Gli scatti hanno acceso il dibattito tra i fan: tra messaggi di apprezzamento e complimenti, non sono mancate anche ipotesi e insinuazioni, tra cui quella dell’uso di Ozempic, farmaco diventato oggetto di discussione per la perdita di peso.

A un commento che faceva riferimento alla sostanza, la cantante salentina ha risposto direttamente sui social, smentendo ogni accusa. «No cucciola, allenamento e piano alimentare», ha scritto su Instagram.

Emma ha poi aggiunto una replica più dura all’insinuazione: «Lo stavo aspettando un commento da str***a», chiudendo così la polemica online.

Giovedì 16 aprile l’attore sarà allo Spazioporto di via Foca a Taranto (info:  0992227218),  e il giorno dopo al Centro di aggregazione giovanile, in via Pio XII a Spongano di Lecce (info: 3881271999). In entrambi i casi i biglietti sono solo al botteghino.

Noto al grande pubblico per aver partecipato alla finale di Italia’s Got Talent con un pezzo comico sull’elenco telefonico di Roma nel 2012, ha poi partecipato a diverse trasmissioni televisive di successo. Ci regala uno spoiler sulla nascita del libro e del plausibile spettacolo derivati anche dal suo ultimo e altrettanto seguito podcast su misticismo e spiritualità: «Vagabondi delle stelle», citazione di Jack London.

«In Puglia - racconta - ci vengo molto volentieri. Tra le regioni del Sud è quella dove succedono più cose dal punto di vista culturale». A Spongano è di casa, con relativi sold out, e ci sarà dunque spazio per uno spettacolo meno conosciuto e per la sperimentazione, con la nonna in testa alla serie di personaggi improbabili, perché racconta la storia di come la suddetta congiunta sia riuscita a pubblicare con Adelphi edizioni nonostante la sua condizione di semianalfabeta.  

“La malattia dell’ostrica” è  uno spettacolo molto richiesto. A cosa è dovuta la sua fortuna, secondo il suo autore: «Ispeziona la relazione tra malattia psichiatrica e scrittura di grandi capolavori e contiene la parte autobiografica, che interpreta tutte le ansie dei padri». E l’interesse del suo autore per il tema che ha scelto di trattare: «Io mi sono laureato in psicologia e già all’università ero molto interessato alla psicopatologia, alla coscienza, alla psiche. Allo stesso tempo ho sempre avuto una grande passione per la letteratura. A un certo punto, dopo i 50  anni, ho riunito quello che facevo prima e quello che faccio oggi».

Secondo una celebre definizione di Karl Jaspers, quella che per l’ostrica è sofferenza, una malattia, per gli uomini vale tantissimo: è la perla. Morici ha anche lui la sua perla? Ed è un mistico, come sembra nell’ultimo podcast fin qui prodotto? «Quando racconti certe cose, un po’ ti appartengono. Un minimo di malattia dell’ostrica ce l’ho anch’io, ma per fortuna non nelle forme gravi dei grandi autori. Diciamo che mi muovo nella media dei problemi mentali degli italiani. Quanto al misticismo, mi definirei più un turista. Ho praticato un po’ di meditazione zen e in alcuni periodi continuo a farlo, però non ho mai seguito una pratica costante. Sono comunque temi fondamentali per me, me li sono cercati io e nessuno me li ha commissionati».

«Falsissimo» ha fatto della semplicità la sua cifra stilistica, solo lei, la telecamera, e il pubblico da casa. Ora avrà davanti platee di gente: come si sta preparando?

«Sicuramente per fare uno spettacolo dal vivo bisogna saper comunicare con le parole, con il corpo, saper appunto empatizzare. "Falsissimo" ci riesce, lo raccontano i numeri, i risultati delle 23 puntate che abbiamo fatto finora, forse dal vivo sarà anche più bello. E anche l'allestimento sarà esattamente come quello del format sul web».

Il sottotitolo di questo spettacolo è «Scacco matto al potere dei media»...

«I media secondo me non esistono più. I quotidiani non sempre fanno informazione, o comunque comunicano solo quello che interessa loro, mancano sempre quelle notizie più scomode, di cronaca o attualità. Con "Falsissimo" cercheremo di fare la stessa cosa a teatro, portando i nostri messaggi alla gente, raccontando quello che non c'è altrove».

Pubblico che comunque è stato sovrano nell'ascesa del format...

«Oggi ci sono articoli che dicono che l'ultima puntata è andata male a livello di visualizzazioni. Prima del caso Signorini, quindi nel primo anno di attività, avevamo raggiunto 800mila iscritti in meno di un anno. In questi giorni Alessandro Cattelan, che è considerato il più grande conduttore italiano, ha festeggiato i 200mila iscritti; Gianluca Gazzoli, ritenuto il primo podcaster italiano, che fa questa cosa da sei anni e gli manca da intervistare solo il Papa, ne ha 700mila. Nessuno ha i numeri e la media che abbiamo noi. Quest'ultima puntata ha fatto un milione in una settimana, siamo semplicemente tornati ai numeri di partenza sotto i quali non scendiamo mai. Le date stanno andando bene: fallo senza social! Oggi, in Italia, senza social non esisti».

È vero, anche se oggi soprattutto dopo il caso Ferragni il rapporto del pubblico con chi lavora sui social è cambiato molto. Questo aiuta chi come lei prova a «smascherare» determinati sistemi?

«Il pubblico è cambiato, quelli che mi fermano oggi per strada mi dicono "vai avanti, non mollare", sono persone di tutte le età, raccogliamo davvero categorie multiple. I social con il tempo sono assolutamente destinati ad andare in crisi. Lo stiamo già vedendo». 

Lei ha davvero toccato tutti gli ambiti della comunicazione, c'è qualcosa che ancora non ha fatto e le piacerebbe fare?

«No, ma ho tantissimi progetti: c'è la seconda stagione della serie su Netflix, la politica che è una cosa che ancora mi appassiona...».

Insomma, secondo Fabrizio Corona qual è il segreto per non cadere nella trappola delle fake news?

«Guardare la notizia come viene riportata da più fonti. E poi non lasciarsi semplicemente convincere: ragionare, a volte basta solo accendere il cervello».

Il film, prodotto dalla Indiana Production, società del gruppo Vuelta, è uscito nelle sale italiane il 25 dicembre distribuito da Medusa e «ha dominato il mercato italiano, rimanendo in vetta al botteghino per le successive cinque settimane e attirando oltre 9 milioni di spettatori» ricorda la testata.

«Ci troviamo esattamente nella stessa situazione di 10 anni fa con Quo Vado. Il mondo fuori dall’Italia è sbalordito dal nostro successo al botteghino e si chiede: 'Come hanno fatto questi ragazzi?'», ha detto a gennaio il regista di Buen Camino, Gennaro Nunziante, in un’intervista a Variety. «Ma questa volta abbiamo fatto un ulteriore passo avanti, e non solo in termini di incassi. Questo film ha un appeal internazionale molto maggiore rispetto a Quo Vado».

Buen Camino «ha dimostrato che una storia su un padre, una figlia e una strada può diventare un fenomeno al botteghino senza un franchise alle spalle. È proprio per questo che ha successo all’estero - sottolinea Daniel Campos Pavoncelli, socio di Indiana parlando dell’accordo con Af Films -. Siamo molto onorati che quest’idea di Gennaro Nunziante e Luca Medici (alias Checco Zalone) stia riscuotendo un così ampio successo». Il remake «in lingua spagnola è il passo successivo logico: il Cammino di Santiago è territorio spagnolo, cultura spagnola e un pubblico potenziale che già conosce il territorio. Siamo molto orgogliosi che Af Films faccia questo remake», ha continuato. Ad Af Films «ci sentiamo profondamente legati a 'Buen Caminò perché è una storia che, attraverso l’umorismo, parla di qualcosa di essenziale: le relazioni umane e le seconde possibilità» commenta il capo della società spagnola, Frank Aziza -. Siamo attratti da progetti come questo, che hanno la capacità di far ridere e commuovere il pubblico allo stesso tempo, invitandolo a riconoscersi nei personaggi».

Ideato e promosso da Passo Uno e Reliart, con il sostegno di Regione Puglia e una rete di partner pubblici e privati, il PIDAC mette in dialogo due eccellenze del Made in Italy: il cinema e il design dell’arredo, evidenziando come ogni scelta scenografica contribuisca a costruire atmosfera, credibilità e forza narrativa.

A conquistare il premio nella categoria film è stata Ilaria Fallacara per Follemente di Paolo Genovese, una produzione corale che ha saputo distinguersi anche per la cura degli ambienti e degli interni.

Per le serie tv, il riconoscimento è andato ad Anca Rafan per M - Il figlio del secolo, ambiziosa produzione diretta da Joe Wright e interpretata da Luca Marinelli, tratta dal romanzo di Antonio Scurati.

Il Premio alla carriera è stato invece assegnato ad Alessandra Querzola, protagonista di una lunga e prestigiosa esperienza internazionale che l’ha portata a collaborare con registi come Denis Villeneuve, Danny Boyle e Mike Nichols, contribuendo a titoli iconici come Blade Runner 2049 e Ben-Hur.

La serata si è aperta con i saluti istituzionali e si è sviluppata attraverso momenti di approfondimento, tra cui un focus sul tema della sostenibilità ambientale nel cinema e sul riuso degli arredi di scena. Particolarmente significativo il dialogo con Alessandra Querzola, intervistata dal critico Luca Bandirali, che ha offerto uno sguardo diretto su una professione che unisce competenze tecniche, sensibilità estetica e visione narrativa. La cerimonia, coordinata da Virginia Panzera, ha inoltre valorizzato il lavoro delle finaliste e dei finalisti delle due categorie, restituendo la complessità di un settore in cui ogni dettaglio contribuisce alla costruzione dell’immaginario cinematografico. A chiudere l’evento, la proiezione restaurata de Il conformista di Bernardo Bertolucci, esempio emblematico di come scenografia e arredo possano diventare parte integrante del racconto filmico, grazie anche al lavoro di Ferdinando Scarfiotti e Vittorio Storaro.

Intitolato a Osvaldo Desideri, premio Oscar per L’ultimo imperatore, il PIDAC continua a crescere come spazio di riconoscimento e riflessione su una figura chiave dell’audiovisivo. La sua eredità – costruita accanto a maestri come Sergio Leone, Pier Paolo Pasolini e Luchino Visconti – vive oggi in un progetto che guarda alle nuove generazioni e alla necessità di raccontare il cinema anche attraverso chi ne costruisce gli spazi.

Ravenna, come affronta la vita da tour?

«Ho smesso di dormire, sento i postumi come se fossi sempre drogato, ma senza la droga. Ma sono molto contento. È uno spettacolo in cui affronto più o meno gli stessi argomenti di cui parlerei con gli amici, cercando di restare aderente a me stesso».

Che valore ha il pubblico in sala, visto che dai club ora calca anche i teatri?

«Nei posti più piccoli sei a stretto contatto, la parte divertente è proprio chiacchierare con le persone. Nei teatri con 1500 persone è più difficile, chi è in fondo non ha idea di cosa ci sia davanti, quindi lo spettacolo è più "dritto". Poi c'è sempre un pizzico di tensione, anzi serve a dare proprio quel qualcosa in più. Lo sentivo raccontare dai grandi comici, ed è vero, aiuta a rimanere concentrati, fa parte della bellezza di questo lavoro».

Come si «combatte» l'ansia da prestazione?

«La cosa migliore è affidarsi al testo. Se è valido, ti protegge come un paracadute. Nei piccoli locali, quando spesso provi i pezzi nuovi e testi il materiale, ti chiedi sempre se un tema funzionerà. Così poi sul palco quando esponi il tuo monologo lo fai con più scioltezza».

Parliamo del tour mondiale, che pubblico viene a vederla all'estero?

«Sono felice di esibirmi in posti sempre più grandi, sono serate molto "tricolori", con persone da tutta Italia, mentre invece qui ci si concentra sempre su una singola città. Si sente molto l'unione, chi vive lontano tende sempre a voler ritrovare qualcosa del proprio Paese, nel senso più alto del termine, quindi è forte lo spirito di appartenenza».

Che rapporto ha con la comicità americana?

«È molto diversa anche per via della lingua, l'inglese è più immediato, in tre parole condensi un concetto, mentre l'italiano ha infinite sfumature. Poi c'è una tradizione fortissima di spettacoli nei club. Mi piace moltissimo, tutta la mia generazione è cresciuta con comici anglofoni».

Ormai però anche in Italia è un trend molto attivo, anche tra i giovani ci sono tante realtà di stand-up comedy, molti laboratori...

«Pensare che quando abbiamo iniziato eravamo pochissimi, nel giro di pochi anni in centinaia si sono avvicinati. Ogni città oggi ha club e serate, avrei pagato per avere queste opportunità. In un certo senso è anche bello sentirsi un po' responsabili di questa diffusione».

Nel 2026 si può ancora ridere di tutto o ci sono temi che è meglio evitare?

«In Italia abbiamo una grande libertà. Le battute discutibili arrivano da ogni ambito, noi comici ci sentiamo abbastanza liberi, sempre tenendo ben presente il contesto. Poi anche le singole città hanno caratteristiche e tabù, quelli impari a gestirli con l'esperienza».

E a Bari di cosa si ride?

«Vabbè, io sono innamorato di Bari, l'accento è fantastico, il barese stretto è quasi incomprensibile. È proprio un modo di vedere e interpretare il mondo, ti resta dentro».

In questi giorni l’artista è protagonista al Teatro alla Scala, dove interpreta Timur nella “Turandot” di Giacomo Puccini, ruolo di grande intensità drammatica che gli è valso apprezzamenti da pubblico e critica già dal debutto dell’8 aprile. Un ritorno significativo nel tempio della lirica per il cantante salentino, vincitore nel 2023 del prestigioso concorso BBC Cardiff Singer of the World.

Dopo Milano, il percorso artistico di Corrado proseguirà all’Opéra National de Paris, dove sarà impegnato in due capolavori di Gioachino Rossini: “La Cenerentola” e “Il Barbiere di Siviglia”. Qui interpreterà i ruoli di Alidoro e Basilio, confermando la sua versatilità e la crescente presenza nei circuiti internazionali.

Il 2026 segnerà anche un traguardo particolarmente ambito: il debutto al Metropolitan Opera, dove sarà in scena in “Maria Stuarda” di Gaetano Donizetti nel mese di dicembre, per poi tornare nel 2027 con “La Bohème” di Puccini, nella storica produzione firmata da Franco Zeffirelli.

Classe 1994, Corrado rappresenta oggi una delle voci più promettenti della nuova generazione lirica italiana. Un percorso costruito con studio e talento, che lo vede partire da un piccolo centro del Salento per affermarsi sui palcoscenici più importanti del mondo, mantenendo forte il legame con la propria terra d’origine.

Il tour estivo di Levante, in partenza il 3 luglio, conta al momento dieci appuntamenti appena annunciati e promette di trasformare ogni data in un’esperienza intensa e condivisa, in perfetta continuità con la cifra emotiva e narrativa che attraversa l’intero progetto artistico della cantante. Tra le tappe, dunque, Capurso, dove Levante salirà sul palco allestito dinanzi allaReale Basilica di Maria SS. del Pozzo, suggestiva cornice di un festival capace di coniugare identità territoriale e respiro contemporaneo. I biglietti saranno disponibili su Ticketone e Ciaoticket a partire dalle ore 14:00 di oggi, mercoledì 8 aprile 2026, mentre la vendita in tutti i punti vendita autorizzati aprirà alle ore 11:00 di lunedì 13 aprile 2026.

In scaletta, accanto ai brani più amati del suo repertorio, troveranno spazio le nuove canzoni che segnano un passaggio artistico più maturo, intimo e radicale. Un percorso che prende forma a partire da Sei tu, presentato alla 76ª edizione del Festival di Sanremo, e che si sviluppa attraverso una costellazione di singoli come MaiMai, Niente da dire, Dell’amore e il fallimento e Sono blu. Un progetto costruito nel tempo, attraverso pubblicazioni graduali iniziate lo scorso anno e destinate a comporsi in un disegno più ampio: Dell’amore, il fallimento e altri passi di danza, il nuovo album ancora senza data ufficiale ma atteso nella primavera del 2026, in concomitanza con l’avvio del tour. La voce di Levante risuona inoltre nel brano Al mio paese, collaborazione che la vede al fianco di Serena Brancale e Delia, in un intreccio di timbri e sensibilità che restituisce un racconto corale, intimo e profondamente identitario.

Tra le figure più riconoscibili e versatili della scena contemporanea italiana, Levante,, è autrice di ben cinque album di successo: Manuale distruzione (2014), Abbi cura di te (2015), Nel caos di stanze stupefacenti (2017), Magmamemoria (2019), Opera Futura (2023). Cantautrice, scrittrice e artista visiva, affianca alla musica un’intensa attività letteraria, con i romanzi Se non ti vedo non esisti (2017), Questa è l’ultima volta che ti dimentico (2018), E questo cuore non mente (2021) e la raccolta poetica Opera quotidiana (2024), pubblicati con Rizzoli. Tre le partecipazioni al Festival di Sanremo: nel 2020 con Tikibombom, nel 2023 con Vivo e nel 2026 con Sei tu.

Biglietti disponibili online dalle ore 14.00 di oggi, mercoledì 8 aprile, su Ciaotickets e Ticketone, e in tutti i punti vendita autorizzati dalle ore 11:00 di lunedì 13 aprile

«Questo programma è un vero e proprio varietà della durata di due ore, ricco di ospiti e di tante altre sorprese – commenta Arbore -. Ventun anni fa andava in onda di notte su Rai 1: c’era gente che lo guardava, ma non era favorito dall’orario. Nelle prime due puntate rivedremo Mariangela Melato, Lino Banfi e, insieme, Gino Paoli e Ornella Vanoni. Nelle successive ci saranno tutti i miei amici: Roberto Benigni, Gigi Proietti, Mario Marengo, Carlo Verdone, Elio e le Storie Tese, Gianni Boncompagni, Nino Frassica, Marisa Laurito. Il “bravo presentatore” è Antonio Stornaiolo, carissimo amico ancora oggi. Non mancheranno l’Orchestra Italiana e il gruppo Swing Maniacs. In ogni puntata ci sarà Stefano Bollani, grandissimo pianista jazz, che si esibirà con un brano jazz e una canzone da lui inventata, eseguita nello stile di un altro artista».

Non mancheranno personaggi quasi surreali e una rubrica dedicata alla cucina.

«La Laurito è protagonista della prima parodia sull’alta cucina che fa ridere tutti: l’anatra zoppa, ad esempio, e tante altre trovate divertenti di Marisa Laurito e Cesare Gigli. Michele Mirabella interpreta l’intellettuale e finge di essere il fratello. Dario Salvatori veste i panni di Dariospia, parodia di Dagospia di Roberto D’Agostino».

I suoi programmi, come ad esempio «L’Altra Domenica»” del quale quest’anno si celebrano i 50 anni, hanno segnato la storia della televisione. Oggi intravede qualcosa di simile?

«La TV la vedo un po’ in difficoltà: ci sono pochi programmi di varietà e pochi talenti. Secondo me bisognerebbe attingere di più dai social, dove personalmente mi trovo bene, perché le mie cose vengono proposte continuamente su Facebook, TikTok e Instagram, oltre agli ottimi ascolti del mio canale Renzo Arbore Channel.tv».

È difficile oggi fare programmi del genere?

«È molto complicato, soprattutto trovare talenti e formarli; ci vuole un’energia e una vitalità che, alla mia età, è difficile mettere in pratica. Comunque cerco di rivalutare le cose belle che ho fatto, ad esempio con l’Orchestra Italiana, con la quale ho girato il mondo».

Un pensiero per la Puglia?

«Ci penso sempre, soprattutto perché sto cercando di realizzare Casa Arbore a Foggia, dove lascerò tutte le mie collezioni e non solo. Sono in contatto con il nuovo presidente della Regione, Antonio Decaro, così come lo ero con Michele Emiliano, per cercare di realizzare questa mia volontà».

Il presidente ricorda il prossimo impegno artistico del regista che vedrà la Basilicata e la vicina Calabria protagoniste del suo nuovo film, «Glimpses of the Moon», tratto dall’omonimo romanzo di Edith Wharton. «Un progetto ambizioso - sottolinea - in cui la Basilicata si trasformerà, grazie alla sua straordinaria versatilità paesaggistica, in una scenografia naturale d’eccezione, chiamata a ricreare le atmosfere europee che faranno da cornice alla storia dei protagonisti. La Basilicata è sempre pronta ad accogliere il Maestro e le sue nuove visioni. Il nostro auspicio è che questo legame continui a rafforzarsi, portando nuova linfa culturale ed economica al nostro territorio e confermando, ancora una volta, la vocazione internazionale della nostra terra», conclude Bardi.

Dopo aver raggiunto il pienone di mercoledì 8, giovedì 9 e sabato 11, restano ancora pochi biglietti per la data di domenica 12, che potrebbe completare il «poker» di tutto esaurito del cantautore romano nel capoluogo pugliese (biglietti disponibili su renatozero.com, vivaticket.com e nei punti vendita Vivaticket). Una tournée in cui il successo va ben oltre i numeri e che assume i contorni di un fenomeno culturale capace di attraversare generazioni, linguaggi e sensibilità differenti. Lo spettacolo di Zero si rinnova di tournée in tournée, tra canzoni, parole e visioni, assumendo ogni volta una forma nuova. In oltre tre ore di musica ed emozioni, Renato porta il pubblico nel cuore pulsante dell’ultimo album L’OraZero, per la prima volta dal vivo, affrontando temi sociali, fragilità individuali e speranze collettive. In scaletta spazio anche ai grandi successi che hanno segnato la sua inimitabile carriera lunga oltre cinquant’anni: da «No! Mamma, no!» a «Cercami» e «Il Carrozzone», fino a un medley dance con «Madame», «Il triangolo», «Mi vendo», e quello conclusivo che include, tra le altre, «Il cielo» e «I migliori anni della nostra vita». I classici vengono reinterpretati con nuova energia, mentre i brani più recenti trovano una collocazione naturale all’interno del repertorio. Il risultato è un flusso narrativo continuo, capace di coinvolgere e sorprendere i suoi innumerevoli «sorcini». In un contesto dominato dalla velocità e dalla frammentazione della fruizione musicale, Zero propone un modello alternativo, fondato sulla profondità e sull’ascolto. Le scenografie, i costumi e l’uso sapiente delle luci contribuiscono a creare un universo visivo coerente con la poetica dell’artista. Non si tratta di un semplice concerto, ma di un’esperienza appassionante in cui ogni elemento concorre a definire un racconto complesso e stratificato. Sul palco con Renato Zero: la band composta da Danilo Madonia (direzione musicale, tastiere e pianoforte), Lorenzo Poli (basso), Bruno Giordana (tastiere e sax), Rosario Jermano (percussioni), Fabrizio Leo (chitarre), Andrea Maddalone (chitarre), un coro a otto voci e, con interventi in video, l’Orchestra Piemme Project. Impreziosiscono lo show i video-cameo degli attori Gabriele Lavia e Luca Ward, rispettivamente nei ruoli di «Libero Pensiero» e «L’Ignoto». A sublimare le performance di Zero, autentico catalizzatore di energia, contribuiscono la scenografia ideata dall’artista romano e realizzata da Igor Ronchese e Susanna Gruttadauria, il light design di Josh Geromin e i coinvolgenti visual, frutto del lavoro sinergico di una maxi-squadra di creativi.

Il racconto di quella notte tragica, le difficoltà delle cure e il ritorno graduale alla normalità. Durante questa parte del programma si farà anche il punto sull’inchiesta e sulla collaborazione tra autorità elvetiche e italiane il giorno in cui rientra in Svizzera l'ambasciatore Gian Lorenzo Cornado, che sarà in collegamento con Giorgino in apertura di trasmissione.

Nella seconda parte l’approfondimento sullo stile maschile e femminile dell’abbigliamento italiano. Ospiti in studio due esperti molto attivi sulle piattaforme social: Antonino Ubaldo Caltagirone e Paola Spano. Cosa rende lo stile italiano unico nel mondo? Quando una persona può essere considerata di classe? In che cosa consiste l’eleganza? Questi alcuni degli interrogativi ai quali si risponderà non solo con il talk in studio, ma anche con servizi e testimonianze.

Nella terza e ultima parte l’intervista ad Arturo Brachetti, performer e trasformista, uno degli esponenti più noti a livello internazionale nel cambio rapido degli abiti. Un artista a tutto tondo che recentemente si è fatto molto apprezzare anche in ambito musical.

Giorgino sarà affiancato nelle domande agli ospiti da giovani universitari, in rappresentanza della Generazione Z.

Secondo il racconto dell’artista, l’enorme afflusso di pubblico in occasione di uno spettacolo al Petruzzelli fu tale da provocare il danneggiamento di una vetrata del teatro, presa d’assalto dai fan in attesa di entrare.

«C’era talmente tanta gente che sfondò la vetrata», ha ricordato Da Vinci, spiegando come il padre fu poi costretto a sostenere personalmente la spesa per la riparazione, pari a circa 700mila lire.

Un episodio che si inserisce nei primi anni di carriera dell’artista, quando già da bambino calcava il palco insieme al padre, protagonista delle celebri sceneggiate napoletane in tournée in tutta Italia.

L’edizione 2026 - è detto in un comunicato degli organizzatori - compie un ideale viaggio dal punk al pop attraverso un fitto calendario di appuntamenti. Prevista anche una programmazione di showcase per proporre i progetti più interessanti della nuova scena musicale pugliese e nazionale. Antonio Diodato presenta la seconda edizione de Le Strade del Mediterraneo, progetto speciale realizzato per portare nuove sonorità e creare una forte connessione tra le sponde del nostro mare, mentre Michele Riondino propone un progetto speciale tra musica e teatro.

Sabato 20 giugno arrivano i Pet Shop Boys, il duo che in quarant'anni di attività ha inanellato numerosi record e plasmato il genere pop con grandi hit. Atteso un live show immersivo e tecnologico che il The Times ha consacrato come «lo spettacolo pop più affascinante dell’anno». Nella stessa serata sul palco anche Agents of Time, formazione elettronica pugliese, composta dai producer Andrea di Ceglie e Luigi Tutolo, che dal 2013 si è esibita nei principali festival e dancefloor mondiali e ha remixato un brano di The Weeknd.

Domenica 21 giugno sono previsti tre concerti. Il Medimex celebra i 50 anni del punk con NYC Redux Band playing the music of Ramones, anteprima mondiale, produzione originale del Medimex a cura di Marc Urselli, i brani del disco omonimo di debutto dei Ramones reinterpretati da un supergruppo che riunisce alcuni dei più importanti musicisti della scena statunitense: Brian Chase (Yeah Yeah Yeahs), Sami Yaffa (Michael Monroe, Joan Jett), Steve Conte (New York Dolls), Kid Congo Powers (ex-Bad Seeds), Luis Accorsi (Toxic Tito), Eugene Hutz (Gogol Bordello), Victoria Espinoza (Puzzled Panthers/Gogol Bordello) e Tammy Faye Starlight. Tornano al Medimex, dopo il concerto del 2017 a Bari, gli Slowdive, band britannica imprescindibile per gli appassionati di shoegaze con all’attivo album e live di culto. E infine Suede, capostipiti del britpop, che a Taranto presenterà i brani più celebri del loro repertorio e l’osannato Antidepressants, ultimo disco pubblicato nel 2025.

Era il 28 marzo 1976 quando sulla seconda rete della Rai debuttava «L’altra domenica», il programma ideato da Renzo Arbore e Ugo Porcelli destinato a cambiare per sempre il linguaggio televisivo italiano. A cinquant’anni esatti da quell’esordio, Rai Cultura rende omaggio a una delle esperienze più innovative e irriverenti della storia del piccolo schermo con una programmazione speciale in onda sabato 28 marzo e domenica 29 marzo su Rai Storia.

«L’altra domenica» fu molto più di un semplice contenitore televisivo: rappresentò una rottura radicale con i modelli tradizionali dell’epoca, mescolando informazione e intrattenimento, cultura alta e comicità surreale, improvvisazione e sperimentazione. Un laboratorio creativo in cui convivevano linguaggi diversi e spesso inediti per la televisione italiana, capace di anticipare modalità espressive che sarebbero diventate centrali negli anni successivi.

Il programma, andato in onda per tre stagioni fino al 1979, si impose per la sua struttura libera e imprevedibile: accanto alle “ragazze parlanti” e ai quiz telefonici, trovavano spazio sketch, performance musicali, collegamenti internazionali e incursioni ironiche nell’attualità. Tra i protagonisti di quell’avventura figuravano firme e volti destinati a lasciare il segno, come Gianni Minà e Gianni Brera, accanto a una rete di corrispondenti sparsi tra Italia ed estero.

La giornata celebrativa del 28 marzo si apre alle 12.00 con “L’altra domenica: qui comincia l’avventura”, una selezione di materiali delle prime puntate, quando il programma era ancora in bianco e nero e vedeva Arbore affiancato da Maurizio Barendson. Un viaggio alle origini di un format che, già nei suoi esordi, mostrava una vitalità fuori dagli schemi.

A seguire, “L’altra domenica essential” ripercorre i momenti più emblematici della trasmissione: dalle esibizioni musicali agli sketch più celebri, passando per le “primogeniture” televisive che hanno segnato un’epoca. Spazio anche a figure diventate iconiche, come le Sorelle Bandiera, protagoniste di performance memorabili, e Andy Luotto, indimenticabile “valletto muto” al centro di uno dei più celebri “pesci d’aprile” della televisione italiana.

Nel pomeriggio, alle 16.30, la programmazione si concentra sulle corrispondenze italiane e internazionali: da Milano a Napoli, da Roma a New York, con contributi firmati, tra gli altri, da Isabella Rossellini, testimoniando la vocazione cosmopolita del programma. A chiudere la giornata, alle 17.45, “L’altra domenica una tantum”, la puntata serale speciale andata in onda nel 1979 per celebrare le cento puntate e il successo di critica e pubblico.

Le celebrazioni proseguono domenica 29 marzo con un documento prezioso: l’intervista del 1979 di Nico Orengo a Renzo Arbore, un racconto intimo tra musica, televisione e visione artistica. A seguire, l’ultima puntata del programma, datata 27 maggio 1979, che riunisce tutti i protagonisti e vede la presenza di un giovanissimo Roberto Benigni nelle vesti di improbabile critico cinematografico, autore di irresistibili battibecchi che ancora oggi restano tra i momenti più ricordati.

A concludere, “Milly Carlucci e Mimma Nocelli, le ragazze parlanti”, omaggio a due volti femminili che contribuirono a ridefinire il ruolo della donna in televisione, rompendo schemi e aspettative.

A mezzo secolo dalla sua nascita, «L’altra domenica» continua a rappresentare un punto di riferimento imprescindibile: un esperimento riuscito di libertà creativa che ha saputo unire leggerezza e profondità, anticipando una televisione più dinamica, irriverente e aperta al mondo. La programmazione speciale di Rai Cultura non è solo un’operazione nostalgia, ma un invito a riscoprire le radici di una modernità televisiva che, ancora oggi, appare sorprendentemente attuale.

Protagonista è Ángela (interpretata da Miriam Garlo), una donna sorda che affronta l'esperienza della maternità in un mondo dominato prevalentemente da persone udenti. Al suo fianco c'è Héctor (Álvaro Cervantes), il compagno che, come la stessa regista racconta, è una sua trasposizione autobiografica. La loro vita di coppia, costruita su equilibri complessi, viene messa alla prova dopo la nascita di una figlia, portando alla luce la difficoltà di riuscire ad integrarsi ognuno nel mondo dell'altro, tra differenze, paure e incomprensioni. Ángela si trova a dover fronteggiare non solo le sfide quotidiane della maternità, ma anche il senso di impotenza ed esclusione che scaturisce dal confronto costante con una società profondamente lontana dal comprendere le necessità di chi non ci sente. Considerando anche che sua figlia ci sente. Pertanto la bambina viene inizialmente attratta dall'universo paterno, acuendo il senso di frustrazione della madre.

La caratterizzazione del personaggio si discosta pienamente dai cliché legati a questo genere, rappresentando, nella sua semplicità, tutte le sfaccettature di una donna fragile ma nello stesso tempo desiderosa di affrontare sfide, alle prese con contraddizioni interiori, amore e dilemmi esistenziali legati alla sua condizione. Interessante anche l'analisi degli aspetti che riguardano il rapporto tra la protagonista e i suoi genitori, Elvira e Fede, che pur desiderando il meglio per la propria figlia, non riescono a decifrare completamente il suo modo di relazionarsi al mondo. Esempio emblematico di quanto la comunicazione sia spesso un ostacolo che separa i membri di una stessa famiglia. «Questo film non intende configurarsi come una tesi sulla sordità, ma come un ritratto intimo di una donna che affronta le sfide della vita con determinazione, amore e accettando, perché no, anche la sua vulnerabilità», ha dichiarato Libertad García, che per la realizzazione dell’opera ha attinto alla propria esperienza familiare e ad interviste condotte con donne sorde. La Lingua dei Segni Spagnola (LSE) non è solo un mezzo espressivo, ma diventa un simbolo degli ostacoli, ma anche dell'amore in grado di creare ponti tra mondi diversi.

In questo contesto, la bambina di Ángela e Héctor rappresenta, alla fine del film, la speranza che quell'unione tra due universi che troppo spesso si ignorano reciprocamente, possa esistere. Degna di nota la fotografia, curata da Gina Ferrer García, che utilizza il formato flat 5:3, per creare un senso di profondità claustrofobico, che riflette la condizione di Ángela, troppo spesso confinata in un mondo che non la comprende. Molto intensa e rappresentativa in tal senso la scena del parto. Importante anche l'aspetto legato al suono, curato da Urko Garai ed Enrique G. Bermejo, che gioca un ruolo fondamentale nella comprensione artistica d'insieme: la percezione ovattata di passaggio tra silenzio e suoni, fa comprendere allo spettatore cosa significhi vivere nella condizione della protagonista. Il contrasto tra i forti rumori di sottofondo e il silenzio interiore della protagonista conferiscono spessore sinestetico alla storia.L’uso del silenzio, dei piani fissi e dei gesti come linguaggio narrativo, fanno di questo lavoro non solo un film sulla sordità, ma sulla comunicazione in toto, sulla sua valenza profonda e sui suoi limiti da superare, sulla struttura narrativa e formale come analisi di un linguaggio cinematografico che si fa veicolo di riflessioni autentiche.

Al centro della performance c’è un concetto semplice e universale: in un mondo frenetico e contraddittorio, tutti sentiamo il bisogno di tornare a quell’abbraccio rassicurante della mamma, simbolo di sicurezza, buonsenso e conforto. Brignano racconta con ironia e complicità le paure moderne, la confusione e la fragilità che caratterizzano i nostri tempi, intrecciando ricordi d’infanzia, tazze di cioccolata calda, cartoni animati e gesti quotidiani che rimandano a quel “bello di mamma” che tutti abbiamo vissuto.

Lo spettacolo, scritto dallo stesso Brignano con Graziano Cutrona, Manuela D’Angelo, Luciano Federico e Alessio Parenti, si sviluppa come un percorso comico e al tempo stesso riflessivo. La commedia osserva il presente attraverso la lente della satira e della memoria, affrontando temi attuali come guerre, intelligenza artificiale, inclusione, transizione ecologica e contraddizioni sociali, trasformando le sfide globali in materiale comico senza perdere la profondità emotiva. Brignano alterna comicità, ironia e momenti di tenerezza, trasformando il racconto personale in esperienza collettiva. I biglietti sono disponibili online su www.vivoconcerti.com

Lo spettacolo si articola in due atti distinti ma complementari, costruendo un percorso emotivo che attraversa tensioni, fragilità e trasformazioni. Nel primo, il pubblico viene introdotto in una dimensione intima e sospesa attraverso l’esecuzione dei cinque brani dell’omonimo album d’esordio di Scardigno. Le sonorità del quartetto d’archi – affidato a Francesco Sabato, Alessandra Maglie, Fernando Toma e Rosa Andriulli – dialogano con la scena in un equilibrio delicato, mentre la performance pittorica dal vivo di Benedetta Del Coco aggiunge un ulteriore livello espressivo, trasformando lo spazio in un organismo in continua evoluzione.

Dopo una pausa, il secondo atto segna una netta cesura stilistica ed emotiva. I nuovi brani introducono un linguaggio più incalzante, dinamico e volutamente più duro, sia nella componente musicale che in quella coreografica. I danzatori – Francesco Biasi, Davide Dibello, Arianna Gaballo, Sophia Guida, Silvia Siciliani e Paolo Soloperto – danno corpo a una tensione crescente, che si traduce in movimenti più rapidi, irruenti, quasi violenti. È il passaggio da una dimensione di contenimento e sopravvivenza a una fase di esposizione della crisi, dove il conflitto emerge senza filtri.

“Quartetti dal carcere” si configura così come un lavoro fortemente radicato nel territorio salentino, non solo per la provenienza degli artisti coinvolti, ma per la capacità di restituire una sensibilità condivisa. Allo stesso tempo, lo spettacolo si apre a una riflessione più ampia, intercettando il sentire di una generazione segnata da precarietà, aspettative disattese e disillusione, traducendo queste tensioni in un linguaggio scenico stratificato e contemporaneo.

Durante l'incontro, successivo alla proiezione in anteprima del terzo episodio della serie, Gassmann ha raccontato ad un pubblico numeroso e partecipe della fragilità del personaggio, definendolo «un uomo che dubita continuamente, e proprio per questo profondamente umano». È in questa dimensione forse, che la serie trova la sua voce più autentica e il suo punto di forza, offrendo una rappresentazione del mondo della giustizia come spazio dominato da complessità da sondare. Il racconto acquisisce così uno spessore quasi teatrale, in grado di interrogare lo spettatore senza semplificazioni superficiali.

Questa tensione verso la profondità sembra però comportare alcune rinunce sul piano narrativo. Il ritmo, volutamente disteso, privilegia l’atmosfera rispetto al dinamismo tanto caro delle serie straniere, (prezioso in questo senso il lavoro della scenografa Devitofrancesco, in grado di ricreare una Bari noir di spettacolare intensità chiaroscurale), approdando ad una visione che non comunica quello stato di urgenza tanto caro al genere, a cui lo spettatore è ormai assuefatto. Pertanto, più che costruire conflitti netti, la serie sembra sostare ai suoi margini, creando quel senso di sospensione indecifrabile che la rende accattivante e originale. Anche la componente procedurale appare a tratti in secondo piano. I casi giudiziari non sempre sviluppano una propria autonomia drammatica, ma si integrano nel percorso interiore del protagonista, come visti attraverso la sua lente di interpretazione, rafforzandone il ritratto, ma smorzando la carica dell'azione. Ne deriva un equilibrio delicato, e poeticamente valido. Grosso punto a favore, difficile da bilanciare con il resto delle dinamiche in gioco.

A sostenere l’insieme contribuisce l’interpretazione di Alessandro Gassmann, misurata e credibile, capace di restituire le sfumature di un personaggio complesso. Guerrieri – La regola dell’equilibrio è una serie che sfida i canoni per approdare ad una visione nuova, che sceglie la via della riflessione accettando il rischio di una minore immediatezza narrativa. In questa tensione irrisolta emerge la sua identità più autentica: raccontare la giustizia non come certezza, ma come ricerca. Qui la serie trova il suo senso più profondo: non nel dare risposte, ma nel soffermarsi dentro la complessità delle domande. A proposito, dunque, di regola dell’ equilibrio, la previsione è quella di una seconda serie decisamente interessante.

Prodotto da Thaurus, il tour prenderà il via il 5 giugno 2026 da Bellinzona, nell’ambito del Nevermind Music Fest, per poi attraversare tutta la penisola con una lunga serie di appuntamenti: da Bologna a Catania, passando per Genova, Caserta, Gallipoli e Olbia, in un itinerario che tocca alcune delle principali rassegne musicali estive. Un calendario fitto che conferma la crescita esponenziale dell’artista e la sua sempre più forte connessione con il pubblico dal vivo.

Al centro della tournée ci saranno i brani di “Anche gli eroi muoiono”, il nuovo album pubblicato il 30 gennaio 2026, certificato disco di platino già nella settimana di debutto e oggi doppio disco di platino. Il progetto ha segnato numeri da record, conquistando la vetta della classifica FIMI/NIQ sia per gli album sia per i formati fisici, con tutte le tracce stabilmente nella Top 20 dei singoli e cinque settimane consecutive al primo posto tra gli album più venduti.

Nel disco, Kid Yugi approfondisce i temi cardine della sua scrittura: il confine ambiguo tra bene e male, la crisi dei valori assoluti e una riflessione sul concetto di eroe nella contemporaneità. Un’indagine lucida e personale sulla società di oggi, in cui il valore delle persone sembra sempre più legato a logiche di successo e riconoscimento economico. Tematiche che trovano una nuova dimensione proprio nel live, dove energia e impatto emotivo amplificano il senso del racconto.

Il 2026 si apre così in modo decisivo per l’artista, reduce anche dal successo di “I nomi del Diavolo”, certificato cinque volte disco di platino e rimasto per oltre 98 settimane tra gli album più venduti. Con 22 dischi di platino, 16 dischi d’oro e oltre 2,5 miliardi di stream complessivi, Kid Yugi si impone oggi come una delle figure più rilevanti del rap italiano, capace di coniugare profondità tematica e successo commerciale. Parallelamente al tour estivo, resta altissima l’attesa per le date autunnali di “Anche gli eroi muoiono Tour”, che segneranno il debutto nei palasport: un traguardo importante, già celebrato dai sold out di Bari, Roma, Milano e Napoli, e destinato a consolidare ulteriormente il suo percorso.

I biglietti per il Summer Tour saranno disponibili online a partire dal 25 marzo 2026 alle ore 14:00. 

ANCHE GLI EROI MUOIONO SUMMER TOUR 2026

Venerdì 5 giugno 2026 | Bellinzona (Svizzera) @Nevermind Music FestGiovedì 18 giugno 2026 | Bologna @Sequoie Music ParkVenerdì 26 giugno 2026 | San Benedetto del Tronto (AP) @San. B Sound FestivalMartedì 30 giugno 2026 | Collegno (TO) @Flowers FestivalVenerdì 3 luglio 2026 | Catania @Sotto il Vulcano FestDomenica 5 luglio 2026 | Caserta @Reggia di CasertaVenerdì 10 luglio 2026 | Villorba (TV) @Arena della MarcaLunedì 13 luglio 2026 | Genova @Altraonda FestivalLunedì 20 luglio 2026 | Gallipoli (LE) @Sottosopra FestDomenica 26 luglio 2026 | Azzano Decimo (PN) @Fiera della MusicaVenerdì 31 luglio 2026 | Campobasso @Campobasso Summer FestivalSabato 1 agosto 2026 | Paestum (SA) @Coolness FestGiovedì 6 agosto 2026 | Cinquale (MS) @Vibes Summer FestivalVenerdì 7 agosto 2026 | Follonica (GR) @Summer NightsVenerdì 14 agosto 2026 | Olbia (SS) @Red Valley Festival

CALENDARIO DATE “ANCHE GLI EROI MUOIONO TOUR”

Domenica 27 settembre 2026 | Bari @Palaflorio - data zero - SOLD OUTMercoledì 30 settembre 2026 | Padova @ FieraMartedì 6 ottobre 2026 | Roma @Palazzo dello Sport - SOLD OUTGiovedì 8 ottobre 2026 | Milano @Unipol Forum - SOLD OUTVenerdì 9 ottobre 2026 | Milano @Unipol Forum - SOLD OUTSabato 10 ottobre 2026 | Milano @Unipol ForumMartedì 13 ottobre 2026 | Napoli @Palapartenope - SOLD OUTGiovedì 15 ottobre 2026 | Firenze @Mandela ForumVenerdì 23 ottobre 2026 | Roma @Palazzo dello Sport

Era nato a Monfalcone il 23 settembre 1934 ma fin da bambino ha vissuto a Genova, la sua vera città. Il tragitto che lo ha portato al successo è quello classico degli artisti deraciné degli anni '50: studente svogliato, appassionato di pittura e di jazz, ai libri preferiva una boheme fatta di pochi soldi, notti infinite e amici come Luigi Tenco, Bruno Lauzi, Umberto Bindi, Giorgio Calabrese, i fratelli Reverberi, insomma i nomi dei fondatori di quello «Scuola Genovese» che, nutrendosi delle canzoni di Brassens e Jacques Brel, ha di fatto fondato la canzone d’autore italiana. E' proprio Gianfranco Reverberi ad aprirgli la strada per Milano, dove entra in contatto con l’industria musicale ma anche con Giorgio Gaber e Mina che incide «Il cielo in una stanza», ottenendo un grande successo. Un successo bissato da un altro brano, un 3/4 quasi jazzistico: "Senza fine», interpretata da Ornella Vanoni, che all’epoca era ancora «la cantante della mala» e che vivrà con lui una lunga relazione. Il brano ha fatto il giro del mondo ma soprattutto ha segnato l’inizio di un sodalizio durata tutta la vita celebrato qualche decennio più tardi quando, dopo un lungo periodo di crisi, Paoli e la Vanoni fecero una tournée insieme ottenendo un successo strepitoso.

Negli anni '60, in pieno boom del 45 giri, esce uno dei titoli che ha segnato la storia del costume: «Sapore di sale», arrangiato da Ennio Morricone con il celebre assolo di sax di Gato Barbieri. Uomo tormentato, già sposato, vive una travolgente storia d’amore con Stefania Sandrelli, allora adolescente, una relazione dalla quale è nata Amanda. Poi l’11 luglio 1963 un gesto ancora oggi dai contorni misteriosi: Paoli tenta il suicidio sparandosi all’altezza del cuore. Il proiettile però non colpisce zone vitali e resta conficcato nella zona del pericardio, da dove non è mai stato estratto. Il grande successo non dura molto: nella seconda metà degli anni '60 comincia un lungo periodo di crisi professionale e umana, segnato anche da alcol e droga, che culmina in un pauroso incidente stradale. Per il suo ritorno da protagonista bisogna attendere gli anni '80 quando prima incide un bell'album-tributo al suo amico Piero Ciampi, «Ha tutte le carte in regola» e poi, nel 1985, riconquista le classifiche con «Una lunga storia d’amore». L'anno dopo è la volta di «Ti lascio una canzone», poi negli anni '90 c'è «Quattro amici al bar». Nel corso della sua carriera ha interpretato canzoni di Joan Manuel Serrat, Charles Aznavour, ha avuto un’intensa attività come autore, firmando per Zucchero «Come il sole all’improvviso». Nel 1987 è stato eletto deputato nelle file del PCI.

Negli ultimi anni della sua lunghissima carriera ha suonato accanto ad alcuni dei migliori jazzisti italiani, in particolare Danilo Rea, pianista di livello mondiale, che lo ha accompagnato nelle sue più recenti tournée. Personaggio schivo, poco incline alle concessioni mediatiche, interprete dallo stile tutt'altro che tradizionale, Gino Paoli resta uno dei personaggi più amati e prestigiosi della canzone italiana, l’autore di brani che fanno parte della storia del nostro Paese.

GINO PAOLI E IL SUO ULTIMO CONCERTO IN PUGLIA

Tra le occasioni in cui Gino Paoli si esibì in Puglia, ci sono le date dell'ultimo tour con Ornella Vanoni,  a marzo 2005 e gennaio 2006 al TeatroTeam. Nel tour, «Ti ricordi? No non mi ricordo», inevitabilmente sold out in entrambe le date in tutti gli ordini di posto, i due artisti suggellarono in un racconto musicale la loro storia d'amore fatta di musica e complicità sul palco e non solo. Una «lunga storia d’amore», dunque, quella per Paoli e la Vanoni, che all'epoca, tra gli spettatori, coinvolse anche l'allora presidente della regione Puglia, Nichi Vendola, grande appassionato di Paoli. Nel pubblico, quella sera, c'erano anche Nicola Laforgia, l'allora assessore alla Cultura del Comune di Bari, nonché l’editore Giuseppe Laterza (per la casa editrice barese fu pubblicato Sapore di note, il libro del cantautore di Monfalcone) e Maria Laterza.  

Serena Brancale, polistrumentista, performer e compositrice tra le più amate del panorama musicale italiano contemporaneo, annuncia oggi l’uscita del nuovo singolo “Al mio Paese” (Isola degli Artisti / Atlantic Records Italy / Warner Music Italy), disponibile ovunque a partire da venerdì 3 aprile. La traccia rappresenta non solo un ritorno alle radici e alla propria terra, ma anche un incontro artistico straordinario tra tre musiciste e cantautrici del Sud: Serena stessa, la giovane rivelazione del 2026 Delia, e Levante, una delle voci più riconoscibili della scena italiana.

Il singolo si inserisce nel percorso verso il nuovo attesissimo album di Brancale, “Sacro”, che sarà pubblicato venerdì 10 aprile e racchiude la maturità artistica dell’artista, il suo dialogo tra memoria e innovazione, radici e libertà. “Al mio Paese” è un brano che celebra il territorio e la vita, trasportando chi ascolta in un’esperienza musicale intensa: il groove magnetico di Serena si fonde con l’istinto e l’identità siciliana di Levante e Delia, creando un equilibrio perfetto tra tre universi sonori differenti ma complementari. Il brano è una festa, un ritorno a casa, un inno al Sud, alla libertà e all’energia della musica che si vive fino a notte fonda.

“Sacro” espande il racconto già iniziato con brani come “Qui con me”, in gara all'ultimo Festival di Sanremo (ha vinto il Premio Sala Stampa “Lucio Dalla”, il Premio Lunezia e il Premio TIM), “Serenata” con Alessandra Amoroso, “Anema e Core”, “La Zia”, “Stu Cafè”, “Baccalà” e “Bésame Mucho” con Gregory Porter e Delia. Il disco mescola groove e introspezione, eleganza e istinto, raccontando chi è oggi Serena Brancale, tra radici, spiritualità, festa e celebrazione.

Oltre alla nuova musica, sono già disponibili i biglietti per il “Sacro Tour”, un viaggio live che attraverserà Italia ed Europa a partire dal 30 aprile da Londra (prevendite disponibili su TicketOne e nei circuiti autorizzati).

CALENDARIO:

30 aprile - Londra - Centre di Islington

11 maggio - Madrid - Sala Villanos

12 maggio - Barcellona - La Nau - Local d’assaig

6 giugno - Lamezia Terme (CZ) - Palalamezia

12 giugno - Palermo - Teatro di Verdura

13 giugno - Roma - Cavea Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone

17 giugno - Capannori (LU) - “Ma la notte sì!” (Area Verde)

11 luglio - Taormina (ME) - Teatro Antico

14 luglio - Napoli - Arena Flegrea

16 luglio - Cervere (CN) - Anima Festival (Anfiteatro dell’Anima)

21 luglio - Cernobbio (CO) - Lake Sound Park Festival (Villa Erba)

26 luglio - Siena - Fortezza di Siena

31 luglio - Ostuni (BR) - Luce Festival (Arena Bianca – Foro Boario)

6 agosto - Roseto degli Abruzzi (TE) - Emozioni in Musica

8 agosto - Diamante (CS) - Fatti di musica (Teatro dei Ruderi di Cirella)

4 settembre - Macerata - Sferisterio

3 ottobre - Bari - Palaflorio

Norris era ricoverato alle Hawaii dopo un malore, di cui non sono state precisate le circostanze.

Nella sua carriera ha preso parte ad oltre trenta film nel ruolo di protagonista e recitò, a partire dagli anni 90, nella serie televisiva Walker Texas Ranger nel ruolo del ranger Cordell Walker, incentrata sulle avventure dei tutori della legge a Dallas. 

Il teatro come spazio di memoria condivisa e gesto poetico. È questo il cuore di «Un altro giorno ancora. Sui passi di Renata Fonte», lo spettacolo scritto e interpretato da Angela De Gaetano, prodotto dalla Factory Compagnia Transadriatica, in scena oggi alle 21 al Teatro Paisiello di Lecce e martedì 31 marzo al Teatro Comunale di Nardò, nell’ambito delle stagioni teatrali dei comuni realizzate con Puglia Culture. Lo spettacolo restituisce alla scena la figura luminosa e tragicamente interrotta di Renata Fonte, amministratrice salentina uccisa nel 1984 per il suo impegno nella difesa del territorio e della legalità. Una vicenda che, attraverso una drammaturgia intensa e stratificata, supera la dimensione biografica per interrogare il presente, trasformandosi in simbolo di etica pubblica, responsabilità e tensione verso il bene comune.

La scrittura scenica di Angela De Gaetano si distingue per essenzialità e forza evocativa, sostenuta dalle luci di Davide Arsenio e dai costumi di Lilian Indraccolo. A costruire la dimensione sonora contribuiscono le voci fuori campo, tra cui Ippolito Chiarello, Fabio Tinella, Graziano Giannuzzi e Dario Rizzello, insieme agli allievi coinvolti nel progetto. La voce di Pantaleo Ingusci, interpretata da Mario Perrotta, restituisce invece la matrice etica e culturale di una formazione civile radicata nel pensiero repubblicano.

Dopo la tappa leccese, lo spettacolo farà ritorno a Nardò, città natale di Renata Fonte, in un passaggio simbolico che rafforza il legame tra racconto scenico e territorio, trasformando la rappresentazione in un atto di memoria collettiva. Accanto allo spettacolo, si aggiunge un ulteriore momento di approfondimento: venerdì 20 marzo alle 12.15, sempre al Teatro Paisiello, è in programma un incontro del ciclo «Incontrare la scena», a cura di Francesco Ceraolo e Francesca D’Ippolito, realizzato in collaborazione tra DAMS e Puglia Culture. Ospite sarà Angela De Gaetano, che dialogherà con il pubblico a partire dal lavoro teatrale dedicato a Renata Fonte.

l'avvocato Federico Straziota

Ed è proprio osservando il «dietro le quinte” che si appezza di più la bravura degli attori. «Gassmann non era mai entrato in un’aula di giustizia… sul set, la sua prima richiesta è stata: “Come si indossa la toga?”… Lui è stato bravissimo davvero. Ha capito subito tempi, movenze, gestualità, calandosi benissimo nel ruolo. Anche l’attrice Lea Gavino, nei panni della praticante dell’avvocato Guerrieri, ha trasmesso sul piccolo schermo le emozioni della giovane professionista alle prese con la sua prima discussione, dalla meticolosità nel preparare il processo, all’ansia da prestazione. Le conosco bene quelle sensazioni…». Dalla lettura del dispositivo, alla deposizione del testimone, numerosi i suggerimenti per rafforzare il messaggio trasmesso dai personaggi. «C’è un grandissimo lavoro dietro ogni scena, ripetuta anche 30 volte. Sono tantissime le professionalità di cui non abbiamo contezza quando guardiamo la fiction in tv. Gassmann, poi, è un “divo non divo”. Umile, molto professionale, disponibile con tutto lo staff, simpaticissimo». E siccome c’è sempre da imparare… Straziota ha rubato qualcosa sul set… «Noi e gli attori lavoriamo con le parole, cercando di attirare l’attenzione su ciò che stiamo dicendo in quel momento. Durante le riprese ho capito che a volte in udienza siamo un po’ buffi nell’atteggiarci. C’è sempre da migliorare proprio sull’uso delle parole e della gestualità». Un aneddoto in particolare? «Un giorno, durante le riprese, avevo un’udienza in corte d’appello. Gassmann, prima, è stato talmente bravo e convincente sul set, che alla fine, ovviamente scherzando, gli abbiamo chiesto: “Ti andrebbe di affiancarci in udienza?”». Un attestato di stima niente male per l’avvocato Guerrieri: tra colleghi, non sempre è così…

L’entusiasmo del pubblico è già altissimo: risultano infatti sold out la prima data di Eboli al Palasele e la seconda data di Bari al Palaflorio, confermando ancora una volta il legame profondo tra l’artista e i suoi fan. Il nuovo tour rappresenta un capitolo importante nel percorso dell’artista napoletano: uno show pensato per i grandi spazi dei palasport, con un impatto scenico e sonoro che promette standard internazionali. Il viaggio live si concluderà con una data simbolica nella sua città, Napoli, dove Luchè celebrerà la propria storia artistica davanti al pubblico che lo ha accompagnato fin dagli esordi.

Questo momento arriva dopo un anno straordinario per il rapper. Il suo ultimo album, «Il mio lato peggiore» (Warner Music Italy), ha ottenuto la certificazione di disco di platino, confermandosi tra i progetti più rilevanti della scena urban italiana. Il disco è stato trainato dal successo dei singoli «Nessuna», certificato platino e protagonista della Top 50 Italia di Spotify per settimane, e «Ginevra», realizzato con Geolier e certificato oro.

Anche la partecipazione al Festival di Sanremo con «Labirinto» ha segnato un passaggio importante nella carriera dell’artista, che è arrivato alla kermesse ligure già forte di oltre quattro milioni di ascoltatori mensili su Spotify e di un enorme seguito sui social, dove il brano è rapidamente entrato tra i suoni più utilizzati su TikTok.

Nato a Napoli nel 1981 con il nome di Luca Imprudente, Luchè è considerato una delle figure centrali dello street rap italiano. Dopo il successo ottenuto con l’album «Potere», certificato quadruplo disco di platino, ha continuato a consolidare la propria carriera con lavori come «Dove volano le aquile», arrivato al primo posto delle classifiche FIMI. Negli ultimi anni ha inoltre segnato un momento storico per la scena rap con il ritorno dei Co’Sang insieme a Ntò, culminato con l’album «Dinastia» e due concerti-evento in Piazza del Plebiscito.

Queste le date del tour

• Martedì 17 marzo 2026 – Firenze – Mandela Forum

• Sabato 21 marzo 2026 – Torino – Inalpi Arena

• Lunedì 23 marzo 2026 – Eboli (SA) – Palasele (SOLD OUT)

• Martedì 24 marzo 2026 – Eboli (SA) – Palasele

• Giovedì 26 marzo 2026 – Messina – Palarescifina

• Sabato 28 marzo 2026 – Bari – Palaflorio

• Domenica 29 marzo 2026 – Bari – Palaflorio (SOLD OUT)

• Mercoledì 1 aprile 2026 – Padova – Gran Teatro Geox

• Giovedì 2 aprile 2026 – Milano – Unipol Forum

Gran finale:

• Giovedì 10 settembre 2026 – Napoli – Ippodromo di Agnano

Le prevendite sono disponibili online e nei punti vendita autorizzati. Informazioni e biglietti su Vivo Concerti.

SUMMER TOUR

Venerdì 17 luglio 2026 | Roma, Rock in Roma

Giovedì 23 luglio 2026 | Bologna, Sequoie Music Park

Martedì 28 luglio 2026 | Genova, Porto Antico

Giovedì 30 luglio 2026 | Palermo, Velodromo

Venerdì 31 luglio 2026 | Catania, Villa Bellini

Domenica 2 agosto 2026 | Cinquale (MS), Vibe Festival (Arena della Versilia)

Mercoledì 5 agosto 2026 | Lignano Sabbiadoro (UD), Lignano Arena

Sabato 8 agosto 2026 | Santa Maria del Cedro (CS), Tirreno Festival (Arena dei Cedri)

Domenica 9 agosto 2026 | Roccella Jonica (RC), Roccella Summer Festival

Martedì 11 agosto 2026 | Ostuni (BR), Luce Festival (Arena Bianca - Foro Boario)

Mercoledì 12 agosto 2026 | Barletta, Fossato del Castello

Il tour rappresenta un ritorno alle origini per il gruppo, che ha scelto di ripartire proprio dai club, gli spazi dove la loro identità musicale si è costruita negli anni tra concerti sudati, contatto diretto con il pubblico e performance sempre diverse. Un contesto intimo e intenso, dove l’energia del live diventa il vero motore dello spettacolo.

Il Club Tour 2026 promette infatti concerti ad alto impatto emotivo, senza barriere tra palco e platea. L’idea è quella di uno show in continua evoluzione, capace di trasformarsi di sera in sera grazie all’interazione con il pubblico. Ogni data sarà un’esperienza unica, un viaggio musicale fatto di improvvisazione, complicità e partecipazione collettiva.

Negli ultimi anni gli Eugenio in Via Di Gioia hanno consolidato il loro percorso artistico nel panorama della musica italiana indipendente, distinguendosi per una scrittura capace di mescolare ironia, sensibilità sociale e riflessioni esistenziali, unite a una dimensione live sempre molto intensa. Il ritorno nei club rappresenta quindi non solo una scelta logistica, ma anche una dichiarazione d’intenti: riportare la musica alla sua dimensione più immediata e condivisa.

La tournée attraverserà diverse città italiane tra novembre e fine mese, con una serie di appuntamenti che toccheranno alcuni dei principali live club del Paese.

Queste le date del Club Tour 2026:

• 16 novembre 2026 – Estragon, Bologna

• 17 novembre 2026 – Hall, Padova

• 20 novembre 2026 – Viper, Firenze

• 21 novembre 2026 – Mamamia, Senigallia

• 23 novembre 2026 – Afterlife Live Club, Perugia

• 25 novembre 2026 – Atlantico, Roma

• 27 novembre 2026 – Eremo Club, Molfetta

I biglietti per tutte le date sono già disponibili su TicketOne e sui circuiti di vendita abituali. Una nuova occasione per ritrovare dal vivo una delle band più originali della scena italiana contemporanea, pronta a riportare nei club tutta l’energia, l’ironia e la libertà creativa che da sempre caratterizzano i loro concerti.

Dopo aver dato la risposta esatta, Valerio ha risposto a una domanda del conduttore: «Cosa farei se vincessi una grossa cifra? Mi piacerebbe cambiare casa e fare qualcosa per il reparto di oncologia pediatrica dell’ospedale di Taranto». Una risposta che ha portato velocemente Scotti sull'orlo delle lacrime. Alla domanda successiva sul crollo del Campanile di San Marco nel 1902, Valerio ha preferito fermarsi e portare a casa la cifra.

Lo scorso settembre Bonaccorti aveva rivelato sui social di essere malata di un tumore al pancreas: "Sono 4 mesi che mi sono nascosta anche con gli amici più cari, senza rispondere, senza richiamare, come se il mio non esserci facesse scomparire quel che invece c'è… mi scuso con tutti, fino a oggi mi sono bloccata nell'assenza".

In una delle sue ultime apparizioni in tv, ospite a Verissimo, Enrica Bonaccorti aveva spiegato che il tumore al pancreas non si era ancora ridotto. "Sto bene ma faccio fatica al momento. Speravo che andasse meglio, ho ripreso a fare la chemio perché non era cambiato molto. Ci sono giorni in cui va bene e giorni in cui va molto male, ma devo andare avanti così".

Lo spettacolo, scritto da Simone Petrella, Alessio Strazzullo e Daniele Pugliese, fondatori e autori storici del gruppo, vede la regia di Paolo Ruffini. In scena prende forma un vero e proprio spaccato di vita quotidiana: una riunione di condominio caotica ed esilarante, popolata da vicini eccentrici, discussioni accese e un regolamento da votare che diventa pretesto per raccontare vizi, virtù e contraddizioni dell’Italia di oggi.

Il pubblico non resta semplice spettatore, ma viene coinvolto direttamente nella “riunione”, tra monologhi, sketch e momenti di improvvisazione. Il teatro si trasforma così in una grande assemblea collettiva, dove la vita reale e la scena si confondono e la comicità diventa strumento per riflettere, con leggerezza, su dinamiche sociali e familiari.

«Tornare a teatro ed emozionarci insieme al nostro pubblico è per noi motivo di grande soddisfazione – racconta il collettivo –. L’energia dal vivo è qualcosa di unico e il calore degli spettatori ripaga di tutti i sacrifici fatti. Regalare sorrisi è una missione che ci riempie il cuore: speriamo di portare solo good vibes a chi verrà a trovarci».

La metafora del condominio diventa così il ritratto di un Paese che spesso sembra diviso su tutto, ma che alla fine trova sempre un modo per stare insieme. Tra racconti, gag e momenti di pura comicità, la riunione si trasforma in una grande festa collettiva, dove non mancano ironia, solidarietà e – naturalmente – il momento immancabile del cibo condiviso.

In scena i personaggi interpretati da Antonella Morea, Daniele Pugliese, Riccardo Betteghella e Alessandro Freschi, pronti a interagire con il pubblico per trovare un improbabile accordo sui punti all’ordine del giorno dell’assemblea.

Nato come collettivo comico capace di raccontare con ironia la quotidianità e i paradossi della vita familiare e sociale, Casa Surace ha costruito negli anni una community trasversale che va dalla Generazione Z ai millennials fino agli over 60. Una comicità verace e diretta che mescola tradizione e nuovi linguaggi, dalla commedia dell’arte ai formati digitali.

Tra le prime date del tour: il 1° aprile a Firenze al Teatro Puccini, il 7 aprile a Bologna al Teatro Dehon, l’8 aprile a Milano al Teatro Manzoni, il 16 aprile a Roma al Teatro Orione e dal 17 al 19 aprile a Napoli al Teatro Acacia. Il calendario proseguirà poi l’8 maggio a Gallarate al Teatro Condominio e il 30 maggio al Teatro di Varese, con nuove date in continuo aggiornamento.

Uno spettacolo che promette di trasformare ogni teatro in una grande assemblea condominiale dove ridere insieme e riconoscersi, tra paradossi quotidiani e quel gusto tutto italiano di discutere… per poi finire sempre a tavola.

Moretti, ma è una storia vera?

«In parte sì. Purtroppo a diciott'anni sono stato - come si dice - "scammato", ingannato, e ho voluto trasformare una tragedia in commedia. Mi serviva un'escamotage per interpretare più personaggi e rendere Adriano bisognoso di soldi, da qui quindi parte la storia».

E va a cercare denaro in tutta Roma, che sullo sfondo appare nervosa e surreale. Che rapporto ha con la sua città?

«Bellissimo, sono uno di quei romani che cerca sempre di essere spettatore, vederne le particolarità e i personaggi. Alla fine per costruire un personaggio comico si cercano gli aspetti divertenti delle persone che hai intorno».

È un periodo intenso, tra cinema, social, teatro: quale di questi linguaggi sente più «suo»?

«È un momento stressante ma sono felice, si stanno realizzando cose che fino a qualche tempo fa sognavo e basta. Tutto procede secondo i piani, sono grato per queste opportunità. Sicuramente a teatro c'è un rapporto più immediato con il pubblico, poi sono qui con uno spettacolo scritto da me, in cui ho la libertà che non c'è altrove. Sentire la reazione delle persone di fronte è il motivo per cui ho iniziato tutto. Sui social ci sono i commenti, ma restano scritti, il suono delle risate reali è impagabile».

Lei poi ha cominciato dai social, c'è stato un momento in cui ha capito che poteva diventare un'occasione per farsi conoscere dal pubblico?

«Quando ho finito l'accademia di recitazione ho cercato un modo per avvicinare le persone al mio immaginario. Ero scettico riguardo ai social, nel periodo post-Covid andavano di moda i balletti, poi hanno cominciato a emergere i primi content creator comici. Non avevo pretese, volevo solo divertirmi, ma ho capito che poteva essere una vetrina importante».

La sua caratteristica comica, poi, è quella di trovare assonanze tra le parole: le viene naturale?

«È una di quelle cose che ho sempre fatto nel quotidiano, mi ha aiutato tanto anche il rap, ho un amico che fa il produttore e spesso ci troviamo da lui per fare un po' di freestyle. Insomma la cosa ha funzionato, ma ci vuole tanto istinto».

Com'è stata l'esperienza sul palco di Italia's Got Talent?

«Ti porta a vedere la grandezza di alcune realtà, sono stato catapultato sul palco con Frank Matano, Alessandro Cattelan, Elettra Lamborghini, Mara Maionchi, ero uno dei pochissimi comici, mi è piaciuto il fatto che sia un programma che mette in luce talenti di ogni tipo».

E i suoi riferimenti comici chi sono?

«Senz'altro Carlo Verdone, è romano, è comico e si diverte a sperimentare con i personaggi. La recitazione di Troisi è una delle più grandi di sempre, e anche Valerio Lundini è un'ispirazione».

È nel cast del nuovo remake di Notte prima degli Esami: aveva visto i film precedenti? Che rapporto ha avuto con l'esame di maturità?

«Certo, li avevo visti anche da bambino: da studente di liceo classico la maturità l'ho vissuta tranquillamente. Giocavo a basket, era la mia priorità, diciamo che per me la scuola era un momento di relax, mi divertivo e volevo far ridere gli altri. Me la cavavo così».

Il titolo del suo spettacolo è un invito all'ascolto: cosa vuole lasciare a chi verrà a vederla?

«Intanto è una data particolare, perché sono mezzo pugliese, ho diversi cugini a Corato. Sicuramente vorrei trasmettere il messaggio di cercare anche nelle difficoltà una chiave per sdrammatizzare e divertirsi. E poi mai giudicare, godersi sempre la compagnia dei personaggi più stravaganti».

Il pubblico ha imparato a conoscerla grazie a «Pesci Piccoli 2», la serie che per settimane è stata tra le più viste su Prime Video in Italia, entrando stabilmente nella top ten delle produzioni più seguite sulla piattaforma. Poco dopo è arrivato il grande riscontro televisivo con «Costanza», fiction di Raiuno tratta dal romanzo «Questione di Costanza» di Alessia Gazzola, nella quale Elena Sophia Senise ha interpretato la piccola Flora, conquistando l’affetto di milioni di telespettatori. Il 2025 si è chiuso poi con il film televisivo «Seduci & Scappa», appartenente alla collana Rai «Purché finisca bene», dove la giovane attrice ha vestito i panni della piccola Diana accanto a due volti molto amati dal pubblico, Nino Frassica e Francesco Arca.

Il nuovo anno non sembra destinato a essere da meno. La scorsa settimana Elena Sophia Senise ha debuttato come protagonista nell’ottava puntata di «Don Matteo 15», storica fiction di Raiuno. Nella serie interpreta Margherita, una bambina dolce e determinata che, a causa di una difficile situazione familiare – con il padre evaso dal carcere e il nonno ricoverato in ospedale – si ritrova a prendersi cura da sola degli animali nella piccola fattoria di famiglia. Ad aiutarla in questo percorso ci sono alcuni dei personaggi più amati della serie: il maresciallo Cecchini, interpretato da Nino Frassica, Don Massimo (Raoul Bova) e il capitano Diego Martini, interpretato da Eugenio Mastrandrea. A rendere ancora più speciale la storia è la presenza della guest star Carolina Benvenga, che accompagnerà Margherita nella realizzazione di un piccolo ma grande sogno: cantare una canzone sul palco del Teatro Nuovo di Spoleto. Un episodio capace di alternare momenti divertenti e gag a passaggi più intensi e commoventi.

Parallelamente Elena Sophia Senise è presente anche nella fiction «I casi dell’Avvocato Guerrieri», sempre su Raiuno, diretta da Gianluca Maria Tavarelli e interpretata da Alessandro Gassmann. Qui la giovane attrice dà vita a una bambina dolce e sensibile, dimostrando ancora una volta una sorprendente maturità interpretativa. Non solo televisione, però. La piccola attrice cosentina è già impegnata sul set cinematografico del film «Il mio nemico immaginario», dove sarà una delle protagoniste accanto a un cast d’eccezione composto da Fabio Volo, Giulia Bevilacqua, Loretta Goggi e Luigi Diberti.

La carriera di Elena Sophia Senise è iniziata molto presto. Il debutto televisivo risale alla fiction «Lea – I nostri figli», da cui è partito un percorso costellato di partecipazioni a serie televisive e programmi che hanno progressivamente consolidato il suo talento. Oggi, a soli nove anni, l’attrice viene spesso indicata come una delle giovani interpreti più promettenti del panorama italiano. Sul set ha sempre dimostrato grande disciplina, professionalità e una maturità sorprendente per la sua età. Qualità che lei stessa attribuisce a un percorso fatto di studio, preparazione e, soprattutto, di un grande amore per il cinema e la recitazione. Il 2026 è appena iniziato, ma Elena Sophia Senise ha già dimostrato di essere pronta a continuare a crescere e sorprendere. Una carriera cominciata quando aveva appena cinque anni e che, passo dopo passo, sembra destinata a diventare sempre più ricca di successi.

Dopo il video spoiler circolato sui social nelle scorse ore – in cui il gruppo ha giocato ironicamente con l’attesa dei fan per un nuovo ritorno live – è arrivato l’annuncio ufficiale: i Pinguini Tattici Nucleari torneranno a calcare i palchi dei principali stadi italiani nell’estate 2027.

Tra le date confermate figura quella di Bari, fissata per il 24 giugno, nell’ambito del tour prodotto e organizzato da Magellano Concerti. I biglietti sono già disponibili online su TicketOne e nei punti vendita abituali.

Il tour attraverserà l’Italia con diverse tappe tra giugno e luglio, partendo da Bibione per poi proseguire a Bologna, Torino, Milano, Padova e Bari. In calendario anche una data a Napoli – ancora da definire – e i concerti finali a Messina e Roma.

L’annuncio arriva dopo il grande successo del Hello World – Tour Stadi 2025, che ha registrato nove date sold out e oltre 420 mila biglietti venduti, confermando la band come una delle realtà più solide della scena pop italiana.

Negli ultimi anni il gruppo ha collezionato numeri importanti: 86 dischi di platino e 11 dischi d’oro, oltre alla presenza nella Top 10 delle classifiche annuali del 2025 con l’album Hello World. Nello stesso anno i Pinguini sono stati anche tra gli artisti con più album contemporaneamente nella Top 100 settimanale, arrivando ad averne fino a cinque nella stessa settimana.

Grande successo anche nelle radio italiane: tutti i singoli estratti da Hello World hanno raggiunto il primo posto nelle classifiche di airplay e tre brani – Bottiglie Vuote, Amaro e Islanda – sono entrati nella top 100 dei brani più trasmessi dell’anno secondo i dati di EarOne.

Il format prevede quattro puntate più una speciale “il meglio di”, tutte registrate con pubblico in sala e caratterizzate da improvvisazione e interazione continua. Ad arricchire ogni serata ci saranno artisti locali come Yamas, Stella Grande e altri talenti del territorio, insieme a ospiti nazionali ancora da svelare puntata per puntata.

L’iniziativa, promossa dall’assessorato alla Cultura del Comune di Monopoli in collaborazione con il collettivo giovanile NAME – Network of Arts, Music & Events e Ritratti Festival, si inserisce nel programma di appuntamenti dedicati al mese della Giornata Internazionale della Donna (oltre l’8 marzo, la cultura e le donne) e anticipa alcuni dei temi che attraverseranno la prossima edizione del festival.

“È verità il nome” rappresenta il primo tassello del cartellone 2026 del Ritratti Festival, diretto dalla pianista Antonia Valente, originaria di Monopoli, che nelle prossime settimane annuncerà il programma completo della sua ventiduesima edizione in Puglia.

Il titolo prende spunto da un verso della poetessa belga Chantal Maillard e richiama la lunga storia di pseudonimi dietro cui molte artiste hanno dovuto nascondersi per pubblicare o far conoscere il proprio lavoro nel campo artistico, come in altri. Da questa riflessione nasce un concerto multimediale che restituisce spazio e voce a compositrici che, pur avendo lasciato opere di grande valore, sono rimaste a lungo ai margini del repertorio più eseguito nei circuiti ufficiali.

Saranno dunque presentate al pubblico pagine di Mel Bonis, Pauline Viardot, Giulia Recli, Fanny Mendelssohn, Clara Schumann, Lili Boulanger, Alma Mahler, Amy Beach e Rebecca Clarke. I brani musicali dialogheranno con testi originali della giovane compositrice Marianna Manghisi e con versi di alcune tra le voci più intense della poesia italiana, tra cui Patrizia Cavalli, Alda Merini e Antonia Pozzi, oltre a liriche della poetessa monopolitana Elsa Raimondi, sorella della più celebre Franca, di cui ricorre nel 2026 il settantesimo anniversario della vittoria al Festival di Sanremo.

Le liriche saranno affidate alle voci dei soprani Roberta Mantegna e Damiana Mizzi, oggi presenti nei cartelloni dei principali teatri d’opera del mondo, dal Teatro alla Scala ai Teatri La Fenice di Venezia e San Carlo di Napoli, fino a Mosca, Chicago, Washington, Tokyo, Pechino. Ospite solista di importanti orchestre in Europa, Russia, Israele, Sud America e Nuova Zelanda, le sue incisioni discografiche hanno ottenuto riconoscimenti internazionali. Completano l’organico artistico i pianisti Anna Habruk, Joseph D’Urso, Anzhelika Kaliuzhna e Antonia Valente, insieme ai giovani cantanti Ayane Kodera, Gaia Cardinale e Gianvito La Notte, alla violoncellista Federica Del Gaudio e alla violinista Silvia Grasso.

“La Forza delle Donne” è un progetto di sinergia tra realtà associative culturali del territorio polignanese, tutte guidate da donne, che da anni operano con competenza e dedizione. Accanto ad Artea, hanno scelto di unire le proprie energie “U Castarill” con Nina Centrone, Con.Fusione con Adriana L’Abbate, AGEV con Maria Teresa Favale, l’Associazione Albergatori Polignanesi con Patrizia Migailo, SAFIYA con Anna Maria Montanaro, UCP con Laura Pedote, Circolo Filatelico numismatico Neapolis con Maria Domenica Talenti, Maredolfi con Angela Teofilo. Il valore più grande di questo percorso risiede proprio nell’impegno condiviso: donne che ogni giorno si muovono tra famiglia, lavoro, casa, figli e responsabilità sociali, senza mai smettere di investire tempo ed energie per il bene della comunità. Donne che rappresentano un modello autentico di forza, visione e resilienza. Per celebrare la nascita di questo progetto ci sarà Mario Incudine con il suo “Parlami d’amore” di Costanza Diquattro, con la regia di Pino Strabioli e con Antonio Vasta al pianoforte e fisarmonica, un viaggio musicale che narra l’Italia tra il 1918 e il 1945.

Mario Incudine condurrà il pubblico tra parole, aneddoti e testi indimenticabili, rendendo omaggio alla canzone d’autore di quegli anni. Il biglietto è acquistabile presso il Cinema Teatro Vignola o tramite le associazioni coinvolte.Durante la serata verrà inoltre conferito un riconoscimento ad aziende al femminile che da oltre quarant’anni si distinguono nel mondo del lavoro per visione, continuità e capacità imprenditoriale: l’Agenzia SARA Assicurazioni di Margherita Spilotro, caratterizzata da un organigramma composto esclusivamente da donne; la Società Mancini Srl, guidata da Maria Giuseppina Bovino che conta 38 dipendenti e rappresenta un’eccellenza del territorio. Un riconoscimento speciale verrà riconosciuto a Maria Colagrande, tra le prime donne a promuovere un modello di associazionismo per bambini e giovani attento alla valorizzazione e alla tutela dell’identità locale. “L’auspicio più grande è che questo progetto non sia solo un evento – conclude la Guglielmi - ma un segno tangibile, la dimostrazione che, quando le donne fanno rete, la cultura diventa un progetto collettivo, capace di generare valore, bellezza e futuro.

Nel lungo editoriale che uscirà sul numero di Chi in edicola mercoledì 4 marzo, e che l’ANSA ha potuto leggere in anteprima, Signorini spiega ai lettori le ragioni del suo addio. «La pandemia aveva modificato le mie abitudini, la mia quotidianità - scrive -. Tre anni fa ho trovato il coraggio di condividere questo mio stato d’animo in azienda», perché «sentivo di avere la forza per cominciare una nuova vita». Di qui la decisione di lasciare la direzione di Chi al suo storico braccio destro, Massimo Borgnis, per mantenere soltanto la direzione editoriale, "ma nel corso di questi ultimi tre anni la voce che sentivo dentro di me non ha mai smesso di parlarmi». Per questo motivo, "lo scorso ottobre ho concordato con l’azienda che avrei lasciato anche la direzione editoriale».

Sulla decisione il giornalista assicura che non hanno inciso le accuse di Fabrizio Corona - che ha denunciato per revenge porn - sull'esistenza di un presunto 'sistema Signorinì, a detta dell’ex re dei paparazzi un meccanismo opaco di favori sessuali richiesti ad alcuni partecipanti del Grande Fratello o a chi aspirava ad entrare nella ormai famosa «casa». «Esiste e continuerà ad esistere un mondo meraviglioso da raccontare - si limita a dire al riguardo nell’editoriale - ma c'è anche uno squallido sottoscala fatto da chi vive ai margini e si nutre di menzogne e cattiverie. Uno sottoscala - insiste - fatto anche da chi assiste a crimini e calunnie mostruose con un ghigno, una ironia, o peggio ancora con un silenzio che delinque quanto il crimine stesso». «Avrò modo di spiegarvi meglio tutto quello a cui sto alludendo», conclude Signorini, che alla fine dello scorso anno ha sospeso ogni impegno professionale col gruppo Mediaset, rivolgendosi direttamente ai suoi lettori. «Il mio rapporto con voi si è sempre basato sulla chiarezza e l’onestà», sostiene il giornalista, che nel lungo editoriale ringrazia Marina Berlusconi - «un’amica fraterna prima di essere il mio editore" -, i vertici del Gruppo Mondadori, i direttori, i colleghi e la sua redazione. «Difendere la mia professionalità e la mia persona è importante, ma non è questo il momento giusto - conclude -. Ora è il momento di cominciare una nuova vita». 

Scalera aggiunge: «Le cose hanno un inizio ed una fine. Anche Breaking Bad è terminato, ha fatto giusto cinque stagioni» Ma aggiunge la lascio con il «cuore pieno».

Una coppia Papaleo e Scalera che ritroveremo prestissimo al cinema nel nuovo film dell’attore e regista lucano «Il Bene Comune», in sala dal 12 marzo, che lo vede anche protagonista produttore e sceneggiatore. Un film girato tra Calabria e Basilicata, dove interpretano rispettivamente, una guida turistica e un’attrice di «insuccesso» che accompagnano per una gita premio un gruppo di detenute (nel cast anche Claudia Pandolfi e Teresa Saponagelo).

Tornando ai nuovi episodi di Imma Tataranni Scalera tiene a sottolineare: «Lavorare con Rocco è una magia, siamo in sintonia, c'è alchimia sul set, non credo sia io a dover dare giudizi». Papaleo da parte sua replica: «Per un periodo mi ero dedicato ad altro alla musica della mia band, al teatro canzone, a cose mie, poi ritrovarmi in Basilicata, nella mia terra che tanto amo, mi ha ridato la spinta giusta, attori come Massimiliano, Barbara, Vanessa, è stato un privilegio, una spinta emozionale». Galliano è un magistrato che ha sempre fatto attività investigativa sul campo, esattamente come Imma, ma a causa di una disavventura sentimentale ha deciso di lasciare la sua città. E così arriva nella sede materana in sostituzione di Alessandro Vitali. Ma Papaleo/procuratore conosce bene anche lui il territorio e la mentalità lucane ed è meno incline allo scherzo, a passare sopra alle bizzarrie di Imma».

«La quinta stagione di Imma Tataranni segna per la Basilicata non soltanto il ritorno su Rai1 di un personaggio interamente lucano, ma anche la narrazione del nostro territorio» - afferma Margherita Gina Romaniello Presidente di Lucana Film Commission. 

A ulteriore domanda su l’ultima stagione e se è è addolorata di abbandonare questo ruolo, Scalera replica ancora: «Ho lasciato andare tanto nella vita, ho salutato un sacco di persone che non rivedrò mai più, sono quelle le cose che mi hanno profondamente cambiata e hanno dilaniato me stessa, sono i saluti in vita, o quando muore una persona è quello che rende la vita di schianti, questo invece è un dolce, meraviglioso saluto e ho deciso farlo in questo caso come ho fatto con altri altri personaggi, soprattutto quelli che si fanno a teatro, che poi è la stessa cosa che si prova quando si fa una lunga tournèe teatrale, si fanno due, tre, quattro anni e con quel personaggio hai fatto l'amore tutte le sere, io per sette anni ho amoreggiato con Imma, la lascio, con un cuore pieno perché mi ha dato tantissimo, però mi stacco con un sorriso, non c'è amarezza, la lascio con amore».

A chi chiede al regista se pensa che possa pesare l’uscita di Caloggiuri, interpretato da Alessio Lapice, personaggio molto amato dal pubblico, Francesco Amato replica: «Era il momento di focalizzarci su altro. Questo diciamo aspetto lo avevamo già affrontato alla fine della quarta stagione. Imma dovrà affrontare la sua vita personale senza il maresciallo e sarà centrale il suo rapporto con Pietro il marito (Massimiliano Gallo), vedremo l’evoluzione sia sulle decisioni di lui sul lavoro che con la figlia Valentina». Quindi Amato aggiunge: "Lavorare con Rocco era un po' quello che a me mancava, perché abbiamo affrontato anche un po' l’antropologia di questo territorio. Papaleo ha portato una nuova anima lucana, e una luce, una gentilezza, un modo di stare insieme, di stare in questo gruppo. Come in ogni stagione, le indagini sui gialli di puntata si alternano con le vicende umane e familiari della nostra protagonista».

Matera, con il proprio patrimonio monumentale, e diversi altri luoghi del territorio lucano rappresentano anche in questa stagione la scenografia insostituibile. Imma Tataranni è prodotta da Rai Fiction, IBC Movie e Rai Com, con il contributo della Regione Basilicata1 e con il sostegno della Lucana Film Commission.

Di seguito tutte le date, prodotte da Vivo Concerti e Isola degli artisti:

30 aprile - Londra - Centre di Islington

11 maggio - Madrid - Sala Villanos

12 maggio - Barcellona - La Nau - Local d’assaig

6 giugno - Lamezia Terme (CZ) - Palalamezia

12 giugno - Palermo - Teatro di Verdura

13 giugno - Roma - Cavea Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone

17 giugno - Capannori (LU) - “Ma la notte sì!” (Area Verde)

11 luglio - Taormina (ME) - Teatro Antico

14 luglio - Napoli - Arena Flegrea

16 luglio - Cervere (CN) - Anima Festival (Anfiteatro dell’Anima)

21 luglio - Cernobbio (CO) - Lake Sound Park Festival (Villa Erba)

26 luglio - Siena - Fortezza di Siena

31 luglio - Ostuni (BR) - Luce Festival (Arena Bianca – Foro Boario)

6 agosto - Roseto degli Abruzzi (TE) - Emozioni in Musica

8 agosto - Diamante (CS) - Fatti di musica (Teatro dei Ruderi di Cirella)

4 settembre - Macerata - Sferisterio

3 ottobre - Bari - Palaflorio