Del pintor profesional al comprador: Venta directa de Pinturas artísticas y retratos

Álvaro Peña diseña el Cartel del Carnaval de Águilas (Murcia) 2023

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Thu, 22 Dec 2022 19:06:00 +0000

La Fiesta del Carnaval de Águilas (Murcia) a celebrar del 10 de febrero al 10 de marzo de 2.023 (declarada Fiesta de interés turístico internacional en 2.015) ya tiene nuevo cartel, diseñado por el pintor y diseñador Álvaro Peña.

Crédito Foto Carnavaldeaguilas org

La alegría propia de cualquier festividad es realzada por el estilo vitalista y colorista de Álvaro Peña, muy reconocible y con una trayectoria creativa muy coherente.

En primer plano y saludándonos vemos La Musa del Carnaval, exultante, inundando de alegría a los que se acercan a Águilas para conocer y disfrutar este evento turístico de reconocimiento internacional.

Para aquellos que acudáis (mejor dicho: acudamos) a estos carnavales, decir que Águilas dispone del Museo del Carnaval de Águilas (entrada gratuita), donde podemos disfrutar de la historia de esta popular y tradicional fiesta, enriqueciendo nuestra visita a nivel cultural.

El artista representa los personajes imprescindibles del Carnaval: La Musa o reina del Carnaval en primer término, detrás Doña Cuaresma, Don Carnal y La Mussona.

Avanzan hacia el espectador ante un fondo con las características formas, a modo de teselas, de múltiples colores entre las que se distinguen las escaleras del Rincón de los Casucos o Rincón del Hornillo (trabajo artesanal realizado con mosaicos por Juan Martínez Casuco), y estructuras verticales también revestidas con piezas de cerámica en blancos, azules y rojos.

Desde este hermoso rincón nos da la bienvenida a la fiesta una musa que recuerda a la Estatua de la Libertad (New York) por su brazo, antebrazo y mano derechos extendidos hacia arriba y la corona ornamental sobre su cabeza, símbolo de la libertad frente a la opresión en estos populares e importantes carnavales. En la pierna izquierda, la reina del carnaval lleva escrito el número 31, cuyo significado desconozco.

Líneas curvas, gruesas y negras, marcan el movimiento, girando en su avance, desde la zona central hacia los laterales de cartel. Como una indicación amable del recorrido de los personajes, que los flanquean, para que no se salgan de su estudiada ruta.

Todo un espectáculo de diversión al que el cartel de Álvaro Peña invita a acudir, conocerlo, ver sus calles, interactuar con sus gentes, acompañados del clima benigno de esta zona mediterránea y la amabilidad de los lugareños.

Aprovechando podemos visitar el Castillo de San Juan de las Águilas (separa las playas de Levante y de Poniente), el Museo Arqueológico, El Centro de Interpretación del Mar, el Museo del Ferrocarril o las Termas romanas entre otras muchas maravillas que se pueden disfrutar en Águilas.

Y sus playas, con sus calas y aguas limpias, cristalinas, que invitan a regresar en verano para continuar disfrutando de Águilas junto a la gran oferta turística, deportiva, cultural y gastronómica que nos ofrece durante cualquier mes del año.

Álvaro nos invita con su cartel a conocer y disfrutar de un nuevo lugar, Águilas, durante el Carnaval y despierta nuestra curiosidad por este bello pueblo de la costa cálida. Con todos los servicios y más de 35.000 habitantes dispuestos a acogernos y brindarnos una estancia y vivencias que, seguramente, nos obliguen a repetir la visita.

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Manuel Castillero gana el 36 Premio de Pintura Emilio Ollero 2022

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Sat, 17 Dec 2022 12:54:00 +0000

Merecido reconocimiento por parte del jurado en la trigésima sexta edición de este prestigioso Certamen de Pintura Emilio Ollero convocado por la Diputación de Jaén, a través del Instituto de Estudios Giennenses, valorando el buen hacer del pintor Manuel Castillero Ramírez que se ha alzado con el Primer Premio de Pintura por su obra “Der Abschied”.

Ya en la pasada edición (2021), Manuel Castillero se llevó uno de los accésits por valor de 2.000 €, como comenté en su momento.

Este año, el certamen ha repartido un total 19.000 € en varios premios, correspondiendo a nuestro ganador los 10.000 € del Primer Premio, dotación interesante en esta época de “vacas flacas para el arte”.

Los pinceles de Manuel Castillero dominan tanto el paisajismo como la naturaleza urbana; la obra de ejecución lenta, laboriosa, como la rápida (habiendo ganado también muchos certámenes de pintura rápida), dentro de un estilo realista que va evolucionando hacia un estilo más comprometido con el que expresa los miedos, temores o incertidumbres de la sociedad actual, o del propio artista inmerso en la idiosincrasia de nuestra sociedad.

La obra premiada "Der Abschied" Foto crédito: Archivo Diputación de Jaén

Acostumbrados a ver en películas los desastres apocalípticos afectando a las ciudades de Hollywood y New York, Manuel Castillero lleva al lienzo este escenario a Madrid, cuyo centro ha sido destruido quedando en pie únicamente el Edificio Grassy (distribuidor oficial de la marca Rolex, cuyo colosal letrero ha desaparecido), ubicado en el número 1 de La Gran Vía madrileña.

En su obra el agua ha arrasado la urbe más poblada de España. Al fondo asoma la frondosa naturaleza, como reclamando su lugar, como denunciando el ecocidio al que ha sido sometida por la humanidad a lo largo del tiempo.

Cinco niños, el futuro, centran el primer plano. Los que se encuentran de pie observan aún la destrucción devastadora. Delante dos jóvenes dan la espalda al desastre; uno lee… ¿qué lee? Y a su lado la niña que nos mira a los ojos: la denuncia. No hay llanto ni desesperación a pesar del caos que refleja la obra. Los niños, en cuclillas, inspiran aceptación de su situación, resiliencia y búsqueda de soluciones en un futuro por construir.

“Der Abschied” es el riesgo de una despedida del mundo tal y como lo conocemos, advierte la proximidad al punto de no retorno.

Manuel Castillero nos muestra esta impactante obra de realismo simbólico con lecturas de profundo calado. La verticalidad del Edificio Grassy a punto de desmoronarse (lujo, elitismo, sociedad consumista), hace que desviemos la mirada hacia la mujer (la segunda masa vertical de la obra), ataviada con una indumentaria negra que nada tiene que ver con la vestimenta de los niños y que no es percibida por ellos.

Bien pudiera tratarse simbólicamente de Gea, la Madre Tierra, reclamando su lugar a la vez que mostrando con la mirada la dirección que deben tomar los jóvenes, el futuro de la humanidad, si quieren sobrevivir como especie. Como un personaje “fuerte”, permanece cerca de los niños no excluyéndolos del futuro del planeta. No en vano simboliza la madre universal, también conocida como Gaia, capaz de lograr el equilibrio o simbiosis entre todos los organismos que habitan la tierra y de actuar, incluso violentamente, cuando ve comprometida su armonía para restablecer el equilibrio.

La pintura de Manuel Castillero "obliga" a hacernos preguntas, a ver relaciones, a querer saber más. Y esto, sin duda, es lo que le ha hecho merecedor de este prestigioso premio. Estamos ante una obra que nos plantea varias cosas: la gran reflexión de cómo nos relacionamos con los otros miembros de nuestra gran familia en nuestra casa, que es el planeta tierra, y qué consecuencias puede traernos porque, al final, la tierra siempre devuelve los golpes. Somos prescindibles. Todos!

Igualmente, puede querer transmitirnos que el planeta tiene sus ciclos naturales, que hemos de comprender, respetar y ser capaces de anticiparnos a sus consecuencias para continuar formando parte del planeta.

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Jose Luis Romero viste el Aceite de Oliva Supremo AOVE

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Tue, 16 Nov 2021 21:07:00 +0000

En el quinto certamen “Jaén pinta supremo” se alzó ganadora la obra del pintor Jose Luis Romero denominada “Cerros de Úbeda” que ya viste las etiquetas de las botellas de la variedad Picual de la nueva cosecha monovarietal AOVE Aceite Supremo.

Crédito foto Aceite Supremo

Con “Cerros de Úbeda” (técnica mixta sobre tabla) el artista no se ha ido por las ramas, sino que ha representado una zona de la provincia jiennense donde tierras dedicadas al cultivo de olivos separan unos municipios de otros.

Obra paisajista tratada con una fuerte y bien resuelta perspectiva, es un poema a la madre tierra que, bien cuidada, puede devolvernos tan preciado producto que convertimos en el oro líquido gastronómico que degustamos y exportamos al mundo entero.

La provincia de Jaén es la cuna de uno de los mejores aceites de oliva virgen extra (AOVE) y su materia prima, la aceituna Picual, es la variedad más comercializada en el mundo.

Esta edición limitada, Supremo, ha sido realizada para el chef andaluz Juan Aceituno (cuenta con estrella Michelín 2.019) que trabaja en su restaurante Dama Juana donde se puede degustar comida tradicional elaborada con productos de primera calidad, en el que nunca falta el aceite de oliva virgen extra. Ahora, también el Supremo AOVE.

Crédito foto Aceite Supremo

Para quienes prefieran comprar una botella de este magnífico aceite, darse un capricho y elaborar en su cocina sus propias ensaladas, tostas, etc., con esta joya gastronómica, podéis comprarlo por internet en la página de Aceite Supremo.

Hablamos de un aceite de oliva de primerísima calidad que, aunque pueda parecernos un lujo y capricho, lo cierto es que sí lo es: desde el punto de vista gastronómico satisface los paladares más exquisitos. Y si nos ocupa y preocupa la nutrición, este aceite vegetal es el más sano, proporciona a nuestro organismo grasas monoinsaturadas (es decir, sanas y no nocivas), ácido oleico, antioxidantes como la vitamina E, el polifenol hidroxitirosol (siendo el más potente antioxidante conocido) con función antineurodegenerativa, etc., que preservan la salud y ayudan a prevenir múltiples y diferentes enfermedades, como algunos problemas cardiovasculares, inflamatorios, epidérmicos e, incluso, la diabetes.

Crédito foto Aceite Supremo

Es encomiable que el sector oleíca promueva un certamen para encontrar una obra que otorgue un plus artístico a sus botellas, en sus diferentes añadas, cuidando hasta el último detalle para ofrecer un producto del más alto valor culinario en una presentación muy cuidada y ejemplar. Ideal para regalar en navidad o para el día a día!

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Suso C. Ben Expone Marxes en el Centro Cultural da Miñoteria

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Sat, 13 Nov 2021 21:11:00 +0000

El artista plástico Suso C. Ben muestra la colección “Marxex” que puede visitarse hasta principios de diciembre de 2.021, en el Centro Cultural de Miñoteira de Ventosela (Pontevedra).

Suso Cameselle Ben inauguró el pasado 6 de noviembre esta exposición de temática diversa cuyo denominador común es lograr una realidad poco común, en la que abundan los reflejos, las transparencias: la mayoría de las obras que presenta se enmarcan en el realismo con toque personal: retratos de personas o naturalezas muertas, paisajes, marinas y todo aquello que le inspira y emociona.

Estamos ante un excelente retratista. Sobre estas líneas podemos verle trabajando en un retrato donde prima una técnica muy depurada y de gran riqueza cromática.

Maestro del realismo, en ocasiones hiperrealismo, su pasión por los detalles no ha impedido que explore otras técnicas con pinceladas más sueltas como consecuencia de la evolución natural de muchos artistas.

En este interesante óleo titulado “Fiesta de color” el pintor nos deleita con una obra de gran riqueza compositiva y pictórica en la que los personajes, ajenos a su mirada, se disponen trazando líneas onduladas, casi serpenteantes, enmarcados por una gama cromática violeta, roja y magenta en diferentes tonos, que van evolucionando a medida que desplazamos la mirada al centro a azules, verde-amarillos y amarillos. Como si esta humanidad que plasma estuviera rodeada y protegida por las vibraciones de la espiritualidad (violetas y azules oscuros) y dirigidas hacia el vibrante amarillo: la luz, la vida, el sol. En definitiva: la alegría de la comunicación y las relaciones interpersonales.

El pintor en un momento durante la exposición de sus obras: óleos sobre lienzo.

El pintor gallego también ha transmitido sus conocimientos artísticos impartiendo clases en su propia academia, conocedor de la importancia de la “docencia práctica” para que nuevas generaciones se inicien o perfeccionen en el dibujo y en la pintura.

De Ventosela (lugar de la exposición) hasta Redondela hay una distancia de 7 kilómetros, y desde Vigo se llega en 15 minutos en coche. Los que estéis cerca o penséis pasar unos días por la zona, no olvidéis que aquí tenéis una cita con la cultura gracias a esta exposición que también os brinda la oportunidad de adquirir una obra para hacer o haceros un regalo original y muy especial.

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Cristina López Ramírez gana el Tercer Premio del 48º Certamen de Arte Internacional de Gibraltar

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Fri, 05 Nov 2021 18:17:00 +0000

El pasado martes se inauguró la Exposición del 48º Concurso Internacional de Arte de Gibraltar, cuyas obras se exhiben en La Galería Gustavo Bacarisas desde el 2 hasta el 13 de noviembre.

La pintora Cristina López Ramírez ha sido galardonada con el Tercer Premio por su obra “Carrusel” realizada en óleo sobre lino y que ha pasado a la colección del Ministerio de Cultura.

En total se han presentado 138 obras a este evento internacional de Gibraltar donde la artista gaditana ha obtenido este tercer galardón.

Carrusel, de Cristina López Ramírez. 70 x 140 cm

La obra presentada por Cristina López, con sus habituales pinceladas sueltas, nos muestra la cruda realidad que hemos vivido durante la pandemia: un carrusel de niños delante de una muralla gris a la izquierda, con un paisaje abierto a la derecha de la obra.

Centrada en el carrusel de hermosos colores y ausente de vida, de usuarios, con caballitos blancos que parecen querer avanzar hacia el frente, a la derecha, donde la artista plasma unos árboles y naturaleza abierta que invitan a un futuro renacer, a una libertad ahora ausente.

Como un anhelo, como un dolor, se respira la infancia tras la zona amurallada, confinada, invisible, tras los muros grises.

El carrusel magníficamente pintado por la artista es de gamas cálidas pero vibrantes, que hacen resaltar la pureza blanca de los caballos, símbolo de la pureza y libertad de la infancia que ha sufrido las duras consecuencias de las restricciones vividas. Pero esperan, como mirando hacia ese espacio abierto de una naturaleza pura y en equilibrio donde el aire es limpio, donde hay futuro y hacia donde debemos dirigirnos para reactivar toda la sociedad en una perfecta simbiosis con la naturaleza, si queremos sobrevivir como especie.

Carrusel habla de las tristes consecuencias que nos trajo la pandemia, pero también es una obra de esperanza que nos invita a la humanidad a vivir más en sintonía con la naturaleza, a cuidarla para que ella nos pueda cuidar.

A participar en espacios abiertos en lugar de hacinados tras las murallas. A disfrutar con el movimiento del aire puro que genera el carrusel cuando la infancia retoma su actividad normal. El movimiento es el motor de la vida.

En definitiva, Carrusel simboliza el pasado y el futuro: siendo el futuro una infancia sana que habita en un entorno sano, alegre y dinámico del que no la debemos privar.

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Los Intrusos de Antonio Tapia en El Real Casino de Murcia

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Tue, 15 Sep 2015 17:37:00 +0000

El ya reconocido pintor murciano nos presenta en la Sala Alta del Real Casino de Murcia, desde el pasado diez de septiembre de dos mil quince y hasta el próximo cuatro de octubre y encuadrada dentro de las actividades programadas en la Feria de Murcia, una muestra de su obra pictórica bajo el lema “Intrusos”.

Antonio Tapia

Antonio Tapia durante la inauguración de la Exposición el pasado día diez. Al fondo, una de sus excelentes y originales obras.

Exposición de Antonio Tapia, hasta el 4 de octubre

Haciendo una síntesis de una reflexión Tapia termina por definirse como un “intruso” en el mundo en el que vive. Títulos cargados de simbolismo como “Balda pirata”, “El observador”, “A cuerpo de Rex”, “Copanauta”, “La casa de los sueños”,etc. en los que incide, como ya comenté en otra ocasión hablando de sus obra “Plaza de las Flores” y “El Soto”, en sus trazos detallistas, delicados y firmes, y una técnica plena de carácter.

Mencionar, como no, la aparición de sus ya reconocibles “playmobil’s” como semblante del arquetipo que todos nos fabricamos para interactuar con los demás.

La emoción del artista bajo un estilo propio y técnica hiperrealista es una original forma de transmitir emociones, vivencias y vicisitudes que, sin duda, captarán la atención de los visitantes que quieran disfrutar de las obras de este singular artista. Las obras, trabajadas en acrílico sobre lienzo y madera que componen la exposición reflejan una clara y espléndida evolución artística en la trayectoria de Antonio Tapia. Pero, afortunadamente, sin abandonar ese encanto mágico que aportan a la hora de dar rienda a sus emociones más íntimas y personales, lo que hace que sus cuadros no sean sólo objeto de observación, sino que también aportan un alto grado de reflexión tanto en el aspecto compositivo como en la perspectiva de crónica social de observador de su tiempo.

Remarcar, por otro lado, que Tapia también ha sido el creador del cartel Anunciador de la Feria de Moros y Cristianos de Murcia dos mil quince. Es una prueba más de le la clara pujanza que este pintor ha conseguido a través de un trabajo bien hecho, sincero y cuidado.

Cartel de la Feria de Moros y Cristianos, de Antonio Tapia

Evidentemente la sala elegida, dentro del magnífico edificio que alberga al Real Casino de Murcia, es un espacio como pocos para poder observar con detenimiento y la debida atención esta destacable exposición de Antonio Tapia.

El Real Casino construido entre mediados del siglo XIX y principios del XX, muestra los estilos característicos de esta época histórica. Y fue declarado monumento histórico-artístico nacional en mil novecientos ochenta y tres.

Ahora, el emblemático y espectacular edificio, acoge la muestra de este prometedor pintor contemporáneo para deleite de sus visitantes, en los que despertará vívidos recuerdos con la iconografía de su infancia al contemplar los dieciocho “intrusos” del pintor murciano.

El Real Casino de Murcia

Así pues, se aúnan obra expositiva y entorno para acudir a visitar esta magnífica exposición. Nuevamente lo cultural y social se suman para conseguir ofrecer a la sociedad murciana a y los visitantes que acudan a esta acogedora ciudad una opción para dejarse llevar por el arte pictórico y el arte arquitectónico.

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La muestra puede visitarse hasta el 4 de octubre

Sala Alta del Real Casino de Murcia

C/ Traperia, 18

Murcia

José Higuera, nueva exposición en la Galería Zúccaro

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Mon, 23 Mar 2015 23:32:00 +0000

La Galería Zúccaro de Madrid acogerá la muestra pictórica del pintor José Higuera, desde el 1 hasta el 30 de abril, en la que a través de más de veinte obras Higuera nos transportará, amparado en su personal realismo, a un mundo de calma y serenidad, no exento de ciertos toques de misticismo y melancolía.

"El otro mediterráneo", óleo de José Higuera. 89 x 116 cm.

Con preferencia por el óleo como técnica, el pintor expondrá una variedad temática de su producción, de la que cabe mencionar los paisajes urbanos, paisajes marinos, naturalezas muertas, figuras, etc., en las que el maestro muestra su talento para captar la luz y el color con un estilo propio, de gran contraste y riqueza cromática.

Pero, sin duda alguna, son las figuras de mujeres y niños las que destacan sobremanera en la exitosa obra de José Higuera y donde nos muestra su gran capacidad para captar instantes de gran ensimismamiento e intimismo.

A veces realista, en ocasiones hiperrealista, a veces de un realismo impresionista, otra pintura simbólica: el pintor y retratista nacido en Colonia (Alemania) se mueve dentro de estos estilos pictóricos para mostrarnos la visión de lo que le conmueve y emociona.

"Lluvia en Gran Vía", pintura al óleo sobre lienzo de José Higuera. 80 x 60 cm

Autodidacta, gusta de paisajes con gran profundidad o perspectiva y de los magníficos reflejos en los escaparates de sus paisajes urbanos, así como de la abundancia de tonos cálidos cuando representa la figura humana.

Es el presente lo que le interesa plasmar, el momento que no debe pasar al olvido y retiene en sus lienzos: la luz, la atmósfera, el movimiento o quietud, la impresión de ese segundo que le cautiva e inmortaliza para siempre.

Sus temáticas y su técnica no son sino una simple excusa para imbuirnos en procesos anímicos que todos sentimos a lo largo del día a día: alegría, ternura, estrés, etc. Y esta es la magia que nos ofrece Higuera en esta excelente exposición. El saber representar, transmitir y comunicar como pocos situaciones vitales que todos sentimos. Sus pinturas son puro y genuino sentimiento.

El pasado año el pintor mostró sus obras en Ferias de Arte como la prestigiosa Art Revolution Taipei en Taiwán o la Art Show Busan (Corea), entre otras.

Ahora, y tras una larga y exitosa gira internacional, Higuera regresa a España para colgar sus obras en la Galería Zúccaro (sita en la calle Hermosilla de Madrid) que les recomiendo visitar. Así el espectador que visite la muestra de este exitoso artista podrá recrearse en un trabajo bien hecho en el que prima la fidelidad a unos principios que se mantienen a lo largo de su dilatada carrera.

José higuera siempre se ha caracterizado por una gran constancia en su trabajo. De una u otra manera siempre ha trabajado con gran determinación para hacer que sus obras mantengan una gran solidez compositiva y, de la misma manera, proporcionar instantes de gran belleza icónica y emotiva.

En definitiva obras transparentes, claras, potentes con una muy cuidada estructura compositiva que se ven realzadas por su gran dominio de los juegos de luces y sombras. Arte equilibrado que proporciona emociones diferentes y sugerentes.

Antonio Serra Junior

Exposición del 1 al 30 de abril de 2015

Galería de Arte Zúccaro

C/ Hermosilla, 38

28001 - Madrid (España)

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Cristina López Ramírez expone “De poniente a levante” en La Galería del Arte Benítez y Barbero de Castellón

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Mon, 19 Jan 2015 20:08:00 +0000

A partir del día veintiuno de enero y hasta el próximo veintiuno de febrero de dos mil quince, la Galería del Arte Ramírez y Barbero de Castellón dará acogida a una nueva exposición. Se trata de una selección de pinturas de pequeño y mediano formato de la pintora jerezana Cristina López Ramírez.

López Ramírez mostrará parte de sus últimos óleos bajo el título “De poniente a levante”. Una denominación muy acertada: no en vano ese es el tránsito que se da desde su Jerez de la Frontera natal, hasta Castellón de la Plana. Y esos son dos tipos de vientos de los que tienen “buen conocimiento” en la provincia de Cádiz.

Exposición individual 'De poniente a Levante' de Cristina López Ramírez

Para aquellos que lo desconozcan, he de informar que La Galería del Arte Benítez y Barbero, fue inaugurada en dos mil trece, en concreto un veintinueve de noviembre. En este breve, pero intenso período de tiempo, la galería dirigida por Carlos Benítez Barbero ha conseguido dar un nuevo impulso a la actividad cultural de Castellón, aportando un aire fresco al apostar por artistas con una gran proyección.

Los óleos que expondrá Cristina López son una muestra con una visión auténtica y apasionada frente a la pintura. Esta artista dio sus primeros pasos en el mundo pictórico bajo los auspicios de la Escuela de Fermín García Villaescusa en la que se forjaron sus primeros pasos en el complejo mundo de los pinceles y los colores. Ella fue forjando un estilo personal en el que predomina un estilo próximo al impresionismo con matices suaves y delicados, dando como resultado una obra plena de elegancia y autenticidad.

Uno de los temas que aborda Cristina López con una mayor pureza son los paisajes. En ellos suele predominar una pasión por la vida y ello se remarca con sus óleos de paisajes rurales con sus toques de verde. Un color verde que viene a reforzar su pasión por la vida y por la pintura, haciendo una apología positiva sobre el ser humano y por los espacios que este habita. Su actitud positivista invade en gran manera la obra de esta elegante y refinada pintora.

Son ya varios los coleccionistas que tienen obra de Cristina López Ramírez; aunque la misma autora siente una especial predilección por la obra que atesora S.A.R. Dª Sofía de Grecia.

Obra de Cristina López en la colección privada de S.A.R. Dña. Sofía de Grecia.

En la obra de la colección privada de S A.R. Dña. Sofía de Grecia, la construcción representada es suavemente invadida por una atmósfera idílica, como un abrazo al sólido y antiguo edificio que también sumerge al verde paisaje en una poética sublimemente captada. Coexisten la luz y la niebla o, quizá, la realidad del paisaje y su idealización.

Todos aquellos castellonenses, y los visitantes que se encuentren en dicha ciudad, disponen de la oportunidad de visitar una exposición que no les dejará indiferentes. Al contrario, podrán gozar de una escogida selección de los óleos que componen la obra de Cristina López Ramírez, observando con detenimiento la atemperada influencia del toque impresionista que aflora en las composiciones de esta excelente pintora, a caballo entre los vientos de levante y de poniente.

Antonio Serra Junior

Exposición “De poniente a levante”

21 de enero de 2015 – 21 febrero de 2015

Galería de Arte Benítez y Barbero

Director: D. Carlos Benítez Barbero

Pasaje Falcó 2, 12001 - Castellón de la Plana (Spain)

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Teresa Jordà Vitó se lleva la Medalla de Plata en Caudete

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Sat, 08 Nov 2014 16:03:00 +0000

La pintora Teresa Jordá Vitó recientemente ha sido galardonada con la Medalla de Plata en la III Bienal Internacional de Acuarela Caudete. La obra presentada a dicho concurso está concebida como una composición abstracta de 50 x 70 cm. con título “Incisión y pigmento”. El reseñado galardón le fue entregado, el pasado viernes veinticuatro de octubre, de manos de D. Felipe Bañón, Concejal de Cultura de Caudete durante el acto de apertura que inauguraba la Exposición Internacional de Nuevas Técnicas en Acuarelas en la mencionada localidad albaceteña.

Teresa Jordà Vitó es una acuarelista de gran trayectoria y con una técnica muy personal e innovadora: la acuarela premiada ha sido fabricada artesanalmente por la artista a partir de tierra reciclada, por lo que esta obra es una acuarela matérica.

"Incisión y pigmento", acuarela premiada de Teresa Jordà Vitó

La artista es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, formación que ha ido ampliando a lo largo de los años con participación en numerosos cursos y diversos talleres, para conseguir una exquisita técnica pictórica plena de sabiduría, experiencia profesional y personal, aportando grandes dosis de innovación. Acuarelista de dilatada y brillante trayectoria, su bagaje a lo largo del tiempo esta colmado de premios y menciones en concursos y certámenes de carácter acuarelístico.

El mérito de Jordá Vitó es aún mayor, si se tiene en cuenta que este certamen cuenta con una numerosa participación de artistas tanto nacionales como internacionales venidos de Alemania, Uruguay, Estados Unidos, Francia, Italia, Pakistán, Grecia, Perú y China, entre otros; aportando un mayor valor a la excelente obra, “Incisión y pigmento”, sin duda alguna merecidísima Medalla de Plata.

En la obra ganadera Jordà sigue haciendo hincapié en su faceta innovadora y vanguardista. No en vano su pasión por la acuarela ha hecho que sea considerada como una de las mejores acuarelistas contemporáneas. Su espíritu libre reacio a cualquier limitación artística se manifiesta en esta obra “Incisión y pigmento”, título que revela el carácter de Jordà Vitó: ímpetu rompedor y color bien podrían ser dos calificativos que centraran la tarea creadora de Teresa Jordà. Si observamos con el debido detenimiento, la fuerza que evoca esta obra y su vitalidad vienen marcadas por esa suave y poética degradación amarillenta, como una luz que surge del rasgado producido por la incisión del papel, que choca con la parte más sólida y grisácea moteada por el pigmento.

Esta composición, jugando con la abstracción, no puede surgir sino de una profunda y esmerada reflexión que desemboca en un mensaje vitalista y puro.

La obra de Teresa Jordá Vitó podrá ser visitada, junto con las sesenta obras que componen la exposición del concurso, en la Sala de Exposiciones de la Casa de Cultura de Caudete, ubicada en la calle de Las Eras 33, hasta el día quince de noviembre, de lunes a viernes en horario de tarde de dieciocho a veintiuna horas.

Agradecer y reconocer el inmenso esfuerzo que implica la labor del Ayuntamiento de Caudete, conjuntamente con el Taller de Arte Villa de Caudete, por mantener este evento acuarelístico único en España que apuesta por hacer llegar a la acuarela a movimientos de vanguardia. Bien podrían tomar debida nota otros municipios de la geografía española de esta decidida apuesta que, en última instancia, lo que consigue es dar realce a la cultura y renombre a la localidad que la promueve. En este caso los caudetanos podrán estar orgullosos por ser el centro de las noticias culturales.

El elenco de premiados de la III Bienal Internacional de Acuarela Caudete 2014 se completa de la siguiente manera:
• Primer premio y medalla de oro: Alí Abbas Syed; pintor pakistaní, por su obra “Lal Ki Sada”.
• Segundo premio y medalla de plata: Teresa Jordá Vitó, por su obra titulada “Incisión y pigmento”.
• Tercer premio y medalla de bronce: Antonio Requena Solera; pintor natural de Caudete, por su obra “Compost”.
• Medalla de honor (Asociación Española de Pintores y Escultores): Ana Unduruaga Moreno, por su obra Líneas Horizontales VII”.

Antonio Serra Junior

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Ana Hernández Morote gana el Premio de Fuenteheridos

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Sat, 01 Nov 2014 15:15:00 +0000

La pintora Ana Hernández Morote ha sido la ganadora del I Certamen de Pintura convocado por el Ayuntamiento de Fuenteheridos (Huelva). La concejalía de Cultura, en su afán de promover el entorno de la Villa de Fuenteheridos a través de la cultura, ha creado este Certamen, de carácter nacional y para el que han solicitado obras de mediano formato y otorgado dos premios con dotación económica de 1.500 € y 700 €.

Obra ganadora del Primer Premio en el I Certamen de Pintura de Fuenteheridos

El primer premio del concurso ha recaído en este acrílico de Ana Hernández Morote, que plasma con absoluta delicadeza y sutileza un rincón del pueblo con el peculiar estilo de esta artista natural de Caudete. La perspectiva amplia pero sin forzar nos conduce hasta las rústicas escaleras obligando a nuestra mirada a girar a la izquierda mientras una marcada línea vertical resalta la ancha acera de este bello y sencillo paisaje urbano de la localidad andaluza.

Las fachadas encaladas de blanco, blanco andaluz, quedan animadas por el tono rojizo de las puertas y el verde de las plantas que arrojan sus sombras cálidas en un día soleado. La obra con una gran riqueza de matices y resuelta con profesional soltura transmite paz, armonía y un instante del descanso de sus habitantes.

Ayer, 31 de octubre, se hizo entrega de los premios en el Museo de Fuenteheridos inaugurándose la exposición con las obras premiadas y seleccionadas. Las obras que han obtenido el Primer y Segundo Premio pasarán a formar parte de la colección del Museo.

Con el nacimiento de este nuevo certamen de pintura es obvio que la Villa andaluza apuesta fuerte por el arte y la cultura, habiendo inaugurado el pasado mes de junio, asimismo, el Museo que lleva su nombre. Y no debemos olvidar que en 1982 fue declarada Conjunto Histórico-Artístico.

El Museo etnográfico, construido por la Diputación de Huelva, también dispone de Salas de Exposiciones Temporales que están convirtiéndolo en un pueblo con arte con un extenso programa cultural que abarca pintura, fotografía, música, teatro, poesía, charlas literarias, etc.

Y, volviendo al Certamen de Pintura, para aquellos que puedan desplazarse a esta localidad onubense, la Exposición de las obras podrá visitarse hasta el día 8 de diciembre en un emblemático edificio neoclásico del S. XVIII en el casco histórico del pueblo. Pregunte usted a los lugareños en qué calle se encuentra exactamente, ya que la dirección de su ubicación no aparece ni siquiera en la propia web del Ayuntamiento de Fuenteheridos así como tampoco los horarios de visitas. Sólo puedo asegurar que el museo se encuentra junto a la Iglesia Parroquial del Espíritu Santo.

Que puedan ustedes ver y disfrutar la gran obra merecedora de este Primer Premio y no me cabe duda de que se trata de la primera obra de arte que aterriza en el Museo. Doy la enhorabuena al Ayuntamiento y a la Concejalía de Cultura por sus esfuerzos en convertir Fuenteheridos en “Un pueblo con arte”, pero me consta que ha recibido y aceptado diferentes donaciones de dudoso o nulo valor artístico para ir creando una colección para su museo. Por este motivo, desde aquí deseo dar un toque de atención: señores, no pueden mezclarse churras con merinas. No tiene ningún sentido crear una colección mezclando obras de pintores aficionados con artistas profesionales: esa mezcla no es artísticamente digerible.

Antonio Serra Junior

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José Bautista expone ‘Como me gusta tu sabor’ en el restaurante Kube de Valencia.

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Sun, 26 Oct 2014 09:26:00 +0000

Nueva exposición individual de José Bautista, en esta ocasión en el restaurante “Kube”, sito en Valencia. La muestra, que se inaugura el próximo día cuatro de noviembre, ha sido comisariada por Mery Cortell para el proyecto Arte y Gastronomía.

Con el tema de la gastronomía, Bautista ha preparado veinte pinturas sobre lienzo; y, como ejemplo de la muestra os presento, por gentileza del pintor, estas dos obras plenas de fuerza entroncando perfectamente, como no podía ser de otra manera, con la temática general de la exposición.


"Crepe de azúcar y limón", óleo sobre lienzo 60 x 73 cm. de José Bautista

El pintor y dibujante, sevillano de nacimiento, José Bautista (José Manuel Sánchez Bautista) afincado en Puzol (Valencia), dando continuidad a un estilo enmarcado entre el impresionismo y el fovismo pero con un acento y personalidad propios, nos abre un abanico de instantes en los que los protagonistas disfrutan de unos momentos de asueto. Escenas cargadas de color y de luz, reflejo de una profunda reflexión sobre la existencia de los personajes que dan protagonismo a sus obras.


"Tequila Sunrise", óleo sobre lino de 63 x 70 cm

El maridaje entre arte y gastronomía, siempre ha sido esgrimido por diversos autores independientemente del ámbito en el que se desenvuelve su actividad. Músicos, literatos, pintores, escultores, etc., se han servido de la evidente mágica interconexión que ofrecen el entorno artístico-cultural con la peculiar idiosincrasia del resurgente mundo de la gastronomía.

El color aúna pintura y restauración. Ambos son claro ejemplo de manifestaciones en las que priman el vitalismo y la libertad, pero también memorables momentos de reflexión e intercomunicación entre creadores y perceptores de las singulares obras.

Por otro lado, hay que dar las gracias porque el joven Restaurante Kube, ubicado en la Ciudad Politécnica de la Innovación (CPI), haya prestado un espacio para dar un apuesta firme por la actividad cultural. Seguramente su enorme salón, iluminado por unos ventanales de gran tamaño, será un espacio en el que el color y la vitalidad de José Bautista resalten, produciendo un ambiente en el que disfrutar del buen arte y de la excelente y vanguardista cocina.

Así mismo, resaltar la labor de Mery Cortell, como comisaria de la exposición. Licenciada en Bellas Artes (Facultad de Bellas Artes de San Carlos) por la Universidad Politécnica de Valencia, y Máster en Producción Artística por el mismo centro, se ha manifestado en diversas ocasiones como una apasionada del color y de los sentimientos expresados a través de la pintura. Sin duda, el complemento perfecto para que esta exposición sea un éxito seguro.

Por último me gustaría dar mi apoyo más firme a todo este tipo de eventos dentro del entorno universitario, como punto de partida básico en el devenir cultural, en su más amplio significado, de cualquier sociedad moderna y civilizada. Si bien la situación socio-económica nos preocupa a todos, no es menos cierto que la piedra esencial sobre la que se sustenta cualquier sociedad es la cultura. Y por ellas debemos apostar todos, independientemente del sector y de la ideología en el que nos movamos.

Sin cultura no hay libertad. Y sin libertad no hay sociedad, nacionalidad, país o como queramos denominarlo.

Antonio Serra Junior

Del 4 de noviembre hasta el 5 de enero

Contacto: José Bautista 636 973 823

Restaurante Kube

Ciudad Politécnica de la Innovación

Edificio 8B Cubo L gris

C/ Ingeniero Fausto Elio s/n. 46022 - Valencia

De lunes a viernes, de 13:00 horas a 17:00 horas.

Más información del artista

‘Anatomía de piel’ de Valle Clarós Lloret en ‘La Bottega Dell’Arte’

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Fri, 03 Oct 2014 11:08:00 +0000

Hasta el 30 de octubre podrán disfrutar de la nueva exposición individual de Valle Clarós Lloret en Burgos. En su valiente apuesta por dinamizar la actividad cultural que se desarrolla en la capital burgalesa, la galería “La Bottega Dell’Arte” ofrece en su espacio expositivo la obra intimista de esta pintora.

La muestra inaugurada ayer y que podrá visitarse hasta el 30 de octubre, está integrada por varias pinturas realizadas en acrílico y a espátula por la artista catalana.

Exposición individual 'Anatomía de piel' en Burgos, de Valle Clarós Lloret

Valle Clarós ha titulado su exposición como “Anatomía de piel”. Así, a través de una cuidada selección de sus obras, nos encauza en la observación de un profundo estudio de la figura humana. Su obra está caracterizada por un estilo propio, peculiar e inconfundible. El sello particular de Clarós se representa tomando como punto de partida fondos negros que aportan un mayor realce y empaque al estudio anatómico de la figura humana.

¿Qué?, pintura de Valle Clarós Lloret

En su técnica Valle Clarós utiliza principalmente acrílicos sobre lienzo. Trabajados a espátula en varias capas, logra una textura peculiar de la epidermis femenina, inconfundible, con gran cantidad de registros cromáticos que pugnan por ver la luz. Ello ayuda a que los volúmenes que parecen flotar, sobre el reseñado anteriormente fondo negro de sus obras, dando vida a su “anatomía de piel” resalten sobremanera las diferentes partes de la anatomía humana femenina a las que se ha prestado atención.

El resultado no es la simple observación de pies, de manos o de otras partes del cuerpo, sino la visión de emociones que aportan las diferentes perspectivas que Valle Clarós refleja a través de una mirada profunda y cuidada. Hay una expresión que se suele utilizar para dar profundidad y potencia a los sentimientos. “A flor de piel”.

Como curiosidad he de decir que la apuesta cultural de la mencionada galería se ve remarcada por el matiz histórico de su ubicación, el número dieciocho de la calle Petronila Casado. Doña Petronila Casado, hija del que fuera Alcalde de Burgos a finales del s. XIX, Don Policarpio casado, fue la gran mecenas del Círculo Católico de Obreros de Burgos ayudando a la consolidación de la gran obra social llevada a cabo por esta reconocida institución burgalesa.Quien acuda a Burgos a disfrutar la historia que permanece viva en las calles de la capital castellana, tiene que saber que no solo el centro de la ciudad es seno de la actividad cultural. Que existen otros espacios culturales, un poquito más allá de las Calzadas y en el entorno de la Avenida del Cid, que son dignos de tener en cuenta por su gran aportación al mantenimiento de la gran vida cultural que siempre se ha desarrollado en Burgos.

Acudir a visitar la exposición de Valle Clarós Lloret, en la galería la Bottega Dell’Arte sita en la calle Petronila Casado, es la excusa perfecta para disfrutar de una magnífica experiencia cultural sumergiéndose en las emociones que nos transmite, y de las que nos quiere hacer cómplices, a través de sus pinturas; y también para descubrir que Burgos no es sólo su espléndida Catedral y el Paseo del Espolón.

Antonio Serra Junior

Sala “La Botega Dell'Arte”.

C/ Petronila Casado, 18.

09005 – Burgos.

686 63 63 53

Horarios: Lunes a Viernes de 10:00 horas a 14:00 horas y de 17:30 horas a 20:30 horas

Sábados: de 10:00 a 14:00 horas.

Domingos: de 12:00 horas a 14:00 horas.

Más información de la artista

Manuel Castillero Ramírez se lleva el Premio del XIV Certamen de pintura rápida de Segovia

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Sat, 27 Sep 2014 09:34:00 +0000

El pasado día 13 de septiembre de 2014, el pintor cordobés Manuel Castillero Ramírez obtuvo el Primer Premio, dotado con dos mil euros y placa, del décimo cuarto Concurso de Pintura Rápida celebrado en Segovia, “Segovia, Patrimonio de La Humanidad”, organizado por el Ayuntamiento de la vieja capital castellana, bajo el asesoramiento del Taller Municipal de Pintura-Grupo Aqua.

Obra premiada de Manuel Castillero Ramírez, perteneciente al Ayuntamiento de Segovia

https://www.elnortedecastilla.es/segovia/201409/14/manuel-castilledo-gana-concurso-20140914130512.html

Numerosos artistas se dieron cita para participar en este concurso de pintura, haciendo que las calles de Segovia se vieran convertidas en un enorme taller y sala de exposiciones. A lo largo de la jornada artistas y curiosos se mezclaron, principalmente por las calles que rodean la Plaza Mayor, tales como la calle Real, calle Daoíz, calle Alhóndiga, la misma Plaza Mayor y otras calles y escalinatas que aportan un sabor recio y señorial a la capital segoviana.

La obra ganadora de Manuel Castillero refleja una perspectiva de la escalinata que recorre parte de la vieja calle Alhóndiga. Como curiosidad hay que hacer mención que dicha calle debe su nombre al edificio medieval de “La Alhóndiga” construido en época de los Reyes Católicos como almacén de grano; hoy en día es la sede del Archivo Histórico Municipal.

De nuevo, Manuel Castillero, apoyándose en una técnica realista vigorosa, pura y esencial, bajo los parámetros del impresionismo y el hiperrealismo, se olvida de los aspectos ornamentales, desechando todo boato para centrarse en ofrecernos un paisaje-retrato urbano en el se manifiesta sobremanera la sensibilidad del artista cordobés.

La estructura de la obra se basa en un perfecto juego de líneas horizontales y verticales que aportan estabilidad, equilibrio y solidez, en combinación con una acertada iluminación que aporta profundidad y sabor a esa escalinata que nace, en su parte baja, a los pies del edificio de La Alhóndiga, para desembocar, en parte alta, en la calle Juan Bravo. Sin duda, Manuel Castillero acertó de pleno con la ubicación elegida, seguramente influenciado por la memoria de las estrechas calles del barrio judío de su Córdoba natal.

Tanto arquitectónicamente, como desde el punto de vista de la iluminación, el entorno elegido sabiamente por Castillero hizo que éste pudiera poner de manifiesto todo su potencial como artista. La siempre difícil misión de dar vida a un lienzo en este tipo de concursos dan un mayor valor a las obras resultantes del buen hacer de los artistas. Pero lo que también denota este merecido primer premio es la clarividencia del autor para acomodar inteligencia, estructuración mental, madurez y técnica pictórica. En estos certámenes denominados de pintura rápida, no caben los errores y exigen del pintor un gran esfuerzo intelectual. No es sólo un pincel el que se desliza por el lienzo, impregnado éste de los trazos y colores que definen la obra final; sino que es el intelecto y las emociones del artista los que se plasman en el cuadro.

Es evidente que Manuel Castillero tiene una mente lúcida, limpia y bien estructurada; como se suele decir, si se me permite, “tiene una cabeza bien amueblada”. Es por ello que ha conseguido una obra final limpia, muy del gusto castellano; sin estridencias, pero cargada de esencia, de nobleza y de purismo, valores que las gentes castellanas hacen suyos en gran medida.

Por último, dar las gracias al Consistorio de Segovia, encabezado por la alcaldesa Dª Clara Luquero, primera mujer en la historia que preside el Ayuntamiento de Segovia por mantener en estos momentos llenos de vaivenes su apuesta por la cultura en general; y, en particular, por organizar este precioso y preciado Concurso de pintura, el cual ya ha cumplido catorce ediciones. Asimismo, agradecer la labor del Taller Municipal de Pintura en colaboración con el Grupo Aqua de acuarelistas de Segovia.

Antonio Serra Junior

Más información del artista

Pascual Aranda expone “Valladolid pintado” en el BBVA

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Mon, 15 Sep 2014 22:38:00 +0000

Pascual Aranda ha elegido para presentarnos su nueva exposición, “Valladolid pintado”, la Sala de Exposiciones del Banco Bilbao Vizcaya Argentaria (BBVA) de Valladolid., que se inaugurará esta tarde. Qué mejor ubicación que esta para mostrarnos algunos rincones de la vieja capital castellano-leonesa.

Pinturas de Pascual Aranda en La Sala de Exposiciones del BBVA de Valladolid

Es digno reseñar que la sede central del BBVA de Valladolid ocupa el viejo edificio conocido como Palacio de Ortiz Vega: residencia que fue de D. Antonio Ortiz Vega, conocido financiero vallisoletano de la época. Construido siguiendo el estilo arquitectónico palaciego francés, en la segunda mitad del s. XIX, restaurado a principios del pasado s. XX, para ser sede del extinto Banco Castellano: presentando la actual estructura; ha sufrido, con el paso del tiempo ulteriores modificaciones de carácter menor.

Pascual Aranda, nacido en Valladolid, no se define como un pintor localista, sino que sus pinceles están abiertos a los sentimientos y estos no tienen fronteras. De lo que si hace gala es de sus profundas raíces castellanas, sin caer en lo tópico ni en el atomismo de otros. Obviamente sus obras, por el entorno en el que vive, se ven marcadas por un aspecto vigoroso, recio, vital. Pero estos caracteres que resaltan en la trayectoria de Pascual Aranda, se corresponden con un mirar profundo y sereno. Su obra está impregnada de una continua búsqueda de la esencia de los paisajes, de los hombres y mujeres, y de todos aquellos elementos que aparecen en sus pinturas.

También se adecúa la época del año en la que ha optado por presentarnos su excelente y amplia exposición. El otoño de la capital vallisoletana es, seguramente, el mejor momento para contemplar los rincones que ésta alberga. La alternativa al paseo por las calles de la ciudad vallisoletana está en acudir a la exposición y disfrutar de la perspectiva personal e intimista que Pascual Aranda nos ofrece.

Sus obras presentan un acento impresionista; un impresionismo personal, si se quiere matizar. Pero en el profundo mirar, la serena contemplación y la madurez que aporta Pascual Aranda a cada uno de sus trazos se observa un claro influjo de los grandes maestros impresionistas del pasado siglo.

Nos vamos a encontrar con rincones envueltos en una atmósfera protagonizada por las primeras lluvias otoñales, que hacen de Valladolid una ciudad silenciosa en el ir y venir de las personas protegidas por sus paraguas, pero no exenta de vitalidad y dinamismo. Nos descubre lugares, rincones con un evidente sabor a tradición. Pero, en el mismo lienzo, exprimiendo la contemplación que todo cuadro requiere por parte del espectador, afloran aspectos plenos de vitalidad y de noble condición.

No hay excusa para las gentes que habitan la noble ciudad castellana, ni para aquéllas que se acercan reclamadas por los señoriales encantos del Valladolid contemporáneo, para no acudir a la Sala de exposiciones del BBVA sita en la céntrica calle del Duque de la Victoria y experimentar emociones y sensaciones con los viejos rincones de la capital del Pisuerga.

En definitiva, Pascual Aranda abre una puerta de doble hoja, la del Valladolid que es y la del Valladolid que los ojos y el alma del pintor castellano ven. A esta doble visión el espectador, en su sereno contemplar, seguramente aportará la suya, llegando al objetivo final de toda exposición artística: el ser de las cosas, la visión que aporta el creador, y el mensaje que le llega al espectador.

Antonio Serra Junior

Sala de Exposiciones BBVA

C/ Duque de la Victoria, 12. 47001 – Valladolid.

De 16 al 29 de Septiembre de 2014.

Lunes a Sábado, de 19 a 21 horas.

Domingos y festivos, de12 a 14 horas.

Más información del artista

'Susurrantes latidos' exposición de José Velázquez de Castro

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Sun, 07 Sep 2014 11:15:00 +0000

Nueva exposición del pintor valenciano José Velázquez de Castro integrada por veintiuna obras de pequeño formato, en las que predomina como técnica pictórica principal el óleo. Puede visitarse en Eurostar Lucentum Hotel, Alicante, desde el 11 de septiembre hasta el 27 de octubre.

La temática que cohesiona esta muestra artística es la música en general, desgranada en sus múltiples vertientes tales como la danza, los músicos, el movimiento, etc. Alma sonora trasladada al lienzo; en unas obras en frenético movimiento, en otras la quietud que escucha el latido de los tonos o el susurro de un corazón enamorado de la vida.

Una de las pinturas de José Velázquez de Castro que podrán ver en la exposición

Es evidente que el alma de José Velázquez de Castro vive atrapada, cuasi subyugada, por la música en el sentido más amplio que se pueda dar. Pero, por encima de cualquier otra disciplina, la danza rige gran parte del expresionismo cromático que caracteriza buena parte de la obra de este pintor.

La figuración encarnada por músicos y bailarines fluye a través de trazos contundentes, de espesas pinceladas plenas de vitalidad que pinta con rapidez las emociones del momento, rostros sin ojos que sienten, disfrutan, aman y viven en una sinfonía constante de color. Rostros sin labios que hablan o sonríen en cada pintura. Son obras que están cargadas de una expresividad exacerbada. Se trata de una expresión lírica en la que nada escapa a la improvisación. José Velázquez de Castro escribe sus partituras sobre un pentagrama imaginario. Si el espectador observa con el detenimiento requerido, casi podrá escuchar las notas que se desprenden de cada pincelada.

Exposición individual de José Velázquez de Castro, en Eurostar Lucentum Hotel de Alicante

Quien visite esta exposición podrá disfrutar de unas pinturas vitalistas, sugerentes y cargadas de sensibilidad. Captan unos instantes en los que sumergirse, dejándose transportar por el ritmo, la melodía y el dinamismo en cada uno de los óleos de este pintor e ilustrador.

Como José Velázquez de Castro ha comentado en numerosas ocasiones, nació de nalgas y lo primero que vieron de él fueron sus pies. Es por ello, que con su permiso, me atrevo a decir que él no sacó la cabeza para ver cómo era este mundo, sino que lo primero que hizo fue mostrar los pies, buscar un lugar para apoyarlos con firmeza, dar sus primeros pasos de danza y describirlos después haciendo uso de un pincel y de unos tubos de pintura, a modo de cuaderno de música.

Así pues, esta exposición podrá ser visitada en el Eurostar Lucentum Hotel de Alicante, uno de los mejores hoteles de La ciudad. Ubicado en la Avenida de Alfonso X el Sabio, en pleno corazón del casco antiguo, es un punto de referencia del entramado comercial y de negocios de la capital alicantina.

Pintura que invita al baile de José Velázquez de Castro

En este inmejorable espacio se podrá disfrutar de la muestra de José Velázquez de Castro, dando las gracias a la cadena de Hoteles Eurostars por dar apoyo las iniciativas culturales y aprovechar la ocasión para animar a que el público conozca más en profundidad los rincones de la vieja Lucentum, nombre con el que se conocía bajo el imperio romano a la capital de la Costa Blanca mediterránea.

Antonio Serra Junior

Lugar: Eurostars Lucentum Hotel de Alicante.

Avda. Alfonso X El Sabio, 11. Alicante (España)

Inauguración: Jueves 11 de septiembre de 2014, a las 20:00 h.

La exposición puede visitarse del 11 de septiembre al 27 de octubre de 2014.

Más información del artista

Santi Cervera

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Fri, 29 Aug 2014 16:51:00 +0000

Santi Cervera, pintor. Residente en Cádiz (España)

Contacto: Santiago Cervera

Exposición de pinturas de Santi Cervera

Exposición virtual con algunas obras de Santi Cervera

Algunas pinturas de Santi Cervera.

Título: “Alas de mariposa”

Técnica: Acrílico sobre lienzo

Medidas: 100 x 100 cm

Pintura de Santi Cervera

Sevillano de nacimiento, residente en Algeciras (Cádiz) y campogibraltareño de adopción, Santiago Cervera inició sus pasos artísticos en Madrid. Pero ha sido en tierras gaditanas donde su creatividad se ha consolidado firmemente.

Nos presenta “Alas de mariposa”, un acrílico sobre lienzo de formato medio. Hay que destacar sobremanera la elegancia, la sensibilidad y, a la vez, la firmeza en el trazo. Una pincelada contundente que, sin embargo, gracias a su fluidez nos hace sentir la ligereza y la delicadeza de las alas de las mariposas.

Cervera nos transmite plenamente esa sensación de equilibrio, de bienestar y de gracilidad que el vuelo de estos lepidópteros muestran en el aire al batir sus alas escamadas.

Apoyándose en una de mezcla de expresionismo y abstracción, Santiago Cervera plasma su ansia por ser un espíritu libre. La luminosidad de sus azules nos abren los ojos a esos tonos propios de la tierra que ve confluir el gran océano Atlántico, con el cálido y viejo mar Mediterráneo. Allí donde unas veces sopla el levante y otras llegan los vientos de poniente, los vientos de libertad que nos propone Santiago Cervera toman su plena razón de ser.

Un expresionismo que no es fruto de la casualidad, sino de un sereno raciocinio para lograr hacer llegar, de la mejor manera posible, al espectador el mensaje que se trasluce en cada obra. Un mensaje sintético pero hondo; delicado y elegante, pero cargado de contenido y de intención.

Así es la obra de Santiago Cervera. Sencilla en sus trazos, refinada en su presencia, elegante en su plasmación, potente en sus pinceladas. Evitando complejidades que desvíen la atención del espectador. Es la comunión entre pintor y espectador lo que da sentido a la obra del artista. Y a fe que el autor algecireño, gracias a su esfuerzo creativo hace que la fusión llegue a buen puerto.

Antonio Serra Junior

Título: Paisaje distorsionado en verde

Técnica: Mixta sobre lienzo

Medidas: 80x 80 cm

Santiago Cervera vuelve a dar muestra de elegancia y contundencia con esta obra. Con un fino equilibrio en la combinación del color, combinando ocre, verde y gris, nos abre la ventana a la contemplación de un paisaje que raya en el minimalismo más extremo.

Cervera se supera en su afán por llevar el expresionismo abstracto a los matices sintéticos más puros. El titula “paisaje distorsionado en verde”; pero realmente no hay distorsión, sino un purismo en el planteamiento. Qué es un paisaje más que colores grises terrosos, verdes de la vegetación y un gris que delimita la línea divisoria entre la tierra seca y la frondosidad de la vegetación.

Sus pautas de elegancia, sensibilidad y concreción se sostienen como las piedras angulares de sus expresiones pictóricas. Ello nos mantiene en la firme idea de que Santi Cervera es fiel al principio de transmitir sus ideas sin alardes que lleven a ver lo que no es. Su intención es mostrar la esencia de un sentimiento, y de una idea.

El paisaje es esto: dos colores, verde y ocre. Su construcción o su manifestación pueden ser más o menos complejas. Perfectamente podría haber pintado con todo lujo de detalles, por ejemplo, un olivar. Pero, ¿qué es un olivar en su expresión más extrema?. Ocre y verde.

Felicitar a Cervera por un trabajo que aúna sobriedad y pureza para hacer llegar al espectador la expresión más contundente y esencial de las cosas.

Antonio Serra Junior

Título: "Peso y serenidad"
Técnica: Mixta sobre lienzo
Medidas: 100 x 75 cm

Título: "Un pájaro caído"
Técnica: Acrílico sobre lienzo
Medidas: 60 x 60 cm

Título: "El impulso"
Técnica: Acrílico sobre lienzo
Medidas: 140 x 140 cm

Título: “Sin título”
Técnica: Acrílico sobre lienzo
Medidas: 80 x 80 cm

Una vez terminada esta pequeña selección de las obras del pintor Santi Cervera, es importante decirle que puede adquirir estas obras directamente desde el artista. Si usted está interesado/a en alguna de sus obras, en ampliar información o en realizar un encargo (para iniciar o ampliar su colección de arte, regalar con motivo de una boda, aniversario, etc.), no dude en consultar directamente con él, pinchando en el enlace situado en la parte superior de la entrada, bajo el nombre del artista

Exposición Transición del color y de la forma de Lola Tajahuerce

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Wed, 20 Aug 2014 22:07:00 +0000

Desde el próximo día 23, La Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de L’Alcora, en Castellón, acoge la vitalista muestra pictórica de la pintora Lola Tajahuerce. Bajo el título “Transición del color y de la forma”, la artista muestra sus vibrantes y coloristas pinturas que nos recuerdan la naturaleza interna de la que se compone toda la materia que percibimos.

Con una visión minimalista de lo complejo y un acertado equilibrio dinámico, Tajahuerce escruta la esencia devolviéndonos, cargada de color, una síntesis didáctica de las relaciones que se establecen entre los diferentes colores. La pintora plasma sobre los lienzos colores planos sin ningún tipo de degradado, confinados en círculos que contienen otros círculos de menor tamaño dispuestos de tal manera que proporcionan la ilusión óptica de un ligero movimiento y variaciones de tonos inexistentes.

Poética visual en las pinturas de Lola Tajahuerce

Sobre estas líneas vemos una de las pinturas que integrarán la exposición. Observen, por ejemplo, los círculos amarillos: en la parte superior de la obra, la artista ha pintado un círculo de color amarillo contenido en otro violeta (su complementario), mientras en la parte inferior ha dispuesto lo contrario: un círculo con idéntico amarillo conteniendo otro menor pintado con el mismo violeta. Violeta y amarillo que emplea Tajahuerce para mostrarnos visualmente la relación existente entre los colores complementarios. Arriba, el amarillo parece más amarillo y vibrante, mientras abajo, el violeta nos parece más claro; sin embargo, se trata de los mismos colores devolviéndonos diferentes sensaciones cromáticas gracias a la relación de simultaneidad que han establecido dichos colores complementarios dispuestos dentro o fuera de cada uno de ellos.

Igualmente, la artista juega con el efecto que producen los colores cálidos y fríos. Y para ilustrarnos visualmente ha pintado un círculo rojo que contiene otro menor de tono azul y, mirando más abajo, vemos un círculo azul conteniendo otro rojo. Se trata de los mismos rojo y azul en ambos casos. De esta manera, la pintora nos enseña que el azul de la zona superior “nos parece” más frío por encontrarse contenido dentro del círculo rojo (cálido), mientras el rojo de la parte inferior (contenido en el disco azul) nos parece menos cálido.

De la misma manera, podemos observar cómo el magenta es más intenso rodeado de verde que a la inversa.

Exposición individual de pinturas de Lola Tajahuerce en el Ayuntamiento de L`Alcora

Lola Tajahuerce explora con los contrastes y las relaciones que establecen los colores y nos muestra y demuestra la importancia del color: puedo afirmar, sin temor a equivocarme, que el orden sí altera el producto.

Los colores son uno de los materiales con los que se construye la vida y la artista nos muestra la vida palpitante a través de sus obras. Pinturas que nos ayudan a comprender y “aprender a ver” más allá de las apariencias. Obras que sintetizan con gran elegancia y madurez las bases de la teoría del color.

Ingrávidas, las formas circulares parecen flotar, nos miran desde diferentes ángulos estableciendo una conexión amable con el espectador que provoca armonía y una indudable sensación de bienestar. Las obras de Lola Tajahuerce transmiten una gran belleza plástica con notables registros sensoriales y conceptuales, permitiendo a quien las contempla situarlas en su propia dimensión mental.

Una exposición imprescindible para todos aquellos que disfrutan con el buen arte abstracto y que permanecerá abierta hasta el 7 de septiembre.

Antonio Serra Junior

Lugar: Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de l'Alcora

Calle La Bassa, s/n.

L’ Alcora (Castellón de La Plana)

Fecha: desde el 23 de agosto al 7 de septiembre de 2014.

Horarios: De 10´00 h. a 13´00 h y de 17´00 a 20´00 h.

Más información de la artista

Consuelo Hernández

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Thu, 31 Jul 2014 21:50:00 +0000

Consuelo Hernández, pintora. Residente en Madrid (España)

Contacto: https://www.consuelo-hernandez.com/

Exposición de pinturas de Consuelo Hernández

Exposición virtual con algunas obras de Consuelo Hernández

Algunas pinturas de Consuelo Hernández.

Título: "Invierno en el Gran Teatro Cervantes de Tánger"

Técnica: Óleo sobre lienzo sobre tabla No disponible

Medidas: 120 x 160 cm

Pintura al óleo de Consuelo Hernández

Inaugurado en mil novecientos trece, El Gran Teatro Cervantes de Tánger fue objeto de los pinceles de la pintora cacereña Consuelo Hernández. Este magnífico óleo ha sido portada del libro “Un escenario en ruinas”; libro publicado con motivo del centenario del Gran teatro Cervantes de Tánger y que pretende, de forma expresa, reconvertir la situación ruinosa de este espacio cultural otrora escenario ineludible de todo tipo de artistas que triunfaban en los momentos dorados del Tánger internacional de los años cincuenta del siglo pasado.

Consuelo Hernández también fue cautiva del embrujo de la multicultural Tánger, de una luz que ya fue objeto de las obras, entre muchos otros, de Fortuny. Su estancia en Tánger a finales de los años noventa, le hizo prestar su atención a la arquitectura, un tanto decadente pero no por ello espectacular, de una ciudad que respira vida por los cuatro costados.

Su amplio bagaje cultural, no en vano es Catedrática de lengua española, la ha llevado desde sus primeras influencias apoyadas en el movimiento impresionista a una pintura de carácter figurativo combinada con claros y evidentes tintes realistas. Será porque las personas nos vamos “humanizando” con el paso del tiempo, y tendemos a profundizar en los aspectos más íntimos de las personas, buscando esencias que den sentido a la actividad de cada uno.

Son varias las visiones y perspectivas que el talento de Consuelo Hernández nos ha ofrecido del Gran Teatro de Tánger, pero tal vez por la finalidad que persigue y por la simbología representada en ese coloso que sustenta el edificio que todos queremos que vuelva a recuperar su esplendor; o tal vez por las aves (a la izquierda) que vuelan en libertad, como libremente ha de volar la cultura en todo lugar y momento. De una manera u otra, la mano de Consuelo Hernández, la profundidad de un sentimiento y la clarividencia en cuanto a estructura y composición hacen de esta obra el que podamos admirar un edifico que ojala vuelva a retomar el pulso de la cultura sin fronteras y libre.

Antonio Serra Junior

Título: "La estación de Lago"

Técnica: Óleo sobre tabla

Medidas: 100 x 150 cm

Cualquiera que haya visitado o visite Madrid, y quiera acudir al parque de atracciones, al zoo o subir al teleférico para disfrutar de unas vistas increíbles de la capital de España deberá hacer uso de la línea 10 de metro y llegar a la estación de “Lago”, denominada así por estar junto al lago de la Casa de Campo madrileña.

Consuelo Hernández nos muestra una perspectiva, con tintes costumbristas, de esta peculiar estación inaugurada en 1961 con la finalidad de facilitar el acceso a los visitantes que acudían a la extinta Feria internacional agraria que tuvo lugar en Madrid hasta mediados de los años setenta del siglo pasado. Las dos características que pueden definir esta estación de metro es que está ubicada en superficie y su integración con el paisaje en el que se inscribe. La verdad es que tienen cierto aspecto de palomar o pajarera; actualmente, sin embargo, aun conservando un aspecto un tanto tosco, ha sufrido las transformaciones propias que los tiempos requieren.

Consuelo Hernández nos transmite magníficamente ese instante puntual, pero reiterado, del ir y venir de los viajeros que hacen uso del transporte público. Con una estructura que mezcla con acierto los matices figurativos y realistas, y con un punto de fuga situado ligeramente a la derecha de la obra, consigue que el espectador forme parte de esta representación y dirija simbólicamente sus pasos hacia la estación.

Es un efecto dinámico, propio de una pintora de trayectoria dilatada, que sabe encauzar al espectador para que sea coparticipe y disfrute, junto con los personajes protagonistas de la pintura, del viaje de éstos.

Antonio Serra Junior

Título: "Jarrón con flores"

Técnica: Óleo sobre tabla

Medidas: 94 x 122 cm

Título: "Tánger, Le riad"
Técnica: Óleo sobre tabla
Medidas: 122 x 150 cm

Después de haber disfrutado de esta pequeña selección de las obras de la pintora Consuelo Hernández, es importante decirle que puede adquirir estas obras directamente desde la artista. Si usted está interesado/a en alguna de sus obras, en ampliar información o en realizar un encargo (para iniciar o ampliar su colección de arte, regalar con motivo de una boda, aniversario, etc.), no dude en consultar directamente con ella, pinchando en el enlace situado en la parte superior de la entrada, bajo el nombre de la artista

Por qué es importante la pintura artística

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Thu, 24 Jul 2014 20:27:00 +0000

Son innumerables los artículos, reflexiones, ensayos, etc. que se han escrito para destacar la importancia de la pintura artística. También han sido muchos los puntos de vista que se han utilizado para poner de relieve la innegable importancia de la vertiente pictórica, como manifestación básica, conjuntamente con la escultura, y sin menospreciar el mundo de la fotografía y más modernamente el arte digital.

Es por ello que, siendo todas estas opiniones válidas y de indudable valor, quiero expresar mi opinión personal.

Pintura artística de Leonardo da Vinci

Entiendo que hay tres aspectos fundamentales que se evidencian en el mundo de la pintura:

El primer elemento es el punto de vista socio-cultural. Los primeros vestigios pictóricos se pueden considerar parte de la crónica social del momento en que se produjeron. Los vestigios de las culturas más remotas nos vienen a narrar como eran las condiciones vitales de los primeros y primigenios moradores de nuestro querido planeta Tierra. Tal vez no se pueda considerar arte como actualmente lo entendemos, pero si podemos estimar que podemos adoptarlos, ante la falta de una sistemática de escritura, como los primeros bocetos o primeros pasos de una pintura latente.

Los hallazgos encontrados que hacen referencia a las culturas prehistóricas, chinas, egipcias, precolombinas, etc. no hacen otra cosa sino recalcar o ratificar la evidencia de incipientes matices artísticos.

El segundo punto de vista a destacar es el puramente artístico o creativo, que también lleva implícito un interés socio-cultural, pues no deja de ser reflejo del momento en que se produce. El arte considerado en esencia no ha dejado de evolucionar con el paso del tiempo. Podríamos considerar a los pintores como auténticos alquimistas; los continuos avances en la ciencia y en el conocimiento dieron lugar, a través de las diferentes etapas y movimientos en los que se estructura la pintura, al descubrimiento de nuevos pigmentos, colores, técnicas, estructuras compositivas. Hoy en día, con el incesante avance de las técnicas informáticas hemos llegado a lo que se puede calificar como pintura digital.

Y el tercer elemento es su trascendencia económica, como bien cultural que ha traspasado los aspectos sociales y creativos para aparecer como un bien económico. La pintura se ha convertido en una forma, más o menos ética, de creación y de salvaguarda del patrimonio de unos pocos. Basado en el coleccionismo, son muchos los que han visto en el mundo de la pintura la manera más estable y segura de generar un patrimonio económico.

Mi idea no es tanto reflexionar escrupulosamente sobre la importancia de la pintura artística, pues es una obviedad; como poner de manifiesto una serie de considerandos, amén de que existen infinitud de punto de vista, que sirvan de pauta a la hora de enfrentarnos con cierta objetividad a la contemplación de un cuadro.

Un cuadro no se circunscribe sólo a una idea de un/a pintor/a generada en un momento concreto. Detrás de cualquier obra con un mínimo de calidad hay una historia que se remonta a épocas remotas. Cada momento actual absorbe las experiencias de los artistas que precedieron en el tiempo. Cada experiencia, cada vivencia, los avances técnicos y científicos tienen un reflejo impresionante en el mundo de la pintura artística.

Podríamos decir que la pintura es la manifestación más pura, más sensible y más moral de todo el proceso evolutivo que los humanos hemos evidenciado a lo largo de nuestra historia.

Antonio Serra Junior

José Ato

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Wed, 16 Jul 2014 20:34:00 +0000

José Ato, pintor. Residente en Murcia (España)

Contacto: https://atosaorin.blogspot.com

Exposición de pinturas de José Ato

Exposición virtual con algunas obras de José Ato

Algunas pinturas de José Ato.

Título: "Macetas al sol"

Técnica: Óleo sobre lienzo

Medidas: 50 x 120 cm

Pintura de José Ato

Encuadrado en la serie “El tiempo de las flores”, que el propio artista describe como “una serie de retratos en su terraza”, José Ato nos presenta esta obra titulada “Macetas al sol”. Se trata de una pintura en formato apaisado, apoyada en la técnica clásica de óleo sobre lienzo. Un estudio de luz y sombra, de volúmenes y de equilibrio manifestado en la línea horizontal que delinean las macetas y el fondo vertical delimitado por la pared de la terraza como fondo de esta pieza.

El pintor ciezano aprovecha y hace uso de estos elementos para darnos a conocer la serenidad y el intimismo que representan los patios y las terrazas, sobre los que gira gran parte de la vida de las gentes que habitan estas tierras que se asoman, en mayor o menor medida, a la luz del Mediterráneo. La bondad de la climatología lleva consigo que gran parte del tiempo familiar gire en torno al patio o la terraza,. Se trata de una vida abierta a la luz, a los aromas que desprenden las flores que brotan de las plantas que crecen en las macetas. Pero también de momentos íntimos de reflexión, de serenidad y de calma.

Se podría decir que esta obra es un paisaje urbano, pero, igualmente, se podría calificar de bodegón urbano; aunque yo me decanto por determinar que se trata de un retrato de la intimidad del artista. Esta terraza guarda aspectos intimistas que definen la personalidad de José Ato. Una personalidad sencilla, inquieta culturalmente hablando, equilibrada y en paz consigo mismo.

La obra está caracterizada por la ausencia de cualquier estridencia, a la vez que cargada de vitalidad, de ilusión por vivir, con matices costumbristas que aportan empaque. Es un claro exponente de honestidad pictórica, de equilibrio y de sensatez. En ella se observa la serenidad que arrastra la madurez y la experiencia vital de una persona que ama al arte.

Antonio Serra Junior

Título: "Bosque de La Al-Hambra"

Técnica: Óleo sobre lienzo

Medidas: 30 x 20 cm

Quien conozca la Alhambra estará de acuerdo con la aseveración de que cualquier lugar de esta maravillosa construcción es digno de elogio. Todo su entorno, las puertas, los patios, las fuentes los miradores, cualquier rincón está lleno de embrujo y de encanto. Por ello, cualquier plasmación artística que refleje un espacio de esta maravilla del mundo tiene ganada la consideración en cuanto a contenido se refiere. Otra cosa bien distinta es, como en todos los ámbitos creativos, el grado de originalidad y la aportación personal que cada artista aporte al objeto de su obra.

No haré mención de los distintos aspectos históricos de este espectacular complejo que aúna lo palaciego y lo militar y del que los granadinos tienen la gran suerte de disfrutar para envidia del resto de los mortales. Cualquiera puede tener acceso a información ya sea en bibliotecas tradicionales (por cierto, bastante olvidadas) o digitales.

José Ato plasma su visión personal pintando un rincón de este emblemático edificio. Ha querido hacer su aportación. En concreto el objeto elegido es, si la memoria no me falla, la conocida “Puerta de Bib-Rambla”, también llamada Arco de las orejas (denominada de esta manera debido a que en su frontal se mostraban las orejas y otras partes amputadas del cuerpo de los delincuentes de la época).

Apoyándose en la clásica técnica del óleo sobre soporte de lienzo y en un formato pequeño, pero suficiente para captar con delicadeza y suave sutileza la fuerza y el vigor que el paso del tiempo ha aportado a esta puerta de los bosques de la Alhambra. Ato lo matiza con un ambiente cargado de magia y cierta ensoñación, seguramente evocando sueños de otras épocas.

Antonio Serra Junior

Título: "Macetas en marrón"
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 40 x 100 cm

Título: "Macetas"
Técnica: Óleo sobre madera
Medidas: 40 x 40 cm

Título: "Orza"
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 40 x 100 cm

Titulo: "Macetas en verde".
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 40 x 100 cm

Una vez terminada esta pequeña selección de las obras del pintor José Ato, es importante decirle que puede adquirir estas obras directamente desde el artista. Si usted está interesado/a en alguna de sus obras, en ampliar información o en realizar un encargo (para iniciar o ampliar su colección de arte, regalar con motivo de una boda, aniversario, etc.), no dude en consultar directamente con él, pinchando en el enlace situado en la parte superior de la entrada, bajo el nombre del artista

Retratos por encargo

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Thu, 19 Jun 2014 07:49:00 +0000

¿Por qué una pintura, en este caso concreto un retrato, es un regalo magnífico, si no el mejor regalo posible?

Hace poco tiempo me preguntaron, Sr. Serra ¿por qué usted considera que un retrato es el mejor regalo que se puede hacer?.

He estado reflexionando sobre la pregunta y madurando la respuesta durante un período de tiempo prudencial. Un tiempo que me permitiera aportar una opinión personal con la mayor objetividad posible. Y he encontrado una definición de retrato que me permite dar una respuesta sencilla, concreta, objetiva y plena de contenido.

Retratos por encargo de Álvaro Peña y de Fernando Jiménez

Así, el Diccionario de la Real Academia Española de la Lengua define retrato:

“1. m. Pintura o efigie principalmente de una persona.

2. m. Descripción de la figura o carácter, o sea, de las cualidades físicas o morales de una persona.

3. m. Aquello que se asemeja mucho a una persona o cosa.”

La RAEL habla, en primer término, de pintura. Por tanto, la esencia de un retrato es ser pintura como representación artística. Regalar un retrato, es obsequiar a alguien con arte, no con cualquier objeto. Es una demostración de sensibilidad, de un sentimiento con evidentes tintes de amistad, amor, proximidad, cariño, etcétera. hacia la persona objeto del regalo. Sentimientos que aúnan arte y amistad.

En segundo lugar, un retrato no pretende ser una instantánea de un momento preciso. Sino un reflejo de la figura y del carácter de la persona retratada. No busca un momento concreto, sino escrutar en el interior de la persona retratada en aras de plasmar su auténtico ser. Se pretende destacar unas características perennes en el tiempo; aquello signos que definen lo que comúnmente se determina como “personalidad”. Un conjunto de rasgos físicos y espirituales que conforman la individualidad personal.

En tercer lugar, se define como algo que se asemeja mucho. No se pretende lograr una fotocopia, que no es más que una imagen fría, carente de toda manifestación artística. Sino de indagar en esos recónditos lugares que todos guardamos en nuestro interior, y hacerlos aflorar, para conseguir una representación auténtica de la persona objeto del retrato.

Retratos por encargo de Gloria Morán Mayo y de Ángeles Tovar

A todo ello tenemos que añadir la idea de perdurabilidad en el tiempo. Queremos regalar algo que tiene vocación de permanencia en el tiempo. Algo que dure. Que no sea efímero. Queremos que sea una manifestación, un recuerdo, un homenaje “para siempre”.

El arte transciende el tiempo. No es algo etéreo. Más bien adquiere su apogeo con el paso del tiempo. Madura con el tiempo; y cuanto más tiempo pasa más sentido tiene.

Al amor, el cariño y la amistad les pasa lo mismo. También maduran con el tiempo. Y cuanto más tiempo pasa más auténticos son.

Retratos por encargo de Pascual Aranda y de José Miguel Alguer Romero

Es por todo ello amigos lectores que opino que regalar arte es el mejor regalo posible. Y regalar un retrato es la forma de individualizar la idea general de obsequiar con arte.

Retratos por encargo de Teresa Muñoz y de Severino de Llanza

Seguro que cualquiera de vosotros que tenga un retrato de sí mismo, o de un ser querido, cada vez que lo mira no hace ostentación de vanagloria, sino que se acuerda más del noble sentimiento con el que se lo regalaron, y no me cabe duda que esbozáis una sonrisa de gratitud por el retrato y por el magnífico recuerdo de la persona que os lo regaló.

Definitivamente, un retrato es el mejor regalo posible.

Antonio Serra Junior

Carmen Alquezar Valero

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Tue, 10 Jun 2014 20:00:00 +0000

Carmen Alquezar Valero, pintora. Residente en Tarragona (España)

Contacto: https://carmenalquezar.com/

Exposición de pinturas de Carmen Alquezar Valero

Exposición virtual con algunas obras de Carmen Alquezar Valero

Algunas pinturas, dibujos y retratos de Carmen Alquezar Valero

Título: "Bodegón"

Técnica: Mixta (Óleo sobre temple de huevo)

Medidas: 60 x 73 cm

Pintura de Carmen Alquezar Valero

Nos encontramos ante una obra de estilo clásico surgido de los pinceles de Carmen Alquezar Valero. El bodegón clásico encierra un sinfín de argumentos para ser considerado como temática básica para el crecimiento como artista.

Afincada en Salou (Tarragona), la pintora oscense compagina sabiamente las tareas educativas como profesora de dibujo y pintura, con las propias creativas, en las que predomina sobremanera la composición de estilo hiperrealista; la autora siempre se ha definido como amante del retrato, pero es evidente que su calidad técnica y su sensibilidad también tienen un magnifico reflejo en sus obras de corte clásico.

Así nos obsequia con este clásico bodegón, en el que resaltan claramente los juegos de luces y sombras, los contrastes entre opacidades y estructuras translúcidas, todo ello partiendo de una notable técnica pictórica. Para conseguir esta magnífica y muy elaborada naturaleza muerta ha utilizado la técnica del temple al huevo, considerada por muchos como la técnica más antigua que se conoce. Con ella consigue que este tipo de trabajos tan detalladamente elaborados tengan un resultado final sobresaliente.

El temple permite conseguir unos efectos luminosos sorprendentes, como los que nos muestra Carmen Alquezar, partiendo de unos tonos más oscuros para llegar a los más luminosos, rematándolo con ciertos toques velados de óleo.

En cuanto al estudio de la luz, esta composición evoca épocas remotas. Sin querer, en la mente de todos los artistas fluyen reminiscencias de la luz del románico. Carmen Alquezar nos abre la luz, que entra por la parte derecha de la obra, ofreciendo un frescor y vigor a la pintura logrados gracias a la suma de las diversas individualidades que componen el bodegón. Cada objeto tiene protagonismo propio. El mantel, los jarrones, las frutas, el recipiente de cristal que aparece en un segundo plano pero que aporta el equilibrio y trascendencia a la obra.

Hay momentos en los que los ojos del espectador agradecen, ante tantas extravagancias, un merecido y conseguido momento de paz visual.

Antonio Serra Junior

Título: "Autorretrato"

Técnica: Mixta (Óleo sobre temple)

Medidas: 100 x 81 cm

Una constante, sino en todos, si en casi todas las pinturas clásicas con temática de retratos o autorretratos es la hacer uso de un fondo oscuro, predominando el fondo totalmente negro, o aplicando grises o pardos muy oscurecidos, en la mayoría de las obras.

Carmen Alquezar Valero se suma a esta tónica pictórica en esta obra. Vemos que sigue las pautas maestras de la estructura clásica en la composición de la misma. Tonos oscuros al fondo, posado en escorzo con la mirada y el tronco girados hacia la derecha, y una luz difuminada que entra por el mismo ángulo, para lograr resaltar una mirada llena de profundidad y de magnetismo.

Es de destacar la lograda luminosidad de la piel, que llega a tener un acabado aterciopelado; lo que da lugar a unos matices cargados de sensibilidad combinados con una mirada profunda y un toque sutil de color en los labios.

El conjunto logrado es una mezcla de técnica, sensibilidad y carácter. Todo ello en aras de lograr dar vida propia a este autorretrato. Tal vez, en este caso concreto, la autora juegue con cierta ventaja, pues nadie mejor que ella para dar las pinceladas concretas que mejor definan los rasgos de su personalidad. Pero no por ello tiene menor mérito. Estimo, muy al contrario, que decantarse por un autorretrato es una manifestación de valentía por parte de cualquier artista. Poner en evidencia tanto los aspectos destacados, como los elementos negativos de uno mismo, es una tarea ardua y compleja. Desnudar tu piel y tu alma es un ejercicio pleno de madurez, de sensibilidad y de entrega al espectador.

Solamente este motivo ya sería más que suficiente para alabar esta obra de Carmen Alquezar.

Antonio Serra Junior

Título: "Ariadna"
Técnica: Mixta: óleo sobre acrílico
Medidas: 114 x 146 cm

Título: "Maria"
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 148 x 73 cm

Título: "Dos poses: Alicia"
Técnica: Carboncillo sobre lienzo
Medidas: 50 x 80 cm

Titulo: "Eva"
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 65 x 81 cm

Una vez terminada la entrada de la pintora Carmen Alquezar Valero, deseo recordarle que la artista vende alguna de estas obras sin intermediarios y también realiza obras y retratos por encargo. Si usted está interesado/a en su obra, en ampliar información o en realizar un encargo no dude en consultar directamente con ella, a través del enlace situado en la parte superior de esta entrada, bajo su nombre.

Arte y coleccionismo

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Tue, 03 Jun 2014 10:11:00 +0000

El coleccionismo de Arte ha ido evolucionando en los últimos años; el mercado del arte español cayó un 33% en los últimos seis años según La Fundación Arte y Mecenazgo, con un ligero repunte en el pasado año 2013. La caída de las ventas provocada por la crisis económica y la burbuja del arte son los dos principales causantes de esta situación.

Sin embargo, lo expuesto es aplicable a las grandes firmas internacionales: compras millonarias que tienen por finalidad, en la mayoría de las ocasiones, la mera especulación.

En los últimos años el coleccionismo está dando un giro positivo: importantes galerías, cuyo negocio se generó en base a la mera especulación, han desaparecido; la persona amante del mundo y cultura artísticos cada vez tiene una mayor formación en materia artística; internet está sirviendo para conectar, nacional y transnacionalmente, a los nuevos coleccionistas con artistas de todo el mundo.

Los nuevos coleccionistas, fundamentalmente personas de clase media o media-alta, inician su colección con piezas de artistas que, teniendo una buena trayectoria, tienen precios asequibles y eligen las obras en función de sus propios criterios artísticos y estéticos. Saben lo que les gusta y lo que quieren. La influencia que ejerce sobre ellos la opinión del galerista o experto, cada vez es menor.

La imposición tácita de los gustos del “experto en arte” sobre el nuevo coleccionista es inversamente proporcional al nivel cultural de este.

Lo más importante antes de adquirir una obra, es que a uno le enamore. Si la pieza está en consonancia con nuestro gusto estético, valores culturales, mundo emocional, etc., no cabe duda que es la indicada para nuestra colección. El tiempo y las actividades artísticas del artista se ocuparán de que esa pieza se revalorice. Pero en cualquier caso, tendremos una obra que siempre nos gustará.

Comprar para especular con obras de arte es una actividad para especuladores, no para aquellos que amamos el arte. El coleccionista que va creando su colección lo hace por amor y pasión hacia esas obras que ha ido eligiendo meticulosamente, para poseerlas y admirarlas, nunca para deshacerse de ellas en una operación especulativa.

Es obvio que los aspectos mercantilistas que rodean al mundo del arte pueden llegar a producir un efecto envilecedor nocivo para el arte. Pero, sin llegar a puntos de vista extremos, no hay que negar que el coleccionismo también se rige por el aspecto inversor. El coleccionismo bien entendido y bien gestionado, lleva aparejado consigo un fenómeno garantista nada despreciable; muy al contrario, el coleccionismo de arte probablemente sea la mejor manera de generar un patrimonio estable y a salvaguarda de vaivenes de modas estrambóticas.

Una acertada colección de artistas con un futuro prometedor aúna los dos elementos que rigen los destinos de cualquier persona: corazón y cabeza. Sensibilidad y pasión. Pero también formación e información. Las decisiones por parte del coleccionista, en cuanto a las obras a adquirir, han de reunir elementos pasionales con motivaciones basadas en un criterio formando a través de información objetiva; y todo ello tendrá como resultado el disfrute del arte y la obtención, porque no, de una salvaguarda patrimonial.

Por otro lado, me gustaría aprovechar este momento para decir que el coleccionismo empieza por visitar las exposiciones, ya sean de mayor o menor categoría, por hacer un seguimiento personal de la evolución creativa de los artistas, evitando, en la medida de los posible, las opiniones vertidas por “gurús” con un sobre dentro de la chaqueta.

Antonio Serra Junior

Manjarrés

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Sun, 25 May 2014 10:41:00 +0000

Manjarrés, pintor. Residente en Valladolid (España)

Contacto: Manjarrés

Exposición de pinturas de Manjarrés

Exposición virtual con algunas obras de Manjarrés

Algunas pinturas, dibujos y retratos de Manjarrés.

Título: "La playa"

Técnica: Óleo sobre lienzo

Medidas: 90 x 130 cm

Pintura de Manjarrés

El pintor César González Manjarrés, afincado en Siete Iglesias de Trabancos (Valladolid), nos sorprende con este paisaje costumbrista pleno de luz, color, dinamismo, estructurado de una forma soberbia; y en el que el preciso pincel de Manjarrés nos ofrece un retrato coral, marcado por un hiperrealismo exacerbado.

Resulta sorprendente como un pintor de tierra adentro ha sabido captar la magia que la luz del sol irradia en las zonas costeras, en las que el mar refleja con mayor intensidad esos brillos propios del verano. Pero esa sorpresa es menor cuando observamos la depurada técnica que este pintor manifiesta a lo largo de su trayectoria artística. El paso de los años, la experiencia acumulada, el estudio detallado que se observa en sus composiciones, la meticulosidad en su trabajo se aúnan para pasar de la luz de castilla a conquistar la armoniosa luminosidad que las costas españolas ofrecen.

Sin duda el trazo del fino pincel de Manjarrés se ha expresado con fuerza y rotundidad en esta playa llena de veraneantes que gozan de la bonanza climática a orilla del mar.

Son muchos y variados los personajes objeto de retrato múltiple (adultos, jóvenes, hombre, mujeres, niños, trabajadores, etc) que dan lugar a la escena típica del paseo donde rompen las olas. Sus idas y venidas han sido captadas con maestría por el buen hacer de Manjarrés. El dinamismo rebosa por toda la obra, en un perfecto equilibrio acentuado por el trazo hiperrealista sobre el lienzo.

Afortunados aquellos que pueden gozar de los placeres del mar; y afortunados aquellos que pueden disfrutar de este magnífico trabajo del Manjarrés.

Antonio Serra Junior

Título: "La vendimia"

Técnica: Óleo sobre lienzo

Medidas: 100 x 70 cm

Fiel a su entorno y a sus raíces y costumbres, el pintor “arropero” nos presenta una estampa llena de sabor y esencia castellana, en la que la familia se reúne para participar de la vendimia. Esto imagen se repite cada año a finales de septiembre y principios de octubre (según cómo venga el tiempo y la uva).

En esta ocasión, dadas las características de los personajes que aparecen en este óleo, parece que nos encontramos ante tres generaciones: un hombre maduro, una mujer y un joven. La escena responde a uno de los valores propios del trabajo de Manjarrés: el hiperrealismo. Una imagen detalladamente captada con el acierto y la sensibilidad inmanentes a las obras de este pintor castellano. No es de extrañar que, como profundo conocedor de las tradiciones de su entorno, Manjarrés nos ofrezca una espléndida escena con dos puntos de fuga y un escalonado posicionamiento de las tres figuras protagonistas de la obra, ubicadas en función de los linderos de las cepas que conforman el viñedo, o majuelo como se denomina popularmente en la provincia de Valladolid.

Las dos botellas apoyadas sobre una tabla que nos encontramos en el frente, bien parecen las dos patas que aportan equilibrio a la estructura pictórica. En tanto que el horizonte se abre a un paisaje típicamente mesetario, en el que predominan los colores ocres de la tierra en contraposición a ese azulado cielo iluminado por las luces del incipiente periodo otoñal.

Manjarrés vuelve a deleitarnos con una obra en la que, bajo la excusa de la faena agrícola de la vendimia, destacan los valores propios de las familias castellanas: unión, esfuerzo y laboriosidad. Una técnica depurada, una estructura sólida y un pincel usado con determinación configuran una excelente obra plástica.

Por cierto, el juego del pliegue que se observa en la parte superior derecha, como una especie de página que se despega del marco seguramente tendrá una explicación que, en el futuro, será aclarada por el autor.

Antonio Serra Junior

Título: "Juego de té"

Técnica: Grafito sobre papel

Medidas: 20 x 30 cm

Título: "Mario y el Rinti"
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 120 x 80 cm

Título: "Dos rosas"
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 70 x 70 cm

Título: "Diego, clarificando el futuro".
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 100 x 100 cm

Después de haber disfrutado de esta pequeña selección de las obras del pintor Manjarrés, es importante decirle que puede adquirir estas obras directamente desde el artista. Además, el artista realiza obras y retratos por encargo. Si usted está interesado/a en alguna de sus obras, en ampliar información o en realizar un encargo (para iniciar o ampliar su colección de arte, regalar con motivo de una boda, aniversario, etc.), no dude en consultar directamente con él, pinchando en el enlace situado en la parte superior de la entrada, bajo el nombre del artista

Fernando Jiménez autor de las obras del Primer Edificio Optimista de España

noreply@blogger.com (Antonio Serra Junior) — Tue, 20 May 2014 14:16:00 +0000

La sede de Vygon España ubicada en el polígono Fuente del Jarro de Paterna (Valencia), acaba de inaugurar el Primer Edificio Optimista de España. El pintor Fernando Jiménez ha sido el elegido para crear un ambiente feliz basado en la psicología positiva para que los empleados puedan trabajar con más confort emocional y ser más competitivos.

Fernando Jiménez, en plena entrevista tras concluir las obras del primer Edificio Optimista de España, trabajo al que ha dedicado dos meses intensos y que vincula su nombre, para siempre, con este nuevo concepto de felicidad e inspiración en el puesto de trabajo en nuestro país. Un entorno laboral que genera felicidad, también es capaz de mejorar la satisfacción y el rendimiento de los empleados.

En las imágenes superiores podemos ver una de las obras de Fernando Jiménez: el gran árbol cuya copa está formada por líneas curvas vigorosas y dinámicas, abiertas (nunca cerradas), que invitan a la acción y colaboración entre los diferentes trabajadores en un ambiente refrescante y relajante (indicado por lo colores verdes). El frío muro original, con esta pintura se transforma en una gran ventana para mirar la naturaleza, para relajar la vista y la mente con su contemplación y la del cielo que rodea la copa del árbol pintado con el azul de los cuentos de nuestra infancia, instándonos a recordar las ilusiones y alegrías primeras que contribuyen a generar en el trabajo el optimismo necesario para afrontar el día a día con una nueva visión más reconfortante.

El árbol creado por Fernando Jiménez (pintado en un lateral del edificio) aúna la psicología y el arte en aras de lograr un ambiente que genere un pensamiento positivo y la ilusión por un buen futuro. Este árbol, pintado en un muro de ocho metros de alto, se repite en las estancias del interior en cuyas paredes el artista valenciano ha pintado diversos árboles mediterráneos.

Además, en la zona destinada a los sindicatos y a la calidad, Fernando Jiménez ha dispuesto un corcho dividido en cuatro zonas invitando a colgar "cosas para mejorar" y "cosas para celebrar". El artista valenciano, conocedor de la Psicología Positiva y la Neurociencia, ha creado sus obras para convertirlas en un vehículo de transmisión de bienestar y felicidad en el ambiente de trabajo.

http://www.abc.es/local-comunidad-valenciana/20140519/abci-edificio-optimista-201405192006.html

En la inauguración de la nueva imagen del edificio, El conseller de Economía, Industria, Turismo y Empleo, Máximo Buch, ha afirmado que "trabajando en equipo y teniendo una mentalidad de equipo y de visión de futuro ilusionante podemos superar cualquier dificultad y llegar a metas más lejanas".

Fernando Jiménez afirma que su diseño "ha logrado convertir las diferentes estancias en fuentes de inspiración para los empleados, atendiendo a lo que a ellos les hace felices cada día". El artista, con su planteamiento materializado en las diferentes estancias de la sede de Vygon en Valencia, ejemplifica la labor del artista de nuestros tiempos que pone su arte al servicio de la mejora de las condiciones de la sociedad, en esta ocasión ha fusionado: la Psicología del Trabajo, la Psicología Positiva y el Arte, en el primer edificio Optimista nacido en España. Un nuevo concepto de arte que dará sus frutos y, sin duda, se irá extendiendo por nuestro país.

Antonio Serra Junior

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