Quase 25 anos depois de transformar “The Game Of Love” em um sucesso mundial ao lado de Carlos Santana, a cantora Michelle Branch revisitou o hit que marcou sua carreira em nova versão ao lado de seu compositor e intérprete original Gregg Alexander, líder do New Radicals.

Como você pode perceber ao final da matéria, a regravação resgatou a essência da demo produzida antes da faixa se tornar um dos maiores sucessos dos anos 2000. Naquele momento, Alexander começava a deixar os holofotes para construir sua bem-sucedida carreira como produtor nos bastidores.

Utilizando o pseudônimo Alex Ander, Gregg gravou a demo com seus próprios vocais e a versão chegou a ser considerada para integrar o disco Shaman, lançado por Santana em 2002. No entanto, Clive Davis acreditava que a música teria maior potencial comercial se fosse interpretada por uma voz feminina, dando início a uma busca pela cantora ideal.

Tina Turner e Macy Gray gravaram hit de Santana antes de Michelle Branch

A primeira artista a gravar “The Game Of Love” foi a saudosa Tina Turner. Embora sua versão tenha agradado, a lendária artista não demonstrou interesse em promovê-la com um clipe, o que inviabilizou seu lançamento como single. A gravação de Tina seria disponibilizada apenas anos depois, em uma reedição do álbum.

Em seguida, Macy Gray, que vivia um dos momentos mais bem-sucedidos de sua carreira, também registrou sua interpretação da música, mas Davis não ficou satisfeito com o resultado. A escolha definitiva, então, recaiu sobre Michelle Branch, uma das revelações do Pop Rock americano na época.

Quase um quarto de século depois, a história da música ganhou um novo capítulo com o anúncio de Everywhere And Back Again, EP em que Michelle revisita momentos marcantes de sua carreira e tem a nova versão de “The Game Of Love” como primeiro single.

Desta vez, ela divide os vocais com Gregg Alexander, que também assina a produção da nova gravação. A releitura abandona os famosos solos de guitarra de Carlos Santana para se aproximar da concepção original da canção.

Em comunicado à imprensa, Branch comentou o significado especial do reencontro (via Stereogum):

‘The Game Of Love’ tem sido uma canção muito especial na minha vida, viabilizada por um dos meus heróis musicais, Gregg Alexander, do New Radicals. Muita gente não sabe que foi o Gregg quem compôs ‘The Game Of Love’; poder cantar essa música com ele é um momento que fecha um ciclo com perfeição e resgata o espírito original da demo.”

Gregg Alexander também relembrou a trajetória da música e prestou homenagem a Clive Davis:

Michelle é reconhecida por inspirar tantos artistas e é uma das pessoas mais gentis com quem já trabalhei. Clive Davis, que foi nosso mentor em diversos momentos, levou ícones como Tina Turner e Macy Gray ao estúdio em 2001 para ‘testar’ a música ‘The Game Of Love’. No entanto, Clive imaginava uma voz totalmente nova para interpretar minha letra e melodia, que carregavam uma inocência idealista. Então, quando Michelle, na época com 19 anos, chegou e entregou uma performance vocal de cair o queixo em um único take, acabamos ganhando um Grammy um ano depois.”

Ouça as duas versões de “The Game of Love” logo abaixo!

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Jorge Jesus, atual técnico da Seleção de Portugal e conhecido por sua emblemática passagem pelo Flamengo em 2019 e 2020, compartilhou recentemente um acontecimento curioso envolvendo 50 Cent.

Ao participar do podcast Alta Definição, um programa da SIC, Jorge foi incentivado pelo apresentador Daniel Oliveira a relembrar o dia em que ele fez o rapper norte-americano interromper um ensaio.

O caso aconteceu na época em que Jesus era o treinador do Belenenses e, durante um treino da equipe no Estádio do Restelo, 50 Cent estava ensaiando para um show que seria realizado no mesmo local.

O dia em que Jorge Jesus mandou 50 Cent parar um ensaio para treinar seu time

Em um relato bem-humorado, Jesus contou que entrou em campo e exigiu que o ensaio fosse encerrado imediatamente para que ele conseguisse treinar seu time:

Eu acabei com o ensaio. Ele estava ensaiando e eu entrei no campo, aquele barulho todo. ‘Isso tudo fora daqui’. ‘Isso é impossível. Pagamos cachê’. Era uma banda muito conhecida né. ‘Impossível’. ‘Fora daqui’.”

O treinador afirmou que chegou a ir até o palco para reforçar a ordem e garantiu que não voltou atrás:

Eu cheguei ao pé do palco. Mandei tirar… e eu senti que ele se sentiu um pouco humilhado. ‘Quem é esse cara que está me mandando ir embora?’. Ele foi embora e não houve ensaio.”

O ex-jogador português Jorge Manuel Rebelo Fernandes, conhecido como Silas, também comentou sobre esse episódio certa vez:

O Mister queria se fazer ouvir, mas com o barulho que eles faziam era impossível. Então, Mister começa aos gritos com 50 Cent para que ele parasse de ensaiar… Foi mais ou menos assim: ‘Ô, para essa merda!’, e 50 Cent, que não entendia nada do que ele estava dizendo, continuava cantando… e Jorge Jesus continuava gritando. Foi realmente muito engraçado.”

Já imaginou essa cena? Confira o relato de Jorge Jesus na publicação abaixo e relembre um dos grandes sucessos do 50 Cent em seguida!

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O produtor e DJ americano Madlib voltou a ter sua relação com o Brasil destacada em uma publicação do perfil FRAIM, que reuniu relatos sobre a influência das viagens do artista ao país durante a produção do clássico álbum Madvillainy, lançado pela dupla de Rap Madvillain em 2004.

O duo era formado por Madlib ao lado do rapper britânico MF DOOM e o disco rendeu singles como “Rhinestone Cowboy”, cujo clipe você pode assistir ao final da matéria. Como lembrou a publicação, a primeira visita de Madlib ao Brasil aconteceu em 2002, enquanto ele trabalhava no material.

Durante a estadia, o produtor mergulhou na cena musical brasileira, pesquisando discos e conhecendo músicos locais, sempre incorporando novas referências ao seu processo criativo. Um dos trechos reproduzidos pela postagem traz uma declaração atribuída a Madlib, originalmente publicada pela Scratch Magazine. Nela, o produtor afirmou que canções como “Raid” foram produzidas em seu quarto de hotel durante a viagem:

Fiz a maior parte do álbum ‘Madvillainy’ no Brasil. Faixas como ‘Raid’ foram produzidas no meu quarto de hotel usando um toca-discos portátil, uma Boss SP-303 e um pequeno gravador de fita. Gravei tudo em fita, voltei para casa, passei para CD e o [MF] DOOM transformou aquilo em música.”

Madlib revelou que viagens ao Brasil mudaram sua vida

Outro trecho da publicação mencionou que, durante suas viagens, Madlib se encontrou com J Dilla, J.Rocc e Derf Reklaw, além da equipe Mochilla, que documentou parte da viagem. O conteúdo cita ainda o documentário Brasilintime (2007), que registra a passagem do produtor por São Paulo, mostrando sua conexão com músicos locais e a gravação de mixtapes utilizando a sampler SP-303.

A experiência reformulou diretamente a abordagem de Madlib em relação ao som e culminou em Flight to Brazil, segundo volume da série “Medicine Show” que representa uma jornada de 80 minutos por três ou quatro décadas de Funk brasileiro, Rock Psicodélico, Rock Progressivo e Jazz. De acordo com a Red Bull Music Academy, Madlib afirmou:

É, aquilo mudou a minha vida. Comprei três caixas de discos. Na verdade, foi na primeira vez que fui lá. Duas caixas não chegaram de volta aos EUA.”

Quem vem ao Brasil sempre vive uma experiência diferenciada, né?

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A Academia da Berlinda chega ao Doce Maravilha com o show de dez anos de Nada Sem Ela, mas o disco é só o ponto de partida. Ao lado de Louise, cantora filha de Chico Science, que participou da faixa “Dorival”, a banda pernambucana leva ao palco um som contagiante formado por cumbia, ritmos latinos e percussão.

A apresentação “10 Anos de Nada Sem Ela com Louise” está prevista para domingo, 9 de agosto, no Jockey Club Brasileiro, no Rio de Janeiro. No mesmo dia, o festival recebe Caetano Veloso convidando Emicida, Os Paralamas do Sucesso com o show de 40 anos de Selvagem?, Sandra de Sá retomando o álbum Sandra Sá, de 1986, Falamansa com Ruan Vitor Vaqueirinho e a Nova Orquestra tocando Bloco do Eu Sozinho.

Dentro de uma programação marcada por encontros e discos revisitados, a Academia da Berlinda ocupa outro lugar da música brasileira. O grupo parte de Olinda, passa por Recife, pelo baile, pelo rádio antigo e por uma vivência ligada a maracatu, coco, ciranda, forró, cavalo-marinho e uma herança do Manguebeat.

Ao TMDQA!, Tiné, vocalista, e Louise falaram sobre a força de um repertório que ainda faz o público dançar e chorar.

O disco que testou a linguagem da banda

Para a Academia da Berlinda, Nada Sem Ela não é apenas um disco que completa dez anos. O álbum, lançado em 2016, marcou o momento em que a banda precisou responder ao próprio crescimento. Antes dele, Olindance havia ampliado a circulação do grupo para além de Pernambuco, em uma fase em que a internet já começava a mudar a relação entre artistas independentes e público.

Tiné, vocalista e um dos fundadores da banda, diz que Nada Sem Ela acabou ocupando o lugar de um “segundo disco” simbólico na carreira do grupo. O álbum de estreia, homônimo, saiu em 2004, quando a circulação digital ainda era limitada. Já Olindance encontrou outro cenário e abriu caminho para uma pergunta que pesou sobre o grupo: como seguir depois de um repertório abraçado pelo público?

Costumo dizer que é como se fosse nosso segundo disco de carreira. Porque, na verdade, ele é o terceiro. Mas nosso primeiro disco, o homônimo Academia da Berlinda, pegou a gente num momento onde a internet estava engatinhando ainda. Então, pra chegar nas pessoas do Brasil inteiro, era complicado. Quando o nosso segundo disco saiu, o Olindance, pegou a internet já numa efervescência grande. Chegou em muita gente, foi um disco que teve uma repercussão muito boa. Era como se a galera tivesse abraçado de verdade. A gente ia para o nosso segundo disco com aquela responsabilidade: e agora? Aí veio o Nada Sem Ela, que trouxe músicas muito importantes pra gente, como ‘Dorival’, como ‘Só de Tu’.”

O retorno ao álbum no Doce Maravilha também recoloca a Academia em um lugar específico da música brasileira. O som vem de músicos formados na percussão, no maracatu rural, nas sambadas do interior, no cavalo-marinho, no forró, na ciranda e no coco. A explicação é o ritmo… Quando a Academia toca cumbia, lambada, guaracha ou guitarrada, esses ritmos passam por uma gramática pernambucana e cheia de referências nordestinas.

Pra gente, hoje, é bem natural, porque a gente faz o som que está na gente. A maioria do pessoal da banda veio da percussão, veio da música popular mesmo. A gente tem uma vivência muito grande em maracatu rural, de fazer sambadas de maracatu no interior, cavalo-marinho, tocar em grupos de forró, de ciranda, de coco. Quando a gente vai fazer um som que remete ao rádio antigo de Recife, que trazia essa sonoridade de baile, latina, da cumbia, da salsa, da guaracha, da lambada, isso, pra mim, como compositor, brilhava os olhos. Me dava a possibilidade de compor sobre um estilo que estava no meu inconsciente, das músicas que eu ouvia na rádio, com referências como Reginaldo Rossi, Pinduca, guitarrada do Pará. Essa junção foi que deu a sonoridade da Academia.”

A banda aparece no festival em um domingo dedicado a encontros e discos revisitados. Tiné vê nesse som uma marca própria: uma forma de tocar ritmos latinos a partir da experiência da música popular nordestina.

Quando a gente toca uma cumbia hoje, a galera diz: ‘É muito diferente esse jeito de vocês tocarem cumbia’. Porque os instrumentos, o jeito de a gente tocar, como todo mundo na banda é percussionista praticamente, o jeito de a gente montar as bases, os ritmos, leva muito dessa vivência que a gente tem na música popular brasileira, na música popular nordestina. Então cria esse som híbrido e diferente que a Academia da Berlinda traz.”

Ao voltar a Nada Sem Ela, o vocalista também olha para o período em que o disco foi feito: os convidados, a formação da banda, o tipo de composição e o lugar que aquelas músicas ganharam nos shows.

Para a gente, passou muito rápido. Parece que foi ontem que a gente lançou esse disco. Revisitar isso é olhar para dentro da gente e ver o que a gente estava fazendo em 2016. A gente para pra ver a galera que participou com a gente, o som que a gente estava fazendo, onde a gente estava gravando, as músicas que a gente compôs.”

Louise volta a “Dorival” dez anos depois

A presença de Louise retoma uma faixa específica dessa história. A cantora participou de “Dorival”, música de Nada Sem Ela citada por Tiné entre as mais importantes da Academia da Berlinda. O reencontro acontece em outro momento para os dois lados: a banda cresceu, e Louise também passou a construir uma carreira solo.

Muda tudo. A Berlinda cresceu pra caramba de lá pra cá e eu estou começando a construir uma carreira solo. Lancei meu primeiro single em novembro de 2025 e, quando estiver no palco do Doce Maravilha, meu primeiro EP vai estar no mundo desde julho. Já tinha cantado ‘Dorival’ com eles em um festival grande antes, no Coala. Mas isso faz muito tempo. Vai ser um reencontro lindo”.

A presença dela também recoloca o Manguebeat na conversa. Louise é filha de Chico Science, principal nome de um movimento que, nos anos 1990, fez Recife ocupar outro lugar na música brasileira.

À frente da Nação Zumbi, Chico ajudou a transformar maracatu, rock, hip-hop, música eletrônica, periferia, tecnologia e cultura popular em uma linguagem nova para pensar a cidade e o país.

Essa raiz totalmente fincada aqui traz muito dessa influência que o movimento mangue deixou. Mas eu acho que a Berlinda tem uma identidade que não se aproxima tanto da era mangue, e sinto desde os primeiros shows que fui que eles tocam pra minha geração também. Acredito que a banda mantém viva a nossa música pernambucana e toda a autenticidade que ela carrega. Dentro disso tem a memória de muita gente, vai além do meu pai.”

Manguebeat como combustível

Quando fala da Academia da Berlinda dentro da música brasileira, Tiné parte de uma linhagem de invenções. Cita a Bossa Nova, o Tropicalismo, o Manguebeat e Luiz Gonzaga para chegar ao mesmo ponto: em momentos diferentes, artistas criaram novas formas de organizar sons que já estavam no Brasil.

Ao formar o baião com sanfona, zabumba e triângulo, ele encontrou uma estrutura reconhecível para uma música. A Academia buscava algo parecido. Não a mesma sonoridade, mas um jeito próprio de montar seu som:

A gente é pós-mangue, né? A gente viveu muito, muito, muito, muito o manguebeat. Era o combustível que estava queimando na gente ainda, aquela vanguarda do manguebeat. A gente já vinha dessa ideia, a gente já conhecia essa história, e já vinha dessa ideia de buscar uma estética diferente, de querer montar um som, uma sonoridade diferente, que pudesse ter algum sentido de alguma forma.”

Para Tiné, o movimento Manguebeat mostrou que era possível manter os pés fincados na tradição e, ao mesmo tempo, criar uma música voltada para o mundo.

Foi um movimento que trazia essa questão de seus pés fincados na sua tradição, na sua cultura e a cabeça voltada pro mundo. Então, assim que você ia conseguir fazer uma world music, né? Uma música do mundo, uma música que estava envenenada naquela música popular, pra transformar numa coisa popularzona mesmo, de chegar nas massas e tal. E aquilo ali, pra gente, foi uma referência enorme.”

Chorando de saudades de Recife

Para Louise, essa sonoridade também revela uma Recife formada por ritmos latinos e caribenhos. A referência vem de casa, da cidade e de uma vida musical que passa por clubes, festas e pela própria Academia da Berlinda.

Desde pequena escuto música latina, minha mãe sempre ouvia em casa, então acabei tomando gosto. Sou fã de Selena Quintanilla. Recife sempre foi um lugar que abraçou e disseminou os ritmos latinos e caribenhos. Faz parte do nosso DNA. A Noite Cubana no começo dos anos 2000, o Clube Bela Vista e a própria Academia da Berlinda são prova dessa inventividade constante da cidade.”

Para Tiné, o alcance da banda passa pelo corpo. O vocalista vê no balanço uma forma de atravessar gerações. Mas também percebe outra camada no show: gente que dança e, no meio do repertório, chora cantando.

Quando você traz a dança, o balanço, o ritmo, você pega de criança a idoso. A gente tem fã criancinha de dois, três anos, porque o pai escuta e a criança canta nossas músicas. E tem gente acima dos 60 que ama a Academia. E também pela composição. Às vezes tem uma pessoa chorando na frente do palco, cantando aquela letra inteira, e você pensa: escrevi essa letra em casa, mexi pra lá, mexi pra cá, e chegou nesse resultado. A pessoa está ali chorando a letra.”

Louise também liga esse choro à memória. No baile da Academia da Berlinda, a festa não apaga a saudade. Às vezes, é ela que aparece quando a música começa.

A música toca nossas emoções, às vezes de forma profunda; nunca se sabe por que a pessoa ali está chorando. E conversa diretamente com a memória. Pode ser que o choro seja saudade de alguém ou, quem sabe, de um lugar. Se é alguém chorando em um show em São Paulo ou no Rio, certeza que é saudade do Recife.”

No Doce Maravilha, a Academia da Berlinda leva ao palco uma música que desloca o olhar para além do eixo Rio-São Paulo. O encontro também conversa com a curadoria de Nelson Motta, que aproxima discos, gerações e cenas diferentes dentro do festival. Confira a entrevista do TMDQA! com Nelson Motta aqui.

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A NASCAR encontrou uma forma inusitada de ajudar a divulgar o novo álbum dos Rolling Stones, Foreign Tongues. Em uma campanha criada para aproximar duas comunidades apaixonadas, a categoria colocou três de seus jovens pilotos, Connor Zilisch, Jesse Love e Carson Hocevar, como protagonistas do clipe do single “In The Stars”, interpretando uma banda fictícia em turnê.

A ação também incluiu um carro temático transformado em espaço de audição do álbum durante eventos em Chicago, uma coleção exclusiva de produtos e duas edições especiais do vinil com identidade visual da NASCAR.

A iniciativa mostra como marcas e artistas estão buscando conectar diferentes fandoms para ampliar seu alcance, apresentando uma banda lendária a uma nova geração sem perder a autenticidade de ambos os universos.

O objetivo não é apenas divulgar um disco, mas apresentar os Stones para um público que compartilha os mesmos valores de tradição, legado e paixão (os tiozões rockeiros)…

Estratégia cada vez mais comum: em vez de comprar atenção, as bandas procuram comunidades já estabelecidas e criam pontes entre fandoms. Afinal, o melhor algoritmo ainda é uma paixão compartilhada.

Aproveite para ver um vídeo detalhando essa parceria logo abaixo!

Veja o vídeo da campanha Rolling Stones x NASCAR

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Produtos licenciados ligados à música funcionam como boas lembranças de momentos importantes… camisetas, pôsteres, canecas e objetos estampados com a imagem de um artista. A parceria entre Olivia Rodrigo e LEGO aponta para outra direção.

Em vez de apenas aplicar o nome da cantora em um produto, a marca transformou elementos de sua carreira, de suas músicas e de sua identidade visual em um universo que os fãs podem literalmente construir.

A coleção é composta por cinco sets e representa a primeira colaboração da LEGO com uma artista da música contemporânea. Os produtos chegam globalmente em 1º de agosto, depois de aproximadamente 18 meses de desenvolvimento, período que envolveu a equipe da LEGO, Olivia Rodrigo e referências retiradas da relação construída pela cantora com seus fãs.

Entre os lançamentos estão uma guitarra dupla que se abre para revelar um palco e um camarim, uma reprodução da lua utilizada na turnê Guts, um buquê de flores, um vinil com mensagens escondidas e um objeto de armazenamento inspirado em instrumentos, figurinos e elementos de seus shows. A coleção também traz cinco versões diferentes de Olivia em minifigura, baseadas em roupas usadas pela cantora no palco.

São produtos recheados de easter eggs – coisa de fã/nerd. Há referências a letras, clipes, figurinos, instrumentos, memórias da carreira e símbolos conhecidos pelos fãs. Flores e borboletas dialogam com a identidade visual da artista, enquanto guitarras, megafone, livro de letras e outros pequenos detalhes transformam cada set em uma espécie de arquivo físico daquele universo.

Olivia Rodrigo afirmou que sempre gostou de esconder significados em suas músicas e vídeos e que a colaboração permitiu transformar esses códigos em algo que os fãs podem montar, explorar e compartilhar.

A LEGO entendeu que a força de Olivia está justamente no encontro entre diferentes públicos. A cantora conversa com uma audiência jovem, mas também com adultos interessados em música pop, design, colecionismo e cultura.

O produto passa a funcionar como conteúdo, experiência e extensão narrativa. Em vez de simplesmente estampar o rosto de Olivia Rodrigo em uma caixa, a LEGO oferece aos fãs a possibilidade de reconstruir palcos, figurinos, símbolos e momentos importantes de sua trajetória.

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O Gojira convocou o baterista brasileiro Luigi Paraventi para acompanhá-los durante alguns shows nos Estados Unidos após um imprevisto com seu baterista Mario Duplantier, e a parceria parece ter fluído da melhor forma possível.

Como falamos anteriormente, Duplantier não pôde estar presente nas apresentações por causa de uma questão de imigração que o impediu de viajar ao país a tempo dos compromissos da banda.

Mesmo já tendo explicado a situação para os fãs nas redes sociais, o vocalista Joe Duplantier fez questão de esclarecer novamente a ausência de Mario no show da última sexta-feira (17) no Upheaval Festival, em Grand Rapids, e aproveitou para celebrar a presença de Paraventi nos shows:

O Mario não pôde vir por uns motivos meio idiotas. Não se preocupem, ele está bem, está tudo certo. Decidimos seguir em frente e fazer o show porque é muito importante para nós estarmos aqui, e tivemos que encontrar alguém para assumir a função dois dias antes da primeira apresentação, que foi ontem.

E encontramos esse garoto aqui, Luigi Paraventi. Nome italiano, mas mora no Brasil. Nasceu e cresceu no Brasil, mantendo a tradição de bateristas incríveis do país.”

Joe Duplantier celebra Luigi Paraventi em show do Gojira

De acordo com Joe, o brasileiro de 21 anos participou de apenas um ensaio de cerca de duas horas e impressionou o grupo por “não errar nada”. O vocalista ainda brincou dizendo que Luigi provavelmente cometeria algumas falhas na ocasião, mas ressaltou que ele tinha coragem de se apresentar com uma banda que praticamente não conhecia:

Ficamos muito surpresos. Fizemos um ensaio, duas horas numa sala com ele, e o cara mandou ver em todas as músicas, sem errar nada. Ele provavelmente está meio nervoso de tocar com a gente hoje, porque nunca é fácil subir no palco com uma banda que você nem conhece.

Meu nome é Joe, aliás, cara. Prazer em conhecê-lo. Então, por favor… esse garoto tem uma coragem enorme. Quero que vocês façam barulho para o Luigi, por favor. Ele vai acabar errando uma ou duas vezes, quer dizer, ele vai cometer umas falhas.”

Luigi Paraventi, que também integra a banda suíça de deathcore Paleface Swiss e por aqui já tocou com nomes como Carol Biazin, fez a primeira performance ao lado do Gojira na quinta-feira (16) em Cadott, Wisconsin, e também se apresentou com o grupo no sábado (18), no Inkcarceration Music & Tattoo Festival, em Mansfield.

Confira abaixo um pouco da parceria entre Luigi e o Gojira e a declaração de Joe Duplantier!

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O Nickelback está de volta com material inédito. A banda anunciou Everything Under the Sun, seu 11º álbum de estúdio, que tem lançamento marcado para 30 de outubro como sucessor de Get Rollin’, trabalho lançado em 2022.

Para apresentar o novo disco, a banda liberou o single “Rattle the Cage”, escolhido como faixa de estreia do projeto. A escolha não poderia ter sido mais certeira: a faixa já desponta como uma das melhores de 2026, unindo peso e groove de uma maneira que vai obrigar até os maiores haters da banda a reconhecer.

Além de tudo, “Rattle the Cage” conta com a participação especial do sempre ótimo John 5, guitarrista que esteve em turnê com o Mötley Crüe nos últimos anos e tem longa trajetória tocando com nomes como David Lee Roth, Marilyn Manson e Rob Zombie.

Nickelback anuncia novo álbum Everything Under the Sun

Segundo o vocalista Chad Kroeger, o álbum busca reunir as diferentes facetas do grupo. Em comunicado à imprensa, ele afirmou:

Este álbum tem todos os lados da banda nele. Há músicas que batem tão forte quanto qualquer coisa que já fizemos, músicas que arriscam, e músicas que nos lembram por que estamos fazendo isso juntos há tanto tempo”.

Sobre a escolha do primeiro single, Kroeger explicou a decisão de abrir o trabalho com “Rattle the Cage”:

‘Rattle the Cage’ pareceu a maneira perfeita de chutar a porta. Tem a energia que temos alimentado todas as noites no palco, e mal podemos esperar para as pessoas ouvirem”.

Veja o clipe logo abaixo!

Veja o clipe de “Rattle the Cage”, novo single do Nickelback

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A ODR Music anuncia a chegada de Lenyn ao seu casting, em uma parceria que também marca a estreia da gravadora com a produtora Anel de Bamba, de Maurílio de Oliveira. O cantor e compositor assina com o selo trazendo um projeto de estreia com seis faixas que exploram amor, relacionamentos, desejo, autoimagem e autoconhecimento, temas que atravessam sua vivência como homem trans e jovem negro com influências de Pop e R&B. 

Natural da Vila Clementino e criado no Campo Limpo, na zona sul de São Paulo, Lenyn encontrou na música um espaço para expressar sentimentos que, por muito tempo, foram difíceis de colocar em palavras.

Suas raízes musicais vêm do samba, gênero que embalou sua infância e o levou a escrever sua primeira canção aos 10 anos de idade. Hoje, o artista une essa ancestralidade brasileira a uma sonoridade contemporânea, transitando com naturalidade entre R&B, Pop e arranjos acústicos. 

Sobre o significado de assinar com a gravadora, Lenyn comenta:

Assinar com a ODR trouxe minha obra de estreia para um trabalho de parto. É a minha apresentação como artista. Esse projeto mostra quem é o Lenyn, o que ele representa e o que veio compartilhar com o mundo.”

Um projeto de estreia sem discurso único

Embora sua trajetória pessoal atravesse questões de identidade em uma sociedade que nem sempre ofereceu espaço para sua existência, Lenyn opta por não transformar essa vivência em discurso único no projeto de estreia.

O artista escolhe falar sobre aquilo que aproxima as pessoas, incluindo temas como amor, relacionamentos, o desejo, as inseguranças, a autoestima e o processo contínuo de se compreender.

Com interpretações intimistas e letras confessionais, as faixas apresentam um personagem romântico, sedutor e emocionalmente transparente, refletindo o amadurecimento de alguém que aprendeu a transformar experiência em expressão artística.

A ideia inicial era produzir um EP acústico; o encontro com a ODR Music ampliou as possibilidades criativas e permitiu que as canções alcançassem a sonoridade que Lenyn já imaginava desde o início.

A parceria entre a ODR e a Anel de Bamba

A assinatura com Lenyn também simboliza o início de uma parceria entre dois selos.   Emerson Santos, fundador da ODR Music, explica: 

A ideia inicial era participar apenas de um projeto deles, mas nossas ideias se conectaram e percebemos que estávamos caminhando na mesma direção, e foi daí que nasceu essa parceria entre a ODR e a Anel de Bamba para gerir a carreira do Lenyn. Estamos muito animados com o que vem pela frente”. 

Maurílio de Oliveira, fundador da Anel de Bamba, comenta: 

Assinar com o Lenyn é reafirmar a missão da Anel de Bamba: criar um ambiente onde artistas incríveis como ele possam crescer sem abrir mão de quem são. Mais do que lançar músicas, queremos construir carreiras, fortalecer identidades e contribuir para que cada obra encontre seu lugar no mundo”. 

Já Tuti Camargo, diretor artístico da ODR Music, associa o momento a uma espécie de retorno ao início da própria trajetória:

Trabalhar com o Lenyn é testemunhar o início de algo que ultrapassa a música. Ver esse artista se posicionar, se construir, me levou de volta ao começo da minha própria trajetória e fez eu me permiti sentir, mais uma vez, o gosto do novo”.

A parceria marca o primeiro passo de uma carreira que pretende ser construída de forma consistente, priorizando autenticidade e desenvolvimento artístico de longo prazo. Por isso, o projeto de estreia de Lenyn não aposta em grandes participações: a escolha é apresentar primeiro sua própria voz, convidando o público a conhecer quem está por trás das composições antes de expandir seu universo criativo em futuras colaborações.

Lenyn no ecossistema da ODR

A chegada de Lenyn reforça o posicionamento da ODR Music como um hub de gestão artística que conecta música, esporte e ancestralidade unindo gestão 360º, produção musical, um estúdio próprio em São Paulo, assistência jurídica e comunicação em um único ecossistema.

Inspirada no conceito iorubá Odara, que significa “bom, excelente, belo”, a gravadora nasce com o propósito de profissionalizar talentos do samba e do rap, entendendo os dois gêneros como base e vanguarda da música brasileira.

Com um casting inicial que já reúne nomes como Xis, Mafe e Vitor Federado, além do projeto Anel de Bamba e a Ideologia do Samba, a entrada de Lenyn amplia o espectro sonoro do selo, trazendo o Pop e o R&B contemporâneos para dialogar com uma proposta construída, desde sua origem, sobre identidade, história e papel cultural.

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Justin Bieber foi uma das atrações do primeiro show de intervalo de uma final da Copa do Mundo, realizado no último domingo (19) durante o confronto entre Espanha e Argentina nos EUA, e sua performance dividiu opiniões.

Enquanto alguns espectadores criticaram o formato escolhido pelo músico, outros enalteceram a performance acústica do cantor canadense, que recebeu elogios de nomes como Seán Ono Lennon e Liam Gallagher.

Filho de John Lennon e Yoko Ono, Seán usou sua conta do Twitter para destacar a simplicidade da apresentação de Justin:

Bieber sozinho, cantando ao vivo em um violão, sem acompanhamento. Respeito.”

Fugindo das coreografias e grandes efeitos que marcaram boa parte de sua carreira, Justin optou por destacar seus vocais em uma versão intimista de “Everything Hallelujah”, canção que integra seu disco mais recente, Swag II (2025), onde demonstra forte influência gospel e aborda temas como gratidão e fé.

Curiosamente, quem também parece ter aprovado a escolha de Bieber foi Liam Gallagher. O vocalista do Oasis escreveu em sua conta do Twitter: “Justin é o cara”. Porém, o músico voltou à rede social um pouco depois para criticar o restante do show de intervalo, o descrevendo como “uma viagem ruim” e acrescentando:

Ainda bem que estou usando minhas meias espirituais, senão aquele show do intervalo poderia ter me levado ao limite.”

Justin Bieber e o show de intervalo da Copa do Mundo

O show do intervalo da final Copa do Mundo de 2026, que consagrou a Espanha como campeã do mundo, reuniu uma série de atrações. Madonna abriu a apresentação com uma nova versão do seu aclamado hit “Music” e a faixa “Danceteria”, do álbum recém-lançado Confessions II, chegando ao estádio em um carrinho de golfe conduzido pelos ícones do futebol brasileiro Ronaldo e Ronaldinho.

Na sequência, o BTS fez uma breve participação com o sucesso “Dynamite”, enquanto Jason Sudeikis apareceu caracterizado como Ted Lasso para introduzir a entrada de Justin Bieber.

Após a performance acústica de Bieber, foi a vez de Shakira e Burna Boy apresentarem “Dai Dai”; por fim, o público conferiu o coral PS 22, formado por estudantes de uma escola pública de Staten Island, cantando “We Dance”, composição do Coldplay com participação de Chris Martin.

Confira a apresentação de Justin Bieber no player abaixo!

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