Churros y Palomitas

Quién mató la relevancia del horror - Ep 29

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Sun, 18 Oct 2026 10:57:59 -0600

El cine de horror es uno de los más nobles pero ¿acaso ha perdido relevancia debido a su comercialización? ¿Cualquier hijo de vecina puede hacer una película con algo de sustos, sangre y decirse director exitoso? En esta entrega trataremos de dilucidar quién mató la relevancia del horror.

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Esta entrega fue traída gracias a:

Productora Ejecutiva: Blanca López

Co-Productor: Román Rangel
Co-Productor: Dale Carley.
Co-Productor: Dany Sadia.

Agradecimiento especial a nuestros Patreons: Adriana Fernández, Agustín Galván, Cris Mendoza, Fernando de Anda, Franky González, Jaime Rosales, Juan Espíritu, Zert, Álvaro Vázquez, Arturo Manrique, Fabiola Sándoval, Lau Berdejo, Marce, Miguel Huesca, Alejandro Alemán, Arturo Aguilar, Enrique Vázquez, Ernesto Diezmartínez, Mariana Padilla, Tania RG y Fernando Alonso.

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Notas del episodio:

El cine de horror es uno de los más nobles pero ¿acaso ha perdido relevancia debido a su comercialización? ¿Cualquier hijo de vecina puede hacer una película con algo de sustos, sangre y decirse director exitoso? En esta entrega trataremos de dilucidar quién mató la relevancia del horror.

La presencia de cintas de horror en festivales de cine más enfocados en “cine de arte” hace que se pierdan ventanas para las cintas con dramas más humanos en pro de un género que tiene cabida en otros lados. Festivales como Sundance o el TIFF se vuelven puntos de venta para cintas como Together y Obsession si los letterbrothers alaban estas cintas, cuando el propósito de estos puntos era distinto.

“Robert Redford quería un templo para los Cahiers du Cinéma y despertó para ver que Fangoria ahora tenía el control”
Horror movies and Politics are killing Film Festivals
Joseph Kahn, The Hollywood Reporter

Como se vió en la CinemaCon, digo, en los reportes de Cinema United, la presencia del género va en aumento en cine comercial. 24 cintas en 2024, 26 en 2025, 29 en 2026. ¿Qué hace que aumente su popularidad? Y esto es sin contar los lanzamientos directos a VOD o Streaming.
The Strength of Theatrical Exhibition
December 2025 Update, Cinema United.

La oferta es variada. Desde Other Mommy, pasando por Whalefall o Clayface, no todo el horror entra en la misma categoría, y eso sin contar ofertas más independientes como Death and Teenage Sex at Camp Miasma.
Are There Too Many Horror Movies
Alison Foreman, IndieWire

En 2019 surge el “horror elevado” para diferenciarse al ser algo más prestigioso que el cine más cercano a la clase B. Cintas como Hereditary, Midsommar, Get Out o The VVITCH se catalogaron como “cine gourmet” porque más que espantar, querían decir algo de relevancia social.

Pretentious but Practical - The Case For and Against “Elevated Horror”.
Marty Viltrakis, Medium

Estudios como A24 lograron hacer que este sub género que apelaba a los mamertos del cine fuera el sello de la casa. “Un aspecto que hace que una cinta sea de horror elevado es la omisión de convenciones sobre lo que hizo al género popular y reconocible durante años. Desde asesinos con machetes, hordas de monstruos no-muertos, o espíritus posesivos, el horror “elevado” tiende a subvertir expectativas y asustar de otra manera”

The Myth of “Elevated horror”
Rys Hope - Film East

El costo hace que las cintas de horror puedan ser más exitosas con bajos presupuestos. Esto ha hecho que productoras como Blumhouse puedan invertir en apuestas de entre 3 y 5 millones de dólares, en donde sea fácil recuperar la inversión.

“El rango de tres a cinco millones no es aleatorio” dice Jason Blum, “es el monto que seremos capaces de recuperar si la cinta no tiene un lanzamiento más amplio. En el peor escenario, quedamos tables o perdemos poco dinero, y a todos se les paga proporcionalmente.”
Blumbouse And The Calculus Of Low Budget Horror - Produced By
Ross A. Lincoln, Deadline.

Las cintas que espantaban por ser malas.

Ghosts of Mars de John Carpenter
El heladero de Eli Roth
The Happening de M. Night Shyamalan

10 Most Poorly Directed Horror Movies of All Time
Daniel Boyer, Collider

Cine nacional:
El diablo fuma (y guarda las cabezas de los cerillos quemados en la misma caja)
No me sigas
Vuelven
Huesera
Desaparecer por completo
Párvulos
Tormento
No dejes a los niños solos

El ascenso de Skydance

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Sun, 11 Oct 2026 19:47:26 -0600

Dos de octubre no se olvida, pero en este caso no nos referimos a fechas de importancia nacional en México, sino al anuncio oficial de que David Ellison adquiría Warner Bros, logrando lo que ningún magnate antes que él había hecho, al poseer así dos de los estudios de mayor historia en Hollywood, junto con Paramount, pero al mismo tiempo cae en el mismo camino que ha condenado a varias compañías previamente. ¿Acaso los fracasos financieros de Time, America Online, AT&T y Discovery indican que todo el que compra a Warner está condenado a repetir esta historia para después vender el estudio? De eso y más hablaremos en esta entrega de The Dailies.

Bienvenido a The Dailies, el mejor programa de análisis de industria que vas a encontrar en este continente, en donde a diferencia de los especuleros de internet, o los comentólogos que dicen que hacen investigación y esta se limita a preguntarle a Grok de qué deben hacer su siguiente video para generar clicks, aquí sí nos ponemos a encuestar cientos de iguanas para saber a ciencia cierta de qué lado mascan.

Esta entrega es el capítulo más reciente de consolidaciones en Hollywood. Puedes revisar nuestras entregas anteriores que sirven como antecedente al caso de Skydance, como el episodio 114 sobre la muerte y resurrección de Paramount, en donde David Ellison llegó como un Nepo Baby con buenas intenciones que salva a un estudio en desgracia al comprarlo en 2024, así como el episodio 125 en donde hablamos de las continuas ventas de Warner y el 127 sobre la intención de compra que no se logró por parte de Netflix y en donde les puedo anunciar a todos que “se los dije y se los advertí”, ya que hasta que no estuvieran todas las aprobaciones, no se debía dar el anuncio, como lo hicieron Sarandos y Zazlav mientras se tomaban las fotos para darle credibilidad al acuerdo que no se concretó.

Para entrar de lleno, hay que entender un poco los antecedentes de los últimos compradores de Warner, cuales fueron sus aspiraciones, qué fue lo que lograron, y qué es lo que se puede esperar tras la compra de Skydance. No iremos a revisar números del siglo pasado, así que empezaremos desde que un titán tecnológico tuvo el primer intento.

Las notas completas del episodio están completas solo en el Patreon.

Animales - Net Flicks and Chill 115

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Thu, 8 Oct 2026 19:02:35 -0600

¿No sabes qué ver este mes de octubre en streaming? En esta ocasión tenemos recomendaciones relacionadas con bonitos animales, desde elefantes rosas, hasta perros cazafantasmas. Bienvenido a la nueva entrega del mejor programa con recomendaciones de series y películas para ver desde la comodidad del streaming: Net Flicks and Chill.

Ghost Elephants - Elefantes Fantasmas (disponible en Disney +) Documental en donde el biólogo Steve Boyses busca a una especie elusiva de elefantes en los altos de Angola.

Catherine Called Birdy - El libro de Catherine (disponible en Prime Video) Una adolescente en la Inglaterra medieval debe sobrevivir evitando a los pretendientes con quien su padre la quiere emparejar.

Flamingos: La vida después del meteorito (disponible en Netflix) La vida y recorrido de los flamencos, en donde conocerás como es la vida de estas coloridas aves de la voz de Julieta Venegas.

The Lovebirds - Los tórtolos (disponible en Netflix). Una pareja que se encuentra con un momento que definirá su relación al ser inmiscuidos en un misterio... con muerte.

Good Boy: Confía en su institno. (disponible en Prime Video). Un joven se lleva a su fiel perro a la casa de campo de la familia en donde habitan fuerzas sobrenaturales. Una historia de horror desde la perspectiva de un perro.

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Nunca leas los comentarios sobre el estado de las salas de Cinépolis - Ep 13

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Tue, 29 Sep 2026 11:27:51 -0600

En esta ocasión agarramos de pretexto un tuit del camarada Jorge Medina en donde se queja sobre las salas de Cinépolis y que al parecer la mejor promoción que puede tener Cinemex es... no ser Cinépolis.

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La serie de "Nunca leas los comentarios" es el contenido más huevón que podemos hacer ya que revisamos un post, tuit o video... y reaccionamos a los comentarios que les dejan. Y aún así nos esforzamos más que la mayoría de tus youtubers de confianza. :p

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A toda madre

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Thu, 24 Sep 2026 13:54:54 -0600

Desde hace tiempo hemos tenido a realizadores que se han preparado para hacer sus cintas en otros medios, como repasamos en el episodio de Quién mató las escuelas de cine, y hay quienes logran armar bases de fans sólidas que podrían trasladar su impacto en la recepción de sus películas. Con estos antecedentes, ¿qué tal sigue el recorrido de quienes, según algunos, es una gran promesa en el cine nacional? Es hora de revisar la otra cinta mexicana estrenada recientemente, y vamos de tierras rarámuris a revisar la obra que inspira a los que le echan porras a Max del Río.

Disclaimer: siguiendo el espíritu de la película, el texto con comentarios incluirá palabras altisonantes, absurdismos y otros recurso empleados en la misma, solo para ver si se pueden usar de manera efectiva, pero sera a cuentagotas.

En A Toda Madre, segunda cinta lanzada después de la divisiva La Película, cuyo mayor mérito es el ser "la primera película hecha en campeche" (si es que el tener denominación de origen se puede considerar mérito), nos encontramos con una historia de encuentros y desencuentros. Martín (interpretado por Hugo El Cojo Feliz) padeció de abusos y carrilla en la primaria, siendo su principal acosador Ricardo Pérez (Juan). En la escuela, la manera más ingeniosa en que se demostraba el dominio social, era el hacer chistes con connotación sexual utilizando el nombre de la madre del víctima, y como Hada (Lourdes Echevarría) es un nombre demasiado fácil de rimar, al pobre de Martín lo agarran de su puerquito hasta que le colman la paciencia y acusa a Juan con la directora, causando su expulsión. Esto no quedará así, ya que Juan jura venganza y que cuando crezca será él quien literalmente, vaya y chingue a su madre... pero la madre. de Martín, llevando así las frases de prepuberto a la práctica en el terreno real. El tiempo pasa, y en el presente nos enteramos que, en efecto Hada está enamorada y se va a casar con el ahora madurito Juan, de quien espera la arrimada para quedar bien preñada de su riata parada, a menos que Martín haga algo para impedirlo.

Siempre hay que separar la percepción de la obra. Con su lanzamiento, Max está haciendo tour de prensa, y ha encontrado oídos afines de quienes lo pueden catalogar como "artista posmoderno", "realizador punk", o incluso quienes hablan de "nuevos modelos de distribución", o se atreven a hacer comparaciones entre Maxi y Curry Barker. Con el debido respeto a quienes emiten esas opiniones ¿están pendejos o solo gustan destilar ignorancia para treparse al mame o tal vez echar porras e inflar una cinta o a un director? Aunque como sabemos, lo más inteligente es revisar la obra y no leer los comentarios sobre las películas de Max del Río.

La primicia de la película es sencilla y hay intentos por buscar un humor irreverente. De acuerdo al director, se trabajó bastante el guión y se "tallereó", para que así el guión quedara depurado y fuera divertido desde el texto. El problema base es que las revisiones en este caso parecen ser echas por un grupo de amigos, en donde alguien dice algo que quiere que sea divertido (y puede ser chiste local), y sobre eso se busca desarrollar más, sin siquiera preguntarse si en realidad hay algo gracioso. Todos pueden participar y agregar su grano de arena, pero en lugar de enriquecer una historia, solo se están apilando ideas en lugar de lograr un buen desarrollo de la historia.

La mayoría de las situaciones que aspiran a ser graciosas, en algo que puede ser catalogado como "comedia irreverente y absurda" cuando eso conviene, o "desafiante" por la temática en donde se atreve a tocar tabúes como la virtud de la madre mexicana, tratando de elevar conceptos como el "chingar a su madre" a tesis filosóficas de identidad nacional, pueden caer en algunas fórmulas básicas usadas ya de manera recurrente en las dos cintas de Max:

1- Incluir alguna referencia que no es necesariamente funcional dentro de la historia, pero puede ser identificada por los fans de los comediantes que aparecen.

2- Meter humor con connotaciones sexuales a la menor provocación y con la mínima consecuencia, siguiendo la fórmula de que si alguien dice "pene" (o verga), es gracioso porque lo dijo, y no porque dicha referencia pueda entrar de manera orgánica en la escena.

3- Personajes unidimensionales incapaces de madurar o tener desarrollo en la historia.

4- Manejo de ritmo deficiente.

La cinta se lanzó con lo que algunos catalogan de manera errónea como "un nuevo modelo de distribución" (favor de aprender más de estos modelos antes de hacer semejante aseveración), teniendo un lanzamiento con horarios limitados y con exclusiva en Cinépolis. La repartición de ingresos sería un 50% para la exhibidora y 50% para los creadores y distribuidores de la cinta, lo cual no es algo nuevo, y es parte de las negociaciones que se pueden hacer, pero ¿por qué Don Ramírez accedería a dar esta concesión cuando usualmente a distribuidores mexicanos se les da entre un 40% o 30% al iniciar la corrida comercial?

Cuando salió La Película, esta tuvo un impulso fuerte en promoción en complejos y las aplicaciones como la de Cinemex estuvieron durante dos semanas dándole más visibilidad, y funciones en salas durante días completos, las cuales en su mayoría estaban solas. En esta ocasión la "exclusiva Cinépolis" puede deberse a una negativa de otros exhibidores a lanzarla, y los horarios limitados, los cuales usualmente incluyen la última o últimas dos funciones del día, donde la afluencia e menor, son precisamente para probar, y si en realidad hay audiencia sostenible. Es algo que se usa con la selección de +Que Cine de Cinépolis y no es algo nuevo.

Esto puede crear una sensación (artificial) de exclusividad para los fans, cuando las causas son otras. ¿Modelos nuevos de negocios? Ni que fuera hacer pre-estrenos calculados al estilo de Nosotros los Nobles. Por cierto, recomiendo revisar nuestro playlist sobre Piratería y sus efectos, en donde tenemos charlas con distribuidores y productores en donde nos hablan directamente sobre estos detalles de exhibición y distribución. El verdadero "modelo innovador" viene en el financiamiento, y ahí hacen copia del modelo Wes Anderson, en donde te haces amigo de alguien con dinero (El Cojo Feliz), el cual decide que quiere hacer su película con su humor, y va a producir o financiar la misma. De hecho si ven las entrevistas notarán que toma un papel más activo sobre la cinta que el mismo director.

Conociendo esto, acudí a una función, tratando de tener una mente abierta, y esperando que la cinta fuera mejor que su trailer, y pensando que tal vez tenía algún mérito ya que la cinta se presentó en el pasado FICG (puedes checar nuestra cobertura aquí). Sabiendo que probablemente estaría con público afín al humor del director, en una sala casi llena, al inicio pude notar una mejora en el manejo de cámara y lenguaje audiovisual, en donde incluso hay variedad en los juegos de encuadre, aunque este no necesariamente ayude a la narrativa. Se nota un crecimiento por parte del director y su equipo, basado principalmente en su trabajo en publicidad, y hay mejoras estilísticas, aunque sería preferible el mejor enfocarse en la historia que solo poner algunas luces para una secuencia de un antro y se vean bien, que eso hasta yo lo hago.

La cinta tiene dos grandes problemas y vienen de la misma fuente. El guión por un lado es muy débil, y si bien da pauta para algo más ambicioso que un sketch, hay una incapacidad para desarrollar la historia. La cinta puede arrancar con momentos musicales o melodramáticos, para terminar precisamente con una canción, sin embargo los puntos que llevan del inicio al cierre se pierden y se busca rellenar con secuencias absurdas. El forzar la percepción de que nuestro protagonista es una persona exitosa porque vive en la capital, o porque tiene un refrigerador de esos que generan hielo, puede ser divertido, pero el insistir con esto se nota desesperado. Es como el amigo que dice algo que pudo causar una leve sonrisa y lo toma como afirmación de que era algo muy gracioso y lo quiere repetir hasta el cansancio. Y esto viene desde el guión en donde ninguno de los participantes se atrevió a cuestionar si el chiste no se desgastaba o si simplemente no era tan gracioso, ya que ni la base ni la entrega por parte de los actores lo justifica.

El trabajo del cast es tan fuerte (o débil) como el guión mismo. Hay una diferencia entre alguien que sabe actuar, alguien que sabe de comedia o alguien que sabe tener presencia. Mientras que las mejores actuaciones las podemos encontrar con Bombón Rodman o Jesús Ochoa, con personajes pequeños pero que cumplen bien su función, los estelares carecen de manejo de personaje dentro de la historia, en donde su mejor recurso es la exageración, como con el caso de Jaro Hernández, buscando llegar al absurdo. De los estelares no hablemos, ya que a menos que seas fan de su humor, sus entregas son estériles y sin consecuencia, cual promesa de político en campaña.

Cuando la ironía se mezcla con el absurdo, de ahí surge la broma. Desafortunadamente, la historia no cuenta con una dirección eficiente que ayude a establecer una comunión entre estos elementos, los cuales son clave del humor negro, y en donde esta historia podría tener cabida. Lo que es peor, los personajes son imbéciles. El manejo de ritmo es más lento de lo que debería, y para secuencias como la boda, en donde debería haber frenesí y un conflicto entre el arrepentimiento de Martín, quien se ha dado cuenta que tal vez Juan no es tan malo como cuando lo buleba, y debería de impedir que su plan en donde mostraría un video en donde aparece follándose a la madre del que ahora sería su padrastro, en medio de la fiesta, se realizara. Pero a pesar de ser la mente maestra de un plan tan macuarro que solo puede venir de un preadolescente en el cuerpo de un cuasitreintañero, es incapaz de hacer algo tan básico como desconectar el proyector, ya que este es el momento en donde deberíamos tener el clímax. Ni el protagonista ni sus secuaces son capaces de hacer algo inteligente ni en defensa propia.

Mientras que la cinta tiene de pronto algunos momentos o detalles que pueden conectar bien con un público fuera de ese nicho que es más fan o de alguno de los protagonistas o del director, estos se pierden dentro de la cacofonía final, en donde el cierre con todo y tema musical se ve que estuvo mejor planeado, pero que tristemente se devalúa cuando la cinta parece más un pretexto alargado (así como les gusta a los fans) para que el remate funcione mejor que el chiste que pretende contar.

El hacer una comparación entre Max y Curry Baker es absurdo (incluso con sus respectivas diferencias, como dice quien hizo esa aseveración en pro de los clicks), ya que su caso más cercano es un joven Kevin Smith. Alguien que aparece como una posible joven promesa, pero en donde lo que muchos encontraron como propositivo fue más casualidad que intencional, y que con el paso del tiempo se convirtió en alguien que solo puede hacer películas para sí mismo y su club de fans. Solo basta ver los comentarios que dejan dichos fans en videos o posts de quienes se atreven a criticar a su autor favorito, justificando las deficiencias con "es solo una película" o "se supone que solo debe ser divertida", sin cuestionar si en realidad lo es. En ese sentido, y con sus "respectivas diferencias", Carlos Santos logra permear de mejor manera, mostrando un crecimiento con sus cintas, en donde incluso puede apoyarse de influencers o comediantes, y tener mejores resultados, porque tiene clara la historia que quiere contar, y no busca solo "ser irreverente por el placer de serlo" y no te atrevas a cuestionar o criticar.

Ojalá Max continue su carrera y a diferencia de los personajes de sus cintas, tenga un arco de maduración, y no se pase los cuestionamientos o críticas por otro tipo de arco.

Jíkuri: Viaje al país de los tarahumaras

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Thu, 24 Sep 2026 10:11:05 -0600

Versión ficcionada y dramatizada de los viajes (físicos y con peyote) de Antonin Artaud en la sierra Tarahumara, combinada con sus visitas al manicomio.

O eso hubiera sido un mejor enfoque, y más directo y acorde a la historia que estaba detrás de esta cinta, en donde hay buenas ideas, imágenes y secuencias poderosas, pero un desorden narrativo desde el guión, que no se si con otra edición se hubiera resuelto, pero si con un re-enfoque.

La historia trata de ubicarnos desde la perspectiva de Rayenari (José Cruz Apachoachi), y como este hombre maduro de una comunidad Raramuri vive su vida, en donde lo más emocionante es que está haciendo una apuesta de carreras contra otro compañero y que se viene otro hijo en camino. Ah, y tiene visiones en donde un hombre blanco se aparece... corte a...

Hombre blanco se aparece, ha sido rechazado por varias comunidades, e incluso en la que vive el Ray no lo quieren, pero él aboga por este debido a que lo vio en sueños. Como en toda sociedad civilizada, le dicen que ese "es su pedo" (traducción literal del rarámuri), así que él tiene que hacerse cargo, porque siempre que hay extranjeros metidos, nos va mal a los nativos.

Uno de los mayores problema de la cinta es el manejo del lenguaje como instrumento de comunicación. El espectador es un observador omnisciente que gracias a los subtítulos puede entender lo que dicen personajes que no tienen ese puente del idioma en común. Aunque hay cosas que es posible comunicarse sin necesidad de un idioma en común, y casi para el final hay un enlace muy bien planteado de que en terrenos oníricos todos compartimos el lenguaje, es una traba inicial como para que el franchute en realidad sea partícipe y entienda esas tradiciones que busca, especialmente si pretende acercarse a una entidad innombrable.

En México, el tratar historias con temática relacionada a comunidades indígenas o pueblos originarios puede traer problemas. Si no eres parte de la comunidad, puedes ser viso como un remedo de "salvador blanco", aunque en el caso de Federico Cecchetti no debería ser así, ya que previamente, con El Sueño de Mara'Akame tuvo acercamiento en una historia interesante a comunidades huicholas. Desafortunadamente su segunda película, "Nuestro viaje a la India", sí lo pone en esa delgada línea en que se podría ver más como arribista o turista que como alguien adecuado para narrar estas historias.

Otro problema es que, a nivel narrativo, los diálogos y pensamientos de protagonistas indígenas siempre parecen simplistas, casi monosílabos. Sus problemas son cotidianos y carentes de trascendencia. Sus diálogos, aunque pueden contener humor, carecen de sutilezas, siendo casi infantiles. El querer darle protagonismo al supuesto otro lado de la historia es una gran falla y se nota ese desbalance en una historia que no debería tenerlo. Tampoco es como querer poner al "indio mágico que resuelve todo con misticismo" (que curiosamente termina pasando), pero los personajes carecen de objetivos o retos fuera de los problemas ocasionados por el extranjero. Además de que se toma un tropo cansado de que "si el extranjero quiere nuestros secretos, le va a ir mal porque no es digno ni capaz de entenderlos.

Al final el enfoque en la historia es el equivocado, y lo más interesante estaba en otro lado. Tratar de meter como secundario a alguien que puede ser considerado como uno de los padres del teatro moderno puede funcionar cuando tienes una historia o enfoque más propósitivo del otro lado, cosa que no ocurre, ya que el conflicto principal sigue estando del lado de Antonin.

Es una lástima que la cinta quede a medio camino, ya que tiene secuencias poderosas, pero al parecer, con todo y buenas intenciones, nuestros protagonistas no pueden trascender de un papel de "buen salvaje".

¿Quién mató a la animación mexicana? - Ep 28

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Tue, 22 Sep 2026 20:00:00 -0600

Ante un 2026 que estrena siete largometrajes animados nacionales, que incluyen Mi Amigo el Sol, Gungo y los Juegos Cavernícolas, Bem: Un Lémur en Fuga, La Familia del Barrio: La Maldición del Quinto Partido, La Venganza del Charro Negro, Un reino para todos nosotros y La gran historia de la filosofía occidental, podríamos asumir que la industria de la animación mexicana se encuentra en su mejor momento. Entonces, ¿por qué seguimos pensando que la calidad es muy pobre y que a nadie le interesa verlas en cines?

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Notas del episodio:

El inicio de la animación mexicana.

La evolución de la animación en México.

Proyecto de restauración fílmica.

Los Tres Reyes Magos, el primer largo animado mexicano.

Requisitos para competir por apoyos de proyectos en México. Checa las páginas 15 y 16.

Charla con Carlos Carrera sobre su apellido.

Anima Estudios y Las Leyendas.

Revisión del caso de Ánima Estudios por Metraje Gráfico.

Algunos estudios mexicanos como Moviendo Monos, Anemona, Cine Fantasma y el Taller del Chucho.

Nada es lo que parece - Net Flicks and Chill 114

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Wed, 16 Sep 2026 20:01:41 -0600

¿No sabes qué ver en streaming este mes de septiembre? Para eso tenemos esta entrega del mejor programa de recomendaciones: Net Flicks and Chill, y en este episodios repasamos películas o series en donde nada es lo que parece.

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The Housemaid - La Empleada (Disponible en Prime Video)

Celeste Soledad (Disponible en YouTube en el Cinépolis Channel) Puedes ver mis comentarios sobre la cinta en la cobertura del FICG 37 aquí. Dos hermanas tendrán que confrontar sus nuevas realidades tras una tragedia... o tal vez tratar de escapar de estal

Kim-bu-jang - Agente Kim reactivado (Disponible en Netflix)

Un hijo propio (Disponible en Netflix) Documental en donde vemos lo que una mujer es capaz de hacer con tal de que, a pesar de haber tenido varios embarazos infructuosos, tenga un hijo propio.

Home: casas innovadoras (Disponnible en Apple TV+)

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Forgotten Island - La Isla Olvidada

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Fri, 11 Sep 2026 15:58:45 -0600

Lo que mentes simplistas podrían catalogar como un híbrido entre the Hangover y K-Pop Demon Hunters, aderezada con moda noventera, que muchos confunden con ochentera, gracias a ChatGPT, es en realidad una de las sorpresas animadas de este año, con La Isla Olvidada.

Hace varias lunas, por ahí de abril, mientras tuve la oportunidad de estar en la CinemaCon (creo que no lo he mencionado, pero igual chequen la mejor cobertura de dicho evento hecha por un medio independiente en español), pude asistir a una proyección especial de la cinta, escrita y dirigida por Joel Crawford y Januel P.Mercado, quienes estuvieron detrás de la última entrega del Gato con botas. La película no estaba terminada, con varias secuencias muy "crudas", en donde solo había modelado pero nada de textura, a veces faltaban movimientos en los personajes, y casi casi en algunos segundos uno podría ver algo sacado de Velocipastor como la escena de "inserte VFX aquí", con un letrero para actualizar después, y a pesar de ser un producto incompleto, la cinta fue una muy agradable sorpresa.

¿De qué trata? Tenemos dos amigas, Jo (H.E.R) y Raissa (Liza Soberano) las cuales se conocieron en la escuela y con el paso del tiempo juntaron muchas experiencias y recuerdos que ayudaron a forjar su personalidad en el pueblo, en donde hay leyendas sobre creaturas ancestrales que permearon en la imaginación de Jo. Al finalizar la prepa, las inseparables amigas deberán confrontar la decisión de buscar algo mejor, lo cual para una es ir a una universidad prestigiosa gracias a que es brillante mientras la otra decide que el futuro es... quedarse a vender pollo frito. Como una última experiencia deciden pasar una noche de fiesta y desenfreno antes de que se separen, pero el festejo fue tan espectacular que despiertan sin saber qué pasó anoche, mientras tratan de reconstruir los hechos y son acosadas por seres de otro mundo y un personaje muy perrón.

El tiempo que se tarda una producción en salir es considerable, especialmente en el terreno animado, y esta cinta tiene a dos protagonistas divertidas con un montón de guiños para quienes crecimos y pasamos la prepa durante los 90's. El manejo del humor no es arcaico ni se burla del pasado sino que nos ayuda a mostrarnos una historia que pudo ocurrir y que vive en la nostalgia, en donde se entremezcla la ficción y la fantasía. Los recuerdos y las experiencias en conjunto son lo que ayuda a forjar la personalidad y las relaciones, y este es medible por los brazaletes que tienen estas grandes amigas, y ni la distancia podrá arrebatarles eso, pero es cuando entran los seres sobre naturales.

Con las condiciones adecuadas, dentro de los mitos filipinos, alguien puede acceder a través de un portal a la isla mágica de Nakali. Ahí habitan desde personajes insignificantes como Raww, un hombre perro interpretado por Dave Franco, así como la Temida Amananggal de Lea Salonga, la creatura más temida de la isla, pasando por demonios como Bungi (Manny Jacinto), espíritus invade sueños como Batiba (Jenny Slate), o Mermah (un sireno interpretado por Kevin McCann).

La historia hace una exploración sobre la amistad y lo que esta significa, mientras estamos en una aventura descabellada con seres fascinantes que se pueden volver entrañables, como lo son los verdaderos amigos. El paso del tiempo tiene peso y el pasado no es solo un recurso barato con una estética que ahora podría parecer anacrónica, sino que es un contenedor de memoria que se forjan para perdurar.

Esto se logra en buena parte gracias a las actuaciones de nuestro duo de protagonistas, con las apariciones del colado de Raww, ya que son nuestro ancla con algo más tangible que el mundo real, mientras se exploran los recuerdos, las pérdidas y la fantasía.

La cinta se estrena en días patrios y seguramente se volverá en una de las cintas originales animadas más memorables del año, junto a Wildwood de Laika y hasta la película del buey chino, mientras que lo más relevante que sacó Disney son remakes "en acción real" y otra secuela que recuerda tiempos mejores.

Una derrota que sabe a victoria: Coyote vs Warner - The Dailies 136

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Mon, 7 Sep 2026 20:45:58 -0600

¡Lo logramos! El Coyote fue rescatado de las garras del imperio mediático comandado por el maléfico Doctor Zazlav. La cinta llegó a las salas y ha sido un éxito comercial tan brutal, que esos cuentachiles de dos pesos deberán pensar antes de enlatar otra película.

O eso es lo que muchos quieren creer, pero como el mismo Wile E. Coyote, deberían saber que no deben asumir la victoria antes de tiempo. Sobre si su lanzamiento es un éxito o un fracaso disfrazado vamos a hablar en esta entrega de The Dailies.

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¡Lo logramos! El Coyote fue rescatado de las garras del imperio mediático comandado por el maléfico Doctor Zazlav. La cinta llegó a las salas y ha sido un éxito comercial tan brutal, que esos cuentachiles de dos pesos deberán pensar antes de enlatar otra película.

O eso es lo que muchos quieren creer, pero como el mismo Wile E. Coyote, deberían saber que no deben asumir la victoria antes de tiempo. Sobre si su lanzamiento es un éxito o un fracaso disfrazado vamos a hablar en esta entrega de The Dailies.

¡Bienvenido a The Dailies! El mejor programa de análisis en donde antes de decir sandeces, nos ponemos a revisar información para que al menos tengamos respaldo en nuestros comentarios, y en esta ocasión tenemos el caso de Coyote vs Acme.

Seguramente has visto notas o videos en donde abundan opinólogos y entusiastas en donde hablan maravillas sobre el rescate del Coyote, y como demuestra que los ejecutivos no saben nada de las empresas de cine que dirigen, y al menos en este caso, deberían liberar todas las películas para que el público las pueda ver. Muy bonito y optimista mensaje, pero te garantizo que cinco cuartas partes de quienes dicen eso no revisaron las notas que dicen que leyeron, y sus comentarios se basan más en chisme de lavadero que en un entendimiento de cómo se maneja la industria.

Vamos a dar una revisión un poco más a fondo, pero si eres de los desesperados, de botepronto te puedo decir que el haberle comprado otra vez una cinta a Warner fue una apuesta arriesgada, la cual se debe considerar como pérdida económica con todo y sus 40 millones de dólares recaudados en taquilla… por ahora.

¿Quién es Ketchup Entertainment y con qué se come? Es una distribuidora pequeña e independiente cuyos mayores logros son el haber comprado los derechos para distribuir cintas como The Starving Games, un mockbuster que recaudó casi los 3.9 MDD a nivel mundial cuando la cinta tuvo un presupuesto de 4.5 millones, Ferrari, con un presupuesto de hasta 110 millones de dólares y taquilla de 45 millones de dólares a nivel mundial, así como el Hellboy que nadie quiere aceptar que existe, o El Día que la Tierra Explotó, cinta con los Looney Tunes y antecedente directo de su última jugada maestra en donde no importa tirar dinero como si no habláramos de negocios.

Historia breve solo para contextualizarte, porque este tema se ha repetido incluso con gente que no sabe del negocio del cine, pero le gusta dar opiniones olvidando temporalidad. Cada generación debe de pasar por lo menos por una o dos ventas de Warner Brothers, y cuando AT&T le pasó el paquete a Discovery, el mago de los negocios, David Zazlav, tenía la presión de enfocarse en reflejar números saludables para que la compra por 85 millones de dólares tuviera sentido. Bueno, la compra en realidad se hizo por menos dinero, gracias a la combinación de deuda, acciones, efectivo, y la promesa de matar murciélagos, coyotes y grandes daneses. Se podrá criticar a Zazlav por sus manejos en el estudio, pero a nivel financiero fue tremendamente eficiento, logrando reducir la deuda de adquisición del estudio de 58 mil MDD a 37 durante su mandato. Hubo decisiones cuestionables, algunas que hicieron que Nolan se fuera de Warner (aunque esto es más consecuencia del mandato de Killar), y entre esas estuvo el enlatado de proyectos de dudosa calidad… y el Coyote.

Antes de continuar, vale la pena recordar una cosa. La misión que tiene el presidente de una empresa es el lograr el mayor beneficio para sus accionistas. Si es el CEO de un estudio de cine, no importa si este saca buenas o malas películas, siempre y cuando sean exitosas y generen dinero que se vaya a los bolsillos de los que han puesto el dinero. Warner tuvo en 2025 el mejor año en mucho tiempo, ya que en parte era su imagen para la venta, inicialmente direccionada a Netflix y que ahora está con rumbo a Paramount. Puedes tener películas exitosas y con premios como One Battle After Another, y apuestas arriesgadas como Sinners, siempre y cuando se puedan sostener gracias a los ingresos generados por cosas como Minecraft. El eliminar películas como Batgirl o Coyote vs Acme pueden ser interpretados como errores de redondeo en las cifras globales, pero la misión es mandar un mensaje, y ese mensaje no va para la audiencia, sino para los accionistas.

Yo he expresado un escepticismo precavido ante el optimismo de los primeros números de taquilla del Coyote, debido a que, aunque por más que haya disfrutado la cinta y quiero que le vaya bien, hasta el momento no hay números que contradigan la decisión de que Zazlav y compañía decidieran enlatar la película para deducir impuestos. La película tiene un costo reportado de 70 millones de dólares (los cuales no se notan en pantalla, si me lo preguntan). En 2023 se anunció que se enlataría para recuperar parte de la inversión con un máximo de 35-40 millones de dólares, y después se ofrecería, por demanda popular, para que alguien más adquiriera los derechos, pero nadie llegaba al precio inicial de Warner de entere 75 y 80 MDD. Ni Netflix, ni Amazon ni Paramount, quienes vieron la cinta, ofrecieron suficiente al estudio, por lo que el Coyote siguió en el limbo, hasta que se aceptó la oferta de Ketchup por los derechos de distribución por un total de 50 MDD.

¿De dónde sacó ese dinero una distribuidora caracterizada por lanzar churros o cintas que pierden dinero? En ese sentido Ketchup aplicó un Warner y vendió los derechos de distribución internacionales por 20 millones, por lo que, en México, los ingresos en taquilla van primero para Zima Entertainment, y lo recaudado internacionalmente no llegará a Ketchup. De la misma manera, los gastos en marketing pagados por la salsa roja ascienden a 10 millones, pero no gastaría en promover en otros mercados. Una concesión para aligerar la deuda asegurando ingresos, lo cual es una práctica común si está familiarizado con los films markets, como Cannes o incluso Guadalajara, en donde una película mexicana puede volverse viable, aunque no genere taquilla en México, si se venden los derechos internacionales a buen precio.

Y es aquí en donde entran las matemáticas mochas de muchos. Los 40 millones de dólares en taquilla mundial parecerían ser un buen número si consideramos que Ketchup pagó 50 por los derechos de distribución, ¿verdad? Y mejor aún si consideramos que recibieron dinero con eso de los derechos internacionales. Pues no, amiguitos que leyeron unos tuits y formaron una opinión basada más en juicios y prejuicios, pero simplifiquemos los números para que no les duela la cabeza.

De la taquilla recaudada en Estados Unidos, aproximadamente la mitad es lo que se va al estudio o el distribuidor. Eso significa que, de los 34 millones recaudados en Estados Unidos, aproximadamente 17 irían para Kechup, hasta el momento. Los gloriosos 163 millones de pesos recaudados en México no van para la salsa del cine, siendo México el mercado que más le ha aportado al Coyote, con casi 10 millones de dólares ya convertidos. Como dato complementario, de la taquilla internacional, es aproximadamente un 40% el que se iría al distribuidor, aunque hay mercados como China en donde esto desciende al 25% y usualmente llega años después del estreno, por lo que para estudios y distribuidoras estadounidenses, aunque no son despreciables, estos ingresos son secundarios.

Por un lado, tenemos a algunos aventurados que dicen que Coyote podría superar los 100 MDD a nivel mundial. Una cifra muy optimista que, para ser realidad, necesitaría que el Coyote tuviera la persistencia del personaje y unas piernas más largas que las de Ekaterina Lisina, y eso sin considerar que se vienen estrenos como La Isla Olvidada, Hechizo de Amor, Resident Evil, o la inevitable llegada de Marvel o Dune a la gran pantalla. Cada semana las salas e ingresos se reducen, y aunque en ese terreno le ha ido bien, con caídas del 29% en su país de origen, esto es acumulativo, y el regreso a clases hace que se pierdan espectadores potenciales, aunque su mercado está más cerca del asilo.

En su estreno la cinta recaudó aproximadamente 15 MDD, lo cual es el lanzamiento más exitoso de una pequeña distribuidora, con el detalle que para pagar los 40 MDD invertidos necesitaría mantener ese nivel de ingresos por casi dos meses, pero ojo porque la manera en que se distribuyen los ingresos no es igual en todas las semanas, ya que mientras más tiempo esté en cartelera la película, más porcentaje le toca al exhibidor, osea a Cinépolis o Cinemex, y menos a la distribuidora. Estoy seguro que eso no lo viste en un TikTok de fanáticos emocionados y conocedores de la taquilla, ¿o sí?

Para su segundo fin de semana en Estados Unidos la cinta recaudó 11.3 MDD, y mientras que algunos decían que el pequeño David del cine lograba derrotar incluso a La Odisea, y hacía más dinero que el último estreno de Riddley Scott, sin considerar que La Odisea para esta semana vuelve al primer lugar, desbancando a Spider-Man, y que la cinta de The Dog Stars es una en la que ni su estudio creía (al estilo de Warner con Coyote), por otro lado teníamos a expertos como Scott Mendelson, que conocen mejor el manejo de la taquilla, pero a los cuales su inicial pesimismo fue confrontado incluso por uno de los Pizza Bros, y ahora tienen un enfoque más favorable a la historia del personaje animado.

Para finalizar, hay quienes al parecer saben predecir el futuro y asumen que tras su salida de las salas de cine, aunque no recupere el mínimo de 80 a 90 MDD para cubrir la inversión, seguro lo logrará en streaming y ventas en video digital, basándose en las mismas matemáticas misteriosas que dicen que Masters of The Universe es un hit gracias a que pegó duro en streaming, aunque en taquilla le fue mal. Claro, seguramente los minutos de visualización en un servicio que ya pagas equivalen a unos centavos, pero estos ya no son los tiempos en que la venta en DVDs podían hacer que un fracaso se volviera exitoso, al estilo de Austin Powers. Además de que, para la distribución en video digital, Ketchup no entra solo, ya que tiene un acuerdo con V10 Entertainment, quienes son sus socios estratégicos para la distribución en esos medios, aunque te puedo garantizar que la mayoría se esperará a ver la cinta cuando llegue a HBO Max, en donde la mayor parte de los ingresos caerán a Warner.

Coyote vs Acme es una excepción en un mercado en donde una distribuidora pequeña puede alardear de unos números que, si fueran anunciados por el estudio, serían considerado un fracaso, reforzando la idea de que la franquicia de los Looney Tunes vivió tiempos mejores, con cada vez menos dividendos. Dejemos de lado la doble moral y siempre cuestionemos los números, por más optimistas que queramos ser. Si lo vemos desde el lado de Warner, un estudio que para estas fechas ya debería ser propiedad de alguien más, hay un resultado positivo ya que alguien más está haciendo el trabajo pesado de la promoción de una propiedad intelectual de Warner, y toda la mercancía que se venda generará ingresos al estudio, a menos que específicamente sea relacionada con la película. Esto es similar a cuando Warner licenció el uso de Batman para una serie animada distribuida en Prime Video, no en HBO. Mientras te enfocas en otra parte del negocio, alguien más puede hacer el trabajo pesado, y al final tú reduces pérdidas o incluso generas ganancias. Y claro, Warner es de los pocos estudios que son capaces de catalogar cintas exitosas como las de Harry Potter como fracasos financieros, sabiendo aplicar habilidades de contabilidad.

Y sí, Coyote vs Acme todavía tiene camino por recorrer. Tal vez, solo tal vez, al final de su corrida comercial, con todo y streaming Ketchup recupere dinero y quede sin pérdidas, pero en este caso fue una inversión, en donde un estudio pequeño logra un gran movimiento de relaciones públicas. Solo esperemos que tengan mejor gusto para sus siguientes adquisiciones, porque su catálogo anterior deja mucho que desear.

Y con esto terminamos esta entrega de The Dailies. Recuerda que si encontraste información que ayude a corregir inexactitudes, es más que bienvenida siempre y cuando sea pertinente. No vaya a ser que quieras llegar 10 años después a decirme que esto es historia antigua. Además, te recomiendo que revises las notas del episodio, ya que cada dato expuesto aquí fue revisado y cotejado, no son solo opiniones de personalidad desconocida de internet. Finalmente, si encontraste algo de valor en esta entrega, puedes ayudarme entrándole a la cooperacha en Patreon.com/churrosypalomitas o adquiriendo una membresía en Youtube.

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Productora Ejecutiva: Blanca López

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Loco México Mágico

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Sun, 16 Aug 2026 18:59:22 -0600

En tiempos en donde las súper producciones hollywoodenses están arrasando la taquilla (y con justa razón), gracias a sus arañas y odiseas, ¿Qué esperanza tiene para competir el cine mexicano en donde sus producciones más caras, como Venganza, son decepcionantes, y la mejor manera para ganar audiencia es recurrir a nombres reconocidos con historias de fórmulas tradicionales?

Afortunadamente Carlos Santos entra al rescate, con una cinta con más ingenio que presupuesto, en donde busca realzar el ingenio nacional y mostrarnos en la gran pantalla este Loco México Mágico.

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Carlos Santos ya debe ser un nombre conocido para el espectador recurrente, ese que siempre se queja del cine mexicano sin darse la oportunidad de buscarlo y verlo (como repasamos en este video), debido a que estrena su cuarta película. Por cierto, puedes encontrar tanto Chilangolandia (comentada brevemente en mi Letterboxd) como Señora Influencer (comentada aquí) en YouTube, en el canal de Cinépolis, y verlas completamente gratis. ¡Ah! Y Qué huevos Sofía es su cinta anterior (comentada por acá)

Para su cinta más reciente, Benito (Silverio Palacios) es el alcalde de Alvarado, un pequeño municipio en Veracruz, que quiere continuar su carrera política y ser gobernador. Para que el municipio alcance notoriedad, decide que la mejor idea (la cual le llegó en momento de inspiración en la bañera, mientras veía la tele) es hacer una película. ¿Importa que sepa lo que eso implica? Como saben la mayoría de los productores de cine en México, pues no es así, así que recluta a Juan (Daniel Sosa, demostrando que no solo hace stand up sino puede actuar), quien le hace sus videos de informes, y además consigue convencer a la estrella del momento, Belinda, digo, Melinda (Sofía Carrera), o mejor dicho, a quien le mueve los hilos, y que con la mejor improvisación del mundo, puedan hacer un churraso que ponga a Alvarado en el mapa... aunque no por las razones que él esperaba.

La cinta busca competir apelando a lo que nos gusta los mexicanos. ¿El buen cine? No necesariamente, pero ha contado con posters horribles, los cuales son ad hoc con la cinta y consistentes con la visión del director, pero que siguen las reglas del marketing efectivo mexicano, vale más una cartulina fosforescente, que un poster "diseñado" con Canva y herramientas basadas en Inteligencia Artificial. Por si fuera poco, la película se estrenó ofreciendo tacos (tacos, tacos de canasta) y playeras en algunos puntos, porque gratis, hasta los madrazos, que eso nos gusta a los mexicanos.

Carlos ya logrado algo excepcional en el cine nacional: hacer cine sin mendigar (o quejarse de la falta de) recursos, contar historias que se sienten auténticas y que reflejan a un México cercano de nosotros y lejano de las películas que buscan imponer una realidad tan cerrada que nos es ajena, y entretener de manera efectiva en cuatro ocasiones seguidas, en un país en donde si un director con apoyos hace dos películas, es un logro, pero que alguien lo haya hecho a un ritmo de una cinta cada dos años, o a veces menos, es una rareza.

Entre los muchos aciertos de la historia es el reflejar nuestra idiosincrasia, reconociendo nuestras fallas, abrazarlas, y jugar con estas. Otros directores como Emilio Portes lo han logrado en obras como Belzebuth, en donde podremos tener una cinta con un policía que debe resolver un crimen, pero no podemos trasladar directamente los tropos hollywodenses porque nuestro entorno es distinto, así que nadie te compra la idea de un "policía justo y correcto", pero eso no impide que pueda ser un gran protagonista. En este caso Juan es alguien que ha deseado salir de la rutina y hacer algo más allá que ser un bodeasta en el pueblo, y tiene miedos cuando se aparece una oportunidad, porque es consciente de los retos que esto implica. En este sentido es muy superior a intentos más modestos como La Película, de Max del Río, en donde incluso consciente o inconscientemente se hace referencia a ese realizador, al tener a un personaje que "como vio hartos videos de yutub, ya hasta sabe hacer un guion". El entusiasmo puede impulsar pero no es lo único necesario para hacer una cinta, especialmente cuando se tienen otro tipo de aspiraciones y ambiciones.

Los personajes que tenemos no son unidimensionales. Puede que sus motivaciones sean simples, pero tiene un entorno que los puede volver entrañables. Silverio Palacios es la carta fuerte, gracias a que es un gran actor con trayectoria y humildad, que ayuda a que la historia y sus compañeros brillen, incluso cuando él roba cámara al aparecer, y cuando reconozca que su relación con su hijo Fabio (Alberto Gorgonio) no es la mejor, razón por la cual este busca irse del pueblo, y lo retiene el padre con la promesa de que participe en la película a pesar de su falta de talento. Por otro lado tenemos a la abuela Pacha Norma Reyna, quien sirve como guía para encaminar y dar luz cuando todo pueda parecer perdido, siendo el corazón de los momentos más emotivos de la cinta. Mención especial porque, aunque muchos llegan a menospreciar a talentos actorales de otras fuentes, Carlos ha logrado mostrar que con la dirección adecuada, influencers (como en Qué huevos, Sofía), comediantes (Liliana Arriaga, "La Chupitos, en Chilangolandia o Daniel Sosa en esta cinta), puedan mostrar versatilidad fuera de sus zonas de confort.

Para esta cinta, uno ya debe de aceptar que cosas que uno podría considerar errores, ya son manejos conscientes por parte del director. El cambio de tono ha sido una constante en todas sus cintas, siendo la más exitosa Señora Influencer, y en este caso tenemos momentos de drama, de acción, o hasta de video institucional, en donde también vemos que Santos tiene un gran manejo y conocimiento de formatos más humildes como el televisivo o hasta los promocionales de Visita México (¿todavía existe ese programa de difusión?). Por separado, las secuencias funcionan muy bien, teniendo momentos paródicos que no lo piden nada a las producciones estadounidenses, o a aquellas en donde se ha traído apoyo extranjero para mejorar nuestra calidad de producción. La acción es brillante y muestra que hasta en una ciudad apartada en el país (porque no solo el Defectuoso es México, gracias), se pueden tener persecuciones y momentos de emoción, acción y suspenso. El paso entre estas secuencias a otras puede sentirse un poco de golpe, pero no forzado dentro de la secuencia de la historia que el director busca contar. No fue necesario gastar los millones al traer a "el jalacables 38 de John Wick para que nos ayude en nuestras secuencias" cuando tienes coheteros de Tultepec.

En el desarrollo de la historia, tengo conflicto con la resolución del conflicto. En la película dentro de la película, en donde nuestra Lara Croft de Petatiux rescata una piedra mágica que es una de las 5 rocas del infinito que hacen que los mexicanos seamos felices a pesar de nuestra desgracia, tenemos el desarrollo de secuencias de acción y hay un posible acto de redención. Este pudo ser el momento cumbre de la obra, en donde mostramos que un mejor guion es capaz de mostrar que no todos los problemas se deben arreglar a golpes, sino que parte de la magia de México radica en la empatía, la solidaridad, y el querer ayudar incluso a quienes solo quieren (ab)usarnos. Esto lo logramos ver en pantalla, pero tristemente es interrumpido para meter una secuencia de acción, porque es lo que quiere ver el espectador promedio. Es nuestra película y debemos de ganar hasta en los chingadazos. Esto es similar a una de mis grandes decepciones con la primera cinta de Guardianes de la Galaxia, en donde la historia llega a un punto en donde el conflicto se puede arreglar de manera civilizada, pero al final hay que meter explosiones y trampas, ya que nuestros personajes deben de ser embusteros. Esto en la cinta mexicana se podría mejorar al cambiar la edición, ya que el resultado final, con o sin madrazos, es exactamente el mismo (llámame para la otra, Santos, jo, jo, jo), pero al parecer, con eso de los golpes, las expectativas del público (incluso el meta público de la cinta), y en nuestra realidad, esto es México.

Otro pequeño detalle es que hay un par de secuencias al principio de la cinta en donde la mezcla de audio no está bien, con las voces estando muy por debajo del volumen de la música o incidentales. Al principio pensé que era problema de la sala, pero el resto de la cinta, especialmente con las secuencias de acción, todo estaba perfecto, así que todo parece ser falla de origen.

Con esta cinta, Santos continua creciendo como realizador (director, guionista, editor, promotor, y seguro canta y baila) y va consolidando su voz y estilo, siendo una bocanada de aire fresco en la cartelera, y ofreciendo algo atractivo a las audiencias que tanto añora el cine nacional. Logra incorporar varios estilos creando secuencias memorables como en donde empieza el pitch de la historia, y de la mesa de guionistas (bueno, guionista y sus cuates con dinero) pasamos a la acción real en donde interactuamos con lo que se filmará en el futuro, así como las interacciones en donde vemos un acercamiento a los sacrificios que implica el hacer cine, sin caer en un derrotismo que no sabe cerrar la historia como pasó con La Película, sino incluso con un tono esperanzador, tal vez un poco cursi, que solo a un loco de plaza se le podría ocurrir, pero ese loco podemos ser todos nosotros.

Al final, la cinta ya no es una grata sorpresa, porque el trabajo del equipo armado por Carlos Santo ha sido consistente con sus propuestas y la calidad de trabajo que hacen, y es una muy grata consolidación en lo que esperamos sea una carrera que, con todo y altibajos, siga ofreciendo propuestas interesantes que inviten, no alejen, a los espectadores a las salas de cine, ya que son propuestas a las que no se les debe dar la espalda.

Texto agregado solo para que el Trumpetas no quede hasta abajo, ya que es su mejor actuación desde Mi Pobre Angelito 2: Aguas con el Muro.

Quién mató la presencia de documentales en el cine - Ep 27

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Wed, 12 Aug 2026 13:44:45 -0600

El cine documental es cine, pero no tiene tanta presencia en cartelera regular. ¿A qué se debe eso? Aunque parece que la respuesta es obvia, son más las causas que las que aparentan, así que en este episodio, lamentamos decirte que el asesino no es el mayordomo. Eso y más en esta entrega del mejor whodunit de cine: quién mató.

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Lecturas de Interés

DiCaprio se queja de los cambios de la industria y la audiencia huevona que mejor se espera al streaming.
“It’s changing at a lightning speed,” DiCaprio said of the industry. “We’re looking at a huge transition. First, documentaries disappeared from cinemas. Now, dramas only get finite time and people wait to see it on streamers. I don’t know.”

La recuperación apenas llega y las exhibidoras no se arriesgan, cediendo espacios antes reservados a documentales a cintas más redituables.
“Even the big names in the documentary industry are now more focused on being shown on premium VOD,” Clanet said of the shift away from a theatrically-driven model. “It’s the same everywhere. Distributors don’t have the cashflow any more to release documentaries.”

Falta de diversidad en cartelera.
Mr Clifford, who has also worked for Cineworld and Vue, adds that audiences "haven't seen the wider range of films" with fewer documentaries, British films and foreign films released.

El tamaño de las audiencias es pequeño.

Los documentales “no son películas”.
Viewers and critics tend to judge the subject matter of a doc rather than the movie itself, and criticism can feel mean-spirited because documentaries are usually viewed NOT as movies, but as important social goods made by well-intentioned people doing difficult work for very little money.

Los documentales más taquilleros.

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La continuidad selectiva - The Dailies 135

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Sun, 9 Aug 2026 16:48:29 -0600

¿Qué características son las que definen a un personaje o a una historia?

Con los estrenos tanto de La Odisea como de Spider-Man y su nuevo día, desde fans hasta académicos discuten si las versiones en cine son apegadas o no a lo que ha definido a estos ejemplos importantes de la narrativa occidental, pero ¿Qué es lo que los define? De eso y más hablaremos en esta entrega de The Dailies

Referencias del episodio:

Portadas de Amazing Spider-Man 1000.

Action Comics 1100.

Peter Parker no solo ha sido fotógrafo freelance.

La continuidad no importa.

Nuestra fabulosa revisión de La Odisea.

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Amistades Peligrosas - Net Flicks and Chill 113

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Wed, 5 Aug 2026 20:09:40 -0600

Estamos en agosto y ahora nos ponemos a revisar lo que pasa con las bonitas amistades... las cuales pueden volverse un tanto peligrosas.

Lista de recomendaciones:

No tengo miedo (disponible en Netflix)

Lanterns - Linternas (disponible en HBO Max a partir del 16 de agosto). Basada en los personajes de DC Comics, en donde tenemos un crimen por resolver, que solo los policías espaciales con sortija podrán atender, aunque no necesariamente se cuiden las espaldas

Deep Cover - Acto encubierto (Disponible en Prime Video)

Maquinaria Panamericana (Disponible en Nuestro Cine) Todo iba bien en la empresa, es quincena, es viernes y nos podemos olvidar de la chamba excepto que... el patrón acaba de morir... y los trabajadores se dan cuenta que la empresa había quebrado hace meses y en realidad les pagaba porque era buena onda. ¿Qué pasará ahora? Caos y degenere. Tenemos una charla con el director y una de sus protagonistas por acá.

Run or Die - Juntas o muertas (Disponible en Prime Video)

La Banda (Disponible en ViX) Divertida comedia de enredos y crimen en donde el patrón de una empresa de medio pelo decide heredarle la empresa a sus trabajadores, reconociéndoles el trabajo y vida dedicada al changarro. Antes de hacer el anuncio pues... se infarta, y como no había testamento ni contrato en papel, el Junior viene a tomar lo que le toca, mientras que los trabajadores buscan que las promesas se cumplan.

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Leyendo las noticias - The Dailies 134

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Mon, 27 Jul 2026 19:02:06 -0600

En esta ocasión, en lugar de hacer los gustados análisis de fondo, damos una revisión sobre algunas de las noticias más recientes, les comparto algunas de mis fuentes y referencias para los programas que hacemos. De eso y más hablamos en esta entrega de The Dailies.

-Data-Driven Hollywood: The New Data Professionals in the Age of Streamin por Violaine Roussel.

-The Suprising Winners of the AI-Enabled Entertainment por Matt Belloni para The Town.

TV in 3: Hard numbers on Netflix's Sophomore Slump Tell a Tough Story por Lesley Goldberg para The Ankler.

-Comunicado en donde Netflix juraba que se compró un Warner.

-"Odyssey" Blowing Away "Openheimer" With Huge 2nd Weekend por Sean McNulty para The Wakeup

-Paramount Under Siege: States Go for the Kill & the California "Bluff"por Elaine Low para Series Business.

-Paramount Will Close Warber Bros. by September 30. Today's Ruling Explains Why por Nick LoPiccolo.

-7 claves sobre la posible compra de Warner por Netflix por Dan Campos para The Dailies.

-The States Try to Topple WarnerMount... Thus begins the Local Antiturst Era por Entertainment Strategy Guy.

-A (Moderate and Nuanced) Analysis of Backrooms, Obsession and Theaters in 2026 So Far por Entertainment Strategy Guy.

-TheOdyssey's second weekend por David A. Gross para FranchiseRe movie industry newsletter.

-Week In Review: T-R-P a Go Go, Psycho Dog People, Apocalypse SDCC, Beyond Cinerama Dome por Rchard Rushfield para The Rushfield Jamboree

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La Odisea (como Nolan la hubiera querido)

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Wed, 22 Jul 2026 19:38:26 -0600

Un rostro…
Una flota…
Una guerra…
Un hombre…
Una idea…
Un truco…

Un truco para romper los muros de Troya, y reducirla hasta cenizas.

Así inicia el canto que relata una de las historias más grandes de occidente, la lucha entre un hombre de visión, que, tras aprender de sus errores, lo único que quieres es regresar a casa después de un conflicto… el conflicto elevado por los fans y los disque expertos que poco tiene que ver con la historia original, pero como pasa con la tradición oral, esta puede mutar a conveniencia del que la cuenta.

En esta entrega en texto para Churros y Palomitas, el mejor sitio de análisis en donde no hacemos caso a la insensatez que está en redes sociales para hablar de temas de cine y de industria, y tras el lanzamiento de la nueva cinta de uno de los directores más importantes de tiempos modernos, no podía evitar la oportunidad de buscar clicks, pero no caeré en la fórmula floja y facilota que han explotado hasta personas y medios supuestamente serios, en donde como gatos, parece que encuentran más diversión al jugar con una caja que con el juguete que alguien con mucho cuidado les escogió con las mejores intenciones.

Los capítulos de esta revisión a continuación, para que puedas pasar al que es de tu interés, aunque una cosa lleva a la otra.

1- La película que Nolan ha contado una y otra vez
2- Cada generación tiene derecho a reinventar a sus clásicos
3- Los prejuicios y la ignorancia
4- La guerra de formatos con la (ir)relevancia de IMAX
5- Las audiencias y la tradición oral

Capítulo 1 – La película que Nolan ha contado una y otra vez

Nolan es uno de los directores más importantes de los últimos años. En su ascenso a la posición en donde tiene efectivamente más poder que las franquicias de Star Wars o Marvel de la casa del ratón, ha sido cuestionado y criticado, pero se ha notado una trayectoria llena de aprendizajes que terminó cuando gracias a Oppenheimer ganó 7 Óscares, incluyendo mejor película y mejor director. Después de haber alcanzado esa cima que muchas veces parece más ansiada por los cinéfilos que por los cineastas, en donde hizo lo improbable al hacer que una cinta sobre un científico se volviera un blockbuster popular y taquillero (y no, no hablamos de Batman que él mismo dirigió, aunque como sabemos, Batman también es un científico), ¿qué quedaba como desafío para Nolan?

Entre las temáticas recurrentes del director está su enfoque en figuras masculinas que pueden servir como guía, pero que también la necesitan. Michael Cane ha sido mentor de varios de sus personajes en cintas que van desde Inception hasta el caballero de la noche, y también está presente en el caso del Eumeo de John Leguizamo, quien tiene un papel más relevante que los castings polémicos para algunos sectores de figuras como Elliot Page o Lupita Nyong’o. Además de esto, Nolan siempre juega con la obsesión y el sacrificio (The Prestige, Oppenheimmer), la memoria y su maleabilidad (Memento, Inception), y la elasticidad del tiempo (TeneT, Dunkirk, Interstellar). Fue gracias a lo que aprendió con todas esas cintas, algunas que no fueron tan bien recibidas como TeneT o Interstellar (TeneT sigue siendo una de mis favoritas, aunque se que soy de una minoría oprimida), que su estilo se fue depurando para que cualquier proyecto que saque llame la atención, sin importar si es esa historia que él mismo ya ha contado, y que podemos ver incluso en su Batman Begins, con el viaje del héroe que eventualmente regresa a poner orden en casa.

En la pasada CinemaCon (de la cual, no se si les he dicho, pueden revisar nuestra maravillosa cobertura), la presentación de Universal empezó con la presencia de Nolan, quien él mismo reconoció que considerando que para el mismo estudio se contaría con la presencia de Steven Spielberg, era imposible seguir después de la aparición de otro de los grandes directores vivos, por lo cual estaba feliz de ser quien abriera el piso. A Nolan se le ha comparado con Kubrick, aunque si consideramos taquilla e impacto con audiencias en general, está más cercano a Spielberg, pero en realidad él es su propia bestia. Su obsesión con el gran formato y las imperfecciones del celuloide lo han caracterizado y establecido incluso como una marca, ya que el presidente del gremio de directores no solo es promotor del IMAX (lo cual han malentendido un montón de mequetrefes en internet), sino que la identidad de su narrativa es capaz de impregnarse incluso en historias contadas por siglos, como es el caso de la Odisea.

Atribuida a Homero, el cual podría ser un individuo, un colectivo, o un avatar narrativo del que se conservan algunos de sus poemas épicos, la Odisea inicia en medio de un conflicto, y la narrativa no lineal nos lleva del presente en donde un reino necesita el regreso de su líder (el Odiseo de Matt Damon), a las circunstancias que lo llevaron a su ausencia, las cuales lo volvieron leyenda, incluso para su propio hijo Telémaco (Tom Holland). La manera en que primero conocemos a Odiseo es como un “politropo”. En las traducciones del texto al español, como la de Laura Mestre Hevia, el texto inicia pidiendo que se cuente la historia de “aquel varón ingenioso que anduvo errante largo tiempo, después de haber destruido la sagrada ciudad de Troya”. Dependiendo la traducción y el idioma, uno encuentra distintas versiones, siendo una de mis favoritas, la hecha en 1996 por Robert Fagles, en donde se habla de “un hombre de giros y vueltas” (“sing to me of the man, Muse, the man of twists and turns”), lo cual es una manera más elegante de hablar de una figura compleja e incluso truculenta y chantajista, a la cual no se idolatra desde el principio, buscando plantar una imagen positiva en el escucha o en el lector.

Más recientemente hemos tenido versiones como la de Emilly Wilson, en donde un relato narrado y hecho para los hombres busca enriquecer su perspectiva con una nueva visión y traducción, no buscando hacer un texto feminista, porque el relato no lo es, pero sí para profundizar las características de algunos de sus personajes femeninos, que a pesar de las limitantes de la época del relato, y las versiones subsecuente, pueden hacer que figuras como Penelope (Anne Hathaway), la esposa acosada por los aspirantes al trono tengan un mejor desarrollo que el ser solo una figura de relleno. Además, el lenguaje más sencillo de esta versión es parte de la base del guion adaptado por Nolan, en donde en el manejo del idioma, en lugar de caer en clichés como el hacer que los actores hablen inglés británico, casi shakesperano, para hacer parecer más solemnidad y antigüedad en los diálogos, aunque los mismos hayan sido ideados en otro idioma, hace uso de un inglés más natural, ya que lo que importa es la historia en su fondo, por encima de la forma.

Estos toques son reflejados en la versión que tenemos adaptada para el cine por el mismo Nolan. Si Wilson habla de cómo el relato homérico “debe sonar heroico y ancestral”, esto es por el sistema de valores de la época, en donde se busca apoyar la jerarquía de la sociedad de ese momento, porque eso es lo que el heroísmo implicaba en la sociedad griega. En nuestro entorno actual, esto puede aplicarse a mitos idealizados pero las figuras más cercanas son imperfectas, aunque puedan tener un dejo de idealismo. Es el caso del personaje interpretado por Matt Damon, quien si bien no se presenta como un líder que pueda ser siniestro, ya que incluso es capaz de avisar a sus presas de su presencia (algo que sirve de manera genial para establecer cues de audio aprovechados por Willie D. Burton y Chris Lane en el departamento de diseño de mezcla de sonido y score), es ingenioso y falible. Su ejército le podrá ser fiel, pero tanto Sinon (Elliot Page) como Euríloco (Himesh Patel) cuestionan sus decisiones. El ingenio no es suficiente para lograr la supervivencia de todos.

Los personajes falibles son más interesantes. El cargar con el peso de sus acciones, especialmente con sus errores, es algo importante en el proceso de maduración. En este sentido, la cinta es hermana a Oppenheimer. En el relato atómico tenemos un tercer acto con un viaje intelectual y de culpas. En la Odisea tenemos un viaje literal, fuera de la mente, pero con lugares que son reflejos del subconsciente. La cinta inicia con un texto que explica que estamos “en un tiempo de magia aparente”. No la niega, de la misma manera que al menos uno de los dioses es encarnado por una figura humana (la Athena de Zendaya), pero los muros entre este mundo y el que sigue son tenues, y el contacto con lo sobrenatural está “nolanizado”, al plantearlo además de como un lugar geográfico, un estado mental dentro de la mente y existencia torturada de nuestro protagonista, el cual empieza a confrontar las consecuencias de sus actos, dándose cuenta que aunque su propósito puede ser heroico, su camino es tortuoso, y no solo para él, sino para los que lo acompañan y para quienes han caído en su proceso de ascenso y regreso. Oppenheimer no pudo regresar el genio a la botella, tras liberar el poder del átomo, de la misma manera que la leyenda y la destrucción causada por las ideas de un hombre no pueden ser contenidas, ya que su relato no es suyo para contar, y es parte de una narrativa que le es ajena a quien la protagoniza.

Capítulo 2 – Cada generación tiene derecho a reinventar a sus clásicos

Mientras que el relato de la Odisea nos pudo llegar por texto escrito en la escuela, o en una versión televisiva (gracias a Alberto Acuña por compartir la referencia), este surge del relato oral. Esta era la manera más efectiva para compartir historias, en donde la voz y la métrica hacían que la historia se clavara en la memoria. La Ilíada y la Odisea fueron escritas en hexámetros dactílicos, en donde el juego entre vocales breves y largas ayudan a manejar el ritmo en la voz, de manera similar a como se recita un soneto. ¿Cómo puedes replicar esto en un medio cinematográfico en donde tu relato puede ser replicado en múltiples pantallas? Para hacerlo, Nolan usa dos trucos, combinando el juego sobre nuestra percepción en lo conocido como sus actores, así como la duración en el tiempo con sus secuencias (set pieces) más importantes.

Vamos a aprender primero un poco sobre los mencionados hexámetros dactílicos. “Dactílico” viene de dedo y hace referencia a tener una sílaba larga y dos cortas. ¿Qué tiene que ver con los dedos? Ve tu mano y encontrarás que tienes dos huesos largos y uno corto, tal como busca imitar este estilo métrico. El hexámetro viene de seis, ya que cada verso consta de seis pies. Los primeros cinco pies o partes tienen un dáctilo con una sílaba larga y dos cortas, o un espondeo, que son dos sílabas largas escritas. El último pie contiene un espondeo o una sílaba larga seguida de una sílaba corta.

El entender este manejo puede parecer complicado si uno no está familiarizado con ciertas figuras literarias, pero ayuda a entender que se busca un ritmo con el manejo de la voz. Los cantos de los relatos griegos, como pasa con la Odisea, para facilitar su transmisión oral no dependían de la rima sino del ritmo, y este manejo es el que hacía que fuera más fácil de memorizar.

Si quieres sentirte más exquisito que aquellos que dicen que quieren ver La Odisea “como Nolan manda”, en celuloide de 70 mm, puedes escuchar el inicio de la Odisea recitado por Emily Wilson, la traductora previamente mencionada. Puedes también escucharlo a modo de canto con pronunciación erasmiana. Dicha pronunciación fue propuesta por Erasmo de Róterdam, buscando reconstruir el sonido original del griego. En español puedes encontrar interpretaciones y traducciones que buscan emular el ritmo de la voz original, como este fragmento de la Ilíada, en donde encontrarás también, de manera visual, la manera en que se divide el texto.

Ahora que ya tenemos algo de contexto que seguro te ayudará a ser el alma de las fiestas, ¿cómo se puede traducir esto del lenguaje hablado al lenguaje audiovisual sin que sea cansado? El escuchar rima constante, o un ritmo de voz puede fastidiar, y en este caso, Nolan decide trasladarlo a través de la duración de las secuencias principales que muestran los diferentes desafíos que deben confrontar Odiseo y sus amigos. Las secuencias como el encuentro con Circe en la isla, la confrontación con Polifemo, o la visita al inframundo duran 15 minutos, como menciona David Jenkins, editor de Little White Lies, en el minuto 45 de este episodio, y cada una de estas secuencias tiene un “money shot”, o una imagen memorable al respecto, pero las mismas no duran tanto como para llegar a cansar, haciendo que el espectador se quede deseando un poco más. De esta manera puedes adaptar al lenguaje audiovisual, estableciendo un ritmo narrativo con las duraciones mientras se juega con las expectativas.

Como dato de trivia, distintos directores han utilizado la longitud promedio de sus tomas para crear efectos como tensión o manejos frenéticos, siendo uno de los más resonados Pi, de Darren Aronofsky, con una duración cercana a los 3 segundos por toma, tratando de acercarse al número referenciado en el título, y mostrando la inestabilidad mental del personaje en su búsqueda por patrones.

Por otro lado, el cast de la cinta, el cual competirá con el de Dune parte tres como los mejores ensambles del año, y en donde ambas cintas se comparten actores, no es casualidad. Anne Hathaway es una mujer fuerte y determinada, y aunque su personaje está limitado por el relato, es la ama de su castillo, mientras espera fiel el regreso de su esposo. Nadie puede dudar de su fuerza ni de su belleza, tomando aquí elementos de la traducción hecha por Emilly Wilson. El Odiseo de Matt Damon se construye con un actor que no ha vendido su imagen al terreno de los súper héroes, y aunque ha interpretado al espía desmemoriado favorito de todos con Jason Bourne, con lo cual sabes que es capaz de tomar armas y acabar con ejércitos él solo, también tiene una imagen limpia e incluso familiar. Si se encuentra solo en una isla casi desértica, en donde solo puede convivir con Calypso (Charlize Theron), o pasa un tiempo con la Circe de Samantha Morton, puedes asumir que, a menos que se mencione directamente en la cinta, no tuvo amoríos con ninguna de estas mujeres. Esto está explícito en el texto original, pero en esta versión se pierde ya que no es parte del relato en donde se conserva algo de virtud por parte del personaje. En la misma línea, si ves a Tom Holland, sabrás que es un muchacho bien intencionado, aunque no precisamente brillante, que se esfuerza por tener un acento de inglés estadounidense, haciendo lo posible por encajar. Quizás el personaje con mayor diversión fue el Antínoo de Robert Pattinson, el cual se convierte en un verdadero antagonista que está a dos pasos de ser un villano reventón de caricatura, pero son esos dos pasos de distancia los que lo establecen como ese malo que amas odiar. Incluso los casts más físicos, como el de Benny Safdie como Agamenón, no son casualidad. Su altura de 1.85 con armadura dan una figura imponente, que si bien es de ascendencia judía, tiene la presencia necesaria para el perfil de personaje

Los castings más cuestionados, y los cuales denotaron los prejuicios de posibles espectadores, más preocupados por manifestar su racismo o sexismo, vinieron por parte del Sinón de Elliot Page, y la Helena / Clitemnestra de Lupita Nyong’o. Ambos personajes en total no tienen ni 7 minutos en pantalla, pero sus apariciones son significativas y poderosas. Sinón no es el idolatrado Aquiles, sino un frágil guerrero que es capaz de todo por su general. De la misma manera el discriminar a Lupita por no caer en los cánones de belleza sajones, por personas que incluso tienen piel más oscura que yo, solo denota una cerrazón que no busca escuchar o entender un relato, sino quejarse al no verse reflejado en una historia que no les importa, pero como es parte del discurso colectivo del cual no son parte, se sienten discriminados y buscan reflejar dicha discriminación en los demás.

Capítulo 3 – Los prejuicios y la ignorancia

Conforme se iban revelando detalles de la nueva cinta de uno de los directores más afamados de Hollywood, los prejuicios de distintos miembros del público fueron saliendo, incluso si estos no se basaban en realidad.

Greek Reporter reportaba, sin fundamentos, que Lupita Nyong'o interpretaría a la diosa Atena, incitando al click alegando “blackwashing” de personajes. Los comentarios dejados en el post reflejaban animadversión sobre un personaje que de hecho fue interpretado por otra actriz (Zendaya), y esta fue la constante con otros casos, como el de Elliot Page, en donde nuevamente los prejuicios temían que el actor interpretara a Aquiles, cosa que no fue cierta, y supuestas correcciones posteriores incluso le adjudicaban otro personaje que no era Sinón, a quien dio vida el actor que previamente ha colaborado con Nolan.

Tal vez una de las figuras más controversiales, quien no es ajena a decir estupideces sin fundamento aprovechando que tiene su propia plataforma para expresarse, es Elon Musk, quien en declaraciones recientes que Grok Imagine, su sistema generador de video, podría crear antes de que termine el año una película completa basada en la Odisea que sea “históricamente correcta”, lo cual no solo revela el grado de imbecilidad de Musk al buscar que un relato ficticio sea “históricamente adecuado”, sino que es solo un pretexto para promocionar uno de sus productos con un discurso que puede resonar con sus seguidores, principalmente conservadores blancos que se sienten fuera del discurso social en este momento, siendo injustamente discriminados. El mismo Musk ha mencionado que él apoyaría con 100 millones de dólares para financiar una versión de la Odisea dirigida por Mel Gibson. Esto es profundo si consideramos el nivel de credibilidad que tiene el hombre más rico del mundo que declaró que para 2023 tendríamos colonias en Marte.

Capítulo 4 – La guerra de los formatos y la (irr)relevancia del IMAX.

Nolan ha sido uno de los grandes impulsores del formato IMAX, esto debido a que le debe su crecimiento como director a un formato más amplio. La obsesión por sus seguidores para ver la cinta “como Nolan lo hubiera querido” (algo que parece más un mantra religioso que una recomendación de visualización), ha hecho que algunos complejos tengan ya reservados todos los asientos para estas pantallas hasta finales de agosto, como en Nueva York y Los Ángeles, o incluso hasta septiembre, en Londres. Mal momento si eres un blockbuster como el regreso de Spidey, ya que tendrás que conformarte con los demás tamaños mientras quieres cobrar más cara la proyección.

El buscar una sala “ideal para ver la película” es más marketing manipulador que ha funcionado con espectadores que se creen lo que les digan, que una condición ideal para disfrutar la obra. La cantidad de salas con el formato ideal es de 41 a nivel mundial. Imagina que te toca una como el AMC de Rivercenter, con un proyector que ha fallado tantas veces que han tenido que cancelar las funciones. Por otro lado está el Galaxy Theater de Austin en donde se limita la cantidad de gente por función debido a que la sala se sobre calienta y el complejo ha tenido que traer unidades adicionales de aire acondicionado para hacer tolerable la función en salas a media capacidad. Tal vez el ruido de los equipos adicionales sirva para que el espectador se sienta en la locación con las ruidosas cámaras IMAX y vivir la experiencia que el mismo Nolan y su equipo padecieron, aunque cabe destacar que IMAX estuvo trabajando desde hace años en mejorar su tecnología… como Nolan lo pidió.

¿Y en México? Algunos medios, más por buscar el click barato, incluso han dado recomendaciones o revelado la triste realidad de que en México no se podría padecer (o disfrutar) la proyección como Nolan manda, pero no importa porque Cinetecas podrán proyectar la versión en 35 mm en celuloide. Esto es un premio de consuelo para quienes quieren sentirse cinéfilos superiores con cualquier excusa al alcance de su mano, sin explicar cual es la relación con el mandato divino de Nolan, quien seguro no querría que vieran esa cinta a la mitad.

Los comparativos entre tamaños de pantalla no son nuevos, y el mismo Ryan Coogler hizo un comercial para Kodak para explicar los distintos tamaños, hablando de Sinners (cinta que confieso jamás vi en IMAX, así que, según los exquisitos, jamás vi en realidad). A esto siguió Vistavision, también en gloriosos 70MM para One Battle After Another, un formato todavía más restrictivo, para el cual a menos que seas Quentin Tarantin y tengas tu propio cine, solo podrías ver en Los Ángeles, Nueva York, Boston o Londres. El elitismo se hizo presente en su momento, a menor escala, y este no siguió en cintas como El Testamento de Ann Lee, la cual también fue filmada en Vistavision, la cual vivió libre del drama.

Comentarios de figuras que pueden ser respetadas y tienen trayectoria, como Alejandro G. Calvo de Sensacine, fueron extraídos para no enfocarse tanto en los comentarios sobre la película, sino en la queja de que como no pudo ver la película en la mega pantalla, pues “no la pudo apreciar como Nolan hubiera querido”. De manera similar a los comentarios ignorantes sobre el cast, varios tomaron esto para expresar la queja sobre algo que no conocieron, hablando de elitismo y contradicción, sobre quien previamente había dicho que quería salvar el cine (Nolan, con el lanzamiento de Tenet durante pandemia, y según algunos “expertos”, hasta mató el cine en ese momento, y tal vez ahora vivimos en una realidad paralela).

Nolan no es bueno dirigiendo secuencias de acción. Las quejas expresadas por Calvo van en ese aspecto, ignorando deliberadamente este hecho. El cambio de juegos de encuadres y manejo de coreografías para tener secuencias claras nunca ha sido su fuerte, aunque trabajó en esto en su versión de cine de espías con TeneT, en donde era más fácil tratar de coreografiar secuencias en reversa que trabajar en la narrativa visual. Este es un talento peculiar que incluso directores “menores” como Guy Ritchie dominan, y que incluso cintas más complejas con conflictos armados, son capaces de establecer geografía clara para que el espectador no se pierda a pesar de los múltiples cortes dentro de sus secuencias. El tamaño de cuadro en cámara IMAX le daba más espacio para incluir elementos en las tomas, y así ayudarle a compensar sus deficiencias narrativas. Pero al parecer es más fácil culpar a los complejos de cine por no tener salas para proyectar películas que aprovechan el glorioso tamaño y que se estrenen tal vez una o dos veces al año si bien va, y el resto del año solo puedan proyectar versiones adaptadas de cintas regulares para cobrar más caro el boleto.

Este purismo mostrado de manera vocal por algunas pocas personas ha buscado resonar gracias al volumen y no a lo que dicen. Yo tuve la oportunidad de ver La Odisea tanto en IMAX, o “liemax” según los exquisitos que ni siquiera son capaces de calibrar las teles de su casa, como en formato tradicional con proyección digital y supuestas "cabezas cortadas" que no aparecen jamás en pantalla. En ambos casos la narrativa funciona, y no te pierdes de nada si la escoba en la cabeza de Agamenón se ve cortada, si no ves tanto océano en una secuencia naval, aunque tengas delfines al lado, o si en medio de una secuencia de batalla, mal armada pero emocionada (como Nolan las sabe hacer), no ves parte del piso que no afecta el combate a cuadro.

Este tema no ha sido exclusivo del IMAX. Abel Quezada, uno de los grandes moneros mexicanos, publico divertidas quejas en 1955 en donde ante el auge de las "pantallas panorámicas", el cambio de formato cuadrado a uno más horizontal podría hacer creer que se pierde algo en imagen arriba y abajo cuando en realidad se estaba extendiendo a los lados. Esto curiosamente ha sido casi replicado por los nuevos exquisitos que olvidan que para proyección, se hacen adaptaciones a los distintos tamaños de pantalla, y la misma también debe ser ajustada en la sala de proyección, lo cual permite que veamos películas más "cuadradas", lo que técnicamente las acercaría al formato IMAX, pero que en la narrativa audiovisual provoca más una sensación claustrofóbica. Al menos Abel Quesada tenía genuina gracia al expresar un punto, a diferencia de los "etzpertoz" del cine que ponen quejas, y seguro no las expresan si en una proyección el lente y aspect ratio equivocado están seleccionados para su función.

Imágen cortesía de LAGS, tomada del libro de Abel Quezada: El Cine. Los mejores cartones, publicado por Planeta.

Que deprimente debe de ser cuando se tiene una cinta comercial hollywoodense, la cual tiene impacto y relevancia cultural, y ha impulsado el interés por descubrir o redescubrir la obra original, y uno debe marcar un elitismo personal para que las grandes audiencias no se sientan tan especiales como uno quisiera ser. El marketing manipulando a aquellos que se sienten por encima de este tipo de manejos. ¿Cómo puede uno justificar el ser purista del cine con una película que se lanzó en tantos formatos como fuera posible, para que comercialmente tuviera el mayor éxito, volviéndola objetivamente una obra democráticamente al alcance de los que pueden acudir a cualquier sala de cine? Para eso mejor sean Patreons de Churros y Palomitas, y si nos apoyas con 10 dólares o más te mandamos tu credencial del Club Cinéfilo Mamador que te sirve como mejor acreditación al respecto.

Capítulo 5 - Las audiencias y la tradición oral

Con todo el ruido alrededor, es fascinante el ver como la cinta más reciente de uno de los directores hollywoodenses más exitosos actualmente ha logrado resonar con las audiencias, así como con sus detractores. Esto no es casualidad y tiene gran mérito propio. La cinta cuenta con calidad y espectáculo, como ese cine clásico que, como nuestro amigo Ernesto Diezmartínez menciona, es un “auténtico filme hollywoodense como ya nadie sabe, quiere o puede hacer”.

El cine es arte, es espectáculo, es negocio. Solo los limitados de visión niegan que estas tres cosas puedan coexistir. La cinta logra algo que pocas, y es que la mayoría de la audiencia, al menos en las funciones que he estado, y por lo que he visto no son la excepción, quiera hablar sobre la cinta, y volverla a ver, incluso después de salir de la función. Es cine que invita a verse y ser compartido. Para mi fue una experiencia genial que tras verla con unos amigos, fuimos a continuar la charla con unas chelas precisamente para hablar de la cinta, y no éramos “cinéfilos mamadores” todos, sino que simplemente el impacto y la ejecución de esta nueva interpretación es accesible, y gracias a eso tiene una mayor resonancia, extendiendo así uno de los primeros y más longevos relatos de la civilización moderna, y perpetuando la tradición oral, la cual no debe limitarse a las discusiones que se pueden tener en redes o los monólogos segmentados en videos verticales en donde el contexto no importa, siempre y cuando lo dicho pueda reforzar nuestra creencia.

Curiosamente, tanto la Odisea de Nolan como Una Batalla tras Otra de PT Anderson también hablan de cambios de ciclos y pases generacionales. Sus personajes son conscientes que tuvieron un momento y un lugar, y que no hicieron lo mejor que pudieron, pero quieren que quienes les sigan no cometan los mismos errores. En el caso de Nolan esto entra dentro de una de sus historias clásicas, al tener protagonistas atormentados que deben confrontar las consecuencias de sus acciones, y en esta cinta gemela a Oppenheimer da una versión más amplia, y curiosamente más cercana a dicho relato. El entender esto es más importante que el quejarse sobre el tema de moda que seguramente será olvidado cuando la cinta llegue a servicios digitales, alcanzando más audiencias con el relato clásico, y quizás volviéndose uno, llegando a más personas, y trascenciendo, generación tras generación.

Nunca leas los comentarios sobre La Wokedisea - Ep 12

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Wed, 8 Jul 2026 12:43:26 -0600

Casi se estrena La Odisea de Nolan y los comentarios en el último trailer no se hicieron esperar... pero no necesariamente fueron positivos. ¿Acaso tenemos de audiencia a un montón de eruditos incapaces de aceptar representaciones erróneas sobre hechos completamente históricos que implican caballos de madera, cíclopes gigantes, y a la mujer más bella del mundo a la cual el autor no describe porque sabe que la belleza está en el ojo del espectador y ningún chile le va a embonar? y menos en el ojo.

En esta entrega leemos los comentarios en el trailer publicado por Universal, así como las primeras reacciones y como sorpresa vemos La Odisea que al parecer merecemos por parte de los amigos locos de The Asylum.

El video ya está solo para los Patreons y miembros del canal. Para la perrada, les llegará igual que una invasión helénica, cuando menos lo esperen.

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Quién mató los sistemas de calificación de películas - Ep 26

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Wed, 8 Jul 2026 12:10:37 -0600

¿Quieres ver algo en el cine pero tienes dudas si valdrá la pena pagar el boleto? Para eso puedes revisar a tu crítico de confianza, o las calificaciones compiladas en sistemas como Rotten Tomatoes o Metacritic. ¿Ofrecen estos sistemas de calificación una medida confiable para saber si una película es buena o no? De esto hablamos en esta entrega de Quién mató… los sistemas de calificaciones de películas.

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Notas del episodio solo en Patreon.

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Productor Asociado: Luis Fernando Gallardo de León. ¡Bienvenido de nuevo!

Co-Productor: Román Rangel
Co-Productor: Dany Sadia. ¡Bienvenido de nuevo!

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Fuera del molde - Net Flicks and chill 112

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Sat, 4 Jul 2026 12:01:09 -0600

Arranca julio y traemos un episodio en donde nos enfocamos en historias en donde los protagonistas no caen precisamente en los estereotipos narrativos o de belleza, por lo que están... fuera del molde.

El episodio ya está en Patreon y se libera el martes a las 8 PM a toda la perrada en youtube.

They Will Kill You - The van a matar (Disponible en HBO Max). Una chica entra a trabajar de intendencia a un hotel fifí en Nueva York en donde hay un oscuro y satánico secreto. No sabe en lo que se metió... o en lo que se metieron quienes buscarán ofrecerla como sacrificio.

Do Won-do Pul-Seu - The Wonderfools (Disponible en Netflix)

Send Help - ¡Ayuda!(Disponible en Disney +) Eres la persona más capaz que merece aumento y ascenso en el trabajo, pero ese le llega al hijo del dueño. En un viaje de negocios el avión en que viajan ambos tiene un accidente y quedan en una isla desierta, en donde solo podrá sobrevivir la persona más capaz.

A Man on the Inside - Un hombre infiltrado (Disponible en Netflix)

The Sheep Detectives - Las ovejas detective (Disponible en Prime Video) El mejor whodunit estelarizado por ovejas, en donde estas deberán descifrar el misterio detrás de la muerte de su pastor. Si Wolverine es mi pastor, nada me faltará. O algo así.

Margo's Got Money Troubles - Margo tiene problemas de dinero (Disponible en Apple TV+)

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Moscas: la ciudad en los sonidos.

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Thu, 2 Jul 2026 10:27:02 -0600

Continuamos con las colaboraciones del camarada Andrés Garza. Puedes (o debes) seguir a Andrés tanto en Letterboxd como en X, así como dejar comentarios en este post. Toca el turno de hablar de la segunda cinta reciente de Eimbcke. La anterior fue Olmo y puedes leer sobre ella aquí. Moscas está en cartelera regular gracias a Mubi, y puedes ver en qué salas está disponible aquí.

“No son tantos. Tus ojos hacen que parezcan más.”

En el último par de décadas hemos visto a la Ciudad de México representada en el cine nacional con frecuencia a través de diferentes géneros y distintas aspiraciones. Esto no significa una heterogeneidad en los lugares o la manera en la que es filmada. En el caso de Moscas, de Fernando Eimbcke, nos encontramos frente a una película que no sólo observa sitios de maneras distintas, sino que echa mano de otro elemento, casi siempre ignorado en la corrida comercial mexicana, de manera considerable para hablarle a su público: el sonido.

Olga es una señora que vive sola en un edificio de departamentos frente al Hospital 20 de Noviembre del ISSSTE. La mujer interpretada por Teresa Sánchez ocupa la totalidad de su tiempo básicamente en ver la televisión, jugar sudoku en su computadora del año del caldo, comer en la cocina económica de enfrente, y espantar las moscas que conviven con ella. Todo esto lo realiza con una uniformidad emocional de entre disgusto, flojera y hartazgo: una típica señora malhumorada. Su rutina se ve alterada cuando, buscando conseguir dinero extra para una operación, renta el cuarto vacío de su departamento a Tulio, un hombre joven acompañado de su pequeño hijo Cristian, que busca quedarse cerca del hospital mientras su esposa recibe tratamiento de quimioterapia.

La película no esconde sus intenciones de mostrar la inevitable formación de una particular relación entre Olga y Cristian desde que el padre le explica a su hijo que tiene que irse a trabajar, tocando todos los tropos de viejo gruñón rindiéndose ante niño adorable que se conocen de sobra. Sin embargo, Eimbcke llega a ellos con una autenticidad derivada de una puesta en escena simple pero paciente al momento de construir los espacios alrededor de sus dos personajes protagonistas. Y la construcción de estos se da a partir principalmente de lo que escuchamos cuando están en pantalla.

Los primeros segundos de la cinta, que abrió el pasado Festival Internacional de Cine de Guadalajara, nos dejan en claro que la cosa va del oído al mostrar un cuadro completamente negro, solamente acompañado del sonido de una mosca volando. Pero incluso más allá del generalmente molesto ruido que hace el titular insecto, el cual es utilizado como un fantástico leitmotif más adelante, la película continúa a lo largo de su duración envolviéndonos en sonidos que terminan por diseñar a la capital del país como un sitio abrumador, pero sumamente estimulante por igual. Donde, no importa en qué dirección mires, aún queda sitio para encontrarnos en la intersección del cariño y del humor.

Desde la clásica bulla de personas, concierto de claxons atrapados en el tráfico y el silbido del pitido del carrito de camotes, hasta los ya melancólicos efectos de sonido de maquinita de videojuegos o de los celulares de prepago del Oxxo cuando jugabas viborita en ellos, el largometraje coescrito por Eimbcke y Vanessa Garnica cuenta el dolor y la dicha de sus habitantes a través de elementos auditivos cuidadosamente concebidos para así brindarnos la posibilidad de vivir junto con ellos en el sur de la Colonia del Valle la noble y difícil aventura de aprender a reconocer en este el violento pero arrullador paisaje sonoro la plausible presencia de otras vidas, tan atormentadas, quizás, como la propia.

Resulta entonces sumamente grato ver en Olga el cambio que surge idealmente en todo aquel que es tocado por la alegría inocente de un tiempo pasado perdido. El zumbido que se oye desde el principio provoca en ella lo que probablemente haría en la mayoría de nosotros: molestia. Busca eliminarlo a toda costa, ya sea sacando a dicha mosca por la ventana o matándola con la chancla. Y en un gesto de narrativa circular padrísimo, la película termina con otra mosca (¿o quizás la misma del inicio?) haciendo exactamente el ruido una vez más, pero ahora significa otra cosa. El ruido es el mismo, pero ahora, podría ser la señal de que la vida avanza, y que, en una de esas, vale la pena transitarla bailando.

Paralelamente, Cristian atraviesa un umbral similarmente representado de manera auditiva, al lidiar con el hecho de tener a su mamá en plena batalla contra el cáncer, y sobrellevarlo con ayuda del Cosmic Defenders Pro, una maquinita de videojuegos fuera de una farmacia. “No se trata de cualquier moneda” se dice sobre los 5 pesos que el personaje que encarna el debutante Bastián Escobar ingresa en el aparato a cambio de tres intentos para jugar a matar invasores. Es verdad, no se trata de cualquier moneda, y es que la máquina resulta ser un sitio de encuentro, de remembranza de lo perdido, donde podemos refugiarnos para recibir un abrazo cuando los golpes de realidad adquieren una crueldad tan cínica que parece quitarle todo color a la vida.

Moscas construye así a la ciudad, y todo lo que contiene, a través de los sonidos. Carga todos sus texturizados y maravillosos elementos sonoros con un significado considerable para usarlos como transmisores de las emociones por las que sus entrañables personajes atraviesan en su interior, al mismo tiempo que moldean exitosamente el espacio defeño que les rodea y por el que les ha tocado transitar. Un microcosmos citadino que nos muestra el suplicio de la indiferencia urbana o la eterna burocracia mexicana. Pero que también encuentra espacio para hacer notar los detalles que hacen a la gente pausar en su interminable y mecanizado día a día para apreciar y agradecer. Y, sobre todo, para los pequeños actos de amor dentro de las infinitas y bellísimas historias que nos rodean y están siempre presentes, si tan solo nos detenemos a mirar.

Google DeepMind anuncia acuerdo con A24

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Sun, 28 Jun 2026 11:11:43 -0600

Este es un fragmento con el análisis del episodio más reciente de NTX - Noticias de Tecnología Express. Como tiene que ver con cine pues... aquí está también.

Hace algunas semanas grabamos una entrega de Nunca leas los comentarios, un programa en donde Román Rangel y yo nos ponemos a revisar temas recientes y las reacciones ocasionadas, haciendo algo que la mayoría de los usuarios deben evitar y es precisamente leer los comentarios. En esta entrega vimos la recepción muy negativa a los anuncios de Martin Scorses y su colaboración con Black Forest Labs para implementar herramientas generativas para creación de Storyboards, así como el abucheo generalizado ante la participación por parte del animador Jorge R. Gutiérrez al piloto de Gen AI para creadores de Amazon, del que al final Jorge se retiró.

La mayoría de esas reacciones negativas fueron expresadas sin que los que las manifestaran leyeran las notas o en qué consistían los programas, y ahora con el acuerdo entre A24 y Google DeepMind se repiten patrones de desinformación y de reacciones por encima de razones, en donde el futuro postapocalíptico ahora consume a uno de los medios y artes más preciados, a través del cine, el cual en la pandemia muchos daban por muerto porque preferían el streaming y el contenido desechable.

No es la primera ocasión en donde Deepmind hace acuerdos estratégicos, ya que como reportamos en nuestro episodio 412, se anunció una colaboración con Darren Aronofsky, y el director ha sido un activo explorador de herramientas (con los pagos que eso implican), ya que desarrolló para Time una serie enfocada en el nacimiento de los Estados Unidos, usando herramientas generativas.

Odio que me hagan defender “al malo de la película”, pero los niveles de comprensión y desinformación son tales que al parecer debo defender a la Gran G de sus detractores, para aclararles en qué consisten los acuerdos, aunque en realidad no hay detalles públicos que justifiquen el odio en donde la distribuidora favorita de los hípsters de cineteca se vendió al sistema.

De entrada, cabe establecer que A24 es primero una distribuidora, antes que un estudio. Para la mayoría de sus películas y series busca productos desarrollados para distribuir, y tiene incluso series muy fallidas disponibles en plataformas como Disney, las cuales nadie recuerda porque prefieren enfocarse en sus hits como Backrooms o Everything Everywhere. El ahora estudio tiene una facha de sofisticación, en donde incluso sus cintas fallidas (cualquier cosa reciente de Ari Aster) resuenan con las audiencias, en donde se mantienen expectativas de material fresco y fuera del mainstream hollywoodense. Pero A24 es ahora una marca y busca capitalización y explotación de la misma manera que esos vendidos al sistema e incluso ha tenido financiamientos que podrían asociarse al mismo Trump, a través de Josh Kushner.

Es precisamente en la búsqueda de otras rondas de financiamientos para seguir activos lo que los acercó a Google, a pesar de recientes éxitos como Backrooms en donde han logrado de acumular más de 200 MDD a nivel mundial en la taquilla, lo cual la volvió la cinta más redituable del estudio a la fecha.

Es interesante la hipocresía que hay por distintas personas en el medio en donde por un lado se puede alabar la creatividad en la realización de cintas animadas como Flow, utilizando herramientas gratuitas como Blender, pero incluso usuarios de uno de los máximos avatares antisistema con software libre prefieren ignorar que desde su conceptualización la misma herramienta se usó para el desarrollo de Backrooms. Al final es una herramienta que se puede utilizar para distintos propósitos de manera efectiva.

Lo que se sabe sobre el acuerdo entre DeepMind es que, a diferencia de Lionsgate, quien licenció la limitada biblioteca de cintas del estudio a Runway y al final se encontraron que no habría resultados tan impactantes como las empresas tecnológicas quieren hacer creer a la gente, habrá colaboraciones para el desarrollo de herramientas para los flujos de trabajo. No se reemplazan guionistas, fotógrafos, o incluso artistas de storyboard. Con este acuerdo, en el cual no hay exclusividad, se hará investigación para el desarrollo de herramientas e infraestructura para la creación de proyectos. Piensa más en cómo se organizan las librerías de rushes en video para que lleguen a los editores, y no tanto en un generador de video con prompts, como el mismo Scott Belsky, quien dirige la división de tecnología de A24 ha expresado.

Desde luego, las partes involucradas, como el mismo Belsky, resaltan que se espera “preservar el control creativo mientras que se impulsa el tomar riesgos”. Esto para tranquilizar a quienes ya corren como gallinas sin cabeza, anunciando el apocalipsis porque más trabajos serán eliminados y más humanos serán reemplazados con agentes digitales.

Estamos ante una nueva moda digital, que a diferencia de tendencias pasadas como los NFTs y el manejo del BlockChain, en donde había propuestas interesantes para usar contratos inteligentes que ayudaran a la distribución de obras digitales, en donde entraría el cine, hay algo más tangible, y eso hace que surjan varios sentimientos. Quienes me han seguido, ya sea en mi canal de cine con Churros y Palomitas, o el de tecnología, con Noticias de Tecnología Express, saben que soy escéptico sobre el manejo e interpretaciones que se dan sobre la ventaja de la Inteligencia Artificial, especialmente porque esto es más un término de marketing que busca poner en la misma caja a muy diversas tecnologías, en donde lo más popular son los grandes modelos de lenguaje como ChatGPT o Gemini. Si con herramientas basadas en IA se logra desarrollar un mejor modelo de distribución que abarate costos y esto haga que un autor o un estudio no tenga que pagar cuotas de exhibición arcaicas a las exhibidoras, en donde el cobro por copia sigue los modelos de formatos físicos como carretes de cine, sino que ayuda a que una cinta llegue a donde están las audiencias, gracias a distribuciones más inteligentes y menos artificiales, eso es un gran avance. Si se logran optimizar flujos de trabajo en donde las horas de búsqueda de materiales para una edición se reducen, haciendo que uno pase más tiempo en ejecución, eso es otro gran avance. Esto es más cercano a lo que podría ser el acuerdo entre DeepMind y A24, con cosas más estructurales y no tan vistosas, que podrían ayudar a la realización artística, y más cercano a ese ideal de “querer que la IA haga la limpieza para yo hacer arte, y no que haga arte para que yo haga el trabajo sucio”.

Si quieres revisar sobre los primeros acuerdos con realizadores por parte de DeepMind, al acercarse a Darren Aronofsky, revisa nuestro episodio 412, en donde encontrarás más información.

Disclosure Day - El día de la revelación

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Sun, 14 Jun 2026 18:16:19 -0600

Es fascinante el ver las reacciones generalmente positivas ante la nueva cinta de Steven Spielberg, el otrora rey Midas del blockbuster, el cual regresa a uno de sus temas y géneros favoritos en lo que promete ser uno de los veranos más taquilleros gracias a las franquicias y los grandes directores que traen sus cintas más recientes para deleite de todos nosotros. Ha habido una reacción generalmente positiva, pero hay algunos malentendidos sobre lo que está pasando en realidad.

Disclosure Day no es ciencia ficción. Es fantasía. Es fantasía en la misma línea en que las Guerras de las Galaxias tienen elementos mágicos que no necesitan justificarse. Es fantasía porque Spielberg tiene esa cualidad maravillosa de hacer que el espectador se pueda asombrar ante la manera en que este arma una secuencia que puede ser sencilla pero es poderosa. Es fantasía porque Spielberg trae ese optimismo tan necesario para combatir el cinismo que muchos tenemos. Es fantasía porque hay muchos elementos en la cinta que carecen de explicación o incluso lógica, y la mejor manera de justificarlos es "un hechicero lo hizo", solo que cambiemos "hechicero" por "piedra mágica alienígena" o "corporación de gobierno que no es de gobierno pero es capaz de hacer lo que quiera cuando quiera", excepto cuando no sirve al poder más impresionante que hay en las narrativas cinematográficas: el poder del guion.

Y el mayor problema que tiene Disclosure Day es ese. El guion. No importa si se tiene a uno de los mejores directores junto a una de las mejores actuaciones de una actriz en ascenso. Es necesario apagar el cerebro en algunas partes de la historia con tal de disfrutar la cinta, porque como dirían los posters de creyentes fervorosos en la vida extraterrestre: "I want to believe".

¿De qué trata Disclosure Day? Por un lado tenemos a un fugitivo, el Dr. Daniel Kellner (Josh O'Connor), genio matemático que trabaja para una organización (no) gubernamental y decide que descubrió un secreto tan turbio que necesita que la gente vea lo qué el ha atestiguado. Mientras es perseguido, por otro lado tenemos a Margaret Fairchild (Emily Blunt), encargada de dar los reportes del clima en la televisión local en Kansas, quien nunca ha encontrado su propósito en la vida, y cuando estaba planeando irse a otra ciudad, un incidente aparentemente insignificante activa algo en ella que hace que deba unirse a la misión de Daniel y colaborar con Hugo Wakefield (Colman Domingo) para que la gente en general se entere de ese secreto tan terrible que si se liberara cambiaria nuestra percepción del mundo entero. Algo que ha sido resguardado por nuestra seguridad por la encarnación más reciente de los Kingsman (ok, no pero parece que sí), en donde Noah Scanlon (Colin Firth) hará todo en su poder para detenerlos, ya que no por nada esta organización que posee más recursos que el gobierno y ninguna de sus limitantes, sabe que para velar por nuestra seguridad, ningún secreto de este tipo debe ver la luz, ya que sabe que esto trae gran poder, como el qué el tiene gracias a un dispositivo de orígenes fuera de este mundo, mientras que los otros dos están con esos malditos rebeldes. Y ese gran poder conlleva una gran responsabilidad.

La cinta se ha manejado con mucho cuidado con sus trailers para no arruinar el tercer acto y que la audiencia se lleve una sorpresa, aunque la sorpresa más triste es ver una cinta que no termina de cuajar como debiera, con momento verdaderamente brillantes, pero que narrativamente no se sostienen. La hilación entre momentos es frágil y las motivaciones de los personajes en los que el guion de Koepp, basado en una idea de Spielberg, no tiene interés, se dejan de lado, exponiendo más la fragilidad de la historia.

La cinta arranca de una manera poco convencional, lo cual hace que uno se pregunte si entró a la función equivocada, pero sirve para ilustrar que el manejo de la historia tendrá la sutileza de un guion de lucha libre. Nuestros dos personajes principales son peones de alguien que sabe más cosas, que es Hugo, quien trabajaban en una maldita corporación que tiene nombre de detergente. Wardex, cuyo nombre significa WAtch, Recon, DEvelop, eXtract, es la organización originalmente creada por el gobierno para manejar cualquier asunto relacionado con fuerzas extraterrestres. Su motivación debería ser simple de establecer, pero sus personajes carecen de esta. Colin Firth es un malo genérico cuyo único propósito es dar órdenes para que persigan a nuestros protagonistas, así como usar dispositivos mágicos-cósmicos-musicales para perseguirlos hasta en sus sueños si es necesario. La ética no importa cuando se busca la seguridad nacional e incluso su segundo al mando (perdón, olvidé su nombre debido al impacto que el personaje tiene en la historia), solo existe para perseguir y tal vez, eliminar amenazas. En ese sentido, Skeletor, en la cinta de Masters of the Universe, tiene una construcción más redonda de personaje, ya que al menos el reconoce que no necesita trasfondo y solo quiere ser malo, algo que no funciona en una cinta que pretende hablar de empatía y de los efectos en el mundo real de la gran revelación del día.

Spielberg tiene un gran talento para manejar el suspenso, la acción y la emoción. Sigue siendo impresionante como en secuencias que aparentemente son menores, es capaz de mostrar en la pantalla elementos que despiertan el asombro en el espectador, pero esto es estéril cuando la narrativa es débil. Este detalle al parecer no ha pesado mucho en la gran cantidad de críticos y comentaristas que hablan maravillas de la cinta y prefieren ignorar los problemas del guion de Koepp, el cual ya tiene un record más negativo que positivo, ya que aunque ha tenido grandes guiones como el de Black Bag, Spider-Man o Panic Room en su currículum, en este caso tiene más en común con Indiana Jones y la Calavera de Cristal que con el resto de su obra. Cabe destacar que llegó a trabajar en el guion de esta cinta después de darle comentarios y notas al primer borrador e ideas que Spielberg desarrollo, y que cuando fueron leídas por Spielberg, este le dijo "gracias... ahora es tu problema arreglarlas, ya que te quiero como guionista".

La historia de la cinta inicia en el segundo acto de la humanidad de esta ficción. Estamos al borde de la tercera guerra mundial, pero este detalle es irrelevante y pasa a ser anecdótico, sin peso, solo para ilustrar lo que le interesa a nuestra protagonista y director. ¿Debemos mostrar como Emily Blunt mágicamente ahora tiene capacidad de hablar cualquier idioma y hasta leer mentes? No hay problema, que se comunique con un enviado de Corea del Norte al noticiario mientras el mundo se va al carajo. ¿Es importante que tengamos cobertura de cómo se van a lanzar los misiles nucleares casi al mismo tiempo en que se busca dar esa gran revelación a todo el mundo? En realidad no. Seguro la humanidad parará todo lo que está haciendo porque esto es más importante, aunque no tenga un efecto inmediato en ellos.

En la construcción de la historia, también hay muchos detalles que no llevan a nada. Si Hugo es de los renegados que renunciaron a su corporación, y este va a reconstruir una casa para así acceder a recuerdos de alguien, podemos ver cómo se arma esto con elementos con pantalla verde, solo para que cuando se utiliza la construcción, resulta que es real. No hagas preguntas, ahorita te distraigo con un camión de bomberos. ¿Las fuerzas extra terrestres podrían ser sobre naturales o incluso divinas? Hagamos ese planteamiento pero no caigamos en cuestiones filosóficas porque la verdad no damos para más, pero meter a una monja sirve. Oh, y olvidemos que en cintas superiores como One Battle After Another tienen elementos similares, con verdaderas "mafias del poder", pero incluso sus villanos de caricatura tenían una mejor construcción, y sus monjas hacían preguntas más incomodas al espectador que un simple "yo quiero creer, así que ten fe".

El pero detalle no es tanto la inocencia sino una falta de conexión con la realidad que esta historia ficticia debe de conectar, lo cual le daría peso a los personajes y sus acciones. En este sentido Spielberg y Koepp están al mismo nivel de Shyamalan en cintas como Glass, en donde todo el mundo puede pausar su vida y estar al pendiente de su celular si hay una gran revelación. Por cierto, ¿te dije que estamos al borde de la tercera guerra mundial? Y que desde luego una filial de un canal de televisión local en Kansas llegará a transmitir todo el material con esta evidencia de la cinta al mismo tiempo en todo el mundo.

Spielberg cae en una posición similar a la de Coppola, quien en Megalopolis tenía una historia a la que le ha dedicado décadas y en la que apostó su capital para desarrollar un proyecto fallido, pero interesante en el caso de Francis. En el caso de Spielberg, este también retoma planteamientos de sus primeras cintas, como Encuentros Cercanos del Tercer Tipo, pero avanza la pregunta de un "qué tal si existe la vida extraterrestre" a un "qué pasaría si todo el mundo viera evidencia irrefutable de estos, y la manera en que hemos interactuado con ellos por décadas". Desafortunadamente no avanza en el desarrollo o la profundidad del tema. No importa porque en una cinta de 2 horas con 20 minutos, en realidad queremos mostrar persecuciones por una hora y 45 minutos. Es más importante ver secuencias con trenes o como se escabulle un personaje en un tracking shock técnicamente imponente, pero en donde necesitas que los agentes especiales que están monitoreando todo el perímetro vean a un solo lado, para que alguien se escabulla a la Scooby Doo para que siga la persecución.

El propósito de la historia es hablar de empatía y cómo una revelación puede cambiar nuestra visión de la realidad para bien. Esto jamás se muestra en la historia. Su mayor esfuerzo es que al final, los malos de la historia se rindan o se detengan a pesar de tener la capacidad de hacer lo que buscan, para que los buenos manden un mensaje estéril. Solo se necesita buena voluntad.

La cinta habla de conexiones en nuestros protagonistas, pero no importa y podemos deshacernos de uno de ellos si es necesario cuando sea irrelevante porque... tal vez sea mejor que tengamos a E.T. en un cameo y es más interesante que pase el desgraciado, cerrando de esta manera una fantasía que se clavó en la mente de Spielberg desde el lanzamiento de la sonda Pioneer, en donde se incluía dos figuras humanas, una femenina y una masculina, junto a un mapa estelar para que nos pueda contactar una civilización lejana. Mandamos nudes y nuestra dirección, las recibieron los aliens, y secuestraron a dos niños para con ello, tener la clave para poder comunicarse con nosotros y al final comunicar un mensaje. ¿Qué mensaje? No le importa al director y no nos deberá de importar a nosotros.

Al final la cinta es insatisfactoria. Puede ser aburrida si no tienes interés en el tema, y los más cínicos cuestionaremos su desarrollo o el optimismo que pretende compartir. Para creer se necesita algo que sostenga dichas creencias, y en ese sentido, el que a uno le pueda gustar esta cinta, implica más un acto de fe. Que Spielberg los bendiga.

Nunca leas los comentarios sobre el cine hecho con IA - Ep 11

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Thu, 11 Jun 2026 18:28:32 -0600

Continuamos con el programa más huevón del mundo, en donde lo único que aportamos es leer los comentarios sobre algunos de los temas o posts más peliagudos recientes, y hoy tocó el turno del villano de moda: la IA.

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En esta entrega hablamos de las críticas a Martin Scorsese por validar el uso de la tecnología de Black Forest Labs usando IA para crear storyboards así como del anuncio primero de participación y luego de salida de Jorge R. Gutiérrez en el piloto de Gen AI para creadores de Amazon.

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Quién mató las escuelas de cine - Ep 25

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Tue, 9 Jun 2026 12:07:32 -0600

La mejor manera para ejercer una profesión es tener el conocimiento necesario para llevar a cabo las funciones necesarias. Las escuelas son una parte fundamental de la sociedad para preparar a los jóvenes para lo que les depara la vida adulta, y eso podría aplicar a artes no tan viejas como el cine. ¿Es importante tener formación de escuela para hacer una película? ¿O son las aulas un mero instrumento para albergar a sabelotodos que saben todo excepto hacer una película mientras se quejan que morrillos cuyas referencias no pasan de episodios de Los Simpson son la sensación del momento? Averiguaremos quien es el culpable del deceso de la academia en esta entrega de Quién mató… las escuelas de cine.

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El Poder de la Nostalgia - The Dailies 133

dancamposhdz@gmail.com (Dan Campos) — Sun, 7 Jun 2026 16:47:50 -0600

Este fin de semana llegaron dos productos del pasado, los cuales llegan al cine después de años desde sus entregas anteriores. Scary Movie y Los Amos del Universo son dos lados de ese espectro nostálgico en donde el pasado regresa. ¿Qué tanta fuerza puede tener esas entregas en un presente en donde los jovencitos yutuberos son quienes con menos recursos están sembrando éxitos? De eso y más hablaremos en esta entrega de The Dailies.

Bienvenido a The Dalies, el mejor programa de análisis, parte del portal de Churros y Palomitas, en donde desde 2004 hemos estado comentando y revisando el cine y su impacto en la cultura popular, y en esta entrega, la cual originalmente iba a ser solo una crítica en texto en donde hablaba de la presencia de He-Man para una nueva generación, decidí mejor revisar detalles más a fondo y tratar de dar perspectiva, tal vez para ayudarme a mi mismo, sobre la película de Travis Knight enfocada en los amos del universo, la cual, cuando terminaron los créditos, y las escenas entre y al final de los mismos, me dejó una sensación agridulce, en donde había cosas que me encantaron y otras que no terminaban de encajar.

He-Man llega con cierto escepticismo y encanto al mismo tiempo. Es un personaje que parte de una franquicia de juguetes ochenteros, y es una víctima de las circunstancias. La única razón por la que He-Man existe como personaje, es debido a que los juguetes de Star Wars eran un exitazo y Matel se daba de golpes en la cabeza ya que rechazaron fabricar los juguetes basados en una película de un barbón loco que seguramente no tendría éxito. Cuando se demostró su error y Kenner Productos comercializó los juguetes de una manera que haría a Lucas forjar un imperio, Matel puso manos a la obra con Mark Taylor, Donald F. Glut y Roger Sweet para desarrollar una línea para competir.

Como esto no pretende ser una clase de historia sobre juguetes, basta decir que la línea de juguetes del poderoso Torak, junto a elementos reciclados incluso de la línea de Big Jim, sirvieron para que He-Man viera la luz y alcanzara popularidad gracias a una serie animada de inicios de los 80s. El propósito de la misma era vender juguetes, y dar un mensaje educativo al final, para evitar problemas de regulaciones.

La nueva versión, la cual pasó décadas en distintos desarrollos, en donde Jeff Wadlow esperaba dirigir una cinta en el 2015, o incluso el mismo David S.Goyer con su propuesta de He-Man y Battle Cat tuvieron cabida, y brincó de Sony a Netflix y finalmente fue producida por Amazon MGM es consistente con el origen de la cinta, ya que independientemente de si a uno le gusta o no, cumple el propósito de vender un producto a los consumidores interesados, solo que ahora no son figuras de acción, sino productos de colección y consumo, como las palomeras de castillos, gatos, o vasos con forma de espada. Todo esto me tocó verlo de primera mano en la pasada CinemaCon, y se notaba un cuidado particular en estos productos asociados con una película, la cual al parecer era solo el pretexto para que fueran creados, incluso si su público objetivo no era tan extendido, sino que se limitaba a cuarentones, cincuentones, y sus hijos que podrían estar interesados.

Ok, mucho antecedente, pero todo tiene que ver con lo que pasa con la cinta. Soy fan del trabajo de Travis Knight, director de esta y otras obras como Bumblebee, la que es la mejor película de acción real de Transformers, así como Kubo y las dos cuerdas, hecha por su estudio de animación de Stop Motion, Laika, responsable de otras joyas como Coraline y la próxima a salir Wildwood. Travis tiene un enfoque en historias fantásticas y emocionales, y si no me crees, solo ve el tráiler de Wildwood sin sentir algún tipo de emoción.

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Enfocandonos ahora sí en la cinta, la nueva entrega de He-Man funciona hasta cierto punto, pero se notan más buenas intenciones y aquello que te hace sentir al final, con una ejecución competente pero desordenada en donde su desarrollo toma más tiempo del que debe, no define una dirección concreta para saber si honra el legado, lo reinventa o se burla de él (o todo al mismo tiempo), acepta que debe de tomarse a la ligera, y recuerda que es un producto por comité que busca rescatar un guión original para Netflix dentro de una compañía capaz de venderte todo lo que quiera como lo es Amazon. El nuevo guion que tuvo las manos de Chris Buttle, AaAron Nee y David Callahan, con historia del mismo Aaron, Alex Litvax y David Finch en ocasiones se pelea consigo mismo para saber qué quiere conservar y qué debe de mostrar mientras Knight hace malabares con un cast que combina figuras reconocibles como Idris Elba y Jared Leto (asombrosamente el mejor actor de la cinta), con talentos emergentes como Nicholas Galitzine y Camila Mendes, así como Alison Brie, que es la única que entendió que para hacer este tipo de películas, te lo debes tomar a la ligera y pasártela bien.

Entonces, si tenemos varios elementos que funcionan bien, la cinta debería ser buena, ¿verdad? No necesariamente. De manera similar a Dungeons and Dragons: Honor among thieves, es un producto derivative de un producto derivative. Una película basada en una serie animada de los 80’s basada en juegos o juguetes reconocidos. En el caso de los Calabozos y Dragones, parece ser inspiración y el producto más exitoso, mientras que esta versión de He-Man es el primo incómodo del humor de Thor Ragnarok que llega cuando Marvel cae gordo, junto a las buenas intenciones de los Calabozos, y se nota que todos se esfuerzan en contarte un chiste que creen que es gracioso pero que no lo es del todo, y es más cercano a un “dad joke” incómodo, en donde la mayoría de las veces quieres reírte porque te cae bien quien te lo dice, y no porque en realidad te cause gracia,

El mayor atributo de la cinta es su honestidad, y la realización de un Barbie Inverso. Mientras que la anterior cinta de Matel, dirigida por Greta Gerwit, tiene un guion más ingenioso y habla de una figura ficticia idealizada que busca ser humana y vivir en nuestro entorno, nuestro príncipe Adam vive en la monotonía de nuestro mundo y lo que desea es escapar a ese mundo que conoció en el pasado, cuando todo parecía fantástico y seguro, con personajes coloridos y grandes aventuras. Incluso en una de las escenas, es incapaz de establecer una conexión que sea más que superficial en una cita, ya que se la pasa hablando de ese mundo que sigue en su cabeza, mientras acepta responsabilidades a regañadientes, y toma Coca-Cola, quien junto al camión de Amazon y la playera de Nike muestran la presencia de marcas con más relevancia que algunos personajes.

La cinta reconoce su audiencia y busca encontrar un punto medio para la fanaticada geek, en donde no se burla de su audiencia como lo hacía The Big Bang Theory, ni es parte totalmente del grupo, como pasó como con Community, y la única razón por la que funciona es porque Travis conoce el tipo de personaje del cual va a contar la historia. He-Man es un heredero privilegiado de un mundo maravilloso que, aunque no sepa qué hacer con su vida, puede acceder a un gran poder para cambiar las cosas. El Nepo Baby de Eternia tiene eso en común con Travis Knight, hijo del jefazo de Nike, quien estuvo un tiempo sin propósito hasta que se dio cuenta que le gustaba la animación, empezó desde abajo, y puso el dinero del papá a trabajar para hacer uno de los estudios de animación más respetados actualmente. Ambos tienen el poder y quieren usarlo genuinamente para hacer las cosas bien.

Curiosamente la mayor influencia en la cinta no es la primera entrega de He-Man, aunque tenemos la aparición del musculoso original, sino Flash Gordon, en donde un estilo más cheesy y camp funciona y su humor no se siente tan forzado como en esta entrega de He-Man. Y en serio, es el tipo de humor que disfruto, pero mientras veía la película debí haber hecho un drinking game con los chistes que no terminaban de encajar, o con humor que no debería estar en un producto familiar. Un chiste sobre Fisto es divertido, pero repetirlo una y otra vez es desgastante.

Curiosamente, además del gran acierto que hay con el cast en donde todos funcionan bien, y Leto sobresale al darnos a un villano reventón clásico, es nuevamente esa búsqueda en contar una historia que se sienta sincera. Hay dos grandes aciertos que encontré con la cinta, en donde Adam busca resolver el conflicto, pero no con golpes, algo que la primera entrega de Guardians of the Galaxy quiso hacer, pero no se animó, y aquí la violencia se debe usar como último recurso. Dato de trivia, He-Man nunca usa su espada para atacar en la serie animada original, mostrando así una contención en el uso de este poder. El segundo grana cierto es en la naturaleza del mal. Skeletor no necesita sobreexplicaciones que parecen sacadas de películas mexicanas de bajo presupuesto, en donde el malo es malo porque lo violaron de chiquito, o fue manipulado por otras fuerzas, y eventualmente, al estilo de Maléfica, conoceremos su historia. Claro, eso está en el lore nada definido de He-Man, en donde dependiendo la versión puede ser el tío de Adam o un demonio de otra dimensión, pero aquí es un villano incapaz de redención. Es una entidad poderosa e insegura que gusta de lo teatral y no le interesa otra cosa más que ser el malo de malolandia. En tiempos en donde al parecer todo necesita justificaciones, mucha veces innecesarias, se agradece que se abrace esto, así como los distintos subtextos en las relaciones de los personajes, en donde uno se pregunta si su lanzamiento durante junio, el mes del orgullo, estuvo muy calculado, ya que no solo es Evil Lyn quien al ver la musculatura de He-Man siente algo que no es hambre en el estómago.

La cinta moderniza aspectos de personajes con nombres tan absurdos que solo pudieron venir de la mente de un niño que añora su infancia, y al final cumple con ese sentimiento de nostalgia satisfecha para los que conocimos al personaje. Eso puede hacer que se le perdonen sus múltiples fallas, además de que tiene la promesa de futuras entregas, las cuales dependerán ya sea de la taquilla o los caprichos de Amazon, para ver si llegarán a la luz. Aunque el verdadero propósito de la cinta sea, así como fue con la animación, la venta de juguetes y coleccionables. Mientras que las cintas de Transformers en su trilogía original llegaron a recaudar 2,600 millones de dólares, las atracciones en parques de diversiones trajeron 50 mil dólares, las ventas en DVD y Blu-Rays 740 millones, pero el auge máximo vino con la venta de mercancía coleccionable, con más de 7 mil millones de dólares. Si bien la cinta tuvo un estreno malo, con 30 millones recaudados en Estados Unidos en su primer fin de semana, con un presupuesto de 170 millones, parte del presupuesto viene por la publicidad integrada y la venta de juguetes y sobre todo de palomeras. Pagar más de 700 pesos por un vaso con forma de la espada del poder sirve para sacarle más dinero a menos personas, y eso ayuda para que el negocio crezca.

Es interesante como las ultimas semanas estamos encontrando en donde están los intereses de las audiencias y las realidades que deben de confrontar los estudios. Scary Movie y He-Man traen ese sentido de nostalgia, y aunque una es definitivamente mejor que la otra, no resuenan fuera de sus nichos, o son objetivamente malas, en el caso de Scary Movie (aunque en su defensa, no es como si buscara ser buena). Por otro lado, el combo de Obsession y Backrooms trasciende la audiencia joven y muestra que puede resonar de mejor manera y a más largo plazo, siendo productos rentables de los cuales hay lecciones por aprender. Por el otro, tenemos a Disney, que con un desganado Mandaloriano muestra que incluso caballos de carga pesada como la franquicia de Star Wars ya están cansados, y el querer recuperar viejas glorias con la llegada de Avengers: Doomsday, y el intento forzado de querer hacer un Barbenheimer al querer asociarse con Dune y crear el “Dunesday” se nota desesperado, cuando el verdadero Barbenheimer de este año fue con Obsession y Backrooms, en dondela primera ayudó a la segunda a que se creara un momentum en que las audiencias buscan historias frescas que resuenan más allá de la gran pantalla.

La nostalgia puede ayudar, ya que un producto conocido es de más fácil acceso que uno completamente nuevo, como mostró The Devil Wears Prada 2, que llega como secuela tardía pero exitosa. Los 7 años entre cintas de Star Wars no ayudaron cuando la marca se devalúa y se volvió producto para verse en streaming. En el caso de He-Man, con una cinta mediana con buenas intenciones, pero un reconocimiento de marca de nicho habrá que conformarse con su propósito de ser comercial de productos, siendo en efecto, un Barbie inverso. Los buenos recuerdos y las figuras retro siguen siendo producto especializado que vive más en la memoria que en la taquilla. Y es que incluso ya la nostalgia no es lo que era.