In occasione della Milano Art Week 2026, la città accoglie uno dei progetti più intensi e politicamente significativi della stagione artistica: la riattivazione di Omaggio all’America Latina (1971), opera monumentale di Alik Cavaliere e Emilio Scanavino, presentata alla Fondazione Emilio Scanavino dal 14 aprile al 14 giugno 2026.

Al centro dell’iniziativa – promossa insieme al Centro Artistico Alik Cavaliere e in collaborazione con Prometeogallery – si colloca la performance site-specific Homage to Latin America – Veiling dell’artista guatemalteca Regina José Galindo, in programma il 14 aprile alle ore 17.00. Un intervento che non accompagna semplicemente l’opera storica, ma la riattiva, trasformandola in un dispositivo critico sul presente.

Un’opera nata nel conflitto

Realizzata per l’XI Biennale di San Paolo del 1971, in piena dittatura militare brasiliana, Omaggio all’America Latina si configura come un monumento civile radicale. La struttura – una grande parete suddivisa in 156 riquadri – riporta i nomi dei martiri per la libertà del continente latinoamericano.

Le superfici pittoriche di Scanavino, segnate da tensioni e nodi grafici, dialogano con i celebri grovigli bronzei di Cavaliere: forme organiche che emergono nello spazio come presenze vive, evocando una natura ferita ma resistente. L’opera rifiuta ogni retorica celebrativa e si impone come atto di responsabilità: nominare la violenza della storia.

Questa presa di posizione costò cara. L’opera venne infatti censurata prima ancora dell’inaugurazione: ritirata, esclusa dal catalogo ufficiale e silenziata dalle istituzioni italiane. Un episodio emblematico che segnò profondamente il rapporto tra arte e potere nel secondo dopoguerra.

Dalla censura alla riattivazione

A oltre cinquant’anni di distanza, il progetto milanese non si limita a riproporre l’opera come documento storico, ma la restituisce come presenza attiva. La mostra ricostruisce la vicenda critica e politica del lavoro, mentre la performance di Regina José Galindo ne rappresenta il fulcro concettuale.

Galindo, tra le voci più radicali dell’arte contemporanea internazionale, interviene senza mediazioni interpretative: il suo corpo attraversa l’opera, riattivandone le tensioni. Se Cavaliere e Scanavino avevano trasformato la superficie in un campo di ferite simboliche, l’artista guatemalteca trasferisce quelle ferite nel presente.

Le migrazioni, le disuguaglianze e le violenze politiche che segnano ancora oggi il continente latinoamericano trovano così un punto di contatto con i nomi incisi nel 1971. Il monumento diventa spazio vivo, attraversato nuovamente dalla storia.

Un dialogo tra generazioni

L’incontro tra Cavaliere, Scanavino e Galindo costruisce un dialogo curatoriale che attraversa epoche e linguaggi, ma si fonda su una comune urgenza etica. Nel 1971 l’opera fu definita “extra-artistica” per il suo contenuto politico; oggi, la pratica performativa riafferma il diritto dell’arte di prendere posizione senza rinunciare alla complessità formale.

La mostra si inserisce in un contesto globale segnato da nuove fratture geopolitiche, offrendo una riflessione sul ruolo dell’arte come strumento di memoria e resistenza.

Omaggio all’America Latina
Alik Cavaliere, Emilio Scanavino
14 aprile – 14 giugno 2026

Performance: Regina José Galindo, Homage to Latin America – Veiling
Data performance: 14 aprile 2026, ore 17.00
Fondazione Emilio Scanavino

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Al CAMeC – Centro d’Arte Moderna e Contemporanea prende forma una riflessione sul destino del Romanticismo nell’arte di oggi. La mostra “Ripensando il Romanticismo nell’arte contemporanea”, curata da Elena Volpato, non è un’operazione nostalgica, ma un’indagine su una sensibilità che continua a parlare al presente.

Durante la conferenza stampa del 10 aprile è emersa con chiarezza una parola chiave: cambiamento. Un tema già centrale nel Romanticismo, oggi riletto alla luce di una contemporaneità segnata da crisi diffuse. Il rapporto tra uomo e natura torna così al centro, non come tema storico ma come nodo attuale. Come ha sottolineato Giacomo Bei, la mostra offre uno spazio per fermarsi e riflettere, invitando il visitatore a esercitare uno sguardo più consapevole: una forma di resistenza culturale.

Un dialogo tra secoli

Il progetto mette in relazione tre pilastri della pittura ottocentesca, Caspar David Friedrich, John Constable e J.M.W. Turner, con le ricerche di sette artisti contemporanei: Giovanni Anselmo, Massimo Bartolini, Ian Kiaer, David Schutter, Linda Fregni Nagler, Pesce Khete e Michele Tocca.

L’esposizione si sviluppa come un percorso che attraversa tre direttrici fondamentali: la tensione verso l’ignoto, il naturalismo e la dimensione interiore del paesaggio. In questo senso, il Romanticismo non è una categoria storica chiusa, ma un linguaggio ancora capace di influenzare le pratiche artistiche di oggi.

Friedrich e il sentimento dell’infinito

La prima parte della mostra si ispira alla poetica di Friedrich, centrata sul rapporto tra individuo e cosmo. Le opere di Anselmo, Fregni Nagler, Kiaer e Bartolini traducono questa tensione attraverso installazioni, archivi fotografici e strutture fragili che mettono in dubbio la stabilità del reale.

Qui il paesaggio non è una semplice rappresentazione, ma una soglia: uno spazio in cui chi guarda deve confrontarsi con ciò che non conosce, prendendo consapevolezza del proprio limite di fronte a ciò che è immenso.

Constable e la verità del reale

La seconda linea di ricerca parte invece dalla lezione di Constable, reinterpretata attraverso una pittura che cerca l’immediatezza e l’aderenza al dato naturale. Michele Tocca recupera la tradizione del lavoro all’aperto, trasformandola in un esercizio di attenzione radicale: dipingere diventa un modo per abitare davvero il tempo e lo spazio.

Parallelamente, David Schutter usa la pittura come strumento critico. Partendo da opere storiche come The Grove, l’artista analizza i legami tra paesaggio e storia, interrogando il nostro modo occidentale di vedere il mondo.

Turner e il paesaggio interiore

L’ultima sezione trova il suo riferimento in Turner, dove il paesaggio si dissolve in pura energia. Nelle opere di Pesce Khete, colore e segno diventano elementi autonomi, capaci di generare spazi mentali più che fisici. Il risultato è una pittura dinamica e stratificata, che trasforma l’emozione in materia. Qui il Romanticismo si manifesta come un’immersione totale nel flusso dell’esperienza visiva.

Una tensione ancora viva

Come sottolinea la curatrice Elena Volpato, la mostra nasce da una domanda tanto semplice quanto radicale: perché un artista contemporaneo dovrebbe oggi accostarsi a un romantico? La risposta non risiede in una citazione stilistica, ma in una qualità percettiva e vitale dell’opera. Richiamando le parole di Francesco Arcangeli, Volpato evidenzia come un’opera possa apparire formalmente compiuta ma risultare distante se priva di quella “vibrazione” profonda che eccede la misura.

Il percorso espositivo, frutto di anni di incontri con artisti e processi, non si configura dunque come una ricerca programmatica di presenze romantiche, ma come una constatazione: un’emersione spontanea di affinità, maturata nel tempo. In questo senso, la mostra si presenta anche come un omaggio al luogo che la ospita.

Come ha ricordato il sindaco Pierluigi Peracchini, La Spezia rappresenta storicamente un punto di passaggio tra Nord Europa e Mediterraneo, una soglia geografica e simbolica. Il Golfo dei Poeti, luogo di ispirazione per artisti e scrittori, diventa qui metafora di una sospensione nello spazio e nel tempo, un invito a “guardare oltre”, proprio come accadeva per i romantici.

In un presente segnato da condizioni percepite come difficili, tragiche e al contempo superficiali, gli artisti sembrano rivendicare un tempo di attenzione: una pratica che si configura quasi come gesto rivoluzionario. L’arte, in questo contesto, non offre soluzioni ma apre spazi di consapevolezza, opponendo alla velocità e alla dispersione una forma di resistenza sensibile.

Ripensando il Romanticismo nell’arte contemporanea
CAMeC, Piazza Cesare Battisti 1, La Spezia
11 aprile – 13 settembre 2026

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Capitolium Art il 15 aprile, dalle ore 16, inaugura una nuova vendita dedicata all’arte moderna e contemporanea con l’asta Selected, un catalogo di 64 lotti che si distingue per qualità e rigore curatoriale, riunendo opere iconiche del Novecento italiano e internazionale. 

Tra i lotti di apertura spicca Giorgio De Chirico con “Vita silente di frutta su un tavolo” (lotto 4, stima €18.000–22.000), esempio della sua produzione più tarda, in cui la natura morta si carica di una dimensione sospesa e metafisica.

Cuore della vendita è il lotto 15, “Primo maggio a Mosca” di Giulio Turcato (stima €80.000–120.000), opera chiave dell’astrattismo italiano del dopoguerra. Presentata alla Biennale di Venezia del 1952, segna un passaggio fondamentale verso una pittura libera da vincoli figurativi, dove segno e colore si espandono in una dimensione dinamica e lirica.

Proseguendo segnaliamo, “Nero e rosso” di Carla Accardi (lotto 26, stima €20.000–25.000) testimonia la forza segnica e la ricerca visiva dell’artista, mentre il lotto 29 presenta “Eis” di Gerhard Richter (stima €40.000–50.000), raro esemplare unico di libro d’artista con intervento diretto dell’autore.

Chiude la selezione “Forbici” di Mimmo Rotella (lotto 42, stima €12.000–16.000), in cui il décollage diventa strumento di rilettura critica dell’immagine contemporanea.

Un’asta che conferma l’attenzione del mercato verso opere storicizzate e di qualità, offrendo opportunità di collezionismo consapevole e mirato.

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Più che un semplice debutto internazionale, quello di Paris Internationale a Milano segna un test: può un formato curatoriale e anti-gerarchico reggere l’urto di una delle settimane più sature del calendario globale? Dal 18 al 21 aprile 2026 (preview il 17), la fiera fondata a Parigi nel 2015 arriva a Palazzo Galbani, nel pieno della sovrapposizione tra Art Week e Design Week, portando con sé un modello che rifiuta la standardizzazione delle grandi piattaforme.

Tra ricerca e mercato: una selezione senza gerarchie

Le 34 gallerie partecipanti riflettono la natura ibrida della fiera: una compresenza calibrata di spazi emergenti e realtà consolidate, senza compartimentazioni. Accanto a nomi ricorrenti come Ciaccia Levi, Crèvecœur, Gregor Staiger e Veda, compaiono ingressi rilevanti come kaufmann repetto, Lia Rumma, Franco Noero e Jocelyn Wolff.

Più che sull’accumulo, Paris Internationale insiste su un principio di riduzione: meno artisti, più contesto. Le presentazioni — spesso monografiche o costruite come dialoghi a due — puntano a restituire densità curatoriale in un contesto fieristico. Tra i progetti più attesi, le opere di Leonora Carrington (Galerie 1900–2000), il confronto tra Gaetano Pesce e Giovanni De Francesco (Luisa Delle Piane) e l’intervento di scala museale di Nick Mauss da Emanuela Campoli.

Una direzione che intercetta una tendenza più ampia: negli ultimi anni, sempre più operatori stanno cercando di ridurre il “rumore” fieristico a favore di formati più leggibili e sostenibili sul piano critico.

Palazzo Galbani e la costruzione di uno spazio “non fieristico”

La scelta di Palazzo Galbani non è solo scenografica. L’edificio modernista progettato dai fratelli Soncini con l’ingegneria di Pier Luigi Nervi offre condizioni spaziali che mettono in crisi il modello standard dello stand.

L’allestimento, sviluppato da Christ & Gantenbein con NM3, evita volutamente il white cube chiuso: un sistema modulare autoportante, riutilizzabile, costruisce un percorso più simile a una sequenza urbana che a una griglia commerciale. Il risultato è una fruizione meno lineare, dove orientamento e scoperta sostituiscono la logica dello stand come unità autonoma.

Milano come campo di prova

La scelta di Milano non è neutra. In un ecosistema dove arte, design, architettura e industria convivono con una densità rara, Paris Internationale trova un contesto potenzialmente affine — ma anche altamente competitivo.

Nel pieno di una settimana dominata da grandi piattaforme e flussi internazionali, la fiera si posiziona come alternativa a modelli consolidati come Art Basel o Frieze London, puntando su scala ridotta, accesso gratuito e un’impostazione non-profit. Il supporto di Banca Ifis, attraverso il brand Ifis art, segnala inoltre un interesse crescente da parte del sistema finanziario verso format culturali meno orientati alla pura transazione.

Un modello sostenibile?

A dieci anni dalla fondazione, Paris Internationale continua a proporsi come una “anti-fiera”: più lenta, più concentrata, più attenta alla relazione tra artisti, gallerie e pubblico. Resta però una domanda aperta: quanto a lungo questo equilibrio può reggere una volta inserito stabilmente nei circuiti ad alta intensità del mercato globale?

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Nel panorama in rapida evoluzione del mercato dell’arte e della conservazione del patrimonio culturale, un nuovo attore tecnologico si affaccia con un progetto dirompente che coniuga dati, intelligenza artificiale e tutela delle opere d’arte. Si tratta di QuantumSpace, data company fondata nel 2023 a New York da un team tutto italiano e specializzata nello sviluppo di infrastrutture avanzate per l’analisi dei dati visivi applicati alle opere d’arte e ai beni culturali.

A partire da marzo 2026, QuantumSpace ha annunciato la sua prima partnership ufficiale in Italia, affidando a Deodato.Gallery SpA la distribuzione esclusiva della propria tecnologia sul territorio nazionale. L’obiettivo dichiarato è ambizioso: offrire al mercato italiano strumenti di diagnosticazione e monitoraggio capaci di integrare analisi scientifiche non invasive con metodologie di conservazione e valorizzazione del patrimonio.

Al centro della proposta tecnologica di QuantumSpace c’è una piattaforma basata su intelligenza artificiale e database visivi capaci di individuare dettagli invisibili a occhio nudo — come micro-alterazioni, pattern di degrado, stratificazioni materiali o tracce di interventi pregressi — e di tradurli in dati strutturati, certi e misurabili. Questi dati generano report di analisi utili alle attività di storici dell’arte, restauratori, istituzioni culturali e collezionisti, supportando decisioni tecniche su interventi di conservazione, strategie di restauro e valutazioni assicurative.

Uno degli aspetti più innovativi della tecnologia proposta è la possibilità di eseguire l’analisi attraverso semplici fotografie dell’opera, eliminando la necessità di contatto fisico con il manufatto e riducendo così il rischio di danni legati a interventi ripetuti e invasivi. Un primo caso concreto di applicazione riguarda lo studio dell’Apollo di Palazzo Ducale a Mantova, una statua in marmo di epoca imperiale. Grazie all’elaborazione algoritmica di immagini fotografiche, QuantumSpace ha analizzato lo stato di conservazione dell’opera, evidenziando con precisione le modifiche stratificatesi nel tempo e delineando potenziali piani di intervento.

La tecnologia consente inoltre di creare sistemi evoluti di catalogazione e archiviazione intelligente, abilitando strumenti comparativi e predittivi per monitorare nel tempo l’evoluzione dello stato di conservazione delle opere, con potenzialità che vanno ben oltre una semplice digitalizzazione. In prospettiva, questi sistemi potranno servire come basi scientifiche affidabili per decisioni sul prestito, l’assicurazione o l’esposizione delle opere nei diversi contesti espositivi e istituzionali.

L’approccio di QuantumSpace non vuole sostituire l’esperienza dei restauratori o degli storici dell’arte, ma rafforzarla con un alleato tecnologico capace di aggiungere trasparenza, tracciabilità e precisione. Nel dialogo tra tecnologia e patrimonio culturale, progetti come quello di QuantumSpace inaugurano una fase in cui l’analisi basata sui dati e l’intelligenza artificiale non sono più strumenti di nicchia, ma diventano parte integrante dei processi di tutela e gestione dei beni artistici. Per collezionisti, musei e istituzioni, si apre così un nuovo capitolo in cui la conservazione preventiva, l’accessibilità delle informazioni e la definizione di standard scientifici diventano leve strategiche per il futuro del patrimonio culturale.

Il progetto QuantumSpace si presenta come un punto d’incontro tra tecnologia avanzata e patrimonio culturale: come nasce l’idea e quale problema concreto del settore dei beni culturali intende affrontare? 

QuantumSpace nasce da una domanda tanto semplice quanto profonda: quanto conosciamo davvero un’opera d’arte, oltre ciò che l’occhio può cogliere? Nel mondo dei beni culturali, molte informazioni fondamentali restano frammentate, difficili da leggere e condividere, lasciando studiosi, collezionisti e istituzioni con una conoscenza lacunosa e spesso inaffidabile. 

L’idea di QuantumSpace è far emergere ciò che normalmente rimane invisibile: trasformare l’immagine in uno strumento di lettura, analisi e conoscenza. A partire da una fotografia professionale, la piattaforma rileva elementi materici e dettagli nascosti, costruendo una base informativa determinante per lo studio, la certificazione, il monitoraggio e la conservazione dell’opera. 

La tecnologia è pensata per essere scalabile e accessibile economicamente, dalle piccole fondazioni ai grandi musei internazionali. Grazie alla possibilità di correlare dati tra opere e collezioni diverse e alla rapidità e qualità delle informazioni prodotte, ogni analisi si trasforma in conoscenza concreta e immediatamente utilizzabile. 

QuantumSpace non sostituisce lo sguardo umano, ma lo affianca. 

Lavora in dialogo con curatori, esperti e professionisti, rendendo l’analisi più solida, oggettiva e consapevole. In un ambito in cui incertezza, attribuzione e autenticità sono temi cruciali, questo significa ridefinire gli strumenti con cui comprendiamo e proteggiamo il patrimonio culturale. 

Negli ultimi anni la tecnologia sta entrando sempre più nei musei e nei processi di conservazione: in cosa la vostra proposta si distingue dalle altre applicazioni digitali già esistenti nel campo del patrimonio?

I musei hanno già compreso l’importanza della tecnologia applicata al patrimonio culturale. La vera sfida non è digitalizzare, ma farlo in modo scalabile, sistematico e applicabile a ogni singola opera, indipendentemente dalla sua natura, dal supporto o dalla storia. 

Ed è proprio questo che QuantumSpace rende possibile. 

QuantumSpace non si limita a digitalizzare le opere o a renderle visibili online. Ogni immagine diventa una fonte di dati strutturata e interrogabile, capace di far emergere microfessure, pigmenti nascosti, stratificazioni materiche e altri dettagli invisibili all’occhio umano, senza alcun contatto fisico. 

Le informazioni confluiscono in database operativi e interoperabili, costruendo un’infrastruttura concreta per monitorare lo stato conservativo delle opere, guidare gli interventi di restauro e supportare decisioni strategiche basate su dati oggettivi. 

Quali sono gli utilizzi più concreti di questa tecnologia per musei, collezionisti e istituzioni culturali? Possiamo immaginare applicazioni nella diagnostica, nella conservazione o anche nella valorizzazione e nella fruizione delle opere?

Gli ambiti di applicazione sono molteplici e concreti. Sul fronte della conservazione e della diagnostica, la tecnologia permette di monitorare lo stato delle opere nel tempo in modo completamente non invasivo, restituendo dati oggettivi e verificabili. Consente di leggere con maggiore precisione la struttura materiale dell’opera, il suo “DNA”, facendo emergere informazioni che in passato richiedevano analisi invasive o laboratori altamente specializzati. 

Per collezionisti e fondazioni, questi strumenti offrono un supporto prezioso nei processi di certificazione e ricostruzione della provenienza, contribuendo a creare una “memoria digitale” affidabile e a tutelare il valore economico e culturale delle opere. 

Anche sul piano della fruizione e della valorizzazione, QuantumSpace apre prospettive nuove: l’analisi dei dati visivi rende accessibile ciò che normalmente resta invisibile, trasformando il rapporto con l’arte in qualcosa di più profondo e irreversibile. Proprio per tradurre queste possibilità in applicazioni concrete, è già in corso un progetto pensato per portare questa tecnologia nei musei italiani, contribuendo a definire nuovi standard per lo studio, la conservazione e una fruizione dell’arte più accessibile e partecipata. 

Guardando ai prossimi anni, pensa che strumenti come quelli sviluppati da QuantumSpacepossano cambiare il modo in cui studiamo e gestiamo il patrimonio culturale, o addirittura il rapporto tra pubblico e opere d’arte?

Siamo convinti che questo sia solo l’inizio. Strumenti come i nostri permettono a collezionisti, musei e istituzioni di comprendere, monitorare e valorizzare le opere in modi che fino a ieri non esistevano, ed è proprio in questa direzione che vogliamo mettere la nostra tecnologia al servizio della tutela culturale. 

QuantumSpace contribuisce a un cambiamento di paradigma, in cui le immagini non sono più soltanto qualcosa da osservare, ma strumenti per conoscere, interpretare e analizzare la realtà. Nei prossimi anni, chi custodisce patrimoni culturali potrà contare su una conoscenza dell’opera più continua, oggettiva e approfondita, finora accessibile solo in casi limitati. 

Questo apre nuove possibilità: non solo conservare o amministrare il patrimonio, ma comprenderlo a fondo, valorizzarlo consapevolmente e creare connessioni tra opere, contesti e storia culturale. 

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Una nuova piattaforma dedicata ai nuovi media inaugura con una mostra che esplora il rapporto tra corpo, tecnologia e vita digitale

A Mestre nasce CIRCUIT, un nuovo spazio dedicato alla ricerca tra arte contemporanea e nuovi media, che inaugura la propria sede con SUNBURN, mostra personale di Federica Di Pietrantonio, visitabile dall’11 aprile al 30 maggio 2026.

Il progetto espositivo, a cura di Laura Cocciolillo, presenta nove opere che attraversano pittura, video e installazione, offrendo uno sguardo articolato sulla pratica dell’artista romana. Al centro della mostra c’è il rapporto tra corpo umano e dimensione digitale: non come semplice tema, ma come condizione quotidiana che influenza percezioni, comportamenti e identità.

Il titolo SUNBURN richiama una condizione ambivalente: da un lato l’esposizione, dall’altro la vulnerabilità. È una metafora efficace della vita contemporanea, costantemente immersa in schermi e ambienti virtuali che, se da un lato connettono, dall’altro consumano e isolano. In questo senso, la mostra si muove tra stati di sospensione e tensione, indagando fenomeni legati a comunità digitali e forme di esistenza parallela, come il ritiro sociale o le economie virtuali.

Il percorso espositivo si sviluppa tra i due spazi di CIRCUIT, mettendo in dialogo esperienze sensoriali e narrative: installazioni che traducono processi informatici in linguaggi corporei, lavori che esplorano il confine tra reale e virtuale, fino a un ambiente immersivo che intreccia immaginario videoludico e dinamiche produttive invisibili.

Con questa apertura, CIRCUIT si propone non solo come spazio espositivo, ma come piattaforma culturale più ampia, capace di attivare riflessioni critiche sul presente digitale attraverso mostre, editoria e formazione.

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Il mercato londinese si prepara a un nuovo banco di prova con la Modern & Contemporary Art Sale di Phillips, in calendario il 16 aprile 2026. La maison di Berkeley Square presenta un catalogo costruito su nomi “blue-chip” e su una selezione curatoriale mirata, guidato da due protagonisti del mercato globale: Gerhard Richter e Banksy.

Il dialogo tra astrazione e sovversione

A guidare la vendita è Green-Blue-Red (1993) di Richter, stimato tra le 200.000 e le 300.000 sterline. L’opera si inserisce nel filone degli Abstraktes Bild, segmento solido e liquido del mercato, particolarmente appetibile per collezionisti in cerca di qualità museale su fasce di prezzo intermedie.

Su un registro opposto si colloca Picasso (2009) di Banksy, rara scultura in marmo, su piedistallo ligneo. La presenza di opere scultoree di Banksy sul mercato secondario resta episodica, elemento che contribuisce ad alimentarne l’attenzione collezionistica.

Oltre i grandi nomi: Brasile e scena internazionale

Phillips rafforza l’attenzione verso pratiche storicizzate in fase di rivalutazione critica. Spicca Cildo Meireles con Desaparecimentos (1982), lavoro che riflette sull’eredità della dittatura militare brasiliana attraverso una grammatica concettuale e politica.

Rilevante anche la presenza di Lygia Pape, figura centrale del Neo-Concretismo, con Book of Night and Day I (1963–1976), stimato 120.000–180.000 sterline. Il lotto conferma il crescente interesse del mercato anglosassone per il modernismo sudamericano.

Il catalogo include inoltre una selezione eterogenea di artisti internazionali, tra cui Bernard Buffet, Tracey Emin, Andrew Cranston, Richard Long e Emily Kam Kngwarray. Da segnalare il debutto in asta di Jemima Murphy, indicativo dell’attenzione verso profili emergenti.

ULTIMATE: fotografia e nuove produzioni

ULTIMATE si conferma piattaforma strategica per opere uniche e sperimentali. In questa sezione la fotografia assume un peso centrale, con due autoritratti del 1980 di Robert Mapplethorpe e lavori di Irving Penn, a conferma della tenuta del segmento fotografico di fascia alta.

La sezione include anche tre debutti globali con opere realizzate nel 2026, firmate da Mika Ninagawa, John Noestheden e Anna Deller-Yee, rafforzando il dialogo tra mercato primario e secondario.

Prospettive di mercato

La vendita si inserisce in una fase di assestamento del contemporaneo dopo recenti oscillazioni. La scelta di puntare su artisti consolidati con stime accessibili suggerisce un approccio prudente ma orientato a sostenere la domanda.

La preview pubblica sarà aperta dal 9 al 16 aprile presso la sede di Berkeley Square, offrendo un indicatore concreto della risposta del collezionismo internazionale.

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La prossima asta Catawiki Great Masters from Modern to Contemporary Art (dal 10 al 20 aprile) si articola in quattro dipartimenti che riflettono un’impostazione chiara: costruire un percorso attraverso linguaggi e generazioni, senza forzature, ma con attenzione alla qualità delle opere selezionate.

Grafica: visioni su carta

Nel dipartimento curato da Silvia Possanza, la selezione mette in dialogo immaginari molto diversi. La serie completa Vecchia Auto (1968) di Dino Buzzati colpisce per la costruzione quasi narrativa delle quattro immagini. Non si tratta di variazioni decorative, ma di un vero montaggio visivo: dettagli ingranditi, prospettive distorte e frammenti di figura umana si alternano all’automobile, che appare ora come presenza meccanica, ora come elemento quasi organico. Il segno netto e i colori piatti — tra verdi, ocra e neri — rafforzano un’estetica che guarda tanto all’illustrazione quanto a una sensibilità proto-pop, mantenendo però una tensione più inquieta.

Con Marc Chagall, L’inspiration (1976) introduce un registro completamente diverso. Qui la composizione è densa, quasi satura: figure, oggetti e simboli si sovrappongono in un flusso continuo, senza un vero centro gerarchico. Il tratto litografico, morbido ma stratificato, costruisce una scena densa in cui figure, oggetti e simboli si sovrappongono senza una gerarchia rigida. La figura femminile emerge come fulcro visivo, circondata da elementi che rimandano a un universo intimo e immaginato, tipico del linguaggio di Chagall, dove memoria, affettività e dimensione fantastica convivono nello stesso spazio.

Più essenziale, ma altrettanto incisiva, è la serigrafia di Christo and Jeanne-Claude per il progetto della Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma (1968). L’immagine lavora per sottrazione: l’edificio, completamente avvolto, perde ogni dettaglio architettonico per diventare volume puro. Le linee delle corde che attraversano la superficie introducono una tensione grafica che rompe la staticità del blocco, mentre la scala — suggerita dalle piccole figure umane — restituisce la dimensione reale dell’intervento. È un’immagine che funziona sia come documento sia come sintesi visiva del loro approccio.

Opere uniche: materia e identità

Il dipartimento delle opere uniche, seguito da Giulia Couzza, si concentra su una linea novecentesca ben definita. La Fanciulla Bionda di Antonio Bueno si impone per equilibrio formale e coerenza stilistica. La figura, costruita con linee morbide e volumi semplificati, sembra appartenere a un tempo indefinito: non è ritratto né idealizzazione, ma una presenza che trattiene una dimensione introspettiva, tipica del realismo magico dell’artista.

Il Rilievo (2002) di Arnaldo Pomodoro rappresenta invece una delle declinazioni più riconoscibili della sua ricerca. La superficie levigata, quasi perfetta, viene interrotta da aperture e fratture che rivelano una complessità interna. È un linguaggio ormai iconico, ma che continua a funzionare proprio per questa tensione tra controllo geometrico e disordine nascosto.

Con Mimmo Rotella e Regia (1990), il discorso si sposta sull’immagine mediatica. Il décollage, nato come gesto di sottrazione, conserva qui tutta la sua forza: il manifesto cinematografico non viene semplicemente utilizzato, ma trasformato in superficie stratificata, dove il tempo — e il consumo visivo — restano visibili.

Emergenti: tra immagine e ricerca

Tra gli artisti contemporanei nel dipartimento curato da Maurizio Buquicchio, il lavoro di Sonny Insinna si distingue per scala e immediatezza visiva. Ariadne’s Thread, The Game of Freedom (2026) utilizza un’immagine forte — il toro — ma evita una lettura didascalica: il rapporto con il filo rosso resta aperto, quasi ambiguo, lasciando spazio a una riflessione più ampia su destino e possibilità.

Più teorico è il lavoro di Francesco Pizzocchero, che si muove tra estetica e sistemi di potere, mentre Daniele Cestari e Carlo Ferrari mostrano due modalità diverse di confrontarsi con la pittura: da un lato una visione più materica e urbana, dall’altro una ricerca legata alla luce e alla tradizione tecnica.

Fotografia: tra concetto e paesaggio

Chiude l’asta il dipartimento fotografico curato da Elena Vaninetti, si muove lungo una linea chiara, che mette in relazione approcci molto diversi ma complementari: dalla riflessione concettuale alla costruzione di un paesaggio intimo.

John Baldessari è presente con Throwing Three Balls in the Air to Get a Straight Line, lavoro emblematico della sua pratica. La sequenza delle immagini, che documenta un’azione tanto semplice quanto impossibile da controllare pienamente, introduce un cortocircuito tra intenzione e risultato. La linea “retta” evocata nel titolo non si realizza mai davvero: ciò che resta è una serie di tentativi, in cui il caso entra a far parte del processo. In questo senso, l’opera non è solo documentazione di una performance, ma una riflessione sul limite dell’immagine come strumento di ordine.

Con Michael Kenna il registro cambia radicalmente. Deckchairs, Bournemouth (1983) è costruita su una riduzione estrema degli elementi: poche sedie, un orizzonte quasi impercettibile, una gamma tonale compressa. La fotografia si sviluppa attorno a un equilibrio molto preciso tra pieni e vuoti, dove la presenza umana è evocata ma non visibile. L’immagine non descrive un luogo, ma lo trasforma in uno spazio mentale, sospeso e silenzioso, in linea con la poetica dell’autore.

Infine, Luigi Ghirri con La collina propone una riflessione più sottile sul paesaggio. A prima vista l’immagine appare semplice, quasi neutra, ma è proprio in questa apparente immediatezza che si inserisce il lavoro di Ghirri: il paesaggio è costruzione culturale, fatto di segni, limiti e punti di vista. L’uso del colore, mai spettacolare, e la composizione rigorosa trasformano una scena ordinaria in una superficie di osservazione, dove lo sguardo è guidato senza essere imposto.

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Dal 16 aprile al 5 maggio 2026, la Unipol Tower di Milano si trasforma nel palcoscenico di un dialogo estetico e filosofico di profonda coerenza. Il progetto espositivo “Abitare il Nero. Da Alberto Burri ai Fashion Designer della Scuola giapponese”, curato da Silvia Casagrande, mette in relazione il capolavoro Nero con punti (1958) di Alberto Burri con le creazioni radicali di Issey Miyake, Yohji Yamamoto e Junya Watanabe.

La materia ferita e il valore del patrimonio

Al centro dell’operazione brilla una delle gemme del patrimonio artistico di Unipol: la tela di iuta su cui Burri, nel pieno della sua maturità informale, ha impresso una pittura monocroma, densa e ineluttabile. L’opera rappresenta un caso studio esemplare di valorizzazione: ritrovata in condizioni critiche, è stata oggetto nel 2019 di un delicato eco-restauro curato da Muriel Vervat. L’utilizzo del Funori, un’alga giapponese impiegata da secoli in Oriente per il consolidamento di materiali porosi, ha creato un legame tecnico e concettuale immediato tra il Maestro di Città di Castello e il Sol Levante.

Un ponte tra informale e fashion design

La mostra esplora le affinità elettive tra la ricerca di Burri e la rivoluzione estetica compiuta dai designer giapponesi negli anni Ottanta. Se Burri trasformava la materia attraverso cretti e lacerazioni, i creativi nipponici – qui rappresentati da cinque pezzi storici provenienti dagli Archivi di Ricerca Mazzini – hanno introdotto nella moda il concetto di “imperfezione perfetta”.

Quelli che la stampa occidentale dell’epoca definì con scetticismo “stracci neri”, erano in realtà manifesti di una nuova grammatica visiva: l’abito diventa metafora della pelle, dove il taglio e la piega non sono segni di distruzione, ma elementi strutturali. Yohji Yamamoto e Junya Watanabe portano in scena un nero che, proprio come quello di Burri, non urla ma sussurra, rendendo visibile il vuoto e l’assenza.

Tra mercato e studi critici

L’evento non è solo un momento espositivo, ma la conclusione di un percorso di ricerca durato anni. Durante la press preview del 15 aprile, verrà presentato il quaderno di studi “Alberto Burri. Il capolavoro restituito in un viaggio che continua”, a cura di Ilaria Bignotti. Il volume raccoglie i contributi di esperti come Bruno Corà, posizionando l’opera di Burri in una rete di relazioni interdisciplinari che ne accrescono la rilevanza nel contesto dell’arte contemporanea.

Per la piazza milanese, impegnata in quei giorni nelle dinamiche della design week, “Abitare il Nero” si configura come un appuntamento imprescindibile per chi intende l’arte non solo come possesso, ma come indagine continua sulla materia e sul tempo.

Abitare il Nero. Da Alberto Burri ai Fashion Designer della Scuola giapponese
Silvia Casagrande (Quaderno di studi a cura di Ilaria Bignotti)
CUBO in Unipol Tower – Via Fratelli Castiglioni 2, Milano
16 aprile – 5 maggio 2026

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Il mercato dell’arte punta i riflettori su Parigi: il prossimo 16 aprile, Sotheby’s presenterà nell’asta serale di Art Moderne et Contemporain due paesaggi di Claude Monet rimasti lontani dagli occhi del pubblico per oltre un secolo. Si tratta di un “ritrovamento” doppio che non solo celebra il centenario della scomparsa del maestro dell’Impressionismo (1840-1926), ma promette di ridefinire i vertici dei prezzi per l’artista in terra francese.

Le due tele, Les Îles de Port-Villez (1883) e Vétheuil, effet du matin (1901), rappresentano una sorta di “visione 20/20” della parabola creativa di Monet. Con questa espressione — mutuata dal gergo oculistico per indicare una vista perfetta — la casa d’aste sottolinea una coincidenza straordinaria: le opere sono state realizzate esattamente a vent’anni e venti chilometri di distanza l’una dall’altra lungo la Senna. Insieme, offrono una prospettiva nitida e completa sul percorso del pittore: dalla scoperta di Giverny alla maturità dei riflessi atmosferici che avrebbero poi generato il ciclo delle Ninfee.

Il valore della riscoperta

L’eccezionalità dell’offerta risiede nella storia conservativa di queste opere. Les Îles de Port-Villez, stimata tra i 3 e i 5 milioni di euro, era nota agli studiosi solo attraverso fotografie in bianco e nero. Acquisita direttamente dall’artista dal leggendario Paul Durand-Ruel nel 1883, l’opera è riemersa dopo essere rimasta in collezioni private per oltre 115 anni. La tela cattura un Monet ancora “esploratore”, che lavora dal suo bateau-atelier per immergersi fisicamente nella luce dell’acqua.

Ancor più rilevante sotto il profilo economico è Vétheuil, effet du matin (1901), con una stima di 6-8 milioni di euro. Qui Monet torna su un motivo a lui caro dopo due decenni, con uno sguardo radicalmente trasformato dall’esperienza delle serie (i covoni, la cattedrale di Rouen). La provenienza è, se possibile, ancora più suggestiva: fu acquistata dalla Galleria Bernheim-Jeune, che all’epoca occupava proprio l’edificio che oggi ospita la sede di Sotheby’s Paris in rue du Faubourg Saint-Honoré. Un ritorno a casa, dunque, che aggiunge un valore immateriale e storico difficilmente quantificabile.

Market Insights: tra rarità e prospettive di investimento

Perché queste opere sono cruciali per il mercato attuale? In primo luogo, la rarità. La maggior parte dei lavori di queste serie è già blindata in istituzioni come il Musée d’Orsay o l’Art Institute of Chicago. Trovare esemplari in mani private, con una provenance così lineare e uno stato di conservazione definito “eccezionale” dagli esperti, è un’occasione che i grandi collezionisti internazionali non si lasceranno sfuggire.

Inoltre, queste opere segnano il passaggio fondamentale verso la modernità. Come sottolineato da Marianne Mathieu, già direttrice del Musée Marmottan Monet, in questi paesaggi Monet inizia a dare precedenza alla matericità dell’acqua e del colore rispetto alla prospettiva tradizionale. È il Monet che “dipinge verso il futuro”, colui che ha forgiato il linguaggio dell’arte moderna.

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