Radicondoli, borgo collinare della Val di Merse in provincia di Siena, si trasforma ancora una volta in un museo diffuso a cielo aperto. Dal 18 al 31 luglio 2026 torna il Radicondoli Festival, che celebra la sua quarantesima edizione con una nuova tappa di Paesaggi Contemporanei, il progetto di arte ambientale che da anni mette in relazione opere site-specific, paesaggio e memoria dei luoghi.

L’edizione 2026 è dedicata a Fabio Gori, collezionista e curatore scomparso nel 2025, figura centrale nel percorso che ha trasformato Radicondoli in un laboratorio permanente di arte contemporanea. Il festival non propone soltanto un omaggio alla sua attività, ma riflette sulla sua eredità attraverso nuove installazioni, residenze artistiche e un progetto rivolto alle nuove generazioni.

Radicondoli e l’arte ambientale: un museo costruito nel paesaggio

A Radicondoli l’arte contemporanea non viene semplicemente esposta: entra in relazione con il territorio, con la storia del borgo e con la comunità che lo abita. È questa la caratteristica che distingue Paesaggi Contemporanei da molte altre esperienze di arte pubblica: le opere non sono interventi temporanei, ma elementi destinati a sedimentarsi nel tempo e a costruire una vera mappa culturale del luogo.

Nel corso degli anni il progetto ha trasformato strade, mura, spazi urbani e aree naturali in un percorso artistico permanente, dove ogni nuova installazione dialoga con quelle già presenti e contribuisce alla costruzione di un’identità contemporanea del territorio.

Le nuove installazioni della 40ª edizione

Il programma 2026 sviluppa il tema del rapporto tra arte, memoria e paesaggio attraverso tre nuovi interventi realizzati da artisti legati alla sensibilità culturale di Fabio Gori.

Moussa Traore presenta L’Inferno di Dante presso gli ex lavatoi del paese. L’opera nasce durante una residenza artistica a Radicondoli ed è una grande scultura equestre in ferro riciclato: il cavallo, spaccato a metà, rivela nelle sue viscere una dimensione interiore che richiama l’umanità del viaggio dantesco, unendo materia grezza e potenza letteraria.

Nel centro di Belforte, Giuliano Tomaino porta Picasso ci guarda… e accende una sigaretta, un intervento che unisce ironia e memoria collettiva. Cavalli a dondolo, mani intrecciate e cimbali diventano forme simboliche capaci di abitare lo spazio urbano con un linguaggio sospeso tra gioco, immaginario e cultura popolare.

Più intimo è il progetto di Luca Gilli, Abitare l’arte, ospitato a Palazzo Bizzarrini. Attraverso la fotografia, l’artista entra nella casa di Fabio e Virginia a Prato, restituendo il rapporto tra il collezionista e le opere che hanno accompagnato il suo percorso umano e culturale.

Paesaggi Futuri: spazio ai giovani artisti

Il festival guarda al futuro con Paesaggi Futuri, progetto nato nel 2021 come sviluppo naturale di Paesaggi Contemporanei e dedicato alla ricerca delle nuove generazioni artistiche.

L’iniziativa, portata avanti dalla Fondazione Gori-Celle insieme a promoPa Fondazione, sotto la direzione artistica di Pietro Gaglianò e con la curatela di Lorenzo Vanda, coinvolge artisti under 35 chiamati a confrontarsi con il paesaggio e con la memoria dei luoghi attraverso opere site-specific.

Gli artisti selezionati per l’edizione 2026 sono Nicolò Andreatta, Marta Cornacchia, Silvia Cotugno, Laura Angela Gelsomini, Alessia Lastella, Davide Mariani, Roberto Orlando e Angelica Picco.

Il progetto è finanziato nell’ambito di GiovaniSì, con il sostegno del PR FSE+ Regione Toscana 2021/27, e rappresenta un ponte tra la storia del festival e le nuove prospettive dell’arte contemporanea in Toscana.

La collezione permanente: il patrimonio artistico diffuso di Radicondoli

Oltre alle nuove produzioni del 2026, il vero patrimonio del festival resta la collezione permanente che negli anni ha trasformato il borgo in un percorso d’arte contemporanea all’aperto.

Passeggiando tra le vie e le mura di Radicondoli si incontrano opere che sono ormai parte del paesaggio quotidiano: il neon poetico di Vittorio Corsini con la frase “Nel paesaggio bisogna farsi ciechi”, le installazioni specchianti di Antonello Ghezzi — tra cui Vedere me in te, che nel 2026 troverà una nuova collocazione nel centro del paese — e i simboli in alluminio di Franco Ionda, che invitano a guardare verso un cielo immaginato come rovesciato sulla terra.

Il percorso continua con le Piroghe nel bosco di Moussa Traore, le opere sonore di Simone Gori, le riflessioni sulla natura di Claudia Losi e i lavori cromatici di Paolo Fabiani. A completare il programma della quarantesima edizione sarà anche il restauro dell’installazione Abbraccio di Giuseppina Giordano, collocata nell’anfiteatro ricavato sulle mura del borgo.

Radicondoli, un modello per l’arte contemporanea in Toscana

In un panorama in cui molte rassegne di arte pubblica si esauriscono con la conclusione dell’evento, Radicondoli propone un modello diverso: quello della continuità.

Ogni edizione aggiunge un nuovo elemento a una geografia artistica che cresce nel tempo, creando un rapporto stabile tra opere, territorio e comunità. Un approccio che rende il borgo senese un punto di riferimento per chi cerca un’esperienza di arte contemporanea in Toscana capace di unire cultura, paesaggio e scoperta dei luoghi.

Con la quarantesima edizione del festival e il tributo a Fabio Gori, Paesaggi Contemporanei conferma quindi la propria vocazione: non una semplice rassegna temporanea, ma un progetto culturale permanente che continua a evolversi attraverso nuovi artisti, nuove visioni e nuove relazioni con il territorio.

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Ci sono artisti che raccontano la realtà così com’è e altri che riescono a trasformarla in qualcosa di universale. Renato Guttuso appartiene senza dubbio alla seconda categoria. Le sue tele parlano di persone, oggetti, lavoro, città e vita quotidiana, ma lo fanno con un’intensità che ancora oggi continua a coinvolgere il pubblico.

Dall’1 agosto al 13 settembre 2026, la galleria Farsettiarte a Cortina d’Ampezzo dedica la sua mostra estiva a uno dei grandi maestri dell’arte italiana del Novecento. “Renato Guttuso. Opere dal 1937 al 1980“ è un percorso che attraversa oltre quarant’anni di carriera e restituisce tutta la ricchezza di una ricerca artistica in  continua evoluzione.

L’arte come racconto della realtà

Nato a Bagheria, in Sicilia, nel 1912, Renato Guttuso si trasferisce a Roma nei primi anni Trenta, entrando in contatto con gli artisti della Scuola Romana. Sono gli anni in cui sviluppa una pittura sempre più lontana dalle convenzioni del gusto ufficiale del regime fascista e sempre più vicina a una visione realista, capace di affrontare temi sociali e civili.

Gli incontri con figure come Giacomo Manzù e Renato Birolli, insieme all’ammirazione per Pablo Picasso, Gustave Courbet, Théodore Géricault e il primo Van Gogh, contribuiscono a definire un linguaggio personale, destinato a diventare uno dei più riconoscibili del Novecento italiano.

Dopo l’adesione al movimento di Corrente e, nel dopoguerra, al Fronte Nuovo delle Arti, Guttuso sviluppa una pittura che fonde l’impegno civile con una continua ricerca formale. Nel corso degli anni il suo stile evolve, passando dalle tensioni neocubiste a un realismo sempre più libero, immediato e lirico, senza mai perdere il legame con la vita quotidiana. 

Le opere in mostra: dal neocubismo alla piena maturità

Il percorso espositivo accompagna il pubblico attraverso alcune delle tappe più significative della produzione dell’artista.

Tra i capolavori del secondo dopoguerra spicca Forchetta, bicchiere e tenaglia (1946), una natura morta in cui semplici oggetti domestici diventano protagonisti assoluti della composizione. Il piano inclinato, i colori accesi e la costruzione geometrica rivelano l’influenza del neocubismo, ma anche la volontà di dare dignità artistica agli oggetti della vita di tutti i giorni.

Con La grande lavandaia (1947), invece, Guttuso concentra l’attenzione sul lavoro umano. La figura femminile, sintetica ma potentissima, trasmette fatica, movimento e forza attraverso pochi elementi essenziali. È un’immagine che racconta la quotidianità con profonda partecipazione, trasformando un gesto comune in un simbolo universale.

Di grande fascino è anche Interno con stufa (1948), dove un ambiente domestico diventa una costruzione rigorosa di volumi e colori. La grande stufa al centro della scena domina lo spazio, mentre il tavolo inclinato e gli oggetti disposti in primo piano coinvolgono direttamente l’osservatore, creando una composizione dinamica e sorprendentemente moderna.

Gli anni Cinquanta e Sessanta: una pittura più libera

Negli anni successivi il linguaggio di Guttuso si fa sempre più sciolto e spontaneo. Le pennellate diventano rapide, la materia pittorica più ricca e i colori acquistano una nuova energia.

Lo dimostra Natura morta (Cestello e libri) del 1959, dove libri e oggetti sembrano quasi perdere il loro equilibrio, animati da una composizione vibrante e da una pittura ormai completamente emancipata dalle rigidità degli anni precedenti.

Con Damigiana e case (1961) emerge invece una piena maturità espressiva. L’opera sintetizza le diverse esperienze artistiche dell’autore: la solidità volumetrica degli oggetti convive con la libertà della pennellata e con le suggestioni neocubiste, dando vita a un’immagine equilibrata e intensamente poetica.

Chiude idealmente questo percorso Edicola (1965), scelta come immagine simbolo della mostra. Giornali, fogli e manifesti si trasformano in una trama quasi astratta di forme e colori, capace però di mantenere un forte legame con la realtà urbana. È una tela che racconta il movimento della città, il continuo fluire delle notizie e l’energia della vita contemporanea, dimostrando quanto Guttuso fosse capace di trasformare un soggetto ordinario in una composizione di grande intensità visiva.

Un omaggio a uno dei grandi maestri del Novecento

La mostra allestita negli spazi di Farsettiarte rappresenta un’occasione preziosa per riscoprire la complessità di Renato Guttuso. Lontano dagli stereotipi che spesso accompagnano il suo nome, il percorso mette in luce un artista in continua evoluzione, capace di rinnovare il proprio linguaggio senza mai perdere la centralità della figura umana, degli oggetti quotidiani e della realtà che lo circondava.

Attraverso nature morte, interni domestici e scene di vita comune emerge una pittura che continua a parlare anche al pubblico contemporaneo, grazie alla sua immediatezza e alla sua straordinaria forza narrativa.

Perché visitare la mostra

Visitare “Renato Guttuso. Opere dal 1937 al 1980” significa attraversare oltre quattro decenni di storia dell’arte italiana seguendo il percorso di uno dei suoi interpreti più autorevoli. La selezione delle opere permette di cogliere l’evoluzione dello stile dell’artista, dalle sperimentazioni neocubiste alla piena maturità del suo realismo, offrendo al tempo stesso una lettura accessibile anche a chi si avvicina per la prima volta alla sua pittura. A rendere l’esperienza ancora più piacevole contribuisce la sede di Farsettiarte, nel cuore di Cortina d’Ampezzo: una tappa ideale per chi desidera coniugare cultura e passione per la montagna.

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Si apre a Nonantola la sesta edizione di Futuri Maestri, il progetto ideato da Space Gallery di Modena e dallo Studio d’Arte Fioranelli che, più che configurarsi come un premio, si presenta come una mostra collettiva dedicata alla ricerca emergente. L’edizione 2026, ospitata negli spazi della Cantina e Museo Giacobazzi fino al 1° agosto, ruota attorno al tema “Divieto di accesso”, interpretato non come semplice interdizione fisica ma come dispositivo culturale, politico e psicologico. 

Il catalogo restituisce un panorama eterogeneo di linguaggi – pittura, fotografia, scultura e installazione – accomunati dall’indagine sul concetto di soglia. C’è chi affronta il tema come limite interiore, come Altea Lugli con Doppelgänger, riflessione sul confronto con il proprio doppio e sulle barriere costruite dalla psiche, chi lo interpreta in chiave sociale, come Annibale Di Muro, che mette in discussione i meccanismi di inclusione ed esclusione attraverso una struttura modulare ispirata alle dinamiche del potere. 

Tra le opere più convincenti figurano anche la fotografia di Davide Borowski, sospesa tra paesaggio e metafora dell’abbandono, il mosaico ligneo di Emilio Valeri, ironica riflessione sull’ossessione contemporanea per la perfezione, e il dipinto di Marco Montorsi, che individua nella soglia il luogo simbolico dove il proibito e il possibile finiscono per coincidere. 

Più che individuare un vincitore, Futuri Maestri continua così a proporsi come osservatorio sulla giovane ricerca italiana, privilegiando il confronto critico tra poetiche differenti rispetto alla logica competitiva dei premi tradizionali.

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Non esiste nulla di più radicalmente politico di un paesaggio che smette di essere sfondo per diventare soggetto. Nel cinema di Michelangelo Antonioni, la natura è sempre stata una presenza perturbante, una superficie sensibile in cui le crepe del mondo coincidono con le fratture dell’individuo. Dalla desolazione industriale di Deserto Rosso all’astrazione metafisica de L’Eclisse, il regista ha trasformato la topografia in uno stato d’animo, un deserto dei sentimenti dove il silenzio non è assenza di suono, ma una forma superiore di densità esistenziale. È in questa stessa direzione che si muove la mostra Le Montagne Incantate, un progetto espositivo che, dal 18 luglio al 9 agosto 2026, trasforma la Pieve di Santa Cristina a Rocchette di Fazio in un set sospeso tra la memoria cinematografica e una nuova fenomenologia del vivente.

L’evento, curato con affilata precisione da Matteo Pacini, non si limita a celebrare la figura del maestro in occasione del trentennale del rifugio degli animali della Fondazione Animanatura, ma innesca un cortocircuito intellettuale tra tre diverse declinazioni dello sguardo. Inaugurata sabato 18 luglio 2026, l’esposizione si configura come un’indagine corale sul rapporto di tensione e armonia tra l’essere umano e l’ambiente naturale, trovando nel neonato ente del Terzo Settore — la Fondazione Animanatura ETS — il proprio perno filosofico.

La nascita della Fondazione Animanatura, infatti, rappresenta la negazione speculare di quell’alienazione che Antonioni ha magistralmente filmato. Se nei film del regista l’uomo è spesso un essere isolato, incapace di comunicare con la realtà esterna, la Fondazione opera una ricongiunzione attiva. Il suo impegno trentennale nel salvataggio animale non è mera filantropia, ma un gesto di resistenza estetica e civile. La storia di Mihal, il giovane leone giunto dall’Albania dopo un viaggio di tremila chilometri per trovare rifugio nel cuore della Maremma, diventa il simbolo vivente di questa trasformazione. La presenza di Mihal non è un dato di cronaca, ma un’apparizione: il leone osserva l’uomo nel tentativo di ricongiungersi con una natura che non è più madre indifferente, ma specchio pulsante. La Fondazione Animanatura, operando nel solco di questa tensione, trasforma il santuario in uno spazio di etica pura, dove l’animale non è oggetto dello sguardo umano — come accade nell’alienazione urbana antonioniana — ma diventa protagonista di un nuovo patto di convivenza.

Al centro di questa costellazione di segni troviamo, innanzitutto, le opere pittoriche e i collage dello stesso Michelangelo Antonioni. Osservare questi lavori significa decodificare il fuori campo di una carriera intera. Qui, la montagna perde la sua verticalità geologica per farsi astrazione pura, una sedimentazione di strati che evocano il processo cinematografico: il montaggio come atto di violenza e ricomposizione. Il paesaggio, nelle mani dell’autore, si libera della sua orizzontalità cartesiana per farsi frammento visivo. È lo stesso processo di Blow-up: l’ingrandimento non svela la verità, ma moltiplica il mistero, frantumando la visione fino a trasformarla in materia pittorica. Le sue montagne non hanno altezza ma hanno densità, non hanno clima ma hanno umore. Sono lo specchio di quel vuoto che i personaggi di Antonioni hanno abitato con angosciosa eleganza, e il colore (bruciato, terroso e ossidato), richiama la tavolozza malata di un’Italia del boom economico che si sgretolava sotto il peso della propria modernità, un’Italia che oggi, grazie al lavoro della Fondazione Animanatura, cerca finalmente una redenzione nel verde.

In contrappunto a questo rigore metafisico, le opere di Enrica Fico Antonioni operano una trasfigurazione dell’organico. Se Michelangelo cercava nel paesaggio il riflesso dell’alienazione, la Fico trasforma il frammento — petali, cortecce, conchiglie, residui di una Maremma che è eden e carcere — in reliquia scultorea. È un’operazione che potremmo definire di archeologia sentimentale: il recupero di ciò che è stato scartato dalla natura per restituirgli una dignità iconica. C’è, in questo lavoro di accumulazione e stesura materica, un’eco del silenzio antonioniano: quella sospensione temporale che precede l’azione, quel climax che non esplode mai. Le composizioni di Enrica Fico agiscono come i dettagli fuori scala in Professione: Reporter: un particolare venale, una venatura di foglia, diventa protagonista assoluto, rubando la scena alla narrazione per imporsi con la forza brutale della propria esistenza. È una pittura tattile che rivendica la propria fisicità contro l’immaterialità del digitale, una resistenza organica che si sposa con la tensione metafisica del maestro.

Il terzo vertice di questo triangolo espositivo è rappresentato dall’intrusione ferina di Francesca De Mai. Il suo bestiario, popolato da creature che osservano lo spazio con una fissità quasi totemica, introduce un’alterità radicale in un ecosistema che rischiava di chiudersi nella solitudine dell’intellettuale. Se il cinema di Antonioni ha sempre guardato al mondo animale con un misto di sospetto e fascinazione, escludendolo spesso per concentrarsi sulla claustrofobia umana, De Mai reintroduce il selvatico non come oggetto di dominio, ma come presenza testimoniale. Il segno grafico, netto, quasi anatomico, agisce come una dissezione. Esiste una tensione stridente tra la fluidità spettrale dei paesaggi antonioniani e la definizione puntuale, quasi scientifica, degli animali di De Mai. Questa dicotomia crea un campo di forza in cui lo spettatore è chiamato a orientarsi: da un lato l’evaporazione dell’identità, dall’altro la permanenza dello sguardo animale. È la dialettica tra il chi e il cosa, tra la nevrosi del soggetto e l’essenza dell’essere.

La scelta della Pieve di Santa Cristina non è accessoria, è il frame definitivo, un dispositivo ottico che accoglie le opere in un’architettura che porta in sé la stratificazione dei secoli. Non c’è narrazione lineare in questo percorso, c’è solo atmosfera. E l’atmosfera è, per eccellenza, la categoria estetica antonioniana. In questo spazio di penombra e silenzio, il visitatore non è un fruitore passivo, ma un personaggio in cerca d’autore, perso nel labirinto di una Maremma che diventa, per cortocircuito concettuale, lo stesso deserto di Zabriskie Point. La montagna, da elemento geografico, si fa parete eretta tra l’Io e il mondo, un muro che le opere esposte tentano, con risultati di lancinante bellezza, di scalare, attraversare o abbattere.

Le Montagne Incantate non celebra dunque solo un anniversario, ma una visione, ovvero possibilità di una nuova consapevolezza: ci ricorda che l’arte non serve a spiegare il mondo, ma a rendere il suo silenzio un po’ meno insopportabile, trasformando l’alienazione in una forma superiore di cura. L’incanto, in fondo, è solo la capacità di restare a guardare quando tutto il resto si è dissolto nel fuori campo, lasciando spazio alla vita che reclama il proprio spazio. Chi vorrà immergersi in questo saggio visivo potrà farlo dal 18 luglio al 9 agosto 2026, presso la Pieve di Santa Cristina a Rocchette di Fazio, in un percorso che si dipana tra arte, natura e quella tensione irrisolta che solo i grandi maestri sanno lasciarci in eredità.

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Esporre all’interno del Consolato Generale del Giappone a Milano è un’occasione di particolare prestigio. In vista del 160° anniversario delle relazioni diplomatiche tra Giappone e Italia, gli spazi del Consolato hanno accolto un progetto curato da Chiara Cardini che mette in dialogo le opere dell’artista italiana Laura Villani con quelle del giapponese Shozo Koike. Un allestimento realizzato nel pieno rispetto delle procedure previste da un contesto istituzionale di grande rilievo, trasformato per l’occasione in un’eccezionale cornice espositiva.

L’opportunità è nata in seguito a una recente mostra personale di Villani alla Galleria Biffi di Piacenza: il catalogo di quell’esposizione ha colpito la referente culturale del Consolato, aprendo la strada a questa prestigiosa collaborazione. Ne abbiamo parlato direttamente con l’artista per approfondire la sua pratica, sospesa tra stratificazioni interiori e riconoscimenti internazionali.

Gino Fienga: Come nasce il legame visivo e concettuale tra il suo lavoro su carta e quello di Shozo Koike, un artista dallo stile apparentemente così diverso?

Laura Villani: È stata la curatrice Chiara Cardini a intuire la possibilità di questo dialogo. Koike utilizza la tecnica del Sumi-e, antica pratica pittorica giapponese. Tra le nostre ricerche esiste una sorta di coincidenza estetica: il mio interesse si concentra sulla sospensione, sull’assenza e sul vuoto, tematiche che risuonano in modo naturale con la sensibilità e la cultura orientali.

GF: A proposito di vuoto e presenze, le sue opere sembrano far emergere memorie e frammenti stratificati nel tempo. Quanto influisce la sua formazione legata al mondo dell’incisione in questo processo di sedimentazione?

L.V.: È una riflessione interessante, ma la mia attenzione, più che sulla morsura tecnica, si focalizza soprattutto sul concetto di tempo. Indago un tempo stratificato, circolare, che unisce passato, presente e futuro. Lavoro con tecniche miste su carta, preparando fondi colorati in acrilico sui quali intervengo successivamente a pastello. Non parto mai da immagini reali, ma procedo per emersione: forme architettoniche o elementi della natura primordiale, come i vulcani, affiorano spontaneamente dal mio spazio interiore in un processo legato alla memoria. Per questo fatico a raccontare il mio lavoro a voce e preferisco affidarmi alla scrittura per restituirne tutta la complessità.

GF: Osservando le sue composizioni, c’è chi percepisce un’eco della pittura metafisica. È un riferimento voluto?

L.V.: Non mi sono mai ispirata direttamente a quella specifica corrente. Il mio rapporto con la tradizione è piuttosto un terreno di risonanza. Le forme che utilizzo emergono perché fanno parte di un immaginario condiviso, non perché io ricerchi una citazione diretta o intenzionale.

GF: Il suo lavoro è un’indagine silenziosa e molto intima. C’è un legame tra questa dimensione e la sua precedente carriera musicale?

L.V.: Sicuramente. Sono una persona molto emotiva e timida e proprio per questo ho dovuto abbandonare la mia professione di musicista. Suonavo il flauto traverso, ma l’esibizione dal vivo, specialmente come solista o in orchestra, mi creava ansia e tensione. Trovavo invece serenità e mi sentivo protetta nella musica da camera. Questa attitudine si riflette anche nella mia ricerca artistica di oggi.

GF: Dal punto di vista del mercato e del collezionismo istituzionale, le sue opere vantano acquisizioni pubbliche di grande rilievo, come quelle al Tama Art University Museum di Tokyo. Come ci è arrivata?

L.V.: Nel 1998 e nel 2005 sono stata selezionata per il Tokyo International Print Triennial, all’epoca una delle rassegne internazionali più prestigiose dedicate all’incisione contemporanea. In entrambe le occasioni, le mie acqueforti in concorso sono state acquisite dal museo giapponese, dove sono conservate ancora oggi. In Italia, invece, i miei lavori sono presenti in raccolte molto significative come la Civica Raccolta delle Stampe Achille Bertarelli del Castello Sforzesco di Milano e il Gabinetto delle Stampe Antiche e Moderne del Museo Civico delle Cappuccine di Bagnacavallo.

GF: Quali sono i prossimi passi per il suo percorso espositivo e di ricerca?

L.V.: Al momento, dal mio studio di Belgioioso, sto sviluppando un nuovo ciclo di lavori su carta di grande formato, esplorando colori ed elementi inediti. Inoltre, è appena uscito un importante approfondimento sul mio lavoro all’interno di Titolo, la storica rivista scientifica di arte contemporanea diretta da Giorgio Bonomi. Si tratta di un articolo firmato dal critico Stefano Mazzatorta, pubblicato nel numero semestrale di giugno, interamente dedicato al tema del disegno.

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Al Museo Nazionale Romano una mostra immersiva sull’Egitto romano tra videoarte e nuove tecnologie

Dal 3 luglio al 15 novembre 2026 l’Aula Ottagona delle Terme di Diocleziano del Museo Nazionale Romano ospita AEGYPTUS – Dal Nilo al Mediterraneo. Oasi e deserto in epoca romana, un progetto espositivo che prova a superare il modello della tradizionale mostra archeologica, intrecciando reperti, videoarte e intelligenza artificiale.

Promossa dal Ministero della Cultura, l’esposizione racconta un capitolo ancora poco noto della storia del Mediterraneo: la presenza romana nelle oasi del deserto occidentale egiziano tra il I secolo a.C. e il V secolo d.C. Il percorso alterna materiali archeologici provenienti dalle collezioni del Museo Nazionale Romano e opere recuperate dal Comando Carabinieri per la Tutela del Patrimonio Culturale a un articolato impianto multimediale.

Fulcro della mostra è una grande installazione audiovisiva composta da tre narrazioni. La prima è l’opera di videoarte realizzata da Studio Convertino, che restituisce un’interpretazione immersiva dei siti archeologici attraverso ricostruzioni digitali, immagini in movimento e paesaggi sonori. Segue un documentario dedicato alle missioni archeologiche italiane in Egitto, mentre il percorso si conclude con I Doni della Grande Oasi, cortometraggio realizzato con l’intelligenza artificiale da Riccardo Boccuzzi, che ricostruisce la vita quotidiana di un’oasi romana del IV secolo d.C. attraverso lo sguardo di una bambina.

Più che utilizzare l’IA come semplice espediente spettacolare, il progetto la impiega come strumento di divulgazione, traducendo le più recenti acquisizioni della ricerca archeologica in un linguaggio accessibile a un pubblico ampio. È un approccio che riflette una tendenza sempre più diffusa nei musei: integrare tecnologie immersive e rigore scientifico per ampliare le modalità di fruizione del patrimonio.

L’operazione appare significativa anche perché sposta l’attenzione dall’Egitto dei faraoni a quello romano, restituendo centralità a territori di confine dove commerci, religioni e culture si sono incontrati per secoli. Un tema che dialoga con le attuali riflessioni sul Mediterraneo come spazio di connessione e scambio, offrendo una lettura contemporanea della ricerca archeologica senza rinunciare alla solidità scientifica.

L'articolo AEGYPTUS: quando l’archeologia incontra l’intelligenza artificiale proviene da Collezione da Tiffany.

Il mercato del design storico italiano continua a mostrare segnali di solidità, sostenuto dall’interesse di collezionisti, galleristi e professionisti dell’interior design. A confermarlo è l’asta di Design organizzata da Wannenes il 9 e 10 luglio, conclusa con aggiudicazioni complessive pari a 1.159.025 euro, risultato che rafforza il buon andamento del dipartimento dedicato al design nel corso del 2026.

Illuminazione e grandi firme trainano le aggiudicazioni

Tra i lotti più contesi spicca la plafoniera firmata B.B.P.R. (lotto 85), variante del celebre modello 2045/a prodotto da Arteluce negli anni Sessanta, aggiudicata a 22.650 euro. Bene anche il tavolo progettato da Gio Ponti (lotto 50 bis), realizzato in legno di noce, ottone e vetro opalino e corredato da perizia Gio Ponti Archives, venduto per 16.400 euro.

L’illuminazione si conferma una delle categorie più richieste dal mercato. Una lampada a sospensione progettata da Max Ingrand nel 1955 (lotto 128) ha raggiunto 21.400 euro, mentre il modello 2088 degli anni Sessanta (lotto 138) è stato aggiudicato a 17.650 euro. Lo stesso interesse ha interessato anche il lotto 27, composto da tre lampade a sospensione modello 2126/1, e il lotto 139, formato da tre lampade da parete, entrambi battuti a 9.900 euro.

Positivi anche i risultati per il vetro di Murano. Tre plafoniere attribuite a Venini (lotto 303) hanno raggiunto 11.030 euro, mentre una coppia di lampade a plafone progettate da Carlo Scarpa e prodotte da Venini negli anni Trenta è stata aggiudicata a 9.110 euro.

Un mercato che premia qualità e selezione

La vendita si inserisce in un calendario che Wannenes ha progressivamente ampliato dopo i risultati ottenuti nelle precedenti aste di Design e nella sessione Forme | Selezione Milano, dedicando un appuntamento specifico al design italiano del Novecento.

Secondo Giacomo Abate, che dirige il dipartimento Design insieme ad Andrea Schito, il mercato sta premiando una selezione sempre più riconoscibile, caratterizzata da arredi e oggetti dal forte valore progettuale, con particolare attenzione alle opere meno frequenti sul mercato e alle linee più evocative.

Accanto alla qualità dei lotti, la casa d’aste attribuisce un ruolo importante anche al lavoro curatoriale svolto sul catalogo, pensato non solo come strumento di vendita ma come racconto capace di contestualizzare gli oggetti e valorizzarne la storia progettuale.

Un primo semestre 2026 in crescita

Il risultato dell’asta di luglio conferma un andamento positivo già emerso nei mesi precedenti. La vendita del 26 e 27 febbraio aveva infatti superato 1,4 milioni di euro, registrando una percentuale di venduto quasi doppia rispetto al monte riserve e una significativa partecipazione internazionale, in particolare di acquirenti francesi interessati agli arredi degli anni Trenta e Quaranta.

Anche Forme | Selezione Milano, andata in scena il 23 aprile in concomitanza con il Salone del Mobile, aveva chiuso con un totale di 925.806 euro, sostenuta dalla selezione monografica dedicata a Toni Cordero e dalle aggiudicazioni ottenute da progettisti come Gio Ponti, Carlo Scarpa, Carlo Mollino e Gabriella Crespi.

Nel complesso, il dipartimento Design di Wannenes archivia il primo semestre del 2026 con un fatturato vicino ai 3,5 milioni di euro, confermando la tenuta del mercato del design storico italiano e il crescente interesse verso arredi e oggetti d’autore del Novecento.

Le prospettive del mercato del design

Guardando ai prossimi appuntamenti, Wannenes individua nuove opportunità in segmenti ancora relativamente poco esplorati dal mercato. L’attenzione si concentra sulle produzioni delle prime decadi del Novecento e su una parte del design postmoderno, ambiti che stanno progressivamente attirando l’interesse di collezionisti e operatori.

Accanto alle opere dei grandi maestri, cresce inoltre la valorizzazione di pezzi meno noti o privi di una firma celebre, sempre più considerati espressione della qualità progettuale del loro contesto storico. Una tendenza che conferma come il mercato del design italiano stia ampliando il proprio sguardo oltre i nomi più affermati, premiando anche produzioni finora rimaste ai margini del collezionismo.

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Dalle piattaforme internazionali agli editori più prestigiosi, passando per le gallerie che producono multipli dei grandi artisti: una guida ragionata ai migliori indirizzi online per acquistare edizioni d’arte con qualità, trasparenza e prospettive di crescita.

Chi si avvicina al collezionismo di edizioni d’arte commette spesso un errore: pensa che basti digitare il nome di un artista su Google e acquistare il primo multiplo disponibile. In realtà il mercato delle edizioni è probabilmente uno dei più complessi dell’arte contemporanea. Esistono infatti editori storici, gallerie che producono direttamente le opere, piattaforme di mercato primario, marketplace, case d’asta e operatori specializzati nel secondario. Saper distinguere questi mondi significa non soltanto acquistare meglio, ma anche capire il valore culturale di ciò che si porta in collezione.

Le edizioni rappresentano inoltre una delle migliori porte d’ingresso al collezionismo. Consentono di acquistare opere di artisti museali con cifre comprese tra poche centinaia e alcune migliaia di euro, mantenendo spesso gli stessi standard qualitativi delle opere uniche. Naturalmente non tutte le edizioni sono uguali: conta l’editore, conta la tiratura, conta la tecnica e, soprattutto, conta il contesto in cui sono state prodotte.

Ecco venti indirizzi che vale la pena conoscere. Alcuni sono molto noti, altri sono quasi dei “segreti” che circolano tra collezionisti e professionisti del settore.

1. Artsy

È probabilmente la piattaforma più completa oggi disponibile. Migliaia di gallerie da tutto il mondo, ricerca avanzata, confronti di prezzo e un’offerta enorme di multipli contemporanei.

2. White Cube Editions

La celebre galleria londinese pubblica direttamente le edizioni dei propri artisti. Qui si acquistano opere prodotte con gli stessi criteri qualitativi riservati alle mostre museali.

3. Hauser & Wirth Editions

Una delle migliori proposte oggi sul mercato. Le edizioni sono curate con estrema attenzione e coinvolgono molti degli artisti più importanti della scena internazionale.

4. Pace Prints

Se si parla di grafica contemporanea, Pace resta uno dei riferimenti assoluti. Molte opere diventate iconiche sono nate proprio nei suoi laboratori.

5. Gemini G.E.L.

Una vera istituzione americana. Dal 1966 collabora con artisti come Jasper Johns, John Baldessari, Richard Serra, David Hockney e molti altri.

6. Cristea Roberts Gallery

Londra continua a essere la capitale europea delle edizioni e Cristea Roberts ne rappresenta una delle eccellenze. La qualità editoriale è semplicemente straordinaria.

7. Crown Point Press

Chi ama incisioni e acqueforti dovrebbe iniziare da qui. Da decenni pubblica alcuni dei lavori più raffinati dell’arte contemporanea.

8. Carolina Nitsch Editions

New York custodisce ancora alcuni degli editori più importanti al mondo. Carolina Nitsch è uno di questi, con una selezione che privilegia artisti già storicizzati.

9. Counter Editions

Uno dei nomi più apprezzati dai giovani collezionisti. Propone opere di Antony Gormley, Bridget Riley, Rashid Johnson, Anish Kapoor e molti altri con prezzi ancora accessibili.

10. Exhibition A

Molto interessante per chi cerca produzioni esclusive realizzate direttamente con artisti contemporanei.

11. Avant Arte

Negli ultimi anni è diventata la piattaforma di riferimento per una nuova generazione di collezionisti. Cura direttamente la produzione delle opere e collabora con artisti internazionali ormai affermati.

12. Artspace

Marketplace americano con una buona selezione di edizioni certificate e una proposta che spazia dagli emergenti agli artisti blue-chip.

13. FairArt

Una realtà innovativa che unisce vendita primaria, mercato secondario e una particolare attenzione alla trasparenza delle transazioni.

14. Deodato Arte

Tra i principali operatori italiani online. Ottimo punto di partenza per chi si interessa a Pop Art, Street Art e contemporaneo internazionale.

15. Artlead

Piccola piattaforma europea molto attenta alla ricerca contemporanea. Ideale per chi vuole scoprire artisti ancora in una fase iniziale della carriera.

16. RAM Bookshop

Un indirizzo imprescindibile per chi segue il panorama italiano. Le edizioni prodotte da RAM e da Zerynthia rappresentano spesso occasioni di grande interesse culturale prima ancora che economico.

17. IFPDA Print Fair (Online Viewing Rooms)

La più importante fiera internazionale dedicata alla grafica d’arte. Anche fuori dai giorni della manifestazione resta una fonte preziosa per conoscere editori e gallerie.

18. Sotheby’s Buy Now

Sempre più spesso propone multipli, fotografie e opere in tiratura limitata acquistabili immediatamente, senza passare dall’asta.

19. Christie’s Private Sales

Molte edizioni importanti transitano attraverso le vendite private della casa d’aste, spesso prima ancora di arrivare sul mercato pubblico.

20. Phillips Dropshop

La casa d’aste londinese ha saputo intercettare il mercato delle nuove generazioni attraverso release online dedicate a edizioni, design e artisti emergenti.

Come scegliere davvero un’edizione

Il sito è importante, ma non basta. Prima dell’acquisto vale sempre la pena verificare alcuni elementi fondamentali:

• la tiratura complessiva;
• la presenza della firma autografa;
• l’editore che ha prodotto l’opera;
• la tecnica utilizzata;
• la provenienza;
• la presenza di certificati;
• l’eventuale esistenza di un mercato secondario consolidato.

Un’edizione pubblicata da Gemini G.E.L., Cristea Roberts o Crown Point Press, ad esempio, possiede spesso una rilevanza storica superiore rispetto a una stampa prodotta esclusivamente per finalità commerciali.

Il consiglio finale

Chi acquista la prima edizione tende quasi sempre a chiedersi se aumenterà di valore. È una domanda legittima, ma probabilmente è quella sbagliata. I grandi collezionisti non iniziano da un investimento: iniziano da una ricerca.

Le raccolte che resistono al tempo sono quelle costruite seguendo una visione, non un algoritmo. Il mercato cambia, le mode passano, gli artisti salgono e scendono. Il gusto, invece, se coltivato con studio e curiosità, resta il miglior consulente possibile.

Perché collezionare edizioni non significa comprare “l’opera economica” di un grande artista. Significa entrare nel suo processo creativo attraverso un linguaggio autonomo, che ha scritto alcune delle pagine più importanti della storia dell’arte del Novecento e continua ancora oggi a rappresentare uno dei modi più intelligenti per iniziare una collezione.

L'articolo I 20 siti che usano davvero i grandi collezionisti per comprare edizioni d’arte proviene da Collezione da Tiffany.

L’asta di Arte Moderna e Contemporanea di Wannenes (Asta 615), tenutasi a Milano il 2 luglio 2026, ha registrato aggiudicazioni superiori alle stime per numerosi lotti, confermando l’interesse del mercato per la scultura del secondo Novecento e per l’astrazione geometrica italiana e internazionale.

Di seguito una selezione dei lotti che hanno registrato le performance più significative.

Igor Mitoraj, Torso di donna con piede: l’aggiudicazione più alta

Il lotto 44, Torso di donna con piede (1995) di Igor Mitoraj, scultura in marmo nero del Belgio (cm 50 × 28,5 × 17), firmata e datata, con autentica su fotografia dell’artista, è stato aggiudicato a 106.400 euro, quasi il 33% oltre la stima massima di 80.000 euro. L’opera, proveniente da una collezione privata che l’aveva acquistata direttamente dall’artista, riprende il tema del torso femminile frammentato tipico della produzione di Mitoraj, distinguendosi però per l’inserimento di un piede all’altezza del petto, elemento inconsueto all’interno di questa serie.

Piero Dorazio, Avatar

Tra le aggiudicazioni più significative in rapporto alla stima figura il lotto 85, Avatar (1972) di Piero Dorazio, olio su tela di grande formato verticale (cm 250 × 50), proveniente dalla Marlborough Gallery di Roma e pubblicato nel catalogo ragionato dell’artista (Orlandini, Lassaigne, Crisafi, 1977). Stimata tra 18.000 e 22.000 euro, l’opera è stata aggiudicata a 52.650 euro, quasi 2,5 volte la stima massima, confermando la solidità del mercato per la pittura astratta italiana degli anni Settanta.

Julio Le Parc, Ondes 131 serie 3 n. 8

Anche il lotto 81, Ondes 131 serie 3 n. 8 (1973) di Julio Le Parc, olio su tela (cm 46 × 61) proveniente dalla Galleria Lorenzelli di Bergamo, ha superato ampiamente la stima di partenza (8.000-12.000 euro), chiudendo a 43.900 euro. Il risultato arriva poche settimane dopo la scomparsa dell’artista argentino, avvenuta il 30 maggio 2026, in un momento di rinnovata attenzione internazionale per la sua opera, anche grazie alla retrospettiva londinese dedicata al suo lavoro.

Tomonori Toyofuku: la scultura in legno oltre le attese

Il lotto 23, Senza titolo (1961) dello scultore giapponese Tomonori Toyofuku, opera in legno scolpito di grandi dimensioni (cm 100 × 150, base compresa), firmata e datata, stimata tra 6.000 e 8.000 euro, è stata aggiudicata a 56.400 euro, oltre sette volte la stima massima, un risultato che conferma il forte interesse del mercato per la produzione dell’artista.

Chen Kong Fang: bene il modernismo sino-brasiliano

Chiude la rassegna dei risultati più rilevanti il lotto 76, Senza titolo (1989) di Chen Kong Fang, artista cinese attivo in Brasile e legato al modernismo brasiliano della seconda metà del Novecento. L’olio su tela, stimato tra 8.000 e 10.000 euro, è stato aggiudicato a 27.650 euro.

Il quadro generale dell’asta

L’asta del 2 luglio confermava già in fase di catalogo un’offerta di alto profilo, con lotti di rilievo firmati Lucio Fontana, Dadamaino, Mario Schifano, Hermann Nitsch, Alighiero Boetti, Renato Guttuso e Salvador Dalí.

Nel complesso, l’Asta 615 di Wannenes conferma un mercato selettivo ma dinamico, capace di premiare opere con provenienze solide, bibliografie autorevoli e qualità museale. Le aggiudicazioni di Igor Mitoraj, Tomonori Toyofuku, Piero Dorazio e Julio Le Parc rappresentano i risultati più significativi della vendita e indicano una domanda particolarmente vivace per la scultura del secondo Novecento e per la pittura astratta e cinetica.

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Con Pluriversal Recapturings, realizzata in collaborazione con il Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, l’artista brasiliana trasforma un muro e un giardino in un ecosistema condiviso tra specie umane e non umane. L’intervento celebra i dieci anni del riconoscimento UNESCO dei Paesaggi Vitivinicoli di Langhe-Roero e Monferrato e conferma il crescente dialogo tra arte contemporanea e territorio.

L’arte pubblica torna a misurarsi con il paesaggio, non come semplice elemento da valorizzare ma come organismo vivente. A Canelli, nel cuore dei Paesaggi Vitivinicoli di Langhe-Roero e Monferrato, patrimonio mondiale UNESCO, Maria Thereza Alves presenta Pluriversal Recapturings (Riconquiste pluriversali), progetto permanente realizzato in occasione del decennale dell’iscrizione del sito nella Lista del Patrimonio Mondiale.

L’intervento nasce dalla collaborazione tra il Comune di Canelli, il Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea e l’Associazione per i Paesaggi Vitivinicoli di Langhe-Roero e Monferrato, con il sostegno del Fondo Unico Nazionale per il Turismo e della Regione Piemonte. L’opera consolida inoltre il ruolo di Canelli tra le “Capitali Sorelle” di Alba Capitale dell’Arte Contemporanea 2027.

Da oltre quarant’anni Alves sviluppa una pratica che intreccia ricerca, ecologia politica e memoria dei luoghi. Per il progetto piemontese l’artista ha lavorato con studiosi, professionisti e comunità locali, osservando le relazioni tra flora, fauna, pratiche agricole e trasformazioni del territorio.

Il risultato è una struttura muraria costruita con mattoni e pietra da cantoni, concepita per offrire rifugio a insetti, piccoli animali e vegetazione spontanea. I mattoni sporgenti evocano le traiettorie di volo di farfalle e pipistrelli e i movimenti delle lucertole, trasformando il muro in un dispositivo ecologico oltre che simbolico. Attorno all’opera si sviluppa un giardino progettato con ecoLogicStudio, destinato a evolvere nel tempo secondo le dinamiche naturali del sito.

Più che un monumento celebrativo, Pluriversal Recapturings propone una riflessione sul patrimonio come processo in continua trasformazione. Il paesaggio UNESCO non viene interpretato come immagine cristallizzata, ma come spazio di coesistenza tra specie, culture e pratiche, in cui l’intervento artistico diventa occasione per ripensare il rapporto tra uomo e ambiente. Un approccio coerente con la ricerca internazionale di Alves, che conferma come l’arte pubblica possa oggi farsi strumento di lettura critica dei territori, oltre ogni funzione decorativa.

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