Art Basel 2026 tra musei iper-curati, fiere satellite e quella strana sensazione che tutto costi troppo. Tranne, forse, il dubbio sul futuro del mercato

C’è un momento preciso dell’anno in cui Basilea smette di essere una città svizzera ordinata, efficiente e discretamente noiosa, e diventa una specie di distorsione del sistema economico dell’arte contemporanea. Art Basel non è una fiera: è un termometro globale, e nel 2026 la febbre sembra meno euforica e più controllata. Non fredda, ma certamente più consapevole.

Dal 17 al 21 giugno, oltre 290 gallerie da tutto il mondo trasformeranno come sempre la Messe Basel in una chiesa laica per addetti ai lavori, museo temporaneo dove tutto è in vendita, tutto è negoziabile e quasi nulla è davvero casuale. Il biglietto d’ingresso è solo il primo livello del costo: poi arrivano hotel, taxi, cene, e quella categoria non scritta che potremmo chiamare “ansia da stand da 150.000 euro”. Perché qui non è permesso sbagliare. È semplicemente proibito.

Basilea, come sempre, non aiuta a dimenticare il conto. I trasporti pubblici restano un piccolo miracolo di civiltà. Il resto è una progressione naturale verso la consapevolezza che il mercato dell’arte globale si regge anche su bratwurst sovrapprezzati e birre che sembrano asset finanziari.

Il museo diffuso (ma con prezzi da fiera)

Fuori dai padiglioni, però, la città offre la sua contro-narrazione: quella dei musei. E quest’anno è particolarmente forte.

Al Kunstmuseum Basel, la grande mostra dedicata a Helen Frankenthaler ripercorre oltre sei decenni di pittura e la nascita di una grammatica del colore che ha cambiato il dopoguerra americano. È una mostra che, in un altro contesto, sarebbe già evento internazionale. Qui è semplicemente “uno dei capitoli paralleli”.

Alla Fondation Beyeler, invece, il protagonista è Pierre Huyghe, con un progetto che spinge ulteriormente il museo verso quella zona ibrida tra esposizione, installazione e ambiente percettivo. Un lavoro che non si guarda soltanto: si attraversa, con la sensazione costante che qualcosa stia accadendo altrove, fuori campo.

E ancora, sempre al Kunstmuseum, nel settore Gegenwart, prosegue la grande personale di Cao Fei, che mette in scena un futuro prossimo fatto di tecnologia, immaginazione e residui sociali. È uno dei punti più interessanti dell’intero ecosistema cittadino, anche se resta fuori dalla retorica ufficiale della fiera.

In altre parole: mentre Art Basel vende il presente, i musei di Basilea provano almeno a raccontare il futuro.

Le fiere: la geografia parallela del contemporaneo

Accanto alla fiera principale si muove il solito sistema orbitante, sempre più autonomo e sempre più selettivo.

Liste resta il laboratorio più influente per le gallerie emergenti, dove il rischio è ancora ammesso e a volte persino premiato. VOLTA continua a occupare quella fascia intermedia che il mercato sembra aver quasi dimenticato: né hype puro né istituzionalizzazione completa, ma una zona di passaggio sempre più interessante proprio perché instabile.

E poi c’è Africa Basel, alla sua seconda edizione, che si inserisce in un movimento ormai strutturale di attenzione verso le scene africane contemporanee. La domanda, però, resta sospesa: quanto è ricerca reale e quanto è una nuova forma di raffinata compensazione culturale dell’Occidente collezionista? La risposta, come sempre, non sta nei comunicati stampa.

Il vero prodotto: la pressione

Dentro Art Basel il meccanismo è più semplice e più brutale di quanto si voglia ammettere: tutto deve funzionare subito. Le prime 48 ore sono decisive. Le opere non hanno tempo per essere “capite”, solo per essere viste e comprate.

In questo senso, il 2026 sembra riportare il sistema a una forma più nuda. Meno storytelling, più selezione. Meno entusiasmo diffuso, più attenzione chirurgica. Non è un rallentamento del mercato, ma un suo irrigidimento selettivo.

E in questo contesto anche le nuove generazioni di artisti si muovono con cautela: molto interesse, molte liste, molta curiosità. Ma la vera domanda resta sempre la stessa, la più semplice e la più crudele: si vende?

Basilea come dispositivo

Fuori dalle fiere e dai musei, resta la città. Che non è mai stata davvero seducente. È efficiente, pulita, ordinata. E anche un po’ impermeabile.

Gli hotel salgono di prezzo come se fossero quotazioni di blue chip. I ristoranti oscillano tra il corretto e il dimenticabile. Le birre costano abbastanza da farti riflettere sulle tue scelte di vita. E il tutto accade mentre si parla continuamente di estetica, di visione, di futuro.

È forse questo il vero paradosso di Art Basel: la più importante fiera d’arte del mondo si svolge in uno dei luoghi meno “romantici” del mondo dell’arte.

Eppure funziona proprio per questo. Perché qui non si viene per sognare. Si viene per misurare.

Epilogo provvisorio

Art Basel 2026 non sembra promettere rivoluzioni. Promette, più realisticamente, una nuova fase di assestamento: meno narrazione e più disciplina, meno espansione e più selezione.

Il resto, come sempre, lo racconteranno i corridoi, i preview, e quelle conversazioni a mezza voce che valgono più di qualsiasi comunicato ufficiale.

Collezione da Tiffany seguirà la fiera direttamente da Basilea con reportage, interviste e appunti dal campo.

Perché il mercato, alla fine, non si capisce mai davvero da lontano.

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Dal 17 giugno 2026 il Museum of Art Pudong ospita “Giorgio Morandi. Solo”, oltre 140 opere per la prima grande retrospettiva dell’artista in Cina

Apre il 17 giugno 2026 al Museum of Art Pudong (MAP) di Shanghai Giorgio Morandi. Solo (乔治·莫兰迪：独白), la retrospettiva più ampia mai realizzata fuori dall’Italia dedicata al pittore bolognese. Resterà aperta fino al 28 ottobre.

Un allestimento pensato per il silenzio

Oltre 140 opere tra dipinti, incisioni, acquerelli e disegni: è questo il corpus eccezionale che il curatore Lorenzo Balbi — direttore del MAMbo e del Museo Morandi — e Francesco D’Arelli, direttore dell’Istituto Italiano di Cultura di Shanghai, hanno selezionato per raccontare l’intera parabola creativa di Morandi al pubblico cinese. Molte di queste opere non erano mai state esposte in Cina, alcune raramente portate fuori dai confini italiani.

La scelta del titolo Solo non è casuale: richiama il concetto musicale dell’assolo, un momento in cui una voce unica occupa da sola tutto lo spazio. Nessun confronto con altri artisti, nessun contrappunto storico. Solo Morandi. Un approccio curatoriale che rispecchia fedelmente la natura stessa del lavoro dell’artista: concentrazione, sottrazione, rigore.

Il laboratorio di Morandi a Shanghai

Uno degli aspetti più interessanti della mostra è la sua capacità di portare letteralmente lo studio di Morandi a Shanghai. Per la prima volta fuori da Bologna, il torchio originale usato dall’artista per le incisioni viene esposto al pubblico. Insieme a esso, oggetti e documenti provenienti da Casa Morandi in via Fondazza, l’appartamento in cui il pittore visse con la madre e le tre sorelle dal 1933 fino alla morte, nel 1964, e materiali d’archivio che ricostruiscono il contesto umano e intellettuale della sua opera.

A completare l’esperienza, un film del regista Germano Maccioni porta i visitatori nelle strade di Bologna percorse da Morandi: l’Accademia di Belle Arti dove insegnò tecniche di acquaforte tra il 1930 e il 1956, la Pinacoteca Nazionale, la Chiesa dei Servi con la Madonna di Cimabue. E le fotografie di Gianni Berengo Gardin dedicate agli studi di Bologna e Grizzana, sull’Appennino bolognese.

Non manca un dialogo con il presente: un’opera di Tacita Dean, presentata insieme a una carta originale appartenuta a Morandi, testimonia l’influenza duratura dell’artista sulle generazioni contemporanee.

Perché la Cina, perché adesso

La scelta di Shanghai come sede non è geograficamente arbitraria. Negli ultimi anni l’interesse cinese per Morandi è cresciuto in modo significativo, sia nel collezionismo privato sia nella critica accademica. E c’è una ragione profonda: la sua pittura, fondata su vuoto, ritmo, sintesi e attenzione all’essenziale, trova risonanze sorprendenti con l’estetica visiva tradizionale cinese.

Il Museum of Art Pudong, progettato da Ateliers Jean Nouvel e inaugurato nel 2021 sulle rive dello Huangpu, è oggi uno dei poli culturali più attivi dell’Asia, con una storia di collaborazioni con Uffizi, Louvre, Musée d’Orsay e Galleria Borghese.

Il progetto guarda già oltre Shanghai: è prevista una tappa successiva a Seul, confermando la traiettoria di un interesse asiatico per Morandi destinato a crescere. Parallelamente, il fotografo Giuseppe Anthony Di Martino, in residenza al Duolun Museum of Modern Art, sta documentando il dialogo tra le opere di Morandi, la città e il suo pubblico, in un progetto che confluirà in una doppia mostra tra Shanghai e Bologna.

Giorgio Morandi. Solo è organizzata dal Comune di Bologna e dal Museo Morandi in collaborazione con MondoMostre e con il supporto dell’Istituto Italiano di Cultura di Shanghai, del Consolato Generale d’Italia a Shanghai e del Ministero della Cultura italiano.

Museum of Art Pudong (MAP), Shanghai — 17 giugno / 28 ottobre 2026

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Dal 11 giugno al 24 luglio 2026, la galleria milanese ospita la seconda personale italiana dell’artista cinese-americana, dopo il successo di “Forgery of Reality” nel 2024.

È appena stata inaugurata il 10 giugno scorso. Agent of Birth, la nuova mostra personale di Deng Shiqing alla C+N Gallery CANEPANERI di Foro Buonaparte 48, è visitabile fino al 24 luglio 2026 e porta in scena un ciclo di dipinti dedicati alla maternità surrogata, all’etica riproduttiva e alla progressiva mercificazione del corpo femminile.

Curata da Charles Moore, critico e autore con base a New York, la mostra segna il ritorno di Deng a Milano a distanza di due anni dalla sua prima personale europea, Forgery of Reality, anch’essa ospitata da C+N Gallery CANEPANERI. Un ritorno atteso, che conferma il sodalizio tra l’artista e la galleria e consolida la sua presenza nel circuito europeo.

Classicismo e immaginario contemporaneo

Deng Shiqing, nata nel 1992 in Cina e oggi residente a Brooklyn, ha costruito il suo linguaggio visivo in un territorio di tensione tra formazione classica e cultura popolare. Ha imparato a dipingere copiando riproduzioni dei Maestri Antichi, per poi assorbire l’universo emotivo amplificato dei cartoni animati americani e del cinema Disney. Il risultato è una pittura tecnicamente rigorosa che si permette di essere anche profondamente inquietante.

In Agent of Birth questo metodo raggiunge una maturità esplicita. Le figure monumentali rimandano alla tradizione rinascimentale — le proporzioni allungate, il peso dei panneggi, la solennità compositiva — ma vengono sistematicamente interrotte da oggetti di segno completamente diverso: nastri, contenitori, codici a barre, ricevute, imballaggi. Il corpo non è più celebrato; è schedato, segmentato, amministrato.

Maternità surrogata come lente critica

Il tema della surrogacy non viene trattato con giudizio morale diretto. Deng non prende partiti: indaga. Quello che la interessa è come le tecnologie riproduttive e i dispositivi contrattuali ridisegnino i confini tra ciò che è intimo e ciò che è pubblico, tra autonomia e cessione. In opere come Where Life Is Placed, due nudi si dispongono attorno a un singolo ovulo custodito in un contenitore: la composizione ha la simmetria e l’autorità della pittura classica, ma la vita al suo centro è già una merce negoziata.

La moda, progettata direttamente dall’artista per le proprie figure, entra in questa dinamica come ulteriore strato narrativo. Gli abiti non decorano: performano, nascondono, teatralizzano. Un abito rosso può evocare glamour e al tempo stesso alludere a una forma di servitù riproduttiva. L’umorismo, grottesco e surreale, mai innocente, è lo strumento con cui Deng rende sopportabile l’inquietudine senza smorzarla.

Un’artista in ascesa nel circuito internazionale

Il contesto in cui arriva questa mostra non è banale. Nel 2023 Deng ha vinto la terza edizione del Bennett Prize, il più importante riconoscimento americano per le pittrici figurative. Nel 2025 ha inaugurato una personale al Muskegon Museum of Art nel Michigan, sempre sul tema della riproduzione e dell’etica del corpo. La sua traiettoria istituzionale, dal National Museum of China alle Nazioni Unite di New York fino a Sotheby’s, racconta di un’artista che ha già superato la fase dell’emergenza e si colloca ormai in un territorio di riconoscimento consolidato.

Agent of Birth è visitabile dal martedì al venerdì, dalle 10:00 alle 18:00, e il sabato su appuntamento. C+N Gallery CANEPANERI si trova in Foro Buonaparte 48, Milano

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Dal Maggiolino alla Mazda Miata, passando per Olivetti e i grandi protagonisti della carrozzeria italiana: il Museo Nazionale dell’Automobile di Torino presenta un nuovo percorso espositivo.

Il Museo Nazionale dell’Automobile di Torino rinnova il proprio Spazio Design con un progetto che va oltre la tradizionale esposizione di vetture storiche per proporre una riflessione sul design come fenomeno culturale. Intitolato “12 Automobili / Twelve Automobiles”, il nuovo allestimento curato da Paolo Tumminelli riunisce dodici vetture iconiche organizzate in sei isole tematiche, costruendo un racconto che attraversa oltre mezzo secolo di storia dell’automobile moderna.

L’obiettivo non è soltanto celebrare modelli entrati nell’immaginario collettivo, ma leggere l’evoluzione dell’automobile attraverso le trasformazioni della società, del gusto e dell’industria. Le vetture diventano così documenti culturali, capaci di raccontare idee di modernità, innovazioni tecniche e mutamenti nei comportamenti sociali.

Il percorso espositivo si sviluppa come una narrazione circolare. Ad aprire e chiudere idealmente il racconto sono la Volkswagen Typ 1 Maggiolino del 1952 e la Volkswagen New Beetle del 2000: due automobili che dialogano a distanza di quasi mezzo secolo, mettendo in evidenza il rapporto tra memoria, reinterpretazione e continuità progettuale.

Le altre sezioni affrontano temi che hanno segnato la storia del design automobilistico internazionale. Dalla Studebaker Champion Regal de Luxe Coupé del 1947 alla Porsche 356 SC del 1964, dalla Cadillac Sixty Special Fleetwood del 1958 alla BMW Neue Klasse 1800 del 1968, fino alla Lancia Megagamma del 1978 e alla Mazda Miata del 1991, ogni accostamento evidenzia linguaggi, sperimentazioni e visioni differenti. Particolarmente significativa è la presenza di prototipi come la Dallara Bertone Icsunonove e la Pininfarina BLMC 1100, testimonianze della stagione più radicale e innovativa del design italiano.

Ad ampliare la riflessione intervengono anche due focus dedicati al design industriale e alla comunicazione visiva. Una selezione di storiche macchine Olivetti – tra cui la Lexikon 80 di Marcello Nizzoli, la Praxis 20 di Mario Bellini e la Tekne 3 progettata da Ettore Sottsass Jr. e Hans Von Klier – mette in luce le relazioni tra il progetto automobilistico e altre eccellenze del design italiano. Parallelamente, materiali dedicati alla grafica pubblicitaria Fiat e Lancia mostrano come l’automobile sia stata costruita anche attraverso immagini, linguaggi e strategie di comunicazione.

Il nuovo allestimento conferma il ruolo del MAUTO come piattaforma di ricerca sul design, inteso non solo come disciplina progettuale ma come strumento per comprendere le trasformazioni culturali del Novecento.

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Studio d’Arte Martini chiude la stagione primaverile con risultati solidi. L’Asta 66 Tradizionale di Arte Moderna e Contemporanea, svoltasi il 10 e 11 giugno, ha totalizzato un aggiudicato complessivo superiore a 2.600.000 euro (diritti inclusi), con un tasso di vendita dell’87% su 313 lotti in catalogo. Significativa la componente internazionale: il 38% dei bidder proveniva dall’estero, dato che conferma la crescente attrattività della piattaforma online per il collezionismo europeo e nordamericano.

Le aggiudicazioni di punta

Il record di sessione va a Carla Accardi: Rossogrigiooscuro (1996) è stata aggiudicata a 92.500 euro, quasi il doppio della stima massima di 50.000 euro, a testimonianza di una domanda robusta per una delle figure più significative dell’astrazione italiana del dopoguerra.

Ottima performance anche per Mario Ceroli con La Pantera (1964), pezzo unico di due metri, dipinto su entrambe le facce, ha superato la stima raggiungendo 90.000 euro rispetto a una massima prevista di 80.000 euro. Fausto Melotti: Contrappunto Piano (1973), scultura di grande formato stimata tra 40.000 e 50.000 euro, è salita a 86.250 euro. 

Sul fronte internazionale, Louise Nevelson con End of Day XIII (1972) ha raggiunto 63.840 euro, mentre Valerio Adami con Interno con lavabo (1966), opera con provenienza dalla Galleria l’Attico di Roma, si è attestato a 62.500 euro.

Tra le performance più interessanti oltre stima, Alighiero Boetti (Inaspettatamente, 1987) a 45.000 euro, Nicola De Maria (Testa soave di un angelo, 1987-88) a 42.500 euro e Arnaldo Pomodoro con lo studio per Colonne per Financial Plaza, Honolulu, studio, 1969 a 43.750 euro. Ennio Morlotti con Grano giallo (1957) chiude a 37.500 euro, anch’esso sopra stima.

Un mercato in salute

I risultati dell’Asta 66 restituiscono un’immagine coerente del mercato dell’arte moderna e contemporanea italiana: domanda stabile sui grandi nomi storici, con margini di crescita sulle opere di qualità documentata. Il dato sulla partecipazione straniera, quasi quattro bidder su dieci, indica che la combinazione tra catalogo specializzato e accessibilità online sta ampliando il raggio d’azione delle case d’asta italiane di riferimento.

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Nel mondo dell’arte contemporanea, le gallerie indipendenti si trovano oggi davanti a una sfida sempre più complessa: mantenere una forte identità curatoriale e relazionale mentre il mercato richiede strumenti digitali efficienti, visibilità internazionale e gestione integrata dei contenuti.

È in questo scenario che nasce Thetis Art Gallery, il nuovo ecosistema software sviluppato da Thetis Srl e pensato esclusivamente per le gallerie d’arte italiane. Non un semplice sito web, ma una piattaforma integrata costruita intorno alle esigenze operative reali di chi lavora quotidianamente tra opere, artisti, collezionisti e mostre.

Molte gallerie italiane convivono ancora con una frammentazione digitale ormai difficile da sostenere: un sito affidato a un’agenzia esterna, database separati, aggiornamenti manuali, schede opere duplicate, newsletter scollegate e una presenza internazionale spesso limitata.

Thetis Art Gallery nasce esattamente per eliminare questo doppio lavoro.

Il sistema integra infatti due moduli sempre inclusi in tutti i piani:

• un sito web bilingue italiano/inglese, sviluppato su WordPress e aggiornato automaticamente;
• il Gallery Manager, una piattaforma gestionale dedicata alla catalogazione e amministrazione di opere, artisti, esposizioni, clienti, progetti e richieste informative.

Il punto centrale è la sincronizzazione in tempo reale: ogni modifica effettuata nel gestionale si riflette immediatamente sul sito pubblico della galleria. Nessun passaggio intermedio, nessuna duplicazione di contenuti, nessuna dipendenza tecnica esterna per aggiornare il catalogo online.

Un approccio apparentemente semplice, ma che risolve uno dei problemi più concreti e diffusi nel settore.

Vasta Art: la risposta al problema della visibilità

Il vero elemento strategico dell’ecosistema Thetis è però l’integrazione con Vasta Art, il nuovo portale firmato Thetis.

Il progetto si ispira ai grandi marketplace internazionali come Artsy, ma con un focus specifico sul mercato italiano. L’obiettivo è aggregare opere provenienti da gallerie e case d’asta all’interno di un’unica piattaforma ad alta visibilità, accessibile a collezionisti, curatori e appassionati.

Il problema che Vasta Art affronta è noto a moltissimi operatori del settore: i siti delle piccole e medie gallerie, pur ben progettati, generano spesso un traffico organico limitato. Le opere esistono online, ma restano difficili da trovare.

Con Vasta Art, la pubblicazione diventa automatica e opzionale: direttamente dal Gallery Manager la galleria può decidere quali opere pubblicare sul portale e in quali categorie renderle visibili. Nessun caricamento manuale, nessun intervento tecnico aggiuntivo.

La logica è chiara: restituire centralità alle opere aumentando la loro possibilità di essere scoperte.

Tecnologia invisibile, relazione al centro

Forse il punto più interessante di Thetis Art Gallery è proprio questo: la tecnologia non viene proposta come elemento invasivo o “disruptive”, ma come strumento invisibile che libera tempo e semplifica il lavoro.

Nel sistema immaginato da Thetis, il digitale non sostituisce la relazione tra gallerista e collezionista, ma la sostiene. Automatizzare aggiornamenti, sincronizzazioni e pubblicazioni significa permettere alle gallerie di concentrarsi su ciò che conta davvero: ricerca artistica, relazioni e costruzione culturale.

In un momento storico in cui anche il mercato dell’arte sta ridefinendo il proprio rapporto con il digitale, Thetis Art Gallery sembra voler occupare uno spazio preciso: quello di una tecnologia specialistica, accessibile e profondamente consapevole delle dinamiche del settore.

E forse è proprio questa la sua intuizione più interessante.

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Dal 10 luglio al 30 agosto 2026, il Cortile d’Onore e il Giardino di Palazzo Reale ospitano le installazioni monumentali dell’artista milanese, nell’ambito di SUART 2026, la rassegna dedicata alla sostenibilità nell’arte contemporanea.

Milano torna protagonista della scena dell’arte sostenibile con Materie viventi, la nuova esposizione di Maria Cristina Carlini allestita a Palazzo Reale dal 10 luglio al 30 agosto 2026. Il progetto è realizzato nell’ambito di SUART 2026 (SUstainable ART), evento ideato e curato dal critico d’arte Marco Eugenio Di Giandomenico, che comprende anche un convegno internazionale sulla sostenibilità dell’arte contemporanea.

La mostra è promossa da Comune di Milano – Cultura e prodotta da Palazzo Reale e dalla Fondazione Maria Cristina Carlini ETS, con il supporto dell’Associazione Ethicando. L’inaugurazione è fissata per giovedì 9 luglio 2026, in chiusura del convegno SUART.

Maria Cristina Carlini

Tra le voci più autorevoli della scultura italiana contemporanea, Maria Cristina Carlini porta avanti da oltre cinquant’anni una ricerca incentrata sul rapporto tra materia, memoria, natura e trasformazione. Il suo percorso artistico nasce negli anni Settanta a Palo Alto con la ceramica, per poi espandersi verso materiali come ferro, acciaio corten, legno di recupero e carta. Le sue opere monumentali sono presenti in collezioni pubbliche e private in Europa, America e Asia, e in spazi urbani e istituzionali internazionali.

Nel 2025 ha fondato a Milano la Fondazione Maria Cristina Carlini ETS, con l’obiettivo di conservare e valorizzare il suo patrimonio artistico. Nel 2026 alcune sue opere sono state selezionate per SUSTART 2026 presso la Camera dei Deputati a Roma.

Le opere in mostra: Bosco e Filemone e Bauci

Il percorso espositivo di Materie viventi si sviluppa attraverso due installazioni monumentali che dialogano con l’architettura storica e gli spazi aperti di Palazzo Reale, arricchite da una progettazione luminosa che ne amplifica la risonanza simbolica.

Bosco (2012) – Cortile d’Onore

Diciannove elementi in ferro disposti a spirale compongono una scultura che evoca un organismo in crescita. Il metallo, resistente ma soggetto all’ossidazione, è il mezzo espressivo con cui Carlini trattiene tracce e memorie: il ritmo modulare suggerisce una comunità vegetale, un bosco non descritto ma evocato, in cui verticalità e intervalli tra i volumi diventano spazio di attraversamento e ascolto.

Filemone e Bauci (2021) – Giardino

Nel Giardino, l’opera accosta legno di recupero, ferro e oro in una tensione tra fragilità e durata, materia povera e preziosità. Il riferimento è al mito ovidiano di Filemone e Bauci, storia di accoglienza e fedeltà che diventa metafora della cura: dell’altro e del mondo naturale. Le superfici lignee, segnate dal loro vissuto, dialogano con l’intervento metallico e con l’oro come luce simbolica — promessa di rigenerazione, non ornamento. L’opera attiva un confronto diretto con il paesaggio e con l’idea di trasformazione come possibilità etica.

Arte e sostenibilità: il senso di SUART 2026

Materie viventi si inserisce nella cornice di SUART, manifestazione che indaga le declinazioni ambientali, sociali ed economiche della sostenibilità nell’arte contemporanea. Secondo il curatore Di Giandomenico, in Carlini la sostenibilità non è un assunto ideologico ma «l’esito naturale di un rapporto profondo tra l’artista e la materia». I materiali di recupero, ascoltati nel loro «battito ancestrale», vengono accompagnati in una trasformazione alchemica che restituisce loro nuova vita.

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“Design Lives in the City” celebra la decima edizione della manifestazione con oltre 30 opere urbane permanenti firmate da designer internazionali. Il centro storico si trasforma in un museo diffuso tra arte, architettura e filiera del marmo.

Carrara torna a essere un laboratorio a cielo aperto del design contemporaneo con la decima edizione di White Carrara, in programma dal 5 giugno al 30 agosto 2026 nel centro storico della città. Sotto la direzione artistica di Domenico Raimondi (thesignlab), la manifestazione intitolata “Design Lives in the City” segna un passaggio decisivo nell’evoluzione del progetto: da evento espositivo a intervento urbano permanente, in cui il design non si limita a essere mostrato ma diventa parte integrante della vita quotidiana della città.

Oltre 30 opere – tra sedute pubbliche, arredi urbani, sistemi di illuminazione, installazioni e infrastrutture leggere in marmo – ridisegnano la geografia del centro storico, trasformandolo in un museo diffuso e in un paesaggio progettuale condiviso. Le opere, firmate da designer internazionali e realizzate grazie alla collaborazione con aziende e laboratori del territorio, rimarranno come eredità permanente per la città.

Tra i protagonisti dell’edizione 2026 figurano nomi di rilievo del panorama internazionale del design come Ross Lovegrove, Karim Rashid, Fabio Novembre, Serena Confalonieri, Nichetto Studio, Antonio Aricò, Beatriz Sempere, Gum design, Emiliana Martinelli, Michel Boucquillon, Marta Sansoni, Claudio Nardi, Benvenuto Saba, Pietro Franceschini, Andrea Ponsi, Arthur Vallin, Nicolas Bertoux e molti altri progettisti coinvolti in un processo che mette in relazione progettazione contemporanea e sapere produttivo locale.

Il concept curatoriale si concentra sull’idea di trasformazione urbana attraverso il design: il marmo, materiale identitario di Carrara, viene reinterpretato in chiave contemporanea come elemento funzionale, estetico e sociale. Sedute realizzate con lastre di recupero, dispositivi urbani ibridi, sistemi modulari e installazioni sensoriali definiscono nuove modalità di fruizione dello spazio pubblico, dove estetica e funzione coincidono.

Accanto al percorso diffuso, in Piazza Alberica trova spazio “DESIGNULTRA”, mostra curata da ADI – Associazione per il Disegno Industriale, dedicata al rapporto tra funzione e valore simbolico dell’oggetto di design. Il progetto rafforza il dialogo tra Carrara e il panorama internazionale, ponendo la città al centro di una riflessione più ampia sul ruolo del design come linguaggio culturale e collettivo.

La manifestazione è promossa e prodotta dal Comune di Carrara, con il sostegno di Regione Toscana, ADI Toscana, Camera di Commercio Toscana Nord-Ovest e Fondazione Marmo, insieme a IMM-CarraraFiere e numerosi partner industriali della filiera del marmo. Il progetto conferma la volontà di consolidare un ecosistema virtuoso tra istituzioni, imprese e progettisti, capace di generare valore culturale, economico e turistico.

White Carrara 2026 si inserisce nel percorso avviato con le precedenti edizioni “Design is Back” e “Design Here and Now”, evolvendo ulteriormente verso una dimensione permanente e internazionale. Il decennale non rappresenta solo una celebrazione, ma un punto di svolta: la città non ospita più il design, lo incorpora stabilmente nel proprio tessuto urbano.

Nel corso degli anni White Carrara ha costruito un’identità precisa nel panorama del design contemporaneo, posizionandosi come piattaforma di dialogo tra creatività, industria e territorio. La decima edizione consolida questa visione, trasformando Carrara in un modello di città progettuale in cui il marmo diventa infrastruttura culturale e linguaggio condiviso.

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La Cassazione ridefinisce i confini del diritto morale d’autore

Con l’ordinanza n. 15821 del 22 maggio 2026, la Corte di Cassazione è intervenuta su una questione particolarmente rilevante e molto dibattuta nel diritto dell’arte: quale tutela spetta all’artista – o ai suoi eredi – quando un’opera viene falsamente attribuita alla sua mano? 

La decisione affronta il tema del c.d. disconoscimento della paternità di un’opera e chiarisce un aspetto di grande rilievo, affermando che la facoltà di negare la paternità di un’opera falsamente attribuita a un determinato autore non rientra nel diritto morale d’autore disciplinato dalla Legge sul diritto d’autore (L. n. 633/1941, di seguito “Legge autore” o “LDA”), ma trova tutela nell’ambito dei diritti della personalità, quale espressione del diritto all’identità personale e artistica, tutelabile in via analogica attraverso l’azione a difesa del diritto al nome di cui agli artt. 7 e 8 del codice civile.

La vicenda trae origine dall’azione promossa dai congiunti di un artista deceduto, avanti al Tribunale di Milano, volta a ottenere l’accertamento della falsità di alcune opere attribuite all’autore e detenute da soggetti che ne rivendicavano la proprietà. Secondo gli attori, la circolazione di tali opere era idonea a compromettere l’immagine, la reputazione e l’eredità artistica dell’autore; per tale ragione invocavano la tutela prevista dagli artt. 20 e 23 LDA e, in via subordinata, degli artt. 7 e 8 c.c.. I convenuti contestavano, invece, l’ammissibilità stessa dell’azione, sostenendo che l’accertamento dell’autenticità di un’opera costituisse il mero accertamento di un fatto storico e che la disciplina autorale fosse inapplicabile, essendo l’azione di disconoscimento della paternità riservata all’autore.

Sia il Tribunale sia la Corte di Appello di Milano hanno accolto la domanda, dichiarando non autentiche le opere contestate sulla base delle risultanze della consulenza tecnica d’ufficio. In particolare, i giudici milanesi hanno ritenuto che la tutela riconosciuta dagli artt. 20 e 23 LDA non si esaurisca nella sola facoltà di rivendicare la paternità delle opere autentiche, ma comprenda anche il potere di contrastare la circolazione di opere falsamente attribuite all’artista, al fine di preservarne la reputazione e l’identità creativa (Trib. Milano, sez. IA, sentenza del 7 giugno 2023, n. 4750; Corte d’Appello di Milano, Sezione II, sentenza del 3 giugno 2025, n. 1546). La Corte d’Appello ha inoltre evidenziato come tale tutela risponda non solo all’interesse degli eredi alla conservazione dell’eredità artistica del congiunto, ma anche a un interesse generale alla trasparenza e all’affidabilità del mercato dell’arte, contrastando la circolazione di opere falsamente attribuite ad artisti di riconosciuta fama. 

I proprietari delle opere hanno quindi proposto ricorso per Cassazione, censurando il presupposto stesso delle decisioni di merito. A loro avviso, infatti, i giudici milanesi avrebbero erroneamente «ritenuto l’esistenza di un diritto, autonomamente apprezzabile, di disconoscere la paternità di un’opera d’arte e, conseguentemente, l’astratta ammissibilità di un’azione di mero accertamento negativo dell’autenticità della stessa». 

La Corte di Cassazione ha colto l’occasione per chiarire la natura e i limiti della tutela invocata. In primo luogo, la Suprema Corte ha ribadito un principio consolidato: la tutela giurisdizionale civile è preordinata all’affermazione di diritti soggettivi e non al mero accertamento di fatti storici isolati. Di conseguenza, l’azione volta a verificare l’autenticità o meno di un’opera non è ammissibile se finalizzata esclusivamente a rimuovere uno stato d’incertezza commerciale. Essa può essere scrutinabile solo se posta come presupposto logico-giuridico necessario per la rivendicazione di una specifica posizione giuridica soggettiva (nella specie, il diritto della personalità). 

Muovendo da tale premessa, la Suprema Corte aderisce all’orientamento dottrinale maggioritario e alle soluzioni accolte in altri ordinamenti europei, in particolare quello francese e tedesco, rilevando che il cd. diritto al disconoscimento non costituisce una facoltà “speculare” al diritto di rivendicare la paternità dell’opera. Nel caso del falso d’arte, infatti, l’autore non agisce per proteggere un’opera da lui creata, bensì per reagire all’indebita associazione del proprio nome a un manufatto estraneo alla sua produzione artistica. Come osserva la Corte, «la disciplina del diritto morale d’autore ha la finalità di proteggere la personalità dell’autore quale si manifesta nella sua opera» e ha una «funzione protettiva del legame ideale esistente tra l’opera ed il suo autore», mentre nel falso d’arte «ciò che si sfrutta non è un’opera altrui, ma la fama, la notorietà che un autore si è conquistato grazie alle sue ‘vere’ opere».

Da ciò deriva che la tutela non può essere ricondotta all’art. 20 LDA, ma deve essere individuata nell’ambito dei diritti della personalità. In particolare, In particolare, la Corte ravvisa un interesse meritevole di protezione nell’identità personale e artistica dell’autore, ritenendo applicabile in via analogica la disciplina dettata dagli artt. 7 e 8 c.c. in materia di tutela del nome. Significativamente, la Suprema Corte riconosce che tale azione può essere esercitata non soltanto dall’autore, ma anche da soggetti che, pur non essendo titolari del nome contestato, vantino un interesse fondato su ragioni familiari meritevoli di tutela. Nel caso di specie, i congiunti dell’artista avevano dedotto di essere da tempo impegnati nella protezione del nome e dell’immagine del congiunto, anche in considerazione delle frequenti contraffazioni delle sue opere.

Pur correggendo la qualificazione giuridica operata dai giudici di merito, la Cassazione conferma quindi l’esistenza di una tutela contro le false attribuzioni artistiche, individuandone però il fondamento non nel diritto morale d’autore, bensì nei diritti della personalità. La sentenza viene pertanto cassata con rinvio, enunciando il seguente principio di diritto: «La falsità dell’attribuzione di un’opera a un determinato autore, che non può essere oggetto di azione giurisdizionale ove sia funzionale alla verifica di un mero fatto storico, può essere posta a fondamento non già dell’azione volta a tutelare il diritto morale d’autore previsto dall’art. 20 l. aut., ma della diversa azione diretta alla protezione di un diritto della personalità dell’interessato riferito alla sua identità di artista, cui è applicabile, per analogia, la disciplina del diritto al nome; quest’ultima azione è esperibile anche da chi è portatore di un interesse basato su ragioni familiari degne di essere protette, secondo quanto previsto dall’art. 8 c.c.».

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Dal 9 all’11 ottobre 2026, i padiglioni 11 e 12 di Veronafiere ospitano ArtVerona nella sua ventunesima edizione. Tre giorni dedicati all’arte moderna e contemporanea, con nuove sezioni, focus internazionali, premi e progetti speciali in città.

La fiera d’arte contemporanea del Nord-Est Italia torna con un’edizione ricca di novità. ArtVerona 2026 si svolge dal 9 all’11 ottobre nei padiglioni 11 e 12 di Veronafiere, sotto la direzione artistica di Laura Lamonea, al secondo anno del suo mandato, e con la storica partnership di ANGAMC (Associazione Nazionale Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea).

Il tema scelto per questa edizione è “Tra parentesi”: una riflessione sulle relazioni profonde che intercorrono tra i diversi attori del sistema dell’arte — gallerie, collezionisti, artisti e pubblico. Il concetto affonda le radici teoriche nell’idea di Intermedia formulata negli anni ’60 da Dick Higgins, figura centrale del movimento Fluxus, che descriveva le pratiche artistiche situate nelle intersezioni tra i media tradizionali. La nuova identità visiva della fiera è curata dal visual designer Alessio D’Ellena (Superness).

Le sezioni espositive: cosa vedere ad ArtVerona 2026

La fiera si articola in cinque sezioni espositive principali, affiancate da progetti speciali e spazi dedicati.

Main Section

La sezione centrale, votata al dialogo tra moderno e contemporaneo, accoglie le gallerie storiche e quelle di nuova generazione, con una particolare attenzione al contesto internazionale: tra le novità, la presenza di realtà provenienti da Corea, Cina e India.

Effetto Sauna – Fuori dalle parentesi

A cura di Thomas Ba, questa sezione mette a confronto artisti in fasi evolutive diverse della carriera. Il titolo si ispira al progetto del fondatore del Louisiana Museum of Modern Art, Knud W. Jensen, che negli anni ’50 alternava una temperatura visiva “calda” — artisti noti — a una “fredda” — emergenti da scoprire. Le gallerie sono invitate a presentare i propri artisti accanto a un giovane non ancora rappresentato dal mercato.

Pittura (ORA)

A cura di Leonardo Regano, la sezione esplora le pratiche segniche e gestuali nella pittura e nel disegno contemporanei. “(ORA)” non è un’affermazione di presenza, ma uno spazio intermedio: il medium pittorico come pratica stratificata, porosa, attraversabile, in dialogo strutturale con il passato.

STILL – [per(formare) lo sguardo]

Curata da Giovanna Manzotti, STILL indaga le possibilità espressive della fotografia, con attenzione alla sperimentazione processuale e formale. La sezione presenta progetti monografici o incentrati su due artisti, privilegiando il confronto intergenerazionale.

Focus Corea (novità 2026)

Grande novità dell’edizione: uno spazio espositivo interamente dedicato alla scena artistica coreana moderna e contemporanea, curato da AWave (Asia Art Wave), piattaforma culturale indipendente che sostiene il dialogo tra Europa e Asia. Pittura, installazione, video e performance dialogheranno in uno spazio aperto all’intero ecosistema della fiera.

I progetti speciali: Cinema, PORTALUCE e il podcast

Per il secondo anno consecutivo torna il Cinema nel padiglione 12: un programma di proiezioni video realizzato in collaborazione con gallerie, istituzioni internazionali come l’archivio CNAP – Centre National des Arts Plastiques di Parigi e collezioni pubbliche e private. All’interno del Cinema prosegue anche il ciclo di incontri CONVER_SIAMO, con il sostegno di Apice.

PORTALUCE, nuovo progetto di Edizioni Brigantino (Valentina Lucchetti e Canedicoda), è un’installazione site-specific nella Galleria dei Signori: un dispositivo con sedute ed elementi scenografici che trasforma la hall in uno spazio di sosta, incontro e osservazione.

Continua infine il podcast “Invito a vedere”, ideato da Laura Lamonea e Tommaso Santagostino, un itinerario tra luoghi fisici e metaforici con le voci di artisti, collezionisti, galleristi, curatori e imprese.

ArtVerona fuori dai padiglioni: la città come palcoscenico

La fiera non si esaurisce tra le mura di Veronafiere. Durante i giorni dell’evento, mostre e installazioni coinvolgono alcuni dei luoghi più suggestivi di Verona:

• Dora García porta a Palazzo Forti il progetto Líneas de Tiempo: un’installazione con intervento performativo dedicata alla storia di Verona, ai suoi momenti di trasformazione e alle memorie da preservare.
• Luca Trevisani è protagonista di un intervento nella Sala Morone del Convento di San Bernardino, con una selezione di opere sviluppate nell’arco di oltre vent’anni.
• Marinella Senatore, tra le più autorevoli artiste italiane sulla scena internazionale, realizza un’installazione site-specific per la sede di Fondazione Cariverona in via Forti, su commissione della stessa Fondazione.

I premi: opportunità per artisti e gallerie

ArtVerona 2026 presenta una rosa ampliata di premi, perlopiù orientati a residenze e acquisizioni. Debuttano due nuovi riconoscimenti:

• Premio Fondazione Bonollo – sostiene le proposte artistiche nella sezione Effetto Sauna.
• Premio MC Collection – premio acquisizione promosso dal collezionista Marco Curina per la ricerca artistica contemporanea.

Si riconfermano inoltre: Premio Fondazione Nadia Zenato, Premio Casarini Due Torri Hotel per la Pittura Under 40, Premio MZ Costruzioni, Premio Dowedo – NAMEC, Premio Massimiliano Galliani per il Disegno Under 40, Sustainable Art Prize, Premio Villa Filanda Antonini e Premio Display, oltre allo storico fondo A Disposizione. Veronafiere per l’Arte.

InterFiera: quando l’arte dialoga con Vinitaly, Marmomac e Fieracavalli

Una delle novità strategiche dell’edizione 2026 è InterFiera, progetto curato da Maria Marinelli che crea sinergie tra ArtVerona e le altre grandi manifestazioni del Gruppo Veronafiere — Vinitaly, Marmomac e Fieracavalli. L’obiettivo è far dialogare le aziende di questi settori con il mondo dell’arte contemporanea, attraverso premi congiunti e interventi espositivi condivisi. Il territorio veneto, ricco di aziende e manifatture, è il terreno ideale per queste nuove connessioni tra arte, creatività e filiere produttive.

Informazioni pratiche

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