„The EP explores the unsettling contrast between the unimaginable consequences of the bomb and the mundane actions that make such destruction possible, focusing on the choices and systems that lead up toward irreversible moments. It considers how catastrophe can emerge from seemingly ordinary details—and how, once extinction becomes possible, there is ultimately no one left to witness it.“

Robert Del Tredici’s gleichnamiges Buch als konzeptuelle Ausgangslage nehmend, stellt At Work In The Fields Of The Bomb den Fokus (bis zu einem gewissen Grad im Gegensatz zum alle bisherigen Karrierephasen der Amerikaner assimilierenden sechsten Studioalbum im Vorjahr) erstaunlich eng: Deafheaven kanalisieren über 24 Minuten ihre innere Emperor-Liebe, verzichten auf klaren Gesang (wobei George Clarke phasenweise sogar tiefer keifend als je zuvor unterwegs ist) und verträumte Gaze-Passagen – Ja, At Work In The Fields Of The Bomb ist praktisch eine Exkursion mit Produzent Arthur Rizk in den reinen, trven Black Metal.
Die Vorab-Versprechen von Gitarrist Kerry McCoy, dass das kommende Material „the heaviest and the hardest” sei, das seine Band bis dato aufgenommen habe, erweisen sich insofern nicht als falsch.

Hunter gibt sich giftig und infernal, bestialisch und brutal, röchelt seine spitzen Schreie, malt dazu aber auch epische Bögen über die Blastbeats, und holt chorale Texturen für eine filmische Heroik an Bord.
„It’s probably the most intense that I’ve sounded“ sagt Clarke. „The song itself is about your undoing. When I write lyrics, it’s a lot of talking into a mirror, and so it addresses a ‘you,’ but a ‘you’ actually tends to be me as well. Have I acted in a way that’s destroyed something? Now that that is destroyed, I can reflect on the things that brought it to that point.”
Zur Mitte zieht das Riffing die Zügel enger und steigt thrashig auf die Slayer-Bremse. Der kurze Moment der Ruhe ist eine falsche Fährte: Die Bausteine verbinden und steigern sich zu einem hymnischen Finale.

Erst Three Princes (über das Bombardement der Shajareh Tayyebeh Elementary School in Minab, Iran) holt als Herzstück und Bindeglied der EP Luft, indem es als ambientes Soundcollagen-Interlude Interferenzen von Gesprächen auffängt und als sakraler Schemenhaftigkeit verglüht: “I thought one of the most nightmarish things you could do would be to soundtrack the brain to the AI that did this monstrous thing,” he says. “It’s this static-y, nasty thing that ends with a funeral bell.”

Das ist die Ausgangslage fürSorry Laid The Hearth, das nach einer wirbelndend antauchenden Aufwärmphase aggressiv und rasant nach vorne knüppelt, über die Asche einer postapokalyptischen Welt. Der abermals choral texturierte, sinfonisch aus dem Synth angedeutete Hintergrund erzeugt fast schon eine Goth Stimmung, zu der Deafheaven einen manischen Sturm mit unverkennbarer Handschrift lostreten. Eine eklektische Gewichtsverlagerung, die gemessen an der eigenen Evolution mit so viel Prägnanz und Hunger begeistert, ohne wirklich originell sein zu müssen.
Nach der Hälfte seiner rund 12 Minuten Spielzeit kommt dennoch der superbe Twist: Das Quintett setzt den Umkehrschub und steigt für eine Art Anti-Crescendo in die Unterwelt hinab, growlt und drückt geradezu noisig und abrassiv in aufreibender Trance auf den Punkt, wo sich die Szene im dämonischen Wahn verdichtet. „It basically just hammers home the whole idea of you’re here now and you’re stuck here“ analysiert Clarke das Highlight von At Work In The Fields Of The Bomb. „All you have is reflection.”

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Klar: Theoretisch relativieren die Tatsache, dass zahlreiche Songs des ursprünglich bereits 2005 erschienenen Rock-Geniestreichs ohnedies seit jeher zum Fixum einer Boris-Show gehören, wie auch der Umstand, dass die Band die Setlist ihrer aktuell ausgerufenen Anniversary-Konzertreihe (leider) keineswegs zum Anlass nimmt, die Platte chronologisch oder gar komplett zu spielen, den Alleinstellungswert der laufenden Tour. Also ja – wir haben es nüchtern betrachtet und strickt den Pink Days folgend eigentlich mit einem relativen Standartprogramm zu tun, was die Zusammenstellung des aktuell dargebotenen Materials angeht.
Doch selbst wenn man seinen eigenen perfekten Abend mit Wata, Takeshi und Atsuo sogar bereits erlebt zu haben meint, ist der Jubiläums-Besuch der Japaner in der (erstaunlicherweise nicht ausverkauften, aber doch sehr gut gefüllten) Arena pures Fan-Endorphin. Ein weiteres besonderes Erlebnis gewissermaßen, das die jahrzehntelange Zuneigung für die Band auf ein Podest stellt. Absolut befriedigend und rundum begeisternd.

Dabei hat der Abend durchaus ein paar kleine Schönheitsfehler.
Gleich eingangs etwa jenen, dass der eigentlich freudig erwartete Opener einen nicht kriegt: Vielleicht ist es nur eine Sache der Erwartungshaltung, wenn man schon darauf  eingestellt ist, sich von Pink schweißtreibend tight durch die Mangel nehmen zu lassen, aber die (auf Platte durchwegs gefallende) Stil-Melange von Planning for Burial lässt an diesem Oktobertag seltsam kalt. Thom Wasluck steht in der rechten Ecke der Bühne und geht an der Gitarre vollends in seinen Grenzgängen des Slowcore, Dreampop, Drone, Doom und Alternative  auf, wirbelt und wirft sich vor den LoFi-Drum-Loops und Synth-Samples stimmungsvoll in die Blackened-Ästhetik. Doch verliert sich die eindringliche Atmosphäre in der Halle, wirkt einfach ein wenig deplatziert und kann keine zwingende Intensität erzeugen.
Wobei diese Einschätzung arg subjektiv ist, und stark von der allgemeinen Wahrnehmung abweicht: Zwar bildet sich während des halbstündigen Sets des Amerikaners eine lange Schlange vor dem Boris-Merchstand, doch das primär aus It‘s Closeness, It‘s Easy bestehende Set kann das Gros des (dem Vernehmen nach teilweise auch extra für den Support Act angereisten) Publikums auch in diesem gefühlt etwas suboptimalen Rahmen mühelos überzeugen.

Setlist:
Farm Cat, Watching
With Your Sunglasses On Like A Ghoul
Warmth of You
A Flowing Field Of Green
Fresh Flowers For All Time
Threadbare
(continued)
You Think
Movement Two
(blueberry pop)

Und ja, man könnte sich (zumindest direkt vor der Bühne platziert) auch am Sound reiben.
Der ist nämlich zumindest die ersten sechs Songs über unausgegoren, hat die Gitarren viel zu laut im Mix und die (das gesamte Konzert über zu leise bleibenden) Vocals stiefmütterlich beiseite genommen. Livevideos des Abends beweisen jedoch, dass dies ein je nach Stehplatz selektives Problem des Abends darstellt.
Zudem eines, das alleine deswegen kaum ins Gewicht fällt, weil es einfach nur unpackbar gut ist, wie Boris hinter dem lange ausgerollten, wundervoll erhaben dröhnenden Blackout rund um das nahtlos einverleibte Ibitsu eine Stafette aus Pink-Songs von der Leine lassen, die kaum fetziger packen könnte. Wahrhaftig: Wie extrem kurzweilig diese erste Phase des Sets um die Ohren fliegt, spottet jeder Beschreibung.
Kein Wunder also, dass da schnell Bewegung in die Menge kommt, während Atsuo mit geübten Posen den unermüdlichen Anheizer macht (und Takeshis einzige Animation – die ziemlich willkürliche Präsentation eines Boris-Shirts – herrlich irritierend in der Luft hängt) und man dem Trio glückselig aus der Hand frisst. Alles steht unter Strom, sitzt so straff und zwingend. Die in der Luft knisternde Energie ist greifbar und drückt ohne Ende. Jede Sekunde dieses destillierten Schaulaufens ist in der superben Lichtshow-Synergie essentiell und ein Muss, keine Denkmalpflege.

Besser als dieser Rausch kann es eigentlich nicht werden. Tut es aber.
Die kurze Pause rund um den Luft holenden Wechselbalg A Bao a Qu wird für Danksagungen genutzt (die einmal mehr mit ihrer unaufgeregten Virtuosität anbetungswürdige Wata hat extra für die kurze Ansage sogar ein Mikro-Pult auf der Bühne), damit The Evilone Which Sobs zu einem überragenden Monolithen wächst, der phasenweise wie der wunderschöne Pink Floyd-Traum vom Drone und Doom thront. Wahnsinn! Russische Fans feiern die Band, doch die hat einen Fokus scharf gestellt, der gerade nichts abseits ihrer Musik wahrnimmt.
Wie dahinter ein zum Niederknien interpretiertes Akuma No Uta und ein sowieso praktisch neu erfundenes Just Abandoned Myself zur puren Extase mutieren, ist danach allerdings kaum weniger brillant.

Spätestens hier spielt der in Wien in ihren Noir Morpheus-Outfits auf der Bühne stehende Tokyo-Dreier seine Klassiker mit einer revitalisierenden metallischen Härte, die man man so noch nicht von ihm gehört hat. Weswegen man auch nicht neidvoll nach Ljubljana blicken muss, was die Zugabe angeht: Der kompakte Nachsatz Korosu wird flächendeckend mit einem Sound gespielt, der an die malträtierenden Creep-Attacken von Johnny Greenwood denken lässt – und ist damit vielleicht die bisher beste Live-Version seiner selbst.
Und trotz allem dürfen dann, während Farewell den Rahmen so atmosphärisch und sehnsüchtig schließt, zu dieser ein Highlight der Boris-Historie feiernden Gelegenheit auch ein paar sentimentale Gedanken aufkommen.

Darüber, welch eine bestialische Über-Phase die zwischen 1995 und 2008 hatte und wie prägend für die eigene musikalische Sozialisierung speziell diese war – wieviel einem aber auch alle nachfolgenden bedeuten können. Wie frisch, spannend und aufregend die über zwei Dekaden auf dem Buckel habenden Nummern auch heute noch Klingen, welchen Hunger sie entfachen und was für eine Prägnanz.
Was freilich auch Hand in Hand mit ein bisschen Wehmut darüber geht, dass wir uns aktuell – was reguläre Alben abseits etwaiger Kooperationen betrifft – tatsächlich in der längsten Platten-Pause befinden, die man in der nur wenige Schwächephasen zeigenden Karriere dieser Ausnahme-Band zu erdulden hatte. Was plötzlich umso schwerer wiegt, weil knapp eineinhalb Stunden Spielzeit so selbstverständlich demonstrieren, wie verdammt gut Boris immer noch sind.

Setlist:
Blackout
Pink
Woman on the Screen
Nothing Special
Ibitsu
Electric
A Bao a Qu
The Evilone Which Sobs
Akuma no Uta
Just Abandoned Myself
Farewell
Encore:
Korosu

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Das praktisch jede Nummer der Britin weiterhin nach dem selben Muster funktioniert – melancholisch am Klavier schwelgende Innenansichten finden ihren Ausbruch in der Kraft des majestätischen Post-Metal und -Rock – fällt deswegen nur in wenigen Passagen der ein klein wenig zu ausführlichen Platte negativ auf – immer jedoch, wenn es den ganzheitlichen Fluß des Gesamtwerks unterspült.
Sei es durch die flächendeckend zu überraschungsarme Vorhersehbarkeit der Entwicklungen im Allgemeinen – weil dies eine gewisse Redundanz mit sich bringt (spätestens der melodramatisch mäandernder Closer The Gentle Harm wiederholt die Theatralik zum Abschied dann ohne wirklichen Mehrwert) -, oder im Speziellen. Beispielsweise, wenn Poison (das ein gewöhnungsbedürftig sleazy daherkommendes Riff, das eher vom Nu Metal spezialisiert zu sein scheint) die getragene Grandezza des Autopilot voll flehender Sehnsucht zu abrupt beendet. Oder wenn die nichts von ihrer Klasse verloren habende erste Single Wolves sich für ein die übergeordnete Dynamik ausbremsendes, fahles Fade Out entscheidet. Mag die davor auch eine Größe erschafft, die dem Vorgängeralbum vor vier Jahren in dieser Gewichtung abging.

Womit wir auch beim relativierenden Punkt wären: Die Substanz hat wieder ein höheres Grundniveau. Und sicher hat Solstice nun auch den den Vorteil, neben den kompositorischen Limitierungen der Britin nicht so gravierend an der Erwartungshaltung scheitern zu müssen, wie As the Moon Rests dies nach der 2020er-Schönheit Forever Blue wohl zwangsläufig tun musste.
Doch Williams hat die diesmal etwas längere Pause zwischen den Werken merklich gut getan. Little By Little tänzelt suchend als in die Breite gehende Annäherung an die Ästhetik des Synth Wave und Dark Ethereal, erinnert im Refrain wohl mehr als es will an eine dunkel schimmernde Goth-Version des gleichnamigen Radiohead-Songs, und wird zur Mitte mit filmischer Breite und epochalem Bombast die Soundkathetrale über dem Vorgänger. Auch die tendenziell sinfonische Klavierballade Hold it Together sucht die sphärische Macht, derweil Outlines zurückhaltender mit andächtige Schwere schleicht und sich einen schöner Ausklang an den Tasten gönnt. Business as usual, das sofort überzeugt.

Am besten sind jedoch die Momente, die zumindest vage versuchen, die festgefahrenen Strukturen aufzubrechen.
Das verträumt bleibende, wehmütige I’ve Seen Enough ist etwa eine reine Wohltat, wie auch das ausnahmsweise komplett reduziert am Klavier bleibende The Veil. Die tragische Ruhe von Breathe lässt folkloristische Schimmer zu und klingt wie eine wärmende Decke in Silent Hill, wohingegen die andächtige Schwere im The Crow-Zitat It Won’t Rain Forever gerne mehr Impulse als die sakral orgelnde Grundierung vertragen hätte.
Und gerade die tolle Alternative Rock-Zeitlupen-Single Just a Shadow interpretiert das Wechselspiel zwischen laut und leise, hart und zart so rund, weil sich nicht alles auf eine Klimax hin ausrichtet. Bleibt zu hoffen, dass Album Nummer 4 diese Ansätze nutzt, um die Verhaltensmuster endgültig aufzubrechen.

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Dass Blasphemy bereits gut fünfzehn Monate auf dem Buckel hat, geht schon klar – Guided By Voices waren in dieser Zeit ja auch keineswegs untätig. Dennoch will der „new batch of 15 songs of spontaneous lo-fi psychedelia cranked out in two days“ von The U.S. Rip Van Winkle den 2025 erzeugten Schwung so oder so nicht unbedingt mitnehmen und tauscht den Elan in der nonchalanten Ungezwungenheit gerade Eingangs gegen eine demonstrativ mäandernde Fahrigkeit.
Das instrumentale Intro The U.S. Rip Van Winkle (By Title) soll sich im Wechselspiel aus einem taumelnd-schrammelnden Zappeln und dem straighter rumpelnd-groovenden Garage-Modus höchstens dafür entscheiden, den ästhetischen MO der von Pollard gelenkten Band als Orientierungspunkt vorsichtshalber noch einmal vornewegzuschicken – nur damit See the Clerk im Grammophon-Rauschen als komplett redundantes Interlude direkt dahinter gleich wieder jede Spannung herausnimmt. Das direkt dada-da-da-dadadadaaaaahinter in Schieflage taumelnde Schunkeln Earth to Channel 12 ist auf halbem Weg zum Pollard-Standard dafür ein geradezu nervig penetranter Instant-Singalong, hinter dem When Melvin Turns In zäh aus Leim rollend mit diffus aneinander vorbeiatrbeitenden Gitarren und Drums joggt.
Danach greifen die ineinander fließenden Collage aus Skizzen und Fragmenten aber immer runder in Gang und bauen eine beinahe ganzheitliche Attitüde für The U.S. Rip Van Winkle auf.

Paint Pow klopft den Indie auf eiliger Demo-Ebene nach vorne und vergisst auf den Bass, zumal im Verlauf eigentlich eh nichts passiert, bis Harlequin Ghost als psychedelisch entschleunigtes Taumeln in sedierten Kontrast plätschert. Genau auf diese Kontraste legt es The U.S. Rip Van Winkle immer wieder bewusst an – auch kontrollierter, als es im spontanen MO scheinen mag.
Ex’s and Ohs ist ein erdiger rockendes Stacksen mit Gewichtsverlagerung, das freiheitsliebend in die Breite atmet, auch wenn der schrammelnde DIY-Sound das Panorama grundlegend einkesselt und der Song zudem einfach ausfranst. Odd Pocket geht es dort gemütlicher an und Anonymous Hangman rudert mit bratzender Heaviness, ohooo!, derweil Personal Death at Edward the 7th das Szenario mit Folk- und Americana-Anleihen auf der morgendlichen Drone-Veranda so überlegt wie angenehm durchlüftet. Monkey Puzzle Forest bimmelt minimalistisch und Broken Toys könnte beinahe eine poppige Petty-Niedlichkeit als Vorbild haben. The Loser gibt gleichzeitig Gas, während die Band auf dem Bremspedal steht.
Die delirante Klangfläche Headpiece of a Crow wirkt dann wie ein Zufallsprodukt: das Schlagzeug rumpelt die Gitarre torkelt um die improvisierte Idee eines Soulsongs do vage wie möglich einzufangen, so dass alles irgendwann nach reiner Willkür klingt – bis Blow My Drums aus dem Gebilde emporsteigt und seine Aufbruchstimmung ganz natürlich verglühen lässt, bevor die Band in in einen saloppen baumelnden Slapstick-Modus umschaltet. Das passt zu einer Platte, die einen klaren Masterplan hat, es sich aber dabei zur paradoxen Aufgabe gemacht hat, zur enervierenden Geduldsprobe für alle zu werden, die Blasphemy auf der Stelle gekriegt hat.

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Im Windschatten der aufmerksamkeitsgenerierenden Deafheaven-Kooperation gehen Jae Matthews und Augustus Muller zumindest keine Risiken ein, wollen niemanden wehtun und gleichzeitig eine potentiell größere Hörerschaft an Bord holen, weswegen sie ihren ästhetisch immer noch unmittelbar abholenden 80er affinen Synthpop auf einer oberflächlicheren Ebene anlegen.
Songs wie der an Merchandise erinnernde Opener Ronny (oder später auch beispielsweise das joggende Doppel aus Tough Luck (When You Don’t Call) und Faulty) sind insofern auch unaufgeregte Eingängigkeiten, die elegant und gefällig über die nostalgische Sehnsucht funktionieren und gut ins Ohr gehen.

Matthews singt gewohnt kühl, entrückt und sphärisch, unnahbar und verführerisch, wenngleich auch wieder sehr gleichförmig mit wenig Variation.
Den Spannungsbogen, die Wendigkeit in der Intensität und die stilistischen Facetten müssen insofern die Songs an sich besorgen. Was trotz eines latent enttäuschenden Beigeschmacks gelingt.
Jeans und Ice Pick (Walk Away) adaptieren flotter den minimalistischen Pop aus der The Cure-Perspektive an. Break Me pumpt straffer und gönnt dem Darkwave dängelnde Gitarren samt Post Punk-Flair, derweil Hard Beat – Nomen est Omen! – die Disko ins Visier nimmt. Coming Home tanzt dagegen entspannt extrem stimmungsvoll und deutet erhebend das Epische im Augenblick zumindest an.

Dennoch gelingt es hinter dem ambienten Spoken Word-Interlude Ivy’s Spiral ausgerechnet der fabelhaft relaxten Sommer-Lounge Pray 4 Me, eine Lockerheit zu generieren, die Get Mean bis dahin abgeht. Wodurch ein Falling ~, obwohl an sich ein redundanter Standard, die nötige Frische bekommt, um abzuholen.
Dass Boy Harsher für ihr Quasi-Comeback statt der die eigenen Leistungsgrenzen nicht antastenden Achse aus Zuverlässigkeit und Zugänglichkeit aber gerne auch weiter ausdehnen hätten dürfen, demonstriert dann ausgerechnet der halluzinogene Closer Bleed mit rasselnder rap-Hi-Hat in der elegischen Trance des Witch House.

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Ein Unterfangen, das nicht trotz, sondern gerade wegen seiner möglichst komfortzonensicheren Veranlagung besser gelingt, als man meinen müsste: Ja, selbst als großer Morello-Skeptiker kann man anerkennend attestieren, dass Everyone Gets Everything They Want um Klassen besser ist als der Mist, den er als The Atlas Underground verzapft hat, und alleine insofern überzeugt, als dass es deutlich über der Erwartungshaltung abliefert (und sich deswegen eine irrational wohlwollend aufgerundete Bewertung verdient).
Wobei schon das mit seiner mies zur penetranten Stadion-Wucht produzierte Intro Beth From Electronics vorwegnimmt, dass Morello sich auf Riffs verlassen wird, die man so schon unzählige Male bei seinen beiden großen Bands gehört hat. Der direkt übernehmende Audioslave-Hardrock des Titelstücks unterstreicht dies mit uninspirierter Routine, während der Protagonist vollkommen ironiebefreit einen auf dunkel und stimmungsvoll erzählenden Leonard Cohen macht. Das ist ein skurril, funktioniert aber halbwegs. Schade nur, dass der enervierend simpel zusammengekleisterte Refrain eine so schale 08/15-Mitsing-Banalität darstellt.
Adjourn It geht umgekehrt proportional gestrickt in derselben Gangart noch konsequenter zu Werk, doch Serj Tankian rettet im Semi-Rap-Modus viel. Dass die Texte politisch motiviert, aber ungefähr so raffiniert wie ein trivialer Vorschlaghammer sind, versteht sich von selbst.

Diesen ambivalenten Charakter – sowohl das qualitative wie stilistische Niveau betreffend – behält Everyone Gets Everything They Want auch in weiterer Folge bei.
Das irgendwie charmant überraschende, sicherlich etwas zu lang ausgefallene I Am Not Yours to Command fällt etwa als in der Lounge gecroonte (eigentlich: sprechgesungene) Klavierballade mit latentem David Duchovny-Flair komplett willkürlich aus dem Rahmen. In Unconquered gibt ein ziemlich redundanter Morello dagegen das unscheinbare Feature auf einem absolut soliden Kneecap-Standard mit Methods of Mayhem-Feeling. Everything Burns übersättigt die Audioslave-Blaupause mit einer Beartooth-Stadion-Animation zu Tode produziert, bevor das gefällige The Last Rung on the Ladder den Nightwatchman gemütlich auf der Americana-Prärie dahinlaufen lässt: Marke King Dude in harmlos, aber durchaus stimmungsvoll.
Überhaupt gilt: Das alles ist Kraut und Rüben, weder Fleisch noch Fisch, zumeist langweilig glatt inszeniert. Doch – auch wenn das kein wirkliches Lob ist – man hat Morello auf Solopfaden einfach schon viel mieser gehört, als hier.

In der Mitte der kurzweiligen Platte tut sich Everyone Gets Everything They Want als Nepotismus-Vehikel zwar wirklich keinen Gefallen (weil Sohn Roman in der mit hippiesken Revue-Backing-Ladies ausgeschmückten Rage Against The Machine-Stangenware Soldier in the Army of Love zwar eh ganz nett, aber eben doch absolut blass und energiefrei rappt, derweil das dumpfe Date Night mit seinem Dancepunk-Drive und – vom Mix ohnedies halbwegs lahm aus dem Spiel genommenen – Gesang kein Geheimnis daraus macht, dass die Stimme und Intonation des 15 jährigen einfach gar nicht interessant oder emotional packend ist, wohingegen seine Riffs einfallslose Kopien aus dem limitierten Baukasten des Vaters darstellen).
Dafür überzeugt das Werk hinten raus: Pretend You Remember Me ist solide getragener, halbgesprochener Rock der routinierten Sorte, und das ruhigere Untethered addiert in der Strophe eine dezente Nine Inch Nails-Atmosphäre, bekommt im Chorus von Sam Nelson Harris eine fast subversive Nonchalance mit auf den Weg, und gefällt auch ohne allzu gravierend nachwirkender Originalität.
Soviel Trittsicherheitheit hätte übrigens auch They Can’t Kill Us All nicht geschadet. Den reduzieren Folk des Closers mit prätentiösen Streichern, einer willkürlich herbeibemühten Mundharmonika und einem wohl episch gemeintem Arena-Puls aus der am Reißbrett konstruierten Dose auszustatten, zeugt nicht gerade von Geschmack, ist aber ein treffender Ausdruck der anbiedernden Oberflächlichkeit der Platte.

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Das erste, nach eigener Definition von Helden wie A Long Winter, Hopesfall oder Broken by Silence inspirierte Kurzformat 2025 hat dem texanischen Sextett nicht nur viele Freunde in der Szene gebracht, sondern auch einen Vertrag mit DAZE. Umso erstaunlicher also, dass Brenden Riker (Vocals), die Gitarristen David Falcon und Noah Benavidez, Steve Colina (Bass, Vocals), Schlagzeuger Elijah Vega sowie George Gonzales (Synthesizer, Elektronik) sich dennoch nicht damit begnügen, sich in der Komfortzone dieses Senkrechtstarts auszuruhen.
Held Under An Incandescent Sky bleibt der bisherigen Linie der Truppe zwar treu, steigert die Dosis seiner Ingredienzien aber und verschiebt die Gewichtungen im Sound markant – auch mit bewusst polarisierender Konsequenz.
Die Synths nehmen nun einen viel prominenteren Platz im Mix ein, kleistern den 00er-Metalcore-Tribut ein bisschen willkürlich und penetrant mit luzidem Goth-Flair zu – so weit im Mix nach vorne gestellt gar, dass der Metal seine packende Griffigkeit verliert, obwohl das greinende Death-Gebrüll mittlerweile das Spektrum der Vocals (vielleicht eine Spur zu bemüht) dominiert.

Hinter dem stimmungsvollen Ambient-Intro The Carving Of… sind dies Justierungen, die jetzt noch mit ambivalenten Kinderkrankheiten einhergehen, die sich aber auf lange Sicht rentieren sollten.
Denn alleine dafür, wie This Beautiful Deception generische Tendenzen, unstreitbares Talent, effektives Know How und ein bisweilen zum Clusterfuck tendierendes Songwriting absolut solide mit eigen(willig)er Handschrift ausstattet, um sich eine klare Identität von der Masse abzukanzeln, muss man der Band Respekt zollen. Direkt in Dahlia übergehend, gönnen sich A New Day dann auch mal einen flehenden Emo-Klargesang mit tackernd-moshernder Funeral for a Friend-Liebe, bevor hinten raus die weibliche Aura hinten verträumt durchatmet.

Ulalume nimmt sich Zeit um besonders melodisch und hymnisch erhebend zu starten, und schrubbelt dann, bis die harmonische Mehrstimmigkeit so willkürlich wie cheesy auftaucht – nur damit Love :22 die vorweggenommene Situation schlüssig auflöst, volle Sehnsucht schmachtend.
Das zeigt, das die Songs von Held Under An Incandescent Sky für sich betrachtet auf den ersten Blick vielleicht weniger gelungen erscheinen können, als jene von So Close to Perfection…, sie aber eigentlich nur ganzheitlicher mit dem Blick auf das Gesamtwerk gedacht sind und die Summe nach kurzer Eingewöhnung einfach rund funktioniert.
Das abrupte Ende der EP (die so eher wie der unvermittelt abgedrehte erste Part eines Albums wirkt) ist insofern ziemlich frustrierend. A New Day deswegen vom Radar der interessantesten Revival-Newcomer zu verlieren, kommt aber keineswegs in Frage.

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Vielleicht ist auch einfach nicht die beste Idee, dass die Band aus Michigan für den Einstieg in Part 2 quasi auf altes Material zurückgreift: mit Sleep a Cicada Would Envy brüllt die Neubearbeitung einer 2023er-Nummer als heavy groovender Metalcore gegen brutale Gitarren-Kaskaden an, ganz nach der gängigen Genre-Norm.
Was per se eh gut ist, auch wenn der Autopilot irgendwann zäh wird – bevor sich der Opener irgendwann für mehr 00er-Melodik mit Klargesang lichtet, der Rhythmus verschiebt und am Ende nochmal dickflüssige Melasse angerührt wird.
Die bessere Option desselben Musters ist insofern Amber Waves of Arson, das mehr Biss als die anderen beiden Stücker der EP zeigt, die nötige Power in den Riffs erzeugt und ein generell zwingenderes Auftreten an den Tag legt. Der cleane Alternative Metal-Part ist natürlich cheesy, passt aber schon, weil die Energie stimmt, und Wounded Touch ihr Epigonentum so gewohnt frisch und hungrig ausspielen, dass die relativ 08/15-genormten Strukturen ebenfalls kaum ins Gewicht fallen.

Dazwischen steht auf They Promised Eden (Vol. 2) das ebenso kompromisslose wie eindimensionale Scarlet Psalm,  bei dem Nicholas Holland (Vocals), die Gitarristen Michael Poshedly und Kyle Maddock, sowie Daniel Horn (Bass) und Alex Larson (Drums) den Hebel bei einem fett ballernden Brecher ansetzen, der im Stakkato tackernd in seiner repetitive  Monotonie eigentlich das beste aus seiner generischen Plakativität macht.
Dazu gehört auch eine lange, den ganzheitlichen Blick fordernde Erklärung zur Single im Speziellen und der (nichtsdestotrotz rundum guten, im Kontext aber vor allem auch ein bisschen enttäuschenden) EP im Allgemeinen:

Volume 2, in contrast to its counterpart that released earlier in the year, maintains its cynical nature but with an aggressive optimism in both sound and subject. We admittedly hadn’t had the full thing mapped out or written when volume 1 dropped but the response to it had us in the studio almost immediately with a frenetic energy we hadn’t experienced since we were teens. ‚Scarlet Psalm‘ is the bridge between the band’s sound we started with and where we’ve arrived today, carried by lyrics about the righteousness of martyrdom. All our mistakes we’ve made in the past and up to this point, and the chance we were still given by Ferret coalesces with the song’s final redemptive line. „Let me make this right.
The marriage of „They Promised Eden“ Volume 1 and 2 as a singular release is like looking at a single photo of a living thing mid metamorphosis. The first half is where the band took its sharp turn and swung for the fences with an angry, violent recklessness in sound and design. And the second half is a sonic reflection of that choice and of our trajectory.
We’d only had a portion of a song and a half written when we signed to Ferret following Volume 1 and we didn’t know if we should continue on our path or deviate, but we ultimately chose to maintain with the confidence of our writing and as a nod to the earlier years as a band, include a re-recording of ‚Sleep a Cicada Would Envy‘ which seemed to still match the overall bleak, machine like tone. Though it’s a collection of ultimately two separate releases, it still feels like a singular release in concept and the pieces had always been intended to fit together that way.

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Tatsächlich haben Marissa Nadler (Vocals, Lyrics) und Stephen Brodsky (Gitarre, Vocals , Lyrics) für ihre Kooperation offenbar nicht nur den Titel ihres Debütalbums als Bandnamen übernommen, sondern Droneflower durch die Hinzunahme von Shearwater-Keyboarderin Emily Lee auch personell aufgestockt.
In dieser Konstellation arbeitet man angeblich bereits an einem Zweitwerk, doch zum „first Bandcamp friday of spooky season“ spendiert das Trio mit (Burials) erst einmal zwei neue Songs.

Den Beginn macht das „pretty self explanatory“ Sky Burial, das vordergründig den typischen Dark Folk von Nadler so verhuscht und ätherisch betörend zupft, während Brodsky dahinter eine prägnant drängende Metal Gitarre mit heulender Core-Tendenz und nachbratendem Drone spielt, während das Keyboard warm texturiert. Was für ein herrlicher Kontrast, der keine Bedenken zeigt, seine Amplituden exaltiert auszuleben!
Im folgenden Drive It In („written for a nixed Buffy the Vampire Slayer reboot“) übernimmt dagegen Brodksy die Leadstimme – anmutig, klar und bezaubernd -, derweil Nadler die bedächtig schreitende, funkelnd klimpernde und mit kammermusikalischer Andeutung ausgeleuchtete Acoustic-Nummer zurückhaltend im Hintergrund begleitet.
Schade nur, dass die Nummer nach 84 Sekunden so abrupt endet und (Burials) so einen skizzenhaften Beigeschmack mit auf den Weg gibt – was die Vorfreude auf den zweiten Droneflower-Langspieler allerdings dennoch keineswegs mindert.

Der Beitrag Droneflower – (Burials) erschien zuerst auf HeavyPop.at.

Der bisherige Modus Operandi – Nadler singt die von Direktor Burgess musikalisch umgesetzte Cover-Versionen – bleibt dafür bestehen, wie die 45 jährige im Jahr nach New Radiations erzählt: „This song was popularized by Pete Drake and his version is the version that I fell in love with. The song was written by Buddy Killen and was released by The Little Dippers and Billy Walker in January 1960.“
Und weiter: „I’ve loved this song for so so so many years….So has Milky. We’d made the skeleton for this track long ago but decided to unearth it and revamp it.“

Gut so! Den Kanon der beiden ideal miteinander harmonierenden Musiker nahtlos fortsetzend, schunkelt Forever im betörend reduzierten 50s Flair und stünde in der Jukebox direkt neben Badlands von Dirty Beaches. David Lynch hätte das wohl gefallen.
Die Vocals von Nadler schunkeln in sanften Call And Response mit sich selbst, und bezaubern im ebenso zurückhaltenden wie detailbewusst inszenierten Ambiente als eine ebenso alterslos wie bittersüß aus der Zeit gefallene Erinnerung an die Vergangenheit. Kurzum: Wirklich wundervoll!

Der Beitrag Marissa Nadler and Milky Burgess – Forever erschien zuerst auf HeavyPop.at.