O próximo álbum do Slipknot deve marcar uma mudança de abordagem para a banda. Jim Root, guitarrista do grupo, afirmou que o novo trabalho de estúdio não pretende repetir fórmulas dos discos mais conhecidos da carreira e avisou aos fãs que algumas das escolhas feitas durante o processo de criação podem “ferir alguns sentimentos”.

Aos 54 anos, Root compartilhou no Instagram nesta segunda-feira (28) um vídeo de seus equipamentos de estúdio e cravou:

“Estamos prestes a ficar muito ocupados.”

Nos comentários da publicação, o músico revelou mais detalhes sobre o direcionamento do oitavo álbum do Slipknot:

“[Uma] coisa muito importante para nós neste momento é não nos ‘repetirmos’. Isso vai ferir alguns sentimentos. Estamos realmente experimentando abordagens diferentes.”

O guitarrista também pediu que os fãs não esperem uma nova versão dos dois primeiros discos da banda. Slipknot, lançado em 1999, apresentou o grupo ao grande público e o colocou entre os principais nomes do Nu Metal. Já Iowa, de 2001, chegou ao topo das paradas e se tornou um dos materiais mais emblemáticos da carreira do grupo.

Jim, que entrou para o Slipknot durante as gravações do álbum de estreia, explicou que a banda não pretende voltar aos mesmos caminhos:

“Já passamos por isso”.

Jim Root falou sobre o próximo disco do Slipknot e deu alguns detalhes sobre a sonoridade do projeto

Segundo o guitarrista, porém, o processo atual tem despertado uma sensação que remete ao período inicial da banda, especialmente pela presença do produtor Ross Robinson, responsável por Slipknot e Iowa (via Loudersound):

“A atmosfera parece honesta e verdadeira para mim. É algo inquietante e me lembra as gravações do início da carreira. Não estou dizendo que isso vai se traduzir diretamente no tipo de música que estamos criando ou na sonoridade/produção dela. Os primeiros discos tinham essa energia. É impossível não sentir isso com o Ross [Robison, produtor de Slipknot e Iowa].”

A busca por uma sonoridade mais orgânica também apareceu nas declarações de Root sobre o processo de gravação. Jim considerou que parte do material mais recente do Slipknot foi “excessivamente produzido” e afirmou que a intenção agora é privilegiar uma execução mais viva, com os integrantes tocando juntos no estúdio:

“Não se trata necessariamente de ter a ‘melhor’ sonoridade. Mas sim a sonoridade mais empolgante… mais viva, etc. Gravamos tudo ao vivo, com a banda tocando junta no estúdio, com o Eloy [Casagrande, bateria]. Não fazíamos isso há muito tempo, por vários motivos. Tudo é analógico e tocado de verdade. Todos os elementos necessários estão lá.”

O novo álbum será o oitavo da carreira do Slipknot e está sendo gravado com Matt Wallace, conhecido por seu trabalho com o Faith No More. O disco também marcará a estreia da banda em seu próprio selo, a (sic)est Records, e o primeiro álbum lançado com o baterista brasileiro Eloy Casagrande.

Slipknot foi escalado para o The Town 2027 junto com Marilyn Manson

Além das gravações, o Slipknot se prepara para uma extensa agenda de shows em 2027. Também ontem, a banda liderada por Corey Taylor foi anunciada como uma das atrações principais do The Town, que trará Marilyn Manson para se apresentar no mesmo dia.

Com a novidade, Eloy participou de um evento fechado para a imprensa para celebrar o anúncio, e você pode conferir a performance do baterista na ocasião logo abaixo!

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Após muitas especulações sobre quem iria assumir a bateria do Pearl Jam depois da saída inesperada de Matt Cameron, o grupo surgiu ao lado de Abe Laboriel Jr. durante o Ohana Festival no último final de semana.

Mas, ao que tudo indica, Abe ainda não é o baterista permanente da influente banda de rock. Em uma publicação assinada por Eddie Vedder após o evento, o músico deu a entender que o baterista só foi “emprestado” por Paul McCartney, com quem Laboriel toca há muitos anos.

Depois de agradecer ao público que compareceu na edição que marcou os 10 anos do Ohana Festival, evento do qual Vedder ajuda a organizar, o músico fez um agradecimento especial ao baterista, apontando que:

“[…] Também queremos expressar nosso agradecimento especial a Abe Laboriel Jr., que assumiu a bateria para o PJ. Foi uma alegria tocar com ele; é evidente que ele é extraordinário no que faz. O cara trabalha e TOCA com muita garra.

Não é à toa que ele acompanha o mestre supremo Paul McCartney e sua banda espetacular há décadas. Muito obrigado por este fim de semana, Abe. E obrigado a VOCÊ, Paul. Devemos muito a vocês.”

Eddie Vedder diz que Pearl Jam “pegou emprestado” baterista de Paul McCartney

Abe Laboriel Jr. tocou com o Pearl Jam tanto no show surpresa realizado por Eddie Vedder na sexta-feira quanto na apresentação principal do grupo no domingo. Na apresentação que encerrou o evento, a banda ainda recebeu Billy Strings para participações em diferentes momentos da noite.

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Ao todo, o Pearl Jam apresentou um setlist de 18 músicas, com Strings em “Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town” e no cover de “Throw Your Hatred Down”, de Neil Young. O músico também retornou no bis para tocar “Rockin’ in the Free World”, outro clássico de Young.

Os shows marcaram as primeiras apresentações do Pearl Jam desde a saída amigável de Matt Cameron, que deixou a banda em julho de 2025. Durante o show de domingo, Eddie Vedder fez questão de reconhecer a participação de Laboriel “Better Man” ao músico, embora tenha feito uma ressalva bem-humorada:

“Então, eu gostaria de dedicar, não a música inteira, mas apenas o refrão ao Sr. Abe. O refrão que diz: ‘Não consigo encontrar um homem melhor’”.

Confira abaixo alguns registros do show do Pearl Jam com Abe Laboriel Jr. na bateria.

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Em um cenário musical cada vez mais marcado pela velocidade e pelo consumo imediato, Natashha Maria escolheu seguir na direção contrária.

Depois de quatro lançamentos em sua carreira, a cantora e compositora mineira apresentou Pitanga, EP que nasceu da vontade de desacelerar e recuperar a atenção dedicada a uma canção, valorizando os detalhes que muitas vezes passam despercebidos.

O trabalho de estúdio propõe uma experiência de escuta atravessada por memória, afeto, brasilidade e pela busca de uma sonoridade mais orgânica. A ideia de Pitanga partiu da maneira como Natashha se relaciona com a música.

Para a artista, em meio ao excesso de escolhas, ruídos e estímulos, retirar aquilo que sobra pode ser uma forma de voltar a enxergar o que realmente importa. Tal reflexão se estendeu à forma como a música é descoberta e consumida atualmente, em um mercado no qual as canções circulam em velocidade cada vez maior.

O EP surge, portanto, como tentativa de recuperar outro tempo de escuta. Maria queria voltar a ouvir uma música inteira, perceber o desenho de um violão, a força de um acorde e até mesmo o silêncio entre as notas.

A proposta está relacionada às lembranças de uma época em que ouvir música envolvia também outros rituais, como colocar um vinil para tocar do início ao fim, observar os encartes e descobrir quem havia escrito os arranjos, tocado cada instrumento, produzido ou fotografado aquele material.

Natashha Maria lançou seu novo EP a partir de fragmentos de sua memória

A relação com a música ainda passou pelas fitas cassete. Natashha recorda o momento de esperar a canção escolhida tocar no rádio para tentar gravá-la, torcendo para que o locutor terminasse de falar antes dos primeiros acordes.

Os pequenos rituais contribuíram para sua compreensão de que uma música nunca pertence apenas a quem a interpreta, sendo resultado do trabalho de compositores, arranjadores, produtores, músicos, técnicos e de todos aqueles envolvidos na construção de uma gravação.

Da formação musical ao encontro com Milton Nascimento

Natural de Três Pontas, no Sul de Minas Gerais, Natashha cresceu em uma cidade diretamente ligada à história da música brasileira. Terra de Milton Nascimento e parte importante da trajetória do Clube da Esquina, o município ajudou a formar o repertório afetivo e musical da artista.

Aos 17 anos, em 2002, Maria começou a compor enquanto estudava no Conservatório Heitor Villa-Lobos. Desde então,ela construiu uma trajetória de mais de duas décadas dedicada à música, acompanhando diferentes momentos da cena independente e as transformações pelas quais passou a indústria fonográfica.

Ao longo do percurso, a cantora participou de festivais de música autoral e recebeu premiações por seu trabalho como compositora e intérprete. Natashha foi convidada pelo próprio Milton para participar das gravações dos álbuns Pietà (2002) e … E A Gente Sonhando, experiências que se tornaram parte importante de sua trajetória.

As canções da artista chegaram a mais de 100 rádios e Natashha também passou pelo Top 10 da MTV. As experiências acumuladas ao longo dos anos apareceram em Pitanga como parte de um novo momento artístico. O EP reúne encontros, referências e memórias que acompanham a cantora desde a infância e que continuam influenciando sua maneira de criar.

Entre as referências estão Gal Costa, Maria Bethânia, Secos e Molhados, Novos Baianos, Toni Tornado, Hyldon, Cassiano e Banda Black Rio, ajudando a construir a percepção de Natashha Maria sobre uma música brasileira capaz de experimentar sem perder sua identidade e transitar entre diferentes públicos com sofisticação e espontaneidade.

Ouça Pitanga logo abaixo!

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Kacey Musgraves subiu ao palco do VMA 2026 neste domingo (27) para homenagear Dolly Parton, que morreu em 25 de agosto, aos 80 anos. Em um dos momentos mais simbólicos da cerimônia, Kacey interpretou “I Will Always Love You”, uma das canções mais conhecidas da história.

Embora a música esteja profundamente associada à voz de Whitney Houston ao integrar a trilha sonora do filme O Guarda-Costas (1992), foi Dolly quem lançou a gravação original, em 1974 como parte do álbum Jolene.

Na época, a madrinha de Miley Cyrus escreveu “I Will Always Love You” como uma despedida de seu então parceiro profissional, Porter Wagoner, quando ele decidiu deixar o programa de televisão que os dois apresentavam e seguir carreira solo.

Dolly gravou a música naquele mesmo ano, e sua versão chegou ao primeiro lugar da parada Country nos Estados Unidos. Porém, quase 20 anos depois a composição ganhou uma nova dimensão com o longa estrelado por Whitney ao lado de Kevin Costner.

Produzida por David Foster, a versão começou de maneira mais contida e culminou na poderosa explosão vocal que se tornou sua marca registrada. O resultado foi um fenômeno mundial e a gravação permaneceu por 14 semanas no topo da Billboard Hot 100, fazendo da canção de Dolly um dos maiores sucessos de todos os tempos.

Faixa escrita por Dolly Parton virou hit na voz de Whitney Houston

A cover de Whitney também ajudou a apresentar a composição de Parton a uma audiência que ultrapassava em muito o universo da música Country. A gravação conquistou dois Grammys em 1994, incluindo o prêmio de Gravação do Ano e Melhor Performance Vocal Pop Feminina.

A partir daí, “I Will Always Love You” passou a ser associada às duas artistas, e a escolha da canção por Kacey Musgraves no VMA ganhou, dessa forma, significado especial. Vale lembrar que, desde a morte de Dolly Parton, Kacey tem incorporado músicas da artista à sua turnê “Middle of Nowhere”.

Em Boston, por exemplo, ela apresentou “Here You Come Again”, sucesso de Dolly lançado em 1977. Depois, no Madison Square Garden, Musgraves cantou “9 to 5”, de acordo com informações da Pitchfork.

Confira a emocionante performance de “I Will Always Love You” logo abaixo!

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Antes de ficar famoso, ainda na época das batalhas de rima, Emicida descobriu que suas próprias gravações estavam sendo vendidas por um preço muito maior do que aquele que ele cobrava diretamente do público.

A descoberta aconteceu em uma loja de discos de São Paulo e colocou diante do rapper uma questão que iria muito além da diferença de alguns reais. Diante da situação, Emicida se questionou se deveria deixar que terceiros determinassem o valor de um trabalho que ele próprio produzia e distribuía.

A resposta ajudaria a definir os rumos da carreira do artista nos anos 2000 e da empresa que ele construiria ao lado do irmão, Evandro Fióti, a Lab Fantasma. O episódio foi lembrado ao lado de Rashid e Projota, nomes que acompanharam de perto aquele período da cena do Rap paulistano e que participaram do mesmo quadro da revista GQ Brasil.

Como você pode ver no vídeo ao final da matéria, Emicida descobriu que uma tradicional loja de discos no centro da capital havia comprado algumas de suas mixtapes e as colocado à venda por até R$15. Ou seja, o mesmo material que chegava ao público por poucos reais pelas mãos do artista aparecia nas prateleiras por cinco vezes o preço, como ele mesmo explicou:

“A gente fazia mixtape, vendia na rua por R$2, está ligado? No momento em que a gente lançou, os lojistas não deram moral para nós. Aí nós ‘conseguiu’ fechar um acordo ali, para os caras vender por R$5. Eles já ‘estava’ lucrando mais que nós. Mas nós também ‘queria’ que o disco também estivesse disponível na galeria. Era importante. A galeria é um templo, né? Da parada. Mas aí eu descobri que os caras estavam vendendo por R$10, por R$15. Nós ‘estava’ ganhando R$1. Aí, mano, tipo, fui pras ‘ideia’, né, irmão? Minha propriedade intelectual. Fui lá e: ‘Irmão, devolve os meus bagulho.’ Tomei os ‘disco’ de volta da loja, e fui vender na rua. Voltou nós com nossas mochilas para a rua, e aparentemente, irmão… o lado vitorioso continua sendo esse.”

Certíssimo!

Emicida repensou sua lógica de posicionamento na carreira após episódio nas ruas de São Paulo

A partir dali, Emicida passou a cuidar melhor de questões como distribuição, posicionamento e controle sobre a própria produção. Em vez de depender exclusivamente da venda direta nas batalhas, ele começou a estruturar uma operação capaz de colocar seus produtos em outros canais e, ao mesmo tempo, manter sob seu controle uma parcela maior do negócio.

A mudança de perspectiva, inclusive, acompanhou o crescimento da Laboratório Fantasma, importante hub de entretenimento, gravadora e marca de moda urbana criado em 2009 por Emicida e Fióti na Zona Norte de São Paulo. O que começou ligado à produção e à distribuição independente de música ganhou novas frentes, incluindo roupas, gestão de carreiras e uma estrutura mais profissional para a circulação dos trabalhos.

Há males que vem para o bem, né?

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Chad Smith provou mais uma vez por que é considerado um dos grandes bateristas do Rock ao se aventurar por um clássico do Black Sabbath.

O músico do Red Hot Chili Peppers tocou “Fairies Wear Boots”, faixa do icônico disco Paranoid (1970), como parte do programa “Legends of the ’70s”, produzido pelo Drumeo e pelo Musora. O quadro apresenta Smith tocando e analisando músicas, partes de bateria e viradas de alguns dos grandes nomes da bateria dos anos 1970.

Chad Smith toca clássico do Black Sabbath na bateria

Na performance de “Fairies Wear Boots”, o baterista concentra sua atenção na presença do swing e do shuffle que ajudam a construir a identidade da música. Sua desenvoltura fica evidente nas mudanças de ritmo e na maneira como ele acompanha os fills que dão movimento às passagens instrumentais. Sobre a música, ele aponta:

“Este é o shuffle do Black Sabbath em sua melhor forma. Quando eles entram naquele verso, o som, a sensação… tão simples. Mas você sabe que vai acontecer.”

Na sequência, Chad Smith também explica como o saudoso Ozzy Osbourne costumava ajudá-lo a compreender a estrutura da música. Segundo o baterista, o vocalista descrevia a construção da faixa a partir de duas passagens do riff instrumental antes da chegada de outro verso.

No ano passado, Chad viveu um momento especial ao lado do Black Sabbath e de Ozzy ao participar do evento histórico Back to the Beginning, que marcou o último show da banda e do músico. Por lá, Smith integrou uma batalha de bateria ao lado de Danny Carey, do Tool, e Travis Barker, do blink-182.

Confira no player abaixo Chad Smith tocando o clássico do Black Sabbath.

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Quando o raper Sant começou a construir O Que Separa os Homens dos Meninos, tinha apenas 16 anos. Foram outros quatro até que aquele conjunto de experiências, inquietações e feridas ganhasse definitivamente o mundo, em 2015, transformando um jovem da Zona Norte do Rio de Janeiro em uma das vozes mais potentes de sua geração. Mais de uma década depois, ele apresenta uma capacidade de compreender melhor as perguntas que fazia quando ainda era adolescente.

É o tempo, mais do que qualquer conclusão definitiva, que organiza O Que Separa os Homens dos Meninos Vol. II. O álbum utiliza suas 11 faixas para colocar passado e presente em diálogo enquanto Sant observa aquilo que conquistou, perdeu, preservou e ainda tenta compreender desde sua estreia. Nesse intervalo, deixou o território onde cresceu e voltou para ele, interrompeu sua relação com o rap e retomou a carreira, atravessou diferentes estruturas da indústria musical e construiu uma família.

“Com 16 anos, querendo descobrir essas coisas por causa desse amadurecimento forçado, tentava pontuar coisas que separam os homens dos meninos”, explica ao TMDQA!. “Acho que agora, nesse segundo volume, o que trouxe desses questionamentos foi que o tempo vai colocando cada coisa e cada pessoa no lugar. Cada homem, cada menino, no seu devido lugar.”

A afirmação ajuda a compreender por que o segundo volume não funciona simplesmente como a resposta adulta ao disco criado pelo adolescente. Sant reconhece que hoje possui uma identidade artística, profissional e pessoal muito mais estabelecida, mas continua se enxergando em processo. O tempo lhe ofereceu novas ferramentas para interpretar experiências que antes precisavam ser colocadas para fora quase em estado bruto, sem necessariamente solucionar os conflitos que originaram aquelas músicas.

Se o primeiro disco carregava a vontade de um incendiário, no segundo ele se enxerga mais próximo de um bombeiro. Não porque o fogo tenha desaparecido, mas porque sua relação com ele mudou. “No primeiro disco, eu precisava libertar essas coisas, senão iam virar túmulos. Eu ia guardar essa parada, o menor quietão lá na minha. Então precisava soltar mesmo”, recorda. Foi a partir daquele grito que Sant pôde reorganizar a relação com o pai, lidar com determinadas feridas e, anos mais tarde, experimentar a própria paternidade.

Nem tudo mudou

Seria simples transformar os 11 anos entre os dois volumes em uma narrativa linear de ascensão: o garoto cresceu, tornou-se um rapper reconhecido, construiu uma família e agora olha para trás com a segurança de quem venceu. O novo álbum se torna mais interessante justamente quando essa interpretação deixa de funcionar.

Sant mudou, mas o mundo ao seu redor nem sempre acompanhou essa transformação. Durante uma passagem recente pelo Rio de Janeiro para se apresentar no Rock in Rio, o rapper estava hospedado na Zona Sul com a esposa e o filho quando reconheceu no motoboy, de um pedido de aplicativo de entrega, um antigo amigo dos tempos em que O Que Separa os Homens dos Meninos sequer havia sido lançado. Onze anos tinham colocado os dois em circunstâncias muito diferentes, embora bastasse uma breve conversa para que as memórias compartilhadas voltassem à superfície.

O episódio se soma a acontecimentos mais duros vividos durante a produção audiovisual do projeto. Amigos morreram no período das filmagens e RN, um dos personagens presentes no curta que acompanha o álbum, foi baleado pouco depois de participar das gravações. São experiências que impedem Sant de tratar o tempo simplesmente como sinônimo de progresso.

“Algumas coisas nunca mudam. Mas algumas coisas mudam também. A gente tem que celebrar alguma vitória, conseguir fazer alguma coisa, se forçar para fazer essas mudanças acontecerem”, afirma. “Estou nessa balança. Esse momento, para mim, é essa balança desse tempo.”

É justamente nessa balança que o álbum encontra parte de sua profundidade. O tempo permitiu a Sant alcançar lugares que pareciam distantes quando começou a escrever o primeiro volume, mas também lhe mostrou que a transformação individual não é suficiente para modificar automaticamente as estruturas ao redor.

As flores que Sant decidiu receber

A quantidade de convidados é outro elemento que chama atenção em O Que Separa os Homens dos Meninos Vol. II. Bia Ferreira, Céu, L7NNON, Duquesa, Tiago Mac, Lil Whind, 2ZDinizz, Clara Lima, ADL, Pecaos, DJ KL Jay e outros artistas aparecem ao longo do projeto, conectando referências, relações e diferentes gerações acumuladas durante a trajetória de Sant.

Desta vez, porém, existe uma diferença na maneira como o rapper compreende essas participações. Se em outros momentos enxergava os convites também como uma oportunidade de dividir espaço com artistas nos quais acreditava, agora admite que queria receber de volta parte desse reconhecimento. “Nesse disco, eu queria mesmo que me dessem esse holofote, que as participações me legitimassem, que elas completassem essas esferas com uma outra perspectiva, mas com uma perspectiva de autoridade”, explica.

A ideia ajuda a entender por que Emicida ocupa justamente a faixa que carrega o nome do projeto. Para Sant, sua presença nunca foi intercambiável. “Não tinha como ser outro cara. Pensar em fazer O Que Separa os Homens dos Meninos 2… tinha que chutar um verso do Emicida. Eu vou mirar na Lua. Se acertar uma estrela, tá. Mas não tinha como não ser esse cara. É ele.”

Antes da colaboração, os dois conversaram por videochamada. Sant apresentou o filho, chorou e ouviu músicas que Emicida preparava para seu próprio trabalho. Para além do que um feat de prestígio, o encontro ganhou significado dentro de um disco interessado justamente em registrar as pessoas e relações acumuladas durante esses onze anos.

Uma pergunta que ainda precisa existir

Sant sempre imaginou O Que Separa os Homens dos Meninos como uma trilogia, mas sequer ele sabe atualmente qual será a resposta de seu capítulo final. Durante a produção do primeiro volume, chegou a conceber outra continuação, organizada a partir de um ciclo que acompanharia diferentes momentos do dia. A vida avançou, aquelas ideias perderam sentido e o segundo disco acabou se tornando algo completamente diferente.

Quando questionado sobre o que precisa acontecer com esse personagem para que a trilogia possa terminar, Sant não tenta criar uma conclusão que ainda não existe. “Não sei. Sei que ele vai existir, sei que ele precisa existir. Quero fechar essa obra com chave de ouro, mas não sei quais elementos são necessários para isso agora”, admite. “Por mais que agora esteja muito mais convicto, muito mais responsável, muito mais consciente, muito mais capacitado, eu ainda estou na busca.”

É provavelmente essa admissão que melhor distancia o segundo volume de uma narrativa simplista sobre amadurecimento. 11 anos atrás, Sant transformou em título uma pergunta para a qual ainda não tinha repertório suficiente para responder. Hoje, depois de se tornar pai, construir uma família, conquistar espaço dentro do rap, perder pessoas e reencontrar outras, poderia utilizar a continuação para assumir a autoridade de quem finalmente descobriu o que separa homens de meninos. Prefere reconhecer que algumas respostas continuam escapando.

Talvez seja justamente por isso que Sant descreva O Que Separa os Homens dos Meninos como “a obra da sua vida”. A pergunta formulada na adolescência cresceu junto com ele e acabou se tornando uma maneira de medir aquilo que o tempo foi capaz — ou incapaz — de transformar. O segundo volume não resolve essa equação, mas encontra sua força ao reconhecer que amadurecer também pode significar aprender a conviver com aquilo que ainda não se sabe.

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Apesar de Eddie Vedder ser conhecido como um símbolo do Grunge, o líder do Pearl Jam nunca escondeu sua admiração pelo Punk Rock.

No último final de semana aconteceu em Dana Point, Califórnia, mais uma edição do Ohana Festival, organizado com a colaboração do próprio artista, e o público foi surpreendido com uma participação especial durante o show do Bad Religion.

Para a performance de “American Jesus”, clássico presente no álbum Recipe for Hate (1993), a banda liderada por Greg Graffin recebeu no palco Eddie Vedder, que contribuiu com vocais de apoio na versão de estúdio da faixa. Assista ao final da matéria.

Antes de se juntar ao Bad Religion, o músico abriu a sexta-feira com uma apresentação surpresa de “Here Comes the Sun”, dos Beatles, tocada no ukulele. Mais tarde, se apresentou com o nome Eddie Vedder & Friends, onde recebeu uma série de convidados e ainda fez uma performance inesperada ao lado de seus companheiros do Pearl Jam, contando com Abe Laboriel Jr. na bateria.

Segundo o próprio grupo, Abe foi “emprestado” por Paul McCartney, e não há confirmação de que ele será o novo baterista do Pearl Jam.

Eddie Vedder faz participação no show do Pixies

E as participações de Eddie Vedder não pararam por aí. No último dia do festival, o vocalista do Pearl Jam foi convidado pelo Pixies para tocar a faixa “Wave of Mutilation”, que integra o segundo disco da banda de rock alternativo, Doolittle, lançado em 1989.

O evento foi encerrado com um show pra lá de especial do Pearl Jam, com a influente banda de rock recebendo a participação de Billy Strings para tocar “Elderly Woman Behind the Counter in a Small Town” e versões de “Throw Your Hatred Down” e “Rockin’ in the Free World”, ambas de Neil Young.

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Anitta colocou a espiritualidade no centro de EQUILIBRIVM, álbum lançado em 2026. Mas a relação entre música, fé e busca interior também atravessa a produção independente brasileira e assume formas bem diferentes de um artista para outro.

Do Pop eletrônico aos tambores, passando pelo Soul e por composições meditativas, Bárbara Grando, Chandra Lacombe, Alessandra Leão, Myrella Nascimento e Raiane Castro mostram como vivências pessoais e tradições espirituais podem chegar às canções.

Bárbara Grando

Para a paranaense Bárbara Grando, a fé aparece ligada ao autoconhecimento. Em “Dizendo Sim Pra Mim (Pra Deus)”, a cantora e compositora aproxima a relação com Deus da coragem de fazer escolhas alinhadas à própria identidade, em uma sonoridade que mistura pop e elementos eletrônicos.

Essa busca já fazia parte de Tapetum Lucidum (2024), seu EP de estreia. Faixas como “Nova Era”, parceria com Gavi, e “Voilà” abordam transformação e a possibilidade de encontrar novos caminhos em períodos difíceis.

Chandra Lacombe

Chandra Lacombe construiu uma trajetória em que a música também funciona como prática de busca interior. Suas composições reúnem referências do yoga, dos mantras, de tradições orientais e da medicina sul-americana.

No trabalho solo e em projetos como o Udiyana Bandha, grupo que ajudou a fundar, instrumentos como kalimba e percussão ajudam a criar sonoridades meditativas. Essa proposta também aparece em Estação Bhakta e no trabalho da Fusão Divina.

Alessandra Leão

Na obra da pernambucana Alessandra Leão, a espiritualidade se conecta aos saberes dos terreiros, às tradições populares e à ancestralidade afro-indígena e afro-brasileira. Cantora, compositora e percussionista, ela recebeu uma indicação ao Grammy Latino em 2019 por Macumbas e Catimbós.

A pesquisa segue em lançamentos como o single “Irôko em Montevideo”, de 2026. Alessandra também participa de EQUILIBRIVM, de Anitta.

Myrella Nascimento

Myrella Nascimento leva o misticismo para uma mistura de soul pop e MPB. Com mais de 25 anos de carreira independente, a cantora, violonista e compositora paulistana abre espaço em seu repertório para referências à natureza, ao sagrado feminino, à astrologia, ao tarot e aos orixás.

Raiane Castro

Raiane Castro, por sua vez, transforma a espiritualidade em mensagens de leveza, amor e conexão. A cantora conta que as músicas de seu projeto iniciado com “Eleva”, lançada em 2025, nasceram de um chamado espiritual. “Tão Simples” segue essa proposta, usando a música como caminho para compartilhar reflexões sobre o cotidiano.

As cinco trajetórias mostram que não há uma sonoridade única para falar de espiritualidade. Cada artista parte de suas próprias referências para abordar fé, memória, transformação e autoconhecimento.

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Rod Stewart anunciou que fará sua última turnê em 2027. A “The Final Encore” passará pelo Reino Unido, Irlanda e Europa.

Em comunicado (via Louder Sound), o cantor de 81 anos falou sobre a relação construída com os fãs ao longo de sua trajetória e confirmou que pretende se despedir definitivamente da vida na estrada:

“Meus queridos amigos, chegou a hora de me despedir da vida na estrada. Após mais de seis décadas, The Final Encore será, sem dúvida, meu último show. Canto a música que amo desde os 19 anos e tive o privilégio de levá-la ao redor do mundo para todos vocês.

Isso me proporcionou uma vida além de tudo que eu poderia ter imaginado, e espero ter lhe dado boas lembranças em troca. Portanto, gostaria de aproveitar esta oportunidade para agradecer por tornar esta vida extraordinária possível. Espero que você se junte a mim.”

Rod Stewart anuncia turnê de despedida após 60 anos de carreira

O anúncio acontece poucas semanas depois de Rod Stewart cancelar os shows restantes de sua turnê mais recente. O músico passou por um procedimento cardíaco para a colocação de um stent coronário e já havia precisado cancelar algumas apresentações anteriores devido a problemas de saúde.

A turnê “The Final Encore” terá Howard Jones como atração de abertura nas apresentações no Reino Unido e na Irlanda. O primeiro show acontece dia 23 de abril em Dublin e o encerramento está previsto para 24 de julho em Hannover.

Os ingressos terão uma pré-venda exclusiva para membros do fã-clube na terça-feira (29), seguida pelas pré-vendas locais e pela venda geral na sexta-feira (2 de outubro). As informações oficiais sobre ingressos e datas estão disponíveis no site oficial de Rod Stewart.

A última passagem do cantor britânico no Brasil aconteceu em setembro de 2023, quando o músico se apresentou em Ribeirão Preto e em São Paulo, dividindo o palco com Ivete Sangalo pelo projeto Legends in Concert.

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