Esta nueva entrega resulta paradojal por comenzar analizando precisamente el final de las composiciones. El destacado director de orquesta chileno afirma que «la coda es una sección conclusiva bien identificable». Se trata de un recurso que otorga un sentido definitivo a la sección final musical.

Coda, es el primer capítulo de la nueva temporada de Música Para Masas

Además, este elemento posee una fuerza narrativa que atrapa al oyente de forma inmediata. Paolo afirma que el recurso tiene una «energía conclusiva» que permite anticipar el cierre de la obra. Gracias a esta energía conclusiva en canciones, el público reconoce instintivamente el desenlace sonoro.

Asimismo, la estructura de la coda puede sentirse a veces como una pieza musical totalmente independiente. Bortolameolli menciona que la música a menudo «cae en esta otra cosa que no tiene nada que ver». Esta característica resulta fundamental en los finales de canciones famosas que marcaron la historia. Igualmente, el experto destaca que este recurso funciona como una «extensión inevitable de lo anterior». El cierre siempre debe estar a la altura de la historia musical contada previamente. Estos elementos conclusivos en la música son vitales para mantener la coherencia de la obra

La maestría técnica entre lo clásico y lo popular

Por otra parte, la edición número 13 de «Música Para Masas» explora ejemplos icónicos como la célebre Quinta Sinfonía de Beethoven. Paolo describe esta sección final como un «sinnúmero de provocaciones» rítmicas, violentas y exultantes. Aquí el significado de coda en música alcanza niveles de una grandiosidad épica incomparable

De igual modo, se analiza con detalle el impacto de la sección final musical dentro del rock. Rainiero Guerrero cita a Eric Clapton indicando que su famoso final «no tiene mucha reminiscencia» al tema. Es un ejemplo perfecto de finales de canciones famosas con una identidad melódica propia. Al mismo tiempo, surge el concepto de la energía conclusiva en canciones de la banda Guns N’ Roses. Bortolameolli asegura que en el tema «November Rain» la historia musical «todavía no está bien resuelta». La pieza requiere obligatoriamente de ese remate instrumental para poder cerrar su ciclo narrativo.

De Beethoven a Eric Clapton: El arte de concluir

Por otra parte, el origen de este término se remonta a los grandes maestros. Paolo aclara que la coda «es un concepto que proviene de la música clásica». En estos elementos conclusivos en la música, se busca un equilibrio total entre todas las partes.

Igualmente, el rock ha adoptado estos finales de canciones famosas con maestría. Sobre el clásico «Layla», Rainiero Guerrero indica que «esta es la parte final de la canción porque no tiene mucha reminiscencia». La pieza ofrece una nueva perspectiva melódica y rítmica muy impactante.

Desafiando a la industria con «Hey Jude»

Por consiguiente, los locutores debaten sobre la estructura de la coda más célebre de la música pop. Bortolameolli la define categóricamente como «la coda más famosa en la historia de la humanidad». Este hito cambió para siempre la forma de entender los elementos conclusivos en la música.

Rainiero Guerrero afirma que el estudio de estas partes finales revela la complejidad del arte. Paolo Bortolameolli insiste en que las codas son «un sinnúmero de provocaciones».

Adicionalmente, el cuarteto de Liverpool rompió esquemas comerciales al extender la canción por más de ocho minutos. Además recalcan que la obra se transformó finalmente en una «redención final de la canción». El coro universal demuestra el poder emocional del significado de coda en la música.

En esta esperada nueva temporada, «Música para Masas» promete seguir revelando los secretos de la gran industria. Los conductores Rainiero Guerrero y Paolo Bortolameolli invitan a la audiencia a escuchar piezas clásicas y modernas para comprender el cierre. Revisa la nueva temporada del podcast que profundiza los sonidos de ayer, hoy y mañana en todas las plataformas de Podium Podcast Chile.

Revisa el capítulo estreno de la nueva temporada de Música Para Masas.

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Comenzó señalando que el panorama actual es una «vergüenza nacional e internacional». El reconocido autor de «Amor Violento» insistió en que su arte sobrevive hoy «pese al gobierno» de turno.

En Radio Futuro señaló Álvaro Henríquez que prefiere enfocarse en el valor de la identidad chilena auténtica. Pero declaró que es una «vergüenza que el pinochetismo haya vuelto a Chile».

Álvaro Henríquez y su opinión sobre el Gobierno de Kast

Por otro lado, el vocalista arremetió contra figuras de la derecha nacional chilena. Henríquez calificó al Presidente José Antonio Kast como un líder que «no sabe sumar dos más dos».

Álvaro Henríquez cerró su intervención manteniendo su postura de rechazo absoluto a la clase dirigente. El intérprete reafirmó su firme compromiso con el público y con la música original del grupo. Él aseguró que seguirán tocando su nuevo disco «pese a todo» lo que ocurre políticamente. La banda se prepara ahora para sus conciertos históricos en Santiago.

Revisa la entrevista completa de Álvaro Henríquez con Rainiero Guerrero en el RockShop de Futuro.

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Efectivamente, el cuarteto penquista se instaló en el Estudio 2 para registrar sus nuevas composiciones. Henríquez explicó que el lugar mantiene su mística intacta desde 1963. El vocalista recordó con asombro aquel momento: «Entré al estudio y dije dios mío, no lo puedo creer».

El micrófono de Lennon y el ADN de la cueca

Adicionalmente, la búsqueda de un sonido legendario llevó a la banda a utilizar equipamiento histórico. Álvaro Henríquez en Londres grabó sus voces con herramientas únicas. El artista reveló un detalle técnico impactante: «Usamos los compresores que usaban los Beatles en su época».

Asimismo, la tecnología de punta de los años sesenta permitió capturar la esencia de las cuecas chilenas en Abbey Road. Henríquez enfatizó la importancia de mantener la raíz folclórica de la agrupación. Sobre este desafío rítmico, el compositor señaló: «Grabé un pedacito de cueca para dejar un precedente».

Además del micrófono de Lennon, la banda utilizó los compresores originales que usaban los Beatles en esa época.

Incluso, el uso de la consola NIV original fue fundamental para lograr la calidad sonora deseada. El cantante destacó la fluidez del regreso de la formación original de Los Tres. Álvaro describió la química grupal de forma mística: «Lo que se provoca en nuestra interpretación es magia»

Los Tres: Identidad nacional en el corazón del Reino Unido

Igualmente, la inclusión de ritmos criollos en el catálogo británico fue un acto de soberanía cultural. La banda llevó el rock chileno en estudios británicos a otro nivel. Henríquez defendió su postura artística con firmeza: «Queríamos que supieran que no somos mexicanos, somos chilenos»

Por consiguiente, el álbum presenta una evolución del género tradicional con arreglos contemporáneos. El líder del conjunto se refirió a estas piezas: «Son cuecas modernas con una experimentación rítmica entretenida». Henríquez reafirmó su compromiso con el origen de su música nacional.

Simultáneamente, el trabajo junto a Pancho Molina, Titae y Ángel Parra devolvió la potencia al cuarteto. El regreso de los músicos originales permitió una ejecución impecable de los temas. Álvaro recordó la velocidad del proceso: «Grabábamos así, una toma o dos tomas y listo».

Posteriormente, la banda preparó su aterrizaje en el Teatro Municipal de Santiago para este fin de semana. Henríquez mostró su orgullo por el camino recorrido en el extranjero. El compositor resumió el sentimiento de la agrupación: «Plantamos la bandera chilena y eso me llena de orgullo»

La fanaticada podrá disfrutar de este material histórico el próximo domingo y lunes en la capital en el show de lanzamiento de «XCLNT» en el Teatro Municipal de Santiago. Los Tres regresan con la madurez de quienes han conquistado el mundo. Henríquez invitó al público con una frase definitiva: «Este disco no es pretencioso, son canciones y suenan como Los Tres».

Revisa la entrevista completa de Álvaro Henríquez en el YouTube de Radio Futuro.

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Es imposible explicar el amor que tiene la fanaticada chilena por esta disciplina sin la influencia de Los Titanes del Ring. En 1971, llegó a TVN un programa de televisión que marcó a toda una generación. Las contiendas entre Tarzán, La Muerte, Ángel Blanco, Míster Chile y otros grandes exponentes logró entretener a la familia chilena durante los 70 y los 80.

Manuel Vargas ganó en 1965 un concurso de fisicoculturismo en la Quinta Vergara y ahí nació el personaje de Míster Chile. Con La Momia tuvieron una de las rivalidades más recordadas de Los Titanes del Ring. Su legado para la lucha libre de nuestro país es indiscutible.

Míster Chile regresa a lucha en Guerra de Titanes

El Míster Chile original recibió el llamado de Dylan Fabrizio, que heredó el personaje en Guerra de Titanes, para ser el anfitrión del show Supervivencia. “Nunca he dejado de entrenarme y si es necesario subirme al ring, lo voy a hacer”, señaló el experimentado competidor de 84 años.

Supervivencia se realizará el 14 de junio en el Gimnasio Municipal de San Joaquín y contará con la presencia de los ex WWE Carlito y Chris Masters. Además, de la próxima estrella británica Aleah James.

Las entradas están a la venta a través del sistema Propass. El Ringside y el Meet and Greet están agotados, pero aún quedan disponibles las últimas galerías.

Detalles del evento:

Fecha: Domingo 14 de junio

Hora: 16:00

Lugar: Gimnasio Municipal de San Joaquín

Entradas ya a la venta a través de la plataforma Propass

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En ese territorio se mueve la Banda de la Memoria que llega a la Sala Máster de Radio Universidad de Chile el jueves 11 de junio a las 19:30 horas con “Las canciones que hemos cantado toda la vida”.

Más que un concierto se trata de una experiencia compartida para cantar y recordar. Un recorrido por obras fundamentales de la música popular chilena que han atravesado generaciones, revisitadas desde nuevas sonoridades y sensibilidades.

La Banda de la Memoria en Sala Master

El repertorio incluye composiciones de Víctor Jara, Quilapayún, Congreso, Los Tres, Los Prisioneros, Santiago del Nuevo Extremo, Electrodomésticos, entre otros, en un recorrido por distintas etapas de la música chilena.

Las canciones hacen el trabajo de reunirnos, deteniendo el tiempo, porque hemos sido testigos, estamos involucrados, hasta encontrarnos.

Sobre el escenario, Jorge Campos, Ismael Oddó, Pedro Villagra, Cuti Aste y Edita Rojas darán vida a este encuentro musical, al que se sumará especialmente Tata Barahona, una de las voces más reconocidas de la canción de autor chilena. Juntos recorrerán un repertorio que forma parte de la memoria musical de varias generaciones.

Entradas en Portaltickets

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Sin embargo, «Memory Almost Full» se lanzó el 4 de junio de 2007 con algunos atisbos tentadores de su verdadero yo en medio del esperado ensueño nostálgico. El álbum está anclado, de hecho, por un sorprendente conjunto de canciones que atraviesan el alcance completo de la existencia humana, desde los recuerdos de la infancia («That Was Me») hasta cómo nos acercamos a la muerte («The End of the End»). En otros lugares, canciones ingeniosas como «See Your Sunshine», una nueva versión de Wings ahora llena de dolor x post facto, rompieron el molde de los álbumes más antiguos que presumían de más luz que calor.

Solo de nuevo, Macca nunca rehuye la sensación de finalidad que siempre viaja con la memoria, incluso durante el video dirigido por el francés Michel Gondry para el segundo sencillo «Dance Tonight», impulsado por la mandolina, donde McCartney terminó uniéndose a un grupo de apariciones fantasmales para una luz. mermelada de corazón. «Hay bastantes cosas retrospectivas. Y al mirar eso, pensé: ‘Vaya, me pregunto si hay alguna razón en particular’. Pero luego pensé, cuando Estaba escribiendo ‘Penny Lane’, ese era yo a los 20 años escribiendo sobre cuando tenía 15, 16 años. Eso es retrospectivo. Creo que es algo natural para un artista creativo. Porque el pasado, en cierto modo, es todo lo que tienes», admitió en una charla de 2007 con el New York Times.

Así fue como surgió «Memory Almost Full». Con cabos sueltos en su vida privada, y luego de una largamente esperada colaboración con Nigel Godrich en «Chaos and Creation in the Backyard» de 2005, Macca volvió a una serie de canciones archivadas grabadas con su banda de trabajo habitual. Esto proporcionó una columna vertebral para el nuevo álbum. Entonces algo hizo clic y McCartney se puso de repente en racha.

Completó el LP con siete temas aparte, para complementar los seis que ya tenía. De hecho, cinco cortes, «Mr. Bellamy», «Ever Present Past», «Gratitude», «Nod Your Head» e «In Private», se grabaron en un solo día en marzo de 2006. Tal vez por eso el álbum unidos tan bien; emocionalmente, muchos de ellos eran de una pieza.

Aún así, este largo período de gestación significó que el álbum cubrió mucho terreno narrativo. Algunas partes, en particular «Mr. Bellamy», parecían un registro de divorcio, pero McCartney tendía a evitar confirmar esta (o cualquier otra) intención lírica.

«Es algo muy personal lo del divorcio, y es algo de lo que decidí no hablar en las entrevistas. Estoy disfrutando de mi música. Sabes, la música es la gran sanadora. Siempre fue algo que te salvó; es un gran tipo de terapia. Muchos escritores que conozco tendrán un mal día y se irán a la esquina con una guitarra y lo escribirán. Creo que es muy útil», dijo McCartney a Nightline de ABC en 2007.

Un tiempo similar solo vio a Paul McCartney en un lugar rumiante. El título del disco hablaba tanto de nuestra era muy moderna como de alguien que había viajado profundamente en el recuerdo. «Ever Present Past» se las arregló, mientras que «Only Mama Knows» trató de intimidarlo. Mientras tanto, canciones como «Vintage Clothes» parecían aprovechar las narrativas de su largo primer matrimonio con la difunta Linda McCartney, y nadie podía culpar a McCartney por sentir nostalgia por esa época. Al mismo tiempo, sin embargo, «Gratitud» dejó en claro que se mantuvo muy en el momento.

«‘Grattitude’ es sencillamente estar agradecido por las cosas buenas de mi vida, pasadas y presentes. Eso es lo que pasa conmigo, cuando hablo de amor, a menudo es general; no siempre es específico. Si la gente piensa que estas canciones son específicas de Linda, eso no sería cierto. Pero se refieren a Linda, a mis hijos o a otras cosas de la vida por las que me siento agradecido. Entonces, ella ciertamente está allí», dijo al Times.

Macca añadió que nunca tuvo la intención de componer un álbum personal, «pero a veces no puedes evitar lo que sale. Soy un gran creyente en eso». Este giro inesperado de los acontecimientos sin duda ayudó a impulsar «Memory Almost Full» al número 3 en la lista de Billboard. Ese fue el debut más alto para un álbum de Paul McCartney en una década.

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El resultado descolocó a los que seguían al grupo desde los días del thrash, pero es una gran foto del rock de los 90. Y a continuación, rescatamos 5 grandes tracks del «Load» de Metallica en su aniversario 30.

Until It Sleeps

El que fue la carta de presentación del álbum, con un video en el que todos vimos el cambio estético de los cuatro jinetes del Apocalipsis, es una buena muestra de las influencias de los 70 en Metallica, el hard rock de multitudes que todos escuchamos, y que captaron a la perfección en el primer single.

Hero Of The Day

Segundo single de “Load” y una gran muestra mid-tempo por parte de Metallica. Una canción que ya se la quisieran colosos como Aerosmith. Una gema con vocación de popular que dio uno de los mejores videos de la banda.

Ronnie

Metallica aprovecha de mostrar otras armas de su formación en “Load”. Un claro ejemplo es “Ronnie”, un track directo al hueso con la mejor escuela de rock sureño cortesía de ZZ Top. ¡has escuchado “Waiting For The Bus” de los barbudos? De ahí viene esta.

Mama Said

Siguiendo con la escuela sureña dentro de la formación de Metallica, el tercer single de “Load” trae guitarras acústicas y afinación medio tono más abajo para una canción de carretera y melancolía donde James Hetfield brilla a la cabeza. Inolvidable.

The Outlaw Thorn

“The Outlaw Thorn” hace que “Load” valga la pena y da una luz de esperanza al final del camino, ya que es la que cierra el disco. Nos muestra a una banda muy inspirada en un disco que ha ido envejeciendo bien. Influenciada por el blues, es una de las canciones más entonadas vocalmente del disco.

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1984 era un año electoral, con Ronald Reagan preparando su reelección. Con los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en los televisores de todo el mundo. Todo eso dio un ambiente propicio para el fervor patriótico estadounidense. Pero la canción que le da nombre al disco va para un lado completamente contrario. Trata del sufrimiento de los veteranos de guerra. Esos que fueron ninguneados por su propio país a su regreso. Los olvidados para la estadística. El sufrimiento de los que dieron su vida y su salud mental por su país para no recibir nada a cambio. Es la rabia lo que mueve los surcos de «Born In The U.S.A.». Un disco tan completo que el resto de sus canciones tienen vida propia.

«Born In The U.S.A.» es cualquier cosa menos una celebración patriota. Y la lucha por dejarlo en claro ha sido una parte central del legado del LP. En retrospectiva, es fácil ver cómo el mensaje del «Jefe» fue malinterpretado. ¿Por qué enterrar las críticas vocales en melodías optimistas?

Pero la elección parecía parte de una misión más grande del LP. Enraizar un mensaje rotundamente antiamericano en un profundo amor por Estados Unidos y su sonido.

El «Jefe» decidió ignorar la invasión británica y abrazó el legado de Phil Spector y del soul de Atlantic Records. El rockabilly de «Working on the Highway», musicalmente jovial, cuenta una historia de tragedia de la clase trabajadora. Un buen ejemplo de un álbum optimista, a pesar de que sea crítico, como argumentando que su autor puede amar a los Estados Unidos y enfurecerse contra su fragilidad.

En lo medular, «Born In The U.S.A.» lidia con las mismas temáticas del acústico y solitario “Nebraska” de 1982. Los oprimidos. Los de “cuello azul”. Los delincuentes. Los desafortunados. Este disco vio cómo se transmutaron las deprimentes lamentaciones previas de Springsteen en modos dominantes y agradables, inyectando sus canciones con entusiasmo y humor.

Las primeras canciones del disco tienen la evidente mano de la E Street Band: «Cover Me» presenta la guitarra solista de Steven Van Zandt, y «Darlington County» la encabeza el saxofón de Clarence Clemons. Además de «Downbound Train», una trágica balada de rock sobre un hombre que ha perdido a su esposa y que ahora flota entre trabajos que calza perfecto con la invitación a la noche de «I’m On Fire».

Gran parte de “Born In The U.S.A.”, de hecho, se siente como una despedida del “Jefe” de sus compañeros de siempre. El segundo lado comienza con «No Surrender» y sigue con «Bobby Jean», ambas canciones conmovedoras sobre la amistad de la infancia que parecen dedicadas a Van Zandt, de quien Springsteen había sido amigo desde su juventud.

«I’m Goin ‘Down» y «Glory Days” muestran un lado más “frívolo” del disco, las cosas se alivianan un poco pero la segunda es fundamental cristalizando la crianza de Springsteen en la historia del rock and roll, nostalgia pura.

Pero son las canciones de cierre de «Born in the U.S.A.» donde el músico realmente abre nuevos caminos en su desarrollo artístico. «Dancing in the Dark» y «My Hometown» son una poderosa coda para el final del lado B, dos canciones centradas en sintetizadores con sonido propio de su época.

«Dancing in the Dark» se convirtió en su mayor hit, y el momento en el videoclip cuando Bruce Springsteen saca a una joven Courtney Cox al escenario se ha convertido en un ícono pop. Sigue siendo una de las mejores canciones del «Jefe», una prueba más de su capacidad para tocar el pulso de un tipo particular de desilusión.

«My Hometown» nos lleva de vuelta a los problemas sociales que fueron más un punto focal en la primera cara de “Born In The U.S.A.”. Con un tempo más pausado, es una de sus exploraciones más efectivas y conmovedoras de los estadounidenses destrozados, política, incisiva y melancólica.

«Esta es mi ciudad natal» cambia de significado a medida que el tema cambia su enfoque de la adolescencia a la vida de la clase trabajadora, la violencia racial y la lucha económica postindustrial, funcionando incluso mejor que la canción que da nombre al esta producción al retratar de forma impecable la tragedia del sueño americano, la brutalidad y la injusticia, y el amor complicado e intratable por el hogar que aún logra arraigarse en medio de todo.

La vibra bien arriba en «Born In The U.S.A.» lo convirtió en una cima para Bruce Springsteen. Se convirtió en uno de los discos más vendidos de la historia, registrando 30 millones de copias para 2012 y regalando clásicos inoxidables a los increíbles sets en vivo del “Jefe”, que de vez en cuando, toca el álbum completo, de principio a fin, en el mismo orden en que fue publicado. Pero la génesis de estas composiciones es otra y su autor lo sabe.

En la residencia que el cantautor hizo en el teatro Walter Kerr de Nueva York, el «Jefe» interpretaba una versión casi irreconocible de «Born in the U.S.A.». A medida que su voz envejecida raspa sobre una guitarra con slide inquietantemente libre, las trágicas letras se vuelven asombrosamente claras.

La nueva iteración parece sugerir que el optimismo de “Born In The U.S.A” no pudo sobrevivir hasta el siglo XXI, pero Bruce Springsteen logró despejar su mensaje vistiéndolo del lamento del blues de siglos. No es una celebración, sino una denuncia. Y es ahí donde sus palabras trascienden los surcos, más allá de la rabia contenida en ganchos irresistibles.

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Entonces, ¿podría ser que todo el furor que rodeaba a «Load» en realidad haya resultado ser un pocco exagerado? ¿O quizás, relacionado con la forma en que Metallica ahora se presentaba a sí misma, visualmente y en las entrevistas? Esta pregunta ciertamente vale la pena investigar. Pero concentrémonos en la música.

El primer corte de «Load», el venenoso «Ain’t My Bitch», encajaría perfectamente dentro del «álbum negro». Así como el igualmente cabreado «Wasting My Hate». Y los riffs de ritmo medio como «2×4″, » The House that Jack Build», «Cure» y «Thorn Within». Así también, los panoramas antémicos de la pantalla grande de «King Nothing» y «Hero of the Day» parecen cortados de la misma tijera que «Enter Sandman» y «Wherever I May Roam». Además, la maravillosamente autocompasiva «Poor Twisted Me» de «Load» se remonta a «My Friend of Misery». E incluso las épicas gemelas fatalistas, «Bleeding Me» y «The Outlaw Torn», en realidad eran solo secuelas de «Sad but True” o incluso… And Justice for All’s «Harvester of Sorrow» y «The Thing That Should Not Be» de Master of Puppets, para el caso.

¿Entonces toda la indignación la causó el country verdaderamente poco convencional (para Metallica) de la emotiva «Mama Said», o posiblemente por la historia de venganza completamente extraña de «Ronnie»? El único culpable restante, en este punto, fue el gran single de «Load», «Until it Sleeps», con su melodía incremental y un video musical artístico lleno de llamativas referencias visuales a las obras de Hieronymus Bosch. Dirigido por Samuel Bayer (quienhabía hecho cortos para Nirvana y Smashing Pumpkins), el video representó una desviación importante de los que Metallica había producido antes. Ayudó a Metallica a anotar su primer sencillo en el Top 10 de EE. UU., pero también obligó a los fanáticos a enfrentar nuevos cambios visuales que probablemente alimentaron la animosidad contra lo que representaba, no contra cómo sonaba Load.

«Para Lars Ulrich, la lógica era que si Metallica ya no podía cumplir el papel de outsiders, entonces lo mínimo que deberían hacer es llegar a ese panteón de bandas que existían en algún lugar mucho más allá de las convenciones de la moda del rock», Mark Wall dijo en «Enter Night», su biografía no oficial de Metallica . «Ahora tienes a U2, R.E.M. y Metallica. Después de que apareció [Kurt] Cobain, todo se volvió tan borroso. Hoy en día, las bandas son solo bandas: algunas son más duras, otras son más suaves, pero heavy metal y pop y esto y aquello… Todo es solo una gran sopa», le dijo Ulrich a Wall en una entrevista de 1996.

Puede haber sido esta filosofía la que les dio a los miembros de Metallica carta blanca para romper con su molde habtual de head-banger, aunque «Load», en general, se mantuvo fiel a sus armas musicales más recientes.

Y por si esto no fuese poco también lucieron nuevos cortes de cabello, como se ve en las fotos de la banda del paquete de discos compactos, que alternativamente mostraban al cuarteto con atuendos elegantes, a veces usando ropa y maquillaje. La foto la tomó el legendario Anton Corbijn, conocido por su trabajo con U2 y Depeche Mode.

Esta dirección estilística, aseguraría más tarde James Hetfield, fue impulsada por Lars y el guitarrista Kirk Hammett. «Todo el tema de ‘Necesitamos reinventarnos’ estaba en el aire. Creo que ellos [Lars y Kirk] realmente buscaban una especie de vibra de U2, Bono haciendo su alter ego. No pude entrar Todo el ‘Bien, ahora en esta sesión de fotos vamos a ser glam rockers de los 70’. ¿Cómo qué?», dijo en 2009.

Incluso la imagen de la portada de este «Load» se criticó. Aunque a primera vista parecían las llamas de un coche de carreras, el artista Andrés Serrano había creado el efecto con una mezcla de sangre bovina y semen prensados ​​entre dos láminas de plexiglás. (Hammett compró el original más tarde). Esto también se convirtió de alguna manera en un tema de conversación controvertido. «Lars y Kirk estaban muy interesados ​​en el arte abstracto, fingiendo que eran homosexuales [y] creo que sabían que me molestaba», continuó Hetfield. «Me encanta el arte, pero no para impresionar a los demás».

Metallica definitivamente lidiaba con fuerzas internas y externas cambiantes mientras concebía la música y los elementos alrededor de «Load», algo que Hetfield le dijo a Wall que podría no haber sucedido si el bajista Cliff Burton todavía estuviera vivo: «Creo que habría habido cierta resistencia [ y] probablemente habría tenido un aliado que estaba muy en contra de la versión U2 de Metallica», conjeturó.

El reemplazo de Burton, Jason Newsted, tampoco estaba emocionado con la nueva dirección que estaba tomando la leyenda del thrash. «Al principio, no me sonaba mucho a Metallica. Me gustan las cosas rápidas y pesadas. No creo que Metallica deba hacer country. No creo que me supiera muy bien», dijo más tarde a Playboy.

De todas maneras, James Hetfield defiende el contenido del LP. «Hay algunas canciones geniales en [‘Load’], pero todas las imágenes y cosas así no eran necesarias», le dijo a Wall.

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Se trata de Escape, tema incluido en Ride the Lightning luego de que la discográfica solicitara una canción adicional para completar el álbum. Según recordó James Hetfield, la banda ya tenía prácticamente terminado el trabajo cuando recibió la petición y debió componer el tema a toda velocidad dentro del estudio.

La canción que evitó los escenarios durante casi tres décadas en Metallica

La forma apresurada en que nació Escape marcó para siempre la percepción que tuvieron sus integrantes sobre la canción. Durante años, la banda decidió dejarla fuera de sus presentaciones en vivo, convirtiéndola en una rareza dentro de su catálogo.

Recién en 2012, durante el festival Orion, Metallica la interpretó por primera vez frente al público. Antes de tocarla, Hetfield reconoció el particular historial del tema al presentarla como “la canción que nunca quisimos tocar en directo” señaló a Ultimate Guitar.

La experiencia tampoco cambió demasiado la opinión del grupo. Más tarde, Kirk Hammett en la revista Rolling Stones explicó que la interpretación confirmó las razones por las que había permanecido ausente durante tanto tiempo. “No es una gran canción para tocar en directo”, señaló, agregando que su estructura y tonalidad nunca terminaron de encajar con la dinámica habitual de los conciertos de la banda.

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