locosporincordiar© 2026 locosporincordiar https://www.ivoox.com/podcast-explorando-versiones_sq_f12414315_1.htmlExplorando versiones es un podcast musical creado por Locos por Incordiar. En cada capítulo abordaremos una canción mítica de la música contemporánea, presentando las versiones que se han hecho de ella a lo largo de la historia.es-ESiVooxhttps://static-2.ivoox.com/canales/7/b/e/1/7be1e517977c4535ece0d9220f6c95b8_XXL.jpghttps://www.ivoox.com/podcast-explorando-versiones_sq_f12414315_1.htmlnoepisodicGracias por visitar Explorando Versiones. Un podcast nacido de Locos por Incordiar en el que hablaremos de canciones míticas de la música contemporánea.Gracias por visitar Explorando Versiones. Un podcast nacido de Locos por Incordiar en el que hablaremos de canciones míticas de la música contemporánea.locosporincordiar@outlook.comlocosporincordiarhttps://www.ivoox.com/89-explorando-versiones-surfin-bird-audios-mp3_rf_169214955_1.htmlFri, 27 Feb 2026 07:57:49 +010020:49202689fullhttps://www.ivoox.com/169214955locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola, soy Francisco y hoy en Explorando Versiones nos sumergimos en las olas del Surf Rock con una canción que ha marcado una época y ha dejado su huella a lo largo del tiempo. Hoy hablamos del tema “Surfin' Bird” del grupo The Trashmen. Lanzada en 1963, la canción no solo alcanzó un puesto destacado en la lista de éxitos, sino que ha sido versionada en numerosos géneros y formatos a lo largo de los años. THE RIVINGTONS Y SUS CANCIONES Pero antes de adentrarnos en esta canción, es esencial conocer sus raíces. Las influencias de “Surfin' Bird” provienen de dos canciones icónicas del grupo The Rivingtons. The Rivingtons fue un grupo formado en Los Ángeles en la década de 1950, una época dorada para el R&B y el doo-wop. Este grupo vocal afroamericano destacó por sus armonías y ritmos contagiosos, que marcaron una diferencia significativa en la música popular de la época. THE RIVINGTONS - PAPA-OOM-MOW-MOW: https://www.youtube.com/watch?v=AnW2WNHiTPw Esta primera canción, “Papa-Oom-Mow-Mow”, lanzada en 1962, es quizás el tema más emblemático de The Rivingtons y se caracteriza por su coro repetitivo y sin sentido, un sello distintivo que la hizo destacar. Aunque no fue un gran éxito comercial en su lanzamiento, “Papa-Oom-Mow-Mow” capturó la esencia del doo-wop con una energía y una vitalidad que la hicieron muy popular en la escena musical de la época. El impacto fue tal que su influencia se extendió más allá del R&B. Su estilo vocal y su ritmo animado ayudaron a allanar el camino para la fusión de géneros que The Trashmen explorarían más tarde. THE RIVINGTONS - THE BIRD'S THE WORD: https://www.youtube.com/watch?v=-gJtCU0G2Is Esta segunda canción, “The Bird's the Word”, fue lanzada en 1963, un año después de “Papa-Oom-Mow-Mow”. Aunque no alcanzó la misma fama, la canción mantendría el tono alegre y repetitivo característico del grupo. Su estribillo, “The Bird's the Word”, es una frase que se repetía constantemente, lo que la hacía igualmente pegajosa y memorable. EL NACIMIENTO DE “SURFIN' BIRD” THE TRASHMEN - SURFIN' BIRD: https://www.youtube.com/watch?v=Qgmh0BjLKVM Pero volvamos a la canción de la que hablamos hoy. La historia de “Surfin' Bird” comienza cuando The Trashmen, una banda surfera originaria de Minneapolis, descubrió las canciones de The Rivingtons. El grupo comenzó a experimentar mezclando ambas canciones en vivo, combinando la energía frenética de la primera con el estribillo pegadizo de la segunda hasta crear una nueva versión enérgica llamada 'Surfin' Bird'. El resultado fue una mezcla vibrante y emocionante que resonó con el público. La banda decidió grabar esta fusión como sencillo creando una pieza musical única que rápidamente se convirtió en un éxito. “Surfin' Bird” se lanzó como sencillo en 1963 y alcanzó el cuarto lugar en la lista Billboard Hot 100. La canción destacó por su ritmo enérgico, su coro repetitivo y su estilo surfero característico. La combinación de estos elementos la convirtió en un éxito instantáneo, convirtiendo a The Trashmen en un referente imprescindible del sonido de los años sesenta. Pero el éxito de “Surfin' Bird” no pasó desapercibido para The Rivingtons, quienes notaron la evidente similitud con sus propias canciones. Y claro está, la banda demandó a The Trashmen por infracción de derechos de autor, lo que llevó a un acuerdo en el que The Trashmen acordaron dar crédito a The Rivingtons como coautores de la canción. THE RAMONES: https://www.youtube.com/watch?v=V_48Qz_Oj6g La influencia de “Surfin' Bird” se ha mantenido en una variedad de versiones musicales a lo largo de las décadas. Comenzaremos hablando de la versión que hicieron los Ramones. En 1977, los Ramones incluyeron “Surfin' Bird” en su álbum Rocket to Russia. Esta versión de los Ramones es conocida por su energía frenética y su adaptación al estilo punk de la banda y ayudó a mantener la canción viva en la cultura musical de finales de los años 70. THE CRAMPS: https://www.youtube.com/watch?v=n9-HJu6osew Un año después, en 1978, The Cramps, pioneros del psychobilly, incluyeron su versión de “Surfin' Bird” en el álbum Gravest Hits. La interpretación de The Cramps es más oscura y retorcida, alineándose con el estilo único y surrealista del grupo. Esta versión, que combina elementos del punk con influencias del rockabilly y el horror, le da un toque de misterio y oscuridad a la canción original, mostrando la flexibilidad de “Surfin' Bird” para adaptarse a diferentes estilos musicales. SKIANTOS: https://www.youtube.com/watch?v=7wLg6puVoMo En 1979, la banda italiana Skiantos, conocida por su “rock demencial”, versionó “Surfin' Bird” en su álbum Kinotto. La interpretación de Skiantos mantiene la esencia frenética de la canción original, pero le añade un toque de humor absurdo y provocador, adaptándola a su estilo único, dándole una nueva dimensión al tema, demostrando cómo el humor y la sátira pueden transformar una canción clásica. APARICIONES EN PELÍCULAS Y SERIES PEE-WEE HERMAN EN BACK TO THE BEACH: https://www.youtube.com/watch?v=l8zuNRNdWqw Pero “Surfin' Bird” no solo ha sido versionada musicalmente, sino que también ha hecho numerosas apariciones en películas y series de televisión. Estas inclusiones han ayudado a mantener la canción relevante y han contribuido a su estatus como ícono cultural. En 1987, Pee-wee Herman interpretó “Surfin' Bird” en la película Back to the Beach, un vibrante homenaje al surf rock de los 60 protagonizado por Frankie Avalon y Annette Funicello. Con su característico humor excéntrico, Pee-wee aportó un toque cómico y refrescante a la canción. Su participación añade una capa adicional de diversión a la cinta, funcionando como un nostálgico reencuentro con los días dorados de la cultura playera. LA CHAQUETA METÁLICA: https://www.youtube.com/watch?v=5MNZSCrcC04 La aparición de “Surfin' Bird” en la banda sonora de la película La Chaqueta Metálica, dirigida por Stanley Kubrick en 1987, introdujo el tema a una nueva generación y consolidó aún más su estatus como símbolo cultural. La canción se utiliza de manera irónica durante una escena en la que se muestra a soldados estadounidenses en la Guerra de Vietnam desde un punto de vista de reporteros de guerra. La elección de esta canción, con su ritmo frenético y letra absurda, contrasta con el ambiente violento de la guerra, algo característico del estilo de Kubrick, quien solía utilizar música de manera irónica para enfatizar la disonancia entre la acción en pantalla y la banda sonora. PETER GRIFFIN EN PADRE DE FAMILIA CANTA "SURFIN' BIRD": https://www.youtube.com/watch?v=wsVGiBV2MM0 En los dibujos animados Padre de Familia, Peter Griffin ha convertido 'Surfin' Bird' en un fenómeno viral. Al incluir esta canción como un gag recurrente, la serie ha servido como un puente generacional, asegurando que el pegajoso ritmo de The Trashmen siga vigente en el actual imaginario colectivo. Gracias al episodio "Sueño con Jesucristo", donde Peter se obsesionaba por primera vez con este tema, la canción volvió a entrar en las listas de éxitos en varios países en 2008 e incluso hubo una campaña masiva en Reino Unido para llevarla al número 1 en la navidad en 2010. CONCLUSIÓN Desde su creación, “Surfin' Bird” ha sido reinterpretada y utilizada en diversos contextos, demostrando su versatilidad y atractivo duradero. La canción ha pasado de ser un éxito de surf en los años 60 a convertirse en un ícono cultural, con versiones musicales y apariciones en medios que han mantenido su relevancia a lo largo de las décadas. Gracias por acompañarme en este episodio de “Explorando Versiones” y nos vemos en el próximo. Un abrazo.locosporincordiarHola, soy Francisco y hoy en Explorando Versiones nos sumergimos en las olas del Surf Rock con una canción que ha marcado una época y ha dejado su huella a lo largo del tiempo. Hoy hablamos del tema “Surfin' Bird” del grupo The Trashmen. Lanzada en 1963, la canción no solo alcanzó un puesto destacado en la lista de éxitos, sino que ha sido versionada en numerosos géneros y formatos a lo largo de los años. THE RIVINGTONS Y SUS CANCIONES Pero antes de adentrarnos en esta canción, es esencial conocer sus raíces. Las influencias de “Surfin' Bird” provienen de dos canciones icónicas del grupo The Rivingtons. The Rivingtons fue un grupo formado en Los Ángeles en la década de 1950, una época dorada para el R&B y el doo-wop. Este grupo vocal afroamericano destacó por sus armonías y ritmos contagiosos, que marcaron una diferencia significativa en la música popular de la época. THE RIVINGTONS - PAPA-OOM-MOW-MOW: https://www.youtube.com/watch?v=AnW2WNHiTPw Esta primera canción, “Papa-Oom-Mow-Mow”, lanzada en 1962, es quizás el tema más emblemático de The Rivingtons y se caracteriza por su coro repetitivo y sin sentido, un sello distintivo que la hizo destacar. Aunque no fue un gran éxito comercial en su lanzamiento, “Papa-Oom-Mow-Mow” capturó la esencia del doo-wop con una energía y una vitalidad que la hicieron muy popular en la escena musical de la época. El impacto fue tal que su influencia se extendió más allá del R&B. Su estilo vocal y su ritmo animado ayudaron a allanar el camino para la fusión de géneros que The Trashmen explorarían más tarde. THE RIVINGTONS - THE BIRD'S THE WORD: https://www.youtube.com/watch?v=-gJtCU0G2Is Esta segunda canción, “The Bird's the Word”, fue lanzada en 1963, un año después de “Papa-Oom-Mow-Mow”. Aunque no alcanzó la misma fama, la canción mantendría el tono alegre y repetitivo característico del grupo. Su estribillo, “The Bird's the Word”, es una frase que se repetía constantemente, lo que la hacía igualmente pegajosa y memorable. EL NACIMIENTO DE “SURFIN' BIRD” THE TRASHMEN - SURFIN' BIRD: https://www.youtube.com/watch?v=Qgmh0BjLKVM Pero volvamos a la canción de la que hablamos hoy. La historia de “Surfin' Bird” comienza cuando The Trashmen, una banda surfera originaria de Minneapolis, descubrió las canciones de The Rivingtons. El grupo comenzó a experimentar mezclando ambas canciones en vivo, combinando la energía frenética de la primera con el estribillo pegadizo de la segunda hasta crear una nueva versión enérgica llamada 'Surfin' Bird'. El resultado fue una mezcla vibrante y emocionante que resonó con el público. La banda decidió grabar esta fusión como sencillo creando una pieza musical única que rápidamente se convirtió en un éxito. “Surfin' Bird” se lanzó como sencillo en 1963 y alcanzó el cuarto lugar en la lista Billboard Hot 100. La canción destacó por su ritmo enérgico, su coro repetitivo y su estilo surfero característico. La combinación de estos elementos la convirtió en un éxito instantáneo, convirtiendo a The Trashmen en un referente imprescindible del sonido de los años sesenta. Pero el éxito de “Surfin' Bird” no pasó desapercibido para The Rivingtons, quienes notaron la evidente similitud con sus propias canciones. Y claro está, la banda demandó a The Trashmen por infracción de derechos de autor, lo que llevó a un acuerdo en el que The Trashmen acordaron dar crédito a The Rivingtons como coautores de la canción. THE RAMONES: https://www.youtube.com/watch?v=V_48Qz_Oj6g La influencia de “Surfin' Bird” se ha mantenido en una variedad de versiones musicales a lo largo de las décadas. Comenzaremos hablando de la versión que hicieron los Ramones. En 1977, los Ramones incluyeron “Surfin' Bird” en su álbum Rocket to Russia. Esta versión de los Ramones es conocida por su energía frenética y su adaptación al estilo punk de la banda y ayudó a mantener la canción viva en la cultura musical de finales de los años 70. THE CRAMPS: https://www.youtube.com/watch?v=n9-HJu6osew Un año después, en 1978, The Cramps, pioneros del psychobilly, incluyeron su versión de “Surfin' Bird” en el álbum Gravest Hits. La interpretación de The Cramps es más oscura y retorcida, alineándose con el estilo único y surrealista del grupo. Esta versión, que combina elementos del punk con influencias del rockabilly y el horror, le da un toque de misterio y oscuridad a la canción original, mostrando la flexibilidad de “Surfin' Bird” para adaptarse a diferentes estilos musicales. SKIANTOS: https://www.youtube.com/watch?v=7wLg6puVoMo En 1979, la banda italiana Skiantos, conocida por su “rock demencial”, versionó “Surfin' Bird” en su álbum Kinotto. La interpretación de Skiantos mantiene la esencia frenética de la canción original, pero le añade un toque de humor absurdo y provocador, adaptándola a su estilo único, dándole una nueva dimensión al tema, demostrando cómo el humor y la sátira pueden transformar una canción clásica. APARICIONES EN PELÍCULAS Y SERIES PEE-WEE HERMAN EN BACK TO THE BEACH: https://www.youtube.com/watch?v=l8zuNRNdWqw Pero “Surfin' Bird” no solo ha sido versionada musicalmente, sino que también ha hecho numerosas apariciones en películas y series de televisión. Estas inclusiones han ayudado a mantener la canción relevante y han contribuido a su estatus como ícono cultural. En 1987, Pee-wee Herman interpretó “Surfin' Bird” en la película Back to the Beach, un vibrante homenaje al surf rock de los 60 protagonizado por Frankie Avalon y Annette Funicello. Con su característico humor excéntrico, Pee-wee aportó un toque cómico y refrescante a la canción. Su participación añade una capa adicional de diversión a la cinta, funcionando como un nostálgico reencuentro con los días dorados de la cultura playera. LA CHAQUETA METÁLICA: https://www.youtube.com/watch?v=5MNZSCrcC04 La aparición de “Surfin' Bird” en la banda sonora de la película La Chaqueta Metálica, dirigida por Stanley Kubrick en 1987, introdujo el tema a una nueva generación y consolidó aún más su estatus como símbolo cultural. La canción se utiliza de manera irónica durante una escena en la que se muestra a soldados estadounidenses en la Guerra de Vietnam desde un punto de vista de reporteros de guerra. La elección de esta canción, con su ritmo frenético y letra absurda, contrasta con el ambiente violento de la guerra, algo característico del estilo de Kubrick, quien solía utilizar música de manera irónica para enfatizar la disonancia entre la acción en pantalla y la banda sonora. PETER GRIFFIN EN PADRE DE FAMILIA CANTA "SURFIN' BIRD": https://www.youtube.com/watch?v=wsVGiBV2MM0 En los dibujos animados Padre de Familia, Peter Griffin ha convertido 'Surfin' Bird' en un fenómeno viral. Al incluir esta canción como un gag recurrente, la serie ha servido como un puente generacional, asegurando que el pegajoso ritmo de The Trashmen siga vigente en el actual imaginario colectivo. Gracias al episodio "Sueño con Jesucristo", donde Peter se obsesionaba por primera vez con este tema, la canción volvió a entrar en las listas de éxitos en varios países en 2008 e incluso hubo una campaña masiva en Reino Unido para llevarla al número 1 en la navidad en 2010. CONCLUSIÓN Desde su creación, “Surfin' Bird” ha sido reinterpretada y utilizada en diversos contextos, demostrando su versatilidad y atractivo duradero. La canción ha pasado de ser un éxito de surf en los años 60 a convertirse en un ícono cultural, con versiones musicales y apariciones en medios que han mantenido su relevancia a lo largo de las décadas. Gracias por acompañarme en este episodio de “Explorando Versiones” y nos vemos en el próximo. Un abrazo.https://www.ivoox.com/88-explorando-versiones-siniestro-total-versiones-audios-mp3_rf_168748417_1.htmlFri, 20 Feb 2026 08:26:27 +010037:53202688fullhttps://www.ivoox.com/168748417locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noSiniestro Total (capítulo 1) MIAMI VICE THEME: https://www.youtube.com/watch?v=dEjXPY9jOx8 En los 80, mientras que Madrid vivía obsesionada con la Movida, en Galicia estaba pasando algo bastante más interesante. Lejos del centralismo y con mucho sentido del humor, empezó a surgir una escena que mezclaba punk, cultura popular y gamberrismo sin complejos. De ese caldo de cultivo nació Siniestro Total: un grupo capaz de convertir cualquier pamplina en una canción de culto. Fue una nueva forma de mirar la vida con ironía, sarcasmo y humor absurdo. Y si algo hacían como nadie era coger canciones ajenas, pasarlas por la trituradora y sacarlas como si siempre hubieran sido suyas. Ya sabéis que soy muy fan, y era cuestión de tiempo dedicarles un programa. Soy Francisco, y esto es… Explorando Versiones de Siniestro Total (Volumen 1). THE LIFE AND SOUL OF THE PARTY — HOY VOY A ASESINARTE THE LIFE AND SOUL OF THE PARTY — PETULA CLARK The Life and Soul of the Party (Petula Clark): https://www.youtube.com/watch?v=9p2UarqccsY Para abrir este repaso nos remontaremos a 1964, cuando apareció la primera versión de The Life and Soul of the Party, lanzada por el trío vocal femenino británico The Debs. Un par de años más tarde la popularizó la también británica Petula Clark en su disco “My love” publicado en 1966. En aquellos años Petula era la reina del pop, y el tema se convirtió en un pequeño himno de fiestas de salón, con sofás de terciopelo y cócteles con sombrillita. Ella la cantaba con tal dulzura que te hacía querer comprarte un juego de té para servirlo con puntualidad británica a las cinco de la tarde. SINIESTRO TOTAL — HOY VOY A ASESINARTE Hoy voy a asesinarte - (¿Cuándo se come aquí? - 1982): https://www.youtube.com/watch?v=KAtqj-vLMwo Pero entonces llega Siniestro Total. En su debut ¿Cuándo se come aquí?, publicado en 1982, deciden que a esa melodía tan mona le falta un poco de sangre y convierten la idea de “ser el alma de la fiesta” en Hoy voy a asesinarte. Transforman la versión original en un monólogo punk sobre la infidelidad y los celos extremos. Pasan de tomar gin-tonic con el meñique levantado a un plan de asesinato como solución doméstica al problema de la cornamenta ósea del protagonista. La letra del tema es tan exagerada que el narrador acaba siendo un pobre tipo ridículo y no un villano. No tratan de justificar nada, mas bién poner en evidencia, desde el humor negro, una reacción tan desproporcionada como absurda. O TREN O TREN — ANDRÉS DO BARRO O tren (Andrés Do Barro): https://www.youtube.com/watch?v=Pyp3jylc9JE El siguiente tema que os traigo es: “O tren”, de Andrés do Barro, una de las canciones más emblemáticas de la música gallega. Este tema aparece en 1970 en el primer LP del cantante ferrolano titulado “Me llamo Andrés Lapique do Barro”, un disco histórico por ser la primera grabación en gallego que consiguió éxito comercial en plena dictadura, cuando cantar en tu lengua materna era casi un acto subversivo. “O tren” es su gran clásico: una mezcla de folk, música melancólica y una enorme carga simbólica. O TREN — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - O tren (El Regreso - 1983): https://www.youtube.com/watch?v=k-tn3CiHkIA ¿Y qué hace Siniestro en su segundo disco El Regreso, publicado en 1983? Pues lo que nadie esperaba: ¡ser respetuosos! Bueno, a su manera. No parodian la canción, pero le meten el motor de un AVE al tren de vapor original. Mantienen la melancolía pero la envuelven en una energía eléctrica que te hace querer pegar saltos dentro del vagón. Esta versión es un homenaje sin retintín, lo cual en Siniestro es casi una excentricidad. DO THE MUTILATION — OPERA TU FIMOSIS DO THE MUTILATION — THE REVILLOS Do the mutilation (The Revillos): https://www.youtube.com/watch?v=2DhKkQ37Sjg Los escoceses The Revillos eran unos bichos raros de la New Wave. Estética de serie B, peinados imposibles y un sonido que parecía sacado de un tebeo de ciencia ficción de los años 50. El tema "Do the Mutilation" aparece por primera vez en la cara B del single "Motorbike Beat" publicado en 1980. Y su letra juega con temas relacionados con monstruos de películas de serie B, ciencia ficción y mutilaciones de manera cómica. OPERA TU FIMOSIS — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Opera tu fimosis (El Regreso - 1983): https://www.youtube.com/watch?v=5slEKyHR5x8 Pero Siniestro escuchó "mutilación" y pensó: Demasiado genérico, vamos a llevar esto al terreno de la cirugía. Y así nace "Opera tu fimosis". Es, probablemente, la canción más didáctica del punk español y consiguen que una intervención en una zona tan delicada suene como algo que quieras bailar en una boda. Aquí entras en la consulta de un médico charlatán que te recomienda operarte sin pensarlo demasiado, con un martillo en una mano y un serrucho en la otra, mientras tú le gritas que, por el bien de los dos, mejor no os hagáis daño mutuamente. De esto no tengo pruebas, pero tampoco dudas. SWEET HOME ALABAMA — MIÑA TERRA GALEGA SWEET HOME ALABAMA — LYNYRD SKYNYRD Sweet home Alabama (Lynyrd Skynyrd): https://www.youtube.com/watch?v=-35W_FWCT9Q “Sweet Home Alabama” es un clásico absoluto del rock sureño publicado por Lynyrd Skynyrd en 1974 en el álbum Second Helping. Guitarras limpias, orgullo local, identidad del sur de EE.UU., “Sweet Home Alabama” se convirtió en su canción más famosa y un himno cultural, que cualquier persona reconoce aunque nunca haya escuchado un disco de Lynyrd Skynyrd. Si queréis conocerlo con más detalle ya hicimos un podcast sobre este tema en Explorando Versiones. MIÑA TERRA GALEGA — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Miña Terra Galega (Menos mal que nos queda Portugal - 1984): https://www.youtube.com/watch?v=FqocsS2KCIg Pero cuando Siniestro Total la reescriben como “Miña Terra Galega”, sucede algo especial: de pronto la canción deja de ser un homenaje al sur de EE.UU. y se convierte en una declaración de amor —y de humor— a Galicia, dejando en un segundo plano el tema original de Lynyrd Skynyrd. “Miña Terra Galega” no es una versión más, y se convirtió por derecho propio en el himno oficioso de Galicia. El tema aparece en el álbum “Menos mal que nos queda Portugal” publicado en el año 1984 siendo un acierto absoluto y una de las mayores apropiaciones culturales que se hayan hecho, y además bien hecha. ROCKAWAY BEACH — ROCK EN SAMIL ROCKAWAY BEACH — THE RAMONES Rockaway beach (The Ramones): https://www.youtube.com/watch?v=8Z1-R2LEuao “Rockaway Beach” es Ramones en estado puro: surf, velocidad, punk playero neoyorquino y olor a crema solar de gasolinera. Este tema aparece en uno de los grandes discos del punk: Rocket to Russia , publicado en 1977, donde se combina la velocidad ramoniana con un toque surfero y melodías más pulidas. ROCK EN SAMIL — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Rock en Samil (Bailaré sobre tu tumba): https://www.youtube.com/watch?v=w3In9cQ723E ¿Qué hacen Siniestro? Muy fácil: cogen un mapamundi, lo pliegan a la mitad y teletransportan esa playa americana a la playa de Samil, en Vigo. Un cambio geográfico perfecto: de una orilla del Atlántico a la otra, pero mucho más cerca de casa. “Rock en Samil” aparece en el disco Bailaré sobre tu tumba, publicado en 1985, mantiene la velocidad, la simplicidad y el sabor playero, pero le añade ese toque cercano que lo convierte en un himno local, pero con ADN global. VAMOS MUY BIEN VAMOS MUY BIEN — OBÚS Vamos muy bien (Obús): https://www.youtube.com/watch?v=TbqTzvOPLDs “Vamos muy bien” seguramente sea uno de los temas más conocidos de la banda madrileña Obús. Apareció primero como single en 1981 y luego entró en el álbum “Poderoso como el trueno”, uno de los discos clave del heavy metal español. El tema se convirtió rápidamente en un clásico del rock duro con guitarras distorsionadas, actitud macarra y un espíritu ochentero al 200%. VAMOS MUY BIEN — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Vamos muy bien (En beneficio de todos - 1990): https://www.youtube.com/watch?v=J4lg_Z1eFOw Cuando Siniestro la versionan en 1990 en su disco “En beneficio de todos”, mantienen esa energía y lo hacen con una fidelidad sorprendente… pero pasada por el filtro de la banda. La letra sigue siendo una oda al desfase, pero en boca de Siniestro suena más callejera. Es como si ambos grupos cantaran lo mismo pero con filosofías distintas. Y aun así, esta versión funciona de maravilla. HIGHWAY TO HELL — SOMOS SINIESTRO TOTAL HIGHWAY TO HELL — AC/DC Highway to Hell (AC/DC): https://www.youtube.com/watch?v=zi60ZrJj34M Highway to Hell: una de las canciones más icónicas del rock mundial y es literalmente un himno planetario. El tema da nombre al disco, que fue publicado en 1979, y sin duda marcó una era. Además es el último disco con Bon Scott, y probablemente uno de los más importantes de la historia del rock. Si no eres un extraterrestre que acaba de llegar a este planeta, poco más hay que explicar de esta canción. SOMOS SINIESTRO TOTAL — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Somos Siniestro Total (En beneficio de todos): https://www.youtube.com/watch?v=mKqqOk2qhrI Pero aquí Siniestro Total no hacen una versión, sino una canción nueva apoyada en la base musical de AC/DC. “Somos Siniestro Total” es un autorretrato de la banda en la que cuelan en su letra grandes frases de sus temas más conocidos. Una autopresentación gamberra usando un clásico como plantilla. Pura genialidad. FOLLA CON ÉL — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Folla con él (Me gusta como andas): https://www.youtube.com/watch?v=Ia_hD5dp5YI Pero no siempre tuvo ese título. De hecho, el título original fue “Folla con él”, aunque se ve que lo pensaron mejor y escribieron una letra más “seria”. No obstante, Julián Hernández, a la sazón líder del grupo, publicó en 2022 el libro titulado “Folla Con Él: Todas las versiones de Siniestro Total y sus circunstancias”. CASIMIRO CASIMIRO — SINTONÍA RTVE Casimiro (RTVE): https://www.youtube.com/watch?v=4YITJc9bYqE Y para terminar este repaso, hablaremos de “Buenas noches Casimiro” En los primeros años 80, este monstruito de dibujos animados mandaba a los niños a dormir. Con una musiquita inocente y amable, esta canción forma parte del imaginario colectivo de toda una época y llenaron de rocancol la cabeza y el corazón de toda una generación. SINIESTRO TOTAL — CASIMIRO Siniestro Total - Casimiro (De hoy no pasa - 1987): https://www.youtube.com/watch?v=7HzR2m69TOI En 1987, en el disco De hoy no pasa, Siniestro cogen esta pieza infantil y la convierten en un rock divertido y acelerado. Mantiene la melodía, pero ahora estás brincando mientras recuerdas que tú también te ibas a la cama canturreando la canción cuando te lo mandaba un dibujo animado. Sin duda un final perfecto para este recorrido. CONCLUSIONES Siniestro Total - Que les corten los huevos (De hoy no pasa - 1987): https://www.youtube.com/watch?v=KgbZJg0_U-w Pocos grupos han versionado tanto y tan bien como Siniestro Total. Lo suyo no era copiar canciones, era hacerlas suyas, riéndose un poco del tema original, un poco de sí mismos, y un mucho de todo lo demás. Esto ha sido Explorando Versiones de Siniestro Total. Gracias por llegar hasta aquí y ya sabes… Nos vemos en el siguiente capítulo.locosporincordiarSiniestro Total (capítulo 1) MIAMI VICE THEME: https://www.youtube.com/watch?v=dEjXPY9jOx8 En los 80, mientras que Madrid vivía obsesionada con la Movida, en Galicia estaba pasando algo bastante más interesante. Lejos del centralismo y con mucho sentido del humor, empezó a surgir una escena que mezclaba punk, cultura popular y gamberrismo sin complejos. De ese caldo de cultivo nació Siniestro Total: un grupo capaz de convertir cualquier pamplina en una canción de culto. Fue una nueva forma de mirar la vida con ironía, sarcasmo y humor absurdo. Y si algo hacían como nadie era coger canciones ajenas, pasarlas por la trituradora y sacarlas como si siempre hubieran sido suyas. Ya sabéis que soy muy fan, y era cuestión de tiempo dedicarles un programa. Soy Francisco, y esto es… Explorando Versiones de Siniestro Total (Volumen 1). THE LIFE AND SOUL OF THE PARTY — HOY VOY A ASESINARTE THE LIFE AND SOUL OF THE PARTY — PETULA CLARK The Life and Soul of the Party (Petula Clark): https://www.youtube.com/watch?v=9p2UarqccsY Para abrir este repaso nos remontaremos a 1964, cuando apareció la primera versión de The Life and Soul of the Party, lanzada por el trío vocal femenino británico The Debs. Un par de años más tarde la popularizó la también británica Petula Clark en su disco “My love” publicado en 1966. En aquellos años Petula era la reina del pop, y el tema se convirtió en un pequeño himno de fiestas de salón, con sofás de terciopelo y cócteles con sombrillita. Ella la cantaba con tal dulzura que te hacía querer comprarte un juego de té para servirlo con puntualidad británica a las cinco de la tarde. SINIESTRO TOTAL — HOY VOY A ASESINARTE Hoy voy a asesinarte - (¿Cuándo se come aquí? - 1982): https://www.youtube.com/watch?v=KAtqj-vLMwo Pero entonces llega Siniestro Total. En su debut ¿Cuándo se come aquí?, publicado en 1982, deciden que a esa melodía tan mona le falta un poco de sangre y convierten la idea de “ser el alma de la fiesta” en Hoy voy a asesinarte. Transforman la versión original en un monólogo punk sobre la infidelidad y los celos extremos. Pasan de tomar gin-tonic con el meñique levantado a un plan de asesinato como solución doméstica al problema de la cornamenta ósea del protagonista. La letra del tema es tan exagerada que el narrador acaba siendo un pobre tipo ridículo y no un villano. No tratan de justificar nada, mas bién poner en evidencia, desde el humor negro, una reacción tan desproporcionada como absurda. O TREN O TREN — ANDRÉS DO BARRO O tren (Andrés Do Barro): https://www.youtube.com/watch?v=Pyp3jylc9JE El siguiente tema que os traigo es: “O tren”, de Andrés do Barro, una de las canciones más emblemáticas de la música gallega. Este tema aparece en 1970 en el primer LP del cantante ferrolano titulado “Me llamo Andrés Lapique do Barro”, un disco histórico por ser la primera grabación en gallego que consiguió éxito comercial en plena dictadura, cuando cantar en tu lengua materna era casi un acto subversivo. “O tren” es su gran clásico: una mezcla de folk, música melancólica y una enorme carga simbólica. O TREN — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - O tren (El Regreso - 1983): https://www.youtube.com/watch?v=k-tn3CiHkIA ¿Y qué hace Siniestro en su segundo disco El Regreso, publicado en 1983? Pues lo que nadie esperaba: ¡ser respetuosos! Bueno, a su manera. No parodian la canción, pero le meten el motor de un AVE al tren de vapor original. Mantienen la melancolía pero la envuelven en una energía eléctrica que te hace querer pegar saltos dentro del vagón. Esta versión es un homenaje sin retintín, lo cual en Siniestro es casi una excentricidad. DO THE MUTILATION — OPERA TU FIMOSIS DO THE MUTILATION — THE REVILLOS Do the mutilation (The Revillos): https://www.youtube.com/watch?v=2DhKkQ37Sjg Los escoceses The Revillos eran unos bichos raros de la New Wave. Estética de serie B, peinados imposibles y un sonido que parecía sacado de un tebeo de ciencia ficción de los años 50. El tema "Do the Mutilation" aparece por primera vez en la cara B del single "Motorbike Beat" publicado en 1980. Y su letra juega con temas relacionados con monstruos de películas de serie B, ciencia ficción y mutilaciones de manera cómica. OPERA TU FIMOSIS — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Opera tu fimosis (El Regreso - 1983): https://www.youtube.com/watch?v=5slEKyHR5x8 Pero Siniestro escuchó "mutilación" y pensó: Demasiado genérico, vamos a llevar esto al terreno de la cirugía. Y así nace "Opera tu fimosis". Es, probablemente, la canción más didáctica del punk español y consiguen que una intervención en una zona tan delicada suene como algo que quieras bailar en una boda. Aquí entras en la consulta de un médico charlatán que te recomienda operarte sin pensarlo demasiado, con un martillo en una mano y un serrucho en la otra, mientras tú le gritas que, por el bien de los dos, mejor no os hagáis daño mutuamente. De esto no tengo pruebas, pero tampoco dudas. SWEET HOME ALABAMA — MIÑA TERRA GALEGA SWEET HOME ALABAMA — LYNYRD SKYNYRD Sweet home Alabama (Lynyrd Skynyrd): https://www.youtube.com/watch?v=-35W_FWCT9Q “Sweet Home Alabama” es un clásico absoluto del rock sureño publicado por Lynyrd Skynyrd en 1974 en el álbum Second Helping. Guitarras limpias, orgullo local, identidad del sur de EE.UU., “Sweet Home Alabama” se convirtió en su canción más famosa y un himno cultural, que cualquier persona reconoce aunque nunca haya escuchado un disco de Lynyrd Skynyrd. Si queréis conocerlo con más detalle ya hicimos un podcast sobre este tema en Explorando Versiones. MIÑA TERRA GALEGA — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Miña Terra Galega (Menos mal que nos queda Portugal - 1984): https://www.youtube.com/watch?v=FqocsS2KCIg Pero cuando Siniestro Total la reescriben como “Miña Terra Galega”, sucede algo especial: de pronto la canción deja de ser un homenaje al sur de EE.UU. y se convierte en una declaración de amor —y de humor— a Galicia, dejando en un segundo plano el tema original de Lynyrd Skynyrd. “Miña Terra Galega” no es una versión más, y se convirtió por derecho propio en el himno oficioso de Galicia. El tema aparece en el álbum “Menos mal que nos queda Portugal” publicado en el año 1984 siendo un acierto absoluto y una de las mayores apropiaciones culturales que se hayan hecho, y además bien hecha. ROCKAWAY BEACH — ROCK EN SAMIL ROCKAWAY BEACH — THE RAMONES Rockaway beach (The Ramones): https://www.youtube.com/watch?v=8Z1-R2LEuao “Rockaway Beach” es Ramones en estado puro: surf, velocidad, punk playero neoyorquino y olor a crema solar de gasolinera. Este tema aparece en uno de los grandes discos del punk: Rocket to Russia , publicado en 1977, donde se combina la velocidad ramoniana con un toque surfero y melodías más pulidas. ROCK EN SAMIL — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Rock en Samil (Bailaré sobre tu tumba): https://www.youtube.com/watch?v=w3In9cQ723E ¿Qué hacen Siniestro? Muy fácil: cogen un mapamundi, lo pliegan a la mitad y teletransportan esa playa americana a la playa de Samil, en Vigo. Un cambio geográfico perfecto: de una orilla del Atlántico a la otra, pero mucho más cerca de casa. “Rock en Samil” aparece en el disco Bailaré sobre tu tumba, publicado en 1985, mantiene la velocidad, la simplicidad y el sabor playero, pero le añade ese toque cercano que lo convierte en un himno local, pero con ADN global. VAMOS MUY BIEN VAMOS MUY BIEN — OBÚS Vamos muy bien (Obús): https://www.youtube.com/watch?v=TbqTzvOPLDs “Vamos muy bien” seguramente sea uno de los temas más conocidos de la banda madrileña Obús. Apareció primero como single en 1981 y luego entró en el álbum “Poderoso como el trueno”, uno de los discos clave del heavy metal español. El tema se convirtió rápidamente en un clásico del rock duro con guitarras distorsionadas, actitud macarra y un espíritu ochentero al 200%. VAMOS MUY BIEN — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Vamos muy bien (En beneficio de todos - 1990): https://www.youtube.com/watch?v=J4lg_Z1eFOw Cuando Siniestro la versionan en 1990 en su disco “En beneficio de todos”, mantienen esa energía y lo hacen con una fidelidad sorprendente… pero pasada por el filtro de la banda. La letra sigue siendo una oda al desfase, pero en boca de Siniestro suena más callejera. Es como si ambos grupos cantaran lo mismo pero con filosofías distintas. Y aun así, esta versión funciona de maravilla. HIGHWAY TO HELL — SOMOS SINIESTRO TOTAL HIGHWAY TO HELL — AC/DC Highway to Hell (AC/DC): https://www.youtube.com/watch?v=zi60ZrJj34M Highway to Hell: una de las canciones más icónicas del rock mundial y es literalmente un himno planetario. El tema da nombre al disco, que fue publicado en 1979, y sin duda marcó una era. Además es el último disco con Bon Scott, y probablemente uno de los más importantes de la historia del rock. Si no eres un extraterrestre que acaba de llegar a este planeta, poco más hay que explicar de esta canción. SOMOS SINIESTRO TOTAL — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Somos Siniestro Total (En beneficio de todos): https://www.youtube.com/watch?v=mKqqOk2qhrI Pero aquí Siniestro Total no hacen una versión, sino una canción nueva apoyada en la base musical de AC/DC. “Somos Siniestro Total” es un autorretrato de la banda en la que cuelan en su letra grandes frases de sus temas más conocidos. Una autopresentación gamberra usando un clásico como plantilla. Pura genialidad. FOLLA CON ÉL — SINIESTRO TOTAL Siniestro Total - Folla con él (Me gusta como andas): https://www.youtube.com/watch?v=Ia_hD5dp5YI Pero no siempre tuvo ese título. De hecho, el título original fue “Folla con él”, aunque se ve que lo pensaron mejor y escribieron una letra más “seria”. No obstante, Julián Hernández, a la sazón líder del grupo, publicó en 2022 el libro titulado “Folla Con Él: Todas las versiones de Siniestro Total y sus circunstancias”. CASIMIRO CASIMIRO — SINTONÍA RTVE Casimiro (RTVE): https://www.youtube.com/watch?v=4YITJc9bYqE Y para terminar este repaso, hablaremos de “Buenas noches Casimiro” En los primeros años 80, este monstruito de dibujos animados mandaba a los niños a dormir. Con una musiquita inocente y amable, esta canción forma parte del imaginario colectivo de toda una época y llenaron de rocancol la cabeza y el corazón de toda una generación. SINIESTRO TOTAL — CASIMIRO Siniestro Total - Casimiro (De hoy no pasa - 1987): https://www.youtube.com/watch?v=7HzR2m69TOI En 1987, en el disco De hoy no pasa, Siniestro cogen esta pieza infantil y la convierten en un rock divertido y acelerado. Mantiene la melodía, pero ahora estás brincando mientras recuerdas que tú también te ibas a la cama canturreando la canción cuando te lo mandaba un dibujo animado. Sin duda un final perfecto para este recorrido. CONCLUSIONES Siniestro Total - Que les corten los huevos (De hoy no pasa - 1987): https://www.youtube.com/watch?v=KgbZJg0_U-w Pocos grupos han versionado tanto y tan bien como Siniestro Total. Lo suyo no era copiar canciones, era hacerlas suyas, riéndose un poco del tema original, un poco de sí mismos, y un mucho de todo lo demás. Esto ha sido Explorando Versiones de Siniestro Total. Gracias por llegar hasta aquí y ya sabes… Nos vemos en el siguiente capítulo.https://www.ivoox.com/87-explorando-versiones-hay-poco-rock-audios-mp3_rf_168339234_1.htmlFri, 13 Feb 2026 08:09:42 +010024:44202687fullhttps://www.ivoox.com/168339234locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noEn la octogésima séptima entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo David Revueltas, de radio Nido Musical (Galdakaoko Albistegia), nos hablará de la canción «Hay poco Rock & Roll» de la banda bilbaína «Platero y Tú». Lanzada originalmente en 1994, esta canción se convirtió en el grito de guerra de una banda que reivindicaba la esencia del rock directo y sin artificios. En esta sección, analizamos cómo este clásico ha sobrevivido al paso del tiempo a través de diferentes interpretaciones que van desde lo tecnológico hasta la pura adrenalina del directo. PLATERO Y TU: https://www.youtube.com/watch?v=FFQdttqbhGA THE WEDDING ROCK BAND: https://www.youtube.com/watch?v=aOXhnbSzRlI COVER AI: https://www.youtube.com/watch?v=2EgTPOYpRBE THE BON SCOTT BAND: https://www.youtube.com/watch?v=TQ-wHmqsV2U COTOYE: https://www.youtube.com/watch?v=GmFzhs2De1s FITO Y FITIPALDIS & IÑAKI ANTÓN GONZÁLEZ (Uoho): https://www.youtube.com/watch?v=glPcn85SIa8locosporincordiarEn la octogésima séptima entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo David Revueltas, de radio Nido Musical (Galdakaoko Albistegia), nos hablará de la canción «Hay poco Rock & Roll» de la banda bilbaína «Platero y Tú». Lanzada originalmente en 1994, esta canción se convirtió en el grito de guerra de una banda que reivindicaba la esencia del rock directo y sin artificios. En esta sección, analizamos cómo este clásico ha sobrevivido al paso del tiempo a través de diferentes interpretaciones que van desde lo tecnológico hasta la pura adrenalina del directo. PLATERO Y TU: https://www.youtube.com/watch?v=FFQdttqbhGA THE WEDDING ROCK BAND: https://www.youtube.com/watch?v=aOXhnbSzRlI COVER AI: https://www.youtube.com/watch?v=2EgTPOYpRBE THE BON SCOTT BAND: https://www.youtube.com/watch?v=TQ-wHmqsV2U COTOYE: https://www.youtube.com/watch?v=GmFzhs2De1s FITO Y FITIPALDIS & IÑAKI ANTÓN GONZÁLEZ (Uoho): https://www.youtube.com/watch?v=glPcn85SIa8https://www.ivoox.com/86-explorando-versiones-i-shot-the-sheriff-audios-mp3_rf_167922226_1.htmlFri, 06 Feb 2026 08:23:21 +010025:33202686fullhttps://www.ivoox.com/167922226locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)no"Yo maté al sheriff, pero al ayudante no maté" es una de las frases más icónicas de la música popular. Escrita por Bob Marley en 1973, esta canción no es solo un hit, es un duelo al sol por la justicia y una rebelión contra la opresión de Babylon. Hola, soy Francisco y hoy repasamos sus versiones más sorprendentes: “I shot the sheriff”. BOB MARLEY & THE WAILERS: https://youtu.be/bCAHC_BYMfM Incluida en el álbum Burnin', el sexto álbum de estudio, publicado en 1973 por Bob Marley & The Wailers, el tema es un reggae puro, con un ritmo pausado pero intenso. Como si de un Western moderno se tratara, la letra nos pone en la piel de un hombre que es acosado por el Sheriff John Brown. Según el narrador, Brown lo odiaba y siempre intentaba eliminarlo cada vez que éste plantaba una semilla, que se sobreentiende que de marihuana, pero en realidad se refiere a la libertad frente a Babylon. En la cultura rastafari, Babylon representa el sistema opresor y la autoridad corrupta. El sheriff funciona como metáfora de ese sistema y dispararle no es solo un acto violento, sino un acto simbólico de rebelión contra quienes temen que la gente piense por sí misma y sea libre. El clímax se produce cuando, al intentar abandonar la ciudad, el sheriff lo intercepta. Durante la confrontación, el protagonista dispara en defensa propia, dejando claro que el ayudante salió ileso. Asume su acción, pero insiste en que él no es un asesino. Tiempo después, Marley confesó que inicialmente la letra decía "I shot the police" (yo disparé a la policía), pero la cambió para evitar represalias por incitar al odio y personificó la crítica en la figura del Sheriff. ERIC CLAPTON: https://youtu.be/L0xLLPJ0bOw Tan solo un año después, en 1974, Eric Clapton lanzó su versión para el álbum “461 Ocean Boulevard”. Fue la que hizo que la canción fuera conocida masivamente, llegando al número 1 de la lista de Billboard e hizo que Marley se volviera masivamente conocido en todo el mundo. Con un sonido de rock suave con toques de blues y reggae hizo la canción más comercial. Irónicamente, Clapton no quería grabarla, pero su banda lo convenció. La grabación se realizó en Miami y, aunque Clapton sentía que su versión era casi una falta de respeto al original por lo suave que sonaba, terminó siendo el mayor éxito en solitario hasta ese momento. DEODATO: https://youtu.be/KbvgY8Ogl_w En 1976 el tema da un giro hacia el Jazz y la Fusión de la mano del arreglista brasileño Eumir Deodato que transforma el drama de Marley en una fiesta Disco / Funk. La canción aparece en el álbum “Very Together” y se trata de una versión instrumental cargada de sintetizadores espaciales y una sección de vientos que parece sacada de una banda sonora de persecuciones de los años 70. JACO PASTORIUS: https://youtu.be/4McCouCvMTg En 1986 Jaco Pastorius, el genio del bajo, lleva la canción a un terreno de improvisación pura. La utiliza para demostrar cómo un tema de tres acordes puede sostener una improvisación de jazz-fusión sorprendente. Se trata de una clase magistral donde Jaco Pastorius toca la línea melódica y el bajo al mismo tiempo, llevando el reggae a una complejidad técnica inaudita y convirtiéndola en una obra de arte compleja. WARREN G: https://youtu.be/nuJVHQ7D5UA A finales de los 90, el rapero Warren G sampleó la melodía de la versión de Eric Clapton para adaptarla a la cultura del rap de la costa oeste de Estados Unidos. No se trata de una versión literal del tema, sino una reinterpretación que mantiene el espíritu y nos habla de la supervivencia en las calles en los barrios de Long Beach. VOODOO GLOW SKULLS: https://youtu.be/zuDL9CiX36E El grupo Voodoo Glow Skulls hicieron una versión frenética para su disco Symbolic publicado en el año 2000. Aquí la canción se acelera a 200 pulsaciones por minuto. Mezclan la estructura del reggae con la agresividad del punk y es ideal para entender cómo la letra de Marley encaja perfectamente con la rabia del punk. MAD SIN: https://youtu.be/MSGkO27KD8w La banda alemana “Mad Sin” lleva el tema al terreno del Psychobilly. Aparece en el álbum “Teachin' The Goodies ...And More!” publicado en 2003. Con un contrabajo que suena como una locomotora y una voz cavernosa, transforman la historia del Sheriff en algo parecido a una película de terror de serie B. LEONOR ϞϞ (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/mWZVJfE7hPM Ahora hablemos de algunas versiones en español. La primera es del grupo catalán Leonor ϟϟ, nos dejó esta versión cruda de punk en español ("Yo maté al sheriff"). Corta, directa y al grano. Esta versión aparece en el álbum “Maqueta Para Retrasados” publicada en 2013. LEONOR ϞϞ (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/nco1UrPYU4k Un par de años después, 2015 hacen una nueva versión para el álbum “Sistema De Entretenimiento” RUMBEAT (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/lDSjciz2xqo En el año 91, el grupo de rumba catalana Rumbeat incluyó en su primer álbum homónimo una adaptación rumbera del clásico reggae “I Shot the Sheriff” de Bob Marley, titulada como “Yo Maté al Sheriff”. Se trata de una versión en clave de rumba, reinterpretando la canción con ritmos y sonoridades propias de la rumba, con palmas, guitarras rumberas y acercando la canción al terreno de la fiesta callejera en vez de al mensaje introspectivo del reggae. CONCLUSIÓN Cincuenta años después, seguimos sin saber por qué el Sheriff John Brown le tenía tanta inquina a Bob Marley, pero lo que sí sabemos es que su historia aguanta lo que le echen: sintetizadores, contrabajos psicópatas y palmas rumberas. "I Shot the Sheriff" demuestra que una gran composición y no tiene fronteras ni género. Gracias por acompañarme y nos escuchamos en la siguiente entrega de Explorando Versiones.locosporincordiar"Yo maté al sheriff, pero al ayudante no maté" es una de las frases más icónicas de la música popular. Escrita por Bob Marley en 1973, esta canción no es solo un hit, es un duelo al sol por la justicia y una rebelión contra la opresión de Babylon. Hola, soy Francisco y hoy repasamos sus versiones más sorprendentes: “I shot the sheriff”. BOB MARLEY & THE WAILERS: https://youtu.be/bCAHC_BYMfM Incluida en el álbum Burnin', el sexto álbum de estudio, publicado en 1973 por Bob Marley & The Wailers, el tema es un reggae puro, con un ritmo pausado pero intenso. Como si de un Western moderno se tratara, la letra nos pone en la piel de un hombre que es acosado por el Sheriff John Brown. Según el narrador, Brown lo odiaba y siempre intentaba eliminarlo cada vez que éste plantaba una semilla, que se sobreentiende que de marihuana, pero en realidad se refiere a la libertad frente a Babylon. En la cultura rastafari, Babylon representa el sistema opresor y la autoridad corrupta. El sheriff funciona como metáfora de ese sistema y dispararle no es solo un acto violento, sino un acto simbólico de rebelión contra quienes temen que la gente piense por sí misma y sea libre. El clímax se produce cuando, al intentar abandonar la ciudad, el sheriff lo intercepta. Durante la confrontación, el protagonista dispara en defensa propia, dejando claro que el ayudante salió ileso. Asume su acción, pero insiste en que él no es un asesino. Tiempo después, Marley confesó que inicialmente la letra decía "I shot the police" (yo disparé a la policía), pero la cambió para evitar represalias por incitar al odio y personificó la crítica en la figura del Sheriff. ERIC CLAPTON: https://youtu.be/L0xLLPJ0bOw Tan solo un año después, en 1974, Eric Clapton lanzó su versión para el álbum “461 Ocean Boulevard”. Fue la que hizo que la canción fuera conocida masivamente, llegando al número 1 de la lista de Billboard e hizo que Marley se volviera masivamente conocido en todo el mundo. Con un sonido de rock suave con toques de blues y reggae hizo la canción más comercial. Irónicamente, Clapton no quería grabarla, pero su banda lo convenció. La grabación se realizó en Miami y, aunque Clapton sentía que su versión era casi una falta de respeto al original por lo suave que sonaba, terminó siendo el mayor éxito en solitario hasta ese momento. DEODATO: https://youtu.be/KbvgY8Ogl_w En 1976 el tema da un giro hacia el Jazz y la Fusión de la mano del arreglista brasileño Eumir Deodato que transforma el drama de Marley en una fiesta Disco / Funk. La canción aparece en el álbum “Very Together” y se trata de una versión instrumental cargada de sintetizadores espaciales y una sección de vientos que parece sacada de una banda sonora de persecuciones de los años 70. JACO PASTORIUS: https://youtu.be/4McCouCvMTg En 1986 Jaco Pastorius, el genio del bajo, lleva la canción a un terreno de improvisación pura. La utiliza para demostrar cómo un tema de tres acordes puede sostener una improvisación de jazz-fusión sorprendente. Se trata de una clase magistral donde Jaco Pastorius toca la línea melódica y el bajo al mismo tiempo, llevando el reggae a una complejidad técnica inaudita y convirtiéndola en una obra de arte compleja. WARREN G: https://youtu.be/nuJVHQ7D5UA A finales de los 90, el rapero Warren G sampleó la melodía de la versión de Eric Clapton para adaptarla a la cultura del rap de la costa oeste de Estados Unidos. No se trata de una versión literal del tema, sino una reinterpretación que mantiene el espíritu y nos habla de la supervivencia en las calles en los barrios de Long Beach. VOODOO GLOW SKULLS: https://youtu.be/zuDL9CiX36E El grupo Voodoo Glow Skulls hicieron una versión frenética para su disco Symbolic publicado en el año 2000. Aquí la canción se acelera a 200 pulsaciones por minuto. Mezclan la estructura del reggae con la agresividad del punk y es ideal para entender cómo la letra de Marley encaja perfectamente con la rabia del punk. MAD SIN: https://youtu.be/MSGkO27KD8w La banda alemana “Mad Sin” lleva el tema al terreno del Psychobilly. Aparece en el álbum “Teachin' The Goodies ...And More!” publicado en 2003. Con un contrabajo que suena como una locomotora y una voz cavernosa, transforman la historia del Sheriff en algo parecido a una película de terror de serie B. LEONOR ϞϞ (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/mWZVJfE7hPM Ahora hablemos de algunas versiones en español. La primera es del grupo catalán Leonor ϟϟ, nos dejó esta versión cruda de punk en español ("Yo maté al sheriff"). Corta, directa y al grano. Esta versión aparece en el álbum “Maqueta Para Retrasados” publicada en 2013. LEONOR ϞϞ (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/nco1UrPYU4k Un par de años después, 2015 hacen una nueva versión para el álbum “Sistema De Entretenimiento” RUMBEAT (Yo Maté al Sheriff): https://youtu.be/lDSjciz2xqo En el año 91, el grupo de rumba catalana Rumbeat incluyó en su primer álbum homónimo una adaptación rumbera del clásico reggae “I Shot the Sheriff” de Bob Marley, titulada como “Yo Maté al Sheriff”. Se trata de una versión en clave de rumba, reinterpretando la canción con ritmos y sonoridades propias de la rumba, con palmas, guitarras rumberas y acercando la canción al terreno de la fiesta callejera en vez de al mensaje introspectivo del reggae. CONCLUSIÓN Cincuenta años después, seguimos sin saber por qué el Sheriff John Brown le tenía tanta inquina a Bob Marley, pero lo que sí sabemos es que su historia aguanta lo que le echen: sintetizadores, contrabajos psicópatas y palmas rumberas. "I Shot the Sheriff" demuestra que una gran composición y no tiene fronteras ni género. Gracias por acompañarme y nos escuchamos en la siguiente entrega de Explorando Versiones.https://www.ivoox.com/85-explorando-versiones-yo-me-quedo-en-audios-mp3_rf_167595854_1.htmlFri, 30 Jan 2026 08:23:36 +010015:28202685fullhttps://www.ivoox.com/167595854locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noEn la octogésima quinta entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo Nicolás Carmona nos hablará del grupo sevillano «Pata Negra», de su impacto en la fusión entre flamenco y blues, y de su tema «Yo me quedo en Sevilla» publicado en el álbum «Blues De La Frontera». Pata Negra - Pasa La Vida: https://www.youtube.com/watch?v=r_wzmTFdVis Pata Negra - Bodas de Sangre: https://www.youtube.com/watch?v=PpErvxHYvIk Pata Negra - Camarón: https://www.youtube.com/watch?v=igBqq7uODd0 Pata Negra - Yo me quedo en Sevilla: https://www.youtube.com/watch?v=N-9zEvBNpLs Antonio Carmona - Yo me quedo en Sevilla: https://www.youtube.com/watch?v=BnKNj92AUOI Manuel Carrasco - Yo me quedo en Sevilla: https://www.youtube.com/watch?v=TDYXV6rJ0PU Marta Quintero - Yo me quedo en Sevilla: https://www.youtube.com/watch?v=KL2japzz0AslocosporincordiarEn la octogésima quinta entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo Nicolás Carmona nos hablará del grupo sevillano «Pata Negra», de su impacto en la fusión entre flamenco y blues, y de su tema «Yo me quedo en Sevilla» publicado en el álbum «Blues De La Frontera». Pata Negra - Pasa La Vida: https://www.youtube.com/watch?v=r_wzmTFdVis Pata Negra - Bodas de Sangre: https://www.youtube.com/watch?v=PpErvxHYvIk Pata Negra - Camarón: https://www.youtube.com/watch?v=igBqq7uODd0 Pata Negra - Yo me quedo en Sevilla: https://www.youtube.com/watch?v=N-9zEvBNpLs Antonio Carmona - Yo me quedo en Sevilla: https://www.youtube.com/watch?v=BnKNj92AUOI Manuel Carrasco - Yo me quedo en Sevilla: https://www.youtube.com/watch?v=TDYXV6rJ0PU Marta Quintero - Yo me quedo en Sevilla: https://www.youtube.com/watch?v=KL2japzz0Ashttps://www.ivoox.com/84-explorando-versiones-nutbush-city-limits-audios-mp3_rf_167211129_1.htmlFri, 23 Jan 2026 08:11:25 +010021:46202684fullhttps://www.ivoox.com/167211129locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noBienvenidos a un nuevo episodio de "Explorando Versiones". Hoy nos adentramos en un clásico del soul y el rock 'n' roll: "Nutbush City Limits" de Tina Turner. IKE AND TINA TURNER - NUTBUSH CITY LIMITS https://www.youtube.com/watch?v=tFMXV2xqW8o "Nutbush City Limits" fue escrita por Tina Turner, cuyo nombre de nacimiento es Anna Mae Bullock, junto con su entonces esposo Ike Turner. La canción fue lanzada en 1973 como parte del álbum "Nutbush City Limits", que también lleva el nombre de la canción y fue uno de los álbumes más exitosos de Ike & Tina Turner. La letra de la canción está inspirada en la ciudad natal de Tina Turner, Nutbush, Tennessee. A pesar de que Tina había dejado Nutbush para seguir su carrera musical, siempre mantuvo un fuerte vínculo emocional con su lugar de origen. "Nutbush City Limits" no sólo rememora la vida en una pequeña ciudad sureña, sino que también es un homenaje personal a las raíces de Tina Turner y a su identidad como mujer afroamericana creciendo en el sur de Estados Unidos por su connotación racial. A pesar de su éxito musical, la relación entre Tina y Ike fue tumultuosa y marcada por problemas personales y profesionales. En julio de 1976, Tina finalmente tuvo el coraje de dejar a Ike Turner, escapando con poco más que 36 centavos y un nombre que necesitaba reinventarse. Esta separación marcó un punto de inflexión en su vida, permitiéndole liberarse del control abusivo y comenzar una carrera en solitario. TINA TURNER (VERSIÓN 1991) https://www.youtube.com/watch?v=jg7qrYqJ9ns En 1991, Tina Turner decidió revisitar "Nutbush City Limits" como parte de su álbum recopilatorio "Simply the Best". Esta decisión fue parte de un esfuerzo por reintroducir su música a una nueva generación de oyentes y adaptarse a los estilos musicales contemporáneos de la época. A diferencia de la versión original de 1973, que era más orientada hacia el funk y el soul, la versión de 1991 adopta un enfoque más orientado hacia la música dance y el pop rock. Esta versión incorpora sintetizadores y ritmos electrónicos, lo que la hace más adecuada para las pistas de baile de la época. Esta versión no solo consolidó la posición de Tina Turner como una artista versátil capaz de adaptarse a diferentes estilos musicales, sino que también contribuyó a su resurgimiento como una fuerza dominante en la industria musical en la década de 1990. BOB SEGER: https://www.youtube.com/watch?v=IThlyeflBOc Bob Seger, figura icónica en la historia del rock estadounidense y conocido por su voz distintiva y su habilidad para capturar la esencia del rock 'n' roll, realizó esta versión de "Nutbush City Limits" para su álbum "Beautiful Loser" lanzado en 1975 y en el que incluía esta versión de "Nutbush City Limits". BRIAN JOHNSON & FRIENDS: https://www.youtube.com/watch?v=wRQgh17_b0w En 2004, Brian Johnson, conocido principalmente como el vocalista de la legendaria banda de rock AC/DC, participa en un festival tipo “Monsters of Rock” con varios músicos invitados bajo el nombre de "Brian Johnson & Friends". Durante este evento realizan esta versión de "Nutbush City Limits". BETH HART & JOE BONAMASSA: https://www.youtube.com/watch?v=Erw00WZYhQ8 Beth Hart, cantante y compositora conocida por su potente voz y Joe Bonamassa, virtuoso guitarrista de blues y rock, realizan esta versión de "Nutbush City Limits" que mantiene la esencia original de la canción, pero le añade un enfoque fresco y contemporáneo con influencias claras del blues y el rock. DORO PESCH: https://www.youtube.com/watch?v=SYYE4VoPiDE La cantante alemana de heavy metal Doro Pesch, conocida simplemente como Doro, también grabó en 2014 esta versión de "Nutbush City Limits" para el álbum “Powerful Passionate Favorites”. Su versión tiene un enfoque más orientado hacia el rock y el heavy metal, adaptando la canción original de Tina Turner con riffs de guitarra pesados y una voz potente. THE BO DEREK’S: https://www.youtube.com/watch?v=FsGgxcKRtcs Aunque hay innumerables versiones más de este tema, queremos cerrar con la versión que hizo el grupo gallego The Bo Derek’s. Este power-trío, liderado por el ex Siniestro Total Óscar Avendaño, también hizo una versión de este tema para cierra el álbum “Porca miseria”, lanzado en 2023, y que pudimos disfrutar en directo en el pasado festival de rock en 2023 que organizó la Asociación Cultural Torre Rock. CONCLUSIONES IKE AND TINA TURNER - NUTBUSH CITY LIMITS https://www.youtube.com/watch?v=bpuf6AmQH4M Esta canción ha dejado una huella indeleble en la historia musical y sus versiones proporcionan una nueva perspectiva sobre este clásico atemporal, asegurando su lugar en la historia musical contemporánea. Muchas gracias por acompañarme en este repaso de Nutbush City Limits y nos vemos pronto en otro episodio de Explorando Versiones. Un saludo.locosporincordiarBienvenidos a un nuevo episodio de "Explorando Versiones". Hoy nos adentramos en un clásico del soul y el rock 'n' roll: "Nutbush City Limits" de Tina Turner. IKE AND TINA TURNER - NUTBUSH CITY LIMITS https://www.youtube.com/watch?v=tFMXV2xqW8o "Nutbush City Limits" fue escrita por Tina Turner, cuyo nombre de nacimiento es Anna Mae Bullock, junto con su entonces esposo Ike Turner. La canción fue lanzada en 1973 como parte del álbum "Nutbush City Limits", que también lleva el nombre de la canción y fue uno de los álbumes más exitosos de Ike & Tina Turner. La letra de la canción está inspirada en la ciudad natal de Tina Turner, Nutbush, Tennessee. A pesar de que Tina había dejado Nutbush para seguir su carrera musical, siempre mantuvo un fuerte vínculo emocional con su lugar de origen. "Nutbush City Limits" no sólo rememora la vida en una pequeña ciudad sureña, sino que también es un homenaje personal a las raíces de Tina Turner y a su identidad como mujer afroamericana creciendo en el sur de Estados Unidos por su connotación racial. A pesar de su éxito musical, la relación entre Tina y Ike fue tumultuosa y marcada por problemas personales y profesionales. En julio de 1976, Tina finalmente tuvo el coraje de dejar a Ike Turner, escapando con poco más que 36 centavos y un nombre que necesitaba reinventarse. Esta separación marcó un punto de inflexión en su vida, permitiéndole liberarse del control abusivo y comenzar una carrera en solitario. TINA TURNER (VERSIÓN 1991) https://www.youtube.com/watch?v=jg7qrYqJ9ns En 1991, Tina Turner decidió revisitar "Nutbush City Limits" como parte de su álbum recopilatorio "Simply the Best". Esta decisión fue parte de un esfuerzo por reintroducir su música a una nueva generación de oyentes y adaptarse a los estilos musicales contemporáneos de la época. A diferencia de la versión original de 1973, que era más orientada hacia el funk y el soul, la versión de 1991 adopta un enfoque más orientado hacia la música dance y el pop rock. Esta versión incorpora sintetizadores y ritmos electrónicos, lo que la hace más adecuada para las pistas de baile de la época. Esta versión no solo consolidó la posición de Tina Turner como una artista versátil capaz de adaptarse a diferentes estilos musicales, sino que también contribuyó a su resurgimiento como una fuerza dominante en la industria musical en la década de 1990. BOB SEGER: https://www.youtube.com/watch?v=IThlyeflBOc Bob Seger, figura icónica en la historia del rock estadounidense y conocido por su voz distintiva y su habilidad para capturar la esencia del rock 'n' roll, realizó esta versión de "Nutbush City Limits" para su álbum "Beautiful Loser" lanzado en 1975 y en el que incluía esta versión de "Nutbush City Limits". BRIAN JOHNSON & FRIENDS: https://www.youtube.com/watch?v=wRQgh17_b0w En 2004, Brian Johnson, conocido principalmente como el vocalista de la legendaria banda de rock AC/DC, participa en un festival tipo “Monsters of Rock” con varios músicos invitados bajo el nombre de "Brian Johnson & Friends". Durante este evento realizan esta versión de "Nutbush City Limits". BETH HART & JOE BONAMASSA: https://www.youtube.com/watch?v=Erw00WZYhQ8 Beth Hart, cantante y compositora conocida por su potente voz y Joe Bonamassa, virtuoso guitarrista de blues y rock, realizan esta versión de "Nutbush City Limits" que mantiene la esencia original de la canción, pero le añade un enfoque fresco y contemporáneo con influencias claras del blues y el rock. DORO PESCH: https://www.youtube.com/watch?v=SYYE4VoPiDE La cantante alemana de heavy metal Doro Pesch, conocida simplemente como Doro, también grabó en 2014 esta versión de "Nutbush City Limits" para el álbum “Powerful Passionate Favorites”. Su versión tiene un enfoque más orientado hacia el rock y el heavy metal, adaptando la canción original de Tina Turner con riffs de guitarra pesados y una voz potente. THE BO DEREK’S: https://www.youtube.com/watch?v=FsGgxcKRtcs Aunque hay innumerables versiones más de este tema, queremos cerrar con la versión que hizo el grupo gallego The Bo Derek’s. Este power-trío, liderado por el ex Siniestro Total Óscar Avendaño, también hizo una versión de este tema para cierra el álbum “Porca miseria”, lanzado en 2023, y que pudimos disfrutar en directo en el pasado festival de rock en 2023 que organizó la Asociación Cultural Torre Rock. CONCLUSIONES IKE AND TINA TURNER - NUTBUSH CITY LIMITS https://www.youtube.com/watch?v=bpuf6AmQH4M Esta canción ha dejado una huella indeleble en la historia musical y sus versiones proporcionan una nueva perspectiva sobre este clásico atemporal, asegurando su lugar en la historia musical contemporánea. Muchas gracias por acompañarme en este repaso de Nutbush City Limits y nos vemos pronto en otro episodio de Explorando Versiones. Un saludo.https://www.ivoox.com/83-explorando-versiones-road-runner-audios-mp3_rf_166852792_1.htmlFri, 16 Jan 2026 08:09:19 +010023:38202686fullhttps://www.ivoox.com/166852792locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola amigos, soy Francisco y hoy en Explorando Versiones hablaremos de otra canción relacionada con el correcaminos. En esta ocasión nos subimos a toda velocidad en el ritmo de Road Runner, un clásico del inconfundible Bo Diddley. Esta es la continuación del episodio 61 de este podcast, donde ya exploramos la versión de Barbara Cameron utilizada en la introducción de los dibujos animados del Correcaminos. Pero atención, porque aunque esta canción también habla del Correcaminos, no tiene relación aparente con la serie. ORIGEN DE LA CANCIÓN BO DIDDLEY: https://www.youtube.com/watch?v=v6qDAvsfyvg Road Runner fue lanzada como sencillo en enero de 1960 por Checker Records y luego incluida en el álbum Bo Diddley in the Spotlight. Compuesta e interpretada por el propio Bo Diddley, esta joya del rock and roll llegó al puesto 20 en la lista de R&B de Billboard y alcanzó el puesto 75 en la lista del Hot 100. La canción sigue la estructura de un blues de 12 compases, pero con ese inconfundible ritmo de Bo Diddley, esa cadencia percutiva que se convirtió en su sello personal. GRABACIÓN Y SONIDO Road Runner fue grabada en septiembre de 1959 en los legendarios Chess Studios de Chicago. En la sesión participaron grandes músicos como Otis Spann al piano y Jerome Green en las maracas, aportando ese sonido tan característico. Además de la colaboración de músicos como Otis y Jerome, no podemos dejar de hablar del papel esencial de la guitarra de Bo Diddley. Su fiel compañera, la Gretsch G6138 Bo Diddley, con su forma rectangular única, le permitía hacer sonar esa cadencia tan peculiar y su distintivo Bo Diddley Beat. Esta guitarra, que parece tan propia de su estilo como su presencia en el escenario, contribuyó en gran medida a dar forma a ese sonido tan energético y contagioso. ¿El resultado? Un tema vibrante, dinámico y contagioso, donde la guitarra de Bo Diddley marca el ritmo como un motor en plena aceleración. IMPACTO CULTURAL Y PRESENCIA EN MEDIOS Anuncio Mazda: https://www.youtube.com/watch?v=eQcy6KXaex8 La canción no solo ha sido versionada, sino que también ha aparecido en anuncios y películas. Por ejemplo, en 2012 fue usada en un anuncio de la marca Mazda, y en 2013 formó parte de la banda sonora de El lobo de Wall Street de Martin Scorsese. THE ROLLING STONES: https://www.youtube.com/watch?v=_M_ZIsADngQ En marzo de 1963, los Rolling Stones grabaron su versión de Road Runner en Londres, en una de sus primeras sesiones de estudio. Aunque la canción no se publicó oficialmente en su momento, la influencia de Bo Diddley en su sonido es innegable. Keith Richards replicó el ritmo característico con su guitarra, mientras Mick Jagger le imprimía su sello personal a la interpretación vocal. Este tema fue parte del repertorio en sus primeros conciertos y marcó el inicio de su conexión con el blues americano. THE PRETTY THINGS: https://www.youtube.com/watch?v=bPRBR9Y8dII Para su álbum debut, publicado en 1965, la banda londinense The Pretty Things decidieron incluir su propia versión de Road Runner, llevándola a un sonido aún más crudo y agresivo que el original. Su interpretación tuvo tanto éxito en los Países Bajos que llegó al puesto 11 en las listas de éxitos. La banda, con su actitud desafiante y su estilo salvaje, fue una de las que más se acercó a la energía pura del Bo Diddley original. THE ANIMALS: https://www.youtube.com/watch?v=m3XvRyULbdU También en el año 1965, otro grupo británico como The Animals publica su segundo disco titulado Animal Tracks, en el que Eric Burdon y compañía dieron su propia visión del clásico. A diferencia de otras versiones, la de The Animals se caracterizó por un tono más intenso y una base rítmica potente, con la inconfundible voz rasgada de Burdon llevándola a otro nivel. Su amor por el blues y el rhythm & blues americano se reflejó claramente en esta interpretación. THE WHO: https://www.youtube.com/watch?v=me-tMmqsZow Durante sus conciertos en la década de los 70, The Who tocaban Road Runner en vivo con una energía arrolladora. En 1975, grabaron una versión en el Pontiac Silverdome, fusionándola con Join Together y My Generation Blues. Esta interpretación se publicó en 1979 dentro del disco que acompañó la película The Kids Are Alright, mostrando su dominio del directo y su conexión con los clásicos del rock. AEROSMITH: https://www.youtube.com/watch?v=rHk1vafrZ9o En su álbum de versiones Honkin’ on Bobo publicado en 2002, Aerosmith rindió homenaje a sus raíces con una versión explosiva de Road Runner. Steven Tyler y Joe Perry recuperaron el espíritu del blues-rock con una interpretación cargada de potencia y matices modernos. El disco en sí fue un tributo a los grandes del blues, y esta canción destacó por su fidelidad al estilo original sin perder la marca distintiva de la banda. THE PHANTOMS: https://www.youtube.com/watch?v=ZO3t_RVwzjI El grupo alemán The Phantoms incluyó una versión del tema en su LP, llamado también, Roadrunner y lanzado en 1966. A pesar de su origen europeo, su versión refleja la influencia de las bandas británicas de garage de la época. Con un enfoque crudo y energético, la banda mantuvo la estructura del blues de 12 compases, pero con un sonido de garage rock. Este enfoque europeo mostró cómo la influencia de Bo Diddley cruzó fronteras, adaptándose al estilo propio del rock alemán de los 60s. HURRIGANES: https://www.youtube.com/watch?v=hu67ysV6Qzc En Finlandia, la banda Hurriganes hizo historia con su álbum Roadrunner publicado en 1974 y que tomó el nombre de la canción de Bo Diddley. Su versión, con un sonido más cercano al rock clásico, se convirtió en un himno en el país y sigue siendo una de las versiones más icónicas de la canción fuera del mundo anglosajón. En Finlandia, este álbum es considerado una obra clave del rock & roll. JOHNNY WINTER: https://youtu.be/QogdraH6_E4?si=07XaVfCwbvE3smYJ En 1970, el legendario guitarrista Johnny Winter, conocido por su virtuosismo en el blues, hizo su propia interpretación de Road Runner en su álbum Johnny Winter. Su versión mantiene la esencia de Bo Diddley pero le añade su estilo único, con una guitarra potente y una energía cruda que eleva la canción a nuevas alturas. Johnny Winter, con su inconfundible toque, fue capaz de hacer que esta pieza de Bo Diddley sonara fresca y revitalizada, a la vez que rendía homenaje a su influencia. WAYNE FONTANA AND THE MINDBENDERS: https://www.youtube.com/watch?v=8HUgiPah4zo En 1965, Wayne Fontana and The Mindbenders grabaron su propia versión de Road Runner. Esta versión tiene una atmósfera británica marcada por el estilo de la época, con un enfoque más melódico que las versiones anteriores, pero manteniendo la energía imparable de la original. Su interpretación de Road Runner refleja el auge de la invasión británica y tiene un toque más suave y pegajoso, que logró un gran éxito en el Reino Unido. CONCLUSIONES Road Runner es una de esas canciones que encapsulan la esencia del rock and roll, aportando velocidad, energía y un ritmo imparable. Bo Diddley dejó un legado imborrable y esta canción sigue corriendo sin frenos por la historia de la música. Así que, la próxima vez que escuches Road Runner, recuerda que no solo es el correcaminos, ¡es todo un legado de rock and roll que sigue corriendo a la velocidad de la luz!locosporincordiarHola amigos, soy Francisco y hoy en Explorando Versiones hablaremos de otra canción relacionada con el correcaminos. En esta ocasión nos subimos a toda velocidad en el ritmo de Road Runner, un clásico del inconfundible Bo Diddley. Esta es la continuación del episodio 61 de este podcast, donde ya exploramos la versión de Barbara Cameron utilizada en la introducción de los dibujos animados del Correcaminos. Pero atención, porque aunque esta canción también habla del Correcaminos, no tiene relación aparente con la serie. ORIGEN DE LA CANCIÓN BO DIDDLEY: https://www.youtube.com/watch?v=v6qDAvsfyvg Road Runner fue lanzada como sencillo en enero de 1960 por Checker Records y luego incluida en el álbum Bo Diddley in the Spotlight. Compuesta e interpretada por el propio Bo Diddley, esta joya del rock and roll llegó al puesto 20 en la lista de R&B de Billboard y alcanzó el puesto 75 en la lista del Hot 100. La canción sigue la estructura de un blues de 12 compases, pero con ese inconfundible ritmo de Bo Diddley, esa cadencia percutiva que se convirtió en su sello personal. GRABACIÓN Y SONIDO Road Runner fue grabada en septiembre de 1959 en los legendarios Chess Studios de Chicago. En la sesión participaron grandes músicos como Otis Spann al piano y Jerome Green en las maracas, aportando ese sonido tan característico. Además de la colaboración de músicos como Otis y Jerome, no podemos dejar de hablar del papel esencial de la guitarra de Bo Diddley. Su fiel compañera, la Gretsch G6138 Bo Diddley, con su forma rectangular única, le permitía hacer sonar esa cadencia tan peculiar y su distintivo Bo Diddley Beat. Esta guitarra, que parece tan propia de su estilo como su presencia en el escenario, contribuyó en gran medida a dar forma a ese sonido tan energético y contagioso. ¿El resultado? Un tema vibrante, dinámico y contagioso, donde la guitarra de Bo Diddley marca el ritmo como un motor en plena aceleración. IMPACTO CULTURAL Y PRESENCIA EN MEDIOS Anuncio Mazda: https://www.youtube.com/watch?v=eQcy6KXaex8 La canción no solo ha sido versionada, sino que también ha aparecido en anuncios y películas. Por ejemplo, en 2012 fue usada en un anuncio de la marca Mazda, y en 2013 formó parte de la banda sonora de El lobo de Wall Street de Martin Scorsese. THE ROLLING STONES: https://www.youtube.com/watch?v=_M_ZIsADngQ En marzo de 1963, los Rolling Stones grabaron su versión de Road Runner en Londres, en una de sus primeras sesiones de estudio. Aunque la canción no se publicó oficialmente en su momento, la influencia de Bo Diddley en su sonido es innegable. Keith Richards replicó el ritmo característico con su guitarra, mientras Mick Jagger le imprimía su sello personal a la interpretación vocal. Este tema fue parte del repertorio en sus primeros conciertos y marcó el inicio de su conexión con el blues americano. THE PRETTY THINGS: https://www.youtube.com/watch?v=bPRBR9Y8dII Para su álbum debut, publicado en 1965, la banda londinense The Pretty Things decidieron incluir su propia versión de Road Runner, llevándola a un sonido aún más crudo y agresivo que el original. Su interpretación tuvo tanto éxito en los Países Bajos que llegó al puesto 11 en las listas de éxitos. La banda, con su actitud desafiante y su estilo salvaje, fue una de las que más se acercó a la energía pura del Bo Diddley original. THE ANIMALS: https://www.youtube.com/watch?v=m3XvRyULbdU También en el año 1965, otro grupo británico como The Animals publica su segundo disco titulado Animal Tracks, en el que Eric Burdon y compañía dieron su propia visión del clásico. A diferencia de otras versiones, la de The Animals se caracterizó por un tono más intenso y una base rítmica potente, con la inconfundible voz rasgada de Burdon llevándola a otro nivel. Su amor por el blues y el rhythm & blues americano se reflejó claramente en esta interpretación. THE WHO: https://www.youtube.com/watch?v=me-tMmqsZow Durante sus conciertos en la década de los 70, The Who tocaban Road Runner en vivo con una energía arrolladora. En 1975, grabaron una versión en el Pontiac Silverdome, fusionándola con Join Together y My Generation Blues. Esta interpretación se publicó en 1979 dentro del disco que acompañó la película The Kids Are Alright, mostrando su dominio del directo y su conexión con los clásicos del rock. AEROSMITH: https://www.youtube.com/watch?v=rHk1vafrZ9o En su álbum de versiones Honkin’ on Bobo publicado en 2002, Aerosmith rindió homenaje a sus raíces con una versión explosiva de Road Runner. Steven Tyler y Joe Perry recuperaron el espíritu del blues-rock con una interpretación cargada de potencia y matices modernos. El disco en sí fue un tributo a los grandes del blues, y esta canción destacó por su fidelidad al estilo original sin perder la marca distintiva de la banda. THE PHANTOMS: https://www.youtube.com/watch?v=ZO3t_RVwzjI El grupo alemán The Phantoms incluyó una versión del tema en su LP, llamado también, Roadrunner y lanzado en 1966. A pesar de su origen europeo, su versión refleja la influencia de las bandas británicas de garage de la época. Con un enfoque crudo y energético, la banda mantuvo la estructura del blues de 12 compases, pero con un sonido de garage rock. Este enfoque europeo mostró cómo la influencia de Bo Diddley cruzó fronteras, adaptándose al estilo propio del rock alemán de los 60s. HURRIGANES: https://www.youtube.com/watch?v=hu67ysV6Qzc En Finlandia, la banda Hurriganes hizo historia con su álbum Roadrunner publicado en 1974 y que tomó el nombre de la canción de Bo Diddley. Su versión, con un sonido más cercano al rock clásico, se convirtió en un himno en el país y sigue siendo una de las versiones más icónicas de la canción fuera del mundo anglosajón. En Finlandia, este álbum es considerado una obra clave del rock & roll. JOHNNY WINTER: https://youtu.be/QogdraH6_E4?si=07XaVfCwbvE3smYJ En 1970, el legendario guitarrista Johnny Winter, conocido por su virtuosismo en el blues, hizo su propia interpretación de Road Runner en su álbum Johnny Winter. Su versión mantiene la esencia de Bo Diddley pero le añade su estilo único, con una guitarra potente y una energía cruda que eleva la canción a nuevas alturas. Johnny Winter, con su inconfundible toque, fue capaz de hacer que esta pieza de Bo Diddley sonara fresca y revitalizada, a la vez que rendía homenaje a su influencia. WAYNE FONTANA AND THE MINDBENDERS: https://www.youtube.com/watch?v=8HUgiPah4zo En 1965, Wayne Fontana and The Mindbenders grabaron su propia versión de Road Runner. Esta versión tiene una atmósfera británica marcada por el estilo de la época, con un enfoque más melódico que las versiones anteriores, pero manteniendo la energía imparable de la original. Su interpretación de Road Runner refleja el auge de la invasión británica y tiene un toque más suave y pegajoso, que logró un gran éxito en el Reino Unido. CONCLUSIONES Road Runner es una de esas canciones que encapsulan la esencia del rock and roll, aportando velocidad, energía y un ritmo imparable. Bo Diddley dejó un legado imborrable y esta canción sigue corriendo sin frenos por la historia de la música. Así que, la próxima vez que escuches Road Runner, recuerda que no solo es el correcaminos, ¡es todo un legado de rock and roll que sigue corriendo a la velocidad de la luz!https://www.ivoox.com/82-explorando-versiones-little-wing-audios-mp3_rf_164585887_1.htmlFri, 19 Dec 2025 08:06:51 +010026:40202582fullhttps://www.ivoox.com/164585887locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noEn esta octogésima segunda entrega de entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo Pedro A. Luis nos hablará de la canción «Little Wing», un tema de «Jimi Hendrix». THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE - LITTLE WING: https://www.youtube.com/watch?v=35luFxHO5E0 SANTANA: https://www.youtube.com/watch?v=4dOnxRMq388 STING: https://www.youtube.com/watch?v=JcdNcLYH47c PAPPO BLUES - PEQUEÑA ALA: https://www.youtube.com/watch?v=WvxQFm-ZHVY CASANDRA LANGE: https://www.youtube.com/watch?v=z4KqJQbY_1s RAIMUNDO AMADOR: https://www.youtube.com/watch?v=OIjbnXkkgoclocosporincordiarEn esta octogésima segunda entrega de entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo Pedro A. Luis nos hablará de la canción «Little Wing», un tema de «Jimi Hendrix». THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE - LITTLE WING: https://www.youtube.com/watch?v=35luFxHO5E0 SANTANA: https://www.youtube.com/watch?v=4dOnxRMq388 STING: https://www.youtube.com/watch?v=JcdNcLYH47c PAPPO BLUES - PEQUEÑA ALA: https://www.youtube.com/watch?v=WvxQFm-ZHVY CASANDRA LANGE: https://www.youtube.com/watch?v=z4KqJQbY_1s RAIMUNDO AMADOR: https://www.youtube.com/watch?v=OIjbnXkkgochttps://www.ivoox.com/81-explorando-versiones-bollere-audios-mp3_rf_164189952_1.htmlFri, 12 Dec 2025 09:53:43 +010015:56202581fullhttps://www.ivoox.com/164189952locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola amigos, soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones vamos a descubrir la historia de una canción que cruzó fronteras, escenarios y estilos… y que, en realidad, nació de algo tan pequeño como un papel de fumar. Sí, hoy nos adentramos en la canción Bolleré, de Raimundo Amador… o mejor dicho, con Bolloré, de Cathy Claret, su autora original CATHY CLARET - BOLLORÉ (VERSIÓN ORIGINAL) https://youtu.be/zrLYESYGr54?feature=shared Cathy Claret y el papel Bolloré Todo el mundo cree que Bolleré es de Raimundo Amador, pero la historia empieza con la música francesa Cathy Claret. En mayo de 1991 publica su segundo LP, Soleil y locura, y en este disco aparece un tema curioso, cantado en español pero con acento francés y aires de flamenco fusionado con Bossa nova: Bolloré. La canción está dedicada a un papel de fumar muy especial: OCB Bolloré. Si lo mirabas al trasluz, se podía leer esa palabra, Bolloré, y Cathy, que viajaba a menudo de Francia a Sevilla, lo traía para sus amigos de las 3.000 viviendas, porque en España no se conseguía. Para ellos era casi un tesoro. Raimundo, por aquel entonces, la acompañaba en sus actuaciones. Así que conocía la canción desde dentro, antes de que se convirtiera en un himno. ARRAJATABLA: https://youtu.be/naMNwUm25ww?feature=shared Un año después, Raimundo Amador deja Pata Negra y forma Arrajatabla junto a Juan Reina en la voz, Luis Cobo Manglis en la guitarra y Diego Amador en los teclados. Publican en 1992 su único disco: Sevilla Blues. En este álbum aparece Bolleré, ya adaptado al acento sevillano de Raimundo. Es la primera vez que el tema se graba con un sonido más cercano al flamenco-blues, alejándose del aire juguetón y minimalista de la versión original de Cathy. CATHY CLARET (SUSSURANDO): https://youtu.be/WOgreNbyGwI?feature=shared En 2003, Cathy Claret la regrabó en su disco Sussurando, acercándose más al estilo que popularizó Raimundo, pero conservando su frescura. RAIMUNDO (GERUNDINA): https://youtu.be/5ik_0_KnTYs?feature=shared En 1995, Raimundo da un paso decisivo: lanza su primer disco en solitario, Gerundina, llamada así por una de sus guitarras. En Bolleré, cuenta con un invitado de lujo: nada menos que BB King. Aquí la canción gana cuerpo, sobre todo con ese diálogo eléctrico entre el blues de BB King y el compás de Raimundo. Una fusión tan natural que parece que hubieran tocado juntos toda la vida. RAIMUNDO Y BB KING (NOCHES DE FLAMENCO Y BLUES): https://www.youtube.com/watch?v=rzr6KZ23NwU Si la versión de estudio ya era espectacular, la del directo de 1998, en el disco Noche de flamenco y blues, es pura magia. Raimundo y BB King sobre el escenario, mirándose, retándose y disfrutando. Es el momento en que Bolleré se convierte definitivamente en un clásico. CONCLUSIONES Bolleré es más que una canción: es un puente entre culturas, un guiño privado convertido en himno, y un ejemplo de cómo una idea aparentemente pequeña puede crecer y recorrer el mundo. Gracias a Cathy Claret, a Raimundo Amador y a todos los que la han hecho suya, hoy podemos seguir escuchando ese estribillo que, entre compases de flamenco y blues, nos recuerda que la música no tiene fronteras…locosporincordiarHola amigos, soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones vamos a descubrir la historia de una canción que cruzó fronteras, escenarios y estilos… y que, en realidad, nació de algo tan pequeño como un papel de fumar. Sí, hoy nos adentramos en la canción Bolleré, de Raimundo Amador… o mejor dicho, con Bolloré, de Cathy Claret, su autora original CATHY CLARET - BOLLORÉ (VERSIÓN ORIGINAL) https://youtu.be/zrLYESYGr54?feature=shared Cathy Claret y el papel Bolloré Todo el mundo cree que Bolleré es de Raimundo Amador, pero la historia empieza con la música francesa Cathy Claret. En mayo de 1991 publica su segundo LP, Soleil y locura, y en este disco aparece un tema curioso, cantado en español pero con acento francés y aires de flamenco fusionado con Bossa nova: Bolloré. La canción está dedicada a un papel de fumar muy especial: OCB Bolloré. Si lo mirabas al trasluz, se podía leer esa palabra, Bolloré, y Cathy, que viajaba a menudo de Francia a Sevilla, lo traía para sus amigos de las 3.000 viviendas, porque en España no se conseguía. Para ellos era casi un tesoro. Raimundo, por aquel entonces, la acompañaba en sus actuaciones. Así que conocía la canción desde dentro, antes de que se convirtiera en un himno. ARRAJATABLA: https://youtu.be/naMNwUm25ww?feature=shared Un año después, Raimundo Amador deja Pata Negra y forma Arrajatabla junto a Juan Reina en la voz, Luis Cobo Manglis en la guitarra y Diego Amador en los teclados. Publican en 1992 su único disco: Sevilla Blues. En este álbum aparece Bolleré, ya adaptado al acento sevillano de Raimundo. Es la primera vez que el tema se graba con un sonido más cercano al flamenco-blues, alejándose del aire juguetón y minimalista de la versión original de Cathy. CATHY CLARET (SUSSURANDO): https://youtu.be/WOgreNbyGwI?feature=shared En 2003, Cathy Claret la regrabó en su disco Sussurando, acercándose más al estilo que popularizó Raimundo, pero conservando su frescura. RAIMUNDO (GERUNDINA): https://youtu.be/5ik_0_KnTYs?feature=shared En 1995, Raimundo da un paso decisivo: lanza su primer disco en solitario, Gerundina, llamada así por una de sus guitarras. En Bolleré, cuenta con un invitado de lujo: nada menos que BB King. Aquí la canción gana cuerpo, sobre todo con ese diálogo eléctrico entre el blues de BB King y el compás de Raimundo. Una fusión tan natural que parece que hubieran tocado juntos toda la vida. RAIMUNDO Y BB KING (NOCHES DE FLAMENCO Y BLUES): https://www.youtube.com/watch?v=rzr6KZ23NwU Si la versión de estudio ya era espectacular, la del directo de 1998, en el disco Noche de flamenco y blues, es pura magia. Raimundo y BB King sobre el escenario, mirándose, retándose y disfrutando. Es el momento en que Bolleré se convierte definitivamente en un clásico. CONCLUSIONES Bolleré es más que una canción: es un puente entre culturas, un guiño privado convertido en himno, y un ejemplo de cómo una idea aparentemente pequeña puede crecer y recorrer el mundo. Gracias a Cathy Claret, a Raimundo Amador y a todos los que la han hecho suya, hoy podemos seguir escuchando ese estribillo que, entre compases de flamenco y blues, nos recuerda que la música no tiene fronteras…https://www.ivoox.com/80-explorando-versiones-tainted-love-audios-mp3_rf_163802077_1.htmlFri, 05 Dec 2025 08:14:13 +010034:34202580fullhttps://www.ivoox.com/163802077locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)no1.- GLORIA JONES - TAINTED LOVE 2.- SOFT CELL En los clubes underground de Leeds, dos jóvenes experimentaban con máquinas de ritmo y sintetizadores. Marc Almond, con su voz intensa y dramática, y David Ball, maestro de los teclados, dieron forma a una versión que nadie esperaba. El resultado fue un tema que desde el primer segundo atrapaba con su inconfundible pulso electrónico, un latido que parecía marcar el inicio de una nueva era musical. 3.- LA UNIÓN - FALSO AMOR La Unión convirtió Tainted Love en Falso Amor, una versión en español que llevó el tema a la escena del pop-rock ibérico de los 80, con un aire oscuro y urbano que conectó con toda una generación. 4.- BLUEKILLA Cuando la banda alemana Bluekilla se apropió de Tainted Love, lo hizo con un espíritu completamente distinto: ska, trompetas vibrantes y un ritmo que invita a bailar sin parar. Su versión rompe con la melancolía de Soft Cell y el dramatismo de La Unión, para transformarla en una fiesta sonora. 5.- DEPECHE MODE Depeche Mode interpretA Tainted Love desde su universo sonoro cargado de melancolía y oscuridad. Su versión no busca la fiesta ni el desencanto urbano, sino sumergirnos en un estado emocional profundo, casi confesional. 6.- SOCIAL DISTORSION En 1982, la banda californiana Social Distortion, pionera del punk rock estadounidense, lanzó su propia versión de Tainted Love. A diferencia de las atmósferas electrónicas de Soft Cell o la melancolía de Depeche Mode, ellos la convirtieron en un grito punk crudo y directo, con guitarras distorsionadas y una actitud desafiante. 7.- ANALÓGICOS - FALSO AMOR En el universo de las reinterpretaciones de Tainted Love, Los Analógicos se atrevieron a darle un giro propio: un sonido que combina la energía del rock español con la accesibilidad del pop. Su versión, titulada Falso Amor, mantiene la esencia del desengaño amoroso, pero la viste con guitarras más presentes y un ritmo más cálido que el de Soft Cell o La Unión. 8.- SCORPIONS The Scorpions, ya convertidos en leyendas del hard rock, deciden rendir homenaje a algunos clásicos de la música. Entre ellos, eligen Tainted Love. Pero en sus manos, la canción deja atrás los sintetizadores fríos y las atmósferas urbanas para convertirse en un torbellino de guitarras eléctricas y la voz inconfundible de Klaus Meine. 9.- MILKY CHANCE Tainted Love de Milky Chance es prueba de que un buen cover nunca se copia. Se reinterpreta.Se siente de nuevo. 10.- MARILYN MANSON Y finalmente, llegamos a la versión favorita de Agartha: Marilyn Manson. Su interpretación de Tainted Love, lanzada en 2001 para la película Not Another Teen Movie, es un espectáculo en sí misma.locosporincordiar1.- GLORIA JONES - TAINTED LOVE 2.- SOFT CELL En los clubes underground de Leeds, dos jóvenes experimentaban con máquinas de ritmo y sintetizadores. Marc Almond, con su voz intensa y dramática, y David Ball, maestro de los teclados, dieron forma a una versión que nadie esperaba. El resultado fue un tema que desde el primer segundo atrapaba con su inconfundible pulso electrónico, un latido que parecía marcar el inicio de una nueva era musical. 3.- LA UNIÓN - FALSO AMOR La Unión convirtió Tainted Love en Falso Amor, una versión en español que llevó el tema a la escena del pop-rock ibérico de los 80, con un aire oscuro y urbano que conectó con toda una generación. 4.- BLUEKILLA Cuando la banda alemana Bluekilla se apropió de Tainted Love, lo hizo con un espíritu completamente distinto: ska, trompetas vibrantes y un ritmo que invita a bailar sin parar. Su versión rompe con la melancolía de Soft Cell y el dramatismo de La Unión, para transformarla en una fiesta sonora. 5.- DEPECHE MODE Depeche Mode interpretA Tainted Love desde su universo sonoro cargado de melancolía y oscuridad. Su versión no busca la fiesta ni el desencanto urbano, sino sumergirnos en un estado emocional profundo, casi confesional. 6.- SOCIAL DISTORSION En 1982, la banda californiana Social Distortion, pionera del punk rock estadounidense, lanzó su propia versión de Tainted Love. A diferencia de las atmósferas electrónicas de Soft Cell o la melancolía de Depeche Mode, ellos la convirtieron en un grito punk crudo y directo, con guitarras distorsionadas y una actitud desafiante. 7.- ANALÓGICOS - FALSO AMOR En el universo de las reinterpretaciones de Tainted Love, Los Analógicos se atrevieron a darle un giro propio: un sonido que combina la energía del rock español con la accesibilidad del pop. Su versión, titulada Falso Amor, mantiene la esencia del desengaño amoroso, pero la viste con guitarras más presentes y un ritmo más cálido que el de Soft Cell o La Unión. 8.- SCORPIONS The Scorpions, ya convertidos en leyendas del hard rock, deciden rendir homenaje a algunos clásicos de la música. Entre ellos, eligen Tainted Love. Pero en sus manos, la canción deja atrás los sintetizadores fríos y las atmósferas urbanas para convertirse en un torbellino de guitarras eléctricas y la voz inconfundible de Klaus Meine. 9.- MILKY CHANCE Tainted Love de Milky Chance es prueba de que un buen cover nunca se copia. Se reinterpreta.Se siente de nuevo. 10.- MARILYN MANSON Y finalmente, llegamos a la versión favorita de Agartha: Marilyn Manson. Su interpretación de Tainted Love, lanzada en 2001 para la película Not Another Teen Movie, es un espectáculo en sí misma.https://www.ivoox.com/79-explorando-versiones-show-me-the-way-audios-mp3_rf_163407493_1.htmlFri, 28 Nov 2025 08:01:24 +010021:54202579fullhttps://www.ivoox.com/163407493locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noSHOW ME THE WAY En la septuagésima novena entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo Pedro A. Luís nos hablará de la canción «Show me the way», un tema del británico «Peter Frampton» y el periplo de su guitarra Les Paul Custom de 1954 que desapareció en un trágico accidente aéreo en 1980 y que finalmente pudo ser recuperada en 2011. PETER FRAMPTON - SHOW ME THE WAY: https://www.youtube.com/watch?v=Qh4zqMMaRlA CHESTER MILLER: https://www.youtube.com/watch?v=5W0rwOrnd68 ALVARO ESCARAMELLI: https://www.youtube.com/watch?v=YPVGx_fscWM PETER FRAMPTON (LIVE): https://www.youtube.com/watch?v=fljCxY1jtik PETER FRAMPTON (SINGLE): https://www.youtube.com/watch?v=tv3sH9sXZbYlocosporincordiarSHOW ME THE WAY En la septuagésima novena entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo Pedro A. Luís nos hablará de la canción «Show me the way», un tema del británico «Peter Frampton» y el periplo de su guitarra Les Paul Custom de 1954 que desapareció en un trágico accidente aéreo en 1980 y que finalmente pudo ser recuperada en 2011. PETER FRAMPTON - SHOW ME THE WAY: https://www.youtube.com/watch?v=Qh4zqMMaRlA CHESTER MILLER: https://www.youtube.com/watch?v=5W0rwOrnd68 ALVARO ESCARAMELLI: https://www.youtube.com/watch?v=YPVGx_fscWM PETER FRAMPTON (LIVE): https://www.youtube.com/watch?v=fljCxY1jtik PETER FRAMPTON (SINGLE): https://www.youtube.com/watch?v=tv3sH9sXZbYhttps://www.ivoox.com/78-explorando-versiones-fito-y-fitipaldis-versiones-audios-mp3_rf_163034819_1.htmlFri, 21 Nov 2025 07:36:57 +010027:30202578fullhttps://www.ivoox.com/163034819locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noA finales de la década de los 80, y con el cansino run run de la jodida movida madrileña zumbando día sí y día también en nuestros oídos haciendo gala de un heliocentrismo capitalino bastante jartible, en el norte de España se estaba acabando una década gloriosa para el rock, con grupos como Cicatriz, La Polla Records, Eskorbuto, Barricada o M.C.D por ejemplo. Estos salvajes del rock y del punk eran el contrapeso a esos pijazos madrileños que con el altavoz mediático se creían ser el ombligo del mundo. En ese contexto histórico empezaba a fermentar un grupo de músicos que marcarían el camino del rock nacional de los próximos años. Juantxo e Iñaki Uoho tenían una banda llamada Ke, humo en Euskera que grabó solo una maqueta para después disolverse pero fue el germen de lo que vino luego. Tardaron poco en formar otra banda junto a Jesús García, Maguila, Juantxo que era el bajo del grupo invitó a un ensayo a un vecino suyo que decía tocar la guitarra y es así como el resto del grupo conoció a Adolfo Cabrales Mato…mas conocido como Fito Cabrales a groso modo así nació Platero y tu. PLATERO Y TU - HAY POCO ROCK AND ROLL: https://www.youtube.com/watch?v=FFQdttqbhGA Platero y tu estuvieron en activo desde 1989 hasta 2002 aunque Fito que para entonces era el frontman de la banda además de cantante y guitarrista, ya tenía andando y en paralelo su siguiente proyecto musical… Fito y Fittipaldis. Este nuevo proyecto era sin duda más personal y daba cabida a otras inquietudes de Fito en la música como el rockabilly, swing, jazz…. Desde su primer disco “A Puerta Cerrada”, de 1998, Fito decidió incluir una versión en cada trabajo que publicara como Fito y Fitipaldis y eso sirve de banderín de enganche para hacer este Explorando Versiones. Soy Sergio Serrato y esto es un especial Explorando Versiones de Fito y Fitipaldis. LOS SECRETOS - QUIERO BEBER HASTA PERDER EL CONTROL: https://www.youtube.com/watch?v=39a1V8IIMog Esta es la canción elegida para ese disco debut de 1998, la canción “quiero beber hasta perder el control” de Los Secretos. FITO Y FITIPALDIS - QUIERO BEBER HASTA PERDER EL CONTROL: https://www.youtube.com/watch?v=p1n1aXFUVy8 La versión de Fito es más rápida y bebe, nunca mejor dicho en cierto rock sureño. FITO Y FITIPALDIS - PARA TODA LA VIDA: https://www.youtube.com/watch?v=Gtrt3HvSD-s Y del rock sureño a la musica norteña, para su disco Los sueños locos de 2001 Fito y los suyos versionaban así la canción del acordeonista tejano Flaco Jimenez pero más alejado del regusto Tex Mex del Flaco. FLACO JIMENEZ - PARA TODA LA VIDA: https://www.youtube.com/watch?v=K9KgpoFkJFU Esta es la canción original de uno de los mayores representantes del estilo corrido norteño pero nacido al otro lado de la frontera. LOS REBELDES - QUIERO SER UNA ESTRELLA: https://www.youtube.com/watch?v=_-ZaB2lN568 El tercer disco de Fito y Fitipaldis puede ser el de su consagracion, corría el 2003 y en el disco “Lo más lejos a tu lado” versionaban esta canción de Los Rebeldes “Quiero una estrella”. FITO & FITIPALDIS - QUIERO SER UNA ESTRELLA: https://www.youtube.com/watch?v=vI0mQEjBwMI Esta vez no se alejan del estilo Rockabilly pero eso sí añaden un piano al estilo de de Jerry lee Lewis. EXTREMODURO - DELTOYA: https://www.youtube.com/watch?v=u-kP22JG9Yw La sinergia entre esos dos grupos ha sido permanente y Deltoya de Extremoduro sería la canción elegida para ser versionada en el cuarto disco de la banda “Por la boca vive el pez”. FITO & FITIPALDIS - DELTOYA: https://www.youtube.com/watch?v=SN5ruGzWrz8 Fito es reconocido amigo, admirador incluso vecino del líder de Extremoduro Robe Iniesta. Para esta versión/homenaje Fito elige darle ritmo a la canción incluyendo un solo de saxo muy swing. FITO & FITIPALDIS - TODO A 100: https://www.youtube.com/watch?v=6O3Tra2FvY8 En 2009 ve la luz el siguiente trabajo titulado “Ante de que cuente 10” y por supuesto dentro del mismo estaba esta versión de "Todo a Cien" de "La Cabra Mecánica", aparentemente más formal que la original se podria decir. LA CABRA MECÁNICA - TODO A 100: https://www.youtube.com/watch?v=11kBFa5m-xE La Banda de Lichi ideó esta canción con un estilo más mestizo y con cambios de ritmos inclasificables. FITO & FITIPALDIS - NOS OCUPAMOS DEL MAR: https://www.youtube.com/watch?v=tAJbzkk6cRI Para el sexto álbum de la banda “Huyendo conmigo de mí” de 2014 Fito versiona a modo de …no sé, una especie de balada este tema de un cantautor que se que le va a gustar a mi amigo Ayllón, Javier Krahe la canción “Nos ocupamos del mar”. JAVIER KRAHE - NOS OCUPAMOS DEL MAR: https://www.youtube.com/watch?v=UbVZPwmhd9E Porque los genios muchas veces no saben que lo son…. o quizás sí, pero con Krahe es difícil saber qué es y qué no es, o dónde empieza y dónde acaba. PLATERO Y TU - ENTRE DOS MARES: https://www.youtube.com/watch?v=FEq4sk0a2-Y En 2017 Fito rizo el rizo, aunque el ejemplo capilar cueste encajarlo en el pequeño rockero Bilbaíno pero es que en el disco Fitografía incluye una versión de Platero y tu: Entre dos mares. FITO & FITIPALDIS - ENTRE DOS MARES: https://www.youtube.com/watch?v=1xvP2AXbDXQ Fito y fitipaldis versionando a Los Plateros. En esta ocasión con un sonido muy parecido pero quizás con un tema más limpio y contundente si cabe. JORGE DREXLER - TRANSPORTE: https://www.youtube.com/watch?v=hSLQltgD6II El último disco hasta la fecha de grabación de este podcast de Fito y Fitipaldis es “Cada vez cadáver” y en este último disco se encuentra una versión de Transporte una especie de bossa nova carnavalera del cantautor Jorge Drexler . FITO & FITIPALDIS - TRANSPORTE: https://www.youtube.com/watch?v=Fof0JFxFzZw Fito hace esta versión con un tono más de canción de carretera y ciertos toques melancólicos y ese ritmo de percusión que agradecen todos los baterías porque no acaban sudando como un culpable. CONCLUSIONES: Aquí tenéis un claro ejemplo de como hacer propias canciones que son de artistas que admiras y sin duda Fito Cabrales lo hace pero que muy bien porque no hace covers ni simplemente tributos de esos artistas sino que logra darles estilo propio y un sonido muy característico, haciéndolas propias. Espero que os haya gustado y más espero aún veros pronto por este nuestro podcast favorito Explorando Versiones, así que gracias por haber llegado hasta aquí y ya sabes…. nos vemos en los Bares.locosporincordiarA finales de la década de los 80, y con el cansino run run de la jodida movida madrileña zumbando día sí y día también en nuestros oídos haciendo gala de un heliocentrismo capitalino bastante jartible, en el norte de España se estaba acabando una década gloriosa para el rock, con grupos como Cicatriz, La Polla Records, Eskorbuto, Barricada o M.C.D por ejemplo. Estos salvajes del rock y del punk eran el contrapeso a esos pijazos madrileños que con el altavoz mediático se creían ser el ombligo del mundo. En ese contexto histórico empezaba a fermentar un grupo de músicos que marcarían el camino del rock nacional de los próximos años. Juantxo e Iñaki Uoho tenían una banda llamada Ke, humo en Euskera que grabó solo una maqueta para después disolverse pero fue el germen de lo que vino luego. Tardaron poco en formar otra banda junto a Jesús García, Maguila, Juantxo que era el bajo del grupo invitó a un ensayo a un vecino suyo que decía tocar la guitarra y es así como el resto del grupo conoció a Adolfo Cabrales Mato…mas conocido como Fito Cabrales a groso modo así nació Platero y tu. PLATERO Y TU - HAY POCO ROCK AND ROLL: https://www.youtube.com/watch?v=FFQdttqbhGA Platero y tu estuvieron en activo desde 1989 hasta 2002 aunque Fito que para entonces era el frontman de la banda además de cantante y guitarrista, ya tenía andando y en paralelo su siguiente proyecto musical… Fito y Fittipaldis. Este nuevo proyecto era sin duda más personal y daba cabida a otras inquietudes de Fito en la música como el rockabilly, swing, jazz…. Desde su primer disco “A Puerta Cerrada”, de 1998, Fito decidió incluir una versión en cada trabajo que publicara como Fito y Fitipaldis y eso sirve de banderín de enganche para hacer este Explorando Versiones. Soy Sergio Serrato y esto es un especial Explorando Versiones de Fito y Fitipaldis. LOS SECRETOS - QUIERO BEBER HASTA PERDER EL CONTROL: https://www.youtube.com/watch?v=39a1V8IIMog Esta es la canción elegida para ese disco debut de 1998, la canción “quiero beber hasta perder el control” de Los Secretos. FITO Y FITIPALDIS - QUIERO BEBER HASTA PERDER EL CONTROL: https://www.youtube.com/watch?v=p1n1aXFUVy8 La versión de Fito es más rápida y bebe, nunca mejor dicho en cierto rock sureño. FITO Y FITIPALDIS - PARA TODA LA VIDA: https://www.youtube.com/watch?v=Gtrt3HvSD-s Y del rock sureño a la musica norteña, para su disco Los sueños locos de 2001 Fito y los suyos versionaban así la canción del acordeonista tejano Flaco Jimenez pero más alejado del regusto Tex Mex del Flaco. FLACO JIMENEZ - PARA TODA LA VIDA: https://www.youtube.com/watch?v=K9KgpoFkJFU Esta es la canción original de uno de los mayores representantes del estilo corrido norteño pero nacido al otro lado de la frontera. LOS REBELDES - QUIERO SER UNA ESTRELLA: https://www.youtube.com/watch?v=_-ZaB2lN568 El tercer disco de Fito y Fitipaldis puede ser el de su consagracion, corría el 2003 y en el disco “Lo más lejos a tu lado” versionaban esta canción de Los Rebeldes “Quiero una estrella”. FITO & FITIPALDIS - QUIERO SER UNA ESTRELLA: https://www.youtube.com/watch?v=vI0mQEjBwMI Esta vez no se alejan del estilo Rockabilly pero eso sí añaden un piano al estilo de de Jerry lee Lewis. EXTREMODURO - DELTOYA: https://www.youtube.com/watch?v=u-kP22JG9Yw La sinergia entre esos dos grupos ha sido permanente y Deltoya de Extremoduro sería la canción elegida para ser versionada en el cuarto disco de la banda “Por la boca vive el pez”. FITO & FITIPALDIS - DELTOYA: https://www.youtube.com/watch?v=SN5ruGzWrz8 Fito es reconocido amigo, admirador incluso vecino del líder de Extremoduro Robe Iniesta. Para esta versión/homenaje Fito elige darle ritmo a la canción incluyendo un solo de saxo muy swing. FITO & FITIPALDIS - TODO A 100: https://www.youtube.com/watch?v=6O3Tra2FvY8 En 2009 ve la luz el siguiente trabajo titulado “Ante de que cuente 10” y por supuesto dentro del mismo estaba esta versión de "Todo a Cien" de "La Cabra Mecánica", aparentemente más formal que la original se podria decir. LA CABRA MECÁNICA - TODO A 100: https://www.youtube.com/watch?v=11kBFa5m-xE La Banda de Lichi ideó esta canción con un estilo más mestizo y con cambios de ritmos inclasificables. FITO & FITIPALDIS - NOS OCUPAMOS DEL MAR: https://www.youtube.com/watch?v=tAJbzkk6cRI Para el sexto álbum de la banda “Huyendo conmigo de mí” de 2014 Fito versiona a modo de …no sé, una especie de balada este tema de un cantautor que se que le va a gustar a mi amigo Ayllón, Javier Krahe la canción “Nos ocupamos del mar”. JAVIER KRAHE - NOS OCUPAMOS DEL MAR: https://www.youtube.com/watch?v=UbVZPwmhd9E Porque los genios muchas veces no saben que lo son…. o quizás sí, pero con Krahe es difícil saber qué es y qué no es, o dónde empieza y dónde acaba. PLATERO Y TU - ENTRE DOS MARES: https://www.youtube.com/watch?v=FEq4sk0a2-Y En 2017 Fito rizo el rizo, aunque el ejemplo capilar cueste encajarlo en el pequeño rockero Bilbaíno pero es que en el disco Fitografía incluye una versión de Platero y tu: Entre dos mares. FITO & FITIPALDIS - ENTRE DOS MARES: https://www.youtube.com/watch?v=1xvP2AXbDXQ Fito y fitipaldis versionando a Los Plateros. En esta ocasión con un sonido muy parecido pero quizás con un tema más limpio y contundente si cabe. JORGE DREXLER - TRANSPORTE: https://www.youtube.com/watch?v=hSLQltgD6II El último disco hasta la fecha de grabación de este podcast de Fito y Fitipaldis es “Cada vez cadáver” y en este último disco se encuentra una versión de Transporte una especie de bossa nova carnavalera del cantautor Jorge Drexler . FITO & FITIPALDIS - TRANSPORTE: https://www.youtube.com/watch?v=Fof0JFxFzZw Fito hace esta versión con un tono más de canción de carretera y ciertos toques melancólicos y ese ritmo de percusión que agradecen todos los baterías porque no acaban sudando como un culpable. CONCLUSIONES: Aquí tenéis un claro ejemplo de como hacer propias canciones que son de artistas que admiras y sin duda Fito Cabrales lo hace pero que muy bien porque no hace covers ni simplemente tributos de esos artistas sino que logra darles estilo propio y un sonido muy característico, haciéndolas propias. Espero que os haya gustado y más espero aún veros pronto por este nuestro podcast favorito Explorando Versiones, así que gracias por haber llegado hasta aquí y ya sabes…. nos vemos en los Bares.https://www.ivoox.com/77-explorando-versiones-as-i-look-audios-mp3_rf_162645697_1.htmlFri, 14 Nov 2025 11:51:48 +010013:22202577fullhttps://www.ivoox.com/162645697locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola amigos, soy Francisco y os doy la bienvenida a otro capítulo de Explorando Versiones. THE REBEL ROUSERS - AS I LOOK: https://www.youtube.com/watch?v=LW_PoK_ORqY Hoy viajaremos a la Inglaterra de finales de los 60, para rescatar una canción escondida en la cara B de un single de los británicos The Rebel Rousers. Una joya vio la luz en 1968, justo después de la marcha de Cliff Bennett, su cantante principal, y que representa tanto la fidelidad al R&B británico como el principio del fin para la banda. The Rebel Rousers eran conocidos por acompañar a Cliff Bennett, uno de los grandes nombres del soul británico. Pero en 1968, Bennett deja el grupo y ellos publican un single en Mercury Records: Should I? en la cara A, y en la cara B, la canción que hoy nos ocupa hoy, As I Look. En este disco, la voz la pone Roy Young, un cantante y teclista con un registro enérgico y con experiencia en la escena beat de Liverpool. Ya para aquel año, la música en Inglaterra estaba virando hacia la psicodelia y el rock progresivo. Pero As I Look se mantuvo fiel a las raíces del R&B y el soul británico, casi como una declaración de principios. Fue, además, uno de los últimos pasos de la banda, que acabaría disolviéndose en 1969. THE BLUE STAR SISTERS: https://www.youtube.com/watch?v=QbW_iYUGrnM De la Inglaterra de 1968 nos trasladamos ahora al Hong Kong de 1969, para escuchar la versión del grupo femenino The Blue Star Sisters, un grupo prácticamente desconocido fuera de su ciudad natal. Lo que distingue a esta interpretación es, sobre todo, sus voces femeninas, ya que todos sus componentes son mujeres. Este detalle le da al tema un aire fresco y luminoso, manteniendo el sonido y ritmo cercano al original. LES BUISSONS: https://www.youtube.com/watch?v=tuCCwAicXyc Ahora nos trasladamos al sur de Francia, a Perpiñán. A finales de los ochenta y principios de los noventa, floreció allí una escena underground marcada por el garage y el freakbeat —ese estilo británico de mediados de los 60 que servía de puente entre el R&B mod y la psicodelia, con guitarras más crudas y ritmos más explosivos—, cuyo testimonio quedó recogido en la recopilación “Back from the Canigó: Garage Punks vs Freakbeat Mods 1989‑1999”. En este álbum encontramos la versión de As I Look firmada por Les Buissons. Su interpretación se aleja del soul británico original para llevar la canción a un terreno gamberro y garajero. Suena más cruda y más directa. No hay pulcritud ni nostalgia: lo que hay es electricidad, vitalidad y un guiño a las raíces del género, reinterpretado desde la Francia de los noventa. THE BAR-KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=6phRvkLSaQM Para cerrar este recorrido por las versiones de As I Look, hablamos del grupo sevillano The Bar-Kings. Formado por músicos de sobrada solvencia, su sonido se sostiene sobre un ritmo marcado por el R&B y el soul, con una precisa y afilada guitarra, una armónica desquiciada y llena de fuerza, y una base rítmica ajustada al milímetro que impulsa una voz tajante y cargada de actitud. Su versión de As I Look mantiene la esencia del tema original, pero con un aire directo, potente y lleno de energía, como si la canción hubiera sido hecha para sonar en vivo por estos tíos. CONCLUSIONES Y así llegamos al final de este episodio de Explorando Versiones. Ha sido un recorrido breve pero intenso, desde la Inglaterra de 1968 pasando por Hong Kong y Francia, hasta llegar a Sevilla, descubriendo cómo una cara B olvidada puede viajar en el tiempo y los estilos, y seguir encontrando nuevas vidas en las manos de quienes la interpretan.locosporincordiarHola amigos, soy Francisco y os doy la bienvenida a otro capítulo de Explorando Versiones. THE REBEL ROUSERS - AS I LOOK: https://www.youtube.com/watch?v=LW_PoK_ORqY Hoy viajaremos a la Inglaterra de finales de los 60, para rescatar una canción escondida en la cara B de un single de los británicos The Rebel Rousers. Una joya vio la luz en 1968, justo después de la marcha de Cliff Bennett, su cantante principal, y que representa tanto la fidelidad al R&B británico como el principio del fin para la banda. The Rebel Rousers eran conocidos por acompañar a Cliff Bennett, uno de los grandes nombres del soul británico. Pero en 1968, Bennett deja el grupo y ellos publican un single en Mercury Records: Should I? en la cara A, y en la cara B, la canción que hoy nos ocupa hoy, As I Look. En este disco, la voz la pone Roy Young, un cantante y teclista con un registro enérgico y con experiencia en la escena beat de Liverpool. Ya para aquel año, la música en Inglaterra estaba virando hacia la psicodelia y el rock progresivo. Pero As I Look se mantuvo fiel a las raíces del R&B y el soul británico, casi como una declaración de principios. Fue, además, uno de los últimos pasos de la banda, que acabaría disolviéndose en 1969. THE BLUE STAR SISTERS: https://www.youtube.com/watch?v=QbW_iYUGrnM De la Inglaterra de 1968 nos trasladamos ahora al Hong Kong de 1969, para escuchar la versión del grupo femenino The Blue Star Sisters, un grupo prácticamente desconocido fuera de su ciudad natal. Lo que distingue a esta interpretación es, sobre todo, sus voces femeninas, ya que todos sus componentes son mujeres. Este detalle le da al tema un aire fresco y luminoso, manteniendo el sonido y ritmo cercano al original. LES BUISSONS: https://www.youtube.com/watch?v=tuCCwAicXyc Ahora nos trasladamos al sur de Francia, a Perpiñán. A finales de los ochenta y principios de los noventa, floreció allí una escena underground marcada por el garage y el freakbeat —ese estilo británico de mediados de los 60 que servía de puente entre el R&B mod y la psicodelia, con guitarras más crudas y ritmos más explosivos—, cuyo testimonio quedó recogido en la recopilación “Back from the Canigó: Garage Punks vs Freakbeat Mods 1989‑1999”. En este álbum encontramos la versión de As I Look firmada por Les Buissons. Su interpretación se aleja del soul británico original para llevar la canción a un terreno gamberro y garajero. Suena más cruda y más directa. No hay pulcritud ni nostalgia: lo que hay es electricidad, vitalidad y un guiño a las raíces del género, reinterpretado desde la Francia de los noventa. THE BAR-KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=6phRvkLSaQM Para cerrar este recorrido por las versiones de As I Look, hablamos del grupo sevillano The Bar-Kings. Formado por músicos de sobrada solvencia, su sonido se sostiene sobre un ritmo marcado por el R&B y el soul, con una precisa y afilada guitarra, una armónica desquiciada y llena de fuerza, y una base rítmica ajustada al milímetro que impulsa una voz tajante y cargada de actitud. Su versión de As I Look mantiene la esencia del tema original, pero con un aire directo, potente y lleno de energía, como si la canción hubiera sido hecha para sonar en vivo por estos tíos. CONCLUSIONES Y así llegamos al final de este episodio de Explorando Versiones. Ha sido un recorrido breve pero intenso, desde la Inglaterra de 1968 pasando por Hong Kong y Francia, hasta llegar a Sevilla, descubriendo cómo una cara B olvidada puede viajar en el tiempo y los estilos, y seguir encontrando nuevas vidas en las manos de quienes la interpretan.https://www.ivoox.com/76-explorando-versiones-the-passenger-audios-mp3_rf_162039360_1.htmlFri, 07 Nov 2025 08:12:24 +010020:34202576fullhttps://www.ivoox.com/162039360locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola soy Roberto del podcast Wantuki Connection y también de Onda Wantuki que estoy en todos lados y ahora encantado en volver a participar en … Explorando Versiones, ya tenía ganas y como digo siempre voy a empezar con una canción que me gusta mucho, que es The Passenguer de Iggy Pop. Esta canción fue escrita por Iggy Pop, uno de los pioneros del punk, junto al guitarrista escocés Ricky Gardiner y grabada en los estudios Hansa de Berlín. En aquella época, Iggy vivía en Alemania junto a su amigo y colaborador David Bowie, intentando dejar atrás su etapa más autodestructiva. Entre paseos nocturnos por Berlín y viajes en el coche de Bowie, surgió la idea: un pasajero que observa el mundo sin intervenir. El riff repetitivo de Gardiner refleja esa sensación de movimiento constante, casi hipnótico. Lo curioso es que al principio fue una cara B, pero con los años se transformó en una de las canciones más queridas de Iggy, un himno sobre la libertad y la observación y no he dicho que la editó en 1977. 1987 – SIOUXSIE AND THE BANSHEES – The Passenger Diez años después, The Passenger reaparece en manos de Siouxsie and the Banshees, una de las bandas más influyentes del post-punk británico. Formada por Siouxsie Sioux y el bajista Steven Severin, el grupo marcó los 80 con su estética oscura y su sonido innovador. En 1987 lanzan su disco de versiones Through the Looking Glass, donde reinterpretan el clásico de Iggy con una poderosa sección de metales y la voz hipnótica de Siouxsie. La canción se vuelve más luminosa, casi de película, sin perder su energía punk. Iggy Pop llegó a decir: “Ella la canta mejor que yo.” Fue single, llegó al número 41 en las listas británicas y sigue siendo una de las versiones más aplaudidas del tema, que yo de hecho fue esta canción que escuché por primera vez The Passenguer, luego es cuando me enteré que era de Iggy Pop y vamos a escuchar otras versiones: 1998 – ESTRA – Sei così semplice En 1998, el grupo italiano Estra —formado en Prato, Toscana—, lleva The Passenger a su idioma con “Sei così semplice” . Estra era una banda de rock alternativo con letras poéticas y un tono social muy marcado, liderada por Giulio Casale. Su versión no traduce la letra literalmente, sino que adapta el espíritu: el pasajero se convierte en alguien introspectivo, melancólico, que reflexiona sobre la vida moderna. El sonido combina guitarras italianas de los 90 con un aire poético y mediterráneo. Una reinterpretación elegante que demuestra cómo una canción puede viajar de Berlín a Italia y conservar su alma. 2008 – FOLK GRINDER – The Passenger Ahora nos vamos a los muelles de Londres. Folk Grinder es el proyecto del músico Kieran Noël, que mezcla punk británico con folk marinero. Su versión de The Passenger, grabada en 2008, suena como una canción tabernera: con acordeones, violines y el aroma del puerto. Aquí el pasajero no viaja en coche, sino en un barco oxidado, cantando bajo la lluvia. La voz ronca de Noël da una sensación de historia vivida, de viajero cansado que ha visto el mundo entero. Es una versión poco conocida, pero con una atmósfera única: el Passenger convertido en marinero errante. 2010 – THE JOLLY BOYS – The Passenger En 2010, desde Port Antonio, Jamaica, llegan The Jolly Boys, un grupo con más de sesenta años de historia. Fundados en los años 40, son los grandes embajadores del mento, el estilo tradicional jamaicano que inspiró al reggae. En su disco Great Expectation, versionan clásicos del rock con su sonido isleño y The Passenger es una de las joyas del álbum. La voz de Albert Minott aporta calidez y humor, mientras el ritmo se vuelve ligero, casi festivo. El pasajero de Iggy se transforma aquí en un viajero tropical: sonríe, canta y se deja llevar por la brisa del Caribe, hombre así cualquiera. 2018 – CIRILO – El Pasajero Y ahora nos movemos a Madrid con Cirilo, un cantautor español con raíces en el rock y la poesía urbana. Ha trabajado con músicos de primer nivel como Candy Caramelo, José Bruno y Julián Kanevsky, y su versión de El Pasajero fue producida por Nigel Walker, productor de Sabina y Fito & Fitipaldis. Cirilo adapta la letra al castellano, situando al pasajero frente al edificio Dakota, en Nueva York. El resultado es una versión elegante, más íntima, con una mirada de película. Aquí el pasajero no solo observa: también recuerda, siente y canta en nuestro idioma. Un puente entre el rock clásico y la sensibilidad española. 2020 – ALISON MOSSHART – The Passenger En 2020, la norteamericana Alison Mosshart, vocalista de The Kills y The Dead Weather, grabó su propia versión. Mosshart es conocida por su voz rasgada y su estilo entre el blues y el rock alternativo y lo experimental. Su Passenger es una reinterpretación minimalista: apenas hay guitarras y una voz cargada de atmósfera. Parece una escena de carretera nocturna, bajo la lluvia, con faros en la distancia. Es una versión introspectiva, sensual, que convierte el viaje exterior en una travesía interior. El pasajero de Alison no grita: susurra… pero cada palabra pesa. 2021 – DAVID HASSELHOFF – The Passenger Y ahora para terminar vamos a acabar con una versión más inesperada que a mí me resultó curiosa cuando la encontré que es la versión que hizo en 2021el actor y cantante David Hasselhoff, que lo conoceréis por su famoso Coche fantástico y Los vigilantes de la playa y claro aparcó el coche, dejó la playa y lanzó su disco de versiones “Party Your Hasselhoff”. Y bueno que vamos a contar de David si no fuera por su KITT, bueno el caso que tiene una larga carrera musical, sobre todo en Alemania, donde es una especie de icono pop. Su Passenger mezcla pop electrónico, sintetizadores y ese toque kitsch que lo hace irresistible. El propio Hasselhoff dijo que quería “alegrar el mundo con música optimista”. Y lo consigue: esta versión suena como si el pasajero de Iggy se hubiera subido a un coche descapotable para recorrer la autopista… ¡bailando! Una forma divertida de cerrar este viaje musical, aquí con los recuerdos de David y el Kitt y todo, bueno y así que para cerrar este Explorando Versiones que espero que os haya gustado y que versión os ha gustado mas? A mí siempre me quedará la que conocí por primera vez que la bailé y todo la de Siouxsie and the Banshees pero esta de David Hasselhof pues también me ha hecho mucha gracia. Bueno pues esto ha sido todo y os esperamos en el siguiente Explorando Versiones.locosporincordiarHola soy Roberto del podcast Wantuki Connection y también de Onda Wantuki que estoy en todos lados y ahora encantado en volver a participar en … Explorando Versiones, ya tenía ganas y como digo siempre voy a empezar con una canción que me gusta mucho, que es The Passenguer de Iggy Pop. Esta canción fue escrita por Iggy Pop, uno de los pioneros del punk, junto al guitarrista escocés Ricky Gardiner y grabada en los estudios Hansa de Berlín. En aquella época, Iggy vivía en Alemania junto a su amigo y colaborador David Bowie, intentando dejar atrás su etapa más autodestructiva. Entre paseos nocturnos por Berlín y viajes en el coche de Bowie, surgió la idea: un pasajero que observa el mundo sin intervenir. El riff repetitivo de Gardiner refleja esa sensación de movimiento constante, casi hipnótico. Lo curioso es que al principio fue una cara B, pero con los años se transformó en una de las canciones más queridas de Iggy, un himno sobre la libertad y la observación y no he dicho que la editó en 1977. 1987 – SIOUXSIE AND THE BANSHEES – The Passenger Diez años después, The Passenger reaparece en manos de Siouxsie and the Banshees, una de las bandas más influyentes del post-punk británico. Formada por Siouxsie Sioux y el bajista Steven Severin, el grupo marcó los 80 con su estética oscura y su sonido innovador. En 1987 lanzan su disco de versiones Through the Looking Glass, donde reinterpretan el clásico de Iggy con una poderosa sección de metales y la voz hipnótica de Siouxsie. La canción se vuelve más luminosa, casi de película, sin perder su energía punk. Iggy Pop llegó a decir: “Ella la canta mejor que yo.” Fue single, llegó al número 41 en las listas británicas y sigue siendo una de las versiones más aplaudidas del tema, que yo de hecho fue esta canción que escuché por primera vez The Passenguer, luego es cuando me enteré que era de Iggy Pop y vamos a escuchar otras versiones: 1998 – ESTRA – Sei così semplice En 1998, el grupo italiano Estra —formado en Prato, Toscana—, lleva The Passenger a su idioma con “Sei così semplice” . Estra era una banda de rock alternativo con letras poéticas y un tono social muy marcado, liderada por Giulio Casale. Su versión no traduce la letra literalmente, sino que adapta el espíritu: el pasajero se convierte en alguien introspectivo, melancólico, que reflexiona sobre la vida moderna. El sonido combina guitarras italianas de los 90 con un aire poético y mediterráneo. Una reinterpretación elegante que demuestra cómo una canción puede viajar de Berlín a Italia y conservar su alma. 2008 – FOLK GRINDER – The Passenger Ahora nos vamos a los muelles de Londres. Folk Grinder es el proyecto del músico Kieran Noël, que mezcla punk británico con folk marinero. Su versión de The Passenger, grabada en 2008, suena como una canción tabernera: con acordeones, violines y el aroma del puerto. Aquí el pasajero no viaja en coche, sino en un barco oxidado, cantando bajo la lluvia. La voz ronca de Noël da una sensación de historia vivida, de viajero cansado que ha visto el mundo entero. Es una versión poco conocida, pero con una atmósfera única: el Passenger convertido en marinero errante. 2010 – THE JOLLY BOYS – The Passenger En 2010, desde Port Antonio, Jamaica, llegan The Jolly Boys, un grupo con más de sesenta años de historia. Fundados en los años 40, son los grandes embajadores del mento, el estilo tradicional jamaicano que inspiró al reggae. En su disco Great Expectation, versionan clásicos del rock con su sonido isleño y The Passenger es una de las joyas del álbum. La voz de Albert Minott aporta calidez y humor, mientras el ritmo se vuelve ligero, casi festivo. El pasajero de Iggy se transforma aquí en un viajero tropical: sonríe, canta y se deja llevar por la brisa del Caribe, hombre así cualquiera. 2018 – CIRILO – El Pasajero Y ahora nos movemos a Madrid con Cirilo, un cantautor español con raíces en el rock y la poesía urbana. Ha trabajado con músicos de primer nivel como Candy Caramelo, José Bruno y Julián Kanevsky, y su versión de El Pasajero fue producida por Nigel Walker, productor de Sabina y Fito & Fitipaldis. Cirilo adapta la letra al castellano, situando al pasajero frente al edificio Dakota, en Nueva York. El resultado es una versión elegante, más íntima, con una mirada de película. Aquí el pasajero no solo observa: también recuerda, siente y canta en nuestro idioma. Un puente entre el rock clásico y la sensibilidad española. 2020 – ALISON MOSSHART – The Passenger En 2020, la norteamericana Alison Mosshart, vocalista de The Kills y The Dead Weather, grabó su propia versión. Mosshart es conocida por su voz rasgada y su estilo entre el blues y el rock alternativo y lo experimental. Su Passenger es una reinterpretación minimalista: apenas hay guitarras y una voz cargada de atmósfera. Parece una escena de carretera nocturna, bajo la lluvia, con faros en la distancia. Es una versión introspectiva, sensual, que convierte el viaje exterior en una travesía interior. El pasajero de Alison no grita: susurra… pero cada palabra pesa. 2021 – DAVID HASSELHOFF – The Passenger Y ahora para terminar vamos a acabar con una versión más inesperada que a mí me resultó curiosa cuando la encontré que es la versión que hizo en 2021el actor y cantante David Hasselhoff, que lo conoceréis por su famoso Coche fantástico y Los vigilantes de la playa y claro aparcó el coche, dejó la playa y lanzó su disco de versiones “Party Your Hasselhoff”. Y bueno que vamos a contar de David si no fuera por su KITT, bueno el caso que tiene una larga carrera musical, sobre todo en Alemania, donde es una especie de icono pop. Su Passenger mezcla pop electrónico, sintetizadores y ese toque kitsch que lo hace irresistible. El propio Hasselhoff dijo que quería “alegrar el mundo con música optimista”. Y lo consigue: esta versión suena como si el pasajero de Iggy se hubiera subido a un coche descapotable para recorrer la autopista… ¡bailando! Una forma divertida de cerrar este viaje musical, aquí con los recuerdos de David y el Kitt y todo, bueno y así que para cerrar este Explorando Versiones que espero que os haya gustado y que versión os ha gustado mas? A mí siempre me quedará la que conocí por primera vez que la bailé y todo la de Siouxsie and the Banshees pero esta de David Hasselhof pues también me ha hecho mucha gracia. Bueno pues esto ha sido todo y os esperamos en el siguiente Explorando Versiones.https://www.ivoox.com/75-explorando-versiones-mazinger-z-audios-mp3_rf_161235678_1.htmlFri, 24 Oct 2025 09:26:36 +020021:32202575fullhttps://www.ivoox.com/161235678locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noTema de Batalla (B.S.O.): https://www.youtube.com/watch?v=bkE1GxgKtNs Escuchas esto y sabes que viene la acción. Le das un mordisco a tu bocata de Nocilla, de mantequilla con azúcar o lo que fuese que merendases, y se te erizan los vellos de todo el cuerpo. Es la hora de que el super robot manejado por Koji Kabuto ponga en su sitio a las bestias mecánicas del Doctor Infierno. Por eso te levantas y subes el volumen a tu tele marrón, culona y sin mando a distancia. Unos lo vivieron en los 70, cuando se estrenó la serie. Otros lo hicimos en reposiciones de los 80, en vídeos comunitarios y televisiones locales. Daba igual. Mi amigo Juan Martín y yo no nos perdíamos un solo episodio de esos personajes tan raros como el Barón Ashler (o Asura), medio hombre medio mujer; el Conde Broken, que llevaba su cabeza cortada entre los brazos; o el Duque Gorgón, que de cintura para abajo era un tigre. Una serie extraña, pero que enganchó a toda una generación. El robot de las estrellas. El pionero del género mecha que nos vino de Japón… ¡Hola, hola! Soy Raúlillo, y hoy vamos a explorar las versiones del opening de Mazinger Z. ICHIRŌ MIZUKI (1972): https://youtu.be/JpFW21BA7Lk?si=k0o6jfjF_Ah0ZU-i Vamos con la versión original, estrenada al mismo tiempo que la serie en Japón, en 1972, e interpretada por Ichirō Mizuki, cuyo verdadero nombre es Toshio Hayakawa (total, patatas…). Ichirō Mizuki fue un famoso y prolífico cantante, letrista, compositor y actor japonés, más conocido por su trabajo en canciones para anime y tokusatsu. En Japón lo llamaban onii-san (“hermano mayor”) del anison, palabra japonesa que se refiere al género musical proveniente del anime. ICHIRŌ MIZUKI (2018): https://www.youtube.com/watch?v=vkDkk9brWGw Lanzó cinco discos de música popular sin lograr un éxito comercial. En ese momento decidió retirarse de los escenarios hasta que le surgió la oportunidad de interpretar temas musicales para el naciente género de la animación. Así lanzó canciones de gran reconocimiento hasta el día de hoy, como los temas de apertura de Mazinger Z, Great Mazinger, Capitán Harlock, Voltron y muchos más. Mazinger Z daría origen al género de los superrobots del anime, llamado mecha, que dominaría la televisión japonesa desde los años 70. Tal fue la importancia de Ichirō Mizuki en este género que, cuando en 2018 se estrenó la película Mazinger Z Infinity, el intérprete del opening no pudo ser otro que el onii-san de Japón. Con Mazinger Z Infinity, el intérprete original volvió a brillar. ALFREDO GARRIDO GARCÍA (1978): https://www.youtube.com/watch?v=m0atBDZuKaU En 1978 fue cuando todos los niños españoles escucharon la voz de Alfredo Garrido dando paso a la que fue su serie favorita. Pero solo durante 32 episodios de los 92 que tiene la serie original. La emisión en TVE se interrumpió debido a la censura por su contenido violento, siendo sustituida por la serie del puto Orzowei. La cara de decepción de los niños de la época os la podéis imaginar. Posteriormente, Telecinco emitió la serie completa con un doblaje latino para los 92 episodios. El bilbaíno, nacido en 1933, fue cantante y productor musical. Estuvo a cargo de la creación, traducción y producción artística de temas infantiles como Marco, Vickie el vikingo, La abeja Maya, Tarzán o Mazinger Z. Pero para Mazinger tuvo los huevos de decir: “¡Esta la canto yo!” Y por su forma de interpretarla, en España corrió un bulo que yo mismo me tragué hasta mi edad adulta: se decía que la canción estaba interpretada por el mismísimo Raphael… La confusión es plausible. Escuchad vosotros mismos y opinad. GIGATRÓN (2005): https://www.youtube.com/watch?v=m8hINYVcXco Vamos con más versiones en español. En 2005, Gigatrón, con su disco Hitthrashhit (el disco fantasma), nos regaló una versión… digamos, con letra libre. En esta versión, Mazinger no solo es un robot de metal, sino el robot rockero del metal, diseñado para no dejar vivo a ni un solo moñas y enseñar a los niños a hacer caso de la fuerza bruta. ¿Qué queréis que os diga? Son Gigatrón. LOS PETERSELLERS (1996): https://www.youtube.com/watch?v=_aZBTmhrFkA Los Petersellers, grupo de música español fundado en Madrid en 1993 y aún en activo, cultivan principalmente el rock con una vertiente humorística y ligeramente punk (a la que denominan guateque-punk). En 1996 lanzaron su álbum debut Vayamos por partes, donde incluyeron esta joya de versión del opening de Mazinger Z. Sí, una joya: usando como base la canción Paranoid de Black Sabbath, empastando perfectamente la melodía y añadiendo improvisaciones a mitad del tema que son una delicia. Aquí la letra no es libre, como la versión anterior. Y todo esto hace que esta sea mi favorita. Así que, damas y señoritas, oigamos un poco de Los Petersellers. ANIMETAL (1997): https://www.youtube.com/watch?v=XtIg7DYpHR4 Fue una banda japonesa de heavy metal que hacía versiones de canciones de anime al estilo metal. En 1997 el grupo debutó con Sony Music. En su formación estaban She-Ja (guitarra), TAKE-SHIT (bajo), KATSUJI (batería) y Eizo Sakamoto (voz). Su primer álbum, publicado en 1997, incluía esta versión del opening de Mazinger Z, y se tituló Animetal Marathon I, un álbum sin cortes entre canciones, un detalle que conservaron en todos sus discos. Hasta 2007 habían publicado un total de siete discos con el nombre Marathon, cambiando solo el número final (I, II, III, IV…). Para qué comerse la cabeza, ¿verdad? ANIMETAL U.S.A.: https://www.youtube.com/watch?v=GhkLoD83CtE Ahora vamos con algo que creo que nunca ha pasado en Explorando Versiones: un grupo tributo que versiona a otro grupo que hace versiones. Eso sí que es no comerse la cabeza. Así es: estos que escuchamos son Animetal U.S.A., una banda estadounidense de heavy metal con sede en Japón, formada como tributo a la banda Animetal que acabamos de oír. Los miembros originales fueron: Michael Vescera (vocalista principal, ex de Yngwie Malmsteen) Chris Impellitteri (guitarra) Rudy Sarzo (bajo, ex de Quiet Riot, Ozzy Osbourne y Whitesnake) Scott Travis (batería, que dejó la banda para salir de gira con Judas Priest y fue reemplazado por Jon Dette, exbatería de Slayer y Testament). La versión que estáis oyendo apareció en su disco debut homónimo Animetal U.S.A. de 2011. Me explota la cabeza pensar que músicos con este bagaje formen un grupo tributo de una banda tan friki como la original japonesa. Algo tiene Japón y su cultura que engancha. ICHIRŌ MIZUKI (2006): https://youtu.be/NiFVXPJn0ss?si=T0bPlk3-ayCd3TuK Empezamos con el onii-san Ichirō, y terminamos con él. Hasta su fallecimiento en 2022, no dejó de interpretar y regrabar versiones de canciones de series de anime. Esta versión de 2006 apareció en el EP Mazinger Z 21st Century del maestro del género anison. ¿Que qué es el anison? Poneos el podcast desde el principio, que ya lo dije. En fin, tal como se ha hecho en incontables ocasiones en Japón, se lanzó la versión Siglo XXI (algo que ya vimos en el Explorando Versiones de Saint Seiya). Y aunque Ichirō Mizuki ya no esté entre nosotros, su canción sigue rugiendo en los televisores antiguos, en los discos rayados, en la memoria de generaciones de japoneses. Y, al igual que pasa para nosotros con Alfredo Garrido, cada vez que suena este himno inmortal volvemos a ser aquellos niños que soñaban con héroes de acero, con justicia, con esperanza. En el eco de su canción aún resuena la infancia, el asombro y la promesa de que, mientras alguien tararee su melodía, Mazinger seguirá emergiendo de la piscina del Laboratorio de Investigaciones Fotónicas, a los pies del monte Fuji. Por eso, hoy más que nunca: ¡Pon el oído y sube el volumen, so friki! ¡Puños fuera!locosporincordiarTema de Batalla (B.S.O.): https://www.youtube.com/watch?v=bkE1GxgKtNs Escuchas esto y sabes que viene la acción. Le das un mordisco a tu bocata de Nocilla, de mantequilla con azúcar o lo que fuese que merendases, y se te erizan los vellos de todo el cuerpo. Es la hora de que el super robot manejado por Koji Kabuto ponga en su sitio a las bestias mecánicas del Doctor Infierno. Por eso te levantas y subes el volumen a tu tele marrón, culona y sin mando a distancia. Unos lo vivieron en los 70, cuando se estrenó la serie. Otros lo hicimos en reposiciones de los 80, en vídeos comunitarios y televisiones locales. Daba igual. Mi amigo Juan Martín y yo no nos perdíamos un solo episodio de esos personajes tan raros como el Barón Ashler (o Asura), medio hombre medio mujer; el Conde Broken, que llevaba su cabeza cortada entre los brazos; o el Duque Gorgón, que de cintura para abajo era un tigre. Una serie extraña, pero que enganchó a toda una generación. El robot de las estrellas. El pionero del género mecha que nos vino de Japón… ¡Hola, hola! Soy Raúlillo, y hoy vamos a explorar las versiones del opening de Mazinger Z. ICHIRŌ MIZUKI (1972): https://youtu.be/JpFW21BA7Lk?si=k0o6jfjF_Ah0ZU-i Vamos con la versión original, estrenada al mismo tiempo que la serie en Japón, en 1972, e interpretada por Ichirō Mizuki, cuyo verdadero nombre es Toshio Hayakawa (total, patatas…). Ichirō Mizuki fue un famoso y prolífico cantante, letrista, compositor y actor japonés, más conocido por su trabajo en canciones para anime y tokusatsu. En Japón lo llamaban onii-san (“hermano mayor”) del anison, palabra japonesa que se refiere al género musical proveniente del anime. ICHIRŌ MIZUKI (2018): https://www.youtube.com/watch?v=vkDkk9brWGw Lanzó cinco discos de música popular sin lograr un éxito comercial. En ese momento decidió retirarse de los escenarios hasta que le surgió la oportunidad de interpretar temas musicales para el naciente género de la animación. Así lanzó canciones de gran reconocimiento hasta el día de hoy, como los temas de apertura de Mazinger Z, Great Mazinger, Capitán Harlock, Voltron y muchos más. Mazinger Z daría origen al género de los superrobots del anime, llamado mecha, que dominaría la televisión japonesa desde los años 70. Tal fue la importancia de Ichirō Mizuki en este género que, cuando en 2018 se estrenó la película Mazinger Z Infinity, el intérprete del opening no pudo ser otro que el onii-san de Japón. Con Mazinger Z Infinity, el intérprete original volvió a brillar. ALFREDO GARRIDO GARCÍA (1978): https://www.youtube.com/watch?v=m0atBDZuKaU En 1978 fue cuando todos los niños españoles escucharon la voz de Alfredo Garrido dando paso a la que fue su serie favorita. Pero solo durante 32 episodios de los 92 que tiene la serie original. La emisión en TVE se interrumpió debido a la censura por su contenido violento, siendo sustituida por la serie del puto Orzowei. La cara de decepción de los niños de la época os la podéis imaginar. Posteriormente, Telecinco emitió la serie completa con un doblaje latino para los 92 episodios. El bilbaíno, nacido en 1933, fue cantante y productor musical. Estuvo a cargo de la creación, traducción y producción artística de temas infantiles como Marco, Vickie el vikingo, La abeja Maya, Tarzán o Mazinger Z. Pero para Mazinger tuvo los huevos de decir: “¡Esta la canto yo!” Y por su forma de interpretarla, en España corrió un bulo que yo mismo me tragué hasta mi edad adulta: se decía que la canción estaba interpretada por el mismísimo Raphael… La confusión es plausible. Escuchad vosotros mismos y opinad. GIGATRÓN (2005): https://www.youtube.com/watch?v=m8hINYVcXco Vamos con más versiones en español. En 2005, Gigatrón, con su disco Hitthrashhit (el disco fantasma), nos regaló una versión… digamos, con letra libre. En esta versión, Mazinger no solo es un robot de metal, sino el robot rockero del metal, diseñado para no dejar vivo a ni un solo moñas y enseñar a los niños a hacer caso de la fuerza bruta. ¿Qué queréis que os diga? Son Gigatrón. LOS PETERSELLERS (1996): https://www.youtube.com/watch?v=_aZBTmhrFkA Los Petersellers, grupo de música español fundado en Madrid en 1993 y aún en activo, cultivan principalmente el rock con una vertiente humorística y ligeramente punk (a la que denominan guateque-punk). En 1996 lanzaron su álbum debut Vayamos por partes, donde incluyeron esta joya de versión del opening de Mazinger Z. Sí, una joya: usando como base la canción Paranoid de Black Sabbath, empastando perfectamente la melodía y añadiendo improvisaciones a mitad del tema que son una delicia. Aquí la letra no es libre, como la versión anterior. Y todo esto hace que esta sea mi favorita. Así que, damas y señoritas, oigamos un poco de Los Petersellers. ANIMETAL (1997): https://www.youtube.com/watch?v=XtIg7DYpHR4 Fue una banda japonesa de heavy metal que hacía versiones de canciones de anime al estilo metal. En 1997 el grupo debutó con Sony Music. En su formación estaban She-Ja (guitarra), TAKE-SHIT (bajo), KATSUJI (batería) y Eizo Sakamoto (voz). Su primer álbum, publicado en 1997, incluía esta versión del opening de Mazinger Z, y se tituló Animetal Marathon I, un álbum sin cortes entre canciones, un detalle que conservaron en todos sus discos. Hasta 2007 habían publicado un total de siete discos con el nombre Marathon, cambiando solo el número final (I, II, III, IV…). Para qué comerse la cabeza, ¿verdad? ANIMETAL U.S.A.: https://www.youtube.com/watch?v=GhkLoD83CtE Ahora vamos con algo que creo que nunca ha pasado en Explorando Versiones: un grupo tributo que versiona a otro grupo que hace versiones. Eso sí que es no comerse la cabeza. Así es: estos que escuchamos son Animetal U.S.A., una banda estadounidense de heavy metal con sede en Japón, formada como tributo a la banda Animetal que acabamos de oír. Los miembros originales fueron: Michael Vescera (vocalista principal, ex de Yngwie Malmsteen) Chris Impellitteri (guitarra) Rudy Sarzo (bajo, ex de Quiet Riot, Ozzy Osbourne y Whitesnake) Scott Travis (batería, que dejó la banda para salir de gira con Judas Priest y fue reemplazado por Jon Dette, exbatería de Slayer y Testament). La versión que estáis oyendo apareció en su disco debut homónimo Animetal U.S.A. de 2011. Me explota la cabeza pensar que músicos con este bagaje formen un grupo tributo de una banda tan friki como la original japonesa. Algo tiene Japón y su cultura que engancha. ICHIRŌ MIZUKI (2006): https://youtu.be/NiFVXPJn0ss?si=T0bPlk3-ayCd3TuK Empezamos con el onii-san Ichirō, y terminamos con él. Hasta su fallecimiento en 2022, no dejó de interpretar y regrabar versiones de canciones de series de anime. Esta versión de 2006 apareció en el EP Mazinger Z 21st Century del maestro del género anison. ¿Que qué es el anison? Poneos el podcast desde el principio, que ya lo dije. En fin, tal como se ha hecho en incontables ocasiones en Japón, se lanzó la versión Siglo XXI (algo que ya vimos en el Explorando Versiones de Saint Seiya). Y aunque Ichirō Mizuki ya no esté entre nosotros, su canción sigue rugiendo en los televisores antiguos, en los discos rayados, en la memoria de generaciones de japoneses. Y, al igual que pasa para nosotros con Alfredo Garrido, cada vez que suena este himno inmortal volvemos a ser aquellos niños que soñaban con héroes de acero, con justicia, con esperanza. En el eco de su canción aún resuena la infancia, el asombro y la promesa de que, mientras alguien tararee su melodía, Mazinger seguirá emergiendo de la piscina del Laboratorio de Investigaciones Fotónicas, a los pies del monte Fuji. Por eso, hoy más que nunca: ¡Pon el oído y sube el volumen, so friki! ¡Puños fuera!https://www.ivoox.com/74-explorando-versiones-livin-on-a-prayer-audios-mp3_rf_160858477_1.htmlFri, 17 Oct 2025 08:32:04 +020027:42174fullhttps://www.ivoox.com/160858477locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola amigos, soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones vamos a sumergirnos en una de las canciones más emblemáticas del rock de los 80: “Livin’ on a Prayer” de Bon Jovi. BON JOVI - LIVIN’ ON A PRAYER: https://www.youtube.com/watch?v=CuUefy9bT9U Lanzada en 1986 como parte del álbum Slippery When Wet, esta canción se convirtió rápidamente en el himno que catapultó a la banda de New Jersey al estrellato internacional. El tema, escrito por Jon Bon Jovi, Richie Sambora y Desmond Child, nos cuenta la historia de Tommy y Gina, una joven pareja que, pese a las dificultades económicas, lucha por salir adelante con la fuerza de su amor y su esperanza. Con su poderoso coro y el inconfundible uso del talk box en la guitarra de Sambora, “Livin’ on a Prayer” alcanzó el número uno en el Billboard Hot 100 y sigue siendo una de las canciones más coreadas en estadios y conciertos de todo el mundo. ¿Pero qué es eso del talk box? Básicamente es un pedal de efectos que se conecta a la guitarra. El sonido viaja por un tubo de plástico hasta la boca del músico, y ahí ocurre la magia: al mover la boca como si hablara, el guitarrista modula el sonido, transformándolo. Después, un micrófono recoge ese resultado y lo mezcla con la música. El efecto es tan peculiar que la guitarra parece literalmente hablar, y gracias a eso, hace que esta canción sea un tema inolvidable. BON JOVI (VERSIÓN ACÚSTICA): https://www.youtube.com/watch?v=balf-7kM8Ao Empezamos con la versión que ha interpretado el propio Jon Bon Jovi en sus diferentes giras, donde lleva la canción a un formato acústico, más íntimo y emotivo. Aquí la intensidad del tema original se sustituye por la cercanía de la voz y la guitarra acústica, lo que pone en primer plano la historia de Tommy y Gina, reforzando el lado más humano de la canción. GLEE - START ME UP / LIVIN’ ON A PRAYER: https://www.youtube.com/watch?v=l0z8LuLMgSk En el capítulo 6 de la segunda temporada de la famosa serie de televisión GLEE, publicado el 9 de Noviembre de 2010 por la cadena FOX, los protagonistas mezclaron “Start Me Up”, el tema de The Rolling Stones, con “Livin’ on a Prayer” de Bon Jovi. El resultado fue una interpretación juvenil, con mucha teatralidad y energía, que consiguió acercar el clásico de Bon Jovi a una nueva generación de espectadores. 2CELLOS: https://www.youtube.com/watch?v=VvqImsjpfPo En 2021, el dúo croata de violonchelistas 2CELLOS, conocido por transformar grandes clásicos del rock en piezas de aire casi sinfónico, publicó su propia interpretación de este tema. Todo comienza con una introducción misteriosa, suave, casi como un susurro, y poco a poco la música va creciendo hasta estallar con la misma fuerza épica de la versión original. Pero aquí no hay voces: son únicamente los violonchelos los que transmiten esa energía, consiguiendo que sus instrumentos canten la melodía. THE HOLOPHONICS (COVER SKA): https://www.youtube.com/watch?v=VobthXh1lu4 Ahora damos un giro radical con la versión ska que hace The Holophonics, una banda de Texas muy conocida por llenar sus discos de versiones con un estilo más festivo y callejero. Esta interpretación apareció el 28 de julio de 2017 dentro del álbum MaSKArades Vol. 11. Aquí el rock se sustituye por trombones, ritmos saltarines y una energía contagiosa que transforma el clásico en algo fresco, ligero y totalmente inesperado. SCARY POCKETS CON ASTYN TURR (COVER FUNK): https://www.youtube.com/watch?v=9hqEUxiL-PE Seguimos con esta versión a cargo de Scary Pockets, una banda conocida por reinterpretar clásicos con ritmo funky, acompañados en esta ocasión por la cantante Astyn Turr en la voz principal. La versión se publicó en su canal de YouTube el 6 de diciembre de 2021 y destaca por ser suave, elegante y muy rítmica. La interpretación vocal de Astyn Turr aporta una enorme sensibilidad, mientras que la base rítmica consigue que el tema fluya con un aire relajado pero tremendamente contagioso. POSTMODERN JUKEBOX Y MICHE BRADEN (COVER JAZZ): https://www.youtube.com/watch?v=RMeN0CFNWmk Ahora nos sumergimos en esta versión del 29 de julio de 2014, que te hace sentir como si estuvieras en un club de jazz de los años 40. El grupo estadounidense Postmodern Jukebox ha transformado el tema en una pieza de jazz vintage. Acompañados por la voz potente de Miche Braden, que aporta un toque soul, te atrapa desde el primer acorde. Aunque nos transporta a otra época, la canción mantiene la esencia que caracteriza al original. ALEX MELTON (COVER POP PUNK): https://www.youtube.com/watch?v=DpskXe9gZmY A continuación vamos con un giro totalmente distinto con esta versión de Alex Melton, publicada en abril de 2023. Este músico y creador de contenido se ha hecho muy conocido por transformar canciones populares en himnos de pop punk, ese estilo que mezcla la energía del punk con la melodía del pop. En su versión, Melton reimagina el clásico de Bon Jovi incorporando influencias de bandas como Green Day y Offspring. La canción cobra nueva vida, con aires más frescos y juveniles, pero siempre respetando el espíritu de la original. APEROL ROCKIN’1000: https://www.youtube.com/watch?v=CKsCJAqMbQY El 7 de junio de 2023 se celebró en Roma el concierto Aperol Rockin’1000, conocido como la “banda de rock más grande del mundo”. El nombre viene de su patrocinador principal, Aperol, la famosa bebida alcohólica italiana de color naranja que suele servirse en el cóctel muy popular en Italia y en medio mundo. Cientos de músicos de todo el planeta tocaron juntos en el Estadio de los Mármoles y, entre los grandes éxitos, sonó esta versión. La banda estaba formada por 350 guitarristas, 250 cantantes, 250 bateristas y 150 bajistas, creando una interpretación colosal que demuestra el poder de la música cuando se comparte en comunidad. SOUL JOVI (COVER SOUL): https://www.youtube.com/watch?v=G8VxRfTh6AA Mucho más reciente es esta versión publicada el 27 de agosto de 2025, en el canal Fake Music, conocido por subir versiones y reinterpretaciones creativas de canciones populares, se publicó esta versión que reimagina el tema con arreglos vocales y estilísticos propios del soul, aportando un aire más suave, elegante y emotivo. LEO MORACCHIOLI: https://www.youtube.com/watch?v=Iqh-8FgTIkk Esta versión que os pongo a continuación es más metalera. Llega de la mano del productor y músico noruego Leo Moracchioli, conocido por sus potentes versiones de canciones conocidas. Con más de 4 millones de seguidores en YouTube, Moracchioli transforma Livin’ on a Prayer en un tema intenso y cargado de energía pero sin perder su esencia. GISELE ABRAMOFF: https://www.youtube.com/watch?v=opnp5LSmJWc El grupo brasileño Dalimas se hizo conocido por reinterpretar clásicos del pop y del rock en un estilo dance, pensado para sonar en las discotecas de los años 2000. En 2005 publicaron esta versión reversionada con bases electrónicas, sintetizadores y un estilo muy cercano al eurodance, muy en la onda de la época. ALESSANDRA: https://www.youtube.com/watch?v=ytAMW5toG50 Con esta versión techno cerramos el repaso de hoy. Este tema está interpretado por Alessandra Rosaldo, conocida simplemente como Alessandra, vocalista del dúo mexicano Sentidos Opuestos. En el año 2016 lanzó un single en el que aparecía este tema, junto con Breathless de la banda irlandesa The Corrs. Y sí, ya sé, estas dos últimas son perversiones y podrían considerarse claramente como una agresión a un himno del rock… pero, oye, ¡al menos han elegido una gran canción! CONCLUSIÓN Como conclusión, diremos que “Livin’ on a Prayer” no es solo un clásico del rock de los 80, sino un auténtico himno de resistencia y esperanza. Sus múltiples versiones, desde lo más íntimo hasta lo más heavy, demuestra que la canción sigue viva y en constante transformación. Quizá tú, fiel “oyenta” que me escuchas, y eres seguidora de Bon Jovi desde sus inicios, nunca imaginaste que hubiera tantas versiones —unas sorprendentes y otras bastante raras— de esa canción mítica que marcó tu infancia. Gracias por acompañarme y nos vemos en el próximo capítulo.locosporincordiarHola amigos, soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones vamos a sumergirnos en una de las canciones más emblemáticas del rock de los 80: “Livin’ on a Prayer” de Bon Jovi. BON JOVI - LIVIN’ ON A PRAYER: https://www.youtube.com/watch?v=CuUefy9bT9U Lanzada en 1986 como parte del álbum Slippery When Wet, esta canción se convirtió rápidamente en el himno que catapultó a la banda de New Jersey al estrellato internacional. El tema, escrito por Jon Bon Jovi, Richie Sambora y Desmond Child, nos cuenta la historia de Tommy y Gina, una joven pareja que, pese a las dificultades económicas, lucha por salir adelante con la fuerza de su amor y su esperanza. Con su poderoso coro y el inconfundible uso del talk box en la guitarra de Sambora, “Livin’ on a Prayer” alcanzó el número uno en el Billboard Hot 100 y sigue siendo una de las canciones más coreadas en estadios y conciertos de todo el mundo. ¿Pero qué es eso del talk box? Básicamente es un pedal de efectos que se conecta a la guitarra. El sonido viaja por un tubo de plástico hasta la boca del músico, y ahí ocurre la magia: al mover la boca como si hablara, el guitarrista modula el sonido, transformándolo. Después, un micrófono recoge ese resultado y lo mezcla con la música. El efecto es tan peculiar que la guitarra parece literalmente hablar, y gracias a eso, hace que esta canción sea un tema inolvidable. BON JOVI (VERSIÓN ACÚSTICA): https://www.youtube.com/watch?v=balf-7kM8Ao Empezamos con la versión que ha interpretado el propio Jon Bon Jovi en sus diferentes giras, donde lleva la canción a un formato acústico, más íntimo y emotivo. Aquí la intensidad del tema original se sustituye por la cercanía de la voz y la guitarra acústica, lo que pone en primer plano la historia de Tommy y Gina, reforzando el lado más humano de la canción. GLEE - START ME UP / LIVIN’ ON A PRAYER: https://www.youtube.com/watch?v=l0z8LuLMgSk En el capítulo 6 de la segunda temporada de la famosa serie de televisión GLEE, publicado el 9 de Noviembre de 2010 por la cadena FOX, los protagonistas mezclaron “Start Me Up”, el tema de The Rolling Stones, con “Livin’ on a Prayer” de Bon Jovi. El resultado fue una interpretación juvenil, con mucha teatralidad y energía, que consiguió acercar el clásico de Bon Jovi a una nueva generación de espectadores. 2CELLOS: https://www.youtube.com/watch?v=VvqImsjpfPo En 2021, el dúo croata de violonchelistas 2CELLOS, conocido por transformar grandes clásicos del rock en piezas de aire casi sinfónico, publicó su propia interpretación de este tema. Todo comienza con una introducción misteriosa, suave, casi como un susurro, y poco a poco la música va creciendo hasta estallar con la misma fuerza épica de la versión original. Pero aquí no hay voces: son únicamente los violonchelos los que transmiten esa energía, consiguiendo que sus instrumentos canten la melodía. THE HOLOPHONICS (COVER SKA): https://www.youtube.com/watch?v=VobthXh1lu4 Ahora damos un giro radical con la versión ska que hace The Holophonics, una banda de Texas muy conocida por llenar sus discos de versiones con un estilo más festivo y callejero. Esta interpretación apareció el 28 de julio de 2017 dentro del álbum MaSKArades Vol. 11. Aquí el rock se sustituye por trombones, ritmos saltarines y una energía contagiosa que transforma el clásico en algo fresco, ligero y totalmente inesperado. SCARY POCKETS CON ASTYN TURR (COVER FUNK): https://www.youtube.com/watch?v=9hqEUxiL-PE Seguimos con esta versión a cargo de Scary Pockets, una banda conocida por reinterpretar clásicos con ritmo funky, acompañados en esta ocasión por la cantante Astyn Turr en la voz principal. La versión se publicó en su canal de YouTube el 6 de diciembre de 2021 y destaca por ser suave, elegante y muy rítmica. La interpretación vocal de Astyn Turr aporta una enorme sensibilidad, mientras que la base rítmica consigue que el tema fluya con un aire relajado pero tremendamente contagioso. POSTMODERN JUKEBOX Y MICHE BRADEN (COVER JAZZ): https://www.youtube.com/watch?v=RMeN0CFNWmk Ahora nos sumergimos en esta versión del 29 de julio de 2014, que te hace sentir como si estuvieras en un club de jazz de los años 40. El grupo estadounidense Postmodern Jukebox ha transformado el tema en una pieza de jazz vintage. Acompañados por la voz potente de Miche Braden, que aporta un toque soul, te atrapa desde el primer acorde. Aunque nos transporta a otra época, la canción mantiene la esencia que caracteriza al original. ALEX MELTON (COVER POP PUNK): https://www.youtube.com/watch?v=DpskXe9gZmY A continuación vamos con un giro totalmente distinto con esta versión de Alex Melton, publicada en abril de 2023. Este músico y creador de contenido se ha hecho muy conocido por transformar canciones populares en himnos de pop punk, ese estilo que mezcla la energía del punk con la melodía del pop. En su versión, Melton reimagina el clásico de Bon Jovi incorporando influencias de bandas como Green Day y Offspring. La canción cobra nueva vida, con aires más frescos y juveniles, pero siempre respetando el espíritu de la original. APEROL ROCKIN’1000: https://www.youtube.com/watch?v=CKsCJAqMbQY El 7 de junio de 2023 se celebró en Roma el concierto Aperol Rockin’1000, conocido como la “banda de rock más grande del mundo”. El nombre viene de su patrocinador principal, Aperol, la famosa bebida alcohólica italiana de color naranja que suele servirse en el cóctel muy popular en Italia y en medio mundo. Cientos de músicos de todo el planeta tocaron juntos en el Estadio de los Mármoles y, entre los grandes éxitos, sonó esta versión. La banda estaba formada por 350 guitarristas, 250 cantantes, 250 bateristas y 150 bajistas, creando una interpretación colosal que demuestra el poder de la música cuando se comparte en comunidad. SOUL JOVI (COVER SOUL): https://www.youtube.com/watch?v=G8VxRfTh6AA Mucho más reciente es esta versión publicada el 27 de agosto de 2025, en el canal Fake Music, conocido por subir versiones y reinterpretaciones creativas de canciones populares, se publicó esta versión que reimagina el tema con arreglos vocales y estilísticos propios del soul, aportando un aire más suave, elegante y emotivo. LEO MORACCHIOLI: https://www.youtube.com/watch?v=Iqh-8FgTIkk Esta versión que os pongo a continuación es más metalera. Llega de la mano del productor y músico noruego Leo Moracchioli, conocido por sus potentes versiones de canciones conocidas. Con más de 4 millones de seguidores en YouTube, Moracchioli transforma Livin’ on a Prayer en un tema intenso y cargado de energía pero sin perder su esencia. GISELE ABRAMOFF: https://www.youtube.com/watch?v=opnp5LSmJWc El grupo brasileño Dalimas se hizo conocido por reinterpretar clásicos del pop y del rock en un estilo dance, pensado para sonar en las discotecas de los años 2000. En 2005 publicaron esta versión reversionada con bases electrónicas, sintetizadores y un estilo muy cercano al eurodance, muy en la onda de la época. ALESSANDRA: https://www.youtube.com/watch?v=ytAMW5toG50 Con esta versión techno cerramos el repaso de hoy. Este tema está interpretado por Alessandra Rosaldo, conocida simplemente como Alessandra, vocalista del dúo mexicano Sentidos Opuestos. En el año 2016 lanzó un single en el que aparecía este tema, junto con Breathless de la banda irlandesa The Corrs. Y sí, ya sé, estas dos últimas son perversiones y podrían considerarse claramente como una agresión a un himno del rock… pero, oye, ¡al menos han elegido una gran canción! CONCLUSIÓN Como conclusión, diremos que “Livin’ on a Prayer” no es solo un clásico del rock de los 80, sino un auténtico himno de resistencia y esperanza. Sus múltiples versiones, desde lo más íntimo hasta lo más heavy, demuestra que la canción sigue viva y en constante transformación. Quizá tú, fiel “oyenta” que me escuchas, y eres seguidora de Bon Jovi desde sus inicios, nunca imaginaste que hubiera tantas versiones —unas sorprendentes y otras bastante raras— de esa canción mítica que marcó tu infancia. Gracias por acompañarme y nos vemos en el próximo capítulo.https://www.ivoox.com/73-explorando-versiones-solo-se-trata-de-audios-mp3_rf_160459787_1.htmlFri, 10 Oct 2025 08:07:33 +020021:45202573fullhttps://www.ivoox.com/160459787locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noBienvenidos a Explorando Versiones, un espacio donde las canciones viajan, se transforman, y nos transforman con ellas. Hoy, nos detenemos en un himno del alma: “Sólo se trata de vivir”, una de las joyas más queridas de Litto Nebbia. A través del tiempo, esta canción ha encontrado nuevas voces, nuevos ritmos, nuevas maneras de decir lo mismo: que en el fondo, la vida no es tan complicada. Varias voces amigas se suman a este viaje sonoro para recordarnos, cada una a su manera, por qué esta canción sigue latiendo fuerte en tantos corazones. Sólo se trata de vivir es una canción compuesta e interpretada por el músico argentino Litto Nebbia. Es la primera canción perteneciente a su álbum de estudio "Creer", editado en México en 1980. El tema fue conocido en la Argentina a través de un LP editado bajo el sello Melopea en el año 1982, titulado como la canción. Es una de las canciones más conocidas de Nebbia. La canción "Solo Se Trata de Vivir" de Litto Nebbia explora el tema de encontrar propósito y significado en la vida a pesar de los desafíos y desengaños que uno experimenta. Las letras sugieren que viajar y embarcarse en nuevos caminos pueden ayudar a fortalecer el corazón y permitir olvidar las penas pasadas. En los versos, Nebbia reflexiona sobre la idea de que al viajar y explorar nuevos horizontes, uno puede dejar atrás su dolor anterior y encontrar consuelo. La mención de una paloma herida simboliza la vulnerabilidad y fragilidad del amor, pero también la capacidad de sanar y encontrar nuevas esperanzas. Las letras transmiten el mensaje de que incluso frente a un desamor, uno aún puede encontrar la fuerza para crear nuevos comienzos y vivir la vida al máximo. El coro repite la idea de que nadie tiene las respuestas ni puede señalar qué puerta abrir en la vida. A pesar de la melancolía, el dolor y las heridas que uno puede llevar, la esencia de vivir radica en abrazar la vida misma. La canción anima a los oyentes a creer que, en última instancia, la vida se trata de experimentar y abrazar el viaje, sin importar las incertidumbres y dificultades encontradas en el camino. La repetición de los versos y el coro a lo largo de la canción enfatiza el mensaje de que, a pesar del dolor y la incertidumbre, la vida se trata de un crecimiento continuo, encontrar nuevas inspiraciones y crear nuevas esperanzas y oportunidades para uno mismo. Sugiere que incluso en momentos de anhelo o pérdida, es importante seguir adelante y perseverar, enfocándose en el acto de vivir. En general, "Solo Se Trata de Vivir" sirve como un recordatorio de que el significado de la vida no siempre es claro o fácilmente definido, pero radica en tomar cada momento tal como viene, aprender del pasado y abrazar las posibilidades del futuro. Versión de Tomás Mandel & Fede Gómez, junto a Hitalo Coello y Facundo Villanueva (#DuosEnLaTerraza – San Telmo, Buenos Aires, 2018) A veces, una canción encuentra su hogar en una terraza. En esta versión, Tomás Mandel y Fede Gómez le dan nueva vida al tema junto a un piano y un cello que lo abrazan con delicadeza. Es como si la ciudad se detuviera a escuchar. Desde San Telmo, entre adoquines y cielo abierto… así suena “Sólo se trata de vivir”. Versión de Malena Di Bello (Julio 2017) https://youtu.be/a6HbfYL9exg?si=N7_XNdtOGRBhkm2y Malena Di Bello la canta con una simpleza que conmueve. No hay adornos: sólo su voz, una guitarra, y esa frase que nos atraviesa a todos. Porque a veces, lo más honesto es lo más fuerte. Escuchemos esta interpretación íntima, grabada en 2017. Versión en vivo de Mercedes Sosa con Walter Ríos (Teatro Gran Rex, 2006) https://youtu.be/m7HE_Vw4NHw?si=hjX18URvhQn9bhj9 Cuando Mercedes Sosa canta, no canta una canción: canta una historia. En el Gran Rex, en 2006, junto al bandoneón de Walter Ríos, “Sólo se trata de vivir” se volvió casi una plegaria. No hay certezas, no hay respuestas… sólo la fuerza de seguir. Una interpretación que toca el alma, con la profundidad única de Mercedes. Versión de Juan Carlos Baglietto y Silvina Garré (Mercado de Pulgas, 2014) https://youtu.be/5lY1XRBbb8o?si=wkcO62IkCe6choYg Hay canciones que se reencuentran con sus voces hermanas. Silvina Garré y Juan Carlos Baglietto la han cantado desde siempre, y en esta ocasión, en el Mercado de Pulgas, la devuelven al pueblo, al aire libre, al corazón compartido. Una versión que es abrazo, memoria y calle. Versión de Rubén Rada (Septiembre 2016) https://youtu.be/O1LlD31bFJo?si=4QikIXbRwFxarJjV Rubén Rada la hace suya, y la lleva a su mundo sonoro: rítmico, luminoso, vital. Es otra piel para la misma emoción. Porque vivir también es moverse, fluir, dejarse llevar por la música. Escuchemos cómo suena esta canción cuando pasa por el alma de Rada. Versión de Mercedes Sosa y Litto Nebbia (Badía y Cía, 1986) https://youtu.be/nrDYgyzvUg0?si=I9qoKImwgfvr5xjl Y como si el tiempo nos regalara un momento irrepetible… Mercedes Sosa y Litto Nebbia, juntos. 1986, en el mítico programa Badía y Cía. Dos voces que no cantan: confiesan. Una joya para cerrar el recorrido con quien la escribió, y con quien la llevó al corazón de todos. Vivir no es sencillo. Pero como dice la canción, si uno hiciera lo que siente y no lo que debe... Gracias por acompañarnos en este viaje de versiones, de voces, de caminos. Porque, al fin y al cabo… sólo se trata de vivir. Litto Nebbia: https://youtu.be/xjSqGms0b9c?si=d_pHq0POxCPhfwaolocosporincordiarBienvenidos a Explorando Versiones, un espacio donde las canciones viajan, se transforman, y nos transforman con ellas. Hoy, nos detenemos en un himno del alma: “Sólo se trata de vivir”, una de las joyas más queridas de Litto Nebbia. A través del tiempo, esta canción ha encontrado nuevas voces, nuevos ritmos, nuevas maneras de decir lo mismo: que en el fondo, la vida no es tan complicada. Varias voces amigas se suman a este viaje sonoro para recordarnos, cada una a su manera, por qué esta canción sigue latiendo fuerte en tantos corazones. Sólo se trata de vivir es una canción compuesta e interpretada por el músico argentino Litto Nebbia. Es la primera canción perteneciente a su álbum de estudio "Creer", editado en México en 1980. El tema fue conocido en la Argentina a través de un LP editado bajo el sello Melopea en el año 1982, titulado como la canción. Es una de las canciones más conocidas de Nebbia. La canción "Solo Se Trata de Vivir" de Litto Nebbia explora el tema de encontrar propósito y significado en la vida a pesar de los desafíos y desengaños que uno experimenta. Las letras sugieren que viajar y embarcarse en nuevos caminos pueden ayudar a fortalecer el corazón y permitir olvidar las penas pasadas. En los versos, Nebbia reflexiona sobre la idea de que al viajar y explorar nuevos horizontes, uno puede dejar atrás su dolor anterior y encontrar consuelo. La mención de una paloma herida simboliza la vulnerabilidad y fragilidad del amor, pero también la capacidad de sanar y encontrar nuevas esperanzas. Las letras transmiten el mensaje de que incluso frente a un desamor, uno aún puede encontrar la fuerza para crear nuevos comienzos y vivir la vida al máximo. El coro repite la idea de que nadie tiene las respuestas ni puede señalar qué puerta abrir en la vida. A pesar de la melancolía, el dolor y las heridas que uno puede llevar, la esencia de vivir radica en abrazar la vida misma. La canción anima a los oyentes a creer que, en última instancia, la vida se trata de experimentar y abrazar el viaje, sin importar las incertidumbres y dificultades encontradas en el camino. La repetición de los versos y el coro a lo largo de la canción enfatiza el mensaje de que, a pesar del dolor y la incertidumbre, la vida se trata de un crecimiento continuo, encontrar nuevas inspiraciones y crear nuevas esperanzas y oportunidades para uno mismo. Sugiere que incluso en momentos de anhelo o pérdida, es importante seguir adelante y perseverar, enfocándose en el acto de vivir. En general, "Solo Se Trata de Vivir" sirve como un recordatorio de que el significado de la vida no siempre es claro o fácilmente definido, pero radica en tomar cada momento tal como viene, aprender del pasado y abrazar las posibilidades del futuro. Versión de Tomás Mandel & Fede Gómez, junto a Hitalo Coello y Facundo Villanueva (#DuosEnLaTerraza – San Telmo, Buenos Aires, 2018) A veces, una canción encuentra su hogar en una terraza. En esta versión, Tomás Mandel y Fede Gómez le dan nueva vida al tema junto a un piano y un cello que lo abrazan con delicadeza. Es como si la ciudad se detuviera a escuchar. Desde San Telmo, entre adoquines y cielo abierto… así suena “Sólo se trata de vivir”. Versión de Malena Di Bello (Julio 2017) https://youtu.be/a6HbfYL9exg?si=N7_XNdtOGRBhkm2y Malena Di Bello la canta con una simpleza que conmueve. No hay adornos: sólo su voz, una guitarra, y esa frase que nos atraviesa a todos. Porque a veces, lo más honesto es lo más fuerte. Escuchemos esta interpretación íntima, grabada en 2017. Versión en vivo de Mercedes Sosa con Walter Ríos (Teatro Gran Rex, 2006) https://youtu.be/m7HE_Vw4NHw?si=hjX18URvhQn9bhj9 Cuando Mercedes Sosa canta, no canta una canción: canta una historia. En el Gran Rex, en 2006, junto al bandoneón de Walter Ríos, “Sólo se trata de vivir” se volvió casi una plegaria. No hay certezas, no hay respuestas… sólo la fuerza de seguir. Una interpretación que toca el alma, con la profundidad única de Mercedes. Versión de Juan Carlos Baglietto y Silvina Garré (Mercado de Pulgas, 2014) https://youtu.be/5lY1XRBbb8o?si=wkcO62IkCe6choYg Hay canciones que se reencuentran con sus voces hermanas. Silvina Garré y Juan Carlos Baglietto la han cantado desde siempre, y en esta ocasión, en el Mercado de Pulgas, la devuelven al pueblo, al aire libre, al corazón compartido. Una versión que es abrazo, memoria y calle. Versión de Rubén Rada (Septiembre 2016) https://youtu.be/O1LlD31bFJo?si=4QikIXbRwFxarJjV Rubén Rada la hace suya, y la lleva a su mundo sonoro: rítmico, luminoso, vital. Es otra piel para la misma emoción. Porque vivir también es moverse, fluir, dejarse llevar por la música. Escuchemos cómo suena esta canción cuando pasa por el alma de Rada. Versión de Mercedes Sosa y Litto Nebbia (Badía y Cía, 1986) https://youtu.be/nrDYgyzvUg0?si=I9qoKImwgfvr5xjl Y como si el tiempo nos regalara un momento irrepetible… Mercedes Sosa y Litto Nebbia, juntos. 1986, en el mítico programa Badía y Cía. Dos voces que no cantan: confiesan. Una joya para cerrar el recorrido con quien la escribió, y con quien la llevó al corazón de todos. Vivir no es sencillo. Pero como dice la canción, si uno hiciera lo que siente y no lo que debe... Gracias por acompañarnos en este viaje de versiones, de voces, de caminos. Porque, al fin y al cabo… sólo se trata de vivir. Litto Nebbia: https://youtu.be/xjSqGms0b9c?si=d_pHq0POxCPhfwaohttps://www.ivoox.com/72-explorando-versiones-louie-louie-audios-mp3_rf_160041684_1.htmlFri, 03 Oct 2025 08:04:55 +020041:35172fullhttps://www.ivoox.com/160041684locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noEn la septuagésima primera entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo “El Marcha” nos presentará la canción «Louie Louie», compuesta por Richard Berry en 1955 y llevada a la fama por The Kingsmen en 1963. Grabada en una sola toma y con una pronunciación casi ininteligible, se convirtió en todo un himno juvenil. Tanto fue el revuelo que hasta el FBI abrió una investigación, convencidos de que escondía mensajes obscenos en su letra… aunque, al final, no encontraron nada. RICHARD BERRY: https://www.youtube.com/watch?v=z-2CKsaq5r8 THE KINGSMEN: https://www.youtube.com/watch?v=xKt75jUuKJY PAUL REVERE & THE RAIDERS: https://www.youtube.com/watch?v=vK2bR5Ft7X4 THE STOOGES: https://www.youtube.com/watch?v=wkiiven4ptg THE SONICS: https://www.youtube.com/watch?v=vFzeG7e4CT8 BLACK FLAG: https://www.youtube.com/watch?v=yHMaBGf7A2s DEAD KENNEDYS: https://www.youtube.com/watch?v=53ZSXEhsD_A THE SANDPIPERS: https://www.youtube.com/watch?v=seVqkB3ObJk GEORGE DUKE & STANLEY CLARKE: https://www.youtube.com/watch?v=Ri4u3_pTYzA BARRY WHITE: https://www.youtube.com/watch?v=3VwgoDBFZKs FRANK ZAPPA: https://www.youtube.com/watch?v=FDfNZZPuYzE MOTÖRHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=hratZ2MZoIc THE CLASH https://www.youtube.com/watch?v=b9cjnqzUoE4locosporincordiarEn la septuagésima primera entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo “El Marcha” nos presentará la canción «Louie Louie», compuesta por Richard Berry en 1955 y llevada a la fama por The Kingsmen en 1963. Grabada en una sola toma y con una pronunciación casi ininteligible, se convirtió en todo un himno juvenil. Tanto fue el revuelo que hasta el FBI abrió una investigación, convencidos de que escondía mensajes obscenos en su letra… aunque, al final, no encontraron nada. RICHARD BERRY: https://www.youtube.com/watch?v=z-2CKsaq5r8 THE KINGSMEN: https://www.youtube.com/watch?v=xKt75jUuKJY PAUL REVERE & THE RAIDERS: https://www.youtube.com/watch?v=vK2bR5Ft7X4 THE STOOGES: https://www.youtube.com/watch?v=wkiiven4ptg THE SONICS: https://www.youtube.com/watch?v=vFzeG7e4CT8 BLACK FLAG: https://www.youtube.com/watch?v=yHMaBGf7A2s DEAD KENNEDYS: https://www.youtube.com/watch?v=53ZSXEhsD_A THE SANDPIPERS: https://www.youtube.com/watch?v=seVqkB3ObJk GEORGE DUKE & STANLEY CLARKE: https://www.youtube.com/watch?v=Ri4u3_pTYzA BARRY WHITE: https://www.youtube.com/watch?v=3VwgoDBFZKs FRANK ZAPPA: https://www.youtube.com/watch?v=FDfNZZPuYzE MOTÖRHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=hratZ2MZoIc THE CLASH https://www.youtube.com/watch?v=b9cjnqzUoE4https://www.ivoox.com/71-explorando-versiones-sweet-home-chicago-audios-mp3_rf_159375656_1.htmlFri, 26 Sep 2025 07:41:57 +020025:32202571fullhttps://www.ivoox.com/159375656locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola amigos, soy Francisco y os doy la bienvenida a otro capítulo más de Explorando Versiones. ROBERT JOHNSON - SWEET HOME CHICAGO: https://www.youtube.com/watch?v=O8hqGu-leFc Hoy nos adentramos en el corazón del blues para descubrir una canción que ya es toda una leyenda: Sweet Home Chicago. Fue compuesta por el mítico Robert Johnson —miembro involuntario del famoso club de los 27— y grabada por primera vez el 23 de noviembre de 1936, en una modesta habitación del Hotel Gunter, en San Antonio, Texas. Desde entonces, el tema se ha convertido en uno de los himnos más emblemáticos del género. Aunque a primera vista parece un homenaje a la ciudad de Chicago —epicentro del blues eléctrico y destino soñado para miles de músicos afroamericanos—, la letra parece hablar de Chicago, pero en realidad menciona otros lugares como California o Iowa, y eso ha confundido desde siempre a mucha gente. Más que una descripción exacta de ciudades, la canción habla de la esperanza de encontrar un lugar mejor y del que escapar de la pobreza y las dificultades. SCRAPPER BLACKWELL - KOKOMO BLUES: https://youtu.be/PoorsXxkwZU?si=3B4J21QpGiofsDRE Pero Robert Johnson no creó “Sweet Home Chicago” desde cero. Se basó en una canción anterior llamada “Kokomo Blues”, de Scrapper Blackwell, grabada en 1928. Esta canción apareció originalmente en el álbum recopilatorio de Scrapper Blackwell, que reúne sus mejores temas de la época. En esta versión de “Kokomo Blues” ya encontramos la estructura clásica de 12 compases y el tema de querer regresar a una ciudad prometida, en este caso Kokomo, Indiana. Aunque la canción tiene un tono más suave y melódico, ya transmite ese sentimiento de búsqueda de un lugar mejor, algo que Robert Johnson tomó para su propia versión. JAMES ARNOLD - OLD ORIGINAL KOKOMO BLUES: https://youtu.be/3lZv52l0C94?si=kwBBHho3ocfmR6Aq Años después, en 1934, James Arnold —más conocido como Kokomo Arnold— recuperó ese tema bajo el título Old Original Kokomo Blues. Su versión aporta una interpretación más enérgica, con slides de guitarra y letras cargadas de doble sentido. Scrapper Blackwell, con su tono sereno y melódico, y James Arnold, con un estilo vocal áspero y agresivo, sentaron las bases sobre las que Johnson construiría algo nuevo. La genialidad de Robert Johnson estuvo en no limitarse a copiar lo que otros ya hicieron, sino en transformarlo, renombrarlo y convertirlo en leyenda. Ya no era Kokomo, sino Chicago. Y con ese pequeño cambio nació una canción eterna. THE BLUES BROTHERS: https://www.youtube.com/watch?v=euJ22UqLD5Y Antes de que su enérgica versión de "Sweet Home Chicago" los convirtiera en referentes del blues para toda una generación, The Blues Brothers eran un dúo cómico-musical creado por los actores Dan Aykroyd y John Belushi, estrellas del programa Saturday Night Live en los años 70. Lo que comenzó como un sketch humorístico en televisión pronto se convirtió en una auténtica banda de rhythm & blues con músicos de primer nivel. Aykroyd, gran amante del blues, quiso que la banda no fuera solo un gag, sino un verdadero homenaje a la música afroamericana que tanto admiraban. Y así fue como en 1980, el proyecto dio el salto al cine con la película "The Blues Brothers", dirigida por John Landis. Un film delirante, musical y lleno de acción, donde la música era tan protagonista como los propios personajes. Una de las escenas más recordadas es la interpretación de "Sweet Home Chicago", donde Jake y Elwood suben al escenario y encienden al público con esta versión potente, festiva y contagiosa. Una escena clave que ayudó a revitalizar el interés por el blues entre nuevas generaciones y especialmente entre públicos blancos y europeos. LES MAILERS (VERSIÓN REGGAE): https://youtu.be/iKBy585iU8A Y como suele ser habitual en este podcast, siempre buscamos versiones que se salgan del molde. Una de las más insólitas —y sorprendentemente pegajosas— es la de Les Mailers, una banda francesa que reimagina "Sweet Home Chicago" como si hubiera nacido en Kingston en lugar de Mississippi. Con ritmos jamaicanos, bajo sincopado y un tempo relajado, esta versión nos traslada del frío viento de Chicago al calor del Caribe. Es una lectura creativa que mantiene la melodía original pero la baña en ska y en reggae, logrando que la canción suene a playa y palmeras sin perder su esencia. STATUS QUO: https://youtu.be/asH9yDw2jlo?si=8w9Ctfw3Ax7e2kuy En el año 2000, la banda británica Status Quo publica el disco "Famous in the Last Century", donde rinden tributo a grandes clásicos que han influido en su carrera. El grupo aporta al tema su característico sonido boogie rock, con guitarras afiladas y un ritmo enérgico que transforma este clásico del blues en un himno rockero. BEAUTIFUL DAY LIVE BAND (SWING VERSION): https://youtu.be/q3gLrO7SMm4?si=OhnfX-lry2Fk3o6C La canción también ha inspirado interpretaciones en estilos como el swing. Beautiful Day Live Band ofrece una versión vibrante y elegante que transforma el clásico en un tema propio de una big band, demostrando la versatilidad melódica de la composición original. TXUS BLUES & JOSÉ BLUEFINGERS - POLACOS: https://youtu.be/NWzgbtYEC04?si=ZAfQEhy1yDiIqdPJ Desde Barcelona, dos veteranos del blues en clave de humor como son Txus Blues & José Bluefingers, tomaron la estructura y melodía de "Sweet Home Chicago" y la convirtieron en "Polacos", una versión cantada en castellano con una letra irónica que juega con el estereotipo de llamar "polacos" a los catalanes. Esta adaptación, publicada en 2012 dentro del álbum "Pactando con el Diablo. Tributo a Robert Johnson", usa la melodía original para contar una historia local con un toque humorístico. Esta versión demuestra que el legado de "Sweet Home Chicago" no solo inspira respeto y reverencia, sino también parodia y reinterpretación local. CROSSROADS 2007 (ERIC CLAPTON): https://youtu.be/SQ1ZZwNBVgk?si=q1Y71ki37Q1ucWZL Pero "Sweet Home Chicago" no solo ha viajado por el cine o la televisión. También ha sido celebrada en los tiempos modernos del blues, como el Crossroads Guitar Festival. Este festival benéfico fue creado por Eric Clapton en 2004 con un doble propósito: rendir homenaje a la guitarra como instrumento central del blues y el rock, y recaudar fondos para el Crossroads Centre, una clínica de rehabilitación que el propio Clapton fundó. Desde entonces, el festival ha reunido a lo mejor del panorama guitarrístico: B.B. King, Buddy Guy, Jeff Beck, Carlos Santana, John Mayer, Gary Clark Jr., entre muchos otros. En la edición de 2007, ocurrió algo especial como colofón del festival. Sobre el escenario, Eric Clapton, junto a Buddy Guy, Robert Cray, John Mayer y Johnny Winter, entre otros, se lanzaron a una versión de "Sweet Home Chicago" que es pura energía colectiva. Un diálogo a base de solos, riffs y miradas entre músicos que no necesitan palabras para entenderse. CONCLUSIONES “Sweet Home Chicago” no es solo una canción; es un símbolo vivo del blues, un puente entre el pasado y el presente. Desde aquel cuarto en San Antonio donde Robert Johnson la grabó, pasando por clubes y festivales de guitarra, hasta las películas de Hollywood que la convirtieron en un himno universal.locosporincordiarHola amigos, soy Francisco y os doy la bienvenida a otro capítulo más de Explorando Versiones. ROBERT JOHNSON - SWEET HOME CHICAGO: https://www.youtube.com/watch?v=O8hqGu-leFc Hoy nos adentramos en el corazón del blues para descubrir una canción que ya es toda una leyenda: Sweet Home Chicago. Fue compuesta por el mítico Robert Johnson —miembro involuntario del famoso club de los 27— y grabada por primera vez el 23 de noviembre de 1936, en una modesta habitación del Hotel Gunter, en San Antonio, Texas. Desde entonces, el tema se ha convertido en uno de los himnos más emblemáticos del género. Aunque a primera vista parece un homenaje a la ciudad de Chicago —epicentro del blues eléctrico y destino soñado para miles de músicos afroamericanos—, la letra parece hablar de Chicago, pero en realidad menciona otros lugares como California o Iowa, y eso ha confundido desde siempre a mucha gente. Más que una descripción exacta de ciudades, la canción habla de la esperanza de encontrar un lugar mejor y del que escapar de la pobreza y las dificultades. SCRAPPER BLACKWELL - KOKOMO BLUES: https://youtu.be/PoorsXxkwZU?si=3B4J21QpGiofsDRE Pero Robert Johnson no creó “Sweet Home Chicago” desde cero. Se basó en una canción anterior llamada “Kokomo Blues”, de Scrapper Blackwell, grabada en 1928. Esta canción apareció originalmente en el álbum recopilatorio de Scrapper Blackwell, que reúne sus mejores temas de la época. En esta versión de “Kokomo Blues” ya encontramos la estructura clásica de 12 compases y el tema de querer regresar a una ciudad prometida, en este caso Kokomo, Indiana. Aunque la canción tiene un tono más suave y melódico, ya transmite ese sentimiento de búsqueda de un lugar mejor, algo que Robert Johnson tomó para su propia versión. JAMES ARNOLD - OLD ORIGINAL KOKOMO BLUES: https://youtu.be/3lZv52l0C94?si=kwBBHho3ocfmR6Aq Años después, en 1934, James Arnold —más conocido como Kokomo Arnold— recuperó ese tema bajo el título Old Original Kokomo Blues. Su versión aporta una interpretación más enérgica, con slides de guitarra y letras cargadas de doble sentido. Scrapper Blackwell, con su tono sereno y melódico, y James Arnold, con un estilo vocal áspero y agresivo, sentaron las bases sobre las que Johnson construiría algo nuevo. La genialidad de Robert Johnson estuvo en no limitarse a copiar lo que otros ya hicieron, sino en transformarlo, renombrarlo y convertirlo en leyenda. Ya no era Kokomo, sino Chicago. Y con ese pequeño cambio nació una canción eterna. THE BLUES BROTHERS: https://www.youtube.com/watch?v=euJ22UqLD5Y Antes de que su enérgica versión de "Sweet Home Chicago" los convirtiera en referentes del blues para toda una generación, The Blues Brothers eran un dúo cómico-musical creado por los actores Dan Aykroyd y John Belushi, estrellas del programa Saturday Night Live en los años 70. Lo que comenzó como un sketch humorístico en televisión pronto se convirtió en una auténtica banda de rhythm & blues con músicos de primer nivel. Aykroyd, gran amante del blues, quiso que la banda no fuera solo un gag, sino un verdadero homenaje a la música afroamericana que tanto admiraban. Y así fue como en 1980, el proyecto dio el salto al cine con la película "The Blues Brothers", dirigida por John Landis. Un film delirante, musical y lleno de acción, donde la música era tan protagonista como los propios personajes. Una de las escenas más recordadas es la interpretación de "Sweet Home Chicago", donde Jake y Elwood suben al escenario y encienden al público con esta versión potente, festiva y contagiosa. Una escena clave que ayudó a revitalizar el interés por el blues entre nuevas generaciones y especialmente entre públicos blancos y europeos. LES MAILERS (VERSIÓN REGGAE): https://youtu.be/iKBy585iU8A Y como suele ser habitual en este podcast, siempre buscamos versiones que se salgan del molde. Una de las más insólitas —y sorprendentemente pegajosas— es la de Les Mailers, una banda francesa que reimagina "Sweet Home Chicago" como si hubiera nacido en Kingston en lugar de Mississippi. Con ritmos jamaicanos, bajo sincopado y un tempo relajado, esta versión nos traslada del frío viento de Chicago al calor del Caribe. Es una lectura creativa que mantiene la melodía original pero la baña en ska y en reggae, logrando que la canción suene a playa y palmeras sin perder su esencia. STATUS QUO: https://youtu.be/asH9yDw2jlo?si=8w9Ctfw3Ax7e2kuy En el año 2000, la banda británica Status Quo publica el disco "Famous in the Last Century", donde rinden tributo a grandes clásicos que han influido en su carrera. El grupo aporta al tema su característico sonido boogie rock, con guitarras afiladas y un ritmo enérgico que transforma este clásico del blues en un himno rockero. BEAUTIFUL DAY LIVE BAND (SWING VERSION): https://youtu.be/q3gLrO7SMm4?si=OhnfX-lry2Fk3o6C La canción también ha inspirado interpretaciones en estilos como el swing. Beautiful Day Live Band ofrece una versión vibrante y elegante que transforma el clásico en un tema propio de una big band, demostrando la versatilidad melódica de la composición original. TXUS BLUES & JOSÉ BLUEFINGERS - POLACOS: https://youtu.be/NWzgbtYEC04?si=ZAfQEhy1yDiIqdPJ Desde Barcelona, dos veteranos del blues en clave de humor como son Txus Blues & José Bluefingers, tomaron la estructura y melodía de "Sweet Home Chicago" y la convirtieron en "Polacos", una versión cantada en castellano con una letra irónica que juega con el estereotipo de llamar "polacos" a los catalanes. Esta adaptación, publicada en 2012 dentro del álbum "Pactando con el Diablo. Tributo a Robert Johnson", usa la melodía original para contar una historia local con un toque humorístico. Esta versión demuestra que el legado de "Sweet Home Chicago" no solo inspira respeto y reverencia, sino también parodia y reinterpretación local. CROSSROADS 2007 (ERIC CLAPTON): https://youtu.be/SQ1ZZwNBVgk?si=q1Y71ki37Q1ucWZL Pero "Sweet Home Chicago" no solo ha viajado por el cine o la televisión. También ha sido celebrada en los tiempos modernos del blues, como el Crossroads Guitar Festival. Este festival benéfico fue creado por Eric Clapton en 2004 con un doble propósito: rendir homenaje a la guitarra como instrumento central del blues y el rock, y recaudar fondos para el Crossroads Centre, una clínica de rehabilitación que el propio Clapton fundó. Desde entonces, el festival ha reunido a lo mejor del panorama guitarrístico: B.B. King, Buddy Guy, Jeff Beck, Carlos Santana, John Mayer, Gary Clark Jr., entre muchos otros. En la edición de 2007, ocurrió algo especial como colofón del festival. Sobre el escenario, Eric Clapton, junto a Buddy Guy, Robert Cray, John Mayer y Johnny Winter, entre otros, se lanzaron a una versión de "Sweet Home Chicago" que es pura energía colectiva. Un diálogo a base de solos, riffs y miradas entre músicos que no necesitan palabras para entenderse. CONCLUSIONES “Sweet Home Chicago” no es solo una canción; es un símbolo vivo del blues, un puente entre el pasado y el presente. Desde aquel cuarto en San Antonio donde Robert Johnson la grabó, pasando por clubes y festivales de guitarra, hasta las películas de Hollywood que la convirtieron en un himno universal.https://www.ivoox.com/70-explorando-versiones-redemption-song-audios-mp3_rf_158417926_1.htmlFri, 19 Sep 2025 08:28:48 +020020:48202570fullhttps://www.ivoox.com/158417926locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola orgullosos inzurrectos, soy Sergio Serrato y estoy de vuelta en nuestro podcast favorito Explorando Versiones, en esta ocasión os voy a hablar de Redemption Song. BOB MARLEY AND THE WAILERS: https://youtu.be/yv5xonFSC4c?si=ZfWEY5OlRbH9CnMM Redemption Song es una canción del último disco que grabó Bob Marley antes de su muerte, cuando compuso el tema ya había sido diagnosticado de cáncer y el tema refleja el profundo estado de tristeza y depresión envolvía al artista Jamaicano en ese momento. A diferencia de muchos temas de Bob Marley, este Redemption Song es una grabación en acústico y en solitario donde músico caribeño canta y toca la guitarra sin más maquillaje musical ni acompañamiento. Si la parte musical del tema en origen es muy minimalista, la letra es todo lo contrario y expresa ideales que están en las entrañas del movimiento rastafari del que Bob Marley era fiel seguidor. Esta letra nos habla de liberación de la gente, de abrir el espíritu y las ideas a las nuestras propias imposiciones mentales. El tema es el último corte de la Cara B del disco Uprising de 1980 y esa colocación dentro del mismo sugiere que es una carta de despedida del autor que murió poco menos de un año después de la publicación del mismo. Rápidamente la canción se convirtió en un clásico y fue reinterpretada, versionada y adaptada por muchos artistas de muchos estilos, aquí os voy a hablar de algunas versiones y no lo voy a hacer en orden alguno, simplemente como me parece…… JOE STRUMMER AND THE MEZCALEROS: https://www.youtube.com/watch?v=F10tP5HIpaA Para mi la más destacada es la protagonizada por mi admirado Joe Strummer, músico fundador de The Clash del que ya hice un Explorando Versiones anteriormente. Joe dejó grabada dos versiones, una con su banda The Mezcaleros que es esta. JHONNY CASH Y JOE STRUMMER: https://www.youtube.com/watch?v=lZBaklS79Wc No conforme con esto el inquieto musico británico también grabo una versión acompañado de la voz del rey de la música Country Jhonny Cash, esta versión desprende sensibilidad, humo de tabaco y Bourbon. BEYONCÉ Y EDDIE VEDDER: https://www.youtube.com/watch?v=TIuX_etKbJg Eddie Vedder, fundador de Peal Jam entre otras bandas también se atrevió a dejarnos esta versión muy particular y en directo nada más y nada menos con una de las divas de la música negra norteamericana Beyoncé. STHEPHEN MARLEY MUCHOS MÚSICOS: https://www.youtube.com/watch?v=55s3T7VRQSc El propio hijo de Bob Marley Sthephen Marley reunió a múltiples músicos de todo el mundo, culturas y estilos musicales para versionar en grupo la canción de su padre que fue publicada el día de su cumpleaños. CHRIS CORMELL (SOUNDGARDEN) SHOW JIMMI: https://www.youtube.com/watch?v=Dz45L5vglhw En el Show de Jimmy Fallon, en 2015 se interpretó esta versión en directo en la voz y la guitarra del malogrado musico Chris Cornell cantante y guitarrista de Soundgarden. TILMANN OTTO (GENTELMAN) CON MANY MARLEY MTV UMPLAGED https://www.youtube.com/watch?v=_vsz9WiakzE Tilman Otto es el nombre real de Gentleman, un músico de Reggae alemán que también nos regaló esta versión en un unplugged de la MTV junto a Many Marley también hijo del autor del tema. U2: https://www.youtube.com/watch?v=Bl_fsEjxN3w El grupo irlandés liderado por Bono suele interpretar en directo esta canción en muchos de sus conciertos y aunque la calidad del sonido no es la mejor se aprecia la admiración de U2 por el genio jamaicano…. CONCLUSIONES: La letra empieza hablando de la esclavitud, de como los nativos africanos eran sometidos a la fuerza para ser utilizados casi como animales de carga y de como a través de la fe podían salir adelante lanzando un mensaje de esperanza, de libertad ganada, nos habla de liberarnos de nuestras cadenas mentales además de las físicas y anima a las nuevas generaciones a ser optimistas, libres y dueños de su destino.locosporincordiarHola orgullosos inzurrectos, soy Sergio Serrato y estoy de vuelta en nuestro podcast favorito Explorando Versiones, en esta ocasión os voy a hablar de Redemption Song. BOB MARLEY AND THE WAILERS: https://youtu.be/yv5xonFSC4c?si=ZfWEY5OlRbH9CnMM Redemption Song es una canción del último disco que grabó Bob Marley antes de su muerte, cuando compuso el tema ya había sido diagnosticado de cáncer y el tema refleja el profundo estado de tristeza y depresión envolvía al artista Jamaicano en ese momento. A diferencia de muchos temas de Bob Marley, este Redemption Song es una grabación en acústico y en solitario donde músico caribeño canta y toca la guitarra sin más maquillaje musical ni acompañamiento. Si la parte musical del tema en origen es muy minimalista, la letra es todo lo contrario y expresa ideales que están en las entrañas del movimiento rastafari del que Bob Marley era fiel seguidor. Esta letra nos habla de liberación de la gente, de abrir el espíritu y las ideas a las nuestras propias imposiciones mentales. El tema es el último corte de la Cara B del disco Uprising de 1980 y esa colocación dentro del mismo sugiere que es una carta de despedida del autor que murió poco menos de un año después de la publicación del mismo. Rápidamente la canción se convirtió en un clásico y fue reinterpretada, versionada y adaptada por muchos artistas de muchos estilos, aquí os voy a hablar de algunas versiones y no lo voy a hacer en orden alguno, simplemente como me parece…… JOE STRUMMER AND THE MEZCALEROS: https://www.youtube.com/watch?v=F10tP5HIpaA Para mi la más destacada es la protagonizada por mi admirado Joe Strummer, músico fundador de The Clash del que ya hice un Explorando Versiones anteriormente. Joe dejó grabada dos versiones, una con su banda The Mezcaleros que es esta. JHONNY CASH Y JOE STRUMMER: https://www.youtube.com/watch?v=lZBaklS79Wc No conforme con esto el inquieto musico británico también grabo una versión acompañado de la voz del rey de la música Country Jhonny Cash, esta versión desprende sensibilidad, humo de tabaco y Bourbon. BEYONCÉ Y EDDIE VEDDER: https://www.youtube.com/watch?v=TIuX_etKbJg Eddie Vedder, fundador de Peal Jam entre otras bandas también se atrevió a dejarnos esta versión muy particular y en directo nada más y nada menos con una de las divas de la música negra norteamericana Beyoncé. STHEPHEN MARLEY MUCHOS MÚSICOS: https://www.youtube.com/watch?v=55s3T7VRQSc El propio hijo de Bob Marley Sthephen Marley reunió a múltiples músicos de todo el mundo, culturas y estilos musicales para versionar en grupo la canción de su padre que fue publicada el día de su cumpleaños. CHRIS CORMELL (SOUNDGARDEN) SHOW JIMMI: https://www.youtube.com/watch?v=Dz45L5vglhw En el Show de Jimmy Fallon, en 2015 se interpretó esta versión en directo en la voz y la guitarra del malogrado musico Chris Cornell cantante y guitarrista de Soundgarden. TILMANN OTTO (GENTELMAN) CON MANY MARLEY MTV UMPLAGED https://www.youtube.com/watch?v=_vsz9WiakzE Tilman Otto es el nombre real de Gentleman, un músico de Reggae alemán que también nos regaló esta versión en un unplugged de la MTV junto a Many Marley también hijo del autor del tema. U2: https://www.youtube.com/watch?v=Bl_fsEjxN3w El grupo irlandés liderado por Bono suele interpretar en directo esta canción en muchos de sus conciertos y aunque la calidad del sonido no es la mejor se aprecia la admiración de U2 por el genio jamaicano…. CONCLUSIONES: La letra empieza hablando de la esclavitud, de como los nativos africanos eran sometidos a la fuerza para ser utilizados casi como animales de carga y de como a través de la fe podían salir adelante lanzando un mensaje de esperanza, de libertad ganada, nos habla de liberarnos de nuestras cadenas mentales además de las físicas y anima a las nuevas generaciones a ser optimistas, libres y dueños de su destino.https://www.ivoox.com/69-explorando-versiones-ama-ama-ama-y-audios-mp3_rf_157614551_1.htmlThu, 11 Sep 2025 08:31:25 +020016:54202569fullhttps://www.ivoox.com/157614551locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noEn la sexagésima novena entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo David, de la radio Galdakaoko Albistegia, nos presenta la canción Ama, ama, ama y ensancha el alma, un poema de "Manuel Chinato" y que musicalizó el grupo "Extremoduro". EXTREMODURO (DEL DISCO: GRANDES EXITOS Y FRACASOS) https://www.youtube.com/watch?v=qS-zKDX_rTc CORO CEIP LA LATINA (MADRID) https://www.youtube.com/watch?v=_Xt1vh_ckGA CEIP NUESTRA SEÑORA DE CORTES (MURCIA) https://www.youtube.com/watch?v=6dCvIjWnrg8 CARMEN Y QUIQUE (TIERRA DE TALENTO) https://www.youtube.com/watch?v=uo_BcrZ0qA0 FRAN PEREA (TU CARA ME SUENA) https://www.youtube.com/watch?v=urbUk6XeD6E ALBERT PLA,MUCHACHITO Y CANIJO DE JEREZ https://www.youtube.com/watch?v=Oe99LfX4y3k EXTREMODURO (DEL DISCO: DELTOYA) https://www.youtube.com/watch?v=gGE4CYp9nxUlocosporincordiarEn la sexagésima novena entrega de Explorando Versiones, nuestro amigo David, de la radio Galdakaoko Albistegia, nos presenta la canción Ama, ama, ama y ensancha el alma, un poema de "Manuel Chinato" y que musicalizó el grupo "Extremoduro". EXTREMODURO (DEL DISCO: GRANDES EXITOS Y FRACASOS) https://www.youtube.com/watch?v=qS-zKDX_rTc CORO CEIP LA LATINA (MADRID) https://www.youtube.com/watch?v=_Xt1vh_ckGA CEIP NUESTRA SEÑORA DE CORTES (MURCIA) https://www.youtube.com/watch?v=6dCvIjWnrg8 CARMEN Y QUIQUE (TIERRA DE TALENTO) https://www.youtube.com/watch?v=uo_BcrZ0qA0 FRAN PEREA (TU CARA ME SUENA) https://www.youtube.com/watch?v=urbUk6XeD6E ALBERT PLA,MUCHACHITO Y CANIJO DE JEREZ https://www.youtube.com/watch?v=Oe99LfX4y3k EXTREMODURO (DEL DISCO: DELTOYA) https://www.youtube.com/watch?v=gGE4CYp9nxUhttps://www.ivoox.com/68-explorando-versiones-especial-covers-versiones-etc-audios-mp3_rf_156987139_1.htmlFri, 05 Sep 2025 08:14:42 +020036:51168fullhttps://www.ivoox.com/156987139locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)no¡Hola, amigos! Soy Francisco, y hoy, en Explorando Versiones, tenemos un episodio algo diferente. En lugar de hablar de una sola canción y sus versiones, vamos a hacer un repaso por los distintos tipos de reinterpretaciones musicales que existen. Porque no todo lo que parece una versión… finalmente lo es. A lo largo de la historia de la música, ha sido habitual que los creadores recurran a obras ya existentes para reinterpretarlas, transformarlas o integrarlas en nuevas composiciones. Algunos cambian la letra de la canción o su ritmo, otros cambian hasta el idioma, o simplemente se apropian de un fragmento y lo reinventan o lo reciclan para otras canciones. En este episodio hablaremos de versiones, parodias, samplers, covers… ¡y hasta de perversiones! Este episodio no es una clase de teoría musical, ni falta que hace. Simplemente vamos a repasar algunos de los tipos más habituales de versiones que nos hemos encontrado en este podcast. Así que tomadlo como lo que es: una guía informal para entender mejor este universo de versiones, parodias, covers y demás zarandajas. Si os pica la curiosidad, ya sabéis… ¡hay todo un mundo musical por explorar! Dicho esto, vamos allá. COVER Llamamos Cover cuando se hace una nueva interpretación de una canción previamente grabada por otro artista. Se mantiene la estructura, la letra y la melodía original de la canción, aunque el intérprete puede darle su toque personal. GLORIA JONES - TAINTED LOVE: https://www.youtube.com/watch?v=9obvlVPJBEg Un ejemplo clarísimo de un cover es el de “Tainted Love”. La versión original, compuesta por Ed Cobb en clave de soul, fue grabada por Gloria Jones en 1964, aunque no apareció en ningún álbum oficial de estudio en ese momento. Fue lanzada como cara B del single My Bad Boy's Comin' Home, publicado por el sello Champion Records. Por desgracia la canción pasó desapercibida en aquel momento. SOFT CELL - TAINTED LOVE: https://www.youtube.com/watch?v=TgyqZlFHokQ Algunos años después, en 1981, el dúo británico Soft Cell la recuperó y la transformó en un hit mundial, con sintetizadores, una atmósfera más oscura y un tempo más lento. Fue número 1 en al menos 17 países, y se convirtió en uno de los singles más vendidos del año. Eso sí, la letra y la estructura se mantuvieron intactas. Es decir, un cover de manual. Y tan bien hecho que hoy mucha gente cree que la versión de Soft Cell es la original. LA UNIÓN - FALSO AMOR: https://www.youtube.com/watch?v=-9Ygp5UjkBY Como curiosidad, en el año 2000, el grupo La Unión también grabó el tema, esta vez bajo el título “Falso Amor”. Sin embargo esta canción ya no es un cover, sino una versión o adaptación libre, como veremos a continuación, ya que en los créditos, en lugar de mencionar a Ed Cobb como único autor, La Unión figura como coautora, lo que no es habitual en un cover estrictamente legal. VERSIÓN Pero… ¿Qué demonios es una versión, entonces? Una versión es una reinterpretación de una canción donde suele haber cambios importantes respecto al original. Puede modificarse la estructura, la instrumentación, el tempo… incluso partes de la letra, permitiéndose mucha más libertad que en un simple cover. OTIS REDDING - RESPECT: https://www.youtube.com/watch?v=rEgKSj1VHZ0 Como ejemplo os traigo la canción “Respect”, que fue compuesta y grabada por Otis Redding en 1965. En su versión original, el hombre le suplica respeto a su pareja al volver del trabajo, en un tono bastante más crudo y masculino. ARETHA FRANKLIN - RESPECT: https://www.youtube.com/watch?v=9iayJ8u4Qew Pero al año siguiente, en 1967, Aretha Franklin le dio la vuelta por completo. Grabó su propia versión y cambió fragmentos de la letra, reorganizó la estructura y añadió elementos clave como los coros femeninos o ese mítico “R-E-S-P-E-C-T” deletreado con orgullo. El resultado fue tan potente que eclipsó al original. Pasó de ser una súplica a convertirse en un grito de empoderamiento femenino y afroamericano. En 2004 y nuevamente en 2021, la revista Rolling Stone la colocó en el número 1 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Esto ya no es un cover. Es una versión en toda regla. CONTRAFACTUM Pero no todo son covers y versiones. Existen otros conceptos curiosos, como el contrafactum. ¿Y ahora estaréis pensando… eso qué coño es? Pues contrafactum significa literalmente “hecho en lugar de otro”, y la palabra se remonta a la Edad Media. Su uso musical se documenta por primera vez entre los siglos XII y XIII en Europa. Básicamente, consiste en mantener intacta la melodía de una canción, pero cambiando la letra por completo. SOLOMON LINDA & THE EVENING - MBUBE: https://www.youtube.com/watch?v=mrrQT4WkbNE Como muestra, hablaremos de Mbube. La historia empieza en Sudáfrica, en los años 30. Solomon Linda y su grupo publican “Mbube” en 1939. Una canción cantada en zulú, con una melodía vocal muy característica y un estilo cercano al canto tradicional africano. THE TOKENS - THE LION SLEEPS TONIGHT: https://www.youtube.com/watch?v=OQlByoPdG6c Años más tarde, en 1961, el grupo estadounidense The Tokens lanzó su propia versión bajo el título “The Lion Sleeps Tonight”. Aquí estamos ante un claro contrafactum: La melodía de Mbube se mantiene como base, pero se le añade una nueva letra en inglés, algunos arreglos y un enfoque pop mucho más occidental. El resultado: un éxito internacional... Aunque la historia que hay detrás de esta versión no es tan inocente como parece, pero eso te lo contaremos en otro episodio. SAMPLEO O SAMPLING Otra técnica muy común, sobre todo en la música urbana, es el sampleo. ¿En qué consiste? Muy sencillo: se toma un fragmento grabado de una canción ya existente —puede ser un ritmo, una línea de bajo, una voz— y se reutiliza tal cual en una canción nueva. No es una inspiración ni una versión: es la misma grabación original que se incrusta en otro tema. RICK JAMES - SUPER FREAK: https://www.youtube.com/watch?v=Rwj8gdoTls8 En 1981, Rick James lanza este tema titulado “Superfreak” con un bajo espectacular y absolutamente reconocible. Una canción pegajosa, bailable y con mucho ritmo. MC HAMMER - U CAN'T TOUCH THIS: https://www.youtube.com/watch?v=bwEwh7sm26w Nueve años después, en 1990, MC Hammer toma esa misma línea de bajo y la usa como base de su canción. Esto es sampleo puro, ya que coge una parte de la canción ya grabada, y la reutiliza directamente en esta otra. En muchos casos, como este, también puede verse como un homenaje. Fue la primera canción de rap nominada al Premio Grammy a la Grabación del Año, aunque no ganó en esa categoría, sí se llevó dos Grammy: A la Mejor Interpretación Solista de Rap Al Mejor Video Musical de Formato Corto PARODIA En una parodia se cambia la letra y muchas veces hasta el estilo de la canción original, pero con la intención de hacer humor o crítica. Parecido al contrafactum, la parodia nace con una intención humorística muy clara, a veces incluso con un tono crítico o burlesco. Podríamos decir que es una versión con la intención de hacer humor, crítica o sátira de una canción existente. ZZ TOP - LA GRANGE: https://www.youtube.com/watch?v=Vppbdf-qtGU Pondremos como ejemplo La Grange. La canción original, de ZZ Top, es un clásico del rock sureño, y se caracteriza por tener un ritmo pegadizo y una letra que habla de un burdel famoso en Texas. MOJINOS ESCOZÍOS - EL CORRAL: https://www.youtube.com/watch?v=87LWtBOsv5I En 1996, el grupo Mojinos Escozíos tomó la melodía de “La Grange” y la transformó en “El Corral”, convirtiéndola en una parodia con tintes rurales. La nueva letra narra las aventuras de un granjero y sus animales, en un tono claramente humorístico y exagerado, muy característico del estilo de Mojinos. Esta adaptación encaja perfectamente en la propuesta irreverente de la banda, conocida por mezclar rock duro y letras absurdas, costumbristas y explícitamente cómicas. En “El Corral”, sustituyen el erotismo sugerido de la canción original por escenas grotescas y surrealistas de la vida en el campo, incluyendo referencias escatológicas de doble sentido. El resultado no solo parodia la canción de ZZ Top, sino también el propio estereotipo del rockero duro, llevándolo al extremo del humor hispano más gamberro. Como muchas de sus canciones, esta versión combina homenaje musical con burla consciente, en un equilibrio muy propio del universo Mojinos. INTERPOLACIÓN ¿Y qué pasa cuando alguien recrea una parte de una canción, pero sin usar la grabación original? Eso es lo que se llama interpolación. Es como hacer un cover, pero solo de una parte concreta —una melodía o un estribillo— y tocarla o cantarla de nuevo, adaptándola a otra canción. CHIC - GOOD TIMES: https://www.youtube.com/watch?v=iGKQapswGaY En 1979, la banda estadounidense Chic, considerada como una la banda más representativa de la historia de la música disco, publicó el tema “Good Times”, alcanzando el número 1 de la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Este tema de Nile Rodgers y Bernard Edwards, posee una de la línea de bajo más elegante y reconocible de la historia. Pero además de ser un éxito por sí solo, su riff marcaría un antes y un después en la historia del hip-hop... aunque ellos no lo sabían aún. THE SUGARHILL GANG - RAPPER'S DELIGHT: https://www.youtube.com/watch?v=IOD0DQ7AN5Q Ese mismo año, trío de hip hop estadounidense The Sugarhill Gang lograron la fama por el sencillo Rapper's Delight publicado también en 1979. Aunque no fue la primera canción de hip hop grabada de la historia, ayudó a la popularización del mismo en los Estados Unidos y el resto del mundo. En este tema, el grupo toma como base la línea de bajo de Good Times y lo convierte en uno de los temas de rap más famosos de la historia. LAS KETCHUP - ASEREJÉ: https://www.youtube.com/watch?v=seGNuXruSJM Años después, en 2002, el grupo femenino Las Ketchup lanzó la canción Aserejé. Su compositor, Manuel Ruiz Queco, se inspiró en la canción Rapper's Delight, tomando la primera parte de esa canción y escribirla tal como sonaría alguien que no entiende inglés. Así creó el famoso y pegadizo estribillo de Aserejé. Eso sí, en el caso de las Ketchup, no se trataría de una interpolación musical, sino más bien de una parodia fonética o incluso un contrafactum humorístico, jugando con la sonoridad de la letra original para crear algo nuevo y surrealista. 7 MASHUP Un mashup es una pieza musical creada al combinar dos o más canciones diferentes, ya sea mezclando bases instrumentales, líneas vocales o ambas cosas a la vez. Es como un collage musical que da lugar a una obra nueva, pero formada con trozos reconocibles de otras. Esto ocurre cuando se unen elementos de temas distintos, a veces como homenaje, otras veces como experimento creativo, y muchas veces con resultados sorprendentes. MANOLO ESCOBORN - CALAMBRES: https://www.youtube.com/watch?v=xWqz5zg2MSA En esta joya del grupo “Calambres”, se toma como base instrumental el clásico rockero “Born To Be Wild” de Steppenwolf, y se le superpone la letra y el espíritu de “Mi Carro” de Manolo Escobar. El resultado es una mezcla delirante y divertida que une dos mundos que, a priori, no tenían nada que ver. Eso es precisamente lo mágico de los mashups: cuando funcionan, te quedas con las patas colgando. STEPPENWOLF - BORN TO BE WILD: https://www.youtube.com/watch?v=igvP806798U MANOLO ESCOBAR - MI CARRO: https://www.youtube.com/watch?v=acgsP2naMzQ PLAGIO Ahora vamos con el concepto más polémico de todos: el plagio. Hablamos de cuando una canción se inspira claramente en otra ya publicada... pero sin reconocer ni retribuir al autor original. Algo así como tomar prestada parte de la canción y hacerla pasar como propia. LED ZEPPELIN – STAIRWAY TO HEAVEN: https://www.youtube.com/watch?v=X791IzOwt3Q Un caso muy sonado fue el de la intro de Stairway to Heaven, de Led Zeppelin. Una de las canciones más icónicas de la historia del rock. Compuesta por Jimmy Page y Robert Plant, se publicó en 1971 dentro del álbum Led Zeppelin IV, y muchos la consideran como la canción más importante de la banda londinense. SPIRIT – TAURUS: https://www.youtube.com/watch?v=gFHLO_2_THg Pero la polémica no tardó en llegar. La banda californiana Spirit denunció que la intro de “Stairway to Heaven” se parecía sorprendentemente a su tema “Taurus”, publicado tres años antes. Y lo cierto es que, sobre todo en los primeros compases, el parecido es innegable, tras años de litigio, el tribunal dictaminó que Stairway to Heaven no era un plagio. Pero claro, la duda quedó ahí y hoy muchos siguen pensando que lo que hicieron fue más que “inspirarse”. Pero como dice esa famosa frase, mal atribuida a Pablo Picasso: “Los grandes artistas copian. Los genios roban.” PERVERSIONES Para terminar este repaso, hablaremos de Perversiones… o cuando una versión se te va de las manos. Y es que no todo vale. A veces, una reinterpretación es tan peculiar que pasa directamente de “versión” a “perversión”. Aunque este concepto no es una técnica musical propiamente dicha, sí que existen casos reales que rozan lo criminal… musicalmente hablando, claro. WING - HIGHWAY TO HELL: https://www.youtube.com/watch?v=kr3iYamSxxI Wing Han Tsang, conocida artísticamente solo como Wing, es una cantante de Hong Kong afincada en Nueva Zelanda y es famosa por sus particulares versiones… por llamarlas de algún modo. Su “Highway to Hell” es inclasificable. Su peculiar tono operístico y su pronunciación hacen que el resultado sea tan desconcertante como inolvidable. Si no la conocéis, buscadla… pero eso sí, siempre bajo vuestra propia responsabilidad ya que escuchar a Wing es una experiencia que no se olvida fácilmente. AC/DC - HIGHWAY TO HELL: https://www.youtube.com/watch?v=MjAMHH3vysA Por si acaso, aquí os dejo la original. Publicada en 1979 por los australianos AC/DC, este clásico del rock sirve para comprobar hasta qué punto una canción se puede retorcer hasta terminar… pervertida. Y hasta aquí este repaso por los distintos tipos de reinterpretaciones musicales: covers, versiones, contrafactum, samples, interpolaciones, parodias… y perversiones. Como habéis podido ver, no todas las versiones son iguales. Algunas respetan el espíritu original, otras lo transforman, otras lo parodian y otras… bueno, hacen lo que pueden. No todos estos conceptos están grabados en piedra, y a veces las fronteras entre unos y otros se difuminan. Pero lo importante es entender que hay muchas formas de reimaginar una canción, y todas ellas tienen su valor. Lo bonito de todo esto es que, al final, una canción puede tener muchas vidas. Y recordad… no todas las canciones son lo que parecen. Nos vemos en el próximo episodio de Explorando Versiones. POSTDATA: SINIESTRO TOTAL - SOMOS SINIESTRO TOTAL: https://www.youtube.com/watch?v=mKqqOk2qhrI Pero oiga… ¿Un Explorando Versiones sin una versión de Siniestro Total?... Bueno, Somos Siniestro Totallocosporincordiar¡Hola, amigos! Soy Francisco, y hoy, en Explorando Versiones, tenemos un episodio algo diferente. En lugar de hablar de una sola canción y sus versiones, vamos a hacer un repaso por los distintos tipos de reinterpretaciones musicales que existen. Porque no todo lo que parece una versión… finalmente lo es. A lo largo de la historia de la música, ha sido habitual que los creadores recurran a obras ya existentes para reinterpretarlas, transformarlas o integrarlas en nuevas composiciones. Algunos cambian la letra de la canción o su ritmo, otros cambian hasta el idioma, o simplemente se apropian de un fragmento y lo reinventan o lo reciclan para otras canciones. En este episodio hablaremos de versiones, parodias, samplers, covers… ¡y hasta de perversiones! Este episodio no es una clase de teoría musical, ni falta que hace. Simplemente vamos a repasar algunos de los tipos más habituales de versiones que nos hemos encontrado en este podcast. Así que tomadlo como lo que es: una guía informal para entender mejor este universo de versiones, parodias, covers y demás zarandajas. Si os pica la curiosidad, ya sabéis… ¡hay todo un mundo musical por explorar! Dicho esto, vamos allá. COVER Llamamos Cover cuando se hace una nueva interpretación de una canción previamente grabada por otro artista. Se mantiene la estructura, la letra y la melodía original de la canción, aunque el intérprete puede darle su toque personal. GLORIA JONES - TAINTED LOVE: https://www.youtube.com/watch?v=9obvlVPJBEg Un ejemplo clarísimo de un cover es el de “Tainted Love”. La versión original, compuesta por Ed Cobb en clave de soul, fue grabada por Gloria Jones en 1964, aunque no apareció en ningún álbum oficial de estudio en ese momento. Fue lanzada como cara B del single My Bad Boy's Comin' Home, publicado por el sello Champion Records. Por desgracia la canción pasó desapercibida en aquel momento. SOFT CELL - TAINTED LOVE: https://www.youtube.com/watch?v=TgyqZlFHokQ Algunos años después, en 1981, el dúo británico Soft Cell la recuperó y la transformó en un hit mundial, con sintetizadores, una atmósfera más oscura y un tempo más lento. Fue número 1 en al menos 17 países, y se convirtió en uno de los singles más vendidos del año. Eso sí, la letra y la estructura se mantuvieron intactas. Es decir, un cover de manual. Y tan bien hecho que hoy mucha gente cree que la versión de Soft Cell es la original. LA UNIÓN - FALSO AMOR: https://www.youtube.com/watch?v=-9Ygp5UjkBY Como curiosidad, en el año 2000, el grupo La Unión también grabó el tema, esta vez bajo el título “Falso Amor”. Sin embargo esta canción ya no es un cover, sino una versión o adaptación libre, como veremos a continuación, ya que en los créditos, en lugar de mencionar a Ed Cobb como único autor, La Unión figura como coautora, lo que no es habitual en un cover estrictamente legal. VERSIÓN Pero… ¿Qué demonios es una versión, entonces? Una versión es una reinterpretación de una canción donde suele haber cambios importantes respecto al original. Puede modificarse la estructura, la instrumentación, el tempo… incluso partes de la letra, permitiéndose mucha más libertad que en un simple cover. OTIS REDDING - RESPECT: https://www.youtube.com/watch?v=rEgKSj1VHZ0 Como ejemplo os traigo la canción “Respect”, que fue compuesta y grabada por Otis Redding en 1965. En su versión original, el hombre le suplica respeto a su pareja al volver del trabajo, en un tono bastante más crudo y masculino. ARETHA FRANKLIN - RESPECT: https://www.youtube.com/watch?v=9iayJ8u4Qew Pero al año siguiente, en 1967, Aretha Franklin le dio la vuelta por completo. Grabó su propia versión y cambió fragmentos de la letra, reorganizó la estructura y añadió elementos clave como los coros femeninos o ese mítico “R-E-S-P-E-C-T” deletreado con orgullo. El resultado fue tan potente que eclipsó al original. Pasó de ser una súplica a convertirse en un grito de empoderamiento femenino y afroamericano. En 2004 y nuevamente en 2021, la revista Rolling Stone la colocó en el número 1 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Esto ya no es un cover. Es una versión en toda regla. CONTRAFACTUM Pero no todo son covers y versiones. Existen otros conceptos curiosos, como el contrafactum. ¿Y ahora estaréis pensando… eso qué coño es? Pues contrafactum significa literalmente “hecho en lugar de otro”, y la palabra se remonta a la Edad Media. Su uso musical se documenta por primera vez entre los siglos XII y XIII en Europa. Básicamente, consiste en mantener intacta la melodía de una canción, pero cambiando la letra por completo. SOLOMON LINDA & THE EVENING - MBUBE: https://www.youtube.com/watch?v=mrrQT4WkbNE Como muestra, hablaremos de Mbube. La historia empieza en Sudáfrica, en los años 30. Solomon Linda y su grupo publican “Mbube” en 1939. Una canción cantada en zulú, con una melodía vocal muy característica y un estilo cercano al canto tradicional africano. THE TOKENS - THE LION SLEEPS TONIGHT: https://www.youtube.com/watch?v=OQlByoPdG6c Años más tarde, en 1961, el grupo estadounidense The Tokens lanzó su propia versión bajo el título “The Lion Sleeps Tonight”. Aquí estamos ante un claro contrafactum: La melodía de Mbube se mantiene como base, pero se le añade una nueva letra en inglés, algunos arreglos y un enfoque pop mucho más occidental. El resultado: un éxito internacional... Aunque la historia que hay detrás de esta versión no es tan inocente como parece, pero eso te lo contaremos en otro episodio. SAMPLEO O SAMPLING Otra técnica muy común, sobre todo en la música urbana, es el sampleo. ¿En qué consiste? Muy sencillo: se toma un fragmento grabado de una canción ya existente —puede ser un ritmo, una línea de bajo, una voz— y se reutiliza tal cual en una canción nueva. No es una inspiración ni una versión: es la misma grabación original que se incrusta en otro tema. RICK JAMES - SUPER FREAK: https://www.youtube.com/watch?v=Rwj8gdoTls8 En 1981, Rick James lanza este tema titulado “Superfreak” con un bajo espectacular y absolutamente reconocible. Una canción pegajosa, bailable y con mucho ritmo. MC HAMMER - U CAN'T TOUCH THIS: https://www.youtube.com/watch?v=bwEwh7sm26w Nueve años después, en 1990, MC Hammer toma esa misma línea de bajo y la usa como base de su canción. Esto es sampleo puro, ya que coge una parte de la canción ya grabada, y la reutiliza directamente en esta otra. En muchos casos, como este, también puede verse como un homenaje. Fue la primera canción de rap nominada al Premio Grammy a la Grabación del Año, aunque no ganó en esa categoría, sí se llevó dos Grammy: A la Mejor Interpretación Solista de Rap Al Mejor Video Musical de Formato Corto PARODIA En una parodia se cambia la letra y muchas veces hasta el estilo de la canción original, pero con la intención de hacer humor o crítica. Parecido al contrafactum, la parodia nace con una intención humorística muy clara, a veces incluso con un tono crítico o burlesco. Podríamos decir que es una versión con la intención de hacer humor, crítica o sátira de una canción existente. ZZ TOP - LA GRANGE: https://www.youtube.com/watch?v=Vppbdf-qtGU Pondremos como ejemplo La Grange. La canción original, de ZZ Top, es un clásico del rock sureño, y se caracteriza por tener un ritmo pegadizo y una letra que habla de un burdel famoso en Texas. MOJINOS ESCOZÍOS - EL CORRAL: https://www.youtube.com/watch?v=87LWtBOsv5I En 1996, el grupo Mojinos Escozíos tomó la melodía de “La Grange” y la transformó en “El Corral”, convirtiéndola en una parodia con tintes rurales. La nueva letra narra las aventuras de un granjero y sus animales, en un tono claramente humorístico y exagerado, muy característico del estilo de Mojinos. Esta adaptación encaja perfectamente en la propuesta irreverente de la banda, conocida por mezclar rock duro y letras absurdas, costumbristas y explícitamente cómicas. En “El Corral”, sustituyen el erotismo sugerido de la canción original por escenas grotescas y surrealistas de la vida en el campo, incluyendo referencias escatológicas de doble sentido. El resultado no solo parodia la canción de ZZ Top, sino también el propio estereotipo del rockero duro, llevándolo al extremo del humor hispano más gamberro. Como muchas de sus canciones, esta versión combina homenaje musical con burla consciente, en un equilibrio muy propio del universo Mojinos. INTERPOLACIÓN ¿Y qué pasa cuando alguien recrea una parte de una canción, pero sin usar la grabación original? Eso es lo que se llama interpolación. Es como hacer un cover, pero solo de una parte concreta —una melodía o un estribillo— y tocarla o cantarla de nuevo, adaptándola a otra canción. CHIC - GOOD TIMES: https://www.youtube.com/watch?v=iGKQapswGaY En 1979, la banda estadounidense Chic, considerada como una la banda más representativa de la historia de la música disco, publicó el tema “Good Times”, alcanzando el número 1 de la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Este tema de Nile Rodgers y Bernard Edwards, posee una de la línea de bajo más elegante y reconocible de la historia. Pero además de ser un éxito por sí solo, su riff marcaría un antes y un después en la historia del hip-hop... aunque ellos no lo sabían aún. THE SUGARHILL GANG - RAPPER'S DELIGHT: https://www.youtube.com/watch?v=IOD0DQ7AN5Q Ese mismo año, trío de hip hop estadounidense The Sugarhill Gang lograron la fama por el sencillo Rapper's Delight publicado también en 1979. Aunque no fue la primera canción de hip hop grabada de la historia, ayudó a la popularización del mismo en los Estados Unidos y el resto del mundo. En este tema, el grupo toma como base la línea de bajo de Good Times y lo convierte en uno de los temas de rap más famosos de la historia. LAS KETCHUP - ASEREJÉ: https://www.youtube.com/watch?v=seGNuXruSJM Años después, en 2002, el grupo femenino Las Ketchup lanzó la canción Aserejé. Su compositor, Manuel Ruiz Queco, se inspiró en la canción Rapper's Delight, tomando la primera parte de esa canción y escribirla tal como sonaría alguien que no entiende inglés. Así creó el famoso y pegadizo estribillo de Aserejé. Eso sí, en el caso de las Ketchup, no se trataría de una interpolación musical, sino más bien de una parodia fonética o incluso un contrafactum humorístico, jugando con la sonoridad de la letra original para crear algo nuevo y surrealista. 7 MASHUP Un mashup es una pieza musical creada al combinar dos o más canciones diferentes, ya sea mezclando bases instrumentales, líneas vocales o ambas cosas a la vez. Es como un collage musical que da lugar a una obra nueva, pero formada con trozos reconocibles de otras. Esto ocurre cuando se unen elementos de temas distintos, a veces como homenaje, otras veces como experimento creativo, y muchas veces con resultados sorprendentes. MANOLO ESCOBORN - CALAMBRES: https://www.youtube.com/watch?v=xWqz5zg2MSA En esta joya del grupo “Calambres”, se toma como base instrumental el clásico rockero “Born To Be Wild” de Steppenwolf, y se le superpone la letra y el espíritu de “Mi Carro” de Manolo Escobar. El resultado es una mezcla delirante y divertida que une dos mundos que, a priori, no tenían nada que ver. Eso es precisamente lo mágico de los mashups: cuando funcionan, te quedas con las patas colgando. STEPPENWOLF - BORN TO BE WILD: https://www.youtube.com/watch?v=igvP806798U MANOLO ESCOBAR - MI CARRO: https://www.youtube.com/watch?v=acgsP2naMzQ PLAGIO Ahora vamos con el concepto más polémico de todos: el plagio. Hablamos de cuando una canción se inspira claramente en otra ya publicada... pero sin reconocer ni retribuir al autor original. Algo así como tomar prestada parte de la canción y hacerla pasar como propia. LED ZEPPELIN – STAIRWAY TO HEAVEN: https://www.youtube.com/watch?v=X791IzOwt3Q Un caso muy sonado fue el de la intro de Stairway to Heaven, de Led Zeppelin. Una de las canciones más icónicas de la historia del rock. Compuesta por Jimmy Page y Robert Plant, se publicó en 1971 dentro del álbum Led Zeppelin IV, y muchos la consideran como la canción más importante de la banda londinense. SPIRIT – TAURUS: https://www.youtube.com/watch?v=gFHLO_2_THg Pero la polémica no tardó en llegar. La banda californiana Spirit denunció que la intro de “Stairway to Heaven” se parecía sorprendentemente a su tema “Taurus”, publicado tres años antes. Y lo cierto es que, sobre todo en los primeros compases, el parecido es innegable, tras años de litigio, el tribunal dictaminó que Stairway to Heaven no era un plagio. Pero claro, la duda quedó ahí y hoy muchos siguen pensando que lo que hicieron fue más que “inspirarse”. Pero como dice esa famosa frase, mal atribuida a Pablo Picasso: “Los grandes artistas copian. Los genios roban.” PERVERSIONES Para terminar este repaso, hablaremos de Perversiones… o cuando una versión se te va de las manos. Y es que no todo vale. A veces, una reinterpretación es tan peculiar que pasa directamente de “versión” a “perversión”. Aunque este concepto no es una técnica musical propiamente dicha, sí que existen casos reales que rozan lo criminal… musicalmente hablando, claro. WING - HIGHWAY TO HELL: https://www.youtube.com/watch?v=kr3iYamSxxI Wing Han Tsang, conocida artísticamente solo como Wing, es una cantante de Hong Kong afincada en Nueva Zelanda y es famosa por sus particulares versiones… por llamarlas de algún modo. Su “Highway to Hell” es inclasificable. Su peculiar tono operístico y su pronunciación hacen que el resultado sea tan desconcertante como inolvidable. Si no la conocéis, buscadla… pero eso sí, siempre bajo vuestra propia responsabilidad ya que escuchar a Wing es una experiencia que no se olvida fácilmente. AC/DC - HIGHWAY TO HELL: https://www.youtube.com/watch?v=MjAMHH3vysA Por si acaso, aquí os dejo la original. Publicada en 1979 por los australianos AC/DC, este clásico del rock sirve para comprobar hasta qué punto una canción se puede retorcer hasta terminar… pervertida. Y hasta aquí este repaso por los distintos tipos de reinterpretaciones musicales: covers, versiones, contrafactum, samples, interpolaciones, parodias… y perversiones. Como habéis podido ver, no todas las versiones son iguales. Algunas respetan el espíritu original, otras lo transforman, otras lo parodian y otras… bueno, hacen lo que pueden. No todos estos conceptos están grabados en piedra, y a veces las fronteras entre unos y otros se difuminan. Pero lo importante es entender que hay muchas formas de reimaginar una canción, y todas ellas tienen su valor. Lo bonito de todo esto es que, al final, una canción puede tener muchas vidas. Y recordad… no todas las canciones son lo que parecen. Nos vemos en el próximo episodio de Explorando Versiones. POSTDATA: SINIESTRO TOTAL - SOMOS SINIESTRO TOTAL: https://www.youtube.com/watch?v=mKqqOk2qhrI Pero oiga… ¿Un Explorando Versiones sin una versión de Siniestro Total?... Bueno, Somos Siniestro Totalhttps://www.ivoox.com/067-explorando-versiones-mr-crowley-audios-mp3_rf_154354275_1.htmlFri, 01 Aug 2025 07:59:45 +020025:26202567fullhttps://www.ivoox.com/154354275locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)no¡Hola, hola! ¿Qué tal? Buenos días, tardes o noches, dependiendo de... ya sabéis qué. Yo soy Raulillo, y me tenía que pasar sí o sí por Explorando Versiones. Tenía que volver, sobre todo tras la triste noticia del pasado 22 de julio, cuando se nos congeló el alma al enterarnos del fallecimiento del Rey del Heavy Metal: Ozzy Osbourne. Cuando me enteré de la muerte de Ozzy, me vi con la obligación moral de homenajearle, por la parte que me toca. Digo “por la parte que me toca” porque el tema del que os voy a hablar es, ni más ni menos, que la sintonía del podcast que dirijo: La Taberna de Crowley. Y hoy os traigo un homenaje con el formato clásico de Explorando Versiones: analizando la canción Mr. Crowley y algunas de sus versiones. Hay canciones que parecen estar escritas en las paredes del tiempo. Y hay voces que no mueren, aunque su cuerpo ya haya callado. Hace unos días, la Luz de Ozzy Osbourne se apagó. El Príncipe de las Tinieblas nos deja… pero su sombra —esa sombra tan suya— sigue proyectándose en cada nota, en cada alarido, en cada silencio cargado de distorsión. Así que decidme, exploradores… ¿Estáis listos para descender por la escalera espiral del heavy metal hasta una canción que susurra lo prohibido, que murmura lo oculto y que invoca lo enigmático? Pues alzad los cuernos al cielo. Porque empieza… Mr. Crowley. Una oda oscura a un hombre maldito. La elegía perfecta de un artista que supo mirar al abismo… y hacerlo cantar. MR. CROWLEY (OZZY OSBOURNE, 1980): https://www.youtube.com/watch?v=o0RE230PlX4 Todo viaje comienza por su origen. Y aquí, el origen se llama John Michael Osbourne, nacido el 3 de diciembre de 1948, Marston Green, Reino Unido. Conocido por todos como Ozzy Osbourne… El príncipe de las tinieblas. En 1979 fué expulsado de ese paraíso oscuro llamado Black Sabbath, la banda decana del Heavy metal. Sí, él, junto a Tony Iommi y compañía, crearon el Heavy Metal… os pongáis como os pongáis. Y aunque lo despidieron acusado de exceso y caos por su abuso de las drogas y bla, bla, bla…Todos sabemos cómo era Ozzy, este podcast no va a ir por ahí. Hoy no toca. Hoy toca homenajearle y hablar de las cualidades y bondades del artista. Bondades como dejar que los músicos que le acompañaban tomaran parte activa de su proyecto en solitario, opinando y componiendo. Ozzy, como toda criatura de la noche, renació en solitario, con su propia banda en 1980. Y en ese año nacía el disco “Blizzard of Ozz”, y con él, Mr. Crowley. Una canción que parecía susurrada desde una catedral profana, que abría sus puertas con los acordes lúgubres de un órgano electrónico: Don Airey fue el arquitecto de ese umbral. Un portal sonoro que nos transporta a la ceremonia. Y luego… el “solo”. No un “solo” cualquiera: según la revista Guitar World, el vigesimoctavo mejor solo de la historia del rock. Compuesto e interpretado por Randy Rhoads, un genio fugaz, caído en un accidente aéreo tan solo dos años después. Un mártir del metal, que es como un ángel con seis cuerdas de acero. La canción es un retrato deformado, una máscara de Aleister Crowley: mago, embaucador, devoto del caos. Una figura donde se funden el esoterismo y el exceso. El mismo reflejo oscuro con el que Ozzy jugaría toda su vida. El álbum, sostenido por el himno Crazy Train, alcanzó el puesto 21 en Billboard 200, y en 2017, Rolling Stone lo consagró como uno de los diez mejores discos de metal de la historia. Mr. Crowley trascendió al mundo de los videojuegos. Entró en Brütal Legend. Y también se convirtió en una pista jugable en Guitar Hero World Tour, al que un servidor le ha metido un montón de horas y debo confesar que me hacía ese solo con los ojos cerrados. JOE LYNN TURNER: https://www.youtube.com/watch?v=vq6bBvRmW8c Hoy recorremos una senda marcada por homenajes y hay paradas obligatorias. Y ésta, sin duda, es una de ellas. Corría el año 1987 cuando el eco de una guitarra truncada por la tragedia volvió a la vida… Un disco rendía tributo al talento inmortal de Randy Rhoads. Y entre sus pistas emergía una versión poderosa de Mr. Crowley, que corrió a cargo de Joe Lynn Turner. ¿Que quién es? Pues no es un cualquiera. Veréis: Joe Lynn Turner ganó notoriedad como guitarrista y vocalista con la banda de New Jersey, Fandango y su trabajo llamó la atención al otro lado del charco de Ritchie Blackmore, el mago de las seis cuerdas en Deep Purple, que estaba en la búsqueda de un cantante para sustituir a Roniie James Dio en su banda Rainbow. Así que Joe Lynn llegó a grabar tres álbumes con la icónica banda del arcoíris, incluyendo Difficult to Cure. CRADLE OF FILTH: https://www.youtube.com/watch?v=pfQCIBeNCZI Algunos os preguntaréis: ¿Quién cojones es ese Mr. Crowley del que habla la canción? Edward Alexander Crowley, más conocido como Aleister Crowley —o Frater Perdurabo, o “La Gran Bestia 666”— fue un ocultista, místico y mago ceremonial cuya influencia aún se extiende en las sombras del rock y el metal. Fundador de la filosofía religiosa llamada Thelema, su credo se basaba en máximas que retumbaron como un eco en la contracultura. "Haz tu voluntad: será toda la ley." "El amor es la ley, el amor bajo la voluntad." Un hombre que bajo el pretexto de alcanzar la omnisciencia buscaba entregarse a sus pasiones con libertad absoluta: drogas, placeres y secretos prohibidos. No es extraño que su sombra se proyecte en las leyendas del rock, desde The Beatles hasta Ghost, y especialmente en la mitología musical de Led Zeppelin. Otros candidatos a bajar al infierno… si es que no se han comprado ya su escalera al cielo. Y con el sonido del mismísimo infierno, sube esta versión del álbum Nymphetamine, el sexto álbum de estudio de la banda inglesa de metal extremo Cradle of Filth, grabado en 2004. El título es una combinación de "ninfa" y "anfetamina", que alude a una adicción venenosa a una mujer vampírica que te devora y consume con la misma voracidad que las drogas. Este álbum está profundamente influenciado por Crowley, y está teñido con ecos literarios de Edgar Allan Poe y la ficción cósmica de H.P. Lovecraft, en particular los Mitos de Cthulhu... En fin, que si quieres un viaje turbio, inquietante, donde la magia negra se mezcla con la música para invocar aquello que no debe ser nombrado. El disco Nynphetamine y esta versión de Mr Crowley, son las indicadas para ti. GEORGE LYNCH: https://www.youtube.com/watch?v=qh-3fGZs0m8 Ahora vamos con el asombroso caso de George Lynch, el guitarrista que pudo ser, que fué y que al mismo tiempo, nunca fue. Miembro de la banda de Ozzy Osbourne… Lynch es una leyenda entre los guitarristas, y hay quienes afirman que fue pionero en el famoso estilo tapping con ambas manos en el mástil, incluso antes que el mismísimo Eddie Van Halen lo hiciera. Lynch audicionó para la banda de Ozzy en dos ocasiones: la primera en 1979, donde perdió frente al imponente Randy Rhoads. Y la segunda, en 1982, momento en el que, según cuenta el propio Lynch, fue contratado por tres días… antes de que Ozzy cambiara de parecer y eligiera a Jake E. Lee como su guitarrista definitivo. Sin embargo, Lee tiene otra versión: asegura que Lynch tuvo el trabajo, pero apenas por dos semanas, y que en realidad nunca llegó a tocar con Ozzy. Cuando George Lynch mira hacia atrás con serenidad y buen humor. Cuando se le pregunta sobre aquella etapa dice con humildad: “Gané el premio de consolación”. Tan buena es su energía que en 2001 decidió versionar Mr. Crowley en su disco titulado “Will Play for Food” —“Tocaré por comida”— regalándonos así un solo de guitarra que nos transporta a un universo paralelo, un escenario alternativo donde Ozzy no habría cambiado de opinión. Escuchar esa interpretación es imaginar lo que pudo haber sido, y entender que la música siempre encuentra su camino, incluso en los caminos nunca recorridos. MOONSPELL: https://www.youtube.com/watch?v=EmZAM7OCaZQ Parece que, sin importar quién tome la guitarra, esos solos de Randy Rhoads se clavan en el alma. ¿Será acaso obra de magia negra, invocando el espíritu de la Gran Bestia Aleister Crowley para esa canción? ¿O será algo más mágico como la combinación única de la genialidad de Ozzy y Randy, capaces de componer y transmitir algo más allá de lo humano? Sea cual sea la razón, estos solos son como fragmentos de esperanza que emergen desde la oscuridad más profunda. Como testimonio de ese poder, os traigo a Moonspell, la banda portuguesa de metal gótico, que en 2001 lanzó un álbum de versiones titulado “Darkness and Hope” (Oscuridad y Esperanza). Ahí llega el solo… ¿Veis a lo que me refería? Jack Black: https://www.youtube.com/watch?v=hm-M8GvgYws Fueron las palabras de Ozzy en la rueda de prensa previa a aquel magno evento: “Back to the Beginning”. ¿Qué es esto? ¿En qué mundo vives tú si no conoces esta historia? “Back to the Beginning” fue el concierto de despedida, un último homenaje que Ozzy organizó para el mundo entero, transmitido en vivo por streaming. Todo lo recaudado se destinó a la lucha contra el Parkinson, esa enfermedad implacable que lo golpeó sin piedad y que, finalmente, se lo llevó, junto a sus compañeros Randy Rhoads y Lemmy Kilmister. Para ese día, Ozzy abandonó los tratamientos que apagaban su voz, entregándose con todo lo que su cuerpo y alma pudieron dar dentro de lo posible. Un adiós desde el trono oscuro, vestido de cuero negro y tachuelas, coronado por un murciélago infernal, símbolo indeleble de su leyenda. Porque todos sabemos la historia de Ozzy y los murciélagos, ¿verdad? En aquel evento colosal se reunieron los titanes del rock y el metal: Metallica, Slayer, Pantera, Gojira, Halestorm, Tool, Lamb of God, Anthrax, Mastodon, Guns N’ Roses, Steven Tyler… una constelación de leyendas. A la guitarra principal, Zakk Wylde, fiel compañero de batalla durante años en la banda de Ozzy. La presentación estuvo a cargo de Jason Momoa, y por última vez se reunieron los miembros originales de Black Sabbath, en una emotiva reunión final. Pero la sorpresa mayor fue el inicio de la retransmisión, con la última versión conocida de Mr. Crowley: la actuación grabada en 2022 de Jack Black. El actor, cómico, músico y fan incondicional del rock y el metal, rindió homenaje luciendo el mismo atuendo que Ozzy llevó la primera vez que interpretó esta icónica canción en público. No estaba solo. Acompañado por la nueva sangre del metal: Roman Morello, hijo de Tom Morello (Rage Against the Machine), y Revel Ian, hijo de Scott Ian (Anthrax). ¡Grande Jack Black! YNGWIE MALMSTEEN Y TIM OWENS: https://www.youtube.com/watch?v=aAli1Ie77-Q Llegamos a la última versión, y para mí, la más especial. Quienes me conocéis ya sabéis por qué. Y para quienes no, os cuento: esta versión de Mr. Crowley es la sintonía de mi podcast, La Taberna de Crowley. Pero no es mi favorita solo por eso. Está interpretada a la guitarra por Yngwie Malmsteen, la reencarnación de Paganini, el violinista del diablo. Un virtuoso que cada vez que toca su guitarra parece que le saca fuegos artificiales de fantasía. Y además la versión cuenta con la voz imponente de Tim “Ripper” Owens, aquel que comenzó en un grupo tributo a Judas Priest y terminó siendo el vocalista de su banda adorada, reemplazando a Rob Halford durante algunos años. Esta poderosa canción salió a la luz en 2006, en el álbum tributo a Ozzy: Flying High Again. Y con ella, cerramos este Explorando Versiones, rindiendo homenaje al Príncipe de las Tinieblas. Porque Ozzy no fue solo un cantante. Fue un rito, una grieta en la historia del rock, un grito que nunca pidió permiso para sonar. Hoy lo despedimos como a los grandes: con música, con respeto… y con el corazón un poco más roto. Mr. Crowley fue una de sus muchas invocaciones, una pregunta lanzada al viento oscuro, una ceremonia sin respuestas… Pero quizá, al escuchar sus ecos, comprendamos que Ozzy no buscaba respuestas: solo quería que se le escuchase. Hasta siempre, Ozzy. Que tu voz siga sonando… allá donde el volumen nunca se apaga.locosporincordiar¡Hola, hola! ¿Qué tal? Buenos días, tardes o noches, dependiendo de... ya sabéis qué. Yo soy Raulillo, y me tenía que pasar sí o sí por Explorando Versiones. Tenía que volver, sobre todo tras la triste noticia del pasado 22 de julio, cuando se nos congeló el alma al enterarnos del fallecimiento del Rey del Heavy Metal: Ozzy Osbourne. Cuando me enteré de la muerte de Ozzy, me vi con la obligación moral de homenajearle, por la parte que me toca. Digo “por la parte que me toca” porque el tema del que os voy a hablar es, ni más ni menos, que la sintonía del podcast que dirijo: La Taberna de Crowley. Y hoy os traigo un homenaje con el formato clásico de Explorando Versiones: analizando la canción Mr. Crowley y algunas de sus versiones. Hay canciones que parecen estar escritas en las paredes del tiempo. Y hay voces que no mueren, aunque su cuerpo ya haya callado. Hace unos días, la Luz de Ozzy Osbourne se apagó. El Príncipe de las Tinieblas nos deja… pero su sombra —esa sombra tan suya— sigue proyectándose en cada nota, en cada alarido, en cada silencio cargado de distorsión. Así que decidme, exploradores… ¿Estáis listos para descender por la escalera espiral del heavy metal hasta una canción que susurra lo prohibido, que murmura lo oculto y que invoca lo enigmático? Pues alzad los cuernos al cielo. Porque empieza… Mr. Crowley. Una oda oscura a un hombre maldito. La elegía perfecta de un artista que supo mirar al abismo… y hacerlo cantar. MR. CROWLEY (OZZY OSBOURNE, 1980): https://www.youtube.com/watch?v=o0RE230PlX4 Todo viaje comienza por su origen. Y aquí, el origen se llama John Michael Osbourne, nacido el 3 de diciembre de 1948, Marston Green, Reino Unido. Conocido por todos como Ozzy Osbourne… El príncipe de las tinieblas. En 1979 fué expulsado de ese paraíso oscuro llamado Black Sabbath, la banda decana del Heavy metal. Sí, él, junto a Tony Iommi y compañía, crearon el Heavy Metal… os pongáis como os pongáis. Y aunque lo despidieron acusado de exceso y caos por su abuso de las drogas y bla, bla, bla…Todos sabemos cómo era Ozzy, este podcast no va a ir por ahí. Hoy no toca. Hoy toca homenajearle y hablar de las cualidades y bondades del artista. Bondades como dejar que los músicos que le acompañaban tomaran parte activa de su proyecto en solitario, opinando y componiendo. Ozzy, como toda criatura de la noche, renació en solitario, con su propia banda en 1980. Y en ese año nacía el disco “Blizzard of Ozz”, y con él, Mr. Crowley. Una canción que parecía susurrada desde una catedral profana, que abría sus puertas con los acordes lúgubres de un órgano electrónico: Don Airey fue el arquitecto de ese umbral. Un portal sonoro que nos transporta a la ceremonia. Y luego… el “solo”. No un “solo” cualquiera: según la revista Guitar World, el vigesimoctavo mejor solo de la historia del rock. Compuesto e interpretado por Randy Rhoads, un genio fugaz, caído en un accidente aéreo tan solo dos años después. Un mártir del metal, que es como un ángel con seis cuerdas de acero. La canción es un retrato deformado, una máscara de Aleister Crowley: mago, embaucador, devoto del caos. Una figura donde se funden el esoterismo y el exceso. El mismo reflejo oscuro con el que Ozzy jugaría toda su vida. El álbum, sostenido por el himno Crazy Train, alcanzó el puesto 21 en Billboard 200, y en 2017, Rolling Stone lo consagró como uno de los diez mejores discos de metal de la historia. Mr. Crowley trascendió al mundo de los videojuegos. Entró en Brütal Legend. Y también se convirtió en una pista jugable en Guitar Hero World Tour, al que un servidor le ha metido un montón de horas y debo confesar que me hacía ese solo con los ojos cerrados. JOE LYNN TURNER: https://www.youtube.com/watch?v=vq6bBvRmW8c Hoy recorremos una senda marcada por homenajes y hay paradas obligatorias. Y ésta, sin duda, es una de ellas. Corría el año 1987 cuando el eco de una guitarra truncada por la tragedia volvió a la vida… Un disco rendía tributo al talento inmortal de Randy Rhoads. Y entre sus pistas emergía una versión poderosa de Mr. Crowley, que corrió a cargo de Joe Lynn Turner. ¿Que quién es? Pues no es un cualquiera. Veréis: Joe Lynn Turner ganó notoriedad como guitarrista y vocalista con la banda de New Jersey, Fandango y su trabajo llamó la atención al otro lado del charco de Ritchie Blackmore, el mago de las seis cuerdas en Deep Purple, que estaba en la búsqueda de un cantante para sustituir a Roniie James Dio en su banda Rainbow. Así que Joe Lynn llegó a grabar tres álbumes con la icónica banda del arcoíris, incluyendo Difficult to Cure. CRADLE OF FILTH: https://www.youtube.com/watch?v=pfQCIBeNCZI Algunos os preguntaréis: ¿Quién cojones es ese Mr. Crowley del que habla la canción? Edward Alexander Crowley, más conocido como Aleister Crowley —o Frater Perdurabo, o “La Gran Bestia 666”— fue un ocultista, místico y mago ceremonial cuya influencia aún se extiende en las sombras del rock y el metal. Fundador de la filosofía religiosa llamada Thelema, su credo se basaba en máximas que retumbaron como un eco en la contracultura. "Haz tu voluntad: será toda la ley." "El amor es la ley, el amor bajo la voluntad." Un hombre que bajo el pretexto de alcanzar la omnisciencia buscaba entregarse a sus pasiones con libertad absoluta: drogas, placeres y secretos prohibidos. No es extraño que su sombra se proyecte en las leyendas del rock, desde The Beatles hasta Ghost, y especialmente en la mitología musical de Led Zeppelin. Otros candidatos a bajar al infierno… si es que no se han comprado ya su escalera al cielo. Y con el sonido del mismísimo infierno, sube esta versión del álbum Nymphetamine, el sexto álbum de estudio de la banda inglesa de metal extremo Cradle of Filth, grabado en 2004. El título es una combinación de "ninfa" y "anfetamina", que alude a una adicción venenosa a una mujer vampírica que te devora y consume con la misma voracidad que las drogas. Este álbum está profundamente influenciado por Crowley, y está teñido con ecos literarios de Edgar Allan Poe y la ficción cósmica de H.P. Lovecraft, en particular los Mitos de Cthulhu... En fin, que si quieres un viaje turbio, inquietante, donde la magia negra se mezcla con la música para invocar aquello que no debe ser nombrado. El disco Nynphetamine y esta versión de Mr Crowley, son las indicadas para ti. GEORGE LYNCH: https://www.youtube.com/watch?v=qh-3fGZs0m8 Ahora vamos con el asombroso caso de George Lynch, el guitarrista que pudo ser, que fué y que al mismo tiempo, nunca fue. Miembro de la banda de Ozzy Osbourne… Lynch es una leyenda entre los guitarristas, y hay quienes afirman que fue pionero en el famoso estilo tapping con ambas manos en el mástil, incluso antes que el mismísimo Eddie Van Halen lo hiciera. Lynch audicionó para la banda de Ozzy en dos ocasiones: la primera en 1979, donde perdió frente al imponente Randy Rhoads. Y la segunda, en 1982, momento en el que, según cuenta el propio Lynch, fue contratado por tres días… antes de que Ozzy cambiara de parecer y eligiera a Jake E. Lee como su guitarrista definitivo. Sin embargo, Lee tiene otra versión: asegura que Lynch tuvo el trabajo, pero apenas por dos semanas, y que en realidad nunca llegó a tocar con Ozzy. Cuando George Lynch mira hacia atrás con serenidad y buen humor. Cuando se le pregunta sobre aquella etapa dice con humildad: “Gané el premio de consolación”. Tan buena es su energía que en 2001 decidió versionar Mr. Crowley en su disco titulado “Will Play for Food” —“Tocaré por comida”— regalándonos así un solo de guitarra que nos transporta a un universo paralelo, un escenario alternativo donde Ozzy no habría cambiado de opinión. Escuchar esa interpretación es imaginar lo que pudo haber sido, y entender que la música siempre encuentra su camino, incluso en los caminos nunca recorridos. MOONSPELL: https://www.youtube.com/watch?v=EmZAM7OCaZQ Parece que, sin importar quién tome la guitarra, esos solos de Randy Rhoads se clavan en el alma. ¿Será acaso obra de magia negra, invocando el espíritu de la Gran Bestia Aleister Crowley para esa canción? ¿O será algo más mágico como la combinación única de la genialidad de Ozzy y Randy, capaces de componer y transmitir algo más allá de lo humano? Sea cual sea la razón, estos solos son como fragmentos de esperanza que emergen desde la oscuridad más profunda. Como testimonio de ese poder, os traigo a Moonspell, la banda portuguesa de metal gótico, que en 2001 lanzó un álbum de versiones titulado “Darkness and Hope” (Oscuridad y Esperanza). Ahí llega el solo… ¿Veis a lo que me refería? Jack Black: https://www.youtube.com/watch?v=hm-M8GvgYws Fueron las palabras de Ozzy en la rueda de prensa previa a aquel magno evento: “Back to the Beginning”. ¿Qué es esto? ¿En qué mundo vives tú si no conoces esta historia? “Back to the Beginning” fue el concierto de despedida, un último homenaje que Ozzy organizó para el mundo entero, transmitido en vivo por streaming. Todo lo recaudado se destinó a la lucha contra el Parkinson, esa enfermedad implacable que lo golpeó sin piedad y que, finalmente, se lo llevó, junto a sus compañeros Randy Rhoads y Lemmy Kilmister. Para ese día, Ozzy abandonó los tratamientos que apagaban su voz, entregándose con todo lo que su cuerpo y alma pudieron dar dentro de lo posible. Un adiós desde el trono oscuro, vestido de cuero negro y tachuelas, coronado por un murciélago infernal, símbolo indeleble de su leyenda. Porque todos sabemos la historia de Ozzy y los murciélagos, ¿verdad? En aquel evento colosal se reunieron los titanes del rock y el metal: Metallica, Slayer, Pantera, Gojira, Halestorm, Tool, Lamb of God, Anthrax, Mastodon, Guns N’ Roses, Steven Tyler… una constelación de leyendas. A la guitarra principal, Zakk Wylde, fiel compañero de batalla durante años en la banda de Ozzy. La presentación estuvo a cargo de Jason Momoa, y por última vez se reunieron los miembros originales de Black Sabbath, en una emotiva reunión final. Pero la sorpresa mayor fue el inicio de la retransmisión, con la última versión conocida de Mr. Crowley: la actuación grabada en 2022 de Jack Black. El actor, cómico, músico y fan incondicional del rock y el metal, rindió homenaje luciendo el mismo atuendo que Ozzy llevó la primera vez que interpretó esta icónica canción en público. No estaba solo. Acompañado por la nueva sangre del metal: Roman Morello, hijo de Tom Morello (Rage Against the Machine), y Revel Ian, hijo de Scott Ian (Anthrax). ¡Grande Jack Black! YNGWIE MALMSTEEN Y TIM OWENS: https://www.youtube.com/watch?v=aAli1Ie77-Q Llegamos a la última versión, y para mí, la más especial. Quienes me conocéis ya sabéis por qué. Y para quienes no, os cuento: esta versión de Mr. Crowley es la sintonía de mi podcast, La Taberna de Crowley. Pero no es mi favorita solo por eso. Está interpretada a la guitarra por Yngwie Malmsteen, la reencarnación de Paganini, el violinista del diablo. Un virtuoso que cada vez que toca su guitarra parece que le saca fuegos artificiales de fantasía. Y además la versión cuenta con la voz imponente de Tim “Ripper” Owens, aquel que comenzó en un grupo tributo a Judas Priest y terminó siendo el vocalista de su banda adorada, reemplazando a Rob Halford durante algunos años. Esta poderosa canción salió a la luz en 2006, en el álbum tributo a Ozzy: Flying High Again. Y con ella, cerramos este Explorando Versiones, rindiendo homenaje al Príncipe de las Tinieblas. Porque Ozzy no fue solo un cantante. Fue un rito, una grieta en la historia del rock, un grito que nunca pidió permiso para sonar. Hoy lo despedimos como a los grandes: con música, con respeto… y con el corazón un poco más roto. Mr. Crowley fue una de sus muchas invocaciones, una pregunta lanzada al viento oscuro, una ceremonia sin respuestas… Pero quizá, al escuchar sus ecos, comprendamos que Ozzy no buscaba respuestas: solo quería que se le escuchase. Hasta siempre, Ozzy. Que tu voz siga sonando… allá donde el volumen nunca se apaga.https://www.ivoox.com/066-explorando-versiones-superstition-audios-mp3_rf_153790372_1.htmlFri, 25 Jul 2025 08:01:22 +020017:13202566fullhttps://www.ivoox.com/153790372locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHoy presentado por por José Luis Flores de Onda 100 Extremadura, el tema seleccionado es Superstition de Stevie Wonder. Stevie Wonder: https://www.youtube.com/watch?v=7_tmeHCO1IM Jeff Beck - Superstition: https://www.youtube.com/watch?v=PoJ1lhoRBSg Stevie Ray Vaughan & Double Trouble: https://www.youtube.com/watch?v=JL9eO4-aDMs Jackson 5: https://www.youtube.com/watch?v=DMsnXF8hiH4 Beck, Bogert & Appice: https://www.youtube.com/watch?v=k2U7V_Mjil8locosporincordiarHoy presentado por por José Luis Flores de Onda 100 Extremadura, el tema seleccionado es Superstition de Stevie Wonder. Stevie Wonder: https://www.youtube.com/watch?v=7_tmeHCO1IM Jeff Beck - Superstition: https://www.youtube.com/watch?v=PoJ1lhoRBSg Stevie Ray Vaughan & Double Trouble: https://www.youtube.com/watch?v=JL9eO4-aDMs Jackson 5: https://www.youtube.com/watch?v=DMsnXF8hiH4 Beck, Bogert & Appice: https://www.youtube.com/watch?v=k2U7V_Mjil8https://www.ivoox.com/065-explorando-versiones-no-puedo-vivir-sin-audios-mp3_rf_153242172_1.htmlFri, 18 Jul 2025 08:01:50 +020026:51202565fullhttps://www.ivoox.com/153242172locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola a todo el mundo de nuevo, me alegro un montón de estar aquí nuevamente en un episodio más de Explorando Versiones de "Locos por Incordiar". Soy Agartha de Radio Apis Music. LOS RONALDOS - NO PUEDO VIVIR SIN TI: https://www.youtube.com/watch?v=TD06xGZ1bpw Y hoy vengo con un nuevo tema por explorar. "No puedo vivir sin ti" de Coque Malla. "No puedo vivir sin ti" es una canción con muchas vidas. Hay canciones que no necesitan fuego artificiales para llegar al corazón. No hacen falta palabras complejas y arreglos grandilocuentes. A veces lo más simple es lo más demoledor. Hoy hablamos de una de esas canciones que con solo una guitarra, una voz quebrada y una frase repetida logró convertirse en un himno emocional. Hablamos de él "No puedo vivir sin ti" de Coque Malla. CAMPAÑA PUBLICITARIA DE IKEA: https://www.youtube.com/watch?v=fEU7nfBrqHc Escrita originalmente en 2007. Esta canción formaba parte del álbum "La Hora de los Gigantes", pero su verdadera explosión llegó un par de años después, en 2009, cuando fue elegida para una campaña publicitaria de IKEA. Y es curioso como la vida de una canción puede cambiar por completo con un solo empujón mediático. Esta frase sencilla "No puedo vivir sin ti, no hay manera", se coló en casas, se coló en coches, se coló en los teléfonos y en los corazones. COQUE MALLA: https://www.youtube.com/watch?v=JbL8taSowkk Y como toda canción poderosa "No puedo vivir sin ti" ha tenido varias vidas y varias voces, vamos a repasarlas brevemente. La versión original salió en el 2007 a través de Coque Malla, cruda, honesta, íntima... voz y guitarra, sin florituras, es la más emocional, como si Coque la hubiera grabado mirando los ojos a alguien que está a punto de marcharse. Con lágrimas de los ojos, le pide que por lo mejor no se vaya, que la necesita para toda su vida, aunque se queje de que la tenga allí en casa colonizando todo su hogar. El estribillo repetido, no es un recurso, o es un grito desesperado. COQUE MALLA CON ANNI B SWEET: https://www.youtube.com/watch?v=l6G2U-1LlNs Por aquí sonando viene una de las versiones más conocidas de esta canción, que es con Anni B Sweet, en el 2011 en los conciertos de radio. Una reinterpretación a dos voces, Anni B Sweet aporta a dulzura y un contrapunto femenino que transforma la canción en un diálogo. La atención emocional crece y el resultado es más delicado, pero igual de desgarrador e igual de íntimo. EL CANTO DEL LOCO: https://www.youtube.com/watch?v=vIMAcOJx3tc La siguiente versión es del Canto del Loco que fue lanzada el 2009 y es una versión energética y juvenil que revitalizó el tema para una nueva generación, acercándolo al pop rock de los años 2000. AITANA Y CEPEDA (OT 2017) https://www.youtube.com/watch?v=kqJw9wdZ_ng En el año 2017, en el famoso concurso de "Operación Triunfo", Aitana y Cepeda hacen una interpretación romántica a dúo que aporto frescura y emoción al clásico "No puedo vivir sin ti", destacando sus voces complementarias. Fue tan emotiva y fue tan vivida que la gente creía que se estaban enamorando de verdad. BELY BASARTE: https://www.youtube.com/watch?v=-D89rI0tlD8 En YouTube podemos encontrar otra de las versiones de esta enigmática, íntima y emocional canción, "No puedo vivir sin ti", a través de la voz de Bely Basarte. Una versión íntima y delicada que resalta la sensibilidad de la canción mostrando la versatilidad de la artista. Yo les invito a que las cuchen entera. DAVID VAN BYLEN: https://www.youtube.com/watch?v=vNTBRu0GhQE Esta versión que viene por aquí es de David Van Bylen, que ofrece una reinterpretación electrónica y enérgica del clásico de los Ronaldos, publicada como sencillo en septiembre de 2020. Esta versión destaca por si fue que moderno y su capacidad para conectar con audiencias contemporáneas. En su adaptación, Van Bylen, fusiona elementos del pop y la música electrónica, creando una atmósfera vibrante que aporta una nueva dimensión al tema original. La producción cuidadosa y los arreglos innovadores permiten que la canción mantenga su esencia emocional, mientras se presenta en un formato más actual y bailable. Esta versión ha sido bien recibida en plataformas de streaming, alcanzando posiciones destacadas en lista como la de ITunes en 2022 y en la radio en 2024. Su éxito refleja la habilidad de Van Bylen para reinterpretar clásicos con un enfoque fresco y accesible. Agarren sus cuerpos, levanten el culo de la silla y pongan a bailar esta nueva versión de "No puedo vivir sin ti". JAZZMATIKS: https://www.youtube.com/watch?v=0a_f0BQdv2s La siguiente versión que he elegido es del grupo Jazzmatiks, que interpretan "No puedo vivir sin ti" en una adaptación fresca y sofisticada de la emblemática canción. Este grupo de Jazz de la Marina Alta, España, compuesto por Reme Giner, Santi Ferrer, Javi Justo y Alfred Rosselló, ofrece una interpretación que combina la esencia melódica original con una atmósfera íntima y elegante. La pieza forma parte de su álbum homónimo lanzado en 2019, disponible para su escucha y descarga en BandCamp. En esta versión, la voz suave de Giner se entrelaza con los arreglos jazzísticos, creando una atmósfera envolvente que aporta una nueva dimensión emocional a la canción. El acompañamiento instrumental, con la trompeta y el piano, aporta una riqueza sonora que transforma la pieza en una experiencia auditiva única. Esta interpretación destaca por su capacidad para mantener la esencia de la original mientras la reinventa dentro del lenguaje del jazz contemporáneo. Si eres amante del jazz y aprecias las reinterpretaciones de clásicos, esta versión de "No puedo vivir sin ti" por Jazzmatiks es una propuesta que invita a redescubrir una canción querida desde una perspectiva fresca y sofisticada. MIGUEL CAMPELLO: https://www.youtube.com/watch?v=bJM1SBAhMpk Y ya saben que cuando elijo una canción es por que alguna de sus versiones me ha enamorado, y esta vez he elegido esta porque hay una versión que me encanta cómo suena y es la de Miguel Campello, que es una emotiva adaptación del tema original. Esta interpretación Campello transmite la intensidad de una relación profunda y transformadora, reflejando cómo la presencia de una persona puede convertirse en esencial para la vida del cantante. La letra expresa sentimientos de dependencia emocional y la incapacidad de imaginar la vida sin esa persona amada. A través de versos como "No puedo ir sin ti y no hay manera", se enfatiza la conexión inquebrantable entre el narrador y su ser querido. Esta versión aporta una nueva dimensión a la canción original, fusionando su estilo único con la esencia del tema. Y ofreciendo a los oyentes una interpretación fresca y emotiva que resalta la universalidad del mensaje de amor y dependencia expresado en la letra. La letra de "No puedo vivir sin ti" es breve, casi mínima, pero esa es su fuerza. Un mantra moroso, una súplica, una obsesión, una canción que habla del apego, del miedo a perder, del amor que duele y de esa dependencia emocional que todos hemos sentido alguna vez y que seguimos sintiendo en algunas ocasiones. CONCLUSIONES: Coque Malla nos ha regalado muchísimas joyas en forma de canción, pero nos regaló una frase universal con esta canción, una de esas que puedes cantar borracho, susurrar a media voz, gritar al vacío, susurrar al oído de tu pareja o incluso a tu propio corazón: "No puedo vivir sin ti, no hay manera". Corazoncito mío, "No puedo vivir sin ti, no hay manera", porque sin ti la vida sería un suplicio y jamás sentiría la brisa rozando mis mejillas. Una canción sencilla pero eterna. Un besito, chao, chao, muchísimas gracias por estar ahí y hacer que todo esto sea posible.locosporincordiarHola a todo el mundo de nuevo, me alegro un montón de estar aquí nuevamente en un episodio más de Explorando Versiones de "Locos por Incordiar". Soy Agartha de Radio Apis Music. LOS RONALDOS - NO PUEDO VIVIR SIN TI: https://www.youtube.com/watch?v=TD06xGZ1bpw Y hoy vengo con un nuevo tema por explorar. "No puedo vivir sin ti" de Coque Malla. "No puedo vivir sin ti" es una canción con muchas vidas. Hay canciones que no necesitan fuego artificiales para llegar al corazón. No hacen falta palabras complejas y arreglos grandilocuentes. A veces lo más simple es lo más demoledor. Hoy hablamos de una de esas canciones que con solo una guitarra, una voz quebrada y una frase repetida logró convertirse en un himno emocional. Hablamos de él "No puedo vivir sin ti" de Coque Malla. CAMPAÑA PUBLICITARIA DE IKEA: https://www.youtube.com/watch?v=fEU7nfBrqHc Escrita originalmente en 2007. Esta canción formaba parte del álbum "La Hora de los Gigantes", pero su verdadera explosión llegó un par de años después, en 2009, cuando fue elegida para una campaña publicitaria de IKEA. Y es curioso como la vida de una canción puede cambiar por completo con un solo empujón mediático. Esta frase sencilla "No puedo vivir sin ti, no hay manera", se coló en casas, se coló en coches, se coló en los teléfonos y en los corazones. COQUE MALLA: https://www.youtube.com/watch?v=JbL8taSowkk Y como toda canción poderosa "No puedo vivir sin ti" ha tenido varias vidas y varias voces, vamos a repasarlas brevemente. La versión original salió en el 2007 a través de Coque Malla, cruda, honesta, íntima... voz y guitarra, sin florituras, es la más emocional, como si Coque la hubiera grabado mirando los ojos a alguien que está a punto de marcharse. Con lágrimas de los ojos, le pide que por lo mejor no se vaya, que la necesita para toda su vida, aunque se queje de que la tenga allí en casa colonizando todo su hogar. El estribillo repetido, no es un recurso, o es un grito desesperado. COQUE MALLA CON ANNI B SWEET: https://www.youtube.com/watch?v=l6G2U-1LlNs Por aquí sonando viene una de las versiones más conocidas de esta canción, que es con Anni B Sweet, en el 2011 en los conciertos de radio. Una reinterpretación a dos voces, Anni B Sweet aporta a dulzura y un contrapunto femenino que transforma la canción en un diálogo. La atención emocional crece y el resultado es más delicado, pero igual de desgarrador e igual de íntimo. EL CANTO DEL LOCO: https://www.youtube.com/watch?v=vIMAcOJx3tc La siguiente versión es del Canto del Loco que fue lanzada el 2009 y es una versión energética y juvenil que revitalizó el tema para una nueva generación, acercándolo al pop rock de los años 2000. AITANA Y CEPEDA (OT 2017) https://www.youtube.com/watch?v=kqJw9wdZ_ng En el año 2017, en el famoso concurso de "Operación Triunfo", Aitana y Cepeda hacen una interpretación romántica a dúo que aporto frescura y emoción al clásico "No puedo vivir sin ti", destacando sus voces complementarias. Fue tan emotiva y fue tan vivida que la gente creía que se estaban enamorando de verdad. BELY BASARTE: https://www.youtube.com/watch?v=-D89rI0tlD8 En YouTube podemos encontrar otra de las versiones de esta enigmática, íntima y emocional canción, "No puedo vivir sin ti", a través de la voz de Bely Basarte. Una versión íntima y delicada que resalta la sensibilidad de la canción mostrando la versatilidad de la artista. Yo les invito a que las cuchen entera. DAVID VAN BYLEN: https://www.youtube.com/watch?v=vNTBRu0GhQE Esta versión que viene por aquí es de David Van Bylen, que ofrece una reinterpretación electrónica y enérgica del clásico de los Ronaldos, publicada como sencillo en septiembre de 2020. Esta versión destaca por si fue que moderno y su capacidad para conectar con audiencias contemporáneas. En su adaptación, Van Bylen, fusiona elementos del pop y la música electrónica, creando una atmósfera vibrante que aporta una nueva dimensión al tema original. La producción cuidadosa y los arreglos innovadores permiten que la canción mantenga su esencia emocional, mientras se presenta en un formato más actual y bailable. Esta versión ha sido bien recibida en plataformas de streaming, alcanzando posiciones destacadas en lista como la de ITunes en 2022 y en la radio en 2024. Su éxito refleja la habilidad de Van Bylen para reinterpretar clásicos con un enfoque fresco y accesible. Agarren sus cuerpos, levanten el culo de la silla y pongan a bailar esta nueva versión de "No puedo vivir sin ti". JAZZMATIKS: https://www.youtube.com/watch?v=0a_f0BQdv2s La siguiente versión que he elegido es del grupo Jazzmatiks, que interpretan "No puedo vivir sin ti" en una adaptación fresca y sofisticada de la emblemática canción. Este grupo de Jazz de la Marina Alta, España, compuesto por Reme Giner, Santi Ferrer, Javi Justo y Alfred Rosselló, ofrece una interpretación que combina la esencia melódica original con una atmósfera íntima y elegante. La pieza forma parte de su álbum homónimo lanzado en 2019, disponible para su escucha y descarga en BandCamp. En esta versión, la voz suave de Giner se entrelaza con los arreglos jazzísticos, creando una atmósfera envolvente que aporta una nueva dimensión emocional a la canción. El acompañamiento instrumental, con la trompeta y el piano, aporta una riqueza sonora que transforma la pieza en una experiencia auditiva única. Esta interpretación destaca por su capacidad para mantener la esencia de la original mientras la reinventa dentro del lenguaje del jazz contemporáneo. Si eres amante del jazz y aprecias las reinterpretaciones de clásicos, esta versión de "No puedo vivir sin ti" por Jazzmatiks es una propuesta que invita a redescubrir una canción querida desde una perspectiva fresca y sofisticada. MIGUEL CAMPELLO: https://www.youtube.com/watch?v=bJM1SBAhMpk Y ya saben que cuando elijo una canción es por que alguna de sus versiones me ha enamorado, y esta vez he elegido esta porque hay una versión que me encanta cómo suena y es la de Miguel Campello, que es una emotiva adaptación del tema original. Esta interpretación Campello transmite la intensidad de una relación profunda y transformadora, reflejando cómo la presencia de una persona puede convertirse en esencial para la vida del cantante. La letra expresa sentimientos de dependencia emocional y la incapacidad de imaginar la vida sin esa persona amada. A través de versos como "No puedo ir sin ti y no hay manera", se enfatiza la conexión inquebrantable entre el narrador y su ser querido. Esta versión aporta una nueva dimensión a la canción original, fusionando su estilo único con la esencia del tema. Y ofreciendo a los oyentes una interpretación fresca y emotiva que resalta la universalidad del mensaje de amor y dependencia expresado en la letra. La letra de "No puedo vivir sin ti" es breve, casi mínima, pero esa es su fuerza. Un mantra moroso, una súplica, una obsesión, una canción que habla del apego, del miedo a perder, del amor que duele y de esa dependencia emocional que todos hemos sentido alguna vez y que seguimos sintiendo en algunas ocasiones. CONCLUSIONES: Coque Malla nos ha regalado muchísimas joyas en forma de canción, pero nos regaló una frase universal con esta canción, una de esas que puedes cantar borracho, susurrar a media voz, gritar al vacío, susurrar al oído de tu pareja o incluso a tu propio corazón: "No puedo vivir sin ti, no hay manera". Corazoncito mío, "No puedo vivir sin ti, no hay manera", porque sin ti la vida sería un suplicio y jamás sentiría la brisa rozando mis mejillas. Una canción sencilla pero eterna. Un besito, chao, chao, muchísimas gracias por estar ahí y hacer que todo esto sea posible.https://www.ivoox.com/064-explorando-versiones-frio-audios-mp3_rf_152721547_1.htmlFri, 11 Jul 2025 08:12:12 +020026:37202564fullhttps://www.ivoox.com/152721547locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)no“Es la mejor canción del Rock Español“... Y no, no lo digo yo, lo dice quizás la voz más autorizada del Rock patrio, Rosendo Mercado. Hola soy Sergio Serrato y estoy de vuelta en este nuestro podcast favorito, Explorando Versiones ALARMA - FRIO: https://youtu.be/3-tZv8X1Cio?si=mschmBOyMtaDvF9C El de Carabanchel muestra en esta aseveración su rendición incondicional ante el genio de Manolo Tena y su banda Alarma. Empezaba a penas la década de los 70 cuando José Manuel Tena, hijo de inmigrantes extremeños mostraba su primer interés por el Rock and roll en el castizo barrio de Lavapiés. Con un bajo prestado tocaba en orquestas de Madrid y alrededores, influenciado por la ironía de Frank Zapa, las canciones de John Mayall y una estética muy parecida a la de Lindsey Kemp. Cómo explicaría en algunas entrevistas posteriores, era un lector empedernido de poesía siendo gran admirador de Rubén Darío y Antonio Machado, y eso se nota en la elaboración de sus letras. En 1977 funda su primer grupo, digamos en serio, Cucharada en un intento algo extravagante de fusionar Rock and roll y teatro en lo que el propio Manolo llamaría una expresión de protesta antifranquista. Aunque en lo musical a Cucharada se les podría emparentar con Led Zeppelin pero con ciertos toques underground y punk. La crítica estaba encantada y aturdida al mismo tiempo e incluso fueron teloneros de Chuck Berry en Madrid en el año 1981 y los mismísimos Siniestro Total reinterpretaron algunos de sus temas posteriormente. Pero la aventura duró sólo hasta 1981 cuando compartiendo casi al completo la formación de Cucharada y de las cenizas de esta nace Alarma que al principio se hacía llamar FBI, con aires de After Punk, la crítica los comparó con Police. El propio Tena lo definiría así: “Demasiado heavys para los modernos y demasiado moderno para los heavys“. Aunque ya se conocían de Cucharada, los Leño de mi admirado Rosendo los fichan como teloneros de sus conciertos. Frío pertenece a su segundo y último LP, “En el lado oscuro” de 1985. Seguramente sea la canción más versionada de Alarma y es sin duda una joya escondida de la discografía de una banda que aunque suene a tópico se adelantó a su tiempo. Del significado de la letra se ha especulado mucho, aunque a mí parecer es una canción de desamor y soledad…..pero otros creen entender en ese frío una clara alusión a las secuelas físicas del síndrome de abstinencia… el mono de un drogadicto vamos. TXARRENA: https://youtu.be/CHRFk9AL1L8?si=q8d74qsZ--vIAESa Enrique Villarreal “El Drogas” cantante y fundador del grupo Barricada inicia en paralelo a la banda un proyecto musical al que da el nombre de Txarrena e incluye en su primer disco de 1992 está versión con la personalidad de la voz del artista navarro. EL DROGAS: https://youtu.be/XwiMHlnQaD8?si=J11oI_sIGrU-oNn1 Pero ojo que haría doblete, en solitario también nos dejaría está joya en directo junto a Tarque, Rosendo y Fito… una auténtica maravilla. LOS SECRETOS: https://youtu.be/-RPbv98YXek?si=etOhxIK_MnXvOwwn Los hermanos Urquijo no desaprovecharon la ocasión de dar su punto de vista sobre este temazo, en 1991 crearon está versión en la inconfundible voz de Enrique. Los Secretos. MIGUEL TENA: https://youtu.be/7YboIMhz41w?si=AsQegoLc3JEQ85_f En un claro homenaje a su padre, Miguel Tena hizo esta versión acústica, añadiendo un violín y un tempo mucho más lento si cabe, la voz de Miguel recuerda levemente a la de Manolo Tena. ALFONSO XII Y LOS VASALLOS: https://youtu.be/9HpWwMIAJA8?si=QMYuMjL6ApyheVV- Alfonso XII y los Vasallos es un voluntarioso grupo de versiones que me apetecía traer a Explorando , aquí en directo versionan Frío a su manera. PLATEA: https://youtu.be/j58uXeJKOQw?si=DXguZBJSEKBpwvue Como aquí además de explorar Versiones exploramos bandas, aquí os traigo esta versión de frío a cargo de la banda zaragozana Platea, con influencias de Marea, Platero o Extremoduro DDT ROCK: https://youtu.be/cM3STtE8ZZ0?si=Rcs8sNUg9nY66ybN Desde Jerez de la frontera os traigo esta versión más épica que el grupo DDT Rock toca en directo. MANOLO TENA (EN DIRECTO): https://youtu.be/EMkm6bEwcIk?si=7MdFv6ulPL1e8LMu En Abril de 2016 nos dejaba Manolo Tena a causa de un cáncer de hígado. Se iba la voz más carrasposa de la movida madrileña… Se marchó, pero dejó una extensa carrera en bandas, en solitario y como compositor de muchos artistas de géneros tan alejados como Ricky Martín, Miguel Ríos o Ana Belén. Como no puede ser de otra manera también interpretó en directo y en solitario su canción a modo de legado musical. CONCLUSIONES: El carácter introspectivo de Manolo Tena se deja ver en muchas canciones de Alarma pero a su vez la banda muestra su lado más divertido y canalla en otros temas dejando ver lo que en el fondo eran, unos rockeros. Solo dos discos para una banda que pese a ser en directo los grandes teloneros de la época, dejaron un legado y una influencia que resuenan en el Rock Español.locosporincordiar“Es la mejor canción del Rock Español“... Y no, no lo digo yo, lo dice quizás la voz más autorizada del Rock patrio, Rosendo Mercado. Hola soy Sergio Serrato y estoy de vuelta en este nuestro podcast favorito, Explorando Versiones ALARMA - FRIO: https://youtu.be/3-tZv8X1Cio?si=mschmBOyMtaDvF9C El de Carabanchel muestra en esta aseveración su rendición incondicional ante el genio de Manolo Tena y su banda Alarma. Empezaba a penas la década de los 70 cuando José Manuel Tena, hijo de inmigrantes extremeños mostraba su primer interés por el Rock and roll en el castizo barrio de Lavapiés. Con un bajo prestado tocaba en orquestas de Madrid y alrededores, influenciado por la ironía de Frank Zapa, las canciones de John Mayall y una estética muy parecida a la de Lindsey Kemp. Cómo explicaría en algunas entrevistas posteriores, era un lector empedernido de poesía siendo gran admirador de Rubén Darío y Antonio Machado, y eso se nota en la elaboración de sus letras. En 1977 funda su primer grupo, digamos en serio, Cucharada en un intento algo extravagante de fusionar Rock and roll y teatro en lo que el propio Manolo llamaría una expresión de protesta antifranquista. Aunque en lo musical a Cucharada se les podría emparentar con Led Zeppelin pero con ciertos toques underground y punk. La crítica estaba encantada y aturdida al mismo tiempo e incluso fueron teloneros de Chuck Berry en Madrid en el año 1981 y los mismísimos Siniestro Total reinterpretaron algunos de sus temas posteriormente. Pero la aventura duró sólo hasta 1981 cuando compartiendo casi al completo la formación de Cucharada y de las cenizas de esta nace Alarma que al principio se hacía llamar FBI, con aires de After Punk, la crítica los comparó con Police. El propio Tena lo definiría así: “Demasiado heavys para los modernos y demasiado moderno para los heavys“. Aunque ya se conocían de Cucharada, los Leño de mi admirado Rosendo los fichan como teloneros de sus conciertos. Frío pertenece a su segundo y último LP, “En el lado oscuro” de 1985. Seguramente sea la canción más versionada de Alarma y es sin duda una joya escondida de la discografía de una banda que aunque suene a tópico se adelantó a su tiempo. Del significado de la letra se ha especulado mucho, aunque a mí parecer es una canción de desamor y soledad…..pero otros creen entender en ese frío una clara alusión a las secuelas físicas del síndrome de abstinencia… el mono de un drogadicto vamos. TXARRENA: https://youtu.be/CHRFk9AL1L8?si=q8d74qsZ--vIAESa Enrique Villarreal “El Drogas” cantante y fundador del grupo Barricada inicia en paralelo a la banda un proyecto musical al que da el nombre de Txarrena e incluye en su primer disco de 1992 está versión con la personalidad de la voz del artista navarro. EL DROGAS: https://youtu.be/XwiMHlnQaD8?si=J11oI_sIGrU-oNn1 Pero ojo que haría doblete, en solitario también nos dejaría está joya en directo junto a Tarque, Rosendo y Fito… una auténtica maravilla. LOS SECRETOS: https://youtu.be/-RPbv98YXek?si=etOhxIK_MnXvOwwn Los hermanos Urquijo no desaprovecharon la ocasión de dar su punto de vista sobre este temazo, en 1991 crearon está versión en la inconfundible voz de Enrique. Los Secretos. MIGUEL TENA: https://youtu.be/7YboIMhz41w?si=AsQegoLc3JEQ85_f En un claro homenaje a su padre, Miguel Tena hizo esta versión acústica, añadiendo un violín y un tempo mucho más lento si cabe, la voz de Miguel recuerda levemente a la de Manolo Tena. ALFONSO XII Y LOS VASALLOS: https://youtu.be/9HpWwMIAJA8?si=QMYuMjL6ApyheVV- Alfonso XII y los Vasallos es un voluntarioso grupo de versiones que me apetecía traer a Explorando , aquí en directo versionan Frío a su manera. PLATEA: https://youtu.be/j58uXeJKOQw?si=DXguZBJSEKBpwvue Como aquí además de explorar Versiones exploramos bandas, aquí os traigo esta versión de frío a cargo de la banda zaragozana Platea, con influencias de Marea, Platero o Extremoduro DDT ROCK: https://youtu.be/cM3STtE8ZZ0?si=Rcs8sNUg9nY66ybN Desde Jerez de la frontera os traigo esta versión más épica que el grupo DDT Rock toca en directo. MANOLO TENA (EN DIRECTO): https://youtu.be/EMkm6bEwcIk?si=7MdFv6ulPL1e8LMu En Abril de 2016 nos dejaba Manolo Tena a causa de un cáncer de hígado. Se iba la voz más carrasposa de la movida madrileña… Se marchó, pero dejó una extensa carrera en bandas, en solitario y como compositor de muchos artistas de géneros tan alejados como Ricky Martín, Miguel Ríos o Ana Belén. Como no puede ser de otra manera también interpretó en directo y en solitario su canción a modo de legado musical. CONCLUSIONES: El carácter introspectivo de Manolo Tena se deja ver en muchas canciones de Alarma pero a su vez la banda muestra su lado más divertido y canalla en otros temas dejando ver lo que en el fondo eran, unos rockeros. Solo dos discos para una banda que pese a ser en directo los grandes teloneros de la época, dejaron un legado y una influencia que resuenan en el Rock Español.https://www.ivoox.com/063-explorando-versiones-en-el-lago-audios-mp3_rf_150649788_1.htmlFri, 20 Jun 2025 08:21:26 +020025:05202563fullhttps://www.ivoox.com/150649788locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHoy en Explorando Versiones hablaremos de la canción En el Lago del grupo Triana TRIANA - EN EL LAGO: https://www.youtube.com/watch?v=CxmUcT86hw8 Triana es una banda de rock andaluz formada en 1974 y compuesto por Jesús de la Rosa Luque, Eduardo Rodríguez Rodway y Juan José Palacios “Tele”. Considerados como uno de los grupos más influyentes en la historia del rock español, son conocidos por fusionar el rock progresivo con elementos del flamenco y la música andaluza, creando un estilo único y distintivo. Su álbum debut homónimo, "Triana" (1975), es considerado un clásico del rock español y contiene una de sus canciones más recordadas. La canción "En el lago" evoca una atmósfera mística y poética con imágenes que sugieren un viaje interior y espiritual. A medida que avanza, la canción va creciendo en intensidad, con la incorporación de instrumentos eléctricos y una progresión musical que refleja un sentido de búsqueda y exploración. MEDINA AZAHARA: https://www.youtube.com/watch?v=t-YR9_Ied5E Grupos como Medina Azahara, Alameda, Cai o Mezquita han sido influenciados por el sonido y la estética de Triana. En esta versión, Medina Azahara homenajea al grupo Triana en el disco Llegó el día. CRISTIAN DE MORET Y MIGUEL ZAGUÁN: https://www.youtube.com/watch?v=4LtuTH-jIoc Cristian de Moret, músico y compositor español, conocido por su estilo ecléctico que fusiona diferentes influencias musicales y Miguel Zaguán, guitarrista flamenco y productor musical también hicieron esta versión con un ritmo y una cadencia más actual. LOS CORONAS: https://www.youtube.com/watch?v=-OIXthkS7I0 En 2013, el grupo madrileño “Los Coronas” graban un EP editado en vinilo titulado “El extraño viaje” en el que se acercan al «En el lago» de Triana acompañados por Depedro, haciendo una versión de fusión entre surf y rock fronterizo que los caracteriza. MANOLO GARCÍA: https://www.youtube.com/watch?v=3aRkDj8lxwM Manolo García suele interpretar canciones de Triana en conciertos y presentaciones en vivo, incluida una versión de "En el lago". Su estilo único y su pasión por la música española le han permitido rendir homenaje a artistas y bandas emblemáticas como Triana. PABLO LÓPEZ: https://www.youtube.com/watch?v=4TtzfxdFy5c Pablo López, otro talentoso músico español, ha realizado en ocasiones versiones de la canción "En el lago" de Triana. Pablo López es conocido por su habilidad como cantante, compositor y pianista, y ha ganado reconocimiento tanto por sus propias canciones como por sus interpretaciones de temas populares. La interpretación de Pablo López de "En el lago" seguramente llevaría su distintivo estilo vocal y su habilidad en el piano, dándole una nueva dimensión a esta icónica canción del rock andaluz. Su sensibilidad musical y su profundo conocimiento de la música española seguramente se reflejarían en su versión de esta obra maestra de Triana. CONCLUSIONES: Sin lugar a dudas, "En el lago" ha tenido una influencia significativa en la escena musical española, tanto dentro como fuera del ámbito del rock andaluz. Su fusión única del rock progresivo y del flamenco ha dejado una marca duradera en la música española.locosporincordiarHoy en Explorando Versiones hablaremos de la canción En el Lago del grupo Triana TRIANA - EN EL LAGO: https://www.youtube.com/watch?v=CxmUcT86hw8 Triana es una banda de rock andaluz formada en 1974 y compuesto por Jesús de la Rosa Luque, Eduardo Rodríguez Rodway y Juan José Palacios “Tele”. Considerados como uno de los grupos más influyentes en la historia del rock español, son conocidos por fusionar el rock progresivo con elementos del flamenco y la música andaluza, creando un estilo único y distintivo. Su álbum debut homónimo, "Triana" (1975), es considerado un clásico del rock español y contiene una de sus canciones más recordadas. La canción "En el lago" evoca una atmósfera mística y poética con imágenes que sugieren un viaje interior y espiritual. A medida que avanza, la canción va creciendo en intensidad, con la incorporación de instrumentos eléctricos y una progresión musical que refleja un sentido de búsqueda y exploración. MEDINA AZAHARA: https://www.youtube.com/watch?v=t-YR9_Ied5E Grupos como Medina Azahara, Alameda, Cai o Mezquita han sido influenciados por el sonido y la estética de Triana. En esta versión, Medina Azahara homenajea al grupo Triana en el disco Llegó el día. CRISTIAN DE MORET Y MIGUEL ZAGUÁN: https://www.youtube.com/watch?v=4LtuTH-jIoc Cristian de Moret, músico y compositor español, conocido por su estilo ecléctico que fusiona diferentes influencias musicales y Miguel Zaguán, guitarrista flamenco y productor musical también hicieron esta versión con un ritmo y una cadencia más actual. LOS CORONAS: https://www.youtube.com/watch?v=-OIXthkS7I0 En 2013, el grupo madrileño “Los Coronas” graban un EP editado en vinilo titulado “El extraño viaje” en el que se acercan al «En el lago» de Triana acompañados por Depedro, haciendo una versión de fusión entre surf y rock fronterizo que los caracteriza. MANOLO GARCÍA: https://www.youtube.com/watch?v=3aRkDj8lxwM Manolo García suele interpretar canciones de Triana en conciertos y presentaciones en vivo, incluida una versión de "En el lago". Su estilo único y su pasión por la música española le han permitido rendir homenaje a artistas y bandas emblemáticas como Triana. PABLO LÓPEZ: https://www.youtube.com/watch?v=4TtzfxdFy5c Pablo López, otro talentoso músico español, ha realizado en ocasiones versiones de la canción "En el lago" de Triana. Pablo López es conocido por su habilidad como cantante, compositor y pianista, y ha ganado reconocimiento tanto por sus propias canciones como por sus interpretaciones de temas populares. La interpretación de Pablo López de "En el lago" seguramente llevaría su distintivo estilo vocal y su habilidad en el piano, dándole una nueva dimensión a esta icónica canción del rock andaluz. Su sensibilidad musical y su profundo conocimiento de la música española seguramente se reflejarían en su versión de esta obra maestra de Triana. CONCLUSIONES: Sin lugar a dudas, "En el lago" ha tenido una influencia significativa en la escena musical española, tanto dentro como fuera del ámbito del rock andaluz. Su fusión única del rock progresivo y del flamenco ha dejado una marca duradera en la música española.https://www.ivoox.com/062-explorando-versiones-the-trooper-audios-mp3_rf_150115814_1.htmlFri, 13 Jun 2025 08:09:49 +020024:59202562fullhttps://www.ivoox.com/150115814locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola, Soy el Agui y hoy en Explorando Versiones os hablaré de la canción The Trooper. IRON MAIDEN - THE TROOPER: https://www.youtube.com/watch?v=X4bgXH3sJ2Q "The Trooper" es una de las canciones más icónicas de la banda británica de heavy metal “Iron Maiden”. Escrita por el bajista Steve Harris, fue lanzada el 20 de junio de 1983 como el segundo sencillo del álbum "Piece of Mind". La canción está inspirada en la Batalla de Balaclava, que tuvo lugar durante la Guerra de Crimea en 1854. La letra se basa en el famoso poema "The Charge of the Light Brigade" (La Carga de la Brigada Ligera) de Alfred Lord Tennyson, que describe la valentía y el sacrificio de los soldados británicos en una carga de caballería mal calculada contra fuerzas rusas bien atrincheradas. La portada del sencillo, diseñada por Derek Riggs, presenta a Eddie, la mascota de la banda, vestido como un soldado británico de la Guerra de Crimea, agitando una bandera británica y sosteniendo una espada ensangrentada, lo que se ha convertido en una imagen icónica del heavy metal. MOTORHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=xkWBPbdb6l8 En 2017, el legendario grupo británico Motörhead publicó su versión de The Trooper, incluida en el álbum Under Cöver. Este disco recopila algunas de las mejores versiones que la banda grabó a lo largo de su carrera, rindiendo homenaje a artistas que influenciaron su sonido. Cabe señalar que este álbum se lanzó dos años después de la muerte de Lemmy Kilmister, en 2015. En esta versión, Motörhead lleva The Trooper a su terreno, sustituyendo la velocidad característica de Iron Maiden por un ritmo más crudo y pesado. La voz rasposa de Lemmy le da un tono aún más agresivo, mientras que el bajo distorsionado y la batería contundente le imprimen el sello inconfundible de la banda. Más que una simple versión, esta es una reinterpretación que reimagina el tema a través del prisma del rock ‘n’ roll sucio y directo que definió a Motörhead. Toda una joya para los fans de ambas bandas. LOS COLORADOS: https://www.youtube.com/watch?v=03S9SpNajiw Si alguna vez imaginaste a Iron Maiden sonando en una fiesta de pueblo con acordeón y mucho cachondeo, aquí tienes la versión de Los Colorados. Este grupo ucraniano transforma The Trooper en una interpretación ligera y festiva, mezclando polka y folk con instrumentos tradicionales. Los Colorados se hicieron conocidos internacionalmente por sus versiones de canciones populares en clave folk, con un estilo desenfadado y humorístico que recuerda a la música tradicional de Europa del Este. Su peculiar enfoque los llevó incluso a participar en programas de televisión y festivales donde demostraron que el rock y el metal pueden sonar de muchas formas inesperadas. En esta versión, The Trooper pierde su épico dramatismo y se convierte en una celebración bailable, ideal para imaginarse en una taberna ucraniana con jarras de cerveza en alto. Una reinterpretación que, sin duda, demuestra que la música no tiene fronteras. BEYOND THE BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=PnZeQq_w2IM En 2020, la banda alemana de metal sinfónico Beyond the Black lanzó una versión acústica del clásico de Iron Maiden dentro de su EP WOA (Acoustic Clash) The Lockdown Session. Beyond the Black es conocido por fusionar elementos del metal sinfónico con toques de rock melódico, y en esta versión, logran despojar a The Trooper de su frenetismo para presentarlo desde una perspectiva más introspectiva. En lugar del frenesí de la carga de caballería, aquí parece que estamos ante el lamento de un soldado recordando la batalla. En esta adaptación, el grupo transforma la intensidad del tema original en una interpretación más suave, melódica y emotiva, donde destacan las guitarras acústicas y la voz profunda y envolvente de Jennifer Haben. STEVE’N’SEAGULL: https://www.youtube.com/watch?v=Li58voy6xXM El grupo finlandés STEVE’N’SEAGULL, especializado en adaptar clásicos del rock y el metal al estilo bluegrass y country, lanzó su peculiar versión de The Trooper en su álbum Farm Machine en 2015. En lugar de potentes guitarras eléctricas y batería atronadora, la banda usa banjo, contrabajo, acordeón y mandolina, logrando una reinterpretación única que mezcla la esencia del folk americano con la energía del heavy metal. La banda alcanzó fama mundial gracias a sus versiones de AC/DC, Metallica y Guns N’ Roses, pero con The Trooper logran algo especial: transforman un himno de batalla en un pegadizo y desenfadado tema de taberna, sin perder el espíritu épico de la canción original. Es otra prueba de que una buena canción puede brillar en cualquier género, ¡incluso en un bluegrass a la finlandesa! WAY TOO PEACEFUL https://www.youtube.com/watch?v=eFFuvLX6-DI Way Too Peaceful es una banda conocida por transformar clásicos del rock y del metal en versiones acústicas y atmosféricas. En su interpretación, la intensidad y agresividad de la versión original se diluyen en una atmósfera relajada, con armonías vocales y guitarras limpias. El resultado es un tema totalmente inesperado: en lugar de una batalla épica, esta versión nos transporta a una tarde soleada, donde los soldados cambiarían las espadas y mosquetes por flores y gafas redondas. THE HU: https://m.youtube.com/watch?v=2WrvFUZgHro La banda de Mongolia The Hu, que combina música tradicional mongola con rock y heavy metal, hicieron este tema, pero con un giro muy especial. Su versión se llama The Trooper, Hu Version, e incluye partes de su propia canción Sugaan Essena. Su sonido es muy característico, porque usan instrumentos tradicionales mongoles, como el morin khuur, el violín de cabeza de caballo, y el tovshuur, el laúd mongol, junto con el canto difónico, una técnica vocal que les da un tono muy profundo y gutural. RASKA COCOS: https://www.youtube.com/watch?v=l3ciyyctM0Q Como cualquier gran himno del rock, The Trooper también ha sido versionada en español, y la banda mexicana Raska Cocos se encargó de darle un giro completamente nuevo. Su versión la transforma en una explosiva mezcla de ska, punk y rock, con vientos y guitarras aceleradas que invita al brinco y al pogo en cualquier concierto. Lejos de la épica original inspirada en la Guerra de Crimea, esta adaptación rebosa actitud fiestera, con un estilo desenfadado y divertido. CONCLUSIONES The Trooper ha demostrado ser uno de esos temas que han inspirado numerosas versiones a lo largo de los años. Desde su lanzamiento, ha sido reinterpretada por diversas bandas y en diferentes estilos, lo que demuestra su impacto musical, consolidándose en un clásico del heavy metal. Espero que os haya gustado y nos vemos en el próximo Explorando Versiones. Un saludo.locosporincordiarHola, Soy el Agui y hoy en Explorando Versiones os hablaré de la canción The Trooper. IRON MAIDEN - THE TROOPER: https://www.youtube.com/watch?v=X4bgXH3sJ2Q "The Trooper" es una de las canciones más icónicas de la banda británica de heavy metal “Iron Maiden”. Escrita por el bajista Steve Harris, fue lanzada el 20 de junio de 1983 como el segundo sencillo del álbum "Piece of Mind". La canción está inspirada en la Batalla de Balaclava, que tuvo lugar durante la Guerra de Crimea en 1854. La letra se basa en el famoso poema "The Charge of the Light Brigade" (La Carga de la Brigada Ligera) de Alfred Lord Tennyson, que describe la valentía y el sacrificio de los soldados británicos en una carga de caballería mal calculada contra fuerzas rusas bien atrincheradas. La portada del sencillo, diseñada por Derek Riggs, presenta a Eddie, la mascota de la banda, vestido como un soldado británico de la Guerra de Crimea, agitando una bandera británica y sosteniendo una espada ensangrentada, lo que se ha convertido en una imagen icónica del heavy metal. MOTORHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=xkWBPbdb6l8 En 2017, el legendario grupo británico Motörhead publicó su versión de The Trooper, incluida en el álbum Under Cöver. Este disco recopila algunas de las mejores versiones que la banda grabó a lo largo de su carrera, rindiendo homenaje a artistas que influenciaron su sonido. Cabe señalar que este álbum se lanzó dos años después de la muerte de Lemmy Kilmister, en 2015. En esta versión, Motörhead lleva The Trooper a su terreno, sustituyendo la velocidad característica de Iron Maiden por un ritmo más crudo y pesado. La voz rasposa de Lemmy le da un tono aún más agresivo, mientras que el bajo distorsionado y la batería contundente le imprimen el sello inconfundible de la banda. Más que una simple versión, esta es una reinterpretación que reimagina el tema a través del prisma del rock ‘n’ roll sucio y directo que definió a Motörhead. Toda una joya para los fans de ambas bandas. LOS COLORADOS: https://www.youtube.com/watch?v=03S9SpNajiw Si alguna vez imaginaste a Iron Maiden sonando en una fiesta de pueblo con acordeón y mucho cachondeo, aquí tienes la versión de Los Colorados. Este grupo ucraniano transforma The Trooper en una interpretación ligera y festiva, mezclando polka y folk con instrumentos tradicionales. Los Colorados se hicieron conocidos internacionalmente por sus versiones de canciones populares en clave folk, con un estilo desenfadado y humorístico que recuerda a la música tradicional de Europa del Este. Su peculiar enfoque los llevó incluso a participar en programas de televisión y festivales donde demostraron que el rock y el metal pueden sonar de muchas formas inesperadas. En esta versión, The Trooper pierde su épico dramatismo y se convierte en una celebración bailable, ideal para imaginarse en una taberna ucraniana con jarras de cerveza en alto. Una reinterpretación que, sin duda, demuestra que la música no tiene fronteras. BEYOND THE BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=PnZeQq_w2IM En 2020, la banda alemana de metal sinfónico Beyond the Black lanzó una versión acústica del clásico de Iron Maiden dentro de su EP WOA (Acoustic Clash) The Lockdown Session. Beyond the Black es conocido por fusionar elementos del metal sinfónico con toques de rock melódico, y en esta versión, logran despojar a The Trooper de su frenetismo para presentarlo desde una perspectiva más introspectiva. En lugar del frenesí de la carga de caballería, aquí parece que estamos ante el lamento de un soldado recordando la batalla. En esta adaptación, el grupo transforma la intensidad del tema original en una interpretación más suave, melódica y emotiva, donde destacan las guitarras acústicas y la voz profunda y envolvente de Jennifer Haben. STEVE’N’SEAGULL: https://www.youtube.com/watch?v=Li58voy6xXM El grupo finlandés STEVE’N’SEAGULL, especializado en adaptar clásicos del rock y el metal al estilo bluegrass y country, lanzó su peculiar versión de The Trooper en su álbum Farm Machine en 2015. En lugar de potentes guitarras eléctricas y batería atronadora, la banda usa banjo, contrabajo, acordeón y mandolina, logrando una reinterpretación única que mezcla la esencia del folk americano con la energía del heavy metal. La banda alcanzó fama mundial gracias a sus versiones de AC/DC, Metallica y Guns N’ Roses, pero con The Trooper logran algo especial: transforman un himno de batalla en un pegadizo y desenfadado tema de taberna, sin perder el espíritu épico de la canción original. Es otra prueba de que una buena canción puede brillar en cualquier género, ¡incluso en un bluegrass a la finlandesa! WAY TOO PEACEFUL https://www.youtube.com/watch?v=eFFuvLX6-DI Way Too Peaceful es una banda conocida por transformar clásicos del rock y del metal en versiones acústicas y atmosféricas. En su interpretación, la intensidad y agresividad de la versión original se diluyen en una atmósfera relajada, con armonías vocales y guitarras limpias. El resultado es un tema totalmente inesperado: en lugar de una batalla épica, esta versión nos transporta a una tarde soleada, donde los soldados cambiarían las espadas y mosquetes por flores y gafas redondas. THE HU: https://m.youtube.com/watch?v=2WrvFUZgHro La banda de Mongolia The Hu, que combina música tradicional mongola con rock y heavy metal, hicieron este tema, pero con un giro muy especial. Su versión se llama The Trooper, Hu Version, e incluye partes de su propia canción Sugaan Essena. Su sonido es muy característico, porque usan instrumentos tradicionales mongoles, como el morin khuur, el violín de cabeza de caballo, y el tovshuur, el laúd mongol, junto con el canto difónico, una técnica vocal que les da un tono muy profundo y gutural. RASKA COCOS: https://www.youtube.com/watch?v=l3ciyyctM0Q Como cualquier gran himno del rock, The Trooper también ha sido versionada en español, y la banda mexicana Raska Cocos se encargó de darle un giro completamente nuevo. Su versión la transforma en una explosiva mezcla de ska, punk y rock, con vientos y guitarras aceleradas que invita al brinco y al pogo en cualquier concierto. Lejos de la épica original inspirada en la Guerra de Crimea, esta adaptación rebosa actitud fiestera, con un estilo desenfadado y divertido. CONCLUSIONES The Trooper ha demostrado ser uno de esos temas que han inspirado numerosas versiones a lo largo de los años. Desde su lanzamiento, ha sido reinterpretada por diversas bandas y en diferentes estilos, lo que demuestra su impacto musical, consolidándose en un clásico del heavy metal. Espero que os haya gustado y nos vemos en el próximo Explorando Versiones. Un saludo.https://www.ivoox.com/061-explorando-versiones-correcaminos-audios-mp3_rf_149610117_1.htmlFri, 06 Jun 2025 08:02:35 +020019:52202561fullhttps://www.ivoox.com/149610117locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola amigos, soy Francisco y os doy la bienvenida a otro episodio de Explorando Versiones. Hoy vamos a hablar de una banda sonora que seguramente marcó la infancia de muchos: la canción principal de los dibujos animados del Correcaminos, la clásica serie donde el Coyote intentaba, sin éxito, atrapar a su emplumado y veloz enemigo. THE ROADRUNNER SHOW INTRO (INSTRUMENTAL): https://www.youtube.com/watch?v=v91IUywGbkU LOS ORÍGENES DEL CORRECAMINOS Y EL COYOTE Estos personajes nacieron en 1949, cuando el legendario animador Chuck Jones creó el primero de la saga: "Fast and Furry-ous". Inspirado en el humor visual y sin diálogos, estableció la fórmula clásica de la serie: persecuciones frenéticas, ingeniosos (y fallidos) intentos del Coyote por atrapar al Correcaminos y, por supuesto, un sinfín de gags memorables. FAST AND FURRY-OUS: https://www.youtube.com/watch?v=MsOKIrPuI7k A pesar de lo que nos muestran los dibujos animados, la realidad es un poco diferente. El Correcaminos americano (Geococcyx californianus) es un ave del desierto que alcanza velocidades de hasta 42 km/h, pero en la serie parece moverse a la velocidad del rayo. En cambio, su eterno rival, el Coyote (Canis latrans), puede correr entre 64 y 69 km/h y saltar hasta 4 metros, lo que en teoría le daría ventaja… si no fuera por su mala suerte y las trampas defectuosas de la marca ACME. Cada episodio sigue un patrón repetitivo: el Coyote siempre fracasa, pero nunca se rinde. Este detalle ha sido interpretado por algunos que han querido ver en esta serie una metáfora del sistema económico capitalista. Según esta teoría, el Coyote representaría al estadounidense medio y el Correcaminos, al estado de bienestar, siempre fuera de su alcance. Los fallidos inventos de ACME serían una crítica al capitalismo, que promete herramientas para triunfar, pero en realidad solo llevan al fracaso. Eso sí, Chuck Jones nunca confirmó nada de esto. Para él, solo era una parodia de las clásicas persecuciones de dibujos animados… ¡pero quién sabe! ACME, la marca ficticia más famosa del mundo. Si hay algo tan icónico como el Coyote y el Correcaminos en esta serie, es sin duda la marca ACME. Este conglomerado ficticio fabrica todo tipo de productos, desde cohetes hasta trampas imposibles, aunque con una calidad… discutible. Sus inventos, en teoría, deberían ayudar al Coyote a atrapar al Correcaminos, pero la realidad es que siempre fallan en el peor momento. Eso sí, la culpa nunca es del fabricante, sino del usuario… o al menos eso parece. Curiosamente, la palabra "ACME" proviene del griego antiguo y significa “lo mejor”, lo cual es una ironía perfecta porque sus productos suelen ser un desastre absoluto. Si algo queda claro, es que el Coyote debe ser el mejor cliente de ACME. Compra cohetes, resortes gigantes, dinamita… y aunque nada le funciona, jamás se quejó ni pidió un reembolso. Bueno… hasta 2023. Ese año, Warner Bros. tenía lista la película Coyote vs. ACME, una mezcla de animación y acción real al estilo de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. En la historia, el Coyote, cansado de los fallos constantes de ACME, decide demandar a la compañía con la ayuda de un abogado humano. Pero en el proceso, abogado y cliente acaban formando una curiosa amistad, mientras se enfrentan al implacable equipo legal de ACME. La película estaba terminada y lista para su estreno, pero en noviembre de 2023, Warner Bros. la canceló para obtener una desgravación fiscal de 30 millones de dólares. Esto generó un enorme rechazo por parte del público y la industria, lo que hizo que Warner reconsiderara la decisión y permitiera que los realizadores buscaran otros distribuidores. Sin embargo, en febrero de 2024, tras negociaciones fallidas, la compañía volvió a barajar la posibilidad de archivarla definitivamente como pérdida fiscal, dejándola en un limbo del que, hasta la fecha, no ha salido ni se cree que pueda salir. BARBARA CAMERON: https://www.youtube.com/watch?v=0z_yJsr06HM Aunque la serie nació en 1949, no fue hasta finales de los años 60 cuando su tema más emblemático se popularizó. La canción fue escrita e interpretada por Barbara Cameron, una talentosa compositora y cantante estadounidense nacida en 1926 y fallecida en 2013. Si bien no se conoce la fecha exacta de su grabación, se estima que fue compuesta en la época de mayor auge de la serie. DOUG CAMERON Y BARBARA CAMERON: https://www.youtube.com/watch?v=WI4pLeJ-BQY Décadas más tarde, en 2008, Barbara volvió a grabar el tema junto a su hijo, el violinista de jazz Doug Cameron, para su álbum "Different Hats". En esta versión, la voz de Barbara se combina con el violín de Doug, dándole un aire renovado al clásico. LOS MONOS VOLADORES DEL SR. BURNS: https://www.youtube.com/watch?v=Ko8_8hPonLo Como toda melodía icónica, la canción del Correcaminos no ha pasado desapercibida para músicos y bandas que han querido rendirle homenaje. Una de las versiones más curiosas es la de Los Monos Voladores del Señor Burns, un grupo cuyo nombre ya nos deja claro que el humor y la cultura pop van de la mano en su música. Esta banda argentina, conocida por su estilo irreverente y su amor por los dibujos animados, publicó en el año 2017 su propia interpretación del tema del Correcaminos, dándole un aire fresco sin perder el espíritu original de la canción. CARO MOLINA: https://www.youtube.com/watch?v=o0K9RQcxlVY Aunque la serie nunca especifica su ubicación exacta, el paisaje desértico sugiere que la acción transcurre en el suroeste de Estados Unidos, en lugares como Nuevo México, Arizona o Texas, zonas cercanas a la frontera con México. Quizás por eso el tema del Correcaminos ha sido adoptado por varios grupos de la región, cada uno dándole su propio estilo. En septiembre de 2024, la cantante chilena afincada en México Caro Molina, también conocida como La Rancherita, presentó su álbum titulado “Rancherízate”, que incluye su propia versión del tema con un ritmo de cumbia norteña. DURANGO NORTE: https://www.youtube.com/watch?v=yFbw78iR50k También en 2024, el grupo mexicano “Durango Norte” transformó la canción en una pieza musical norteña, con su característico acordeón y con un ritmo más acelerado, logra un sonido festivo sin perder su esencia tradicional. SON RANCHERO: https://www.youtube.com/watch?v=1CrYziXC-_w Por su parte, el grupo “Son Ranchero” apostó por una versión con un aire más ranchero y un estilo clásico dentro de la música regional mexicana, con arreglos que evocan los corridos norteños. CHICOS DE BARRIO: https://www.youtube.com/watch?v=dNf3gb5tq2k Por otro lado, "Chicos de Barrio", grupo mexicano de la ciudad de torreón y conocidos por su fusión de cumbia con géneros urbanos, hicieron una versión que suena totalmente bailable, con percusión más marcada y un ritmo pegajoso. Parece que el Correcaminos no solo corre por el desierto, ¡¡también lo hace al son del ritmo norteño y la cumbia mejicana!!. BARENAKED LADIES: https://www.youtube.com/watch?v=2y4BxGSqJaU En 2004, la banda canadiense Barenaked Ladies ofreció su propia versión de Road Runner en un concierto en Dallas, Texas. En lugar de mantenerse fiel a la melodía original, le dieron un giro country, con guitarras acústicas y su característico estilo desenfadado. Una interpretación que encaja perfectamente con los paisajes desérticos donde se desarrolla la serie. SINIESTRO TOTAL: https://www.youtube.com/watch?v=KB900tsoISs Y para no perder la costumbre, en la que siempre aparece un tema de ellos, los gallegos "Siniestro Total" también se animaron a reinterpretar esta canción. En el año 2002 se publica un álbum con adaptaciones de temas infantiles interpretados por grupos de renombre, titulado "Patitos Feos" y donde se incluye su propia versión del Correcaminos. CONCLUSIONES: Y con esto llegamos al final de este recorrido por la música del Correcaminos, una melodía que ha acompañado persecuciones imposibles y ha quedado grabada en la memoria de varias generaciones. Hemos repasado su historia, explorado algunas versiones sorprendentes y descubierto que, al igual que el Coyote, la creatividad nunca se rinde. Gracias por acompañarme en este episodio de Explorando Versiones y nos vemos en el próximo capítulo. Un saludo.locosporincordiarHola amigos, soy Francisco y os doy la bienvenida a otro episodio de Explorando Versiones. Hoy vamos a hablar de una banda sonora que seguramente marcó la infancia de muchos: la canción principal de los dibujos animados del Correcaminos, la clásica serie donde el Coyote intentaba, sin éxito, atrapar a su emplumado y veloz enemigo. THE ROADRUNNER SHOW INTRO (INSTRUMENTAL): https://www.youtube.com/watch?v=v91IUywGbkU LOS ORÍGENES DEL CORRECAMINOS Y EL COYOTE Estos personajes nacieron en 1949, cuando el legendario animador Chuck Jones creó el primero de la saga: "Fast and Furry-ous". Inspirado en el humor visual y sin diálogos, estableció la fórmula clásica de la serie: persecuciones frenéticas, ingeniosos (y fallidos) intentos del Coyote por atrapar al Correcaminos y, por supuesto, un sinfín de gags memorables. FAST AND FURRY-OUS: https://www.youtube.com/watch?v=MsOKIrPuI7k A pesar de lo que nos muestran los dibujos animados, la realidad es un poco diferente. El Correcaminos americano (Geococcyx californianus) es un ave del desierto que alcanza velocidades de hasta 42 km/h, pero en la serie parece moverse a la velocidad del rayo. En cambio, su eterno rival, el Coyote (Canis latrans), puede correr entre 64 y 69 km/h y saltar hasta 4 metros, lo que en teoría le daría ventaja… si no fuera por su mala suerte y las trampas defectuosas de la marca ACME. Cada episodio sigue un patrón repetitivo: el Coyote siempre fracasa, pero nunca se rinde. Este detalle ha sido interpretado por algunos que han querido ver en esta serie una metáfora del sistema económico capitalista. Según esta teoría, el Coyote representaría al estadounidense medio y el Correcaminos, al estado de bienestar, siempre fuera de su alcance. Los fallidos inventos de ACME serían una crítica al capitalismo, que promete herramientas para triunfar, pero en realidad solo llevan al fracaso. Eso sí, Chuck Jones nunca confirmó nada de esto. Para él, solo era una parodia de las clásicas persecuciones de dibujos animados… ¡pero quién sabe! ACME, la marca ficticia más famosa del mundo. Si hay algo tan icónico como el Coyote y el Correcaminos en esta serie, es sin duda la marca ACME. Este conglomerado ficticio fabrica todo tipo de productos, desde cohetes hasta trampas imposibles, aunque con una calidad… discutible. Sus inventos, en teoría, deberían ayudar al Coyote a atrapar al Correcaminos, pero la realidad es que siempre fallan en el peor momento. Eso sí, la culpa nunca es del fabricante, sino del usuario… o al menos eso parece. Curiosamente, la palabra "ACME" proviene del griego antiguo y significa “lo mejor”, lo cual es una ironía perfecta porque sus productos suelen ser un desastre absoluto. Si algo queda claro, es que el Coyote debe ser el mejor cliente de ACME. Compra cohetes, resortes gigantes, dinamita… y aunque nada le funciona, jamás se quejó ni pidió un reembolso. Bueno… hasta 2023. Ese año, Warner Bros. tenía lista la película Coyote vs. ACME, una mezcla de animación y acción real al estilo de ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. En la historia, el Coyote, cansado de los fallos constantes de ACME, decide demandar a la compañía con la ayuda de un abogado humano. Pero en el proceso, abogado y cliente acaban formando una curiosa amistad, mientras se enfrentan al implacable equipo legal de ACME. La película estaba terminada y lista para su estreno, pero en noviembre de 2023, Warner Bros. la canceló para obtener una desgravación fiscal de 30 millones de dólares. Esto generó un enorme rechazo por parte del público y la industria, lo que hizo que Warner reconsiderara la decisión y permitiera que los realizadores buscaran otros distribuidores. Sin embargo, en febrero de 2024, tras negociaciones fallidas, la compañía volvió a barajar la posibilidad de archivarla definitivamente como pérdida fiscal, dejándola en un limbo del que, hasta la fecha, no ha salido ni se cree que pueda salir. BARBARA CAMERON: https://www.youtube.com/watch?v=0z_yJsr06HM Aunque la serie nació en 1949, no fue hasta finales de los años 60 cuando su tema más emblemático se popularizó. La canción fue escrita e interpretada por Barbara Cameron, una talentosa compositora y cantante estadounidense nacida en 1926 y fallecida en 2013. Si bien no se conoce la fecha exacta de su grabación, se estima que fue compuesta en la época de mayor auge de la serie. DOUG CAMERON Y BARBARA CAMERON: https://www.youtube.com/watch?v=WI4pLeJ-BQY Décadas más tarde, en 2008, Barbara volvió a grabar el tema junto a su hijo, el violinista de jazz Doug Cameron, para su álbum "Different Hats". En esta versión, la voz de Barbara se combina con el violín de Doug, dándole un aire renovado al clásico. LOS MONOS VOLADORES DEL SR. BURNS: https://www.youtube.com/watch?v=Ko8_8hPonLo Como toda melodía icónica, la canción del Correcaminos no ha pasado desapercibida para músicos y bandas que han querido rendirle homenaje. Una de las versiones más curiosas es la de Los Monos Voladores del Señor Burns, un grupo cuyo nombre ya nos deja claro que el humor y la cultura pop van de la mano en su música. Esta banda argentina, conocida por su estilo irreverente y su amor por los dibujos animados, publicó en el año 2017 su propia interpretación del tema del Correcaminos, dándole un aire fresco sin perder el espíritu original de la canción. CARO MOLINA: https://www.youtube.com/watch?v=o0K9RQcxlVY Aunque la serie nunca especifica su ubicación exacta, el paisaje desértico sugiere que la acción transcurre en el suroeste de Estados Unidos, en lugares como Nuevo México, Arizona o Texas, zonas cercanas a la frontera con México. Quizás por eso el tema del Correcaminos ha sido adoptado por varios grupos de la región, cada uno dándole su propio estilo. En septiembre de 2024, la cantante chilena afincada en México Caro Molina, también conocida como La Rancherita, presentó su álbum titulado “Rancherízate”, que incluye su propia versión del tema con un ritmo de cumbia norteña. DURANGO NORTE: https://www.youtube.com/watch?v=yFbw78iR50k También en 2024, el grupo mexicano “Durango Norte” transformó la canción en una pieza musical norteña, con su característico acordeón y con un ritmo más acelerado, logra un sonido festivo sin perder su esencia tradicional. SON RANCHERO: https://www.youtube.com/watch?v=1CrYziXC-_w Por su parte, el grupo “Son Ranchero” apostó por una versión con un aire más ranchero y un estilo clásico dentro de la música regional mexicana, con arreglos que evocan los corridos norteños. CHICOS DE BARRIO: https://www.youtube.com/watch?v=dNf3gb5tq2k Por otro lado, "Chicos de Barrio", grupo mexicano de la ciudad de torreón y conocidos por su fusión de cumbia con géneros urbanos, hicieron una versión que suena totalmente bailable, con percusión más marcada y un ritmo pegajoso. Parece que el Correcaminos no solo corre por el desierto, ¡¡también lo hace al son del ritmo norteño y la cumbia mejicana!!. BARENAKED LADIES: https://www.youtube.com/watch?v=2y4BxGSqJaU En 2004, la banda canadiense Barenaked Ladies ofreció su propia versión de Road Runner en un concierto en Dallas, Texas. En lugar de mantenerse fiel a la melodía original, le dieron un giro country, con guitarras acústicas y su característico estilo desenfadado. Una interpretación que encaja perfectamente con los paisajes desérticos donde se desarrolla la serie. SINIESTRO TOTAL: https://www.youtube.com/watch?v=KB900tsoISs Y para no perder la costumbre, en la que siempre aparece un tema de ellos, los gallegos "Siniestro Total" también se animaron a reinterpretar esta canción. En el año 2002 se publica un álbum con adaptaciones de temas infantiles interpretados por grupos de renombre, titulado "Patitos Feos" y donde se incluye su propia versión del Correcaminos. CONCLUSIONES: Y con esto llegamos al final de este recorrido por la música del Correcaminos, una melodía que ha acompañado persecuciones imposibles y ha quedado grabada en la memoria de varias generaciones. Hemos repasado su historia, explorado algunas versiones sorprendentes y descubierto que, al igual que el Coyote, la creatividad nunca se rinde. Gracias por acompañarme en este episodio de Explorando Versiones y nos vemos en el próximo capítulo. Un saludo.https://www.ivoox.com/060-explorando-versiones-palabras-para-julia-audios-mp3_rf_148794356_1.htmlFri, 30 May 2025 08:03:36 +020021:30202560fullhttps://www.ivoox.com/148794356locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noTú no puedes volver atrás porque la vida ya te empuja como un aullido interminable. Así comienza este bello poema de José Agustín Goytisolo titulado “Palabras para Julia”. VERSIÓN EN PIANO DE LA CANCIÓN DE PACO IBÁÑEZ DEL POEMA “PALABRAS PARA JULIA” DE JOSÉ AGUSTIN GOYTISOLO: https://www.youtube.com/watch?v=2C0xxEB_jY4 José Agustín Goytisolo era el hermano mayor de Luis y Juan Goytisolo también escritores y Julia era en nombre de su madre Julia murió durante los bombardeos de Barcelona a manos de la aviación fascista en Marzo de 1938. Esta pérdida de la madre marcó para siempre y de manera profunda a una saga de escritores que tuvieron durante toda su vida un marcado compromiso moral y político. José Agustín puso a su hija el mismo nombre de la madre perdida, Julia y en este poema reunió la memoria y el mensaje que querría mandar a las Dos mujeres de su vida, aunque fue creado en 1965 no fue publicado hasta 10 años después cuando en 1975 fue incluido en libro del mismo nombre “Palabras para Julia” pero antes ya fue musicalizado….. eso os lo cuento ahora. PACO IBAÑEZ: https://www.youtube.com/watch?v=Sa7T72nWa_A Paco Ibáñez es uno de los mayores referentes de la canción de autor Española y ha dedicado casi toda su carrera a la canción protesta con una fuerte carga política musicalizando poetas españoles tanto contemporáneos como clásicos y como tal puso música a este poema por primera vez en 1968 publicándolo más tarde en su disco “Paco Ibáñez 3” de 1969. MERCEDES SOSA: https://www.youtube.com/watch?v=Fa2v069uNNw Mercedes Sosa es una cantante de música folclórica argentina y fundadora de la llamada nueva canción latinoamericana. También utilizó este poema para darle el tono cálido, aterciopelado y melancólico de su voz. ROSA LEÓN: https://www.youtube.com/watch?v=BjRVzdHJjWo Esta es la inconfundible voz de una cantautora que seguramente reconocerán los niños de los 70 - 80 ya que acompañada de su guitarra y sus inconfundibles gafas nos cantó muchas canciones que marcarían nuestra infancia como la canción de “La Vacuna” o “Debajo de un botón”. Comenzó su carrera en el dúo Rosa y Krahe. Rosa León y digamos que apartó el mundo de la música como intérprete para ocupar cargos públicos como concejala del ayuntamiento de Madrid o directora del “Instituto Cervantes”, incluyó este poema musicalizado en su repertorio aportando su inconfundible sello. VENENO: https://www.youtube.com/watch?v=x9_rIQoRmbA Veneno es una banda compuesta por Rafael y Raimundo Amador junto a Kiko Veneno que fusionó como nadie el rock, el flamenco y la rumba y que fueron tan efímeros como geniales. En 1977 publican su único disco de nombre Veneno y se disuelven en 1978. Doce años después se volvieron a reunir, esta vez sin Rafael, para publicar un Maxi Single junto a Martirio y otros amigos que incluía esta revisión musical del poema. IVAN FERREIRO: https://www.youtube.com/watch?v=MuPjtsUFY9A Ivan Ferreiro es una de las voces más reconocibles del Indie Español, líder y principal compositor del grupo Los Piratas, en su disco “15 años entre canciones para el tiempo y la distancia” de 2019 incluye el poema lográndole dar un toque más melancólico si cabe. LOS SUAVES: https://www.youtube.com/watch?v=bXp5viG1DdI Aquí fue donde yo personalmente conocí el poema, en la versión de Los Suaves en el disco “Víspera de todos los Santos” del año 2000, donde Yosi y su banda convierte el poema en una balada con sello propio, donde destacan los solos de guitarra y batería… Un temazo. SOLEÁ MORENTE: https://www.youtube.com/watch?v=83GUL48zJeE Hay muchas otras versiones, musicalizaciones e interpretaciones del poema, este quizás sea el más reciente a la fecha de grabación de este episodio, llevada a cabo por la cantante y actriz granadina Soleá Morente, hija del genio del Albaicín Enrique Morente y la bailaora Aurora Carbonell. Esta versión se acomoda en la cálida voz de Soleá, cierto quejío flamenco y se apoya de metales y cuerdas muy de Jazz. Sin duda Palabras para Julia es un magistral poema que navega entre los dos amores de dos mujeres que comparten nombre, el amor a una hija y a una madre. PALABRAS PARA JULIA - KAMCHATKA: https://www.youtube.com/watch?v=4EPA3lHk7ic Como todos los grandes poemas de la época se musicalizó por los solistas de la época e incluso está incluida en la banda sonora de la película Hispano-Argentina Kamchatka protagonizada por Ricardo Darín y Cecilia Roth.locosporincordiarTú no puedes volver atrás porque la vida ya te empuja como un aullido interminable. Así comienza este bello poema de José Agustín Goytisolo titulado “Palabras para Julia”. VERSIÓN EN PIANO DE LA CANCIÓN DE PACO IBÁÑEZ DEL POEMA “PALABRAS PARA JULIA” DE JOSÉ AGUSTIN GOYTISOLO: https://www.youtube.com/watch?v=2C0xxEB_jY4 José Agustín Goytisolo era el hermano mayor de Luis y Juan Goytisolo también escritores y Julia era en nombre de su madre Julia murió durante los bombardeos de Barcelona a manos de la aviación fascista en Marzo de 1938. Esta pérdida de la madre marcó para siempre y de manera profunda a una saga de escritores que tuvieron durante toda su vida un marcado compromiso moral y político. José Agustín puso a su hija el mismo nombre de la madre perdida, Julia y en este poema reunió la memoria y el mensaje que querría mandar a las Dos mujeres de su vida, aunque fue creado en 1965 no fue publicado hasta 10 años después cuando en 1975 fue incluido en libro del mismo nombre “Palabras para Julia” pero antes ya fue musicalizado….. eso os lo cuento ahora. PACO IBAÑEZ: https://www.youtube.com/watch?v=Sa7T72nWa_A Paco Ibáñez es uno de los mayores referentes de la canción de autor Española y ha dedicado casi toda su carrera a la canción protesta con una fuerte carga política musicalizando poetas españoles tanto contemporáneos como clásicos y como tal puso música a este poema por primera vez en 1968 publicándolo más tarde en su disco “Paco Ibáñez 3” de 1969. MERCEDES SOSA: https://www.youtube.com/watch?v=Fa2v069uNNw Mercedes Sosa es una cantante de música folclórica argentina y fundadora de la llamada nueva canción latinoamericana. También utilizó este poema para darle el tono cálido, aterciopelado y melancólico de su voz. ROSA LEÓN: https://www.youtube.com/watch?v=BjRVzdHJjWo Esta es la inconfundible voz de una cantautora que seguramente reconocerán los niños de los 70 - 80 ya que acompañada de su guitarra y sus inconfundibles gafas nos cantó muchas canciones que marcarían nuestra infancia como la canción de “La Vacuna” o “Debajo de un botón”. Comenzó su carrera en el dúo Rosa y Krahe. Rosa León y digamos que apartó el mundo de la música como intérprete para ocupar cargos públicos como concejala del ayuntamiento de Madrid o directora del “Instituto Cervantes”, incluyó este poema musicalizado en su repertorio aportando su inconfundible sello. VENENO: https://www.youtube.com/watch?v=x9_rIQoRmbA Veneno es una banda compuesta por Rafael y Raimundo Amador junto a Kiko Veneno que fusionó como nadie el rock, el flamenco y la rumba y que fueron tan efímeros como geniales. En 1977 publican su único disco de nombre Veneno y se disuelven en 1978. Doce años después se volvieron a reunir, esta vez sin Rafael, para publicar un Maxi Single junto a Martirio y otros amigos que incluía esta revisión musical del poema. IVAN FERREIRO: https://www.youtube.com/watch?v=MuPjtsUFY9A Ivan Ferreiro es una de las voces más reconocibles del Indie Español, líder y principal compositor del grupo Los Piratas, en su disco “15 años entre canciones para el tiempo y la distancia” de 2019 incluye el poema lográndole dar un toque más melancólico si cabe. LOS SUAVES: https://www.youtube.com/watch?v=bXp5viG1DdI Aquí fue donde yo personalmente conocí el poema, en la versión de Los Suaves en el disco “Víspera de todos los Santos” del año 2000, donde Yosi y su banda convierte el poema en una balada con sello propio, donde destacan los solos de guitarra y batería… Un temazo. SOLEÁ MORENTE: https://www.youtube.com/watch?v=83GUL48zJeE Hay muchas otras versiones, musicalizaciones e interpretaciones del poema, este quizás sea el más reciente a la fecha de grabación de este episodio, llevada a cabo por la cantante y actriz granadina Soleá Morente, hija del genio del Albaicín Enrique Morente y la bailaora Aurora Carbonell. Esta versión se acomoda en la cálida voz de Soleá, cierto quejío flamenco y se apoya de metales y cuerdas muy de Jazz. Sin duda Palabras para Julia es un magistral poema que navega entre los dos amores de dos mujeres que comparten nombre, el amor a una hija y a una madre. PALABRAS PARA JULIA - KAMCHATKA: https://www.youtube.com/watch?v=4EPA3lHk7ic Como todos los grandes poemas de la época se musicalizó por los solistas de la época e incluso está incluida en la banda sonora de la película Hispano-Argentina Kamchatka protagonizada por Ricardo Darín y Cecilia Roth.https://www.ivoox.com/059-explorando-versiones-can-t-help-falling-in-audios-mp3_rf_148277324_1.htmlFri, 23 May 2025 08:16:51 +020027:19202559fullhttps://www.ivoox.com/148277324locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHoy presentado por Ezequiel Campos (Director Grupo Radiocadena Spain y presentador de "El Baúl de mis recuerdos") Tema seleccionado Can't Help Falling In Love (Elvis Presley) Versiones: Jean Paul Égide Martini - Plaisir d'amour Julio Iglesias - Can't Help Falling In Love UB40 - (I Can't Help) Falling In Love With You Can't Falling In Love - Blackmore's Night Can't Help Falling In Love - Erasure Ingrid Michaelson - Can't Help Falling In Love IL DIVO - Can't Help Falling in Love w Haley Reinhart & Casey Abrams - Can't Help Falling In Love Can't Help Falling in Love - Jose Riaza Can't Help Falling in Love (spanish version) - Kevz Can't Help Falling in Love - Ella Roberts A-Teens - Can't Help Falling In Love (Lilo and Stitch Version) Elvis Presley & Mark Ronson - Can't Help Falling in Love (Remix)locosporincordiarHoy presentado por Ezequiel Campos (Director Grupo Radiocadena Spain y presentador de "El Baúl de mis recuerdos") Tema seleccionado Can't Help Falling In Love (Elvis Presley) Versiones: Jean Paul Égide Martini - Plaisir d'amour Julio Iglesias - Can't Help Falling In Love UB40 - (I Can't Help) Falling In Love With You Can't Falling In Love - Blackmore's Night Can't Help Falling In Love - Erasure Ingrid Michaelson - Can't Help Falling In Love IL DIVO - Can't Help Falling in Love w Haley Reinhart & Casey Abrams - Can't Help Falling In Love Can't Help Falling in Love - Jose Riaza Can't Help Falling in Love (spanish version) - Kevz Can't Help Falling in Love - Ella Roberts A-Teens - Can't Help Falling In Love (Lilo and Stitch Version) Elvis Presley & Mark Ronson - Can't Help Falling in Love (Remix)https://www.ivoox.com/058-explorando-versiones-solo-pienso-en-ti-audios-mp3_rf_146795795_1.htmlFri, 16 May 2025 08:20:48 +020023:48202558fullhttps://www.ivoox.com/146795795locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola soy José Luis Flores, de onda 100 radio Extremadura. Para que nos ubiquen, esta radio nace en Zafra. Hoy estoy aquí para compartir con ustedes este Explorando Versiones de Locos por Incordiar, con la canción "solo pienso en tí", de Víctor Manuel. Este Explorando Versiones es una propuesta a dúo con Agartha de Radio Apis_Music. Solo pienso en ti es una canción compuesta por Víctor Manuel en 1978, aunque vería la luz un año después, en el álbum " Soy un corazón tendido al sol ", que fue grabado en Milán con la producción de Danilo Vaona. Subió a lo más alto de las listas de éxitos, y para muchos es la mejor canción del cantautor asturiano. Está basada en la historia real de una pareja de personas con discapacidad intelectual del centro que la Fundación Promi tiene en Cabra, que llevaron su amor hasta el matrimonio por encima de todas las trabas legales y sociales que encontraron en 1978. La pareja, Mari Luz y Antonio, se casó pocos años después, y tienen tres hijos, uno de ellos universitario. Víctor Manuel conoció su historia a raíz de una noticia publicada en el Diario Córdoba, que leyó estando en Montilla. En 2004 fue elegida la sexta canción más popular en español según el programa Nuestra mejor canción de TVE.En 2010 fue elegida por la revista Rolling Stone en el puesto 196 de su lista Las 200 mejores canciones del pop-rock español.Además fue número uno en la lista de éxitos de Los 40 principales en abril de 1979. Ese mismo año, la fundación Crisálida organizó una fiesta para celebrar la entrega de sus premios literarios. Ese año, la celebración fue en honor a la canción y a sus protagonistas: Víctor Manuel, que actuó en la fiesta, y Antonio y Mari Luz, quienes viajaron desde su lugar de residencia, Cabra (Córdoba), para asistir a la ceremonia. Coincidiendo con ese acto, Judith Colell realizó un documental basado en la canción, llamado también Sólo pienso en ti. Victor Manuel - Solo Pienso En Ti (Actuación TVE): https://www.youtube.com/watch?v=7D6pHsBf0Fg La versión original es de 1978. ANA TORROJA: https://www.youtube.com/watch?v=S9Jg1vl0hNI Tributo a Víctor Manuel, Nuestra mejor canción, 2004. TRIBUTO A VÍCTOR MANUEL: https://www.youtube.com/watch?v=V_Jr9Lwqr7E En el año 2022 se grabó esta versión en la que participaron Amaral, Andrés Suárez, Dani Martín, Iván Ferreiro, Jorge Drexler, Rozalén, Santi Balmes (Love Of Lesbian) y Sidonie. MELENDI: https://www.youtube.com/watch?v=n3T7NdJzNo8 En el año 2009 Melendi publica el álbum “Aún Más Curiosa La Cara De Tu Padre” donde se incluye esta versión. CHAYANNE: https://www.youtube.com/watch?v=l8BVHr7aA_k En 1996 Chayanne publica el álbum “Volver a nacer” donde se incluye esta versión. MANZANITA: https://www.youtube.com/watch?v=x5OeLNeMJsE En 1995 Manzanita publica esta versión que se incluye en el álbum “Sueño de amor” MALAVERGÜENZA: https://www.youtube.com/watch?v=Azw9amcVAvo El grupo Malavergüenza publica en 2014 esta versión que fue incluida en el disco "Retazos de Rock and Roll"locosporincordiarHola soy José Luis Flores, de onda 100 radio Extremadura. Para que nos ubiquen, esta radio nace en Zafra. Hoy estoy aquí para compartir con ustedes este Explorando Versiones de Locos por Incordiar, con la canción "solo pienso en tí", de Víctor Manuel. Este Explorando Versiones es una propuesta a dúo con Agartha de Radio Apis_Music. Solo pienso en ti es una canción compuesta por Víctor Manuel en 1978, aunque vería la luz un año después, en el álbum " Soy un corazón tendido al sol ", que fue grabado en Milán con la producción de Danilo Vaona. Subió a lo más alto de las listas de éxitos, y para muchos es la mejor canción del cantautor asturiano. Está basada en la historia real de una pareja de personas con discapacidad intelectual del centro que la Fundación Promi tiene en Cabra, que llevaron su amor hasta el matrimonio por encima de todas las trabas legales y sociales que encontraron en 1978. La pareja, Mari Luz y Antonio, se casó pocos años después, y tienen tres hijos, uno de ellos universitario. Víctor Manuel conoció su historia a raíz de una noticia publicada en el Diario Córdoba, que leyó estando en Montilla. En 2004 fue elegida la sexta canción más popular en español según el programa Nuestra mejor canción de TVE.En 2010 fue elegida por la revista Rolling Stone en el puesto 196 de su lista Las 200 mejores canciones del pop-rock español.Además fue número uno en la lista de éxitos de Los 40 principales en abril de 1979. Ese mismo año, la fundación Crisálida organizó una fiesta para celebrar la entrega de sus premios literarios. Ese año, la celebración fue en honor a la canción y a sus protagonistas: Víctor Manuel, que actuó en la fiesta, y Antonio y Mari Luz, quienes viajaron desde su lugar de residencia, Cabra (Córdoba), para asistir a la ceremonia. Coincidiendo con ese acto, Judith Colell realizó un documental basado en la canción, llamado también Sólo pienso en ti. Victor Manuel - Solo Pienso En Ti (Actuación TVE): https://www.youtube.com/watch?v=7D6pHsBf0Fg La versión original es de 1978. ANA TORROJA: https://www.youtube.com/watch?v=S9Jg1vl0hNI Tributo a Víctor Manuel, Nuestra mejor canción, 2004. TRIBUTO A VÍCTOR MANUEL: https://www.youtube.com/watch?v=V_Jr9Lwqr7E En el año 2022 se grabó esta versión en la que participaron Amaral, Andrés Suárez, Dani Martín, Iván Ferreiro, Jorge Drexler, Rozalén, Santi Balmes (Love Of Lesbian) y Sidonie. MELENDI: https://www.youtube.com/watch?v=n3T7NdJzNo8 En el año 2009 Melendi publica el álbum “Aún Más Curiosa La Cara De Tu Padre” donde se incluye esta versión. CHAYANNE: https://www.youtube.com/watch?v=l8BVHr7aA_k En 1996 Chayanne publica el álbum “Volver a nacer” donde se incluye esta versión. MANZANITA: https://www.youtube.com/watch?v=x5OeLNeMJsE En 1995 Manzanita publica esta versión que se incluye en el álbum “Sueño de amor” MALAVERGÜENZA: https://www.youtube.com/watch?v=Azw9amcVAvo El grupo Malavergüenza publica en 2014 esta versión que fue incluida en el disco "Retazos de Rock and Roll"https://www.ivoox.com/057-explorando-versiones-lili-marleen-audios-mp3_rf_146394433_1.htmlFri, 09 May 2025 08:04:27 +020016:41202557fullhttps://www.ivoox.com/146394433locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola. Soy Aurelio Martínez de la Gramola FM la canción que traigo a explorando versiones es Lili Marleen. INTRO (waldteufel78): https://www.youtube.com/watch?v=1_E6yANtGbE He elegido esta canción por ser un ejemplo de cómo pueden pasar décadas de un simple poema se puede convertir con el paso del tiempo en un himno. Esta canción tiene varias versiones en diferentes idiomas, yo en este caso he elegido cinco versiones. POEMA LILI MARLEEN - HANS LEIP: https://www.youtube.com/watch?v=ez0Njhofink La letra fue escrita en 1915 por el soldado alemán Hans Leip quien era poeta y escritor Originalmente el poema se titulaba "La muchacha bajo la farola" y hablaba de una joven esperando a su amado soldado bajo una lámpara el nombre de Lili Marleen es una combinación de dos mujeres que conoció. Lili la hija de un comerciante, y Marleen, una enfermera, reflejaba la nostalgia y el dolor de la separación durante la guerra en 1938 el compositor Norbert Schultz puso música al poema. LALE ANDERSEN: https://www.youtube.com/watch?v=YjXC4N1HXf0 En 1939 la cantante Lale Andersen grabo la primera versión de la canción bajo el título "La chica bajo la farola". Esta grabación, auque inicialmente no tuvo mucho éxito, se convirtió en un fenómeno durante la segunda guerra mundial cuando fue transmitida por radio Belgrado una emisora militar alemana la canción resonó profundamente entre los soldados de ambos bandos, convirtiéndose en un símbolo de esperanza y nostalgia MARLENE DIETRICH: https://www.youtube.com/watch?v=7heXZPl2hik A lo largo de los años Lili Marleen ha sido interpretada por numerosos artistas, pero la versión más famosa es la de Marlene Dietrich quien la grabo en 1944 para las tropas aliadas durante la segunda guerra mundial. Dietrich, una crítica abierta al régimen nazi le dio a la canción un tono más profundo y emotivo, contribuyendo su popularidad internacional, incluso el mariscal Erwin Rommel comandante del África Corps era un admirador de la canción. OLÉ OLÉ: https://www.youtube.com/watch?v=E3XIGrsx8U8 la versión de Olé olé fue adaptada al español manteniendo el tono melancólico nostálgico de la original ,habla de un soldado que reflexiona sobre su amor por Lili Marleen su honor y sus experiencias en la guerra a diferencia de la versión original que tiene un tono más clásico y militar ,la versión de ole ole incorpora un estilo pop de los años 80 con sintetizadores y un ritmo más moderno característico de la banda en esa época la canción fue un éxito en España y América latina ayudando a consolidar a Olé olé como una de las bandas más populares de la década. DERRIBOS ARIAS: https://www.youtube.com/watch?v=joLzia22Rgs La versión de Lili Marleen por derribos arias es una de las más peculiares y vanguardistas que se han hecho de esta canción la banda liderada por Poch, formó parte de la movida madrileña y es conocida por su estilo experimental ,irreverente y con influencia del postpunk su adaptación de Lili Marleen transforma el tema en una versión desestructurada y con un sonido caótico y una interpretación casi irónica alejándose completamente de la solemnidad de la original la voz de Poch con su tono característico le da un aire surrealista, lo que encaja perfectamente con la actitud transgresora se Derribos Arias. INTER TERROR: https://www.youtube.com/watch?v=3YBc-SxiDJ4 La versión de Lili Marleen de Inter terror es una adaptación punk de este clásico con un sonido crudo y directo, propio de la escena punk española de los 80 Inter terror, banda de punk valenciana transformó la melancólica canción original en un tema agresivo y contestatario con guitarras rápidas y una interpretación desgarrada su versión mantiene la esencia de la letra pero con una actitud totalmente distinta en lugar de nostalgia y romanticismo transmite rabia y energía características del punk de la época. DESPEDIDA Y bueno hasta aquí mi aportación a Explorando Versiones ha sido un placer hasta pronto.locosporincordiarHola. Soy Aurelio Martínez de la Gramola FM la canción que traigo a explorando versiones es Lili Marleen. INTRO (waldteufel78): https://www.youtube.com/watch?v=1_E6yANtGbE He elegido esta canción por ser un ejemplo de cómo pueden pasar décadas de un simple poema se puede convertir con el paso del tiempo en un himno. Esta canción tiene varias versiones en diferentes idiomas, yo en este caso he elegido cinco versiones. POEMA LILI MARLEEN - HANS LEIP: https://www.youtube.com/watch?v=ez0Njhofink La letra fue escrita en 1915 por el soldado alemán Hans Leip quien era poeta y escritor Originalmente el poema se titulaba "La muchacha bajo la farola" y hablaba de una joven esperando a su amado soldado bajo una lámpara el nombre de Lili Marleen es una combinación de dos mujeres que conoció. Lili la hija de un comerciante, y Marleen, una enfermera, reflejaba la nostalgia y el dolor de la separación durante la guerra en 1938 el compositor Norbert Schultz puso música al poema. LALE ANDERSEN: https://www.youtube.com/watch?v=YjXC4N1HXf0 En 1939 la cantante Lale Andersen grabo la primera versión de la canción bajo el título "La chica bajo la farola". Esta grabación, auque inicialmente no tuvo mucho éxito, se convirtió en un fenómeno durante la segunda guerra mundial cuando fue transmitida por radio Belgrado una emisora militar alemana la canción resonó profundamente entre los soldados de ambos bandos, convirtiéndose en un símbolo de esperanza y nostalgia MARLENE DIETRICH: https://www.youtube.com/watch?v=7heXZPl2hik A lo largo de los años Lili Marleen ha sido interpretada por numerosos artistas, pero la versión más famosa es la de Marlene Dietrich quien la grabo en 1944 para las tropas aliadas durante la segunda guerra mundial. Dietrich, una crítica abierta al régimen nazi le dio a la canción un tono más profundo y emotivo, contribuyendo su popularidad internacional, incluso el mariscal Erwin Rommel comandante del África Corps era un admirador de la canción. OLÉ OLÉ: https://www.youtube.com/watch?v=E3XIGrsx8U8 la versión de Olé olé fue adaptada al español manteniendo el tono melancólico nostálgico de la original ,habla de un soldado que reflexiona sobre su amor por Lili Marleen su honor y sus experiencias en la guerra a diferencia de la versión original que tiene un tono más clásico y militar ,la versión de ole ole incorpora un estilo pop de los años 80 con sintetizadores y un ritmo más moderno característico de la banda en esa época la canción fue un éxito en España y América latina ayudando a consolidar a Olé olé como una de las bandas más populares de la década. DERRIBOS ARIAS: https://www.youtube.com/watch?v=joLzia22Rgs La versión de Lili Marleen por derribos arias es una de las más peculiares y vanguardistas que se han hecho de esta canción la banda liderada por Poch, formó parte de la movida madrileña y es conocida por su estilo experimental ,irreverente y con influencia del postpunk su adaptación de Lili Marleen transforma el tema en una versión desestructurada y con un sonido caótico y una interpretación casi irónica alejándose completamente de la solemnidad de la original la voz de Poch con su tono característico le da un aire surrealista, lo que encaja perfectamente con la actitud transgresora se Derribos Arias. INTER TERROR: https://www.youtube.com/watch?v=3YBc-SxiDJ4 La versión de Lili Marleen de Inter terror es una adaptación punk de este clásico con un sonido crudo y directo, propio de la escena punk española de los 80 Inter terror, banda de punk valenciana transformó la melancólica canción original en un tema agresivo y contestatario con guitarras rápidas y una interpretación desgarrada su versión mantiene la esencia de la letra pero con una actitud totalmente distinta en lugar de nostalgia y romanticismo transmite rabia y energía características del punk de la época. DESPEDIDA Y bueno hasta aquí mi aportación a Explorando Versiones ha sido un placer hasta pronto.https://www.ivoox.com/056-explorando-versiones-la-tormenta-audios-mp3_rf_145992798_1.htmlFri, 02 May 2025 08:05:40 +020022:57202556fullhttps://www.ivoox.com/145992798locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola amigos, soy Francisco y hoy en Explorando Versiones vamos a sumergirnos en el mundo de Javier Krahe y su canción “La Tormenta”. Esta pieza, es una adaptación del tema "L'orage" del mítico cantautor francés Georges Brassens y nos invita a disfrutar de una narrativa cargada de humor, sensualidad y la peculiar visión del amor que ambos artistas compartían. Pero antes de entrar en los detalles de la canción, repasaremos un poco la vida y obra de Javier Krahe, un cantautor único que dejó una huella imborrable al mezclar humor, poesía y mirada crítica, con un estilo que lo convertiría en una figura única dentro de la música española. Javier Krahe no era solo un músico; era un cronista mordaz de la sociedad, un poeta irónico y un maestro del humor inteligente. En sus inicios, formó parte del mítico grupo La Mandrágora, junto a Joaquín Sabina y Alberto Pérez. Este proyecto, cuyo álbum homónimo publicado en 1981 se convirtió en un clásico, marcó el inicio de una carrera donde la sátira y la poesía serían sus señas de identidad. Sus críticas llegaron a traspasar la música y Krahe no tenía miedo de abordar temas controvertidos, y es precisamente esta audacia la que lo llevó a explorar los límites de lo convencional, como ocurrió con su polémico corto "Sobre la cristofagia". Este vídeo, grabado en 1978, planteaba con ironía una receta ficticia para cocinar un crucifijo, llevando al extremo la expresión de "tomar el cuerpo de Cristo". Aunque el corto permaneció inédito durante décadas, en 2004 salió a la luz en el documental “Esta no es la vida privada de Javier Krahe” y fue emitido en una entrevista para el programa Lo + Plus de Canal Plus. Esto desató un revuelo mediático que, casi una década después, en 2012, lo llevó a los tribunales. Fue acusado de un "delito contra los sentimientos religiosos" por el Centro Jurídico Tomás Moro. La acusación pedía una multa desproporcionada, pero Krahe defendió su derecho a la libertad de expresión argumentando que el vídeo era una obra de humor sin intención de ofender. Finalmente, el juez lo absolvió, declarando que se trataba de una manifestación artística. Un triunfo para la libertad de expresión. Además de su música, Krahe participó como socio fundador de la discográfica 18 Chulos, junto a figuras como El Gran Wyoming, Pepín Tre, Pablo Carbonell o Santiago Segura. Este sello nació como un espacio para que los artistas con espíritu libre publicaran sus obras sin presiones comerciales. Lamentablemente, el 12 de julio de 2015, Javier Krahe falleció a los 71 años en su casa de Zahara de los Atunes. Pero su legado, sus canciones y su humor permanecen con nosotros. Y ahora que conocemos un poco más de la vida de Krahe, vamos a hablar de "La Tormenta", su brillante adaptación de "L'orage" de Georges Brassens. Krahe no sólo tradujo la canción original; lo adaptó con ese toque castizo y desvergonzado que lo caracterizaba. Si Brassens narraba un encuentro amoroso en medio de una tormenta con su humor francés, Krahe le añadió su propio ingenio, creando una pieza que, aunque fiel al espíritu del original, tiene una personalidad única. GEORGES BRASSENS - L'ORAGE: https://www.youtube.com/watch?v=BOij7jbRldU La letra de “L’orage” relata un encuentro amoroso inesperado, provocado por una tormenta que obliga al narrador a buscar refugio en la casa de una vecina. A medida que el temporal ruge fuera, los dos personajes, que inicialmente parecen mantener las distancias, terminan sucumbiendo a la atracción en un contexto lleno de tensión y encanto. La tormenta se convierte en una metáfora de la pasión y el deseo, destacando el estilo típico de Brassens de entremezclar la naturaleza y las emociones humanas. “L’orage” es una de las canciones más icónicas de Georges Brassens, el legendario cantautor francés conocido por sus letras poéticas y su ingenio irónico. Publicada en 1953 en el álbum "Le Vent", esta canción muestra la habilidad de Brassens para narrar historias con humor, sensualidad y un toque de melancolía. NANNI SVAMPA - IL TEMPORALE: https://www.youtube.com/watch?v=ptr4Xk2G4P8 Esta versión que estamos oyendo es la de Nanni Svampa, uno de los más reconocidos traductores e intérpretes de Georges Brassens al italiano. Svampa adaptó muchas de sus canciones, incluyendo "L’orage", transformándola en "Il temporale". Su versión mantiene el espíritu poético del original, pero lo adapta con maestría al contexto y la sensibilidad cultural italiana, sin perder la esencia humorística y la elegancia de Brassens. Además, Svampa logró acercar la obra del cantautor francés a un público que quizás no habría descubierto sus canciones de otra manera, dejando un legado que celebra tanto la música como la capacidad de la poesía para cruzar fronteras. ALBERTO PÉREZ - LA TORMENTA: https://youtu.be/zWMPPbyOOe8?feature=shared La Mandrágora, es el primer álbum de los cantautores españoles Joaquín Sabina, Javier Krahe y Alberto Pérez, acompañados por el guitarrista Antonio Sánchez, grabado en directo en 1981. Por aquel entonces los tres cantautores actuaban juntos en el sótano del bar madrileño del mismo nombre, situado en la Cava Baja del barrio de La Latina. Y es precisamente en este álbum es donde aparece la primera versión de "La Tormenta", adaptada al español por Javier Krahe, e interpretada por Alberto Pérez, que utiliza la adaptación de Krahe de la letra original de Georges Brassens. JOAQUÍN SABINA - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=-YlWykW2Rts “La sonrisa de Krahe” es un álbum homenaje a Javier Krahe publicado en 2019. Este disco recoge el concierto realizado el 20 de noviembre de 2016 en la sala Galileo Galilei de Madrid, en la que los amigos del cantautor interpretaron su obra junto a su banda habitual, bautizada tras su fallecimiento como Los huérfanos de Krahe. En este álbum, Joaquín Sabina se une a las voces que recuerdan a Krahe y presenta su versión de “La Tormenta”. Sabina aporta su estilo inconfundible y su voz rasgada, imprimiendo una intensidad diferente a la canción. LOS TOREROS MUERTOS - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=pHsLlxsvYKo En 2017, Los Toreros Muertos prepararon un espectáculo en directo titulado “Colegio público Javier Krahe”, un recorrido musical por la obra del maestro, al que tanto admiraban. Sin embargo, este homenaje no se publicó oficialmente hasta 2020, cuando lanzaron un álbum doble. La versión de “La Tormenta” que Los Toreros Muertos incluyen en este disco mantiene su característico estilo atrevido y teatral, fusionando su sentido del humor con la ironía inherente a las letras de Krahe. Es un tributo que celebra la obra del cantautor con un tono festivo y desenfadado, en línea con la personalidad de la banda. JAVIER KRAHE - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=fp0lKTfyWhs Para finalizar este viaje, aunque fue Alberto Pérez quien interpretó la primera versión grabada de "La Tormenta" en el disco de La Mandrágora, Javier Krahe también la llevó a su repertorio habitual, añadiendo su estilo inconfundible. Es un ejemplo perfecto de cómo Krahe no sólo tradujo la canción de Brassens, sino que la reinventó, haciéndola suya y dándole una nueva vida en español. CONCLUSIONES Y así llegamos al final de este episodio de Explorando Versiones. Hoy hemos viajado por las diferentes interpretaciones de "La Tormenta", desde su origen en francés como "L’orage", pasando por las distintas versiones de Alberto Pérez, Joaquín Sabina o Los Toreros Muertos y, por supuesto, Javier Krahe, quien la convirtió en parte de su legado. Espero que os haya gustado y nos vemos en el siguiente capítulo. Un saludo.locosporincordiarHola amigos, soy Francisco y hoy en Explorando Versiones vamos a sumergirnos en el mundo de Javier Krahe y su canción “La Tormenta”. Esta pieza, es una adaptación del tema "L'orage" del mítico cantautor francés Georges Brassens y nos invita a disfrutar de una narrativa cargada de humor, sensualidad y la peculiar visión del amor que ambos artistas compartían. Pero antes de entrar en los detalles de la canción, repasaremos un poco la vida y obra de Javier Krahe, un cantautor único que dejó una huella imborrable al mezclar humor, poesía y mirada crítica, con un estilo que lo convertiría en una figura única dentro de la música española. Javier Krahe no era solo un músico; era un cronista mordaz de la sociedad, un poeta irónico y un maestro del humor inteligente. En sus inicios, formó parte del mítico grupo La Mandrágora, junto a Joaquín Sabina y Alberto Pérez. Este proyecto, cuyo álbum homónimo publicado en 1981 se convirtió en un clásico, marcó el inicio de una carrera donde la sátira y la poesía serían sus señas de identidad. Sus críticas llegaron a traspasar la música y Krahe no tenía miedo de abordar temas controvertidos, y es precisamente esta audacia la que lo llevó a explorar los límites de lo convencional, como ocurrió con su polémico corto "Sobre la cristofagia". Este vídeo, grabado en 1978, planteaba con ironía una receta ficticia para cocinar un crucifijo, llevando al extremo la expresión de "tomar el cuerpo de Cristo". Aunque el corto permaneció inédito durante décadas, en 2004 salió a la luz en el documental “Esta no es la vida privada de Javier Krahe” y fue emitido en una entrevista para el programa Lo + Plus de Canal Plus. Esto desató un revuelo mediático que, casi una década después, en 2012, lo llevó a los tribunales. Fue acusado de un "delito contra los sentimientos religiosos" por el Centro Jurídico Tomás Moro. La acusación pedía una multa desproporcionada, pero Krahe defendió su derecho a la libertad de expresión argumentando que el vídeo era una obra de humor sin intención de ofender. Finalmente, el juez lo absolvió, declarando que se trataba de una manifestación artística. Un triunfo para la libertad de expresión. Además de su música, Krahe participó como socio fundador de la discográfica 18 Chulos, junto a figuras como El Gran Wyoming, Pepín Tre, Pablo Carbonell o Santiago Segura. Este sello nació como un espacio para que los artistas con espíritu libre publicaran sus obras sin presiones comerciales. Lamentablemente, el 12 de julio de 2015, Javier Krahe falleció a los 71 años en su casa de Zahara de los Atunes. Pero su legado, sus canciones y su humor permanecen con nosotros. Y ahora que conocemos un poco más de la vida de Krahe, vamos a hablar de "La Tormenta", su brillante adaptación de "L'orage" de Georges Brassens. Krahe no sólo tradujo la canción original; lo adaptó con ese toque castizo y desvergonzado que lo caracterizaba. Si Brassens narraba un encuentro amoroso en medio de una tormenta con su humor francés, Krahe le añadió su propio ingenio, creando una pieza que, aunque fiel al espíritu del original, tiene una personalidad única. GEORGES BRASSENS - L'ORAGE: https://www.youtube.com/watch?v=BOij7jbRldU La letra de “L’orage” relata un encuentro amoroso inesperado, provocado por una tormenta que obliga al narrador a buscar refugio en la casa de una vecina. A medida que el temporal ruge fuera, los dos personajes, que inicialmente parecen mantener las distancias, terminan sucumbiendo a la atracción en un contexto lleno de tensión y encanto. La tormenta se convierte en una metáfora de la pasión y el deseo, destacando el estilo típico de Brassens de entremezclar la naturaleza y las emociones humanas. “L’orage” es una de las canciones más icónicas de Georges Brassens, el legendario cantautor francés conocido por sus letras poéticas y su ingenio irónico. Publicada en 1953 en el álbum "Le Vent", esta canción muestra la habilidad de Brassens para narrar historias con humor, sensualidad y un toque de melancolía. NANNI SVAMPA - IL TEMPORALE: https://www.youtube.com/watch?v=ptr4Xk2G4P8 Esta versión que estamos oyendo es la de Nanni Svampa, uno de los más reconocidos traductores e intérpretes de Georges Brassens al italiano. Svampa adaptó muchas de sus canciones, incluyendo "L’orage", transformándola en "Il temporale". Su versión mantiene el espíritu poético del original, pero lo adapta con maestría al contexto y la sensibilidad cultural italiana, sin perder la esencia humorística y la elegancia de Brassens. Además, Svampa logró acercar la obra del cantautor francés a un público que quizás no habría descubierto sus canciones de otra manera, dejando un legado que celebra tanto la música como la capacidad de la poesía para cruzar fronteras. ALBERTO PÉREZ - LA TORMENTA: https://youtu.be/zWMPPbyOOe8?feature=shared La Mandrágora, es el primer álbum de los cantautores españoles Joaquín Sabina, Javier Krahe y Alberto Pérez, acompañados por el guitarrista Antonio Sánchez, grabado en directo en 1981. Por aquel entonces los tres cantautores actuaban juntos en el sótano del bar madrileño del mismo nombre, situado en la Cava Baja del barrio de La Latina. Y es precisamente en este álbum es donde aparece la primera versión de "La Tormenta", adaptada al español por Javier Krahe, e interpretada por Alberto Pérez, que utiliza la adaptación de Krahe de la letra original de Georges Brassens. JOAQUÍN SABINA - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=-YlWykW2Rts “La sonrisa de Krahe” es un álbum homenaje a Javier Krahe publicado en 2019. Este disco recoge el concierto realizado el 20 de noviembre de 2016 en la sala Galileo Galilei de Madrid, en la que los amigos del cantautor interpretaron su obra junto a su banda habitual, bautizada tras su fallecimiento como Los huérfanos de Krahe. En este álbum, Joaquín Sabina se une a las voces que recuerdan a Krahe y presenta su versión de “La Tormenta”. Sabina aporta su estilo inconfundible y su voz rasgada, imprimiendo una intensidad diferente a la canción. LOS TOREROS MUERTOS - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=pHsLlxsvYKo En 2017, Los Toreros Muertos prepararon un espectáculo en directo titulado “Colegio público Javier Krahe”, un recorrido musical por la obra del maestro, al que tanto admiraban. Sin embargo, este homenaje no se publicó oficialmente hasta 2020, cuando lanzaron un álbum doble. La versión de “La Tormenta” que Los Toreros Muertos incluyen en este disco mantiene su característico estilo atrevido y teatral, fusionando su sentido del humor con la ironía inherente a las letras de Krahe. Es un tributo que celebra la obra del cantautor con un tono festivo y desenfadado, en línea con la personalidad de la banda. JAVIER KRAHE - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=fp0lKTfyWhs Para finalizar este viaje, aunque fue Alberto Pérez quien interpretó la primera versión grabada de "La Tormenta" en el disco de La Mandrágora, Javier Krahe también la llevó a su repertorio habitual, añadiendo su estilo inconfundible. Es un ejemplo perfecto de cómo Krahe no sólo tradujo la canción de Brassens, sino que la reinventó, haciéndola suya y dándole una nueva vida en español. CONCLUSIONES Y así llegamos al final de este episodio de Explorando Versiones. Hoy hemos viajado por las diferentes interpretaciones de "La Tormenta", desde su origen en francés como "L’orage", pasando por las distintas versiones de Alberto Pérez, Joaquín Sabina o Los Toreros Muertos y, por supuesto, Javier Krahe, quien la convirtió en parte de su legado. Espero que os haya gustado y nos vemos en el siguiente capítulo. Un saludo.https://www.ivoox.com/055-explorando-versiones-smoke-on-the-water-audios-mp3_rf_145609557_1.htmlFri, 25 Apr 2025 08:27:55 +020025:21202555fullhttps://www.ivoox.com/145609557locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noSean todos y todas bienvenidos y bienvenidas a un programa más de Explorando Versiones. Quien tiene el gusto de conectar con ustedes, Pedro A Luís. Hoy hablaremos de una canción para muchos, icónica. Para otros, el himno del rock, llamada: Smoke on the Water. DEEP PURPLE: https://www.youtube.com/watch?v=Q2FzZSBD5LE La banda creadora de este increíble clásico se formó en 1968 en Inglaterra y rápidamente se consolidó como uno de los grandes nombres del rock y del hard rock. Estamos hablando de Deep Purple. Haciendo un poco de historia, el grupo, en el año 1972, se encontraba en Montreux, Suiza, con la finalidad de grabar su álbum Machine Head. Lo que nadie se podía haber imaginado es que se presenta un incendio con características catastróficas en el casino de Montreux. Unos dicen que fue generado por un fans que le dispara con una pistola de bengala a Franz Zappa durante su concierto. Otros dicen que un grupo de fanáticos encendieron fuegos artificiales dentro del escenario o dentro del concierto como tal. Esto genera un incendio, como lo dije anteriormente, con características descomunales, afortunadamente sin víctimas que lamentar, y que terminó al final con la destrucción del casino por completo. Este evento particular inspira a Ritchie Blackmore a describir uno de los riffs más reconocidos de la historia. El incendio como tal deja una espesa columna de humo que se refleja en las aguas del lago de Ginebra. Esa imagen fue la chispa que prendió la creación de Smock On The Water. La letra como tal no solo hace referencia al incendio, sino también a la frustración y a las dificultades de grabar en condiciones caóticas, improvisadas, lejos del estudio original. Sin embargo, el resultado fue una de las grandes canciones del rock. CARLOS SANTANA: https://www.youtube.com/watch?v=O_Wst_CYuo8 Habiendo escuchado la canción original, vamos ahora a presentarles nuestras versiones. Comenzaremos con Carlos Santana, dentro del álbum "Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics Of All Time". Es un álbum de estudio, el número 21, lanzado el 21 de septiembre del 2010. Es un álbum de covers y de rock clásico y cuenta con la participación de grandes artistas. Entre los que están es India Arie, Joe Cocker, Chris Connor, y para la versión de Smoke on the Water, Carlos Santana invitó a Jacoby Shaddix. Oigamos la versión, me parece espectacular. AZUCARILLO KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=0YviPuYL768 Otra de las bandas invitadas para este podcast es una banda española barcelonesa conocida por su mezcla de rumba, música disco, tiene mucho ska y algo de son latino, formada en 1996. Esta banda ganó muchísima popularidad en sus actuaciones, pues son muy enérgicas, dinámicas y tienen un estilo muy distintivo. El grupo se reúne en el año 2018 y ha seguido actuando desde entonces. Azucarillo Kings realiza una versión muy humorística de la canción Smoke On the Water, de Deep Purple, titulada Humo en el Water. Esta adaptación se incluyó en el álbum de 1998. RAINBOW: https://www.youtube.com/watch?v=FzhGmtG7LGk Otro de los invitados del día de hoy es Ritchie Blackmore, quien formó Rainbow después de dejar Deed Purple en 1975. Es una banda con un sonido más orientado hacia el hard rock y al metal neoclásico. Aunque Rainbow interpretó alguno de los temas de Deep Purple en vivo, no se conoce una grabación de estudio de Smoke on the Water. Escuchemos la versión de Ritchie Blackmore y de Rainbow en el Live Nippon Budokan (Tokio Japan) de 1984, una excelente versión. Y como es de costumbre en todos mis podcasts, siempre deseo y quiero compartir con ustedes una de mis anécdotas vinculada a la música. Era el verano de 1976. Me encontraba trabajando en una tienda de ropa, como era de costumbre, en una localidad muy populosa, bulliciosa y no menos peligrosa del oeste de la ciudad capital, es decir, de Caracas. La localidad se llama Quinta Crespo. En fin, eso era un microcosmo total. Pero aquí viene lo interesante de ese verano del 76, en el que escuchaba por primera vez, Smoke on the Water. Unos chicos que me doblaban en edad, también bien enrollados en esto de la música y de la tienda de al lado, me regalaron como muestra de empatía y de cariño, un par de autovías blancas. Eso no eran líneas, eso eran autovías. Recuerdo, como si fuese ayer, quedar paralizado y petrificado del miedo. Pensaba rápidamente: Eso no va conmigo. Tan rápido como lo pensaba, lo aspiré. Me di cuenta que aunque eso no estaba hecho para mí, pero al final de cuenta, qué carajo, lo probé. Y después experimenté las hostias y los coñazos que me dieron en casa, porque a fin de cuenta mis padres se enteraron. Pero la cosa no queda ahí. Muchos años después, ya casado y con hijos, y viviendo aquí en Sevilla, tuve el privilegio de escuchar la banda en vivo, lo que me hizo rememorar y transportarme aquellos días de pubertad en la tienda de ropas, de la libertad que solo la juventud puede tener y de aquel microcosmos llamado Quinta Crespo. Deep Purple: https://www.youtube.com/watch?v=qK7j_EERgT4 Y así, entre Riffs legendarios y una historia marcada por el fuego, el rock y mis anécdotas, cerramos este episodio del día de hoy. Viajamos en el tiempo hasta Montreux, sentido el humo sobre el agua y revivido la magia de Deep Purple en su icónica canción, Smoke on the Water. Quien se despide de ustedes, Pedro A. Luís. Hasta la próxima.locosporincordiarSean todos y todas bienvenidos y bienvenidas a un programa más de Explorando Versiones. Quien tiene el gusto de conectar con ustedes, Pedro A Luís. Hoy hablaremos de una canción para muchos, icónica. Para otros, el himno del rock, llamada: Smoke on the Water. DEEP PURPLE: https://www.youtube.com/watch?v=Q2FzZSBD5LE La banda creadora de este increíble clásico se formó en 1968 en Inglaterra y rápidamente se consolidó como uno de los grandes nombres del rock y del hard rock. Estamos hablando de Deep Purple. Haciendo un poco de historia, el grupo, en el año 1972, se encontraba en Montreux, Suiza, con la finalidad de grabar su álbum Machine Head. Lo que nadie se podía haber imaginado es que se presenta un incendio con características catastróficas en el casino de Montreux. Unos dicen que fue generado por un fans que le dispara con una pistola de bengala a Franz Zappa durante su concierto. Otros dicen que un grupo de fanáticos encendieron fuegos artificiales dentro del escenario o dentro del concierto como tal. Esto genera un incendio, como lo dije anteriormente, con características descomunales, afortunadamente sin víctimas que lamentar, y que terminó al final con la destrucción del casino por completo. Este evento particular inspira a Ritchie Blackmore a describir uno de los riffs más reconocidos de la historia. El incendio como tal deja una espesa columna de humo que se refleja en las aguas del lago de Ginebra. Esa imagen fue la chispa que prendió la creación de Smock On The Water. La letra como tal no solo hace referencia al incendio, sino también a la frustración y a las dificultades de grabar en condiciones caóticas, improvisadas, lejos del estudio original. Sin embargo, el resultado fue una de las grandes canciones del rock. CARLOS SANTANA: https://www.youtube.com/watch?v=O_Wst_CYuo8 Habiendo escuchado la canción original, vamos ahora a presentarles nuestras versiones. Comenzaremos con Carlos Santana, dentro del álbum "Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics Of All Time". Es un álbum de estudio, el número 21, lanzado el 21 de septiembre del 2010. Es un álbum de covers y de rock clásico y cuenta con la participación de grandes artistas. Entre los que están es India Arie, Joe Cocker, Chris Connor, y para la versión de Smoke on the Water, Carlos Santana invitó a Jacoby Shaddix. Oigamos la versión, me parece espectacular. AZUCARILLO KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=0YviPuYL768 Otra de las bandas invitadas para este podcast es una banda española barcelonesa conocida por su mezcla de rumba, música disco, tiene mucho ska y algo de son latino, formada en 1996. Esta banda ganó muchísima popularidad en sus actuaciones, pues son muy enérgicas, dinámicas y tienen un estilo muy distintivo. El grupo se reúne en el año 2018 y ha seguido actuando desde entonces. Azucarillo Kings realiza una versión muy humorística de la canción Smoke On the Water, de Deep Purple, titulada Humo en el Water. Esta adaptación se incluyó en el álbum de 1998. RAINBOW: https://www.youtube.com/watch?v=FzhGmtG7LGk Otro de los invitados del día de hoy es Ritchie Blackmore, quien formó Rainbow después de dejar Deed Purple en 1975. Es una banda con un sonido más orientado hacia el hard rock y al metal neoclásico. Aunque Rainbow interpretó alguno de los temas de Deep Purple en vivo, no se conoce una grabación de estudio de Smoke on the Water. Escuchemos la versión de Ritchie Blackmore y de Rainbow en el Live Nippon Budokan (Tokio Japan) de 1984, una excelente versión. Y como es de costumbre en todos mis podcasts, siempre deseo y quiero compartir con ustedes una de mis anécdotas vinculada a la música. Era el verano de 1976. Me encontraba trabajando en una tienda de ropa, como era de costumbre, en una localidad muy populosa, bulliciosa y no menos peligrosa del oeste de la ciudad capital, es decir, de Caracas. La localidad se llama Quinta Crespo. En fin, eso era un microcosmo total. Pero aquí viene lo interesante de ese verano del 76, en el que escuchaba por primera vez, Smoke on the Water. Unos chicos que me doblaban en edad, también bien enrollados en esto de la música y de la tienda de al lado, me regalaron como muestra de empatía y de cariño, un par de autovías blancas. Eso no eran líneas, eso eran autovías. Recuerdo, como si fuese ayer, quedar paralizado y petrificado del miedo. Pensaba rápidamente: Eso no va conmigo. Tan rápido como lo pensaba, lo aspiré. Me di cuenta que aunque eso no estaba hecho para mí, pero al final de cuenta, qué carajo, lo probé. Y después experimenté las hostias y los coñazos que me dieron en casa, porque a fin de cuenta mis padres se enteraron. Pero la cosa no queda ahí. Muchos años después, ya casado y con hijos, y viviendo aquí en Sevilla, tuve el privilegio de escuchar la banda en vivo, lo que me hizo rememorar y transportarme aquellos días de pubertad en la tienda de ropas, de la libertad que solo la juventud puede tener y de aquel microcosmos llamado Quinta Crespo. Deep Purple: https://www.youtube.com/watch?v=qK7j_EERgT4 Y así, entre Riffs legendarios y una historia marcada por el fuego, el rock y mis anécdotas, cerramos este episodio del día de hoy. Viajamos en el tiempo hasta Montreux, sentido el humo sobre el agua y revivido la magia de Deep Purple en su icónica canción, Smoke on the Water. Quien se despide de ustedes, Pedro A. Luís. Hasta la próxima.https://www.ivoox.com/054-explorando-versiones-getsemani-audios-mp3_rf_145185014_1.htmlThu, 17 Apr 2025 10:40:42 +020034:14202554fullhttps://www.ivoox.com/145185014locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola, hola. ¿Qué tal!? Buenas madrugás,Soy Raulillo. En éstas fechas quiero hablaros de una canción que forma parte de una Ópera Rock, la más famosa y mejor Ópera Rock que he oído nunca. Una obra que cuenta la parte más crítica y terrenal de los personajes protagonistas en los últimos días de Jesús de Nazareth. Nos habla de un Judas, que lejos de ser un traidor, es algo así como un héroe mártir que salva a los suyos de ser masacrados por el imperio Romano y de una María Magdalena enamorada del profeta. EPIC ORCHESTRAL COVER: https://www.youtube.com/watch?v=CAxqrhlv_90 Pero concretamente de una canción de esa obra. Hablo de Getsemaní, también conocida como la canción de la oración del huerto. Me quiero centrar en ésta canción porque creo que es la más representativa de ésta Ópera. Esta canción tiene toda la esencia de lo que aquí se quiere contar. Y ésta canción en concreto nos enseña a un Jesús humano que después de 3 años llevando a cabo la voluntad del plan de Dios, duda y no entiende por que al final debe morir.” Si he de morir, quiero saber que voy a conseguir” sentencia el Nazareno. Un ser humano más que como todos nosotros, creyentes o no, nunca entenderemos por que tenia que morir. Si, como ya habréis imaginado con éste planteamiento, la ópera Rock Jesucristo Superstar, tuvo sus dificultades y críticas inquisitoriales por parte de los cristianos más puritanos. Que le quisieron poner piedras en el camino, pero consiguieron todo lo contrario, darle publicidad y hacer de ésta obra como ya he dicho, la Ópera Rock más popular de todos los tiempos. No bromeo si os digo que casi cada Semana Santa veo la película. Puestos a ver una película Bíblica, esta es más entretenida que Ben-Hur y además la música Rock Psicodélica con toques orquestales, es de lo mejor que he oído en mi vida. Además, la blasfemia atrae a los blasfemos y para blasfemo un servidor. Comenzamos este viaje por el corazón lleno de amargura y la mente llena de dudas del Jesucristo más humano? Pues nombremos a Dios en vano y empecemos!! IAN GILLAN: https://www.youtube.com/watch?v=gOjyGy1NR4Y A finales de los años 60 un veinteañero Tim Rice (Creador de exitosos musicales como El rey león o Evita) Tuvo la idea de contar los últimos días de vida del Nazareno, desde la perspectiva más crítica de Judas Iscariote, usando un lenguaje contemporáneo y con una banda sonora en clave de rock Psicodélico. Una mezcla explosiva. Una puta genialidad que nadie quiso producir, era demasiado arriesgado y adelantado para la época. Pero el bueno de Tim encontró la solución. Unos años antes, la banda Británica The Who, sacó Tommy un álbum conceptual con bastante éxito. Así que Tim Rice decidió hacer lo mismo y empezó con un álbum conceptual que se lanzó en 1970. Fue un disco que contaba la historia completa con canciones, literalmente una ópera rock. El disco contó ni más ni menos que la voz de Jesús con la voz de Ian Gillan, el vocalista de la que por aquella época era considerada la banda más ruidosa del mundo… Deep Purple, casi nada. Me cayo y escuchamos a Ian Gillan reprochar a su Dios psicópata ese plan sangriento que le tenía preparado. TED NEELEY: https://www.youtube.com/watch?v=I3mFBh2z9sc El álbum fue un bombazo, sobre todo en EE.UU. Llegó al número 1 de Billboard en 1971. Pero también generó protestas: grupos religiosos lo acusaban de blasfemia, por presentar a un Jesús humano, dudoso, e incluso por sugerir una atracción amorosa entre él y María Magdalena. La controversia ayudó a su fama. Y con el éxito del disco, finalmente llegó la oportunidad de llevarlo al escenario, primero en Broadway (1971) y luego en Londres (1972). Y qué pasa cuando una ópera o musical se vuelve exitoso y rentable? Pues que da el siguiente paso y lo llevan al cine.En 1973, tan solo tres años tras la publicación del álbum se estrenó la película. Para el papel de la película se pensó en quien dio voz a Jesus en el disco original. Pero los productores pensaron que poner a una superestrella del rock como cara visible de la película, sería contraproducente, porque podría sacar a los espectadores de la película. Aunque al final no se contó con él, vale la pena recordar que la versión original de Ian Gillan, el cantante de Deep Purple, aún hoy se considera una de las mejores versiones vocales de esa canción. Así que para la película se contó con Ted Neeley, un cantante tejano de rock, soul y balada romántica. Y en mi opinión acertaron de pleno. No en vano es mi Jesucristo Superstar favorito. Éste tipo ya tenía experiencia en musicales hippies, ya que participó en el musical contraculturas Hair. Cuando audicionó para la película y oyeron cómo era capaz de llegar a notas altísimas, casi imposible, no se lo pensaron. Ted, sería Jesús. Dirigida por Norman Jewison, Ésta Ópera mezcla de rock psicodélico, teatro, simbolismo bíblico y contracultura setentera, se rodó en Israel. Usando escenarios naturales del desierto y ruinas antiguas. Con una estética muy hippie, tanques, y soldados romanos con metralletas y gafas de sol, la película adquiere un contraste entre lo antiguo y lo moderno que le da una lectura política y social contemporánea a este relato. La película comienza con los actores llegando en bus, montando el escenario en el desierto y después de interpretar la obra, marchándose. Todo menos Jesús, que es abandonado en el desierto clavado en la cruz. Dando a entender, que sus seguidores, solo estuvieron con él en las buenas. Ésto generó mucha controversia, siendo criticada de nuevo por grupos religiosos. Y esto también hizo que ésta obra sea una de las más influyentes entre los jóvenes de la época, quienes conectaron con su mensaje, emocional, humano y crítico. Hoy en día es una película que se reestrena en cines, se analiza en universidades para generar debates didácticos. CAMILO SESTO: https://www.youtube.com/watch?v=KSr6ozHUktk Hablemos de la versión más conocida en España. La de Camilo Sesto. Cuando la estrella española de la música vio la representación de la obra en un teatro Londinense, se empeñó en traerla a los teatros españoles para interpretar al hijo de Dios. Se hizo con los derechos, eso no le costó mucho, pero estrenarla le costó sangre, sudor, lágrimas y casi la vida. En la España de los últimos momentos de Franco,Camilo tuvo que enfrentarse a censura, presiones políticas y ataques de sectores religiosos, pero aun así tiró adelante. Esta obra chocaba de frente con el fanatismo religioso fascista del conservadurismo del régimen. Y esto llevó a que se atentara contra la vida de Camilo en el propio teatro. Una bomba ni más ni menos. Con Ángela Carrasco como Maria Magdalena y Teddy Bautista como Judas, triunfaron. Teddy Bautista además fue director musical e hizo algo nunca visto en una representación de esta ópera. El foso de músicos era pequeño para la parte musical orquestal. Así que hizo los arreglos musicales para convertir las partes orquestales a música hecha con sintetizadores. Lago que todo el mundo reconoció como una genialidad. Todo esto lo se de la serie Camilo Superstar. En la que se cuenta como Camilo trajo esta pedazo de obra a España. Una serie que cambió para bien mi opinión de Camilo Sesto. Que no era nada buena seguramente por culpa de un imitador de mi ciudad natal, que hacía tributo al maestro bajo el nombre de Camilo Manuel. Posiblemente lo podréis encontrar en YouTube participando en el rancio programa musical “Lluvia de estrellas” del también rancio presentador Bertin Osborne. Con eso lo digo todo. Os dejo disfrutar de Camilo sesto y del gran trabajo de traducción que hicieron Ignacio Artime y Jaime Azpilicueta. PARK EUN TAE: https://www.youtube.com/watch?v=oD-Kg65yhHg Jesucristo Superstar ha sido interpretada en todo el mundo. Y si tenemos en cuenta que si reunimos a todas las doctrinas cristianas del mundo y las sumamos, los cristianos no llegan a ser ni el 20% de las personas religiosas de este planeta. Y que más del 50% de la humanidad no sabe ni quién fue Jesucristo… Pues que se haya representado por todo el mundo... coño pues esto tiene mérito. una de las más impactantes fue la producción en corea del sur de 2013 y posteriores, donde Park Eun-tae quien estáis oyendo interpretó el papel de Jesús. ¿Se os hace raro oírlo en Coreano? A mi me parece tan buena interpretación, que el idioma no me importa en absoluto. COCOLOCONOCTURNO: https://www.smule.com/sing-recording/1764735353_5036397728 Durante la pandemia hubo una red social para músicos que lo petó. Smule, donde personas apasionadas por la música, pueden compartir sus interpretaciones musicales con sus colegas haciendo comunidad y pasándoselo haciéndoselo pasar de puta madre a todos y entre todos. No solo de teatros musicales y películas vive la Ópera de Tim Rice. Éste es Cocoloconocturno, bueno, ese es su perfil. Éste usuario de smule es un apasionado de los musicales como El fantasma de la ópera. He podido hablar con él personalmente y tengo que deciros que cuando grabó esta versión, de la versión de Camilo Sesto, estaba pachuchillo. Y menos mal porque el tío lo hace de lujo. Acercaos a ésta red social, os podéis llevar gratas sorpresas como la de este Cocoloconocturno y muchas más. LEO JIMENEZ: https://www.youtube.com/watch?v=n88KYi7Wx6I Ahora la versión de un metalero Español. Leo jimenez. En 2013, Leo Jiménez interpretó el papel de Jesús en una producción de Jesucristo Superstar que se representó en Madrid, pero con una propuesta muy diferente a las versiones tradicionales. En este caso, Leo, conocido por su trabajo en bandas como Stravaganzza y Saratoga, Las canciones de Jesús, especialmente "Gethsemane", adquirieron una fuerza y una intensidad brutales, con un enfoque más rockero que el de las versiones más líricas o teatrales. La versión de aquel que dijo no a Mago de Oz cuando salió José Andrea, Leo Jiménez, está publicada en forma de Bonus track en el álbum “Factoría del contraste” de 2016. Fue muy bien recibida por el público que sigue su carrera musical. Los fans del rock y del heavy metal vieron en su interpretación un enfoque único y fresco. Sin embargo, algunos puristas de la obra de Tim Rice se mostraron algo reacios, ya que el tono agresivo y metalero contrastaba con las versiones más suaves o melódicas que se habían hecho previamente. Mi opinión? Aunque me encanta Leo Jimenez, me declaro purista de la obra original y diré que aunque Leo destaca en las partes más agresivas y agudas de la canción. A mi en los primeros compases me saca de la canción , ya que la necesidad de hacerlo de una forma más grave en esta parte de la canción, ahoga la voz de Leo y me parece un bien, pero no tanto. RAFA BLAS: https://www.youtube.com/watch?v=UzZSkOfl9A4 Y del que dijo “no” a Mago de Oz, cuando aún molaban, nos vamos al que dijo que sí cuando ya solo era un grupo de mercenarios a la orden de Chus di Felatio. Éste chico al que estáis oyendo es Rafa Blas. Es conocido por ser el ganador de la primera edición de La Voz España en 2012.Cantante de rock y heavy metal, con una voz potente, muy teatral, y un rango vocal amplio. Interpretó “Getsemaní” como parte de un homenaje/versión especial, no como parte de una producción completa del musical. A pesar de no formar parte de una obra escénica, su interpretación causó un gran impacto, especialmente en redes sociales y plataformas como YouTube. Tanto fans como crítica , valoran mucho que un cantante salido del mundo televisivo y del heavy metal reivindique un clásico del teatro musical con tanto respeto y pasión. Algunos fans incluso lo comparan favorablemente con las versiones clásicas de Ted Neeley o Camilo Sesto, por la fuerza y autenticidad emocional que le pone. Éste Rafa Blas no es que sea santo de mi devoción. Todo lo que salga de concursos de talentos musicales, me la trae al pairo. Pero tengo que decir que no me saca de la canción como la versión de Leo Jimenez y creo que lo hace mejor. Ea! Ya lo he dicho! TED NEELEY 2006: https://www.youtube.com/watch?v=xCMrX28MnSw Y así llegamos al final de este episodio… pero no podemos irnos sin escuchar uno de los momentos más conmovedores de Jesucristo Superstar y, quizá, uno de los más impactantes de la historia del teatro musical. Lo que vas a escuchar a continuación es "Gethsemane (I Only Want to Say)", interpretada por Ted Neeley en el año 2006, durante una gira revival del musical en Estados Unidos. No fue en Broadway, pero sí pasó por grandes teatros, incluyendo Nueva York, llevando esta obra a miles de personas, más de treinta años después de su mítica interpretación en la película de 1973. En ese momento, Ted Neeley tenía ya más de 60 años. Su voz, como es natural, ya no era la de un joven de treinta. Pero lo que pierde en agilidad vocal, lo gana en profundidad, en emoción, en humanidad. Cada nota que canta, cada susurro, cada grito, está cargado de una vida entera de interpretar a este Jesús que no solo es figura religiosa, sino hombre que duda, que ama, que sufre y que finalmente acepta su destino. "Gethsemane" no es solo una canción. Es un desgarro espiritual, es el momento en que Jesús se quiebra y clama: "¿Por qué debo morir?", buscando respuestas, como cualquiera de nosotros en nuestros momentos más oscuros. Y Ted... Ted lo entrega todo. Porque él ya no actúa a Jesús: lo habita, lo respira, lo vive. A sus sesenta y tantos años, con la voz más cansada, su interpretación es más poderosa que nunca. Porque ya no canta solo con la garganta. Canta con el alma. En fin amigo explorador. Si eres de los que disfrutan persiguiendo procesiones, te deseo una feliz semana santa. Y si eres de los que como yo, todo ésto se lo toma como unas mini vacaciones más… pues felices vacaciones de primavera. Pero a ambos, tanto a capillitas como a ateos os pido que os pongáis la peli y le deis una oportunidad a ésta pedazo de obra. Y ahora si me despido con el mismo consejo de siempre: Pon el oído, y sube el volumen SO FRIKI!!locosporincordiarHola, hola. ¿Qué tal!? Buenas madrugás,Soy Raulillo. En éstas fechas quiero hablaros de una canción que forma parte de una Ópera Rock, la más famosa y mejor Ópera Rock que he oído nunca. Una obra que cuenta la parte más crítica y terrenal de los personajes protagonistas en los últimos días de Jesús de Nazareth. Nos habla de un Judas, que lejos de ser un traidor, es algo así como un héroe mártir que salva a los suyos de ser masacrados por el imperio Romano y de una María Magdalena enamorada del profeta. EPIC ORCHESTRAL COVER: https://www.youtube.com/watch?v=CAxqrhlv_90 Pero concretamente de una canción de esa obra. Hablo de Getsemaní, también conocida como la canción de la oración del huerto. Me quiero centrar en ésta canción porque creo que es la más representativa de ésta Ópera. Esta canción tiene toda la esencia de lo que aquí se quiere contar. Y ésta canción en concreto nos enseña a un Jesús humano que después de 3 años llevando a cabo la voluntad del plan de Dios, duda y no entiende por que al final debe morir.” Si he de morir, quiero saber que voy a conseguir” sentencia el Nazareno. Un ser humano más que como todos nosotros, creyentes o no, nunca entenderemos por que tenia que morir. Si, como ya habréis imaginado con éste planteamiento, la ópera Rock Jesucristo Superstar, tuvo sus dificultades y críticas inquisitoriales por parte de los cristianos más puritanos. Que le quisieron poner piedras en el camino, pero consiguieron todo lo contrario, darle publicidad y hacer de ésta obra como ya he dicho, la Ópera Rock más popular de todos los tiempos. No bromeo si os digo que casi cada Semana Santa veo la película. Puestos a ver una película Bíblica, esta es más entretenida que Ben-Hur y además la música Rock Psicodélica con toques orquestales, es de lo mejor que he oído en mi vida. Además, la blasfemia atrae a los blasfemos y para blasfemo un servidor. Comenzamos este viaje por el corazón lleno de amargura y la mente llena de dudas del Jesucristo más humano? Pues nombremos a Dios en vano y empecemos!! IAN GILLAN: https://www.youtube.com/watch?v=gOjyGy1NR4Y A finales de los años 60 un veinteañero Tim Rice (Creador de exitosos musicales como El rey león o Evita) Tuvo la idea de contar los últimos días de vida del Nazareno, desde la perspectiva más crítica de Judas Iscariote, usando un lenguaje contemporáneo y con una banda sonora en clave de rock Psicodélico. Una mezcla explosiva. Una puta genialidad que nadie quiso producir, era demasiado arriesgado y adelantado para la época. Pero el bueno de Tim encontró la solución. Unos años antes, la banda Británica The Who, sacó Tommy un álbum conceptual con bastante éxito. Así que Tim Rice decidió hacer lo mismo y empezó con un álbum conceptual que se lanzó en 1970. Fue un disco que contaba la historia completa con canciones, literalmente una ópera rock. El disco contó ni más ni menos que la voz de Jesús con la voz de Ian Gillan, el vocalista de la que por aquella época era considerada la banda más ruidosa del mundo… Deep Purple, casi nada. Me cayo y escuchamos a Ian Gillan reprochar a su Dios psicópata ese plan sangriento que le tenía preparado. TED NEELEY: https://www.youtube.com/watch?v=I3mFBh2z9sc El álbum fue un bombazo, sobre todo en EE.UU. Llegó al número 1 de Billboard en 1971. Pero también generó protestas: grupos religiosos lo acusaban de blasfemia, por presentar a un Jesús humano, dudoso, e incluso por sugerir una atracción amorosa entre él y María Magdalena. La controversia ayudó a su fama. Y con el éxito del disco, finalmente llegó la oportunidad de llevarlo al escenario, primero en Broadway (1971) y luego en Londres (1972). Y qué pasa cuando una ópera o musical se vuelve exitoso y rentable? Pues que da el siguiente paso y lo llevan al cine.En 1973, tan solo tres años tras la publicación del álbum se estrenó la película. Para el papel de la película se pensó en quien dio voz a Jesus en el disco original. Pero los productores pensaron que poner a una superestrella del rock como cara visible de la película, sería contraproducente, porque podría sacar a los espectadores de la película. Aunque al final no se contó con él, vale la pena recordar que la versión original de Ian Gillan, el cantante de Deep Purple, aún hoy se considera una de las mejores versiones vocales de esa canción. Así que para la película se contó con Ted Neeley, un cantante tejano de rock, soul y balada romántica. Y en mi opinión acertaron de pleno. No en vano es mi Jesucristo Superstar favorito. Éste tipo ya tenía experiencia en musicales hippies, ya que participó en el musical contraculturas Hair. Cuando audicionó para la película y oyeron cómo era capaz de llegar a notas altísimas, casi imposible, no se lo pensaron. Ted, sería Jesús. Dirigida por Norman Jewison, Ésta Ópera mezcla de rock psicodélico, teatro, simbolismo bíblico y contracultura setentera, se rodó en Israel. Usando escenarios naturales del desierto y ruinas antiguas. Con una estética muy hippie, tanques, y soldados romanos con metralletas y gafas de sol, la película adquiere un contraste entre lo antiguo y lo moderno que le da una lectura política y social contemporánea a este relato. La película comienza con los actores llegando en bus, montando el escenario en el desierto y después de interpretar la obra, marchándose. Todo menos Jesús, que es abandonado en el desierto clavado en la cruz. Dando a entender, que sus seguidores, solo estuvieron con él en las buenas. Ésto generó mucha controversia, siendo criticada de nuevo por grupos religiosos. Y esto también hizo que ésta obra sea una de las más influyentes entre los jóvenes de la época, quienes conectaron con su mensaje, emocional, humano y crítico. Hoy en día es una película que se reestrena en cines, se analiza en universidades para generar debates didácticos. CAMILO SESTO: https://www.youtube.com/watch?v=KSr6ozHUktk Hablemos de la versión más conocida en España. La de Camilo Sesto. Cuando la estrella española de la música vio la representación de la obra en un teatro Londinense, se empeñó en traerla a los teatros españoles para interpretar al hijo de Dios. Se hizo con los derechos, eso no le costó mucho, pero estrenarla le costó sangre, sudor, lágrimas y casi la vida. En la España de los últimos momentos de Franco,Camilo tuvo que enfrentarse a censura, presiones políticas y ataques de sectores religiosos, pero aun así tiró adelante. Esta obra chocaba de frente con el fanatismo religioso fascista del conservadurismo del régimen. Y esto llevó a que se atentara contra la vida de Camilo en el propio teatro. Una bomba ni más ni menos. Con Ángela Carrasco como Maria Magdalena y Teddy Bautista como Judas, triunfaron. Teddy Bautista además fue director musical e hizo algo nunca visto en una representación de esta ópera. El foso de músicos era pequeño para la parte musical orquestal. Así que hizo los arreglos musicales para convertir las partes orquestales a música hecha con sintetizadores. Lago que todo el mundo reconoció como una genialidad. Todo esto lo se de la serie Camilo Superstar. En la que se cuenta como Camilo trajo esta pedazo de obra a España. Una serie que cambió para bien mi opinión de Camilo Sesto. Que no era nada buena seguramente por culpa de un imitador de mi ciudad natal, que hacía tributo al maestro bajo el nombre de Camilo Manuel. Posiblemente lo podréis encontrar en YouTube participando en el rancio programa musical “Lluvia de estrellas” del también rancio presentador Bertin Osborne. Con eso lo digo todo. Os dejo disfrutar de Camilo sesto y del gran trabajo de traducción que hicieron Ignacio Artime y Jaime Azpilicueta. PARK EUN TAE: https://www.youtube.com/watch?v=oD-Kg65yhHg Jesucristo Superstar ha sido interpretada en todo el mundo. Y si tenemos en cuenta que si reunimos a todas las doctrinas cristianas del mundo y las sumamos, los cristianos no llegan a ser ni el 20% de las personas religiosas de este planeta. Y que más del 50% de la humanidad no sabe ni quién fue Jesucristo… Pues que se haya representado por todo el mundo... coño pues esto tiene mérito. una de las más impactantes fue la producción en corea del sur de 2013 y posteriores, donde Park Eun-tae quien estáis oyendo interpretó el papel de Jesús. ¿Se os hace raro oírlo en Coreano? A mi me parece tan buena interpretación, que el idioma no me importa en absoluto. COCOLOCONOCTURNO: https://www.smule.com/sing-recording/1764735353_5036397728 Durante la pandemia hubo una red social para músicos que lo petó. Smule, donde personas apasionadas por la música, pueden compartir sus interpretaciones musicales con sus colegas haciendo comunidad y pasándoselo haciéndoselo pasar de puta madre a todos y entre todos. No solo de teatros musicales y películas vive la Ópera de Tim Rice. Éste es Cocoloconocturno, bueno, ese es su perfil. Éste usuario de smule es un apasionado de los musicales como El fantasma de la ópera. He podido hablar con él personalmente y tengo que deciros que cuando grabó esta versión, de la versión de Camilo Sesto, estaba pachuchillo. Y menos mal porque el tío lo hace de lujo. Acercaos a ésta red social, os podéis llevar gratas sorpresas como la de este Cocoloconocturno y muchas más. LEO JIMENEZ: https://www.youtube.com/watch?v=n88KYi7Wx6I Ahora la versión de un metalero Español. Leo jimenez. En 2013, Leo Jiménez interpretó el papel de Jesús en una producción de Jesucristo Superstar que se representó en Madrid, pero con una propuesta muy diferente a las versiones tradicionales. En este caso, Leo, conocido por su trabajo en bandas como Stravaganzza y Saratoga, Las canciones de Jesús, especialmente "Gethsemane", adquirieron una fuerza y una intensidad brutales, con un enfoque más rockero que el de las versiones más líricas o teatrales. La versión de aquel que dijo no a Mago de Oz cuando salió José Andrea, Leo Jiménez, está publicada en forma de Bonus track en el álbum “Factoría del contraste” de 2016. Fue muy bien recibida por el público que sigue su carrera musical. Los fans del rock y del heavy metal vieron en su interpretación un enfoque único y fresco. Sin embargo, algunos puristas de la obra de Tim Rice se mostraron algo reacios, ya que el tono agresivo y metalero contrastaba con las versiones más suaves o melódicas que se habían hecho previamente. Mi opinión? Aunque me encanta Leo Jimenez, me declaro purista de la obra original y diré que aunque Leo destaca en las partes más agresivas y agudas de la canción. A mi en los primeros compases me saca de la canción , ya que la necesidad de hacerlo de una forma más grave en esta parte de la canción, ahoga la voz de Leo y me parece un bien, pero no tanto. RAFA BLAS: https://www.youtube.com/watch?v=UzZSkOfl9A4 Y del que dijo “no” a Mago de Oz, cuando aún molaban, nos vamos al que dijo que sí cuando ya solo era un grupo de mercenarios a la orden de Chus di Felatio. Éste chico al que estáis oyendo es Rafa Blas. Es conocido por ser el ganador de la primera edición de La Voz España en 2012.Cantante de rock y heavy metal, con una voz potente, muy teatral, y un rango vocal amplio. Interpretó “Getsemaní” como parte de un homenaje/versión especial, no como parte de una producción completa del musical. A pesar de no formar parte de una obra escénica, su interpretación causó un gran impacto, especialmente en redes sociales y plataformas como YouTube. Tanto fans como crítica , valoran mucho que un cantante salido del mundo televisivo y del heavy metal reivindique un clásico del teatro musical con tanto respeto y pasión. Algunos fans incluso lo comparan favorablemente con las versiones clásicas de Ted Neeley o Camilo Sesto, por la fuerza y autenticidad emocional que le pone. Éste Rafa Blas no es que sea santo de mi devoción. Todo lo que salga de concursos de talentos musicales, me la trae al pairo. Pero tengo que decir que no me saca de la canción como la versión de Leo Jimenez y creo que lo hace mejor. Ea! Ya lo he dicho! TED NEELEY 2006: https://www.youtube.com/watch?v=xCMrX28MnSw Y así llegamos al final de este episodio… pero no podemos irnos sin escuchar uno de los momentos más conmovedores de Jesucristo Superstar y, quizá, uno de los más impactantes de la historia del teatro musical. Lo que vas a escuchar a continuación es "Gethsemane (I Only Want to Say)", interpretada por Ted Neeley en el año 2006, durante una gira revival del musical en Estados Unidos. No fue en Broadway, pero sí pasó por grandes teatros, incluyendo Nueva York, llevando esta obra a miles de personas, más de treinta años después de su mítica interpretación en la película de 1973. En ese momento, Ted Neeley tenía ya más de 60 años. Su voz, como es natural, ya no era la de un joven de treinta. Pero lo que pierde en agilidad vocal, lo gana en profundidad, en emoción, en humanidad. Cada nota que canta, cada susurro, cada grito, está cargado de una vida entera de interpretar a este Jesús que no solo es figura religiosa, sino hombre que duda, que ama, que sufre y que finalmente acepta su destino. "Gethsemane" no es solo una canción. Es un desgarro espiritual, es el momento en que Jesús se quiebra y clama: "¿Por qué debo morir?", buscando respuestas, como cualquiera de nosotros en nuestros momentos más oscuros. Y Ted... Ted lo entrega todo. Porque él ya no actúa a Jesús: lo habita, lo respira, lo vive. A sus sesenta y tantos años, con la voz más cansada, su interpretación es más poderosa que nunca. Porque ya no canta solo con la garganta. Canta con el alma. En fin amigo explorador. Si eres de los que disfrutan persiguiendo procesiones, te deseo una feliz semana santa. Y si eres de los que como yo, todo ésto se lo toma como unas mini vacaciones más… pues felices vacaciones de primavera. Pero a ambos, tanto a capillitas como a ateos os pido que os pongáis la peli y le deis una oportunidad a ésta pedazo de obra. Y ahora si me despido con el mismo consejo de siempre: Pon el oído, y sube el volumen SO FRIKI!!https://www.ivoox.com/053-explorando-versiones-holy-diver-audios-mp3_rf_144832938_1.htmlFri, 11 Apr 2025 08:11:36 +020018:38202553fullhttps://www.ivoox.com/144832938locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)no¡Bienvenidos a Explorando Versiones! Soy Ramón y hoy nos sumergimos en los mares oscuros y místicos del heavy metal para hablar de uno de sus himnos más icónicos: Holy Diver, de Dio. Esta canción, lanzada en 1983, ha dejado una huella imborrable en el mundo del metal y ha sido reinterpretada por numerosos artistas a lo largo de los años. ¡Preparaos, que hoy toca levantar los cuernos bien alto! \m/ Para aquellos que no estén familiarizados, Ronnie James Dio fue una de las voces más reverenciadas en el heavy metal. Su trayectoria abarca desde sus inicios con Rainbow, pasando por su etapa con Black Sabbath, hasta su exitoso proyecto en solitario, Dio. Con su poderosa voz y su carisma en el escenario, Dio se ha ganado un lugar en el Olimpo del metal. Holy Diver, el tema principal del álbum debut de Dio, es una obra maestra que combina riffs poderosos, una atmósfera épica y letras cargadas de simbolismo fantástico. En este episodio, vamos a explorar la historia detrás de esta canción, su impacto en la escena musical y cómo ha sido reinterpretada por otros artistas a lo largo del tiempo. DIO - HOLY DIVER: https://www.youtube.com/watch?v=2lvs2FzF64o Publicada en 1983 como tema principal del álbum debut en solitario de Ronnie James Dio, Holy Diver no tardó en convertirse en un clásico del heavy metal. Tras su paso por bandas legendarias como Rainbow y Black Sabbath, Dio decidió seguir su propio camino y, ¡vaya si acertó! Con riffs poderosos, una atmósfera épica y letras cargadas de simbolismo fantástico, Holy Diver es una especie de cuento heroico que mezcla imágenes medievales y místicas con un mensaje de resistencia y libertad. ¿Y quién podría olvidar ese riff inicial? Ese que arranca como si una tormenta eléctrica se colara por los altavoces y te dijera: "Agárrate fuerte, que vienen curvas." El videoclip también merece su mención: Dio convertido en una especie de guerrero medieval que reparte justicia al estilo de Conan el Bárbaro. KILLSWITCH ENGAGE: https://www.youtube.com/watch?v=NR7dG_m3MsI Una canción así no podía quedarse sin reinterpretaciones. Probablemente la versión más conocida y celebrada es la de Killswitch Engage. En 2006, estos reyes del metalcore la llevaron a su terreno con guitarras afiladas, una batería demoledora y un sonido más moderno, pero sin perder el espíritu épico de la original. Tanto caló que formó parte de la banda sonora del videojuego Guitar Hero y acabó siendo un clásico dentro del propio repertorio de Killswitch Engage. Guitar Hero Versión: https://www.youtube.com/watch?v=F89a2wiar3k PAT BOONE: https://www.youtube.com/watch?v=qjQV3omTRtk En 1997, Pat Boone, famoso en los años 50 por sus baladas románticas y versiones suavizadas de canciones de rock, decidió incursionar en el heavy metal con su disco In a Metal Mood: No More Mr. Nice Guy. Y ahí, sin despeinarse, se atrevió con Holy Diver, transformándola en algo así como jazz elegante con toques de swing. Imagínate a tu tío abuelo en bata cantando heavy metal... pero con orquesta y un rollo swing jazzero. Y ojo, que hasta el propio Ronnie James Dio dijo que le había gustado. Ahí queda eso. JACK BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=J3_sWF0Z4CE Actor, comediante y cantante —sí, todo a la vez—, Jack Black, el mismísimo protagonista de Escuela de Rock, no perdió la oportunidad de rendir tributo a Holy Diver durante su visita al programa Late Night with Jimmy Fallon en diciembre de 2010. En directo, con toda su energía desbordante, su vozarrón y esos gestos marca de la casa, se lanzó a cantar el tema como si estuviera encabezando un festival de metal. Más que una versión, fue un espectáculo en sí mismo. PUDDLES PITY PARTY: https://www.youtube.com/watch?v=ZsxeKx-u5NY Si no conoces a Puddles Pity Party, te lo presento: un payaso triste, vestido de blanco, de voz profunda y capaz de convertir cualquier clásico en una balada melancólica. En 2021, se atrevió con Holy Diver, dándole la vuelta por completo y llevándola al terreno del drama y la nostalgia. Olvídate de guitarras afiladas y gritos desgarradores: aquí todo es delicado, suave, como si Dio hubiera escrito la canción después de una ruptura amorosa y se la hubiera entregado a un crooner venido del circo. Inquietante, inesperado… pero fascinante. NINA HERMANS: https://www.youtube.com/watch?v=r_DgyIjfiK0 En su versión de Holy Diver, Nina Hermans rinde homenaje al clásico de Dio con un enfoque único, inspirado en la interpretación de Killswitch Engage. Su cover aporta una mezcla de melodías intensas y poderosas, con una interpretación vocal que mantiene la energía de la original, pero con una suavidad emocional que le da una nueva dimensión. La versión de Hermans toma el espíritu del metal melódico, fusionando la potencia con el lirismo de su voz, lo que la convierte en una propuesta fresca y cargada de emoción. CONCLUSIÓN Así terminamos nuestro viaje por las diferentes versiones de Holy Diver, un tema que sigue demostrando su capacidad para reinventarse a través de los años, desde los riffs más duros hasta las interpretaciones más suaves y dramáticas. Lo que está claro es que una canción como esta no tiene límites: se puede transformar, adaptar y, por supuesto, rendir homenaje de mil maneras diferentes. Así que la próxima vez que escuches Holy Diver, recuerda que, aunque Dio la hizo inmortal, hay todo un universo de versiones esperando ser descubiertas. Y como siempre, no olvides levantar esos cuernos bien alto y seguir explorando. ¡Nos vemos en el próximo episodio de Explorando Versiones!locosporincordiar¡Bienvenidos a Explorando Versiones! Soy Ramón y hoy nos sumergimos en los mares oscuros y místicos del heavy metal para hablar de uno de sus himnos más icónicos: Holy Diver, de Dio. Esta canción, lanzada en 1983, ha dejado una huella imborrable en el mundo del metal y ha sido reinterpretada por numerosos artistas a lo largo de los años. ¡Preparaos, que hoy toca levantar los cuernos bien alto! \m/ Para aquellos que no estén familiarizados, Ronnie James Dio fue una de las voces más reverenciadas en el heavy metal. Su trayectoria abarca desde sus inicios con Rainbow, pasando por su etapa con Black Sabbath, hasta su exitoso proyecto en solitario, Dio. Con su poderosa voz y su carisma en el escenario, Dio se ha ganado un lugar en el Olimpo del metal. Holy Diver, el tema principal del álbum debut de Dio, es una obra maestra que combina riffs poderosos, una atmósfera épica y letras cargadas de simbolismo fantástico. En este episodio, vamos a explorar la historia detrás de esta canción, su impacto en la escena musical y cómo ha sido reinterpretada por otros artistas a lo largo del tiempo. DIO - HOLY DIVER: https://www.youtube.com/watch?v=2lvs2FzF64o Publicada en 1983 como tema principal del álbum debut en solitario de Ronnie James Dio, Holy Diver no tardó en convertirse en un clásico del heavy metal. Tras su paso por bandas legendarias como Rainbow y Black Sabbath, Dio decidió seguir su propio camino y, ¡vaya si acertó! Con riffs poderosos, una atmósfera épica y letras cargadas de simbolismo fantástico, Holy Diver es una especie de cuento heroico que mezcla imágenes medievales y místicas con un mensaje de resistencia y libertad. ¿Y quién podría olvidar ese riff inicial? Ese que arranca como si una tormenta eléctrica se colara por los altavoces y te dijera: "Agárrate fuerte, que vienen curvas." El videoclip también merece su mención: Dio convertido en una especie de guerrero medieval que reparte justicia al estilo de Conan el Bárbaro. KILLSWITCH ENGAGE: https://www.youtube.com/watch?v=NR7dG_m3MsI Una canción así no podía quedarse sin reinterpretaciones. Probablemente la versión más conocida y celebrada es la de Killswitch Engage. En 2006, estos reyes del metalcore la llevaron a su terreno con guitarras afiladas, una batería demoledora y un sonido más moderno, pero sin perder el espíritu épico de la original. Tanto caló que formó parte de la banda sonora del videojuego Guitar Hero y acabó siendo un clásico dentro del propio repertorio de Killswitch Engage. Guitar Hero Versión: https://www.youtube.com/watch?v=F89a2wiar3k PAT BOONE: https://www.youtube.com/watch?v=qjQV3omTRtk En 1997, Pat Boone, famoso en los años 50 por sus baladas románticas y versiones suavizadas de canciones de rock, decidió incursionar en el heavy metal con su disco In a Metal Mood: No More Mr. Nice Guy. Y ahí, sin despeinarse, se atrevió con Holy Diver, transformándola en algo así como jazz elegante con toques de swing. Imagínate a tu tío abuelo en bata cantando heavy metal... pero con orquesta y un rollo swing jazzero. Y ojo, que hasta el propio Ronnie James Dio dijo que le había gustado. Ahí queda eso. JACK BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=J3_sWF0Z4CE Actor, comediante y cantante —sí, todo a la vez—, Jack Black, el mismísimo protagonista de Escuela de Rock, no perdió la oportunidad de rendir tributo a Holy Diver durante su visita al programa Late Night with Jimmy Fallon en diciembre de 2010. En directo, con toda su energía desbordante, su vozarrón y esos gestos marca de la casa, se lanzó a cantar el tema como si estuviera encabezando un festival de metal. Más que una versión, fue un espectáculo en sí mismo. PUDDLES PITY PARTY: https://www.youtube.com/watch?v=ZsxeKx-u5NY Si no conoces a Puddles Pity Party, te lo presento: un payaso triste, vestido de blanco, de voz profunda y capaz de convertir cualquier clásico en una balada melancólica. En 2021, se atrevió con Holy Diver, dándole la vuelta por completo y llevándola al terreno del drama y la nostalgia. Olvídate de guitarras afiladas y gritos desgarradores: aquí todo es delicado, suave, como si Dio hubiera escrito la canción después de una ruptura amorosa y se la hubiera entregado a un crooner venido del circo. Inquietante, inesperado… pero fascinante. NINA HERMANS: https://www.youtube.com/watch?v=r_DgyIjfiK0 En su versión de Holy Diver, Nina Hermans rinde homenaje al clásico de Dio con un enfoque único, inspirado en la interpretación de Killswitch Engage. Su cover aporta una mezcla de melodías intensas y poderosas, con una interpretación vocal que mantiene la energía de la original, pero con una suavidad emocional que le da una nueva dimensión. La versión de Hermans toma el espíritu del metal melódico, fusionando la potencia con el lirismo de su voz, lo que la convierte en una propuesta fresca y cargada de emoción. CONCLUSIÓN Así terminamos nuestro viaje por las diferentes versiones de Holy Diver, un tema que sigue demostrando su capacidad para reinventarse a través de los años, desde los riffs más duros hasta las interpretaciones más suaves y dramáticas. Lo que está claro es que una canción como esta no tiene límites: se puede transformar, adaptar y, por supuesto, rendir homenaje de mil maneras diferentes. Así que la próxima vez que escuches Holy Diver, recuerda que, aunque Dio la hizo inmortal, hay todo un universo de versiones esperando ser descubiertas. Y como siempre, no olvides levantar esos cuernos bien alto y seguir explorando. ¡Nos vemos en el próximo episodio de Explorando Versiones!https://www.ivoox.com/052-explorando-versiones-don-t-stop-believin-audios-mp3_rf_143997864_1.htmlFri, 28 Mar 2025 07:50:15 +010030:28202552fullhttps://www.ivoox.com/143997864locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)no¡Hola, hola, exploradores! ¿Qué tal? Buenos días, tardes o noches, dependiendo de… ya sabéis qué. Yo soy Raulillo, esto es Explorando versiones, y quiero robaros un poco de lo más valioso que tenéis: vuestro tiempo, para hablaros de un clásico del rock y algunas de sus versiones. ¿Os venís conmigo a explorar las versiones de Don’t Stop Believin’ de Journey? JOURNEY - DON’T STOP BELIEVIN’: https://www.youtube.com/watch?v=jidZEUOR6zs Journey es una banda de rock creada en 1972 en San Francisco, Estados Unidos. Originalmente, una banda de estilo rock progresivo que fue convirtiéndose a un estilo más melódico y comercial, sobre todo con la incorporación del vocalista Steve Perry en 1978. Don't Stop Believin' (en español: No dejes de creer) es el título de una power ballad interpretada por la banda de rock estadounidense Journey, incluida en su séptimo álbum de estudio, Escape (1981). La canción fue escrita por Jonathan Cain (teclista de la banda), y su riff de teclado es considerado como uno de los más reconocibles de la historia del rock. CBS Records la lanzó el 5 de octubre de 1981 como el segundo sencillo del álbum. A menudo considerada como su canción insignia, alcanzó un puesto entre las diez primeras canciones de la lista Billboard Hot 100. Se vendieron más de un millón de copias en vinilo. Es la canción número uno de descarga digital pagada lanzada en el siglo XX. Ha vendido más de 7 millones de unidades digitales en los EE. UU. hasta julio de 2017. La base de datos en línea All Music la describe como la “canción perfecta”, y la revista Forbes la sitúa como la canción de rock más grande de todos los tiempos. En mi opinión, es muy buena, pero aquí creo que se han venido un poco arriba. La historia que cuenta la canción podría considerarse autobiográfica. Narra la historia de un chico y una chica de mundos distintos que viajan lejos de casa para cumplir el sueño de vivir de la música. Es justo lo que hizo Jonathan Cain. El título de la canción proviene de algo que el padre del tecladista Jonathan Cain le decía con frecuencia cuando era un músico en dificultades que vivía en Sunset Boulevard, en Los Ángeles. GLEE: https://www.youtube.com/watch?v=3Dc1d46O3O8 Como todo temazo rockero que se precie, Don’t Stop Believin’ está presente en la pequeña y gran pantalla. La lista de producciones audiovisuales en las que aparece, tanto en su versión original como en versiones para la ocasión, no es corta: • La mejor de mis bodas (1998) de Adam Sandler. • La oscarizada Monster de 2003, con Charlize Theron y Christina Ricci. • Como no, en el musical Rock of Ages, que saltó de los teatros de Broadway para convertirse en una película en 2012, protagonizada, entre otros, por Tom Cruise y Alec Baldwin. He visto tanto la peli como el musical, y el argumento es literalmente el de la canción. No es “la leche”, pero para un domingo en el que San Pedro juega a los bolos en el cielo, te puede quitar el aburrimiento. • En la pequeña pantalla se puede ver en la famosa serie Los Soprano en 1999. Tras esta aparición, la canción volvió a romperlo en cuanto a ventas y relanzó la carrera de Journey. • Y, como no, también podéis oír la versión que estáis escuchando en la serie Glee de 2009. Una serie musical del típico High School yanqui, es una auténtica oda a la cultura woke. Es la máxima expresión del audiovisual inclusivo, en el que tenemos desde la típica capitana de animadoras, reina del baile, hasta el tío más chungo y malote, pasando por chicos frikis gafaplastas, chicas guays, flacas, gruesas, afroamericanas, parapléjicos, gays, lesbianas, orientales, latinos y hasta algún pelirrojo. Sí, así es, pelirrojos: el precio a pagar por el resto de mortales para que podamos disfrutar de las pelirrojas. Ahora disfrutemos de esta versión coral, bastante pastelosa aunque no mala del todo, para la serie Glee. THE HOLOPHONICS: https://www.youtube.com/watch?v=xxv-_3S0zUU ¿Qué tal un poquito de ska? Si queréis oír un huevo de versiones de temazos de todos los tiempos en clave de ska, no podéis dejar de visitar la discografía de The Holophonics. Esta versión está incluida en su disco de versiones Maskarades Vol. 11. Y que sepáis que ya van por el Vol. 17. Los tejanos que comenzaron en esto allá por el 2012 dicen ser un grupo de progressive ska. Chiquillos pretenciosos… si sabes hacer música progresiva, no haces punk ni ska. En fin, sea como sea, sus discos de versiones son muy disfrutables, kalimotxo en mano. POSTMODERN JUKEBOX: https://www.youtube.com/watch?v=UngXu2zwF9E Estáis oyendo Postmodern Jukebox. Algo así como “la gramola postmoderna”. Otra agrupación dedicada enteramente a las versiones. Pero vienen bien para que se te baje el subidón del fiestón ska que te acabas de pegar. No te voy a mencionar a sus integrantes porque son ciento y la madre. Si te van las versiones de los éxitos del rock y pop de todos los tiempos en clave de jazz suave, dos cosas te digo: 1. Este es tu grupo; no dudes en escucharlos. 2. A mí no me hables. STEEL PANTHER: https://www.youtube.com/watch?v=r2o9KAplnu4 Ahora vamos con metal de mentira o de chichinabo. Me explico: estos son Steel Panther, un cuarteto que en el 2000 comenzó a tener popularidad en el Sunset Strip hollywoodiense. Este sitio, básicamente, es el nido de serpientes andróginas travestidas que son los grupos de glam metal, de la escuela de Poison, L.A. Guns, Mötley Crüe y compañía. Estos grupos, dedicados en cuerpo y alma a llevar la vida de rockstar, sin reparar en si su música es de verdadera calidad o no. Esta versión se lanzó como single en 2009, y, como podéis oír, no se diferencia mucho de la original. Es lo que pasa cuando andas corto de talento. Ahora, en serio, y una vez que me he vaciado de bilis, quiero aclarar una cosa: es cierto que a los jovenzuelos y rockeros más maduros no nos va mucho este estilo. Pero, en realidad, todos lo hemos consumido. Por eso, amigo, si te gusta este u otro grupo de glam, no te avergüences por mucho que los critiquen. Muchos empezaron oyendo estas cosas y, tirando del hilo, han descubierto grupazos y se han convertido en verdaderos metalhead masters. Recuerda: Don’t Stop Believin’. NORTHERN KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=9uynzC4BrLE Don’t Stop Believin’ es una canción un tanto peculiar. No oiremos el estribillo hasta el final. Esta canción es como el sexo tántrico: te mantiene arriba todo el tiempo hasta 50 segundos antes de concluir, que es cuando entra por primera vez su estribillo. Por cierto, pedazo de estribillo que te eleva el alma al séptimo cielo. Pero existe un grupo que es capaz de usar esta canción para hacerte cruzar la laguna Estigia de la mano del barquero Caronte y llevarte a las capas más oscuras del reino de Hades. Son Northern Kings, un supergrupo de versiones finés con un estilo oscuro de metal sinfónico y épico, compuesto por cuatro de los más reconocidos músicos del metal nórdico: Jarkko Ahola (Teräsbetoni), Marco Hietala (Nightwish y Tarot), Tony Kakko (Sonata Arctica) y Juha-Pekka Leppäluoto (Charon). Comenzaron este proyecto en 2007 con su álbum Reborn, donde aparece esta versión de la canción de Journey, junto a otras versiones como We Don’t Need Another Hero de Tina Turner, Broken Wings de Mr. Mister o Ashes to Ashes de David Bowie, entre otros. En fin, más te vale tener el alma pura y limpia antes de oír un disco de este grupazo. FLATIRONS COMMUNITY CHURCH:: https://www.youtube.com/watch?v=XhNP7fZG2O4 Y si de verdad queréis limpiar vuestro alma, vamos a darle al rock cristiano. Flatirons Community Church. Esto no es solo un grupo, es mucho más: una escuela de base cristiana con sedes en Westminster y Genesee (Colorado). La iglesia ofrece música de adoración moderna, dirigida principalmente por líderes de adoración específicos del campus, junto a conferencias de corte cristiano durante un servicio (que es como llaman por allí a las misas) típico de fin de semana. La música no se limita a canciones de adoración, sino que incluye canciones seculares de bandas populares como Queen, Imagine Dragons, Foo Fighters, Coldplay, Twenty One Pilots, Bleachers y más. La iglesia recibe regularmente a más de 19,000 asistentes por fin de semana entre los cinco campus que atesoran. Un servidor, que se declara agnóstico aborrecedor de cultos religiosos, ministros de dioses en la tierra y demás supercherías humanas… convencido está de que si las misas católicas montasen estos bolos, me levantaría temprano todos los domingos para asistir a misa de las 10. JORN: https://www.youtube.com/watch?v=JUcW9meI73k Si alguien escuchó el Explorando versiones de Hotel California, ya sabrá quién es este señor. Es Jorn Lande, ex-Masterplan (la banda de power metal formada por Roland Grapow y Uli Kusch tras su salida de Helloween). Con su proyecto en solitario, Jorn, sacó el disco de versiones Heavy Rock Radio en 2016. Y, aún a riesgo de repetirme con este artista, lo pongo sin ninguna vergüenza, ya que si algo tiene el hacer Explorando versiones, es que se aprende un huevo y se descubren proyectos musicales que sorprenden a cualquiera. Y este descubrimiento se está convirtiendo en uno de mis artistas favoritos en el último año. Dejo que disfrutéis de Jorn Lande y su magistral control sobre sus cuerdas vocales. BAD BONES: https://www.youtube.com/watch?v=WaCI0t6b9cM Bad Bones es una banda italiana de hard rock y heavy metal formada en 2007 en Ceva, Italia. La fundaron los hermanos Steve (bajo) y Lele Balocco (batería), junto con el guitarrista y vocalista Mekk Borra. Su sonido está influenciado por bandas clásicas como AC/DC o ZZ Top. Esta versión del himno de Journey es de 2014 y está incluida en la versión Deluxe de su disco de 2012, Snakes n’ Bones. Este álbum fue el culpable de darles el empujoncito que les llevó a girar por toda Europa y Estados Unidos, llegando a tocar en sitios emblemáticos como el Whisky a Go Go de Los Ángeles, donde compartieron escenario con los anteriormente mencionados Steel Panther. Estos Bad Bones son un grupo que acabo de descubrir, y si os gusta oír rock de toda la vida con sonido a directo en sus grabaciones y sin sintetizadores, os animo a que os deis un paseo por la discografía de estos italianos. HALOCENE: https://www.youtube.com/watch?v=qCvqnTEApro Halocene, Banda originario de Phoenix, Arizona, Bradley Amick no han parado de trabajar duro y con pasión desde 2008. Después de haber estado de gira de costa a costa en una camioneta destartalada, abriendo para bandas como Blink 182. Halocene encontró su camino como banda influencer en YouTube, subiendo contenido semanalmente y obteniendo más de 30 millones de vistas. También es una de las primeras bandas en transmitir regularmente sus actuaciones en vivo en Twitch. Pero Raulillo, vas a despedirte con unos creadores de contenido? En serio? Pues si, hay que aceptar que la musica como todo, va en esa dirección y joder, se ven verdaderos talentos que se tienen que buscar la vida por su cuenta en estos formatos. Como hace nuestra amiga Merchi en Smule con sus amigos, que es una gozada ver como crean comunidad y disfrutan y nos hacen disfrutar haciendo musica practicamente por amor al arte. Y estos Halocene, tiran de comunidad para no estar solos con esta versión de Journey. Otros amigos de distintas plataformas musicales se unen a ellos para la ocasión. Violet Orlandi, Lauren Babic, Cole Rolland. En total 4 voces femeninas que empastan que te mueres. Amigos exploradores, yo ya me voy y os dejo disfrutar de este himno a la lucha y esfuerzo por llegar a conseguir los sueños sin parar de creer. Joder que moña he sonado. En fin amigos exploradores. Soy Raulillo y me despido con el mismo consejo de siempre. Pon el oido y sube el volumen, So friki!!locosporincordiar¡Hola, hola, exploradores! ¿Qué tal? Buenos días, tardes o noches, dependiendo de… ya sabéis qué. Yo soy Raulillo, esto es Explorando versiones, y quiero robaros un poco de lo más valioso que tenéis: vuestro tiempo, para hablaros de un clásico del rock y algunas de sus versiones. ¿Os venís conmigo a explorar las versiones de Don’t Stop Believin’ de Journey? JOURNEY - DON’T STOP BELIEVIN’: https://www.youtube.com/watch?v=jidZEUOR6zs Journey es una banda de rock creada en 1972 en San Francisco, Estados Unidos. Originalmente, una banda de estilo rock progresivo que fue convirtiéndose a un estilo más melódico y comercial, sobre todo con la incorporación del vocalista Steve Perry en 1978. Don't Stop Believin' (en español: No dejes de creer) es el título de una power ballad interpretada por la banda de rock estadounidense Journey, incluida en su séptimo álbum de estudio, Escape (1981). La canción fue escrita por Jonathan Cain (teclista de la banda), y su riff de teclado es considerado como uno de los más reconocibles de la historia del rock. CBS Records la lanzó el 5 de octubre de 1981 como el segundo sencillo del álbum. A menudo considerada como su canción insignia, alcanzó un puesto entre las diez primeras canciones de la lista Billboard Hot 100. Se vendieron más de un millón de copias en vinilo. Es la canción número uno de descarga digital pagada lanzada en el siglo XX. Ha vendido más de 7 millones de unidades digitales en los EE. UU. hasta julio de 2017. La base de datos en línea All Music la describe como la “canción perfecta”, y la revista Forbes la sitúa como la canción de rock más grande de todos los tiempos. En mi opinión, es muy buena, pero aquí creo que se han venido un poco arriba. La historia que cuenta la canción podría considerarse autobiográfica. Narra la historia de un chico y una chica de mundos distintos que viajan lejos de casa para cumplir el sueño de vivir de la música. Es justo lo que hizo Jonathan Cain. El título de la canción proviene de algo que el padre del tecladista Jonathan Cain le decía con frecuencia cuando era un músico en dificultades que vivía en Sunset Boulevard, en Los Ángeles. GLEE: https://www.youtube.com/watch?v=3Dc1d46O3O8 Como todo temazo rockero que se precie, Don’t Stop Believin’ está presente en la pequeña y gran pantalla. La lista de producciones audiovisuales en las que aparece, tanto en su versión original como en versiones para la ocasión, no es corta: • La mejor de mis bodas (1998) de Adam Sandler. • La oscarizada Monster de 2003, con Charlize Theron y Christina Ricci. • Como no, en el musical Rock of Ages, que saltó de los teatros de Broadway para convertirse en una película en 2012, protagonizada, entre otros, por Tom Cruise y Alec Baldwin. He visto tanto la peli como el musical, y el argumento es literalmente el de la canción. No es “la leche”, pero para un domingo en el que San Pedro juega a los bolos en el cielo, te puede quitar el aburrimiento. • En la pequeña pantalla se puede ver en la famosa serie Los Soprano en 1999. Tras esta aparición, la canción volvió a romperlo en cuanto a ventas y relanzó la carrera de Journey. • Y, como no, también podéis oír la versión que estáis escuchando en la serie Glee de 2009. Una serie musical del típico High School yanqui, es una auténtica oda a la cultura woke. Es la máxima expresión del audiovisual inclusivo, en el que tenemos desde la típica capitana de animadoras, reina del baile, hasta el tío más chungo y malote, pasando por chicos frikis gafaplastas, chicas guays, flacas, gruesas, afroamericanas, parapléjicos, gays, lesbianas, orientales, latinos y hasta algún pelirrojo. Sí, así es, pelirrojos: el precio a pagar por el resto de mortales para que podamos disfrutar de las pelirrojas. Ahora disfrutemos de esta versión coral, bastante pastelosa aunque no mala del todo, para la serie Glee. THE HOLOPHONICS: https://www.youtube.com/watch?v=xxv-_3S0zUU ¿Qué tal un poquito de ska? Si queréis oír un huevo de versiones de temazos de todos los tiempos en clave de ska, no podéis dejar de visitar la discografía de The Holophonics. Esta versión está incluida en su disco de versiones Maskarades Vol. 11. Y que sepáis que ya van por el Vol. 17. Los tejanos que comenzaron en esto allá por el 2012 dicen ser un grupo de progressive ska. Chiquillos pretenciosos… si sabes hacer música progresiva, no haces punk ni ska. En fin, sea como sea, sus discos de versiones son muy disfrutables, kalimotxo en mano. POSTMODERN JUKEBOX: https://www.youtube.com/watch?v=UngXu2zwF9E Estáis oyendo Postmodern Jukebox. Algo así como “la gramola postmoderna”. Otra agrupación dedicada enteramente a las versiones. Pero vienen bien para que se te baje el subidón del fiestón ska que te acabas de pegar. No te voy a mencionar a sus integrantes porque son ciento y la madre. Si te van las versiones de los éxitos del rock y pop de todos los tiempos en clave de jazz suave, dos cosas te digo: 1. Este es tu grupo; no dudes en escucharlos. 2. A mí no me hables. STEEL PANTHER: https://www.youtube.com/watch?v=r2o9KAplnu4 Ahora vamos con metal de mentira o de chichinabo. Me explico: estos son Steel Panther, un cuarteto que en el 2000 comenzó a tener popularidad en el Sunset Strip hollywoodiense. Este sitio, básicamente, es el nido de serpientes andróginas travestidas que son los grupos de glam metal, de la escuela de Poison, L.A. Guns, Mötley Crüe y compañía. Estos grupos, dedicados en cuerpo y alma a llevar la vida de rockstar, sin reparar en si su música es de verdadera calidad o no. Esta versión se lanzó como single en 2009, y, como podéis oír, no se diferencia mucho de la original. Es lo que pasa cuando andas corto de talento. Ahora, en serio, y una vez que me he vaciado de bilis, quiero aclarar una cosa: es cierto que a los jovenzuelos y rockeros más maduros no nos va mucho este estilo. Pero, en realidad, todos lo hemos consumido. Por eso, amigo, si te gusta este u otro grupo de glam, no te avergüences por mucho que los critiquen. Muchos empezaron oyendo estas cosas y, tirando del hilo, han descubierto grupazos y se han convertido en verdaderos metalhead masters. Recuerda: Don’t Stop Believin’. NORTHERN KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=9uynzC4BrLE Don’t Stop Believin’ es una canción un tanto peculiar. No oiremos el estribillo hasta el final. Esta canción es como el sexo tántrico: te mantiene arriba todo el tiempo hasta 50 segundos antes de concluir, que es cuando entra por primera vez su estribillo. Por cierto, pedazo de estribillo que te eleva el alma al séptimo cielo. Pero existe un grupo que es capaz de usar esta canción para hacerte cruzar la laguna Estigia de la mano del barquero Caronte y llevarte a las capas más oscuras del reino de Hades. Son Northern Kings, un supergrupo de versiones finés con un estilo oscuro de metal sinfónico y épico, compuesto por cuatro de los más reconocidos músicos del metal nórdico: Jarkko Ahola (Teräsbetoni), Marco Hietala (Nightwish y Tarot), Tony Kakko (Sonata Arctica) y Juha-Pekka Leppäluoto (Charon). Comenzaron este proyecto en 2007 con su álbum Reborn, donde aparece esta versión de la canción de Journey, junto a otras versiones como We Don’t Need Another Hero de Tina Turner, Broken Wings de Mr. Mister o Ashes to Ashes de David Bowie, entre otros. En fin, más te vale tener el alma pura y limpia antes de oír un disco de este grupazo. FLATIRONS COMMUNITY CHURCH:: https://www.youtube.com/watch?v=XhNP7fZG2O4 Y si de verdad queréis limpiar vuestro alma, vamos a darle al rock cristiano. Flatirons Community Church. Esto no es solo un grupo, es mucho más: una escuela de base cristiana con sedes en Westminster y Genesee (Colorado). La iglesia ofrece música de adoración moderna, dirigida principalmente por líderes de adoración específicos del campus, junto a conferencias de corte cristiano durante un servicio (que es como llaman por allí a las misas) típico de fin de semana. La música no se limita a canciones de adoración, sino que incluye canciones seculares de bandas populares como Queen, Imagine Dragons, Foo Fighters, Coldplay, Twenty One Pilots, Bleachers y más. La iglesia recibe regularmente a más de 19,000 asistentes por fin de semana entre los cinco campus que atesoran. Un servidor, que se declara agnóstico aborrecedor de cultos religiosos, ministros de dioses en la tierra y demás supercherías humanas… convencido está de que si las misas católicas montasen estos bolos, me levantaría temprano todos los domingos para asistir a misa de las 10. JORN: https://www.youtube.com/watch?v=JUcW9meI73k Si alguien escuchó el Explorando versiones de Hotel California, ya sabrá quién es este señor. Es Jorn Lande, ex-Masterplan (la banda de power metal formada por Roland Grapow y Uli Kusch tras su salida de Helloween). Con su proyecto en solitario, Jorn, sacó el disco de versiones Heavy Rock Radio en 2016. Y, aún a riesgo de repetirme con este artista, lo pongo sin ninguna vergüenza, ya que si algo tiene el hacer Explorando versiones, es que se aprende un huevo y se descubren proyectos musicales que sorprenden a cualquiera. Y este descubrimiento se está convirtiendo en uno de mis artistas favoritos en el último año. Dejo que disfrutéis de Jorn Lande y su magistral control sobre sus cuerdas vocales. BAD BONES: https://www.youtube.com/watch?v=WaCI0t6b9cM Bad Bones es una banda italiana de hard rock y heavy metal formada en 2007 en Ceva, Italia. La fundaron los hermanos Steve (bajo) y Lele Balocco (batería), junto con el guitarrista y vocalista Mekk Borra. Su sonido está influenciado por bandas clásicas como AC/DC o ZZ Top. Esta versión del himno de Journey es de 2014 y está incluida en la versión Deluxe de su disco de 2012, Snakes n’ Bones. Este álbum fue el culpable de darles el empujoncito que les llevó a girar por toda Europa y Estados Unidos, llegando a tocar en sitios emblemáticos como el Whisky a Go Go de Los Ángeles, donde compartieron escenario con los anteriormente mencionados Steel Panther. Estos Bad Bones son un grupo que acabo de descubrir, y si os gusta oír rock de toda la vida con sonido a directo en sus grabaciones y sin sintetizadores, os animo a que os deis un paseo por la discografía de estos italianos. HALOCENE: https://www.youtube.com/watch?v=qCvqnTEApro Halocene, Banda originario de Phoenix, Arizona, Bradley Amick no han parado de trabajar duro y con pasión desde 2008. Después de haber estado de gira de costa a costa en una camioneta destartalada, abriendo para bandas como Blink 182. Halocene encontró su camino como banda influencer en YouTube, subiendo contenido semanalmente y obteniendo más de 30 millones de vistas. También es una de las primeras bandas en transmitir regularmente sus actuaciones en vivo en Twitch. Pero Raulillo, vas a despedirte con unos creadores de contenido? En serio? Pues si, hay que aceptar que la musica como todo, va en esa dirección y joder, se ven verdaderos talentos que se tienen que buscar la vida por su cuenta en estos formatos. Como hace nuestra amiga Merchi en Smule con sus amigos, que es una gozada ver como crean comunidad y disfrutan y nos hacen disfrutar haciendo musica practicamente por amor al arte. Y estos Halocene, tiran de comunidad para no estar solos con esta versión de Journey. Otros amigos de distintas plataformas musicales se unen a ellos para la ocasión. Violet Orlandi, Lauren Babic, Cole Rolland. En total 4 voces femeninas que empastan que te mueres. Amigos exploradores, yo ya me voy y os dejo disfrutar de este himno a la lucha y esfuerzo por llegar a conseguir los sueños sin parar de creer. Joder que moña he sonado. En fin amigos exploradores. Soy Raulillo y me despido con el mismo consejo de siempre. Pon el oido y sube el volumen, So friki!!https://www.ivoox.com/051-explorando-versiones-apuesta-por-el-rock-audios-mp3_rf_143550396_1.htmlFri, 21 Mar 2025 08:16:04 +010015:52202551fullhttps://www.ivoox.com/143550396locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola soy Sergio Serrato y vengo otra vez a este nuestro podcast favorito Explorando versiones… Ponte tus pantalones de pitillo, coge tu chupa de cuero y péinate ese tupé imposible a lo James Dean porque hoy nos sumergimos en una canción y sus versiones de lo más Rocker... Hoy en Explorando versiones os hablamos de “Apuesta por el Rock And Roll” MÁS BIRRAS - APUESTA POR EL ROCK’N’ROLL (Primera Versión): https://www.youtube.com/watch?v=1a6vfjH1oPQ Mauricio Aznar Müller fue un poeta y músico nacido en Zaragoza en el año 1964 y fundador de bandas de estilo Rocker como “Golden Zippers”, “Más Birras” y “Almagato”. Con un marcado estilo Rockabilly Mauricio es el autor de esta canción incluida en el mini LP del grupo “Más Birras” del año 1987 “Al Este del Moncayo” Aunque la banda Mas Birras se fundó en 1984, no alcanzó gran popularidad nacional hasta que en 1987 “Apuesta por el Rock And Roll” fue lanzada por Jesus Ordás en Radio 3. La canción en sí es como una novela corta que narra una historia de declaración de amor hacia un estilo de vida, un anhelo de una libertad absoluta, una carrera en busca del sueño de vivir como uno quiere, donde el protagonista ofrece a su chica que lo acompañe en esta aventura que es la vida, la que él ha elegido vivir. Esta complejidad narrativa es inusual en las canciones de rock de la época y sin duda obedece al sello de su letrista, Gabriel Sopeña, músico, poeta, escritor y profesor de filosofía, además de amigo de la infancia de Mauricio Aznar, que colaboró en algunos temas de Más Birras. En Más Birras está todo el sentir de una juventud española de principios de los 80, el paro, la mili y la heroína eran lo que ahora llaman Trading Topic. HÉROES DEL SILENCIO: https://www.youtube.com/watch?v=0-GqJPqYSKc Muchos de los Fans de Heroes del Silencio seguramente no sepan el origen de esta canción e incluso atribuyan la autoría al grupo liderado por Bunbury y es que casi nunca una canción de una banda quedaba tan como anillo a ldedo de otra…. parece que Mauricio Aznar y Gabriel Sopeña creasen esta canción pensando en unos Heroes del Silencio que ni siquiera existían aún….. aquí podemos escuchar una versión en directo de este tema que Heroes incluyó en su primer disco recopilatorio del 1996 “Rarezas” JOAQUÍN CARDIEL (HÉROES DEL SILENCIO), AMARAL Y ARIEL ROT: https://www.youtube.com/watch?v=up3qYoPeNO0 Otros ilustres Zaragozanos como Amaral grabaron junto a Joaquin Cardiel de Heroes y con Alejo Stevens de Tequila a la guitarra esta versión durante la grabación del programa de televisión Española “ Un país para escucharlo” GABRIEL SOPEÑA Y JAVIER MACIPE: https://www.youtube.com/watch?v=29iWGyP5g0E El propio autor de la letra que como he dicho es tambien músico interpretaba la canción en directo durante la entrega de los premios de la musica Aragonesa celebrada en 26 de Marzo acompañado de Javier Macipe LOS LOCOS TRISTES: https://www.youtube.com/watch?v=g9TNM-LnX58 El duo Indie de Rock and Roll en bares y cantinas Cubano, que así se definen nos dejaron esta version demostrando que se hace buen Rock And Roll en la Isla…. HÉROES DEL SILENCIO Y LOQUILLO: https://www.youtube.com/watch?v=Ti4XvrAYMYQ Como es una canción que vive del espiritu del directo y es ahí donde se encuentra su verdadero sentido, os dejamos esta interpretación de Heroes del Silencio junto a Loquillo en un concierto en Barcelona…. disculpenme por la calidad del sonido pero esto es Rock And Roll puro…. MÁS BIRRAS - APUESTA POR EL ROCK’N’ROLL: https://www.youtube.com/watch?v=zCAw7kNOlLw Mauricio Aznar es una figura poco conocida y aun menos reconocida en la historia del Rock And Roll nacional, en sus últimos años empezo a interesarse por el tango y el folclore de una zona en concreto del noreste de Argentina…. nos dejó a la temprana edad de 36 años en el año 2000 por una sobredosis una semana después del suicidio de su hermano Pedro. Días antes de morir entregó a su amigo un libro de poemas manuscritos y a Gabriel sopeña casi una veintena de canciones inéditas a modo de herencia musical y cultural...locosporincordiarHola soy Sergio Serrato y vengo otra vez a este nuestro podcast favorito Explorando versiones… Ponte tus pantalones de pitillo, coge tu chupa de cuero y péinate ese tupé imposible a lo James Dean porque hoy nos sumergimos en una canción y sus versiones de lo más Rocker... Hoy en Explorando versiones os hablamos de “Apuesta por el Rock And Roll” MÁS BIRRAS - APUESTA POR EL ROCK’N’ROLL (Primera Versión): https://www.youtube.com/watch?v=1a6vfjH1oPQ Mauricio Aznar Müller fue un poeta y músico nacido en Zaragoza en el año 1964 y fundador de bandas de estilo Rocker como “Golden Zippers”, “Más Birras” y “Almagato”. Con un marcado estilo Rockabilly Mauricio es el autor de esta canción incluida en el mini LP del grupo “Más Birras” del año 1987 “Al Este del Moncayo” Aunque la banda Mas Birras se fundó en 1984, no alcanzó gran popularidad nacional hasta que en 1987 “Apuesta por el Rock And Roll” fue lanzada por Jesus Ordás en Radio 3. La canción en sí es como una novela corta que narra una historia de declaración de amor hacia un estilo de vida, un anhelo de una libertad absoluta, una carrera en busca del sueño de vivir como uno quiere, donde el protagonista ofrece a su chica que lo acompañe en esta aventura que es la vida, la que él ha elegido vivir. Esta complejidad narrativa es inusual en las canciones de rock de la época y sin duda obedece al sello de su letrista, Gabriel Sopeña, músico, poeta, escritor y profesor de filosofía, además de amigo de la infancia de Mauricio Aznar, que colaboró en algunos temas de Más Birras. En Más Birras está todo el sentir de una juventud española de principios de los 80, el paro, la mili y la heroína eran lo que ahora llaman Trading Topic. HÉROES DEL SILENCIO: https://www.youtube.com/watch?v=0-GqJPqYSKc Muchos de los Fans de Heroes del Silencio seguramente no sepan el origen de esta canción e incluso atribuyan la autoría al grupo liderado por Bunbury y es que casi nunca una canción de una banda quedaba tan como anillo a ldedo de otra…. parece que Mauricio Aznar y Gabriel Sopeña creasen esta canción pensando en unos Heroes del Silencio que ni siquiera existían aún….. aquí podemos escuchar una versión en directo de este tema que Heroes incluyó en su primer disco recopilatorio del 1996 “Rarezas” JOAQUÍN CARDIEL (HÉROES DEL SILENCIO), AMARAL Y ARIEL ROT: https://www.youtube.com/watch?v=up3qYoPeNO0 Otros ilustres Zaragozanos como Amaral grabaron junto a Joaquin Cardiel de Heroes y con Alejo Stevens de Tequila a la guitarra esta versión durante la grabación del programa de televisión Española “ Un país para escucharlo” GABRIEL SOPEÑA Y JAVIER MACIPE: https://www.youtube.com/watch?v=29iWGyP5g0E El propio autor de la letra que como he dicho es tambien músico interpretaba la canción en directo durante la entrega de los premios de la musica Aragonesa celebrada en 26 de Marzo acompañado de Javier Macipe LOS LOCOS TRISTES: https://www.youtube.com/watch?v=g9TNM-LnX58 El duo Indie de Rock and Roll en bares y cantinas Cubano, que así se definen nos dejaron esta version demostrando que se hace buen Rock And Roll en la Isla…. HÉROES DEL SILENCIO Y LOQUILLO: https://www.youtube.com/watch?v=Ti4XvrAYMYQ Como es una canción que vive del espiritu del directo y es ahí donde se encuentra su verdadero sentido, os dejamos esta interpretación de Heroes del Silencio junto a Loquillo en un concierto en Barcelona…. disculpenme por la calidad del sonido pero esto es Rock And Roll puro…. MÁS BIRRAS - APUESTA POR EL ROCK’N’ROLL: https://www.youtube.com/watch?v=zCAw7kNOlLw Mauricio Aznar es una figura poco conocida y aun menos reconocida en la historia del Rock And Roll nacional, en sus últimos años empezo a interesarse por el tango y el folclore de una zona en concreto del noreste de Argentina…. nos dejó a la temprana edad de 36 años en el año 2000 por una sobredosis una semana después del suicidio de su hermano Pedro. Días antes de morir entregó a su amigo un libro de poemas manuscritos y a Gabriel sopeña casi una veintena de canciones inéditas a modo de herencia musical y cultural...https://www.ivoox.com/050-explorando-versiones-soy-un-macarra-audios-mp3_rf_141619290_1.htmlFri, 14 Mar 2025 08:04:22 +010018:44202550fullhttps://www.ivoox.com/141619290locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola amigos, soy Francisco, os doy la bienvenida a Explorando Versiones. Hoy hablaremos en «Soy un macarra», una de esas canciones que marcaron un antes y un después en la historia del rock en español. Acompañadme mientras exploramos no solo la canción original, sino también algunas de las versiones que ha hecho a lo largo del tiempo. ILEGALES - SOY UN MACARRA: https://www.youtube.com/watch?v=jIJcT8IAExw Para ponernos en contexto, Los Ilegales es una banda asturiana que comenzó su andadura en los inicios de la década de los 80 y que está liderada por Jorge Martínez. Su estilo, que mezcla el punk y el rock con letras mordaces, los convirtió en una de las formaciones más icónicas y controvertidas de la época. Para Jorge Martínez, "Soy un macarra" no es solo una canción; tiene un mensaje que trasciende su aparente simpleza. “Soy un macarra” abre la cara B de su segundo disco titulado “Agotados de esperar el fin” y que fue publicado en 1984. El tema también se lanzó como sencillo bajo el mismo título, donde aparecía la canción “Soy un macarra” en su cara A y “Para Siempre” en la cara B. Como curiosidad, la portada del single es la mano del batería, David Alonso, haciendo la señal de los cuernos y al que le falta un dedo que perdió de crío de un accidente cuando jugaba con un hacha. Y aunque esta canción los lanzó al éxito, no era precisamente la favorita del grupo. De hecho, estuvo a punto de quedarse fuera, ya que la consideraban de poca valía, pero fue la discográfica la que decidió apostar por ella. TEKNO-LIMA (Perú): https://www.youtube.com/watch?v=0zLM7hGruag En 1986, el grupo peruano Tekno-Lima hizo su propia versión de "Soy un macarra". Aunque respeta la base de la canción, esta reinterpretación incorpora toques electrónicos y elementos de rock que le dan un aire futurista y experimental. Con su sonido rudimentario, logra crear una atmósfera casi distópica, sin perder el carácter rebelde de la original. RESACA para la gente (Venezuela): https://soundcloud.com/laresaca/resaca-soy-un-macarra La banda venezolana de hard rock Resaca lanzó en 2010 su disco de debut titulado “Historias de noches extravagantes, perversiones y placer…”. El álbum está compuesto por 9 temas, 8 temas originales más este cover que está sonando de la canción “Soy un Macarra” de los Ilegales, notándose una clara influencia en el sonido de la banda PAPAYA: https://www.youtube.com/watch?v=V3t2gKxcL28 El grupo Indie Papaya, liderado por Yanara Espinoza, lanzó en 2018 el disco “Corazón abierto” y en el que se incluía esta versión en la que se reimagina al macarra dándole un aire surfero. Su estilo pop, fresco y juguetón, le da un giro radical al tema, que se convierte en un himno veraniego con tintes irónicos. MUSCARIA HARDCORE (Ecuador): https://www.youtube.com/watch?v=DGxvRDLZvmE Desde Ecuador, la banda Muscaria lleva esta canción a los terrenos del hardcore metal. En esta versión lanzada en 2011, los riffs agresivos y la batería atronadora amplifican la actitud desafiante de la canción original. Aquí, el macarra parece más un guerrero urbano que un chulo de barrio, pero mantiene intacto el espíritu de rebeldía que caracteriza a Los Ilegales. SINIESTRO TOTAL: https://www.youtube.com/watch?v=Wm4Y_y9kIqI Y por fin llegamos a la versión que más me gusta: la de Siniestro Total. Esta reinterpretación se incluyó en su segundo álbum en directo, Cultura Popular, lanzado en 1997. El disco reúne versiones de grandes canciones de grupos españoles, abarcando desde los años sesenta hasta los noventa. En "Soy un macarra", los arreglos destacan especialmente por la incorporación del saxo de Jorge Beltrán, que aporta un toque fresco y diferente al clásico de Los Ilegales. CONCLUSIONES "Soy un macarra" no es solo una canción; es una actitud, un himno a la transgresión y una obra maestra de la ironía que ha dejado huella en la música y la cultura popular. Espero que hayáis disfrutado de este recorrido por las versiones de uno de los temas más icónicos de Los Ilegales. Nos vemos en el próximo capítulo.locosporincordiarHola amigos, soy Francisco, os doy la bienvenida a Explorando Versiones. Hoy hablaremos en «Soy un macarra», una de esas canciones que marcaron un antes y un después en la historia del rock en español. Acompañadme mientras exploramos no solo la canción original, sino también algunas de las versiones que ha hecho a lo largo del tiempo. ILEGALES - SOY UN MACARRA: https://www.youtube.com/watch?v=jIJcT8IAExw Para ponernos en contexto, Los Ilegales es una banda asturiana que comenzó su andadura en los inicios de la década de los 80 y que está liderada por Jorge Martínez. Su estilo, que mezcla el punk y el rock con letras mordaces, los convirtió en una de las formaciones más icónicas y controvertidas de la época. Para Jorge Martínez, "Soy un macarra" no es solo una canción; tiene un mensaje que trasciende su aparente simpleza. “Soy un macarra” abre la cara B de su segundo disco titulado “Agotados de esperar el fin” y que fue publicado en 1984. El tema también se lanzó como sencillo bajo el mismo título, donde aparecía la canción “Soy un macarra” en su cara A y “Para Siempre” en la cara B. Como curiosidad, la portada del single es la mano del batería, David Alonso, haciendo la señal de los cuernos y al que le falta un dedo que perdió de crío de un accidente cuando jugaba con un hacha. Y aunque esta canción los lanzó al éxito, no era precisamente la favorita del grupo. De hecho, estuvo a punto de quedarse fuera, ya que la consideraban de poca valía, pero fue la discográfica la que decidió apostar por ella. TEKNO-LIMA (Perú): https://www.youtube.com/watch?v=0zLM7hGruag En 1986, el grupo peruano Tekno-Lima hizo su propia versión de "Soy un macarra". Aunque respeta la base de la canción, esta reinterpretación incorpora toques electrónicos y elementos de rock que le dan un aire futurista y experimental. Con su sonido rudimentario, logra crear una atmósfera casi distópica, sin perder el carácter rebelde de la original. RESACA para la gente (Venezuela): https://soundcloud.com/laresaca/resaca-soy-un-macarra La banda venezolana de hard rock Resaca lanzó en 2010 su disco de debut titulado “Historias de noches extravagantes, perversiones y placer…”. El álbum está compuesto por 9 temas, 8 temas originales más este cover que está sonando de la canción “Soy un Macarra” de los Ilegales, notándose una clara influencia en el sonido de la banda PAPAYA: https://www.youtube.com/watch?v=V3t2gKxcL28 El grupo Indie Papaya, liderado por Yanara Espinoza, lanzó en 2018 el disco “Corazón abierto” y en el que se incluía esta versión en la que se reimagina al macarra dándole un aire surfero. Su estilo pop, fresco y juguetón, le da un giro radical al tema, que se convierte en un himno veraniego con tintes irónicos. MUSCARIA HARDCORE (Ecuador): https://www.youtube.com/watch?v=DGxvRDLZvmE Desde Ecuador, la banda Muscaria lleva esta canción a los terrenos del hardcore metal. En esta versión lanzada en 2011, los riffs agresivos y la batería atronadora amplifican la actitud desafiante de la canción original. Aquí, el macarra parece más un guerrero urbano que un chulo de barrio, pero mantiene intacto el espíritu de rebeldía que caracteriza a Los Ilegales. SINIESTRO TOTAL: https://www.youtube.com/watch?v=Wm4Y_y9kIqI Y por fin llegamos a la versión que más me gusta: la de Siniestro Total. Esta reinterpretación se incluyó en su segundo álbum en directo, Cultura Popular, lanzado en 1997. El disco reúne versiones de grandes canciones de grupos españoles, abarcando desde los años sesenta hasta los noventa. En "Soy un macarra", los arreglos destacan especialmente por la incorporación del saxo de Jorge Beltrán, que aporta un toque fresco y diferente al clásico de Los Ilegales. CONCLUSIONES "Soy un macarra" no es solo una canción; es una actitud, un himno a la transgresión y una obra maestra de la ironía que ha dejado huella en la música y la cultura popular. Espero que hayáis disfrutado de este recorrido por las versiones de uno de los temas más icónicos de Los Ilegales. Nos vemos en el próximo capítulo.https://www.ivoox.com/049-explorando-versiones-the-letter-audios-mp3_rf_141229601_1.htmlFri, 07 Mar 2025 07:46:08 +010022:02202549fullhttps://www.ivoox.com/141229601locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola, quién tiene el gusto de conversar como ustedes, Pedro A. Luis, en un nuevo capítulo de "Explorando versiones". Hoy hablaremos de la canción "The Letter" y de sus versiones. THE VENTURES: https://www.youtube.com/watch?v=vvhuEjFYGXg Es muy importante resaltar la estrecha vinculación de la música con la emergente revolución social del momento. A fin de ponerlo en un contexto histórico, la canción se hizo muy popular en una entre la guerra de Vietnam. La revista Rolling Stone la situó en el puesto 363 de sus 500 mejores canciones de todos los tiempos. En el mismo año en que Jerry Rubin, junto con Abbie Hoffman, reconocidos líderes del movimiento hippie y quienes fundaron el Partido Internacional de Juventud cuyas siglas en inglés dan al nombre de los hippies, dan inicio a la cultura hippie, la contracultura, sacudiendo los cimientos de la sociedad, sea el parto revolucionario, algo que perturba a la clase media dominante conservadora blanca de aquella época. La moda no se quedó atrás e impulsó la minifalda, la cual llegó para quedarse, como símbolos de expresión de rebeldía de la mujer, ante la opresora sociedad conservadora de aquellos tiempos. Definitivamente, fueron épocas de oro, de momentos interesantes y de grandes cambios. THE BOX TOPS: https://www.youtube.com/watch?v=HIWY8UyW9bw Año 1967, "The Letter", una canción escrita por Wayne Carson Thompson, llevada a la fama por el grupo de Box Tops. Vocalizada por Alex Chilton, dentro del álbum del mismo nombre, alcanzando el número 1 de la revista Billboard Hot 100. "The Letter", la carta, sirvió como un lazo emocional entre dos almas que se aman. La insistente repetición de la frase "my baby just a-wrote me a letter", algo sí como que mi chica me escribió una carta, trasciende a la distancia y el tiempo, priorizando un vuelo de inmediato sobre otras alternativas de transporte más lentas, poniendo fin a los días de soledad con la frase "lonely days are gone". EVA CASSIDY: https://www.youtube.com/watch?v=RPITXIRwlv0 Iniciamos nuestras versiones de hoy con Eva Marie Cassidy, conocida como Eva Cassidy. Nacida en Oxon Hill, Washington DC, Estados Unidos de Norteamérica, un 2 de febrero de 1963. Fue cantante, guitarrista, dibujante, pintora y paisajista, definitivamente toda una gran artista. Eva nunca grabó composiciones propias, a pesar de todo su talento. Todo el material publicado son versiones de otros autores. Sin embargo era una mujer excepcional, mezclaba géneros como el jazz, el blues, el folk, y el soul de manera muy versátil, logrando que la versión "The Letter" destacara por su tono potente, pero manteniendo su melancólica voz. Aunque Eva no nos acompañó en este plano de vida por mucho tiempo, sí definitivamente su presencia quedó marcada como una de las mejores voces más dulces y sutiles de aquella generación de artistas. SUSAN TEDESCHI: https://www.youtube.com/watch?v=PG1_LAAL4w0 Otra gran artista es Susan Tedeschi, una cantante, guitarrista y compositora norteamericana conocida por su poderosa voz y su estilo musical y que fusiona el blues, el rock, el soul y el gospel, nace en 1970 en Massachusetts. Les puedo decir que aunque poco sabía de Susan, pues al oírla me cautivó y forma parte de mis preferidas en los playlist. Ha sido nominada varias veces a los premios Grammy, ha lanzado numerosos álbumes, tanto en solitario como en colaboración con su esposo Derek. Tanto Susan como Derek, han versionado "The Letter". La enérgica voz de Susan, ha sido un tributo potente a la canción original, la llena de emoción, fuerza y energía. JOE COCKER: https://www.youtube.com/watch?v=LlX5IWwizGg Y dejamos el cierre de este episodio al grande, hablamos de John Robert Cocker, o Joe Cocker como mejor lo conocemos. Nace un 20 de mayo de 1944 en Sheffield, Reino Unido. Fue un cantante y músico de rock y de blues, conocido por su voz, fuerte y áspera, centró parte de su carrera musical en versionar canciones de otros artistas. Cocker se entregaba por completo a la música, su gestualidad era genial y fue en el mejor festival musical de la historia, por lo menos a mi juicio, es decir, Woodstock del 69, en su última canción de su repertorio llamada "A Little Help from My Friends", donde nuestro querido Joe, por primera vez, tocó la guitarra imaginaria, sin colonizando el movimiento de sus manos y brazos, con la música. A partir de ese momento, y aunque ustedes no lo crean, se convirtió en el padre inventor de lo que se conoce como Air Guitar, le pregunto, ¿Quién de nosotros nos han tocado la guitarra imaginaria alguna vez en la vida? Cuando escuchamos sobre todo la canción de rock que tanto nos gusta, y ni hablar si vamos a un concierto. Yo lo hice en presencia a mis padres y hermanos, quienes reían a carcajada limpia, de seguro lo hacían con cariño, y admiraban la pasión que le ponía, hoy en día lo sigo haciendo y lo seguiré haciendo por el resto de mis días. Retomando la versión "The Letter", hecha por Joe Cocker, vamos a oirlo acompañado de Mad Dogs & Englishmen, Leon Russell, Don Preston, y quien luego sería una estrella, Rita Coolidge, nos brinda una presentación por demás épica en el concierto The Fillmore East 1970, Nueva York, Estados Unidos. De modo pues que disfrutemos de la interpretación de Cocker, en esos momentos de profundos cambios sociales, cuando su música no solo reflejaba su talento, sino también el espíritu de una época llena de reclamos y transformaciones. JOE COCKER: https://www.youtube.com/watch?v=CUwm4w0mp1k Y con esta última versión cerramos nuestro capítulo del día de hoy, espero que lo hayan disfrutado tanto como yo. Gracias por su compañía y atención, me despido de todas y todos ustedes, su seguro servidor, Pedro A. Luis, hasta la próxima.locosporincordiarHola, quién tiene el gusto de conversar como ustedes, Pedro A. Luis, en un nuevo capítulo de "Explorando versiones". Hoy hablaremos de la canción "The Letter" y de sus versiones. THE VENTURES: https://www.youtube.com/watch?v=vvhuEjFYGXg Es muy importante resaltar la estrecha vinculación de la música con la emergente revolución social del momento. A fin de ponerlo en un contexto histórico, la canción se hizo muy popular en una entre la guerra de Vietnam. La revista Rolling Stone la situó en el puesto 363 de sus 500 mejores canciones de todos los tiempos. En el mismo año en que Jerry Rubin, junto con Abbie Hoffman, reconocidos líderes del movimiento hippie y quienes fundaron el Partido Internacional de Juventud cuyas siglas en inglés dan al nombre de los hippies, dan inicio a la cultura hippie, la contracultura, sacudiendo los cimientos de la sociedad, sea el parto revolucionario, algo que perturba a la clase media dominante conservadora blanca de aquella época. La moda no se quedó atrás e impulsó la minifalda, la cual llegó para quedarse, como símbolos de expresión de rebeldía de la mujer, ante la opresora sociedad conservadora de aquellos tiempos. Definitivamente, fueron épocas de oro, de momentos interesantes y de grandes cambios. THE BOX TOPS: https://www.youtube.com/watch?v=HIWY8UyW9bw Año 1967, "The Letter", una canción escrita por Wayne Carson Thompson, llevada a la fama por el grupo de Box Tops. Vocalizada por Alex Chilton, dentro del álbum del mismo nombre, alcanzando el número 1 de la revista Billboard Hot 100. "The Letter", la carta, sirvió como un lazo emocional entre dos almas que se aman. La insistente repetición de la frase "my baby just a-wrote me a letter", algo sí como que mi chica me escribió una carta, trasciende a la distancia y el tiempo, priorizando un vuelo de inmediato sobre otras alternativas de transporte más lentas, poniendo fin a los días de soledad con la frase "lonely days are gone". EVA CASSIDY: https://www.youtube.com/watch?v=RPITXIRwlv0 Iniciamos nuestras versiones de hoy con Eva Marie Cassidy, conocida como Eva Cassidy. Nacida en Oxon Hill, Washington DC, Estados Unidos de Norteamérica, un 2 de febrero de 1963. Fue cantante, guitarrista, dibujante, pintora y paisajista, definitivamente toda una gran artista. Eva nunca grabó composiciones propias, a pesar de todo su talento. Todo el material publicado son versiones de otros autores. Sin embargo era una mujer excepcional, mezclaba géneros como el jazz, el blues, el folk, y el soul de manera muy versátil, logrando que la versión "The Letter" destacara por su tono potente, pero manteniendo su melancólica voz. Aunque Eva no nos acompañó en este plano de vida por mucho tiempo, sí definitivamente su presencia quedó marcada como una de las mejores voces más dulces y sutiles de aquella generación de artistas. SUSAN TEDESCHI: https://www.youtube.com/watch?v=PG1_LAAL4w0 Otra gran artista es Susan Tedeschi, una cantante, guitarrista y compositora norteamericana conocida por su poderosa voz y su estilo musical y que fusiona el blues, el rock, el soul y el gospel, nace en 1970 en Massachusetts. Les puedo decir que aunque poco sabía de Susan, pues al oírla me cautivó y forma parte de mis preferidas en los playlist. Ha sido nominada varias veces a los premios Grammy, ha lanzado numerosos álbumes, tanto en solitario como en colaboración con su esposo Derek. Tanto Susan como Derek, han versionado "The Letter". La enérgica voz de Susan, ha sido un tributo potente a la canción original, la llena de emoción, fuerza y energía. JOE COCKER: https://www.youtube.com/watch?v=LlX5IWwizGg Y dejamos el cierre de este episodio al grande, hablamos de John Robert Cocker, o Joe Cocker como mejor lo conocemos. Nace un 20 de mayo de 1944 en Sheffield, Reino Unido. Fue un cantante y músico de rock y de blues, conocido por su voz, fuerte y áspera, centró parte de su carrera musical en versionar canciones de otros artistas. Cocker se entregaba por completo a la música, su gestualidad era genial y fue en el mejor festival musical de la historia, por lo menos a mi juicio, es decir, Woodstock del 69, en su última canción de su repertorio llamada "A Little Help from My Friends", donde nuestro querido Joe, por primera vez, tocó la guitarra imaginaria, sin colonizando el movimiento de sus manos y brazos, con la música. A partir de ese momento, y aunque ustedes no lo crean, se convirtió en el padre inventor de lo que se conoce como Air Guitar, le pregunto, ¿Quién de nosotros nos han tocado la guitarra imaginaria alguna vez en la vida? Cuando escuchamos sobre todo la canción de rock que tanto nos gusta, y ni hablar si vamos a un concierto. Yo lo hice en presencia a mis padres y hermanos, quienes reían a carcajada limpia, de seguro lo hacían con cariño, y admiraban la pasión que le ponía, hoy en día lo sigo haciendo y lo seguiré haciendo por el resto de mis días. Retomando la versión "The Letter", hecha por Joe Cocker, vamos a oirlo acompañado de Mad Dogs & Englishmen, Leon Russell, Don Preston, y quien luego sería una estrella, Rita Coolidge, nos brinda una presentación por demás épica en el concierto The Fillmore East 1970, Nueva York, Estados Unidos. De modo pues que disfrutemos de la interpretación de Cocker, en esos momentos de profundos cambios sociales, cuando su música no solo reflejaba su talento, sino también el espíritu de una época llena de reclamos y transformaciones. JOE COCKER: https://www.youtube.com/watch?v=CUwm4w0mp1k Y con esta última versión cerramos nuestro capítulo del día de hoy, espero que lo hayan disfrutado tanto como yo. Gracias por su compañía y atención, me despido de todas y todos ustedes, su seguro servidor, Pedro A. Luis, hasta la próxima.https://www.ivoox.com/048-explorando-versiones-take-me-home-country-audios-mp3_rf_140759378_1.htmlFri, 28 Feb 2025 00:41:18 +010023:42202548fullhttps://www.ivoox.com/140759378locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noJOHN DENVER - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS (OFFICIAL AUDIO): https://www.youtube.com/watch?v=1vrEljMfXYo EDDY ARNOLD - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=MIH10gTutzI Versión de 1971 que sale en Reader´s Digest, cuyo autor es Eddy Arnold. TOOTS AND THE MAYTALS - TAKE ME HOME COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=lQFKMar4x-w Versión del grupo reggae Toots and the Maytals, cuya versión sustitute a "Virginia Occidental" por "casi cielo, Jamaica Occidental". Esta versión describe Jamaica. También esta versión fue utilizada y reversionada en una película alemana del año 2005 dirigida por Ed Herzog. HEIKE MAKATSCH & THE JOLLY BOYS - COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=rsdkbXuuRk0 La trama de la película es una chica alemana con una enfermedad terminal que sueña con ser cantante de country. LANA DEL REY - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=muWEOXE5zeQ En 2023 Lana del Rey homenajea a John Denver con su propia versión de "Take me Home, Country Roads" que fue lanzada a todas las plataformas digitales. KINGSMAN - MERLIN'S LAST SONG - TAKE ME HOME, COUNTRY ROAD: https://www.youtube.com/watch?v=Ag8mgowTHPE Versión de 2017 de la película Kingsman, el círculo dorado que se convierte en la canción de una de las escenas finales, reversionada por el actor Mark Strong. OLIVIA NEWTON-JOHN - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=uHOTmMpux9E YUJI NOMI (SUSURROS DEL CORAZÓN) - COUNTRY ROAD: https://www.youtube.com/watch?v=JuoTo5dFISo Versión japonesa derivada de la versión de Olivia Newton-John que sale en el anime del Estudio Ghibli YUJI NOMI (Susurros del corazón) en el año 1995. VERSIÓN EN ESPAÑOL DE LA CANCIÓN DE SUSURROS DEL CORAZÓN: https://www.youtube.com/watch?v=5pcz4mpbzM0locosporincordiarJOHN DENVER - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS (OFFICIAL AUDIO): https://www.youtube.com/watch?v=1vrEljMfXYo EDDY ARNOLD - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=MIH10gTutzI Versión de 1971 que sale en Reader´s Digest, cuyo autor es Eddy Arnold. TOOTS AND THE MAYTALS - TAKE ME HOME COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=lQFKMar4x-w Versión del grupo reggae Toots and the Maytals, cuya versión sustitute a "Virginia Occidental" por "casi cielo, Jamaica Occidental". Esta versión describe Jamaica. También esta versión fue utilizada y reversionada en una película alemana del año 2005 dirigida por Ed Herzog. HEIKE MAKATSCH & THE JOLLY BOYS - COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=rsdkbXuuRk0 La trama de la película es una chica alemana con una enfermedad terminal que sueña con ser cantante de country. LANA DEL REY - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=muWEOXE5zeQ En 2023 Lana del Rey homenajea a John Denver con su propia versión de "Take me Home, Country Roads" que fue lanzada a todas las plataformas digitales. KINGSMAN - MERLIN'S LAST SONG - TAKE ME HOME, COUNTRY ROAD: https://www.youtube.com/watch?v=Ag8mgowTHPE Versión de 2017 de la película Kingsman, el círculo dorado que se convierte en la canción de una de las escenas finales, reversionada por el actor Mark Strong. OLIVIA NEWTON-JOHN - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=uHOTmMpux9E YUJI NOMI (SUSURROS DEL CORAZÓN) - COUNTRY ROAD: https://www.youtube.com/watch?v=JuoTo5dFISo Versión japonesa derivada de la versión de Olivia Newton-John que sale en el anime del Estudio Ghibli YUJI NOMI (Susurros del corazón) en el año 1995. VERSIÓN EN ESPAÑOL DE LA CANCIÓN DE SUSURROS DEL CORAZÓN: https://www.youtube.com/watch?v=5pcz4mpbzM0https://www.ivoox.com/047-explorando-versiones-sultans-of-swing-audios-mp3_rf_140256079_1.htmlFri, 21 Feb 2025 07:30:48 +010022:21202547fullhttps://www.ivoox.com/140256079locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola, ¿Qué tal? Amigos, amigas. Soy Vicente Almodóvar de Sonido de Valencia Radio y hoy en este nuevo episodio de Explorando Versiones os vengo a presentar una canción que a mí realmente me marcó muchísimo. Es el "Sultans of Swing" de los Dire Straits. DIRE STRAITS - SULTANS OF SWING: https://www.youtube.com/watch?v=0fAQhSRLQnM De esta canción en particular tengo muy buenos recuerdos. Corría el año 1988 y en el sorteo de la vida me tocó hacer la mili en Madrid y el servicio militar era una mezcla de rutina y descubrimientos. Y en medio de este caos organizado, mi mejor aliado no llevaba uniforme, sino eran unos auriculares, un walkman. Sí, un walkman siempre listo para transportar mi mente pues lejos de los barracones. Y la cinta que más giró en su interior fue el "Alchemy" de los "Dire straits" y esta gloriosa canción. Fue la banda sonora de mi escape mental. En aquellos tiempos pues había que ser ingenioso pues las pilas del walkman era un bien muy preciado. La verdad es que había pocos recursos económicos, y así que cuando se terminaba la cinta, pues no quedaba otra que sacar un boli Bic y así con movimientos de la mano, pues rebobinabas la cinta manualmente. Y así aprovechaba cada giro como si estuvieras ajustando las manillas del tiempo. Pues en un ritual, vuelta tras vuelta, pues imaginaba a Mark Knopfler rasgando su guitarra, mientras yo intentaba ahorrar la energía para la siguiente escucha de la cinta. Y así pasaban los días, entre marchas y maniobras, el "Sultans of Swing" sonaba a mi cabeza como si el mismo Knopfler me acompañara en cada paso. ¿Y quién necesita un escuadrón cuando tienes un solo de guitarra como compañía? Pues a día de hoy cada vez que escucho esta canción, me llega el eco de aquel boli girando y es un vídeo del walkman al arrancar de nuevo. Es curioso cómo algo tan sencillo como rebobinar una cinta se puede convertir en el símbolo de una época. Y la habilidad que debería incluirse en cualquier currículum sobre todo si has vivido en los 80, que es rebobinar una cinta de cassette con un boli Bic. "Sultans of Swing" es una de las canciones más emblemáticas los Dire Straits, lanzado en su álbum debut, en 1978, está compuesta por Mark Knopfler y esta pizza se adentra en el mundo de una banda amateur que toca en un bar casi desierto, capturando la esencia de la pasión por la música y sin preocuparse por el éxito comercial. La mezcla de rock clásico con toques de blues y jazz se siente en cada acorde, y la letra refleja una autenticidad que resuena con muchos músicos que luchan por ser escuchados en un entorno tan competitivo. "Dire Straits" es considerada una de las bandas más influyentes del rock destacando por su autenticidad y su habilidad para mezclar géneros. Su música sigue resonando en nuevas generaciones gracias a su calidad atemporal y a la maestría de Mark Knopfler como compositor y guitarrista. El origen de la banda se formó en Londres en 1977 y estaban entre sus miembros originales pues los hermanos Knopfler, Mark y David con guitarra y luego estaba John Illsley como bajista y Pick Withers como batería. Y el nombre de "Dire Straits" viene a decir aquello como "Duras penas", y fue sugerido por un amigo, reflejando las dificultades económicas que se enfrentaban los miembros en sus inicios. Y su estilo musical "Dire Straits" pues destaca por su enfoque minimalista, en un momento en el punk, el disco y el rock progresivo dominaban la escena. Su sonido combina elementos del rock clásico, del blues, del jazz y del folk y esta canción aparece en su primer álbum en 1978. DIRE STRAITS - SULTANS OF SWING (LIVE AID): https://www.youtube.com/watch?v=JVZTP_kX5BE Y lo que podemos escuchar en primer lugar es una versión ya en sí, porque el álbum original es del año 1978, es donde aparece ya esta canción. Pero la versión en vivo más famosa está en el álbum "Alchemy" de "Dire Straits live" en 1984, donde la canción se extiende a más de 10 minutos con unos solos de guitarra que son increíbles. Se convierten una de las piezas más esperadas de los conciertos de la banda, mostrando la habilidad de Knopfler como guitarrista. Hay que decir que Mark Knopfler tenía una manera muy peculiar de tocar la guitarra. Prácticamente la acariciaba punteando con la yema de los dedos. Y sin duda alguna dejó una huella después del concierto donde se grabó el "Alchemy" en 1985 en el "Live Aid". LEO MORACCHIOLI Y MARY SPENDER: https://www.youtube.com/watch?v=x0RV0kgdqJU Y esta versión que os presento, esta primera versión, es muy metalera, es muy heavy metal, la verdad que sorprende mucho. Esto es un cover producido por Leo Moracchioli con Mary Spender que es la cantante. La verdad es que es alucinante también como tocan la guitarra. Disfrutadlo. 40 FINGERS: https://www.youtube.com/watch?v=yJnZh6pOLXs Y esta siguiente versión que os ponemos ahora está realizada por los 40 fingers. Esto es un grupo, un cuarteto de guitarristas italianos, que desde luego también tienen la esencia de lo que tenía esta canción originalmente. Disfrutadla también. VINTAGE CAFÉ: https://www.youtube.com/watch?v=EmwjlVft7Hs Y esta versión que os presentamos a continuación es también maravillosa, es un blues. Esto está en un álbum del año 2010 que se llamó "Vintage Cafe" y está producido por uno de los que fue componentes de los "Modern Talking" un grupo de allá, alemán, de los años 80. CONCLUSIONES Y con esta canción ya me despido. La verdad es que ha sido una maravilla poder estar aquí, poder haber contado lo que fue para mí esta canción de los "Dire Straits" y todo lo que ha significado este grupo a lo largo de la historia. No solo los grupos, sino también el propio Mark Knopfler en solitario. La verdad es que sigue cosechando muchísimos éxitos y eso es lo que esperamos también en un futuro. Así que nada, muchas gracias y escuchar esta última canción. Así que un abrazo muy fuerte de vuestro amigo Vicente Almodóvar. Nos escuchamos.locosporincordiarHola, ¿Qué tal? Amigos, amigas. Soy Vicente Almodóvar de Sonido de Valencia Radio y hoy en este nuevo episodio de Explorando Versiones os vengo a presentar una canción que a mí realmente me marcó muchísimo. Es el "Sultans of Swing" de los Dire Straits. DIRE STRAITS - SULTANS OF SWING: https://www.youtube.com/watch?v=0fAQhSRLQnM De esta canción en particular tengo muy buenos recuerdos. Corría el año 1988 y en el sorteo de la vida me tocó hacer la mili en Madrid y el servicio militar era una mezcla de rutina y descubrimientos. Y en medio de este caos organizado, mi mejor aliado no llevaba uniforme, sino eran unos auriculares, un walkman. Sí, un walkman siempre listo para transportar mi mente pues lejos de los barracones. Y la cinta que más giró en su interior fue el "Alchemy" de los "Dire straits" y esta gloriosa canción. Fue la banda sonora de mi escape mental. En aquellos tiempos pues había que ser ingenioso pues las pilas del walkman era un bien muy preciado. La verdad es que había pocos recursos económicos, y así que cuando se terminaba la cinta, pues no quedaba otra que sacar un boli Bic y así con movimientos de la mano, pues rebobinabas la cinta manualmente. Y así aprovechaba cada giro como si estuvieras ajustando las manillas del tiempo. Pues en un ritual, vuelta tras vuelta, pues imaginaba a Mark Knopfler rasgando su guitarra, mientras yo intentaba ahorrar la energía para la siguiente escucha de la cinta. Y así pasaban los días, entre marchas y maniobras, el "Sultans of Swing" sonaba a mi cabeza como si el mismo Knopfler me acompañara en cada paso. ¿Y quién necesita un escuadrón cuando tienes un solo de guitarra como compañía? Pues a día de hoy cada vez que escucho esta canción, me llega el eco de aquel boli girando y es un vídeo del walkman al arrancar de nuevo. Es curioso cómo algo tan sencillo como rebobinar una cinta se puede convertir en el símbolo de una época. Y la habilidad que debería incluirse en cualquier currículum sobre todo si has vivido en los 80, que es rebobinar una cinta de cassette con un boli Bic. "Sultans of Swing" es una de las canciones más emblemáticas los Dire Straits, lanzado en su álbum debut, en 1978, está compuesta por Mark Knopfler y esta pizza se adentra en el mundo de una banda amateur que toca en un bar casi desierto, capturando la esencia de la pasión por la música y sin preocuparse por el éxito comercial. La mezcla de rock clásico con toques de blues y jazz se siente en cada acorde, y la letra refleja una autenticidad que resuena con muchos músicos que luchan por ser escuchados en un entorno tan competitivo. "Dire Straits" es considerada una de las bandas más influyentes del rock destacando por su autenticidad y su habilidad para mezclar géneros. Su música sigue resonando en nuevas generaciones gracias a su calidad atemporal y a la maestría de Mark Knopfler como compositor y guitarrista. El origen de la banda se formó en Londres en 1977 y estaban entre sus miembros originales pues los hermanos Knopfler, Mark y David con guitarra y luego estaba John Illsley como bajista y Pick Withers como batería. Y el nombre de "Dire Straits" viene a decir aquello como "Duras penas", y fue sugerido por un amigo, reflejando las dificultades económicas que se enfrentaban los miembros en sus inicios. Y su estilo musical "Dire Straits" pues destaca por su enfoque minimalista, en un momento en el punk, el disco y el rock progresivo dominaban la escena. Su sonido combina elementos del rock clásico, del blues, del jazz y del folk y esta canción aparece en su primer álbum en 1978. DIRE STRAITS - SULTANS OF SWING (LIVE AID): https://www.youtube.com/watch?v=JVZTP_kX5BE Y lo que podemos escuchar en primer lugar es una versión ya en sí, porque el álbum original es del año 1978, es donde aparece ya esta canción. Pero la versión en vivo más famosa está en el álbum "Alchemy" de "Dire Straits live" en 1984, donde la canción se extiende a más de 10 minutos con unos solos de guitarra que son increíbles. Se convierten una de las piezas más esperadas de los conciertos de la banda, mostrando la habilidad de Knopfler como guitarrista. Hay que decir que Mark Knopfler tenía una manera muy peculiar de tocar la guitarra. Prácticamente la acariciaba punteando con la yema de los dedos. Y sin duda alguna dejó una huella después del concierto donde se grabó el "Alchemy" en 1985 en el "Live Aid". LEO MORACCHIOLI Y MARY SPENDER: https://www.youtube.com/watch?v=x0RV0kgdqJU Y esta versión que os presento, esta primera versión, es muy metalera, es muy heavy metal, la verdad que sorprende mucho. Esto es un cover producido por Leo Moracchioli con Mary Spender que es la cantante. La verdad es que es alucinante también como tocan la guitarra. Disfrutadlo. 40 FINGERS: https://www.youtube.com/watch?v=yJnZh6pOLXs Y esta siguiente versión que os ponemos ahora está realizada por los 40 fingers. Esto es un grupo, un cuarteto de guitarristas italianos, que desde luego también tienen la esencia de lo que tenía esta canción originalmente. Disfrutadla también. VINTAGE CAFÉ: https://www.youtube.com/watch?v=EmwjlVft7Hs Y esta versión que os presentamos a continuación es también maravillosa, es un blues. Esto está en un álbum del año 2010 que se llamó "Vintage Cafe" y está producido por uno de los que fue componentes de los "Modern Talking" un grupo de allá, alemán, de los años 80. CONCLUSIONES Y con esta canción ya me despido. La verdad es que ha sido una maravilla poder estar aquí, poder haber contado lo que fue para mí esta canción de los "Dire Straits" y todo lo que ha significado este grupo a lo largo de la historia. No solo los grupos, sino también el propio Mark Knopfler en solitario. La verdad es que sigue cosechando muchísimos éxitos y eso es lo que esperamos también en un futuro. Así que nada, muchas gracias y escuchar esta última canción. Así que un abrazo muy fuerte de vuestro amigo Vicente Almodóvar. Nos escuchamos.https://www.ivoox.com/046-explorando-versiones-joselito-audios-mp3_rf_139850985_1.htmlFri, 14 Feb 2025 07:54:44 +010012:12202546fullhttps://www.ivoox.com/139850985locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noBuenas, soy Sergio Serrato y estoy de vuelta en nuestro podcast favorito, pero me vais a permitir que me salte un poco la filosofía de Explorando Versiones y hoy me marque un Explorando Canciones. KIKO VENENO - JOSELITO: https://www.youtube.com/watch?v=5JeTnZi2wek Hoy os voy a hablar de la canción “Joselito” de Kiko Veneno. Kiko Veneno de nombre artístico y José María López Sanfeliú en el DNI es un musico español nacido en Figueras Gerona y como diría mi padre Criao y engordao entre Sevilla y Cádiz, bético para más inri y eso se nos nota... El disco que contiene “Joselito” se llama “Échate un cantecito” de 1992. Se puede decir que era el último intento de Kiko de hacer algo en la música, ya que el artista llevaba tiempo retirado del mundo de arte incluso ya tenía un empleo fijo en la diputación de Sevilla. En una visita de su amigo Santiago Auserón, de Radio Futura, le comento a este que iba a hacer un disco y si no triunfaba dejaba la música. Auserón tenía que ayudar a su amigo y le propuso ser algo así como su coach en la creación y grabación del disco. Incluso participó en algunos coros del mismo y vaya si consigo reflotar la carrera de su amigo Kiko. El temazo que nos ocupa hoy no debe su nombre al niño prodigio conocido como el pequeño ruiseñor, aunque bien podría ser, sino que debe su inspiración a José Marín Rodríguez. Os cuento quien es José Marín. José Marín era un vecino de Conil de la Frontera, jornalero del Mar, aficionado al cante y gran bebedor mollatoso…. Kiko Veneno y Joselito se conocieron en los años 80 cuando, cuando, tras la disolución del grupo Veneno, que juntó para la historia a Kiko y los hermanos Amador, Kiko apartó su carrera musical y se afincó en la localidad gaditana de Conil de la frontera donde montó algo así como un chiringuito/Pub, el Adán se llamaba. Fue allí donde conoció a Joselito al que el propio Kiko definía de esta manera:“ Era un marinero temporero muy golfo, se levantaba para ir a la mar, se tomaba dos copas y ya no iba a pescar ni ná”. Eso sí Joselito manejaba unas frases y expresiones muy particulares que gustaron tanto a Kiko que se las apunto. El Adán era el último bar de la ronda de Joselito ya que estaba a dos casas de la suya, allí se tomaba la última antes de irse a su casa a dormir la tajá... y así lo inmortalizó Kiko en su canción. En otra estrofa de la canción se nombran las botellas de Coca-cola llena de vino de Chiclana y es que así se servía este mollate en el bar ligero que también era parada obligatoria de Joselito donde se bebía siempre unas pocas. Según cuentan los tabernáculos coincidentes de Joselito, tenía mala bebida y si fresco era un tío educadísimo con la papa era faltón y metepatas. pero eso sí, tenía la suerte de que su primo era el jefe de los municipales y no fueron pocas las veces que los guardias lo metían en el calabozo a dormirla para evitarle broncas. El Adán era el sitio donde le dejaban cantar y allí entonaba La Zarzamora, eso sí con una letra inventada por el llena de chistes, cargas e ironía. Cuentan que tenía una gran voz por eso lo de “el de la voz de oro”. Estás ocurrencias de Joselito se hicieron canción pasadas por la pluma de un poeta de bar y cronista de barrio como Kiko Veneno. Soltero de por vida, tuvo siete novias, más novias que un moro como reza la canción, porque como dice su sobrina Paqui, que mujer iba a aguantar la vida de Joselito. Dejo Joselito de subir con los ojos brillantitos por la calle peñón y empezó a dejarse ver por el hogar del jubilado vendió su casa y se mudo con sus sobrinas, el Adán sigue existiendo pero Kiko no es su dueño y la vida siguió su ritmo impasible hasta que el 30 de Septiembre de 2008 Joselito nos dejó, el tabaco paso factura y el cáncer reclamo el pago. Cuenta su sobrina que lo cuidó que hasta sus últimos días canturreó “Yo soy Joselito, el de la voz de oro”.locosporincordiarBuenas, soy Sergio Serrato y estoy de vuelta en nuestro podcast favorito, pero me vais a permitir que me salte un poco la filosofía de Explorando Versiones y hoy me marque un Explorando Canciones. KIKO VENENO - JOSELITO: https://www.youtube.com/watch?v=5JeTnZi2wek Hoy os voy a hablar de la canción “Joselito” de Kiko Veneno. Kiko Veneno de nombre artístico y José María López Sanfeliú en el DNI es un musico español nacido en Figueras Gerona y como diría mi padre Criao y engordao entre Sevilla y Cádiz, bético para más inri y eso se nos nota... El disco que contiene “Joselito” se llama “Échate un cantecito” de 1992. Se puede decir que era el último intento de Kiko de hacer algo en la música, ya que el artista llevaba tiempo retirado del mundo de arte incluso ya tenía un empleo fijo en la diputación de Sevilla. En una visita de su amigo Santiago Auserón, de Radio Futura, le comento a este que iba a hacer un disco y si no triunfaba dejaba la música. Auserón tenía que ayudar a su amigo y le propuso ser algo así como su coach en la creación y grabación del disco. Incluso participó en algunos coros del mismo y vaya si consigo reflotar la carrera de su amigo Kiko. El temazo que nos ocupa hoy no debe su nombre al niño prodigio conocido como el pequeño ruiseñor, aunque bien podría ser, sino que debe su inspiración a José Marín Rodríguez. Os cuento quien es José Marín. José Marín era un vecino de Conil de la Frontera, jornalero del Mar, aficionado al cante y gran bebedor mollatoso…. Kiko Veneno y Joselito se conocieron en los años 80 cuando, cuando, tras la disolución del grupo Veneno, que juntó para la historia a Kiko y los hermanos Amador, Kiko apartó su carrera musical y se afincó en la localidad gaditana de Conil de la frontera donde montó algo así como un chiringuito/Pub, el Adán se llamaba. Fue allí donde conoció a Joselito al que el propio Kiko definía de esta manera:“ Era un marinero temporero muy golfo, se levantaba para ir a la mar, se tomaba dos copas y ya no iba a pescar ni ná”. Eso sí Joselito manejaba unas frases y expresiones muy particulares que gustaron tanto a Kiko que se las apunto. El Adán era el último bar de la ronda de Joselito ya que estaba a dos casas de la suya, allí se tomaba la última antes de irse a su casa a dormir la tajá... y así lo inmortalizó Kiko en su canción. En otra estrofa de la canción se nombran las botellas de Coca-cola llena de vino de Chiclana y es que así se servía este mollate en el bar ligero que también era parada obligatoria de Joselito donde se bebía siempre unas pocas. Según cuentan los tabernáculos coincidentes de Joselito, tenía mala bebida y si fresco era un tío educadísimo con la papa era faltón y metepatas. pero eso sí, tenía la suerte de que su primo era el jefe de los municipales y no fueron pocas las veces que los guardias lo metían en el calabozo a dormirla para evitarle broncas. El Adán era el sitio donde le dejaban cantar y allí entonaba La Zarzamora, eso sí con una letra inventada por el llena de chistes, cargas e ironía. Cuentan que tenía una gran voz por eso lo de “el de la voz de oro”. Estás ocurrencias de Joselito se hicieron canción pasadas por la pluma de un poeta de bar y cronista de barrio como Kiko Veneno. Soltero de por vida, tuvo siete novias, más novias que un moro como reza la canción, porque como dice su sobrina Paqui, que mujer iba a aguantar la vida de Joselito. Dejo Joselito de subir con los ojos brillantitos por la calle peñón y empezó a dejarse ver por el hogar del jubilado vendió su casa y se mudo con sus sobrinas, el Adán sigue existiendo pero Kiko no es su dueño y la vida siguió su ritmo impasible hasta que el 30 de Septiembre de 2008 Joselito nos dejó, el tabaco paso factura y el cáncer reclamo el pago. Cuenta su sobrina que lo cuidó que hasta sus últimos días canturreó “Yo soy Joselito, el de la voz de oro”.https://www.ivoox.com/045-explorando-versiones-train-kept-a-rollin-audios-mp3_rf_139460777_1.htmlFri, 07 Feb 2025 08:05:23 +010019:58202545fullhttps://www.ivoox.com/139460777locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola a todos. Un saludo de Ruben. Normalmente podéis escucharme en el podcast Diskobox, que podéis encontrar en iVoox, buscando por el nombre del programa, Diskobox (con K y con B). Pero el programa de hoy es un especial para el podcast “Explorando Versiones”, y el especial de hoy va a estar dedicado a la canción “Train Kept a Rollin’ ”. Una canción que tiene múltiples y variadas versiones, y de las que he seleccionado para el programa de hoy las que considero las más interesantes. JOHNNY BURNETTE & THE ROCK AND ROLL TRIO: https://www.youtube.com/watch?v=VuwEaxdsonc Si he de empezar por la versión más representativa de este tema, tengo claro que debo empezar por el grupo que popularizó la canción en la década de los años 50. Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio. Que en 1956 publicaron uno de los discos más importantes en la génesis del Rockabilly, titulado como ellos “Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio”. A mediados de los 50, nace el Rock and Roll. Dentro de las corrientes paralelas que surgieron de la mezcla del Rhythm and blues con diversos estilos, el Rockabilly fue aquella que mezcló el Rhythm and Blues con el country, adoptando una formación, en su formato más clásico, de guitarra eléctrica, contrabajo y caja. Dentro de este disco se encuentra la que es la versión de referencia del “Train Kept a rollin’ ”, que fue publicada como single también ese mismo año. El disco, y la propia canción, son considerados como el arquetipo del rockabilly más primitivo, y una de las piezas clave del nacimiento del Rock and Roll. La voz de Johnny Burnette, es afilada, casi violenta, y la guitarra eléctrica de Paul Burlison tiene un sonido absolutamente inaudito para la época en la que se grabó la canción. Un sonido que ha sido una influencia para guitarristas como Jimmy Page o Jeff Beck, y que nació de casualidad. En el amplificador de Burlison había dos válvulas que no estaban bien instaladas. Se habían desencajado debido a un golpe que se había llevado el amplificador. Eso provocó una vibración en la membrana del altavoz que producía una especie de saturación muy particular. Un efecto de Fuzz, pero ojo, porque el pedal Fuzz aún no se había inventado. Así que este sonido se convirtió en algo innovador, y que por supuesto le dio personalidad al sonido del grupo. El grupo se separó poco después, y Johnny Burnette paso a un estilo más melódico, alejado de este rockabilly salvaje, con el que interpretan este “Train Kept a Rollin’ ”. TONY BRADSHAW: https://www.youtube.com/watch?v=eiScL3wIUwI Pero esta versión, aunque es la versión de referencia, no es la original. Fue Tony Bradshaw, quien compuso y grabó esta canción en 1951. Tony Bradshaw fue pianista, batería, cantante y director de orquesta, y comenzó su carrera en los años 30 haciendo Swing, y derivó en los años 40 hacia el jump blues, la forma primigenia del Rhythm and Blues, La canción pasó completamente desapercibida cuando se publicó. Ni siquiera llego a entrar en las listas de Rhythm and Blues. Curioso, porque luego se ha convertido en un clásico, gracias a la versión de Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio. Es impresionante ver hasta qué punto estos modificaron la canción, haciéndola sonar completamente diferente, alejada del estilo Rhythm and Blues de la original. THE YARDBIRDS: https://www.youtube.com/watch?v=5axZNnnDPWY Como ya os he comentado antes, la versión de “Train Kept a Rollin’ ” de Johnny Burnette influyó de una manera decisiva en guitarristas como Jeff Beck o Jimmy Page. Hasta el punto de que éstos grabarían una versión con su grupo. Y éste no era otro que uno de los grupos más importantes de la escena del Rhythm and Blues británico de los 60. El grupo del que formaron parte Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page, aunque no todos al mismo tiempo. Por supuesto, estoy hablando de los Yardbirds. Cuando Eric Clapton dejó el grupo, un tal Jeff Beck le sustituyó, dotando al sonido del grupo de una personalidad única. Mostrando que iba a convertirse en una leyenda de la guitarra, por su técnica y su habilidad para experimentar con el sonido. Fue él quien quiso hacer una versión del “Train Kept a Rollin’ ”, y la grabaron para su segundo disco publicado en Estados Unidos, “Having a Rave up”, de 1965. THE YARDBIRDS - STROLL ON: https://www.youtube.com/watch?v=AhHRWNT7Zqo Pero los Yardbirds, no contentos con hacer una versión, hicieron también una versión de la versión. Esto ocurrió en la época en la que se había incorporado también al grupo un tal Jimmy Page. El director de cine Michenagelo Antonioni se fijó en el grupo para su película de 1966 “Blow-up”. En una de las escenas aparecía un grupo de rock tocando en directo, en lo que se llamó una “rave-up”, una especie de jam en las que el grupo creaba pasajes instrumentales, solos, y comenzaba a desbarrar con sus instrumentos. Y aquí nace una de las escenas musicales en el cine más míticas de la historia, cuando Jeff Beck pierde el control, y destroza su guitarra. Lo que grabaron para esta película fue una canción llamada “Stroll On”, que no es sino una nueva versión del “Train Kept a Rollin’ ”. Debido a problemas de derechos de autor, tocaron la canción, pero con un nuevo título, la letra cambiada, y un toque algo más salvaje. La canción se incluyó en algunas versiones de la banda sonora de la película, pero lo más aconsejable por supuesto en ver la escena de la película que os he comentado, en la que también vais a poder apreciar en el escenario a Jimmy Page, ya que la película se rodó en ese corto periodo de tiempo en el que coincidieron los dos guitarristas en el grupo. Aquí os dejo el enlace a la Escena de “Blow up”: https://www.youtube.com/watch?v=R18qCKNLQdM LOS SIREX – TREN DE LA COSTA: https://www.youtube.com/watch?v=VPdWjxSdZRs Esta canción a la que estoy dedicando este especial “Explorando Versiones”, tuvo también una influencia decisiva en uno de los grupos de rock más importantes en la historia de nuestro país. Estoy hablando de los Sirex. Uno de los grandes grupos de la historia del rock en España. Y unos de los grupos más importantes de la década de los 60. Leslie, su cantante, cuenta cómo esta canción tuvo un verdadero impacto en su vida, hasta el punto de que reconoce que algo pasó dentro de él al escucharla. Lo cierto es que esta canción le cambió la vida, ya que se convirtió en uno de los grandes éxitos de la carrera de los Sirex. Leslie cuenta como quedó impactado cuando un DJ puso esta canción en un local de Barcelona. El DJ era uno de los muchos militares americanos que en ese momento estaban en Barcelona, y que eran el punto de entrada de mucha de la música de Estados Unidos. Fue tal el impacto de esta canción que Leslie se acercó al DJ para comprarle el disco. Pero no hubo suerte. Fue tal la cara de desprecio que el militar le puso a Leslie que éste acabo robándole el disco. Y acabó felizmente adaptando este tema al español. Aunque hay que decir que la letra no es una adaptación de la letra original. Es una nueva letra que no tiene nada que ver. Está inspirada en el tren que tenían que coger los Sirex desde la Estación de Francia, en Barcelona, hasta Calella, para ir a ensayar. La canción fue cara B de un EP que supuso el mayor éxito comercial del grupo. Año 1965. Vendieron más de 100.000 discos. Una auténtica barbaridad, aunque, a decir verdad, mucha de la culpa del éxito la tuvo una de las canciones más conocidas del grupo, incluida en la cara A: “La escoba”. Pero sin duda, yo personalmente me quedo con esta canción: “El tren de la costa”, su versión del “Train Kept a Rollin’ “. LOQUILLO & NU NILES: https://www.youtube.com/watch?v=DdOMjj-lfH0 Un músico español que siempre ha declarado su admiración por los Sirex ha sido Loquillo. En el año 2015, Loquillo publicó, junto al grupo Nu Niles, el disco “Código Rocker”. Un disco en el que quiso volver a sus raíces de “rocker”, y volvió a grabar algunas de las canciones de toda su carrera, y también alguna canción nueva. Precisamente aprovechó este disco para grabar su versión del “Tren de la costa”, haciendo así un homenaje a su admirado grupo. Como decía el propio Loquillo, “Los Sirex, el primer grupo en vestirse de cuero sobre un escenario”. MOTORHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=TqF6TEwBtoo Termino este especial “Explorando Versiones”, dedicado al tema “Train Kept a Rollin’ “, con un Bonus track muy especial. El primer disco de Motorhead contenía también una versión de este tema. Y es que, a alguien que no conozca bien a Lemmy, su cantante, le puede sorprender que haya elegido este clásico del Rockabilly para hacer una versión. Pero Lemmy, además de idolatrar a los Beatles, era un admirador del rock and roll de los años 50, como demostró cuando se juntó, a principios de los años 2000, con Slim Jim Phantom, batería de los Stray Cats, y el guitarrista Danny B, para formar un grupo de versiones de rock and roll de los años 50. Pero ya en el primer disco de Motohead, Lemmy acudió a Johnny Burnette y su Rock and Roll Trio para realizar esta versión, aunque esta vez llevada al terreno más eléctrico y pesado de Motorhead. En su disco homónimo de 1977 incluyeron esta versión. En lo que fue el primer disco publicado en la carrera de Motohead, aunque no es el primer disco que grabaron. Su primer disco en realidad se grabó en 1976, aunque la discográfica no se decidió a publicarlo hasta 3 años mas tarde, cuando ya Motorhead tenía ya cierto renombre en la escena inglesa, y se publicó con el nombre de “On Parole”. Pero eso ya es otra historia. Espero que hayáis disfrutado de este especial “Explorando Versiones”. Un saludo de Ruben, y hasta un próximo programa. Enlace a Ivoox del podcast Diskobox: https://www.ivoox.com/podcast-diskobox_sq_f11248636_1.htmllocosporincordiarHola a todos. Un saludo de Ruben. Normalmente podéis escucharme en el podcast Diskobox, que podéis encontrar en iVoox, buscando por el nombre del programa, Diskobox (con K y con B). Pero el programa de hoy es un especial para el podcast “Explorando Versiones”, y el especial de hoy va a estar dedicado a la canción “Train Kept a Rollin’ ”. Una canción que tiene múltiples y variadas versiones, y de las que he seleccionado para el programa de hoy las que considero las más interesantes. JOHNNY BURNETTE & THE ROCK AND ROLL TRIO: https://www.youtube.com/watch?v=VuwEaxdsonc Si he de empezar por la versión más representativa de este tema, tengo claro que debo empezar por el grupo que popularizó la canción en la década de los años 50. Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio. Que en 1956 publicaron uno de los discos más importantes en la génesis del Rockabilly, titulado como ellos “Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio”. A mediados de los 50, nace el Rock and Roll. Dentro de las corrientes paralelas que surgieron de la mezcla del Rhythm and blues con diversos estilos, el Rockabilly fue aquella que mezcló el Rhythm and Blues con el country, adoptando una formación, en su formato más clásico, de guitarra eléctrica, contrabajo y caja. Dentro de este disco se encuentra la que es la versión de referencia del “Train Kept a rollin’ ”, que fue publicada como single también ese mismo año. El disco, y la propia canción, son considerados como el arquetipo del rockabilly más primitivo, y una de las piezas clave del nacimiento del Rock and Roll. La voz de Johnny Burnette, es afilada, casi violenta, y la guitarra eléctrica de Paul Burlison tiene un sonido absolutamente inaudito para la época en la que se grabó la canción. Un sonido que ha sido una influencia para guitarristas como Jimmy Page o Jeff Beck, y que nació de casualidad. En el amplificador de Burlison había dos válvulas que no estaban bien instaladas. Se habían desencajado debido a un golpe que se había llevado el amplificador. Eso provocó una vibración en la membrana del altavoz que producía una especie de saturación muy particular. Un efecto de Fuzz, pero ojo, porque el pedal Fuzz aún no se había inventado. Así que este sonido se convirtió en algo innovador, y que por supuesto le dio personalidad al sonido del grupo. El grupo se separó poco después, y Johnny Burnette paso a un estilo más melódico, alejado de este rockabilly salvaje, con el que interpretan este “Train Kept a Rollin’ ”. TONY BRADSHAW: https://www.youtube.com/watch?v=eiScL3wIUwI Pero esta versión, aunque es la versión de referencia, no es la original. Fue Tony Bradshaw, quien compuso y grabó esta canción en 1951. Tony Bradshaw fue pianista, batería, cantante y director de orquesta, y comenzó su carrera en los años 30 haciendo Swing, y derivó en los años 40 hacia el jump blues, la forma primigenia del Rhythm and Blues, La canción pasó completamente desapercibida cuando se publicó. Ni siquiera llego a entrar en las listas de Rhythm and Blues. Curioso, porque luego se ha convertido en un clásico, gracias a la versión de Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio. Es impresionante ver hasta qué punto estos modificaron la canción, haciéndola sonar completamente diferente, alejada del estilo Rhythm and Blues de la original. THE YARDBIRDS: https://www.youtube.com/watch?v=5axZNnnDPWY Como ya os he comentado antes, la versión de “Train Kept a Rollin’ ” de Johnny Burnette influyó de una manera decisiva en guitarristas como Jeff Beck o Jimmy Page. Hasta el punto de que éstos grabarían una versión con su grupo. Y éste no era otro que uno de los grupos más importantes de la escena del Rhythm and Blues británico de los 60. El grupo del que formaron parte Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page, aunque no todos al mismo tiempo. Por supuesto, estoy hablando de los Yardbirds. Cuando Eric Clapton dejó el grupo, un tal Jeff Beck le sustituyó, dotando al sonido del grupo de una personalidad única. Mostrando que iba a convertirse en una leyenda de la guitarra, por su técnica y su habilidad para experimentar con el sonido. Fue él quien quiso hacer una versión del “Train Kept a Rollin’ ”, y la grabaron para su segundo disco publicado en Estados Unidos, “Having a Rave up”, de 1965. THE YARDBIRDS - STROLL ON: https://www.youtube.com/watch?v=AhHRWNT7Zqo Pero los Yardbirds, no contentos con hacer una versión, hicieron también una versión de la versión. Esto ocurrió en la época en la que se había incorporado también al grupo un tal Jimmy Page. El director de cine Michenagelo Antonioni se fijó en el grupo para su película de 1966 “Blow-up”. En una de las escenas aparecía un grupo de rock tocando en directo, en lo que se llamó una “rave-up”, una especie de jam en las que el grupo creaba pasajes instrumentales, solos, y comenzaba a desbarrar con sus instrumentos. Y aquí nace una de las escenas musicales en el cine más míticas de la historia, cuando Jeff Beck pierde el control, y destroza su guitarra. Lo que grabaron para esta película fue una canción llamada “Stroll On”, que no es sino una nueva versión del “Train Kept a Rollin’ ”. Debido a problemas de derechos de autor, tocaron la canción, pero con un nuevo título, la letra cambiada, y un toque algo más salvaje. La canción se incluyó en algunas versiones de la banda sonora de la película, pero lo más aconsejable por supuesto en ver la escena de la película que os he comentado, en la que también vais a poder apreciar en el escenario a Jimmy Page, ya que la película se rodó en ese corto periodo de tiempo en el que coincidieron los dos guitarristas en el grupo. Aquí os dejo el enlace a la Escena de “Blow up”: https://www.youtube.com/watch?v=R18qCKNLQdM LOS SIREX – TREN DE LA COSTA: https://www.youtube.com/watch?v=VPdWjxSdZRs Esta canción a la que estoy dedicando este especial “Explorando Versiones”, tuvo también una influencia decisiva en uno de los grupos de rock más importantes en la historia de nuestro país. Estoy hablando de los Sirex. Uno de los grandes grupos de la historia del rock en España. Y unos de los grupos más importantes de la década de los 60. Leslie, su cantante, cuenta cómo esta canción tuvo un verdadero impacto en su vida, hasta el punto de que reconoce que algo pasó dentro de él al escucharla. Lo cierto es que esta canción le cambió la vida, ya que se convirtió en uno de los grandes éxitos de la carrera de los Sirex. Leslie cuenta como quedó impactado cuando un DJ puso esta canción en un local de Barcelona. El DJ era uno de los muchos militares americanos que en ese momento estaban en Barcelona, y que eran el punto de entrada de mucha de la música de Estados Unidos. Fue tal el impacto de esta canción que Leslie se acercó al DJ para comprarle el disco. Pero no hubo suerte. Fue tal la cara de desprecio que el militar le puso a Leslie que éste acabo robándole el disco. Y acabó felizmente adaptando este tema al español. Aunque hay que decir que la letra no es una adaptación de la letra original. Es una nueva letra que no tiene nada que ver. Está inspirada en el tren que tenían que coger los Sirex desde la Estación de Francia, en Barcelona, hasta Calella, para ir a ensayar. La canción fue cara B de un EP que supuso el mayor éxito comercial del grupo. Año 1965. Vendieron más de 100.000 discos. Una auténtica barbaridad, aunque, a decir verdad, mucha de la culpa del éxito la tuvo una de las canciones más conocidas del grupo, incluida en la cara A: “La escoba”. Pero sin duda, yo personalmente me quedo con esta canción: “El tren de la costa”, su versión del “Train Kept a Rollin’ “. LOQUILLO & NU NILES: https://www.youtube.com/watch?v=DdOMjj-lfH0 Un músico español que siempre ha declarado su admiración por los Sirex ha sido Loquillo. En el año 2015, Loquillo publicó, junto al grupo Nu Niles, el disco “Código Rocker”. Un disco en el que quiso volver a sus raíces de “rocker”, y volvió a grabar algunas de las canciones de toda su carrera, y también alguna canción nueva. Precisamente aprovechó este disco para grabar su versión del “Tren de la costa”, haciendo así un homenaje a su admirado grupo. Como decía el propio Loquillo, “Los Sirex, el primer grupo en vestirse de cuero sobre un escenario”. MOTORHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=TqF6TEwBtoo Termino este especial “Explorando Versiones”, dedicado al tema “Train Kept a Rollin’ “, con un Bonus track muy especial. El primer disco de Motorhead contenía también una versión de este tema. Y es que, a alguien que no conozca bien a Lemmy, su cantante, le puede sorprender que haya elegido este clásico del Rockabilly para hacer una versión. Pero Lemmy, además de idolatrar a los Beatles, era un admirador del rock and roll de los años 50, como demostró cuando se juntó, a principios de los años 2000, con Slim Jim Phantom, batería de los Stray Cats, y el guitarrista Danny B, para formar un grupo de versiones de rock and roll de los años 50. Pero ya en el primer disco de Motohead, Lemmy acudió a Johnny Burnette y su Rock and Roll Trio para realizar esta versión, aunque esta vez llevada al terreno más eléctrico y pesado de Motorhead. En su disco homónimo de 1977 incluyeron esta versión. En lo que fue el primer disco publicado en la carrera de Motohead, aunque no es el primer disco que grabaron. Su primer disco en realidad se grabó en 1976, aunque la discográfica no se decidió a publicarlo hasta 3 años mas tarde, cuando ya Motorhead tenía ya cierto renombre en la escena inglesa, y se publicó con el nombre de “On Parole”. Pero eso ya es otra historia. Espero que hayáis disfrutado de este especial “Explorando Versiones”. Un saludo de Ruben, y hasta un próximo programa. Enlace a Ivoox del podcast Diskobox: https://www.ivoox.com/podcast-diskobox_sq_f11248636_1.htmlhttps://www.ivoox.com/044-explorando-versiones-my-baby-just-cares-audios-mp3_rf_139052132_1.htmlFri, 31 Jan 2025 08:35:16 +010023:00202544fullhttps://www.ivoox.com/139052132locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola soy Laly y he sido invitada a participar en Explorando Versiones. Yo os voy ha hablar de una de mis canciones favoritas…..¿Os acordáis de aquel videoclip a finales de los 80 donde un gato de plastilina intenta colarse en un club para ver a una gatita cantar? NINA SIMONE - MY BABY JUST CARES FOR ME: https://www.youtube.com/watch?v=3ZS7iKdRo5Q Si, exacto! MY BABY JUST CARE FOR ME de Nina Simone. No recuerdo exactamente cuando vi el video por primera vez, que fue el que me descubrió la canción, sería en casa de mis padres en Torreblanca, o como dicen por aquí: White Tower o Torre White. Me encantó esa voz, esa manera de cantar, el piano… Recuerdo hablar de esta canción con mi amigo Ción en el autobús de Alcalá (de vuelta del Instituto). Hablamos de esta y de otras canciones de Nina Simone, y de otras canciones y de otros grupos. Buenos ratitos hablando de música, así se hacía más corto el camino de vuelta… EDDIE CANTOR: https://www.youtube.com/watch?v=oaNStTkU-cA La canción no es original de Nina Simone. Había sido compuesta en 1930 por Walter Donalson (la música) y Gus Kahn (letra) como tema para la película WHOOPEE!, dirigida por Thorntor Freeland, interpretada por Eddie Cantor, el primer black face, esto es que sale primero con la cara pintada de negro y luego sin pintar. La canción tuvo cierta popularidad y fue grabada por artistas como Harry James, Natking Cole, Count Basie… Suenan muy diferentes a la versión de Nina. Las hay instrumentales, big band… y todas tienen su punto. HARRY JAMES (instrumental): https://www.youtube.com/watch?v=V0Yz87_VbGM Nina la grabó en 1958 para su primer álbum: «Little girl blue» y la canción pasó desapercibida. NINA SIMONE - I LOVE YOU POGGY: https://www.youtube.com/watch?v=tq5A0YadWKs El éxito del disco fue “I Love You Poggy” de George Gershwin. COUNT BASIE: https://www.youtube.com/watch?v=NVXxohDstyw “My baby just care for me” se publicó como single en 1962. La versión de Nina es muy especial. Comienza con una característica introducción a piano con una sucesión de escala descendente que cuando la oyes ya sabes que canción es. Entra luego la batería y la voz cálida y característica e inconfundible de Nina y después de la segunda frase un característico break que se repite al final de otra frase. La instrumentación se limita o se reduce a la sección rítmica: piano, bajo y batería, tocada con escobilla, que le da un toque íntimo pero con swing. HADA BROOKS - CHOP CHOP BOGGIE: https://www.youtube.com/watch?v=5pHEEX259qY Las versiones anteriores como ya hemos dicho tenían un toque de jazz y big band. La introducción es similar a la del tema de 1958 “Chop Chop Boggie”, de Hada Brooks, que es instrumental. Hada Brooks recordamos que es la reina del boggie, también pianista, vocalista y compositora como Nina. ANUNCIO DE CHANEL Nº 5: https://www.youtube.com/watch?v=Jo1QN812S6g Pero tenemos que esperar hasta 1987 cuando un fragmento de medio minuto de esta canción aparece en un anuncio de Chanel Nº 5… Y entonces recibió el reconocimiento popular con 30 años de retraso y se convierte en un gran éxito, se vuelve a grabar el single, llegando al número 5 de las listas británicas, y con ella se popularizó el videoclip de animación donde Nina aparece como una gatita de plastilina cantando la canción en un club nocturno y un gato enamorado va a verla. Lo echan varias veces y vuelve a entrar por una claraboya del techo, cayendo en los brazos de ella y besándose. ¡Una monada! FRANK SINATRA: https://www.youtube.com/watch?v=zxCdLthupeM La letra nos habla de Baby, su bebé, su amor, que solo tiene ojitos para ella, ni actrices famosas, ni ropa, ni coches… Ella se pregunta si él no ve lo que ven los demás, ni lo que piensen de ella ni de su amor, lo que explicaría un poco el video clip. Ella trabaja en un club nocturno, no tiene buena reputación, pero a él no le importa nada lo que digan los demás. Él está enamorado. Posteriormente la versionarían: Frank Sinatra, George Michael, Michael Buble, Natalie Cole, Sophia Milman y otros. BANDA SONORA DE “EVERYONE SAYS I LOVE YOU” DE EDWARD NORTON): https://www.youtube.com/watch?v=WsiIPY_vzFU También se ha incluido en películas como “Todos dicen I Love You“ de Woody Allen de 1996 en una bonita escena de baile de Eduard Norton y Natasha Lyonne siguiendo el estilo clásico de los musicales de Hollywood. GEORGE MICHAEL: https://www.youtube.com/watch?v=Vjp3Wu4qny0 Nina nació el 21 de febrero de 1933 en Tyron, Carolina del Norte, como Eunice Katheen Waymon y conocida como “La Alta Sacerdotisa Del Soul”.. Ella, como otras estrellas de la canción, empezó cantando y tocando el piano en la iglesia metodista de Carolina del Norte y junto a su madre recorría todo el condado. Ella, Mary Kate, era una piadosa y reconocida predicadora metodista y ama de llaves. Su padre John Divine Waymon era un artista reconvertido en empresario. Fue gracias a la familia Miller, donde trabajaba su madre como ama de llaves a finales de los años 30, que pagarían las clases de piano y a la señora Mazzy, su profesora de piano, que hizo una colecta por su ciudad en lo que hoy llamaríamos un Crowdfunding. Fue como la pequeña obtuvo el dinero para sus estudios de secundaria y piano. Se trasladaron a Filadelfia para que pudiera ingresar en el prestigioso “Curtis Institute Of Music” pero fue rechazada por puro racismo… “Nunca me pude recuperar de aquello”, dijo Nina en alguna ocasión. SOPHIE MILMAN: https://www.youtube.com/watch?v=pqLa6u6_TBo Tras una época de desaliento, en los 50 comenzó a trabajar acompañando a su profesora de piano y a los con los que tocaba clásicos de jazz y del momento. También empezó a tocar el piano en locales de Atlantic City, como no quería que su madre viera su nombre en los carteles, se puso de nombre artístico NINA por un novio latino que tuvo que la llamaba niña, y SIMONE por SIMONE SIGNORET, actriz francesa a la que admiraba. Y así comenzó a tocar el piano. La primera noche tras 7 horas de recital-actuación, el dueño le preguntó porqué no cantaba y ella contestó que era pianista, no cantante y él le dijo “mañana serás cantante o no vuelvas“ y así comenzó a cantar y a tocar el piano. MICHAEL BUBLÉ: https://www.youtube.com/watch?v=KgmFXye1FLc Fue Sid Nathan quién viendo el talento de aquella pianista le ofreció su primer contrato discográfico en 1958. Grabó durante 14 horas temas de jazz, góspel y varias canciones propias que arregló sobre la marcha y este le pidió que añadiera algo más animado para el final y ella eligió «My Baby Just Care For Me». Este primer disco se llamó «Little Baby Blue» y aunque pasó sin pena ni gloria, la hizo despuntar como cantante entre el jazz, el soul, el pop. Le dió un nombre, una reputación y bastante trabajo en los 60 y los 70. En el 61 se casa con Andy Stroud, quien se convertiría en su manager y que la explotó y la maltrató. En él tuvo a su única hija. En los 80 ya era una vieja gloria en algún cartel de jazz, hasta que 1987 llegaron noticias del triunfo de esta canción en Europa. Ella llamó a su representante y comprobó que no tenía derecho a un solo céntimo de los royalties después de 30 años. Nina reconoció que allá por 1958, y tras 14 horas de grabación, Nathan le dio a firmar unos papeles y lo hizo sin leerlo. Había renunciado a prácticamente todo lo generaron sus grabaciones. Llegó a grabar unos 50 discos. NATALIE COLE: https://www.youtube.com/watch?v=bVQjEWHW1_0 Con una vida marcada por el racismo, la explotación musical y el maltrato, Nina a partir de los 60 se involucró mucho en el movimiento por los derechos civiles. Fue una gran activista de los derechos de las mujeres afroamericanas grabando algunas canciones de carácter político y de injusticia social. NINA SIMONE - MY BABY JUST CARES FOR ME: https://www.youtube.com/watch?v=3ZS7iKdRo5Q Decepcionada por los políticos de su país del momento y tras la muerte de Martin Luther King vivió en diferentes países, estableciéndose definitivamente en el sur de Francia, donde moriría de cáncer de mama el 21 de abril de 2003. Dos días antes de su muerte, el 19 de Abril, le fue concedido el diploma Honorio en el “Curtis Institute Of Music” de Filadelfia, el instituto que la rechazó por ser negra. ¿Creéis que lo hubiera recibido? Ahí lo dejo… yo pienso que no… ¡Aparcao! He dicho.locosporincordiarHola soy Laly y he sido invitada a participar en Explorando Versiones. Yo os voy ha hablar de una de mis canciones favoritas…..¿Os acordáis de aquel videoclip a finales de los 80 donde un gato de plastilina intenta colarse en un club para ver a una gatita cantar? NINA SIMONE - MY BABY JUST CARES FOR ME: https://www.youtube.com/watch?v=3ZS7iKdRo5Q Si, exacto! MY BABY JUST CARE FOR ME de Nina Simone. No recuerdo exactamente cuando vi el video por primera vez, que fue el que me descubrió la canción, sería en casa de mis padres en Torreblanca, o como dicen por aquí: White Tower o Torre White. Me encantó esa voz, esa manera de cantar, el piano… Recuerdo hablar de esta canción con mi amigo Ción en el autobús de Alcalá (de vuelta del Instituto). Hablamos de esta y de otras canciones de Nina Simone, y de otras canciones y de otros grupos. Buenos ratitos hablando de música, así se hacía más corto el camino de vuelta… EDDIE CANTOR: https://www.youtube.com/watch?v=oaNStTkU-cA La canción no es original de Nina Simone. Había sido compuesta en 1930 por Walter Donalson (la música) y Gus Kahn (letra) como tema para la película WHOOPEE!, dirigida por Thorntor Freeland, interpretada por Eddie Cantor, el primer black face, esto es que sale primero con la cara pintada de negro y luego sin pintar. La canción tuvo cierta popularidad y fue grabada por artistas como Harry James, Natking Cole, Count Basie… Suenan muy diferentes a la versión de Nina. Las hay instrumentales, big band… y todas tienen su punto. HARRY JAMES (instrumental): https://www.youtube.com/watch?v=V0Yz87_VbGM Nina la grabó en 1958 para su primer álbum: «Little girl blue» y la canción pasó desapercibida. NINA SIMONE - I LOVE YOU POGGY: https://www.youtube.com/watch?v=tq5A0YadWKs El éxito del disco fue “I Love You Poggy” de George Gershwin. COUNT BASIE: https://www.youtube.com/watch?v=NVXxohDstyw “My baby just care for me” se publicó como single en 1962. La versión de Nina es muy especial. Comienza con una característica introducción a piano con una sucesión de escala descendente que cuando la oyes ya sabes que canción es. Entra luego la batería y la voz cálida y característica e inconfundible de Nina y después de la segunda frase un característico break que se repite al final de otra frase. La instrumentación se limita o se reduce a la sección rítmica: piano, bajo y batería, tocada con escobilla, que le da un toque íntimo pero con swing. HADA BROOKS - CHOP CHOP BOGGIE: https://www.youtube.com/watch?v=5pHEEX259qY Las versiones anteriores como ya hemos dicho tenían un toque de jazz y big band. La introducción es similar a la del tema de 1958 “Chop Chop Boggie”, de Hada Brooks, que es instrumental. Hada Brooks recordamos que es la reina del boggie, también pianista, vocalista y compositora como Nina. ANUNCIO DE CHANEL Nº 5: https://www.youtube.com/watch?v=Jo1QN812S6g Pero tenemos que esperar hasta 1987 cuando un fragmento de medio minuto de esta canción aparece en un anuncio de Chanel Nº 5… Y entonces recibió el reconocimiento popular con 30 años de retraso y se convierte en un gran éxito, se vuelve a grabar el single, llegando al número 5 de las listas británicas, y con ella se popularizó el videoclip de animación donde Nina aparece como una gatita de plastilina cantando la canción en un club nocturno y un gato enamorado va a verla. Lo echan varias veces y vuelve a entrar por una claraboya del techo, cayendo en los brazos de ella y besándose. ¡Una monada! FRANK SINATRA: https://www.youtube.com/watch?v=zxCdLthupeM La letra nos habla de Baby, su bebé, su amor, que solo tiene ojitos para ella, ni actrices famosas, ni ropa, ni coches… Ella se pregunta si él no ve lo que ven los demás, ni lo que piensen de ella ni de su amor, lo que explicaría un poco el video clip. Ella trabaja en un club nocturno, no tiene buena reputación, pero a él no le importa nada lo que digan los demás. Él está enamorado. Posteriormente la versionarían: Frank Sinatra, George Michael, Michael Buble, Natalie Cole, Sophia Milman y otros. BANDA SONORA DE “EVERYONE SAYS I LOVE YOU” DE EDWARD NORTON): https://www.youtube.com/watch?v=WsiIPY_vzFU También se ha incluido en películas como “Todos dicen I Love You“ de Woody Allen de 1996 en una bonita escena de baile de Eduard Norton y Natasha Lyonne siguiendo el estilo clásico de los musicales de Hollywood. GEORGE MICHAEL: https://www.youtube.com/watch?v=Vjp3Wu4qny0 Nina nació el 21 de febrero de 1933 en Tyron, Carolina del Norte, como Eunice Katheen Waymon y conocida como “La Alta Sacerdotisa Del Soul”.. Ella, como otras estrellas de la canción, empezó cantando y tocando el piano en la iglesia metodista de Carolina del Norte y junto a su madre recorría todo el condado. Ella, Mary Kate, era una piadosa y reconocida predicadora metodista y ama de llaves. Su padre John Divine Waymon era un artista reconvertido en empresario. Fue gracias a la familia Miller, donde trabajaba su madre como ama de llaves a finales de los años 30, que pagarían las clases de piano y a la señora Mazzy, su profesora de piano, que hizo una colecta por su ciudad en lo que hoy llamaríamos un Crowdfunding. Fue como la pequeña obtuvo el dinero para sus estudios de secundaria y piano. Se trasladaron a Filadelfia para que pudiera ingresar en el prestigioso “Curtis Institute Of Music” pero fue rechazada por puro racismo… “Nunca me pude recuperar de aquello”, dijo Nina en alguna ocasión. SOPHIE MILMAN: https://www.youtube.com/watch?v=pqLa6u6_TBo Tras una época de desaliento, en los 50 comenzó a trabajar acompañando a su profesora de piano y a los con los que tocaba clásicos de jazz y del momento. También empezó a tocar el piano en locales de Atlantic City, como no quería que su madre viera su nombre en los carteles, se puso de nombre artístico NINA por un novio latino que tuvo que la llamaba niña, y SIMONE por SIMONE SIGNORET, actriz francesa a la que admiraba. Y así comenzó a tocar el piano. La primera noche tras 7 horas de recital-actuación, el dueño le preguntó porqué no cantaba y ella contestó que era pianista, no cantante y él le dijo “mañana serás cantante o no vuelvas“ y así comenzó a cantar y a tocar el piano. MICHAEL BUBLÉ: https://www.youtube.com/watch?v=KgmFXye1FLc Fue Sid Nathan quién viendo el talento de aquella pianista le ofreció su primer contrato discográfico en 1958. Grabó durante 14 horas temas de jazz, góspel y varias canciones propias que arregló sobre la marcha y este le pidió que añadiera algo más animado para el final y ella eligió «My Baby Just Care For Me». Este primer disco se llamó «Little Baby Blue» y aunque pasó sin pena ni gloria, la hizo despuntar como cantante entre el jazz, el soul, el pop. Le dió un nombre, una reputación y bastante trabajo en los 60 y los 70. En el 61 se casa con Andy Stroud, quien se convertiría en su manager y que la explotó y la maltrató. En él tuvo a su única hija. En los 80 ya era una vieja gloria en algún cartel de jazz, hasta que 1987 llegaron noticias del triunfo de esta canción en Europa. Ella llamó a su representante y comprobó que no tenía derecho a un solo céntimo de los royalties después de 30 años. Nina reconoció que allá por 1958, y tras 14 horas de grabación, Nathan le dio a firmar unos papeles y lo hizo sin leerlo. Había renunciado a prácticamente todo lo generaron sus grabaciones. Llegó a grabar unos 50 discos. NATALIE COLE: https://www.youtube.com/watch?v=bVQjEWHW1_0 Con una vida marcada por el racismo, la explotación musical y el maltrato, Nina a partir de los 60 se involucró mucho en el movimiento por los derechos civiles. Fue una gran activista de los derechos de las mujeres afroamericanas grabando algunas canciones de carácter político y de injusticia social. NINA SIMONE - MY BABY JUST CARES FOR ME: https://www.youtube.com/watch?v=3ZS7iKdRo5Q Decepcionada por los políticos de su país del momento y tras la muerte de Martin Luther King vivió en diferentes países, estableciéndose definitivamente en el sur de Francia, donde moriría de cáncer de mama el 21 de abril de 2003. Dos días antes de su muerte, el 19 de Abril, le fue concedido el diploma Honorio en el “Curtis Institute Of Music” de Filadelfia, el instituto que la rechazó por ser negra. ¿Creéis que lo hubiera recibido? Ahí lo dejo… yo pienso que no… ¡Aparcao! He dicho.https://www.ivoox.com/043-explorando-versiones-while-my-guitar-gently-audios-mp3_rf_138179638_1.htmlFri, 24 Jan 2025 07:57:14 +010020:05143fullhttps://www.ivoox.com/138179638locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola, les habla Pedro A. Luis en un episodio más de Explorando Versiones. THE BEATLES - WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS: https://www.youtube.com/watch?v=rp7dMLeSTT0 Iniciaremos el programa con una frase que extraje de la canción que va a ser objeto de este episodio. Se llama así “I'm sitting here doing nothing but aging”, que significa “Mientras estoy sentado aquí, haciendo nada más que envejecer”. Es como que va pasando el tiempo sin poder hacer algo significativo. sentimiento común en momentos de introspección o desilusión, cuando las personas sienten que sus vidas se están desperdiciando o que no están alcanzando su pleno potencial. While My Guitar Gently Weeps, a mi juicio toda una obra de arte musical y casi celestial, es una de las composiciones más hermosas que he oído a lo largo de mis 61 años de vida. Mientras las luchas por los derechos civiles, la igualdad racial y la oposición a la explotación laboral, ocurrían con rotunda fuerza, George Harrison nos entregaba esta excepcional canción. George, lanza al mundo esta hermosa pieza musical llena de arte en el año 1968 como parte del Álbum Blanco (The White Album) de los BEATLES. Esta joya musical destaca y atrapa la atención colectiva de inmediato por su profundidad lírica como por su melodía eternamente conmovedora, constituyéndose así en una inigualable irreverente referencia histórica universal. Harrison, inspirado por el concepto oriental de interconexión, sobre el impacto del azar en las cosas cotidianas, lo llevó a escribir y a componer esta pieza musical que reflexiona sobre la falta de amor y de conexión en el mundo, utilizando la guitarra como una metáfora emocional. Para los Beatles no era habitual incorporar músicos externos en sus grabaciones, sin embargo sin lugar a dudas fue una tenaz y gran decisión de Harrison, convenciendo a Clapton para que colaborara, lo que añadió una capa emotiva y distintiva a la pieza. Musicalmente, combina elementos del rock, blues y psicodelia, destacando tanto la expresividad de la guitarra como la sensibilidad de las letras. Es una obra que ha trascendido generaciones, consolidándose como un himno atemporal de extraordinaria belleza. PRINCE, TOM PETTY, JEFF LYNNE AND STEVE WINWOOD: https://www.youtube.com/watch?v=dWRCooFKk3c La primera de las versiones que escucharemos pertenece a Prince Rogers Nelson, mejor conocido como Prince. Con una actuación magistral de su carrera durante la ceremonia del Salón de la Fama del Rock & Roll en 2004, interpretando "While My Guitar Gently Weeps". Acompañado por Tom Petty, Jeff Lynne, Steve Winwood y Dhani Harrison, transformó un homenaje que se le hacía a George Harrison en un espectáculo legendario. Los ensayos estuvieron marcados por tensiones y problemas de coordinación. Jeff Lynne, quien reprodujo traste por traste el solo de guitarra de Clapton, no permitió la entrada a Prince a la pieza musical, quien pacientemente se mantuvo al margen, hasta que el productor por fin logró un entendimiento entre los músicos. Particularmente respecto al protagonismo de Prince en el acto final. Sin embargo, el resultado fue un momento maravilloso, sublime y por demás épico. Destilando muchísima emoción, deslumbrando al público con su energía única y enorme talento y reafirmando su estatus como maestro de la música y del escenario. Esta descarga eléctrica, como se decía en mi época refiriéndome al solo de guitarra, lo describo como uno de los mejores de todos los tiempos, también simbolizó las luchas culturales y raciales dentro del rock. Prince brilló entre los demás músicos, Tom Petty y Harrison hijo quedaron maravillados dejando claro que el momento no solo fue un tributo a Harrison, sino una afirmación de su propio lugar en la historia de la música. CARLOS SANTANA: https://www.youtube.com/watch?v=L-5M1_DKvb0 La segunda de las versiones de la obra de arte de Harrison es de Carlos Santana, a quien he escuchado desde muy joven. Como un inciso anecdótico, los temas de Europa y Samba pa tí, clásicos inmortales de Santana que mi madre no dejaba de reproducir con bastante frecuencia. Recuerdo que ella tenía la costumbre de repetir una y otra vez la canción de su agrado, hasta que al final terminaba grabado en mi muy joven disco duro. Les puedo asegurar que no se me olvidarán jamás, ni las canciones, ni aquellos momentos!. No se imaginan lo mucho que disfruté de los comentarios hechos de los grandes conciertos que dio Carlos Santana en Maracaibo, Valencia y Caracas por allá en 1973. Entre porros, ácidos y anis "el mono”se construyeron historias de todo tipo, lo que sí es cierto fue el lamentable fallecimiento de dos jóvenes, uno de ellos se lanzó al vacío muriendo de manera instantánea y el otro murió por aplastamiento. Estos conciertos marcaron un hito en el rock venezolano. Es decir, un antes y un después. En fin aunque me salí un poco del tema, al fin de cuentas son historias que me encanta compartirlas y relatárlaselas a ustedes. Volviendo con la conversación, este grande del rock, nació Tijuana (Mexico), reimaginó "While My Guitar Gently Weeps" en su álbum "Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics of All Time" editado y lanzado a mercado en el año 2010, acompañado por dos artistas de gran calibre, a quien desconocía hasta el día de hoy, como es India Arie, cantante afroamericana, compositora y guitarrista, y Yo-Yo Ma, chelista Franco Americano de origen chino. India aportó una interpretación vocal conmovedora y llena de soul, mientras que Yo-Yo Ma añadió un toque clásico con su chelo. Santana, con su muy particular estilo fusionó el blues y rock con influencias latinas, creando una versión profundamente expresiva, ofreciendo un homenaje especial al legado de George Harrison. GEORGE HARRISON: https://www.youtube.com/watch?v=RdgXJ0jQtVw Y con esta última versión cerramos nuestro capítulo de hoy. Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo. Gracias por su compañía y atención. Me despido de todas y todos ustedes, su servidor, Pedro A. Luis. ¡Hasta la próxima!locosporincordiarHola, les habla Pedro A. Luis en un episodio más de Explorando Versiones. THE BEATLES - WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS: https://www.youtube.com/watch?v=rp7dMLeSTT0 Iniciaremos el programa con una frase que extraje de la canción que va a ser objeto de este episodio. Se llama así “I'm sitting here doing nothing but aging”, que significa “Mientras estoy sentado aquí, haciendo nada más que envejecer”. Es como que va pasando el tiempo sin poder hacer algo significativo. sentimiento común en momentos de introspección o desilusión, cuando las personas sienten que sus vidas se están desperdiciando o que no están alcanzando su pleno potencial. While My Guitar Gently Weeps, a mi juicio toda una obra de arte musical y casi celestial, es una de las composiciones más hermosas que he oído a lo largo de mis 61 años de vida. Mientras las luchas por los derechos civiles, la igualdad racial y la oposición a la explotación laboral, ocurrían con rotunda fuerza, George Harrison nos entregaba esta excepcional canción. George, lanza al mundo esta hermosa pieza musical llena de arte en el año 1968 como parte del Álbum Blanco (The White Album) de los BEATLES. Esta joya musical destaca y atrapa la atención colectiva de inmediato por su profundidad lírica como por su melodía eternamente conmovedora, constituyéndose así en una inigualable irreverente referencia histórica universal. Harrison, inspirado por el concepto oriental de interconexión, sobre el impacto del azar en las cosas cotidianas, lo llevó a escribir y a componer esta pieza musical que reflexiona sobre la falta de amor y de conexión en el mundo, utilizando la guitarra como una metáfora emocional. Para los Beatles no era habitual incorporar músicos externos en sus grabaciones, sin embargo sin lugar a dudas fue una tenaz y gran decisión de Harrison, convenciendo a Clapton para que colaborara, lo que añadió una capa emotiva y distintiva a la pieza. Musicalmente, combina elementos del rock, blues y psicodelia, destacando tanto la expresividad de la guitarra como la sensibilidad de las letras. Es una obra que ha trascendido generaciones, consolidándose como un himno atemporal de extraordinaria belleza. PRINCE, TOM PETTY, JEFF LYNNE AND STEVE WINWOOD: https://www.youtube.com/watch?v=dWRCooFKk3c La primera de las versiones que escucharemos pertenece a Prince Rogers Nelson, mejor conocido como Prince. Con una actuación magistral de su carrera durante la ceremonia del Salón de la Fama del Rock & Roll en 2004, interpretando "While My Guitar Gently Weeps". Acompañado por Tom Petty, Jeff Lynne, Steve Winwood y Dhani Harrison, transformó un homenaje que se le hacía a George Harrison en un espectáculo legendario. Los ensayos estuvieron marcados por tensiones y problemas de coordinación. Jeff Lynne, quien reprodujo traste por traste el solo de guitarra de Clapton, no permitió la entrada a Prince a la pieza musical, quien pacientemente se mantuvo al margen, hasta que el productor por fin logró un entendimiento entre los músicos. Particularmente respecto al protagonismo de Prince en el acto final. Sin embargo, el resultado fue un momento maravilloso, sublime y por demás épico. Destilando muchísima emoción, deslumbrando al público con su energía única y enorme talento y reafirmando su estatus como maestro de la música y del escenario. Esta descarga eléctrica, como se decía en mi época refiriéndome al solo de guitarra, lo describo como uno de los mejores de todos los tiempos, también simbolizó las luchas culturales y raciales dentro del rock. Prince brilló entre los demás músicos, Tom Petty y Harrison hijo quedaron maravillados dejando claro que el momento no solo fue un tributo a Harrison, sino una afirmación de su propio lugar en la historia de la música. CARLOS SANTANA: https://www.youtube.com/watch?v=L-5M1_DKvb0 La segunda de las versiones de la obra de arte de Harrison es de Carlos Santana, a quien he escuchado desde muy joven. Como un inciso anecdótico, los temas de Europa y Samba pa tí, clásicos inmortales de Santana que mi madre no dejaba de reproducir con bastante frecuencia. Recuerdo que ella tenía la costumbre de repetir una y otra vez la canción de su agrado, hasta que al final terminaba grabado en mi muy joven disco duro. Les puedo asegurar que no se me olvidarán jamás, ni las canciones, ni aquellos momentos!. No se imaginan lo mucho que disfruté de los comentarios hechos de los grandes conciertos que dio Carlos Santana en Maracaibo, Valencia y Caracas por allá en 1973. Entre porros, ácidos y anis "el mono”se construyeron historias de todo tipo, lo que sí es cierto fue el lamentable fallecimiento de dos jóvenes, uno de ellos se lanzó al vacío muriendo de manera instantánea y el otro murió por aplastamiento. Estos conciertos marcaron un hito en el rock venezolano. Es decir, un antes y un después. En fin aunque me salí un poco del tema, al fin de cuentas son historias que me encanta compartirlas y relatárlaselas a ustedes. Volviendo con la conversación, este grande del rock, nació Tijuana (Mexico), reimaginó "While My Guitar Gently Weeps" en su álbum "Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics of All Time" editado y lanzado a mercado en el año 2010, acompañado por dos artistas de gran calibre, a quien desconocía hasta el día de hoy, como es India Arie, cantante afroamericana, compositora y guitarrista, y Yo-Yo Ma, chelista Franco Americano de origen chino. India aportó una interpretación vocal conmovedora y llena de soul, mientras que Yo-Yo Ma añadió un toque clásico con su chelo. Santana, con su muy particular estilo fusionó el blues y rock con influencias latinas, creando una versión profundamente expresiva, ofreciendo un homenaje especial al legado de George Harrison. GEORGE HARRISON: https://www.youtube.com/watch?v=RdgXJ0jQtVw Y con esta última versión cerramos nuestro capítulo de hoy. Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo. Gracias por su compañía y atención. Me despido de todas y todos ustedes, su servidor, Pedro A. Luis. ¡Hasta la próxima!https://www.ivoox.com/042-explorando-versiones-ayatollah-audios-mp3_rf_137856762_1.htmlFri, 17 Jan 2025 08:09:42 +010020:43202542fullhttps://www.ivoox.com/137856762locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)no¡Hola amigos! Soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones hablaremos de Siniestro Total, una de las bandas que marcó mi juventud y la de toda una generación y de su canción "Ayatollah". La primera que les hizo famosos a nivel nacional. ST: AYATOLLAH (MAQUETA): https://www.youtube.com/watch?v=NTICW_V62HA Y es que este tema les hizo dar el gran, gracias, en parte, al icónico programa de radio “Esto no es Hawai” que presentaba Jesús Ordovás en Radio 3. Por aquel entonces Julián Hernandez, creador de la canción, estudiaba en Madrid y contactó con Jesús para hacerle llegar esta maqueta para que la pusiera en el programa, y cuando Jesús la escuchó, ¡quedó tan impactado que no dejó de ponerla una y otra vez! Tal fue el impacto que el programa confeccionaba una lista de canciones que votaban los propios oyentes y «Ayatolah!» se alzó al número uno rápidamente. ST: AYATOLLAH (AYUDANDO A LOS ENFERMOS): https://www.youtube.com/watch?v=FuCHOVBunVw Pero, antes de entrar de lleno en la canción, un poco de contexto. Siniestro Total es un grupo gallego se formó en Vigo en 1981, en pleno auge de la denominada Movida Viguesa. La primera formación de la banda estaba compuesta por Germán Coppini, Miguel Costas, Alberto Torrado y Julián Hernández. Con esta alineación, lanzaron su primer EP llamado “Ayudando a los enfermos” en el que se incluye esta primera versión de Ayatollah. Vamos a la letra. A simple vista, "Ayatollah" puede parecer absurda, pero es la perfecta muestra del estilo irreverente del grupo usando mucha retranca y sorna gallega. Estamos en los años 80 y el Ayatolá Jomeini estaba en todos los titulares internacionales tras la revolución iraní. Éste había protagonizado una revolución que le llevaría al poder aupado por una población que había estado sometida a la tiranía de la monarquía del Sha de Persia Mohammad Reza Pahlevi. Pronto se convertiría en una nueva tiranía teocrática y fundamentalista de corte islámico con imágenes duras de gente colgada de los pies o con las manos cortadas. En el estribillo, "Ayatollah, no me toques la pirola", al igual que en la canción de Elvis y sus zapatos de gamuza azul, el protagonista de la canción pide que le pueden hacer cualquier cosa menos tocarle la pirola. Esta mezcla entre lo infantil y lo polémico era un sello distintivo del grupo, haciendo que lo que podría haber sido una crítica política pesada se transformara en algo ligero y memorable. Y en lugar de abordar este tema con solemnidad, Siniestro Total hizo todo lo contrario: usaron el humor más corrosivo y absurdo para denunciar tales abusos. Musicalmente, el tema es puro punk: directo, sencillo y con mucha actitud. Aunque la banda en ese momento no destacaba por su virtuosismo instrumental y pelo lo compensaban con una gran energía y desparpajo. ST: AYATOLLAH (¿CUANDO SE COME AQUÍ?): https://www.youtube.com/watch?v=wKartIt095E En este viaje por las versiones de Ayatollah empezaremos por la versión incluida en el primer álbum de larga duración de la banda llamado ¿Cuando se come aquí? grabado en octubre de 1982. En la portada de este disco aparecen los 4 siniestros originales caricaturizados como los hermanos Dalton (de los comics de Lucky Luke). Este fantástico dibujo es obra de Óscar Mariné sobre una idea del propio grupo y de Pepo Fuentes (amigo de Julián y road mánager del grupo). El título del disco también fue sacado del famoso cómic creado por Morris: se comenta que tras pasar tres días grabando el disco encerrados sin comer nada y muy lejos del bar más cercano, Pepo Fuentes recordó el cómic donde aparece Averell Dalton diciendo eso de "¿Cuándo se come aquí?" ST: AYATOLLAH Nº9 (MENOS MAL QUE NOS QUEDA PORTUGAL): https://www.youtube.com/watch?v=HoJL-7nXhSU La siguiente versión se llama “Ayatollah Number 9” y aparece como bonus track del tercer disco de estudio titulado “Menos mal que nos queda Portugal” publicado en 1984 y como cara B del single “Si yo canto” publicado un año más tarde, en 1985. Esta versión es más sosegada, cantada con desgana y con una instrumentación más acústica y en la que destaca el acompañamiento de percusión. ST: AYATOLLAH (ANTE TODO MUCHA CALMA): https://www.youtube.com/watch?v=UKyJiethQaE En el año 1992, en su auge de popularidad, el grupo publica el doble álbum en directo titulado Ante Todo: Mucha Calma, y en el que para mí es el mejor disco de la banda, en el que aparece la versión que está sonando. Con un ritmo más rockero, esta versión destaca por los riff de guitarra de Javier Soto y la personalidad que le da Julian Hernandez y Miguel Costas cantando a dúo este tema. NINGOONIES + GERMAN COPPINI: https://www.youtube.com/watch?v=p_qLRIalDVM Pero hay más vida ahí afuera aparte de las propias versiones de Siniestro Total y en este repaso nos tenemos que detener en la versión que hicieron en junio de 2013 el grupo Ningoonies junto a Germán Coppini en el que interpretaron en directo esta versión con motivo del treinta aniversario de la publicación del álbum ¿Cuándo se come aquí?, el primer álbum de estudio de Siniestro Total. La colaboración de Germán junto a Ningoonies añadió un toque muy particular, ya que Coppini, como uno de los miembros fundadores, aportó una carga nostálgica y emocional a la ocasión, más si cabe con el fallecimiento meses después del propio German Coppini por una enfermedad hepática. LAGARTIJA NICK + JOSE MAROTO: https://www.youtube.com/watch?v=R71knmbEuMo Tras el fallecimiento de Germán Coppini en diciembre de 2013, su influencia y legado fueron reconocidos por varias bandas. Tanto es así que en abril de 2014, el grupo granadino Lagartija Nick, junto con José Maroto (ex-KGB), le rindieron un sentido homenaje interpretando “Ayatollah” en un concierto especial en la sala El Tren de Granada. Esta versión, con el estilo rock experimental de Lagartija Nick, añadió una identidad única al tema, destacando la fuerza emocional de la letra. La colaboración aportó un enfoque nostálgico y, a la vez, potente, con un sonido crudo y directo que capturaba perfectamente el espíritu de Coppini y el impacto que dejó en la música española. ILEGALES: https://www.youtube.com/watch?v=nl-A0d8WXpQ Nos tenemos que poner en pie ante esta versión de los Ilegales que grabaron para el disco “Sótano Total”, publicado en noviembre de 2022 y hacen un homenaje a Siniestro Total impulsado por el programa El Sótano de Radio 3 ya que esta interpretación va más allá de una simple adaptación. En esta versión, el grupo asturiano logra darle su propio sello. La música incorpora reminiscencias árabes que aportan un aire exótico y misterioso, mientras que la voz inconfundible de Jorge Ilegal aporta una nueva profundidad y gravedad, logrando que la canción adquiera una dimensión única y oscura. ANARQUÍA TROPICAL: https://www.youtube.com/watch?v=ZcB9SB6su08 Y como en este mundo tiene que haber de tó, en junio de 2024 se publica esta adaptación tropical de Ayatollah en un canal de youtube llamado “Anarquía Tropical”. Bajo el nombre de “Anarquía Tropical Vol 2” encontramos este tema salsero que lejos de perder la esencia punk, la lleva a un terreno inesperado, lleno de ritmos latinos y percusiones tropicales. En esta interpretación, los compases rápidos y enérgicos de Ayatollah se fusionan con la cadencia y el sabor caribeño, logrando que la crítica y el humor de la letra adquieran un tono juguetón, casi festivo. DEF CON DOS: https://www.youtube.com/watch?v=cl4HvRZozA0 La versión más reciente es la que ha lanzado el grupo Def con Dos en octubre de 2024 en la que se aporta un giro fresco y potente al clásico de Siniestro Total. Def Con Dos ha modernizado el tema, integrando su característico estilo de rap metal con una mayor carga de guitarras y una base rítmica más intensa. Esta versión no solo rinde homenaje a la original, sino que también la revitaliza para un público nuevo, introduciendo un sonido más agresivo y contemporáneo, fiel a la identidad de la banda. SINIESTRO TOTAL (40 AÑOS SIN PISAR LA AUDIENCIA NACIONAL): https://www.youtube.com/watch?v=DB435_hFGnw Para rematar este viaje por la canción de Ayatollah os dejo esta versión. Esta es la última vez que Siniestro Total ha tocado el tema y fue en su concierto de despedida de los escenarios en el concierto “40 Años Sin Pisar La Audiencia Nacional”, celebrado los días 6 y 7 de mayo de 2022. Para esa ocasión se volvieron a reunir todos los músicos que han pasado por la banda en esos 40 años de trayectoria. CONCLUSIÓN: Y aunque hoy día Siniestro Total ya no está en los escenarios, su legado sigue vivo y es tan relevante como en aquellos primeros años. A través de Ayatollah, esta canción que a priori parecía una broma punk de corta duración, el grupo logró condensar la ironía y el humor corrosivo que los caracterizaban, y ofreció una forma distinta de hacer crítica social y política. Al fin y al cabo Ayatollah se ha convertido en un tema que desafía el paso del tiempo, logrando que, 40 años después, siga siendo igual de provocador y relevante. Así que, ya sabéis, 'no me toquéis la pirola'... ¡y tampoco os perdáis el próximo episodio de Explorando Versiones! Nos vemos pronto.locosporincordiar¡Hola amigos! Soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones hablaremos de Siniestro Total, una de las bandas que marcó mi juventud y la de toda una generación y de su canción "Ayatollah". La primera que les hizo famosos a nivel nacional. ST: AYATOLLAH (MAQUETA): https://www.youtube.com/watch?v=NTICW_V62HA Y es que este tema les hizo dar el gran, gracias, en parte, al icónico programa de radio “Esto no es Hawai” que presentaba Jesús Ordovás en Radio 3. Por aquel entonces Julián Hernandez, creador de la canción, estudiaba en Madrid y contactó con Jesús para hacerle llegar esta maqueta para que la pusiera en el programa, y cuando Jesús la escuchó, ¡quedó tan impactado que no dejó de ponerla una y otra vez! Tal fue el impacto que el programa confeccionaba una lista de canciones que votaban los propios oyentes y «Ayatolah!» se alzó al número uno rápidamente. ST: AYATOLLAH (AYUDANDO A LOS ENFERMOS): https://www.youtube.com/watch?v=FuCHOVBunVw Pero, antes de entrar de lleno en la canción, un poco de contexto. Siniestro Total es un grupo gallego se formó en Vigo en 1981, en pleno auge de la denominada Movida Viguesa. La primera formación de la banda estaba compuesta por Germán Coppini, Miguel Costas, Alberto Torrado y Julián Hernández. Con esta alineación, lanzaron su primer EP llamado “Ayudando a los enfermos” en el que se incluye esta primera versión de Ayatollah. Vamos a la letra. A simple vista, "Ayatollah" puede parecer absurda, pero es la perfecta muestra del estilo irreverente del grupo usando mucha retranca y sorna gallega. Estamos en los años 80 y el Ayatolá Jomeini estaba en todos los titulares internacionales tras la revolución iraní. Éste había protagonizado una revolución que le llevaría al poder aupado por una población que había estado sometida a la tiranía de la monarquía del Sha de Persia Mohammad Reza Pahlevi. Pronto se convertiría en una nueva tiranía teocrática y fundamentalista de corte islámico con imágenes duras de gente colgada de los pies o con las manos cortadas. En el estribillo, "Ayatollah, no me toques la pirola", al igual que en la canción de Elvis y sus zapatos de gamuza azul, el protagonista de la canción pide que le pueden hacer cualquier cosa menos tocarle la pirola. Esta mezcla entre lo infantil y lo polémico era un sello distintivo del grupo, haciendo que lo que podría haber sido una crítica política pesada se transformara en algo ligero y memorable. Y en lugar de abordar este tema con solemnidad, Siniestro Total hizo todo lo contrario: usaron el humor más corrosivo y absurdo para denunciar tales abusos. Musicalmente, el tema es puro punk: directo, sencillo y con mucha actitud. Aunque la banda en ese momento no destacaba por su virtuosismo instrumental y pelo lo compensaban con una gran energía y desparpajo. ST: AYATOLLAH (¿CUANDO SE COME AQUÍ?): https://www.youtube.com/watch?v=wKartIt095E En este viaje por las versiones de Ayatollah empezaremos por la versión incluida en el primer álbum de larga duración de la banda llamado ¿Cuando se come aquí? grabado en octubre de 1982. En la portada de este disco aparecen los 4 siniestros originales caricaturizados como los hermanos Dalton (de los comics de Lucky Luke). Este fantástico dibujo es obra de Óscar Mariné sobre una idea del propio grupo y de Pepo Fuentes (amigo de Julián y road mánager del grupo). El título del disco también fue sacado del famoso cómic creado por Morris: se comenta que tras pasar tres días grabando el disco encerrados sin comer nada y muy lejos del bar más cercano, Pepo Fuentes recordó el cómic donde aparece Averell Dalton diciendo eso de "¿Cuándo se come aquí?" ST: AYATOLLAH Nº9 (MENOS MAL QUE NOS QUEDA PORTUGAL): https://www.youtube.com/watch?v=HoJL-7nXhSU La siguiente versión se llama “Ayatollah Number 9” y aparece como bonus track del tercer disco de estudio titulado “Menos mal que nos queda Portugal” publicado en 1984 y como cara B del single “Si yo canto” publicado un año más tarde, en 1985. Esta versión es más sosegada, cantada con desgana y con una instrumentación más acústica y en la que destaca el acompañamiento de percusión. ST: AYATOLLAH (ANTE TODO MUCHA CALMA): https://www.youtube.com/watch?v=UKyJiethQaE En el año 1992, en su auge de popularidad, el grupo publica el doble álbum en directo titulado Ante Todo: Mucha Calma, y en el que para mí es el mejor disco de la banda, en el que aparece la versión que está sonando. Con un ritmo más rockero, esta versión destaca por los riff de guitarra de Javier Soto y la personalidad que le da Julian Hernandez y Miguel Costas cantando a dúo este tema. NINGOONIES + GERMAN COPPINI: https://www.youtube.com/watch?v=p_qLRIalDVM Pero hay más vida ahí afuera aparte de las propias versiones de Siniestro Total y en este repaso nos tenemos que detener en la versión que hicieron en junio de 2013 el grupo Ningoonies junto a Germán Coppini en el que interpretaron en directo esta versión con motivo del treinta aniversario de la publicación del álbum ¿Cuándo se come aquí?, el primer álbum de estudio de Siniestro Total. La colaboración de Germán junto a Ningoonies añadió un toque muy particular, ya que Coppini, como uno de los miembros fundadores, aportó una carga nostálgica y emocional a la ocasión, más si cabe con el fallecimiento meses después del propio German Coppini por una enfermedad hepática. LAGARTIJA NICK + JOSE MAROTO: https://www.youtube.com/watch?v=R71knmbEuMo Tras el fallecimiento de Germán Coppini en diciembre de 2013, su influencia y legado fueron reconocidos por varias bandas. Tanto es así que en abril de 2014, el grupo granadino Lagartija Nick, junto con José Maroto (ex-KGB), le rindieron un sentido homenaje interpretando “Ayatollah” en un concierto especial en la sala El Tren de Granada. Esta versión, con el estilo rock experimental de Lagartija Nick, añadió una identidad única al tema, destacando la fuerza emocional de la letra. La colaboración aportó un enfoque nostálgico y, a la vez, potente, con un sonido crudo y directo que capturaba perfectamente el espíritu de Coppini y el impacto que dejó en la música española. ILEGALES: https://www.youtube.com/watch?v=nl-A0d8WXpQ Nos tenemos que poner en pie ante esta versión de los Ilegales que grabaron para el disco “Sótano Total”, publicado en noviembre de 2022 y hacen un homenaje a Siniestro Total impulsado por el programa El Sótano de Radio 3 ya que esta interpretación va más allá de una simple adaptación. En esta versión, el grupo asturiano logra darle su propio sello. La música incorpora reminiscencias árabes que aportan un aire exótico y misterioso, mientras que la voz inconfundible de Jorge Ilegal aporta una nueva profundidad y gravedad, logrando que la canción adquiera una dimensión única y oscura. ANARQUÍA TROPICAL: https://www.youtube.com/watch?v=ZcB9SB6su08 Y como en este mundo tiene que haber de tó, en junio de 2024 se publica esta adaptación tropical de Ayatollah en un canal de youtube llamado “Anarquía Tropical”. Bajo el nombre de “Anarquía Tropical Vol 2” encontramos este tema salsero que lejos de perder la esencia punk, la lleva a un terreno inesperado, lleno de ritmos latinos y percusiones tropicales. En esta interpretación, los compases rápidos y enérgicos de Ayatollah se fusionan con la cadencia y el sabor caribeño, logrando que la crítica y el humor de la letra adquieran un tono juguetón, casi festivo. DEF CON DOS: https://www.youtube.com/watch?v=cl4HvRZozA0 La versión más reciente es la que ha lanzado el grupo Def con Dos en octubre de 2024 en la que se aporta un giro fresco y potente al clásico de Siniestro Total. Def Con Dos ha modernizado el tema, integrando su característico estilo de rap metal con una mayor carga de guitarras y una base rítmica más intensa. Esta versión no solo rinde homenaje a la original, sino que también la revitaliza para un público nuevo, introduciendo un sonido más agresivo y contemporáneo, fiel a la identidad de la banda. SINIESTRO TOTAL (40 AÑOS SIN PISAR LA AUDIENCIA NACIONAL): https://www.youtube.com/watch?v=DB435_hFGnw Para rematar este viaje por la canción de Ayatollah os dejo esta versión. Esta es la última vez que Siniestro Total ha tocado el tema y fue en su concierto de despedida de los escenarios en el concierto “40 Años Sin Pisar La Audiencia Nacional”, celebrado los días 6 y 7 de mayo de 2022. Para esa ocasión se volvieron a reunir todos los músicos que han pasado por la banda en esos 40 años de trayectoria. CONCLUSIÓN: Y aunque hoy día Siniestro Total ya no está en los escenarios, su legado sigue vivo y es tan relevante como en aquellos primeros años. A través de Ayatollah, esta canción que a priori parecía una broma punk de corta duración, el grupo logró condensar la ironía y el humor corrosivo que los caracterizaban, y ofreció una forma distinta de hacer crítica social y política. Al fin y al cabo Ayatollah se ha convertido en un tema que desafía el paso del tiempo, logrando que, 40 años después, siga siendo igual de provocador y relevante. Así que, ya sabéis, 'no me toquéis la pirola'... ¡y tampoco os perdáis el próximo episodio de Explorando Versiones! Nos vemos pronto.https://www.ivoox.com/041-explorando-versiones-i-ve-got-love-if-audios-mp3_rf_137631983_1.htmlFri, 10 Jan 2025 08:06:15 +010009:33202541fullhttps://www.ivoox.com/137631983locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola, aquí José Carlos, de los Bar-Kings. SLIM HARPO - I'VE GOT LOVE IF YOU WANT IT: https://www.youtube.com/watch?v=fXLhbwSHK30 Ni en sueños se podía imaginar el amigo James Moore, más conocido como Slim Harpo, que la cara B de su primer single, grabado años atrás en un destartalado estudio de los pantanos de Luisiana, iba a ser todo un éxito siete años después en la pista del Scene Club, un garito subterráneo de Londres donde un DJ llamado Guy Stevens parece que lo pinchaba anoche sí y noche también. THE YARDBIRDS - I GOT LOVE IF YOU WANT IT: https://www.youtube.com/watch?v=Ufia9nPmppo Entre los asiduos al Scene estaban los Yardbirds que hicieron una tremenda versión de este tema en su primer LP grabado en directo en el Marquee, aunque no es la que he escogido, sino otra adaptación un tanto más particular grabada casi al mismo tiempo. THE HIGH NUMBERS - I'M THE FACE: https://www.youtube.com/watch?v=bW9j_-zm_80 Como es natural, el disco original de Slim Harpo en una pieza imposible de encontrar en Londres por aquel entonces, pero un chico que andaba siempre merodeando por el Scene llamado Peter Meaden consiguió que Guy Stevens le prestara su copia. Este chaval, con todo el morro, le cambió la letra a su antojo. La llamó I’m the face, se atribuyó la autoría y le pasó el disco a un grupo a los que estaban intentando representar por aquellos días y que había bautizado como de The High Numbers. Los High Numbers la grabaron, recibieron su paga en anfetaminas, el disco se editó sin ninguna repercusión y poco más. Así que los chavales dejaron a Meaden, se fueron con otros managers, se cambiaron el nombre a The Who y el resto es historia. CONCLUSIONES: Como no, le tengo que dedicar este tema con todo mi cariño al Slim Harpo de Torreblanca, al face de la Caverna: el imprescindible Ción Cabana. Va por ti maestro.locosporincordiarHola, aquí José Carlos, de los Bar-Kings. SLIM HARPO - I'VE GOT LOVE IF YOU WANT IT: https://www.youtube.com/watch?v=fXLhbwSHK30 Ni en sueños se podía imaginar el amigo James Moore, más conocido como Slim Harpo, que la cara B de su primer single, grabado años atrás en un destartalado estudio de los pantanos de Luisiana, iba a ser todo un éxito siete años después en la pista del Scene Club, un garito subterráneo de Londres donde un DJ llamado Guy Stevens parece que lo pinchaba anoche sí y noche también. THE YARDBIRDS - I GOT LOVE IF YOU WANT IT: https://www.youtube.com/watch?v=Ufia9nPmppo Entre los asiduos al Scene estaban los Yardbirds que hicieron una tremenda versión de este tema en su primer LP grabado en directo en el Marquee, aunque no es la que he escogido, sino otra adaptación un tanto más particular grabada casi al mismo tiempo. THE HIGH NUMBERS - I'M THE FACE: https://www.youtube.com/watch?v=bW9j_-zm_80 Como es natural, el disco original de Slim Harpo en una pieza imposible de encontrar en Londres por aquel entonces, pero un chico que andaba siempre merodeando por el Scene llamado Peter Meaden consiguió que Guy Stevens le prestara su copia. Este chaval, con todo el morro, le cambió la letra a su antojo. La llamó I’m the face, se atribuyó la autoría y le pasó el disco a un grupo a los que estaban intentando representar por aquellos días y que había bautizado como de The High Numbers. Los High Numbers la grabaron, recibieron su paga en anfetaminas, el disco se editó sin ninguna repercusión y poco más. Así que los chavales dejaron a Meaden, se fueron con otros managers, se cambiaron el nombre a The Who y el resto es historia. CONCLUSIONES: Como no, le tengo que dedicar este tema con todo mi cariño al Slim Harpo de Torreblanca, al face de la Caverna: el imprescindible Ción Cabana. Va por ti maestro.https://www.ivoox.com/040-explorando-versiones-friday-on-my-mind-audios-mp3_rf_136842393_1.htmlThu, 12 Dec 2024 18:56:30 +010022:13140fullhttps://www.ivoox.com/136842393locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noChavaleria, hoy en Explorando Versiones nos vamos a las antípodas, al territorio australiano, donde cualquier bicho pica tela o te mata en poco tiempo. EASYBEATS - FRIDAY ON MY MIND: https://www.youtube.com/watch?v=NSowZcvoqr4 La banda de la que hablaremos hoy, por desmadres, excesos, duraron menos que un telegrama, desde el año 64 al 69. Fue considerada la mejor banda australiana de los años 60. Con el tema que exploraremos hoy, consiguieron un éxito mundial. La banda estaba formada por dos ingleses, un escoces, y dos holandeses. Inmigrantes en la tierra roja de los canguros. Ellos eran: Dick Diamonte al bajo, Harry Vanda a la guitarra, George Young a la guitarra y teclas (sí, este era el hermano mayor de los hermanos de ACDC), Gordon "Snowy" Fleet a la batería, Stevie Wright a la voz. La canción nos habla del cachondeo de sus fines de semana en hostales diversos de Sidney. En la letra se quejan del bajón, del lunes, martes, miércoles, jueves... hasta llegar al viernes, volviendo al desmadre y alegría. Vanda sacó el riff del inicio de un espectáculo de los swingle singers, volviendo a casa no podía dejar de tararear esa melodía, así que la incorporó. Producida por Shel Talmy y grabada en los IBC Studios de Londres bajo el sello de United Artist Records, fue sacada como sencillo un 14 de Octubre del 66 del álbum cuarto de estudio "Good Friday" lanzado en Mayo del 67 y abriéndolo. Con ustedes the EasyBeats con el tema "Friday on my mind". TEDDY ROBIN & THE PLAYBOYS: https://www.youtube.com/watch?v=ReynoWwAH0I Teddy Robin & The Playboys - 365 days: Estilo pop, del año 1967. Comenzaremos con esta banda de Hong Kong que seguramente escucharían al levantarse por la mañana el mensaje de los EasyBeats, templados y de buen oído su álbum 365 days plagada de covers incluye una maravillosa versión, de chicos que parecen no haber partido un plato, ea a levantarse que ya es viernes... LOS WIKINGOS - EL VIERNES EN MI RECUERDO: https://www.youtube.com/watch?v=vi9WqK75QfM Los Wikingos, del EP Los Wikingos vol.2, también del año 1967. Una de esas bandas flojitas de Barcelona de los años 60. Incluyeron este tema en un EP formado por las versiones de The EasyBeats - Friday on my mind "El viernes en mi recuerdo" y "Lady Jane" de los Stones, y otros dos temas "Como yo te prometí" y " Yo soy un pez", muy “duduaas”, pero agradables a la escucha, se les ve bien en el estilo de canciones flojitas, al que le guste...hay lo lleva. LOS ANGELES: https://www.youtube.com/watch?v=i3ZbuMj6iIg Los Angeles. Esta banda de Granada, que grabó en directo en el 72 esta canción, fue incluida en Spanish Pop Story Vol.9 es muy, muy, fidedigna a la original, está muy bien conseguida, escuchalos. DAVID BOWIE: https://www.youtube.com/watch?v=Kofe-_3eUPQ Y como no, el duque blanco cuando escucho la canción original, quiso hacer una versión, que a mi entender es bastante buena, como todo lo que hacía aquí el David Bowie pero a mí, sigue sin ser mi favorita. En el álbum “Pin Ups” de 1973 incluyó “Friday on my mind” con su estilo personal. Pues también hay que escucharle. LONDON: https://www.youtube.com/watch?v=fEMipBxIfM0 Estos están sacados de un frenopático. Estos tíos están como una cabra, pero para mí es la mejor versión que he escuchado de esta canción. En un EP del grupo London titulado Summer of Love cuando salieron de permiso en 1977, hicieron esta pedazo de versión, de verdad, increíble, a mi es la que más me ha gustado, por su originalidad, su mala hostia. Increíble, es como si hubieran salido del frenopático, se hubieran sentado a tocar y se hubieran vuelto a pirar. THE GOLAN PISTONS: https://www.youtube.com/watch?v=S-9VhZn7ulw Y cómo no íbamos a tener una versión un poquito más dura, bueno lo categorizan como punk, pero para mi las guitarras no son punk, pero bueno, este grupo que se llama The Golan Pistons en su álbum “We do em our way” de 1980, no se si lo he pronunciado bien, estos hicieron una versión más pesada bastante dura, con ramalazos un poco heavy sin llegar a serlo, pero bueno estos para los que le guste el heavy trasnochao y tal les puede gustar, yo me sigo quedando con los London (risas), bueno pues nada al que le guste los Golan Pistons, pues ala ....pa ti. CONCLUSIONES Bueno chavalería, me despido de todos vosotros, el motivo por el que he elegido la versión de London es porque creo a mi entender, a mi humilde entender, han cogido la canción y han hecho lo que les ha dado la gana, eso sí es hacer una versión no es hacer un cover. Creo que los punkis de London sabían lo que hacían, claro que sí, y luego se fueron al frenopático otra vez. Y nada chavaleria, intentad pasarlo bien porque hay que hacerlo, como dicen los EasyBeats, el viernes está en mi mente. Adiós.locosporincordiarChavaleria, hoy en Explorando Versiones nos vamos a las antípodas, al territorio australiano, donde cualquier bicho pica tela o te mata en poco tiempo. EASYBEATS - FRIDAY ON MY MIND: https://www.youtube.com/watch?v=NSowZcvoqr4 La banda de la que hablaremos hoy, por desmadres, excesos, duraron menos que un telegrama, desde el año 64 al 69. Fue considerada la mejor banda australiana de los años 60. Con el tema que exploraremos hoy, consiguieron un éxito mundial. La banda estaba formada por dos ingleses, un escoces, y dos holandeses. Inmigrantes en la tierra roja de los canguros. Ellos eran: Dick Diamonte al bajo, Harry Vanda a la guitarra, George Young a la guitarra y teclas (sí, este era el hermano mayor de los hermanos de ACDC), Gordon "Snowy" Fleet a la batería, Stevie Wright a la voz. La canción nos habla del cachondeo de sus fines de semana en hostales diversos de Sidney. En la letra se quejan del bajón, del lunes, martes, miércoles, jueves... hasta llegar al viernes, volviendo al desmadre y alegría. Vanda sacó el riff del inicio de un espectáculo de los swingle singers, volviendo a casa no podía dejar de tararear esa melodía, así que la incorporó. Producida por Shel Talmy y grabada en los IBC Studios de Londres bajo el sello de United Artist Records, fue sacada como sencillo un 14 de Octubre del 66 del álbum cuarto de estudio "Good Friday" lanzado en Mayo del 67 y abriéndolo. Con ustedes the EasyBeats con el tema "Friday on my mind". TEDDY ROBIN & THE PLAYBOYS: https://www.youtube.com/watch?v=ReynoWwAH0I Teddy Robin & The Playboys - 365 days: Estilo pop, del año 1967. Comenzaremos con esta banda de Hong Kong que seguramente escucharían al levantarse por la mañana el mensaje de los EasyBeats, templados y de buen oído su álbum 365 days plagada de covers incluye una maravillosa versión, de chicos que parecen no haber partido un plato, ea a levantarse que ya es viernes... LOS WIKINGOS - EL VIERNES EN MI RECUERDO: https://www.youtube.com/watch?v=vi9WqK75QfM Los Wikingos, del EP Los Wikingos vol.2, también del año 1967. Una de esas bandas flojitas de Barcelona de los años 60. Incluyeron este tema en un EP formado por las versiones de The EasyBeats - Friday on my mind "El viernes en mi recuerdo" y "Lady Jane" de los Stones, y otros dos temas "Como yo te prometí" y " Yo soy un pez", muy “duduaas”, pero agradables a la escucha, se les ve bien en el estilo de canciones flojitas, al que le guste...hay lo lleva. LOS ANGELES: https://www.youtube.com/watch?v=i3ZbuMj6iIg Los Angeles. Esta banda de Granada, que grabó en directo en el 72 esta canción, fue incluida en Spanish Pop Story Vol.9 es muy, muy, fidedigna a la original, está muy bien conseguida, escuchalos. DAVID BOWIE: https://www.youtube.com/watch?v=Kofe-_3eUPQ Y como no, el duque blanco cuando escucho la canción original, quiso hacer una versión, que a mi entender es bastante buena, como todo lo que hacía aquí el David Bowie pero a mí, sigue sin ser mi favorita. En el álbum “Pin Ups” de 1973 incluyó “Friday on my mind” con su estilo personal. Pues también hay que escucharle. LONDON: https://www.youtube.com/watch?v=fEMipBxIfM0 Estos están sacados de un frenopático. Estos tíos están como una cabra, pero para mí es la mejor versión que he escuchado de esta canción. En un EP del grupo London titulado Summer of Love cuando salieron de permiso en 1977, hicieron esta pedazo de versión, de verdad, increíble, a mi es la que más me ha gustado, por su originalidad, su mala hostia. Increíble, es como si hubieran salido del frenopático, se hubieran sentado a tocar y se hubieran vuelto a pirar. THE GOLAN PISTONS: https://www.youtube.com/watch?v=S-9VhZn7ulw Y cómo no íbamos a tener una versión un poquito más dura, bueno lo categorizan como punk, pero para mi las guitarras no son punk, pero bueno, este grupo que se llama The Golan Pistons en su álbum “We do em our way” de 1980, no se si lo he pronunciado bien, estos hicieron una versión más pesada bastante dura, con ramalazos un poco heavy sin llegar a serlo, pero bueno estos para los que le guste el heavy trasnochao y tal les puede gustar, yo me sigo quedando con los London (risas), bueno pues nada al que le guste los Golan Pistons, pues ala ....pa ti. CONCLUSIONES Bueno chavalería, me despido de todos vosotros, el motivo por el que he elegido la versión de London es porque creo a mi entender, a mi humilde entender, han cogido la canción y han hecho lo que les ha dado la gana, eso sí es hacer una versión no es hacer un cover. Creo que los punkis de London sabían lo que hacían, claro que sí, y luego se fueron al frenopático otra vez. Y nada chavaleria, intentad pasarlo bien porque hay que hacerlo, como dicen los EasyBeats, el viernes está en mi mente. Adiós.https://www.ivoox.com/039-explorando-versiones-thriller-audios-mp3_rf_136636212_1.htmlFri, 06 Dec 2024 10:48:13 +010026:00139fullhttps://www.ivoox.com/136636212locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola, soy José y te doy la bienvenida a "Explorando Versiones". Hoy os traigo un clásico del pop que nunca pasa de moda. Hablamos ni más ni menos de la canción "Thriller" de Michael Jackson. MICHAEL JACKSON - THRILLER https://www.youtube.com/watch?v=rLMr9CsJHME Lanzada en 1982, la canción Thriller da título a uno de los discos más influyentes de todos los tiempos y revolucionando la música pop del momento. La canción fue escrita por Rod Temperton y producida por Quincy Jones. En sus primeros años, llegó al número 4 de la lista Billboard, pero su impacto fue mucho más allá. El álbum en sí fue un fenómeno sin precedentes vendiendo más de 70 millones de copias, lo que hizo que Jackson ganara el título de "Rey del Pop". Pero el impacto de Thriller no fue solo por la música. El videoclip, dirigido por John Landis, quien también hizo pelis de terror como Un hombre lobo americano en Londres, le añadió ese toque tenebroso, con coreografías de zombis, maquillaje impactante y la famosa narración de terror de Vincent Price. ¿Te imaginas ver algo así en los años 80? Fue una locura en su momento, y sigue siendo uno de los videos más recordados. MICHAEL JACKSON - THRILLER (This Is It): https://www.youtube.com/watch?v=ye6tPfJe2kc Años después, Michael había preparado una versión increíblemente mejorada de Thriller para la gira. Quería ir más allá y pensó en una coreografía con efectos visuales en 3D, bailarines disfrazados de zombis y una escenografía llena de sorpresas para el público. Aunque nunca llegó a presentarse en vivo, los ensayos quedaron registrados en el documental This Is It, mostrando cómo Michael perfeccionaba cada detalle, cada movimiento. Pero Thriller no se quedó solo en el legado de Michael. Esta canción ha inspirado a muchísimos artistas de todo tipo de géneros, y la variedad de versiones lo demuestra. A continuación, repasaremos algunas que se han ganado un lugar en el corazón de los fans. Algunas son versiones que respetan la original, y otras... ¡bueno, las han llevado a lugares insospechados! IMOGEN HEAP: https://www.youtube.com/watch?v=gFzHv53UVXI La versión de Thriller que hizo la cantante británica Imogen Heap es completamente distinta. Esta artista lanzó su interpretación en 2005. Imogen transforma Thriller en algo atmosférico, con un sonido que invita a escucharlo en un ambiente relajado, casi meditativo. En lugar de seguir la energía de la versión de Jackson, Heap explora una faceta más sutil, usando efectos de sonido que le dan un aire de misterio y melancolía. ¡Definitivamente una versión para quienes quieren experimentar una cara totalmente distinta de Thriller! 2CELLOS: https://www.youtube.com/watch?v=58ttNPQHOgs A continuación os dejo esta versión del dúo croata 2CELLOS, que llevó Thriller a la música instrumental en 2012. Estos dos músicos usan solo sus violonchelos para reinterpretar la canción, pero logran capturar la misma energía y misterio. En sus conciertos, incluso recrean la intensidad del videoclip, usando efectos de iluminación y movimientos casi teatrales que encajan perfecto con el toque oscuro de la canción. Al escuchar su versión, pareciera que Thriller fue hecho para los violonchelos desde el principio, porque ellos le sacan el lado dramático y casi gótico de una forma increíble. HONEYWAGON: https://www.youtube.com/watch?v=yL5_Sl9aMoI A continuación os dejo esta peculiar versión que hizo Honeywagon. Este grupo es conocido por sus versiones en estilo bluegrass de canciones pop y rock y en esta interpretación de Thriller, convierten el clásico de Michael Jackson en un tema acústico, con un estilo de instrumentos tradicionales como el banjo y el contrabajo, dándole un toque rústico y a la vez refrescante. Este contraste entre el ritmo bluegrass y el tema de misterio de Thriller genera una versión que es tan curiosa como entretenida, acercándola a un ambiente más campestre y menos terrorífico. WAYNE BRADY: https://www.youtube.com/watch?v=td-_pUPVjdo El cantante y humorista Wayne Brady también hizo una versión de Thriller pero con un estilo más íntimo. Ésta destaca por enfocarse en el lado vocal de la canción, dándole un toque de Rhythm and blues y soul. Mientras que en el videoclip de Jackson la música y los efectos son el centro de atención, Brady se enfoca en el mensaje y en la emoción de la letra, haciendo que Thriller suene casi como una confesión. Es perfecta si buscas una versión más suave y melódica, sin tanto misterio y terror. KEVIN CEBALLO & MICHAEL STUART: https://www.youtube.com/watch?v=-SMGccd0N8c Otra versión que seguramente te sorprenderá es la de los artistas latinos Kevin Ceballo y Michael Stuart, quienes hicieron una adaptación en salsa. En esta versión, Thriller se convierte en una canción de baile con ritmos latinos y toques de trompetas y percusión que invitan a moverse. ¿Te imaginas bailar salsa al ritmo de Thriller? Pues ellos lograron combinar la esencia de la canción original con el sabor de la salsa, lo que la hace ideal para disfrutar en una fiesta. AZUCARILLO KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=xa1ZFdY4arw En el año 1998 el grupo barcelonés Azucarillo Kings incluye en su primer álbum esta adaptación humorística que llamaron "Espeluznante (Thriller)”, dándole un toque cómico y extravagante. Esta versión resalta la creatividad de la banda, famosa por sus versiones cómicas de éxitos internacionales, adaptando temas populares con un toque de humor y pachanga en español LA TERREMOTO DE ALCORCÓN: https://www.youtube.com/watch?v=yub0PPxnURI No podíamos olvidar la versión humorística que hizo La Terremoto de Alcorcón en el año 2006, quien transforma la canción de Michael Jackson en una comedia. Esta artista adapta la letra para incluir referencias a la vida cotidiana, convirtiendo Thriller en una parodia divertida que no tiene miedo de hacer reír. Es una versión que no busca ser fiel a la original, sino darle una vuelta cómica y celebrar Thriller desde un ángulo humorístico y cercano. LUIXI TOLEDO: https://www.youtube.com/watch?v=VwzAPRodrZc Y cerramos con una historia curiosa que podría ser la versión más bizarra de el tema y es que en los años 90, el músico español Luixi Toledo afirmó que Thriller estaba basada en su canción Exorcismo, compuesta en 1975. Según Toledo, Michael Jackson tomó inspiración de su obra. Aunque la demanda no prosperó y el caso no avanzó, la historia se ha quedado como una anécdota que añade otro toque de misterio a Thriller. No importa si fue una coincidencia o no, esta historia ha quedado en la memoria como una de esas leyendas urbanas que solo una canción tan emblemática como Thriller puede tener. CONCLUSIONES Para cerrar, podemos decir que Thriller es mucho más que una canción; es un fenómeno que sigue vivo gracias a la creatividad de otros artistas. Desde el pop y el rock hasta la salsa y el humor, esta canción ha sido interpretada en tantas versiones que, aunque el propósito inicial era asustarnos, ¡terminó siendo una fuente de diversión para todos! Gracias por escuchar "Explorando Versiones". Espero que hayas disfrutado este recorrido, y nos vemos en el próximo episodio. ¡Hasta la próxima!locosporincordiarHola, soy José y te doy la bienvenida a "Explorando Versiones". Hoy os traigo un clásico del pop que nunca pasa de moda. Hablamos ni más ni menos de la canción "Thriller" de Michael Jackson. MICHAEL JACKSON - THRILLER https://www.youtube.com/watch?v=rLMr9CsJHME Lanzada en 1982, la canción Thriller da título a uno de los discos más influyentes de todos los tiempos y revolucionando la música pop del momento. La canción fue escrita por Rod Temperton y producida por Quincy Jones. En sus primeros años, llegó al número 4 de la lista Billboard, pero su impacto fue mucho más allá. El álbum en sí fue un fenómeno sin precedentes vendiendo más de 70 millones de copias, lo que hizo que Jackson ganara el título de "Rey del Pop". Pero el impacto de Thriller no fue solo por la música. El videoclip, dirigido por John Landis, quien también hizo pelis de terror como Un hombre lobo americano en Londres, le añadió ese toque tenebroso, con coreografías de zombis, maquillaje impactante y la famosa narración de terror de Vincent Price. ¿Te imaginas ver algo así en los años 80? Fue una locura en su momento, y sigue siendo uno de los videos más recordados. MICHAEL JACKSON - THRILLER (This Is It): https://www.youtube.com/watch?v=ye6tPfJe2kc Años después, Michael había preparado una versión increíblemente mejorada de Thriller para la gira. Quería ir más allá y pensó en una coreografía con efectos visuales en 3D, bailarines disfrazados de zombis y una escenografía llena de sorpresas para el público. Aunque nunca llegó a presentarse en vivo, los ensayos quedaron registrados en el documental This Is It, mostrando cómo Michael perfeccionaba cada detalle, cada movimiento. Pero Thriller no se quedó solo en el legado de Michael. Esta canción ha inspirado a muchísimos artistas de todo tipo de géneros, y la variedad de versiones lo demuestra. A continuación, repasaremos algunas que se han ganado un lugar en el corazón de los fans. Algunas son versiones que respetan la original, y otras... ¡bueno, las han llevado a lugares insospechados! IMOGEN HEAP: https://www.youtube.com/watch?v=gFzHv53UVXI La versión de Thriller que hizo la cantante británica Imogen Heap es completamente distinta. Esta artista lanzó su interpretación en 2005. Imogen transforma Thriller en algo atmosférico, con un sonido que invita a escucharlo en un ambiente relajado, casi meditativo. En lugar de seguir la energía de la versión de Jackson, Heap explora una faceta más sutil, usando efectos de sonido que le dan un aire de misterio y melancolía. ¡Definitivamente una versión para quienes quieren experimentar una cara totalmente distinta de Thriller! 2CELLOS: https://www.youtube.com/watch?v=58ttNPQHOgs A continuación os dejo esta versión del dúo croata 2CELLOS, que llevó Thriller a la música instrumental en 2012. Estos dos músicos usan solo sus violonchelos para reinterpretar la canción, pero logran capturar la misma energía y misterio. En sus conciertos, incluso recrean la intensidad del videoclip, usando efectos de iluminación y movimientos casi teatrales que encajan perfecto con el toque oscuro de la canción. Al escuchar su versión, pareciera que Thriller fue hecho para los violonchelos desde el principio, porque ellos le sacan el lado dramático y casi gótico de una forma increíble. HONEYWAGON: https://www.youtube.com/watch?v=yL5_Sl9aMoI A continuación os dejo esta peculiar versión que hizo Honeywagon. Este grupo es conocido por sus versiones en estilo bluegrass de canciones pop y rock y en esta interpretación de Thriller, convierten el clásico de Michael Jackson en un tema acústico, con un estilo de instrumentos tradicionales como el banjo y el contrabajo, dándole un toque rústico y a la vez refrescante. Este contraste entre el ritmo bluegrass y el tema de misterio de Thriller genera una versión que es tan curiosa como entretenida, acercándola a un ambiente más campestre y menos terrorífico. WAYNE BRADY: https://www.youtube.com/watch?v=td-_pUPVjdo El cantante y humorista Wayne Brady también hizo una versión de Thriller pero con un estilo más íntimo. Ésta destaca por enfocarse en el lado vocal de la canción, dándole un toque de Rhythm and blues y soul. Mientras que en el videoclip de Jackson la música y los efectos son el centro de atención, Brady se enfoca en el mensaje y en la emoción de la letra, haciendo que Thriller suene casi como una confesión. Es perfecta si buscas una versión más suave y melódica, sin tanto misterio y terror. KEVIN CEBALLO & MICHAEL STUART: https://www.youtube.com/watch?v=-SMGccd0N8c Otra versión que seguramente te sorprenderá es la de los artistas latinos Kevin Ceballo y Michael Stuart, quienes hicieron una adaptación en salsa. En esta versión, Thriller se convierte en una canción de baile con ritmos latinos y toques de trompetas y percusión que invitan a moverse. ¿Te imaginas bailar salsa al ritmo de Thriller? Pues ellos lograron combinar la esencia de la canción original con el sabor de la salsa, lo que la hace ideal para disfrutar en una fiesta. AZUCARILLO KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=xa1ZFdY4arw En el año 1998 el grupo barcelonés Azucarillo Kings incluye en su primer álbum esta adaptación humorística que llamaron "Espeluznante (Thriller)”, dándole un toque cómico y extravagante. Esta versión resalta la creatividad de la banda, famosa por sus versiones cómicas de éxitos internacionales, adaptando temas populares con un toque de humor y pachanga en español LA TERREMOTO DE ALCORCÓN: https://www.youtube.com/watch?v=yub0PPxnURI No podíamos olvidar la versión humorística que hizo La Terremoto de Alcorcón en el año 2006, quien transforma la canción de Michael Jackson en una comedia. Esta artista adapta la letra para incluir referencias a la vida cotidiana, convirtiendo Thriller en una parodia divertida que no tiene miedo de hacer reír. Es una versión que no busca ser fiel a la original, sino darle una vuelta cómica y celebrar Thriller desde un ángulo humorístico y cercano. LUIXI TOLEDO: https://www.youtube.com/watch?v=VwzAPRodrZc Y cerramos con una historia curiosa que podría ser la versión más bizarra de el tema y es que en los años 90, el músico español Luixi Toledo afirmó que Thriller estaba basada en su canción Exorcismo, compuesta en 1975. Según Toledo, Michael Jackson tomó inspiración de su obra. Aunque la demanda no prosperó y el caso no avanzó, la historia se ha quedado como una anécdota que añade otro toque de misterio a Thriller. No importa si fue una coincidencia o no, esta historia ha quedado en la memoria como una de esas leyendas urbanas que solo una canción tan emblemática como Thriller puede tener. CONCLUSIONES Para cerrar, podemos decir que Thriller es mucho más que una canción; es un fenómeno que sigue vivo gracias a la creatividad de otros artistas. Desde el pop y el rock hasta la salsa y el humor, esta canción ha sido interpretada en tantas versiones que, aunque el propósito inicial era asustarnos, ¡terminó siendo una fuente de diversión para todos! Gracias por escuchar "Explorando Versiones". Espero que hayas disfrutado este recorrido, y nos vemos en el próximo episodio. ¡Hasta la próxima!https://www.ivoox.com/038-explorando-versiones-johnny-b-goode-audios-mp3_rf_136403257_1.htmlFri, 29 Nov 2024 08:18:51 +010023:42138fullhttps://www.ivoox.com/136403257locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noCHUCK BERRY: https://www.youtube.com/watch?v=Uf4rxCB4lys Johnny B. Good” es una de las canciones más icónicas de la historia del rock and roll, popularizada por Charles Edward Anderson Berry, mejor conocido como Chuck Berry, quien nació el 18 de octubre de 1926 en San Luis, Misuri. De origen humilde y afroamericano, pero con un gran talento musical, Berry alcanzó el estrellato en 1958, en una época marcada por la segregación y el racismo extremo. Inspirado por la frase que solía decirle a un amigo guitarrista, quien tenía una relación cercana con los botellines, "Johnny, be good" algo así como "Johnny, pórtate bien", Berry comenzó a escribir una canción que capturaba la esencia de su época. Así nació este relato vibrante, que se volvió un clásico perpetuo e inmortal a nivel mundial. Mi madre no solo la escuchaba y la bailaba con el mismo entusiasmo que yo, sino que hoy en día mis hijos también la tienen entre sus favoritas en sus playlists. Esta canción se ha convertido en un puente musical entre épocas y generaciones, demostrando cómo la música negra es fundamental en la cultura global. THE BEATLES: https://www.youtube.com/watch?v=6BUvtdz_r2E En enero de 1964, los Beatles grabaron una versión de "Johnny B. Goode" para el programa de radio de la BBC Saturday Club. Esta interpretación fue una muestra del impacto que Chuck Berry y su música ejercieron sobre ellos y sobre toda una generación de músicos británicos y del mundo, quienes adoptaron el rock and roll como su inspiración y base musical. ELVIS PRESLEY: https://open.spotify.com/track/6dZKVw9oe0NJ1klsrfO4KI?si=RysfuSi5Q_K-Siu9gzWxKw Elvis Presley (1973): Una versión de Jhhony be good, concierto Elvis Aloha from Hawai vía Satellite. el "Rey del Rock", hace de esta canción parte de su repertorio musical. La música negra en Elvis fue determinante para el éxito de su carrera. THE ROLLING STONES: https://www.youtube.com/watch?v=facz5L35D-I The Rolling Stones (década de 1960-1970): Otra banda británica profundamente influenciada por Chuck Berry fue The Rolling Stones. Su guitarrista, Keith Richards, ha hablado abiertamente de cómo la música de Berry moldeó su estilo y sonido. A pesar de que Berry le dio un golpe a Richards en los camerinos por atreverse a tocar su guitarra, Richards mantuvo su admiración y amistad hacia él. Durante sus giras, los Stones interpretaron "Johnny B. Goode" como un tributo al pionero del rock. JIMI HENDRIX: https://open.spotify.com/track/2Evi89iMO3vQMsGPMuSwhx?si=K64Vocg4QsuReFpMWZcVWw Jimi Hendrix (1970): Aunque de ascendencia afroamericana, Hendrix fue una figura transgresora en la escena musical blanca. Versionó "Johnny B. Goode" con su estilo único, mezclando psicodelia y rock, y demostrando cómo la música de Berry se adaptaba a nuevas formas de expresión artística. PETER TOSH: https://open.spotify.com/track/1chzx4gX3jVJOScCjgQGL4?si=rpmRxoRBT_Ct3FBSIUOtrA Peter Tosh (1983): El icónico músico de reggae jamaicano también versionó la canción, fusionando su mensaje rebelde con el espíritu del reggae. Esta versión destacó la universalidad de Johnny B. Goode, que trascendía géneros musicales y fronteras geográficas. JUDAS PRIEST: https://open.spotify.com/track/307B0j257d72HTyAiohF8N?si=bRvbhyV1Qguwcs1dZ8ZlLg Judas Priest (1988): La banda británica de heavy metal incluyó su propia versión en su álbum Ram It Down, demostrando cómo la influencia de Chuck Berry y su canción se extendía incluso a géneros más duros como el metal. JOHNNY WHINTER: https://open.spotify.com/track/4E1aPqbaOZB1GkbIQeuk68?si=oAPVHP7TSrSYZ1EUttLNFQ Johnny Winter: Un guitarrista blanco norteamericano de excepcional talento, interpretó "Johnny B. Goode" en el icónico festival de Woodstock de 1969, uno de los eventos más grandes y transformadores de la historia de la música rock. Su actuación formó parte de un movimiento musical revolucionario que marcó un cambio de paradigma en una sociedad que clamaba por el fin de la guerra, la libertad de pensamiento, la igualdad racial y la libertad sexual, cuestionando además los valores tradicionales sobre el trabajo, fecundo y creador . AC/DC: https://www.youtube.com/watch?v=hV11HRcbCJU AC/DC (década de 1980): En sus conciertos, la legendaria banda australiana de hard rock versionó la canción "Johnny B. Goode", demostrando que el espíritu de este clásico seguía vivo en el sonido y la energía del rock. Inspirado por su vitalidad, Angus Young, guitarrista líder de la banda, popularizó aún más el inconfundible "duck walk" o paso del pato, añadiendo su sello personal a este icónico movimiento escénico. SEX PISTOLS: https://www.youtube.com/watch?v=H9JohxoR9dg Sex Pistols: Con su inconfundible y rotundo punk, la banda hizo de este tema una de las versiones más memorables de su repertorio. En esta interpretación, su líder expresó todo su talento, aportando una energía cruda y auténtica que le dio nueva vida al clásico "Johnny B. Goode", convirtiéndolo en una de las mejores versiones jamás escuchadas. BRUCE SPRINGSTEEN: https://www.youtube.com/watch?v=6swgiM9vSEE Por último, y para cerrar con broche de oro, tenemos al Boss, Bruce Springsteen, quien rindió homenaje a la icónica "Johnny B. Goode" en un momento que quedó grabado en la historia del rock. Durante The Concert for the Rock and Roll Hall of Fame in 1995 in Cleveland, Ohio. un concierto legendario, donde Springsteen se unió a Chuck Berry en el escenario para interpretar juntos el clásico, una actuación que reunió a dos generaciones y estilos distintos, ambos profundamente influenciados por el rock and roll. CONCLUSIONES Y así cerramos el episodio de hoy, recordando cómo "Johnny B. Goode" ha sido y sigue siendo un himno, no solo para el rock and roll, sino para generaciones de músicos y fanáticos. Desde sus inicios hasta las versiones de los grandes del rock, esta canción ha cruzado décadas y estilos, consolidándose como un puente entre artistas y culturas Definitivamente Johnny B. Good es un símbolo del poder de la música para desafiar las desigualdades sociales y raciales. Berry logró, con su guitarra y su talento, cruzar las fronteras impuestas por el racismo.locosporincordiarCHUCK BERRY: https://www.youtube.com/watch?v=Uf4rxCB4lys Johnny B. Good” es una de las canciones más icónicas de la historia del rock and roll, popularizada por Charles Edward Anderson Berry, mejor conocido como Chuck Berry, quien nació el 18 de octubre de 1926 en San Luis, Misuri. De origen humilde y afroamericano, pero con un gran talento musical, Berry alcanzó el estrellato en 1958, en una época marcada por la segregación y el racismo extremo. Inspirado por la frase que solía decirle a un amigo guitarrista, quien tenía una relación cercana con los botellines, "Johnny, be good" algo así como "Johnny, pórtate bien", Berry comenzó a escribir una canción que capturaba la esencia de su época. Así nació este relato vibrante, que se volvió un clásico perpetuo e inmortal a nivel mundial. Mi madre no solo la escuchaba y la bailaba con el mismo entusiasmo que yo, sino que hoy en día mis hijos también la tienen entre sus favoritas en sus playlists. Esta canción se ha convertido en un puente musical entre épocas y generaciones, demostrando cómo la música negra es fundamental en la cultura global. THE BEATLES: https://www.youtube.com/watch?v=6BUvtdz_r2E En enero de 1964, los Beatles grabaron una versión de "Johnny B. Goode" para el programa de radio de la BBC Saturday Club. Esta interpretación fue una muestra del impacto que Chuck Berry y su música ejercieron sobre ellos y sobre toda una generación de músicos británicos y del mundo, quienes adoptaron el rock and roll como su inspiración y base musical. ELVIS PRESLEY: https://open.spotify.com/track/6dZKVw9oe0NJ1klsrfO4KI?si=RysfuSi5Q_K-Siu9gzWxKw Elvis Presley (1973): Una versión de Jhhony be good, concierto Elvis Aloha from Hawai vía Satellite. el "Rey del Rock", hace de esta canción parte de su repertorio musical. La música negra en Elvis fue determinante para el éxito de su carrera. THE ROLLING STONES: https://www.youtube.com/watch?v=facz5L35D-I The Rolling Stones (década de 1960-1970): Otra banda británica profundamente influenciada por Chuck Berry fue The Rolling Stones. Su guitarrista, Keith Richards, ha hablado abiertamente de cómo la música de Berry moldeó su estilo y sonido. A pesar de que Berry le dio un golpe a Richards en los camerinos por atreverse a tocar su guitarra, Richards mantuvo su admiración y amistad hacia él. Durante sus giras, los Stones interpretaron "Johnny B. Goode" como un tributo al pionero del rock. JIMI HENDRIX: https://open.spotify.com/track/2Evi89iMO3vQMsGPMuSwhx?si=K64Vocg4QsuReFpMWZcVWw Jimi Hendrix (1970): Aunque de ascendencia afroamericana, Hendrix fue una figura transgresora en la escena musical blanca. Versionó "Johnny B. Goode" con su estilo único, mezclando psicodelia y rock, y demostrando cómo la música de Berry se adaptaba a nuevas formas de expresión artística. PETER TOSH: https://open.spotify.com/track/1chzx4gX3jVJOScCjgQGL4?si=rpmRxoRBT_Ct3FBSIUOtrA Peter Tosh (1983): El icónico músico de reggae jamaicano también versionó la canción, fusionando su mensaje rebelde con el espíritu del reggae. Esta versión destacó la universalidad de Johnny B. Goode, que trascendía géneros musicales y fronteras geográficas. JUDAS PRIEST: https://open.spotify.com/track/307B0j257d72HTyAiohF8N?si=bRvbhyV1Qguwcs1dZ8ZlLg Judas Priest (1988): La banda británica de heavy metal incluyó su propia versión en su álbum Ram It Down, demostrando cómo la influencia de Chuck Berry y su canción se extendía incluso a géneros más duros como el metal. JOHNNY WHINTER: https://open.spotify.com/track/4E1aPqbaOZB1GkbIQeuk68?si=oAPVHP7TSrSYZ1EUttLNFQ Johnny Winter: Un guitarrista blanco norteamericano de excepcional talento, interpretó "Johnny B. Goode" en el icónico festival de Woodstock de 1969, uno de los eventos más grandes y transformadores de la historia de la música rock. Su actuación formó parte de un movimiento musical revolucionario que marcó un cambio de paradigma en una sociedad que clamaba por el fin de la guerra, la libertad de pensamiento, la igualdad racial y la libertad sexual, cuestionando además los valores tradicionales sobre el trabajo, fecundo y creador . AC/DC: https://www.youtube.com/watch?v=hV11HRcbCJU AC/DC (década de 1980): En sus conciertos, la legendaria banda australiana de hard rock versionó la canción "Johnny B. Goode", demostrando que el espíritu de este clásico seguía vivo en el sonido y la energía del rock. Inspirado por su vitalidad, Angus Young, guitarrista líder de la banda, popularizó aún más el inconfundible "duck walk" o paso del pato, añadiendo su sello personal a este icónico movimiento escénico. SEX PISTOLS: https://www.youtube.com/watch?v=H9JohxoR9dg Sex Pistols: Con su inconfundible y rotundo punk, la banda hizo de este tema una de las versiones más memorables de su repertorio. En esta interpretación, su líder expresó todo su talento, aportando una energía cruda y auténtica que le dio nueva vida al clásico "Johnny B. Goode", convirtiéndolo en una de las mejores versiones jamás escuchadas. BRUCE SPRINGSTEEN: https://www.youtube.com/watch?v=6swgiM9vSEE Por último, y para cerrar con broche de oro, tenemos al Boss, Bruce Springsteen, quien rindió homenaje a la icónica "Johnny B. Goode" en un momento que quedó grabado en la historia del rock. Durante The Concert for the Rock and Roll Hall of Fame in 1995 in Cleveland, Ohio. un concierto legendario, donde Springsteen se unió a Chuck Berry en el escenario para interpretar juntos el clásico, una actuación que reunió a dos generaciones y estilos distintos, ambos profundamente influenciados por el rock and roll. CONCLUSIONES Y así cerramos el episodio de hoy, recordando cómo "Johnny B. Goode" ha sido y sigue siendo un himno, no solo para el rock and roll, sino para generaciones de músicos y fanáticos. Desde sus inicios hasta las versiones de los grandes del rock, esta canción ha cruzado décadas y estilos, consolidándose como un puente entre artistas y culturas Definitivamente Johnny B. Good es un símbolo del poder de la música para desafiar las desigualdades sociales y raciales. Berry logró, con su guitarra y su talento, cruzar las fronteras impuestas por el racismo.https://www.ivoox.com/037-explorando-versiones-sweet-child-o-mine-audios-mp3_rf_136177837_1.htmlFri, 22 Nov 2024 08:09:17 +010018:26138fullhttps://www.ivoox.com/136177837locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola a todos los oyentes de "Explorando versiones". Soy Merxi, una sevillana amante de la música y que pretende vivir de ella o al menos sacar unos ahorrillos mientras disfruta haciendo lo que le gusta. GUNS N' ROSES - SWEET CHILD O' MINE: https://www.youtube.com/watch?v=1w7OgIMMRc4 Hoy vengo a hablaros sobre "Sweet child o'mine" que es uno de los 3 sencillos que aparecen en el primer álbum de los Guns and roses, llamado "Appetite for destruction" y publicado en 1987. Desde sus inicios y, hasta la actualidad, no ha parado de cosechar éxitos y puestos de importancia en grandes listas del panorama musical. Fue el primer sencillo en alcanzar el N.1 entre los 100 de "Billboard hot" y ahí permaneció durante 2 semanas consecutivas. En el 2019, se convirtió en la primera canción de la década de los 80' en llegar a mil millones de visitas en YouTube. Casi ná' También ocupa el N.37 de la lista de los 100 mejores solos de guitarra por "Guitar World" Y está entre las 40 mejores canciones que cambiaron el mundo, en la revista "Rolling Stone". En el canal VH1 es la N.7 de las 100 mejores canciones de los 80 Y bueno, así podríamos seguir enumerando éxitos hasta aburrirnos. En una reciente encuesta de la BBC, la canción fue elegida por tener el «mejor riff de guitarra de la historia» y os cuento que el riff inicial aparece en muchas canciones famosas de distintos artistas, en algunos videojuegos, en algún anuncio de tv y en varias películas. Vamos, todo un éxito desde el principio. Y eso que, al parecer, fue creada casi por casualidad, de manera improvisada durante el descanso de un ensayo. De hecho, Slash, el guitarrista de la banda, confesó en una entrevista que sentía "algo de desprecio" por la canción por el modo en que se había creado. Vamos, lo que viene siendo un poquito de tirria. Él cuenta que comenzó a tocar una melodía en modo de broma mientras hacía burlas a Steven Adler. El baterista le dijo que tocara el riff de nuevo, e Izzy Stradlin llegó para unirse con los acordes. Entonces, Axl se unió y comenzó a cantar un poema que había escrito a su entonces novia y después esposa Erin Everly. Y ¡voila'! Temazo que te crió. He de decir que la letra es tan dulce como su título y, como curiosidad, os cuento que todas las novias de los miembros de la banda en ese momento, aparecen en el videoclip. Y bueno, ya sabéis que este podcast va de versiones así que aquí os traigo la primera: SHERYL CROW: https://www.youtube.com/watch?v=vyr-CtYGfmY *De la mano de... bueno, mejor dicho, en la voz de Sheryl Crow. Su versión aparece en la película de Adam Sandler, Un papá genial (1999). Esta versión fue incluída en el tercer álbum de estudio de Sheryl, "The Globe Sessions" Con ella obtuvo un Grammy a la mejor interpretación de rock femenina. TAKEN BY TREES: https://www.youtube.com/watch?v=6LGbhD9ZJC8 En 2010, el proyecto en solitario de Victoria Bergsman, llamado "Taken by Trees", lanzó como sencillo una versión de esta canción que alcanzó el N.23 en las listas del Reino Unido Y aparece al final de la comedia "Life as We Know It" titulada en España "Como la vida misma" Y también aparece en el tráiler del remake de "La última casa a la izquierda" THE BLACK EYED PEAS: https://www.youtube.com/watch?v=Az5rmsaPxw8 Un año más tarde, durante el show del descanso de la Super Bowl, tras la actuación de The Black Eyed Peas, Slash se unió a Fergie para versionar esta canción y bueno, el resultado no fue lo que ellos esperaban. El guitarrista hizo lo posible por salvar la actuación pero la voz de Fergie fue la gran protagonista de los comentarios negativos sobre el evento. Un desastre, vaya. CAPITÁN FANTÁSTICO (SOUNDTRACK): https://www.youtube.com/watch?v=Zdh2hot8rjU Luego, en 2016, en la película de "Capitán fantástico", protagonizada por Viggo Mortensen, aparece una versión más lenta y acústica, interpretada por los mismos actores. La película cuenta como un padre de familia, tras morir su esposa, intenta sacar adelante a sus 6 hijos de una manera poco tradicional, sin ir a la escuela, curtiéndose en la naturaleza y aprendiendo a tomar decisiones y pensar por sí mismos sin la influencia de los prejuicios y las normas preestablecidas. THOR: LOVE AND THUNDER (SOUNDTRACK): https://www.youtube.com/watch?v=tC79uu-9KxQ La banda sonora de la película "Thor: Love and thunder" incluye los 4 temas más importantes en la carrera de Guns N' Roses : "Welcome to the jungle", "Paradise city", "November rain" y justo en el final aparece Sweet child o'mine. Este hecho sirvió de inspiración al grupo Baltic House Orchestra, que son especialistas en crear versiones de temas populares de bandas sonoras y a mí me parece chulísima, la verdad. SON ALMA: https://www.instagram.com/sonalma_oficial Y bueno, tras este viaje a través de la historia de este temazo que es Sweet Child, me despido esperando que hayáis disfrutado de este podcast y os dejo como "bonus track" una versión de aficionada, un poco especial porque, en este caso, la que canta es una servidora. Recordad: Portáos mal y pasadlo bien. Aquí dejo el Instagram del dúo SonAlma https://www.instagram.com/sonalma_oficiallocosporincordiarHola a todos los oyentes de "Explorando versiones". Soy Merxi, una sevillana amante de la música y que pretende vivir de ella o al menos sacar unos ahorrillos mientras disfruta haciendo lo que le gusta. GUNS N' ROSES - SWEET CHILD O' MINE: https://www.youtube.com/watch?v=1w7OgIMMRc4 Hoy vengo a hablaros sobre "Sweet child o'mine" que es uno de los 3 sencillos que aparecen en el primer álbum de los Guns and roses, llamado "Appetite for destruction" y publicado en 1987. Desde sus inicios y, hasta la actualidad, no ha parado de cosechar éxitos y puestos de importancia en grandes listas del panorama musical. Fue el primer sencillo en alcanzar el N.1 entre los 100 de "Billboard hot" y ahí permaneció durante 2 semanas consecutivas. En el 2019, se convirtió en la primera canción de la década de los 80' en llegar a mil millones de visitas en YouTube. Casi ná' También ocupa el N.37 de la lista de los 100 mejores solos de guitarra por "Guitar World" Y está entre las 40 mejores canciones que cambiaron el mundo, en la revista "Rolling Stone". En el canal VH1 es la N.7 de las 100 mejores canciones de los 80 Y bueno, así podríamos seguir enumerando éxitos hasta aburrirnos. En una reciente encuesta de la BBC, la canción fue elegida por tener el «mejor riff de guitarra de la historia» y os cuento que el riff inicial aparece en muchas canciones famosas de distintos artistas, en algunos videojuegos, en algún anuncio de tv y en varias películas. Vamos, todo un éxito desde el principio. Y eso que, al parecer, fue creada casi por casualidad, de manera improvisada durante el descanso de un ensayo. De hecho, Slash, el guitarrista de la banda, confesó en una entrevista que sentía "algo de desprecio" por la canción por el modo en que se había creado. Vamos, lo que viene siendo un poquito de tirria. Él cuenta que comenzó a tocar una melodía en modo de broma mientras hacía burlas a Steven Adler. El baterista le dijo que tocara el riff de nuevo, e Izzy Stradlin llegó para unirse con los acordes. Entonces, Axl se unió y comenzó a cantar un poema que había escrito a su entonces novia y después esposa Erin Everly. Y ¡voila'! Temazo que te crió. He de decir que la letra es tan dulce como su título y, como curiosidad, os cuento que todas las novias de los miembros de la banda en ese momento, aparecen en el videoclip. Y bueno, ya sabéis que este podcast va de versiones así que aquí os traigo la primera: SHERYL CROW: https://www.youtube.com/watch?v=vyr-CtYGfmY *De la mano de... bueno, mejor dicho, en la voz de Sheryl Crow. Su versión aparece en la película de Adam Sandler, Un papá genial (1999). Esta versión fue incluída en el tercer álbum de estudio de Sheryl, "The Globe Sessions" Con ella obtuvo un Grammy a la mejor interpretación de rock femenina. TAKEN BY TREES: https://www.youtube.com/watch?v=6LGbhD9ZJC8 En 2010, el proyecto en solitario de Victoria Bergsman, llamado "Taken by Trees", lanzó como sencillo una versión de esta canción que alcanzó el N.23 en las listas del Reino Unido Y aparece al final de la comedia "Life as We Know It" titulada en España "Como la vida misma" Y también aparece en el tráiler del remake de "La última casa a la izquierda" THE BLACK EYED PEAS: https://www.youtube.com/watch?v=Az5rmsaPxw8 Un año más tarde, durante el show del descanso de la Super Bowl, tras la actuación de The Black Eyed Peas, Slash se unió a Fergie para versionar esta canción y bueno, el resultado no fue lo que ellos esperaban. El guitarrista hizo lo posible por salvar la actuación pero la voz de Fergie fue la gran protagonista de los comentarios negativos sobre el evento. Un desastre, vaya. CAPITÁN FANTÁSTICO (SOUNDTRACK): https://www.youtube.com/watch?v=Zdh2hot8rjU Luego, en 2016, en la película de "Capitán fantástico", protagonizada por Viggo Mortensen, aparece una versión más lenta y acústica, interpretada por los mismos actores. La película cuenta como un padre de familia, tras morir su esposa, intenta sacar adelante a sus 6 hijos de una manera poco tradicional, sin ir a la escuela, curtiéndose en la naturaleza y aprendiendo a tomar decisiones y pensar por sí mismos sin la influencia de los prejuicios y las normas preestablecidas. THOR: LOVE AND THUNDER (SOUNDTRACK): https://www.youtube.com/watch?v=tC79uu-9KxQ La banda sonora de la película "Thor: Love and thunder" incluye los 4 temas más importantes en la carrera de Guns N' Roses : "Welcome to the jungle", "Paradise city", "November rain" y justo en el final aparece Sweet child o'mine. Este hecho sirvió de inspiración al grupo Baltic House Orchestra, que son especialistas en crear versiones de temas populares de bandas sonoras y a mí me parece chulísima, la verdad. SON ALMA: https://www.instagram.com/sonalma_oficial Y bueno, tras este viaje a través de la historia de este temazo que es Sweet Child, me despido esperando que hayáis disfrutado de este podcast y os dejo como "bonus track" una versión de aficionada, un poco especial porque, en este caso, la que canta es una servidora. Recordad: Portáos mal y pasadlo bien. Aquí dejo el Instagram del dúo SonAlma https://www.instagram.com/sonalma_oficialhttps://www.ivoox.com/036-explorando-versiones-bella-ciao-audios-mp3_rf_135942935_1.htmlFri, 15 Nov 2024 08:05:07 +010017:56136fullhttps://www.ivoox.com/135942935locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola soy Sergio Serrato y hoy quiero hablaros de una canción muy reconocible en la cultura popular pero a la vez con un trasfondo ideológico e histórico muy interesante, además porque no decirlo es una canción muy importante de mi infancia y ahora os contaré por qué, hoy en Explorando Versiones os voy a hablar de Bella Ciao…. BELLA CIAO: https://www.youtube.com/watch?v=4CI3lhyNKfo Bella Ciao es una canción popular italiana que fue adoptada como un himno por Los Partisanos italianos que formaron la resistencia antifascista contra los nazis que ocuparon Italia con el beneplácito del dictador Benito Musolini entre 1943 y 1945. Más tarde se convirtió en lo que es, un himno antifascista de libertad y resistencia a nivel mundial. Su origen se cree no obstante que es mucho más antiguo y hay historiadores que sitúan su creación en las mujeres campesinas, trabajadoras de los arrozales del norte de Italia a finales del siglo XIX y que la entonaban como protesta ante las inhumanas condiciones de trabajo que sufrían. Aunque hay historiadores que no están de acuerdo con esta teoría, sin duda la canción habla entre otras cosas de la juventud que se pierde en el trabajo casi esclavo. GIOVANNA DAFFINI: https://www.youtube.com/watch?v=sP-7kECZ6Ow Está seguramente sea la primera grabación que se hizo de esta canción a cargo de la cantante Italiana Giovanna Daffini en 1962 ADOLFO CERDAN: https://www.youtube.com/watch?v=zRNNI3DtcxA En La España franquista de 1969 en cantautor Alicantino Adolfo Cerdan adaptó a nuestra lengua esta versión en el disco que llamó “No radiable” teniendo claro desde la elección del nombre que la censura no permitiría su difusión QUILAPAYUN: https://www.youtube.com/watch?v=-wF1dbSH-r4 Pero su letra reivindicativa y su asimilación por parte de una generación de jóvenes comunistas de toda Europa hizo que la difusión de esta canción fuera inevitable y quedará marcada en la cultura popular y el ambiente cultural del viejo continente. Aunque también formó parte del acervo popular de la América revolucionaria de Fidel, Allende por ejemplo Está versión de Quilapayun es un ejemplo de la influencia de la canción en Sudamérica NAJWA NIMRI (LA CASA DE PAPEL): https://www.youtube.com/watch?v=zmUsrIq33U4 Muchas gente sobre todo de generaciones más jóvenes conocieron está canción a raíz de la versión que interpretó Najwa Nimri en la afamada serie La Casa de Papel JUAN PINILLA Y AMPARANOIA: https://www.youtube.com/watch?v=v04uDtF87RY En estas castigadas tierras sureñas que diría Silvio, los cantos de libertad y resistencia son prácticamente necesarios, la cantante granadina Amparo Sánchez más conocida como Amparanoia junto a Juan Pinilla nos dejaron está versión flamenca en 2019 que fue banda sonora del VI congreso del partido de la izquierda europea. BOIKOT: https://www.youtube.com/watch?v=FG-8Ksc1hs0 Como no puede faltar en un Explorando versiones y encima más recientemente, en 2021 la banda de punk rock madrileña Boikot incluía esta versión en su disco Balkan Acoustic. GORAN BREGOVIC: https://www.youtube.com/watch?v=KLGY_htXtPI Son innumerables las versiones y covers de este tema y ahora os voy a contar porque es importante en mi infancia. Mi abuelo paterno, que no lo era de manera biológica pero quién carajo es la biología para ejercer de abuelo…. Fue entre otras cosas Partisano en el norte de Italia y tuvo a bien acompañar mi tierna infancia con canciones que para él fueron imprescindibles en su vida, Bella Ciao en italiano era una de ellas, me la cantaba en la lengua de Dante porque así la aprendió él mientras luchaba contra los nazis… Años más tarde está canción fue una de las canciones de excursión que cantábamos en el autobús del Colegio donde estudié, un colegio de monjas donde las hermanas habían adaptado la letra haciéndola más romántica si cabe… Gracias Yuyu por enseñarme esta canción y joder que pronto te me fuiste.. Hay cientos de versiones y covers de esta canción pero para mí, aparte de la de mi abuelo, está es sin duda la que más me gusta. Se trata de la interpretada por Goran Bregovic en un concierto en París en 2013 rodeado de músicos zíngaros, Gitanos y demás parias que hacemos de esta canción un himno de inconformismo.locosporincordiarHola soy Sergio Serrato y hoy quiero hablaros de una canción muy reconocible en la cultura popular pero a la vez con un trasfondo ideológico e histórico muy interesante, además porque no decirlo es una canción muy importante de mi infancia y ahora os contaré por qué, hoy en Explorando Versiones os voy a hablar de Bella Ciao…. BELLA CIAO: https://www.youtube.com/watch?v=4CI3lhyNKfo Bella Ciao es una canción popular italiana que fue adoptada como un himno por Los Partisanos italianos que formaron la resistencia antifascista contra los nazis que ocuparon Italia con el beneplácito del dictador Benito Musolini entre 1943 y 1945. Más tarde se convirtió en lo que es, un himno antifascista de libertad y resistencia a nivel mundial. Su origen se cree no obstante que es mucho más antiguo y hay historiadores que sitúan su creación en las mujeres campesinas, trabajadoras de los arrozales del norte de Italia a finales del siglo XIX y que la entonaban como protesta ante las inhumanas condiciones de trabajo que sufrían. Aunque hay historiadores que no están de acuerdo con esta teoría, sin duda la canción habla entre otras cosas de la juventud que se pierde en el trabajo casi esclavo. GIOVANNA DAFFINI: https://www.youtube.com/watch?v=sP-7kECZ6Ow Está seguramente sea la primera grabación que se hizo de esta canción a cargo de la cantante Italiana Giovanna Daffini en 1962 ADOLFO CERDAN: https://www.youtube.com/watch?v=zRNNI3DtcxA En La España franquista de 1969 en cantautor Alicantino Adolfo Cerdan adaptó a nuestra lengua esta versión en el disco que llamó “No radiable” teniendo claro desde la elección del nombre que la censura no permitiría su difusión QUILAPAYUN: https://www.youtube.com/watch?v=-wF1dbSH-r4 Pero su letra reivindicativa y su asimilación por parte de una generación de jóvenes comunistas de toda Europa hizo que la difusión de esta canción fuera inevitable y quedará marcada en la cultura popular y el ambiente cultural del viejo continente. Aunque también formó parte del acervo popular de la América revolucionaria de Fidel, Allende por ejemplo Está versión de Quilapayun es un ejemplo de la influencia de la canción en Sudamérica NAJWA NIMRI (LA CASA DE PAPEL): https://www.youtube.com/watch?v=zmUsrIq33U4 Muchas gente sobre todo de generaciones más jóvenes conocieron está canción a raíz de la versión que interpretó Najwa Nimri en la afamada serie La Casa de Papel JUAN PINILLA Y AMPARANOIA: https://www.youtube.com/watch?v=v04uDtF87RY En estas castigadas tierras sureñas que diría Silvio, los cantos de libertad y resistencia son prácticamente necesarios, la cantante granadina Amparo Sánchez más conocida como Amparanoia junto a Juan Pinilla nos dejaron está versión flamenca en 2019 que fue banda sonora del VI congreso del partido de la izquierda europea. BOIKOT: https://www.youtube.com/watch?v=FG-8Ksc1hs0 Como no puede faltar en un Explorando versiones y encima más recientemente, en 2021 la banda de punk rock madrileña Boikot incluía esta versión en su disco Balkan Acoustic. GORAN BREGOVIC: https://www.youtube.com/watch?v=KLGY_htXtPI Son innumerables las versiones y covers de este tema y ahora os voy a contar porque es importante en mi infancia. Mi abuelo paterno, que no lo era de manera biológica pero quién carajo es la biología para ejercer de abuelo…. Fue entre otras cosas Partisano en el norte de Italia y tuvo a bien acompañar mi tierna infancia con canciones que para él fueron imprescindibles en su vida, Bella Ciao en italiano era una de ellas, me la cantaba en la lengua de Dante porque así la aprendió él mientras luchaba contra los nazis… Años más tarde está canción fue una de las canciones de excursión que cantábamos en el autobús del Colegio donde estudié, un colegio de monjas donde las hermanas habían adaptado la letra haciéndola más romántica si cabe… Gracias Yuyu por enseñarme esta canción y joder que pronto te me fuiste.. Hay cientos de versiones y covers de esta canción pero para mí, aparte de la de mi abuelo, está es sin duda la que más me gusta. Se trata de la interpretada por Goran Bregovic en un concierto en París en 2013 rodeado de músicos zíngaros, Gitanos y demás parias que hacemos de esta canción un himno de inconformismo.https://www.ivoox.com/035-explorando-versiones-creep-audios-mp3_rf_135690772_1.htmlFri, 08 Nov 2024 08:10:14 +010027:43134fullhttps://www.ivoox.com/135690772locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola hola!, que tal? Soy Raulillo. Bienvenidos al Explorando versiones de Creep. EPIC ORCHESTRA: https://www.youtube.com/watch?v=INIxNrls094 Si este tema te está desbloqueando buenos recuerdos, este podcast va por ti, viejoven!! Va por todos los que fuimos niños en los 80 y adolescentes en los 90. Que según un estudio ficticio, es última generación con un criterio aceptable. Por eso dejaos de pendejadas y os obligo a creedme si os digo que Creep de Radiohead, es uno de los temas más icónicos del estilo musical predominante de la década de los 90. ¿Las pruebas? Este podcast en el que os mostraré la cantidad de versiones de calidad de artistas relevantes que tiene. ¿Empezamos? RADIOHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=XFkzRNyygfk Allá por el 93, un canal local pinchaba la señal de la MTV. Cuando molaba porque se dedicaba únicamente a la música y no parecía un maratón de “Hombres, Mujeres, Bíceps y Berzas”. Y a las 5 comenzaba el programa de Rock y metal. Y un Raulillo de 12 años lleno de acné esperaba impaciente mando de VHS en mano.De repente aparecieron estos Radiohead y me explotó la cabeza. Fue un flechazo, amor a primera vista. «Creep» es el sencillo debut de la banda de rock británica Radiohead, lanzado en un E.P. el 21 de septiembre de 1992. Apareció en su álbum de estudio debut, Pablo Honey (1993). Y seguro que en miles de cassettes recopilatorios caseros baja bragas, con la etiqueta de "Varios" o "Baladas cañeras". La canción fue compuesta en las letras por Thom Yorke, que expresa una atracción romántica obsesiva y autodestructiva. La parte musical de Jhonny Greenwood produce unas ráfagas de guitarra muy características. Este tema de Rock alternativo o post Grunge, no estaba pensado por la banda como single debut, ya que para el estribillo se tomaron elementos de la canción "The Air that i Breathe" de los británicos Gibraltareños "The Hollies". THE HOLLIES - THE AIR THAT I BREATHE: https://www.youtube.com/watch?v=HydvceA1PAI El tema que estáis oyendo, fue todo un éxito internacional en 1972. Y preocupados por los royalties, no querían debutar con una cuasi versión . Pero a los ejecutivos y productores de E.M.I. les flipaba este tema, así que acreditaron como co-autores de Creep a Albert Hammond y Mike Hazlewood de The Hollies. Así Radiohead, finalmente pudo lanzar sin preocupaciones Creep como single debut. RADIOHEAD UNPLUGGED: https://www.youtube.com/watch?v=4BX5xpB2DBM Le costó, pero con el tiempo triunfó. Y se la comparó con otros éxitos llamados "Himnos holgazanes" de los 90 como "Smells Like teen Spirit" de Nirvana o "Loser" de Beck. Fue tal bombazo que sacaron una versión acústica en un E.P. A los más fans de las pelis de Marvel, les sonará de Guardianes de la Galaxia 3. Aparece en la primera escena, en la que el mapache cabreado llamado Rocket, la canta muy apenado por la desaparición de algunos compañeros. Aunque Radiohead logró un mayor éxito comercial y crítico con álbumes posteriores, «Creep» sigue siendo el sencillo más exitoso de Radiohead. Fue nombrado uno de los mejores sencillos de debut por la revista Rolling Stone. CRISSIE HYNDE (THE PRETENDERS): https://www.youtube.com/watch?v=XIhg6eqmdn4 Las versiones acústicas de Creep son abundantes. Y la más temprana, se interpretó en un directo acústico en 1995 : " Live at London's Jackob Street".Por Crissie Hynde, la lideresa de THE Pretenders. Dicha actuación forma parte del documental sobre los Pretenders: THE Isle of view. CRISSIE Hynde, el tipo de chica que aparece en los sueños de todo Rockero que se precie. KORN: https://www.youtube.com/watch?v=viQ0CX-rywc Os dije que la MTV molaba cuando se dedicaba a la música? Pues una de las cosas que lo partían eran los conciertos acústicos que organizaba, claramente popularizados por Nirvana con su MTV UNPLUGGED on NY. 1993. En 2006 le tocó el turno a Korn. La banda que abanderaba el movimiento N.U. Metal a principios de milenio, pasó por un UNPLUGGED como ya lo hiciera la banda de Kurt Cobain. No desaprovecharon la oportunidad y ofrecieron un "desenchufado" de lo más currado. MACY GREY: https://www.youtube.com/watch?v=FSFs1571i9g Macy Gray , es una cantante y actriz estadounidense de R&B y soul . Es conocida por su distintiva voz rota y un estilo de canto fuertemente influenciado por Billie Holiday . Como actriz ha aparecido en pelis como “Training day” o “Spiderman” (la de Tobbey Mcgyre) Covered se lanzó el 26 de marzo de 2012. Es el sexto álbum de estudio de la cantante estadounidense. Y como su nombre indica, es un álbum de covers, o versiones, donde aparece Creep. Es curioso que este álbum, siendo de versiones, sea el primero en el que a Macy Gray le pusieron la advertencia de "Parental Advisory". A mí siempre me gustó la voz de esta chica. Me recuerda a la chica negra de la centralita de loca academia de policía, que no le salía la voz... Pues eso. MONICA NARANJO: https://www.youtube.com/watch?v=Gr5PQR2w7nQ Vamos de una Diva "la Diva Española". Hablo de la gran Mónica Naranjo. Que lanzó su versión de “Creep” de Radiohead en 2020 como parte de su álbum “Mes Excentricités, Vol. 2”. Segunda parte de una trilogía de álbumes llenos de versiones y rarezas varias. Compartió una grabación en directo de esta versión en su cuenta de Instagram, lo que generó gran expectación antes de su lanzamiento oficial . La canción fue bien recibida por sus fans y ha sido interpretada en varios de sus conciertos. Esta versión destaca por su potente interpretación vocal y su estilo rock, que le da un toque único y diferente al original. Siempre he pensado que La Naranjo en un grupo de Heavy metal lo habría petado. La verdad, Le pega tela. OCEANS: https://www.youtube.com/watch?v=GMQefJ8sFhc El grupo Oceans es una banda de metal alternativo originaria de Berlín, Alemania. Se formaron en 2018 y han ganado reconocimiento por su estilo único que combina elementos de metal, rock y música electrónica. Su música a menudo aborda temas oscuros y emocionales. Por lo que este tema “Creep” de Radiohead les venía al pelo para su álbum de versiones "Cover Me in Darkness” de 2019. Esta versión mantiene la esencia de la original, con letras que expresan sentimientos y deseos de pertenencia. Oceans le da su propio toque, manteniendo la intensidad emocional de la canción. Dicen que si reproduces esto en tu equipo de alta fidelidad, a tope de volumen, el barrio entero quedará libre de ratas, cucarachas, reguetoneros y otras alimañas. SCALA Y KOLACNY BROTHERS: https://www.youtube.com/watch?v=U2WfLahLes0 Un tipo de versión que se oye mucho hoy día, son las 'trailerizaciones', que seguro que estáis más que acostumbrados a oírlas. Os explico: Los trailers de pelis, series o videojuegos, juegan un papel fundamental en la estrategia de marketing. De hecho, en muchas ocasiones son un acontecimiento en sí mismos, casi a la altura del propio estreno. Pero el ansia de las productoras les obliga a sacar el trailer hasta año y medio antes. Por lo que muchas veces ni siquiera tienen la banda sonora. Por lo que se eligió está versión de Scala y Kolacny brothers, es un grupo coral de 16 mujeres Belgas. Usada para la película la red social ( dedicada a ese señor que me echa de Facebook durante un mes, de vez en cuando) Si, Mark Zuckerberg... Este tráiler fue el que inició la tendencia de emplear versiones tristes o lánguidas de canciones famosas Si veis la peli y no escucháis la canción, no es mi culpa. Las canciones 'trailerizadas', no suelen entrar en el montaje final de la película. RENFIELD: https://www.youtube.com/watch?v=1LKKnhwNFyw Y como ahora las cosas se hacen así, existen numerosas firmas y empresas de producción musical (Two Steps From Hell, Immediate Music, Confidential Music, Totem), con una amplia nómina de compositores, especializados en crear música específicamente para los tráilers. Uno de sus principales trucos es hacer versiones de canciones populares, ya sean clásicos o éxitos modernos, para enganchar al público más fácilmente. Y fue la empresa de producción musical "TÓTEM", quien se encargó de modificar la versión original de Creep, para el trailer de RENFIELD. La película en la que Nicolas Cage interpreta a un Drácula venido a menos. ¿Queréis oír cómo queda el trailer?, aquí os lo dejo: https://www.youtube.com/watch?v=1LKKnhwNFyw SOCIAL REPOSE: https://www.youtube.com/watch?v=2ehHHLbfGRc Nunca pensé que iba a incluir un creador de contenido en este podcast. Pero tengo que rendirme ante la mamarrachez y espantajeria con buen gusto de Social Repose. Es el nombre artístico de Richie Giese, un creador de contenido y músico estadounidense conocido por su estilo único y su presencia en plataformas como YouTube y TikTok. Desde que comenzó en 2011, ha ganado popularidad por sus covers de canciones, así como por su música original y estética distintiva. Su contenido a menudo explora temas emocionales y personales, lo que le ha permitido conectar profundamente con su audiencia. Que para este video le han visitado: 518 K. Que no sabía muy bien como contarlo hasta que una hijastra adolescente que tengo me dijo que la K era 1000. Hostia! Hijastra mía: Se te quiere. BALTIC HOUSE ORCHESTRA: https://www.youtube.com/watch?v=sJpINPxGXng Y como dije al principio, esta canción es todo un himno de los 90's. Por eso me gustaría despedirme con una versión Épica de la Baltic House Orchestra. La Baltic House Orchestra no es una orquesta tradicional, sino un proyecto de un productor, compositor y arreglista del Reino Unido que se esconde en el anonimato. Este artista se especializa en crear versiones épicas de canciones populares y temas de bandas sonoras, a menudo inspiradas en tráilers de películas y videojuegos. Baltic House Orchestra ha logrado capturar la intensidad emocional de la canción original, añadiendo arreglos orquestales que le dan un toque grandioso y cinematográfico. CONCLUSIONES: Esto ha sido el Explorando versiones de Creep, de Radiohead. Un tema icónico para una generación, que hablaba sobre aquellos que posiblemente pasasen desapercibidos o fuesen unos incomprendidos. Una puta obra de arte minimalista, que se presta a sonar así de emocionante. Yo ya me despido, así que como siempre digo: Pon el oído, y sube el volumen, si friki.locosporincordiarHola hola!, que tal? Soy Raulillo. Bienvenidos al Explorando versiones de Creep. EPIC ORCHESTRA: https://www.youtube.com/watch?v=INIxNrls094 Si este tema te está desbloqueando buenos recuerdos, este podcast va por ti, viejoven!! Va por todos los que fuimos niños en los 80 y adolescentes en los 90. Que según un estudio ficticio, es última generación con un criterio aceptable. Por eso dejaos de pendejadas y os obligo a creedme si os digo que Creep de Radiohead, es uno de los temas más icónicos del estilo musical predominante de la década de los 90. ¿Las pruebas? Este podcast en el que os mostraré la cantidad de versiones de calidad de artistas relevantes que tiene. ¿Empezamos? RADIOHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=XFkzRNyygfk Allá por el 93, un canal local pinchaba la señal de la MTV. Cuando molaba porque se dedicaba únicamente a la música y no parecía un maratón de “Hombres, Mujeres, Bíceps y Berzas”. Y a las 5 comenzaba el programa de Rock y metal. Y un Raulillo de 12 años lleno de acné esperaba impaciente mando de VHS en mano.De repente aparecieron estos Radiohead y me explotó la cabeza. Fue un flechazo, amor a primera vista. «Creep» es el sencillo debut de la banda de rock británica Radiohead, lanzado en un E.P. el 21 de septiembre de 1992. Apareció en su álbum de estudio debut, Pablo Honey (1993). Y seguro que en miles de cassettes recopilatorios caseros baja bragas, con la etiqueta de "Varios" o "Baladas cañeras". La canción fue compuesta en las letras por Thom Yorke, que expresa una atracción romántica obsesiva y autodestructiva. La parte musical de Jhonny Greenwood produce unas ráfagas de guitarra muy características. Este tema de Rock alternativo o post Grunge, no estaba pensado por la banda como single debut, ya que para el estribillo se tomaron elementos de la canción "The Air that i Breathe" de los británicos Gibraltareños "The Hollies". THE HOLLIES - THE AIR THAT I BREATHE: https://www.youtube.com/watch?v=HydvceA1PAI El tema que estáis oyendo, fue todo un éxito internacional en 1972. Y preocupados por los royalties, no querían debutar con una cuasi versión . Pero a los ejecutivos y productores de E.M.I. les flipaba este tema, así que acreditaron como co-autores de Creep a Albert Hammond y Mike Hazlewood de The Hollies. Así Radiohead, finalmente pudo lanzar sin preocupaciones Creep como single debut. RADIOHEAD UNPLUGGED: https://www.youtube.com/watch?v=4BX5xpB2DBM Le costó, pero con el tiempo triunfó. Y se la comparó con otros éxitos llamados "Himnos holgazanes" de los 90 como "Smells Like teen Spirit" de Nirvana o "Loser" de Beck. Fue tal bombazo que sacaron una versión acústica en un E.P. A los más fans de las pelis de Marvel, les sonará de Guardianes de la Galaxia 3. Aparece en la primera escena, en la que el mapache cabreado llamado Rocket, la canta muy apenado por la desaparición de algunos compañeros. Aunque Radiohead logró un mayor éxito comercial y crítico con álbumes posteriores, «Creep» sigue siendo el sencillo más exitoso de Radiohead. Fue nombrado uno de los mejores sencillos de debut por la revista Rolling Stone. CRISSIE HYNDE (THE PRETENDERS): https://www.youtube.com/watch?v=XIhg6eqmdn4 Las versiones acústicas de Creep son abundantes. Y la más temprana, se interpretó en un directo acústico en 1995 : " Live at London's Jackob Street".Por Crissie Hynde, la lideresa de THE Pretenders. Dicha actuación forma parte del documental sobre los Pretenders: THE Isle of view. CRISSIE Hynde, el tipo de chica que aparece en los sueños de todo Rockero que se precie. KORN: https://www.youtube.com/watch?v=viQ0CX-rywc Os dije que la MTV molaba cuando se dedicaba a la música? Pues una de las cosas que lo partían eran los conciertos acústicos que organizaba, claramente popularizados por Nirvana con su MTV UNPLUGGED on NY. 1993. En 2006 le tocó el turno a Korn. La banda que abanderaba el movimiento N.U. Metal a principios de milenio, pasó por un UNPLUGGED como ya lo hiciera la banda de Kurt Cobain. No desaprovecharon la oportunidad y ofrecieron un "desenchufado" de lo más currado. MACY GREY: https://www.youtube.com/watch?v=FSFs1571i9g Macy Gray , es una cantante y actriz estadounidense de R&B y soul . Es conocida por su distintiva voz rota y un estilo de canto fuertemente influenciado por Billie Holiday . Como actriz ha aparecido en pelis como “Training day” o “Spiderman” (la de Tobbey Mcgyre) Covered se lanzó el 26 de marzo de 2012. Es el sexto álbum de estudio de la cantante estadounidense. Y como su nombre indica, es un álbum de covers, o versiones, donde aparece Creep. Es curioso que este álbum, siendo de versiones, sea el primero en el que a Macy Gray le pusieron la advertencia de "Parental Advisory". A mí siempre me gustó la voz de esta chica. Me recuerda a la chica negra de la centralita de loca academia de policía, que no le salía la voz... Pues eso. MONICA NARANJO: https://www.youtube.com/watch?v=Gr5PQR2w7nQ Vamos de una Diva "la Diva Española". Hablo de la gran Mónica Naranjo. Que lanzó su versión de “Creep” de Radiohead en 2020 como parte de su álbum “Mes Excentricités, Vol. 2”. Segunda parte de una trilogía de álbumes llenos de versiones y rarezas varias. Compartió una grabación en directo de esta versión en su cuenta de Instagram, lo que generó gran expectación antes de su lanzamiento oficial . La canción fue bien recibida por sus fans y ha sido interpretada en varios de sus conciertos. Esta versión destaca por su potente interpretación vocal y su estilo rock, que le da un toque único y diferente al original. Siempre he pensado que La Naranjo en un grupo de Heavy metal lo habría petado. La verdad, Le pega tela. OCEANS: https://www.youtube.com/watch?v=GMQefJ8sFhc El grupo Oceans es una banda de metal alternativo originaria de Berlín, Alemania. Se formaron en 2018 y han ganado reconocimiento por su estilo único que combina elementos de metal, rock y música electrónica. Su música a menudo aborda temas oscuros y emocionales. Por lo que este tema “Creep” de Radiohead les venía al pelo para su álbum de versiones "Cover Me in Darkness” de 2019. Esta versión mantiene la esencia de la original, con letras que expresan sentimientos y deseos de pertenencia. Oceans le da su propio toque, manteniendo la intensidad emocional de la canción. Dicen que si reproduces esto en tu equipo de alta fidelidad, a tope de volumen, el barrio entero quedará libre de ratas, cucarachas, reguetoneros y otras alimañas. SCALA Y KOLACNY BROTHERS: https://www.youtube.com/watch?v=U2WfLahLes0 Un tipo de versión que se oye mucho hoy día, son las 'trailerizaciones', que seguro que estáis más que acostumbrados a oírlas. Os explico: Los trailers de pelis, series o videojuegos, juegan un papel fundamental en la estrategia de marketing. De hecho, en muchas ocasiones son un acontecimiento en sí mismos, casi a la altura del propio estreno. Pero el ansia de las productoras les obliga a sacar el trailer hasta año y medio antes. Por lo que muchas veces ni siquiera tienen la banda sonora. Por lo que se eligió está versión de Scala y Kolacny brothers, es un grupo coral de 16 mujeres Belgas. Usada para la película la red social ( dedicada a ese señor que me echa de Facebook durante un mes, de vez en cuando) Si, Mark Zuckerberg... Este tráiler fue el que inició la tendencia de emplear versiones tristes o lánguidas de canciones famosas Si veis la peli y no escucháis la canción, no es mi culpa. Las canciones 'trailerizadas', no suelen entrar en el montaje final de la película. RENFIELD: https://www.youtube.com/watch?v=1LKKnhwNFyw Y como ahora las cosas se hacen así, existen numerosas firmas y empresas de producción musical (Two Steps From Hell, Immediate Music, Confidential Music, Totem), con una amplia nómina de compositores, especializados en crear música específicamente para los tráilers. Uno de sus principales trucos es hacer versiones de canciones populares, ya sean clásicos o éxitos modernos, para enganchar al público más fácilmente. Y fue la empresa de producción musical "TÓTEM", quien se encargó de modificar la versión original de Creep, para el trailer de RENFIELD. La película en la que Nicolas Cage interpreta a un Drácula venido a menos. ¿Queréis oír cómo queda el trailer?, aquí os lo dejo: https://www.youtube.com/watch?v=1LKKnhwNFyw SOCIAL REPOSE: https://www.youtube.com/watch?v=2ehHHLbfGRc Nunca pensé que iba a incluir un creador de contenido en este podcast. Pero tengo que rendirme ante la mamarrachez y espantajeria con buen gusto de Social Repose. Es el nombre artístico de Richie Giese, un creador de contenido y músico estadounidense conocido por su estilo único y su presencia en plataformas como YouTube y TikTok. Desde que comenzó en 2011, ha ganado popularidad por sus covers de canciones, así como por su música original y estética distintiva. Su contenido a menudo explora temas emocionales y personales, lo que le ha permitido conectar profundamente con su audiencia. Que para este video le han visitado: 518 K. Que no sabía muy bien como contarlo hasta que una hijastra adolescente que tengo me dijo que la K era 1000. Hostia! Hijastra mía: Se te quiere. BALTIC HOUSE ORCHESTRA: https://www.youtube.com/watch?v=sJpINPxGXng Y como dije al principio, esta canción es todo un himno de los 90's. Por eso me gustaría despedirme con una versión Épica de la Baltic House Orchestra. La Baltic House Orchestra no es una orquesta tradicional, sino un proyecto de un productor, compositor y arreglista del Reino Unido que se esconde en el anonimato. Este artista se especializa en crear versiones épicas de canciones populares y temas de bandas sonoras, a menudo inspiradas en tráilers de películas y videojuegos. Baltic House Orchestra ha logrado capturar la intensidad emocional de la canción original, añadiendo arreglos orquestales que le dan un toque grandioso y cinematográfico. CONCLUSIONES: Esto ha sido el Explorando versiones de Creep, de Radiohead. Un tema icónico para una generación, que hablaba sobre aquellos que posiblemente pasasen desapercibidos o fuesen unos incomprendidos. Una puta obra de arte minimalista, que se presta a sonar así de emocionante. Yo ya me despido, así que como siempre digo: Pon el oído, y sube el volumen, si friki.https://www.ivoox.com/034-explorando-versiones-i-want-out-audios-mp3_rf_135214304_1.htmlFri, 25 Oct 2024 08:00:28 +020016:47134fullhttps://www.ivoox.com/135214304locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola, soy Francisco y os doy la bienvenida a Explorando Versiones. Hoy vamos a hablar de una canción que marcó mi adolescencia y que, incluso después de tantos años, sigue siendo muy especial para mí. Estoy hablando de «I Want Out», uno de los temas más representativos del power metal; un subgénero del heavy metal que fusiona la velocidad y fuerza del metal con elementos melódicos. HELLOWEEN - I WANT OUT: https://www.youtube.com/watch?v=FjV8SHjHvHk Lanzado en 1988, «I Want Out» es el cuarto sencillo de la banda alemana Helloween siendo sin lugar a dudas una de sus canciones más emblemáticas. Aunque los inicios de la formación se remontan a 1978 la banda no pasa a llamarse “Helloween" hasta 1984. La portada de este sencillo muestra la caricatura de un personaje con cabeza de calabaza, señalando al espectador de una manera que recuerda al famoso cartel de reclutamiento estadounidense del Tío Sam. Esa imagen, que rápidamente se asoció a la banda, define su identidad visual hasta el día de hoy. Cabe decir que, desde sus inicios, la banda siempre ha utilizado calabazas en diversas formas en sus portadas de álbumes, sencillos y material promocional a lo largo de su carrera. Este símbolo se ha convertido en una parte integral de su identidad visual y es inmediatamente reconocible para todos los fans. Aunque el tema fue lanzado inicialmente como sencillo en 1988, la canción también forma parte del álbum "Keeper of the Seven Keys: Part II", siendo éste el disco más vendido de la historia del grupo, alcanzando el disco de oro en Alemania gracias a temas que rápidamente se convertirían en clásicos como «Dr. Stein», «I Want Out» o «Eagle Fly Free». Cantada por Michael Kiske, la canción fue escrita por el exguitarrista y también cantante del grupo Kai Hansen, quien mencionó en una entrevista que era una señal de que realmente quería salir de la banda. GAMMA RAY: https://www.youtube.com/watch?v=64YKBlCqOXM Y dicho y hecho. Hansen deja la banda en 1988 después de publicar el álbum y funda otra banda de power metal llamada Gamma Ray. Gamma Ray ha tocado «I Want Out» en conciertos, incluyendo el tema en algunos de sus álbumes en directo y en varias recopilaciones debido a que Kai Hansen tiene los derechos de la canción, por lo que él junto a Gamma Ray pueden hacer uso de la misma. HAMMERFALL: https://www.youtube.com/watch?v=ZPGejBYJgoE Y no solo Helloween y Gamma Ray han mantenido viva esta canción, sino que varias bandas han rendido homenaje a este himno. La banda sueca de power metal HammerFall realizó una versión de esta canción en su álbum "Legacy of Kings" del año 1997. La versión tiene un sonido muy fiel al original, con la voz potente de Joacim Cans dándole su toque personal. Es una de las versiones más conocidas y apreciadas por los fanáticos del género. SONATA ARCTICA: https://www.youtube.com/watch?v=RHK_HoOM1xo Sonata Arctica es una banda finlandesa de power metal formada en 1996. A lo largo de su carrera, han experimentado diversos cambios musicales. Comenzaron fusionando el power metal melódico con elementos de metal neoclásico, y luego adoptaron un estilo con influencias de metal sinfónico. ANDREEA COMAN: https://www.youtube.com/watch?v=YogB-hOr8tY Las nuevas generaciones de músicos también han hecho suya «I Want Out». En 2023, Andreea Coman, una joven cantante rumana que realiza diversas interpretaciones de canciones populares, graba en vídeo esta versión de «I Want Out» y que se publica en su canal de YouTube. CANELA SOL: https://www.youtube.com/watch?v=0XfhuFx9I5Q Y desde Buenos Aires, Canela Sol, acompañada de Luiyi Black Side y Cas Ti, nos ofreció una versión más lírica, mostrando que este clásico sigue inspirando artistas de distintos estilos. HELLOWEEN REMASTERED 2020: https://www.youtube.com/watch?v=omxrgrbt0nA Y volviendo a Helloween, en el año 2009, y coincidiendo con su 25 aniversario, la banda lanzó el álbum Unarmed, en el que regrabaron varios de sus clásicos, incluyendo una nueva versión de «I Want Out». Esta versión ofrecía un enfoque más relajado y orquestal de la canción, mostrando una faceta distinta de la banda. En el año 2020, el grupo remasterizó varios de sus álbumes clásicos, lanzando ediciones mejoradas. Esta iniciativa también incluyó la remasterización de este icónico tema, dándole un toque más moderno pero sin perder el espíritu original de la canción. Una de las sorpresas en esta versión remasterizada es el inicio, donde un coro de niños canta el riff, añadiendo un toque inesperado y emotivo al clásico sonido de «I Want Out». CONCLUSIONES En resumen, «I Want Out» no solo es un clásico del power metal, sino un verdadero himno. Helloween sigue siendo una de las bandas más influyentes del género, y esta canción ha dejado una marca imborrable tanto en la historia del metal como en la de sus fans. Gracias por acompañarme y espero que este viaje por la historia de «I Want Out» te haya resultado tan interesante como a mí y nos escuchamos en el próximo episodio.locosporincordiarHola, soy Francisco y os doy la bienvenida a Explorando Versiones. Hoy vamos a hablar de una canción que marcó mi adolescencia y que, incluso después de tantos años, sigue siendo muy especial para mí. Estoy hablando de «I Want Out», uno de los temas más representativos del power metal; un subgénero del heavy metal que fusiona la velocidad y fuerza del metal con elementos melódicos. HELLOWEEN - I WANT OUT: https://www.youtube.com/watch?v=FjV8SHjHvHk Lanzado en 1988, «I Want Out» es el cuarto sencillo de la banda alemana Helloween siendo sin lugar a dudas una de sus canciones más emblemáticas. Aunque los inicios de la formación se remontan a 1978 la banda no pasa a llamarse “Helloween" hasta 1984. La portada de este sencillo muestra la caricatura de un personaje con cabeza de calabaza, señalando al espectador de una manera que recuerda al famoso cartel de reclutamiento estadounidense del Tío Sam. Esa imagen, que rápidamente se asoció a la banda, define su identidad visual hasta el día de hoy. Cabe decir que, desde sus inicios, la banda siempre ha utilizado calabazas en diversas formas en sus portadas de álbumes, sencillos y material promocional a lo largo de su carrera. Este símbolo se ha convertido en una parte integral de su identidad visual y es inmediatamente reconocible para todos los fans. Aunque el tema fue lanzado inicialmente como sencillo en 1988, la canción también forma parte del álbum "Keeper of the Seven Keys: Part II", siendo éste el disco más vendido de la historia del grupo, alcanzando el disco de oro en Alemania gracias a temas que rápidamente se convertirían en clásicos como «Dr. Stein», «I Want Out» o «Eagle Fly Free». Cantada por Michael Kiske, la canción fue escrita por el exguitarrista y también cantante del grupo Kai Hansen, quien mencionó en una entrevista que era una señal de que realmente quería salir de la banda. GAMMA RAY: https://www.youtube.com/watch?v=64YKBlCqOXM Y dicho y hecho. Hansen deja la banda en 1988 después de publicar el álbum y funda otra banda de power metal llamada Gamma Ray. Gamma Ray ha tocado «I Want Out» en conciertos, incluyendo el tema en algunos de sus álbumes en directo y en varias recopilaciones debido a que Kai Hansen tiene los derechos de la canción, por lo que él junto a Gamma Ray pueden hacer uso de la misma. HAMMERFALL: https://www.youtube.com/watch?v=ZPGejBYJgoE Y no solo Helloween y Gamma Ray han mantenido viva esta canción, sino que varias bandas han rendido homenaje a este himno. La banda sueca de power metal HammerFall realizó una versión de esta canción en su álbum "Legacy of Kings" del año 1997. La versión tiene un sonido muy fiel al original, con la voz potente de Joacim Cans dándole su toque personal. Es una de las versiones más conocidas y apreciadas por los fanáticos del género. SONATA ARCTICA: https://www.youtube.com/watch?v=RHK_HoOM1xo Sonata Arctica es una banda finlandesa de power metal formada en 1996. A lo largo de su carrera, han experimentado diversos cambios musicales. Comenzaron fusionando el power metal melódico con elementos de metal neoclásico, y luego adoptaron un estilo con influencias de metal sinfónico. ANDREEA COMAN: https://www.youtube.com/watch?v=YogB-hOr8tY Las nuevas generaciones de músicos también han hecho suya «I Want Out». En 2023, Andreea Coman, una joven cantante rumana que realiza diversas interpretaciones de canciones populares, graba en vídeo esta versión de «I Want Out» y que se publica en su canal de YouTube. CANELA SOL: https://www.youtube.com/watch?v=0XfhuFx9I5Q Y desde Buenos Aires, Canela Sol, acompañada de Luiyi Black Side y Cas Ti, nos ofreció una versión más lírica, mostrando que este clásico sigue inspirando artistas de distintos estilos. HELLOWEEN REMASTERED 2020: https://www.youtube.com/watch?v=omxrgrbt0nA Y volviendo a Helloween, en el año 2009, y coincidiendo con su 25 aniversario, la banda lanzó el álbum Unarmed, en el que regrabaron varios de sus clásicos, incluyendo una nueva versión de «I Want Out». Esta versión ofrecía un enfoque más relajado y orquestal de la canción, mostrando una faceta distinta de la banda. En el año 2020, el grupo remasterizó varios de sus álbumes clásicos, lanzando ediciones mejoradas. Esta iniciativa también incluyó la remasterización de este icónico tema, dándole un toque más moderno pero sin perder el espíritu original de la canción. Una de las sorpresas en esta versión remasterizada es el inicio, donde un coro de niños canta el riff, añadiendo un toque inesperado y emotivo al clásico sonido de «I Want Out». CONCLUSIONES En resumen, «I Want Out» no solo es un clásico del power metal, sino un verdadero himno. Helloween sigue siendo una de las bandas más influyentes del género, y esta canción ha dejado una marca imborrable tanto en la historia del metal como en la de sus fans. Gracias por acompañarme y espero que este viaje por la historia de «I Want Out» te haya resultado tan interesante como a mí y nos escuchamos en el próximo episodio.https://www.ivoox.com/033-explorando-versiones-sympathy-for-the-devil-audios-mp3_rf_134977472_1.htmlFri, 18 Oct 2024 08:30:01 +020022:31134fullhttps://www.ivoox.com/134977472locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHOLA A TODOS, soy Jose Ortiz. Hoy he querido analizar y derribar mitos o la leyenda negra que hay detrás de la canción SYMPATHY FOR THE DEVIL, del grupo británico ROLLING STONES. THE CLACK CROWES: https://www.youtube.com/watch?v=niij8gMtlA0 Antes de empezar, quiero decir una cosa: "sympathy for the devil" no significa "simpatía por el diablo". Es una traducción literal que confunde y da un sentido no sólo diferente sino incluso contrario al de la traducción correcta, es decir: "COMPASIÓN POR EL DIABLO". En 1967 los Rolling Stones lanzaron su sexto álbum, titulado "Sus Satánicas Majestades", siendo el primer disco producido al completo por ellos. Fue criticado por similitud al Sargento Pimienta de los Beatles que se lanzaba en el mismo año. Música psicodélica y la carátula se asemejaba bastante. A partir de ese título del disco vendrían las acusaciones a Satán, si bien sólo era el título, ya que las letras de las canciones no tenían nada que ver con Lucifer, pero alimentó la controversia que rodeó a esta banda de rock como chicos malos. (Posiblemente a nivel de producción les interesaba) Año 1968, sacan el álbum BEGGARS BANQUET (banquete de los mendigos), que trataría de la crítica socio cultural, los conflictos de la época, e incluso la filosofía de la cual Mick Jagger era un asiduo lector en esa fecha. Dentro del álbum, existen referentes al conocido como "Rey del Delta Blues", Robert Johnson, que cuenta la historia que hizo un pacto con el diablo en un cruce de caminos. Pero no sabemos cómo murió, se lo llevaría el diablo?… Coinciden en el tiempo, la guerra de Vietnam desarrollada dentro de la guerra fría entre los Estados Unidos de América y la Unión de Repúblicas Socialistas Soviética. El rechazo a la violencia y el movimiento hippie estaba en su auge y tenían numerosos simpatizantes en muchos países. En medio de todo ese contexto LOS ROLLING STONES narran una historia de las características del ser humano, la envidia, avaricia, egoísmo, violencia, siempre presente. La historia de esta canción es la que sigue: Hay alguna entidad malévola que nos haga hacer a todos esos defectos, según esta canción NO. La canción se le atribuye a Mick Jagger y los arreglos a Keitch Richard. El título inicial de la canción era «The Devil Is My Name» y, en ella, el cantante adopta la voz de un personaje desconocido que oculta su nombre y que se atribuye al Diablo. FREEDOM DUB: https://www.youtube.com/watch?v=KSevTZkuPkw LA TEORIA DE LA CANCION PRIMERA.- La entonces novia de Mick Jaggers, actriz, modelo y cantante Marianne Faithfull, regaló un libro del escritor ruso Mijaíl Bulgákov denominado "El maestro y Margarita", que inspiró a éste la canción sobre la cual analizamos. En la Unión Soviética vivía el autor. Bulgákov se encontraba en Kiev (Ucrania), trabajado como escritor de obras de teatro y en varias de ellas caracterizaba a la sociedad soviética satíricamente. Comenzó a ganarse enemigos políticos, siendo censuradas muchas obras de teatro y novelas. Por tal motivo solicitó al gobierno emigrar de la Unión Soviética, recibiendo un NO como respuesta y comenzando de esta forma a escribir una de las más altas obras de la literatura rusa. El libro llamado "El maestro y Margarita", narra cómo las vidas de los ciudadanos de Moscú, se ve afectada por la llegada de un personaje, "El Ángel Caído" en persona, preparado para el terror, crear el caos y recoger almas. En fin, no era más que una sátira del régimen Stalin, presidente de las repúblicas soviéticas y en general del comunismo. SEGUNDA.- La otra teoría es que Mick Jagger, para tener una larga y exitosa carrera hizo un pacto con el diablo, sin embargo no hay ninguna prueba detrás de ésta, por lo que la olvidamos. GUNS N' ROSES: https://www.youtube.com/watch?v=dSmkkD32PtU Esta canción sólo por el nombre no se puede expresar que sea satánica, y se puede decir que en un inicio estaba destinada a llamarse "MI NOMBRE ES EL DIABLO", al final se decidió cambiarla por el título que ya conocemos y agregarle ese aliento de misterio que después de 59 años de su creación aún posee. La canción está narrada en primera persona, de tal manera que nos cuenta una historia plagada de codicia, envidia y sangre, siendo testigo de todos los males que asola el planeta, todo ello causado por LOS HUMANOS. Aunque al comienzo no se menciona su nombre, poco antes de terminar la canción pide que lo llames Lucifer. Bajo ese prisma diferente, la canción podría reinterpretarse como una crítica a la inmoralidad de la propia humanidad o a su hipocresía al levantar una figura metafórica del mal en lugar de buscarlo en su interior. Significar que algunas partes de la letra hay semejanzas a frases de una película de fantasía de 1941, titulada "El Diablo y Daniel Webster" o "Todo lo que el dinero puede comprar". Varios episodios están narrados en la misma, desde la crucifixión de Jesús, al asesinato de la familia Romanov durante la revolución rusa, la segunda guerra mundial, los asesinatos de los hermanos Kennedy (Jonh y Robert), hechos históricos donde Jaggers se los atribuye al diablo. Posiblemente la referencia más curiosa de la letra es la parte en que el personaje del Diablo dice que puso trampas a los trovadores, que fueron asesinados antes de llegar a Bombay. Se sostiene que esta parte del tema se refiere a los jóvenes que, en aquellos tiempos de 1968, solían viajar siguiendo la llamada "ruta de los hippies" hacia Oriente, buscando llegar a Katmandú, en Nepal a bordo de "Magic Bus" que inmortalizaba los WHO. Por cierto, muchos de estos jóvenes fueron asesinados o timados por vendedores de drogas en Pakistán o Afganistán. Este tema se ha convertido en una obra maestra del Rock por el personaje protagonista del tema, la producción orgánica, africana, brasileña (con ecos de vudú y santería), los gritos selváticos y tribales de Jagguer, esos coros contagiosos y el desarrollo musical encadenado e irresistible, donde el piano se deja llevar por el góspel y el blues, la convirtieron muy pronto en un éxito formidable y en un icono, pero circunstancias 'diabólicas' acabaron por casi condenarla al ostracismo y los Stones dejaron de interpretarla en directo durante dos décadas, para volver a incluirla en sus setlist a partir de 1989 y no sacarla de ahí ya nunca jamás. POPA CHUBBY: https://youtube.com/watch?v=gJWdFshK-pk Para la grabación de esta canción cogieron a un tipo africano, un tal Rocky Dzidzornu que ofreció un ritmo caribeño a la percusión. Keith Richard se encargó de su guitarra Gibson para los arreglos y punteos, también tocó el Bajo de manera magnífica, siendo la guía de la canción y dejándolo de tocar Bill Wyman, al cual le cedieron las Maracas (si podéis mirar el video veréis la cara de Bill…) Se trata de una de las pocas canciones de rock que cuenta con su propia película de making of…, dirigida por un cineasta de los más revolucionarios de la llamada nueva ola del cine francés, al lado de realizadores de leyenda como François Truffaut, Jacques Rivette y Claude Chabrol o de estrellas míticas como Jean Paul Belmondo, Briggite Bardot, y Jeanne Moreau. Me refiero a Jean-Luc Godard. En 1968, Godard viajó a Londres, con la intención de filmar una película sobre el aborto, aparentemente sin saber que la Ley del Aborto de 1967 acababa de legalizado en Gran Bretaña. Cuando se dio cuenta de que este ya no era un tema candente, decretó que haría otra película en su lugar, pero con la condición de que en ella participaran los Beatles o los Rolling Stones. Los Beatles lo rechazaron, pero los Stones dijeron que sí. Godard y su equipo acudieron a los Estudios Olympic a las afueras de Londres, donde Jagger, Richards y compañía, estaban grabando su gran disco "Beggars Banquet". Instalaron las cámaras y comenzaron a filmar. Lo que Godard capturó durante cinco días hasta el 10 de diciembre de 1968, fue a los Rolling Stones en las últimas etapas de componer y grabar el tema "Sympathy for the Devil". El resultado, junto con una buena cantidad de otras cosas que filmó en sus tiempos libres, se convirtió en la película "One Plus One". De algún modo, estamos viendo un antecedente (o un anti-antecedente) de lo que habrá de ser la película "Let It Be", de los Beatles, dirigida por Michael Lindsay-Hogg, dos años más tarde. THE ROLLING STONES: https://www.youtube.com/watch?v=Jwtyn-L-2gQ Los Stones tocaron "Sympathy for the Devil" en su espectáculo "Rock ‘n Roll Circus", de diciembre de 1968. Como dato curioso en el minuto 4:54 del video se puede ver al Beatle John Lennon bailando al ritmo de la canción. En 1969 por los Estados Unidos incluyeron el tema en el repertorio de su recital gratuito del autódromo de Altamont, donde desde temprano hubo muchas malas vibraciones entre el público. La mala onda alcanzó su punto máximo cuando un espectador que después de desenfundar un revolver, murió a puñaladas por un miembro de los ÁNGELES DEL INFIERNO que eran los encargados de la seguridad. Momentos antes, el comentario de Jagger había sido: "siempre hay algún problema cuando tocamos esta canción…" Cierto es, que el homicidio fue durante la canción "Under my Thumb", que fue en la siguiente canción, y ya Mick había pedido que se tranquilizaran, que se sentaran, que estuvieran tranquilos…, al final se lió y se lo atribuyeron a esta canción. Si ya tachaban de satánica a esta banda, imaginaros, sirvió de caza contra los Rolling, aumentando el rechazo al tema. Hay versiones por una multitud de artistas diferentes y creo que ninguna ha alcanzado a la original. Las más temprana de las versiones de este tema es al años siguiente 1969, la cantante británica Sandie Shaw grabó este tema para su disco de covers Reviewing the Situation. También Jane's Addiction y también el ex-Roxy Music Bryan Ferry graba esta versión en 1973. Pearl Jam hace una improvisación de Sympathy for the Devil en un directo en San Francisco en el 92. Incluso el polémico rockero argentino Charly García graba esta versión para su disco llamado «Estaba en Llamas Cuando Me Acosté» de 1995. Otro es Jon Bon Jovi, que interpreta este tema durante una presentación en directo en 1997. Guns n Roses, quizá sea esta la más conocida de todas las versiones, para la banda sonora de la película Entrevista con el Vampiro. Otro, que es el «Príncipe de la Oscuridad», Ozzy Osbourne, graba esta versión para su disco de 2005. También otro, Motörhead en 2015. The black crowes... Incluso la Orquesta Sinfónica de Londres tiene su propia versión. En resumen, todos podemos ser ese diablo en algún momento de nuestra vida. Así que, "SI TE ENCUENTRAS CONMIGO, TEN ALGO DE CORTESÍA, ALGO DE COMPASIÓN Y GUSTO, USA TODOS LOS MODALES QUE APRENDISTES O DEJARÉ TU ALMA EN RUINAS" Nos vemos en la próxima. Un saludo.locosporincordiarHOLA A TODOS, soy Jose Ortiz. Hoy he querido analizar y derribar mitos o la leyenda negra que hay detrás de la canción SYMPATHY FOR THE DEVIL, del grupo británico ROLLING STONES. THE CLACK CROWES: https://www.youtube.com/watch?v=niij8gMtlA0 Antes de empezar, quiero decir una cosa: "sympathy for the devil" no significa "simpatía por el diablo". Es una traducción literal que confunde y da un sentido no sólo diferente sino incluso contrario al de la traducción correcta, es decir: "COMPASIÓN POR EL DIABLO". En 1967 los Rolling Stones lanzaron su sexto álbum, titulado "Sus Satánicas Majestades", siendo el primer disco producido al completo por ellos. Fue criticado por similitud al Sargento Pimienta de los Beatles que se lanzaba en el mismo año. Música psicodélica y la carátula se asemejaba bastante. A partir de ese título del disco vendrían las acusaciones a Satán, si bien sólo era el título, ya que las letras de las canciones no tenían nada que ver con Lucifer, pero alimentó la controversia que rodeó a esta banda de rock como chicos malos. (Posiblemente a nivel de producción les interesaba) Año 1968, sacan el álbum BEGGARS BANQUET (banquete de los mendigos), que trataría de la crítica socio cultural, los conflictos de la época, e incluso la filosofía de la cual Mick Jagger era un asiduo lector en esa fecha. Dentro del álbum, existen referentes al conocido como "Rey del Delta Blues", Robert Johnson, que cuenta la historia que hizo un pacto con el diablo en un cruce de caminos. Pero no sabemos cómo murió, se lo llevaría el diablo?… Coinciden en el tiempo, la guerra de Vietnam desarrollada dentro de la guerra fría entre los Estados Unidos de América y la Unión de Repúblicas Socialistas Soviética. El rechazo a la violencia y el movimiento hippie estaba en su auge y tenían numerosos simpatizantes en muchos países. En medio de todo ese contexto LOS ROLLING STONES narran una historia de las características del ser humano, la envidia, avaricia, egoísmo, violencia, siempre presente. La historia de esta canción es la que sigue: Hay alguna entidad malévola que nos haga hacer a todos esos defectos, según esta canción NO. La canción se le atribuye a Mick Jagger y los arreglos a Keitch Richard. El título inicial de la canción era «The Devil Is My Name» y, en ella, el cantante adopta la voz de un personaje desconocido que oculta su nombre y que se atribuye al Diablo. FREEDOM DUB: https://www.youtube.com/watch?v=KSevTZkuPkw LA TEORIA DE LA CANCION PRIMERA.- La entonces novia de Mick Jaggers, actriz, modelo y cantante Marianne Faithfull, regaló un libro del escritor ruso Mijaíl Bulgákov denominado "El maestro y Margarita", que inspiró a éste la canción sobre la cual analizamos. En la Unión Soviética vivía el autor. Bulgákov se encontraba en Kiev (Ucrania), trabajado como escritor de obras de teatro y en varias de ellas caracterizaba a la sociedad soviética satíricamente. Comenzó a ganarse enemigos políticos, siendo censuradas muchas obras de teatro y novelas. Por tal motivo solicitó al gobierno emigrar de la Unión Soviética, recibiendo un NO como respuesta y comenzando de esta forma a escribir una de las más altas obras de la literatura rusa. El libro llamado "El maestro y Margarita", narra cómo las vidas de los ciudadanos de Moscú, se ve afectada por la llegada de un personaje, "El Ángel Caído" en persona, preparado para el terror, crear el caos y recoger almas. En fin, no era más que una sátira del régimen Stalin, presidente de las repúblicas soviéticas y en general del comunismo. SEGUNDA.- La otra teoría es que Mick Jagger, para tener una larga y exitosa carrera hizo un pacto con el diablo, sin embargo no hay ninguna prueba detrás de ésta, por lo que la olvidamos. GUNS N' ROSES: https://www.youtube.com/watch?v=dSmkkD32PtU Esta canción sólo por el nombre no se puede expresar que sea satánica, y se puede decir que en un inicio estaba destinada a llamarse "MI NOMBRE ES EL DIABLO", al final se decidió cambiarla por el título que ya conocemos y agregarle ese aliento de misterio que después de 59 años de su creación aún posee. La canción está narrada en primera persona, de tal manera que nos cuenta una historia plagada de codicia, envidia y sangre, siendo testigo de todos los males que asola el planeta, todo ello causado por LOS HUMANOS. Aunque al comienzo no se menciona su nombre, poco antes de terminar la canción pide que lo llames Lucifer. Bajo ese prisma diferente, la canción podría reinterpretarse como una crítica a la inmoralidad de la propia humanidad o a su hipocresía al levantar una figura metafórica del mal en lugar de buscarlo en su interior. Significar que algunas partes de la letra hay semejanzas a frases de una película de fantasía de 1941, titulada "El Diablo y Daniel Webster" o "Todo lo que el dinero puede comprar". Varios episodios están narrados en la misma, desde la crucifixión de Jesús, al asesinato de la familia Romanov durante la revolución rusa, la segunda guerra mundial, los asesinatos de los hermanos Kennedy (Jonh y Robert), hechos históricos donde Jaggers se los atribuye al diablo. Posiblemente la referencia más curiosa de la letra es la parte en que el personaje del Diablo dice que puso trampas a los trovadores, que fueron asesinados antes de llegar a Bombay. Se sostiene que esta parte del tema se refiere a los jóvenes que, en aquellos tiempos de 1968, solían viajar siguiendo la llamada "ruta de los hippies" hacia Oriente, buscando llegar a Katmandú, en Nepal a bordo de "Magic Bus" que inmortalizaba los WHO. Por cierto, muchos de estos jóvenes fueron asesinados o timados por vendedores de drogas en Pakistán o Afganistán. Este tema se ha convertido en una obra maestra del Rock por el personaje protagonista del tema, la producción orgánica, africana, brasileña (con ecos de vudú y santería), los gritos selváticos y tribales de Jagguer, esos coros contagiosos y el desarrollo musical encadenado e irresistible, donde el piano se deja llevar por el góspel y el blues, la convirtieron muy pronto en un éxito formidable y en un icono, pero circunstancias 'diabólicas' acabaron por casi condenarla al ostracismo y los Stones dejaron de interpretarla en directo durante dos décadas, para volver a incluirla en sus setlist a partir de 1989 y no sacarla de ahí ya nunca jamás. POPA CHUBBY: https://youtube.com/watch?v=gJWdFshK-pk Para la grabación de esta canción cogieron a un tipo africano, un tal Rocky Dzidzornu que ofreció un ritmo caribeño a la percusión. Keith Richard se encargó de su guitarra Gibson para los arreglos y punteos, también tocó el Bajo de manera magnífica, siendo la guía de la canción y dejándolo de tocar Bill Wyman, al cual le cedieron las Maracas (si podéis mirar el video veréis la cara de Bill…) Se trata de una de las pocas canciones de rock que cuenta con su propia película de making of…, dirigida por un cineasta de los más revolucionarios de la llamada nueva ola del cine francés, al lado de realizadores de leyenda como François Truffaut, Jacques Rivette y Claude Chabrol o de estrellas míticas como Jean Paul Belmondo, Briggite Bardot, y Jeanne Moreau. Me refiero a Jean-Luc Godard. En 1968, Godard viajó a Londres, con la intención de filmar una película sobre el aborto, aparentemente sin saber que la Ley del Aborto de 1967 acababa de legalizado en Gran Bretaña. Cuando se dio cuenta de que este ya no era un tema candente, decretó que haría otra película en su lugar, pero con la condición de que en ella participaran los Beatles o los Rolling Stones. Los Beatles lo rechazaron, pero los Stones dijeron que sí. Godard y su equipo acudieron a los Estudios Olympic a las afueras de Londres, donde Jagger, Richards y compañía, estaban grabando su gran disco "Beggars Banquet". Instalaron las cámaras y comenzaron a filmar. Lo que Godard capturó durante cinco días hasta el 10 de diciembre de 1968, fue a los Rolling Stones en las últimas etapas de componer y grabar el tema "Sympathy for the Devil". El resultado, junto con una buena cantidad de otras cosas que filmó en sus tiempos libres, se convirtió en la película "One Plus One". De algún modo, estamos viendo un antecedente (o un anti-antecedente) de lo que habrá de ser la película "Let It Be", de los Beatles, dirigida por Michael Lindsay-Hogg, dos años más tarde. THE ROLLING STONES: https://www.youtube.com/watch?v=Jwtyn-L-2gQ Los Stones tocaron "Sympathy for the Devil" en su espectáculo "Rock ‘n Roll Circus", de diciembre de 1968. Como dato curioso en el minuto 4:54 del video se puede ver al Beatle John Lennon bailando al ritmo de la canción. En 1969 por los Estados Unidos incluyeron el tema en el repertorio de su recital gratuito del autódromo de Altamont, donde desde temprano hubo muchas malas vibraciones entre el público. La mala onda alcanzó su punto máximo cuando un espectador que después de desenfundar un revolver, murió a puñaladas por un miembro de los ÁNGELES DEL INFIERNO que eran los encargados de la seguridad. Momentos antes, el comentario de Jagger había sido: "siempre hay algún problema cuando tocamos esta canción…" Cierto es, que el homicidio fue durante la canción "Under my Thumb", que fue en la siguiente canción, y ya Mick había pedido que se tranquilizaran, que se sentaran, que estuvieran tranquilos…, al final se lió y se lo atribuyeron a esta canción. Si ya tachaban de satánica a esta banda, imaginaros, sirvió de caza contra los Rolling, aumentando el rechazo al tema. Hay versiones por una multitud de artistas diferentes y creo que ninguna ha alcanzado a la original. Las más temprana de las versiones de este tema es al años siguiente 1969, la cantante británica Sandie Shaw grabó este tema para su disco de covers Reviewing the Situation. También Jane's Addiction y también el ex-Roxy Music Bryan Ferry graba esta versión en 1973. Pearl Jam hace una improvisación de Sympathy for the Devil en un directo en San Francisco en el 92. Incluso el polémico rockero argentino Charly García graba esta versión para su disco llamado «Estaba en Llamas Cuando Me Acosté» de 1995. Otro es Jon Bon Jovi, que interpreta este tema durante una presentación en directo en 1997. Guns n Roses, quizá sea esta la más conocida de todas las versiones, para la banda sonora de la película Entrevista con el Vampiro. Otro, que es el «Príncipe de la Oscuridad», Ozzy Osbourne, graba esta versión para su disco de 2005. También otro, Motörhead en 2015. The black crowes... Incluso la Orquesta Sinfónica de Londres tiene su propia versión. En resumen, todos podemos ser ese diablo en algún momento de nuestra vida. Así que, "SI TE ENCUENTRAS CONMIGO, TEN ALGO DE CORTESÍA, ALGO DE COMPASIÓN Y GUSTO, USA TODOS LOS MODALES QUE APRENDISTES O DEJARÉ TU ALMA EN RUINAS" Nos vemos en la próxima. Un saludo.https://www.ivoox.com/032-explorando-versiones-paint-it-black-audios-mp3_rf_134733335_1.htmlFri, 11 Oct 2024 07:57:48 +020017:59132fullhttps://www.ivoox.com/134733335locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noMuy buenas, soy el Marcha y desde “Marcha Producciones el Show” para Explorando Versiones, un podcast de Locos por Incordiar, vamos a repasar y a oír un poquito las versiones que se han hecho de un tema muy mítico. Estamos hablando del «Paint It, Black» de los Rolling Stones. ROLLING STONES - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=O4irXQhgMqg «Paint It, Black» es una de las canciones más icónicas de Rolling Stones. Fue lanzada como sencillo en 1966 y luego incluida en la edición estadounidense del álbum “Aftermath”. Escrita por Mick Jagger y Keith Richards, la canción destaca por su tono oscuro y melancólico y es conocida por su distinto riff de guitarra y el uso del sitar, un instrumento tradicional de la música india tocado por Brian Jones. La letra de «Paint It, Black» aborda temas de dolor, pérdida y desesperanza. La narración de la canción proviene de una persona que ha experimentado una pérdida significativa, posiblemente la muerte de un ser querido, y desea que todo a su alrededor se oscurezca para reflejar su estado emocional. El deseo de pintarlo todo de negro simboliza la depresión y la falta de esperanza. El uso del sitar, influenciado por la fascinación de Brian Jones con la música oriental, le da a la canción un sonido único que la distingue de otras producciones de la época. Esta mezcla de rock con elementos de música india fue innovadora y contribuyó a la popularidad de la canción. «Paint It, Black» fue un gran éxito comercial. Alcanzó el número uno en las listas de éxitos en Estados Unidos y Reino Unido. La canción ha perdurado como un clásico del rock y sigue siendo una de las más populares de la banda. A lo largo de los años «Paint It, Black» ha sido versionada por numerosos artistas y ha aparecido en diversas películas, series de televisión y anuncios publicitarios. Su tema sombrío y su estilo distintivo han asegurado su lugar en la historia de la música rock. En resumen «Paint It, Black» es una canción que captura perfectamente la habilidad de los Rolling Stones para combinar letras intensas y emocionales con innovaciones musicales y sigue siendo un pilar fundamental en su discografía. DEEP PURPLE - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=nnXScjqcXdY Deep Purple, la legendaria banda de rock británica, ha realizado varias versiones en vivo de «Paint It, Black» a lo largo de su carrera, pero es importante señalar que no grabaron una versión de estudio oficial de la canción. Sus interpretaciones en vivo son famosas por su energía y su enfoque único, característico del estilo de Deep Purple. Deep Purple suele reinterpretar «Paint It, Black» con un estilo más cercano al hard rock y al heavy metal, géneros por los cuales son ampliamente conocidos. Su versión es más agresiva y potente que la original, destacándose por el uso de guitarras eléctricas más distorsionadas y el teclado de Jon Lord que añade un toque psicodélico y pesado. En las actuaciones en vivo, Deep Purple es conocida por su capacidad para extender canciones con largas secciones de improvisación. Su versión de «Paint It, Black» a menudo incluye sólos de guitarra de Ritchie Blackmore y pasajes instrumentales que muestran la virtuosidad de la banda. Esto convierte la canción en una experiencia diferente y más expansiva en comparación con la versión de los Rolling Stones. Una de las versiones en vivo más destacadas de «Paint It, Black» por Deep Purple puede encontrarse en el álbum en vivo «Scandinavian Nights», también conocido como «Live in Stockholm» de 1970. En este concierto la banda ofrece una interpretación electrizante de la canción que se fusiona con su estilo único y la energía cruda de sus presentaciones en vivo. Aunque no es una de las versiones más conocidas de «Paint It, Black», los fans de Deep Purple suelen apreciar estas interpretaciones en vivo por la forma en que la banda logra hacer suya la canción integrandola en su repertorio de madera fluida y respetuosa pero a la vez aportándole su propia identidad sonora. En resumen la versión de «Paint It, Black» de Deep Purple es un testimonio del poder de la banda para reimaginar canciones clásicas dentro de su propio estilo mezclando el rock psicodélico o en el Hard Rock. GLENN TIPTON - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=VTN96m1-07Y La versión de «Paint It, Black» de Glenn Tipton es una interpretación única de este clásico. Incluido en su álbum en solitario «Baptizm of Fire» de 1997. Glenn Tipton reconocido guitarrista de Judas Priest le inyecta a la canción su característico estilo de heavy metal, dándole un enfoque mucho más agresivo y oscuro que el original. En esta versión la guitarra eléctrica toma un papel protagónico con un sonido distorsionado y solos vertiginosos que realzan la intensidad de la melodía. Tipton respeta la esencia melódica de la canción, pero la transforma en una pieza mucho más potente y dinámica. Su interpretación vocal también añade un matiz más sombrío y contundente a la letra. La agresión de Tipton es un claro ejemplo de cómo una canción clásica puede ser reinterpretada en un estilo completamente diferente, manteniendo su integridad mientras se le da un nuevo giro. LOS SALVAJES - TODO NEGRO: https://www.youtube.com/watch?v=OA8ngyvRXCg «Todo negro» es la versión en español de «Paint It, Black» interpretada por Los Salvajes, una banda de rock española de los años 60. Lanzada en 1966, la versión de Los Salvajes mantiene la intensidad y el tono oscuro del original pero con su propio estilo. La letra traducida al español, como la original refleja el dolor y la desesperación de alguien que ha perdido su amor, deseando que todo su alrededor sea negro para coincidir con su estado de ánimo. Musicalmente Los Salvajes logran capturar la esencia del garaje rock, con guitarras crudas y una energía visceral que caracteriza a la banda. «Todo negro» es un ejemplo destacado de cómo el rock internacional fue adaptado y reinterpretado en la España de la época, convenciéndose en un himno de la juventud rebelde en plena dictadura franquista. MEDINA AZAHARA - PÍNTALO DE NEGRO: https://www.youtube.com/watch?v=KlJctafldyI La version del «Paint It, Black» de Medina Azahara es una reinterpretación de «Todo negro» de Los Salvajes, que hemos eschado antes. Esta versión viene en su disco “Árabe” de 1995. La banda pionera del rock andaluz fusiona en esta versión su estilo característico que mezcla el rock con influencias flamencas, dando un toque distintivo a la icónica canción. Medina Azahara mantiene la esencia oscura y melancólica del tema original, pero le añade su propia personalidad, con guitarras eléctricas más potentes, toques de teclado que aportan una atmósfera más mística y un estilo vocal más dramático típico del rock andaluz. El ritmo acelerado y las guitarras distorsionadas se combinan con elementos del flamenco, lo que resulta una fusión interesante entre el rock británico y la música española. Esta versión se ha convertido en una de las más conocidas dentro del repertorio de Medina Azahara mostrando la versatilidad del grupo y su capacidad para adaptar éxitos internacionales a su propio estilo musical. ANVIL - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=AiXfRE-hvhQ Anvil, la banda canadiense de heavy metal, realizó una versión de «Paint It, Black» en su álbum “Plugged in Permanent” de 1996. Esta versión destaca por su estilo característico de heavy metal, con guitarras distorsionadas y una energía más intensa en comparación con el tema original de los Rolling Stones que tiene un aire más psicodélico y rock clásico. La interpretación de Anvil transforma la canción en algo más pesado y agresivo pero respetando la melodía y al ritmo principal del tema. CONCLUSIONES Bueno, con esta versión de Anvil me despido hasta la próxima, ¿y porque hasta la próxima? porque tengo más versión el «Paint It, Black»… Tengo muchas más versiones del «Paint It, Black» y prometo volver con una segunda parte. Lo dicho soy el Marcha desde “Marcha Producciones el Show” para Explorando Versiones de Locos por Incordiar. ¡Agur!locosporincordiarMuy buenas, soy el Marcha y desde “Marcha Producciones el Show” para Explorando Versiones, un podcast de Locos por Incordiar, vamos a repasar y a oír un poquito las versiones que se han hecho de un tema muy mítico. Estamos hablando del «Paint It, Black» de los Rolling Stones. ROLLING STONES - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=O4irXQhgMqg «Paint It, Black» es una de las canciones más icónicas de Rolling Stones. Fue lanzada como sencillo en 1966 y luego incluida en la edición estadounidense del álbum “Aftermath”. Escrita por Mick Jagger y Keith Richards, la canción destaca por su tono oscuro y melancólico y es conocida por su distinto riff de guitarra y el uso del sitar, un instrumento tradicional de la música india tocado por Brian Jones. La letra de «Paint It, Black» aborda temas de dolor, pérdida y desesperanza. La narración de la canción proviene de una persona que ha experimentado una pérdida significativa, posiblemente la muerte de un ser querido, y desea que todo a su alrededor se oscurezca para reflejar su estado emocional. El deseo de pintarlo todo de negro simboliza la depresión y la falta de esperanza. El uso del sitar, influenciado por la fascinación de Brian Jones con la música oriental, le da a la canción un sonido único que la distingue de otras producciones de la época. Esta mezcla de rock con elementos de música india fue innovadora y contribuyó a la popularidad de la canción. «Paint It, Black» fue un gran éxito comercial. Alcanzó el número uno en las listas de éxitos en Estados Unidos y Reino Unido. La canción ha perdurado como un clásico del rock y sigue siendo una de las más populares de la banda. A lo largo de los años «Paint It, Black» ha sido versionada por numerosos artistas y ha aparecido en diversas películas, series de televisión y anuncios publicitarios. Su tema sombrío y su estilo distintivo han asegurado su lugar en la historia de la música rock. En resumen «Paint It, Black» es una canción que captura perfectamente la habilidad de los Rolling Stones para combinar letras intensas y emocionales con innovaciones musicales y sigue siendo un pilar fundamental en su discografía. DEEP PURPLE - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=nnXScjqcXdY Deep Purple, la legendaria banda de rock británica, ha realizado varias versiones en vivo de «Paint It, Black» a lo largo de su carrera, pero es importante señalar que no grabaron una versión de estudio oficial de la canción. Sus interpretaciones en vivo son famosas por su energía y su enfoque único, característico del estilo de Deep Purple. Deep Purple suele reinterpretar «Paint It, Black» con un estilo más cercano al hard rock y al heavy metal, géneros por los cuales son ampliamente conocidos. Su versión es más agresiva y potente que la original, destacándose por el uso de guitarras eléctricas más distorsionadas y el teclado de Jon Lord que añade un toque psicodélico y pesado. En las actuaciones en vivo, Deep Purple es conocida por su capacidad para extender canciones con largas secciones de improvisación. Su versión de «Paint It, Black» a menudo incluye sólos de guitarra de Ritchie Blackmore y pasajes instrumentales que muestran la virtuosidad de la banda. Esto convierte la canción en una experiencia diferente y más expansiva en comparación con la versión de los Rolling Stones. Una de las versiones en vivo más destacadas de «Paint It, Black» por Deep Purple puede encontrarse en el álbum en vivo «Scandinavian Nights», también conocido como «Live in Stockholm» de 1970. En este concierto la banda ofrece una interpretación electrizante de la canción que se fusiona con su estilo único y la energía cruda de sus presentaciones en vivo. Aunque no es una de las versiones más conocidas de «Paint It, Black», los fans de Deep Purple suelen apreciar estas interpretaciones en vivo por la forma en que la banda logra hacer suya la canción integrandola en su repertorio de madera fluida y respetuosa pero a la vez aportándole su propia identidad sonora. En resumen la versión de «Paint It, Black» de Deep Purple es un testimonio del poder de la banda para reimaginar canciones clásicas dentro de su propio estilo mezclando el rock psicodélico o en el Hard Rock. GLENN TIPTON - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=VTN96m1-07Y La versión de «Paint It, Black» de Glenn Tipton es una interpretación única de este clásico. Incluido en su álbum en solitario «Baptizm of Fire» de 1997. Glenn Tipton reconocido guitarrista de Judas Priest le inyecta a la canción su característico estilo de heavy metal, dándole un enfoque mucho más agresivo y oscuro que el original. En esta versión la guitarra eléctrica toma un papel protagónico con un sonido distorsionado y solos vertiginosos que realzan la intensidad de la melodía. Tipton respeta la esencia melódica de la canción, pero la transforma en una pieza mucho más potente y dinámica. Su interpretación vocal también añade un matiz más sombrío y contundente a la letra. La agresión de Tipton es un claro ejemplo de cómo una canción clásica puede ser reinterpretada en un estilo completamente diferente, manteniendo su integridad mientras se le da un nuevo giro. LOS SALVAJES - TODO NEGRO: https://www.youtube.com/watch?v=OA8ngyvRXCg «Todo negro» es la versión en español de «Paint It, Black» interpretada por Los Salvajes, una banda de rock española de los años 60. Lanzada en 1966, la versión de Los Salvajes mantiene la intensidad y el tono oscuro del original pero con su propio estilo. La letra traducida al español, como la original refleja el dolor y la desesperación de alguien que ha perdido su amor, deseando que todo su alrededor sea negro para coincidir con su estado de ánimo. Musicalmente Los Salvajes logran capturar la esencia del garaje rock, con guitarras crudas y una energía visceral que caracteriza a la banda. «Todo negro» es un ejemplo destacado de cómo el rock internacional fue adaptado y reinterpretado en la España de la época, convenciéndose en un himno de la juventud rebelde en plena dictadura franquista. MEDINA AZAHARA - PÍNTALO DE NEGRO: https://www.youtube.com/watch?v=KlJctafldyI La version del «Paint It, Black» de Medina Azahara es una reinterpretación de «Todo negro» de Los Salvajes, que hemos eschado antes. Esta versión viene en su disco “Árabe” de 1995. La banda pionera del rock andaluz fusiona en esta versión su estilo característico que mezcla el rock con influencias flamencas, dando un toque distintivo a la icónica canción. Medina Azahara mantiene la esencia oscura y melancólica del tema original, pero le añade su propia personalidad, con guitarras eléctricas más potentes, toques de teclado que aportan una atmósfera más mística y un estilo vocal más dramático típico del rock andaluz. El ritmo acelerado y las guitarras distorsionadas se combinan con elementos del flamenco, lo que resulta una fusión interesante entre el rock británico y la música española. Esta versión se ha convertido en una de las más conocidas dentro del repertorio de Medina Azahara mostrando la versatilidad del grupo y su capacidad para adaptar éxitos internacionales a su propio estilo musical. ANVIL - PAINT IT, BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=AiXfRE-hvhQ Anvil, la banda canadiense de heavy metal, realizó una versión de «Paint It, Black» en su álbum “Plugged in Permanent” de 1996. Esta versión destaca por su estilo característico de heavy metal, con guitarras distorsionadas y una energía más intensa en comparación con el tema original de los Rolling Stones que tiene un aire más psicodélico y rock clásico. La interpretación de Anvil transforma la canción en algo más pesado y agresivo pero respetando la melodía y al ritmo principal del tema. CONCLUSIONES Bueno, con esta versión de Anvil me despido hasta la próxima, ¿y porque hasta la próxima? porque tengo más versión el «Paint It, Black»… Tengo muchas más versiones del «Paint It, Black» y prometo volver con una segunda parte. Lo dicho soy el Marcha desde “Marcha Producciones el Show” para Explorando Versiones de Locos por Incordiar. ¡Agur!https://www.ivoox.com/031-explorando-versiones-tequila-audios-mp3_rf_134483348_1.htmlFri, 04 Oct 2024 07:43:17 +020016:24202431fullhttps://www.ivoox.com/134483348locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noKia ora (hola en maorí) amigos, y bienvenidos a una nueva edición de Explorando Versiones. Yo soy Jesus, batería de “Friki Martin” y de “Traficante” y ex batería de “Los Fraguels” (gran grupo y mejores personas). En el programa de hoy, la versión a analizar será: Tequila. THE CHAMPS: https://www.youtube.com/watch?v=q3sJVbHlcdQ El tema fue grabado originalmente por el grupo “The Champs” como cara B de su primer single, en enero del 58. El single no tuvo mucho éxito pero la cara B... ¡esa cara B explotó! El compositor del tema y componente de the champs, Danny Flores era un multi instrumentista y músico de estudio que tuvo que cambiarse el nombre a Chuck del Río ya que tenía contrato discográfico con una compañía diferente. El tema original es instrumental, con la palabra tequila cantada por el propio Chuck tres veces. Pero ya veremos que esta no es la única manera de interpretar esta canción, ni mucho menos. THE CHAMPS EN EL SHOW DE ED SULLIVAN https://www.youtube.com/watch?v=MJtzD-eQMWA Así suena la versión original tocada en directo por “The champs” en el famoso programa de televisión Ed Sullivan y os recomiendo que veáis el vídeo de la actuación cuando podáis porque tiene una coreografía impresionante. La canción tequila tiene más de a00 grabaciones registradas, y al igual que sucede con la bebida, estas versiones van desde lo muy cutre, hasta lo muy glamuroso. Van desde el chupito de tequila que te tomas en el cutre bar a las 3 de la mañana antes de vomitar por fin todo lo que te has metido desde que saliste a las 8, hasta el tequila reposado que te tomas con el pañuelo al cuello mientras ves zarpar el yate de tu amigo Jacobo desde la terraza del club náutico. O lo que es lo mismo, desde el punk más sucio o el ska más sudoroso, hasta refinadas versiones con orquesta y coros de senoritas de color. LENNINGRAD COWBOYS: https://www.youtube.com/watch?v=YFMSKw2vDtI Comencemos por esta versión de Lenningrad cowboys del año 89. Aquí se canta y se dice tequila, pero ojo a la pronunciación en finlandés (¿o es finés?). HENRY MANCINI: https://www.youtube.com/watch?v=Ywywl0TxJFQ Cambiamos el paso por completo y vamos a escuchar la versión de Henry Mancini del año 61. Aquí ni siquiera se canta nada, pero podemos imaginarnos perfectamente esta canción sonando en una fiesta privada en una casa de lujo y con Peter Sellers de invitado sorpresa. CORN HEAD: https://www.youtube.com/watch?v=b-NNYM04Xxg Y ahora pasamos de no cantar la palabra tequila, a cantar, y mucho… Y en Japonés. Aquí tenemos al amigo Corn Head, o en andalú, “cabesa de maís” y su regueton en japones del año 2000. Ahí lo tenéis: Tequila en japonés. ANSAMBL ISKRE: https://www.youtube.com/watch?v=HkOVexNeH2I La siguiente versión es mi favorita, sin duda. El grupo yugoslavo “Ansambl Iskre” del año 65. Aquí tampoco se canta la palabra tequila, pero no importa, hay risas, y hay una percusión que ya quisieran muchos grupos de rock occidentales. LOS BITCHOS: https://www.youtube.com/watch?v=nqIsrap4Xdg La siguiente versión es muy muy reciente, del año pasado, del grupo indie inglés Los Bitchos. Cantan algunos temas en español y aquí cantan… Tequila. AZUCAR MORENO: https://www.youtube.com/watch?v=WAWvqBpnm4Y Y después de haber viajado por Estados Unidos, Finlandia, Yugoslavia, Japón e Inglaterra, no me puedo despedir sin poner algo de la tierra. Como pasa con otros licores, el tequila también se puede hacer y cantar en España. Quizá no sea la mejor versión pero si al tequila le ponemos azúcar, Encarni y Toni lo dan todo. Gracias y un abrazo.locosporincordiarKia ora (hola en maorí) amigos, y bienvenidos a una nueva edición de Explorando Versiones. Yo soy Jesus, batería de “Friki Martin” y de “Traficante” y ex batería de “Los Fraguels” (gran grupo y mejores personas). En el programa de hoy, la versión a analizar será: Tequila. THE CHAMPS: https://www.youtube.com/watch?v=q3sJVbHlcdQ El tema fue grabado originalmente por el grupo “The Champs” como cara B de su primer single, en enero del 58. El single no tuvo mucho éxito pero la cara B... ¡esa cara B explotó! El compositor del tema y componente de the champs, Danny Flores era un multi instrumentista y músico de estudio que tuvo que cambiarse el nombre a Chuck del Río ya que tenía contrato discográfico con una compañía diferente. El tema original es instrumental, con la palabra tequila cantada por el propio Chuck tres veces. Pero ya veremos que esta no es la única manera de interpretar esta canción, ni mucho menos. THE CHAMPS EN EL SHOW DE ED SULLIVAN https://www.youtube.com/watch?v=MJtzD-eQMWA Así suena la versión original tocada en directo por “The champs” en el famoso programa de televisión Ed Sullivan y os recomiendo que veáis el vídeo de la actuación cuando podáis porque tiene una coreografía impresionante. La canción tequila tiene más de a00 grabaciones registradas, y al igual que sucede con la bebida, estas versiones van desde lo muy cutre, hasta lo muy glamuroso. Van desde el chupito de tequila que te tomas en el cutre bar a las 3 de la mañana antes de vomitar por fin todo lo que te has metido desde que saliste a las 8, hasta el tequila reposado que te tomas con el pañuelo al cuello mientras ves zarpar el yate de tu amigo Jacobo desde la terraza del club náutico. O lo que es lo mismo, desde el punk más sucio o el ska más sudoroso, hasta refinadas versiones con orquesta y coros de senoritas de color. LENNINGRAD COWBOYS: https://www.youtube.com/watch?v=YFMSKw2vDtI Comencemos por esta versión de Lenningrad cowboys del año 89. Aquí se canta y se dice tequila, pero ojo a la pronunciación en finlandés (¿o es finés?). HENRY MANCINI: https://www.youtube.com/watch?v=Ywywl0TxJFQ Cambiamos el paso por completo y vamos a escuchar la versión de Henry Mancini del año 61. Aquí ni siquiera se canta nada, pero podemos imaginarnos perfectamente esta canción sonando en una fiesta privada en una casa de lujo y con Peter Sellers de invitado sorpresa. CORN HEAD: https://www.youtube.com/watch?v=b-NNYM04Xxg Y ahora pasamos de no cantar la palabra tequila, a cantar, y mucho… Y en Japonés. Aquí tenemos al amigo Corn Head, o en andalú, “cabesa de maís” y su regueton en japones del año 2000. Ahí lo tenéis: Tequila en japonés. ANSAMBL ISKRE: https://www.youtube.com/watch?v=HkOVexNeH2I La siguiente versión es mi favorita, sin duda. El grupo yugoslavo “Ansambl Iskre” del año 65. Aquí tampoco se canta la palabra tequila, pero no importa, hay risas, y hay una percusión que ya quisieran muchos grupos de rock occidentales. LOS BITCHOS: https://www.youtube.com/watch?v=nqIsrap4Xdg La siguiente versión es muy muy reciente, del año pasado, del grupo indie inglés Los Bitchos. Cantan algunos temas en español y aquí cantan… Tequila. AZUCAR MORENO: https://www.youtube.com/watch?v=WAWvqBpnm4Y Y después de haber viajado por Estados Unidos, Finlandia, Yugoslavia, Japón e Inglaterra, no me puedo despedir sin poner algo de la tierra. Como pasa con otros licores, el tequila también se puede hacer y cantar en España. Quizá no sea la mejor versión pero si al tequila le ponemos azúcar, Encarni y Toni lo dan todo. Gracias y un abrazo.https://www.ivoox.com/030-explorando-versiones-the-first-time-ever-audios-mp3_rf_134222147_1.htmlThu, 26 Sep 2024 18:20:18 +020014:15130fullhttps://www.ivoox.com/134222147locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola soy José Miguel Carrasco, el plumilla del Diario de Sevilla que ya anduvo por aquí con una canción de las "Three Degrees". ROBERTA FLACK: https://www.youtube.com/watch?v=uSrKff0w6CU Y hoy vuelvo con otro gran clasicazo con el que seguramente os vais a llevar alguna que otra sorpresa. Os hablo de "The First Time Ever I Saw Your Face". Esa "primera vez que vi tu cara" que tantas veces le habréis escuchado a Roberta Flack. Os tengo que poner en situación con una historia de amor. Charles Parker era un extravagante excomandante de un submarino durante la Segunda Guerra Mundial convertido ahora en productor de la BBC y se puso en contacto con un actor radical, un compositor y cantante, Ewan McColl y con Peggy Seeger, una joven americana que tocaba el baño con Ewan en sus viajes a través de Europa. Llamó a los dos para que colaborasen en un documental radiofónico. Ewan escribió y adaptó canciones conmovedoras para ese documental y Peggy Seeger hacía los arreglos de las canciones y Charles Parker lo hilvanó todo de manera laboriosa mezclando la potente música que hacían estos dos. Así estuvieron durante seis años y claro, pasó lo que tenía que pasar. Ewan McColl, que ya estaba casado, terminó por enamorarse de Peggy Seger, aunque era veinte años mayor que ella y la dejó embarazada. Charles Parker, que era un señor de orden, no aprobaba esa relación y así se lo hacía saber a ambos, sobre todo a ella, a Peggy. Pero es que a la vez que a Peggy, Ewan McColl también dejó embarazada a su mujer, Joan Littlewood. La hija que tuvieron era Kirsty, que seguro que os suena también de haber habido muchas veces, Kirsty MacColl (la que cantó el Fairytale of New York con Shane MacGowan y The Pogues). Bueno que los problemas conyugales de Ewan McColl pues eran agobiantes pero no resultaron ser los peores. Resulta que Peggy se encontró con el problema añadido de que estaba trabajando en Inglaterra sin permiso de trabajo, y cuando la descubrieron pasó una noche en un calabozo de una comisaría y a la mañana siguiente la deportaron a París. Sin ese permiso de trabajo la BBC no podía hacerle un contrato a Peggy y como no tenía contrato pues el gobierno no le daba permiso de trabajo. En fin, la típica pescadilla que se muerde la cola, y que en realidad tenía su origen en los archivos de la CIA ya que tanto a Peggy como Ewan los tenía fichados en la lista negra de comunistas. En este caso con razón, porque en realidad ellos dos eran comunistas y lo demostraron palpablemente porque estuvieron actuando en Moscú y en Pekín desoyendo el aviso del gobierno americano y eso fue antes de empezar con este trabajo en Inglaterra. Peggy y Ewan eran un equipo. Sin Peggy, Ewan decía que tampoco participaba en los programas y aquí viene otro rocambolesco giro de la historia. No fue necesario que el gobierno inglés finalmente le hiciese a Peggy un permiso de trabajo porque Ewan quería a Peggy a su lado por encima de todas las cosas, y lo que hizo fue convencer y enviar a Alex Campbell, un cantante de folk escocés amigo suyo, a París para que se casase en un matrimonio de conveniencia con Peggy y así ella podía volver a Gran Bretaña con los papeles perfectamente en reglas. Obviamente se separaron poco después. PEGGY SEEGER: https://www.youtube.com/watch?v=VP8qXnnn4tc Por fin Ewan McColl se separó también de su esposa para casarse con Peggy Seeger, con la que tuvo una larga vida personal y profesional. Y del amor que Ewan profesaba por ella, nos queda como testigo esta, una de las canciones más maravillosas de la historia “The First Time Ever I Saw Your Face” (la primera vez que vi tu cara) que sin duda conoces como dije al principio por la interpretación que hizo de ella Roberta Flack e incluso por otra magistral interpretación que hizo después Johnny Cash, pero seguro que nunca has oído la versión original en la propia voz de la chica para la que Ewan compuso la canción Peggy Seeger. JOHNNY CASH: https://www.youtube.com/watch?v=Bi3wCeHPbQI Oye y aunque no sea relevante en nuestra historia, seguro que os habéis estado preguntando todo el rato si esta Peggy Seeger tiene algo que ver con el famosísimo cantante Pete Seeger. Pues en realidad sí. Los dos eran hijos del mismo padre, Charles Seeger, que tuvo tres hijos con su primera esposa, Constance, de los que el más pequeño era Pete Seeger y después se volvió a casar con Ruth Crawford con la que tuvo tres hijos más y Peggy Seeger fue la segunda hija de ese nuevo matrimonio, por lo tanto Peggy Seeger y Pete Seeger eran hermanastros. La versión de Roberta Flack fue bastante casual, porque la grabó llena de dudas ya que a ella le parecía una canción muy lenta y que no iba con ella. Y en realidad la hizo porque fue un encargo de Clint Eastwood para la película “Escalofrío en la noche”. Y menos mal que lo hizo, porque así conocimos todos una canción que fue un puntazo tal que seguro seguro que todos nos hemos sentido identificados con ella: La primera vez que vi tu cara pensé que el sol salía en tus ojos la primera vez que besé tu boca sentí tu corazón latir junto al mío, la primera vez que me acosté contigo supe que nuestra alegría llenaría el mundo Como dato curioso os puedo decir que el propio Ewan McColl, el autor de la canción, no ocultó nunca el hecho de que no le gustaban prácticamente ninguna de las versiones de la canción. Se refería a ellas llamando colectivamente a todas las versiones como “la cámara de los horrores” ELVIS PRESLEY: https://www.youtube.com/watch?v=oZ3tYI5csBc Y la verdad es que no le falta razón porque muchas de las versiones tenían telita incluyendo la que Elvis Presley solía hacer en directo en sus últimos años. Pero bueno yo de esa cámara de los horrores sacarías sin duda ninguna la versión de Johnny Cash. CONCLUSIONES Y esto ha sido todo por hoy, supongo que volveré por aquí en algún otro momento. Que hasta entonces lo paséis bien. Adiós.locosporincordiarHola soy José Miguel Carrasco, el plumilla del Diario de Sevilla que ya anduvo por aquí con una canción de las "Three Degrees". ROBERTA FLACK: https://www.youtube.com/watch?v=uSrKff0w6CU Y hoy vuelvo con otro gran clasicazo con el que seguramente os vais a llevar alguna que otra sorpresa. Os hablo de "The First Time Ever I Saw Your Face". Esa "primera vez que vi tu cara" que tantas veces le habréis escuchado a Roberta Flack. Os tengo que poner en situación con una historia de amor. Charles Parker era un extravagante excomandante de un submarino durante la Segunda Guerra Mundial convertido ahora en productor de la BBC y se puso en contacto con un actor radical, un compositor y cantante, Ewan McColl y con Peggy Seeger, una joven americana que tocaba el baño con Ewan en sus viajes a través de Europa. Llamó a los dos para que colaborasen en un documental radiofónico. Ewan escribió y adaptó canciones conmovedoras para ese documental y Peggy Seeger hacía los arreglos de las canciones y Charles Parker lo hilvanó todo de manera laboriosa mezclando la potente música que hacían estos dos. Así estuvieron durante seis años y claro, pasó lo que tenía que pasar. Ewan McColl, que ya estaba casado, terminó por enamorarse de Peggy Seger, aunque era veinte años mayor que ella y la dejó embarazada. Charles Parker, que era un señor de orden, no aprobaba esa relación y así se lo hacía saber a ambos, sobre todo a ella, a Peggy. Pero es que a la vez que a Peggy, Ewan McColl también dejó embarazada a su mujer, Joan Littlewood. La hija que tuvieron era Kirsty, que seguro que os suena también de haber habido muchas veces, Kirsty MacColl (la que cantó el Fairytale of New York con Shane MacGowan y The Pogues). Bueno que los problemas conyugales de Ewan McColl pues eran agobiantes pero no resultaron ser los peores. Resulta que Peggy se encontró con el problema añadido de que estaba trabajando en Inglaterra sin permiso de trabajo, y cuando la descubrieron pasó una noche en un calabozo de una comisaría y a la mañana siguiente la deportaron a París. Sin ese permiso de trabajo la BBC no podía hacerle un contrato a Peggy y como no tenía contrato pues el gobierno no le daba permiso de trabajo. En fin, la típica pescadilla que se muerde la cola, y que en realidad tenía su origen en los archivos de la CIA ya que tanto a Peggy como Ewan los tenía fichados en la lista negra de comunistas. En este caso con razón, porque en realidad ellos dos eran comunistas y lo demostraron palpablemente porque estuvieron actuando en Moscú y en Pekín desoyendo el aviso del gobierno americano y eso fue antes de empezar con este trabajo en Inglaterra. Peggy y Ewan eran un equipo. Sin Peggy, Ewan decía que tampoco participaba en los programas y aquí viene otro rocambolesco giro de la historia. No fue necesario que el gobierno inglés finalmente le hiciese a Peggy un permiso de trabajo porque Ewan quería a Peggy a su lado por encima de todas las cosas, y lo que hizo fue convencer y enviar a Alex Campbell, un cantante de folk escocés amigo suyo, a París para que se casase en un matrimonio de conveniencia con Peggy y así ella podía volver a Gran Bretaña con los papeles perfectamente en reglas. Obviamente se separaron poco después. PEGGY SEEGER: https://www.youtube.com/watch?v=VP8qXnnn4tc Por fin Ewan McColl se separó también de su esposa para casarse con Peggy Seeger, con la que tuvo una larga vida personal y profesional. Y del amor que Ewan profesaba por ella, nos queda como testigo esta, una de las canciones más maravillosas de la historia “The First Time Ever I Saw Your Face” (la primera vez que vi tu cara) que sin duda conoces como dije al principio por la interpretación que hizo de ella Roberta Flack e incluso por otra magistral interpretación que hizo después Johnny Cash, pero seguro que nunca has oído la versión original en la propia voz de la chica para la que Ewan compuso la canción Peggy Seeger. JOHNNY CASH: https://www.youtube.com/watch?v=Bi3wCeHPbQI Oye y aunque no sea relevante en nuestra historia, seguro que os habéis estado preguntando todo el rato si esta Peggy Seeger tiene algo que ver con el famosísimo cantante Pete Seeger. Pues en realidad sí. Los dos eran hijos del mismo padre, Charles Seeger, que tuvo tres hijos con su primera esposa, Constance, de los que el más pequeño era Pete Seeger y después se volvió a casar con Ruth Crawford con la que tuvo tres hijos más y Peggy Seeger fue la segunda hija de ese nuevo matrimonio, por lo tanto Peggy Seeger y Pete Seeger eran hermanastros. La versión de Roberta Flack fue bastante casual, porque la grabó llena de dudas ya que a ella le parecía una canción muy lenta y que no iba con ella. Y en realidad la hizo porque fue un encargo de Clint Eastwood para la película “Escalofrío en la noche”. Y menos mal que lo hizo, porque así conocimos todos una canción que fue un puntazo tal que seguro seguro que todos nos hemos sentido identificados con ella: La primera vez que vi tu cara pensé que el sol salía en tus ojos la primera vez que besé tu boca sentí tu corazón latir junto al mío, la primera vez que me acosté contigo supe que nuestra alegría llenaría el mundo Como dato curioso os puedo decir que el propio Ewan McColl, el autor de la canción, no ocultó nunca el hecho de que no le gustaban prácticamente ninguna de las versiones de la canción. Se refería a ellas llamando colectivamente a todas las versiones como “la cámara de los horrores” ELVIS PRESLEY: https://www.youtube.com/watch?v=oZ3tYI5csBc Y la verdad es que no le falta razón porque muchas de las versiones tenían telita incluyendo la que Elvis Presley solía hacer en directo en sus últimos años. Pero bueno yo de esa cámara de los horrores sacarías sin duda ninguna la versión de Johnny Cash. CONCLUSIONES Y esto ha sido todo por hoy, supongo que volveré por aquí en algún otro momento. Que hasta entonces lo paséis bien. Adiós.https://www.ivoox.com/029-explorando-versiones-bad-moon-rising-audios-mp3_rf_134002055_1.htmlFri, 20 Sep 2024 08:04:05 +020015:19129fullhttps://www.ivoox.com/134002055locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola soy Sergio Serrato y hoy vengo a explorando versiones para sumergiros en una canción de la Creedence Clearwater Revival, vamos a hablar de Bad Moon Rising CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL - BAD MOON RISING: https://youtu.be/zUQiUFZ5RDw?si=s90IkoC4jl-7wPQL Corría 1969 cuando la banda liderada por Jhon Fogerthy publicaba su tercer disco dos años titulado Green River. El tema Bad Moon Rising es lanzado como sencillo de este disco y es tal el impacto causado que va directo al número 2 de la lista Billboard y al 1 de la UK singels chart . Compuesta completamente por Jhon Fogerthy es un rock and roll alegre con guiños countrys lo que hace un fuerte contraste con una letra melancólica y triste que parece anunciar un Apocalipsis cercano. En definitiva una canción que habla del fin del mundo como indicó el propio Fogerthy en una entrevista a la revista Rolling Stones. Es posiblemente una de las canciones más versionadas de la Creedence aunque hoy os traigo algunas de las que a mí parecer son más destacadas. BO DIDDLEY: https://youtu.be/ZtvNmrhkh9c?si=JU6KAqS6MWiwUArl Solo dos años después de su lanzamiento, en 1971 el gurú que guío la transición entre el blues y el rock and Roll Bob Diddley sacaba esta versión en su disco “Another Dimension”. JERRY LEE LEWIS: https://youtu.be/-WTrIP1Bj0o?si=KGKHzlceQ3zuSWGT En el 73 uno de los pioneros del Rock and Roll The Killer Jerry lee Lewis hizo esta versión bastante country y casi rozando el Blue grass LARRY MORRIS: https://youtu.be/obS-GqdbP5s?si=ECO3RjChfm-LXfhC Larry Morris fue un músico neozelandés líder de la banda Larry’s Rebels que evolucionó del Rock al Beat teniendo como espejo al quinteto de Liverpool…también nos dejaron esta versión HEART ANN WILSON: https://youtu.be/kdF_vKsj5bE?si=aABX_H8ajmjsgLq4 Voy a dar un salto en el tiempo, en 2007 la cantante de la banda Heart Ann Wilson público está versión en su disco Hope & Glory NIRVANA: https://youtu.be/LaVVQOcwJ9o?si=-35IjL_IrKWDJKEW En los incipientes inicios en directo de Nirvana tocaban canciones versionadas y Bad Moon Rissing fue una de sus favoritas, esta es una grabación de Marzo de 1988 en una actuación en Tacoma LAGWAGON: https://youtu.be/2a22lE-hwu8?si=ncG8QJrBla7MoMK1 Pero también hay versiones muy diferente como la del grupo californiano de Punk Lagwagon que sacaron está versión algo más acelerada STAGE FRITE: https://youtu.be/dL-H0qZB1hg?si=emH9Bk9Ja-bX5YAo A finales de los 80, más concretamente en 1989 nació esta divertida versión de la mano del grupo de Psichobilly canadiense Stage Frite OZOMATLI: https://youtu.be/rML9wyzy4Vs?si=GeJVhn_i_lsuB-Yl Pero otros géneros más lejanos al Rock también sintieron la necesidad de versionar este clásico y existe un disco de covers donde está por ejemplo está versión digamos Reggae Rap de Ozomatli HAYSEED DIXIE: https://youtu.be/yIZhDupX0sc?si=4RlHIg0kize60_7B Peto vaquero, pies descalzos y una gorra de Jhon Dere mientras tocan el banjo….está puede ser la imagen que acompañe a esta versión del grupo estadounidense de Blue grass Hayseed Dixie HINCHAS ARGENTINOS EN BRASIL: https://www.youtube.com/watch?v=QOFTnepHofM Hay cientos de intentos de versión pero esto no es explorando perversiones…. Eso sí por último la más friki o extraña la entona la afición de Argentina contra la brasileña en los partidos de la albiceleste donde se mofan de la afición de Brasil, nació de manera oportunista tras la derrota de la canarinha contra Alemania en el mundial donde eran anfitriones… Papá decime qué se siente… CONCLUSIONES La Creedence Clearwater Revival es una banda que marcó el rock su tiempo y a sus coetáneos pero a su vez tiene una enorme vigencia e influencia en el presente del género. Bad Moon Rissing es tan solo una gota de agua en el océano creativo de Fogerthy pero amigo …. Que goterón.locosporincordiarHola soy Sergio Serrato y hoy vengo a explorando versiones para sumergiros en una canción de la Creedence Clearwater Revival, vamos a hablar de Bad Moon Rising CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL - BAD MOON RISING: https://youtu.be/zUQiUFZ5RDw?si=s90IkoC4jl-7wPQL Corría 1969 cuando la banda liderada por Jhon Fogerthy publicaba su tercer disco dos años titulado Green River. El tema Bad Moon Rising es lanzado como sencillo de este disco y es tal el impacto causado que va directo al número 2 de la lista Billboard y al 1 de la UK singels chart . Compuesta completamente por Jhon Fogerthy es un rock and roll alegre con guiños countrys lo que hace un fuerte contraste con una letra melancólica y triste que parece anunciar un Apocalipsis cercano. En definitiva una canción que habla del fin del mundo como indicó el propio Fogerthy en una entrevista a la revista Rolling Stones. Es posiblemente una de las canciones más versionadas de la Creedence aunque hoy os traigo algunas de las que a mí parecer son más destacadas. BO DIDDLEY: https://youtu.be/ZtvNmrhkh9c?si=JU6KAqS6MWiwUArl Solo dos años después de su lanzamiento, en 1971 el gurú que guío la transición entre el blues y el rock and Roll Bob Diddley sacaba esta versión en su disco “Another Dimension”. JERRY LEE LEWIS: https://youtu.be/-WTrIP1Bj0o?si=KGKHzlceQ3zuSWGT En el 73 uno de los pioneros del Rock and Roll The Killer Jerry lee Lewis hizo esta versión bastante country y casi rozando el Blue grass LARRY MORRIS: https://youtu.be/obS-GqdbP5s?si=ECO3RjChfm-LXfhC Larry Morris fue un músico neozelandés líder de la banda Larry’s Rebels que evolucionó del Rock al Beat teniendo como espejo al quinteto de Liverpool…también nos dejaron esta versión HEART ANN WILSON: https://youtu.be/kdF_vKsj5bE?si=aABX_H8ajmjsgLq4 Voy a dar un salto en el tiempo, en 2007 la cantante de la banda Heart Ann Wilson público está versión en su disco Hope & Glory NIRVANA: https://youtu.be/LaVVQOcwJ9o?si=-35IjL_IrKWDJKEW En los incipientes inicios en directo de Nirvana tocaban canciones versionadas y Bad Moon Rissing fue una de sus favoritas, esta es una grabación de Marzo de 1988 en una actuación en Tacoma LAGWAGON: https://youtu.be/2a22lE-hwu8?si=ncG8QJrBla7MoMK1 Pero también hay versiones muy diferente como la del grupo californiano de Punk Lagwagon que sacaron está versión algo más acelerada STAGE FRITE: https://youtu.be/dL-H0qZB1hg?si=emH9Bk9Ja-bX5YAo A finales de los 80, más concretamente en 1989 nació esta divertida versión de la mano del grupo de Psichobilly canadiense Stage Frite OZOMATLI: https://youtu.be/rML9wyzy4Vs?si=GeJVhn_i_lsuB-Yl Pero otros géneros más lejanos al Rock también sintieron la necesidad de versionar este clásico y existe un disco de covers donde está por ejemplo está versión digamos Reggae Rap de Ozomatli HAYSEED DIXIE: https://youtu.be/yIZhDupX0sc?si=4RlHIg0kize60_7B Peto vaquero, pies descalzos y una gorra de Jhon Dere mientras tocan el banjo….está puede ser la imagen que acompañe a esta versión del grupo estadounidense de Blue grass Hayseed Dixie HINCHAS ARGENTINOS EN BRASIL: https://www.youtube.com/watch?v=QOFTnepHofM Hay cientos de intentos de versión pero esto no es explorando perversiones…. Eso sí por último la más friki o extraña la entona la afición de Argentina contra la brasileña en los partidos de la albiceleste donde se mofan de la afición de Brasil, nació de manera oportunista tras la derrota de la canarinha contra Alemania en el mundial donde eran anfitriones… Papá decime qué se siente… CONCLUSIONES La Creedence Clearwater Revival es una banda que marcó el rock su tiempo y a sus coetáneos pero a su vez tiene una enorme vigencia e influencia en el presente del género. Bad Moon Rissing es tan solo una gota de agua en el océano creativo de Fogerthy pero amigo …. Que goterón.https://www.ivoox.com/028-explorando-versiones-hotel-california-audios-mp3_rf_133765605_1.htmlFri, 13 Sep 2024 08:06:45 +020020:26128fullhttps://www.ivoox.com/133765605locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)no"Hotel California” casi no necesita presentación. Es la canción más conocida de la banda estadounidense, Eagles. Incluida en el álbum homónimo de 1976, fue compuesta por Don Felder (música), Don Henley y Glenn Frey (letras). EAGLES - HOTEL CALIFORNIA: https://youtu.be/BciS5krYL80 Lanzada como sencillo en 1977, se mantuvo número uno del Billboard top 100 Estadounidense durante una semana. A los tres meses, se convirtió en disco de oro al llevar vendidas 1.000.000 de copias. Y ganó el Grammy en 1978. 41 años después, en 2009, se convirtió en platino, tras la venta de 1.000.000 de copias por descargas digitales. En 2017, se estimó que las ventas de la cancion superaba los 150 millones de copias. *Es tan popular, que un estudio realizado por emisoras de radio de E.E.U.U. Concluye que cada 11 minutos, un Estadounidense oye Hotel Califonia. La revista Rolling Stone la sitúa en el 49 puesto de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Sus solos de guitarra incluyendo los armonizados, ocupan el 8° puesto en la lista de los 100 mejores, en una encuesta realizada por la revista. *Te ponen los pelos de punta. EAGLES - HOTEL CALIFORNIA LIVE' 1977 https://youtu.be/09839DpTctU?si=MrQBvMrMdyWCMW3U Solo existe una versión tan popular como la original. Es la de los propios Egles en vivo en 1977 en "Capital centre largo Arena" Maryland U.S.A. ya que fue esa la actuación que se utilizo como videoclip para promocionar la canción. Es tan popular que es la version elegida por la productora de videojuegos "Activision"para sonar como pista jugable, en Guitar Hero World tour. ¡Y vaya si es jugable!, ¡La hostia de jugable! Yo mismo le he echado horas como para haberme sacado una carrera de ciencias puras. Hotel California fue blanco de teorías y rumores dignos de gorrito de papel de plata en la cabeza. Con el tiempo lo desmintiendo todo. Don Henley afirmó que la letra va de la experiencia de la pérdida de la inocencia en la vida. Y sobre la inspiración de Don Felder, ahora os enseño de donde le vino. JETHRO TULL - WE USED TO KNOW: https://youtu.be/oGvux7w1Ea4?si=7FCljWk7IVlJoBED Ahora vais a entender a qué me refería… Esta canción que suena se llama We used to Know, de la banda británica de Rock Folk progresivo Jethro tull. ¿No se nos hace familiar? El tema compuesto en por el lider, guitarrista, cantante y virtuoso de la flauta travesera "Ian Anderson" en 1969 (7 años antes que Hotel California) era una canción fija en sus giras compartidas con Eagles a principios de los 70's... veis por donde voy? La banda británica nunca pensó en demandar. Cuando le preguntaron por qué no existe demanda por plagio, El bueno de "Ian" responde: "No nos relacionabamos mucho en las giras, ellos hacían Rock suave y eran educados. Y creían que éramos unos ingleses chiflados que hacían música rara. ¡Pero no es razón para demandarlos! Supongo que habían disfrutado tantas veces la canción en las giras... que su subconsciente les obligó a meter nuestra secuencia de acordes en otro "tempo", para hacernos un homenaje. ¡Sólo puedo darles las gracias!... Ian Anderson, inglés chiflado. Y por cosas como esta, porque el Rock va de empaparse de influencias, hacerlas tuyas y transmitirlas a otras generaciones, por eso mismo, sabemos que el Rock, nunca jamás morirá. Larga vida al Rock n' Roll. GIPSY KINGS: https://youtu.be/3l436MSlivQ?si=xXfV1smLcgJiqWJP En 1999 el grupo hispano francés de rumba catalana Gipsy Kings, versionó la canción en su disco Volare: The Very Best of the Gipsy Kings Esta versión fue incluida en la banda sonora de la película de culto de los Hermanos Cohen: El gran Lebowski (1999). Vendió 1.000.000 de copias. Un éxito! Para una banda sonora no original. La versión de Gipsy Kings aparece en la escena donde "Jesús Quintero" un chulo de bolera, con el equipamiento más puntero para bolos, combinado con el gusto más chabacano en accesorios, abalorios y joyas de oro. Se hace uno con la bola en un ritual de lo más bizarro. Si os interesa ver esa escena histórica del cine de culto, os dejaré el enlace en la descripción. The Big Lebowski - JESUS - Hotel California https://youtu.be/lribEONhqSI?si=emDpP40Cx7uIR_tE SKA DADDYZ https://youtu.be/8DEzTW5VhQI?si=EUxFVph1UUN-oHqH Si una cosa tiene Hotel California, son versiones a cholón.Así que para no hacerlo eterno, traigo una versión que representa a dos estilos musicales. Ska Daddyz es una banda de ska estadounidense de Oxnard, California . Fueron fundados en 1993. Y giraron con grupos como No Doubt o Save Ferris. Lograron un éxito con su versión de Eagles , " Hotel California ". El estribillo es Ska, y las estrofas Reggae. La mezcla perfecta. Estos dos estilos son hermanos gemelos en lo musical. El Ska sería el Hiperactivo y el Reggae el de la pachorra. Además están unidos por fuertes lazos en lo social, económico, político y cultural. Aunque como diría Michael Ende: "Eso es una historia que debe ser contada en otro momento". AKELARRE https://youtu.be/KUubDFj0tto?si=xNzUApWnot_myiRO Así que vamos con una lengua oficial del estado Español. Esta es la versión de Akelarre. Está interpretada en la lengua más antigua que se conoce en Europa, el Euskara. La formación Vasca, es la banda de Verbenas más longeva que se conoce. Fundados entre 1970-71, han sido unos clásicos en fiestas, plazas de pueblo, festivales y frontones. En sus comienzos, llegaban a tocar hasta 6 días seguidos en la misma localidad. En 1982, con su segundo disco, nos mostraron su versión de Hotel California, en esta lengua milenaria. El álbum en cuestión, se titula "Gau Pasa" que en castellano, viene a ser : Trasnochar. Título muy apropiado para una banda de fiestas de pueblo.* TANGERINE DREAM https://youtu.be/X3RpDb4hgBA?si=lKaGMR2OC2P6E4n- Tangerine Dream es un grupo alemán de ROCK electrónico fundado en 1967 por Edgar Froese.Tangerine Dream, tuvo un papel fundamental en la escena del Krautrock. Que es una corriente musical surgida a finales de los años 1960 que engloba bandas de rock progresivo, rock psicodélico o rock experimental surgidos en la Alemania del lado Occidental del telón de acero. Han sido 5 veces nominados a los Grammy como mejor banda de sintetizadores. Son más conocidos por sus trabajos en bandas sonoras de películas como, "Legend, Risky Business..." Series como Tarot, o videojuegos como GTA 5. Han publicado más de 100 álbumes y en 2010, sacaron un álbum de versiones titulado "Under cover" donde incluyeron su versión de Hotel California. JORN https://youtu.be/grrUddfZFFk?si=xbx9olHRTzW_qhYE Jorn es la aventura en solitario del cantante noruego Jørn Lande (Masterplan, Vagabond, Ark, etc.), cuyo notable talento en la voz le ha permitido ser comparado con el gran Ronnie James Dio. Y sobresalir en todo, desde power metal hasta blues hard rock y pop. En 2016 sacó el álbum de versiones: "Heavy Rock Radio" donde está incluida esta versión tan potente de Hotel California. Y esto ha sido el Explorando Versiones de Hotel California. Soy Raulillo y una te digo: Pon el oído, y sube el volumen so friki.locosporincordiar"Hotel California” casi no necesita presentación. Es la canción más conocida de la banda estadounidense, Eagles. Incluida en el álbum homónimo de 1976, fue compuesta por Don Felder (música), Don Henley y Glenn Frey (letras). EAGLES - HOTEL CALIFORNIA: https://youtu.be/BciS5krYL80 Lanzada como sencillo en 1977, se mantuvo número uno del Billboard top 100 Estadounidense durante una semana. A los tres meses, se convirtió en disco de oro al llevar vendidas 1.000.000 de copias. Y ganó el Grammy en 1978. 41 años después, en 2009, se convirtió en platino, tras la venta de 1.000.000 de copias por descargas digitales. En 2017, se estimó que las ventas de la cancion superaba los 150 millones de copias. *Es tan popular, que un estudio realizado por emisoras de radio de E.E.U.U. Concluye que cada 11 minutos, un Estadounidense oye Hotel Califonia. La revista Rolling Stone la sitúa en el 49 puesto de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Sus solos de guitarra incluyendo los armonizados, ocupan el 8° puesto en la lista de los 100 mejores, en una encuesta realizada por la revista. *Te ponen los pelos de punta. EAGLES - HOTEL CALIFORNIA LIVE' 1977 https://youtu.be/09839DpTctU?si=MrQBvMrMdyWCMW3U Solo existe una versión tan popular como la original. Es la de los propios Egles en vivo en 1977 en "Capital centre largo Arena" Maryland U.S.A. ya que fue esa la actuación que se utilizo como videoclip para promocionar la canción. Es tan popular que es la version elegida por la productora de videojuegos "Activision"para sonar como pista jugable, en Guitar Hero World tour. ¡Y vaya si es jugable!, ¡La hostia de jugable! Yo mismo le he echado horas como para haberme sacado una carrera de ciencias puras. Hotel California fue blanco de teorías y rumores dignos de gorrito de papel de plata en la cabeza. Con el tiempo lo desmintiendo todo. Don Henley afirmó que la letra va de la experiencia de la pérdida de la inocencia en la vida. Y sobre la inspiración de Don Felder, ahora os enseño de donde le vino. JETHRO TULL - WE USED TO KNOW: https://youtu.be/oGvux7w1Ea4?si=7FCljWk7IVlJoBED Ahora vais a entender a qué me refería… Esta canción que suena se llama We used to Know, de la banda británica de Rock Folk progresivo Jethro tull. ¿No se nos hace familiar? El tema compuesto en por el lider, guitarrista, cantante y virtuoso de la flauta travesera "Ian Anderson" en 1969 (7 años antes que Hotel California) era una canción fija en sus giras compartidas con Eagles a principios de los 70's... veis por donde voy? La banda británica nunca pensó en demandar. Cuando le preguntaron por qué no existe demanda por plagio, El bueno de "Ian" responde: "No nos relacionabamos mucho en las giras, ellos hacían Rock suave y eran educados. Y creían que éramos unos ingleses chiflados que hacían música rara. ¡Pero no es razón para demandarlos! Supongo que habían disfrutado tantas veces la canción en las giras... que su subconsciente les obligó a meter nuestra secuencia de acordes en otro "tempo", para hacernos un homenaje. ¡Sólo puedo darles las gracias!... Ian Anderson, inglés chiflado. Y por cosas como esta, porque el Rock va de empaparse de influencias, hacerlas tuyas y transmitirlas a otras generaciones, por eso mismo, sabemos que el Rock, nunca jamás morirá. Larga vida al Rock n' Roll. GIPSY KINGS: https://youtu.be/3l436MSlivQ?si=xXfV1smLcgJiqWJP En 1999 el grupo hispano francés de rumba catalana Gipsy Kings, versionó la canción en su disco Volare: The Very Best of the Gipsy Kings Esta versión fue incluida en la banda sonora de la película de culto de los Hermanos Cohen: El gran Lebowski (1999). Vendió 1.000.000 de copias. Un éxito! Para una banda sonora no original. La versión de Gipsy Kings aparece en la escena donde "Jesús Quintero" un chulo de bolera, con el equipamiento más puntero para bolos, combinado con el gusto más chabacano en accesorios, abalorios y joyas de oro. Se hace uno con la bola en un ritual de lo más bizarro. Si os interesa ver esa escena histórica del cine de culto, os dejaré el enlace en la descripción. The Big Lebowski - JESUS - Hotel California https://youtu.be/lribEONhqSI?si=emDpP40Cx7uIR_tE SKA DADDYZ https://youtu.be/8DEzTW5VhQI?si=EUxFVph1UUN-oHqH Si una cosa tiene Hotel California, son versiones a cholón.Así que para no hacerlo eterno, traigo una versión que representa a dos estilos musicales. Ska Daddyz es una banda de ska estadounidense de Oxnard, California . Fueron fundados en 1993. Y giraron con grupos como No Doubt o Save Ferris. Lograron un éxito con su versión de Eagles , " Hotel California ". El estribillo es Ska, y las estrofas Reggae. La mezcla perfecta. Estos dos estilos son hermanos gemelos en lo musical. El Ska sería el Hiperactivo y el Reggae el de la pachorra. Además están unidos por fuertes lazos en lo social, económico, político y cultural. Aunque como diría Michael Ende: "Eso es una historia que debe ser contada en otro momento". AKELARRE https://youtu.be/KUubDFj0tto?si=xNzUApWnot_myiRO Así que vamos con una lengua oficial del estado Español. Esta es la versión de Akelarre. Está interpretada en la lengua más antigua que se conoce en Europa, el Euskara. La formación Vasca, es la banda de Verbenas más longeva que se conoce. Fundados entre 1970-71, han sido unos clásicos en fiestas, plazas de pueblo, festivales y frontones. En sus comienzos, llegaban a tocar hasta 6 días seguidos en la misma localidad. En 1982, con su segundo disco, nos mostraron su versión de Hotel California, en esta lengua milenaria. El álbum en cuestión, se titula "Gau Pasa" que en castellano, viene a ser : Trasnochar. Título muy apropiado para una banda de fiestas de pueblo.* TANGERINE DREAM https://youtu.be/X3RpDb4hgBA?si=lKaGMR2OC2P6E4n- Tangerine Dream es un grupo alemán de ROCK electrónico fundado en 1967 por Edgar Froese.Tangerine Dream, tuvo un papel fundamental en la escena del Krautrock. Que es una corriente musical surgida a finales de los años 1960 que engloba bandas de rock progresivo, rock psicodélico o rock experimental surgidos en la Alemania del lado Occidental del telón de acero. Han sido 5 veces nominados a los Grammy como mejor banda de sintetizadores. Son más conocidos por sus trabajos en bandas sonoras de películas como, "Legend, Risky Business..." Series como Tarot, o videojuegos como GTA 5. Han publicado más de 100 álbumes y en 2010, sacaron un álbum de versiones titulado "Under cover" donde incluyeron su versión de Hotel California. JORN https://youtu.be/grrUddfZFFk?si=xbx9olHRTzW_qhYE Jorn es la aventura en solitario del cantante noruego Jørn Lande (Masterplan, Vagabond, Ark, etc.), cuyo notable talento en la voz le ha permitido ser comparado con el gran Ronnie James Dio. Y sobresalir en todo, desde power metal hasta blues hard rock y pop. En 2016 sacó el álbum de versiones: "Heavy Rock Radio" donde está incluida esta versión tan potente de Hotel California. Y esto ha sido el Explorando Versiones de Hotel California. Soy Raulillo y una te digo: Pon el oído, y sube el volumen so friki.https://www.ivoox.com/027-explorando-versiones-mi-aguita-amarilla-audios-mp3_rf_133527204_1.htmlFri, 06 Sep 2024 07:54:56 +020024:02127fullhttps://www.ivoox.com/133527204locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHoy en "Explorando Versiones" hablaremos de «Mi Agüita Amarilla», posiblemente la canción más famosa de Los Toreros Muertos. Y para aquellos incautos que aún no conocen a Los Toreros Muertos, diremos que es una banda española creada en 1984 y formada por Pablo Carbonell, Guillermo Piccolini y Many Moure. LOS TOREROS MUERTOS - MI AGÜITA AMARILLA https://www.youtube.com/watch?v=FoMbwn5iXkI Nos tenemos que remontar al año 1986, cuando el grupo publicó su primer LP titulado “Los Toreros Muertos: 30 años de éxitos”, en el que aparecía la canción «Mi Agüita Amarilla». Este grupo es conocido por su estilo humorístico y satírico, características que los definen desde sus inicios. Una muestra de ello es el título de este disco, que daba a entender que el grupo contaba con una larga trayectoria cuando en realidad era su primer disco. La letra de «Mi Agüita Amarilla», escrita por Pablo Carbonell, cuenta la historia de alguien que ha bebido demasiada cerveza y ahora tiene una necesidad urgente de ir a evacuar. Es entonces cuando la canción juega con la idea de la eterna circulación del agua en la naturaleza, siguiendo el recorrido que hace el “Agüita Amarilla” por el mundo durante el ciclo del agua. MOLOTOV https://www.youtube.com/watch?v=il_hCk5-Xhg En mayo de 2004, el grupo mexicano Molotov publica un álbum de versiones titulado “Con Todo Respeto” donde se incluyó esta versión de «Mi Agüita Amarilla» pasada por el tamiz del grupo. LA BANDA DEL CAPITÁN CANALLA https://www.youtube.com/watch?v=VNB_hJeuOgQ Alfonso Aguado, ex líder de Los Inhumanos forma “La Banda del Capitán Canalla” y en 2015, junto con Bernardo de “The Refrescos”, Alberto Comesaña de “Amistades Peligrosas”, Pepe Begines de “No me pises que llevo chanclas” y Miguel Costas antiguo cantante de “Siniestro Total” hacen esta versión polifónica cantada a coro por todos ellos. ALBERTUCHO https://www.youtube.com/watch?v=1NoYGD8PgyI Albertucho, cantante y compositor español conocido por su estilo de rock urbano y letras directas y sinceras, hace esta versión rumbera de «Mi Agüita Amarilla» para el disco publicado en 2004 para la revista El Jueves titulado “Versión Imposible II”. HERMANOS CALATRAVA https://www.youtube.com/watch?v=nrt4C1ZmVHQ Y es que esta canción también tiene un reverso tenebroso. Los Hermanos Calatrava, conocidos humoristas que iniciaron su andadura en los años 70, también hacen una versión más sui generis de esta Agüita Amarilla que va acompañada con “abono orgánico”. ALFREDO GUTIERREZ https://www.youtube.com/watch?v=ZxJaAyLlLzw Para el que no lo sepa, los Toreros Muertos siempre tuvieron mucho éxito en Latinoamérica, tanto es así que el acordeonista colombiano Alfredo Gutiérrez hizo su propia versión acompañado de su acordeón en el año 2014. NO ME PISES QUE LLEVO CHANCLAS Y PABLO CARBONEL https://www.youtube.com/watch?v=el5KuwQhkwA En el año 2017 el grupo “No me pises que llevo chanclas” celebró los “25 años de agropop”, en el que reunieron a distintos músicos y entre los que participaba Pablo Carbonell. Juntos grabaron esta versión. TOREROS CON CHANCLAS - AGÜITA AGROPO https://www.youtube.com/watch?v=l1zyK1KnGEc Y es que esta reunión aún dura hasta nuestros días con la creación de un grupo mixto entre “Los Toreros Muertos” y “No me pises que llevo chanclas” llamado “Toreros Con Chanclas”, y claro está, fusionan ambos estilos en una canción titulada “Agüita Agropop” RAREZAS / VERSIONES DE TOREROS MUERTOS MY LITTLE YELLOW WATER https://www.youtube.com/watch?v=yn8WSBiad_8 En el año 2007 se publica un disco recopilatorio. Este álbum doble contiene los mayores éxitos del grupo así como singles promocionales que no estaban incluidos en los álbumes de estudio. En este disco aparece también una curiosa versión en Inglés de su clásico «Mi Agüita Amarilla». GUILLERMO PICCOLINI https://www.youtube.com/watch?v=yFvz1BD1Oaw Y es que «Mi Agüita Amarilla» ha sufrido mutaciones a lo largo del tiempo, no solo por grupos que versionan la canción original, sino también por los propios componentes del grupo. Tras la disolución de los Toreros Muertos en 1993, Guillermo Piccolini regresa a Argentina para continuar su trabajo como músico y compositor. En el año 2023 publica el álbum titulado “Café Berlín”, grabado en vivo en la sala de conciertos del mismo nombre, en Buenos Aires, y en el que se incluye esta versión al piano de «Mi Agüita Amarilla». PABLO CARBONELL https://www.youtube.com/watch?v=R6nGBot9EAo Así mismo, y tras la disolución del grupo, Pablo Carbonell continuó desarrollando su carrera multifacética en el mundo del entretenimiento, trabajando como presentador de televisión, o participando en numerosas películas, series de televisión y obras de teatro. Además de la actuación, Pablo Carbonell también continuó con la música y en el año 2003 grabó en solitario el disco “Rock and Roll Alimaña“. En este disco interpreta su propia versión de «Mi Agüita Amarilla» VERSIÓN SINFÓNICA https://www.youtube.com/watch?v=0vke5ZNwRqs Como colofón en este viaje del ciclo del agua os dejo la versión sinfónica grabada en directo por Pablo Carbonell desde el Auditorio Nacional de Madrid, acompañado por más de 200 músicos en el escenario. CONCLUSIONES A modo de conclusión diremos que Los Toreros Muertos es una banda española que surgió en los años 80 dejando una huella imborrable en la música con esta canción. Tanto es así que esta canción ha traspasado el ámbito musical y muy recientemente se ha convertido en un cuento infantil para enseñar a las nuevas generaciones a abandonar el pañal, riéndose de una necesidad tan humana como la de ir al wáter y ver ante sus propios ojos el inicio del ciclo del agua. Espero y deseo que como a mí os haya asomado una sonrisa en éste Explorando Versiones de hoy. Nos vemos en la próxima.locosporincordiarHoy en "Explorando Versiones" hablaremos de «Mi Agüita Amarilla», posiblemente la canción más famosa de Los Toreros Muertos. Y para aquellos incautos que aún no conocen a Los Toreros Muertos, diremos que es una banda española creada en 1984 y formada por Pablo Carbonell, Guillermo Piccolini y Many Moure. LOS TOREROS MUERTOS - MI AGÜITA AMARILLA https://www.youtube.com/watch?v=FoMbwn5iXkI Nos tenemos que remontar al año 1986, cuando el grupo publicó su primer LP titulado “Los Toreros Muertos: 30 años de éxitos”, en el que aparecía la canción «Mi Agüita Amarilla». Este grupo es conocido por su estilo humorístico y satírico, características que los definen desde sus inicios. Una muestra de ello es el título de este disco, que daba a entender que el grupo contaba con una larga trayectoria cuando en realidad era su primer disco. La letra de «Mi Agüita Amarilla», escrita por Pablo Carbonell, cuenta la historia de alguien que ha bebido demasiada cerveza y ahora tiene una necesidad urgente de ir a evacuar. Es entonces cuando la canción juega con la idea de la eterna circulación del agua en la naturaleza, siguiendo el recorrido que hace el “Agüita Amarilla” por el mundo durante el ciclo del agua. MOLOTOV https://www.youtube.com/watch?v=il_hCk5-Xhg En mayo de 2004, el grupo mexicano Molotov publica un álbum de versiones titulado “Con Todo Respeto” donde se incluyó esta versión de «Mi Agüita Amarilla» pasada por el tamiz del grupo. LA BANDA DEL CAPITÁN CANALLA https://www.youtube.com/watch?v=VNB_hJeuOgQ Alfonso Aguado, ex líder de Los Inhumanos forma “La Banda del Capitán Canalla” y en 2015, junto con Bernardo de “The Refrescos”, Alberto Comesaña de “Amistades Peligrosas”, Pepe Begines de “No me pises que llevo chanclas” y Miguel Costas antiguo cantante de “Siniestro Total” hacen esta versión polifónica cantada a coro por todos ellos. ALBERTUCHO https://www.youtube.com/watch?v=1NoYGD8PgyI Albertucho, cantante y compositor español conocido por su estilo de rock urbano y letras directas y sinceras, hace esta versión rumbera de «Mi Agüita Amarilla» para el disco publicado en 2004 para la revista El Jueves titulado “Versión Imposible II”. HERMANOS CALATRAVA https://www.youtube.com/watch?v=nrt4C1ZmVHQ Y es que esta canción también tiene un reverso tenebroso. Los Hermanos Calatrava, conocidos humoristas que iniciaron su andadura en los años 70, también hacen una versión más sui generis de esta Agüita Amarilla que va acompañada con “abono orgánico”. ALFREDO GUTIERREZ https://www.youtube.com/watch?v=ZxJaAyLlLzw Para el que no lo sepa, los Toreros Muertos siempre tuvieron mucho éxito en Latinoamérica, tanto es así que el acordeonista colombiano Alfredo Gutiérrez hizo su propia versión acompañado de su acordeón en el año 2014. NO ME PISES QUE LLEVO CHANCLAS Y PABLO CARBONEL https://www.youtube.com/watch?v=el5KuwQhkwA En el año 2017 el grupo “No me pises que llevo chanclas” celebró los “25 años de agropop”, en el que reunieron a distintos músicos y entre los que participaba Pablo Carbonell. Juntos grabaron esta versión. TOREROS CON CHANCLAS - AGÜITA AGROPO https://www.youtube.com/watch?v=l1zyK1KnGEc Y es que esta reunión aún dura hasta nuestros días con la creación de un grupo mixto entre “Los Toreros Muertos” y “No me pises que llevo chanclas” llamado “Toreros Con Chanclas”, y claro está, fusionan ambos estilos en una canción titulada “Agüita Agropop” RAREZAS / VERSIONES DE TOREROS MUERTOS MY LITTLE YELLOW WATER https://www.youtube.com/watch?v=yn8WSBiad_8 En el año 2007 se publica un disco recopilatorio. Este álbum doble contiene los mayores éxitos del grupo así como singles promocionales que no estaban incluidos en los álbumes de estudio. En este disco aparece también una curiosa versión en Inglés de su clásico «Mi Agüita Amarilla». GUILLERMO PICCOLINI https://www.youtube.com/watch?v=yFvz1BD1Oaw Y es que «Mi Agüita Amarilla» ha sufrido mutaciones a lo largo del tiempo, no solo por grupos que versionan la canción original, sino también por los propios componentes del grupo. Tras la disolución de los Toreros Muertos en 1993, Guillermo Piccolini regresa a Argentina para continuar su trabajo como músico y compositor. En el año 2023 publica el álbum titulado “Café Berlín”, grabado en vivo en la sala de conciertos del mismo nombre, en Buenos Aires, y en el que se incluye esta versión al piano de «Mi Agüita Amarilla». PABLO CARBONELL https://www.youtube.com/watch?v=R6nGBot9EAo Así mismo, y tras la disolución del grupo, Pablo Carbonell continuó desarrollando su carrera multifacética en el mundo del entretenimiento, trabajando como presentador de televisión, o participando en numerosas películas, series de televisión y obras de teatro. Además de la actuación, Pablo Carbonell también continuó con la música y en el año 2003 grabó en solitario el disco “Rock and Roll Alimaña“. En este disco interpreta su propia versión de «Mi Agüita Amarilla» VERSIÓN SINFÓNICA https://www.youtube.com/watch?v=0vke5ZNwRqs Como colofón en este viaje del ciclo del agua os dejo la versión sinfónica grabada en directo por Pablo Carbonell desde el Auditorio Nacional de Madrid, acompañado por más de 200 músicos en el escenario. CONCLUSIONES A modo de conclusión diremos que Los Toreros Muertos es una banda española que surgió en los años 80 dejando una huella imborrable en la música con esta canción. Tanto es así que esta canción ha traspasado el ámbito musical y muy recientemente se ha convertido en un cuento infantil para enseñar a las nuevas generaciones a abandonar el pañal, riéndose de una necesidad tan humana como la de ir al wáter y ver ante sus propios ojos el inicio del ciclo del agua. Espero y deseo que como a mí os haya asomado una sonrisa en éste Explorando Versiones de hoy. Nos vemos en la próxima.https://www.ivoox.com/026-explorando-versiones-when-will-i-see-audios-mp3_rf_133286463_1.htmlFri, 30 Aug 2024 00:11:14 +020012:06126fullhttps://www.ivoox.com/133286463locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola, me llamo José Miguel Carrasco, suelo escribir sobre música en el Diario de Sevilla y soy asiduo de los recintos y salas de concierto donde seguro que me habréis visto muchas veces. Al fin y al cabo yo hago lo mismo que los jubiletas típicos, como soy también yo, solo que ellos se pasan el día mirando albañiles y yo lo hago mirando músicos. Me estreno hoy en este podcast con una canción de las “Three Degrees” que se llama “When Will I See You Again”. THE THREE DEGREES: https://www.youtube.com/watch?v=5OpuZzsPBhQ Fayette Pinkney, Sheila Ferguson y Valerie Holiday fue la formación más conocida de las “Three Degrees”, la que duró entre los años 67 y 76. Y Fayette Pinkney, fue la única miembro fijo en este trío desde que se iniciaron allá por 1963. Con ellas, con las “Three Degrees”, los grupos femeninos a los que hasta ahora se les consideraba prácticamente solo como Barbies negras, pasaron a ser cantantes reales que hablaban a una generación de mujeres que tenían su propia tradición cultural dentro del pop. La primera canción que grabaron en el sello del sonido Filadelfia hablaba de hombres casados que se dedican a perseguir jovencitas con la única intención de echarles un polvo sin tomarselas mucho más en serio. No era “Dirty Ol' Man” (el viejo verde) una canción que a ellas las confirmaban como mujeres que podían progresar en la vida sin necesidad de rendir tributo sexuales. Quizá porque esa canción fue prohibida en muchos sitios, como la acartonada BBC por ejemplo, sus siguientes grabaciones se orientaron más hacia el mercado de las jovencitas. Y allí es donde está esta “When Will I See You Again” (¿cuando te volveré a ver?). Una canción que expresaba la vulnerabilidad femenina en un momento en que la revolución sexual de los 60 se había filtrado ya en todos los estamentos sociales y ya no era un estilo de vida alternativo. La excepción se había convertido en la regla y las “Three Degrees” empujaban a las chicas a armarse de valor y preguntarle a su pareja sexual, cuando ésta se marchaba con aire satisfecho y como si nada: - eh tú, Killo. ¿Qué pasa contigo? ¿Cuándo voy a volverte a ver? ¿Estamos enamorados, o solo somos amigos? ¿Este polvo ha sido el principio, o el final?. La historia que cuentan es tan vieja como el mundo. Aunque me temo que hoy en día sería bastante demodé ver a tres mujeres adultas sufriendo por saber si volverán a ver a su hombre. Incluso los años 70 en los que el radicalismo sexual era lo más guay, ya estaba muy pasado de moda esta necesidad de reafirmación de la seguridad emocional que era tener eso que se llamaba “novio fijo”. Pero ellas, las “Three Degrees”, le aconsejaban a sus oyentes que se dejasen de rollos y no se sintiesen violentas poniendo al tío en la alternativa de que se explicara claramente. BILLY BRAGG: https://www.youtube.com/watch?v=kFPGpzyLOTM De este tema debe haber como un millón o un trillón de versiones en muchísimas recopilaciones, incluidas todas las que hicieron posteriormente las “Three Degrees” en sucesivas formaciones y sellos discográficos, porque la canción es un buen material para versiones. Una de ellas, ciertamente inesperada, fue la que hizo Billy Bragg, un cantautor activista de la Inglaterra de Tatcher y John Major, que demostró aquí tener buen gusto y oído para adaptar esta canción, este clásico, elegido personalmente por él en un recopilatorio que la revista New Musical Expréss sacó en 1993, dedicado a canciones que hubiesen llegado al número uno, como fue el caso de esta. ERASURE: https://www.youtube.com/watch?v=pJUvBqei6WY Hay otra versión, la de Erasure, que sin embargo se ajusta mucho más a los cánones de lo que consideraríamos una apropiada revisión de la canción, sin que ello signifique que a mí me guste más, claro, porque yo siempre he preferido las perversiones. BAD MANNERS: https://www.youtube.com/watch?v=QaN5mjFrDv8 Aunque la época de las grandes factorías musicales pasó más o menos a la historia, la fórmula “productora de talento” + “grupo de chicas monas” siguió perpetuándose en el tiempo, todavía dura. Aunque el espíritu es radicalmente distinto. Os imagináis a las “Pussycat Dolls”, por ejemplo, suplicándole a su novio eso de “cuando volveré a verte”. En todo caso la pregunta se la harían gritándole a la cara, mientras lo tienen agarrado por los huevos. Pero en fin como ninguna banda de chica se ha decidido hacerlo así y todas las cantantes que la han recreado ha sido llenándola de azúcar, pues nos despedimos mejor con una versión así, con un poquito de cachondeo típico del ska. La que hicieron los Bad Manners. CONCLUSIONES: Habrá otra ocasión en que venga por aquí y no que no tenga yo que decir refiriéndome a ir a las salas de conciertos: ¿Cuándo volveré a veros?. AdióslocosporincordiarHola, me llamo José Miguel Carrasco, suelo escribir sobre música en el Diario de Sevilla y soy asiduo de los recintos y salas de concierto donde seguro que me habréis visto muchas veces. Al fin y al cabo yo hago lo mismo que los jubiletas típicos, como soy también yo, solo que ellos se pasan el día mirando albañiles y yo lo hago mirando músicos. Me estreno hoy en este podcast con una canción de las “Three Degrees” que se llama “When Will I See You Again”. THE THREE DEGREES: https://www.youtube.com/watch?v=5OpuZzsPBhQ Fayette Pinkney, Sheila Ferguson y Valerie Holiday fue la formación más conocida de las “Three Degrees”, la que duró entre los años 67 y 76. Y Fayette Pinkney, fue la única miembro fijo en este trío desde que se iniciaron allá por 1963. Con ellas, con las “Three Degrees”, los grupos femeninos a los que hasta ahora se les consideraba prácticamente solo como Barbies negras, pasaron a ser cantantes reales que hablaban a una generación de mujeres que tenían su propia tradición cultural dentro del pop. La primera canción que grabaron en el sello del sonido Filadelfia hablaba de hombres casados que se dedican a perseguir jovencitas con la única intención de echarles un polvo sin tomarselas mucho más en serio. No era “Dirty Ol' Man” (el viejo verde) una canción que a ellas las confirmaban como mujeres que podían progresar en la vida sin necesidad de rendir tributo sexuales. Quizá porque esa canción fue prohibida en muchos sitios, como la acartonada BBC por ejemplo, sus siguientes grabaciones se orientaron más hacia el mercado de las jovencitas. Y allí es donde está esta “When Will I See You Again” (¿cuando te volveré a ver?). Una canción que expresaba la vulnerabilidad femenina en un momento en que la revolución sexual de los 60 se había filtrado ya en todos los estamentos sociales y ya no era un estilo de vida alternativo. La excepción se había convertido en la regla y las “Three Degrees” empujaban a las chicas a armarse de valor y preguntarle a su pareja sexual, cuando ésta se marchaba con aire satisfecho y como si nada: - eh tú, Killo. ¿Qué pasa contigo? ¿Cuándo voy a volverte a ver? ¿Estamos enamorados, o solo somos amigos? ¿Este polvo ha sido el principio, o el final?. La historia que cuentan es tan vieja como el mundo. Aunque me temo que hoy en día sería bastante demodé ver a tres mujeres adultas sufriendo por saber si volverán a ver a su hombre. Incluso los años 70 en los que el radicalismo sexual era lo más guay, ya estaba muy pasado de moda esta necesidad de reafirmación de la seguridad emocional que era tener eso que se llamaba “novio fijo”. Pero ellas, las “Three Degrees”, le aconsejaban a sus oyentes que se dejasen de rollos y no se sintiesen violentas poniendo al tío en la alternativa de que se explicara claramente. BILLY BRAGG: https://www.youtube.com/watch?v=kFPGpzyLOTM De este tema debe haber como un millón o un trillón de versiones en muchísimas recopilaciones, incluidas todas las que hicieron posteriormente las “Three Degrees” en sucesivas formaciones y sellos discográficos, porque la canción es un buen material para versiones. Una de ellas, ciertamente inesperada, fue la que hizo Billy Bragg, un cantautor activista de la Inglaterra de Tatcher y John Major, que demostró aquí tener buen gusto y oído para adaptar esta canción, este clásico, elegido personalmente por él en un recopilatorio que la revista New Musical Expréss sacó en 1993, dedicado a canciones que hubiesen llegado al número uno, como fue el caso de esta. ERASURE: https://www.youtube.com/watch?v=pJUvBqei6WY Hay otra versión, la de Erasure, que sin embargo se ajusta mucho más a los cánones de lo que consideraríamos una apropiada revisión de la canción, sin que ello signifique que a mí me guste más, claro, porque yo siempre he preferido las perversiones. BAD MANNERS: https://www.youtube.com/watch?v=QaN5mjFrDv8 Aunque la época de las grandes factorías musicales pasó más o menos a la historia, la fórmula “productora de talento” + “grupo de chicas monas” siguió perpetuándose en el tiempo, todavía dura. Aunque el espíritu es radicalmente distinto. Os imagináis a las “Pussycat Dolls”, por ejemplo, suplicándole a su novio eso de “cuando volveré a verte”. En todo caso la pregunta se la harían gritándole a la cara, mientras lo tienen agarrado por los huevos. Pero en fin como ninguna banda de chica se ha decidido hacerlo así y todas las cantantes que la han recreado ha sido llenándola de azúcar, pues nos despedimos mejor con una versión así, con un poquito de cachondeo típico del ska. La que hicieron los Bad Manners. CONCLUSIONES: Habrá otra ocasión en que venga por aquí y no que no tenga yo que decir refiriéndome a ir a las salas de conciertos: ¿Cuándo volveré a veros?. Adióshttps://www.ivoox.com/025-explorando-versiones-twist-and-shout-audios-mp3_rf_133077119_1.htmlFri, 23 Aug 2024 07:45:33 +020024:03125fullhttps://www.ivoox.com/133077119locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHay canciones que se hicieron famosas siendo grandes Hits después de ser estrenadas y lanzadas por sus autores o intérpretes, antes de que éstas sonarán por todo el universo de las ondas radiofónicas en los años 60. Este fenómeno de sacar un aversión de algún autor desconocido y llevarlo a los más alto de la lista de éxitos es utilizada a menudo por solistas y grupos de éxito y se ha mantenido como un recurso que poder utilizar en caso de bajada de ventas o bien de popularidad de artistas más o menos consagrados en la industria discográfica hasta nuestros días. Este es el caso de la canción que hoy traemos a Explorando Versiones , se trata de "Twist and Shout", que se conocería universalmente por la versión que se incluyó en el primer LP de The Beatles "Please Please Me", allá por 1963. Please Please Me es el álbum debut de la banda británica de rock The Beatles, lanzado el 22 de marzo de 1963 en el Reino Unido. Su publicación acompaña el inicio de la Beatlemanía, después del éxito de los sencillos "Please Please Me" (n.º 1 en varias listas musicales inglesas, pero solo n.º 2 en el Record Retailer) y "Love Me Do" (n.º 17 en el Record Retailer). Además de los cuatro títulos en los sencillos, el álbum contiene diez canciones grabadas el día 11 de febrero de 1963 en los estudios EMI de Abbey Road, durante una sesión de grabación de 585 minutos (nueve horas y 45 minutos). TOP NOTES: https://www.youtube.com/watch?v=LsDpc-8iR8g "Twist and Shout", es una canción compuesta por Phil Medley y Bert Berns. Nos vamos a centrar más en este último al ser el que probablemente provocará que un buen día su versión del tema que él mismo produjo tuviera la trascendencia que posteriormente ha tenido en la historia de la música moderna y en la que nos centramos en el día de hoy. Bertrand Russell Berns (Nueva York, 8 de noviembre de 1929 – 30 de diciembre de 1967) , autor que fallece joven con solo 38 años. Más conocido como Bert Berns. Fue un compositor y productor discográfico norteamericano. Autor de canciones igualmente conocidas y consideradas indispensables en la historia de la música Soul como "Everybody needs somebody to love", "Piece of My Heart", "Here Comes the Night", "Cry Baby, "I Want Candy" o "Cry to Me", piezas clave del repertorio musical de artistas como Janis Joplin, Van Morrison, Solomon Burke o The Exciters. Bert Berns, hijo de inmigrantes judíos rusos, nació en el Bronx Nueva York en medio de la Gran Depresión de 1929. De niño contrajo una fiebre reumática que lo mantuvo en cama durante una buena temporada y que dejó afectado su corazón de por vida. Durante su comparecencia escuchaba por la ventana de su habitación los ritmos latinos y afro caribeños que inundaban el barrio. De adolescente frecuentaba los clubes y discotecas de música latina y en 1958 se marchó a La Habana, justo antes de la Revolución Cubana. Tras regresar de Cuba, comienza a trabajar como compositor para compañías discográficas en el célebre “Brill Building” de Nueva York. Su primer éxito fue "A Little Bit of Soap", interpretada por The Jarmels en 1961. Un año más tarde, los Isley Brothers grabaron "Twist and Shout", escrita por Berns y Phil Medley. Ese mismo año compone “Tell Him” para The Exciters y “Cry to Me” para Solomon Burke en Atlantic Records y “Cry Baby” para Garnet Mimms. El trabajo de Berns con Solomon Burke llama la atención de los directivos de Atlantic Records, Ahmet Ertegün y Jerry Wexler, que en 1963 lo contratan como productor. Comienza entonces a escribir y producir temas para The Drifters ("Under the Boardwalk", "Saturday Night at the Movies"), Solomon Burke ("Everybody Needs Somebody to Love"), Barbara Lewis ("Baby I'm Yours" y "Make Me Your Baby"), Ben E. King o Wilson Pickett. A partir de 1964 algunas bandas de la llamada British Invasion comienzan a grabar temas de Bern, The Beatles ("Twist and Shout'), The Rolling Stones ("Cry to Me') o The Animals ("Baby Let Me Take You Home'). Por este motivo viaja varias veces a Londres donde trabaja para Decca Records con Them, la banda de Van Morrison, para quienes produce “Here Comes the Night” y “Baby Please Don’t Go”. En 1965, Berns funda su propio sello discográfico, Bang Records. Bang fue la plataforma de lanzamiento de artistas como The McCoys ("Hang on Sloopy"), The Strangeloves ("I Want Candy"), Van Morrison ("Brown Eyed Girl") o Neil Diamond ("Solitary Man" and "Cherry Cherry"). La primera versión que se grabó de "Twist and shout" fue producida por Phil Spector e interpretada por The Top Notes en 1961. El compositor Bert Berns odiaba la versión de Phil porque decía que “mataba el espíritu” de su canción y que esa fue la principal razón por la que fue un fracaso discográfico que pasó desapercibido. "Twist and Shout" es una canción compuesta por Phil Medley y Bert Russell. Fue titulada originalmente como "Shake It Up, Baby", y grabada originalmente por The Top Notes; luego fue versionada y conocida mundialmente por The Isley Brothers y The Beatles. En 1961, un año después de que Phil Spector se convirtiera en parte del equipo de productores de Atlantic Records, se le preguntó si podía producir un sencillo para un prometedor grupo vocal llamados los Top Notes (a veces llamados también "Topnotes"): "Shake It Up, Baby". Esto sucedió antes de que Spector perfeccionará su técnica conocida como Wall of Sound, por lo que la grabación careció de la energía demostrada por el grupo en sus actuaciones en directo. Cuando el compositor Bert Berns escuchó la mezcla final, le dijo a Spector que había arruinado la canción y predijo poco éxito para el sencillo. THE ISLEY BROTHERS: https://www.youtube.com/watch?v=cTaqn8_gMR0 Cuando los Isley Brothers decidieron grabar la canción en 1962, Berns optó por producirla él mismo y demostrarle así a Spector cuál era el sonido que él quería en la grabación La canción se convirtió en la primera del trío en llegar al Top 20 en el Billboard Hot 100. La versión de los Isley Brothers, con Ronald Isley en la voz principal, fue la primera grabación de mayor éxito de la canción, alcanzando el puesto número 17 en el top 40 del Billboard Hot 100 y el número 2 en la lista de R&B estadounidense, siendo frecuentemente versionada en los comienzos de los años 60. Según Ronald, la canción iba a ser la cara B de "Make It Easy on Yourself", compuesta por el artista Burt Bacharach y que había sido un éxito para el cantante Jerry Butler. Cuando el grupo la grabó, los hermanos no pensaron que la canción podría tener repercusión, ya que no habían tenido un éxito desde hacía tres años, cuando grabaron "Twist and Shout". Para su sorpresa, ocurrió exactamente lo contrario. CHAKA DEMUS AND PLIERS: https://www.youtube.com/watch?v=qun21p9-pF8 Más adelante, la versión de Chaka Demus and Pliers alcanzó en enero de 1994 el primer puesto en las listas del Reino Unido. THE BEATLES: https://www.youtube.com/watch?v=2RicaUqd9Hg Nos referimos ahora a la versión de The Beatles de"Twist and Shout" es una versión de la canción homónima de 1961 grabada por el grupo Top Notes. La versión fue incluida en su primer álbum, Please Please Me, y fue publicada como sencillo en los Estados Unidos el 2 de marzo de 1964. La sesión de grabación para este álbum fue la primera del grupo, con la notable particularidad de haber grabado diez canciones en sólo diez horas. "Twist and Shout" fue la última canción grabada; el productor George Martin sabía que la voz de John Lennon se vería afectada con la interpretación, así que la dejó para el final, faltando sólo 15 minutos para terminar la sesión de grabación. Lennon estaba resfriado en ese momento, por lo cual bebía leche y comía caramelos para suavizar su garganta. Los efectos de la tos en su voz puede escucharse en la grabación. Se grabaron dos tomas, de las cuales la primera fue la utilizada en el álbum. George Martin dijo: "Traté de hacer una segunda grabación (...) pero John se había quedado sin voz" “Twist and Shout” (EP) es el primer EP de The Beatles. Fue publicado el 12 de julio de 1963. Solo fue lanzado en mono como cualquier EP por The Beatles. Parlophone lo catalogó GEP 8882. Este EP alcanzó el puesto n.º 4 en ventas de discos comunes, es el primer EP de la historia que en Inglaterra alcanzara el Top 10. Y alcanzó el número uno en ventas de EP. El 13 de agosto de 1963, solo un mes después de su aparición en el mercado, el vinilo se convirtió en el primer EP británico que se hacía con un disco de plata tras sumar 250.000 ejemplares vendidos. Al cabo de los meses las copias despachadas sumaban 800.000, lo que convirtió a "Twist and shout" en el disco de duración extendida más vendido de la Historia en el Reino Unido. A lo largo de 1963 solo otros tres discos, todos ellos sencillos, vendieron más que “Twist and shout”, “She loves you” (cerca de millón y medio de ejemplares), “I want to hold your hand” (1.250.000) y “Glad all over”, de The Dave Clark Five (que rondó el millón). BRIAN POOLE AND THE TREMELOES: https://www.youtube.com/watch?v=HxoSL1HkFGA El éxito del EP Twist and shout, de The Beatles, supuso una cierta decepción para un grupo londinense con el que los de Liverpool tenían una cuenta pendiente: Brian Poole and the Tremeloes. La banda del sur de Inglaterra había sido fichada por Decca a principios de 1962 tras una audición que se celebró durante el mes de enero de aquel año, el mismo mes en el que Decca testó el sonido de los futuros Fab Four. Fue preferida a The Beatles por motivos ajenos a su potencial artístico: los músicos de este conjunto residían en el suburbio londinense de Dagenham y no en Liverpool, que al fin y al cabo era vista como una ciudad alejada y mal comunicada con la capital. Pero mientras que The Beatles habían cosechado desde entonces éxito tras éxito, Brian Poole and the Tremeloes no habían conseguido ninguno. Por fin, los miembros del grupo londinense parecieron encontrar la fórmula que habían buscado sin resultado durante meses: guiados por la inclusión de "Twist and shout" en el primer álbum de The Beatles, decidieron recrear ellos también la canción y lanzarla como single, el quinto que publicaban (Decca F.11694, 20 de junio de 1963). El 3 de agosto de 1963 su exitoso remake alcanzó el cuarto puesto en las listas británicas, y muy probablemente habría llegado aún más alto de no haber tenido que competir con el EP de The Beatles. El disco de los de Liverpool, aun siendo más caro, ganó la batalla de las ventas. THE MAMAS & THE PAPAS: https://www.youtube.com/watch?v=GPbLwLLlr3s También habría que destacar, al otro lado del charco, la versión de The Mamas & The Papas, incluido en su álbum “Deliver” qué es el tercer álbum de estudio de The Mamas & the Papas grabado en 1966 y editado en 1967. Alcanzó el segundo puesto en el Billboard Pop en 1967. The Mamas & The Papas le dan su sello inconfundible a nuestra canción de hoy, sin que haya trascendido mucho esta versión por otra parte personalísima y alejada del espíritu que le quiso dar su autor más conocido. CONCLUSIONES: IZQUIERDO Y LOS ACOPLES: https://izquierdoylosacoples.bandcamp.com/track/mi-vida-cambi The Beatles, con su gran capacidad compositora, fueron capaces de llevar canciones desconocidas, como la que hoy traemos, a los altares sonoros del universo del Pop, el Soul o el RNR. Y aun así también consiguieron mantener viva la llama del RNR en las generaciones venideras con gentes como yo, que un día cualquiera con 14 años, sienten cómo su vida cambia al oír esta canción por primera vez en su dinámica y potente versión de The Beatles. Por ellos estaré siempre agradecido a su legado y muchos años después me salió de muy dentro rendir un sentido homenaje a aquel momento con una canción que lleva por título mi vida cambió.locosporincordiarHay canciones que se hicieron famosas siendo grandes Hits después de ser estrenadas y lanzadas por sus autores o intérpretes, antes de que éstas sonarán por todo el universo de las ondas radiofónicas en los años 60. Este fenómeno de sacar un aversión de algún autor desconocido y llevarlo a los más alto de la lista de éxitos es utilizada a menudo por solistas y grupos de éxito y se ha mantenido como un recurso que poder utilizar en caso de bajada de ventas o bien de popularidad de artistas más o menos consagrados en la industria discográfica hasta nuestros días. Este es el caso de la canción que hoy traemos a Explorando Versiones , se trata de "Twist and Shout", que se conocería universalmente por la versión que se incluyó en el primer LP de The Beatles "Please Please Me", allá por 1963. Please Please Me es el álbum debut de la banda británica de rock The Beatles, lanzado el 22 de marzo de 1963 en el Reino Unido. Su publicación acompaña el inicio de la Beatlemanía, después del éxito de los sencillos "Please Please Me" (n.º 1 en varias listas musicales inglesas, pero solo n.º 2 en el Record Retailer) y "Love Me Do" (n.º 17 en el Record Retailer). Además de los cuatro títulos en los sencillos, el álbum contiene diez canciones grabadas el día 11 de febrero de 1963 en los estudios EMI de Abbey Road, durante una sesión de grabación de 585 minutos (nueve horas y 45 minutos). TOP NOTES: https://www.youtube.com/watch?v=LsDpc-8iR8g "Twist and Shout", es una canción compuesta por Phil Medley y Bert Berns. Nos vamos a centrar más en este último al ser el que probablemente provocará que un buen día su versión del tema que él mismo produjo tuviera la trascendencia que posteriormente ha tenido en la historia de la música moderna y en la que nos centramos en el día de hoy. Bertrand Russell Berns (Nueva York, 8 de noviembre de 1929 – 30 de diciembre de 1967) , autor que fallece joven con solo 38 años. Más conocido como Bert Berns. Fue un compositor y productor discográfico norteamericano. Autor de canciones igualmente conocidas y consideradas indispensables en la historia de la música Soul como "Everybody needs somebody to love", "Piece of My Heart", "Here Comes the Night", "Cry Baby, "I Want Candy" o "Cry to Me", piezas clave del repertorio musical de artistas como Janis Joplin, Van Morrison, Solomon Burke o The Exciters. Bert Berns, hijo de inmigrantes judíos rusos, nació en el Bronx Nueva York en medio de la Gran Depresión de 1929. De niño contrajo una fiebre reumática que lo mantuvo en cama durante una buena temporada y que dejó afectado su corazón de por vida. Durante su comparecencia escuchaba por la ventana de su habitación los ritmos latinos y afro caribeños que inundaban el barrio. De adolescente frecuentaba los clubes y discotecas de música latina y en 1958 se marchó a La Habana, justo antes de la Revolución Cubana. Tras regresar de Cuba, comienza a trabajar como compositor para compañías discográficas en el célebre “Brill Building” de Nueva York. Su primer éxito fue "A Little Bit of Soap", interpretada por The Jarmels en 1961. Un año más tarde, los Isley Brothers grabaron "Twist and Shout", escrita por Berns y Phil Medley. Ese mismo año compone “Tell Him” para The Exciters y “Cry to Me” para Solomon Burke en Atlantic Records y “Cry Baby” para Garnet Mimms. El trabajo de Berns con Solomon Burke llama la atención de los directivos de Atlantic Records, Ahmet Ertegün y Jerry Wexler, que en 1963 lo contratan como productor. Comienza entonces a escribir y producir temas para The Drifters ("Under the Boardwalk", "Saturday Night at the Movies"), Solomon Burke ("Everybody Needs Somebody to Love"), Barbara Lewis ("Baby I'm Yours" y "Make Me Your Baby"), Ben E. King o Wilson Pickett. A partir de 1964 algunas bandas de la llamada British Invasion comienzan a grabar temas de Bern, The Beatles ("Twist and Shout'), The Rolling Stones ("Cry to Me') o The Animals ("Baby Let Me Take You Home'). Por este motivo viaja varias veces a Londres donde trabaja para Decca Records con Them, la banda de Van Morrison, para quienes produce “Here Comes the Night” y “Baby Please Don’t Go”. En 1965, Berns funda su propio sello discográfico, Bang Records. Bang fue la plataforma de lanzamiento de artistas como The McCoys ("Hang on Sloopy"), The Strangeloves ("I Want Candy"), Van Morrison ("Brown Eyed Girl") o Neil Diamond ("Solitary Man" and "Cherry Cherry"). La primera versión que se grabó de "Twist and shout" fue producida por Phil Spector e interpretada por The Top Notes en 1961. El compositor Bert Berns odiaba la versión de Phil porque decía que “mataba el espíritu” de su canción y que esa fue la principal razón por la que fue un fracaso discográfico que pasó desapercibido. "Twist and Shout" es una canción compuesta por Phil Medley y Bert Russell. Fue titulada originalmente como "Shake It Up, Baby", y grabada originalmente por The Top Notes; luego fue versionada y conocida mundialmente por The Isley Brothers y The Beatles. En 1961, un año después de que Phil Spector se convirtiera en parte del equipo de productores de Atlantic Records, se le preguntó si podía producir un sencillo para un prometedor grupo vocal llamados los Top Notes (a veces llamados también "Topnotes"): "Shake It Up, Baby". Esto sucedió antes de que Spector perfeccionará su técnica conocida como Wall of Sound, por lo que la grabación careció de la energía demostrada por el grupo en sus actuaciones en directo. Cuando el compositor Bert Berns escuchó la mezcla final, le dijo a Spector que había arruinado la canción y predijo poco éxito para el sencillo. THE ISLEY BROTHERS: https://www.youtube.com/watch?v=cTaqn8_gMR0 Cuando los Isley Brothers decidieron grabar la canción en 1962, Berns optó por producirla él mismo y demostrarle así a Spector cuál era el sonido que él quería en la grabación La canción se convirtió en la primera del trío en llegar al Top 20 en el Billboard Hot 100. La versión de los Isley Brothers, con Ronald Isley en la voz principal, fue la primera grabación de mayor éxito de la canción, alcanzando el puesto número 17 en el top 40 del Billboard Hot 100 y el número 2 en la lista de R&B estadounidense, siendo frecuentemente versionada en los comienzos de los años 60. Según Ronald, la canción iba a ser la cara B de "Make It Easy on Yourself", compuesta por el artista Burt Bacharach y que había sido un éxito para el cantante Jerry Butler. Cuando el grupo la grabó, los hermanos no pensaron que la canción podría tener repercusión, ya que no habían tenido un éxito desde hacía tres años, cuando grabaron "Twist and Shout". Para su sorpresa, ocurrió exactamente lo contrario. CHAKA DEMUS AND PLIERS: https://www.youtube.com/watch?v=qun21p9-pF8 Más adelante, la versión de Chaka Demus and Pliers alcanzó en enero de 1994 el primer puesto en las listas del Reino Unido. THE BEATLES: https://www.youtube.com/watch?v=2RicaUqd9Hg Nos referimos ahora a la versión de The Beatles de"Twist and Shout" es una versión de la canción homónima de 1961 grabada por el grupo Top Notes. La versión fue incluida en su primer álbum, Please Please Me, y fue publicada como sencillo en los Estados Unidos el 2 de marzo de 1964. La sesión de grabación para este álbum fue la primera del grupo, con la notable particularidad de haber grabado diez canciones en sólo diez horas. "Twist and Shout" fue la última canción grabada; el productor George Martin sabía que la voz de John Lennon se vería afectada con la interpretación, así que la dejó para el final, faltando sólo 15 minutos para terminar la sesión de grabación. Lennon estaba resfriado en ese momento, por lo cual bebía leche y comía caramelos para suavizar su garganta. Los efectos de la tos en su voz puede escucharse en la grabación. Se grabaron dos tomas, de las cuales la primera fue la utilizada en el álbum. George Martin dijo: "Traté de hacer una segunda grabación (...) pero John se había quedado sin voz" “Twist and Shout” (EP) es el primer EP de The Beatles. Fue publicado el 12 de julio de 1963. Solo fue lanzado en mono como cualquier EP por The Beatles. Parlophone lo catalogó GEP 8882. Este EP alcanzó el puesto n.º 4 en ventas de discos comunes, es el primer EP de la historia que en Inglaterra alcanzara el Top 10. Y alcanzó el número uno en ventas de EP. El 13 de agosto de 1963, solo un mes después de su aparición en el mercado, el vinilo se convirtió en el primer EP británico que se hacía con un disco de plata tras sumar 250.000 ejemplares vendidos. Al cabo de los meses las copias despachadas sumaban 800.000, lo que convirtió a "Twist and shout" en el disco de duración extendida más vendido de la Historia en el Reino Unido. A lo largo de 1963 solo otros tres discos, todos ellos sencillos, vendieron más que “Twist and shout”, “She loves you” (cerca de millón y medio de ejemplares), “I want to hold your hand” (1.250.000) y “Glad all over”, de The Dave Clark Five (que rondó el millón). BRIAN POOLE AND THE TREMELOES: https://www.youtube.com/watch?v=HxoSL1HkFGA El éxito del EP Twist and shout, de The Beatles, supuso una cierta decepción para un grupo londinense con el que los de Liverpool tenían una cuenta pendiente: Brian Poole and the Tremeloes. La banda del sur de Inglaterra había sido fichada por Decca a principios de 1962 tras una audición que se celebró durante el mes de enero de aquel año, el mismo mes en el que Decca testó el sonido de los futuros Fab Four. Fue preferida a The Beatles por motivos ajenos a su potencial artístico: los músicos de este conjunto residían en el suburbio londinense de Dagenham y no en Liverpool, que al fin y al cabo era vista como una ciudad alejada y mal comunicada con la capital. Pero mientras que The Beatles habían cosechado desde entonces éxito tras éxito, Brian Poole and the Tremeloes no habían conseguido ninguno. Por fin, los miembros del grupo londinense parecieron encontrar la fórmula que habían buscado sin resultado durante meses: guiados por la inclusión de "Twist and shout" en el primer álbum de The Beatles, decidieron recrear ellos también la canción y lanzarla como single, el quinto que publicaban (Decca F.11694, 20 de junio de 1963). El 3 de agosto de 1963 su exitoso remake alcanzó el cuarto puesto en las listas británicas, y muy probablemente habría llegado aún más alto de no haber tenido que competir con el EP de The Beatles. El disco de los de Liverpool, aun siendo más caro, ganó la batalla de las ventas. THE MAMAS & THE PAPAS: https://www.youtube.com/watch?v=GPbLwLLlr3s También habría que destacar, al otro lado del charco, la versión de The Mamas & The Papas, incluido en su álbum “Deliver” qué es el tercer álbum de estudio de The Mamas & the Papas grabado en 1966 y editado en 1967. Alcanzó el segundo puesto en el Billboard Pop en 1967. The Mamas & The Papas le dan su sello inconfundible a nuestra canción de hoy, sin que haya trascendido mucho esta versión por otra parte personalísima y alejada del espíritu que le quiso dar su autor más conocido. CONCLUSIONES: IZQUIERDO Y LOS ACOPLES: https://izquierdoylosacoples.bandcamp.com/track/mi-vida-cambi The Beatles, con su gran capacidad compositora, fueron capaces de llevar canciones desconocidas, como la que hoy traemos, a los altares sonoros del universo del Pop, el Soul o el RNR. Y aun así también consiguieron mantener viva la llama del RNR en las generaciones venideras con gentes como yo, que un día cualquiera con 14 años, sienten cómo su vida cambia al oír esta canción por primera vez en su dinámica y potente versión de The Beatles. Por ellos estaré siempre agradecido a su legado y muchos años después me salió de muy dentro rendir un sentido homenaje a aquel momento con una canción que lleva por título mi vida cambió.https://www.ivoox.com/024-explorando-versiones-mediterraneo-audios-mp3_rf_132850204_1.htmlThu, 15 Aug 2024 23:48:34 +020017:28124fullhttps://www.ivoox.com/132850204locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noSon muchas las canciones que han marcado nuestra vida, la que hoy nos ocupa fue Premio Princesa Asturias de las Artes 2024, y una de las más conocidas es, sin duda, Mediterráneo. El tema compuesto en 1971 se ha convertido en un himno intergeneracional y ostenta el honor de ser la mejor canción en español de la historia para la revista Rolling Stone. Hola, soy Nicolas Carmona, locutor de radio y estoy encantado de participar en este podcast. JOAN MANUEL SERRAT: https://www.youtube.com/watch?v=Cx5ENAFTLZg El protagonista de nuestro programa de hoy es Joan Manuel Serrat Teresa, el que nació en Barcelona, en diciembre del año 1943. Es un cantautor, compositor, actor, escritor, poeta y músico y fue premiado con la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio «por su brillante carrera y su contribución a la cultura y el arte español». Su obra tiene influencias de otros poetas, como Mario Benedetti, Antonio Machado, Miguel Hernández, Rafael Alberti, Federico García Lorca, Pablo Neruda, así como de diversos géneros, como el folklore catalán, la copla española, el tango, el bolero, el barroco y el cancionero popular de Latinoamérica, pues ha versionado canciones de Violeta Parra y de Víctor Jara. Es uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la nueva canción catalana. Joan Manuel Serrat ha sido reconocido con numerosos doctorados honoris causa por su contribución a la música y literatura española, además del Grammy Latino Persona del Año en 2014, entre otros importantes galardones. El tema que nos trae hoy a Explorando Versiones es su composición “Mediterráneo”, te contamos todo y sus diferentes versiones en la voces de artistas tan dispares como: Estopa, Niña Pastori, Gino Paoli, Manolo Garcia, Maribel La Canija, Ismael Serrano, Antonio Orozco, Santi Balmes... GINO PAOLI: https://www.youtube.com/watch?v=g7Oo7FnK868 Disfrutando hoy de las versiones que se han hecho de Mediterráneo ya un tema inmortal. Muy probablemente, esta versión sea de las primeras que se grabó de la canción de Serrat. Lo hizo el italiano Gino Paoli en el año 1974, el que nació en las mismas aguas del mediterraneo en un país distinto, el artista Gino Paoli que tenia muchos éxitos en los años 60 fue noticia por su intento de suicidio cuando estaba en lo mejor de su carrera, con temas tan conocidos como “Sapore di sale”, disparándose una bala en el pecho con una pistola que tenia en su poder, desde entonces vivio con el plomo en su cuerpo en la zona del pericardio ya que los médicos nunca pudieron extraerla, nos quedamos con esta versión muy fiel a la original en el idioma italiano en la voz de Gino Paoli. ESTOPA: https://www.youtube.com/watch?v=pTf9NL2HbSY Una de las versiones más curiosas que nunca nos podríamos imaginar, aunque realizada si, por la cercanía en la tierra catalana, los hermanos José Manuel Muñoz Calvo (cantante, guitarrista y compositor) y David (cantante) del dúo español de música rock y pop rock con toques de rumba catalana Estopa. NIÑA PASTORI: https://www.youtube.com/watch?v=kVObrI0s3ic Lo que suena ya de fondo es la versión de Niña Pastori en su álbum del año 2006 “Joyas prestadas” es un disco que fusiona canciones y estilos fuera del flamenco. “Joyas prestadas” es una colección de canciones recreadas por la artista de San Fernando que, diez años después de la publicación de su primer álbum, echa la vista atrás y recupera su memoria musical. Canción que ha marcado momentos y recuerdos. Temas como Mediterráneo. MARIBEL LA CANIJA: https://www.youtube.com/watch?v=RyOS8KYnwCM “Mediterráneo” es la versión de estudio grabado en directo en los estudios "La Luciérnaga". Producido por Gaizka Baena y las mezclas Ruben Garcia Motos en "Matilda estudio". La cantante, la increíble voz y la energía que derrocha Maribel Martin, “La Canija” que es Vocalista del grupo D'Callaos, mezclando sonidos del rock andaluz, cada uno de sus conciertos, los convierte en un viaje entre sentimientos, sonidos y bailes. Todo esto con una gracia innata, alegre y cariñosa, haciendo sentir a la gente partícipe del repertorio que presenta. MARÍA JOSÉ LLERGO: https://www.youtube.com/watch?v=O5qxP_mKNTY Nos encontramos ahora una versión muy especial y distinta, la lentitud de trazos sonoros nos transportan al oleaje tranquilo y apaciguado de las aguas del mediterraneo que van recalando en la orilla del mar que baña la arena de este lugar, la voz de María José Llergo ganó el Premio Goya a la mejor canción original 2022, por “Mediterráneo” y uno de los “Premios de la Academia de Música de España”, en la categoría “Mejor álbum folclórico”, en su primera canción. MIGUEL CAMPELLO: https://www.youtube.com/watch?v=N9NkVymRTks “Mediterráneo” es una de esas canciones que al cantarlas las sientes cercana, quizá porque mi niñez sigue jugando en la playa o porque aún sigues escondido entre cañaverales. Miguel Campello de la saga Chatarrera con más de 9 discos de estudio llenos de creatividad, pasión, fusión y mestizaje, ofrece sonidos nuevos, experimentales, diferentes como flamenco, rock, rumba, cumbia, techno, jazz, líneas de bajo distorsionadas..., pero mantiene su reconocible sello propio. Escuchando esta versión, un canto de viento fresco, como la brisa del mar que me vio nacer, realiza esta particular versión de mediterraneo. CONCLUSIONES Mediterráneo es una de las canciones clave en la carrera de Joan Manuel Serrat. Forma parte del disco homónimo que el cantautor lanzó en 1971, en el que también se encuentran temas tan icónicos como “Aquellas pequeñas cosas” y “Lucía”. Muchos de aquellos que nacieron muy lejos del mar, pero gracias a Serrat hacen suyo el Mediterráneo. Un mar, el de Serrat, puede estar en cualquier rincón del mundo donde sean amantes de bonitos ritmos. Ha sido un verdadero placer el pasar estos minutos con vosotros. Un fuerte abrazo. Mi nombre es Nicolás Carmona. Cuidate y nos vemos en próximas ediciones de Explorando Versiones.locosporincordiarSon muchas las canciones que han marcado nuestra vida, la que hoy nos ocupa fue Premio Princesa Asturias de las Artes 2024, y una de las más conocidas es, sin duda, Mediterráneo. El tema compuesto en 1971 se ha convertido en un himno intergeneracional y ostenta el honor de ser la mejor canción en español de la historia para la revista Rolling Stone. Hola, soy Nicolas Carmona, locutor de radio y estoy encantado de participar en este podcast. JOAN MANUEL SERRAT: https://www.youtube.com/watch?v=Cx5ENAFTLZg El protagonista de nuestro programa de hoy es Joan Manuel Serrat Teresa, el que nació en Barcelona, en diciembre del año 1943. Es un cantautor, compositor, actor, escritor, poeta y músico y fue premiado con la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio «por su brillante carrera y su contribución a la cultura y el arte español». Su obra tiene influencias de otros poetas, como Mario Benedetti, Antonio Machado, Miguel Hernández, Rafael Alberti, Federico García Lorca, Pablo Neruda, así como de diversos géneros, como el folklore catalán, la copla española, el tango, el bolero, el barroco y el cancionero popular de Latinoamérica, pues ha versionado canciones de Violeta Parra y de Víctor Jara. Es uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la nueva canción catalana. Joan Manuel Serrat ha sido reconocido con numerosos doctorados honoris causa por su contribución a la música y literatura española, además del Grammy Latino Persona del Año en 2014, entre otros importantes galardones. El tema que nos trae hoy a Explorando Versiones es su composición “Mediterráneo”, te contamos todo y sus diferentes versiones en la voces de artistas tan dispares como: Estopa, Niña Pastori, Gino Paoli, Manolo Garcia, Maribel La Canija, Ismael Serrano, Antonio Orozco, Santi Balmes... GINO PAOLI: https://www.youtube.com/watch?v=g7Oo7FnK868 Disfrutando hoy de las versiones que se han hecho de Mediterráneo ya un tema inmortal. Muy probablemente, esta versión sea de las primeras que se grabó de la canción de Serrat. Lo hizo el italiano Gino Paoli en el año 1974, el que nació en las mismas aguas del mediterraneo en un país distinto, el artista Gino Paoli que tenia muchos éxitos en los años 60 fue noticia por su intento de suicidio cuando estaba en lo mejor de su carrera, con temas tan conocidos como “Sapore di sale”, disparándose una bala en el pecho con una pistola que tenia en su poder, desde entonces vivio con el plomo en su cuerpo en la zona del pericardio ya que los médicos nunca pudieron extraerla, nos quedamos con esta versión muy fiel a la original en el idioma italiano en la voz de Gino Paoli. ESTOPA: https://www.youtube.com/watch?v=pTf9NL2HbSY Una de las versiones más curiosas que nunca nos podríamos imaginar, aunque realizada si, por la cercanía en la tierra catalana, los hermanos José Manuel Muñoz Calvo (cantante, guitarrista y compositor) y David (cantante) del dúo español de música rock y pop rock con toques de rumba catalana Estopa. NIÑA PASTORI: https://www.youtube.com/watch?v=kVObrI0s3ic Lo que suena ya de fondo es la versión de Niña Pastori en su álbum del año 2006 “Joyas prestadas” es un disco que fusiona canciones y estilos fuera del flamenco. “Joyas prestadas” es una colección de canciones recreadas por la artista de San Fernando que, diez años después de la publicación de su primer álbum, echa la vista atrás y recupera su memoria musical. Canción que ha marcado momentos y recuerdos. Temas como Mediterráneo. MARIBEL LA CANIJA: https://www.youtube.com/watch?v=RyOS8KYnwCM “Mediterráneo” es la versión de estudio grabado en directo en los estudios "La Luciérnaga". Producido por Gaizka Baena y las mezclas Ruben Garcia Motos en "Matilda estudio". La cantante, la increíble voz y la energía que derrocha Maribel Martin, “La Canija” que es Vocalista del grupo D'Callaos, mezclando sonidos del rock andaluz, cada uno de sus conciertos, los convierte en un viaje entre sentimientos, sonidos y bailes. Todo esto con una gracia innata, alegre y cariñosa, haciendo sentir a la gente partícipe del repertorio que presenta. MARÍA JOSÉ LLERGO: https://www.youtube.com/watch?v=O5qxP_mKNTY Nos encontramos ahora una versión muy especial y distinta, la lentitud de trazos sonoros nos transportan al oleaje tranquilo y apaciguado de las aguas del mediterraneo que van recalando en la orilla del mar que baña la arena de este lugar, la voz de María José Llergo ganó el Premio Goya a la mejor canción original 2022, por “Mediterráneo” y uno de los “Premios de la Academia de Música de España”, en la categoría “Mejor álbum folclórico”, en su primera canción. MIGUEL CAMPELLO: https://www.youtube.com/watch?v=N9NkVymRTks “Mediterráneo” es una de esas canciones que al cantarlas las sientes cercana, quizá porque mi niñez sigue jugando en la playa o porque aún sigues escondido entre cañaverales. Miguel Campello de la saga Chatarrera con más de 9 discos de estudio llenos de creatividad, pasión, fusión y mestizaje, ofrece sonidos nuevos, experimentales, diferentes como flamenco, rock, rumba, cumbia, techno, jazz, líneas de bajo distorsionadas..., pero mantiene su reconocible sello propio. Escuchando esta versión, un canto de viento fresco, como la brisa del mar que me vio nacer, realiza esta particular versión de mediterraneo. CONCLUSIONES Mediterráneo es una de las canciones clave en la carrera de Joan Manuel Serrat. Forma parte del disco homónimo que el cantautor lanzó en 1971, en el que también se encuentran temas tan icónicos como “Aquellas pequeñas cosas” y “Lucía”. Muchos de aquellos que nacieron muy lejos del mar, pero gracias a Serrat hacen suyo el Mediterráneo. Un mar, el de Serrat, puede estar en cualquier rincón del mundo donde sean amantes de bonitos ritmos. Ha sido un verdadero placer el pasar estos minutos con vosotros. Un fuerte abrazo. Mi nombre es Nicolás Carmona. Cuidate y nos vemos en próximas ediciones de Explorando Versiones.https://www.ivoox.com/023-explorando-versiones-all-along-the-watchtower-audios-mp3_rf_132644944_1.htmlFri, 09 Aug 2024 08:09:04 +020016:32123fullhttps://www.ivoox.com/132644944locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola qué tal ¿cómo estáis?. Soy Serué, cantaor del grupo de rock “Analógicos” y hoy en “Explorando Versiones” quiero presentaros las distintas versiones de una canción de Bob Dylan. Ni más ni menos que “All along the watchtower”. BOB DYLAN: https://www.youtube.com/watch?v=bT7Hj-ea0VE Muchos ya conocéis a Bob Dylan, Robert Allen Zimmerman, el gran bardo de Minnesota tal vez junto a Lennon y alguno más puede ser considerado (yo también lo considero así) como el poeta y músico más influyente del siglo XX en lengua inglesa. Dylan escribió este tema, que aparece en su álbum “John Wesley Harding” del 67, tras el piñazo que se dio con su moto Triumph. Esto le valió y el estar unos cuantos de años sin dar giras, replantearse su trayectoria artística, incluido sus virajes al judaísmo primero, y el cristianismo después. “All along the watchtower” ha sido versionada por diferentes artistas y diferentes géneros musicales por la profunda y metafórica poesía en su letra. La temática del disco vuelve a las raíces folk con un tono rural y con letras influida por una conversión al cristianismo, posterior al trauma del accidente, que como ya hemos visto pues se dio en torno a finales del 66 tras el disco glorioso “Blonde on blonde”. Como nos tiene acostumbrado Dylan, no son letras de una sola lectura y la canción de “All along the watchtower” ha sido objeto de diversas interpretaciones. En líneas generales usa las parábolas bíblicas y las metáforas para denunciar al desmedido capitalismo, pero también usa su situación de agobio personal por el accidente. Habla sobre las explotaciones de las compañías discográficas, etc… todo ello con un lenguaje musical con referencia al cristianismo como tabla de salvación. JIMI HENDRIX: https://www.youtube.com/watch?v=wVLqFQ5QT7Y Sin embargo la más conocida fue la interpretada por el gran Jimi Hendrix que para muchos mejoró la canción original pero también fue versionada por otros artistas como veremos más adelante. ¿Qué le hizo a Jimi Hendrix versionar esta canción? “Jimi Allen Hendrix” (curioso esto de Allen, al igual que Dylan) siempre pensó que era más guitarrista que otra cosa. Pero escuchó a Bob Dylan cantar y pensó que él también lo podía hacer y tener éxito. Pues nada dicho y hecho. Efectivamente con respecto a esta canción, tras seis meses de salir el original de Dylan, Hendrix grabó una de las mejores versiones de “All along the watchtower”. Incluso probablemente superando la original. ¿Por qué? Bajo mi punto de vista, el de Seattle confiere al tema una fuerza inusitada en el que despliega su habilidad guitarrística en torno a los solo tres acordes de los que costaba la canción. El efecto sonoro de las cuerdas de Hendrix sustituye en los espacios instrumentales a la armónica de Dylan, para mi gusto una armónica demasiado machacona y monotónica, la voz de Hendrix va a la par y encaja como un guante en la canción. Dylan se rindió a esta versión, que adoptó en sus actuaciones, precisamente “All along the watchtower” sea una de las canciones que más haya tocado en directo. U2: https://www.youtube.com/watch?v=O2Fu8kSlmTw Hemos de recordar que se han hecho numerosas versiones de “All along the watchtower”, además de la de Hendrix, entre la que destacan la de U2 (canción recogida en el disco del año 88 “Rattle and Hum”). “Rattle and Hum” fue un disco que venía acompañado también un documental (yo tenía una copia en cinta de casete de ese disco… que de tiempo) Esta versión, más moderna, le confiere mayor contundencia en parte por su producción y también por la espectacular fuerza vocal de Bono. LOS SUAVES: https://www.youtube.com/watch?v=etDzmJB_aKk En nuestro país también Los Suaves versionaron este tema de Dylan que además fue incluido en el disco de 1993 “Malas noticias” y aunque lo interprete con su típica energía pues conserva la base original de la canción. CONCLUSIONES Como veis, esto de las versiones da para muchos libros y no es más que la punta de un iceberg. En realidad os he hablado de episodios muy sonados de la música de rock a nivel Dios, o si quieres, populares. Pero ¿cuántos casos hay a otros niveles? Canciones añejas cubiertas por un fino barniz de originalidad, que en realidad son versiones de originales, camufladas con otro título. Son canciones fake vendidas como originales creativos… Eso da para otro podcast, amigos. Me despido, no sin antes agradecer a los que hacen posible el programa de “Explorando Versiones” y a todos vosotros desearos mucha salud y rock and roll. Hasta la vista amigos.locosporincordiarHola qué tal ¿cómo estáis?. Soy Serué, cantaor del grupo de rock “Analógicos” y hoy en “Explorando Versiones” quiero presentaros las distintas versiones de una canción de Bob Dylan. Ni más ni menos que “All along the watchtower”. BOB DYLAN: https://www.youtube.com/watch?v=bT7Hj-ea0VE Muchos ya conocéis a Bob Dylan, Robert Allen Zimmerman, el gran bardo de Minnesota tal vez junto a Lennon y alguno más puede ser considerado (yo también lo considero así) como el poeta y músico más influyente del siglo XX en lengua inglesa. Dylan escribió este tema, que aparece en su álbum “John Wesley Harding” del 67, tras el piñazo que se dio con su moto Triumph. Esto le valió y el estar unos cuantos de años sin dar giras, replantearse su trayectoria artística, incluido sus virajes al judaísmo primero, y el cristianismo después. “All along the watchtower” ha sido versionada por diferentes artistas y diferentes géneros musicales por la profunda y metafórica poesía en su letra. La temática del disco vuelve a las raíces folk con un tono rural y con letras influida por una conversión al cristianismo, posterior al trauma del accidente, que como ya hemos visto pues se dio en torno a finales del 66 tras el disco glorioso “Blonde on blonde”. Como nos tiene acostumbrado Dylan, no son letras de una sola lectura y la canción de “All along the watchtower” ha sido objeto de diversas interpretaciones. En líneas generales usa las parábolas bíblicas y las metáforas para denunciar al desmedido capitalismo, pero también usa su situación de agobio personal por el accidente. Habla sobre las explotaciones de las compañías discográficas, etc… todo ello con un lenguaje musical con referencia al cristianismo como tabla de salvación. JIMI HENDRIX: https://www.youtube.com/watch?v=wVLqFQ5QT7Y Sin embargo la más conocida fue la interpretada por el gran Jimi Hendrix que para muchos mejoró la canción original pero también fue versionada por otros artistas como veremos más adelante. ¿Qué le hizo a Jimi Hendrix versionar esta canción? “Jimi Allen Hendrix” (curioso esto de Allen, al igual que Dylan) siempre pensó que era más guitarrista que otra cosa. Pero escuchó a Bob Dylan cantar y pensó que él también lo podía hacer y tener éxito. Pues nada dicho y hecho. Efectivamente con respecto a esta canción, tras seis meses de salir el original de Dylan, Hendrix grabó una de las mejores versiones de “All along the watchtower”. Incluso probablemente superando la original. ¿Por qué? Bajo mi punto de vista, el de Seattle confiere al tema una fuerza inusitada en el que despliega su habilidad guitarrística en torno a los solo tres acordes de los que costaba la canción. El efecto sonoro de las cuerdas de Hendrix sustituye en los espacios instrumentales a la armónica de Dylan, para mi gusto una armónica demasiado machacona y monotónica, la voz de Hendrix va a la par y encaja como un guante en la canción. Dylan se rindió a esta versión, que adoptó en sus actuaciones, precisamente “All along the watchtower” sea una de las canciones que más haya tocado en directo. U2: https://www.youtube.com/watch?v=O2Fu8kSlmTw Hemos de recordar que se han hecho numerosas versiones de “All along the watchtower”, además de la de Hendrix, entre la que destacan la de U2 (canción recogida en el disco del año 88 “Rattle and Hum”). “Rattle and Hum” fue un disco que venía acompañado también un documental (yo tenía una copia en cinta de casete de ese disco… que de tiempo) Esta versión, más moderna, le confiere mayor contundencia en parte por su producción y también por la espectacular fuerza vocal de Bono. LOS SUAVES: https://www.youtube.com/watch?v=etDzmJB_aKk En nuestro país también Los Suaves versionaron este tema de Dylan que además fue incluido en el disco de 1993 “Malas noticias” y aunque lo interprete con su típica energía pues conserva la base original de la canción. CONCLUSIONES Como veis, esto de las versiones da para muchos libros y no es más que la punta de un iceberg. En realidad os he hablado de episodios muy sonados de la música de rock a nivel Dios, o si quieres, populares. Pero ¿cuántos casos hay a otros niveles? Canciones añejas cubiertas por un fino barniz de originalidad, que en realidad son versiones de originales, camufladas con otro título. Son canciones fake vendidas como originales creativos… Eso da para otro podcast, amigos. Me despido, no sin antes agradecer a los que hacen posible el programa de “Explorando Versiones” y a todos vosotros desearos mucha salud y rock and roll. Hasta la vista amigos.https://www.ivoox.com/022-explorando-versiones-hallelujah-audios-mp3_rf_132314104_1.htmlFri, 02 Aug 2024 08:02:42 +020022:21122fullhttps://www.ivoox.com/132314104locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola, soy Jorge Jorge Vongrej, miembro de bandas como Fricky Martin, Tyrannen Quartett o Peter Roster y hoy en Explorando Versiones os voy a hablar de “Hallelujah” de Leonard Cohen. LEONARD COHEN - HALLELUJAH: https://www.youtube.com/watch?v=ttEMYvpoR-k Esta canción realmente se ha convertido en un clásico y es una canción muy versionada. En cuanto a Leonard Cohen, siempre se ha hablado de su importancia como poeta, cuando realmente no conozco mucha gente que haya leído poesía de Leonard Cohen. Y también como músico considero que como cantante deja mucho que desear y sus producciones musicales y arreglos la verdad es que no me termina de convencer. Sin embargo cuando un buen cantante o músico versiona una canción de Leonard Cohen con sus acordes, su melodía, creo que la lleva a otra dimensión. De hecho es lo que pasó con este tema. JOHN CALE: https://www.youtube.com/watch?v=jdS9dJEtx3g Según la Wikipedia, que es donde acudimos todos para enterarnos de lo que ha ocurrido con las cosas y la historia, esta canción, el Hallelujah, se hizo famosa en 1991 gracias a una versión que hizo el famoso John Cale... Bueno no tan famoso, músico de culto que es más conocido por haber compartido junto a Lou Reed haber sido los líderes de Velvet Underground. Entonces esta canción, que luego utilizaron para la banda sonora de Shrek, hizo un versión en el 91 “John Cale”, así con su pianito y demás y la verdad que tuvo mucho éxito ya a partir de ahí se convirtió en un clásico. RUFUS WAINWRIGHT: https://www.youtube.com/watch?v=xR0DKOGco_o La canción, que a simple escucha puede parecer un tema religioso y tiene muchas referencias bíblicas, mi interpretación es que en realidad una canción de amor y se refiere a un acto de celebración de un amor que no terminó bien, pero que para Leonard Cohen fue especialmente importante. Y continuando con las versiones, y tras la versión de John Cale, destacaros la versión que hizo Rufus Wainwright, que es canadiense como era Leonard Cohen, que le da un tono melodramático y con un punto de emoción extra con esa voz que tiene Rufus… BONO: https://www.youtube.com/watch?v=R9ozN9WBJMY Y ahora vamos con una versión que en mi opinión es un destrozo. Esta versión no es muy afortunada, pero me parece muy interesante que escuchemos esta versión elaborada por un personaje tan famoso como Bono, el cantante de U2, para un disco de versiones o tributo a Leonard Cohen metió esta canción queriendo darle un toque trip-hopero muy en los 90 y yo no termino de entenderla, pero creo que es interesante escuchar otra manera de enfocar el tema. ENRIQUE MORENTE & LAGARTIJA NICK: https://www.youtube.com/watch?v=vfIcSb5oJY0 Y ahora nos venimos a España. Sí, en España también se han hecho versiones de esta canción. Quizás la más importante o que más repercusión ha tenido es la que incluyó Enrique Morente con Lagartija Nick en el famosísimo y muy respetado por la crítica disco Omega. Es una versión muy libre con un enfoque flamenco o flamenco rock, como le queramos llamar, y bueno creo que tenía que estar aquí. SURFIN' BICHOS: https://www.youtube.com/watch?v=7eHGwrCpWio Y seguimos en España con una traducción bastante fidedigna de la letra y realizada por Surfin' Bichos, con esa voz tan trágica y como de yonki desesperado de Fernando Alfaro. Esta también es interesante este Hallelujah de Surfin' Bichos. JEFF BUCKLEY: https://www.youtube.com/watch?v=y8AWFf7EAc4 Y terminamos con este repaso a las versiones de “Hallelujah” de Leonard Cohen con la versión que me ha motivado a elegir este tema que es la versión de Jeff Buckley. El tono trágico y emocional se acentúa al saber que un par de años después de grabar esta versión, el cantante murió ahogado en el Mississippi, siendo bastante joven. Así que cuando escucho esta canción, solo con guitarra y voz, de verdad que me cuesta no llorar porque me da la sensación de que me está llegando desde el más allá. El acorde secreto lo descubrió Jeff: rest in peace. CONCLUSIONES. Y hasta aquí el programa de hoy de” Explorando Versiones”. Os emplazo a escuchar los próximos programas, a seguir “Locos por Incordiar” y ser auténticos frikis de la música como nosotros. Muchas gracias por vuestra atención y hasta pronto.locosporincordiarHola, soy Jorge Jorge Vongrej, miembro de bandas como Fricky Martin, Tyrannen Quartett o Peter Roster y hoy en Explorando Versiones os voy a hablar de “Hallelujah” de Leonard Cohen. LEONARD COHEN - HALLELUJAH: https://www.youtube.com/watch?v=ttEMYvpoR-k Esta canción realmente se ha convertido en un clásico y es una canción muy versionada. En cuanto a Leonard Cohen, siempre se ha hablado de su importancia como poeta, cuando realmente no conozco mucha gente que haya leído poesía de Leonard Cohen. Y también como músico considero que como cantante deja mucho que desear y sus producciones musicales y arreglos la verdad es que no me termina de convencer. Sin embargo cuando un buen cantante o músico versiona una canción de Leonard Cohen con sus acordes, su melodía, creo que la lleva a otra dimensión. De hecho es lo que pasó con este tema. JOHN CALE: https://www.youtube.com/watch?v=jdS9dJEtx3g Según la Wikipedia, que es donde acudimos todos para enterarnos de lo que ha ocurrido con las cosas y la historia, esta canción, el Hallelujah, se hizo famosa en 1991 gracias a una versión que hizo el famoso John Cale... Bueno no tan famoso, músico de culto que es más conocido por haber compartido junto a Lou Reed haber sido los líderes de Velvet Underground. Entonces esta canción, que luego utilizaron para la banda sonora de Shrek, hizo un versión en el 91 “John Cale”, así con su pianito y demás y la verdad que tuvo mucho éxito ya a partir de ahí se convirtió en un clásico. RUFUS WAINWRIGHT: https://www.youtube.com/watch?v=xR0DKOGco_o La canción, que a simple escucha puede parecer un tema religioso y tiene muchas referencias bíblicas, mi interpretación es que en realidad una canción de amor y se refiere a un acto de celebración de un amor que no terminó bien, pero que para Leonard Cohen fue especialmente importante. Y continuando con las versiones, y tras la versión de John Cale, destacaros la versión que hizo Rufus Wainwright, que es canadiense como era Leonard Cohen, que le da un tono melodramático y con un punto de emoción extra con esa voz que tiene Rufus… BONO: https://www.youtube.com/watch?v=R9ozN9WBJMY Y ahora vamos con una versión que en mi opinión es un destrozo. Esta versión no es muy afortunada, pero me parece muy interesante que escuchemos esta versión elaborada por un personaje tan famoso como Bono, el cantante de U2, para un disco de versiones o tributo a Leonard Cohen metió esta canción queriendo darle un toque trip-hopero muy en los 90 y yo no termino de entenderla, pero creo que es interesante escuchar otra manera de enfocar el tema. ENRIQUE MORENTE & LAGARTIJA NICK: https://www.youtube.com/watch?v=vfIcSb5oJY0 Y ahora nos venimos a España. Sí, en España también se han hecho versiones de esta canción. Quizás la más importante o que más repercusión ha tenido es la que incluyó Enrique Morente con Lagartija Nick en el famosísimo y muy respetado por la crítica disco Omega. Es una versión muy libre con un enfoque flamenco o flamenco rock, como le queramos llamar, y bueno creo que tenía que estar aquí. SURFIN' BICHOS: https://www.youtube.com/watch?v=7eHGwrCpWio Y seguimos en España con una traducción bastante fidedigna de la letra y realizada por Surfin' Bichos, con esa voz tan trágica y como de yonki desesperado de Fernando Alfaro. Esta también es interesante este Hallelujah de Surfin' Bichos. JEFF BUCKLEY: https://www.youtube.com/watch?v=y8AWFf7EAc4 Y terminamos con este repaso a las versiones de “Hallelujah” de Leonard Cohen con la versión que me ha motivado a elegir este tema que es la versión de Jeff Buckley. El tono trágico y emocional se acentúa al saber que un par de años después de grabar esta versión, el cantante murió ahogado en el Mississippi, siendo bastante joven. Así que cuando escucho esta canción, solo con guitarra y voz, de verdad que me cuesta no llorar porque me da la sensación de que me está llegando desde el más allá. El acorde secreto lo descubrió Jeff: rest in peace. CONCLUSIONES. Y hasta aquí el programa de hoy de” Explorando Versiones”. Os emplazo a escuchar los próximos programas, a seguir “Locos por Incordiar” y ser auténticos frikis de la música como nosotros. Muchas gracias por vuestra atención y hasta pronto.https://www.ivoox.com/021-explorando-versiones-la-mer-audios-mp3_rf_132086792_1.htmlFri, 26 Jul 2024 08:05:59 +020025:37121fullhttps://www.ivoox.com/132086792locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)no¡Hola, amantes de la música! Os damos la bienvenida a "Explorando Versiones", el programa donde nos sumergimos en las diferentes interpretaciones del panorama musical. Soy Pepe Carmona, su locutor, quizás me conozcas por mis programas "La Nacional", dedicado al pop y rock, y "Rincón Flamenco", que como su nombre indica, nos traslada al flamenco. Hoy en “Explorando Versiones” nos adentramos en las profundidades de “La Mer” (la mar), una canción con más de 400 versiones, según fuentes de la red. Como no tenemos tiempo para tantas, nos centraremos en las más conocidas y comerciales, incluyendo algunas de antaño y otras más actuales. Entre otras tendremos la versión de La vocalista suiza Tatiana Eva-Marie, la de Robbie William, Julio Iglesias, y la original del creador de este tema el francés Charles Trenet CHARLES TRENET - LA MER: https://youtu.be/qEkd1qWonj8?si=mbhL5wq89QHWY0Gj "La Mer" es una canción original del compositor francés Charles Trenet, uno de los más famosos de su época. Al parecer, Trenet compuso esta melodía junto a Leo Chauliac en un tren en 1943, siendo grabada por primera vez en 1946. "La Mer" es quizás aún más conocida gracias a sus versiones en otros idiomas, cantándose más de 400 de éstas. Charles Trenet nació en Narbonne (Francia) en 1913. Pasó su juventud en París y Berlín. A su regreso a Francia en 1930 trabajó en cabarets hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, momento en que marchó a Estados Unidos donde realizó una breve pero intensa carrera artística. En 1951 regresa a Francia donde sigue cantando hasta 1975, año en que decide retirarse de la escena artística. En 1999, más de 50 años después de componer su legendario clásico "La Mer", a la edad de 86 años Trenet volvió a grabar un álbum,"Les poètes descendent dans la rue", con 14 nuevas canciones. En vista del éxito del álbum, Trenet decidió volver a cantar en público. Sus conciertos fueron un éxito total hasta su muerte en 2001. BOBBY DARIN - BEYOND THE SEA: https://www.youtube.com/watch?v=4T_7M-0lwds La versión de Bobby Darin en inglés, "Beyond the Sea", es muy popular. La escuchamos en su voz, quien la grabó en 1959. "Beyond the Sea" alcanzó el puesto número 6 en el Billboard Hot 100 en 1959, el puesto 15 en la lista de R&B de Estados Unidos y el puesto 8 en la lista de singles del Reino Unido. Este tema nunca fue número uno pero, vendió varios millones de copias y gracias a esta canción recorrió grandes escenarios del mundo. Bobby También hizo incursiones en la política, trabajando en 1968 para la campaña presidencial de su amigo Robert Kennedy, cuyo asesinato marcó al artista y este publicó dos álbumes protesta de música Folk americana. Disfrutamos de esta versión que está grabada en directo y tiene una duración de casi 10 minutos ROBBIE WILLIAMS - BEYOND THE SEA: https://www.youtube.com/watch?v=FzKpTdQeQ34 "La Mer" es una canción que sigue viva. La encontramos en diferentes versiones a lo largo de las décadas, desde las más clásicas hasta las más modernas. Los más jóvenes, quizás, la reconocen por el paso a la gran pantalla en la película "Buscando a Nemo". La escuchamos ahora en su versión de Robbie Williams. JULIO IGLESIAS - LA MER: https://www.youtube.com/watch?v=zGcp3_OT2-0 Es acreditado como el artista en habla hispana más exitoso de la historia. En 1983 fue reconocido como el artista que más discos ha vendido en más idiomas en el mundo y en 2013 como el artista latino que más música ha vendido en la historia. En el año 1976 también cantó “La mer” en francés… con BMG Music Spain, estamos hablando de Julio Iglesias. TATIANA EVA-MARIE & AVALON JAZZ BAND - LA MER: https://www.youtube.com/watch?v=a5Za8pKGT2E Hoy nos encontramos con versiones frescas y emocionantes. Entre mis favoritas, destacamos la versión en la voz de Tatiana Eva-Marie y la banda de jazz Avalon. La vocalista suiza Tatiana Eva-Marie es una vocalista de primera talla, fue nombrada estrella emergente del jazz por Vanity Fair hace unos años y recibió elogios notorios en prensa como The New York Times. Ha actuado como telonera de Norah Jones o en los estrenos de películas de Hollywood y series como Mad Men, así como en eventos de todo el mundo, en este caso acompañada de la banda de jazz Avalon. CONCLUSIONES "La Mer" es una canción que ha cautivado a generaciones. Esperamos que hayan disfrutado de este viaje por las versiones de esta obra maestra. Me permito el atrevimiento de dedicar este espacio a Jose Emilio que pasó largo tiempo en francia, y seguro que lo disfruto. Nos oímos en "Explorando Versiones" en la próxima edición, con otra canción inolvidable. Saludos de Pepe Carmona ¡Hasta pronto!locosporincordiar¡Hola, amantes de la música! Os damos la bienvenida a "Explorando Versiones", el programa donde nos sumergimos en las diferentes interpretaciones del panorama musical. Soy Pepe Carmona, su locutor, quizás me conozcas por mis programas "La Nacional", dedicado al pop y rock, y "Rincón Flamenco", que como su nombre indica, nos traslada al flamenco. Hoy en “Explorando Versiones” nos adentramos en las profundidades de “La Mer” (la mar), una canción con más de 400 versiones, según fuentes de la red. Como no tenemos tiempo para tantas, nos centraremos en las más conocidas y comerciales, incluyendo algunas de antaño y otras más actuales. Entre otras tendremos la versión de La vocalista suiza Tatiana Eva-Marie, la de Robbie William, Julio Iglesias, y la original del creador de este tema el francés Charles Trenet CHARLES TRENET - LA MER: https://youtu.be/qEkd1qWonj8?si=mbhL5wq89QHWY0Gj "La Mer" es una canción original del compositor francés Charles Trenet, uno de los más famosos de su época. Al parecer, Trenet compuso esta melodía junto a Leo Chauliac en un tren en 1943, siendo grabada por primera vez en 1946. "La Mer" es quizás aún más conocida gracias a sus versiones en otros idiomas, cantándose más de 400 de éstas. Charles Trenet nació en Narbonne (Francia) en 1913. Pasó su juventud en París y Berlín. A su regreso a Francia en 1930 trabajó en cabarets hasta el final de la Segunda Guerra Mundial, momento en que marchó a Estados Unidos donde realizó una breve pero intensa carrera artística. En 1951 regresa a Francia donde sigue cantando hasta 1975, año en que decide retirarse de la escena artística. En 1999, más de 50 años después de componer su legendario clásico "La Mer", a la edad de 86 años Trenet volvió a grabar un álbum,"Les poètes descendent dans la rue", con 14 nuevas canciones. En vista del éxito del álbum, Trenet decidió volver a cantar en público. Sus conciertos fueron un éxito total hasta su muerte en 2001. BOBBY DARIN - BEYOND THE SEA: https://www.youtube.com/watch?v=4T_7M-0lwds La versión de Bobby Darin en inglés, "Beyond the Sea", es muy popular. La escuchamos en su voz, quien la grabó en 1959. "Beyond the Sea" alcanzó el puesto número 6 en el Billboard Hot 100 en 1959, el puesto 15 en la lista de R&B de Estados Unidos y el puesto 8 en la lista de singles del Reino Unido. Este tema nunca fue número uno pero, vendió varios millones de copias y gracias a esta canción recorrió grandes escenarios del mundo. Bobby También hizo incursiones en la política, trabajando en 1968 para la campaña presidencial de su amigo Robert Kennedy, cuyo asesinato marcó al artista y este publicó dos álbumes protesta de música Folk americana. Disfrutamos de esta versión que está grabada en directo y tiene una duración de casi 10 minutos ROBBIE WILLIAMS - BEYOND THE SEA: https://www.youtube.com/watch?v=FzKpTdQeQ34 "La Mer" es una canción que sigue viva. La encontramos en diferentes versiones a lo largo de las décadas, desde las más clásicas hasta las más modernas. Los más jóvenes, quizás, la reconocen por el paso a la gran pantalla en la película "Buscando a Nemo". La escuchamos ahora en su versión de Robbie Williams. JULIO IGLESIAS - LA MER: https://www.youtube.com/watch?v=zGcp3_OT2-0 Es acreditado como el artista en habla hispana más exitoso de la historia. En 1983 fue reconocido como el artista que más discos ha vendido en más idiomas en el mundo y en 2013 como el artista latino que más música ha vendido en la historia. En el año 1976 también cantó “La mer” en francés… con BMG Music Spain, estamos hablando de Julio Iglesias. TATIANA EVA-MARIE & AVALON JAZZ BAND - LA MER: https://www.youtube.com/watch?v=a5Za8pKGT2E Hoy nos encontramos con versiones frescas y emocionantes. Entre mis favoritas, destacamos la versión en la voz de Tatiana Eva-Marie y la banda de jazz Avalon. La vocalista suiza Tatiana Eva-Marie es una vocalista de primera talla, fue nombrada estrella emergente del jazz por Vanity Fair hace unos años y recibió elogios notorios en prensa como The New York Times. Ha actuado como telonera de Norah Jones o en los estrenos de películas de Hollywood y series como Mad Men, así como en eventos de todo el mundo, en este caso acompañada de la banda de jazz Avalon. CONCLUSIONES "La Mer" es una canción que ha cautivado a generaciones. Esperamos que hayan disfrutado de este viaje por las versiones de esta obra maestra. Me permito el atrevimiento de dedicar este espacio a Jose Emilio que pasó largo tiempo en francia, y seguro que lo disfruto. Nos oímos en "Explorando Versiones" en la próxima edición, con otra canción inolvidable. Saludos de Pepe Carmona ¡Hasta pronto!https://www.ivoox.com/020-explorando-versiones-unchain-my-heart-audios-mp3_rf_131828561_1.htmlFri, 19 Jul 2024 07:53:40 +020017:55120fullhttps://www.ivoox.com/131828561locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)no¡¡Hola a todos!! Soy Javi Cambra. Un abrazo muy grande para toda la gente guapa y simpática que escucha el podcast. Hoy dejo descansando a mi saxo y os traigo todo un icono del soul y del rock: el temazo “unchain my heart”. RAY CHARLES: https://www.youtube.com/watch?v=IF6oPteOg48 Corría el año 1961, la guerra fría amenazaba al mundo con una guerra nuclear, Yuri Gagarin se convirtió en el primer hombre en salir al espacio, la invasión de Bahía Cochinos, en Cuba, fracasó, y mientras tanto, en España, se rodó la película “El Cid”, protagonizada por Charlton Heston y Sofía Loren. En este año, Ray Charles, graba “Unchain my heart”, cuya versión acabamos de escuchar, que acabaría siendo una de sus canciones más emblemáticas. Qué os puedo decir del gran Ray, es uno de mis cantantes favoritos, me faltan las palabras para describirle, sobran los calificativos cuando hablamos de un hombre que se dejaba el alma en cada nota que cantaba o que tocaba al piano. El lanzamiento de este tema fue todo un éxito, ya que alcanzó el puesto número 9 en la lista de R&B de Billboard y el número 20 en el Billboard Hot 100 en este mismo año. Mucha gente piensa que este tema fue compuesto por el propio Ray Charles, pero su verdadero autor fue Bobby Sharp, quien en ese momento estaba luchando contra su adicción a las drogas y vendió los derechos por 50 dólares debido a su necesidad de dinero. Muchos años después, concretamente en 1988, y después de una larguísima batalla legal, Bobby Sharp finalmente recuperó los derechos de su canción, lo que le permitió finalmente beneficiarse económicamente del rotundo éxito de su creación. Recuperar los derechos de la canción fue una redención personal para él, permitiéndole disfrutar del éxito que siempre mereció por su contribución a la música. Durante la grabación original de Ray Charles, la canción fue interpretada brillantemente por su banda habitual, creando un arreglo sofisticado y complejo en el que destaca una vibrante sección de metal y un solo de saxo del gran “Fathead” Newman con un Groove increíble (si no se te van los pies bailando este tema es que no tienes alma en el cuerpo). Por su parte, las Raelettes se encargaron de los coros que complementaron a la voz principal. La sesión de grabación fue descrita como intensa y cargada de emoción, capturando la esencia de la lucha y la liberación que Sharp intentó plasmar en su composición. La versión de Ray Charles ha sido remasterizada y reeditada varias veces, permitiéndonos hoy en día disfrutar de esa integridad del sonido y la emoción que tiene este tema. Ray Charles solía incluirla en sus conciertos, considerándose ese momento el punto culminante de los mismos. La interpretación de Ray Charles fue incluida en el Grammy Hall of Fame y el Salón de la Fama del Rock and Roll, reconociendo su importancia y legado en la música rock y soul. ¿De qué trata unchain my heart? Os lo cuento después de una versión que no necesita presentación… JOE COCKER: https://www.youtube.com/watch?v=vYuhA1rQkaM Esa voz rota y poderosa, ese arreglo adaptado a los años 80, ese solo de saxo del gran Clarence Clemons que me pone los pelos de punta… efectivamente, es el león de Sheffield: el incombustible Joe Cocker! En 1987 nos encontramos a un Joe Cocker arruinado y con ganas de relanzar su carrera musical, y publica el que será su undécimo álbum de estudio, que lleva el mismo nombre del tema que estamos viendo. Afortunadamente, consiguió sobradamente su objetivo, ya que precisamente esta versión se convirtió en un éxito internacional y uno de sus temas estrella. El interés por este tema se revitalizó gracias a esta adaptación. Esta versión consolidó a Cocker como una fuerza en el mundo del rock y el soul. Su interpretación enérgica y apasionada de la canción es una de sus actuaciones más recordadas, así como una pieza central en sus conciertos, conectando emocionalmente con su público. Este tema, por supuesto, también sonó en los numerosos conciertos benéficos para recaudar fondos para diversas causas en los que colaboraba el león de Sheffield. Una de las actuaciones en vivo más memorables de “Unchain My Heart” fue la de Joe Cocker en el festival de música de Woodstock ’94. Su interpretación electrizante fue aclamada por críticos y fanáticos, consolidando aún más la canción en su repertorio. Aparentemente, "Unchain My Heart" habla de una relación que se desintegra. Su letra es un grito que pide desesperadamente liberarse de un amor agobiante y no correspondido. Sin embargo, el propio Bobby Sharp, el padre de la criatura, reveló que se trata de una metáfora que describe su propia lucha para liberarse de las cadenas de las drogas. La frase "desencadena mi corazón, cariño, déjame ser" es una súplica del intérprete, que lucha para ser liberado de los confines de una relación que ya no le aporta ninguna felicidad o satisfacción, y grita desesperado para escapar del cautiverio emocional que está experimentando. A continuación, Joe Cocker nos dice "Porque no te importa, por favor, déjame libre" recalcando que el amor se ha desvanecido y que el prota no está siendo correspondido. Por si queda alguna duda, después afirma rotundamente "Desencadena mi corazón, porque ya no me amas". Creo que la cosa queda clara… La voz áspera y potente de Joe Cocker nos transmite la desesperación de un hombre que sufre amargamente. "Cada vez que te llamo por teléfono, alguien me dice que no estás en casa" “me tienes cosido como una funda de almohada, pero dejaste que mi amor se desperdiciara”… Joe, esa mujer no me gusta para ti… Sin embargo, en la sección del puente de la canción tiene un tono ligeramente diferente. Las frases "Estoy bajo tu hechizo, como un hombre en trance, cariño. Oh, pero sabes muy bien que no tengo ninguna oportunidad" revelan la lucha interna del prota, que, a pesar de ser consciente de que esa relación no va para ningún lado, continúa hechizado por su pareja. Este dilema le da mayor complejidad a la historia que nos cuenta la canción. Afortunadamente, a continuación, se disipan las dudas del prota cuando dice "¿Por qué me llevas a través de una vida de miseria cuando no te importo un comino?" Esto no hace sino expresar el costo emocional que la relación ha tenido para él. La canción encierra un poderoso mensaje: el amor debe ser una experiencia recíproca y que nos aporte cosas positivas, y que a veces la mejor solución para encontrar nuestra propia felicidad es desencadenarnos de aquellas relaciones poco saludables. TRINI LÓPEZ: https://www.youtube.com/watch?v=rbR5MY5MMns Ahora os voy a dejar en la compañía de Trini López y su particular versión del tema que nos ocupa. A Trini López lo descubrí hace relativamente poco gracias a esta versión. Se trata de un intérprete de raíces mejicanas, conocido por fusionar la música folk y el rockabilly, dando como resultado versiones como la que acabamos de escuchar, de su álbum debut. Os animo a escuchar temas de Trini López, porque os vais a sorprender. Unchain my heart ha sido versionada por numerosos artistas, cada uno, como hemos podido ver, aportando su propio estilo y sabor a la canción. Esto ha conseguido que el tema mantenga su popularidad y relevancia a lo largo de las décadas, influyendo en generaciones de músicos y oyentes. HUGH LAURIE: https://www.youtube.com/watch?v=8HrmAgYE-6k Algunas de estas versiones son las interpretadas por Hugh Laurie (el que hace del Doctor House)... THE RIVINGTONES: https://www.youtube.com/watch?v=Nswps_1Nb6U The Rivingtones, en estilo Doo Wap... EMERSON NOGUEIRA: https://www.youtube.com/watch?v=GoaF6Gb8ij0 Emerson Nogueira, en versión acústica... ...Incluso la rana Gustavo hizo su versión en el show de los teleñecos. Además, la canción ha aparecido en numerosas películas, programas de televisión y anuncios, lo cual ha hecho que sea un tema muy reconocido en la cultura popular. Algunas de las películas en las que aparece son “Ray” (lógicamente, no podía faltar en la biografía de Ray Charles) de 2004, y “Sleepless in Seatle” (1993). BIJELE STRIJELE: https://www.youtube.com/watch?v=S9XZdiixB20 La canción también ha sido adaptada y versionada en otros idiomas, mostrando su influencia global… ¿Cómo van vuestros conocimiento de yugoslavo? Supongo que igual que los míos, pero quería aprovechar la ocasión para que escucharais esta rareza de (a ver si lo pronuncio bien…) Bijele Strijele, quien hizo esta versión. La frase “Unchain My Heart” ha sido utilizada en diversos contextos culturales, simbolizando la liberación y la búsqueda de libertad personal Durante los años 60, Ray Charles y su música fueron símbolos de resistencia y esperanza para muchos en el movimiento de derechos civiles en los Estados Unidos. “Unchain My Heart” resonaba con los temas de liberación y búsqueda de libertad. Tanto en su lanzamiento original como en las décadas siguientes, “Unchain My Heart” ha recibido elogios de la crítica por su composición, interpretación y producción. Ha sido descrita como una obra maestra del soul y una de las mejores actuaciones de Ray Charles. “Unchain My Heart” ha influido en artistas de diferentes géneros más allá del R&B y el soul. La canción ha sido versionada en estilos como el jazz, el rock y el pop, mostrando su versatilidad y atractivo universal. Tras la muerte de Ray Charles en 2004 y Joe Cocker en 2014, numerosos conciertos y eventos tributo han presentado “Unchain My Heart” como una forma de honrar su legado y celebrar su contribución a la música. CONCLUSIONES Aunque la canción se originó en los Estados Unidos, su impacto ha sido global, con versiones y adaptaciones en múltiples idiomas y estilos, convirtiéndose en un auténtico icono. Y esto ha sido todo, espero que os haya gustado. Nos vemos pronto aquí, o en los conciertos o en los bares. Os envío un fuerte abrazo.locosporincordiar¡¡Hola a todos!! Soy Javi Cambra. Un abrazo muy grande para toda la gente guapa y simpática que escucha el podcast. Hoy dejo descansando a mi saxo y os traigo todo un icono del soul y del rock: el temazo “unchain my heart”. RAY CHARLES: https://www.youtube.com/watch?v=IF6oPteOg48 Corría el año 1961, la guerra fría amenazaba al mundo con una guerra nuclear, Yuri Gagarin se convirtió en el primer hombre en salir al espacio, la invasión de Bahía Cochinos, en Cuba, fracasó, y mientras tanto, en España, se rodó la película “El Cid”, protagonizada por Charlton Heston y Sofía Loren. En este año, Ray Charles, graba “Unchain my heart”, cuya versión acabamos de escuchar, que acabaría siendo una de sus canciones más emblemáticas. Qué os puedo decir del gran Ray, es uno de mis cantantes favoritos, me faltan las palabras para describirle, sobran los calificativos cuando hablamos de un hombre que se dejaba el alma en cada nota que cantaba o que tocaba al piano. El lanzamiento de este tema fue todo un éxito, ya que alcanzó el puesto número 9 en la lista de R&B de Billboard y el número 20 en el Billboard Hot 100 en este mismo año. Mucha gente piensa que este tema fue compuesto por el propio Ray Charles, pero su verdadero autor fue Bobby Sharp, quien en ese momento estaba luchando contra su adicción a las drogas y vendió los derechos por 50 dólares debido a su necesidad de dinero. Muchos años después, concretamente en 1988, y después de una larguísima batalla legal, Bobby Sharp finalmente recuperó los derechos de su canción, lo que le permitió finalmente beneficiarse económicamente del rotundo éxito de su creación. Recuperar los derechos de la canción fue una redención personal para él, permitiéndole disfrutar del éxito que siempre mereció por su contribución a la música. Durante la grabación original de Ray Charles, la canción fue interpretada brillantemente por su banda habitual, creando un arreglo sofisticado y complejo en el que destaca una vibrante sección de metal y un solo de saxo del gran “Fathead” Newman con un Groove increíble (si no se te van los pies bailando este tema es que no tienes alma en el cuerpo). Por su parte, las Raelettes se encargaron de los coros que complementaron a la voz principal. La sesión de grabación fue descrita como intensa y cargada de emoción, capturando la esencia de la lucha y la liberación que Sharp intentó plasmar en su composición. La versión de Ray Charles ha sido remasterizada y reeditada varias veces, permitiéndonos hoy en día disfrutar de esa integridad del sonido y la emoción que tiene este tema. Ray Charles solía incluirla en sus conciertos, considerándose ese momento el punto culminante de los mismos. La interpretación de Ray Charles fue incluida en el Grammy Hall of Fame y el Salón de la Fama del Rock and Roll, reconociendo su importancia y legado en la música rock y soul. ¿De qué trata unchain my heart? Os lo cuento después de una versión que no necesita presentación… JOE COCKER: https://www.youtube.com/watch?v=vYuhA1rQkaM Esa voz rota y poderosa, ese arreglo adaptado a los años 80, ese solo de saxo del gran Clarence Clemons que me pone los pelos de punta… efectivamente, es el león de Sheffield: el incombustible Joe Cocker! En 1987 nos encontramos a un Joe Cocker arruinado y con ganas de relanzar su carrera musical, y publica el que será su undécimo álbum de estudio, que lleva el mismo nombre del tema que estamos viendo. Afortunadamente, consiguió sobradamente su objetivo, ya que precisamente esta versión se convirtió en un éxito internacional y uno de sus temas estrella. El interés por este tema se revitalizó gracias a esta adaptación. Esta versión consolidó a Cocker como una fuerza en el mundo del rock y el soul. Su interpretación enérgica y apasionada de la canción es una de sus actuaciones más recordadas, así como una pieza central en sus conciertos, conectando emocionalmente con su público. Este tema, por supuesto, también sonó en los numerosos conciertos benéficos para recaudar fondos para diversas causas en los que colaboraba el león de Sheffield. Una de las actuaciones en vivo más memorables de “Unchain My Heart” fue la de Joe Cocker en el festival de música de Woodstock ’94. Su interpretación electrizante fue aclamada por críticos y fanáticos, consolidando aún más la canción en su repertorio. Aparentemente, "Unchain My Heart" habla de una relación que se desintegra. Su letra es un grito que pide desesperadamente liberarse de un amor agobiante y no correspondido. Sin embargo, el propio Bobby Sharp, el padre de la criatura, reveló que se trata de una metáfora que describe su propia lucha para liberarse de las cadenas de las drogas. La frase "desencadena mi corazón, cariño, déjame ser" es una súplica del intérprete, que lucha para ser liberado de los confines de una relación que ya no le aporta ninguna felicidad o satisfacción, y grita desesperado para escapar del cautiverio emocional que está experimentando. A continuación, Joe Cocker nos dice "Porque no te importa, por favor, déjame libre" recalcando que el amor se ha desvanecido y que el prota no está siendo correspondido. Por si queda alguna duda, después afirma rotundamente "Desencadena mi corazón, porque ya no me amas". Creo que la cosa queda clara… La voz áspera y potente de Joe Cocker nos transmite la desesperación de un hombre que sufre amargamente. "Cada vez que te llamo por teléfono, alguien me dice que no estás en casa" “me tienes cosido como una funda de almohada, pero dejaste que mi amor se desperdiciara”… Joe, esa mujer no me gusta para ti… Sin embargo, en la sección del puente de la canción tiene un tono ligeramente diferente. Las frases "Estoy bajo tu hechizo, como un hombre en trance, cariño. Oh, pero sabes muy bien que no tengo ninguna oportunidad" revelan la lucha interna del prota, que, a pesar de ser consciente de que esa relación no va para ningún lado, continúa hechizado por su pareja. Este dilema le da mayor complejidad a la historia que nos cuenta la canción. Afortunadamente, a continuación, se disipan las dudas del prota cuando dice "¿Por qué me llevas a través de una vida de miseria cuando no te importo un comino?" Esto no hace sino expresar el costo emocional que la relación ha tenido para él. La canción encierra un poderoso mensaje: el amor debe ser una experiencia recíproca y que nos aporte cosas positivas, y que a veces la mejor solución para encontrar nuestra propia felicidad es desencadenarnos de aquellas relaciones poco saludables. TRINI LÓPEZ: https://www.youtube.com/watch?v=rbR5MY5MMns Ahora os voy a dejar en la compañía de Trini López y su particular versión del tema que nos ocupa. A Trini López lo descubrí hace relativamente poco gracias a esta versión. Se trata de un intérprete de raíces mejicanas, conocido por fusionar la música folk y el rockabilly, dando como resultado versiones como la que acabamos de escuchar, de su álbum debut. Os animo a escuchar temas de Trini López, porque os vais a sorprender. Unchain my heart ha sido versionada por numerosos artistas, cada uno, como hemos podido ver, aportando su propio estilo y sabor a la canción. Esto ha conseguido que el tema mantenga su popularidad y relevancia a lo largo de las décadas, influyendo en generaciones de músicos y oyentes. HUGH LAURIE: https://www.youtube.com/watch?v=8HrmAgYE-6k Algunas de estas versiones son las interpretadas por Hugh Laurie (el que hace del Doctor House)... THE RIVINGTONES: https://www.youtube.com/watch?v=Nswps_1Nb6U The Rivingtones, en estilo Doo Wap... EMERSON NOGUEIRA: https://www.youtube.com/watch?v=GoaF6Gb8ij0 Emerson Nogueira, en versión acústica... ...Incluso la rana Gustavo hizo su versión en el show de los teleñecos. Además, la canción ha aparecido en numerosas películas, programas de televisión y anuncios, lo cual ha hecho que sea un tema muy reconocido en la cultura popular. Algunas de las películas en las que aparece son “Ray” (lógicamente, no podía faltar en la biografía de Ray Charles) de 2004, y “Sleepless in Seatle” (1993). BIJELE STRIJELE: https://www.youtube.com/watch?v=S9XZdiixB20 La canción también ha sido adaptada y versionada en otros idiomas, mostrando su influencia global… ¿Cómo van vuestros conocimiento de yugoslavo? Supongo que igual que los míos, pero quería aprovechar la ocasión para que escucharais esta rareza de (a ver si lo pronuncio bien…) Bijele Strijele, quien hizo esta versión. La frase “Unchain My Heart” ha sido utilizada en diversos contextos culturales, simbolizando la liberación y la búsqueda de libertad personal Durante los años 60, Ray Charles y su música fueron símbolos de resistencia y esperanza para muchos en el movimiento de derechos civiles en los Estados Unidos. “Unchain My Heart” resonaba con los temas de liberación y búsqueda de libertad. Tanto en su lanzamiento original como en las décadas siguientes, “Unchain My Heart” ha recibido elogios de la crítica por su composición, interpretación y producción. Ha sido descrita como una obra maestra del soul y una de las mejores actuaciones de Ray Charles. “Unchain My Heart” ha influido en artistas de diferentes géneros más allá del R&B y el soul. La canción ha sido versionada en estilos como el jazz, el rock y el pop, mostrando su versatilidad y atractivo universal. Tras la muerte de Ray Charles en 2004 y Joe Cocker en 2014, numerosos conciertos y eventos tributo han presentado “Unchain My Heart” como una forma de honrar su legado y celebrar su contribución a la música. CONCLUSIONES Aunque la canción se originó en los Estados Unidos, su impacto ha sido global, con versiones y adaptaciones en múltiples idiomas y estilos, convirtiéndose en un auténtico icono. Y esto ha sido todo, espero que os haya gustado. Nos vemos pronto aquí, o en los conciertos o en los bares. Os envío un fuerte abrazo.https://www.ivoox.com/019-explorando-versiones-strychnine-audios-mp3_rf_131553567_1.htmlFri, 12 Jul 2024 07:49:03 +020015:18119fullhttps://www.ivoox.com/131553567locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola, soy Roberto del podcast Wantuki Connetion ( https://www.ivoox.com/podcast-wantuki-connection_sq_f11317560_1.html ). Hoy en Explorando Versiones hablaremos de uno de los temas más famosos de la banda estadounidense The Sonics: "Strychnine" THE SONICS: https://youtu.be/f7Nffq0bOgE?si=UD0Z0LXlCondBGD- Lanzada en 1965, esta canción fue publicada en el álbum debut de The Sonics titulado "Here Are The Sonics". Este álbum es considerado uno de los pilares del género garage rock y ha influido a numerosas bandas de rock y punk posteriores. La banda The Sonics solía grabar sus canciones con una intensidad y energía inusuales para la época, subiendo los niveles de grabación al máximo, lo que a veces causaba distorsión. Esta forma tan poco ortodoxa de grabar contribuyó al sonido distintivo de la banda, que se puede escuchar claramente en "Strychnine". La letra de la canción utiliza la estricnina, un veneno potente, como una metáfora para subrayar un deseo de experimentar sensaciones intensas y extremas. THE CRAMPS: https://youtu.be/FuKGEfTnZnM?si=Kt7cWxN6R38bnwfr The Cramps eran famosos por su estilo en vivo electrizante y su imagen excéntrica. Su versión de "Strychnine", para el álbum "Songs the Lord Taught Us" lanzado en 1980, se mantiene fiel a su sonido característico, con una mezcla de rockabilly, garage rock y punk. THE FALL: https://youtu.be/kANEK7q1Duc?si=HrqrVMENGpzIJ0so The Fall aportó su propio estilo post-punk a la canción. La versión de The Fall, grabada para su álbum de 1993 "The Infotainment Scan". es más abrasiva y experimental, con un enfoque en ritmos repetitivos y la distintiva voz de Smith, lo que le da un giro único al clásico de The Sonics. THE FUZZTONES: https://youtu.be/e5jkFI14yyk?si=ZYOY9e3Dq1urxu1K La banda neoyorkina The Fuzztones, conocidos por su devoción al sonido psicodélico y garage de los años 60, incluyó "Strychnine" en su álbum de 1985 "Lysergic Emanations". Su versión de "Strychnine" es un homenaje directo a The Sonics, con un enfoque en mantener la crudeza y la energía de la canción original. FRAU DOKTOR: https://youtu.be/FSxv4qxawHE?si=hznIUf-uKNFaYfQs La banda alemana Frau Doktor, conocida por su estilo ska y punk, han grabado una versión de "Strychnine" que incorpora elementos característicos del ska, con los ritmos alegres y los vientos típicos del género. Esta versión es una interesante adaptación de la canción original de The Sonics, que generalmente se asocia más con el garage. AGENTES SECRETOS: https://www.youtube.com/watch?v=8ztzkHt1Rwo Formados a finales de 1985 por Raúl Jiménez, Francisco Javier Burra, Manolo Gonzáles y Rafa Rodríguez. Los Agentes Secretos son uno de los primeros grupos en autodefinirse como mods, graban una maqueta con 3 temas y pronto llega su clásico “Málaga es mi ciudad” y el tema “Strychnine” THE SMOGGERS: https://youtu.be/imorEfbbA6c?si=JWMS3IRVsCIWtOk5 Con un sonido fresco y personal, que mezcla la agresividad del punk de los años 60 impulsado por el fuzz, un ritmo primitivo y el crudo sonido de garage de los años 80, La banda sevillana The Smoggers lanza a comienzos del 2024 el single SHE'S WICKED y en el que se incluye esta versión de Strychnine. CONCLUSIONES Y así concluye nuestro podcast de Explorando Versiones dedicado a "Strychnine". A través de estas diferentes interpretaciones, hemos explorado cómo una canción icónica puede ser reinterpretada y adaptada por diversas bandas, cada una aportando su propio estilo y enfoque único.. ¡¡Y recuerda: no se aceptan reclamaciones por botas desgastadas!!.... The FuzztoneslocosporincordiarHola, soy Roberto del podcast Wantuki Connetion ( https://www.ivoox.com/podcast-wantuki-connection_sq_f11317560_1.html ). Hoy en Explorando Versiones hablaremos de uno de los temas más famosos de la banda estadounidense The Sonics: "Strychnine" THE SONICS: https://youtu.be/f7Nffq0bOgE?si=UD0Z0LXlCondBGD- Lanzada en 1965, esta canción fue publicada en el álbum debut de The Sonics titulado "Here Are The Sonics". Este álbum es considerado uno de los pilares del género garage rock y ha influido a numerosas bandas de rock y punk posteriores. La banda The Sonics solía grabar sus canciones con una intensidad y energía inusuales para la época, subiendo los niveles de grabación al máximo, lo que a veces causaba distorsión. Esta forma tan poco ortodoxa de grabar contribuyó al sonido distintivo de la banda, que se puede escuchar claramente en "Strychnine". La letra de la canción utiliza la estricnina, un veneno potente, como una metáfora para subrayar un deseo de experimentar sensaciones intensas y extremas. THE CRAMPS: https://youtu.be/FuKGEfTnZnM?si=Kt7cWxN6R38bnwfr The Cramps eran famosos por su estilo en vivo electrizante y su imagen excéntrica. Su versión de "Strychnine", para el álbum "Songs the Lord Taught Us" lanzado en 1980, se mantiene fiel a su sonido característico, con una mezcla de rockabilly, garage rock y punk. THE FALL: https://youtu.be/kANEK7q1Duc?si=HrqrVMENGpzIJ0so The Fall aportó su propio estilo post-punk a la canción. La versión de The Fall, grabada para su álbum de 1993 "The Infotainment Scan". es más abrasiva y experimental, con un enfoque en ritmos repetitivos y la distintiva voz de Smith, lo que le da un giro único al clásico de The Sonics. THE FUZZTONES: https://youtu.be/e5jkFI14yyk?si=ZYOY9e3Dq1urxu1K La banda neoyorkina The Fuzztones, conocidos por su devoción al sonido psicodélico y garage de los años 60, incluyó "Strychnine" en su álbum de 1985 "Lysergic Emanations". Su versión de "Strychnine" es un homenaje directo a The Sonics, con un enfoque en mantener la crudeza y la energía de la canción original. FRAU DOKTOR: https://youtu.be/FSxv4qxawHE?si=hznIUf-uKNFaYfQs La banda alemana Frau Doktor, conocida por su estilo ska y punk, han grabado una versión de "Strychnine" que incorpora elementos característicos del ska, con los ritmos alegres y los vientos típicos del género. Esta versión es una interesante adaptación de la canción original de The Sonics, que generalmente se asocia más con el garage. AGENTES SECRETOS: https://www.youtube.com/watch?v=8ztzkHt1Rwo Formados a finales de 1985 por Raúl Jiménez, Francisco Javier Burra, Manolo Gonzáles y Rafa Rodríguez. Los Agentes Secretos son uno de los primeros grupos en autodefinirse como mods, graban una maqueta con 3 temas y pronto llega su clásico “Málaga es mi ciudad” y el tema “Strychnine” THE SMOGGERS: https://youtu.be/imorEfbbA6c?si=JWMS3IRVsCIWtOk5 Con un sonido fresco y personal, que mezcla la agresividad del punk de los años 60 impulsado por el fuzz, un ritmo primitivo y el crudo sonido de garage de los años 80, La banda sevillana The Smoggers lanza a comienzos del 2024 el single SHE'S WICKED y en el que se incluye esta versión de Strychnine. CONCLUSIONES Y así concluye nuestro podcast de Explorando Versiones dedicado a "Strychnine". A través de estas diferentes interpretaciones, hemos explorado cómo una canción icónica puede ser reinterpretada y adaptada por diversas bandas, cada una aportando su propio estilo y enfoque único.. ¡¡Y recuerda: no se aceptan reclamaciones por botas desgastadas!!.... The Fuzztoneshttps://www.ivoox.com/018-explorando-versiones-i-can-t-get-no-audios-mp3_rf_131269649_1.htmlFri, 05 Jul 2024 07:48:33 +020017:18118fullhttps://www.ivoox.com/131269649locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noSaludos cordiales, soy Juanma y es un gustazo participar en este Poscatds. Gracias. ROLLINGS STONES - (I CAN’T GET NO) SATISFACTION: https://youtu.be/nrIPxlFzDi0?si=x7FhSg5JpnwpT7Lg 1965 FUE UN GRAN AÑO, y no solo porque fue el año de nacimiento de un servidor, que también, sino porque fue un año de una cosecha musical extraordinaria. Por ejemplo, fue el año del tema más icónico, como se dice ahora, de los icónicos Rolling Stones, los piedras rodantes o balas perdías, que sería la traducción más adecuada pero innecesaria, del nombre de este grupo británico. Y es que contaban los mentideros de la música que fue en ese año y mientras Keith Richards dormía como un tronco (o descansaba en brazos de Morfeo, si prefieres una versión más satisfactoria, ya que de versiones va la cosa), cuando se despertó con las palabras can’t gut no satisfaction y el famosísimo acorde de guitarra en la cabeza. Según el mismo contaría, echó mano de casette grabador y dejó aquella frase y aquel acorde grabado para luego seguir durmiendo. Después, ya cuando enseñó lo grabado a los demás, Mike Jagger remataría la idea escribiendo una letra al más puro estilo bala perdía/Rolling Stones: rebelde, inconformista, que carretera, sexo… ya sabéis. Jagger en estado puro. Está que cuento es mi versión, más o menos fidedigna y hasta donde yo sé, del nacimiento de este tema. Mi versión digo, porque seguramente habrá alguien no esté de acuerdo en parte o en todo. Lo que demuestra que a fin de cuentas en esta vida todo y todos somos versiones. Yo soy una versión de mis padres y mis hijos serán, de alguna forma, una versión mía, y el mundo de ahora, es una versión del mundo de antes… versionara es evolucionar…o involucionar, porque hay versiones que mejoran el original y versiones que no le hacen justicia. O como dice el dicho, no hay nada nuevo bajo el sol. DANCING IN THE STREET DE MARTHA Y THE VANDELLAS: https://youtu.be/CdvITn5cAVc?si=G3dGxIEBSIqBzhVt De hecho, Keith Richards siempre tuvo la sospecha sospechosa de que su subconsciente se había limitado a combinar el acorde de Dancing in the Street de Martha y The Vandellas, un grupo vocal femenino de los años sesenta que estaba en nómina con bastante éxito de la icónica compañía discográfica Motown... CHUCK BERRY: THIRTY DAYS: https://youtu.be/Z_oIZzvSxeE?si=0If3ZkuIGpBaBMAz ..con una frase del viejo tema de Chuck Berry 30 días https://youtu.be/Z_oIZzvSxeE?si=0If3ZkuIGpBaBMAz donde la letra de la canción dice, en un momento dado, precisamente eso I don’t get no satisfaction. Pero no nos pongamos tan tiquismiquis como el bueno de Keith y atendamos a lo que tenemos: Tenemos el año 1965 y la canción que catapultaría definitivamente a la historia y al éxito a sus satánicas majestades Rollings Stones: (I Can’t Get No) Satisfaction. SAMANTA FOX: https://youtu.be/siYHiZlROoc?si=UhtVry_GnxY3BLXA Y, cómo no, aquí viene sus versiones para todos los gustos… o disgustos, según se mIre. Porque fue versionada por cantantes tan poco roqueras como Samanta Fox, a la que le debemos creo que muy poco aporte al mundo de la música, aunque sí mucho a nuestros momentos más… personales. BRITNEY SPEARS: https://youtu.be/wyd9dP78s7M?si=YHWiclvkahzRMXdl También Britney Spears hizo lo propio incluyéndola en su álbum Oops!... I Did It Again. GLORIA TREVI: Ihttps://youtu.be/VTw63dOAN4c?si=ItpQEBwxafCGAUld O la actriz, productora y cantante mexicana Gloria Trevi DEVO: https://youtu.be/QmKQ2Z1odSc?si=w9iNUP9lgEzNF4Nt O una curiosa versión que he cazado de un grupo formado en 1973 en Ohio, EE.UU. llamado DEVO que hacia o hace (no sé si aún siguen activos) una música que según los entendidos iba desde el proto-punk hasta el post-punk, pasando por el rock industrial, synth pop y la new age y demás hierbas, yo me pierdo con tanto punk y lo que me están entrando son ganas de hacerme un bocata. Pero lo cierto es que esta versión de DEVO me gusta y sería muy satisfachion para mí que, si no conocéis a este grupo, al menos este comentario os sirva para echarle un vistazo y un oidazo. OTIS REDDING: https://youtu.be/EHNDkZX-Om8?si=qxH7-Hyuhxo5rjXX Y, cómo no, la mejor versión, la del cantante, compositor, productor y cazatalentos estadounidense Otis Redding, el rey del Soul, que yo no soy muy monárquico pero este tipo de reyes si me molan… mazo. CONCLUSIONES En fin, en acabando, que hay versiones para todos los gustos… o disgustos, como ya dije. Porque pueden mejor el original o hundirlo en el barro. Yo me quedo con la original de los ROLLING, porque hay cosas que siempre serán únicas e inimitables, y eso, creedme, me produce mucha satisfacción.locosporincordiarSaludos cordiales, soy Juanma y es un gustazo participar en este Poscatds. Gracias. ROLLINGS STONES - (I CAN’T GET NO) SATISFACTION: https://youtu.be/nrIPxlFzDi0?si=x7FhSg5JpnwpT7Lg 1965 FUE UN GRAN AÑO, y no solo porque fue el año de nacimiento de un servidor, que también, sino porque fue un año de una cosecha musical extraordinaria. Por ejemplo, fue el año del tema más icónico, como se dice ahora, de los icónicos Rolling Stones, los piedras rodantes o balas perdías, que sería la traducción más adecuada pero innecesaria, del nombre de este grupo británico. Y es que contaban los mentideros de la música que fue en ese año y mientras Keith Richards dormía como un tronco (o descansaba en brazos de Morfeo, si prefieres una versión más satisfactoria, ya que de versiones va la cosa), cuando se despertó con las palabras can’t gut no satisfaction y el famosísimo acorde de guitarra en la cabeza. Según el mismo contaría, echó mano de casette grabador y dejó aquella frase y aquel acorde grabado para luego seguir durmiendo. Después, ya cuando enseñó lo grabado a los demás, Mike Jagger remataría la idea escribiendo una letra al más puro estilo bala perdía/Rolling Stones: rebelde, inconformista, que carretera, sexo… ya sabéis. Jagger en estado puro. Está que cuento es mi versión, más o menos fidedigna y hasta donde yo sé, del nacimiento de este tema. Mi versión digo, porque seguramente habrá alguien no esté de acuerdo en parte o en todo. Lo que demuestra que a fin de cuentas en esta vida todo y todos somos versiones. Yo soy una versión de mis padres y mis hijos serán, de alguna forma, una versión mía, y el mundo de ahora, es una versión del mundo de antes… versionara es evolucionar…o involucionar, porque hay versiones que mejoran el original y versiones que no le hacen justicia. O como dice el dicho, no hay nada nuevo bajo el sol. DANCING IN THE STREET DE MARTHA Y THE VANDELLAS: https://youtu.be/CdvITn5cAVc?si=G3dGxIEBSIqBzhVt De hecho, Keith Richards siempre tuvo la sospecha sospechosa de que su subconsciente se había limitado a combinar el acorde de Dancing in the Street de Martha y The Vandellas, un grupo vocal femenino de los años sesenta que estaba en nómina con bastante éxito de la icónica compañía discográfica Motown... CHUCK BERRY: THIRTY DAYS: https://youtu.be/Z_oIZzvSxeE?si=0If3ZkuIGpBaBMAz ..con una frase del viejo tema de Chuck Berry 30 días https://youtu.be/Z_oIZzvSxeE?si=0If3ZkuIGpBaBMAz donde la letra de la canción dice, en un momento dado, precisamente eso I don’t get no satisfaction. Pero no nos pongamos tan tiquismiquis como el bueno de Keith y atendamos a lo que tenemos: Tenemos el año 1965 y la canción que catapultaría definitivamente a la historia y al éxito a sus satánicas majestades Rollings Stones: (I Can’t Get No) Satisfaction. SAMANTA FOX: https://youtu.be/siYHiZlROoc?si=UhtVry_GnxY3BLXA Y, cómo no, aquí viene sus versiones para todos los gustos… o disgustos, según se mIre. Porque fue versionada por cantantes tan poco roqueras como Samanta Fox, a la que le debemos creo que muy poco aporte al mundo de la música, aunque sí mucho a nuestros momentos más… personales. BRITNEY SPEARS: https://youtu.be/wyd9dP78s7M?si=YHWiclvkahzRMXdl También Britney Spears hizo lo propio incluyéndola en su álbum Oops!... I Did It Again. GLORIA TREVI: Ihttps://youtu.be/VTw63dOAN4c?si=ItpQEBwxafCGAUld O la actriz, productora y cantante mexicana Gloria Trevi DEVO: https://youtu.be/QmKQ2Z1odSc?si=w9iNUP9lgEzNF4Nt O una curiosa versión que he cazado de un grupo formado en 1973 en Ohio, EE.UU. llamado DEVO que hacia o hace (no sé si aún siguen activos) una música que según los entendidos iba desde el proto-punk hasta el post-punk, pasando por el rock industrial, synth pop y la new age y demás hierbas, yo me pierdo con tanto punk y lo que me están entrando son ganas de hacerme un bocata. Pero lo cierto es que esta versión de DEVO me gusta y sería muy satisfachion para mí que, si no conocéis a este grupo, al menos este comentario os sirva para echarle un vistazo y un oidazo. OTIS REDDING: https://youtu.be/EHNDkZX-Om8?si=qxH7-Hyuhxo5rjXX Y, cómo no, la mejor versión, la del cantante, compositor, productor y cazatalentos estadounidense Otis Redding, el rey del Soul, que yo no soy muy monárquico pero este tipo de reyes si me molan… mazo. CONCLUSIONES En fin, en acabando, que hay versiones para todos los gustos… o disgustos, como ya dije. Porque pueden mejor el original o hundirlo en el barro. Yo me quedo con la original de los ROLLING, porque hay cosas que siempre serán únicas e inimitables, y eso, creedme, me produce mucha satisfacción.https://www.ivoox.com/017-explorando-versiones-london-calling-audios-mp3_rf_130958326_1.htmlFri, 28 Jun 2024 08:10:00 +020017:39117fullhttps://www.ivoox.com/130958326locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHoy hablaremos de un disco en concreto, un disco que desde su icónica portada hasta el último de sus surcos no tiene desperdicio. Trasciende los géneros, los estilos o más bien es como una thermomix donde se mezclaron todos estos de manera totalmente desinhibida y salvaje, una genial elegía a los perdedores. Desde las bases del Punk que ellos mismos cimentaron consiguieron elaborar algo totalmente nuevo que tuvo algunas versiones que escucharemos más adelante… hoy en “Explorando Versiones” os voy a hablar del disco «London Calling» de The Clash. _____________________ THE CLASH - LONDON CALLING: https://youtu.be/EfK-WX2pa8c?si=Xs23YSSZWBskQc3l Para empezar la portada es sin duda historia del Rock, en ella aparece Paul Simonon, bajista del grupo, a punto de destrozar su “Fender Precission” contra el suelo en el Palladium de Nueva York el 21 de septiembre de 1979… un buen dia el 21 de septiembre. La foto casi fue descartada por su autora Pennie Smith, que la consideraba de poca calidad y definición para la portada, pero el diseñador de la misma, Ray Lowry, hizo su magia e incluyó la foto emulando la portada del primer disco de Elvis con RCA. El resultado es la icónica tapa de London Calling. El disco es un doble álbum que ve la luz el 14 de Diciembre de 1979. Resulta paradójico que justo cuando acaba la era dorada del Rock, y con el Punk en sus últimos estertores, alguien sacase un disco a modo de resumen: el rockabilly, el rhythm and blues, el garage, el beat, el soul, el funk, el reggae, el disco, el punk… todo, absolutamente todo está en London Calling. Es un buen punto de partida si acabas de aterrizar en el planeta y quieres saber de qué va todo esto del Rock and Roll en pocos pasos. Eso es solo lo musical, mención aparte tiene el contenido y mensaje de las letras de Joe Strummer, destilando sentimiento de lucha y rabia, hablando de bandidos, militancia, consumismo, idealismo y compromiso. Poco pretencioso y a la vez tan genial como honesto. _____________________ THE CLASH - SPANISH BOMBS: https://youtu.be/Ul0uJfhywW8?si=NNQKDF2xivGl6b72 Una vez presentado el disco os quiero hablar de algunas versiones. En esta canción «Spanish Bombs» de The Clash homenajea a los combatientes del frente popular en la guerra civil española, nombrando en la letra a Andalucía y a Lorca. TIJUANA NO! - SPANISH BOMBS: https://youtu.be/M4bw_2mUyp4?si=MS07z99SSuFEBh0O En 1988 el grupo mejicano de punk «Tijuana No!» hizo esta versión. Como curiosidad decir que la cantante Julieta Venegas fue miembro de esta banda. HINDS - SPANISH BOMBS: https://youtu.be/y9yF0bBj78o?si=DkH6jeqto37M0qFG En el 2020 la banda indie madrileña Hinds versiones o más bien homenajeó a los británicos de esta manera. _____________________ THE CLASH - JIMMY JAZZ: https://youtu.be/_X2SjNpwZaY?si=wH5iuCh0dhGpXmPv La canción parece narrar la fuga y persecución de un delincuente algo subversivo llamado «Jimmy Jazz». KORTATU - JIMMY JAZZ: https://youtu.be/95fyjUeo5t8?si=hJSRN8DamxYKBaS8 En 1985 el grupo liderado por Fermín Muguruza Kortatu hizo esta particular versión donde «Jimmy Jazz» es el héroe incendiario que responde a lo sucedido en Hernani el 15 de Julio del 84. _____________________ THE CLASH - GUNS OF BRIXTON: https://youtu.be/JcW8VNwYvL0?si=YmmVL3mpVPHuzqD4 Compuesta y cantada por el bajista Paul Simonon, que creció en Brixton, la canción habla del ambiente que precedió a los disturbios callejeros contra la brutalidad policial en este distrito del sur de Londres. En mi opinión es el mejor Reggae de la historia. FABULOSOS CADILLACS - GUNS OF BRIXTON: https://youtu.be/_UJjxYupwyg?si=dramExgdnxleAxVs En 1994, la banda bonaerense Fabulosos Cadillacs interpreta en directo está versión. RED HOT CHILI PEPPERS - GUNS OF BRIXTON: https://youtu.be/ENPZay_RrNw?si=wvjTc-E8gFJZdzn4 Los californianos «Red Hot Chili Peppers» siempre sé han declarado fans de la banda de Strummer y casi desde sus inicios han tocado ésta versión en directo. _____________________ THE CLASH - TRAIN IN VAIN: https://www.youtube.com/watch?v=aUzBgeI5dpc Otra curiosidad del disco es esta canción Train in Vain Que todo el mundo conoce como Stand by me por su estribillo, podría ser una pista digamos oculta, algo así como dice el título Tren o entrenamiento en vano… esa ambigüedad traducción también sugiere que igual pudiera ser una versión de “Love in Vain” de Robert Johnson que también versionaron Rolling Stones…quién sabe _____________________ CONCLUSIONES Estás son algunas de las versiones que han surgido de esta joya de disco aunque es evidente la influencia que el mismo ha tenido en todas las bandas y músicos que lo han escuchado, por no hablar del calado del mensaje de sus letras en una generación que venía de oler el cadáver putrefacto del punk… sin ir más lejos el líder de Rage Aganist the Machine Tom Morello reconocía este disco de The Clash como sus favoritos. En definitiva London Calling refleja muchas cosas carentes en la música actual como inconformismo, la libertad creativa, atrevimiento y un desprecio tal hacia el mercantilismo que siendo un doble disco The Clash pidió expresamente que se vendiera a precio de sencillo, con su publicación The Clash se convirtió en la voz de una juventud desilusionada en ambos lados del Atlántico.Sin duda hay que rendirse ante la calidad de uno de los mejores discos de la historia …y en lo particular uno de los discos de mi vidalocosporincordiarHoy hablaremos de un disco en concreto, un disco que desde su icónica portada hasta el último de sus surcos no tiene desperdicio. Trasciende los géneros, los estilos o más bien es como una thermomix donde se mezclaron todos estos de manera totalmente desinhibida y salvaje, una genial elegía a los perdedores. Desde las bases del Punk que ellos mismos cimentaron consiguieron elaborar algo totalmente nuevo que tuvo algunas versiones que escucharemos más adelante… hoy en “Explorando Versiones” os voy a hablar del disco «London Calling» de The Clash. _____________________ THE CLASH - LONDON CALLING: https://youtu.be/EfK-WX2pa8c?si=Xs23YSSZWBskQc3l Para empezar la portada es sin duda historia del Rock, en ella aparece Paul Simonon, bajista del grupo, a punto de destrozar su “Fender Precission” contra el suelo en el Palladium de Nueva York el 21 de septiembre de 1979… un buen dia el 21 de septiembre. La foto casi fue descartada por su autora Pennie Smith, que la consideraba de poca calidad y definición para la portada, pero el diseñador de la misma, Ray Lowry, hizo su magia e incluyó la foto emulando la portada del primer disco de Elvis con RCA. El resultado es la icónica tapa de London Calling. El disco es un doble álbum que ve la luz el 14 de Diciembre de 1979. Resulta paradójico que justo cuando acaba la era dorada del Rock, y con el Punk en sus últimos estertores, alguien sacase un disco a modo de resumen: el rockabilly, el rhythm and blues, el garage, el beat, el soul, el funk, el reggae, el disco, el punk… todo, absolutamente todo está en London Calling. Es un buen punto de partida si acabas de aterrizar en el planeta y quieres saber de qué va todo esto del Rock and Roll en pocos pasos. Eso es solo lo musical, mención aparte tiene el contenido y mensaje de las letras de Joe Strummer, destilando sentimiento de lucha y rabia, hablando de bandidos, militancia, consumismo, idealismo y compromiso. Poco pretencioso y a la vez tan genial como honesto. _____________________ THE CLASH - SPANISH BOMBS: https://youtu.be/Ul0uJfhywW8?si=NNQKDF2xivGl6b72 Una vez presentado el disco os quiero hablar de algunas versiones. En esta canción «Spanish Bombs» de The Clash homenajea a los combatientes del frente popular en la guerra civil española, nombrando en la letra a Andalucía y a Lorca. TIJUANA NO! - SPANISH BOMBS: https://youtu.be/M4bw_2mUyp4?si=MS07z99SSuFEBh0O En 1988 el grupo mejicano de punk «Tijuana No!» hizo esta versión. Como curiosidad decir que la cantante Julieta Venegas fue miembro de esta banda. HINDS - SPANISH BOMBS: https://youtu.be/y9yF0bBj78o?si=DkH6jeqto37M0qFG En el 2020 la banda indie madrileña Hinds versiones o más bien homenajeó a los británicos de esta manera. _____________________ THE CLASH - JIMMY JAZZ: https://youtu.be/_X2SjNpwZaY?si=wH5iuCh0dhGpXmPv La canción parece narrar la fuga y persecución de un delincuente algo subversivo llamado «Jimmy Jazz». KORTATU - JIMMY JAZZ: https://youtu.be/95fyjUeo5t8?si=hJSRN8DamxYKBaS8 En 1985 el grupo liderado por Fermín Muguruza Kortatu hizo esta particular versión donde «Jimmy Jazz» es el héroe incendiario que responde a lo sucedido en Hernani el 15 de Julio del 84. _____________________ THE CLASH - GUNS OF BRIXTON: https://youtu.be/JcW8VNwYvL0?si=YmmVL3mpVPHuzqD4 Compuesta y cantada por el bajista Paul Simonon, que creció en Brixton, la canción habla del ambiente que precedió a los disturbios callejeros contra la brutalidad policial en este distrito del sur de Londres. En mi opinión es el mejor Reggae de la historia. FABULOSOS CADILLACS - GUNS OF BRIXTON: https://youtu.be/_UJjxYupwyg?si=dramExgdnxleAxVs En 1994, la banda bonaerense Fabulosos Cadillacs interpreta en directo está versión. RED HOT CHILI PEPPERS - GUNS OF BRIXTON: https://youtu.be/ENPZay_RrNw?si=wvjTc-E8gFJZdzn4 Los californianos «Red Hot Chili Peppers» siempre sé han declarado fans de la banda de Strummer y casi desde sus inicios han tocado ésta versión en directo. _____________________ THE CLASH - TRAIN IN VAIN: https://www.youtube.com/watch?v=aUzBgeI5dpc Otra curiosidad del disco es esta canción Train in Vain Que todo el mundo conoce como Stand by me por su estribillo, podría ser una pista digamos oculta, algo así como dice el título Tren o entrenamiento en vano… esa ambigüedad traducción también sugiere que igual pudiera ser una versión de “Love in Vain” de Robert Johnson que también versionaron Rolling Stones…quién sabe _____________________ CONCLUSIONES Estás son algunas de las versiones que han surgido de esta joya de disco aunque es evidente la influencia que el mismo ha tenido en todas las bandas y músicos que lo han escuchado, por no hablar del calado del mensaje de sus letras en una generación que venía de oler el cadáver putrefacto del punk… sin ir más lejos el líder de Rage Aganist the Machine Tom Morello reconocía este disco de The Clash como sus favoritos. En definitiva London Calling refleja muchas cosas carentes en la música actual como inconformismo, la libertad creativa, atrevimiento y un desprecio tal hacia el mercantilismo que siendo un doble disco The Clash pidió expresamente que se vendiera a precio de sencillo, con su publicación The Clash se convirtió en la voz de una juventud desilusionada en ambos lados del Atlántico.Sin duda hay que rendirse ante la calidad de uno de los mejores discos de la historia …y en lo particular uno de los discos de mi vidahttps://www.ivoox.com/016-explorando-versiones-house-of-the-rising-audios-mp3_rf_130649622_1.htmlFri, 21 Jun 2024 08:09:15 +020018:15116fullhttps://www.ivoox.com/130649622locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHOLA AMIGOS. Soy Jose Ortiz, actualmente miembro del Grupo LUNA 25 y uno de los fundadores allá por inicio de los años 90 del pasado siglo, del grupo de culto LOS FRAGUELS. HOUSE OF THE RISING SUN - GHOST OF JOHNNY CASH: https://www.youtube.com/watch?v=3znZeqOs6eo Me complace daros la bienvenida a la Sección EXPLORANDO VERSIONES, del que me han asignado la investigación sobre el EXPEDIENTE musical “THE HOUSE OF THE RISIG SUN”, traducida al español, LA CASA DEL SOL NACIENTE. Después de una larga y ardua tarea realizando indagaciones, al objeto de esclarecer el enigmático origen sobre esta copla, os voy a decir las gestiones realizadas, y argumentar la conclusión a la que he llegado. Como estudié en el “Colegio de la Monjas” aprendiendo INGLÉS, hecho que me ha aportado la pericia suficiente para llegar a entender el sentido de esta canción, cosa distinta, si hubiera estudiado en el Colegio de al lado, donde aprendió francés un anciano componente y también fundador de LOS FRAGUELS… Comento lo anterior, ya que durante las pesquisas, aparecieron algunos datos relevantes que no tenía en cuenta sobre el tema en cuestión y que hoy os quiero compartir, además de algunos detalles que me parecen bastante interesantes. La primera vez que oí LA CASA DEL SOL NACIENTE, fue a finales de los años ochenta, una versión que hacía el grupo de Newcastle los ANIMALS. Recuerdo que fue por la tarde, en casa de mis padres en el barrio de WHITE TOWER. No puedo detallar si fue a través de cinta o de un vinilo que algún amigo me dejara, lo cierto es que este hecho me llevó hasta SEVILLA ROCK, donde sólo encontré un disco de Los Animals, LIVE AT THE CLUB A GO GO, NEWCASTLE pero no venía la canción. No obstante lo compré… JIMI HENDRIX THE HOUSE OF THE RISING SUN; https://www.youtube.com/watch?v=VH93SnJdkJg Después de una primera exposición de hechos, y tras consultar fuentes de información abiertas como libros, páginas webs oficiales y podcast, me he empapado de casi todo lo que hay sobre esta ENIGMÁTICA canción, y que me lleva a realizarme la siguiente pregunta: ¿QUÉ SIGNIFICA “LA CASA DEL SOL NACIENTE”? Por SOL NACIENTE, en heráldica y vexilología suele tener un simbolismo: EL ORIGEN O SURGIR DE UN PAÍS (como ocurre en los escudos que hay en las banderas de Argentina, Japón o Uruguay) Por LA CASA DEL SOL NACIENTE, se puede interpretar o dilucidar como LA CASA o el LUGAR DONDE SE TRASNOCHA. Está documentado que el símbolo de un sol naciente estaba asociado a la prostitución, en la Inglaterra de 1800, y el distintivo (normalmente pintado en la puerta y en las ventanas) servía para indicar qué tipo de servicio podías encontrar en ese local. El origen de la canción se desconoce, hay fuentes que sitúan esta pieza en torno al siglo 16 en Francia y que se llevará el germen a América. Otras fuentes apuntan a Inglaterra como el origen de la misma, ya que dos canciones populares nombraban como “RISING SUN o SOL NACIENTE” a sendos locales de alterne. Sea una u otra, esta canción se ajusta a las baladas anglo sajonas que cantaban entre los siglos 16 y 19, las cuales reflejaban historias amargas de marineros, soldados, campesinos, etc. Se sabe que los mineros ya cantaban la canción en 1905, es por tanto una canción popular tradicional. SINEAD OCONNOR. THE HOUSE OF THE RISING SUN https://www.youtube.com/watch?v=XUIsFUfxgqw No se sabe quién escribió la melodía, dada su estructura, bien podría tratarse de una balada tradicional inglesa o irlandesa. La letra narra la historia de una vida marcada por el arrepentimiento y la desgracia, ambientada en el contexto de un lugar en Nueva Orleans conocido como “The Rising Sun”. Este lugar es descrito como la perdición de muchas personas, incluida el narrador de la canción, quien se identifica como uno de ellos. Existen dos versiones sobre la canción, una masculina que explica la historia de un hombre adicto al juego y a la bebida, llevándole a acabar en prisión. Y otra versión femenina, que trata de una mujer que lleva mala vida por culpa de un hombre, haciéndole acabar en un Burdel llamado “The Rising Sun”. En pocas palabras, sería un mensaje de alguien que de una u otra manera, su vida ha sido arruinada por el juego o la necesidad, al mismo tiempo como un llamamiento a no caer en el mismo error que la persona protagonista. En los archivos de canciones tradicionales de la Librería del Congreso de los Estados Unidos de América, data una carta manuscrita en 1925 por un tal WILLIAM F. BURROUGHS, empleado de ferrocarriles, donde escribía la letra de la canción que había memorizado y trascendiendo su contenido, en el que narraba la historia de un prostíbulo, bajo un punto de vista femenino. Al igual que su localización, no tenemos fecha exacta de la publicación o siquiera quién fue el autor, tratándose de una canción ANÓNIMA, cuyos testimonios orales es que apareció a mediados de 1850 y desde entonces se ha venido cantando por distintas generaciones. La primera grabación que existe de la canción es interpretada por TOM CLARENCE ASHLEY, DOC WALSH y GWEN FOSTER en 1933. TOM CLARENCE, alguna vez comentó que había escuchado este tema a su abuelo ENOCH ASHLEY y así mismo el abuelo a otra persona. TOM CLARENCE ASHLEY GWEN FOSTER HOUSE OF THE RISING SUN 1933: https://www.youtube.com/watch?v=147kS8O59Qs Un tal ALAN LOMAX junto con su padre JOHN, registraron para esa Librería la música popular que atesoraba el país, y LOMAX en 1937 grababa una versión temprana de la canción para tal propósito, llamada “RISING SUN BLUES” bajo el sello de la compañía discográfica VOCALION. ¿Dónde está la Casa del Sol Naciente? Como la letra lo indica en su primer párrafo, es una casa en New Orleans, ciudad ubicada en el sureste del estado de Luisiana sobre el delta del río Misisipi (cuna de plantaciones de algodón, blues, canciones populares y jazz). Del lugar exacto, no se tiene certeza, pudiendo ser como inspiración un Hotel ubicado en la Calle Conti en el Barrio Francés, un local para eventos llamado “Rising Sun Hall” frente al río, una Prisión de mujeres llamada de la Parroquia de Orleans, una Casa de Apuestas clandestina o un Prostíbulo/tugurio donde las prostitutas pudieran “cazar” a sus clientes. Bajo mi criterio, estas dos últimas, serían las más cercanas a la historia. Algunas fuentes sitúan la casa de apuestas en la Calle Louis, a la altura de los números 826 - 830, que durante 1862 y 1874, era conocida como la Casa del Sol Naciente. Allí Madame MARIANNE LESOLEIL LEVANT, regentaba el lugar cuyo apellido en francés equivale a SOL NACIENTE. Otras fuentes, sitúan la balada sobre la Prisión de mujeres antes reseñada, la cual en la puerta principal existían adornos con obras de arte del sol naciente, lo que explicaría que en la canción nombran la “BOLA” y “LAS CADENAS”, como simbología de castigo o pena a cumplir. Durante las décadas de los años 40 y 50 del siglo 20, aparecieron muchas versiones imprimiendo cada una su estilo musical, aunque casi todas sin dejar de lado la desesperanza. En la década de los 60, dos grandes iconos de la música precursora del Rock femenino, JOAN BAEZ y más tarde NINA SIMONE, lanzaron sus versiones. Apareciendo otra versión ni más ni menos que de BOB DILAN. THE ANIMALS HOUSE OF THE RISING SUN: https://www.youtube.com/watch?v=hognCl45U_Q Aquí entra en juego THE ANIMALS, Quienes grabaron en LONDRES y en una única toma su propia versión el 18 de mayo de 1964, haciendo que la canción fuera conocida en el mundo entero gracias a la interpretación de ERIC BURDON a la voz, los arpegios en la guitarra de HILTON VALENTINE y el teclado de ALAN PRICE, lo cual supuso su único número uno en las listas de éxitos musicales. Dato curioso es que la canción estaba libre de derechos, por lo que no tuvieron que pagar por grabarla. Hoy en día, la canción de los Animal suma casi 500 millones de escuchas, solo en Spotify. Como dato curioso, la banda escogió este tema para cerrar una serie de shows o conciertos que estaban haciendo junto a CHUCK BERRY. A partir de aquí, todo se descontroló debido al éxito masivo que tuvieron los británicos y decenas de versiones comenzaron a surgir en todas partes del mundo y todos los idiomas: como JIMI HENDRIX, BON JOVI, TRACY CHAPMAN, THE WHITE STRIPERS, TOTO, SINEAD O´CONNOR, PINK FLOYD, JOHNNY CASH. Y bandas como FRIJID PINK de rock psicodélico FRIJID PINK HOUSE OF THE RISING SUN: https://www.youtube.com/watch?v=BJiOAImsjVw Una de las más antiguas en castellano fue interpretada por los colombianos THE SPEAKERS, también el mejicano JAVIER BATIZ (alias el BRUJO), PALITO ORTEGA, LOS CINCO LATINOS. En España entre otros la han versionado: LOS JUNIORS, LON STAR, MONTANA y la mejor versión rock/góspel realizada por LOS SALVAJES. LOS SALVAJES: https://www.youtube.com/watch?v=pyiohWpw8D0 Hasta este punto, me atrevería a decir que en los saberes populares, las mujeres han sido siempre fundamentales. La transmisión de conocimientos, muchas veces de forma oral, obras de forma escrita o creadas, la han hecho mayoritariamente ellas, bajo el ANONIMATO. Se cree que hasta el punto de que alrededor del 80% de las novelas publicadas en el siglo 18, fueron anónimas y así se evitaban críticas y sorteaban las consecuencias que podía tener, hablar de ciertos temas. Otras fórmulas de anonimato, que poco a poco se fue haciendo la más popular, fue la de adoptar un seudónimo masculino para esquivar el estigma social que podía acarrear para una mujer destacable que se supiera su identidad. Por lo que la canción original, pudiera ser la historia de una mujer que por culpa u obligada por un hombre, se prostituía en el local denominado LA CASA DEL SOL NACIENTE. LOS FRAGUELS Lo cierto es, que esta canción me llevó a tocar con los magníficos FRAGUELS, allá por el año 1991 la última y mejor versión jamás realizada en la historia, o quizás la penúltima…locosporincordiarHOLA AMIGOS. Soy Jose Ortiz, actualmente miembro del Grupo LUNA 25 y uno de los fundadores allá por inicio de los años 90 del pasado siglo, del grupo de culto LOS FRAGUELS. HOUSE OF THE RISING SUN - GHOST OF JOHNNY CASH: https://www.youtube.com/watch?v=3znZeqOs6eo Me complace daros la bienvenida a la Sección EXPLORANDO VERSIONES, del que me han asignado la investigación sobre el EXPEDIENTE musical “THE HOUSE OF THE RISIG SUN”, traducida al español, LA CASA DEL SOL NACIENTE. Después de una larga y ardua tarea realizando indagaciones, al objeto de esclarecer el enigmático origen sobre esta copla, os voy a decir las gestiones realizadas, y argumentar la conclusión a la que he llegado. Como estudié en el “Colegio de la Monjas” aprendiendo INGLÉS, hecho que me ha aportado la pericia suficiente para llegar a entender el sentido de esta canción, cosa distinta, si hubiera estudiado en el Colegio de al lado, donde aprendió francés un anciano componente y también fundador de LOS FRAGUELS… Comento lo anterior, ya que durante las pesquisas, aparecieron algunos datos relevantes que no tenía en cuenta sobre el tema en cuestión y que hoy os quiero compartir, además de algunos detalles que me parecen bastante interesantes. La primera vez que oí LA CASA DEL SOL NACIENTE, fue a finales de los años ochenta, una versión que hacía el grupo de Newcastle los ANIMALS. Recuerdo que fue por la tarde, en casa de mis padres en el barrio de WHITE TOWER. No puedo detallar si fue a través de cinta o de un vinilo que algún amigo me dejara, lo cierto es que este hecho me llevó hasta SEVILLA ROCK, donde sólo encontré un disco de Los Animals, LIVE AT THE CLUB A GO GO, NEWCASTLE pero no venía la canción. No obstante lo compré… JIMI HENDRIX THE HOUSE OF THE RISING SUN; https://www.youtube.com/watch?v=VH93SnJdkJg Después de una primera exposición de hechos, y tras consultar fuentes de información abiertas como libros, páginas webs oficiales y podcast, me he empapado de casi todo lo que hay sobre esta ENIGMÁTICA canción, y que me lleva a realizarme la siguiente pregunta: ¿QUÉ SIGNIFICA “LA CASA DEL SOL NACIENTE”? Por SOL NACIENTE, en heráldica y vexilología suele tener un simbolismo: EL ORIGEN O SURGIR DE UN PAÍS (como ocurre en los escudos que hay en las banderas de Argentina, Japón o Uruguay) Por LA CASA DEL SOL NACIENTE, se puede interpretar o dilucidar como LA CASA o el LUGAR DONDE SE TRASNOCHA. Está documentado que el símbolo de un sol naciente estaba asociado a la prostitución, en la Inglaterra de 1800, y el distintivo (normalmente pintado en la puerta y en las ventanas) servía para indicar qué tipo de servicio podías encontrar en ese local. El origen de la canción se desconoce, hay fuentes que sitúan esta pieza en torno al siglo 16 en Francia y que se llevará el germen a América. Otras fuentes apuntan a Inglaterra como el origen de la misma, ya que dos canciones populares nombraban como “RISING SUN o SOL NACIENTE” a sendos locales de alterne. Sea una u otra, esta canción se ajusta a las baladas anglo sajonas que cantaban entre los siglos 16 y 19, las cuales reflejaban historias amargas de marineros, soldados, campesinos, etc. Se sabe que los mineros ya cantaban la canción en 1905, es por tanto una canción popular tradicional. SINEAD OCONNOR. THE HOUSE OF THE RISING SUN https://www.youtube.com/watch?v=XUIsFUfxgqw No se sabe quién escribió la melodía, dada su estructura, bien podría tratarse de una balada tradicional inglesa o irlandesa. La letra narra la historia de una vida marcada por el arrepentimiento y la desgracia, ambientada en el contexto de un lugar en Nueva Orleans conocido como “The Rising Sun”. Este lugar es descrito como la perdición de muchas personas, incluida el narrador de la canción, quien se identifica como uno de ellos. Existen dos versiones sobre la canción, una masculina que explica la historia de un hombre adicto al juego y a la bebida, llevándole a acabar en prisión. Y otra versión femenina, que trata de una mujer que lleva mala vida por culpa de un hombre, haciéndole acabar en un Burdel llamado “The Rising Sun”. En pocas palabras, sería un mensaje de alguien que de una u otra manera, su vida ha sido arruinada por el juego o la necesidad, al mismo tiempo como un llamamiento a no caer en el mismo error que la persona protagonista. En los archivos de canciones tradicionales de la Librería del Congreso de los Estados Unidos de América, data una carta manuscrita en 1925 por un tal WILLIAM F. BURROUGHS, empleado de ferrocarriles, donde escribía la letra de la canción que había memorizado y trascendiendo su contenido, en el que narraba la historia de un prostíbulo, bajo un punto de vista femenino. Al igual que su localización, no tenemos fecha exacta de la publicación o siquiera quién fue el autor, tratándose de una canción ANÓNIMA, cuyos testimonios orales es que apareció a mediados de 1850 y desde entonces se ha venido cantando por distintas generaciones. La primera grabación que existe de la canción es interpretada por TOM CLARENCE ASHLEY, DOC WALSH y GWEN FOSTER en 1933. TOM CLARENCE, alguna vez comentó que había escuchado este tema a su abuelo ENOCH ASHLEY y así mismo el abuelo a otra persona. TOM CLARENCE ASHLEY GWEN FOSTER HOUSE OF THE RISING SUN 1933: https://www.youtube.com/watch?v=147kS8O59Qs Un tal ALAN LOMAX junto con su padre JOHN, registraron para esa Librería la música popular que atesoraba el país, y LOMAX en 1937 grababa una versión temprana de la canción para tal propósito, llamada “RISING SUN BLUES” bajo el sello de la compañía discográfica VOCALION. ¿Dónde está la Casa del Sol Naciente? Como la letra lo indica en su primer párrafo, es una casa en New Orleans, ciudad ubicada en el sureste del estado de Luisiana sobre el delta del río Misisipi (cuna de plantaciones de algodón, blues, canciones populares y jazz). Del lugar exacto, no se tiene certeza, pudiendo ser como inspiración un Hotel ubicado en la Calle Conti en el Barrio Francés, un local para eventos llamado “Rising Sun Hall” frente al río, una Prisión de mujeres llamada de la Parroquia de Orleans, una Casa de Apuestas clandestina o un Prostíbulo/tugurio donde las prostitutas pudieran “cazar” a sus clientes. Bajo mi criterio, estas dos últimas, serían las más cercanas a la historia. Algunas fuentes sitúan la casa de apuestas en la Calle Louis, a la altura de los números 826 - 830, que durante 1862 y 1874, era conocida como la Casa del Sol Naciente. Allí Madame MARIANNE LESOLEIL LEVANT, regentaba el lugar cuyo apellido en francés equivale a SOL NACIENTE. Otras fuentes, sitúan la balada sobre la Prisión de mujeres antes reseñada, la cual en la puerta principal existían adornos con obras de arte del sol naciente, lo que explicaría que en la canción nombran la “BOLA” y “LAS CADENAS”, como simbología de castigo o pena a cumplir. Durante las décadas de los años 40 y 50 del siglo 20, aparecieron muchas versiones imprimiendo cada una su estilo musical, aunque casi todas sin dejar de lado la desesperanza. En la década de los 60, dos grandes iconos de la música precursora del Rock femenino, JOAN BAEZ y más tarde NINA SIMONE, lanzaron sus versiones. Apareciendo otra versión ni más ni menos que de BOB DILAN. THE ANIMALS HOUSE OF THE RISING SUN: https://www.youtube.com/watch?v=hognCl45U_Q Aquí entra en juego THE ANIMALS, Quienes grabaron en LONDRES y en una única toma su propia versión el 18 de mayo de 1964, haciendo que la canción fuera conocida en el mundo entero gracias a la interpretación de ERIC BURDON a la voz, los arpegios en la guitarra de HILTON VALENTINE y el teclado de ALAN PRICE, lo cual supuso su único número uno en las listas de éxitos musicales. Dato curioso es que la canción estaba libre de derechos, por lo que no tuvieron que pagar por grabarla. Hoy en día, la canción de los Animal suma casi 500 millones de escuchas, solo en Spotify. Como dato curioso, la banda escogió este tema para cerrar una serie de shows o conciertos que estaban haciendo junto a CHUCK BERRY. A partir de aquí, todo se descontroló debido al éxito masivo que tuvieron los británicos y decenas de versiones comenzaron a surgir en todas partes del mundo y todos los idiomas: como JIMI HENDRIX, BON JOVI, TRACY CHAPMAN, THE WHITE STRIPERS, TOTO, SINEAD O´CONNOR, PINK FLOYD, JOHNNY CASH. Y bandas como FRIJID PINK de rock psicodélico FRIJID PINK HOUSE OF THE RISING SUN: https://www.youtube.com/watch?v=BJiOAImsjVw Una de las más antiguas en castellano fue interpretada por los colombianos THE SPEAKERS, también el mejicano JAVIER BATIZ (alias el BRUJO), PALITO ORTEGA, LOS CINCO LATINOS. En España entre otros la han versionado: LOS JUNIORS, LON STAR, MONTANA y la mejor versión rock/góspel realizada por LOS SALVAJES. LOS SALVAJES: https://www.youtube.com/watch?v=pyiohWpw8D0 Hasta este punto, me atrevería a decir que en los saberes populares, las mujeres han sido siempre fundamentales. La transmisión de conocimientos, muchas veces de forma oral, obras de forma escrita o creadas, la han hecho mayoritariamente ellas, bajo el ANONIMATO. Se cree que hasta el punto de que alrededor del 80% de las novelas publicadas en el siglo 18, fueron anónimas y así se evitaban críticas y sorteaban las consecuencias que podía tener, hablar de ciertos temas. Otras fórmulas de anonimato, que poco a poco se fue haciendo la más popular, fue la de adoptar un seudónimo masculino para esquivar el estigma social que podía acarrear para una mujer destacable que se supiera su identidad. Por lo que la canción original, pudiera ser la historia de una mujer que por culpa u obligada por un hombre, se prostituía en el local denominado LA CASA DEL SOL NACIENTE. LOS FRAGUELS Lo cierto es, que esta canción me llevó a tocar con los magníficos FRAGUELS, allá por el año 1991 la última y mejor versión jamás realizada en la historia, o quizás la penúltima…https://www.ivoox.com/015-explorando-versiones-psycho-killer-audios-mp3_rf_130326414_1.htmlFri, 14 Jun 2024 08:16:08 +020013:13115fullhttps://www.ivoox.com/130326414locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noTALKING HEADS https://www.youtube.com/watch?v=-Qylhk6jsT0 Hoy en Explorando Versiones traemos el tema “Psycho Killer” "Psycho Killer" es una de las canciones más famosas de la banda estadounidense Talking Heads, que surgió en la escena musical de Nueva York en los años 70. Este tema se lanzó en su álbum de debut en 1977 y se convirtió en un gran éxito al instante. Con un ritmo frenético y pegadizo, la música de "Psycho Killer" presenta una de las mejores líneas de bajo en la historia del rock, junto con su distintivo riff de guitarra, que se repite a lo largo de la canción. En cuanto a la letra, nos adentramos en los pensamientos de la mente perturbada del personaje que narra la historia. El tipo reflexiona sobre su estado mental y su relación con el mundo que lo rodea, admitiendo que no puede enfrentarse a la realidad, y que se siente discriminado y apartado de la sociedad. A medida que avanza la canción, se repite la pregunta "Qu'est-ce que c'est?", como diciendo: ¿Qué es eso? ¿Qué está pasando en mi cabeza? como si estuviera tratando de entender lo que está pasando a su alrededor o dentro de su propia mente. Precisamente el uso del francés en el estribillo resalta aún más esta sensación de desconexión y aislamiento. Esta frase se convierte en un elemento icónico de la canción, añadiendo un toque de misterio y desconcierto a la misma. VELVET REVOLVER https://www.youtube.com/watch?v=pCZFjZCPC0Y En 2004, el grupo Velvet Revolver, una banda de rock formada por antiguos miembros de Guns N' Roses, entre los que se encontraba el guitarrista Slash, hacen una versión de “Psycho Killer” que conserva la esencia de la canción original, pero le imprime un toque distintivo propio especialmente por la guitarra característica de Slash JULIE CHRISTENSEN https://www.youtube.com/watch?v=t8WuyepYnf4 En 2008 la cantante norteamericana Julie Christensen hace una versión de "Psycho Killer" que ofrece una interpretación única y personal de la canción original de Talking Heads. Su voz cálida y expresiva añade una nueva capa de profundidad a la letra de la canción, explorando el lado más reflexivo y melancólico del personaje del "Psycho Killer". DURAN DURAN https://www.youtube.com/watch?v=REuoiWUZqXU Más recientemente, a finales de 2022, el grupo británico “Duran Duran” hacen una versión de "Psycho Killer" consiguiendo un sonido más actual, reinterpretando la canción, dándole un giro más fresco a la misma, mientras mantiene la esencia de la canción original. THE FOOLS - PSYCHO CHICKEN https://www.youtube.com/watch?v=YT9MjTm4Vqs Pero además se han hecho algunas parodias de este tema. Tanto es así que en 1980 la banda The Fools, conocida por su sentido del humor, crean una versión humorística de la versión original titulada "Psycho Chicken". La letra de la canción gira en torno a un pollo que se vuelve loco y comienza a atacar a las personas. Aunque inicialmente no fue un gran éxito comercial, con el tiempo se convirtió en una canción de culto y ha sido disfrutada por muchos fanáticos del humor musical a lo largo de los años. DR. COTOMONDONGO Y SUS METALES PRECIOSOS En el año 2004, el grupo gallego “Dr. Cotomondongo y Sus Metales Preciosos”, que contaba entre sus filas con miembros del grupo Siniestro Total, realizaron una versión inspirada también en un gallinero titulada “Violentador de Gallinas”. CONCLUSIONES Estas últimas versiones son un claro ejemplo de cómo la música a menudo puede ser utilizada como una forma de expresión humorística y satírica, tomando prestadas melodías conocidas y transformándose en algo completamente nuevo y divertido.locosporincordiarTALKING HEADS https://www.youtube.com/watch?v=-Qylhk6jsT0 Hoy en Explorando Versiones traemos el tema “Psycho Killer” "Psycho Killer" es una de las canciones más famosas de la banda estadounidense Talking Heads, que surgió en la escena musical de Nueva York en los años 70. Este tema se lanzó en su álbum de debut en 1977 y se convirtió en un gran éxito al instante. Con un ritmo frenético y pegadizo, la música de "Psycho Killer" presenta una de las mejores líneas de bajo en la historia del rock, junto con su distintivo riff de guitarra, que se repite a lo largo de la canción. En cuanto a la letra, nos adentramos en los pensamientos de la mente perturbada del personaje que narra la historia. El tipo reflexiona sobre su estado mental y su relación con el mundo que lo rodea, admitiendo que no puede enfrentarse a la realidad, y que se siente discriminado y apartado de la sociedad. A medida que avanza la canción, se repite la pregunta "Qu'est-ce que c'est?", como diciendo: ¿Qué es eso? ¿Qué está pasando en mi cabeza? como si estuviera tratando de entender lo que está pasando a su alrededor o dentro de su propia mente. Precisamente el uso del francés en el estribillo resalta aún más esta sensación de desconexión y aislamiento. Esta frase se convierte en un elemento icónico de la canción, añadiendo un toque de misterio y desconcierto a la misma. VELVET REVOLVER https://www.youtube.com/watch?v=pCZFjZCPC0Y En 2004, el grupo Velvet Revolver, una banda de rock formada por antiguos miembros de Guns N' Roses, entre los que se encontraba el guitarrista Slash, hacen una versión de “Psycho Killer” que conserva la esencia de la canción original, pero le imprime un toque distintivo propio especialmente por la guitarra característica de Slash JULIE CHRISTENSEN https://www.youtube.com/watch?v=t8WuyepYnf4 En 2008 la cantante norteamericana Julie Christensen hace una versión de "Psycho Killer" que ofrece una interpretación única y personal de la canción original de Talking Heads. Su voz cálida y expresiva añade una nueva capa de profundidad a la letra de la canción, explorando el lado más reflexivo y melancólico del personaje del "Psycho Killer". DURAN DURAN https://www.youtube.com/watch?v=REuoiWUZqXU Más recientemente, a finales de 2022, el grupo británico “Duran Duran” hacen una versión de "Psycho Killer" consiguiendo un sonido más actual, reinterpretando la canción, dándole un giro más fresco a la misma, mientras mantiene la esencia de la canción original. THE FOOLS - PSYCHO CHICKEN https://www.youtube.com/watch?v=YT9MjTm4Vqs Pero además se han hecho algunas parodias de este tema. Tanto es así que en 1980 la banda The Fools, conocida por su sentido del humor, crean una versión humorística de la versión original titulada "Psycho Chicken". La letra de la canción gira en torno a un pollo que se vuelve loco y comienza a atacar a las personas. Aunque inicialmente no fue un gran éxito comercial, con el tiempo se convirtió en una canción de culto y ha sido disfrutada por muchos fanáticos del humor musical a lo largo de los años. DR. COTOMONDONGO Y SUS METALES PRECIOSOS En el año 2004, el grupo gallego “Dr. Cotomondongo y Sus Metales Preciosos”, que contaba entre sus filas con miembros del grupo Siniestro Total, realizaron una versión inspirada también en un gallinero titulada “Violentador de Gallinas”. CONCLUSIONES Estas últimas versiones son un claro ejemplo de cómo la música a menudo puede ser utilizada como una forma de expresión humorística y satírica, tomando prestadas melodías conocidas y transformándose en algo completamente nuevo y divertido.https://www.ivoox.com/014-explorando-versiones-hey-joe-audios-mp3_rf_129970381_1.htmlThu, 06 Jun 2024 14:09:55 +020014:49114fullhttps://www.ivoox.com/129970381locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHoy en “Explorando Versiones”: Hey Joe. BILLY ROBERTS: https://www.youtube.com/watch?v=PziiNzFWZog La canción Hey Joe es de origen estadounidense y se ha convertido en un estándar del rock. La letra narra la historia de un hombre que está huyendo y planea dirigirse a México después de disparar a su esposa infiel. En 1962, Billy Roberts registró Hey Joe, con derechos de autor en los Estados Unidos, pero fue objeto de controversia. Diferentes grabaciones han atribuido su escritura a Billy Roberts o Dino Valenti o simplemente la han listado con una canción tradicional de las Montañas Apalaches. NIELA HORN: https://www.youtube.com/watch?v=BEK2EDqxpcY Roberts pudo haberse inspirado en obras anteriores como la canción "Baby, Please Don’t Go to Town" escrita por su novia Niela Horn y que utiliza una progresión de acordes similar. Escuchamos la versión de Niela Horm, a ver que pensáis… …Bueno algo se parece pero bueno. THE LEAVES: https://www.youtube.com/watch?v=XPa2HzDV7-0 La siguiente versión oficial de la original es del grupo “The leaves” (en español las hojas). Originalmente lanzada en noviembre del año 1965, la banda no estaba satisfecha con el sonido de la primera grabación y decidieron regrabar de nuevo la pista. La versión del año 1966, que es la que os pongo, se convirtió en un éxito y es una de las primeras interpretaciones comerciales de esta icónica canción. THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE: https://www.youtube.com/watch?v=Smp6AepJIhM En cualquier caso la versión más conocida de “Hey Joe” es la interpretada por “The Jimi Hendrix Experience” en 1966 como su sencillo debut. Me gustaría destacar de esta versión ese punteo de mi Hendrix, que está en el canal derecho, y los coros durante toda la canción, en el canal izquierdo, que se convierten en casi angelicales al final. Os pongo la versión de estudio. Para mí esta canción es muy especial porque fue la primera vez que vi a Jimi Hendrix en la tele allá por los finales de los 80. Los más viejos del lugar recordarán que en aquella época en la tele ponían minutos musicales y allí apareció Jimi Hendrix con su casaca, la guitarra al revés y el pelo como de no haber dormido en varios días y al final acaba el tema punteando con la boca. Yo me quedé totalmente flasheado. Os dejaré el enlace para que podáis ver ese vídeo. The Jimi Hendrix Experience - Hey Joe (1967) | LIVE https://www.youtube.com/watch?v=igHp6TjZ2_s LOS LOCOS DEL RITMO: https://www.youtube.com/watch?v=f6fzvios6EA Escuchemos ahora una versión un poco más psicodélica que hicieron en español el grupo mexicano “Los Locos del Ritmo” y que está basada en mi opinión en la versión de “The leaves” para que escuchéis lo que dice la letra más o menos. Después de esta han sido innumerables las versiones que se han hecho de esta canción. Según Wikipedia al parecer puede ver más de mil ochocientas versiones registradas. Yo creo que cualquier grupo del mundo en sus inicios ha tocado este tema. Artistas como “Deep Purple”, “Patti Smith”, “Franco Battiato”, “Nick Cave”, “The Offspring”, “Robert Plant”... han incorporado este tema en alguno de sus discos. Algo tiene que gusta y mucho. WILLY DEVILLE: https://www.youtube.com/watch?v=tnyFBJyLtZw Evidentemente no he escuchado todas las versiones, pero para mí la mejor versión hasta la fecha es la que hace “Willy Deville” en su álbum “Backstreets of Desire” del año 1992, ya que le da un toque fronterizo chicano al tema. Cambia Willy incluso la letra, dándole más énfasis en mi opinión, al diálogo que mantiene Joe con un desconocido, en el que le pregunta donde va con el arma y a donde va con ese dinero. El tema tiene unos arreglos magníficos, pero yo destacaría esa trompeta que hace solo que es espectacular. Pone los vellos de punta. —————————— Comparativa de la letra ORIGINAL WILLY DEVILLE Hey Joe, ¿dónde vas con esa arma en tu mano? Hey Joe, ¿dónde vas con esa arma en tu mano? Voy a disparar a mi vieja, la encontré haciéndome trampa. Hey Joe, escucha, ¿has oído hablar de Billie Jean? Hey Joe, escucha, ¿has oído hablar de Billie Jean? Sí, la encontré en mi cama, y no es la mujer que dice ser. Hey Joe, ¿dónde vas con esa arma en tu mano? Hey Joe, ¿dónde vas con esa arma en tu mano? Voy a disparar a mi vieja, la encontré haciéndome trampa. Voy a disparar a mi vieja, sí, la encontré haciéndome trampa. Hey Joe, ¿a dónde vas con ese dinero en tu mano? Digo, hey Joe, ¿a dónde vas con ese dinero en tu mano? Bueno, voy a ver a mi mujer,sabes que escuché que anduvo metiéndose con otro hombre, eso escuché. Voy al centro, voy a comprar una pistola Blue Steel '44, voy a atrapar a esa chica, no volverá a engañarme. Digo, "Hey Joe, ¿a dónde vas con esa pistola en tu mano? Hey, hey Joe, ¿a dónde vas con esa pistola en tu mano? Voy a dispararle a mi mujer, la encontré metiéndose con otro hombre. Hey Joe, escuché que mataste a tu mujer, Hey Joe, sabes que escuché que mataste a tu mujer, Sí, lo hice porque la encontré engañándome, engañándome, engañándome por la ciudad, está bien." Digo, "Hey Joe, más te vale esconderte y salir de la ciudad", digo, "Hey Joe, ¿a dónde vas a huir ahora?" Él dice, "Voy al centro y voy a conseguirme un pasaporte, ya ves (oh, ya ves), voy al sur, muy al sur, camino a México, y ningún verdugo va a ponerme una soga alrededor del cuello..." —————————— CONCLUSIONES En resumen, “Hey Joe” es una canción que ha trascendido géneros y generaciones, y sigue siendo apreciada por su estilo distintivo y su narrativa intrigante. Hasta aquí “Explorando Versiones” espero que os haya gustado. Un abrazo.locosporincordiarHoy en “Explorando Versiones”: Hey Joe. BILLY ROBERTS: https://www.youtube.com/watch?v=PziiNzFWZog La canción Hey Joe es de origen estadounidense y se ha convertido en un estándar del rock. La letra narra la historia de un hombre que está huyendo y planea dirigirse a México después de disparar a su esposa infiel. En 1962, Billy Roberts registró Hey Joe, con derechos de autor en los Estados Unidos, pero fue objeto de controversia. Diferentes grabaciones han atribuido su escritura a Billy Roberts o Dino Valenti o simplemente la han listado con una canción tradicional de las Montañas Apalaches. NIELA HORN: https://www.youtube.com/watch?v=BEK2EDqxpcY Roberts pudo haberse inspirado en obras anteriores como la canción "Baby, Please Don’t Go to Town" escrita por su novia Niela Horn y que utiliza una progresión de acordes similar. Escuchamos la versión de Niela Horm, a ver que pensáis… …Bueno algo se parece pero bueno. THE LEAVES: https://www.youtube.com/watch?v=XPa2HzDV7-0 La siguiente versión oficial de la original es del grupo “The leaves” (en español las hojas). Originalmente lanzada en noviembre del año 1965, la banda no estaba satisfecha con el sonido de la primera grabación y decidieron regrabar de nuevo la pista. La versión del año 1966, que es la que os pongo, se convirtió en un éxito y es una de las primeras interpretaciones comerciales de esta icónica canción. THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE: https://www.youtube.com/watch?v=Smp6AepJIhM En cualquier caso la versión más conocida de “Hey Joe” es la interpretada por “The Jimi Hendrix Experience” en 1966 como su sencillo debut. Me gustaría destacar de esta versión ese punteo de mi Hendrix, que está en el canal derecho, y los coros durante toda la canción, en el canal izquierdo, que se convierten en casi angelicales al final. Os pongo la versión de estudio. Para mí esta canción es muy especial porque fue la primera vez que vi a Jimi Hendrix en la tele allá por los finales de los 80. Los más viejos del lugar recordarán que en aquella época en la tele ponían minutos musicales y allí apareció Jimi Hendrix con su casaca, la guitarra al revés y el pelo como de no haber dormido en varios días y al final acaba el tema punteando con la boca. Yo me quedé totalmente flasheado. Os dejaré el enlace para que podáis ver ese vídeo. The Jimi Hendrix Experience - Hey Joe (1967) | LIVE https://www.youtube.com/watch?v=igHp6TjZ2_s LOS LOCOS DEL RITMO: https://www.youtube.com/watch?v=f6fzvios6EA Escuchemos ahora una versión un poco más psicodélica que hicieron en español el grupo mexicano “Los Locos del Ritmo” y que está basada en mi opinión en la versión de “The leaves” para que escuchéis lo que dice la letra más o menos. Después de esta han sido innumerables las versiones que se han hecho de esta canción. Según Wikipedia al parecer puede ver más de mil ochocientas versiones registradas. Yo creo que cualquier grupo del mundo en sus inicios ha tocado este tema. Artistas como “Deep Purple”, “Patti Smith”, “Franco Battiato”, “Nick Cave”, “The Offspring”, “Robert Plant”... han incorporado este tema en alguno de sus discos. Algo tiene que gusta y mucho. WILLY DEVILLE: https://www.youtube.com/watch?v=tnyFBJyLtZw Evidentemente no he escuchado todas las versiones, pero para mí la mejor versión hasta la fecha es la que hace “Willy Deville” en su álbum “Backstreets of Desire” del año 1992, ya que le da un toque fronterizo chicano al tema. Cambia Willy incluso la letra, dándole más énfasis en mi opinión, al diálogo que mantiene Joe con un desconocido, en el que le pregunta donde va con el arma y a donde va con ese dinero. El tema tiene unos arreglos magníficos, pero yo destacaría esa trompeta que hace solo que es espectacular. Pone los vellos de punta. —————————— Comparativa de la letra ORIGINAL WILLY DEVILLE Hey Joe, ¿dónde vas con esa arma en tu mano? Hey Joe, ¿dónde vas con esa arma en tu mano? Voy a disparar a mi vieja, la encontré haciéndome trampa. Hey Joe, escucha, ¿has oído hablar de Billie Jean? Hey Joe, escucha, ¿has oído hablar de Billie Jean? Sí, la encontré en mi cama, y no es la mujer que dice ser. Hey Joe, ¿dónde vas con esa arma en tu mano? Hey Joe, ¿dónde vas con esa arma en tu mano? Voy a disparar a mi vieja, la encontré haciéndome trampa. Voy a disparar a mi vieja, sí, la encontré haciéndome trampa. Hey Joe, ¿a dónde vas con ese dinero en tu mano? Digo, hey Joe, ¿a dónde vas con ese dinero en tu mano? Bueno, voy a ver a mi mujer,sabes que escuché que anduvo metiéndose con otro hombre, eso escuché. Voy al centro, voy a comprar una pistola Blue Steel '44, voy a atrapar a esa chica, no volverá a engañarme. Digo, "Hey Joe, ¿a dónde vas con esa pistola en tu mano? Hey, hey Joe, ¿a dónde vas con esa pistola en tu mano? Voy a dispararle a mi mujer, la encontré metiéndose con otro hombre. Hey Joe, escuché que mataste a tu mujer, Hey Joe, sabes que escuché que mataste a tu mujer, Sí, lo hice porque la encontré engañándome, engañándome, engañándome por la ciudad, está bien." Digo, "Hey Joe, más te vale esconderte y salir de la ciudad", digo, "Hey Joe, ¿a dónde vas a huir ahora?" Él dice, "Voy al centro y voy a conseguirme un pasaporte, ya ves (oh, ya ves), voy al sur, muy al sur, camino a México, y ningún verdugo va a ponerme una soga alrededor del cuello..." —————————— CONCLUSIONES En resumen, “Hey Joe” es una canción que ha trascendido géneros y generaciones, y sigue siendo apreciada por su estilo distintivo y su narrativa intrigante. Hasta aquí “Explorando Versiones” espero que os haya gustado. Un abrazo.https://www.ivoox.com/013-explorando-versiones-my-way-audios-mp3_rf_129701011_1.htmlFri, 31 May 2024 23:49:33 +020013:31113fullhttps://www.ivoox.com/129701011locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noBuenas tardes. Pues aquí nos encontramos una vez más en el celebérrimo programa conocido por el nombre de Explorando Versiones y donde he sido invitado a participar. Bueno, soy Figueroa, anciano miembro del grupo de culto “Los Fraguels”, banda que tuve que abandonar precipitadamente por no haber sido capaz de encauzar la fama obtenida. FRANK SINATRA - MY WAY https://www.youtube.com/watch?v=qQzdAsjWGPg Hoy vamos a hablar de la canción “My Way”. Traducida al español “A mi manera” y que popularizó internacionalmente Frank Sinatra allá por el año 1969. Año en el que nací por cierto, ahora me ha venido a la mente. Y hablando de cuantas versiones pudieran existir de esta canción, se desconocen. Aunque hay quien dice que pudiera superar el número de discos que vendieron "Los Fraguels", que ahí lo dejo. CLAUDE FRANÇOIS - COMME D'HABITUDE https://www.youtube.com/watch?v=PWmceAWh4AE Aunque me sorprendió averiguar que realmente la canción original es de 1967 y es de origen francesa y se titulaba “Comme d'habitude”, que significa en español “Como de costumbre”, y por lo visto habla de una relación amorosa que está estancada en la monotonía. Tengo la suerte de entender la mayoría de esta letra en francés porque estudié en el “Menéndez Pidal” y como buen colegio público pues estudiamos este idioma. No pasaba lo mismo en el colegio de al lado, en el colegio de las monjas, que allí daban inglés. Por cierto creo que algún miembro de "Los Fraguels" estudió en el colegio de las monjas. PAUL ANKA - MY WAY https://www.youtube.com/watch?v=SH8LY6sHUks La letra que canta Frank Sinatra fue compuesta por el canadiense Paul Anka, y por lo visto habla de una persona que reflexiona sobre su vida o sobre la trayectoria de su vida, que aunque quizá pueda estar plagada de excesos y de errores, como la vida de cualquier persona, él la vivió como quiso y eso quizá me da que pensar que Paul Anka la escribió pensando en la propia vida de Frank Sinatra. Pudiera ser, por lo menos me da esa sensación. SIEMPRE ASÍ - A MI MANERA https://www.youtube.com/watch?v=7AD4uYtL99I Tengo que confesar, y me va a costar, que la primera vez que escuche esta canción fue de la mano del grupo folklórico sureño llamado “Siempre Así” allá por el año 2001 y llegué a creer que era una composición propia de dicha banda de gospel andaluz. Y me sorprendí al saber que era una versión de Sinatra. SID VICIOUS - MY WAY https://www.youtube.com/watch?v=rDyb_alTkMQ Pero más grande fue mi sorpresa cuando una tarde espesa, tediosa, monótona, cual concierto de Los Fraguels sin que el Rafi enseñe el culo (aquí me vino mi vena poética) y estaba haciendo zapping en mi casa, ayudado de una antena telescópica de una radio antigua, porque todavía en aquella época las televisiones con mando a distancia existían, pero estaban muy caras, por lo menos en el barrio. Y me encontré con una película. Se llamaba Sid y Nancy, y por lo visto narraba la vida, o quizás más bien la mala vida, del bajista de los Sex Pistols, Sid Vicius y su novia Nancy, y donde al final me sorprendió ver como Sid cantaba una versión de esta canción y nunca mejor dicho la canta a su manera. La canción la canta en un teatro delante de un público al principio que está muy entregado, pero más tarde un poco reacio, sobre todo cuando Sid saca una pistola y se lía allí a tiros. Escuchen esta versión y opinen. A mí me encantó (la canción, eh, no los tiros). Por cierto el film se estrenó en 1986. Yo no recuerdo el año que la vi en televisión, pero imagino que sería después de haber escuchado la versión de “Siempre Así”. LA BERISO - A MI MANERA https://www.youtube.com/watch?v=D29hIZKVdk8 Y como la vida nunca deja de sorprenderte, hace un año un amigo con el que comparto una banda de versiones, principalmente versiones de rock, me propuso sacar la versión de esta canción, en español encima, cosa que me extraño mucho dada la tendencia musical que tenemos en este grupo. Hasta que me mandó la versión muy rockera, más que la de Sid Vicius en mi opinión, de un grupo argentino (que por cierto yo desconocía) y se llama “La Berizo” (con B). Buscadlo porque la verdad que merece la pena, y por lo visto lanzó hace muy poco, concretamente en 2021 esta versión de “A mi manera” y con esta me gustaría despedirme. CONCLUSIONES Nada, muchas gracias por haberme invitado a este gran programa y aquí dejo mi pequeña aportación a este podcast. Bueno, un abrazo a toda la chavalería.locosporincordiarBuenas tardes. Pues aquí nos encontramos una vez más en el celebérrimo programa conocido por el nombre de Explorando Versiones y donde he sido invitado a participar. Bueno, soy Figueroa, anciano miembro del grupo de culto “Los Fraguels”, banda que tuve que abandonar precipitadamente por no haber sido capaz de encauzar la fama obtenida. FRANK SINATRA - MY WAY https://www.youtube.com/watch?v=qQzdAsjWGPg Hoy vamos a hablar de la canción “My Way”. Traducida al español “A mi manera” y que popularizó internacionalmente Frank Sinatra allá por el año 1969. Año en el que nací por cierto, ahora me ha venido a la mente. Y hablando de cuantas versiones pudieran existir de esta canción, se desconocen. Aunque hay quien dice que pudiera superar el número de discos que vendieron "Los Fraguels", que ahí lo dejo. CLAUDE FRANÇOIS - COMME D'HABITUDE https://www.youtube.com/watch?v=PWmceAWh4AE Aunque me sorprendió averiguar que realmente la canción original es de 1967 y es de origen francesa y se titulaba “Comme d'habitude”, que significa en español “Como de costumbre”, y por lo visto habla de una relación amorosa que está estancada en la monotonía. Tengo la suerte de entender la mayoría de esta letra en francés porque estudié en el “Menéndez Pidal” y como buen colegio público pues estudiamos este idioma. No pasaba lo mismo en el colegio de al lado, en el colegio de las monjas, que allí daban inglés. Por cierto creo que algún miembro de "Los Fraguels" estudió en el colegio de las monjas. PAUL ANKA - MY WAY https://www.youtube.com/watch?v=SH8LY6sHUks La letra que canta Frank Sinatra fue compuesta por el canadiense Paul Anka, y por lo visto habla de una persona que reflexiona sobre su vida o sobre la trayectoria de su vida, que aunque quizá pueda estar plagada de excesos y de errores, como la vida de cualquier persona, él la vivió como quiso y eso quizá me da que pensar que Paul Anka la escribió pensando en la propia vida de Frank Sinatra. Pudiera ser, por lo menos me da esa sensación. SIEMPRE ASÍ - A MI MANERA https://www.youtube.com/watch?v=7AD4uYtL99I Tengo que confesar, y me va a costar, que la primera vez que escuche esta canción fue de la mano del grupo folklórico sureño llamado “Siempre Así” allá por el año 2001 y llegué a creer que era una composición propia de dicha banda de gospel andaluz. Y me sorprendí al saber que era una versión de Sinatra. SID VICIOUS - MY WAY https://www.youtube.com/watch?v=rDyb_alTkMQ Pero más grande fue mi sorpresa cuando una tarde espesa, tediosa, monótona, cual concierto de Los Fraguels sin que el Rafi enseñe el culo (aquí me vino mi vena poética) y estaba haciendo zapping en mi casa, ayudado de una antena telescópica de una radio antigua, porque todavía en aquella época las televisiones con mando a distancia existían, pero estaban muy caras, por lo menos en el barrio. Y me encontré con una película. Se llamaba Sid y Nancy, y por lo visto narraba la vida, o quizás más bien la mala vida, del bajista de los Sex Pistols, Sid Vicius y su novia Nancy, y donde al final me sorprendió ver como Sid cantaba una versión de esta canción y nunca mejor dicho la canta a su manera. La canción la canta en un teatro delante de un público al principio que está muy entregado, pero más tarde un poco reacio, sobre todo cuando Sid saca una pistola y se lía allí a tiros. Escuchen esta versión y opinen. A mí me encantó (la canción, eh, no los tiros). Por cierto el film se estrenó en 1986. Yo no recuerdo el año que la vi en televisión, pero imagino que sería después de haber escuchado la versión de “Siempre Así”. LA BERISO - A MI MANERA https://www.youtube.com/watch?v=D29hIZKVdk8 Y como la vida nunca deja de sorprenderte, hace un año un amigo con el que comparto una banda de versiones, principalmente versiones de rock, me propuso sacar la versión de esta canción, en español encima, cosa que me extraño mucho dada la tendencia musical que tenemos en este grupo. Hasta que me mandó la versión muy rockera, más que la de Sid Vicius en mi opinión, de un grupo argentino (que por cierto yo desconocía) y se llama “La Berizo” (con B). Buscadlo porque la verdad que merece la pena, y por lo visto lanzó hace muy poco, concretamente en 2021 esta versión de “A mi manera” y con esta me gustaría despedirme. CONCLUSIONES Nada, muchas gracias por haberme invitado a este gran programa y aquí dejo mi pequeña aportación a este podcast. Bueno, un abrazo a toda la chavalería.https://www.ivoox.com/012-explorando-versiones-pegasasu-fantasy-audios-mp3_rf_129369397_1.htmlFri, 24 May 2024 14:58:54 +020016:57112fullhttps://www.ivoox.com/129369397locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)nohoy vamos a explorar versiones de: "Pegasasu Fantasy" o “Fantasía de pegaso”, como se traduciría del japonés, es el opening de uno de los anime japoneses más famosos. MAKE UP: PEGASASU FANTASY https://www.youtube.com/watch?v=NwFJt9TjUls La intro de "Saint Seiya" o "Caballeros del Zodiaco" como se conoce en los países hispanohablantes, fue la cara A del single lanzado por la banda Japonesa "Make up" en 1986. Su cara B, "Blue forever", también se introdujo en la B.S.O de la serie nipona. MAKE UP: PEGASUS FANTASY 21ST CENTURY https://www.youtube.com/watch?v=kJqt3HrMMy0 Los propios "Make Up" se autoversionaron un par de veces. En 2009 tocando con una orquesta sinfónica. A esto lo llamaron "Pegasasu Fantasy siglo 21" MAKE UP + SHOKO NAKAGAWA https://www.youtube.com/watch?v=9p_8tRw2iHU Y otra vez en 2013. En esta ocasión contaron como artista invitada con Shoko Nakagawa. La cantante y actriz que daba voz a la Diosa Athena en la serie original. Esta vez, para usar la versión como intro de una de una nueva adaptación de la serie Titulada "Saint Seiya Omega" LOS CABALLEROS DEL ZODIACO (versión en español) https://www.youtube.com/watch?v=YNsO3J6-7RI ¡¡Pero vi la serie siendo pequeño y no recuerdo esta intro!! Normal. En España, la serie nos la trajo Tele 5 en Septiembre de 1991.Por desgracia nos comimos un truño de canción llamada "Guardianes del universo" que se parecía a la original lo que yo me puedo parecer a Henry Cavill. LES CHEVALIERS DU ZODIAQUE (versión en francés) https://www.youtube.com/watch?v=ZsRerzWtDDQ ¿Cuál es la razón? En aquellos años 80 y 90, la mayor parte del anime japonés llegaba a nuestro país via Francia. La televisión Francesa decidió hacer su propia intro a modo de Himno y con letra propia, todo mas adaptado la audiencia Francesa. Como Tele 5 le compró la serie a la TV del país vecino, solo se preocupó de traducir la letra de esta horrible canción. Es que es fea!! MAUREN MENDO https://www.youtube.com/watch?v=UGK1kTwjjHw Pero gracias a Internet, a la globalización y a nuestros amigos Hispanoamericanos, pudimos oír al fin una versión digna traducida a nuestra lengua. En aquel lado del Atlántico, pudieron disfrutar de la serie al 100% gracias a la interpretación del cantante Mexicano "Mauren Mendo". ¡Así si! ¡Viva México Cabrones! GIGATRON + EL RENO RENARDO: BEODULF, BÁRBARO BEODO https://www.youtube.com/watch?v=_rcM7WSxliI Y vamos con la versión de dos grupos españoles reunidos. La versión de GIGATRON Y EL RENO RENARDO. ¿Qué puedo decir de esto? Todo el que ha oído alguna vez a estos dos grupos. Sabe que la cosa va de versiones metaleras de temas populares con las letras más absurdas, soeces y obscenas que se les pueden ocurrir... ¡me encanta! Esto es: "Beodulf, Bárbaro Beodo" THE STRUTS: PEGASUS SEIYA https://www.youtube.com/watch?v=wi5__cWUYIM La banda británica de Hard Rock "The Struts" se encargó de la versión en ingles para la adaptación de animación digital de Netflix. Aunque la titularon "Pegasus Seiya", es una versión correcta, aunque al igual que la serie de la "N" roja, más blandita que la mierda de pavo. Y es que si eliminas la sangre, el sufrimiento y la bestialidad de los duelos a muerte para no hacer llorar a la generación de cristal , esta claro, no puedes meter una versión brutal de opening. Al final parece que estés viendo las aventuras de Lady Bug. TRICK OR TREAT: ARIES https://www.youtube.com/watch?v=4__nd1vFs64 En 2020 la banda Italiana de Power Metal Trick or treat, lanza un disco Monográfico, una ópera Metal titulada: "The Leyend of the XII Saints" dedicado a la saga Original, de la serie de nuestros caballeros del Zodiaco. Consta de 14 temas, una apertura, una redención y otros 12 temas , dedicados a cada uno de los 12 caballeros dorados del templo de Athena. Como muestra este "Aries: Stardust Revolution" ¿Por qué Aries? ... Pues porque yo soy Acuario. ¿Por qué hicieron esta rareza? Porque dos años antes en 2018, lanzaron el álbum Re-Animated, un disco de versiones de dibujos animados.Y triunfaron con su versión de Pegasasu Fantasy incluida en dicho disco.Versión en Japones y con la colaboración de Erabu Yurie, la cantante del grupo Japonés de Power Metal, Rakshasa. Para mi es sin duda, la mejor versión de Pegasasu Fantasy. Por varias razones: Me gusta el Power Metal, soy seguidor de Trick or Treat. Y sobre todo porque es la canción que mi hija y yo cantamos a voz viva cuando viajamos en el coche. TRICK OR TREAT: PEGASUS FANTASY https://www.youtube.com/watch?v=tzKZT6Z0mSU Y ya me despido con una sugerencia. Agudiza el oído y ¡Sube el volumen tío friki!locosporincordiarhoy vamos a explorar versiones de: "Pegasasu Fantasy" o “Fantasía de pegaso”, como se traduciría del japonés, es el opening de uno de los anime japoneses más famosos. MAKE UP: PEGASASU FANTASY https://www.youtube.com/watch?v=NwFJt9TjUls La intro de "Saint Seiya" o "Caballeros del Zodiaco" como se conoce en los países hispanohablantes, fue la cara A del single lanzado por la banda Japonesa "Make up" en 1986. Su cara B, "Blue forever", también se introdujo en la B.S.O de la serie nipona. MAKE UP: PEGASUS FANTASY 21ST CENTURY https://www.youtube.com/watch?v=kJqt3HrMMy0 Los propios "Make Up" se autoversionaron un par de veces. En 2009 tocando con una orquesta sinfónica. A esto lo llamaron "Pegasasu Fantasy siglo 21" MAKE UP + SHOKO NAKAGAWA https://www.youtube.com/watch?v=9p_8tRw2iHU Y otra vez en 2013. En esta ocasión contaron como artista invitada con Shoko Nakagawa. La cantante y actriz que daba voz a la Diosa Athena en la serie original. Esta vez, para usar la versión como intro de una de una nueva adaptación de la serie Titulada "Saint Seiya Omega" LOS CABALLEROS DEL ZODIACO (versión en español) https://www.youtube.com/watch?v=YNsO3J6-7RI ¡¡Pero vi la serie siendo pequeño y no recuerdo esta intro!! Normal. En España, la serie nos la trajo Tele 5 en Septiembre de 1991.Por desgracia nos comimos un truño de canción llamada "Guardianes del universo" que se parecía a la original lo que yo me puedo parecer a Henry Cavill. LES CHEVALIERS DU ZODIAQUE (versión en francés) https://www.youtube.com/watch?v=ZsRerzWtDDQ ¿Cuál es la razón? En aquellos años 80 y 90, la mayor parte del anime japonés llegaba a nuestro país via Francia. La televisión Francesa decidió hacer su propia intro a modo de Himno y con letra propia, todo mas adaptado la audiencia Francesa. Como Tele 5 le compró la serie a la TV del país vecino, solo se preocupó de traducir la letra de esta horrible canción. Es que es fea!! MAUREN MENDO https://www.youtube.com/watch?v=UGK1kTwjjHw Pero gracias a Internet, a la globalización y a nuestros amigos Hispanoamericanos, pudimos oír al fin una versión digna traducida a nuestra lengua. En aquel lado del Atlántico, pudieron disfrutar de la serie al 100% gracias a la interpretación del cantante Mexicano "Mauren Mendo". ¡Así si! ¡Viva México Cabrones! GIGATRON + EL RENO RENARDO: BEODULF, BÁRBARO BEODO https://www.youtube.com/watch?v=_rcM7WSxliI Y vamos con la versión de dos grupos españoles reunidos. La versión de GIGATRON Y EL RENO RENARDO. ¿Qué puedo decir de esto? Todo el que ha oído alguna vez a estos dos grupos. Sabe que la cosa va de versiones metaleras de temas populares con las letras más absurdas, soeces y obscenas que se les pueden ocurrir... ¡me encanta! Esto es: "Beodulf, Bárbaro Beodo" THE STRUTS: PEGASUS SEIYA https://www.youtube.com/watch?v=wi5__cWUYIM La banda británica de Hard Rock "The Struts" se encargó de la versión en ingles para la adaptación de animación digital de Netflix. Aunque la titularon "Pegasus Seiya", es una versión correcta, aunque al igual que la serie de la "N" roja, más blandita que la mierda de pavo. Y es que si eliminas la sangre, el sufrimiento y la bestialidad de los duelos a muerte para no hacer llorar a la generación de cristal , esta claro, no puedes meter una versión brutal de opening. Al final parece que estés viendo las aventuras de Lady Bug. TRICK OR TREAT: ARIES https://www.youtube.com/watch?v=4__nd1vFs64 En 2020 la banda Italiana de Power Metal Trick or treat, lanza un disco Monográfico, una ópera Metal titulada: "The Leyend of the XII Saints" dedicado a la saga Original, de la serie de nuestros caballeros del Zodiaco. Consta de 14 temas, una apertura, una redención y otros 12 temas , dedicados a cada uno de los 12 caballeros dorados del templo de Athena. Como muestra este "Aries: Stardust Revolution" ¿Por qué Aries? ... Pues porque yo soy Acuario. ¿Por qué hicieron esta rareza? Porque dos años antes en 2018, lanzaron el álbum Re-Animated, un disco de versiones de dibujos animados.Y triunfaron con su versión de Pegasasu Fantasy incluida en dicho disco.Versión en Japones y con la colaboración de Erabu Yurie, la cantante del grupo Japonés de Power Metal, Rakshasa. Para mi es sin duda, la mejor versión de Pegasasu Fantasy. Por varias razones: Me gusta el Power Metal, soy seguidor de Trick or Treat. Y sobre todo porque es la canción que mi hija y yo cantamos a voz viva cuando viajamos en el coche. TRICK OR TREAT: PEGASUS FANTASY https://www.youtube.com/watch?v=tzKZT6Z0mSU Y ya me despido con una sugerencia. Agudiza el oído y ¡Sube el volumen tío friki!https://www.ivoox.com/011-explorando-versiones-heroes-audios-mp3_rf_129071019_1.htmlFri, 17 May 2024 23:19:45 +020014:1719fullhttps://www.ivoox.com/129071019locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHola, soy Antonio Gamero más conocido como carterito, fui miembro del grupo los niños del ventorrillo. Bienvenidos a explorando versiones, en esta ocasión vamos a darle un giro de tuerca al tema de David Bowie "Héroes" es una de las piezas más emblemáticas del artista británico, conocido por su capacidad camaleónica para reinventarse y su influencia en la música, la moda y la cultura. DAVID BOWIE https://www.youtube.com/watch?v=lXgkuM2NhYI Lanzada en 1977 "Héroes" se convirtió en un himno de esperanza y resistencia, y es considerada una de las obras maestras de Bowie. La letra de "Héroes" habla de alcanzar la grandeza, aunque sea por un breve momento, la referencia a nadar como los delfines simbolizan la libertad y la gracia, mientras que la idea de ser "Héroes" por un día, refleja el deseo de trascender las limitaciones cotidianas y alcanzar algo extraordinario. La canción sugiere que a pesar de las adversidades y los desafíos que puedan presentarse, las personas tienen la capacidad de superarlos y de ser reyes y reinas en sus vidas aunque sea temporalmente. El contexto histórico es importante para entender la canción, Bowie vivía en Berlín occidental en la época de la guerra fría cuando escribió está joya, y la letra hace referencia al muro de Berlín ("Standing by the wall"). Los "cañones" que disparan sobre las cabezas de los protagonistas, [uefen interpretarse como una metáfora de la opresión y el conflicto, mientras que el acto de besarse "como si nada pudiera caer" es un desafío a la desesperanza y un acto de amor y resistencia. "Héroes" es por tanto, un canto a la esperanza en tiempos de adversidad, y sigue siendo relevante en cualquier contexto donde se luche por la libertad y la dignidad humana. MOULIN ROUGE - EWAN MCGREGOR https://www.youtube.com/watch?v=WktuMZ6wI_Y Ha sido versionada entre muchos, cómo por ejemplo; En la inolvidable escena del elefante de "Moulin Rouge" En el año 2001 se estrenó este musical, con Ewan Mcgregor. Con unos protagonistas muy implicados en su papel, una maravilla de escena para los adictos a los musicales. DEPECHE MODE https://www.youtube.com/watch?v=q6yzrZfgQvI En este caso la versión viene a cargo del grupo Depeche Mode. Bowie era un ídolo para el cantante de esta formación, Dave Gaham, significa mucho la música para él. Homenajearon en el año 2017 al duque blanco en el 40 aniversario de esta canción. Depeche Mode ha versionado el histórico tema en muchas ocasiones, también lanzó una cover oficial (Highline sessions versión) Dave Gaham comentó: "Héroes" es la canción más especial para mí del momento... Bowie es el artista que me tenía atrapado en mi más tierna adolescencia, sus discos siempre los llevo en las giras y versionar "Héroes" es rendirle homenaje. MOTORHEAD https://www.youtube.com/watch?v=J06yQb4lbPk Ahora le toca el turno al power trío enérgico y rockero con su carismático líder Lemmy Kilmister, en Motorhead. En el año 2015 estrenaron el tema de David Bowie "Héroes" en directo, en el festival alemán Aftershock. También grabaron el tema en un disco que lanzaron llamado "Under cover" que agruparon canciones de distintas bandas con trayectoria. El guitarrista de Motorhead Phill Campbell comentó "es una gran canción de Bowie, una de las mejores, así que solo podía imaginar que salieran cosas buenas de nosotros, Lemmy acabo adorando nuestra versión". Mientras que su batería Mikkey Dee, decía lo siguiente: "Él estaba muy orgulloso de ella, no sólo porque salió bien sino porque era divertido". ENRIQUE VILLAREAL "EL DROGAS" https://www.youtube.com/watch?v=WLJlUwHHXAc Don Enrique Villareal "el drogas", versiona el tema de el duque blanco, que originalmente está escrito en el idioma de Shakespeare, ahora el drogas lo traduce al de Cervantes. Fue grabado en directo en la ciudadela de Pamplona el 2 de julio de 2016. Con 9 músicos denominados rhythm & blues band, en este cover la presencia de los teclados se suman a la fuerza de las guitarras y las melodías que aportan las personas dos coristas. CONCLUSIONES Y hasta aquí mi aportación a “Explorando Versiones”, ha sido un honor para mí. De todas las versiones me gustan todas, espero que a tod@s vosotr@s también.locosporincordiarHola, soy Antonio Gamero más conocido como carterito, fui miembro del grupo los niños del ventorrillo. Bienvenidos a explorando versiones, en esta ocasión vamos a darle un giro de tuerca al tema de David Bowie "Héroes" es una de las piezas más emblemáticas del artista británico, conocido por su capacidad camaleónica para reinventarse y su influencia en la música, la moda y la cultura. DAVID BOWIE https://www.youtube.com/watch?v=lXgkuM2NhYI Lanzada en 1977 "Héroes" se convirtió en un himno de esperanza y resistencia, y es considerada una de las obras maestras de Bowie. La letra de "Héroes" habla de alcanzar la grandeza, aunque sea por un breve momento, la referencia a nadar como los delfines simbolizan la libertad y la gracia, mientras que la idea de ser "Héroes" por un día, refleja el deseo de trascender las limitaciones cotidianas y alcanzar algo extraordinario. La canción sugiere que a pesar de las adversidades y los desafíos que puedan presentarse, las personas tienen la capacidad de superarlos y de ser reyes y reinas en sus vidas aunque sea temporalmente. El contexto histórico es importante para entender la canción, Bowie vivía en Berlín occidental en la época de la guerra fría cuando escribió está joya, y la letra hace referencia al muro de Berlín ("Standing by the wall"). Los "cañones" que disparan sobre las cabezas de los protagonistas, [uefen interpretarse como una metáfora de la opresión y el conflicto, mientras que el acto de besarse "como si nada pudiera caer" es un desafío a la desesperanza y un acto de amor y resistencia. "Héroes" es por tanto, un canto a la esperanza en tiempos de adversidad, y sigue siendo relevante en cualquier contexto donde se luche por la libertad y la dignidad humana. MOULIN ROUGE - EWAN MCGREGOR https://www.youtube.com/watch?v=WktuMZ6wI_Y Ha sido versionada entre muchos, cómo por ejemplo; En la inolvidable escena del elefante de "Moulin Rouge" En el año 2001 se estrenó este musical, con Ewan Mcgregor. Con unos protagonistas muy implicados en su papel, una maravilla de escena para los adictos a los musicales. DEPECHE MODE https://www.youtube.com/watch?v=q6yzrZfgQvI En este caso la versión viene a cargo del grupo Depeche Mode. Bowie era un ídolo para el cantante de esta formación, Dave Gaham, significa mucho la música para él. Homenajearon en el año 2017 al duque blanco en el 40 aniversario de esta canción. Depeche Mode ha versionado el histórico tema en muchas ocasiones, también lanzó una cover oficial (Highline sessions versión) Dave Gaham comentó: "Héroes" es la canción más especial para mí del momento... Bowie es el artista que me tenía atrapado en mi más tierna adolescencia, sus discos siempre los llevo en las giras y versionar "Héroes" es rendirle homenaje. MOTORHEAD https://www.youtube.com/watch?v=J06yQb4lbPk Ahora le toca el turno al power trío enérgico y rockero con su carismático líder Lemmy Kilmister, en Motorhead. En el año 2015 estrenaron el tema de David Bowie "Héroes" en directo, en el festival alemán Aftershock. También grabaron el tema en un disco que lanzaron llamado "Under cover" que agruparon canciones de distintas bandas con trayectoria. El guitarrista de Motorhead Phill Campbell comentó "es una gran canción de Bowie, una de las mejores, así que solo podía imaginar que salieran cosas buenas de nosotros, Lemmy acabo adorando nuestra versión". Mientras que su batería Mikkey Dee, decía lo siguiente: "Él estaba muy orgulloso de ella, no sólo porque salió bien sino porque era divertido". ENRIQUE VILLAREAL "EL DROGAS" https://www.youtube.com/watch?v=WLJlUwHHXAc Don Enrique Villareal "el drogas", versiona el tema de el duque blanco, que originalmente está escrito en el idioma de Shakespeare, ahora el drogas lo traduce al de Cervantes. Fue grabado en directo en la ciudadela de Pamplona el 2 de julio de 2016. Con 9 músicos denominados rhythm & blues band, en este cover la presencia de los teclados se suman a la fuerza de las guitarras y las melodías que aportan las personas dos coristas. CONCLUSIONES Y hasta aquí mi aportación a “Explorando Versiones”, ha sido un honor para mí. De todas las versiones me gustan todas, espero que a tod@s vosotr@s también.https://www.ivoox.com/010-explorando-versiones-hard-to-handle-audios-mp3_rf_128711947_1.htmlFri, 10 May 2024 08:14:52 +020010:33110fullhttps://www.ivoox.com/128711947locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHoy en Explorando Versiones hablamos de una de las muchas canciones que no gozaron de mucha popularidad cuando se publicaron originalmente, pero que muchos años después de la mano de otros artistas, llegaron al número uno de las listas. Hablamos de “Hard to Handle”. OTIS REDDING https://www.youtube.com/watch?v=1ZxN9iQM7OY La versión original pertenece al rey del soul, el mítico Otis Redding, pero que no pudimos disfrutar de su actitud en el escenario a la hora de interpretar la canción, debido a su prematura muerte en el año 1967. La canción “Hard to Handle” se publicó en un álbum póstumo un año después, en 1968, bajo el título de “The Immortal Otis Redding”, he aquí su versión. THE BLACK CROWES https://www.youtube.com/watch?v=BRcs_OzQb14 “Hard to Handle” recorrió sin pena y sin gloria el devenir de los años musicales, hasta que en el año 1990 los hermanos Chris y Rich Robinson formaron en Atlanta “The Black Crowes”. En su álbum de lanzamiento “Shake Your Money Maker”, en 1990, incluían esta desenfadada y frenética versión de “Hard to Handle”. Esta versión de “Hard to Handle” por los “Black Crowes” llegó al número uno de las listas de Billboard y catapultó a la banda americana. TOM JONES https://www.youtube.com/watch?v=2dDRVdig_w8 Como antes hemos comentado, la canción “Hard to Handle” no tuvo mucho éxito hasta que los “Black Crowes” publicó “Shake Your Money Maker”, pero eso no quiere decir que no fuera versionada por otros grandes artistas. Para muestra, un botón. He aquí una versión del mismísimo “Tom Jones” en su “Live in Las Vegas” del año 1969. PATTI DREW https://www.youtube.com/watch?v=KHVlvbt8ryw Del mismo año que la versión anterior de Tom Jones, o sea 1969, solo justo un año después de publicarse “Hard to Handle”, tenemos aquí otra versión de la artista norteamericana Patty Drew. THE BLOOMFIELDS https://www.youtube.com/watch?v=JjcNWHqsi04 Hoy día “Hard to Handle” es una de las canciones más versionadas de la historia del rock. Como muestra tenemos esta versión de una banda filipina llamada The Bloomfields. CONCLUSIONES Y hasta aquí el Explorando Versiones de hoy dedicado a “Hard to Handle”. De toda la que hemos oído, ¿con cuál te quedas?. Nos vemos en la siguiente.locosporincordiarHoy en Explorando Versiones hablamos de una de las muchas canciones que no gozaron de mucha popularidad cuando se publicaron originalmente, pero que muchos años después de la mano de otros artistas, llegaron al número uno de las listas. Hablamos de “Hard to Handle”. OTIS REDDING https://www.youtube.com/watch?v=1ZxN9iQM7OY La versión original pertenece al rey del soul, el mítico Otis Redding, pero que no pudimos disfrutar de su actitud en el escenario a la hora de interpretar la canción, debido a su prematura muerte en el año 1967. La canción “Hard to Handle” se publicó en un álbum póstumo un año después, en 1968, bajo el título de “The Immortal Otis Redding”, he aquí su versión. THE BLACK CROWES https://www.youtube.com/watch?v=BRcs_OzQb14 “Hard to Handle” recorrió sin pena y sin gloria el devenir de los años musicales, hasta que en el año 1990 los hermanos Chris y Rich Robinson formaron en Atlanta “The Black Crowes”. En su álbum de lanzamiento “Shake Your Money Maker”, en 1990, incluían esta desenfadada y frenética versión de “Hard to Handle”. Esta versión de “Hard to Handle” por los “Black Crowes” llegó al número uno de las listas de Billboard y catapultó a la banda americana. TOM JONES https://www.youtube.com/watch?v=2dDRVdig_w8 Como antes hemos comentado, la canción “Hard to Handle” no tuvo mucho éxito hasta que los “Black Crowes” publicó “Shake Your Money Maker”, pero eso no quiere decir que no fuera versionada por otros grandes artistas. Para muestra, un botón. He aquí una versión del mismísimo “Tom Jones” en su “Live in Las Vegas” del año 1969. PATTI DREW https://www.youtube.com/watch?v=KHVlvbt8ryw Del mismo año que la versión anterior de Tom Jones, o sea 1969, solo justo un año después de publicarse “Hard to Handle”, tenemos aquí otra versión de la artista norteamericana Patty Drew. THE BLOOMFIELDS https://www.youtube.com/watch?v=JjcNWHqsi04 Hoy día “Hard to Handle” es una de las canciones más versionadas de la historia del rock. Como muestra tenemos esta versión de una banda filipina llamada The Bloomfields. CONCLUSIONES Y hasta aquí el Explorando Versiones de hoy dedicado a “Hard to Handle”. De toda la que hemos oído, ¿con cuál te quedas?. Nos vemos en la siguiente.https://www.ivoox.com/009-explorando-versiones-heart-of-glass-audios-mp3_rf_128334047_1.htmlWed, 01 May 2024 20:48:16 +020013:5819fullhttps://www.ivoox.com/128334047locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHoy en Explorando versiones vamos a hablar de la canción "Heart of Glass" de la banda estadounidense Blondie. BLONDIE - Heart of Glass https://www.youtube.com/watch?v=WGU_4-5RaxU Fue lanzada como el sencillo principal de su tercer álbum "Parallel Lines" en 1978. Fue escrita por Debbie Harry, la vocalista de la banda y Chris Stein el guitarrista. Debbie Harry se inspiró en su relación tumultuosa y apasionada con el guitarrista para componer esta canción. BLONDIE - I Once had love https://www.youtube.com/watch?v=M6bsNGBGhNE La primera versión de esta canción, con el título "I Once had love", empezó siendo una balada, pero decidieron cambiarla porque sentían que tenía un potencial comercial mucho mayor. "I once had love" era una canción más lenta y melódica, mientras que "Heart of Glass" tenía un ritmo más rápido y una energía más pegadiza. Blondie quería llegar a un público más amplio y creían que "Heart of Glass" tenía el sonido y la letra que podía captar la atención de la gente. Además, al incorporar ritmos bailables y elementos electrónicos, consideraron que "Heart of Glass" se ajustaba mejor al estilo musical de la banda en ese momento, ya que buscaban experimentar con el género de la música disco y new wave que estaban en pleno auge en 1978. El estilo musical de "Heart of Glass" fue un cambio notable para la banda, ya que combinó elementos del rock y la música disco, lo que la convirtió en un éxito trascendental y en un himno icónico de la época. Llegó a número 1 en EEUU, Canadá, Nueva Zelanda, Reino Unido, Australia y Suiza. THE PUPPINI SISTERS https://www.youtube.com/watch?v=7NpMR6RiM4k Hemos encontrado una docena de versiones de esta canción de distintos géneros. Destacando algunas muy originales como la versión de Las Puppini Sisters. Un trío vocal británico, que llevan desde el 2004 cantando a capela, harmony, jazz, pop y swing. Marcella Puppìni, Kate Mullins y Emma Smith, que no son hermanas pero adoptaron el nombre de Puppini Sister en honor a las hermanas Andrews, grupo musical de 1925. amantes del sonido de los 30 y 40, la época dorada de Hollywood. Han versionado muchas canciones colaborado en programas de tv y han participado como coristas con varios artistas. La versión de NOEVELLE VAGUE https://www.youtube.com/watch?v=nNFxYT-znng Nouvelle Vague es un grupo francés de versiones creado en 2004. Su nombre en francés significa "nueva ola” (o new wave), y hace referencia simultáneamente al movimiento cinematográfico francés de la Nueva Ola de los años sesenta y al movimiento musical de la nueva ola de los años setenta y ochenta, del que proceden muchas de las canciones que versiona el grupo. Es conocida por su estilo único de reinterpretar canciones populares en diferentes géneros, y su versión de "Heart of Glass" no es una excepción. En su versión le dan un toque suave y melódico, con influencias de jazz. Es una interpretación refrescante y encantadora de la canción original. ERASURE https://www.youtube.com/watch?v=wPKhFSBY64s El duo britanico de synth pop y electro pop, ”Erasure” formado en 1985, obtuvieron reconocimiento con su primer álbum “Wonderland”. Desde entonces, en sus 35 años de carrera, ha grabado más de 200 canciones y es la tercera banda en la historia del techno pop que más discos ha vendido en el Reino Unido, sólo detrás de Pet Shop Boys y Depeche Mode. Sin embargo, en 1996, sin el éxito desmesurado de antaño, empezaron a interpretar diferentes versiones de electro-pop de canciones como Gimme Gimme Gimme de ABBA o de Heart of Glass en su gira Tiny Tour, MILEY CYRUS https://www.youtube.com/watch?v=NbdRLyixJpc La versión que seguramente sea la más conocida y más reciente es la que ha interpretado Miley Cyrus. Miley Cyrus hizo suya la versión de Heart of Glass en directo en el festival iHeartRadio en septiembre de 2020. Esta interpretación fue elogiada por su estilo único y su voz potente y su capacidad de adaptar la canción a su propio estilo. Ese mismo año lanzó en noviembre su álbum Plastic hearts. Debido a la demanda popular y a que se hicieron viral en las redes sociales, Cyrus incluyó en el álbum las versiones en vivo de «Heart of Glass» de y «Zombie» de The Cranberries, y «Edge of Seventeen» de Stevie Nicks. Debbie Harry llegaría a publicar en su Instagram que Miley Cirys ha dado en el clavo con su versión. Y hablando de Debbie Harry, a pesar de ser vista como un objeto sexual, su talento era invisibilizado por la crítica bajo el famoso cliché de que las rubias eran tontas. Sin embargo fue transgresora para la época, en su aspecto, en su voz y en la letra de sus canciones, CONCLUSIONES Pero volviendo a Blondie, vendieron más de 40 millones de álbumes y sus mayores éxitos llegaron cuando atravesaron estilos: De los cuatro números 1, dos son disco ("Heart of Glass" y "Call Me"), uno es reggae ("The Tide Is High") y otro es una celebración premonitoria del hip-hop ("Rapture"). Bandas como Inxs, The Killers, Eurythmics y hasta Madonna han sido influenciados por esta banda.locosporincordiarHoy en Explorando versiones vamos a hablar de la canción "Heart of Glass" de la banda estadounidense Blondie. BLONDIE - Heart of Glass https://www.youtube.com/watch?v=WGU_4-5RaxU Fue lanzada como el sencillo principal de su tercer álbum "Parallel Lines" en 1978. Fue escrita por Debbie Harry, la vocalista de la banda y Chris Stein el guitarrista. Debbie Harry se inspiró en su relación tumultuosa y apasionada con el guitarrista para componer esta canción. BLONDIE - I Once had love https://www.youtube.com/watch?v=M6bsNGBGhNE La primera versión de esta canción, con el título "I Once had love", empezó siendo una balada, pero decidieron cambiarla porque sentían que tenía un potencial comercial mucho mayor. "I once had love" era una canción más lenta y melódica, mientras que "Heart of Glass" tenía un ritmo más rápido y una energía más pegadiza. Blondie quería llegar a un público más amplio y creían que "Heart of Glass" tenía el sonido y la letra que podía captar la atención de la gente. Además, al incorporar ritmos bailables y elementos electrónicos, consideraron que "Heart of Glass" se ajustaba mejor al estilo musical de la banda en ese momento, ya que buscaban experimentar con el género de la música disco y new wave que estaban en pleno auge en 1978. El estilo musical de "Heart of Glass" fue un cambio notable para la banda, ya que combinó elementos del rock y la música disco, lo que la convirtió en un éxito trascendental y en un himno icónico de la época. Llegó a número 1 en EEUU, Canadá, Nueva Zelanda, Reino Unido, Australia y Suiza. THE PUPPINI SISTERS https://www.youtube.com/watch?v=7NpMR6RiM4k Hemos encontrado una docena de versiones de esta canción de distintos géneros. Destacando algunas muy originales como la versión de Las Puppini Sisters. Un trío vocal británico, que llevan desde el 2004 cantando a capela, harmony, jazz, pop y swing. Marcella Puppìni, Kate Mullins y Emma Smith, que no son hermanas pero adoptaron el nombre de Puppini Sister en honor a las hermanas Andrews, grupo musical de 1925. amantes del sonido de los 30 y 40, la época dorada de Hollywood. Han versionado muchas canciones colaborado en programas de tv y han participado como coristas con varios artistas. La versión de NOEVELLE VAGUE https://www.youtube.com/watch?v=nNFxYT-znng Nouvelle Vague es un grupo francés de versiones creado en 2004. Su nombre en francés significa "nueva ola” (o new wave), y hace referencia simultáneamente al movimiento cinematográfico francés de la Nueva Ola de los años sesenta y al movimiento musical de la nueva ola de los años setenta y ochenta, del que proceden muchas de las canciones que versiona el grupo. Es conocida por su estilo único de reinterpretar canciones populares en diferentes géneros, y su versión de "Heart of Glass" no es una excepción. En su versión le dan un toque suave y melódico, con influencias de jazz. Es una interpretación refrescante y encantadora de la canción original. ERASURE https://www.youtube.com/watch?v=wPKhFSBY64s El duo britanico de synth pop y electro pop, ”Erasure” formado en 1985, obtuvieron reconocimiento con su primer álbum “Wonderland”. Desde entonces, en sus 35 años de carrera, ha grabado más de 200 canciones y es la tercera banda en la historia del techno pop que más discos ha vendido en el Reino Unido, sólo detrás de Pet Shop Boys y Depeche Mode. Sin embargo, en 1996, sin el éxito desmesurado de antaño, empezaron a interpretar diferentes versiones de electro-pop de canciones como Gimme Gimme Gimme de ABBA o de Heart of Glass en su gira Tiny Tour, MILEY CYRUS https://www.youtube.com/watch?v=NbdRLyixJpc La versión que seguramente sea la más conocida y más reciente es la que ha interpretado Miley Cyrus. Miley Cyrus hizo suya la versión de Heart of Glass en directo en el festival iHeartRadio en septiembre de 2020. Esta interpretación fue elogiada por su estilo único y su voz potente y su capacidad de adaptar la canción a su propio estilo. Ese mismo año lanzó en noviembre su álbum Plastic hearts. Debido a la demanda popular y a que se hicieron viral en las redes sociales, Cyrus incluyó en el álbum las versiones en vivo de «Heart of Glass» de y «Zombie» de The Cranberries, y «Edge of Seventeen» de Stevie Nicks. Debbie Harry llegaría a publicar en su Instagram que Miley Cirys ha dado en el clavo con su versión. Y hablando de Debbie Harry, a pesar de ser vista como un objeto sexual, su talento era invisibilizado por la crítica bajo el famoso cliché de que las rubias eran tontas. Sin embargo fue transgresora para la época, en su aspecto, en su voz y en la letra de sus canciones, CONCLUSIONES Pero volviendo a Blondie, vendieron más de 40 millones de álbumes y sus mayores éxitos llegaron cuando atravesaron estilos: De los cuatro números 1, dos son disco ("Heart of Glass" y "Call Me"), uno es reggae ("The Tide Is High") y otro es una celebración premonitoria del hip-hop ("Rapture"). Bandas como Inxs, The Killers, Eurythmics y hasta Madonna han sido influenciados por esta banda.https://www.ivoox.com/008-explorando-versiones-hound-dog-audios-mp3_rf_128333046_1.htmlWed, 01 May 2024 20:07:46 +020010:5418fullhttps://www.ivoox.com/128333046locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHoy en explorando versiones os traemos Hound Dog. BIG MAMA THORNTON https://www.youtube.com/watch?v=yoHDrzw-RPg Está canción originariamente se trataba de un blues de doce compases escrita por Jerry Leiber y Mike Stoller y grabada por Willie Mae "Big Mama" Thornton en 1952. ELVIS PRESLEY https://www.youtube.com/watch?v=-eHJ12Vhpyc Cuenta con casi 250 interpretaciones grabadas, alguna de ellas auténticas perversiones. Sin duda la mas famosa la de Elvis Presley la cual ya tocaba en directo antes de su presentación televisiva en el programa de Milton Berle "Milton Berle Show" el 5 de junio de 1956 donde Elvis comenzó en ritmo de rock and roll para terminarla en blues. El show fue visto en ese momento por 40.000.000 de televidentes lo que terminó de decidir al rey del rock a finalmente grabarla en Julio de ese mismo año añadiendo el característico acompañamiento de palmas a modo de instrumento JIMI HENDRIX https://www.youtube.com/watch?v=Xt4JdOankMA El que posiblemente ha sido el mejor guitarrista de la historia del rock, Jimmy Hendrix hizo una versión incluida el disco póstumo Radio One de 1988 que contenía sesiones de grabación en la BBC de entre 1967 y 1969 SHA-NA-NA - Hound Dog (From “Grease”) https://www.youtube.com/watch?v=h-HCKUd_Fpc Desde los años 70, "Hound Dog" ha aparecido en varias películas, como American Graffiti, Forrest Gump, Lilo y Stitch e Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, de infame recuerdo para los fans de la saga de Indi. Esta del musical Grease es quizás la más reseñable, interpretada por el grupo estadounidense de rock and roll y Doo-woop Sha Na Na con un indudable estilo Rockabilly…como curiosidad, amistad de estos con Jimmy Hendrix hizo posible que tocaran en el mítico festival de Woodstock SUSI BLÚ - Perro de caza https://www.youtube.com/watch?v=o5Kc4rH67wI Otra versión digna de destacar desde tierras argentinas, por su originalidad y diferenciación es sin duda la del grupo de blues compuesto íntegramente por mujeres Susi Blu quienes la titularon “Perro de Caza” SILVIO CON SUS DIPLOMÁTICOS https://www.youtube.com/watch?v=N6vClvdAJc0 Barriendo para casa, quien sino el rockero Silvio, gran fan de Elvis nos trajo esta versión en el disco “A Color to África from Manchester” junto a Los Diplomáticos de 1999. Puro estilo Silvio, irreverente pero con mucho swing LOS GANDULES - ODIO A CARLOS GOÑI https://www.youtube.com/watch?v=x1uIyeahkg8 No quiero dejar pasar la ocasión de presentar está versión del grupo zaragozano Los Gandules, genios del Comedy Rock junto a los Berzas, ni que decir tiene que suscribo la letra…..cada uno tiene sus filias y fobias CONCLUSIONES En 2004 la versión de Presley fue ubicada en el puesto número 19 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone. En 2021, en una reedición de aquella lista, la versión original de Big Mama Thornton fue ubicada en el puesto 318, mientras que la de Presley fue retirada de la selección. No obstante queda en en subconsciente colectivo la canción Hound dog atribuida a Elvis originariamente…locosporincordiarHoy en explorando versiones os traemos Hound Dog. BIG MAMA THORNTON https://www.youtube.com/watch?v=yoHDrzw-RPg Está canción originariamente se trataba de un blues de doce compases escrita por Jerry Leiber y Mike Stoller y grabada por Willie Mae "Big Mama" Thornton en 1952. ELVIS PRESLEY https://www.youtube.com/watch?v=-eHJ12Vhpyc Cuenta con casi 250 interpretaciones grabadas, alguna de ellas auténticas perversiones. Sin duda la mas famosa la de Elvis Presley la cual ya tocaba en directo antes de su presentación televisiva en el programa de Milton Berle "Milton Berle Show" el 5 de junio de 1956 donde Elvis comenzó en ritmo de rock and roll para terminarla en blues. El show fue visto en ese momento por 40.000.000 de televidentes lo que terminó de decidir al rey del rock a finalmente grabarla en Julio de ese mismo año añadiendo el característico acompañamiento de palmas a modo de instrumento JIMI HENDRIX https://www.youtube.com/watch?v=Xt4JdOankMA El que posiblemente ha sido el mejor guitarrista de la historia del rock, Jimmy Hendrix hizo una versión incluida el disco póstumo Radio One de 1988 que contenía sesiones de grabación en la BBC de entre 1967 y 1969 SHA-NA-NA - Hound Dog (From “Grease”) https://www.youtube.com/watch?v=h-HCKUd_Fpc Desde los años 70, "Hound Dog" ha aparecido en varias películas, como American Graffiti, Forrest Gump, Lilo y Stitch e Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, de infame recuerdo para los fans de la saga de Indi. Esta del musical Grease es quizás la más reseñable, interpretada por el grupo estadounidense de rock and roll y Doo-woop Sha Na Na con un indudable estilo Rockabilly…como curiosidad, amistad de estos con Jimmy Hendrix hizo posible que tocaran en el mítico festival de Woodstock SUSI BLÚ - Perro de caza https://www.youtube.com/watch?v=o5Kc4rH67wI Otra versión digna de destacar desde tierras argentinas, por su originalidad y diferenciación es sin duda la del grupo de blues compuesto íntegramente por mujeres Susi Blu quienes la titularon “Perro de Caza” SILVIO CON SUS DIPLOMÁTICOS https://www.youtube.com/watch?v=N6vClvdAJc0 Barriendo para casa, quien sino el rockero Silvio, gran fan de Elvis nos trajo esta versión en el disco “A Color to África from Manchester” junto a Los Diplomáticos de 1999. Puro estilo Silvio, irreverente pero con mucho swing LOS GANDULES - ODIO A CARLOS GOÑI https://www.youtube.com/watch?v=x1uIyeahkg8 No quiero dejar pasar la ocasión de presentar está versión del grupo zaragozano Los Gandules, genios del Comedy Rock junto a los Berzas, ni que decir tiene que suscribo la letra…..cada uno tiene sus filias y fobias CONCLUSIONES En 2004 la versión de Presley fue ubicada en el puesto número 19 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone. En 2021, en una reedición de aquella lista, la versión original de Big Mama Thornton fue ubicada en el puesto 318, mientras que la de Presley fue retirada de la selección. No obstante queda en en subconsciente colectivo la canción Hound dog atribuida a Elvis originariamente…https://www.ivoox.com/007-explorando-versiones-enjoy-the-silence-audios-mp3_rf_128013262_1.htmlWed, 24 Apr 2024 18:12:30 +020010:2317fullhttps://www.ivoox.com/128013262locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noEnjoy the Silence, un tema de Depeche Mode, es uno de los que supongo tres o cuatro que el populacho conoce y disfruta. Este single se editó el 5 de febrero del 90. En un principio en consonancia con su título, que iba a hacer una pista en blanco, vacía. Parece un tanto extraño pero la explicación de ello es que se intentaba enseñar los intervalos de entre nota y nota, o sea el silencio, que según la teoría musical esto da realmente la armonía. Gracias a Dios esta tontería, genialidad, chuminá, no se realizó en ningún momento. De hecho incluso yo dudo personalmente de que todo sea cierto, pero la verdad que lo había leído antes. Digamos que la maqueta del tema es una castaña plomiza, lenta, parsimoniosa, espesa... vamos nada nada que ver con lo que posteriormente fue el tema. ¿Cómo cambió? El tema cambió por como siempre todos los temas de Martin Gore, por Alan Wilder, el creador básicamente del sólido Depeche Mode, el arquitecto sonoro de Depeche Mode. En estos momentos se estaba ya produciendo el disco “Violator”, en que "Flood" como productor y Wilder, que también ejercía ya como productor, digamos en la sombra, pues vieron que el tema tenía potencial. Pidió a Martin Gore y a Fletcher, el otro componente de la banda que falleció hace poco, que sea ausentaran 48 horas, que en ese periodo de tiempo, que parece muy limitado, pues hicieron digamos la base sonora de lo que escuchamos actualmente en la canción. Martin Gore al escuchar ese nuevo tratamiento del tema, pues se le cayó los cojones al suelo. De hecho no estaba de acuerdo. Si el tema era el silencio como que será convertir en una música bailable, en algo no "popero" pero cerca de él del "poperismo". Bueno en este punto, "Flood" hizo básicamente una cosa muy muy acertada. Hasta ese momento, en cuestión de instrumentos, sonido, la banda era muy cazurra. No se bajaban del burro y digamos no utilizaban cuerdas, batería... o sea elementos, digamos no electrónicos, por lo menos de manera general. Flood demostró que todos esos prejuicios eran una mierda, pero una mierda textual. Esto lo comentó David Gahan en una entrevista en que literalmente le dijo al grupo eso. Esto facilitó la entrada de cuerdas, en este caso concreto los famosos acordes de guitarra de la canción tan emblemática como los países sonoros de Wilder y producido para esta canción. Enjoy the Silence, si analizamos un poco, es una suma de individualidades. Por una parte un tema en el que tal como se creó no iba a ninguna parte, y un tema muy muy bueno escrito por Martin Gore, digamos que Wilder hizo que ese tema fuera consumible, y a su vez la voz de Gahan hizo el resto. Si nos hubiéramos quedado con la primera versión pues seguramente ni siquiera estarían escuchando este pequeño podcast. Hablemos un poco del video. El vídeo filmado por el director Anton Corbijn, que llega a ser el “sexto Mode” (siendo el “quinto Mode” de Daniel Miller). Este vídeo se hizo muy famoso, de hecho es uno de los más reconocibles, por el detalle de la fotografía de ellos con la rosa, que a la postre es la portada del disco. En este vídeo, que está grabado en Zurich, David Gahan está disfrazado de rey. Se supone que el significado es un rey que lo tiene todo y lo que está buscando es la paz, tranquilidad, disfrutar, como diría el tema de la canción. Este vídeo digamos que David Gahan no estaba muy de acuerdo, o sea no se veía andando con una hamaca en la mano y disfrazado de rey. Claro, al resto de la banda le parecía bien. Yo me imagino que el resto de la banda se descojonarían al completo. El caso es que el periodo de grabación para Martin y compañía pues fue muy corto, pero David Gahan se tuvo que quedar completando la afirmación. ¿Qué pasó? que estaba hasta los huevos de tanto frío y se volvió, así que solo hizo la escena en primer plano y donde se podía ver que él era él. El reto está hecho por el mismo productor del vídeo. Es un caso curioso, que la mitad de un vídeo de Depeche Mode pues no sale ninguno de Depeche Mode. Bueno, espero que no haya resultado mucha chapa y que al menos algún que otro detalle que se desconocía, o desconocíais pues ya lo sabéis. Saludos. Depeche Mode - Enjoy the Silence (Harmonium): https://www.youtube.com/watch?v=q1cRm9d0unQ Depeche Mode - Enjoy The Silence (Official Video): https://www.youtube.com/watch?v=aGSKrC7dGcYlocosporincordiarEnjoy the Silence, un tema de Depeche Mode, es uno de los que supongo tres o cuatro que el populacho conoce y disfruta. Este single se editó el 5 de febrero del 90. En un principio en consonancia con su título, que iba a hacer una pista en blanco, vacía. Parece un tanto extraño pero la explicación de ello es que se intentaba enseñar los intervalos de entre nota y nota, o sea el silencio, que según la teoría musical esto da realmente la armonía. Gracias a Dios esta tontería, genialidad, chuminá, no se realizó en ningún momento. De hecho incluso yo dudo personalmente de que todo sea cierto, pero la verdad que lo había leído antes. Digamos que la maqueta del tema es una castaña plomiza, lenta, parsimoniosa, espesa... vamos nada nada que ver con lo que posteriormente fue el tema. ¿Cómo cambió? El tema cambió por como siempre todos los temas de Martin Gore, por Alan Wilder, el creador básicamente del sólido Depeche Mode, el arquitecto sonoro de Depeche Mode. En estos momentos se estaba ya produciendo el disco “Violator”, en que "Flood" como productor y Wilder, que también ejercía ya como productor, digamos en la sombra, pues vieron que el tema tenía potencial. Pidió a Martin Gore y a Fletcher, el otro componente de la banda que falleció hace poco, que sea ausentaran 48 horas, que en ese periodo de tiempo, que parece muy limitado, pues hicieron digamos la base sonora de lo que escuchamos actualmente en la canción. Martin Gore al escuchar ese nuevo tratamiento del tema, pues se le cayó los cojones al suelo. De hecho no estaba de acuerdo. Si el tema era el silencio como que será convertir en una música bailable, en algo no "popero" pero cerca de él del "poperismo". Bueno en este punto, "Flood" hizo básicamente una cosa muy muy acertada. Hasta ese momento, en cuestión de instrumentos, sonido, la banda era muy cazurra. No se bajaban del burro y digamos no utilizaban cuerdas, batería... o sea elementos, digamos no electrónicos, por lo menos de manera general. Flood demostró que todos esos prejuicios eran una mierda, pero una mierda textual. Esto lo comentó David Gahan en una entrevista en que literalmente le dijo al grupo eso. Esto facilitó la entrada de cuerdas, en este caso concreto los famosos acordes de guitarra de la canción tan emblemática como los países sonoros de Wilder y producido para esta canción. Enjoy the Silence, si analizamos un poco, es una suma de individualidades. Por una parte un tema en el que tal como se creó no iba a ninguna parte, y un tema muy muy bueno escrito por Martin Gore, digamos que Wilder hizo que ese tema fuera consumible, y a su vez la voz de Gahan hizo el resto. Si nos hubiéramos quedado con la primera versión pues seguramente ni siquiera estarían escuchando este pequeño podcast. Hablemos un poco del video. El vídeo filmado por el director Anton Corbijn, que llega a ser el “sexto Mode” (siendo el “quinto Mode” de Daniel Miller). Este vídeo se hizo muy famoso, de hecho es uno de los más reconocibles, por el detalle de la fotografía de ellos con la rosa, que a la postre es la portada del disco. En este vídeo, que está grabado en Zurich, David Gahan está disfrazado de rey. Se supone que el significado es un rey que lo tiene todo y lo que está buscando es la paz, tranquilidad, disfrutar, como diría el tema de la canción. Este vídeo digamos que David Gahan no estaba muy de acuerdo, o sea no se veía andando con una hamaca en la mano y disfrazado de rey. Claro, al resto de la banda le parecía bien. Yo me imagino que el resto de la banda se descojonarían al completo. El caso es que el periodo de grabación para Martin y compañía pues fue muy corto, pero David Gahan se tuvo que quedar completando la afirmación. ¿Qué pasó? que estaba hasta los huevos de tanto frío y se volvió, así que solo hizo la escena en primer plano y donde se podía ver que él era él. El reto está hecho por el mismo productor del vídeo. Es un caso curioso, que la mitad de un vídeo de Depeche Mode pues no sale ninguno de Depeche Mode. Bueno, espero que no haya resultado mucha chapa y que al menos algún que otro detalle que se desconocía, o desconocíais pues ya lo sabéis. Saludos. Depeche Mode - Enjoy the Silence (Harmonium): https://www.youtube.com/watch?v=q1cRm9d0unQ Depeche Mode - Enjoy The Silence (Official Video): https://www.youtube.com/watch?v=aGSKrC7dGcYhttps://www.ivoox.com/006-explorando-versiones-under-pressure-audios-mp3_rf_127900259_1.htmlTue, 23 Apr 2024 12:28:16 +020013:2116fullhttps://www.ivoox.com/127900259locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHoy en explorando versiones: Under Pressure. Under Pressure es una canción del año 1981, grabada por la banda de glam rock británica Queen y el cantante David Bowie para el álbum de Queen, Hot Space de 1982. Previamente en 1981 se lanzó como sencillo, acompañada en su cara B por el tema Soul Brother. Dicho single llegó al número 1 en Reino Unido y fue top 10 en las listas más importantes de todo el mundo. La canción se grabó en los estudios que la banda poseía en Mountreaux ( Suecia). En una "Jam Session" ó lo que es lo mismo, una sesión de improvisación, mientras cenaban unas Pizzas. El característico riff de la linea de bajo esta basado en el tercer movimiento, del primer tema, de la primera sinfonía de Jean Sibelius de 1898. La edición de septiembre de 2005 de la revista musical online "Style",seleccionó la línea de bajo como la mejor de la historia de la música contemporánea. La cancion se convirtio en una de las mas queridas por los fans en los directos de los Londinenses. Por eso, Queen, tocó "Under pressure" en todos los conciertos desde 1981 hasta el final de la ultima gira de la banda "Magic Tour" en 1986. Queen - Under Pressure: https://youtu.be/a01QQZyl-_I?si=Spx6xhLfUgTVzulJ Vanilla Ice La canción no estuvo libre de controversia por plagio. Cuando el rapero "Vanilla Ice" sampleó la canción en 1990 como base para su tema "Ice ice baby" . Pero Vanilla Ice, no dio crédito a Queen y a Bowie. En respuesta a las críticas dijo que solamente le agregó una nota más, por lo que esa canción podría considerarse como suya. Pero no coló y una demanda obligó a Vanilla Ice a pagar royalties por derechos a Queen y al Camaleón David Bowie. Pese a la polémica «Ice Ice Baby» fue el primer sencillo de hip hop que encabezó el Billboard Hot 100 de los Estados Unidos. Fuera de los Estados Unidos, la canción encabezó las listas en Australia, Bélgica, los Países Bajos, Nueva Zelanda, la República de Irlanda y el Reino Unido. Después de esto, Vanilla Ice no tuvo ningún otro éxito reseñable. Seguramente fue porque olvidó "poner una nota más" a cualquier otro gran éxito ajeno para samplear sus temas. Vanilla Ice - Ice ice baby: https://youtu.be/rog8ou-ZepE?si=I_WUpg6mb0AKgyJ3 Fobia Como toda buena canción que se precie, "Under pressure" tambien tiene su versión en el idioma de Cervantes. Fue en 1997, cuando salió a la luz el álbum: "Tributo a Queen: Los grandes de Rock en español" Algunas del las criticas apuntaron al titulo del disco, ya que el album reunió a varios artistas de la escena musical latinoamericana y española que no tenían mucha relación con el Rock. Artistas como los españoles :La Unión, Antonio Vega, Ketama... Y otros grupos y solistas hispanoamericanos como: Soda estéreo, Fito Páez o Molotov, aportaron su versión de un tema de Queen. El grupo que aportó la versión de "Under Pressure" o "Presionándome" (como se tradujo a nuestra lengua) fueron los mexicanos "Fobia". Siendo esta la última aparición musical de los americanos hasta su reunión años después. Fobia - Presionándome: https://youtu.be/6VJa2wgp89c?si=DNTCIOshCBL48_zr Joss Stone La cantante de Soul y actriz Británica José Stone, que salto a la fama con 16 años, tras ser nomina a los "Premios Mercury" de 2003. Fue la elegida por EMI récords para aportar la version de "Under pressure" en el disco tributo Killer Queen: A tribute to Queen . Versión en la que la mezzosoprano, vuelca todas sus influencias del soul en una interpretación sobresaliente. La canción tuvo gran aceptación siendo de las mas aclamadas entre sus fans en los conciertos de la Britanica. Convirtiéndose asi en la elegida para abrir los bises en sus espectáculos en vivo. Joss Stone: https://youtu.be/shUkiGTAg2s?si=iTemjKmWb1gu35Lj Pink (Happy feet 2) Under pressure es la segunda canción más usada en la historia del cine. Utilizando los datos de Tunefind, el sitio FarOutMagazine analizó las 20 canciones más utilizadas en la historia del cine. El icónico riff de bajo se deja escuchar en 14 películas, casi siempre en su versión original. Pero no en "Happy feet 2" de 2011. Para la película de animación de Warner Bros dirigida por George Miller, se creó una nueva Versión interpretada por la famosa cantante estadounidense Pink. Cabe reseñar esta version por la adaptación a la trama y obre todo por sus supuestos intérpretes. Pingüinos, elefantes marinos y otros animales de la fauna Antártica. Pink: https://youtu.be/ku2DYyXjXVk?si=_qidEKWvRWYK2IOg My Chemical Romance y The used En 2005, las bandas de Rock alternativo "The Used" y "My Chemical romance" se unieron para versionar el tema de Queen. La canción se lanzó como sencillo con fines caritativos en abril de 2005, para ayudar a las víctimas del maremoto que azotó las costas del sur de Asia en diciembre de 2004. La recaudación de la canción se destinó a la fundación Music for Relief. En el año 2013, la revista Rolling Stone incluyó a la versión en su artículo de las «Las 10 versiones de temas de Bowie mas estelares». Y concluyó que podía «imaginar la presión que My Chemical Romance y The Used debieron aguantar cuando decidieron reinterpretar esta obra de arte de Queen y Bowie». Destacó que «los cantantes Gerard Way y Bert McCracken hicieron un trabajo admirable combinando las armonías vocales» My Chemical Romance y The used: https://youtu.be/ksba_WnMpuo?si=0fAGUaJBC_LvaiLV Estaría mal terminar sin mencionar la version en directo que quedó en la retina de más de 70.000 personas en el estadio de Wembley. Y de hasta mil millones de personas de los 76 países a los que fue retransmitida dicha actuación. Fue el 20 de Abril de 1992 , cuando tuvo lugar el concierto homenaje a Freddie Mercury. Tan sólo 5 meses después de su fallecimiento, la banda reunió para el evento a las mayores estrellas del panorama Pop y Rock del momento. El evento sirvió para recaudar fondos para la "Fundación Phoenix", creada por la banda para la ayuda contra el SIDA en África. Momento lacrimogeno cuando en la tarde noche de esa primavera, le tocó el turno a David Bowie, acompañado por la ex vocalista de Eurythmics, Annie Lennox para cantar "Under Pressure" junto a la banda. La actuación pasará a la historia por la emotiva interpretación teatral y vocal de estos dos grandes de la música contemporánea. Queen, Annie Lennox y David Bowie: https://youtu.be/fCP2-Bfhy04?si=4JK6IO1zAfkOJPnAlocosporincordiarHoy en explorando versiones: Under Pressure. Under Pressure es una canción del año 1981, grabada por la banda de glam rock británica Queen y el cantante David Bowie para el álbum de Queen, Hot Space de 1982. Previamente en 1981 se lanzó como sencillo, acompañada en su cara B por el tema Soul Brother. Dicho single llegó al número 1 en Reino Unido y fue top 10 en las listas más importantes de todo el mundo. La canción se grabó en los estudios que la banda poseía en Mountreaux ( Suecia). En una "Jam Session" ó lo que es lo mismo, una sesión de improvisación, mientras cenaban unas Pizzas. El característico riff de la linea de bajo esta basado en el tercer movimiento, del primer tema, de la primera sinfonía de Jean Sibelius de 1898. La edición de septiembre de 2005 de la revista musical online "Style",seleccionó la línea de bajo como la mejor de la historia de la música contemporánea. La cancion se convirtio en una de las mas queridas por los fans en los directos de los Londinenses. Por eso, Queen, tocó "Under pressure" en todos los conciertos desde 1981 hasta el final de la ultima gira de la banda "Magic Tour" en 1986. Queen - Under Pressure: https://youtu.be/a01QQZyl-_I?si=Spx6xhLfUgTVzulJ Vanilla Ice La canción no estuvo libre de controversia por plagio. Cuando el rapero "Vanilla Ice" sampleó la canción en 1990 como base para su tema "Ice ice baby" . Pero Vanilla Ice, no dio crédito a Queen y a Bowie. En respuesta a las críticas dijo que solamente le agregó una nota más, por lo que esa canción podría considerarse como suya. Pero no coló y una demanda obligó a Vanilla Ice a pagar royalties por derechos a Queen y al Camaleón David Bowie. Pese a la polémica «Ice Ice Baby» fue el primer sencillo de hip hop que encabezó el Billboard Hot 100 de los Estados Unidos. Fuera de los Estados Unidos, la canción encabezó las listas en Australia, Bélgica, los Países Bajos, Nueva Zelanda, la República de Irlanda y el Reino Unido. Después de esto, Vanilla Ice no tuvo ningún otro éxito reseñable. Seguramente fue porque olvidó "poner una nota más" a cualquier otro gran éxito ajeno para samplear sus temas. Vanilla Ice - Ice ice baby: https://youtu.be/rog8ou-ZepE?si=I_WUpg6mb0AKgyJ3 Fobia Como toda buena canción que se precie, "Under pressure" tambien tiene su versión en el idioma de Cervantes. Fue en 1997, cuando salió a la luz el álbum: "Tributo a Queen: Los grandes de Rock en español" Algunas del las criticas apuntaron al titulo del disco, ya que el album reunió a varios artistas de la escena musical latinoamericana y española que no tenían mucha relación con el Rock. Artistas como los españoles :La Unión, Antonio Vega, Ketama... Y otros grupos y solistas hispanoamericanos como: Soda estéreo, Fito Páez o Molotov, aportaron su versión de un tema de Queen. El grupo que aportó la versión de "Under Pressure" o "Presionándome" (como se tradujo a nuestra lengua) fueron los mexicanos "Fobia". Siendo esta la última aparición musical de los americanos hasta su reunión años después. Fobia - Presionándome: https://youtu.be/6VJa2wgp89c?si=DNTCIOshCBL48_zr Joss Stone La cantante de Soul y actriz Británica José Stone, que salto a la fama con 16 años, tras ser nomina a los "Premios Mercury" de 2003. Fue la elegida por EMI récords para aportar la version de "Under pressure" en el disco tributo Killer Queen: A tribute to Queen . Versión en la que la mezzosoprano, vuelca todas sus influencias del soul en una interpretación sobresaliente. La canción tuvo gran aceptación siendo de las mas aclamadas entre sus fans en los conciertos de la Britanica. Convirtiéndose asi en la elegida para abrir los bises en sus espectáculos en vivo. Joss Stone: https://youtu.be/shUkiGTAg2s?si=iTemjKmWb1gu35Lj Pink (Happy feet 2) Under pressure es la segunda canción más usada en la historia del cine. Utilizando los datos de Tunefind, el sitio FarOutMagazine analizó las 20 canciones más utilizadas en la historia del cine. El icónico riff de bajo se deja escuchar en 14 películas, casi siempre en su versión original. Pero no en "Happy feet 2" de 2011. Para la película de animación de Warner Bros dirigida por George Miller, se creó una nueva Versión interpretada por la famosa cantante estadounidense Pink. Cabe reseñar esta version por la adaptación a la trama y obre todo por sus supuestos intérpretes. Pingüinos, elefantes marinos y otros animales de la fauna Antártica. Pink: https://youtu.be/ku2DYyXjXVk?si=_qidEKWvRWYK2IOg My Chemical Romance y The used En 2005, las bandas de Rock alternativo "The Used" y "My Chemical romance" se unieron para versionar el tema de Queen. La canción se lanzó como sencillo con fines caritativos en abril de 2005, para ayudar a las víctimas del maremoto que azotó las costas del sur de Asia en diciembre de 2004. La recaudación de la canción se destinó a la fundación Music for Relief. En el año 2013, la revista Rolling Stone incluyó a la versión en su artículo de las «Las 10 versiones de temas de Bowie mas estelares». Y concluyó que podía «imaginar la presión que My Chemical Romance y The Used debieron aguantar cuando decidieron reinterpretar esta obra de arte de Queen y Bowie». Destacó que «los cantantes Gerard Way y Bert McCracken hicieron un trabajo admirable combinando las armonías vocales» My Chemical Romance y The used: https://youtu.be/ksba_WnMpuo?si=0fAGUaJBC_LvaiLV Estaría mal terminar sin mencionar la version en directo que quedó en la retina de más de 70.000 personas en el estadio de Wembley. Y de hasta mil millones de personas de los 76 países a los que fue retransmitida dicha actuación. Fue el 20 de Abril de 1992 , cuando tuvo lugar el concierto homenaje a Freddie Mercury. Tan sólo 5 meses después de su fallecimiento, la banda reunió para el evento a las mayores estrellas del panorama Pop y Rock del momento. El evento sirvió para recaudar fondos para la "Fundación Phoenix", creada por la banda para la ayuda contra el SIDA en África. Momento lacrimogeno cuando en la tarde noche de esa primavera, le tocó el turno a David Bowie, acompañado por la ex vocalista de Eurythmics, Annie Lennox para cantar "Under Pressure" junto a la banda. La actuación pasará a la historia por la emotiva interpretación teatral y vocal de estos dos grandes de la música contemporánea. Queen, Annie Lennox y David Bowie: https://youtu.be/fCP2-Bfhy04?si=4JK6IO1zAfkOJPnAhttps://www.ivoox.com/005-explorando-versiones-johnny-b-godde-audios-mp3_rf_127899862_1.htmlTue, 23 Apr 2024 12:17:31 +020021:3315fullhttps://www.ivoox.com/127899862locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHoy, en Explorando versiones, hablaremos de la canción Johnny B Goode, considerada como la piedra roseta del rock and roll y una pieza fundamental en la evolución de este género. Escrita e interpretada en 1958 por el legendario guitarrista Chuck Berry en los inicios del rock and roll, se considera una de las primeras canciones en este estilo. La letra cuenta la historia de Johnny, un chico humilde y con talento que trabaja duro hasta alcanzar la fama y el éxito en el mundo del rock and roll La canción destaca musicalmente por su inconfundible riff de guitarra y su vibrante ritmo, convirtiéndose en todo un clásico. Johnny B. Goode ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de los años y ha aparecido en películas y series, programas o anuncios de televisión, lo que demuestra su duradera popularidad y su estatus como un clásico del rock. The Beatles: https://www.youtube.com/watch?v=6BUvtdz_r2E En 1964 The Beatles también hicieron su propia versión de "Johnny B. Goode" La versión que os traigo es de una grabación para la BBC. Aunque oficialmente no hay una grabación de estudio tocando la canción, sus interpretaciones en directo muestran su habilidad para capturar la esencia del rock. The Beach Boys: https://www.youtube.com/watch?v=kyW3dIS8CXo También en 1964 The Beach Boys grabaron una versión armoniosa de "Johnny B. Goode", adaptándola a su estilo vocal característico. Aunque apenas se aparta del ritmo original, conserva la esencia de la canción pero con toques surferos. Jimi Hendrix: https://www.youtube.com/watch?v=RSTC2egsnE0 En 1970, Jimi Hendrix, conocido por su habilidad en la guitarra eléctrica, ofreció una versión única y poderosa de "Johnny B. Goode". Con su estilo distintivo y su técnica innovadora, Hendrix elevó la canción a nuevas alturas. Elvis Presley: https://youtu.be/q_9QkJA6tIU?si=7qrcgRowwhbBBUMU En 1973 Elvis Presley, conocido como el Rey del Rock, interpretó una versión enérgica de "Johnny B. Goode". Aunque esta canción no es tan conocida como la de Chuck Berry, la interpretación de Elvis le da su propio toque distintivo. Jerry Lee Lewis: https://www.youtube.com/watch?v=6-OkMdI7QmE En 1973, Jerry Lee Lewis conocido por su salvaje estilo de tocar el piano y su energía en el escenario, grabó también una versión de "Johnny B. Goode" en un álbum en vivo durante su estancia en Londres. Peter Tosh: https://www.youtube.com/watch?v=AjGLMcrWrS8 En 1976, el legendario músico Peter Tosh hizo una versión reggae-funk de "Johnny B. Goode" en su álbum "Legalize It" Esta versión fusiona el ritmo característico del reggae con elementos funk, dándole un giro único al clásico de Chuck Berry. AC/DC: https://youtu.be/hV11HRcbCJU?si=0uA-teVDxOjZhnRE En 1978, AC/DC, conocidos por su rock duro, hicieron una versión potente de "Johnny B. Goode". Con guitarras distorsionadas y un ritmo frenético, dándole un estilo más pesado. En sus comienzos, Chuck Berry popularizó un paso de baile conocido como “duck walk” o "paso del pato". Este consistía en agacharse mientras tocaba la guitarra, dando pequeños saltos e imitando los movimientos de un pato. Angus Young, a su vez, incorporó este paso en sus actuaciones. Elton John: https://www.youtube.com/watch?v=E5N6BqN4Uwo En 1979 Elton John lanza el álbum Victim of Love, presentando un cambio notable en el estilo musical de Elton John hacia el disco y el funk. Su versión de "Johnny B. Goode" refleja este cambio, con un enfoque más orientado hacia el ritmo y los arreglos modernos de la época. Johnny Hallyday, Stray Cats y Carl Perkins: https://www.youtube.com/watch?v=K3gBSagJNag En 1984, se lanzó una versión especial de "Johnny B. Goode" interpretada por Johnny Hallyday, Stray Cats y Carl Perkins. La canción formó parte del álbum "Nashville 84" de Johnny Hallyday. Esta colaboración única fusionó el rockabilly y el rock and roll con el estilo distintivo de Hallyday cantando en francés. Marty Mcfly: https://www.youtube.com/watch?v=T_WSXXPQYeY En la película "Regreso al Futuro" de 1985, Marty McFly (interpretado por Michael J. Fox) realiza una versión explosiva de "Johnny B. Goode". Durante la actuación, un músico llamado Marvin Berry, toma el teléfono para llamar a su primo Chuck y hacerle escuchar ese nuevo ritmo que estaba buscando, explicando así el nacimiento del rock and roll. Esta escena tan memorable se ha convertido en todo un ícono cultural. Judas Priest: https://www.youtube.com/watch?v=2zxoGFjFJlk En 1988 Judas Priest graba un single titulado Johnny B. Goode que presenta una transformación radical de la canción original. La banda adapta el ritmo y la melodía para encajarla con su estilo de heavy metal, incorporando potentes riffs de guitarra, baterías contundentes y la característica voz aguda de Rob Halford. El resultado es una versión enérgica y poderosa que conserva la esencia de la canción original mientras le añade la intensidad y la fuerza propia del heavy metal. Pero esta canción también ha sido interpretada por grupos españoles o cantados en castellano. Burning: https://youtu.be/GCb5clswyzQ?si=zrnSWNX0e7Gu6f7q En 1975 el grupo español Burning graba esta versión para la cara B del single titulado “Estoy Ardiendo!” En el año 1997, Johnny Cifuentes, cantante de la banda, menciona en un homenaje que se hace a Pepe Risi, guitarrista fallecido de Burning, que un buen concierto no se acaba antes de hacer Johnny B Goode. Andrés Calamaro: https://www.youtube.com/watch?v=NNM2Jw9Ebtc En 1988, Andrés Calamaro adaptó la versión al castellano. Esta es una adaptación del clásico del rock and roll con el estilo característico del músico argentino. Calamaro logra capturar la esencia del rock and roll mientras le imprime un aire fresco y contemporáneo. Los Suaves: https://www.youtube.com/watch?v=0b7btbPSTOo En 1995, el grupo gallego Los Suaves incluye su versión de Johnny B Goode en el álbum en directo llamado ¿Hay Alguien Ahí? La versión realizada por Los Suaves destaca por la voz desgarrada tan característica de Yosi, el líder de la banda. Existen innumerables versiones más de esta canción, pero cada una de las que os he presentado muestra cómo Johnny B. Goode ha sido reinterpretada y adaptada por diferentes artistas a lo largo de los años, dejando una huella indeleble en la cultura musical, siendo un verdadero tesoro en la historia del rock and roll.locosporincordiarHoy, en Explorando versiones, hablaremos de la canción Johnny B Goode, considerada como la piedra roseta del rock and roll y una pieza fundamental en la evolución de este género. Escrita e interpretada en 1958 por el legendario guitarrista Chuck Berry en los inicios del rock and roll, se considera una de las primeras canciones en este estilo. La letra cuenta la historia de Johnny, un chico humilde y con talento que trabaja duro hasta alcanzar la fama y el éxito en el mundo del rock and roll La canción destaca musicalmente por su inconfundible riff de guitarra y su vibrante ritmo, convirtiéndose en todo un clásico. Johnny B. Goode ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de los años y ha aparecido en películas y series, programas o anuncios de televisión, lo que demuestra su duradera popularidad y su estatus como un clásico del rock. The Beatles: https://www.youtube.com/watch?v=6BUvtdz_r2E En 1964 The Beatles también hicieron su propia versión de "Johnny B. Goode" La versión que os traigo es de una grabación para la BBC. Aunque oficialmente no hay una grabación de estudio tocando la canción, sus interpretaciones en directo muestran su habilidad para capturar la esencia del rock. The Beach Boys: https://www.youtube.com/watch?v=kyW3dIS8CXo También en 1964 The Beach Boys grabaron una versión armoniosa de "Johnny B. Goode", adaptándola a su estilo vocal característico. Aunque apenas se aparta del ritmo original, conserva la esencia de la canción pero con toques surferos. Jimi Hendrix: https://www.youtube.com/watch?v=RSTC2egsnE0 En 1970, Jimi Hendrix, conocido por su habilidad en la guitarra eléctrica, ofreció una versión única y poderosa de "Johnny B. Goode". Con su estilo distintivo y su técnica innovadora, Hendrix elevó la canción a nuevas alturas. Elvis Presley: https://youtu.be/q_9QkJA6tIU?si=7qrcgRowwhbBBUMU En 1973 Elvis Presley, conocido como el Rey del Rock, interpretó una versión enérgica de "Johnny B. Goode". Aunque esta canción no es tan conocida como la de Chuck Berry, la interpretación de Elvis le da su propio toque distintivo. Jerry Lee Lewis: https://www.youtube.com/watch?v=6-OkMdI7QmE En 1973, Jerry Lee Lewis conocido por su salvaje estilo de tocar el piano y su energía en el escenario, grabó también una versión de "Johnny B. Goode" en un álbum en vivo durante su estancia en Londres. Peter Tosh: https://www.youtube.com/watch?v=AjGLMcrWrS8 En 1976, el legendario músico Peter Tosh hizo una versión reggae-funk de "Johnny B. Goode" en su álbum "Legalize It" Esta versión fusiona el ritmo característico del reggae con elementos funk, dándole un giro único al clásico de Chuck Berry. AC/DC: https://youtu.be/hV11HRcbCJU?si=0uA-teVDxOjZhnRE En 1978, AC/DC, conocidos por su rock duro, hicieron una versión potente de "Johnny B. Goode". Con guitarras distorsionadas y un ritmo frenético, dándole un estilo más pesado. En sus comienzos, Chuck Berry popularizó un paso de baile conocido como “duck walk” o "paso del pato". Este consistía en agacharse mientras tocaba la guitarra, dando pequeños saltos e imitando los movimientos de un pato. Angus Young, a su vez, incorporó este paso en sus actuaciones. Elton John: https://www.youtube.com/watch?v=E5N6BqN4Uwo En 1979 Elton John lanza el álbum Victim of Love, presentando un cambio notable en el estilo musical de Elton John hacia el disco y el funk. Su versión de "Johnny B. Goode" refleja este cambio, con un enfoque más orientado hacia el ritmo y los arreglos modernos de la época. Johnny Hallyday, Stray Cats y Carl Perkins: https://www.youtube.com/watch?v=K3gBSagJNag En 1984, se lanzó una versión especial de "Johnny B. Goode" interpretada por Johnny Hallyday, Stray Cats y Carl Perkins. La canción formó parte del álbum "Nashville 84" de Johnny Hallyday. Esta colaboración única fusionó el rockabilly y el rock and roll con el estilo distintivo de Hallyday cantando en francés. Marty Mcfly: https://www.youtube.com/watch?v=T_WSXXPQYeY En la película "Regreso al Futuro" de 1985, Marty McFly (interpretado por Michael J. Fox) realiza una versión explosiva de "Johnny B. Goode". Durante la actuación, un músico llamado Marvin Berry, toma el teléfono para llamar a su primo Chuck y hacerle escuchar ese nuevo ritmo que estaba buscando, explicando así el nacimiento del rock and roll. Esta escena tan memorable se ha convertido en todo un ícono cultural. Judas Priest: https://www.youtube.com/watch?v=2zxoGFjFJlk En 1988 Judas Priest graba un single titulado Johnny B. Goode que presenta una transformación radical de la canción original. La banda adapta el ritmo y la melodía para encajarla con su estilo de heavy metal, incorporando potentes riffs de guitarra, baterías contundentes y la característica voz aguda de Rob Halford. El resultado es una versión enérgica y poderosa que conserva la esencia de la canción original mientras le añade la intensidad y la fuerza propia del heavy metal. Pero esta canción también ha sido interpretada por grupos españoles o cantados en castellano. Burning: https://youtu.be/GCb5clswyzQ?si=zrnSWNX0e7Gu6f7q En 1975 el grupo español Burning graba esta versión para la cara B del single titulado “Estoy Ardiendo!” En el año 1997, Johnny Cifuentes, cantante de la banda, menciona en un homenaje que se hace a Pepe Risi, guitarrista fallecido de Burning, que un buen concierto no se acaba antes de hacer Johnny B Goode. Andrés Calamaro: https://www.youtube.com/watch?v=NNM2Jw9Ebtc En 1988, Andrés Calamaro adaptó la versión al castellano. Esta es una adaptación del clásico del rock and roll con el estilo característico del músico argentino. Calamaro logra capturar la esencia del rock and roll mientras le imprime un aire fresco y contemporáneo. Los Suaves: https://www.youtube.com/watch?v=0b7btbPSTOo En 1995, el grupo gallego Los Suaves incluye su versión de Johnny B Goode en el álbum en directo llamado ¿Hay Alguien Ahí? La versión realizada por Los Suaves destaca por la voz desgarrada tan característica de Yosi, el líder de la banda. Existen innumerables versiones más de esta canción, pero cada una de las que os he presentado muestra cómo Johnny B. Goode ha sido reinterpretada y adaptada por diferentes artistas a lo largo de los años, dejando una huella indeleble en la cultura musical, siendo un verdadero tesoro en la historia del rock and roll.https://www.ivoox.com/004-explorando-versiones-whiskey-in-the-jar-audios-mp3_rf_127793262_1.htmlSat, 20 Apr 2024 03:03:47 +020010:4214fullhttps://www.ivoox.com/127793262locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noHoy hablaremos de una canción popularmente conocida y es sin duda una de las canciones más famosas del folklore irlandés. Se llama Whiskey In The Jar. Numerosos artistas de los que destacan algunos como The Dubliners, Thin Lizzy, Metallica o The Pogues han cantado esta popular canción con su propio estilo pero siempre manteniendo la esencia de uno de los grandes clásicos del folk. Aunque el autor del tema es desconocido, el origen de la canción Whiskey In The Jar es muy antiguo y se remonta a la Irlanda del siglo XVII. Se cree que la canción originalmente se refería a un hombre llamado Patrick Fleming que fue ejecutado por robar a un funcionario del gobierno inglés en 1650, otros dicen que lo mataron. La canción se convirtió en una canción popular en el siglo XIX y fue transmitida a través de generaciones de músicos irlandeses desde entonces. La letra es narrada en primera persona por un preso desde su celda en la que, o bien anhela tener una jarra de whisky con la que ahogar sus penas, o bien que se está tomando su última copa de whisky antes de ser ejecutado. Cualquiera de las dos versiones, en cualquier caso, es muy triste. El tema es que estaba sentenciado a muerte por atracar a un capitán del ejército y lo más destacado de la historia es que fue delatado por su propia mujer. The Dubliners Bueno vamos a escuchar una de las versiones más antiguas y aclamadas. Se puede decir que es la más fiel a la original canción y fue llevada a cabo por el grupo de folk irlandés The Dubliners en el año 1967. Thin Lizzy Ahora vamos a escuchar la versión que sin duda de las más destacadas, ya que marcó un punto de inflexión que llevó a la canción a ser conocida mundialmente. El grupo del que hablamos es Thin Lizzy y fue en 1972 cuando crearon esta maravillosa versión. Metallica Vamos a llegar al punto final con la versión que particularmente más me gusta. Estamos hablando de Metallica. Esta canción fue grabada en 1988 y cuenta con la guitarra eléctrica de James Hetfield y el solo de guitarra de Kirk Hammett. La versión de Metallica de Whiskey In The Jar fue un gran hit en la lista de éxitos de todo el mundo y ganó un premio Grammy en 2000. La canción se convirtió desde entonces en una de las más famosas de la banda estadounidense.locosporincordiarHoy hablaremos de una canción popularmente conocida y es sin duda una de las canciones más famosas del folklore irlandés. Se llama Whiskey In The Jar. Numerosos artistas de los que destacan algunos como The Dubliners, Thin Lizzy, Metallica o The Pogues han cantado esta popular canción con su propio estilo pero siempre manteniendo la esencia de uno de los grandes clásicos del folk. Aunque el autor del tema es desconocido, el origen de la canción Whiskey In The Jar es muy antiguo y se remonta a la Irlanda del siglo XVII. Se cree que la canción originalmente se refería a un hombre llamado Patrick Fleming que fue ejecutado por robar a un funcionario del gobierno inglés en 1650, otros dicen que lo mataron. La canción se convirtió en una canción popular en el siglo XIX y fue transmitida a través de generaciones de músicos irlandeses desde entonces. La letra es narrada en primera persona por un preso desde su celda en la que, o bien anhela tener una jarra de whisky con la que ahogar sus penas, o bien que se está tomando su última copa de whisky antes de ser ejecutado. Cualquiera de las dos versiones, en cualquier caso, es muy triste. El tema es que estaba sentenciado a muerte por atracar a un capitán del ejército y lo más destacado de la historia es que fue delatado por su propia mujer. The Dubliners Bueno vamos a escuchar una de las versiones más antiguas y aclamadas. Se puede decir que es la más fiel a la original canción y fue llevada a cabo por el grupo de folk irlandés The Dubliners en el año 1967. Thin Lizzy Ahora vamos a escuchar la versión que sin duda de las más destacadas, ya que marcó un punto de inflexión que llevó a la canción a ser conocida mundialmente. El grupo del que hablamos es Thin Lizzy y fue en 1972 cuando crearon esta maravillosa versión. Metallica Vamos a llegar al punto final con la versión que particularmente más me gusta. Estamos hablando de Metallica. Esta canción fue grabada en 1988 y cuenta con la guitarra eléctrica de James Hetfield y el solo de guitarra de Kirk Hammett. La versión de Metallica de Whiskey In The Jar fue un gran hit en la lista de éxitos de todo el mundo y ganó un premio Grammy en 2000. La canción se convirtió desde entonces en una de las más famosas de la banda estadounidense.https://www.ivoox.com/003-explorando-versiones-i-love-rock-and-audios-mp3_rf_127790572_1.htmlSat, 20 Apr 2024 02:17:51 +020010:0313fullhttps://www.ivoox.com/127790572locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noThe Arrows En el día de hoy traemos la canción "I Love Rock 'n' Roll". Es una canción de rock escrita por Alan Merrill y Jake Hooker para el grupo The Arrows, quienes grabaron la primera versión publicada en 1975. Joan Jett & the Blackhearts La canción se hizo famosa años más tarde interpretada por Joan Jett & the Blackhearts en 1982, estando en el número uno en las listas de Billboard desde el 20 de marzo hasta el 8 de mayo de 1982. Britney Spears En el año 2021 Britney Spears hace su propia versión para su tercer álbum de estudio llamado ”Britney”. Miley Cyrus y Dolly Parton Versión de Miley Cyrus y Dolly Parton grabado para el especial de fin de año de 2022 “Miley's New Years Eve Party” Eminem En el año 2017, “Eminem” graba su propia versión titulada “Remind Me” usando como base la versión original para su álbum “Revival” Aerolíneas Federales En el año 1989 el grupo gallego “Aerolíneas Federales” publica el álbum “Échame sifón” en el que se incluye la canción “Quiero rock’n’roll” Los Berzas En 1995, Los Berzas publican su primer disco titulado “Ahí Viene Pérez” en el que se incluye la canción “Yo amo el jamón” que abre el álbum.locosporincordiarThe Arrows En el día de hoy traemos la canción "I Love Rock 'n' Roll". Es una canción de rock escrita por Alan Merrill y Jake Hooker para el grupo The Arrows, quienes grabaron la primera versión publicada en 1975. Joan Jett & the Blackhearts La canción se hizo famosa años más tarde interpretada por Joan Jett & the Blackhearts en 1982, estando en el número uno en las listas de Billboard desde el 20 de marzo hasta el 8 de mayo de 1982. Britney Spears En el año 2021 Britney Spears hace su propia versión para su tercer álbum de estudio llamado ”Britney”. Miley Cyrus y Dolly Parton Versión de Miley Cyrus y Dolly Parton grabado para el especial de fin de año de 2022 “Miley's New Years Eve Party” Eminem En el año 2017, “Eminem” graba su propia versión titulada “Remind Me” usando como base la versión original para su álbum “Revival” Aerolíneas Federales En el año 1989 el grupo gallego “Aerolíneas Federales” publica el álbum “Échame sifón” en el que se incluye la canción “Quiero rock’n’roll” Los Berzas En 1995, Los Berzas publican su primer disco titulado “Ahí Viene Pérez” en el que se incluye la canción “Yo amo el jamón” que abre el álbum.https://www.ivoox.com/002-explorando-versiones-sweet-home-alabama-audios-mp3_rf_127187171_1.htmlMon, 08 Apr 2024 17:04:10 +020010:2112fullhttps://www.ivoox.com/127187171locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noEn la sección EXPLORANDO VERSIONES hoy os traemos un clásico del llamado Rock sureño de la banda Lynyrd Skynyrd Esta canción fue incluida en "Second Helping", segundo álbum de la banda en 1974, y fue algo así como una replica a las canciones "Alabama" y "Southern man" de Neil Young que hablaban del racismo y la esclavitud en el sur de los Estados Unidos donde se fundó la banda y de donde son sus miembros originales. Pese a la polémica, la canción fue un éxito aunque a decir verdad estaba inspirada por la canción "You are looking" fine de The Kinks y el famoso Rif de guitarra de inicio directamente un plagio de la canción "Let my song Through" del grupo norirlandés Them. La canción ha pasado a la historia del rock, ha sido utilizada en muchas campañas publicitarias, su título es el lema oficial de turismo en el estado de Alabama, está incluida en muchas bandas sonoras de cine, video juegos e incluso series de televisión. En España en 1984 el grupo Siniestro total dio a luz la canción Miña Terra Galega convirtiéndose casi un himno oficioso de la tierra de Breogán En el otro lado del charco, en la Argentina de 1998 los cantantes Charly García y Andrés Calamaro perpetraron otra versión para ensalzar la ciudad natal de Charly Buenos Aires. En Octubre del 77 la banda sufrió un accidente de avión en el que murieron varios de sus miembros incluido el fundador lo que acrecentó la leyenda de esta canción. Cómo hemos dicho antes, es todo un clásico y si no has escuchado está canción, sus versiones o apariciones es que has llegado a este planeta antes de ayer…locosporincordiarEn la sección EXPLORANDO VERSIONES hoy os traemos un clásico del llamado Rock sureño de la banda Lynyrd Skynyrd Esta canción fue incluida en "Second Helping", segundo álbum de la banda en 1974, y fue algo así como una replica a las canciones "Alabama" y "Southern man" de Neil Young que hablaban del racismo y la esclavitud en el sur de los Estados Unidos donde se fundó la banda y de donde son sus miembros originales. Pese a la polémica, la canción fue un éxito aunque a decir verdad estaba inspirada por la canción "You are looking" fine de The Kinks y el famoso Rif de guitarra de inicio directamente un plagio de la canción "Let my song Through" del grupo norirlandés Them. La canción ha pasado a la historia del rock, ha sido utilizada en muchas campañas publicitarias, su título es el lema oficial de turismo en el estado de Alabama, está incluida en muchas bandas sonoras de cine, video juegos e incluso series de televisión. En España en 1984 el grupo Siniestro total dio a luz la canción Miña Terra Galega convirtiéndose casi un himno oficioso de la tierra de Breogán En el otro lado del charco, en la Argentina de 1998 los cantantes Charly García y Andrés Calamaro perpetraron otra versión para ensalzar la ciudad natal de Charly Buenos Aires. En Octubre del 77 la banda sufrió un accidente de avión en el que murieron varios de sus miembros incluido el fundador lo que acrecentó la leyenda de esta canción. Cómo hemos dicho antes, es todo un clásico y si no has escuchado está canción, sus versiones o apariciones es que has llegado a este planeta antes de ayer…https://www.ivoox.com/001-explorando-versiones-stand-by-me-audios-mp3_rf_126353855_1.htmlSat, 23 Mar 2024 04:33:00 +010010:1211fullhttps://www.ivoox.com/126353855locosporincordiar@outlook.com (locosporincordiar)noEn la sección EXPLORANDO VERSIONES, hoy hablaremos de "Stand by Me". Esta canción de 1961 fue interpretada por Ben E. King, cantante estadounidense de soul y blues criado en el Harlem, y compuesta por él mismo, Jerry Leiber y Mike Stoller. La canción fue adaptada a partir de un viejo tema de gospel, formando parte del tercer disco de Ben E. King, "Don't play that song!" El lanzamiento fué todo un éxito, entrando en el Top 10 de los Estados Unidos, tanto en 1961 como más tarde en 1986, cuando se utilizó como tema principal de la película del mismo nombre "Stand by Me" y que se conoció en España con el título de "Cuenta conmigo". En 1963 el Italiano Adriano Celentano realiza una adaptación que titulará "Pregherò" y que tendría una versión en español con el título "Rezaré". Justo al año siguiente, en 1964, Otis Redding hizo una versión de la canción para su álbum Pain in My Heart. En 1974, John Lennon grabó una versión muy particular para su álbum "Rock 'n' Roll", que sería el sexto álbum de estudio, dándole un giro abismal a la versión original. En el año 2012, de la mano del proyecto "Playing for change", se hace viral un vídeo que reúne a músicos callejeros de todo el mundo interpretando la canción. El vídeo de esta versión de "Stand by Me" ha sido visto más de 200 millones de veces en youtube. Pero por lo que traemos este tema en el día de hoy es por la versión que hizo en 1988 Silvio y Sacramento. En ese año se publica el álbum "Fantasía Occidental", que contiene una canción titulada "Rezaré". Silvio crea una letra cantándole a las vírgenes de la Semana Santa de Sevilla, convirtiéndose en un éxito y canción de culto entre rockeros y devotos. Espero que os guste y nos vemos pronto. Ben E. King - Stand By Me: https://www.youtube.com/watch?v=hwZNL7QVJjE Adriano Celentano Pregherò: https://www.youtube.com/watch?v=_KkkJ14fskk Adriano Celentano - Rezaré: https://www.youtube.com/watch?v=cyy3Ih803H4 Otis Redding - Stand by Me: https://www.youtube.com/watch?v=IatStctYBPw John Lennon - Stand by Me: https://www.youtube.com/watch?v=YqB8Dm65X18 Playing For Change - Stand by Me: https://www.youtube.com/watch?v=Us-TVg40ExM Silvio y Sacramento - Rezare: https://www.youtube.com/watch?v=ljxblkNmylUlocosporincordiarEn la sección EXPLORANDO VERSIONES, hoy hablaremos de "Stand by Me". Esta canción de 1961 fue interpretada por Ben E. King, cantante estadounidense de soul y blues criado en el Harlem, y compuesta por él mismo, Jerry Leiber y Mike Stoller. La canción fue adaptada a partir de un viejo tema de gospel, formando parte del tercer disco de Ben E. King, "Don't play that song!" El lanzamiento fué todo un éxito, entrando en el Top 10 de los Estados Unidos, tanto en 1961 como más tarde en 1986, cuando se utilizó como tema principal de la película del mismo nombre "Stand by Me" y que se conoció en España con el título de "Cuenta conmigo". En 1963 el Italiano Adriano Celentano realiza una adaptación que titulará "Pregherò" y que tendría una versión en español con el título "Rezaré". Justo al año siguiente, en 1964, Otis Redding hizo una versión de la canción para su álbum Pain in My Heart. En 1974, John Lennon grabó una versión muy particular para su álbum "Rock 'n' Roll", que sería el sexto álbum de estudio, dándole un giro abismal a la versión original. En el año 2012, de la mano del proyecto "Playing for change", se hace viral un vídeo que reúne a músicos callejeros de todo el mundo interpretando la canción. El vídeo de esta versión de "Stand by Me" ha sido visto más de 200 millones de veces en youtube. Pero por lo que traemos este tema en el día de hoy es por la versión que hizo en 1988 Silvio y Sacramento. En ese año se publica el álbum "Fantasía Occidental", que contiene una canción titulada "Rezaré". Silvio crea una letra cantándole a las vírgenes de la Semana Santa de Sevilla, convirtiéndose en un éxito y canción de culto entre rockeros y devotos. Espero que os guste y nos vemos pronto. Ben E. King - Stand By Me: https://www.youtube.com/watch?v=hwZNL7QVJjE Adriano Celentano Pregherò: https://www.youtube.com/watch?v=_KkkJ14fskk Adriano Celentano - Rezaré: https://www.youtube.com/watch?v=cyy3Ih803H4 Otis Redding - Stand by Me: https://www.youtube.com/watch?v=IatStctYBPw John Lennon - Stand by Me: https://www.youtube.com/watch?v=YqB8Dm65X18 Playing For Change - Stand by Me: https://www.youtube.com/watch?v=Us-TVg40ExM Silvio y Sacramento - Rezare: https://www.youtube.com/watch?v=ljxblkNmylU