Al Teatro Ristori, fino all’11 ottobre 2026, Frida Kahlo | A Revolutionary Life racconta una delle figure più iconiche del Novecento attraverso immagini, musica e tecnologie immersive.

Ci sono artisti la cui opera vive perfettamente anche senza alcun riferimento biografico. Anzi, talvolta conoscere troppo della loro vita rischia perfino di alterare il nostro sguardo, spostando l’attenzione dall’opera all’uomo o alla donna che l’ha realizzata. Non è il caso di Frida Kahlo. Nel suo caso la biografia non rappresenta una semplice chiave di lettura, ma una parte essenziale dell’esperienza artistica. La sua tormentata esistenza, il dolore fisico che l’ha accompagnata fin dalla giovinezza, la relazione intensa e travagliata con Diego Rivera, l’impegno politico e la ricerca di una libertà assoluta hanno finito per fondersi con la sua produzione pittorica, trasformando la sua stessa vita in una straordinaria opera d’arte.

È probabilmente anche per questo che Frida Kahlo continua a essere riscoperta senza sosta. Mostre, libri, spettacoli ed esperienze immersive vengono dedicate ogni anno all’artista messicana, confermando come il suo fascino vada ben oltre la storia dell’arte per entrare stabilmente nell’immaginario collettivo contemporaneo.

Tra gli appuntamenti da segnalare in questa stagione c’è Frida Kahlo | A Revolutionary Life, ospitata al Teatro Ristori fino all’11 ottobre 2026. Firmata da Massimiliano Siccardi, Luca Longobardi e Vittorio Guidotti, l’esperienza propone una rilettura immersiva della vita e dell’opera dell’artista, trasformandone il percorso umano in un racconto visivo e sonoro.

Più che una mostra tradizionale, il progetto si configura come un’opera totale. Il percorso si sviluppa attraverso tredici tappe simboliche nelle quali immagini in movimento, musica e parola si fondono in una narrazione che attraversa le radici culturali di Frida Kahlo, i suoi sogni, gli amori, il dolore e la continua ricerca di riscatto.

L’universo visivo è stato realizzato combinando tecniche differenti, dal disegno tradizionale agli strumenti di intelligenza artificiale, dando vita a scenari ispirati al folklore messicano, al surrealismo e al realismo magico, in costante dialogo con l’immaginario evocato dai celebri autoritratti dell’artista.

Ad accompagnare il visitatore è la colonna sonora ideata da Luca Longobardi, che intreccia composizioni originali e reinterpretazioni di grandi classici, costruendo un dialogo continuo tra immagini e musica. Il risultato è un’esperienza immersiva che punta a coinvolgere lo spettatore sul piano emotivo prima ancora che su quello conoscitivo.

Più che raccontare Frida Kahlo, A Revolutionary Life invita il pubblico a entrare nel suo sguardo, esplorando il legame profondo tra vita e creazione artistica, tra corpo, identità e memoria. Un percorso che restituisce tutta la forza di una figura capace, ancora oggi, di parlare a generazioni e sensibilità diverse, confermando come, nel suo caso, arte e vita siano rimaste per sempre inseparabili.

L'articolo Frida Kahlo, quando la vita diventa un’opera d’arte. A Verona un’esperienza immersiva dedicata all’artista messicana proviene da Collezione da Tiffany.

L’arte è un linguaggio in continua trasformazione, capace di raccontare il presente attraverso sensibilità, ricerca e sperimentazione. In questo panorama, Costanza Gastaldi sviluppa un percorso che intreccia espressione personale e riflessione, dando vita a un dialogo costante tra materia, emozione e visione.

Il suo lavoro nasce dall’osservazione della realtà e dalla volontà di superarne i confini, esplorando nuove possibilità espressive senza perdere il legame con la dimensione umana. Ogni progetto rappresenta una tappa di un percorso artistico in continua evoluzione, in cui tecnica e intuizione si fondono per dare forma a opere capaci di stimolare domande e generare nuove prospettive.

In questa intervista Costanza Gastaldi ci accompagna alla scoperta del suo universo creativo, raccontando le esperienze che hanno segnato la sua formazione, le fonti di ispirazione, il rapporto con il pubblico e le sfide che oggi caratterizzano il fare arte. Un confronto che invita a guardare oltre l’opera, per incontrare la visione e il pensiero dell’artista.

Andrea Savino: Costanza, grazie per il tempo dedicato a Collezione da Tiffany. Pur essendo molto giovane hai tante esperienze internazionali e sei stata appena selezionata per essere parte di una residenza in Cina. Raccontaci meglio di quest’ultimo riconoscimento.

Costanza Gastaldi: Grazie a te, Andrea. Ho ricevuto questa bellissima notizia da pochissimo e sto ancora cercando di realizzare quello che è successo: ad ottobre partirò per un mese di residenza presso l’INTERNATIONAL Guyan Painting Village, nella provincia dello Zhejiang, in Cina. Si tratta di una delle residenze artistiche più prestigiose a livello internazionale e, dopo anni di lavoro e di ricerca, ricevere questa selezione rappresenta per me un riconoscimento davvero importante.

Le candidature erano oltre seicento e sono stati selezionati soltanto dieci artisti, di cui tre internazionali. Sapere di essere tra questi mi riempie di gratitudine e mi conferma quanto sia importante continuare a credere nel proprio percorso, anche quando richiede tempo, costanza e pazienza.

La residenza durerà un mese e offrirà a ciascun artista uno studio personale, il supporto di un traduttore e di un mediatore culturale, con l’obiettivo di favorire un dialogo autentico con i maestri d’arte locali. Sarà un’occasione preziosa per confrontarmi con tradizioni secolari, come la ceramica celadon di Longquan, la scultura su pietra di Qingtian e le tecniche tradizionali della forgiatura, lasciando che questi saperi entrino in relazione con la mia pratica fotografica.

L’intero programma è sostenuto dalle istituzioni locali e da Art Confidentiel, una delle principali agenzie francesi dedicate all’arte contemporanea, insieme a una galleria parigina impegnata nel creare un dialogo tra arte orientale e occidentale. Credo che questa esperienza rappresenterà non solo un momento di crescita professionale, ma anche un’opportunità di trasformazione personale, perché mi permetterà di osservare, ascoltare e lavorare immersa in una cultura profondamente diversa dalla mia che non smette di affascinarmi da anni.

AS: Il tuo lavoro sembra raccontare storie attraverso i dettagli. Come nasce l’idea di un nuovo progetto fotografico e cosa ti guida nella scelta dei soggetti?

CG: Credo che i dettagli siano il vero linguaggio delle mie fotografie. Ogni opera contiene decine, a volte centinaia, di piccoli elementi disseminati nell’immagine che non sono semplici decorazioni, ma veri e propri indizi. Mi interessa che lo spettatore possa soffermarsi, tornare sull’opera più volte e scoprire, ogni volta, qualcosa di nuovo.

Ogni dettaglio è una porta d’accesso a un altro livello di lettura: invita ad andare oltre l’impatto iniziale dell’immagine e apre nuove riflessioni che spesso si allontanano dal tema apparentemente raccontato. È proprio in questo spazio di interpretazione che nasce il dialogo tra l’opera e chi la osserva.

L’idea di un nuovo progetto nasce quasi sempre da una domanda o da un’urgenza personale. Solo dopo arriva la scelta dei soggetti, che non avviene mai per il loro valore estetico, ma per la loro capacità di diventare simboli e di raccontare qualcosa che va oltre ciò che rappresentano.

AS: Qual è stata la fotografia o il progetto che ha rappresentato una svolta nel tuo percorso artistico e perché? 

CG: Credo che la svolta più significativa del mio percorso sia rappresentata dalla serie In the MOOD FOR LOVE (2025), nata durante un periodo di ricerca nel sud della Cina. La mia fotografia, fin dagli esordi, non è mai stata semplicemente uno strumento di osservazione della realtà, ma un modo per costruire geografie emotive, luoghi interiori e narrazioni capaci di andare oltre la prima lettura dell’immagine.

Con questo progetto la mia ricerca ha raggiunto una nuova tensione concettuale: ho iniziato a lavorare sempre più sullo scarto tra ciò che un’immagine sembra suggerire e ciò che realmente racconta. Scene quotidiane, gesti comuni e situazioni profondamente profane vengono attraversati da una dimensione quasi sacrale, creando un’ambiguità visiva in cui il familiare si trasforma in simbolo e l’ordinario assume una forza inattesa.

In opere come Icona Impermeabile, ad esempio, una scena di vita quotidiana — un gruppo di turisti riparati dalla pioggia sotto teli cerati — richiama involontariamente un’immagine di devozione, generando una tensione tra sacro e profano, tra apparenza e realtà, tra cultura visiva e esperienza contemporanea.

La svolta di In the MOOD FOR LOVE non riguarda quindi una trasformazione tecnica, che appartiene alla mia ricerca fin dagli inizi, ma una maggiore consapevolezza della capacità dell’immagine di contenere contraddizioni e molteplici livelli di lettura. È il progetto in cui ho sentito più chiaramente di poter creare fotografie come luoghi di memoria, riflessione e stratificazione percettiva.

AS: In un’epoca in cui tutti scattano fotografie con lo smartphone o con le tecnologie digitali, come può difendersi la fotografia da questa invasione di “esperti”?

CG: Credo che la fotografia non debba difendersi dalla sua democratizzazione, ma interrogarsi su come attraversarla. Il fatto che oggi chiunque possa produrre immagini non rappresenta una minaccia per la ricerca artistica: al contrario, rende ancora più urgente distinguere tra la semplice possibilità di creare e la necessità autentica di esprimere uno sguardo.

Uno strumento, per quanto sofisticato, accessibile e rivoluzionario, non genera mai valore in sé: una macchina fotografica, un algoritmo o una tecnologia non fanno un autore. A determinare il valore di un’opera sono la profondità della visione, l’urgenza interiore, la capacità critica e la costruzione consapevole di un linguaggio personale.

È proprio qui che emerge la responsabilità di curatori, galleristi e di tutti coloro che hanno il compito di orientare lo sguardo pubblico: non assecondare la quantità, ma difendere la qualità; non confondere la novità con il valore, né il consenso con la rilevanza artistica. La loro funzione non dovrebbe essere quella di certificare ciò che è facilmente consumabile, ma di saper riconoscere ciò che apre nuove possibilità di pensiero.

Perché se tutto può essere definito arte, il rischio non è che l’arte muoia: è che perda la propria credibilità. E il compito del sistema culturale è proprio quello di preservare quella differenza sottile ma fondamentale tra un’immagine che semplicemente esiste e un’immagine che ha qualcosa di necessario da dire.

Forse proprio in un’epoca caratterizzata da una sovrapproduzione di immagini diventa ancora più importante rimanere fedeli al proprio sentire, senza lasciarsi influenzare da ciò che fanno gli altri. Abbiamo bisogno di restituire alla fotografia il tempo della lentezza, della contemplazione e dell’osservazione profonda.

Mi piace pensare alla fotografia – come diceva Erwin Olaf- come ad un’emozione che si costruisce lentamente: come un occhio che si riempie di una lacrima, che cresce in silenzio fino a scendere delicatamente sul volto. La fotografia ha ancora una forza unica quando riesce a creare una pausa, ad aprire uno spazio di riflessione e a invitare lo spettatore a guardare veramente, non solo a vedere.

AS: Guardando al futuro, quali temi o progetti ti piacerebbe esplorare attraverso la fotografia e quale messaggio speri di trasmettere al pubblico?

CG: Guardando al futuro, credo che la mia ricerca continuerà inevitabilmente a essere legata al tempo in cui vivo. Essere un’artista contemporanea significa confrontarsi, anche indirettamente, con il proprio presente: dalle sue trasformazioni nasceranno nuove serie e nuovi interrogativi, probabilmente attraverso tematiche universali capaci di parlare a persone e sensibilità diverse.

Il mio desiderio è continuare a creare opere che riescano a generare un’emozione, nel senso più ampio del termine: immagini che possano suscitare meraviglia, inquietudine, riflessione o anche disagio. In un’epoca in cui la tecnologia e l’intelligenza artificiale stanno ridefinendo il nostro rapporto con le immagini, credo che la capacità di provare e trasmettere emozioni rimanga uno degli aspetti più profondamente umani.

Vorrei inoltre che le mie opere continuassero a essere spazi aperti, non immagini che impongono una lettura unica, ma luoghi di stratificazione in cui ogni spettatore possa trovare un diverso livello di accesso. Mi interessa creare fotografie capaci di dialogare con persone molto diverse: da un bambino che si lascia guidare dalla meraviglia dello sguardo, fino a uno storico dell’arte che ne analizzi i riferimenti e le complessità. La forza di un’immagine, per me, risiede proprio nella sua capacità di continuare a porre domande.

L'articolo L’arte come processo. Conversazione con Costanza Gastaldi proviene da Collezione da Tiffany.

Tra arte, musica e cultura, l’isola prova a ritrovare lo spirito creativo che negli anni Sessanta l’aveva resa un laboratorio internazionale di idee, incontri e sperimentazioni

Capri non è mai stata soltanto una destinazione. La sua storia racconta un luogo in cui, soprattutto negli anni Sessanta, il glamour del jet set internazionale conviveva con una straordinaria energia creativa: artisti, scrittori, designer, musicisti e intellettuali arrivavano sull’isola non solo per assistere a uno spettacolo, ma perché lì qualcosa poteva realmente accadere. Capri era un crocevia di visioni, un laboratorio mediterraneo dove mondanità e cultura si incontravano.

Dopo una lunga stagione in cui l’isola ha rischiato di trasformarsi soprattutto in una meta del turismo più veloce e superficiale, oggi sembra emergere il desiderio di ricostruire un’identità più forte e consapevole. Una Capri capace di tornare a offrire esperienze autentiche, rivolte a chi cerca non solo bellezza e ospitalità, ma anche contenuti, incontri e nuove forme di creatività.

In questa direzione si inserisce NOX CAPRI, la nuova destinazione after-dark inaugurata dal Jumeirah Capri Palace ad Anacapri. Il progetto nasce con l’ambizione di reinterpretare la vita notturna dell’isola attraverso musica, cultura e contaminazioni internazionali, trasformando la notte in un’esperienza da vivere e scoprire progressivamente.

Il nome NOX, dal latino “notte”, racconta proprio questa idea: non un semplice spazio dedicato all’intrattenimento, ma un luogo in continua evoluzione, capace di accogliere artisti, creativi e appassionati di musica in un dialogo tra linguaggi contemporanei e memoria caprese.

La musica è il cuore del progetto, con una programmazione che durante la stagione coinvolgerà artisti internazionali, performance dal vivo e collaborazioni selezionate. Ogni serata sarà concepita come un capitolo diverso di un racconto più ampio, in cui suoni, persone e atmosfere contribuiscono a costruire un’esperienza unica.

Anche l’architettura gioca un ruolo fondamentale. Lo spazio, progettato dall’architetto Antonio Girardi, si ispira alla dimensione mediterranea attraverso un ambiente intimo e suggestivo, studiato per accompagnare il pubblico in un percorso di scoperta graduale. La notte, qui, non è un semplice sfondo, ma diventa materia progettuale.

NOX CAPRI si inserisce naturalmente nella storia del Jumeirah Capri Palace, da sempre legato al rapporto tra ospitalità e arte. Già sotto la guida di Tonino Cacace, l’hotel aveva costruito negli anni un’identità fortemente culturale, grazie al coinvolgimento di importanti artisti e alla creazione di una collezione contemporanea diffusa negli spazi dell’albergo. Un dialogo che oggi prosegue con una nuova visione, capace di intrecciare arte, musica e ricerca.

L’apertura di NOX rappresenta così qualcosa di più di una nuova proposta per la nightlife caprese: è il segnale di un possibile ritorno dell’isola al suo ruolo storico di luogo d’incontro, dove il lusso non coincide soltanto con l’esclusività, ma con la capacità di generare emozioni, idee e nuove esperienze culturali.

L'articolo Capri torna a essere un luogo dove accadono le cose: nasce NOX CAPRI, la notte contemporanea del Jumeirah Capri Palace proviene da Collezione da Tiffany.

L’asta Great Masters from Classic to Contemporary Art, terza edizione 2026 di Catawiki dedicata ai grandi nomi dell’arte moderna e contemporanea, si è chiusa con un risultato complessivo di circa 300.000 € e un sell rate del 50%.

L’asta si è articolata, come da programma, in cinque dipartimenti: arte del dopoguerra e contemporanea, opere grafiche e multipli, fotografia, opere direct from the artist e, per la prima volta, arte classica.

Arte moderna e contemporanea: Fontana chiude a 36.000 €

Il lotto di punta dell’intera asta era il Concetto spaziale di Lucio Fontana (1899-1968), inchiostro su carta del 1956 con i caratteristici buchi e strappi che hanno reso l’artista uno dei protagonisti dello Spazialismo. L’opera, iscritta alla Fondazione Lucio Fontana con numero di riferimento 4639/1 è stata aggiudicata a 36.000 €.

Bene anche Pierre Alechinsky (1927), con la scultura in grès Reliure realizzata nel 1994 insieme al ceramista Hans Spinner e pubblicata da Galerie Lelong: aggiudicata a 5.500 €. Chiude il comparto Mel Ramos (1935-2018), con la litografia pop Peek-a-Boo Marilyn #1 del 2002, venduta a 3.000 €.

Grafica e multipli: Koons, Picasso, Escher e Giacometti protagonisti

Il dipartimento di grafica ha registrato alcuni dei risultati più interessanti dell’asta. In testa Jeff Koons (1955) con la rara litografia a colori Untitled (Vase of Flowers) del 2001, firmata a matita e numerata 85/150, pubblicata da Art of This Century, New York: aggiudicata a 10.500 €.

Segue a breve distanza un pezzo di gioielleria d’artista: il pendente in oro giallo 23 carati Sculpture, Visage de Faune, realizzato da Pierre Hugo su disegno di Pablo Picasso nel 1971, numerato 2/20 e accompagnato da certificato originale, aggiudicato a 9.800 €.

Molto solido anche il risultato di M.C. Escher (1898-1972): la linoleografia Rimpeling (Rippled Surface), Bool 367, del 1950, firmata a matita con la dicitura “eigendruk”, che ha chiuso a 9.000 €, confermando comunque l’interesse costante per una delle incisioni più iconiche dell’artista olandese.

Chiude il gruppo Alberto Giacometti (1901-1966), con la rara puntasecca Le Chat, realizzata per L’Air de l’eau di André Breton, in edizione di 46 esemplari: aggiudicata a 6.700 €.

Fotografia e direct from the artist

Nel comparto fotografico si segnala il risultato di Martine Aballéa, con l’opera Instincts Parasités (1994/95), fotografia dipinta a inchiostro su pannello di alluminio, proveniente da Galerie Thaddaeus Ropac: aggiudicata a 1.400 €.

Nella sezione direct from the artist, dedicata alle opere acquistate senza intermediari direttamente dagli autori, si distingue Claus Bertermann con il grande dittico figurativo Rien ne va Plus (160 x 310 cm, acrilico e oil stick su tela), aggiudicato a 1.801 €: un ingresso che conferma l’interesse crescente per l’arte contemporanea acquistata a filiera corta.

Il quadro generale dell’asta

Nel complesso, l’edizione conferma alcune tendenze già emerse nelle precedenti sessioni di Great Masters: la domanda resta forte per i nomi storicizzati con provenienza e documentazione solide — Fontana, Escher e Giacometti su tutti — mentre cresce l’interesse per formati più accessibili come la grafica d’autore e le opere direct from the artist, che ampliano la base di collezionisti raggiunta dalla piattaforma.

L'articolo Great Masters from Classic to Contemporary Art: i risultati dell’asta Catawiki tra Fontana, Koons ed Escher proviene da Collezione da Tiffany.

I top lot di Wannenes raccontano il nuovo collezionismo internazionale

I top lot di Wannenes segnano la conclusione di una prima parte dell’anno che orienta lo sguardo del mercato verso una geografia internazionale senza perdere le forti firme italiane del design e delle arti decorative. Il prestigio in questa collezione, infatti, non si attribuisce solo alla notorietà autoriale, ma a questo concorrono la qualità formale, la rarità dell’esemplare, le provenienze e un accurato tempismo nella risonanza dell’istituzionalizzazione. 

La categoria di Storia dell’arte moderna e contemporanea osserva un mercato in cui il confine geografico assume un’importanza sempre meno rigida. La selezione di Wannenes accosta infatti protagonisti italiani a figure provenienti da contesti internazionali, costruendo una lettura del Novecento attraverso contaminazioni, spostamenti e dialoghi tra culture.

Igor Mitoraj protagonista delle aste Wannenes con Torso di donna con piede

La sezione di storia dell’arte moderna e contemporanea si apre con “Torso di donna con piede” di Igor Mitoraj, del 1995, realizzato in marmo nero del Belgio. L’opera, proveniente da una collezione privata e acquistata direttamente dall’artista, appartiene a uno dei nuclei più riconoscibili della ricerca di Mitoraj. L’eccezionale vendita, che ha di molto superato il massimale stimato, conferisce all’opera particolare risonanza attuale: la figura di Mitoraj viene celebrata nel panorama italiano con l’apertura del Museo Igor Mitoraj a Pietrasanta, inaugurato nel giugno 2026. L’opera si colloca così in una fase di rinnovata istituzionalizzazione della sua ricerca, nella quale la rilettura museale contribuisce a consolidarne la posizione nella storia della scultura contemporanea.

Tomonori Toyofuku e la dimensione internazionale dell’arte moderna

La dimensione internazionale diventa ancora più evidente con Tomonori Toyofuku, artista giapponese nato a Kurume nel 1925, presente con un Senza titolo del 1961. L’opera in legno scolpito appartiene a una fase di ricerca artistica nella quale emergono esperienze internazionali dell’astrazione e della scultura del secondo dopoguerra, rivisitate secondo le caratteristiche vibrazioni orientali che animano i pieni e i vuoti, in una lettura non esclusivamente eurocentrica del modernismo.

Pietro Dorazio, record d’asta e il valore della provenienza Marlborough Gallery

La sezione si completa con Avatar di Pietro Dorazio, olio su tela del 1972, dalle dimensioini decisamente inconsuete (250×50) e proveniente dalla Marlborough Gallery di Roma. L’opera è firmata, datata e titolata sul retro ed è inoltre documentata nel Catalogo Ragionato delle opere del 1977.

La provenienza dalla Marlborough Gallery è particolarmente significativa. Fondata a Londra nel 1946, la galleria diventa nel secondo dopoguerra una delle strutture fondamentali per la circolazione internazionale dell’arte contemporanea, costruendo una rete tra Europa e Stati Uniti e contribuendo alla diffusione di artisti europei e americani.

Avatar appartiene alla stagione della ricerca di Dorazio sul rapporto tra colore e luce, con uno studio sulla struttura formale che non delimita più uno spazio: lo produce attraverso la ripetizione, la variazione e la relazione tra colori. Il lotto stimava un massimale di 20.000€, superando però il prezzo di vendita di oltre 50.000€.

La selezioni di Wennenes per l’arte moderna e contemporanea sancisce quindi un modernismo transnazionale, in cui l’incontro di culture ridefinisce la definizione popolare del modernismo storico artistico.

I top lot di design italiano nelle aste Wannenes

Il design italiano conferma sicuramente la propria centralità. Il dato non sorprende se si considera la progressiva trasformazione del design storico da settore specialistico delle arti decorative a segmento autonomo del mercato.

Gio Ponti: tra riedizioni storiche e pezzi iconici del design

Nell’interesse di acquisto, la firma di Gio Ponti continua a occupare una posizione di forte interesse anche per quanto riguarda le riedizioni e le produzioni successive dei suoi progetti come dimostra il lotto di otto sedie modello 969, progettate da Ponti e prodotte da Montina negli anni Ottanta. Il lotto è stato aggiudicato a 20.150 euro, partendo da una stima di  2.400–2.600 euro: una performance che testimonia l’interesse del mercato verso riedizioni storicizzate.

La firma di Gio Ponti emerge nella serie “Forme | Selezione Milano”, la selezione di Wannenes dedicata al design italiano e alle arti decorative del Novecento, con la Grande lampada a sospensione modello Pavone, eseguita da Arredoluce negli anni Sessanta: lotto interessante per la certificazione di autorialità, fattore determinante nella costruzione del valore. La documentazione che attesta la paternità del progetto ne attesta quindi il posizionamento nella storia del design italiano e l’effettivo valore.

Interessante è il caso dei due vasi “Esplorazione dei Poli”, realizzati in bronzo argentato negli anni Venti e rimasti anonimi, con una possibile origine britannica o scandinava. La coppia, stimata 1.500–2.000 euro, ha raggiunto circa 20.000 euro nella vendita, una posizione insolita rispetto alla comune regola del prestigio conferito alla firma e all’attribuzione. In questo caso, infatti, l’assenza di un autore identificato viene compensata dalla rarità dell’oggetto e dal forte tratto stilistico che unisce esotismo, rappresentazione naturalistica estremamente accurata e modernità, confermandoli come elementi cardine dell’Art Déco. 

B.B.P.R. e Arteluce: il design italiano degli anni Sessanta in asta

La selezione continua con la grande plafoniera modello 2045 di B.B.P.R. per Arteluce, degli anni Sessanta. Il gruppo B.B.P.R. esprime in questo periodo di produzione la sua vocazione più intensa. Il lotto assume ulteriore importanza per le notevoli dimensioni, che amplificano il senso di compenetrazione tra forma, struttura, materia e funzione.

Cosa rivelano i top lot Wannenes sul mercato dell’arte e del design

I top lot e le opere più significative che emergono dalle vendite Wannenes restituiscono dunque un mercato nel quale le categorie tradizionali appaiono sempre meno impermeabili. Design, arti decorative, architettura e arte contemporanea condividono oggi gli stessi dispositivi di valorizzazione: la firma, ma anche la provenienza; la rarità, ma anche la storia espositiva; la qualità formale, ma soprattutto la capacità dell’oggetto di inserirsi in una narrazione storica riconoscibile.

Da Ponti a B.B.P.R., da Mitoraj a Toyofuku fino a Dorazio, ciò che emerge è una concezione del collezionismo sempre più orientata verso oggetti e opere capaci di raccontare il Novecento come una storia di attraversamenti e interculturalità. 

La progressiva integrazione all’interno di un sistema internazionale, nel quale l’oggetto d’arte e di design vengono letti come parti di una stessa storia culturale, è una direzione molto interessante da osservare, direzione che le aste Wannenes stanno evidentemente rendendo sempre più attraente.

L'articolo I top lot di Wannenes: una nuova traiettoria di collezionismo e ricerca proviene da Collezione da Tiffany.

L’Italia possiede un patrimonio culturale unico al mondo, costruito in oltre duemila anni di storia, arte e manifattura. Eppure troppo spesso il turismo e la cultura continuano a procedere su binari paralleli, quando invece dovrebbero rappresentare due facce della stessa medaglia. Chi arriva nel nostro Paese non cerca soltanto un luogo in cui soggiornare, ma desidera immergersi nell’identità italiana, fatta di monumenti, paesaggi, tradizioni e soprattutto di quel sapere artigiano che continua ancora oggi a distinguere il Made in Italy nel mondo.

In questa prospettiva, gli alberghi possono assumere un ruolo che va ben oltre quello dell’ospitalità, trasformandosi in autentici luoghi di incontro con il patrimonio culturale nazionale. Esporre opere, raccontare le eccellenze manifatturiere, sostenere gli artigiani contemporanei significa infatti esercitare una forma concreta di mecenatismo, capace di avvicinare migliaia di visitatori ogni anno alla storia e all’evoluzione delle arti applicate italiane.

È questa la direzione intrapresa da Starhotels con La Grande Bellezza – The Dream Factory, il progetto nato nel 2019 insieme alla Fondazione Cologni dei Mestieri d’Arte e al Gruppo Editoriale, attraverso il quale il principale gruppo alberghiero privato italiano ha scelto di investire nella tutela e nella promozione dell’alto artigianato nazionale. Un percorso che oggi coinvolge le 34 strutture del gruppo, trasformandole in vere e proprie vetrine della creatività italiana.

L’iniziativa torna protagonista in occasione di tre fra i più importanti appuntamenti dedicati all’alto artigianato: Homo Faber e la Venice Glass Week a Venezia e Artigianato e Palazzo a Firenze.

L’appuntamento forse più significativo riguarda proprio Venezia, dove l’Hotel Gabrielli apre le proprie porte durante la Venice Glass Week per raccontare una collezione di eccezionale valore storico e artistico. Oltre settecento lampadari e applique impreziosiscono infatti gli ambienti dello storico albergo affacciato sulla Riva degli Schiavoni, riportato al suo splendore dopo il recente restauro. Tra questi spiccano le opere del maestro muranese Archimede Seguso, figura centrale nella storia del vetro veneziano del Novecento, accanto alle creazioni della storica vetreria Pauly & C. Un patrimonio che non rappresenta soltanto un raffinato elemento decorativo, ma diventa parte integrante dell’esperienza culturale offerta agli ospiti, dimostrando come un hotel possa trasformarsi in uno spazio espositivo permanente dedicato a una delle eccellenze più rappresentative dell’artigianato italiano.

Sempre al Gabrielli, dal 1° settembre al 16 ottobre, saranno inoltre esposte le dieci opere finaliste della quarta edizione del Premio La Grande Bellezza, dedicata al tema Il Bello dell’Utile. Il concorso invita gli artigiani italiani a confrontarsi con un’idea di progetto in cui estetica e funzionalità convivono, valorizzando materiali, tecniche e tradizioni reinterpretate in chiave contemporanea. Il vincitore riceverà un premio di 10.000 euro a sostegno del proprio percorso creativo.

Parallelamente, a Firenze, Starhotels sarà presente ad Artigianato e Palazzo con la mostra Natura Aurea, dedicata alla maestra ceramista Antonietta Mazzotti Emaldi. Un percorso espositivo che attraversa alcune delle serie più rappresentative della sua ricerca, tra maiolica, oro zecchino e riferimenti al mondo naturale e alla mitologia classica.

Il progetto La Grande Bellezza va però ben oltre il sostegno a singoli eventi. L’iniziativa prevede infatti esposizioni permanenti negli hotel del gruppo, la realizzazione di collezioni dedicate, un premio biennale per gli artigiani, attività di formazione per le nuove generazioni e numerose collaborazioni con le principali manifestazioni del settore.

In un Paese come l’Italia, dove il patrimonio culturale costituisce uno dei principali motori dell’attrattività turistica, esempi come quello di Starhotels mostrano come l’impresa privata possa assumere un ruolo attivo nella valorizzazione dell’identità nazionale. Un mecenatismo contemporaneo che non si limita a conservare il passato, ma offre nuove opportunità ai maestri d’arte e porta il grande artigianato italiano là dove ogni giorno transitano migliaia di viaggiatori provenienti da tutto il mondo: negli spazi dell’ospitalità.

L'articolo L’ospitalità del futuro? Quella degli hotel mecenati Starhotels porta l’alto artigianato italiano al centro dell’esperienza di viaggio proviene da Collezione da Tiffany.

Nata nel 2014 come associazione culturale con il desiderio di portare la cultura contemporanea nella provincia industriale, Atipografia si è trasformata nel 2022 in una vera e propria galleria d’arte a seguito di un profondo restauro architettonico. Guidata da Elena Dal Molin, la galleria mantiene intatta la sua vocazione originale: promuovere un approccio all’arte profondamente filosofico e distante dalle mode del momento. In un’epoca dominata dalla frenesia digitale e dalle immagini “instagrammabili”, Atipografia propone con coraggio un’arte “infotogenica”, fatta di opere lente da realizzare e da guardare, che richiedono la presenza fisica e la contemplazione.

In questa intervista, Elena Dal Molin ci racconta la sua recente trilogia espositiva pensata come un manifesto, le sfide di esporre in un ex spazio industriale che rifugge l’estetica del white cube, e la lucida decisione di rallentare i ritmi forsennati del mercato per restituire all’arte il tempo e lo studio che merita. 

Dalla provincia industriale allo spazio galleria

Gino Fienga: Cominciamo dall’inizio: come nasce il progetto di Atipografia e come si è evoluto in questi anni? 

Elena Dal Molin: Il progetto è nato dodici anni fa, nel 2014, come associazione culturale. Avevo vissuto a Milano per diversi anni e sentivo il forte desiderio di portare la cultura contemporanea in provincia, in una zona prettamente industriale dove c’erano pochi spunti per aprirsi all’arte. Inizialmente eravamo aperti anche alla musica e al teatro sperimentale, oltre a ospitare residenze per artisti. Attraverso queste residenze si è creata una vera e propria squadra e un’identità. Poi, la vecchia azienda che ci ospitava necessitava di essere adeguata; così, dopo un grosso investimento e un restauro, nel 2022 abbiamo riaperto in veste di galleria, portando con noi gli artisti che avevano iniziato quel percorso. 

Un manifesto in tre mostre: il primato del pensiero

GF: C’è un filo conduttore molto forte nella vostra ricerca espositiva. Come si traduce la vostra missione oggi? 

EDM: Rimane la vocazione culturale e un approccio filosofico all’arte, dove il pensiero è sempre il grande protagonista. Andiamo in controtendenza rispetto alle mode: ad esempio, la figurazione è scarsissima nella nostra offerta. Quest’anno abbiamo voluto visualizzare al meglio la nostra ricerca concentrando la programmazione in una trilogia che funge da manifesto. 

• Il primo capitolo è stato Matermania: uno scostarsi dall’individualismo per guardare alle cose con uno sguardo ampio e universale sull’uomo, un tema che l’arte non figurativa rappresenta benissimo. 
• Il secondo è stato L’ombra delle lucciole, centrato sull’arte come evento e rapporto, esplorando il concetto di “lucore” (lo spazio tra luce e ombra) e il valore ontologico e intrinseco dell’opera. Su questo uscirà anche un libro. 
• Il terzo, Di polvere le stelle, è stato un percorso immersivo nel buio. Abbiamo oscurato la galleria, solitamente luminosissima, e invitato le persone a sostare per otto minuti per abituare l’occhio. Dei lumini indicavano la strada verso un’installazione chiamata “Lago di stelle”, un pozzo circondato da stelle dove si rifletteva la propria immagine. Le persone si sono commosse; è stato un esercizio di contemplazione, un attendere che l’arte faccia il suo processo. 

Il dialogo con l’architettura e l’arte “infotogenica”

GF: Quanto influenza le scelte espositive l’ex spazio industriale, che è tutto tranne che un white cube? 

EDM: Abbastanza. È un luogo rimasto intatto con i suoi sassi, i pezzi di passato e il legno. Questo spazio così grande non ti dà la libertà di fare qualsiasi cosa, ma va dominato, diventando una sfida per l’artista. In passato, ad esempio, Juan Eugenio Ochoa sviluppò in residenza dei dipinti su seta proprio per dominare e occupare pienamente queste ampiezze. 

GF: C’è molta materia e plasticità nelle opere che scegliete. Qual è l’elemento che ti fa innamorare di un artista? 

EDM: Forse il fattore tempo. Proponiamo sempre opere lente: lente a farsi e lente a vedersi. Si nascondono, sono velate e non hanno mai un “effetto wow” immediato, ma vanno esplorate. Per esempio, Mats Bergquist lavora con strati e strati di gesso e pigmento con la cera, mentre Diego Soldà opera con una stratificazione temporale di tempera. È un’arte che io definisco “infotogenica”: proprio come quando vedi una luna meravigliosa nel cielo e provi a fotografarla col telefono ma non riesci a catturarla, queste opere non riescono a trasferire la loro profondità in foto. Devi viverle. Tendo ad amare molto la plasticità, forse perché vengo da una formazione in scultura e lavoravo in un museo di scultura. 

Il collezionismo riflessivo e il rifiuto della frenesia

GF: In un mondo dell’arte che chiede a gran voce la condivisione social, come risponde il pubblico a questa lentezza e al bisogno di presenza fisica? 

EDM: Credo che un po’ la paghiamo a livello digitale. Finché non c’è un rapporto diretto visivo, si rischia di sottovalutare le opere guardandole da uno schermo. Ma dal vivo ci stiamo ricavando una nicchia consolidata e riconoscibile. Attiriamo collezionisti (anche chi guarda molto all’arte storicizzata) che studiano le opere e viaggiano apposta per venirci a vedere. Curiamo moltissimo il visitatore con un forte apparato di mediazione culturale, aiutati anche dalla collaborazione con il filosofo Alfonso Cariolato, che traduce cataloghi e scrive testi per noi. 

GF: Qual è la tua visione futura per Atipografia e per il lavoro del gallerista? 

EDM: Continueremo a consolidare il nostro manifesto, ad esempio con la prossima mostra che unirà Mats Bergquist alla new entry Angela Glajcar in un progetto legato ai movimenti musicali. Ma soprattutto, ho intenzione di rallentare i ritmi. Corriamo tutti come pazzi in una frenesia totale, perdendo tante cose per strada. Dopo anni di semina, voglio consolidare. Anche se le fiere richiedono ritmi serrati, non voglio più spaventarmi: passerò magari da quattro a tre, o perfino due mostre all’anno, ma accompagnate da cataloghi profondi e ben pensati. Essendo in provincia, è inutile cavalcare i ritmi bulimici della città. Se dedichiamo tempo alle mostre, permettiamo alle persone di tornare e alle opere di radicarsi nella mente, ed è questa la nostra missione culturale. 

Il coraggio della lentezza come atto radicale

In un sistema dell’arte che spinge ossessivamente verso l’accelerazione, la iper-produzione e la viralità visiva a tutti i costi, Atipografia emerge come un prezioso avamposto di resistenza. La decisione di Elena di rallentare i ritmi della programmazione per favorire la contemplazione non è una rinuncia, ma una precisa e orgogliosa presa di posizione intellettuale. Rivendicare l’esistenza di un’arte che non sia solo ‘instagrammabile” significa ridare centralità all’esperienza fisica e allo studio. Un patto di fiducia con collezionisti riflessivi, disposti a viaggiare per lasciarsi interrogare dalla densità della materia e dal primato del pensiero. 

L'articolo L’arte “infotogenica” e il tempo della contemplazione: il manifesto di Atipografia proviene da Collezione da Tiffany.

Il criterio della “specifica attinenza alla storia della cultura in Italia” e i più recenti orientamenti giurisprudenziali

La disciplina dell’esportazione delle opere d’arte di autore straniero ha recentemente conosciuto un’importante evoluzione a seguito dell’entrata in vigore della legge 17 marzo 2026, n. 40 (c.d. “Italia in scena“), che ha modificato l’articolo 68 del Codice dei beni culturali e del paesaggio (d.lgs. 22 gennaio 2004, n. 42, di seguito, il “Codice dei beni culturali”). È stato introdotto uno specifico criterio di valutazione per i beni di provenienza straniera, prevedendo che l’eventuale diniego al rilascio dell’attestato di libera circolazione sia fondato sulla sussistenza di una significativa attinenza dell’opera alla storia della cultura in Italia, elevando tale requisito a presupposto necessario per legittimare l’opposizione all’uscita definitiva dal territorio nazionale di un bene di provenienza straniera.

Non viene, tuttavia, introdotto un criterio del tutto nuovo, ma viene recepito e attribuito espresso rilievo normativo a un principio già presente negli indirizzi di carattere generale contenuti nel D.M. 6 dicembre 2017, n. 537, confermandone la centralità nella valutazione delle domande di esportazione relative alle opere di provenienza straniera.

Su questo quadro normativo si innestano i più recenti orientamenti della giurisprudenza amministrativa, che hanno progressivamente definito il contenuto del requisito della specifica attinenza e i limiti della discrezionalità tecnico-valutativa riconosciuta agli Uffici Esportazione delle Soprintendenze. In particolare, è stato chiarito che il diniego dell’attestato di libera circolazione non può essere fondato solo sull’elevato pregio artistico dell’opera, sulla notorietà internazionale del suo autore o sulla rilevanza del bene nella storia dell’arte universale. L’Amministrazione è invece tenuta a dimostrare, con motivazione puntuale, l’esistenza di uno specifico, concreto e qualificato collegamento tra la singola opera e il patrimonio culturale italiano, tale da rendere la sua uscita definitiva suscettibile di determinare un effettivo depauperamento del patrimonio culturale nazionale.

L’interpretazione del requisito della “specifica attinenza”

Le recenti pronunce del TAR Veneto e del Consiglio di Stato si inseriscono in tale percorso interpretativo, contribuendo a chiarire quando possa ritenersi integrato il requisito della “specifica attinenza” e, conseguentemente, in quali ipotesi lo Stato possa legittimamente negare il rilascio dell’attestato di libera circolazione di un’opera di autore straniero.

Accogliendo il ricorso del proprietario dell’opera, il TAR Veneto con la recente sentenza n. 907/2026 ha ritenuto che il provvedimento di diniego dell’attestato di libera circolazione di un dipinto di Claude Monet non fosse sorretto da un’adeguata motivazione in ordine all’effettiva sussistenza di un collegamento tra il dipinto e il patrimonio culturale italiano. Il Collegio ha ribadito che, con riguardo alle opere di autore straniero, la mera rilevanza artistica dell’autore o il valore universale dell’opera non costituiscono, di per sé, elementi sufficienti a giustificare il diniego dell’attestato di libera circolazione. 

Secondo il TAR Veneto, l’Amministrazione è invece tenuta a dimostrare l’esistenza di uno specifico e qualificato legame tra la singola opera e la storia della cultura italiana, mediante una motivazione puntuale che dia conto delle ragioni per cui la definitiva uscita del bene determinerebbe un effettivo impoverimento del patrimonio culturale nazionale. 

Nel caso di specie, tale dimostrazione è stata ritenuta carente; dalla motivazione del provvedimento non emergevano, infatti, elementi idonei a comprovare un collegamento qualificato dell’opera con il contesto culturale italiano, quali, ad esempio, l’appartenenza a una storica collezione italiana, la documentata rilevanza dell’opera nelle vicende del collezionismo nazionale, una sua particolare presenza nella storia espositiva italiana oppure uno specifico rapporto con lo sviluppo dell’arte italiana. La pronuncia assume particolare rilievo perché conferma che il requisito della specifica attinenza non può essere ricavato in via presuntiva dal prestigio dell’autore o dalla notorietà dell’opera, ma deve essere verificato con riferimento alla singola opera oggetto del procedimento e adeguatamente motivato dall’Amministrazione.

Ulteriori precisazioni in ordine al requisito della “specifica attinenza” provengono dalla sentenza n. 4643/2026 del Consiglio di Stato, relativa a una serie di manufatti francesi del XVI secolo, che da alcuni anni erano entrati in Italia, per i quali l’Ufficio Esportazione aveva negato il rilascio dell’attestato di libera circolazione.

La proprietaria dei beni aveva impugnato il provvedimento di diniego dinanzi al TAR, che aveva accolto il ricorso ritenendo non dimostrata l’esistenza di un significativo collegamento tra i manufatti e il patrimonio culturale italiano. Il Ministero della cultura aveva quindi proposto appello, ma il Consiglio di Stato ha respinto l’appello, confermando la decisione del TAR.

Nel merito, la pronuncia offre importanti chiarimenti interpretativi. In primo luogo, il Consiglio di Stato ha chiarito che non trova fondamento normativo l’affermazione secondo cui la permanenza del bene in Italia per almeno settant’anni costituisca requisito necessario per giustificare il diniego e ha ribadito che l’Amministrazione è comunque tenuta ad accertare e motivare l’esistenza di uno specifico e documentato collegamento tra la singola opera e il patrimonio culturale italiano. Tale collegamento non può essere desunto dal solo fatto che una determinata produzione artistica straniera abbia riscosso, nel corso dei secoli, particolare interesse presso collezionisti italiani o importanti famiglie nobiliari; diversamente opinando, si finirebbe per estendere in maniera eccessivamente ampia il concetto di “specifica attinenza”, con il rischio di assoggettare a tutela un numero indeterminato di opere straniere prive di un’effettiva e qualificata relazione con la storia della cultura italiana.

Anche questa pronuncia conferma, dunque, che la verifica richiesta dall’art. 68 del Codice dei beni culturali deve essere condotta con riferimento alla specifica opera oggetto della richiesta di esportazione e non può fondarsi su valutazioni di carattere generale riferite all’autore, alla scuola artistica di appartenenza o al tradizionale interesse manifestato dal collezionismo italiano verso una determinata produzione straniera.

L'articolo Quando un’opera d’arte straniera può essere trattenuta in Italia? proviene da Collezione da Tiffany.

Con UNLØCK – Decoding Art, Alida Priori costruisce un nuovo modo di leggere le opere: non più separate da epoche o categorie, ma unite da affinità profonde tra arte, design e collezionismo.

Ci sono figure che attraversano il sistema dell’arte seguendo traiettorie prevedibili e altre che preferiscono costruire connessioni dove, apparentemente, non dovrebbero esistere. Alida Priori appartiene decisamente alla seconda categoria.

Curatrice, art advisor e mercante d’arte, Alida Priori si è ritagliata negli ultimi anni uno spazio originale all’interno della scena milanese, sviluppando un approccio che mette continuamente in dialogo moderno, contemporaneo, arte antica e design. Un percorso tutt’altro che lineare, nato tra l’Accademia di Brera, la moda e l’editoria, fino ad approdare a una pratica curatoriale che rifiuta le tradizionali compartimentazioni disciplinari.

Il progetto che sintetizza meglio questa visione è UNLØCK – Decoding Art, piattaforma curatoriale che invita a “decodificare” le opere liberandole dai confini cronologici e stilistici, per far emergere relazioni fondate sulla qualità, sulla ricerca e sulla forza delle idee. Un metodo che trova applicazione tanto nelle mostre dedicate ai maestri del Novecento quanto nei dialoghi con il design contemporaneo, coinvolgendo gallerie e realtà di primo piano e contribuendo a costruire nuove narrazioni per il collezionismo.

In un momento in cui il mercato appare sempre più selettivo e il gusto dei collezionisti si orienta verso raccolte trasversali e culturalmente coerenti, la sua prospettiva offre uno spunto interessante anche per riflettere sul ruolo del curatore e dell’art advisor. Più che limitarsi a selezionare opere, oggi queste figure sono chiamate a costruire contesti, interpretazioni e connessioni capaci di generare valore culturale prima ancora che commerciale.

Per questo abbiamo voluto incontrare Alida Priori. Per capire come si costruisce uno sguardo realmente interdisciplinare, quale futuro attenda il rapporto tra arte e design e perché, forse, le categorie con cui abbiamo letto il collezionismo negli ultimi decenni abbiano ormai bisogno di essere riscritte.

Formazione e traiettoria personale.

Giacomo Nicolella Maschietti: Il tuo percorso professionale si muove tra curatela, art advisory e progetti espositivi che dialogano spesso con il design: quali sono le tappe formative e le esperienze che hanno definito davvero il tuo modo di leggere l’arte oggi? Raccontaci qualche mostra di cui sei particolarmente fiera

Alida Priori: In realtà il mio percorso è stato più circolare che lineare. La mia formazione nasce all’Accademia di Belle Arti di Brera, ma il primo ambito professionale in cui ho imparato a leggere l’estetica, i materiali e la cultura visiva è stato quello della moda. Dopo un’esperienza nell’editoria e gli studi in Fashion Merchandising alla University of the Arts London, ho capito che l’arte non era mai uscita davvero dal mio orizzonte: era il linguaggio a cui, prima o poi, sarei inevitabilmente tornata.

Ho iniziato occupandomi di ultra-contemporaneo, lavorando a stretto contatto con artisti e giovani gallerie. Da lì il mio interesse si è progressivamente ampliato verso il moderno italiano del secondo dopoguerra, dove ho iniziato a operare come art advisor, affascinata dalla straordinaria ricchezza di quella stagione artistica. Solo più recentemente ho intrapreso l’attività di mercante, avvicinandomi all’arte antica e iniziando ad acquistare direttamente le opere. Quest’ultimo passaggio è nato soprattutto dal confronto quotidiano con il mio socio Matteo Lakos, antiquario da oltre vent’anni. Non l’ho vissuto come un cambio di direzione, ma come una naturale evoluzione.

Credo che un’opera vada letta per la sua forza, non per la sua datazione. Un dipinto del Seicento, un’opera del secondo dopoguerra, una ricerca ultra-contemporanea o un oggetto di design possono dialogare tra loro quando condividono la stessa tensione estetica, concettuale o spirituale.

È questa la visione che guida il mio lavoro e che cerco di tradurre in ogni progetto curatoriale.

È questa filosofia che ha dato vita a UNLØCK – Decoding Art, un progetto nato dalla convinzione che le opere acquistino nuovi significati quando vengono liberate dalle tradizionali categorie storiche e messe in relazione attraverso affinità profonde, anziché semplici vicinanze cronologiche.

Ripensando agli ultimi anni, ci sono alcuni progetti che considero particolarmente rappresentativi del mio percorso. La mostra Essere e Tempo, dedicata a Vincenzo Agnetti presso BKV Fine Art, è stata l’occasione per riflettere sul rapporto tra linguaggio, memoria e tempo, offrendo una lettura trasversale del suo pensiero. VANITAS, con sculture neoclassiche e gioielli d’artista, ha esplorato il tema della caducità mettendo in dialogo opere e materiali appartenenti a epoche diverse. La ricerca sviluppata intorno ad Arturo Vermi insieme ai giovani designer di NM3, ospitata da Brun Fine Art, mi ha permesso di indagare il rapporto tra arte e design, mentre MAGMA, la recente mostra di Roberto Aponte alla BABS Art Gallery, ha rappresentato un progetto immersivo in cui materia ceramica e forma concorrevano a costruire un’unica esperienza percettiva.

Credo che oggi il ruolo del curatore non sia semplicemente quello di esporre opere, ma di creare connessioni inedite, capaci di offrire al pubblico nuovi strumenti di lettura e di dimostrare che la storia dell’arte è, prima di tutto, un dialogo continuo tra idee, sensibilità e tempo.

Confine tra arte e design

GNM: Molte tue mostre lavorano su un territorio “ibrido”, dove oggetto, spazio e opera si confondono. Oggi questo confine è ancora produttivo o rischia di diventare una categoria estetica già codificata dal mercato?

AP: Credo che questo confine sia già stato, almeno in parte, codificato dal mercato.

L’espressione collectible design, nata per identificare una specifica ricerca progettuale legata alla produzione in tiratura limitata o in pezzi unici, oggi viene spesso utilizzata in modo indiscriminato. È diventata quasi un’etichetta di tendenza, applicata con troppa facilità a oggetti molto diversi tra loro, generando non poca confusione, soprattutto per chi si avvicina al collezionismo.

Il rischio è quello di sovrapporre due mondi che, pur dialogando continuamente, rimangono distinti. Arte e design condividono sensibilità, ricerca e linguaggi, ma nascono da presupposti diversi e rispondono a logiche differenti. Anche quando ci troviamo di fronte a un pezzo unico o a un’edizione estremamente limitata, non credo sia corretto assimilare automaticamente il design all’arte. Il valore culturale di un progetto non dipende dalla sua unicità, ma dalla natura della ricerca che lo ha generato.

Per questo, più che chiedermi dove finisca il design e dove inizi l’arte, mi interessa capire quale dialogo possa nascere tra le opere. È il principio che guida anche il lavoro di UNLØCK – Decoding Art. Non costruisco mostre partendo dalle categorie, ma dalle relazioni. Se un mobile di Gio Ponti, una scultura neoclassica e un’opera contemporanea riescono a rafforzarsi reciprocamente, allora il progetto curatoriale funziona.

Il design, per me, non è un’estensione del mercato dell’arte, né un suo sottogenere. È una disciplina autonoma, con una propria storia, una propria cultura e propri criteri di lettura. Proprio per questo il dialogo con l’arte diventa interessante: non perché le due realtà si confondano, ma perché, rimanendo profondamente diverse, riescono ad arricchirsi a vicenda.

Stato di salute del mercato

GNM: Guardando al 2026, che tipo di mercato stai vedendo da dentro: più selettivo, più speculativo o finalmente più maturo? E quali segmenti mostrano maggiore solidità?

AP: Direi che il mercato oggi è decisamente più selettivo, ed è un cambiamento che considero positivo, anche se rende il lavoro di noi mercanti molto più complesso.

Negli ultimi anni abbiamo assistito a una fase estremamente veloce, in cui la componente speculativa ha spesso prevalso sulla qualità della ricerca artistica. Oggi, invece, percepisco un ritorno a un collezionismo più consapevole: chi acquista studia di più, verifica le provenienze, approfondisce la bibliografia, valuta la rarità delle opere e la coerenza del percorso degli artisti. 

È un mercato meno impulsivo e più esigente, che richiede maggiore competenza da parte di tutti gli operatori. Questo non significa che la speculazione sia scomparsa. Esistono ancora autori del moderno le cui quotazioni sono sostenute da dinamiche di mercato che, a mio avviso, non sempre riflettono il loro reale peso storico-critico. Ma il mercato, per sua natura, vive anche di cicli, aspettative e investimenti: è una componente fisiologica del sistema, che va distinta dal collezionismo nel suo significato più autentico.

Continuo a vedere una notevole solidità nel moderno italiano, soprattutto negli artisti ormai pienamente storicizzati, così come nel design italiano del dopoguerra.

Anche il contemporaneo conserva un enorme potenziale, ma credo stia attraversando una necessaria fase di selezione. Alla lunga rimarranno gli artisti che hanno costruito una ricerca solida e coerente, non quelli che hanno beneficiato esclusivamente della velocità del mercato o dell’entusiasmo di una stagione.

Alla fine, il mercato può seguire le proprie logiche ma il tempo continua a essere il miglior critico. 

Giovani vs establishment

GNM: Nel dialogo tra artisti emergenti e nomi storicizzati, dove vedi oggi il vero valore? Ci sono tre giovani artisti o designer su cui stai puntando concretamente e che ritieni sottovalutati dal mercato?

AP: Credo che il vero valore nasca quando esiste una ricerca autentica e coerente nel tempo.

Non è una questione di età né di notorietà.

È interessante lavorare con artisti viventi, permette di costruire un dialogo diretto e costruire insieme i progetti espositivi ma allo stesso tempo continuo a pensare che gli artisti storicizzati abbiano ancora molto da raccontare, soprattutto quando vengono riletti con strumenti contemporanei.

Più che indicare tre nomi, preferisco parlare di metodo. Cerco artisti che abbiano una necessità espressiva prima ancora che una strategia di mercato. È una differenza che, nel lungo periodo, il collezionismo più attento riesce sempre a riconoscere.

Collezionismo e gusto italiano

GNM:Il collezionismo italiano è ancora legato a un gusto “classico” o sta davvero cambiando? Che tipo di collezionista incontri più spesso oggi e cosa sta cercando davvero quando compra arte o design?

AP: Negli ultimi anni il collezionismo italiano ha attraversato una profonda evoluzione, passando da un approccio prevalentemente legato alla tradizione e al rapporto di fiducia con galleristi e antiquari a una maggiore consapevolezza e selettività. Oggi i collezionisti acquistano meno, ma con maggiore attenzione alla qualità, alla provenienza e alla rilevanza storico-artistica delle opere.

Vedo categorie meno rigide rispetto al passato e sempre più collezioni che raccontano una visione personale privilegiando raccolte coerenti e trasversali che mettono in dialogo antico, moderno, contemporaneo e design. Il valore dell’opera non risiede più soltanto nel suo potenziale economico, ma nella sua capacità di raccontare una storia e di inserirsi in un progetto collezionistico di lungo periodo. 

È un approccio che condivido molto, perché restituisce al collezionismo una dimensione più libera, costruita sulla qualità e sulle relazioni tra le opere piuttosto che sulle etichette.

Il collezionista che incontro oggi cerca certamente un investimento, ma cerca anche contesto, qualità e coerenza. Vuole capire perché un’opera è importante, quale storia racconta e quale ruolo può avere all’interno della propria collezione. Credo che le raccolte più interessanti siano proprio quelle che nascono da una visione culturale prima ancora che da una logica di mercato.

L'articolo Alida Priori: Teoria ibrida proviene da Collezione da Tiffany.

Dalla Costa Smeralda a Cortina, passando per Forte dei Marmi, Portofino e il Lago di Como, il segmento residenziale di alta gamma continua a crescere. Non bastano più una villa esclusiva o una vista spettacolare: oggi il valore si costruisce attraverso lifestyle, arte e consulenza altamente specializzata. In questo scenario Jarvés inaugura la sua nuova boutique agency a Porto Cervo.

Per lungo tempo il lusso immobiliare è stato raccontato quasi esclusivamente attraverso numeri, metrature e indirizzi prestigiosi. Oggi non è più così. L’abitazione di alta gamma è diventata un’esperienza complessa, capace di intrecciare architettura, design, collezionismo, servizi personalizzati e qualità del territorio. Chi investe in una proprietà di pregio non acquista soltanto una casa, ma uno stile di vita, una comunità, una storia e, sempre più spesso, un patrimonio culturale.

Non è un caso che molte delle residenze più esclusive italiane siano ormai progettate come autentici contenitori di arte. Collezioni private, opere site specific, arredi d’autore, pezzi di design storico e artigianato d’eccellenza contribuiscono a definire il carattere di ville e appartamenti che diventano vere estensioni della personalità dei proprietari. L’abitare di lusso dialoga così con il collezionismo e con la cultura, trasformando la casa in uno spazio da vivere ma anche da raccontare.

Anche la geografia del mercato conferma questa evoluzione. Se Milano e Roma continuano a rappresentare punti di riferimento internazionali, il desiderio di esclusività guarda sempre più ai grandi paesaggi italiani. La Costa Smeralda rimane una delle destinazioni simbolo del mercato prime europeo, con ville fronte mare che possono raggiungere quotazioni comprese tra 28.000 e oltre 35.000 euro al metro quadrato, con punte ancora superiori per le proprietà più iconiche.

Accanto alla Sardegna, Forte dei Marmi continua a rappresentare uno dei mercati più solidi e richiesti del Paese, con valori medi superiori agli 11.000 euro al metro quadrato nelle zone più prestigiose e quotazioni ancora più elevate a Roma Imperiale. Cortina d’Ampezzo consolida il proprio ruolo di capitale dell’abitare alpino di lusso, mentre Portofino, Santa Margherita Ligure, il Lago di Como, Capri e la Costiera Amalfitana continuano ad attrarre una clientela internazionale alla ricerca di proprietà uniche. Non è soltanto una questione di panorama: queste destinazioni offrono un ecosistema fatto di cultura, enogastronomia, servizi, nautica, sport e privacy, elementi che incidono ormai quanto l’immobile stesso.

In questo scenario si è evoluto anche il ruolo dell’intermediazione. Se un tempo il broker era principalmente un mediatore, oggi è sempre più un consulente patrimoniale capace di accompagnare il cliente nella costruzione di un progetto di vita. Per questo motivo il segmento premium vede competere operatori sempre più specializzati, dalle grandi reti internazionali come Sotheby’s International Realty ed Engel & Völkers fino a realtà italiane altamente focalizzate sul mercato del pregio come Barnes, Italy Sotheby’s International Realty, Santandrea Luxury Houses, Wannenes Properties e numerose boutique agency territoriali, capaci di offrire una conoscenza profonda delle singole destinazioni e un rapporto estremamente personalizzato con la clientela.

È proprio in questo contesto che si inserisce l’espansione di Jarvés,società milanese attiva nel luxury real estate, che annuncia l’apertura della propria boutique agency a Porto Cervo, in Piazzetta degli Archi 6. La nuova sede rappresenterà il flagship del marchio in Costa Smeralda e nasce con l’obiettivo di offrire un punto di riferimento dedicato a una clientela internazionale alla ricerca di immobili esclusivi.

“Jarvés ha fatto il proprio ingresso nel settore dell’intermediazione immobiliare di lusso grazie alla sinergia con il Gruppo Tecnocasa e alla specializzazione di Roseto nel comparto delle locazioni di prestigio”, spiega l’amministratore delegato Francesco Montesanti. Una collaborazione che punta a offrire non semplicemente immobili di valore, ma esperienze abitative costruite intorno alle aspettative di una clientela sempre più esigente.

Professionalità, riservatezza e consulenza su misura sono i principi sui quali Jarvés intende costruire la propria presenza in uno dei mercati più competitivi d’Europa. Perché oggi il lusso immobiliare non consiste soltanto nel trovare la casa perfetta, ma nel saper interpretare un nuovo modo di abitare, nel quale bellezza, territorio e qualità della vita diventano parte integrante del valore dell’investimento.

L'articolo L’abitare come esperienza: il lusso immobiliare italiano punta su cultura, territorio e servizi su misura proviene da Collezione da Tiffany.