Dal 13 al 16 novembre 2026, ArtePadova torna negli spazi di Padova Hall per la sua 36ª edizione. La manifestazione dedicata all’arte moderna e contemporanea riunirà circa 300 espositori. Numeri annunciati in crescita rispetto al 2025, che confermano la dimensione commerciale della fiera e il suo ruolo nel panorama del mercato dell’arte del Nordest.

La principale novità di quest’anno è l’introduzione di una sezione interamente dedicata alla fotografia, che accoglierà gallerie specializzate, fotografi e professionisti del settore. Un ampliamento dell’offerta espositiva che affianca alla pittura e alla scultura un linguaggio ormai consolidato nel mercato dell’arte, con dinamiche collezionistiche e criteri di valutazione propri.

Dal Novecento storico alle ricerche contemporanee

Il percorso fieristico mantiene la distinzione tra due sezioni principali. La Main Section che accoglie le proposte delle gallerie attive nel mercato dell’arte moderna e contemporanea, con particolare attenzione agli artisti storicizzati del XX secolo.

Tra gli autori annunciati figurano Lucio Fontana, Piero Manzoni, Mario Sironi, Carla Accardi, Agostino Bonalumi, Arnaldo Pomodoro, Mimmo Rotella e Alighiero Boetti. Una selezione che attraversa esperienze differenti, dallo Spazialismo all’Informale, dalle ricerche sulla superficie alle sperimentazioni concettuali e dell’Arte Povera.

Accanto a questi nomi, saranno presenti opere di Mario Schifano, Franco Angeli, Tano Festa, Emilio Isgrò e Michelangelo Pistoletto, mentre il versante contemporaneo comprenderà, tra gli altri, Bertozzi&Casoni, Giorgio Tentolini, David LaChapelle e Stefano Bombardieri.

Tra i lavori segnalati dagli organizzatori si distingue un bassorilievo in bronzo di Arnaldo Pomodoro, sono inoltre annunciate opere di grandi dimensioni di Piero Dorazio, Alberto Biasi e Hans Hartung.

Il Contemporary Art Talent Show e il segmento sotto i 5mila euro

A fianco della sezione principale torna il Contemporary Art Talent Show (C.A.T.), dedicato a gallerie, associazioni, collettivi e artisti indipendenti che presentano opere con prezzi inferiori ai 5mila euro.

La soglia economica definisce un segmento distinto rispetto a quello delle opere storicizzate, rivolto anche a chi si avvicina al collezionismo con disponibilità più contenute. La sezione offre inoltre uno spazio a ricerche artistiche meno consolidate sul piano commerciale, pur riunendo proposte potenzialmente molto diverse per linguaggi, percorsi e maturità degli autori.

Le opere presentate concorreranno al Premio C.A.T. e alla quarta edizione del Premio Banca Mediolanum.

Fotografia, editoria e il dialogo con Antiquaria Padova

L’apertura alla fotografia rappresenta l’elemento di novità rispetto alle edizioni precedenti. La presenza di uno spazio autonomo consentirà di verificare quale peso gli organizzatori intendano attribuire a questo settore e come si articolerà il confronto tra fotografia d’autore, pratiche contemporanee e mercato delle stampe.

Completano il programma gli spazi dedicati all’editoria d’arte e il Salotto letterario, con incontri e conferenze curati da Davide Meneghini.

Prosegue inoltre la collaborazione con Antiquaria Padova, in calendario dal 7 al 15 novembre nei padiglioni adiacenti. La sovrapposizione delle due manifestazioni permetterà ai visitatori di accedere con un unico biglietto a proposte che spaziano dall’antiquariato all’arte contemporanea.

Informazioni per la visita

La 36ª edizione di ArtePadova si svolgerà dal 13 al 16 novembre 2026 presso Padova Hall, in via Niccolò Tommaseo 59. La fiera sarà aperta da venerdì 13 a domenica 15 novembre dalle 10 alle 20, mentre lunedì 16 novembre chiuderà alle 13. I biglietti sono disponibili sul sito ufficiale artepadova.com.

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Nel cuore del Marais apre uno spazio espositivo con residenza d’artista firmato da Atelier Tsuyoshi Tane Architects. La mostra inaugurale, Ici, la Mer, riunisce opere di Yuko Mohri, Machiko Ogawa, Hiroshi Sugimoto e Tsuyoshi Tane.

Parigi arricchisce la propria geografia culturale con un nuovo indirizzo dedicato all’arte contemporanea. Si chiama LXVIII Rue des Archives e si trova al civico 68 di rue des Archives, nel Marais, uno dei quartieri più vivaci della capitale francese. Non soltanto uno spazio espositivo, ma anche una residenza d’artista e una piattaforma di incontro tra artisti, curatori e pubblico, concepita per favorire la ricerca, la sperimentazione e la costruzione di relazioni durature all’interno della comunità artistica internazionale.

Il progetto architettonico porta la firma di Atelier Tsuyoshi Tane Architects e recupera gli ambienti interni ed esterni di un hôtel particulier del Seicento, trasformandoli in un luogo dalla vocazione contemporanea, capace di mettere in dialogo memoria storica e nuove pratiche artistiche. Tra le persone coinvolte nell’organizzazione e nello sviluppo del progetto figura anche la giovane Elisabetta Pagella, che contribuisce a questa nuova iniziativa culturale internazionale.

A inaugurare lo spazio è Ici, la Mer (Qui, il Mare), visitabile dal 18 ottobre al 19 dicembre 2026, una mostra che riunisce quattro personalità provenienti dal Giappone: Yuko Mohri, Machiko Ogawa, Hiroshi Sugimoto e lo stesso architetto Tsuyoshi Tane. Il filo conduttore è il concetto di «uchronia», introdotto dal filosofo Charles Renouvier nel 1876 per indicare una storia alternativa, un tempo che non è mai esistito. Da questa suggestione prende forma una riflessione sulla memoria, sulle realtà parallele e sulle possibilità dell’immaginazione, attraverso la natura e le origini primordiali del mondo.

Le opere attraversano linguaggi e materiali differenti. Yuko Mohri presenta Piano Solo: Belle-Île, un pianoforte meccanico che riproduce, attraverso una partitura generata dai suoni ambientali della costa bretone, una sorta di memoria sonora del paesaggio. Le sculture in porcellana di Machiko Ogawa, raccolte nella serie Le Bleu du Ciel, Le Bleu de la Mer, evocano invece processi geologici e trasformazioni della materia. In Seascape, Hiroshi Sugimoto torna ai suoi celebri orizzonti marini in bianco e nero, immagini essenziali nelle quali cielo e acqua sembrano sospesi fuori dal tempo. Tsuyoshi Tane, infine, con Memoria, utilizza la cianotipia per restituire la traccia di una pietra proveniente dal terreno su cui sorge l’edificio, un luogo che milioni di anni fa si trovava sotto il mare.

Un progetto che intreccia arte, architettura e ricerca, facendo di un hôtel particulier parigino un osservatorio sul rapporto tra tempo, natura e memoria. LXVIII Rue des Archives è visitabile su appuntamento.

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La storica casa d’aste viennese Dorotheum presenta “Arte Conemporanea I”, la sessione serale del 18 novembre: 110 lotti che attraversano settant’anni di ricerca, dall’astrazione americana del secondo dopoguerra alla pittura tedesca degli anni Duemila.

Un catalogo ampio e stratificato tra minimalismo, Optical Art, Gruppo Zero, Arte Povera e scena Viennese, pensato per un collezionismo internazionale ma con un nucleo italiano di assoluto rilievo.

La vendita: highlights e lotti da non perdere

La serata si apre nel segno dell’Italia, con Alighiero Boetti e Jannis Kounellis, e si chiude con la pittura gestuale di Markus Prachensky. In mezzo, un percorso che alterna grandi nomi del mercato internazionale e figure più raffinate, care a un collezionismo di ricerca.

Tra gli highlights spiccano Tankstelle (1995) di Neo Rauch (lotto 232), Tomor (1974–75) di Victor Vasarely (lotto 205) e Match (1968) di Piero Dorazio (lotto 209). Il vertice del catalogo, però, è un’opera che da sola giustifica l’attenzione sulla vendita: il verde di Ad Reinhardt.

Il lotto 222: Ad Reinhardt e la riduzione del colore

Abstract painting (Green), olio su tela del 1952, è il top lot dell’asta, con una stima di 400.000–600.000 euro. Ad Reinhardt (1913–1967) lo dipinge negli anni in cui sta portando la pittura verso una progressiva sottrazione: campiture quasi tonali, geometrie appena percettibili, un colore che si fa esperienza lenta prima ancora che immagine. È la strada che lo condurrà, pochi anni dopo, ai celebri black paintings.

Al valore storico si somma una provenienza di primo piano: Marlborough-Gerson Gallery di New York, una collezione svizzera dal 1973, un passaggio da Sotheby’s Londra nel 2003 e infine Pace Gallery, da cui l’attuale proprietario tedesco l’ha acquistato nel 2010. L’opera è stata inoltre esposta al Josef Albers Museum Quadrat di Bottrop nella mostra Ad Reinhardt. Letzte Bilder (2010–2011): un pedigree che parla a un pubblico internazionale e museale.

Accanto a Reinhardt, il versante americano schiera un grande feltro grigio di Robert Morris del 1974 (lotto 221), Man in Canoe di Alex Katz (lotto 229), Tom Wesselmann, Sam Francis e Hans Hofmann.

Il nucleo italiano: da Boetti all’Arte Povera

Con oltre trenta lotti, l’Italia è la presenza più consistente in catalogo. Ad aprire la vendita è Il progressivo svanire della consuetudine (1993), di Alighiero Boetti (1940–1994), ricamo dedicato a Ennio De Bartolomei, esposto nel 2006 da Ben Brown Fine Arts a Londra (lotto 201). Segue un raro lavoro su carta del 1959 di Jannis Kounellis (1936–2017), proveniente dalla collezione di Vittoriano Spalletti a Pescara (lotto 202): un documento prezioso degli esordi romani dell’artista, prima della stagione poverista.

L’astrazione romana trova il suo momento più alto in due opere provenienti dalla Stefano Cecchi Trust Collection. Match (1968) di Piero Dorazio (1927–2005), tela di oltre un metro e mezzo esposta alla Biennale di Bolzano del 1969 (lotto 209), è un esempio pieno della sua trama luminosa di colore. Assedio Rosso (1955) di Carla Accardi (1924–2014), già presentata a Parigi da Galerie Stadler nel 1956 (lotto 208), restituisce invece la fase in cui il segno dell’artista si fa struttura e ritmo.

Per l’Arte Povera, il lotto più interessante è Cinghie (1969) di Pier Paolo Calzolari (lotto 269): cinghie di cuoio, sale e neon, materiali poveri e instabili che diventano scrittura nello spazio. Completano il nucleo una Superficie Bianca (2002) di Enrico Castellani, una Combustione (1957) di Alberto Burri, il grande Innocente + Immaginazione (1988) di Mario Schifano e Una sera (2004) di Salvo (lotto 250), artista oggi al centro di un rinnovato interesse critico e di mercato. In catalogo anche Leoncillo, Ceroli, Rotella, Adami, Isgrò, Uncini, Bonalumi, Munari e Turcato.

Il lotto 205: Vasarely e la percezione come esperienza

Il nucleo cinetico e ottico ruota attorno a Tomor (1974–75) di Victor Vasarely (1906–1997), tela monumentale di 190 x 190 cm passata da Christie’s New York nel 2006. È un’opera della piena maturità, in cui geometria e colore smettono di essere forma per diventare campo visivo: la superficie dipinta si impone nello spazio e chiede allo sguardo di muoversi con lei. Attorno a Vasarely, il racconto si allarga a Carlos Cruz-Diez, Julio Le Parc, Max Bill, François Morellet e Günter Fruhtrunk.

Zero, monocromo e Informale europeo

Per il Gruppo Zero, Heinz Mack è presente con Dynamische Struktur Weiß in Weiß (1958), proveniente dalla galleria di Alfred Schmela a Düsseldorf e rimasto nella stessa collezione renana per oltre cinquant’anni (lotto 223). Accanto, un piccolo monocromo giallo di Yves Klein (1928–1962) del 1956, M 118, esposto alla Galleria Apollinaire di Milano nel 1957 (lotto 280): un frammento della stagione in cui il colore puro diventa per Klein una presa di posizione.

L’Informale e la pittura gestuale portano in sala Astragale (1967) di Georges Mathieu, due opere di Hans Hartung, Antonio Saura, Serge Poliakoff e Rafael Canogar. Tra le sculture, La Vénus de Villetaneuse di César, bronzo alto quasi due metri (lotto 296).

Il lotto 232: Neo Rauch e la nuova figurazione tedesca

Sul fronte della pittura tedesca, il lotto di riferimento è Tankstelle (1995) di Neo Rauch (1960), grande olio su carta di 274 x 176 cm proveniente da Galerie EIGEN + ART. Precede la consacrazione internazionale dell’artista e ne contiene già il lessico: scenari sospesi, figure fuori tempo, un’architettura narrativa che sfugge a ogni lettura univoca. Il curriculum espositivo, dal Kunstmuseum Wolfsburg alla Kunsthalle di Amburgo, ne conferma il peso.

Accanto a Rauch, Scharnier von gestern zu morgen (2005) di Daniel Richter (lotto 231), tela di oltre due metri che porta in pittura la radice punk e anti-accademica dell’artista. Seguono Jörg Immendorff, Rainer Fetting, Jonathan Meese, Stephan Balkenhol, Günther Förg e Jiří Georg Dokoupil.

Il capitolo internazionale si chiude con due presenze di grande intensità: Split (2017), pastello di Paula Rego (1935–2022) presentato da Victoria Miro a Frieze London nel 2022 (lotto 242), e Střelnice I (1971) di Mikuláš Medek (1926–1974), figura centrale della pittura ceca del dopoguerra (lotto 258). In catalogo anche Miriam Cahn, Chiharu Shiota, Camille Henrot, Ali Banisadr, Keith Haring e Gilbert & George.

La scena austriaca: Jungwirth, Nitsch e Brandl

A chiudere la panoramica, il capitolo che più di ogni altro definisce l’identità di Dorotheum: la pittura austriaca, tra i lotti più osservati online. Martha Jungwirth (1940), protagonista del mercato degli ultimi anni, è presente con due opere, tra cui un Untitled del 2007 circa (lotto 212): una pittura legata al corpo e al gesto, fatta di macchie e velature che non descrivono ma accadono.

Herbert Brandl (1959–2025), scomparso lo scorso anno, figura con una tela di quattro metri del 1998 esposta alla Kunsthalle di Basilea (lotto 216). Hermann Nitsch (1938–2022) è in catalogo con tre opere, tra cui uno Splatterpainting del 1992 di 200 x 300 cm (lotto 213), mentre Gottfried Helnwein presenta il recente The Disasters of War 91 (2024). Arnulf Rainer, Maria Lassnig, Max Weiler ed Erwin Wurm completano un nucleo capace di parlare tanto ai collezionisti di area germanofona quanto a un pubblico internazionale che guarda con crescente attenzione a Vienna.

Il catalogo si inserisce con coerenza nella linea che Dorotheum ha costruito con la sua Contemporary Week semestrale: il dopoguerra italiano come asse portante, accanto alla pittura austriaca e a quella mitteleuropea. Non a caso tornano in sala i nomi che hanno firmato i risultati più recenti della casa: Carla Accardi, che lo scorso maggio a Vienna ha aggiornato il proprio record mondiale a 520.000 euro; Herbert Brandl e Markus Prachensky, entrambi a prezzi record nel 2025; Mikuláš Medek, top lot del contemporaneo di quell’anno con Two Inquisitors II (812.500 euro). Dopo una Contemporary Week autunnale 2025 definita dalla casa la più forte della sua storia, l’appuntamento del 18 novembre sarà un test sulla tenuta di questi artisti e sulla capacità di Vienna di portare in sala nomi come Reinhardt e Rauch.

Dorotheum
Asta Arte contemporanea I
18 novembre 2026 ore 18.00
Vienna, Palais Dorotheum
Esposizione dal 7 al 18 novembre

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Alla galleria Area\B, dal 27 novembre 2026 al 17 febbraio 2027, una mostra a cura di Giovanna Calvenzi ripercorre la carriera del fotoreporter attraverso circa sessanta immagini, alcune inedite.

Ci sono incontri che diventano fotografie e fotografie che, a distanza di decenni, continuano a raccontare la qualità di un incontro. È intorno a questa relazione che si sviluppa Mimmo Dabbrescia. Il tempo dell’incontro, la mostra che la galleria Area\B di Milano dedica al fotografo dal 27 novembre 2026 al 17 febbraio 2027, con la curatela di Giovanna Calvenzi e inaugurazione giovedì 26 novembre. Il percorso riunisce circa sessanta immagini, tra cui alcuni scatti inediti, costruendo una galleria di protagonisti della cultura del Novecento: da Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Renato Guttuso e Michelangelo Pistoletto a Mina, Lucio Battisti, Fabrizio De André, Enzo Jannacci, Adriano Celentano e Raffaella Carrà, fino ad attori e registi come Claudia Cardinale, Federico Fellini, Clint Eastwood e Henry Fonda.

Nato a Barletta nel 1938 e trasferitosi a Milano negli anni Cinquanta, Dabbrescia comincia la propria carriera nel fotogiornalismo collaborando con Fedele Toscani. Diventa quindi il più giovane fotoreporter del Corriere della Sera, per il quale realizza reportage in Italia e all’estero, lavorando anche per La Domenica del Corriere e per il settimanale Amica. Nel 1963 lascia il quotidiano e apre una propria agenzia, proseguendo le collaborazioni con le principali testate e avvicinandosi progressivamente al mondo della musica e dell’arte.

Alla fine degli anni Sessanta diventa un riferimento per le case discografiche e per Sorrisi e Canzoni. Nei primi anni Settanta, l’incontro con alcuni pittori orienta una parte importante della sua ricerca verso gli artisti contemporanei, ai quali dedica ritratti e pubblicazioni. Nel 1975 fonda con Bruna Coradini la rivista Prospettive d’arte, che dirigerà per oltre vent’anni. Il suo archivio, costruito attraverso viaggi, reportage e frequentazioni, conta oggi circa 800.000 immagini.

La mostra restituisce il filo che attraversa questa lunga attività: la capacità di avvicinare i soggetti senza ridurli alla loro immagine pubblica. Musicisti, artisti e interpreti dello spettacolo sono colti in momenti privati, nei propri ambienti o durante il lavoro, lontano dalla posa ufficiale. È uno sguardo partecipe e discreto, nel quale il ritratto diventa soprattutto una forma di relazione. Accompagna l’esposizione un catalogo pubblicato da VanillaEdizioni, con un contributo della sceneggiatrice e regista Marina Spada.

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Quando un bene culturale vincolato passa di mano, tra il venditore e l’acquirente si inserisce sempre un terzo attore silenzioso ma dotato di poteri incisivi: lo Stato. Nel delicato equilibrio tra la libertà dei privati di disporre del proprio patrimonio e il dovere costituzionale di proteggere la ricchezza culturale del Paese, il diritto di prelazione artistica rappresenta infatti uno degli strumenti più potenti a disposizione del Ministero della Cultura. 

Basta infatti una compravendita per far scattare una finestra temporale in cui l’affare resta “congelato”, lasciando all’Amministrazione l’ultima parola sull’acquisto del bene allo stesso prezzo pattuito tra le parti. Ma fin dove può spingersi davvero la longa manus pubblica? Cosa accade quando un’opera non viene venduta per denaro, ma regalata, magari imponendo al beneficiario l’obbligo di restaurarla? 

Un breve approfondimento tra le pieghe del Codice dei beni culturali e i più recenti orientamenti della Cassazione per capire quando lo Stato può subentrare in un affare privato e quando, invece, deve fare un passo indietro di fronte allo spirito di liberalità.

Cos’è la prelazione artistica? 

Al centro del sistema di tutela e circolazione dei beni culturali si colloca, quale strumento di tutela dell’interesse pubblico, il diritto di prelazione dello Stato. Disciplinato dal Codice dei beni culturali e del paesaggio (d.lgs. 22 gennaio 2004, n. 42, di seguito, “Codice beni culturali”), l’istituto attribuisce al Ministero, o in via subordinata alla Regione o da altro ente pubblico territoriale interessato, la facoltà di acquisire beni culturali vincolati oggetto di atti a titolo oneroso, subentrando all’acquirente alle medesime condizioni economiche pattuite previste nell’atto dispositivo. Un potere incisivo, che tuttavia non si estende a qualsiasi trasferimento e che incontra un limite strutturale insormontabile: la necessità di un corrispettivo in denaro.

Il procedimento amministrativo delineato dall’art 59 e ss. del Codice beni culturali segue tempistiche rigorose. In presenza di un trasferimento a titolo oneroso di un bene culturale, come una compravendita o un conferimento di società, è necessario effettuare una denuncia alla Soprintendenza territorialmente competente entro il termine di 30 giorni dalla stipula dell’atto. A partire da questo momento, si apre una finestra temporale della durata di 60 giorni entro la quale l’amministrazione può esercitare la prelazione, notificando il relativo provvedimento  sia al venditore sia al compratore. Un termine che si estende a 180 giorni qualora la denuncia sia stata omessa, sia tardiva o incompleta; in questi casi, la decorrenza è fissata al momento in cui il Ministero riceve la denuncia tardiva o acquisisce comunque tutti gli elementi necessari. 

Ciò che si attiva è, a tutti gli effetti, un potere discrezionale ablativo: l’atto di trasferimento tra privati resta infatti “congelato” sotto condizione sospensiva durante il termine ordinario di 60 giorni, nel quale è altresì vietata la consegna del bene. Nelle more, il proprietario subisce una limitazione temporanea della piena disponibilità del bene, in attesa di sapere se lo Stato deciderà di esercitare la prelazione. Un’intrusione incisiva nella circolazione privata delle opere, ma costituzionalmente compatibile, la cui ratio risiede nel bilanciamento tra la libera iniziativa economica dei privati e il dovere inderogabile di tutela del patrimonio pubblico di beni di interesse culturale.

L’esclusione della donazione e il ruolo della donazione modale 

Come detto in precedenza, il presupposto fondamentale per l’esercizio della prelazione risiede nella natura onerosa dell’atto di disposizione realizzato dalle parti. Questo implica che, nel caso di atti a titolo gratuito, lo Stato non può esercitare il suo potere ablativo discrezionale; tali atti sono comunque soggetti alla comunicazione di cui all’art. 59 Codice beni culturali. Ciò che esclude l’intervento dell’Amministrazione, del resto, non è una mera etichetta formale, ma l’analisi della causa concreta del negozio.

Quando il trasferimento non risponde a una logica di scambio economico, bensì a un genuino spirito di liberalità volto a soddisfare interessi non patrimoniali, lo Stato deve farsi da parte. Pretendere di applicare la prelazione a una dinamica non improntata al profitto significherebbe alterare la volontà del disponente, imponendo una sostituzione coattiva laddove manca del tutto il presupposto genetico dell’affare (cfr. sul punto La Nuova Giurisprudenza Civile Commentata, n. 5, 1° settembre 2025, p. 1333; Commento alla normativa di Emanuela Andreola)  .

Un esempio è rappresentato dalla donazione, atto a titolo gratuito per eccellenza. Merita però particolare attenzione la donazione modale (art. 793 c.c.), ossia quella gravata da un onere a carico del beneficiario, che limita gli effetti dell’atto. Si pone quindi la questione se tale onere sia idoneo a snaturare la gratuità dell’atto. Si pensi al caso di un collezionista che decida di donare un’importante opera d’arte vincolate al proprio nipote per spirito di liberalità.

Nell’atto notarile, tuttavia, inserisce un onere, ossia l’obbligo per il donatario di sottoporre il dipinto ad un rigoroso intervento di restauro conservativo, previa acquisizione delle necessarie autorizzazioni: quell’obbligo di spesa e gestione, può essere considerato una controprestazione economica, tale da giustificare la prelazione statale? La risposta è negativa, purché si tratti di un autentico onere e non di una controprestazione cui è subordinata l’attribuzione del bene.

In tal senso si pone anche la giurisprudenza, la Corte di cassazioneha chiarito che “La donazione modale (art. 793 c.c.) non introduce elementi di corrispettività nella causa liberale del contratto; il modus non potendosi qualificare in termini di corrispettivo costituendo, piuttosto, una modalità del beneficio attribuito e, in senso proprio, una sua limitazione. Sotto il profilo strutturale, quindi, il modus integra un elemento accessorio della donazione che […] non snatura la causa unitaria (liberale) della donazione e non dà vita ad un negozio autonomo con causa propria ovvero ad un negozio complesso nel quale coesistono rapporti a titolo gratuito e a titolo oneroso” (Cass. civ., Sez. V, Ordinanza, 16/11/2020, n. 25907).

Considerazioni conclusive 

In conclusione, è possibile affermare che la donazione, anche se gravata da un onere (il c.d. modus ex art. 793 c.c.), non perde la sua natura di atto a titolo gratuito. Quell’onere, purché effettivamente tale, limita il beneficio attribuito al donatario senza tuttavia poter essere considerato come un “prezzo mascherato”.

Di conseguenza, anche la donazione modale resta esclusa dall’ambito di applicazione dell’istituto dalla prelazione artistica. Resta tuttavia fermo l’obbligo di denunciare il trasferimento alla Soprintendenza competente ai sensi dell’articolo 59 del Codice beni culturali, previsto anche per i trasferimenti a titolo gratuito.

Gli autori desiderano ringraziare Carola Fanti per il suo contributo nell’attività di ricerca e il supporto redazionale.

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A oltre trent’anni dall’ultima personale nella città americana, dodici sculture raccontano il rapporto viscerale tra l’artista umbro e la materia ceramica. La mostra nasce dalla collaborazione tra Lévy Gorvy Dayan e Galleria dello Scudo.

New York torna a rendere omaggio a Leoncillo Leonardi (1915-1968), tra i più importanti scultori italiani del Novecento. Dal 4 novembre al 19 dicembre 2026, Lévy Gorvy Dayan presenta Leoncillo and the Soul of Clay, una mostra realizzata in collaborazione con Galleria dello Scudo di Verona, che segna la prima esposizione personale dell’artista nella città americana da oltre tre decenni. In mostra dodici sculture storicamente significative, concentrate soprattutto sull’ultima e radicale stagione della sua ricerca, tra la fine degli anni Cinquanta e gli anni Sessanta.

Nato a Spoleto nel 1915, Leoncillo aveva sviluppato fin dall’infanzia un rapporto privilegiato con la ceramica. Dopo gli esordi figurativi, influenzati dal Barocco e dal Cubismo, nel 1957 attraversa una profonda crisi artistica che lo conduce ad abbandonare la tradizione realista per intraprendere una ricerca astratta, nella quale la materia diventa protagonista assoluta. Terracotta e argilla non sono più semplici strumenti espressivi, ma assumono il valore di una vera e propria estensione fisica ed emotiva dell’artista. «L’argilla è come la mia stessa carne», scriveva, descrivendo un’identificazione profonda tra il proprio corpo e la materia lavorata.

Tra le opere presentate figurano San Sebastiano nero (1962), appartenente al ciclo dedicato al martire cristiano, e Tempo ferito II (1963), già esposta alla Biennale di Venezia del 1972. Entrambe erano state presentate a New York nel 1965, in occasione della personale alla Galleria Odyssia. La mostra riporta inoltre l’attenzione su una stagione fondamentale della scultura italiana, nella quale Leoncillo seppe superare la contrapposizione tra figurazione e astrazione attraverso una ricerca di straordinaria intensità espressiva.

Una parte delle opere arriva dalla prestigiosa collezione di Fabio Sargentini, protagonista della scena artistica romana e gallerista che ha contribuito alla valorizzazione dell’artista. L’esposizione sarà accompagnata da un catalogo illustrato con saggi critici di specialisti.

Per Galleria dello Scudo, da anni impegnata nello studio e nella promozione dell’arte italiana del Novecento, la collaborazione con Lévy Gorvy Dayan rappresenta un’importante occasione di valorizzazione internazionale. Un ritorno significativo per un artista che, a quasi sessant’anni dalla scomparsa, continua a interrogare il rapporto tra corpo, materia e forma.

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Il 14 e 15 novembre, negli spazi di Superstudio Più, oltre 70 espositori e una nuova sezione dedicata alle gallerie raccontano il design del Novecento.

Il modernariato torna protagonista a Milano con la sesta edizione di SOMO – Solo Modernariato, la fiera italiana dedicata esclusivamente agli arredi e agli oggetti del XX secolo, in programma il 14 e 15 novembre negli spazi di Superstudio Più, in via Tortona. Oltre 70 espositori provenienti da tutta Italia, selezionati dalla direttrice Francesca Buliani, animeranno un percorso di circa 4.000 metri quadrati attraverso mobili, complementi d’arredo, illuminazione e oggetti d’autore. Una ricognizione che attraversa le principali stagioni del design, dal rigore del secondo dopoguerra fino alle sperimentazioni degli anni Ottanta.

Tra i protagonisti della manifestazione figurano alcuni dei nomi che hanno definito l’immaginario del progetto del Novecento: Gio Ponti, Ico Parisi, Osvaldo Borsani, Gae Aulenti ed Ettore Sottsass, accanto alle visioni internazionali di Le Corbusier e Charles e Ray Eames. Poltrone, lampade, specchi, ceramiche, tavoli e insegne luminose restituiscono la varietà di un patrimonio progettuale nel quale ricerca formale, qualità artigianale e sperimentazione convivono con la possibilità di trovare una nuova collocazione negli ambienti contemporanei.

La principale novità di questa edizione è la sezione Gallery, curata dall’architetto Nicola Quadri, che riunisce otto gallerie attive nel panorama nazionale: oltre alla Galleria Nicola Quadri, con un progetto speciale firmato da Marinella Rossi, partecipano Cristiano Calore Spazio Industrial, Massimo Costa, Alberto Cremonesi, Davide Desio, Valter Fabiani – Carl Kraag e Monica Lupi. Un ampliamento che rafforza la dimensione culturale della manifestazione e il dialogo tra ricerca collezionistica e mercato.

SOMO si propone anche come occasione per avvicinarsi al modernariato al di fuori di una dimensione esclusivamente specialistica. Accanto ai pezzi rari e alle edizioni limitate, la fiera presenta infatti oggetti accessibili, rivolgendosi tanto ai collezionisti quanto a chi desidera acquistare il primo arredo d’autore. Al centro, l’idea di un acquisto consapevole, fondato sulla qualità e sull’identità degli oggetti, ma anche sul valore del riuso: ogni pezzo recuperato è un frammento di storia che può continuare a vivere in un nuovo contesto.

La manifestazione sarà aperta sabato 14 novembre dalle 10 alle 19 e domenica 15 dalle 10 alle 18. Venerdì 13 è prevista una private view su invito. In fiera anche SOMO Cafè by Kartell e food a cura di Osteria del Binari.

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Il 17 novembre la casa d’aste viennese presenta una selezione di Arte Moderna che attraversa l’Espressionismo austriaco, il Futurismo italiano e la Metafisica, con opere di Oppenheimer, Walde, Carrà, de Chirico e Marino Marini.

Dalle sperimentazioni dell’Espressionismo austriaco alle forme dinamiche del Futurismo, fino agli enigmi della pittura metafisica: il Novecento artistico europeo è al centro dell’asta di Arte Moderna che Dorotheum terrà a Vienna il 17 novembre, nell’ambito della Contemporary Week. Un catalogo che accosta opere dalla storia singolare, come un dipinto rimasto lontano dal pubblico per novant’anni e una composizione futurista ricreata dal suo autore dopo la perdita dell’originale, a soggetti divenuti emblematici della modernità, dai paesaggi alpini di Alfons Walde agli Archeologi di Giorgio de Chirico.

L’Espressionismo austriaco tra musica, paesaggio e figura

Tra le opere più interessanti figura Das Hess-Quartett (1914) di Max Oppenheimer, un dipinto considerato perduto per decenni e riemerso dopo circa novant’anni di assenza dalla scena pubblica. Stimata tra 300.000 e 500.000 euro, la tela rappresenta quattro musicisti d’archi attraverso un linguaggio che combina Espressionismo, Cubismo e Futurismo. Gli strumenti si intrecciano, le mani si tendono sulle corde e i piani geometrici frammentano lo spazio, restituendo visivamente il ritmo e la tensione dell’esecuzione musicale.

La storia dell’opera è altrettanto significativa. Esposta per la prima volta a Berlino nel 1914, fu acquistata negli anni Trenta dall’imprenditore Arnold Glück, successivamente perseguitato e ucciso dai nazisti nel 1944. Il dipinto sopravvisse alla guerra nella collezione della famiglia, rimanendo in mani private fino alla recente riscoperta.

Di tutt’altro carattere è Aufstieg der Schifahrer (circa 1935) di Alfons Walde, stimato tra 450.000 e 700.000 euro e tra i lotti di maggiore valore dell’asta. Tre sciatori avanzano lungo un pendio innevato, immersi nel contrasto tra il blu intenso del cielo e le ombre azzurre della neve. Con immagini come questa, Walde contribuì a costruire l’immaginario moderno di Kitzbühel e del Tirolo, trasformando il paesaggio alpino in un simbolo di libertà, sport e vita all’aria aperta.

La figura umana torna protagonista nel disegno del 1911 di Egon Schiele, Seitlich stehende Frau mit gepunkteter Bluse und erhobenem linken Arm (stima 120.000–180.000 euro). Una giovane donna, raffigurata con il busto in torsione e gli occhi chiusi, rivela la capacità dell’artista di trasformare pochi tratti di matita in un’indagine sul movimento e sull’interiorità.

Il percorso prosegue con la Große Daphne di Renée Sintenis, bronzo concepito nel 1930 e fuso dopo il 1945, stimato tra 180.000 e 260.000 euro. La scultrice berlinese rilegge il mito di Dafne attraverso una figura femminile slanciata e immobile, nella quale la metamorfosi in alloro è appena suggerita. A completare la selezione, Meer mit roten Wolken und dunklen Seglern di Emil Nolde (80.000–120.000 euro) restituisce la forza del mare attraverso un acquerello dominato da nuvole rosse e colori intensi.

Carlo Carrà: il Futurismo e il ritorno a un’opera perduta

La sezione italiana si apre con Carlo Carrà e Forze centrifughe, una composizione che racconta una vicenda particolare. Realizzata originariamente nel 1912 e perduta durante la Prima guerra mondiale, fu ricreata dall’artista nel 1959. È questa seconda versione, stimata tra 150.000 e 200.000 euro, a essere presentata in asta.

Diagonali, forme geometriche e piani sovrapposti generano un movimento che sembra espandersi dal centro verso i margini della tela. L’opera testimonia il dialogo tra Futurismo e Cubismo: Carrà assimila la costruzione geometrica di Picasso e Braque, senza rinunciare al dinamismo e alla simultaneità propri dell’avanguardia italiana. La particolare solidità dei volumi anticipa inoltre quella ricerca di ordine che caratterizzerà le fasi successive della sua pittura.

Giorgio de Chirico: il mito e la memoria prendono forma

Un nucleo particolarmente interessante è dedicato a Giorgio de Chirico, con opere che permettono di osservare il ritorno di alcuni dei soggetti più riconoscibili della sua poetica.

In Gli Archeologi (Manichini Seduti) del 1962, stimato tra 200.000 e 300.000 euro, due figure senza volto siedono una accanto all’altra, custodendo nei loro corpi templi, archi e frammenti di architetture antiche. Il passato non è più qualcosa da riportare alla luce, ma una memoria che abita l’essere umano. Lo stesso tema ritorna nel bronzo Il Grande Archeologo, realizzato intorno al 1970 e presentato con una stima di 70.000–100.000 euro, offrendo un interessante confronto tra pittura e scultura.

Il rapporto tra mito e biografia emerge invece in I dioscuri (1950–1955), stimato tra 70.000 e 100.000 euro. Castore e Polluce, i gemelli della mitologia greca, richiamano il legame tra de Chirico e il fratello Alberto Savinio. I due giovani, accompagnati dai cavalli sulla riva del mare, diventano così protagonisti di una riflessione sulla fratellanza, sulla perdita e sulla persistenza della memoria.

Marino Marini e la crisi dell’eroe moderno

Il catalogo comprende anche una selezione di opere di Marino Marini, tra cui il bronzo Composizione e il dipinto Forma e colore, entrambi del 1956, stimati rispettivamente tra 80.000 e 120.000 euro e tra 40.000 e 60.000 euro.

Sono lavori che appartengono a una fase di profonda trasformazione del linguaggio dell’artista. Il tradizionale rapporto tra cavallo e cavaliere, un tempo simbolo di equilibrio e dominio, diventa un’immagine di instabilità e tensione. Le forme si frammentano, i volumi acquistano spigoli e la figura sembra perdere progressivamente la propria unità.

In Forma e colore, questa ricerca si traduce in una composizione di piani cromatici e diagonali, nella quale pittura e scultura sembrano condividere lo stesso linguaggio. Marini trasforma così un soggetto antico in una riflessione sulla fragilità dell’uomo contemporaneo.

Le visioni surrealiste di Matta e Miró

La selezione si apre infine al Surrealismo internazionale con Les silabes témoins (1960) di Roberto Sebastian Matta, stimato tra 90.000 e 140.000 euro, e Projet pour la série Barcelona III (1972) di Joan Miró, con una stima di 50.000–70.000 euro.

Se Matta esplora dimensioni mentali e spazi immaginari, Miró sperimenta il rapporto tra segno, colore e materia attraverso gouache, pastello e una superficie lavorata con carborundum. Due linguaggi differenti che testimoniano come, anche nella seconda metà del Novecento, la pittura continui a cercare nuove forme di espressione oltre i confini della rappresentazione tradizionale.

Dalla musica trasformata in immagine da Oppenheimer alle architetture della memoria di de Chirico, l’asta del 17 novembre attraversa alcune delle principali rivoluzioni artistiche del secolo scorso. Un percorso in cui le opere raccontano non soltanto l’evoluzione dei linguaggi, ma anche le vicende storiche e personali che ne hanno accompagnato la creazione e la conservazione.

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Oltre trenta opere dalla collezione di Elena Casadoro Kopp e Francesca Fungher alla Scala Contarini del Bovolo. Dal 14 novembre una mostra racconta il percorso di uno degli studi di comunicazione più riconoscibili del panorama artistico italiano.

Ci sono realtà professionali che, nel tempo, finiscono per diventare qualcosa di più di un semplice interlocutore del sistema in cui operano. È il caso di CASADOROFUNGHER, lo studio fondato da Elena Casadoro Kopp e Francesca Fungher che in quindici anni ha costruito una posizione di primo piano nella comunicazione culturale e artistica italiana, accompagnando musei, istituzioni, artisti e progetti espositivi. Un percorso che oggi trova a Venezia una delle sue espressioni più significative, in una città nella quale il nome CASADOROFUNGHER è diventato sinonimo non soltanto di pubbliche relazioni, ma anche di ideazione e produzione di mostre e progetti culturali di alto profilo.

Per celebrare questo traguardo arriva Le parole e le cose, mostra in programma dal 14 novembre 2026 al 14 febbraio 2027 negli spazi di Palazzo Contarini di San Paternian, alla Scala Contarini del Bovolo. Curata da Luca Berta, Daniele Capra e Francesca Giubilei, l’esposizione riunisce oltre trenta opere provenienti dalla collezione aziendale costruita nel corso degli anni dalle due fondatrici. Tra gli artisti presenti figurano Giulio Alvigini, Matteo Attruia, H-E-C-K, Manuel Gualandi, Giovanni Morbin, Penzo+Fiore, Paolo Pretolani, Eleonora Rinaldi, Pierluigi Slis e Lucia Veronesi.

Il titolo riprende quello del celebre saggio di Michel Foucault del 1966 e mette al centro due dimensioni fondamentali del lavoro di comunicazione: le parole e le relazioni. Due strumenti attraverso i quali le opere incontrano il pubblico, le istituzioni dialogano con i propri interlocutori e il racconto dell’arte diventa occasione di conoscenza e confronto. Non a caso, la mostra si presenta anche come un ritratto dello studio, della sua identità e delle relazioni sedimentate in quindici anni di attività.

Il percorso si sviluppa in due sale. La prima, denominata Sala del Tintoretto per la presenza permanente di un bozzetto preparatorio del Paradiso del maestro veneziano, è dedicata alla parola e al linguaggio. La seconda esplora invece il tema delle relazioni, attraverso opere che restituiscono la dimensione imprevedibile e mutevole degli incontri umani.

Più che una semplice celebrazione aziendale, Le parole e le cose diventa così l’occasione per raccontare una storia professionale fatta di competenze, visioni e rapporti costruiti nel tempo. E per riconoscere il ruolo di una realtà che ha contribuito a dare forma al modo in cui l’arte viene comunicata, raccontata e prodotta, con Venezia ormai tra i suoi principali territori d’azione.

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Ammettiamolo, le classifiche ci affliggono fin dai tempi delle medie, da quando si giudicava dal più bello al più cesso della classe. Solitamente prendendo delle cantonate micidiali, facendo vincere la compagna con le tettone o quello con la pettinatura alla Backstreet Boys, che oggi, a rivederli, ci ricordano quanto la vecchiaia possa essere crudele.

Comunque, a noi dell’arte contemporanea piacciono un casino. Si classifica l’artista più bravo, lo stand più bello della fiera e soprattutto il personaggio che conta di più nel sistema dell’arte.

In un ambiente di autocelebrazione, dove non si esprime un vero giudizio critico dal ’62 e ci si spertica in complimenti per cose brutte al di là di ogni ragionevole dubbio, l’unico rigurgito di giudizio lo si applica per stilare la lista dei cento che contano.

Resta poi da capire chi giudica i giudicati. Perché anche i compilatori di queste classifiche meriterebbero una classifica, magari non di potere, ma di competenza o autorevolezza. Si creerebbe così un cortocircuito sublime in cui magari non entrano nemmeno in classifica quelli che fanno le classifiche.

Queste liste sfiorano comunque il drammatico. Tanti dei personaggi inseriti sono per tutti presenze assodate, i pochi addetti ai lavori che con ‘sto lavoro ci campano; altri, invece, hanno la stessa presenza degli scomparsi di Chi l’ha visto?.

Detto questo, dopo la loro assegnazione si consumano tragedie inimmaginabili: chi, dall’altra parte dell’oceano, maschera con ironia una rosicata eccellente, chi si incazza per i dati riportati, chi sfrutta la lista come Tinder per esibire la foto dell’82 con i capelli.

Detto questo, loro ci sono e io no. Mai stata. Ma io attendo il mio momento di gloria. Non dispero. Vincerò. Punterò tutto sulla lista del «chi te se incula». In quella voglio almeno comparire tra le prime trenta, come a Miss Italia.

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