Brescia si conferma un laboratorio all’avanguardia nella gestione del patrimonio culturale pubblico. Con il lancio di Prospero, il nuovo catalogo digitale delle Collezioni civiche presentato da Fondazione Brescia Musei e dal Comune di Brescia, la città compie un decisivo salto in avanti verso una fruizione democratica, aperta e contemporanea dell’arte.

Non si tratta semplicemente della trasposizione online di una banca dati preesistente, ma di una vera e propria piattaforma proprietaria, concepita per essere flessibile, intuitiva e costantemente aggiornata in tempo reale. Sviluppato in sinergia con il partner tecnologico Evoluzione Telematica, il portale riorganizza un immenso patrimonio di oltre 51.000 schede già digitalizzate (su un totale stimato di circa 90.000 oggetti), offrendo in questa prima fase di lancio una selezione di oltre 1.100 opere relative alle sezioni “Opere d’Arte” e “Disegni”.

L’eredità di Prospero Rizzini: svelare i capolavori nascosti nei depositi

Il nome scelto per il progetto è un esplicito omaggio a Prospero Rizzini (1830-1918), storico direttore dei Musei Civici che già a fine Ottocento applicò criteri scientifici e moderni all’organizzazione e alla catalogazione delle raccolte. Quella stessa attitudine razionale e lungimirante viene oggi tradotta in codice digitale, permettendo al pubblico di esplorare opere spesso conservate nei depositi o non immediatamente visibili lungo i percorsi espositivi tradizionali.

Dati aperti e validati contro la frammentazione informativa del web

In un’epoca in cui l’accesso alle informazioni è sempre più frammentato e mediato da algoritmi e intelligenze artificiali non verificate, la scelta strategica della Fondazione Brescia Musei – guidata dalla presidente Francesca Bazoli e dal direttore Stefano Karadjov – acquisisce una forte valenza scientifica ed educativa. L’obiettivo è offrire alla rete una fonte di dati ufficiale, autorevole, completamente libera e senza necessità di registrazione, scientificamente validata dai conservatori.

L’iniziativa, supportata da Metal Work e arricchita dalle competenze delle nuove generazioni grazie al progetto del Servizio Civile, si inserisce perfettamente nelle celebrazioni per il bicentenario del ritrovamento della celebre Vittoria Alata. Con Prospero, Brescia non solo rende accessibile la propria memoria storica, ma si posiziona come modello virtuoso di innovazione tecnologica e trasparenza culturale nel panorama delle istituzioni museali europee.

L'articolo Prospero: l’ecosistema digitale di Brescia che ridisegna la fruizione dell’arte proviene da Collezione da Tiffany.

Massimo Giorgetti, il fondatore del brand di moda MSGM, sta preparando le sue prossime collezioni uomo e donna ma non ha rinunciato a questo nostro incontro per parlare di arte contemporanea. Quanto è stato difficile riuscire a incastrarsi nella sua agenda, tanto è stato facile trovarsi in sintonia con lui, anche per la disponibilità a chiacchierare non solo della sua collezione. Appena sono entrato nel suo studio, pieno di libri, cataloghi e opere d’arte, gli ho subito svelato che avevo già abbozzato il suo ritratto di collezionista, quello che introduce questa intervista. Gli ho detto, infatti, che prima del nostro appuntamento mi ero dovuto preparare molto sul suo intenso rapporto con l’arte contemporanea. “Io invece non mi sono preparato” mi ha risposto, per mettermi a mio agio ho pensato. E prima di passare alle domande gli ho ribadito il perché avevo deciso di contattarlo su Instagram.

Massimo Giorgetti rappresenta quei collezionisti che oltre ad acquistare opere, diventano dei veri e propri engagé dell’arte contemporanea. Qualche anno fa, infatti, ha curato una mostra a Riccione dall’enigmatico titolo ANEMOIA, neologismo che indica la nostalgia per un luogo, una persona, un tempo di cui non si è fatta esperienza o conoscenza diretta.

Dopo aver letto alcune sue precedenti interviste, per lui parlerei piuttosto di nostalgia di futuro, per citare Ray Bradbury. Nelle sue parole si respira un’aria di curiosità per quello che accade in continuazione, un’attitudine a sperimentare e una capacità di percepire lo spirito dei tempi nel continuo divenire. Massimo Giorgetti ama molto questi tempi, i nostri giorni, e per essi ha coniato l’aggettivo sconfusionati. Nonostante questo, però, sembra proprio che li rincorra, anche per poi anticiparli.

Ma cosa si può inseguire quando si vogliono tallonare i tempi (e il tempo) nel loro essere proteiformi? Per Giorgetti sicuramente c’è la moda (e cosa c’è di più mutevole, passeggero e sfuggente?)  e poi c’è tutto quello che di creativo la influenza e la feconda: la musica, i colori, i libri, le città (e Milano in particolare), la provincia di origine, le architetture e anche l’arte. Per un appassionato di contemporaneo come lui, che è diventato collezionista, un’opera d’arte è simbolo di un desiderio, è l’oggetto reale che rimanda a qualcosa di intangibile. L’arte contemporanea, poi, per un creativo potrebbe essere un detonatore di inventiva, o forse qualcosa di simile ad un enzima. Prima di incontrarlo mi sono chiesto: sono questi i motivi per cui la sostiene in varie forme?

Nelle sue risposte Massimo Giorgetti racconta molto del suo rapporto con le opere che possiede, una relazione che si intensifica molto dopo l’acquisto. Oltre ad aver curato mostre, Giorgetti è anche il fondatore e lead patron di Ordet – galleria/piattaforma di produzione artistica – che ha fondato insieme a Edoardo Bonaspetti e Stefano Cernuschi (la prima sede era nei vecchi uffici della MSGM, mentre ora è in via Filippino Lippi con accanto il bookshop di Lenz Press).

C’è di più: in occasione della personale di Davide Monaldi, nella galleria Ncontemporary, Giorgetti ha scritto per lui un testo di galleria in cui ha rievocato il primo incontro con una ceramica dell’artista in fiera, opera che ora fa parte della sua collezione. A proposito di fiere d’arte, dal Miart del 2023 è stato istituito il premio che porta il suo nome e che ha già assegnato 5.000 euro alle artiste vincitrici nel corso degli ultimi quattro anni Jenna Bliss, Isabella Costabile, Chiara Enzo e Theresa Buchner. Giorgetti è anche patron di Palazzo Monti, a Brescia, progetto fondato dal suo caro amico Edoardo Monti, inoltre qualche mese ha organizzato una sfilata della sua collezione tra le mura della Fondazione ICA – Istituto per l’arte contemporanea a Milano e mi ha anticipato che la prossima sarà proprio nella galleria ORDET. 

Prima di cominciare gli ho chiesto se potesse dirmi il numero delle opere in collezione e ho scoperto che sono circa 200, anche se lui non le ha mai effettivamente contate, e poi ha aggiunto “l’ultima arrivata è un dipinto di Salman Thoor, visto ad Artissima, ma tutto è cominciato nel 2014 con l’acquisto di un arazzo di Boetti”.

Salvatore Ditaranto: Come collezionista c’è un fil rouge che tiene insieme la tua collezione?

Massimo Giorgetti: Più che un collezionista mi definirei un “casinista”. Non c’è un filo conduttore, né per le opere che si trovano in parte qui nel mio ufficio e nemmeno in quelle che ho in casa. Ci sono due cose di me che possono sembrare in contraddizione con l’idea che si ha di alcuni collezionisti: la prima è che non ho mai comprato un’opera con l’idea di fare un investimento, la seconda è che devo confessare che mi è capitato di rivendere un’opera. È successo soltanto una volta, era una tela di Nicolas Party, e tutt’ora me ne pento tantissimo. Mi avevano offerto una cifra che era quattro volte quello che l’avevo pagata e alla fine ho deciso di privarmene. Anche se mi pento tantissimo: mi manca quel ritratto! 

SD: Si sente molto il dispiacere. Cosa è allora per te collezionare?

MG: Io colleziono soltanto opere che, non appena le vedo, mi emozionano tanto. Compro dipinti, o ceramiche, per il desiderio di avere l’arte a casa e di poterla guardare la mattina al risveglio o nel weekend, per il desiderio di tenere vicina un’opera in tutti i momenti che voglio. Non sono affrettato negli acquisti. Quando visito le mostre o le gallerie fotografo le cose che mi colpiscono e poi penso e ripenso a cosa ho fotografato. Solo quando capisco che c’è qualcosa che vale la pena di appendere in casa, allora la compro. Ogni mio acquisto è molto ponderato, pensato e valutato molto bene. Non acquisto mai istintivamente, anche se l’emozione che sento al primo sguardo, mi guida nelle riflessioni dei giorni successivi. Io vengo da una famiglia di umili origini e quando ho capito che, grazie al mio lavoro, potevo permettermi delle opere che mi piacevano e che avevo desiderato, alle fiere e nelle gallerie mi sono sentito come un bambino in un negozio di giocattoli. Ci sono stati momenti, in cui potevo scegliere se comprare un Boetti o un’opera di Carla Accardi, un dipinto di Fratino o una foto di Tillmans, che ho dovuto dire a me stesso di darmi una calmata. Sono una persona che pensa molto alla cifra che si spende per un’opera, ma spero di rimanere sempre così: uno che non pensa all’arte come ad un investimento finanziario.

SD: Qui nel tuo studio vedo alcuni dipinti e so che collezioni delle ceramiche. Hai anche opere di fotografia, videoarte o performances?

MG: Ho delle fotografie, ma non possiedo opere di videoarte. Ho un brutto rapporto con l’apparecchio televisivo, perché esteticamente non mi piace e lo terrei sempre nascosto. Non sono convinto mi piacerebbe avere delle opere per cui dovrei tenere acceso uno schermo. C’è un’opera di Diego Marcon che mi aveva emozionato molto, ma non ho voluto acquistarla per non doverla tenere chiusa in un magazzino o in uno storage. Soffro anche per i dipinti che non posso tenere esposti come vorrei, perché non ho abbastanza pareti libere…

SD: Hai curato la mostra Anemoia, hai fondato e sei patron di Ordet a Milano, hai istituito un premio per emergenti all’interno del MIART, hai scritto un testo di galleria per la personale di Davide Monaldi, hai organizzato una sfilata all’interno dell’ICA a Milano: il tuo rapporto con l’arte contemporanea mi sembra un continuo scambio, quasi enzimatico direi. Ne parleresti così o come?

MG: Non userei la parola scambio, perché presuppone un baratto. Io vivo l’arte più come un arricchimento in senso unidirezionale, mi sento di essere quasi un ladro che si arricchisce e basta. Mi sembra di dare poco in cambio rispetto a tutto quello che prendo.

In questo senso più che uno scambio enzimatico, che può sembrare una cosa alla pari, io direi che ricevo un arricchimento, fatto di gioia, bellezza, cultura, che è al tempo stesso estetico ed emozionale. Mi piace la tua definizione di scambio enzimatico ma io mi sento sempre in difetto, sento di essere uno che prende e non restituisce abbastanza.

Mi sento proprio un ladro di energie. Non so se esista una figura, come può essere Robin Hood, per dare l’idea che desidero essere sempre più un collezionista che ridà indietro, anche moltiplicato, quello che sento di ricevere dall’arte. Avverto molto questa responsabilità nei confronti dell’arte. E ti confesso che spesso, negli incontri con gli artisti, quello più emozionato sono io perché conosco persone che mi arricchiranno.

SD: Mi spiace non avere con me una telecamera, perché vorrei che il lettore potesse vedere e ascoltare la tua passione nel dirmi quello che provi. Il tuo entusiasmo è una calamita e credo che questo venga percepito da chi ti incontra, come sta succedendo a me. A proposito di incontri, Umberto Eco ha scritto “la principale funzione della biblioteca, almeno la funzione della biblioteca di casa mia e di qualsiasi amico che possiamo andare a visitare, è di scoprire dei libri di cui non si sospettava l’esistenza, e che tuttavia si scoprono essere di estrema importanza per noi”. A questo punto ti chiedo: qual è l’opera nella tua collezione che potrebbe sorprendere?

MG: Mi sarei dovuto preparare, così non avrei dovuto pensarci ora! (qui Massimo Giorgetti tira gli occhi all’insù, come quando tutti noi cerchiamo nella nostra memoria qualcosa che sappiamo esserci ma che dobbiamo ritrovare e dopo un po’ mi dice “ci sto pensando bene”! e poi riprende…)   

Ci sono due opere di cui potrei parlarti, forse non sono le mie preferite, e sono appese entrambe nella mia sala da pranzo. La prima è una gigantesca opera di Brian Calvin, con una ragazza bianca, caucasica, come è nel suo stile, e di fianco ho messo un autoritratto di Thelonius Stokes, artista americano che vive a Firenze, che si è ridipinto di nero con il ghigno come Joker. Queste due opere, messe vicine creano un incidente culturale ed etnico in casa mia, e insieme mi emozionano sempre.

SD: Sembra che tu dia molta importanza non solo all’acquisto delle opere ma anche al loro allestimento.

MG: A casa mi sento un po’ come un curatore in galleria o per una mostra. Sposto, allestisco, gioco ad accostare le opere che insieme possono dire qualcosa o rappresentare un tema particolare, un’idea di comunità o una corrente espressiva. Ho una parete con opere di artisti LGBTQ+ e poi un’altra parete con artisti established. Su uno stesso muro ho appeso alcune opere di giovani artisti che abitano a Milano come Emilio Gola, Roberto de Pinto e Iva Lulashi. C’è poi la parete con opere astratte con Jim Lambie e un altro artista romano incredibile che si chiama Riccardo Cordero.

SD: A proposito di case mi viene in mente il romanzo “Un eredità di avorio e ambra”. Tra le pagine di quel libro si legge “gli oggetti sono sempre stati trasportati, venduti, scambiati, rubati, recuperati e perduti. Le persone hanno sempre fatto regali. Quello che conta è come racconti la loro storia”. C’è una storia che vorresti raccontare legata ad un’opera da te commissionata o posseduta?

MG: Fino ad ora non ho mai commissionato opere e forse potrei deluderti se ti dico che non ho una storia divertente…

(a sentire queste parole forse il mio sguardo è davvero deluso perché a questo punto Massimo Giorgetti si ricorda di qualcosa e mi racconta come è nata la sua amicizia con Nathalie Du Pasquier)

MG: Ho conosciuto Nathalie du Pasquier perché nei primi anni di MSGM avevo usato una sua bellissima stampa del periodo Memphis per delle T-shirt. La stampa mi era stata proposta da un’azienda che mi aveva assicurato che fosse libera da diritti e che io potessi usarla. Dopo un anno, mi arriva una mail della Nathalie du Pasquier che affermava che avevo copiato una sua stampa, di cui aveva la proprietà intellettuale, e mi chiedeva un modo per accordarci legalmente, anche dal punto di vista economico. Le ho risposto che per me era un piacere conoscerla, che ero da sempre un suo grande ammiratore e le ho proposto un incontro. Quando ci siamo visti le ho spiegato quello che era successo e che da parte mia non c’era dolo ma una grande venerazione. Non la faccio lunga: una cosa che poteva avere strascichi legali ha fatto nascere un’amicizia. Io poi ho comprato alcune opere di Nathalie du Pasquier e lei mi ha regalato i quattro stendardi-bandiere che si possono vedere nel mio ufficio. Ho anche una sua meravigliosa serie di dieci mini-quadri, che ho appeso in cucina, sulla gestualità con delle mani protagoniste. È successo anche con altri artisti, che dagli incontri nascessero interessanti amicizie e qualcuno mi fa anche arrivare delle piccole opere d’arte in regalo. Un gesto che mi colpisce sempre.

SD: “Ogni immagine più che del soggetto ci parla dello sguardo dell’autore” hanno scritto Gayford e Hockney. Una collezione ci parla molto anche dei collezionisti: la tua cosa potrebbe dirci di te?

MG: Sicuramente potrebbe dire che amo il colore e che sono attratto proprio dal segno della pennellata sulla tela. Mi piace vedere il brush e la manualità del gesto. Inoltre, si capirebbe che da sempre amo i ritratti. Ne ho tantissimi. Il mio lavoro è spesso cercare i volti di chi indosserà la collezione e questa è un’attitudine che mi piace, un po’ come quando scopro nuove opere. Mi piacciono anche quelle foto con immagini “sexy”, penso a Wolfgang Tillmans, Robert Mapplerthorpe o Larry Stanton. La mia collezione parla del mondo che mi circonda, anche del mio essere un omosessuale libero che ha la fortuna di vivere la sua omosessualità serenamente. Questa è una cosa che non do mai per scontato, ogni giorno mi ripeto che sono molto fortunato perché so che non è così in tutto il mondo! La mia è una collezione che racconta anche questo: sia del mio impegno lavorativo che della mia fortuna. Ogni giorno capisco che essere un omosessuale, caucasico, bianco, benestante, in questa parte del mondo è una fortuna, come poter vivere a Milano e poter viaggiare. Stiamo vivendo un momento molto complicato, con dei governi che stanno adottando politiche restrittive verso i diritti della comunità LGBTQIA+. Le mie opere dicono anche questo.

SD: Lo scrittore Thomas Bernhard in ‘Antichi Maestri’ scrive “Per quanto ciò sia assurdo (…) se guardo un quadro ho la sensazione e la convinzione che sia stato dipinto solamente per me…”. Come collezionista hai mai provato la stessa cosa davanti ad un’opera che poi hai comprato? O magari per un’opera che hai visto in un museo o che non hai in collezione…

MG: Bellissima domanda, anche se non ho mai provato questa sensazione. Ho il ricordo di una serie di tele di Emilio Gola, di cui ho solo un’opera, con dei ragazzi stesi sul prato… e la prima volta che li ho visti mi sono proprio ritrovato completamente nella mia giovinezza e nella spensieratezza di quel periodo. La stessa cosa l’ho provata per alcune opere di Larry Stanton, che ho conosciuto grazie a Fabio Cherstich. Mi ritrovo in quel tipo di ricerca estetica e di rappresentazione dei volti perché, come dicevo prima, a me piacciono tanto i volti, una cosa che fa parte del mio lavoro…

SD: Alan Bennett nel suo scritto ‘I quadri che mi piacciono’ confessa: “Il mio criterio di giudizio è piuttosto superficiale, e mi riesce difficile separarlo dall’idea di possesso. Così so che un quadro mi piace solo quando ho la tentazione di portarmelo via nascosto sotto l’impermeabile”. Concordi con Bennett?

MG: L’idea di possesso è molto lontana da me perché non mi interessa fino in fondo. Quando vado alle fiere o nelle gallerie, non compro quasi mai. È raro che decida di prendere e portare via un’opera all’istante. Come dicevo all’inizio, solitamente osservo, faccio delle foto, ritorno a guardare la galleria di immagini sul telefono… può passare una settimana o un mese e solo dopo, magari chiamo la galleria, come è successo anche al Miart di quest’anno, per due facce meravigliose dell’artista inglese Katja Farin. Prima di comprare devo metabolizzare quello che ho visto, deve nascere in me il desiderio non di possedere l’opera, ma di averla vicina a me. Di poterla guardare quando voglio e dove voglio. Per assurdo, se si potesse, mi piacerebbe anche solo poter affittare un’opera che mi ha colpito e poi renderla indietro…può succedere che di qualcosa ci si possa anche stufare. Se le opere potessero essere prese in affitto, magari per un anno, io prenderei subito un taglio di Fontana…

SD: Ottima idea per un nuovo business. Ti cito l’illustratore francese Pierre Le-Tan che, parlando dei collezionisti che aveva conosciuto, come a voler dare un consiglio generale, scrive “un collezionista avveduto compra sempre pezzi estranei alle mode”. Tu quando compri un’opera cosa segui?

MG: Non sono molto d’accordo su questo. Anche se uno cercasse di essere fuori dalle mode, credo che poi inconsciamente si ritroverebbe comunque influenzato. Il mio lavoro poi è proprio captare i trend, capire quello che piace o potrebbe piacere alla gente. E non solo nella moda. Sono curioso anche per quel che riguarda l’arte e il design. Resto convinto, infatti, che bisognerebbe comprare solo quello che a uno piace e io sono interessato al perché di alcune tendenze. Capire le mode, capire perché il mondo segue qualcosa e non qualcos’altro, è una cosa meravigliosa e mi stimola la curiosità.

SD: Gertrude Stein ripeteva agli amici che per fare una collezione è sufficiente risparmiare sul proprio guardaroba. A cosa rinunceresti per un’opera d’arte?

MG: Per un’opera d’arte ho fatto delle rinunce, scegliendo coscienziosamente di fare delle scelte alternative, ad esempio su un certo tipo di vacanze. In questo momento particolare si possono ricalibrare alcune opzioni, penso agli hotel di lusso a cui posso rinunciare per comprare un’opera d’arte. 

SD: Potremmo paragonare un collezionista ad un giardiniere che cura il suo giardino, ad un editore che sceglie i libri da mettere nel suo catalogo, ad una famiglia che adotta, ad un custode che conserva. Tu a cosa ti paragoneresti come collezionista?

MG: Forse mi paragonerei ad un cuoco, proprio perché la cucina mi piace molto. Trovo che il cibo e il vino, mangiare e bere bene, siano cose fondamentali nella vita. Sarei un cuoco che sceglie e mette insieme le cose che gli piacciono e che sa accostare: della frutta colorata, delle verdure particolari e che prepara qualcosa che a lui piace.

SD: Nel gergo della moda si dice presentare una collezione: lo faresti mai con le tue opere d’arte?

MG: Non mi sento quel tipo di collezionista, non credo che prenderò mai una casa in campagna per metterci tutti i miei quadri o le altre opere e tenerle lì. Il rapporto con le mie opere è molto personale, mi piace tenerle vicine, nella quotidianità. Quando alcuni amici vengono a casa e mi chiedono di poter vedere le opere mi piace che scoprano le foto di Luigi Ghirri dietro una porta, o Massimo Vitali nel guardaroba. Ribadisco che le opere devono stare con me, nel mio quotidiano, e mi dispiace doverne tenere alcune chiuse, ancora da scartare, perché non ho trovato il posto dove installarle. Forse questo non fa di me un vero collezionista, ma come dicevo un “casinista”.

SD: Il tuo ufficio è molto ordinato e mi piace molto come sono allestite le opere che vedo. C’è una frase di Mark Rothko che a proposito dei suoi dipinti scriveva “Un quadro vive in compagnia, dilatandosi e ravvivandosi nello sguardo di un visitatore sensibile. Muore per la stessa ragione. È quindi un gesto arrischiato e spietato mandarlo in giro per il mondo”. Una collezione, o una singola opera, può fare compagnia?

MG: Assolutamente sì! Per me le opere sono vive ed è questa la loro potenza e la cosa che ogni volta mi meraviglia. Inoltre, credo che ogni opera assuma diversi significati, e anche diverse vite, a seconda di dove viene messa e a seconda di dove si trova.

SD: Molti collezionisti prima di cominciare ad acquisire si sono messi a studiare. Hai un libro che consiglieresti a chi vuole avvicinarsi al collezionismo di arte?

MG: Non ho dei libri in particolare da consigliare. Io mi sono reso conto di essere diventato un vero collezionista dopo un’edizione del Miart, quando ho organizzato per la prima volta una cena a casa mia. C’erano più di 70 persone e molte di loro non le conoscevo nemmeno personalmente: erano lì, però, a guardare con attenzione le opere che avevo accumulato negli anni. Vedendo gli ospiti muoversi tra i lavori, commentarli e soffermarsi sui dettagli, ho capito che quella che per me era nata in modo spontaneo era ormai percepita dagli altri come una vera collezione.

SD: Prendo in prestito il titolo del libro del collezionista e scrittore Giorgio Soavi “Il quadro che mi manca” e ti chiedo: qual è l’opera che ti manca? Quella che deve ancora arrivare o magari quella che è andata via per sempre…

MG: Oltre l’opera di Nicolas Party, ormai andata, ti racconto una cosa che mi è successa qualche mese fa. Ero a Londra e in una galleria ho visto un dipinto di Bernand Buffet “il clown con il cappello a punta” e sono completamente impazzito. Poi mi hanno detto la quotazione e ho dovuto rinunciare. Mi piacerebbero i totem di Ugo Rondinone o le opere di alcuni nomi di artisti established a cui devo rinunciare per le loro quotazioni. In quei momenti confesso di sentirmi “un vecchio borghese”, ma c’è una voce dentro di me che mi dice “resta giovane! resta giovane!” e quindi continuo a comprare emergenti e mid-career. Per molti l’arte è anche uno status symbol, specialmente in ambienti dove si parla di opere da milioni e milioni e a volte è tutto un “io ce l’ho, tu non ce l’hai… presto ce l’avrò”. Io non vivo l’arte come status symbol, anche se un taglio di Fontana mi piacerebbe o perché no una sua ceramica?

SD: Penultima domanda: ci consigli un posto, anche fuori dai soliti giri, che un appassionato di arte dovrebbe conoscere?

MG: Io consiglio a tutti la Casa Museo Boschi Di Stefano a Milano. L’ho scoperta poco tempo fa e sono ancora incredulo del perché nessuno mi avesse parlato di quella meraviglia. Credo si dovrebbero fare dei poster e delle locandine per segnalarla meglio. In quell’appartamento c’è una quantità incredibile di opere da vedere ed è pieno di artisti che io non conoscevo. Uno dovrebbe tornarci due volte all’anno solo per arricchirsi delle bellezze che contiene.

SD: Siamo all’ultima domanda: Elio Fiorucci in un’intervista al Corriere disse che prima di andare a letto, per dormire bene, lui pensava ad una donna nuda. A cosa pensa un collezionista, un creativo come te, prima di addormentarsi?

MG: Io penso a 150 milioni di miliardi di cose random e anche a cose molto personali e intime. Cerco di non pensare né al lavoro né all’arte né alla moda. Il momento prima dell’addormentamento per me è molto importante perché cerco piano piano di andare in una dimensione dove poi mi spengo. Finalmente ora, dopo quarant’anni, dormo bene e anche per setto/otto ore. Questo è un grande traguardo anche perché l’arte e il design sono passioni che influenzano il mio lavoro, sono quasi un’altra branca del mio impegno quotidiano e invece credo che pensare a cose personali sia un buon modo di difendere una parte di sé, di proteggersi…

Dopo l’ultima risposta l’ho ringraziato per la disponibilità e abbiamo parlato di Isabella Santacroce, di Tondelli e del prossimo film di Luca Guadagnino tratto dal romanzo “Rimini”, di libri accumulati e che si vorrebbero leggere, di capacità di ricordare i nomi degli artisti e degli scrittori, della distrazione nell’era dei social e dello scrolling infinito. Prima di salutarci Massimo Giorgetti mi ha detto che le cose che ci siamo detti gli hanno fatto tornare in mente una martellata di Marcello Maloberti, una di quelle che concentra in poche parole il suo rapporto con il contemporaneo “L’arte è la felicità senza motivo…”.

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Dal 12 giugno all’11 luglio 2026 lo spazio indipendente di Grassobbio dedica una personale al maestro palermitano a cura di Gabriele Lorenzoni. Leporelli, interventi murali e materiali d’archivio erotico per una riflessione sul disegno come forma viva e instabile.

The Drawing Hall di Grassobbio (Bergamo) presenta Salon Kitty, la nuova mostra personale di Francesco De Grandi a cura di Gabriele Lorenzoni, in programma dal 12 giugno all’11 luglio 2026. Il progetto segna il dodicesimo appuntamento espositivo dello spazio fondato da Walter Carrera, Marco Marcassoli e Andrea Mastrovito, confermandone il ruolo di osservatorio privilegiato sul disegno contemporaneo italiano.

La mostra si inserisce nel programma di ricerca di The Drawing Hall, che indaga il disegno non come semplice mezzo preparatorio, ma come linguaggio autonomo, critico e processuale. In questo contesto, Salon Kitty diventa il punto di convergenza tra pratica artistica, immaginario erotico e riflessione sulla natura stessa dell’immagine.

Il riferimento al film di Tinto Brass non è solo iconografico, ma concettuale: come nel cinema erotico la trama può dissolversi a favore di ciò che non ha bisogno di essere narrato, così nel disegno di De Grandi il senso emerge nell’oscillazione tra impulso e controllo, tra desiderio e sospensione. Il disegno diventa così un campo di tensione in cui l’immagine non si stabilizza mai, ma resta costantemente in trasformazione.

In mostra si articolano dispositivi differenti che insistono sulla temporalità del segno. I leporelli funzionano come montaggi continui, archivi mobili che rifiutano la chiusura dell’opera singola. I disegni si presentano come frammenti di un flusso più ampio, tracce di un processo che non si esaurisce nell’oggetto finito. Gli interventi a parete, realizzati direttamente nello spazio espositivo, radicalizzano questa logica: opere destinate alla cancellazione, che esistono come eventi più che come oggetti.

All’interno del progetto trova spazio anche TDH Folder, iniziativa pensata per sostenere la programmazione dello spazio attraverso una forma di partecipazione attiva del pubblico. In questa occasione De Grandi presenta Fiorellino, una serigrafia realizzata su calendari erotici degli anni Settanta, che amplifica ulteriormente il cortocircuito tra immaginario, archivio e gesto disegnativo.

A completare il progetto, il Quaderno n.12 raccoglie una selezione di lavori dell’artista e un contributo critico di Gabriele Lorenzoni, insieme a un’appendice dedicata all’Atlante di anatomia immaginaria. Il progetto è accompagnato inoltre da un documentario realizzato da Yanzi Srl che approfondisce il processo creativo dell’artista e il suo rapporto con il disegno come pratica espansa.

Con Salon Kitty, The Drawing Hall continua a costruire una riflessione sul disegno come forma primaria di pensiero visivo, confermando la propria identità di spazio indipendente dedicato alla ricerca e alla sperimentazione.

L'articolo Francesco De Grandi a The Drawing Hall con Salon Kitty: il disegno come eros, archivio e atto politico proviene da Collezione da Tiffany.

Il Centro Pecci di Prato inaugura l’estate 2026 con due nuove mostre dedicate ai linguaggi del corpo, alle neoavanguardie e alle pratiche artistiche di rottura del secondo Novecento: CARNALE, ampia rilettura dell’opera di Verita Monselles, e ROTTE, grande percorso attraverso la donazione del collezionista pratese Carlo Palli.

Verita Monselles. CARNALE: il corpo come atto politico

Si intitola CARNALE la mostra che il Centro Pecci dedica a Verita Monselles (1929–2004), prima mostra in un centro d’arte contemporanea italiano dedicata all’artista e fotografa, figura rimasta a lungo ai margini della storiografia ufficiale nonostante i legami profondi con alcune protagoniste della ricerca femminile e femminista come Ketty La Rocca, Tomaso Binga e Lara-Vinca Masini.

Nata a Buenos Aires e cresciuta a Firenze, Monselles approda alla fotografia alla fine degli anni Sessanta come strumento di narrazione autobiografica e collettiva. Il suo lavoro affronta la condizione femminile in una società cattolica e repressiva: maternità, sessualità, religione e convenzioni borghesi diventano il terreno di immagini sospese tra denuncia, ironia, cultura pop e kitsch volontario.

«Una donna che pone in discussione il suo ruolo di fronte alla maternità, alla famiglia, alla religione, alla sessualità nel contesto di una società repressiva e inadeguata.»— Verita Monselles, 1981

La mostra, curata da Alessandra Acocella, Michele Bertolino e Monica Gallai con allestimento di Giuseppe Ricupero, propone un percorso non cronologico attraverso le diverse anime della produzione di Monselles: dalle prime opere di denuncia femminista — come Ecce Homo (1976) e Paolina Borghese come Venere Contestatrice (1977) — fino alle sperimentazioni video degli anni Ottanta, tra cui Rosematic (1984), dove modelle e figure si ibridano con elementi del mondo animale e vegetale in una metamorfosi onirica e cosmica.

Manichini, animali impagliati, gabbie e oggetti devozionali attraversano le sue opere come strumenti di messa in scena e sovversione dei ruoli di genere. L’estetica pubblicitaria e il linguaggio della moda — Monselles collaborò anche con l’azienda toscana Cavallini — vengono assorbiti e rielaborati in chiave critica.

«Non c’è quasi mai, nelle fotografie di Verita, aggressività — ma un senso di doloroso rifiuto contro ogni potere espresso dal “maschile”.»— Lara-Vinca Masini

A vent’anni dall’ultima personale curata da Lara-Vinca Masini — di cui il Pecci conserva l’archivio — CARNALE riporta al centro del dibattito una figura ancora poco studiata, capace di mettere in relazione immaginario pubblicitario, identità di genere e desiderio. Le opere in mostra provengono dall’Archivio Fotografico Toscano, Fondo Verita Monselles.

ROTTE. Arte di rottura dalla donazione Carlo Palli

La seconda grande mostra dell’estate celebra il lascito del collezionista pratese Carlo Palli, che nel maggio 2025 ha sottoscritto una delle più estese donazioni mai ricevute da un museo d’arte contemporanea italiano.

Curata da Stefano Pezzato, responsabile di collezione e archivi del Pecci, e allestita da Ibrahim Kombarji nelle nove sale storiche progettate da Italo Gamberini, ROTTE seleziona 150 opere di oltre settanta artisti tra i quasi 800 lavori e documenti donati: dalla raccolta privata di Palli alla sua collezione Fluxus, fino alle opere di Poesia Visiva.

Il percorso attraversa alcune delle principali esperienze artistiche del secondo Novecento: il Gruppo 70, le neoavanguardie, Fluxus, il Nouveau Réalisme, l’arte concettuale e processuale, la Transavanguardia. Nomi come Joseph Beuys, Yoko Ono, Nam June Paik, Michelangelo Pistoletto, Andy Warhol, Daniel Spoerri, Emilio Isgrò, Ketty La Rocca, John Cage e Carolee Schneemann compongono un omaggio alla passione collezionistica di Palli, che ha vissuto il sistema dell’arte dall’interno come mercante, gallerista, banditore d’asta e infine collezionista.

Un percorso controcorrente e fuori dagli schemi: è questa la cifra che Palli ha inseguito per decenni, costruendo una raccolta che ora diventa patrimonio pubblico della sua città. La prima donazione risaliva al 2006, con 200 opere di Poesia Visiva. Il nuovo lascito — che si aggiunge all’acquisizione dell’archivio-biblioteca di Lara-Vinca Masini — consolida ulteriormente il ruolo del museo pratese come punto di riferimento per l’arte contemporanea in Toscana.

Informazioni utili:

• CARNALE – Verita Monselles31 maggio – 30 agosto 2026
• ROTTE – Donazione Carlo Palli31 maggio – 1 novembre 2026

L'articolo Centro Pecci di Prato: due mostre da non perdere nell’estate 2026 proviene da Collezione da Tiffany.

La primavera del 2026 segna un capitolo importante per il mercato dell’arte in Italia. L’asta di Modern & Contemporary Art organizzata da Sotheby’s Milano il 27 maggio ha chiuso con un totale di 11 milioni di euro, superando con autorevolezza la stima massima pre-asta che si attestava tra i 6,96 e i 9,88 milioni. Non si tratta di un semplice scarto numerico: è un segnale forte, che parla di un mercato maturo, selettivo e capace di rispondere con vigore quando l’offerta è di qualità.

Il tasso di vendita per lotto ha raggiunto l’89%, mentre in valore il dato sale al 97,2%, una percentuale che testimonia quanto la competizione tra acquirenti sia stata diffusa e accesa. La media per lotto si è attestata intorno ai 200.000 euro, un indicatore di spessore per una vendita che ha saputo bilanciare accessibilità e ambizione.

La geografia degli acquirenti: Milano sempre più hub europeo

Uno degli elementi più significativi di questa tornata è la composizione geografica della domanda. Oltre la metà degli acquirenti — più del 56% — proveniva dall’estero, confermando una tendenza ormai strutturale: Milano non è più soltanto il centro nevralgico del collezionismo italiano, ma un polo di attrazione autentico per collezionisti, advisor e istituzioni di tutto il mondo. Come ha sottolineato Marta Giani, Head of Modern & Contemporary Art di Sotheby’s Milano, la partecipazione internazionale conferma la città come “un hub sempre più centrale nel panorama europeo”, capace di offrire opere di rilievo in un contesto professionale e competitivo.

Il ruolo della freschezza: opere “fresh-to-market” protagoniste assolute

Se c’è un fattore che ha determinato i risultati più eclatanti della serata, è la provenienza inedita delle opere. Ben il 72% dei lotti in catalogo faceva il proprio debutto assoluto in asta — una percentuale straordinaria che ha alimentato l’interesse dei compratori internazionali e innescato gare al rialzo prolungate. In un mercato sempre più attento alla storia espositiva e alla tracciabilità delle opere, la capacità di Sotheby’s Milano di portare sul mercato lavori “fresh”, mai circolati nelle grandi case d’asta, si è rivelata la vera chiave del successo. Più del 56% dei lotti ha superato la stima massima, un dato che da solo racconta la tensione emotiva ed economica che ha animato la sala.

I grandi protagonisti: Fontana e Morandi dominano la scena

La serata ha avuto i suoi protagonisti indiscussi, e nessuno stupisce più del solito: Lucio Fontana e Giorgio Morandi, due pilastri dell’arte italiana del Novecento, hanno dominato la classifica dei risultati.

Il lotto più importante è stato il Concetto spaziale, Attese di Fontana, aggiudicato per 1,8 milioni di euro contro una stima compresa tra 700.000 e un milione — più del doppio del minimo di stima. Un risultato che non fa che confermare la solidità assoluta del mercato per i “tagli” di Fontana, opere che continuano a polarizzare l’attenzione dei collezionisti globali indipendentemente dalle stagioni del mercato.

Straordinaria anche la performance delle due Nature morte di Giorgio Morandi: la prima, partita con una stima tra 700.000 e un milione, è arrivata a 1,6 milioni di euro; la seconda ha totalizzato 1.024.000 euro contro una stima di partenza di 800.000 euro. In un mercato che premia la qualità e la certezza, Morandi rappresenta da sempre una scelta rifugio di altissimo profilo.

Le sorprese della serata: triplicati e quadruplicati che fanno la storia

Accanto ai grandi nomi, la vera anima dell’asta è stata la vivacità delle sorprese. Il caso più eclatante è quello di Fontana ancora una volta, ma in veste insolita: il lotto 3, Madonna e Putti, scultura che partiva da una stima tra i 40.000 e i 60.000 euro, è stato aggiudicato per 192.000 euro, più di tre volte la stima massima. Un risultato che dimostra come anche le opere meno attese possano scatenare battaglie d’asta imprevedibili quando la provenienza è interessante e la qualità è inequivocabile.

Altrettanto sorprendente il risultato di La casa del vescovo di Antonio Donghi, venduta per 102.400 euro contro una stima di 30.000-40.000 euro: più del doppio del massimo previsto per un pittore che, al di fuori degli specialisti del realismo magico italiano, è ancora troppo sottovalutato dal grande pubblico internazionale. Allo stesso modo, Les horizons et les parcours di Leonardo Cremonini ha raggiunto 140.800 euro contro una stima di 40.000-60.000 euro, ribadendo l’interesse crescente per la generazione di artisti italiani attivi tra gli anni Cinquanta e Settanta, oggi oggetto di una riscrittura critica e collezionistica sempre più intensa.

Mario Schifano, Yves Klein e Pierre Alechinsky: l’internazionale fa il pieno

La vocazione internazionale dell’asta non è stata solo nella geografia degli acquirenti, ma anche nel catalogo. Botticelli 2di Mario Schifano ha raggiunto 562.800 euro partendo da una stima di 300.000-400.000 euro, confermando la quotazione altissima di uno dei più grandi pittori italiani del secondo Novecento. Il Monochrome bleu sans titre (IKB 323) di Yves Klein è stato aggiudicato per 281.600 euro, mentre Personne di Pierre Alechinsky ha totalizzato 192.000 euro: la presenza di maestri del panorama europeo e internazionale in un’asta milanese non è più una novità, ma la continuazione di una strategia di posizionamento che Sotheby’s Milano sta costruendo con coerenza.

L’asta di Sotheby’s Milano del maggio 2026 non è soltanto un buon risultato da annotare nei report di settore. È un testo da leggere con attenzione per chi vuole capire dove sta andando il mercato dell’arte in Italia e in Europa. La combinazione vincente è ormai chiara: opere fresche di mercato, provenienza documentata, artisti di consolidata reputazione critica e internazionale. Il collezionismo globale risponde, e risponde con forza, quando questi elementi si allineano.

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Cosa succede quando un artista torna nei luoghi in cui tutto è iniziato? Non si tratta solo di un viaggio fisico, ma di un attraversamento di memoria, emozioni e trasformazioni. È proprio da questa tensione che nasce Where It All Began, la residenza che porterà Adam Handler a Napoli dall’8 al 13 giugno 2026.

Il progetto nasce da NOH-ART Contemporary in collaborazione con Trium Art Gallery, e vede come figura creativa il noto collezionista napoletano Ernesto Esposito — capace di orientarne la visione con la sua lunga esperienza nel mondo dell’arte contemporanea.

Un ritorno alle origini, vent’anni dopo

Per Adam Handler, Napoli e la Costiera Amalfitana non sono semplici tappe geografiche. Sono i luoghi in cui, giovanissimo, ha iniziato a costruire il suo sguardo sul mondo. È qui che lo studio del disegno dal vero e l’immersione nel contesto culturale italiano hanno lasciato un segno profondo nella sua ricerca. Oggi, a oltre vent’anni di distanza, l’artista torna su quei passi — ma con una consapevolezza diversa, maturata nel tempo attraverso l’evoluzione del suo linguaggio.

Napoli come spazio attivo di creazione

Durante la residenza, Handler lavorerà negli spazi di puntozerovaleriaapicella, uno spazio indipendente d’arte e di ricerca interdisciplinare dedicato alla performance e alle arti visive. Lo spazio occupa un’ex ala del grande chiostro cinquecentesco di Santa Caterina a Formiello — che divenne in epoca Borbonica fabbrica di lana e poi sede di varie attività artigianali, fino a essere fabbrica di scarpe nel dopoguerra. Un luogo carico di storia e stratificazioni, che si affaccia sull’ampio cortile interno dell’ex Lanificio e sulle sue storiche ciminiere in mattone.

Trasformato per l’occasione in uno studio aperto, non un luogo chiuso e inaccessibile, ma un ambiente vivo, visitabile su appuntamento da collezionisti, curatori, critici e addetti ai lavori. Entrare nel processo creativo, osservare da vicino la nascita di un’opera, dialogare con l’artista: esperienze rare, che aggiungono valore e consapevolezza a chi colleziona o si avvicina al collezionismo. E poi c’è Napoli — una città che non fa mai da semplice sfondo, ma che entra nel lavoro, lo attraversa, lo mette alla prova. Il suo dinamismo visivo, la sua densità emotiva, la sua complessità diventano materia viva con cui confrontarsi.

L’open studio: un invito a entrare nel processo

Il momento culminante della residenza sarà venerdì 12 giugno, con un open studio aperto al pubblico. Un’occasione preziosa per vedere le opere nate durante il soggiorno e, soprattutto, per cogliere il “dietro le quinte” della pratica artistica. Non una mostra tradizionale, ma uno spazio di scoperta, dove il lavoro è ancora in divenire e il dialogo resta aperto.

Il valore di un’esperienza autentica  (Perché vale la pena seguirla)

Where It All Began non è solo una residenza, ma un progetto che intreccia biografia, territorio e ricerca artistica. È un’occasione per osservare come il passato possa riattivarsi nel presente, generando nuove possibilità. Per i collezionisti, è anche un’opportunità per avvicinarsi a un momento autentico della produzione artistica, prima che le opere entrino nei circuiti espositivi più strutturati. E per chi è semplicemente curioso, è un invito a guardare l’arte da una prospettiva diversa: più intima, più diretta, più viva.

Chi desidera saperne di più o organizzare una visita può contattare direttamente gli organizzatori. A volte, le esperienze più interessanti nascono proprio così: entrando in punta di piedi, nel momento in cui tutto sta — di nuovo — iniziando.

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L’asta di Arte Moderna e Contemporanea tra performance internazionali e acquisizioni istituzionali

Con oltre 4,7 milioni di euro di fatturato, il 90% dei lotti venduti e una rivalutazione media del 198%, l’asta di Arte Moderna e Contemporanea del 26, 27 e 28 maggio 2026 conferma la propria autorevolezza nel panorama collezionistico internazionale. Articolata in quattro tornate e affiancata dalla sempre più seguita sessione dedicata a Grafiche e Multipli d’artista, la vendita ha registrato una partecipazione intensa e internazionale, confermando il crescente orientamento del mercato verso opere storicizzate, qualità museale e selezione rigorosa.

A dominare la vendita è stato Josef Albers con Study for Homage to the Square: Full Tenor del 1959, aggiudicato a € 384.000. Un risultato che ribadisce la solidità del mercato dell’astrazione geometrica del secondo Novecento e il forte interesse verso opere iconiche sostenute da importanti curriculum espositivi.

Accanto ad Albers, grande protagonista dell’asta è stata Leonor Fini. Il suo Portrait d’Italo Svevo del 1928 ha raggiunto € 358.400, stabilendo un record per un’opera giovanile dell’artista. Dopo una serrata competizione tra bidder, il dipinto è stato acquisito dalla Fondazione CRTrieste, confermando il ruolo sempre più strategico delle istituzioni nella tutela del patrimonio culturale. Il risultato consolida inoltre la crescente attenzione internazionale verso Leonor Fini, oggi al centro di una significativa rivalutazione critica e museale.

Tra gli highlights della vendita si distinguono anche Giorgio Morandi con Fiori del 1946 (€ 256.000), Alberto Magnelli con Entente secrète del 1948 (€ 102.400), Felice Casorati con Fanciulla che dorme del 1955 (€ 96.000) e Massimo Campigli con Ragazza con abito verde / Composizione e figure / Tre figure del 1956 (€ 83.200). Risultati che confermano la tenuta del mercato dedicato ai grandi maestri della pittura italiana del Novecento.

Particolarmente significativo anche il risultato ottenuto da Enfant juif di Medardo Rosso (€ 89.600), rara testimonianza della ricerca rivoluzionaria dell’artista, così come l’interesse registrato per la scultura di Alberto Viani con Nudo seduto del 1949 (€ 83.200).

Ottimi riscontri anche per il secondo Novecento italiano, con Una sera di Salvo venduto a € 128.000, Commandeur di Enrico Baj a € 96.000 e Dada Festival di Mario Schifano a € 89.600. Un insieme di risultati che restituisce l’immagine di un mercato sempre più consapevole, internazionale e distante dalle logiche speculative, capace di premiare opere di qualità museale e artisti storicizzati.

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Ieri sera, 27 maggio 2026, il cortile del Palazzo di Giustizia di Pescara ha ospitato la cerimonia di restituzione alla città dell’opera “Fontana” di Ettore Spalletti, a conclusione di un importante intervento di restauro avviato nel gennaio 2024.

L’evento, promosso dal Tribunale di Pescara con il Sindaco Carlo Masci, è stato introdotto dal giornalista Luca Telese e ha visto la partecipazione di istituzioni, giuristi e figure del mondo dell’arte — tra cui il critico Danilo Eccher e Patrizia Leonelli Spalletti, presidente della Fondazione Ettore Spalletti. A chiudere la serata, un omaggio musicale del Colibrì Ensemble, Orchestra da Camera di Pescara.

Inaugurata nel 2004 a seguito di un concorso bandito l’anno precedente, la “Fontana” è un’ellisse di 15 metri per 9 realizzata in granito nero assoluto dello Zimbabwe. Un sottile velo d’acqua scorre costantemente sulla superficie lapidea, tracimando da una vasca azzurra. Sulla pietra nera, appena decentrata, si staglia una forma in onice rosa. Spalletti stesso la definiva «uno specchio d’acqua che ricorda la luce della città»: una superficie mutevole che riflette il cielo, le nuvole e i profili dei palazzi circostanti, trasformando un luogo istituzionale in uno spazio di contemplazione.

Il restauro è frutto di una sinergia virtuosa tra il Comune di Pescara, il Ministero della Giustizia e il contributo di numerosi imprenditori privati. Un modello di collaborazione pubblico-privato che ha permesso di restituire integrità estetica e funzionale a un’opera che appartiene, prima ancora che al Tribunale, alla città.

Ettore Spalletti (1940–2019), nato a Cappelle sul Tavo, è considerato uno dei più importanti artisti italiani del secondo Novecento, con una presenza consolidata nelle principali istituzioni museali internazionali. La “Fontana” di Pescara resta una delle sue rare opere permanenti nello spazio pubblico urbano — e ora, finalmente, torna a muoversi con l’acqua.

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È stato rilasciato il primo comunicato ufficiale per la trentatreesima edizione di Artissima, la storica manifestazione torinese che tornerà ad animare gli ampi spazi in vetro e acciaio dell’Oval Lingotto dal 30 ottobre al 1° novembre 2026 (con preview riservata il 29 ottobre).

Sotto la guida di Luigi Fassi, giunto al traguardo del suo quinto anno di direzione consecutiva, l’appuntamento si propone come un percorso curatoriale progressivo e coerente. Negli ultimi anni, la direzione ha saputo consolidare un metodo di lavoro ben preciso, trasformando la fiera in uno spazio autorevole di riflessione critica, ma soprattutto in una piattaforma di diplomazia culturale internazionale capace di far dialogare le realtà del territorio piemontese con la scena globale.

“Fancy”: l’arte come intelligenza pubblica

Il fulcro concettuale di questa edizione è racchiuso nel tema prescelto: Fancy: A Flexible, Acrobatic Body. Ispirato a una celebre suggestione della filosofa Martha C. Nussbaum, il concetto celebra la fantasia (fancy) come un corpo agile, flessibile e acrobatico, in grado di superare le barriere dell’evidenza immediata per accorciare le distanze con l’alterità. In un’epoca complessa e frammentata, l’arte viene così rivendicata come un’intelligenza pubblica essenziale, uno strumento attivo in grado di nutrire lo spazio democratico di una comunità e di allenare lo sguardo a nuove forme di relazione e condivisione.

I curatori e le sezioni del 2026

La struttura curatoriale si preannuncia solida ed estremamente qualificata, confermando una squadra di professionisti di assoluto rilievo internazionale che lavoreranno sulle tre sezioni curate:

• Present Future: dedicata alle ricerche visive più giovani ed emergenti, vedrà il ritorno alla curatela di Léon Kruijswijk e Joel Valabrega.
• Back to the Future: focus monografico mirato alla riscoperta dei pionieri storici dell’arte attivi tra gli anni ’30 e ’90, curato da Jacopo Crivelli Visconti ed Heike Munder.
• Disegni: firmata per la quinta volta da Irina Zucca Alessandrelli, si conferma come l’unico spazio in Italia interamente dedicato alla valorizzazione e all’autonomia dell’opera su carta.

Accanto a queste, prenderanno vita le sezioni storiche della manifestazione: Main Section, New Entries, Monologue/Dialogue e Art Editions.

Anche l’impatto visivo accompagnerà coerentemente la filosofia “acrobatica” della tesi di quest’anno. Lo studio grafico torinese FIONDA, giunto al nono anno di collaborazione con la fiera, ha ideato un’identità coordinata in cui i loghi storici si trasformano in parentesi dinamiche, piegandosi e moltiplicandosi per generare traiettorie inattese. Un invito esplicito a scardinare le rigidità interpretative per lasciarsi guidare dal movimento libero della pura creatività contemporanea.

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La Fondazione Museo Ettore Guatelli di Ozzano Taro (Parma) si riconferma un vivace avamposto di dialogo tra memoria storica e linguaggi del presente. Ha inaugurato lo scorso sabato 23 maggio “Essere a tempo”, la nuova mostra di Mario Cresci, curata da Alessandro Cuomo nell’ambito della rassegna Guatelli Contemporaneo.

Protagonista indiscusso della sperimentazione visiva in Italia fin dagli anni Sessanta, Cresci presenta in questa occasione una raffinata selezione dei suoi cicli di ricerca più significativi. Attraverso serie storiche ed emblematiche come Interni Mossi, Ritratti Reali e Misurazioni, l’esposizione traccia l’evoluzione di uno sguardo che ha saputo fondere l’indagine concettuale con l’antropologia, l’etnografia e la cultura popolare. Per il maestro ligure, la fotografia abbandona la mera funzione documentaria per farsi strumento cognitivo e relazionale, un mezzo per connettere indissolubilmente l’esperienza visiva al contesto sociale e umano.

Il titolo stesso della mostra, “Essere a tempo”, gioca con una variazione poetica del pensiero filosofico di Martin Heidegger. Se il linguaggio è la dimora dell’essere, l’opera di Cresci si fa espressione visiva capace di decodificare la complessità del reale attraverso il contatto profondo con i luoghi e le persone che li abitano, celebrando una pluralità degli approcci alla realtà.

Questo approccio trova una risonanza straordinaria con l’identità del Museo Guatelli, celebre per la sua monumentale raccolta di oggetti quotidiani. Le opere di Cresci dialogano perfettamente con questa selva di memorie, dove ogni singolo elemento contribuisce a una narrazione collettiva in perenne mutazione. Con questo appuntamento, che rimarrà aperto al pubblico fino al 12 giugno, la Fondazione prosegue con coerenza il suo percorso di apertura alle ricerche contemporanee, invitando i visitatori a una riflessione sul tempo, sulle radici e sulla pluralità dello sguardo.

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