El Antro Del Metal (Crónicas Desde El Infierno)

Dead, Jail or Rock 'n' Roll (Michael Monroe + Jolly Joker, jueves 29/10/2026, sala Revi Live, Madrid)

2026-11-01T18:10:17.034+01:00

Los grandes momentos no siempre llegan en las circunstancias perfectas, o cuando uno está realmente preparado para ellos. Con frecuencia, solo el conocimiento, el rodaje, y sobre todo el paso del tiempo, traen consigo algo tan importante como es la capacidad para saber valorar dichos momentos como se merecen. De camino a Madrid, hacia uno de los conciertos más importantes del año para mí, me puse a recordar la actuación que Hanoi Rocks dieron en aquel Lorca Rock 2006. Pasadas unas cuantas horas, ya en la sala, y por pura casualidad, volví a hacerlo gracias a alguien que conocí allí mismo. Si a día de hoy me enterase de que las leyendas finlandesas fuesen a tocar en cualquier cartel de nuestra geografía… me derretiría de puro gusto, y sin embargo, en aquel Lorca Rock, todavía no les controlaba en profundidad, habiendo escuchado alguno de esos ‘greatest hits’, y poquito más. Les vi porque sabía que era una de las formaciones más importantes e influyentes de cuantas ha dado el Rock en Europa, y porque seguramente, sería algo irrepetible. Y pese al relativo desconocimiento… flipé con Monroe, McCoy y compañía por las gigantescas e inalcanzables maneras de las que hicieron gala, y por el propio shock que supuso todo aquello. Pocas veces, por no decir nunca, había visto tal comportamiento sobre un escenario y, sin embargo, sé que podría haberle sacado más jugo al momento. Afortunadamente, la vida puede brindar nuevas oportunidades, y en los dos últimos años no ha sido una, sino tres de ellas, las que me han permitido volver a estar frente a su frontman en solitario, una figura cuyo nombre es sinónimo de una actitud y una autenticidad insuperables. Así, dos décadas después, vuelvo a rendirme ante la verdad absoluta de que lo suyo es, sencillamente, de otra puta galaxia.

El aventurarse hasta Madrid, como casi todos los conciertos a los que voy, tiene su historia detrás. Cuando terminó el Rock the Sun, con Michael Monroe despidiendo la movida, me quedé tan patidifuso, tan profundamente atónito por semejante barbaridad de actuación, que no podía ni encontrar las palabras para describirla. Entonces, le dije a mi chica que, de no ser porque su gira española por salas (pensaba yo) era tan inminente, volvería a verle con los ojos cerrados a donde hiciese falta. Sin embargo, me equivocaba, y el tour por nuestro país estaba previsto para un mes y pico después. Y puesto que odio faltar a mi palabra, esa grandísima ilusión acabó por hacerse realidad para nosotros dos. Dicho esto, pocos días antes me llevé un buen susto con la súbita cancelación de la fecha de Pamplona, pero por suerte, la de Madrid continuó en pie. Una velada con Michael Monroe, y en la que hoy por hoy está considerada como una de las mejores salas de la capital, era una propuesta que no podía ser superada de ninguna manera… ¿o tal vez sí? De nuevo, me equivocaba al pensarlo.

Porque las sorpresas no dejaron de llegar, y solamente dos días antes de la tan señalada fecha, se anunciaba oficialmente a quienes serían teloneros del mítico finlandés. Y lo siento por el resto de grandes bandas del rollo que tenemos en este país, lo digo con todo el respeto… pero a día de hoy, no puede haber otra banda con la afinidad musical, inmensa clase, y soberbia calidad para ocupar ese lugar que no sean mis idolatrados Jolly Joker. Creo que no hace falta deciros el salto que pegué de la silla cuando tuve conocimiento de ello. Pero no solo los mencionados factores fueron clave, sino también el siempre impagable trabajo de Tomás Quilez de On Fire hizo que pudiésemos disfrutar de los valencianos en una noche inolvidable y ahora sí, INSUPERABLE.

La primera gran alegría fue visitar por primera vez la Revi Live, una sala situada en Vicálvaro de la que múltiples y muy distintas personas solo me habían hablado maravillas. Un local con una buena cabida, una distribución impecable, y como veríamos más tarde, un sonido que le hace ser merecedora de tales alabanzas. Nos encontramos en la puerta con una buena cola, señal de que los Jolly Joker también tienen su buena cartera de fans en Madrid, y poco a poco, el espacio se fue llenando entre las primeras filas. No solo era la segunda vez que actuaban allí mismo en cuestión de mes y medio (la anterior, junto a Ankhara), sino que también iban a repetir, en el mismo intervalo de tiempo, compartiendo cartel con la leyenda Michael Monroe. Y eso, les hizo subir muy, pero que muy creciditos al escenario.

Jolly Joker:

En teoría, el escaso tiempo del que disponían para tocar no daba para mucho… ¡en teoría! Porque en la práctica, todos sabemos que los de Valencia son especialistas en exprimir y dotar a cada segundo de actuación de una intensidad fulgurante. La peña se iba posicionando mientras sonaba ya la intro, el escenario se petaba de humo, y la potente Sky so High marcaba seguidamente el punto de no retorno ante aquel fiestón hard rockero. Vestido para matar, con su habitual frescura, y con el morro por delante (eso siempre), salía a la carrera el vocalista Lane Lazy dándole marcha a su aro, y completamente arropado por sus compañeros. Logrando levantar unas palmas muy tempranas de un público todavía muy dormido, y tratando de pegarnos esos estribillos, se notaba que habían salido muy hambrientos de Rock’n’Roll. La forma en la que Andi se desmelenaba (sonando su bajo muy duro y distorsionado), o la pasión siempre por bandera de parte de Yannick y su espectacular forma de tocar, así lo confirmaban. Ya habría tiempo para saludar. De momento, una segunda arremetida con Shotgun fue lo que necesitaba el concierto para ir escalando en intensidad, algo a lo que también contribuía la inmensa chulería de Lazy, con sombrero, terciopelo y gafas de sol en ristre. El tema estuvo marcado, entre otras cosas, por ese adelantamiento del gran Yannick, su solo, y sus poses de auténtico videoclip con las que siempre nos flipa a muerte, posición que acabaría compartiendo con su compañero Andi.

Continuaron ‘dándole puño’, al asunto, subiendo las revoluciones gracias a un temazo, también de su “Jolly Joker” como es World Collapse, pero esta vez, con Lane Lazy portando su más flamante modelo de guitarra. En este plan, los temas sonaron incluso más tochos y potentes, junto a la firme pegada de Aaron Joffroy o los constantes punteos de Andi, pero sin descuidar en ningún momento el tema escénico, cualidad intrínseca a los directos de la banda. Y como muestra, esas vueltas que se marcaba Yannick, tan inquieto como siempre, o esos restregones que se daban Lane y Andi en medio del escenario, elevando más y más el termómetro. También con dos guitarras atronando llegaba ese huracán arrasador llamado D.A.M.A.G.E. para ponernos en nuestro sitio. Con las luces parpadeando a saco, una pegada aplastante desde la batería, y valiéndose del notable sonido que tuvieron a su favor, Yannick se desataba como el guitarrista apasionado que es, lanzando gestos obscenos, acercándose para estamparnos el primer solo en la jeta, y tocando parte del final con la guitarra a sus espaldas, para colmo de espectacularidad.

A mí este puto tema me pone a 100 y, sin embargo, el público todavía parecía no terminar de arrancar por algún motivo del todo incomprensible, teniendo en cuenta la tremenda cera que estaban metiendo. Sin embargo, esto no frenó lo más mínimo el ímpetu de los músicos, que embestían con la brutal Fuck it All sin contemplaciones. Y por fin, unas cuantas manos se elevaron desde el público para recibirla, y otros tantos cabezazos siguieron el implacable ritmo que marcaba Aaron en sus parches. A pesar de que en determinadas ocasiones noté a Lane Lazy un pelín por debajo de lo que nos tiene acostumbrados en los momentos más difíciles, no se cortó un pelo a la hora de proferir gritos y darlo todo, primero hincando rodilla frente a su monitor, y luego embelesándonos a todos con su infinita clase a la hora de gesticular y moverse. A la par le iba Andi, que se comía el escenario a bocados, agitando el mástil de su bajo y correteando de aquí para allá. Lane mandó un agradecimiento tanto a la sala, como a Madness Live! y al propio Michael Monroe, antes de proseguir la fiesta con la marchosa y bailona My Little Cadillac, que desde que salió su más reciente disco, se ha convertido en alma de la fiesta.

Y no es para menos. Los ajetreos del cantante y sus balanceos de micro, el feeling que le puso Yannick a sus partes de guitarra (paso del pato incluido), y el brillante y variado trabajo de Aaron a la batería, acabaron arrancando las palmas del gentío, que acompañó el tema hasta ese final de aroma más blusero. También hubo un sincero recuerdo a las víctimas del reciente y desgraciado accidente ferroviario. El escenario se teñía ahora de rojo, y la eléctrica Blood Velvet sonaba en toda su plenitud, con excelentes coros por parte de Andi y Yannick, y una magnífica interpretación vocal. Entre gestos y movimientos constantes, los tres músicos hicieron piña en el centro del escenario, creando uno de los momentos de máxima comunión con sus fans, para dejarnos un final de órdago, con Andi ametrallándonos con su bajo, y Yannick culminando el solo tirado por el suelo y tocando alguna nota con los dientes. Lo dicho, no se puede ser más espectacular, y Jolly Joker llevan más de 15 años dejando constancia de ello. Dando ya los últimos agradecimientos y despidiéndose, los tres últimos ases que guardaban en la manga fueron de lo mejorcito del show. Primeramente, I Just Wanna (Kiss You), un tema que me enamoró a primera escucha y lo sigue haciendo en cada concierto. Pura diversión y con un toque de punk melódico que me recuerda a sus primeros trabajos, nos dejó escenas como la actuación de Lane Lazy (que se lo pasaba teta echándose unos bailes), o la descomunal actitud del infalible Yannick, que ahora se agachaba frente a nosotros, ahora nos dejaba sus mejores poses, o complementaba la parte vocal con coros armónicos.

Por si no habíamos tenido suficiente, una Hey You sin preámbulos, gamberra, chulesca y alocada, nos hizo cantar a pleno pulmón. Esa imagen con Yannick y Lane reunidos en primera línea de ataque es de las que se quedan grabadas, y al mismo tiempo, Andi se pegaba su fiesta particular, señalando a su público, agitando la melena, o juntándose con sus compañeros. Un tío que se hace de querer tanto arriba como debajo del escenario, y desde hace ya unos cuantos años, pieza fundamental en el engranaje de la banda. Con Lane Lazy soltando gritos, saltando de lado a lado, y dando patadas en círculos (así, como quien no quiere la cosa), nos enchufaban Rockin’ in Stereo, el gran apogeo de la actuación, el sarao y el desmadre. El escenario se quedaba pequeño ante los constantes cruces entre bajista y guitarrista, sudando la camiseta a tope, y mientras Aaron seguía repartiendo castañazos a diestro y siniestro, el gran Lane Lazy se daba un garbeo por el foso ‘regando’ con Jack Daniels los gaznates de las primeras filas. Y aparte del propio burbon, fueron tanto el estruendo final de luces y sonido que montaron, como los saltos desde la plataforma de la batería, los que nos dejaron a todos con un sabor de boca inmejorable.

Mentiría si dijese que no eché en falta más temas y tiempo de actuación, pero para no variar, dieron una lección impecable y magistral de cómo hacer Hard Rock / Sleazy de pura sangre, y no solo mediante trallazos de los que son capaces de levantar a un muerto, sino también a base de actitud con mayúsculas, entrega desde el corazón, y un talento que les eleva a un nivel simplemente superior. Como dije al principio, si alguien podía mejorar una noche cuya propuesta ya era inmejorable de primeras, esos fueron mis Jolly Joker. Y es que no fallarían ni aunque quisieran. Mi próxima cita con ellos será dentro de mes y poco en Alicante, y ya estoy deseando que llegue el día.

Entre el pitillo que echamos en la parte de fuera, y la pasadita de rigor por el baño, el tiempo de cambio se nos pasó en un santiamén. La sala se encontraba considerablemente más concurrida ahora, con las primeras filas bastante llenas, pero debido a la amplitud y gran visibilidad de la que dispone la Revi, cogimos una buena posición, sin agobios, pero desde la que todo se veía de puta madre.

Michael Monroe:

Sonaba ya esa batucada étnica a modo de introducción con la que se suelen presentar sus conciertos, y la idea de estar a punto de volver a revivir aquella tormenta de emociones de la que ya fui testigo en el penúltimo Rock Imperium, o en el reciente Rock the Sun, empezaba a acelerarme el pulso a lo bestia. El ansia por que todo aquello estallase se estaba haciendo casi insoportable. De repente, Rich, Steve y Sami se encaraban hacia la batería, con el escenario a media luz y lleno de humo, y seguidamente Monroe nos preguntaba aquello de ‘¿todo bien?’ mientras Dead, Jail or Rock 'n' Roll perforaba por primera vez nuestros tímpanos. Fue, desde el segundo uno, una puta locura, con el propio Monroe lanzando patadas al aire, sacando fuego de su armónica, compartiendo micro con Steve Conte, saltando de lado a lado al cantar el estribillo… mientras Rich Jones se cruzaba el escenario a la carrera. ¿Qué es eso de reservar energías para el final? Ese es un concepto que la banda no conoce. Esto es jodidamente REAL, es actitud en estado puro, es ese sudor que casi puedes sentir desde el escenario. En registros más melódicos, Old King’s Road prosiguió la imparable marcha, gozando de un sonido tremendamente cristalino y potente. Todo lo que me dijeron sobre la Revi en este sentido era cierto, y el show sonaba de maravilla.

La inmensa clase de Sami Yaffa, el solo compartido entre Rick y Steve, y las maneras de Monroe (abanicándose en todo un derroche de glamur, o cargando con el palo de micro a sus espaldas) aceleraron aún más el latido, y nos llevaron de la mano hasta el primer hit de Hanoi Rocks que sonó aquella noche, la rocanrolera y puramente enérgica Motorvatin'. Abrían con mucho aplomo Sami Yaffa y Karl Rockfist, quien no pudo estar en el concierto de Barcelona, pero que aquella noche me dejaría con los ojos como platos por su forma de tocar. Al igual que con el primer corte, Monroe daba caña a su armónica como un salvaje, correteando de aquí para allá y agachándose, con la soltura propia de un chaval de 20 años. Last Train to Tokyo me volvió completamente loco, y me pasé todo el puto tema, de principio a fin, saltando. Hay algo en los directos de la banda que me obliga a ello, que no me deja parar, cuando veo a ese rockstar finlandés comiéndose las primeras filas luciendo un actitud con la que otros solo pueden soñar. La salida individual de Conte, y ese micro compartido entre Sami y Rich, también contribuyen al conjunto de la soberbia espectacularidad. Verles es como volver a los 80 más pasotas y callejeros, y al mismo tiempo, impregnados de una clase inalcanzable.

A continuación, tendríamos el placer de degustar toda una seguidilla de temas del que es su más reciente y flamante álbum, ese “Outerstellar” que, al menos a mí, me ha flipado, y no puedo dejar de escuchar. Empezando por Rockin' Horse, la pegada y entusiasmo de Karl Rockfist, las vibrantes armónicas de Michael, o esa forma tan agresiva de rasgar Sami Yaffa (que se despatarraba con total chulería), volvieron a hacer arder mi sangre, y sencillamente, no podía parar de saltar y bailar. Algo similar sucedió con Black Cadillac, iniciada esta vez por los riffs de Steve Conte y con unos ademanes del vocalista que fueron purísimo glam mientras ondeaba una bandera que le cayó desde el público. Por fin, los ‘¡eh eh!’ brotaron de forma espontánea de un respetable al que le costó mucho arrancar. Tanto es así, que a veces me daba reparo mostrarme tan loco y desatado ante el exceso de horchata en las venas y absurdo estatismo que reinaba en mi entorno… pero es que me es imposible vivir estos conciertos de otra forma. En I Can’t Get it, de Hanoi Rocks, se escucharon perfectamente las armonías de cuerdas, aunque el dominio más notable recayó en los parches de Karl, completamente entusiasmado y cada vez más agresivo con sus mamporrazos. Casi al final del corte, con la adrenalina muy subida, Michael se encaramaba a la columna del escenario sin pensarlo dos veces, para deleite y jolgorio de toda la sala.

A su vez, Shinola volvió por esos derroteros más punk y desgarbados, los mismos por los que Michael se mueve como pez en el agua. Se calzaba en ella su primer modelito de gorra, y continuaba llevando el timón del concierto con una fluidez y un desparpajo increíbles e impropios de una edad que, en su caso, paró de sumar hace muchos años. Tanto a Rick como a Sami y Steve, se les vio especialmente motivados en esta última, rasgando las cuerdas con mucho ahínco, y ejecutando unos coros de fábula. De igual modo, los cuatro ‘delanteros’ se mostraron muy acompasados en esa patada al unísono que pegaban durante Nothin's Alright. Y atención porque, tratándose de Demolition 23, esto ya fueron palabras mayores. Muchos a mi alrededor parecían no enterarse de qué iba la película, pero el subidón entre las primeras filas sí se hizo de notar. Karl daba los primeros repuntes, y Monroe se encargaba de llevarlo a otro nivel escénico, dando vueltas al cable de su micro, chutándose en las venas este último, y auto-crucificándose con el soporte, todo ello, sin parar ni para pestañear. Lo de Rick y Sami también fue enorme, con un magnetismo total en sus gestos, ‘sobradas’ y movimientos.

Pero la verdadera explosión del más lujurioso desmadre (principalmente sobre las tablas), llegó de la mano de la sexpistolera Hammersmith Palais, y a partir de aquí, incluso la peña empezó a entregarse más. Sami y Karl, en ese cara a cara, se lo pasaban de miedo, mientras el frontman seguía dejándonos patidifusos con su incombustible chorro de energía y voz. La mayor ovación de la noche no se hizo de rogar, pero los músicos no se acomodaron, y pasaron a la acción con otro corte nuevo, Rode to Ruin. El flow que mostraba el legendario Sami Yaffa era impresionante, más que tocando, golpeando sus cuerdas, abriéndose de piernas, luciendo gorro y atuendo 100% clásico, sonriendo a sus compañeros y compartiendo coros ellos. Verle tocar es casi hipnótico, transmite muchísimo, y destila una de esas actitudes que no se pueden aprender: se nace con ella. Todo se cubría de humo, y Monroe se ponía sus gafas de sol para imponer aún más fanfarronería en la soberbia Boulevard of Broken Dreams, muy cantada en su estribillo y disfrutada en general (algo aplicable a cualquier himno de Hanoi). Pisando a fondo el acelerador, One Man Gang fue un torbellino de destrucción, rápida de la hostia, petada de poses y comportamientos excéntricos, entre los que el cantante se cebaba estrellando su palo contra el suelo.

La cosa iba tomando un cariz apabullante, una intensidad como pocas veces he visto en un concierto, y subía exponencialmente con cada corte, pero también era necesario ese momento de relax y manos ondeando en el aire que trajo consigo ese baladón llamado Don't You Ever Leave Me, de nuevo, tirando de la discografía de Hanoi Rocks, y con Rich Jones aportando sus propios fraseos. Gracias a ella, el contraste con la furiosa Back to Mystery City se hizo todavía más impactante, desatando un subidón de proporciones masivas, en donde Karl le sacaba más partido que nunca a sus tambores, Monroe se mostraba muy hábil, tanto con los tonos más complicados como a la hora de despatarrarse por completo, y ambos hachas volvían a brillar con luz propia. Por nuestra parte, acompañamos con palmas gran parte del tema, hasta ese desboque final en donde no hubo más remedio que volvernos completamente locos. Para mi gusto, llegaba a continuación uno de los momentos álgidos de todo el show con Ballad of the Lower East Side. Y es que, ¿quién cojones puede tener la poca sangre de quedarse quieto ante este aluvión de macarrería y adrenalina en estado puro? Ataviado con gafas de sol y su gorra de leds, Michael lo tiró todo por los aires, quemando el escenario, saltando y pateando el suelo, recorriéndolo junto al soporte, y cantando con toda la mala leche posible, al mismo tiempo que Rich, Steve y Yaffa se adelantaban, haciendo piña al borde del escenario. ¡TREMENDA!

Tenía los huesos hechos polvos de tanto saltar y bailar, y aun así, me era imposible parar. ¡Y aún quedaba cosa gorda! Porque aunque pareciese imposible, fueron más allá tirando de Malibu Beach. Cuando Monroe empuña su saxo, es sinónimo de fiestaca y desmelene, dándose unos paseos a un lado y otro junto a Rich, asomándose para provocar más aún a la peña, y luciendo toda clase de posturas en un espectáculo sin parangón. ‘Good Night!’, nos deseaba la estrella del rock, antes de arrancar con esa excelsa versión de Creedence Clearwater Revival que es Up Around the Bend. Durante todo el concierto, trató con todas sus fuerzas de conectar con el público, y fue durante esta última donde más lo consiguió. Se acercaba a los monitores para apoyarse allí con la mirada fija en nosotros, después metía esos fogonazos de armónica, compartía micro con Rich, y posteriormente, volvía a estampar su palo en el suelo con el máximo desdén. Mirases donde mirases, en el momento que fuese, era imposible dejar de flipar con lo que estaba sucediendo allí arriba. El descanso antes de los bises nos dio unos pocos minutos de respiro, que aprovechamos para dedicarles unos calurosos ‘oes’. Pero la tranquilidad no duró demasiado, y muy pronto les tendríamos ahí, con las pilas recargadas, metiéndole cera al Taxi Driver de Hanoi Rocks.

Con talante descarado y una actitud de lo más barriobajera y arrastrada, Yaffa y Monroe protagonizaron con su dúo al frente del escenario uno de los momentos más explosivos del tema… o tal vez fue el ardiente solo de Steve Conte… o esos castañazos de Karl en las transiciones… o sería que, sencillamente, estábamos asistiendo a uno de los mejores putos directos que se pueden ver a día de hoy. Tan agotados nos vio el cantante, que repartió unas cuantas botellas de agua entre nosotros, pero a pesar de que él mismo estaba totalmente empapado en sudor, no mostraba el más mínimo signo de cansancio. Para dejar el listón por las nubes, y después de una pequeña exhibición entre Rick y Steve, nos regalaban una versión de The Stooges, que ya aparecía registrada en el “All Those Wasted Years” de Hanoi Rocks, ni más ni menos que I Feel Alright. Haciendo la gracia, el vocalista se encajaba una nariz de payaso, para lanzarla en seguida por los aires y darnos lo que estábamos deseando: un chutazo definitivo de Rock’n’Roll, a toda hostia y directo al corazón. Eran los últimos instantes y había que absorber todas las sensaciones restantes, abrir bien los ojos y oídos ante esos amagos de wah de Steve, ante las últimas rachas de armónica de Monroe (quien se abalanzó hacia la valla para buscar el contacto directo con el público), y ante la paliza final que Karl propinaba a su batería. Y ese salto coordinado desde la plataforma, entre luces cegadoras, remató la gran jugada por todo lo alto.

Os aseguro que pocas veces en mi vida he salido tan hecho mierda, a la vez que extasiado, de un concierto. Como si me hubiese pasado un tráiler por encima, me dolía todo el cuerpo (y peor sería al día siguiente), y apenas podía dar ni un paso, pero para mí eso va siempre a la par con la inmensa satisfacción de haber vivido y aprovechado un concierto hasta el límite de la resistencia. La despedida de la noche no pudo ser mejor, compartiendo abrazos y momentos con mis amigos de la familia Jolly Joker (incluyendo a mis queridos Nando y Judith), pillándome el tourbook de la gira, e intercambiando impresiones con varias personas, casi siempre con una misma y unánime conclusión: lo visto en la Revi Live aquella noche de Jueves fue algo tan excepcional, tan jodidamente arrebatador y desbordante, que transcurrirá mucho tiempo hasta que vuelva a vivir algo similar. Tal vez, sin ir más lejos, hasta la próxima vez que Mr. Michael Monroe tenga a bien regresar por estas tierras.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Voices of the Dead (Suffocation + Ingested + Undeath + Eternal, sábado 24/10/2026, Sala The One, Sant Vicent del Raspeig)

2026-10-27T11:58:06.766+01:00

Hace ya la friolera de 22 años exactos, tuve la ocasión de ver a Suffocation por primera vez. En aquel entonces, reconozco que no andaba nada metido en el Metal extremo. Mi cultura musical era aún muy básica, y concretamente acerca de este rollo, apenas conocía o había escuchado bandas. De hecho, junto con alguno muy esporádico, se podría decir que fue uno de mis primeros contactos en directo con el Brutal Death. Y aunque desde entonces he tenido varias ocasiones de ver a los americanos (por ejemplo, hace unos cuantos Leyendas del Rock), aquella de hace dos décadas continuó siendo la única hasta este pasado fin de semana. Y además, debido a una de esas grandes e inesperadas casualidades de la vida, en la misma provincia de Alicante donde me estrené con ellos. Aquello sucedió justo un año antes de abrir las puertas de este Antro del Metal, por tanto no hay crónica, y aunque tampoco conservo fotos, sí tengo en el recuerdo imágenes bastante nítidas de una sala Stereo completamente abarrotada (no me explico cómo cojones pudieron meterles allí), un público muy entregado, y una banda que me impactó profundamente por la novedad que supusieron para un servidor. A principios de esa década, no eran tan raros los conciertos extremos por la zona, pero a día de hoy, la escena ha cambiado muchísimo para peor. Y ese fue, precisamente, uno de los motivos que más tiró de mí para acudir a la cita. Para una cosa así que se hace en Alicante (más concretamente, en Sant Vicent del Raspeig), había que hacer acto de presencia y dar el callo. Cuatro bandazas que se movieron entre el Death Metal más clásico y el más brutal, y que transformaron la nunca bien valorada sala The One en un auténtico infierno sobre la Tierra.

Había otras opciones para la misma noche y relativamente cerca, algunas de las cuales incluso me atraían más en lo que a gustos personales se refiere, incluso alguna quedada con colegas, pero nada tan interesante y especial como esta movida.

Pero sin duda, si pude estar allí esa noche, fue gracias a mi amiga Tere. Sin su acompañamiento y generosidad, me habría visto forzado a perderme (por la misma mierda de siempre) uno de los acontecimientos más estrictamente imprescindibles, a nivel de este 2026 y de toda la península, para cualquier fan del sonido extremo que se precie de serlo. Una compañía muy agradable, a la que pronto se unieron más. Porque vi y conocí a mogollón de peña durante la noche, pero dos de las personalidades con quienes más me alegré de coincidir fueron Aitor y su padre, Juan, junto a quienes tuvimos el honor de compartir unas birras, escasos momentos antes del inicio del primer concierto, además de unas cuantas charlas a lo largo de la velada.

Otra gran alegría fue contemplar como los alrededores y la propia sala mostraban una concurrencia más que digna para una tarde / noche de estas características, y ya desde la misma apertura de puertas. En el lado negativo, sin embargo, estuvo la política de la sala, prohibiendo la salida más allá de los límites de esta, restringiendo la entrada de comida, y obligando a los asistentes a comprarla dentro, cosa que estoy seguro de que es ilegal.

En cualquier caso, las puertas de la The One se abrían de par en par, y todo estaba preparado para el desmadre. Así que, sin más dilación, ¡que empiece la mandanga!

Eternal:

Accedimos a la sala justitos para escuchar sonar esos órganos macabros (Doorway to Tribulation) que sirven de introducción a su LP “Cryptic Lust”, y que hicieron lo propio con el concierto. Lo de los americanos Eternal se nos antojaba como la etapa más rematadamente clásica de la noche, y eso para mí son palabras mayores. De hecho, fue uno de los bolos que más disfruté, pero no solo por dicha condición, sino también porque sobre el escenario vi a una banda con muchísima hambre, y a unos músicos de un nivel y talento mayores de lo que su juventud y aún corta carrera podrían haber dado a entender en un principio. Shards of Morbid Judgement, tema todavía no registrado en disco, nos trajo de pleno ese aroma clásico a base de riffs pesados, compases lentos, guturales espeluznantes y mucha contundencia, la misma con la que el bajista Raymond Robert martilleaba el aire con su bajo. A nivel de actuación fue, sin duda, una de las figuras destacadas del show, tocando de puta madre y dando el espectáculo con sus melenazos y movimientos constantes. Otra cosa que me sorprendió, ya de primeras, fue la magnífica iluminación de la que gozaríamos durante toda la noche, con un montonazo de focos de todo tipo, tanto superiores como inferiores.

Entre tanto, tampoco se anduvieron con romances, exprimiendo el tiempo al máximo, y empalmando la mayoría de los cortes, como hicieron con la machacona Cryptic Lust. El desmelene empezaba a adueñarse del escenario, pero también del público, al que se le intuían muchas ganas de jarana. El músico que se ocupó de las seis cuerdas, tras la más o menos reciente salida de Sofie Nabboud, fue Gavin Wessel, un chaval ya bastante rodado en la escena que cubrió sobradamente con su cometido. De nuevo, no dejaron un solo segundo de respiro para arremeter con otra delicia, como fue Torture Chapel. Emilio Ortega, guitarra solista, cantante, líder y fundador de Eternal, fue quien se encargó del solo entre la vorágine que marcaba el batería Xander Bridge, pluriempleado aquella noche. Raymond concluía aquel largo maratón de tralla dándole de puñetazos a su bajo, y durante estos primeros cortes, hubo un detalle que me encantó: las luces del escenario también funcionaban al compás de la propia música. Turno ahora de Spectral Immolation, plagada de guturales muy profundos y cavernosos, ritmos muy bien medidos (destacando el trabajo de Xander con los platos), y un volumen y ecualización prácticamente perfectas, lo que fue muy de agradecer. Desde primera fila, el concierto se escuchaba de puto lujo, sin acoples ni inestabilidades, con todos los instrumentos al mismo nivel.

Por lo visto, la banda está valiéndose de esta gira para presentar algunos temas nuevos, como ya hicieron con el de apertura, y Before the Altar fue otro de los grandes estrenos. Mucho doble pedal, y también una buena dosis de blast beats (de nuevo, clavados por Xander) desencadenaron los hasta ahora contenidos moshpits, bajo un escenario completamente teñido de rojo, y unos músicos ya bastante crecidos que ponían toda su pasión y mala leche sobre las tablas. Cada uno de los ritmos que se sacaban de la manga nos iban gustando y atrapando más, y así lo hicimos saber con las pertinentes ovaciones en los pocos descansos que nos dejaron. Remarcar que Emilio, de vez en cuando, utilizaba el español para expresarse, y eso nos creó más apego hacia ellos. Unos arrolladores blast beats llegaron para arrasarlo todo de la mano de Hammer of Eternal Torment, con la iluminación parpadeando sin cesar. Los guturales de Emilio parecían tornarse cada vez más bestias y oscuros, Raymond continuaba demostrando una actitud de puro Metal, dejándose la piel en cada cambio rítmico, que fueron perfectos, y de esa forma, se ganaron todas esas manos en alto que se alzaban desde el público. Pedíamos más guerra, y por supuesto, esa última somanta de hostias sonoras a base de frenéticos blast beats y gritos desbocados, nos dio lo que estábamos buscando.

Fue una verdadera lástima que el concierto no llegase ni a la media hora, porque como digo, me encantaron, y para mí se llevaron la medalla de plata. Y creo no ser el único que les consideró unos teloneros más que dignos para uno de los nombres más importantes jamás salidos de la movida del Metal extremo.

En esos momentos, nos encontramos con una buena retahíla de colegas, como Juanvi, Félix, Raúl, Mauricio, Lucas… gentuza de la buena a la que siempre es un placer saludar, y con quienes es casi obligatorio compartir un buen rato de charla. Echando unas birras, nos sentamos mi amiga Tere y yo junto a algunos de ellos, haciendo tiempo hasta el segundo round, que vendría apadrinado por los también americanos Undeath.

Undeath:

Con una carrera ligeramente más dilatada que sus anteriores compañeros, Undeath consiguieron llenar todavía más la sala, sin bajarse del tren del más clásico y ortodoxo Death Metal de cuna 80 / 90s, y presentándose justo a la hora convenida. No nos perdimos más que un pequeño fragmento del primer tema, y rápidamente nos adelantamos hasta las primeras posiciones, aun a riesgo de poner en peligro nuestra integridad física. Y lo digo porque, ya desde ese disparo inicial llamado Lord of the Grave, empezó a haber bastante movimiento… aunque fue solo el principio. Con todo el aluvión de caña ya haciendo temblar la sala, al frente veíamos a un (muy) motivado Alex Sason que, micrófono en mano, presentaba a la banda sobre la marcha, metía headbanging a cuello partido, y pateaba el suelo del escenario, sin dejar de animar el ambiente. A grito pelao anunciaba el segundo corte, Necrobionics, en donde se destacó entre otros el bajista Tommy Wall con unas estructuras muy rápidas y enérgicas, lo mismo que sus cabeceos. Con el pie apoyado sobre el monitor, se jactaba de la polvareda que estaban levantando, y que continuó creciendo con Disputatious Malignancy. Como hicieron con algún otro tema, dejaron sonar antes una intro de lo más rayante y confusa, para atacar al cuello sin piedad, tirando Kyle Beam y Jared Welch (la pareja de hachas) de riffs cortantes y muy veloces.

Cera muy, muy burra en donde los blast beats no dejaron un segundo de tregua a nuestras cervicales, que empezaban a echar humo. Tras la batería, por cierto, repetía Xander Bridge, que demostró ser tan hábil y portentoso en sus cambios como lo fue con Eternal. Estos últimos fueron uno de los puntos fuertes del concierto, y es que cada tema solía constar de varios tempos muy marcados, todos ellos de lo más aplastante. No quisieron seguir sin, por medio de su vocalista, saludar al resto de las bandas de este line up, con quienes llevan ya unas semanas arrasando toda Europa. ‘¡Muchas gracias, buenas noches, Alicante!’ nos gritaba, en buen castellano (y remarcando que esta era su primera actuación en nuestro país), antes de lanzar un nuevo y demoledor ataque titulado Human Chandelier. El empuje de Alex llegó a uno de sus puntos culminantes en ella, provocando, acercándose a los monitores con mucha agresividad, y respondiendo a esos brutales cambios de Xander con retorcimientos de espalda, sin dejar de gritar como un salvaje. He de decir que me fliparon las imágenes de la pantalla de fondo (de la que se hizo uso por primera vez en la noche), que mostraba el logo de la banda recorriendo los pasillos del juego Doom. Inicio fiero como pocos el de Trampled Headstones, a gatillo vivo, con Xander aporreando sus parches, formando una muralla infranqueable de doble pedal que nos arrastró a todos con ella, para después, pasar a formar un enorme circle pit.

El sonido volvía a ser casi inmejorable, escuchándose perfectamente esos crujidos en el bajo de Tommy, o esos detalles concebidos entre Kyle y Jared. Si no habían fallado hasta ahora, era imposible que lo hicieran con los tres ases que guardaban en la manga para la demolición final, comenzando por Rise from the Grave. Las tan bien llevadas armonías de cuerdas entre ambos guitarristas le dieron la nota de color, que fue rápidamente enmascarada por los monstruosos guturales de Alex y unas bases rítmicas implacables. Por supuesto, tampoco podía faltar una de las más deseadas / celebradas como fue Lesions of a Different Kind, cuyo título coincide con el de su primer y aclamado LP del 2020. Pura oscuridad asfixiante a ratos, y frenética locura en otros, que además contó con una iluminación dinámica y a la altura. Subió la temperatura hasta cotas casi peligrosas, y transformó la parte delantera de la sala en un lugar solo apto para temerarios. Tampoco se enredaron en demasiado diálogo a la hora de despedirse, y dejaron que Brandish the Blade hablase por ellos. El torrente de blast beats y doble pedal nos pilló de pleno y casi sin avisar, dando lugar a un clima muy desmadrado abajo, pero también sobre el escenario, donde ambos guitarristas se dejaban el pescuezo mientras, en un último arranque de violencia, el bajista Tommy Wall castigaba su instrumento a puñetazo limpio.

Tampoco, a nivel de duración, me quedé del todo saciado (apenas otra media hora) y valorando las dos actuaciones hasta el momento, creo que me quedo un poquito más con la de Eternal. Pero desde luego, no cabe duda de que ambas lograron que el inicio de la velada fuese muy ardiente, intenso, y difícilmente superable.

Punto y aparte fue lo de la siguiente banda, Ingested, los únicos europeos que figuraban en el cartel. Porque si bien me flipa el Death Metal más primitivo en casi todas sus formas, el Deathcore se encuentra justo en las antípodas de mis gustos personales. Es algo con lo que no puedo. No me gusta absolutamente nada ni su música, ni su estética, ni su actitud. Con esto no quiero decir que diesen un mal concierto (eso siempre hay que saber reconocerlo), pero de lejos, fue el conjunto que menos me llegó.

Ingested:

También muy puntuales, aparecían sobre el escenario con una formación parcialmente renovada para esta gira. Su intensa agresividad, tanto visual como sonora, quedó más que patente en esa muralla de doble pedal con la que arrancó Skinned and Fucked, poniendo en marcha una maquinaria que funcionó a la perfección desde la primera nota. Esto incluye, por supuesto, a su nuevo frontman, Adam Mercer, quien hizo gala de un surtido elenco de registros vocales, entre variaciones de tiempos y ralentizaciones meticulosamente ejecutadas. De hecho, otro de los grandes protagonistas del show fue otra incorporación reciente, la de René Gerbrandy, a quien vimos en lugar del habitual Lyn Jeffs (creo que de forma temporal). Un chaval que me dejó totalmente boquiabierto por su exquisito y perfecto dominio del doble pedal. Aunque esto a la larga fue un arma de doble filo, ya que esta saturación, típica de su género, empezó a cargarme demasiado pronto. Su impecable técnica continuó haciendo estragos en Oaths Betrayed (para la que apenas se detuvieron), a lo que hubo que añadir esos continuos y tajantes headbangings de ambos guitarristas, y el paso firme con el que Adam se subía a la plataforma delantera. Los cambios tan radicales enloquecían al personal (yo les veo menos gracia), y si en unos instantes se podía contemplar la sala entera arqueando la espalda, en otros se convertía en un tormento de empujones, pisotones y codazos, de los cuales recibí unos cuantos.

Y aunque me temo que la ecualización general no era tan buena como en los dos anteriores grupos, la bajísima afinación era de las que nos retumbaba en el pecho, algo notorio especialmente en cortes como Merciless Reflection o Impending Dominance. Esta última, sobre todo, fue uno de los pistoletazos más sonados de su actuación. No era ni necesario, pero por si acaso, su vocalista Adam Mercer (un mastuerzo de los que te hace retroceder si se te pone delante) no paraba de incitar al desfase, pidiendo walls of death y moshpits a destajo, desde una plataforma a la que sacó mucho partido. Ante el escenario teñido de rojo sangre, y con algunos de los guturales más salvajes de la noche, la velocidad se disparaba hasta cotas impensables en algunos momentos, tirando René Gerbrandy de ritmos rompe-cuellos y unos blast beats que se salían de toda gráfica. Técnicos, bastante técnicos, de hecho, y eso sí me gusta. Realmente, gracias a esta faceta aguanté el concierto entero, porque como digo, el resto casi podía conmigo. Endgame prolongó, empalmada nota con nota, aquel momento de destrucción despiadada, resaltando esos break downs que hicieron las delicias de los más modernos allí presentes. Por fin, en uno de los poquísimos parones, la banda se presentó convenientemente, pero también pidieron aplausos para todas las demás del cartel. Para ser sincero, y por mucho que lo he intentado, no tengo ni puta idea de qué fue lo que sonó a continuación (es lo que tiene no presentar ni uno solo de los temas).

Posiblemente, debió tratarse de algo nuevo, o alguna cover trasladada a su estilo, porque fue tan recargada y variada en ritmos como el resto. La motivación de la peña estaba tan subida como la del cantante, que no cesaba en su empeño de provocar, o el dúo formado por los guitarristas Sean Hynes y Andrew Virrueta, dando esos golpes tan violentos con sus melenas. Tras la enfermiza atmósfera creada por Nefarious Tongues (tal vez, una de las que más me moló) gracias a los afilados y precisos riffs, y a la avalancha de doble pedal, caían los dos últimos cortes. A esas alturas, sinceramente, el concierto ya se me estaba haciendo demasiado cuesta arriba, pero intenté disfrutar como buenamente pude lo que restaba. Adam ponía el grito en el cielo, anunciando que solo quedaban dos, y que era el momento de darlo todo. Por una parte Copremesis arrancaba con la pedalera de René, de nuevo, echando humo, tratándose de uno de los temas más cerdacos de la noche, cambios, redobles, mucho movimiento, y partes realmente técnicas. Y para rematar el asunto caía, enaltecida por unos gritos infernales, Erotic Depravity. Fue uno de los varios cortes rescatados de la anterior banda del guitarrista Sean Hynes (entre otros), llamada Age of Suffering, algo así como el preludio de lo que años después sería Ingested. Un wall of death muy destructivo, y una parte final ultra ralentizada dejaron a muchos con el cuello en carne viva. Porque aunque yo no me contaba entre ellos, se notó claramente que era una de las bandas que con más fieles seguidores contaba aquella noche.

A estas alturas, los de seguridad ni siquiera nos dejaron salir a fumar al pequeño patio exterior, donde la gente era obligada a comprar comida si querían cenar. Por suerte (cosa que desconocía), había una pequeña zona descubierta a la que se accedía por una puerta contigua a una de las barras. Nos dimos toda la prisa que pudimos, una birrita, una visita al baño, un pitillo, y aprovechando que había más tiempo de cambio, nos situamos lo más delante que pudimos para recibir como se merecían a los legendarios titanes del Brutal Death americano, Suffocation.

Desde aquella primera vez de la que he hablado al principio, han cambiado muchas cosas, y más concretamente, toda la formación salvo el mítico guitarrista Terrance Hobbs. De por medio, un casi incontable número de músicos que han dejado su impronta en la formación, en mayor o menor medida. Normalmente, cuando esto sucede en una banda tan renombrada e influyente, es motivo de red flag. Y sin embargo, lo que vimos aquella noche en la The One, no deja lugar a la discusión: una apisonadora absolutamente devastadora que no dejó títere con cabeza. Frotándome las manos de impaciencia e ilusión, no tardaron demasiado en desfilar uno tras otro los músicos, recibiendo una enorme ovación que reflejó perfectamente el estado de ánimo general.

Suffocation:

El primer ‘salto al abismo’ se produjo con la grandiosa Thrones of Blood, clasicazo en toda la boca para abrir… y vaya si la liaron. De repente, cualquier hueco, hasta el más mínimo espacio de debajo del escenario, fue invadido por una masa sedienta de moshpits, haciendo de aquella última batalla algo jodidamente épico desde el principio. El comportamiento del bajista Derek Boyer también hablaba por sí solo: instrumento apoyado en el suelo, piernas completamente despatarradas, molinillo con el pelo… y a muerte con todo. Excelente sonido, actitud por las nubes, una iluminación acojonante… de aquello no podía salir nada malo. Jesus Wept, presentada por Ricky Myers (actual vocalista de la banda) y arrancada por los distorsionados riffs de Terrance Hobbs, fue la siguiente declaración de intenciones, contando con un solo a dos bandas, y unas partes de batería de una exactitud alucinante, las cuales nos llevaron hasta Seraphim Enslavement. La vertiente más estrictamente técnica de la banda se presentaba a continuación, para deleite y jolgorio de a quienes nos flipa este rollo, petada de rachas mortíferas de blast beats y mucha pasión por parte de Hobbs (siempre viviendo el momento). Unos cuantos avisos entre banda y técnico durante los descansos fueron puliendo todavía más la ecualización, sobre todo, de escenario para adentro. Tras la oscuridad total, Breeding the Spawn estalló con una mala hostia del copón, agitando a la peña hasta rebosar un nuevo límite de desfase.

Me fijé en que el efecto de eco que Ricky llevaba en su micro, engordaba y oscurecía aún más su voz. Sus gritos solo cesaron para dejarnos escuchar esos complejos punteos por parte de Derek (¡¡menuda bestia!!), y vuelta al trapo. El entusiasmo y agresividad entre los músicos crecían exponencialmente. El guitarrista Charlie Errigo doblegaba el cuello como si no hubiese un mañana, al tiempo que John Longstreth, a la batería, nos inyectaba nuevas dosis de brutalidad en todos sus registros. Para pocas bromas estaba la cosa. Los neoyorquinos habían salido con mucha fuerza, con muchas ganas, conectando instantáneamente con el público, y aquello ya no había quien lo parase. Tirando en ocasiones de intros con sonidos sordos e inquietantes, en esta ocasión derivaron en el auténtico maremágnum de tempos que es Perpetual Deception. Cerrar los ojos por un momento, y centrarte solamente en la batería, era una locura para los sentidos, ya fuese por las ráfagas de doble bombo, las filigranas con los platos, los redobles, los enlaces… el trabajo de John fue absolutamente brillante en todo momento. Su compañero en las bases rítmicas tampoco se quedó atrás, regalándonos todo tipo de ostentosidades técnicas, y de ese modo, en Catatonia, volvía a dejar su bajo completamente vertical apoyado en el piso, arañaba las cuerdas, y de paso, nos mostraba esa sonrisa de puro disfrute. Los circle pits se habían extendido por doquier, y ya nadie estaba a salvo allí.

Podía estar lidiando con el que tenías enfrente, y justo detrás te aparecía otro. Vaya puto ambientazo, colegas. Proseguían sin piedad ni compasión con As Grace Descends, en donde disfrutamos de uno de los solos más rápidos e intrincados de Terrance Hobbs (que inmenso placer es poder ver a una leyenda de su envergadura). Y de Ricky Myers lo mínimo que puedo decir es que me encantó. Es verdad que la sombra de Frank Mullen siempre planeará sobre Suffocation, pero en el actual vocalista, vi a un tipo muy cercano, humilde, muy carismático, con gran voz, y que supo llegar en seguida al público tirando de soltura y actitud. Cada vez que gritaba aquello de ‘let’s go!!’, había que adoptar posición defensiva, y precisamente lo que nos trajo Pierced from Within fueron hostias como panes. El sonido, a aquellas alturas del concierto (y bajo mi opinión), era prácticamente perfecto, todo muy equilibrado a la par que poderoso, y eso propiciaba el disfrutar aún más de cortes como la desgarradora Dim Veil of Obscurity, su doble bombo enloquecido, y las frenéticas escalas de T. Hobbs. Lo del público, subió de nivel. Ya no se conformaban con reventarse en los moshpits, sino que ahora veíamos a la peña, literalmente, navegar sobre nuestras cabezas. Ni siquiera las partes más ‘doom’ y agobiantes de Effigy of the Forgotten lograron templar los ánimos (ni tampoco lo pretendieron). Nuevamente, aquello fue una lección magistral de técnica aplicada, con cambios instantáneos, fulgurantes y perfectos hasta la obsesión.

¡Muchas gracias! (en castellano), nos gritaba Ricky, antes de que la oscuridad volviese a engullir el escenario. No se tomaron un descanso para los bises, que llegaron enlazados, y que nos reservarían más de una sorpresa. Empleando una introducción disparada (y algún efecto de sonido intercalado durante el tema), Funeral Inception cayó como un jodido obús. Y aunque su intervención no era ni siquiera necesaria, Ricky se plantó sobre su plataforma, y echó todavía más leña al fuego, pidiendo circle pits y sangre. Sin esperarlo, vimos cómo Emilio Ortega (Eternal) y Alex Sason (Undeath), subían a la palestra para acompañar al cantante en el resto del tema, mientras Derek Boyer hincaba rodilla y nos daba otra incontestable lección de actitud. Los tonos del escenario cambiaban a verde para recibir un torbellino del tamaño de Liege of Inveracity. Los guturales se tornaron en pura rabia, y no solo los de Ricky Myers. Porque a su derecha, aparecía de la nada (si no me equivoco), Raymond Robert de Eternal, demostrando con hechos que no solo es una puta máquina de tocar el bajo, sino que tampoco se defiende nada mal berreando. Los enfervorizados ‘¡eh, eh!’ del público ya eran imparables en aquella recta final, y para cerrar con todos los honores aquel sarao de caos y destrucción, Infecting the Crypts nos dejó con unos graves directos al estómago, mucha complicidad entre los músicos (las miradas entre Charlie Errigo y Terrance Hobbs eran pura expresividad), y una ametrallada final que reventó la The One hasta los cimientos. ¡¡LA HOSTIA!!

Esperamos un ratito allí, pero no hubo foto final (como tampoco la hubo en el resto de grupos), ni setlist, ni tirada de púas, ni nada de nada. Era algo que se echó de menos aquella noche, pero por el contrario, los horarios se llevaron con la más estricta puntualidad, y eso, para mí, es algo muy de agradecer. Así, no siendo ni las once todavía (¡qué gusto!), y tras casi tres horas de intensos conciertos, nos disponíamos para la vuelta a casa, no sin antes saludar y despedirnos de toda esa buena gente que nos había acompañado en esta brutal movida.

Espero que cunda el ejemplo con el tremendo exitazo logrado por este evento y Madness Live! (o cualquier otra promotora) se anime a traer más giras de esta índole a la tan olvidada Alicante, más Metal a una sala que, siendo una de las mejores que tenemos en toda la Comunidad Valenciana, está injustamente desaprovechada y relegada en los últimos años casi exclusivamente al discotequeo para pijos y demás calaña. Cómo me molaría que la The One (o como la conocíamos en los viejos tiempos, la mítica Nave 8, donde tantos y tantos inolvidables momentos pasamos), volviese a recuperar sus días de gloria.

Por último, espero que os haya gustado la crónica, porque no ha sido nada fácil. Los múltiples cambios en las formaciones de los grupos para esta gira me han llevado mucho más tiempo del habitual para 'componerlas', e incluso es posible que me haya equivocado en el nombre de alguno de los músicos (si es así, pido disculpas). Las fotos que la ilustran, son cortesía de Tere.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Way Back Home (Jolly Joker, viernes 02-10-2026, Loco Club, Valencia)

2026-10-05T14:09:27.397+02:00

Nos metemos ya de lleno en el cuarto trimestre de este 2026, que se me ha pasado en un suspiro a pesar de que ha habido en él infinidad de música, noches y conciertos que me han dejado una huella imborrable. Y precisamente con esta crónica vengo a relataros algo que ha reunido todo eso, y que para mayor alegría, ha tenido un significado muy especial a nivel personal. No solo da la casualidad (si es que esta palabra se puede emplear refiriéndonos a ellos) de que Jolly Joker dieron una de sus mejores actuaciones entre las más de 30 que les he visto, sino que paralelamente, pude por primera vez vivir en persona la ‘experiencia’ completa de lo que viene a ser una noche de curro para ellos, incluyendo montaje y prueba de sonido, y esa era una grandísima ilusión que llevaba mucho tiempo deseando hacer realidad. Pero al margen de la gran emoción que esto me supuso, debo recalcar que lo que vivimos el pasado viernes ante el escenario del Loco Club en Valencia, fue una auténtica barbaridad de quitarse el sombrero. Jolly Joker, no cabe duda, se encuentras en su mejor momento de directo… aunque me temo que esta afirmación solo tendrá validez hasta que den su próximo concierto, en donde volverán a superarse a sí mismos. Es lo que sucede cuando una banda solo sabe ir a más. Para añadir alicientes extras al conjunto, no solo jugaban en casa, no solo era su primer concierto en Valencia desde que en febrero del 2025 diesen la fiesta inaugural en honor a su último discazo, sino que además, venían presentando este último en su nueva y flamante edición en vinilo, que es una jodida maravilla. Y ya que estamos, ¡también nuevo modelo de camiseta!

Mi amigo Nando y yo nos plantamos a primera tarde en Valencia (más concretamente, en Rocafort), con calma y tiempo por delante para lo que sería la primera mitad del gran acontecimiento. Tras echar una mano en gestiones logísticas, no tardamos demasiado en llegar y aparcar justo enfrente del Loco Club, una sala a la que ya echaba de menos acudir después de tanto tiempo. Allí mismo, tuve el enorme privilegio de ver in situ a la banda probando sonido, y poco después, fuimos a tomar unos tentempiés en un bar cercano junto a peña tan de puta madre como Judith y Paula, saludando a esos encantadores alemanes que son Bill y Angelica, y uniéndose al grupo Sergio ‘Bixo’, a quien me alegré muchísimo de ver.

En la calle se respiraba ambientazo y muchas ganas de juerga, y por supuesto, también en el interior de la sala, ya acercándose el inicio. Aunque no presentaba un lleno absoluto, pronto se iría concurriendo más, y toda la peña terminaría por acercarse hasta las primeras filas, donde ya nos llegaban fuertes las vibraciones de la introducción y sus Hammonds.

Las primeras notas de Yannick para abrir Sky is so High fueron como la mecha de un cartucho de dinamita: en cuanto arrancaron… la explosión fue inmediata. Entre melenazos al viento, gafas de sol, terciopelo y pies sobre monitores, la banda se iba desplegando sobre el escenario con una presencia y una actitud que, por muchas veces que les haya visto ya, me sigue pareciendo abrumadora. Acompañando con su aro, y sin dejar de gesticular, Lane Lazy tomaba el control de esos tempranos ‘¡eh eh!’ de la peña, que solo eran un pequeño adelanto del puto fiestón que se avecinaba. La siguiente Shotgun lo corroboró a lo grande. Con Lazy demostrando con hechos estar en una de esas noches de plenitud vocal, Yannick hacía su primera salida (de muchas), hasta la pequeña plataforma al frente del escenario, al que se unió el bajista segundos después en toda una declaración de intenciones… y máxima chulería. Y claro, estas acciones todavía agitaron más al personal. Temas como The Chance nos hacían deslomarnos a saco gracias a la casi perfecta y potentísima ecualización de la que disfrutamos esa noche, en donde las guitarras fueron unas de las grandes beneficiadas, sin desmerecer el currazo que se metía Aaron al hacer atronar su batería.

Primeras palabras de Lane Lazy frente a un público ya agolpado en primera línea de fuego, y bastante alborotado, que dieron paso a uno de los tramos más brutales del concierto. Porque la frenética World Collapse, que precisamente abre su “Jolly Joker”, no se puede tildar de otro modo. Continuando con sus imparables cabeceos, y con un semblante que reflejaba la emoción del momento, Andi se paseaba y se asomaba hasta nosotros con su aplomo y simpatía habituales, en plena subida de tensión. D.A.M.A.G.E (para la que Lazy recuperaba su atuendo completo, manteniendo a lomos su guitarra) fue otra de las tochas, que nos pusieron a parir con la formación de un auténtico huracán encima del escenario: el vocalista no daba tregua alguna, Yannick salía como un relámpago a reventarlo todo en primera línea, y Andi culminaba el tema dando puñetazos a su instrumento en alto. Aquí no vale solo pedir ánimos, se predica con el ejemplo, y lo mejor de todo es que gracias a la inagotable energía que desliga la banda en cada momento, lo consiguen a la primera. Como digo, uno de los principales motivos de esta gran celebración era la salida del “Jolly Joker” en vinilo, y así nos lo recordaba el frontman, pidiendo ya de paso un aplauso para la ‘pelirroja de sus sueños’, Judith, que se encargaba del puesto de merchan.

Conectaban sin extenderse demasiado con Enough, también del citado disco, luciendo muy gordas esas guitarras, y con el bajo de Andi otra vez en alto. Los saltos y movimientos de la banda eran una tónica constante, y estaba claro que pretendían dejarnos fritos cuando Aaron abría a mamporrazos la provocadora Fuck it All. La cosa volvió a ponerse al rojo vivo, con decenas de ‘middle fingers’ en el aire, y una peña súper encabronada con headbanging y empujones que Lazy espoleaba con sus alaridos. Yannick contemplaba el desmadre general completamente despatarrado, y se lucía en el solo con una interpretación de 10. Con las manos y palmas en alto recibíamos Perfect Life. Ritmo rocanrolero, pero pegada muy furiosa de manos de un Aaron que parecía mantener aún el reprís de la anterior. Tirando de una inmejorable combinación de actitud desbocada y poses de lo más retorcido, Yannick se salía de madre, dominando pedalera, feedback, e intensidades, con la pasión siempre candente, y esa espontaneidad, recursos e imagen que, para mí, le convierten sin duda en uno de los mejores guitarristas de nuestra escena. A lo que otros apenas llegan, a él le sobra a raudales, y esos contorneos, caídas de rodillas y CLASE superior, continuaron ahí durante My Little Cadillac.

Desde luego, a la vista está de que en poco tiempo este tema se ha convertido en toda una estrella del setlist, poniéndonos a todos a bailar al ritmo con el que Aaron hacía trotar su batería, o los detalles en el borde de la caja. Y en ese final en el que Andi se encaraba al público delante del escenario, recibieron una de las mayores ovaciones de la noche, tan completamente volcados como estábamos. Más caliente todavía nos puso Motor, con las guitarras distorsionadas hasta el límite, y con los músicos haciendo piña entre ellos. Otro 10 tanto para la actuación vocal como escénica de Lazy, que tiraba de teatralidad y desparpajo para acabar arrastrándose por los suelos hasta nosotros. Este último se colgaba de nuevo su ‘bestia roja’, pero esta vez para hacerla sonar en otros registros mucho más íntimos, los de Broken Glass. Y cuando hablamos de músicos de semejante nivel, y de un tema compuesto desde las entrañas, también lo hacemos de uno de esos momentos del concierto que se te encasquetan en lo más profundo. Para mí, fue justo lo que faltaba para terminar de elevar la noche hasta la perfección, porque además, durante ella creí percibir una conexión muy cercana y especial entre público y banda.

Recuperando su faceta más gamberra y puramente sleazy (que es, fue, y siempre será lo suyo), la emprendían ahora con Blood Velvet entre excelentes coros, regodeos del vocalista con sus compañeros, y un solo atronador de Yannick al frente, elevando su mástil y encorvándose hacia atrás, allanando el terreno para una de las grandes sorpresas de la noche. Haciendo referencia a los dos alemanes que actualmente forman parte del grupo (y seguida de un amago del Still Loving You de Scorpions), sacaron a relucir su vena más ‘heavyroquera’ con el I’m a Rebel de los teutones Accept. La sorpresa en seguida se transformó en entusiasmo, y los botes, gritos, y puños alzados abarrotaron la sala, acompañando al vocalista en cada estrofa y estribillo como si nos fuese la vida en ello. Un fiestón de la hostia santa, en donde este último saltaba, daba patadas en el aire y también palmas recíprocas, alimentando esa intensidad y elevando el calor a su punto justo para proseguir con I Just Wanna (Kiss You). Y entre el hecho de que este tema me vuelve loco (con ese rollazo tan impertinente y descarado), y esa imagen que se formaba ante nosotros, la de Yannick & Lane juntando hombros al borde del escenario (nuestros toxic twins)… todo me supo a gloria bendita.

Por mi parte, continué disfrutando en plan salvaje, castigando las vértebras en la mejor compañía de mi amigo Vicent, sudando las camisetas, y dejándonos las cuerdas vocales a gritos. Cansarse o retirarse no eran una opción ante I Don’t Care, y eso era justo lo que expresaba la agresiva forma de rasgar cuerdas de Lane, el espectacular solo de guitarra, o el machaque final que le metió Aaron a sus parches. Parecía que habíamos llegado ya al techo de intensidad… pero uno no sabe bien cómo, siempre se las arreglan para cargarse los límites. Porque I Wanna Go, que no vi venir, fue como un puñetazo en las costillas. Difícil es que un concierto de Jolly Joker suene ni siquiera regular, y aquí todo estuvo a la altura: guitarras cabreadas y eléctricas, un bajo que retumbaba en los tímpanos, un punch demoledor en la percusión, y entre todo ello, Lane y Yannick que terminaban tirándose por los suelos. Adrenalina en estado puro. Rock’n’Roll en su más alto nivel. Momentos en los que uno se siente muy afortunado por tener una banda así en su terreta, y poder disfrutarles una y mil veces.

El pequeño descanso de a continuación vino bien para recobrar el aliento después del tifón que acababa de pasarnos por encima. Pero el motor seguía en ralentí, y sabíamos que no se harían demasiado los remolones antes de regresar, con el cuchillo entre los dientes, y apretando al máximo con I Am Rock N Roll. Otra que echaba de menos, y que me trae maravillosos recuerdos de aquella gira del “Never Say Forever”, con la que siempre abrían fuego a toda leche. Petada de guitarras muy rudas y macarras, y con Lane vociferando ya en los primeros riffs como un descosido, fue en ella donde haría su primera incursión nuestro amigo Jack, que segundos después regaba los gaznates de las primeras filas. No contento con ello, ni con la putísima fiesta que fue Rockin’ in Stereo, el vocalista saltaba del escenario y la cantaba entre nosotros, montando un escándalo del copón mientras sus compañeros seguían echando leña con poses y gestos de lo más ostentoso. No dejamos de bailar, cantar y saltar durante todo el tema, y aun así, como suele pasar en sus conciertos, pedíamos más entre gritos insaciables de ‘¡otra, otra!’. Porque arrancar con ellos súper fácil, pero despedirse siempre resulta duro de cojones, después de ese aluvión de energía, actitud y sarta de temazos a los que ya nos tienen acostumbrados.

Solo os digo que de un año a esta parte ya les he visto cinco veces y no puedo esperar a la siguiente, que si no pasa nada, tendrá cita el próximo diciembre en Alicante (Marearock). La lástima fue que la sala se vaciase tan pronto una vez terminó la fiesta, pero durante el rato que permanecí allí, lo pasé de vicio. Un lujazo reencontrarme, junto a los ya mencionados, con gente de la talla de Popi, Guille, Manu, Marisa, Alejandro, y sobre todo, esas conversaciones musicales con el gran Paco Muñoz y conocer por fin a Kike (batería original de Jolly Joker), que fue toda una alegría. Mi mayor agradecimiento, sin embargo, va dirigido a todos los miembros de la familia Jolly Joker (Lane Lazy, Yannick, Andi, Aaron, Judith, Paula y Nando), por el trato y la amabilidad recibidos, y por hacerme sentir (literalmente) como en casa. Cualquier cosa que diga es poco. Noches como esta me renuevan la vida.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

En la cresta de la ola (Frank Suz & the Crazzy 88's, jueves 24-09-26, Centro Cultural Salvador Miró, Ibi)

2026-09-27T11:51:25.253+02:00

El artista Frank Suz sigue paso a paso, aunque a un ritmo imparable, recogiendo los frutos de su nueva andadura musical. Con line up parcialmente renovado, un volantazo sonoro hacia terrenos (todavía) más rocanroleros, formato 100% instrumental y nuevo nombre, Frank Suz & the Crazzy 88’s se presentaron pisando fuerte en la escena hace poco más de un año, y solo en el presente, han dado ya una buena retahíla de conciertos por toda nuestra geografía, alrededor de unos 20, pasando incluso por festivales tan importantes como el Bali Rock and Roll Fest, y ganándose el respeto y la admiración de todos cuantos les ven en acción. Y es que cuando tablas, entusiasmo, trabajo duro, y exquisito gusto musical se dan de la mano, ni el resultado ni la opinión general pueden ser distintos. Todavía les queda mucho recorrido en lo que resta de este 2026, y yo, de momento, ya me he dado el homenaje de verles en tres ocasiones. Una de ellas, repitiendo en el Ateneu Popular La Gavarnera de Ibi, la otra, hace un par de meses en el Pub Dublín de Gandía, y esta tercera, regresando al Ibi natal de Frank… pero no de cualquier manera. En los dos anteriores, mostraron de sobra su valía para desenvolverse y liarla a lo grande en espacios bastante reducidos, pero esta vez contaban a su disposición con todo un señor escenario y un recinto de lujo, el del teatro de la Centre Cultural Salvador Miró. Decir que, de primeras, se me hacía rara la idea de presenciar uno de sus conciertos sentado, por lo bailables y marchosos que llegan a ser, pero al final, fue simplemente otra forma distinta e igual de disfrutable. Al fin y al cabo, toda esa pasión que transmiten es algo que siempre van a mantener intacto.

Otro de los retos de aquella tarde / noche a los que se enfrentaba la banda, a pesar de jugar en casa, era el propio público, gente de todas las edades, gustos personales y condiciones, juntos bajo el mismo techo para disfrutar del más puro Rock’n’Roll, directo y sin artificios. Sin embargo, el notable interés que suscitaron ya se vio expuesto a las puertas del teatro, con un buen número de asistentes esperando en la puerta a que arrancase el concierto, al que por cierto, se accedía de forma gratuita mediante invitación y. Mi chica y yo recogimos las nuestras, saludando al amigo Benja, y nos metimos ya hasta el patio de butacas.

Tras un pequeño margen de tiempo para que todo el mundo ocupase su sitio, y mientras veíamos proyectada la portada del “Callos de Wagyu” en las cortinas, estas se abrieron, se atenuaron las luces… y la banda pisó de golpe el acelerador, presentándonos nada menos que un tema nuevo llamado The Killer Wasp (que ya tuve el placer de escuchar en Gandía). Muy elegantes y enfundados en trajes conjuntados, recibieron pronto las incondicionales palmas de su público, gesto que les animó mucho ya de primeras. La creativa melodía del tema hace pensar que el nuevo material va a ir por muy buen camino, y la actitud que mostró la banda fue sólida y con paso firme, incluidas esas oscilaciones de Frank, saxo en ristre. ‘¡Buenas noches Ibi!’, gritaba el artista, antes de que Javi iniciase con sus baquetas Kappa Shake, un temazo que me hizo maldecir el no poder acercarme a bailar bajo el escenario. Ritmo en vena, y con el buen sonido de su parte, al poco Frank dejaba el saxo para arremeter contra sus teclas, y a su lado, Nando Insidious a las cuatro cuerdas azotaba con su mástil en todo el subidón del corte.

Del mismo modo que hicieron con otros, empalmaban a destajo con Hiroshima Boom, y el concierto iba cogiendo una dinámica imparable, subiendo de revoluciones y con los músicos incluso más seguros y sueltos. Los insistentes y alocados riffs, tanto en el saxo como en las guitarras de Teto Adán, los constantes machaques de Javi en su batería, y ese bajo de Nando que sonaba de maravilla (de las veces que más claro lo he escuchado), contrastaban con la sutileza de otras partes, todo muy bien trazado y medido. Detalles así ya son una buena muestra del talento de todos los músicos, y eso que todavía no habíamos llegado a las partes más técnicas. Igual que el sonido, también el público estaba completamente volcado con ellos, aplaudiendo sin excepción en las breves pausas. En la última, Frank aprovechaba para quitarse el chaleco y presentar el siguiente trallazo, que resultó ser Uzendayo. Siempre tirando de su impecable saber estar, Teto abría con sus punteos, dando paso a una melodía que nos atrapó de inmediato en sus zigzagueos.

Al mismo tiempo que Nando daba coros, se le unía Frank, mostrándonos ambos sus mejores maneras, ese aplomo escénico y esa confianza que se percibe entre ellos, y lo mismo se puede decir de ese cara a cara Frank / Teto, con un fantástico duelo. Ya solo faltaba ese fuerte acompañamiento de palmas por parte del público para redondear el asunto. Tras un ligero desliz (asumido con mucho humor), recomenzaron uno de los temas favoritos del “Callos de Wagyu”, Yakuza Lovers, cuyo sonido en el Hammond en seguida nos sumergió en la fantástica atmósfera que es capaz de crear. La destreza de Frank fue clave para ir alternando entre este instrumento y su saxo, empalmando unas partes con otras, improvisando algunas notas entre medias, y bordando esa curva de bajada hacia el final con todos los músicos coordinados como un reloj. Sin dejar un segundo de silencio, enlazaban con Kamikaze Blind, a piñón fijo, donde de nuevo volvíamos a presenciar la gran química entre Teto y Frank. Excelente trabajo el de Javi llevando las crecidas y bajadas de intensidad, calculando muy bien la pegada y mostrando un enorme flow. Incluso las luces parecían acoplarse a esos vaivenes sonoros.

Pero sin duda, la mejor parte del tema vino con la parte improvisada, de esas que tanto me flipan, y gracias a las cuales no vas a verles en dos conciertos iguales. Fue, además, todo un homenaje a la figura del gran Carlos Santana, iniciado por Frank golpeando su Hammond como si de un tambor se tratase, respaldado en todo momento por esos matices más jazzísticos en la batería de Javi, consolidado con cantidad de detalles en la guitarra de Teto (solo incluido), y endurecido por los bajos de Nando. Todo rodó como la seda para llegar a esa última recta en la que el frontman se encabronaba con sus teclas, marcando un final de órdago. ¡Aquí hubo mucho tomate! Y la cosa no decaería mediante las sinuosas formas de Sumbala. El emotivo solo de saxo de Frank levantó pasiones entre el público, y también nos encandiló la melodía formada por Teto. Asomándose constantemente al respetable y retorciéndose mientras tocaba su saxo, no hay duda de que la maestría de Frank con este instrumento brilla cada vez con más fuerza… porque en lo que se refiere a la actitud, eso siempre va de serie.

A tope y sin detenerse, caía ahora Surfing Fukushima, aquel primerísimo single que nos presentaron hace ya más de un año de su flamante “Callos de Wagyu”. Primero, con un mano a mano entre Suz y Teto, y seguidamente, con otro torbellino de alternes entre saxo y teclados, dibujando junto a las bases rítmicas unos cambios de intensidad sutiles pero perfectamente ejecutados. Saludaba Frank, bromeando y promocionando el merchandising, antes de arremeter con la parte más frenética del concierto. Y es que meter juntas Revenge of the Renegade Samurai (sin duda, otra de mis favoritas del disco) y Atomic Organ From Hell, solamente separadas por un pequeño interludio de teclas, es toda una declaración de intenciones, y una llamada al más puro desmelene. Sobre todo esos teclados a toda hostia, protagonistas absolutos, me pusieron a 100, mientras el escenario se iba llenando de humo y Javi pisaba el acelerador para meter una cera tremenda. Puro virtuosismo salvaje y sin concesiones, en medio del cual Frank acabó de rodillas frente a su Hammond, zarandeándolo y golpeándolo con el nervio y el frenesí a los que nos tiene acostumbrados, y elevando con ello la temperatura hasta el punto de ebullición. ¡¡Bestial!!

La calma después de la tormenta (como dijo el propio Suz) se materializó en el que seguramente es uno de los temas más personales que ha escrito nunca, llamado Vampire Nights. Tanto Javi como Nando aportaban muchísima profundidad (este último, tocando con los dedos), Frank se desmarcaba con un dominio absoluto del saxo tenor, y la oscuridad que se cernía sobre el escenario redondeaba la ambientación. Nada rompió ese perfecto clima, reforzado también por esos punteos de Teto con los que hacía hablar a su guitarra. De pronto, Frank bajaba del escenario para recorrer los pasillos y pasearse entre las butacas, a paso ligero, y sin dejar de pavonearse y tocar el saxo durante Iron Loto. ¡Y lo mejor es que todo esto quedó registrado en vídeo! S.O.S Rock and roll fue la despedida perfecta, muy cañera gracias a ese ritmo tan surfero y adictivo que nos impedía dejar de bailar (bueno, al menos, agitar la cabeza). ¿Y qué mejor momento para meter una última parte de improvisación? Frank presentaba a sus compañeros Javi, Teto, Nando y Benja (en otras palabras, los secuaces de la organización Frank Suz & the Crazzy 88’s) y la tomaba de nuevo con su teclado, llenando por última vez el teatro de armonías vibrantes y un flow que se salió de madre.

Una hora muy intensa de la que todo el mundo salió enormemente satisfecho. Y los comentarios a posteriori entre la multitud, no dejaban lugar a dudas. El conjunto, tras más de un año de rodaje, ensayos y conciertos sin parar, funciona ya como una máquina recién puesta a punto y engrasada, y con musicazos de esa talla, solo puede ir a mejor. Incluso podemos adivinar que su próximo lanzamiento (del que ya nos dejaron paladear un adelanto), superará, aunque cueste creerlo, al soberbio y delicioso “Callos de Wagyu”.

Antes de dejar Ibi, tuvimos el placer de compartir un rato con los músicos y también de saludar, entre otros, a mi colega Jesús, todos ellos gente de putísima madre. Y por cierto, qué gusto poder llegar a casa después de un concierto y que todavía no sean ni las 22:30.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

We Own the Night (Rock the Sun 2026, sábado 19/09/2026, Carpa del Poble Espanyol, Barcelona)

2026-09-26T01:08:50.822+02:00

En la tarde / noche de viernes anterior, todo salió como la seda. Disfrutamos una burrada de cada uno de los conciertos, y de principio a fin. No hubo una sola banda que nos dejase regusto de decepción, y en cambio, sí muchísimas alegrías, como el conciertazo que se marcaron Kilmara casi al comienzo de la tarde, la bestial energía que desprendieron los The Cruel Intentions, o aquel final de la mano de Eclipse, que si bien es cierto que pudo ser bastante mejor, tuvo los suficientes momentazos como para hacer que recorriésemos el camino de vuelta al hotel con una gran sonrisa. Sin embargo, hay que llamar a las cosas por su nombre, y para mí, este sábado era la jornada con mayúsculas, la fecha y los grupos realmente imprescindibles de un cartel con el que llevaba muchos meses soñando. Una vez más, reconocer el mérito de Madness Live! por tener los cojones de contar con bandas muy poco habituales en nuestra tierra, como los legendarios americanos Faster Pussycat o Michael Monroe, que aunque nos visitó el año pasado en el Rock Imperium, tampoco es que se prodigue en exceso por aquí. A ello, hubo que añadir un acto bastante exclusivo, como el de la gira de despedida que nos trajeron los suecos Treat, la siempre bienvenida Chez Kane, con un repertorio de lo más festivo y disfrutable, o dos de las mejores bandas de Hard Rock que existen actualmente en nuestro territorio, como son Lonely Fire y por descontado, mis idolatrados Jolly Joker, sin los cuales el cartel hubiese sido genial, pero no perfecto. Uno de esos días de festival en los que, de antemano, uno ya sabe que se lo va a pasar como un puto animal desde el mismo arranque hasta el último acorde.

Pero lo primero que me alegró el día, ya desde buena mañana, fue el bufé libre que teníamos incluido en el hotel, cosa que no supe hasta el día anterior. A pesar de haber llegado reventados a la cama, aquel sábado hicimos un esfuerzo para levantarnos temprano y bajar a desayunar. Bastante famélico, y con el fin de acumular energías, me puse como un auténtico gorrino de comida, para después echar un último descanso en la habitación. A aquello del mediodía, quedamos con mi amigo Juanmi, a quien me alegré enormemente de ver, para tomar unas birras y un aperitivo por las calles de Barcelona. Dimos un buen garbeo, pero esta vez con la hora exacta de apertura de puertas en mente, para que no pasase lo del viernes. Para redondear la mañana, justo en la entrada del recinto, me encontré con mis colegas de Jolly Joker (Manu, Yannick, Andi, Aaron y Nando) junto con Judith y Tomás de On Fire, lo que supuso un patadón de ánimos que me duró todo el día.

Muy prontos les veríamos reventar el escenario, pero antes, era el turno de los cartageneros Lonely Fire, una de las grandes promesas (o ya más bien realidades) del Hard melódico / AOR de nuestra escena. Una verdadera delicatesen de banda que, más que un aperitivo, ya era para mí uno de los grandes atractivos de la jornada, sobre todo, después de haber disfrutado de ellos hace unos años en el Rock Imperium y saber de buena tinta que cuidan sus directos hasta en el más mínimo detalle.

Lonely Fire:

Su segundo álbum, que llevará por nombre “Sin City”, es seguramente uno de los lanzamientos más esperados por los amantes del género en nuestro país. Y viendo la calidad que ostentó aquel “The Last Ride” a todos los niveles, no me extraña en absoluto que haya despertado tanta expectación. Por otra parte, y a raíz de lo escuchado en el primer tema que nos presentaron aquella tarde, deduzco dos cosas: que se trata del tema título de su nueva creación (que debe estar a puntito de salir), y que efectivamente va a formar parte de algo magnífico. Al grito de ‘Welcome to Sin City!’ arrancó el segundo día del Rock the Sun, con sonido de teclas, melodías exquisitas, guitarras muy pulidas, y esa cadencia que pronto nos atrapó de lleno. Ni el considerable calor de aquellas horas pudo distraernos de una actuación que comenzó con muy buen pie, y sobre todo, con cantidades ingentes de clase, talento y elegancia. También el sonido estuvo a la par, con guitarras que se escuchaban limpias y bases rítmicas con la justa potencia. Pero si hablamos de elegancia en lo escénico, la palma se la llevó el guitarrista Antonio “Nano” Hidalgo, una parte fundamental de la agrupación, que tuvo un feeling y un saber estar tremendo mientras desarrollaba con total precisión temas como Learn to Rock.

De Frank Roses, todos sabemos que es un excelente vocalista, con un rango realmente impresionante y mucha garra en sus actuaciones, y en este último corte ya dio una buena muestra de ello, tanto con sus movimientos como con esos tremendos agudos que se marcó. Frontline es, posiblemente, su tema más triunfal hasta la fecha en cuanto a repercusión mediática, y con él continuaron el show. Segundo single de lo que será su segundo LP, estuvo plagado de detalles en las guitarras de Carlota y Nano, destacando esas armonías bien curradas entre ambos. Una pareja de 10 que continuó cobrando protagonismo, y también aportando unos coros bien sólidos, tal como escuchamos en More Than a Miracle, otro tema de muy reciente impronta, en el que Frank animó a liarla a base de palmas y mucho desparpajo, cantando de puta madre y derrochando carisma a manos llenas. Insisto en que, si nos fiamos de estos tres temas nuevos que nos presentaron, la cosa apunta muy alto para el futuro de su carrera. Era la primera vez que veía en acción a Andrés Zapata, nuevo batería de la banda desde 2025, y la impresión que me llevé no pudo ser mejor. Sus cambios rítmicos fueron medidos, perfectos, suaves y fluidos como la seda, encajando de lujo con la esencia de la banda. Y mientras el bajista Jay Maestre nos regalaba sus mil y una poses (un terremoto imparable durante todo el concierto), Nano ejecutaba su solo adelantándose y luciéndose con gran sofisticación.

Las armonías de cuerdas se desmarcaban de nuevo como protagonistas en Casual Encounter. Carlota Ágatha a las guitarras rítmicas se lo pasaba como una niña, bailando constantemente, marcando coros y cantando los temas para sus adentros, formando un perfecto tándem con su compañero que volvía dejarnos prendados con su incontestable habilidad y soltura. Al igual que este, Andrés no hizo sino ir a más conforme transcurrían los temas, pegando duro y soltándose la melena por completo. Lo único que eché en falta fueron unos teclados presenciales (aunque sí sonaban disparados), tras la marcha de Paul Keys. Del resto, absolutamente ninguna queja. El que fuese single de “The Last Ride”, Victory, fue empleado como despedida a lo grande. Frank Roses se movía como pez en el agua, gesticulando hacia el público, inquieto y apasionado a la hora de cantar, en un recital que superó incluso el primero que le vi. Su amplitud y tono vocal son absolutamente perfectos para el género que practican, y su actitud, de las que enganchan sin remedio. Jay se posicionaba en los monitores, agitando su melena y el mástil de su bajo en esa recta final, con toda la chulería del mundo, haciendo piña con sus compañeros y ostentando una gran técnica, igual que el resto de ellos, para dejar en nosotros un grandísimo sabor de boca… aunque el concierto fuese injustamente breve.

Inmejorable puesta de largo para este sábado de Rock the Sun, en el que, esta vez sí, el 100% de las apuestas se centraban dentro del Hard y el Sleazy. Y si sumamos estos dos términos, y los elevamos a la máxima potencia dentro del territorio nacional, el resultado de la ecuación solo puede ser uno: Jolly Joker. Nunca he podido, ni lo he pretendido, ocultar mi absoluta devoción por esta gente, que me ha prestado algunos de los mejores momentos que he vivido frente a un escenario en toda mi vida. Les sigo desde su primer trabajo, les he visto crecer en directo durante casi toda su carrera, y no puedo evitar emocionarme especialmente cada vez que les veo subirse a un escenario de los tochos. Y con un cartel de la talla del que nos presentaba este Rock the Sun, su presencia en representación de nuestro Rock se hacía del todo imprescindible. Leer su nombre entre titanes como Faster Pussycat o Michael Monroe (bandas que, sin duda, han influenciado enormemente su estilo), es para mí, y para cualquier fan que se precie, un motivo para sacar pecho.

Jolly Joker:

Así pues, en lugar de irnos a tomar un descanso, nos pegamos como lapas a la valla, soportando el intenso calor de aquellas horas durante el cambio. Y me importaba una mierda que todavía faltase todo un festival por delante: ante la llamada de Jolly Joker, hay que dejarse la piel tal como ellos se la dejan sobre el escenario, y más sabiendo que solo dispondrían de media hora para actuar. Media hora que se les quedó, como era de esperar, terriblemente corta, pero en la que supieron concentrar una cantidad de energía abrumadora.

Con la batería posicionada, y los instrumentos ya probados, no tardaron demasiado en asaltar el escenario a lo bestia con Sky is so High, momento justo en el que comenzó el más absoluto de los desmadres. Con atuendos flipantes y una actitud macarra hasta decir basta, las carreras encima del escenario no se hicieron de esperar. La banda venía prácticamente de empalmón, habiendo tocado la noche anterior en Madrid junto a Ankhara, pero ni el cansancio ni la bajada de revoluciones eran una opción. Entre medias del barullo, aparecía Lane Lazy a paso ligero, con un desparpajo que tiraba de espaldas, dando vueltas y piruetas varias que engatusaron al público ya de primeras, al tiempo que Andi daba latigazos con su melena, o Yannick se tiraba desde la plataforma elevada sin mirar abajo. Habían venido a Barcelona para dar el puñetazo sobre la mesa y poner las cosas en su sitio, y nadie podría pararles ya. Incluso el escenario empezaba a quedárseles ya pequeño cuando sonaba ese escopetazo de su último disco llamado Shotgun. Lazy saltaba hasta los cajones del foso para vacilar frente a nuestras narices, imparable de un lado a otro, con su siempre imponente presencia y clase de otro nivel. Tras él, no paraba el fiestón ni por un segundo. Aaron Joffroy machacaba al unísono tanto sus parches como su cuello, y la explosión en ese solo de Yannick subió la temperatura hasta niveles peligrosos.

Temía que la fuesen a quitar por la brevedad del set, pero por suerte, D.A.M.A.G.E. cayó como una apisonadora, sin previo aviso ni descanso, y con Lane Lazy empuñando ahora también su guitarra para darle aún más consistencia. Un tema que me pone la sangre hirviendo, y que no fue de otra forma en el Rock the Sun, con la banda regocijándose en sus mejores posturas, provocando, alentando al descontrol, y como siempre, Yannick y Lazy revelándose como un dúo insuperable. El orgasmo final, en ese ardiente solo alargado hasta el final del tema (mientras Andi corría de un extremo al otro del escenario elevando su bajo) marcó el final de la primera parte del show. Pequeño respiro para que el cantante lanzase agradecimientos, en valenciano y castellano, y presentase el siguiente tema. Imposible no ponerse a botar con My Little Cadillac, otro aluvión de energía en donde vimos la faceta más rocanrolera de Aaron, haciendo trotar su batería y golpeando los bordes de la caja, imprimiéndole una cadencia frenética al tema que iba a la par con ese paso del pato que nos regaló Yannick al dar su solo, o esos constantes asomes de Andi hasta el público. En la duración de un solo tema, Lane Lazy se quitaba el chaleco, taconeaba el suelo, se echaba unos bailes, salía del escenario, volvía con su sombrero, zarandeaba el palo del micro… y todo ello sin dejar de cantar de 10. ¿Alguien da más?

Tan inquieto como siempre, además de cantar todas y cada una de las letras para sí mismo, Andi también ponía los más eficientes coros en Blood Velvet, y volvía a encararse con su compañero Yannick, quien acabaría lanzando patadas al aire y brillando con luz propia en la parte del foso. Tras estamparnos su solo en toda la jeta, con una chulería de movimientos desmesurada y su nervio habitual, volvía de una zancada al escenario para rematar el gran final. Lo cierto es que aprovecharon cada minuto que se les ofreció, y después de una breve presentación, llegaba otra de las grandes alegrías del setlist con I Just Wanna (Kiss You), el que fuese primer adelanto de su “Jolly Joker”. Unos riffs bien gamberrazos y refrescantes, que pusieron a todo el recinto a bailar, llegaban de la mano de Yannick, que aquel día se encontraba especialmente inspirado. Le vimos fliparse a lo grande con sus poses, arropar a Lane Lazy con armonías corales, y corretear por todo el escenario, cruzándose con Andi una y mil veces, al ritmo que Aaron marcaba con esas subidas de intensidad tan milimétricamente controladas.

Jolly Joker solo tienen una gran carencia, y esa es la total y absoluta falta de vergüenza, que a su vez, es una de las cualidades que más les acerca a su público. En mi caso, estaba tan inmerso en el concierto, reventándome la espalda con cada tema, que ni de coña imaginaba que el final estuviese tan cerca. Pero Rockin’ in Stereo son palabras mayores, y en ella, la banda dio todo lo que les quedaba en una juerga de cojones. Arrancaba Yannick metiendo ruido con su guitarra sobre la plataforma, y los insinuantes gestos de Lane Lazy elevaban sin parar el termómetro en un tema que, además, sonó muy potente. Tanto desfase y movimiento de los músicos iba dejando tras de sí un estropicio de cables y objetos caídos… menos mal que ahí estaba Nando de la ‘Jolly Joker motherfucking crew’ para poner algo de orden. Mientras Aaron machacaba a muerte los parches, Yannick le daba caña al tapping, y Andi apuntaba al cielo con su bajo, el frontman saltaba al foso con una sonrisa maliciosa y una botella de Jack Daniels en mano. Una por una, fue repartiendo tragos entre las gargantas del público, y seguidamente, volvió al escenario para escupir ese último trago al aire y poner fin a la liada. Lo dicho. Unos auténticos sinvergüenzas… a los que cada vez quiero más.

Hablé con peña que les acababa de conocer allí mismo y fliparon con la actitud, el dinamismo que tuvo el concierto, y el sarao que fueron capaces de liar en solo media hora. Incluso conocí a un par de chicas belgas que vinieron desde su país adrede para verles. Cada vez me doy más cuenta de que, a pesar de que su estilo y su sonido no son siempre admirados como merecen en nuestro país, rara vez suelen dejar a nadie indiferente. Y eso se lo han ganado ellos solitos a base de esfuerzo, sacrificio y trabajo constante.

Tocaba ahora un cambio de tercio musical, en donde las melodías más ligeras y comerciales volverían a la primera plana. No hace más que un escaso mes y poco que vi a la artista británica en acción, y sin embargo, nunca está de más repetir con ella, ya que sus conciertos son sinónimo de diversión sin complejos, bailar, y cantar a pleno pulmón estribillos facilones pero de lo más pegajosos. Nada mejor que la gran Chez Kane para viajar cuatro décadas en el pasado… aunque fuese solo de una hora.

Chez Kane:

Al contrario que la mayoría de bandas presentes en el cartel, el escenario no mostraba ningún telón de fondo ni atrezo, y de momento, con el sol todavía brillando, no necesitaba luces. Sin embargo, nada de eso era necesario para vivir el concierto con toda la intensidad posible, y con una banda así, es un hecho casi garantizado de antemano.

Estábamos sentados en las gradas cuando sonaron los primeros acordes de Personal Rock N’ Roll, y saltamos como liebres para acercarnos todo lo posible. A estas alturas, el festival ya se había llenado bastante, y sin llegar ni de lejos a resultar agobiante, sí se podía intuir que hoy tendría más asistencia que el día anterior. Ya bien situados, fuimos partícipes de los primeros saltos de James Ready, de sus pataletas y derrapes, y de unos coros que, total o parcialmente, debían ser disparados. Mejor todavía respondió la peña a Too Late For Love, en donde la vocalista desplegó toda una serie de movimientos insinuantes que son santo y seña de su identidad. Muy cantada y bailada, y con un gran solo de Harry Scott Elliott, el bajista Keiran Ready se acercaba hasta primera línea de escenario, cobrando una presencia no demasiado habitual que mantendría a lo largo del concierto. Los juegos y las bromas entre James y Harry empezaban a fraguarse en forma de patadas en el aire, un recurso que repitieron infinidad de veces, tremendamente divertidos. Un cariñoso saludo por parte de Chez, y vuelta a esos sonidos ochenteros de la mano de Love Tornado, que llegaba para sumar temas de su último disco “Reckless”, y que a mí personalmente me ha gustado mucho.

Entre Keiran y el batería Jay Haines se marcaron una buena apertura, que continuó con la fiesta personal de ambos guitarristas. En particular, James llevaba ya una sudada del copón… algo totalmente comprensible viendo el ritmo que estaba cogiendo su actuación. Suele ser el alma de la fiesta, pero esta vez estaba que se salía. Desde el escenario, Kane nos hablaba de su inspiración, y de su querido padre allí presente, cuyo cumpleaños era precisamente aquel mismo día, por lo que entre todos le cantamos el Happy Birthday bien alto. Muy contenta y emocionada, Chez embistió con muchas ganas, soltura y actitud en Reckless, e incluso colgándose su guitarra, mantuvo un ritmo físico envidiable. Nuestras palmas les animaron todavía más, y sin demasiados preámbulos, seguían dándole caña al “Reckless” con el último single (y videoclip) Bad Girl. La vocalista, todavía combinando voces y guitarras, nos instaba a cantar mientras ella lo hacía de lujo, entre esos teclados de Oscar Charlton que asomaban de vez en cuando, y los coros que compartían este último y James, transmitiéndonos esas letras tan simplonas pero que tanto juego dan en directo.

De hecho, cada vez parecía haber más gente, y más apoyo a la banda. Claramente, Chez Kane y los suyos se han labrado una sólida base de fans en nuestro país, que ya han visitado unas cuantas veces en relativamente pocos años. Difícil no acordarse, mientras suenan las primeras notas, de ese explosivo y calentorro vídeo que la cantante grabó para Love Gone Wild. En este caso, los saxos que forman parte de su melodía fueron sustituidos por los punteos de Harry Scott Elliott (guitarrista también de Tyketto, por cierto). Precisamente ambos hachas tuvieron mucho peso en el tema, compartiendo micro para los coros y con la ejecución por parte de James de un kilométrico solo que aguantó hasta el mismo final del tema. Chez se curró a saco esos tonos altos, que acabó saldando con matrícula sin despeinarse. En las últimas veces que la hemos visto ha dejado a un lado (con excepciones) temas exigentes hasta el extremo, como Ball and Chain, optando por otros de tonos más relajados. Strip me Down, que empalmaron con la anterior, fue otro ejemplo.

La vocalista paseaba de lado a lado del escenario exhibiendo sus poses más sexys y su actitud más caliente, con la que se ganó unas cuantas palmas desde el gentío. James y Harry volvían a las andadas, tirando más patadas coordinadas y formando círculos al bailar, descojonándose entre ellos con total desvergüenza. Justo a todos estos aspectos me refería al principio, cuando comentaba que un concierto de Chez Kane es pura y simple diversión. Turno ahora de una de mis grandes favoritas del “Reckless”, como es Tongue of Love. Un feeling ochentero brutal, con bases de teclas dominantes, melodías que podrían haber sonado en la radio mil veces hace 4 décadas, y mucho virtuosismo en los solos que Harry nos brindaba melena al viento. Y para reforzar ese tono insinuante, Chez terminó cantando un fragmento por el suelo, mientras James y Harry se enfrentaban al dar sus armonías. En ningún momento la cantante se olvida de quienes están a su alrededor haciendo que aquello suene tan bien, y aprovechó los instantes siguientes para presentar a todos y cada uno de ellos.

También nos daba un adiós anticipado antes de emprender como una flecha la recta final del concierto. Todo el mundo recibió con gritos y manos levantadas esa Rocket on the Radio, y es que si hablamos de participación, es un tema que siempre se lleva la palma (qué pasada ese final, con cientos de voces coreando el estribillo). De un salto, James bajaba a las cajas del foso, por donde se marcó unas cuantas zancadas. Mientras tanto, a Chez se la veía feliz y pletórica de voz, cantando de maravilla y dándolo todo, aunque su verdadero gran reto llegaría con Powerzone. Siendo tal vez el tema más ‘Heavy’ que podemos encontrar en cualquiera de sus discos, el virtuosismo de ese solo compartido entre los dos guitarristas nos puso a despatarrarnos y mover el cuello a tope, al tiempo que Chez lidiaba, tanto de pie como de rodillas, con esos tonos casi imposibles que de nuevo acabó bordando. La mejor muestra de lo mucho que gustaron, con un concierto compacto, muy rítmico y directo, fueron esos ‘oes’ que les gritamos desde abajo, diría que unos de los más multitudinarios de cuantos se escucharon en todo el festival.

Tocaba ir poniéndonos serios, porque lo que quedaba de aquí en adelante era gordo, pero gordo de verdad. En este último tramo era donde el festival realmente sacaba músculo en cuanto a confirmaciones lujosas, e indiscutiblemente, la de Faster Pussycat era una de ellas. Cierto que su formación actual dista muchísimo de la original (únicamente Taime Downe pertenece a ella), y que para reconstruir todas las de su trayectoria, sería necesario tomar una biodramina para no caer mareado. Cierto que su obra en general ha sido una montaña rusa de altibajos y giros musicales, con incontables separaciones (incluso duplicados) de por medio, experimentos raros, peleas y movidas chungas. Pero aquí lo verdaderamente importante es hablar de LEGADO, de inspiración para cientos de bandas posteriores, de cómo esta y otras pocas más definirían a fuego vivo lo que hoy día conocemos como puro Rock’n’Roll de corte angelino, el de tatuajes y mala vida, el de cardados, maquillajes y actitud barriobajera. Y eso, de la mano de músicos muy solventes además, fue ni más ni menos lo que tuvimos aquella noche, en uno de los mejores conciertos de todo el festival. Se añadieron al cartel en tiempo ya de descuento, y esto provocó que las actuaciones de todo el resto de grupos tuviesen que ser recortada para darles cabida… pero para mí, ese sacrificio mereció mucho la pena.

Faster Pussycat:

Seguramente había algo menos de peña que en el concierto de Chez Kane, pero igualmente se respiraba un gran ambientazo y muchas ganas de ver a una banda que solo nos ha visitado de uvas a peras en el mejor de los casos. Y estas son las cosas que precisamente valoro en un festival. Con el gentío ya silbando de impaciencia, salieron a escena como un tiro, y nos brindaron como primer tema el que es su último single (si no me equivoco) hasta el momento, Motorbike. Sin llegar ni de lejos al rollazo de sus clásicos, me parece un tema muy digno, puro Sleazy, guitarrero y pesado, bien interpretado por el inconmensurable Taime Downe a sus 61 tacos, y el dinamismo extra que con sus movimientos, ya de primeras, aportaban los dos hachas Chris Borell y Ace Von Johnson, este último de regreso temporal en la banda. De Ace voy a hablar largo y tendido en la crónica, porque lo suyo no es ni medio normal, luciendo una actitud descomunal en cada gesto, en cada movimiento, cada vez que se subía a la plataforma o se ponía de pie sobre su monitor con una chulería absolutamente desmesurada. Llegaba Don't Change That Song, y el meneo entre el público aumentaba exponencialmente.

Primera entrada de su etapa más clásica, en donde disfrutábamos de las elevaciones de mástil de Chris, de los despatarramientos de Ace, y de un Taime que poco a poco (aunque sin soltar el soporte del micro) se iba soltando y cantando mejor. Si en su inicio los bajos de Danny "Slim Tender" Nordahl fueron los protagonistas, en el de la siguiente Cathouse fueron las guitarras las que cobraron más predominio, un Rock’n’Roll desenfrenado, cafre y de bajos fondos. Los coros, como cualquier instrumento, sonaban muy bien, aunque se echaban de menos esos fogosos pianos del tema original. A pesar de que el suyo no es estilo mayoritario por estos lares, iban ganándose al público a pasos de gigante, y con Slip of the Tongue, subieron otro escalón. Más Rock’n’Roll sucio y guitarrero en vena (y empalmada con la anterior), en donde Ace, además de cambiar de modelo de guitarra a mitad del tema, no dejaba de hacer gestos de lo más obsceno entre saltos, vueltas y poses que nos encendían hasta el límite. De momento, una putísima gozada, lo mejor que he visto en mucho tiempo. Ahora se detenían unos instantes para saludar, aunque siendo gente de pocas palabras, no tardaron mucho en arremeter con Like a Ghost, otro single relativamente actual (2022) que como tema me gustó algo menos, pero en cuanto a actitud, se volvieron a salir por los cuatro costados.

Ace Von Johnson (también en L.A. Guns, por cierto) no dejaba de atraer miradas, y me flipó a lo bestia ese pedazo de solo, largo y a toda leche, con que Chris Borell culminó la jugada. Energía en estado puro también este hombre. Sin embargo, había momentos en particular que todos esperábamos como agua de mayo, y uno de ellos llegó a continuación con la maravillosa y gigantesca House of Pain. Ante los primeros acordes de Chris, estallaron mil emociones, y otras mil manos se elevaron en el aire, ondeantes, para cantarla a pleno pulmón, dando lugar a uno de esos instantes a flor de piel que quedarán clavados en mi memoria para siempre. El sonido, además, era impecable, y ese punteo compartido entre Chris y Ace, espalda contra espalda y quedando solos en el escenario, fue el colofón perfecto. ‘¡Barcelona!’ gritaba Taime al frente del escenario, para dar paso a la única cover de la noche, materializada en esa genial You're So Vain de Carly Simon (incluida en el EP “Belted, Buckled and Booted”).

Ace cogió un vuelo en ella para flipar, agachándose, dando vueltas con muchísimo aplomo y azuzándonos su guitarra, pero tampoco su compañero se quedaba atrás, clavando ese solo con el mástil en alto y una pasión e ilusión muy visibles en su rostro. Igual que el sonido, el ritmo hasta ahora había sido intachable, y con la recta final que nos quedaba por delante, aquello ya era apostar a caballo ganador. Porque Where There's a Whip There's a Way es un golpe sobre la mesa de los que suenan, y la reacción del público, entre bailes, puños en alto, y ensordecedores gritos, no se hizo de esperar. Guitarrera a muerte, y con gran dominio de los platos por parte de Chad Stewart, pudimos más que nunca apreciar en ella esos rugidos tan particulares de Taime Downe, que también se marcaba unos bailes cuando atronaba ese doble pedal en la parte final. El mismo Chad se encargó de abrir, sin excesivos preámbulos (sin vaselina) la brutal Bathroom Wall. Y como no se esperaba de otro modo, todo el recinto se vino muy, pero que MUY arriba, envalentonados por esos legendarios riffs y por las poses 100% chulescas de Ace, que en un momento dado, saltaba hasta el foso sin contemplaciones para poner muy caliente al personal.

Personalmente, la grité hasta casi escupir las amígdalas, y salté hasta que me dolieron las rodillas. Y es que de nuevo, momentos como este pueden ser una vez en la vida y hay que disfrutarlos a muerte. Por supuesto, la ovación que les dedicamos fue abrumadora… pero para escándalo… el que montaron con el último corte del set, nada menos que Babylon del 87. Empalmaba el batería Chad Stewart metiendo unos porrazos demoledores, y poco a poco, más gente se iba apuntando a la fiesta. Cuál fue mi asombro al ver aparecer sobre el escenario a la mismísima Lorraine Lewis (Femme Fatale, ex-Vixen) y al no menos espectacular Tony West (vocalista) de Blacklist Union, bandas con las que Faster Pussycat compartieron escenario en su recentísima gira por nuestras tierras. Saltos y desfases, cabriolas y correteos, gritos y locura, y ese insuperable olor a sudor y a birra que casi podíamos percibir desde el abajo del escenario, formando parte de uno de los finales más intensos y descacharrantes que pudimos vivir en cualquiera de los conciertos. Por si no habíamos tenido bastante, el reprís con Ace of Spades, a toda hostia, nos dejó doblegados de cansancio… pero también de pura felicidad. ‘¡Vaya una puta gozada, joder!’ fueron las primeras palabras que le dije a mi chica tras terminar aquello.

Tras reponerme un poco de la sudada, seguíamos con el ritmo non-stop a por la penúltima actuación de la noche, que sin duda era una de las más deseadas para aquellos con el más refinado gusto por el Hard Rock melódico de cuna ochentera. Cuando comenté que este cartel era uno de los más impresionantes a los que había tenido la ocasión de asistir en España, no lo decía por decir. Tenía mis preferencias, claro, pero en general, cualquier grupo, del primero al último, era obligatorio para mí. Y eso, por descontado, también iba por Treat. Porque no por haberles visto ya un buen puñado de veces, me resultaban menos deseables.

Treat:

El humo, los leds en la parte trasera del escenario, y la intro al primer tema, crearon de inmediato una ambientación única y profunda ante un recinto que fue, posiblemente, el más concurrido del día. Y ni por esas se llegaba a sentir agobio de masificación. El clima de expectación era una delicia, los ánimos estaban muy crecidos, y la temperatura, perfecta. Nada podía fallar si la banda no patinaba, y eso con los suecos, sería la primera vez.

Para empezar a mover melenas, optaron por One Minute to Breath, curiosamente, el tema que cierra su nuevo LP, “The Wild Card”, quinto ya bajo el amparo de Frontiers. Con él, dábamos la bienvenida al siempre carismático Robert Ernlund, que ataviado con sombrero western y vestimentas tope rockeras, desplegaba a los cuatro vientos su elegancia. Y aunque al principio no se le escuchaba, aquello solo duró unos segundos. El potentísimo sonido de la batería, con efecto eco, las patadas al aire del guitarrista Anders Wikström, y el nervio del bajista Nalley Påhlsson, se ganaron unas buenas dosis de palmas, y aquel comienzo fue un escalón ideal para empalmarlo con Papertiger, que fue la que realmente levantó los ánimos. Acompañándoles a ratos con nuestras palmas, la clase de Robert cobró un brillo especial, moviéndose ya por todas las tablas e inclinándose para crear cercanía. A ratos mandaban esos teclados de Patrick Appelgren, y otros, las cuerdas de Anders, pero en general todo sonaba en su justo punto y lugar, perfecto para disfrutarles en toda su plenitud. Un primer saludo y, también del “The Wild Card”, nos brindaban ahora toda una oda a la nostalgia de los viejos tiempos, una mirada hacia 1985 (que así se llama el tema), con una melodía que nos cautivó, y un solo de guitarra de lo más inspirado.

Los siguientes coros sonaron disparados a modo de intro para Skies of Mongolia, resaltando ya en el meollo del tema las teclas de Patrick, mientras Robert cogía mucha carrerilla en cuanto a sus movimientos y ademanes. La simpatía de este último fue nota dominante en todo el show, y lo ha sido en cada uno de los que les he visto dar, gracias a la cual se gana inmediatamente el favor y cariño del público. El estribillo, coreado por todo el recinto, fue uno de los más triunfales, pero no más que el de Rev it Up, que nos transportaba por primera vez a su época más clásica. Aunque puede que no sea una opinión popular, para mí Treat es una de las bandas del rollo que mejor ha sabido reinventarse, y el hecho de alternar temas clásicos con las maravillosas melodías de su segunda etapa, le dan un colorido fascinante a sus conciertos. Con ambos mástiles elevados hacia el batería en su parte final, el jolgorio de la peña hablaba por sí solo de cuánto había gustado aquel corte.

Pero la cosa no se detenía ahí, y con tan solo unas pocas notas, tenían a todo el mundo coreando esos ‘uoohoho’ de la melodía de Home of the Brave. Sabor a americanada total, y unos teclados que la acolcharon de puta madre, nos puso a todos una enorme sonrisa en la cara. Para más inri, los continuos gestos y buen rollo de Robert, nos infundían todavía mejores vibraciones conforme se acercaba la que, para mí, vendría a ser una de las etapas que más me molaron del concierto. Porque he de reconocer que Freudian Slip me flipa cantidad. De potente pegada gracias al gran empeño de Jamie Borger, Anders y Nalley ayudaron con los coros a un Robert que no llegó al 100% de las partes más difíciles, pero que en cualquier caso cumplió muy bien afinando con el resto. Ahora sí, We Own the Night llegaba al fin, y nos mecía a todos al ritmo de su mágica cadencia, revistiendo la noche de satén, neón y terciopelo. Con las luces atenuadas, y cocinada a fuego lento, sin duda fue el tema que más nos hizo cantar hasta el momento.

Robert veía la emoción plasmada en nuestros rostros, y por su parte, el guitarrista se lucía a lo grande, con dos solos espectaculares al borde del escenario, mientras creaba figuras con su mástil. La suavidad del momento contrastó mucho con la dureza de Roar, con bajos y cuerdas muy potentes, retumbantes y casi stoner que nos hicieron doblegar el cuello a base de bien. Los coros pregrabados se notaron en ella especialmente, pero ese final, con los tres músicos en línea y apuntándonos, nos hizo olvidar cualquier artificio. Vaya que se estaban ganando a la peña, con un concierto muy metódico y pulido de esos a los que tan acostumbrados nos tienen. Y más que lo harían, con un último sprint que fue 80s en estado puro. Con las teclas abriendo para Get You on the Run, Robert nos pedía que cantásemos toda la letra, y no solo el estribillo, aunque obviamente, insistieron en este último para escuchar altas y claras nuestras voces. Entre la maraña de humo que brotaba del escenario, Anders y Nalley, siempre tan activos, cambiaban posiciones, y después de que repitiésemos una y otra vez a capela, el vocalista daba el carpetazo al tema con el palo de micro en alto, todo un guiño a esa esencia añeja de la que ya de por sí estuvo inundada el tema.

Con su ritmo cañero por bandera, Conspiracy llegaba ya con la temperatura muy elevada, y nos dejó una de las interpretaciones más espectaculares del seis cuerdas, con un solo llenito de tapping y muchos acercamientos al público mientras se dejaba el pescuezo con cada uno de los rudos golpes que resonaban desde la batería de Jamie. Y dispuestos a dejarnos exhaustos y sin una gota de sudor (predicando ellos con el ejemplo), desataron la fiesta final con algo idóneo como World of Promises. Las primeras filas, imitando a los músicos que saltaban al unísono, se transformaron en un bloque unificado de brincos, cánticos y manos en el aire, envalentonando por última vez a Anders para que bajase a las cajas del foso a entonarse su solo. Y aquel jolgorio imparable continuó y continuó hasta la última nota, dejándonos con un buen rollo que no podíamos ocultar… pero también con cierta sensación de tristeza ante el hecho de que, muy posiblemente, esta iba a ser la última vez que les veríamos en nuestro país.

Muchos pensarán que, tras haberles disfrutado ya cinco veces en directo, debería darme por satisfecho… pero lo cierto es que no es así, entre otras cosas, porque Treat me parece una banda en un estado de forma realmente excelente, de sobra capacitada para seguir repartiendo cera durante muchos más años. El ritmo que imprimen a sus setlist, y la combinación bien compensada de temas de sus dos etapas, sigue conformando unos shows más que dignos de su calidad y trayectoria. Solo espero que esta gira final se alargue lo máximo posible, y durante el transcurso (no sería la primera vez que esto ocurre), se les ‘olvide’ la palabra despedida.

Haciendo valoración general de lo vivido hasta ahora, los amantes de los sonidos más rockeros habíamos gozado de dos días de ensueño, sin apelotonamientos, sin ningún tipo de altercado, un sonido que, sin ser perfecto, había rozado el notable en todas las actuaciones, y un clima de buen rollo y compañerismo. A esto hay que añadir que la escasez de festivales que dan voz a estos estilos, le confirió un carácter muy único y especial, un caramelo al que no pudimos decir que no. En este sentido, y dentro de nuestras fronteras, Rock the Sun no ha tenido rival en 2026. Pero no nos olvidemos de que todavía restaba, más que un concierto, un auténtico SHOW en mayúsculas, un huracán de destrucción masiva que arrasó todo cuanto quedaba en pie en la carpa del Poble Espanyol. Porque no cabe duda de que hubo grandes nombres en el cartel, pero si hablamos de LEYENDAS, lo de Michael Monroe (y esto es una verdad no sujeta a debate), juega en otra liga. El nacimiento de Hanoi Rocks, a finales de los 70, supuso un antes y un después en la forma de entender el Hard Rock / Sleazy, con una influencia masiva en incontables bandas incluso al otro lado del atlántico. Tomando, a su vez, esa vena punk de formaciones como New York Dolls o la actitud glam de T-Rex, y batiéndolo todo para dar como resultado un cóctel explosivo, fue sin duda una de las bandas europeas más importantes en su estilo junto a precursores como los citados T-Rex, Slade o Sweet.

Hay estrellas que con el tiempo, desgraciadamente se apagan. Cantantes a los que la edad, el abuso de drogas, o cualquier otro motivo, pasan factura, y terminan por arruinar su físico y/o capacidad vocal. Otros se rinden tras tener unos cuantos fracasos al intentar desmarcarse de las formaciones que les dieron la fama. Lo hemos visto infinidad de veces a lo largo de la existencia del Rock. Pero Matti Antero Kristian Fagerholm, mucho más conocido por el pseudónimo artístico de Michael Monroe, siempre estuvo hecho de otra pasta, hasta límites casi inexplicables. Más allá de los legendarios Hanoi Rocks (a quienes tuve el enorme privilegio de ver en aquel Lorca Rock 2007), perseveró como un soñador incansable, un verdadero luchador por y para su música, manteniendo intacta su mastodóntica actitud y llegando a hacer de su propia imagen todo un icono del Rock’n’Roll más sucio e irreverente.

En el momento de escribir estas líneas, ha pasado ya casi una semana desde el momento en el que presencié su concierto… y os aseguro que, por mucho que me esfuerzo, todavía no encuentro las palabras precisas para describir lo que vimos aquella noche, completamente sobrepasado por las emociones que todavía me encienden al recordarlo.

Michael Monroe:

Lo de Michael Monroe fue algo sencillamente astronómico, superior, intocable para el resto de los mortales. La primera vez que le vi en solitario, en el pasado Rock Imperium 2025, en seguida tuve claro que aquello había sido uno de los mejores conciertos de mi vida, y que nunca, nadie podría superar aquello… salvo el propio Michael Monroe. Y aquí, en Barcelona, volví a tener la misma sensación… o incluso mejor.

Después de sonar la intro, y con los nervios a flor de piel (al menos en mi caso), Michael y sus compañeros saltaban al escenario. Sin preámbulos, arropados por ese glamur de indiscutibles estrellas del rock, pero mostrándose en todo momento muy cercanos, el frontman nos esputaba aquello de ¡¡Qué coño pasa, Barcelona!! segundos antes de hacer explosión el primer tema de la noche, y nunca mejor dicho, tratándose de Dead, Jail or Rock 'n' Roll. Tras unos segundos completamente boquiabierto por el desparrame de energía que invadía las tablas (Michael sacando puro fuego de su harmónica, patadas en el aire sin parar, músicos usando el mismo micro para los coros, las pintas, las maneras… la ACTITUD), no pude evitar volverme completamente loco. Notaba el cansancio acumulado, el dolor en los huesos y articulaciones, estaba completamente afónico… y sin embargo, no podía parar de saltar, de gritar y retorcerme. Una fuerza incontrolable tiraba de mí, arrastrándome más allá de las limitaciones físicas, al contemplar el puro nervio del vocalista, los frenéticos ritmos (con el batería Frank Ferrer doblando las cajas), al guitarrista Rich Jones flipándose en la parte delantera durante Old King’s Road, o a Michael lanzando el palo de micro al suelo con toda la mala hostia posible. Se repetía aquel delirio celestial que viví el año pasado, pero en plena noche y con las luces a tope. Volvía a sumergirme en ese momento que tanto había deseado, y no quería que terminase jamás.

Como era de esperar, no tardaron en sonar los primeros temas de Hanoi Rocks, comenzando por Motorvain’s. El mítico Sami Yaffa (compañero inseparable de Michael durante casi toda su carrera), apoyaba con coros, inclinándose hacia el micro, bailando y torciendo las piernas. Era el tercer tema, y el escenario ya se les quedaba pequeño, a tenor de lo visto en Steve Conte, que descendía de este para tocar el solo cerca del foso. Aquella vorágine solo podía ir a más, y Last Train to Tokyo fue otra de las que me hizo perder los papeles por completo, sin remisión. ¡¡Es que no podía parar!! Los redobles enloquecidos de Frank, las mil voces que la cantaban, la perfecta coordinación entre Sami y Rick… y en medio de todo ello, entre patada y patada, vueltas y brincos, el soporte del micro volvía a golpear el duro suelo. Sudando como un cerdo, me detuve unos instantes para escuchar el primer saludo de Michael, y volver a las andadas con Rockin’ Horse, extraída de “Outerstellar”, el nuevo disco con el que la formación ha vuelto a abrazar la exquisitez. Sami se agitaba como un salvaje empuñando el bajo (otro por el que parece que no pasan los años), y Michael le puso mucho énfasis al asunto, partes de armónica incluidas, siempre haciéndonos sentir partícipes de cada momento del tema. Lo normal, e incluso lógico, es que en cualquier concierto haya altibajos de intensidad, bien en el repertorio, o bien en el comportamiento de los músicos.

Pero los de Michael Monroe siguen otros esquemas: todo al 11 y a muerte, y cuando hay un alto entre temas o para comunicarse, lo recuperan con creces en la siguiente arremetida. Estos tíos, desde luego… no son como los demás. Así, siguieron implacables combinando temas de nueva impronta (como Black Cadillac) y temas propios, o en el caso de I Can’t Get it, de Hanoi Rocks, pero jamás levantando el pie del acelerador, entre poses high class, rabiosas armónicas, o despatarramientos y gestos de lo más indecoroso por parte de Michael, quien además mantenía un nivel vocal asombroso. Un hombre para quien la edad de su DNI es solo un número, y lo que manda es la más pura pasión. Y a los hechos me remito. Instantes después, observábamos atónitos cómo, ni corto ni perezoso, se desprendía del chaleco, se calzaba la gorra, y se encaramaba de un bote a la estructura del escenario, subiendo hasta arriba, y terminando el tema allí. Ojos como platos, y explosión de locura generalizada, la cosa no se pudo describir de otra forma. Todavía como una rosa, continuaba recorriéndose el escenario, codeándose con sus compañeros (que también se entregaban hasta el límite) y pidiendo palmas durante la más punkarra Shinola. Pero sobre todo, veíamos a alguien que disfruta como un animal con lo que hace, cada vuelta que daba, cada vez que se agachaba, cada asomada hacia el público, parecía que le daba la vida. Y muy atentos, porque llegaba uno de los puntos culminantes del concierto.

Sacando de la recámara aquel proyecto llamado Demolition 23, atacaron muy duro con Nothin’s All Right, y con una actitud cruda y desbocada. Frank Ferrer, el batería que sustituye a Karl Rosqvist en sus giras española y francesa (por compromisos de este último con Danzig), abría el tema a toda leche, y de nuevo, un chute de punk deslenguado y barriobajero se nos clavaba en las venas. Las guitarras sonaban sucias y estridentes, en su perfecto punto, y mientras Rich Jones daba coros y sudaba la camiseta, a Michael no se le ocurría otra cosa que subir y pasearse por encima de la carpa lateral, agitando sus pelos cardados y mirándonos desde las alturas. ¿Podía aquello cobrar aún más envergadura? Pues sí, con la brutalísima Hammersmith Palais, punk británico de pura cepa, con la que me estalló la cabeza, hasta el punto de que casi me caigo encima de la persona que tenía delante. ¡Pero qué puta locura! Pocas veces en mi vida un concierto me ha hecho saltar así. Mientras tanto, ahí veíamos a Sami y Rich pegarse su fiesta particular, pasándolo de destripe. Michael cogía ahora su abanico para proseguir dándose aire con Rode to Ruin, muy bien arropada por los coros de Steve y Rich, y con un Frank Ferrer hecho una bestia con las baquetas.

En un empalme constante de temas que nos estaba machacando, para Boulevard of Broken Dreams el frontman aparecía ahora con gafas de sol y otro modelo de gorra, chuleándose con un comportamiento digno de un chiquillo de 20 años, cogiendo una bandera desde el público y colgándola en el bombo, y todo ello mientras Steve y Yaffa cruzaban y zarandeaban sus mástiles, formando todo un microcosmos de movimiento perpetuo encima del escenario. Se cansaba uno solo de mirarles… pero por otra parte, el brutal tsunami de energía y vibraciones que nos transmitían, nos mantenía activos hasta la extenuación. Traspasando todos los límites de velocidad, One Man Gang sonó atronadora, con un Frank que dio el callo como si le fuese la vida en ello, subiendo las pulsaciones hasta el borde del infarto en un show que parecía no tocar techo. Por pedir la luna… me habría encantado escuchar también Soul Surrender o Beer and a Cigarette en esos registros. Otro cambio de gorra para Michael (con su nombre desfilando en leds), y el mismo aprovechaba para presentar a su banda, poco antes de embelesarnos a todos con ese puto baladón que es Don't You Ever Leave Me, interpretada además de 10, con las guitarras limpias tomando el control a ratos, y una sección instrumental pulida como un diamante. Con las manos ondeando en el aire celebramos tan magnífica entrada, pero la calma solo duraría hasta que Back to Mystery City la rompiese en pedazos. Sobre todo, la aceleración final marcó otro de los momentos más psicóticos del show, contagiándose en las carreras de todos los músicos, que formaban un auténtico caos desperdigándose y cruzándose entre ellos por todo el escenario.

Dicho esto, y os aseguro que no exagero lo más mínimo, no fue apenas comparable con la recta final. Porque en el momento en que Steve Conte se sentaba en el borde, y Michael Monroe pronunciaba las primeras frases de Ballad of the Lower East Side, otra subida descontrolada de adrenalina se apoderaba tanto de nosotros como de los músicos, desembocando en un sindiós de empujones, botes y voces a todo trapo, despatarramientos, headbanging y volteretas. Me dolían tanto las rodillas de todo el día, que parecía que se me iban a partir, pero aun así, me era imposible parar. ¡Imposible! Y menos todavía cuando Michael se adelantaba, presentando a su amigo (el saxo), y arremetían como salvajes con Malibu Beach Nightmare. Más que cantar, el vocalista berreaba con toda su alma, ofreciéndonos partes de saxo de lo más ardientes, saltando, despeinándose, y ostentando una actitud de manual, simplemente insuperable. ¡Es que no se cansa nunca, el muy hijoputa! Todo el mundo seguía el frenético ritmo con palmas y bailes desmadrados, y así siguió el percal con Up Around the Bend, versión del tema de Creedence Clearwater Revival que los Hanoi Rocks hicieron suyo allá por el 84. Un bombazo atómico, un desmelene masivo en donde Michael (de momento) le daba un último repaso a su armónica, compartía micro con Rich para los coros, y lanzaba patadas a lo bestia en nuestros morros.

El clamor general era de escándalo, y la retirada de los músicos, 20 minutos antes de cumplirse el horario, fue un bajón… aunque por poco tiempo. Porque los músicos volvían a la palestra segundos después, y dedicando el tema a Cheetah Chrome de los Dead Boys (que nos dejó hace menos de dos semanas), arrancaron con mucha rabia el cover Ain't Nothin' to Do. Rabia especialmente patente en Michael, gran admirador del músico, que hizo de aquello todo un homenaje, aunque tampoco se quedaba atrás Rich Jones, que agitando su guitarra sin parar, enloquecía pateándose el escenario. Tiraron de más material de Hanoi Rocks con la agresiva y ‘macarrónica’ Taxi Driver, que sonó mucho a wah gracias a las guitarras de Conte, y en la que Michael terminó rebozándose por el suelo sin ningún tipo de complejo. ¿Cansancio? Ni de coña, vista la tremenda energía que desprendió esa última versión, a toda castaña, de Johnny Thunders & The Heartbreakers llamada I Wanna Be Loved. Disfrutamos especialmente, además de la rotunda pegada de Frank, del prolongado solo de armónica con el que nos deleitó Monroe, cantando también con un micro muy distorsionado y luciendo gorra con brilli-brilli. Una vez más, acabó revolcándose por el suelo con la cara más dura que os podáis imaginar, pataleando y reptando, e incendiando el escenario con unas últimas poses e idas de pelota.

Las expresiones predominantes entre el público, ante tan colosal demostración de furor y golfería callejera, estaban entre la emoción y la incredulidad, y estoy convencido de que a más de uno no nos habría importado que tocasen otra hora más… o tres. Pero por desgracia, aquella barbaridad de show había llegado a su fin, y con él, el Rock the Sun 2026, que siempre recordaré como uno de los mejores festivales de cuantos he estado. Y concretamente en este caso, teniendo en cuenta que habré presenciado como unos… ¿2000, 2500 conciertos?, este fue, sin duda, uno de los mejores de mi puta vida. Porque la ACTITUD (y vuelvo a ponerlo en mayúsculas) es uno de los aspectos que más valoro en una banda, incluso casi al mismo nivel que la propia música. Y lo de esta gente… es de otro jodido universo. Igual hubiese quedado aún más compacto si en lugar de meter las tres covers al final, las hubiesen tocado antes de los últimos temas previos al descanso, pero en mi opinión, fue una decisión que no deslució el conjunto en absoluto.

Me quedé con tal subidón, con las pulsaciones tan desbocadas, que me habría tirado de juerga el resto de la noche, y lo último que me apetecía era irme a dormir. Para colmo, cuando ya estábamos cerca de la salida, vimos a Michael, Sami, Steve, Rich y Frank desfilar por debajo de la pasarela en la que nos encontrábamos, y asomándonos, nos quedamos un buen rato gritándoles y agradeciéndoles la experiencia tan increíble que nos habían hecho pasar. Desgraciadamente no había más cojones que emprender la retirada, ya que por lo pronto nos tocaba hacernos una hora de vuelta en coche hasta Salou. Pero ¡aaaaah no!, no me pienso quedar así. Yo necesito repetir esto, así que el día 29 de octubre pienso ir al concierto de Madrid me cueste lo que me cueste, aunque tenga que cancelar el resto de conciertos en lo que queda de año.

______________________________

Poco más me queda por añadir a lo ya dicho, solo insistir dando un millón de gracias a Madness Live! por montar en este país un festival tan alucinante, y esperar que siga adelante trayéndonos el mejor Hard / Sleazy por muchos años. Porque por cartel y gustos personales, ya no me cabe duda de que el Rock the Sun ha sido, para mí, el mejor festival del año, incluso faltando tres meses y pico para terminarlo. Las mejoras respecto a la primera edición han sido pocas pero necesarias, el personal de las barras siempre nos atendió de maravilla (y en catalán), los WC ahora dan gusto (aunque las colas a veces eran insufribles, y un meadero estuvo roto durante todo el festival), y la oferta de bebida y comida está bien para quien pueda pagar esos precios. En relación a esto, otro 10 para la organización por permitir que se entre agua y comida al recinto, no como los ladrones de otro festival paisano que no quiero ni nombrar. Por supuesto, siempre habrá cosas mejorables, pero tal cual está ahora mismo, ya roza el notable alto.

También me gustaría mandar un abrazo desde aquí a toda esa peña con la que pude compartir algún rato, primeramente a Inma por formar parte de esta aventura, y también a Patri y Vicente, a David y a su chica (¡buen viaje!), a toda la peña de alrededores de Valencia (Jose, Suni, Carlos, Sonia), a Joan, a las chicas belgas, a esa peña tan cachonda de rumanos y a tod@s aquell@s cuyo nombre lamento no recordar.

Hasta el año que viene, peña, y gracias por leerme.
¡Larga vida al Rock’n'Roll, y larga vida al Rock the Sun!

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

We Own the Night (Rock the Sun 2026, viernes 18/09/2026, Carpa del Poble Espanyol, Barcelona)

2026-09-23T12:59:55.494+02:00

Cuánto tarda en llegar aquello que con más fuerza deseamos… y qué veloces transcurren esos momentos, escapándose de las manos como si fuesen unos pocos y efímeros segundos. Y cuanta más ilusión se acumula, más se acentúa esa sensación. Me ha sucedido con unos cuantos conciertos en lo que va de año… pero nunca en la misma medida que respecto a este Rock the Sun, rotundamente y con mucha diferencia, mi cartel favorito del 2026. Gracias tanto a este, como al Lion Rock Fest, por fin podemos enorgullecernos de tener dos señores festivales dedicados prácticamente en exclusiva al Hard Rock y al AOR, estilos que cuentan con más bien poca acogida por estos lares, y que requerían de promotoras y organizaciones con las agallas necesarias para montar algo así de una vez por todas. No cabe duda de que, hoy por hoy, los amantes acérrimos de dichos sonidos (como un servidor) estamos de enhorabuena, aunque como en nuestro caso concreto, tengamos que recorrernos media geografía para disfrutarlos. Rock the Sun 2026 contó con un cartel de ensueño que muy pocos esperaríamos haber visto algún día sin tener que salir de nuestras fronteras, dando cabida a bandas europeas, americanas, y estatales de lo más mítico y granado. Este año, de hecho, se apostó más concretamente por el Sleazy, variante del rock duro muy, pero que muy escasa en nuestro país, y que me flipa especialmente, por lo que para mí la oferta fue todavía más atractiva en esta que en la primera edición. No es extraño entonces, como dije al principio, que tuviese unas ganas locas de que llegara, por fin, una fecha tan señalada, para la que he estado ahorrando y sacrificándome (prescindiendo, incluso, del Rock Imperium) durante todo el año. Pero al final, sin duda, ha merecido la pena.

Con el fin de aprovechar más el viaje, salimos con un par de días de antelación, quedándonos en Salou con mi chica (quien tuvo su primer concierto / festival en meses), y contando con la inestimable compañía de nuestra amiga Inma. Dejamos atado todo lo pendiente, y llegado el viernes, a eso de las 11:30, nos pusimos de camino hacia L'Hospitalet de Llobregat, donde teníamos el alojamiento para la primera noche. Repetimos en el Alexandre Fira Congress, un hotelazo de cuatro estrellas pero con precios bastante razonables y buena combinación para llegar hasta el Poble Espanyol. La atención fue estupenda, y las comodidades, las necesarias para salir hacia el combate bien preparados y descansados.

Este año no nos extraviamos en el camino hacia el festival, y en seguida nos plantamos en la carpa. Pero cuál fue nuestra sorpresa que, por un error de cálculo en los horarios de apertura de puertas, el primer concierto ya había comenzado. A pesar de que el Rock the Sun se centra en bandas más melódicas y rockeras, también el Heavy Metal tubo su representación, y aquellos que abrieron el festival, nos dieron una buena muestra de ello.

Redshark:

La banda catalana tuvo los privilegios tanto de abrir el cartel como de jugar en casa, y el segundo factor, la gente que ya conocía sus temas y que probablemente les habían visto ya en vivo, compensó el primero, debido al cual todavía contaron con muy pocos asistentes. Por la hora, seguramente llegaríamos en el segundo o tercer tema, que no fue otro que Fire Raider. La particular y reconocible forma de tocar de Philip Graves (quien en los inicios de la formación, también ponía voces), nos dio la bienvenida y nos puso en seguida a menear los pelos. El sonido no fue perfecto, y esos agudos finales del vocalista Pau Correas se escucharon solo a ratos, pero en general las guitarras sonaban muy potentes, y el aluvión de puro Heavy / Speed que estaban descargando no era para tomárselo a broma. Tirando de una intro muy synth (la misma que en el disco), prosiguieron con Mars Recall, en donde vimos grandes muestras de actitud, como el mismo Philip apoyándose en los monitores al tocar, los continuos desplazamientos del bajista Chris Carrest (al igual que Philip, también parte de los Inverted Cross), y la cada vez más intensa pasión de Pau al aferrarse a su palo de micro. La peña también iba respondiendo cada vez más, y a partir de aquel momento, pisaron el acelerador a fondo hasta el final, disparando temas cada vez más rápidos y enfurecidos.

La cosa es que en aquel mismo Rock the Sun me estrenaba con ellos, dejando atrás varias ocasiones perdidas de verles, y pude comprobar in situ que su directo es tan bueno como sus discos, especialmente si hablamos de su último “Sudden Impact”, en el que basaron gran parte de su repertorio, y con el que han mejorado una barbaridad en todos los aspectos, convirtiéndose en una formación 100% exportable que, de hecho, ya ha dado un buen puñado de conciertos en el extranjero. La calidad y virtuosismo de sus componentes quedó bien plasmada en Rip Your Bones, con una batería a cargo de Alan Llano (la última incorporación al grupo) que temblaba a baquetazos y doble pedal a saco. El solo de Javi Bono, guitarra solista, también fue de lo mejorcito del show, prolongándose hasta el final, mientras Philip apuntaba al cielo con su mástil. De Beware of the Shark podríamos decir que ha pasado a ser uno de sus grandes himnos, un temazo bestial con notas a mil por hora, riffs veloces (perfectamente coordinados entre Javi y Philip) y un estribillo de esos que nos hizo tener más calor del que ya de por sí hacía. La abrasiva voz de Pau nos castigaba los tímpanos (en el buen sentido) con tonos bastante altos que encajaban de lujo con la imparable cadencia.

Si el vocalista ya nos había dedicado unas palabras en catalán, ahora era el turno de Philip para saludar, algo en lo que no invirtió más tiempo del necesario, dejando paso a otro torbellino de puro Metal llamado Stronger Than Ever. Esta hizo gala de una velocidad sin concesiones, con doble pedal a todo trapo y, de nuevo, más elevaciones de mástiles al borde del escenario, destilando todos ellos una grandísima actitud a pesar de que todavía no éramos muchos allí abajo. Pero al final, son esos detalles los que molan de un concierto / banda, el de darlo todo independientemente de otros factores. Ni de coña iban a bajar la intensidad, y menos tratándose de un cañonazo como Fight the Rules of Power. Sin embargo, aquí me volví a dar cuenta de que el sonido de la batería volvía a fallar a ratos, pasándose por alto ciertos compases. Afortunadamente, fueron problemas menores que quedaron eclipsados por el tremendo solo de Javi o las maneras con el bajo de Chris. Se merecieron cada aplauso que les dedicamos, desapareciendo tras el telón después de la pertinente foto de familia. Más potentes, mejor producidos, con temas más afilados que nunca y un directo incontestable, no hay duda de que Redshark viven actualmente el mejor momento de su carrera. ¡Y mucho que dure!

Durante el anterior show, no solo me alegré inmensamente de encontrarme con mi colega David de Almansa, sino que también me vino de perlas para enterarme de que en esos momentos estaba en curso la ‘hora feliz’ del festival, en la que se promocionaba un 2x1 en los litros de birra. Si había que echarse un lingotazo (porque pagar 11 euros por un litro me parece un jodido atraco), aquel era el momento.

Kilmara:

Dentro del Heavy / Power / Prog made in Catalunya, existe desde hace más de 20 años una banda que, por nombre y trayectoria, es imposible obviar. La calidad compositiva de sus discos ha ido subiendo como la espuma, y hace mucho ya que se ganaron a pulso el respeto y presencia entre los amantes del estilo. La carrera de John Portillo y los suyos es intachable, peleando contra viento y marea ante diversos cambios de formación, lanzando trabajos a un ritmo envidiable, embarcándose en largas giras y llegando a tocar en algunos de los festivales más representativos de nuestro país. Puedo decir que las dos anteriores veces que les he visto, en el Rock Fest Barcelona y en el Ripollet Rock, me gustaron bastante, pero he de reconocer que esta tercera se llevó con mucho la palma, llegando a erigirse para mí como uno de los mejores conciertos de aquella jornada.

Con un vistoso telón de fondo, sonaba la introducción mientras todos los músicos salían con uniformes conjuntados. Su último disco me ha parecido un pasote, y tenía especiales ganas de escuchar cortes de este último, como precisamente Journey to the Sun, que nos regaló su fantástica melodía de primeras. Además, la banda saltó a escena con unas ganas imparables, visibles en los fluidos movimientos de Dani Ponce, y en la forma en que John se acercaba hasta nosotros pisando el monitor y sonriendo. My Haven, adentrándose en senderos un poco más progresivos (mi vertiente preferida de la banda), contó con unos cambios y contratiempos muy pulidos de la mano de los artífices de las bases rítmicas, Didac Plà al bajo, y Neil Gómez a la batería, quien a pesar de llevar tan solo un año en la banda, parecía todo un veterano en ella. Dedicando unos minutos a hablar con el público en catalán, Dani presentaba los temas y nos transmitía toda su ilusión y ganas, un vocalista muy carismático y con una voz tremendamente personal, tal como pudimos comprobar con Wildfire, también de su reciente “Journey to the Sun”. El cruce a la carrera entre este último y el bajista Didac imprimieron aún más dinamismo al conjunto, sin contar esos movimientos de mástiles bien compenetrados entre John y Carles Salse, su compañero a las seis cuerdas, al que ya he visto no pocas veces en otra banda que me flipa como Xtasy.

Un guitarrista que soportó todo un papelón en el concierto, dominando esas guitarras limpias en Power of the Mind, y partiéndose la labor a la perfección con John en Disciples, todo un himno ya del grupo. El sonido, por cierto, iba mejorando conforme pasaban los minutos, y si a Dani al principio le escuchábamos demasiado bajito, ahora su voz gozaba de la presencia que merecía. Constantes enfrentamientos entre John y Didac, solos con mucho entusiasmo, y algún ‘break’ para que cantásemos a pleno pulmón, nos llevaron hasta uno de los cortes que más me han sorprendido y descolocado, como es Liberticide. En ella, los platos de Neil sonaron de maravilla, pero también se apreció su gran trabajo en las partes más progresivas y complejas. Mientras Carles le metía al solo, John y Didac se encaraban de nuevo en todo un duelo de actitudes. A Dani nunca le faltaba un gesto con su público, bien fuese introduciendo las canciones, o bien durante su ejecución. Estuvo incombustible durante todo el concierto, pasando de un lado al otro sin parar, tirando de elegancia y buen hacer, y mejorando su voz a cada compás, llegando a uno de los puntos álgidos en Chances. A ambos lados, Carles y John pisaban los monitores, y rato después, los cuatro músicos se adelantaban en línea mientras Neil daba buena cuenta de sus parches en ese final machacón.

Creo que es justo decir que, llegado el momento de presentarse como banda, ya nos habían conquistado por completo. Para el inicio de la recta final, contaban con Take me Back, introducción incluida, lidiando con mucho aplomo con las partes más complejas del tema, y destacando las bases rítmicas y esos agudos tan aguerridos de Dani. Quizá algo más directa (y bastante cantada, por cierto), Alliance of the Free estuvo petada de feeling, muy notorio en el solo de Carles y en la inagotable energía de Dani, que con todo, fue uno de los músicos más destacados de la actuación. Para rematar como era debido, la enloquecida batería de Neil marcó un final de lo más estruendoso, deshaciéndose en todo tipo de compases y demostrando su talento en cada uno de ellos. Ya considerablemente más lleno que en la anterior actuación, todo el recinto les brindó una cálida despedida, y la satisfacción por las cosas bien hechas se reflejó claramente en el rostro de los músicos. Ahora, lo que me encantaría sería poder verles en sala, con un repertorio más largo y con mayor arrope de público, pero sea como sea, ahí quedó para el recuerdo aquel fantástico concierto del que la mayoría nos llevamos muy buenas sensaciones.

Y poco después, siendo aquello de las 18:30 de la tarde, se acercaba el que para mí era el momento más deseado de la jornada. Solo faltaban unos minutos para que los suecos The Cruel Intentions tomaran por las bravas el escenario. Una banda a la que, curiosamente, conocí hace unos años por el hecho de que su batería Robin Nilsson pasase un tiempo por las filas de Hardcore Superstar sustituyendo al fugado Adde Moon (al que, por cierto, veríamos más tarde en Eclipse). Por supuesto, también el vocalista Lizzy DeVine se ha forjado ya una reputación tras sus años en Vains of Jenna. En cualquier caso, me daba a mí la impresión de que íbamos a ver algo tremendamente divertido, enérgico, y hasta arriba de temazos… y no andaba nada desencaminado.

The Cruel Intentions:

Muy acertada esa introducción valiéndose de Hello There (Cheap Trick), mientras el batallón sueco preparaba su embestida. Y empleo esa palabra, porque no se anduvieron con presentaciones ni calentamientos, sino que nos lanzaron en plenas napias todo un ariete sonoro de la talla de Beating In My Chest que causó estragos. Pensaba que no demasiada gente conocería a la banda (por pertenecer a un estilo muy minoritario por estas tierras), pero afortunadamente, nada más lejos de la realidad. Los desmelenes del guitarrista Kristian Solhaug, esos coros tan prominentes, y el lanzamiento de rodillas por parte de Lizzy DeVine ya fueron una advertencia de la que se nos venía encima, y pusieron a 100 a las primeras filas, que cantaron sin reservas tanto esta como la siguiente Triple Threat. Sin duda, otra magnífica elección para subir un peldaño más las vibraciones, petada de wah en las seis cuerdas, rápida, adictiva, y con un Lizzy que cada vez se tornaba más gamberro y se asomaba más hasta el público. Tal vez uno de los pocos ‘peros’ del concierto correspondió al sonido. A parte del grueso de los coros (indiscutiblemente pregrabados), había cierta desigualdad entre algunos instrumentos, y la voz del cantante nos llegaba distorsionada en exceso. Pero no creáis que eso nos privó de seguir disfrutando de temarracos como Living Out the Line. ¿Cómo no hacerlo, cuando ves desfilar ante ti todo ese torrente de energía?

Las vueltas de Kristian, la fortísima pegada de Robin a su caja, o el paso del pato que nos regalaba el bajista Mats Wernerson nos iban encendiendo a marchas forzadas, llegando uno de los puntos álgidos del show con la tremenda Sunrise Over Sunset. Una de mis favoritas en las que me dejé el cuello a más no poder, flipando al mismo tiempo con los continuos cambios de posición de los músicos, ese solo de guitarra a mástil alzado que nos trajo Kristian hasta primera línea, y sobre todo, ese desfase final para volverse locos. Lizzy llevó su voz MUY al límite en ella, aunque el resultado fue cojonudo. Se le veía muy contento y simpático, bromeando incluso con juegos de palabras entre algún tema, y esforzándose muchísimo en cortes como Chemical Vacation (iniciada por Robin Nilsson a baquetazo limpio), o sacando su vena más sensible y melódica en la balada Salt i ditt sår que a mí, que queréis que os diga, me llegó hasta el tuétano. Más sensible, sí, pero sin perder esa actitud de puro nervio, subiéndose a la plataforma de la batería y echándose unas poses de lo más chulescas para acabar saltando con su guitarra a cuestas. Aquella era su primera visita a nuestro país, así que los allí presentes podemos sentirnos privilegiados, y por su parte, dieron absolutamente todo lo que tenían… es decir, mucha guerra.

Con temas cortos y directos aprovecharon a tope la hora de la que disponían, volviendo ahora a la carga con Go Fuck Yourself, recibida con todo un mar de manos levantadas, o la magnífica Weekend Suffering, otra de mis favoritas, en donde el vocalista hacía cada vez más amagos de bajarse al foso. Los ánimos estaban muy, pero que muy arriba, pero no es para menos. Si los escuchamos detenidamente, sus tres discos, están abarrotados de temazos y estribillos de los que te enganchan y no te sueltan. Lo que sí se echaba un poco de menos, a esas horas, eran las luces del escenario que brillaban por su ausencia, pero nos tenían ya tan ganados, que fue un mal menor. El inmenso descaro del guitarrista Kristian Solhaug fue el gran protagonista en All Hail Hypocrisy, que con una buena somanta de doble pedal, nos llevó de la mano hasta When Eden Burn, presentada a grito pelao, y con muchas carreras sobre el escenario como las del bajista Mats Wernerson. Las guitarras sí sonaban de lo más potente, intencionadamente sucias, y en esta última ocasión, tirando de efectos como feedback que nos llegaba de forma muy clara. Hasta ahora, habían sabido mantener un ritmo implacable, pero si cabe, subirían todavía más las revoluciones de aquí hasta el final. Nada mejor que otra de mis favoritas, Kerosene, para lograrlo. Un tema muy sleazy pero con melodías que me llegan a recordar al Punk californiano.

Lo habría partido aunque los músicos no hubiesen movido un dedo, pero obviamente no fue así, y ante cientos de voces coreándola y animándoles, Lizzy y los suyos se comportaron como auténticos animales. Lo mismo se puede decir durante Jawbreaker, tema con el que ganaron mucha popularidad por su aparición en uno de los capítulos de la serie Peacemaker, muy rocanrolera y estruendosa gracias, entre otras cosas, a la gran pegada de Robin Nilsson y a esos desgarrados solos de Kristian Solhaug. Ya a piñón fijo hasta el final, saltamos sin parar mientras este último se desataba por completo, apiñándose con sus compañeros, y desmarcándose con ese solo despatarrado en primera fila de Chaos in a Bombshell. Tras unas frases cantadas a pachas con Mats, en Check Your Head quedó muy a las claras el gran colegueo y cercanía que este último guarda con su compañero Kristian en sus constantes poses y acercamientos. A su puta bola, y también pateando el escenario, Lizzy rasgaba sus cuerdas a lo bestia, con su instrumento siempre colgando a la altura de las rodillas, y una tonelada y media de actitud sin filtros. Con cambios súbitos de ritmos, gritos al límite y una recta final de lo más machacona (ahí veíamos a Robin destrozando su batería), Sick Adrenaline marcó el último subidón con ese pedazo de estribillo ante el que es imposible no cantar a piñón. No os digo más, que a estas tempranas alturas de festival me habían dejado ya casi afónico.

En conclusión anticipada, el de The Cruel Intentions fue mi concierto favorito de la primera jornada de este Rock the Sun, y eso es mucho decir contando con el gran nivel que proliferó de principio a fin. Si queréis saber por qué no lo fue el de Eclipse (una banda por la que siento especial debilidad), tendréis que leer hasta el final. De momento, pasemos a ver qué tal lo hicieron los también suecos Crazy Lixx, país del cual tuvimos hasta cuatro bandas en el cartel, pero pocas tan importantes y fundacionales en lo que se conoce como la New Wave Of Swedish Sleaze Metal. Habiéndolos visto ya seis veces, lo cierto es que no esperaba grandes sorpresas, pero sí un concierto a la altura de la calidad que nos suelen ofrecer. Y desde luego, de ella fueron sobrados.

Crazy Lixx:

Con esa prepotencia (en el mejor sentido) que les caracteriza, los de Malmö fueron desfilando uno a uno por el escenario, sonrientes y vestidos para matar. Era una de las bandas que más expectación levantó en este primer día de Rock the Sun, y venían más que dispuestos a defender su merecido renombre con temas de toda su discografía, de donde escogieron Rise Above como una buena apuesta para empezar, y desatar de pleno carrerillas y cambios de posición que fueron alimentando el bullicio sobre el escenario. Al fin y al cabo, es gente que tiene muy claro cómo dar un show de lo más espectacular en este sentido. Pero fue realmente con las llameantes guitarras de Jens Lundgren y Chrisse Olsson en Hell Raising Women donde todo estalló de verdad, despertando cientos de voces entre el público, y conectando casi de inmediato con Danny Rexon, que tiraba de su habitual buen hacer. La fiesta había comenzado, y cuando los suecos se ponen a ello, no hay quien los pare. Y la sincera ovación que recibieron, solo hizo que envalentonarlos para estamparnos otro corte de lo más festivo y desmadrado como es Girls of the 80's.

La pasmosa soltura del bajista Jens Anderson (que de seguro encandilaba a las féminas de las primeras filas), el descaro de Jens Lundgren a pecho descubierto, y su posterior adelantamiento hasta el borde del escenario junto a su compañero Chrisse, empalmaron con su conocida cover de Bonfire, Sword and Stone. Durante los primeros compases, les acompañamos con unos enfervorecidos ‘¡eh, eh!’, mientras Lundgren apoyaba el pie sobre el monitor, y las luces emitían unos flashes continuos que, en ciertos momentos, resultaban incluso un poco molestos. Ese último estribillo se nos quedó clavado en los tímpanos, con coros solventes (aunque sospecho que pregrabados), al igual que subsiguientes como el de Wild Child, que Danny arrancó emulando con gritos al mismísimo David Coverdale. ¡Será por temazos, en sus ocho discos, sin contar el de regrabaciones! Me resulta difícil mojarme, pero desde luego, Lock Up Your Daughter es sin duda uno de mis favoritos, y se pudo resumir en guitarras cargadas de electricidad, muchas palmas animando por parte de Danny, y esa melodía tan rabiosamente ochentera que tanto nos flipa. Ante la respuesta que obtuvo, no es de extrañar que el vocalista gritase aquello de ‘¡Muy caliente, Barcelona!’.

Bastante potente sonaba también Walk the Wire, a pesar de ser un medio tiempo algo más relajado, y aquel que se encontraba tras la batería tuvo gran parte de la culpa. No era otro que Robin Nilsson, efectivamente, el mismo que empuña las baquetas en The Cruel Intentions, por lo que lo suyo en este festival fue toda una maratón. No obstante, no parecía cansado en absoluto. Los coros a tres voces acompañaron a Danny, que también hizo aquí una de sus grandes interpretaciones. Lo cierto es que se le notaba el esfuerzo por cantar cada vez mejor… pero por desgracia, el sonido que tuvo su voz fue demasiado apagado, difuso y lejano, y en ningún momento le escuchamos bien al 100%. Su torrente de carisma, sin embargo, equilibraba el conjunto, y allá que volvía a la carga con 21 'til I Die, toda una declaración de intenciones (con la que comulgo plenamente), en uno de los momentos más triunfales del show. La pista disparada (Final Fury, del Street Lethal), cortó un poco la seguidilla, pero Lundgren y Olsson no dudaron en remontarla a base de gestos y chuladas en primera fila mientras sonaba la marchosa Whiskey Tango Foxtrot, contando también con unos incombustibles movimientos de Danny, o esos melenazos que ocultaban el rostro de Chrisse Olsson en Silent Thunder, también muy celebrada.

Los voceos desde el público a mitad de tema reflejaban el estado de los ánimos, y seguramente para muchos Hunt for Danger sería un pequeño bajón… pero no para mí. Una auténtica delicia de tema, de corte más AORero y ambiental, que me atrapó por completo en su cadencia. Unas teclitas, y habría sido perfecta. Cambio de atuendo rápido para el vocalista, que no solo se despojaba de su chaleco, sino que añadía al conjunto una máscara de Jason y un micrófono con un machete incrustado para la ‘terrorífica’ XIII, que nunca suele faltar en sus repertorios. Y al igual que nosotros… qué bien se lo pasaban, y qué gustazo ver a una banda con ese dominio escénico: Jens Anderson paseándose con una chulería desmedida, Chrisse Olsson flipándose en la parte delantera, Jens Lundgren apuntándonos con su guitarra… Pero si al principio dije que no esperaba sorpresas, me equivocaba, y nos regalaron para la ocasión un tema que, según ellos, pocas veces habían interpretado. Se trataba de Never Die (Forever Wild), tema que cierra su séptimo disco de estudio, y a la que dimos la bienvenida a cántico limpio. El desmadre fue total, con todos los músicos metiendo headbanging, y las luces del escenario volviéndose locas. Incluso más allá de su final, seguíamos participando con nuestros coros, que Danny nos agradeció sinceramente.

Como cabía esperar (y por suerte, ya que se trata de mi favoritísima de toda su carrera), no podía faltar la tremebunda Blame It on Love, en la que Olsson se adelantaba a gozar junto a una peña muy, pero que muy motivada. Un flow impresionante, y un clima de lo más ardiente fueron el caldo de cultivo perfecto para su última apuesta de la noche, Who Said Rock ’n’ Roll Is Dead. De sus coros se encargó el rubio Jens Lundgren con mucho ahínco (o simuló hacerlo, vaya), y tuvimos también otra de las mejores ejecuciones, tanto en lo escénico como en lo vocal, del gran Danny Rexon, que sudó la camiseta hasta la última gota. Disparando su ya clásica outro (una divertida variante del Crazy Nights de KISS), y con semblantes muy satisfactorios, los músicos se hicieron una foto con nosotros y nos dijeron que hasta la próxima. Y fijo que será más pronto que tarde, ya que es una de las bandas del estilo que más se prodiga en este país.

Debió ser el ajetreo de los dos días anteriores, o vaya usted a saber, pero la verdad es que, para lo relativamente corto que era este primer día de Rock the Sun 2026, me sentía un pelín más cansado de lo habitual. También es cierto que cuando se trata de este tipo de bandas, llevo al extremo mi forma de disfrutarlas, y en este caso, cada concierto brilló por su intensidad. Sea como fuere, nada que no se pudiera remediar con unos minutos de relax en las gradas, una de tantas cosas que me encantan de la carpa del Poble Espanyol, entre otras como su tamaño, su disposición, gradas y mesas para reposar, su bonita iluminación, el suelo acolchado, puestos de comida, una enorme barra (aunque con precios abusivos, todo ello), zonas con sombra, un acceso fácil… y este año, como añadido, WCs prefabricados y fuera los Toy Toy esos de mierda. Aparte de lo dicho, la promesa de esa fulgurante energía que siempre desprenden los conciertos de Eclipse, era un gran aliciente para mantenerse bien despierto, y en esta ocasión, disponían de tiempo para ejecutar un setlist completo

Eclipse:

Las luces de la carpa ya llevaban un rato encendidas, aportando un poco más de magia, si cabe, a aquella templada noche barcelonesa llena de buena gente y excelente música. Eclipse es otra de esas bandas que nos visitan cada dos por tres, incluso varias veces al año si contamos su presencia en los grandes festivales, por lo que son enormemente queridos en España… y ellos lo saben. Con el tiempo, han ido dando a luz una ingente cantidad de clásicos que ya forman parte de la historia del Rock contemporáneo, y todos esperábamos con mucha ilusión bailarlos, saltarlos y cantarlos esa noche. Nunca se olvidan de aquellas bandas que fueron pura inspiración para ellos, y por eso, su introducción está llena de fragmentos de sus canciones, desde Metallica y Helloween a Ozzy Osbourne.

De repente, con todo el mundo ya impaciente, aparecía dando una voltereta sobre el escenario el batería Adde Moon, que marcó el gran inicio de fiesta con Roses on your Grave. Minutos antes, le comentaba a mi chica que tal vez no la fuesen a tocar (debido a la constante renovación de parte de sus setlists), así que mi alegría fue mayúscula al escuchar sus primeras notas, poniéndome a botar como un loco llegado el estribillo. Aunque su voz todavía estaba algo fría en los tonos altos, en los ojos del grandísimo Erik Mårtensson se apreciaban claramente la ilusión y las ganas de gustar, asomándose sin parar hasta nosotros. Ya con la guitarra a cuestas, arrancaba el mismo Erik All I Want, paseándose por su último trabajo hasta el momento, “Megalomanium II”, apoyado por los coros de Victor Crusner (que de momento guardaba las formas) y Magnus Henriksson, que tuvo una de las mejores actuaciones que le he visto en mucho tiempo. Para nuestra sorpresa, a mitad de tema, los pipas prepararon una caja en la parte delantera del escenario, que Adde Moon salió a tocar antes de la culminación del tema, con las voces del público sonando más y más elevadas.

El concierto prometía ser todo un show, y además, el escenario estaba totalmente abarrotado de luces led que se coordinaban con algunos temas e iluminaban el telón en los descansos. También Dying Breed nos vino de sorpresa, un tema nada frecuente en sus directos. Magnus Henriksson la disfrutaba especialmente, adelantándose en el escenario para lucir sus poses y chulerías, dejando a un lado la sobriedad para cobrar mucha presencia. El primer discurso fue dedicado a saludar, a agradecer y de paso, a hacernos lanzar unos cuantos gritos. No hubo problema en ello, ya que de momento el concierto llevaba un buen ritmo, incluso subiría las revoluciones de la mano de Wake Me Up. Victor Crusner seguía en su línea, volviéndose cada vez más irreverente en sus movimientos, y el solo de Magnus nos llegó con gran claridad, gracias a que tuvieron el mejor sonido de aquella jornada (y con diferencia). La peña parecía encantada, y los músicos comenzaban a cambiar de modelo de instrumento para Twilight, que suele aparecer en la recta final de sus conciertos. Los coreos desde el público salieron desde el corazón, divirtiéndonos a tope como estábamos. Erik se contagiaba de esa alegría saltando y dando vueltas en el centro del escenario, y hasta Magnus terminaba dando su solo de rodillas y volteando su guitarra con la correa por el cuello.

Después de esta erupción de vibras tan positivas, Erik volvía a dedicarnos unas palabras antes de coger su guitarra acústica para darle un color extra a Downfall of Eden, una de sus favoritas (¡y de las mías!). El escenario se teñía de color rojo ‘Eclipse’, y pudimos apreciar la contundencia en esos bajos hacia el final. Sin embargo, otro ‘interludio’ instrumental, llevado entre Victor y Magnus empezó a incomodar la cadencia de la actuación. Evidentemente, son muy buenos músicos, y debemos saber apreciar su habilidad, pero creo que se puede hacer de otras formas. Corrimos un tupido velo, y continuamos saltando, coreando y levantando palmas para estribillos pegajosos y con mucho gancho como el de Blood Enemies. Erik correteaba muy suelto por las tablas, y se veía a las claras el buen rollo que reina en el seno del grupo, a raíz de los varios guiños y bromas entre ellos. Entonces, cuando volvía a subir el calor…. otro parón. Humo y luces apagadas. A pesar de ello, sonaban nuestros ‘oes’, pero los cortes sin ofrecer nada a cambio empezaban a ser demasiado molestos. Entiendo que no son máquinas y necesitan tomar un respiro, pero al menos a mí, me estaba pareciendo excesivo respecto a los muchos otros conciertos que les he visto (que con este, ya van doce), sobre todo, porque impedían la formación de un clímax.

El humor suele ser una nota dominante en Eclipse, y el bueno de Erik anunciaba su retiro como cantante para ceder su lugar al bajista que, tan vacilón como siempre, se encargó de cantar íntegramente High Road, ¡y además, lo hizo de maravilla! con una voz que se adaptó como un guante a la tesitura del tema. La dureza en la batería de Adde en la anterior se relajó considerablemente en Hurt, una de sus baladas por excelencia, un temazo muy bonito que nos puso a ondear las manos mientras Erik volvía a coger el micro, ya con su voz al 100%, para bordarla. Realmente potente ese arranque de Bite the Bullet, extraída de ese “Wired” que, en mi opinión, es uno de los tres mejores discos de toda su carrera. El cantante nos presentaba ahora un fabuloso (y enorme) modelo de guitarra estilo 50s, con el que repitió más adelante. Toda la sección instrumental fue tan buena como de costumbre, pero ciertas partes fueron excesivamente alargadas. Incluso el vocalista reconoció que tal vez no estuvieron del todo bien encajadas, anunciando a continuación temas rápidos y cañeros para compensar esta primera parte tan irregular.

Y vaya si cumplió… de momento. Porque con Saturday Night (Hallelujah), absolutamente todo se vino arriba, los saltos de Erik, la pasión del respetable, y como colofón, ese solo, espalda contra espalda, entre el vocalista y Magnus Henriksson. Pero Battlegrounds, por mucho que me transmita, rompió demasiado esa aceleración. Sí, fue muy emotiva, interpretada solo por los dos guitarristas y cientos de voces acompañándoles, pero las partes que nos hicieron repetir a capela se prolongaron más de lo necesario. A partir de aquí, las cosas como son, todo fue un huracán de pura adrenalina hasta el final. Black Rain, una de las canciones más pesadas (en el buen significado) que ha compuesto la banda, sonó verdaderamente aplastante, ante todo esas guitarras de Magnus y Erik (de nuevo, con su flamante modelo blanco), y con la brutal pegada de Adde haciendo retumbar el recinto. Al tiempo, el bajista Victor pateaba el escenario a cada paso, pellizcando sus cuerdas con mala leche y agitando la melena, y no se entretuvieron para continuar con otra que estaba esperando en candeleta, The Hardest Part Is Losing. Con los tres mástiles elevados, y unas buenas coreografías, sería Magnus quien ahora acabaría tirado en el suelo, justo antes de culminar el tema de una forma muy elegante y emotiva. Un himnazo como Runaways no debería desaparecer nunca del setlist, porque es con temas como este cuando se llevan a la peña de calle, haciéndonos gritar como posesos.

Sin instrumento, y mientras su compañero Magnus ponía los coros, Erik Mårtensson se dejaba la piel recorriendo de lado a lado las tablas junto con su inseparable soporte rojo. Aunque para himno, ahí estaba precisamente Anthem, una llamada a la hermandad y al buen rollo. Solo Erik y su acústica cargaron su peso al principio, pero pronto volvieron el resto de músicos para rematarla, entregados al inevitable júbilo que irradia su melodía, y la emoción de ver ante ellos a mil voces cantándola al unísono. Con su desparpajo y garbo habituales, Victor presentaba el que sería el último cartucho de la velada, bromeando con el título. Como no podía ser de otro modo, Viva la Victoria fue un fiestón de la hostia santa, poniendo a absolutamente todo el recinto a botar. Sobre todo las primeras filas, al mismo ritmo que lo hacía el cantante, saltaban como si no hubiese un mañana, y después de una rápida presentación de la banda, culminaban aquel despelote con un reprís en donde el guitarrista endilgó su instrumento a uno de los pipas para corear y desmelenarse como si fuese uno más de entre nosotros.

Resumiendo en pocas palabras, a pesar del excelente sonido del que gozaron, del nada desdeñable setlist, y de un final que fue dinamita pura, el concierto me dejó, por decirlo así, al 75%, quedándose el resto en una sensación un tanto agridulce por el hecho de que no supiesen equilibrar y consolidar del todo las rachas de subida de intensidad. Aun con todo, todas esas maravillosas melodías se quedaron dando vueltas en mi cabeza durante el resto de la noche. Y es que mis queridos Eclipse… siempre estuvieron hechos de otra pasta.

Tocaba ahora regresar al hotel, donde caeríamos completamente exhaustos después de elaborar un pequeño planning para el día siguiente. Primera jornada de Rock the Sun 2026 aprobada con todo un sobresaliente… y todavía quedaba (para mí) lo mejor.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Fangosa (Labrador Psych Fest 2026, sábado 05-09-2026, Polideportivo municipal de San Isidro, Alicante)

2026-09-09T17:26:29.814+02:00

Hace ya algún mes, cuando me informaron de la noticia, casi llegué a tomármelo a broma. Un evento musical completamente gratuito, que reunía en un mismo cartel a algunas de las mejores bandas estatales dentro de un (más o menos) mismo espectro musical, y bastante cerca de casa. Un auténtico caramelazo al que era muy difícil negarse. Sin embargo, mi incredulidad vino sobre todo dada por la presencia en dicho cartel de uno de los mejores conjuntos que ha dado el Stoner / Doom en la última década: los griegos Acid Mammoth. Seguramente, el hecho de que esos días estuviesen embarcados en una gira por nuestro país (con fechas en Madrid y Oviedo) propició su acercamiento hasta tierras alicantinas, así como el buen hacer de los músicos de Limonero Fuzz, otra de las bandas participantes y principales responsables de este festival. Y no eran precisamente pocas las ganas que tenía de verles en acción. Desde aquel puto discazo llamado “Under Acid Hoof”, les llevo siguiendo muy de cerca, y de ningún modo podía imaginar que, llegado el momento, les acabaría viendo en un festival local de entrada libre, y casi en petit comité. A veces la vida te da estas grandes alegrías. Tan pronto como me enteré de la celebración, lo marqué en mi calendario como algo imprescindible bajo cualquier circunstancia, y debería haberlo sido para cualquier amante del Rock y el Metal que se precie de serlo, porque resultó en algo verdaderamente grande, mucho más que una serie de conciertos, una experiencia casi terapéutica en general. La compañía, por supuesto, también ayudó a ello en gran medida, contando con mi amiga Tere (gracias a quien, por cierto, me enteré de la movida) y Monti, también viejo colega con quien coincido mucho menos de lo que me gustaría en estos ámbitos.

Las buenas sensaciones se destaparon nada más salir hacia la población de San Isidro, apenas una horita de viaje que se nos hizo cortísima, llena de interesantes conversaciones y unas cuantas risas. Cuando llegamos al destino, la suerte estuvo de nuestro lado por varios motivos. Para empezar, dentro del mismo recinto (el polideportivo municipal de la localidad), vimos que había una cómoda y amplia zona de aparcamiento, por lo que no tuvimos el más mínimo problema para dejar el carro allí mismo. Eso sí, menos mal que decidimos ir a primera hora, porque luego aquello estaba totalmente abarrotado. Después, al acceder, nos dimos cuenta de que el recinto era idóneo para un evento de estas características, un espacio diáfano y con más que suficiente cabida para el público que se esperaba a lo largo de la jornada. Llegamos media hora tarde respecto a cuándo se suponía que debía empezar la primera banda… pero incluso en este caso tuvimos potra, ya que el inicio del festival iba con retraso. Y para colmo de bienes, como se suele decir, fue llegar y besar el santo, porque en cuestión de unos pocos minutos, los Stoned Wizards estaría ya tomando el escenario.

Era la primera de las siete bandas, y con la perspectiva de tantas horas de pura delicatesen sonora por delante… era imposible no frotarse las manos de gusto. Una lástima, ya por pedir, que desde una etapa aún temprana de la preparación del festival, se cayesen del cartel los Kerry Kaverga.

Stoned Wizards

Arrancábamos, como no podía ser de otra forma, con rollo psicodélico a piñón, con ese potente afrodisíaco sensorial que es la música de Stoned Wizards. El guitarrista Dave Pesquero fue el primer músico que dio la cara en el festival, incluso antes de abrir el show, para agradecer de corazón y con mucha cercanía a tod@s aquell@s que nos habíamos acercado hasta el lugar para dar nuestro soporte. Segundos después, y ya con la guitarra sobre los hombros, hizo lo propio con (We) Get the Fuzz Off, el primer tema de la tarde. Con toques bastante progresivos, mucho pedal, y Tom a la batería ya destacándose como el gran músico que es, se granjearon los primeros de muchos aplausos, empalmando a posteriori con Unspeakable Spell. El tema hizo gala de una de las grandes virtudes de la banda: esas crecidas de intensidad tan milimétricamente graduales y controladas, que empezó con punteos muy tranquilos por parte de Dave, pasando a riffs cortantes petados de wah, compases sutiles, acordes de bajo, para ir ganando poco a poco gordura conforme se acercaba el final. El concierto tuvo mucha dinámica y cohesión, gracias en parte a que raramente pararon ni un solo segundo entre tema y tema, enlazándolos sin descanso, como sucedió en la primera parte de The Pray.

Si bien el bajo era el único instrumento que quedaba un poco por debajo en la ecualización al principio, ahora se escuchaba a la par que el resto, y valga decir que me parece un músico que mejora con cada concierto que les veo dar, siendo esta ya la tercera vez que me planto ante ellos. La mejora, por descontado, se puede atribuir al conjunto en general. Con cada ‘sube y baja’ de intensidad, lograban meternos más y más en el concierto, y cada vez eran mayores las ovaciones que les dedicábamos. Después de volver a saludarnos por medio del guitarrista, The Pray II continuó por la misma senda en todos los aspectos: inicio sin distorsión para, gradualmente, ir pisando el pedal, tanto de la electricidad como de la velocidad. En su máximo momento de intensidad, generó unos cuantos headbanging entre el público, y Tom se crecía con su pegada, complicando cada vez más los ritmos. El final con el que nos dejaron fue tope ruidoso, sin miramientos, con ecos y distorsión a más no poder. La psicodelia más pura volvía a inundar el escenario de la mano de Stonedhenge. Dave cada vez se mostraba más suelto, dando alguna vuelta, arqueando el lomo con cada riff y viviendo a tope el momento, incluso se ponía de rodillas, aprovechando para realizar algunos ajustes en su pedalera.

Los pisoteos al doble bombo por parte de Tom fueron solo el inicio de un tramo en el que se lució a lo grande, marcando con sus baquetas un último sprint que fue fácilmente la parte más intensa y técnica del concierto. A destacar también esos punteos de bajo en los que Chris se quedó en solitario durante unos segundos. A pesar de la continuidad que llevaron, el tiempo no daba para más. Pero ante las peticiones de ‘¡otra, otra!’ no pudieron negarse a regalarnos un último corte, que precisamente es el que más conocemos a través de las redes, y The Seventh nos devolvió a los Stoned Wizards más progresivos. Dentro de esta, mi faceta preferida de la banda, Dave empleaba unas cuantas virguerías, alternando entre guitarras limpias y eléctricas, desprendiendo todo su carisma (que no es poco), al tiempo que Tom lanzaba también un buen puñado de ostentosidades rítmicas, cambios, contratiempos, parones… El humo que inundaba el escenario en estos últimos instantes terminó de clavar esa atmósfera confusa y difuminada que también pretenden transmitir con su música sin reglas ni barreras.

Puesto que, lógicamente, tocaba descanso entre grupo y grupo al haber solo un escenario, aprovechábamos para echar unos tragos y comentar la jugada, saludando también a varios colegas que nos encontramos yendo de aquí para allá. Aprovecho para mandar recuerdos desde aquí a Borja de Valencia y David de Murcia. Los precios, tanto de la bebida como del papeo, eran bastante aceptables (dos pavos por una lata de birra), y había un clásico puesto de bocadillos del que más tarde daríamos buena cuenta. De momento, tocaba prestar máxima atención a la segunda apuesta de la tarde, que para eso estábamos allí.

Tahulla

Tahulla es una banda formada por músicos de diferentes poblaciones de la zona, por lo que prácticamente jugaban en casa. Aunque de reciente fundación, no han perdido el tiempo a la hora de lanzar ya su primer álbum “Tahulla”, que data del pasado año. Precisamente, son este tipo de grupos la verdadera esencia y razón de ser de festivales como el Labrador Psych, que promueven el underground y dan merecida voz a bandas con calidad de sobra para seguir sonando y progresando por muchos años. Pero ojo, no nos confundamos, porque su juventud como formación, no implica que sus músicos no tengan ya unos cuantos kilómetros de rodaje a sus espaldas, viniendo de otros proyectos como Les Pick-Ups, Néboas, Cuneo, Una Vida, o Lodo. Y esta experiencia quedó perfectamente plasmada en el directo que ahora nos ofrecerían.

Siguiendo la dinámica de los anteriores Stoned Wizards, Tahulla gozaron de una ecualización y un volumen casi inmaculados desde el inicio, y eso, afortunadamente, fue una nota dominante durante todo el festival. Tormo fue una buena muestra de ello, bajos retumbantes, guitarras realmente consistentes y graves, y por encima de todo, una batería que sonó casi de estudio, con la dureza justa pero sin comerse el resto de instrumentos. Registros muy pantanosos, redobles a capela, riffs que enganchaban y un Pedro Meseguer a las voces que lo dio absolutamente todo desde el primer grito. Se podría pensar que estos nos llegaban demasiado lejanos, difuminados e incomprensibles, y tal vez fue así, pero también creo que esa sonoridad forma parte del estilo de la banda. O más bien, de la amalgama de ellos que lo forman. Porque aquí hay Doom, hay Stoner, hay Screamo, Sludge y Post-Rock, todo bien batido y moldeado para dar forma a su personalidad. A nivel de género, desde luego no fueron mis favoritos, pero negar que se lo curraron hasta el límite sería faltar a la verdad. Continuaban esos alaridos casi esquizofrénicos, y esa actitud incontestable en Acequia, segundo corte, pero no sin antes ofrecernos unas partes muy limpias y apagadas en las que los arpegios de Manuel ‘Látigo’ resonaron de fábula, con efectos de feedback incluidos.

Al otro extremo del escenario, su compañero Miguel tampoco se estaba precisamente tranquilo, dando unos ademanes y movimientos muy agresivos que encajaban perfectamente con la tesitura de los temas. También hay que aclarar que, pese a haber una dirección más o menos definida en lo musical, cada envite tenía sus propias cualidades, y aquí Boria fue un paso más allá con ritmos y matices muy propios del Doom. Con varios cambios de registro en su voz y 100% sumergido en la movida, Pedro se iba adueñando del escenario, doblegando la espalda casi hasta el suelo, incluso cayéndose de rodillas para dar más emotividad e intensidad al asunto. Pancho aporreaba las cuerdas de su bajo bien despatarrado, los riffs crujían de lo lindo, y las poses no dejaban de fluir por el escenario, contagiando al público (que poco a poco iba siendo más numeroso) de esa energía tan extrema. En el tramo final, Miguel empleó un objeto (que desconozco), para meter un ruido aún más infernal con su guitarra. Siguiendo el orden del tracklist de su “Tahulla”, Vientos bajó todavía más la afinación y ritmo, sumiéndonos en una densidad fangosa gracias un bajo de lo más lúgubre (que sonó de lujo), y a una pegada tremenda en la batería.

Dicho esto, me gustaría recalcar el detalle de que, en muchas de las actuaciones que ha dado la banda en estos inicios, han empleado no una, sino dos baterías simultáneas, encargándose de la otra el también ingeniero de sonido y productor J.F. Rojo. No conozco el motivo por el que esta vez no fue así, pero desde luego, Rubén dejó el pabellón bien alto, y mientras Miguel se dejaba el cuello con sus riffs, y su compañero ‘Látigo’ rasgaba de forma cada vez más violenta sus seis cuerdas, los gritos de Pedro se iban transformando en algo cada vez más estremecedor y transmisor de oscuras emociones. Rubén añadía un plato al charles para encarar la recta final tirando de Lumbre, tema que también cierra el disco. Ahora los registros vocales pasaron a ser más limpios, en forma de susurros inquietantes. Pedro sudaba hasta la última gota, balanceándose hacia adelante, siempre dándonos el perfil, acomodando su voz en ese indescifrable barullo que armaron sus compañeros entre arpegios y punteos. Sonó incluso más ruidosa que la versión de estudio, y ese largo tramo completamente instrumental para terminar habló a las claras del talento de todos los músicos. Clavaron definitivamente el tema, y se ganaron a pulso ese adiós bien arropado con aplausos, que fue la mejor forma de despedimos de ellos.

Lo dicho, no es mi estilo predilecto, pero se ganaron mi respeto con una actuación llena de actitud, interesantes arreglos técnicos, y mucha pasión. Entre tanto, para amenizar el parón y descansar unos minutos, mi colega Monti y yo nos fuimos a dar un garbeo por la zona de merchan y sentarnos. De momento, todo estaba saliendo como la seda. Cada vez más asistentes iban formando un ambiente muy agradable y cálido, en donde uno se sentía la mar de a gusto. Entre charlas, y casi sin darnos cuenta, se acercaba la actuación de Cadáver de Cabra.

Cadáver de Cabra

Para mí, eran uno de los grandes desconocidos del cartel, aunque de unos días a esta parte, ya le había dado un buen repaso a su primer y único disco hasta el momento, que como la banda, se titula “Cadáver de Cabra” (un nombre, por cierto, muy atractivo y sugerente). Parecía que en cualquier momento iba a estallar otra tormenta sonora, con todos los músicos ya ocupando el escenario, y sin embargo, unos problemas técnicos retrasaron su inicio, generando al mismo tiempo más retraso en los horarios. Por suerte no fue nada exagerado, y muy pronto comenzaron a acribillarnos con sus ritmos asfixiantes y decadentes, y unos magníficos riffs que se revelaron como uno de los grandes valores añadidos del grupo.

La noche iba cayendo poco a poco, y que mejor que acompañar esta transición con No Rules, Only Sludge, tema de apertura de su LP, y una declaración de intenciones acerca de la filosofía musical y compositiva de la banda. El humo iba cubriendo poco a poco el escenario, y la densidad lo acompañaba de la mano de esos bajos bien recargados de fuzz (un recurso omnipresente en este festival), unos compases atronadores, y unas voces de ultratumba ejecutadas por Aston Wirz al frente del escenario. La guapísima Kath, dando marcha a sus cuatro cuerdas, se soltaba esa increíble melena sin dar tregua mientras agitaba su instrumento, y un final tremendamente pesado (en el mejor de los sentidos), dio paso a Ketamine Zombie. Más distorsión, más humo, y en esta ocasión, más virguerías a cargo de guitarrista Daniel Roldán, que se las ingeniaba para meter un ruido del copón bendito con sus cuerdas. Sin tregua, los ritmos pesados y mortuorios nos iban haciendo caer en esa espiral de maldad y blasfemia que destilan sus temas con cada nota, ya con la mayoría del público batiéndose el cuello a saco. La noche anterior habían tocado en Oviedo, nada menos que formando parte de la gira de Acid Mammoth y acompañados de los Limonero Fuzz, un ‘pack’ que tuvimos el privilegio de disfrutar aquí también.

Lejos de parecer cansados, iban metiendo cera con mucha entrega, pero también hubo momentos para registros más calmados y sorprendentes, como el que vino a continuación de la mano de Satan Blues. Una oda satánica que, como su nombre sugiere, nos transportaba hasta un oscuro blues. Sin renunciar a la distorsión, ni a las ecualizaciones más crudas, ni a esos punteos chillones de Daniel (que apoyaba también con coros), fue una de las partes que más me gustaron de la actuación, con recta final en donde destacó claramente la demoledora pegada de Juan Carlos tras su batería. Aprovechamos uno de los pocos momentos de silencio para concederles un gran aplauso, a lo que respondieron con la presentación del siguiente trallazo, Cadáver de Cabra. Un tema que reúne en sí mismo todas las características y especialidades sonoras del conjunto, pero sobre todo, que sobresalió por su extrema lentitud. Para meter aún más ambiente al asunto, Daniel imitaba los balidos de una cabra, en una parte que se alargó y se alargó hasta estallar en un verdadero ariete sónico, con ásperos gritos de Aston y una contundencia enorme en bajo y batería que nos hicieron crujir el cuello en aquel sacrílego ritual, siempre con el tritono del diablo como base de sus armonías.

Tras los parches, veíamos a Juan Carlos pasarlo en grande, cada vez más suelto, divertido y emocionado a la hora de castigarlos, llegando a su máximo apogeo en Cheddar Brain. El sonido no desentonó en cuanto a calidad respecto a los dos conciertos anteriores. Con un equipo tan supuestamente modesto con el que contaba el escenario, aquello estaba sonando de la hostia, mejor que otros festivales más grandes a los que he asistido en lo que va de año. Ahora, solo les quedaba rematar la jugada por todo lo alto, y tirando de un mismo riff, lo adaptaron a todos los ritmos posibles, con guitarras muy crujientes (especialmente, la de Aston), ralentizándolo al final mientras Kath volvía a deslomarse con su bajo a hombros y el solo del vocalista sonaba a puro wah. Hasta un pequeño circle pit, tal vez el primero del festival, lograron levantar, acoplando las guitarras al final para ‘deleitarnos’ con un ruido de mil demonios. La instrumental Aquelarre fue la única del disco se quedó fuera del setlist, aunque la verdad es me habría encantado a escucharla. Sea como sea, hasta el momento fueron los que más me gustaron del cartel. ¡Ojalá pueda volver a verles pronto!

Me acerqué después hasta el coche, que estaba a un par de minutos a pie, a tomar un trago de agua y aprovecharlo como refugio y descanso unos minutos. Ya repuesto, me volví a encontrar con mi colega Monti, y volvimos derechos hasta el escenario, donde la actuación de Limonero Fuzz, uno de mis principales objetivos del festival, era ya casi inminente. Se me han escapado varias veces en los últimos años, por unas o por otras, pero en esta ocasión por fin les iba a gozar sin ningún impedimento.

Limonero Fuzz

Seis músicos, nada menos, sobre un escenario al que le iban a sacar todo el partido posible, y con un sonido que volvió a brillar con luz propia desde el primer cartucho que dispararon, Ventana al Sendero. Nos enfrentábamos a una de las partes más puramente psicodélicas del festival, ante una banda que se ha labrado un nombre muy potente y reconocido dentro de la escena en nuestra zona. Y no tardaríamos en saber el porqué. Me chocó al principio ver un segundo cantante, dedicado exclusivamente a esa labor, y a un componente (presuntamente nuevo), que se encargaba del teclado sintetizador. Ambos no hicieron sino dar más cohesión todavía a un concierto pulido y perfeccionista de principio a fin. Manu, a la guitarra, aportó también coros y partes vocales, con sus fraseos sonando muy lejanos pero sin perder definición, y la impecable técnica del batería Darío me cautivó inmediatamente. La calidad de todos y cada uno de los músicos saltaba a la vista, y solo faltó esa introducción narrada por Félix Rodríguez de la Fuente para que el tema se plasmase idéntico al registrado en su EP “Espíritus del Río”.

La batería sería uno de los instrumentos que más contundencia iría ganando en algunas etapas del concierto, pero con Raíces, volveríamos a tener una experiencia casi extrasensorial a base de melodías ondulantes, notas plagadas de wah, y un feeling enorme que se hacía especialmente patente en el guitarrista Raúl. Le veíamos fluir en cada nota, como atrapado por el espíritu de los 60 que sobrevuela esta composición. Técnicamente mostraron una de sus mejores facetas en Espíritus del Río. Porque los temas de Limonero Fuzz están sembrados de detalles de todo tipo, armonías extrañas, notas entre líneas, incluso alguna disonancia intencionada, algo a lo que contribuían las bases que formaban las teclas. Los ecos alienantes, los mencionados detalles medidos con lupa y algunas voces corales, se me quedaron tremendamente cortos, pero solo por la duración del tema y no por su fuerte intensidad espiritual. Seguían con El Río, precisamente la que más ganas tenía de disfrutar, iniciada con los prístinos arpegios de Manu y la sutileza en los compases de Darío. Ahora Javier ‘Lillo’ que así se llama (o al menos, eso creo) el cantante solista, protagonizó las melodías vocales, alternando registros de lo más etéreo, con gritos ásperos que iban, si cabe, espesando aún más esa ‘niebla’ musical que nos subyugaba ya por completo y sin remedio, como si de una sustancia psicotrópica se tratase. El ensoñador wah en las guitarras de Raúl y los meticulosos cambios de tempo entraban como la seda cuando el escenario se llenaba de humo otra vez.

Fue un momento muy mágico en el festival, y no el único de este concierto. Porque Nueve Sentidos es sin duda una de mis favoritas de cuantas han grabado, y otra de las que me sumergió hasta tocar fondo. Me flipa su melodía vocal, tan alejada e irreal (interpretada esta vez entre Manu y Lillo), su rollo casi oriental, y ese desmelene final de batería en uno de los tramos más rápidos (y de los poquísimos de este tipo) que íbamos a disfrutar en todo el festival. Continuábamos montados en este particular viaje cósmico a lomos de El Jaguar, que enlazaron casi nota con nota. Había bastante peña ya, y lo mejor de todo, bastante activa al ritmo que marcaban los graves de Dani (muy destacados en este corte), y bajo el efecto de los paranoicos sonidos que emitía Raúl desde su guitarra con un cilindro metálico. Cuando anunciaron que el setlist no daba para más, me quedé a cuadros. Les estaba disfrutando de tal forma que aquello se había pasado demasiado rápido, pero por suerte, hicieron caso a las súplicas que desde el público pedían una más. La escogida fue El Fuego, que volvió a poner los ánimos muy arriba con esos compases progresivos, los furiosos rasgados de Raúl (muy emocionado, y dándolo todo siempre), y los cañeros baquetazos de Darío ‘Butterkid’. Aun con esto, siguieron quedándoseme cortos, pero ahora sí, me veía forzado a despedirles. Bravísimo por ellos, y ojalá sigan en el ajo por muchos años.

Normalmente no tengo costumbre de cenar en los festivales. No me importa hacerlo en casa, aunque sea a las 2 o las 3 de la madrugada, con tal de no pagar los criminales precios que suelen prodigarse en eventos tochos. Por una parte, sin embargo, en esta ocasión las cifras eran muy razonables, con una oferta de bocatas típicos, de los de toda la vida, de los que apetecen en cualquier momento, a solo cinco pavos. Por otra parte, la noche anterior me agarré una cogorza de la hostia y no había desayunado, así que mi estómago estaba pidiendo clemencia. Cuando terminaron los Limonero Fuzz, nos pusimos tras la larga cola del puesto, armados de paciencia (y hambre), y cuál fue mi alegría al encontrarme con mis dos colegas Marian y Mel. Una agradable sorpresa, y la excusa perfecta para juntarnos a cenar en una de las mesas y ponernos al día. Una abraçada, xiques!!!

La parte negativa fue que la cola avanzaba lentísima, y por ello nos perdimos casi toda la actuación de AldeaquemadA, una de las formaciones más particulares del cartel. Particulares, sobre todo, porque tan solo dos miembros la componen, la batería Pilar Ruiz, y el guitarrista Miguel Ortega, ambos también encargados de ir alternando voces. Pero aunque desde lejos, fue una escucha de lo más interesante. Solamente puedo contaros pocos detalles por encima, porque al fin y al cabo, no conozco más que las tres canciones que han publicado hasta el momento. Una de ellas fue Negra era la Noche, que sonó entre las primeras. Su rollo garagero, y con unos riffs que no le hacían ascos al Rock’n’Roll más primitivo, combinaban perfectamente con la actitud enérgica de ambos músicos, que armaban el follón de cinco juntos. Sin embargo, su variedad musical no empieza y termina en estos dos géneros. Las ataduras no van para nada con ellos, y también escuchamos partes más étnicas, una enorme variedad de ritmos (cada tema, prácticamente, es un mundo), otras mucho más punk y batalleras, mucho noise, y algo que se acercaba a la música folclórica, pero casi todo ello con batería desmelenada y líneas vocales que fueron desde lo más melódico y delicado, a lo más visceralmente salvaje.

Entre tema y tema, casi siempre se dirigían al público, bien para animar el cotarro, bien para pedir un sonoro aplauso para los organizadores de este maravilloso tinglado, o bien para gritar bien alto y sin tapujos sus ideas, otro aspecto que me acercó todavía más a ellos. Con ‘¡Salud y República!’ o en este caso concreto, ‘¡la revolución será feminista, o no será!’, arrancaba La Tierra se Agita, pasado el ecuador del concierto, tema que más me cautivó profundamente desde que lo escuché. Una balada, si se puede llamar así, con una sensibilidad que no se esperaría de una banda que practica un sonido tan rudo y directo en general, una letra de lo más poético, y tan solo sutiles toques instrumentales aquí y allá. Fue muy bien recibida, igual que la mayoría de temas. Otro detalle que me flipa es el título de lo que será su disco completo, “Aquí termina el orgullo y empieza la igualdad”, una frase hermosa y muy acertada cuando la contextualizamos en las puertas de un cementerio, de donde fue tomada. Verá la luz el próximo 1 de octubre, así que estaremos al loro. En el último tema, desataron los dos extremos casi a partes iguales, esa furia y agresividad en voces, riffs y baterías, y esa sutileza en otros fragmentos que conseguían hacerte volar. Y creo que, a tenor de lo calurosa que sonó su despedida, gustaron mucho a la peña.

Ya habiendo terminado de cenar, mi atención estaba dividida entre mis colegas y el escenario. No quería perderme ni una sola línea de lo que vendría a continuación, porque si hablamos de Rock alternativo, sonido noventero, distorsión al 11 y muchísima tralla, y lo encuadramos en el territorio alicantino, muy pocas bandas han emergido con la fuerza, actitud y ganas de comerse el mundo que poseen Rosy Finch. La formación comandada por la grandísima Mireia Porto ha sabido sobrevivir a más de un infortunio, evolucionar su sonido sin perder su esencia primitiva, y hacerse invencibles por el camino. Han visitado prestigiosos festivales internacionales, han sabido ignorar modas y tendencias, y con todo ello, labrarse una reputación intachable en su rollo. Y ahora, les llegaba el turno de no dejar piedra sobre piedra en San Isidro.

Rosy Finch

No se anduvieron con chiquitas a la hora de abrir con Oxblood, y tanto guitarras como baterías, estallaron al máximo nivel. Caña burra y desmadrada, que nos hizo acercarnos hasta las primeras filas para contemplar y sentir toda esa contundencia bien de cerca. Toda esa energía que les había imaginado en directo se desparramaba a lo bestia ya desde el primer tema. De igual forma, y sin mediar palabra, la emprendían con la siguiente Vermilion. La electricidad y la contundencia nos golpeaban en el pecho a un volumen atronador y Mireia, tanto al cantar como al tocar, se revelaba como un auténtico animal sediento de sangre, implacable, dando bandazos y maltratando su instrumento, acompañada por los coros del bajista Jvan, y alternando voces limpias con otras mucho más descarnadas. Muchos flipábamos con aquel que se encontraba tras los parches. Eddy, que así se llama el muchacho, es la más reciente incorporación, sustituyendo a Juanjo Ufarte, que llevaba ya siete años en la banda. Aquella noche, además, lo veíamos de estreno, y no veáis cómo aporreaba. Impresionante de todas, todas. Mireia detenía el tren por unos segundos para saludar y dedicarnos su mejor sonrisa, que volvió a transformarse en pura mala hostia al ejecutar Amaranto.

La ecualización sonaba realmente visceral, y aunque a la voz de Mireia le faltaba algo de claridad, en términos generales era un cañonazo en toda la jeta. Bajos ásperos, baterías muy garageras, y una auténtica sobredosis de fuzz de las que te tiraban para atrás. La vocalista no daba tregua, no se amedrentaba, rugiendo como una leona las primeras letras en español que escuchábamos. De todo menos delicadeza hubo en Lava, una de mis favoritas. Smashing heads!!, como dice una de sus frases, eso era justo lo que estaban haciendo. Pedazo de estribillo, desde el cual la voz de Mireia crepitaba en nuestros tímpanos sin ningún tipo de piedad, como también lo hacían los zambombazos de Eddy. Lejos de cansarse, este último parecía cada vez más envalentonado, soltando unas hostias como panes, y añadiendo muchísima potencia y agresividad a los temas. Mireia respiraba y se dirigía a nosotros con palabras de agradecimiento, las justas y necesarias para no cortar el ritmo imparable del que estaba haciendo gala el concierto hasta el momento. Dos buenas sorpresas a continuación. Una de ellas, se trató de un excelente cover del Endless, Nameless de Nirvana, que muchos reconocimos en seguida.

Aún recuerdo con cariño esa etapa de mi vida, cuando el boom del mal llamado ‘grunge’, en la que escuchaba sin parar bandas de este palo. Para mí aquello ya pasó, pero se podría decir sin dudarlo que Rosy Finch son una de esas bandas que encarnan el espíritu de antaño con su música. Y desde luego, hay que reconocer la calidad cuando la tienes delante, aunque no sea este mi estilo predilecto. Los contrastes en dicho tema nos cortocircuitaron el cerebro. Mireia, rápida y mortal con su guitarra, se encargaba de darle toda la fiereza posible, mientras Jvan se venía arriba elevando su bajo, y Eddy armaba un verdadero sindiós de ruido para culminar por todo lo alto. La segunda sorpresa, mejor incluso, fue caer en la cuenta de que no solo Eddy era la gran novedad en este concierto, también nos iban a presentar en exclusiva todo un tema nuevo llamado Gladis que, esperemos se encuentre en su próximo trabajo. Si las cosas funcionan, ¿para qué cambiarlas? Gladis también fue distorsión a destajo, maneras rudas, y Rock’n’Roll engorrinado al máximo, contando además con un currazo demencial por parte de Eddy en toda su duración. ¡Bárbaro, joder! Y ya puestos a pisar el pedal, momento perfecto para Alizarina.

A parte de en el terreno musical, me encantó la actuación de Mireia en particular, modosita en algunos de sus movimientos, provocativa, insinuante, para de repente volver a ser esa mala bestia implacable que patea el escenario y agita la melena como si no hubiese mañana. Ruby no se pudo definir de otro modo que ruido puro y duro, 100% electrificado, y a mala leche, desde ese inicio insufrible con los acoples (probablemente, intencionados) hasta ese final que nos quedó marcado a fuego, con punteos reventando de fuzz, y viendo cómo Mireia se arrojaba de rodillas al suelo sin contemplaciones. Para terminar como debía ser, cambiaron de tercio, acercándose hasta su primer álbum “Witchboro” para regalarnos Miss Howls a todo trapo, de la que por cierto, me encanta el videoclip. Hacía rato que los mosh se encendían entre el público, y esta no hizo más que encabronarlos. También sobre el escenario fluían (o más bien, atronaban) toneladas de agresividad, la de Mireia zarandeando su guitarra, o la de Eddy que no se iba a ir contento sin destrozar su batería a porrazo limpio. Un último tema que nos dejó muy, pero que muy calientes en la ya de por sí tórrida noche de San Isidro. Damas y caballeros, ¡Rosy Finch! Menuda espina me he quitado viéndoles.

Muy contentos y extasiados con el pedazo de actuación que se marcaron los alicantinos, nos alejamos unos minutos del escenario para descansar los huesos antes del que iba a ser el momento estelar de la noche. El retraso del horario, por suerte, se mantenía en una hora y poco, y todo hacía pensar que no pasaría de ahí. En verdad, pese a llevar todo el día de trajín, y la sombra de la resaca de la noche anterior, no me encontraba para nada cansado. Todas las bandas, incluso aquellas cuyo estilo no es lo mío, me habían motivado cantidad, y por supuesto, no podían decaer los ánimos ante el conjunto que realmente me arrastró hasta allí desde su misma confirmación. Supongo que por las horas, ya entradas en la madrugada, mucha gente abandonó el recinto, pero todavía éramos un buen batallón dispuesto a armarla ante los griegos Acid Mammoth, únicos representantes foráneos de todo el cartel. Y las tinieblas se cernían, de nuevo y por última vez, sobre San Isidro

Acid Mammoth

Mientras los primeros acoples comenzaban a ponernos a tono, el vocalista Chris Babalis Jr. se adelantaba con firmeza hasta la parte delantera del escenario para presentar banda, tema… e inmediatamente, todo se volvió un auténtico maremágnum de melenas al viento, efectos oscilantes de guitarra, y alguna racha de doble pedal en su justa medida. Los griegos se estrenaban muy fuerte en la terreta, y a pesar de que era White Hag la que figuraba al inicio del setlist, fue nada menos que la brutal Supersonic Megafauna Collision la primera en hacer temblar todo el polideportivo. Y eso ya supuso un tremendo subidón de adrenalina, porque su último disco, titulado del mismo modo, me ha flipado a lo bestia. Siete minutos que supieron a gloria, y tras confesarnos que se sentían muy felices de estar tocando allí, arremetían con Tree of Woe, inspirada en el universo de la película Conan el Bárbaro, lo que despertó un griterío repentino desde el público. Los riffs perpetrados entre Chris Babalis Sr. y Jr. (padre e hijo en la misma banda, maravilloso), caían de forma aplastante, y las melenas de este último y el bajista Dimosthenis Varikos volvían a coger vuelo mediante un headbanging constante y extremadamente contagioso.

Diría que a estas alturas tan tempranas ya nos tenían completamente atrapados, a raíz de esos gritos de ánimo que brotaban desde el gentío. El humo invadía el escenario por momentos, favoreciendo esa atmósfera sombría, y la deliciosamente lenta Tusk of Doom llegaba a continuación. Como en muchos de los temas, fue Chris Babalis padre quien se encargó de abrirla con sus cuerdas a reventar de distorsión, dando pie a que Panagiotis Panagiotopoulos se enzarzase a porrazos con sus parches, en esa batería que sonaba de lo más pantanosa. Tal vez el único ‘pero’ en el sonido (que como en el resto de conciertos, fue de sobresaliente) recayó en la voz de Chris Babalis Jr., demasiado muteada y distante, aunque sigo pensando que esa mezcla suele ser intencionada en este tipo de bandas. Cada vez que el cantante levantaba los cuernos al aire, o gritaba aquello de ‘oh yeah!’ todos le correspondíamos, y aunque no fue el frontman más comunicativo del mundo, nos cautivó con su gran carisma y sus movimientos perpetuos.

También los bajos de Dimosthenis contribuían en gran medida a crear esa muralla sónica que nos iba encarcelando irremediablemente en su densidad y oscuridad, y Atomic Shaman fue uno de los máximos exponentes en este sentido. A diferencia de la versión de estudio, el batería Panagiotis pisaba sin cesar el pedal para reforzar la rítmica del inicio y hacerla más contundente. El mismo, tiró de registros y compases más variados en esta ocasión, mostrándose muy animado, mientras ambos guitarristas formaban un cara a cara. Sin decirnos su nombre (y sin figurar en el setlist original), nos regalaron todo un temazo nuevo, que presuntamente figurará en su próximo álbum, hasta arriba de riffs muy graves, y en donde la guitarra de Chris Babalis Sr., que al principio sonaba un pelín alta en el conjunto, ahora estaba mucho mejor integrada. Sus punteos nos deleitaban los oídos en cada inicio y en cada solo, y aunque no iba a la par en cuanto a movimiento respecto a sus compañeros, le ponía cantidad de feeling al asunto. Una de mis favoritas, Beserker, estaba al caer, con muchas vibras setenteras y ruidos de lo más surrealistas. Un tema de los que, gracias a su estribillo y a su progresión melódica, se quedan dando vueltas por tu cerebro durante mucho tiempo, de ritmo viscoso y aires muy decadentes, santo y seña del sonido de la banda.

A continuación, se pasarían por su primer disco, “Acid Mammoth”, para interpretar el único tema de este que figuró en el set, la potente White Hag. La peña estaba súper receptiva, acompañándoles sin tregua con el headbanging, y entre las primeras filas, mucho fan cantando las letras y levantando los puños en alto. La batería iba cogiendo un ritmo incombustible en esta última, sumiéndonos en un ensueño casi hipnótico, y casi lo mismo se puede decir de Them!, la apertura de ese discazo tremendo que es el “Under Acid Hoof” (con el que les conocí). Distorsión a raudales, y unas líneas de voz más elevadas, fueron los principales puntos a destacar, pero también el imparable headbanging que se marcaban Chris Babalis Jr. y su compañero Dimosthenis al bajo (joder, que puta envidia de melenas…). A este último, de hecho, apenas le vimos la cara en todo el concierto. Lo que viene siendo actitud pura y dura. De nuevo, un agradecimiento por parte del cantante antes de meter cera de la buena con Jack the Riffer, una de las más esperadas y por lo tanto, celebradas. Los tambores de Panagiotis (novísima incorporación a la banda, a todo esto) sonaban devastadores, a puro infierno, con esos ecos y esa contundencia machacando nuestros oídos, así como el doble pedal se iba adueñando del tema.

Chris ‘hijo’ demostraba mucho feeling al cantar, cerrando los ojos y concentrándose… siempre que no estuviese agitando la melena como un salvaje. Por desgracia, el concierto tocaba a su fin (qué rápido se acaba lo bueno…), pero no les permitiríamos irse tan fácilmente, arropándoles entre gritos de ‘¡otra, otra!’. Menos mal que, por si las moscas, tenían una última bala en la recámara, que no fue otra que Caravan, del tercer LP. En ella pusieron definitivamente toda la carne en el asador, igual que nosotros, dejándose la piel a muerte, con Panagiotis martilleando sin piedad, Dimosthenis pateando el suelo con fuerza al compás que marcaba el anterior, y Chris Babalis junior currándoselo a tope en las partes vocales más elevadas de todo el concierto. La recta final, con un sonido y compás avasallador, deliciosamente repetitivo e insistente, resultó ser una verdadera ceremonia fúnebre antes de darnos el último adiós. Qué jodida maravilla, por Dio.

Y ya de vuelta de ese viaje sensorial hasta la mismísima era Cenozoica, dábamos por concluido este increíble Labrador Psych Fest 2026, tercera edición, pero primera para nosotros. Un festival para el que, después de haberlo vivido con plena intensidad, solo tengo palabras de alabanza en cualquiera de los aspectos. Un ambientazo digno de repetirse mil y una veces, con unos cuantas caras conocidas por el camino, comida y bebida a precios realistas, bandas, tanto emergentes como consolidadas, de primerísimo nivel, un recinto que es una puta maravilla, tanto para aparcar como para disfrutar de los conciertos, y por encima de todo, tengo que volver a hacer hincapié obligatorio en la fabulosa calidad del sonido que relució en todas y cada una de las actuaciones. No sé si atribuirle el mérito a los técnicos de sonido, al equipo, o a las propias bandas, pero desde luego, con unas instalaciones y P.A. a priori modestas, se comieron con patatas a muchos macro festivales con toneladas de bafles que luego suenan a puta mierda.

En eventos 100% underground como este, el hecho de pasarlo en grande con las bandas, con su música honesta y su creatividad sin presiones ni artificios, representa solamente una parte del disfrute. La otra, y si cabe tan importante como la anterior, es la satisfacción de sentir que estás apoyando una movida que realmente te necesita ahí dando el callo, aunque en este caso no fuese mediante aportación económica, sino a través de la presencia, escucha y valoración. A casa me llevé unas sensaciones sencillamente insuperables, porque además de haber gozado de la gran compañía de mis amigos Monti y Tere, me ha valido para descubrir bandas de las que ni siquiera había oído hablar hasta el anuncio del cartel (tal es el caso de Cadáver de Cabra, AldeaquemadA o Tahulla), y ver otras tantas con las que tenía una cuenta pendiente desde hacía tiempo (como Rosy Finch, Limonero Fuzz, o Acid Mammoth). En definitiva, y para concluir, no puedo dejar de recomendarlo a todo el mundo para futuras ediciones. Yo, si puedo, estaré allí sin falta.

P.D. Perdón por la mierda de fotos, he seleccionado las menores de entre más de 100, pero con los medios de los que dispongo, ¡es lo que hay!

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Cuídate de la Yakuza (Frank Suz & the Crazzy 88’s, viernes 14-08-2026, Pub Dublín, Gandía)

2026-08-16T19:24:49.544+02:00

Después de cuatro días de intenso festival metalero, y una semana entera recordándolo a través de las pertinentes crónicas, uno acaba sufriendo lo que se conoce clínicamente (o al menos, debería) como síndrome de bajón post-festivalero, echando de menos los conciertos, la música y los colegas que han formado parte de ti durante tantas horas. Entre unas cosas y otras, volvía a llegar el fin de semana. Era viernes, y sentía que me faltaba algo, o que estaba pasando por alto una cita importante. Al consultar mi agenda personal (que cada vez está más vacía por temas de pasta), me di cuenta de que ahí estaba en letras grandes el nombre de Frank Suz, cuyo concierto se antojaba perfecto para sobrellevar un aburrido fin de semana. El Pub Dublín fue, en esta ocasión, el garito que iba a albergar su show, y sin pensármelo dos veces, cogí el coche y me planté solo en Gandía. El artista ibense presentaba allí, acompañado de su saxo, su Hammond, y unos músicos de lujo, el último lanzamiento de su carrera, ese flamante “Callos de Wagyu” que no ha dejado de alucinarme desde que lo escuché por primera vez. Si entre sus anteriores trabajos (“Inferno”, “Mambo Voodoo” y “Reza Todo lo que Sepas”) ya se apreciaba una notable diferencia en términos de sonido y estilo, en este último le ha dado vuelta y media a todo, sin renunciar a su reconocible personalidad compositiva, pero creando algo fresco y rompedor. Un trabajo puramente instrumental, producido nada menos que por Hendrik Röver y grabado en directo de estudio, en el que Frank se revela, además de cómo el consabido gran teclista, como un saxofonista nato a la hora de inundar cada pieza de trabajadas armonías, y melodías que ya llegan para quedarse desde la primera escucha.

Veranito de agosto, y Rock’n’Roll surfero, clásico y bailable de la mano de Frank Suz & the Crazzy 88’s… ¿hay algo más apetecible? Pues eso mismo es lo que íbamos a tener, en cantidad y calidad, en aquella calurosa velada. Y no sería yo quien me fuese a perder uno de los conciertos más esperados de esta extensa gira del artista, tal vez la mayor de todas en las que se ha embarcado desde que decidió emprender su carrera en solitario. Sin duda, una buena muestra de trabajo y reconocimiento a partes iguales.

Salí con bastante antelación, pues todas las veces que he estado en Gandía de concierto han sido fuera de temporada alta, y miedo me daba cómo podía estar aquello para aparcar. Contra todo pronóstico, no me costó demasiado, y eso me permitió ganar un rato de ventaja para charlar con los músicos antes de su actuación. Y con gente tan de puta madre, eso siempre es un maldito gustazo. Se acercaba la media noche, y la exagerada humareda que comenzó a abarrotar el local, marcó el punto de inicio del show.

Frank Suz & the Crazzy 88´s:

La banda, formada además por Nando Insidious al bajo, Teto Adán a la guitarra, y el nuevo batería villenense Javi, ya había tenido tiempo de probar ecualización e instrumentos, por lo que ahora fueron directamente, y con muchísimo aplomo, a por Iron Loto. Frank ocupaba la parte central, explayándose a gusto en sus movimientos con una soltura que no hace sino reafirmar que el escenario es su medio natural por defecto. El estancamiento y la repetición no existen en su diccionario creativo, y en directo lo demuestra improvisando detalles en el tempo y en las notas de sus instrumentos, como sucedió ya en los primeros compases. Sus temas enganchan irremediablemente a la primera, pero no me creáis a mí, sino a toda la peña allí presente que bailó este single en toda su duración. Fantástico pistoletazo de salida, que prosiguió con la alborotada Kappa Shake, arrancada por Javi a la batería. Teto lucía aún sus gafas de sol, y muchísima chulería, cuando las primeras notas de teclado hicieron su aparición… ¡y de qué manera! Frank maltrataba su teclado, sacudiéndolo en todas direcciones, tocando de esa forma tan característica suya y, siempre que tenía un momento, dirigiendo a su banda. Y no porque todo no estuviese meticulosamente ensayado, sino para dar forma a la cadencia justa en el momento preciso.

Hiroshima Boom fue una de las más directas, empalmada, y luciendo continuas subidas y bajadas de intensidad. Teto y Nando iban cogiendo también el punto de movimiento, y en su parte final, Frank pateaba con nervio el escenario sin dejar de soplar su saxo. Los bailes ya eran una constante en la sala, y nadie podía, ni quería parar. Tras meter un trago a su mojito, el mismo Frank presentaba Uzendayo, esta vez destapada por los acordes de Teto a la guitarra, cuya distorsión estaba en el punto justo que requiere este Rock’n’Roll surfero. Nando se encargó de sus coros, y entre saxo y sección rítmica hubo una coordinación excelente. De nuevo, el local se llenaba de humo en el momento justo en que todos nos arrancábamos con palmas para animar la parte central del tema. La banda estaba gustando, y mucho. Si bien el sonido desde la barra era realmente bueno (de los mejores que he escuchado en el garito), el frontman se quejaba de un acople en el micro de su saxofón, que yo apenas escuchaba, pero que en el escenario debía ser bastante molesto. Esto, sin embargo, no les impidió continuar a tope y descargar cada apuesta con la entrega al 100%, como sucedió con Yakuza Lovers.

Un tema que me flipa a lo grande, con ese rollazo casi onírico que le aportan las líneas de Hammond, y que Frank alternó con el saxo (y porque no tiene más manos, que si no…). Los punteos de Teto (¡vaya chulada de guitarra!), y los dibujos de Nando, también brillaron a gran altura. Continuaban desgranando ese suculento “Callos de Wagyu” (que desde aquí animo a todo el mundo a escuchar) con Kamikaze Blind, literalmente empalmada con la anterior, y esto último fue un recurso muy utilizado durante todo el concierto para que no decayese la marcha. En mi opinión, estuvimos ante uno de los más grandes momentos del concierto, por esos acercamientos entre Frank y Teto, por el feeling entre Nando y Javi (que se miraban buscando plena sincronía), y sobre todo, por esa fastuosa parte prolongada e improvisada. Sencillamente genial cómo ese Hammond vibraba y se nos metía directo al tímpano, o cómo progresaba esa meticulosa subida de intensidad tan bien formada que acabó conquistando a todo el mundo. Y es que, en eso de crear y modular las intensidades a su antojo, Frank es un verdadero maestro.

Aunque sea completamente instrumental, y por mucho que el conjunto se mueva dentro de un mismo estilo, los temas del “Callos de Wagyu” están plagados de matices, tiempos y armonías que les dan una grandísima personalidad, y de entre ellos, Sumbala destaca por esos aires más étnicos y orientales. Espectacular ese saxo de inicio, con el músico elevando el instrumento, arqueando la espalda y dejándose llevar por la pasión, al que se unió el resto de sus compañeros con toda su habilidad por delante, y los coros de Nando como extra. A gatillo, la enlazaron con Surfing Fukushima, que si no recuerdo mal fue el primer single de adelanto (no os perdáis el videoclip, jeje) por ser una de las más representativas del redondo. Era algo que ya se veía venir, que el escenario se le quedaba demasiado pequeño, cuando Frank ‘saltó’ de este para mezclarse entre la gente, sin dejar de tocar, y con el arrope de sus compañeros formando unas sólidas bases y arreglos. Las poses y enorme clase de Teto alimentaban el espectáculo, y Javi se marcaba una de sus mejores actuaciones con gran precisión. Me pareció, en este primer contacto, uno de los mejores baterías que han pasado por la banda, con la lección muy bien aprendida, y siguiendo en todo momento a Frank con la mirada para no fallar un solo compás.

Este último presentaba a sus compañeros, y hacía mención al merchandising, momento que precedió a la llegada de una de mis favoritas, ya no del último disco, sino de toda su carrera: The Revenge of the Renegade Samurai. Bailable hasta la extenuación, fue una de las grandes triunfales del repertorio, y la gente se arrancó con ella más que nunca, con palmas, contoneos y mucho entusiasmo, siguiendo esa cadencia tan viva. Personalmente no podía parar, y su final fue de órdago, con esos teclados a toda hostia que competían con la batería de Javi por ver quién sonaba más ruidoso. Fue aderezada, al final, con una improvisación de saxo, de la cual se escapó por ahí un amago del In-A-Gadda-Da-Vida de Iron Butterfly, y no se permitieron ni un segundo de descanso para unirla con Atomic Organ from Hell… ¡otra de mis grandes favoritas! Cuando el tema metió la directa, Frank se vino arriba, poniéndose de rodillas y, más que tocando, aplastando las teclas con sus dedos al mismo ritmo al que Javi machacaba sus parches. La cosa en el Dublín estaba que ardía, y no era para menos, porque la banda se estaba marcando un conciertazo mayúsculo. Para relajar un poco los ánimos, y mostrar la vertiente más intimista del disco, Vampire Nights fue la elección perfecta.

Un corte que me transmite a raudales, casi ambiental comparado con la caña que irradian otros, y con la sutileza en sus melodías por bandera. En muchas de sus partes mandaba el bajo de Nando, que sin parar de cabecear, no falló ni una de esas notas que tan bien sonaban. Igualmente, los cambios de intensidad estuvieron muy bien llevados por Javi, que se adaptaba a las directrices que le marcaba Frank en algunos momentos. El primer adiós no coló, y el Rock’n’Roll continuó rugiendo, pero esta vez, con una canción nueva que fue la gran sorpresa del repertorio. The Killer Wasp, que así se llama, nos volvió a meter la marcha en el cuerpo, y tras imitar el zumbido de la avispa con su saxo como parte de la melodía, Frank se desmadró saliendo del escenario, y terminando de ‘surfear’ el tema desde encima de la barra, para jolgorio y deleite del personal. Ahora sí, la despedida iba en serio, pero ante la insistencia de todo el local (‘¡otra! ¡otra!’), no tuvieron más remedio que sacarse el último as de la manga con S.O.S Rock and Roll, puro surfin’ Rock guitarrero en donde las cuerdas de Teto tuvieron una gran importancia, las percusiones de Javi, entre el surf y el jazz, nos pusieron a movernos hasta el final, y las teclas de Frank, compaginadas con el saxo, remataron la faena a lo grande, dejando solo el ensordecedor sonido de los aplausos con los que nos despedimos de ellos.

Uno de esos conciertos que te motivan a ir, a sabiendas de lo que vas a disfrutar, y te mantienen bien despierto y contento para la vuelta a casa, que en mi caso, fue poco después de terminar, pero no sin antes despedirme de todos ellos y darles mi enhorabuena por un curro tan bien hecho. Debo insistir: si los Frank Suz & The Crazzy 88´s pasan cerca de tu ciudad, no dudes en darle una oportunidad a su concierto, porque a partir de ahí, te aseguro que no será la última. Para finalizar, muchas gracias al pub Dublín de Gandía por contar con ellos y dejarnos otra noche de Rock’n’Roll para el recuerdo, y a los propios músicos por su amabilidad.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Modernos del Core 2026 (Leyendas del Rock 2026, sábado 08-08-2026, Polideportivo Municipal de Villena)

2026-08-16T12:10:45.387+02:00

Encarando el último tramo del Leyendas del Rock 2026, aquel mediodía (sobre las 13:00, que abrí los ojos), tenía más ganas que fuerzas de continuar, y por otro lado, este era el día que menos me motivaba de todos por la mayor presencia de bandas modernas, a las que no pensaba ver ni en pintura. No tenía expectativas de quedarme hasta el final, y tan solo 3 bandas imprescindibles estaban marcadas en mi running order personal, algo que nunca me había sucedido en ningún otro Leyendas. Aquella tarde, me plantaba en la zona de acampada sobre las 18:00, habiendo quedado previamente con mi amiga Inma para echar unos refrigerios bajo el toldo y recuperar ánimos fuese como fuese. Las temperaturas eran absolutamente implacables bajo el sol, y posiblemente, esta fue la jornada donde más sufrimos en ese aspecto. Por suerte, si hay algo insuperable en el Leyendas (y no me canso de repetirlo todos los años), es la orientación de los escenarios, que a aquello de las 18:00 de la tarde ya han tapado por completo el sol, a diferencia de otros festivales veraniegos como el Barcelona Rock Fest o el Rock Imperium en los que tienes que padecerlo hasta el anochecer. Pronto se apuntó más peña a hacer ‘la previa’ hasta que dieron las 19:00, hora en la que fuimos levantando el culo para ver la que para mí era una de las formaciones más atractivas de la oferta, las leyendas americanas del Death Metal Deicide. La cosa empezó tarde, pero muy fuerte. Un día corto, pero también muy intenso en cuanto a sensaciones, con una buena dosis de Hard Rock de la mano de Hardline y el que para mí fue, rotundamente, el mejor concierto de todo el festival ante una de las grandes bandas de mi vida: Helloween.

Deicide:

Oscuros efluvios emanaban del escenario, engalanado con un gigantesco telón de fondo con el nombre de la banda y, poco después, con los músicos ya tomando sus posiciones. No se anduvieron con presentaciones ni gaitas, y arremetieron de la forma más salvaje posible con When Satan Rules His World, que nos dejó, por primera vez, esa más que reconocible imagen del colosal Glen Benton lanzando alaridos, aferrado a su bajo, y retorciendo sus ojos hacia arriba con semblante muy diabólico. Las primeras sesiones de blast beats comenzaron a dar forma al que, sin duda, sería el concierto más brutal que vi en todo el festival, en el sentido más amplio del adjetivo. No cesaron esos golpes rapidísimos a cargo de Steve Asheim en Bastard of Christ, figura que acabó siendo una de las más destacadas en todo el show. Los desgarradores gritos de Glen iban ganando en profundidad y maldad, llegando a uno de sus puntos culminantes en la profundamente blasfema Behead the Prophet (No Lord Shall Live), sonando ese solo de Jadran "Conan" Gonzalez (que es la última incorporación a la banda, miembro oficial desde 2025) a toda pastilla para descerrajarnos los oídos sin ningún tipo de piedad.

Tanta bestialidad no tardó en formar un enorme remolino de gente, que se batía las costillas cada vez con más fiereza, alimentando el clima de destrucción total que estábamos viviendo. Un clasicote imprescindible, como es Once Upon a Cross, con cambios rítmicos a saco, y perfectamente ejecutados, nos dejó con el impenetrable muro de guitarras infernales de Sacrificial Suicide, y precisamente, Taylor Nordberg y Jadran se liaban a meter molinillos de forma simultánea. Taylor, puño en alto, nos provocaba para que lanzásemos gritos, echándole aún más leña a un fuego que ya de por sí estaba más que encendido. Holy Deception hizo gala de un doble bombo avasallador, de los que parece que te va empujando hacia atrás, y las cosas estaban tan candentes entre el público, que incluso llegamos a ver algún crowdsurfing sobre las cabezas de los espectadores en primera fila. Y no cesaban, ni daban la más mínima tregua. Comunicación prácticamente nula, eso sí, pero no cabía esperar mucho más tratándose de una personalidad tan controvertida como la del satanista extremo Glen Benton.

Afortunadamente, sigue vivito y coleando (ya sabéis por qué lo digo, jeje), y no solo eso, sino que su voz no ha perdido un ápice de fuerza ni capacidad a día de hoy, lo cual, después de cerca de 40 años berreando, es muy loable. Quizá ya no sea la fiera asesina e intimidante de antaño, pero desde luego, demuestra concierto a concierto que está en una forma envidiable, erigiéndose uno de los grandes frontman de la historia del Death Metal. Continuemos con el show, que queda aún mucha mandanga fina. Serpents of the Light protagonizó (y eso ya es mucho decir), uno de los momentos más burracos del concierto, gracias a unos blast beats completamente desbocados. El guitarrista Taylor Nordberg se pasó todo el rato con la melena cubriendo su rostro, y Glen no mostró compasión con sus cuerdas a la hora de aporrearlas, impresionándome con sus rapidísimos punteos. Nuestros cuellos ya iban suplicando piedad, pero no podíamos parar, ni aunque lo intentásemos, ante la llegada de Satan Spawn, the Caco-Daemon. Aquí, más que en cualquier otro momento incluso, he de alabar el increíble currazo de Steve Asheim, clavando unas estructuras bastante complejas, ostentando una pegada demoledora, y ejecutando los cambios rítmicos de forma pulcra y sin despeinarse. Viéndole tocar por pantalla, donde se apreciaba más al detalle, parecía hacer fácil lo difícil.

Casi lo mismo se puede decir de They Are the Children of the Underworld. Sus secciones rítmicas, repartidas entre Steve y Glen, fue una de las más poderosas y al mismo tiempo, bien plasmadas en la parte técnica. Guitarras a 100 km/hora, series alternas de blast beats y muchos cambios de registro, fueron las partes más destacadas de Scars Of The Crucifix, en donde Glen volvió a desgañitarse a gusto con unos guturales de locura. Sin parar, empalmando un tema tras otro, el fin se acercaba, pero lo capearon con total intensidad, por ejemplo, la que destiló Dead by Dawn, otra tan infalible como imprescindible. Brutalidad pura y dura con esos fulgurantes compases de Steve, y en esta ocasión, Taylor haciendo también los coros. Saliéndose de madre ya, Homage for Satan, como no podía ser de otro modo, fue la culminación perfecta. El headbanging y movimiento entre el respetable era continuo, mezclándose con los destructivos moshpits que se formaban aquí y allá. Ante la mirada amenazante de Glen Benton desde delante del escenario, y sus gruñidos animales ultra-graves, dimos todo lo que nos quedaba en el cuerpo.

En este cuarto y último día de Leyendas, tenía que tener el cerebro y el oído predispuesto a cambios estilísticos muy radicales entre mis escasos intereses del cartel. Así, tras una buena paliza de Death Metal (puro, verdadero, no esa bazofia de dilataciones y mascaritas para niños que nos quieren vender como tal), quedé con mis colegas paisanos para desmontar todo el tinglado del camping con vistas a pirarnos rápidamente a casa tan pronto terminase todo lo que nos gustaba. Ahora, tocaba una buena sesión de Hard Rock, y del bueno, con una banda mítica como Hardline.

Hardline:

Para comenzar, me veo obligado a insistir en la terrible injusticia que se cometió con los italo-americanos, al hacerles tocar en el escenario pequeño. A sabiendas de que cualquier espacio se les queda pequeño con los conciertazos que se marcan, estaba claro que tendrían que hacer lo que buenamente pudieran en el limitado escenario bajo la carpa. Básicamente, el setlist que descargaron quedó repartido entre su recentísimo trabajo “Shout”, y por supuesto, cortes de la obra que les hizo grandes, el “Double Eclipse”, con tan solo una excepción.

Concretamente, la primera en caer de aquella tarde / noche fue Shout, a la que llegué ya comenzada debido a encuentros con unos colegas por el camino. Todo lo que abarcaba el recinto estaba completamente abarrotado, por lo que tuve que ir ganando posiciones poco a poco, pero sin quitar ojo a la banda que ya mostraba una energía arrolladora, completamente decididos a conquistar. El grandísimo Johnn y Gioeli, bestia imparable donde las haya sobre un escenario, y uno de los mejores y más carismáticos frontman que ha dado la historia del Hard Rock, dejaba claro desde un primer momento de qué pasta estaba hecho, corriendo maratones de lado a lado, conectando con sus compañeros, y poniendo muchísimo énfasis en cada fraseo, como sucedió en Rise Up y esos gritos iniciales de ‘do you fuckin’ hear me!!!’. Sin dejar de apoyarles con palmas, y totalmente contagiados por su tremenda elocuencia escénica, nos íbamos entregando a ellos sin remisión. La bajista Anna Portalupi, pura actitud, cabeceaba y se abría de piernas al dar sus notas, y el batería Marco Di Salvia, posiblemente el músico más salvaje que ha pasado por la formación, propinaba unos mamporrazos imponentes a sus parches. Hard Rock melódico, pero que no renuncia a la caña y la contundencia.

No es una banda especialmente difícil de ver en nuestro país (entre otras cosas, porque ahora son mucho más italianos que americanos), pero esta ocasión fue verdaderamente especial, algo así como una redención. Seis años han tenido que pasar, con dos cancelaciones de por medio, para que finalmente hayamos tenido el privilegio de verles en el Leyendas del Rock… aunque sea en el escenario pequeño. Por suerte, su sonido fue bastante decente, no perfecto, pero de lo mejor que escuché allí en todo el festival, gracias a su competente técnico. Y qué mejor celebración de este hecho, que cantar a pleno pulmón esa fantástica Dr. Love, primer gran clásico del show. El no menos destacado Luca Princiotta se encargó de que su inicio sonase, con todo lujo de detalles, igual que el del disco. Por su parte, a Anna se le veía comodísima, muy suelta, balanceándose y girando sobre sí misma cuando iba de un lado para otro. El encaramiento entre estos dos últimos durante el solo, precedió al absoluto desmelene de Johnny, que se estaba dejando la piel hasta sus últimas consecuencias. Tampoco podemos olvidar a Alessandro Del Vecchio (el hombre de las mil y una bandas), pieza fundamental en el sonido de los actuales Hardline, que trató de comunicarse con nosotros chapurreando español, y levantando el consiguiente griterío.

Johnny cogió el testigo del micro para recordar a ‘ciertos jovenzuelos poco conocidos llamados Scorpions’, jeje. Con ello, estaba claro que la siguiente sería When You Came Into My Life, un cover de los dinosaurios alemanes que supieron llevar perfectamente a su terreno en el último disco. Lentita y agradable, y con el escenario cubierto de tonos azules, fue sin duda el momento más íntimo del show, y también uno de los que mejor sonó (al menos, desde donde yo estaba). El cantante americano le ponía un feeling desde las tripas, y no solo al cantar, sino al agacharse, al gesticular, y en general, al mostrarse muy inquieto. Su potencia vocal, aunque no haga falta ni decirlo, sigue siendo pasmosa. Danger Zone fue la única representante del disco homónimo de 2012, del que por cierto, eché mucho de menos cortes como Stronger Than Me y sobre todo Fever Dreams. Las palmas volvían a formar parte del espectáculo, movidas por un J. Gioeli que no paraba de atraernos hacia él, mostrándose muy cercano en todo momento. Alessandro, además de sus melódicas bases y solos de teclado (que en este caso, destacaron mucho), ponía también los coros.

Unas armonías que fueron completamente reventadas, en el mejor de los sentidos, por las ansias destructoras del batería Marco Di Salvia… ¡pero qué puto animal! Siempre recordaré el siguiente discurso de Johnny. ‘Cuándo os levantéis muertos de sueño para ir a trabajar, cuando penséis que no podéis más con la vida’, acordaos y pensad en MÍ. Así de motivador y entrañable sonaba el cantante, antes de arrancar con Life’s a Bitch, otro clásico imprescindible. Luca y Anna volvían a enfrentarse en el centro del escenario, demostrando su gran compenetración y buen rollo ante esos redobles potentes de transición entre estrofa y estrofa que tanto me gustaron. No tardamos ni dos notas seguidas en reconocer esa versión de Danny Spanos, ese gran HIT que con el tiempo han hecho suyo. Hot Cherie levantó emociones inmediatas y desató el frenesí generalizado. Los cánticos fueron de extremo a extremo de la carpa fueron tan apasionados como esas carreras y zancazos que, sudando la camiseta al límite, nos regalaba el frontman. Si las teclas de Alessandro tuvieron mucho peso en el inicio, no menos importante fue ese solo de Princiotta zarandeando el mástil.

Con el punto de ebullición ya alcanzado, solo unos minutos nos separaban del final, pero nunca mejor aprovechados que con ese temaaaaazo que es Rhythm From a Red Car, y además, empalmado con el anterior. Marco no se conformaba con tocar como un auténtico martillo pilón, sino que además, ejecutaba molinos con la melena sobre la marcha. Un tema muy, muy difícil para el cantante, que sorteó con astucia las partes más altas tirando de líneas armónicas. Al tiempo que les apoyábamos con nuestras palmas, también hubo espacio para el buen humor cuando Johnny presentó a su banda, bromeando, y dando la ocasión de lucirse a cada uno de los músicos por separado. De ahí, hasta el final, todo sonó como un tiro, potente y rocanrolero a tope. La gran ovación que les dedicamos, fue la muestra más sincera de lo bien que lo habíamos pasado, tanto con los clásicos como con los nuevos temas, y por su parte, Johnny, Anna, Luca, Marco y Del Vecchio, se despidieron con su mejor sonrisa.

A estas alturas del festival, me encontraba bastante aplastado por el cansancio. Con el dolor de cuello y de pies acumulados, empezaba a dudar seriamente sobre quedarme hasta el final del horario. A continuación, me hacía falta algo extremadamente motivador, festivo y que me despertara fuertes emociones, y por fortuna, Helloween cumplían todos esos requisitos. Como he dicho antes, los alemanes son una de las GRANDES bandas de toda mi vida, una de las primeras que escuché dentro del Heavy Metal cuando era un mocoso, y desde luego, de lo más imprescindible para mí de todo el Leyendas. Les he visto ya en más de una docena de ocasiones, jamás me han decepcionado, y eso era justo lo que esperaba de este concierto, pero ni con mis mejores expectativas por delante, hubiese imaginado algo así. Helloween dieron, bajo mi punto de vista, el mejor concierto de todo el festival, y uno de los mejores que he presenciado jamás, con un montaje masivo, a la altura de los grandes titanes del género (aunque para mí, ellos siempre estuvieron entre ellos), un sonido prácticamente perfecto, y una actuación y setlist que quedarán grabados en mi memoria para siempre. Había muchísima gente esperando su salida, en el que fue probablemente uno de los conciertos más concurridos de esta edición 2026.

Helloween:

Un enorme telón cubría el escenario con la imagen de nuestra querida calabaza, y sonaba como intro (curiosa elección) Let Me Entertain You de Robbie Williams. La gente se impacientaba. Las ganas eran ya incontenibles. Entonces, cayó el telón, y la gigantesca pantalla que cubría toda la parte trasera del escenario nos fue conduciendo por un árido páramo en donde iban cayendo las portadas de los discos de toda su carrera. Al mismo tiempo, ya se iba formando la melodía del primer tema mientras un ‘tic tac’ descontaba los segundos. Ese primer tema fue, nada menos que March of Time. Y, ¿sabéis cuando una canción que amas con locura, pero con la que no contabas en ese momento, suena de repente y te salta todos los fusibles? Pues eso fue justo lo que me pasó a mí. No solo fue esa implosión interna de nostalgia que sentí, ni el hecho de que su melodía se filtrara por cada poro de mi piel. También fue ese puto momentazo en el que los siete músicos se desplegaban por toda la enormidad del escenario, la perfecta alternancia de voces entre Michael Kiske y Andi Deris, el primer solo de la noche, del que se encargó el PADRE Kai Hansen… De repente, como por arte de magia, ya no había cansancio, solo un brote incontrolable de alegría y pasión que casi me vuelve loco en esos primeros minutos, y que se mantuvo intacto hasta la última nota del concierto.

Se me ponen los pelos de punta solo de recordarlo. Tras unos instantes de oscuridad y silencio, el mismísimo Guardián de las Siete llaves aparecía por pantalla para guiarnos por este extraño y divertido camino que teníamos por delante. Lo siguiente, fue una señal de que íbamos a encontrarnos muchas sorpresas en el setlist, junto a los temas más habituales. Si no recuerdo mal, desde la gira de aquel mejorable “Keeper of the Seven Keys - The Legacy” no veía The King for a 1000 Years. Y no es que sea mi tema favorito, pero lo inesperado de su aparición fue otra subida de ánimos inmediata. 14 minutos ininterrumpidos de estribillos jubilosos, mucha colaboración del público, cambios de posiciones y espectáculo con mayúsculas. Kai Hansen, Markus Grosskopf, y Sascha Gerstner con ese estilazo inconfundible, ocupaban la parte baja del escenario (que contaba con dos alturas), sonrientes, e incitándonos a dejarnos las cuerdas vocales. Con poca luz, quedaban solos esos dos grandes amigos que siempre fueron Kai Hansen y Michael Kiske, nos ponían a saltar con las primeras notas del célebre clásico In the Hall of the Mountain King de Edvard Grieg, y arrancaban de forma inesperadamente temprana con Future World. Así, sin vaselina, y lanzando miles de serpentinas de colores por el cielo. Entre las siempre agradecidas figuras de bajo de Markus, y las entusiasmadas palmas de Hansen nos dedicaba, Kiske afrontó, y superó con nota, su primer gran reto de la noche.

Su voz se encontraba fuerte y a la altura del que siempre fue considerado como uno de los mejores cantantes del mundo. Durante el trozo en el que Dani Löble, a lomos de su batería con cuatro (sí, cuatro) bombos cogía el protagonismo, repetimos a capela una y otra vez el estribillo, que nos conduciría hasta This is Tokyo. Siendo sinceros, hasta el momento el ritmo no había sido del todo perfecto debido a algún paroncete de más, algún exceso a la hora de hacernos repetir estribillos, las partes cinemáticas (que a mí me fliparon, ojo) y este último tema que, siendo bueno, no me parece lo más representativo de un discazo como su último “Giants & Monsters”. Sin embargo, me gustó mucho más en directo gracias a las armonías vocales, que tan cristalinas nos llegaban, el montaje escénico, y el extra de energía que aportamos desde abajo. Ahora bien… nada comparado con lo que vino a continuación, para mí, el mejor tramo del show en cuanto a cambios en el repertorio. Salté, me dejé el cuello, y canté hasta ahogarme con We Burn, que llegó como una sorpresa descomunal, y con una potencia y volumen atronadores. Un subidón indescriptible, alimentado por esos fogonazos coordinados con el estribillo, y ese solaco a pachas entre Michael Weikath y Sascha Gerstner. ¿Cómo demonios podría superarse esto? Pues, ni más ni menos, que tocando un tema que recuperaron en vivo el año pasado tras (agüita…) 38 años sin tocarla. Y además, enlazada con la anterior.

Twilight of the Gods, una de mis canciones favoritas de toda la historia de Helloween, sonaba ante mi rotunda incredulidad y un fondo lleno de máquinas arcade, en un perfecto guiño a los 80. Ahí brilló con luz propia mi idolatrado Markus Grosskopf con sus dibujos en forma de punteos, y su siempre divertida actitud, sacando a ese niño que siempre lleva dentro cuando se sube al escenario. Armonías a tres guitarras, Kiske y Hansen haciendo turnos, un doble pedal fulminante… Aquello fue pura y simple felicidad. Pero preparaos, que no acabaron aquí las sorpresas. El Guardián volvía a manifestarse para darnos la bienvenida a la segunda parte del concierto. Y reanudarlo con Ride the Sky… fue una putísima barbaridad. A toda mecha, con la batería de Dani golpeándonos en el pecho, y Kai Hansen como único vocalista, fue un torbellino que nos arrastró a todos. Con una espectacular iluminación, y unas jocosas animaciones en pantalla, Kai y Weikath se marcaban un mano a mano en el solo. Por cierto, me encanta la expresión de este último, mala leche y buen humor al 50 / 50. Into the Sun, al contrario de lo dicho hasta ahora, quedó un tanto fuera de lugar. No es que sea mal tema en absoluto, y de hecho, las escenas del eclipse en pantalla tenían todo el sentido del mundo, pero Helloween tienen baladas muchísimo mejores, como Forever and One (Neverland), que sí eché un montón de menos.

Eso es algo que, teniendo en cuenta la impresionante discografía de la banda, siempre va a suceder, pero al final, es preferible valorar más lo inesperado que las ausencias. Y eso fue 100% aplicable a Hey Lord!, que para mí fue pura nostalgia y emoción. De repente, su triste melodía me agarró de la mano y se me llevó muy lejos, tanto en el tiempo como en el espacio, y fue una de esas que nadie salvo Andi Deris podría haber cantado, con unas formas y una voz que rozaron la perfección más absoluta. Con el tiempo se le ha valorado como cantante, eso es innegable, pero creo que nunca en su justa medida. Su habilidad vocal, su actitud, su elegancia y su saber estar en el escenario, para mí valen millones. La parte central fue ligeramente alargada, con Sascha y Weikath tocando mano a mano, mientras en la parte superior Markus y Kai balanceaban sus instrumentos. Simplemente… hechizadora. Volvía la caña, el doble bombo a piñón fijo, y los alardes vocales, esta vez de la mano de Kiske. Indiscutiblemente triunfal, Universe (Gravity for Hearts) fue la mejor elección de su “Giants & Monsters”, y la peña disfrutó encantadísima con ella. Dani Löble atacaba muy duro a sus parches, y para subir aún más la intensidad y teatralidad, Kiske acababa de rodillas dando hasta su último aliento.

El batería, ahora solo en el escenario, nos dio un auténtico repaso de su increíble habilidad y fiereza en un solo en el que también tuvimos voz, no demasiado largo, pero espectacular a todas luces, con figuras de baquetas, cambios abruptos e incluso gritos por su parte. Una auténtica bestia parda. I Want Out fue apuesta a caballo ganador, y nos la soltaron sin previo aviso. El Leyendas entero, todos y cada uno de los que estábamos allí, combustionamos de forma inmediata, formándose un auténtico festival de saltos y manos en alto. La felicidad y la euforia se respiraban en el ambiente. No introdujeron partes extra ni experimentos, simplemente fueron a gatillo de principio a fin, con voces compartidas entre Kai, Andi y Kiske, dejando esa parte central a cargo de Markus Grosskopf (de nuevo, brillante), y mientras Hansen se adelantaba a primea línea pidiendo palmas, miles de papelitos colorearon el cielo de Villena. Habían pasado ya tres cuartos de concierto, y para mí fueron solo cinco minutos, tan extasiado como me encontraba. Bajaban ahora el ritmo, pero nunca la intensidad emocional, con un fragmento acústico memorable. Sentados en sendos taburetes, Andi y Kiske se fueron pasando una guitarra, y mientras Kiske tocaba, Andi cantaba la preciosa In the Middle of a Heartbeat (¡de mi amado “Master of the Rings”!). Ahora a la inversa, tocando Andi y Kiske al micro, se marcaban el inicio de A Tale That Wasn’t Right, que culminó en formato eléctrico y con todos los músicos de vuelta en escena.

El ‘pelado’, por cierto, estuvo descomunal, y de hecho, en términos generales, pocas veces le he visto cantar como en este concierto, a sus 58 tacos. Tras unos juegos vocales entre Kai y sus fans, saltaban un poco más hacia atrás, hasta el “Walls of Jericho” del 1985, para ir a puto piñón con Heavy Metal (Is The Law), aderezadas con unas armonías de cuerdas geniales entre el PADRE y Weikath. El Heavy Metal es la ley, y siempre lo será por mucho moderneo barato que nos intenten inculcar. El Guardián de las Siete Llaves se dirigía a nosotros por última vez, y cuando ya casi nadie la esperaba, Halloween cayó como un auténtico bombazo nuclear. Pero, ¿qué puta locura de concierto es esta?, pensé para mis adentros. Miles y miles de voces al unísono, cantando puño en alto aquello de ‘masquerade! masquerade! grab your mask and don't be late!’… ¡¡increíble!! Los pelos de punta otra vez, y ya van unas cuantas. Sus trece minutos fueron todo un desparrame de ostentosidades escénicas y musicales, solos compartidos, unas voces de muchísimo nivel, correteos, imágenes flipantes en pantalla, y unas partes de bajo que fueron pura adrenalina. Al mismo tiempo, fue una prueba irrevocable de lo milimétricamente bien que funciona la banda, con una coordinación alucinante entre ellos, y un buen clima que se respira en el aire. Casi se habían cumplido ya las dos horas de concierto, y aún faltaban los bises, que si fuese por mí, hubiesen ocupado otra hora más como mínimo.

No podía faltar, por supuesto, Eagle Fly Free, una de las pruebas de fuego para Kiske. Y no solo se limitó al ‘aprobado raspado’, sino que nos dio una lección magistral de canto casi insuperable, con notas sostenidas, agudos sin problema, solidez y resistencia. A Markus Grosskopf se le vio disfrutar especialmente en ella, tirando de ese virtuosismo, soltura y técnica que siempre hicieron de él mi bajista favorito de todos los tiempos. No me creía ya capaz de segregar más serotonina, cuando Power me confirmó que estaba equivocado. Todo se disparó en ella de nuevo. Acojonante esa imagen de los tres guitarristas, Sascha, Weikath y Kai Hansen (este último con un gorrito de paja) formando fila, moviendo los mástiles, y tocando las armonías del tema, o la suprema elegancia y talento de Andi al hacerse cargo de las voces. El último empujón llegó con la siempre bienvenida Dr. Stein, y todo el mundo ahí, a cantar esa melodía tan alegre e infantiloide que nos encanta sin ningún tipo de complejos, acompañando a los dos cantantes que bailoteaban mientras grandes globos iban rebotando en nuestras cabezas. En verdad, no fue la última, y no se me ocurre mejor forma de ponerle lazo al regalo de concierto que nos habían brindado, que ese último estribillo de Keeper of the Seven Keys.

A tenor de lo visto, y sobre todo, a paertir de su gloriosa reunión en 2017... espero que se cuiden entre ellos, que mantengan ese feeling de cercanía y buen rollo que desprenden sobre el escenario, y que sean conscientes de la inmensa alegría que esta formación, y estos increíbles conciertos, logran transmitirnos a los fans de toda la vida. Gracias… MIL GRACIAS por esto, Helloween.

Y a ti, lector/a, mil gracias también si has aguantado el tochazo … pero ante un concierto tan abrumadoramente especial, no quería omitir detalle, ni técnico, ni escénico, ni emocional, a la hora de narrar el que fue uno de los tres mejores conciertos que he disfrutado en lo que va de año.

Con esto, el pescado estaba prácticamente vendido. Fue algo tan inmenso, tan superior e inalcanzable… que cualquier cosa a continuación hubiese sabido a muy poco. De momento, me arrastré hasta nuestro querido sofá en la zona de acampada, a echar una última cerveza con mis colegas Kurro, Tere, Ramón, Dani, y también Guaita y Censi, vecinos de acampada, e inestimable compañía en los descansos del festival. Tras un buen rato de cháchara, yo ya no podía con mis huesos, y di definitivamente por terminado este Leyendas del Rock 2026.

Una edición a la que acudí de rebote, y que batió el record por ser la que menos conciertos he visto, y no por desgana, ni siquiera por cansancio, sino por bajo interés que me suscitaba más de la mitad del cartel. Al final, haciendo recuento, para mí han sido 18 bandas en total, la mayoría completas, y otras solo fragmentos, cuando lo habitual en mí sería que, en un festival de cuatro días la cifra rondase las 30.

El jueves, segundo día, tuvimos ya el primer adelanto del cartel para el 2027. Poco o nada nuevo bajo el sol, y no lo digo por las confirmaciones en sí, sino porque ya queda más que clara la tendencia del festival hacia estilos modernos y marcianadas. Al principio el Leyendas del Rock fue un festival al que acudí de forma irregular. Fui al primero, me perdí el segundo, fui al tercero y me perdí el cuarto, pero a partir del quinto, fui a todos sin excepción, todos los días… hasta la edición 2025, cuando voluntariamente pasé olímpicamente de ir (ni siquiera gratis). No puedo soportar las nuevas tendencias, ni el metalcore, ni el deathcore, ni nada remotamente parecido. Respeto a quienes lo escuchan y les guste, pero no pienso permitir que nadie, ni ninguna moda, me inculque lo que tengo o no tengo que escuchar bajo consignas de mierda como ‘tío, es que hay que renovarse o morir’, o gilipolleces como que ‘el Heavy Metal clásico ya no funciona’. Tampoco puedo entender el porqué las bandas ya atraen a la gente más por su estética y disfracitos que por su música. Y desde luego, no voy a apoyar eso.

Así pues, mientras quede algo clásico en el Leyendas, me plantearé el asistir o no, pero ya no es amor incondicional como lo fue en sus buenos días, que para mí estuvieron entre el 2008 y el 2019. Y la verdad, que este cambio tan forzado e intencionado se haya dado precisamente en el Leyendas me da bastante pena, porque tener un festival a 20 minutos de casa, el más asequible y descansado para mí de cuantos se celebran en este país, es algo del todo impagable. Del susodicho adelanto, solo me interesan Mercyful Fate (buen tanto se han apuntado ahí), Therion, Halestorm, Tierra Santa, Twilight Force, como mucho Celtian, y seguramente alguna banda de rollo clásico que todavía no conozca. De momento, ya tengo la entrada, pero conforme vaya avanzando la cosa, veré qué hago con ella.

Para finalizar, muchas gracias de nuevo a tod@s por leerme, y nos volvemos a ver en el Leyendas del Rock 2027… ¡o no!

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Modernos del Core 2026 (Leyendas del Rock 2026, viernes 07-08-2026, Polideportivo Municipal de Villena)

2026-08-14T19:14:08.049+02:00

El viernes, no tenía escapatoria por ninguna parte. Aquello de entrar más tarde al festival aprovechando para un descanso extra en casa, o pirarme pronto por falta de interés en las últimas bandas, quedaba completamente descartado. Los horarios y los gustos personales son así de caprichosos a veces, y desde primera hora, desde las 16:50 de la tarde, hasta bien pasadas las 3 de la madrugada que volvíamos a casa, el cartel contaba con algunas bandas totalmente imprescindibles para quien suscribe. Abría la jornada Chez Kane, y teniendo en cuenta la escasísima representación del Hard Rock en esta edición del 2026 (bueno, más bien en todas…), perdérsela no era una opción en absoluto. Y para terminar, casi a las dos, ¿cómo iba a dejar de ver a mis idolatrados Dark Moor, aunque el cansancio me estuviese aniquilando ya? Lo cierto es que fue un concierto que me dejó una sensación más agria que dulce, pero de eso, ya hablaré después con toda la extensión y tacto posible. Aquella mañana me levanté bastante entero, mucho mejor de lo que esperaba. Seguramente, al haber sido el jueves una sesión relativamente light, las fuerzas se recuperaron rápido, pero en el presente día, también iban a quemarse hasta sus últimas consecuencias. Por suerte, una vez más, contábamos con bastantes comodidades en nuestro tinglado de acampada, lo cual ayudó lo suyo a aguantar, con bastantes ratos de colegueo, risas y conversaciones musicales con peña de alto nivel, de las que tanto me gustan a mí. A mediodía, ni siesta, ni hostias. Fue levantarme, comer rapidito, dejar a mis ‘bichos’ arreglados para todo el día, y salir cagando leches hacia Villena. Y aunque al final no vi a todos los grupos que tenía previstos (perderme el último concierto de Against Myself es algo que aún me duele), fue bastante agotador.

El calor no dio ningún tipo de tregua, como sí pasó en el día anterior. Los treinta y largos grados que azotaban el secarral (la zona de acampada, vaya), eran capaces de acabar con las fuerzas que te quedasen en cuestión de minutos. Llegamos con bastante antelación para no pisarnos los dedos con el primer bolo, nos reunimos con mi colega Inma, y fuimos tirando para adentro.

Chez Kane:

Si hubo alguna banda más refrescante que la de Chez Kane y los suyos para prender la mecha del viernes, yo no quiero saberlo. Su Hard Rock / AOR ligero, melódico y comercial nos alivió las temperaturas, haciendo las delicias de los allí presentes. También decir que, por la baja asistencia inicial, pudimos pillar un buen sitio en las primeras filas, resguardados del sol.

Chez saltó al escenario con una sonrisa de oreja a oreja, con las pilas bien cargadas, y ante la ovación que le dedicamos. Quiso, de primeras, dar visibilidad a su reciente trabajo, “Reckless” con Personal Rock’n’Roll, un tema que suena precisamente a eso, a Rock sin artificios, a melodías que nos llevan de viaje en una máquina del tiempo a los 80, y a estribillo pegadizo a más no poder. Los que les hemos visto en anteriores ocasiones, sabemos cómo se las gasta el guitarrista James Ready, que pronto empezó a hacer de las suyas: poses, saltos, y excentricidades varias, desatando toda su energía (inagotable, al parecer) en la siguiente Too Late for Love. A mí “Reckless” me ha gustado mucho, pero hay que decir que los cortes de discos anteriores, salvo alguna excepción, tuvieron mejor acogida, y la muestra fueron los cánticos del público, y ese mayor movimiento en las primeras filas. En este caso, fue Harry Scott Elliott (ex–pareja de la vocalista, y también militante en Tyketto) quien se encargó del solo, mientras Oscar Charlton a las teclas daba unos buenos coros, que ya sospeché de primeras que podrían estar parcialmente disparados.

Cara a cara, James y Harry (un dúo francamente impresionante) abrían con punteos Love Tornado, revelándose el primero, una vez más, como pura adrenalina en movimiento. Sus carreras, vueltas y saltos, acababan absorbiendo tanto protagonismo como el de la propia Chez, que por cierto estaba haciendo un fantástico trabajo, tanto vocal como escénico. Y es que si de algo sabe la vocalista, es de provocar y moverse como pez en el agua sobre las tablas. Desde el fondo, siempre en un discreto segundo plano, pero montándose su particular fiesta, Keiran Ready nos apuntaba con su bajo con la entrada de la melódica Nationwide. Movimientos sexys a porrillo inundaban el escenario, y mientras James daba su solo, Harry Scott aprovechaba para marcarse unos despatarres de pura chulería, como mandan los cánones. Como ya hizo en su última visita a nuestro país, la explosiva Chez Kane se colgaba a hombros su propia guitarra para hacer de Reckless algo todavía más potente y sólido, un pedazo de single de lo mejor que ha hecho en su carrera. El solo de James fue una bestialidad, ya no solo por su interpretación en sí, sino también por su imparable agitación, y es que este hombre no sabe estar quieto ni dos segundos.

Por el momento estaban aprovechando bien los 50 minutos asignados a su show, y nos tenían preparada una sorpresa que viviríamos en exclusiva: la puesta de largo del tema Bad Girl en directo, de la que Chez nos avisó que acababa de salir videoclip. Guitarrera, marchosa y tan descarada como la propia frontwoman, fue otro de los puntos más bailables y refrescantes del show. También la caña extra que el batería Jay Haines imprimió a su doble bombo, creó más desmelene. De nuevo, mano a mano, abrían James y Harry para Love Gone Wild, y la dificultad del setlist en la parte vocal iba aumentando para Chez, que lidió con unos tonos realmente extremos en altitud con notable resultado. Keiran nos animaba desde el fondo, elevando su mástil, y la melodía que en el disco forma el saxo, estuvo interpretada por Harry en directo. Time to get dirty!!!, gritaba Chez antes de una nueva tanda de temas de su nuevo y flamante “Reckless”, que estuvo formada por Strip Me Down (donde nos ponía muy calientes a base de gestos, guiños e insinuantes movimientos), y la que es tal vez mi favorita, Tongue of Love, de la que me flipa cadencia, melodía, y esas teclas cantidad de guapas a cargo de Oscar Charlton. El músico, por cierto, hizo su debut en la formación durante el pasado Lion Rock Fest 2025, y ya se le ve integrado al 100%.

Sin contar algún pequeño y muy puntual desliz rítmico, aquello estaba funcionando a las mil maravillas, y la recta final nos puso los puntos sobre las íes. Previo alto en el camino para presentar a su banda, de la que tan orgullosa está, la cantante introducía en tono festivo Rocket on the Radio. Súper entusiasmado, el gran James Ready nos regaló todo tipo de cabriolas, pasos, y movimientos (¡nótese que iba en calcetines!), de lado a lado del escenario, culminando en un derrape hasta su compañero Harry. Ambos se lo estaban pasando de nunca olvidarlo, y eso al final también recae en la emoción del respetable. Bromas y guiños entre ellos, constantes acercamientos, solos codo con codo… ¡¡menudo sarao se montan!! En la parte final, las voces sonaron más fuertes que nunca, ambiente perfecto para recibir como se merece a la rápida Powerzone, en donde la banda explora terrenos más Heavy y cañeros con doble pedal a saco y un solo aún más vibrante y cañero. Keiran se venía arriba, apoyando el pie sobre la plataforma del batería y metiendo headbanging, ambos guitarristas pataleaban por todo el escenario como críos, y Chez, aunque hay que reconocer que se las vio muy magras con las partes más altas (en ocasiones, tenía que parar a respirar), volvió a bordar la jugada de rodillas en el límite del escenario.

Así, sin ser un concierto tope espectacular, sin apenas escenografía y con un sonido cumplidor, salieron triunfadores de su primer paso por el Leyendas del Rock. Temas como los que interpretaron (incluyendo esa primicia de Bad Girl), unidos a la carrerilla y desmelene que van cogiendo sus músicos sobre la marcha, y a la ardiente actitud, maneras y vozarrón de Chez, hacen que sus conciertos sean tan divertidos como adictivos, y la verdad… ¡no puedo esperar a volver a verla en el Rock the Sun!

Ahora había que ponerse más serios, y aunque todavía restaba más de media hora para el siguiente concierto, no quería perderme ni una sola nota en mi primera ocasión frente a los americanos Wings of Steel, de los que solo me han hablado maravillas. Escuchando sus discos, es más que obvio que dichas palabras están más que justificadas. Pero… ¿y en directo? ¿sonarían tan lacerantes esos solos? ¿tan devastadoras esas baterías? ¿tan increíblemente agudas esas voces? En unos instantes lo comprobaría. Y solo os voy a decir, a modo de anticipo, que probablemente fue el mejor de cuantos conciertos vi aquel viernes. ¡Aquí hubo muchíiiiisima tela!

Wings of Steel:

Tras una introducción grabada que nos puso sobre aviso, los americanos no tantearon el terreno, no calentaron, simplemente invadieron el escenario con el cuchillo entre los dientes dispuestos a dejarlo todo hecho cenizas, y Burning Sands fue la primera buena muestra de ello. Desenfrenados todos ellos, Leo Unnermark se daba un buen repaso a las primeras filas, mirando fijamente a su público y Parker Halub, con una actitud de puro acero, nos regalaba esas primeras poses y virguerías. Aunque su guitarra se escuchaba, de momento, un poco menos, no se cortó a la hora de retorcerse y lanzar sus llameantes riffs a degüello. Liar in Love, más comedida en ritmo, pero con la misma electricidad fue levantando más y más pasiones y headbanging entre la peña. Nos tenían comiendo de su mano, y no habían corrido ni 10 minutos de concierto. Siguiendo ese ritmo a lo Metal Gods, marcado con firmeza por el batería Mike Mahan (que hace unos meses volvió a formar parte de la banda tras una dilatada ausencia), todos ellos cabeceaban de un lado al otro, y el tándem Parker / Stefan John Bailet, se marcaban unas armonías cojonudas a las seis cuerdas. Saints and Sinners no tuvo suficiente con ser una de las más cañeras, sino que además, cayó empalmada con la anterior.

Aquí, Leo Unnermark demostró de qué pasta (o mejor dicho, de qué Metal) está hecho, lanzando unos picos de agudos que iban derechos a nuestros tímpanos para volvernos aún más locos. En la parte trasera, Mike Mahan golpeaba como si le fuera la vida en ello. El final desembocó en unos contundentes gritos de ¡Wings of Steel! con los que les agradecimos tal espectáculo e intensidad. Sorprendente cambio de tesituras con Rhythm of Desire, de cadencia serpenteante, casi bluesy, y con una sección instrumental de locura, destacando aquí el solo de Parker a mil por hora, y la cantidad de detalles que sonaron a la batería de Mike, aunque de forma distinta a los anteriores temas, optando por la sobriedad y la elegancia. No dejaron pasar la ocasión para vociferar su mensaje, ese contundente NO a las guerras, antes de que las guitarras empezaran de nuevo a cabalgar, frenéticas, en Fall in Line. Ante lo de Leo, es necesario volver a remarcar lo de ‘actitud de acero’.

Blandiendo su melena, corriendo de punta a punta del escenario, apretando el puño, y tocando notas realmente imposibles, se elevó como uno de los mejores vocalistas que han pasado por Villena en este 2026. La resistencia de sus cuerdas vocales, y la pasión que le ponía a cada estrofa, fueron para quitarse el sombrero. Cuero, Metal, ACTITUD con mayúsculas, y punto. Durante Flight of the Eagle, vi que mucha gente se giraba hacia un lado para hacer fotos. ¡Resulta que una pareja se estaba comprometiendo públicamente en ese justo momento, en su canción favorita! Qué maravilla, jeje. Su primera mitad, de gran sensibilidad, fue transformándose de forma muy medida, con una curva perfectamente trazada gracias a la habilidad y virtuosismo de los músicos, hasta llegar a su cenit en un estruendo colosal de solos y doble pedal que bordó este puto temazo de ocho minutos. No sabéis cuánto alegro haberlo podido ver en vivo. La banda recibió, de forma abrumadora, gritos incesantes con su nombre, y estaban literalmente flipando por la respuesta del público… pero no era para menos. Esto, y el hecho de que estuviesen ya casi al final del último concierto de su actual gira, les hizo crecerse aún más y dejarse la piel en los dos temas restantes.

Siguiendo con el mismo disco, al que precisamente Winds of Time da título, nos volvieron a sumergir en una vorágine de 10 minutos formada por riffs afilados, bajos con gran punch (llevados a cabo por Matt Trobec), notas al límite y percusiones revienta-cuellos. El sonido, también hay que decirlo, fue muy superior a la media de lo que se suele escuchar en ese escenario. Incluso los coros vocales de Parker y Matt nos llegaban de puta madre. Si hay que poner un ‘pero’, es que tal vez estaba demasiado fuerte y estridente para los que estábamos delante, que la guitarra de Stefan era ahora la que sonaba más bajita, y cierto petardeo extraño de fondo que al final no fue ninguna amenaza. Mirases donde mirases, siempre había alguien gritando o elevando su puño ante los estribillos, muy poca gente se iba, y por el contrario muchos entraban, generando un clima absolutamente envolvente. Y para no desentonar, ¿qué mejor que cerrar la movida con la misma Wings of Steel? Todo más alto, más rápido, y más jodidamente épico. El doble pedal de Mike parecía una dinamo, implacable, agresivo, tanto como las guitarras escupiendo solos a destajo. A continuación, y para dar más énfasis a ese momento de gran despedida, ambos hachas hincaron rodilla, y Leo remataba con un agudo casi inhumano, recibiendo todos ellos una larga y escandalosa ovación.

Su triunfo fue rotundo e indiscutible, y que ningún pintamonas venga a decirme ahora que ese formato está ‘obsoleto’, o que el Heavy Metal está ‘achicharrado’, porque lo que vivimos bajo la carpa New Rock, fue tan verdadero, intenso, brutal y honesto como os lo he contado. Ya me lo advirtieron varias personas, pero hasta que no lo vi, no pude entender de verdad la magnitud de lo que es capaz esta gente en directo. ¡¡Arrolladores!!

Corriendo hacia el camping, mi idea primaria era descansar un poquillo, refrescarme el gaznate, y vuelta a la carga… pero la cosa se acabó yendo de las manos. Allí, apalancados en el sofá (que habíamos llevado exclusivamente para la ocasión), pasé tan buen rato con mis colegas Aitor, Inma y Chely, que se me fue por completo el santo al cielo. Perderme a Saratoga me dio un poco igual, francamente, pero lo de Against Myself, tratándose de su último concierto antes de la disolución… me supo fatal. Pero bueno, así son las cosas, todo no puede ser. Cascando y bebiendo, y casi sin darnos cuenta, llegaba otra hora muy señalada en nuestro horario, el concierto de los Stratovarius. Vale, probablemente es una de las bandas extranjeras que más veces han pisado el Leyendas, prácticamente alternando año sí y año no, pero esta vez la cosa presentaba un cariz inusual. Los finlandeses traían bajo el brazo un setlist exclusivo (más que especial, por así decirlo), que iba a hacer disfrutar como perros a sus fans de la era de los 90. En mi caso, al menos, así fue, aun sin dejar de reconocer que el show tuvo sus carencias.

Stratovarius:

Mi colega Tere y yo, que fuimos a la carrera, nos encantamos y ya sonaban las primeras notas de Destiny, un temazo de 10 minutos que no veía en directo, agárrense, desde el año 2005. Así pues, parecía que iban a cumplir lo prometido, ¡y de qué manera! Acelerábamos el paso hasta situarnos a una buena distancia del escenario, y yo frotándome las manos por el panzón a disfrutar que me iba a pegar. De momento, bien los tonos altos para Timo Kotipelto (alguna nota se escapó, pero bien), acompañados por nuestras palmas y unas bases muy compactas de los siempre eficientes Lauri Porra (luciendo gorrito de paja) y Rolf Pilve tras los parches. El subidón fue sucedido por un ‘¿¡Cómo estáis!?’ por parte del vocalista, que no perdía demasiado tiempo en chácharas y pasaba directamente a Phoenix. Esta, en verdad, sí que no recuerdo haberla presenciado nunca en vivo. Timo estuvo muy activo pero sin alardes, paseando de un lado a otro con su parsimonia habitual. El solo preciso y pulido de Matias Kupiainen, que fue de menos a más, acompañado por las palmas constantes del respetable, nos llevaron a otra gran imprescindible como The Kiss of Judas, y sin parar. La petición de ánimo nos llegaba desde el bajista Lauri y el batería Rolf, antes de ir ‘al turrón’.

Un tema que, solo de teclado incluido, fue de lo más emotivo, por mucho que sea bastante típico en los setlists. A partir de aquí, en verdad, vendría la parte más intensa para mí a nivel de recuerdos y emociones. Sin salir de aquel mítico “Destiny”, S.O.S. partía de las teclas del siempre virtuoso Jens Johansson, al tiempo que Matias y Lauri se centraban para darle recibimiento (este último con mucha chulería). Se podría decir que, en general, salió bien parada y nos hizo disfrutar a raudales, pero si puntualizamos, Kotipelto sufrió más de lo debido en ella. Hasta cierto punto, son cosas perdonables, ya que la edad nos pasa factura a todos, y en cualquier caso, le he visto conciertos mucho peores que este. Con el fin de descansar sus cuerdas vocales, ahora era el guitarrista quien se adueñaba de los focos, dejándonos con un palmo de narices por su frenesí y aplomo a la hora de tocar Stratosphere, un tema puramente instrumental, del que, aunque solo cayó una parte, fue suficiente para evocar aquellos tiempos en los que el santo y seña de Stratovarius era la velocidad desenfrenada.

Y sin duda, al menos para mí, el momento más emotivo de todo el show (y de todo el día, no voy a engañaros) llegó con 4000 Rainy Nights, esa balada preciosa que llevaba media vida esperando a poder ver en directo. Fue una patada en el corazón de las gordas, devolviendo a mi memoria noches secretas que solo yo y otra persona conocemos. Ahí queda eso. Como veis, de momento el concierto me estaba sabiendo a pura nostalgia y momentos mágicos, avivados y de algún modo recreados por algunas canciones que tanto significaron para mí. Ahora bien, en realidad, casi todo (menos esta última, y alguna más) fueron cortes muy típicos en sus repertorios, solo que concentrados en uno solo, por lo que el factor sorpresa era relativo. Y otra cosa. La escenografía / atrezo, para un bolo que se supone tan único, fue prácticamente nula. El sonido sí fue bastante bueno, compensado y con el volumen justo. Continuando con el set, y entre las luces rojas que ahora lo iluminaban todo Paradise fue un auténtico gustazo como siempre. Más incluso que su música, lo que me hace identificarme con ella es el mensaje de su letra, decentemente cantada por Kotipelto, que se iba asomando a un lado y a otro del público buscando la conexión. Con las piernas bien estiradas, el solo de Matias fue uno de los más brillantes del show.

Agradecían nuestro apoyo, y muy temprana, caía esa Black Diamond con la que suelen cerrar. Foco sobre Jens Johansson, que nos hacía corear sus notas, Kotipelto animando con palmas… ya sabemos de sobra cómo funciona esto… ¡pero nos encanta por muchas veces que lo veamos! Y es que a ver quién es el guapo que puede quedarse quieto ante el bombo de Rolf golpeando a toda hostia. Cabe remarcar el detalle de que, durante la ejecución, aparecieron actrices y bailarinas para darle un toque teatral al asunto, con llamas y velas sobre sus cabezas, bailes, vueltas, peleas de cuerdas… fue divertido, aunque si os soy sincero, no me encajó para nada en el ambiente. Eagleheart fue la única que rompió la dinámica temporal del repertorio, llegada desde su “Elements Pt. 1” (en verdad, de lo poco rescatable de aquel), muy canturreada, y con unos solos y melodías que personalmente me encantan. El estruendoso final precedió al bajón absoluto, para bien o para mal, de Forever, y en este caso, afloraron otros recuerdos… extraños, concretamente, aquel dantesco concierto en el Piorno Rock 2004 de Granada en donde Johansson literalmente se meo en la pierna de Timo Tolkki (entre muchos otros disparates).

En fin. Corramos un tupido velo. No todos los temas, en teoría, estaban decididos en el setlist, y también hubo (repito, en teoría) espacio para la improvisación. Por nosotros, que no quede, con esa Legions que ahora sí, nos hizo levantar los puños y agitar la melena como cosacos. De nuevo el virtuosismo se hizo dueño y señor del concierto, con fulgurantes teclas, doble bombo a muerte, y un Kotipelto especialmente entusiasmado que se volvía a recorrer la primera línea de escenario. Pero como el mismo cantante proclamaba, si esto os ha parecido rápido, preparaos. Speed of Light nos iba a reventar el cuello sin piedad. Fue el primer tema de Stratovarius que escuché, y para mí, un obligatorio en cualquier show que se precie. A tal nivel de éxtasis llegó el personal, que el cantante sacó su móvil para grabarnos desde arriba. Muy, muy caliente estaba la cosa, y como no podría ser de otra forma, Hunting High and Low supuso el repunte final. En ella, mientras se presentaba a los músicos, pudimos contemplar las virguerías de Lauri Porra en solitario, los compases espontáneos de Rolf Pilve y, faltaría más, el cláaaaasico numerito de gritar a capela el estribillo junto a Kotipelto.

Poco o nada tenía que hacer hasta casi la 1:50 de la madrugada, momento marcado a fuego vivo en mi horario, y uno de los más importantes de todo el festival para mí. He escuchado muchas voces que aseguran que lo de In Flames fue un espectáculo brutal, y no puedo ponerlo en duda, pero si os digo la verdad, a mí ya hace mucho tiempo que los suecos ni fu, ni fa. Me los perdí en el Imperium del año pasado, y volví a pasar de ellos aquí. No me venía mal un descansito, y nuevamente, la compañía de mis colegas Inma, Aitor y Chely fue justo lo que necesitaba.

Pasado un buen rato de interesantes charlas y desvaríos varios, y faltando una hora para que mis idolatrados Dark Moor arrancaran, me acerqué a los escenarios, más para coger sitio que para ver a Saurom, aunque al final, salvo dos o tres temas, les vi enteros, y me gustaron mucho. Hay que reconocer que lo suyo fue, como poco, espectacular. Este año, cumplen ya 30 de historia, desde aquella primera demo (aún como Saurom Lamderth) que grabaron en 1996. Una banda que desde su nacimiento, ha experimentado no pocos cambios y maduración en su estilo musical, partiendo de aquellas letras épicas basadas en El Señor de los Anillos, hasta los matices más intimistas y suaves que aportan a día de hoy a su música. Pero sobre todo, el motivo que más me incentivó a luchar contra el cansancio fue poder vivir en directo temas de su último disco, basado en uno de los grandes libros de mi vida, “El Principito”. No conozco excesivamente a fondo la discografía del grupo, quitando ciertos discos y singles, pero la verdad es que creo que con este trabajo han sabido captar y expresar a la perfección el mensaje, el tono melancólico y el significado de la obra inmortal de Antoine de Saint-Exupéry. Y por suerte, fueron unas cuantas las que lo representaron.

Saurom:

La parafernalia, decorados, y sorpresas inesperadas, fueron elementos clave en el show que jugaron muy a favor suyo. Otro indiscutible, fue la inmensa marea de fans que ocupaban la parte del escenario derecho, y que hicieron que aquello cobrase unas dimensiones todavía mayores. Invitados también hubo unos cuantos, y el primero que yo vi fue al gran Isra Ramos (ex–Alquimia, Amadeus y Avalanch), que se prestó a cantar La Leyenda de Gambrinus como única representante del disco “Vida”. Como digo, los decorados brillaban con luz propia, pero sin eclipsar voces del mismo Isra y de Miguel Ángel Franco, que dio un recital de auténtica reverencia. Baobabs, ahora sí de “El Principito”, nos mostró su mejor faceta, con una potencia vocal de las que te llegan al alma, entre fogonazos y ese José A. Gallardo sumamente vacilón y divertido. No fuimos pocos los que repetimos el estribillo a capela, a petición del frontman. Entre algunos temas, el escenario caía en la oscuridad, para volver a estallar con luces, colores, y en este caso, No Seré Yo. Ante esas bonitas notas acústicas de Narci y Raúl Rueda se presentaba, junto a Isra y Miguel Ángel, José Mancheño de Lándevir, cantándola a tres voces… y nosotros poniendo la cuarta.

El Pájaro Fantasma nos fue spoileada por pantalla, y rápidamente nuestras miradas fueron directas hacia ese enorme grupo de coristas, de pie en la parte central del escenario. También se apuntó a la fiesta Elizabeth Amoedo, cantante habitual en sus directos, y entre tod@s le dieron una tesitura y consistencia impresionantes al tema. Las banderas, las chispas, los figurantes disfrazados, esos bombos extra sobre el escenario… más que un concierto, aquello se podía calificar de espectáculo en su significado más pleno. Otro invitado más para El Lazarillo de Tormes fue el costarricense Gazel, con el que sin duda los fans de Saurom están más que familiarizados, aportando registros más graves que encajaron a las mil maravillas con el tema. Otro oscuro silencio (cortitos, por suerte), fue preámbulo de la balada Todo en mi Vida. Si bien en disco me pareció bonita pero excesivamente ñoña, en directo, entre los pianos de Santi Carrasco, el solo de Raúl, y la extraordinaria capacidad de Miguel Ángel para transmitir, reconozco que supo llegarme a la patata.

El Mordisco de la Serpiente, haciendo referencia a una de mis partes favoritas de la obra literaria, fue pura gala, con vestuarios muy cuidados, un montonazo de músicos sobre el escenario, y el público ahí, apoyando sin descanso. Pero por encima de todo, fue ese coro infantil el que le puso la guinda, excelente trabajo, y contando también con las voces de Jorge Berceo (Zenobia), José y Jorge, el resultado fue indiscutible. En estos momentos, la cosa es que el dolor de oídos que sufría aquel viernes estaba llegando a unos límites insoportables al estar tan cerca de los altavoces contiguos, pero tenía que mantener la posición para llegar a la valla antes de que empezasen Dark Moor. El Rey que no Sabía Mandar fue la última que escuchamos del último disco. Narci, ahora empuñando su violín, le dio un brillo melódico añadido, lo mismo que consiguió con la flauta travesera en la festiva El Carnaval del Diablo. Tan juerguista, que puso a todo el recinto a botar, cantar y darlo todo mientras por el escenario había un desfile continuo de actores disfrazados. Desde luego, qué bonito estaba quedando aquello en todos los sentidos. Un concierto que, de querer ver solo de pasada, me había atrapado sin remedio alguno.

Puestos a liarla, y como ya se acercaba la recta final (a tenor de lo expresado por Miguel Ángel), en El Círculo Juglar nos incitaban a formar un gran círculo. Dicho y hecho, la gente en seguida se puso a girar manos en alto, levantando una polvareda de mil demonios, pero pasándoselo como Dios. En perfecta coordinación con Fuego, unas llamaradas bien calentitas brotaban del escenario, donde todo era alegría, bailes, celebración y el toque de arcoíris que pusieron las mil serpentinas lanzadas hacia el cielo. A Miguel Ángel se le veía muy emocionado. Seguramente, no le podría haber pedido más a este trigésimo aniversario de la banda, y como siempre, nos supo hacer llegar esa emoción con toda intensidad y detalle. Con todos los cantantes reunidos, las mejores decoraciones, globos volando sobre nuestras cabezas, y un jolgorio del copón bendito que ya no había forma de parar, La Taberna supuso el estallido final (e inmejorable) para tan rimbombante puesta en escena, entre malabares, fuegos y bailes exóticos a mansalva.

Hacía algún añito que no les veía, pero con todo, fue un reencuentro a lo grande, y creo que el concierto se me habría hecho corto incluso entrando desde el principio. No me extraña nada que, con esa calidad musical, con ese talento para expresar, y esa perseverancia en su carrera, se hayan ganado una de las bases de fans más sólidas que cualquier banda podría desear.

Dark Moor:

Ahora sí, llegaba el MOMENTUM, uno de mis objetivos primordiales de todo este Leyendas del Rock 2026. Y os aseguro que, mientras intento rememorar cada detalle, cada tema, y cada instante del concierto, mientras trato de buscar el punto justo de objetividad y equilibrio emocional para intentar transmitiros mis sensaciones de lo que allí viví, me doy cuenta de que me enfrento a una de las crónicas más difíciles y delicadas que he tenido que escribir en estos 21 años de El Antro del Metal. Si se tratase de casi cualquier otra banda estatal, seguramente me habría resultado más sencillo. Pero quienes me conozcan un poco y/o hayan seguido este blog en cualquiera de sus etapas, sabrán de sobra que, para mí, Dark Moor son palabras que están sencillamente a otra altura. Digo difícil, sobre todo, porque la honestidad siempre ha sido mi principal meta y hubo unas cuantas cosas en este concierto que no fueron agradables de digerir. Difícil, porque Dark Moor nos tuvieron siempre (mal)acostumbrados a una calidad absolutamente soberbia en todo lo que hicieron, y aquí no todo brilló a ese nivel. Y difícil, por encima de todo, ante la desoladora ausencia del que fue, es y seguirá siendo para mí uno de los mejores vocalistas de este puto país como es mi admiradísimo Alfred Romero.

En mis redes ya he hablado largo y tendido sobre la situación, pero no está de más que nos pongamos en breve contexto antes de arrancar con la crónica. En la celebración de su concierto 25 aniversario en Madrid, hace solo 4 meses, la tristeza del vocalista al despedirse, y las inquietantes respuestas de Enrik García a las entrevistas previas, hacían ver claramente que algo no iba bien en el seno de la formación. Unos días después, concretamente el 24 de mayo, y como un puñetazo en todo el hígado, el mismo Alfred anunciaba su salida irrevocable de Dark Moor, a quienes había prestado su inigualable voz e imagen durante veintitrés años y ocho discos. Una noticia tan rematadamente jodida, que todavía no he podido asimilar del todo y un hecho que casi casi anulaba ya la posibilidad de verles en el Leyenda del Rock. Por fortuna, Enrik García tomó una decisión tan valiente como arriesgada, renovando casi por completo el line up, y ensayando a contrarreloj con los nuevos músicos para poder salvar una situación que parecía imposible. Y sin más preámbulos, pasemos a lo que fue el concierto en sí, por supuesto, desde mi humilde punto de vista, personal e intransferible.

Ante los tintineos de la introducción, tratándose de una auténtica obra maestra como es The Dark Moor, volvió a mí esa misma sensación tan estremecedora que me embargó en Madrid. No pensaba en absoluto que volverían a repetir ese fragmento, y fue un regalo para los oídos… pero pronto me di cuenta de que la magia estaba parcialmente ausente. Ya desde que llegaron los instrumentos, el sonido estuvo falto de fuerza y compactación. José Garrido (guitarrista de Arwen, que ya participó en ese mismo disco Dark Moor) y Mariana Otero (a la que ya tuvimos el inmenso placer de ver en Madrid) se adelantaban para alternar sus voces, calentando registros, y tratando de animar a un público que, aunque con timidez, se iba acercando poco a poco al escenario. La ejecución fue correcta, pero no terminó de enamorarme como la otra vez. Trataron de elaborar un setlist en el que recordaron casi todos sus discos de la segunda etapa, y mirando hacia el “Origins”, nos brindaban ahora el tema de apertura, Birth of the Sun. Como cabría esperar, las teclas de Javi Díez, pero especialmente, el violín de Óscar Calvo, cobraron mucho peso en el sonido, saliendo este último a primera línea para lucirse y echar unos bailes. Fue uno de los músicos más activos de todo el show, pero si hubo alguien que superó esto, fue sin duda Chema Sales, vocalista de los hard rockeros Lost Wingman.

Con una agilidad despampanante, y una actitud súper macarrona, se comió el escenario a bocados, cantando realmente bien y explayándose a gusto con sus reservas de poses y ademanes. Los dinámicos y rápidos punteos del gran Daniel Fernández (único superviviente hoy por hoy junto al maestro Enrik García), pusieron el broche al tema, que no tardó en enlazarse con The Chariot. Aquí volví a notar, y más que nunca, la descompensación en el sonido, además de un solo ejecutado de forma bastante regulera por parte de Enrik que, por suerte, iría de menos a más en todos los sentidos. Estático y algo nervioso al principio, pronto se fue soltando y agrupándose con todos sus compañeros, aportando coros y mostrándonos su verdadero talento. Los tres vocalistas adaptaban sus respectivos registros a las distintas partes del corte, ayudándose de las ‘chuletas’ con las letras (algo relativamente comprensible, con tan poco tiempo de ensayo). Before the Duel, por supuesto, fue una de las más reconocidas y disfrutadas de este primer tramo. El que fuera single de aquel soberbio “Beyond the Sea” volvió a tener como protagonista a Chema Sales, imparable, hambriento, siempre deseoso de montar el show con sus movimientos, llegando a partes muy altas sin despeinarse cuando fue necesario. Dani, con no menos actitud, se pateaba el escenario de un lado a otro, Enrik hacía lo propio dando unas grandes zancadas en círculos, y aunque faltaba trecho para llegar a la brillantez a la que nos tienen acostumbrados, la cosa se iba animando mucho y tomando forma.

Con un rosetón enorme apareciendo por pantalla, la leyenda de los amantes de Teruel se materializaba en canción con Love From the Stone. José y Chema apoyaban con segundas líneas, pero la principal recaía sobre la poderosísima voz de Mariana Otero, que consiguió ponerme los pelos como escarpias con un trabajo sensacional. Su calidad vocal es indiscutible, aunque por el contrario, no la llegué a ver del todo integrada sobre el escenario, muy discreta y comedida. De las dos versiones de Mio Cid, sonaba ahora la cantada en español, perfectamente iniciada con los violines de Óscar y la batería de Nacho Arriaga, del que hay que decir que trajo los deberes muy bien hechos. Sus baquetazos retumbaban potentes y sólidos. Esa parte a capela, con Chema adueñándose de la primera fila, dio paso a On the Hill of Dreams, presentada por él mismo. El clima ya se había distendido mucho, y podíamos observar esos momentos de buen rollo y risas que se echaban entre Enrik y Óscar, constantemente acercándose el uno al otro y bailoteando. Por su parte, el público arropaba cada vez más al conjunto, sin llegar a ser en número el que una banda de su calibre merece.

A tres voces, las exquisitas y oscuras melodías del segundo tema del “Autumnal” mantuvieron su esencia, con coros extra de Enrik. Hasta ahora sin ella, José se colgó su guitarra, lo que añadió mucho empaque al sonido, y daría nueva vidilla a algunos momentos en los que ya hace décadas que se echaba en falta. Hablando ahora del batería Nacho Arriaga, que sustituyó al también fugado Carlos Delgado, decir que The Road Again, pese a no ser un tema demasiado técnico que digamos, fue uno de sus mejores lucimientos, plagándola de detalles muy cuidados. Mariana (que no esperaba yo aquí), se cargó a espaldas el curro vocal junto a José Garrido, y viendo el resultado, sorprendente en muchas ocasiones, a mí me fliparía que la soprano se quedase como miembro fijo de una hipotética nueva formación. Pero a pesar de todo, y sabiéndome mal, debo insistir en que dentro de mí habitaba una pequeña desazón, un fino hilo de angustia y tristeza, al no poder ver a Alfred junto a todos sus compañeros. Y ese fue un sentimiento que, por mucho que intenté combatir, no pude quitarme de encima en todo el show. Gritos de ¡¡Dark Moor!! inundaban el recinto del Leyendas, buena señal de que la gente, al menos, lo estaba pasando bien. Ojo, y que conste que yo también, a pesar de las emociones contradictorias.

Porque con creaciones de infinita elegancia y clase superior como An End So Cold… ¿Cómo no iba a hacerlo? Doce cuerdas, en lugar de las seis habituales, se notaron mucho, y ahora Enrik sí nos mostró su mejor cara, emocionado en el solo, inmenso en sus riffs, y siempre dando muestras de esa elegancia que siempre le ha caracterizado. Los saltos de José, la impresionante voz de Mariana, los contoneos de Óscar al tocar, esa pasión que hace de Javi Díez un músico (y persona) tan especial, y Chema haciendo coros desde el fondo, mientras Dani apuntaba al cielo con su bajo, conformaron uno de los momentos más únicos del show, en el cual volví a ver a mis Dark Moor en casi toda su plenitud. De papel secundario a principal, el vocalista de Lost Wingman conquistaba de nuevo las primeras filas durante First Lance of Spain, arrollador, volteando el palo del micro y cruzándose con todos sus compañeros. Cantando de lujo, y desenvolviéndose con una soltura pasmosa, supo meterse al personal en el bolsillo una vez más. Su actuación, en términos generales, fue absolutamente genial. Ahora bien, con todo lo dicho, y con total sinceridad… ¿le veo aquí a largo plazo? ¿le VI realmente allí aquella noche?

Pues aunque me duela decirlo, no. Para una formación hardrockera como la suya, es el mejor frontman que se puede pedir, descarado, con esa brusquedad y desparpajo que tanto domina, barriobajero, descamisado, espontáneo, una actitud de aquí a la China y un vozarrón innegable. Pero salvo la última, esas cualidades no me encajan en absoluto en una banda de etiqueta negra, puro clasicismo y refinada elegancia como son Dark Moor. Aun así, faltaría más, debemos estarle muy agradecidos por los buenos momentos que nos dejó y por haber hecho posible entre otros esta velada. Y si el anterior tema del “Ars Música” fue recibido con brazos abiertos, imaginaos toda una Maid of Orleans, en calidad de único tema del setlist de la época de Elisa C. Martín. Con diferencia, uno de los aspectos que más me gustaron de ella, a parte de la inmaculada forma de cantar de Mariana, fueron esas armonías entre José y Enrik, que hacía siglos que no escuchaba, llegando estos dos a la cumbre de su virtuosismo en los desenfrenados punteos compartidos. Nuestras voces se elevaron como nunca, como si de una invitación a tocar más temas de aquella época se tratase, pero en verdad, ya solo quedaba uno para culminar. Uno y medio, más bien. Porque Don Enrik García, para sorpresa de todos, se sacó de la manga una adaptación del tema central de Juego de Tronos que compartió con su compañero Óscar Calvo al violín, tan enérgico y entregado como al principio.

La presentación de la banda fue uno de los momentos que más me llegó al alma. El concierto distó mucho de ser perfecto, y no lo digo solo yo, pero en el tono de voz y en las formas de Enrik a la hora de dirigirse a nosotros, se percibió muchísima felicidad, una enorme emoción por el hecho de que aquello finalmente se hubiese podido llevar a cabo. Y estoy seguro que esa motivación, esa certeza de que somos todavía muchos los que les queremos a morir y apostamos por ellos, le hará tomar el rumbo correcto al timón. Ahora, hablando de rumbo y timón, ya solo nos quedaba levar anclas y hacernos a la mar con La Canción del Pirata, cuyas primeras estrofas, inesperadamente, cantó el mismo Enrik a capela con mucho sentimiento. El poema de José de Espronceda cobró vida entre teclados y violines que le dieron un color fabuloso, unas bases realmente poderosas comandadas por Dani Fernández y Nacho Arriaga, y la alternancia entre José, Mariana y Chema, que fue de auténtica delicia aun sin alcanzar ni de lejos el mastodóntico feeling que transmitía Alfred. Fue, junto a Maid of Orleans, uno de los puntos clave del show, alborotado y estruendoso a nivel de público, preciso en cuanto a instrumentación, y de una épica desbordante e idónea para cerrar aquella actuación y jornada del Leyendas.

Haciendo valoración global, y como habréis podido adivinar, el concierto me dejó un fuerte sabor agridulce que me estuvo recomiendo durante días. Al mismo tiempo, tampoco puedo hablar de decepción profunda, porque en cualquier caso, disfruté en buena medida de los temas, y de un acto de celebración que, pudiendo no haber sido, acabó dejándonos una montaña rusa de subidas y bajadas, algunos momentos de gran esplendor, pero también importantes lagunas técnicas, y un vacío que, por mucho que se puso el corazón en ello, no se pudo llenar ni a medias. Un concierto al que, dentro de la trayectoria de Dark Moor, hay que poner un ‘punto y aparte’ delante y otro detrás, como un ensayo espontáneo, como una prueba experimental para salir del paso.

Diversas personas con las que comenté la jugada, me dejaron patidifuso. Un@s me miraban raro cuando afirmaba que esta era mi BANDA del día y casi del festival. Otros, se quedaron extrañados de que no estuviese Alfred al frente, incluso algunos me llegaron a decir ¿pero ahí no cantaba una chica? En los casos más extremos, hubo gente que ni siquiera sabía que fuesen españoles y/o que aún continuasen en activo. Y esto, me resultó enormemente triste. Pero en lo que respecta al futuro de la banda, quiero dejar claro, y con orgullo, que yo seguiré apostando por ellos contra viento y marea, tal como lo he estado haciendo desde sus inicios. Porque estoy seguro de que, en las audiciones que ya están en marcha, y tal como sucedió con el cambio Elisa / Alfred, el maestro Enrik volverá a dar con otra gran voz para brindarnos muchos más años y alegrías disfrutando de este Oscuro Páramo.

Regresando a la realidad del festival, no vimos nada más porque no lo había. Eran las 3 de la madrugada pasadas y llevábamos dando caña desde las 16:50 de la tarde. Más que cualquier otro día, nos habíamos ganado a pulso un buen descanso, y al día siguiente, un inicio mucho más relajado.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Modernos del Core 2026 (Leyendas del Rock 2026, jueves 06-08-2026, Polideportivo Municipal de Villena)

2026-08-13T13:27:16.815+02:00

Como ya dije en la anterior entrada, el miércoles fue, con mucha diferencia, el día más ajetreado de cuantos compusieron este Leyendas del Rock 2026. Un cartel más que atractivo que no me dejó parar ni para respirar. Tras seis bandas empalmadas sin descanso, comenzando por Thundermother y terminando por Sepultura, lo más lógico sería que el jueves me hubiese levantado hecho pedazos, pero no fue así para nada. Había muchas ganas de festival, y esa ilusión es, por encima de muchos otros motivos, lo que casi siempre me mantiene en pie. A ello, hay que añadir otros factores clave, como el hecho de dormir en una cama, duchita, buen desayuno y comida, etc., y es que tener el Leyendas tan cerca de casa… hay que reconocer que es un enorme privilegio y un seguro de vida. Por último, el jueves me resultaba una jornada muchísimo menos llamativa, por lo que iba a ser mucho más corta y concentrada que la anterior. Por supuesto, hubo mandanga, y muy buena, pero en verdad solo tenía en mente a tres bandas, cuatro como mucho, y la mayor parte del resto, era completamente desechable para mi gusto. De hecho… la idea era bajar a Villena a las 20:00 para ver a Dark Tranquillity, pero al final, la cosa se adelantó un par de horas. Horas que, para estar tragándome a modernitos, preferí pasar en nuestro fortín particular, disfrutando de la compañía de mis colegas Kurro e Inma y, por descontado, unos buenos birrazos ‘pal cuerpo’. El clima, por una vez y sin que sirva de precedente, iba a estar parcialmente de nuestro lado. La sensación térmica de calurón infernal seguiría estando presente, pero al menos, las densas nubes que cubrían el cielo aliviaban el sol directo. En pleno agosto y al raso, no se puede pedir mucho más.

Al final, solamente vi UNA actuación completa el jueves. Bien por falta de interés en el cartel, bien por solapamientos o retrasos / despistes… Aún así, trataré de relataros con la extensión y detalle necesarios cada uno de los fragmentos que vi. Creeper, seguramente, me habrían gustado por su rollo y su estética, pero pasaba olímpicamente de bajar a primera hora. Lándevir tienen su punto, pero tampoco es que me vuelvan loco, y el resto de bandas hasta las 20:00, me resultaban muy poco o cero atrayentes. ¡Es lo que hay!

Dark Tranquillity:

Fueron esa única banda cuya actuación vi completa, pero eso sí, la disfruté como un animal. Los suecos fueron una de las confirmaciones que más inclinaron la balanza, dentro de mis gustos musicales, a favor de la asistencia al festival. Y sabía de antemano que no me iban a decepcionar.

Desde el mismo inicio, con The Wonders at Your Feet, el concierto tuvo flow, un ‘color’ y un dinamismo muy especial, honesto, cercano y cautivador. Cuando una banda sale al 100%, entregada, con ganas de gustar y contenta al escenario, es algo que se percibe rápidamente, y los gritos de ánimo que les lanzábamos desde el público, ya de primeras, fueron en plena consonancia. Los suecos son una delicatesen de visionado obligatorio para cualquier fan del Metal que se precie de serlo. Aparte de ser padres indiscutibles (junto a At the Gates y los primeros In Flames) del tan influyente sonido Gotemburgo, rara vez se puede hablar de trabajos flojos en su discografía, y desde luego, ni de coña lo es su último lanzamiento (“Endtime Signals”), que todavía me tiene loco. De este mismo, extrajeron Unforgivable, la más trallera, y su recibimiento fue espectacular. Con las imágenes en pantalla, y el inmenso carisma de Mikael Stanne, el show iba creciendo a pasos de gigante. Entre banda y público, hubo una comunión íntima de principio a fin, y la sonrisa del vocalista cuando paró a saludar, lo dijo todo. Sin excesiva demora, saltaron a muerte esos dobles bombos de Cathode Ray Sunshine, en plan más old school, y el movimiento sobre el escenario se hacía imparable. Martin Brändström, a las teclas, se despatarraba y agitaba la melena, y Johan Reinholdz, hacha en mano, transmitía una gran agresividad a la hora de tocar.

Ni los cánticos ni las manos en alto cesaban bajo sus pies, y una vez reparado el problemilla con la batería, prosiguieron al trapo con Atoma. Arropado por nuestras palmas, Mikael Stanne tiraba de esos tonos tan graves y cálidos que también son marca de la casa, las teclas se escuchaban de lujo, y la pareja de guitarristas iba ganando en coordinación. Tandas de ‘oes’ entre tema y tema elevaban el buen rollo… siempre que hubiese tiempo para ello, porque la anterior fue literalmente enlazada con Nothing to No One, poniéndose la cosa seria con los acelerados y rompedores blast beats de Joakim Strandberg-Nilsson, y esa grandísima actitud de Peter Lyse Karmark dándolo absolutamente todo apoyado en el monitor delantero. A Terminus (Where Death Is Most Alive) la recibimos con los puños en alto, con la misma expectación que se mantuvo desde la primera nota del concierto. Tal vez lo que privó al sonido de ser perfecto fue una pequeña falta de contundencia, pero a nivel de equilibrio entre los instrumentos, no se pudo poner ningún ‘pero’. A mí me pareció una delicia, de lo mejorcito de todo el festival.

Los crujidos de las guitarras se escuchaban de maravilla, tal como brillaban los distintos registros de Stanne, o los bajos nos llegaban en su justa medida. Todo ello sobresalió, tanto en el anterior tema, como en el siguiente Not Nothing. En particular, el feeling de Mikael Stanne en esos registros más góticos, en cómo se movía y gesticulaba, fue estratosférico, y todo empastó perfectamente con las notas limpias con las que abría Johan. Incluso el batería se levantaba de su taburete, al final de la canción, para saludar y agradecer la bienvenida que les estábamos dando. Como premio (o porque les dio la real gana), llegaba uno de los grandes momentos con Punish My Heaven. O lo que es lo mismo, pura adrenalina desbocada entre la peña, Mikael dejándose las amígdalas de un lado a otro, y Peter marcándose un mano a mano con Johan, estampándonos esa muralla sónica formada por sus guitarras. Un temazo que merece estar entre los mejores de la historia del Death melódico, y que no podía faltar aquella tarde. Tarde que, por cierto, ya se iba transformando en noche cuando les llegó el turno a las alucinantes melodías de Phantom Days, que encajaron de lujo con el momento. Una vez más, la actuación de ambos guitarristas, entre idas, venidas y juntadas, fue impecable.

Cuando Mikael trató de dedicarnos unas palabras, no le dejamos apenas ni hablar entre gritos, pitidos y oes por doquier, tal era el entusiasmo con el que estábamos viviendo aquello. Y la emoción no descendió precisamente con Lost to Apathy. Con la batería y los bajos metiendo la directa, y Johan paseando (y pateando) por el escenario, el estribillo retumbó en todo el recinto con nuestra colaboración, otra inequívoca muestra de las increíbles vibraciones que se generaron en aquel concierto. Turno de Peter para abrir con el cabalgante y poderoso riff de ThereIn, donde la banda surcó todos sus registros, cambios rítmicos y facetas musicales, en otro corte que nunca, jamás debería faltar en los repertorios. La voz de Stanne no ha perdido ni un ápice de su magia con el tiempo, por lo que la interpretación fue brillante de todas, todas. La vertiente más bestia la pusieron Joakim con sus mamporrazos a los parches, y esos puñetazos que Johan propinaba a su guitarra. Por su parte, Christian Jansson al bajo se presentaba bastante inquieto, cambiando posiciones con sus compañeros en el ya último tema, que correspondió a Misery's Crown, coronado (y nunca mejor dicho), por esas elegantes armonías entre Johan y Peter.

Elegancia, pura y dura, es lo de Dark Tranquillity, ejemplo perfecto y difícilmente superable de que la tralla no tiene por qué estar reñida con la etiqueta negra, y que no hacen falta musculitos, mascaritas ni rabietas de crío, sino talento a raudales y equilibrio compositivo, para llegar a ese límite de perfección del que, en ese sentido, la banda sueca es uno de sus máximos exponentes. ¡¡Bocato di cardinale, señores!! Ojalá vuelvan pronto a visitarnos… y que no nos falten nunca.

Injector:

Hice lo que pude, pero con los 20 minutos de solapamiento, y el pateo, no llegué a ver más que las cuatro últimas canciones de Injector. Ahora bien… ojo, porque posiblemente fueron unos de los 30 minutos más intensos del festival. Con esta gente, ya se sabe lo que toca: muerte y aniquilación a destajo. Desde que mi colega Juanma me recomendó escuchar el “Black Genesis”, han llovido un porrón de años, pero aquel primer trabajo me suscitó ya un gran respeto por ellos, y desde entonces, no he dejado de seguir sus pasos, escuchar cada discazo, y verles en directo siempre que he podido. Sin duda, una de las bandas de Thrash más grandes, potentes y perseverantes que han existido nunca en este país, y eso es mucho decir cuando en nuestra escena existen tan grandes exponentes. Sus directos se pueden definir como una avalancha de hostias sonoras que acaban dejándote para el arrastre, y desde luego, no fue para menos esta vez. Tal como entraba en la carpa, y saludaba a mis amigos Pablo, Àngela, Popi, Aitor, Guillermo, Cristina, Manu… etc., me empapaba ya de ese torbellino mortífero que desataban con Path of the Wrathgod.

Lamenté no haber llegado un pelín antes para reventarme el cuello con ese cover de Metallica, el Hit the Lights, que me comentaron que hicieron, pero desde luego, esto no tenía nada que envidiarle. Tanto peña como banda estaban en el momento cumbre de la acción y el desfase, y ahí arriba, podíamos ver al bajista Mafy hecho un verdadero descontrol, dando vueltas, saltando y agachándose. Sus compañeros, que no le iban a la zaga, se ensañaban con un constante headbanging con cada riff. El sonido me pareció relativamente bueno, pero algo saturado, incluyendo alguna especie de interferencia que percibía de fondo. Aun así, más que aprobado tratándose de la carpa. Presentaba Dani, a grito pelao, esa Warning Blast, sin salir de ese joyón de disco que es su último “Endless Scorn” con el que, al menos en mi opinión, han destrozado todos sus límites en casi todos los sentidos: producción, tralla, composición, estilo y personalidad… Una gozada ver a Danny machacar esos riffs y esos vertiginosos solos sin que se le viese la cara en todo el tema, así como presenciar los alardes de la mala bestia que actualmente tienen por batería, el indomable Juanjo Ruiz, que hizo temblar la carpa con cada mamporrazo. No faltó una mirada a su primer álbum, mi querido “Black Genesis”, para representar el tema que lo abría (Enemy of the Sun), y tampoco aquí hubo un solo gramo de piedad con nuestros maltrechos tímpanos.

La chulería de Dani, y la macarrería absoluta de Mafy, llenaban el escenario a zancadas, doblando el lomo, arrodillándose y desenvolviéndose con una naturalidad pasmosa, mientras sus cuerdas estaban al borde del incendio. El salvaje grito final del vocalista fue sucedido por una serie de gritos con el nombre del grupo por bandera, y es que aquello estaba siendo una puta locura. El cartucho final se llamó Dreadnought Race, y lo dispararon a toda hostia. El doble pedal de Juanjo atronaba que daba gusto, Danny se recorría todo el mástil de su guitarra, y el frontman se ponía a saltar antes del envite definitivo, encabronando todavía más al personal en aquella batalla a muerte. La contundencia y velocidad que alcanzó el tema fueron difícilmente explicables, y no les íbamos a dejar marchar sin vitorear su nombre alto y claro por última vez. Grandes Injector, pero de verdad. Confío en que su recentísima gira por México haya sido un exitazo rotundo, que sigan prodigándose tal como lo llevan haciendo hasta ahora por carteles y salas de todo tipo, y que nunca les falte esa brutal energía que tanto y tan bien saben transmitir.

Lo dicho, siento no haber podido verles el show entero, ni por lo tanto poder emitir una valoración completa, ya que Dark Tranquillity era uno de mis objetivos prioritarios del festival, y con los horarios… ya se sabe… pero espero que estas insuficientes líneas hayan servido para haceros una idea a quienes no estuvisteis.

EVO:

Veinticinco minutitos restaban hasta que empezase el siguiente de la lista, los heavymetaleros clásicos EVO, nombre que evoca muchos recuerdos, especialmente a los más talluditos del lugar, y cuya música y trayectoria nos llevan de vuelta a ese estilo predominante, y actualmente casi desaparecido, de los primeros Leyendas del Rock. De hecho, sin ir más lejos, fue en este festival donde les vi por primera y única vez, en la edición 2010, aunque muchísimas cosas hayan cambiado desde entonces. Aquello fue un bienintencionado, muy ilusionado, pero fallido intento de regresar a la palestra, incluso con disco de por medio (“Puta pasta”), pero una formación completamente alejada de la original, de la cual solo se mantenía, si no me equivoco, el vocalista Stimula y el bajista Zippy, que pronto se desvinculó. La cosa acabó cayendo en saco roto, y la prematura desbandada nos dejó a todos con la miel en los labios. A mí, sobre todo, recordando aquel gran concierto que dieron en San Javier. Hace solo unos pocos años, para sorpresa de muchos, el nombre de EVO volvió a resurgir con fuerza, pero esta vez, algo así como a la inversa, con gran parte de los músicos supervivientes de la primera etapa, pero sin Stimula.

Quien actualmente tiene el durísimo papel de sustituir a alguien que fue la imagen misma de EVO, y parte importante de su carisma, es César Serrano, un cantante que ya ha demostrado su valía en los singles Maloik y Aun así lucharé, y que esta vez tendría que corroborarla frente al público del Leyendas. Respecto a lo de llegar solamente a los tres últimos temas del concierto… la verdad es que no tengo excusa. Fui a tomar algo rápido al campamento base, y cuando me quise dar cuenta, el show ya iba por más de la mitad. Aun así hice acopio de ánimos, me acerqué a toda prisa, y llegué (creo) en los últimos compases de ¿Quién apretó el botón? Y digo creo… porque para mi desgracia, y la de todos los que estábamos allí, el sonido era horrible con malicia. Una vez más, el escenario pequeño haciendo de las suyas, y echando por los suelos una actuación que, seguramente, mereció y moló mucho más de lo que pude ver yo. Ya más que comprobada la gran capacidad de agudos y rango de César Serrano, que nos brindó un buen alarido al final, entraban a piñón con Sangre y Metal, puro sabor a Heavy Metal clásico directamente extraído de su “Duración de lo eterno”, y que fue regrabada en 2011 para su, de momento, último LP.

El mismo cantante fue el encargado de poner el punto teatral a la noche, y salía al escenario con una máscara de macho cabrío, guiño indiscutible a la correspondiente portada. Las ganas de headbanging seguían bien firmes, con Zippy agitando su melena y el mástil de su bajo al mismo tiempo, bastante activo, paseando de un lado a otro entre sus compañeros, Richard y Pol Barja, que daban buena cuenta de sus seis cuerdas. El momento que muchos esperábamos, con la gran máscara insignia del grupo haciendo acto de presencia, llegó a continuación, y precisamente fue con Animal de Ciudad con la que clausuraron el setlist. Zippy y Richard formaban piña, marcándose sus punteos, al tiempo que Ramon Solà (otro mítico nombre de la formación) no daba tregua a los parches. Los ánimos subían de golpe con la llegada del estribillo, que fue cantado a pleno pulmón y manos en alto por todos los presentes, para alegría y motivación de los músicos.

Sin atreverme ni por asomo a hacer una valoración plena, lo que vi me pareció más que correcto y disfrutable, grandes himnos del ayer interpretados por músicos que sabían muy bien de qué va el rollo, entregados y talentosos… pero el insufrible sonido, algo que para mí es de crucial importancia, dio al traste con las buenas sensaciones que, de otra forma, podría haberme dejado este fragmento de concierto.

Arch Enemy:

De nuevo a causa del solapamiento, llegué un poco tarde a verles, aunque en verdad, solo debí perderme como dos o tres temas. Arch Enemy, por merecimiento propio, se convierten en uno de los pesos pesados allá donde figure su nombre. Su directo nunca fue para tomárselo a broma, y en esta ocasión, además, nos ofrecieron uno de los montajes y escenografías más espectaculares de cuantos les he visto. Con un volumen absolutamente devastador que ya se escuchaba fortísimo desde lejos, arrancaba War Eternal, y la cosa estaba que ardía ya, con muchas manos en el aire gritando repetidamente, y columnas de fuego brotando del escenario. Aceleré el paso hasta llegar a una buena posición sin agobios, perfecta para poder batirme el cuello viendo de lujo el show, sin molestar ni ser molestado, suficiente para que me retumbaran en el pecho los mazazos del descomunal Daniel Erlandsson, y los riffs del no menos grande Michael Amott, figuras clave en la historia de la banda. La guitarra de este último sonaba con una potencia y claridad increíbles en Blood Dinasty, pero lo que más atención atrajo, sin duda, fueron los movimientos, berridos y conteneos de Lauren Hart, con quien me encontré frente a frente por primera vez. Su entrada ha supuesto el inicio de la cuarta etapa de la banda, si atendemos a l@s vocalistas que han pasado por su seno. Completamente embutida en látex, y luciendo unas curvas de infarto, de primeras me encajó a la perfección por tono y actitud.

Los fogonazos seguían caldeando el ambiente, y la frontwoman continuaba dándolo todo, incluso en las partes más sosegadas de My Apocalypse, uno de los grandes cortes de este primer tramo. Hablaba, se auto-presentaba y nos animaba, cuando unos oes de nuestra parte le devolvieron el gesto. El tema más reciente que han grabado hasta ahora, To the Last Breath metió una cera de mil demonios, dirigida por la contundencia en las baterías de Erlandsson (¡menuda esa dosis de blast beats!) y, cómo no, la estelar figura de Sharlee D'Angelo. Sus dibujos me fliparon en ciertas partes, y nos llegaban muy claros y definidos mientras se adelantaba a primera línea durante Under Black Flags We March, siempre tan apasionado e inquieto. Haciendo referencia al propio título, Lauren no dejó de ondear una bandera mientras cantaba y se retorcía, provocando al personal, y levantando mucho ruido desde abajo. Demostró dominar con soltura cuantos registros fueron necesarios en The Eagle Flies Alone, pasando de los growls más cavernosos a los alaridos más estremecedores. Con una precisión quirúrgica en cada nota, Joey Concepcion y Michael Amott se adueñaban de esa recta final del tema, durante la cual (imagino que de forma intencionada), el escenario quedó completamente a oscuras. Una sorpresa, y un privilegio, poder disfrutar de algo como Bury me an Angel, primer tema de su primer larga duración “Black Earth”, todavía con Johan Liiva al frente.

Un corte que disfruté muchísimo, y que me hizo echar de menos esos inicios en donde las melodías y la caña burra todavía estaban más a la par. Lauren desplegó toda su ira y sus mejores dotes escénicas, y aunque para alguno no llegó a dar la talla al mismo nivel que sus predecesoras, creo que muchos quedamos encantados con sus habilidades y su actuación. De hecho, daba la impresión de llevar mucho más de un año en la banda. En cualquier caso, no se cortaba un pelo a la hora de acercarse al borde del escenario y desafiar con mucha mala leche, tal como hizo en No Gods, No Masters, que nos trajo uno de los estribillos más coreados / gritados. Mástil en alto, Joey Concepcion daba cancha a ese frenético solo, al tiempo que Lauren se marcaba unos saltos, y poco a poco, de forma medida, todos acabaron acercándose a nosotros en fila. Eran gestos como este los que eliminaban barreras entre la banda y un público ya completamente inmerso, que sudaba la gota gorda con cada nuevo envite. El próximo, Dead Bury Their Dead, entró con una violencia inusitada, con alaridos muy extremos y destilando técnica en esos vaivenes de intensidad perfectamente modulados. Sharlee D'Angelo se paseaba con muchísima seguridad y talante, regodeándose con la contundencia con la que sonaba su instrumento, y demostrando una técnica deliciosa, de las que llegan a absorber toda tu atención.

Un bajista tan polivalente, que igual que te toca Death melódico, se pasa al AOR (The Night Flight Orchestra) cuando le viene en gana. De cara al final, como cabía esperar, fueron ya con todo, empezando con esa cabreada Blood on Your Hands y la locura que armaron ambos guitarristas, y continuando con otro de sus grandes temas insignia, nada menos que We Will Rise, envuelta en las oscuras luces verdes que alumbraban el escenario. Qué decir… imposible no dejarse las cuerdas vocales y las vértebras con ella. Sobresalieron de nuevo los bajos y ese solo a mástil levantado que nos dedicó Joey en nuestras narices antes de desaparecer temporalmente del escenario. Segundos después, la figura de Michael Amott se acercaba en solitario con una sorpresa ‘bajo el brazo’, un arranque inesperado con los esos punteos rebosantes de feeling de Snow Bound. Aprovechó la ocasión para hacer un pequeño juego con los espectadores (al más puro estilo Joey DeMaio), y terminó el tema con la banda al completo ya de vuelta al ruedo. Solo quedaba una bala en la recámara, pero tratándose de la avasallante Némesis, estaba claro que no iban a dejar piedra sobre piedra. Por si fuera poco, el espectáculo llegó aquí a su punto álgido, con llamaradas y globos surcando el cielo, mientras la peña se reventaba la cara en el enorme circle pit. Los coreos masivos acompañaron la recta final tras la presentación de los músicos, que no dejaron pasar la ocasión de lucirse por última vez.

Tremendo conciertazo, y mi personal aprobación con nota para Lauren Hart, que se comportó como una auténtica fiera, en lo vocal y en lo escénico, de principio a final. Tal vez le falte ganar un poco de personalidad para destacar como lo hicieron Angela y Alissa, pero estoy seguro de que eso es algo que le otorgará el tiempo y la experiencia junto a Amott y compañía. De momento, salimos de allí con el cuello ardiendo, y eso siempre es una buena señal. Sí, a muchos nos habría gustado escuchar más mandanga del “Anthems of Rebellion” o ese “Burning Bridges” que omitieron por completo. Asimismo, eché de menos algunas de anteriores giras, como Diva Satanica, Dead Eyes See No Future o Rise of the Tyrant, pero en conjunto, me pareció un show formidable y compacto, petadísimo de actitud, agresividad, técnica y unos añadidos escénicos que pusieron la guinda al pastel.

Echando un vistazo rápido a lo que quedaba de día… poco que ver ya. Ni Dartagnan ni Bolu2 Death son para mí, a Celtibeerian les quedaban 10 minutos, y Lèpoka no me entusiasman ni de lejos como para haber esperado una hora y media. Ya que en general los carteles de los últimos Leyendas me resultan bastante flojetes (con honrosas excepciones, claro está), por lo menos dan pie a un mayor descanso. Habrá que mirar también la parte positiva, ¿no?

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Modernos del Core 2026 (Leyendas del Rock 2026, miércoles 05-08-2026, Polideportivo Municipal de Villena)

2026-08-12T15:29:39.801+02:00

Conforme se acercaban las fechas de este Leyendas del Rock 2026, el “no” era cada vez más inevitable por diversas circunstancias. Debido a la parcial desilusión que me llevé con el cartel (entre otras cosas) de la edición 2024, en donde ya se atisbaba claramente el cambio forzado hacia estilos musicales más modernos, decidí que el 2025 le daría la espalda a un Leyendas al que, hasta entonces, solo había faltado en dos ocasiones. Fue una elección totalmente libre, meditada, e impulsada por un cartel que ni de lejos me merecía pagar el (en mi opinión) exagerado importe que ha alcanzado la entrada. Y aunque tuve la oportunidad por medio de varios colegas, ni siquiera compré la de esta presente edición. La cosa es que, en el adelanto, ya figuraban nombres gracias a los cuales el conjunto cobrara algo más de brillo e interés que el del pasado año, como Dark Moor, Hardline, Black Label Society, Dark Tranquillity o Chez Kane, por supuesto mis idolatrados Helloween, y muy por encima de todos ellos, los legendarios Savatage, a quienes me moría de ganas de ver desde que anunciaron su regreso a los escenarios. Ahora bien, ¿merecía la pena pagar casi 200 pavos solamente por 6 o 7 bandas? Para mí, ni de coña. Ni siquiera teniendo en cuenta que Villena me queda a 20 minutos de casa. Así pues, parecía que este año tampoco habría Leyendas, y de hecho, a una semana de la celebración, ya prácticamente lo había descartado. Tampoco es que me estuviese muriendo de pena, francamente, pero no voy a negar que seguía picándome el gusanillo de las mencionadas bandas y de alguna que otra más. Sin embargo, tres escasos días antes, se me puso a tiro una entrada a precio de salida ‘early’ que no quise rechazar.

Así pues, antes de continuar, agradecer a David de Alcoi que me la dejase por ese precio, cuando mucho iluso seguía vendiendo su abono a más de 200 euros incluso ya iniciado el festival (más de uno se lo comería con patatas). Sabía de antemano que allí me iba a cruzar con muchíiiiisim@s colegas, y disfruté todos y cada uno de esos encuentros, pero por supuesto, también me gustaría lanzar un agradecimiento masivo a mi amigo Kurro por haber compartido conmigo prácticamente todo el festival codo con codo. Igualmente, un saludo muy especial a Inma, Aitor y Chely por ser compañía y parte fundamental de esos momentos de charla y relax.

Nuestro primer contacto con la zona de acampada fue el martes, donde nos montamos el fortín más completo y espectacular de la historia del Leyendas, con toldo, malla de sombra, sofá cama, mesita, furgoneta y una nevera siempre llena de birras frías, requisitos imprescindible para sobrevivir los largos ratos del festival en los que no me interesaba ningún grupo. Pero ojo, porque el primer día (miércoles), la cosa empezó muy potente, y sería para mí, con mucho, la jornada más intensiva de las cuatro. Debido a un inevitable retraso, tuve que perderme la actuación de los Tailgunner, a quienes por suerte ya vi en enero teloneando a Hammerfall. ¿Cómo iba, entonces, a comenzar este Leyendas del Rock 2026 para mí? Desde luego, no con pataletas, gorraplanas y dilataciones estilo calamar a la romana, sino con auténtico Rock’n’Roll del que hace honor al nombre del festival, de parte de Thundermother.

Thundermother:

Aprovechamos el inicio para guardar cola y poder pillar las entradas del año que viene, pero mientras tanto, no le quité ojo de encima al concierto. Thunderous y Loud and Free, cantidad de marchosas y eléctricas, notas con feedback y un ritmo que nos atrapó de inmediato, fueron las primeras apuestas de las suecas, que como jovenzuelas, se desplegaban y desenvolvían por todo el escenario como si estuviesen en su propia casa. Nada mejor que abrir un festival con otros temazos de la talla de The Road is Ours, de evidente influencia ‘Rollingstoniana’ y gran fluidez, tanto en la batería de Joan Massing como en esos coros que daban sus tres compañeras, y que le dotaban de un rollo muy soul. Ya en nuestros puestos, preparados y listos, pudimos disfrutar del guitarreo ardiente de Take the Power, una de las más cañeras hasta ahora, con muy buenos agudos de Linnéa Vikström, que ya cumple tres añitos en la banda, y unos cuantos cruces entre esta y la guapísima bajista Majsan Lindberg, que nos dejó a todos embobados con sus dotes escénicos. Los riffs rockeros y adictivos eran una constante, ya fuese en Can't Put Out the Fire o en I Don’t Know You, aunque en esta última también dejaron ver su vertiente más melódica y pausada.

Tras un sentido We Love You!!! de parte de Linnéa, Majsan y Joan establecían los primeros compases para meternos de lleno en I Left My License in the Future, otro estribillo cojonudo que pocos pudieron dejar de cantar, aderezado con buenos coros, y con la guitarra extra que se colgó la cantante, que mantendría durante unos cuantos temas. La intensidad creciente dio un paso adelante con Dog From Hell. Las armonías vocales con las que guitarrista y bajista apoyaban a la cantante, y el solo de Filippa Nässil, centrándose en el escenario y lanzando gestos al público, bordaron un corte al que sucedió, con brindis incluido, Cheers. Pero la guitarrista y líder de la banda, Linnéa Vikström, no se quedó tan solo en unos tragos, sino que además, empleó la botella para tocar con ella su instrumento, metiendo ruido y distorsión a saco. Un pequeño parón para cambiar guitarra y hablarnos sobre el actual tour, y seguía la fiesta con Whatever, adelantándose las tres músicas en línea hacia adelante. El tema dio para mucho. Majsan Lindberg nos hacía llegar toda su sensualidad y gran voz cantando partes del tema, apuntándonos con su bajo rollo Steve Harris, y Linnéa se subía a la plataforma de la batería para romper la calma con un estridente grito.

Un guiño instrumental a The Trooper (Iron Maiden) para subir aún más los humos, empalmó con Speaking of the Devil, que fue una auténtica danza de cruces y cambios de posición entre ellas, destacando el gran trabajo vocal, y el subidón final protagonizado por Joan Massing. No cederían más a la calma, ya que Try With Love salió como un tiro, y puso a cantante, bajista y guitarrista de rodillas mientras la batería ejecutaba unos redobles de lo más potente. Filippa Nässil tuvo un pequeño momento de lucimiento en solitario, al límite del escenario, con su solo de guitarra, que en seguida se convirtió en Hellevator. Al tiempo que se marcaba unos coros, Majsan también daba unos paseítos bien coordinados con su compañera a las seis cuerdas, desmarcándose como las grandes destacadas del concierto. Recordándonos lo mucho que nos querían, y el gran honor que suponía para ellas repetir en el Leyendas del Rock, lanzaron al galope Driving in Style, plagada de movimientos sexys, algún restregón por el suelo, riffs fulgurantes y mucha cercanía de sus componentes, tanto entre ellas, como con el público. Lo dicho. Un comienzo que, a falta de haber visto a los Tailgunner, fue difícilmente mejorable para un servidor.

La energía de Thundermother se nos había contagiado irremediablemente, y no había un segundo que perder. Puesto que el recinto aún no estaba nada petado, no nos fue difícil recolocarnos en el escenario contiguo, con la suficiente rapidez como para ver el inicio del siguiente grupo. Un grupo que, por cierto, supuso una de las grandes sorpresas en el cartel, aunque no los conocí hasta unos pocos días antes gracias a mi colega Lluïsa. Aunque su rollo es más bien tirando a moderno, se encuadran claramente dentro del Groove Metal, pero haciendo gala de una sonoridad que nunca antes había escuchado.

Orbit Culture:

El atrezo que mostraron en el escenario fue, sin duda, uno de los más vistosos de todo el festival, con un gigantesco telón de fondo, varios verticales más pequeños, y focos de luces de colores. La introducción retumbaba a lo bestia, mostrándonos el camino que iba a tomar el concierto en cuanto a sonido: una auténtica barbaridad. No tuvieron que hacer más esfuerzo que arrancar con Death About Life, y ya tenían a todo el mundo destrozándose los cuellos, que por suerte, todavía estaban en buen estado. Y es que ese riff… ¡joder! Implacable de todas, todas. Con algún elemento extra sampleado, las guitarras sonaban con una fuerza, una distorsión y un impacto que dejaron a más de uno boquiabierto en tan solo unos segundos. El vocalista Niklas Karlsson gritaba aquello de ‘make some fucking noise!!’ para emprender la segunda parte del tema y su aplastante ritmo. The Storm hizo honor a su título. Guitarras muy densas y pesadas no tardaron en crear moshpits importantes, con una afinación extremadamente grave y una electricidad que lograba hacerte zumbar los tímpanos. La atronadora batería a cargo de Christopher Wallerstedt también tenía su papelón, y tras incitarnos a dar saltos, golpeaba duro en The Tales of War. Eso sí, a veces la saturación era tan intensa que podía llegar a resultar incómoda.

Eso no frenó a nadie, y los gritos del público se escuchaban cada vez más fuertes, tal como las voces limpias que daba el bajista Fredrik Lennartsson, y que ponían el puntito ‘melódico’ (si es que eso existe en la música de Orbit Culture). Ritmos cruzados, una pegada grandiosa y unos riffs de locura continuaban sucediéndose en North Star of Nija, sobresaliendo un doble bombo que era más bien un muro de destrucción masiva. Con From the Inside llegó el que, para mí, fue el momento cumbre de lucimiento del vocalista Niklas Karlsson, que además de castigarnos con sus demoledores riffs, mostró un aguante envidiable en esos maratonianos fraseos graves y amenazantes. Me encantó ese cambio al final del tema, creando algo distinto, ayudándose también de partes disparadas, mientras el circle pit no dejaba de crecer y crecer peligrosamente. Los gritos de ¡¡Orbit Culture!! a granel no fueron inmerecidos, y es que aquí nadie se quedaba atrás: cada cual brilló al máximo en su rol. De nuevo mirando hacia su último álbum, “Death Above Life”, nos deleitaban / trituraban los tímpanos y las cervicales con Bloodhound en esa demoníaca y machacona atmósfera que continuaban haciendo grande. Tremendamente brutal fue ese breakdown, que poco después sucedió a Rasen, tema que dio título a su segundo CD.

Richard Hansson, a las seis cuerdas, se abalanzaba hasta la parte delantera del escenario, y apoyándose en un monitor, se metía unos melenazos salvajes que acompañaban perfectamente al implacable ritmo marcado por Christopher Wallerstedt. De este, escuchamos también algún amago de guitarra limpia, que rápidamente enmudeció bajo la matraca de While We Serve y su avasallador doble pedal, que sonaba sin compasión. Motivado por este y otros factores, un wall of death era el reflejo de cómo estaban los humos entre el público, y desde arriba, el bajista Fredrik Lennartsson daba caña y nos miraba con semblante satisfecho. Ni siquiera paraban para dejarnos asimilar los momentos, y Hydra saltó con partes de blast beats y unos riffs como cuchillas. Por si fuese poco, Niklas echaba más leña al fuego, vociferando, gesticulando, y más tarde, dedicándonos unas sentidas palabras antes de dar la estocada final con Vultures of North. Y yo no sé si lo que el batería Christopher Wallerstedt pretendía era dejar su instrumento hecho trizas, pero a buen seguro que, en esa recta final, estuvo a punto de conseguirlo con esa pegada tan agresiva. Muy, muy recomendables Orbit Culture, sobre todo, si te molan los riffs ultra densos y lentos, las afinaciones gravísimas, los growls más terroríficos, y una distorsión al límite de la salud auditiva.

Por supuesto, uno de los grandes acontecimientos de esta edición, fue la presencia de los titanes del Rock / Stoner sureño Black Label Society. Un nombre que, por sí mismo, es capaz de ‘llenar’ un cartel entero por su gran caché e importancia. Han llovido casi 20 años (¡nada menos!) desde la primera vez que les vi y prácticamente descubrí en aquel Monsters of Rock 2007 de Zaragoza, y este miércoles pasado, no podía esperar a disfrutarles por tercera vez.

Black Label Society:

Mientras sonaba el opening de Dragon Ball Z (sí, habéis escuchado bien), podíamos apreciar ya el espectacular montaje escénico, y la no menos vistosa decoración del soporte del micrófono principal, y posteriormente, tras la escucha del War Pigs, los músicos no tardaron en salir a escena con las campanas de fondo que anunciaban esa primera Funeral Bell. Humo a chorros para recibirles y un sonido todavía un tanto difuso, algo que no impidió que la banda, especialmente el inconmensurable Zakk Wylde, mostrasen su mejor cara. Los ritmos al trote y las poses más enérgicas nos llevaron hasta Name in Blood, no sin antes suceder el primer cambio de instrumentos. Y para no estar toda la crónica repitiéndome, solo decir que Zakk ostentó un modelo diferente en prácticamente cada tema. Esta vez tirando de feedback y unos ritmos muy contundentes, comandados por Jeff Fabb a la batería y John DeServio, con su bajo de cuerdas verdes, el frontman subía a la plataforma delantera con el mástil en alto para darnos a probar las mieles de su habilidad con la guitarra, pero esto solo sería el principio. La potencia se disparó en Destroy & Conquer, mientras la peña se iba sumergiendo en el concierto poco a poco. Extrañamente, pudimos coger un buen sitio, con excelente visibilidad, y sin agobios, algo que no hubiese imaginado tratándose de Black Label Society.

El fuerte regustillo a Stoner en los riffs pantanosos (especialmente la última parte), y el virtuoso solo compartido entre Zakk y su ya inseparable Dario Lorina fue elevando la temperatura. Cambiaron las tesituras en Love Unreal, que si bien me parece un buen tema, igual sus aires melancólicos no fueron lo mejor para mantener la intensidad, y aunque llevaban buen ritmo hasta el momento, la cosa todavía no terminaba de estallar como estaba previsto. No interpretaron esa introducción de arpegios en vivo, pero lo que sí resonó a todo volumen fueron las cuerdas de Zakk Wylde y Dario, destacando enormemente en sus respectivos papeles. Riffs ondulantes y petados de wah que nos iban sumiendo en un trance cada vez más profundo del que nos sacaban ocasionalmente esos manguerazos lanzados desde la valla. Mientras el bajista golpeaba enérgicamente sus cuerdas con el pulgar, hubo un corte abrupto en el sonido, algo que me alarmó bastante (sobre todo, tratándose del Leyendas), pero que afortunadamente quedó en una anécdota. La peña, poco a poco, iba coreando más los temas, y Zakk lucía ahora su modelo de guitarra más conocido, el de los círculos concéntricos. Desde lo alto de la plataforma, nos miraba con los brazos cruzados, deleitándose con el griterío, y proponiendo un juego vocal. Un pequeño y simpático paroncete que prosiguió con Heart of Darkness.

El sonido no me pareció excelente en ningún momento, pero tal vez aquí llegó a sus mayores niveles de calidad, y pudimos escuchar con bastante definición esos registros más rasgados y gritones del vocalista, que no dejaba de zarandear su guitarra durante el solo. Desde luego, de estos últimos tuvimos para parar un tren. Cuando Zakk se centraba ante nosotros, se abría de piernas y agitaba su melena, era el momento de callar, escuchar con atención sus virguerías, y empaparse de su enorme habilidad, actitud y contundencia, tres de las principales cualidades que le han hecho llegar a donde está. Su figura impone, su mirada intimida, y sus formas sobre el escenario son salvajes e impredecibles. En este Leyendas, a pesar de ser en general uno de los más flojos en los que he estado, hubo momentos de ponerte la piel de gallina, y la caída del No More Tears fue uno de los mejores. Empalmada con la anterior, cantamos a pleno pulmón hasta los punteos de su inicio, en todo un estallido de emociones, recordando una tragedia todavía muy reciente: el adiós de nuestro amado Ozzy Osbourne. No fue extraño ver, entre las primeras filas, algunas lágrimas brotando sin remedio. El solo del guitarrista principal, ejecutado con muchísimo feeling, contribuyó a ello, y volvía a saltar a la plataforma para regalarnos esa Set You Free (con arpegios de nuevo disparados) de su “Doom Crew Inc.”.

No fue de las más celebradas, pero los constantes cruces entre John y Dario, y el ostentoso solo de Wylde en primera línea de ataque resultaron motivadores. La parte más intensa del show, sin duda, llegó con Fire It Up, y de forma inmediata, surgieron las palmas de entre el público, cientos de puños en el aire, y un montonazo de globos cayendo sobre nuestras cabezas que pusieron el toque festivo. Para mí, lo mejor fueron esos solos alargados, primero tocados de forma ‘convencional’ (que no es poco), y después de espaldas, perfectamente coordinados y a toda hostia, Zakk y Dario, codo con codo, en una impresionante sacada de rabo que nos dejó ojipláticos. Ahora sí, supieron aprovechar de maravilla la cresta de la ola para descargar uno de sus cortes más míticos, nada menos que Suicide Messiah, y más allá de los cánticos, de su envolvente melodía, y de su fangosa cadencia, me molaron esos virtuosos punteos del bajista John DeServio, y ese aguante de Zakk en lo vocal. La sorpresa la puso una tercera persona, que subió al escenario con un megáfono a cantar partes de la letra. La última guitarra que mostró el cantante fue, posiblemente, la más espectacular de todas. Con ella, y bajo las imágenes proyectadas en pantalla del inmortal Ozzy Osbourne (porque sus temas estarán siempre con nosotros), improvisaron un fragmento instrumental que derivó en Stillborn, para jolgorio del respetable, siendo su último asalto de la tarde.

En momentos puntuales, Zakk no mostró su mejor faceta vocal. El setlist pudo ser mejor, igual que el sonido. Puede que me gustasen más hace cuatro años en el Rock Imperium, pero aun así, muy buen concierto en el que yo al menos disfruté como un cosaco. Y es que con musicazos de tamaño nivel, es muy difícil no hacerlo.

Y si hablamos de alicientes de este primer día de Leyendas… encarábamos la recta hacia el mayor de todos, al menos para mí. Savatage fue el NOMBRE en la primera tanda de anticipos (no el único, pero sí el más grande) que realmente me hizo desear asistir a esta edición. Más de 20 años separados y alejados de los escenarios son demasiados para quienes les admiramos, para aquellos en quienes su música ha dejado una huella imborrable desde hace muchísimos años. Y al fin, cuando me planté allí, mientras esperaba a que diese comienzo su actuación, fue cuando más afortunado me sentí de haber vuelto a Villena. En aquel momento, encontrarme con mis colegas Popi y Guille me ayudó a templar los nervios y compartir mi inconfesable ilusión.

Y vaya por delante que no voy a hablar de un concierto sumamente perfecto, porque no lo fue. Hubo varias cosas mejorables, a nivel de rodaje, a nivel de repertorio, a nivel de sonido, etc. Pero ya os digo que las emociones que lograron despertarme algunos momentos y canciones… fueron de las más poderosas que he vivido jamás delante de un escenario. Como sucedió en Black Label Society, había huecos incluso en la parte delantera donde poder situarse con comodidad. Y, o bien la gente es muy ignorante, musicalmente hablando, y no saben apreciar lo que supone estar ante el regreso de estas leyendas del Heavy Metal… o sucede algo más que se escapa a mi entendimiento. Pero qué diablos, más espacio para nosotros.

Savatage:

Una guitarra se elevaba ante un muro de piedra en la pantalla mientras, disparada, sonaba Morphine Child, y las ganas contenidas estaban a punto de hacer explosión. Han sido muchos años esperando este momento, y por fin, con Dead Winter Dead, empezó a espolvorearse la magia. Al fondo, los dos (sí, dos) teclistas de directo, Paulo Cuevas y Shawn McNair se encargaban de dar las primeras notas a la par que, ante un gran alboroto, entraba el gran Zak Stevens. Entre contundentes riffs y animaciones en pantalla que iluminaban el escenario, los ‘¡eh eh!’ salieron inmediatamente de entre el público, alentados por el carismático vocalista, que estuvo muy dado a animar el cotarro en todo momento. Jesus Saves, para mí, fue un auténtico pelotazo, y es que, aunque soy consciente de que no fue su mejor trabajo “Streets: A Rock Opera” fue mi primer disco de Savatage, y le sigo guardando mucho aprecio. Las palmas del respetable continuaban incesantes, mientras Zak y el guitarrista Al Pitrelli (¡ojo!) se apoyaban entre ellos en medio del escenario. Pronto ocuparía esa misma posición el gran Chris Caffery para dar paso, tras su solo, a la potente Taunting Cobra, pura esencia noventera de la segunda etapa de la banda.

Los músicos empezaban a soltarse, pero lo de Shawn McNair, golpeando su teclado a puñetazos, ya fue toda una declaración de intenciones. El montaje lucía estupendo. La pantalla se aprovechó a cada instante (y no nos podíamos ni imaginar lo que emitiría un buen rato después), y las luces estaban a la altura del espectáculo. El vocalista saludaba y presentaba a su compañero Johnny Lee Middleton, bajista y corista, antes de arremeter con The Wake of Magellanes. El tema título del penúltimo LP que grabaron nos ofreció partes más progresivas, pulcramente interpretadas, en donde destacó ese solo de Pitrelli, mientras los teclados establecían las segundas líneas musicales. Unas teclas que también cobraron mucho peso en Strange Wings, de las más celebradas hasta el momento. Cualquier corte de sus primeros tiempos, nos sabía a gloria bendita, y cuando anunciaron uno relativo al mar, muchos ya intuimos que se trataba nada menos que Sirens, en la que no faltó detalle. Después de dar sus arpegios limpios, Chris Caffery, al que se le veía con bastante energía, se lio a dar botes, y mientras tanto, a sus espaldas, sus compañeros se cruzaban a la carrera.

Todo el movimiento, incluyendo también el de Z. Stevens, fue motivando más y más a la peña, que respondía con palmas y cantando cada estribillo. Como digo, no éramos tantos como esperaba, pero desde luego, estuvimos entregados al 100%. Caffery, dando coros de forma efectiva, no nos quitó ojo en Lights Out, pendiente de lo bien que lo estábamos pasando. Como anécdota, las luces estuvieron muy bien acompasadas, apagándose tan punto llegaba el estribillo. Aquí hubo un cambio completo de instrumentos para Chris, Johnny y Al, que siguieron metiendo cera, ahora con la lenta pero agradable Handful of Rain, de uno de mis discos favoritos. Desde luego, el que también lo estaba pasando en grande era el teclista Shawn McNair, que no dejaba de dar cabezazos y despatarrarse con cada pulsación. Gran tema, que precedió a uno todavía más esperado, y sin salir del mismo disco. Una imprescindible como Chance permitió a los músicos explayarse en todo su talento, dejándonos esos correteos de Johnny, los magníficos coros de Chris, y la soberbia entonación de Zak que, personalmente, creo que se salió en este tema. Al final, los riffs volvían a golpear duro en esa parte más operística, mientras la pantalla se llenaba de banderas del mundo. La coordinación entre músicos fue loable, pero más a nivel técnico que escénico.

Entonces… ocurrió. Zak, y sus compañeros nos dejaron con un mensaje. Un mensaje del mismísimo Jon Oliva, tras el cual, por pantalla, él mismo interpretó las primeras notas de Believe. Recordarlo incluso ahora me pone los pelos de punta. Pero en ese instante… fue un auténtico reventón emocional ante el que no pude contenerme, y no me voy a andar con eufemismos al decir que lloré a moco tendido, como pocas veces me ha pasado en un concierto. La entrada de la banda en formato ya eléctrico, las imágenes de Criss Oliva, ese contexto tan brutalmente emotivo, esa melodía tan ensoñadora… fueron sencillamente demasiado como para aguantar las lágrimas. Os aseguro que no fui el único a mi alrededor, y al menos yo, siempre lo recordaré como uno de los momentos más mágicos que he vivido en cualquier concierto. Porque sí, al final Helloween dieron para mí el mejor concierto del festival, pero estos cinco minutos en concreto… fueron imposibles de superar. Todavía convaleciente de semejante impacto en las tripas, ‘volví a la Tierra’ con Gutter Ballet de la mano de ese solo flipante de Al Pitrelli, y las no menos evocadoras teclas de Shawn, que al rato empalmaron sin tregua con la tope cañera Edge of Thorns.

Conforme el concierto había ido avanzando, el sonido se fue asentando, y aquí todo llegó a sonar realmente bien y compacto. Los instrumentos se distinguían perfectamente, sin interferencias ni solapamientos, y para mí, Jeff Plate se coronó aquí con su mejor actuación de la noche en la batería. Un currazo tremendo, sin desmerecer esa chulería con la que Johnny (sudando a mares) se desenvolvía, o el virtuoso solo de Caffery. Desgraciadamente, la cosa iba llegando a su fin, pero todavía quedaban sorpresas. Y una de las mayores, fue Power of the Night, que no me esperaba para nada. Rugían de nuevo las guitarras con furia, sobresaliendo en esta ocasión el bueno de Zak Stevens, que siempre relevó a Jon Oliva con mucha dignidad. Un 10 para todos ellos, por no perder tiempo, y pasar sin descanso a Hall of the Mountain King que, como podréis imaginar… fue otra explosión de adrenalina generalizada. Con Paulo Cuevas levantando su puño, el bajista alimentando el desmadre, y Caffery acercándose a primeras líneas, en ningún otro momento se escucharon tan fuertes las voces del público, dejando entre unos y otros un final de reverencia. Sí, igual que la que les brindamos tras la última nota: gritos de ¡Savatage! ¡Savatage!... hasta quedarnos sin voz.

La noche era todavía joven, y quedaba bastante por ver. Si os digo la verdad, el increíble momentazo que os he contado me quitó, casi como por arte de magia, todo el cansancio acumulado, y me sentía como nuevo, muy arriba y dispuesto a quedarme hasta Sepultura (cuando mi intención inicial era pirarme tras Savatage). Pero antes, no vino nada mal una pasadita por el campamento base, unas cervecitas, y un bocado para la puesta a punto. En mi cabeza, seguía sonando esa maravillosa Believe.

Chained Saint:

Fue mi colega Kurro quien me los recomendó, y de verdad mereció mucho la pena acercarme a verles, en mi primera incursión del festival hasta el escenario New Rock. Chained Saint es una jovencísima banda, tanto en cuanto a carrera como en la edad de sus músicos, proveniente de las costas de Florida. Pese a tener tan solo un disco en el mercado, y algunos singles grabados, ya han captado la atención de dioses del Metal como Dave Mustaine o Rob Halford, quienes les han definido como posible parte del futuro del Thrash. Ahí es nada. Su esfuerzo durante estos dos años que han estado activos, y su proliferación en distintos festivales, hacen que su nombre ya no sea un gran desconocido, y en el Leyendas del Rock 2026, demostraron de qué pasta están hechos. Cuando llegué a la carpa, ya estaban liando la del copón. Su vocalista, Sean Sterling, se desataba como un auténtico torbellino sobre las tablas, agachándose, dando bandazos, metiendo headbanging y recorriendo cada centímetro del espacio disponible. Este se descamisaba del tirón, para proseguir con la mandanga, arropado en todo momento por unas guitarras cortantes, unos bajos poderosos, y unas baterías rápidas y mortíferas de puro Thrash clásico, nada de breakdowns, bermuditas ni chiquilladas varias. Riffs y solos desmadrados como los de Dark Side of the Cross hicieron estragos, con un sonido muy a lo Testament en este corte que provocó empujones y altercados varios entre las primeras filas.

Con una batería a cargo de Cameron Cottrell que daba comienzo como una jodida locomotora, y el bajista Sebastian de Avila partiéndose el lomo, podíamos disfrutar, además, de un sonido bastante decente en la siguiente Free Reign, que se pudo aplicar a todo el concierto (cosa rara, en este escenario). No solamente incluyeron cortes de su “Blindside” en el repertorio, que por cierto, fue producido completamente en analógico por William DuVall (Alice in Chains). Igualmente, tuvieron a bien presentarnos algunos nuevos, como Rize, que fue otro envite de furia contenida, partes casi blast beat a los parches, y unos gritos extra graves por parte de Sean. Los saltos, subidas a plataformas y carrerillas eran constantes, desplegando toda su energía a marchas forzadas para impedir que aquello se enfriase ni un ápice. Y vaya si lo estaban consiguiendo, porque cada vez más peña se acercaba delante. Hasta las luces del escenario enloquecían a parpadeos cuando llegaba Animosity, una que me gustó especialmente por sus partes más complejas, y tan bien llevadas al directo. El cuello del guitarrista Ethan Kahn (al igual que sus cuerdas) sacaba humo, y tampoco se le vio parar quieto ni un segundo, completamente entusiasmado y metido en su papel. Por desgracia, el tiempo jugaba en mi contra, ya que quería ver el concierto completo de Sepultura, así que a golpe de headbanging, me fui alejando de allí para buscar a mi colega de parranda, que debía andar ya por el escenario principal. Allí mismo, también me encontré con otras colegas como Tere y Lluïsa, dispuestas a darlo todo.

He de ser sincero. Es una banda que nos visita tan a menudo, que si bien hasta hace poco les vi innumerables veces, en los últimos años he pasado un poco de ellos, básicamente por dos motivos. Primeramente, hace muchos discos que no me interesa lo que hacen. Sí, he escuchado la mayoría de ellos y tal, pero no me llegan ni por asomo como los de su época más violenta y thrasher, la del cuero y los cinturones de balas. Y seguidamente, en combinación con lo anterior, por desgaste. Con esta que paso a relataros, ya son 15 en concreto las veces que me he enfrentado a un concierto suyo, y sin embargo, esta ocasión había algo más. Aunque (ejem) no es la primera vez que lo oigo, Sepultura iban a dar el adiós definitivo a nuestro país allí mismo, en Villena, con un show que nos brindaría un setlist muy especial, y que formaría parte de su gira de despedida. Y eso, lo convertía en algo imprescindible.

Sepultura:

Se valieron de War Pigs (al igual que Black Label Society) y de Polícia (del grupo Titãs) como introducción, y tras un brevísimo calentamiento, y un ruido infernal muy apropiado, saltaban al ruedo con Inner Self, así, sin vaselina. A Andreas Kisser se le vio (y con creces) lleno de energía, con melenazos constantes y esa tremenda actitud que no ha perdido a lo largo de los años, mientras el vocalista hacía lo propio dominando las primeras líneas del escenario. Distintas imágenes y animaciones por pantalla acompañaban a los temas, y a veces, alguna pequeña pista disparada, como pasó con All Souls Rising. Batería a muerte, y excelentes coros por parte de Andreas no bajaron precisamente el ritmo en aquel frenético inicio, abriendo ya grandes espacios que se llenarían posteriormente de bofetones, topetazos varios, y gritos de ¡Sepultura!, ¡Sepultura!. Saltando hasta su “Arise”, mi disco favorito junto al “Beneath the Remains”, nos estampaban en todo el jeto la tralla de Desperate Cry, sin ningún tipo de piedad. Los cambios rítmicos estuvieron perfectamente plasmados, incluyendo esos arpegios acústicos de guitarra, y las partes finales de batería simplemente espectaculares. Actualmente, y desde hace un par de años, es el jovencísimo Greyson Nekrutman quien empuña las baquetas, tras la marcha del titánico Eloy Casagrande a Slipknot. Y si queréis mi opinión, lo hizo de puta madre, entregando hasta la última gota de sudor en cada asalto.

El siguiente, correspondió a Kairos, accediendo a terrenos ya más modernos, pero sin perder de algún modo esa brutalidad y contundencia intrínseca a la banda. De hecho, su estribillo fue gritado como un clásico más, seguramente envalentonados por Andreas Kisser, que no dejó de provocar con ademanes de principio a fin. Más actual todavía, llegaba Means to an End, y Derrick Green se ensañaba a gusto con ella, berrido tras berrido, pateo tras pateo, un hombre que es puro nervio e inquietud y sabe transmitirlo después de tantas décadas al frente del conjunto. Y es que, por muchos cambios que haya habido a lo largo de los años en su formación, y por muchos distintos caminos musicales que hayan tomado, nunca nadie podrá negar que Sepultura es la banda de Metal más importante e influyente jamás nacida en Brasil. Eso es algo que no está abierto a debate. De regreso al show, esos sonidos tribales pregrabados nos acercaban irremisiblemente a Attitude, del disco que, para bien o para mal, marcó un punto y aparte en su carrera (“Roots”).

Y más que llegarían de este último, pero tendríamos que esperar hasta el final. Lo cierto es que, al principio, me vine bastante arriba con el setlist escogido, pero de un rato a esta parte, me sentía algo desubicado. The Place, con introducción disparada, y esos tonos tan bajos y calmados en su inicio, no cambió precisamente mi estado. Entiendo que quisieran dar cancha a material nuevo, pero temas como este fueron un bajón considerable. Por suerte, el arranque final volvió a despertar la jarana, y tras este, Andreas Kisser nos comentaba, en perfecto castellano, lo que salía por pantalla. Eran imágenes de estudio de los días del “Chaos AD”, del que curiosamente rescataron la instrumental Kaiowas. La sorpresa llegó cuando un segundo guitarrista, portando una acústica, se unió a la banda, y fue seguido de mucha más gente que se apuntó a la fiesta aporreando tambores al frente del escenario. No fue como aquel espectáculo de Sepultura and Les Tambours Du Bronx que presencié en Wacken 2012, pero tuvo su gracia como acto extraordinario. Y por supuesto, también contaron con el apoyo del público. Los primeros guitarrazos de Dead Embryonic Cells… joder… ¡ahí sí que me dieron en todo el hígado!

Vuelta de golpe al sonido más burro y thrasher de aquellos primeros Sepultura que tanto me molaban, batería tormentosa, y un solo absolutamente frenético y apasionado de parte de Kisser. Volvían los moshpits, y volvían los puños arriba en todo el recinto. Andreas sería también el gran protagonista de Beyond the Dream, mucho más contenida pero musicalmente interesante gracias a los arpegios y el inmenso feeling que destilaba el hacha de São Paulo. Las imágenes de la pantalla le daban como un toque psicodélico extra. Pero a partir de aquí, se acabaron los medios tiempos, las experimentaciones y los vaivenes rítmicos. Empalmada nota con nota, Territory llegó como una de las mayores locuras del show, con peña saltando y berreando como si no hubiese mañana mientras Derrick Green se dejaba las cuerdas vocales en ella. Si bien el bajista Paulo Jr. se mostró más sosegado hasta ahora, también se le vio venirse arriba en estos últimos compases del show: el tiempo se les acababa, la despedida era inminente, y había que dejar el listón muy alto en todos los sentidos. Todo lo dicho para la anterior, vale doblemente para Refuse / Resist. Andreas se acercaba a primera fila, con mirada desafiante mientras castigaba su guitarra, los gritos de Derrick parecían volverse más agresivos y guturales por momentos (como el que dio al final), y las imágenes de la p**a policía en pantalla nos encabronaban aún más con el dedo en alto.

Sin embargo, en lugar de acelerar ya hasta el mismo final, hicieron a estas alturas un parón, cosa bastante inusual, para echarse una foto con el público. Menos mal que no tardaron demasiado, y por otra parte, la violenta Arise volvió a poner las cosas en su sitio, es decir, al rojo vivo… ¡pensaba que se me iba a caer la cabeza al suelo! Aprovecharon un pequeño solo de batería para introducir en el set Ratamahatta, en la cual también Andreas Kisser se lanzó al micro para acompañar a su colega Derrick en las voces, pero si hubo alguien que en verdad destacó ahí, ese fue Greyson, con un currazo de baterías considerable. No había tiempo para más despedidas, y Roots Bloody Roots acaparó el final del show sin dejar ni un segundo de por medio, liándola muy, pero que muy parda, y dejándonos las vértebras hechas tabaco con ese final ultra denso y ralentizado. Fijando la vista sobre los músicos, mientras daban su último adiós a los fans españoles, pensaba que se echará de menos verles en los carteles… pero todo lo bueno tiene su final, y en cualquier caso, no me extrañaría que alguno de ellos volviese a visitarnos con futuros proyectos individuales.

Y extenuados, nos llegaba a nosotros también el turno de despedirnos del primer día del Leyendas 2026, un día que difícilmente podría haber dado para más. De tranquis total, echamos la última birrita en nuestro lujoso campamento, para emprender la marcha de 20 minutos que teníamos hasta casa.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Abriendo fronteras (XI Rock'n'Pola, sábado 25-07-26, Auditorio El Palmeral, Santa Pola)

2026-07-28T23:36:45.618+02:00

Traspasar las puertas de un festival siempre es un motivo de alegría, que garantiza diversión a raudales, buen ambiente e intensas sesiones de heabanging. Si el festival en cuestión, además, es veraniego (de esos que tanto me molan a mí) y se celebra de noche, lejos del irritante calor que estamos sufriendo en esta estación, la cosa va ganando muchos puntos. Y si para colmo de bienes, como sucedió en mi caso, es la primera vez que se acude, también hay que sumar el factor sorpresa a la ecuación. Así, con la llegada de esta presente edición del Rock’n’Pola, me decidí a dar el paso de estrenarme. Un festival de sobra conocido por la zona que este año celebraba su undécima convocatoria, aunque su fundación se remonta hasta más allá del 2016. Y la vivencia general fue positiva al máximo, algo de lo que pudimos dar fe todos cuantos nos encontrábamos allí. En lo que respecta al evento en sí, todo salió como la seda, incluso la resolución de un (bueno, en realidad dos) imprevisto de ultimísima hora. Y en cuanto a la noche, disfrutarla gozando de la compañía de dos de mis mejores amigos, es algo que no tuvo precio. Eso sí, ya aviso de que la siguiente crónica solo cubre el sábado, la segunda jornada, que fue la única a la que pude asistir, y la más interesante para mí. Y es que echando la vista atrás, me encontraba ante uno de los mejores carteles que este Rock’n’Pola ha presentado en toda su historia, incluyendo, por primera vez, una banda internacional. Otros años me he quedado con la curiosidad, pero a este era muy difícil decirle que no. El auditorio de El Palmeral acogió una vez más el evento, y me pareció perfecto para algo de estas características.

La idea era ir ya para el segundo grupo (no es nada personal, pero el estilo de Zombie Töwn no me llama demasiado). A partir de eso, organizamos la hora de salida para llegar con bastante tiempo y pasar por casa de nuestros queridos amigos Juanma y Jose, a quienes hacía demasiado tiempo que no veíamos. De este modo, mi colega Kurro y yo emprendimos el viaje sobre las 18:45, y ya en Santa Pola, tras unas cuantas birras y unos muy buenos momentos, nos acercamos al recinto de El Palmeral.

Acrónica:

Y además justo a tiempo, porque minutos después de llegar y pillar algo de priva (a precios relativamente populares), arrancaban los murcianos Acrónica. Y además, lo hicieron con mucha ilusión y empuje, creándonos una Sobredosis de Placer como primera apuesta. Las voces sonaban muy engorrinadas, como debe ser, y los instrumentos, con una definición y un volumen que permitían apreciar con claridad incluso esas partes más complejas del tema, con el que fuimos calentando motores. De momento, no muchos se animaron a ponerse entre las primeras filas, pero aquello no tardaría en concurrirse a paso lento pero firme. La banda, por su parte, dio todo lo que tenía en Nada nuevo, también extraída de su primer LP (que vio la luz el pasado año), apoyándose en un Death más clásico, deliciosamente denso, en donde la batería de Juan Santiago retumbaba a gusto y Juan Ignacio nos regalaba unos rapidísimos punteos de bajo que me fliparon. Se dirigía a nosotros César Madrona (Malévolo), saludando mientras sus compañeros pedían algunos pequeños ajustes en la ecualización, para continuar con la cera de Libelos de Sangre, uno de los singles que precedió la salida del disco. Persiguiendo su violento compás, Juan Ignacio, junto a sus compañeros guitarristas Álex y José Nogueras, se metían ‘pal cuerpo’ unas buenas dosis de headbanging que iban envalentonando los humos.

A la banda se le notaba muy fina, clavando con total precisión los cambios rítmicos (especialmente, al batería Juan Santiago), pasando de furiosos blast beats a dobles bombos arrolladores. Su parte más melódica, de aires casi atmosféricos, se convirtió en uno de mis momentos favoritos del concierto. Cargaban ahora con rabia contra la tiranía farmacéutica en Negociando Muerte, un trallazo de casi 8 minutos y gran diversidad entre sus partes. A César le vimos especialmente motivado, saltando, con un movimiento perpetuo por el escenario, y cambiando de registros a voluntad, siempre con una actitud muy agresiva. Las rachas de blast beats alternadas nos hacían doblegar el espinazo cada vez con más frecuencia, y entre unas cosas y otras, llegaba una gran sorpresa en el setlist, como fue su versión del Brainseed de Kreator. Juan Ignacio, además de hacer gala de una gran técnica a las cuatro cuerdas, cabeceaba cada vez más encorvado y abstracto en la movida, al igual que el guitarrista a su derecha. Melenas al viento, y con muchísimo aplomo, interpretaron Llantos Silenciados, que es precisamente un grito desgarrador contra esos putos sionistas genocidas.

Las letras de Acrónica tienen ese fuerte componente de protesta social, que en cortes como este se hacen incluso más patentes y actuales. César se paseaba por todo el escenario lanzando sus alaridos, parándose junto al resto de músicos, y poniendo toda su alma en cada frase. Las guitarras de Jose Noguera, especialmente en algunas partes, estaban llenas de virtuosos detalles, al tiempo que este no dejaba de abrirse de piernas y venirse cada vez más arriba. Con todo, ya contaban con una buena cantidad de público, que les vino al pelo para presentar un tema nuevo, llamado Esclavos del Estímulo (Sobredosis II). El escenario se teñía de oscuridad y luces rojas, ideales para la fuerza que destilaron sus notas, y los músicos parecían alcanzar el cénit de motivación en este punto. Pidiendo gritos y tratando de armar bronca todo lo posible, llegaba el último empujón con Decadencia Canibal, y ese doble bombo aplastante que retumbaba en todo el lugar. La pareja formada por Álex Jarrai y José Noguera se compenetraba al máximo en sus siempre veloces riffs, y como colofón, nos ofrecían esa desaceleración controlada, esa descomposición rítmica del tema, que acabaría con todos y cada uno de los músicos hincando rodilla en el suelo, recibiendo la pertinente ovación que se habían ganado ya desde el inicio del show.

Este último me sirvió para corroborar lo bien que sigue funcionando la banda en directo y el rodaje que van cogiendo, tras aquella primera vez que les vi en el Rock Imperium del pasado año. Cabe destacar, además, que entraron en el cartel a última hora, ante la caída de la banda Oxygen, cubriendo el hueco como mejor se puede hacer: con un fiestón de los guapos que todos disfrutamos a lo grande.

Aprovechábamos los descansos para charlar y ponernos al día en aquella juntada extraordinaria de colegas de toda la vida, lo cual también fue un enorme aliciente para estar aquella noche en Santa Pola. Pero tampoco podíamos distraernos demasiado, ya que se acercaba el que para muchos, incluso para la historia del propio festival, era uno de los momentos cumbre de la noche. El Rock’n’Pola contaba, por primera vez desde su fundación, con una banda internacional que, al mismo tiempo, y para dar un carácter todavía más especial, era la primera vez que visitaban ya no Santa Pola, ni España, sino el continente europeo.

Las leyendas del thrash metal chileno Massakre (o Massacre, según época y fuente) aterrizaban en nuestro país con una pequeña gira, donde el resto de las fechas se situaban en Madrid y en Barcelona, por lo que fue un auténtico privilegio poder disfrutar a un conjunto de su relevancia tan cerca de casa.

Massakre:

Una banda que, sin haber armado demasiado ruido a nivel internacional, se ha mantenido mayormente activa durante más de 40 años, incluyendo su derivación de ‘Massacre Sinfónico’. En esta ocasión, dejaron de lado los teclados, y sus obras más ambientales, para ofrecernos un show corto pero tan intenso que nos reventó por completo. Uno podría pensar que es la típica banda que ha sobrevivido a duras penas, y que en concierto ya suenan desgastados y arrastrados por el paso tiempo, viviendo de rentas como tantas otras viejas glorias de estas características… pero os aseguro que nada más lejos de la realidad, y eso pudimos comprobarlo en nuestras propias carnes. Obviamente, todo ello es atribuible en esta ocasión a Yanko Tolic, único miembro original.

Apurábamos unos sorbos de kalimotxo, cuando la introducción pregrabada, que no fue otra que el tema de la película The Omen (La profecía), indicaba el comienzo de la masacre sonora. No dijeron nada, no se presentaron ni anunciaron el primer tema, y fueron a puro degüello con G.A.P. Y ante ella, todos los hipotéticos estereotipos anteriormente mencionados cayeron por su propio peso. Los componentes del grupo salieron hechos unos auténticos lobos hambrientos al escenario, abriendo con una tralla sin concesiones en la que pudimos apreciar la desbordante energía, tanto del mítico Yanko Tolic (ÉL es Massacre), como del batería Quique Canet (alias Eddy Bullman), que cubría el puesto en exclusiva para esta ocasión. Un músico de la misma Santa Pola que nos dejó a todos con un palmo de narices por su entrega y su inmensa fogosidad a la hora de aporrear los parches. No se detenían más que para anunciar la siguiente canción, Red September, y continuar con una caña burra que en seguida nos puso los cuellos a rodar. El humo invadía el escenario, las chispas saltaban una y otra vez desde el borde, y de un lado para otro, Yanko se quedaba a gusto con ese solo de tapping a zapatilla viva. El bombo formaba una muralla sónica impenetrable, y los ‘¡eh eh!’ de entre el público emergieron con toda naturalidad, acompañando a una banda que parecía enfurecerse a cada paso.

Ahora sí, una breve presentación de los músicos, y a seguir con la matraca con Until You Die de su “Crematorium” (2005), disco que fue el gran predominante del setlist. Quique continuaba destilando una energía asombrosa, cabalgando sobre el taburete y metiendo unos mamporrazos tremendos con sus baquetas a 1000 por hora. Tampoco el bajista le iba a la zaga, que aunque mucho más comedido en cuanto a movimiento, dejaba unas bases de lo más sólidas y bien empastadas con las de su compañero rítmico. Las luces parpadeantes también se habían contagiado de esa locura thrasher a toda hostia, que no se detuvo precisamente en Dementia. Todo lo escogido para el setlist fue en inglés, y lo único que escuchamos en nuestro idioma fueron las palabras del vocalista, guitarrista y líder del conjunto Yanko Tolic. Sea como fuere, los ensayos a pocos días de la actuación dieron sus frutos, y todo salió a pedir de boca. El propio Yanko parecía a veces un jovenzuelo, retorciéndose, clamando al público, metiendo cabezazos como si se acabara el mundo y viviendo a saco cada momento. Y si esto no es pasión por el Metal, a sus 61 tacos, que alguien venga y me lo explique. Sus solos y riffs sonaron de lujo, rápidos, mortíferos y bien ejecutados, y sin dejar nunca de lado su intensa actitud.

Por mucho que he indagado, finalmente no he podido identificar al bajista que acompañó a la banda en esta fecha (fue presentado como Rolax) pero desde luego, no era Lolo Carmona (Evil Act, Orphans of Piety, etc) como anunciaron la mayoría de medios que hicieron referencia al festival. En cualquier caso, también me gustó la sonoridad de su instrumento, áspera, tosca y cruda, perfecta para un Thrash Metal de esa misma índole. Él mismo abría para la siguiente, que no fue otra que Crematorium. Un tema en gran parte instrumental que vino de perlas para el lucimiento de los tres músicos, y que fue creciendo en contundencia y velocidad hasta dejarnos momentos de lo más frenético, como esos solos en los que Yanko se recorría todo el mástil, o los tremendos baquetazos con los que Quique volvía a revelarse como un batería de caché. Cuando ya estábamos en todo el subidón, mucha peña ya entre las primeras filas, y el ambiente más acalorado que nunca, Yanko se despedía de nosotros después de tan solo media hora de concierto… Y en este mismo hecho creo que recayó el único punto negativo, que en parte nos dejó con la miel en los labios. Aun así, personalmente quedé muy contento con la actuación, que no nos dio un segundo de tregua, rabiosa y cabreada de principio a fin, con el (escaso) tiempo bien aprovechado, y unos músicos que se dejaron la espalda en cada tema.

Bravísimo por la organización del Rock’n’Pola por hacer un ejercicio de innovación y exclusividad al contar con ellos, en lugar de ir a lo seguro e incluir en el cartel a cualquier banda de las que ya hemos visto decenas de veces. Por cosas así, que cada vez valoro más, son tan necesarios este tipo de festivales. Y si Massacre fueron todo un incentivo para estar allí, seguidamente llegaría otro de los más grandes, al menos, para el menda.

Nethertale:

Hace ya casi ocho años (joder, cómo pasa el tiempo), en la antigua sala Babel de Alicante, me encontré frente a una banda que desconocía por completo. Pero aquella noche dieron tal conciertazo, y me gustó tanto su propuesta de Technical Death Metal, que automáticamente pasaron a ser una de mis bandas favoritas de la zona en su estilo. Su adición al cartel, sustituyendo a los caídos Orphans of Piety, fue por lo tanto una enorme alegría para el que suscribe.

Con Lords of the Nether, el cantante Alberto "Manthor" Díaz salió con unas ganas tremendas de comerse el escenario a bocados, pisoteando las tablas, y demostrando una notable técnica vocal. Precisamente ‘técnica’ es la cualidad que mejor define a sus músicos, de una altura estratosférica, que hicieron de todo menos decepcionar. Los cruces rítmicos, los tempos complejos, y unas estructuras de lo más impensable, definieron este primer asalto, con el que ya empecé a frotarme las manos por todo lo que aquel concierto iba a hacerme disfrutar. Además de este, extraído de su segunda demo (“Lords of the Nether”, 2018), la banda nos tenía deparadas un buen número de sorpresas, desde temas ya conocidos del LP “Abyssal Throne”, hasta otros completamente nuevos y todavía no registrados. Una gran muestra fue The Stillborn Age, en donde el frenético parpadeo de las luces parecía acompañar a la descomunal velocidad y habilidad de todos los músicos. Luis Varó se apoyaba en su monitor, pellizcando su bajo de cinco cuerdas, adelantándose hasta la línea del público cada dos por tres, mientras sus compañeros a las guitarras iban soltándose también sobre el terreno, dando forma a dibujos y detalles alucinantes.

Este fue uno de esos conciertos en el que ni con 6 ojos podría uno apreciar todo lo que dieron de sí sus excentricidades instrumentales. La novedad no fueron únicamente algunos cortes. También la formación de la banda ha cambiado radicalmente si tomo como referencia la primera vez que les vi, y solo Antonio Alonso a la guitarra, y Dani Molina a la batería quedan desde entonces. Al que más eché de menos fue a Pere Girón al bajo, que sin menospreciar en absoluto la gran labor de Luis Varó, me dejó en su día con los ojos en blanco. Pero aquí, en cualquier caso, hablamos de músicos de altos vuelos, y todos ellos siguieron demostrándolo con Unearth. Perfecta coordinación entre Antonio y Álex (que también se hizo cargo de los coros), para hilvanar otro corte de nueva impronta, mientras las baquetas de Dani marcaban el ritmo a una velocidad infernal. Los cambios tajantes y rupturas volvieron a erigirse como grandes protagonistas, volándonos la cabeza a quienes nos flipa este rollo tan marcadamente técnico. Vuelta al “Abyssal Throne” con The Kraken. Imposible dejar de fijarse en la guitarra de Álex Ramírez, con toda esa cantidad de detalles a toda mecha. Llegado a este punto, el músico se crecía a paso ligero, como también lo hacía Dani tras el bombo, sudando la camiseta y sin perder un solo compás, demostrando un nivel de perfección, potencia y talento de etiqueta negra.

El incansable Alberto Díaz hacía su particular maratón por el escenario. No solo se quedaba a gusto con sus múltiples registros, sino que parecía incluso ir ganando en fuerza y aguante en sus fraseos, paseándose entre ambos guitarristas que, al mismo tiempo, ejecutaban sus armonías y solos. Los aplausos desde el público se tornaban cada vez más sonoros, y no era para menos: estaban metiendo una cera brutal. Volvía a la carga Alberto, cebándose con su cuello durante Izanami, con un pie sobre el monitor y con miradas desafiantes hacia la peña, que respondía con más barullo. Personalmente prefiero centrarme antes que desfasar, porque de verdad que me flipa cómo toca esta gente. Álex y Luis se marcaban un cara a cara, luciéndose a lo grande, antes de dar paso a Ad Infernos, en donde Dani no se anduvo con chiquitas a la hora de dominar esos blast beats y doble pedal tan avasalladores. Esa resistencia en su vocalista de la que hablaba, volvió a sobresalir especialmente en este corte, con cantidad de estrofas enlazadas, pasando de tonos más guturales a otros más lacerantes, y sin dejar de hacer el animal entre sus compañeros. Las luces verde oscuro dominaban el escenario para recibir Apophis Unleashed, que seguramente formará parte de su próximo disco “Shaded Symphonies” (si es que ese sigue siendo el título), que estoy deseando que salga para escucharlo.

Eché de menos algunas en el repertorio, como Omega Shades o Psalms of the Vile, pero por supuesto, las novedades fueron bien recibidas. The Grey Hell tuvo, incluso, unos primeros compases progresivos, desatando todo tipo de virguerías y ostentosidades técnicas en cuanto a ritmos, riffs y punteos, con partes muy complejas y ‘mareantes’ (en el mejor sentido de la palabra), y con un brillo especial en las guitarras de Antonio y Álex, que además, rugían como un jodido trueno. Junto a sus compañeros, emprendían una sesión de headbanging bien acompasado que nos llevaría ya hasta la recta final. Tras agradecer a público y organización, anunciar el merchan de turno, y despedirse, se lanzaron al trapo con una que no podía faltar de ninguna manera, esa aplastante Bake Kujira que casi nos rompe el cuello con sus pesadísimos riffs, encarándose y cruzándose varias veces los dos guitarristas al mismo tiempo que Alberto, con energía y agresividad por un tubo, trataba de mantener los niveles de adrenalina bien elevados hasta el final.

Por segunda vez, mi más sincera enhorabuena personal a esta gente. Si algún día llegan a convertirse en un nombre grande de la escena, será más que merecido. De momento, ahí están, demostrando que de Benidorm no solo es tierra de guiris playeros, turismo alcohólico y fiestas de pachangueo para pijos repelentes, sino también hogar de bandas y musicazos de la talla de Nethertale.

Solamente quedaba ya una banda para concluir la noche, y esa banda era para muchos de los presentes sinónimo de fiesta y desparrame. Vaya por delante que no soy el tipo más abierto de mente para la música. Es algo que no me cuesta reconocer ni me hace sentir mal en absoluto. De hecho, si no hubiese sido por mis colegas, creo que en este punto habría dado ya media vuelta hacia casa. Y sin embargo, al final acabé alegrándome de no hacerlo, porque lejos de agobiarme con Hasswut, lo pasé mucho mejor de lo que esperaba.

Hasswut:

Su propuesta 100% industrial no es para todos los oídos (sobre todo, en un país como el nuestro), pero al mismo tiempo, creo que no dejó a nadie indiferente, y eso ya es todo un logro. Tampoco se podía esperar menos de músicos tan experimentados en su mundillo como los que forman el conjunto. Dani a las voces, Javi a las seis cuerdas (ambos militantes en los más que conocidos Mind Driller), y Zufo encargándose de los samplers y coros, tuvieron claro desde el principio que querían hacer vibrar lo que quedaba de noche hasta sus últimas consecuencias. Y con temas como Deine Falsche Welt y Der Radioaktive Mann comenzaba aquel desmadre, con mucha más electrónica que Rock, y los primeros bailes del gentío. Javi dando vueltas con su guitarra a hombros y Dani, dominando a tope el escenario, iban caldeando el ambiente a marchas forzadas. Este último se quitaba las cintas de la cara (el atrezo es parte muy importante en sus directos) para ponerse inmediatamente a saltar con la movidita Vorsicht Zerbrechlich, con constantes ademanes a sus fans que ya se encontraban ocupando las primeras filas. De hecho, con su actuación, el público se transformó bastante, bajó considerablemente la edad media, e incluso vimos delante a gente que, a priori, era ajena al sonido en el que se centró gran parte del festival.

También Zufo lo gozaba enormemente tras su mesa de samplers, aportando algunas voces (que luego cogerían más peso) y moviéndose totalmente entregado a la música. Daban una pequeña concesión para dar las gracias a todos los que nos habíamos quedado, que no fuimos pocos, y prosiguieron con el puro hardcore de Haters, que llegó a levantar algún que otro moshpit entre el público, representando uno de los momentos más cañeros del show. Y es que decir que este o aquel tema es bailable… es caer en la redundancia, porque todo en Hasswut es puro frenesí discotequero. Es más, no puedo negar que ese sonido tan noventero que tienen a veces, me trajo grandes recuerdos de mi pre-adolescencia. Dani se mostraba cada vez más descontrolado y enérgico, chocando manos con la peña, agachándose por el escenario y dando botes, transmitiendo a lo grande incluso a quienes no estamos acostumbrados a esta onda. Las cosas, como son. Rette Mich, introducción incluida, tuvo unos samplers de lo más potentes, y no sé si es mi ya machacado oído, pero lo cierto es que la guitarra quedó en un plano muy secundario.

Lo que está claro es que estaban triunfando, y eso les hacía crecerse durante envites como Vorwärts (que arrancaba a paso militar por parte de Javi y Dani) o Les Morts, con el cantante liándola parda en las primeras filas, castigándose el cuello, y correteando de lado a lado. Esos fogonazos de chispas a cada extremo del escenario, aunque no siempre estuvieron a la par con los momentos clave, aportaban el puntito extra de espectáculo, que ya de por sí es una de las principales bazas del grupo. También las paranoicas animaciones que ofrecía la pantalla iban en consonancia con el show. En aquel momento, alguien de entre el público lloriqueaba alguna queja, y Dani respondía firmemente (¡váyase a casa, señora!) antes de dar rienda suelta a una de las canciones más provocadoras, tanto por letra como por movimientos, como fue F.F.F., cuyo estribillo no se le escapó a nadie. Koloss contó con los acompañamientos vocales de Zufo, y la gran actitud de un motivadísimo Javi, que rasgaba sin piedad su guitarra. Posteriormente, este tomaba el micro para lanzar su personal agradecimiento. Continuando con bailes generalizados, era el turno de Sauerstoff, que da título al último álbum de la banda, y para rematar ya la jugada con Mund Zu!, Zufo abandonaba su mesa, micro en mano, para transformarse en segundo cantante y en primera línea de escenario. Este último corte, con su imparable cadencia, fue el colofón idóneo para que no decayese el ambientazo hasta el final.

Contra todo pronóstico, no se me hizo nada pesado, y fue todo un acierto por parte de la organización colocarles para cerrar el festival, y hasta para atraer a más tipo de público. Nunca había tenido la ocasión de verles, y aunque reitero que no es para nada mi estilo, hay que reconocer que la pasión que desbordan es tope contagiosa, y que en su estilo, seguramente estemos hablando de una de las bandas más exportables del país.

La experiencia con este, mi primer Rock’n’Pola, es de las que me dicen: tienes que volver. Para empezar, el recinto abierto me pareció fabuloso, lleno de sillas donde poder descansar y con el tamaño apropiado para tenerlo todo ‘a mano’. El personal de barras fue súper amable en todo momento, informando con buen humor y sirviendo rápido, y los precios, sin ser escandalosamente baratos, eran asequibles para todo el mundo (no como los de la semana pasada en Rock Arena, que ya empiezan a ser abusivos). Nada de Toi Toi cochineros, aquí había WCs de verdad, y bastante cuidados, por cierto. El sonido fue más que aceptable durante toda la noche, y el ambiente fenomenal, apto tanto para quienes iban a dejarse la vida en las primeras filas, como para quienes deseaban pasar un fin de semana tranquilito de música y familia. Aparcar (guiados por mi amigo Juanma) fue facilísimo, teniendo a disposición dos enormes zonas, y además gratuitas, casi pegadas al recinto de El Palmeral. Y hablando de precios, el Rock’n’Pola es igualmente gratuito, y para rematar, se empieza a celebrar a unas horas en las que pilla casi todo el festival de noche. En la parte negativa, la verdad… no sabría qué poner, porque no recuerdo nada grave. ¿Tal vez que no sirvan vasos grandes de kalimotxo?

Si quienes me leéis pensasteis ir en alguna ocasión pero, como yo hasta ahora, no habéis terminado de arrancaros, no lo dudéis a la próxima.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Winds of Hell (Rock Arena 2026, sábado 18-07-26, Recinto Teatro Cardenal Belluga, San Fulgencio, Alicante)

2026-07-21T13:51:36.994+02:00

Tras unos cuantos años salteando la asistencia a uno de los festivales que más renombre se ha labrado en la zona de la Vega Baja, al fin puedo decir que he empalmado dos ediciones seguidas, algo que no ocurría desde la cuarta y quinta (2015-2016). Y es que si lo del año pasado, con Avalanch y Vhäldemar entre muchos otros, era de lo más apetitoso, lo de este era sencillamente irresistible. Para mí, Jolly Joker, en cualquier cartel que me pueda permitir, implica presencia obligatoria, y más si hablamos de un festival al que tanto cariño he cogido con el paso de los años, y la ingente cantidad de bandas que allí he disfrutado. Un festival que nunca ha perdido sus costumbres, que ha hecho algún ligero amago de crecer (contando, en su celebración del 2015, con los titanes de la Bay Area Death Angel), pero que siempre ha apostado por apoyar sobre todo a nuestras bandas, en casi todas sus facetas y estilos. He de insistir en que nunca debemos dejar de valorar el hecho de que se siga llevando a cabo por esta zona un evento de estas características. Un cartel interesante, un recinto lo suficientemente amplio, profesionalidad en su organización, y además, con un aliciente extra que se ha mantenido en todas salvo en su segunda edición: 100% gratuito. Otro año más, la colaboración entre el Ayuntamiento de San Fulgencio y la promotora On Fire Promo comandada por el gran Tomás Quilez (con quien tuve el gusto de charlar unos instantes), ha dado sus frutos en forma de esta gran fiesta ya imprescindible para muchos, concretamente, la decimotercera. Porque Rock Arena, incluso más allá de un evento para dar voz a la escena de nuestro rollo, es un punto de reunión perfecto para el reencuentro entre colegas, y eso también cuenta.

Este año, quien compartió festival conmigo fue mi amigo Kurro, como en varias otras ocasiones, lo que aseguraba buenas sesiones de risas y desfase. El festival, con la presencia de los hard rockeros valencianos, también era otra garantía de eso y más, pero entre el plantel de bandas, hubo muchas otras que hicieron las delicias de los asistentes, como los locales Khëlleden, Dünedain ejerciendo de cabezas de cartel, los melódicos Strangers (un grupo por el que siento especial devoción), los powermetaleros Argion, Dawn of Extinction aportando el punto de tralla, y completando la oferta con Mandrágora Negra. Seis bandas de lo más diverso a favor de la variedad estilística, pero mayormente dentro de lo clásico, lo cual es alegría para mí.

Por nuestra parte, fuimos a lo que más nos apetecía, tratando de esquivar en la medida de lo posible el insoportable calor que ya se adivinaba para aquella jornada, y más tratándose del sur de Alicante. Como dije en mi anterior crónica, cada vez lo llevo peor. Así pues, nos saltamos las dos primeras actuaciones, que correspondieron a Khëlleden y Mandrágora Negra, pero a la de Strangers fue la vencida. Nada más llegar, encuentro con cannnnntidad de colegas, sobre todo de Valencia y alrededores, esa gente auténtica que no falla ni queriendo como Vicent, Diego y Juani, Vanesa, Anna, Jose, Carlos, Paula… y también Ángel y Vicky, a quienes hacía unos cuantos años que no veía. Las temperaturas mantenían a la mayor parte del todavía escaso público bajo las sombras allí disponibles, pero nosotros nos acercamos hasta primera fila para disfrutar de los madrileños.

Strangers:

A lo largo de su carrera, han sido muchos los cambios de todo tipo que el conjunto ha experimentado, pero en los últimos años, es cuando más se han aglutinado y más notorios han sido. El título de su tercer álbum, “Brand New Start” ya fue de lo más revelador, y sin embargo, unos años después, volvieron a hacer un punto y aparte para reciclar de nuevo, no solamente su formación, sino también su sonido. Las directrices del cambio no llegaron de sopetón, pues en el citado “Brand New Start” ya empezaron a verse claras, pero no fue hasta la salida de su EP “Whispers”, y sobre todo, su más reciente CD, “Boundless” (2025), cuando se consolidaron por completo. Y en este Rock Arena 2026 tuvimos la oportunidad de verlo representado en directo una vez más.

Entrábamos al recinto al trote, mientras sonaban ya los primeros compases de Worth a Shot, bajo el todavía achicharrante calor de las 7 de la tarde. Vestida bien fresquita para la ocasión, Celia se cargaba a las espaldas la tarea de empezar a entretener al personal, con sus artísticos movimientos y su gran talento vocal. Varios asistentes (igual que nosotros), se acercaban hasta las primeras filas con timidez y valentía ante la que estaba cayendo, cuando, sin dejar pasar el tiempo, sonaba My Dream, precisamente una de mis favoritas de su último disco. Bastante exigente a nivel vocal, no supuso ningún problema para la cantante, que tiró de registros bastante altos con total naturalidad, mientras no dejaba de engatusar a su aún escaso público con ademanes y miradas. Con Languaje of Love, la cosa fue tomando carrerilla. Su ligero deje setentero, representado en esos punteos iniciales de Miguel Martín a la guitarra, contrastaba con partes realmente potentes en la batería de Abel Ramos, otro de los pilares de la banda. Y de estos dos últimos, se apreciaron con bastante nitidez varios detalles más subyacentes del tema, a pesar de que el bombo sonaba excesivamente fuerte enfrente de la valla.

Los coros de César Chacón, y ese último solo de guitarra, con el músico centrado en el escenario, dieron paso a Freedom, que si no me equivoco, es la primera vez que escucho en vivo. Arropada en su inicio por unas cuerdas limpias, Celia estuvo inspiradísima en cada uno de sus matices, bordando tanto las partes más suaves como aquellas más tenaces. La banda empezaba a mostrar cada vez más movimiento. Cesar agitaba su melena, Abel acompañaba con cabezazos cada golpe a su caja, y Miguel iba creciéndose con cada riff y punteo, hasta terminar plantado en los bafles exteriores del escenario para interpretar Still the One. El bombo continuaba resultando algo molesto, pero por suerte, no eclipsaba al resto de los músicos ni a la voz de Celia, que nos obsequió en ella con unas líneas muy elevadas. Otra muestra más de su poderío vocal. La frontwoman, que ya había colaborado años atrás con ellos doblando melodías y haciendo coros, es hoy por hoy uno de los principales ganchos del grupo, y en gran medida, uno de los más notorios reflejos del cambio estilístico. Se mueve por el escenario con un flow tremendo, como si llevara toda la vida ahí arriba, y sabe de sobra cómo llenarlo y animar al gentío.

Ahora era Miguel quien nos dedicaba unas palabras, solidarizándose con nosotros por nuestro ‘sufrimiento’ bajo el sol. Así comenzaba With You, el que fuera el primer single de presentación de su nueva etapa. Acompañando a César en sus paseos, Celia volvía a dejarnos atónitos con la potencia de su voz, y al mismo tiempo, proponiendo juegos de canto para levantar los ánimos, mientras bajo y batería se mantenían constantes. Un pequeño respiro tras terminar la anterior, y era el turno de Into the Night, el corte que abre “Boundless”, y del que me flipan a tope esos riffs. La vocalista y César formaban una buena piña, mientras Abel se ensañaba con los parches en algunos de los momentos más cañeros del show. Los tonos de infarto, el salto con el que Miguel regresaba al escenario tras su salida, y la bandera de Strangers que ahora ondeaba en manos de Celia, llevaron el concierto hasta una completa comunión con su público. También tiraron en esta de una base, así como de sintetizadores pregrabados para la siguiente Flames, composición más moderna y pesada, que formó parte del EP “Whispers”. Las partes más recargadas de doble bombo (con el constante headbanging de Abel, que estaba hecho una fiera), fueron de lo más contundente.

Volvían al trapo con Enemy, pero no sin antes despedirse y pedirnos un aplauso para nosotros mismos por haber aguantado ahí. Miguel, mientras daba coros, ostentaba esa sutileza / elegancia tan reconocible en su forma de tocar, haciendo fácil lo difícil. Celia daba el resto, dejando huella sobre las tablas con su carisma y gracia al andar sobre ellas, y en última instancia, levantaron todos juntos un gran estruendo para concluir a lo grande. Aparte de ciertos aspectos menores del sonido, fue un concierto sin fisuras, en el que aprovecharon su tiempo y desplegaron al máximo todo su talento. ¿Cosas que se echaron de menos? Tal vez algún temilla de anteriores etapas, o porque no decirlo, una mayor duración… porque lo pasé tan bien, que se me hicieron cortísimos. Estoy deseando volver a coincidir pronto con ellos, y me da a mí que no tardaré demasiado, porque en los últimos años, su actividad de directo y su visibilidad en destacados carteles empiezan a ser, por fin, las que siempre merecieron.

El siguiente paso era calentar bien el cuello y prepararnos para la sacudida que nos iban a meter los valencianos Dawn of Extinction. Cinco años han llovido ya desde que pude verles por primera vez, junto a Noctem y Obscure, en el tan añorado Paberse. Unos chicos que, por aquel entonces, eran unos completos desconocidos para mí, y me dejaron unas buenas sensaciones que no hicieron sino ampliarse en San Fulgencio, a pesar de que su estilo musical, en parte, no es lo mío al 100%. Sin haber presentado una agenda demasiado concurrida, en estos últimos años han continuado fabricándose un nombre en festivales tan importantes como el Milagre Metaleiro, el Z! Live Festival, o el más reciente Kabiefest. Firmaron hace poco con la promotora On Fire (que, recordemos, es parte crucial del Rock Arena) y nos dejaron un nuevo single que, por supuesto, pudimos catar en directo.

Dawn of Extinction:

Parecía que, por mucho que caía la tarde, las temperaturas no amainaban, pero eso al combo de Sagunto le dio igual. Le pincharon fuego a la traca sin contemplaciones, provocando que más peña se fuese acercando hasta ellos a golpe de headbanging, tanto fans y curiosos, como aquellos a quienes sorprendió su potente sonido. Con la cháchara, no llegué a enterarme de cuál fue el primer tema, pero estaba claro que iban a por todas, y que además, sonaban bastante bien, con los instrumentos perfilados y al volumen que tocaba. Lo que sí se me quedó en la cabeza fue esa segunda Rise From Oblivion, porque algún fragmento melódico me recordó al Down to the Devil de Edguy, aun haciendo un rollo muy distinto, una mezcla bien llevada entre Melodeath y registros más modernos como el Metalcore. Un corte de ritmos muy variados que precedió a la siguiente Behind the Mirror. Las voces alternadas de Cristian Juárez (cantante y guitarrista) y Marcos Morales (al bajo), iban haciendo crecer la bola, tanto guturales como limpias, que también tienen mucho peso en el estilo del grupo. Uno de esos riffs que prácticamente te obliga a doblegar el cuello, y el solo compartido entre Cristian y Daniel, nos acercaron, elevando más aún la temperatura, hasta el single que comentaba antes, Dragons in the Night.

En este, sobresalió la batería de Alexis Gálvez, un músico que me encantó por sus tablas a la hora de hacer cambios y apisonar el doble pedal. Melodías despiertas, partes contundentes y voces limpias bastante elevadas, se entrecruzaron en lo que me pareció sencillamente un temazo, con el que apuntan buenas maneras para un hipotético próximo LP. Con Motherfucker (claro y conciso), tenían la batalla ganada de antemano. Aparte de las virguerías de Daniel, tirando a saco de tapping en el solo, la peña colaboró cantando con todas sus fuerzas ese estribillo tan rudo. La banda no hacía más que acelerar y encabronarse con cada compás, con cada minuto que pasaba, y eso también quedó muy patente en la peña.

Los primeros empujoncitos, acabaron convirtiéndose en un mogollón de saltos, codazos y bailes descontrolados a los pies del escenario, llegando a su punto álgido en From Tears To Vengeance. No fue para menos, ya que esas partes de furiosos blast beats, y esa actitud que mostraban los músicos (como Marcos, que se despatarraba bien a gusto), lo pedían a gritos. ¡Sois de puta madre!, apuntaba ahora Cristian, antes de quemar el último cartucho, y no fue otro que Apocalypse, uno de los trallazos que formaron parte de su primera demo. El moshpit se iba agrandando, no muy poblado, pero con la peña sudando al máximo la camiseta, mientras los blast beats de Alexis, o los lacerantes solos de Cristian y Daniel calentaban el panorama sin parar. Ahora sí, con un ‘gracias’ de corazón, nos decían adiós… o más bien, hasta pronto. Es posible que me haya pasado por alto algún tema, o confundido algún otro, y si es así pido disculpas. Pero todos los que estuvimos allí, eso es seguro, dimos fe de lo que es capaz este cuarteto, y de lo bien merecido que tuvieron girar con los mismísimos Blind Guardian hace solo tres años. De mi parte, la mejor de las suertes para ellos.

Tan punto terminó la movida, ya sudando a mares como estábamos, comencé a frotarme las manos. Me las he frotado decenas de veces, y lo seguiré haciendo todas y cada una de las veces que vuelva a encontrarme con una de las bandas que más huella ha dejado en mi vida. Y eso es, precisamente, porque ya sé lo que me espera de antemano (sin quitar lugar a la sorpresa): diversión desenfrenada, actitud canalla a raudales, y unos temas que me vuelven loco. Para mí, con diferencia, el plato fuerte de este Rock Arena 2026 eran los…

Jolly Joker:

Tuvimos que esperar menos de lo pensado para que la más alta clase y elegancia empezasen a desfilar por el escenario, entre ovaciones y gritos, encarnadas en el guitarrista Yannick y el bajista Andi. Con la aparición de Lane Lazy, vociferando y lanzando patadas como un poseso, la presencia del gran Aaron Joffroy tras el bombo, y esa tremenda Sky is so High sonando alta y clara, se cerraba el círculo, y al mismo tiempo, comenzaba una de las fiestas más salvajes y desmelenadas que he podido vivir en lo que va de año. Quienes les seguimos desde hace mucho tiempo, estamos acostumbrados a que así sea por norma general, pero lo de aquella noche, simplemente, se salió de moldes. Un perfecto punto de partida, de intensidad creciente, y músicos que no fueron soltándose poco a poco, porque ya salieron al 100%. Corría como un relámpago Andi de lado a lado del escenario, parando únicamente para dar inicio a Shotgun y seguir a lo suyo, cargadísimo de tanta energía como simpatía. Asimismo, se adelantaba Lane Lazy para sentarse en uno de los monitores, posición que ocuparía después Yannick, dándonos una lección de cómo hacer un solo sobrado de chulería. Con los mástiles en alto, en Perfect Life, la banda recibía a manos llenas esos ‘¡eh eh!’ de un público enfervorizado y totalmente volcado con ellos. Y solamente iban tres temas…

Sujetándose el sombrero y recubierto de terciopelo, existen muy pocos frontman en nuestro país capaces de mostrar tanto desparpajo y carisma encima de un escenario como Lane Lazy, que se marcó una interpretación increíble. Y más que llegarían. Esta ocasión fue mi primera de verles con Aaron Joffroy, quien no necesita más presentación si digo que es el mismísimo batería de Stallion. No solo clavó cada golpe, sino que además, lo hizo con la rotundidad que esperaba de él. Y nada mejor que World Collapse, segundo tema en caer del “Jolly Joker”, para observarle en toda su salsa estrellando las baquetas a saco. Me flipa que hayan incluido este tema en el setlist, porque creo que es de lo mejorcito que han hecho nunca. Y además poder disfrutar ahí, en el centro del escenario, a Yannick, Andi y Lazy juntando hombros, me produjo un subidón indescriptible. Fue, por cierto, la mejor interpretación del tema que le he visto al cantante, cogiendo aire, modulando perfectamente la voz, y llegando a cada nota sin problemas con la guitarra a cuestas. Pero esperad, porque aquello no había hecho más que arrancar. Con su humor habitual tan cabronazo, Yannick provocaba al personal y minutos después, nos volaba la cabeza haciendo estallar esos solos de D.A.M.A.G.E., dando vueltas, contoneándose y chuleando a más no poder, cruzándose con su compañero Andi y también haciendo coros.

Quedó bien claro que nos querían reventar vivos cuando, atronando ya la batería a manos de Aaron, Lazy ‘desenfundaba’ el dedo en algo gritando aquello de Fuck it All!!. Tirándose de rodillas, y gritando como un descosido, tras él volvían a sucederse los cruces entre Andi y Yannick, formando un verdadero huracán que ya era imparable. La liaron tremenda, y las primeras filas ardían de puños en alto, headbanging y saltos celebrando aquel momento de demencia. Para que no nos diera el infarto, Lane pedía un aplauso para todos aquellos involucrados en el festival y a las bandas, y a ritmo de rocanrol, proseguían con My Little Cadillac, otro corte en el que vimos lucirse a Aaron, echándose unas cuantas virguerías con sus palos. De verdad, nunca pensé que encajaría tan bien, pero al final ahí es donde se nota la experiencia, talento y recorrido en un músico. No se quedaba atrás Andi, que constantemente se asomaba al público, pellizcando con ganas sus cuerdas, y lanzando melenazos por doquier. Llegaba otro de mis momentos favoritos de la noche con Motor, uno de esos que hacen que un concierto se eleve a la categoría de todo un show.

Ante más ovaciones del público, Lane Lazy nos ponía calentorros a tope, tirándose un vaso entero en la cabeza, desafiando sin parar, y en última instancia, restregándose por el suelo encima de los bafles delanteros. También Yannick, muy venido arriba con su particular fiesta, se nos acercaba para marcarse ese solo en nuestras narices. El guitarrista, formando ahora dúo de cuerdas con el cantante, sería uno de los protagonistas en Blood Velvet. Y es que hacía tiempo que no le veía TAN eufórico, tan entregado y enérgico a la hora de tocar y moverse al mismo tiempo. Cada dos por tres, se unían ambos, desparramando por todo el recinto esa inigualable química que poseen, al tiempo que Andi gritaba unos coros de lujo. La adrenalina (la mía, la de la banda, y la de todos los allí presentes), se volvió a disparar con I Just Wanna (Kiss You). Y es que este tema… joder, fue amor a primera escucha desde el momento en que lo presentaron como primer adelanto del “Jolly Joker”. De hecho, diría que ese sonido en particular representa la faceta que más me mola del grupo, con esas melodías tan glammy y descaradas, esos riffs juguetones, y ese ritmo tan jodidamente irresistible, a lo que, por supuesto, hay que añadir el inmenso desparpajo que desprendió todo el conjunto al tocarla.

Lo dicho, un fiestón de mil demonios, de esos que uno no quiere que terminen nunca. Armado de nuevo con su guitarra, Lane Lazy, junto a Yannick, la hacía rugir para enlazar sin descanso I Don’t Care, que fue creciendo de nivel, primero con Andi y Yannick adelantándose hasta el borde, para rematar este último tirándose por los suelos y convulsionándose, dando coros, y pavoneándose hasta el final del tema. Grande no, lo siguiente. Por desgracia, otro sentido agradecimiento del frontman indicaba ya la recta final del bolo, eso sí, para echarse las manos a la cabeza. Con el subidón de Hey You, el mismo Lazy vaciaba otro vaso entero sobre su melena, dando puntapiés al aire y rodando sobre sí mismo, quemando una energía que parecía inagotable, sobre todo, teniendo en cuenta el esfuerzo extra que implica este tema para él. Todo el resto, fue para Rockin’ in Stereo, una puta locura. Carreras por el escenario, cruces con melena al viento entre Andi y Yannick, cuya coordinación fue exquisita de principio a fin, y mientras tanto, Lazy desenroscando esa botella de burbon, que entre salto y salto, entre estribillo y estribillo, acabó repartiendo entre los gaznates de las primeras filas, saludando y descojonándose él mismo de la que habían conseguido desatar en una hora y poco de concierto.

Una y otra vez me vuelvo a preguntar cómo, después de tantos años, consiguen mantener ese fuelle, esa frescura y esa pasión por lo suyo, y sobre todo, esa capacidad de saber contagiar su desmadre a los de abajo. No quiero pecar de putifan, pero os puedo asegurar con toda sinceridad que muy pocas bandas me han hecho sentir en directo algo parecido, y menos después de haberles casi 30 veces. ¡Y qué larga se me va a hacer la espera hasta el Rock the Sun!

Como se veía venir, me pasó lo mismo que en 2022, en su primera visita al Rock Arena. Me castigué de tal forma el cuerpo, saltando y agarrado a la valla todo el concierto, que en cuanto terminaron Jolly Joker, el bajón me dejó hecho polvo. No voy a decir que Dünedain y Argion no me molan, porque sería mentir. Pero en ese momento, no me apetecían lo suficiente como para esperarme hasta el final. Sea como fuere, lo mejor para mi gusto había pasado ya, así que charlamos y nos despedimos de algunos colegas, y nos acercamos hasta el coche. Después de pegar un bocado y echar unos filtros, acordamos que era el momento de la vuelta a casa.

P.D. Como tantas otras veces, gracias a Anna por permitirme usar sus fotos, algunas de las cuales forman parte de esta crónica.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Last Call for Party!! (Zurbarán Rock 2026, sábado 11-07-2026, espacio El Plantío, Burgos)

2026-07-17T14:10:42.416+02:00

Como dije en la primera parte, el descanso de aquella noche fue un tanto a medias. Mi mala ‘costumbre’ de no dormir bien fuera de casa, y la chatarrera cama en la que tuve que sobar no fueron factores demasiado reparadores, que digamos. Pero al menos, no me tuve que levantar a las 4 de la mañana con nervios y prisas. La mañana fue bastante tranquilita. Mientras mis compañeros se iban al mercado a comprar manduca y a tomar algo por los bares del centro de Burgos (donde siempre hay un ambientazo increíble, y especialmente, con la celebración de este evento), yo me quedé intentando alargar el descanso todo lo que pude, aunque también deseando que el festival arrancara en su segundo asalto. El cartel era, como mínimo, tan atractivo como el del viernes. Y si bien mi objetivo principal del festival eran los suecos Hardcore Superstar (que disfruté como un demente), Heaven’s Gate eran también un aliciente gigantesco. El brutal calor iba a ser inevitable, eso estaba más que claro, y no había indicios de que hoy estuviese parcialmente nublado como sucedió en la jornada anterior. Pero al menos, esperaba que el cansancio no hiciera tanta mella en mí. A partir de ahí, el día solo trajo que alegrías de las que hablaré largo y tendido en los siguientes párrafos, en forma de conciertazos y momentos inolvidables entre colegas. Mientras esperaba a mis amigos, me preparé mis bocatas y en general todo mi kit de supervivencia básica low cost festivalero. Y ya con toda la basca en casa, en unos 10 minutos de pateo nos plantamos a los pies de la majestuosa catedral de Burgos, y no solo para admirar su grandeza, sino para encarar aquella maratón festivalera de la mejor forma posible.

Este año, y siguiendo en su línea, el Zurbarán nos deparaba una gran sorpresa, aunque anunciada de antemano, con un concierto junto a los muros de la catedral, algo así como un suculento ‘vermouth’ antes del plato principal que fue en sí mismo la segunda jornada de festival. En colaboración con la Fundación Círculo (cuyo objetivo es promover actividades con fines culturales, económicos y sociales a favor de la ciudad de Burgos), la organización nos brindó algo totalmente exclusivo e irrepetible. Si en otros años el acústico de turno era un pasatiempo agradable para ir entrando en calor, en este se convertía en algo forzosamente imprescindible, todo un lujo impensable que ningún amante del Heavy Metal que se precie de serlo debería haberse perdido por nada del mundo… sobre todo, porque dudo que jamás podamos volver a vivir algo así. Y no estoy hablando de un espectáculo pomposo, con fuegos y escenografías o juegos de luces. Estoy hablando de una simple y pequeña carpa bajo el ardiente sol, a diferencia de otros años, situada en la parte denominada Llana de Afuera. Lo realmente importante fue quiénes estuvieron dentro de dicha carpa, y lo que allí se iba a representar: el primer acústico de la historia de Heaven’s Gate, en su primera visita a nuestro país desde su fundación, y cosas así, hay que saber valorarlas en su justa magnitud. Quién nos iba a decir que un pequeño concierto en ese formato tan íntimo y calmado iba a suponer (para muchos) uno de los momentos más mágicos de todo el festival.

Heaven’s Gate (acústico):

En la zona sombreada no cabía ya ni un solo alfiler, así que nos tuvimos que conformar con quedarnos de pie al sol de mediodía. Cero dramas: cualquier sacrificio era poco con tal de poder presenciar algo así. Cinco de los seis miembros que componen actualmente la formación (faltaba el guitarrista Bonny Bilski) salían al recogido escenario sin ninguna prisa, sonrientes y ataviados muy de estar por casa, con gorros, gafas, bermudas, chanclas y alguna barba sin afeitar. Y eso fue algo que, lejos de resultar cutre, le dio un rollo aún más cercano al show. Un show que brilló con luz propia en muchas facetas, pero sin duda, la que más disfruté fue la forma y gran creatividad con que casi todas esas canciones que tanto han perdurado en nuestra memoria fueron adaptadas al formato ‘desenchufado’.

Y digo casi todas, porque la primera de ellas fue rescatada de su EP del 97, precisamente la que dio título al redondo In the Mood, un tema bastante escondido en su discografía que se presentó tal cual fue compuesta en su momento. Guitarra acústica para Sascha, al bajo Robert Hunecke-Rizzo, el gran Thorsten Müller dándole al cajón, Corvin Bahn a las teclas, y al frente de ellos, el siempre pluriempleado Herbie Langhans defendiendo lo mejor posible cada tema de cada etapa de la banda. Aquí fue donde nos revelaron que era la primera vez en su historia que hacían algo así. No tardaron en caer grandes hits, pero como nunca antes los habíamos escuchado. In Control, nada menos, levantó muchas palmas, elevando los ánimos Sascha Paeth con ese chulísimo punteo que sonó, como todo el conjunto instrumental, realmente limpio y elegante. Hubo momentos que me emocionaron incluso más de lo que podría haber imaginado, hasta límites lacrimógenos. Uno de ellos sucedió cuando Herbie se dirigió a nosotros, diciéndonos que ya habría tiempo para bailar más tarde, entonando seguidamente las primeras estrofas de The Children Play. ¿Qué voy a decir? Teclados maravillosos, manos ondeando en el aire, un Thorsten Müller disfrutando con cada palmada, y unos arreglos soberbios, junto a alguna que otra leve brisa que nos aliviaba muy puntualmente el calor.

Sí, sin duda ese fue otro de esos MOMENTOS que siempre recordaré de esta edición. Otra de las tochas, Livin’ in Hysteria, sonó totalmente irreconocible hasta el momento de entrar Herbie. La adaptación, los matices y el tempo le infundieron al tema un toque muy sureño, muy bailable incluso, arropado por esos coros del bajista Robert y esa magnífica interpretación del combo Sascha / Corvin. No voy a negar que los teclados de este último fueron una de las cosas que más me fascinaron de aquel concierto. Cobraron mucho más protagonismo que en su vertiente eléctrica, y con esas mismas teclas, abría el músico para otro de esos instantes de sensaciones desbordadas. Así fue Best Days of My Life, tremendamente emotiva, como una flecha directa al corazón, con una entrega palpable de Herbie Langhans al cantarla, y unas percusiones que también destacaron por sus variados ritmos. El vocalista hablaba muy orgulloso de quienes fueron sus héroes, y con los que actualmente tenía el honor de compartir escenario.

Creo que muchos pensamos igual y es algo lógico. La ausencia de Thomas Rettke fue, con todos mis respetos y admiración por Herbie, uno de los más sonoros ‘bluffs’ de esta reunión. Pero al menos en estas tesituras acústicas, el también integrante de Avantasia y ex-Firewind lo hizo de auténtico lujo, derrochando feeling y visiblemente contento. Haría falta ver cómo se desenvolvía con las tonalidades originales… pero eso lo dejaremos para más adelante. Incluso Sascha se levantaba por unos segundos de su taburete para dar la bienvenida a Hell for Sale!, del disco homónimo. Fue una de las más bailadas de todo el concierto, y de nuevo, el teclado tuvo un peso mayor que en la original, caminando esta vez por unos derroteros casi jazzísticos que a mí personalmente me conquistaron. Entre aplausos y aclamaciones, nos decían un ‘hasta luego’ con toda una Gate of Heaven, que tuvo probablemente la mejor interpretación de Sascha a las seis cuerdas, pero sin menospreciar tanto los coros como esas bases rítmicas tan fluidas y bien implementadas de Thorsten y Robert, entre los que hubo mucha química.

Un directo muy corto, pero muy especial, que al menos a mí me caló muy hondo. Un pequeño adelanto y con un sorprendente lavado de cara de algunos de los cortes que unas horas más tarde volveríamos a escuchar en su forma nativa. De vuelta al hogar, y con gula africana, nos zampamos una comilona de las que te quitan el sentido, con unos chuletones como dos manos juntas y unos acompañamientos de la hostia, cortesía de nuestras grandes cocineras Ángela e Inma, jeje.

Pasado un tiempo, volvía la hora de la verdad, esta vez ya en plan non-stop hasta el final. Tras reposar la digestión con musicón y buenas conversaciones de todo tipo, la próxima parada designada era el concierto de The Poodles, que volvieron a pisar los escenarios no hace mucho después de ocho años de parón de actividad (casualmente, los mismos que Hardcore Superstar llevaban sin tocar aquí). Otra ilusión que me quedaba por cumplir desde que les conocí hace la tira, y otro de las grandes medallas que se podía colgar con orgullo esta edición del Zurbarán Rock. Desgraciadamente, la incompetencia de mi sentido de la orientación jugó una mala pasada aquí, y al final tuvimos que tomar otro bus distinto con el que llegamos casi a mitad de concierto. Mea culpa, así que no hay quejas que valgan.

The Poodles:

Bastante calientes estaban ya las cosas cuando traspasamos, por segundo día consecutivo, las puertas del Zurbarán Rock 2026. El escenario derecho (bueno, y en realidad todo el recinto) presentaba una asistencia la mar de agobiante ya, y tampoco nos quisimos meter en el meollo de delante. Desde la carpa (al menos, con sombra), y bailando al son de sus temas, vi un concierto que mantuvo un notable nivel, pero que no puedo juzgar con total exactitud debido al retraso que tuvimos. Acababa de empezar Thunderball, y aquello sonaba de puta madre. Sobre el escenario se atisbaba mucho ánimo, mucho movimiento, con los correteos del rubio Jakob Samuel y sus ademanes hacia el público. Cada estribillo era un subidón de manos en alto, y todo el mundo parecía estar pasándolo en grande a pesar de las elevadísimas temperaturas. Without you, con su refrescante estribillo, vino que ni pintada. Jakob no dejaba de pedir palmas y más palmas mientras ocupaba todo el espacio posible, y el bajista Pontus Egberg (todo un nombre en la escena, ojo), se desmelenaba a gusto en la parte central, contagiándonos sus cabeceos.

Tiempo de la balada Crying, de lo más emotivo del show, con sonoridad más bien electro-acústica y unas vibraciones muy positivas que supieron transmitirnos con ella. La pareja de guitarristas, Henrik Bergqvist y Pontus Norgren se posicionaba codo con codo para darle más empaque si cabe al tema, y posteriormente, intercambiaban posiciones mientras se lucían con ese solo a medias. No dejaron ni un segundo entre medias, enlazando en seguida con Line of Fire. Jakob, ahora vestido de riguroso blanco, estuvo muy acertado a la hora de afinar, obsequiándonos con un gran agudo al final tras unas cuantas carreras de lado a lado. En sus divertidos duelos de guitarra, Pontus y Henrik también lo pasaban a lo grande. Unos cuantos ánimos más hacia el público, y el punto álgido de aquella gran fiesta llegaba, como no, con Like no Tomorrow, única elección del disco “Clash of the Elements” con el que les conocí. Y la peña, venga a saltar. Y el bajista Pontus Egberg, previo cambio de modelo, haciendo el zángano por el escenario con total desparpajo. Muy divertida y festiva, fue como otro soplo de aire fresco en aquel infernal calor.

Era el turno de Henrik Bergqvist para arrancar Seven Seas tirando de un currado solo. Aquí Jakob Samuel trató de pedir toda la participación posible del respetable, dando un pequeño discurso, y lanzándose a por esos tonos altos a los que, en esta ocasión, le costó bastante llegar. Repitiendo y repitiendo el estribillo, llegábamos hasta la culminación del concierto, de la mano de la rítmica Night of Passion. Precisamente fueron Pontus Egberb y Christian Lundqvist (batería) dos de los músicos más destacados, luciendo estilazo y dándolo todo hasta el final, que llegó con un gran grito de Jakob, y el posterior lanzamiento, a mala hostia, del micro contra el suelo. Realmente puso cara de enfado, aunque no sé exactamente por qué. La cosa es que creo que nos dejaron bastante satisfechos después de tantos años de sequía, pero si os soy totalmente sincero, su directo no me resultó TAN impresionante y desmadrado como imaginaba. Tal vez les falte tiempo para recuperar todo el rodaje, pero ya digo, alguien que llegó justo a la mitad del concierto, como fue el caso, tampoco puede emitir una valoración 100% fidedigna.

Dando un voltio por el recinto con tranquilidad, escuchábamos a Khorea de fondo. Aunque por estilo musical no me dijeron nada, se notaba que poco a poco iban creando vínculo con el público, y por lo que se percibía desde donde estábamos, sonaron bastante bien. Y esto último, algo muy fundamental para mí, fue la nota dominante en todo el festival. No es algo que se pueda decir de todos, ni mucho menos, así que bravo por los técnicos y los responsables del equipo del Zurbarán, que hicieron que la música cobrase plena vida.

Tampoco podíamos encantarnos demasiado, porque el momento absolutamente clave del día estaba por llegar a continuación. Tras pillar víveres, vaciar vejigas, etc., nos acercamos todo lo posible al escenario aprovechando los minutos que restaban, y el hecho de que todavía había algunos huecos.

Heaven’s Gate:

Haber visto ya a Heaven’s Gate en su acústico no fue en absoluto excusa para no repetir, y la gran multitud estaba deseando ver qué podían ofrecernos después de 26 años de relativa inactividad (salvo alguna grabación o acto muy puntual). Lo de los alemanes, como digo, fue un gancho enorme desde el momento en el que pasaron a formar parte del cartel. Una de esas bandas con las que, mirando al pasado, nunca pensé que vería jamás en vivo, y me hace recordar inevitablemente los buenos momentos escuchando sus dos primeros discos, o aquella fastuosa Opera Metal llamada Aina constituida por Sascha Paeth y Robert Hunecke-Rizzo entre otros. Esperaba que, en esta ocasión probablemente irrepetible, muchas de aquellas sensaciones volviesen a aflorar. Eso sí, si bien es cierto que superó con nota el acústico, mi mayores dudas se centraban sobre todo en Herbie Langhans, cuya amplitud de registro está muy lejos del incomparable Thomas Rettke.

Fueron presentados con todos los honores, y no es para menos, ya que la expectación que generaron fue, posiblemente, la mayor de todo el festival. Tampoco nuestra ovación se quedo corta cuando salieron al escenario, y sin más demora, fueron a saco con Under Fire, con Sascha encargado de dar las primeras notas. Para quien todavía no lo hubiese podido comprobar, Herbie Langhans demostró con creces que su aplomo y soltura en el escenario son indiscutibles. Cantó de maravilla, aunque eso sí, hay que decir que el setlist pareció estar configurado con una dificultad creciente en lo que a las voces se refiere. De momento, todo OK. Con una gran sonrisa en su rostro, el cantante lanzaba un ¡Hola!, mostrándose siempre muy cercano, para proseguir con We Got the Time, uno de esos cortes que preserva en cada nota esa esencia pura y dura del Heavy / Power germano de finales de los 80. Ante un sonido (¡aleluya!) que rozaba la perfección en todos los instrumentos, el disfrute generalizado era más que obvio en estos primeros compases. El guitarrista Bonny Bilski (al que no vimos en el acústico) y el bajista Robert Hunecke-Rizzo formaban piña cada dos por tres, muy compaginados, y siempre ocupando el espacio del escenario a nuestra derecha. Al tiempo, Herbie subía un grado en chulería pisando el monitor, y con su gran carisma, nos hacía venirnos arriba con solo unos gestos.

Nos daba una pequeña explicación sobre el regreso de la banda con los cambios de formación, recordándonos que está muy orgulloso de estar tocando entre quienes fueron sus ídolos. Antes de iniciar Hell for Sale!, y con el bajo de Robert marcando fuerte, nos animaban a practicar el estribillo para gritarlo bien fuerte, y cuando las guitarras estallaron de nuevo, Sascha se adelantaba unos pasos para tocarnos bien de cerca su solo. Los coreos de ‘¡Heaven’s Gate! ¡Heaven’s Gate!’ eran un reflejo de satisfacción, y la banda volvió a pisar el acelerador de los riffs con Path of Glory de su primer LP “In Control”, que estaba rezando que tocaran. Subidón a lo bestia con ella, disfrutando a muerte esa caña que metía Corvin Bahn al teclado (tal vez le faltaba algo de volumen), y deleitándome con los bien insertados coros de Sascha y Robert que llenaban el recinto. Después de aquel poderoso ascenso, llegó la calma con Best Days of My Life, que por suerte repitieron aquel día en ambos setlist. Y digo por suerte, porque en esta segunda vuelta me volvió a emocionar igual o más que en la primera.

La apertura de teclado, las palmas del público, la noche ya cayendo, los ‘cruces visuales’ entre bajista y batería, o ese solo tan apasionado… bordaron un momento que deseé que no terminase nunca, y creedme que ahora, mientras escribo estas líneas, estoy más allí que aquí. Por cierto, hasta el momento, Herbie lo supo llevar muy bien, supliendo los momentos difíciles con habilidad, pero también aquí comenzó lo verdaderamente jodido para él, con un escollo a superar de la talla de Livin’ in Hysteria que, por supuesto, no podía faltar. De hecho, sin ningún complejo, advirtió que necesitaría nuestra ayuda. Sin dudarlo, se la prestamos, pero aun así, las pasó canutas. La caída de la homónima de su segundo álbum fue un auténtico bombazo de manos elevadas, cuellos ardiendo, y cánticos por doquier, y es que fueron putos temazos como este los que le otorgaron un valor diferencial a Heaven’s Gate respecto al batallón de bandas alemanas nacidas en aquellos años. Thorsten Müller aporreaba con pura energía, y el escenario presentaba un movimiento perpetuo, con el cantante aproximándose a nosotros, y Sascha y Bonny Bilski repartiéndose el solo, y haciéndonos vibrar a piñón en esas partes técnicamente más complejas. El buen rollo entre los músicos quedó asimismo patente en Hot Fever.

Sin dejar nosotros de cantar, Robert y Bonny se marcaban su fiesta particular a base de headbanging, miradas y coros con mucha ilusión. Herbie afilaba sus agudos en la parte final, que nos llevarían hasta otra de sabor muy, muy añejo, el más puro Heavy Metal clásico llevado a su máximo exponente como es Tyrant. Con la batería atronando que daba gusto, y esos riffs haciendo sacar humo de las cuerdas, los parones fueron calculados al milímetro, y Herbie dio el callo tirando de sus mejores registros. Todo se estaba pasando en un suspiro, la intensidad no dejaba de subir, y la comunión entre público y banda se encontraba ya en su punto más alto. Solo les hicieron falta los primeros acordes de esa Can't Stop Rockin' para que todos nos pusiéramos en marcha, miles de melenas cabeceando al unísono sin parar, al ritmo al que Thorsten machacaba implacable sus parches. Junto a los del bajista, nuestros coros sonaban fuertes y claros, aunque hay que decir que Herbie se volvió a quedar aquí muy justito en los agudos. Las limitaciones tenían que surgir en un momento u otro, y eso era algo que debíamos tener asimilado de antemano, pero quitando esos puntos concretos, lo cierto es que se desenvolvió como el gran cantante que no deja de ser.

Las revoluciones volvían al límite con Gate of Heaven, entre elevaciones de mástiles y un solo perfectamente clavado por parte de Bonny Bilski. Aquella que puso punto y final al acústico de forma pausada, sonó aquí como un trueno, en todo su esplendor, igual que sucedió con In Control del 1989. Herbie encontró en ella a su mayor desafío de la noche, y con ayuda de los coros y su experiencia, la llevó adelante como buenamente pudo. Una de las grandes triunfadoras del setlist en la que volvió a quedar patente esa gran coordinación entre Robert y Bonny, hombro contra hombro, mástil contra mástil. Solo restaba un último envite, que fue de lo más sorprendente e inesperado. La banda tiró de su particular versión de la conocida This Flight Tonight de Joni Mitchell, más conocida en el mundo del Rock por el cover que hicieron los Nazareth en aquel tremendo Loud ‘N’ Proud. Siendo esta la más acelerada de todas ellas, nos puso las vértebras a caldo con sus riffs cabalgantes bien sincronizados entre Sascha y Bonny, alternando partes más Hard y Heavy en un escenario (¿intencionadamente?) oscuro que no desentonaba con la noche que ya había caído.

¿Fue, en verdad, un concierto tan bueno como yo lo vi? ¿O en parte me nublaron la vista las incontenibles ganas que tenía de escuchar esos temas en directo con gran parte de sus miembros originales? Me encantaría saber vuestra opinión, pero sea como sea, lo que está fuera de toda cuestión es que me lo pasé como un puto enano.

Los siguientes ODC no me sonaron nada interesantes, y no estaba yo ya para muchos trotes. Planteándonos qué hacer, nos salimos del mogollón (la cosa empezaba a ponerse MUY agobiante) y nos acercamos hasta el borde del río a respirar un poco de tranquilidad, saludando de paso a la peña con la que nos íbamos encontrando. La temperatura en aquel momento era un gustazo, ya tocaba, después de haberlas pasado tan putas de calor. La alternativa era quedarse a ver a Doro, o directamente retirarse, pero al final optamos por disfrutar de la Reina del Metal en toda su gloria.

Doro:

La incombustible Doro Pesch regresaba a nuestro país por enésima vez (no creo que ni ella misma sepa cuántas veces ha tocado aquí), revestida de cuero, tachuelas y flecos, para saciar las ansias de sus seguidores. Si hablásemos de las personalidades más auténticas de nuestro rollo, pero auténticas de verdad, no cabe duda de que Doro figuraría en lo alto de un hipotético listado. Su absoluta devoción por el Heavy Metal, al que consagró su vida desde tan joven, su inconmensurable amor por los fans, que demuestra concierto tras concierto, y su incansable ritmo a la hora de componer discos y cantar en directo, la han convertido en una de las figuras más icónicas de la historia desde los tiempos de Warlock. Puede que esté ‘muy vista’, y tal vez su repertorio ha variado muy poco en los últimos, pongamos, 20 años, pero aun así lo sigue dando absolutamente todo cuando se sube a un escenario. Y eso es lo único que no debe cambiar jamás.

Llegamos con el concierto ya bastante avanzado, y nos acercamos hasta donde pudimos. El recinto estaba tan exageradamente petado que el escenario quedaba muy lejos tras aquel mar de gente. La idea era marcarse unos cabezazos con esos temas tan emblemáticos hasta cansarse, pero lo cierto es que aguantamos prácticamente hasta el final. Es lo que tiene Doro, te acaba enganchando y haciéndote partícipe de sus inmortales himnos casi sin querer. Hablando del setlist, me pareció que la mezcla entre canciones de Warlock y propias era más homogénea que otras veces. Llegamos, de hecho, con Fight for Rock, y ahí estaba ella, con los mismos movimientos de siempre, con su mismo empuje, y con el desbordante carisma que la hace única entre un millón. Los gritos de ¡Doro! ¡Doro!’ no cesaban entre tema y tema, y ella tan agradecida y amable como siempre, hasta que llegaba un nuevo tema y se convertía otra vez en la fiera que se come el escenario a bocados. Me alegré especialmente de llegar a tiempo de ver una de mis favoritas de su propia discografía, ese trallazo llamado Raise your Fist in the Air que siempre me trae grandes recuerdos, y que me incitaba a doblegar el cuello con cada estribillo al mismo ritmo con que Doro se asoma al público y lanza su melena hacia adelante.

Sus habituales guitarristas, Brey Hudson y Bas Maas, lejos de ser actores secundarios en esta función, ejercían su curro con muchísima pasión, rondando a la cantante, metiendo headbanging y apuntando arriba con sus mástiles. Músicos, sin duda, de una calidad más que digna de acompañar a la rubia alemana. El ambiente era sencillamente espectacular. Doro Pesch tenía a todo el mundo ya metido en el bolsillo, pero no es de extrañar. El nivel de sus conciertos, después de más de 40 años saliendo a escena, es intachable, tanto como su talento como vocalista. Continuando con su última época, apostaban por ese single solitario, Warriors of the Sea, para seguir caldeando el ambiente. Un tema muy facilón para arrancarnos coros, alentado por el continuo headbanging del bajista Nick Douglas y tremendos mamporrazos del infalible y polifacético Johnny Dee, que lleva ya casi 30 años en la formación.

Con la noche cerrada, y aquella algarabía que nos rodeaba, Für Immer fue un momento casi idílico, perfecto para terminar de redondear la atmósfera. Johnny contaba en ella con unos ecos para su batería que retumbaban en los cuatro límites del recinto. Mientras tanto, las palmas no dejaban de sonar y Doro hacía ejercicios de destreza vocal para sortear con mucha gracia los picos difíciles. La parte alargada, con frase en español incluida, resultó en un sonoro ¡¡Os quiero!! por parte de la artista. Pisándole al pedal de golpe, entraba como un tiro Fire in the Sky, mostrándonos a un Brey Hudson casi enloquecido, dando patadas vueltas y patadas en el aire entre los fogonazos que salían del escenario. La pasión escénica fue una constante también en Bas Maas y en Nick, que no pararon quietos ni a la de tres, dando una cera tremenda en Metal Racer. Su final empalmó con un solo de batería para lucimiento total de Johnny Dee, del que también nos hizo partícipes. Puede que fuese algo largo, pero al menos, fue más divertido de lo habitual.

Mas caña con Hellbound, y nosotros tan contentos, viviendo y gritando esos estribillos y melodías 100% ochenteras que Warlock nos dejaron para la posteridad. Lástima que no llegamos a escuchar nada del “Triumph and Agony”, mi preferido, pero cortes como la siguiente Revenge tienen poco que envidiarle. Doble pedal a muerte por parte de Johnny, y una Doro desquitándose a gusto con una letra que, según sabemos, tiene mucho significado personal para ella. Llevó su voz al límite, y ostentó una resistencia digna de quitarse el sombrero, entre el solo de Maas, y los fuegos de color rojo que adornaban la parte delantera. Tirando de la introducción de For Whom The Bell Tolls (Metallica), llegaba uno de los instantes más celebrados, la siempre fiestera All We Are, que también marcaba la recta final del show. Nos quedamos un rato canturreándola, viendo cómo los músicos apoyaban con coros, y cómo Doro sonreía con su mirada clavada en nosotros. Y en la parte más repetitiva (que taaaaantas veces hemos visto ya)… decidimos dar media vuelta, abandonar definitivamente El Plantío, e ir haciendo los 45 minutos de camino a casa. De haber sabido que después caería un tema que tanto me mola como el True As Steel, me habría esperado uno rato más. De todas formas, me da a mí que no tardaremos demasiado en volver a tener la ocasión de verla. ¡¡Larga vida a la Reina!!

______________________________

Haciendo un pequeño resumen de lo visto, este año me empleé un poco menos a fondo a la hora de ver bandas, sobre todo por factores parcialmente ajenos. En mi opinión, Hardcore Superstar y Heaven’s Gate se llevaron la corona de laureles en cuanto a directos, dejando lugares destacados para otros como los de The Poodles, Overkill o Doro. Ha sido un cartel bastante variado en estilos, en el que se ha colado por primera vez algo de moderneo (espero que no terminen haciendo como el Leyendas…), y han acertado de pleno al contar con algunos caramelos poco vistos, como es habitual en la política del festival. La forma en la que ha golpeado el calor ha sido terrible, salvo en ciertos momentos de nubes densas, y eso me ha condicionado más de lo que pensaba. La masificación empieza hacerse de notar más de lo deseable, y ha habido mucha gente a la que ni siquiera he visto, pero he disfrutado un montón de mis colegas de viaje, de los de festival, y de todos aquellos con los que he podido coincidir. Este año me he saltado las clásicas sesiones de ‘tapeo social’ por los barrios del centro, mayormente, porque no tenía ni un puto duro jeje. Pero es lo que hay: otro festival low cost para el currículum, ¡y yo ni tan feliz!

Las opiniones fueron casi unánimes. El Zurbarán Rock se ha salido de madre un año más, y eso ha sido gracias al incondicional apoyo del público, al enorme e impagable trabajo de las asociaciones responsables, y a la ardua voluntad de mejorar año tras año en todos los aspectos. El impacto al entrar por primera vez en el nuevo recinto me dejó asombrado debido a los cambios respecto a las anteriores ediciones. Lo vi irreconocible. Dos escenarios gigantes en lugar de uno y medio, un espacio inmenso con zonas techadas, varias barras de comida y bebida, personal eficiente y un sonido prácticamente de 10. Y por supuesto, como ya nos tienen acostumbrados año tras año, un cartel irresistible. Ahora bien. Yo creo que, llegados a este punto, deberían de reflexionar sobre el tema del acceso. A pesar de que el recinto de El Plantío (instalaciones deportivas para el resto del año) tiene unas dimensiones considerables, y puede acoger a muchísima más gente, este año ha llegado a límites de agobio ya similares a los macrofestivales. Me parece genial que quieran seguir creciendo y adoptando ese modelo, pero creo sinceramente que deberían plantearse empezar a cobrar entrada, aunque sea un precio simbólico, aunque solo sea por el hecho de poner un límite de asistentes. Porque si no… es muy probable que se les acabe yendo de las manos, como casi ha pasado en este 2026.

Sea como sea, lo positivo ha superado con mucho a lo negativo, y reconozco que ya estoy esperando en candeleta que aparezcan las nuevas confirmaciones para el año que viene. Con solo tres ediciones a las que he acudido, el Zurbarán Rock es un festival que se ha ganado mi cariño incondicional por su buen hacer y su esencia. Y mientras eso no cambie, me dé la cartera, y siga habiendo bandazas como las que siempre nos han ofrecido, allí estaré tan pronto como pueda volver.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Last Call for Party!! (Zurbarán Rock 2026, viernes 10-07-2026, espacio El Plantío, Burgos)

2026-07-16T12:13:29.122+02:00

Aunque llevaba ya siete años celebrándose, en 2023 tuve el placer de descubrir y disfrutar del festival Zurbarán Rock por primera vez. Aun a sabiendas de que tenía que recorrerme media geografía para cruzar sus puertas, un lujoso cartel encabezado por bandas como Freedom Call, Girish and the Chronicles, Mike Tramp o Mystic Prophecy, lo revelaron como algo sencillamente irresistible. Echando la vista atrás, parecía pura ficción que un evento tan modesto como la primera edición de 2016 hubiese alcanzado esas dimensiones y presupuesto, creciendo cada año más que el anterior. De una fiesta en ‘petit comité’ con tres bandas nacionales pequeñas, a conseguir llenar todo un parque, añadiendo un buen puñado de bandas de renombre internacional. La siguiente celebración (2024), la disfruté aún más por su condición clásica y la mayor proliferación de Hard Rock en la oferta. Por desgracia, entre movidas familiares, problemas de pasta, y un cartel un pelín menos llamativo para mi gusto, tuve que saltarme la del año pasado. Aquella sería la última que se llevaría a cabo en el Parque San Agustín. Un lugar acogedor y familiar, que tantas y tantas alegrías había dado a los fans del Rock y el Metal en Burgos, debía dejar paso a un recinto considerablemente mayor como ha sido este año el espacio El Plantío. El motivo es simple: el constante y casi exponencial crecimiento del festival, tanto en cuanto a bandas, como en cuanto a asistencia. Obviamente, la palabra ‘gratis’ también ha contribuido en gran medida a este exitazo en sus 10 años de existencia, pero también tiene su contrapartida, su lado oscuro, que es la masificación con la que tuvimos que pelear este 2026. Sí, porque a pesar del cambio, esta fue sin duda la edición más concurrida de todas, y con diferencia, hasta límites de verdadero agobio.

Antes de seguir he de reconocer que, comparado con otros años, este para mí ha sido bastante “vago”, en el sentido de que no he visto ni mucho menos tantas bandas como en los anteriores Zurbarán. Bien porque algunas no me interesaban, bien por el maldito y sofocante calor, el cansancio acumulado y las escasas horas de descanso, o bien porque me acoplé demasiado al personal, lo cierto es que pensaba descubrir algunos directos para los cuales tendré que seguir esperando, como Fury, Bullet o Bloodstain, por no hablar de la fiesta de presentación que se hizo el jueves con Rockerizos, Uli John Roth o Secret Sphere. Pero acudir un día antes ya era completamente inviable para mí.

Respecto a la compañía, decir que fue inmejorable. Convivir durante un par de días con mis colegas Boli, Inma, Pablo, Ángela y Roge, fue un placer enorme, y dejó grandes recuerdos, cantidades industriales de risas y buenos momentos. También tengo que saludar obligatoriamente desde aquí a Marisa, Cristina y Mari, las chicas valencianas con quienes compartí viaje hasta Burgos en coche, una buena comilona al volver, e igualmente no pocas risas, a pesar de que ni siquiera nos conocíamos de antes. Con un equipo así, repetiría todas las veces que hiciese falta.

A las 4:30 de la madrugada sonaba mi despertador aquel viernes, tiempo suficiente para hacer los últimos preparativos y salir hacia Valencia, donde haríamos el cambio de coche. Una vez ya en Burgos, después de más de seis horas de viaje, mis compañeras se quedaron en su hostel, y yo tuve que hacer un largo trayecto a pata bajo el implacable sol de primera tarde, perdiéndome varias veces por el camino hasta llegar a la casa empapado en sudor. Entre encontrarme con los colegas, preparar avío para la jornada, y demás, finalmente me tuve que perder las dos primeras bandas, Azrael (lo cierto es que me apetecían bastante) y Fury, siendo mi próximo objetivo los Masters of Ceremony de Sascha Paeth, más que reconocido guitarrista al que tendríamos la ocasión de ver por partida triple en este Zurbarán Rock 2026. Puesto que teníamos unos 45 minutos de pateo desde la casa en donde nos alojábamos hasta el recinto, decidimos pillar el bus que nos dejaría más o menos cerca del destino.

Masters of Ceremony:

Con esa intro disparada empezó realmente para mí este Zurbarán Rock 2026. A pesar de ser horas bastante tempranas, la afluencia de público era enorme si lo comparamos con anteriores ediciones, y preferimos quedarnos a ver el concierto desde la distancia y sobre la marcha, mientras buscábamos al resto de peña. No les había escuchado antes, y no sabía exactamente lo que me iba a encontrar. Radar fue una buena muestra de lo que hacen. Riffs endurecidos (a veces, un tanto modernos), sutiles arreglos sinfónicos, y la voz de la gran Adrienne Cowan dominando el cotarro y atrayendo la mayor parte de las miradas, paseándose con agilidad entre los músicos, y alternando con moderación guturales entre voces limpias. Ese toque moderno se hizo más patente en My Anarchy, con ritmos cruzados y un estilo de canto que recordaba a bandas como Evanescence o Lacuna Coil. Me sorprendieron también esas virguerías bastante técnicas en los punteos a la guitarra de Sascha Paeth, figura principal y fundador de esta, su propia banda. Pero a decir verdad, esperaba algo más netamente power, más dinámico y menos contemporáneo, por decirlo de algún modo.

Las melodías de los estribillos no están nada mal, interpretados con gran afinación y versatilidad, la que siempre ha mostrado Adrienne. La base rítmica está formada por André Neygenfind al bajo y Felix Bohnke a la batería, precisamente dos músicos que actualmente ejercen en Avantasia, y fue uno de los aspectos más destacados en Sick. Además, aunque los teclados de Corvin Bahn no tuvieron excesiva presencia, el conjunto sonaba bastante bien, y las tres pantallas (las de los escenarios, más una externa a en mitad del recinto) permitían perles desde cualquier punto. Aquí la vocalista nos deleitó con unos tonos muy elevados, y también voces gritonas, de las que empezaba a usar con más frecuencia. Mientras nos recordaban que tenían el merchandising disponible en la parte de fuera, y comenzando el cuarto tema, I Hear Your Voice Still, fuimos saliendo hasta llegar a un bar, donde nos sentaríamos durante el resto del bolo a tomar unos refrigerios. No quiero llamarlo decepción, pero reconozco que, sea por lo que sea (el estilo, el calor, el agobio, el tremendo cansancio que llevaba encima…) Masters of Ceremony no terminaron de engancharme, aunque tampoco se puede negar que había mucha calidad encima de ese escenario.

Después de un buen rato apalancados, me di cuenta de que tenía que levantar el culo, o me quedaría allí para el resto del festival. Me encontraba bastante aplastado, el madrugón, el viaje y el infernal calor me sentaron como un tiro, y el anterior grupo no me había motivado demasiado. Sin embargo, en cuestión de unos minutos, todo eso iba a cambiar de golpe y sopetón como por arte de… Hardcore Superstar. La alegría de toparme con dos grandísimos como Luismi (Leather Boys) y Txema Bustillo, también propició el subidón posterior.

Hardcore Superstar:

Los suecos fueron una de las bandas (por no decir LA BANDA) cuya confirmación convirtió a este Zurbarán en algo imperativo para mí. Me flipan a morir, sé de buena tinta cómo se las gastan en directo, tengo la mayoría de sus discos machacadísimos, y las dos últimas veces que les vi tocar (en pleno mar del Caribe) me enamoraron todavía más de lo que ya me tenían. Después de ocho años sin visitar nuestro país, sus fans teníamos unas ganas locas de ellos, y solo esperaba que tuviesen un sonido a la altura de su estatus. Eso, un buen setlist… y todo sería perfecto. Por suerte, se cumplieron mis mejores deseos.

Ese innegable homenaje al eterno Ennio Morricone llamado This Worm’s for Ennio sirvió como presentación a la hora y pico de pura jarana que nos esperaba por delante. Situándose Joakim "Jocke" Berg al frente del escenario, y al grito de ¡una cerveza, por favor!, nos estampaban en toda la jeta esa Guestlist, irreverente, desenfrenada, con la bestial energía que caracteriza a la banda. Las baquetas, empuñadas por Efraim Larsson como miembro ya fijo de la banda (tras el paso temporal de Johan Reiven en los últimos años), golpeaban con violencia los parches, mientras este se dejaba literalmente la melena sobre ellos. Su fichaje ha sido todo un acierto, como corroborarían los siguientes temas. Blood on Me, aun siendo temprana, puso a botar a todo el mundo, siguiendo los imparables movimientos de Jocke por todo el escenario. El bajista Martin Sandvik, junto a este último, forma el vínculo con el núcleo original. Un músico que también se fue soltando al trote, acercándose y alejándose del micro, marcando el paso, o dedicándonos unas sonrisas, mientras no dejaban de atronar cortes de la altura de No Resistance. La tralla de su inicio, la solidez de los bajos, y la locura que iba adueñándose poco a poco del guitarrista Vic Zino (¡espectacular!), nos ponían en nuestro sitio… o más bien, nos sacaban de él, porque todo el recinto se había convertido ya en una fiesta sin frenos.

A ello hay que añadir las constantes provocaciones del cantante en los mínimos descansos que hubo entre tema y tema, pero también en mitad de los mismos, como sucedió con unas de las grandes sorpresas (al menos, para mí) del setlist. Wild Boys me subió la adrenalina a tope, ya que durante mucho tiempo fue mi tema favorito de la formación. Como bien dice su letra “los chicos salvajes, salvajes serán, siempre comportándose como críos”, y precisamente así mismo actuaban ellos sobre el escenario, como unos adolescentes salvajes cargados de energía. Ver a Jocke dando saltos desde la plataforma de la batería, luciéndose con su voz, y haciéndonos corear la melodía, mientras Martin y Vic se regocijaban con sus instrumentos en esa parte central, fue todo un espectáculo. Pequeño parón, y esta vez para disculparse, pero no por nada relativo al concierto, sino por haber pasado tantos años sin pisar España. La verdad es que ya les vale… pero con un bolazo de esta talla, doy fe de que se resarcieron a lo grande. El frontman hizo todo lo que estuvo en sus manos para animar constantemente, ya fuese pidiendo palmas o coros, haciendo malabarismos sobre las tablas o incluso bajándose, durante Someone Special, al foso para coger en brazos a una niña y cantar junto a ella. Todo un gesto con el que nos llegó más todavía al corazón.

La contundencia de los bajos y la estruendosa pegada de Efraim Larsson contribuyeron a levantar más todavía las voces del público, que estaba completamente inmerso en el concierto a estas alturas, sintiendo el calor, no solo del sol, sino también del clima de desenfreno que estábamos viviendo. Con Above the Law nos acercábamos al ecuador del concierto, y si nosotros ya estábamos sudando como gorrinos, me puedo imaginar los músicos con el ritmo que llevaban. En especial, Jocke se salió con sus vueltas y sus bailes, repasándose enterito el escenario y asomándose a la peña con su siempre descarada actitud. El sonido era fenomenal, potente y claro, y de ahí lo bien que se escucharon esos detalles en las guitarras. Jocke se juntaba con su compañero Martin Sandvik, y proseguían la mandanga con Electric Rider y su aplastante inicio, uno de mis temas favoritos, en el que pudimos colaborar con palmas en la parte del solo. En realidad, nos tuvieron la mitad del concierto con las palmas y los puños en alto, y no solo porque ellos nos lo pidieran. Fue ese ambientazo tremendo el que nos incitaba a ello.

Los alardes físicos, el gamberrismo y la caña sin tregua también formaron parte de Liberation, con ese Vic Zino correteando en círculos como un crío, pasándoselo teta, y dejándose el cuello como si no hubiese mañana. Recuerdo también cómo los platos sonaron como auténticas cuchillas en este corte. Sadistic Girl fue un subidón de la hostia, como si todo estallase de repente con tan solo escuchar los primeros acordes. Tandas de palmas, estribillos a grito pelao, y muchos saltos a pesar del terrorífico calor, que por cierto, nos iba dejando poco a poco con la caída de la tarde / noche. Jocke, de quien era imposible apartar la mirada, acabó tirado por el suelo y reptando hacia el borde del escenario. Desde luego, esta gente sabe un poco de eso de ‘montar una escena’. Y si cabe, We Don’t Need a Cure fue todavía más coreada, algo lógico por otra parte. La gran sorpresa es que no fuimos nosotros solos los que la cantamos a tope, y tampoco me refiero a esos coros a tres bandas, sino a una joven fan que subió con ellos para acompañarles, corear la letra de pe a pa, y marcarse unas buenas ‘danzas’ con una soltura pasmosa. Podríamos decir que fue el inicio de la recta final… ¡y vaya recta!

Empalmaron sin respirar con Moonshine, y la cera que ello implica, con Efraim Larsson dejándose los brazos al golpear, y Martin encarado a él bien despatarrado. Los ‘eh, eh’ desde el público fueron casi constantes, y es que aquel fuego no había quien lo apagase ya. Y si todavía pudo subir más de intensidad, fue gracias a un trabucazo de la talla de Last Call for Alcohol, en donde muchos ya perdimos el norte a salto y empujón limpio. Jocke aprovechaba para brindar por uno de sus ídolos, Bobby Blitz, y seguidamente, volvía a la carga completamente desfasado, encorvándose al borde del escenario, saltando mientras cantaba (vaya resistencia y aguante…) y corriendo una auténtica maratón de punta a punta del escenario. El jolgorio que se debió ver desde allá arriba, debía ser impresionante. Agradecía, y volvía a pedir disculpas por sus 8 años de ausencia en nuestras tierras, antes de que la banda se lanzara sin contemplaciones a por uno de los mayores hits de su carrera, We Don’t Celebrate Sundays, o lo que es lo mismo, el cénit del desmadre.

Vic la afrontaba con chulería, pisando el monitor, al tiempo que el frontman iba y volvía de un lado para otro, congeniando con un público al que se había ganado de calle. Puede que le costase un poco llegar a los tonos más altos, pero aprobó con nota alta en este sentido, igual que en el resto del show. Los potentes coros por parte de Martin y Vic reforzaron aún más el impacto del tema, cuyo estribillo fue obligatoriamente coreado por cientos de voces al unísono, y culminó con un gran salto de Jocke desde el bombo. A muchos el concierto se nos pasó como si hubiese durado 5 minutos, eso sí, con una intensidad que muy pocos lograron alcanzar. Y para despedirse, fue muy curioso cómo encajaron esa You Can't Kill My Rock 'n Roll (tras una prolongada serie de ‘oes’ bien ganados). Un tema que no es precisamente cañero, pero tiene un ‘algo’ muy especial a la hora de crear atmósfera. Por alguna razón, siempre he pensado que, dentro de una discografía tan cañera, vendría a ser algo así como su particular House of Pain (Faster Pussycat) por cadencia, vocalización y vibraciones. Sea como fuere, ese delicioso groove que propuso, y unos coros prácticamente perfectos, nos dejaron unas sensaciones inmejorables, las de un concierto que muchos vivimos con unas ganas casi indescriptibles de principio a fin.

Como anécdota, sonaba a modo de outro The Best, en tributo a la recientemente fallecida Bonny Tyler, pero al ver cómo en seguida se cortaba el sonido, Jocke cantó junto a nosotros unas estrofas a capela antes de decirnos adiós. Cuando me acuerde, o alguien me pregunte sobre cómo fue el Zurbarán 2026, estoy convencido de que el primer recuerdo que me vendrá a la mente será este descomunal concierto que nos dejaron los suecos.

No voy a negar que acabé el concierto hecho polvo. Tras el subidón de hora y pico, volvió todo el cansancio, y de aquí hasta el final tocaba una buena seguidilla de conciertos enlazados. Había que sacar fuerzas de donde fuera. Por cierto, aunque los precios de la bebida en el festival fuesen bastante aceptables, no habría estado mal instalar alguna fuente de agua o similar. Entretanto, me encontré con más colegas valencianos, esos guerreros (y guerreras) que son Popi, Guillermo, Doria, Borja y toda la cuadrilla en general, también con Suni, Carlos y Jose que andaban por allí pasándolas magras de calor. ¡¡Un saludo para tod@s!!

Savaged:

Savaged eran el próximo objetivo, aunque un poco improvisado. Nos quedamos a verles desde el otro escenario, casi ya guardando sitio para los titanes de la costa Este, Overkill. Los barceloneses no tuvieron demasiada suerte con los horarios, y es que figurar entre dos monstruos como Hardcore Superstar y los citados thrashers les hizo, como decía mi colega, un flaco favor. Aun así, me alegré de ver que tenían bastante público esperando su salida, que se produjo a todo trapo con Fire it Up, desgranando ya esos estribillos tan habituales del grupo, directos, pegajosos, y porque no decirlo, algo repetitivos. También esos registros exageradamente agudos de Jamie Killhead marcaron el arranque, vistiendo como siempre de lo más ochentero, con camisa, pelo cardado, y actitud de superestrella. Esos fuegos artificiales con los que contó su actuación, pusieron el resto para quien supiese disfrutar de su Heavy Metal añejo y espitoso. El batería Cristian Blade abría para Stealing the Night, levantando unos todavía tímidos ‘¡eh, eh!’ de entre el público. Entre Jamie y Joan Grimalt se marcaban también unas coreografías con los mástiles que iban dando vidilla al show. No cabe duda de que con tanto atuendo y tanto lucimiento, el grupo muestra una imagen de lo más ostentosa, pero si os digo la verdad, en lo musical nunca han terminado de calarme a fondo. Eso sí, había escuchado opiniones tan desfavorables sobre ellos, que el concierto sí me estaba gustando más de lo que pensé.

Con buenos coros y más fuegos de artificio, saltaba ahora Across the Burning Fields, una de mis favoritas, sobre todo por su lado instrumental, con solos virtuosos y tempos más variados. Desde arriba, trataban de contagiar palmas y estribillos, y aunque a la gente se le veía bastante cansada, fueron cada vez más los que respondieron a la llamada. Turno de The Conqueror, con el tándem Joan / Jamie marcándose unas buenas armonías de cuerdas, respaldadas por unos buenos golpetazos de parte de Cristian a la batería que despertaron unas buenas sesiones de headbanging tanto arriba como abajo del escenario. El solo, muy bien ejecutado, supuso una de mis partes preferidas del show, y además, contaban a su favor con un sonido que fue mejorando con cada tema, incluyendo en esta ocasión coros muy épicos que nos llegaron realmente fuertes. Lo único que me chirriaron bastante fueron algunos giros, picos y melodías vocales, y no fue algo exclusivo de este tema. Tampoco es de extrañar que su parte del recinto estuviese tan concurrida. A base de pelear y dar conciertos sin parar, la banda ha ganado bastante popularidad en su círculo, llegando incluso a dar (a finales del pasado año) toda una gira por tierras sudamericanas. A la llegada de Tons of Leather, toda una declaración de intenciones en sí misma, la banda preparaba todo su repertorio de poses, registros y velocidades, incluso alguna virguería como esa vuelta de campana que dio Jamie a su guitarra. También aprovecharon para presentar a sus miembros, tras una parte rapidísima y un solo en plan tapping que puso los cuellos del respetable a funcionar.

El bajo de Ángel quedaba en solitario mientras el vocalista nos incitaba a cantar esa melodía coral (clavadita a la del Balls to the Walls de Accept) y desde ahí reanudar el show, lanzándonos un enorme balón de playa. Mientras le dábamos manotazos, Jamie y los suyos abandonaron el escenario para volver, tras otra introducción hablada, a saco con Texas Bloody Texas. Para el caso, fueron cinco los que se plantaron encima del escenario, ya que contaron con un actor que ambientó el tema, amenazando tanto a músicos como al respetable con su motosierra. Una pequeña actuación extra que dio paso a una de las más celebradas y cantadas (por algunos) como fue Queen of my Salvation, ejecutándose de nuevo unas armonías de guitarras Heavys entre la pareja de hachas formada por Jamie (quien lucía chaqueta con brillos de lo más estrambótico) y Joan. El trote ligero marcado por Cristian nos acercaban hacia el final, empalmando con Running for your Love (tonight), el último cartucho, y además de los más movidos de la noche. Tras toda una orgía de solos, veloces riffs, y excesos varios (sobre todo, en lo que a la voz respecta), el mismo Jamie adoptó la clásica pose de Yngwie Malmsteen, despatarrándose y quemando el mástil de su guitarra con las chispas del borde del escenario.

Puesto que ya estábamos frente al escenario “Diario de Burgos”, apenas nos movimos, si acaso, para adelantarnos unos cuantos pasos. Aquí, aparte de calentar bien el cuello para la que nos iba a caer encima, volví a encontrarme con mis amigos valencianos Popi y Guillermo que, por supuesto, también se apuntaban a la batalla. El calor iba descendiendo conforme avanzaba la noche (a aquello de las 23:00), pero entre tantísima gente, todavía daba bastante por saco.

Overkill:

El escenario se cubría de verde oscuro y humo, y sonaban campanas mortuorias, avisándonos de la lluvia de hostias sonoras que estábamos a punto de recibir. Los legendarios Overkill iban a tomar en breves minutos el escenario para reducirlo a cenizas, porque su directo es absolutamente demoledor. Con unos amenazantes redobles daba inicio Scorched, aunque por desgracia, este sería el instrumento que peor sonaría a lo largo de la hora y pico de actuación. Concretamente la caja adoleció de muy poca fuerza, muy poco punch, contrastando con la fiereza con la que nos llegaba el resto de instrumentos. Muy motivados desde la apertura, hasta el guitarrista pegó un desgarrador grito que compaginó a la perfección con los del inconmensurable Bobby Blitz. Tras saludar al grito de ¡Hola España!, la emprendieron con Rotten to the Core y… uf… qué caliente me puso esto. Punteos rápidos y afilados como navajas, chillidos ultra rabiosos, y un bajista que se partió el cuello durante toda su duración. La cosa se iba encabronando a marchas forzadas cuando escupieron, seguidamente, Bring me the Night, en todo un arranque de mala hostia. La actitud, como cabría esperar, fue por delante en todo momento.

Entre aquel maremágnum de doble pedal, niebla y cabezazos, se erigía el bueno de Bobby, y parecía más fuerte que nunca. Su carisma, sus poses apoyándose en el monitor, y esa malvada ironía que siempre le corre por las venas, salían a raudales con cada tema y cada palabra que nos dedicaba entre estos. La respuesta fue una masiva ovación con el nombre del grupo por bandera. Sin embargo, había varias cosas que descuadraban. Por una parte la ausencia del guitarrista Derek Tailer cantaba bastante, y al final afectaba un poco a la solidez del conjunto. Por otra, era Christian Olde Wolbers quien ocupaba el lugar de D. D. Verni, que se está recuperando de una cirugía en el hombro, aunque de este solo puedo hablar bondades por la gran actitud y talento que mostró. Continuando con el setlist, ya muy acalorados y con el cuello echando chispas, Hello from the Gutter (vaya acribillada de solo) y Deny the Cross, con sus riffs más densos y extendidos, crearon un fantástico choque entre la velocidad y la pesadez, entre esos dos estilos, como son el Thrash y el Groove, que la banda ha practicado a lo largo de su carrera.

Desde los tambores, y poniéndose de pie, Jeramie Kling nos cabreaba pidiendo un circle pit, que como ya se veía venir, no tardó mucho en formarse. De hecho, fueron al menos dos de ellos, ya que uno lo tuvimos bien cerca. Los alaridos de Blitz fueron los más agudos hasta el momento, y el propio Kling nos metió una caña para caerse de rodillas. Menudo puto animal está hecho. No se relajó ahí precisamente la cosa, porque sin dar tiempo ni a pestañear, la empalmaban con Electric Rattlesnake, uno de mi temas favoritos de toda su discografía (así de claro lo digo), con una potencia atronadora, una locura que no dejó títere con cabeza. Bobby, en su estilo, se esfumaba y regresaba al escenario a sus anchas, para volver a coger con fuerza el palo del micro y dejarse las amígdalas. En este caso, nos contaba que el “The Grinding Wheel” es uno de sus discos favoritos de los últimos 15 años, y de ahí precisamente extrajeron esa sobrada de nombre Mean, Green, Killing Machine. Su favoritismo se notó a favor de una enorme pasión a la hora de cantar, con sus gestos y ademanes tan teatrales, terminando con un alarido que nos heló la sangre, y sin que J. Kling dejase de triturarnos los oídos, una y otra vez, con sus redobles a toda mecha. Como digo, es una verdadera lástima la falta de ‘estallido’ que tuvo el sonido de la caja.

Abandonaban en comandita el escenario para, después de una nueva intro, regresar hechos una furia con Necroshine. El pit que teníamos cerca se agrandaba peligrosamente, mientras las melenas al viento dominaban todo el recinto. Tanto novatos como veteranos ante Overkill, creo que todos lo estábamos pasando de nunca olvidarlo. Los ‘¡eh, eh!’ del público se iban volviendo cada vez más agresivos, y tampoco cesaron en la siguiente Horrorscope. Al margen del problemilla con la caja, daba gusto escuchar cómo retumbaba el bajo, y como herían esos riffs mortales de Dave Linsk, que se marcó todo un papelón, cargándose el tocho de las guitarras él solito durante todo el bolo. Por lo visto, nuestra selección había ganado el partido del mundial (no es que a mí me importe un maldito carajo, ya lo digo), y Bobby nos felicitó por ello antes de poner la dinamo en marcha con The Surgeon…¡a puto gatillo, colegas! Tanta mandanga se ganó un buen griterío, que Bobby acompañó con unos de sus discursos cargados de mala gaita, echando leña al fuego y desafiando. Lo hizo aquí, y al terminar la furiosísima Ironbound, que nos dejó un intervalo con sonido electro-acústico, y una posterior subida que volvió a pincharle fuego a todo.

Lo que quedaba ya fue tan predecible como intenso (una cosa no quita la otra). Y es que sería pecado mortal no incluir en el setlist barbaridades sonoras de la talla de Elimination, nada menos. Entre el humo y el verde impenetrable de las luces, se alzaba de nuevo la inmortal sombra del gran Bobby Blitz, o como él mismo se autoproclama, el jefazo, repartiendo gritos a destajo, incombustible, implacable, ya fuese pisoteando con desdén los monitores, o arrastrando tras de sí el palo del micro. Un solo de batería breve y conciso, pero cañero, nos llevó hasta lo que, más que un tema, es un jodido himno, de esos que es imposible dejar de cantar hasta quedar afónico. Me refiero, claro está, a In Union We Stand, que con constantes cabeceos del bajista Christian Olde, y la agresividad siempre implícita en Dave Linsk, fue de lo más coreado de todo el festival. Por su parte Jeramie Kling se ensañaba a lo bestia con su batería en E.vil N.ever D.ies, la última explosión adrenalínica antes de volarlo todo por los aires con la punkarra y directa a la yugular Fuck You. Con los bajos clavándose en nuestras sienes, y el pit creciendo sin parar, fue el final que uno espera para un concierto de unas leyendas como Overkill… ¡apoteósico!

Medio doblados como quedamos por tanta tralla, nos retiramos hacia las barras para pillar algo de priva, tarea que tal como se había puesto el recinto, era ya bastante complicada. En los horarios figuraban dos bandas todavía, los nacionales Hitten, e Induction, banda fundada por Tim Kanoa Hansen, hijo de Kai Hansen. No pensábamos retirarnos ya, pero sí nos tomamos con calma lo que quedaba, hasta que el cuerpo aguantase. Así pues, otra vez me encontraba frente a frente con estos imparables murcianos, dispuestos a comerse el mundo donde sea y cuando sea.

Hitten:

El setlist fue, en mayor o menor medida, el mismo que vienen ofreciendo desde que se lanzó su quinto y último LP hasta el momento, el magnífico “While Passion Lasts”, aunque esto no es, en absoluto, sinónimo de aburrimiento. Cada concierto de Hitten es toda una experiencia, aunque solo sea por la inmensa entrega de cada uno de sus componentes, y su intachable calidad como músicos. Así, tras la introducción habitual, la misma While Passion Lasts fue su primera apuesta, un tema perfecto para ir abriendo boca, con una melodía trabajada y adictiva que también va de lujo para que Alex Panza vaya calentando sus cuerdas vocales mientras nosotros hacemos lo propio con el cuello. Su voz, versátil, sólida y de rango casi infinito, sonaba ya de primeras perfecta, llegando a todo con una capacidad que da la impresión de aumentar con cada concierto. Como frontman, es alguien que tampoco tiene precio, inquieto, simpático y tirando del público para animarnos sin tregua, tal como hizo durante Mr. Know it All. Un saludo, con su desparpajo habitual, y vuelta al ruedo con una de mis favoritas, Blood from the Stone. Poco a poco, el escenario se había convertido en un torbellino, gracias también a los guitarristas Johnny Lorca y Dani Meseguer, dos hachas de un talento muy difícil de encontrar.

Comenzaban las carreras, comenzaban las virguerías y las locuras a las seis cuerdas, solos imposibles, tapping a lo bestia, lanzamientos de instrumento por los aires… son tremendos, y solo por verles tocar como les sale de los cojones, ya merece la pena ver a Hitten. Por nuestra parte, mientras comíamos y echábamos un trago, les disfrutábamos desde la parte de atrás del recinto. Mucho más pesada, y con estructuras más machaconas, aterrizaba la también habitual Meant to be Mean, que despertó numerosos gritos desde el público a petición de Alex. Johnny no podría permanecer 5 segundos en la misma posición ni aunque lo intentase, y sus despampanantes movimientos y ostentosidades iban flipando al personal. Nada mal el sonido tampoco, con excelente pegada desde la batería de Willy Medina y unos bajos muy gordos interpretados por Mr. C. Alex volvía a salirse de madre con Hard Intentions (Secret Dancer), con una interpretación soberbia, calcada al disco, y llena de matices y tecnicismos. Las chispas que brotaban del escenario daban juego, y los vertiginosos punteos de Johnny (aunque lo de Dani también fue un show), nos tenían embobados. Pese a que Alex bromeaba con que a partir de ciertas horas no se pueden tocar baladas en un festival, creo que Something to Hide fue una gran elección para crear ese momento tan íntimo y relajado que siempre propone.

El vocalista se desenvolvió perfectamente con sus silbidos y posteriores excentricidades físicas, pero lo que más me moló, sin duda, fue el desbordante feeling en los punteos de Lorca, que puede dejarte prendado en cualquier registro. Subidón, sin vaselina y de 0 a 100, con Twist of Fate, para que nadie se durmiese en los laureles. Duelos de guitarras, armonías, más chispas, y una batería avasalladora fueron sus principales highlights. Un concierto en el que cada tema era un paso adelante en cuanto a energía y entusiasmo, y eso también se reflejaba en el público que ya bailaba y parafraseaba los estribillos sin dejarse vencer por el agotamiento. Ahora era Johnny quien saludaba desde su micro, aprovechando para presentar la melódica Eyes Never Lie, que un acalorado solo de Willy Medina separó del siguiente corte. Hold Up the Night se apoyaba en tesituras algo más heavys, y Alex Panza seguía ostentando un empuje y una potencia vocal de otro planeta, conquistando al público, lo mismo que Mr C. con su elegante atuendo, o ambos guitarristas con su propio show. Ambos lo llevaron a otro nivel cuando en la pieza instrumental que prosiguió bajaron entre el público a lucirse a lo grande, dando unos solos de infarto con una facilidad que parece cosa de magia negra.

Mientras los dos astros la liaban parda, decidimos que era el momento de hacer una silenciosa retirada hacia casa, pero aún se nos escapó por el camino algún que otro estribillo del In the Heat of the Night. Tan caliente estaba el público todavía, que incluso desde fuera se les podía escuchar cantarla a pleno pulmón. Supongo que este sería el punto y final al concierto, como también lo fue para nosotros de esta primera y tórrida jornada.

La cosa es que para volver a casa no había opción de autobús, por lo que nos tocó resignarnos y empezar a darle al zapato. Suerte que, con gente tan divertida, el largo camino se hizo muy llevadero. Apenas encontramos gente, lo cual choca cuando ves Burgos en plena ebullición (sobre todo en estas fechas) durante el día. En verdad, pese a que mi cama era bastante mierdosa, pude descansar relativamente bien, y amanecer al día siguiente con las pilas mucho más recargadas que el viernes.

P.D. Muchas gracias a Rubén y a tod@s los que me pasaron fotos. Mi móvil se quedó sin batería ya desde primera hora, y por lo tanto, adiós cámara.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

The Brotherhood (The Black Crowes + Los Enemigos, Miércoles 08-07-2026, Area 12, Alicante)

2026-07-13T22:27:24.018+02:00

Ante una banda como The Black Crowes… solo cabe rendirse a la evidencia. Sus casi cuarenta años de carrera, y su descomunal triunfo a nivel de ventas y seguidores, los convierte por ende en lo que más de uno etiquetaría como monstruos del Rock’n’Roll. Tal vez nunca alcanzaron el desmesurado éxito de muchos de aquellos de quienes tomaron inspiración musical. Quizá no volvieron a sacar discos tan excelsos como los dos o tres primeros. Pero en sus inicios, mientras algún mequetrefe chupatintas les acusaba de desperdiciar su enorme talento haciendo música “pasada de moda”, The Black Crowes emprendían un ascenso imparable y meteórico hacia las más altas esferas del Rock en todos los sentidos. Ha habido muchos parones, muchas despedidas y regresos. También conflictos y polémicas, tanto en el seno de la banda como fuera de él (sin ir más lejos, hace muy poco, la liaron guapa en USA con unas frases que no gustaron demasiado entre tanto “banderófilo”). Y han sido tantos cambios en su formación, que sería toda una odisea trazar un mapa con todos los músicos que han compartido escenario y grabaciones con la santísima hermandad formada por Chris y Rich Robinson. Sin embargo, y a pesar de todo, esa noche quedó más que patente que muy pocas bandas con su historia, currículum y pedigrí pueden enorgullecerse de seguir dando, después de tantas décadas, conciertos del puto nivelón como el que nos ofrecieron en Alicante, y eso es lo que al final verdaderamente importa. Una fecha anunciada junto a las de Barcelona y Madrid en su pequeño periplo por nuestro país que, sinceramente, me dejó patidifuso, ya que no es en absoluto habitual tener la ocasión de ver a bandas de Rock de esta envergadura en la capital alicantina. Para mí, fue un estreno por partida triple.

De una parte, era la primera vez que acudía al Area 12 del espacio Rabasa, sí, ese gigantesco escenario que tantas veces he visto desde la carretera, y que siempre me pregunté qué diantres sería. Un lugar idóneo para celebrar acontecimientos de masas como el del pasado miércoles, amplísimo, más o menos bien adecuado, con varias barras, baños, y diversas zonas de actividades, como un segundo escenario que acogería a la última banda, The Empty Bottles. Seguidamente, y más importante, supuso mi bautismo con The Black Crowes, muy tardío, pero infinitamente satisfactorio. Las ganas que les tenía, después de tantos y tantos años, eran casi obscenas. Y por último, también primer contacto con Los Enemigos en directo, una banda que no necesita ninguna presentación tras una carrera a reventar de hits y recuerdos inolvidables para muchos.

Es preciso señalar que, para la ocasión, tuve el privilegio de contar con una compañía de lujo, y nunca mejor dicho. Parada en el camino para quedar con mis colegas Frank Suz (un artista al que, como sabéis de sobra, admiro mogollón) y su chica Susu, y desde Villena, derechos a la “capi”. Allí nos encontramos con lo que ya sospechábamos: un calor absolutamente inhumano, a lo que hay que añadir la humedad de la costa que lo hacía aún más insoportable, y que no nos quitaríamos de encima hasta el regreso a casa. Puesto que todavía no habían abierto puertas, nos acercamos a un asador cercano para sentarnos, charlar, y tomarnos unas birritas.

Llegamos a la cola y allí nos encontramos a otros amiguetes como Benja y Gema, que hicieron la espera mucho más amena. No me sorprendió que de momento tampoco hubiese demasiada peña, pues ya intuía que la atracción que pueden generar The Black Crowes en Alicante sería más tibia que en otras grandes ciudades. Pero yo, por mi parte, no podía esperar a que salieran a escena. Antes, sin embargo, tocaría ver qué tal lo hacían los madrileños.

Sé que más de uno me despellejaría por esto, pero reconozco que no les presté la debida atención. Nunca estuvieron entre mis grupos favoritos, y tan solo controlo unos cuantos temas de su discografía, por lo que no voy a alargar demasiado su crónica. Con el alegrón de ver a otros tantos colegas como Yannick, Paula, Teto, Alan… la verdad es que estuve casi más tiempo de palique que viendo el bolo, pero al menos pude hacerme una breve idea.

El Area 12 presentaba una asistencia moderada, con los fans más acérrimos de Los Enemigos ocupando las primeras filas, y el resto de asistentes desperdigados por todo el recinto, lo que creaba una situación ideal para verles sin agobios desde cualquier parte. Sombra, eso sí, había poca, y parecía que cada vez hacía más calor. El mítico Josele Santiago y los suyos destapaban aquella gran fiesta tirando de cortes como John Wayne, Brindis, o su reconocida y cañera versión de Joan Manuel Serrat, Señora. La banda, con presentación sobria y sin alardes de ningún tipo, desgranó tema a tema su setlist sin perder demasiado tiempo, aprovechando bien la hora que tenían para actuar. Con esa actitud tan marcada de tipos de calle, ese estilo tan reconocible, y los estribillos de Esta mañana he vuelto al barrio, No se lo cuentes, o Dentro, atraían cada vez más a un público que se iba soltando a cantar y moverse a pesar del asfixiante calor. Alternaron temas de todas sus épocas, aunque predominaron por encima los clásicos, algunos de los cuales disfruté especialmente como Desde el jergón, que me trajo muy buenos recuerdos de aquellos tiempos de local, colegas, canutos y radiocassette. Como contraste, una de rabiosa actualidad como es Canciones chulas encauzaba el concierto hacia su recta final, sin que la banda dejase de saludar y agradecer a sus fans. Entre conversaciones y encuentros, me centré en su último disparo, que correspondió a Paracaídas, echándome los últimos bailes con ellos. El sonido, al menos desde donde estaba un servidor, fue lo suficientemente bueno como para poder apreciar debidamente todos los instrumentos. Siento no poder extenderme más, ni profundizar en detalles, porque estuve demasiado lejos como para ello. Lo que sí me molaría es volver a verles en un futuro poniendo los cinco sentidos en su actuación.

Un rato después de terminar Los Enemigos, pero antes de que la pista del recinto se abarrotase de mala manera, fui tirando hacia adentro, aun siendo consciente del soporífero calor que iba a tener que aguantar rodeado de tanta peña durante la espera. Fue un sacrificio necesario y que valió mucho la pena, ya que con un poco de esfuerzo pude colarme entre las cuatro o cinco primeras filas, donde el escenario se alzaba muy cerca y en todo su esplendor, con un telón de The Black Crowes ya engalanándolo. El resto, lo pasé mordiéndome las uñas con una mezcla de inevitable emoción e impaciencia, que llegaron a su máximo apogeo cuando el escenario estalló, nada menos, que con Remedy. Difícilmente podría haber deseado un temazo más flipante, un inicio más fogoso, y un sonido más explosivo. La perfección comprimida en poco más de cinco minutos de tema que, por sí solos, ya fueron merecedores de haber comprado la entrada. El incomparable Chris Robinson, acaparando las primeras filas, y dándose un buen baño de masas, se comportó como un auténtico chaval, jugueteando con el palo del micro, dándole vueltas, calzando un sombrero de alas y con un empuje que no hubiese imaginado a día de hoy. Además, se lució vocalmente ya desde este primer asalto, arropado por las armonías de todos sus compañeros, que incluían a ambas coristas situadas al fondo del escenario. Una de ellas hacía sonar el aro para dar paso a It’s Like That, dando un salto de 34 años en su discografía hasta su último trabajo, “A Pound of Feathers”.

Con más vueltas, poses y ademanes varios por parte de Chris (que era un no parar), el músico de directo Nico Bereciartua metía un ruido y una distorsión considerables, haciendo que su guitarra se colara entre los instrumentos protagonistas en más de una ocasión. Este último disco, “A Pound of Feathers”, confirma lo que ya pensé con “Happiness Bastards”. Tras su reunión en 2019, y dejando atrás tres discos que, en mi humildísima opinión, fueron los menos buenos de su carrera, la banda ha regresado pisando muy fuerte tanto en el plano compositivo como en el de directo. Claro está, la gente alcanzaba su grado máximo de alboroto en clásicos de la talla de Sting Me, a la que dieron la bienvenida un sinfín de palmas y voces. Ante la desafiante actitud de Chris, que no cesaba en su empeño de animar al personal, y los sugerentes movimientos de ambas coristas, las voces bajo el escenario iban cobrando cada vez más consistencia, al mismo ritmo al que la banda se asentaba de forma más y más sólida sobre las tablas. El sonido era tremendo. A parte de un volumen elevado, cada golpe de parche, cada cuerda de bajo y cada armonía sonaban a gloria, perfectamente aisladas y al mismo tiempo formando el conjunto de un “todo” arrollador. En Jealous Again, la banda empezó a dar rienda suelta a una de sus facetas más atractivas e inmersivas: las partes de improvisación.

Pelo al viento, Rich se soltaba poco a poco también en sus movimientos, aunque su hermano seguía haciéndose el dueño del espacio, y ya se arrancaban todos a saltar en esa parte central, o ya compartían micrófono para los coros. Rich y Nico, para niquelar la jugada con un solo a medias, dejaban bien clara su compenetración y entusiasmo. Parece exagerado, pero algunas composiciones me gustaron todavía más en directo que en estudio. Fue el caso, por ejemplo, de Hotel Illness (vuelta al “The Southern Harmony and Musical Companion”), a la que dieron una vida tremenda, tanto Mark "Muddy" Dutton y Cully Symington a la sección rítmica (bastante crecido ya, este último), como Erik Deutsch a las teclas. Pero de todos ellos, fue Chris el que se volvió a coronar, esta vez, con una interpretación vocal que fue una auténtica delicia para los oídos, con un feeling electrizante en cada estrofa. Entre Muddy y Nico surgían miradas y acercamientos cómplices que no eran sino un indicativo de que todo rodaba con una naturalidad pasmosa. Con inicio tranquilo, sin coristas, pero esparciendo magia a raudales, entraba Cursed Diamond. Rich Robinson daba un paso adelante en lo escénico y lo musical, bordando sus riffs y sus coros con un caché al alcance de muy pocos, y siempre respaldado por la sublime sincronía entre bajo y batería, que se juntaban cara a cara en uno de los fragmentos. Aunque las pulsaciones fuesen descendiendo en esta parte del show, la cercanía entre los músicos no dejaba de crecer.

Paralelamente a esto, también aumentaba hacía el calor, y no solo me refiero al clima, también al que desprendía el público en esas constantes palmas, estribillos a pleno pulmón, e incluso tandas de oes, como las que les dedicaron justo antes de Wiser Time. Con el escenario ahora dominado por tonalidades verdes, lo que más me flipó fue, al margen de esos duelos que entre Nico y Rich, la elevación de las teclas de Erik Deutsch, que en determinado punto nos sumergieron a todos en una sensación casi ensoñadora para, de repente, volver a emprender una vertiginosa subida de intensidad, de las que aportaron un carácter muy especial al concierto. Sin embargo, lo mejor en este sentido aún estaba por llegar hasta niveles de puro éxtasis. De momento, tenían el triunfo y la algarabía aseguradas con un hit de la talla de Hard to Handle, que prácticamente hicieron suya en aquel “Shake your Money Maker”, siendo una de las grandes culpables de su veloz ascenso a la fama. No hace ni falta decir que fue un pelotazo de los gordos. No hubo nadie que no se desmelenara con ella, y mientras Nico Bereciartua sonreía al vernos disfrutar como cosacos, el bueno de Chris Robinson enloquecía de lado a lado del escenario sin parar ni a respirar, pero sin perder el aliento ni por un solo segundo. Sin duda, marcó un punto y aparte del concierto, a la que prosiguió Soul Singing, única representante del “Lions” en el setlist.

Gracias a la fantástica ecualización, pudimos escuchar de maravilla esos dibujos que Mark "Muddy" Dutton (y su imagen tan setentera) nos regalaba a las cuatro cuerdas, así como las distintas alturas de intensidad en las que Cully Symington jugaba con un control perfecto. Tampoco hay que olvidar el color que le dieron las chicas con sus voces. No es nada extraño que The Black Crowes incluyan en sus sets algún tema de alguna de esas bandas que tanto les marcaron. En este caso, sonaron los Velvet Underground y su relajada Oh! Sweet Nuthin', Fue íntegramente cantada (y muy bien, por cierto) por Rich Robinson para la ocasión, alternando su parte del solo con la de su compañero a las seis cuerdas, mientras este último se encaraba con el bajista, elevando el ritmo escénico dentro de la calma reinante. Con excelentes coros, y esas merecidas y espontáneas palmas que brotaron desde el público, Cully seguía haciendo del ‘menos es más’ un verdadero arte con su gran clase, alargando más y más el tema, y conquistándonos con cada golpe. A nivel instrumental, el tema estuvo formidable, y fue una de las partes que más disfruté, llevándonos con ella hasta Wanting and Waiting. Se me ocurre alguna elección mejor del “Happiness Bastards”, pero no se puede negar que dio mucho juego en directo, con esa melodía central tan comercial y bailable, sonando clásica por sus cuatro costados. Una de las mejores secciones corales y de percusión fueron su mayor aporte.

El concierto llevaba una curva ascendente, imparable y constante a cualquier efecto, pero mucho ojo, porque lo de Thorn in my Pride fue subir un nivel entero de golpe. El sonido era ahora mejor, si cabe, y aquí nos hicieron disfrutar hasta alturas inimaginables. Chris volvía a la primera línea de ataque como si fuese el primer tema, sudando la camiseta, girando su soporte, saltando, pavoneándose, y echándose un solo de armónica a mitad del tema. Nico estuvo pletórico, siempre sonriente y muy activo con las poses, y las teclas de Erik sobresalían en determinados momentos aportando una sonoridad increíble. Cada cambio, cada ‘beat’, cada ejercicio de improvisación pura y dura, rozó una perfección milimétrica, creando una comunión con el público casi trascendental, una explosión sísmica de puro Rock’n’Roll del que se nos metía más y más en las venas conforme alargaban el corte hasta llegar a los 10 minutos. Sin duda alguna, fue la cima del concierto en cuanto a pasión, musicalidad y talento, de esos que no se olvidan ni queriendo. La ovación fue de verdadero estruendo, y la continuación inmejorable, con She Talks to Angels… ¡Agüita!. Triunfadora ya de antemano, con tesituras más acústicas, y con una sección vocal de fábula, desde el primer acorde fue magia envuelta en las luces azules del escenario, a lo que contribuían las prolongadas bases de Erik Deutsch.

Tras el enésimo cambio de guitarras, caía Stare it Cold, vuelta a esos orígenes que siempre implicaban emociones fuertes (¡y las que estaban por llegar!). Un compendio de lo mejorcito que gozaríamos aquella noche, tirando de las virguerías y crudos movimientos de Chris, elevaciones de mástiles, aros sonando, elegancia colosal, y una caña desbocada en su recta final que, gracias al prístino sonido, nos hizo venirnos muy arriba. Esto último se reflejó en el mar de palmas que acompañaron gran parte del tema, y qué mejor forma de rematar esta tremenda explosión de adrenalina, que con Twice as Hard. Solo os digo que llegado el momento me volví completamente loco, y se me ponen los pelos de punta solo con recordar el momento. Una bestialidad liderada en su mayor parte por esa sección de cuerdas, esos potentes riffs de carácter sureño, y esa electricidad que transmitió el enfrentamiento entre Nico y Rich (este último tirando de slider) a la hora de interpretar el solo. Creo que fue la gota que colmó el vaso, el final más ardiente posible para que este concierto quedase como el primero en mi ranking de cuantos he visto en lo que va de año. Impresionante. Insuperable. Clase nivel Dios.

Ah… ¿he dicho final? Pues agarraos a la silla, porque todavía quedaba una de las mayores sorpresas del setlist. Tras una corta desaparición, los músicos regresaron y las guitarras volvieron a rugir a lo bestia, estampándonos en toda la cara uno de esos riffs que marcaron para siempre la historia del Rock, nada menos que el puto Riff Raff de los AC/DC. Muchos apenas dábamos crédito a la que acababan de liar, y el desmelene, y los bailes generalizados, pasaron desde las primeras filas hasta la parte más alejada del escenario, inundando el Area 12 con un clima de fiesta que es imposible de imaginar para alguien que no estuviese allí. Guitarras pletóricas de energía, un incombustible Chris hecho una fiera, y una batería que sonó como una jodida tormenta nos dejaron (ahora sí), con una conclusión sencillamente apabullante, rematado por varias series de interminables ‘oes’.

Como decía mi colega, la época para verles fueron aquellos principios / mediados de los noventa, en los que The Black Crowes alcanzaron su máximo grado de apogeo y esplendor, y eso es algo indiscutible. Pero la mayor alegría de todas las que me llevé aquella velada de miércoles no estuvo el goloso setlist, ni en el inconmensurable sonido, ni siquiera en esos fragmentos instrumentales que tantísimo brillo dieron a los temas, sino en el hecho mismo de ver por primera vez a una banda tan compacta, tan enérgica y tan bien engrasada, que parece que el tiempo apenas haya pasado por ellos. Y joder, ya lo creo que volvería a verles, una y mil veces más. Lógicamente, la mayoría de peña curraba al día siguiente, por lo que tras las pertinentes despedidas, fuimos emprendiendo la marcha de vuelta a casa antes de que comenzasen The Empty Bottles.

Sé que esta crónica llega más tarde de lo que es habitual en este blog, pero el día siguiente fue una locura que apenas me permitió escribir unas horas, con la cabeza ya enfocada en los preparativos para el Zurbarán Rock Burgos 2026, que arrancaría aquel próximo viernes. Aun así, espero que os haya gustado, y sobre todo, que lo descrito haya conseguido hacer justicia a un concierto tan petadísimo de clase maestra como el de los míticos americanos.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Bendición Fatal (Benediction + Unbounded Terror + Perpetual, viernes 01/05/2026, Zulú Klub, Aldaia)

2026-05-03T17:57:00.001+02:00

Un terrible dolor de cuello, esa es la primera sensación que noté la mañana siguiente al abrir los ojos. La segunda, fue una inmensa alegría y satisfacción por la brutal noche que lo provocó. Medallas de guerra que le alegran a uno la vida. Esta prolongada racha de conciertos que por suerte estoy teniendo en los últimos fines de semana (y a la que, en contra de mi voluntad, tendré que poner freno por temas económicos…), tuvo por último capítulo el evento más extremo al que he tenido el placer de asistir en este 2026, con nada menos que una banda tan legendaria como los británicos Benediction, que a lo largo de sus ya 37 añazos ininterrumpidos de carrera, han dado a luz algunos de los discos más exquisitos de la historia del Death Metal clásico. Vamos, lo suyo desde siempre. Hace tantos años que les vi por primera y única vez (como mínimo, una veintena), que apenas puedo recordar dónde y cuándo fue. Lo que sí tengo clarísimo, es que había muchas ganas de repetir frente a ellos, y tras tanto tiempo, este pasado viernes, día del trabajador, se presentó una ocasión inexcusable. Una vez más, la colaboración entre los Manguales Metal Union y la Zulú Klub de Aldaia nos dejó una noche para el recuerdo, de una intensidad aplastante. La asociación, formada a principios del 2023, ha sostenido un ritmo imparable, organizando conciertos sin descanso, dando sobre todo muchas alegrías a los fanáticos del Metal extremo, como en el caso de una gira de tal envergadura. Por otra parte, respecto a la Zulú, sala ya de absoluta referencia en Valencia y alrededores, también ha sido tremendamente activa desde sus inicios. Y este, mi tercer contacto con ella, ha sido con diferencia el mejor de todos en varios aspectos.

Una de esas noches en las que uno ya asume perspectivas de acabar completamente exhausto y con el cuerpo bien curtido. Una noche de tralla burra sin concesiones, de principio a fin, que amortizó sobradamente el precio de la entrada (que visto lo visto en otros conciertos, tampoco era desmesurado). En esta ocasión, conté con la inestimable compañía de mi colega, paisana y metalera de toda la vida Tere, que fue en verdad quien puso la tentación ante mí para acudir a la cita. Mi debilidad a la hora de decir que no a un concierto que me gusta, hizo el resto jeje. Esta fue la elección final, aunque este finde las había de todos los gustos y colores. Pero la pasta da para lo que da.

No soy especialmente asiduo a la Zulú, pero en lo que a mí respecta, creo que nunca había visto tanta gente cuando aún restaba bastante tiempo hasta el inicio del primer concierto. Y eso, siempre es una alegría, no como en aquel tristemente desangelado conciertazo de Helstar al que asistimos 30 o 40 personas a lo sumo. Si hay algo bueno que tiene esta sala (entre otras cosas), es la amplia zona de aparcamiento al estar situada en las afueras, por lo que no tuvimos ningún problema en este sentido. Nada más llegar me encontré con tres buenos colegas, tres míticos como Félix, Mauricio y Raúl, a los que no veo con tanta frecuencia como me molaría. Minutos después, andábamos de puertas para adentro con la primera banda ya sonando.

Perpetual.

Es posible que nos perdiésemos algún tema, porque los horarios, durante toda la velada, se llevaron a rajatabla, y nos encantamos demasiado con las charlas. Culpa nuestra. La sala presentaba ya una buena entrada, aunque ni de lejos estaba aún en su punto máximo. De los tres grupos presentes en el cartel, le tocaba el turno de abrir a los gallegos Perpetual, que lo pusieron absolutamente todo de su parte para que dicho inicio fuese de lo más caliente. Esta fue mi primera vez con ellos, y espero que no la última, porque me dejaron un grandísimo sabor de boca. From Suffering to the Void, primer tema al que asistimos, ya dejó bien claras sus intenciones. Volumen altísimo, blast beats a muerte, cambios bien apurados, y una gran contundencia, con la peña acercándose poco a poco hasta las primeras filas. Saludaban brevemente a través de su vocalista Héctor, quien fue el comunicador del grupo, estando muy contentos de estar por primera vez en Valencia. Y sin perder tiempo, atacaban con Exitus, mientras el mismo Héctor nos animaba a berrear y levantar las manos en alto para recibirla. A un lado y otro del escenario, Borja y Eloy se situaban, bien espatarrados, escupiendo riffs y punteos a toda velocidad, cualidad que hasta ahora había sido la seña del concierto. También trajeron una buena cantidad de merchandising, algo que nos recordaron justo antes de que Wings of Decay, que da título a su recentísimo último trabajo, entrase por la puerta grande.

Temazo de cojones con una batería especialmente dura, que Iván martilleó con saña hasta un final de lo más estruendoso. Lo cierto es que (el susodicho álbum) es lo único que he escuchado de ellos a fondo, pero me ha encantado, y por suerte, gran parte de su setlist estuvo basado en él. Sin embargo, con la siguiente saltaban hasta el anterior “Memento Mori” del 2022. Héctor quiso ir un paso más allá, pidiendo un wall of death quizá demasiado temprano, pero de divertido resultado, al fin y al cabo. El tema en cuestión fue My Death Hope, del que destacaron esos abruptos y bien llevados cambios rítmicos por parte de Iván, uno de los músicos que más me gustaron. Héctor se mostraba cada vez más unido al público, siempre agradecido, pero también muy fiero con sus poses y gritos. Con su inicio tan denso y opresivo, y entre luces oscuras, saltaba Humanity's Abyss, y no precisamente para bajar las revoluciones. A la vista quedaban esos mosh que empezaban a desmadrarse bajo el escenario, a los que se acercaban Eloy y Borja con sus respectivos instrumentos para echar más leña al fuego. Algo de lo que me he quejado en mis anteriores visitas a la sala ha sido el sonido, y por suerte, en esta ocasión la ecualización era realmente buena, casi me atrevería a decir la mejor de la noche.

Cada instrumento sonaba y se apreciaba en su lugar, con un volumen considerable, pero de igual claridad. Esto hizo que les disfrutase todavía más. Volvía a estallar ese doble pedal mortífero de Iván, a todo trapo, con Bloody Darkness. La coordinación entre sus músicos fue de elogio, sobre todo en esa parte más técnica y machacona que nos hizo doblegar el cuello a base de bien. Borja continuaba a saco con esos rapidísimos riffs, como una dinamo, dando cera en Sons of Lacerated Land, uno de los cortes más bestias del set. Ahora se mostraba más activo, más inquieto, y sin parar con el headbanging. Tampoco se quedó atrás su compañero Eloy, que nos regaló unos veloces punteos de bajo. La peña, a estas alturas, ya estaba muy animada, sudando la gota gorda en temas como The Bearer of Doom, en la que vimos a la versión más agresiva de Héctor (batiéndose el cuello, encorvándose y pisando fuerte el monitor), y posiblemente, el solo más guapo de Borja a las seis cuerdas. Entre tanta y tan buena mandanga, el concierto iba tocando a su fin, pero no sin castigar previamente nuestros oídos con Lobotomy, el único corte que incluyeron del “Maze of Chaos”. El circle pit que solicitó el cantante, ahora sí, no se hizo de rogar para acabar a lo grande, a lo que hay que unir esos ritmos guitarra/batería tan destructivos, y ese prolongado gutural de Héctor con los que nos dejaron bien a gusto.

Unbounded Terror.

A la hora de enfrentarse a un concierto de Unbounded Terror, uno debe mostrar siempre el mayor de los respetos. En primer lugar, y principalmente, porque se trata de una de las bandas pioneras en este país dentro de su estilo. Comandados por el mítico Don Vicente Payá, figura sobradamente reconocida en los circuitos del Death Metal, y fundados muy a principios de los 90, ha sido en esta última etapa donde su carrera se ha mostrado más fructífera, tanto a nivel compositivo, como de directo. Su último trabajo, “Something Is Rotten in Humanity” (2025) fue de lo mejorcito de su añada en cuanto a Metal extremo, demostrando con creces que, lejos de amilanarse con el tiempo, han añadido más crudeza y solidez a sus temas, sin dejar nunca de portar en alto la bandera del más auténtico y clásico Death Metal. Sin embargo, esta vez aterrizaban de nuevo en Valencia para regalarnos un setlist muy, pero que muy especial, que le daría aún más valor al concierto, si cabe.

La idea de que fuesen a interpretar, de cabo a rabo, aquella joya llamada “Nest of Affliction”, era sencillamente irresistible, un aliciente enorme tanto para los más devotos fans de sus inicios como para admiradores más recientes. Y aunque, a decir verdad, eché de menos algo de sus últimos discos, lo disfruté a muerte… sí, a pesar de que (otra vez) llegamos tarde al inicio tras pararnos a saludar a unos colegas.

Con los últimos berridos / acordes de Fear (segundo corte del Nest of Affliction), y la sala respetablemente llena, nos abrimos camino hacia el centro de la sala para vivir in situ aquellos primeros instantes de un show que nadie quiso perderse. Una batería de lo más poderosa, un Andrew Spinosa que se adelantaba con su bajo hasta el límite del escenario, y por supuesto, Vicente Payá siempre con esa expresión de buen rollo, nos ayudaron a sumergirnos de pleno en la oscuridad de Dead (by Deceit). También es Spinosa quien se hace íntegramente cargo de las voces, y de hecho, actualmente carga muchísimo peso de la banda sobre sus espaldas, valga decir que con muchísima solvencia. El sonido se antojaba bastante bueno, quizá no tan compacto y definido como el que tuvieron Perpetual, pero muy propicio para que no se nos escapase ningún detalle. Immortal Violence, por supuesto, hizo honor a su título: puro desmadre sonoro desde el primer segundo, con la insistente batería de Engelbert Rodas rebotando en nuestros tímpanos y la guitarra de Vicente, que también aportó algunos coros, pidiendo clemencia.

Desde el mismo inicio, se le vio tan cómodo y feliz de estar allí encima como es habitual, saludando entre temas, pidiendo que armáramos bronca para presumir de fans, o comentando de vez en cuando, aunque la comunicación del grupo casi siempre estuviese a cargo del bajista. Tras el anuncio sorpresa de que se iban a tocar el “Nest of Affliction” al completo, el concierto continuó con ese tono añejo y cavernoso, acentuado por temas como Slaves of Sufferage, que nosotros mismos acompañamos con palmas en sus primeros compases. Vicente nos deleitaba con un gran solo recorriendo todo el mástil, sin olvidar esos riffs tan clásicos ni quitarnos ojo de encima, mientras su compañero, muy inquieto, se asomaba entre la peña, y ejecutaba sus propios punteos de bajo. Un bajista que me conquistó por su virtuosismo y rapidez, ideal para la banda por su actitud y registro. Hasta el momento, concierto impecable que había logrado mantener el filón, pero todavía quedaba lo mejor para la recta final. Las cuerdas sacaban humo en Mankind Mind, solos de tapping, bajos retorcidos, y una batería demoledora, aunque hay que apuntar también a algún que otro desliz rítmico (nada grave). Tal como se iba encabronando el tema, también lo hacía la peña, totalmente desatada a estas alturas, y casi empalmado caóticos moshpits.

Parecía incluso que el sonido había mejorado levemente, aunque como digo, fue bastante bueno en todo momento (al menos, desde donde yo estaba). De hecho, pudimos escuchar con todo lujo de detalles cómo crujía el bajo de Andrew en ese momento en solitario, durante E.N.D. (Enjoyment Near Your Death), quien al mismo tiempo, ostentó una gran resistencia vocal con fraseos largos y guturales. Un tema que fue un auténtico tiro entre las cejas, a toda hostia, perfecto para crear el ambiente propicio para el gran final. Agradeciendo a todo el personal de la sala, técnicos, currantes y demás (incluso pidió que nos dedicásemos un aplauso), el gran Vicente Payá disparaba el último cartucho con la más habitual, pero no por ello peor recibida, Sarcastic Souls. Su melodía amenazante, mientras guitarrista y bajista formaban piña en medio del escenario, desembocó en un auténtico palizón de blast beats y cambios ritmos bien calculados por Engelbert que nos dejaron con las cervicales ardiendo. Lejos de limitarse a cumplir, se implicaron al máximo y nos dejaron un show de lo más intenso, marcado especialmente por un setlist tan especial, con temas que debía hacer muchísimo tiempo que no tocaban en vivo.

Salimos a tomar el fresco y a rehidratarnos un poco (aunque por suerte no hacía demasiado calor), y esta vez sí, a coger un buen sitio antes de que empezara el gran sarao final, ante una Zulú Klub en su máximo apogeo. Algunos se agolpaban en la barra para pillar algo con tiempo. Otros, expectantes, ya copaban las primeras filas sin dejar mucho espacio. Y vaya por delante que, pese a las muchas dudas que suscitó cierto inconveniente sobrevenido, lo de Benediction fue una putísima barbaridad de concierto, rebasando con mucho mis mejores expectativas. No os digo más, que quizá sea uno de los tres mejores que he visto en lo que va de año…

Benediction.

Extremadamente puntuales, disparaban su introducción étnica tirando del tema Echolalia (Dead Can Dance), que los propios músicos cortaron en seco con un gran estruendo ya sobre el escenario. El vocalista, último en salir, levantaba los ánimos pidiendo cuernos en alto ante un gran barullo… hasta que todo se vino arriba con Engines of War. La reacción de banda y público, llegó inmediatamente después. Molinillos, empujones en las primeras filas, riffs pesados, baterías ultra contundentes, y un volumen al límite para un sonido claro y bien ecualizado. Tras remarcar que esta era la primera vez en su historia que pisaban la terreta, continuaron a zapatilla viva, sin compasión, con ese puto cañonazo del 93 llamado Unfound Mortality, mucho más agresivo incluso, más lacerante e implacable, en donde la batería de Giovanni Durst cobró un especial protagonismo gracias tanto a su pegada como a lo increíblemente contundente que sonaba, haciendo retumbar las paredes de la sala con muchísima mala baba, más rápida que en el disco, y con un último reprís tras esas palabras exprés del cantante. El follón que armaba la peña entre los temas hablaba por sí solo.

La cosa estaba que ardía con tan solo unos minutos de show. Con ese improvisado ‘¡eh, eh!’ que todo el mundo gritaba puño en alto, arrancó The Crooked Man, y Darren Brookes se situaba en primera fila, a quien se unía el siempre infalible Peter Rew para marcarse una buena batida de headbanging. La rabia con la que fue ejecutado el tema fue demencial (como la gran mayoría del setlist), enalteciendo al personal de mala manera, que se apiñaba bajo el escenario en una auténtica vorágine de moshpits. Las revoluciones, en este tramo, no dejaban de ir a más y más, llegando a uno de los momentos culminantes con A Carrion Harvest, esta vez desde su más reciente trabajo “Ravage of Empires” que a mí, personalmente, me encantó. Giovanni, al que veíamos asomar tras su instrumento, machacaba sin perdón, como enajenado, con unos golpetazos de miedo, y al mismo tiempo, parecía que el Sr. Brookes lo estaba pasando en grande, asomándose a la peña y sonriendo con malicia ante tal desorden. Y claro, eso al final se nota. El vocalista tuvo la amabilidad y agradecido detalle de presentar todos y cada uno de los temas, siendo el portavoz principal del grupo.

Y no, no hablamos de Dave Ingram, que por motivos de salud tuvo que abandonar la gira súbitamente. Su reemplazo en este tramo de la gira, y el motivo por el que el concierto pudo levantar dudas previas, fue el gallego Óscar Rilo, frontman actual de Dark Embrace. Y si queréis saber mi sincera opinión, creo que dejó el listón a una altura sencillamente increíble. Los nervios no le traicionaron en ningún momento, cantando las letras de pe a pa, con registros bien adaptados, mucha seguridad, y ante todo, una actitud mastodóntica que en seguida se ganó el beneplácito del respetable. No solo les salvó la papeleta, sino que se integró a la perfección en este segundo bolo en nuestro país, como si llevase toda la vida con ellos. Como digo, la sala estaba bastante abarrotada, con un ambientazo muy digno para recibir por primera vez a estas leyendas. También Óscar fue a más, en todos los sentidos, conforme avanzaba el concierto. Más agresividad, más movimiento, más feeling y comunicación con la peña, y cantando cada vez mejor, tal como apreciamos en la mítica Subconcious Terror. Uno a cada lado, y al borde de las tablas, Peter Rew y Darren Brookes se dejaban la piel junto al bajista Steve Hill, algo más discreto en lo escénico, pero haciendo siempre un trabajo impecable.

Ese rugido en solitario de su bajo, y los redobles de la mala bestia Giovanni, dejaron un tema redondo, al que sucedió In the Dread of the Night. Con cambios de iluminación a tonos más claros, Óscar se recorría de punta a punta el escenario, congeniando con sus compañeros, y encarándose a nosotros para lanzar sus potentes y cabreados guturales. Me fliparon esos “asomes” del doble pedal, que sonaron mortales de necesidad. Entre tanto, gritos y más gritos de provocación emergían de entre el público. La atmósfera era tan densa que se podía cortar con tijeras, y diría que Foetus Noose fue una de las grandes sorpresas del repertorio, llevándonos de la mano, con toda su visceralidad, a aquel EP del año 1992, ese hito en su carrera llamado “Dark Is the Season”. Si bien faltó un poco de volumen en el solo de Peter, los gritos salvajes de Óscar, y el pedal de Giovanni nos trepanaban los oídos sin ningún miramiento. Sin olvidar nunca el agradecimiento, y haciendo referencia a ese logo tan old school que siguen llevando de fondo (signo indiscutible de autenticidad), presentaban a continuación Psychosister. Y es que, a pesar de que el setlist fue bastante variado, “Ravage of Empires” se llevó la mayor parte.

Darren Brookes se adelantaba de nuevo, regodeándose en la barbarie que se volvía a formar bajo sus pies: golpes, saltos, alaridos, y en general, una ganas de fiesta incontenibles, pero siempre con mucha camaradería. En mitad del discurso posterior, el mismo guitarrista le ‘robaba’ el micrófono a Óscar, lanzando una pregunta: ‘¿podemos tocar aquí todas las noches?’ Sirva eso como ejemplo de lo que estábamos viviendo allí. Simplemente acojonante. Tan envalentonada como el propio cantante, la muchedumbre formó un circle pit de destrucción masiva ante los primeros envites de Stormcrow, que la lió guapa. Peter nos apuntaba con su mástil, formando piña con el bajista, y escupiendo riffs a la velocidad del trueno, para después pasar a darse un garbeo por la parte de detrás cuando atronaba The Grotesque. Abierta con unos frenéticos redobles y mamporrazos por parte de Giovanni, su trabajo aquí fue uno de los más destacados y brutales del show, sudando tinta y dejando patente su enorme calidad como batería. De forma silenciosa, y mientras su compañero brindaba birra en mano, Darren iba insinuando ya el tiempo de descuento en una recta final donde saltaron chispas, comenzando por la emponzoñada Crawling over Corpses.

Tampoco en ella dio tregua la gente, infatigable en unas primeras filas que ya se habían transformado en una pista de patinaje de sudor y birra. No fueron pocos los que besaron el suelo, pero eso no intimidó a nadie, y menos con temazos de esa talla, o la de Progenitors of a New Paradigm. Lo que formaban aquí ambas guitarras era una muralla sónica debido al volumen y gran sonido del que estábamos disfrutando, inquebrantable, avasalladora, sucia y con ese regusto rematadamente clásico que muchas bandas del estilo han perdido. La última bala en la recámara, fue poca broma. Con insistentes gritos de ‘¡otra, otra!’ estallaba la homónima de su primera demo (allá por el 89) The Dreams You Dread, tocando la fibra de muchos aún siendo habitual en sus repertorios. Un gustazo ver cómo mejora sonando en vivo y disfrutar de ese alarido, agudo y desgarrador, con el que Óscar le dio carpetazo. El broche inmejorable para una velada tan rebosante de emociones fuertes como esta.

Como digo, la puntualidad con la que se manejaron los horarios fue tal, que antes de las 23:00 ya había terminado todo, para desgracia de más de uno que no sabía dónde meterse luego, pero por suerte para nosotros que teníamos una hora y media de regreso a casa. Qué gusto, joder, ojalá siempre fuese así. En buena compañía, el trayecto se pasó en un santiamén, y al día siguiente, nada más despertar… os emplazo al inicio de esta crónica, jeje. ¡Nos vemos!

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Breaking the Rules (Vhäldemar, Sábado 25/04/2026, Sala Marearock, Alicante)

2026-04-27T13:37:00.010+02:00

Es algo que ocurre con poca frecuencia, debido a la general escasez de conciertos metaleros por la zona, pero no inaudito. El pasado sábado 25, el núcleo central de Alicante se ponía sus mejores galas para dar la bienvenida a dos conciertos muy destacados de nuestro rollo, que por pura coincidencia, iban a celebrarse de forma casi simultánea en la misma noche. De una parte, en la sala The One de Sant Vicent del Raspeig, teníamos a dos leyendas ochenteras consagradas, como son Barón Rojo y Obús, un concierto no exento de cierto morbo conociendo la historia y relación de ambas bandas a lo largo de su dilatada carrera. De otra, y sobre todo atractivo para quienes apostamos más por la renovación generacional, la Marearock de Alicante daba lugar a un cartel que reunía a los más modernos Delenda Est (desde Vitoria – Gasteiz), a los más que conocidos por la zona Cain’s Dinasty, y a los incombustibles barakaldeses que fueron, sin lugar a dudas, las grandes estrellas de la noche. Vhäldemar es una de esas bandas cuyo directo necesito en mi vida cada poco tiempo. Su demoledora energía, su aplastante entrega, y su intachable autenticidad, son factores que le hacen a uno sentirse identificado y orgulloso de llevar el Heavy Metal en la sangre. En las ya catorce veces que les he visto en directo, no han dejado de demostrarlo ni una puñetera vez, ofreciendo unos shows que no solamente son imprescindibles para cualquier fan del género que se precie de serlo, sino 100% recomendables todo el mundo que ame, al mismo tiempo, la buena música y el desmadre. En unos tiempos algo confusos para el Metal, donde sub-productos blandengues y mal disfrazados copan cada vez más la escena, estas fieras continúan arrasando con sus pelotas de acero por delante.

Una oferta a la que, a pesar del pastón que me dejé en mi anterior concierto, era muy difícil decir que no. Y menos, para una vez que la sala Marearock se acuerda de su público Heavy, tan habitual hasta unos años antes de que la Babel cambiase de nombre y dirección. En cualquier caso, un placer volver por allí, y no solamente por lo dicho, sino además, porque la diversión no empezó y terminó frente al escenario. Habiendo pasado el día con mis queridos colegas Popi y Bárbara, a la llegada a Alicante nos encontramos con otr@s tant@s, como Pablo y Ángela, Vanesa, Inma y Boli, Aitor, Anna, Patri y Vicente, Óscar… al ser esta una fecha tan alejada respecto al resto de la gira, acudió peña de las regiones de Valencia, Murcia, Albacete, y por supuesto, de la misma Alicante. En fin… ¡un abrazo gigante a tod@s!

Vaya por delante que, en algunos aspectos, no fue ni de lejos el mejor concierto que les he visto dar, pero tras una noche con Vhäldemar, hay dos consecuencias ineludibles: acabar con las vértebras machacadas por semejante tralla, y la mandíbula desencajada de tanto reír. Y eso, se cumplió a rajatabla. También me gustaría aclarar que esta crónica es en exclusiva de su actuación, ya que la primera banda no me acabó de convencer en cuanto a estilo musical, y a Cain’s Dinasty finalmente tampoco les vimos. Es lo que tienen los conciertos que acaban a las 3 de la mañana, cuando aún falta el trayecto de vuelta a casa…

Aunque de hecho estaba previsto que Vhäldemar pusieran el punto y final a la noche, finalmente intercambiaron posiciones de horario con los alicantinos, en una decisión casi de última hora. Aparte del otro concierto a solo unos pocos kilómetros, ese podría ser uno de los motivos por los que la sala aún no mostraba la afluencia que acabaría teniendo.

Enfundados en cuero, cadena y tachas, los del norte destaparon su show como quien abre la ventana a una furiosa tormenta, apostándolo todo desde el primer paso, y tan A MUERTE como es habitual en ellos. El tema escogido, tras una introducción disparada, fue Dreambreaker, con el doble bombo de Jandro pinchando fuego, despatarramientos, carreras y latigazos de cuello por doquier. Eso no nos dejó indiferentes, y menos con las palpables ganas que había de verles de nuevo por aquí tras cuatro años de ausencia en la “capi”. Paseando (y maltratando) su palo de micro de un lado a otro, Carlos Escudero y los suyos no perdieron un segundo para casi enlazar la anterior con Devil’s Child, otro puto trallazo. Pedro J. Monge no se lo pensó dos veces antes de abrirla con un solo en toda nuestra jeta, con una precisión exacta, y combinando sus artes de virtuosismo con el teclista Jonkol Tera, pieza fundamental en el sonido de la banda desde hace ya muchos años. La cabalgante batería de Jandro nos fue engorilando más y más, y la irreverente actitud del vocalista (todavía con gafas de sol) puso el resto. Valga decir que me flipa ese estribillo, que aúna dureza con melodía adictiva 100% Vhäldemar.

Durante el breve saludo que nos dedicaron, caí en la cuenta de que no era Raúl Serrano, sino su hermano Fonso, quien estaba al mando de las cuatro cuerdas. Se parecen tanto, que al principio pensé que era Raúl afeitado, jeje. Lo que vino a continuación, con esa brutal Metalizer, hizo temblar la tierra, y arder la sala. Ante los mortíferos riffs de Pedro, Carlos saltaba del escenario, mezclándose entre la muchedumbre, cantando y compartiendo abrazos y empujones. Ahora, la batería se escuchaba mucho más integrada en la mezcla que al principio, aunque esta seguía sin ser del todo nítida. Death to the Wizard!, que abría aquel soberbio “Straight to Hell”, fue presentada con mucho cachondeo, y tuvo tanto impacto, que hasta sus punteos iniciales fueron coreados a viva voz. El ambientazo iba subiendo exponencialmente de nivel, cada vez más envalentonados, gritando esos temas que ya son himnos para muchos de nosotros. La comunión entre banda y público suele ser inmediata en su caso, algo que el frontman agradeció en todo momento.

Hasta ahora, todavía no se le había ‘ido la pinza’, y el concierto proseguía a un ritmo arrollador con uno de mis temas favoritos del “Sanctuary of Death”, como es Old King's Visions (Part VII), y para colmo, interpretada a mayor velocidad que en disco. Eso quedó patente en el solo del espectacular Pedro Monge, siempre vertiginoso, siempre impresionante se mire por donde se mire, y sin fallar una puta nota. No hace falta más que verle unos minutos en acción para saber que este tío está hecho de otra pasta. Mientras tanto Carlos, que se cantaba unas líneas junto a Jonkol, tenía sus rifirrafes con el micro. Ya bastante mosqueao, al final se solventó el problema, nuestros ‘oe oe’ le alegraron la cara, y continuó deleitándonos con ese humor tan hijoputa que le caracteriza. Con la mirada de nuevo encendida, puño en alto, y chillando aquello de ‘¡nos suda la polla todo!’, arremetía con Heavy Metal, un puñetazo lleno de principios sobre la mesa. Volvía a estar en toda su salsa, bailando, haciendo el ganso, riéndose y pasándoselo tan bien como cualquiera de nosotros. Aquí no hay nada fingido, todo es puro disfrute arriba y debajo del escenario. El tema fue coreadísimo, el solo me voló la cabeza, y el mar de headbanging se extendía por toda la sala.

En 1366 (Old King's Visions Part V), Carlos nos llevaba hasta su terreno con alaridos y vaivenes salvajes, al tiempo que el resto de músicos volvían a lucirse con una ejecución impecable, sobrada de contundencia, con nuestros ‘¡eh eh!’ sonando imparables, y, para variar, una actitud jodidamente cósmica. Y con Bastard… llevaron el concierto a otro nivel. Aquí hubo hostias para todo el mundo, y ni el ausente Raúl Serrano se libró de pillar cacho. Solamente decir que acabaron doliéndome las tripas del descojone que me pillé. Ahí veíamos a Fonso aporreando sus cuerdas con el pie sobre la plataforma de la batería, con el cabeceo a todo trapo, y para culminar, ese duelo guitarra / voz entre Pedro y Carlos, cuya química en directo es difícilmente superable. Por si fuese poco, salió a relucir la botella de Jack Daniels, que se vació en cuestión de minutos. Ya sabemos lo que ello implica, nivel de desmadre en su punto álgido. Fonso fue uno de los grandes invitados de la noche. El otro, estaba a punto de hacer su aparición, y no fue otro que el gran Aitor Navarro, además de cantante, toda una eminencia de nuestra zona en lo que a Metal se refiere.

Jonkol interpretaba con mucha sensibilidad la intro Vulcano, y tras ella, estallaba con un virtuosismo total Howling at the Moon, una de las más deseadas del setlist. Ambos vocalistas se coordinaron de un modo formidable, con mucho buen rollo y presencia. Hasta Jonkol salió con ellos durante un rato para cantar unas estrofas, y siguiendo el ritmo powermetalero marcado por ese pedazo de batería que es Jandro Tukutake, todos nos dejábamos las cervicales y la garganta a partes iguales. El tiempo, con tanto momentazo, intensidad, y cachondeo, pasaba volando, y nos acercábamos ya al último tramo, donde el ritmo de temas ya fue quizá demasiado irregular… ¡Pero ellos son así! Y les queremos tal cual. Rugían las guitarras de Pedro a todo volumen, y The Old Man (dedicada al hermano del vocalista), nos trajo otro de esos estribillos para gritar hasta escupir la tráquea. Cien voces convergieron en una sola, y sobre la marcha, como se le quedaba pequeño el escenario, Carlos volvía a bajar de él, yéndose directo hacia la barra sobre la cual cantó parte del tema con la sala teñida en luces rojas. Sus compañeros no se quedaron atrás. Las virguerías de Pedro fueron empalmándose, punteando a la velocidad de la luz, dejando colgar la guitarra sobre una cuerda, metiendo tapping a saco, y tocando el mástil con la susodicha botella de Jack Daniels. ¡¡Apoteósico!!

Tras una presentación de los músicos, en la que se extendieron demasiado (aunque el rato que nos hicieron pasar, tampoco tuvo precio), era el turno de Dusty Road. ¡¡A muerte!! Directamente desde el “Metal of the World”, y con todos ellos apoyando los coros, destacó enormemente el curro de Jandro, que machacaba como un animal, junto con esa última sacada de rabo a las seis cuerdas del guitarrista, en su línea. Breakin' All the Rules me trae unos recuerdos que te cagas, y además, es la única que conservan en su repertorio de aquel “I Made My Own Hell” con el que les conocí. Por supuesto, funciona como un tiro en directo, perfecta para mantener el subidón, con todos y cada uno de los músicos completamente desbocados, liándola a más no poder ante la descojonante expresión de Jonkol: Carlos pisoteando los monitores y mandando a la mierda su palo, Fonso dejándose el cuello, y Jandro capeando a la perfección esos cambios rítmicos. Liándola, e incitando a liarla, claro, porque aquí todo va de la mano. Y qué mejor punto y final, para no faltar a la tradición, que la gran Energy, cuyo título siempre cumple lo que promete, y cuyo transcurso nos trajo algunos de los momentos más disparatados del show (en el mejor de los sentidos), con cambios de instrumentos constantes, burbon fluyendo a raudales, virtuosismo imparable, tormenta de luces parpadeantes, y un solo hasta el infinito y más allá por parte de Pedro.

Imagino que nuestras caras de felicidad quedarían bien reflejadas en esa ‘foto finish’ que dispararon al final. Definitivamente… esta gente juega en otra liga.

La verdad es que, entre que empezaba a ser ya bastante tarde, y que los vascos estos me habían dejado hecho trizas… ya hice un primer pensamiento de ir tirando para casa. Ya no me motivaba tanto quedarme. Aun así, sí nos esperamos un rato, charlando / despidiéndonos de la peña, escuchando a Cain’s Dinasty desde fuera (insuficiente para una crónica, obviamente…), y echándonos las últimas risas de la noche hasta aquello de las 2:00. La horita de vuelta, más animada que de costumbre, se me pasó en un santiamén.

Yyyyyy ¡A muerte SIEMPRE, joder!

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Oh! Spirit of the Art... (Dark Moor, Sábado 18/04/2026, La Sala del Movistar Arena, Madrid)

2026-04-20T13:33:00.014+02:00

Mi deseo de acudir a la cita se produjo desde el mismo momento en el que, mediante una enigmática imagen, Dark Moor anunciaban a través de redes que en el presente año tendría lugar, en la capital madrileña, un evento único. Aquello fue en octubre, pero en verdad la materialización de dicho deseo no llegó hasta muy pocos días antes, y entre medias, no fueron pocas las veces que lamenté mi suerte. Como declarado fan acérrimo, más que el deber, tenía la obligación de no fallar bajo ningún concepto, pero las cosas no me resultaron nada fáciles. Tras varios intentos de conseguir alojamiento cerca del Movistar Arena (el recinto anteriormente conocido como Wizink Center), entre rechazos constantes y precios de auténtico robo a mano armada, llegó el momento en el que casi desistí en mi empeño, y no sabéis hasta qué punto me jodió tener que hacerlo. Pero finalmente, hace menos de una semana, tuve un golpe de suerte, y a partir de entonces todo salió rodado. Nunca antes había ido a Madrid solo, no tenía ni pajolera idea de cómo moverme por allí, sin dinero y sin móvil, y en conjunto, fue una odisea en la que no me habría embarcado, ni por asomo, de haberse tratado de cualquier otra banda. Afortunadamente, todo fue como la seda, mejor incluso de lo que había planeado, y mientras escribo estas líneas, pocas horas después de haber regresado a casa, todavía no alcanzo a gestionar del todo las emociones que me traigo de vuelta, de una noche tan inmensamente maravillosa que me ha hecho sentir a borbotones. Porque para mí, os aseguro que aquello fue algo muchísimo más especial de lo que van a poder describir mis limitadas palabras. Aun así, más que nunca, lo intentaré con todas mis fuerzas.

El principal cometido de la noche fue celebrar por todo lo alto 25 años de carrera… aunque son unos cuantos más. La cifra, a grandes rasgos, se calcula contando desde el lanzamiento de su “Shadowland”, y restando aquellos dos horribles años de pandemia que, lógicamente, nadie quiere recordar. No es una banda que se prodigue demasiado en los escenarios, pero al mismo tiempo, ello otorga a cada uno de sus actuaciones un carácter especial, selecto, y es que Dark Moor siempre fueron una auténtica delicatesen, un manjar para los paladares auditivos más refinados. A ello, además, hay que añadir el hecho de que esta ocasión fue, en sí misma, un regalo para todos sus fans, y en muchos sentidos. Un concierto exclusivo, con un setlist confeccionado para la ocasión, y con todo un elenco de invitados que harían de la velada algo inolvidable.

Salí de mi habitación con más de dos horas de antelación, esperando ser de los primeros en llegar, pero cuál fue mi sorpresa al encontrarme ya con 30 o 35 personas delante. Desde luego, Dark Moor no tendrán en nuestro país una base de seguidores tan amplia como la de otras bandas, pero la fidelidad de todos aquellos que les hemos venerado desde sus inicios, es incuestionable. De hecho, me alegró comprobar la cantidad de gente que vino adrede para verles desde países como Holanda, Brasil, Alemania, Chile… increíble, ¡debía haber casi más extranjeros que madrileños! Y por supuesto, también de todos los puntos de España. Un saludo especial para mi colega Eduardo, que vino con su esposa desde México solamente para vivir esa noche in situ.

Con paciencia, fuimos entrando en la sala, donde nos tocaría aguardar una hora más para el inicio. Una sala que visitaba por primera vez, de aforo bastante más reducido del que esperaba, con el escenario casi en la misma entrada, y un guardarropa donde estaba también el merchandising del grupo (algo de lo que, por desgracia, me enteré demasiado tarde). El aire acondicionado estaba demasiado fuerte, pero con la aglomeración de peña, se disimuló. Tras unas agradables charlas entre fans, llegaba el tan ansiado momento de la verdad.

Carlos Delgado entraba a paso ligero en el escenario, haciendo ademanes para levantar los ánimos, y con todos los músicos ya en el escenario… sonó una intro que me cortó la respiración. Ni en mis mejores sueños hubiese esperado que el concierto empezase precisamente con el que es mi tema favorito de toda su carrera, y que nunca tuve la ocasión de ver en directo, nada menos que The Dark Moor. Con los ojos como platos, y los sentidos desbocados, disfruté de cada segundo como si fuese una eternidad, de Alfred cantándola en la tonalidad original, de las orquestaciones pregrabadas, de la primera intervención de la cantante Mariana Otero y de un Enrik García a quien en su día las musas tocaron de pleno para componer esta jodida obra maestra. Y atención al detalle, porque Alfred llevaba puesta una gabardina parecida a aquella de las fotos promocionales para el disco (“Dark Moor”). Sí, solamente tocaron los primeros 3 minutos, pero para mí fueron como un sueño hecho realidad, y sé de sobra que, sin haberla grabado, esas imágenes me acompañarán para los restos. Solo por ella, ya mereció la pena todo el viaje, todo el gasto y todas las preocupaciones. La sala reventó súbitamente en una estruendosa ovación, y más que llegarían con Before the Duel. La gente enloqueció con los primeros acordes, siendo esta otro gran reto para Alfred, que clavó cada nota sin despeinarse. A su izquierda, con visible entusiasmo, Enrik recorría el escenario a zancadas para terminar junto al bajista Dani Fernández al frente del escenario. Por desgracia, el sonido a estas alturas aún distaba mucho de ser bueno.

No se me ocurría un mejor inicio de concierto… salvo si, a continuación, se marcaban un The Emperor, dándose un primer garbeo por el “Tarot”. Volvía Mariana a la palestra para apoyar al vocalista con sus coros, y en la parte de atrás, Óscar Calvo y Javi Díez demostraban buen rollo entre ellos con ese cara a cara. Enrik se encargaba también de las voces guturales del tema, y remataban la jugada esas espectaculares imágenes que aparecían por pantalla. Sí, Carlos tuvo algún desliz rítmico, y Alfred se despistó en un momento muy puntual, pero toda rectificación fue inmediata y eficaz. Las siguientes imágenes fueron reconocidas por todos los allí presentes. Adoptando un papel protagonista, Óscar abría con su violín Mio Cid, llegando la parte cañera ante una sala involucradísima y emocionada hasta el límite. Alfred, con una seguridad aplastante, daba continuas demostraciones de maestría vocal, secundado por un Enrik imparable, que ahora se asomaba al público, ahora formaba piña con sus compañeros Óscar y Dani. La versión interpretada fue la inglesa, pero mientras todos ondeábamos nuestras manos, Alfred cambió a la más reciente, y encima, a capela. Casi no nos dieron tiempo a saborear el momento, cuando nos dejaban caer otro bombazo de la talla de Swan Lake, que nos dejó atónitos, esta vez en toda su duración de 8 minutos.

Desde los tiempos del “Autumnal” que no la escuchaba en directo, y supuso otra erupción incontrolable de emociones. El dueto vocal entre Alfred y Mariana fue de lo mejor de todo el show, sus armonías, la forma de coordinarse en el escenario, cómo encajaron sus tesituras... un regalazo maravilloso, incluyendo esas partes más aceleradas de guitarra que el maestro Enrik nos ofreció, y ese final tan rimbombante. Por mi parte me desgañité cantándola, con la alegría inmensa de saber que aquello no había hecho más que empezar. Por primera y única vez, nos llevaron hasta su último disco de estudio, “Origins”, con Birth of the Sun. Y no pasaron más que unos segundos, cuando ya tenían ante ellos a toda una multitud saltando, con una energía que rápidamente se contagió a los músicos. La sección instrumental formada por Javier Diez a las teclas y Óscar al violín, fue especialmente importante en ella, revistiéndola con ese sabor tan folk. Dani se retiraba hasta el telón, pero sin dejar a un lado su siempre contundente actitud. Su bajo, por cierto, se escuchó de maravilla durante todo el concierto, algo muy de agradecer dado su gran nivel. Alfred derrochó todo el carisma que le dio la gana (porque lo tiene a capazos), pero en esta ocasión, llegó el turno de dejar paso a su compañera en solitario.

Tras unos amagos de In the Hall of the Mountain King a cargo del guitarrista, Mariana ocupó el centro del escenario para cantarse otra de las grandes sorpresas de la noche: Maid of Orleans. Con la batería de Carlos metiendo a toda hostia, la soprano, a pesar de su enorme rango, llevó su voz hasta el límite en ella, con mogollón de feeling y dotes escénicas, mientras también pudimos disfrutar de uno de los momentos de mayor virtuosismo de la mano de Enrik, mediante una buena sesión de tapping. Al terminar, el clamor del público fue ensordecedor, tal como se esperaba para la única canción de la ‘era Elisa’ que sonó aquella noche. A decir verdad, por mi parte esperaba alguna más, sobre todo, de ese discazo (mi segundo favorito en orden) llamado “The Gates of Oblivion”. Sin embargo, a lo mejor fue mi impresión, pero noté que la mayoría de los allí presentes sentían más apego por la presente etapa de la banda (yo, al menos, sí). Detalles al margen, la fiesta continuaba pisando ahora terrenos históricos con First Lance of Spain, con introducción previamente narrada por el cantante, que estuvo a una altura de vértigo, igual que todos sus compañeros. Fantástico ese apoyo por parte de Javi y Óscar, y no menos el de Carlos, resolviendo esas partes más complejas a la batería en una de sus mejores actuaciones.

On the Hill of Dreams… ¿Cuántos años haría que no la escuchaba en vivo? Y cuántos recuerdos… qué profundidad tiene este tema, sobre todo, escuchando a Alfred Romero dar rienda suelta a esos tonos tan graves que tan bien le sientan. Perfecta para templar un poco el ritmo del concierto, y volver a dar el subidón con The Chariot, más habitual en sus setlist aunque no por ello peor recibida. Ya en su inicio, la soprano le puso un sentimiento tremendo con unos registros imposibles, y la mezcla entre el piano de Javi y las notas de Enrik, le aportaron un color muy especial. No hace falta ni decir que el público no paró de celebrarla ni un segundo, con manos en el aire y cánticos de principio a fin. No nos dejaban parar. Aquella era una noche hecha por y para el disfrute, tema tras tema, estribillo tras estribillo, con un ambiente casi indescriptible en donde reinaba la hermandad entre fans y el amor incondicional por esta inconmensurable banda. En pos de dejar descansar a ambas voces, Ritual Fire Dance (“Ancestral Romance”) fue el único corte puramente instrumental de la noche, y tanto Enrik como Óscar se adueñaron del escenario, dejándonos de una pieza con sus constantes duelos y continuos movimientos, pidiendo nuestra colaboración y divirtiéndose a tope, haciendo honor a la gran fiesta que todos allí estábamos compartiendo. Lo que llegó seguidamente, fue una de mis partes favoritas del concierto, revelando la faceta más romántica de la banda.

Dos temas que me molan a rabiar, comenzando por Love from the Stone, en la cual, las estremecedoras notas alcanzadas por la soprano Mariana Otero nos llegaron hasta el alma. Y aquí no solo hubo sincronía vocal entre ella y Alfred. También la actuación, en el sentido más teatral y coreográfico, fue una delicia absoluta, representando de fábula el trágico amor que relata el tema, sin olvidar la presencia de esas emocionantes letras compuestas por el poeta y letrista de la banda, Francisco José García. La segunda en estas tesituras fue An End so Cold, otra que fue directa al corazón. De ella me gustó el solo de Enrik, apurado al milímetro, y los añadidos que aportaron Javi y Óscar, pero lo que me flipó de verdad fue la increíble resistencia de Alfred, especialmente en su recta final. Aunque su gigantesco talento está fuera de toda discusión, me cuesta ser objetivo con este hombre, porque lo que su voz es capaz de transmitirme, en cualquiera de sus registros y alturas, está al alcance de muy pocos. Y en este sentido, lo mejor estaba aún por llegar. Tras colgarse este último su electroacústica, The Road Again (“Ars Musica”, 2013), fue tocada en dos partes, diferenciando aquella en la que las guitarras y el piano tomaron el timón en solitario, y la que dio el empuje definitivo, poniéndonos a todos a saltar y a bailar, acompañados por unas imágenes chulísimas.

Dani se venía arriba, con una presencia de lo más chulesca, pisando el monitor, pero siempre con una sonrisa en el rostro, y Enrik, al mismo tiempo, levantaba sin parar el mástil de su guitarra en constantes alardes. Sonó muy compacta y vibrante, creo que nunca me había gustado tanto en vivo. Pero cuando las emociones realmente me sobrepasaron… fue durante A Music in my Soul, otra de mis preferidas de toda su carrera. El sonido que, había mejorado ostensiblemente a estas alturas, fue fundamental en ese opening tan sutil a cargo de Óscar y Javi, en las líneas y dibujos de Dani, y en la claridad que tuvo la aterciopelada voz de Alfred. Su interpretación estuvo sembrada de un feeling estratosférico que nos atravesó a todos como un puñal, y además, poniendo énfasis en la que siempre fue una de sus mayores cualidades: su perfecta afinación. Se me ponen los pelos como escarpias con tan solo recordar el momento, tras el cual, llegarían unos segundos de calma y oscuridad precedentes a los bises. Unas muy emotivas palabras de agradecimiento por parte del frontman servirían de presentación a este sprint final, con el que quisieron volver a subir la tensión de cero a cien. Y que mejor para ello, que tirar de un trallazo como Living in a Nightrmare. Al igual que sucedió con Mio Cid, hicieron una mezcla entre la versión clásica y la actual (en inglés y castellano). Caña muy agresiva, con el escenario completamente sumergido en humo, brillantes coros de Mariana Otero, y un final muy contrastado con la calidez que infundieron esas guitarras y teclados.

Lovers volvió a corroborar lo que pensé desde el principio: que Alfred (que volvió a coger aquí la guitarra) canta mejor ahora, incluso, que en la gira del Tarot. Y con casi 10 años de por medio, es algo que no se puede aplicar a cualquier vocalista. Dicho esto… imposible no dejarse arrastrar por ella, sobre todo cuando nuestras voces fueron también parte de la canción, gritando ese estribillo casi a capela durante varias repeticiones. Los suaves coros, su fantástica melodía, las armoniosas teclas de Javi y las luces tenues, acentuaron todavía más aquel mágico momento. Aunque creo que nadie quería asumirlo, el concierto iba tocando ya a su fin, pero no sin antes disfrutar como posesos de esa última Canción del Pirata. Alfred volvió al escenario con el clásico pañuelo cubriendo su pelo, metiéndose del todo en su papel, y regodeándose ante las mil y una voces que entonaban ya su estribillo a pleno pulmón, al tiempo que una enorme bandera pirata ondeaba a través de la pantalla. Visiblemente entusiasmados, y en un último arranque, tanto Enrik como Dani y Óscar, se encaraban en el centro del escenario sin dejar de meterle al headbanging, las luces enloquecían a la par que el público, y el gran estallido generalizado de aplausos y vítores no se hizo de esperar. Como despedida, sonaba disparada Fallen Leaves Waltz (“Autumnal”), y mientras la banda nos dedicaba sus reverencias, sucedió algo inusual, y es que la despedida en forma de calurosas ovaciones, lejos de amainar, se prolongó durante varios minutos ininterrumpidos, ante la incrédula mirada de los músicos.

El emocionado semblante de Alfred durante aquellos últimos momentos de jolgorio hablaba por sí solo. Y no quisiera tomarme eso como el reflejo de un mal augurio… pero según lo escuchado en alguna entrevista, el futuro de la banda se atisba, por así decirlo, un tanto nublado. Sería, más que una pena, una desgraciada pérdida para todos aquellos en quienes su música ha dejado una huella tan profunda como imborrable, para quienes podemos identificar épocas enteras de nuestra vida con solo recordar temas y discos de su carrera. Pero si eso es lo que marca el destino, si su final estuviese cerca… al menos podré decir que yo les apoyé hasta entonces con todos mis medios e ilusión, y que con conciertos como este, y los incontables que les he visto, siempre me he sentido y me sentiré orgulloso de contarme entre sus fans, y gritar a viva voz que, para mí, Dark Moor es la mejor banda de Rock que hemos tenido en este país.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

In the Heat of the Night (H.E.A.T + Hitten, jueves 12/03/2026, Sala Mamba!, Murcia)

2026-03-14T19:38:00.001+01:00

H.E.A.T. me flipan a morir, pero eso no es ninguna novedad para quienes me conocen. Es algo que he dicho ya tantas veces, dentro y fuera de estas páginas, que no necesitaría repetir más, pero aun así lo hago, porque desde el 2014 que les llevo siguiendo muy de cerca, cada vez me vuelven más loco tanto en disco como en directo. Es un hecho. No importa continuidad con la que saquen singles y discos. No pasa nada porque les hayamos tenido, al menos, una vez al año en nuestro país durante los últimos 10. Siguen superándose a sí mismos, con un talento casi incomprensible para crear temas que se transforman automáticamente en himnos multitudinarios, y sin perder ni un gramo de fuerza en cada una de sus actuaciones, cuando su trayectoria como grupo está próxima a cumplir ya veinte añazos. Por muchas formaciones que hayan surgido a partir de la nueva ola hardrockera sueca, por mucha calidad que haya en ese ámbito, ellos van siempre dos pasos por delante del resto, y el tremendo éxito que están cosechando lo refleja de forma indiscutible: no hay nadie que les pueda toser. Imparables. Imbatibles. Y todo eso, en conjunto, es lo que volvieron a demostrar con creces la pasada noche en la capital murciana donde, a pesar de ser ya unos veteranos, y a pesar de caer en jueves, se les esperaba con los brazos abiertos de par en par. Si además les acompañaban como invitados una de las mejores bandas de Hard&Heavy que han surgido en este puto país en los últimos 15 años, como son sin lugar a dudas Hitten, la apuesta subía exponencialmente. Ya, si faltaba algo para cantar bingo, es que la cita fuese a tener lugar en una pedazo de sala como es la Mamba!.

Lo cierto es que, aunque sorprenda, era un concierto que tenía prácticamente descartado, por la simple suma de la cantidad de veces que les he visto ya, y el doloroso precio de la entrada, aparte de falta de acompañamiento. Pero entre la insistencia de terceros, que a mi chica le urgía ir de concierto por motivos laborales, y yo, que soy persona de voluntad débil para ello, finalmente nos plantamos allí casi sin darnos cuenta. Ni que decir tiene que mereció la pena de todas, todas, pero eso estaba claro ya de antemano.

Llegamos guay de tiempo, aparcamos con facilidad, y nos fuimos derechos para adentro, aunque aún quedaba casi una hora para el primer show. El motivo era encontrarnos con nuestros colegas Inma (una de las principales culpables de esta liada, jeje), Boli, Patri y Vicente, junto a quienes también alargamos la velada. También me encontré por allí con los hermanos Kike y Juan, así como con mi compañero y gran fotógrafo César Valiente. Siendo entre semana, el ambiente estaba algo frío en un primer contacto, pero ya habría tiempo para la juerga y desmelene más adelante.

Hitten:

Dominaban el escenario la introducción y la oscuridad casi total, destacando esas baquetas luminosas apoyadas sobre la batería, justo antes de que estallase While Passion Lasts, y todos los presentes en la sala se acercaban a primeras filas. Con Daniel Meseguer y Johnny Lorca abalanzándose sobre las cajas allí dispuestas, y Alex Panza dando ya el 100% vocal, Hitten lo tuvieron claro: nada de medir la aceleración, o abrirse paso poco a poco en la actuación. Fueron con todo lo que tenían desde la primera nota, entre la marea de humo que cubría el escenario. En clave más hardrockera, tirando de esos ardientes riffs, empalmaban con Mr. Know it All, comportándose como un auténtico torbellino, con descaro y entrega al máximo nivel. Ambos guitarras compartían micro para sacar brillo a esos coros, mientras nos brindaban todo tipo de florituras con sus instrumentos, y el final, machacón a más no poder dejó el panorama muy caliente. Daban paso, tras unas breves palabras de Alex, a una de mis favoritas como es Blood from a Stone.

El movimiento era imparable, incombustible. Johnny se recorría cada centímetro del escenario, volviéndose cada vez más loco y dejándonos de una pieza con su inigualable actitud, acabando por los suelos ante las miradas cómplices de Dani y Mr. C, que tampoco se quedaban atrás en cuanto a talento. Los excelentes cambios rítmicos, tan bien llevados por Willy Medina, y los primeros gritos realmente extremos de Alex, marcaron algunos de los momentos más destacados de Hold Up the Night, continuando sin tregua con su último (y excelente) trabajo hasta el momento, ese “While Passion Lasts” que tantas alegrías y reconocimiento les ha concedido hasta el momento. El vocalista hacía gala de sus mejores poses, incandescentes carreras, y por supuesto, unos registros absolutamente demenciales. Parece increíble, pero cada vez canta mejor, y posee un carisma innato con el que es capaz de meterse al público en el bolsillo casi sin proponérselo. Ahora sí, con las luces apagadas de nuevo, y tirando de toda su simpatía, nos daba un pequeño discurso que conectó inmediatamente con todos, y nos hizo venirnos todavía más arriba para encarar Eyes Never Lie, primer corte en sonar de su “Triumph & Tragedy”.

Supuso uno de los momentos álgidos del concierto en cuanto a calor y espectacularidad, y con el doble bombo de Willy retumbando a piñón, ya nadie podía resistirse a doblegar el cuello, acompañando a Alex en las letras, cuya interpretación vocal fue particularmente extraordinaria. La chulería y lucimientos en el solo de Dani, la gran presencia de Mr. C (siempre con atuendos tan estrafalarios), las carreras de Alex … todo se conjugó en su máxima expresión aquí, y hasta Johnny terminó de rodillas lamiendo su mástil y marcándose unas virguerías para quitarse el sombrero. La peña, al principio más comedida, armaba ya un escándalo de mil demonios entre tema y tema, aunque a continuación, tocaba relajar un poco las pulsaciones por medio de Something to Hide. Bordada por esos arpegios, y por esos silbidos de Alex siempre tan bien ejecutados, fuimos testigos de la gran compenetración entre Dani y Johnny (que se quiera o no, acaban erigiéndose como los putos amos del escenario), cara a cara, con la sangre en ebullición, y con una actuación de lo más espontáneo. Hasta los tonos de la iluminación acompañaron aquel momento tan especial, que pasaría de cero a cien revoluciones con la brutal Twist of Fate, así, de golpe y sin vaselina.

Caña burra, armonías de guitarra que fueron una delicia, y para variar, mucha, muchísima actitud que nos acabó arrancando unos cuantos ‘¡eh, eh!’ de apoyo, seguidos de una grandísima ovación. Y si el solo de ambos guitarristas fue un puto deleite, esperaos, porque a continuación, arropados por Mr. C y Alex en la base rítmica, tanto Dani como Johnny se bajaron entre el público en una parte completamente instrumental. Se fliparon, y nos fliparon, con unos punteos de auténtica locura y descontrol, retorciéndose, dando vueltas, y retándose mutuamente en un duelo de virtuosismo desmesurado. Bonito detalle, por cierto, esa lluvia de chapas que arrojaron sobre nuestras cabezas. Ahora era Johnny quien se dirigía a nosotros, pidiendo un aplauso para H.E.A.T., y cánticos para uno de sus estribillos más conocidos, que no fue otro que el de In the Heat of the Night. Alex reaparecía sobre las tablas completamente encendido, sin parar de dar poses, saltos, patadas y carreras. Entre toneladas de humo, y los intercambios de posición entre Dani y Johnny, nos quedó un final explosivo, lanzándose este último de rodillas para rematar con su fulgurante solo.

Es difícil argumentar si este es uno de los mejores conciertos que les he visto, porque siempre rayan a un nivel impecable, pero desde luego, es el que más corto se me hizo sin duda. Por lo visto, también tuvieron algunos problemillas de tiempo, pero el poco del que dispusieron, lo exprimieron a tope, mostrando todo su potencial de principio a fin. Además, tuvieron un sonidazo de la hostia. Ojalá pueda volver a verles pronto.

No nos movimos demasiado en el tiempo de cambio. Guardándonos mutuamente el sitio en las primeras filas, donde nos encontrábamos, fuimos a echar unos filtros al ‘gallinero’, que estaba bastante empantanado, jejeje. Como en todas las ocasiones que la he visitado, la sala Mamba! demostró ser idónea para este tipo de eventos de asistencia media. Sin embargo, creo que de haber sido fin de semana, el llenazo y el agobio (como el que me encontré el pasado noviembre con Leprous), habrían sido igualmente inevitables, pese a su respetable aforo. De los precios de las bebidas, ni hablemos (jamás pagaré una cerveza a 4 euros y medio, aunque me muera de sed), pero el sonido estuvo a la altura (más en Hitten que en H.E.A.T, la verdad), y las instalaciones son suficientes y están bien mantenidas.

El rato de espera se me hizo un poco pesado por las ganas y las expectativas que tenía para el siguiente concierto. Tratándose de una banda que rarísima vez ha dado un solo paso en falso, era prácticamente un valor seguro, y no me cabía duda de que cada minuto de concierto iba a ser merecedor de los 40 pavacos de entrada.

H.E.A.T:

La sala presentaba una asistencia más que notable, a pesar de ser jueves, pero sin llegar a la incomodidad, incluso en la parte delantera del escenario. Allí estaban por fin, desfilando hacia sus puestos, uno tras otro, recibiendo aplausos y ovaciones tras la ya clásica introducción de The Heat is On (Glenn Frey). La gente parecía dispuesta a dejarse la piel. La impaciencia se podía palpar. El clima les era muy propicio a los suecos, que son especialmente conocidos por montar un fiestón de los que no se olvidan. Pero cuando abrieron el setlist con Disaster, un tema rápido, afilado y poderoso… algo no parecía encajar con las previsiones. A pesar de los bestiales alaridos de Kenny, de la exposición en primera fila de Jimmy y Dave, y teniendo en cuenta la tormenta que acababan de desatar… el sonido no iba en consonancia. La voz sonaba demasiado baja, los graves muy extraños, y la guitarra, casi inexistente. Faltaba mucho punch, y creo que ese fue el motivo por el que tuvieron una acogida un tanto fría, sobre todo, en comparación con otras veces que les he visto. Pero cuidado, que esto no había hecho más que empezar, demasiado pronto para emitir un juicio que, sin duda, hubiese terminado siendo erróneo.

Aunque la mezcla seguía siendo difusa, en Rock your Body todo el mundo comenzó a despertar. Ya se vieron las primeras manos levantadas, los primeros bailes, incluso algún salto que otro, siendo un tema cantadísimo (incluso a capela) por toda la sala. Jimmy se asomaba hasta nosotros con una sonrisa en el rostro, pellizcando sus cuerdas con la energía habitual, y además, bastante provocativo. Un chutazo de adrenalina nos sobrevino con esa fastuosa Dangerous Ground. No voy a negar que, sobre todo en temas tan potentes como este, echo de menos a un segundo guitarrista en algunas partes, pero el resultado, tanto arriba como debajo del escenario, no se pudo discutir. Kenny ya estaba en su máximo apogeo físico y vocal, arrasando todo a su paso como un auténtico tifón, y subiendo los ánimos de forma exponencial. En la parte central, se le unieron Dave y Jimmy, formando piña de tres en el límite del escenario. Se deleitaban viéndonos cantar hasta los mismos solos, y poco a poco se podía ir adivinando que aquella terminaría siendo otra gran noche, otro aplastante triunfo de una banda que no sabe ir a menos ni aunque lo hagan adrede.

Claramente, Hollywood tampoco iba a fallar. Otro putísimo temazo de esos que se sacan de la manga, y que de inmediato te electrifican de pies a cabeza. Jimmy se paseaba de lado a lado, chulo como él solo, y los puños no dejaban de emerger de entre el público, aunque de momento, no era el concierto más acalorado en este sentido. Yo personalmente sí andaba fuera de mis casillas, y no entendía como la gente a mi alrededor podía contenerse las ganas, si bien es cierto que el estruendo era cada vez mayor entre tema y tema. Al grito de ‘¡¡Murcia!!’ empezaba el que fue uno de mis momentos favoritos del show. Esa melodía de Rise, después de seis años escuchándola sin parar, me sigue teniendo enamorado, y es que nunca me cansaré de decir que, para mí, el “II” es el mejor disco que han parido en toda su carrera. Sonaban de lujo esos deliciosos teclados, Kenny cambiaba la chupa por el chaleco, y me gustó especialmente el trabajo de Don Crash con los platos, sin olvidar el solo que Dave nos estampó en toda la jeta. Ojalá no la quitasen nunca del setlist, pero en cualquier caso, uno ya sabe que lo de H.E.A.T es una alegría tras otra, y tras unas divertidas palabras por parte del cantante (chapurreos de español incluidos), allá que se lanzaban a por Nationwide. Otra que tal...

Energía implacable en estado puro, hasta el punto de que me resultó sencillamente imposible parar con ella, como un tren al que te subes y ya no puedes bajar. La cosa había mejorado notablemente. Ahora la guitarra pegaba mucho más, y el ambiente que se vivía en la sala era del todo impresionante. Dave nos calentaba aún más con sus poses y ostentosidades a las seis cuerdas, echando leña al fuego mientras cantábamos el estribillo hasta quedar afónicos. En la gira del “Into the Great Unknown” (disco que no me gustó realmente hasta pasado un tiempo), me habría dejado indiferente, pero después de años sin escucharla, lo cierto es que Redefined me supo a gloria, y para colmo, sonó con una potencia adicional, gracias al contundente sonido de la batería de Don (y esos mamporrazos que le soltaba al principio), contrastando perfectamente con esas armoniosas bases de Jona. Al tiempo, sirvió para que Kenny recuperara un poco el aliento. Como es habitual en él, estuvo hecho un diablo desde el mismo inicio, pero también es cierto que en determinados temas se las vio negras para llegar a los tonos más difíciles.

Tal como en el videoclip, el cantante se colgaba la guitarra electroacústica para proceder con su último single hasta el momento, Set me on Fire. Genial interpretación, haciendo uso de esos profundos graves que tan bien le sientan, y arropado por los coros tanto de Jimmy como de J. Tee, cuyas teclas también tuvieron su papel. También nuestras palmas le dieron un toque muy especial al momento, motivando aún más a una banda que transmitía comodidad y ganas de conquistar. Pero se acabaron las cadencias relajadas por el momento, ya que con Beg Beg Beg volvieron a pincharle fuego a la sala entera. Jugando con el público, Kenny afrontaba y superaba uno de sus mayores retos vocales, empleándose al 100%, incluso bordando esa casi imposible parte final. Entre medias, todo un homenaje al dios Ozzy Osbourne, metiendo un fragmento del War Pigs que todo el mundo disfrutó emocionado. Protagonismo ahora para Don Crash. Con el objetivo descaradamente intencionado de acalorar a todas las féminas allí presentes, se despojaba de su camiseta, y nos atronaba los oídos con un solo de batería no demasiado extenso, muy variado, y con lugar a la participación.

Tras este, el escenario quedaba vacío e inmerso en la oscuridad, aunque afortunadamente, aún restaba mucho por bailar aquella noche. Con una tormenta de fondo y luces rojas acompasadas, se presentaban de nuevo en el escenario dispuestos a dejarnos hechos papilla con la intensa recta final, que abrieron con Back to the Rhythm (ahí es nada). Con energías renovadas, y visiblemente contento, Kenny volvía a liarla a lo grande, exhibiendo un chorro de voz casi inagotable, al tiempo que Don se desmelenaba tras la batería como si este fuese el primer tema, y Dave derrochaba clase y elegancia en cada acorde. Fue como empezar de nuevo la fiesta, con un subidón de la hostia, y unos coreos masivos. Tenían reservadas unas cuantas balas en la recámara, y de las buenas, para que aquello no decayese. Cortes más recientes como Running to You (en la que Jimmy no dejaba de apuntarnos con su bajo), y grandes clásicos como Living on the Run, donde el entusiasmo del respetable no se hizo de esperar, casi el mismo que le veíamos a Jona Tee pulsando sus teclas. Kenny recibía nuestra emoción con los brazos abiertos, de rodillas, e intercalando lacerantes gritos.

Nunca deja de ser bienvenida 1000 Miles, con el pulso algo más relajado, y su inmenso rollazo ‘bonjoviero’, primer single de su carrera, y segundo y último vistazo en su setlist a su “Freedom Rock” (2010). Entre chorros de humo que llenaban el escenario, y esos constantes ‘cara a cara’ entre Jimmy y Dave, llegaba una divertida parte en la que el vocalista nos retaba a cantar con él una versión modificada del Day-O de Harry Belafonte. One by One, muy reclamada a lo largo del concierto, volvía a poner las cosas en su sitio. La sala se transformó, ya hasta el final, en un hervidero de saltos, gritos y manos en el aire, siguiendo a Kenny en cada paso, que ahora se subía a la plataforma de la batería, ahora se tiraba al suelo, o compartía algunas frases con sus compañeros. La nota distintiva la puso Dave, culminando el tema con un pequeño solo cargado de feeling, que casi casi, empalmaron con A Shot at Redemption. Nunca fue, ni de lejos, de mis favoritas, tal vez porque me resulta algo repetitiva, o tal vez porque es la que siempre tocan para terminar, y nadie en su sano juicio querría que un concierto de H.E.A.T llegase a su fin, pero la verdad es… lo admita o no, engancha, la condenada.

Con reverencias, saludos y besos al aire, se despidieron, y las impresiones generales que nos llevamos la mayoría, fueron casi inmejorables. Salvando el pobre sonido que sufrió el concierto en sus primeros compases, y por qué no decirlo, la brevedad del setlist, todo salió a pedir de boca, y la pasión y buenas vibraciones que nos transmitieron ambas bandas, es algo que atesoraremos durante mucho tiempo. Jimmy Jay estuvo en la puerta trasera de la sala echándose fotos y conversando con sus fans durante un buen rato, y nosotros, por nuestra parte, nos quedamos un buen rato cenando y ‘cascando’ en la calle. Es lo que tiene compartir los conciertos con peña tan agradable.

Vuelta a escuchar a H.E.A.T a toda hostia, pero en este caso en el equipo del coche, para que también nos acompañasen en la vuelta a casa. Lo dicho, pueden regresar mil veces más a nuestro país, que siempre será un puto placer verles en acción.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Pura electricidad (Baja California + Estirga, sábado 14/02/2026, Sala Marearock, Alicante)

2026-02-16T16:27:00.002+01:00

Con tan solo dos discos en el mercado (más una maqueta previa), y especialmente gracias a ese último “Electricidad” que vio la luz el pasado año, Baja California han pasado de ser casi unos perfectos desconocidos a convertirse, durante todo este tiempo, en un objeto de deseo, en una de las bandas que más ganas tenía de ver en directo de todo el panorama nacional. A pesar de ello, reconozco que han sido unas cuantas las ocasiones que he dejado pasar por alto. La razón principal es que las últimas veces que se han acercado por estos lares, lo han hecho en calidad de teloneros de otras bandas, y no estaba dispuesto a pagar el elevado precio de dichos conciertos en los que, para mí, ellos eran el plato principal, y menos sabiendo que solo podría ver media hora o tres cuartos de actuación. Pero esta vez, todo salió casi rodado gracias a la iniciativa Girando por Salas, un programa que, durante los últimos 16 años, ha organizado y promovido giras de bandas nacionales de todos los estilos de música, tratando de dar tanto visibilidad a dichos grupos emergentes, como apoyo a las salas en las que se celebran sus respectivos conciertos. Sin duda, esta era justo la oportunidad que estaba esperando para verles desplegando todo su potencial en un concierto propio. Ni el peliagudo temporal de viento que azota nuestra comunidad desde hace ya semanas, ni los carnavales, ni el puto San Valentín, ni hostias en vinagre, podrían impedir que esa noche nos arrimásemos mi chica y yo hasta la capital alicantina en pos de ver cómo los asturianos arrasaban la sala Marearock (antigua Babel). Las autoridades recomendaban no realizar desplazamientos de no ser que fuesen estrictamente necesarios… pero es que, precisamente, esta noche lo era para mí.

Unas horas antes del concierto, quedamos con nuestros colegas Boli e Inma para echar unas cerves, pasando un ratito de lo más divertido en la mejor compañía, y calentando motores para el show. La llegada a las puertas de la sala no pintaba demasiado prometedora. Que hubiese tanto sitio para aparcar en la misma calle fue de lo más cómodo, pero no una buena señal en lo que a asistencia se refiere. Desgraciadamente, ya me temía algo así porque este tipo de Rock arraiga mal en esa zona, pero lo que más me jodió fue enterarme de que, la noche anterior, la sala estuvo a rebosar de gente con un tributo. Sigamos así, apoyando solamente a quienes no toca, y terminaremos aniquilando la escena de bandas de verdad, como las que tocaron el sábado. Por suerte, aunque fuimos pocos, sabíamos a lo que íbamos: a darlo todo en una noche de Rock’n’Roll desenfrenado, melodías bien curtidas, feeling y electricidad a partes iguales.

Las peores expectativas se convirtieron en un hecho nada más cruzar las puertas. A lo sumo, unas 20 o 22 personas allí presentes esperábamos el comienzo de las actuaciones, dejando un aspecto terriblemente desangelado en la Marea. Así pues, la situación a la que se enfrentaba la primera banda, Estirga, no era nada fácil

Más o menos a la hora convenida, abría la banda eldense, que a lo tonto cumple ya casi 20 años de carrera si nos remontamos a su primera maqueta. Una banda que, desde sus inicios, ha tenido como propósito buscar un sonido distinto, sin reciclajes ni ataduras. Ciertamente, esa fue la impresión que me llevé al conocerles por primera vez, hace tan solo unos pocos días. Es inevitable encontrar en la voz de Alicia, su frontwoman, matices similares a los de la cantante Amaral, o bastantes reminiscencias del Rock de los 70 y 90 en el sonido más primitivo de sus cuerdas y tempos, pasando por el pop / indie español en sus melodías vocales… pero al margen de esos detalles, que tampoco se tienen que tomar al pie de la letra, podría compararlos con muy pocas bandas nacionales que haya escuchado anteriormente. Siendo totalmente sincero, y estrictamente por gustos musicales personales (sin poner nunca en duda su talento como músicos), no les pillé el punto en un primer contacto. Las sucesivas escuchas ya me resultaron más amigables, pero realmente fue en directo donde mejor logré conectar con ellos.

Estirga:

Creo en ti, de su único LP hasta el momento (“Maktub”) fue el primer corte en sonar, ante una audiencia tímida, y con la banda tanteando el terreno. Un buen primer paso, que además, mostró un sonido en directo muy fiel al del disco, con la distorsión bien medida, y sin desequilibrios entre instrumentos. Alicia Tenza se situaba en el la parte delantera del escenario, atrayendo de momento casi todas las miradas con sus esotéricos bailes, con los que se iría soltando sobre la marcha. Mientras que algunos apenas les conocíamos, otros sí cantaban sus letras e iban aportando movimiento abajo del escenario, algo que poco a poco se fue generalizando gracias al buen hacer de los músicos. Con mucha caña en la batería, J. F. Murcia abría para Eterna en la Luz, uno de los temas que más me gustan del disco. La ecualización era realmente buena y todo se distinguía muy bien, a lo que hay que añadir la perfecta dicción de Alicia, que al mismo tiempo, sentía con gran pasión cada estrofa que cantaba. Sin dejar de lado sus constantes movimientos, fluía de forma vez más natural por el escenario, igual que el bajista Javier Rubio, que se iba arrancando con el headbanging.

Para romper el hielo, la cantante se dirigía a nosotros. Lejos de pretender hacer un concierto discreto, para no resaltar el gran vacío de la sala, optó por la estrategia inversa: intentar ganarnos con su simpatía, levantando gritos a voluntad, y saludando con mucho entusiasmo. A su izquierda, el padre, el corazón y el motor de la banda, Vicente Bernabé, ponía también los coros en la siguiente Nuestro Reino, otra de las que acabaron enganchando, tanto por sus geniales melodías, como por esa potencia extraordinaria que le imprimió Murcia desde la batería. Cada vez resultaba más espectacular verle tocar, con una gran pegada y mucha espontaneidad. Tampoco olvidaron su EP “Dosmildoce”, del que extrajeron la siguiente Mercurio y Sangre. Para darle cohesión con el disco, Alicia tiró de megáfono en las primeras líneas, acompañada por esos arpegios tan a lo Héroes del Silencio por parte de Vicente. Nada que deba extrañarnos, por otra parte, ya que la banda ha compaginado desde los orígenes de su carrera temas propios con discos y versiones en homenaje a una de las más grandes bandas de nuestra historia.

Con aspavientos más tajantes por parte de Alicia, y unos cambios de ritmo bastante marcados, Julius fue una de las presentaciones más cañeras y ruidosas, contrastando con la sutileza y elegancia de Vicente Bernabé. El tema fue coronado por un gran aplauso (teniendo en cuenta los pocos que éramos), muy bien recibido por la banda, que cogió fuerzas para regalarnos temas como Me Llamas Loca (con la ayuda de un piano disparado), o la bailable En el Abismo, estrenada como single en 2021. Manteniéndose dentro de su saber estar, Vicente destacó por su pulida y refinada técnica a la hora de tocar, por la gran cantidad de detalles en sus cuerdas, y por apoyar a Alicia con unas armonías que empastaban a la perfección. También Javier iba moldeando el sonido de su bajo a través de su pedalera, para meterle ese punto de fuzz tan necesario en algunos de sus temas, y soltándose la melena con sus movimientos y arqueos constantes. También del “Dosmildoce”, y entre mucho humo escénico, sonaba No estarás. Alicia, que ya nos vio más metidos en el concierto, se atrevió a pedirnos incluso una ola, y contra todo pronóstico, la cosa funcionó de maravilla. Con una voz deliciosa, mucho carisma e irradiando unas vibraciones muy positivas, cercanas y sinceras, acabó por conquistarnos a tod@s por méritos propios.

Presentando a sus compañeros en mitad del tema, incluso vimos en Vicente alguna sonrisa bromista, y tras culminar el tema, se despidieron de nosotros con una gran amabilidad. Fuego y luz, su más reciente composición, iba a ser (teóricamente) la encargada de poner punto y final a la actuación, con un rollo setentero muy guapo, mucho feeling por parte del guitarrista, y Alicia mostrándonos sus mejores bailes. El último tramo, una inesperada y potente subida de intensidad, habría sido idóneo para dar el adiós, pero ante la insistencia del público, aún descargaron un último bis, que estuvo acompañado por enérgicos coreos de tod@s l@s presentes. La parte vocal de Lejos de la Tempestad, en cuanto a afinación, fue impecable, y Murcia desató toda su potencia a las baquetas, mientras que Vicente se lució más que nunca con su solo, encorvándose al ejecutarlo. Todos ofrecieron su mejor faceta para que ese último envite nos dejase con unas muy buenas sensaciones. Y el aplauso que les dedicamos, fue el mejor ejemplo de que lo consiguieron.

No solamente salvaron la papeleta de tener que tocar y animar una sala prácticamente vacía, sino que además, consiguieron llevarse al poco público de calle con un directo estupendo y recomendable, que hay que enfocar con la mente lo más abierta posible.

A pesar de que en pleno Alicante no es habitual pasarlo mal por el frío, afuera hacía un temporal de cojones, con un viento insoportable. Salimos a resguardarnos en uno de los huecos exteriores de la sala, pero no tardamos mucho en volver dentro. Echamos una birrita, calentándonos mientras la banda ponía a punto sus instrumentos, y poco después, vuelta al ruedo.

Segundo (y último) asalto de la noche, con las expectativas y la ilusión por las nubes. He de decir que, con vistas a empaparme por primera vez de su directo y preservar el factor sorpresa, no he llegado a ver ni un solo video en vivo. Pero aun así, algo me decía, basándome en su propia música, que Baja California iban a dejar el escenario en llamas.

Baja California:

Después de muchos meses intentando coincidir con ellos, al fin llegó el ansiado momento. Situándonos delante del todo, y escuchando ya la introducción (como si de vuelo a punto de despegar se tratase), uno a uno los músicos salían a escena entre una ingente cantidad de humo y luces oscurecidas. Simultáneo a la aparición de Manu Roz, el primer directo a la mandíbula correspondió a Caída Libre, acercándose este hasta el borde del escenario, y comiéndoselo a bocados. Más que hambre, aquello era gula. Un verdadero torbellino que, ahora se agachaba, ahora se ponía a correr o a saltar, a pesar de que el panorama no era demasiado propicio. Javi Hernández “Cete” nos apuntaba con el mástil de su bajo, orgulloso y sonriente, las luces estallaban cegadoras, y ya solo cabía desear un poquito más de volumen en el instrumento de Aarón Galindo, que en esta ocasión (al menos, en principio), tuvo que pelear en solitario a la guitarra. Su solo, petado de wah y pasión hasta los topes, subió aun más la temperatura en Buscando Más, que también tuvo la actitud de Javi por bandera, tocando sus cuerdas por delante y por detrás. Ambos se retaban con sus filigranas, y el buen rollo se extendía sin márgenes sobre las tablas.

Los coros de Galindo, por cierto, le dieron un cuerpo tremendo tanto a este como al siguiente tema, Blanco y Negro, continuando en la línea del “Horizontes”. Con el sonido ya mejor ecualizado (aunque sin llegar todavía al equilibrio del que gozaron Estirga), el solo entró como una erupción volcánica, y no hablemos ya de esos zambombazos que metía Gus Velasco, el batería actual de la formación. Lejos de amilanarse por la poca asistencia, Manu no se arrugaba ni cedía en su empeño, si acaso, se iba envalentonando más y más conforme avanzaban los temas. La respuesta del público, por suerte, fue a la par. Y es que tanto la actitud desafiante como el vozarrón de este tío son para caerse de espaldas, como demostró en Tiempo Suicida, que para mí, fue uno de los momentos álgidos del show. Y digo esto, cuando todavía estaba en pañales. Le siguieron Reina de Hielo, prácticamente sin detenerse ni a respirar, y El Mago, que personalmente me flipó por esa parte instrumental, tan técnica, y tan maravillosamente ejecutada en vivo. A la vista quedaba que teníamos un equipo de 10 ante nuestras narices.

Las flipadas eran constantes, Aarón pisoteando el monitor, Javi sacando pecho en primera línea, despatarramientos, intercambios de posiciones… y un Manu pletórico haciéndose el puto amo del escenario. Y para hostiazo de los gordos, esa Indomable, que caería a continuación, tocando una de las facetas que más me molan de Baja California, esas letras irreverentes, descaradas, arrogantes y llenas de mala virgen, con las que el cantante parecía identificarse a la hora de dejarse la voz y la espalda en ella. Y fijo que, de haber sido más tocho el escenario, el desmadre habría sido directamente proporcional. Tampoco podíamos obviar ese buen clima que se respiraba en el seno de la banda, los constantes gestos de compañerismo y bromas entre ellos, o los descacharrantes comentarios de Aarón, que ayudaban mogollón a distender el ambiente. Con la banda mostrándose tan cercana, a veces daba la sensación de que estábamos en una noche entre colegas, y oye, eso también tiene su punto. Siguiendo con la actuación, que aún quedaba mucho y muy bueno, llegó el momento en que el gran Manu Roz se colgaba la guitarra, y ahora sí, la potencia sonora alcanzaría su máximo apogeo. Ante la ausencia del guitarrista y fundador Javi Monge (por motivos de paternidad), Manu suplió su puesto con muchísima más solvencia de la que pude imaginar.

A-66 fue la primera con este formato, y cayó como un chaparrón eléctrico. Un tema que particularmente me encanta, y me recuerda mucho a la última etapa de Uzzhuaïa, melódica pero con mucha fuerza. Al tiempo, su estribillo y su universal mensaje fueron algunos de los más celebrados de la noche, encargándose el propio vocalista del solo de guitarra. Y lo mismo se puede decir de Mil Mañanas, guitarrera pero con un extra de sensibilidad perfectamente plasmado en directo, y acentuando otra de las principales señas de identidad del conjunto. Con un enorme desparpajo, Aarón apoyaba el pie sobre la plataforma de la batería, al tiempo que Gus la hacía retumbar a lo bestia, dejándonos finos para la siguiente Polvos Mágicos, del “Horizontes”. Con Javi y Aarón batiéndose en duelo, mástil contra mástil, ambos parecían venirse arriba con cada nota, y no se quedaba atrás Manu, que con su slider metálico le daba un rollazo muy particular al tema. No dejó de sorprenderme lo bien que manejaba el instrumento, también en ese final completamente desmelenado en donde hicieron temblar la sala.

Aprovechando el parón para que Aarón estrenase su nuevo ‘juguete’, Manu protagonizó uno de los momentos de más conexión entre banda y público de todo el show, y no fue a través de un nuevo tema, sino de un discurso desde la humildad, y la convicción que da creer en lo que uno hace. Lejos de lloriquear por la poca acogida del concierto, agradeció desde el corazón nuestra presencia, levantando un aluvión de aplausos casi sin proponérselo. No satisfechos con ello, aún nos brindarían seguidamente otro de los fragmentos más mágicos del show, tocándose esa ya de por sí nostálgica Años Atrás, pero en formato semi-acústico. Y os prometo que me llegó al alma escucharla en esas tesituras. El toque humorístico, para compensar, lo puso Aarón que, como en su propia casa, bajó hasta la barra para pedirse una copa, y tocó parte del tema desde allí. Asturianos tenían que ser, jejeje. ‘Vamos a continuar… ¡¡pero vamos a fuego!!’ nos gritaba Manu, afrontando ya la recta final, y fue en ella donde mostró su mejor cara: un auténtico ciclón imparable. Tirando de su último single hasta el momento, El Mejor Error, volvieron a subir las revoluciones al máximo, acompañados por otra sesión de palmas que brotaba desde el público y mostrando una excelente coordinación entre ellos.

Javi seguía desatando su chulería y aplomo habitual a las cuatro cuerdas, apoyándose constantemente en sus compañeros sin dejar de sonreír durante todo el concierto, y es que a estas alturas, la vergüenza se había desvanecido por completo. Echaban más leña al fuego, y alimentaban el espíritu festivo con la hardrockera Dueños de la Noche. La peña también estaba mucho más animada. No seríamos más de 30, pero armábamos el jaleo de 100 cada vez que Manu nos pedía acompañarle cantando, o subir esas palmas al ritmo que marcaba Gus con sus baquetas. Las descaradas poses de Aarón también dieron mucho juego, marcándose unos solos de puta madre y bien cargados de feeling. Anunciando ya su retirada, no podían hacerlo sin antes estamparnos en toda la jeta ese aplastante trallazo que es Electricidad. Uno de los retos vocales más difíciles para Manu, que brilló a un nivel sobresaliente, al igual que sus compañeros en esas partes instrumentales más complejas y virtuosas, dejándonos muy, pero que muy calientes en ese sprint final de infarto. Tanto, que insistimos en que continuasen tocando, pero desafortunadamente, el setlist no pudo dar para más.

En esta noche, en mi tan esperado estreno con Baja California, la banda no solamente demostró que tienen un directo increíblemente enérgico y arrollador, sino que además, son capaces de venirse arriba incluso en las condiciones menos alentadoras. Y eso para mí, es motivo de puro y llano respeto incondicional. Seguidor ya era, pero a partir de este momento, podéis considerarme fan acérrimo de estos asturianos. Ahora mismo, lo que más deseo es poder repetir frente a ellos. Y que sea lo antes posible.

Cabe decir, por último, que el buen rollo y el apoyo entre ambas bandas fue más que evidente durante toda la noche, animándose mutuamente durante los conciertos, intercambiando camisetas... detalles que da gusto ver. Por nuestra parte, no demoramos en exceso la vuelta a casa. Tras despedirnos de mi colega Kike y su chica (con quienes fue un placer compartir y comentar el bolo), emprendimos el trayecto, durante el cual, tuvimos que lidiar con un viento y unos bandazos de coche terribles. Pero sin duda, esta ocasión tan especial pagó sobradamente el riesgo.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

Love Chasers (WildHärd, Sábado 07/02/2026, Pub Dublín, Gandía)

2026-02-08T17:40:00.005+01:00

Un buen concierto de Rock, una sala pequeña y familiar, y tal vez alguna cerveza, era todo lo que necesitaba el sábado para escapar del tedio que ha sido esta semana. Y si en esta temporada está dándose una buena racha de conciertos, ¿por qué romperla? En mi agenda particular, figuraba algo que encajaba perfectamente con ello, la visita de los hardrockeros madrileños WildHärd a la terreta, concretamente, a la población de Gandía. Y además, el acceso gratuito… era una oferta que no podía rechazar, a pesar de tener que acudir más solo que la una. Afortunadamente, solo una hora y cuarto me separaba de allí, y sin duda, la banda valía ese pequeño esfuerzo y más. Y lo sé de buena tinta porque ya tuve el inmenso placer de verles en León, como antesala (el mismo día) del Lion Rock Fest 2025, un festival que más allá de su propio evento, nos da alegrías como esas. El triunfo de aquella actuación fue rotundo, y habiéndome empapado ya por completo de su primer disco, “Love N' Lies”, también pude comprobar que la banda apunta unas maneras extraordinarias en sus directos. Al final, como quien no quiere la cosa, me voy a acabar aficionando al Pub Dublín. Un local pequeño, muy activo en cuanto a actuaciones en directo, con mucha solera y buena música. Mi anterior pasada por allí (con el concierto de los también muy recomendables The Sleeping Circus), fue prácticamente inmejorable, pero la diferencia es que esta vez el local estaba muchísimo más frecuentado, con un ambientazo de lo más bullicioso. Llegué (para variar), con el tiempo pegado a la supuesta hora de inicio, pero por suerte, esta se retrasó lo justo para entrar al garito sin agobios y poder saludar a toda la peña conocida que me encontré.

Y mucha alegría que me dio poder hacerlo. En principio, apenas esperaba ver a nadie, pero la cosa fue muy distinta, y mogollón de colegas ya andaban por allí embutidos entre el personal. Vicent, Alan, Suni, Diego, Juani, Camilo… y a tod@s l@s presentes que conocí allí. Muchas gracias, sencillamente, por ser gente tan cercana y de puta madre. Cómo mola cuando una noche, que ya se adivina fantástica, lo acabe siendo aún más por encontrarte con tantos colegas. ¡Visca la terreta, i visca la seua gent!

Las ganas aumentaban al mismo ritmo al que el escenario se petaba de humo. Con la introducción sonando, segundos antes del arranque, solo las luces led del bombo y los teclados iluminaban el escenario, aunque la oscuridad si nos permitía ver ya a todos los componentes, en línea, y encarados hacia la batería. Gafas de sol, melenas cardadas, camisas de lunares, sombreros cowboy… la cosa está bien clara, ¿no? Unos músicos muy jóvenes, y sin embargo, acérrimos enamorados de la estética, melodía, y estilo de hace cuatro décadas. Gracias a bandas como esta, el Hard de los 80 sigue vivo, y eso, para quienes seguimos disfrutándolo al 100%, es todo un regalo. Uno de los mejores ejemplos fue esa Rider of the Cold Night, su primera apuesta sobre el escenario. La expectación entre el personal rápidamente se transformó en coros y apoyo al tema, con los primeros ‘¡eh, eh!’ ya sonando bien fuertes, y la peña acercándose todo lo posible al grupo, que mostraba una actitud de 10 ya de primeras. Esa misma dirección, pero todavía más acentuada, siguió Ready for the Night. Con muchos coros armónicos, y un solo hasta arriba de chulería, en el que Rikk Flame y Adrián Viper se veían las caras, se levantaban puños ante ellos, y esos tonos vocales altos tan bien medidos caldeaban el ambiente cada vez más.

Mostrando siempre una gran simpatía (y paciencia con algún plasta), el vocalista Icy Blaze no solamente saludaba y agradecía, sino que también nos hacía dejarnos los pulmones a grito pelao, aprovechando la resolución de ciertos problemillas técnicos por parte de Adrián. Un intento que, desafortunadamente, todavía no palió las carencias sonoras, por ejemplo, de las guitarras, que sonaban demasiado bajas. En el caso de What’s Getting On My Way, el bombo prevaleció demasiado y el solo de Adrián apenas se escuchó, pero su pasión al ejecutarlo, saltando a mitad de escenario, nos llegó al alma. Ese fin con aroma a blues, nos llevó hasta la siguiente Gone Forever, pero no sin antes dejar un pequeño espacio para que Icy nos presentase su nuevo disco. “Love N' Lies” fue, sin duda, uno de los mejores trabajos nacionales de Rock que se lanzó en nuestro país el pasado año. El aluvión de críticas positivas, y la recepción del mismo, para nada han sido exageradas. Es prácticamente un disco de singles, en donde cada tema, sin pretender inventar nada, tiene fuerza y personalidad suficiente para sostener el conjunto. Si siguen pisando así de fuerte, su destino es convertirse en uno de los mejores exponentes que ha dado el Hard melódico en nuestro país, en muchos años.

Continuando con el set, Fue Rikk Flame quien se lanzó ahora al centro del escenario para introducir el susodicho tema, con mucho tino en esas notas. Entre los muy buenos coros de Adrián, y una interpretación soberbia del vocalista, destacaban también esos mamporrazos de Edgar Venturela, un músico con el que ya flipé en aquel concierto de León, y que cada vez iba cogiendo más carrerilla y pegada. Tras el final, de lo más contundente, Adrián Viper cambiaba de guitarra, y con ello, llegó una mejor calidad sonora al concierto. Poco a poco se habían ido puliendo las deficiencias, y ahora el conjunto sonaba lo mejor que se podía con las condiciones del local. La peña estaba disfrutando mucho, y cantando cada vez más alto, algo que no es de extrañar si nos referimos a maravillosos estribillos como el de Take me Back. Casi sin dejarme degustar el placer de la espera, llegaba ya el que es mi tema favorito del disco. Además, en él destacó otra pieza absolutamente fundamental en la banda, como son los teclados operados por Tommy Guns, quien fue el último miembro en incorporarse al grupo, pero que ya se desenvuelve como pez en el agua. Lástima que no tuviese la misma presencia en todos los temas, debido al sonido.

También veíamos cada vez más desinhibido al bajista Sergio Hunter, quien ocupando siempre la posición central, mostraba una buena técnica pulsando con los dedos, juntando hombros con Adrián, y afianzando de lujo las bases rítmicas con su colega Edgar. Una buena sesión de palmas (durante y después del tema), dio continuación a Take my Heart Away, con el vocalista sosteniendo su tan merecida cerveza. En ella, veo rasgos heredados de bandas como Whitesnake, Skid Row, y sobre todo Winger, algo muy coherente si nos ceñimos al estilo que practican. Tras clavar las líneas vocales cada vez con más aplomo, afinación y seguridad, Icy dejó paso a una parte final dedicada al lucimiento y al gran virtuosismo de los músicos, en donde destacó ese astro llamado Adrián Viper. Y es que es una puta flipada verle tocar y desparramar una actitud gigantesca al mismo tiempo. Siendo conocedor de la que se iba a liar, el cantante nos preguntaba ‘¿Estáis listos?’ Y allá que arrancaba, nada menos, que el Born to Be my Baby de Bon Jovi. Habría sido bordada con un poco más de volumen en los teclados, pero aún así, los imprescindibles coros, la cohesión entre ambos guitarristas, y el sólido ritmo marcado por Sergio y Edgar, acabaron con la sala entera dando saltos, desde las primeras filas, a aquellos que se encontraban más rezagados. Hasta Icy se animó a dar unos pasos fuera del escenario.

Claro que, ¿qué se podía esperar de un hitazo de este nivel, además, tan bien interpretado? Y sin embargo, la intensidad no bajó un ápice (ni lo haría hasta el final del bolo), llegando a uno de sus puntos álgidos en Sweet Cheater Viper. La tremenda pasión que destilaban Icy y Rikk Flame (aportando este último sus coros), no era menor que aquella con la que Edgar reventaba sus parches, y con el sonido general ya luciendo un nivel más que aceptable. Por suerte, siguió siendo así con un nuevo cambio de guitarra por parte de Adrián, quien ahora se colgaba la acústica para acercarnos uno de los momentos más sensibles del show. Endlessly, que también es uno de mis temas favoritos del disco (llamadme blandengue, si queréis), estuvo protagonizada, además de por la tonelada de humo que se vertió sobre el escenario, por un feeling tremendo de la mano de todos sus músicos. Pero para mí, lo mejor fue la parte vocal tan curtida que se marcó Icy, dando lo mejor de sí mismo en cada tono, y dejando bien claro que, más incluso que un frontman carismático, es un cantante de primera. Iniciada solo con voz y acústica, al final le dieron caña al pedal, y tanto Icy, como Rikk y Adrián, terminaron formando línea al ‘borde’ del pequeño ‘escenario’.

Al margen de que alguno de entre el público no entendiese aquello de “lo poco gusta, y lo mucho cansa”, el ambiente seguía siendo fenomenal, todo el mundo se volcaba con la banda, y el cansancio no existía. Muy a nuestro pesar, el final se acercaba, pero aún quedaban un par de cartuchos en la recámara, y uno de ellos, lógicamente, fue Chase of Love. Poderosamente adictiva, rabiosamente ochentera, con ella se presentaron en sociedad, y con ella casi terminaban el concierto, arropados por mil voces y un ánimo bestial, lo que parecía enfurecer todavía más los hostiazos de Edgar, que se estaba viniendo muy arriba en esta parte. Hasta nos dedicó un pequeño solo antes de arremeter a muerte con Midnight Lover. El parcialmente fallido intento de que todos la cantásemos a capela, fue de lo más divertido al fin y al cabo, y con un temazo de altura como este, los pasos, movimientos y elevaciones de mástil de A. Viper (eso es actitud, joder), y dibujos muy guapos de bajo, daban por finalizada su actuación, previa foto-finish, una ovación de lo más calurosa y multitudinaria, y gritos de ‘¡otra, otra!’ que tardaron en extinguirse.

Cerca del escenario, tenían improvisado el puesto de merchandising, donde había discos y camisetas. Los músicos se quedaron un buen rato saludando a la peña, gente muy maja y agradecida con la que fue un placer enorme poder charlar. La verdad es que me habría quedado un ratillo más entre mi gente, pero empezaba a tener hambre, y estaba completamente tieso de pasta, así que tras despedirme de todos los que pude, fui deshaciendo el camino hasta casa.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

¡Súbelo al 11! (Pölvora + Rocket Queen, Sábado 31/01/2026, Sala Rock City, Valencia)

2026-02-02T20:34:00.001+01:00

Sueños y Rock’n’Roll… noches de placer. Dos fragmentos, pertenecientes a dos temas de una misma banda, que entre tantos otros, podrían ser perfectamente descriptivos de una noche que nos ofreció todo eso y mucho más. Un cartel que aunó Heavy Metal y Hard Rock callejero en perfecta sintonía, contando con una de las grandes promesas de la escena nacional como son los zaragozanos Rocket Queen, y la indiscutible realidad en la que ya se han convertido Pölvora. En conjunto, garantizaban al 100% una velada de descontrol, pasión, y cantidades industriales de vatios, que además, fue respaldada por un ambientazo que todavía debe estar resonando en las paredes de la Rock City de Valencia. En un local en donde los tributos tienen excesiva predominancia, fue un gusto inmenso comprobar que también las bandas de verdad, las que crean y tocan temas con alma propia, pueden lograr todo un llenazo y un triunfo arrollador. El olor a multitudes ya se percibía en los alrededores, en los bares petados por muchos de los que iban a asistir los conciertos. En mi caso, era ya la tercera ocasión frente a Pölvora y segunda con Rocket Queen, y en lo referente a ambos conciertos, puedo decir sin ningún género de dudas que fueron los mejores que les he visto dar. Esto último, junto a la masiva asistencia, son dos muy buenas señales de que, a paso rápido, las dos formaciones van superándose a sí mismas. Los valencianos en concreto, que aquella noche demostraron ser profetas en su tierra, han subido otro gran escalón de calidad y buen hacer por medio de su segundo trabajo, “Volumen 11”, con el que la gran mayoría estábamos deseando estrenarnos en directo.

La llegada a Almàssera no fue fácil, ni agradable. Si hay algo que odio de ir a esta sala, es el trayecto, las dichosas rotondas gigantes, y el tráfico, que para más inri, aquella noche era especialmente agobiante, con un tapón de vehículos (maderos incluidos) que parecía no avanzar al final de Juan XXIII. Pero el premio a tanto estrés fue, nada más llegar, encontrarme con tantas caras conocidas, esas que no fallan ni por casualidad. De hecho, este ha sido uno de los conciertos con los que más colegas he coincidido en mucho tiempo, y me encantaría, antes que nada, mandar un cálido saludo a tod@s ell@s por darle tanto valor añadido a la noche. Popi, Bárbara, Guillermo, Vicent, Diego, Manu (¡a los tres!), Vanesa, Paco, Ana, Juan, Óscar… joder, vaya trupe más guapa, ¡así da gusto!

Pero bueno, vamos a lo que vamos, porque tras echar unas birras, el show estaba a punto de empezar, y el calor en la Rock City ya comenzaba a elevarse. Para este primer bolo, todavía no estaría llena, pero sí acogía a un buen puñado de asistentes con muchas ganas de darlo todo.

Rocket Queen:

Aunque contaban ya con dos discos a sus espaldas, y unos cuantos años de existencia como banda, no ha sido hasta la llegada de este tercer “One Last Night” cuando su carrera ha despegado de verdad. A mediados del pasado año, tuve el gran placer de verles en su concierto debut en el bar La Gramola de Orihuela, y la impresión que aquella actuación dejó en mí fue clara y concisa: apuestan muy fuerte por lo suyo, y van a por todas como un auténtico cohete (nunca mejor dicho). El pasado sábado, no solo volvieron a dejar constancia de ello, sino que mejoraron lo presente con una actuación radiante de energía y actitud hasta los topes.

Un desgarrador grito, y riffs de lo más potente, fueron su carta de presentación, haciendo retumbar la sala entera con Burn the City. Vestida para matar, la despampanante Judy Jade aparecía ante nosotros con gorra militar, chaqueta de cuero, guantes negros y un objetivo bien claro: arrasar el escenario. Aferrada a su micro en los primeros instantes, no tardó en soltarse por todo su espacio, acercándose entre otros a su compañero César, que nos apuntaba con su bajo. Empuñando ahora su aro, la cantante nos dio toda una lección de fuerza vocal y afinación entonando perfectamente la fantástica Nothing Good, que es una de mis favoritas del redondo. De su parte también tenían un sonido compacto y poderoso, destacando la batería comandada por Johan, pero sin que nada estuviese por encima o por debajo. Gabi Bultaco también la liaba a base de bien. Desde el principio mostró mucho nervio, mucha hambre de escenario, sin parar de elevar su mástil, ni de dar sus solos de la forma más apasionada posible, como le vimos hacer durante la ochentera Broken Heart. Tema que, todo sea dicho, gana muchísimo en directo y con la voz de Judy, que ejercía un dominio absoluto del escenario, con maneras desafiantes y muchísimo aplomo. También los coros sonaron de lujo, tanto por parte de Gabi Bultaco como de su compañero a la guitarra, y eso cuando no se dejaban el espinazo con el headbanging o abriéndose de piernas.

Breve saludo y agradecimiento por parte de la frontwoman, y a piñón fijo con 90 Ways to Die, cambiando ahora a registros más duros. Mucho más peso en las guitarras, y para echar más leña al fuego, Judy no dejaba de acercarse al borde del escenario, poniendo los humos muy subiditos. Mirando hacia su segundo álbum (“Back to the 80s”), rescataban Little Treasure. Excelentes esos detalles de Gaby Rocketz, que percibíamos con toda claridad gracias a la gran ecualización del show, mientras G. Bultaco se dejaba llevar por la emoción, y la peña les acompañaba con palmas. Pero aún más participación hubo en Heaven’s on Fire. Acalorada, Judy se desprendía de su chaqueta, y continuaba en su incansable afán por subir la temperatura, con gestos y ademanes, movimientos no aptos para menores, y en general, pisando fuerte en un escenario que ya había conquistado por completo desde el principio. Pura dinamita de mecha corta, oigan. Tampoco dejaba de pedir coros y gritos entre un público cada vez más metido en la acción. Durante la parte instrumental, con las luces parpadeando a saco, la cantante abandonaba unos segundos el escenario, para volver en la parte final, aunque aquí se encontró con algún problemilla en su micrófono. Traspiés puntual que no cortó para nada el imparable ritmo del concierto.

Judy nos deleitaba, a capela, con conocidos fragmentos de Guns N' Roses (en los que de nuevo volvió a lucir su gran talento vocal), para seguir alimentando el setlist con un temazo de la talla de Queen of Hearts. Ritmo y estribillo que nos pusieron a 100, con Gabi Bultaco bien espatarrado en el centro del escenario, unos tonos de voz muy elevados, y un final en el que Johan demostró su valía machacando sin piedad sus parches. Ni las ganas ni la energía se atenuaban en Feel the Night. Judy volvía a las primeras filas para agacharse y dar rienda suelta a su faceta más caliente e insinuadora, y sin obviar la gran actuación de Gaby Rocketz y César (que se juntaban mano a mano), también pudimos reírnos con las pequeñas bromas que se gastaban entre ellos. Una banda tan en forma, y con tal buen rollo, merece el brillante futuro que, de seguro, tiene por delante. Antes de ir a por la recta final, la vocalista se hacía eco del último trabajo del grupo (“One Last Night”, ¡no lo olvidéis!), recordándonos que estaba disponible en el puesto de merchandising. Y precisamente, fue el tema homónimo, One Last Night, el que continuó la traca.

Una de las más coreadas, arrancaba con ambos guitarristas cruzando sus mástiles y pateando el escenario cara a cara, y terminaba con unos riffs y solos bien petados de wah por parte de Gabi. De por medio, otra espectacular performance de la vocalista, quien mantuvo el fuego bien encendido en todo momento. Y de ninguna forma podía terminar aquel fiestón sin sonar Welcome to the Party, con ese marcado regusto canalla y sleazy, que hizo las delicias de aquellos que no dejaron de cantar entre el respetable. Estribillo facilón, unos cuantos bailes, y Judy llamando al desmadre final, jugueteando con su melena, lanzando miradas de lo más provocativo, y corriendo toda una maratón sobre las tablas. Los constantes guiños entre los músicos reafirmaban el buen clima en la banda, algo que también se reflejó en la peña. Sonando ya los últimos riffs, Judy lanzaba una camiseta de la banda, y el conjunto se despedía entre sonoros aplausos, señal de cuánto habían gustado. Lástima que se dejasen en el tintero dos de mis temas favoritos, Where the dreams come true, y The worst of me, aunque supongo que no encajaban igual que el resto en un setlist tan frenético y directo como el que descargaron.

Aprovechando la ocasión de tener a mano a tantos colegas, a quienes no veo con la frecuencia que desearía, salimos a charlar un rato a las mesas de fuera (algo que me encanta de esta sala), a pesar de que hacía un fresquito que no invitaba demasiado a ello. Unos tragos, unos cigarritos, unas buenas conversaciones de música (como siempre, me llevo deberes para casa)… y para dentro.

Y qué a gusto, porque el clima que se respiraba en el interior de la sala, chocaba diametralmente con el frío de afuera. Nos enfrentábamos a una buena carga de Pölvora a punto de estallar, y si Rocket Queen nos habían dejado ya muy calientes, lo de los valencianos iba a ser una auténtica bomba de destrucción masiva. En cuestión de unos minutos estarían ya sobre el escenario, y como antesala, ahí sonaba esa Do You Remember Rock and Roll Radio? para ir infundiendo ánimos…

Pölvora:

… aunque tampoco lo necesitaban. Porque desde el momento en que pusieron un pie en el escenario, tirando de Hasta que salga el sol, todo estalló de inmediato. Cruces entre guitarras, Rubén (ex-13 Millas) pateando los monitores, José Li reventando la batería… y la salida del inconmensurable Lane Lazy que terminó de ponerlo todo de vuelta y media. La imagen de Izzra y el bajista hombro con hombro fue una de las que más se repetiría aquella noche, y dio paso a Decídete, continuando con el orden establecido en su “Volumen 11”. Tan pronto se despatarraba en medio del escenario, como daba saltos sin parar, Lane (para variar), salió hecho una furia al escenario, mezclando esa suprema elegancia en su atuendo, actitud gamberra, glamur infinito, y un vozarrón por el que parece no pasar el tiempo. Sería uno de los grandes protagonistas en Una vida sin más, bordada también gracias a unos punteos de Álex e Izzra, que sonaban con todo lujo de detalles gracias al inmaculado sonido que presentaba el concierto. Rubén volvía a primera línea de combate, coordinándose de perlas con José, al que aquella noche vi especialmente contento e inspirado, tocando de pie en el último tramo del tema. El show no presentó una curva ascendente de intensidad… sencillamente porque ya empezó en el nivel 11. Al grito de ¡Izzra, dale mecha!, iniciaban la rockera En la guerra, uno de los temas más originales que han compuesto hasta ahora.

La aplastante batería de José sentó esas bases de potencia extra para que Álex, con sus constantes latigazos de espalda, e Izzra, se explayaran a gusto en sus notas, y la caída de rodillas de Lazy al final no fue un descanso, sino una carrerilla para ponerse a saltar como un animal en el siguiente corte. Y aquí llegó, sin duda, una de mis partes favoritas del show, empalmando dos temazos de la talla de Sicarios (“Fuego y Ceniza”) y Carretera (“Volumen 11”) que me volvieron loco, sobre todo esta última, que casi acaba con mis amígdalas. Las guitarras sonaban como un puto volcán, explosivas, afiladas como cuchillas, y el desmelenado pero impecable ritmo marcado por Rubén y José puso a la sala entera a bailar, sin frenos ni complejos. Y la cosa solo iría a más a partir de aquí. El escenario se inundaba de carreras, saltos, actitud y empatía entre los músicos, todo rodaba como la seda, y el potentísimo y pulcro sonido era un regalo para los oídos. Con rasgados muy enérgicos, Izzra ponía el punto de inicio para Verte Caer, al que todos acompañamos con nuestras palmas y mil coreos. La peña estaba muy subida, cada tema nos envalentonaba aún más, y lo mismo se puede decir de los músicos. Lane Lazy, dejando claro que es uno de los mejores frontman y cantantes que tenemos en este puto país, recorría sin tregua el escenario, sorteando a sus compañeros, lanzando patadas al aire y conectando con sus fans a cada paso que daba. Y todo ello, sin fallar una sola nota.

Ya con Dímelo atronando, el cruce de mástiles, ese cara a cara entre Izzra y Álex, fue pura demostración de feeling de un dúo que ha compartido mil y una batallas sobre un escenario, siempre haciendo gala de un talento y una clase superiores. Seguía golpeándonos la batería de José en todo el estómago, y esas irrefrenables ganas de saltar que nos transmitía Lane Lazy se hacían cada vez más patentes. Con Polvo dieron ligera concesión a la melodía, un tema lleno de nostalgia y desengaño que nunca debería faltar en sus setlist. Rotundo 10 para la brillante actuación de Lazy, tanto a nivel vocal como escénico, que proseguiría con La Rueda tras unas palabras de agradecimiento por su parte. Dando cancha a su reciente “Volumen 11”, su contagioso ritmo no tardó en levantar más palmas entre el público, al que Rubén se acercaba cada dos por tres, pellizcando sus cuerdas con mucha firmeza, y mostrando siempre su mejor cara. En un discurso muy conmovedor, y tras colgarse su guitarra por primera y única vez, Lane recordaba a su querida abuela, fallecida pocos días antes. Y qué mejor tema para dedicar a su memoria que la emotiva Ceniza y Vino, tranquilita pero muy apasionada, como es marca de la casa. El sonido más acústico, y los notables coros por parte de Álex, Izzra y Rubén (que no paraba un segundo quieto), le dieron un rollo muy especial.

No tardarían en volver las guitarras sucias de la mano de Orión, que retomó de golpe la cadencia y la electricidad, y Mirar Atrás. Aun cargando con ese dolor, Lazy demostró durante todo el show ser un profesional como la copa de un pino, sin desanimarse, sin venirse abajo, sudando hasta la última gota, y en este caso, lanzando patadas y dando vueltas sobre sí mismo en una rotunda demostración de inagotable energía. La parte instrumental fue de auténtico escándalo, furiosa y distorsionada hasta reventar nuestros tímpanos. No hubo un solo tema, a partir de aquí, que no triunfase a lo bestia. Quémalo fue toda una sorpresa, y la reacción no se hizo esperar. La peña, que ya cantaba hasta los primeros riffs de Álex e Izzra, estalló en un maremágnum de bailes y cánticos ante lo que se convirtió en una muralla de guitarras implacables y de sabor más punk-rockero. No hay tiempo siguió en la línea, con más filigranas escénicas de parte del incombustible Lazy, que nos hacía sudar solo con verle, y ese ‘tres en línea’ que se marcaron Rubén, Izzra y Álex, apoyándose en los monitores, y acercándonos todavía más, si cabe, las potentes vibraciones del tema. Pisaban el acelerador, ya para la recta final, a través de Nada que hacer, y a raíz de lo vivido, no sería descabellado afirmar que fue una de las grandes triunfadoras del setlist.

Dispuesta a quemar hasta la última gota de energía, la sala entera se volcó con la banda al 100%, sin dejar de acompañarles, y con los puños siempre en alto, dando recibimiento, de esta guisa, a Todo al Rojo. Muchísima diversión y desparrame ante nosotros, desde los simpáticos guiños entre Álex y José, hasta las cabriolas que nos regalaba Lane Lazy. Porque si nosotros lo estábamos pasando de locura… ellos todavía más. Nos invitaban a lanzar el último aullido de la noche, ahora sí, con Ciudad de Lobos, el primer single que la banda presentó en sociedad hace ya 3 años. Y hasta el mismo final, hasta la última nota, cabe destacar el increíble ambiente que se adueñó de la Rock City. No sé muy bien cómo explicarlo, pero fue un concierto en el que la conexión entre ambas partes fluyó de un modo muy natural, espontáneo, y cálido, como si el grupo, sin necesidad de abrir la boca, ya tuviese a todo el mundo a sus pies desde el principio, y creo que esos saltos multitudinarios en sus últimos compases, fueron el mejor ejemplo de lo que digo. Si a esto le añadimos unos músicos de sobresaliente alto, unas actuaciones de quitarse el sombrero, un setlist de lo más granado, y un sonido que anduvo muy cerca de la perfección… es difícil pedirle más a una noche de Rock.

Apetecía, al salir de la sala, quedarse charlando un ratillo con los colegas, y despedirse de otros tantos. Afortunadamente, el regreso a casa fue mucho menos tedioso que la venida, y además, nos llevábamos de vuelta unas sensaciones inmejorables, que junto con el dolor de garganta, cuello y rodillas, eran indiscutibles secuelas de haber disfrutado con toda la intensidad posible. Y que sean muchas más como esta las que nos queden por vivir.

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_

The Hammer is the Sign (Hammerfall + Tailgunner, Domingo 18/01/2026, Sala Mamba!, Murcia)

2026-01-20T12:32:00.003+01:00

El inicio de una temporada de conciertos, o se hace a lo grande, o no se hace. Y qué mejor forma de arrancar este 2026, que acudiendo a un buen doblete de fin de semana. El sábado, tuvimos el gustazo de ver en vivo y en directo a Frank Suz y sus Crazy 88’s, uno de los artistas nacionales al que más admiración profeso. Y al día siguiente, nos esperaba otra liada bien gorda, la llegada a nuestro país de la que es, también, una de mis bandas favoritas de todos los tiempos en lo que al más auténtico Heavy Metal se refiere, los legendarios suecos Hammerfall. Dos estilos diametralmente distintos, dos formas muy distintas de entender el amplio abanico de sonidos que ofrece el Rock… y que, personalmente, me siento muy agradecido por poder disfrutar de ambas, sin complejos, y con toda la pasión del mundo. Y ya era hora, joder. Porque si en el 2019 tuve el privilegio de poder estar frente a la formación en dos ocasiones distintas (Leyendas del Rock, y Rock Fest Barcelona), no ha sido desde entonces, siete largos años después, cuando he podido verles de nuevo, ya por octava vez. En esta ocasión, fue la excelente sala Mamba! de Murcia la que acogió tan distinguido evento, esta gira llamada Freedom World Crusade. En unos tiempos un tanto difíciles para el género, en la que los festivales generalistas y salas se llenan cada vez más de bandas gorraplanas, tatuajes mangueros y dilataciones, los incombustibles Hammerfall, vienen a demostrar que siguen siendo uno de los mayores estandartes del Heavy Metal a nivel mundial, y unos inquebrantables defensores de la verdadera fe. Y cuando su martillo hace temblar el suelo, el resto se calla. Una cita ineludible que tuve en el punto de mira desde que fue anunciada.

Eso sí, de no ser porque les guardo tamaña devoción, y por el hecho de que hacía tanto tiempo que no les disfrutaba en vivo, me lo habría pensado más. Y aquí entro (sí, otra vez) a recalcar el desmesurado precio al que se están poniendo a la venta las entradas de conciertos. 45 eurazos por un concierto, se llamen como se llamen (y hablamos de grupos de caché medio), me parece una soberana burrada que ya ronda el elitismo y la segregación de quienes, sencillamente, no podemos llegar a dicho poder adquisitivo. Y lo que me parece más vergonzoso todavía, es que sea la propia promotora quien venda las entradas a través de su web, y lo haga con unos gastos de distribución ridículamente elevados. En fin, que si uno no fuese un adicto incurable a los conciertos… pero eso no quiere decir que vaya a seguir pasando siempre por el aro.

Pero vayamos al grano, porque esta gira, además del cabeza de cartel, traía consigo otro aliciente irresistible: la presencia de los ingleses Tailgunner. Una banda que llevo años deseando ver, y que nunca se me había puesto a tiro hasta esa noche. En 2022, y tras varios singles, sorprendieron a propios y extraños con un EP llamado “Crashdive”, que mostraba unas cualidades enormes, unos temazos de los que se ponen cien veces en bucle, y una mezcla de caña y melodía que, para mi gusto, está en su punto perfecto. Con su primer LP (del año siguiente) “Guns for Hire”, no hicieron sino corroborar que iban a pisar todavía más fuerte. Y ahora, por fin puedo dar fe de que también van a por todas en directo.

Así pues, era imperativo llegar con tiempo de sobra a la capital murciana. Como esta vez fui acompañado por mi chica, decidimos salir temprano para comer allí, y al mismo tiempo, aprovechar para quedar con nuestro amigo Antuán, con quien pasamos una tarde magnífica, llena de interesantes conversaciones.

Nunca había tenido que dar tantas vueltas para aparcar en la Mamba!. Al suculento concierto, hubo que añadir algún tipo de actividad deportiva que hacía que los alrededores de la sala estuvieran asquerosamente masificados, pero por suerte, aun dejando el coche a 10 minutos de allí, todavía llegamos a muy buena hora. Me temía que la sala también estuviese a reventar, pero por suerte, no fue para tanto, ni mucho menos al nivel al que estaba en el pasado concierto de Leprous.

No vi tantas caras conocidas como esperaba, pero sí me encontré, nada más entrar en la sala, con mi amigo David de Almansa. ¡Qué tío más grande! Esto fue ya pocos minutos antes de empezar el tinglado, así que rápidamente nos fuimos a perdernos entre las primeras filas para pasarlo en grande con los teloneros Tailgunner. Ganas, no faltaban.

Tailgunner:

Y para empezar… ¿Hay algo más jodidamente épico que el tema central de Conan para abrir un concierto de Heavy Metal? Con la batería muy adelantada en el escenario, y con el soporte de micro ya resplandeciendo en este, salían a la carga los ingleses, atacando fuerte con Midnight Blitz, uno de sus más recientes cortes, que a su vez dará título a su inminente disco. Un auténtico festín de headbanging, despatarramientos y mástiles elevados, con una energía descomunal y unas guitarras en primera línea que nos dejaron pasmados ya de primeras. El vocalista Craig Cairns se recorría una y otra vez la parte delantera, agachándose y tirando de melenazos, con buenos gritos, y ese espectacular alzamiento de su micrófono, que tenía como base el nombre en grande de la banda. La actitud se demuestra con hechos, y no con palabras, y desde luego, creo que nos lo habían dejado bien claro. El final machacón empalmó con el inicio de White Death, a saco, sin respirar, con mucha coreografía de mástiles, y con un Thomas Hewson al bajo muy subido de humos. No era menor el empeño de Craig, que saltaba y pedía gritos al público, cantando bastante bien para las carreras que daba. Sin tener una voz realmente espectacular, supo llevar el timón del barco con muchísimo aplomo, y un comportamiento ejemplar de lo que debe ser un buen frontman del Heavy Metal, amén de ir completamente ‘forrado’ de cuero, tachuelas y cadenas.

Los saltos, y los fulgurantes movimientos continuaron siendo la constante en Shadows of War, destacando los cabezazos de Thomas, y de su compañera a la guitarra. Para mi sorpresa, no era Rhea Thompson quien la empuñaba, sino nuestra Jara Solís (Hunger, ex –Cobra Spell y Sinner Rage), aunque dada su forma de actuar, parecía llevar toda la vida con ellos. Excelente primer envite, que ahora cortaba por unos segundos Craig para dedicarnos unas palabras de agradecimiento y envalentonarnos todavía más, si cabe. El setlist no solamente se compuso de temas de su “Guns for Hire”. También quisieron mostrarnos cómo se las iba a gastar “Midnight Blitz”, que ahora retomaban por medio de Tears in Rain. Ante un público cada vez más inmerso, el cantante se defendía bien en tonos medios, y a la batería, el italiano Eddie Mariotti (otra reciente incorporación), parecía ir al trote sobre el asiento de su batería, haciendo temblar la estructura con cada golpe. Sin querer salir de los registros más heavys, ni de su próximo lanzamiento, Barren Lands & Seas of Red fue una de las que más me gustó. Y parece que muchos pensaron así, a tenor de las manos levantadas y la colaboración que ofrecieron, al tiempo que la banda, ante unos flashes enloquecidos, tiraban a muerte de molinillos y cambios de posición. Respiro para una introducción disparada, y de nuevo a la carrera con Eulogy. En el momento de su lanzamiento, la banda reconoció que, al igual que Tears in Rain es un homenaje a la obra Blade Runner, esta se inspira en sus grandes referentes como Blind Guardian o Helloween.

Desde luego, en su inicio es fácil reconocer la inspiración del If I Could Fly, pero aquí acaban las comparaciones, porque el tema es un auténtico tifón de doble pedal y guitarras dobladas. Desde el momento de apertura por parte del batería, pusieron la sala del revés con mucha, mucha caña burra, y en un momento dado, Jara y Zach Salvini se marcaron un solo mano a mano, que culminó este último hacha. Los chorros de humo y la espectacularidad en la batería, dieron paso a unos coros a los que contribuimos todos sin dejar de agitar el cuello. Llegaba el momento del adiós (el concierto empezó unos minutos antes de lo previsto) con un auténtico morterazo de la talla de Guns for Hire, una de mis grandes favoritas. Muy emocionada, Jara se arrimaba a saltos hasta primera línea, formando un equipo muy sólido junto a Zach, quien demostró ser un virtuoso de la hostia, y esas idas de olla por parte de Thomas Hewson (que se volvió literalmente loco en sus primeros compases) dejaban claro que querían despedirse a lo grande, atrapando al público con esos coreos y terminando con un estruendo brutal. Por poner un par de ‘peros’, diría que la tocaron a un ritmo demasiado acelerado, lo que para mí le restó algo de ‘groove’, y se detuvieron excesivamente a pedir el apoyo del respetable. Por lo demás, mi más sincero aplauso para ellos. Porque la energía que destilan, y esos temazos que se sacan de la manga, les pronostican un futuro brillante.

Finalmente, la sala no acabó por llenarse tanto como pensaba. El grueso de gente ya estaba durante la actuación de Tailgunner (algo que me alegró), y durante la actuación de estos, nos encontramos bastante cómodos y sin demasiados agobios. Decidimos, pues, salir a echar un pitillo exprés para afrontar la gran batalla final, y nunca mejor dicho. La peña no formaba un bloque de hormigón, como en otras ocasiones, y al volver pudimos ocupar un sitio con buena visibilidad, algo que, gracias la configuración de la sala, tampoco fue complicado.

Hammerfall:

Todavía tuvimos que esperar un buen rato al comienzo, que dadas las ganas acumuladas y la emoción del momento, se nos hizo bastante largo. Pero tras sonar la intro, inmediatamente pudimos dar rienda suelta a nuestro desfogue con Avenge the Fallen, ya a todo volumen. Viniendo de una banda tan rabiosament enérgica (y joven) como Tailgunner, la edad se notaba en los movimientos de los músicos, pero no se puede negar que Hammerfall siempre ha sido una banda que se emplea a fondo desde el primer tema. Poco a poco se iban adueñando del escenario con continuo headbanging y ademanes con los instrumentos, amparados por un sonido muy pesado, muy heavy, que además, gozó de un equilibrio perfecto durante todo el show. Con temas como este, es fácil despertar la colaboración del respetable, pero todavía más si luego te sueltan en toda la cara una poderosa Heeding the Call, con el incomparable Joacim Cans pateando y despatarrándose en el centro del escenario, la batería de David Wallin martilleando sin piedad, y ese virtuoso Oscar Dronjak pulsando las cuerdas por delante del mástil en el solo. Sinceramente, con este tema me ganaron de lleno, el que fue mi favorito de su carrera durante mucho tiempo. Y no fui el único. Los gritos de ¡¡eh, eh!! empezaron a brotar sin pedirlos, y el ambiente se caldeaba a un ritmo exponencial. Cada vez más voces surcando el aire. Cada vez más puños en alto pidiendo guerra, y Any Means Necessary nos llevó un paso más allá.

Sin ser de mis preferidas, reconozco que funciona como un tiro en directo, fortalecida por los contundentes punteos de bajo de Fredrik Larsson, y enaltecida por esos contorsionismos que nos regalaba Oscar Dronjak. Este último, junto a su compañero al hacha, fueron unos de los grandes nombres del concierto. Los gritos de Hammerfall, fuertes e incesantes, eran señal inequívoca de triunfo, incluso en esta etapa tan temprana. Seguida de su propia intro, arrasaba ahora Hammer of Dawn, único tema que sonó del disco de idéntico título. Las bases, sólidas y mortíferas, encauzaban los riffs y solos de Pontus y Oscar, que se acercaban y alternaban posiciones en primera fila, destacando ese alucinante modelo de guitarra / martillo que portaba este último. Era el Martillo de la Justicia, que estaba haciendo retumbar la Mamba! hasta sus cimientos. Y no pararía ahí la cosa, ni por asomo. Tirando aún de su etapa más reciente, Freedom puso a las claras que no son pocos los fans de su último trabajo. Las guitarras redoblaban como el trueno, así como los coros, bien ejecutados por Fredrik, que se erguía en la plataforma trasera con su bajo de cinco cuerdas. El final fue completamente nuestro, coreando esas últimas notas de su melodía. Joacim se mostraba cada vez más suelto, y he de añadir que fue una de las mejores actuaciones vocales que le he visto dar. Tampoco le costó demasiado conquistarnos, ya que existía bastante predisposición a ello.

Y es que claro, con trallazos de la talla de Renegade… a ver quién es el guapo que se resiste a rendirles pleitesía. La sala era ahora un verdadero mar de puños en alto, cantando a todo pulmón su estribillo, y dejándose el puto cuello en cada riff. Mientras Pontus Norgren se flipaba con el solo, Joacim rasgaba las cuerdas de Oscar con su propia púa. Detalles así, de buen rollo y cercanía entre ellos, hubo unos cuantos en el concierto. Y eso también motiva mogollón. La siguiente, para mí, protagonizó uno de los momentos más intensos de la noche. Ese jodido himnazo llamado Hammer High, de los que te hacen levantar la cabeza y el orgullo hasta el techo, sonó absolutamente atronador. El vocalista estuvo de lujo, llegando muy bien a todo, saltando y gesticulando de forma teatral, sintiendo cada nota como si fuese la última. Uno de los pipas, salió al escenario para entregar a Oscar OTRA guitarra con forma de martillo, que este sostuvo en alto. Pero sin duda, lo mejor fue el final, con los cuatro músicos en línea, al borde del escenario, entonando junto a nosotros el estribillo a capela, como una oración sagrada, como un devoto rezo al venerable Martillo de la Verdad, del auténtico Heavy Metal. O dicho de otro modo: los putos pelos como escarpias. Mira que les he visto veces, pero en pocas les he disfrutado como aquella noche. Inmediatamente, Last Man Standing fue otro triunfo rotundo.

Casi antes del que el cantante abriese la boca, cien voces se le adelantaban con el estribillo, destacando nuevamente en ella ese infranqueable muro de guitarras que formaban Oscar y Pontus. Pero a mí me gustó aún más Fury of the Wild, que me golpeó por sorpresa, y además, empalmada con la anterior, para no perder un solo segundo. Muy bien encajadas esas armonías a tres voces, por parte de ambos guitarristas y Fredrik, mientras el doble pedal de David nos llegaba hasta el pecho. Las plataformas laterales de la batería dieron mucho juego escénico, y los músicos subían y bajaban de ellas constantemente, favoreciendo la agilidad visual del concierto. A continuación, turno del medley, que basaron en su quinto trabajo (un disco que me encanta especialmente, por cierto). La primera parte del The Templair Flame dio paso a los poderosos riffs de Bloodbound, para pasearse por Hammer of Justice y su solo, el de Secrets, el aplastante inicio de Knights of the 21st Century, y regresando a los coros del primero, que interpretó Joacim Cans tras una breve ausencia que dio protagonismo al lucimiento de los músicos. La verdad es que no fue nada realmente especial, pero siempre es un placer poder escuchar esos temas (o parte de ellos) en directo. No se hizo de esperar una nueva tanda de gritos de ¡Hammerfall! ¡Hammerfall!, esta vez aún más fuertes y sentidos, señal inequívoca de cuánto estábamos disfrutando.

La verdad es que se estaban marcando un conciertazo de auténtica reverencia, aun faltando muchos clásicos. Con un Stronger than All, un Steel Meets Steel, o un Riders of the Storm, habrían entrado de lleno en un sobresaliente todavía más rotundo, pero el setlist elegido, y la respuesta que tuvo, también es una clara muestra de que la banda ha mantenido un buen ritmo a la hora de seguir pariendo himnos que perduran. Codo con codo, Joacim y Oscar dominaban las primeras filas al sonar los primeros acordes de Let the Hammer Fall, ahora sí, un clasicazo en toda regla que marcaba el principio del fin, pero al mismo tiempo, el comienzo de la parte más intensa. Me encantaron esas coreografías de mástiles que la banda realizo durante todo el concierto, en grupo o por separado, algo tan ‘marca de la casa’ como los prominentes coros, o los estribillos que te hacen gritar puño en alto casi sin quererlo. Las primeras notas disparadas de Glory to the Brave, levantaron tal emoción en toda la sala, que casi se podía palpar con los dedos. Con el corazón en un puño, las letras nos salían solas acompañando a Joacim, comedido en las partes más difíciles, pero poniéndole mucho sentimiento al asunto. Cabezas y mástiles en alto, los músicos formaban un escuadrón en primera línea de ataque que hizo del momento algo todavía más épico, si eso es posible. Casi tanto como con la siguiente The End Justifies… pero esta vez, en clave mucho más trallera, con un atosigador doble bombo a toda hostia que nos puso a caldo. Joacim dio el callo en ella, una de sus mejores ejecuciones, y Oscar se acercaba hasta nosotros para fliparnos con su vertiginoso solo.

Permitiéndose un respiro, el vocalista presentaba a sus compañeros, muy divertido y bromista, preguntándose para qué querrían a Yngwie Malmsteen cuando tienen a Pontus Norgren. Muy cachondo el tío, jejeje. (We Make) Sweden Rock se ha convertido, desde su salida, en una fija de sus setlists. Presentándola muy orgulloso, Cans se arrancó en seguida con unos saltos hacia adelante y hacia atrás, cogiendo el micro con energías renovadas, con mucha hambre de escenario, y transmitiéndonos su energía para hacernos cantar ese estribillo tan facilón. Al mismo tiempo, ondeaba una gran bandera de Suecia, y sus compañeros iban y venían por las plataformas, todavía con reservas de energía especialmente patentes en los movimientos y arqueos de Oscar. Mirando por última vez hacia su “Avenge the Fallen”, regresaban las melodías y los coros más desenfrenadamente épicos con Hail to the King, un tema que respira clasicismo y un estilo 100% batallero, 100% Manowar, y 100% auténtico Heavy Metal, como no podría (ni debería) ser de otro modo. Muy divertido el detalle de ver a Oscar ‘ayudando’ a su compañero David Wallin, golpeando uno de sus platos con las mazas. Y no menos hilarante fue el último discurso de Joacim, dándonos a escoger entre escucharle a él hablando durante 5 minutos, o un último corte. Evidentemente, escogimos la segunda opción, y más sabiendo que esa Hearts on Fire iba a dejar la Mamba! hecha cenizas. Dándose un atracón de shredding, Pontus ponía toda la carne en el asador acercándose hasta nosotros, que nos dejábamos la garganta, y Oscar de deshacía en gestos, headbanging y alardes, sudando hasta la última gota en ello, como el resto de los músicos, para que el impacto final fuese aún más demoledor.

Con un gran clamor de reverencias y ovaciones, el concierto tocaba a su fin, pero todavía nos llevaríamos una buena alegría antes de abandonar la sala. Dimos una vuelta por el puesto del merchandising, más que nada, por mera curiosidad… porque vamos, ni de puta coña pago yo 35 pavos por una camiseta de manga corta, sea de quien sea. No obstante, algo nos llamó mucho la atención, y antes de darnos el piro, vimos que también había a la venta unas ‘bolsas sorpresa’, cerradas y ordenadas por tallas, que contenían 3 camisetas random cada una… ¡por 25 euros el pack! Así, sí. Y además, nos tocaron unos modelos cantidad de guapos.

En los tiempos que corren, y con el desorbitado precio de las entradas, no todos los conciertos son dignos de merecer semejante desembolso. Afortunadamente, al menos en mi opinión, el de este domingo estuvo a la altura, y de qué manera. Tratándose de una de mis eternas bandas favoritas de Heavy Metal tampoco esperaba menos, pero lo cierto es que, haciendo tanto tiempo que no les veía en acción, incluso superaron mis expectativas. Los músicos brillaron a gran nivel, hubo mucha pasión, entrega y una actitud gigantesca, el ritmo fue vibrante y muy bien compensado, el setlist fantástico, hora y media de concierto que aunó viejos clásicos y nuevos himnos, y el público estuvo volcadísimo con ellos de principio a fin. El sonido, si acaso faltando un puntito más de volumen (para mi gusto), fue muy contundente y perfectamente ecualizado. Salimos del concierto sudando a mares, con las vértebras hechas papilla, y con la adrenalina por las nubes. Y para colmo, con tres camisetas bien chulas y a buen precio. Pregunto yo, ¿se puede pedir algo más? Difícilmente. Ojalá no tengan que pasar 7 años más para volver a tener otra dosis de mis idolatrados Hammerfall.

Gloria a los valientes. Gloria a todas aquellas bandas que, ignorando modas y tendencias, nunca han vendido su alma ni su estilo, y se han mantenido siempre en el camino recto, el de la fe absoluta en la autenticidad y la constancia.

Que el Martillo de la Justicia siga atronando eternamente.
Larga vida a los Templarios de Acero…
¡¡Y muerte al falso Metal!!

_|,,| JaviMetal (Is The Law) |,,|_