Luciano Rojas visitó los estudios de La Radio del Rock y entregó aspectos bastante interesantes sobre este gran relanzamiento para la música chilena. El músico es integrante de Saiko y pieza fundamental del rock chileno.

Durante la entrevista en Rock Shop, el bajista abordó el impacto del legado de Andrés Bobe. Rojas sorprendió a los auditores al expresar su anhelo de ver una reunión de La Ley. El artista señaló que sería extraordinario concretar una actividad musical con sus antiguos compañeros. Según sus palabras, este gesto permitiría cerrar círculos importantes en vida antes de cualquier eventualidad. «En lo personal, sería bonito una rejunta» señaló.

El rescate patrimonial y el legado de Andrés Bobe

Además, el relanzamiento del disco «Desiertos» en vinilo doble ha generado una enorme expectación nacional. Este trabajo de 1990 fue originalmente una pieza de culto con apenas quinientas copias en cassette. Germán Bobe lidera hoy una curatoría para rescatar las valiosas obras inéditas dejadas por su hermano Andrés.

Incluso, Luciano Rojas colaboró en la recolección de cintas perdidas y grabaciones universitarias de Paraíso Perdido. El músico destacó que el objetivo principal es homenajear la visión creativa del fallecido guitarrista nacional. Para los fanáticos, estas acciones representan señales claras sobre un posible reencuentro de La Ley en los escenarios.

Asimismo, el proceso de profesionalización de la banda comenzó a finales de la década de los ochenta. La llegada de Beto Cuevas cerró el círculo creativo que permitió la internacionalización del proyecto musical chileno. Rojas recordó los cimientos construidos durante los años noventa en diversos países de América Latina y el mundo.

Una formación clásica marcada por la vanguardia británica

Por otra parte, la identidad sonora del grupo nació de influencias directas provenientes del post-punk y el new wave. Carlos Fonseca cumplió un rol determinante al facilitar el acceso a discos importados desde Europa. Gracias a este apoyo, la formación clásica de La Ley desarrolló un estilo sofisticado que marcó pauta regional.

De igual modo, el bajista enfatizó la importancia de cada integrante original en el éxito masivo alcanzado posteriormente. Rodrigo Aboitiz y Mauricio Clavería fueron pilares esenciales junto a Andrés Bobe en la consolidación del sonido editorial. Luciano Rojas reconoció sentirse afortunado de haber participado en esta etapa crucial de la industria fonográfica.

Efectivamente, el destino parece jugar a favor de los deseos expresados por los seguidores más fieles. Recientemente, Rojas coincidió en México con Mauricio Clavería mientras otros integrantes presentaban material histórico en Santiago. Estas coincidencias alimentan las teorías actuales sobre un regreso de La Ley que reúna a los músicos históricos.

A raíz de esto, el interés por los músicos de La Ley se mantiene vigente tras más de tres décadas. Luciano Rojas aclaró que no se debe presionar el proceso para que las cosas fluyan de manera natural. El espíritu de Andrés Bobe sigue guiando cada paso de este necesario reencuentro con el patrimonio musical.

El camino hacia una anhelada reunión de La Ley parece estar pavimentado por la nostalgia y el respeto mutuo. Mientras tanto, Rojas continúa su exitosa carrera con Saiko y prepara presentaciones relacionadas con la etapa de 1988. La radio del rock seguirá atenta a cada hito que marque la historia de este legado chileno.

La entrada Histórico integrante de La Ley sobre una reunión de la banda: «En lo personal, sería bonito una rejunta» se publicó primero en Futuro Chile.

El encuentro volvió a reunir a músicos de distintas ciudades del país y a una audiencia que respondió con entusiasmo a esta propuesta cultural abierta a toda la comunidad.

Desde tempranas horas de la jornada, el festival ofreció actividades orientadas a generar espacios de encuentro y reflexión en torno al jazz. Entre estas se destacó el conversatorio “Mujeres en el Jazz”, con la participación de Carla Romero, Claudia Arriagada y Natalia Leighton. En la ocasión, compartieron sus experiencias dentro de la escena musical. Apuntando a la apertura de un espacio de diálogo sobre el rol de las mujeres en el desarrollo del jazz.

Festival de Jazz de Lota: Compromiso con la seguridad y la equidad

En coherencia con los valores de esta edición, el festival implementó durante toda la jornada un «Punto Morado». Este espacio de información y resguardo se estableció para garantizar un entorno seguro y libre de violencia de género. Reafirmando el compromiso de la organización con la participación transversal y el cuidado de todas las asistentes y trabajadoras del evento.

En tanto, el escenario principal contó con varios invitados e invitadas que dieron vida a la programación musical de esta edición: La Orquesta del Viento, Los Frank, la Derecho UdeC Big Band, Claudia Arriagada y los Arriagada System y Sebastián Arriagada Blues Band. “Cada proyecto aportó su propia mirada al género. Ofreciendo al público un recorrido por distintas sonoridades del jazz y sus cruces con el blues, el swing y la música contemporánea”, resumió Juan Pablo Leal, director del evento.

“Pudimos reafirmar nuestro gran objetivo, que es fortalecer la escena jazzística regional. Promoviendo el encuentro entre artistas locales y nacionales. Además, así, aportamos a consolidar a Lota como un espacio donde la música dialoga con el patrimonio cultural de la ciudad”, agregó.

Desde la organización destacaron la participación del público, el compromiso de los artistas y el apoyo de instituciones, auspiciadores y colaboradores que hicieron posible esta nueva edición.
Con tres versiones realizadas, el Festival de Jazz de Lota. Proyecto financiado por el Fondo de la Música Nacional, convocatoria 2026, continúa proyectándose como una plataforma para la difusión del jazz en el sur de Chile, reforzando su vocación de ser un espacio de encuentro entre música, territorio y comunidad.

La entrada Festival de Jazz de Lota cierra su tercera edición y consolida su lugar en Biobío se publicó primero en Futuro Chile.

Este viaje musical no es casualidad, ya que se produce en un momento crucial para el artista. McCartney se prepara para el lanzamiento de su primer álbum en más de cinco años, titulado «The Boys of Dungeon Lane», cuya llegada está prevista para el próximo 29 de mayo,.

El despertar del Rock ‘n’ Roll: Los años 50

Para McCartney, mirar hacia atrás es conectar con las raíces que lo formaron como músico. Su selección en el programa de la BBC Radio 2, «Tracks of My Years», inicia con una inmersión profunda en la década de 1950. El primer tema que destacó fue el clásico de Gene Vincent, ‘Be-bop-a-Lula’, una pieza fundamental para entender el sonido que más tarde influenciaría a The Beatles.

Siguiendo esta línea de nostalgia y formación, Paul eligió otros tres pilares del rock temprano: ‘Maybelline’ de Chuck Berry, ‘That’ll Be The Day’ de Buddy Holly y el inolvidable ‘All Shook Up’ de Elvis Presley. Estas canciones no solo representan una era, sino que encapsulan el espíritu de su juventud, un tema central que también parece recorrer las venas de su nuevo trabajo discográfico.

La revolución de los 60 y la maestría de la composición

Al avanzar hacia la década de 1960, McCartney seleccionó pistas que marcaron un antes y un después en la industria. Entre ellas destaca ‘You Really Got Me’ de The Kinks, un himno que definió el sonido del rock británico. No obstante, una de las declaraciones más potentes de la entrevista fue su elección de ‘God Only Knows’ de The Beach Boys, a la que señaló como su «canción favorita de todos los tiempos».

Además, incluyó a otra figura de influencia monumental para él: Bob Dylan, con el tema ‘Mr Tambourine Man’. Esta elección refuerza la idea de que McCartney siempre ha estado atento a la narrativa y la innovación lírica de sus contemporáneos.

Sorpresas electrónicas y el legado de los 80

A diferencia de lo que muchos podrían esperar de un purista del rock, McCartney también mostró su aprecio por la evolución sonora de los años 80. En su lista personal incluyó ‘Don’t You Want Me’ de los pioneros de la electrónica de Sheffield, The Human League.

Junto a este éxito del synth-pop, Paul seleccionó ‘Kiss’ de Prince, demostrando que su gusto musical es ecléctico y valora la genialidad artística en todas sus formas. Es notable destacar que, a pesar de tener uno de los catálogos más exitosos del mundo, McCartney eligió noblemente no incluir ninguna canción propia, ya fuera de su etapa solista, con Wings o con The Beatles.

El emotivo cierre: Un tributo a John Lennon

El momento más conmovedor de su selección llegó al final. Paul McCartney decidió cerrar su lista honrando a su difunto amigo y compañero de banda, John Lennon, con la icónica ‘Imagine’. Esta elección sirve como un recordatorio del vínculo inquebrantable que compartieron y del respeto mutuo que perdura a pesar del paso del tiempo.

Una entrevista cargada de emoción y «trance»

La entrevista, realizada por el presentador Vernon Kay, será emitida íntegramente el 25 de mayo. Kay describió el encuentro como algo «especial» y «emocional», llegando a confesar que en ciertos momentos se sintió en un estado de «trance» al estar sentado frente a una leyenda viviente,.

«Sus lips were moving but I didn’t hear anything» (Sus labios se movían pero yo no escuchaba nada), admitió Kay al relatar su experiencia personal durante la grabación al sentirse impactado por la presencia de Sir Paul. La conexión entre ambos fue evidente, compartiendo anécdotas que prometen deleitar a los fans.

El regreso de Sir Paul a los escenarios y la TV

Además de la radio y su nuevo álbum, McCartney tiene una agenda mediática muy activa. El próximo 17 de mayo, Paul se presentará como invitado musical en Saturday Night Live, compartiendo escenario con el comediante Will Ferrell. Este despliegue de apariciones subraya la relevancia intacta de McCartney en la cultura popular actual.

En resumen, la lista de las 10 canciones de la vida de Paul McCartney es más que una simple selección; es un mapa de su alma musical. Desde la energía del rock primigenio hasta la sofisticación del pop y el tributo final a Lennon, estas canciones nos ofrecen una ventana única a la mente de un genio que, a sus años, sigue mirando hacia el futuro.

Las 10 canciones elegidas por Paul McCartney:

• Gene Vincent – ‘Be-bop-a-Lula’
• Chuck Berry – ‘Maybelline’
• Buddy Holly – ‘That’ll Be The Day’
• Elvis Presley – ‘All Shook Up’
• The Kinks – ‘You Really Got Me’
• The Human League – ‘Don’t You Want Me’
• Prince – ‘Kiss’
• Bob Dylan – ‘Mr Tambourine Man’
• The Beach Boys – ‘God Only Knows’
• John Lennon – ‘Imagine’

La entrada De Elvis a John Lennon: Paul McCartney revela las 10 canciones que marcaron su vida se publicó primero en Futuro Chile.

En el LP hay más que solo riffs estándar de Chuck Berry y más que acordes poderosos al estilo de Dave Davies. Hendrix desarrolló un lenguaje completamente nuevo para la guitarra eléctrica. Un lenguaje que, todos estos años después, todavía está siendo traducido por generación tras generación de esperanzados héroes de la guitarra.

Se hace difícil entender completamente lo revolucionario que fue este LP para su época. Pero antes, realmente no había ningún disco que sonara así. Después, solo hubo imitaciones. Pero Hendrix no estaba solo en este asalto. La profunda sección rítmica del baterista Mitch Mitchell y el bajista Noel Redding proporcionaron un bloque de hormigón sobre el que Hendrix pudo construir su sonido. OK, Cream fue anterior a la Experience por unos meses. Pero este fue el trío de poder definitivo. Su sonido y estilo se infundirían en mucho rock ‘n’ roll que siguió.

Pero todo lo anterior no significaría nada si no fuera por otra circunstancia. Jimi Hendrix escribió algunas canciones increíbles. Dejando a un lado la heroicidad de la guitarra, sin melodías, «Are You Experienced» no sería el clásico que es hoy. «Foxey Lady», «Manic Depression», «The Wind Cries Mary», «Purple Haze», «I Don’t Live Today», todas canciones increíbles.

Las ediciones del Reino Unido y los Estados Unidos, lanzadas el 12 de mayo de 1967 y luego tres meses después, respectivamente, diferían en algo. Debido a la práctica común en el Reino Unido de no incluir sencillos en un LP, la versión británica incluyó «Can You See Me» y el blues crudo de «Red House» en lugar de «Purple Haze» y «The Wind Cries Mary», ambos singles en el extranjero.

El LP lo produjo el manager de Hendrix y ex bajista de Animals, Chas Chandler, quien, junto con el ingeniero Eddie Kramer, exploró un terreno sonoro que antes no había sido explorado. Las sesiones de grabación comenzaron a fines de 1966 en De Lane Lea y CBS Studios, y terminaron en los legendarios Olympic Studios de Londres. En un documental en DVD sobre la creación del álbum, Chander recordó: «La gran ventaja de Olympic parece ser que podías tocar más fuerte que en otros estudios en los que habíamos estado».

Kramer pudo darse cuenta de que las «ideas de Hendrix surgieron rápidas y furiosas con un brillo diabólico en sus ojos cuando acumulaba un sonido particular de su amplificador que me desafiaba a interpretar lo que estaba pasando desde el piso del estudio hasta traer ese sonido enorme sonido en la sala de control».

Cuando el verano del amor se puso en marcha, el lanzamiento de «Are You Experienced» fue la previa al «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band» de los Beatles por casi un mes, lo que fue un gran marco de tiempo en términos de 1967. Nuevos sonidos y estilos explotaron a cada paso. Un mes o dos hicieron toda la diferencia en el mundo.

Estados Unidos pudo ver por primera vez a este Hendrix el 18 de junio de 1967, cuando la Experience hizo su debut en vivo el tercer día del Festival Internacional de Pop de Monterey. The Who, que ya eran una sensación en el Reino Unido, eran muy conscientes de lo que era capaz de hacer Hendrix y no querían seguirlo en el escenario. Al mismo tiempo, Hendrix estaba familiarizado con las payasadas de los Who y no quería seguirlos. Se lanzó una moneda al aire y The Who terminó antes que Hendrix (con Grateful Dead en el medio, pobres muchachos). The Who hizo lo suyo y destrozó su equipo, por lo que Hendrix subió la apuesta y prendió fuego a su guitarra. Ese acto llamó la atención de la gente, pero no tanto como la música.

Esa  presentación en Monterey Pop, junto con el poder de canciones como «Fire» y «Hey Joe», impulsó a The Jimi Hendrix Experience a la vanguardia de los nuevos sonidos, y aparentemente de la noche a la mañana, las guitarras más fuertes que fuertes estaban de moda. Todos comenzaron a volverse pesados ​​y empujar los límites en el escenario y en el estudio. La sobrecarga auditiva de la canción principal de «Are You Experienced» sigue siendo un monstruo, al igual que el resto del LP. Los artistas todavía están tratando de ponerse al día hoy.

La entrada No fue solo música, fue una revolución: El secreto detrás de «Are You Experienced», el debut de The Jimi Hendrix Experience se publicó primero en Futuro Chile.

El cuarteto formado por Laura (voz), Carlos (guitarra), Nico (bajo) y Diego (batería) explica que esta entrega muestra su faceta más experimental, sin abandonar ese sello que funde el rock y el post-punk revival con hooks que se quedan en la cabeza, todo bajo un alto nivel de producción. La canción actúa como una amalgama sonora donde los ecos de los 90 y el rock de los 2000 conversan con sintetizadores de estirpe setentera y ochentera, trazando una línea directa hacia influencias como Royel Otis, The Strokes, Turnstile y Wet Leg.

Infinitos Monos estrena «Pienso en ti»

«Buscamos transmitir esa sensación de soledad, de dudas, de no estar contento con la vida que se tiene… ese vacío que uno intenta llenar con alguien más cuando se siente perdido». Explican sobre el trasfondo de un tema que aborda la complejidad de «dar vuelta a la página».

El sencillo fue grabado en Estudio El Gran Pez y Estudios del Sur. La mezcla y producción estuvo a cargo de Claudio Quiñones. Mientras que el mastering fue realizado por el experimentado y reputado ingeniero Chalo González.

‘Pienso en Ti’ es una muestra clave de lo que será el álbum debut de la banda. Programado para lanzarse en junio de este año. Es un vistazo necesario a su universo musical y a la sensibilidad de la voz de Laura, quien expone con fuerza y carisma lo complejo que puede ser encontrarse perdido tras una relación.

La entrada Nueva Escena chilena: Infinitos Monos estrena «Pienso en ti» con video junto a la humorista y actriz Catalin se publicó primero en Futuro Chile.

Aunque parezca una leyenda urbana, este evento ocurrió realmente en agosto de 1970, marcando una de las noches más extrañas y memorables en la carrera de ambos artistas.

El caos en San Antonio: Blackmore fuera de combate

Todo comenzó durante la primera gira de Deep Purple por los Estados Unidos. La banda británica llegaba a Texas para presentarse en un club llamado The Jam Factory, en San Antonio, el 28 de agosto de 1970. Sin embargo, el destino tenía otros planes para su guitarrista estrella, Ritchie Blackmore.

Según los relatos, los miembros de la banda recibieron vacunas contra la gripe antes del show por recomendación de su equipo, pero Blackmore reaccionó de forma desastrosa a la inyección. El guitarrista recuerda haberse sentido miserable, con una llaga bajo la lengua que le impedía hablar o comer, además de sufrir mareos intensos que lo llevaron directo al hospital. «Simplemente me caí y me llevaron al hospital. No sabían qué era; creo que era pura miseria», comentó Blackmore años después sobre aquel episodio.

Un joven fan al rescate: Entra Christopher Cross

Con la estrella de la banda incapacitada y el show a punto de cancelarse, el promotor local Joe Miller —quien también manejaba a una joven promesa local llamada Christopher Cross (entonces Chris Geppert)— sugirió una solución desesperada. Cross, que en aquel entonces tenía solo 19 años y lideraba una banda de versiones llamada Flash, era un fanático absoluto de Blackmore.

«Joe dijo: ‘Sabes, hay este guitarrista en la ciudad que es un gran fan de Ritchie y probablemente podría cubrirlo'», recordó Cross. El cantante Ian Gillan inicialmente se mostró reacio, pero ante la posibilidad de cancelar el debut, la banda aceptó que el joven texano subiera al escenario.

La noche que el «Yacht Rock» se volvió Heavy Metal

Christopher Cross apareció en escena con su larga cabellera y una guitarra Gibson Flying V, listo para enfrentar el reto de su vida. Aunque se le advirtió al público que Blackmore no estaría presente, la química fluyó de manera sorprendente.

El repertorio incluyó clásicos de la era In Rock como «Speed King», «Child in Time» y «Mandrake Root», además de una improvisación de blues y versiones de temas como «Paint It Black» de los Rolling Stones. Para Cross, fue un momento glorioso: «Tocamos las canciones que yo conocía y luego improvisamos algo de blues. Fue un gran momento para mí».

Incluso, al finalizar la visita, Cross pudo conocer a un convaleciente Blackmore en el aeropuerto, quien le agradeció personalmente por haber salvado la noche.

La controversia: ¿Por qué Jon Lord lo negó?

A pesar de que el evento está documentado en sitios como Setlist.fm, durante años existió una sombra de duda sobre la veracidad del relato. Décadas después, Cross se enteró de que el tecladista Jon Lord negaba rotundamente que esto hubiera sucedido alguna vez, llegando a decir que la historia era mentira.

Para limpiar su nombre, Cross contactó a su viejo amigo y leyenda de la guitarra, Eric Johnson, cuya banda Mariani había abierto aquel concierto en 1970. Johnson confirmó la historia de inmediato: «No hay duda. Yo estuve allí. Nosotros abrimos y tú tocaste con ellos. Jon Lord está mintiendo».

Christopher Cross concluyó que, mientras para él fue un sueño hecho realidad que siempre quiso recordar, para los miembros de Deep Purple fue una «pesadilla horrible» en su debut estadounidense que Lord simplemente prefirió borrar de su memoria. Hoy, la anécdota permanece como un testimonio del talento oculto de Cross y de las locuras impredecibles del rock and roll de los 70.

La entrada ¿Christopher Cross en Deep Purple? La increíble historia del reemplazo de Ritchie Blackmore que Jon Lord intentó negar se publicó primero en Futuro Chile.

Grabado en directo en Estudio Lautaro, en Santiago de Chile, Lana representa hasta ahora el proyecto más ambicioso del artista. La producción estuvo a cargo de Aldo Benincasa, con coproducción de Pablo Giadach, Andrés Valdebenito y Camilo Díaz Loubies, mientras que la masterización fue realizada por Jack Endino en Soundhouse Studios de Seattle, reconocido por su trabajo junto a bandas fundamentales del rock alternativo.

“Quise hacer un registro donde los músicos estuvieran tocando realmente juntos. Hoy muchas producciones se arman por capas y correcciones digitales. Quisimos hacer lo contrario: grabar en directo y aceptar la imperfección como parte de la música”, comenta Nico Rojo sobre este proceso. La búsqueda sonora del disco apunta precisamente a recuperar esa energía irrepetible que sucede cuando una banda comparte un mismo espacio, apostando por la emoción real por sobre la perfección técnica.

Nico Rojo estrena single doble y corto documental

“Al Sur de Todo” y “Campeón” funcionan como la puerta de entrada a este universo sonoro. Ambas canciones condensan la esencia de Lana: guitarras cálidas, una interpretación honesta y una identidad que cruza el rock alternativo, la canción latinoamericana y una mirada crítica sobre la automatización de las relaciones humanas y del arte. Más que nostalgia, el lanzamiento propone una reflexión sobre la necesidad de volver a lo hecho a mano, a lo imperfecto y profundamente humano.

El corto documental que acompaña este estreno, realizado por Darinka Osorio, permite conocer desde dentro la grabación del disco y refuerza esa idea de comunidad creativa. La banda que acompaña a Nico Rojo está integrada por Maite Rojas en batería y coros, María Francisca Salinas en piano y coros, Andrea Valdivia en coros, Camilo Díaz Loubies en bajo y coros, Andrés Valdebenito en guitarra acústica y coros, y Sergio Quijada en trompeta, consolidando una formación que da profundidad y fuerza a este nuevo ciclo artístico. Este 26 de mayo se presentarán en vivo en Bar El Bajo, ubicado en el Centro GAM, con un show que promete hacer honor al magnífico sonido de su nuevo registro de estudio.

Con este lanzamiento, Nico Rojo no solo anticipa uno de los discos más importantes de su trayectoria, sino que también reafirma una forma de entender la música como encuentro, memoria y resistencia. “Al Sur de Todo” y “Campeón” ya están disponibles en plataformas digitales, invitando a sumergirse en el universo de Lana y a descubrir un sonido hecho por personas, para personas.

La entrada Grabado en directo y sin artificios: Nico Rojo lanza el primer adelanto de Lana se publicó primero en Futuro Chile.

«Hello Boys And Girls!» se publicará en tapa dura, formato electrónico y audiolibro el 22 de octubre de 2026. Con su característico humor y pasión, McBrain nos lleva tras bambalinas de una de las bandas más grandes de la historia de Gran Bretaña. Vive los altibajos de su ilustre carrera en la carretera, en el estudio y como «el Sr. Iron Maiden» para la legión mundial de fans y lógicamente con una gran relación con su público chileno.

Esta es la historia de lo que se siente al seguir siendo no solo relevante, sino más querido que nunca después de décadas en la cima, y ​​al vivir una vida transformada por la música, la hermandad y la fe.

Nicko McBrain lanza autobiografía

Repleto de momentos inolvidables, historias entre bastidores, anécdotas desternillantes y una honestidad cruda, «Hello Boys And Girls!» es más que unas memorias de rock, es un asiento en primera fila para una de las vidas más grandes del heavy metal.

Nicko McBrain señaló sobre su libro: «Estoy muy emocionado y honrado de trabajar con el maravilloso equipo de Harper Nonfiction en mi propio libro, lleno de historias divertidas, anécdotas y, por supuesto, mis increíbles experiencias con algunos de los mejores músicos e intérpretes de los años 70, 80 y posteriores. Me siento afortunado de poder compartir finalmente con el mundo, con mis propias palabras, mi camino hasta donde estoy hoy» señaló en comunicado de prensa.

El músico británico, ahora de 73 años y cuyo nombre real es Michael Henry McBrain anunció su retiro el 7 de diciembre de 2024 en un comunicado publicado en el sitio web y las redes sociales de Iron Maiden. El concierto de Chile fue uno de los últimos del querido baterista que sacará prontamente su biografía. No hay mayor información sobre su distribución en Chile.

La entrada «¡Hola, chicos y chicas!»: Querido integrante de Iron Maiden publicará divertida autobiografía se publicó primero en Futuro Chile.

Con una formación renovada pero fiel a su esencia, los británicos demuestran que su creatividad sigue intacta tras más de cinco décadas de trayectoria.

«Arrogant Boy»: Un dardo a la élite con sonido setentero

El nuevo sencillo, titulado «Arrogant Boy», ha sido descrito por el baterista Ian Paice como una pieza de rock ‘n’ roll al más puro estilo de su clásico «Highway Star». La canción no solo destaca por su energía, sino por su lírica mordaz. Según el vocalista Ian Gillan, la letra narra la historia de «Billy», un personaje que busca formas de irritar a la élite. Algo que el cantante define como un «ejercicio alegre» para realizar cada mañana.

Este single es el primer adelanto de ‘Splat!’, el nuevo álbum de estudio que verá la luz el 3 de julio bajo el sello earMUSIC. Con legendario Bob Ezrin como productor —quien es parte de los últimos cinco disco de la banda—, ya se le califica como «el disco más potente de Deep Purple en muchos años».

Renovación y vigencia en el escenario

La actual alineación, compuesta por Gillan, Roger Glover, Ian Paice, Don Airey y el guitarrista Simon McBride, quien se integró en 2022, ha logrado capturar una dinámica que Gillan compara con la etapa de la banda entre 1969 y 1973. El álbum explora temas profundos, imaginando el fin de la humanidad no como una destrucción. Sino como una metamorfosis más allá de la existencia física.

Para los coleccionistas, ‘Splat!’ estará disponible en múltiples formatos. Incluyendo vinilos de colores (negro, púrpura y amarillo transparente), CD y una caja de edición limitada. Esta incluirá grabaciones en vivo de su gira 2024 y un sencillo adicional de 7 pulgadas titulado «Guinnesis».

Con más de 100 millones de discos vendidos, Deep Purple continúa su legado, preparando una gira que recorrerá Europa y América antes de aterrizar en el cono sur para reencontrarse con su fiel audiencia. El concierto de Deep Purple en Chile se llevará a cabo el martes 8 de diciembre de 2026, un nuevo Futuro Rock Concert.

La entrada Deep Purple revive la gloria de «Highway Star» con su nuevo single «Arrogant Boy» se publicó primero en Futuro Chile.

Desde los primeros acordes del órgano Hammond, queda claro que esta no es una canción común. La melodía, inspirada en la suite «Air on the G String» de Johann Sebastian Bach, se entrelaza con una base de rock suave. Así, crea una fusión única que atrapa al oyente desde el primer momento. El órgano de Matthew Fisher establece un tono melancólico y reflexivo que se mantiene a lo largo de la canción.

Las letras de Keith Reid han sido objeto de análisis y debate por décadas. La canción pinta imágenes vívidas y surrealistas que evocan una sensación de ensueño y misterio. Reid se inspiró en una experiencia personal en una fiesta. Pero las referencias literarias y el simbolismo profundo permiten múltiples interpretaciones. Haciendo que cada uno pueda encontrar su propio significado en las palabras.

«A Whiter Shade of Pale» no solo cautivó al público y a la crítica en su lanzamiento hace 59 años. Ha logrado mantener su relevancia a lo largo de los años. Fue uno de los sencillos más vendidos en el Reino Unido en 1967 y ha sido versionada por innumerables artistas, desde Annie Lennox hasta Joe Cocker. Su inclusión en la banda sonora de numerosas películas y programas de televisión ha contribuido a su estatus icónico.

Se convirtió en más que una canción. Es una obra maestra que encapsula la esencia de una época y sigue siendo un testimonio del poder duradero de la música. Procol Harum, con esta pieza, logró no solo destacar en una década llena de innovación. Sino también dejar una marca indeleble en la historia del rock.

Finalmente, para aquellos que buscan sumergirse en un viaje musical que desafía las convenciones y abraza la belleza de lo enigmático, «A Whiter Shade of Pale»  de Procol Harum es una parada obligatoria.

La entrada 59 años de «A Whiter Shade Of Pale»: El clásico de Procol Harum que nació de un órgano y conquistó el verano del amor se publicó primero en Futuro Chile.