Dopo il record europeo messo a segno da Sotheby’s e la vendita più contenuta di Christie’s, è toccato a Phillips chiudere la settimana londinese delle aste di arte moderna e contemporanea. Pur con dimensioni molto inferiori rispetto ai due principali concorrenti, la casa d’aste ha confermato la propria solidità nel segmento medio-alto del mercato, totalizzando £11.964.743 nella Modern & Contemporary Art Evening & Afternoon Sale.

Più dei numeri assoluti, la vendita offre una fotografia dello stato attuale del collezionismo internazionale: domanda concentrata sulle opere di qualità, crescente interesse verso gli artisti asiatici e maggiore prudenza nei confronti dei nomi che avevano alimentato la stagione speculativa degli ultimi anni.

Una vendita equilibrata

L’asta ha registrato 76 lotti aggiudicati su 90, con un sell-through del 91% per valore e dell’84% per numero di lotti. Quattro opere sono state ritirate prima dell’inizio della vendita, una scelta che ha contribuito a contenere il numero degli invenduti e a mantenere un buon equilibrio complessivo.

Senza inseguire risultati sensazionali, Phillips ha dimostrato ancora una volta di saper costruire cataloghi capaci di intercettare una domanda internazionale sempre più selettiva, nella quale provenienza, qualità e rilevanza storica delle opere assumono un peso crescente.

Il peso di Hockney

Il lotto principale della serata è stato The Only One with Waves (1991) di David Hockney, aggiudicato per £2.423.000, poco sotto la stima massima.

La vendita assumeva un significato particolare perché rappresentava una delle prime importanti occasioni di mercato dopo la scomparsa dell’artista, avvenuta l’11 giugno all’età di 88 anni. L’esito ha mostrato un mercato composto e razionale: nessuna corsa ai rilanci, ma un prezzo coerente con la qualità dell’opera e con le aspettative della vigilia.

Kusama tiene, il mercato dei “nuovi contemporanei” si ridimensiona

Tra i protagonisti della serata si conferma Yayoi Kusama con INFINITY-NETS (MAE) (2013) che ha superato la stima alta raggiungendo £1.548.000, mentre SPLENDOUR OF STARS CHANGING INTO BLUE (2019) è stata venduta per £322.500, consolidando ulteriormente la stabilità del suo mercato.

Diverso il quadro per alcuni degli artisti che avevano beneficiato della forte espansione del mercato post-pandemia. Jadé Fadojutimi ha ottenuto £425.700 con O! The Climate Has A Temper Today (2024), perfettamente all’interno delle stime. Un risultato positivo, ma distante dagli eccessi registrati negli anni della cosiddetta “fresh paint speculation”, segnale di un mercato oggi molto più disciplinato.

Rose Wylie continua a sorprendere

Fra i risultati più convincenti figura ancora Rose Wylie, il cui dipinto ha raggiunto £167.700 contro una stima di £60.000-80.000.

Dopo il record personale ottenuto pochi giorni prima da Christie’s, questo nuovo risultato sopra le aspettative rafforza l’impressione che la crescita dell’artista non sia più legata a un entusiasmo momentaneo, ma trovi sostegno anche nel crescente riconoscimento istituzionale, culminato con la recente mostra personale alla Royal Academy.

L’Asia continua a guadagnare spazio

La parte più significativa della vendita riguarda probabilmente il crescente peso dell’arte asiatica.

Inner Light (1966) di Hsiao Chin è stato uno dei migliori risultati dell’intera settimana londinese, raggiungendo £516.000 contro una stima di £80.000-120.000, oltre quattro volte la valutazione massima.

Anche Maqbool Fida Husain ha ottenuto un’importante aggiudicazione: una tela senza titolo degli anni Settanta è stata venduta per £412.800, quasi il triplo della stima alta. Non sorprende quindi che l’intera sezione dedicata agli artisti dell’Asia meridionale abbia registrato un sell-through del 100%, confermando il crescente interesse internazionale verso quest’area del mercato.

Andrew Cranston firma un nuovo record

La vendita si è aperta con un nuovo primato per Andrew Cranston.

Meditation in a tenement (2023) è stata aggiudicata per £83.850, nuovo record mondiale d’asta per l’artista. Anche gli altri due dipinti presenti in catalogo hanno superato le rispettive stime, confermando il progressivo consolidamento del suo mercato secondario.

Cosa ci dice Phillips sul mercato di oggi

Se Sotheby’s ha dominato la settimana con risultati eccezionali e Christie’s ha proposto una vendita più prudente, Phillips offre forse l’indicazione più interessante sullo stato del mercato contemporaneo.

La domanda rimane vivace, ma è sempre più orientata verso opere di qualità museale, artisti storicizzati e mercati in espansione come quello asiatico. Al contrario, le dinamiche speculative che avevano caratterizzato il contemporaneo più giovane sembrano lasciare spazio a una selezione molto più rigorosa da parte dei collezionisti.

Non è stata una vendita destinata ai record, ma un’asta che conferma come il mercato stia entrando in una fase più matura, nella quale qualità, provenienza e solidità storica delle opere contano più della semplice notorietà del momento.

L'articolo Phillips chiude la settimana londinese: Hockney guida, cresce l’Asia e il mercato continua a selezionare proviene da Collezione da Tiffany.

Il responsabile del dipartimento di arte moderna e contemporanea della casa d’aste genovese racconta le tendenze del mercato, il profilo dei nuovi acquirenti e i lotti più attesi dell’asta del 2 luglio a Milano

Il mercato dell’arte moderna e contemporanea italiana sta attraversando una fase di profonda trasformazione. Meno omologazione, più ricerca personale. Meno inseguimento dei trend, più attenzione alla qualità intrinseca dell’opera e alla solidità della ricerca storica.

A raccontarlo è Guido Vitali, esperto del dipartimento di arte moderna e contemporanea di Wannenes, la storica casa d’aste con sede a Genova, in occasione dell’asta del 2 luglio a Milano — 158 lotti che spaziano da Lucio Fontana a Dadamaino, da Igor Mitoraj a Mario Schifano, fino a Hermann Nitsch e Alighiero Boetti.

Chiara Lorenzon: Quali sono oggi le tendenze più evidenti nel mercato dell’arte moderna e contemporanea italiana? Ci sono categorie o artisti che stanno mostrando una particolare vitalità?

Guido Vitali: Più che di tendenze univoche o dominanti, oggi si può certamente parlare di una forte frammentazione e personalizzazione del collezionismo. I clienti non seguono più ciecamente i “trend” di mercato, ma cercano invece l’unicità, la qualità intrinseca dell’opera e la solidità della ricerca storica.

Se dovessimo individuare una tendenza, sarebbe un grande interesse per la riscoperta della pittura e scultura del secondo dopoguerra italiano, in particolare l’Astrattismo, l’arte Cinetica e quella materica di Fontana, Burri e Manzoni, fino all’inossidabile tenuta dell’Arte Povera, con figure come Alighiero Boetti costantemente al centro dell’interesse dei grandi board internazionali.

In questi ultimi anni dobbiamo certamente segnalare anche la straordinaria rivalutazione critica di una figura poliedrica e radicale come Carol Rama, insieme al rigore concettuale e segnico di Dadamaino (entrambi gli artisti saranno presenti nell’asta Wannenes del 2 luglio).

CL: L’asta del 2 luglio riunisce linguaggi molto diversi, dalla scultura alla pittura gestuale fino alle ricerche concettuali. Qual è il filo conduttore che avete seguito nella costruzione del catalogo?

GV: Il filo conduttore è stato la ricerca di novità artistiche accompagnate da figure di spicco dell’arte storicizzata, sia italiana che internazionale. Linguaggi apparentemente distanti: dalla fisicità della scultura alla libertà della pittura gestuale fino al rigore concettuale che si è cercato però di inserire all’interno di un percorso espositivo e critico in cui le opere potessero dialogare tra loro.

CL: Negli ultimi anni avete riscontrato un cambiamento nel profilo dei compratori, italiani e internazionali? Quali segmenti del mercato mostrano oggi il maggiore dinamismo?

GV: Il profilo dei compratori si è evoluto sensibilmente, assistiamo a un ricambio generazionale: i nuovi collezionisti, spesso giovani, anche se geograficamente distanti dialogano tra loro e sono estremamente informati, digitalizzati e dinamici, capaci di diffondere le nuove tendenze con una velocità prima impensabile.

Il segmento che mostra un notevole dinamismo è quello delle opere storicizzate ma ancora accessibili, i cosiddetti Unappreciated Masters: figure di talento il cui lavoro è stato ignorato, o più spesso non compreso durante la loro vita artistica, ma che ha ricevuto un riconoscimento postumo. Artisti che elaboravano stili o concetti innovativi troppo avanzati per essere capiti dai contemporanei.

CL: Il rilievo in terracotta di Lucio Fontana per la chiesa di Santa Maria Assunta ai Piani di Celle Ligure è uno dei due bozzetti preparatori. Quanto è importante, storicamente e collezionisticamente, acquisire un’opera che documenta il processo creativo di Fontana?

GV: Riuscire a proporre in asta un’opera preparatoria di questa portata è un evento di straordinaria importanza. Dal punto di vista storico, la terracotta per Celle Ligure non è un semplice studio: è “l’atto genetico dell’opera”, il momento esatto in cui l’idea di Fontana prende corpo e tridimensionalità attraverso la manipolazione diretta della materia. Acquisire un’opera come questa significa entrare nel “laboratorio protetto” dell’artista.

I progetti preparatori legati a committenze pubbliche o religiose sono rari e rappresentano l’anello di congiunzione tra la ricerca spazialista e la grande scultura monumentale italiana.

CL: Il Volume del 1958 di Dadamaino appartiene agli anni iniziali della sua ricerca. Quanto sono rare sul mercato opere di questa fase e quale ruolo occupano nella rivalutazione critica dell’artista?

GV: I Volumi di quegli anni rappresentano l’incipit della ricerca di Dadamaino. Opere come quella che verrà proposta il 2 luglio da Wannenes sono rare sul mercato anche perché limitate nella produzione, e molti esemplari sono già custoditi in importanti collezioni istituzionali.

Il Volume del ’58 occupa un ruolo cardine: testimonia il momento in cui l’artista supera la superficie della tela attraverso la “fustellatura”, in cui il tessuto viene forato e sagomato con estrema precisione in forme irripetibili, dialogando alla pari con le coeve ricerche di Fontana, Manzoni e Castellani.

Un’opera fondamentale per comprendere la nascita dell’avanguardia analitica e concettuale europea.

L’asta di Arte Moderna e Contemporanea di Wannenes si terrà il 2 luglio 2026 a Milano. Il catalogo completo dei 158 lotti è disponibile sul sito della casa d’aste.

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La collezione di uno dei grandi mecenati dell’arte contemporanea approda sul mercato. Philip Guston guida la serata con £3,9 milioni, ma il ritmo è fiacco e la competizione resta limitata.

Christie’s ha battuto ieri sera le opere della Zabludowicz Collection nell’ambito di una doppia sessione che ha totalizzato complessivamente £25,7 milioni (34 milioni di dollari). La prima parte, dedicata ai 53 lotti della collezione, ha chiuso a £15,4 milioni (circa 20,3 milioni di dollari); la seconda, una vendita di arte postwar e contemporanea su 79 lotti, ha aggiunto £10,2 milioni (13,5 milioni di dollari). Risultati in linea con le stime, ma senza mai trovare quella tensione competitiva che trasforma un’asta in un evento.

Il giorno dopo Sotheby’s

Il contesto non era dei più semplici. La sera precedente Sotheby’s aveva realizzato £393,4 milioni con la Lewis Collection, registrando uno dei migliori risultati dell’anno. Arrivare il giorno successivo con una selezione molto diversa significava inevitabilmente confrontarsi con un mercato ancora concentrato sugli ottimi risultati della sera precedente.

Il banditore Yü-Ge Wang ha gestito i momenti di pausa con diplomazia, ringraziando il pubblico per la pazienza e commentando il caldo londinese, mentre attendeva che i telefoni rispondessero. Un dettaglio che ha restituito bene il ritmo della serata.

La collezione Zabludowicz: un patrimonio difficile da vendere

Pnina e Anita Zabludowicz hanno costruito negli anni una raccolta che si distingue per la capacità di intercettare talenti prima che il mercato li consacri: artisti giovani, pratiche non convenzionali, opere che spesso sfidano le categorie commerciali tradizionali. È proprio questa caratteristica a rendere la collezione preziosa dal punto di vista critico e più complessa da collocare sul mercato secondario.

Dei 56 lotti annunciati per la vendita serale, tre sono stati ritirati prima dell’asta. Parallelamente, Christie’s propone una selezione di altri 44 lavori della Zabludowicz Collection in una vendita online aperta fino al 30 giugno. Finora soltanto 12 dei 44 lotti hanno ricevuto offerte. Un dato ancora provvisorio, considerando che la vendita resterà aperta fino al 30 giugno, ma che suggerisce una partenza prudente anche per la fascia più giovane della collezione.

La vendita offre anche una riflessione sul valore economico della ricerca curatoriale. Molte opere erano entrate nella collezione direttamente dagli artisti, anni prima della loro affermazione internazionale. Se alcuni nomi hanno consolidato il proprio mercato, emerge anche come la capacità di individuare talenti in anticipo non si traduca automaticamente in una forte liquidità sul mercato secondario. La vendita mostra come il valore curatoriale di una collezione e la sua capacità di produrre risultati economici seguano logiche solo in parte coincidenti.

Guston tiene, ma senza accelerazioni

Il lotto di punta era Mirror Head (1977) di Philip Guston, sostenuto da una garanzia di terze parti e stimato tra £3,5 e £5,5 milioni. Ha chiuso a £3,9 milioni (5,2 milioni di dollari), nella fascia bassa della stima. Da solo, il Guston ha rappresentato circa un terzo dell’intero valore della sessione Zabludowicz, confermando il ruolo centrale di pochi lotti nel sostenere il risultato complessivo.

Tra gli altri risultati di rilievo figurano Untitled (Cowboy) (1994) di Richard Prince, aggiudicato a £1,6 milioni (2,1 milioni di dollari), Farther South and Elsewhere (2015) di Mark Bradford, venduto entro stima a £1,3 milioni (1,7 milioni di dollari), e Untitled Broken Crowd (2021) di Rashid Johnson, fermatosi a £952.500 (1,3 milioni di dollari).

Tre artisti sopra stima in una serata senza grandi accelerazioni

In una vendita caratterizzata da una domanda molto selettiva, i risultati più significativi sono arrivati da tre artisti che hanno stabilito nuovi record personali.

Rose Wylie ha ottenuto £292.100 per Sailing Boat (2015), superando il suo precedente primato d’asta. Il risultato va letto anche alla luce del recente riconoscimento istituzionale: quest’anno Wylie è diventata la prima donna artista a tenere una mostra personale nelle gallerie principali della Royal Academy di Londra. La stima era già ambiziosa (£150.000-350.000), rendendo il superamento del record meno sorprendente di quanto il dato possa suggerire.

Jakub Julian Ziółkowski ha venduto Bestiarium (Bestiary) (2013) per £59.690, quasi il doppio della stima minima di £20.000. L’opera era stata presentata alla Biennale di Venezia del 2013 e conferma il crescente interesse, seppur ancora di nicchia, per alcuni protagonisti della scena artistica dell’Europa centrale.

Anj Smith ha triplicato la stima con Awake from Yesterday (2006), aggiudicata a £35.560 contro una valutazione di £12.000-15.000. Un risultato che segnala una domanda autentica, pur partendo da stime particolarmente prudenti.

I numeri che fanno riflettere

Più rivelatrice dei record è la lista dei risultati più deboli. Untitled (Fold) di Tauba Auerbach, Field di Alex Katz e Self-Portrait di Alex Israel sono rimasti invenduti: nomi tutt’altro che marginali, a conferma di un mercato che continua a selezionare con attenzione anche artisti già ampiamente affermati.

I due lotti senza riserva raccontano una storia altrettanto significativa. Family ties (2007) di Haim Steinbach ha raggiunto appena £1.270 contro una stima di £10.000-15.000, mentre la scultura Pixelator (Infinite Mask) di Aaron Curry si è fermata a £381. Risultati che testimoniano un interesse estremamente limitato e una domanda insufficiente a sostenere valutazioni vicine alle aspettative.

Anche KAWS, artista normalmente capace di attirare numerosi rilanci, ha visto il suo Companion (Original Fake) (2011) inizialmente invenduto e successivamente ricollocato a £228.600. Un risultato complessivamente dignitoso, ma ottenuto attraverso una dinamica che raramente rappresenta un segnale incoraggiante per quello specifico lotto.

La seconda sessione: Cecily Brown guida, Hockney emoziona

Nella seconda parte della serata, dedicata all’arte postwar e contemporanea, il lotto di punta era The Haunter (2010) di Cecily Brown, una tela di quasi tre metri garantita alla vendita, aggiudicata a £2,79 milioni (2,97 milioni di dollari), appena sopra la stima minima. Un risultato corretto per un’opera di questa scala, ma ottenuto senza una reale competizione.

A pochi giorni dalla morte dell’artista, un iPad drawing di David Hockney, The Arrival of Spring in Woldgate, East Yorkshire in 2011 (twenty eleven) – 30 April (2011), ha superato nettamente la stima di £150.000, aggiudicandosi a £220.000 al martello e £279.400 con i diritti d’asta. È stato uno dei pochi momenti della serata in cui la sala ha mostrato un coinvolgimento più evidente.

Cosa resta

L’84% di sell through rate sulla parte Zabludowicz rappresenta un dato formalmente positivo, ma la fotografia complessiva è quella di una vendita sostenuta dalle garanzie sui lotti principali e da pochi lavori capaci di attrarre un interesse significativo. In un mercato che continua a premiare con decisione i grandi capolavori e i lotti più iconici, la Zabludowicz Collection, con la sua vocazione alla scoperta, alla sperimentazione e al rischio curatoriale, ha trovato acquirenti solo in parte. Il resto resta affidato all’asta online, aperta fino al 30 giugno.

L'analisi si basa sui risultati di vendita e sulle informazioni rese disponibili da Artnet News e ARTnews, successivamente rielaborati.

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Una scrittura di luce lunga 28 metri trasforma la facciata del Museo in un dispositivo concettuale tra arte, filosofia e spazio urbano.

Il Museo del Novecento di Milano entra in una nuova fase della propria identità contemporanea con l’ingresso in collezione di Vedere le cose (per A.S.), 2025, installazione site-specific di Joseph Kosuth (Toledo, Ohio, 1945), tra i protagonisti assoluti dell’arte concettuale internazionale.

L’opera, realizzata in neon e sviluppata lungo 28 metri sulla facciata laterale del Museo su via Marconi, si configura come una vera e propria “scrittura di luce” che trasforma l’architettura in superficie linguistica. Il testo, tratto dagli scritti di Alberto Savinio, “Il presente, che è nel tempo quello che la facciata è nello spazio, impedisce di vedere le cose in profondità”, diventa dispositivo visivo e concettuale al tempo stesso, in cui parola, filosofia e spazio urbano si sovrappongono.

Acquisita dal Comune di Milano e destinata a entrare nella collezione permanente del Museo del Novecento, l’installazione sarà inaugurata ufficialmente il 1° luglio 2026 alla presenza dell’artista. L’opera si inserisce nel più ampio processo di trasformazione del museo, in dialogo con l’ampliamento della seconda torre dell’Arengario e con una ridefinizione progressiva del suo rapporto con la città.

Figura centrale dell’arte concettuale dagli anni Sessanta, Joseph Kosuth ha ridefinito il ruolo dell’opera d’arte spostandone il centro dall’oggetto alla definizione linguistica e al pensiero. A partire da lavori come One and Three Chairs (1965), Kosuth ha indagato la relazione tra immagine, parola e significato, sostenendo che l’arte non debba rappresentare il mondo, ma interrogare i sistemi attraverso cui lo comprendiamo.

In questa prospettiva, Vedere le cose (per A.S.) si colloca pienamente nel suo percorso: il neon non è solo un medium estetico, ma una struttura logica che porta il linguaggio nello spazio pubblico, rendendo la città stessa parte del processo di pensiero. L’opera si attiva così come soglia tra visibile e pensabile, tra superficie architettonica e profondità concettuale.

Il dialogo con Savinio rafforza ulteriormente questa tensione: la riflessione metafisica dello scrittore italiano incontra la pratica analitica di Kosuth, dando forma a un cortocircuito tra letteratura e arte contemporanea. La facciata del museo diventa così un luogo in cui il linguaggio non descrive, ma interroga.

L’intervento si inserisce nel programma di trasformazione del Museo del Novecento e nel più ampio progetto di riflessione sulla persistenza della visione metafisica nell’arte contemporanea. In questo contesto, l’opera di Kosuth non si limita a occupare uno spazio, ma lo ridefinisce, proiettando il museo verso una dimensione in cui l’arte coincide con la sua stessa possibilità di essere pensata.

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Dal 27 giugno al 5 luglio 2026, la Gervasuti Foundation at Supernova di Venezia (Cannaregio 3218/A – Fondamenta della Sensa) ospita Eldorada Chips, un progetto di Giulia Maglionico presentato nell’ambito degli Eventi Speciali – Diary #04 del Padiglione Nazionale della Repubblica Unita di Tanzania alla 61. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia.. L’inaugurazione si terrà domani, venerdì 26 giugno, alle ore 18:30. La mostra è curata da Francesca Baboni e sostenuta da Artesicura, società specializzata nella tutela e valorizzazione del patrimonio artistico privato.

Un’artista che usa l’ironia come bisturi

Giulia Maglionico nasce a Firenze nel 1977. Il suo percorso parte dalla grafica pubblicitaria e dalla laurea in Lettere, per approdare alla pittura attraverso il disegno e l’illustrazione, fino a costruire un linguaggio visivo personale e immediatamente riconoscibile. Nel 2012 due incontri risultano decisivi: quello con Rosanna Chiessi — storica gallerista del gruppo Fluxus — e quello con la curatrice Francesca Baboni. Da quell’anno collabora con la Galleria Il Castello di Milano, che la porta alle principali fiere internazionali: dall’Affordable Art Fair di New York alla WopArt di Lugano, da Maison & Objet di Parigi alla Fiera Ambiente di Francoforte.

Come scrive la stessa Baboni, al centro della ricerca di Maglionico c’è «una commistione di generi: la grafica, l’illustrazione e la pittura. Il suo quadro diventa una sorta di maxi illustrazione sempre ironica, provocatoria e divertente». Una cifra stilistica che non è mai mero intrattenimento: dietro la vivacità cromatica e la seduzione pop si cela una vocazione critica precisa, che negli anni ha affrontato temi come la violenza sulle donne — oggi è artista testimonial della campagna sociale promossa da CONI e FPI — la resilienza femminile e, con crescente urgenza, il rapporto tra consumo e ambiente.

Eldorada Chips: il paradiso che diventa discarica

Il cuore visivo della mostra è la serie #unmaredasalvare, in cui la figurazione si spinge fino al limite dell’astrazione. Sacchetti di patatine e meduse fluorescenti si sovrappongono e si confondono: i colori accesi del packaging industriale diventano indistinguibili da quelli degli organismi marini, in un gioco formale — fatto di volumi, solidi e cromatismi calibrati — che è anche una denuncia. I contenitori si svuotano, perdono la loro funzione, e diventano rifiuti galleggianti. Il fondale del mare si trasforma nello scaffale di un supermercato.

L’ironia, qui, è tagliente: Maglionico invita lo spettatore a scegliere quale tipo di «pulito» preferisce — quello di un bucato immacolato o quello di un mare ancora libero dall’inquinamento da plastica. La risposta, ovviamente, non può essere neutra.

Artesicura e il sostegno all’arte come responsabilità culturale

A rendere possibile la presenza di Maglionico alla Biennale è Artesicura, realtà di Reggio Emilia attiva da anni nell’expertise, nel restauro e nella consulenza patrimoniale legata all’arte privata. Il direttore Antonio Cecora ha dichiarato: «Crediamo che l’arte abbia la capacità di rendere visibili questioni che spesso restano sullo sfondo della quotidianità, stimolando riflessione e consapevolezza attraverso forme espressive capaci di coinvolgere pubblici diversi». La scelta di sostenere Eldorada Chips si inscrive in questa visione: l’arte non come bene da custodire in una teca, ma come strumento di dialogo con il presente.

Informazioni pratiche
Eldorada Chips – Giulia Maglionico
Evento Speciale – Diary #04 | Padiglione Nazionale della Repubblica Unita di Tanzania
61. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia
Gervasuti Foundation at Supernova, Cannaregio 3218/A – Fondamenta della Sensa, Venezia
27 giugno – 5 luglio 2026 | Orari: 11:00–19:00

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Per un viaggio stampa cosa darei…

Il viaggio stampa eccita da morire il giornalista medio. Visto che il riconoscimento economico per scrivere un articolo è sempre più misero, ciò che gratifica maggiormente il giornalista è il viaggio stampa: l’esperienza premium che non potrebbe mai permettersi. Non tanto in termini economici, quanto in termini di riconoscimento personale.

Perché durante il viaggio stampa il giornalista medio si sente riconosciuto. Lì il suo lavoro, che ha cercato di spiegare ai genitori ricevendo in cambio interminabili minuti di derisione, finalmente viene compreso e soprattutto apprezzato. In quei giorni è qualcuno. Uno che viene nutrito e idratato con fiumi di vino, acqua aromatizzata al ginepro, omaggiato con cataloghi, regalie, penne, agendine, cene, finger food, candeline, profumini e soprattutto gratificato da segnaposti con nome e cognome esatti. C’è qualcuno che apprezza la sua presenza, anziché sperare che detoni, come fa il suo compagno/a.

Non è tutto oro quel che luccica, credetemi: in realtà la maggior parte dei viaggi stampa ha i contorni di un tour ai lavori forzati. Ma al nostro giornalista, anche se offrissero due giorni in Australia, con volo in stiva, per trascorrere sei ore scarse in una città sconosciuta persino ai cartografi, lui partirebbe con tronfia soddisfazione.

Ottanta artisti da incontrare, ottocento studio visits, chilometri di fiere e asciugoni su musei sconosciuti: per lui non sono un’occasione, per lui sono il Sacro Graal. E poi fotografa, posta e fotografa, taggando tutto e tutti. Per fare invidia a chi non c’è.

Anche se si trascina in città anonime in compagnia di persone che gli fanno rimpiangere i pranzi di Natale in famiglia, coi fratelli avvelenati a spartirsi l’eredità.

I viaggi stampa, poi, sono organizzati in programmi serratissimi, dove il giornalista deve presentarsi a tutti destreggiandosi, come un giocoliere, con bicchierini e piattini in mano dalla mattina alla sera, con badge al collo ingombranti come billboard, con milioni di flyer donati, tra cui quelli delle pizzerie del posto che in patria sfila con stizza dal parabrezza della macchina.

E deve parlare, ascoltare, parlare, ascoltare, tutto stando sempre sul pezzo, annuendo, mostrando un interesse così profondo che manco gli stessero svelando il segreto della vita. Si deve pure sperticare in complimenti, cercando di rimanere simpatico a chi lo ha invitato, per accaparrarsi così un altro invito l’anno successivo

Perché più è invitato, il giornalista medio, più è nel giro di quelli che contano. C’è chi dell’invito infatti ne ha fatto una psicosi e chi durante quei giorni entra in un delirio di onnipotenza, criticando cose che nella vita normale non potrebbe neanche prenotare. Cambiando camere in alberghi a sei stelle, battendo i piedi perché non arrivano i taxi o perché l’aria condizionata non è abbastanza condizionata.

Che belli sono i viaggi stampa. Vi prego, invitatemi a tutti. Non voglio dormire nel mio letto, ho paura!

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£393,4 milioni in una sola notte: Sotheby’s London stabilisce il record assoluto per un’asta europea con la vendita della collezione Lewis e l’asta serale di arte moderna e contemporanea

Ieri sera, a New Bond Street, Sotheby’s Londra ha ridefinito i parametri del mercato dell’arte europeo. La doppia sessione, prima la vendita della collezione Lewis, poi l’asta serale di arte moderna e contemporanea, ha totalizzato £393,4 milioni ($520,7 milioni), il risultato più alto mai raggiunto in una singola serata d’asta in Europa, stando a quanto dichiarato da Sotheby’s. Un numero che supera ogni precedente e che, al di là dei record, restituisce un’immagine particolarmente eloquente dello stato del mercato dell’arte nel 2026: selettivo, polarizzato, orientato verso opere che la storia ha già consacrato.

La collezione Lewis: £296,3 milioni per 24 capolavori

Assemblata nel corso di decenni da Joe Lewis e dalla figlia Vivienne, la raccolta ha realizzato £296,3 milioni ($392,6 milioni), ben oltre la stima pre-vendita di £190–273 milioni, stabilendo il nuovo record per una collezione privata offerta all’asta a Londra. Su 25 lotti in catalogo, uno solo è rimasto invenduto. Oltre il 70% delle opere ha superato la stima alta e dieci lotti hanno oltrepassato la soglia dei dieci milioni di sterline.

Il lotto di punta della serata è stato Nu assis au collier (1917–18) di Amedeo Modigliani, aggiudicato per £48,2 milioni ($63,9 milioni): il prezzo più alto mai raggiunto per un’opera dell’artista livornese venduta in un’asta europea. Lewis aveva acquistato il dipinto da Christie’s nel 1995 per 12,4 milioni di dollari. Trent’anni dopo, il dipinto ha moltiplicato il proprio valore di oltre cinque volte. Il nudo fa parte di un piccolo gruppo di tre opere raffiguranti la stessa modella con la collana di corallo rosso, i cui pendant sono conservati all’Allen Memorial Art Museum di Oberlin e al Solomon R. Guggenheim Museum di New York: un confronto museale che ne rafforza il peso storico e la rarità sul mercato.

Gustav Klimt ha portato la seconda cifra più alta della serata: il ritratto a figura intera di Gertrud Loew del 1902, Bildnis Gertrud Loew (Gertha Felsőványi), è stato acquistato da un collezionista privato asiatico per £36,2 milioni ($47,9 milioni), a fronte di una stima di £20–30 milioni. Nelle ultime aste di alto profilo, le opere di Klimt avevano già dimostrato una tenuta eccezionale, con risultati sistematicamente al di sopra delle aspettative.

Sleeping by the Lion Carpet (1995–96) di Lucian Freud, quarto e ultimo capitolo della serie monumentale dedicata alla musa Sue Tilley, è stato battuto all’asta per la prima volta dopo trent’anni trascorsi nella collezione Lewis, raggiungendo £29,3 milioni ($38,8 milioni). Il critico e storico dell’arte Martin Gayford lo ha definito «l’opera più importante che Freud abbia mai dipinto».

Tra le altre opere significative, la Petite Danseuse de quatorze ans di Edgar Degas — nella fusione del 1922 — ha raggiunto £25,1 milioni ($33,3 milioni), seconda cifra in assoluto mai registrata all’asta per questo soggetto iconico. Il Buste de femme (1938) di Pablo Picasso, entrato nella collezione nel 1996 e mai passato prima in asta, ha superato la stima alta attestandosi a £23,9 milioni ($31,6 milioni). La Danaë (1909) di Egon Schiele, considerata il primo capolavoro dell’artista viennese e nella raccolta Lewis da quasi vent’anni, è stata venduta per £17,9 milioni ($23,8 milioni).

La sorpresa più clamorosa della serata è stata La Belle Promenade di René Magritte, una gouache del 1965 non esposta pubblicamente da quasi sessant’anni. Stimata £3–4 milioni, ha scatenato una gara tra undici offerenti fino a essere aggiudicata per £16 milioni ($21,3 milioni), stabilendo il nuovo record mondiale per un’opera su carta del maestro surrealista belga.

Il mercato asiatico, protagonista silenzioso della notte

Un filo conduttore attraversa entrambe le sessioni: la presenza determinante dei collezionisti asiatici. Hanno partecipato alle offerte su oltre la metà dei lotti della collezione Lewis e hanno acquisito più di un terzo del valore complessivo della raccolta, per un totale superiore a £120 milioni. Tra gli acquisti figurano il Klimt, il nudo di Modigliani, un Freud e due Picasso. Un segnale che consolida una tendenza evidente nelle stagioni precedenti: il capitale asiatico non insegue le ultime mode del mercato secondario, ma compete direttamente per i capolavori storicamente accertati e di primo piano.

Il Monet da £40,8 milioni: il record impressionista in Europa

La seconda parte della serata, l’asta di arte moderna e contemporanea, ha aggiunto £97,1 milioni ($128,1 milioni) al totale complessivo, con un incremento del 55% rispetto alla sessione equivalente del giugno 2025. L’asta ha inoltre registrato un venduto dell’85% per numero di lotti.

Il lotto di punta è stato Nymphéas (1907) di Claude Monet, appartenente alla celebre serie delle ninfee del 1904–1909 ed esposto alla storica mostra della Galerie Durand-Ruel di Parigi nel 1909. Cinque offerenti si sono contesi il dipinto, con rilanci provenienti anche dall’Asia, fino al prezzo finale di £40,8 milioni ($54 milioni): l’opera impressionista più preziosa venduta all’asta in Europa in oltre un decennio.

Nell’asta moderna e contemporanea si sono distinti anche un’opera su carta di Mark Rothko — venduta per £9 milioni ($12 milioni) al suo debutto d’asta dopo essere stata recentemente esposta alla National Gallery of Art di Washington — e Love Is In The Air nella versione a grandezza naturale di Banksy, aggiudicata per £6,4 milioni ($8,5 milioni).

Cosa racconta questa serata al mercato

Il totale di £393,4 milioni non rappresenta soltanto un record. Evidenzia con chiarezza le dinamiche che stanno caratterizzando il mercato dell’arte nel 2026. Le opere percepite come storicamente insostituibili, con provenienza solida, rarità documentata e un ruolo riconosciuto nella storia dell’arte, trovano compratori disposti a competere con determinazione e a prezzi senza precedenti. Tutto il resto fatica. Non si tratta di euforia speculativa, ma di una concentrazione del capitale verso ciò che il mercato considera definitivo e non replicabile.

La collezione Lewis incarnava esattamente questa logica. «Abbiamo sempre saputo di essere solo custodi temporanei di queste opere», ha dichiarato Vivienne Lewis al termine della vendita. «Ora sembra meno un addio e più il momento di rimetterle in circolazione nel mondo, affidandole a nuove case dove possano essere amate ancora una volta.»

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“Vorrei un bel lavoro di Alighiero”, si sente spesso chiedere. “Una biro, una carta, un arazzo, insomma un bel lavoro che costi il giusto”. E, nel caso vi trovaste nelle fortunate condizioni di poterlo comprare, allego qui di seguito alcune considerazioni assolutamente personali che potrebbero sempre servire. Innanzitutto occorre fare un breve excursus storico sul suo percorso e dimostrare bene di conoscerlo. Cominciamo dall’inizio: le prime opere sono bellissime ma poco riconoscibili. Quelle del 1961-62 denotano un incredibile amore e somiglianza per Nicolas De Staël, artista russo naturalizzato francese, particolarmente caro ad Alighiero, specialmente in quel dipinto che dal catalogo risulta essere del signor Ponsetti Mario.

Evoluzione della ricerca artistica: dagli esordi agli anni ’60

Dal 1963 la ricerca di Boetti perde momentaneamente colore e tra acqueforti, acquetinte e matite, dominano il bianco, il nero, il grigio e certe forme strane che poi verranno abbandonate un paio d’anni più tardi per far posto a aste e microfoni, lampade e macchine fotografiche, disegnate a inchiostro e molto meno note rispetto al resto. Dal 1966 inizia il Boetti vero, o forse il più conosciuto, con la “Lampada annuale”, “Ping Pong”, la “Catasta” del Castello di Rivoli, i tessuti colorati di “Zig Zag”, il primo rotolo di cartone ondulato che è in collezione GAM di Torino e la mimetica militare.

E questo potrebbe essere un primo vero segno del pensiero di Alighiero successivo poiché la mimetica è un tessuto militare che serve a mimetizzare, quindi a nascondere, ma che Boetti decide invece di esporre. Le mimetiche si modificano poi senza che l’artista intervenga a seconda delle zone dove si combatte una guerra poiché le trame del tessuto dipendono sia dal periodo temporale, sia dalla zona in cui la guerra avviene, e si avranno predominanti di marroni se il terreno è asciutto, oppure prevalenze di verde scuro se il manto vegetativo è fitto e umido.

Il gioco, la simmetria e le “dame”

Il 1967 è poi l’anno delle “dame”, opere realizzate in legno punzonato composte da tessere quadrate con segni speculari come punti, crocette e cerchi, che a mio avviso sono meravigliose e denotano la parte giocosa di Boetti e il suo amore per i codici e le simmetrie, e che contengono qua e là degli introvabili errori, almeno come mi ha spiegato pazientemente Giorgio Colombo, che di Boetti sa tutto. Versioni cartacee dei meccanismi delle dame Boetti li ha ottenuti anche su carta, sostituendo le punzonature con adesivi colorati pazientemente organizzati all’interno di fitte griglie.

Ormai i colori sono ritornati e Alighiero ha deciso di fissarli su cartoni con vernici industriali per creare parole che legano il colore a luoghi o cose, come il Rosso Gilera e il Rosso Guzzi, il Beige Sahara e il Verde Ascot. Ma fermiamoci per un attimo: quali comprereste tra queste opere? Tutte, forse, ma dovendo scegliere solo un paio di lavori fino a questo punto io opterei per la mimetica o la dama di legno, che arriveranno dunque alla fase finale e delle quali ci dobbiamo ricordare prima di proseguire.

Critica alle opere minori e il caso delle “colonne”

Interessanti sono i manifesti con i nomi degli artisti dell’arte povera e le sagome dei territori in guerra, ma sono lavori meno completi, forse, così come non comprerei i tubi di eternit non perché siano nocivi ma perché mi risultano un po’ datati oggi e privi di quella genialità che altrove è più immediato riscontrare. Il 1968 è invece l’anno delle colonne create con i centrini di carta smerlata e sorretti da un’anima di ferro invisibile al centro.

Con esse parte delle mie convinzioni vacilla, perché sebbene non le ritenga tra i miei lavori preferiti e sono convinto che non offrano molto in termini di emozioni, una delle colonne è stata record d’asta per un buon periodo, fissandosi sui 2 milioni 634 e rotti mila euro nel 2014, resistendo per sette anni almeno. Perché? Perché la provenienza era molto importante, perché quell’opera era stata esposta in una mostra storica, perché conteneva all’interno già una bellissima frase: “uno dei mille e mille fogli che compongono la colonna realizzata a Torino nel sessantotto, fuori e in silenzio dalla furiosa contestazione”.

E credo di non aver troppo torto nel sostenerlo, visto che una colonna simile dello stesso anno ha chiuso in asta a circa la metà del prezzo, otto anni dopo quel risultato. Cosa si inizia intanto a notare? Che le frasi belle di Alighiero hanno un’importanza fuori dal comune. Ma cosa facciamo con la colonna? La teniamo nel nostro ipotetico carrello della spesa? Non credo. Se non sapessi che è di Alighiero mi direbbe ben poco.

L’importanza del testo e la poetica di Boetti

Un discorso diverso merita invece “Io che prendo il sole a Torino il 19 gennaio del 1969” che è, con i suoi centoundici elementi e la farfalla cavolaia posata sopra, un’opera ormai mitica. Cosa la rende tale? Secondo me il titolo. E lo stesso direi che succede per l’opera di poco successiva, in ferro e vetro, grande e misteriosa: “Niente da vedere niente da nascondere”. E qui torna la mia idea dell’opera di Alighiero: quella giusta deve includere un bel testo perché Alighiero era un artista poetico.

Ha scritto frasi e testi meravigliosi, come questo del 1982 che qui di seguito parzialmente trascrivo: “Oggi è il 2 giugno 1982 e scrivere con la sinistra è disegnare e poi con questa matita di un celeste intenso bucherò questa porzione di carta scritta e strappando in tanti pezzi per poi piegarli seguendo il tracciato e ancora il lato davanti e il dietro ovvero dritto e rovescio quindi una confusa divisione dei ruoli confusa perché non c’è simmetria speculare o no cioè non è certo che la sinistra diviene la destra e o viceversa l’alto non divide il basso e o viceversa, il su e il giù, davanti e dietro, il verso e il suo contrario, sparsi ai quattro venti teso avec quatre épingles, stracciati e divisi, girati e rivoltati, spaccati e disperatamente dispersi e mai ritrovati così come il mio corpo lacerato e diviso rivoltato e disperso senza la serenità della simmetria e o la rassicurante versione opposta e contraria dello specchio e o la logica della x o clessidra, cerniera, viceversa” eccetera eccetera, e sono sicuro di aver reso l’idea.

Progetti complessi: dalle mappe ai ricami

La stessa cosa si ripete con i quadretti ricopiati dai fogli del “Cimento dell’armonia e dell’invenzione”, con specificate anche le ore di lavoro o il momento preciso, come le “4 ore d’un pomeriggio” o le “variazioni sul sistema decimale” che, a detta di Boetti, “fa acqua da tutte le parti”. Sempre nel 1969 arriva il primo ritratto (di Antonin Artaud), eseguito con delle x sotto le lettere corrispondenti al nome e cognome, e l’esposizione dei primi planisferi che non sono nient’altro che l’anticipazione di quelle che saranno rispettivamente le famose biro e le mappe preziose.

Iniziano ora anche i viaggi postali e la scrittura a due mani. Ma torniamo alle mappe, che secondo Alighiero sono il lavoro perfetto perché è un lavoro non scelto, non fatto e non cambiato da lui. I conflitti modificano i confini, i territori cambiano di bandiera, il lavoro è eseguito da altri e i contorni delle mappe contengono indicazioni che spiegano quando e dove sono state realizzate e alle quali presto si aggiungono frasi boettiane come mettere al mondo il mondo e tanto altro.

Gli anni ’70 e ’80: l’affermazione del colore e delle frasi

Dagli anni 70 proliferano anche le penne a biro blu su carta che sembrano dei mari profondi ma le cui virgole bianche indicano e compongono parole come “omonimo”, “i sei sensi”, “il progressivo svanire della consuetudine”, “ricorrere”, “inaspettatamente”, “simmetrico asimmetrico”, quell'”ordine e disordine” che ritornerà spessissimo, e altri nomi e cognomi di persone a lui vicine: Alighiero Boetti, Arnaldo Pomodoro, Rufo Sperone o Peppino Agrati. Proseguendo nel tempo si arriva alla cartella “Insicuro Noncurante”, vera e propria testimonianza della forma mentis di Boetti, o al capolavoro degli “Autodisporsi”, dove i quadretti più scuri fanno un viaggio nel foglio con logiche precise.

Arrivano presto anche il “Lavoro postale con 37 modi di affrancare una busta” del 1972 o i “Calendari” che nascono nel 1974 e che continuano fino al 1994 (ad eccezione di una breve interruzione) creati da Alighiero con le proprie mani o con l’aiuto di Agata, realizzati con i fogli dei calendari “effemeridi” per esser regalati agli amici. Poco dopo prende il via un pretenzioso e assurdo progetto: i ricami dei “mille fiumi più lunghi del Mondo”.

Dopo di lui arrivano i “Raddoppiare dimezzando”, con un concetto semplice che adoro, gli “Orologi annuali” dal 1977 in avanti, le opere con gli aeroplanini, gli “Alternando da uno a cento e viceversa” fissate su arazzi e tante altre frasi magnifiche rese incancellabili e coloratissime come il “Non parto non resto” o come quei versi presi a prestito dal poeta Sandro Penna: “io vivere vorrei addormentato entro il dolce rumore della vita”.

Frasi incasellate nel colore perché, del resto, in un’intervista del 1993 Alighiero aveva ammesso di essere sceso a Roma per i colori (e per Mario Schifano), anche se, tra i tanti a disposizione, il suo colore preferito, lo sappiamo, era il rosso, che nei libri metteva dappertutto.

La maturità artistica e la selezione dell’opera ideale

Gli anni 80 sono quelli delle carte ricche d’immagini, di scritte e informazioni, e sono anche gli anni della natura vista come una “faccenda ottusa” o di “cerniera clessidra e viceversa”, creata con testi ribaltati all’indietro su una carta piegata e di difficile lettura. Altri lavori includono piccoli animali e soprattutto le scimmie, ma si accompagnano sempre a frasi varie come “amata desiderata indifferenza”, “il profilo del vento”, “la tremenda continuità delle onde”, “l’anno limpido chiaro luminoso fresco” e mi aiutano a dimostrare quanto detto: che Alighiero fosse un poeta è ormai ovvio.

Se poi nelle opere tra il 1980 e il 1987 proliferano gli arazzetti, nei suoi ultimi anni gli stessi sono sempre più numerosi e grandi, “I Tutto” diventano ancora più complessi, le “Mappe” sono quasi enormi e ogni opera assume un’altra importanza. Ma quali sarebbero i lavori più giusti a questo punto? Restringiamo il cerchio. All’inizio avevamo tenuto dame e mimetiche e quell'”Io che prendo il sole a Torino” che adesso non mi sento di mantenere, perché se io fossi un collezionista preferirei un’opera che sta a parete, perché in caso di rivendita i quadri si vendono meglio della sculture e perché, in generale, le case dei collezionisti ospitano più facilmente opere che si possono appendere.

Eviterei ahimè le opere su carta e i materiali più fragili, privilegiando lavori su un supporto stabile come un arazzo, che è sicuramente meglio, visto che, ad oggi, il 68% dei suoi lavori venduti è costituito dagli arazzi, il 22% dai disegni e dagli acquarelli, e il 10% dai restanti.

Conclusione: criteri di acquisto e scelta finale

Avendo poi assodato senza albagia che per Alighiero la scrittura è capitale, prenderei qualcosa che ha le lettere, che contenga delle frasi belle, che sia colorato e che abbia una buona dimensione tale da farsi notare e da poter arredare, perché anche a questo guardano i collezionisti o i compratori odierni. Se ci fossero poi delle frasi in lingua farsi e almeno una citazione dal francese sarebbe solo un bene. La prima perché il farsi è lingua nota per la sua dolcezza e letteratura e si fa parecchio apprezzare dal mercato medio-orientale; la seconda perché la Francia per Alighiero è stata di grande stimolo e risulta anche essere un suo florido mercato.

Infine, una volta riscontrato che l’opera abbia i colori voluti, che sia archiviata, che abbia una buona provenienza, selezionerei con cura le frasi migliori, che per me sarebbero: “Far quadrare tutto”, “Non parto non resto”, “Regola è regolarsi”, “Ordine e disordine”, “Tocchi e rintocchi”, “Dare tempo al tempo”, “Il dolce far niente” e “Immaginando tutto”. A questo punto, di fronte a un prezzo giusto, a metà tra quello a ribasso di alcune aste e le richieste di certe gallerie carissime, volendo e potendo, procederei all’acquisto. E il tuffo nel gerundio è d’obbligo.

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È già aperta al pubblico, e lo sarà fino al 6 settembre, la grande mostra dedicata ad Aurelio Amendola nelle sale di Palazzo Reale a Milano. Un ritorno atteso: trent’anni dopo la personale sulle Cappelle Medicee (1995), il fotografo pistoiese torna nello stesso luogo con una retrospettiva che abbraccia cinquant’anni di carriera e ridefinisce il rapporto tra obiettivo fotografico e opera d’arte.

Capolavori fotografati: l’arte vista dall’interno

Il titolo è già un programma: Aurelio Amendola. Capolavori fotografati. Burri, Vedova, Nitsch, Duomo di Milano, Bernini, Canova, Michelangelo. Promossa dal Comune di Milano – Cultura e prodotta da Palazzo Reale in collaborazione con l’Associazione Culturale BUILDING, la mostra presenta 85 fotografie di grande formato realizzate tra il 1976 e il 2025. Non una semplice retrospettiva, ma un viaggio visivo attraverso epoche, materiali e gestualità diverse, tenuto insieme da uno sguardo unico: quello di Amendola, nato a Pistoia nel 1938, da decenni considerato uno dei più importanti fotografi d’arte italiani.

La sua non è mai stata documentazione. È interpretazione. Amendola non fotografa le opere: le abita, le interroga, ne restituisce una vita segreta che l’occhio distratto non coglie. La luce diventa narrazione, il dettaglio si fa racconto.

Il percorso espositivo: dal gesto contemporaneo al marmo classico

L’azione come opera: Burri, Vedova, Nitsch

Il percorso si apre con 41 fotografie dedicate a tre giganti del secondo Novecento: Alberto Burri (1915–1995), Emilio Vedova (1919–2006) e Hermann Nitsch (1938–2022). Tre artisti per i quali il gesto non è accessorio all’opera, ma è l’opera stessa.

Le immagini provengono anche da prestiti prestigiosi: la Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri di Città di Castello, la Fondazione Emilio e Annabianca Vedova di Venezia e la Nitsch Foundation di Vienna hanno contribuito a rendere possibile questo primo nucleo espositivo.

Le Combustioni di Burri sono tra i momenti più potenti: in una sequenza del 1976, realizzata a Città di Castello, Amendola coglie l’artista nell’atto di bruciare una superficie plastica. Il fuoco come pennello, la distruzione come creazione. Le fotografie mostrano un processo che normalmente resta invisibile e lo rendono iconico quanto le opere stesse.

Con Vedova, nel 1987, è l’energia del corpo a dominare: il pittore veneziano si muove tra i suoi grandi tondi come in un campo d’azione, il suo peso e il suo movimento diventano matrici del segno. Amendola lo insegue nello studio, e trasforma ogni scatto in un fotogramma di danza.

Per Nitsch, Amendola documenta le “azioni rosso sangue” del castello di Prinzendorf nel 2012, condensando in pochi scatti l’essenza di un’arte totale, rituale, difficilmente avvicinabile nella sua forma originale.

Il Duomo di Milano: architettura come scultura

Una sala intera è dedicata a 9 fotografie del Duomo di Milano, realizzate nel 2009 e qui esposte per la prima volta al pubblico. Nel contesto di Palazzo Reale — a pochi passi dalla cattedrale — questi scatti assumono una valenza quasi tattile: il Duomo non come monumento da ammirare da lontano, ma come organismo plastico, come materia scolpita attraversata da luce e tempo.

Amendola evita l’inquadratura turistica. Cerca prospettive oblique, dettagli che diventano forme astratte, giochi di luce che trasformano il marmo in qualcosa di vivo. È una lettura scultorea dell’architettura gotica, e funziona.

Bernini, Canova, Michelangelo: il marmo come materia viva

La sezione conclusiva — 35 fotografie in bianco e nero — è forse la più commovente. Amendola si confronta con tre sculture tra le più note della storia dell’arte: il Ratto di Proserpina (1621–1622) di Gian Lorenzo Bernini, Amore e Psiche(1787–1793) di Antonio Canova, la statua di Giuliano de’ Medici di Michelangelo per le Cappelle Medicee (1521–1534).

Cosa aggiunge la fotografia a opere già così fotografate, studiate, ammirate? La risposta di Amendola è nei dettagli: una mano di Bernini colta da un’angolazione impossibile a occhio nudo, la superficie di Canova che sotto la sua luce rivela sfumature quasi pittoriche, lo sguardo di Giuliano riletto come se fosse la prima volta. Il marmo smette di essere pietra e torna a essere gesto, intenzione, vita sospesa.

Informazioni pratiche per visitare la mostra

La mostra è aperta al pubblico fino al 6 settembre 2026 con ingresso gratuito. Gli orari sono: martedì, mercoledì, venerdì, sabato e domenica dalle 10.00 alle 19.30; il giovedì dalle 10.00 alle 22.30. Il lunedì è giorno di chiusura.

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A Firenze l’installazione Paper/Cosmic Breeze trasforma MOTEL in un ambiente partecipativo tra arte radicale, luce e azione collettiva.

Alla Manifattura Tabacchi di Firenze, negli spazi di MOTEL, è in corso dal 12 giugno al 16 settembre 2026 Paper/Cosmic Breeze, installazione di Gianni Pettena (Bolzano, 1940), a cura di Davide Giannella, con un intervento luminoso del collettivo Specific. L’opera è stata inaugurata l’11 giugno con il patrocinio del Comune di Firenze e si inserisce nel programma di rigenerazione culturale del complesso industriale riconvertito.

Originariamente concepita nel 1971 al Minneapolis College of Art and Design con il titolo Paper/Midwestern Ocean, l’installazione viene oggi ripensata come ambiente immersivo e partecipativo. Lunghe strisce di carta sospese riempiono lo spazio fino a definirne una sorta di architettura instabile, attraversabile e continuamente modificabile. Il pubblico non si limita a osservare, ma interviene direttamente nell’opera attraverso il gesto del taglio, diventando parte attiva nella sua trasformazione.

Il lavoro di Pettena si colloca nel solco dell’architettura radicale, di cui è stato tra i protagonisti e fondatori alla fine degli anni Sessanta. La sua ricerca ha progressivamente messo in discussione l’idea di progetto come forma stabile e definitiva, orientandosi verso pratiche temporanee, processuali e aperte all’interazione. In questo senso, Paper/Cosmic Breeze non è un oggetto, ma un evento: un sistema in continua ridefinizione che mette al centro il rapporto tra spazio, tempo e presenza umana.

Il titolo dell’opera richiama l’evoluzione del progetto originario, in cui la dimensione oceanica si trasforma in una visione più ampia e cosmica. Le strisce di carta, mosse dall’aria e dall’intervento dei visitatori, generano una percezione fluida dello spazio, accompagnata da una componente sonora e sensoriale che contribuisce a costruire un ambiente immersivo.

L’intervento luminoso firmato da Specific, realizzato con il supporto tecnico di Targetti, introduce una dimensione ulteriore: la luce, calda e pulsante, attraversa l’installazione senza stabilizzarla, accentuandone la natura mutevole e temporanea. Il risultato è un ambiente che si comporta come un organismo, in cui ogni elemento – materiale, luce, gesto – concorre alla definizione dell’esperienza.

Ospitata all’interno di MOTEL, nuovo spazio eventi della Manifattura Tabacchi, l’installazione inaugura il palinsesto culturale del progetto di rigenerazione urbana fiorentino. L’ex fabbrica diventa così contenitore di pratiche artistiche che riflettono sul rapporto tra memoria industriale e contemporaneità, tra architettura storica e usi culturali del presente.

In questo contesto, l’opera di Pettena riafferma la centralità dell’azione e della partecipazione come strumenti di conoscenza dello spazio. La carta, materiale fragile e quotidiano, diventa struttura temporanea di un’architettura che esiste solo nel momento in cui viene attraversata e modificata, trasformando la visita in esperienza e l’osservazione in costruzione collettiva.

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