Que vous inspire ce texte accordant plus d’autonomie à la Corse, adopté la semaine dernière en première lecture ?

JEAN-MICHEL BLANQUER : Le risque, c’est évidemment l’ouverture d’une boîte de Pandore considérable. Le texte fait référence à un lien spécifique de la région avec la terre, la culture, la langue, comme si ce n’était pas le cas dans d’autres régions de France.

Il n’y a en réalité que des raisons de reconnaître, non juridiquement, que la Corse est magnifique, qu’elle a de nombreux atouts, qu’elle doit rebondir sur le plan économique et social, et que la solidarité républicaine ne lui fait pas défaut. Tout cela renvoie à des enjeux économiques et sociaux bien réels qu’il faut prendre à bras-le-corps. Au lieu de cela, on emprunte de fausses pistes institutionnelles en allant toujours plus loin dans la dérogation.

Jean-Michel Blanquer: « La difficulté n’est pas institutionnelle, elle est économique et sociale »

La collectivité de Corse dispose déjà de beaucoup de pouvoir, et les résultats sont là : on a davantage de crimes organisés, de mafias en Corse. Faut-il aller encore plus loin dans l’affaiblissement de l’État, alors que de nombreux Corses, qui constituent à mon avis une majorité silencieuse, veulent l’État régalien, l’ordre public, et aiment la France ? Les Corses ne sont pas discriminés ; ils nous ont donné un empereur, de magnifiques serviteurs de l’État, de magnifiques entrepreneurs. C’est encore vrai aujourd’hui.

La difficulté n’est donc pas institutionnelle, elle est économique et sociale, liée à l’insularité. Il faut encourager tout ce qui permet l’épanouissement corse. En tant que républicain, on est souvent caricaturé comme jacobin, mais je suis en réalité très girondin : je suis favorable à des pouvoirs importants pour les collectivités locales, à condition qu’ils soient les mêmes pour tous.

La France désinvolte sur le sujet des revendications régionales ?

Comparez l’Allemagne et l’Espagne : l’Allemagne est fédérale, très décentralisée, mais tous les Länder sont égaux entre eux, ce qui fonctionne bien, même si l’AfD [parti d’extrême droite en Allemagne] au pouvoir dans un Land poserait un vrai problème. L’Espagne, elle, est un État régionaliste où l’on voit une surenchère permanente sur les statuts.

Nous, Français, nous sommes désinvoltes par rapport à cela, nous faisons comme si ce sujet n’existait pas en Europe. Les demandes de statut particulier du Pays basque, de la Bretagne, de l’Alsace, ne mobilisent pas les foules parce qu’on a d’autres préoccupations quotidiennes, mais ce sont des enjeux à long terme de la République. Si on aime la France, on doit être très attentif à ces risques qu’on fait prendre au pays.

Sans la République et ses fondements, la France risque de tomber dans l’autoritarisme

Comment interprétez-vous ces signaux, ces particularismes ? Certains parlent de nationalisme, d’autres de régionalisme, d’autres encore d’archipelisation. Vous évoquez, avec Manuel Valls, le communautarisme. Comment l’expliquer, il y a des phénomènes sérieux derrière ?

JM.B. : Vous avez raison de chercher une matrice commune. Ces phénomènes ne concernent d’ailleurs pas que la France. Regardez le Royaume-Uni : à force de céder au communautarisme islamiste, à force de faire preuve de désinvolture sur les enjeux d’unité, il est en voie de grande fragmentation.

Le problème central, c’est que nos sociétés contemporaines, qui sont les premières à connaître une si longue période de démocratie et de paix, risquent de n’avoir que la démocratie sans la République et donc de se déséquilibrer. Autrement dit, si aux droits et libertés ne s’ajoutent pas le contrat social, le bien commun, le sens de l’intérêt général, elles auront de telles contradictions internes qu’elles finiront par rechercher l’autoritarisme.

C’est ce que nous voyons aujourd’hui aux États-Unis. Pour éviter quelque chose de semblable en France, il faut prendre au sérieux le bien commun et la citoyenneté française, avec ses droits et ses devoirs. Cela peut paraître abstrait, mais nous avons là des cas pratiques. Si on ne sonne pas l’alerte, il n’y aura aucun problème demain matin, mais après-demain, ce sera une autre histoire.

Édouard Geffray, votre successeur en tant que ministre de l’Éducation nationale réclame de la rigueur sur l’orthographe, puis il s’est montré plus souple quinze jours plus tard à cause de la chaleur. On retrouve aujourd’hui une habitude chez les professeurs manière de noter bienveillante qui va au-delà de ce que doit être une copie correctement notée ?

JM.B. : Il y a toute une pente à remonter, et elle ne se remonte pas en un jour. La baisse du niveau en orthographe est un phénomène qui dure depuis les années 1980. Entre 2017 et 2022, nous avons énormément mis l’accent là-dessus, principalement à l’école primaire, pour des élèves qui ne passent pas encore le bac.

La pente à remonter est tellement colossale qu’elle requiert des efforts considérables et de véritables changements de mentalité, aussi bien dans les corps intermédiaires que dans le corps professoral.

« 40% d’une génération obtient le baccalauréat professionnel ou technologique » rappelle Jean-Michel Blanquer

Les programmes de l’école primaire, les évaluations mises en place en début de CP, CE1, CM1, 6e, 4e, 2nde mesurent l’orthographe, la rapidité de lecture, la compréhension de texte. C’est un effort gigantesque qui a été commencé, malheureusement un peu abîmé depuis 2022 par le fait qu’il y ait eu sept ministres de l’Éducation nationale successifs. Je salue néanmoins l’effort d’Édouard Geffray pour reprendre cette ligne d’exigence en matière d’orthographe.

On a quand même le sentiment que si on était trop sévère au bac, on ne pourrait plus accueillir tous les élèves ?

JM.B. : Oui, mais n’oublions pas qu’on simplifie parfois beaucoup ce sujet. On dit que 80 % d’une génération a le bac, mais seulement 40 % obtient le baccalauréat général. Le reste, c’est le bac professionnel et le bac technologique. Ce n’est pas 80 % qui ont le bac, c’est 80 % qui ont les bacs. On dit souvent qu’il n’y a pas assez d’enseignement professionnel, mais en réalité la moitié des jeunes de cette génération va vers le professionnel et le technologique.

Le système scolaire doit être discuté et considéré comme un véritable projet de société

C’est quand même normal de certifier la fin de l’enseignement secondaire. Ce qui est vraiment nouveau, c’est une meilleure répartition des élèves dans l’enseignement supérieur en fonction de leur niveau, avec un rôle accru des mentions dans la sélection des étudiants. On n’arrive plus en médecine par tirage au sort par exemple, comme c’était le cas auparavant. Des progrès ont été accomplis, mais là aussi c’est une pente à remonter.

Il faut bâtir un véritable contrat social français sur ce qu’on attend du système scolaire et sur les compétences et connaissances qu’un jeune doit maîtriser à l’âge adulte, c’est un projet de société.

Vous avez vous-même connu une canicule en tant que ministre, à la fin de 2019. Comment appréciez-vous le débat sur la climatisation des établissements scolaires ?

JM.B. : Avant d’être ministre, j’ai été recteur de Guyane, où il fait chaud en permanence. Dans certains cas, il y avait la climatisation, mais la plupart du temps il y avait surtout des systèmes d’aération très bien faits et une isolation qui suffisaient à apporter la réponse. Ce qui est sûr, c’est qu’il faut au moins l’un ou l’autre, pas rien du tout.

Les collectivités locales doivent s’équiper pour faire face à la chaleur

En 2019, j’ai reporté le brevet parce que les conditions étaient insupportables, mais aussi pour sensibiliser durablement tous les acteurs. J’avais lancé un appel aux collectivités locales pour qu’elles s’équipent, certaines l’ont fait, d’autres non. Ce sont elles qui en sont responsables aujourd’hui. Je suis très surpris par l’inaction à Paris entre 2019 et aujourd’hui.

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Parlons de votre université d’été, les 28 et 29 août à Sens. Qui sont les invités ?

JM.B. : Vous aurez de grands experts comme Philippe Aghion, ainsi que de belles surprises sur l’intelligence artificielle et sur les grands sujets qui occupent l’esprit public, car nous sommes face à plusieurs révolutions simultanées.

Au-delà des experts, vous aurez aussi des responsables politiques : Édouard Philippe et François Hollande débattront ensemble. Il y aura aussi Sébastien Lecornu, François Baroin, Xavier Bertrand, Valérie Pécresse, Karim Bouamrane, Jérôme Guedj, des invités de gauche et de droite républicaine.

Jean-Michel Blanquer veut créer un véritable dialogue démocratique

Je crois qu’on peut proposer pour la prochaine présidentielle un projet de société centré non sur les personnes, mais sur le fond. Nous avons des propositions très concrètes, avec un vrai travail en amont. Par exemple sur l’aménagement du territoire, gouverner la France, c’est d’abord veiller à son équilibre territorial, or nous avons abandonné l’aménagement du territoire depuis trente ou quarante ans.

Pourquoi ne pas inviter des gens plus aux extrêmes ? Pas de RN, pas de LFI ? On ne peut pas discuter avec eux ?

JM.B. : Il m’arrive de débattre avec eux. Mais pendant ces deux jours, on réussit à se parler avec courtoisie et respect, dans l’idée d’un dialogue démocratique. La forme dit quelque chose du fond.

J’invite donc les gens avec qui on peut non seulement dialoguer, mais aussi apprécier la différence de l’autre, faire évoluer et affiner son opinion. C’est ouvert à tous, on peut s’inscrire sur Internet. On appelle cela « Faire Sens ensemble » parce que je crois qu’il y a un projet de société possible et qu’on peut dire à un jeune de 20 ans aujourd’hui que oui, les choses pourront aller mieux dans la France de 2030, 2040, 2050.

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Eventuellement : Eventually est un faux ami qui nous trompe

Commençons par un classique absolu, eventually. En anglais, eventually signifie « finalement », « à terme », mais comme il ressemble à éventuellement, on l’utilise à tort dans ce sens. Or, éventuellement en français signifie « si l’occasion se présente », ce n’est pas du tout la même temporalité.

On a déjà entendu des ministres dire qu’ils régleraient éventuellement un problème, ce qui, en bon français, signifie qu’il ne s’y engage absolument pas.

Supporter, un emprunt à l’anglais qui fausse les discours

En anglais, to support signifie « soutenir ». On entend de plus en plus « je supporte cette équipe », calqué sur l’anglais, alors qu’en français, supporter signifie « endurer quelque chose de pénible ».

Dire « je supporte ce projet de loi », c’est dire qu’on le subit, ce qui, là encore, peut être un aveu involontaire.

Retournons aux origines grecques de drastique

Mon préféré, c’est drastique. En anglais, drastic a une connotation très négative : radical, brusque, excessif. Mais en français, drastique signifie « très rigoureux », « très contraignant ».

Il vient du mot grec « drastikos », signifiant « qui opère », « violent » ou « efficace ». On employait d’abord le mot dans le domaine médical. Ainsi, un purgatif drastique était un purgatif efficace, puis son sens s’est étendu et il diffère en anglais.

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Ce qui est ennuyeux, ce n’est pas l’emprunt à une autre langue, c’est le glissement sémantique. On croit parler français, mais on modifie le sens des mots. Le linguiste suisse Ferdinand de Saussure disait que la langue est un système où tout se tient. Quand on y introduit des failles sans le savoir, c’est la précision de la pensée elle-même qui vacille.

Karine Dijoud

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Ecoutez l’épisode des Grands dossiers de l’Histoire en intégralité :

À Venise, tout le monde connaît il Prete rosso, le Prêtre roux, ce violoniste prodigieux, ce compositeur infatigable, créateur génial des Quatre Saisons, notamment. Seulement, à la fin des années 1730, disons les choses : sa gloire n’a plus tout à fait la même fraîcheur.

Sa musique n’est plus tout à fait dans l’esprit du temps et, lui-même, déjà, en prend la mesure. Il voit que la vie a passé. Vivaldi a plus de 60 ans maintenant ; il est de santé fragile et sent désormais ses forces s’épuiser.

Vivaldi, « un vieillard qui a une furie de compositions prodigieuses »

En 1739, le président de Brosses, […] ce magistrat dijonnais qui voyage en Italie et nous raconte par le menu les éblouissements qui sont les siens, va rencontrer Vivaldi. C’est, nous dit-il, « un vieillard qui a une furie de compositions prodigieuses ». Mais il ajoute : « dont la musique n’est plus aussi estimée qu’autrefois. J’ai trouvé, à mon grand étonnement, qu’il n’est pas aussi estimé qu’il a le mérite en ce pays-ci, où tout est de mode et où l’on entend ses ouvrages depuis trop longtemps, où la musique de l’année précédente n’est plus de recette. Le fameux Saxon est aujourd’hui l’homme fêté ».

Le fameux Saxon, c’est Johann Adolf Hasse. Vous voyez à quel point les choses sont relatives, parce qu’on a un peu oublié le second, alors que le premier est toujours présent, bien sûr, ne serait-ce que sur les antennes de Radio Classique !

Chez Vivaldi, une forme de mélancolie a pris le dessus

Les années ont passé pour Vivaldi, des années étincelantes, couvertes d’éloges et de succès, mais pour lesquelles il s’est démené jusqu’à l’épuisement. Et aujourd’hui, une forme de mélancolie a pris le dessus. Une forme, peut-être même, de détresse, accentuée par les menaces de ses protecteurs, accentuée plus encore par le harcèlement de ses créanciers, qui sont toujours là et qui lui donnent carrément des envies de fuite.

Et au cœur de ce crépuscule, il y a une femme : Anna Girò. Vivaldi l’avait fait entrer dans son théâtre en 1726, dans Dorilla in Tempe, et elle va, avec le temps, devenir sa muse.

Anna n’est pas une voix exceptionnelle. Carlo Goldoni, qu’il rencontre chez Vivaldi, confirme cela, tout en notant qu’elle joue admirablement bien. C’est très important. Et cette appréciation sur la qualité du jeu est confirmée par l’abbé Conti qui, dans une lettre à Madame de Caylus, à propos de l’opéra Farnace de Vivaldi, écrit : « Son élève y fait des merveilles, quoique sa voix ne soit pas des plus belles. » 

Vous voyez, tout est dit. Elle a une présence scénique merveilleuse, un jeu extraordinaire, mais ce n’est pas la voix du siècle.

On prête une relation à Vivaldi et Anna Girò

Anna est faite pour l’opéra, pour ces héroïnes que Vivaldi va écrire sur mesure pour elle, celle que bientôt on surnomme l’Anima del Prete Rosso, « la petite âme du prêtre roux » devient l’une de ses interprètes privilégiées.

Évidemment, on commence à ragoter ; on leur prête une relation et, de fait, Anna va jouer dans la vie du compositeur un rôle qu’on doit pouvoir qualifier d’ambigu. Elle voyage avec lui : cela, évidemment, ne fait qu’en rajouter dans les racontars. N’oublions pas que Vivaldi est prêtre, encore une fois, même s’il ne dit plus la messe depuis longtemps. Donc la rumeur enfle, fait scandale. Vivaldi est attaqué.

L’affaire est même assez grave pour qu’en 1737, le cardinal Ruffo refuse que Vivaldi vienne à Ferrare monter son opéra. Imaginez : un prêtre qui ne dit plus la messe, qui vit au milieu des chanteurs et qui, maintenant, voyage avec une cantatrice. On ne peut pas imaginer qu’il vienne conduire un opéra à Ferrare.

Anna quitte l’Italie pour l’Autriche, Vivaldi part à Vienne

Vivaldi se défend des accusations mensongères dont on l’accable, mais rien n’y fait. Anna, qui est lasse, qui n’en peut plus de tout cela, décide de quitter la Sérénissime en 1740 pour aller rejoindre une troupe d’artistes installée en Autriche, à Graz. Et cela, pour Vivaldi, c’est le signal du départ. […]

Alors que les dettes lui rendent l’atmosphère de Venise irrespirable, alors que les pamphlets contre lui, la censure et la surveillance de l’État, qui se méfie de ses séjours à l’étranger, rendent tout cela pesant, alors qu’il regrette le départ de sa Girò et qu’il sent le vent tourner et la mode changer, le vieux maître peut croire que là-bas, dans la capitale des Habsbourg, il lui reste une carte à jouer.

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Le départ de Venise n’est pas chose facile et, au fond de lui, Vivaldi, déjà, peut-être, sait qu’il ne reverra plus la Sérénissime, cette ville qui l’a porté au faîte de la gloire.

Franck Ferrand

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Le mercredi 24 juin, le littoral nord du Venezuela était touché par deux puissants séismes de magnitudes 7,2 et 7,5, suivis d’une trentaine de répliques dont une encore ce lundi. Le bilan humain provisoire fait état de 1719 morts mais le chiffre de 50.000 disparus est évoqué par les Nations Unies.

De Caracas à La Guaira, les dégâts sont considérables. Le nombre de bâtiments touchés ou effondrés s’élève à 774, dont 189 ayant subi un effondrement total, selon le président du Parlement.

Une catastrophe qui a particulièrement ému Gustavo Dudamel. Dans un message vidéo, le chef d’orchestre vénézuélien a déclaré : « Mon cher Venezuela, je suis profondément attristé par cette terrible tragédie qui a frappé notre pays. Mes pensées vous accompagnent, mes frères et sœurs vénézuéliens (…) Il y a des moments où les mots ne suffisent pas, c’est pourquoi je travaille à un plan d’urgence de soutien et de solidarité international ».

À cet effet, le maestro s’est associé au Programme des Nations Unies pour le Développement (PNUD) pour centraliser l’aide et les dons internationaux destinés aux victimes.

« Nos efforts et ceux de toute la famille El Sistema sont entièrement axés sur le soutien aux personnes les plus touchées »

Dans son message, Gustavo Dudamel annonce également l’annulation des concerts qu’il devait diriger à la tête de l’Orchestre symphonique national des jeunes du Venezuela début juillet en Europe. La formation, issue du programme El Sistema, que le chef vénézuélien dirige depuis 1999, devait se produire en Espagne à Saragosse (6 juillet), Barcelone (7 juillet), Madrid (8 juillet), Alicante (10 juillet) et Valence (11 juillet).

Cette décision concerne également le concert que l’orchestre vénézuélien devait donner le jeudi 9 juillet à la Fondation Louis Vuitton dans le cadre de l’hommage que rend l’institution parisienne à l’architecte Frank Gehry disparu en décembre 2025. Gustavo Dudamel devait y diriger sa formation dans la Symphonie n° 5 de Ludwig van Beethoven et son Concerto n° 4 pour piano que devait interpréter Alexandre Kantorow.

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Dans un message publié sur le site de la Fondation Louis Vuitton, Gustavo Dudamel exprime sa déception de ne pas pouvoir « célébrer la vie de notre ami, Frank Gehry (…) mais nos efforts et ceux de toute la famille El Sistema sont entièrement axés sur le soutien aux personnes les plus touchées (au Venezuela, ndlr) ».

Mi amada Venezuela, no hay palabras. Mi corazón contigo siempre
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My beloved Venezuela, there are no words. My heart is always with you.
___
Mon cher Venezuela, les mots me manquent . Mon cœur est toujours avec toi. pic.twitter.com/HV2XT2dNJP

— Rafael Payare (@rafaelpayare) June 26, 2026

Également très affecté par le drame que subit son pays, le chef d’orchestre Rafael Payare, directeur musical de l’Orchestre Symphonique de Montréal et de celui de San Diego, a écrit sur les réseaux sociaux : « Mon cher Venezuela, les mots me manquent . Mon cœur est toujours avec toi ». Sa jeune consœur Glass Marcano a publié sur son compte Instagram des témoignages de sauveteurs et de proches de victimes des séismes.

Voir cette publication sur Instagram

 

Une publication partagée par Glass Marcano (@glassmarcanoo)

Philippe Gault

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Si le clavecin a connu ses heures de gloire à l’époque baroque avant d’être écarté par le piano, il a su revenir sur les devants de la scène au début du XXème siècle. C’est ainsi que, sous l’impulsion notamment de Wanda Landowska, des compositeurs tels Manuel de Falla et Francis Poulenc lui ont dédié de grandes œuvres concertantes. C’est ce répertoire moderne que le claveciniste Justin Taylor a choisi de mette à l’honneur dans son nouvel album paru chez Alpha. Un programme, enregistré avec l’orchestre national de Lille et Chloé Dufresne incluant également des pièces de Bartok, Gorecki, Martinu mais aussi une création de Stéphane Gassot et même un ragtime Scott Joplin.

Un modèle hybride de clavecin

Justin Taylor nous éclairera ce soir sur ce programme enregistré sur un modèle hybride de clavecin, correspondant à ceux qui étaient joués en France à l’époque de Wanda Landowska.  L’occasion pour le musicien de témoigner, une nouvelle fois,  de sa versatilité, lui qui s’était révélé également être un interprète inspiré de Chopin.

Laure Mézan

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Quelle est l’idée directrice de votre travail sur ce bâtiment ?

PHILIPPE CHIAMBARETTA : En architecture, il faut rappeler le programme et le contexte, ce sont les deux éléments qui précèdent l’idée. Le programme, c’était la demande d’Aline Foriel-Destezet, une grande mécène française très engagée dans le soutien à la musique, qui avait décidé il y a cinq ou six ans de financer la création d’une nouvelle salle destinée à la musique de chambre.

Elle a donc ensuite cherché différentes villes et elle est tombée sous le charme d’Évian, qui abritait déjà une très belle salle connue, La Grange au Lac, conçue par Patrick Bouchain pour Rostropovitch, aux débuts du festival d’Évian. C’est sur les Mélèzes, un site sublime qui est un petit bois au bord du lac Léman. On y a donc ajouté une deuxième salle, plus petite, pour créer un ensemble musical avec la salle philharmonique de 1 000 places.

La Source Vive est inspirée du cadre dans lequel elle se trouve.

Patrick Bouchain, qui a aujourd’hui 80 ans, m’a proposé de réaliser ce projet avec lui. Il travaille de façon très empirique, mais il souhaitait ici s’appuyer sur une approche plus structurée et technologique.

L’idée première est née d’une visite dans ce bois. Nous avions décidé de ne couper aucun des arbres, qui étaient présents depuis une centaine d’années. En arpentant le site, nous avons trouvé une clairière circulaire, non loin de la salle existante, qui n’avait aucun arbre à l’exception d’un arbre mort. Nous nous sommes dit que nous avions trouvé le plan de la salle.

Ensuite, nous nous sommes associés à un troisième complice, un grand acousticien, Albert Xu. Il a participé aux plus grandes salles du XXe siècle. Il est malheureusement décédé au début du chantier, mais il nous a tout de même guidés lors de la conception.

C’est lui qui nous a enseigné qu’au-delà de la surface, en musique, il y a le volume, avec une règle de base : il doit y avoir environ 10 à 11 m³ par spectateur. Nous avions 500 places à installer dans cette clairière. C’est ainsi que le volume est apparu entre les arbres. Nous l’avons travaillé à la main, avec des maquettes en argile d’un côté, des modélisations 3D de l’autre, et petit à petit, cette forme est née.

Cela signifie qu’il faut de la place, une grande hauteur sous plafond, puisqu’on ne peut pas créer le vide autour du spectateur.

P.C. : Absolument. C’est ce qui donne cette forme de conque, qui est presque une voûte d’église. Ce qui est assez magique et propre à cette salle, c’est qu’elle est à côté de La Grange au Lac, nous avons créé un foyer à l’intersection entre les deux, et qu’elle a été posée dans la pente, au-dessus de la source d’Évian.

La salle est une grande voûte blanche coiffée d’un oculus

Nous avons voulu enfoncer légèrement le volume dans la terre, sans aller trop profond pour ne pas altérer la pureté de l’eau. On pénètre dans la salle par un tunnel depuis le foyer : on passe sous terre, on traverse une galerie obscure, puis on entre dans la salle qui est une grande voûte blanche, très lumineuse.

On ne s’y attend pas, car de l’extérieur, le volume est quasiment invisible au milieu des arbres. C’est une vraie surprise, on entre dans une autre dimension. Et la salle est coiffée d’un oculus qui laisse entrer la lumière naturelle, comme au Panthéon de Rome. C’est assez rare.

Vous avez choisi des sièges en cuir. À quoi cela sert-il ?

P.C. : Nous ne voulions pas de sièges en mousse, c’est un matériau artificiel, souvent peu agréable. Nous avions envie de matériaux bruts et naturels : le sol est en hêtre, le plafond en plâtre, comme dans une église.

Pour les fauteuils, nous voulions quelque chose de naturel. Nous avons opté pour du cuir, mais un cuir pas nécessairement luxueux : ce sont des cuirs de deuxième ou troisième choix dans l’industrie de la tannerie en Italie, sélectionnés pour leurs couleurs. C’est ce qui donne à la salle sa palette variée.

L’architecte que vous êtes a-t-il dû faire des sacrifices par rapport au projet initial, ou avez-vous été totalement libre ?

P.C. : Ça a été un bonheur absolu, et c’est suffisamment rare dans notre profession pour être souligné. Ce projet a coulé de source, sans jeu de mots. La Source Vive évoque d’ailleurs ce contexte de proximité de la source d’Évian. Nous avons eu une chance formidable avec la richesse culturelle et la générosité d’une mécène qui ne faisait pas cela pour elle-même, mais dans une logique de transmission, de legs.

« Le thème du projet était l’architecture comme instrument » affirme Philippe Chiambaretta

Quelles ont été les réactions des premiers musiciens qui ont joué dans cette salle ?

P.C. : Ce qui était extraordinaire et rarissime dans ce projet, c’est que nous avions dès le début le maître d’usage de la salle, c’est-à-dire son utilisateur. En l’occurrence, des musiciens, c’était Renaud Capuçon qui était le deuxième conseiller d’Aline Foriel-Destezet. Il nous a donné d’emblée une orientation très claire, il voulait un son chaleureux et soyeux.

Le thème du projet était l’architecture comme instrument, donc nous avons travaillé avec les acousticiens pour régler la salle comme un instrument. On a progressivement tendu vers la qualité acoustique, et nous avons pu la tester, avec Renaud Capuçon et Yo-Yo Ma notamment, lors du concert d’ouverture avec Brahms. Ils nous ont parlé de la puissance, de la chaleur, de la clarté de la salle, qui sont des mots inhabituels en architecture mais très naturels en musique.

La fraîcheur s’est imposée dans le débat public sur la climatisation des bâtiments en pleine canicule. Comment avez-vous perçu cette passion soudaine, sachant que vous travaillez sur ces questions depuis des décennies ?

P.C. : C’est l’effet de l’actualité : soudain, tout le monde regarde un sujet qui est notre quotidien d’architecte depuis longtemps. Nous avons créé le centre de recherche Stream et nous creusons ces sujets depuis une vingtaine d’années déjà.

Nous sommes désormais dans l’urbanocène

Il y a un terme qui résume tout cela : l’urbanocène. L’urbanocène, c’est une nouvelle ère géologique dans laquelle l’humain est dans la ville et a un effet majeur sur l’équilibre de la planète. L’humanité habite majoritairement en ville depuis 2008 environ. Les villes n’occupent que 2 à 3 % de la surface de la Terre, mais elles sont responsables de près de 80 % des impacts environnementaux.

Les conséquences sont bien connues : dérèglement climatique, orages, incendies, et impact sur la biodiversité, tout est lié. La vague de chaleur actuelle aura ainsi des effets dévastateurs sur les populations animales.

La ville est un organisme vivant complexe : tout dépend de la nature des sols, de la densité, de l’énergie utilisée, du recours à la climatisation, de la présence de véhicules thermiques.

C’est faisable de rafraîchir la ville, de planter des arbres, créer des puits de verdure, végétaliser les façades ?

P.C. : C’est complexe parce que c’est un ensemble de facteurs très difficiles à isoler. La climatisation, qui est au cœur des débats, est une pompe à chaleur : on retire la chaleur d’un côté pour la rejeter de l’autre. Il fait plus frais dedans, mais plus chaud dehors.

En cumulant tous ces systèmes, on augmente la température extérieure, ce qui conduit à climatiser davantage. C’est un cercle vicieux. Dans l’urgence, il faudra bien climatiser certains bâtiments sensibles, écoles, hôpitaux, c’est une nécessité.

Mais il faut traiter le mal à la racine. Cela passe par l’architecture, par la végétalisation des villes pour créer des îlots de fraîcheur, et par la désimperméabilisation des sols pour que la terre joue son rôle naturel. C’est toute une mécanique naturelle.

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La question des normes revient régulièrement : trop de normes, trop de règlements. Vous empêchent-elles d’avancer ? Il y a quelques années, Guillaume Poitrinal, qui était patron de Unibail, avait rendu un rapport expliquant qu’on perdait des points de croissance à cause d’un excès de normes de construction.

P.C. : On voit bien que Guillaume Poitrinal a eu du mal à faire bouger les lignes, c’est très compliqué. Je ne dirais pas seulement qu’il faut moins de normes, même si c’est parfois nécessaire.

Je dirais surtout qu’il faut de meilleures normes. Elles peuvent être utiles pour contraindre à aller dans une bonne direction. Il faut aujourd’hui orienter la construction vers une ville plus fraîche et plus durable, ça ne se fera pas spontanément. Mais trop souvent, les normes sont mal conçues par ceux qui les produisent.

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Créé en 1960, le festival du film d’animation qui vient de s’achever est considéré comme le plus grand rendez-vous international du genre. À l’issue de cette 50e édition de l’événement, à laquelle étaient accrédités plus de 3000 professionnels venus du monde entier, le premier prix – Cristal du long métrage – a été attribué au film The Violinist (La Violoniste) qui a également reçu le Prix Sacem pour une musique originale dans la catégorie « longs métrages ».

Le film, raconte comment une jeune journaliste espagnole, à la recherche de l’origine d’un violon ancien, découvre les destins croisés de Kai et Fei, deux jeunes amis violonistes dont les rêves sont brisés en 1941 par l’invasion japonaise de la Malaisie pendant la Seconde Guerre mondiale.

Kai rejoint alors la résistance et disparaît après la guerre. Fei passe les vingt années suivantes à le rechercher tout en se consacrant à sa carrière de soliste.

La Violoniste triomphe à Annecy 2026 : une première pour un film co-réalisé par un Espagnol

C’est la première fois qu’un film d’animation co-réalisé par un réalisateur espagnol remporte un prix au festival d’Annecy.

Une consécration pour le vétéran Raúl García qui fut le premier spécialiste de l’animation espagnol (et européen) à intégrer, au début des années 1990, les prestigieux studios d’animation Walt Disney  avec lesquels il a notamment travaillé sur d’immenses succès tels que La Belle et la Bête, Aladdin, Le Roi Lion, Le Bossu de Notre-Dame, Hercule ou Pocahontas, avant de réaliser ses propres films d’animation.

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Le projet du film La Violoniste est né de sa rencontre il y a 10 ans avec Ervin Han. Un processus long notamment parce que certaines séquences ont été très compliquées à finaliser, notamment celles où les personnages jouent du violon qui, ont nécessité plus de 18 mois de travail.

« Aucun de nos animateurs ne joue du violon. Ils ont donc dû s’habituer à la façon dont un violoniste tient l’instrument, l’archet et aux mouvements des doigts. Je ne sais pas si l’équipe a envie de revoir un violon de sa vie », confie avec humour le réalisateur singapourien, interrogé par le site spécialisé animationmagazine.net.

La Violoniste était en compétition avec 10 autres longs-métrages, parmi lesquels Carmen, l’oiseau rebelle, déjà présenté à la Quinzaine des Cinéastes au Festival de Cannes en mai dernier. Le film d’animation du réalisateur français Sébastien Laudenbach, librement inspiré de l’œuvre de Georges Bizet, raconte les aventures d’une bande de gamins de Séville prêts à affronter tous les dangers pour éloigner la menace qui plane sur Carmen, jeune femme libre et flamboyante, à laquelle la chanteuse et comédienne Camélia Jordana prête sa voix

Philippe Gault

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Le coquemar, un objet du quotidien que tout le monde possède

Coquemar a figuré dans plusieurs dictées. Tout le monde possède un coquemar sans le savoir. Il s’agit d’une bouilloire à long manche, souvent en fonte ou en cuivre, que l’on pose directement sur le feu. Le mot vient du néerlandais kukmar, signifiant « la jarre qui cuit ». Votre bouilloire électrique posée sur le plan de travail est donc un coquemar, votre cafetière italienne aussi.

Pourquoi Bernard Pivot aimait-il tant ce mot ? Pour les hésitations qu’il provoquait au moment de l’écrire : faut-il un e ou un d à la fin ? La réponse : rien du tout !

La scorsonère, un antidote médiéval qu’on trouve dans les magasins bio

La scorsonère est un légume-racine à la peau noire et à la chair blanche, cousin du salsifis. On la trouve encore sur les marchés de producteurs et dans les paniers de légumes bio.

Le mot vient de l’espagnol scorzonera, lui-même issu de l’ancien catalan escorzo, « la vipère », car on croyait au XVIͤ siècle que cette plante guérissait les morsures de serpents. De quoi avoir envie de remettre au menu cet antidote médiéval.

Le bonheur-du-jour, un meuble qui revient à la mode

Bernard Pivot l’avait placé dans sa dictée de la finale de 1986, et c’est l’un des mots que je trouve absolument magnifiques. Il désigne un meuble, un secrétaire féminin du XVIIIͤ siècle, à tiroirs et casiers, sur lequel les femmes écrivaient leur courrier, et leurs lettres d’amour en particulier, qui représentaient leur bonheur du jour.

Ces meubles font d’ailleurs un retour remarqué dans les intérieurs contemporains : les décorateurs les adorent.

L’astragale, un os du corps humain que les sportifs connaissent bien

L’astragale est à la fois un os du pied, situé entre le talon et le tibia, et une moulure architecturale. En anatomie, c’est l’os qui permet la rotation de la cheville : les sportifs le connaissent bien, hélas, lorsqu’ils se le fracturent.

En architecture, il désigne une moulure en forme de petit tore, c’est-à-dire une moulure en demi-cylindre qui orne les colonnes.

Le havresac, un mot qu’on entend dans le film Autant en emporte le vent !

Le havresac, quant à lui, vient de l’allemand Habersack, littéralement « le sac à avoine » : celui que les soldats portaient sur le dos pour nourrir leur cheval.

Karine Dijoud

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Depuis décembre dernier, on savait que l’édition 2026 des Chorégies d’Orange serait la dernière dirigée par Jean-Louis Grinda, à la tête depuis 10 ans du plus ancien festival français qui se déroule du 19 juin au 18 juillet et dont Radio Classique est le partenaire. Il aura donc fallu six mois à un jury réunissant l’ensemble des partenaires publics de l’événement (Région Sud, État, Département de Vaucluse et Ville d’Orange) pour lui trouver un successeur.

Et c’est à l’unanimité que la décision a été prise de nommer Bruno Messina au poste de directeur du festival provençal. Pour Richard Galy, président de la SPL Chorégies d’Orange « son parcours, la solidité de son expérience de direction, sa connaissance des institutions artistiques et culturelles, sa capacité à fédérer les artistes, les partenaires et les publics constituent des atouts majeurs pour poursuivre le développement des Chorégies ».

Bruno Messina a été commissaire des célébrations nationales du 150ᵉ anniversaire de la disparition d’Hector Berlioz

Il est vrai que le parcours professionnel de Bruno Messina depuis près de 35 ans offre toutes les garanties en matière de compétences et d’expérience que recherchait le Conseil d’administration des Chorégies d’Orange pour assurer la continuité du management d’excellence qui caractérise le festival.

Né à Nice en 1971, Bruno Messina s’est construit un parcours singulier dans le monde de la musique et du spectacle vivant marqué par une attention particulière à la transmission et à la démocratisation culturelle.

Formé au Conservatoire de Nice puis à celui de Paris (CNSMDP), où il étudia la trompette et le jazz, tout en suivant des études supérieures en ethnomusicologie, sciences historiques et philologiques, c’est à partir du début des années 2000 que Bruno Messina est appelé à prendre la direction d’institutions et d’événement culturels.

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On le retrouve ainsi notamment à la tête de la Maison de la Musique de Nanterre (92), de l’établissement public Arts en Isère Dauphiné Alpes (AIDA), au sein duquel il assure la direction générale et artistique du Festival Berlioz à La Côte-Saint-André, lauréat du Trophée Radio Classique en 2022, et du Festival Messiaen au pays de la Meije. Il a également assuré la direction artistique du Festival de Fès (Maroc) des musiques sacrées du monde.

Parallèlement à ses activités de direction artistique, Bruno Messina a enseigné l’ethnomusicologie au CNSMDP, puis l’histoire de la musique, des arts et des civilisations au conservatoire de Lyon. Expert auprès du ministère de la Culture, de la Fondation de France et de nombreuses institutions, iI a été notamment en 2019 commissaire des célébrations nationales du 150ᵉ anniversaire de la disparition d’Hector Berlioz. Également écrivain, il est l’auteur de plusieurs ouvrages publiés chez Actes Sud.

Philippe Gault

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Ecoutez l’épisode des Grands dossiers de l’Histoire en intégralité :

Nous sommes le 21 juin 1940, à Marseille. Cela fait quatre jours que Pétain a appelé à l’armistice. L’armée française est en plein recul face à la progression des troupes allemandes, et Marseille se trouve évidemment loin des différents fronts. Mais de nombreux Français, partis sur les routes de l’exode, se sont massés autour du Vieux-Port.

Depuis quelques jours, la guerre s’est aussi beaucoup rapprochée de Marseille : Mussolini a déclaré la guerre à la France. En ce crépuscule du 21 juin 1940, dix bombardiers italiens surgissent des Alpes pour bombarder la cité phocéenne.

L’incontournable Raimu, fidèle de Pagnol, participe au tournage

Au même moment, à quelques centaines de mètres de là, sur un plateau de cinéma, Marcel Pagnol est en train de tourner son nouveau film, La Fille du puisatier, dans ses propres studios.

Il y a bien entendu l’incontournable Raimu, et Josette Day, la grande star de l’époque, qui se trouve être la nouvelle compagne du réalisateur. Enfin il y a Fernandel, qui doit rentrer chaque soir à la caserne parce qu’il est mobilisé.

Lorsque l’aviation italienne approche du centre-ville, la DCA se met en action. On essaie d’abattre les bombardiers. Dans la bande-son originale, au beau milieu d’une réplique de Fernandel, on entend deux coups de canon de DCA. Une vraie curiosité cinématographique.

Le tournage de La Fille du Puisatier interrompu par les bombes

Le lendemain, néanmoins, devant l’ampleur des dégâts, Pagnol décide d’arrêter le tournage. Il faut fermer les studios, et il ne le fait pas de gaieté de cœur, c’est le moins qu’on puisse dire. Jusqu’alors, il avait tout fait pour continuer, notamment parce que La Fille du puisatier avait une dimension qu’on peut qualifier de patriotique.

Le film raconte l’histoire de Patricia Amoretti, fille d’un puisatier, qui cède aux charmes d’un jeune aviateur, Jacques Mazel, quelques jours avant la mobilisation générale. Elle se retrouve enceinte, délaissée par son père et par la famille Mazel. Elle se retire chez sa tante, où elle apprend la mort du jeune aviateur. Les deux familles finiront par se réconcilier, et à la fin de la guerre, Jacques revient sain et sauf pour épouser Patricia. Le gouvernement français avait largement encouragé Pagnol dans ce tournage qui, en quelque sorte, attisait les ardeurs patriotiques. Mais la capitulation modifie tout.

L’histoire rattrape Marcel Pagnol, qui doit cesser ses tournages

En 1940, Pagnol est déjà une très grande personnalité du cinéma français, et du théâtre aussi. Il a donné Topaze, Marius, Fanny… Sur grand écran, il a littéralement modifié la vision qu’on avait du théâtre filmé. Il a adapté un certain nombre de ses pièces, mais il a aussi écrit des scénarios originaux, comme Merlusse, Le Schpountz ou La Femme du boulanger en 1938, film absolument extraordinaire. Et deux ans plus tard, La Fille du puisatier, qui évoque à nouveau cette Provence inséparable de l’œuvre de Pagnol. Sauf que l’histoire a rattrapé notre cinéaste, qui doit pour le moment cesser son activité.

La France est désormais coupée en deux : au nord et sur toute la façade ouest, se trouve la zone occupée ; au sud-est, la zone libre. En zone occupée, toutes les compagnies de cinéma ont été saisies, et les Allemands ont créé une société de production à capitaux allemands, la fameuse Continental. Il n’y a plus de cinéma français indépendant en zone occupée.

En zone libre, c’est différent. Pagnol peut travailler officiellement, sans subir la censure allemande. Il comprend que c’est une chance et décide très vite de rouvrir les studios et de relancer le tournage de La Fille du puisatier. Il retire quand même quelques scènes trop patriotiques, qui ne seraient pas acceptées en zone occupée.

La Fille du puisatier : une scène a perdu son sens après la guerre

Il y a aussi la pression de Vichy. Le nouveau gouvernement du maréchal Pétain, installé dans cette ville devenue la capitale de la zone libre, veut que les films qui sortent — même en zone libre — soient conformes aux idées du régime : Travail, Famille, Patrie. Pagnol ne modifie pas le scénario pour autant. Il se contente d’ajouter l’appel de Pétain à la capitulation : à l’écran, les figurants écoutent en pleurs autour d’un poste de radio. À la Libération, cette scène sera remplacée par un discours du général de Gaulle, ce qui la rendra complètement incompréhensible !

Vichy n’apprécie pas l’ajout de la scène avec l’appel du maréchal et ses acteurs en pleurs, mais le gouvernement décide néanmoins d’accepter la diffusion du film.

Un triomphe populaire pour le film de Pagnol, une interdiction tardive

La Fille du puisatier sort à la fin de l’année 1940 et c’est un véritable triomphe. On se presse dans les cinémas pour suivre cette histoire des deux familles, cette sorte de Roméo et Juliette provençal et moderne, les Amoretti et les Mazel.

Marcel Pagnol écrit dans ses mémoires :

« Le film eut un très grand succès en zone libre. À Paris, où le succès fut encore plus vif, la censure allemande n’avait rien dit. Mais trois mois après la première, dans la semaine de Noël, au moment où trente copies allaient partir dans les grandes salles du quartier, un ordre arriva de la Kommandantur : le film était interdit. »

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Pourquoi les Allemands interdisent-ils au dernier moment la diffusion en zone occupée ? Parce que Patricia Amoretti, à un moment du film, tente de convaincre les parents de Jacques Mazel que leur fils n’est pas mort pour rien.

Elle prononce alors cette phrase : « Les morts des batailles perdues sont la raison de vivre des vaincus. »

Une formule jugée tendancieuse. La Fille du puisatier sera interdit en zone occupée.

Franck Ferrand

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