Au cours de Votre Soirée Classique qui lui est consacrée, vous pourrez écouter ses plus grands œuvres, comme les Scènes d’enfants, dans l’interprétation de Martha Argerich, ou encore les Kreisleriana enregistrés par Vladimir Horowitz en 1969, ains que les Scènes de la forêt jouées par Andras Schiff.

Au programme également son Concerto pour violoncelle par Jacqueline du Pré avec l’Orchestre philharmonique de New-York dirigé par Leonard Bernstein, sa Symphonie n°4 par le Philharmonia Orchestra placé sous la direction d’Otto Klemperer, ou encore son Quintette pour piano et cordes avec Maria Joao Pires. Nous croiserons également Beethoven et Schubert auxquels Schumann vouait une grande admiration, ainsi que Mendelssohn, Liszt, Brahms et bien sûr Clara Schumann. Cette soirée sera présentée par Jean-Michel Dhuez. Vous pourrez la suivre en qualité numérique dans de nombreuses villes de France grâce au DAB+.

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Au programme : l’Aria des Bachianas brasilieras d’Heitor Villa-Lobos, la Vocalise opus 34 n° 14 de Sergueï Rachmaninov, D’un matin de printemps de Lili Boulanger, la Vocalise en forme de habanera de Maurice Ravel, La Maya y el ruisenor d’Enrique Granados, Le Cygne du Carnaval des animaux de Camille Saint-Saëns, La Nuit et l’Amour d’Augusta Holmès, Deh ! Torna moi bene opus 164 d’Heinrich Proch et le Concerto pour orchestre de Béla Bartók.

Ce concert sera présenté par Laure Mézan. Vous pourrez l’écouter en qualité numérique à Rouen et dans de nombreuses villes de France grâce au DAB+.

Jean-Michel Dhuez

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On commémore cette année le cinquantième anniversaire de la disparition de Benjamin Britten. Le compositeur britannique était très lié à la culture française et a mis en musique plusieurs poèmes de Victor Hugo, Paul Verlaine ou encore Arthur Rimbaud. C’est ce que nous rappelle Cyrille Dubois dont le nouvel album, sorti chez Aparté, réunit les différents cycles de Britten en langue française. Des mélodies dont le ténor nous restitue toute l’élégance et la sensualité, accompagné dans cet enregistrement par David Reiland et l’Orchestre national de Metz Grand Est, ainsi que son fidèle partenaire, le pianiste Tristan Raës.

Cyrille Dubois reprendra le rôle du comte Almaviva en janvier

Cyrille Dubois nous éclairera sur des pages et sur l’art du compositeur à s’adapter à la prosodie d’une autre langue que la sienne. Il nous parlera également de son actualité, lui qui chante Britten en tournée, jusqu’au Wigmore hall à Londres et reprendra, en janvier, le rôle du comte Almaviva dans Le Barbier de Séville de Rossini à l’Opéra de Tours.

Laure Mézan

Retrouvez le journal du classique du lundi au vendredi à 20 h

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Vingt-deux adultes n’ayant jamais joué du violon ont participé à une expérience originale menée par les chercheurs britanniques dont les résultats ont été publiés par la revue scientifique Imaging Neuroscience. Après avoir observé une vidéo du violoniste Alan Kirby interprétant Twinkle, Twinkle, Little Star (Ah ! vous dirai-je, maman, la chanson enfantine qui a inspiré notamment WA Mozart pour ses Variations pour piano) ils ont tenté de reproduire la mélodie, avant de recevoir une première leçon avec ce même musicien. Leur activité cérébrale a été enregistrée avant et après cette initiation.

Les chercheurs ont choisi le violon car il sollicite une coordination physique extrêmement complexe et asymétrique (les doigts d’une main sur le manche, l’archet tenu par l’autre main, le tout sous le menton). Pour rendre l’expérience possible, ils ont utilisé une technologie innovante, la « magnéto-encéphalographie à magnétomètres à pompage optique » (OPM-MEG), intégrée dans un casque léger qui permet de bouger librement. Il a même fallu fabriquer un violon entièrement dépourvu de métal, afin de ne pas perturber les capteurs magnétiques ultra-sensibles installés dans le casque.

L’équipe scientifique s’est surtout concentrée sur les ondes cérébrales dites bêta, associées au contrôle des mouvements et à l’apprentissage moteur. Pour jouer une note, le cerveau doit ainsi anticiper le son attendu, commander le geste, puis comparer le résultat avec ses prévisions. Il ajuste ensuite le mouvement si nécessaire. Lors de l’expérience, les participants dont les schémas d’ondes bêta ont le plus évolué entre les sessions étaient aussi ceux qui ont le plus progressé dans leur jeu

« Mieux comprendre le fonctionnement du cerveau sain, mais aussi celui du cerveau malade »

Les résultats de cette étude indiquent principalement que l’activité cérébrale évolue après une seule leçon. Les participants ayant le plus progressé présentaient également des changements plus importants de certains signaux cérébraux.

Cette expérience dépasse le seul apprentissage instrumental. La technologie utilisée pourrait notamment permettre d’étudier le cerveau en mouvement, dans des conditions plus naturelles que celles imposées par les scanners traditionnels qui requièrent l’immobilité.

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Le professeur Matthew J. Brookes, qui dirige depuis plus de dix ans le développement de ce dispositif à l’université de Nottingham, souligne l’intérêt de ces résultats. « Il est fascinant de constater que certains des effets que nous mesurons peuvent également être affectés par des troubles comme la démence. Nous espérons que ce type d’étude permettra de mieux comprendre non seulement le fonctionnement du cerveau sain, mais aussi celui du cerveau malade », remarque-t-il.

New paper in Imaging Neuroscience by Joseph Gibson, Matthew J. Brookes, et al:

Beta-band dynamics during a naturalistic motor task: An OPM-MEG study

https://t.co/PtukDlOiQn https://t.co/RlNF4tyqgQ

— Imaging Neuroscience (@ImagingNeurosci) October 23, 2026

Les conclusions de cette étude ne démontrent pas que jouer du violon protège de la démence, ni que tous les instruments produisent exactement les mêmes effets. Elles montrent néanmoins que le cerveau réagit très rapidement à l’apprentissage musical et que cette technologie pourrait aider à mesurer scientifiquement comment et pourquoi la musique aide concrètement le cerveau à compenser ou à ralentir certains troubles neurologiques.

Philippe Gault

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Fabrice Luchini a à cœur de rendre la beauté de la poésie à la portée du grand public, voilà tout l’objet de ses spectacles qui ne désemplissent pas. Donc, quand on lui demande s’il vaut mieux connaître la vie de Baudelaire pour en apprécier ses vers, le comédien objecte un « absolument pas ! » qui se veut rassurant, établissant un parallèle impossible avec la musique, plus dirigiste.

« Nous n’avons pas la chance, comme les grands musiciens, d’avoir des notes avec une structure. Quand ils ont une partition de Bach ou de Beethoven, il y a des indications. Nous, nous n’en avons aucune. Nous ne savons pas comment Baudelaire voulait qu’on attaque le vers. C’est donc à toi de trouver le secret intime. Et une fois que tu l’as trouvé, il faut l’exécuter par l’incarnation sonore », explique-t-il.

Et c’est précisément ce qu’il s’emploie à faire lors de ses lectures qu’il appréhende dans une joie communicative qui ne traduit pas seulement un état d’esprit, mais un devoir professionnel et moral envers son public tant aimé : « Nous sommes condamnés à prendre du plaisir parce que nous ne pouvons pas arriver sur scène malheureux, mais nous ne devons pas non plus nous enivrer bêtement de notre propre plaisir. C’est comme un acte amoureux : tu ne peux pas ne pas penser à ce partenaire génial qui s’appelle le public. »

Le défi de l’interprétation selon Fabrice Luchini

Pour trouver la juste diction et faire entendre toute la musicalité et l’émotion des vers de Baudelaire, Fabrice Luchini s’en remet à deux phrases qui l’ont saisi. « La première est de Cioran, qui dit : « Il faut s’effacer entièrement derrière le poète, et c’est pour cela qu’il faut interdire à tous les comédiens français et à toutes les comédiennes françaises de dire la moindre poésie. Leur boursouflure, leur surcharge détruisent l’harmonie secrète du poème. » Deuxième phrase, de Madeleine Robinson, à qui l’on avait posé la question à la radio : « Est-ce que c’est difficile de dire des poèmes ? » Elle avait répondu cette phrase merveilleuse : « Ce n’est pas difficile, non, c’est impossible. » Il y a, honnêtement, une authentique et objective impossibilité à oser servir un poème aussi structuré » constate-t-il.

S’il entretient une relation avec l’exigence de son vers totalement classique, Fabrice Luchini ne se retrouve en rien dans le spleen baudelairien : « Je n’ai aucune complicité avec Baudelaire. Autant j’adore Flaubert, autant j’adore Cioran pour cette impuissance à réussir sa sagesse et ses échecs multiples qui tournent au rire, puisque j’entre en scène avec cette citation de lui : « Ne nous suicidons pas tout de suite, il y a encore quelqu’un à décevoir. En revanche, personne ne parle aux femmes comme Baudelaire. » estime-t-il.

De l’or dans la détresse : le regard de Luchini sur Baudelaire

Dans une France marquée par une morosité ambiante, les vers de Baudelaire trouvent un écho que le comédien n’avait pas anticipé. Cependant pour Fabrice Luchini, là n’est pas l’essentiel : « Ce qui compte, c’est ce que Baudelaire a fait de son état dépressif ! Il en a fait de l’or. » argue-t-il.

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Quant aux lycéens qui manifestent, Fabrice Luchini leur dirait, avec l’humilité du passeur qu’il est devenu, combien son professeur l’a « sauvé » : « S’il n’y a pas de professeurs géniaux, il n’y a pas de vie possible » affirme-t-il.

Pauline Adad

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1 – Alexandre Borodine, de la chimie au « Groupe des Cinq »

Alexandre Borodine prouve que brillante carrière scientifique et génie artistique ne sont pas antinomiques. Né à Saint-Pétersbourg d’une union princière illégitime, il se découvre, dès son plus jeune âge, deux passions : l’une pour les mystères de la nature et l’autre pour la musique.

Professionnellement, ce sont la médecine et la chimie qui prendront l’avantage sur son exercice du piano et du violoncelle. Ses travaux en laboratoire, notamment sur les aldéhydes, lui vaudront d’ailleurs une reconnaissance internationale et associeront son nom à une réaction chimique majeure !

Celui qui se définissait comme un « compositeur du dimanche » n’en demeure pas moins un des piliers du « Groupe des Cinq » aux côtés de figures comme Moussorgski ou Rimski-Korsakov. Ils rejettent le formalisme académique des pays occidentaux et imposent ensemble un style typiquement russe, puisant son essence dans le folklore populaire.

2 – Philip Glass chauffeur de taxi : Hep, pianiste !

Le succès des compositeurs contemporains s’est parfois forgé dans le quotidien des métiers manuels. Dans le New York des années 1970, la musique de Philip Glass n’assure pas encore sa subsistance ni celle de ses musiciens. Pour financer ses créations, l’artiste refuse de transiger et choisit l’indépendance matérielle en devenant chauffeur de taxi et plombier, collaborant régulièrement sur les chantiers avec son ami sculpteur Richard Serra.

Un quotidien qui donne lieu à des anecdotes cocasses ; Glass confie notamment au journal The Guardian, ce jour où, dépêché pour installer un appareil ménager dans un quartier d’artistes, il se retrouve nez à nez avec Robert Hughes, le redoutable critique d’art du magazine Time. Médusé de voir le compositeur en tenue de travail, le journaliste s’insurge qu’un tel créateur en soit réduit à des tâches manuelles, ce à quoi Philip Glass rétorque avec philosophie que son statut d’artiste ne l’empêche pas d’exercer la plomberie, avant de prier son client de le laisser terminer son ouvrage.

3 – Josef Hofmann, l’inventeur des pare-chocs rétractables et du banc de piano réglable

Si la nécessité matérielle dicte parfois ces doubles vies, chez Josef Hofmann, elle relève d’une insatiable curiosité technique : enfant prodige du piano, il rencontre Thomas Edison qui immortalise son jeu sur de fragiles cylindres de cire, aujourd’hui disparus. Ce contact précoce avec l’innovation technologique forge son destin d’inventeur. Tout en menant une carrière internationale de virtuose et en prenant la direction du Curtis Institute of Music, Hofmann passe ses heures libres à concevoir des mécanismes industriels.

En résulte le dépôt de plus de soixante brevets. On lui doit des systèmes de suspensions pneumatiques pour les véhicules, des pare-chocs rétractables, des concepts de voitures à vapeur et les prémices d’un dispositif de navigation géolocalisée. C’est d’ailleurs en observant les oscillations régulières de son métronome qu’il conçoit le principe de l’essuie-glace mécanique.

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Le pianiste met également son inventivité au service de son art : pour compenser ses mains de petite taille, il conçoit avec la maison Steinway, un clavier aux touches plus étroites. Il dépose aussi des modèles de rallonges de pédales et invente le banc de piano à vis réglable en hauteur, aujourd’hui universel. Retiré des concerts, il dédie ses dernières années à perfectionner la fidélité des enregistrements sonores, s’affirmant comme l’un des esprits les plus polyvalents de son siècle.

4 – Vivaldi, le prêtre roux, était-il de bonne foi ?

Quant à Vivaldi, né à Venise en 1678, il apprend le violon auprès de son père, musicien à la basilique Saint-Marc, tout en suivant le parcours ecclésiastique imposé par ses proches. Ordonné en 1703, il se voit attribué le surnom d’Il Prete Rosso en raison de sa chevelure rousse.

Il semble trouver néanmoins à cette voie toute tracée, une issue idéale dans sa santé fragile. Invoquant une oppression thoracique chronique liée à l’humidité vénitienne, il abandonne rapidement la célébration de la messe. Cette dispense médicale providentielle lui permet de conserver son titre d’abbé et ses avantages, tout en s’affranchissant des contraintes pastorales. Vivaldi se consacre alors entièrement à sa production musicale et prend la direction de l’Ospedale della Pietà, un hospice de jeunes filles qu’il transforme en l’un des laboratoires musicaux les plus prestigieux d’Europe.

Aujourd’hui encore, les artistes ont parfois besoin de mettre du beurre dans les épinards… Audric de Oliveira, pour qui Chopin fut un véritable choc esthétique le menant au classique à l’âge de 12 ans, en offre la preuve parfaite : pianiste professionnel et concierge d’un immeuble du XVIe arrondissement de Paris, il conjugue habilement ses deux vies. Un storytelling qu’il exploite non sans humour jusqu’au titre de son récital, « D’une loge à l’autre ».

Pauline Adad

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Pour Bertrand Dermoncourt, directeur général de la station, « ces résultats témoignent de la pertinence de la singularité de Radio Classique et plus particulièrement de sa Matinale : informer sereinement, prendre le temps du recul, de la mesure et de l’analyse pour prendre de la hauteur, cultiver la curiosité et mieux comprendre le monde de demain. Cette forme d’exigence et de respect de l’auditeur, portée chaque matin par David Abiker, Stéphane Pedrazzi et l’ensemble de notre rédaction, dirigée par Hervé Gattegno, nous semble plus que jamais nécessaire ».

Une consolidation de la Matinale sur l’écoute en direct

• 340 000 auditeurs sont chaque jour à l’écoute de la Matinale de Radio Classique en audience cumulée ⁽¹⁾
• Soit +22% sur un an au 1/4h moyen ⁽²⁾

Une progression d’audience de 28% sur un an pour les podcasts de la Matinale

Radio Classique confirme son rang de 7ème radio la plus podcastée de France, avec près de 3,9 millions d’écoutes mensuelles, sa meilleure audience de l’année ⁽³⁾ .

Un succès porté par Les Grands dossiers de l’Histoire de Franck Ferrand et par les podcasts de la Matinale, qui signent leur meilleur mois historique avec près d’1 million d’écoutes cumulées en octobre 2026 (soit +28,4% sur un an), à l’image de l’émission Esprits libres ⁽³⁾ .

Un record d’audience sur l’application mobile

Radio Classique accélère par ailleurs sa transformation digitale sur les nouvelles formes d’écoute, avec un record absolu sur son application mobile : plus d‘1,6 million de visites mensuelles (+3% sur 1 an) et plus de 250 000 utilisateurs uniques (+16% sur 1 an) en octobre 2026 ⁽⁴⁾ .

Radio Classique, une identité forte et unique

Après une année 2025 placée sous le signe de la modernité, Radio Classique confirme et amplifie sa transformation pour la saison 2026-2027.

Fidèle à sa promesse de proximité et de confiance, la station propose, autour de sa Matinale et de l’émission de Franck Ferrand, une nouvelle génération de voix – Pauline Lambert, Jean-Michel Dhuez, Élodie Fondacci et Laure Mézan – ainsi qu’une programmation musicale enrichie, ouverte aux musiques de film et aux nouveaux répertoires du classique.

Une évolution fidèle à l’ambition de Radio Classique : proposer chaque jour une information qui éclaire, une culture qui inspire, une musique qui rassemble, pour mettre toujours plus d’harmonie dans la vie de ses auditeurs.

Sources :

⁽¹⁾ Médiamétrie EAR National septembre-octobre 2026, LàV 6h-9h, AC 13+

⁽²⁾  Médiamétrie EAR National septembre-octobre 2026, LàV 6h-9h, ¼ d’heure moyen 13+, vs septembre-octobre 2025

⁽³⁾  Médiamétrie EAR Podcasts, octobre 2026 vs octobre 2025

⁽⁴⁾  Piano Analytics, octobre 2026 vs octobre 2025

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Ecoutez l’épisode des Grands dossiers de l’Histoire en intégralité :

Le Palais d’Hiver retient son souffle. Au cœur de la froideur dorée de Saint-Pétersbourg, le tsar Alexandre II traverse une période difficile. Ciblé par les attaques de ses ennemis, il est usé par le poids du pouvoir et des réformes entreprises. De son côté, la tsarine Maria Alexandrovna, minée par la maladie et les grossesses, s’isole et reste spectatrice d’une cour figée par l’étiquette.

Mais tout bascule au printemps 1865.

Lors d’une visite protocolaire à l’Institut Smolny, réservé aux demoiselles aristocrates, le souverain fait la rencontre Ekaterina Dolgorouki, surnommée Katia. Elle a tout juste 17 ans ; il en a 47. Le tsar s’éprend aussitôt de la jeune fille.

Alexandre II multiplie les audaces pour imposer sa maîtresse

L’été qui suit, ils se retrouvent dans les jardins du palais de Peterhof, et c’est dans un pavillon à colonnade que se scelle une passion incandescente que rien ne pourra plus arrêter.

Le scandale gronde rapidement dans les couloirs du palais. Pour contrer les mauvaises langues et les intrigues de la cour, Alexandre multiplie les audaces : il installe discrètement sa maîtresse dans un appartement à proximité du sien… et de la chambre de l’impératrice légitime. Une offense suprême et une provocation assumée. Quatre enfants naîtront de cette relation.

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À la mort de la tsarine en 1880, le souverain brise les conventions en épousant secrètement Katia, alors âgée de 33 ans. Malgré l’hostilité des grands-ducs et les persifflages incessants de la cour, cette union légalisera une passion dissimulée pendant quinze ans

Plongez dans cet épisode pour en savoir plus sur les réformes du « tsar libérateur », ses amours clandestines au cœur du Palais d’Hiver et l’attentat tragique qui a brisé son destin

Cet article est tiré de l’émission « Les amours interdites du tsar Alexandre II ». Ce résumé a été rédigé à l’aide de l’intelligence artificielle puis relu, édité et validé par un journaliste.

Ecoutez l’intégralité de l’émission des « Grands dossiers de l’histoire par Franck Ferrand » en podcast sur notre site ou application.

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Jamais deux sans trois. Pour la troisième année consécutive, l’ouverture de la saison de l’institution musicale vénitienne est perturbée par des mouvements de grève. En 2024, c’est la première d’Otello de Giuseppe Verdi, que devait diriger Myung-Whun Chung, qui avait été annulée en raison d’une grève portant sur les revalorisations salariales et l’an dernier, c’est celle de Wozzeck, l’opéra d’Alban Berg, qui dut être déprogrammée alors que le personnel protestait contre la nomination de Beatrice Venezi comme directrice musicale.

Cette année, les annulations concernent le concert d’ouverture de la saison lyrique mais aussi celui de la saison symphonique. Ainsi ce vendredi c’est la première de Fedora d’Umberto Giordano, sous la direction de Donato Renzetti, qui est purement et simplement supprimée. Même sanction pour la première du concert symphonique que devait diriger le maestro italien Riccardo Frizza le samedi 28 novembre à La Fenice.

Les conditions financières de la tournée à Shanghai mises en cause

À l’origine du mouvement social initié le 9 octobre par les représentants du personnel, rejoints par les principaux syndicats, des revendications qui portent sur une gouvernance jugée trop centralisée (concentration excessive des pouvoirs autour de la direction, notamment du surintendant Nicola Colabianchi), l’organisation du travail, le manque de reconnaissance des compétences et l’absence de deux postes de direction importants (directeur de production et secrétaire artistique).

Sans compter les tensions qui sont apparues à l’occasion de la tournée de l’orchestre de La Fenice en Chine fin octobre (deux représentations de Tosca à Shanghai). Les syndicats avaient notamment contesté les conditions financières « insuffisantes » proposées pour les déplacements de l’orchestre.

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L’appel à deux journées de grève en novembre a été formulé dès le 14 octobre en interne puis publiquement une semaine plus tard. Syndicats et représentants du personnel comptaient sur des réunions avec la direction pour avancer sur leurs revendications et ainsi renoncer à leur menace de grève mais une ultime rencontre le 5 novembre s’est soldée par un échec.

Sciopero alla Fenice, gli abbonati non approvano: «Basta, ora l’orchestra ci ripensi» https://t.co/iMT0sRMTZV

— Corriere della Sera (@Corriere) November 11, 2026

Selon le calendrier de La Fenice, seules les deux représentations du 13 et du 28 novembre sont concernées par ces mouvements de grève. Les sept autres représentations de Fedora, du 14 au 22 novembre, sont donc toujours programmées et le deuxième concert symphonique de Riccardo Frizza est maintenu le dimanche 29 novembre.

Philippe Gault

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Matière Noire, tel est le nom de ce tout nouveau label dédié à la musique d’aujourd’hui, dont le premier volume vient de paraître. Il met en regard des œuvres de Steve Reich et de Christophe Chassol composées à plus de trente ans de distance, évoquant l’univers urbain.

On se retrouve ainsi plongé dans les rues de New York avec City life, l’une des œuvres emblématiques du compositeur américain, puis embarqué dans une visite de Paris ponctuée de références à Aimé Césaire et à quelques écrivains noirs américains ayant séjourné dans la capitale.

Matière Noire : un nouvel espace pour la musique contemporaine

Emmanuel Quinchez, le fondateur de Matière Noire et Fiona Monbet qui dirige l’ensemble Miroirs Etendus dans cet enregistrement, nous éclaireront sur ce programme et sur le dynamisme de la création musicale qui témoigne aujourd’hui d’une vraie diversité.

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« A une époque où la musique contemporaine s’ouvre à de nouvelles influences, se métisse et s’hybride plus fortement que jamais, malgré un contexte économique de plus en plus difficile pour les artistes, Matière Noire affirme la vision d’un art vivant, toujours en mouvement » nous dit Emmanuel Quinchez.

Laure Mézan

Retrouvez le journal du classique du lundi au vendredi à 20 h

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