Existen momentos en la historia de la música que han tenido lugar por pura casualidad, pero lo realmente curioso es que al final han terminado rompiendo todos los moldes establecidos. Uno de esos instantes mágicos se esconde detrás de un solo de guitarra de apenas 30 segundos. ¿Quién iba a decir que un guitarrista de rock duro como Eddie Van Halen pondría su sello en un tema de Michael Jackson? Pues sí, ocurrió, y no sólo eso, sino que además logró cambiar las reglas del juego.

Un encuentro inimaginable: Michael Jackson, Quincy Jones y Eddie Van Halen

Para hablar de esta historia, debemos remontarnos a principios de los 80. Michael Jackson se encontraba preparando Thriller, el disco que no solo redefiniría su carrera, sino también la música pop en general. Quincy Jones, el productor de confianza de Michael, quería algo diferente, algo que rompiera barreras. Y entonces se le ocurrió una idea loca: ¿qué tal un toque de rock en una canción pop? Pero no cualquier toque. Un solo de guitarra que partiera la canción en dos.

Aquí entra Eddie Van Halen, el genio de los riffs imposibles, famoso por su técnica tapping y su velocidad endiablada en las cuerdas. Pero… ¿cómo consiguieron que alguien del calibre de Eddie colaborara en un tema pop?

La historia cuenta que Quincy Jones llamó directamente a Eddie. Al principio, Van Halen pensó que era una broma. «Sí, claro, Quincy Jones llamándome a mí. ¿Quién me está gastando esta broma?» Pero no, era real. Y lo más increíble: Eddie aceptó gratis. No estaba dispuesto a recibir ni un dólar por el solo más icónico del pop-rock.

La sesión que duró una tarde (y un cambio improvisado que casi le cuesta el trabajo)

Eddie Van Halen llegó al estudio pensando que solo iba a añadir un par de notas, pero cuando escuchó la maqueta de “Beat It”, pensó: «Esto necesita algo más». Así que, sin pedir permiso a nadie (ni siquiera al propio Michael), reestructuró parte de la canción. Cortó secciones, añadió otras, y construyó el solo que hoy conocemos.

Cuando Jackson llegó al estudio al día siguiente y escuchó el resultado, lejos de enfadarse, quedó fascinado. Para Michael, ese solo elevaba “Beat It” a otro nivel. Pero, ojo al dato: Eddie confesó que, mientras grababa, el altavoz del estudio se incendió. Literalmente.

“Grabé dos tomas y cuando terminé, el ingeniero de sonido me miró y dijo: ‘¡Creo que deberías verlo!’ Uno de los altavoces se había quemado. Pensé: ¡Vaya! O a Michael le va a encantar o me va a despedir a patadas”, contó después Van Halen.

¿Qué opinaron los fans del rock?

Aquí viene una parte curiosa. Eddie Van Halen temía que sus seguidores más rockeros lo acusaran de «venderse» al pop. Pero la reacción fue otra: el cruce de géneros gustó tanto que ayudó a romper las fronteras entre el rock y el pop, algo impensable en esa época.

Y es que “Beat It” no solo fue un éxito rotundo, sino que el solo de Eddie se convirtió en una de las piezas más reconocibles de la historia de la música moderna. Tan potente, tan preciso, que parecía que la guitarra estaba hablando.

La anécdota del bar y el poder del solo

Otra anécdota que solía contar Eddie Van Halen es que, días después de grabar el solo, entró en un bar y encontró a un grupo de clientes viendo el videoclip de “Beat It” en la televisión. Cuando llegó la parte del solo, todos se giraron a mirarlo. Pero, para sorpresa de Eddie, nadie lo reconoció. Se quedó allí, con una sonrisa cómplice, sabiendo que había dejado su huella en uno de los mayores éxitos de todos los tiempos… y que el mundo no se había dado ni cuenta.

Un solo que hizo historia (y redefinió el pop)

El solo de “Beat It” no sólo le dio un toque agresivo al tema. Simbolizó algo más profundo: la unión de dos mundos musicales. El pop más mainstream y el rock más virtuoso se dieron la mano. Michael Jackson se convirtió en el Rey del Pop, pero también en un artista capaz de cruzar fronteras sonoras.

Eddie Van Halen, por su parte, demostró que su talento no tenía límites. Años después, muchos guitarristas seguirían analizando cada nota de ese solo, intentando replicarlo. Pero, como siempre, la magia de un momento irrepetible es imposible de copiar.

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Algunas canciones esconden un mensaje más oscuro del que aparentan. A veces, lo que suena romántico, es en realidad inquietante. Y si hay un ejemplo perfecto de esto, ese es «Every Breath You Take», la icónica canción de la banda británica The Police.

Muchos la consideran una hermosa balada de amor. De hecho, se ha usado en bodas, en declaraciones románticas y hasta en momentos lacrimógenos de películas y series. Pero lo irónico es que Sting la escribió con una intención completamente diferente.

Del desamor al control obsesivo

A principios de los 80, Sting vivía un momento caótico en su vida personal. Su matrimonio con Frances Tomelty, con quien llevaba años, se había roto. ¿El motivo? Se había enamorado de Trudie Styler, la mejor amiga de su esposa y vecina de la casa de al lado.

El escándalo fue brutal. La prensa británica no tardó en destrozarlo, y él mismo reconoció que estaba en un estado mental extraño. En medio de esa crisis, se sentó al piano y comenzó a escribir «Every Breath You Take».

Pero lejos de ser una canción de amor, lo que tenía en mente era algo más siniestro: una canción sobre el control, los celos y la vigilancia obsesiva.

«Es una canción siniestra, realmente inquietante. Trata sobre un hombre celoso y posesivo que observa cada movimiento de su ex. Es el tipo de personaje al que nadie querría encontrarse en la vida real», diría Sting años después.

Una grabación llena de tensión

Si el origen de la canción ya era turbulento, la grabación no fue mejor.

En 1982, The Police estaban al borde de la ruptura. Sting y el baterista Stewart Copeland apenas se soportaban y discutían por cualquier cosa en el estudio. De hecho, durante la grabación del álbum Synchronicity, las peleas eran tan intensas que a veces llegaban a las manos.

La tensión era tal que los técnicos tuvieron que colocar separaciones físicas entre los músicos para evitar que se mataran a golpes.

En medio de ese ambiente enrarecido, Sting se obsesionó con «Every Breath You Take». Quería que fuera perfecta, pero no lograba dar con el sonido exacto. Y ahí es donde entra en escena el guitarrista Andy Summers, quien prácticamente salvó la canción.

Mientras Sting intentaba complicar la composición con arreglos sofisticados, Summers, cansado de la discusión, se acercó y tocó el icónico riff de guitarra en una sola toma.

Fue un momento mágico. De repente, la canción cobró vida, y en apenas unos minutos quedó lista la base que todos conocemos.

El éxito… y la ironía

Cuando «Every Breath You Take» se estrenó en 1983, se convirtió en un éxito inmediato. Llegó al número 1 en el Billboard durante ocho semanas y ganó el premio Grammy a Canción del Año.

Lo irónico es que, a pesar de su significado siniestro, millones de personas la interpretaron como una balada romántica.

«Me hace gracia ver a la gente bailándola en bodas, porque claramente no han entendido la letra», dijo Sting en una entrevista.

Una de las canciones más rentables de la historia

Más allá del éxito inicial, «Every Breath You Take» se ha convertido en una de las canciones más rentables de todos los tiempos. Según estimaciones, ha generado más de 20 millones de dólares en regalías.

Pero lo más increíble es que la mayor parte de ese dinero no fue para el grupo, sino únicamente para Sting.

El motivo es simple: aunque la canción fue interpretada por la banda, Sting la compuso en solitario y, por contrato, eso le daba todos los derechos de autor. Esto provocó un resentimiento eterno por parte de Stewart Copeland y Andy Summers, que apenas vieron ingresos por su participación en la grabación.

Summers, en particular, nunca ha ocultado su frustración. En una entrevista, bromeó diciendo: «Cada vez que escucho la canción en la radio, siento cómo mi cuenta bancaria no se mueve ni un centavo».

El «robo» de Diddy y el golpe de suerte de Sting

Si creías que la historia terminaba ahí, te equivocas. En 1997, la canción tuvo una segunda vida gracias a Puff Daddy (ahora Diddy). El rapero tomó la base de «Every Breath You Take» para crear su tema «I’ll Be Missing You», un tributo al fallecido The Notorious B.I.G..

Lo curioso es que nunca pidió permiso antes de grabar la canción. Cuando Sting se enteró, en lugar de demandarlo, simplemente reclamó el 100% de las regalías.

«I’ll Be Missing You» se convirtió en otro éxito mundial y actualmente, Sting gana más dinero con la versión de Diddy que con la suya propia para The Police.

Al ser preguntado por un reportero cuánto ganaba al año por el tema, respondió con una sonrisa:

«Unos 2.000 dólares al día, por el resto de mi vida».

Un himno con un lado oscuro

Más de 40 años después, «Every Breath You Take» sigue siendo una de las canciones más icónicas de la música pop. Su riff de guitarra es inconfundible, su melodía es hipnótica y su historia es un recordatorio de que no siempre debemos fiarnos de las apariencias. Aunque muchos siguen considerándola una de las baladas de amor más bonitas de la historia, en realidad, es la banda sonora perfecta para un acosador obsesionado.

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En esta nueva entrega de la serie «Plastiquero Viajero», visitamos The Monument, la gran columna dórica de 61 metros erigida en recuerdo del Gran Incendio de Londres que destruyó la ciudad medieval en septiembre de 1666.

Recordamos su historia y subimos sus 311 escalones para disfrutar de unas espectaculares vistas a 360 grados desde el mirador situado a una altura de 48,7 metros.

También paseamos por el Puente de Londres, el más antiguo de la ciudad.

Fecha de Grabación: 22 de agosto de 2009.

Vídeo creado por Julio Jesús Tébar para el canal de YouTube @unmundoenviajes.

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Es 1969, el mundo entero vibraba con la música de los Beatles, pero de repente surgió un rumor inquietante: Paul McCartney está muerto. No sólo eso, sino que además fue reemplazado por un doble. Esta teoría de la conspiración, aunque suena descabellada, atrapó a miles de seguidores en todo el mundo. Pero, ¿cómo surgió esta leyenda? ¿Qué pistas alimentaron este enigma que aún hoy sigue fascinando a propios y extraños?

Ponte cómodo, porque en Plásticos a 45 vamos a adentrarnos en uno de los misterios más icónicos de la historia de la música.

El origen de la teoría: un accidente mortal en 1966

La historia comienza el 9 de noviembre de 1966. Según la leyenda, Paul McCartney habría tenido un accidente de coche fatal tras una discusión durante una sesión de grabación. La teoría dice que, al salir furioso del estudio, tras una de las sesiones de Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band, perdió el control de su Aston Martin y murió.

¿Pero por qué ocultarlo? Los Beatles, en ese momento, eran un fenómeno mundial. Se decía que la noticia de su muerte habría desatado el caos entre los fans. Por eso, según la teoría, la banda y su discográfica habrían decidido reemplazar a Paul con un doble. Este sustituto, un tal William Campbell (algunas fuentes lo llaman Billy Shears), habría sido ganador de un concurso de imitadores.

El rumor cobró fuerza cuando un oyente anónimo llamó a la emisora WKNR-FM en Detroit afirmando que McCartney estaba muerto. El locutor Russ Gibb comenzó entonces a analizar con los oyentes distintas pistas en las canciones y portadas de los Beatles, desatando una histeria colectiva entre los fans y dando inicio a la leyenda. Medios de comunicación de todo el mundo se hicieron eco de la historia y «Paul is Dead» se convirtió inmediatamente en un fenómeno internacional. La revista Time la definió, 40 años después, como «una de las teorías conspirativas más duraderas de todos los tiempos».  

Las pistas en las portadas: un juego macabro a la vista de todos

1. Abbey Road (1969): el funeral más famoso de la historia

La portada de Abbey Road es probablemente la más citada cuando se habla del «Paul is dead». Los cuatro Beatles cruzan el paso de cebra, pero cada uno representaría un rol en un cortejo fúnebre:

• John Lennon, vestido de blanco: el predicador.
• Ringo Starr, de negro: el encargado del funeral.
• Paul McCartney, descalzo y con el paso cambiado: el cadáver. (En algunas culturas, los muertos son enterrados descalzos).
• George Harrison, en vaqueros: el sepulturero.

¿Más detalles? Paul sostiene un cigarrillo en la mano derecha, cuando es conocido por ser zurdo. Para muchos, esta era una pista intencionada de que no era el verdadero McCartney. Además, el famoso escarabajo blanco de la parte izquierda tiene la matrícula «28IF» (28 si viviera), lo que indicaría la edad que tendría Paul si estuviera vivo (aunque, en realidad, hubiera tenido 27).

2. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967): el funeral de Paul

La portada de Sgt. Pepper es un collage lleno de figuras famosas. Pero lo curioso es cómo algunos interpretaron su significado: un funeral para Paul.

• La banda está rodeada de flores, como si fuera un velatorio.
• A la derecha, hay un bajo hecho con flores amarillas, con solo tres cuerdas (como los tres Beatles sobrevivientes).
• El título del álbum en el bombo, al mirarse en un espejo, parece decir “ONE HE DIE” (¿será «One he die»? ¿Uno ha muerto?).
• Paul viste un distintivo con las letras «O.P.D.» que muchos interpretaron como “Officially Pronounced Dead” (Declarado oficialmente muerto), aunque en realidad corresponde a «Ontario Provincial Department».

3. Magical Mystery Tour (1967): el disfraz de la morsa

En el libreto de Magical Mystery Tour, Paul aparece disfrazado de morsa, un animal que, según algunas culturas escandinavas, simboliza la muerte. Además, en la canción “I Am the Walrus”, John Lennon canta «I am the walrus», lo que generó aún más confusión. Más tarde, en «Glass Onion», Lennon se burla directamente de la teoría: “Here’s another clue for you all, the walrus was Paul”.

¿Burla o confirmación?

Las pistas en las canciones: mensajes ocultos al revés

Uno de los aspectos más inquietantes de la teoría es la supuesta existencia de mensajes secretos en las canciones de los Beatles, que solo se pueden escuchar al reproducirlas al revés.

1. «Revolution 9»

Si reproduces al revés la frase “number nine, number nine”, algunos aseguran que se escucha “turn me on, dead man” (excítame, hombre muerto).

2. «Strawberry Fields Forever»

Al final de la canción, John Lennon murmura algo que muchos interpretaron como “I buried Paul” (He enterrado a Paul). Lennon más tarde afirmó que lo que dijo realmente fue “cranberry sauce” (salsa de arándanos).

3. «A Day in the Life»

La letra menciona: “He blew his mind out in a car” (Se voló la cabeza en un coche), lo que algunos vincularon directamente con el supuesto accidente mortal de McCartney.

Otras pistas: fotos, rumores y señales veladas

• En el álbum Yesterday and Today, Paul aparece sentado dentro de un baúl que muchos identificaron con ataúd improvisado.

• En la contraportada de Sgt. Pepper Lonely Hearts Club Band, Paul es el único que aparece de espaldas, como si no quisiera mostrar su rostro.

¿Y qué dijo Paul McCartney sobre todo esto?

En 1969, con el rumor extendiéndose como pólvora, Paul McCartney se retiró a su granja en Escocia. Su silencio sólo alimentó el misterio. Finalmente, la revista Life Magazine logró fotografiarlo y entrevistarle. Su respuesta fue clara (y bastante irónica):

“Si estuviera muerto, sería el último en saberlo.”

Años más tarde, Paul bromeó sobre el asunto, afirmando que la teoría le benefició, ya que atrajo más atención hacia la banda. Incluso jugó con la leyenda titulando uno de sus álbumes en solitario Paul Is Live (1993) e incluyendo una portada parodiando la de Abbey Road, acompañado por su perro y con pequeños detalles desmintiendo las pistas originales.

¿Una conspiración real o el mayor truco publicitario de la historia?

Muchos creen que todo fue un elaborado truco para alimentar la mística de los Beatles. Después de todo, ¿qué mejor publicidad que un misterio mundial? Los Beatles, con su sentido del humor británico y su gusto por el surrealismo, podrían haber disfrutado dejando pistas ambiguas para ver hasta dónde llegaría la imaginación de sus fans.

Más allá de su veracidad (o falta de ella), la teoría «Paul is Dead» se convirtió en un fenómeno cultural que trascendió generaciones. Durante los años 70, fue objeto de estudios sociológicos y psicológicos que analizaron cómo este tipo de mitos reflejan desconfianza hacia los medios y las instituciones. Algunos críticos incluso lo relacionaron con arquetipos mitológicos clásicos sobre muerte y resurrección.

El mito también inspiró canciones y productos culturales relacionados, desde documentales hasta parodias musicales. Incluso hoy sigue siendo tema recurrente entre fans y teóricos conspirativos.

La teoría «Paul is Dead» es un ejemplo fascinante del poder del simbolismo en la música y de cómo los fans pueden reinterpretar el arte para construir narrativas propias. Aunque Paul McCartney sigue vivo y activo (como volvió a demostrar en su multitudinario Got Back Tour), esta leyenda persiste como uno de los capítulos más intrigantes en la historia del rock. ¿Realidad o ficción? Quizás nunca lo sabremos con certeza, pero lo que sí es seguro es que este mito ha asegurado su lugar eterno en la cultura popular.

Y, seamos sinceros, a todos nos encanta una buena historia de conspiración. Porque, al final, en el universo Beatle, nada es lo que parece.

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Llevo tres meses peripatético, obnubilado, transido, circunspecto y cojitranco con la noticia, y saltando sobre la pata buena de pura y gozosa algarabía porque mi querido amigo, compañero y paisano, para más señas avezado periodista y fotógrafo, locutor apasionado e insuperable diyéi, Julio Jesús Tébar Cebrián, director y presentador de los programas musicales «Plásticos a 45» y «Los 28 de Radio La Roda», nos ha dado una sorpresa mayúscula a la jauría de fieles oyentes que le seguimos en las ondas como cánidos de montería, como feligreses de misa y comunión diaria, como la segregación salivar sigue fiel a su majestad el pernil.

Resulta que el comandante de la nave «plastiquera», esa fiesta para los oídos y los sentidos que se emite martes y jueves en horario vespertino en la emisora municipal de mi pueblo, ha lanzado a finales de octubre al mercado –así, al descuido, como por casualidad, como quien no quiere la cosa– su primer álbum, titulado «Canciones I (1990-2000)», un disco que nadie a quien le guste la música española se puede perder porque es una gozada, un compendio de canciones extraordinarias que dejan huella en el pabellón auricular más insensible. También deja un rastro el título que da pie a maliciarse, cual Perry Manson –por el ordinal incorporado–, que será seguido por un segundo disco, e incluso –por el periodo que abarca– por un tercero.

En este trabajo –por si alguien no lo sabía–, Julio Jesús es el autor de la letra y compositor de la música, productor, arreglista, técnico de sonido y guionista de sus propias historias. Y a mí –que ya sabía que era un genio creativo cargado de talento–, no me cabe sino darle mi más sincera enhorabuena porque esta revelación supone su conversión artística como hombre renacentista desatado en el siglo XXI, que todo lo que hace lo convierte en gloria divina. Y es que hay vocaciones como la suya que nacen en la música, se cultivan en la radio y acaban sonando en el corazón.

Disponible en todas las plataformas digitales

«Julio J. Tébar Sound Project» –las canciones se agrupan bajo este singular título– nos ha regalado un disco excepcional, con una portada original y llamativa donde se retrata el autor pegando brincos con los ornamentos de su oficio. Es la carátula de un álbum hermosísimo con 18 temas escritos y compuestos por él hace más de veinte años –en los años 90–, que estaban madurando su belleza en un cajón. Canciones que han sido interpretadas por artistas de tronío, amigos suyos que han sabido dar voz a sus emociones. ¡Y de qué manera! Julio Jesús los ha arracimado para componer un mapa sonoro que es un tesoro lleno de verdad, de vida y de belleza.

El álbum es una cápsula del tiempo (1990-2000) que contiene un ramillete de mensajes dispares de naturaleza lírica, personal y nostálgica que el autor lanzó al mar en una botella hace más de dos décadas y hoy han recalado felizmente en las playas musicales de la palpitante actualidad y el público masivo… Tanto es así, que el disco está pegando fuerte en las plataformas digitales que a esto de la música se dedican –Spotify, Youtube, Apple Music, Tidal, etc.–, pues contiene canciones fulgurantes como gemas y suculentas como teta de novicia –prácticamente todas, yo me paso el día escuchando el disco en bucle–.

En estos tres meses de andadura del proyecto, Julio Jesús ha cosechado centenares de felicitaciones de sus seguidores –los tiene incluso allende los mares– y el disco superó las veinte mil escuchas –ojo, en poco más de treinta días–, lo que no es moco de pavo ni pecata minuta. Aunque, con el importe que pagan por «clic» las plataformas barrunto que no se va a comprar un Falcon, al menos podrá tomarse unas Mon bien fresquitas en el afamado bar-restaurante Molina, excelso y céntrico local de La Roda donde antaño pelaba guardias mi abuelo Sérvulo, que era limpiabotas y lustraba el calzado de su selecta clientela con sutiles y efectivos ungüentos, al tiempo que sacaba brillo al ánimo con su retranca manchega.

Emotivos paisajes para el oído

Respecto al contenido del álbum, como digo, cada pista de «Canciones I» es un paisaje distinto y bellísimo facturado con el mismo pulso: el de un compositor que entiende la música no como un producto, sino como un acto de amor. Julio Jesús no sólo ha compuesto unas canciones muy elaboradas, con mensaje que cala y nada superficiales, sino que las ha envuelto para regalo en el celofán de la música más actual, sin limitarse a un solo estilo, sino que se ha nutrido de una amplia paleta de géneros, otorgando a cada canción una música diferenciada, acorde con los matices vocales. Esto enriquece la textura del álbum permitiendo que cada pista se sienta distinta dentro de un marco sonoro común.

Analizando los textos, observo que ha entregado pedacitos de sí mismo, letras que cuentan con ironía y gracia historias personales de amores y sinsabores, que reflejan experiencias propias de tristeza y melancolía, ritmos que nos invitan a sentir y melodías que nos abrazan para bailar. Este disco es el debut de un autor con espíritu sensible y carácter paciente que ha creado algo grande, auténtico y necesario, orquestando un sonido de reminiscencias noventeras desde una perspectiva muy actual.

Es la prueba palpable de que cuando la pasión se convierte en canción, el éxito no es una meta sino una consecuencia… Estos son los títulos cuasi poéticos de las 18 canciones, a cual más atractiva, con especial señalamiento de las baladas: «Aquella historia, Luna, Olvídalo todo, Jinetes del asfalto, El duende de tus sueños, Momentos del ayer, Isabel, Ciudad de fuego, Dímelo, Invencible, Fuego Incandescente, El brujo del tiempo, Bajo tu luz, Caminaré contigo, Donde habita el silencio, Eres mi hogar (Madre), Baila Conmigo y Entre luces y sombras».

Al final de estas líneas dejo el enlace a plataformas donde están todas arracimadas, para poder escuchar el álbum de una tacada, si ese es el gusto del oyente; además, llevan la letra incorporada para que se pueda seguir la canción como en un karaoke. A mí me gustan todas, pero me han tocado la fibra sensible, por su mensaje, especialmente «Invencible» y «Eres mi hogar (Madre)», y por su pegadiza marcha «Ciudad de fuego», «Jinetes del asfalto» y «El brujo del tiempo».

Una bendita lluvia sonora

Voy con la parte técnica. A los neófitos nos puede parecer sencillo editar un disco –a mí me parece una aventura sideral–, pero es algo que no está al alcance de cualquiera que no tenga, como Julio Jesús, unas dotes naturales, ingenio personal y talento musical. Para llegar a tan feliz alumbramiento, el autor ha tenido que recuperar estas canciones y actualizarlas. Se ha pasado un tiempo infinito escuchándolas, después las ha metido en la turbomix y las ha remasterizado, ha restaurado pistas, ecualizado voces, preservado matices, recuperado armónicos, ejecutado arreglos, apañado bases rítmicas, periclitado elementos instrumentales… Lo ha combinando todo para crear un sonido cohesionado y versátil y unas excelentes melodías pop con un indudable atractivo radiofónico.

Es el lado profesional que engrandece el proyecto y exige manos hábiles, criterio de ingeniero y oído de artista. Y, para colmo, tras un trabajo tan arduo como tedioso y entusiasta, ha cumplido con la impertinente burocracia y los estándares oficiales que exigen las distribuidoras para poder esparcir las canciones como una bendita lluvia sonora por todas las plataformas de internet. Julio Jesús es un compendio de arte, técnica y ciencia de mil aristas, con una sensibilidad cuasi poética, y no hay más que analizar el álbum canción por canción, de dos en dos o de tres en tres –como los neperianos– para darse cuenta de la veracidad de mi axioma.

Los cantantes que dan vida al álbum

En cuanto a los artistas que han dado volumen a los textos, el autor es un periodista de raza que ha trabajado en distintas emisoras de radio, ha asistido a innumerables presentaciones de discos y conciertos y ha conocido a lo más granado del mundo de la canción, lo que se refuta visitando su página web para ver los trescientos retratos que tiene con famosos a los que ha tratado a lo largo de su vida profesional –con algunos he ilustrado este texto: Miguel Bosé, Michelle Williams, Bruce Springsteen, Antonio Flores, Los Secretos–. Incluso participó en el programa de Antena 3 «La Parodia Nacional», un concurso de televisión presentado por Constantino Romero en el que los participantes adaptaban letras propias a canciones de moda para parodiar la actualidad. Julio Jesús quedó en tercer lugar con su propuesta satírica; si bien, la puesta en escena de su canción –según los productores del programa– fue la más espectacular.

Esa impagable experiencia le ha hecho rodearse de unos cuantos artistas que han prestado su timbre para dar cuerpo a las canciones y amplificar su mensaje y el calado en los oyentes. El hecho de que los temas sean interpretados por múltiples voces aporta matices únicos y distintas dimensiones a cada composición, evitando la monotonía de un vocalista único –que en todo caso hubiera debido ser él, espero que reconsidere su postura de cara al futuro–. Los cantantes que el autor ha elegido para este disco son extraordinarios y forman un espectacular elenco con unas voces luminosas que acarician las palabras del autor: Nacho Beltrán, Iván del Mar, Leo Ramis, Sandra Ferrer, Gael Montoya, Celia Lóriz, Bruno Sael, Nico Torres y Álex Mora. Algunos han interpretado hasta dos, tres y cuatro temas.

Por mi parte, no podía dejar pasar esta ocasión tan especial del lanzamiento del primer disco de mi amigo y artista Julio Jesús Tébar para rendirle tributo resaltando su magnífico álbum y su estupendo contenido, esas maravillosas canciones que ya son un éxito de crítica y publico y abren el melón a la continuidad de la saga con un «Canciones II», que con toda seguridad verá la luz a lo largo de 2026. Felicito solemnemente al autor, me siento muy orgulloso de su clamoroso triunfo y le doy las gracias por su amistad.

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“Oxígeno” es el quinto single que la artista Nikki García nos ofrece antes del esperado lanzamiento de su primer LP en solitario, previsto para inicios del próximo 2026.

Con la brillante producción de Francis White, bebiendo del pop electrónico y del trip-hop de los 90, incluyendo elementos del rock progresivo, esta canción refleja la atmósfera opresiva en la que uno se ve atrapado durante una relación tóxica marcada por el abuso narcisista.

El nuevo single de Nikki García nos engancha desde la primera escucha. Un arco electrónico, que invoca las atmósferas de Sigur Rós, nos sumerge, ya de entrada, en una adictiva densidad sonora cuyos matices no dejan de sorprender en cada nueva reproducción. Se trata de una propuesta formal que juega, como siempre, a favor del contenido. “Oxígeno” es una canción sobre la vanidad acaparadora, sobre el ego del otro que nos hace pequeños.

La asfixia emocional se traduce en una voz que, aplastada, se va quedando sin fuerza hasta perder su centro. El resultado es un tema tan oscuro como adictivo.

“La Mejor Actriz”, “Once de Noviembre”, “La Rabia”, y “Coincidir” son el resto de avances del primer disco largo que ya han sido presentados por la artista madrileña. Todos ellos forman parte de una propuesta autobiográfica que apela, al mismo tiempo, a sentimientos universales.

Nikki García (de nombre real Nieves García) es cantante, compositora, locutora y actriz de doblaje, famosa por ser la voz de Google Maps y de Renfe Cercanías en español y en inglés, así como de Jasmine en «Aladín» y de Samus Aran en la versión original del videojuego «Metroid Dread».

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