Dans cette première édition du festival Image ouverte, The Window travaille en collaboration avec Ludovica Fales et Manuel Pons Romero, respectivement directrice artistique et co-directeur du festival, qui est coordonné par Fany Broussard.

À cette occasion, The Window, fort de ses partenariats, élargit son territoire dans le 10ème arrondissement avec le café O’Gustave et le cinéma l’Archipel. Avec Intimité avec le monde, thème fédérateur de cette année, l’accent est mis sur la dimension pédagogique du regard qui joue un rôle essentiel dans l’apprentissage de ce que l’on voit, de ce que l’on perçoit, de ce que l’on conçoit.  

À cette occasion, artistes, cinéastes, photographes… investiront la rue par la mise en place d’ateliers ouverts à tous. ​

The Window, qui depuis plusieurs années travaille en partenariat avec l’École d’Architecture du Val de Seine ainsi que l’École des Arts Décoratifs de Paris, proposera des restitutions publiques de workshops effectués avec les étudiants.

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Image Ouverte est un festival conçu pour interroger notre rapport aux images, au-delà des cadres narratifs traditionnels. Images cinématographiques qui établissent un dialogue avec d’autres disciplines comme la photographie, la performance, l’illustration, la danse. Le thème imaginé pour cette première année est l’intimité avec le monde, à partir d’une réflexion de la théoricienne bell hooks. La vitrine sera l’espace de connexion entre l’intérieur et l’extérieur, un cadre frontière qui permet une réflexion sur le temps et le changement, un lieu d’ouverture du regard, un écran, une frontière fluide entre le cinéma et les autres disciplines.

Dans la section Société Ouverte, organisée par Stefano Missio et Ludovica Fales, nous nous retrouvons confrontés à la société contemporaine, sans filtre, tabou, mur ou frontière. De l’expérience du Liban contemporain à travers le regard d’une équipe de tournage confrontée à l’explosion dramatique du port de Beyrouth et à la crise que traverse le pays à travers le regard de Cyril Avis, jusqu’à la reconfiguration de l’espace de la Place de la République à Paris sous les yeux d’Ila Béka et Louise Lemoine, du désert de Mauritanie, où un jeune prêtre, évadé de sa paroisse, compare ses désirs inexprimés et ses fantômes dans le film de Catherine Detournay et Paulina Pisarek, au film exploratoire et performatif promenade dans l’Italie sinistrée d’un groupe d’artistes du film d’Arianna Lodeserto, de la Colombie de la pacification, avec toutes les questions complexes et ouvertes du passage de la guérilla à la participation à la société civile dans le film de Rodrigo Vazquez, jusqu’aux histoires sur perte et déplacement à travers les réimaginations des rêves et des souvenirs de la guerre de 1992-93 avec la Géorgie dans les yeux des habitants d’Abkhazie dans le film de Kamila Kuc, ou les visions de Giovanni Cioni, dans son voyage onirique sur les distorsions de la nature humaine à travers une inspection dans le silence de la frontière de Vintimille, entre l’Italie et la France, qui devient un conte de fées fantastique, raconté par un chœur de grenouilles.

La section Expérimentations Ouvertes organisée par Tea Paci, regroupe 11 œuvres d’artistes et de cinéastes dont la vision incarne l’idée même de l’expérimentation en champ ouvert. Nous retrouvons la lutte et la joie d’appartenir à travers le temps, l’espace et les identités. Nous plongeons dans le mystère insaisissable mais incontournable qui se cache au plus profond du monde naturel menacé dans lequel nous vivons, ainsi que dans les angles négligés de nos réalités. Nous redécouvrons le fait de regarder les rituels anciens, les images déjà connues et les modèles récurrents avec un regard renouvelé, pour renverser les perspectives établies.

Dans la section Expérimentations Ouvertes VR, organisée par Elisa Scarpa, en collaboration avec Ennesimo Festival nous accueillons 6 projets de réalité virtuelle choisis pour enquêter sur la relation entre l’être humain et le monde à travers l’écran sphérique des spectateurs. L’expérience carcérale des mères et des enfants se rapproche davantage dans l’œuvre de Rossella Schillaci, dans laquelle les murs des cellules nous entourent et sont peuplés de rêves d’enfants.

La nature immersive du médium est exploitée de deux manières distinctes par Damian Thorn-Hauswirth et Roberto Malfagia : la première crée un poème visuel, tandis que la seconde une expérience de méditation reproduisant le paysage italien.

Nous présentons ensuite la trilogie de Gina Kim consacrée aux lieux d’exploitation sexuelle promus par les États-Unis et la Corée du Sud contre les femmes coréennes contraintes à la prostitution, un travail de couture de la mémoire à un présent qui préfère l’oubli.

Dans la section Ateliers Ouverts organisée par Ludovica Fales et Manuel Pons Romero, se trouvent des ateliers participatifs et interdisciplinaires, à travers lesquels nous croiserons l’expérimentation artistique de la photographie infraordinaire à travers les célèbres promenades de Manuel Pons Romero dans l’espace environnant, l’illustration et sa création avec le cinéma en le travail de Valentina Restivo, le rapport au corps vibrant et sa capacité à créer des images avec Carole Quettier, la cinématographie non humaine du collectif Orto del Mondo, qui nous parlera du travail sur le film collectif que nous verrons et le cinéma onirique de Giovanni Cioni.

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http://www.imageouverte.com


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Autour de la question :
Qu’est-ce qu’un atelier d’artiste ?
Catherine Baÿ invite Thierry Fontaine ( à investir ? Occuper ? Habiter ? Peupler? ) l’espace The window.

Thierry Fontaine inaugure une série d’invitations qui aura lieu chaque année en janvier autour de la question de l’atelier et de son territoire.

De quoi ce territoire est-il peuplé ?
Qu’est-ce qui le détermine ? Et comment l’artiste l’habite-t-il et s’en empare-t-il ?  À mi-chemin entre espace intime et espace public, n’est-ce pas dans cet écart que se développe la création ?

Concernant Thierry Fontaine l’écart ici évoqué entre l’espace intime et l’espace public est d’ordre fusionnel, liant les visions créatives à l’art de vivre.

Catherine Baÿ


Site de Thierry Fontaine :
http://thierry-fontaine.org

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http://thierry-fontaine.org


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Curatrice : Aura Seikkula, avec :

Catherine Baÿ invite à une résidence de 2 mois Aura Seikkula d’octobre à décembre 2023 
Cette invitation ouvre un cycle de résidences proposé chaque année aux mêmes dates à des curatrices, curateurs et groupe de curateurs étrangers.

Le principe de la résidence repose sur la tenue d’un carnet de bord qui chaque jour récoltera ce qui construit la pensée du curateur invité à travers la rencontre d’artistes français et finlandais et des acteurs de la scène culturelle. La vitrine de The Window sera l’espace de leur recherche, leur bureau et leur lieu d’exposition.  
À la fin de leur séjour, une édition du carnet de bord sera réalisée sous forme de fac similé. 

« En tant que performeuse et anthropologue, je m‘intéresse davantage au processus d’élaboration d’une pensée et à son cheminement plutôt qu’à son résultat final. En invitant Aura Seikkula* à The Window et dans le contexte d’un lieu ouvert sur la rue, il s’agit de rendre visible au plus grand nombre ce processus de création que constitue le travail de curateur ».

Catherine Baÿ remercie tout particulièrement Krista Mikkola pour ses éclaircissements, ses conseils et son expérience.

*) La curatrice Aura Seikkula, docteure en philosophie analytique, est une experte internationale en art. Son expertise en tant que commissaire d’exposition ainsi que de conseil en art s’est concentrée sur le développement stratégique de diverses initiatives artistiques internationales.Elle est à l’initiative de nouveaux modèles curatoriaux développés à  l’École d’art Àsìkò en Afrique de l’Ouest, au Curatorial Program for Research aux États-Unis et dans le cadre du programme de maîtrise CuMMA de l’Université Aalto.

Elle a organisé des expositions, des biennales et des événements dans plus de 30 pays, sur six continents. Sa thèse de doctorat en philosophie analytique, intitulée The Curatorial Épistémé, articule intellectualité et sensibilité de l’art dans un contexte contemporain.

Artiste en résidence :

Nastja Säde Rönkkö est une artiste qui travaille sous de multiples formes : vidéo, performance, installation et texte. Son travail cherche la relation entre dès univers virtuels, celui du pouvoir, de l’humain en questionnant le futur de notre planète. Elle est particulièrement intéressée par les notions d’amour, de lenteur, d’affection et se demande comment celles-ci peuvent être, de manière silencieuse, mais radicales, une façon d’être et d’agir sur le monde . Sa pratique qui traite du rêve et du futur, explore la présence à travers la poétique et l’émotion qui s’inscrit directement dans une pensée politique.

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https://www.instagram.com/auraseikkula/
https://www.nastjaronkko.com

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“Chronicles of Continuity » marque la culmination d’une résidence d’artiste de deux mois, une odyssée subtile dans l’interaction complexe entre l’humanité et l’environnement, nichée près du vibrant Passage Brady, affectueusement connu sous le nom de « petite Inde ». Ce lieu unique, qui résonne avec l’histoire des premiers habitants indiens de Paris, m’a incité à me pencher sur l’interaction profonde entre les êtres humains et les environnements qu’ils habitent. Cette exposition témoigne d’une perspective évolutive, qui transcende les frontières géographiques et approfondit le lien profond entre l’homme et la nature.

En tant qu’artiste, mon parcours a été façonné par les questions de migration et de déplacement. Cependant, le temps que j’ai passé dans cette résidence m’a amené à contempler une dimension plus large : la relation complexe entre l’humanité et le monde naturel. Cette jonction entre l’homme et la nature a suscité une quête pour comprendre comment nous influençons notre environnement et, à son tour, comment l’environnement nous façonne. Au cœur de cette exposition se trouve une réflexion profonde sur l’histoire et l’évolution.

Un monumental dessin au fusain figure sur l’un des murs, évoquant les anciennes mers qui enveloppaient autrefois notre planète. L’œuvre évoque la beauté primitive d’un monde dominé par l’eau, nous transportant à une époque où la surface même de la Terre était une toile de poésie aqueuse. Cette représentation de l’éon archéen, une époque qui s’étend sur des milliards d’années, est un hommage au voyage transformateur de notre Terre. C’est une ode visuelle aux océans primordiaux qui ont nourri les origines de la vie et un rappel de notre lien profond avec les rythmes naturels de la planète.

Dans l’installation vidéo, le jardin du Luxembourg apparaît comme un microcosme d’identités diverses. Des enfants s’ébattent au bord d’un étang, guidant des voiliers jouets ornés de couleurs représentant des nations du monde entier. Cette scène ludique reflète le jeu complexe des identités dans notre société mondialisée. En glissant à la surface de l’eau, ces bateaux nous rappellent les identités que nous nous forgeons, traçant des lignes qui nous relient et parfois nous divisent. Au milieu des rires d’enfants, nous entrevoyons les cartes complexes de notre expérience humaine commune.

La photographie capture un moment d’introspection, un personnage, assis sur un tabouret, se tord et se contorsionne dans un effort pour jeter un coup d’œil en arrière – un geste symbolique qui incarne l’acte de rétrospection. Cette réflexion intime reflète notre désir inné de comprendre la trajectoire qui nous a amenés à ce moment. Il montre que nous aussi, nous nous plions et nous nous étirons, cherchant à appréhender la tapisserie de notre existence. Cette image sert de miroir métaphorique, nous invitant à regarder en arrière dans notre propre histoire et dans l’évolution de nos liens les uns avec les autres et avec le monde dans lequel nous vivons. (Sur la photographie : In Kerya.)

Sur le sol, un carré de cailloux de rue raconte une histoire de rencontres partagées. Recueillis au fil du temps au cours d’innombrables promenades dans Paris par Ulysse Massey, un ami parisien, ces cailloux offrent un lien tangible avec la ville elle-même. Ces pierres renferment des histoires de pas, de conversations chuchotées et de moments partagés. Ils reflètent la beauté de la collectivité, l’essence du voyage collectif d’une communauté gravée dans le sol même que nous foulons.

Les œuvres exposées dans le cadre de l’exposition « Chronicles of Continuity » présentent une convergence de perspectives – personnelles et communautaires, historiques et contemporaines – qui évoquent chacune une facette différente de notre existence.

Cette exposition est une exploration, une contemplation et une invitation – une célébration des fils qui nous relient à notre passé, à notre présent et à l’avenir qui ne cesse de se dessiner. À travers le dessin, la photographie, la vidéo et les installations tactiles, je vous invite à me rejoindre dans un voyage à travers le temps et l’espace. Contemplons la danse complexe entre l’humanité et l’environnement, en explorant comment nous façonnons le monde qui nous entoure et comment il nous façonne à son tour.

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https://www.instagram.com/ani.ruddh.a/
https://aniruddhabiswas.com

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The show includes Agony, a veal-sized felted wool sculpture by artist @Noe Leleu . Transnational spinner & craftsgirl @Noé Leleu is a young artist active in the fields of performance, fibre and sculpture. She lives and works between Leipzig and Paris.

Agony, 2022, carded wool and expanded polystyrene with hand-spun ten-ply wool rope, 120 x 60 x 60cm

1000MORCEAUX is an artist collective, founded by Nikita Dedel in 2018.
Formerly based out of Moscow, Russia it has now found its roots in Paris, France. The collective’s main focus lies within
the boundaries of class, fashion, performative arts and manual labour.

Creation of one-of-a-kind garments explores the fields of sustainable and ethical production in the contemporary fashion industry, the relation of clothing and the wearer, the history of fashion intervenes with personal narratives and the topic of cultural decay and memorv 1000MORCEAUX uses found items, archival fabrics and unique sewing techniques to create wearable pieces.

Together with various collaborators trom the felds of contemporarv art, photography and fashion, 1000MORCEAUX strives to create a sustainable and ethical production process that puts the artists and artisans involved on the centre stage Après les @ des personnes impliquées c’est :
@1000morceaux
@noe.leleu
@user.hairypoppins
@1st.encounters
@annateterkina
@leagugler_
@rusyakabulova
@igavaseline
@50shadesofanger
@marianschlicker

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Bienvenus à l’événement performatif à 18h, autour d’un apéritif !

18h – 19 h
KATRIINA HAIKALA 
 » En dessinant une femme dans l’espace public -avec un public rassemblé autour- nous occupons l’espace et devenons visible dans le contexte de l’histoire de l’art « .
L’artiste dessine toujours deux portraits de la même personne . Lorsque le portait est réalisé, chacun(e) en choisi un et part avec ( 10 mn ) site web

20h – 20 h30
LINDA GRANFORS & AURA HAKURI
La nouvelle œuvre du duo performance Linda&Aura, dialogue avec l’espace et le public à travers 2 poupées grandeur nature. 

+ O’ Gustave
(en face, dans la même rue !)
TIINA KETARA
Petits travaux, sculptures de perles de verre


Événement ouvert,
à partager sur facebook :
https://fb.me/e/2ZtMeEzQ4

Bonne année !

 

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https://www.instagram.com/tiinaketara/
https://www.instagram.com/linda_and_aura/
https://www.instagram.com/katriina.haikala/

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Un travail élaboré in-situ, pour cueillir des fragments du réel, dans un parcours qui dessine l’infini et qui interroge notre rapport à l’espace public. Après plusieurs journées d’exploration dans le quartier, accompagné par Catherine Bay, Manel Pons Romero prendra les photos de cette exposition la dernière semaine de septembre, avec une tenue qui réfléchit la lumière. Le but est de donner de la visibilité au processus. Il le fera aussi avec des affiches qui interrogeront les espaces où les images auront été prises. 

LOOP est une invitation à s’arrêter, à fuir la dictature du temps et à prendre du plaisir avec les petites choses que l’accélération de la ville rend souvent invisibles.  

Vous pouvez découvrir son travail sur son site internet: 

https://lalunavinoalafragua.wixsite.com/paris

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Résidence de Marcia Tiburi
Portes ouvertes du 6 octobre au 9 octobre

Depuis juillet 2022 Marcia Tiburi, philosophe, chercheuse, essayiste, romancière, artiste et féministe brésilienne, est en résidence à The Window où elle poursuit ses recherches Allégories de la colonisation qui ont donné lieu à l’exposition Terradorada présentée à la Mairie du Xème jusqu‘au 30 octobre.

Reconnue comme militante pour les droits des minorités et, la liberté d’expression des artistes qui mettent au jour les mécanismes de l’autoritarisme au Brésil, la pratique artistique et philosophique de Marcia Tiburi est traversée par son combat contre le fascisme. Ses dessins, peintures et installations sont directement lié à la mémoire de la dictature militaire (1964-1985) et ses conséquences récentes : le fascisme et l’élection d’un ancien militaire à la présidence du pays. Interrogeant les relations entre l’image et l’écriture, la littérature et la peinture, le dialogue, comme fondement de la culture et de la démocratie, est le thème récurrent de l’oeuvre de Marcia Tiburi.

Restitution, à l’invitation de Catherine Baÿ, directrice artistique de The Window, Marcia Tiburi ouvre les portes de sa résidence du 6 au 9 octobre.

Restitution se veut un temps d’exposition, de rencontres, d’actions et d’échanges entre Marcia Tiburi, Samantha Barroero, Catherine Baÿ, Nossa Editions et le public.

Restitution relance la discussion esthétique et épistémologique entre l’art, la littérature, l’espace urbain et politique.

À cette occasion Marcia Tiburi dédicacera son roman «Sous mes pieds, mon corps» qui vient de paraître en version française aux éditions Nossa.

BIOGRAPHIE DE MARCIA TIBURI

Marcia Tiburi a obtenu sa licence (1991) et son master (1994) de philosophie à l’Université catholique de Rio Grande do Sul (PUC-RS), au Brésil, puis son doctorat de philosophie à l’Université Fédérale de Rio Grande do Sul-UFRGS (1999), où elle a obtenu également un diplôme d’arts visuels (1996). Elle a suivi une formation post-doctorale en art à l’Institut des arts de l’Université de Campinas-Unicamp (2010). Elle a enseigné dans des universités brésiliennes. Pendant des années, elle a participé à plusieurs ateliers de gravure et de peinture, dont celui de Maria Tomaselli à Porto Alegre. En 2006, elle a fait une exposition de ses dessins intitulée Darwinianos à la Galeria Gestual de Porto Alegre. Elle a participé en 2014, à l’exposition Volúpia Construtiva – Prazer e Ordenamento em Desenho sobre Papel – Musée d’Art Contemporaine de Rio Grande do Sul (Brésil), présentant 32 artistes de la collection du Musée, sous le commissariat d’Eduardo Veras. En 2015, elle a publié un premier livre intitulé «Como conversar com um fascista» qui a connu un grand succès au Brésil, et a été traduit en espagnol et en anglais. Il a été le déclencheur d’une campagne de haine contre Marcia Tiburi. Menacée de mort suite à ses dénonciations contre l’avancée du fascisme qui a mené Jair Bolsonaro au pouvoir, elle a dû quitter son pays en 2018 et se réfugier aux Etats-Unis jusqu’en 2019 puis en Europe. Elle est actuellement professeure à l’Université Paris 8, dans le cadre du programme Pause qui accueille des professeurs persécutés dans leur pays d’origine. Elle est rattachée au Laboratoire de Philosophie et au Laboratoire des Arts de l’université.

Depuis son exil politique en 2018, elle s’est consacrée à sa production artistique qui s’est développée en créant des intersections entre son travail théorique, littéraireet visuel. Elle a réalisé «Le Vortex», une œuvre monumentale de 630m2 sur 15 mètres de haut, peinte sur une façade de l’avenue Maréchal Floria- no dans le centre-ville de Sao Paulo, en collaboration avec l’artiste Catarina Gushiken et Fernanda Bueno (Commissaire Kleber Pagu – Expo Brasileires). La même année, le collectif SPAberta a édité 910 copies de sa série sur les généraux tortionnaires de l’époque de la dictature militaire brésilienne. Ces œuvres ont été exposées sur l’avenue Paulista lors d’une manifestation le 12 octobre 2021 contre Bolsonaro. Les œuvres de l’exposition Terradorada présentée à Paris jusqu’au 30 octobre à la Mairie du 10ème ont été créées pendant son exil depuis 2018, ET notamment dans Le cadre de sa résidence à The Window Paris depuis juillet 2022.

Marcia Tiburi a écrit plusieurs livres de philosophie et six romans et enseigne à l’Université Paris 8.

À propos de l’exposition Terradorada :

https://mairie10.paris.fr/pages/terradorada-le-regard-de-marcia-tiburi-sur-le-bresil-a-200-ans-de-son-independance-21739

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Sans Ovide et ses Métamorphoses, on ne saurait sans doute plus rien, aujourd’hui, de Callisto. Les sources grecques du mythe ont été étrangement escamotées. Le poète latin, lui, s’y attarde longuement, plus que pour d’autres mythes qui ont pourtant plus facilement traversé le mur du temps et nourrissent encore notre imaginaire collectif. Callisto, non. Callisto est oubliée. Elle est oubliée alors que chacun peut, sans le savoir, la contempler à la nuit tombée.
Callisto, c’est la Grande Ourse.

C’est parce que ce mythe étonnamment oublié remue des questions vivement actuelles que nous avons voulu porter sur lui un regard à la fois féminin et moderne.

Avant de devenir constellation, Callisto était une nymphe magnifique (ce que son nom annonce en grec: « la plus belle »), amante discrète de Diane, et pour laquelle Jupiter fut foudroyé de désir dès qu’il l’aperçut. Afin de l’approcher, il conçut un plan sans autre exemple dans la mythologie: le gardien de la puissance virile prit les traits de sa propre fille, Diane, parce qu’il avait deviné les tendres sentiments que la nymphe nourrissait pour elle.

S’ensuit un viol singulier. Callisto se laisse d’abord séduire par celui qu’elle croit être Diane, avant de se débattre violemment quand elle comprend que la déesse est un dieu. En vain: personne ne ressort victorieux d’un tel combat contre Jupiter.

Callisto, enceinte des œuvres du dieu, est chassée, quelques mois plus tard, de la troupe de Diane, pour avoir enfreint la règle d’or de la déesse: elle n’est, de toute évidence, plus vierge. Elle accouche peu de temps après d’un fils, Arcas. C’est le moment que choisit Junon, la sœur épouse de Jupiter, pour assouvir sa vengeance: elle métamorphose Callisto en ourse.

Quinze ans plus tard, Arcas, devenu jeune chasseur, tombe sur sa mère. Lui ne voit qu’un fauve effrayant, mais l’ourse semble le reconnaître et veut s’approcher. Il prend peur et s’apprête à la tuer. Jupiter, pour éviter au monde la souillure d’un matricide (dont il serait, de plus, la cause originelle), les métamorphose tous les deux en constellations.

Ovide, dans son récit, est particulièrement sensible au sort de Callisto. Son écriture fait résonner, presque physiquement, la violence de ce que subit la nymphe. On éprouve avec elle la double aliénation, du viol puis de la métamorphose.

Nous avons donc souhaité explorer, en intriquant l’image et l’écriture, dans un geste hybride qui rend hommage aux « métamorphoses », la radicalité de cette plongée dans un corps étranger. En réécrivant le mythe, la question pour nous devenait: comment Callisto, comment la femme peut-elle reprendre possession de son corps et redevenir maîtresse de son destin?

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https://www.facebook.com/events/654578459164367/
https://experiencevirtuelle.com
http://www.veroniquehubert.com

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Pour la 2e année consécutive Catherine Bay invite les élèves de ENSAD à explorer de nouvelles pratiques d’exposition à travers l’espace de The Window et ses environs. Cette année qu’est-ce qu’une exposition collective  ? Résidence-exposition des étudiant.e.s de 4e année de l’ENSAD Paris, option Art-Espace sur une proposition de Kristina Solomoukha

Facebook événement

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https://www.facebook.com/events/1345718452588998



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C’est à l’occasion de sa première exposition à The Window, DiARiO di Walter Boi, dal 17 Marzo 2020…
(présentation d’autoportraits réalisés seul et en isolement durant le premier confinement de la pandémie) que cette série de portraits a spontanément débutée au fil des rencontres et des échanges dans la rue devant la vitrine.

À l’heure de la virtualisation des rencontres, des évènements publics, des expositions et des apéros, The Window et Walter Boï vous invitent à sortir et à les rejoindre pour se rencontrer, donner vie et contribuer au projet In Progress.

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https://www.facebook.com/events/407390587776160/



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La performance de Linda Granfors et Aura Hakuri est inspirée de l’écrivaine Fredrika Runeberg (1807-1879).

Sous le haut patronage de Eva Biaudet, deputé du Parlament finlandais, prix Fredrika Runeberg, 2006, Porvoo.

Informations sur le site de Porvoo
Instagram des artistes linda_and_aura

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https://www.facebook.com/226741200818340/posts/2039989156160193/?d=n
https://www.porvoontriennaali.fi/linda-granfors--aura-hakuri.html
https://www.instagram.com/linda_and_aura/

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PRÉSENTATION

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https://facebook.com/events/1026397958174674/
http://agenda-pointcontemporain.com/evenement/exposition-lire-les-formes-kristina-solomoukha-paolo-codeluppi/


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Catherine Baÿ invite 6 artistes à interroger à travers nos mythes les socles sur lesquels se sont élevées nos civilisations ( de juillet 2021 à juin 2022 ).

Ninar Esber est la première de ses invitées. Après un mois de Résidence elle présente le résultat de ses recherches.

La peinture
Saturne (dévorant l’un de ses fils), 1820-1823 de Francisco de Goya y Lucientes peinte sur les murs de sa salle à manger, dans sa maison Quinta del Sordo, (par la suite transférée sur toile et collection du Musée du Prado), fut le premier choc visuel pictural que j’ai eu. Je devais avoir huit ans. J’étais fascinée par le regard du personnage, je pouvais sentir la pression de la mâchoire et des dents sur la chair.
Cet acte de cannibalisme, cette vision frontale d’une consommation du corps sans tête qui perd son identité et son humanité, résumait parfaitement l’ambiance de guerre civile qui régnait dans ma ville de naissance à cette époque-là.
En effet ce tableau est une parfaite représentation de ce qui se passe au Proche Orient et au Liban en particulier, encore aujourd’hui. Une classe politique dirigeante corrompue, criminelle, qui refuse de ceder le pouvoir et tue tous ceux qui protestent.

La mythologie
Selon la légende, Saturne (Saturne pour les romains et Cronos pour les Grecs), fut le roi des Titans : frère des cyclopes et des géants qui ont précédé les dieux de l’Olympe. Doté d’une force incroyable, affublé d’une faucille (son attribut), Saturne pris le pouvoir en tuant son père Ouranos, en enfermant ses frères et dévorant ses enfants au fur et à mesure de leur naissance. En effet une prophétie (de sa mère Gaïa) l’avait prévenu qu’un jour un de ses enfants le détrônerait et le chasserait du pouvoir.

événement facebook

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Ninar Esber est née à Beyrouth, elle vit et travaille à Paris.

Dans sa pratique artistique elle place le corps au centre d’une pratique tournée vers la performance, la vidéo, la photo et le dessin jouant des notions de répétitions, de simultanéité, parfois d’immobilité et de résistance.

Expositions: 
– Tous des Sangs Mêlés, MacVal, France (2017), 
– A World not Ours, Schwarz Foundation, Grèce (2016), 
– Before our eyes, Other Cartographies of the Rif MACBA Barcelone, Espagne(2014), 
– Experienz # 2 – Materializing the Social, au WIELS – Bruxelles (2013), 
– Newtopia, the State of Human Rights in Mechelen, Belgique (2012), 
– Working for Change, Project for the Moroccan Pavilion at the 54th Venice Biennale (2011), 
– Sentences on the banks and other activities, Darat Al Funun, Jordanie (2010),
– Word into Art: Artists of the Middle East, British Museum (2006).

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La communité des Jardins, Nicolas Guillemin
Il existe près du Fort d’Aubervilliers au Nord de Paris des terres cultivées. Elles sont appelées Jardins ouvriers et familiaux des Vertus, enclave végétale dans un lieu densément minéral, ces lieux accueillent une variété d’espèces ainsi que des pratiques culturales intenses et diversifiées. Une partie du terrain est aujourd’hui menacée par un projet d’aménagement sportif. La mobilisation de jardinier.es, rejoint par nombre de sympathisants et de militants a donné naissance à une JAD (jardins à défendre).

Cette lutte constitue une occurence politique des relations plantes-humains. Défendre ces lieux, c’est se battre pour une certaine forme d’alliance avec les végétaux : la communité des jardins. La communité c’est la qualité des jardins, des plantes, des jardinières.ers de produire du commun. Un commun qui peut être air respirable, légumes partagés, histoire, …

L’exposition aura pour objet de montrer quelques éléments de cette forme de vie et de pensée, à travers des dessins, images des jardins menacés, et des textes issus de leur observation (à retrouver par ici).

Site web : https://mondesheureux.net/la-communite-des-jardins/

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Phytosphère, Agnès Prévost
Agnès Prévost s’inspire des phénomènes physiques et des interactions sensibles qui lient plantes et humains. Pour l’exposition Transmissions végétales #2, elle présente un travail en lien avec la respiration humaine, Phytosphère.

La respiration révèle toute une sphère partagée, un milieu de contact ininterrompu avec les êtres végétaux : l’air. Phytosphère s’intéresse plus particulièrement aux feuilles, ces innombrables surfaces qui exhalent l’oxygène que les animaux respirent grâce au travail des chloroplastes, bactéries garantes de la photosynthèse. Les installations et dessins de l’ensemble Phytosphère rendent hommage à l’activité photosynthétique et au devenir des feuilles. La dimension processuelle et active de la photosynthèse et de la respiration inspire le dessin Phytosphère, qui emprunte à la relation fondamentale entre oxygène et lumière solaire. Ce dessin vaut alors autant pour le processus qui l’a fait naître que pour sa forme finale. Il est un ouvrage éphémère, toujours à refaire. Sa réalisation a été inspirée par des gestes de célébration.

Son site web :
Agnesprevost.com

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A la frontière de la philosophie et de l’art, Vincent Chagot présente son travail comme « une métaphysique appliquée ». Il décrit ses œuvres comme étant des Reliques et des Incarnations, correspondant à des objets qui dévoilent tantôt leur caractère corporel tantôt les principes et idées qu’ils incarnent. Le travail exposé forme un espace silencieux dans lequel sont explorées des notions telles que l’infini, l’existence, le monde…

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