Dopo il grande successo di Bergamo, le preziose carte quattrocentesche del Mazzo Colleoni varcano l’Atlantico. Dal 27 giugno al 4 ottobre 2026, la Morgan Library & Museum di New York ospita “Tarot! Renaissance Symbols, Modern Visions”, nuova tappa internazionale del progetto avviato dall’Accademia Carrara.

Il viaggio dei Tarocchi bergamaschi non si ferma. Dopo aver attirato oltre 112.000 visitatori tra febbraio e giugno 2026, il progetto espositivo dell’Accademia Carrara approda al cuore di New York, alla Morgan Library & Museum, una delle istituzioni culturali più prestigiose del mondo.

La mostra newyorchese — intitolata “Tarot! Renaissance Symbols, Modern Visions” — porta con sé una selezione delle carte bergamasche del celebre Mazzo Colleoni, il più completo tra i mazzi quattrocenteschi conservati al mondo, diviso tra la Carrara (26 carte), la stessa Morgan Library (35 carte) e una collezione privata (13 carte). Un oggetto straordinario, che Italo Calvino aveva scelto come dispositivo narrativo ne Il castello dei destini incrociati (1973).

La mostra di Bergamo: sette secoli di storia in sette sezioni

Prima di sbarcare oltreoceano, i Tarocchi hanno vissuto la loro rinascita proprio a Bergamo. “Tarocchi. Le origini, le carte, la fortuna”, curata da Paolo Plebani e allestita all’Accademia Carrara dal 27 febbraio al 2 giugno 2026, ha rappresentato la panoramica più completa mai realizzata su queste carte, con prestiti da istituzioni di altissimo profilo: il Metropolitan Museum di New York, il Kunsthistorisches Museum di Vienna, la National Gallery of Art di Washington, la Bibliothèque nationale de France e la Beinecke Library di Yale, tra gli altri.

Il percorso si sviluppava in sette sezioni — dalla corte rinascimentale al Surrealismo, passando per i Trionfi petrarcheschi e la stagione divinatoria — raccontando come un mazzo di 78 carte abbia attraversato sette secoli senza perdere la propria forza simbolica.

Tra i capolavori in mostra: le carte del Mazzo Colleoni attribuite a Bonifacio Bembo, opere di Victor Brauner, Leonora Carrington, Niki de Saint Phalle, Francesco Clemente e una celebre fotografia di Irving Penn del 1949.

Cosa sono (davvero) i Tarocchi

Nell’immaginario collettivo i Tarocchi sono sinonimo di divinazione, ma per gran parte della loro storia furono semplicemente un gioco di carte. Nati nelle corti dell’Italia settentrionale intorno alla metà del Quattrocento — probabilmente a Milano, nell’ambiente degli Sforza e dei Visconti — si diffusero poi con la stampa, prima come intrattenimento aristocratico e poi popolare. Solo alla fine del Settecento, grazie agli studi di Antoine Court de Gébelin e di Etteilla, acquisirono la dimensione esoterica e divinatoria che ancora oggi li caratterizza nell’immaginario comune.

Un mazzo tradizionale è composto da 78 carte: 56 Arcani minori (suddivisi nei quattro semi di Bastoni, Coppe, Denari e Spade) e 22 Arcani maggiori, con figure simboliche come il Matto, la Papessa, la Forza, la Ruota della Fortuna e il Mondo.

Il progetto continua: scultura permanente e nuovo allestimento

Il ritorno delle carte del Mazzo Colleoni da New York segnerà un’ulteriore tappa: un nuovo allestimento permanente nelle sale del museo bergamasco. Nel frattempo, il 25 giugno 2026 sarà inaugurata nei Giardini PwC della Carrara la scultura “La Forza” di Chiara Camoni — artista del Padiglione Italia alla prossima Biennale di Venezia — prima opera del progetto pluriennale Figure nel Paesaggio, commissionata dal museo e ispirata all’Arcano XI dei Tarocchi.

Un progetto, quello avviato dall’Accademia Carrara, che unisce ricerca scientifica, valorizzazione del patrimonio e dialogo con il contemporaneo — e che, da Bergamo, ha saputo parlare al mondo.

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Quando lo scorso aprile avevamo incontrato Davide Vanin, CEO di 21Art, per la nostra intervista, ci aveva già anticipato con entusiasmo i prossimi passi della galleria: Montecarlo e Jesolo erano all’orizzonte, i dettagli ancora riservati, ma la direzione era chiara.

21Art, la società benefit fondata da Alessandro Benetton su progetto dello stesso Vanin, compie dunque un salto significativo nel panorama dell’arte contemporanea europea. Nel mese di giugno 2026, la galleria inaugura due nuove sedi: la prima sede internazionale a Montecarlo, all’interno del nuovo eco-quartiere Mareterra firmato da Renzo Piano, e un nuovo spazio a Jesolo (Venezia), ospitato nella Torre Aquileia, edificio iconico progettato da Carlos Ferrater nel 2009.

Con queste aperture, la rete di 21Art conta oggi cinque gallerie operative — Treviso, Padova, Roma, Jesolo e Montecarlo — con Milano e Cortina d’Ampezzo previste per il 2027.

Jan Fabre a Montecarlo: la carità come atto d’amore

La sede monegasca apre con Jan Fabre. Allegory of Caritas (An Act of Love), mostra a cura di Melania Rossi, visitabile dall’11 giugno all’11 settembre 2026.

L’artista belga — nato ad Anversa nel 1958, considerato una delle figure più innovative e radicali dell’arte contemporanea internazionale — porta a Montecarlo oltre quaranta opere che esplorano il tema della vita nella sua origine e nel suo mistero. Tra i lavori esposti, i celebri disegni realizzati con il proprio sangue e le ecografie del figlio nascituro Django, opere in cui l’esperienza privata si trasforma in riflessione universale, satura di spiritualità.

Una sezione importante è dedicata ai lavori in corallo rosso, materia che Fabre usa come metafora degli abissi della mente: concrezioni di straordinaria complessità che intrecciano dimensione naturale e simbolica. Non è un caso che, nell’asta Modern & Contemporary Art di Sotheby’s Milano del 2025, un’opera in corallo di Fabre — A Spiritual Space (Shrine) — abbia superato i 500.000 euro di aggiudicazione.

La sede di 21Art a Montecarlo si trova al Quai du Petit Portier, 22 nel nuovo quartiere Mareterra, posizionandosi in un contesto urbano che negli ultimi anni si è affermato come polo strategico per il mercato e la cultura dell’arte contemporanea, ben oltre la tradizionale immagine di piazza stagionale.

Mario Ceroli a Jesolo: il Mediterraneo come mito e navigazione

La galleria di Jesolo inaugura con Mario Ceroli. Il mare e il mito. Un diario di bordo tra le rotte di Omero, curata da Cesare Biasini Selvaggi, aperta dal 6 giugno al 10 settembre 2026.

A Jesolo, la ricerca scultorea di Ceroli trova un approdo naturale e trasforma lo spazio della Torre Aquileia in un grande ecosistema installativo. Non una mostra antologica, ma un rinnovato diario di bordo che, attraverso la flotta riunita dall’artista, propone un viaggio epico attraverso la classicità mediterranea. Opere storiche come Bagnanti (1984), Tuffatore (1990) e Senza titolo (1997) tornano in scena non come reperti, ma come presenze attive capaci di agire nello spazio e nella coscienza dello spettatore, restituendo il mondo attraverso le lenti del gioco e della fantasia. Il percorso si snoda tra confronti inediti e accostamenti irripetibili che svelano la complessità visionaria di un autore che non ha mai smesso di sorprendere.

Arte e impresa: residenze, urban art e nuove sinergie

L’espansione di 21Art non si limita alle sedi espositive. La galleria amplia la propria attività con un programma di residenze d’artista in collaborazione con partner industriali, e partecipa all’inaugurazione di Ca’ del Chiostro, intervento residenziale nel centro di Padova promosso dalla joint venture tra Covivio e Carron SpA. L’11 giugno 2026, 21Art curerà l’allestimento degli spazi comuni con opere di artisti internazionali, e presenterà Feet of Clay (Piedi d’argilla), performance installativa dell’artista indiana Vanshika Agrawa (Jalaun, 1999), a cura di Biasini Selvaggi.

Anche a Jesolo viene replicato il modello del Treviso Art District: lo spazio di 21Art è adiacente a quello di Attico Interni, favorendo un dialogo diretto tra arte e design che ha già dimostrato la sua efficacia nel capoluogo della Marca.

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Al MAAM di Grosseto la terza edizione del progetto ideato da Alessandro Corina mette in relazione archeologia, artigianato e creatività contemporanea. Un percorso che attraversa millenni di storia e diventa occasione per riscoprire uno dei territori più autentici della Toscana.

Ci sono luoghi che sembrano aver trovato un equilibrio sempre più raro tra identità, qualità della vita e capacità di accogliere il visitatore. Grosseto è uno di questi. Una città che continua a crescere culturalmente senza cedere alle distorsioni dell’overtourism che hanno trasformato molte destinazioni italiane in scenografie affollate più che in comunità vive. È proprio qui, nel cuore della Maremma, che ha preso il via la terza edizione di Design Funzione Arte, progetto ideato e curato dal designer Alessandro Corina, ospitato fino al 30 settembre negli spazi del Museo Archeologico e d’Arte della Maremma (MAAM).

L’inaugurazione, ospitata in un Teatro degli Industri gremito in ogni ordine di posti, ha confermato la crescente attenzione verso una manifestazione che negli anni ha saputo costruire un’identità precisa e riconoscibile. A confrontarsi sul palco sono stati protagonisti del mondo dell’arte, del design, dell’impresa e della cultura, tra cui Laura Traldi, Digital Managing Editor di Interni Magazine, Santa Nastro, vicedirettrice di Artribune, il regista Virgilio Villoresi, il direttore scientifico del MAAM Luca Giannini e lo stesso Alessandro Corina. Sono grato e onorato di aver avuto il privilegio di moderare l’incontro.

Il tema scelto per questa edizione, “La visione artigianale”, affronta una questione tanto semplice quanto profonda: come nasce un oggetto? Quale percorso porta un’intuizione a trasformarsi in materia, funzione e infine arte? È una riflessione che attraversa la storia dell’umanità e che trova nel museo grossetano un contesto particolarmente efficace.

Il MAAM custodisce infatti una delle più significative raccolte dedicate alla civiltà etrusca presenti in Toscana. Vasi, suppellettili, reperti votivi e testimonianze della vita quotidiana raccontano una cultura che oltre duemila anni fa aveva già sviluppato una straordinaria capacità di coniugare utilità, estetica e innovazione. Un patrimonio che il direttore scientifico Luca Giannini valorizza con rigore e competenza, restituendo ai visitatori la complessità e l’attualità di una civiltà spesso ricordata solo superficialmente.

La forza di Design Funzione Arte risiede proprio nella capacità di mettere in relazione questo patrimonio archeologico con il linguaggio del design contemporaneo. Nella prima sala della mostra le ceramiche etrusche dialogano infatti con le creazioni realizzate da alcuni dei più interessanti designer internazionali che collaborano con Bosa Ceramiche, azienda che da anni rappresenta una delle eccellenze italiane nella produzione ceramica d’autore.

Le opere firmate da Elena Salmistraro, Pepa Reverter, Matteo Cibic e Jaime Hayon non sono presentate come semplici esercizi di stile contemporaneo. Al contrario, diventano la dimostrazione concreta di come il gesto creativo mantenga nei secoli una sorprendente continuità. Cambiano le forme, cambiano i linguaggi e le tecnologie, ma resta immutata quella tensione umana che porta a trasformare un’idea in un oggetto capace di migliorare, raccontare o interpretare la vita quotidiana.

Particolarmente significativa è la presenza delle due tazze progettate dallo stesso Corina per Bosa Ceramiche e realizzate appositamente per questa edizione. Il progetto prende spunto da uno degli aspetti più avanzati della civiltà etrusca: la consuetudine di condividere la tavola tra uomini e donne, pratica eccezionalmente moderna per il mondo antico. Le due tazze diventano così metafora di relazione, complementarità e dialogo, valori che attraversano l’intero percorso espositivo.

La seconda sezione della mostra è dedicata a Virgilio Villoresi, regista e artista fiorentino che ama definirsi “artigiano del cinema”. La sua ricerca, sospesa tra sperimentazione visiva e costruzione manuale, appare perfettamente coerente con il tema della manifestazione. Il film realizzato per Design Funzione Arte accompagna il visitatore in una dimensione onirica dove archeologia, memoria e immaginazione si fondono in un racconto poetico che attraversa capanne etrusche, laboratori artigiani e scenari fantastici. Accanto alla proiezione trovano spazio le scenografie originali utilizzate durante le riprese, offrendo uno sguardo privilegiato sul processo creativo che precede l’opera finita.

Alessandro Corina, che ha ideato il progetto nel 2022 con l’obiettivo di creare un ponte tra il proprio lavoro internazionale e il territorio maremmano, sembra aver trovato una formula particolarmente efficace. Design Funzione Arte non è infatti una semplice mostra di design né una tradizionale esposizione archeologica. È piuttosto un dispositivo culturale che utilizza linguaggi differenti per raccontare una stessa storia: quella della creatività umana e della sua capacità di trasformare il pensiero in materia.

Non è un caso che questa iniziativa trovi terreno fertile proprio a Grosseto. Visitare oggi il capoluogo maremmano significa scoprire una città che sta investendo con convinzione nella cultura. Gli interventi di valorizzazione realizzati negli ultimi anni, dal recupero della storica Biblioteca Chelliana ai progetti che interesseranno ulteriormente il MAAM, testimoniano una visione amministrativa che considera il patrimonio culturale non come semplice eredità da conservare, ma come leva di sviluppo e crescita.

E forse è proprio questo il valore aggiunto dell’esperienza grossetana. In un’Italia che spesso sembra rincorrere modelli turistici standardizzati, Grosseto continua a offrire qualcosa di diverso: autenticità. Qui il visitatore non trova una città piegata alle esigenze del turismo di massa, ma una comunità che mantiene il proprio carattere e che accoglie chi arriva senza rinunciare alla propria identità.

I numeri del resto parlano chiaro. Sono circa sei milioni i visitatori che ogni anno scelgono la Maremma, attratti da un territorio che riesce a combinare patrimonio storico, natura, enogastronomia e qualità della vita. Oltre alle località più celebri come Castiglione della Pescaia, Capalbio o Ansedonia, esiste una rete di luoghi meno raccontati ma non meno affascinanti, dalle spiagge di Marina di Grosseto e Principina a Mare fino ai borghi dell’entroterra.

In questo contesto, Design Funzione Arte rappresenta molto più di una mostra temporanea. È un invito a rallentare, a osservare e a comprendere. A riconoscere come un vaso etrusco e un oggetto di design contemporaneo possano condividere la stessa origine: il desiderio dell’uomo di dare forma ai propri sogni.

Per chi cerca un’esperienza culturale capace di coniugare bellezza, approfondimento e scoperta del territorio, la mostra al MAAM costituisce una delle tappe più interessanti dell’estate italiana. E forse anche l’occasione per riscoprire una Toscana meno esibita, meno affollata e, proprio per questo, straordinariamente vera.

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Kruso Art presenta la sua prima asta interamente digitale, in programma dal 12 al 17 giugno: circa 200 lotti tra arte moderna e contemporanea, con stime che partono da poche centinaia di euro.

Il formato consente la partecipazione da qualsiasi dispositivo nell’arco dei cinque giorni di battuta. Per chi preferisce vedere le opere dal vivo prima di fare un’offerta, la sede milanese di Via De Amicis 36 sarà aperta nelle giornate del 12, 15 e 16 giugno, dalle ore 10 alle 19.

Il catalogo: grandi nomi, prezzi contenuti

Il catalogo include artisti con una solida posizione critica e di mercato accanto a stime che rendono l’acquisto accessibile anche a chi non dispone di budget importanti.

Enrico Baj è presente con Maternità, meccano del 1973, stimato 600-800 euro. Co-fondatore del Movimento Nucleare con Sergio Dangelo nel 1951, Baj ha costruito un linguaggio ironico e dissacrante che lo colloca tra le figure più originali dell’arte italiana del secondo Novecento. Marino Marini è in catalogo con Aquarius, litografia del 1978 stimata 300-600 euro, appartenente alla fase tarda e più lirica della sua ricerca.

Sul versante internazionale, Henry Moore figura con Sculptural Ideas 3, acquaforte e acquatinta in sei colori del 1980, realizzata con la 2RC Editrice di Roma, stimata 400-600 euro. Victor Pasmore, teorico dell’astrattismo costruttivista britannico, è presente con un’acquaforte e acquatinta del 1985 alla stessa stima.

Paladino, Atchugarry, Miró: il catalogo si allarga

Mimmo Paladino, padre fondatore della Transavanguardia italiana e presente nelle collezioni di MoMA e Centre Pompidou, è a tutti gli effetti un artista storicizzato il cui valore critico è consolidato da decenni. Pablo Atchugarry, scultore uruguaiano con base in Italia e una presenza capillare nelle collezioni internazionali, è un maestro affermato con un mercato solido, pur appartenendo a una generazione più recente. La presenza di opere riconducibili all’universo di Joan Miró completa il respiro internazionale della selezione.

Scultura italiana: Rainaldi ed Esposito

Tra i lotti di scultura spiccano il Senza titolo in gesso di Oliviero Rainaldi, stimato 1.800-2.000 euro, incentrato sulla sua ricerca sulla figura umana, e la scultura lignea di Enzo Esposito, stimata 600-800 euro, testimonianza della stagione dei Nuovi-Nuovi degli anni Ottanta.

La struttura del catalogo — artisti storicizzati, grafica originale, stime contenute — rende questa asta un appuntamento utile anche per chi si avvicina per la prima volta al mercato.

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Alla Fondazione Bevilacqua La Masa una riflessione sul tema dell’oggetto tra rappresentazione, memoria e assenza

In concomitanza con la 61ª Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia, la Galleria di Piazza San Marco della Fondazione Bevilacqua La Masa presenta, dal 7 maggio al 25 luglio 2026, “Picasso, Morandi, Parmiggiani. Still Lifes”, mostra curata da Cécile Debray, presidente del Musée national Picasso-Paris, e ideata e organizzata da Tornabuoni Art con la partecipazione del museo parigino e il supporto della Fondazione Musei Civici di Venezia.

L’esposizione mette in relazione tre artisti appartenenti a epoche differenti – Pablo Picasso, Giorgio Morandi e Claudio Parmiggiani – attraverso il tema della natura morta, uno dei generi più longevi della storia dell’arte occidentale. Il progetto si sviluppa a partire da una selezione rigorosa di opere che affrontano la rappresentazione dell’oggetto come luogo di riflessione sul tempo, sulla percezione e sulla costruzione dell’immagine.

L’oggetto come laboratorio della rappresentazione

Il percorso espositivo prende forma attorno a una questione centrale nella ricerca artistica del Novecento e della contemporaneità: il rapporto tra realtà e rappresentazione. Se nella tradizione della natura morta l’oggetto è stato spesso il veicolo di significati simbolici e morali, nelle opere riunite a Venezia esso diventa un dispositivo attraverso cui interrogare il processo stesso della visione.

Picasso affronta questo tema attraverso la frammentazione cubista, gli assemblaggi e le contaminazioni tra pittura e oggetto reale. Morandi sviluppa invece una ricerca fondata sulla ripetizione e sulla variazione, trasformando bottiglie, vasi e recipienti in forme essenziali sospese fuori dal tempo. Parmiggiani, infine, sposta l’attenzione dalla presenza fisica dell’oggetto alla sua traccia, lavorando sul concetto di assenza attraverso le celebri Delocazioni.

Pur nella diversità dei linguaggi, il dialogo costruito dalla mostra evidenzia come i tre artisti abbiano utilizzato l’oggetto come strumento di indagine sul reale e sulla memoria.

I prestiti del Musée national Picasso-Paris e il confronto con Morandi

Uno dei nuclei principali dell’esposizione è costituito da quattordici opere provenienti dal Musée national Picasso-Paris, che documentano l’evoluzione della riflessione di Picasso sulla natura morta dal periodo cubista fino agli anni centrali del Novecento.

Le opere sono messe in relazione con altrettanti dipinti di Giorgio Morandi provenienti da collezioni pubbliche e private italiane e internazionali. Il confronto permette di individuare affinità inattese tra due protagonisti della modernità artistica, entrambi interessati alla possibilità di ridefinire il rapporto tra oggetto e rappresentazione.

Tra le opere esposte figura una natura morta cubista di Picasso del 1914, capolavoro proveniente dalle collezioni del Centre Pompidou, che evidenzia alcuni dei punti di contatto più significativi tra le ricerche dei due artisti sul tema della costruzione dello spazio pittorico.

L’esposizione consente inoltre di osservare come, pur partendo da presupposti differenti, Picasso e Morandi abbiano attribuito all’oggetto una funzione che va oltre la semplice descrizione del reale, trasformandolo in elemento strutturale della composizione e della riflessione artistica.

Il ritorno a Venezia di una rara natura morta di Morandi

Tra le opere di maggiore interesse storico figura una tela realizzata da Morandi tra il 1945 e il 1946, raramente esposta al pubblico e presentata a Venezia per la prima volta dopo la sua partecipazione alla XXXI Biennale del 1962.

La presenza di questo dipinto offre l’occasione per rileggere una fase cruciale della produzione dell’artista bolognese, oggi tra gli autori italiani più apprezzati sia dalla critica sia dal mercato internazionale. Negli ultimi anni le opere di Morandi hanno infatti consolidato la propria posizione nelle aste internazionali, confermando l’interesse di collezionisti e istituzioni per una ricerca che continua a essere considerata uno dei vertici della pittura del Novecento.

A completare il percorso è un nucleo inedito di oggetti provenienti dall’atelier dell’artista. Caraffe, bottiglie, vasi e fiori secchi consentono di avvicinarsi al processo creativo di Morandi e al metodo con cui costruiva le sue composizioni, intervenendo direttamente sugli oggetti attraverso disposizioni, modifiche cromatiche e continue variazioni di assetto.

Claudio Parmiggiani tra memoria e sparizione

La presenza di Claudio Parmiggiani introduce nella mostra una prospettiva contemporanea sul tema della natura morta e sul concetto di Vanitas.

Il rapporto tra Parmiggiani e Morandi affonda le proprie radici negli anni della formazione dell’artista emiliano, che frequentò lo studio del maestro bolognese. Da quell’esperienza nasce una riflessione che nel corso dei decenni si è sviluppata lungo una direzione autonoma, centrata sul tema della memoria e della permanenza delle immagini.

Per l’occasione Parmiggiani ha realizzato una Delocazione monumentale concepita appositamente per il progetto veneziano. L’opera si inserisce all’interno di una selezione che comprende anche sculture, assemblaggi e rilievi provenienti dal suo studio e rappresentativi dell’intero arco della sua produzione a partire dagli anni Settanta.

Nelle Delocazioni gli oggetti non vengono rappresentati direttamente ma evocati attraverso le tracce lasciate dal fumo sulle superfici. Ciò che rimane è la testimonianza di una presenza ormai scomparsa, una riflessione sul tempo che trova significative corrispondenze sia con la tradizione della Vanitas sia con alcune delle ricerche sviluppate da Picasso e Morandi.

Una lettura trasversale della natura morta

Il percorso ideato da Cécile Debray evita una lettura strettamente cronologica per privilegiare relazioni formali e concettuali tra le opere. L’attenzione si concentra sulle trasformazioni del genere della natura morta e sulla sua capacità di adattarsi a differenti contesti storici e culturali.

Nel confronto tra Picasso, Morandi e Parmiggiani emergono questioni che attraversano oltre un secolo di storia dell’arte: la costruzione dello spazio, il ruolo dell’oggetto nell’immagine, il rapporto tra visibile e invisibile, la riflessione sulla morte e sulla memoria.

La mostra propone così una rilettura della natura morta non come genere secondario ma come uno dei territori più fertili della ricerca artistica moderna e contemporanea.

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Il 3 giugno la consegna delle opere restaurate e la presentazione dei nuovi spazi espositivi che accoglieranno la Civica Raccolta dedicata allo scultore siciliano

Ragusa rende omaggio a Carmelo Cappello con una serata dedicata alla valorizzazione della sua eredità artistica e alla presentazione del futuro della Civica Raccolta a lui dedicata. L’appuntamento, intitolato Carmelo Cappello – Passato, presente e futuro, si terrà mercoledì 3 giugno alle ore 20 in Piazza Matteotti e presso il Palazzo di Città.

L’iniziativa segna un doppio momento significativo per la città: la restituzione alla fruizione pubblica di alcune opere del Maestro recentemente restaurate e la presentazione del progetto dei nuovi spazi espositivi che accoglieranno la collezione civica. La raccolta troverà infatti sede nei locali al piano terra del Palazzo Municipale, nell’ambito di un più ampio programma di valorizzazione culturale del centro storico.

«Restituire alla fruizione pubblica le opere restaurate di Carmelo Cappello non significa soltanto preservare la memoria di un illustre concittadino, ma anche riaffermarne l’identità artistica nel cuore di Ragusa», ha dichiarato il sindaco Peppe Cassì, sottolineando come la nuova collocazione della collezione favorisca un dialogo ideale con le opere già presenti negli spazi urbani della città.

La serata si aprirà con i saluti istituzionali del sindaco Cassì, del soprintendente Antonino De Marco, dell’assessore al Centro storico Giovanni Gurrieri e di Alfredo Cappello per l’Archivio Carmelo Cappello. Seguiranno gli interventi dedicati ai diversi progetti di restauro e valorizzazione realizzati grazie alla collaborazione tra enti, associazioni e istituzioni del territorio.

Tra questi, il Rotary Club Ragusa Hybla Heraea presenterà il recupero del bassorilievo cittadino, mentre studenti e docenti del Liceo Artistico Galileo Ferraris illustreranno il lavoro svolto sulla Fontana della Rinascita, accompagnato dalla proiezione di un documentario realizzato dall’Ecomuseo CARAT.

A chiudere l’incontro sarà la presentazione del progetto espositivo che accoglierà stabilmente la Civica Raccolta all’interno del Palazzo di Città. A illustrarne i dettagli saranno l’architetto Fabrizio Occhipinti Amato e l’esperta alla Cultura Clorinda Arezzo, con il contributo tecnico della restauratrice Amalia Criscione e dell’architetto Emanuele Leggio.

L’iniziativa rappresenta un nuovo tassello nel percorso di valorizzazione dell’opera di Carmelo Cappello (Ragusa, 1912 – Milano, 1996), tra i protagonisti della scultura italiana del Novecento, la cui ricerca artistica continua a costituire un riferimento per la cultura visiva contemporanea e per l’identità culturale della città che gli diede i natali.

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Studio d’Arte Martini conclude la propria stagione primaverile con l’Asta 66 Tradizionale di Arte Moderna e Contemporanea, in programma il 10 e l’11 giugno. La partecipazione è aperta nelle tre modalità ormai consolidate per le aste di settore: in presenza, per via telefonica e attraverso la piattaforma online. Quest’ultima opzione ha contribuito negli ultimi anni a estendere significativamente il profilo geografico dei partecipanti, con una crescente presenza di collezionisti internazionali nelle sessioni dedicate al moderno e al contemporaneo.

Il catalogo raccoglie 313 lotti e si articola in un arco cronologico che attraversa il Novecento nella sua interezza, dalle avanguardie storiche alle ricerche più recenti, con una selezione orientata principalmente al mercato italiano e a quello europeo, pur con aperture verso il collezionismo nordamericano e latinoamericano.

Valerio Adami: due opere, una provenienza di rilievo

Tra i lotti di maggior interesse figura Valerio Adami con Interno con lavabo del 1966 (lotto 40, stima 30.000–40.000 €), opera che appartiene alla fase di piena definizione del suo linguaggio pittorico, caratterizzato dalle campiture nette, dal contorno grafico e da una sintassi visiva di derivazione pop rielaborata in chiave europea. La provenienza include la Galleria l’Attico di Roma — spazio cruciale per la scena artistica italiana degli anni Sessanta e Settanta — e successive collezioni private internazionali, un percorso che conferisce all’opera una storia documentata e critica. Il lotto 41, anch’esso di Adami, presenta Il mare e la montagna, tela di grandi dimensioni che completa la presenza del maestro in catalogo con un’opera di impianto compositivo imponente.

Carla Accardi: un confronto su tela

I lotti 71 e 72 propongono due opere di Carla Accardi — Bianconero su turchese e Rossogrigiooscuro, entrambe con stima 40.000–50.000 € — presentate in catalogo con un approccio comparativo che ne evidenzia l’evoluzione interna. Accardi, cofondatrice del gruppo Forma 1 nel 1947 e figura centrale dell’astrazione italiana del dopoguerra, ha sviluppato nel corso dei decenni un sistema segnico riconoscibile e coerente, in cui il colore e il gesto interagiscono su supporti talvolta inusuali.

Mario Ceroli: un pezzo unico di grandi dimensioni

Il lotto 55 è occupato da La Pantera di Mario Ceroli, opera degli anni Sessanta lunga due metri, con una stima di 60.000–80.000 € che la colloca tra i lotti di punta dell’intera sessione. Si tratta di un esemplare unico, con la caratteristica peculiare di essere dipinto su entrambe le facce, rendendo l’opera fruibile da ogni lato.

Arnaldo Pomodoro: tre opere in sequenza

L’Asta 66 presenta tre opere di Arnaldo Pomodoro ai lotti 74, 75 e 76, con stime comprese tra 15.000 e 40.000 € a seconda del pezzo. La concentrazione di più lavori dello stesso autore in un singolo catalogo consente una lettura trasversale della sua produzione. Pomodoro è artista solidamente presente nel mercato internazionale dell’arte, con quotazioni stabili e una domanda costante sia da parte di collezionisti privati che di istituzioni pubbliche.

Jorge Eielson: una presenza internazionale

Con Quipus 22B (lotto 19), Studio d’Arte Martini introduce in catalogo Jorge Eielson, artista e poeta peruviano vissuto a lungo in Italia. La serie dei quipus — ispirata alle corde annodate utilizzate dagli Inca come sistema di registrazione — rappresenta il contributo più originale e riconoscibile di Eielson alla ricerca visiva del secondo Novecento, con un’impostazione concettuale che non rinuncia alla qualità materica e alla presenza fisica dell’opera. La sua presenza in asta riflette un’attenzione crescente, da parte del mercato internazionale, verso artisti latinoamericani storicamente legati alla scena italiana ed europea.

Il Novecento italiano: Melotti, De Maria, Bacci

Tra i lotti dedicati al Novecento italiano, Fausto Melotti è rappresentato da Contrappunto Piano (lotto 82, stima 40.000–50.000 €), scultura di circa un metro e mezzo che appartiene al filone lirico e musicalmente ispirato della sua produzione. I lotti 65 e 66 propongono due opere di Nicola De Maria, artista la cui presenza nel mercato delle aste rimane selettiva, rendendo ogni apparizione in catalogo un’occasione non frequente per i collezionisti del suo lavoro.

Il lotto 90 è Avvenimento #121 di Edmondo Bacci, opera storica dell’artista veneziano che ha sviluppato nel corso degli anni Cinquanta e Sessanta una pittura fondata sul movimento cromatico e sulla luce, in dialogo con le ricerche cinetiche e gestuali del periodo, pur mantenendo una propria specifica identità espressiva.

Il catalogo allargato: un panorama del secolo scorso

La sezione più ampia del catalogo ospita un numero considerevole di artisti di rilevanza storica e di mercato consolidato. Roberto Matta (lotto 79, stima 30.000–40.000 €) e André Masson (lotto 78) portano la dimensione surrealista e psichica della pittura europea; Louise Nevelson (lotto 81, stima 40.000–50.000 €) introduce la scultura ambientale americana; Joseph Kosuth (lotto 60) e Alighiero Boetti (lotto 58) rappresentano due declinazioni distinte, per quanto geograficamente lontane, del pensiero concettuale degli anni Sessanta e Settanta.

Antoni Tàpies (lotto 77) e Alfred Manessier (lotto 86) completano il quadro dell’informale europeo, mentre Hermann Nitsch (lotto 88) introduce la componente azionista. Agostino Bonalumi (lotto 22) è presente con un esemplare della sua ricerca sulla superficie estroflessa, ambito in cui l’artista ha prodotto alcuni dei risultati più originali dell’arte italiana del dopoguerra. Mario Schifano è il più presente in catalogo con cinque lotti (45, 46, 48, 49, 59), con stime che si attestano indicativamente tra 7.000 e 16.000 € a seconda del pezzo, a conferma di una domanda di mercato che non ha subito flessioni significative nel tempo. Completano il catalogo Giuseppe Capogrossi (lotto 39), Giuseppe Uncini (lotto 113), Hans Jörg Glattfelder (lotti 7 e 8) e René Duvillier (lotto 87).

Date e modalità di partecipazione

Le sessioni dell’Asta 66 Tradizionale si concludono il 10 e l’11 giugno presso Studio d’Arte Martini. È possibile registrarsi e partecipare in sala, per via telefonica o attraverso la piattaforma online della casa d’aste. Il catalogo completo con stime e schede dei lotti è consultabile sul sito ufficiale.

L'articolo Studio d’Arte Martini: 313 lotti tra arte moderna e contemporanea italiana e internazionale proviene da Collezione da Tiffany.

La casa d’aste milanese presenta un catalogo di arte moderna e contemporanea con lavori dei principali protagonisti del Novecento italiano, inclusa una sezione dedicata alla collezione del professor Sandro Brandimarte.

Finarte presenta martedì 9 giugno a Milano un’asta di Arte Moderna e Contemporanea con opere che coprono l’arco del Novecento italiano, dall’informale alle ricerche concettuali degli anni Settanta. Il catalogo riunisce lavori di Renato Guttuso, Lucio Fontana, Giuseppe Capogrossi, Filippo De Pisis, Fabio Mauri, Fabrizio Plessi e Giulio Paolini, tra gli altri. L’esposizione è aperta al pubblico da venerdì 5 a lunedì 8 giugno nella sede di Via dei Bossi 2, con orario 10.00–19.00.

Il lotto principale: Guttuso e la citazione di Géricault

Il lotto di punta è un olio su tela di Renato Guttuso, Su La Zattera della Medusa, del 1962, stimato tra 100.000 e 140.000 euro. L’opera riprende esplicitamente il soggetto del celebre dipinto di Théodore Géricault del 1819, che raffigurava il naufragio della fregata francese Méduse al largo delle coste mauritane nel 1816, un episodio che suscitò grande scandalo nell’opinione pubblica dell’epoca.

Guttuso reinterpreta la composizione in chiave espressionista, mantenendo la struttura piramidale della scena e la carica drammatica del modello, ma rielaborandoli secondo il proprio linguaggio pittorico. Si tratta di uno dei lavori di maggiori dimensioni dell’artista siciliano presenti sul mercato secondario e rientra nella sua produzione degli anni Sessanta caratterizzata da un marcato impegno civile e politico.

Lucio Fontana: la terracotta del 1950

Lucio Fontana è presente in catalogo con Battaglia, 1950, terracotta smaltata e dipinta in policromia di 48,5 centimetri di diametro, con stima tra 40.000 e 60.000 euro.

L’opera appartiene alla fase in cui Fontana lavorava parallelamente sulla scultura e sull’elaborazione teorica dello Spazialismo, il movimento da lui fondato con la pubblicazione dei manifesti tra il 1946 e il 1952.

In questa stagione la materia plastica ricopre un ruolo centrale nella sua ricerca: la terracotta, con le sue possibilità di modellazione e le variazioni cromatiche offerte dalla smaltatura, gli consente di esplorare forme e superfici in modo autonomo rispetto alla pittura. La Battaglia richiama formalmente il tondo rinascimentale e costituisce un esempio rappresentativo di questo filone della sua produzione.

Giuseppe Capogrossi: la Superficie 189 dalla collezione Ungaretti

La Superficie 189 di Giuseppe Capogrossi, 1956, olio su tela, è proposta con stima tra 50.000 e 70.000 euro. L’opera appartiene alla serie con cui Capogrossi elaborò, a partire dai primi anni Cinquanta, un vocabolario visivo basato sulla ripetizione modulare di un unico segno — una forma a forcella o pettine — declinato in variazioni di dimensione, ritmo e densità.

Questa ricerca, sviluppata all’interno del gruppo Origine che comprendeva anche Alberto Burri e Ettore Colla, rappresentò uno degli apporti più riconoscibili dell’astrazione italiana nel contesto dell’Informale europeo.

Filippo De Pisis: la natura morta del periodo parigino

Il catalogo include anche una Natura morta con pesci, limoni e bottiglia di Filippo De Pisis, datata 1926, olio su cartone applicato su tela, con stima tra 15.000 e 20.000 euro.

Il dipinto è stato eseguito durante gli anni di soggiorno a Parigi durante il quale De Pisis maturò il proprio stile a contatto con l’ambiente artistico della capitale francese.

La natura morta è uno dei generi che egli frequentò con maggiore continuità e a cui restituì un’interpretazione personale, distante sia dalla tradizione accademica che dall’avanguardia più radicale.

La collezione Brandimarte: neoavanguardia e arte concettuale

Una sezione del catalogo è interamente dedicata alla collezione del professor Sandro Brandimarte (Giulianova, 1951 – Teramo, 2024), figura attiva nell’ambito culturale abruzzese e collezionista orientato verso le ricerche concettuali e neoavanguardistiche italiane degli anni Sessanta e Settanta.

La raccolta comprende opere di Fabio Mauri, Gianfranco Baruchello, Shozo Shimamoto, Fabrizio Plessi e Giulio Paolini.

Il lotto principale della sezione è Assenza della memoria di Fabio Mauri, 1970–71, tecnica mista e collage con stima tra 20.000 e 30.000 euro. Mauri è noto per una produzione che intreccia pratiche visive, teatrali e filosofiche, con un’attenzione costante al ruolo delle immagini nella costruzione della memoria collettiva e dell’ideologia.

L'articolo Finarte porta all’asta il 9 giugno opere di Guttuso, Fontana e Capogrossi proviene da Collezione da Tiffany.

A cent’anni dalla nascita di François Morellet, l’Italia si prepara a celebrare uno dei protagonisti assoluti delle ricerche programmate, cinetiche e minimali del secondo Novecento attraverso un progetto espositivo diffuso che coinvolgerà musei, fondazioni, università e istituzioni culturali lungo tutto il territorio nazionale. “∞ François Morellet ∞ Centenario in Italia 1926-2026”, ideato e coordinato da A arte Invernizzi, nasce con la curatela di Paolo Bolpagni e Alessandro Gallicchio, in stretta collaborazione con l’Estate Morellet, e si sviluppa in parallelo alle celebrazioni francesi promosse dal Centre Pompidou.

Più che una tradizionale retrospettiva celebrativa, il progetto costruisce una costellazione di interventi autonomi e coordinati che intendono restituire la complessità dell’opera di Morellet, oggi riconosciuto come anticipatore di una concezione generativa, immersiva e partecipativa dell’immagine. Un omaggio che assume un significato particolare proprio in Italia: il Paese in cui l’artista espose per la prima volta nel 1960 alla storica Galleria Azimut, su invito di Piero Manzoni, e dove nel 2016 venne inaugurata, poco dopo la sua scomparsa, l’ultima mostra da lui progettata.

Ad aprire il programma è, dal 21 maggio al 17 luglio 2026, la mostra “François Morellet | Gianni Colombo”, curata da Luca Massimo Barbero presso A arte Invernizzi, un’esposizione che mette in dialogo due figure centrali dell’arte internazionale legate da amicizia, ricerca e sperimentazione sul rapporto tra spazio, percezione e partecipazione dello spettatore. Un legame storico e umano che attraversa decenni di collaborazioni e che oggi torna al centro del dibattito grazie a un progetto destinato a riattualizzare l’eredità di François Morellet nel panorama contemporaneo.

Ne parliamo con Epicarmo Invernizzi, protagonista di questo lungo percorso curatoriale e promotore di un’iniziativa che punta a rileggere l’opera dell’artista francese non come memoria storica, ma come strumento ancora capace di interrogare il presente.

Chiara Lorenzon: Il progetto ∞ François Morellet ∞ Centenario in Italia mette in relazione una costellazione di istituzioni su tutto il territorio: qual è stata l’idea cardine che ha guidato la costruzione di questa rete e cosa distingue questa mappatura da una tradizionale programmazione celebrativa?

Epicarmo Invernizzi: L’idea cardine del progetto ∞ François Morellet ∞ Centenario in Italia 1926 – 2026, è stata in primo luogo quella di rendere omaggio in occasione dell’anniversario della nascita di Morellet una lettura plurale e contemporanea della sua opera, attraverso una rete diffusa e coordinata di istituzioni sul territorio italiano.

Il progetto, ideato e coordinato dalla galleria A arte Invernizzi, con la curatela di Paolo Bolpagni e Alessandro Gallicchio e in collaborazione con l’Estate Morellet, si fonda sulla costruzione di una costellazione di sedi pubbliche e private che operano in parallelo. Ogni istituzione coinvolta non si limita a presentare una mostra, ma diventa un nodo specifico di approfondimento, dedicato a diversi aspetti della ricerca dell’artista.

La rete coinvolge la galleria A arte Invernizzi di Milano con la curatela di Luca Massimo Barbero, l’Accademia di Francia a Roma – Villa Medici con la curatela di Alessandro Gallicchio, la Fondazione Biscozzi | Rimbaud ETS di Lecce con la curatela di Lorenzo Madaro, la Fondazione Ragghianti ETS di Lucca con la curatela di Paolo Bolpagni, MACAMorterone con la curatela di Angela Faravelli, l’Università Luigi Bocconi di Milano con la curatela di Ettore Buganza, Villa Pisani Bonetti a Bagnolo di Lonigo e l’Università Vita-Salute San Raffaele di Milano con la curatela di Francesca Pola.

Ciò che distingue questa mappatura da una tradizionale programmazione è il superamento del modello retrospettivo e centralizzato: non una grande mostra unica ed esaustiva, ma una disseminazione di interventi autonomi e coordinati tra loro. Le istituzioni coinvolte, tra cui musei, fondazioni e università, contribuiscono così a costruire un percorso articolato che mette in relazione opere, contesti e linguaggi differenti.

Attraverso questa struttura diffusa, il progetto intende inoltre “accendere una luce” su Morellet come artista anticipatore delle ricerche programmate e minimali, oggi riconosciuto anche come precursore di una visione generativa e immersiva dell’immagine, restituendone così la complessità e l’attualità nel presente.

CL: Il rapporto tra François Morellet e l’Italia attraversa momenti chiave, dalla mostra del 1960 alla Galleria Azimut fino alle esposizioni realizzate negli ultimi anni della sua vita: come si è evoluta nel tempo la ricezione del suo lavoro nel contesto italiano?

EI: Il rapporto tra François Morellet e l’Italia attraversa cinquant’anni ed è segnato da una continuità rara, fatta di mostre, collaborazioni, amicizie e dialoghi con artisti, galleristi, architetti e istituzioni culturali. La ricezione del suo lavoro nel contesto italiano si è evoluta progressivamente: da presenza ancora pionieristica e sperimentale all’inizio degli anni Sessanta, Morellet è diventato nel tempo una figura sempre più centrale per comprendere gli sviluppi dell’arte internazionale.

Un momento fondamentale è il 1960, quando Morellet espone per la prima volta in Italia alla Galleria Azimut nella mostra Motus, organizzata da Piero Manzoni e Enrico Castellani. Come ricorda Danielle Morellet, quell’ambiente milanese era straordinariamente vitale e rappresentava un luogo di confronto aperto tra le più avanzate ricerche europee. In quegli anni Morellet entra in relazione con figure come Lucio Fontana e soprattutto con Gianni Colombo, con cui condividerà non solo esposizioni e ricerche legate alle “Nuove Tendenze”, ma anche una lunga amicizia personale.

Negli anni Sessanta e Settanta la presenza di Morellet in Italia si intensifica attraverso mostre e partecipazioni istituzionali, come la personale del 1970 alla Galleria Arte Studio di Macerata e la partecipazione alla XXXV Biennale di Venezia dello stesso anno. Parallelamente, il dialogo con Colombo e con il contesto italiano favorisce una ricezione sempre più attenta agli aspetti ambientali, percettivi e spaziali della sua ricerca. L’Italia diventa così uno dei luoghi privilegiati in cui il suo lavoro viene letto non soltanto in chiave geometrica o sistemica, ma anche come esperienza capace di attivare fisicamente e mentalmente lo spettatore.

Questa relazione si consolida ulteriormente negli anni Ottanta e Novanta grazie al legame con la nostra galleria e con la nostra famiglia, conosciuta proprio tramite Gianni Colombo. Da quel momento Morellet torna regolarmente in Italia con progetti pensati in stretto rapporto con lo spazio architettonico e con il contesto espositivo. Emblematico è il progetto realizzato nel 2008 a Villa Pisani Bonetti, dove l’intervento permanente Azzurro Pallido Palladio instaura un confronto diretto con l’architettura di Andrea Palladio, evidenziando una dimensione del suo lavoro sempre più legata alla trasformazione percettiva dello spazio. Negli ultimi anni della sua vita, la ricezione italiana di Morellet appare ormai pienamente consolidata e insieme rinnovata: il suo lavoro viene riconosciuto non solo come fondamentale per le ricerche programmate e minimali, ma anche come anticipatore di questioni oggi centrali, legate all’ambiente, alla partecipazione e alla dimensione immersiva dell’opera. Non è un caso che l’ultima mostra progettata dall’artista sia stata realizzata nel 2016 presso A arte Invernizzi a Milano, inaugurata poco dopo la sua scomparsa.

Il progetto nazionale ∞ François Morellet ∞ Centenario in Italia 1926-2026 nasce proprio dalla volontà di restituire questa lunga relazione con il contesto italiano attraverso una rete diffusa di istituzioni. Dalla mostra François Morellet | Gianni Colombo curata da Luca Massimo Barbero, in collaborazione con l’Archivio Gianni Colombo e l’Estate Morellet, fino ai progetti realizzati in musei, fondazioni, università e luoghi di ricerca, il centenario intende mostrare come il dialogo tra Morellet e l’Italia non sia stato episodico, ma una relazione continua e fertile che ha accompagnato l’intera evoluzione della sua ricerca.

CL: A arte Invernizzi ha avuto un rapporto lungo e diretto con Morellet, culminato nell’ultima mostra da lui progettata nel 2016: quanto ha pesato l’eredità di quel dialogo diretto nella definizione dell’attuale palinsesto per il centenario?

EI: La collaborazione tra la galleria e François Morellet ha avuto un peso decisivo nella definizione del palinsesto del centenario. Abbiamo conosciuto François Morellet attraverso la figura di Gianni Colombo, amico in comune, avviando da subito una collaborazione intensa e duratura, che ha permesso di sviluppare un rapporto non solo continuativo, ma anche profondamente progettuale. Nel corso dei trent’anni sono state realizzate oltre dieci mostre personali, sia nello spazio della galleria a Milano – dalla prima nel 1994 fino all’ultimo progetto espositivo concepito da Morellet nel 2016 – sia in spazi pubblici in Italia e all’estero. Questi progetti hanno segnato momenti cruciali del suo percorso creativo, contribuendo a definire un dialogo continuo tra opera, spazio e visione curatoriale.

Tra gli interventi più significativi si ricordano oltre quello del 2008 a Villa Pisani Bonetti, la doppia personale Sguardi paralleli: Ballocco Morellet alla Fondazione Ragghianti di Lucca nel 2016 e i progetti realizzati a Morterone, luogo centrale di ricerca e confronto. Qui si inseriscono sia l’installazione permanente La porte s’envole (2012) presso la Casa dell’Arte, sia la mostra François Morellet  Antonio Scaccabarozzi, che testimonia il ruolo fondamentale del contesto italiano nella ricerca dell’artista e nel 2016 alla mostra François Morellet  Grazia Varisco alla Fondazione Ghisla Art Collection di Locarno.

Un ulteriore momento chiave è stata la partecipazione ad Art Basel Unlimited nel 2017, dove è stata presentata π weeping neonly, un’installazione composta da 30 tubi al neon azzurro disposti secondo l’estrazione di π. L’opera è oggi installata presso l’Università Luigi Bocconi, una delle sedi coinvolte nel progetto del centenario.

Nel 2024 abbiamo realizzato in collaborazione con Annely Juda Fine Art e con l’Estate Morellet una mostra antologica ha infine esteso questo approccio su scala internazionale, articolando il percorso in due sedi parallele e rafforzando l’idea di mostra come sistema relazionale.

Più che un semplice rapporto professionale, quello con Morellet si è fondato su fiducia e rispetto reciproco, evolvendo in un legame umano profondo anche con la sua famiglia. In occasione della mostra prevista a maggio in galleria, Danielle Morellet ha realizzato un’intervista con Luca Massimo Barbero, che sarà pubblicata nel catalogo edito dalla galleria.

Il progetto del centenario 2026 si configura dunque come l’esito coerente di questo lungo percorso. La struttura diffusa tra più istituzioni, la costruzione per nuclei tematici e non per successione cronologica, l’attenzione al rapporto tra opera e spazio, così come il coinvolgimento attivo dello spettatore, derivano direttamente da quel dialogo prolungato con l’artista. Più che una celebrazione, il palinsesto assume così la forma di un dispositivo dinamico e aperto, capace di riattivare nel presente la logica sperimentale di Morellet. In questo senso, l’eredità della collaborazione non si limita a orientare il progetto: ne costituisce la condizione stessa di possibilità.

Tutti questi momenti confermano la continuità di questo legame, evidenziando come la galleria continui a interpretare e valorizzare l’opera di Morellet.

CL: Il progetto italiano si sviluppa in parallelo con le celebrazioni promosse dal Centre Pompidou: che tipo di dialogo o coordinamento si è instaurato tra le due iniziative?

EI: I due progetti si sviluppano in modo indipendente, condividendo l’obiettivo di rendere omaggio a François Morellet nel centenario della sua nascita, contribuendo a consolidarne ulteriormente il riconoscimento internazionale.

Il programma promosso dal Centre Pompidou, realizzato in collaborazione con l’Estate Morellet, si configura come un’iniziativa diffusa sul territorio francese, articolata in numerose sedi espositive e istituzionali. Si tratta di un progetto ampio e capillare, pensato per restituire la pluralità dell’opera di Morellet attraverso una rete di interventi e mostre distribuite.

In questo quadro, il progetto italiano nasce parallelamente e in modo autonomo, ma trova la sua ragion d’essere nel rapporto privilegiato che Morellet ha intrattenuto con l’Italia nel corso della sua carriera. La presenza dell’artista nel contesto italiano dalle prime esposizioni fino a progetti più recenti ha reso naturale l’idea di costruire un programma specifico, sviluppato anch’esso in collaborazione con l’Estate Morellet e grazie al supporto fondamentale di Rachel Morellet, ma focalizzato su istituzioni italiane pubbliche e private che hanno avuto un ruolo significativo nella sua vicenda artistica o che risultano rappresentative del suo percorso.

Trait d’union tra i due programmi è rappresentato dalla partecipazione di Accademia di Francia a Roma –Villa Medici, che assume una funzione duplice: da un lato è parte del progetto francese in quanto istituzione dell’Accademia di Francia, dall’altro è coinvolta anche nel progetto italiano per la sua collocazione e attività in territorio italiano.

Nel complesso, il dialogo tra i due progetti non si traduce in una progettazione condivisa, ma in una coesistenza coerente: due programmi distinti che, a partire da una comune matrice – la collaborazione con l’Estate Morellet e la celebrazione del centenario – sviluppano percorsi autonomi e complementari, riflettendo da prospettive differenti la portata internazionale dell’opera dell’artista.

In occasione del progetto italiano verrà pubblicato un catalogo edito da Metilene, che raccoglie i saggi critici dei curatori delle sedi coinvolte, oltre alla documentazione fotografica delle installazioni nelle varie sedi, e verrà presentato durante il convegno che si terrà all’Università Vita e Salute San Raffaele a cura di Francesca Pola.

CL: Guardando oggi al lavoro di Morellet, quale aspetto della sua ricerca vi sembra ancora capace di parlare al presente, e perché era importante riattivarlo proprio ora attraverso questo progetto?

EI: Guardando oggi al lavoro di François Morellet, l’aspetto che appare ancora fortemente capace di parlare al presente è la sua concezione dell’opera come sistema aperto e dispositivo di attivazione dello spazio e della percezione, più che come immagine chiusa e contemplativa.

La sua ricerca, fondata su regole rigorose e su sistemi predefiniti, non mira a produrre forme statiche, ma a generare situazioni dinamiche, instabili e in continua ridefinizione, in cui intervengono il caso, l’interferenza e la partecipazione dello spettatore. In questo senso, l’opera “si fa da sola” davanti a chi guarda, attivando un’esperienza che è al tempo stesso visiva, spaziale e mentale. Questa dimensione, che mette in crisi l’idea di immagine come rappresentazione, risulta oggi particolarmente attuale in un contesto in cui le coordinate dell’esperienza sono sempre più relazionali, fluide e de-materializzate.

Un altro elemento centrale è la capacità di Morellet di tenere insieme razionalità e libertà, sistema e deviazione: il rigore geometrico viene costantemente perturbato dall’introduzione del caso e dell’anomalia, generando una “razionalità allargata” che riflette in modo sorprendentemente attuale la complessità del presente. Le sue opere non offrono certezze, ma costruiscono condizioni di esperienza che invitano a mettere in discussione i meccanismi stessi della percezione e della conoscenza.

Riattivare oggi questa ricerca attraverso il progetto espositivo era importante proprio per questo: non come operazione celebrativa, ma come occasione per restituire la vitalità di un pensiero artistico che continua a interrogare il nostro rapporto con lo spazio, il tempo e la realtà. Il lavoro di Morellet, infatti, anticipa molte delle questioni centrali del contemporaneo – dalla dimensione sistemica a quella partecipativa – e offre ancora strumenti efficaci per leggere e abitare criticamente il presente.

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Nel centenario della nascita di Vincenzo Agnetti, la Fondazione Pino Pascali di Polignano a Mare dedica all’artista una grande mostra che riporta al centro una delle figure più radicali della ricerca concettuale italiana del secondo Novecento. L’esposizione, intitolata Vincenzo Agnetti – Mostra Premio Pascali 1973 e curata da Gaspare Luigi Marcone, inaugura venerdì 5 giugno 2026 alle ore 18 e resterà aperta al pubblico fino al 27 settembre.

L’iniziativa si inserisce nel progetto “Confluenze”, attraverso cui la Fondazione pugliese ricostruisce le traiettorie artistiche degli autori che hanno intrecciato il proprio percorso con quello di Pino Pascali o che furono insigniti dello storico Premio Pascali. Dopo gli omaggi dedicati a Maurizio Mochetti, Vettor Pisani e Toti Scialoja, è ora il turno di Vincenzo Agnetti, vincitore del III Premio Nazionale Pino Pascali nel 1972.

Una mostra tra ricostruzione storica e ricerca concettuale

La mostra assume un valore storico e filologico particolarmente rilevante: non solo ricostruisce il momento in cui Agnetti ottenne il riconoscimento, ma rievoca anche la personale che l’artista tenne alla Pinacoteca Provinciale di Bari nel 1973.

Il progetto espositivo ideato da Gaspare Luigi Marcone, in collaborazione con l’Archivio Vincenzo Agnetti di Milano, alterna ricostruzione documentaria e immersione ambientale, restituendo la complessità teorica e linguistica dell’opera dell’artista milanese.

In mostra compaiono opere fondamentali realizzate tra la fine degli anni Sessanta e l’inizio dei Settanta, accanto a lavori storici come Autotelefonata (1972), 14 proposizioni (1972), Identikit (1973) e il monumentale Progetto per un Amleto politico (1973).

“Amleto politico”: il teatro statico di Agnetti

Tra i nuclei centrali dell’esposizione emerge Progetto per un Amleto politico, una delle opere più emblematiche della poetica di Agnetti. Composto da bandiere, elementi scenici e suono, il lavoro appartiene a quello che l’artista definiva “teatro statico”, ovvero uno spettacolo senza movimento, senza personaggi e senza testo.

L’opera riduce il linguaggio a segnale essenziale, trasformando la scena in uno spazio mentale e critico. Nel volume Tradotto Azzerato Presentato del 1974, Agnetti spiegava il proprio intento come il desiderio di “azzerare” il personaggio shakespeariano, liberandolo tanto dalla retorica del dubbio quanto dalla logica del potere.

Chi era Vincenzo Agnetti

Nato a Milano nel 1926, Vincenzo Agnetti attraversa alcuni dei momenti più fertili della cultura artistica italiana del dopoguerra. Dopo gli studi al Liceo Artistico di Brera e una breve esperienza teatrale con Giorgio Strehler al Piccolo Teatro di Milano, sviluppa una ricerca sempre più orientata verso la riflessione sul linguaggio.

Determinante è il rapporto con Piero Manzoni ed Enrico Castellani, protagonisti della stagione di “Azimut/h”, rivista e spazio espositivo in cui Agnetti pubblica i suoi primi scritti proposizionali. È qui che prende forma una pratica artistica in cui scrittura, semantica e critica diventano materia dell’opera.

Dall’Argentina alla consacrazione internazionale

All’inizio degli anni Sessanta Agnetti si trasferisce in Argentina, lavorando nel settore dell’automazione elettronica. Quel periodo di distanza dal sistema artistico italiano si rivelerà decisivo per la definizione della sua ricerca concettuale.

Tornato in Italia nel 1967, inaugura per Vanni Scheiwiller la collana “Denarratori” con il romanzo sperimentale Obsoletoe avvia una intensa attività espositiva. Negli anni successivi partecipa ad alcune delle più importanti manifestazioni internazionali dedicate all’arte contemporanea, tra cui Documenta 5 di Kassel, la Biennale di Venezia, la Quadriennale di Roma e la Biennale di San Paolo.

Il centenario di Agnetti tra Milano, Torino e Polignano

La mostra della Fondazione Pino Pascali si inserisce in un più ampio programma nazionale dedicato al centenario dell’artista. Nel corso del 2026 diverse istituzioni italiane celebreranno la sua ricerca, tra cui l’Archivio Vincenzo Agnetti di Milano, la GAM di Torino, il MA*GA di Gallarate e il Museo del Novecento di Milano.

Accanto all’esposizione, la Fondazione conferirà postumo a Vincenzo Agnetti il Premio Libro d’Artista – IV edizione, in collaborazione con il Festival del Libro Possibile 2026.

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