Após revisitar “Seja Para Mim”, clássico do Maneva, DEKO dá continuidade à sua trajetória como intérprete com o lançamento de “Pele Morena”, parceria inédita com Gabriel Elias. A faixa chegou às plataformas nesta quinta-feira (26) e marca o encontro de dois nomes que compartilham mais de dez anos de colaboração musical.

Com composição assinada por DEKO e Isaias Nunes, a canção nasce dentro do universo do Xote e aposta em uma abordagem leve e romântica para retratar o início de um relacionamento, aquele momento em que duas pessoas começam a ocupar os pensamentos uma da outra.

Segundo DEKO, a essência da faixa surgiu de forma espontânea. “Essa é uma canção bem especial. Ela nasceu para ser um Xote e não tinha como ser diferente disso”, afirmou o músico em comunicado de imprensa.

A parceria entre os artistas, no entanto, vai muito além do novo lançamento. Ao longo dos anos, ambos assinaram composições gravadas por nomes importantes da música brasileira, incluindo faixas como “Diferente de Tudo”, de Gabriel Elias com Atitude 67, além de sucessos do Maneva.

Produzida pelo Lunar Estúdios, “Pele Morena” também ganhou videoclipe oficial dirigido por Lucas Ferreira. Assista abaixo!

DEKO e Gabriel Elias – “Pele Morena”

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A cantora paranaense Bárbara Grando lançou nesta sexta-feira (26) o single “SUPERSTAR”, segunda prévia de seu aguardado álbum de estreia, previsto para agosto. Apostando em uma sonoridade Pop pulsante, a artista apresenta uma faixa que fala sobre ambição, autoconfiança e, principalmente, sobre reconhecer o valor do presente.

Produzida pelo coletivo ZUCHINI (conhecido por trabalhos com artistas como Veigh, Matuê e Cynthia Luz), a música combina batidas eletrônicas, sintetizadores e uma atmosfera vibrante para construir o universo sonoro da canção.

“SUPERSTAR” propõe uma reflexão sobre viver o auge no agora. A composição, assinada por Bárbara ao lado de Leto, Guiggow e Gale, gira em torno da ideia de desejar mais sem perder de vista as conquistas já alcançadas. Em comunicado de imprensa, Grando disse:

‘SUPERSTAR’ pra mim é um ato rebelde de satisfação e presença no sucesso que acontece agora. É o meu olhar confiante no futuro, mas que também é muito apaixonado pelo presente.

O lançamento chega acompanhado de um videoclipe dirigido por Mariana Falcão, que traduz visualmente o conceito da faixa e chega em breve.

O single sucede “TUDO DE NOVO” e amplia a expectativa para o primeiro disco da cantora, que promete consolidar sua identidade entre o pop futurista e o autoconhecimento.

Ouça abaixo!

Bárbara Grando – “SUPERSTAR”

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Depois de reunir mais de 50 mil pessoas em festas de rua pela capital paulista, o coletivo Patifaria Popular dá um novo passo em sua trajetória. O projeto lança “Ela Quer Patifaria”, seu primeiro single oficial, e se prepara para uma edição especial na Casa de Cultura do Butantã, nesta sexta-feira (27).

Criada em 2023, a Patifaria Popular construiu sua identidade apostando na mistura de ritmos brasileiros. Em seus eventos, Samba, Pagode, Hip-hop, Forró e Axé dividem o mesmo espaço, com a proposta do coletivo de usar a música como ferramenta de encontro e celebração da cultura popular.

Essa identidade agora ganha também uma dimensão fonográfica com “Ela Quer Patifaria”, faixa produzida pelo duo Los Brasileros. O single representa a estreia oficial do coletivo nas plataformas digitais e antecipa o álbum Crônicas de Um Bom Malandro.

Em pouco mais de dois anos, o grupo realizou 19 edições no Beco da USP, quatro eventos na Casa de Cultura do Butantã e três blocos de Carnaval, além de parcerias com marcas, coletivos e a Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo.

A próxima edição acontece das 14h às 22h, com entrada gratuita, reunindo shows, DJs e diferentes manifestações da música brasileira. Confira o serviço abaixo e ouça “Ela Quer Patifaria” ao fim da matéria.

SERVIÇO – Patifaria Popular: Edição Especial

Data: 27 de junho
Horário: 14h às 22h
Local: Casa de Cultura do Butantã
Endereço: Av. Junta Mizumoto, 13 – Jardim Peri Peri – São Paulo (SP)
Entrada: Gratuita

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O ator Tom Hardy vai lançar um álbum completo de Rap ao lado do grupo CZARFACE em 28 de agosto. Batizado de CZARFACE Meets Frankie Pulitzer, o disco sai pela Silver Age e terá participações de Busta Rhymes, Method Man e El-P.

Antes de estourar em Hollywood com papéis como Bane e Venom, Hardy fazia Rap sob o nome Tommy No 1; nos últimos anos, ressuscitou a persona como Frankie Pulitzer em colaborações pontuais e, agora, vem para seu projeto mais ambicioso na música.

O CZARFACE é formado por Inspectah Deck, do Wu-Tang Clan, e pela dupla 7L & Esoteric. O grupo já carrega credenciais sólidas no underground e agora escala Hardy ao microfone num projeto que mistura a realeza do Hip Hop com a veia lírica do ator britânico.

Quem já tá curioso pra ouvir?

Tom Hardy x CZARFACE: parceria desde 2021

A parceria entre Hardy e CZARFACE começou em 2021, quando o ator apareceu como FacePuller em duas faixas do EP Good Guys, Bad Guys. No ano seguinte, voltou como Frankie Pulitzer no álbum Czarmageddon! e, agora, ganha um disco inteiro dedicado à colaboração.

Na faixa já lançada “Brothers Grimm”, que você ouve logo abaixo, Hardy entrega versos técnicos e violentos, exibindo uma pegada lírica crua do ator que nunca abandonou completamente o Rap mesmo depois de virar estrela de cinema.

Com Busta Rhymes, Method Man e El-P confirmados no tracklist, CZARFACE Meets Frankie Pulitzer promete reunir gerações do Hip Hop num disco que celebra a essência do underground sem abrir mão de nomes pesados.

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Quando se fala na explosão do rock nacional dos Anos 80, é comum que bandas como Titãs, Legião Urbana e Os Paralamas do Sucesso sejam citadas de imediato, mas quem também marcou a história do gênero no Brasil naquela mesma época foi a Blitz.

O grupo carioca liderado por Evandro Mesquita (vocal, violão e gaita), que contou em sua formação clássica com Ricardo Barreto (guitarra), Lobão (bateria), Fernanda Abreu (vocal de apoio), Marcia Bulcão (vocal de apoio), Antônio Pedro Fortuna (baixo) e Billy Forghieri (teclados), conquistou o Brasil mostrando que existia espaço para uma nova linguagem dentro da música nacional.

Depois de terem começado a chamar a atenção no verão de 1982 em shows no Circo Voador, a Blitz lançou em Setembro daquele mesmo ano, através da gravadora EMI, seu disco de estreia. As Aventuras da Blitz rapidamente se tornou uma obra de destaque no mercado fonográfico brasileiro ao combinar rock, humor e linguagem teatral.

Impulsionado pelo sucesso gigantesco de “Você Não Soube Me Amar”, o disco, que uniu influências da new wave com elementos da música brasileira, vendeu mais de 100 mil cópias e transformou Evandro Mesquita, Fernanda Abreu e companhia em rostos conhecidos em todo o Brasil.

Agora, mais de quatro décadas depois do seu lançamento, a banda carioca e seu primeiro álbum de estúdio voltam a ser celebrados em um show comemorativo que irá integrar a programação do C6 no Rock.

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O disco da Blitz que transformou o cotidiano em canções e enfrentou a censura

Enquanto boa parte da música brasileira dos Anos 80 apostava em letras poéticas ou em versos mais contestadores, a Blitz construía pequenas cenas do cotidiano em suas canções, apresentando um som mais descontraído e acessível ao público.

Para além do hit já mencionado, essa atmosfera ficou evidente em faixas como “Ela Quer Morar Comigo” e “O Romance da Universitária Otária”, que serviam como um retrato urbano e jovem, muito alinhado ao desejo de liberdade de uma geração que começava a enxergar os últimos anos da ditadura militar.

A própria identidade visual do álbum reforçava essa proposta. Criada por Gringo Cardia e Luiz Stein, a capa transformava os integrantes do grupo em personagens de uma história em quadrinhos, com figurinos recortados e colados manualmente sobre fotografia. Já a fonte no nome do disco foi inspirada nos gibis dos X-Men, e o título escolhido também reforçava a referência aos quadrinhos.

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Apesar do tom bem-humorado, As Aventuras da Blitz também se tornou símbolo de resistência em um período no qual a liberdade artística ainda encontrava obstáculos. Pouco antes do seu lançamento, as faixas “Cruel, Cruel Esquizofrenético Blues” e “Ela Foi Morar Comigo na Lua” foram vetadas pelo DCDP – Divisão de Censura de Diversões Públicas.

Expressões consideradas inadequadas e duplos sentidos presentes nas letras foram suficientes para que as músicas fossem proibidas. A grande questão é que a banda já havia produzido 30 mil cópias do vinil e a solução encontrada pela banda e pela gravadora foi riscar manualmente todos os discos para cumprir a exigência do governo.

Neste período, diversos outros músicos brasileiros também foram alvo de censura, incluindo desde ídolos da MPB como Chico Buarque e Caetano Veloso até lendas do Rock como Legião Urbana, Capital Inicial e mais.

Somente anos mais tarde, as músicas censuradas da Blitz foram incluídas na reedição do disco em formato de CD.

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As Aventuras da Blitz será celebrado no C6 no Rock

Por sua relevância histórica dentro da cena musical brasileira, a Blitz foi convocada para integrar a programação da Discoteca Básica, um dos pilares do novo festival C6 no Rock.

A proposta do evento, que acontece nos dias 22 e 23 de agosto no Parque Ibirapuera, em São Paulo, é revisitar álbuns fundamentais dos anos 80 com apresentações na íntegra e participação de integrantes das formações originais.

No caso da Blitz, além de Evandro Mesquita liderando o show que irá celebrar o álbum As Aventuras da Blitz, a banda ainda contará com a participação especial de Fernanda Abreu, que iniciou sua trajetória artística no grupo antes de construir uma carreira solo de enorme sucesso.

Para não perder essa apresentação histórica, garanta seu ingresso para o C6 no Rock clicando aqui!

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Carlinhos Brown e a Orquestra Ouro Preto lançaram neste dia 26 de junho o segundo volume de Afrossinfonicidade, projeto gravado ao vivo na Concha Acústica do Teatro Castro Alves, em Salvador, que aproxima a percussão afro-brasileira da linguagem sinfônica.

A primeira parte do álbum já está disponível nas plataformas e reúne releituras de músicas como “Segue o Seco”, “Frases Ventias”, “Argila”, “Maria de Verdade”, “Magamalabares” e “Muito Obrigado Axé”.

Agora, o Volume 2 amplia o repertório com canções que atravessaram diferentes fases da obra de Brown, incluindo “Vilarejo”, “Velha Infância”, “Amor I Love You”, “E.C.T.”, “Já Sei Namorar” e “A Namorada”. O lançamento também será acompanhado pelo audiovisual completo do show.

O TMDQA! conversou com Carlinhos Brown e o maestro Rodrigo Toffolo sobre o resultado da mistura das diferentes sonoridades.

[Continua após o vídeo]

A Afrossinfonicidade de Brown

Carlinhos Brown passou a carreira tratando o ritmo como matéria viva. Compositor, cantor, percussionista, produtor, criador da Timbalada, integrante dos Tribalistas e autor de uma obra que circula por lugares muito diferentes da música brasileira.

Alfabetizado somente aos 14 anos, o verborrágico mestre do Candeal aprendeu o abecedário do ritmo muito antes de ser ensinado o dialeto português brasileiro, como mostra de forma didática este trecho do documentário “O Milagre do Candeal”, de 2004.

Autor de mais de 908 músicas registradas pelo Ecad (entidade brasileira responsável pela arrecadação e distribuição dos direitos autorais das músicas), Carlinhos explicou:

Ter no corpo é também ter o princípio de educação musical e formação nas comunidades nas quais são carentes de instrumentação ou instrumentalização, que são caras. Então, a gente tem que apresentar folhas, com latas, com balcões, com o capô de algum carro antigo que você possa fazer. E isso não é nenhum demérito, isso te leva a outras oportunidades de ouvir“.

Em seu cardápio, estão composições gravadas por nomes como Marisa Monte, Maria Bethânia, Tribalistas e outros artistas centrais da MPB, além de “Ratamahatta”, faixa do Sepultura lançada em 1996 no álbum Roots, em que Brown aparece entre os compositores.

Essa amplitude ajuda a entender Afrossinfonicidade. O projeto não parte da ideia de que a música popular precisa ser elevada por uma orquestra. O caminho é outro: Brown e a Orquestra Ouro Preto mostram como tambor, cordas, voz, berimbau, corpo, rua, igreja, terreiro e palco sempre estiveram mais próximos do que certas divisões musicais sugerem.

“Quando eu cheguei na Orquestra Ouro Preto, foi como ter chegado à Academia”

Para Brown, o encontro com a Orquestra Ouro Preto deu forma a uma ambição antiga: fazer sua obra soar de maneira mais ampla, com o peso coletivo de uma formação sinfônica, mas sem perder a origem percussiva.

Quando eu cheguei na Orquestra Ouro Preto, foi como ter chegado à Academia. Foi uma pós-graduação, porque o meu pensamento é sinfônico. Quando eu organizo percussões grandes, eu penso sinfonicamente, embora seja idiofone, não sinfônico, mas há um tipo de melodia.”

O artista também falou sobre a importância de ouvir sua obra fora da moldura mais imediatamente associada ao carnaval e à música baiana de massa. Brown não nega essa dimensão festiva, mas recusa que ela seja a única leitura possível para sua música.

Eu lutei muito para encontrar um espaço que não fosse apenas dentro de uma visão carnavalística, que são sete dias. Eu, como cancioneiro, estou à disposição desta canção, deste feito, e busco um salto na música popular.”

Esse salto aparece em músicas como “Frases Ventias”, originalmente lançada em “Alfagamabetizado”, álbum de Brown que completa 30 anos em 2026. Na nova versão, a canção ganha uma moldura que aproxima Bahia, Minas, religiosidade popular e memória barroca. Brown diz que a faixa ganhou, com a orquestra, uma dimensão que parecia estar esperando há décadas.

Depois de 30 anos que ‘Alfagamabetizado’ faz, eu encontrei a finalização do álbum. Quando eu falo isso, as pessoas falam: como a finalização do álbum? Porque a frase que se vencia no ‘Alfagamabetizado’ está incompleta, está incompleta como letra. Ela era para ter uma orquestra assim e só vem encontrar uma orquestra 30 anos depois.”

A partitura em branco

Um dos pontos mais fortes da conversa com Brown e Rodrigo Toffolo está na ideia de risco. Afrossinfonicidade é um projeto muito ensaiado, com arranjos definidos, mas também guarda momentos em que a música sai do controle absoluto da partitura. Brown contou, pela primeira vez, que há trechos em que a página fica em branco e a condução passa a depender do olhar, do ouvido e da confiança entre os músicos.

Tem um momento que é em branco. A partitura fica em branco. É no olhar, né, maestro? Aí eu olho para ele e digo: agora vou para onde? Aí ele puxa, conta. Todo mundo vai. Ou seja, tem um ouvido. Então, de um certo modo, o maestro escuta para o público.”

Para Rodrigo Toffolo, esse ponto de encontro entre o controle da orquestra e a liberdade da música popular é a chave do projeto.

Eu costumo falar que a música erudita não pode ser tão quadrada e a música popular não pode ser tão solta. A gente coloca a música mais popular dentro de uns limites e abre um pouco os limites da música erudita. Então a gente encontra um ponto de interseção. A erudita fica um pouco mais livre e a música popular fica um pouco mais presa.”

O maestro também explicou como a sintonia com Brown permite que esses momentos funcionem ao vivo.

Quando você sai do controle e olha para o seu lado e o Carlinhos Brown está de pé, você se sente seguro novamente. É um descontrole, porque a sintonia é muito boa. A gente está numa sintonia musical única. Quando a gente se olha e sabe a hora de entrar, a gente sabe o que tem que fazer, que tem que segurar. A música acontece muito no ouvido, mas acontece muito no olhar também.”

“Cadê as outras mãos e as outras almas?”

O lançamento de Afrossinfonicidade também chega em um momento em que orquestras brasileiras enfrentam sinais concretos de fragilidade, mas seguem existindo, resistindo e fazendo parte da manutenção da cultura e educação.

Em Minas Gerais, músicos denunciaram remunerações insuficientes, déficit no quadro da orquestra e a necessidade de completar a renda fora dos palcos. Em São Paulo, a Orquestra Sinfônica de Santo Amaro interrompeu atividades após o fim da parceria com a Prefeitura, deixando dezenas de profissionais sem salário.

A inteligência ancestral atravessa os tempos. Num momento em que as novas mídias propõem ao homem uma realidade ilusória, manufaturada, o coletivo se reúne para dizer: estamos aqui. Essa linguagem econômica que se apoderou do músico, somada a vieses políticos de controle da estética, tem nos levado a atrasos de cachês, a lugares que não respeitam o artista e a uma espécie de dúvida do próprio público. Ficou muito difícil para os músicos. […] Acredito que estamos buscando novos caminhos para lidar com situações diferentes. Aqui, tanto o maestro quanto eu seguimos lutando pelo melhor, para que as pessoas estejam melhores e mais confortáveis naquilo que fazem.”

Brown ainda faz uma defesa importante: a orquestra não pode virar apenas um efeito bonito, uma camada digital ou uma simulação de grandiosidade.

Hoje você chega no estúdio, mete a mão no teclado e tem um som de orquestra lá. Aí eu faço uma pergunta: tem a alma da sua mão, mas cadê as outras mãos e as outras almas? Elas faltam.”

É por isso que o registro ao vivo importa. A gravação na Concha Acústica preserva a resposta do público, os encontros de olhar, os ajustes entre os músicos e a sensação de que a música está sendo construída ali, diante de todo mundo. Brown também usa o projeto para afirmar uma dimensão muitas vezes reduzida na leitura da percussão popular brasileira. Para ele, a música baiana não pode ser lida apenas como entretenimento de festa.

Nós não somos apenas animadores de festa. Nós temos responsabilidades. Porque isso é uma cadência que se estuda, que é milenar, que existem técnicas e tecnologias milenares para isso se apresentar.”

Canções conhecidas, outro corpo sonoro

O Volume 2 de Afrossinfonicidade deve chamar atenção por trazer algumas das canções mais conhecidas de Brown em novas versões. É o caso de “Vilarejo”, “Velha Infância”, “Amor I Love You”, “E.C.T.”, “Já Sei Namorar” e “A Namorada”.

São músicas que já têm vida própria na memória afetiva do público. Algumas ficaram profundamente associadas às vozes de Marisa Monte e dos Tribalistas. Brown sabe disso e falou sobre essa relação com humor e reverência.

Música que Marisa canta, eu apenas menciono. Deixe claro: música que Marisa canta, eu apenas menciono. Não importa que eu seja autor de ‘Maria de Verdade’, ‘Segue o Seco’, ‘Magamalabares’. Para mim, quando ela põe a voz, ela vira, na hora, parceira, porque ela encontra outros caminhos.”

Em Afrossinfonicidade, Brown não tenta substituir essas versões. Ele volta às composições como quem revela outra camada. A canção continua reconhecível, mas muda de corpo. O que antes podia estar concentrado na voz, no violão ou na memória pop ganha expansão orquestral, percussiva e coletiva.

Entre Salvador e Ouro Preto

O primeiro encontro entre Carlinhos Brown e a Orquestra Ouro Preto aconteceu em 2024, em um concerto aberto na Avenida Paulista, em São Paulo. Depois, o projeto passou por Salvador, Rio de Janeiro, Belo Horizonte e Ouro Preto, até chegar ao registro ao vivo na Concha Acústica do Teatro Castro Alves. Um encontro de linguagens que já pareciam destinadas a caminhar juntas.

‘Afrossinfonicidade’ é um encontro de linguagens que sempre estiveram destinadas a caminhar juntas. O tambor já nasce sinfônico porque organiza pessoas, emoções e memórias. Quando a Orquestra Ouro Preto abraça essa pulsação, nasce uma música que celebra o Brasil em toda a sua grandeza. Gravar esse trabalho ao vivo era fundamental, porque existe uma energia acontecendo ali que não cabe apenas na partitura ou no estúdio. O público canta, responde, vibra. O projeto nasceu para ser vivido de forma coletiva.”

Rodrigo Toffolo também enxerga o álbum a partir da relação simbólica entre as cidades que sustentam o projeto.

O disco retrata um encontro profundamente ligado às relações culturais entre Ouro Preto e Salvador, duas cidades fundamentais na formação do Brasil e carregadas de identidade e brasilidade. Quando as cordas da Orquestra Ouro Preto se encontram com a percussão e a força criativa de Brown, criamos uma experiência sonora singular, potente e surpreendente.”

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A banda The Hives lançou nesta semana o The Hives Live in Latin America, documentário que registra a passagem impactante da banda pela América Latina durante a turnê de divulgação do álbum de 2025 The Hives Forever Forever The Hives.

Filmado entre Janeiro e Fevereiro de 2026, o longa reúne apresentações ao vivo, bastidores e momentos descontraídos da rotina do grupo em países como Peru, Colômbia, Chile, Brasil, Argentina e México.

Mais do que um registro de shows, o documentário destaca a forte conexão construída entre o quinteto sueco e o público latino-americano, e ainda retrata uma fase em que o The Hives ampliou sua presença na região, seja em apresentações solo com ingressos esgotados ou como convidada especial do My Chemical Romance, em uma turnê que atraiu mais de 400 mil pessoas no total.

The Hives lança documentário com registros feitos no Brasil

Para a felicidade dos fãs brasileiros, o país ganha um momento de destaque na produção com a performance de “Tick Tick Boom” que foi gravada no Allianz Parque, durante a passagem da banda em São Paulo.

A faixa em questão é uma das mais emblemáticas do repertório da banda, e há anos se estabeleceu como um dos momentos mais intensos dos shows do grupo conhecido por provocar uma reação imediata e explosiva do público em qualquer lugar do mundo.

Além do registro no Brasil, The Hives Live in Latin America reúne performances de “Enough Is Enough”, em Lima; “Hate to Say I Told You So”, em Bogotá e Buenos Aires; “Come On!”, em Santiago; e “Bogus Operandi”, na Cidade do México, oferecendo uma visão geral da turnê.

Formado em Fagersta, na Suécia, o The Hives ganhou projeção internacional com o álbum Veni Vidi Vicious (2000), que apresentou ao mundo o hit “Hate to Say I Told You So”. Ao longo de mais de duas décadas, o grupo construiu uma identidade baseada em composições diretas e estética visual marcante, elementos que continuam a atrair novas gerações de fãs.

Assista ao documentário na íntegra no player abaixo ou por aqui.

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Com mais de 60 anos de carreira, Mick Jagger demonstrou recentemente que continua atento ao que acontece na cena atual da música.

Em uma nova entrevista à GQ, o líder dos Rolling Stones revelou que uma das bandas que tem chamado sua atenção é o Geese, grupo de Rock Alternativo formado no Brooklyn, em Nova York, e apontado como uma das promessas da nova geração.

Com o entrevistador refletindo sobre o retorno do Rock ao mainstream, Jagger foi questionado se conhecia o Geese. O músico veterano respondeu positivamente, elogiando a sonoridade da banda:

Geese, todo mundo está falando deles. Eles são muito experimentais, de verdade. Quer dizer, para uma banda de Rock. Eu gostei bastante. Ouvi falar muito sobre eles, e assim que o disco [‘Getting Killed’] saiu, eu esperava algo mais indie. Não esperava que fosse tão experimental, mas admiro isso.”

O reconhecimento de Mick Jagger amplia a lista de admiradores ilustres do Geese, que já inclui nomes como Nick Cave, Patti Smith, Jack White e Courtney Love. A banda nova-iorquina vem ganhando destaque justamente pela mistura de Rock Alternativo com abordagens experimentais, como foi apontado pelo líder dos Stones.

Além do Geese, Jagger também revelou que tem acompanhado outros artistas contemporâneos, citando ROSALÍA como uma das cantoras que tem admirado:

Também há muitas cantoras talentosas que se destacaram recentemente. Veja o álbum da ROSALÍA [‘Lux’]. Foi algo realmente conceitual, muito interessante. E ela conseguiu realizar um ótimo trabalho, e eu a admiro muito por isso.”

Novo disco de Mick Jagger com os Rolling Stones

Enquanto acompanha a nova geração de artistas, Mick Jagger e seus companheiros de longa data estão prestes a lançar seu 25º disco de estúdio, Foreign Tongues, previsto para ser disponibilizado no dia 10 de Julho.

Antecipando o novo trabalho, os Rolling Stones lançaram nesta semana os singles “Jealous Lover”, com participação de Steve Winwood e videoclipe estrelado por Anya Taylor-Joy e Charles Melton, e “Divine Intervention”, que traz Robert Smith, do The Cure, nos vocais e apresenta um refrão impactante. Ouça aqui.

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Phoebe Bridgers lançou “Lost Boys”, o single principal de Lost Weekend, seu recém-anunciado primeiro álbum em seis anos. Aqui, a cantora de 31 anos apresenta um lado diferente, mais animado, mais humorístico e mais Pop que os trabalhos anteriores.

A faixa deixa de lado as construções teatrais e melancólicas que marcaram discos como Punisher e adota uma estrutura simples de verso-refrão-verso, e o resultado é uma canção direta que mantém como principal característica de Bridgers as letras extremamente detalhadas.

Veja o clipe ao final da matéria!

Detalhes visuais e relacionamentos destrutivos

A letra de “Lost Boys” traz imagens específicas de um relacionamento marcado por episódios impulsivos. Em um dos versos, Bridgers canta:

Aquela vez em Berlim Oriental quando você teve um acesso de raiva com um 57 e quebrou uma costela. Você me disse que queria estar morto, mas eu não acredito nisso”.

O ’57’ mencionado é o microfone Shure SM57, equipamento profissional que virou parte de um incidente relatado pela cantora com a letra propositalmente deixando no ar a possibilidade de se tratar de algo mais grave, como um armamento.

Já o refrão de “Lost Boys” mira diretamente homens que se recusam a crescer:

Garotos perdidos / Nunca crescem, nunca envelhecem/ Garotos perdidos/ Nunca gastam seu dinheiro do almoço”

Enquanto faixas anteriores como “Motion Sickness” e “Kyoto” exploravam arranjos mais elaborados e momentos de introspecção prolongada, “Lost Boys” aposta na economia, com um lado mais Pop que aproxima Bridgers de artistas como Sabrina Carpenter, sem abandonar completamente as raízes no folk.

Vale lembrar que Lost Weekend marca o retorno de Phoebe Bridgers depois de seis anos sem lançar um álbum completo.

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Um vídeo produzido com inteligência artificial chamou a atenção nas redes sociais ao transformar o aguardado confronto entre França e Noruega, que acontecerá nesta sexta-feira (26) pela terceira e última rodada da primeira fase da Copa do Mundo 2026, em uma batalha épica inspirada nos animes e na fantasia medieval.

A produção, como você pode ver na publicação ao final da matéria, recria os principais jogadores das duas seleções como personagens de uma grande saga, utilizando efeitos visuais cinematográficos. Na obra, o atacante francês Kylian Mbappé aparece liderando um exército de cavaleiros em um reino medieval, enquanto o norueguês Erling Haaland é retratado como um gigantesco guerreiro viking avançando por um cenário coberto por névoa.

A narrativa abandona o realismo esportivo para explorar uma representação mítica do duelo entre dois dos principais nomes da nova geração do futebol mundial. A criação faz referência ao debate que, nos últimos anos, mobilizou torcedores sobre quem assumiria o protagonismo do futebol após a era marcada por Lionel Messi, da Argentina, e Cristiano Ronaldo, de Portugal.

Anime criado por IA usou o duelo entre França e Noruega pela Copa do Mundo como narrativa

Em vez de retratar apenas uma partida, o vídeo apresenta o encontro entre Mbappé e Haaland como o capítulo decisivo de uma grande aventura, com estética inspirada em produções japonesas de animação.

O resultado combina recursos de inteligência artificial, computação gráfica e linguagem cinematográfica para transformar um evento esportivo em narrativa de fantasia, evidenciando como tais ferramentas vêm sendo utilizadas por criadores de conteúdo para produzir novas formas de entretenimento e engajamento nas redes sociais.

A publicação também convida o público a participar da discussão, perguntando qual dos dois craques levaria a melhor nessa batalha fictícia: Mbappé ou Haaland. Uma pena que, poucas horas antes do início do confronto, a seleção norueguesa informou que entrará em campo com seu time reserva, sem Haaland entre os titulares.

Será que ele pode sair do banco e entrar no segundo tempo?

Icônicos!

Olivia Rodrigo elege os melhores discos de estreia da história

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