Van a estar junto a Madbrain (metalcore de Ecuador) y Projector (death metal melódico de Chile), este jueves 10 de septiembre en el Teatro Cariola, con entradas por Passline, que están en promoción de 2×1.

En la espera hablamos con el vocalista Marco Aro, que ha estado en dos etapas en la banda, de 1999 a 2003 y luego volvió en 2013 hasta el presente. Esto fue lo que salió: 

-Marco, ¿cómo te sientes de volver por acá?

-Muy bien. Han pasado ya unos 25 o 26 años de cuando estuvimos allá con Immortal y Destruction, creo que fue en la década de 2000. Por lo que recuerdo, fue un concierto buenísimo y el público estaba enloquecido. Así que vamos con muchas ganas.

-Esta vez vienen con su álbum más reciente, “Songs of Last Resort”. ¿Cómo ha sido para ustedes todo el proceso de este álbum, considerando que pasaron varios años desde el anterior?

-Así es, nos tomó ocho años hacerlo. O tal vez no ocho años enteros, lo que pasa es que no nos vemos cuando no estamos haciendo giras. La única vez que nos vemos es cuando estamos dando conciertos. Así que el tema de los últimos ocho años ha sido que sabíamos que teníamos que hacer un nuevo álbum, pero nunca lo hacíamos. Hasta que hubo un festival en el que decidimos, “bueno, basta de tonterías, tenemos que hacer el álbum ahora”. Una vez que lo decidimos, el proceso fue realmente muy rápido. Nos llevó unos pocos meses. Creo que el festival fue en junio y el álbum se compuso y grabó en diciembre. La única idea que teníamos era hacerlo lo más agresivo posible. Así que, básicamente, vamos a tomar el formato de The Haunted y llevarlo al extremo.

-Claro, siempre pensando en dar un paso adelante, ¿no?

-Sí, es porque somos mayores y somos mejores en lo que hacemos. Una vez me preguntaron si este álbum era el que se suponía que vendría después de “One Kill Wonder” (2003, el último que hizo él en su primera etapa con la banda/Ed.), y probablemente lo sea. Pero estamos contentos con eso y con la respuesta que hemos estado recibiendo porque hemos estado de gira con él durante aproximadamente un año y medio y la respuesta ha sido realmente muy buena. Creo que dimos en el clavo. 

-¿Qué significa para ti formar parte de The Haunted? Un nombre importante cuando hablamos de música pesada, rápida y ruidosa en el circuito internacional.

-Es difícil ver algo de lo que formas parte siendo tan influyente como todos piensan, pero es muy importante porque cuando dejé la banda, tardé 10 años en volver. Y fue como volver a casa, así que es importante en ese sentido que todavía a los 50 años puedas viajar por el mundo haciendo lo que te gusta con tus amigos, lo cual es realmente bueno e importante también. En cuanto a la influencia, supongo que depende de cada uno decidir qué tan influyente es, porque nosotros hacemos la música. Los demás escuchan la música y ven cómo se sienten. Es difícil precisar qué es lo que lo hace tan especial. 

-En ese sentido, sabes que cada banda tiene su propio espíritu, un motor que las impulsa a seguir adelante. En el caso de The Haunted, ¿cuál es ese espíritu principal de la banda? 

-Yo diría que seguimos siendo fans de otros grupos musicales y tenemos una muy buena amistad. Y sí, creo que lo más importante es que seguimos componiendo música desde la perspectiva de un fan. Así que todavía nos emocionamos mucho cuando conocemos a algunos de nuestros ídolos, aunque ellos también sean fans nuestros. Diría que sigue siendo así porque la palabra clave es diversión. Tienes que divertirte porque una vez que se convierte en una obligación y tienes que hacerlo por las razones equivocadas, ya no es divertido. Todavía nos divertimos muchísimo cuando tocamos en vivo y cuando nos reunimos. 

-Es curioso porque se trata de música agresiva y furiosa, pero al final es algo divertido.

-Claro, porque liberas toda la agresividad que puedas tener en el cuerpo cuando escuchas este tipo de música. Así no la acumulas. Es un alivio.

-Ya que dices que siguen siendo fanáticos de la música y las bandas, ¿qué tipo de música te inspira en tu día a día? Lo que escuchas normalmente, ¿es música agresiva como esta o cosas más tranquilas? ¿Algo para sorprenderse?

-Como me interesan muchísimo las letras y cosas así, para mí ya no es música tan agresiva como antes, pero aún la escucho casi a diario. Suelo volver a escuchar a las bandas con las que crecí, porque aunque me gusta la música nueva y las bandas que salen, es difícil encontrar una que destaque de verdad hoy en día. Suenan prácticamente igual, muchos de ellos. Así que suelo ir porque me interesan mucho las bandas que dejan clara su postura y tienen el valor de hacer algo diferente a lo de siempre. 

-¿Es The Haunted la banda sonora ideal para un mundo tan loco como está ahora?

-Sí, lo curioso de cuando escribimos este álbum es que no decidimos que este álbum fuera a ser sobre este tema. Simplemente resultó así porque (Patrick) Jensen, Ola (Englund) y yo estábamos escribiendo las letras por separado. Y cuando nos reunimos y presentamos lo que habíamos escrito, resultó que estábamos escribiendo sobre lo mismo. Y es porque está justo ahí, afuera de tu ventana. No es difícil, es realmente difícil evitar las noticias y todo lo demás. Por supuesto que te afectará a ti y a tu escritura. Así que sí.

-Al inicio de esta conversación mencionaste la primera vez que tocaste aquí en Chile, fue en el 2000 en un festival con Destruction e Immortal. Después The Haunted vino en 2008 pero con Peter Dolving como vocalista, así que para ti es tu regreso desde el 2000, no deja de ser significativo. ¿Qué recuerdas de esa primera vez?

-Todo era nuevo. Sólo había oído historias sobre el público sudamericano, los fans y todo eso. Y me alegró muchísimo que fuera todo y más de lo que esperaba. Hacía mucho que queríamos volver a Sudamérica, al cono sur. Así que va a ser genial volver.

-¿Qué se puede esperar del show? ¿Habrá canciones de todos los discos?

-Es muy difícil, con diez álbumes tan buenos, crear una lista de canciones que guste a todo el mundo. Pero lo intentamos. De verdad que lo intentamos. Y no creo que te vayas a decepcionar. No querrás ser el que se perdió el espectáculo del que todo el mundo va a hablar. 

-Bien, Marco, eso es todo por ahora. Gracias y nos vemos acá.

-Nos vemos, no se lo pierdan, será inolvidable.

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En ella se incluyen algunas categorías de actuación, pero sobre todo aquellas que cubre la música, fotografía, efectos especiales y mucho más.

Los primeros ganadores de los Premios Emmy 2026

Algunos de los galardonados que se dieron a conocer este fin de semana son:

Mejor Película:

• “Heads Of State” (Prime Video)
• “Miss You, Love You” (HBO Max)
• «Remarkably Bright Creatures» (Netflix) (Ganadora)
• «Tom Clancy’s Jack Ryan: Ghost War” (Prime Video)
• “People We Meet On Vacation” (Netflix)

Mejor Serie animada:

• «Bob’s Burgers» (Fox)
• «Rick y Morty» (Adult Swim)
• «Los Simpsons» (Fox)
• «Smiling Friends» (Adult Swim)
• «South Park» (Paramount+) (Ganadora)

Mejor Actriz invitada en una Serie de Comedia:

• Cherry Jones en “Hacks” (HBO Max)
• Lauren Weedman en “Hacks” (HBO Max)
• Betty Gilpin en «Widow’s Bay» (Apple TV) (Ganadora)
• Leslie Bibb en “Hacks” (HBO Max)
• Jamie Lee Curtis en  “The Bear” (FX/Hulu)
• Laurie Metcalf en “Hacks” (HBO Max)
• Kaitlin Olson en “Hacks” (HBO Max)

Mejor Actor invitado en una Serie de Comedia:

• Rob Reiner en «The Bear» (FX-Disney+) (Ganador)
• Michael J. Fox en “Shrinking” (Apple TV)
• Brett Goldstein en “Shrinking” (Apple TV)
• Hamish Linklater en “Widow’s Bay” (Apple TV)
• Christopher McDonald en “Hacks” (HBO Max)
• Connor Storrie en «Saturday Night Live” (NBC)

Mejor Actriz invitada en una Serie de Drama:

• Tal Anderson en “The Pitt” (HBO Max)
• Shailene Woodley en «Paradise» (Hulu-Disney+) (Ganadora)
• Brittany Allen en “The Pitt” (HBO Max)
• Merritt Wever en “The Gilded Age” (HBO Max)
• Miriam Shor en “Pluribus” (Apple TV)
• Tina Ivlev en “The Pitt” (HBO Max)

Mejor Actor invitado en una Serie de Drama:

• Colman Domingo en  “Euphoria” (HBO Max)
• Ernest Harden Jr. en «The Pitt» (HBO Max) (Ganador)
• Jeff Hiller en “Pluribus” (Apple TV)
• Jeff Kober en “The Pitt” (HBO Max)
• Jonathan Pryce en “Slow Horses” (Apple TV)
• Bradley Whitford en “The Diplomat” (Netflix)

Mejor Canción de créditos iniciales:

• “All Her Fault” (Peacock)
• “The Beast In Me” (Netflix)
• “The ‘Burbs” (Peacock)
• “Murderbot” (Apple TV)
• Pluribus (Apple TV) (Ganadora)

Mejor Música y Letra:

• «Need Someone» de «The Pitt» (HBO Max) (Ganadora)
• «Raise Him Up» de «The Boys» (Prime Video)
• «Christian Woman” de «South Park» (Comedy Central)
• “Mis Figuritas” de «Hacks» (HBO Max)
• “The Devil You Know” de “Spider-Noir” (MGM y Prime Video)
• «The Dead Dance” de “Wednesday” (Netflix)

Puedes revisar el listado completo en el sitio de noticias de Deadline. Podrás ver la transmisión de los Premios Emmy 2026 el 14 de septiembre a través de TNT y HBO Max a las 20:00 horas de Chile con el pre-show Punto de encuentro.

Este mostrará la llegada de los nominados a la alfombra roja y entrevistas exclusivas desde el Teatro Peacock de Los Ángeles. Así, la gala reunirá a actores y actrices estelares del streaming en una noche que premiará lo mejor de la televisión.

Las sorpresas de los Premios de este año

Entre las favoritas de este año, se destacan «The Pitt», con 26 nominaciones exactas. Le sigue de cerca «The Hacks», que alcanzó las 25 nominaciones.

Pese a que estaba bastante más abajo con 11 nominaciones, «Spider-Noir» logró sorprender al obtener 5 premios Emmy. La serie fue cancelada la semana pasada de forma inesperada, algo que desconcertó a los fanáticos del trepamuros de Nicolas Cage.

El comienzo de temporada también dio espacio para un reconocimiento póstumo dirigido a Rob Reiner. El cineasta y actor ganó la estatuilla en homenaje tras haber sido víctima de un homicidio el año pasado. El principal sospechoso fue su hijo, Nick Reiner.

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Así lo reveló un miembro del equipo técnico del baterista Ray Luzier, quien en una reciente entrevista confirmó que la batería ya está grabada para el esperado nuevo disco.

La siguiente entrega de la banda liderada por Jonathan Davis será la sucesora de «Requiem», su proyecto de 2022.

Korn termina de grabar la batería para su siguiente álbum

Durante una reciente aparición de Luzier en el canal de YouTube Drumeo, su técnico de batería, Mark Bennett, mostró el equipo del músico. En paralelo, el especialista develó que ya terminaron de grabar las partes de la batería para el próximo LP de Korn.

«Con esto es con lo que acabamos de grabar el nuevo disco», comentó Bennett mientras mostraba una caja de la marca Pearl Copper Free Floating.

«Ya no fabrican este modelo, es imposible conseguirlo. Por suerte, tenemos cinco», agregó. La marca incluye un casco de cobre, pensado para maximizar la resonancia a la hora de tocar. Por otro lado, el técnico no confirmó sobre si otros integrantes ya cerraron de grabar sus segmentos.

Las noticias sobre lo nuevo de Korn han sido mayormente vagas y escasas. Su última canción fue «Reward The Scars», lanzada en abril de este año en colaboración con el videojuego «Diablo IV». Se trata del primer lanzamiento de Korn tras 4 años sin material novedoso.

En entrevista con Loudwire el pasado febrero, el guitarrista Brian Welch afirmó que la banda de Nu metal no tenía prisa alguna por publicar otro álbum.

«Me encanta que el proceso esté llevando tanto tiempo», comentó. «Siempre le decía a nuestro equipo de gestión que ojalá esperáramos un poco más entre álbumes.

Más tarde acotó: «Somos tan adictos al estudio que entramos y sacamos discos cada dos o tres años, desde que regresé a la banda. Por eso me gusta que haya habido retrasos».

El inminente disco de Korn será el primero desde su formación sin su bajista original. Reginald Arvizu, conocido también como Fieldy, dejó el grupo al tiempo de grabar «Requiem». El álbum aún no tiene fecha estimada de lanzamiento.

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Además, la producción informó que quedan las últimas entradas disponibles, por lo que hizo un llamado al público a asegurar su ingreso antes del esperado encuentro aniversario.

Cuatro escenarios y más de doce horas de música

La programación comenzará a las 15:00 horas y se extenderá hasta las 03:00 de la madrugada, distribuyendo los conciertos entre los escenarios Explanada, Teatro Principal, Sala Bunster y Huerto.

El cartel estará integrado por:

Candelabro
Hesse Kassel
teodioteodio
Javiera Electra
Nando García
María y los Templos
Estoy Bien
Cóclea
Cicuta
Déjenme Dormir
La Cámara Chilena de la Destrucción
Suaaaave
Congelador
Inundaremos
Asakusa Mon Amour
Alfilera

La programación busca reflejar el presente de la música independiente chilena, reuniendo propuestas de distintos estilos en una jornada especialmente diseñada para recorrer los diferentes escenarios del recinto.

Fiesta hasta la madrugada

La celebración no terminará con los conciertos.

Desde las 23:30 horas, el festival continuará con una fiesta post show, donde Kuina, Lilen, Nando García y Matías Ávila estarán a cargo de los DJ sets que acompañarán el cierre del evento hasta las 03:00 horas.

Atención al aforo de los escenarios

La organización recordó que el Teatro Principal, la Sala Bunster y el Huerto cuentan con capacidad limitada, por lo que el acceso dependerá del aforo disponible en cada momento.

Por esta razón, recomendaron llegar con anticipación para asegurar un lugar en las presentaciones de mayor interés.

Mucho más que música

Además de los conciertos, el público podrá recorrer una feria con venta de discos, merchandising, barra de bebestibles y food trucks, convirtiendo el recinto en un punto de encuentro para celebrar los diez años de uno de los festivales más importantes de la música independiente chilena.

Con una programación que se extenderá durante más de doce horas y reunirá a algunas de las propuestas más destacadas del circuito nacional, Festival Neutral buscará celebrar una década de historia proyectando el presente y el futuro de la escena independiente.

Últimas entradas bajo el sistema Ticketplus.

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El concierto grabado tuvo lugar en el Xfinity Mobile Center de Filadelfia el pasado 30 de mayo de 2026. Curiosamente, esta presentación estaba programada inicialmente para el 8 de mayo. Sin embargo, tuvo que ser pospuesta debido a un emocionante juego de los playoffs de la NBA entre los Philadelphia 76ers y los New York Knicks. Al final, este contratiempo permitió un cierre de gira perfecto. En la película, el público podrá ver cómo Springsteen utiliza este show para consolidar los potentes mensajes que marcaron su gira: democracia, resistencia civil y disidencia política frente a los tiempos oscuros.

Un concierto nacido de la indignación y la resistencia

La gira norteamericana de «Land of Hope and Dreams» constó de tan solo 20 fechas muy intensas que se organizaron rápidamente. La chispa que motivó este veloz armado de conciertos ocurrió en enero en Minneapolis. Allí, el trágico fallecimiento de Renee Good y Alex Pretti a manos de agentes federales inspiró a Springsteen a escribir la canción de protesta «Streets of Minneapolis».

La gira comenzó precisamente en Minneapolis el 31 de marzo de 2026. Desde la primera noche, el «Jefe» dejó claro que este viaje no era una simple celebración de su trayectoria. Sino una trinchera en defensa de la Constitución y los derechos fundamentales de los estadounidenses.

Tom Morello y una alianza musical demoledora

Uno de los mayores atractivos de esta producción es la participación estelar de Tom Morello. El icónico guitarrista de Rage Against the Machine reprogramó sus compromisos personales para sumarse de lleno a la banda de Springsteen.

El aporte de Morello se hace sentir con fuerza a lo largo de la película. Su guitarra y su voz acompañaron a Springsteen en varios de los momentos más combativos y vibrantes de la noche. Juntos interpretaron himnos como «War», «Born In The U.S.A.», «American Skin (41 Shots)», «The Ghost Of Tom Joad» y «Chimes Of Freedom».

Tensión política: amenazas de muerte y críticas de Trump

Por supuesto, la intensidad del mensaje de la gira trajo consigo una enorme dosis de peligro y controversia. El legendario guitarrista de la E Street Band, Steven Van Zandt, reveló en una entrevista con el Daily Mail que este tour requirió un nivel de seguridad sin precedentes debido a un alarmante incremento de amenazas de muerte.

Además de las amenazas físicas, el espectáculo fue blanco del propio Donald Trump. El expresidente criticó abiertamente los conciertos durante una cena oficial en julio, llamándolos «demasiado políticos» y sugiriendo, de forma burlona, que la gira debió llamarse «Bored In The USA» (Aburrido en EE.UU.).

Frente a esto, el mensaje de Springsteen en Filadelfia, según se muestra en el trailer oficial, es firme: invita a elegir la esperanza sobre el miedo, la verdad sobre las mentiras y la unidad sobre la división.

¿Cómo ver «Philadelphia Freedom Cut»?

El esperado streaming del concierto se iniciará este miércoles 9 de septiembre. Aunque el trailer oficial ya se encuentra disponible y ha causado furor en las redes sociales, las plataformas de distribución definitivas aún no han sido detalladas por el equipo del músico, lo que ha generado una inmensa expectativa mundial.

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Keith Moon nació el 23 de agosto de 1946. Para cuando era un adolescente, ya llamaba la atención como baterista. Su unión con The Who fue nada menos que perfecta. Añadió un componente muy necesario a su ecuación, actuando como el complemento cómico del a menudo muy serio Pete Townshend. El estilo de percusión de Moon le dio a la música el toque caótico que necesitaba para destacarse de los contemporáneos de The Who.

A diferencia del enfoque sutil, pero efectivo, de contemporáneos como Charlie Watts o Ringo Starr, Keith Moon adoptó una sensibilidad completamente distinta para tocar la batería, inspirando a innumerables futuros músicos en el camino. Agregue el bajista John Entwistle, y The Who tenían ellos mismos una sección rítmica con el rango de una orquesta.

El fin de una corta vida

La corta y dulce vida de Keith Moon llegó a su fin tras una noche de fiesta y, siendo justos, toda una vida poniendo a prueba sus propios límites. Irónicamente, su muerte fue causada por una sobredosis de píldoras destinadas a combatir su alcoholismo. La medicación era principalmente un sedante, de los cuales solo unos pocos habrían causado la muerte. Los informes policiales indican que tomó casi un tercio de su prescripción de 100 píldoras.

Estaba en medio de un duro proceso de rehabilitación y una noche después de cenar con Paul McCartney se tomó 32 clometazonas antes de acostarse. El doctor le había dicho que no tomara más de 3 al día. Lo encontraron sin vida al día siguiente.

«Fue un error tonto», señaló Pete Townshend en el documental «Amazing Journey» de 2007. «Siempre tomaba las pastillas en puñados. Era solo un hábito que tenía». Heminevrin, el medicamento recetado en cuestión, inutilizó su esófago. Eso evitó que Keith Moon vomitara y se asfixió.

Pese a que Keith Moon no era ajeno a la ingesta de productos químicos, nunca tomó drogas duras, quedándose con el alcohol y las pastillas como su demonio de elección. «Nunca envejecería con gracia», dijo el manager Bill Curbishley. «No creo que estuviera destinado a hacer huesos viejos. Supongo que fue diseñado de tal manera que se lo recuerde como era».

Lamentablemente, la banda acababa de comenzar un nuevo capítulo en su carrera con el lanzamiento del álbum «Who Are You» solo unas semanas antes de la muerte de Keith Moon. En ese momento, los fanáticos notaron crípticamente que en la portada, Moon está sentado en una silla que tiene las palabras «Not To Be Taken Away» grabadas.

La entrada Excesos, genialidad y un triste final: se cumplen 48 años del trágico deceso del más salvaje y caótico baterista de la historia del rock se publicó primero en Futuro Chile.

El escenario de este discreto (pero ciertamente histórico) debut con el vocalista Robert Plant, el bajista John Paul Jones y el baterista John Bonham fue el modesto Gladsaxe Teen Club de Gladsaxe, Dinamarca. «Su actuación y su música fueron absolutamente impecables, y la música continuó sonando bien en los oídos durante un tiempo después de cerrar el telón tras el concierto», según un boletín informativo publicado por el local.

«Permítanme elogiar especialmente a Jimmy Page, quien ha hecho una excelente labor con los tres nuevos miembros. Realmente triunfaron, y en particular, el solo de guitarra de Page generó un gran aplauso. Por lo tanto, podemos concluir que los New Yardbirds son al menos tan buenos como los antiguos», añadió el autor anónimo.

«Poco antes del concierto nos dimos cuenta de que no serían los auténticos Yardbirds los que iban a tocar esa jornada. El Gladsaxe Teen Club había contratado a los Yardbirds unos meses antes, pero se disolvieron. Y Peter Grant y Jimmy Page vinieron con otros músicos para cumplir con esos compromisos», declaró posteriormente a Kashmir Jorgen Angel, quien fotografió la actuación. Añadió que los Yardbirds ya habían «firmado un contrato para una pequeña gira por Escandinavia. Jimmy reclutó a otros tres chicos y tocaron en todos los clubes donde se suponía que tocarían los Yardbirds».

El primer concierto de los New Yardbirds fue a última hora de la tarde, desde las 5:30. Y fue seguido por un segundo concierto esa misma noche en el Brondby Pop Club en Norregardhallen, Brondby, Dinamarca. Aunque no se ha conservado ninguna lista de canciones, es seguro afirmar que los conciertos probablemente incluyeron canciones como «White Summer», «You Shook Me», «Dazed and Confused» y «Train Kept A-Rollin», todas ellas clásicos de los Yardbirds en aquel entonces.

Los teloneros del primer concierto de estos New Yardbirds fueron Fourways and Bodies, que se han perdido en la historia. Page pronto cambió el nombre del grupo, ya sea por demandas legales de otros exmiembros de los Yardbirds o por el deseo de empezar de cero. Y el resto es historia.

La entrada El día en que cambió la historia de la música: los detalles poco conocidos de la primera actuación en vivo de una legendaria banda de hard rock se publicó primero en Futuro Chile.

Pink Floyd se separó después de «The Final Cut» de 1983, y cada miembro del grupo se aventuró a hacer sus propios proyectos. Entendiendo que los caminos en solitario serían una propuesta menos lucrativa, su sello continuó presionando para una reunión. David Gilmour comenzó a vacilar en 1985 cuando comenzó a formar un grupo para su tercer lanzamiento en solitario.

Roger Waters afirmaba que Pink Floyd era «una fuerza gastada», pero Gilmour vio el potencial en seguir adelante. La esposa del tecladista Richard Wright se puso en contacto con el guitarrista para darle una mano musicalmente, pero su regreso completo se estancó por cuestiones legales relacionadas con su expulsión durante las sesiones de «The Wall«. Nick Mason expresó interés en la nueva música, sin embargo, y en 1986, Gilmour estaba remodelando algo de material en solitario para lo que se convertiría en el decimotercer LP de estudio de Pink Floyd.

Molesto por su decisión de seguir adelante sin él, Waters llevó al resto de Pink Floyd a la corte por el uso del nombre e intentó frustrar el lanzamiento de «A Momentary Lapse of Reason». Pero Gilmour se negó a dar marcha atrás: «Roger es un perro en el pesebre y voy a pelear con él. Nadie más ha afirmado que Pink Floyd eran completamente ellos. Cualquiera que lo haga es extremadamente arrogante», dijo Gilmour al Sunday Times, como se relata en el libro A Saucerful of Secrets.

Una amarga lucha legal se desarrolló durante la creación del álbum y siguió después de que «A Momentary Lapse of Reason» llegara a las tiendas. Waters finalmente cedió y se llegó a un acuerdo en el que los miembros de la banda podían usar el nombre siempre que Waters pudiera tener los derechos de «The Wall». Las sesiones aportaron con sus propios desafíos. Gilmour comenzó a grabar «A Momentary Lapse of Reason» a bordo de su casa flotante, el Astoria. Sin embargo, las llamadas nocturnas de los abogados comenzaron a interferir y se tomó la decisión de trasladar la producción a EE.UU.. Eso resolvió algunos de los problemas de zona horaria en el lado legal, al tiempo que permitió que Pink Floyd estuviera más cerca del productor Bob Ezrin.

Avanzar sin Waters también resultó difícil desde el punto de vista creativo. Gilmour decidió no intentar el disco conceptual típico de la banda, centrándose en cambio en encontrar la mejor colección de canciones. También lucharon con la cohesión musical después de tanto tiempo. Las contribuciones fueron hechas por Mason y, en menor grado, por Wright, pero los músicos de las sesiones fueron finalmente incorporados para complementar el sonido. «No puedes volver. Tienes que encontrar una nueva forma de trabajar, de operar y seguir adelante. No hicimos esto de forma remota co. mo lo hicimos con cualquier otro disco de Floyd. Fueron sistemas diferentes, todo», dijo Gilmour.

Independientemente de sus luchas, «Learning to Fly» rápidamente encontró su público como el single principal de «A Momentary Lapse of Reason». Gilmour y Mason habían estado tomando lecciones de vuelo, y Gilmour escribió la pista específicamente sobre los sentimientos de libertad que le dio el vuelo. Más tarde, Gilmour compró un avión De Havilland Devon con Mason, cuya voz se escuchó en la parte media de esta canción a través de una grabación en la cabina.

Mientras continuaba el trabajo en «Learning to Fly», David Gilmour señaló que se dio cuenta de un nuevo subtexto lírico, ya que asumió el papel de liderazgo de Pink Floyd tras la partida de Roger Waters.

«On the Turning Away», una pieza más solemne que hace referencia a los problemas de la pobreza y la opresión, surgió como el segundo destacado del LP. Encajaba bien con las canciones más etéreas de su catálogo como «Us and Them» y «Wish You Were Here». El tercer y último single fue «One Slip», una colaboración con Phil Manzanera que inició una larga relación musical entre Gilmour y el guitarrista de Roxy Music. En un guiño al pasado, los pitidos y pitidos al principio reflejaron el enfoque de Pink Floyd sobre «Money» de más de una década antes.

«Dogs of War», una pista sobre mercenarios políticos, surgió como un corte en vivo favorito. La ses la impulsó un sonido que se produjo por error. Una grabación más lenta de la risa de Gilmour se escuchó como el ladrido de un perro, y decidió usarla en la canción.

De todos modos, «A Momentary Lapse of Reason» sigue siendo uno de los lanzamientos más polarizantes de la banda. Más allá de algunas pistas destacadas, el álbum en su conjunto no resistió los triunfos anteriores. Waters declaró rotundamente que no era un verdadero lanzamiento de Pink Floyd. «Las críticas de Roger son justas», acordó Wright en el libro Cómodamente entumecido: La historia interior de Pink Floyd. «No es un álbum de banda en absoluto».

Todo esto parecía importarle poco y nada a los fans de Pink Floyd. «A Momentary Lapse of Reason «superó el estado cuádruple de platino en los Estados Unidos, lo que generó la gira más grande del año y un álbum en vivo complementario, «The Delicate Sound of Thunder» de 1988. Luego, la tripulación de la Soyuz TM-7 tomó «A Momentary Lapse of Reason» en su misión, convirtiendo a Pink Floyd en la primera banda de rock que se tocó en el espacio exterior.

La entrada Un resurgimiento contra todo pronóstico: el emblemático trabajo que salvó el futuro de una banda icónica y desafió la incertidumbre cumple 39 años se publicó primero en Futuro Chile.

Como el sucesor de uno de los debuts más exitosos del post-punk, «Join Hands» tenía la compleja misión de superar a «The Scream». Para ello, la banda liderada por Siouxsie Sioux concluyó en representar uno de los sucesos más mediáticos de finales de los años 70.

Tras ver una cobertura de las manifestaciones en Irán, la violenta represión y las muertes que conllevó el conflicto contra la dinastía Pahlaví, la banda de post-punk se inspiró en las trágicas imágenes vistas a través de las noticias. Sumado a esto, Inglaterra también pasaba por un período de inestabilidad política.

«Join Hands», un disco inspirado en la violencia política

A pesar de su espíritu conflictivo, el disco no se posicionaba a favor de la milicia. Al contrario, la relación del álbum con los conflictos bélicos surgió como un espejo del clima político de la época.

Las referencias a las amapolas en «Poppy Day» representaban la pérdida, la carne, huesos y desesperanza. Otra de las temáticas que abordaron fue la crueldad a la que los niños iraníes se vieron sometidos, la persecución política a opositores, torturas y soledad.

Por otro lado, «Icon» abordó la iconoclasia como forma de protesta, exhibiendo la destrucción de pinturas religiosas y otros símbolos autoritarios.

En cuanto al apartado instrumental, el álbum estuvo cargado de una atmósfera oscura, mucho más claustrofóbica y experimental que la de «The Scream».

Con una propuesta arriesgada, «Join Hands» fue el último disco del guitarrista John McKay en la banda, quien dejó la agrupación tras una disputa con el baterista Kenny Morris.

Ambos abandonaron Siouxsie and the Banshees justo después de publicar el proyecto, justo antes de comenzar su gira promocional por Inglaterra.

«Join Hands» fue reeditado en 2015, con una nueva versión que incluyó el listado originalmente planeado para la entrega.

La entrada El disco definido por la crueldad de la guerra que ayudó a construir el legado de Siouxsie and the Banshees se publicó primero en Futuro Chile.

Luego de que la banda de Fred Durnst ganara el premio a Mejor Video de Rock en los MTV Video Music Awards, el bajista de Rage Against the Machine se alzó en protesta, literalmente.

Durante la premiación, el músico escaló una palmera falsa y se negó a bajar. Commerford terminó arrestado y pasó la noche en la cárcel el 7 de septiembre del año 2000. Años más tarde, el bajista se ha referido en distintas ocasiones a su manifestación.

¿Qué dijo Tim Commerford sobre su protesta?

Durante una entrevista de 2015 para ESPN Radio, Tim Commerford partició en un programa  para promocionar su banda Future User. Allí, también se refirió a las canción de Rage Against the Machine «Sleep Now In the Fire», cuyo videoclip les garantizó una nominación a los VMAs de los 2000.

A pesar de todo, la banda de rap metal perdió contra Limp Bizkit, quienes se llevaron a casa el reconocimiento gracias a «Break Stuff».

Sobre el incidente, Commerford declaró al programa: «Para mí, (la protesta) fue real e importante. No fue por hacer el tono ni por alguna estupidez. Puede que en ese momento pareciera una tontería».

El video musical de «Sleep Now In the Fire» fue dirigido por Michael Moore, cineasta responsable de la película «Farenheit 9/11». El director también ayudó con la dirección del video de «Testify«.

Durante la conversación, Tim Commerford afirmó ser un gran admirador de Moore, donde añadió: «Creo que son los mejores vídeos de rock jamás hechos y me han inspirado hasta el día de hoy en lo que hago actualmente».

El músico también acusó que Rage Against the Machine tenía la victoria asegurada, hasta que las cámaras empezaron a fijarse en los ganadores incluso antes del anuncio oficial.

«Nos enfrentábamos a Limp Bizkit, una de las bandas más tontas de la historia de la música«, explicó Commerford. «Competíamos contra ellos y su cantante había hecho el video. Así que era Limp Bizkit contra Rage, video dirigido por Fred Durst contra Michael Moore«.

Más adelante, detalló el intercambio que tuvo con el director antes de su intervención: «Yo estaba sentado allí con Michael y le dije: ‘Oye, si esa cámara no viene para acá, me subo a esa estructura y me quedo ahí sentado como una maldita gárgola y voy a arruinar el espectáculo’. Y él me dijo: ‘Tim, sigue tu corazón'».

Han pasado 26 años del suceso y la aversión del bajista por el grupo de Nu-metal sigue dando de qué hablar. Irónicamente, Fred Durst ha admitido ser un gran fan de Rage Against the Machine, asegurando que son una de las mayores inspiraciones de Limp Bizkit.

En respuesta, Tim Commerford volvió a arremeter contra Limp Bizkit. «Lamento tanto que hayamos inspirado una basura de tal magnitud», dijo el bajista para Rolling Stone, también en 2015.

La entrada La controvertida protesta del bajista de Rage Against the Machine contra Limp Bizkit que alborotó los VMAs del 2000 se publicó primero en Futuro Chile.