Più che una semplice uscita discografica, «Tantrum» si configura come un vero e proprio manifesto sonoro. Il progetto dei Lit Up Fuse, attivo dal 2022 e guidato dalla cantautrice Alice Bosco insieme ai produttori Bruno Cama ed Emo, a cui si sono aggiunti nel tempo nuovi elementi della formazione, si muove infatti da sempre in una zona di intersezione tra musica elettronica, hip hop e attitudine punk, con una forte componente testuale e politica.

In questo nuovo singolo, la componente hip hop diventa il veicolo principale di una narrazione che si confronta apertamente con le strutture culturali e sociali contemporanee. Il brano mette in tensione la superficie levigata del consumo pop con una realtà più complessa e conflittuale, utilizzando il contrasto come dispositivo narrativo e sonoro.

Al centro del testo si colloca una riflessione esplicita sulle dinamiche della manosfera e sulle forme di violenza di genere che attraversano gli spazi digitali e si riflettono nella vita reale. L’urgenza espressiva del flow si intreccia così a una scrittura che rifiuta ogni neutralizzazione del conflitto, assumendo una posizione dichiaratamente transfemminista e intersezionale.

Il linguaggio del brano evita qualsiasi semplificazione narrativa e si muove invece lungo una linea di frattura che mette in discussione la rappresentazione dell’eccezionalità nei casi di violenza, riportando il discorso a una dimensione sistemica e strutturale. In questo senso, «Tantrum» utilizza la forma-canzone come spazio di analisi critica oltre che come dispositivo musicale.

Anche sul piano sonoro il singolo si muove nella direzione della tensione e della sottrazione. La produzione firmata da Bruno Gagliardi (Bruno Cama) si basa su un impianto minimale e incisivo, costruito su bassi profondi, ritmiche sincopate e campionamenti che restituiscono un’atmosfera scura e ipnotica. L’estetica nu-electro-punk della band si fonde con la matrice hip hop, dando vita a un sound che privilegia l’impatto del testo e la densità del ritmo.

Il risultato è un brano che non cerca la leggerezza, ma la pressione costante, in cui la componente elettronica e quella ritmica funzionano come amplificatori emotivi e politici del messaggio. La voce si inserisce in questo tessuto sonoro come elemento centrale, più vicino alla dichiarazione che alla narrazione lineare.

«Tantrum» segna inoltre l’avvio di un progetto narrativo più ampio che accompagnerà le prossime uscite della band. Una struttura episodica articolata in diciotto capitoli sviluppati attraverso i canali social, in cui musica, immaginario visivo e scrittura si intrecciano in una narrazione continua fatta di simboli, figure e trasformazioni.

Il percorso dei Lit Up Fuse si è già consolidato con l’album d’esordio «Trigger», pubblicato nell’ottobre 2025 e seguito da una deluxe edition nel gennaio 2026 con numerosi featuring della scena rap e alternative italiana. Un lavoro che ha contribuito a definire ulteriormente l’identità del gruppo, caratterizzata dalla fusione tra urgenza politica e ricerca sonora.

Parallelamente all’attività in studio, la band ha portato la propria musica sui palchi dei principali club italiani, costruendo un percorso live che ha incluso venue come Hiroshima Mon Amour di Torino, Giardini Luzzati di Genova e The Cage di Livorno. Un’attività che ha trovato ulteriore impulso con l’ingresso nel roster di Django Music e con le recenti esibizioni nello showcase del Medimex di Taranto.

Con «Tantrum», i Lit Up Fuse consolidano quindi una traiettoria artistica che rifiuta ogni neutralità estetica, scegliendo invece il conflitto come spazio creativo. Un brano che non si limita a descrivere il presente, ma lo attraversa come campo di tensione, trasformando il linguaggio musicale in strumento di lettura e intervento sulla realtà.

Dopo una prima edizione che ha posto le basi di un percorso originale nel panorama audiovisivo italiano, il festival rinnova la propria call nazionale e internazionale, rivolta a registi, artisti, collettivi, case di produzione, etichette discografiche e autori indipendenti provenienti da tutto il mondo.

L'idea che anima UNFRAMED è semplice ma radicale: considerare il videoclip non come un prodotto accessorio della musica, bensì come un'opera capace di esistere autonomamente, dialogando con il cinema, l'arte contemporanea, la performance e la sperimentazione visiva. Un approccio che restituisce dignità curatoriale a una forma espressiva spesso relegata a contenuto di consumo rapido e che invece continua a rappresentare uno dei territori più fertili per la ricerca audiovisiva contemporanea.

Per tre giorni il Castello Normanno Svevo diventerà così uno spazio di incontro tra immagini, suoni e visioni. Tutti i videoclip selezionati saranno infatti proiettati in sala, offrendo al pubblico un'esperienza collettiva che ribalta la fruizione individuale e frammentata tipica dell'ambiente digitale. Una scelta che rappresenta uno degli elementi distintivi del festival e che restituisce al music video la dimensione cinematografica per cui molte opere vengono concepite.

La call è aperta a videoclip realizzati dal 2024 fino alla data di chiusura delle iscrizioni. Le opere selezionate entreranno a far parte del programma ufficiale e concorreranno ai premi dedicati ai diversi aspetti della produzione audiovisiva, dalla regia alla fotografia, dal montaggio al concept, fino all'animazione e alla sperimentazione.

Particolare attenzione sarà riservata alla scena pugliese, con riconoscimenti specifici destinati ai migliori autori e alle migliori produzioni del territorio. Una scelta che conferma la volontà del festival di valorizzare il dialogo tra dimensione internazionale e radicamento locale, favorendo la crescita di una rete creativa sempre più articolata.

Accanto alla selezione competitiva dedicata alle opere recenti, UNFRAMED introduce anche uno sguardo sul tempo lungo delle immagini. È in questa prospettiva che nasce EVERGAZE – Visione Resistente, sezione dedicata ai videoclip realizzati prima del 2024 o privi di una precisa collocazione temporale. Opere che sfuggono alle logiche dell'attualità e continuano a mantenere intatta la propria forza espressiva, attraversando gli anni senza perdere capacità di interrogare il presente.

Al centro dell'identità curatoriale del festival si colloca inoltre The Gaze, uno degli appuntamenti più significativi dell'intera manifestazione. Non una semplice retrospettiva, ma uno spazio di confronto con figure che hanno contribuito a ridefinire il videoclip come forma artistica autonoma. Un momento dedicato alla trasmissione di esperienze, alla riflessione critica e al dialogo tra generazioni di autori, nel quale lo sguardo diventa metodo, memoria e pratica condivisa.

Accanto alle proiezioni e alle premiazioni, la seconda edizione di UNFRAMED ospiterà anche uno spazio dedicato alle etichette discografiche pugliesi e nazionali. Un luogo pensato per favorire l'incontro diretto tra musicisti, registi, produttori e operatori culturali, creando occasioni concrete di collaborazione tra il mondo della musica e quello dell'audiovisivo.

Le iscrizioni sono aperte attraverso la piattaforma FilmFreeway. La scadenza ordinaria è fissata al 16 settembre 2026 con quota di partecipazione di 15 euro, mentre la late deadline sarà il 16 ottobre con quota di 20 euro.

Organizzato da Stand Alone Complex APS e dalla casa di produzione Zoomotion Sounds and Pictures Factory, UNFRAMED continua così a costruire uno spazio dedicato alle immagini che resistono alla velocità del consumo contemporaneo. Un festival che sceglie di riportare il videoclip al centro della scena culturale, riconoscendolo come luogo di ricerca, sperimentazione e libertà espressiva.

Perché alcune immagini non nascono per essere semplicemente viste. Nascono per essere abitate, condivise e ricordate. Ed è proprio in questo spazio, sospeso tra musica e cinema, che UNFRAMED continua a costruire la propria visione.

Il termine genovese «crêuza» indica un sentiero stretto che collega la terra al mare, un passaggio tra le case che conduce all'orizzonte. È una parola che contiene in sé il senso del viaggio, dell'attesa e della partenza. Un'immagine che trova una sorprendente corrispondenza anche a Taranto, città costruita tra due mari, fatta di vicoli, porti, vento e sale, sospesa da sempre tra lavoro e bellezza, industria e natura, speranza e disillusione.

Palmieri parte proprio da questa connessione ideale tra Genova e Taranto per costruire la propria lettura del brano. Due città portuali, popolari e contraddittorie, accomunate da un Mediterraneo che non è soltanto paesaggio ma anche condizione umana. Un Mediterraneo fatto di fatica, incontri, partenze, ritorni e trasformazioni continue.

La scelta di confrontarsi con una delle opere più importanti della musica italiana non nasce dunque da un semplice omaggio, ma da una riflessione coerente con il percorso intrapreso dall'artista negli ultimi anni. Al centro della sua ricerca c'è infatti il rapporto tra territorio e linguaggio, tra memoria collettiva e racconto contemporaneo.

Un lavoro già emerso con forza in «Acciaio», il suo ultimo EP in dialetto tarantino, che rappresenta una delle esperienze più significative della sua recente produzione. Un disco che utilizza la materia come metafora esistenziale e sociale, raccontando una città segnata dalla presenza dell'industria e dalle sue profonde contraddizioni.

In «Acciaio», il metallo diventa simbolo di una realtà complessa: è la sostanza che costruisce, sostiene e dà lavoro, ma è anche quella che può consumare e ferire. La città industriale e le relazioni umane finiscono così per riflettersi l'una nell'altra, lasciando segni profondi e spesso invisibili. Attraverso il dialetto tarantino, Palmieri restituisce a questo racconto una dimensione autentica e contemporanea, trasformando la lingua popolare in uno strumento poetico capace di parlare al presente.

Anche la nuova versione di «Crêuza de mä» si inserisce in questa traiettoria artistica. Il Mediterraneo, il porto, le periferie industriali, il mare e la memoria collettiva continuano a essere i punti cardinali di una scrittura che cerca connessioni tra luoghi apparentemente distanti ma profondamente affini.

Il suo percorso artistico unisce una solida formazione musicale — maturata tra il Saint Louis College of Music e l'Accademia Officina Pasolini — a un costante impegno nella produzione culturale indipendente e nella valorizzazione della scena musicale territoriale. Negli anni Palmieri ha affiancato all'attività di musicista quella di direttore creativo e organizzatore di progetti dedicati alla promozione della musica emergente, costruendo una visione artistica capace di dialogare con linguaggi diversi. La sua reinterpretazione di «Crêuza de mä» conferma questa attitudine alla contaminazione e alla ricerca. Un lavoro che guarda alla tradizione senza trasformarla in esercizio nostalgico, ma utilizzandola come materia viva da attraversare e reinterpretare.

Più che una semplice traccia elettronica, «Zenit» si presenta come un manifesto poetico e concettuale che mette in discussione l'intero apparato simbolico costruito attorno all'estate. Il brano opera infatti una sistematica decostruzione delle sovrastrutture commerciali, sociali e culturali che accompagnano la stagione più celebrata dell'anno, interrogandosi sulla distanza sempre più evidente tra esperienza autentica e rappresentazione.

L'estate raccontata da Dervishi T. non è quella dell'evasione, della leggerezza o della libertà. Al contrario, appare come un dispositivo estetico che impone modelli di comportamento, immagini e stati d'animo codificati. Un territorio nel quale il divertimento rischia di trasformarsi in obbligo e la felicità in una performance collettiva da esibire.

A sostenere questa visione è una scrittura che guarda apertamente a una precisa tradizione della canzone d'autore italiana, in particolare all'opera di Franco Battiato. Il lessico utilizzato evita volutamente il linguaggio immediato e consumabile della musica stagionale per privilegiare termini come «limine», «sovrastruttura» e «recinto», parole che spostano il racconto su un piano filosofico e critico.

Al centro della composizione emerge anche un dialogo ideale con «Il vento caldo dell'estate» di Alice, uno dei brani simbolo degli anni Ottanta. Se nel classico interpretato dalla cantante forlivese il caldo rappresentava un'apertura sensoriale e una condizione di abbandono, in «Zenit» quello stesso elemento assume una valenza opposta. Il vento non è più una carezza ma una presenza minacciosa; il calore non libera ma invade; il sole allo zenit diventa metafora di una pressione costante da cui difendersi.

L'immaginario vacanziero viene così privato della sua dimensione mitologica. Spiagge, feste, aggregazione e consumo appaiono come elementi di una narrazione collettiva che tende ad appiattire le differenze individuali, trasformando il desiderio di libertà in un'esperienza standardizzata. Il risultato è un brano che utilizza l'elettronica non come semplice linguaggio sonoro ma come strumento di riflessione critica sul presente.

La collaborazione tra Dervishi T. e Dimblue contribuisce a rafforzare questa identità artistica, dando forma a un lavoro che si colloca lontano dalle logiche della stagionalità musicale e che sceglie invece di interrogare il senso stesso della stagione estiva. Una scelta controcorrente che, proprio nel giorno simbolico del solstizio, invita ad attraversare il caldo e la luce non come promesse di felicità, ma come occasioni per osservare ciò che si nasconde dietro le immagini più consolidate dell'immaginario contemporaneo.

Cinque anni di silenzio, e un disco che stimola tante domande a ogni ascolto...

«Nel frattempo ho vissuto, ho viaggiato, ho fatto una ricerca. Cercavo un senso, non ho trovato risposte. Probabilmente nelle canzoni ci sono tutte le domande che mi sono fatto mentre le scrivevo. Il disco racconta il mistero, anche il “primo amore” è il momento in cui ci riconnettiamo con il senso di appartenere, di non essere soli. Il primo amore è anche il primo motore, il movimento, e lo stesso amore mi sta tornando indietro. Sento entusiasmo, e sono felice perché fare questo disco è stata un’avventura. Se mi torna indietro amore significa che ho fatto bene».

Il viaggio è stato un elemento fondamentale?

«Il viaggio più importante è quello dentro noi stessi. Esci dalla routine, dai tuoi parametri culturali, ti mette davanti ad altri parametri e ridimensiona l’ego. Capisci che l’uomo può essere qualsiasi cosa. Dentro di noi c’è tutto, poi la cultura ci addomestica. Non sappiamo cosa potremmo essere in altri mondi. Viaggiare aiuta ad avvicinarci».

E questo immaginario di storie e contraddizioni, come lo avete tradotto a livello sonoro nel disco?

«Abbiamo costruito un suono con una sezione ritmica importante, è stata una fucina quasi rituale. Tutti suonano quasi tutto, l’energia del disco ha fatto uno step ulteriore. E poi dal vivo è fondamentale: non puoi riprodurre fedelmente il disco, le canzoni in cuffia sono una cosa, il live è un’altra, è un’esperienza collettiva, con il pubblico. Sto costruendo uno spettacolo più corporeo, più rituale».

Uno dei protagonisti delle tracce è Maradona, più come simbolo che come giocatore...

«Mi viene in mente la filosofia di Feuerbach: abbiamo messo noi stessi nel cielo per legittimare la nostra vita. Maradona è l’uomo che sta sotto e l’uomo che sta in cielo. È dentro una struttura sociale fatta di regole, tribunali, carcere, giustizia, ma allo stesso tempo è un essere che trascende, è un simbolo. Il calcio è il sogno dei popoli, soprattutto dei più poveri, che mettono tutto in quel campo: speranza, fede, ambizione. Quando alziamo gli occhi verso il cielo, Maradona è lì».

E un altro momento forte del disco è «Bambino», un dialogo con il tuo bambino interiore. Ci parla?

«Quel bambino ti salva la vita ogni volta. Non ci si può abituare alle bruttezze della vita. Nei bambini risiede la purezza, la vitalità, la forza. In quella canzone parlo di un bambino che è anche adulto, quindi di me stesso. L’ho scritto durante una crisi. Un giorno ho preso quel bambino che ero, l’ho guardato negli occhi e gli ho detto: “Io ti voglio bene“».

Gilberto Genco, barese trapiantato nel Salento dopo una vita in giro per l'Europa, lavorando nella moda e nell'editoria, ha rilevato insieme alla famiglia questa storica masseria del 1724 (si chiamava «Ristoppia») in piena pandemia, restituendole un'identità. Oggi il cartellone di Masseria Wave è conosciuto in tutto il panorama elettronico globale, non solo quello queer: tra gli appuntamenti più attesi c'è il set di BASHKKA (22 agosto), Severino Panzetta, storico resident di Horse Meat Disco, e la dj e producer messicana Paurro.

«Il cuore di Masseria Wave non è definire il pubblico, ma farlo sentire parte di qualcosa - racconta Genco - quando siamo ripartiti dopo il Covid, l’idea era ricreare il tempo libero delle persone, ma senza etichette. Non volevamo categorizzazioni rigide di serate LGBT o lesbiche, sono sempre stato contrario all’autoghettizzazione, l'ambiente è aperto, anzi abbiamo dato ai ragazzi e alle ragazze della provincia anche la possibilità di scoprirsi, in un contesto dove lo status sociale viene messo da parte. La gente viene qui perché sta bene».

Un percorso illustrato anche dalla Wave Zine, rivista annuale che racconta la comunità queer europea e il progetto in Puglia: «Quest’anno il tema, anche del magazine, è appunto la catarsi. Musicalmente torniamo alla disco, lasciando un po’ da parte la techno più dura. Il mondo oggi è pesante, la gente vuole leggerezza. Il 70% della nostra line-up è composto da donne, e per me è una cosa molto importante. Abbiamo fatto anche settimane tematiche sull’empowerment femminile, coinvolgiamo collettivi transgender, per raccontare anche realtà marginalizzate». Nessuno sponsor istituzionale o grande brand alle spalle, tolleranza zero su razzismo, omofobia e xenofobia: «Abbiamo 70 camere, il ristorante, siamo sulle piattaforme turistiche, qui passa di tutto. Ma vogliamo mantenere la nostra libertà. Il pubblico viene da ogni parte, non solo per fare la serata, gli artisti li incontri anche a colazione o in piscina. E poi le donne si sentono sicure qui, è una cosa che mi riempie di orgoglio».

Il 18 luglio, in occasione di Extra Pride Wave, sarà presentato anche il documentario «Dear Wavers», realizzato in collaborazione con Crema Studio, che racconta l'impatto che il progetto ha avuto sul territorio: «All'estero viene capito meglio, in Italia c'è ancora un po' di rigidità culturale. Però negli anni siamo cresciuti e abbiamo costruito una comunità forte. L'augurio è di continuare a crescere come spazio culturale e umano. Non solo eventi, ma un luogo dove si costruiscono relazioni vere, in un’idea di turismo completamente diversa da quello classico, sperando che Masseria Wave continui a essere punto di riferimento per le nuove generazioni, per le comunità, per chi vuole, semplicemente, stare bene».

Secondo Montesano, le canzoni non si limitano a intrattenere: agiscono come attivatori emotivi profondi. Una melodia può accarezzare o urtare, riportare alla memoria luoghi, persone, sensazioni e persino odori. Quando un brano risuona con la propria esperienza personale, si crea un effetto immediato di riconoscimento: sentirsi compresi. Ed è proprio da questa sensazione che, secondo l’autore, può nascere un primo processo di cura. Il libro parte da questa intuizione per costruire un impianto strutturato: 18 capitoli, 18 temi centrali della vita umana e 18 canzoni dei Fast Animals and Slow Kids (FASK), una delle band più significative del rock italiano contemporaneo. Ogni capitolo affronta un tema universale – come resilienza, speranza, coraggio, perdono – attraverso l’analisi di un brano specifico, invitando il lettore a un’esperienza doppia: leggere e ascoltare.

L’elemento distintivo del progetto è proprio la sua dimensione immersiva. Non si tratta solo di un saggio di psicologia della musica, ma di un percorso esperienziale in cui ogni riflessione teorica è accompagnata da una traccia musicale. L’obiettivo è rendere accessibili i vissuti emotivi complessi attraverso un linguaggio immediato come quello musicale. La stessa band FASK, coinvolta nel progetto, sottolinea nel libro una visione coerente con l’impianto dell’opera: «La musica arriva in modi misteriosi e imprevedibili e noi crediamo che sia tutto lì». Un’affermazione che rafforza l’idea centrale del volume: la musica non si spiega soltanto, si vive.

Uno dei nuclei più forti del libro è la riflessione sul consumo musicale contemporaneo. In un’epoca in cui l’ascolto è rapido e spesso frammentato, Montesano propone un cambio di prospettiva: scegliere consapevolmente ciò che si ascolta significa influenzare il proprio stato emotivo. La musica, in questa visione, diventa uno strumento attivo di benessere psicologico. Non un semplice sottofondo, ma un mezzo attraverso cui orientare emozioni, pensieri e processi interiori. Da qui la domanda che attraversa tutto il libro: quali canzoni stai scegliendo per te? Uno degli aspetti più interessanti del volume è la sua capacità di muoversi tra ambiti diversi: clinica psicologica, divulgazione scientifica e cultura musicale contemporanea. L’autore, che integra da anni la musica nella sua pratica terapeutica con adulti e adolescenti, costruisce un linguaggio accessibile ma fondato su una solida formazione accademica. Montesano ha infatti studiato psicoterapia presso l’Università Pontificia Salesiana e critica musicale al Saint Louis College of Music, unendo due competenze che nel libro dialogano continuamente. La collaborazione con Woodworm Label e la prefazione affidata alla band contribuiscono a rafforzare il legame tra dimensione artistica e contenuto psicologico.

«Le canzoni possono curare», afferma il messaggio centrale del libro. Ma non in senso automatico o semplificato: la musica diventa terapeutica quando viene ascoltata in modo consapevole, quando entra in relazione con la storia personale di chi ascolta. Il volume si chiude con un invito diretto al lettore: iniziare dalla propria “carta d’identità musicale”, cioè da quei brani che hanno segnato momenti della vita. Un punto di partenza per costruire un percorso di ascolto più consapevole, in cui la musica non è solo intrattenimento, ma uno strumento per comprendersi meglio.

Dietro il nome d’arte KIKI c’è Virginia Carluccio, cantautrice nata a Manduria nel 2001 e cresciuta tra Puglia e Sicilia. Fin dall’infanzia la musica rappresenta per lei un rifugio e uno spazio di libertà espressiva. Una passione diventata ancora più importante dopo la perdita del padre, avvenuta quando aveva appena otto anni, e durante gli anni segnati da fragilità personali, episodi di bullismo e insicurezze.

La scrittura e il canto diventano così gli strumenti attraverso cui elaborare le proprie emozioni e trasformarle in arte. Un percorso accompagnato da oltre undici anni di studio vocale che la conduce, nel 2023, a una svolta significativa: la vittoria del contest televisivo Rising Voice nella categoria interpreti e l’ingresso nel roster di MMline Production Records, sotto la guida della manager Maria Totaro e del produttore Vittorio Conte.

Negli ultimi anni KIKI ha collezionato esperienze importanti, tra cui l’apertura dei concerti di Gaia, Wax e Fred De Palma, la partecipazione a Casa Sanremo Live Box nel 2025 e un’apparizione televisiva nella rubrica Strixfactor di Striscia la Notizia.

Dopo l’esordio discografico con «Notizie stupide del telegiornale», la giovane artista torna ora con un lavoro che rappresenta un ulteriore passo verso una scrittura più personale e consapevole. «Troppo diversa, troppo strana» nasce infatti da un momento di forte vulnerabilità emotiva e racconta la sensazione di sentirsi esclusi, diversi o non compresi dagli altri.

«Vorrei che chiunque ascoltasse questa canzone si sentisse meno solo o sola nella propria vita da reietti», racconta l’artista.

Il brano affronta con schiettezza questioni legate alla salute mentale e all’accettazione di sé, offrendo al tempo stesso un messaggio di speranza. Le fragilità non vengono negate o nascoste, ma accolte e trasformate in una forza capace di generare consapevolezza e cambiamento.

Scritto dalla stessa KIKI e prodotto da Vittorio Conte per MMline Production Records, «Troppo diversa, troppo strana» segna l’inizio di una nuova fase artistica per la cantautrice pugliese: più matura, autentica e profondamente autobiografica.

Siete tornati dopo anni di silenzio, musicalmente cosa avete fatto in tutto questo tempo?

«Ognuno di noi ha lavorato ai suoi progetti: colonne sonore, collaborazioni, altre band e prodotti più sperimentali. Poi viaggi, vite, matrimoni, ma siamo rimasti in contatto, anche se non così spesso».

E poi quale «scintilla» vi ha riunito?

«Negli anni capitava di rivedersi, anche per qualche jam session. È stato tutto naturale, a un certo punto è venuta fuori la proposta di scrivere nuova musica insieme, ed è iniziato il processo che ci ha portato al nuovo album.

Già. Nel 2023 uscì «Somewhere Between The Power Lines And Palm Trees», oggi «All in now». Un disco di rinascita o di continuazione?

«Una continuazione con nuova energia. Siamo tornati con uno spirito molto creativo. E c’è davvero un grande entusiasmo all’idea di portare questi brani dal vivo»:

A proposito, visto che anche lo scorso tour è passato dall’Italia, che rapporto avete con il pubblico italiano?

«Il bello di suonare dal vivo è proprio questo, ogni Paese ha il suo pubblico, e sono tutti molto diversi. In Italia c’è sempre una grande energia, sono platee appassionate, calorose. E poi per noi venire qui regala sempre grande ispirazione, dalla cultura, dall’architettura, dal cibo. Non è solo suonare: è vivere il Paese».

Dopo tanti anni vi diverte ancora suonare insieme?

«Sì, forse anche più di prima. Oggi c’è più consapevolezza, libertà creativa, poi avendo la nostra etichetta abbiamo totale controllo su quello che facciamo, e questo rende tutto più leggero e divertente».

Com’è generalmente il vostro processo creativo?

«Molto collaborativo. Spesso succede che uno porta un’idea, un titolo o un tema, e da lì sviluppiamo insieme la canzone. Siamo molto spontanei».

Oggi sulla creatività nella musica aleggia lo spettro dell’intelligenza artificiale...

«Sicuramente la tecnologia ha aperto molte possibilità, ma la musica resta una forma di connessione umana. L’AI può essere uno strumento utile, ma non potrà mai sostituire l’espressione umana».

E voi che tipo di connessione cercate con chi verrà ad ascoltarvi?

«Cerchiamo di emozionarle, collegarci, farle entrare nel nostro mondo».

Sorretto da moderne sonorità reggaeton e da una produzione elegante, «Sale sulla pelle» racconta un amore travolgente, vissuto in una dimensione sospesa dove il tempo sembra perdere consistenza. Il testo conduce l’ascoltatore lungo scenari mediterranei fatti di spiagge, tramonti e momenti condivisi destinati a imprimersi nella memoria. Gli «occhi da mare», la pelle che «sa di agosto», le «labbra ancora tiepide», il «sorriso di sale» e il «sapore delle onde» diventano tasselli di un immaginario che richiama l'estate italiana e le sue emozioni più autentiche.

Al centro del racconto c'è un sentimento totalizzante, capace di isolare i protagonisti dal resto del mondo. «Il mondo aspetta, ma noi no» sintetizza efficacemente questa immersione assoluta nell'istante presente, dove tutto ciò che conta è la forza del legame vissuto.

A impreziosire il progetto sono gli arrangiamenti del maestro Adriano Pennino, figura di riferimento della musica italiana, che ha saputo valorizzare l'identità artistica di Sir Paul attraverso una produzione raffinata e dal respiro internazionale. Il risultato è una traccia fresca e contemporanea, nella quale l'anima pop-urban del cantante si fonde con una scrittura attenta alle emozioni.

Sir Paul, all'anagrafe Paolo Di Tano, è nato a Putignano nel 2002. La musica lo accompagna fin dall'infanzia e negli anni ha costruito una solida formazione, distinguendosi soprattutto per la capacità interpretativa. Sotto la guida della sua prima insegnante, Connie Valentini, ha sviluppato una vocalità personale, arricchita successivamente da importanti esperienze formative e da riconoscimenti internazionali, tra cui i Grade Award in Rock & Pop del Trinity College London.

Tra il 2014 e il 2021 ha partecipato a masterclass e seminari con professionisti del settore come Paola Folli, Laura Pigozzi e Jean-Michel Byron. Una tappa decisiva arriva nel 2024 con l'incontro con l'autore Remo Elia, firma di brani interpretati da artisti quali Tiromancino, Carmen Consoli, Sal Da Vinci e Ivana Spagna. Dalla collaborazione con Elia nasce un nuovo percorso creativo, ulteriormente consolidato dal sodalizio con Adriano Pennino.

Pubblicato dall'etichetta La Mia Song, «Sale sulla pelle» rappresenta oggi il frutto più maturo di questa crescita artistica. Mentre prosegue il suo percorso di studi al CPM Music Institute di Milano, Sir Paul continua infatti a lavorare alla definizione di una propria identità musicale, nella convinzione che la voce possa trasformare ogni canzone in una storia da vivere e condividere.

Un processo lungo «raffinare» la scrittura in italiano: «È da quando andavo alle scuole medie che scrivo canzoni in inglese - continua - l’italiano ha bisogno di una scrittura per immagini, più specifiche possibile. Ho dovuto imparare a fare attenzione, nella vita, nel modo in cui sento le cose che mi circondano. A New York ho iniziato per gioco, per restare in contatto con la mia terra, e alla fine è nato un disco intero». Una città, la Grande Mela, che non ha smesso di ispirarla: «C’è una scena underground molto forte, sono fan dell’hip hop, dell’alternative. Poi New York è una città che ingloba le diversità, al contrario dell’Italia che è più giudicante, mi ha dato la spinta per rischiare con le sonorità senza stare a pensare se certe cose potessero piacere o meno».

Sonorità a cui è tanto legata essendo anche produttrice: «Da piccola mi appassionai a un libro, “Come registrare la musica” e per la prima comunione mi feci regalare una scheda audio. Avevo sempre la mia chitarra, e quando passai all’elettrica mi misi in testa che aveva bisogno di altri strumenti. Ho iniziato aggiungendo una batteria con i software, e alla fine sperimentando ho capito che potevo essere la mia band senza bisogno di nessun altro». A livello di live, invece, la band è fondamentale, e la sua ((Marco Pucci - chitarra e synth, Marco «Pizza» Martinelli - batteria e la pugliese Martina Tedesco - basso e basso synth) l’ha scelta con una call su Instagram rivolta agli emergenti: «Sono arrivate 500 candidature - conclude - ho voluto usare i social per quello per cui secondo me sono nati, essere “socievoli”. Ho fatto una scelta di cuore, aprendo un’opportunità per chi non conosce certi giri di musicisita, e anche per rendere il live più divertente. Ho scoperto una quantità di musicisti talentuosissimi in Italia: sembra che ci conosciamo da una vita, poi la mia bassista è anche pugliese, è gasata dall’idea di suonare al VIVA!». A ottobre Birthh farà trent’anni: cosa si augura? «Di continuare a divertirmi, di riuscire sempre a emozionarmi nella musica, e magari riuscire anche a emozionare gli altri». Bianca Chiriatti

Fil-rouge del lavoro è la figura della strega, alternativa rispetto alla femminilità conformata o alla visione maschile controllante. E i temi veicolati dalle «streghe» sono ultracontemporanei: identità, libertà personale, pressione sociale che ti schiaccia, necessità di immaginare mondi alternativi, in maniera un po’ ironica, un po’ dissacrante e un po’ sensuale. «È un mondo che mi è sempre piaciuto - continua - dalle Witch dei fumetti fino a Strega Salamandra della Melevisione. Fin da piccola ho percepito affinità con artiste che negli anni ‘80 erano considerate “streghe”: Annie Lennox, alchimista, Stevie Nicks, esoterica, Kate Bush che ha a che fare con la divinazione». Il tutto per regalare una profonda riflessione sulle rigidità e le convenzioni della società, accompagnate da clavicembali, liuti, sintetizzatori e una costruzione sonora alla quale ha lavorato a Londra, fianco a fianco con il produttore britannico David Kosten, che ha collaborato con Bat for Lashes. Tra i momenti più evocativi del progetto senz’altro «Il canto delle Anguane», streghe d’acqua ambigue, un po’ le «banshee del Veneto», omaggio a Patrizia Laquidara che ha curato con Francesca anche la produzione vocale del brano.

Tema fondamentale, ancora, quello dei colori: ce n’è uno nel titolo, poi uno dei singoli già usciti, «Strega Comanda», richiama proprio il gioco dell’infanzia (e anche la notizia del colore dei fiori d’arancio - annunciata, in maniera alquanto inusuale, dall’ex presidente della Regione Veneto Zaia sulla sua pagina Instagram - è confermata - va sottolineato per dovere di cronaca): «Sono fondamentali per me, quando scrivo le canzoni immagino già il loro “colore”. Alla fine lo fa anche Taylor Swift. Il tour estivo avrà proprio i colori come protagonisti: «Siamo partiti con il bianco, il prossimo sarà il giallo. Chi vorrà potrà vestirsi con lo stesso colore, noi oseremo con il make-up, ho una band tutta al femminile, siamo legate alla cultura camp, andiamo verso lo stravagante e l’esagerato». Non solo: l’arte sarà anche il fulcro di un altro progetto che vede coinvolta Francesca Michielin: il 25 giugno infatti esce «Supergirl: il mondo, antologia internazionale», che racconta la Ragazza d’Acciaio attraverso storie firmate da autori e artisti di 15 Paesi. Per l’edizione italiana, pubblicata da Panini Comics, Michielin ha firmato il soggetto di una storia sceneggiata da Irene Marchesini e illustrata da Federica Croci: «Avevo scritto tantissimo, posso anticipare che ha dei colori pazzeschi. È una storia che parla della fragilità di Supergirl». Dopo il tour estivo, in trio e in full band, in autunno appuntamento nei teatri: i fan pugliesi possono segnare sul calendario la data del 20 novembre al Petruzzelli di Bari.

Dopo il debutto allo stadio Teghil di Lignano Sabbiadoro e le doppie date già esaurite a Torino, Roma, Bologna e Messina, il tour proseguirà con l’appuntamento barese prima del gran finale a Milano.

Lo spettacolo è costruito come un vero e proprio viaggio negli anni ’90, tra scenografie immersive, riferimenti all’immaginario calcistico e televisivo dell’epoca e una scaletta che alterna hit storiche e momenti più intimi. Un impianto narrativo che trasforma lo stadio in un’esperienza collettiva tra musica e memoria generazionale.

La tappa di Bari si inserisce nel cuore del percorso estivo del tour, che attraversa l’Italia con 15 appuntamenti nei più grandi impianti sportivi del Paese. L’evento rientra nella serie di concerti già in larga parte sold out, confermando il successo del format “Max Forever”, diventato negli anni un fenomeno di richiamo trasversale.

Parallelamente al tour negli stadi, è già stata annunciata anche una nuova fase live indoor: “MAX FOREVER – STESSA STORIA STESSO POSTO STESSO BAR”, con una residency all’Unipol Dome di Milano Santa Giulia prevista per dicembre 2026 con sei date consecutive.

Il progetto live conferma così la continuità di un percorso artistico che ha portato Max Pezzali a dominare la scena dei concerti italiani negli ultimi anni, tra eventi speciali, tour sold out e format sempre più immersivi dedicati all’immaginario degli anni ’90.

Ad inaugurare il calendario saranno J-Ax e Irama, attesi sabato 13 giugno sul palco allestito in Piazzale Silvio Ferri a Manfredonia. Il giorno successivo, domenica 14 giugno, la manifestazione farà tappa a Martina Franca, dove in Piazza Maria Immacolata si esibiranno Raf e Fred De Palma.

In entrambe le città, a partire dalle 18, i conduttori di Radio Norba animeranno il pubblico con musica, giochi e interviste agli artisti, mentre alle 21 prenderanno il via i live degli headliner. Le esibizioni entreranno a far parte delle puntate di TIM Battiti Live, in programma a luglio su Canale 5.

Accanto agli spettacoli, spazio anche ai villaggi dei partner e alle attività di intrattenimento dedicate al pubblico: a Manfredonia in Via del Porto, a Martina Franca in Piazza Roma.

Il tour proseguirà nel weekend successivo con le tappe di Bari (19 giugno), Alberobello (20 giugno) e Polignano a Mare (21 giugno). Gli artisti che comporranno la line up dei tre appuntamenti saranno annunciati nei prossimi giorni.

L'ingresso agli eventi sarà libero fino al raggiungimento della capienza consentita.

Partiamo dall'attualità, che valore ha una canzone come «Bella senz'anima» e perché avete deciso di darle una nuova veste?

«Intanto la collaborazione con Carlos Rivera è stata spontanea, ci eravamo visti a cena e ripromessi di fare qualcosa insieme, anche perché suo padre era un ammiratore di Cocciante. Girando il mondo ci siamo resi conto che all'estero amano quello che non hanno e non possono avere o creare per ragioni culturali o antropologiche. Un patrimonio come quello italiano, nato in un Paese che ha gettato le basi per creare la musica sotto tutti i punti di vista, è affascinante. E noi, nel nostro piccolo, cerchiamo di portare avanti il bel canto perché non ci sono molti altri cantanti della nostra età che lo portano in giro, quindi con umiltà, ma anche con grande senso di responsabilità, seguiamo i passi di tutti gli artisti che ci hanno preceduto, da Luciano Pavarotti, il primo a portare questa musica fuori dai teatri, ad Andrea Bocelli, che ha creato il pop lirico».

«Responsabilità». Lo sentite il «peso» di essere ambasciatori dell'Italia nel mondo?

«È una questione soggettiva, ma una grande responsabilità ad esempio è quella di cercare di mantenere l'entusiasmo vivo quando cantiamo, essere più coerenti possibili con le scelte che facciamo. Poi è vero, qualcuno ci chiama ambasciatori del bel canto, ma è solo una conseguenza rispetto a quello che sentiamo e proviamo per la musica».

Un amore che le «mamme» e le «nonne», vostre prime fan, hanno sempre percpito. E le generazioni più giovani? Sentite di ispirarle in qualche modo?

«Basta vedere un nostro concerto. È vero, all'inizio soprattutto la nostra carriera televisiva era seguita da un pubblico più adulto, ma il nostro obiettivo è sempre stato quello di portare questo genere musicale ai nostri coetanei, perché oggi le piattaforme propongono scie più commerciali, ma la melodia è assolutamente trasversale. C'è una bella fetta di pubblico cresciuta insieme a noi».

La vostra apertura in questo senso si è vista anche nelle tante collaborazioni a cui vi siete aperti...

«Ovviamente abbiamo preso spunto da Luciano Pavarotti, fu il primo a farlo e a comprendere la reale potenza di questa musica, che poteva arrivare al grande pubblico. Noi in Italia siamo così abituati alla melodia che quasi la ripudiamo, in Inghilterra, per esempio, le canzoni più ascoltate di Adele sono tutte ballad con orchestra. Non è vero nemmeno che il romanticismo è morto, e forse dovremmo cominciare a parlarne di nuovo, a proporre contenuti meno frivoli. Non è una guerra, assolutamente, perché esiste la musica leggera e quella più impegnativa in base ai momenti, però ecco, per quanto ci riguarda, ci piace mescolare i generi, cantare con quegli artisti che oggi sono diventati amici».

La voce per voi è uno strumento chiave: come ve ne prendete cura?

«Ci vuole amor proprio. In passato c'erano periodi in cui eravamo un po' più distratti, oggi facciamo lezioni di canto, seguiamo una traiettoria più definita, cerchiamo sempre di migliorarci. Si pensa che il canto sia semplice, appoggi e respiri, ma è proprio quella conoscenza di te e del tuo corpo che fa la differenza sul palco, e se non te ne prendi cura, non puoi arrivare ad avere una carriera molto lunga».

Una riflessione finale: 17 anni insieme, iniziando da giovanissimi, non sono pochi. Qual è il vostro segreto?

«Ci vuole intelligenza, non solo da parte nostra, ma anche delle persone che ci circondano. Aiuta a eliminare quella parte di ego, perché in gruppo l'ego non può esistere, si deve fare squadra. L'abbiamo capito in tutti questi anni in giro per il mondo, non c'è cosa più bella che condividere le emozioni e gli obiettivi. E noi che viviamo picchi elevatissimi di adrenalina, quando raggiungiamo qualcosa abbiamo voglia di festeggiarlo con gli altri».

Partiamo dal piano nazionale, su quali obiettivi Assomusica si concentrerà?«Sicuramente i numeri oggi sono favorevoli, ma per esempio c'è un importante tema legato a location e infrastrutture: spesso si utilizzano edifici nati per lo sport che vengono convertiti per gli spettacoli, oppure piazze e scorci urbani adattati ad arene estive. I piani urbanistici delle città quasi mai prevedono strutture dedicate, così la musica finisce spesso in frizione con i residenti di alcuni quartieri, pensiamo a chi la confonde con la “movida maldestra”. E poi declinare la musica nei territori: non solo grandi eventi da stadio, ma un pluralismo capillare, perché le città hanno la loro forza, ma la musica diventa anche elemento di rigenerazione delle aree periferiche e dei piccoli borghi, per costruire attrattività turistica e quindi ricaduta economica».

Sembra di capire che la criticità principale sia legata ai rapporti con le istituzioni...«La musica contemporanea non ha grandi facilitazioni da parte dello Stato. È in discussione il Codice dello Spettacolo, ma è difficile che venga definito a breve. Mancano definizioni chiare: il Fondo Unico dello Spettacolo esclude gran parte della musica contemporanea per ragioni storiche e strutturali. I live club, che sono paragonabili ai teatri, non sono ancora riconosciuti pienamente come tali. E poi ci sono le regioni che stanno istituendo le Music Commission, come quelle per il cinema, ma il quadro è ancora frammentario. Il lavoro di Assomusica è proprio quello di fare proposte e spingere per un aggiornamento normativo».

In Puglia il settore è vivace, ma spesso gli operatori lamentano la mancanza di dialogo fra di loro, creando sovrapposizioni di date e programmazioni in territori anche molto vicini...«È vero, ma non credo serva delegare tutto alla pubblica amministrazione o introdurre regolamentazioni troppo rigide, perché si rischierebbe di falsare il mercato che invece è dinamico ed è naturale che si muova. Mettendo paletti per regolare i rapporti fra privati si rischierebbe di andare verso lo statalismo o l'assistenzialismo, quindi viva la libera concorrenza! Anzi, spesso è la pubblica amministrazione che entra in concorrenza con i privati, avendo una capacità economica che altera le regole del gioco. Il privato deve fare profitto per sopravvivere, la PA no. Questo crea squilibri evidenti, e nonostante siamo in una regione del Sud con un reddito pro capite molto basso, è da apprezzare quanto in Puglia si consumi musica in inverno senza contributi pubblici. Il Palaflorio di Bari è la struttura sotto Roma che fa più spettacoli in Italia, supera anche la Campania».

Parliamo di logistica: la Puglia è lunga, i territori spesso non così facilmente raggiungibili. Quanto pesa questo dato sul sistema degli eventi?«Abbiamo un problema di collegamenti complessivo con il resto d’Italia: treni spesso in ritardo o inefficienti, linee non adeguate, collegamenti aerei non sempre stabili. In un’ora qui si fatica a spostarsi tra i capoluoghi di provincia, altrove si passa da una regione all’altra. C’è poi il tema dei costi: la Puglia è diventata cara, per turismo e ospitalità, e questo ha cambiato la sua competitività. A questo si aggiunge la distribuzione degli spettacoli e la difficoltà economica dei comuni, per non parlare dei ritardi nei finanziamenti regionali e nei bandi, che rallentano tutto il sistema».

Insomma, la prospettiva - restando così le cose - qual è?«La crisi arriva sempre in ritardo nei territori periferici, ma quando arriva è forte. Non abbiamo ancora capito davvero l’effetto della bolletta energetica sui consumi culturali, ad esempio. Sicuramente c'è piena speranza in un nuovo riassetto, una maggiore capacità di interpretare i fondi europei in modo dinamico, non come rendita di posizione, e in un ricambio della classe imprenditoriale. Al Dams di Bari ci sono circa 400 nuovi studenti che si stanno laureando e che dovranno essere occupati o fare impresa. Ma bisogna evitare che la crescita resti solo infrastrutturale e non sociale. Perché senza crescita delle persone, la rigenerazione urbana resta incompleta: si costruiscono spazi, ma non si costruisce futuro».

Parla così Chiara Pizzi, DDUMA - appunto - nata a Casarano ma da tempo a Milano, che oggi pubblica l'EP A ddhu mare te porta, che contiene i singoli finora pubblicati e anticipa il primo album con la produzione di Machweo e il team di Ad Astra Dischi. Un lavoro in cui ha grande rilievo il dialetto, come racconta alla Gazzetta: «Mi sono trasferita in Italia dalla Spagna quando avevo sei anni, mi vergognavo perché non riuscivo a parlare bene nemmeno l'italiano. Poi stando a contatto con amici e familiari che parlano solo dialetto, l'ho assimilato, perfino qui a Milano convivo con delle salentine e lo parliamo. In certe situazioni ho proprio bisogno di esprimermi in dialetto, è come se parlassi in maniera più istintiva». Un rapporto stretto con la sua terra, che l'ha portata anche a inserire il simbolo del mare nel titolo del progetto: «Non sono la classica persona che non vede l'ora che arrivi l'estate per andare al mare - continua - ma il mare come elemento naturale mi piace moltissimo. Durante la pandemia stavo passando un periodo difficile, andavo in terapia a Gallipoli. Ogni volta al ritorno mi fermavo con mia madre sul lungomare: quei momenti sono stati utili per razionalizzare alcune cose. È un elemento che quando non ho vicino a me, mi manca».

Un percorso nella musica che è partito dallo studio del pianoforte: «Componevo brani strumentali per pianoforte e violino, perché lo suonava mia sorella. Poi ho iniziato a lavorare anche come autrice. Il passaggio al dialetto è arrivato per caso: è stato come scoprire un nuovo modo di raccontarmi, e oggi scrivo ovunque, rigorosamente a mano per scarabocchiare quello che mi viene in mente». Non un riferimento fisso, ma tante grandi voci nei suoi ascolti: Adele, Amy Winehouse, Stevie Wonder ed Etta James durante il percorso di formazione jazz. E anche se il progetto sta crescendo (è stata selezionata tra i finalisti di Musicultura) l'obiettivo più grande è uno solo: far conoscere un lato diverso del Salento.

La tournée partirà giovedì 19 novembre 2026 al Palateknoship di Genova, sabato 21 novembre 2026 all’Unipol Arena di Bologna, martedì 24 novembre 2026 al Palapartenope di Napoli, sabato 28 novembre 2026 al Palazzo dello Sport di Roma, martedì 1 dicembre 2026 al Palaflorio di Bari e sabato 5 dicembre 2026 all’Unipol Dome di Milano.

Shiva,  uno dei protagonisti assoluti della nuova scena rap italiana, è pronto a conquistare anche l’estate 2026 con appuntamenti estivi che lo vedranno sul palco dei principali festival italiani: mercoledì 29 luglio 2026 all’Este Music Festival di Este (PD), giovedì 6 agosto 2026 al Wave Summer Music di Catania, sabato 8 agosto 2026 al Vibes Summer Festival di Cinquale (MS) e venerdì 14 agosto 2026 al Red Valley Festival di Olbia (SS).

Tutto è cominciato per passione: «La trap ancora non esisteva, siamo partiti con una-due date all'anno, J-Ax fu uno dei nostri primissimi ospiti insieme ai Club Dogo, TruceKlan. Venivano 200-300 persone a serata, ma noi abbiamo continuato a credere nel settore e soprattutto siamo stati tra i primi a inserire il mondo trap nei club prima che diventasse di moda, quindi prima del 2016. Ci facevano suonare in apertura, alle dieci di sera: era un contentino, ma sapevamo che era un inizio. Poi nel 2016, quando è cambiata anche la discografia, dopo "Santeria" di Marracash e Guè, la bolla è scoppiata, ma noi eravamo pronti. La prima data fu davvero soddisfacente, e da lì non ci siamo mai fermati». E questo li ha portati anche a stringere rapporti personali con gli artisti: «Kid Yugi, che verrà quest'anno il 20 luglio al Gondar, è un orgoglio pugliese, gli vogliamo molto bene. Molti dei big di oggi sono passati dal Sottosopra che erano ragazzi: era un mondo genuino, c'era l'ansia prima di salire sul palco, le cose erano molto diverse». Oggi il brand è percepito in maniera molto forte, complice anche un'ottima capacità di comunicazione: «La macchina organizzativa non si ferma mai, è talmente grossa che va vissuta ogni giorno dell'anno, almeno come progettualità. La nostra filosofia, poi, è di inserire sempre giovanissimi nel team, che sono la benzina necessaria per andare avanti. In estate arriviamo a 50 persone tra dj, produzione, fotografi, collaborazioni...». E su una futura apertura a ospiti internazionali: «Negli ultimi anni siamo riusciti a portare un artista come Central Cee, che poi è esploso ancora di più. Per noi è una medaglia importante. L’ambizione massima è sicuramente riuscire a portare sempre più guest, ma si devono allineare alcune condizioni, tra cui la logistica del territorio, non sempre favorevole». Nel frattempo, il calendario finora annunciato prevede, nell'ordine: a Gallipoli Artie Five (Praja, 14 luglio); Samurai Jay (Praja, 16 luglio); Kid Yugi (Pargo Gondar, 20 luglio); Gemitaiz (Parco Gondar, 26 luglio); Promessa, Noyz Narcos, Luca Agnelli (Parco Gondar, 1 agosto), Guè (Praja, 4 agosto); a Bari Sayf (31 luglio), Capo Plaza (6 settembre), Anna (13 settembre), tutti all'Arena del Levante.

La scrittura di Stefan Quinto punta ancora una volta sull’immediatezza emotiva, intrecciando melodie intime e arrangiamenti essenziali a un immaginario sonoro contemporaneo. “Sempre noi” si inserisce così in un percorso artistico coerente, dove il racconto delle relazioni umane diventa il centro di una ricerca musicale capace di unire sensibilità cantautorale e aperture pop. Dietro il nome d’arte Stefan Quinto c’è Stefano Giaquinto, nato a Modugno, in provincia di Bari, nel 1995. Cantautore e polistrumentista, ha costruito il proprio background musicale attraverso una formazione accademica in batteria e percussioni jazz presso il Conservatorio di Matera. Dopo il debutto nel 2021 con i singoli “Heroes” e “To You”, l’artista ha iniziato a farsi notare partecipando a festival ed eventi musicali, fino ad arrivare al singolo “Lovers On Fire”, che gli è valso il terzo posto al 2MariSong Festival e il premio come miglior brano radiofonico Appulive 2024.

Nel 2023 arriva “Fantàsia”, primo brano in italiano, con cui raggiunge le fasi finali di Area Sanremo e inaugura il tour “Fantàsia24”. L’anno successivo pubblica “Romantica”, ottenendo attenzione da parte di emittenti e testate nazionali, tra cui Rai Radio1. Parallelamente porta avanti collaborazioni artistiche con Francesco Cavallo per “Endless Night” e con Perry & Fledger per “Like A Dream”. Nel 2025 Stefan Quinto approda inoltre alle selezioni finali del Festival di Castrocaro presentando il singolo “Come Va, Va”, confermando una crescita artistica costante e una scrittura sempre più matura. La sua musica continua così a raccontare storie universali attraverso uno stile autentico, elegante e profondamente personale.

Un disco arrivato a poca distanza dal precedente capitolo, che passo in più c’è stato?«Arriviamo da un anno in cui sono successe tante cose, probabilmente questo ci ha dato una spinta. Avevamo voglia di fare, è un disco venuto fuori in poco tempo tra scrittura, registrazione, mix e pubblicazione. Ma secondo me è giusto cavalcare l’onda e andare dritti, non è detto che non ne faremo un altro già nell’arco del prossimo anno, i temi non mancano».

Spieghiamo questo titolo, «Anatomia di uno schianto prolungato». Un ossimoro.«Mi piaceva un titolo lungo, che richiamasse il cinema vintage anni ‘Sessanta’60-‘70 o certe opere di Márquez, “Cronaca di una morte annunciata”. L’ispirazione è anche il film “Anatomia di una caduta”, ma per raccontare tempi così contraddittori mi piaceva l’idea di inserire un ossimoro, appunto, già nel titolo. Uno schianto non può essere prolungato, è un evento istantaneo. Mentre la parola “anatomia” accanto al racconto di questa fine del mondo, del sistema, del capitalismo, è un’analisi personale del fatto che mi trovo a entrare in una nuova stagione della vita che si affaccia verso il deperimento anatomico. È una presa di coscienza del fatto che da qui si va verso la fine, non è più un momento di crescita».

Una narrazione da cui tanti fuggono, in un mondo che vuole essere giovane per sempre...«Io la vivo con tranquillità, non c’è nessuna rassegnazione, è una constatazione. Sono curioso di vedere come sarà questa stagione della vita. Secondo me a quarant’anni devi anche assumere il ruolo di persona che ha un’esperienza, per poter mostrare uno sguardo sul mondo che non è quello di un ventenne. Non è un contrasto, ma può dare una sfumatura che magari a vent’anni non si vede. E poi per la prima volta mi sono lasciato andare a un racconto più dolce. “Burrasca” è un pezzo che non avrei scritto un paio di anni fa. Forse ho acquisito una consapevolezza totale che mi lascia essere più libero di quanto non fossi a venticinque anni».

Lei parla al plurale quando racconta il disco: quanto conta la dimensione di squadra?«È fondamentale. Da solo non sarei in grado di fare nulla di quello che c’è nei dischi. Ho bisogno della band che mi accompagna live, del team di produzione. I pezzi nascono in gran parte da spunti di altri, perché lavoro ancora come quando facevo il rapper “tout court”, mi mandano delle basi su cui scrivo e poi riarrangiamo tutto insieme in studio. E poi per gli instore ho voluto farmi accompagnare da Stefano perché per la prima volta rispetto ai dischi precedenti ha assunto un ruolo centrale di direzione artistica: ha co-prodotto tutti i brani e ha anche mixato il disco stesso, l’idea di suono è in gran parte farina del suo sacco».

Il brano «Luigi» fa riferimento a Luigi Mangione. Posso chiederle perché questa scelta? «È provocatoria, racconta i nostri tempi in modo puntuale. Da un lato c’è un assassino, ma dall’altro riesce a diventare un personaggio positivo come simbolo della lotta di classe, e contemporaneamente un meme. Mi interrogavo su questo: nel 2026 per fare la rivoluzione bisogna essere un meme? Credo che il meme sia il meccanismo che ci racconta meglio, è immediatissimo. Si appoggia a momenti della cultura e li sfrutta, racconta il nostro bisogno di essere immediati e veloci nell’analisi e nella condivisione».

Come immagina questo disco suonato dal vivo?«La fortuna vuole che in gran parte nasca già suonato in studio, quindi il passo è breve. Siamo molto contenti di tornare nei club: le arene estive sono divertenti, ma questo disco va raccontato in un contesto più intimo».

Perché la scelta di Zefiro?

«È il vento che soffia da Ovest a Est, e in un periodo in cui mi sentivo un po' a metà, in cui non sapevo effettivamente dove appartenere, mi sembrava in modo astratto potesse portarmi verso le mie terre di origine. Dall’altra parte è un ritorno a me stessa, a quelle caratteristiche che ho nascosto durante la crescita...».

E la scrittura è stata un po' terapeutica per capire in quale direzione andare?

«Sì, in molti casi. Ma in generale il processo è stato variegato, alcune canzoni sono nate con un po’ più di introspezione, altre in freestyle, come un’idea, veicolate in diversi processi creativi. Tutto però era unito da una forte determinazione, ho lavorato veramente tanto».

Secondo lei la musica oggi può aiutare a far capire la bellezza delle culture diverse?

«Spero di sì, almeno questo è sempre stato il mio obiettivo. L’arte è un modo che ho per poter rappresentare determinate cose, suono tutta la mia cultura, spero possa arrivarne la bellezza. Anche a livello sonoro, infatti, è stato un grande lavoro, studiato e costruito con l’idea di mantenere la mia essenza».

A marzo era uscito il primo brano, «Colibrì», oggi che tipo di evoluzione c'è stata, anche nella scrittura?

«Sono tutte parole che non riesco ad afferrare, flussi di coscienza che cerco di prendere e fissare. Non si possono afferrare persone o momenti, devi lasciare che tutto fugga via o cambiare il modo di guardarli. Nella barra "Camminavo per strada nel verso opposto al mondo" c'è il cuore di tutto, il rivalutare l'approccio alle cose che fai. "Colibrì" non saprei neanche se inserirla in un futuro EP, era piuttosto la fine di qualcosa, invece da qui in avanti soprattutto per i testi si entra in un mondo più introspettivo e meditativo».

Si sente molto la cura nella ricerca dei suoni...

«Nazareno vive in un mondo surreale a contatto con chimica, elettricità, fulmini: sono sensazioni reali che ampliano il mondo a 360 gradi. Quindi bisogna impegnarsi per trovare i suoni giusti che lo circondano. Qui si sente scorrere la bobina di Tesla, per registrare quel sample sono stati bruciati tutti gli strumenti che stavano registrando, pur di ottenere il suono di quella scossa elettrica. Il partner di Nazareno in tutto questo è OZEY, producer e braccio destro».

E lei arriva anche dal djing...

«La danza è l'unico rituale dall'inizio della storia che permette di raggiungere il divino e connettersi alla Terra allo stesso tempo. Il rituale del clubbing della notte è l'unico in cui abbassiamo il nostro ego allo 0%, perché siamo al buio. C'è stato un bel feedback da parte di chi era al di là della consolle, e anche tanto riscontro da chi gravita in questo spazio della musica».

Ci sembra di capire, però, che il percorso procede bene e c'è anche un EP all'orizzonte...

«Sì, ma è una strada lunga, che accoglie anche tutti i possibili imprevisti».

Sul piano sonoro, c'è un’evoluzione significativa. La produzione si apre a nuove soluzioni, fondendo elementi organici ed elettronici in un equilibrio più maturo rispetto ai lavori precedenti. Ne emerge un paesaggio musicale più ampio, che non rinuncia però alla componente emotiva che da sempre contraddistingue il percorso di Veetti, mantenendone riconoscibile l’impronta autoriale. Il brano anticipa una fase artistica in cui il cantautore sperimenta nuovi linguaggi e nuove forme espressive, senza perdere la sensibilità narrativa che ha caratterizzato la sua crescita nel panorama indipendente italiano.

Simone Vitti, in arte Veetti, nasce nel 1997 a Napoli e cresce a Lecce. Il suo progetto musicale prende forma all’interno di un collettivo di giovani creativi, con cui sviluppa non solo la componente sonora ma anche l’intero immaginario estetico e visivo che accompagna ogni pubblicazione. Nel corso degli anni costruisce una cifra stilistica riconoscibile, fondata su un intreccio di R&B, pop ed elettronica, distinguendosi per un universo narrativo intimo e cinematografico, in cui spesso sono le storie a occupare il centro della scena più che la figura dell’artista. Nel suo percorso discografico figurano i singoli “Vetri di Lacrime”, “Pantaloni Bucati”, “Rigel” e “Lievito”, oltre all’EP “Nel caso non dovessimo rivederci”, lavoro che ha contribuito a consolidare la sua identità nel panorama indipendente italiano.

Ad anticipare l’uscita dell’EP sono stati i singoli «Fragile», «Cento felpe» featuring Soulcè e «Come fanno i fiori», pubblicati nel corso del 2025 e già capaci di delineare l’identità artistica di un progetto raffinato, costruito attorno a un immaginario emotivo delicato ma intenso. Con «Primo tempo», Giorgia Faraone firma così il suo primo lavoro organico, un disco che si muove come una narrazione cinematografica fatta di immagini soffuse, confessioni intime e frammenti di relazioni.

«Questo EP è un viaggio emotivo che si sviluppa come una proiezione a luci soffuse, in cui ogni brano diventa una scena, un frammento di intimità», racconta la cantautrice, spiegando il significato del titolo scelto. «“Primo tempo” fa riferimento proprio alle atmosfere cinematografiche delle canzoni, perché questo EP è come un film in pellicola che esplora l’amore nelle sue molteplici forme».

Ma il titolo nasconde anche una prospettiva più ampia. I sei brani contenuti nel progetto rappresentano infatti solo la prima parte di un percorso artistico destinato a proseguire con un secondo capitolo. «Queste canzoni anticipano altri brani che faranno parte di un altro EP, “Secondo tempo”, di prossima uscita», spiega ancora l’artista. «“Primo tempo”, però, non rappresenta un inizio in senso cronologico, ma un insieme di fasi emotive che definiscono l’esperienza amorosa nella sua complessità».

All’interno dell’EP convivono così emozioni differenti: dalla tensione magnetica dell’innamoramento alla ferita della delusione sentimentale, fino alla riscoperta dell’amore verso sé stessi e alla difficoltà di mantenere un equilibrio interiore. Ogni traccia si trasforma in una scena autonoma ma collegata alle altre, componendo un racconto coerente e immersivo.

Determinante nella costruzione sonora del progetto è stata la collaborazione con Andrea Rossetti, musicista e produttore salentino di formazione jazz, che con Giorgia Faraone condivide una forte passione per la black music. La produzione musicale accompagna infatti la scrittura con arrangiamenti morbidi ed eleganti, capaci di valorizzare la vocalità intensa della cantautrice e di creare atmosfere intime e suggestive.

La tracklist di «Primo tempo» comprende i brani «Machemifai?», «Fuoco», «Come fanno i fiori», «Cento felpe» featuring Soulcè, «Fragile» e «Meno problemi», sei tasselli che definiscono un’identità artistica già riconoscibile e coerente.

Classe 1992, Giorgia Faraone è una cantautrice salentina con una formazione che intreccia studio accademico e ricerca artistica personale. Premiata come miglior musicista al Premio Bindi 2025, si è diplomata in canto jazz al Conservatorio Tito Schipa di Lecce e ha frequentato la classe autori del CET, la scuola fondata da Mogol. Nel corso della sua carriera ha collaborato con artisti come Neffa e Amii Stewart, della quale è stata anche corista, lavorando inoltre con diverse realtà teatrali nella composizione di colonne sonore per spettacoli.

Dal 2020 ha pubblicato numerosi singoli, mentre dal 2024 ha intensificato l’attività live con uno spettacolo in solo che dal 2025 include anche i brani di «Primo tempo». Un percorso artistico in continua evoluzione che oggi trova nel nuovo EP un punto di maturazione importante, confermando Giorgia Faraone come una delle voci più interessanti della nuova scena cantautorale soul-R&B italiana.

Prima dell’esibizione salirà sul palco Fabio Zaffagnini, ideatore del progetto Rockin’1000 ed ex ricercatore nell’ambito della geologia marina, che incontrerà gli studenti delle scuole superiori per una lezione dedicata a creatività, imprenditorialità e relazioni umane nell’era digitale.

L’iniziativa coinvolgerà non solo universitari ma anche centinaia di studenti delle scuole del territorio. «Un’occasione – sottolinea il rettore Umberto Fratino – per far conoscere il Politecnico non soltanto come luogo di formazione e ricerca, ma anche come spazio aperto alla partecipazione, alla socialità e alla creatività».

Il nome di Zaffagnini è legato alla nascita di Rockin’1000, il progetto lanciato nel 2014 per invitare i Foo Fighters a esibirsi a Cesena. L’anno successivo mille musicisti suonarono insieme “Learn to Fly”: il video dell’esibizione divenne virale in tutto il mondo con oltre 60 milioni di visualizzazioni, trasformando l’iniziativa in una community musicale internazionale.

Il soul come spazio emotivo, il palco come luogo in cui trasformare esperienze personali in atmosfera sonora. Si muove dentro questa traiettoria il progetto musicale di Rahma, artista italo-tunisina che venerdì 15 maggio salirà sul palco del PalaBarTino di Bari, spazio diretto da Bar Project diventato negli ultimi anni uno dei riferimenti più vitali della scena culturale e musicale del quartiere Libertà.

Classe 2001, all’anagrafe Rahma Mezni, la cantante ha costruito negli ultimi anni un percorso riconoscibile per identità sonora, estetica e ricerca musicale. Il suo universo attraversa il soul degli Anni Settanta e l’R&B degli Anni Novanta, fondendo influenze black contemporanee, scrittura introspettiva e sonorità alternative. Nei suoi brani – tutti in lingua inglese – convivono vulnerabilità, memoria emotiva e tensioni interiori, trasformate in paesaggi sonori intimi e cinematici.

Dal vivo Rahma alterna composizioni originali a reinterpretazioni di cover iconiche, mantenendo sempre centrale una dimensione espressiva essenziale e autentica. Negli ultimi anni si è esibita in numerosi contesti in tutta la Puglia, consolidando una presenza scenica raffinata e personale che l’ha resa una delle giovani voci emergenti più interessanti del panorama soul e R&B italiano contemporaneo.

Nel 2024 ha pubblicato il suo album d’esordio, «Love Tales», lavoro dedicato ai temi dell’amore, della nostalgia e della crescita personale attraverso una scrittura sospesa tra classicismo soul e sensibilità moderna. Attualmente è impegnata nella lavorazione del secondo disco, orientato verso un linguaggio più aperto e accessibile, pur restando profondamente legato alla propria matrice black music.

Particolare attenzione viene riservata anche alla dimensione visiva e narrativa del progetto: per Rahma musica, immagine e storytelling convivono all’interno di un immaginario coerente, elegante e riconoscibile.

Solitamente accompagnata da una full band composta da Niko Ladisa al basso, Michele Paradiso alla batteria e Giovanni Lucatorto alla chitarra, questa volta l’artista sceglierà invece una formula più raccolta, esibendosi in duo con il chitarrista. Una scelta che promette di rendere il concerto ancora più vicino, essenziale e immersivo, lasciando spazio alle sfumature della voce e alla componente emotiva delle composizioni.

Il live al PalaBarTino sarà così un attraversamento sonoro tra soul d’altri tempi, R&B contemporaneo e suggestioni cinematografiche, confermando la volontà dell’artista di costruire concerti non semplicemente come esecuzioni musicali, ma come esperienze intime e condivise.

Guardando indietro, il bilancio del tour è più che positivo: «Abbiamo trovato ovunque un pubblico caloroso e curioso. In alcune città siamo tornati a esibirci nei locali dove avevamo già suonato in passato, c'erano addirittura persone che ci aspettavano e volevano acquistare il CD autografato». Un segnale importante per un progetto così particolare e lontano dalle logiche mainstream. L’avventura li ha portati in molte città italiane: Arezzo, Rimini, Umbria, Marche, Sicilia. A volte anche affrontando lunghe trasferte per singole date, pur di raggiungere territori nuovi e costruire relazioni. Tra i luoghi rimasti più nel cuore citano il Punk Funk di Palermo, storico negozio e locale nel centro storico della città, diventato ormai tappa di culto personale, ma anche il Kindergarten di Benevento, il BAM di Sapri – uno spazio abbandonato trasformato in centro culturale tra concerti, teatro e registrazioni – e l’Auditorium Popolare di Cosenza, apprezzato per la qualità tecnica e per la cura dedicata al suono e all’accoglienza delle band.

In molti di questi luoghi il gruppo ha trovato un pubblico eterogeneo, spesso composto anche da turisti e ascoltatori stranieri. A Palermo, ad esempio, ricordano con entusiasmo un ragazzo svedese che dopo il concerto si avvicinò dicendo: «In Svezia questa roba non c’è». Un complimento che li ha colpiti profondamente. Il tour ha confermato anche la loro capacità di parlare a generazioni diverse. Ad Arezzo, Sapri e Benevento - raccontano - si sono ritrovati davanti platee giovanissime, ragazzi e ragazze che hanno ballato e cantato per tutta la durata del live. Una risposta che considerano importante in un momento storico in cui la musica tende spesso ad appiattirsi e uniformarsi. Uno degli episodi simbolo del tour resta però la data al Mercato Nuovo di Taranto. Quel giorno la città era completamente allagata dalla pioggia e la band era convinta che il concerto sarebbe saltato. E invece il locale aprì ugualmente e nel giro di pochi minuti il pubblico arrivò regolarmente, sotto l’acqua, dimostrando quanto un club con una forte identità riesca a creare una vera comunità attorno alla propria proposta musicale.

Ora lo sguardo è già rivolto al futuro. A fine maggio entreranno in studio per registrare un nuovo album, questa volta non concepito come concept disc, ma comunque attraversato da temi personali: quotidianità, ironia, rabbia, sarcasmo verso certi aspetti della contemporaneità e della scena musicale attuale. Raccontano di voler parlare della vita reale, delle prove in sala alternate alle partite di Champions League, del rock and roll e della sensazione diffusa di trovarsi circondati da «fake band», progetti costruiti a tavolino e copie senz’anima. Ed è questo anche uno dei motivi per cui rivendicano una forma di comunicazione libera anche nelle foto promozionali - come quella che pubblichiamo: nella scena rock e underground italiana c'è un atteggiamento diffuso, una tendenza che definiscono quasi come una forma di «fighettismo», un’estetica molto curata, studiata, quasi costruita, riferendosi a gruppi che puntano molto sull’apparire, sull’abbigliamento ricercato, sull’immagine patinata. È un aspetto che, a loro avviso, rischia di far perdere qualcosa dell’essenza originaria del rock, soprattutto nella sua dimensione più istintiva e imperfetta. Ed è questo il motivo per cui la loro immagine a volte è volutamente disordinata o provocatoria, proprio per rompere quella uniformità estetica che vedono diffondersi, per restare fedeli a un’idea di musica meno costruita e più autentica.

Per loro la musica, infatti, dovrebbe continuare a trasmettere cultura, immaginazione e visione. Oggi invece, sostengono, sembra prevalere la semplice riproduzione di formule già esistenti. Da qui nasce anche la loro volontà di restare «disturbanti», fuori dagli schemi, lontani dal perbenismo contemporaneo che – secondo loro – ha assunto nuove forme, più sottili e difficili da riconoscere rispetto al passato. E proprio parlando del prossimo disco, lasciano infine una definizione che sembra già un manifesto programmatico: «Saremo troppo rumorosi per essere amati».

Dal punto di vista musicale, il brano si muove tra power rock e pop rock, sostenuto da chitarre brillanti, ritmo serrato e un ritornello fortemente melodico. L’impatto iniziale è diretto, quasi spensierato, in linea con la tradizione del power pop, dove l’energia delle melodie convive con una componente emotiva più complessa e stratificata. Ed è proprio qui che «Ricoverami» rivela la sua vera natura: dietro la leggerezza sonora si nasconde infatti un testo attraversato da inquietudine, vulnerabilità e senso di disorientamento. Il brano racconta un ritorno all’infanzia attraverso immagini concrete e simboliche: ricordi tattili, oggetti che si rompono, cose che cadono, si sporcano o si perdono. Una memoria emotiva che appare già compromessa, deformata dal tempo e dall’esperienza. Il ritornello si trasforma così in una richiesta insistente di protezione: «Ricoverami quando macchio tutto, quando sarò cresciuto». Un’invocazione che non ha nulla di clinico, ma assume il significato di un bisogno di sospensione dal mondo, di rifugio nei momenti di errore, fragilità e trasformazione personale.

Ma la crescita evocata nel testo resta continuamente in discussione. Il verso «se mai sarò cresciuto» incrina infatti qualsiasi certezza, trasformando il brano in una riflessione sul passaggio all’età adulta, sull’identità e sulla difficoltà di sentirsi davvero completi. Nella parte finale emerge una consapevolezza ancora più lucida e dolorosa: i ricordi si sbiadiscono, le persone cambiano, e anche quando i frammenti della propria vita sembrano tornare insieme «manca sempre qualcosa». «Una canzone che suona aperta ma racconta una chiusura, che si muove veloce ma parla di qualcosa che resta irrisolto», spiegano i LaMatta. «Un equilibrio instabile tra nostalgia, crescita e smarrimento, dove la melodia accoglie e il testo disarma». Il singolo è stato scritto da Damiano Lovecchio, Vincenzo Laghezza, Davide Marasciulo e Vito Allegretti, mentre la produzione è firmata dagli stessi LaMatta insieme a Sebastiano Lillo e Paolo Palmieri. Le registrazioni sono state realizzate presso SLAP Studio, con mix e mastering curati da Paolo Palmieri. L’artwork di copertina e le fotografie promozionali sono invece opera di Davis Albert Valle.

Nati a Monopoli, in provincia di Bari, i LaMatta raccontano con ironia e autoironia il proprio percorso artistico: «Veniamo da un posto dove la parola “artista” è spesso un malinteso linguistico», spiegano. «Cerchiamo di capire chi siamo mettendo in musica le nostre paturnie, trasformando dubbi e ossessioni in rumore, melodia e parole». La band prende forma ufficialmente nel 2021, anche se le prime idee iniziano a svilupparsi già dal 2019. Nel 2022 pubblicano il primo EP omonimo, anticipato dal singolo «Berlino», che permette loro di ottenere i primi riscontri positivi e di partecipare alle selezioni live di Arezzo Wave Band Contest. Negli anni successivi il gruppo intensifica l’attività live e avvia una fase di ricerca sonora più approfondita. Tra la fine del 2024 e l’inizio del 2025 la band lavora infatti a nuove produzioni presso lo Slap Project Studio insieme a Sebastiano Lillo e Paolo Palmieri, avviando un’evoluzione stilistica che si consolida ulteriormente con l’ingresso del chitarrista Vito Allegretti nel 2025. Un innesto che porta nuove influenze e contribuisce a rendere il sound del gruppo ancora più incisivo e ricercato. Nel 2026 arrivano il doppio singolo «I Figli del Re / Cosa ci Distrugge», seguito da «Monolocale» e ora da «Ricoverami», brano che chiude idealmente questa fase creativa in attesa del nuovo album.

Dietro il progetto ci sono Roberto Chiga, Mario Esposito e Giuseppe Grassi, che da anni lavorano sulla contaminazione tra linguaggi sonori differenti e che con questo nuovo lavoro costruiscono un laboratorio musicale mediterraneo. «Apulian Unpopular Music» nasce infatti dall’idea di recuperare la ripetitività ipnotica della musica popolare e intrecciarla ai loop elettronici, riscrivendo melodie tradizionali e ricollocandole dentro paesaggi sonori alternativi. L’obiettivo non è quello di riproporre fedelmente la tradizione, ma di contaminarla e reinventarla. Le scansioni ritmiche della pizzica vengono così attraversate da beat elettronici, bassi dub, synth, distorsioni e influenze che spaziano dal Balkan alla world music, dal reggaeton fino alle ritualità gnawa del Nord Africa. Un lavoro che procede per stratificazioni sonore e che restituisce alla musica popolare una dimensione fluida, nomade e contemporanea.

Il disco si apre con «Cumenza tu», brano che sintetizza immediatamente l’identità del progetto: stornelli provenienti da Ceglie Messapica si intrecciano con house, disco music e suggestioni balcaniche, mentre un assolo di contrabbasso in sette ottavi conduce verso un finale trascinante affidato ai synth di Marco Rollo. Una traccia che mette subito in chiaro la volontà degli Ashèblasta di rompere qualsiasi confine stilistico. Segue «Sta strada», reinterpretazione di un brano della tradizione costruita insieme a Emanuele Licci, figura centrale della ricerca musicale salentina contemporanea. Ma è con «Ya bnadem» che il disco amplia definitivamente il proprio orizzonte geografico e culturale. Grazie alla partecipazione di Adele Benlahouar, la tarantella si trasforma infatti in un rito gnawa cantato in darija, attraversando idealmente il Mediterraneo «sutt’acqua e sutta ientu», tra spiritualità nordafricana e pulsazioni elettroniche. L’album prosegue con «Fuci fuci», ancora interpretata da Emanuele Licci, descritta dagli stessi Ashèblasta come una sorta di mantra sulla quotidianità contemporanea: una riflessione sul ritmo frenetico della vita moderna che ci costringe continuamente a correre, facendoci perdere di vista ciò che conta davvero.

Con «Mare’nna», scritto e cantato da Licci, il disco torna invece a dialogare direttamente con la tradizione del “moretto”, trasformandola però in uno stornello moderno attraversato da suggestioni reggaeton. Un’altra rilettura che conferma la volontà del progetto di non trattare la musica popolare come un reperto museale, ma come un organismo capace di mutare e dialogare con il presente. Tra i momenti più intensi del lavoro c’è poi la reinterpretazione della «Tarantella di San Michele», affidata alla voce di Giancarlo Paglialunga. Un brano già molto amato dagli appassionati della tradizione che gli Ashèblasta dichiarano ironicamente di aver «rovinato» con mandolini distorti ed elettronica, trasformandolo in una nuova esperienza sonora sospesa tra trance rituale e sperimentazione contemporanea. A chiudere il disco arrivano infine i già pubblicati «Pizzica di San Vito», «Scusati signori» e «Na ni na», tasselli che negli ultimi mesi hanno contribuito a definire l’immaginario del progetto.

Ma «Apulian Unpopular Music» non è soltanto un disco: è anche un lavoro di recupero e rielaborazione della memoria sonora del Salento. Gli Ashèblasta utilizzano infatti voci e registrazioni d’archivio raccolte nelle campagne salentine negli anni Cinquanta, campionandole e ricontestualizzandole dentro nuove architetture musicali. Frammenti di passato che tornano così a vivere nel presente attraverso beat elettronici e paesaggi sonori contemporanei.

Il progetto approderà dal vivo il 24 maggio a Lecce, negli spazi di Tagliatelle – Stazione Ninfeo, per l’ultima serata del Locomotive Spring Festival. Sul palco Roberto Chiga sarà impegnato tra tamburreddhu salentino, percussioni e programmazioni elettroniche, Mario Esposito al basso elettrico e ukubass, mentre Giuseppe Grassi suonerà mandolino e mandola. Un trio che con «Apulian Unpopular Music» prova a riscrivere il rapporto tra folklore e contemporaneità, dimostrando come la musica popolare possa ancora essere uno spazio di ricerca, trasformazione e libertà creativa.

Il singolo, pubblicato per Isola degli Artisti / Atlantic Records Italy / Warner Music Italy, è una celebrazione di radici e appartenenza, un incontro tra tre voci femminili che uniscono stili e sensibilità diverse in un racconto musicale che richiama Sud, libertà e identità.

Il successo arriva dopo la partecipazione di Brancale al Concerto del Primo Maggio di Roma e accompagna l’avvio del “Sacro Tour”, partito da Londra e destinato a concludersi il 3 ottobre al Palaflorio di Bari. Un progetto live che attraversa Italia ed Europa, tra club, festival e grandi teatri, e che conferma la dimensione sempre più internazionale dell’artista.

Il tour è legato all’album “Sacro”, pubblicato il 10 aprile, un lavoro che mescola nu-soul, jazz, R&B e sonorità mediterranee, arricchito da collaborazioni internazionali e da un percorso artistico che negli ultimi anni ha consolidato la crescita della cantautrice pugliese.

Nel 2025 Brancale aveva già ottenuto un grande riscontro con “Anema e Core”, certificato disco di platino, mentre al Festival di Sanremo 2026 ha presentato “Qui con me”, brano accolto positivamente dal pubblico e premiato con il Premio della Sala Stampa “Lucio Dalla”, il Premio Lunezia e il Premio TIM.

Tra successi radiofonici, tour europeo e nuove sperimentazioni, Serena Brancale si conferma oggi una delle voci più riconoscibili della musica italiana contemporanea, capace di coniugare tradizione e innovazione in un linguaggio personale e trasversale.

«L’elefante e la farfalla», in una società in cui l’apparire prevale sulla sostanza questo messaggio è ancora attuale dopo 30 anni...

«È chiaramente una metafora, non legata all’estetica ma alla difficoltà interiore di mostrare i sentimenti. Nella nostra società la cultura spesso passa in secondo piano, così come l’empatia, la voglia di capire gli altri. È vero, esiste una grande parte di umanità che continua a lottare per i diritti, ma viviamo anche un momento in cui la distrazione social o rispetto alla voglia di leggere e approfondire è molto forte. La leggerezza non va dimenticata. Però non può diventare il centro del quotidiano. Va bene divertirsi, ma deve esserci anche il desiderio di riflettere, di informarsi su quello che succede nel mondo. La farfalla, invece, è l’amore, il sentimento più importante: e anche se oggi molte canzoni parlano d’amore, quando se ne parla con emozione e con una certa levatura artistica, diventano universali. E questo succede perché il nostro sentire più profondo non potrà mai essere cancellato, nemmeno dalla tecnologia».

Ci riferiamo anche all’intelligenza artificiale?

«Certo. L’indole dell’uomo, la sua centralità, non potranno mai sparire. Ed è questo il segreto dell’arte, che quando è bella davvero, arriva in profondità. La regola è una sola: fare qualcosa con sincerità, con il cuore, riuscendo a portare chi ascolta in un mondo che conosce e allo stesso tempo non conosce».

Oltre a una grande cultura musicale, si è fatto conoscere per la sua straordinaria voce. Come se ne prende cura?

«Ho sempre avuto un rapporto di timore con la mia voce, anche perché la porto spesso al limite, faccio qualche acrobazia, soprattutto nei live. A mio avviso è giusto avere timore e proteggerla, perché è strettamente collegata alla vita, all’anima, al cuore. Dico sempre che non è importante solo prendere note altissime. Stevie Wonder emoziona per il suo colore, per il suono. Non è che De Gregori sia meno bravo di Baglioni perché ha meno estensione vocale. Quando hai l’anima nella voce, quella cosa non si impara. È come lo sguardo degli occhi: dentro ci leggi qualcosa di autentico».

Tris di date in Puglia, regione che le ha sempre voluto molto bene...

«Ricordo un concerto bellissimo di recente a Mesagne: il pubblico non voleva farmi scendere dal palco, la piazza era talmente piena che hanno dovuto chiudere le strade d’accesso. L’assessore mi disse che non succedeva da quasi cento anni per un evento gratuito. Vivere ancora emozioni del genere è un regalo enorme, evidentemente l’affetto c’è ancora, ed è una benzina fondamentale per continuare questo mestiere dopo tanti anni»

Quindi possiamo aspettarci anche qualche sorpresa?

«Già. Sto presentando un inedito che uscirà a fine maggio: per il momento lo sto facendo ascoltare dal vivo e sta ricevendo un bellissimo riscontro. È un regalo per chi continua a seguirmi e ad ascoltarmi dopo tutti questi anni».

Partiamo dal titolo, «Perdigiorno» è una parola che a volte può avere un'accezione negativa, qui invece sembra recuperare un nuovo valore...

«È vero, oggi più che mai viene associata alla pigrizia, mentre io in primis ammetto di essere - al contrario - sempre di corsa. Ma oggi c'è una tendenza a dare un valore all'attività solo quando c'è un riscontro pratico o economico. Scegliere un'università solo per lo sbocco lavorativo, ad esempio. Ed è una cosa che mi intristisce. Il perdigiorno nella sua attività, che può essere quella di contemplazione, scrittura, del fare niente, è connesso al presente, senza pensare al senso di questi gesti nel futuro. E secondo me questa cosa, nella musica o nell'arte, è quasi un atto politico: fare qualcosa solo per l'amore nei confronti di ciò che fai, senza un fine terzo. È la cosa più bella che c'è».

Tra queste attività, soprattutto per chi fa musica c'è la scrittura. Qual è il suo approccio, scrive in qualsiasi momento della giornata?

«Ho molte cartelle sul telefono, a tal punto che si riempiono e ne devo creare sempre di nuove. Gli spunti possono arrivare da qualsiasi cosa. Poi il rap, ma anche il cantautorato, mi affascinano per la loro immediatezza: è impossibile mentire se non dai alla tua testa il tempo di farlo. Perciò lascio che il flusso sia di pancia, almeno per quanto mi riguarda credo dica molto più di me, anziché stare a ragionare per rendere una cosa giusta, perfetta, ma magari meno vera. Poi esistono tanti approcci diversi, c'è chi impiega mesi per trovare le espressioni adatte: non c'è qualcosa di giusto o sbagliato, ognuno lavora a modo suo».

È cresciuto in una realtà meravigliosa che musicalmente sta crescendo tanto in quest’ultimo periodo, Genova. Che legame sente con la sua città?

«Sono nato e cresciuto nel centro storico, ho un attaccamento viscerale a questa città. Ricordo che da bambino camminavo con mio padre e non riuscivo a capacitarmi del fatto di essere nato proprio lì, mi sembrava un miracolo. Ho viaggiato tanto, ho visto posti magnifici, ma c'è qualcosa che mi riporta sempre a Genova. La vedo un po' come una mamma, come la donna della mia vita, ma non ci posso stare per sempre: devo andare, per poi comunque tornare. E quando non ci sono, un po' mi manca»

E ritornando alla scena ligure, più viva che mai, sembra che tra voi ci sia una bella sinergia...

«Sono tutti ragazzi con cui ho lavorato, con cui sono in contatto. Quando ero alle medie si ascoltava tantissimo il rap della Drilliguria, Wild Bandana, mi rivedevo tantissimo in quella roba, mi affascinava l'idea di raccontare la propria realtà e fare in modo che qualcun altro ci si rispecchiasse. Scrivevo già da prima, filastrocche, poesie, poi con il rap tutto ha preso una forma più musicale. Genova è una città che dà tantissimo a chi è sincero, a chi lavora con cultura, passione, verità».

Quali sono state le sue influenze musicali, quindi?

«Sicuramente De André, l'ho ascoltato tantissimo da bambino, poi Lucio Dalla, anche se non è genovese, se potessi riportare in vita una persona sarebbe lui. E poi ovviamente il rap, lo ascoltavamo proprio come pane quotidiano al liceo, ci ispirava uno stile di vita specifico».

Inizia l'instore tour, avrà a che fare con molti fan, che feedback le stanno arrivando, anche dopo «Amici»?

«Incontrarli mi riempie di gioia, ricevo tantissimi messaggi ed è bellissimo che le persone si riconoscano nella mia musica, nella mia persona. Tanti ragazzi mi raccontano le loro storie anche senza conoscere la mia, è come se per me si chiudessero dei cerchi. È emozionante, sto lavorando tantissimo per consolidare questo sogno di fare musica».

Chiudiamo con il nuovo singolo, «Colore»: se ce ne fosse uno per descrivere questa fase della sua vita, quale sarebbe?

«Un azzurro-turchese, brillante. Ispira serenità? Non lo so, ho talmente tante emozioni intorno che mi dovrei fermare qualche giorno per capirlo. Ma al momento sono felice e soddisfatto. Quello è l'importante».

Quindi questi «echi» vanno dal personale all'universale...

«Mi sento vicina alle vicende attuali, anzi è assurdo come di fronte a questi abomini che accadono nel mondo ci stiamo quasi abituando. Cronologicamente sentiamo parlare di guerra da tanto, ci siamo assuefatti alle immagini crudeli dei bimbi di Gaza che quasi giocano in mezzo alle macerie delle loro case».

Però a differenza del precedente lavoro «Dinamiche di volo», qui la memoria personale è anche molto presente...

«Trovarmi a scrivere brani come "Granpa Cloud" o "Bambina mia" è stato quasi un modo per esorcizzare il dolore del momento. Era come se la perdita dei miei nonni avesse anche un po' richiamato quelle note, quelle melodie nella mia testa. "Bambina mia" poi fa riferimento anche alla storia di mia nonna, che da piccola scappò dall'isola greca di Rodi solo con una valigia in mano per ricominciare da capo. Ho voluto inserire le sonorità del sirtaki anche proprio per richiamare quel contesto, di grande attualità».

La dimensione dell'album è prevalentemente acustica, ma non mancano i dialoghi con tanti altri strumenti...

«Sono stati tre anni in cui ho ascoltato tantissima musica e ho intrapreso lo studio del banjo, che è ritmico e mi ha consentito di formare un nuovo tipo di suono che poi ha influenzato anche le chitarre. Ho ascoltato gli Eagles, ho ripreso vecchi dischi di Ben Harper, e per quanto riguarda la sinergia con gli altri musicisti che ho coinvolto nel progetto, tutto scaturisce da sensazioni positive che ci hanno connesso in qualche modo. Per esempio Matteo Resta, al mandolino, ha perso la nonna nel mio stesso periodo, questa cosa ha creato tra noi una sintonia profonda, fondamentale quando si collabora».

La chitarra, però resta il «suo» strumento. Siete sempre state «amiche»?

«Sì, mi ha sempre accompagnata. Poi per un lungo periodo l'ho messa da parte ma c'è stato quasi un richiamo, e lì mi sono accorta che mi era mancata tantissimo».

Quale si augura sia il messaggio di questo disco?

«È un discorso più ampio, in generale mi auguro possa esserci innanzitutto un riscontro positivo sulla guerra, una maggiore giustizia, e un senso di unione più diffuso. Sento troppa freddezza nella società, ma vedo un bagliore nelle giovani generazioni. Voglio essere fiduciosa».

Sono stati annunciati i finalisti della 17esima edizione di Music for Change, il MainStage europeo della musica per il cambiamento che, anno dopo anno, si conferma uno dei percorsi più strutturati e concreti dedicati ai nuovi music creator. Un traguardo importante che segna l’ingresso nella fase più intensa del progetto: quella della Sound Village Academy, da cui nasceranno i brani inediti destinati alla finale nazionale del 9 ottobre 2026 al Teatro Rendano.

Tra i sette artisti selezionati emergono con forza anche due nomi pugliesi: Andera, da Bari, e Janaki, da Lecce. Due voci diverse, ma accomunate da una visione artistica che incarna pienamente lo spirito del progetto, dove musica e contenuto si intrecciano con consapevolezza e urgenza espressiva.

Questi tutti gli artisti che accederanno alla fase residenziale:

• ANDERA (Bari) – Borders
• FEDERICO BALDI (Bergamo) – Amplify Democracy
• FREMIR (Milano) – Eco Mood
• JANAKI (Lecce) – Crossroads
• LIVREA (Verona) – Equality
• LUISIANA (Siracusa) – Nine to Five
• YOUNGOVER (Milano) – Offline/Online

La fase finale delle audizioni si è svolta il 2 e 3 maggio presso il Piccolo Teatro Gulliver in modalità closed-door: una scelta precisa per garantire concentrazione, ascolto profondo e autonomia di giudizio. A guidare la commissione artistica sono stati Gennaro de Rosa, ideatore del progetto, Maurizio Musumeci, autore multiplatino e coach, e Marco Danelli. I 40 artisti arrivati a questa fase erano stati precedentemente selezionati da una giuria composta, tra gli altri, da Amara, Michele Monina, Silvia Danielli e Taketo Gohara. Al centro della valutazione, oltre alla qualità artistica, la Music for Change Attitude: la capacità di un progetto di esprimere visione, autenticità, consapevolezza e prospettiva.

Dal 18 al 31 maggio 2026 i finalisti entreranno nella Sound Village Academy, residenza artistica intensiva ospitata nel Parco d’Arte Alt Art di Rende. Un campus immerso nel verde, progettato per favorire concentrazione, relazione e crescita. Qui, per due settimane, gli artisti lavoreranno a stretto contatto con professionisti del settore – autori, producer, arrangiatori, vocal coach e figure del music business – in un percorso che unisce scrittura, produzione, identità artistica, performance e comunicazione. Il coordinamento artistico è affidato a Gennaro de Rosa, con la direzione operativa di Giulia Cancedda.

Tra i coach coinvolti:

• Rosario Canale (Producer Coach)
• Cecilia Cesario (Vocal Coach)
• Maurizio Musumeci / Dinastia (Lyric Coach)
• Stefano Amato (Composer Coach)
• Giorgieness (Artist Identity Coach)

Accanto a loro, due master coach d’eccezione: Taketo Gohara e Amara, figure di riferimento assoluto per la scena musicale contemporanea. Tornano anche i Conductor, artisti già passati dal percorso, tra cui La Noce e Alice Caronna, con un ruolo di supporto umano e professionale. Il programma sarà arricchito da workshop con ospiti come l’avvocata Emanuela Teodora Russo, Francesco Galassi, Tina Montinaro e il team di Restart Music Minds, che affronterà il tema del benessere mentale nel lavoro artistico.

Il 31 maggio, a chiusura della residenza, i finalisti presenteranno i brani nei Private Boot Up Stage, sessioni riservate di ascolto e confronto. I pezzi resteranno inediti fino alla finale del 9 ottobre 2026 al Teatro Rendano, quando verranno eseguiti per la prima volta e pubblicati su tutte le piattaforme digitali. Da lì partirà anche il percorso del Premio Stream Believe, che accompagnerà i brani fino alla settimana del Festival di Sanremo 2027.

Accanto al premio musicale prenderà il via anche Culture for Change, progetto dedicato alla letteratura musicale e ai linguaggi contemporanei, realizzato da Edizioni Emmekappa con il sostegno della Regione Calabria. Il sistema di premi si conferma tra i più articolati in Italia, includendo riconoscimenti come Best Lyrics Award, Menzione Speciale Club Tenco, Premio Stream Believe Italia, oltre a opportunità concrete come tour finanziati da NUOVO IMAIE e accesso a importanti palchi nazionali.

Organizzato da Musica contro le mafie APS, con il sostegno di Regione Calabria, NUOVO IMAIE e SIAE, Music for Change continua a distinguersi come un sistema reale di crescita artistica e civile.

Esce venerdì 8 maggio 2026 “L’anno del vento”, la nuova canzone di Gianluca De Rubertis, pubblicata dall’etichetta Cramps Music. Un ritorno che si colloca in continuità con il percorso solista del cantautore, ma che al tempo stesso ne amplia il linguaggio sonoro e la profondità tematica.

Prodotto da Matilde Davoli, il brano si muove su un equilibrio sottile e raffinato: da un lato le radici acustiche della canzone d’autore italiana, dall’altro una tessitura elettronica fatta di programmazioni e sintetizzatori che costruiscono un paesaggio sonoro rarefatto, sospeso. È proprio questa dimensione a dare respiro al testo, amplificandone la carica emotiva e trasformando l’ascolto in un’esperienza immersiva, lenta, destinata a sedimentare. “L’anno del vento è un brano che offre uno sguardo verticale e analitico – racconta De Rubertis – rappresenta il punto di vista di una generazione antica che osserva il cambio di rotta di un mondo in cambiamento”. Al centro della canzone c’è infatti una riflessione sul presente: un’epoca in cui, secondo l’artista, valori come sacrificio, memoria e costruzione del futuro sembrano essere sostituiti da distrazione, egoismo e ricerca compulsiva di intrattenimento.

Il testo si sviluppa come una narrazione simbolica, quasi visionaria. L’“anno del vento” diventa una metafora potente: un tempo indefinito in cui la realtà si incrina, la luna cade dal cielo, e il dolore collettivo lascia spazio a una sorta di anestesia emotiva. Gli individui, immersi in un benessere superficiale, smarriscono il contatto con la propria identità e con la dimensione del tempo, vivendo “senza un domani” e senza memoria di ciò che sono stati. In questa prospettiva, l’acquisto di oggetti – un telefono nuovo, un grande televisore – assume un valore emblematico: segni di un consumo che sostituisce il senso, mentre la perdita di radici e relazioni si traduce in un vuoto silenzioso, mai realmente percepito come dolore. La scrittura di De Rubertis, elegante e stratificata, restituisce così un’immagine lucida e inquieta della contemporaneità.

Dal punto di vista musicale, “L’anno del vento” conferma la capacità dell’artista di costruire un linguaggio personale, in cui la tradizione cantautorale dialoga con sonorità contemporanee. Le chitarre di Matilde Davoli, la batteria di Simone Prudenzano e la voce di De Rubertis si inseriscono in un impianto sonoro misurato, essenziale, in cui ogni elemento contribuisce a creare un’atmosfera coerente e profondamente evocativa.

Parallelamente all’uscita del singolo, prosegue anche il tour che vede Gianluca De Rubertis esibirsi in una dimensione intima, piano e voce. Tra le date già annunciate: il 15 maggio al Bar Funivia di Trento, il 16 maggio al Filmusica di Valdagno e il 7 giugno all’Ascoli Street Music Festival. Un calendario in aggiornamento che conferma il legame diretto dell’artista con il pubblico, in contesti raccolti dove la parola e la musica tornano al centro.

Nato a Lecce, De Rubertis ha attraversato negli anni diverse fasi artistiche, mantenendo sempre una forte identità autoriale. Dai primi passi con gli Studiodavoli, fino al successo con Il Genio – segnato dal fenomeno culturale “Pop Porno” – il suo percorso si è evoluto verso una dimensione sempre più personale e introspettiva. I lavori solisti, a partire da “Autoritratti con oggetti” fino a “L’equazione del destino” del 2024, hanno consolidato una cifra stilistica riconoscibile: elegante, colta, capace di coniugare immediatezza e profondità. “L’anno del vento” si inserisce così come un nuovo tassello di questo percorso, anticipando idealmente il prossimo progetto discografico. Una canzone che non cerca l’impatto immediato, ma sceglie di abitare il tempo dell’ascolto, lasciando spazio alla riflessione. E proprio in questa lentezza risiede la sua forza: quella di restare, di tornare, di continuare a parlare anche dopo che la musica si è fermata.

Con questo lavoro, Grazian affronta uno dei temi più universali e complessi della musica: l’amore. Ma lo fa evitando ogni retorica, costruendo invece un racconto fatto di solitudini, relazioni imperfette e tensioni irrisolte. Le dodici tracce – undici canzoni e un brano strumentale – compongono un universo narrativo coerente, attraversato da motivi ricorrenti e da una storia che riaffiora in più punti: quella di un ragazzo e una ragazza che si incontrano e si perdono sullo sfondo di una città come Milano. Accanto al tema amoroso, emergono altri nuclei centrali della scrittura di Grazian: la marginalità, i conflitti ideologici, il desiderio di redenzione e la ricerca di una consapevolezza identitaria. Un intreccio che restituisce un disco stratificato, nato da un lungo processo di sedimentazione iniziato nel 2015 e sviluppato senza fretta, fino a trovare una forma compiuta.

Dal punto di vista produttivo, “GRAZIAN” è un’opera profondamente personale. Lo stesso artista ha curato gran parte della produzione e suonato molti degli strumenti, affiancato in alcuni brani da Davide Andreoni. Le registrazioni si sono svolte principalmente nelle colline di Arezzo, nell’estate del 2024, grazie a uno studio mobile allestito in una casa nel bosco, con ulteriori sessioni tra Milano e Padova. 

L’edizione 2026 si svilupperà tra Bari, Lecce e Gallipoli, tre città simbolo che diventeranno, ancora una volta, scenografie naturali per una programmazione ampia e trasversale. Non solo concerti, ma un’esperienza diffusa che valorizza i luoghi, trasformando arene, spazi urbani e location iconiche in punti di incontro tra artisti e pubblico.

Il cartellone 2026 segna un ulteriore salto di qualità, con una line-up capace di parlare a pubblici diversi e attraversare generi musicali differenti. Ad aprire il festival sarà un evento unico: il live dei leggendari Sex Pistols, icona assoluta della storia del rock mondiale, attesi il 25 giugno all’Arena del Levante di Bari. Accanto a loro, una serie di protagonisti della scena contemporanea italiana: Geolier, Tommaso Paradiso, BLANCO, Sfera Ebbasta, Negramaro e Caparezza. Un mix che spazia dall’urban al pop, dal cantautorato alla grande musica live, costruendo un programma variegato e coerente.

Il calendario

Gli appuntamenti finora annunciati delineano già un’estate ricca di musica:

• 25 giugno – Sex Pistols – Bari, Arena del Levante
• 4 luglio – Geolier – Bari, Arena del Levante (Fiera del Levante)
• 21 luglio – Tommaso Paradiso – Bari, Arena del Levante
• 1 agosto – Negramaro – Lecce, Cave del Duca
• 2 agosto – Negramaro – Bari, Arena del Levante
• 2 agosto – BLANCO – Gallipoli, Parco Gondar
• 5 agosto – Caparezza – Lecce, Cave del Duca
• 14 agosto – Sfera Ebbasta – Gallipoli, Parco Gondar
• 4 settembre – Caparezza – Bari, Arena del Levante

Un calendario che copre tutta la stagione estiva, da fine giugno a inizio settembre, confermando la vocazione del festival come evento diffuso e continuativo.

Nato da un’idea di PM Eventi, Oversound Music Festival è cresciuto rapidamente fino a diventare un appuntamento stabile nel panorama musicale italiano. La sua forza sta nella capacità di coniugare intrattenimento e valorizzazione del territorio, trasformando la Puglia in una destinazione privilegiata per il turismo musicale. «L’obiettivo del festival è raccontare la Puglia attraverso la musica, creando un’esperienza che unisca pubblico, artisti e territorio in un’unica narrazione contemporanea», spiega Salvatore Pagano, amministratore delegato di PM Eventi. «Non solo concerti, ma momenti di relazione con i luoghi, sotto le stelle, tra mare, architetture storiche e grandi spazi».

Oversound non è solo un cartellone di eventi, ma un progetto culturale che negli anni ha contribuito a ridefinire l’immagine della Puglia come hub musicale estivo. Le città coinvolte diventano parte integrante dello spettacolo, offrendo scenari unici che amplificano l’esperienza del live. Tra arene affacciate sul mare, cave trasformate in teatri naturali e grandi spazi urbani, il festival costruisce un dialogo continuo tra musica e paesaggio. Un racconto che, anno dopo anno, continua ad attrarre pubblico da tutta Italia, consolidando Oversound come uno degli eventi più significativi dell’estate musicale italiana.

L’apertura è fissata per sabato 9 maggio, alle 22:30, in Piazza dell’Immacolata a Gagliano del Capo (ingresso libero), con la performance del Ground-to-Sea Sound Collective e il progetto Different Waves. Un’esperienza sonora e visiva che invita il pubblico a immergersi – letteralmente e metaforicamente – nelle profondità marine. Il lavoro nasce da registrazioni subacquee del Mare Adriatico, raccolte lungo le coste italiane e croate, e rielaborate in una composizione originale che intreccia suoni naturali e antropici. Al centro, il dialogo tra il flauto contralto di Fabio Mina e l’elettronica di Emiliano Battistini, in un flusso improvvisativo che riflette sul tema dell’inquinamento acustico sottomarino. La performance è accompagnata da un’installazione visiva di Mattia Fornaciari, che traduce in tempo reale le onde sonore in geometrie proiettate su una superficie acquatica, amplificando l’esperienza immersiva.

La serata inaugurale si completa con altri due interventi artistici: Note e ricordi di un pittore di Luca Coclite, installazione audio che costruisce un dialogo immaginario con il pittore Vincenzo Ciardo attraverso lettere d’archivio, e Latent Space – Relational Geographies di Angela D’Onghia, progetto che esplora l’identità dei luoghi attraverso reti neurali e traiettorie migratorie.

Il programma prosegue il 23 e 30 maggio negli spazi di KORA – Centro del Contemporaneo, cuore operativo della rassegna. Il 23 maggio (ingresso 5 euro) vedrà protagonisti gli WoW con il nuovo album Rosa Di Luce, in una performance che supera la distinzione tra palco e pubblico, trasformando il concerto in un’esperienza condivisa. A seguire, Agnese Amico presenterà Alalie, progetto che attraversa memoria e identità culturale attraverso l’hardingfele, strumento tradizionale norvegese. Il 30 maggio (ingresso libero), in occasione dell’inaugurazione della mostra QUI.Kora, il compositore Marco Baldini presenterà in prima assoluta nuove composizioni per due bassi di viola da gamba a sette corde, eseguite da Anna-Kaisa Meklin e Renato Grieco. Un lavoro che indaga le frequenze più profonde dello strumento, tra essenzialità compositiva e tensione emotiva.

Il cartellone 2026 include inoltre artisti come Ghetonia, Francesco Loccisano, Alessandro “Asso” Stefana, Admir Shkurtaj e molti altri, componendo una mappa articolata della ricerca sonora contemporanea.

“Radici” nasce sotto la direzione musicale di Ainé e si sviluppa attraverso un linguaggio essenziale, dove la voce resta al centro e la produzione accompagna senza mai sovrastare. Le sonorità, morbide e stratificate, intrecciano R&B e neo-soul con una scrittura diretta, capace di oscillare tra introspezione e immediatezza. Il titolo racchiude il senso dell’intero lavoro: le radici come ciò che resta invisibile ma determina chi siamo. Nei cinque brani – “Seguimi”, “Cicatrici”, “Distanze”, “Pelle” e “Aria” – si attraversano temi come l’assenza, la memoria, la paura, il bisogno di connessione e il desiderio di restare. Non un semplice racconto autobiografico, ma una riflessione più ampia su ciò che ci tiene in piedi anche nei momenti di fragilità. Tra i momenti chiave del progetto, “Distanze” vede la collaborazione di Davide Shorty e dello stesso Ainé, mentre i singoli “Cicatrici” e “Seguimi” hanno già anticipato la direzione artistica dell’EP, mettendo in evidenza una scrittura che non teme di esporsi.

«Per me “Radici” parla di ciò che non si vede, ma decide come amiamo, come restiamo e come continuiamo a crescere», racconta BEA. «È la parte più profonda di noi, quella che ci tiene in piedi anche quando fa male».

Classe 2004, Beatrice Coltella arriva a questo debutto dopo una serie di esperienze significative dal vivo: dall’apertura del concerto di Nico Arezzo alle collaborazioni come backing vocalist con Ainé in contesti come l’R&B Take Over Festival all’Auditorium Parco della Musica e JAZZMI. Un percorso che ha consolidato una visione artistica già definita, nutrita da influenze che spaziano da Erykah Badu a Ornella Vanoni.

Tra Napoli e la serie sci-fi horror americana firmata da John Griffin, Jeff Pinkner e il regista Jack Bender (Lost) sembra esserci una naturale connessione, tra mistero, sottosuolo, segreti, dal momento che FROM narra le storie di una cittadina da incubo nel mezzo della foresta, da cui non si riesce a fuggire. Molto emozionati i due attori presenti nel capoluogo partenopeo, che hanno incontrato il pubblico di appassionati: «Girerei una puntata a Capri», queste le dichiarazioni di McCord sul palco, considerando che la serie avrà una quinta e ultima stagione rivelatoria, ma di cui neanche il cast sa ancora molto. «Non è una serie incasellabile in un genere - continua Catalina Sandino Moreno parlando con la Gazzetta a margine dell'evento - i creatori volevano uno show che attirasse chi ama il mistero, il drama, l'horror, ovviamente, ma anche le storie familiari». Un tema, quello della famiglia, che insieme allo scorrere del tempo sembra centrale soprattutto in questa stagione. «Victor è un uomo solitario, che non sapeva stare in società, sta imparando - prosegue McCord - tutta la serie insegna a capire come adattarci anche nelle peggiori condizioni. Ognuno di noi lo fa per la famiglia, per i figli, per le generazioni future. E la famiglia è tutto, il nostro lavoro di attori ce lo fa capire bene quando siamo lontani per le riprese, torni e trovi i tuoi figli cresciuti. Anche quello è un viaggio nel tempo». Gli fa eco Catalina: «La famiglia aiuta a rimanere radicati, sono le persone da cui torni sempre quando ti allontani. Tabitha è una donna resiliente, si fa forza grazie alla profonda voglia di vivere, in un mondo come quello di FROM dove muori appena sbagli».

E anche LDA, che ha cinque fratelli, conosce bene il valore della famiglia: «Poco tempo fa sono andato a prendere mio fratello più piccolo a scuola per fargli una sorpresa. Mi sono sentito ricco. Noi abbiamo scelto un lavoro che ti toglie tanto tempo, e ti regala altre cose. Ma non vorrei mai che mio fratello crescendo si sentisse figlio unico. E non dobbiamo nemmeno rincorrere il tempo, ho 23 anni, e a 23 anni prendersi un momento di pausa è umano e importante». Chiude Aka7even con una risposta dello stesso tenore: «Viviamo in un periodo storico in cui è tutto di corsa, non si ha il tempo di sbagliare ma neanche il tempo di imparare dagli errori, che invece sono in assoluto la cosa da cui impariamo meglio. Dovremmo darci il tempo di agire, sbagliare, correggere. E sicuramente anche in questo conta tanto la famiglia: arrivo dalla periferia, siamo cresciuti uniti anche se con poco, per me tornare a casa significa rimettere i piedi per terra e ritrovare la consapevolezza che la mia famiglia c'è, e sono felice».