Die Aufnahme entstand unter winterlichen Bedingungen bereits vor einiger Zeit. Die Serie dazu ist hier zu finden: Auf den Hund gekommen: High-Speed Tierfotografie im Schnee

Canon R5, EF 70-200m 2.8, f 5.6, 1/3200s, ISO 800

In diesem Sinne – nun genug des Schnees und ich wünsche schon mal ein schönes langes Osterwochenende!

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Nun … manche Dinge plant man. Andere entstehen in einem Moment – und bleiben.
BILDER aus STROM gehört zur zweiten Kategorie.

Vor 30 Jahren brauchte ich für ein Videoprojekt zweier Freunde, Michael Fakesch und Chris de Luca für ihr Projekt Funkstörung und ihr Label MUSIK aus STROM, spontan einen Produktionsnamen.

Ich hatte für ihr erstes Vinyl-Projekt ein Video produziert: elektronische Musik, visuelle Experimente – das Ganze sollte bei VIVA TV laufen.

Auf die Frage von VIVA nach der Produktionsfirma antwortete ich aus dem Bauch heraus: „BILDER aus STROM.“ Irgend etwas musste ja auf dem Sendeband stehen.

Das Video lief dann mehrmals 1996 auf VIVA TV. Und für mich als Grafiker im Video- und Post Production Bereich damals wirklich etwas Unbeschreibliches – ein Video im TV.

Für alle die es interessiert habe ich es unten am Ende des Beitrags angehängt – die Qualität ist leider etwas mässig und der Zeit geschuldet, aber die Kopie der Sendung ist noch heute auf Youtube zu finden. Danke Reinhard AM fürs Hochladen!.

Strom und Fotografie? Strom als Ursprung

Damals war Strom noch etwas anderes. Er war Energie, Material. Medium. Rauschen. VHS. Magnetband. Flimmern.

BILDER aus STROM war zu dem Zeitpunkt keine Marke. Es war eine Beschreibung dessen, was um mich rum Mitte der 90iger Jahre geschah: Elektrische Signale wurden zu Bildern. Musik wurde visuell. Bewegung wurde fixiert. Die Digitalisierung (das oben genannte Video wurde bereits digital geschnitten) krempelte gerade das Visuelle um. Meine erste Digital-Kamera war damals eine Kodak, die ich schnell zur Seite legte, da die Bilder so gar nicht meiner Vorstellung von Fotografie entsprachen (eher vergelichbar mit einer Webcam waren die Bilder farbig und auflösungstechnisch einfach nicht zu gebrauchen).

Aber Strom und Bilder waren schon sichtbar in Grafiken, Typografie, Animation und Fraktalgrafiken, Digitale Kunst, die ersten virtuellen Raum-Experimente wie beim Chromapark Berlin 1996.

Alles war im Fluß bzw im Strom der Veränderung

Heute wirkt der Name BILDER aus STROM aus der damaligen Sicht schon fast prophetisch. In einer Welt, in der Bilder nun inflationär aus Datenströmen entstehen, aus Algorithmen, aus neuronalen Netzen, aus Prompts – verändert durch Filter, durch flexibel nutzbare Medien und Parameter. Aber der Ursprung war kein Algorithmus. Und elektronische Musik war sicherlich eine der starken Triebfedern vor 30 Jahren.

Die Fotografie – als alles digital wurde

Um 2002 war ich dann mit Adobe (für die ich damals für Events und Messen verantwortlich war) auf der Photokina Köln. Ein Freund registrierte für mich abends die Domain Bilderausstrom.com. Die Messe ist mir noch gut in Erinnerung: das Analoge wurde (wie der heilige Gral) vehement von den anwesenden Fotografen verteidigt. Das Digitale (aus Sicht der Kameras) als nicht wettbewerbsfähig gesehen. Das sah dann bei der Photokina 2004 und 2006 schon ganz anders aus. Verschwunden sind dann (im Strom?) einige Schwergewichte der Messe (AGFA, Kodak, Fuji, …) und am Ende die Photokina selbst.

Die „geparkte“ Domain bilderausstrom.com , die bisher nicht genutzt wurde, wurde ab 2015 dann zum aktiven Raum – aus dem Namen wurde eine Plattform. Ein Skizzenbuch. Ein Archiv. Ein Denkraum.

Fotografie kehrt zurück

Die Fotografie wurde dabei ab 2015 zum Kern der Projekte, die Videoproduktion wanderte in den Hintergrund.

Wenn ich ehrlich bin habe ich die Fotografie nach Jahren (in denen ich für Adobe Events, Veranstaltungen und Seminare, Interviews „aus der anderen Perspektive“ organisiert und begleitet hatte) für mich wiederentdeckt. Für mich ist die Fotografie kein schnelles Bild. Sie ist schon immer eine Bestandsaufnahme des Moments, des Sehens und auch einer Emotion. Ein Ereignis, das stattgefunden hat. Ein Moment, der Licht hinterlassen hat.

Ob bei meinen Architekturprojekten, Porträts, Lost Places oder konzeptionelle Serien – immer geht es doch um die Frage: Was bleibt? Was war? Was ist Spur – und was Interpretation?

Fotografie ist Widerstand gegen das Beliebige. Sie verlangt Präsenz. Sie verlangt Entscheidung. Sie verlangt Zeit. Sie ist einzigartig.

Holz – Materialisierte Bilder

2023/2024 – Irgendwann reichte die reine Fläche nicht mehr. Das Bild wollte irgendwie „in den Raum“. Ich wollte zeigen, dass das Analoge auch im Digitalen fortbesteht.

Holz kam dazu. Spiegel. Bruchstellen. Objekte. Bilder wurden physisch-analog. Holz als Träger wurden Teil der Aussage.Die Oberfläche bekam Widerstand. Die Fotografie bekam Körper und letztendlich RAUM.

Projekte wie hybride Wandobjekte oder installative Arbeiten verbinden Materialität mit fotografischer Spur. Das Bild ist nicht mehr nur Fenster – es ist Objekt. Es hat Gewicht (davon kann ich ein Lied singen beim Transport ). Es hat Geruch. Es altert. Vor allem – es ist greifbar.

Vielleicht ist das eine Reaktion auf die zunehmende Entkörperlichung der Bilderwelt.
Vielleicht ist es einfach der Wunsch, dass Kunst wieder Raum einnimmt – nicht nur Speicherplatz.

Promptografie – Bilder aus Datenstrom

Gleichzeitig kam eine neue Form von Strom hinzu. Und für mich ein zweischneidiges Thema. Ist KI eine Bedrohung für die Fotografie, für das oben Beschriebene – oder gibt es die Chance auf eine Co-Existenz?

Promptografie – das bewusste textbasierte Arbeiten mit KI-generierten Bildern – ist für mich kein Ersatz für Fotografie. Sie ist ein neues Feld. Ein neuer Dialog. Aber auch eine Bedrohung, wenn sie inflationäre „im Strom“ Bilder ohne Kontext reproduziert.

Hier entsteht das Bild nicht durch Licht auf Sensor oder Film, sondern durch Sprache aber auch durch intransparente Algorithmen und das „Gelernt haben“ von Fotografen, eine Kopieren aber auch ein Kombinieren. Hier liegt glaub ich einer der größten Widersprüchlichkeiten der generativen Bildererstellung durch KI.

KI-Bilder sind keine Fotografien, sie sind bestensfalls Bilder.
Warum? Weil sich durch die Promptografie die entscheidenden Fragen der Fotografie deutlich verändert haben (bzw zurückgefunden haben):
Wer entscheidet? Wer verantwortet? Wer macht transparent? Was passiert mit dem Moment?

BILDER aus STROM steht sie deshalb nicht im Gegensatz zur Fotografie, sondern im Spannungsfeld zu ihr. Gerne zeige ich bei meinen Projekten den Gegensatz (Fotografie, Promptografie) aber auch die fast schon fehlende Trennschärfe in der Wahrnehmung. Und doch steckt in Fotografien mehr als nur das Sichtbare – und genau diesen Augenblick sichtbar werden zu lassen ist die Chance für uns Fotografen.

30 Jahre – Was bleibt?

Drei Jahrzehnte später ist BILDER aus STROM mehr als ein Name geworden. Es ist für mich ein kleiner Zeitstrahl durch verschiedene Medien: Video, Grafik, Tutorials, Fotografie, Reisen, Interviews, Lost Places, Menschen, Objekte und Kunst, Ausstellung und Auszeichungen und vor allem viel persönliche Reflexion.

Es ist der Versuch, Bilder nicht nur zu produzieren, sondern zu verstehen. Der Strom hat sich verändert. Früher war er analoges Signal. Heute ist er ein fast schon erdrückender, permaneter Datenfluss.

Aber der Kern ist derselbe geblieben: Energie (Kreativität) wird sichtbar. Wir sind diejenigen die sie steuern

Bilder aus Strom – Und jetzt?

BILDER aus STROM ist 30 Jahre alt – deshalb dachte ich mir: Zeit für eine persönliche Reflexion.
Reflexion bedeutet nicht Stillstand. Sie bedeutet ein Innehalten und Neujustieren.

Vielleicht war der spontane Name von damals mehr als ein Zufall.
Bilder entstehen aus Strom. Und sie entstehen aus zahlreichen Momenten.

Wie es auf BILDER aus STROM weitergeht … mal sehen. Vergangenen Dienstag hat für mich ein neuer persönlicher Lebensabschnitt begonnen. Zeit für einen Reset und ein Treibenlassen im Strom.

Und genau im Strom beginnt ein jedes neue Projekt.

BILDER aus STROM – Musikvideo Funkstörung/Musik aus Strom (VIVA TV) 1996

House TV auf VIVA TV – 1996

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Die wichtigste Info zuerst: die Technik spielt eine untergeordnete Rolle. Erst einmal stellt es für das Grundprinzip des Lichtsetzens keine große Rolle dar, ob ihr mit Aufsteckblitzen (entfesselt), LED-Dauerlicht oder professionellen Studioblitzköpfen arbeitet.

Denn die Logik des Prinzips folgt immer dem gleichen Schema: Die Szene (Studio) ist dunkel (schwarz) bzw. On-Location halbdunkel (teilweise vorhandenes Licht). Im nächsten Schritt werden Lichtquellen/Licht (und damit indirekt auch Schatten) hinzugefügt. Durch das Setzen des Lichts im Studio entsteht das Bild, die Bild-und Lichtstimmung wird gestaltet.

7 wichtige Grund-Lichtarten in der Portraitfotografie (Studio, Location)

Key-Light – das Schlüssellicht im Bild

Wie der Name schon sagt ist das Key-Light der Schlüssel zum Bild und von daher das wichtigste Licht (primäre Bildquelle) bei der Bildgestaltung

Das Schlüssellicht ist meistens eines der hellen und weichen Lichter im Bild (Beauty-Fotografie). Bei einem Charakterportrait kann es aber auch hart und dominant mit viel Schattenwurf eingesetzt werden.

Wann wird das Key-Light eingesetzt?
Das Key-Light setzt die Grundstimmung, den eigentlichen Look und die Dramatik einer Szene. Die Frage heißt hier daher weniger „wann„, sondern eher „wie“ setze ich das Key-Light.
Wichtig: Das Key-Light bestimmt Farben, Licht & Schatten und den Grundlook.

Wo sollte das Key-Light platziert sein?
Hierfür gibt es keine feste Vorgabe. Wiederum bestimmen Bildästhetik und gewünschte Bildwirkung (Dramaturgie) die Position des Key-Lights. Oft empfiehlt es sich aber , das Key-Light von links nach rechts auszurichten, denn so lesen wir Bücher und so „entschlüsseln“ wir in der Regel auch Bilder bzw. lesen und erschließen sie uns.

Fill-Light – das Fülllicht

Die zweite Lichtquelle in der traditionellen 3-Punkt-Beleuchtungsanordnung ist das sogenannte Fill-Light (Fülllicht). Das Fülllicht wird typischerweise als Gegenpol zum Key-Light (Schlüssellicht) positioniert, um Schatten, die das Schlüssellicht erzeugt, buchstäblich „auszufüllen“. Je Stärke des „Füllens“ wird damit der Beleuchtungsstil (Charakter oder Beauty) und die Stimmung der Aufnahme beeinflusst.

Warum und wann wird ein Fülllicht verwendet?
Der Kontrast und die Schlagschatten im Motivs sind zu stark und sollen verringert werden.

Wo wird das Fülllicht platziert und welcher Lichtformer wird verwendet?
Das Fülllicht ist oft eine große Lichtquelle, die hinter der Kamera platziert wird. Die Position ist dabei so flach wie möglich, da das gesamte Bild leicht aufgehellt und Schatten im Kontrast „aufgefüllt“ werden.

Hair-Light – das Haarlicht für Haarsaum und Kanten

Um die Struktur und die Kantendetails der Haare zu verstärken und vom Hintergrund abzuheben wird das Haar-Licht (Hair-Light) eingesetzt. Je nach Hintergrund und Studiosituation (hell, dunkel) kann dies eher unterschwellig, subtil gesetzt werden oder poppig, stärker akzentuiert. Diese Entscheidung ist natürlich immer abhängig vom jeweiligen Fotostil und der gewünschten Bildwirkung.

Natürlich kann das Hair-Light auch als Stilmittel einzeln eingesetzt werden, um eine besondere Dramatik oder Lichtsituation zu erschaffen.

Warum und wann wird ein Hair-Light (Haarlicht) verwendet?
Um dem Haar ein Akzent und der Bildperspektive Tiefe zu verleihen.

Wo wird das Hair-Light (Haarlicht) platziert und welcher Lichtformer wird verwendet?
Das Haarlicht wird dabei meistens von hinten, oben, leicht schräg kommend gesetzt. Abhängig vom jeweiligen Bildwinkel wird es dann entsprechend angepasst. Als Lichtformer kommt oft ein kleiner Lichtvorsatz oder Spot zum Einsatz.

Kick-Light – der Kick aus einer Richtung

Der große Bruder des Hair-Lights ist das Kick-Light (oder Kicker-Light). Aus einer Richtung kommend (meistens seitlich, von hinten), beleuchtet es neben den Haaren auch einen Teil des Motivs. Wie im gezeigten Fall die Wangen. Es kann in Kombination mit den oben genannten Lichtsituationen oder aber auch einzeln eingesetzt werden. In der Regel wird es 1-2 Blenden unter dem Key-Light eingestellt, da es ja nur einen Akzent zum Hauptlicht beisteuert.

Warum und wann wird ein Kick-Light verwendet?
Um dem Motiv einen seitlichen Akzent und der Bildperspektive Tiefe zu verleihen

Wo wird das Kick-Lightplatziert und welcher Lichtformer wird verwendet?
Das Kick-Light wird, ähnlich wie das Haarlicht, aber stärker seitlich gesetzt. Als Lichtformer kommt oft ein kleiner Lichtreflektor zum Einsatz.

Strip-Light – das Allzweckwunder für Streiflicht

Eines meiner Lieblings-Lichtquellen im Studio sind Striplights (Streiflichter). Oft werden sie auch als Allzweckwaffe in der Portraitfotografie bezeichnet. Warum? Durch ihre Länge und Form ermöglichen Striplights, den Körper eines Motivs mit einem Licht von Kopf bis Fuß auszuleuchten.

Warum werden Strip-Lights eingesetzt?
Um ein Objekt länglich und gleichmäßig (als ergänzendes Konturlicht) auszuleuchten.

Wo werden Strip-Lights platziert?
Sie lassen sich gut seitlich (gerne auch symmetrisch, beidseitig) platzieren und sind von daher eine ideale Ergänzung zum Key-Light. Ich setze sie auch gerne als frontale Lichtquelle ein (s. Bild oben), um durch ihre Form ein besonderes Catch Light (s. unten) zu erzeugen.

Rim-Light – das Randlicht

Das Rim-Light (Rand- oder Rahmenlicht) findet seinen Einsatz, wenn die Kontur eines Objekts herausgearbeitet werden soll. Gerne wird es in der Portait-, Sport- & Athleten und Fashionfotografie verwendet, um Details und Konturen zu verstärken. In seiner Art ist es eng mit dem Hair-Light und Kicker-Light verwandt, die Grenzen sind oft fließend.

Wann wird das Rim-Light eingesetzt?
Um einem Objekt/Model eine Kontur zu verleihen, bzw. es vom Hintergrund zu lösen.

Wie wird das Rim-Light platziert?
Seine Platzierung findet meist hinter dem Model/Objekt auf gleicher Höhe statt. Beim Einsatz muß daher auf Streulicht bzw. Nichtsichtbarkeit (verdeckt durch Model) geachtet werden.

Catch-Light – der Lichtakzent der ins Auge springt

Das Catch-Light lässt sich am besten mit „Glanzlicht“ übersetzen. Es ist das Licht, das im Auge eines Motivs reflektiert wird – der Schimmer, der von einer externen Lichtquelle bzw. durch den Lichtformer entsteht. Das Glanzlicht, das von der Augenoberfläche gespiegelt wird, wird oft auch als „Augenlicht“ bezeichnet.

Wann wird das Catch-Light eingesetzt?
Um den Motiv ein besonderes Augenmerk zu verleihen bzw. den Blick zu des Betrachters „einzufangen“.

Wie wird das Catch-Light platziert?
Die Ausrichtung ist nicht schwer – bedarf aber etwas Übung, um die Lichtquelle mittig in der Pupille einzufangen.
Tipp: Lieber einmal kurz im Kamera-Display checken, ob die Position (Licht, Model) passt.

Zusammenfassung – das richtige Licht setzen

Das Gute ist, die Varianten und Möglichkeiten, sich dem Thema Beleuchtung nähern sind nahezu unendlich. Von daher gibt es kein richtig und falsch. Vielmehr sollte man ausprobieren, ausprobieren und ausprobieren.

ABER, wenn man einmal das Grundprinzip des Lichts (Richtung, Ausbreitung, Stärke, Formbarkeit und Reflektion verstanden hat, wird vieles klarer und nachvollziehbarer.

Wie gesagt ist die Technik (und hier meine ich die „Hardware“) nicht der Schlüssel zum besseren Verständnis. Die oben genannten Lichtarten lassen sich im Prinzip auch mit klassischen Kerzen nachstellen.

Wichtig ist jedoch zu verstehen, dass die verschiedene Lichtquellen einzeln und kombiniert genutzt werden können. Dann beginnt die kreative Freiheit und die Technik steht hinten an.

Viel Spaß beim Ausprobieren!

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Portable Blitzköpfe – was sind Portys?

Portys sind mobile, akkubetriebene Blitzanlagen, die unabhängig vom Stromnetz arbeiten. Sie bieten die Power und Einstellmöglichkeiten eines Studioblitzes – aber eben – portable – für unterwegs. Bekannte Systeme wie der Broncolor Siros L, Profoto B10X, Jinbei 610 Pro oder Godox AD600Pro setzen hier Standards und sind ab 500 Euro aufwärts zu bekommen.

Warum Portys beim On-Location Fotografieren Sinn machen

1. Lichtkontrolle in jeder Umgebung
   Im Gegensatz zu reinem Available Light geben Portys dir die Möglichkeit, das Licht zu formen, zu setzen und bewusst zu inszenieren. Selbst an sonnigen Tagen kannst du so Schatten durchdringen, Kontraste ausgleichen oder gezielt modellieren.
   
2. Unabhängigkeit vom Wetter
   Wolken ziehen auf? Die Sonne verschwindet? Kein Problem. Mit einem Porty hast du dein Licht dabei – konstant und zuverlässig. Du bleibst handlungsfähig, auch wenn sich die Lichtstimmung verändert.
   
3. High-Speed-Sync (HSS) für kreative Offenblende-Portraits
   Moderne Portys unterstützen HSS, was dir erlaubt, mit offener Blende und gleichzeitig kurzen Belichtungszeiten zu fotografieren – ideal für Portraits mit selektiver Schärfe selbst bei hellem Tageslicht.
   
4. Licht-Design statt Licht-Suche
   Anstatt das Licht vor Ort zu „suchen“, schaffst du es. Ob dramatisches Seitenlicht, subtiler Aufhellblitz oder kontrastreiche Gegenlichtinszenierung – der Porty macht dich zum Regisseur deiner Lichtkomposition.
   
5. Einsatz von Lichtformern
   Alle gängigen Lichtformer (Beauty Dish, Softbox, Striplights, Waben, …) lassen sich am Blitzkopf montieren. Das ist schon einmal ein wesentlicher Punkt im Unterschied zu kleinen portablen Aufsteckblitzen, die ebenso mobil eingesetzt werden können, leistungstechnisch und in Bezug auf Lichtformer aber Nachteile aufweisen.

Porty und Available Light – kein Widerspruch

Viele Fotograf:innen denken: Blitz versus Available Light schließen sich gegenseitig aus. Dabei liegt der wahre Zauber oft in der Kombination beider Welten:

• Nutze das natürliche Umgebungslicht als Grundstimmung – warm, weich, atmosphärisch.
• Ergänze es mit dem Porty für gezielte Akzente: Ein Catchlight im Auge, ein Rimlight für mehr Tiefe oder ein gezielter Aufheller bei zu harten Schatten.

Das Zusammenspiel erzeugt authentische, aber kontrollierte Portraits, bei denen sich Technik und Natürlichkeit nicht ausschließen, sondern ergänzen.

Praxis-Tipp: Drei bewährte Setups

1. Backlight mit Aufheller
   Die Sonne steht hinter dem Motiv, sorgt für ein schönes Halo – der Porty von vorn (evtl. mit Softbox) füllt die Schatten gezielt auf. Ergebnis: Stimmungsvoll UND detailreich (s. Motiv links)
2. Schattenlicht im Urban Space
   Du findest einen interessanten Spot im Schatten – aber es fehlt der Kontrast? Ein Porty von der Seite (z. B. im 45°-Winkel) bringt Plastizität zurück ins Bild. (s. Motiv Mitte)
3. Fensterlicht-Boost
   Indoor on Location, z. B. in einer alten Villa: Das Fensterlicht ist weich, aber nicht stark genug. Mit dem Porty kannst du es „verlängern“, indem du von derselben Seite dezent Licht dazugibst. Das wirkt wie natürliches Licht – nur eben kontrollierter. (s. Motiv rechts)

Fazit: Kontrolle ohne Kompromiss

Portys sind für mich ein „tragbares“, kleines erweitertes Werkzeug. Sie erlauben dir, Licht bewusst zu gestalten, ohne den Charakter des Ortes zu verlieren. In der On-Location-Portraitfotografie bieten sie ein unschätzbares Maß an Freiheit, Kreativität und Kontrolle – und können da vorhandene Licht flexibel.

Wer einmal mit einem Porty am See, in einem verlassenen Gebäude oder in der Stadt gearbeitet hat, weiß: Der kleine Blitzkopf kann das gewisse Extra schaffen.

Gerade bei Mischlicht (Available Light + Blitz), ob Hochzeit, Event, Portraitshooting oder Produktfotografie – ist die „kleine Extradosis“ Licht oft eine gute Versicherung und gibt viel Freiheit.

Noch mehr Infos sind im Beitrag Foto-Tipp: Portabler Blitzkopf (Porty) mit Akku – Vorteile /Nachteile zu finden.

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Neues Holzobjekt von EULENBERGH (Stephan Obermüller)
BROKEN / ZERBROCHEN – 2025

Materialien: Treibholz, Fotografie, Metall, Alu-Dibond, Spiegel

Mit BROKEN / ZERBROCHEN präsentiert der Chiemgauer Künstler EULENBERGH ein eindringliches neues Werk, das den Schatten sexuellen Missbrauchs in der Kindheit thematisiert. Ausgangspunkt ist die persönliche Geschichte seines engsten Freundes, der als Kind von einem Pfarrer missbraucht wurde – ein Unrecht, das über Jahrzehnte hinweg ungehört blieb und erst heute im therapeutischen Prozess aufgearbeitet werden kann.

Das Objekt kombiniert Treibholz aus dem Chiemsee, fotografische Bildsequenzen, Metall- und Alu-Dibond-Elemente sowie einen zerbrochenen Spiegel zu einer kraftvollen, räumlichen Metapher. Das Treibholz steht als gezeichneter „Baum des Lebens“ für Verletzung, Überleben und den Versuch des Wiederaufbaus. Die Fotografien verweisen auf den inneren Kampf, während der zersplitterte Spiegel die zerbrochene Selbstwahrnehmung und die Fragilität des eigenen Ichs sichtbar macht. Durch die reflektierenden Bruchstücke werden auch die Betrachtenden selbst Teil des Werkes – und damit zu Zeugen einer Realität, die viel zu oft im Verborgenen bleibt.

BROKEN / ZERBROCHEN wird erstmals in der Mitgliederausstellung des AK68 – ZERBRECHLICH in der ehemaligen Polizeistation Wasserburg am Inn gezeigt.
Ausstellungsbeginn: 07.12.2025

07.12.2025 – 04.01.2026, AK 68 – Künstlerverein
Öffnungszeiten: Donnerstag – Sonntag 13 – 18 Uhr
„Alte Polizei“ – Ehemalige Polizeiinspektion, Kaspar-Aiblinger-Platz, Wasserburg, am Inn

Für Rückfragen, Bildmaterial oder Interviewanfragen steht der Künstler gerne zur Verfügung.

Pressekontakt

Für Anfragen zu Austellungen, Vita und weiteren Informationen wenden Sie sich bitte an:

ART by CONCEPT – Künstlermanagement
Frau Ulrike Fallmann, MA – uf@art-by-concept.com
A-1150 Wien

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Gerade hatten wir uns daran gewöhnt, dass das mehr oder weniger plumpe Erstellen von KI-Bildern über Midjourney & Co zur Massenware geworden ist. Künstlich anmutend, zu glatt, leicht erkennbar -als Fake-Fotografien identifizierbar (siehe Beitrag zum VIEPA Award: Wenn KI-Bilder Wettbewerbe gewinnen).

Hat uns das in eine scheinbar falsche, trügerische Sicherheit versetzt und zu schnell beruhigt?
Waren wir uns sicher: KI-Bilder sind durchschaubar und entlarvbar, eine Täuschung nachvollziehbar?

Die bisherige Generation – Bildgeneratoren

Die bisherigen AI-Plattformen sind – aus Sicht des Bildbearbeitungsprozesses – noch deutlich ausbaufähig.
Das Hochladen und Weiterverarbeiten von Bildern wirkt meist zufällig im Ergebnis. Es handelt sich letztlich um reine Bildgeneratoren (Midjourney, ChatGPT, Dale-E), die auf Textbasis neue Bilder erzeugen, jedoch auf Grundlage bestehender Fotografien kaum gezielt steuerbar sind – weder in ihrer Bildlogik noch in der gestalterischen Bildbearbeitung. Der Algorythmus gibt dies nur zum Teil her. Und auch Adobe´s Firefly, das erste generative Tool um Ergänzen von Bildern, war doch eher ein „netter“ Versuch als ein ernstzunehmendes Werkzeug.

Die neue Generation – eingebundene Werkzeuge

Die neue Generation der generativen AI, etwa Googles Nano Banana, agiert vielmehr als Werkzeug: integriert in der neuesten Photoshop (Beta) und ist in der Lage, punktuell in bestehende Fotografien einzugreifen. Sie ist also ein kombiniertes Werkzeug.

Was ist da nun der Unterschied zu den bisherigen Tools?
Auf reiner Textbasis lassen sich damit Lichtsetzung, Farbstimmung oder kleine Retuschen verändern – also Dinge, die wir in der Dunkelkammer, am Vergrößerer oder später in Photoshop längst akzeptiert haben, ohne den fotografischen Charakter eines Bildes in Frage zu stellen.

Doch genau hier beginnt nun das philosophische Rauschen: Wenn KI heute Licht und Stimmung „optimiert“, ist dies dann Manipulation oder nur die Fortsetzung dessen, was wir seit Jahrzehnten in der Bildbearbeitung als selbstverständlich erachten – nur eben schneller, präziser, unsichtbarer, bequemer?

Oder aber, ist hier doch eine Manipulation im Gange, die Bildaussagen verzerren, unsere Sicht täuschen und eine nachvollziehbare Prüfung (Manipulation Ja/Nein) aushebeln kann?

Beides läßt sich mit mit einem klaren „JA“ beantworten. Ob dies nun gut oder schlecht ist?

Praxisbeispiel: Ursprüngliches Portraitbild (Fotografie) + bearbeitet/ergänzt

Ein kleines Beispiel (ursprüngliche Portraifotografie) – nachträglich in Nano Banana per kurzem Text aufgefordert, im Hintergrund Kerzen einzufügen und die Lichtstimmung entsprechend anzupassen.

Ein Test – AI Check des erweiterten Bildes

Zeit für einen kleinen Test mit den gängigen AI-Bild-Check-Tools.

1. AI-Image-Checker – Sightengine
Das Tool hat das Bild als authentische Fotografie eingestuft – wir als Betrachter wären also hinters Licht geführt worden.
An sich ein sehr gutes Tool, das in der Regel auch die verwendeten Generatoren (Midjourney, DALL·E, etc.) erkennt. Der Report ist klar strukturiert – allerdings scheint das Erkennen von punktuellen Änderungen durch Nano Banana noch nicht integriert zu sein.

2. AI-Checker – Undetectable AI
Dieses Tool bewertete dasselbe Bild als 97 % AI-generiert – was ebenfalls nicht stimmt. Der überwiegend fotografische Anteil des Ausgangsbildes wurde hier komplett ignoriert. Der Report wirkt „platt“ und präsentiert sein Ergebnis als Fakt, ohne Details oder Zwischentöne zu liefern.

3. Decopy AI – Image AI Checker
Das dritte Tool hat das Bild sehr strukturiert analysiert und die jeweiligen KI-Elemente bzw. fotografischen Bestandteile präzise voneinander getrennt. Aus meiner Sicht derzeit das beste System, um fotografische Inhalte und AI-Bearbeitungen nachvollziehbar aufzuschlüsseln.

Was bedeutet das nun?
Wie glaubwürdig sind Bilder überhaupt noch?

Ich würde sagen: Nichts ändert sich – und doch alles.
Denn das Werkzeug bleibt ein Werkzeug – selbst wenn es mittlerweile algorithmisch mitdenkt.
Nano Banana ist direkt in die neueste Photoshop-Beta integriert und agiert dort wie ein unsichtbarer Assistent, der Licht, Stimmung und Details nach unseren Wünschen formt.

Was bleibt, ist die kreative Idee – und der Moment, aus dem sie entsteht.
Fotografie lebt vom Sehen, vom Augenblick, vom Stattfinden. Sie ist Ausdruck eines realen Moments, eines tatsächlichen Zusammentreffens von Licht, Zeit und dem bewussten Auslösen.

Wenn wir diese Grenze in der Bildbearbeitung verschieben, dann wird sie durch den Einsatz generativer AI weicher, unsichtbarer – aber sie ist noch da, solange wir AI zum Zweck der Bildbearbeitung einsetzen. Hier unterscheidet sich Bildbearbeitung und Manipulation (nunmehr mit AI) nicht von der Position, die wir seit Jahrzehnten diskutieren.

Sind wir uns ehrlich: Filter, Tools in der Bildbearbeitung (ob Smartphone-Filter, Portraitretusche, Noise-Reduktion, Landschaftsfotografie aber auch generatives Füllen und Skalieren) sind seit Jahren voll von AI-Funktionen, wir haben es vermutlich nur wegignoriert, zum Zweck der kreativen Idee und ihrer Umsetzung im Kreativprozess.

Hat es unserer Kreativität im Umgang mit Fotografie geschadet? Ich denke weniger, oder?

In diesem Sinne: Fotografie bleibt ein Dialog zwischen Auge, Licht und Zeit – und der entscheidende Augenblick bleibt immer noch einzigartig.

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Mit dieser Festivaledition führt FOTODOKS sein Anliegen fort, dokumentarische Ansätze in der Fotografie langfristig in München und darüber hinaus sichtbar zu machen und damit übergeordnete gesellschaftliche Diskurse anzustoßen. Auf Einladung der Architekturgalerie München findet die 12. Ausgabe von FOTODOKS in diesem Jahr erstmals in deren Räumlichkeiten statt – einem früheren Luftschutzbunker aus dem Jahr 1941, der sich als Ausstellungsplattform im Münchner Stadtzentrum im Spannungsfeld von Architektur, Fotografie und positioniert.

FOTODOKS Festival 2025 · Long Time No See
10. Oktober – 2. November 2025
Festival für aktuelle Dokumentarfotografie

HIGHLIGHTS FESTIVALPROGRAMM

FESTIVALWOCHENENDE
Fr, 10. – So, 12. Oktober 2025
Architekturgalerie München, Blumenstr. 22
Alle Termine unter fotodoks.de/programm

Freitag, 10. Oktober 2025, 14–17 Uhr 
Storytelling Workshop | Future Memories with Thero Makepe × The Long Run
Bellevue di Monaco, Müllerstr. 2, München
Gemeinsam mit dem Künstler Thero Makepe erkunden die Teilnehmenden experimentelle Formen des kollaborativen Bildschaffens. Mittels Methodiken des Inszenierens fokussiert sich das Arbeiten auf Licht, Gesten, Komposition und die nachträgliche Bildbearbeitung. Anmeldung erforderlich.

Freitag, 10. Oktober 2025, 18.30–19.30 Uhr
Performative Lecture & Artist Talk | Arash Fayez, Fragments from a discarded film, 2025
Der iranische Künstler Arash Fayez arbeitet an den Schnittstellen von Fotografie, Video und Performance. Ein zentrales Sujet seiner Arbeiten ist das Motiv des Dazwischen-Seins, das aus subjektiven Erfahrungen von Migration und des Ortswechsels hervorgeht.

Samstag, 11. Oktober 2025, 14.30–16.30 Uhr
Networking-Nachmittag | Cameras + Coffee
Das Format „Cameras + Coffee“ ist eine informelle Plattform des unmittelbaren Austauschs zur Dokumentarfotografie. Innerhalb kurzer „Speed-Dating“-Sessions können eigene Fotoprojekte in Einzel- oder Gruppengesprächen vorgestellt und besprochen werden. Anmeldung nicht erforderlich.

Sonntag, 12. Oktober 2025, 12–16 Uhr
Artist Talks | jeweils 60 Minuten
12 Uhr: Die Künstlerin Anya Tsaruk im Gespräch mit Katrin Bauer (Ko-Kuratorin, FOTODOKS)
13 Uhr: Die Künstler*innen Calvin Hein und Sarah Sullivan im Gespräch mit Pia Ihedioha (Herausgeberin, Moderatorin, Bildungsreferentin und Gründerin der Plattform „Magazin of Color“)
15 Uhr: Die Künstler Thero Makepe und Yun Ping Li im Gespräch mit Gürsoy Doğtaş (Kurator, Kunsthistoriker und Creative Mediator „Public Programme“, Manifesta 16)

Alle Termine, Artist Talks und Vermittlungsangebote unter fotodoks.de/programm

Festival Adresse: Architekturgalerie München, Blumenstr. 22, 80331 München

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Was wie ein Gedankenexperiment klingt, ist längst Realität. In der Flut visueller Bilder, in der alles möglich scheint, verschwimmen die Grenzen. Zwischen Authentizität und Simulation. Zwischen Fotografie und Fiktion. Zwischen Kunst und Täuschung.

Am Wochenende sah ich durch Zufall die Gewinnerbilder eines namhaften Fotowettbewerbs (VIEPA Photo Award 2025) und das Gewinnerbild der Kategorie Portrait/People Photography ließ mich stutzen.

Im vorliegenden Fall kam mir das Bild zu glatt und technisch vor und wiess die typischen KI-Kriterien (Bart) auf. Kaum verwunderlich, der KI-Scanner zeigte 99% KI-genriert an. Das restliche Portfolio des „Fotografen“ war ebenso KI-generiert.

Ein Bild, KI generiert, hatte einen renomierten Fotowettbewerb als Hauptsieger in der Kategorie People and Portrait Photography gewonnen?

Und das im Jahr 2025, nachdem der Berliner Fotograf und KI-Aktivist Boris Eldagsen vor 2 Jahren beim Sony Award mit seiner Aktion genau für dieses Thema sensibilsiert hatte, als er seinen Preis öffentlichwirksam zurückgab?

Als ich den Veranstalter und Organisator des Wettbewerbs, zeitgleich Leiter einer namhaften österreichischen Akademie für Fotografen, darauf angesprochen habe, kam nur ein lapidares „ist doch egal, ist doch schön“.

Und genau hier beginnt aus meiner Sicht das Problem. Ein Bild mag vielleicht ästhetisch schön sein, aber da ist doch noch mehr, oder?

Fotografie ist mehr als ein schönes Bild

Ein gutes Portrait ist kein Produkt des Zufalls, ein beliebig erstellbares Resultat auf Knopfdruck.
Es ist ein Dialog zwischen Fotograf*in und Modell. Zwischen Licht und Ausdruck. Es ist Nähe, Intuition, ein Moment – festgehalten mit einem echten Blick und echter Erfahrung und Sehen. Es ist einzigartig und eine Fazette der Zeit, ein Konservieren des Unwiederbringlichen.

Wer diesen schöpferischen Prozess durch eine KI ersetzt, generiert vielleicht ein technisch perfektes Bild. Aber es fehlt etwas Zentrales: Wahrhaftigkeit und die Seele eines Bildes, der Augenblick.

Ein KI-generiertes „Portrait“ ist kein Dokument der Welt. Es zeigt kein Gesicht, das gelebt hat. Kein Blick, der gesehen hat. Kein Lächeln, das gefühlt wurde. Es zeigt eine Vorstellung, ja – aber nicht die eigentliche Wirklichkeit und den Augenblick.

Warum reicht jemand ein KI-generiertes Bild in einem Wettbewerb ein?

Weil es einfach ist?
Weil es Aufmerksamkeit bringt? Klicks/Likes oder wie im vorliegendem Fall sogar einen Auszeichung und einen Hauptpreis?
Weil es keine klaren Regeln und Definitionen gibt?
Vielleicht auch aus Unwissenheit, weil viele nicht sehen (oder nicht sehen wollen), was der Unterschied zwischen einem Bild und einem Werk ist.

Die Technik macht es vielleicht möglich – aber das macht es doch noch lange nicht legitim.

Denn Kunst und Fotografie ist nicht nur, was machbar ist. Sondern was ausgedrückt wird.

Wettbewerbe brauchen Vertrauen – nicht Trickserei

Wenn jemand mit einem KI-Bild einen klassischen Fotowettbewerb gewinnt – und es nicht offenlegt – ist das kein Spiel mit Grenzen mehr. Es ist eine bewusste Täuschung.

Denn Wettbewerbe leben von Regeln. Von Respekt gegenüber anderen Teilnehmer*innen. Von einem gemeinsamen Verständnis dessen, was „Fotografie“ bedeutet.

Wer ein KI-Bild einreicht und als fotografisches Werk ausgibt, bricht dieses Vertrauen. Er/sie verzerrt und raubt jenen den Raum, die mit einer echten Kamera, echtem Licht und echtem Menschen arbeiten. Die sich Zeit nehmen. Kreativität einsetzen, Scheitern, Wachsen und ja, die „Ernte“ ihrer Arbeit durch Auszeichnungen und Wertschätzung einfahren.

KI ist kein Feind. Aber ist Ehrlichkeit Pflicht?

Versteht mich nicht falsch: KI ist ein mächtiges Werkzeug. Auch in der Kunst. Auch in der Fotografie. Aber sie ist kein Ersatz für das Sehen, Fühlen, Erleben – was für mich die Fotografie und im Speziellen die Portraitfotografie ausmacht.

Und wer meinen Blog regelmässig ließt, weiß auch, dass ich mit KI im Prozess gerne in meinen Objektarbeiten arbeite, ihr aufgeschloßen gegenüber stehe und mich positiv mit dem Neuen auseinandersetze. KI kann ein kongenialer Partner im Kreativprozess sein.

Wer mit KI arbeitet, darf das tun – aber ich finde er/sie sollte es offen sagen.

Transparenz ist die einzige Brücke zwischen Innovation und Integrität.
Und vor allem auch der Schlüssel zur Akzeptanz.

KI sollte nicht Angst machen, dadurch, dass sie nicht entschlüsselbar und nachvollziehbar ist. Dass sie uns täuscht und wir in der Unsicherheit leben, ob das Perfekte und Glatte real (tatsächlich existent), reell (ehrlich, wirklich, transparent) oder künstlich, algorythmisch entstanden ist.

Eine KI ist letzendlich durch Werke von Fotografen (ohne deren Zustimmung) trainiert worden, aber sind die Bilder dadurch fotografisch und werkgleich?

Ein KI-Bild in einem Portraitfotowettbewerb zu zeigen und als eigene fotografische Arbeit auszugeben – das ist kein kreativer Akt. Es ist ein Betrug: An der Jury, an den restlichen Teilnehmern, an der Kunst. Und letztlich – und das finde ich am traurigsten: an sich selbst.

Wir brauchen aus meiner Sicht neue Begriffe (Fotografie vs Promptografie), neue Kategorien, neue Wettbewerbe, vielleicht auch neue Regeln – aber vor allem brauchen wir: Ehrlichkeit.

Denn in einer Welt voller Fakes wird die Wahrheit und vielleicht auch das Unperfekte zur eigentlichen Kunst.

Liege ich mit dieser Sichtweise so verkehrt?

PS: der Auszug der Teilnahmeregeln des VIEPA Photo Award 2025, die eigentlich die Auszeichnung eines KI-Bildes unmöglich machen sollten, (da klar auf Fotografien im Sinne von Lichtbilder verwiesen wird und diese auch klar von Prortaitfotografie im Sinne mit „Menschen und Emotionen“ sprechen), sind meiner Meinung nach lückenhaft – zumindest aus der gegenwärtigen Sicht 2025. Der Veranstalter versuchte sich mit einem „wir erlauben medienunabhängige“ Einreichungen (was so in den Teilnahmebedingungen aber nicht zu finden ist) herauszureden. Dass die Teilnahmeregeln aus dem Jahr 2022 stammen und keinerlei Bezug zu KI-generierten Bildern aufweisen, zeugt allerdings von einer grenzenlosen Naivität seitens des Veranstalters, wie ich finde. Die Welt der Fotografie hat sich weitergedreht.

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Vom 10. bis 13. Juli 2025 wurde Niederpöring wieder zum Epizentrum der klassischen Zweitaktkultur. Auf der legendären Zementbahn im niederbayerischen Landkreis Deggendorf kämpften über 200 Fahrer aus D/A/CH/IT/NL/USA um Präzision, Stil und Timing – nicht um Geschwindigkeit.

Hier starten keine modernen Plastikbomber. Nur echte Charaktermaschinen wie Faro Basso, Acma, Lambretta & Co – zum Teil über 70 Jahre alt, aber mit ordentlich Dampf unter’m Blech.

Rennen mit Stil und Verstand

Beim Zementbahnrennen geht’s nicht um Vollgas, sondern um Geschick und Kontrolle: Ziel ist es, nach genau 5 Minuten wieder über die Ziellinie zu fahren – gemessen auf die Hundertstelsekunde mit digitalem Transponder. Wer nur aufs Gas drückt, hat hier eigentlich schon verloren. Trotzdem gab es tolle Spints und Kurvenfahrten in der Kurvensteigung zu sehen. -> Ergebnisse der Rennen

Vespakultur trifft Festivalvibes

Ob Schrauber, Sammler oder Zuschauer – vier Tage lang drehte sich alles um die Liebe zum Blech:
Händlermeile, mobiler Werkstattservice, Leistungsprüfstand, Foodtrucks, Musik und Tombola. Zeltplätze, Duschen und ein Spielplatz sorgten für echtes Wochenend-Feeling.

Zementbahnrennen 2025 – wo Geschichte röhrt, Gummi qualmt und der Beton lebt

Ob mit 1,5 PS oder 20 (oder mehr – wer dabei war, hat gespürt: Diese Roller sind mehr als Fortbewegungsmittel. Sie sind gelebte Geschichte, Identität und Stil.

Ein herzliches Dankeschön geht an Raphael Knespel und sein Team von werliebtderschiebt, die dieses Event mit unermüdlichem Einsatz und unglaublichem Spirit auf die Beine gestellt haben. Es war spürbar: Hier ging es nicht nur ums Fahren – es ging um Gemeinschaft, Leidenschaft und die Liebe zum Detail.

Wir freuen uns schon jetzt auf das nächste Rennen – denn eines ist klar:
Niederpöring lebt. Die Bahn lebt. Und Vespa lebt.

Bis zum nächsten Ritt auf Beton.

PS: Du bist auf der Suche nach einem Foto (hochauflösend) deiner Vespa beim Rennen oder den Gruppenbildern?
Schick mir eine kurze Info (deine Startnummer) über das KONTAKTFORMULAR und ich melde mich bei dir.

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#Zementbahnrennen2025 #VespistiUnited #werliebtderschreibt #VespaLiebe #NiederpöringKnattert

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Die Ausstellung läuft vom 27. Juli bis zum 24. August 2025 und verwandelt die Stadt wieder in ein vielstimmiges Kunstfestival, das mit fünf Ausstellungsorten, 99 Künstlerinnen und Künstlern und rund 180 Werken eine beeindruckende Vielfalt zeitgenössischer Positionen zeigt.

Mein Objekt ist im Alten Rathaus zu sehen – einem geschichtsträchtigen Ort, der die Idee des Werks auf besondere Weise verstärkt.
„Cabinet des Dr. Caligari“ ist ein raumgreifendes Holzobjekt, das analoge Portraitfotografie, KI-generierte Promptografie und Spiegelarchitektur miteinander kombiniert. in Anlehnung an einen alten TV-Schrank der 50er Jahre spielt es mit Wahrnehmung, Identität und Realität – und lädt Betrachtende dazu ein, sich in einem fließenden Raum aus Spiegelungen, Bildern und Illusionen zu verlieren. Ist das, was wir sehen, real, virtuell – oder beides zugleich?

Eröffnung & Termine:
GKA 2025 – DAS Kunstfestival in Wasserburg am Inn – 27.07.–24.08.2025
Altes Rathaus, Wasserburg am Inn
27.07.–24.08.2025 (Altes Rathaus, alte Polizeistation und weitere Orte in der Innenstadt)
Vernissage: Sonntag, 27. Juli 2025 um 17 Uhr im Alten Rathaus
Vorab: 15:30 Uhr – Ausstellungseröffnung „Casca il mondo“ in der Achatzkirche

Ich lade euch herzlich ein, vorbeizukommen, einzutauchen – und euch selbst im Cabinet zu begegnen.

Mehr Infos zur Ausstellung & zum Festivalprogramm:
www.ak68.org

Stephan Obermüller – EULENBERGH

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