Partiamo dall'attualità, che valore ha una canzone come «Bella senz'anima» e perché avete deciso di darle una nuova veste?

«Intanto la collaborazione con Carlos Rivera è stata spontanea, ci eravamo visti a cena e ripromessi di fare qualcosa insieme, anche perché suo padre era un ammiratore di Cocciante. Girando il mondo ci siamo resi conto che all'estero amano quello che non hanno e non possono avere o creare per ragioni culturali o antropologiche. Un patrimonio come quello italiano, nato in un Paese che ha gettato le basi per creare la musica sotto tutti i punti di vista, è affascinante. E noi, nel nostro piccolo, cerchiamo di portare avanti il bel canto perché non ci sono molti altri cantanti della nostra età che lo portano in giro, quindi con umiltà, ma anche con grande senso di responsabilità, seguiamo i passi di tutti gli artisti che ci hanno preceduto, da Luciano Pavarotti, il primo a portare questa musica fuori dai teatri, ad Andrea Bocelli, che ha creato il pop lirico».

«Responsabilità». Lo sentite il «peso» di essere ambasciatori dell'Italia nel mondo?

«È una questione soggettiva, ma una grande responsabilità ad esempio è quella di cercare di mantenere l'entusiasmo vivo quando cantiamo, essere più coerenti possibili con le scelte che facciamo. Poi è vero, qualcuno ci chiama ambasciatori del bel canto, ma è solo una conseguenza rispetto a quello che sentiamo e proviamo per la musica».

Un amore che le «mamme» e le «nonne», vostre prime fan, hanno sempre percpito. E le generazioni più giovani? Sentite di ispirarle in qualche modo?

«Basta vedere un nostro concerto. È vero, all'inizio soprattutto la nostra carriera televisiva era seguita da un pubblico più adulto, ma il nostro obiettivo è sempre stato quello di portare questo genere musicale ai nostri coetanei, perché oggi le piattaforme propongono scie più commerciali, ma la melodia è assolutamente trasversale. C'è una bella fetta di pubblico cresciuta insieme a noi».

La vostra apertura in questo senso si è vista anche nelle tante collaborazioni a cui vi siete aperti...

«Ovviamente abbiamo preso spunto da Luciano Pavarotti, fu il primo a farlo e a comprendere la reale potenza di questa musica, che poteva arrivare al grande pubblico. Noi in Italia siamo così abituati alla melodia che quasi la ripudiamo, in Inghilterra, per esempio, le canzoni più ascoltate di Adele sono tutte ballad con orchestra. Non è vero nemmeno che il romanticismo è morto, e forse dovremmo cominciare a parlarne di nuovo, a proporre contenuti meno frivoli. Non è una guerra, assolutamente, perché esiste la musica leggera e quella più impegnativa in base ai momenti, però ecco, per quanto ci riguarda, ci piace mescolare i generi, cantare con quegli artisti che oggi sono diventati amici».

La voce per voi è uno strumento chiave: come ve ne prendete cura?

«Ci vuole amor proprio. In passato c'erano periodi in cui eravamo un po' più distratti, oggi facciamo lezioni di canto, seguiamo una traiettoria più definita, cerchiamo sempre di migliorarci. Si pensa che il canto sia semplice, appoggi e respiri, ma è proprio quella conoscenza di te e del tuo corpo che fa la differenza sul palco, e se non te ne prendi cura, non puoi arrivare ad avere una carriera molto lunga».

Una riflessione finale: 17 anni insieme, iniziando da giovanissimi, non sono pochi. Qual è il vostro segreto?

«Ci vuole intelligenza, non solo da parte nostra, ma anche delle persone che ci circondano. Aiuta a eliminare quella parte di ego, perché in gruppo l'ego non può esistere, si deve fare squadra. L'abbiamo capito in tutti questi anni in giro per il mondo, non c'è cosa più bella che condividere le emozioni e gli obiettivi. E noi che viviamo picchi elevatissimi di adrenalina, quando raggiungiamo qualcosa abbiamo voglia di festeggiarlo con gli altri».

Partiamo dal piano nazionale, su quali obiettivi Assomusica si concentrerà?«Sicuramente i numeri oggi sono favorevoli, ma per esempio c'è un importante tema legato a location e infrastrutture: spesso si utilizzano edifici nati per lo sport che vengono convertiti per gli spettacoli, oppure piazze e scorci urbani adattati ad arene estive. I piani urbanistici delle città quasi mai prevedono strutture dedicate, così la musica finisce spesso in frizione con i residenti di alcuni quartieri, pensiamo a chi la confonde con la “movida maldestra”. E poi declinare la musica nei territori: non solo grandi eventi da stadio, ma un pluralismo capillare, perché le città hanno la loro forza, ma la musica diventa anche elemento di rigenerazione delle aree periferiche e dei piccoli borghi, per costruire attrattività turistica e quindi ricaduta economica».

Sembra di capire che la criticità principale sia legata ai rapporti con le istituzioni...«La musica contemporanea non ha grandi facilitazioni da parte dello Stato. È in discussione il Codice dello Spettacolo, ma è difficile che venga definito a breve. Mancano definizioni chiare: il Fondo Unico dello Spettacolo esclude gran parte della musica contemporanea per ragioni storiche e strutturali. I live club, che sono paragonabili ai teatri, non sono ancora riconosciuti pienamente come tali. E poi ci sono le regioni che stanno istituendo le Music Commission, come quelle per il cinema, ma il quadro è ancora frammentario. Il lavoro di Assomusica è proprio quello di fare proposte e spingere per un aggiornamento normativo».

In Puglia il settore è vivace, ma spesso gli operatori lamentano la mancanza di dialogo fra di loro, creando sovrapposizioni di date e programmazioni in territori anche molto vicini...«È vero, ma non credo serva delegare tutto alla pubblica amministrazione o introdurre regolamentazioni troppo rigide, perché si rischierebbe di falsare il mercato che invece è dinamico ed è naturale che si muova. Mettendo paletti per regolare i rapporti fra privati si rischierebbe di andare verso lo statalismo o l'assistenzialismo, quindi viva la libera concorrenza! Anzi, spesso è la pubblica amministrazione che entra in concorrenza con i privati, avendo una capacità economica che altera le regole del gioco. Il privato deve fare profitto per sopravvivere, la PA no. Questo crea squilibri evidenti, e nonostante siamo in una regione del Sud con un reddito pro capite molto basso, è da apprezzare quanto in Puglia si consumi musica in inverno senza contributi pubblici. Il Palaflorio di Bari è la struttura sotto Roma che fa più spettacoli in Italia, supera anche la Campania».

Parliamo di logistica: la Puglia è lunga, i territori spesso non così facilmente raggiungibili. Quanto pesa questo dato sul sistema degli eventi?«Abbiamo un problema di collegamenti complessivo con il resto d’Italia: treni spesso in ritardo o inefficienti, linee non adeguate, collegamenti aerei non sempre stabili. In un’ora qui si fatica a spostarsi tra i capoluoghi di provincia, altrove si passa da una regione all’altra. C’è poi il tema dei costi: la Puglia è diventata cara, per turismo e ospitalità, e questo ha cambiato la sua competitività. A questo si aggiunge la distribuzione degli spettacoli e la difficoltà economica dei comuni, per non parlare dei ritardi nei finanziamenti regionali e nei bandi, che rallentano tutto il sistema».

Insomma, la prospettiva - restando così le cose - qual è?«La crisi arriva sempre in ritardo nei territori periferici, ma quando arriva è forte. Non abbiamo ancora capito davvero l’effetto della bolletta energetica sui consumi culturali, ad esempio. Sicuramente c'è piena speranza in un nuovo riassetto, una maggiore capacità di interpretare i fondi europei in modo dinamico, non come rendita di posizione, e in un ricambio della classe imprenditoriale. Al Dams di Bari ci sono circa 400 nuovi studenti che si stanno laureando e che dovranno essere occupati o fare impresa. Ma bisogna evitare che la crescita resti solo infrastrutturale e non sociale. Perché senza crescita delle persone, la rigenerazione urbana resta incompleta: si costruiscono spazi, ma non si costruisce futuro».

Parla così Chiara Pizzi, DDUMA - appunto - nata a Casarano ma da tempo a Milano, che oggi pubblica l'EP A ddhu mare te porta, che contiene i singoli finora pubblicati e anticipa il primo album con la produzione di Machweo e il team di Ad Astra Dischi. Un lavoro in cui ha grande rilievo il dialetto, come racconta alla Gazzetta: «Mi sono trasferita in Italia dalla Spagna quando avevo sei anni, mi vergognavo perché non riuscivo a parlare bene nemmeno l'italiano. Poi stando a contatto con amici e familiari che parlano solo dialetto, l'ho assimilato, perfino qui a Milano convivo con delle salentine e lo parliamo. In certe situazioni ho proprio bisogno di esprimermi in dialetto, è come se parlassi in maniera più istintiva». Un rapporto stretto con la sua terra, che l'ha portata anche a inserire il simbolo del mare nel titolo del progetto: «Non sono la classica persona che non vede l'ora che arrivi l'estate per andare al mare - continua - ma il mare come elemento naturale mi piace moltissimo. Durante la pandemia stavo passando un periodo difficile, andavo in terapia a Gallipoli. Ogni volta al ritorno mi fermavo con mia madre sul lungomare: quei momenti sono stati utili per razionalizzare alcune cose. È un elemento che quando non ho vicino a me, mi manca».

Un percorso nella musica che è partito dallo studio del pianoforte: «Componevo brani strumentali per pianoforte e violino, perché lo suonava mia sorella. Poi ho iniziato a lavorare anche come autrice. Il passaggio al dialetto è arrivato per caso: è stato come scoprire un nuovo modo di raccontarmi, e oggi scrivo ovunque, rigorosamente a mano per scarabocchiare quello che mi viene in mente». Non un riferimento fisso, ma tante grandi voci nei suoi ascolti: Adele, Amy Winehouse, Stevie Wonder ed Etta James durante il percorso di formazione jazz. E anche se il progetto sta crescendo (è stata selezionata tra i finalisti di Musicultura) l'obiettivo più grande è uno solo: far conoscere un lato diverso del Salento.

La tournée partirà giovedì 19 novembre 2026 al Palateknoship di Genova, sabato 21 novembre 2026 all’Unipol Arena di Bologna, martedì 24 novembre 2026 al Palapartenope di Napoli, sabato 28 novembre 2026 al Palazzo dello Sport di Roma, martedì 1 dicembre 2026 al Palaflorio di Bari e sabato 5 dicembre 2026 all’Unipol Dome di Milano.

Shiva,  uno dei protagonisti assoluti della nuova scena rap italiana, è pronto a conquistare anche l’estate 2026 con appuntamenti estivi che lo vedranno sul palco dei principali festival italiani: mercoledì 29 luglio 2026 all’Este Music Festival di Este (PD), giovedì 6 agosto 2026 al Wave Summer Music di Catania, sabato 8 agosto 2026 al Vibes Summer Festival di Cinquale (MS) e venerdì 14 agosto 2026 al Red Valley Festival di Olbia (SS).

Tutto è cominciato per passione: «La trap ancora non esisteva, siamo partiti con una-due date all'anno, J-Ax fu uno dei nostri primissimi ospiti insieme ai Club Dogo, TruceKlan. Venivano 200-300 persone a serata, ma noi abbiamo continuato a credere nel settore e soprattutto siamo stati tra i primi a inserire il mondo trap nei club prima che diventasse di moda, quindi prima del 2016. Ci facevano suonare in apertura, alle dieci di sera: era un contentino, ma sapevamo che era un inizio. Poi nel 2016, quando è cambiata anche la discografia, dopo "Santeria" di Marracash e Guè, la bolla è scoppiata, ma noi eravamo pronti. La prima data fu davvero soddisfacente, e da lì non ci siamo mai fermati». E questo li ha portati anche a stringere rapporti personali con gli artisti: «Kid Yugi, che verrà quest'anno il 20 luglio al Gondar, è un orgoglio pugliese, gli vogliamo molto bene. Molti dei big di oggi sono passati dal Sottosopra che erano ragazzi: era un mondo genuino, c'era l'ansia prima di salire sul palco, le cose erano molto diverse». Oggi il brand è percepito in maniera molto forte, complice anche un'ottima capacità di comunicazione: «La macchina organizzativa non si ferma mai, è talmente grossa che va vissuta ogni giorno dell'anno, almeno come progettualità. La nostra filosofia, poi, è di inserire sempre giovanissimi nel team, che sono la benzina necessaria per andare avanti. In estate arriviamo a 50 persone tra dj, produzione, fotografi, collaborazioni...». E su una futura apertura a ospiti internazionali: «Negli ultimi anni siamo riusciti a portare un artista come Central Cee, che poi è esploso ancora di più. Per noi è una medaglia importante. L’ambizione massima è sicuramente riuscire a portare sempre più guest, ma si devono allineare alcune condizioni, tra cui la logistica del territorio, non sempre favorevole». Nel frattempo, il calendario finora annunciato prevede, nell'ordine: a Gallipoli Artie Five (Praja, 14 luglio); Samurai Jay (Praja, 16 luglio); Kid Yugi (Pargo Gondar, 20 luglio); Gemitaiz (Parco Gondar, 26 luglio); Promessa, Noyz Narcos, Luca Agnelli (Parco Gondar, 1 agosto), Guè (Praja, 4 agosto); a Bari Sayf (31 luglio), Capo Plaza (6 settembre), Anna (13 settembre), tutti all'Arena del Levante.

La scrittura di Stefan Quinto punta ancora una volta sull’immediatezza emotiva, intrecciando melodie intime e arrangiamenti essenziali a un immaginario sonoro contemporaneo. “Sempre noi” si inserisce così in un percorso artistico coerente, dove il racconto delle relazioni umane diventa il centro di una ricerca musicale capace di unire sensibilità cantautorale e aperture pop. Dietro il nome d’arte Stefan Quinto c’è Stefano Giaquinto, nato a Modugno, in provincia di Bari, nel 1995. Cantautore e polistrumentista, ha costruito il proprio background musicale attraverso una formazione accademica in batteria e percussioni jazz presso il Conservatorio di Matera. Dopo il debutto nel 2021 con i singoli “Heroes” e “To You”, l’artista ha iniziato a farsi notare partecipando a festival ed eventi musicali, fino ad arrivare al singolo “Lovers On Fire”, che gli è valso il terzo posto al 2MariSong Festival e il premio come miglior brano radiofonico Appulive 2024.

Nel 2023 arriva “Fantàsia”, primo brano in italiano, con cui raggiunge le fasi finali di Area Sanremo e inaugura il tour “Fantàsia24”. L’anno successivo pubblica “Romantica”, ottenendo attenzione da parte di emittenti e testate nazionali, tra cui Rai Radio1. Parallelamente porta avanti collaborazioni artistiche con Francesco Cavallo per “Endless Night” e con Perry & Fledger per “Like A Dream”. Nel 2025 Stefan Quinto approda inoltre alle selezioni finali del Festival di Castrocaro presentando il singolo “Come Va, Va”, confermando una crescita artistica costante e una scrittura sempre più matura. La sua musica continua così a raccontare storie universali attraverso uno stile autentico, elegante e profondamente personale.

Un disco arrivato a poca distanza dal precedente capitolo, che passo in più c’è stato?«Arriviamo da un anno in cui sono successe tante cose, probabilmente questo ci ha dato una spinta. Avevamo voglia di fare, è un disco venuto fuori in poco tempo tra scrittura, registrazione, mix e pubblicazione. Ma secondo me è giusto cavalcare l’onda e andare dritti, non è detto che non ne faremo un altro già nell’arco del prossimo anno, i temi non mancano».

Spieghiamo questo titolo, «Anatomia di uno schianto prolungato». Un ossimoro.«Mi piaceva un titolo lungo, che richiamasse il cinema vintage anni ‘Sessanta’60-‘70 o certe opere di Márquez, “Cronaca di una morte annunciata”. L’ispirazione è anche il film “Anatomia di una caduta”, ma per raccontare tempi così contraddittori mi piaceva l’idea di inserire un ossimoro, appunto, già nel titolo. Uno schianto non può essere prolungato, è un evento istantaneo. Mentre la parola “anatomia” accanto al racconto di questa fine del mondo, del sistema, del capitalismo, è un’analisi personale del fatto che mi trovo a entrare in una nuova stagione della vita che si affaccia verso il deperimento anatomico. È una presa di coscienza del fatto che da qui si va verso la fine, non è più un momento di crescita».

Una narrazione da cui tanti fuggono, in un mondo che vuole essere giovane per sempre...«Io la vivo con tranquillità, non c’è nessuna rassegnazione, è una constatazione. Sono curioso di vedere come sarà questa stagione della vita. Secondo me a quarant’anni devi anche assumere il ruolo di persona che ha un’esperienza, per poter mostrare uno sguardo sul mondo che non è quello di un ventenne. Non è un contrasto, ma può dare una sfumatura che magari a vent’anni non si vede. E poi per la prima volta mi sono lasciato andare a un racconto più dolce. “Burrasca” è un pezzo che non avrei scritto un paio di anni fa. Forse ho acquisito una consapevolezza totale che mi lascia essere più libero di quanto non fossi a venticinque anni».

Lei parla al plurale quando racconta il disco: quanto conta la dimensione di squadra?«È fondamentale. Da solo non sarei in grado di fare nulla di quello che c’è nei dischi. Ho bisogno della band che mi accompagna live, del team di produzione. I pezzi nascono in gran parte da spunti di altri, perché lavoro ancora come quando facevo il rapper “tout court”, mi mandano delle basi su cui scrivo e poi riarrangiamo tutto insieme in studio. E poi per gli instore ho voluto farmi accompagnare da Stefano perché per la prima volta rispetto ai dischi precedenti ha assunto un ruolo centrale di direzione artistica: ha co-prodotto tutti i brani e ha anche mixato il disco stesso, l’idea di suono è in gran parte farina del suo sacco».

Il brano «Luigi» fa riferimento a Luigi Mangione. Posso chiederle perché questa scelta? «È provocatoria, racconta i nostri tempi in modo puntuale. Da un lato c’è un assassino, ma dall’altro riesce a diventare un personaggio positivo come simbolo della lotta di classe, e contemporaneamente un meme. Mi interrogavo su questo: nel 2026 per fare la rivoluzione bisogna essere un meme? Credo che il meme sia il meccanismo che ci racconta meglio, è immediatissimo. Si appoggia a momenti della cultura e li sfrutta, racconta il nostro bisogno di essere immediati e veloci nell’analisi e nella condivisione».

Come immagina questo disco suonato dal vivo?«La fortuna vuole che in gran parte nasca già suonato in studio, quindi il passo è breve. Siamo molto contenti di tornare nei club: le arene estive sono divertenti, ma questo disco va raccontato in un contesto più intimo».

Perché la scelta di Zefiro?

«È il vento che soffia da Ovest a Est, e in un periodo in cui mi sentivo un po' a metà, in cui non sapevo effettivamente dove appartenere, mi sembrava in modo astratto potesse portarmi verso le mie terre di origine. Dall’altra parte è un ritorno a me stessa, a quelle caratteristiche che ho nascosto durante la crescita...».

E la scrittura è stata un po' terapeutica per capire in quale direzione andare?

«Sì, in molti casi. Ma in generale il processo è stato variegato, alcune canzoni sono nate con un po’ più di introspezione, altre in freestyle, come un’idea, veicolate in diversi processi creativi. Tutto però era unito da una forte determinazione, ho lavorato veramente tanto».

Secondo lei la musica oggi può aiutare a far capire la bellezza delle culture diverse?

«Spero di sì, almeno questo è sempre stato il mio obiettivo. L’arte è un modo che ho per poter rappresentare determinate cose, suono tutta la mia cultura, spero possa arrivarne la bellezza. Anche a livello sonoro, infatti, è stato un grande lavoro, studiato e costruito con l’idea di mantenere la mia essenza».

A marzo era uscito il primo brano, «Colibrì», oggi che tipo di evoluzione c'è stata, anche nella scrittura?

«Sono tutte parole che non riesco ad afferrare, flussi di coscienza che cerco di prendere e fissare. Non si possono afferrare persone o momenti, devi lasciare che tutto fugga via o cambiare il modo di guardarli. Nella barra "Camminavo per strada nel verso opposto al mondo" c'è il cuore di tutto, il rivalutare l'approccio alle cose che fai. "Colibrì" non saprei neanche se inserirla in un futuro EP, era piuttosto la fine di qualcosa, invece da qui in avanti soprattutto per i testi si entra in un mondo più introspettivo e meditativo».

Si sente molto la cura nella ricerca dei suoni...

«Nazareno vive in un mondo surreale a contatto con chimica, elettricità, fulmini: sono sensazioni reali che ampliano il mondo a 360 gradi. Quindi bisogna impegnarsi per trovare i suoni giusti che lo circondano. Qui si sente scorrere la bobina di Tesla, per registrare quel sample sono stati bruciati tutti gli strumenti che stavano registrando, pur di ottenere il suono di quella scossa elettrica. Il partner di Nazareno in tutto questo è OZEY, producer e braccio destro».

E lei arriva anche dal djing...

«La danza è l'unico rituale dall'inizio della storia che permette di raggiungere il divino e connettersi alla Terra allo stesso tempo. Il rituale del clubbing della notte è l'unico in cui abbassiamo il nostro ego allo 0%, perché siamo al buio. C'è stato un bel feedback da parte di chi era al di là della consolle, e anche tanto riscontro da chi gravita in questo spazio della musica».

Ci sembra di capire, però, che il percorso procede bene e c'è anche un EP all'orizzonte...

«Sì, ma è una strada lunga, che accoglie anche tutti i possibili imprevisti».

Sul piano sonoro, c'è un’evoluzione significativa. La produzione si apre a nuove soluzioni, fondendo elementi organici ed elettronici in un equilibrio più maturo rispetto ai lavori precedenti. Ne emerge un paesaggio musicale più ampio, che non rinuncia però alla componente emotiva che da sempre contraddistingue il percorso di Veetti, mantenendone riconoscibile l’impronta autoriale. Il brano anticipa una fase artistica in cui il cantautore sperimenta nuovi linguaggi e nuove forme espressive, senza perdere la sensibilità narrativa che ha caratterizzato la sua crescita nel panorama indipendente italiano.

Simone Vitti, in arte Veetti, nasce nel 1997 a Napoli e cresce a Lecce. Il suo progetto musicale prende forma all’interno di un collettivo di giovani creativi, con cui sviluppa non solo la componente sonora ma anche l’intero immaginario estetico e visivo che accompagna ogni pubblicazione. Nel corso degli anni costruisce una cifra stilistica riconoscibile, fondata su un intreccio di R&B, pop ed elettronica, distinguendosi per un universo narrativo intimo e cinematografico, in cui spesso sono le storie a occupare il centro della scena più che la figura dell’artista. Nel suo percorso discografico figurano i singoli “Vetri di Lacrime”, “Pantaloni Bucati”, “Rigel” e “Lievito”, oltre all’EP “Nel caso non dovessimo rivederci”, lavoro che ha contribuito a consolidare la sua identità nel panorama indipendente italiano.

Ad anticipare l’uscita dell’EP sono stati i singoli «Fragile», «Cento felpe» featuring Soulcè e «Come fanno i fiori», pubblicati nel corso del 2025 e già capaci di delineare l’identità artistica di un progetto raffinato, costruito attorno a un immaginario emotivo delicato ma intenso. Con «Primo tempo», Giorgia Faraone firma così il suo primo lavoro organico, un disco che si muove come una narrazione cinematografica fatta di immagini soffuse, confessioni intime e frammenti di relazioni.

«Questo EP è un viaggio emotivo che si sviluppa come una proiezione a luci soffuse, in cui ogni brano diventa una scena, un frammento di intimità», racconta la cantautrice, spiegando il significato del titolo scelto. «“Primo tempo” fa riferimento proprio alle atmosfere cinematografiche delle canzoni, perché questo EP è come un film in pellicola che esplora l’amore nelle sue molteplici forme».

Ma il titolo nasconde anche una prospettiva più ampia. I sei brani contenuti nel progetto rappresentano infatti solo la prima parte di un percorso artistico destinato a proseguire con un secondo capitolo. «Queste canzoni anticipano altri brani che faranno parte di un altro EP, “Secondo tempo”, di prossima uscita», spiega ancora l’artista. «“Primo tempo”, però, non rappresenta un inizio in senso cronologico, ma un insieme di fasi emotive che definiscono l’esperienza amorosa nella sua complessità».

All’interno dell’EP convivono così emozioni differenti: dalla tensione magnetica dell’innamoramento alla ferita della delusione sentimentale, fino alla riscoperta dell’amore verso sé stessi e alla difficoltà di mantenere un equilibrio interiore. Ogni traccia si trasforma in una scena autonoma ma collegata alle altre, componendo un racconto coerente e immersivo.

Determinante nella costruzione sonora del progetto è stata la collaborazione con Andrea Rossetti, musicista e produttore salentino di formazione jazz, che con Giorgia Faraone condivide una forte passione per la black music. La produzione musicale accompagna infatti la scrittura con arrangiamenti morbidi ed eleganti, capaci di valorizzare la vocalità intensa della cantautrice e di creare atmosfere intime e suggestive.

La tracklist di «Primo tempo» comprende i brani «Machemifai?», «Fuoco», «Come fanno i fiori», «Cento felpe» featuring Soulcè, «Fragile» e «Meno problemi», sei tasselli che definiscono un’identità artistica già riconoscibile e coerente.

Classe 1992, Giorgia Faraone è una cantautrice salentina con una formazione che intreccia studio accademico e ricerca artistica personale. Premiata come miglior musicista al Premio Bindi 2025, si è diplomata in canto jazz al Conservatorio Tito Schipa di Lecce e ha frequentato la classe autori del CET, la scuola fondata da Mogol. Nel corso della sua carriera ha collaborato con artisti come Neffa e Amii Stewart, della quale è stata anche corista, lavorando inoltre con diverse realtà teatrali nella composizione di colonne sonore per spettacoli.

Dal 2020 ha pubblicato numerosi singoli, mentre dal 2024 ha intensificato l’attività live con uno spettacolo in solo che dal 2025 include anche i brani di «Primo tempo». Un percorso artistico in continua evoluzione che oggi trova nel nuovo EP un punto di maturazione importante, confermando Giorgia Faraone come una delle voci più interessanti della nuova scena cantautorale soul-R&B italiana.

Prima dell’esibizione salirà sul palco Fabio Zaffagnini, ideatore del progetto Rockin’1000 ed ex ricercatore nell’ambito della geologia marina, che incontrerà gli studenti delle scuole superiori per una lezione dedicata a creatività, imprenditorialità e relazioni umane nell’era digitale.

L’iniziativa coinvolgerà non solo universitari ma anche centinaia di studenti delle scuole del territorio. «Un’occasione – sottolinea il rettore Umberto Fratino – per far conoscere il Politecnico non soltanto come luogo di formazione e ricerca, ma anche come spazio aperto alla partecipazione, alla socialità e alla creatività».

Il nome di Zaffagnini è legato alla nascita di Rockin’1000, il progetto lanciato nel 2014 per invitare i Foo Fighters a esibirsi a Cesena. L’anno successivo mille musicisti suonarono insieme “Learn to Fly”: il video dell’esibizione divenne virale in tutto il mondo con oltre 60 milioni di visualizzazioni, trasformando l’iniziativa in una community musicale internazionale.

Il soul come spazio emotivo, il palco come luogo in cui trasformare esperienze personali in atmosfera sonora. Si muove dentro questa traiettoria il progetto musicale di Rahma, artista italo-tunisina che venerdì 15 maggio salirà sul palco del PalaBarTino di Bari, spazio diretto da Bar Project diventato negli ultimi anni uno dei riferimenti più vitali della scena culturale e musicale del quartiere Libertà.

Classe 2001, all’anagrafe Rahma Mezni, la cantante ha costruito negli ultimi anni un percorso riconoscibile per identità sonora, estetica e ricerca musicale. Il suo universo attraversa il soul degli Anni Settanta e l’R&B degli Anni Novanta, fondendo influenze black contemporanee, scrittura introspettiva e sonorità alternative. Nei suoi brani – tutti in lingua inglese – convivono vulnerabilità, memoria emotiva e tensioni interiori, trasformate in paesaggi sonori intimi e cinematici.

Dal vivo Rahma alterna composizioni originali a reinterpretazioni di cover iconiche, mantenendo sempre centrale una dimensione espressiva essenziale e autentica. Negli ultimi anni si è esibita in numerosi contesti in tutta la Puglia, consolidando una presenza scenica raffinata e personale che l’ha resa una delle giovani voci emergenti più interessanti del panorama soul e R&B italiano contemporaneo.

Nel 2024 ha pubblicato il suo album d’esordio, «Love Tales», lavoro dedicato ai temi dell’amore, della nostalgia e della crescita personale attraverso una scrittura sospesa tra classicismo soul e sensibilità moderna. Attualmente è impegnata nella lavorazione del secondo disco, orientato verso un linguaggio più aperto e accessibile, pur restando profondamente legato alla propria matrice black music.

Particolare attenzione viene riservata anche alla dimensione visiva e narrativa del progetto: per Rahma musica, immagine e storytelling convivono all’interno di un immaginario coerente, elegante e riconoscibile.

Solitamente accompagnata da una full band composta da Niko Ladisa al basso, Michele Paradiso alla batteria e Giovanni Lucatorto alla chitarra, questa volta l’artista sceglierà invece una formula più raccolta, esibendosi in duo con il chitarrista. Una scelta che promette di rendere il concerto ancora più vicino, essenziale e immersivo, lasciando spazio alle sfumature della voce e alla componente emotiva delle composizioni.

Il live al PalaBarTino sarà così un attraversamento sonoro tra soul d’altri tempi, R&B contemporaneo e suggestioni cinematografiche, confermando la volontà dell’artista di costruire concerti non semplicemente come esecuzioni musicali, ma come esperienze intime e condivise.

Guardando indietro, il bilancio del tour è più che positivo: «Abbiamo trovato ovunque un pubblico caloroso e curioso. In alcune città siamo tornati a esibirci nei locali dove avevamo già suonato in passato, c'erano addirittura persone che ci aspettavano e volevano acquistare il CD autografato». Un segnale importante per un progetto così particolare e lontano dalle logiche mainstream. L’avventura li ha portati in molte città italiane: Arezzo, Rimini, Umbria, Marche, Sicilia. A volte anche affrontando lunghe trasferte per singole date, pur di raggiungere territori nuovi e costruire relazioni. Tra i luoghi rimasti più nel cuore citano il Punk Funk di Palermo, storico negozio e locale nel centro storico della città, diventato ormai tappa di culto personale, ma anche il Kindergarten di Benevento, il BAM di Sapri – uno spazio abbandonato trasformato in centro culturale tra concerti, teatro e registrazioni – e l’Auditorium Popolare di Cosenza, apprezzato per la qualità tecnica e per la cura dedicata al suono e all’accoglienza delle band.

In molti di questi luoghi il gruppo ha trovato un pubblico eterogeneo, spesso composto anche da turisti e ascoltatori stranieri. A Palermo, ad esempio, ricordano con entusiasmo un ragazzo svedese che dopo il concerto si avvicinò dicendo: «In Svezia questa roba non c’è». Un complimento che li ha colpiti profondamente. Il tour ha confermato anche la loro capacità di parlare a generazioni diverse. Ad Arezzo, Sapri e Benevento - raccontano - si sono ritrovati davanti platee giovanissime, ragazzi e ragazze che hanno ballato e cantato per tutta la durata del live. Una risposta che considerano importante in un momento storico in cui la musica tende spesso ad appiattirsi e uniformarsi. Uno degli episodi simbolo del tour resta però la data al Mercato Nuovo di Taranto. Quel giorno la città era completamente allagata dalla pioggia e la band era convinta che il concerto sarebbe saltato. E invece il locale aprì ugualmente e nel giro di pochi minuti il pubblico arrivò regolarmente, sotto l’acqua, dimostrando quanto un club con una forte identità riesca a creare una vera comunità attorno alla propria proposta musicale.

Ora lo sguardo è già rivolto al futuro. A fine maggio entreranno in studio per registrare un nuovo album, questa volta non concepito come concept disc, ma comunque attraversato da temi personali: quotidianità, ironia, rabbia, sarcasmo verso certi aspetti della contemporaneità e della scena musicale attuale. Raccontano di voler parlare della vita reale, delle prove in sala alternate alle partite di Champions League, del rock and roll e della sensazione diffusa di trovarsi circondati da «fake band», progetti costruiti a tavolino e copie senz’anima. Ed è questo anche uno dei motivi per cui rivendicano una forma di comunicazione libera anche nelle foto promozionali - come quella che pubblichiamo: nella scena rock e underground italiana c'è un atteggiamento diffuso, una tendenza che definiscono quasi come una forma di «fighettismo», un’estetica molto curata, studiata, quasi costruita, riferendosi a gruppi che puntano molto sull’apparire, sull’abbigliamento ricercato, sull’immagine patinata. È un aspetto che, a loro avviso, rischia di far perdere qualcosa dell’essenza originaria del rock, soprattutto nella sua dimensione più istintiva e imperfetta. Ed è questo il motivo per cui la loro immagine a volte è volutamente disordinata o provocatoria, proprio per rompere quella uniformità estetica che vedono diffondersi, per restare fedeli a un’idea di musica meno costruita e più autentica.

Per loro la musica, infatti, dovrebbe continuare a trasmettere cultura, immaginazione e visione. Oggi invece, sostengono, sembra prevalere la semplice riproduzione di formule già esistenti. Da qui nasce anche la loro volontà di restare «disturbanti», fuori dagli schemi, lontani dal perbenismo contemporaneo che – secondo loro – ha assunto nuove forme, più sottili e difficili da riconoscere rispetto al passato. E proprio parlando del prossimo disco, lasciano infine una definizione che sembra già un manifesto programmatico: «Saremo troppo rumorosi per essere amati».

Dal punto di vista musicale, il brano si muove tra power rock e pop rock, sostenuto da chitarre brillanti, ritmo serrato e un ritornello fortemente melodico. L’impatto iniziale è diretto, quasi spensierato, in linea con la tradizione del power pop, dove l’energia delle melodie convive con una componente emotiva più complessa e stratificata. Ed è proprio qui che «Ricoverami» rivela la sua vera natura: dietro la leggerezza sonora si nasconde infatti un testo attraversato da inquietudine, vulnerabilità e senso di disorientamento. Il brano racconta un ritorno all’infanzia attraverso immagini concrete e simboliche: ricordi tattili, oggetti che si rompono, cose che cadono, si sporcano o si perdono. Una memoria emotiva che appare già compromessa, deformata dal tempo e dall’esperienza. Il ritornello si trasforma così in una richiesta insistente di protezione: «Ricoverami quando macchio tutto, quando sarò cresciuto». Un’invocazione che non ha nulla di clinico, ma assume il significato di un bisogno di sospensione dal mondo, di rifugio nei momenti di errore, fragilità e trasformazione personale.

Ma la crescita evocata nel testo resta continuamente in discussione. Il verso «se mai sarò cresciuto» incrina infatti qualsiasi certezza, trasformando il brano in una riflessione sul passaggio all’età adulta, sull’identità e sulla difficoltà di sentirsi davvero completi. Nella parte finale emerge una consapevolezza ancora più lucida e dolorosa: i ricordi si sbiadiscono, le persone cambiano, e anche quando i frammenti della propria vita sembrano tornare insieme «manca sempre qualcosa». «Una canzone che suona aperta ma racconta una chiusura, che si muove veloce ma parla di qualcosa che resta irrisolto», spiegano i LaMatta. «Un equilibrio instabile tra nostalgia, crescita e smarrimento, dove la melodia accoglie e il testo disarma». Il singolo è stato scritto da Damiano Lovecchio, Vincenzo Laghezza, Davide Marasciulo e Vito Allegretti, mentre la produzione è firmata dagli stessi LaMatta insieme a Sebastiano Lillo e Paolo Palmieri. Le registrazioni sono state realizzate presso SLAP Studio, con mix e mastering curati da Paolo Palmieri. L’artwork di copertina e le fotografie promozionali sono invece opera di Davis Albert Valle.

Nati a Monopoli, in provincia di Bari, i LaMatta raccontano con ironia e autoironia il proprio percorso artistico: «Veniamo da un posto dove la parola “artista” è spesso un malinteso linguistico», spiegano. «Cerchiamo di capire chi siamo mettendo in musica le nostre paturnie, trasformando dubbi e ossessioni in rumore, melodia e parole». La band prende forma ufficialmente nel 2021, anche se le prime idee iniziano a svilupparsi già dal 2019. Nel 2022 pubblicano il primo EP omonimo, anticipato dal singolo «Berlino», che permette loro di ottenere i primi riscontri positivi e di partecipare alle selezioni live di Arezzo Wave Band Contest. Negli anni successivi il gruppo intensifica l’attività live e avvia una fase di ricerca sonora più approfondita. Tra la fine del 2024 e l’inizio del 2025 la band lavora infatti a nuove produzioni presso lo Slap Project Studio insieme a Sebastiano Lillo e Paolo Palmieri, avviando un’evoluzione stilistica che si consolida ulteriormente con l’ingresso del chitarrista Vito Allegretti nel 2025. Un innesto che porta nuove influenze e contribuisce a rendere il sound del gruppo ancora più incisivo e ricercato. Nel 2026 arrivano il doppio singolo «I Figli del Re / Cosa ci Distrugge», seguito da «Monolocale» e ora da «Ricoverami», brano che chiude idealmente questa fase creativa in attesa del nuovo album.

Dietro il progetto ci sono Roberto Chiga, Mario Esposito e Giuseppe Grassi, che da anni lavorano sulla contaminazione tra linguaggi sonori differenti e che con questo nuovo lavoro costruiscono un laboratorio musicale mediterraneo. «Apulian Unpopular Music» nasce infatti dall’idea di recuperare la ripetitività ipnotica della musica popolare e intrecciarla ai loop elettronici, riscrivendo melodie tradizionali e ricollocandole dentro paesaggi sonori alternativi. L’obiettivo non è quello di riproporre fedelmente la tradizione, ma di contaminarla e reinventarla. Le scansioni ritmiche della pizzica vengono così attraversate da beat elettronici, bassi dub, synth, distorsioni e influenze che spaziano dal Balkan alla world music, dal reggaeton fino alle ritualità gnawa del Nord Africa. Un lavoro che procede per stratificazioni sonore e che restituisce alla musica popolare una dimensione fluida, nomade e contemporanea.

Il disco si apre con «Cumenza tu», brano che sintetizza immediatamente l’identità del progetto: stornelli provenienti da Ceglie Messapica si intrecciano con house, disco music e suggestioni balcaniche, mentre un assolo di contrabbasso in sette ottavi conduce verso un finale trascinante affidato ai synth di Marco Rollo. Una traccia che mette subito in chiaro la volontà degli Ashèblasta di rompere qualsiasi confine stilistico. Segue «Sta strada», reinterpretazione di un brano della tradizione costruita insieme a Emanuele Licci, figura centrale della ricerca musicale salentina contemporanea. Ma è con «Ya bnadem» che il disco amplia definitivamente il proprio orizzonte geografico e culturale. Grazie alla partecipazione di Adele Benlahouar, la tarantella si trasforma infatti in un rito gnawa cantato in darija, attraversando idealmente il Mediterraneo «sutt’acqua e sutta ientu», tra spiritualità nordafricana e pulsazioni elettroniche. L’album prosegue con «Fuci fuci», ancora interpretata da Emanuele Licci, descritta dagli stessi Ashèblasta come una sorta di mantra sulla quotidianità contemporanea: una riflessione sul ritmo frenetico della vita moderna che ci costringe continuamente a correre, facendoci perdere di vista ciò che conta davvero.

Con «Mare’nna», scritto e cantato da Licci, il disco torna invece a dialogare direttamente con la tradizione del “moretto”, trasformandola però in uno stornello moderno attraversato da suggestioni reggaeton. Un’altra rilettura che conferma la volontà del progetto di non trattare la musica popolare come un reperto museale, ma come un organismo capace di mutare e dialogare con il presente. Tra i momenti più intensi del lavoro c’è poi la reinterpretazione della «Tarantella di San Michele», affidata alla voce di Giancarlo Paglialunga. Un brano già molto amato dagli appassionati della tradizione che gli Ashèblasta dichiarano ironicamente di aver «rovinato» con mandolini distorti ed elettronica, trasformandolo in una nuova esperienza sonora sospesa tra trance rituale e sperimentazione contemporanea. A chiudere il disco arrivano infine i già pubblicati «Pizzica di San Vito», «Scusati signori» e «Na ni na», tasselli che negli ultimi mesi hanno contribuito a definire l’immaginario del progetto.

Ma «Apulian Unpopular Music» non è soltanto un disco: è anche un lavoro di recupero e rielaborazione della memoria sonora del Salento. Gli Ashèblasta utilizzano infatti voci e registrazioni d’archivio raccolte nelle campagne salentine negli anni Cinquanta, campionandole e ricontestualizzandole dentro nuove architetture musicali. Frammenti di passato che tornano così a vivere nel presente attraverso beat elettronici e paesaggi sonori contemporanei.

Il progetto approderà dal vivo il 24 maggio a Lecce, negli spazi di Tagliatelle – Stazione Ninfeo, per l’ultima serata del Locomotive Spring Festival. Sul palco Roberto Chiga sarà impegnato tra tamburreddhu salentino, percussioni e programmazioni elettroniche, Mario Esposito al basso elettrico e ukubass, mentre Giuseppe Grassi suonerà mandolino e mandola. Un trio che con «Apulian Unpopular Music» prova a riscrivere il rapporto tra folklore e contemporaneità, dimostrando come la musica popolare possa ancora essere uno spazio di ricerca, trasformazione e libertà creativa.

Il singolo, pubblicato per Isola degli Artisti / Atlantic Records Italy / Warner Music Italy, è una celebrazione di radici e appartenenza, un incontro tra tre voci femminili che uniscono stili e sensibilità diverse in un racconto musicale che richiama Sud, libertà e identità.

Il successo arriva dopo la partecipazione di Brancale al Concerto del Primo Maggio di Roma e accompagna l’avvio del “Sacro Tour”, partito da Londra e destinato a concludersi il 3 ottobre al Palaflorio di Bari. Un progetto live che attraversa Italia ed Europa, tra club, festival e grandi teatri, e che conferma la dimensione sempre più internazionale dell’artista.

Il tour è legato all’album “Sacro”, pubblicato il 10 aprile, un lavoro che mescola nu-soul, jazz, R&B e sonorità mediterranee, arricchito da collaborazioni internazionali e da un percorso artistico che negli ultimi anni ha consolidato la crescita della cantautrice pugliese.

Nel 2025 Brancale aveva già ottenuto un grande riscontro con “Anema e Core”, certificato disco di platino, mentre al Festival di Sanremo 2026 ha presentato “Qui con me”, brano accolto positivamente dal pubblico e premiato con il Premio della Sala Stampa “Lucio Dalla”, il Premio Lunezia e il Premio TIM.

Tra successi radiofonici, tour europeo e nuove sperimentazioni, Serena Brancale si conferma oggi una delle voci più riconoscibili della musica italiana contemporanea, capace di coniugare tradizione e innovazione in un linguaggio personale e trasversale.

«L’elefante e la farfalla», in una società in cui l’apparire prevale sulla sostanza questo messaggio è ancora attuale dopo 30 anni...

«È chiaramente una metafora, non legata all’estetica ma alla difficoltà interiore di mostrare i sentimenti. Nella nostra società la cultura spesso passa in secondo piano, così come l’empatia, la voglia di capire gli altri. È vero, esiste una grande parte di umanità che continua a lottare per i diritti, ma viviamo anche un momento in cui la distrazione social o rispetto alla voglia di leggere e approfondire è molto forte. La leggerezza non va dimenticata. Però non può diventare il centro del quotidiano. Va bene divertirsi, ma deve esserci anche il desiderio di riflettere, di informarsi su quello che succede nel mondo. La farfalla, invece, è l’amore, il sentimento più importante: e anche se oggi molte canzoni parlano d’amore, quando se ne parla con emozione e con una certa levatura artistica, diventano universali. E questo succede perché il nostro sentire più profondo non potrà mai essere cancellato, nemmeno dalla tecnologia».

Ci riferiamo anche all’intelligenza artificiale?

«Certo. L’indole dell’uomo, la sua centralità, non potranno mai sparire. Ed è questo il segreto dell’arte, che quando è bella davvero, arriva in profondità. La regola è una sola: fare qualcosa con sincerità, con il cuore, riuscendo a portare chi ascolta in un mondo che conosce e allo stesso tempo non conosce».

Oltre a una grande cultura musicale, si è fatto conoscere per la sua straordinaria voce. Come se ne prende cura?

«Ho sempre avuto un rapporto di timore con la mia voce, anche perché la porto spesso al limite, faccio qualche acrobazia, soprattutto nei live. A mio avviso è giusto avere timore e proteggerla, perché è strettamente collegata alla vita, all’anima, al cuore. Dico sempre che non è importante solo prendere note altissime. Stevie Wonder emoziona per il suo colore, per il suono. Non è che De Gregori sia meno bravo di Baglioni perché ha meno estensione vocale. Quando hai l’anima nella voce, quella cosa non si impara. È come lo sguardo degli occhi: dentro ci leggi qualcosa di autentico».

Tris di date in Puglia, regione che le ha sempre voluto molto bene...

«Ricordo un concerto bellissimo di recente a Mesagne: il pubblico non voleva farmi scendere dal palco, la piazza era talmente piena che hanno dovuto chiudere le strade d’accesso. L’assessore mi disse che non succedeva da quasi cento anni per un evento gratuito. Vivere ancora emozioni del genere è un regalo enorme, evidentemente l’affetto c’è ancora, ed è una benzina fondamentale per continuare questo mestiere dopo tanti anni»

Quindi possiamo aspettarci anche qualche sorpresa?

«Già. Sto presentando un inedito che uscirà a fine maggio: per il momento lo sto facendo ascoltare dal vivo e sta ricevendo un bellissimo riscontro. È un regalo per chi continua a seguirmi e ad ascoltarmi dopo tutti questi anni».

Partiamo dal titolo, «Perdigiorno» è una parola che a volte può avere un'accezione negativa, qui invece sembra recuperare un nuovo valore...

«È vero, oggi più che mai viene associata alla pigrizia, mentre io in primis ammetto di essere - al contrario - sempre di corsa. Ma oggi c'è una tendenza a dare un valore all'attività solo quando c'è un riscontro pratico o economico. Scegliere un'università solo per lo sbocco lavorativo, ad esempio. Ed è una cosa che mi intristisce. Il perdigiorno nella sua attività, che può essere quella di contemplazione, scrittura, del fare niente, è connesso al presente, senza pensare al senso di questi gesti nel futuro. E secondo me questa cosa, nella musica o nell'arte, è quasi un atto politico: fare qualcosa solo per l'amore nei confronti di ciò che fai, senza un fine terzo. È la cosa più bella che c'è».

Tra queste attività, soprattutto per chi fa musica c'è la scrittura. Qual è il suo approccio, scrive in qualsiasi momento della giornata?

«Ho molte cartelle sul telefono, a tal punto che si riempiono e ne devo creare sempre di nuove. Gli spunti possono arrivare da qualsiasi cosa. Poi il rap, ma anche il cantautorato, mi affascinano per la loro immediatezza: è impossibile mentire se non dai alla tua testa il tempo di farlo. Perciò lascio che il flusso sia di pancia, almeno per quanto mi riguarda credo dica molto più di me, anziché stare a ragionare per rendere una cosa giusta, perfetta, ma magari meno vera. Poi esistono tanti approcci diversi, c'è chi impiega mesi per trovare le espressioni adatte: non c'è qualcosa di giusto o sbagliato, ognuno lavora a modo suo».

È cresciuto in una realtà meravigliosa che musicalmente sta crescendo tanto in quest’ultimo periodo, Genova. Che legame sente con la sua città?

«Sono nato e cresciuto nel centro storico, ho un attaccamento viscerale a questa città. Ricordo che da bambino camminavo con mio padre e non riuscivo a capacitarmi del fatto di essere nato proprio lì, mi sembrava un miracolo. Ho viaggiato tanto, ho visto posti magnifici, ma c'è qualcosa che mi riporta sempre a Genova. La vedo un po' come una mamma, come la donna della mia vita, ma non ci posso stare per sempre: devo andare, per poi comunque tornare. E quando non ci sono, un po' mi manca»

E ritornando alla scena ligure, più viva che mai, sembra che tra voi ci sia una bella sinergia...

«Sono tutti ragazzi con cui ho lavorato, con cui sono in contatto. Quando ero alle medie si ascoltava tantissimo il rap della Drilliguria, Wild Bandana, mi rivedevo tantissimo in quella roba, mi affascinava l'idea di raccontare la propria realtà e fare in modo che qualcun altro ci si rispecchiasse. Scrivevo già da prima, filastrocche, poesie, poi con il rap tutto ha preso una forma più musicale. Genova è una città che dà tantissimo a chi è sincero, a chi lavora con cultura, passione, verità».

Quali sono state le sue influenze musicali, quindi?

«Sicuramente De André, l'ho ascoltato tantissimo da bambino, poi Lucio Dalla, anche se non è genovese, se potessi riportare in vita una persona sarebbe lui. E poi ovviamente il rap, lo ascoltavamo proprio come pane quotidiano al liceo, ci ispirava uno stile di vita specifico».

Inizia l'instore tour, avrà a che fare con molti fan, che feedback le stanno arrivando, anche dopo «Amici»?

«Incontrarli mi riempie di gioia, ricevo tantissimi messaggi ed è bellissimo che le persone si riconoscano nella mia musica, nella mia persona. Tanti ragazzi mi raccontano le loro storie anche senza conoscere la mia, è come se per me si chiudessero dei cerchi. È emozionante, sto lavorando tantissimo per consolidare questo sogno di fare musica».

Chiudiamo con il nuovo singolo, «Colore»: se ce ne fosse uno per descrivere questa fase della sua vita, quale sarebbe?

«Un azzurro-turchese, brillante. Ispira serenità? Non lo so, ho talmente tante emozioni intorno che mi dovrei fermare qualche giorno per capirlo. Ma al momento sono felice e soddisfatto. Quello è l'importante».

Quindi questi «echi» vanno dal personale all'universale...

«Mi sento vicina alle vicende attuali, anzi è assurdo come di fronte a questi abomini che accadono nel mondo ci stiamo quasi abituando. Cronologicamente sentiamo parlare di guerra da tanto, ci siamo assuefatti alle immagini crudeli dei bimbi di Gaza che quasi giocano in mezzo alle macerie delle loro case».

Però a differenza del precedente lavoro «Dinamiche di volo», qui la memoria personale è anche molto presente...

«Trovarmi a scrivere brani come "Granpa Cloud" o "Bambina mia" è stato quasi un modo per esorcizzare il dolore del momento. Era come se la perdita dei miei nonni avesse anche un po' richiamato quelle note, quelle melodie nella mia testa. "Bambina mia" poi fa riferimento anche alla storia di mia nonna, che da piccola scappò dall'isola greca di Rodi solo con una valigia in mano per ricominciare da capo. Ho voluto inserire le sonorità del sirtaki anche proprio per richiamare quel contesto, di grande attualità».

La dimensione dell'album è prevalentemente acustica, ma non mancano i dialoghi con tanti altri strumenti...

«Sono stati tre anni in cui ho ascoltato tantissima musica e ho intrapreso lo studio del banjo, che è ritmico e mi ha consentito di formare un nuovo tipo di suono che poi ha influenzato anche le chitarre. Ho ascoltato gli Eagles, ho ripreso vecchi dischi di Ben Harper, e per quanto riguarda la sinergia con gli altri musicisti che ho coinvolto nel progetto, tutto scaturisce da sensazioni positive che ci hanno connesso in qualche modo. Per esempio Matteo Resta, al mandolino, ha perso la nonna nel mio stesso periodo, questa cosa ha creato tra noi una sintonia profonda, fondamentale quando si collabora».

La chitarra, però resta il «suo» strumento. Siete sempre state «amiche»?

«Sì, mi ha sempre accompagnata. Poi per un lungo periodo l'ho messa da parte ma c'è stato quasi un richiamo, e lì mi sono accorta che mi era mancata tantissimo».

Quale si augura sia il messaggio di questo disco?

«È un discorso più ampio, in generale mi auguro possa esserci innanzitutto un riscontro positivo sulla guerra, una maggiore giustizia, e un senso di unione più diffuso. Sento troppa freddezza nella società, ma vedo un bagliore nelle giovani generazioni. Voglio essere fiduciosa».

Sono stati annunciati i finalisti della 17esima edizione di Music for Change, il MainStage europeo della musica per il cambiamento che, anno dopo anno, si conferma uno dei percorsi più strutturati e concreti dedicati ai nuovi music creator. Un traguardo importante che segna l’ingresso nella fase più intensa del progetto: quella della Sound Village Academy, da cui nasceranno i brani inediti destinati alla finale nazionale del 9 ottobre 2026 al Teatro Rendano.

Tra i sette artisti selezionati emergono con forza anche due nomi pugliesi: Andera, da Bari, e Janaki, da Lecce. Due voci diverse, ma accomunate da una visione artistica che incarna pienamente lo spirito del progetto, dove musica e contenuto si intrecciano con consapevolezza e urgenza espressiva.

Questi tutti gli artisti che accederanno alla fase residenziale:

• ANDERA (Bari) – Borders
• FEDERICO BALDI (Bergamo) – Amplify Democracy
• FREMIR (Milano) – Eco Mood
• JANAKI (Lecce) – Crossroads
• LIVREA (Verona) – Equality
• LUISIANA (Siracusa) – Nine to Five
• YOUNGOVER (Milano) – Offline/Online

La fase finale delle audizioni si è svolta il 2 e 3 maggio presso il Piccolo Teatro Gulliver in modalità closed-door: una scelta precisa per garantire concentrazione, ascolto profondo e autonomia di giudizio. A guidare la commissione artistica sono stati Gennaro de Rosa, ideatore del progetto, Maurizio Musumeci, autore multiplatino e coach, e Marco Danelli. I 40 artisti arrivati a questa fase erano stati precedentemente selezionati da una giuria composta, tra gli altri, da Amara, Michele Monina, Silvia Danielli e Taketo Gohara. Al centro della valutazione, oltre alla qualità artistica, la Music for Change Attitude: la capacità di un progetto di esprimere visione, autenticità, consapevolezza e prospettiva.

Dal 18 al 31 maggio 2026 i finalisti entreranno nella Sound Village Academy, residenza artistica intensiva ospitata nel Parco d’Arte Alt Art di Rende. Un campus immerso nel verde, progettato per favorire concentrazione, relazione e crescita. Qui, per due settimane, gli artisti lavoreranno a stretto contatto con professionisti del settore – autori, producer, arrangiatori, vocal coach e figure del music business – in un percorso che unisce scrittura, produzione, identità artistica, performance e comunicazione. Il coordinamento artistico è affidato a Gennaro de Rosa, con la direzione operativa di Giulia Cancedda.

Tra i coach coinvolti:

• Rosario Canale (Producer Coach)
• Cecilia Cesario (Vocal Coach)
• Maurizio Musumeci / Dinastia (Lyric Coach)
• Stefano Amato (Composer Coach)
• Giorgieness (Artist Identity Coach)

Accanto a loro, due master coach d’eccezione: Taketo Gohara e Amara, figure di riferimento assoluto per la scena musicale contemporanea. Tornano anche i Conductor, artisti già passati dal percorso, tra cui La Noce e Alice Caronna, con un ruolo di supporto umano e professionale. Il programma sarà arricchito da workshop con ospiti come l’avvocata Emanuela Teodora Russo, Francesco Galassi, Tina Montinaro e il team di Restart Music Minds, che affronterà il tema del benessere mentale nel lavoro artistico.

Il 31 maggio, a chiusura della residenza, i finalisti presenteranno i brani nei Private Boot Up Stage, sessioni riservate di ascolto e confronto. I pezzi resteranno inediti fino alla finale del 9 ottobre 2026 al Teatro Rendano, quando verranno eseguiti per la prima volta e pubblicati su tutte le piattaforme digitali. Da lì partirà anche il percorso del Premio Stream Believe, che accompagnerà i brani fino alla settimana del Festival di Sanremo 2027.

Accanto al premio musicale prenderà il via anche Culture for Change, progetto dedicato alla letteratura musicale e ai linguaggi contemporanei, realizzato da Edizioni Emmekappa con il sostegno della Regione Calabria. Il sistema di premi si conferma tra i più articolati in Italia, includendo riconoscimenti come Best Lyrics Award, Menzione Speciale Club Tenco, Premio Stream Believe Italia, oltre a opportunità concrete come tour finanziati da NUOVO IMAIE e accesso a importanti palchi nazionali.

Organizzato da Musica contro le mafie APS, con il sostegno di Regione Calabria, NUOVO IMAIE e SIAE, Music for Change continua a distinguersi come un sistema reale di crescita artistica e civile.

Esce venerdì 8 maggio 2026 “L’anno del vento”, la nuova canzone di Gianluca De Rubertis, pubblicata dall’etichetta Cramps Music. Un ritorno che si colloca in continuità con il percorso solista del cantautore, ma che al tempo stesso ne amplia il linguaggio sonoro e la profondità tematica.

Prodotto da Matilde Davoli, il brano si muove su un equilibrio sottile e raffinato: da un lato le radici acustiche della canzone d’autore italiana, dall’altro una tessitura elettronica fatta di programmazioni e sintetizzatori che costruiscono un paesaggio sonoro rarefatto, sospeso. È proprio questa dimensione a dare respiro al testo, amplificandone la carica emotiva e trasformando l’ascolto in un’esperienza immersiva, lenta, destinata a sedimentare. “L’anno del vento è un brano che offre uno sguardo verticale e analitico – racconta De Rubertis – rappresenta il punto di vista di una generazione antica che osserva il cambio di rotta di un mondo in cambiamento”. Al centro della canzone c’è infatti una riflessione sul presente: un’epoca in cui, secondo l’artista, valori come sacrificio, memoria e costruzione del futuro sembrano essere sostituiti da distrazione, egoismo e ricerca compulsiva di intrattenimento.

Il testo si sviluppa come una narrazione simbolica, quasi visionaria. L’“anno del vento” diventa una metafora potente: un tempo indefinito in cui la realtà si incrina, la luna cade dal cielo, e il dolore collettivo lascia spazio a una sorta di anestesia emotiva. Gli individui, immersi in un benessere superficiale, smarriscono il contatto con la propria identità e con la dimensione del tempo, vivendo “senza un domani” e senza memoria di ciò che sono stati. In questa prospettiva, l’acquisto di oggetti – un telefono nuovo, un grande televisore – assume un valore emblematico: segni di un consumo che sostituisce il senso, mentre la perdita di radici e relazioni si traduce in un vuoto silenzioso, mai realmente percepito come dolore. La scrittura di De Rubertis, elegante e stratificata, restituisce così un’immagine lucida e inquieta della contemporaneità.

Dal punto di vista musicale, “L’anno del vento” conferma la capacità dell’artista di costruire un linguaggio personale, in cui la tradizione cantautorale dialoga con sonorità contemporanee. Le chitarre di Matilde Davoli, la batteria di Simone Prudenzano e la voce di De Rubertis si inseriscono in un impianto sonoro misurato, essenziale, in cui ogni elemento contribuisce a creare un’atmosfera coerente e profondamente evocativa.

Parallelamente all’uscita del singolo, prosegue anche il tour che vede Gianluca De Rubertis esibirsi in una dimensione intima, piano e voce. Tra le date già annunciate: il 15 maggio al Bar Funivia di Trento, il 16 maggio al Filmusica di Valdagno e il 7 giugno all’Ascoli Street Music Festival. Un calendario in aggiornamento che conferma il legame diretto dell’artista con il pubblico, in contesti raccolti dove la parola e la musica tornano al centro.

Nato a Lecce, De Rubertis ha attraversato negli anni diverse fasi artistiche, mantenendo sempre una forte identità autoriale. Dai primi passi con gli Studiodavoli, fino al successo con Il Genio – segnato dal fenomeno culturale “Pop Porno” – il suo percorso si è evoluto verso una dimensione sempre più personale e introspettiva. I lavori solisti, a partire da “Autoritratti con oggetti” fino a “L’equazione del destino” del 2024, hanno consolidato una cifra stilistica riconoscibile: elegante, colta, capace di coniugare immediatezza e profondità. “L’anno del vento” si inserisce così come un nuovo tassello di questo percorso, anticipando idealmente il prossimo progetto discografico. Una canzone che non cerca l’impatto immediato, ma sceglie di abitare il tempo dell’ascolto, lasciando spazio alla riflessione. E proprio in questa lentezza risiede la sua forza: quella di restare, di tornare, di continuare a parlare anche dopo che la musica si è fermata.

Con questo lavoro, Grazian affronta uno dei temi più universali e complessi della musica: l’amore. Ma lo fa evitando ogni retorica, costruendo invece un racconto fatto di solitudini, relazioni imperfette e tensioni irrisolte. Le dodici tracce – undici canzoni e un brano strumentale – compongono un universo narrativo coerente, attraversato da motivi ricorrenti e da una storia che riaffiora in più punti: quella di un ragazzo e una ragazza che si incontrano e si perdono sullo sfondo di una città come Milano. Accanto al tema amoroso, emergono altri nuclei centrali della scrittura di Grazian: la marginalità, i conflitti ideologici, il desiderio di redenzione e la ricerca di una consapevolezza identitaria. Un intreccio che restituisce un disco stratificato, nato da un lungo processo di sedimentazione iniziato nel 2015 e sviluppato senza fretta, fino a trovare una forma compiuta.

Dal punto di vista produttivo, “GRAZIAN” è un’opera profondamente personale. Lo stesso artista ha curato gran parte della produzione e suonato molti degli strumenti, affiancato in alcuni brani da Davide Andreoni. Le registrazioni si sono svolte principalmente nelle colline di Arezzo, nell’estate del 2024, grazie a uno studio mobile allestito in una casa nel bosco, con ulteriori sessioni tra Milano e Padova. 

L’edizione 2026 si svilupperà tra Bari, Lecce e Gallipoli, tre città simbolo che diventeranno, ancora una volta, scenografie naturali per una programmazione ampia e trasversale. Non solo concerti, ma un’esperienza diffusa che valorizza i luoghi, trasformando arene, spazi urbani e location iconiche in punti di incontro tra artisti e pubblico.

Il cartellone 2026 segna un ulteriore salto di qualità, con una line-up capace di parlare a pubblici diversi e attraversare generi musicali differenti. Ad aprire il festival sarà un evento unico: il live dei leggendari Sex Pistols, icona assoluta della storia del rock mondiale, attesi il 25 giugno all’Arena del Levante di Bari. Accanto a loro, una serie di protagonisti della scena contemporanea italiana: Geolier, Tommaso Paradiso, BLANCO, Sfera Ebbasta, Negramaro e Caparezza. Un mix che spazia dall’urban al pop, dal cantautorato alla grande musica live, costruendo un programma variegato e coerente.

Il calendario

Gli appuntamenti finora annunciati delineano già un’estate ricca di musica:

• 25 giugno – Sex Pistols – Bari, Arena del Levante
• 4 luglio – Geolier – Bari, Arena del Levante (Fiera del Levante)
• 21 luglio – Tommaso Paradiso – Bari, Arena del Levante
• 1 agosto – Negramaro – Lecce, Cave del Duca
• 2 agosto – Negramaro – Bari, Arena del Levante
• 2 agosto – BLANCO – Gallipoli, Parco Gondar
• 5 agosto – Caparezza – Lecce, Cave del Duca
• 14 agosto – Sfera Ebbasta – Gallipoli, Parco Gondar
• 4 settembre – Caparezza – Bari, Arena del Levante

Un calendario che copre tutta la stagione estiva, da fine giugno a inizio settembre, confermando la vocazione del festival come evento diffuso e continuativo.

Nato da un’idea di PM Eventi, Oversound Music Festival è cresciuto rapidamente fino a diventare un appuntamento stabile nel panorama musicale italiano. La sua forza sta nella capacità di coniugare intrattenimento e valorizzazione del territorio, trasformando la Puglia in una destinazione privilegiata per il turismo musicale. «L’obiettivo del festival è raccontare la Puglia attraverso la musica, creando un’esperienza che unisca pubblico, artisti e territorio in un’unica narrazione contemporanea», spiega Salvatore Pagano, amministratore delegato di PM Eventi. «Non solo concerti, ma momenti di relazione con i luoghi, sotto le stelle, tra mare, architetture storiche e grandi spazi».

Oversound non è solo un cartellone di eventi, ma un progetto culturale che negli anni ha contribuito a ridefinire l’immagine della Puglia come hub musicale estivo. Le città coinvolte diventano parte integrante dello spettacolo, offrendo scenari unici che amplificano l’esperienza del live. Tra arene affacciate sul mare, cave trasformate in teatri naturali e grandi spazi urbani, il festival costruisce un dialogo continuo tra musica e paesaggio. Un racconto che, anno dopo anno, continua ad attrarre pubblico da tutta Italia, consolidando Oversound come uno degli eventi più significativi dell’estate musicale italiana.

L’apertura è fissata per sabato 9 maggio, alle 22:30, in Piazza dell’Immacolata a Gagliano del Capo (ingresso libero), con la performance del Ground-to-Sea Sound Collective e il progetto Different Waves. Un’esperienza sonora e visiva che invita il pubblico a immergersi – letteralmente e metaforicamente – nelle profondità marine. Il lavoro nasce da registrazioni subacquee del Mare Adriatico, raccolte lungo le coste italiane e croate, e rielaborate in una composizione originale che intreccia suoni naturali e antropici. Al centro, il dialogo tra il flauto contralto di Fabio Mina e l’elettronica di Emiliano Battistini, in un flusso improvvisativo che riflette sul tema dell’inquinamento acustico sottomarino. La performance è accompagnata da un’installazione visiva di Mattia Fornaciari, che traduce in tempo reale le onde sonore in geometrie proiettate su una superficie acquatica, amplificando l’esperienza immersiva.

La serata inaugurale si completa con altri due interventi artistici: Note e ricordi di un pittore di Luca Coclite, installazione audio che costruisce un dialogo immaginario con il pittore Vincenzo Ciardo attraverso lettere d’archivio, e Latent Space – Relational Geographies di Angela D’Onghia, progetto che esplora l’identità dei luoghi attraverso reti neurali e traiettorie migratorie.

Il programma prosegue il 23 e 30 maggio negli spazi di KORA – Centro del Contemporaneo, cuore operativo della rassegna. Il 23 maggio (ingresso 5 euro) vedrà protagonisti gli WoW con il nuovo album Rosa Di Luce, in una performance che supera la distinzione tra palco e pubblico, trasformando il concerto in un’esperienza condivisa. A seguire, Agnese Amico presenterà Alalie, progetto che attraversa memoria e identità culturale attraverso l’hardingfele, strumento tradizionale norvegese. Il 30 maggio (ingresso libero), in occasione dell’inaugurazione della mostra QUI.Kora, il compositore Marco Baldini presenterà in prima assoluta nuove composizioni per due bassi di viola da gamba a sette corde, eseguite da Anna-Kaisa Meklin e Renato Grieco. Un lavoro che indaga le frequenze più profonde dello strumento, tra essenzialità compositiva e tensione emotiva.

Il cartellone 2026 include inoltre artisti come Ghetonia, Francesco Loccisano, Alessandro “Asso” Stefana, Admir Shkurtaj e molti altri, componendo una mappa articolata della ricerca sonora contemporanea.

“Radici” nasce sotto la direzione musicale di Ainé e si sviluppa attraverso un linguaggio essenziale, dove la voce resta al centro e la produzione accompagna senza mai sovrastare. Le sonorità, morbide e stratificate, intrecciano R&B e neo-soul con una scrittura diretta, capace di oscillare tra introspezione e immediatezza. Il titolo racchiude il senso dell’intero lavoro: le radici come ciò che resta invisibile ma determina chi siamo. Nei cinque brani – “Seguimi”, “Cicatrici”, “Distanze”, “Pelle” e “Aria” – si attraversano temi come l’assenza, la memoria, la paura, il bisogno di connessione e il desiderio di restare. Non un semplice racconto autobiografico, ma una riflessione più ampia su ciò che ci tiene in piedi anche nei momenti di fragilità. Tra i momenti chiave del progetto, “Distanze” vede la collaborazione di Davide Shorty e dello stesso Ainé, mentre i singoli “Cicatrici” e “Seguimi” hanno già anticipato la direzione artistica dell’EP, mettendo in evidenza una scrittura che non teme di esporsi.

«Per me “Radici” parla di ciò che non si vede, ma decide come amiamo, come restiamo e come continuiamo a crescere», racconta BEA. «È la parte più profonda di noi, quella che ci tiene in piedi anche quando fa male».

Classe 2004, Beatrice Coltella arriva a questo debutto dopo una serie di esperienze significative dal vivo: dall’apertura del concerto di Nico Arezzo alle collaborazioni come backing vocalist con Ainé in contesti come l’R&B Take Over Festival all’Auditorium Parco della Musica e JAZZMI. Un percorso che ha consolidato una visione artistica già definita, nutrita da influenze che spaziano da Erykah Badu a Ornella Vanoni.

Tra Napoli e la serie sci-fi horror americana firmata da John Griffin, Jeff Pinkner e il regista Jack Bender (Lost) sembra esserci una naturale connessione, tra mistero, sottosuolo, segreti, dal momento che FROM narra le storie di una cittadina da incubo nel mezzo della foresta, da cui non si riesce a fuggire. Molto emozionati i due attori presenti nel capoluogo partenopeo, che hanno incontrato il pubblico di appassionati: «Girerei una puntata a Capri», queste le dichiarazioni di McCord sul palco, considerando che la serie avrà una quinta e ultima stagione rivelatoria, ma di cui neanche il cast sa ancora molto. «Non è una serie incasellabile in un genere - continua Catalina Sandino Moreno parlando con la Gazzetta a margine dell'evento - i creatori volevano uno show che attirasse chi ama il mistero, il drama, l'horror, ovviamente, ma anche le storie familiari». Un tema, quello della famiglia, che insieme allo scorrere del tempo sembra centrale soprattutto in questa stagione. «Victor è un uomo solitario, che non sapeva stare in società, sta imparando - prosegue McCord - tutta la serie insegna a capire come adattarci anche nelle peggiori condizioni. Ognuno di noi lo fa per la famiglia, per i figli, per le generazioni future. E la famiglia è tutto, il nostro lavoro di attori ce lo fa capire bene quando siamo lontani per le riprese, torni e trovi i tuoi figli cresciuti. Anche quello è un viaggio nel tempo». Gli fa eco Catalina: «La famiglia aiuta a rimanere radicati, sono le persone da cui torni sempre quando ti allontani. Tabitha è una donna resiliente, si fa forza grazie alla profonda voglia di vivere, in un mondo come quello di FROM dove muori appena sbagli».

E anche LDA, che ha cinque fratelli, conosce bene il valore della famiglia: «Poco tempo fa sono andato a prendere mio fratello più piccolo a scuola per fargli una sorpresa. Mi sono sentito ricco. Noi abbiamo scelto un lavoro che ti toglie tanto tempo, e ti regala altre cose. Ma non vorrei mai che mio fratello crescendo si sentisse figlio unico. E non dobbiamo nemmeno rincorrere il tempo, ho 23 anni, e a 23 anni prendersi un momento di pausa è umano e importante». Chiude Aka7even con una risposta dello stesso tenore: «Viviamo in un periodo storico in cui è tutto di corsa, non si ha il tempo di sbagliare ma neanche il tempo di imparare dagli errori, che invece sono in assoluto la cosa da cui impariamo meglio. Dovremmo darci il tempo di agire, sbagliare, correggere. E sicuramente anche in questo conta tanto la famiglia: arrivo dalla periferia, siamo cresciuti uniti anche se con poco, per me tornare a casa significa rimettere i piedi per terra e ritrovare la consapevolezza che la mia famiglia c'è, e sono felice».

Quella del decennale è un’edizione che guarda al passato per proiettarsi con decisione nel futuro, riaffermando la vocazione del festival a ridefinire linguaggi e visioni musicali. Dopo i primi annunci, il programma si completa con nuovi nomi che ampliano ulteriormente il respiro internazionale della line-up.

Ad aprire il festival, il 31 luglio, saranno artisti capaci di rappresentare al meglio la scena contemporanea. Tra questi Polo & Pan, protagonisti di un’esclusiva nazionale con il loro sound sospeso tra pop, house e french touch, insieme a Birthh, progetto di Alice Bisi che fonde elettronica e dream pop in un universo sonoro intimo e stratificato. Sul palco anche Giorgio Poi, tra le penne più raffinate del panorama italiano, capace di unire scrittura evocativa e sperimentazione, oltre a Eva Bloo e okgiorgio, tra i nomi più attesi della nuova scena, con uno show che supera i confini tra dj set e live performance.

Il 1° agosto il festival entra nel vivo con una giornata fortemente orientata all’innovazione e alla ricerca sonora. In line-up Prima Stanza a Destra, con un immaginario intimo e contemporaneo, e John Glacier, figura di spicco dell’underground inglese capace di mescolare spoken word, rap ed elettronica in un flusso ipnotico. Attesissimi anche i Darkside, in esclusiva nazionale, con Nicolás Jaar e Dave Harrington pronti a portare dal vivo il loro terzo album Nothing.

Completa la giornata Overmono, tra i riferimenti globali dell’elettronica contemporanea grazie alla fusione di UK garage, techno e breakbeat, insieme a Estremo e alla dj e produttrice Sofia Kourtesis, nota per il suo stile che unisce house ed elementi latini in chiave personale e calda.

A chiudere il festival, il 2 agosto, torna uno degli appuntamenti più iconici: l’Unusual Breakfast, esperienza all’alba che fonde musica elettronica dal vivo e colazione in riva al mare, creando un momento di condivisione unico. Protagonista sarà Max Cooper, artista multidisciplinare capace di intrecciare scienza, arte visiva e suono in performance audiovisive immersive.

Il VIVA! Festival si conferma così non solo come rassegna musicale, ma come esperienza totale. «Viva! si nutre del rapporto simbiotico musica-paesaggio, dove lo spettatore non è un elemento passivo ma si trova coinvolto in una esperienza che lo avvolge completamente», sottolinea l’organizzazione.

L’edizione 2026 sarà composta da due serate principali, il 31 luglio e il 1° agosto, a cui si aggiunge l’esperienza all’alba del 2 agosto, accessibile esclusivamente con il pass completo da tre giorni. I biglietti sono già disponibili online, con diverse formule: ticket giornalieri, pass per due giorni e pass integrale che include anche l’Unusual Breakfast.

A dieci anni dalla sua nascita, il VIVA! Festival continua a evolversi, mantenendo intatta la sua capacità di connettere artisti, pubblico e territorio in un racconto collettivo che unisce introspezione e energia, radici e visioni future.

LINE-UP COMPLETA

31 LUGLIO BirthhGiorgio PoiEva BlooPolo&Pan_esclusiva nazionaleOkgiorgio1 AGOSTOPrima stanza a destraJohn Glacier_esclusiva nazionaleEstremoDarkside_esclusiva nazionaleSofia Kourtesis dj Overmono (Dj set)_esclusiva nazionale 

2 AGOSTO / Unusual BreakfastMax Cooper (Dj set) si rinnova così l'appuntamento all’alba che unisce musica elettronica dal vivo, colazione e atmosfera suggestiva in riva al mare, creando un’esperienza di risveglio energica e condivisa.

Un disco tutto in italiano per festeggiare i vent’anni di carriera: qual è stata la sfida più grande?

«Intanto sono molto contento dell’affetto che sto ricevendo, non mi aspettavo tanta attenzione. Mi sono impegnato molto, è vero, curo i miei lavori a 360 gradi ma non sono mai da solo: collaboro sempre con musicisti che danno un contributo fondamentale, credo molto nella sinergia e nel gruppo. Quanto all’italiano, è una lingua incredibile, amata in tutto il mondo per musicalità e suono. Noi italiani, però, non siamo sempre bravi ad autocelebrarci: a volte esageriamo, a volte facciamo il contrario. La musica italiana ha una storia enorme, una tradizione secolare, e a volte siamo troppo modaioli, quello che arriva da fuori ci sembra sempre migliore. Sono felice di aver dato il mio contributo in questo senso».

Il tour sarà molto corposo, e ha voluto con lei sul palco grandi musicisti, tra cui il Maestro Faraò...

«Rimango sempre stupito dall’affetto che ricevo: è successo con tanti artisti, da collaborazioni internazionali fino a grandi nomi italiani come Pino Daniele o Renato Zero. Io sono molto timido, non sono uno che bussa alle porte, ho grande rispetto degli spazi altrui. Poi arrivano persone splendide come Antonio, che mi ha detto: “Dobbiamo fare qualcosa insieme”. Da lì è nato tutto. Si è creata una bella sinergia di squadra, un mix di esperienze diverse con tutti i musicisti che saranno con me, un po’ come accade nelle grandi band: spero nasca qualcosa di speciale».

Ci sarà anche una leg all’estero: com’è l’accoglienza internazionale nei suoi confronti?

«L’affetto è enorme ovunque, all’estero ogni pubblico ha caratteristiche diverse: gli inglesi sono rumorosi, gli scozzesi ancora di più, i francesi più composti ma comunque partecipi. Io non impongo mai nulla: non voglio un pubblico obbligato ad applaudire o ballare. Deve essere un incontro libero, naturale, quasi “democratico”. Si costruisce insieme: magari si parte in modo intimo, poi si sogna, e si finisce a ballare. Ma tutto deve nascere spontaneamente».

Vent’anni e tour così intensi, qual è il segreto che la spinge ad andare avanti?

«Quest’anno è ancora più intenso, è un vero festeggiamento. Se un giorno qualcuno mi dirà “basta”, magari mi reinventerò. Ma la verità è che il palco è il mio elemento: ho iniziato prestissimo, non mi sono mai fermato. Non credo nemmeno di essere una persona diversa sopra e sotto il palco: sono sempre io. È diventato parte della mia vita, della mia identità».

La sua voce è elemento distintivo della sua carriera: che rapporto ha con la sua vocalità?

«Di stima, ma mai totale. La apprezzo, ma sono anche molto critico con me stesso. Riascolto le cose, spesso mi giudico duramente, poi magari dopo anni le rivaluto. Per quanto riguarda la cura, niente eccessi: zero droghe, pochissimo alcol - ormai quasi niente. Anche perché con l’età bisogna stare più attenti. Non sono più un ragazzino, serve disciplina!» (ride, ndr.).

Registrato tra Napoli e Miami, l’album nasce da una collaborazione internazionale che coinvolge, accanto a Rubalcaba, musicisti come Daniele Sepe al sax tenore, Aldo Vigorito al contrabbasso, Claudio Romano alla batteria, Giovanni Imparato alle percussioni, Giovanni Francesca alla chitarra e Maria Pia De Vito alla voce.

Il progetto attraversa alcune delle composizioni più note di Daniele, accanto a brani meno frequentati del suo repertorio. Tra questi figurano “Pace e serenità” e “Sicily”, tratte dall’album “Che Dio ti benedica”, oltre a “Cumbà” e “Gesù” da “Schizzechea with Love”. Dall’album “Bella ‘Mbriana” sono invece riprese “Toledo”, “Maggio se ne va” e “Tutta n’ata storia”. Completano la selezione alcuni tra i titoli più riconoscibili del cantautore, come “Quando”, “Chi tene ’o mare”, “Lazzari felici” e “Napule è”.

Rubalcaba, tra i principali esponenti del latin jazz contemporaneo, è attivo sulla scena internazionale dagli anni Ottanta, quando fu scoperto da figure come Dizzy Gillespie e Charlie Haden. Nel corso della sua carriera ha collaborato con numerosi musicisti, tra cui Chick Corea e Herbie Hancock, ottenendo riconoscimenti come tre Grammy Awards e quattro Latin Grammy.

Con “Gonzalo plays Pino”, il pianista propone una rilettura del repertorio di Daniele che intreccia jazz, sonorità mediterranee e tradizione napoletana, attraverso nuovi arrangiamenti costruiti sulle partiture originali.

Un Primo Maggio all’insegna dell’energia pura e senza compromessi. Venerdì 1° maggio, in occasione della Festa dei Lavoratori, i Paper Walls arrivano a Venosa per un live che si preannuncia intenso e coinvolgente. L’appuntamento è fissato alle 19:30 in Piazza Umberto I, con ingresso gratuito: una serata pensata per trasformare la musica in un’esperienza collettiva, tra partecipazione e condivisione.

La band torna in Italia dopo un importante tour europeo che li ha visti esibirsi tra Austria, Slovacchia, Ungheria, Repubblica Ceca e Polonia, portando il proprio sound oltre i confini nazionali e consolidando una dimensione live sempre più solida. Un percorso che oggi si traduce in una nuova fase artistica, rappresentata dall’EP “Che Sbatti” (B Music Records / ADA Music Italy / Warner Music Italy), che sarà protagonista del concerto lucano.

Sul palco, i Paper Walls — Sonia Belvedere (voce), Nicola Renigaldo (chitarra), Matteo Renigaldo (basso) e Angelo Pipoli (batteria) — costruiscono un impatto diretto, fisico, capace di alternare momenti di pura esplosione sonora a passaggi più intimi e riflessivi. Il loro è un live che non lascia spazio a filtri: un flusso continuo di energia, tra pogo e canto condiviso, urla liberatorie e sospensioni emotive.

“Che Sbatti” si configura come uno sfogo generazionale, un lavoro che intercetta le tensioni del presente e le restituisce attraverso un linguaggio musicale immediato e incisivo. Tra riff graffianti e ritornelli che restano impressi, la band affronta temi come il peso della quotidianità, le pressioni sociali, l’alienazione digitale e il bisogno urgente di evasione.

Brani come “Che sbatti” e “Vaffalà” incarnano l’anima più rabbiosa e ironica del progetto, mentre tracce come “Ricordi”, “Come stai?” e “I tuoi silenzi” aprono uno spazio più fragile e introspettivo, costruendo un equilibrio dinamico tra forza e vulnerabilità. È proprio questa alternanza a definire l’identità dei Paper Walls, rendendo ogni esibizione un racconto autentico.

Nati dall’incontro tra Sonia Belvedere, Nicola Renigaldo e Angelo Pipoli, a cui si è poi aggiunto Matteo Renigaldo, i Paper Walls hanno costruito negli anni un percorso coerente all’interno della scena indipendente italiana. Dai primi contest ai passaggi radiofonici, fino alle collaborazioni e alla distribuzione internazionale, la band ha saputo evolversi mantenendo una forte identità espressiva.

Il concerto del Primo Maggio a Venosa rappresenta così molto più di una semplice tappa live: è un momento di sintesi tra strada percorsa e nuove direzioni, tra esperienza e urgenza creativa. Un appuntamento da non perdere per chi cerca nella musica non solo intrattenimento, ma una voce capace di raccontare il presente con autenticità.

Cosa è scattato per tornare a questa formula, meno artisti e concerti più lunghi?«Porto Rubino aveva bisogno di una “scossa”, era necessaria. Abbiamo strutturato tre serate diverse che accontentano un pubblico variegato, nel nome di quel “porto di mare” che è sempre stata la vocazione di questa rassegna, luogo in cui diverse entità si mescolano e convivono, luogo mistico in cui transitano diverse personalità. Perciò ecco la musica colta di Taranto, con parole, storie ed esperienze profonde, darsi il cambio poi con la musica elettronica a Savelletri...».

Sembra che in questa nuova concezione gli spazi scelti abbiano ancora più importanza...«La situazione dei Festival in Puglia è sempre più caotica. Noi, quello che possiamo offrire, è un’esperienza diversa, il vivere lo spazio in maniera unica e inimitabile. Ci sarà anche una “cambusa”, spazio di stand dedicato al merchandising, un Festival del mare ale 100%. Ci tengo a dire che ho avuto l’assoluto appoggio delle tre amministrazioni comunali coinvolte, nessuna ha messo bocca sul cast artistico, hanno accolto Porto Rubino a braccia aperte così com’è, e non è scontato»...

L'INTERVISTA COMPLETA IN EDICOLA SULL'EDIZIONE DELLA GAZZETTA DEL 29 APRILE

IL «CASO» MONOPOLI

Il live a ingresso libero, si terrà sabato 4 luglio in Largo Martellotta, immerso nel panorama fiabesco dei Trulli ormai celebri in tutto il mondo. La scelta dell’artista capitolina non è casuale: Ditonellapiaga infatti è reduce dal grande successo sanremese con “Che fastidio” e del suo ultimo album “Miss Italia”, che Margherita ha interamente scritto e composto insieme con Alessandro Casagni, che ne ha anche curato la produzione. La sua energia esplosiva insieme a un repertorio che condensa indie pop, elettropop e dance intriso di ironia e ritmo, ha non solo conquistato il pubblico e la critica dell’Ariston all’ultimo festival di Sanremo, ma sta convincendo anche gli ascoltatori più esigenti.

Non a caso, recentemente, sulle pagine della Gazzetta, il premio Oscar Nicola Piovani, in un’intervista rilasciata a Ugo Sbisà, ha annoverato proprio Ditonellapiaga tra i linguaggi musicali contemporanei a lui più interessanti. Tornando al contenuto del concerto Margherita, oltre all’hit sanremese 2026 e a “Chimica”, brano presentato in duetto con Donatella Rettore e che segno nel 2022 la sua prima volta a Sanremo, ci saranno i brani del suo “Miss Italia”.

«La Rue Manouche» arriva dopo una trilogia discografica che ha definito il percorso artistico di Lazazzara nel panorama internazionale del gypsy jazz contemporaneo: My Art of Gypsy Jazz (2020), Gypsy Jazz Style (2022), Alma Gypsy (2024), tutti lavori pubblicati da Stradivarius e distribuiti globalmente da Naxos of America, ottenendo milioni di ascolti sulle piattaforme digitali e una diffusione capillare nelle radio internazionali. Il nuovo EP si configura come un’opera narrativa, in cui ogni brano diventa una scena, un frammento visivo tradotto in musica. L’impianto compositivo unisce scrittura e improvvisazione, mantenendo una forte identità melodica e una ricerca timbrica raffinata. Il disco si apre con “Swing in Italy”, composizione brillante ispirata allo stile di Django Reinhardt. Il dialogo con il clarinetto arricchisce la struttura armonica, mentre lo swing viene reinterpretato in chiave elegante e profondamente italiana. Segue “La Dolce Vita”, omaggio alla Roma degli anni d’oro e all’immaginario cinematografico di Federico Fellini. Il brano evoca atmosfere sospese tra sogno e realtà, sostenuto da un violino che amplifica il carattere nostalgico e luminoso della composizione.

Con “Mediterranean Breeze”, l’artista introduce una “bossa gypsy” dalle sonorità leggere e fluide, che richiama paesaggi marini e suggestioni estive, mantenendo un equilibrio tra melodia e immediatezza. Il quarto brano, “Déco”, esplora una dimensione ritmica più incisiva, ispirata all’Art Déco e al charleston degli anni ’30. Qui il linguaggio manouche si intreccia con lo swing d’epoca, creando un ponte tra Europa e America. Chiude il lavoro “Andalusian Rhapsody”, una composizione strutturata come una rapsodia in più movimenti emotivi: da un’introduzione intima a un’esplosione di energia che richiama l’Andalusia, fino a un finale dal sapore popolare e tradizionale. L’organico strumentale — pianoforte, tre chitarre, flauto e basso — costruisce una tessitura sonora ricca e dinamica.

La forza del linguaggio di Lazazzara affonda le radici in una formazione accademica solida e trasversale. Diplomato in chitarra classica presso il Conservatorio “Tito Schipa” di Lecce, ha conseguito il Diploma Accademico di II livello con lode al Conservatorio “E. R. Duni” di Matera e la laurea in Musica Jazz nello stesso istituto. Ha inoltre perfezionato gli studi presso l’Accademia Chitarristica Romana. Questa duplice formazione — classica e jazzistica — ha contribuito a definire una scrittura musicale che fonde tecnica, espressività e contaminazione stilistica, con influenze che spaziano dal flamenco alla musica mediterranea, fino al jazz e al repertorio sudamericano. Nel corso della sua attività, Lazazzara ha pubblicato e co-firmato numerosi lavori discografici, tra cui Dada e L’Abbraccio Arancio con il progetto Imosaiko, e il vinile Mediterranea, esempio di “nouveau flamenco” prodotto da Time Records. Dal 2020, con Stradivarius, la sua musica ha raggiunto una diffusione globale grazie alla distribuzione Naxos of America, entrando in rotazione su emittenti internazionali come Radio Swiss Jazz, BBC, Catalunya Radio, Radio UNAM, Radio AfterFM e molte altre. Gli ascolti complessivi sulle piattaforme digitali si contano in milioni. La critica ha più volte evidenziato la capacità del suo linguaggio di equilibrare musica classica, jazz, gypsy, flamenco e sonorità mediterranee, sottolineando la raffinatezza degli arrangiamenti e la maturità compositiva.

Parallelamente all’attività discografica, Lazazzara porta avanti il progetto Pietro Lazazzara Gypsy Jazz Quintet, formazione con cui si esibisce in festival e rassegne internazionali. Il repertorio include composizioni originali tratte dai suoi album e reinterpretazioni del repertorio manouche. Il quintetto ha calcato palchi in Francia, Austria, Italia e altri paesi europei, partecipando a festival come “Le Manège” di Maubeuge, il Jazz Festival di Jeumont, il Festival delle Terre delle Gravine, VivaVerdi Multikulti, il Festival Internazionale della Chitarra di Mottola e numerosi altri eventi di rilievo. Ed è proprio di questi giorni la notizia della partecipazione al "Summer Jazz Festival" di Cracovia per il 24 e 25 luglio prossimi.

“La Rue Manouche” rappresenta quindi un ulteriore passo nel percorso di un artista che ha fatto della contaminazione stilistica la propria cifra distintiva. Un lavoro che si inserisce in una traiettoria coerente, costruita tra studio accademico, esperienza concertistica internazionale e ricerca compositiva. Con questo nuovo EP, Pietro Lazazzara conferma una visione musicale in cui il gypsy jazz diventa linguaggio contemporaneo, capace di attraversare epoche, culture e immaginari differenti, mantenendo sempre al centro la forza narrativa della musica.

È uscito lo scorso 18 aprile «Primitive Men», il nuovo EP dei couchgagzzz, pubblicato da Sour Grapes Records, Ciqala Records e MiaCameretta Records. Un lavoro breve ma incendiario, che consolida l’identità di una delle realtà più interessanti dell’underground italiano. Composto da quattro brani potenti e serrati, “Primitive Men” si muove nel solco dell’egg punk più viscerale, raccontando la storia di un uomo intrappolato in una società opprimente, isolato e senza via d’uscita. Un concept essenziale ma efficace, che trova la sua unica possibile via di fuga in un ritorno alle origini, quasi una riscrittura primitiva dei codici dell’evoluzione umana.

A livello sonoro, i couchgagzzz spingono ulteriormente sulla loro cifra stilistica: un impianto elettrico e diretto, ritmi veloci e un uso del synth che, anziché fare da contorno, assume un ruolo melodico centrale, contribuendo a costruire un’estetica sonora riconoscibile e spigolosa. Un’involuzione dichiarata, provocatoria, che diventa chiave di lettura del progetto: meno sovrastrutture, più istinto. Nati in uno scantinato di Bari nel 2021, i couchgagzzz sono JJ (batteria e voce), BB (basso e voce), Garko (chitarra e voce) e Snafu (chitarra e synth), quattro musicisti con alle spalle esperienze in diverse realtà della scena pugliese. Le loro influenze guardano al rock’n’roll australiano contemporaneo, con riferimenti come Tee Vee Repairmann, Gee Tee e 1800 Mickey, rielaborati in una forma grezza e immediata. La Gazzetta ha avuto modo di intercettare il gruppo e scoprire qualcosa in più su questo progetto.

«Primitive Men» racconta l'uomo intrappolato in una società opprimente: quanto c’è di personale in questa narrazione e quanto invece è una riflessione più ampia sul presente?

«I couchgagzzz hanno voglia di tornare alle origini dell’umanità, alle cose semplici. Eliminare tutti gli schemi della società moderna, per preoccuparsi solo di sopravvivere e procurarsi il cibo e il fuoco. Certo, questa involuzione l’abbiamo immaginata come una possibile soluzione alla situazione politica e sociale che stiamo vivendo, forse un po’ drastica sicuramente, utopica. Ma non è facile riuscire ad accettare una società che opprime la libertà individuale, l’associazionismo pacifico, la ricchezza di una proposta culturale variegata, l’altruismo, l’inclusione sociale e la solidarietà verso i popoli vessati da una politica aggressiva e prevaricante. Non è propriamente una narrazione personale, ma dovrebbe far riflettere tutti.

Parlate di «ritorno alle origini»: in che senso immaginereste un reale ripensamento dell’essere umano contemporaneo?

«La vera forza dell’essere umano, per come la vediamo noi, è stata il momento in cui, sin dalla preistoria, ha cominciato a riunirsi in gruppi ed organizzare la sua vita insieme all’ altro, “al diverso”. Insieme siamo più forti. questo è quello che vorremmo si avvertisse ascoltando Primitive Men».

Il synth ha un ruolo melodico centrale nel vostro suono: cosa aggiunge alla vostra identità sonora?

«Per questo disco abbiamo avvertito la necessità di dare al synth uno spessore melodico più dominante, ma non c’è un motivo particolare, semplicemente in quest’ultimo periodo i nostri ascolti si sono concentrati su questo modo di scrivere musica, seguendo gruppi come Ausmuteants, Gee Tee, Tee Vee Repairman, Autobahns ed altri ancora. La nostra identità sonora ha acquistato più carattere, un synth abrasivo, scanzonato, che crea temi musicali facilmente riconoscibili e che ti entrano subito in testa è uno dei punti di forza di questo disco».

Venite da esperienze diverse della scena pugliese: in che modo queste influenze si sono fuse nel progetto senza snaturarne l’urgenza e l’immediatezza?

«couchgagzzz, scritto e pronunciato male, è sempre stata una cosa che ci ha fatto molto ridere. Letteralmente COUCH - divano, GAGZZZ - gags ovvero LE GAGS DEL DIVANO: la parte finale della sigla dei Simpson, quella che cambia ad ogni puntata. Ci siamo uniti in trio a ridosso della pandemia, dalle ceneri di un altro progetto musicale: SANTAMUERTE. I brani erano nelle nostre teste da un bel po', a differenza dei progetti precedenti avevamo voglia di scrivere qualcosa di semplice, d'effetto con un'estetica ben precisa. E pensiamo di aver centrato l'obiettivo, basta spingere far partire una qualsiasi nostra canzone per rendersene conto. Durante le registrazioni del nostro primo album ci siamo resi conto che avevamo bisogno di un quarto elemento che suonasse anche un synth e da lì è cominciata la nostra storia in quartetto: JJ, BB, SNAFU e GARKO - i COUCHGAGZZZ con 3 z finali».

Skunk Anansie, BBC, la vostra musica finora vi ha portato tanto lontano: che traiettoria immaginate per il futuro della band e in che direzioni vi piacerebbe spingere?

«Tutto quello che è successo finora è stato totalmente inaspettato. Al di là del fatto che ci divertiamo tantissimo a suonare insieme, e che i brani che abbiamo scritto funzionino, non possono essere gli unici motivi per cui la nostra carriera musicale sta andando davvero bene. La spiegazione che ci diamo è che abbiamo creato una squadra incredibile, che lavora in modo efficace: Ciqala Records, etichetta diy barese che accoglie nel suo roster tutte le proposte musicali più interessanti della scena barese e non…; Metaversus Pr, Vdss Recording Studio, Tony Fasanella che si occupa da sempre dei nostri artwork e che molte volte è il responsabile di tutto il nostro immaginario. Le altre labels con cui collaboriamo: Miacameretta Records, etichetta underground laziale che ha collaborato alla stampa dei 10 pollici di Primitive Men ed anche Sour Grapes Records, etichetta di Manchester che si sta occupando di produrre le tapes di quest’ultimo lavoro. Ottavia Farchi e Antonio Stea che hanno prodotto i due video dei primi due singoli, Primitive Men e Mighty Dog. E tutti coloro che in un modo o nell’altro ci sono vicini, perchè la loro forza la sentiamo costantemente e ci dà la carica, anche di pensare in grande: il nostro sogno per il 2026/2027 è quello di fare un tour lunghissimo anche fuori dall’Europa. Ci vogliamo credere».

Nel pieno del successo del tour nei palasport, Gianni Morandi guarda già alla stagione estiva e annuncia “C’era un ragazzo Estate 2026”, la nuova leg prodotta da Trident Music che lo porterà in tutta Italia con dodici concerti a cielo aperto. Tra questi, spiccano due attesi appuntamenti in Puglia: il 12 settembre a Ostuni e il 14 settembre a Barletta.

Due tappe che si inseriscono in una tournée dal forte valore simbolico: il tour celebra infatti i 60 anni di C’era un ragazzo che come me amava i Beatles e i Rolling Stones, brano iconico scritto nel 1966 da Franco Migliacci e Mauro Lusini e diventato nel tempo uno dei pilastri della carriera dell’artista. Un anniversario importante che Morandi porterà sul palco con uno spettacolo capace di unire memoria e contemporaneità. Il live di Ostuni si terrà nella suggestiva cornice dell’Arena Bianca (Foro Boario), mentre Barletta accoglierà il concerto nel Fossato del Castello, due location che promettono un’atmosfera unica per due serate all’insegna della grande musica italiana. Occasioni speciali per il pubblico pugliese, che potrà vivere da vicino uno degli artisti più amati di sempre.

La scaletta del tour alternerà i grandi classici – da sempre patrimonio condiviso tra generazioni – con le novità più recenti, tra cui il singolo “Monghidoro”, scritto per Morandi da Lorenzo Jovanotti e pubblicato il 3 aprile per Epic Records/Sony Music Italy. Sul palco, ad accompagnarlo, una superband diretta dal Maestro Luca Colombo, pronta a dare nuova energia e profondità a un repertorio senza tempo. L’annuncio della leg estiva arriva mentre il tour nei palasport si avvia alla conclusione con le ultime date, confermando ancora una volta la straordinaria vitalità artistica di Morandi. Un percorso lungo oltre sessant’anni che continua a rinnovarsi, mantenendo intatto il legame con il pubblico. I biglietti per “C’era un ragazzo Estate 2026” saranno disponibili a partire dalle ore 14:00 di martedì 28 aprile sui circuiti Ticketone e Ticketmaster. Due appuntamenti, quelli di Ostuni e Barletta, destinati a diventare tra i momenti più attesi dell’estate musicale pugliese.

Ad aprire il calendario estivo sarà l’appuntamento a Este (PD) (31 agosto @ Este Music Festival – Castello Carrarese); Morandi proseguirà poi con le date di Vigevano (2 settembre @ Vigevano in Castello – Castello Sforzesco), Mantova (4 settembre @ Mantova Summer Festival), Riccione (RN) (10 settembre @ Riccione Music City), Ostuni (12 settembre @ Arena Bianca - Foro Boario), Barletta (14 settembre @ Fossato del Castello), Palermo (17 settembre @ Teatro di Verdura – Wave Summer Music 2026), Catania (19 settembre @ Villa Bellini – Wave Summer Music 2026), Massa (24 settembre @ Piazza Aranci), Torbole sul Garda (TN) (26 settembre @ Spiaggia alle Foci del Sarca), Bergamo (28 settembre @ ChorusLife Arena), e concluderà con il live a Napoli (1 ottobre @ Arena Flegrea).

Originario di Corigliano d’Otranto, Cotardo si avvicina alla musica giovanissimo, iniziando a muovere i primi passi già tra i 12 e i 13 anni. «Il Salento è stato il mio primo palco, la mia radice», racconta. «È lì che ho respirato le prime note: la solarità di quel territorio ha dato forma alla mia identità artistica». Un legame forte con la propria terra che resta centrale anche oggi, nonostante una carriera sempre più proiettata su scala nazionale.

Dal 2008, il suo nome inizia a circolare con continuità tra club ed eventi live, costruendo una presenza solida e riconoscibile. Un momento decisivo arriva grazie alla collaborazione con Radionorba, che lo porta a entrare nell’universo di Battiti Live, tra gli show musicali più seguiti dell’estate italiana. Su quel palco Cotardo ha condiviso esperienze con artisti come Aiello, consolidando la propria visibilità anche in ambito televisivo.

Parallelamente all’attività in TV, il DJ salentino continua a esibirsi nei principali club italiani, aprendo concerti per nomi di primo piano come Gabry Ponte. Tra le collaborazioni più rilevanti anche quella con l’artista Lolita e la partecipazione a eventi di grande richiamo come l’RDS Summer Festival, esperienze che hanno contribuito a rafforzare la sua presenza nella scena live nazionale.

Non manca l’attività in studio: tra i progetti più significativi spicca un remix ufficiale per Snoop Dogg, che gli ha aperto le porte di una visibilità internazionale. Nel 2024 pubblica inoltre il suo primo inedito, “Nota”, segnando un passaggio verso una dimensione più autoriale e personale.

Il 2026 rappresenta ora un nuovo punto di svolta. A Battiti Live Spring, Cotardo affiancherà Cioffi come DJ durante le sue performance, portando sul palco un’intesa nata spontaneamente dopo l’incontro all’RDS Summer Tour. «Essere protagonista in questo nuovo progetto è un’emozione enorme», racconta. «Con Cioffi condividiamo le stesse radici, e questo rende tutto ancora più speciale».

Con un calendario estivo ricco di appuntamenti in tutta Italia, Adamo Cotardo si conferma così un artista in continua evoluzione, capace di coniugare le proprie origini con una crescente apertura verso il grande pubblico. Un percorso coerente e in ascesa, che lo proietta tra i protagonisti della nuova scena elettronica italiana.

Più che un tributo, il progetto BEAT sembra quasi voler «risvegliare» quell'epoca specifica dei King Crimson. È più un onorare il passato o prendere quella musica e darle una veste nuova?«Intanto la cosa più bella che abbiamo scoperto è stata la risposta del pubblico, mai sperimentata prima. Sapevamo di poter creare qualcosa di bello, perché quelle canzoni sono impegnative, ma allo stesso tempo estremamente accessibili, anche grazie a Tony che non è solo un bassista, ma ha portato quella musica a un livello superiore con le sue orchestrazioni. Quando ci siamo visti per le prime prove, più che tecnicamente ci siamo allineati mentalmente: tutti siamo professionisti navigati, amiamo e capiamo la musica a modo nostro. Ma è successo qualcosa di magico, il nostro approccio era lo stesso, l'avvicinarci a quelle canzoni con l'intenzione di reinterpretarle, rivisitarle, anche per offrire alle nuove generazioni l'opportunità di ascoltarle dal vivo».

Arrivate da background diversi, vi siete quindi trovati d'accordo su tutto?«Praticamente sì. Prima di iniziare le prove c'era un misto tra eccitazione e dubbio, ci chiedevamo come sarebbe andata la cosa. Forse è per questo che non ci siamo preparati granché prima di incontrarci, è venuto tutto da sé. Durante il primissimo spettacolo ci guardavamo negli occhi sul palco, abbiamo capito che quello che stavamo facendo aveva un senso».

Che equilibrio c'è tra il mantenere intatte le «emozioni» dell'epoca, e l’innovazione?«Vale per tutti: non c'è una regola, ma in generale occorre suonare correttamente e con rigore le cose essenziali, che devono essere riconoscibili, poi per il resto ci sentiamo liberi di esprimerci, sperimentare. La band nel suo complesso è potente, offre l'ambiente giusto per improvvisare, divertirci, provare assoli nuovi, ma sempre nel pieno rispetto dei suoni. Insomma, ci facciamo il c... per sorprendere il pubblico ogni volta!».

Qual è il vero segreto per cui quel tipo di musica funziona ancora dopo quarant'anni?«Perché è senza tempo. Puoi ascoltare musica di qualsiasi decade e riesci a individuare un genere, un'epoca, un trend. Questo con i King Crimson non succede, suona ancora come qualcosa di nuovo, appena uscito. Sorprendente».

Pensate di mettervi anche a scrivere qualcosa di nuovo?«Ce lo chiediamo ogni giorno, eppure non abbiamo il tempo materiale per sederci e discuterne. Forse quando finiremo il tour proveremo a dare una risposta. C'è anche da dire che questo progetto celebra la musica: se ne facessimo di nuova sarebbe dei BEAT, non dei King Crimson».

Al centro della canzone c’è una relazione intensa, instabile, quasi tossica, vissuta sul filo di emozioni contrastanti: attrazione e distanza, lucidità e perdita di controllo, verità e menzogna. «Sincera» non cerca di semplificare, ma piuttosto di restituire quella zona grigia in cui spesso si consumano le storie più vere — e più complicate.

L’immaginario è notturno, fatto di eccessi, incontri che si ripetono e si logorano, momenti in cui ci si illude di essere trasparenti per poi scoprire che dietro ogni parola si nasconde una maschera. Gabriele Piro costruisce così un racconto personale che diventa facilmente universale, perché intercetta una dinamica emotiva diffusa: quella sottile linea che separa l’amore dalla dipendenza.

Il contributo di Boro aggiunge profondità e ritmo al brano, inserendosi con naturalezza in una narrazione già densa, ampliandone la prospettiva e rafforzandone l’impatto. Il risultato è un dialogo musicale che alterna introspezione e tensione, mantenendo sempre alta l’energia.

Dal punto di vista sonoro, «Sincera» si sviluppa su una produzione moderna e stratificata: atmosfere cupe e notturne si intrecciano con melodie immediate, mentre il ritornello — diretto e incisivo — resta impresso fin dal primo ascolto. Le sonorità urban si fondono con elementi pop, creando un equilibrio efficace tra emotività e accessibilità.

Con questo singolo, Gabriele Piro prosegue un percorso artistico sempre più definito, in cui esperienze personali e visione musicale si incontrano per costruire un’identità autentica, riconoscibile e in costante evoluzione.

Classe energia e presenza scenica, Piro si è distinto negli ultimi anni anche dal vivo, portando sul palco non solo brani ma veri e propri momenti performativi. Dopo aver aperto concerti di nomi come Clementino, Geolier, Alfa, Dolcenera e Nitro, e dopo esperienze su palchi come Casa Sanremo e in programmi televisivi nazionali, l’artista si prepara a una nuova fase del suo percorso.

«Sincera» segna infatti un ulteriore passo avanti: non solo una nuova uscita discografica, ma l’inizio di un capitolo più maturo, consapevole e ambizioso. Un capitolo in cui Gabriele Piro non si limita a seguire le tendenze, ma prova ancora una volta ad anticiparle.