC várias apresentações de tribal fusion, dark fusion e ATS, com grupos como a primeira formação do grupo Romany de ATS, o grupo Ptah Tribe - Tribal e Dark Fusion com uma coreografia muito divertida, a dupla Jade Chrystal Jaci e Barbara Pelais, o grupo Sisterhood Project ATS que tem marcado presença já em algumas edições.

O evento é aberto a todo o tipo de arte como danças de todos os estilos, música, poesias, etc. Tudo que venha agregar a arte em favor dos pets.

Sisterhood Project ATS

Ptah Tribe – Tribal e Dark fusion

Jade Chrystal Jaci e Barbara Pelais

Fotos da última edição porSidney Lima, Patty Monteiro e Mauro Capozzi (clique aqui)

Para conhecer o projeto, ver mais fotos e vídeos ou até mesmo ajudar, segue a página do facebook:

https://www.facebook.com/AadAmigosDosAnimaisDancam/

Inclusive o AADC foi para a TV divulgar o trabalho com os pets e levou o tribal, sim, teve tribal fusion naTV Destaque no Programa Conexão Mulher onde a apresentadora Mhel Lancelottiamadrinhou a última edição desse ano de 2018.

Vídeo com a entrevista e danças:

[Folclore em Foco] Leitura Musical para ATS® - Parte 4

noreply@blogger.com (Aerith Asgard) — Sat, 20 Oct 2018 05:50:00 +0000

por Nadja El Balady– FatChance BellyDance Sister Studio

SOLOS DE PERCUSSÃO

Solos de percussão são músicas que são compostas para instrumentos percussivos e são tocadas exclusivamente com eles. Os arranjos podem ser feitos para diversos instrumentos, mas em geral temos um tambor líder, que nas músicas árabes ou turcas é conhecido como derbake ou darbuka ou tabla, podendo este ser o único instrumento da composição musical.

Solos de percussão são muito tradicionais em países de cultura árabe e turca. É muito comum encontrar este tipo de música em rotinas de shows de dançarinas de dança do ventre. Sendo a dança do ventre uma das influências primordiais do estilo tribal, naturalmente os solos de percussão foram incorporados ao leque de opções musicais para ATS® e Tribal Fusion.

Solos de percussão basicamente são compostos por ritmos e floreios em arranjos musicais que tendem a se repetir em contagem par. Por exemplo: Determinado ritmo será tocado por 8 compassos ou determinada frase será repetida 4 vezes.

Vejamos este exemplo da faixa “Drum Solo”, composto por Tobias Roberson, que você pode encontrar nos discos “Muse Melodic” e “Beginner’s Guide to BellyDance vol2”.

Nos primeiros 64 tempos (33 segundos) temos 3 arranjos percussivos diferentes. Cada arranjo significa uma frase musical com duração de 8 tempos cada. Elas se repetem, às vezes modificando a finalização. Após estes 64 tempos iniciais temos a entrada de um ritmo árabe, cujo compasso se conta de 2 em 2 tempos (2 /2) que é o ritmo Soud. Este ritmo é a base para a próxima frase que acontece em 8 tempos e se repete em mais 8, totalizando 16. A partir daí o ritmo de base muda para o ritmo Malfuf (ou Laff), que também é um 2/2 e permanece como base de diversos arranjos até o final da música.

A primeira coisa que a dançarina de ATS® deve reconhecer no solo de percussão é quais momentos ela pode ler como rápidos ou lentos (ou dramatic slow, eventualmente).

Esta tarefa será simples nos momentos em que a música tem a base tocada com ritmos árabes, pois baseado no estudo dos ritmos você vai saber definir esta diferença tranquilamente.

As apostilas 1 e 2 de leitura musical para ATS® tem todas as dicas para você diferenciar lentos de rápidos baseado no tempo de contagem dos compassos e no andamento em que os ritmos são tocados. ( Clique para acessar o conteúdo: Apostila 1 | Apostila 2)

Veja neste vídeo da Sister Studio Mariana Esther, a mudança precisa entre lentos e rápidos de acordo com a mudança dos ritmos árabes tocados pelo derbakista George Mouzayek. Perceba que ele começa lento com o ritmo Tchifititelli (ou Wahda wo noz) e em 1:04 muda para Said, quando as dançarinas mudam a leitura para rápido.

Se a leitura para a base rítmica é fácil de identificar, por outro lado, nos momentos em que temos apenas arranjos percussivos ou rush, você precisará usar a sua sensibilidade para definir caso a caso se a leitura será lenta ou rápida.

Rush – Vibração veloz feita com os dedos sobre o instrumento de percussão, resultando em um tremido sonoro que causa a sensação de suspense. Usado antes de viradas impactantes ou finalização de músicas.

A leitura do momento rush da música poderá ser feita com shimmies, lentos ou giros, dependendo de como o arranjo musical é feito e do que vem antes ou depois deste momento, na intenção de criar contrastes.

No mesmo vídeo postado à cima, em 5:23 vemos as dançarinas dançando o rushcom movimentos lentos e bem no finalzinho da apresentação, fazendo um círculo com o braço para indicar o final.

Neste outro vídeo, do grupo FatChance BellyDance, vemos uma leitura de rush diferente em 1:36: O rushestá sendo tocado por cima de uma base rítmica e a dançarina líder começa a leitura com movimentos rápidos pequenos como Shoulder Shimmie Combo e Pivot Bump e em 1:51 muda para movimentos lentos, quando temos uma mudança na intenção em que o rimo de base é tocado, criando um contraste e preparando para o próximo momento da música.

Para a leitura de arranjos, de frases musicais, suas variações e repetições, você vai precisar avaliar o solo como um todo. Perceber quantas repetições de cada frase, onde a música pede mais impacto visual na movimentação, onde acelera, onde ralenta, onde você pode criar contrastes.

Faça um mapeamento do seu solo e conte quantas vezes cada frase se repete, a partir daí pense que movimentos ou combinações de movimentos podem combinar com as frases e suas transições.

Vamos pegar como exemplo este vídeo do Fat Chance BellyDance de 2016, a partir de 9:22, onde começa o solo de percussão:

Vejamos o mapeamento do primeiro minuto de música e as escolhas de leitura destas dançarinas que claramente estudaram a música muito bem:

1 - Ritmo Bambi tocado por 16 vezes. Ritmo 4/4 - 64 tempos.

Nas 8 primeiras repetições do ritmo (32 tempos) elas giram em roda, nas próximas 8 repetições fazem Turkish Shimmie.

2 - Entra ritmo fallahi com arranjo percussivo de 8 tempos, tocado por 4 vezes – 32 tempos
As dançarinas escolhem Chico Passing que se encaixa perfeitamente nos 32 tempos e tem a energia do arranjo.

3 - Ritmo fallahi, com arranjo percussivo trabalhado nos floreios em 8 tempos, tocado por 4 vezes – 32 tempos
Dançarinas escolhem fazer por duas vezes o Shoulder Shimmie Combo (descendo na repetição) para leitura dos floreios.

4 - Ritmo fallahi, porém com ênfase na batida forte no primeiro e terceiro tempos, tocado por 4 vezes – 32 tempos

Dançarinas escolhem Egyptian Basic, Calibrated Spins e Arabic with a Double Turn.

Da forma como fizeram a leitura, as transições foram precisas e as intenções da música foram muito bem representadas.

Um solo de derbake bem dançado prende a atenção do público e tem um impacto positivo na apresentação de ATS®, porém fazer escolhas interessantes sem se atrapalhar na leitura pede que as dançarinas conheçam muito bem a música e tenham bastante agilidade.

Tome cuidado para a leitura não ficar linear, parecendo que a música não proporciona variações.

Se for a primeira vez que você e seu grupo vão apresentar determinado solo, permita-se coreografar, se achar que é preciso, para ter a estrutura da música bem estudada e garantir que o resultado será satisfatório. O melhor é deixar para improvisar aquelas músicas que vocês já conhecem muito bem e quando as dançarinas já estão bem seguras dos movimentos e da agilidade para fazer as transições sem se preocupar.

Confira as demais partes da apostila:

| Parte 1 | Parte 2 | Parte 3 |

[Venenum Saltationes] A Dança & O Tarot – A Imperatriz

noreply@blogger.com (Aerith Tribal Fusion) — Sat, 13 Oct 2018 21:18:00 +0000

por Hölle Carogne

Naissance de Venus - Alexandre Cabanel

93!

Nesta edição falaremos sobre o Arcano III ~ "A de muitos tronos, muitas disposições, muitas manhas, filha de Zeus."

A Imperatriz representa o verbo, o ternário, a plenitude, a natureza, a fecundidade, a geração nos três mundos. É o arcano da Magia Sagrada, instrumento do poder divino. É o símbolo da palavra e representa o envoltório material do corpo, seus órgãos e suas funções. O filósofo Ouspensky a imaginou repousando sobre um trono de luz, bela e fecunda, em meio à interminável primavera.

A Imperatriz é a ligação entre o Pai e a Mãe. O número III simboliza a síntese criativa e a perfeição: o elemento que está subjetivo neste arcano é a água. Como Mãe ela é a doadora da vida e em seus braços ela demonstra o amor maternal protegendo e cuidando daquilo que pensa que é a sua necessidade. É a mulher arquetípica, a derradeira expressão do que é feminino, sendo receptiva e magnética. É a Grande Mãe Criadora, poderosa, fértil e equilibrada, determinada e de um amor sutil. Estamos diante de Vênus em seus mais variados aspectos, de Urania a Pornós. O Caminho Cabalístico que percorremos neste Arcano une Chokmah a Binah, a Sabedoria à Compreensão (se descendente) e a Compreensão à Sabedoria (se ascendente). A letra hebraica correspondente é Daleth, “a porta”.

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Austin Osman Spare

Símbolos:

Caminho da Árvore da Vida – De Chokmah a Binah.
Letra Hebraica – Daleth (porta).
Valor – 4.
Tattwa – Água e fogo.
Planeta – Vênus.
Lótus Azul – Santo Graal (Polaridade Masculina e Feminina, Sol e Lua).
As Duas Luas – Dualidade necessária.
Lua Crescente – Eva.
Lua Minguante – Lilith.
Cinturão – Zodíaco.
Cisne – Símbolo da Grande Mãe.
Escudo – Simboliza o Poder.
Águia de Duas Cabeças – Exacerbação de Poder.
A Lua atrás da Águia – A Polaridade Feminina.
A Pomba – Vênus.
O Pardal – Símbolo Fálico.
Chamas azuis abaixo da Pomba – O Fluxo Menstrual.
As abaixo do Pardal – O Glúten ou a secreção feminina normal.
Posição da Esquerda, como se segurasse uma criança – Os Projetos e pensamentos mais importantes.
Flor de Lis – Símbolo da Abelha, é uma referência ao produto que alimenta a Rainha: a Geleia Real.
Portal – Fertilidade e a passagem para Daäth.
Coroa com Orbe – Que possui poderosa capacidade de uso da mente.
Rosa Mística abaixo dos Pés – Símbolo do Graal, que a Imperatriz é a Suprema Guardiã.

Representação:

Marselha: Uma mulher loira, sentada em um trono, com uma coroa, um escudo com uma águia dourada na mão direita e um cetro na mão esquerda. Está sentada, com as pernas afastadas e os pés ocultos pela túnica. No ângulo inferior esquerdo da estampa cresce uma planta. A Imperatriz e a águia olham para a esquerda.

Marselha

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Rider-Waite: Uma figura majestosa, sentada, com ricas vestes e um aspecto real, como a filha do céu e da terra. Sua coroa é de doze* estrelas reunidas em grupos. O símbolo de Vênus está sobre o escudo perto dela. Um milharal* está em amadurecimento à sua frente e além dela uma corrente de água. O cetro que ela segura é coroado pelo globo terrestre. Ela é a parte inferior do Jardim do Éden, o paraíso terrestre, tudo o que é simbolizado pela casa visível do homem.

Curiosidade: Há quem diga que ela está grávida, uma vez que em algumas versões da carta, dentro do escudo em formato de coração está o símbolo do feminino.

*referência aos 12 signos do zodíaco.

*no texto do Waite usa-se “milharal” (um possível erro de tradução), mas parecem trigos, que representam a fertilidade.

‎‎Rider-Waite

Thoth: Ela representa uma mulher com coroa e trajes imperiais sentada a um trono, cujas colunas de apoio sugerem colunas azuis torcidas, simbolizadoras de seu nascimento da água, o feminino, o elemento fluído. Em sua mão direita ela segura o lótus de Ísis, o lótus representando o feminino ou o poder passivo; suas raízes estão na terra sob a água, ou na própria água, mas ele abre suas pétalas para o Sol cuja imagem é o bojo do cálice. É, portanto, uma figura viva do Cálice Sagrado (O Santo Graal) santificada pelo sangue do Sol. Empoleirados nas colunas de apoio em forma de chama de seu trono estão duas de suas aves mais sagradas, o pardal e a pomba. Há abelhas sobre seu manto e também dominós, circundado por linhas espirais contínuas. A significação é similar em toda parte. Em torno dela, como um cinto, se acha o Zodíaco.

Sob o trono há um piso coberto de tapeçaria bordada com flores-de-lis e peixes, os quais parecem estar adornando a Rosa Secreta, que é mostrada à base do trono.

A heráldica da Imperatriz é dupla: de um lado o Pelicano da tradição alimentando seus filhotes do sangue de seu próprio coração, do outro, a Águia Branca do Alquimista.

Ao fundo da carta está o Arco ou Porta, que é a interpretação da letra Daleth. Esta carta, em síntese, pode ser denominada Porta do Céu.

‎Thoth Tarot

Shadowscapes: Presa ao seu corpo como uma criança, ela segura uma cesta de recompensas/frutos da terra. Frutas e feixes de trigo e flores gloriosas. Ela é a essência primordial e encarnação da vida e está profundamente ligada à natureza. Coroada de hera, ela está entrelaçada em roupas das cores do mundo ao seu redor.

‎Stephanie Pui-Mun Law

Estrutura Mística:

Posição normal: inteligência, compreensão, influência benéfica, gravidez, receptividade.
Posição invertida: indecisão, falta de clareza, frivolidade, esterilidade, incapacidade de criar coisas concretas.
Sentido geral: crescimento, nascimento do novo, gravidez, ritmos e forças da natureza.
Sentido espiritual: percepção da multiplicidade.
Símbolo: A águia dourada representa a força espiritual.
Arquétipo: A mãe.
Objetivo: Preservar a vida.

Interpretações usuais na cartomancia:

Sabedoria, discernimento, idealismo, influência solar intelectual, gravidez, criatividade, sucesso, compreensão, inteligência, instrução, encanto, amabilidade, elegância, distinção, cortesia, domínio do espírito, abundância, riqueza.

Mental:Penetração na matéria por meio do conhecimento das coisas práticas. Os problemas vêm à tona e podem ser reconhecidos.
Emocional:Capacidade para penetrar na alma dos seres. Pensamento fecundo e criador.
Físico: Esperança, equilíbrio. Soluciona os problemas. Renova e melhora as situações. Poder contínuo e irresistível nas ações.
Desafios e sombra: Desavenças, discussões em todos os planos. As coisas se embaralham e ficam confusas. Atraso na realização de um acontecimento que, no entanto, ocorrerá.
Afetação, pose, vaidade, presunção, desdém.
Futilidade, luxo, prodigalidade. Deixa-se levar pelas adulações, falta de refinamento, modos de novo-rico.

Trabalhos relacionados à dança:

1) Empress por Anandha Ray:

‎Tribal Secrets Tarot

Card do Tribal Secrets Tarot Deck de Anandha Ray, com a bailarina Sedona Soulfire.

Considerações: Confesso que fiquei extremamente impressionada com este card da Anandha! É maravilhoso!
Certamente inspirado no Rider Waite, uma vez que a bailarina, além de ser loira, veste túnica branca, está coroada e segura com a mão direita o cetro (que inclusive se parece muito com o de Waite e com o de Marselha também, ambos com cores amareladas, porém, no lugar do globo e da cruz, fogo!). Ela também segura flores brancas na mão esquerda.

Uma das partes mais incríveis da arte da Anandha são as romãs que estão ao lado da bailarina, uma forte alusão às romãs da túnica da Imperatriz no Rider-Waite.
Achei uma excelente interpretação, cheia de simbolismos e muito bonita!

2)The Empress por Rachel Brice:

Datura Tarot

Rachel tem duas versões da Imperatriz no Datura Tarot. Ambas extremamente ricas em símbolos, como sempre.

Considerações:Na primeira, uma deusa de pedra está em meio à uma plantação de trigos, símbolo da fertilidade e, assim, profundamente relacionada com o papel da Imperatriz. Símbolo usado também no card do Rider-Waite. Ela já parece estar coroada (em sua forma natural: de pedra), mas também possui flores de ambos os lados da cabeça, fazendo com que a coroa fique mais visível e com um ar bem tribal.
Na segunda, minha preferida (não esteticamente, mas simbolicamente), uma mulher está em meio à Natureza, ao seu lado corre um rio, como nas cartas de Waite e Crowley. Ela segura um objeto que não consegui identificar, mas que pode ser um cetro. Os trigos também aparecem nesta versão, na parte inferior da figura. O símbolo do feminino está “tatuado” em seu braço. Ela usa uma coroa, formada por 11 estrelas e um outro símbolo = 12 (signos do zodíaco), contendo este outro símbolo 12 “pétalas”. Seu colar é o sistema solar (o sol e 8 planetas = 9, que também pode remeter ao tempo de uma gestação). Simbologia incrível! Estou fascinada!

3) The Empress por Njordarien do Tarot Noir:

O Tarot Noir é um projeto de Moscow (Rússia).

Njordarien

Considerações: A fotografia da esquerda é belíssima, entretanto, não vejo absolutamente nada que remeta ao Arcano. Já nas fotografias da direita e no vídeo, a bailarina usa um manto e uma coroa, símbolos da Imperatriz! A coreografia, com movimentos graciosos e posturas elegantes reforça a ideia de realeza do personagem. Uma bela apresentação.

4) Solo The Empress, de Lisa Zahiya, no House of Tarot de Zoe Jakes:

Conforme informação do vídeo, trata-se de um trabalho do House of Tarot Asheville, uma colaboração entre Lisa Zahiya e Zoe Jakes. Inspirado pela Imperatriz no Thoth Deck.

Considerações: A bailarina veste branco, uma das cores usadas pelos tradicionais (o Waite, por exemplo). Ela está coroada, como convém. O trabalho coreográfico é bastante delicado e feminino, atributos que com certeza remetem ao Arcano III. A parte mais interessante, na minha opinião, é que ela inicia a coreografia com as mãos na barriga, parecendo estar grávida. Ele repete este ato no meio da coreografia também. Achei tudo muito bom! E finalmente, achei um vídeo solo do House Of Tarot, com indicação do Arcano.

5) Outros:

Vídeos de bellydance inspirados na “Imperatriz”, porém, sem nenhuma referência à simbologia da carta, ao meu ver.

Lembrem-se: Se souberem de algum trabalho envolvendo os Arcanos enviem para mim!

Até a próxima!

93,93/93

Bibliografia:

Antigo Tarô de Marselha – Nicolas Conver;
O Livro de Thoth – Aleister Crowley;
O Tarot Universal de Rider Waite;
Clube do Tarô;
Ocultura;
Agradecimentos especiais à Marina Segalla, que enviou a carta e o texto do Shadowscapes.

[Folclore em Foco] Leitura Musical para ATS® - Parte 3

noreply@blogger.com (Aerith Asgard) — Fri, 05 Oct 2018 04:34:00 +0000

por Nadja El Balady– FatChance BellyDance Sister Studio

DRAMATIC SLOW

Dramatic slow (lento dramático) é uma expressão criada dentro do American Tribal Style® para designar um tipo de leitura musical para circunstâncias diferentes:Leitura de ritmos em 3, 6 tempos e leitura de ritmos em contagem ímpar.

Inicialmente, o ritmo de contagem 6 (conhecidos como 6/8) de origem norte africana era dançado com movimentos “rápidos”, bem como as próprias danças populares das tribos desta região fazem. As músicas berberes e beduínas que usam este tipo de padrão rítmico têm a percussão forte e com muitos instrumentos. A dança é naturalmente muito marcada com movimentos de quadril impactantes como twistse shimmies, redondos e encaixes de bacia. Dentro da linguagem ATS®, usava-se movimentos “rápidos”, mas apenas com contagem em 2 tempos como arabic, shimmie,reach and sit, single bump, pivot bump... Evitando os movimentos com contagem 4 (como egyptianou Turkish Shimmie) para não atravessar as freses musicais e estar sempre em harmonia com a música.

Posteriormente, após diversas experimentações, esta possibilidade de ler o padrão de 6 tempos com movimentos “lentos” surgiu como uma opção criativa e como recurso cênico de grande impacto para as apresentações de ATS®, onde o coro permanece tocando snujs no padrão “morrocan six” e as pessoas no “feauture” usam os movimentos “lentos” para as dinâmicas da performance.

No “feature” a leitura será feita com movimentos da família dos “lentos”, mas respeitando o andamento mais acelerado em que as músicas são tocadas. É comum que precisemos adaptar um passo que tenha combinações maiores de movimento em vários compassos. Dificilmente vamos conseguir adaptar um Wrap Around Turn em um compasso de 6, por exemplo. É possível que tenhamos que quebrar o passo em 2, 3 ou 4 compassos.

Observe neste vídeo das Sisters Studio Collective no ATS® Reunion de 2018, a partir de 4:58, como elas fazem, uma a uma, a leitura do ritmo em 6 tempos. Alguns passos mais curtos são feitos em 2 compassos, passos mais longos em 3 ou 4 compassos. Temos um Barrel Turn, Loco Camel, e Pulse Turnem 2 compassos cada, Wrap Around em 4 compassos, depois outro Barrel Turnem 3 compassos, Reverse Taxeem usando um compasso para cada lateral, Camel Walkem 2 compassos, e Wrap Around em 2 compassos.

Tendo a contagem em 6 tempos, você vai adaptar movimentos pequenos em 3 ou 6 tempos, os passos grandes em 6, 12 ou 18 tempos, sempre respeitando o que te pede a melodia. A escolha é sempre sua.

Da mesma forma como você estudou os movimentos em ritmos de 8 tempos, exercite seus movimentos lentos nesta nova contagem. Veja estes vídeos de experimentações alongando ou acelerando os movimentos dentro do padrão de 6 tempos:

A música “Beto Baharon” gravada pelo grupo Helm, usa base rítmica em 3 tempos. Da mesma forma que a contagem em 6, a contagem em 3 vai se desmembrar em 3, 6, 9, 12 e assim por diante. A leitura será muito parecida com a da contagem em 6 tempos, alongando ou encurtando os movimentos de acordo com o que pede a melodia.

Vamos ver agora uma nova possibilidade com um ritmo de contagem ímpar. Nesta música “9/4 the ladies”do grupo Balkan Beat Box, encontramos um padrão de contagem 9 (4 +5). Este padrão é usado na Grécia, na Turquia e em outros países daquela região mediterrânea. Dependendo da região, o nome de ritmo é diferente, mas vamos utilizar o nome “Aksak” turco. A contagem em 9 é uma contagem muito veloz. Para efeitos de dança, vamos ficar loucas se tentarmos contar e dançar ao mesmo tempo os 9 tempos de forma corrida. Existe, porém, uma outra maneira de contar este ritmo, (funcional apenas para efeitos de dança, não de contagem musical oficial) que nos facilita compreender início, meio e fim do compasso, que é a contagem 1-2-3-1-2. Veja como a leitura musical dramatic slow pode se aplicar neste tipo de contagem:

Experimente. Dance em diversas músicas diferentes, de maneiras diferentes. Procure estudar e compreender a música que você usa como ferramenta para dançar. “Know your music” (conheça a sua música), dizem nossas mestras. Principalmente se for uma música étnica, procure saber de onde ela vem, como é dançada em sua cultura de origem. Procure saber os nomes dos ritmos, quais são os instrumentos melódicos que são usados, em que época foi composta.

Faça o mapeamento da sua música, buscando perceber de quantos em quantos compassos temos transições entre instrumentos, em quantos tempos são feitos os arranjos, em que momento você pode ter movimentos “lentos” ou “rápidos”, movimentos mais ou menos impactantes.

Quanto mais você conhecer, mais elementos terá para expressar esta música na escolha dos movimentos, na escolha dos acessórios do seu figurino, na sua interpretação. Quanto mais você conhecer, mais interessante será a sua apresentação para o público.

Esta apostila não busca ditar regras, apenas convidar a dançarina de American Tribal Style® a se aprofundar e a conhecer melhor a música. Aqui tenho expresso meus parâmetros pessoais para desenvolvimento da minha musicalidade. Veja se você compreende e concorda com estes parâmetros, se eles fazem sentido e podem se aplicar ao seu método pessoal de interpretar a música.

A leitura musical é onde reside a arte da dança, o processo artístico pessoal. No final, quem escolhe como irá dançar, é mesmo você.

[Organizando a Tribo] Elaboração de Projetos Culturais na Dança

noreply@blogger.com (Aerith Asgard) — Sun, 30 Sep 2018 18:42:00 +0000

por Melissa Souza

Quem convive comigo já me ouviu dizendo mais de uma vez: “dá gosto ler um release bem escrito!”. Eu escrevi sobre release artístico aqui para o blog em 2016 [http://aerithtribalfusion.blogspot.com/2016/05/organizando-tribo-release-artistico.html] e torno a falar desse assunto agora por um motivo especial: estou participando da produção da 4ª edição da Entre Mundos, feira cultural da Idade Antiga e Medieval, que acontecerá neste ano de 2018, em 27 de Outubro, no clube da Cica, em Várzea Paulista, interior de São Paulo. Dentre minhas funções está auxiliar no recebimento das inscrições, organizar as publicações nas mídias sociais e assessorar os participantes no dia do evento. E estou adorando fazer parte de tudo isso e acompanhar de perto o processo de produção deste evento que participo desde 2013!

Eu e meu namorido, Everton Souza, na edição de 2014 da Entre Mundos

Nas duas primeiras edições participei apenas como visitante, na terceira tive o prazer de ir não somente para dançar como também para organizar as intervenções de dança no ritual de fogo e entre as bandas de folk metal, entre 22h e 04h (tem resenha aqui no blog: http://aerithtribalfusion.blogspot.com/2016/11/resenhando-sp-feira-medieval-entre.html). Foi após este episódio que comecei a propor intervenções de dança tribal em festivais de música e cultura alternativa, o que me levou a participar de eventos como o Mundo de Oz, Gaia Connection e Santa Liberdade. A Carla Mirela, idealizadora da Entre Mundos, também administra o Mausoléu Pub e, após nos conhecermos melhor, também tive abertura para organizar haflas no local em 2017 (http://aerithtribalfusion.blogspot.com/2017/03/resenhando-sp-hafla-tribal.html).

Intervenção no Ritual de Fogo da III Entre Mundos (2016)

Para que tudo isso fosse possível, eu precisei escrever, e muito, sobre a minha proposta com a dança, apresentar fotos, vídeos, referências de publicações na imprensa e links externos. Nem todo produtor tem um canal de recebimento desses arquivos, normalmente as inscrições são feitas apenas por e-mail, então eu organizava a apresentação no corpo do mesmo, em Word ou em PowerPoint - este último, para mim, foi o melhor formato até então. Para a Entre Mundos havia um formulário em Word, e eu sugeri de criarmos esse formulário com o Google Docs, mas fiquei surpresa com a criatividade dos proponentes, que enviaram apresentações até mesmo em vídeo e slideshow. O que quero dizer é que, não importa o formato, o tipo de mídia utilizado, desde que as informações cheguem até os produtores com facilidade, claro e conciso o suficiente para convencê-los da nossa proposta.

Oficina de Dança Tribal no festival Mundo de Oz (2017), oferecida em parceria com Kayra Bach

Com um release bem escrito, conseguimos visualizar a dança acontecendo, para isso necessita descrição não só da dança, como do figurino utilizado, da música, do objetivo que se quer alcançar com a apresentação - para divertir, emocionar, impactar. Se há interação com o público; a dinâmica da coreografia, principalmente se é algo em grupo: tudo é relevante. Infelizmente, muitas propostas foram recusadas por conta da falta de informações e clareza da mesma. Claro que, quando se trata de contatos pessoais dos produtores, é muito mais fácil de incluir num evento - muitos festivais só consegui entrar por conta de conhecer uma pessoa que conhece outra e enfim, por isso as parcerias são tão importantes no meio artístico. Mas não se trata de uma “panelinha”, os produtores realmente anseiam em ver coisas novas e diferentes, e muitos patrocinadores tem interesse em apoiar projetos e eventos condizentes com os seus ideais. É gratificante!

Esse é um dos motivos da Feira Entre Mundos destinar 20% da receita para a Associação Mata Ciliar, em pró dos animais e meio ambiente. A Feira também oferece uma meia entrada promocional em troca de doações para a entidade beneficiada. Além de ajudar a associação, o que vai de acordo com o propósito do evento, a ação também atrai o apoio de muitas organizações, públicas e privadas, como a secretaria de meio ambiente e a participação de artistas que dispensam ou minimizam o cachê em favor dos ideais do evento. Tenho aprendido muito sobre produção colaborativa e espero poder utilizar toda essa bagagem em um evento futuro de dança.

O extinto portal Tribal Archive prestava apoio de mídia à cena tribal nacional e também recebia o apoio e patrocínio de colaboradores e empreendedores da área

Seja com a intenção de dançar, elaborar um projeto artístico ou produzir um evento cultural e assumir esse papel de curador, passamos por etapas similares de planejamento, são elas:

1- Título e apresentação;
2 - Justificativa, metas e objetivos;
3- Cronogramas de pré-produção, produção e pós-produção;
4- Orçamentos - previsão/expectativas e resultados; bem como fontes de captação de recursos, parcerias e patrocínios;
5- Planejamento de marketing, publicidade, mídias e imprensa...

Dentre outros aspectos que variam de acordo com o projeto. Ao pensar o conteúdo das suas aulas de dança para elaborar um workshop temático ou curso modular, por exemplo, passamos por esse procedimento, seja por escrito ou apenas pensado. Os eventos sazonais de uma escola de dança, bem como os festivais e participações em mostras municipais e organizadas por terceiros tem uma finalidade maior, seja para os alunos adquirem experiência de apresentações, como atrair mais alunos para a escola ou apenas desenvolver um relacionamento com o público nas mídias sociais. Por qual motivo acompanhamos escolas e produções de eventos pelas mídias sem a expectativa de fazer aulas ou participar dos mesmos? Temos essa afinidade com a instituição como um todo ou a temos como um referencial em nosso trabalho diário, algo que almejamos.

Dei início à produção de projetos em 2015, após ouvir alguns podcasts da Sala de Dança e ter a experiência gratificante de participar do Curso de Formação com a Joline Andrade, aprendi muita coisa na prática, com tentativa e erro, mas também tive aulas focadas em marketing, planejamento, técnicas de pesquisa e elaboração de projetos ao longo do curso de Comunicação Social e, em 2017, tive o prazer de participar de um workshop com carga horária total de 6 horas focado em elaboração de projetos, ministrado pela Profª Drª Isaria Maria Garcia de Oliveira, que atua na área de produção de espetáculos de dança e festivais de música. Neste workshop ela ressaltou, dentre outras coisas, a necessidade de avaliar a probabilidade de um projeto de acordo com a relevância social, acessibilidade e antecedentes; investir na capacitação dos mediadores e mensurar os resultados através de pesquisas quantitativas e qualitativas (saiba mais em meu blog pessoal http://blog.melissa.art.br/2017/10/elaboracao-de-projetos-culturais.html).

O 2º ano do Projeto Vídeo & Dança foi realizado em parceria com a Dayeah Khalil, organizadora do Tribal Beach Festival e contou com a participação especial da percussionista Nanda Rodrigues

Para complementar, em abril de 2018, assisti também uma palestra sobre dança empreendedora promovida pelo Sebrae de Tatuapé-SP, com a participação de Octávio Nassur, produtor cultural na agência Dance & Concept e coordenador do MBA em Dança, Gestão e Produção Cultural da faculdade Inspirar, de Curitiba-PR (https://www.centraldancadoventre.com.br/publicacoes/divulguese/119/danca-empreendedora/17561). Apesar de ser voltado para proprietárias de escolas de dança, o palestrante tem uma grande bagagem em administração, elaboração de projetos e agenciamento de artistas e transmitiu muito da sua experiência ao público presente.

O curso de ritmos com a Nanda Rodrigues foi um dos projetos pensados para a escola Portal do Egito®, em Jundiaí-SP. O espaço também recebeu os encontros Mulheres que Dançam com a participação de instrutoras convidadas como a Andreia Elektra (Campinas-SP) e a Samaa Hamra (Santos-SP) trazendo temáticas especiais (Artes Sensuais e Dança Meditativa, respectivamente).

Em resumo: estudar, participar de workshops e assistir palestras na área de produção cultural, administração e comunicação é importante para quem deseja trabalhar com a dança e ter a dança como um negócio, seja como performer, instrutor, produtor ou gestor na área, mas por mais que estudemos, é na prática que vamos experimentar o que funciona e o que não funciona. Acredito que cada experiência que tive de 2015 para cá contribuiu para eu encontrar o meu verdadeiro propósito com a dança e espero conseguir transmitir um pouco disso tudo com vocês, trazendo mais conteúdo acerca do assunto com a minha coluna regular aqui no blog, de acordo também com o feedback de vocês.

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[Folclore em Foco] Leitura Musical para ATS® - Parte 2

noreply@blogger.com (Aerith Asgard) — Sat, 29 Sep 2018 01:47:00 +0000

por Nadja El Balady– FatChance BellyDance Sister Studio

MÚSICAS “LENTAS”

As músicas lentas são músicas que vão assumir caráter de valorização da melodia, onde o ritmo de base serve de “chão” para o desenrolar das melodias e harmonias. Desenvolver a leitura musical para músicas “lentas”, é um pouco menos óbvio do que para músicas “rápidas”.

Não seria apenas se deixar levar pela melodia?

Mais ou menos. Nas músicas lentas, nós não fugimos à regra de frases musicais construídas sobre ritmos e mais uma vez, vamos observar os ritmos de base antes de observar o comportamento da melodia.

Ritmo x andamento

Como vimos anteriormente, os ritmos contados em 4 são usualmente usados para leitura “rápida” dentro do ATS®. Se o ritmo for tocado em um andamento verdadeiramente muito lento, é possível mudar a maneira de ler a música, mas se for tocado em um andamento mais corriqueiro para este tipo de ritmo, a música será certamente percebida como “rápida” em termos de ATS®. Por exemplo: Nesta versão da música “Said Roah” gravada pelo grupo Helm, a música inteira tem base no ritmo Said, que é um ritmo 4/4. Em teoria, poderíamos dança-la inteira com movimentos rápidos, porém no início da música o andamento é tão lento que fica quase inviável dançar de forma “rápida” nela. Depois de um determinado arranjo musical, o andamento acelera e já fica mais gostoso de tocar snujs e fazer os movimentos “rápidos”. Então teremos uma leitura “lenta” no início, mudando para “rápida” no final.

Da mesma forma também vamos entender como uma música “lenta”, ou “parte lenta” de determinada música, se os instrumentos melódicos forem tocados com as notas alongadas, em melodias mais lânguidas, mesmo que o ritmo seja em 4 tempos e um andamento bom para movimentos rápidos, vamos acabar puxando a interpretação para os movimentos lentos. Neste caso, é a sua vontade de interpretar o instrumento melódico predominante que determina a escolha dos movimentos usados.

Ou seja: A sua percepção da música é quem vai dizer mesmo ditar o que fazer.

Vejamos este exemplo com a música “Rumelaj” gravada pelo grupo Mawaca: O ritmo de base é o ritmo árabe “Maqsoum”, em 4 tempos, mas a melodia lânguida, a valorização dos instrumentos como acordeom e flauta nos inspiram à movimentação lenta pela maior parte da música, até o arranjo de percussão em que temos uma clara transição onde o andamento da música acelera e a música toma uma energia maior, que vão nos inspirar uma movimentação mais cadenciada, com deslocamentos e batidas no vocabulário “rápido” do ATS®.

Na maior parte das músicas de origem árabe, ou otomana, os ritmos que servem de base para músicas “lentas” podem ter padrões longos de contagem, diferente das músicas “rápidas” que geralmente usam padrões rítmicos em 2 e 4 tempos, os ritmos “lentos” podem ter contagem em 8, 10 ou mais tempos. Contagens em 8 tempos são mais comuns, mas existem alguns ritmos lentos com contagem em 4 tempos.

Vejamos alguns ritmos em 8 e 10 tempos bastante usados para músicas orientais:

Como mencionado anteriormente, a leitura rítmica dentro do ATS® não acontece de forma literal, não é nossa responsabilidade representar os taks e dums dos ritmos, mas é nossa tarefa entender a métrica que o ritmo deixa para a flutuação melódica e encaixar a nossa movimentação nesta métrica rítmica. Tudo vai depender também do andamento em que este ritmo está sendo tocado. Talvez você queira encaixar um Barrel Turn em um compasso de 8 tempos, mas se ele estiver sendo tocado em um andamento mais rápido, sejam necessários 2 compassos para fazer caber o movimento inteiro.

Então se um movimento vai ocupar 1 ou mais compassos, vai depender da complexidade do movimento e também do andamento que que o ritmo está sendo tocado.

Experimente fazer o seguinte exercício:

Escolha alguns movimentos simples ou combinações de movimentos com giros, como por exemplo: Torso Twist; Body Wave; Reverse Turn; Propeller. Experimente dançar estes 4 movimentos nos ritmos Masmoud Kbir e Tchifititelli, ambos ritmos com compasso em 8 tempos, porém tocados em andamentos diferentes. Experimente encaixar os movimentos em apenas um compasso. Quantos Body Wave você encaixa em 1 compasso? Consegue fazer apenas um Body wave em 8 tempos? Fica melhor se forem 2? Mas e se o andamento for mais rápido? Agora experimente com uma combinação mais longa, como Reverse Turn e Propeller, como fica para encaixar o movimento em 1 ou 2 compassos em andamentos mais ou menos lentos?

Depois de dançar com os ritmos puros, experimente o mesmo exercício em músicas que usem os mesmos ritmos na base e perceba como a melodia se comporta com o ritmo para formar as frases musicais, conte as frases musicais, perceba quantos em quantos compassos acontece uma frase musical e tente encaixar os movimentos ao sabor da melodia.

SOBRE MÚSICAS RITMICAS OU ARRITMICAS

Até há algum tempo atrás eu ouvia muito a respeito de uma expressão usada para designar leitura musical para ATS® como músicas rítmicas ou arrítmicas. Eu compreendo que este termo “arrítmico” seria usado para dizer que os movimentos usados no lento do ATS® não teriam uma contagem específica por estarem mais disponíveis a serem adaptados a musicalidades diferentes. O fato que precisa ser esclarecido é que não existe nada e termo de música, e por tanto também de dança, que não tenha ritmo. Não existe música arrítmica, por tanto não existem movimentos arrítmicos. Musicalmente este termo é bastante equivocado. Mesmo que a música em questão não tenha uma percussão, com certeza a melodia foi construída, ou improvisada, em cima de algum padrão métrico de contagem. Na dança, mesmo que não tenhamos uma contagem única para a execução de movimentos lentos, a verdade é que estamos adaptando, mesmo sem saber, a contagem dos mesmos movimentos de música para música. Talvez, em determinada música, você faça o Camel Walk em 4 tempos e em outra música faça em 8 tempos. Você muda a sua interpretação, mas nunca está dançando algo desprovido de ritmo ou alguma contagem.

O que acontece quando você não conta os seus movimentos é que você deixa a cargo da sua intuição a leitura musical, a maneira como você ouve e representa os instrumentos. Quando não temos consciência do que fazemos, podemos não dar o melhor de nós. Toda o método do ATS® pede que você tenha ciência da sua postura, da clareza e limpeza dos seus movimentos e que você conheça a sua música. Que você tenha ciência também dos elementos que compõe a música que você está dançando e isto inclui conhecer os ritmos, conhecer os instrumentos melódicos e percussivos, entender seus arranjos e transições para que as suas escolhas dos movimentos possam ser conscientes, para que o seu desempenho possa ser melhor, sua apresentação possa ser mais interessante, para que você possa ter maior prazer na sua dança e para que o seu conhecimento possa ser repassado sob forma de experiência para outras pessoas.

[Venenum Saltationes] Desvendando: "Isa"

noreply@blogger.com (Aerith Asgard) — Sun, 23 Sep 2018 12:45:00 +0000

por Hölle Carogne | Participação de Anath Nagendra

Gente, olha que surpresa maravilhosa: estou reabrindo a Série Desvendando, para compartilhar com vocês o trabalho lindo realizado pela bailarina gaúcha Anath Nagendra.

O trabalho dela fala sobre a runa Isa! Vem ler esta matéria incrível e saber o que a inspirou!

*Lembrem-se, qualquer trabalho de dança com conceito místico ou ocultista pode ser enviado para a coluna. Será um prazer divulgar a sua magia transformada em dança!

ISA: uma encruzilhada em linha reta

Por Anath Nagendra

Sabe crise dos 30? Aquela época da vida em que certas fichas caem e parece que tudo está se desfazendo ao seu redor, vivida principalmente por mulheres? Então, sou cética quanto à essa crença popular em tempos atuais, principalmente por estar enraizada na cultura patriarcal (p.ex. a crise por não ter arranjado marido/filhos).

Mas devo admitir que uso a expressão, de brincadeira, pra ilustrar o melê atual da minha vida. Ainda mais porque a minha “crise dos 30” começou na margem de erro, por volta dos 28 (ou antes, até). Problemas financeiros e emocionais, estresse com o trabalho, preocupações com a família, com a saúde, o choque de realidade de entrar na vida adulta depois de anos dentro de uma bolha intelectual resumida à universidade, a depressão com o estado atual do mundo, autoestima no chão, etc.

Assim, às portas de completar 29 anos, criei “ISA”. E o que diabos isso tem a ver com o que falei acima? Simples, essa performance foi um ritual pessoal “multicamadas”, cuja intenção era quebrar essa onda da “crise dos 30”. Os resultados foram tão “WOW” que senti que essa apresentação merecia uma matéria só pra ela. Obviamente que a “crise dos 30” não sumiu magicamente após a dança, provavelmente precisarei de um tempo e de outros trabalhos internos pra dar continuidade a essa saga, mas certamente este foi o pontapé inicial desse concerto.

E como ocultistas no meio da dança não são exatamente numerosos, acho interessante dividir um pouco destas experiências e percepções, ainda mais por ser um mundo tão particular e subjetivo.

Sendo introvertida (INTJ, especificamente) e com ascendente em escorpião, costumo ser um livro fechado a sete chaves, que revelo somente pra pessoas extremamente íntimas. Mas isso não me impede de abrir certas brechas para o mundo, e aqui isso se faz necessário pra contextualizar os acontecimentos pré, durante e pós-performance. Uma destas coisas é que minha espiritualidade é, literal-metaforicamente, uma salada de frutas. Algo tipo o Tribal Fusion, ou seja, uma manifestação coerente e única que surge da fusão de diferentes elementos.

ISA, para mim e neste contexto da minha vida, canalizou a energia de si mesma, representou a despedida do meu cabelo gigante, deu um boost na minha autoconfiança e autoestima, me ajudou a calar a boca do superego, e foi o resultado de um pedido à um Exu!

Mas tia Anath, quem ou o quê é uma isa?

“Isa” é uma das 24 runas escandinavas, comumente usadas como um oráculo (como o tarot, por exemplo, ainda que diferente). Chamada também de “Is” ou “Isaz”, significa gelo (também correlata do inglês ice), é representada como um único traço vertical, e seu arquétipo é relacionado a questões como: inércia, estabilidade, eixo, cerne, estagnação, equilíbrio, resistência, controle, etc.

E, como frequentemente acontece com muitos arquétipos – sejam runas, arcanos do tarot, deuses de algum panteão ou os signos do horóscopo –, seus aspectos negativos são enfatizados e o símbolo torna-se estereotipado. Quando comecei a estudar runas, anos atrás, via Isa sempre como um problema ou algo que eu não conseguia decifrar direito, análogo às intepretações, também estereotipadas, do arcano XII, “O Enforcado”, e o hexagrama 33 do I Ching, “Retirada”.

Foi no desenvolvimento da performance que eu fui mergulhando em suas camadas e percebendo sua complexidade e suas facetas positivas. Se Isa surge em uma leitura de runas, é praticamente impossível de se compreender o significado sem considerar bem o contexto da pergunta e ter uma boa intuição. Ela pode indicar que a situação da pergunta está estagnada (ou seja, rígida demais), mas também pode indicar instabilidade (ou seja, frouxa demais), de modo que a estabilidade deve ser buscada. Ela pode ser um bom agouro, indicando que as ações levarão ao centramento e equilíbrio, como também mostrar que tais ações podem levar à inércia.

Não há motivos para “carimbar” a runa com apenas um significado, ou uma faceta. É impossível discernir isso apenas olhando pra ela. Isa é um arquétipo complexo em si mesmo, uma energia misteriosa presente em absolutamente tudo. Não é à toa que não há como ignorá-la quando construímos, por exemplo, um símbolo que é uma combinação de runas, ou mesmo quando utilizamos uma única runa, pois, sendo todas traços retos, Isa está sempre embutida no desenho, e portanto se faz presente em todas as situações.

A primeira camada de significado presente na minha dança foi: Isa como estabilidade. Estes foram os elementos que busquei canalizar ao construir sua performance, buscando trazer pra minha vida – interna e externa – ao menos um pouco de seu cerne. Para isso, utilizei a música “Isa”, da banda norueguesa Wardruna – que, aliás, criou três álbuns totalmente focados nas runas –, desenvolvi um figurino simples em tons de branco e prata claro, maquiagem artística branca e prata, e procurei evitar sair do lugar durante a dança. Afinal, uma runa toda voltada ao eixo e rigidez não clama por muito deslocamento, certo?

A performance, ainda que tenha sido improvisada, tem uma estrutura “narrativa”: inicio parada, enrijecida, trêmula de frio, como se despertando lentamente de uma longa inércia. Ao me erguer, os movimentos, ainda “quebrados”, com acentos e tickings, representam a quebra do gelo do corpo. Conforme a dança avança, vou me tornando mais fluída, permanecendo no eixo. As “unhas” que uso representam o gelo também, como estalactites, que vou me desfazendo (acreditem, esse simbolismo eu percebi apenas depois, assistindo ao vídeo). Mais para o final, me movimento de maneira circular, lenta e calmamente, mantendo o eixo, representando a fluidez centrada e estável como faceta positiva da energia de Isa.

Curiosamente, o vídeo está com um micro delay no áudio, o que conferiu um ar meio “creepy”, em especial no início. :p

A segunda camada foi perceber o simbolismo referente ao equilíbrio fornecido pela runa. Tempos antes da apresentação, quando eu ainda estava cogitando dançar essa runa, estava escutando a música original (tive de editá-la para diminuir a duração), e devaneando minha performance mentalmente. Costumo fazer isso sempre, pois isso me ajuda a verificar se o que a música me transmite é passível de ser feita (considerando meu atual repertório e capacidades), a bolar o figurino, narrativa, etc. Pois desta vez, percebi que o devaneio se desenrolou de forma que a apresentação de Isa seria uma “despedida” do meu cabelo.

Contexto: como podem ver nas fotos, tenho um cabelo mega comprido. Sei que eu sempre quis ter um cabelão, mas não consigo mais me lembrar do motivo, apenas que eu adorava – e ainda adoro – quando as pessoas se chocam com o tamanho dele. Mas sempre tive muita dificuldade em fazê-lo crescer, pois passei a vida tingindo com tintas de farmácia, sem cuidar ou ir a salão, o que me impedia de deixa-lo muito grande pois as pontas ficavam horrendas. Quando troquei a química por henna, ele ficou muito mais saudável e pude atingir o comprimento atual sem ele estar detonado – ainda que precise de um tantin de tratamento. Mas, mesmo assim, meu cabelo é deveras fino, quebra e enoza fácil, fora que tenho pouquíssima quantidade de cabelo.

Quando eu finalmente atingi esse comprimento diferentão que eu sempre quis, comecei também a perceber que eu não estava exatamente feliz por isso. Praticamente nunca o uso solto – quente demais no verão, fica se enroscando em tudo, etc. –, e mesmo quando solto, não tem muito movimento ou expressividade. Mesmo na dança (do Ventre, ao menos) não conseguia utilizá-lo em movimentos, pois é leve demais. E como não costumo ir a salões pra deixa-lo ajeitado e nem fazer isso eu mesma, acaba que a aparência natural parece um tanto desleixada. Além disso, há algum tempo tenho sentido muita vontade de brincar com volume nas madeixas, mas nesse atual estado, é praticamente impossível avolumar qualquer coisa.

Foi aí que percebi que teimar em continuar com o cabelão não era o que eu queria, mas ainda assim, eu senti resistência em considerar um corte dramático. E essa resistência era um sinal de apego, mas um apego perigoso: aquele que, na realidade, é o medo da mudança. Aquele apego às expressões de espanto das pessoas, mas que não me agregam nada. Aquele apego que também tem raízes na cultura patriarcal, que diz que mulher tem que ter cabelão. Aquele apego a uma identidade que tentei construir por anos, mas que agora vejo que não sou eu. Não necessariamente.

Meu cabelo se tornou um excesso, um dos muitos que geram meu desequilíbrio interno.

Tem muito mais coisa por trás disso, mas não irei me alongar demais. Basta dizer que outro fator importante nesse contexto, e consequentemente para a performance da Isa, é que estou há algum tempo trabalhando internamente para destruir bloqueios e amarras que impedem a minha expressividade. Um deles é de libertar parte da minha Sombra (viés junguiano) que é o meu Sol em Leão, das “garras” do Superego (viés freudiano), e uma das ferramentas que estou usando para isso é uma ritualização do corte do cabelo.

Aí você vai pensar, “ah, então é por isso aquela enrolação de cabelo no vídeo, legal!”, e eu vou te responder, “sim e não”, e aí você vai ficar “WTF”. Explico: como disse acima, tive o devaneio em que a performance seria essa despedida, em que eu interagia com as madeixas. BÃT, eu acreditei que isso seria uma camada simbólica da dança, e não literal. Quando ensaiava a estrutura da dança, ignorei totalmente esse aspecto, o cabelo seria apenas um elemento estético. Ledo engano :p

Logo que começou a apresentação, o cabelo enrolou forte numa das minhas mãos, já fazendo com que uma das unhas caísse. Isso não estava nos planos. Mas, ao invés de sentir aquela adrenalina e pensar “fudeufudeufudeufudeu”, eu percebi na hora que a performance QUERIA que eu interagisse com o cabelo e representasse o simbolismo da despedida. Assim, imbuí o acontecimento na dança e segui o baile. Ou seja, sim, estava nos planos, e não, não estava nos planos. Hehehe

E isto puxa a terceira camada, que aqui não relaciono a um simbolismo específico, mas à manifestação da runa: a tranquilidade. Tranquilidade como a consequência do centramento, do equilíbrio. Porém, isso não veio depois da performance, mas sim antes. Não sei exatamente quanto tempo antes, mas percebi, conforme se aproximava o dia do evento, que eu não estava nem um pouco preocupada com nada. Construí a performance com calma, testei figurino sem nenhum estresse, e nem um pingo de ansiedade surgiu antes ou durante, e mesmo depois tive apenas a ansiedade de ver como ficaram as fotos e vídeo, com uma expectativa bem animada.

Talvez você ache isso normal, mas, ao menos no meu caso, foi a primeira vez que isso aconteceu. Mesmo com quase sete anos de dança, continuo sentindo aquelas borboletinhas no mínimo logo antes de entrar no palco, mas desta vez, nem isso! E só depois da performance que fui perceber que isso provavelmente já era a Isa se manifestando em mim, me trazendo estabilidade mental e emocional que me permitiu cria-la sem nenhuma dor de cabeça, e que certamente influenciou a minha reação tranquila ao “causo” do cabelo enroscado.

Finalmente, a quarta camada: a performance como resultado de um pedido a um Exu! <o>

Explico: há algum tempinho tenho tido contato com alguns elementos da Umbanda, pela primeira vez. Esse contato surgiu espontaneamente, e culminou na minha descoberta de que o meu Exu era especificamente o Zé Pelintra. Estudando sobre ele e tendo contato através de Imaginação Ativa, combinamos que ele iria me dar um auxílio na guerra contra o superego. E, algum tempo antes da performance de Isa, eu estava em um dia particularmente down e pedi a ele que me ajudasse com um pequeno boost na minha autoestima, em troca de uma vela. Ok, deixei isso de lado, quando eu percebesse que o favor foi concretizado, acenderia a vela.

Poucos dias após a apresentação, recebi as fotos e o vídeo. O que aconteceu foi algo que eu não estava esperando: pela primeira vez na vida, eu estava me admirando, tanto nas fotos quanto no vídeo. Pela primeira vez na vida, eu não dei bola para a barriga gordinha, tamanho o encantamento com o resto. Pela primeira vez na vida, me encantei comigo mesma da mesma forma que admiro minhas bailarinas favoritas.

Talvez você pense que isso é narcisismo, talvez você pense que é porque sou leonina, talvez você pense que isso é algo normal. Não para mim. Por mais que eu gostasse de uma performance/fotos minhas, sempre havia aquela vozinha crítica, aquela que aponta o que não tá legal, o que não tá bem feito, as gordurinhas, etc. Resgatar o meu amor-próprio e autoestima é um dos meus principais focos atuais, tamanha repressão que fiz da minha própria vaidade e autoconfiança.

E foi nessa hora, quando percebi como eu estava me admirando, que me toquei: o pedido que tinha feito ao Seu Zé foi cumprido. Com essa performance eu consegui realizar algo que outrora eu não acreditaria que pudesse fazer, que era calar a boca do crítico interno. Com essa performance, eu consegui, de maneira inédita e sincera, não dar bola para o meu sobrepeso.

Obviamente, o resultado disso é um pequeno boost na minha autoconfiança.

Laroyê, Zé Pelintra!

Espero que esse textão tenha sido interessante, e que possam ter uma pequena noção do que a dança pode nos proporcionar como ferramenta de experimentações esotéricas. Logo abaixo deixo o vídeo, para quem quiser ver como tudo isso aí se manifestou.

A performance ocorreu na Mostra de Danças de Inverno do Centro Municipal de Dança de Porto Alegre, no dia 25 de julho de 2018. Registro em vídeo por Luhã Valença, e fotos por Fernando Espinoza.

[Resenhando SP] Tribal no teatro

noreply@blogger.com (Aerith Asgard) — Sat, 22 Sep 2018 12:10:00 +0000

por Irene Rachel Patelli

Adorando ver o tribal se tornar cada dia mais conhecido, não só como dança mas como técnica de criação no teatro.

Esses dias estava em cartaz no SP Escola de Teatro – Sede Roosevelt (na capital de São Paulo) a peça ‘’Cabeças Trocadas’’ do grupo Caixa de Fuxico. Com a direção de Rosana Pimentae as atrizes Andrea Cavinato e Estela Carvalho que, além de atuar, cantavam e tocavam instrumentos ao longo da apresentação. Para quem gosta de cultura indiana foi um prato cheio onde os personagens foram muito bem interpretados, inclusive a deusa Kali.

Não vou contar sobre a peça em si para que role uma curiosidade e, entrando em cartaz novamente, vocês possam assistir sem spoiler. O meu ponto nesse texto é sobre a atriz Andrea que fez aulas de dança indiana, tribal fusion e ATS (American Tribal Style) para compor e enriquecer os personagens interpretados por ela nessa peça. Então, assistir essa peça foi mais interessante ainda para quem conhece ver as nossas influências numa criação.

Para quem quiser saber mais sobre a peça é só procurar no facebook ‘’Cabeças Trocadas’’ ou também pela página do grupo Caixa de Fuxico.

É uma peça que espero que volte e que faça apresentações em outros estados para que a galera do tribal possa curtir, assim como a outra peça que também assisti e gostei muito, a "Àtma" que aconteceu em duas temporadas, uma delas no Teatro Satyros 1 na praça Franklin Roosevelt, também em São Paulo, capital. Com concepção e direção de Ciro Barcelos no elenco Daniel Falcão, Diógenes Gonçalves, Gustavo Galliziano, Jhonatan Hoz, Ju Messias, Patrícia Barbosa e Renata Toledo; músicos Vítor Deamo, Vítor Toledo, Rafa Diniz e Toi.

Esse espetáculo foi muito bom e, nele, além de todo o contexto ter muito a ver com o tribal, uma das atrizes e também dançarina Ju Messias mostrou um pouquinho de nossa tão amada dança, o tribal fusion. A foto a baixo mostra o momento em que se apresenta. Mais algumas fotos para verem o quanto tinha de tribal nessa peça e o quanto foi linda.

Para saber mais sobre essa peça, procure no facebook por Àtma – Um espetáculo de Ciro Barcelos.

As duas peças foram fantásticas e saí das duas com muitos questionamentos. Amo peças assim, que me acrescentam e me fazem desenvolver como artista e como pessoa.

Esperamos mais temporadas dessas peças que super recomendo para toda a galera do meio tribalístico.

E não posso me esquecer de contar que a primeira peça teve seus figurinos criados pela Juliana Bertonine, integrante do grupo Sisterhood ATS e a segunda peça as saias foram confeccionadas pelo ateliê Khalidah da professora de ATS Lilian Kawatoko.

Quer mais tribal no teatro que isso?

No facebook vocês encontrarão muitas outras fotos fantásticas das duas peças e também informações super interessantes, não deixem de dar uma olhadinha.

[Folclore em Foco] Leitura Musical para ATS® - Parte 1

noreply@blogger.com (Aerith Asgard) — Fri, 21 Sep 2018 04:27:00 +0000

por Nadja El Balady– FatChance BellyDance Sister Studio

O que significa leitura musical para ATS®?

Significa que existe algo a mais na preocupação das dançarinas de ATS® além de coordenar movimentos, posicionamento no espaço e o toque dos snujs. Significa que sua escolha de passos e combinações, suas transições de liderança estão inspiradas pela música e em harmonia com seus arranjos e transições.

Vamos entender alguns componentes principais das composições musicais e tentar, de forma simples, encaixar com nosso entendimento da técnica de ATS® para aproveitar estes elementos da melhor forma possível.

Vale lembrar que todo o método do ATS® já foi pensado para você tirar o melhor proveito da sua leitura musical. O próprio método em si tem várias indicações de como entender e dançar determinados padrões musicais, mas leitura musical é onde reside a arte, ela é pessoal, revela como você percebe a música que está tocando e como reage a ela, revela como está a sua escuta e a sua capacidade de lidar com o todo que é improvisar em grupo dançando e tocando ao mesmo tempo.

Primeiro, vamos analisar dois elementos estruturais da música para nos dar embasamento: Ritmo e melodia.

Na minha percepção, compreender o ritmo de base de uma música é a primeira coisa que devemos fazer para entender a música dentro do conceito musical para ATS® que nos diz que são 3 linhas de leitura que podemos seguir: Músicas “rápidas”, “lentas” e “lentos dramáticos”.

A leitura rítmica dentro do ATS® não acontece de forma literal, não é nossa responsabilidade representar os taks e dums dos ritmos, como faz a Dança do ventre tradicional, mas é nossa tarefa entender a métrica que o ritmo deixa para a flutuação melódica e encaixar a nossa movimentação nesta métrica rítmica. É esta métrica que nos interessa, que vai fazer com que dança e música se tornem uma só coisa.

Os ritmos usados para dançar músicas consideradas rápidas no ATS®, em geral, serão ritmos cujos compassos serão contados em 2 ou 4 tempos. Existem algumas exceções para ritmos contados em 6 tempos. Mas o que é compasso? Compasso é a célula rítmica. A maneira como este ritmo é estruturado em sua forma e em quantidade de notas.

Como as músicas utilizadas para dançar ATS® em geral são orientais, vamos trabalhar com exemplos dentro dos ritmos árabes. Vamos ver dois exemplos de compasso de ritmos contados em 2 e em 4: Malfuf (ou Laff) e Maqsoum, no caso Malfuf com 2 tempos e Maqsoumcom 4 tempos. Nas figuras abaixo, podemos ver o ritmo escrito na pauta, que são as cinco linhas usadas para escrever a música. Temos a imagem da clave de sol e em seguida uma fração. O numerador da fração representa quantos tempos tem o ritmo e o denominador é um indicativo do valor das notas, mas este valor, para entendermos a estrutura rítmica, agora não é importante. O mais importante para nós, no momento, é compreender o numerador da fração. O Malfuf é um ritmo cuja “célula” acontece e se repete de 2 em 2 tempos. Maqsoum é um ritmo cuja “célula” acontece e se repete de 4 em 4 tempos. A maioria dos ritmos populares, tanto orientais quanto ocidentais acontecem em 4 tempos, na fração 4/4.

MÚSICAS “RÁPIDAS”

Ok! Se os ritmos das músicas “rápidas” são contados em 2 ou 4 tempos em geral, por que contamos as músicas de 8 em 8 tempos?

Por causa da chamada “frase musical”. A frase musical é a maneira como o compositor se utiliza da métrica rítmica para compor a melodia. Uma ideia melódica usa 8 tempos para encontrar seu sentido e pode ir se complementando, repetindo ou encontrar resposta nos próximos 8 tempos e assim sucessivamente. Escute estas músicas e conte de 1 a 8 desde sua primeira nota e perceba como a melodia flui de 8 em 8 tempos.

Significa que se o ritmo base tiver 2 tempos, a frase musical usa 4 compassos para acontecer, se o ritmo de base tiver 4 tempos, a frase usa 2 compassos.

2 tempos – Frase musical em 4 compassos:

4 tempos – Frase musical em 2 compassos:

NÃO CONTE APENAS OS PASSOS, CONTE A MÚSICA!

Sabemos que no ATS®, para que a estrutura de improvisação funcione, precisamos contar os passos e combos dos movimentos rápidos sem cessar, se não arriscamos deixar alguma coisa incompleta e a movimentação pode acabar não fazendo sentido para quem está sendo liderado. Será interessante que além de contar os passos que faz, a dançarina use a contagem para integrar os movimentos na própria música.

Tendo identificado o ritmo de base, a dançarina deve observar a maneira como a melodia se comporta: Como a música começa, onde entra a melodia principal e como ela pode fazer para distinguir um momento do outro.

Por exemplo: Na música “Kako Kolan” gravada pelo grupo Helm, temos uma entrada percussiva, uma melodia tocada com acordeom e a voz que entra em seguida. A entrada percussiva leva 8 tempos. O acordeom desenvolve sua primeira ideia em 16 tempos e depois a repete em mais 16 tempos, ou na linguagem de dança “4 oitos”. Em seguida a voz vai entrar igualmente usando “4 oitos” para desenvolver a primeira ideia, mais “4 oitos” para desenrolar uma continuidade e então “4 oitos” para fazer acontecer o refrão.

Tendo em vista uma estrutura como esta, tente fazer casar as ideias de movimentos com as ideias da música, por exemplo: Se temos 8 tempos iniciais apenas com a percussão, evite começar uma combinação longa neste momento, use movimentações simples e curtas como Shimmie, Bumps ou Arabic. Quando o acordeom entrar, tente pensar em movimentações que tenham 16 tempos, como Chico 4 Corners, ou mesmo uma sequência de Egyptians. Você pode escolher 2 sequencias de movimentos em 16 tempos ou se escolher fazer o Sunanda, por exemplo, ele sozinho poderá ocupar toda o momento inicial dos 4 oitos de acordeom. E assim sucessivamente.

A qualquer momento, evite iniciar um movimento mais longo no 5º tempo (ou qualquer outro tempo que não seja o 1º) de uma frase musical. Mesmo que dentro da métrica rítmica, sua sequência de movimentos vai acabar desencontrando da construção melódica e dos arranjos da música. Procure casar o tempo 1 dos movimentos com o tempo 1 das transições musicais. Assim você vai garantir que sua dança sempre vai estar em harmonia com a música.

[Venenum Saltationes] A Dança & O Tarot - A Sacerdotisa

noreply@blogger.com (Aerith Tribal Fusion) — Fri, 03 Aug 2018 18:51:00 +0000

por Hölle Carogne

Tarot de Marselha

93!

É chegada a hora de seguirmos com o nosso estudo! Eu estou adorando e vocês?

Nesta edição falaremos sobre o Arcano II: A Sacerdotisa, também conhecida como “A Papisa”, “A Alta Sacerdotisa” e “A Suma Sacerdotisa”!

A tradução exata do nome que o Tarô de Marselha dá a este arcano (La Papesse) é A Papisa. Outras versões, como A Sacerdotisa ou A Alta Sacerdotisa, vêm do nome que lhe é atribuído modernamente em inglês (The High Priestess).

Esta carta simboliza a sabedoria, o conhecimento, o mistério, a intuição, o crescimento, a gestação, a nutrição da alma e do corpo, a Gnose, a Casa de Deus e do homem, o santuário, a lei, a Cabala, a igreja oculta, a reflexão. De acordo com os baralhos clássicos, fala daquilo que é escondido e maquiado, de assuntos secretos que não podem vir à tona para que a situação permaneça a mesma, ou que precisem vir à tona para que a situação possa evoluir.

Seu reino é binário, uma etapa na distinção da polaridade do universo. Se o binário equivale a conflito, no sentido de rompimento da unidade, de abandono do caos essencial onde não existem as magnitudes nem os nomes, é também a primeira etapa dolorosa e imprescindível das vias iniciáticas, o começo da busca da identidade.

Esta carta se refere à letra Guimel, que significa camelo.

A referência da carta é à Lua. A Lua (sendo o símbolo feminino geral, o símbolo da segunda ordem correspondendo ao Sol, como o Yoni corresponde ao Lingam) é universal e vai do mais alto ao mais baixo.

A carta representa a forma mais espiritual de Ísis, a Virgem Eterna, a Ártemis dos gregos. Ela está trajada tão-somente do véu brilhante de luz. É importante para a alta iniciação considerar a Luz não como a perfeita manifestação do Espírito Eterno, mas, preferivelmente, como o Véu que oculta este espírito. Ela assim o faz sumamente efetiva devido ao seu brilho incomparavelmente deslumbrante. Assim ela é luz e o corpo de luz. Ela é a verdade atrás do véu de luz. Ela é a alma de luz. Sobre os joelhos dela está o arco de Ártemis, que é também um instrumento musical, pois ela é caçadora e caça por encantamento.

Agora que se considere esta idéia como a partir de detrás do Véu de Luz, o terceiro Véu do Nada original. Esta luz é o menstruo da manifestação, a deusa Nuit, a possibilidade da Forma. Esta manifestação primeira e maximamente espiritual do feminino toma para si um correlativo masculino ao formular em si mesma qualquer ponto geométrico a partir do qual se contempla a possibilidade. Esta deusa virginal é então potencialmente a deusa da fertilidade. Esta é a idéia por trás de toda forma; logo que a influência da tríade desce abaixo do Abismo ocorre a conclusão da idéia concreta.

É importante refletir que esta carta é inteiramente feminina, inteiramente virginal, pois representa a influência e o meio de manifestação (ou, de baixo, de obtenção) em si mesma. Representa possibilidade em seu segundo estágio sem qualquer começo de consumação.

Tarot de Rider Waite

Representação:

É representada, geralmente, pela imagem de uma mulher na casa dos 40 anos, vestida com trajes papais ou cerimoniais.

Em suas primeiras versões, como na de Visconti-Sforza, aparece como uma mulher de aparência atormentada e grávida.

Nos baralhos clássicos como o Marseille Convos, Marseille Marteau e Marseille Grimaud, a mulher olha para fora da carta, como que surpreendida por algo desagradável.

Ainda no baralho de Marselha, a sacerdotisa, sentada, segura um livro aberto sobre o colo e usa uma coroa tripla na cabeça. Olha para a esquerda (com a expressão surpresa e aflita comentada anteriormente) e veste uma túnica vermelha sobre a qual se desdobra um manto azul (em algumas versões as cores são opostas).

No Tarô de Rider-Waite, ela segura, na mão direita, o símbolo da sabedoria, um pergaminho. Na mão esquerda, tem espigas de trigo, símbolo do alimento que distribui generosamente. A lua sobre a sua cabeça remete para a intuição, um dom que lhe pertence. Tem um gato a seus pés, antigo símbolo da magia. Ela lembra uma mãe, mas também o poder fertilizante da mulher. Tudo o que ela planta, dá frutos.

Símbolos:

Caminho da Árvore da Vida - de Kether à Tiphareth.
Letra Hebraica - Gimel – Camelo.
Valor – 3.
Tattwa – Água.
Nome Místico - Sacerdotisa da Estrela de Prata.
Planeta – Lua.
Cor Azul - Paz Suprema, também pode ser uma referência a Binah.
Cor Branca - Pureza e virgindade.
Sete véus - Intuição (Os sete Planetas e as sete verdades).
Os seios expostos - Sensitividade e sentimento profundo.
Arco e Flecha - Ártemis a Caçadora, também representa os órgãos femininos.
Os Dois Pilares - Severidade e a Misericórdia.
A Lua sob os pés - Lilith, Qliphoth de Malkuth, é todo elemento que perturba e são os desejos não manifestos.
Flores e Frutas - O Domínio sobre os elementos.
Os Quatro Cristais - Claridade e pureza da mente, coração, mente, corpo e espírito.
Camelo - Sabedoria. Pode representar o elemento essencial para que se possa alcançar a Plenitude. Para atravessar o Grande "Deserto de Daath precisamos de uma Camelo", símbolo da paciência e resistência que temos que ter na travessia.
A lua na cabeça junto com o Chifre - Representação da Deusa Ísis (NUIT), Senhora dos Mistérios.

Tarot de Austin Osman Spare

Estrutura Mística:

Posição normal: estudo, sabedoria, intuição, fé, mulher, amor platônico, discrição, autocontrole.
Posição invertida: passividade, preguiça, ignorância, egoísmo, introversão, mentalidade totalmente fechada, preconceito, histeria.
Sentido geral: paciência, sensibilidade, compreensão, mediunidade, disposição para ajudar (carta de proteção).
Sentido espiritual: sabedoria materna, consciência lunar.
Símbolo: a faixa amarela significa a aceitação do destino.
Arquétipo: a virgem.
Objetivo: tornar-se uma unidade.

Interpretações usuais na cartomancia:

Reserva, discrição, silêncio, meditação, fé, confiança atenta. Paciência, sentimento religioso, resignação. Favorável às coisas ocultas.

Mental: Grande riqueza de ideias. Responde a problemas concretos melhor do que a questões vagas.
Emocional: É amistosa, recebe bem. Mas não é afetuosa.
Físico: Situação garantida, poder sobre os acontecimentos, revelação de coisas ocultas, segurança de triunfo sobre o mal. Boa saúde, mas com um ritmo físico lento.
Desafios e sombra: Dissimulação, hipocrisia, intenções secretas. Mesquinharia, inação, preguiça. Beatice. Rancor, disposição hostil ou indiferença. Misticismo absorvente, fanático. Peso, passividade, carga. As intuições que traz invertem seu sentido e se tornam falsas. Atraso, lentidão nas realizações.

Tarot de Thoth

Curiosidade:

Esta carta está intimamente ligada à lenda medieval sobre a existência da Papisa Joana, que foi “papa” de Roma por 2 anos entre 852 e 855, sendo deposto após ser descoberto se tratar de uma mulher disfarçada.

A tradição popular diz que uma mulher ocupou a cadeira de São Pedro sob o nome de João VIII.

Uma das versões da lenda conta que a papisa teria ficado grávida de um dos seus familiares e, como não se recolheu na época devida, o parto teria se dado em plena rua, durante uma procissão entre a igreja de São Clemente e o palácio de Latrão.

Com a dramática descoberta do embuste, o enfurecido séquito papal teria assassinado Joana e seu filho. Segundo tradições romanas, no lugar do homicídio, permaneceu durante séculos um túmulo ornado por seis letras “P”, que poderiam ser lidas de diferentes maneiras (jogando com a inicial comum de Papa, Pedro, pai e parto).

Trabalhos relacionados à dança:

1) High Priestess por Anandha Ray.

Tarot de Anandha Ray

O Tribal Secrets Tarot Deck é um projeto de fotografia realizado por Anandha Ray, onde cada card mostra um líder da comunidade do Tribal Fusion Bellydance (incluindo Temple Tribal Fusion e Dark Tribal Fusion). Segundo minhas pesquisas, o baralho não está completo.

Na carta “A Sacerdotisa”, quem posa para Anandha é Suhaila Salimpour, a filha de Jamila.

Considerações:
Consigo ver apenas uma grande referência à idéia original da carta: os olhos que rodeiam a imagem da mulher. Na minha opinião, esse símbolo pode fazer alusão aos significados de sabedoria, conhecimento, intuição e o que precisa ser visto, mesmo estando maquiado/escondido.
A nudez dos seios remete à leitura de Crowley.
E o headpiece faz lembrar (meio que forçadamente) à idéia abobadada da coroa que a Papisa usa no baralho de Marselha.

2) The High Priestess por Rachel Brice:

Tarot de Rachel Brice

Considerações:A Sacerdotisa de Rachel Brice, no Datura Tarot, traz várias simbologias da ideia original: o vestido branco, podendo fazer referência à descrição de Crowley (véu brilhante de luz) e à virgindade; a Lua; as flores; o livro que traz no colo (exatamente como a carta do baralho de Marselha).
Uma pena que as imagens do Datura Tarot sejam tão pequenas e com pouca qualidade.

Desta vez, nenhum vídeo de dança (com referências significativas) foi encontrado.

Lembrem-se: Se souberem de algum trabalho envolvendo os Arcanos enviem para mim!

Até a próxima!

93,93/93

Bibliografia:

Antigo Tarô de Marselha – Nicolas Conver;
O Livro de Thoth – Aleister Crowley;
Clube do Tarô;
Ocultura.

[Estilo Tribal de Ser] Tatuagem de Henna

noreply@blogger.com (Aerith Tribal Fusion) — Sat, 28 Jul 2018 06:08:00 +0000

por Annamaria Marques

Saudações, pessoal!

Desta vez vamos viajar pelo mundo da tatuagem de henna ou mehndi !!

Segundo Rosaa Araújo, uma das melhores (se não a melhor) artista de Mehdi do Brasil, “O mehandi, ou mehndi, é como se chama na Índia a própria planta (Lawsonya Inermis) com a qual é feita a pasta, de mesmo nome, para a execução da arte de decoração corporal, que também se chama assim. Ou seja, a planta, a pasta e a arte possuem o mesmo nome. Henna é seu nome de origem persa.

Sua origem exata é muito difícil de afirmar, pois, sendo uma arte efêmera e mais relacionada ao universo feminino, não houve muitos registros, ou poucos deles restaram, para que possamos ter precisão histórica. No entanto, os artefatos históricos mais antigos que remetem ao mehandi datam de 6000 a.C. nas regiões onde são hoje a Turquia, Síria e Ilhas Gregas.

Sabe-se que a henna foi o primeiro cosmético usado na humanidade, mas a origem de seu uso também está relacionada às suas propriedades medicinais, sendo usada como antisséptico natural e fortalecedor da pele, unha e cabelos, uma vez que estimula a produção de queratina nas células.

O propósito do uso da henna, na verdade, é bastante amplo, e varia muito de cultura para cultura e de época para época. Está relacionada ao mundo feminino, aos ciclos menstruais, à autoestima, à natureza passageira e cíclica da própria vida, a rituais de purificação, a ritos de passagem, à celebração da vida, à beleza, alegria e troca de afeto. ”

No meu caso e, acredito eu, no caso de muitas pessoas, um dos primeiros contatos com os desenhos corporais e tatuagens é com esta tintura temporária antes de se fazer uma tatuagem definitiva. Um alerta importante fica para todos: muitos tatuadores usam tinturas não apropriadas para o mehndi, tintas que podem causar alergias graves!

Henna Marroquina

A bela cor marrom avermelhada da henna deixa a arte com um tom de exotismo super característico e eu considero bem vindo para adornar o corpo de nós do tribal para enriquecer ainda mais o aspecto oriental da dança. O grupo Zaman, do Rio de Janeiro tem feito um uso muito legal desta arte em suas apresentações nas feiras medievais locais. Vale conferir!

Henna Árabe

Existem muitas diferenças nos tipos de padrões dos desenhos, de acordo com o país e com o propósito/evento em que ele é feito: tatuagens indianas tendem a ser mais rebuscadas e tem padrões que remetem a folhagens, flores, e, nos casamentos, podem ter inclusive imagens dos noivos. As marroquinas, já tendem a ser mais geométricas, com muitos triângulos e linhas retas, por exemplo.

Henna Indiana

Tem havido também um movimento no ocidente de se tornar estas tatuagens permanentes, usando as técnicas contemporâneas de tatuagens em studios. Muitos são fiéis aos desenhos tradicionais, outros se inspiram e acrescentam, de forma criativa, novos elementos à arte.

Tatuagens com inspiração no Mehndi

Fontes:

https://voltaaosupremo.com/entrevistas/entrevistas-com-outros-convidados/mehandi-arte-para-o-corpo-e-o-espirito/

https://en.wikipedia.org/wiki/Mehndi

www.theeyeofhenna.com

https://goldnineink.com/products/glory-of-henna-by-deepali-desphande

http://hennabyheather.com/henna/mehndi-portfolio/12706/

[Make Off] 1 batom e 3 Truques - Customizando sua maquiagem

noreply@blogger.com (Aerith Tribal Fusion) — Fri, 27 Jul 2018 05:49:00 +0000

por Sarah Raquel

Depois de um certo tempo em palcos, é normal entrarmos na zona de conforto e manter como rotina o mesmo padrão de maquiagem, aquele que sabemos o quanto ficamos maravilhosas diante das câmeras.

Mas é importante sempre buscarmos ousar, sendo no visual como na proposta da dança. Para isso eu trago três ideias fáceis de customizar o mesmo batom, um detalhe tão simples que traz uma riqueza em seu visual, dando impressão de uma maquiagem muito mais elaborada.

1.Sombra ou glitter

Essa dica é tão fácil que mereceu o número um dessa mini-lista. Você usa o batom de sua preferência, deixe secar, em seguida escolha uma cor da sua paleta de sombras e aplique em sua boca, da forma que quiser. Com isso, você pode fazer várias combinações.

2. Lápis de olho

Antes de aplicar o batom, passe um pouco de lápis de olho ao redor da sua linha da boca, esfume com os dedos ou pincel, depois passe o batom. É um efeito degradê, podendo ser escuro nas bordas ou o contrário.

3. Corretivo

Utilizando-se da mesma ideia da sombra, após utilizar o batom, com um corretivo mais claro, passe o conteúdo em seu dedo e aplique no meio ou redor da sua boca. Aos poucos você vai puxando o corretivo para sua boca, fazendo um degradê.

Junto com essas dicas e inspirações de traços, você traz outro olhar para seu visual.

[Venenum Saltationes] A Dança & O Tarot – O Mago

noreply@blogger.com (Aerith Asgard) — Sun, 01 Jul 2018 21:00:00 +0000

por Hölle Carogne

The Conjurer by Hieronymus Bosch

93!

Bem-vindos à Venenum Saltationes, nosso refúgio ocultista dentro do Tribal!

Prosseguiremos com o nosso estudo sobre “Dança & Tarot” com o Arcano 1 – O Mago!

"Com a Baqueta Ele cria

Com a Taça Ele preserva

Com a Adaga Ele destrói

Com a Moeda Ele redime!"

Liber Magi vv 7-10

Baralho de Marselha e de Rider Waite

Representação:

Um prestigiador (mágico, feiticeiro) em frente à uma mesa com três pernas, na qual há diversos objetos ligados aos elementos (armas elementares). Segura um bastão com saliências arredondadas em ambas as extremidades, que poderia representar tanto a polaridade dupla da eletricidade e o bastão oco de Prometeu, que traz fogo do céu. Usa um chapéu cuja forma lembra a lemniscata: o símbolo algébrico de infinito ( ).

Baralho Etteilla – segunda versão 1840

O Mago, também conhecido como Prestidigitador, Malabarista, Pelotiqueiro, Bufão, Acrobata, Cômico, Magista, Mensageiro, Mercúrio, Hermes e Thoth é o transformador e o Manifestador, capaz de "transformar qualquer coisa em ouro através do seu toque de Midas". Ele é o mensageiro dos deuses, representando precisamente a Palavra de criação, cujo discurso é silêncio.

Esta carta se refere à letra Beth, que significa casa, e é atribuída ao planeta Mercúrio.

O título francês desta carta no baralho medieval é Le Bâteleur, o portador do Bâton. Mercúrio é preementemente o portador do Bastão: Energia Emitida.

Esta carta representa, portanto, a Sabedoria, a Vontade, a Palavra, o Logos pelos quais os mundos foram criados.

Nesta carta a ênfase é sobre o caráter criativo e dualístico do caminho de Beth. Caminho da Árvore da Vida - de Kether à Binah (a compreensão).

Sendo a Palavra, ele é a lei da razão ou da necessidade ou acaso, que é o significado secreto da Palavra, que é a essência da Palavra e a condição de seu pronunciamento. Sendo assim, e especialmente porque ele é dualidade, ele representa tanto verdade quanto falsidade, tanto sabedoria quanto loucura. Sendo o inesperado, ele desestabelece qualquer idéia estabelecida e, portanto, é enganador. Ele não tem consciência, sendo criativo. Se não consegue atingir seus fins através de meios limpos, ele usa meios sujos. As lendas do jovem Mercúrio são, portanto, lendas da astúcia.

A Manifestação implica na Ilusão.

Magician - Etteilla's Tarot Égyptien

Estrutura Mística:

Posição normal: Habilidade, espírito de iniciativa, diplomacia, ausência de preconceitos.
Posição invertida: Falta de escrúpulos, julgamento incorreto, falta de responsabilidade, caos.
Sentido geral: Franqueza, reinício, surpresa.
Sentido espiritual: Sabedoria da magia.
Símbolo: A lemniscata como símbolo da perfeição, o destino.
Arquétipo: O Mago.
Objetivo: Busca, estar no caminho.

The Juggler by Austin Osman Spare

Interpretações usuais na cartomancia:

Destreza, habilidade, finura, diplomacia, eloquência, capacidade para convencer, espírito alerta, inteligência rápida, homem inquieto nas suas atividades e negócios.

Mental: Facilidade para combinar as coisas, apropriação inteligente dos elementos e dos temas que se apresentam ao espírito.
Emocional: Psicologia materialista; tende para a busca das sensações, do vigor, da qualidade criativa. Generosidade unida à cortesia. Fecundidade em todos os sentidos.
Físico: Muita vitalidade e poder sobre as enfermidades de ordem mental ou nervosa, neuroses e obsessões. Indica uma tendência favorável para questões de saúde, mas não assegura a cura. Para conhecer o diagnóstico é necessário considerar outras cartas.
Desafios e sombra: Charlatão persuasivo, sugestivo, ilusionista, intrigante, politiqueiro, impostor, mentiroso, explorador de inocentes. Agitação vã, ausência de escrúpulos. Discussões, brigas que podem se tornar violentas, dado o vigor do personagem. Mau uso do poder, orientação defeituosa na ação, operações inoportunas. Tendência à dispersão nas ações, falta de unidade nos processos e atividades. Dúvida. Indecisão. Incerteza frente aos acontecimentos.

Tarot de Thoth

Curiosidade: "Por que existem Três Magos no Tarot de Thoth?"
http://ladoocultodaweb.blogspot.com/2009/08/porque-existem-tres-magos-no-tarot-de.html

The Magician – Datura Tarot by Rachel Brice

Na minha opinião, o Datura Tarot é o melhor trabalho de tarot existente no “meio tribal”, superando até mesmo o deck da Anandha Ray e ultrapassando, infinitamente e com maestria, o House of Tarot, da Zoe Jakes.

Certamente é o trabalho mais próximo da simbologia mística dos arcanos.

Falarei de Anandha Ray e Zoe Jakes em breve. Por enquanto, me detenho apenas aos trabalhos encontrados que fazem referência ao Arcano 1. Porém, eu precisava fazer essa comparação e dizer que o Datura até agora é o meu preferido!

Enfim, a Rachel faz um trabalho curioso, com colagens e arte digital. Ela não dá muitas explicações sobre o projeto e posta através do Instagram. Entretanto, as cartas possuem muita informação interessante e são muito fiéis à simbologia original.

O Mago, da Rachel, assemelha-se à uma criança/adolescente de origem indiana (?). Ele(a) está rodeado por dois felinos e por vários “corpos” que podem fazer alusão aos elementos alquímicos. Segura entre as mãos uma esfera (exatamente como no baralho de Marselha) e outras três esferas rodeiam a sua cabeça. O bastão está atrás do corpo da pessoa, como que pendurado nas costas. Ao seu lado pode-se ver uma adaga e um recipiente cerimonial, talvez uma alusão à magia do mago e seu poder ligado à alquimia.

Bravo, Rachel, sua espetaculosa! ❤

Trabalhos coreográficos e performances:

1) Sirius Dance Center | Coreografia de Sonia Derega (Ucrânia)

Considerações: O trabalho (que assemelha-se à danças urbanas) traz muito bem a idéia do personagem “mágico” e utiliza o maior símbolo desta carta: o “bastão”, além de arriscar cenas de mágica durante a apresentação. Achei muito interessante e gostei das referências que usaram. Não fica claro se a coreografia tem ligação com o Tarot, mas com certeza as referências existem.

2) Arden Tarot Suite

Considerações: Não vejo absolutamente nenhuma relação com a carta.

3) Erika dell' Acqua (Itália)

Considerações: Melhor trabalho, na minha opinião. A bailarina, além de usar a mágica de forma muito interessante, faz alusões aos elementos da natureza, usados na alquimia. Finaliza a coreografia de forma grandiosa, trazendo para a cena, de maneira inesperada, um dos símbolos mais importantes desta carta: o bastão.

Infelizmente, acabamos nosso estudo do mês por aqui...

A escassez de material ocultista dentro da dança é muito real e fazer esta matéria tem sido uma peregrinação...

Agradeço aos que leram até aqui e à todos que acompanham a Venenum Satationes!

Se souberem de algum trabalho envolvendo o Tarot, enviem para mim!

Obrigada e até o próximo Arcano!

93,93/93

Bibliografia:

Antigo Tarô de Marselha – Nicolas Conver;
O Livro de Thoth – Aleister Crowley;
Clube do Tarô.

Confira as cartas anteriores:

[Resenhando RS] Curso de Formação em Dança Tribal com Joline Andrade em Caxias do Sul

noreply@blogger.com (Aerith Asgard) — Sat, 30 Jun 2018 10:16:00 +0000

por Roberta Pereira

Grupo Mandal'azad - aluna do curso de formação 2018.

Sob a coordenação de Gabriela de Lima (RS), nos dias 09 e 10 de Junho de 2018, aconteceu em Caxias do Sul o primeiro módulo do Curso de Formação em Dança Tribal com Joline Andrade (BA).

Neste primeiro módulo Joline propõe uma imersão teórica sobre a historia da dança do ventre até o surgimento da dança tribal, e estudo teórico/prático sobre alguns ritmos do Oriente Médio.

Durante dois dias de encontro, Joline abre 'uma roda de bate papo' e aborda diversos segmentos de dança, como por exemplo as pesquisas do cinesiólogo húngaro Laban.

Em prática vimos movimentações que combinavam densidade, velocidade, fluidez e tridimensionalidade do corpo. Tudo isso através de uma abordagem totalmente atualizada e estimuladora.

Faltam mais dois encontros até a conclusão da programação do curso de formação, que será selada com apresentações dos alunos da turma na 2ª Edição do Tribal Sul Festival em 15 de setembro de 2018.

[Vida com Yoga] Posturas: Tadasana

noreply@blogger.com (Aerith Asgard) — Fri, 29 Jun 2018 18:54:00 +0000

por Natane Circe

Também conhecida como Samasthiti, Tadasana é uma daquelas posturas menos creditada em uma prática de yoga. Talvez por sua aparência simples e fácil, a famosa postura da montanha passa despercebida, sem suas devidas ações.

Assim como uma montanha, a tadasana tem a firmeza do elemento terra levando a energia para o núcleo e trazendo de volta até o topo da sua cabeça. Sendo assim, existe um contato com o material e espiritual pela primeira vez em sua prática.

Uma postura bem feita traz tremenda vitalidade, devido ao seu alinhamento e a facilidade da energia viajar pelo corpo. Além disso, aprendemos a ficar em pé novamente. Quantas vezes realmente ficamos saudavelmente de pé? O peso distribuído pelos pés, a coluna alongada, o olhar a frente... Ao mesmo tempo em que a tadasana traz energia, uma má postura a suga, e não é possível continuar ou retomar uma boa prática ou um bom dia sem as ações de uma postura em pé.

Entre outros benefícios da postura da montanha estão: leveza do corpo e agilidade mental; corrige a má postura; minimiza efeitos degenerativos; tonifica os músculos das pernas e nádegas, alinha e ativa os chakras, traz vitalidade e coragem.

Como montar a postura:

- Em pé, junte os dedões dos e os pressione no chão juntamente com os dedos menores e os calcanhares.

- Alongue as pernas elevando a energia pra cima, ativando as patelas dos joelhos e os quadríceps.

- Rotacione a musculatura das coxas para dentro

- Encaixe o quadril e contraia levemente as nádegas

- Contraia o baixo ventre e abra o coração levando os ombros pra trás e para baixo.

- Alongue o pescoço e sinta o topo da cabeça se abrindo para o teto.

- O olhar aberto em um ponto a frente.

- Encontre um equilíbrio entre força e relaxamento.

[Resenhando Argentina] Tiana Frolkina (Dragonfly Tribe) na Argentina

noreply@blogger.com (Aerith Tribal Fusion) — Sat, 16 Jun 2018 08:37:00 +0000

por Long Nu

Nos dias 25, 26 e 27 de Maio, em Buenos Aires, tivemos a presença da Tiana Frolkina (Dragonfly Tribe), direto da Rússia, num evento organizado pela Luisana Alvarez Ricciotto (diretora de Tribaleuse e Numaras, e FCBD ® Sister Studio).

Começamos no dia 25 com o show de gala que reuniu várias profissionais da dança do ventre tribal em todas as suas nuances. Segundo o público, o show foi de um nível profissional poucas vezes visto num show de gala, com propostas cênicas e vanguardistas desde a composição até nos figurinos. A Gala contou com a presença de Numaras, Florencia Benítez, La Nouvelle Tribal, Alba Marina, Saturnus Devi Co., entre outros, além de alunas e ex-alunas avançadas da escola. Teve também a presença de Mannaz e Yamila Mizrahi, ganhadoras de um concurso aberto a toda a comunidade do tribal para participar na gala. A Tiana e a Luisana fizeram um emocionante duo que recomendo que ninguém perca assistir.

No sábado, começaram as aulas com muitos alunxs do interior do país, além de muitxs brasileirxs que nos visitaram pro evento. Também, a noite, o evento teve show de mostras para que outros dançarinos pudessem compartilhar sua arte conosco.

As aulas surpreenderam xs alunxs com trabalho expressivo e técnico, desde uma abordagem não tradicional no tribal e muito semelhante com o utilizado na dança moderna (free dance, expressão corporal e estilos afins).

Os workshops foram integrais, de alto conteúdo emocional, onde a partir das consignas e da exploração se desenvolveram conceitos, ideias e movimentos. Tudo o que era trabalhado em cada exercício, juntava-se num resultado, numa criação final pessoal e íntima, permitindo, assim, o nascimento de conteúdo inédito na dança dx alunx.

A Tiana provou ser uma professora completa, com uma visão apaixonada e profunda da dança, e ao mesmo tempo exigente com o que esperava dxs alunxs, sempre exigindo-lhes para ir um passo além e desenvolver ainda mais seu potencial.

A dinâmica dos workshops tiveram muita conexão entre a imaginação e o movimento, mas sem deixar de lado o tribal fusion. As técnicas experimentais ficaram em perfeita concordância com a dança do ventre, permitindo potencializá-las. A Tiana foi um exemplo de humildade, de amor pela dança e a docência, se entregando ao 100% com profissionalismo e exigência.

No ano que vem, temos mais uma russa conosco: a Polina Shandarina. Ela estará em Buenos Aires em um evento organizado também pela Luisana. Tomara que, mais uma vez, tenhamos a visita de tantos irmxs brasileirxs!

Os vídeos do show estarão disponíveis em breve no canal do YouTube da Luisana, você pode conferir seguindo este link: https://www.youtube.com/user/Tribaleuse.

Enquanto esperamos, convidamos vocês com estas fotos do Show de Gala, capturadas por Anna Harff.

Alba Marina | Foto de Anna Harff

Florencia Benitez | Foto de Anna Harff

Long Nu | Foto de Anna Harff

Luisana Ricciotto | Foto de Anna Harff

Mannaz | Foto de Anna Harff

Numaras | Foto de Anna Harff

Saturnus Devi Co. | Foto de Anna Harff

Tiana Frolkina (Rússia) | Foto de Anna Harff

Foto de Tiana Frolkina (Rússia) | Foto de Anna Harff

Tiana Frolkina (Rússia) | Foto de Anna Harff

Duo Tiana & Luisana | Foto de Anna Harff

Duo Tiana e Luisana | Foto de Anna Harff

Tribaleuse | Foto de Anna Harff

Yamila Mizrahi | Foto de Anna Harff

[Resenhando Nordeste] Espetáculo Templo da Lua 2018

noreply@blogger.com (Aerith Tribal Fusion) — Mon, 11 Jun 2018 02:51:00 +0000

por Sarah Raquel

Foto de Jean Ribeiro

Templo da Lua é um festival organizado pelo Espaço Rayzel, uma escola de dança árabe, danças ciganas e tribal fusion em Fortaleza. Apesar de ser um festival anual, a cada edição é abordada uma temática, mas diferentemente das duas primeiras, esta foi transformada e pensada em forma de um espetáculo sensorial.

O espetáculo aconteceu no dia 26 de maio de 2018 e a ideia dele era que trouxesse para as cenas cores, cheiros e imagens que dançassem juntos com os corpos criando uma atmosfera mágica. Se constitui de sete contos que se passam em épocas e lugares diferentes mas que têm em comum a imagens de rituais, deusas e mulheres. Como a magia e os cultos ao feminino atravessam fronteiras e o próprio tempo e se reinventam em cada uma de nós.

Para isso foi necessário muita pesquisa sobre deusas em várias culturas, antiga suméria, Egito, índia, povos ciganos, África, povos celtas e fantasia. Os círculos de mulheres sempre existiram e sempre existirão. E com muito respeito e licença poéticas as histórias dançadas para o Templo da Lua. Em especial, esta edição reuniu coreografias de dançarinas profissionais e amadoras do Espaço Rayzel e de duas Cias: a Lunith e Etinique Tribe, mais dançarinas convidadas.

Cia Lunith e Etinique | Foto de Jean Ribeiro

Para finalizar, tendo participado de três edições, esta foi a favorita entre todas. Pela organização do espetáculo e todo o cuidado em respeitar a proposta do sensorial, um verdadeiro show visual com iluminação de palco calculadamente pensado, projeções que trouxeram algo palpável ao público e músicas que respeitavam a época e proposta de cada história contada.

Sendo uma das bailarinas convidadas, é incrível estar novamente rodeada com as mulheres do Espaço Rayzel. No mais, aguardo ansiosamente pelos vídeos do espetáculo, onde será possível ver pelo youtube oficial da escola.

Cena Afrodite | Foto de Jean Ribeiro

Cena Hecate | Foto de Jean Ribeiro

Cena Oxum | Foto de Jean Ribeiro

Cena Cigana | Foto de Jean Ribeiro

[Folclore em Dia] Ouled Nail

noreply@blogger.com (Aerith Tribal Fusion) — Sat, 09 Jun 2018 20:00:00 +0000

por Nadja El Balady

Este texto foi baseado nos artigos “The Ouled Nail” de Maggie Mcneil e “Dancing for Dowries part 2 – Earning Power, Ethnology and happily ever after” de Andrea Deagon.

No sul da Argélia, nas montanhas do Atlas, desde tempos imemoriais até hoje em dia (ainda) encontramos diversas tribos berberes vivendo e, de acordo com o possível, mantendo suas tradições. Estas tribos, islamizadas entre os séculos VII e VIII, têm seus nomes antecedidos pela palavra “ouled”, que funciona como um tipo de designação: Ouled Abdi; Ouled Daoud; Ouled Nail. Suas tradições se tornaram, a partir da década de 60, objeto de estudo das dançarinas de dança oriental no ocidente, sobre tudo das norte-americanas, que passaram a usar elementos desta etnia como inspiração para suas criações em dança.

Dentre as tribos citadas, Ouled Nail (leia-se: "wil-ed na-il") ganharam maior atenção por conta das características memoráveis das suas tradições femininas. Diversos pesquisadores ocidentais se interessaram pelo tema e em comum encontraram a informação de que as mulheres desta tribo, chamadas Nailiyat (singular Nailiya), costumavam se dedicar à dança e às artes eróticas durante um determinado período de sua vida. Segundo Maggie Macneil, as meninas nailiyat não eram forçadas a exercer esta atividade, possuíam poder de escolha e ainda assim muitas delas optavam por este caminho.

A partir dos 12 anos, as meninas eram ensinadas por mulheres mais velhas da família (que poderia ser a mãe, uma avó, uma irmã mais velha, uma prima ou uma tia) e eram levadas para as cidades abaixo das montanhas para viver durante uma parte do ano e a trabalhar como dançarinas e prostitutas. Estas mulheres mais velhas eram responsáveis pelo bem estar da menina, cuidavam da casa e ajudavam a administrar os negócios. Esta era uma tradição que objetivava acumular dinheiro e joias de modo que, ao retornar definitivamente para suas vilas de origem, esta menina, já tornada mulher, pudesse ter independência financeira, pudesse comprar uma casa própria, investir em um negócio e, se quisesse, procurar casamento. Ao se casarem, tomavam uma vida comum, em um casamento fiel, como se espera de toda mulher casada.

Ninguém sabe dizer ao certo o período de origem desta tradição, mas é provável que seja muita antiga, anterior ao Islã, pois foram encontrados registros da presença das nailiyat na ocasião da chegada dos árabes na cidade de Bou Saâda no século VII. Bou Saâda (que significa “Lugar da Alegria”) era um dos principais destinos das nailiyat para sua morada temporária e comunidades inteiras compostas apenas por mulheres eram encontradas por lá.

Nestas comunidades, segundo Andrea Deagon, os homens eram admitidos temporariamente como amigos, aliados, admiradores, parceiros de negócios ou parceiros sexuais, mas nunca em caráter definitivo. Algumas mulheres não chegavam a voltar para sua vila natal, preferindo a vida na cidade, abriam negócios, ou se casavam com estrangeiros.

Segundo Marnia Lazreg (1994), as mulheres das tribos Ouled Abdi e Ouled Daoud, conhecidas como Azriyat, também tomavam as profissões de dançarinas e prostitutas, mas somente quando eram órfãs, se tornavam viúvas, divorciadas, repudiadas, incapazes de se casar por algum motivo. Exerciam estas atividades até que conseguissem casar ou permaneciam sós.

É possível que a tribo Ouled Nail, tanto mulheres quanto homens, cultivassem conceitos diferenciados a respeito de sexo, casamento e amor. Encontramos no texto de Maggie Macneil uma passagem retirada do livro “Flute of Sand” (1956) de Lawrece Morgan que nos dá uma pista a respeito. Trata-se de depoimento de um homem da tribo sobre o casamento com uma mulher que tivesse seguido a tradição:

“Nossas esposas, sabendo o que é o amor, e sendo proprietárias de sua própria riqueza, vão casar apenas com o homem a quem amarem. E, diferentes das esposas de outros homens, vão permanecer fiéis até a morte, graças a Allah.”

Alguns pesquisadores adotam a linha de pensamento que as nailiyat dançavam para acumular dote, que o dinheiro arrecadado servia para atrair bons partidos. Esta ideia se tornou popular entre algumas dançarinas norte-americanas, ignorando sua prostituição e menosprezando sua independência financeira. É possível que esta interpretação seja fruto direto do machismo vigente no pensamento ocidental e tem origem na interpretação de observadores franceses que desde a ocupação francesa na Argélia, em 1830, que consideravam a tradição das nailiyat como uma espécie de rito de passagem antes do casamento. Andrea Deagon aponta para a importância de não diminuir, ou omitir, a atividade de prostituição destas mulheres, pois era um aspecto de uma cultura complexa onde as mulheres eram sexualmente livres e independente financeiramente.

Segundo Maggie Macneil, o contato com a cultura europeia, a partir da ocupação francesa, ao mesmo tempo em que as fizeram famosas, se tornando objeto de pinturas de artistas do período orientalista, trouxe a estas mulheres grandes transformações. Ainda na virada do século XIX para o século XX, mercenários franceses matavam as mulheres para roubar seu dinheiro e suas joias. Oficiais franceses passaram a sobretaxar as viagens e a residência em outras cidades que não suas vilas de origem. Durante a primeira guerra mundial, foram coagidas a trabalhar em cafés e casas específicas onde eram exploradas por homens. Algumas aderiram aos bordéis móveis de campanha, usados pelo exército francês até 1954 e pela legião estrangeira até a década de 90.

No final da segunda guerra mundial, a vida de todo o povo berbere argelino mudou muito, pois o governo autoritário da época os obrigou a trabalhar nos campos da agricultura estatal.

Na década de 70, a dançarina norte-americana Aisha Ali encontrou um pequeno grupo de mulheres ainda vivendo e dançando em Bou Saâda. Sua pesquisa nos deixou registro muito importante do modo como se vestiam e movimentavam. A estética de movimento e figuro influenciou diretamente Jamila Salimpour e seu trabalho no grupo Bal Anat e como consequência, todo o Estilo Tribal de Dança do Ventre.

Seu modo de dançar, apesar de cobertas dos pés à cabeça, era considerado lascivo e escandaloso pelos estrangeiros. Muitos movimentos de encaixe pélvico e redondos, shimmies de ombro, lateralização de cabeça, movimentos de mão, cambrés, giros e o uso ocasional de lenços em ambas as mãos.

Vídeos de referência:

[Resenhando Internacional] The Massive Spectacular 2018

noreply@blogger.com (Aerith Tribal Fusion) — Fri, 08 Jun 2018 22:13:00 +0000

por Joline Andrade

Quando tudo começou...

Esta foi a minha quarta participação no Tribal Massive e Massive Spectacular (já pude desfrutar desse evento nas edições de 2013, 2015 e 2016). A oportunidade surgiu quando recebi um e-mail de Tori Halfon, diretora do evento, em meados de 2012 me convidando para fazer parte das aulas e do show principal. Neste e-mail ela relata que me contatou após acompanhar meu desempenho nos vídeos postados na internet e que gostaria de ter o meu trabalho entre os outros do lineup. Fiquei surpresa e muito lisonjeada com o convite e, desde então, participo sempre que posso.

A primeira edição em que estive presente, em 2013, foi a mais emocionante de todas. Por ter sido minha estreia no intensivo de aulas e no show, muitas sensações tomaram conta de mim: um mix de nervosismo e alegria me acompanharam do início ao fim, afinal era a primeira vez que eu dividia o palco e a sala de aula com profissionais tão renomados e talentosos. Fui muito bem recebida e acolhida por todos (diretora, professores e colegas) o que me fez querer fazer parte daquilo mais vezes. Nas edições de 2015, 2016 e 2018 me senti completamente ambientada e pertencente àquela comunidade de dança e o nervosismo deu lugar ao entusiasmo e a segurança.

Tori Halfon e Joline Andrade

Preparação

Em todas as edições que estive presente concorri a projetos de financiamento de intercâmbio de artistas da Secretaria de Cultura do Estado da Bahia e do Ministério da Cultura. Fui contemplada em 2 deles, o que me permitiu participar de 2 edições com as despesas totalmente custeadas. Nos outros 2 em que não tive projeto contemplado em editais precisei reunir fundos particularmente.

Sempre animada com o conteúdo programático das aulas e ciente do necessidade de preparo para poder fazer 8 horas de práticas diárias no período de uma ou duas semanas consecutivas, frequentei aulas de Vinyasa Flow Yoga meses antes do evento para harmonizar o corpo em todas as suas esferas físico-psicológicas agregando resistência muscular e equilíbrio emocional em uma só prática.

Desafios e expectativas antes do evento

Eu já imaginava que minhas expectativas seriam superadas a cada edição do Tribal Massive e, na medida que eu conhecia mais profundamente o trabalho de cada profissional, me permiti confiar e entregar de corpo e alma às propostas técnicas e laboratoriais. Tinha receio de encontrar professores dogmáticos e fundamentalistas, com verdades absolutas, mas o que acessei ali foi o trabalho de artistas que buscam renovar e inovar cada vez mais as próprias produções e estimular os seus seguidores criativamente para tornar a comunidade de dança mais democrática e diversificada em suas fusões, o que me fez cair de amores por cada uma delas.

Novidades da edição de 2018

Uma mudança que tenho observado no decorrer de cada edição é a opção da diretora/curadora Tori Halfonde oferecer um elenco mais enxuto de professores com carga horária de trabalho mais extensa. Em 2013, por exemplo, eu fiz aulas com Zoe Jakes, Kami Liddle, Sharon Kihara, Mira Betz, Lady Fred, Sera Solstice, Jill Parker e Heather Stants. Já em 2018 as aulas foram ministradas apenas por Zoe Jakes, Kami Liddle, Mira Betz e April Rose. Por um lado, com o elenco mais concentrado os participantes podem desfrutar mais profundamente das pesquisas de cada professor, permitindo um aproveitamento maior dos conhecimentos compartilhados em sala (qualidade). Por outro lado, um elenco maior dava a oportunidade de estudar uma pluralidade de conteúdos com mais profissionais, mesmo que de maneira mais breve (quantidade).

Além disso, observo uma forte tendência das professoras em trabalhar FUSÕES com outras técnicas de dança como também uma retomada no estudo da dança do ventre tradicional (um profundo mergulho nas tradições das danças do Oriente Médio), dando-nos subsídio para descobrir formas de expressão heterogêneas e consistentes e para buscar uma voz interior, um estilo pessoal. Eu estou contente de ver que esta comunidade está evoluindo e cada vez mais aberta ao estudo de novas linguagens de dança sejam elas contemporâneas, modernas ou tradicionais. Essas mudanças estão nos permitindo expandir, como alquimistas, as possibilidades de experimentação nos garantindo uma ascensão como intérprete-criadores.

Percusso para o evento

Esta foi a primeira edição que estive numa casa alugada através do AirBnb, junto com outras colegas. Nas edições anteriores me hospedei no Boulder Station Hotel & Casino. Foi a melhor estadia de todas por dois grandes motivos: o primeiro por poder compartilhar a rotina com outras dançarinas e o segundo por estar num ambiente mais saudável, longe da atmosfera “down” e pesada de um casino. Diferente das experiências que tive no Boulder Station (barulho, cigarro e bebidas 24 horas por dia no térreo), o cotidiano da casa era maravilhoso. Me senti como se estivesse na universidade novamente, numa residência artística. Éramos 6 pessoas numa casa de 4 quartos: eu, Sundari (Croácia), Kerima (Suíça), Stacey(EUA), Austine (EUA) e Rachel (EUA). A casa tinha uma super estrutura e nos acolheu muito bem. Cozinhamos, brindamos, conversamos, trabalhamos e dançamos muuuuito juntas (havia uma sala enorme e empurramos os móveis para ensaiarmos os nossos solos). A casa ficava a 5min do estúdio de dança e juntas pegávamos o Uber diariamente para ir e voltar.

Infra-estrutura do evento

A infraestrutura do estúdio onde as aulas do Tribal Massive ocorrem e do teatro que recebe as performances do Massive Spectacular é exemplar. O Backstage Dance Studio tem salas amplas, com espelhos, piso, iluminação e controle de temperatura ideais para um prática intensa e prolongada de dança. Em 2018, o Massive Spectacular ocorreu em um teatro diferente das edições anteriores. Desta vez dançamos no Sam’s Town Live, um espaço ainda melhor com equipamentos de luz e som mais profissionais, palco mais amplo e camarins mais confortáveis. Neste ano, inclusive, podíamos assistir todo o show através da transmissão em tempo real em TVs nos camarins. Esta super produção, dirigida por Tori Halfon, me faz ter certeza que participar deste evento é um grande investimento, pois de fato a estrutura oferecida gera um verdadeiro aproveitamento de todas as experiências que podem ser vividas alí.

Workshops

Tori e professoras oferecem a opção de turma Profissional com apenas 18 dançarinxs selecionadxs. Mesmo tendo o aval delas para estar nesta turma, em 2018 optei mais uma vez por participar da turma Avançada/Profissional, com 40 dançarinxs, pois fazer parte do grupo reduzido aumentaria a minha inscrição em $500USD (cerca de R$1800,00 a mais). As turmas PRO e ADV/PRO têm o mesmo conteúdo programático, com os mesmos professores. Há uma pequena diferença na carga horária com um e outro professor: na ADV/PRO temos 4 horas a mais de aula com Zoe enquanto na PRO há 4 horas a mais com Mira. No cronograma de aulas da ADV/PRO começamos as aulas com Zoe e Kami, no início da semana, e finalizamos com April e Mira, sendo o turno matutino com uma professora e o vespertino com a outra.

Curso com Zoe Jakes

As primeiras aulas são ao mesmo tempo estimuladoras e muito exaustivas. Como eu não tenho o hábito de praticar 8 horas de dança diariamente o meu corpo passou a responder melhor aos exercícios somente no segundo dia quando pude ultrapassar o ponto de fadiga muscular e atingir uma resistência e melhor propriocepção. Após superar esta condição física, as informações puderam ser melhor processadas e aproveitadas.

Os temas de aula possuem uma diversidade muito grande e cada um contribuiu significativamente em minha formação com suas especificidades.

Joline e Zoe Jakes

Zoe está cada vez mais dedicada as técnicas circenses e aos exercícios delayerings. Suas aulas apresentam os conteúdos mais intensos tecnicamente e eu adoro isso. Além disso, Zoe trouxe muitos dos movimentos do tribal old school,todos baseados no formato de Jamila Salimpour, numa proposta laboratorial de composição, estrutura de aula que também costumo aplicar em meus cursos.

Joline e Kami Liddle

Kami Liddle apresentou este ano suas novas pesquisas com dança contemporânea e foi ótimo revisitar alguns métodos que já estudei na universidade com o olhar e mecanismos de fusão de Kami. Os aquecimentos feitos através de técnicas do Buti Yoga e a aula de imersão em shimmies também foram muito estimulantes.

Joline e April Rose

April nos fez mergulhar novamente no estudo rítmico e de movimentos da dança do ventre clássica erudita, dando-nos um aporte teórico profundo e cheio de complexidade, como de praxe (como acadêmica, April também faz um excelente trabalho).

Joline e Mira Betz

Por fim, Mira Betz ministrou aulas teórico-práticas de sua nova pesquisa em otimização do sistema neuromuscular, além dos laboratórios de experimentação e jogos teatrais que fazem parte do seu repertório.

Para mim o maior desafio deste ano foi dedicar total energia nos 9 dias de aula, com carga horária extensa e intensa, sem deixar de manter o foco no show Massive Spectacular que ocorreu, diferentemente dos outros anos, no último dia da programação do evento. A exaustão física, psíquica e emocional tiveram que ser severamente combatidas para que o meu desempenho na apresentação do solo, no nono dia da programação, pudesse ser do nível que eu almejei. Mesmo diante deste desafio, estou satisfeita com o resultado.

Na minha opinião, não houveram cobranças nem tampouco postura autoritária por parte dos professores. Havia um desejo de presença (prontidão física e mental) e correspondência aos exercícios propostos, principalmente os laboratoriais.

Curso com April Rose

Fission X The Massive Spectacular

Fission é o espaço que as participantes têm para apresentar seus trabalhos. Neste show a formação do elenco é por livre demanda, isto é, a oportunidade de apresentar é dada para cada dançarina envolvida no evento. As incríveis coreografias criadas nos Intensivos com Amy Sigil e Jill Parker também foram apresentadas no Fission.

O Massive Spectacular é um show que tem a curadoria de Tori Halfon (ela seleciona os artistas que irão compor o elenco). Geralmente as professoras levam seus trabalhos de grupo e solos, como também outros grupos e solistas renomados são convocados para participar. Nesta edição, o show foi divido em 2 atos. Meu solo foi apresentado ao final do segundo ato, junto com Zoe e seu grupo Coven, Kami Liddle, April Rose, Amy Sigil, Jill Parker, Michelle Sorensen, Claudia Carbone, Sera e seu grupo Solstice Tribe, Kelli Li e Kimberly Larkspur.

Apresentações favoritas

Zoe Jakes & Coven (EUA):

Mira Betz (EUA):

Jill Parker (EUA):

Claudia Carbone (Itália):

Michelle Sorensen (EUA):

Performance & Experiências


Joline com Aco Yamazaki, Hannah Lily, Antonella Sciahinna, Kerima Edmond, Sundari Sunchi, Michelle Sorensen e Kami Liddle

Joline, Sundari, Antonella Sciahina e Hannah Lily

Joline e Sera Solstice

Joline e Serena Spears

Joline e Christina Hidalgo

Joline e Claudia Carbone

Joline e Jill Parker

Partilhar do palco, bastidores e da sala de aula com toda essa gente talentosa e inspiradora é um sentimento indescritível. Estar ali é o resultado de um trabalho cotidiano, duro e envolto de amor. Carrego desde jovem uma energia que me move adiante, que não me faz estagnar, mas acredito muito que parte das minhas conquistas veio do estímulo que tenho das minhas alunas, colegas e familiares. Quero então aproveitar o ensejo para agradecer cada uma das pessoas que me acompanham, colaboram e alimentam o meu trabalho e dizer que participar do Tribal Massive e Massive Spectacular, às vezes como única brasileira, às vezes como a única Latina, é também uma conquista motivada por vocês! Muito obrigada por fazerem parte disso!!!

O novo solo chamado "Soprano Dance" é uma fusão do meu repertório de tribal fusion com dança clássica e moderna. Foi a quinta vez que apresentei este trabalho num palco (já havia dançado em Maceió, Fortaleza, Buenos Aires e Camaçari). Soprano Dance é dividido em duas partes: a primeira com a música lenta e dramática The Host of Seraphim (conduzida pela voz da fantástica soprano australiana Lisa Gerard e a banda Dead Can Dance) e a segunda mais explosiva e estimulante com uma versão eletrônica da música Syla Doli (da soprano ucraniana Solomiya Krushelnytska) tendo mais velocidade e drama, causando intimidação para o público. É um solo que traz uma atmosfera etérea, fluida e delicada e, ao mesmo tempo, densa, escura e intrigante. O figurino tem uma estética clássica/vintage e esvoaçante: tutu preto romântico e top de renda confeccionados pela estilista Jacqueline Teixeira (minha mãe), e uma coroa prateada do atelier venezuelano MaMa Desings.

Tive excelentes feedbacks das professoras e colegas de classe. Após assistirem ao solo passaram a me chamar de "Black Swan" no backstage. Rs! Creio que pude tocá-las de alguma forma e espero que o público em geral tenha uma boa receptividade quando o vídeo for lançado.

Sem dúvidas pretendo participar novamente das próximas edições! Tive os melhores e maiores aprendizados de uma comunidade que se apoia, respeita, inspira e estimula!

Mitos e verdades sobre o festival

É um festival feito para muitos! O nível ADV/PRO e os intensivos que ocorrem paralelamente ao programa principal apesar de possuírem pré-requisitos, têm uma flexibilidade em relação a prática dx dançarinx, podendo ser elx experiente em dança do ventre e/ou tribal. Em minha visão, dançarinxs com experiência a partir de 3 anos poderão aproveitar bastante e ter um bom rendimento nas aulas. É ideal para quem gosta de ser desafiado, seja técnica ou criativamente.

Pontos positivos

O Tribal Massive e Massive Spectacular oferecem os conteúdos e produções artísticas mais atuais do universo da dança tribal e sua fusões. É um ambiente provocativo e germinador de fusões autorais e bem embasadas.

Pontos negativos

O único ponto negativo é a localização do evento. Eu, particularmente, não gosto da cidade de Las Vegas, do ambiente dos casinos e atmosfera de festas e entretenimento artificial 24 horas por dia. Porém como estamos imersos nas atividades do festival, essas questões não afetam potencialmente o seu desenrolar.

Inspirações para a comunidade brasileira

Gostaria de ver mais eventos brasileiros dedicados a fusões do tribal com outras linguagens de dança. Que xs dançarinxs locais expandissem seus estudos buscando outras técnicas, métodos, fontes de inspiração, assim como artistas competentes de outras linguagens pudessem colaborar com as misturas interculturais que esse tipo de fusão demanda. Criaríamos uma rede de profissionais ainda mais competentes e multifacetados!

Dicas e conselhos

Junte suas economias e faça esse favor a si mesmo! Este é o tipo de festival libertador que propicia um real intercâmbio com artistas de todo o mundo que compartilham da mesma frequência: aprender, criar e evoluir!