En los estudios de La Radio del Rock cuestionó duramente la estrategia utilizada por los equipos de campaña para movilizar a la ciudadanía. Reyes enfatizó que el oficialismo triunfó mediante una “campaña mentirosa y engañosa”.

En ese sentido, el artista analizó el perfil técnico de quienes hoy dirigen los destinos de la nación chilena. Reyes fue enfático al señalar que conviven “viejos con poca experiencia” junto a “jóvenes con poca experiencia” en referencia al gobierno anterior.

«Este Gobierno llegó al poder con la mentira y el engaño» dijo Francisco Reyes en Palabras Sacan Palabras

Aunado a esto, el actor fue tajante al expresar su nulo vínculo de credibilidad con los representantes del actual oficialismo. “Yo no confío en este gobierno, no confío en esta gente”, sentenció el protagonista de “Acreedores”.

Francisco Reyes cerró su intervención en La Radio del Rock manifestando que, pese a su escepticismo, estará atento al desarrollo de los próximos meses. El actor concluyó que evaluará “si es que son capaces de solucionar” los problemas, pues de ser así, será positivo

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En calidad de Embajadores Oficiales de la región, se presentaron en la “International Beatle Week” de Liverpool, el evento beatle más grande del mundo, donde brindaron más de 40 shows en los últimos años.

“The Beatles By The Shouts» en Chile 2026

Según la crítica especializada, el espectáculo es de primer nivel y combina escenografías virtuales con la interpretación escénica de la banda. Ofreciendo un gran despliegue audiovisual que invita al espectador a viajar en el tiempo y disfrutar nuevamente la beatlemania en su esplendor.

Cada integrante de la banda representa a un beatle en particular, interpretando y respetando al detalle su rol musical y vocal. Luciendo los mismos trajes y guitarras que ellos utilizaron en el transcurso de su carrera.

COORDENADAS:
Viernes 5 de junio

21.00 horas

Entradas a la venta por el sistema Ticketmaster.

Importante: Compra entradas sólo en Ticketmaster y en los puntos de venta oficiales de Monticello

Estacionamientos gratuitos

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En algún momento del camino, su trabajo predecesor subestimado fue pasado por alto. Aun así, «Benefit» representa un período crucial en la historia de Jethro Tull.

Por un lado, Ian Anderson (que proporcionó voz, flauta y guitarra acústica); el guitarrista Martin Barre; el bajista Glenn Cornick y el baterista Clive Bunker; estaban algo en desacuerdo con su compañía discográfica. Y estaban agotados por las extensas giras.

Por otro lado, estaban disfrutando de un raro momento de estabilidad en la formación. El futuro tecladista John Evan ya estaba disponible extraoficialmente. El éxito del «Stand Up» del año anterior les había dado la confianza para seguir experimentando, moviéndose cada vez más lejos de sus raíces de blues británico de 1968, cuyo nombre revelador era «This Was…».

«Benefit» se registró en los Morgan Studios de Londres en diciembre de 1969 y enero de 1970. Y se convirtió en un conjunto ecléctico que contenía un poco de lo antiguo, un poco de lo nuevo y algunas cosas que nunca se repetirían.

Algunas canciones eran ambiciosas, ornamentadas y prácticamente esquizofrénicas. Por ejemplo, la apertura, «With You There to Help Me». Alternaba puñaladas de flauta susurrante y guitarra solista abrasadora en medio de una niebla de reverberación y aplausos. O la asombrosamente «For Michael Collins, Jeffrey and Me”, que desafió los extremos del rango dinámico suave/duro de Tull.

Ciertos cortes incluían arreglos tan complejos que casi se interpusieron en el camino (ver «Nothing to Say», «A Time for Everything» y el ocasionalmente brillante «To Cry You a Song)». Sin embargo, también hubo canciones maravillosamente inmediatas como la folclórica «Inside», la misteriosa «Alive and Well and Living In» (que no se incluyó en la edición estadounidense del LP) y la temperamental «Teacher» (que no se presentó en el Reino Unido). versión), cuyo siniestro riff de cambio claramente predijo «Aqualung».

El hecho de que las listas de canciones de «Benefit» en EE. UU. y el Reino Unido estuvieran sujetas a tales discrepancias revela cuán inseguros estaban en Chrysalis Records sobre la promoción de Jethro Tull. Pero ese es a menudo el precio de idear un sonido tan original como el de la cabeza peluda de Anderson.

Por fortuna, el líder visionario de Jethro Tull les mostraría a todos el camino en el «Aqualung» del año siguiente, después de invitar a su amigo personal Jeffrey Hammond-Hammond como bajista y resolver el laberinto de su propia creatividad desalentadora. Tal vez el subestimado «Benefit» era la llave maestra.

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Hoy, en su aniversario, nos sumergimos en su vasta discografía para rescatar esos momentos donde su pegada cambió el curso de una canción. Ya sea liderando el barco en su esperado regreso a la banda de su vida o aportando su clase en supergrupos de ensueño, Portnoy ha demostrado ser un arquitecto del ritmo. A continuación, presentamos una selección esencial con diez piezas maestras que resumen por qué es, y seguirá siendo, uno de los músicos más influyentes de nuestra era.

Metropolis Pt. 1: The Miracle and the Sleeper (Dream Theater)

Es la piedra angular del metal progresivo y la carta de presentación definitiva de Portnoy ante el mundo. En esta pieza de Images and Words, Mike despliega un arsenal de recursos que desafían la lógica rítmica. La sección instrumental intermedia es una cátedra de polirritmia y síncopas, donde el baterista mantiene una cohesión asombrosa mientras navega por cambios de tiempo constantes. Lo que hace que esta batería sea legendaria no es solo la velocidad de sus dobles bombos, sino la musicalidad de sus rellenos y el uso creativo de los splashes. Es el equilibrio perfecto entre la fuerza bruta y la precisión quirúrgica, estableciendo el estándar de oro para miles de bateristas que intentaron replicar su estilo en las décadas siguientes. Sin esta interpretación, el género no sería lo que es hoy.

The Dance of Eternity (Dream Theater)

Si el metal progresivo tuviera un examen final de grado, sería esta canción. Portnoy guía a la banda a través de más de 100 cambios de compás en poco más de seis minutos, una hazaña que roza lo inhumano. Su trabajo aquí es una coreografía matemática; cada golpe de caja y cada transición entre platos tiene un propósito narrativo. Es famosa la sección de ragtime donde Mike adapta su estilo a una estética de vodevil antes de explotar en un caos controlado de fills ascendentes. Es, probablemente, la pista más analizada por estudiantes de percusión en todo el mundo. La confianza con la que maneja la complejidad estructural demuestra que Portnoy no solo toca la batería, sino que entiende la arquitectura del sonido, convirtiendo una pesadilla rítmica en una obra de arte fluida.

A Change of Seasons (Dream Theater)

En esta suite de 23 minutos, Portnoy ofrece una de sus interpretaciones más emocionales y dinámicas. Al ser una obra que transita por las cuatro estaciones de la vida, la batería muta constantemente: desde la sutileza acústica del inicio hasta el bombardeo incesante de la sección «The Darkest of Winters». Aquí destaca su habilidad para sostener tensiones largas y su icónico uso de los octobans, que añaden una textura melódica a la percusión. La producción resalta un sonido de caja seco y potente que se convirtió en su firma durante los años 90. Es una demostración de resistencia física y mental, donde Mike logra que la batería se sienta como un instrumento solista más, dialogando de tú a tú con los teclados de Sherinian y la guitarra de Petrucci.

Paradigm Shift (Liquid Tension Experiment)

Esta canción representa la liberación total de Portnoy junto a Tony Levin, John Petrucci y Jordan Rudess. «Paradigm Shift» arranca con una explosión de notas a una velocidad vertiginosa donde la batería no solo marca el pulso, sino que empuja a los demás músicos al límite. Mike utiliza aquí una configuración que privilegia el ataque rápido, con fills que recorren todo su set en cuestión de milisegundos. Es el ejemplo perfecto de cómo Portnoy puede ser agresivo y técnico al mismo tiempo sin perder el groove. Lo impresionante de esta pieza es la improvisación controlada; parece que el pulpo tuviera extremidades extra para cubrir cada acento melódico de Rudess. Es, sin duda, una de las demostraciones de técnica pura más impactantes de toda su carrera discográfica fuera de su banda principal.

God of the Sun (Sons of Apollo)

Con Sons of Apollo, Portnoy volvió a sus raíces más pesadas y directas. El inicio de «God of the Sun» es sencillamente imponente, con una introducción de batería que establece un tono épico y casi cinematográfico. En este supergrupo, Mike toca con una ferocidad renovada, utilizando un kit masivo para llenar cada rincón de la mezcla. Sus fills aquí son rápidos y agresivos, demostrando que su pegada no ha perdido ni un ápice de potencia con los años. Es una batería de «macho metal» en su máxima expresión, pero con la inteligencia de un veterano que sabe acentuar los pasajes virtuosos de Derek Sherinian y Bumblefoot. Esta pista es un recordatorio de que Portnoy es, en el fondo, un fanático del rock duro que disfruta castigar los parches con una sonrisa.

The Whirlwind (Transatlantic)

Esta pieza es el sueño de cualquier amante del rock progresivo clásico. Como parte de Transatlantic, Portnoy canaliza sus influencias de Genesis, Yes y The Beatles. En esta suite monumental, Mike se aleja del doble bombo constante para enfocarse en un estilo mucho más fluido y expansivo. Sus rellenos son elegantes y utiliza los platos para pintar paisajes sonoros que acompañan las extensas secciones instrumentales. Es notable cómo logra mantener el pulso durante casi 80 minutos de música continua en el álbum, mostrando una madurez compositiva envidiable. Aquí, la batería no busca el protagonismo por la velocidad, sino por la elegancia y la capacidad de unir mundos musicales tan distantes como el pop melódico y el virtuosismo sinfónico. Es Portnoy en su estado más puro y creativo.

Under a Glass Moon (Dream Theater)

Extraída del icónico Images and Words, esta canción contiene uno de los grooves más reconocibles de la carrera de Portnoy. El patrón rítmico del verso, con ese uso magistral del cencerro y los síncopas en la caja, es una lección de estilo. Durante el legendario solo de John Petrucci, Mike ofrece un soporte rítmico que es igual de complejo que la guitarra, pero sin opacarla. La coordinación entre sus manos y pies en los cortes rápidos es impecable. Esta pista ayudó a cimentar la imagen de Portnoy como el baterista «cool» del metal: técnico pero con un sentido del espectáculo y el ritmo que hacía que incluso las partes más difíciles invitaran a mover la cabeza. Es una ejecución perfecta que sigue sonando fresca y vanguardista décadas después de su lanzamiento.

The Glass Prison (Dream Theater)

Aquí presenciamos el nacimiento del Portnoy más oscuro y metálico de los años 2000. Al abrir la «Twelve-step Suite», Mike inicia con un patrón de doble bombo y platos que es puro poder. La canción es una catarsis personal sobre su lucha con el alcoholismo, y esa intensidad se traduce en cada golpe. Es una de sus interpretaciones más físicas, donde la batería suena como una locomotora fuera de control pero guiada por un conductor experto. El uso de los ritmos inspirados en el thrash metal de bandas como Pantera o Slayer se mezcla con la complejidad de Dream Theater, creando un híbrido letal. La precisión en los unísonos con el bajo de Myung es absoluta, demostrando una química interna que pocas bandas han logrado alcanzar.

We All Need Some Light (Transatlantic – En vivo)

Aunque es una balada suave, la versión en vivo de este tema permite ver una faceta de Portnoy que a menudo se pasa por alto: su sensibilidad. Tocar lento y con buen gusto es, a veces, más difícil que tocar rápido, y Mike lo logra con una sutileza conmovedora. Utilizando escobillas o simplemente golpeando con menos intensidad, logra crear una atmósfera de intimidad que eleva la composición de Neal Morse. Además, su trabajo en las armonías vocales es fundamental. Esta interpretación demuestra que un gran baterista no es solo el que hace más ruido, sino el que sabe servir a la canción. Es el Portnoy más humano, conectando directamente con la audiencia a través de la emoción pura, lejos de las estructuras matemáticas habituales.

Constant Motion (Dream Theater)

Como el primer sencillo de Systematic Chaos, esta canción fue una declaración de principios. Portnoy aquí rinde un homenaje explícito a sus ídolos de Metallica, con un riff de batería inicial que es pura adrenalina. La pista está llena de síncopas agresivas y un puente instrumental donde Mike se vuelve loco con los fills de toms y los cambios de ritmo abruptos. Es una de sus interpretaciones más divertidas de escuchar, ya que transmite una energía contagiosa y un dominio total del espacio sonoro. Representa la era en la que Mike no solo era el baterista, sino el director de orquesta y principal motor promocional de la banda. «Constant Motion» es el título perfecto para describir la carrera de un hombre que nunca se detiene y siempre busca nuevos horizontes.

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Antes de lanzar el Álbum Negro en 1991, Metallica había llevado al límite el thrash con «Ride the Lightning» (1984), «Master of Puppets» (1986) y «…And Justice for All» (1988). En esta trilogía de álbumes, el cuarteto de la Bahía de San Francisco compuso arreglos cada vez más técnicos y progresivos. Esto, a la vez que exploraba territorios melódicos inexplorados. La sombría balada suicida de Lightning, «Fade to Black», le valió a Metallica acusaciones de traición. Mientras que la épica elegía bélica de Justice, «One», les otorgó un Grammy y los catapultó por primera vez al Billboard Hot 100.

Metallica había explorado una gran variedad de sonidos a lo largo de sus primeros cuatro álbumes. Y Hetfield había perfeccionado su crítica sociopolítica hasta alcanzar una agudeza asombrosa. En el Álbum Negro, y en particular en «Nothing Else Matters», llegó el momento de la introspección para el cantante. No le resultó difícil. Hetfield estaba agotado por el cansancio y los excesos de las giras y extrañaba a su novia, Kristen Martinez.

Al principio, Hetfield se mostró reacio a mostrar «Nothing Else Matters» a sus compañeros de banda. «Al principio ni siquiera quería enseñársela a los chicos», declaró a Mojo en 2008. «Pensaba que Metallica solo podía ser nosotros cuatro. Son canciones sobre destrozar cosas, hacer headbanging, sangrar por el público, lo que sea. Siempre y cuando no fueran sobre chicas y coches rápidos, aunque eso era lo que nos gustaba. La canción trataba sobre una novia de aquel entonces. Resultó ser un gran éxito».

A pesar de las reservas de Hetfield, la maqueta de «Nothing Else Matters» recibió una respuesta positiva de sus compañeros, en particular del batería Lars Ulrich, quien agradeció el cambio respecto a temas tan intensos y de actualidad. «Pasamos por nuestra época de CNN, como la llamábamos, en la que James y yo nos sentábamos en el sofá a ver CNN y decíamos: «Sí, podemos escribir una canción sobre esta nueva agitación política»», declaró Ulrich a Rolling Stone en 1991. «El tema político ya está muy visto. Algunas cosas del último álbum me irritaban… Esta vez, las canciones son el resultado de lo que James ha estado reflexionando. Uno puede buscar cosas que le enfaden y escribir sobre ellas. Esta vez, se trata de mirar hacia adentro, a las experiencias vividas».

«Es una canción arriesgada», afirmó Hetfield en la misma entrevista. «Se necesita valor para interpretarla. Se supone que no deberíamos hacer algo así. Pero luego piensas: ‘¿Quién dijo que no podíamos? ¡Aquí mandamos nosotros!'». Aun así, Hetfield estaba aterrorizado cuando Metallica estrenó «Nothing Else Matters» en la fiesta de presentación del Black Album en el Madison Square Garden el 3 de agosto de 1991. «Tuve que salir corriendo y ver qué pensaban, si se estaban matando entre ellos o si se estaban quedando dormidos», admitió. Sin embargo, la reacción del público lo sorprendió gratamente. «Estaban muy atentos», exclamó. «Realmente escuchaban lo que decía la canción».

Aunque los primeros indicios apuntaban a que Metallica tenía un éxito asegurado con «Nothing Else Matters», esperaron más de seis meses después del lanzamiento del Black Album para estrenar la canción en directo el 2 de marzo de 1992 en Cincinnati. «La íbamos incluyendo y quitando del repertorio hasta que estuvimos seguros de que podíamos tocarla bien», declaró el guitarrista Kirk Hammett a The Village Voice en 2012. «Tuve que reaprender toda la introducción para tocarla solo en el escenario, lo cual me intimidó un poco en ese momento. Nunca habíamos tenido una canción que empezara así. Después de un tiempo, una vez que la dominamos, no hubo problema. Cuando nos proponemos pulir una canción, prepararla y dejarla lista para tocar, solemos hacerlo bastante bien».

Metallica lanzó «Nothing Else Matters» como tercer sencillo del Álbum Negro el 20 de abril de 1992. La canción alcanzó el puesto número 34 en la lista Billboard Hot 100, un puesto por encima de «One» y del segundo sencillo del Black Album, también una balada poderosa, «The Unforgiven». Pero su modesta posición en las listas no refleja su verdadero impacto y legado.

«Nothing Else Matters» demostró que Metallica tenía el valor y la habilidad para componer canciones conmovedoras y sinceras que conectaron con oyentes de todas las generaciones. Hetfield, en particular, se entregó por completo, y los fans lo recompensaron convirtiendo «Nothing Else Matters» en una de las canciones más emblemáticas del catálogo de Metallica. En las décadas transcurridas desde su lanzamiento, se ha utilizado para todo tipo de ocasiones, desde el primer baile en bodas hasta homenajes a miembros caídos del club de motociclistas Hells Angels. Elton John incluso elogió el tema como «una de las mejores canciones jamás escritas» y lo versionó en The Metallica Blacklist de 2021 junto a Miley Cyrus y Chad Smith.

«Es una locura, era la canción que menos representaba a Metallica, la que menos probabilidades tenía de que tocáramos, la última que alguien querría escuchar», comentó Hetfield con asombro a The Village Voice en 2012. «Era una canción para mí mismo, para escuchar en mi habitación durante la gira, cuando me sentía deprimido por estar lejos de casa. Es realmente increíble. Es un verdadero testimonio de honestidad y de exponerse, de mostrarse tal como uno es y arriesgarse, de apostar a que alguien te pisoteará el corazón o te lo entregará por completo, y nunca lo sabes hasta que lo intentas. Creo que eso confirmó que estábamos haciendo lo correcto, escribiendo desde el corazón sobre lo que sentíamos, y así no hay margen de error».

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“Esta canción abre un mundo emocional muy sensible dentro de mi trabajo. Habla sobre dejar de repetir patrones relacionales dañinos y vínculos que en vez de aportar te tiran para abajo”, comenta la artista.

La metáfora central gira en torno a las polillas: criaturas que no pertenecen al encierro, pero que aún así lo habitan.

“Las polillas no son para estar encerradas, son polinizadoras. Pero también aparece la idea de hacerse amiga de ellas dentro de ese encierro”, agrega.

El lanzamiento llega junto a un videoclip filmado en 8mm en el Jardín Botánico de Berlín, realizado durante su gira por Europa en 2025. Dirigido por Tomás Müller y editado por la propia Paskurana, el registro propone una estética vintage que dialoga con la idea de naturaleza intervenida. “Elegí ese lugar pensando en el encierro y la domesticación de lo natural. No es algo negativo, pero sí curioso”, explica, recordando además su paso por distintos jardines botánicos del continente, con especial énfasis en el de Ginebra.

Paskurana abre una nueva etapa con “Polillas”

En lo sonoro, “Polillas” profundiza su identidad musical con elementos psicodélicos, una sensibilidad nostálgica cercana a los años 80 y una estética orgánica. La canción fue compuesta por Pascale Yates y producida y mezclada por Pablo Díaz Browne, con mastering de Gonzalo González, junto a la participación de Jorge Celis Bascur en guitarra eléctrica.

El sencillo marca también su regreso a los escenarios chilenos tras un año de gira por ciudades como Lisboa, Barcelona, París, Berlín y Londres. Este reencuentro -financiado por el MINCAP a través de la Línea de Apoyo a la Circulación de la Música Chilena 2025- se concretará con una serie de fechas que la llevarán el 23 de abril a Viña del Mar (Vienés Bar), el 24 a Santiago (Sala SCD Bellavista) y el 25 a Concepción (La Esquina Rosada), para luego continuar el 6 de mayo en Puerto Montt (Baradero), el 7 en Osorno (Taberna Pirata) y el 9 en Temuco (Casa Varas).

“Polillas” abre una nueva etapa en el camino de Paskurana, donde lo emocional adquiere protagonismo y melodía. La canción ya está disponible en las principales plataformas digitales, el videoclip puede verse en YouTube y la artista comparte sus novedades y próximas fechas a través de Instagram y TikTok.

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Estos llamados Waldos, aparentemente, encontraron un mapa hecho a mano que describía un cultivo de marihuana en Point Reyes, San Francisco. Para fumarse el hallazgo quedaron en reunirse, después de la escuela, a las 4:20. Sin embargo nunca encontraron tal cultivo.

Luego de esto, al terminar las clases, siempre se reunían en la estatua de Louis Pasteur, a las 4:20 PM, para fumar marihuana. Así se empezó a convertir en una celebración habitual y relacionarlo con una fecha: cada 20 del mes 4.

Por eso es muy común que, año a tras año, en esta fecha se organicen marchas y movimientos en pro de la legalización de la marihuana.

Rock y el «420»

Grateful Dead, una de las bandas más importantes del rock psicodélico mundial, vivía justamente en la misma ciudad que Los Waldos, y no pasó mucho tiempo hasta que ambos grupos se encontraran para forjar una amistad basada en el amor por la planta.

Fue precisamente el grupo de rockeros quienes empezaron a popularizar y a expandir el término “420” a través de la contracultura norteamericana. Eso fue durante los alocados 70, pero un par de años más tarde, precisamente en 1990, el concepto fue revisitado.

Steve Bloom, editor de la revista líder en cultura cannabica, High Times, descubrió el 420 después ver un flyer de The Greatful Dead y quedó fascinado. Una vez que en la publicación se comenzó a hablar acerca de esto, el resto fue historia.

En la Radio del Rock nos la jugamos para llegar a las 16:20 hrs con una nutrida lista de grandes clásicos sobre la marihuana. Inspirados, haciendo directa alusión o provocando ese gustillo. Tracks imperdibles de Black Sabbath, Led Zeppelin, Bob Dylan, The Beatles, Grateful Dead, The Byrds, The Doors… y varias más para subirse a una nube generosa.

Disfruta nuestro playlist de Spotify a continuación…

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Este cover surge en honor al aniversario de fallecimiento de Layne Staley, icónica voz del grunge, cuya música, identidad e historia marcó generaciones. A través de esta reinterpretación, Éntomos busca abrir una conversación en torno a la salud mental, el abuso de sustancias y la prevención del suicidio.

Una reinterpretación intensa y moderna

La versión de Éntomos de “Them Bones” se caracteriza por una identidad sonora renovada. La banda profundiza el espectro grave en las cuerdas, generando una atmósfera más densa, mientras introduce cambios rítmicos progresivos que expanden la estructura original hacia territorios más complejos.

El track presenta una ejecución vocal que combina líneas melódicas con pasajes guturales, aportando una dimensión expresiva que conecta con la carga emocional del tema desde una perspectiva actual.
Las baterías fueron grabadas en Estudio Piso 3. Las cuerdas fueron registradas en Blinded Production, quienes también realizaron la mezcla. El máster fue realizado por Torque Records.

Más que un cover: un mensaje

Lejos de ser una simple reinterpretación, este lanzamiento se posiciona como una declaración artística. Éntomos utiliza la fuerza simbólica de “Them Bones” para visibilizar problemáticas presentes en la industria musical y en la sociedad.

“Este lanzamiento es un recordatorio de que detrás de la música hay personas reales, con luchas reales. Queremos que este homenaje también sea un espacio para reflexionar, hablar y buscar ayuda”, señala la banda.

Finalmente para celebrar esta nueva entrega, el próximo 20 de mayo Éntomos se presentará junto a Entrospect quienes vuelven luego de años de silencio, y Asíncrono banda nacional de metal documental en RBX. El show comienza a las 20:00hrs y las entradas en Preventa 2×1 ya se encuentran disponibles a través de Passline.

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El hecho ocurrió en el lobby del hotel MGM Grand, donde el excampeón mundial fue captado enfrentando a un seguidor que grababa con su celular a otras superestrellas de la WWE.

En el registro, difundido por medios estadounidenses como TMZ, se observa cómo el luchador se acerca al hombre y, en medio de la discusión, golpea el teléfono, lanzándolo al suelo.

El tenso momento de CM Punk con fanático en hotel

El fanático estaba registrando a la luchadora Bayley mientras compartía con otros colegas, lo que habría incomodado a Punk. Tras el incidente, personal de seguridad intervino rápidamente para evitar que la situación escalara, mientras el seguidor se retiró del lugar ofreciendo disculpas.

CM Punk smacked a fan’s phone after they allegedly harassed his wife, AJ Lee, last night

(via TMZ) pic.twitter.com/O0PTcPfHy1

— FearBuck (@FearedBuck) April 20, 2026

El episodio se da pocas horas después de que Punk perdiera el título mundial peso pesado frente a Roman Reigns en el evento principal, lo que habría marcado un contexto de alta tensión según publicó ADN.cl.

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La música en vivo tiene algo que no se reemplaza: la energía compartida, el sonido en directo, el momento irrepetible que solo ocurre frente al escenario. Y abril trae una nueva oportunidad para vivirlo en pleno corazón de la ciudad.

La banda recoge la esencia del rock nacional y la proyecta con una propuesta potente y actual. Con integrantes provenientes de Los Difuntos Correa. El proyecto se construye desde la experiencia, pero también desde una búsqueda sonora que cruza generaciones, logrando un equilibrio entre lo clásico y lo contemporáneo.

Los Gatos Fantasmas tocarán en vivo y con concierto gratuito

La agrupación está conformada por Andrés Olivos, César Fuentes, Erasmo Menares y Carlos Gómez, músicos que comparten una trayectoria en Los Difuntos Correa, además de algunos nuevos integrantes. Tras años de historia en ese proyecto, hoy lideran Los Gatos Fantasmas con una propuesta que abre paso a una nueva etapa creativa.

Sobre el escenario, Los Gatos Fantasmas despliega un show que invita a dejarse llevar: guitarras intensas, ritmo envolvente y una atmósfera que transforma el espacio en algo más que un concierto: Una experiencia compartida que se vive de principio a fin.

La presentación se enmarca en la programación cultural que Patio Bellavista está impulsando en esta nueva etapa. Reafirmando su lugar como un punto de encuentro clave para la música en vivo, la entretención y la vida urbana en Santiago.

Información del evento:

Donde: Patio Bellavista (Constitución 30-70, Providencia)

Cuando: sábado 25 de abril, 21:00 hrs.

Entradas: Este evento es completamente gratuito.

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