Vous pourrez écouter leurs principales œuvres ainsi que celles de ceux qui les ont inspirés. Ils sont tous deux nés dans la seconde partie du XIXe siècle. En 1873 pour Rachmaninov qui est décédé en 1943 à l’âge de 70 ans, et en 1891 pour Prokofiev, décédé lui en 1953 à 62 ans.

Rachmaninov et Prokofiev ont choisi l’exil

Tous deux ont choisi l’exil, mais seul Prokofiev est retourné vivre en URSS, tandis que Rachmaninov s’est installé définitivement aux Etats-Unis. Rachmaninov est le dernier compositeur romantique dans la lignée de Frédéric Chopin, de Franz Liszt et de Piotr Tchaïkovski. Tandis que Prokofiev s’est intéressé à Claude Debussy, Richard Strauss ou encore Arnold Schönberg.

Cette soirée sera présentée par Jean-Michel Dhuez. Vous pourrez l’écouter en qualité numérique dans de nombreuses villes de France grâce au DAB+.

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Deux œuvres étaient au programme : la Symphonie espagnole pour violon et orchestre d’Édouard Lalo avec la violoniste allemande Clara-Jumi Kang, et Les Planètes de Gustav Holst.

Ce concert sera présenté par Laure Mézan. Vous pourrez l’écouter en qualité numérique à Monaco et dans de nombreuses villes de France grâce au DAB+.

Jean-Michel Dhuez

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Plus d’une cinquantaine de compositrices différentes figurent au programme de la nouvelle édition du festival Un Temps pour Elles qui se déploiera du 5 juin au 5 juillet dans quelques châteaux et églises du Val d’Oise. Une programmation placée cette année sous le signe de l’international mettant en avant l’importance du répertoire féminin à travers le monde et les époques, de l’Italie baroque à l’Amérique du XX^ème siècle.

A la recherche des compositrices oubliées de l’histoire de la musique

Cette riche programmation est le fruit d’un immense travail de recherches et de déchiffrages réalisé par Héloïse Luzzati, la fondatrice et directrice du festival, avec toute une équipe d’artistes qui l’accompagne dans sa démarche au sein de la Cité des compositrices. Elle reviendra justement ce soir sur la conception de cette édition qui s’annonce exceptionnelle en découvertes.

Laure Mézan

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Après la disparition de Michael Tilson Thomas, son ancien directeur musical et le coup de fatigue, au début du mois, d’Herbert Blomstedt lors d’un concert au Davies Symphony Hall, l’Orchestre Symphonique de San Francisco retrouve enfin le sourire avec l’annonce de la nomination d’Elim Chan en tant que directrice musicale pour un mandat initial de six ans à partir de 2027.

Celle que des rumeurs donnaient aussi favorite pour diriger le Philharmonique de Los Angeles devient donc la première femme nommée directrice musicale de l’Orchestre de San Francisco depuis la création de l’ensemble en 1911. Elle ajoute son nom à une prestigieuse liste de 12 maestros parmi lesquels Seiji Ozawa, Edo de Waart, Herbert Blomstedt, Michael Tilson Thomas et Esa-Pekka Salonen dont la démission en 2025 avait déstabilisé durablement l’institution californienne. Elim Chan entrera officiellement en fonction en septembre 2027 mais occupera le poste de directrice musicale désignée dès le mois de juin prochain.

La vision d’Elim Chan correspond aux valeurs du Symphonique de San Francisco

Pour Matthew Spivey, directeur général de l’orchestre, « La vision d’Elim Chan correspond parfaitement à nos valeurs. Elle conçoit ses œuvres avec une curiosité authentique et elle est déterminée à enrichir le répertoire orchestral ».

La violoniste Jessie Fellows confie quant à elle que « Dès sa première prestation avec l’Orchestre symphonique de San Francisco (en janvier 2023, ndlr), il était évident qu’elle était une musicienne extraordinaire et une interprète originale dotée d’une voix artistique unique ».

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Un coup de foudre réciproque selon Elim Chan qui confie : « Dès ma première rencontre avec cet orchestre, j’ai été profondément touchée par la générosité de ses musiciens, qui se manifeste dans leur sonorité, leur interprétation et leur esprit (…) M’inscrivant dans le riche héritage de mes illustres prédécesseurs, c’est précisément cet esprit que je souhaite cultiver et explorer chaque soir, aux côtés de ces musiciens exceptionnel ».

Elim Chan dirigera le San Francisco Symphony lors de deux concerts les 5 et 6 juin

Le public du Davies Symphony Hall pourra féliciter la future directrice musicale du San Francisco Symphony dès les 5 et 6 juin à l’occasion des deux concerts qu’elle dirigera et qui proposeront le prélude de Tristan et Isolde de Richard Wagner, Les Nuits d’été d’Hector Berlioz et La Mer de Claude Debussy

En septembre 2027, Elim Chan prendra ses fonctions de directrice musicale, dirigeant l’Orchestre pendant au moins dix semaines de programmation, incluant le gala d’ouverture et le concert All San Francisco. À partir de la saison 2028-2029, elle dirigera au minimum dix semaines de concerts par abonnement, ainsi que la semaine d’ouverture, et consacrera trois semaines supplémentaires à des projets spéciaux.

Philippe Gault

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Après un Festival 2025 marqué par un succès artistique et public sans précédent, le Verbier Festival dévoile aujourd’hui la programmation de sa nouvelle édition estivale. Plus de 60 concerts, une centaine de master classes et de très nombreux évènements en accès libre seront proposés au public durant ces 18 jours au cœur de la station valaisanne.

C’est une vraie magie qui opère chaque été depuis 33 ans pour réunir, à 1500 mètres d’altitude, les plus grandes étoiles de la musique classique avec les meilleurs jeunes talents de notre époque.

Une programmation d’exception

Pour cette 33ème édition, les festivaliers pourront retrouver des artistes de renommée internationale et accueillir de nouveaux visages. Le concert inaugural du 17 juillet donne immédiatement le ton : Esa-Pekka Salonen, l’un des plus grands chefs pour le répertoire du XXème siècle, dirigera la monumentale Turangalîla-Symphonie de Messiaen avec Lucas Debargue au piano. Le lendemain, Gábor Takács-Nagy reprend la baguette pour Così fan tutte de Mozart, avec une distribution de rêve réunissant Bryn Terfel et le baryton Konstantin Krimmel, Opus Klassik du meilleur chanteur de l’année.

Parmi les temps forts de l’édition : le retour très attendu de Sir Simon Rattle, mentor de toute une génération de musiciens, une soirée inédite réunissant Evgeny Kissin et András Schiff, ou encore le phénomène Yunchan Lim aux côtés de son mentor Minsoo Sohn sous la direction de Lahav Shani. Martha Argerich, Janine Jansen, Mischa Maisky, Joshua Bell, Khatia Buniatishvili, Kirill Gerstein et Mikhaïl Pletnev complèteront une affiche aussi foisonnante qu’inoubliable.

L’Academy : là où naissent les grandes carrières

Au cœur de la mission du Verbier Festival depuis ses origines : former la prochaine génération de grands artistes. Chaque été, l’Academy rassemble des centaines de jeunes musiciens exceptionnels qui travaillent aux côtés des plus grands interprètes du monde, dans une alchimie unique entre transmission, exigence et générosité.

Cette édition 2026 marque le 10ème anniversaire du Prix Yves Paternot, la distinction la plus prestigieuse de l’Academy. Remis chaque année au musicien le plus prometteur de la session, il comprend une généreuse dotation financière, une invitation à se produire à Verbier lors d’une future édition, et un soutien complémentaire pour accompagner le développement artistique du lauréat. Un tremplin qui a déjà fait ses preuves : Adèle Charvet, lauréate 2017, est aujourd’hui une mezzo-soprano invitée par l’Opéra Comique, Glyndebourne et l’Opéra royal de Versailles, et sera sur la scène à Verbier cet été même, avec son hommage à Joséphine Baker. Pour célébrer ce dixième anniversaire, plusieurs lauréats des éditions passées se réuniront le 21 juillet dans un concert exceptionnel à l’Église de Verbier.

Un festival international, tout au long de l’année

Fidèle à ses valeurs et à ses racines, le Verbier Festival ne cesse pour autant de se renouveler et de se développer sur le plan international. La création du Shenzhen Verbier Festival, dont la première édition s’est tenue en janvier-février 2026 avec 21 concerts et une semaine de masterclasses avec les plus grands solistes, témoigne d’une ambition artistique et pédagogique qui s’étend bien au-delà de l’été valaisan. Le Verbier Festival Chamber Orchestra, qui célèbre ses 20 ans en 2026, poursuit quant à lui des tournées majeures programmées jusqu’à la saison 2028/29, portant l’excellence de Verbier sur les grandes scènes du monde.

Une 33ème édition placée sous le signe de la rencontre, de la générosité, de la complicité. Un certain art de vivre et un idéal musical propre à Verbier.

Informations et réservations sur verbierfestival.com

Pour couvrir l’évènement, Radio Classique met en place un dispositif exceptionnel, avec une programmation musicale entièrement dédiée au Festival, lors de cette journée spéciale du 26 mai. Pour aller plus loin, Laure Mézan invitera Hervé Boissière, co-directeur général du Festival, dans son Journal du Classique le 9 juin à 20h.

Le Journal du Classique de Laure Mézan avec Hervé Boissière, co-directeur général du Festival, sera bientôt disponible à la réécoute.

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Le mot femme fait double emploi en français : il désigne à la fois l’être humain de sexe féminin et l’épouse, la compagne. Le mot homme, lui, désigne à la fois l’être humain de sexe masculin et l’être humain en général.

À cette asymétrie s’ajoute le fait que l’homme dispose du mot mari pour désigner son statut marital, tandis que la femme ne bénéficie d’aucun terme spécifique équivalent. Quant à l’usage d’homme pour désigner l’humanité entière, il génère des confusions et une impression d’inégalité — notamment dans l’expression droits de l’homme, ce qui explique que l’on entende de plus en plus parler de droits humains.

La même asymétrie lexicale existe pour les mots fille et garçon. Le mot fille renvoie à deux réalités distinctes : l’opposé du garçon, mais aussi l’opposé du fils. Un seul terme pour deux significations. Le garçon, lui, bénéficie de deux mots distincts — garçon pour l’enfance, fils pour la filiation. La langue se montre décidément plus généreuse avec lui.

L’écriture inclusive cristallise les débats : l’Académie française y est opposée

Ces asymétries sont-elles le signe que le français est structurellement sexiste ? C’est précisément là que les linguistes se divisent. Certains, comme Éliane Viennot, spécialiste de la langue et du genre, soulignent que ces déséquilibres ne sont pas innocents : ils reflètent une société qui a longtemps défini la femme par sa relation à l’homme — épouse, fille, mère. D’autres rappellent que la langue n’est pas un complot, mais un sédiment historique : elle enregistre le monde tel qu’il était, sans intention malveillante.

La règle du masculin pluriel, que l’on nous enseigne encore aujourd’hui, n’a en réalité que trois siècles. Elle a été fixée par le grammairien Vaugelas au XVIIe siècle, qui écrivait sans détour : le genre masculin est le plus noble. Avant cela, on accordait souvent avec le genre du nom le plus proche.

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Aujourd’hui, c’est l’écriture inclusive qui cristallise les débats. L’Académie française y est fermement opposée, au nom de la lisibilité. Mais entre le point médian — sur lequel se sont fixées toutes les crispations — et l’immobilisme, il existe une autre voie : celle de la conscience. Être conscient de ce que la langue dit de nous et de notre histoire.

Karine Dijoud

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Case Scaglione retrouvera ses musiciens de l’ONDIF vendredi 22 mai à la Cité de la musique à Paris puis le 29 à Vélizy-Villacoublay. Il dirigera des œuvres de Bartok, Brahms et Berio, trois compositeurs qui ont en commun d’avoir été puiser dans le répertoire traditionnel pour nourrir leur musique, à travers des démarches différentes. Ce programme s’ouvrira avec les Folk Songs du compositeur italien chantées par Iva Bittova. Un cycle fascinant qui réunit des chants traditionnels américains, français, italiens et même azéris, harmonisés, orchestrés et modernisés par Berio.

Quand Bartok, Brahms et Berio puisent aux sources du folklore

Ce cycle figure justement au programme du nouvel enregistrement de Case Scaglione avec ses musiciens, sorti chez NoMadMusic. Le chef américain nous éclairera ce soir sur le programme de cet album qui réunit également des pages d’inspirations espagnoles, particulièrement voluptueuse et chatoyantes, de Maurice Ravel.

Laure Mézan

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Près de 4.500 costumes sont fabriqués dans les ateliers de l’Opéra Bastille et du Palais Garnier chaque saison. Si les pièces les plus emblématiques sont conservées au musée du Centre national du costume de scène, à Moulins, l’OnP stocke environ 300.000 éléments de costumes de son répertoire à l’Opéra Bastille, au Palais Garnier, aux Ateliers Berthier ainsi qu’en province.

Ce sont 5.000 pièces, costumes, robes, accessoires… de cet immense vestiaire qui seront mis en vente les vendredi 29, samedi 30 et dimanche 31 mai 2026. Accessible sur réservation payante, cette vente se déroulera par créneaux horaires dans la salle modulable de l’Opéra Bastille, située au 110 rue de Lyon à Paris dans le 12e arrondissement. Les billets d’accès à la vente, au prix de 10 €, dans la limite des places disponibles, étaient à réserver en ligne à partir de ce jeudi, mais tous ont été rapidement pris d’assaut, et affichent complet.

Les tenues de Coppélia, dans la chorégraphie de Pierre Lacotte, mises en vente

Parmi les pièces proposées à la vente, le public aura la possibilité d’acquérir notamment des costumes et accessoires issus d’opéras tels que Eugène Onéguine (mise en scène de Willy Decker), Les Capulet et les Montaigu (Robert Carsen), Eliogabalo (Thomas Jolly), Les Indes galantes (Andrei Serban), La Veuve joyeuse (Jorge Lavelli) ou encore Samson et Dalila (Damiano Michieletto).

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Seront également mises en vente des tenues de grands ballets parmi lesquelles notamment celles de AIR (chorégraphie de Saburo Teshigawara), Coppélia (Pierre Lacotte), Psyché (Alexei Ratmansky) ou Siddharta (Angelin Preljocaj)…

Une occasion rare d’acquérir une sélection de costumes et d’accessoires témoignant du savoir-faire des ateliers de l’Opéra de Paris et de l’histoire de ses spectacles », indique l’OnP qui précise que les prix ont été fixés de 2 à 800 euros pour les pièces les plus prestigieuses.

Philippe Gault

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L’histoire fait des progrès grâce aux technologies. Cette étude n’utilise ni textes anciens, ni fouilles archéologiques classiques, mais de l’ADN extrait de squelettes — plus de 200 individus enterrés dans des cimetières de Bavière entre 450 et 700 après Jésus-Christ.

Les chercheurs de l’Université de Mayence ont séquencé leur génome et reconstitué des arbres généalogiques complets. Leur conclusion bouscule le récit que nous avons appris : les Barbares n’auraient pas déferlé sur Rome comme une vague de conquérants. Il n’y aurait pas eu d’invasion massive, ni de grand remplacement brutal de population.

Des familles d’origine nordique établies en territoire romain depuis quatre ou cinq générations

Ce que cet ADN révèle, c’est quelque chose de plus subtil, de plus progressif : des familles d’origine nordique vivaient sur le territoire romain depuis quatre ou cinq générations au moment de la chute de l’Empire, et se considéraient probablement elles-mêmes comme des familles romaines.

L’étude montre qu’après 470, quelque chose de fascinant s’est produit. Des individus aux ascendances nordiques et des individus aux ascendances méditerranéennes ont commencé à se marier entre eux. Ce brassage génétique est précisément à l’origine de la diversité génétique de l’Europe moderne.

L’Empire romain était politiquement fragile

En d’autres termes, nous serions les enfants non pas d’une rupture violente, mais d’une lente fusion. Cette étude permet d’enterrer les images romantiques de grands peuples traversant l’Europe, détruisant Rome et remplaçant violemment les Romains.

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Cela nous dit que l’identité européenne s’est construite dans un moment de grande fragilité politique. Lorsque l’État s’est effondré, lorsque les institutions ont disparu, les hommes et les femmes ne se sont pas tous affrontés — ou en tout cas, bien moins qu’on ne le pensait. Ils s’étaient déjà commencé à se mélanger avant. Si l’on voulait céder aux bons sentiments, on dirait qu’ils ont fait l’amour tout autant que la guerre — et c’est ce que la génétique nous révèle aujourd’hui.

Nicolas Bouzou

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Après un premier album commun aux accents plutôt romantiques, Gabriel Pidoux et Jorge Gonzalez Buajasan nous invitent à un nouveau voyage au cœur du répertoire français du XX^ème siècle. Ce programme, publié par le label Oktav Records, met à l’honneur des compositeurs qui ont contribué au renouveau du hautbois en France. Ils nous offrent ainsi leurs lectures des sonates de Saint-Saëns, Poulenc et Dutilleux complétées par deux trios pour hautbois, basson et piano enregistrés avec la bassoniste Marie Boichard.

Retour éphémère à la France d’antan

Les deux musiciens nous éclaireront sur ce programme et sur leurs projets respectifs eux qui sillonneront cet été la France des festivals avec différents partenaires, dont les musiciens d’un tout nouvel ensemble, Le Chapitre, fondé par Gabriel Pidoux.

Laure Mézan

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