O debate sobre o melhor músico em qualquer área é sempre algo muito amplo, e ter a opinião de algum grande especialista como Geddy Lee é de grande valor para ampliar um debate do tipo.

Em 2019, quando foi questionado pela UDiscover Music (via Far Out) sobre quem seria o melhor baixista de todos os tempos, o ícone do Rush explicou que essa resposta não tem como ser objetiva. Citando 5 nomes que considera exemplos de excelência no instrumento, ele disse:

Julgar um baixista é na verdade sobre o contexto daquele baixista. Se eu fosse escolher o melhor baixista de Jazz Fusion de todos os tempos, é claro que seria Jaco Pastorius. Se eu fosse escolher o melhor baixista de Rock Progressivo de todos os tempos, teria que ser o Chris Squire sem dúvida nenhuma. Para um baixista de Rock puro, eu acho que fica entre John Paul Jones e Jack Bruce em um mata-mata. Jack não está mais conosco, infelizmente, então acho que a coroa vai para John Paul Jones.

Eu acho que é tudo sobre contexto. É muito difícil escolher um cara e dizer que ele é o melhor naquilo. Se você olhar para o Flea, no seu estilo de música, sabe, é fantástico, ele é um músico incrível, eu tenho muito respeito pelo seu jeito de tocar baixo. Mas como você compara isso com o que o Chris Squire fez? É um gênero totalmente diferente.”

E você, quem acha que merecia estar nessa lista? Abaixo, confira músicas que demonstram as melhores qualidades dos 5 baixistas citados por Geddy Lee!

Rush no Brasil

Vale lembrar que o Rush tem shows marcados no Brasil em 2027 com sua turnê de reunião, que conta com Anika Nilles na bateria, no lugar do saudoso Neil Peart.

A agenda nacional terá início no dia 22 de janeiro, em Curitiba, na Arena da Baixada. Na sequência, o grupo vai se apresentar no Allianz Parque, em São Paulo, nos dias 24 e 26 de janeiro, seguindo para o Rio de Janeiro, onde fará show em 30 de janeiro, no Estádio Nilton Santos.

Depois, o Rush vai desembarcar em Belo Horizonte, para se apresentar no dia 1º de fevereiro no Mineirão. O encerramento da excursão brasileira acontecerá em Brasília, no dia 4 de fevereiro, na Arena BRB Mané Garrincha. Ainda há ingressos para todas as datas pelo site da Eventim.

Os 5 melhores baixistas segundo Geddy Lee, do Rush

Jaco Pastorius

Chris Squire (Yes)

John Paul Jones (Led Zeppelin)

Jack Bruce (Cream)

Flea (Red Hot Chili Peppers)

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A polêmica envolvendo a saída de Macklemore da turnê norte-americana de Ed Sheeran e o envolvimento da política na música continua rendendo e, agora, em entrevista à Rolling Stone do Reino Unido, o U2 opinou sobre a situação.

Mesmo com uma trajetória que sempre conectou os dois assuntos, o vocalista Bono, o guitarrista The Edge e o baterista Larry Mullen Jr. mostraram que, até dentro do grupo, há uma certa discordância sobre esse tema, relembrando inclusive que o U2 trabalhou recentemente com Sheeran na faixa “Yours Eternally” que trata da invasão russa da Ucrânia.

Bono contou que a resistência de Sheeran a temas políticos já tinha aparecido durante a gravação da faixa. Segundo o vocalista, Ed perguntou se o U2 não estaria tentando colocá-lo na política e, diante da explicação sobre o soldado que inspirou a letra, respondeu que só queria manter a música dele livre disso.

Apesar da lembrança, Bono evitou julgamentos e disse que ele não deveria ser “vilanizado” por sua decisão, ainda que The Edge tenha deixado claro que a banda “apoia completamente o direito de Macklemore como artista de dizer o que ele quiser dizer”.

Bono concordou, dizendo que, por sua trajetória, o U2 se reconhece mais na postura de Macklemore. A conclusão, porém, foi conciliadora:

“É preciso convencer as pessoas pela razão. Você não pode tentar forçar as pessoas a uma posição.”

Larry Mullen Jr. complementou:

Artistas podem escolher se querem ser politicamente ativos ou não. É um direito humano. Mas como banda nós iremos lutar pelo seu direito de falar o que pensa desde que não incite a violência. E mesmo que a gente discorde ou não goste disso, ninguém tem direito – nenhum bilionário, nenhum produtor, nenhum dono tem direito de censurar qualquer pessoa. Eles nunca irão nos censurar.”

E você, o que pensa de tudo isso?

Relembre a polêmica envolvendo Macklemore e Ed Sheeran

A confusão teve origem em 4 de setembro, quando Macklemore abria para Sheeran no MetLife Stadium, em Nova Jersey, pela Loop Tour.

No palco, o rapper repetiu a frase “Palestina Livre” e cantou “Hind’s Hall”, sua canção de protesto sobre a guerra em Gaza. 10 dias depois, ele foi excluído da turnê e disse que ouviu de Sheeran que Robert Kraft, bilionário dono do Gillette Stadium, havia vetado sua presença no local onde a dupla se apresentaria.

Depois disso, todas as outras atrações de abertura da turnê – Finneas, Lukas Graham, Aaron Rowe – e o grupo irlandês Beoga, que atuava como banda de apoio de Ed, deixaram a turnê em solidariedade a Macklemore, e Sheeran passou a ser alvo de críticas por ter declarado que seus shows não eram um fórum político.

U2 e Ed Sheeran no Brasil

Vale lembrar que tanto Ed Sheeran quanto U2 têm shows marcados no Brasil em breve. Ed Sheeran chega primeiro, com a Loop Tour no Nubank Parque nos dias 5 e 6 de dezembro, e a polêmica já mexeu na programação brasileira: Finneas, escalado para abrir as duas noites, foi um dos artistas que deixaram a turnê em solidariedade a Macklemore, e o posto ficou com Isaac Slade, ex-vocalista do The Fray, confirmado na última terça-feira (3).

Já o U2 vem logo depois, em março de 2027, com a turnê Carnaval de Luz Presents: The Greatest Show On Earth, que marca a volta da banda ao país depois de dez anos. A procura por ingressos fez o grupo ampliar a agenda no MorumBIS de duas para quatro datas, nos dias 10, 12, 14 e 16 de março, com Beck na abertura.

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No dia em que o Sepultura irá encerrar mais de quatro décadas de história com o último show da turnê Celebrating Life Through Death, a despedida ganhou também um olhar de dentro de casa através de um post de Giulia Kisser, filha mais velha de Andreas Kisser.

Usando as redes sociais, ela falou sobre o que o fim da banda representa para ela e chegou a definir a despedida como “mais um luto”, relembrando neste processo a perda da mãe Patricia, em 2022.

O post contou com um vídeo que reúne imagens de arquivo, incluindo registros de Giulia ainda bebê com o pai no camarim e trechos da apresentação pré-despedida do grupo no Cine Joia, em São Paulo, intitulada “The Last Ceremony”, como você pode ver ao final da matéria.

Filha de Andreas Kisser fala sobre despedida do Sepultura

No relato, Giulia admite que não esperava que o adeus da banda a afetasse tanto, mas explica que, ao olhar para trás, percebeu o tamanho do Sepultura na própria vida. Ela escreveu:

E lá vamos nós viver mais um luto. Nem achei que ia mexer tanto comigo esse fim, mas parando pra ver tudo, eu nasci e cresci sendo do Sepultura, eu vivi a vida toda tendo meu pai e meu padrinho, o guitarrista e o baixista do Sepultura. Eu cresci dentro de camarins, conhecendo gente de todo Brasil e do mundo todo, pessoas que entraram na vida pra ficar e se tornaram extremamente importantes.

Cresci dormindo em cima de caixa de som, dormindo no meio do Rock’n Roll 🤘🏼, com a mãe mais cheia de contatos do mundo, quem conheceu Patricia Perissinotto Kisser sabe… eu nunca fui rockeira, não sei as músicas, não sei nada direito de Sepultura, mas eu sou Sepultura, sempre fui, faz parte de mim.

E chegando ao fim, meu coração tá apertado, lembrando de tudo, de tanta coisa, tanta história, tantos momentos, tanta coisa que cresci e aprendi sendo parte disso!

Fiz meu primeiro trabalho como maquiadora chefe pro show do Sepultura no Rock in Rio, já fiz diversos trabalhos pro Sepultura, me abriu muitas portas e me deu muitas oportunidades. Aprendi também a ser produtora, igual minha mãe que era a melhor, aprendi sem querer querendo. Trabalhei na Sepulstore, aprendi horrores! Vi meus irmãos crescerem no mesmo ambiente que eu e entrar pra arte também. Não teve jeito, crescemos na arte, tínhamos que trabalhar com arte também!

Tudo chega ao fim em algum momento, a gente nunca quer que acabe, mas sempre chega essa hora, e eu sou extremamente grata por tudo que vivi, por tudo que sou e por tudo que me trouxe! Obrigada.”

Vale lembrar que a despedida definitiva do Sepultura acontece na noite deste sábado (7), na Suhai Music Hall, em São Paulo, noite que ainda conta com abertura de Krisiun, Sacred Reich e do supergrupo Metal Allegiance.

O show encerra a Celebrating Life Through Death, iniciada em 1º de março de 2024 em Belo Horizonte, cidade natal da banda, e que teve como penúltima parada brasileira o Palco Mundo do Rock in Rio, em 5 de setembro, com repertório dedicado à fase de Derrick Green nos vocais.

A formação final do Sepultura reúne Andreas Kisser, Paulo Jr., Derrick Green e o baterista Greyson Nekrutman, e o último registro de estúdio do grupo é o EP The Cloud of Unknowing, lançado em abril.

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Uma homenagem inusitada a um dos jogos mais aguardados da indústria dos videogames ganhou forma nos céus dos Estados Unidos. Benjamin McDaniel, conhecido como “O Piloto Picasso” (The Pilot Picasso), utilizou um avião Cessna Skylane RG para desenhar mural inspirado em Grand Theft Auto 6, tornando seu trajeto aéreo uma verdadeira obra de arte.

O resultado pode ser acompanhado por meio de plataformas de rastreamento de voos, como o FlightRadar24, que permitem visualizar o percurso e a imagem formada no céu. O que torna o feito ainda mais impressionante é a técnica empregada, já que o desenho foi realizado em uma única linha contínua, do início ao fim, sem que a aeronave precisasse pousar durante a execução.

Para concluir o trabalho, McDaniel permaneceu no ar por oito horas e oito minutos. O voo aconteceu nesta quinta-feira (5), quando o piloto decolou do aeroporto de Bentonville (QTV) às 11h29 e retornou ao mesmo local às 19h37. Durante todo o percurso, ele utilizou os sistemas de visualização da trajetória de voo para construir a ilustração, que reuniu elementos do universo de GTA 6.

Após desenhar GTA 6 nos céus, piloto prepara novas criações

A composição apresenta o logotipo do jogo acompanhado de um jacaré, palmeiras, um carro esportivo e uma mulher vestindo biquíni. Acima do logotipo, um helicóptero completou a cena. O resultado final também foi compartilhado em uma publicação no X/Twitter, como você pode na publicação mais abaixo.

Depois da homenagem a GTA 6, McDaniel já planeja novos projetos, entre eles uma obra clássica e outra temática para o Dia de Ação de Graças. Em entrevista recente, ele destacou que a segurança continua sendo prioridade durante suas criações (via IGN):

“A segurança vem em primeiro lugar. Se o tempo ficar ruim, eu adio o voo para outro dia ou outra semana”.

Vale lembrar que GTA 6 será lançado oficialmente no dia 19 de novembro. Alguém na expectativa?

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Em uma cena musical cada vez mais marcada por tendências e referências compartilhadas, Pusha T acredita que o Rap vem perdendo uma de suas características mais importantes: a individualidade.

Para o rapper da Virgínia, nos Estados Unidos, a busca por reconhecimento parece ter dado lugar à reprodução de fórmulas já estabelecidas, fazendo com que muitos artistas priorizem a semelhança em vez de desenvolver uma identidade própria.

Durante conversa com o The Wall Street Journal sobre sua rotina diária, o artista compartilhou suas impressões sobre o cenário em 2026 e apontou uma diferença significativa entre a geração atual e os períodos anteriores da cultura Hip Hop (via Billboard):

Antigamente, havia muito mais individualidade. Todo mundo queria ser diferente. As pessoas queriam ser grandiosas e se destacar. Você não pode ter a minha aparência, não pode fazer o que eu faço.”

Na sequência, Pusha T reforçou sua crítica à tendência de reproduzir aquilo que já está em evidência, destacando que, em sua percepção, a originalidade deixou de ser uma prioridade para parte dos artistas:

Hoje em dia, as pessoas tentam criar versões diferentes do que está em alta. Todo mundo se contenta em ser apenas ‘bom’ e igual aos outros. Sinto que, atualmente, as pessoas não se importam em ser como os demais.”

Concorda?

Pusha T analisou o cenário atual do Hip Hop em entrevista para o New York Times

Além de comentar a falta de identidade própria na música, o rapper abordou outro aspecto importante da cultura Hip Hop, representado pelas batalhas de Rap. Conhecido por seu histórico de confrontos ao longo da carreira, Pusha T foi questionado sobre uma declaração recente de Jay-Z à GQ.

Na ocasião, o artista do Brooklyn e marido de Beyoncé sugeriu que talvez as disputas musicais devessem ser evitadas atualmente, considerando o impacto da cultura de fãs obsessivos (stan culture) e das redes sociais, que podem expandir os conflitos para além dos limites da música.

Como exemplo, Jay-Z mencionou a repercussão da rivalidade entre Drake e Kendrick Lamar. Embora tenha evitado comentar diretamente o confronto citado e apresentado uma visão diferente do colega, Pusha T defendeu que as disputas fazem parte da natureza competitiva do Rap, desde que permaneçam restritas ao campo artístico:

Não consigo imaginar um cenário em que os artistas vivam em harmonia o tempo todo. Este é um meio extremamente competitivo. Não sei exatamente a quais episódios Jay-Z se referia, é claro que, às vezes, as coisas saem do controle, mas não há necessidade de chegar a esse ponto. Enquanto tudo se mantiver no campo da música, está tudo bem. Qualquer coisa que ultrapasse esse limite já é exagero.”

Vale lembrar que, em 2025, Pusha T lançou o álbum Let Got Sort Em Out como parte do Clipse, seu duo com No Malice. Você pode ouvir logo abaixo!

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O encontro entre Bob Dylan e o Papa Leão XIV, realizado na última quarta-feira (4) no Vaticano, chamou a atenção de muitos internautas por conta da roupa escolhida pelo músico veterano para a audiência privada.

Na foto compartilhada pelo jornal do Vaticano nas redes sociais, Dylan aparece cumprimentando o Papa enquanto usa um casaco preto e um capuz cobrindo sua cabeça, detalhe que gerou comentários e debates na internet sobre uma possível falta de respeito ao pontífice.

Um dos comentários da publicação compara a imagem de Dylan à do Imperador Palpatine, vilão da franquia Star Wars. Já outros apontaram que a lenda do Folk Rock estava parecendo um “bruxo”, um “personagem de Harry Potter” e ele foi até comparado à tradicional representação da Morte, o que foi visto por alguns como “falta de respeito” e “falta de cordialidade” com o Papa Leão XIV.

Em defesa de Dylan, alguns fãs e internautas argumentaram durante as discussões que tanto o moletom preto com capuz como a jaqueta e as luvas fazem parte da imagem do artista nos últimos anos. Confira a imagem ao final da matéria e tire suas próprias conclusões!

Bob Dylan é criticado por usar capuz durante encontro com o Papa Leão XIV

De acordo com o jornal O Globo, o padre jesuíta Antonio Spadaro, subsecretário do Vaticano para a Cultura e a Educação e responsável pela organização da audiência, comentou que Leão XIV “não piscou os olhos” quando Dylan entrou na sala, sugerindo que a vestimenta do músico não causou surpresa ou desconforto ao Papa.

As regras de etiqueta para audiências papais, inclusive, não estabelecem restrições específicas sobre cobrir ou não a cabeça. A recomendação tradicional para visitantes homens inclui terno e gravata em cores escuras, camisa social de manga longa, calça de alfaiataria e sapatos fechados. Dylan, no entanto, manteve o visual que tem adotado em suas aparições públicas.

Evitando entrar na discussão sobre o capuz, Spadaro usou sua conta do Twitter para celebrar o “sentido histórico” do encontro entre o Papa e Bob Dylan. O religioso relacionou a reunião à música “I Dreamed I Saw St. Augustine”, lançada por Dylan em seu oitavo álbum de estúdio, John Wesley Harding (1967).

A faixa apresenta um narrador que sonha com Santo Agostinho e, ao testemunhar seu martírio, percebe que também faz parte da multidão responsável por condená-lo.

Spadaro lembrou ainda que a composição foi inspirada em uma antiga balada sobre Joe Hill, líder sindical executado por um pelotão de fuzilamento em Utah, nos Estados Unidos, em 1915. Ele escreveu:

Dylan pôs o bispo de Hipona no lugar de Hill, transformando um grito de mobilização em uma confissão involuntária sobre nossa tendência a silenciar aqueles que nos trazem a verdade.”

Segundo o g1, o atual papa é conhecido por ser fã de Dylan. O religioso citou uma canção de protesto antinuclear de 1963 do artista, “Go Away You Bomb”, no prefácio de um livro lançado em julho deste ano.

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Curitiba voltará a ser ponto de encontro da cena internacional do Psychobilly com a realização da 26ª edição do Psycho Carnival. Entre os dias 4 e 9 de fevereiro, o festival vai reunir mais de 40 bandas e artistas de dez países em programação que mistura nomes históricos do gênero e representantes do cenário independente brasileiro.

Além dos shows, o evento promove atividades gratuitas em outros espaços culturais da cidade e abre espaço para iniciativas de enfrentamento à violência doméstica. Reconhecido como um dos festivais do gênero mais respeitados do mundo, o Psycho Carnival mantém sua proposta de fortalecer a cena nacional e sul-americana.

Ao mesmo tempo, o evento expande as conexões com outros estilos musicais. A programação do próximo ano se distribuirá por quatro espaços de Curitiba. São eles: Jokers Pub, tradicional ponto de encontro do festival e palco da maior parte dos shows; bares Cão Véio e Lado B; e Teatro Universitário de Curitiba (TUC).

Nos três últimos, haverá apresentações e palestras com entrada gratuita. O line-up reúne artistas do Brasil, Reino Unido, Argentina, Colômbia, Chile, México, Estados Unidos, França, Itália e Peru. Entre os destaques estão os britânicos do Demented Are Go (foto) e os franceses do Atomic Zombies.

A representação do Brasil inclui nomes como Kães Vadius e Os Cabeloduro, Terminal Guadalupe, Cigarras e Ovos Presley. Um dos momentos especiais desta edição será o tributo inédito a Os Catalépticos, trio paranaense reconhecido como um dos principais nomes do Power Psychobilly.

A homenagem reforça a ligação do festival com a história do gênero e com a cena musical que consolidou Curitiba como referência para fãs e artistas do estilo. A diversidade da programação também reflete a intenção dos organizadores de estender o diálogo entre diferentes vertentes do Rock.

Embora o Psychobilly permaneça no centro do evento, a presença de grupos de outros estilos busca aproximar públicos e expandir as possibilidades de intercâmbio musical. Vlad Urban, músico, produtor e um dos organizadores do festival, afirmou:

O Psycho Carnival é uma das grandes molas propulsoras do Psychobilly brasileiro e sul-americano. Essa também é a nossa essência, mas também temos essa característica de ser um festival que, a cada ano conversa mais com outros estilos e entende a importância da diversidade do rock dentro desse espaço.”

Psycho Festival também vai abrir espaço para ação social

O Psycho Carnival contará com a participação do Instituto Todas Marias, que atua no acolhimento e no encaminhamento de vítimas de violência doméstica, especialmente mulheres, crianças e pessoas LGBTQIA+. A iniciativa aproxima o festival de pautas sociais e amplia seu alcance para fora dos palcos.

Os pacotes antecipados estão à venda pela plataforma Meaple, com possibilidade de parcelamento em até 12 vezes no cartão de crédito. As compras podem ser feitas pelo . Ainda é possível adquirir ingressos por meio da chave PIX ingresso.carnival@gmail.com.

Após o pagamento, o comprador deve enviar o comprovante, o nome completo e o número do CPF para o mesmo endereço de e-mail. Os ingressos individuais serão disponibilizados nos próximos meses.

Para chamar de casa

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SERVIÇO:

O quê: 26ª edição do festival Psycho Carnival.

Quando: de 4 a 9 de fevereiro de 2027.

Onde: Jokers Pub, Lado B, Cão Véio Curitiba e Teatro Universitário De Curitiba (TUC).

Quanto: a partir de R$ 400,00 + taxa administrativa (combo de três noites – sábado, domingo e segunda-feira). Compras na plataforma Meaple (https://meaple.com.br/psycho/psycho-carnival-2027) e por meio da chave PIX ingresso.carnival@gmail.com. Os ingressos individuais serão disponibilizados nos próximos meses.

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Imagine o som do Iron Maiden com brasilidade. É nessa combinação que a Zona Árida encontra sua identidade, unindo o peso e as melodias do heavy metal tradicional a elementos da cultura nordestina. O projeto de Campina Grande, na Paraíba, capitaneado pelo guitarrista Marcel Joffily apresenta seu álbum de estreia, autointitulado, já disponível nos streamings.

Para dar voz às faixas de Zona Árida, Joffily conta com os vocais de Caio D’Lira. Zona Árida também dialoga com a escola de guitarristas virtuosos como Kiko Loureiro e Edu Ardanuy. 

A técnica e a sofisticação dos arranjos convivem com referências regionais, compondo uma sonoridade que encontra no heavy metal um caminho para expressar brasilidade.

O conceito de aridez atravessa as nove faixas do álbum em pouco mais de meia hora. Para além da paisagem sertaneja, o tema aparece nas relações humanas, na intolerância, na superficialidade das redes sociais e nos conflitos da mente. Astronomia, inteligência artificial e literatura também alimentam as composições, conectando questões contemporâneas à identidade nordestina.

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Com exceção de “Reset Your Life”, cantada em inglês, o repertório é composto em português. O disco reúne os singles “Magnetar” e “Vidas Secas”, lançados previamente, e sete faixas inéditas.

Do sertão à inteligência artificial

A abertura instrumental “Lázarus”, composta por Marcel Joffily em homenagem ao avô Lázaro, emociona e prepara o terreno para “Reset Your Life” que com riffs marcantes e andamento direto, critica a superficialidade das redes sociais.

Em “Magnetar”, o registro sonoro de uma colisão de buracos negros abre caminho para uma narrativa que aproxima cosmologia, viagem no tempo e amor. A música também resgata a sonoridade da New Wave of British Heavy Metal (NWOBHM), movimento que marcou o metal britânico a partir do fim dos anos 1970.

As contradições sociais ganham espaço em “Templo da Salvação”, sobre as distorções no uso da religião para atender a interesses pessoais, e em “Sobreviva”, que aborda intolerância, mudanças climáticas e tensões sociais.

É em “Vidas Secas” que a identidade regional do projeto ganha um de seus contornos mais expressivos. Inspirada na obra homônima de Graciliano Ramos, a composição encontra no peso do metal uma forma de traduzir a aridez do sertão e a luta pela sobrevivência. Literatura brasileira e heavy metal se encontram em uma construção que aproxima a realidade nordestina da linguagem musical da Zona Árida. 

O single “Vidas Secas” ganhou uma capa especialmente marcante, assinada pelo artista plástico paraibano Vito Quintans, que apresenta uma releitura dark dos personagens de Vidas Secas, incluindo a icônica cadela Baleia.

Em “Tecnogod”, a inteligência artificial ultrapassa o virtual e assume o comando do mundo real. Já “Vozes”, a faixa mais pesada do álbum, mergulha na loucura e nos conflitos da mente humana.

O encerramento fica por conta da faixa-título, “Zona Árida”, que retoma a resistência diante de ambientes extremos e explora os ciclos de morte e renascimento. A composição sintetiza a proposta do disco: atravessar diferentes paisagens e inquietações, do sertão às contradições do presente, sem abrir mão da identidade regional nem da força do metal.

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O imaginário fantástico nordestino na identidade

As capas do álbum e dos singles de Zona Árida merecem atenção. Assinadas pelo ilustrador, artista plástico e diretor de arte paraibano Vito Quintans, as obras complementam a proposta musical ao explorar os universo do fantástico nordestino, com símbolos, referências culturais e narrativas visuais que dialogam com o imaginário regional, criou-se um casamente perfeito.

Rock paraibano em alta

A Paraíba tem mostrado que o rock do passado e da atualidade, seja o heavy metal ou outras vertentes pesadas, feito fora do eixo Rio–São Paulo é poderoso. Um dos exemplos mais expressivos é a Papangu, de João Pessoa, que conquistou reconhecimento nacional e internacional ao desenvolver uma sonoridade própria, combinando heavy metal, rock progressivo, jazz e referências aos ritmos nordestinos. A banda ganhou espaço em grandes festivais e na imprensa mundial.

A diversidade da cena paraibana também aparece em nomes como Zefirina Bomba, também da capital, que construiu sua identidade no punk rock com uma formação inusitada, sem guitarra, e um violão de sonoridade crua. Já o heavy metal tradicional tem representantes como o Sinal de Ataque, mostrando que a produção local não se limita a uma única vertente do rock pesado.

Essa relação entre rock e identidade nordestina tem raízes que vão além da cena contemporânea. Da cidade de Brejo do Cruz, Zé Ramalho também encontrou no rock’n’roll uma de suas influências musicais. Em 2013, essa conexão ganhou uma imagem emblemática quando o cantor paraibano dividiu o palco com o Sepultura no Rock in Rio, em uma apresentação que misturou clássicos de seu repertório, como “Admirável Gado Novo” e “A Dança das Borboletas”, à força do heavy metal. O encontro ganhou o apelido de “Zépultura” e mostrou como a música nordestina e o metal podem encontrar pontos de contato.

A Shock é frequentemente lembrada como uma das primeiras bandas brasileiras a se dedicar integralmente ao heavy metal no Brasil, surgindo poucos anos depois da também histórica Stress, do Pará. Formada em 1979, em João Pessoa, a Shock é um dos nomes mais antigos e emblemáticos do heavy metal no Nordeste brasileiro.

Zepelim e o Sopro do Cão, embora não diretamente ligada ao metal, é outra banda de Campina Grande que mistura música pesada, punk e ska e tem se revelado grande nome da atualidade do rock na Paraíba.

É nesse cenário de diferentes possibilidades para a música pesada que a Zona Árida apresenta sua própria leitura do heavy metal: uma combinação de tradição, virtuosismo e brasilidade que faz do sertão não apenas cenário, mas parte fundamental de sua identidade.

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Quem nunca ouviu falar que o frio faz bem para a criatividade? No norte da Europa, onde o sol de inverno some antes das quatro da tarde e o termômetro passa meses de cara fechada, a música virou praticamente infraestrutura básica. Quando sair de casa é um ato de coragem, a solução é chamar os amigos, abrir umas cervejas e deixar um disco rodando até alguém reclamar do volume, ou do gosto. (haha!) 

É nesse caldo que Copenhague foi se formando. E aqui já posso deixar um aviso: não espere um “som de Copenhague”, aquele pacote fechado que gravadoras adoram vender. 

O que a cidade tem pra oferecer é mais interessante: artistas que compartilham uma postura experimental, independente e sem medos na hora de misturar gêneros. 

A capital tem uma tradição sólida de música independente, punk, noise rock, post-punk, indie pop e eletrônica experimental, e nos últimos anos uma nova geração começou a vazar a fronteira e chamar atenção fora da Dinamarca, e você, provavelmente, já deve ter algum artista vindo de lá na sua playlist. 

Cultura não é gasto: é investimento!

A Dinamarca entende que investir em cultura é algo que vale a pena para o país. O dinheiro público, em forma de financiamento, bolsas e estruturas de apoio, é o que permite ao músico fazer o disco estranho, ambicioso ou impossível de vender sem precisar de um hit imediato para pagar o aluguel (que é bem caro, por sinal). E é aí que mora a diferença e explica porque a cena alternativa de lá vem tendo esse boom!

Quando o artista não precisa escolher entre a arte e o boleto, ele arrisca mais, experimenta e erra mais, e errar bastante é um método excelente para descobrir um som novo. 

Além disso, por lá também existem uma grande quantidade de casas de shows, selos pequenos, coletivos e uma cultura de colaboração que ajudam a manter o investimento público e que fazem essa roda girar.

A cidade que não cabe em uma gaveta (ou em um rótulo)

Algumas cidades do Reino Unido trilharam o seu caminho na música e criaram identidades únicas e reconhecíveis hoje no mundo todo, como Bristol, Manchester e Glasgow. Copenhague tem… um problema para mim, que estou escrevendo esse texto… é que é extremamente difícil resumir o som da cidade em um estilo. E é exatamente aí que mora a graça! 

Essas três cidades provaram que uma cena pode virar marca reconhecida no mundo inteiro, e Copenhague parece viver um momento parecido, só que sem o rótulo pronto. A força dela não está em um gênero, mas no cruzamento: música experimental, produção eletrônica, indie e cultura DIY esbarrando umas nas outras sem pedir licença.

Não por acaso, o jornal Le Monde, em matéria publicada em julho deste ano, chegou a descrever a cidade como um novo laboratório de pop. O reconhecimento internacional de Erika de Casier, Astrid Sonne e outros artistas só reforçam essa percepção. Então bora para os nomes?

Hora do play: 3 nomes de Copenhague para você conhecer!

Smerz

Antes de mais nada, um esclarecimento: a dupla Smerz é norueguesa de passaporte, mas dinamarquesa de coração. Catharina Stoltenberg e Henriette Motzfeldt se conheceram ainda adolescentes e, em vez de ficarem esperando a vida acontecer, se mudaram para Copenhague para estudar.

Em 2016, com cabeça cheia de música eletrônica (o que é bem comum para quem cresce e vive no norte europeu), elas começaram a brincar com sintetizadores, batidas e vocais processados, e o resultado foi uma mistura que não pede licença: pop, techno, R&B e experimentalismo dividindo o mesmo espaço. A britânica XL Recordings percebeu o potencial rápido e assinou com a dupla em 2017. Em 2021 veio o Believer, o primeiro álbum, que consolidou a identidade das duas e mostrou ao mundo que aquilo não era fase passageira.

Em 2025, a dupla voltou com Big City Life, o segundo disco, e aqui entra um detalhe que eu – particularmente – adoro e vale a pena ser mencionado: ele saiu pelo Escho, um selo de Copenhague, o mesmo que lançou o EP de estreia delas em 2016. Selo pequeno, ecossistema local funcionando, que são derivados da cultura de colaboração que existe na cena musical de lá, como eu citei lá em cima.

O álbum fala de relacionamentos, solidão e vida urbana com melodias pop, arranjos eletrônicos e composições experimentais, e a Pitchfork gostou tanto que deu o selo de Best New Music, um carimbo que nem todo disco esquisito tem a sorte de conseguir! Você deve saber bem disso. 

Sem se prender a gênero nenhum, Catharina e Henriette viraram referência de uma geração que está colocando Copenhague no mapa da música alternativa internacional. Se alguém perguntar onde fica esse mapa, por favor, aponte para elas!!!

Bom, e se você gostou da dupla, tenho uma notícia boa: já já vamos estar vendo elas ao vivo por aqui. Smerz se apresenta pela primeira vez no Brasil no Primavera Sound, no domingo, 6 de dezembro, em São Paulo. A gente já está ansioso para ver como essa mistura introspectiva soa ao vivo. Se o show tiver metade da estranheza do disco, já vale o ingresso. 

Separei 2 músicas para você ouvir: 

• You got time and i got money: talvez a melhor escolha para conhecer esse universo que essas garotas criaram. Pop alternativo, sintetizadores e vocais delicados. Aqui elas mostram como conseguem criar algo acessível sem abrir mão da experimentação. 

• Believer: Essa vem de uma fase mais experimental da dupla. É interessante para entender como elas construíram uma identidade própria dentro do pop eletrônico.

Snuggle

Se a Smerz é a Copenhague que passa a noite no clube, a Snuggle é a Copenhague que fica em casa, de meia, com as cortinas fechadas e o disco rodando. Eu defendo as duas com a mesma convicção, e você vai entender o porquê.

Por trás do nome fofo tem gente com currículo muito bom: Andrea Thuesen, vocalista do trio Baby In Vain, e Vilhelm Strange, ex-Liss. Os dois se conheceram no Rhythmic Music Conservatory, a escola que virou ponto de encontro da nova geração alternativa da cidade e a amizade nasceu de longas jam sessions. Em 2023, apresentaram as primeiras composições no EP Calendula, apostando em dream pop, shoegaze, guitarras distorcidas e vocais delicados, com uma melancolia que gruda.

O reconhecimento internacional veio com Goodbyehouse, o primeiro álbum, lançado em setembro de 2025 pelo Escho, o mesmo selo da Smerz, o que já começa a parecer menos coincidência e mais critério de curadoria, viu só? 

O disco nasceu de uma fase de mudanças: o café onde Andrea trabalhou por quase uma década fechou, a casa onde Vilhelm cresceu foi vendida e ainda sobraram uns términos de namoro pelo caminho. Despedidas, amadurecimento e relacionamentos viraram canções que oscilam entre a delicadeza do dream pop e a intensidade do shoegaze, e nisso a Pitchfork e a Clash prestaram atenção. 

Esse ano a dupla esteve na programação do Primavera Sound de Barcelona e do Roskilde Festival, na Dinamarca. Não duvide de mim: depois que apertar o play, me conta se não deu vontade de fechar as cortinas (e de abrir um bom vinho). A moral da história é a mesma deste texto: escola boa, selo pequeno e muita jam session também são produtos de exportação e vale a pena serem ouvidos. 

Separei 2 músicas para você ouvir: 

• Woman Lake: A faixa mais escutada da dupla e um bom pontapé para conhecê-los. Em uma atmosfera cinematográfica e melancólica, com guitarras envolventes e melodias que remetem ao indie dos anos 1990, ela fala sobre sobre lembranças de lugares nunca visitados em uma reflexão delicada sobre afeto, ausência e saudade.

• Calendula: Faixa-título da primeira EP da dupla, é ideal para conhecer a sonoridade inicial da Snuggle. Com guitarras atmosféricas, vocais delicados e uma produção que equilibra elementos orgânicos e experimentais.

Fine

Fine, em inglês, é a resposta que a gente dá quando está tudo menos bem, certo? Mas a Fine de Copenhague prova que o nome engana: Fine Glindvad Jensen é cantora, compositora, produtora e, ao meu ver, uma das vozes mais interessantes da cena da cidade.

Antes de seguir sozinha, ela passou cerca de uma década como vocalista do trio de electropop CHINAH. Também estudou no Rhythmic Music Conservatory (olha a escola de novo), a mesma de Smerz, Astrid Sonne e ML Buch, e a essa altura já dá para desconfiar que o conservatório devia cobrar comissão pela cena inteira. 

O recado também chegou fora da bolha: ao lado de Erika de Casier, Fine ajudou a escrever três faixas do EP Get Up, do grupo sul-coreano NewJeans, o mesmo disco em que a Smerz assina a produção de “ASAP”. Sim, a cena de Copenhague foi parar no K-pop, e ninguém pediu licença pra isso. Em 2024 veio o primeiro álbum solo, também pelo Escho, que mistura folk, country, dream pop e texturas eletrônicas como se gênero fosse só uma sugestão.

E por que eu resolvi colocar ela nesse texto e no seu radar agora? Porque agora em outubro saiu o Jazz Dreams, o segundo álbum, ainda quentinho. Escrito, gravado, produzido e mixado por ela mesma. O disco junta jazz, folk rock, jangle pop e experimentação, e rendeu uma avaliação positiva da Pitchfork, que destacou a habilidade de Fine de transformar composições sofisticadas em algo com cara de despretensioso.

Repare no padrão: Smerz, Snuggle e Fine lançaram seus discos mais recentes pelo mesmo selo, o Escho, e boa parte deles passou pela mesma escola. Se isso não é ecossistema, eu não sei o que é. 

Separei 2 músicas para você ouvir: 

• Days Incomplete: Essa faixa é um dos exemplos mais bonitos da capacidade de Fine de transformar incertezas em música. Com uma atmosfera melancólica, arranjos econômicos e vocais quase fantasmagóricos, ela acompanha a sensação de estar perdida e confusa! 

• I Could: A música aposta em uma sonoridade mais envolvente e sensual, guitarras com muito efeito e vocais suaves. É uma faixa que parece acontecer entre a lembrança e o sonho, explorando desejo e saudade sem precisar entregar tudo de forma explícita. 

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Quem disse que Pop e Heavy Metal não combinam? Céline Dion provou que a música não tem fronteiras ao marcar presença em um dos shows do Metallica na Sphere, em Las Vegas, nos Estados Unidos, e a cantora canadense ainda foi flagrada demonstrando muita animação na plateia durante a apresentação realizada na quinta-feira (5).

Em imagens que começaram a circular nas redes sociais no dia seguinte, a artista aparece em uma cabine VIP, cantando, dançando e até simulando tocar uma guitarra imaginária, prática conhecida como air guitar, que, no caso específico, parecia mais ser um air bass pela sua forma de tocar. Vestida de preto e couro, Céline estava acompanhada dos filhos gêmeos, Eddy e Nelson.

Como você pode perceber pela legenda na vídeo ao final da matéria, outras personalidades da música teriam acompanhado a apresentação no mesmo camarote, entre elas Slash, guitarrista do Guns N’ Roses, e integrantes do No Doubt, banda que recentemente também se apresentou na Sphere.

Embora seja mundialmente conhecida por suas baladas românticas, Dion demonstrou em ocasiões anteriores que seu gosto musical vai muito além do Pop. A cantora já havia revelado sua admiração pela banda de James Hetfield e até mencionou a música “Until It Sleeps”, lançada em 1996 no álbum Load, entre suas preferidas.

Boa escolha?

Saúde de Céline Dion tem sido motivo de preocupação do público

A aparição de Céline Dion em Las Vegas aconteceu após um longo período de afastamento dos palcos em razão de problemas de saúde. Em dezembro de 2022, a cantora revelou publicamente que havia sido diagnosticada com a Síndrome da Pessoa Rígida (SPR), condição neurológica rara, de natureza autoimune, que provoca rigidez muscular e espasmos involuntários.

Dependendo da intensidade, os sintomas podem comprometer movimentos, equilíbrio, locomoção e até a capacidade de cantar. A doença obrigou a artista a interromper compromissos profissionais e suspender sua turnê mundial. Durante o período, Céline passou por tratamentos medicamentosos, acompanhamento especializado e um intenso processo de reabilitação física e vocal.

Em 2024, a luta da veterana artista contra a condição foi apresentada ao público no documentário I Am: Céline Dion, que mostrou os desafios enfrentados pela cantora para controlar os sintomas e preservar sua capacidade de cantar. A recuperação, entretanto, trouxe avanços importantes. Em setembro, Céline realizou seu primeiro show completo em mais de seis anos, em Paris, na França.

A gente fica feliz por ela!

Grandioso

Rush anuncia residência na Sphere, em Las Vegas, e prepara experiência especial para 2027

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