Enquanto se prepara para iniciar a aguardada nova turnê do Rush, o lendário baixista e vocalista Geddy Lee refletiu sobre o repertório de sua banda em uma nova entrevista.

Ao conversar com o youtuber Rick Beato, o músico apontou que classificaria o sucesso “YYZ” como uma das faixas mais tecnicamente exigentes do Rush em termos de consistência, mas destacou outra canção como a mais difícil de tocar. Inicialmente, Lee apontou:

“Em termos de consistência, você poderia dizer ‘YYZ’, mas eu a toco há tantos anos que ela está gravada na minha mente. Ela não desaparece, mas a fluidez depende de quanto tempo você dedica a ela. Então, não é uma questão de memorização. Eu nunca esqueci essa música, mas é… é difícil.”

Em seguida, o músico relembrou que o saudoso baterista Neil Peart considerava “Tom Sawyer” a música mais difícil do repertório do Rush para tocar. Ainda assim, Geddy observou que a faixa não representa um grande obstáculo especificamente para o baixo.

Revelando a canção que ele considera mais difícil de executar, que integra o disco Clockwork Angels, ele disse:

“Há complexidade na performance de [‘Tom Sawyer’] devido ao fato de que raramente sou apenas o baixista. Então, uma música como ‘The Anarchist’, por exemplo, tocar o refrão e cantá-lo é uma das coisas mais difíceis que faço porque são dois mundos diferentes. E de alguma forma você tem que fazer isso funcionar.”

Aproveite para relembrar “The Anarchist” ao final da matéria!

Rush vai trazer a turnê “Fifty Something” ao Brasil

O Rush está retornando aos palcos oficialmente pela primeira vez desde 2015 com sua nova turnê “Fifty Something”.

A série de shows começa no dia 7 de junho, em Los Angeles. A extensa turnê inclui duas etapas na América do Norte, que se estendem até o final do ano.

A banda também já confirmou sua passagem pelo Brasil em Janeiro e Fevereiro de 2027. O Rush fará shows em Curitiba (Arena da Baixada) em 22 de janeiro, seguindo para São Paulo (Allianz Parque) em 24 de janeiro, e depois para o Rio de Janeiro (Estádio Nilton Santos) em 30 de janeiro. Depois, ainda passará por Belo Horizonte (Estádio Mineirão) em 1º de fevereiro e Brasília (Arena BRB Mané Garrincha) em 4 de fevereiro. Saiba mais aqui.

Na entrevista com Rick Beato, Geddy Lee também comentou sobre a preparação do repertório para a turnê. De acordo com ele, a banda estava “começando do zero” na preparação das 38 músicas para a série de shows.

Segundo Lee, um dos principais desafios para a banda tem sido ensinar as peculiaridades do material à nova baterista, Anika Nilles, que recentemente contou sobre os bastidores do primeiro ensaio do grupo.

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Grandes clássicos do Rock dificilmente surgem de um lugar confortável. Muitas vezes, quando um artista decide explorar suas emoções de uma maneira profunda, o resultado pode ser transformador – outras vezes, até mesmo perturbador.

Em muitos casos, essas músicas surgiram em meio a pressões da indústria, conflitos internos ou crises pessoais, e o que poderia funcionar para o compositor como uma fuga acaba se tornando um lançamento de destaque de sua carreira.

Com o sucesso de determinadas canções mais íntimas, o público pode enxergar aquela obra como uma música de alívio e conexão, enquanto para o artista essa repetição nos palcos e programas pode lhe forçar a reviver uma ferida ou algo que ele tenta esquecer.

Ainda assim, são justamente essas canções que, na maioria das vezes, atravessam gerações. Mesmo que alguns ouvintes não consigam compreender todo o peso das letras, eles reconhecem rapidamente a honestidade do que foi colocado ali.

É nesse espaço de vulnerabilidade que bandas como Black Sabbath e Nirvana encontram parte de sua força criativa. A seguir, confira uma lista reunida pelo Far Out com 10 clássicos do Rock que possuem histórias sombrias!

10 clássicos do Rock com histórias sombrias

Metallica – “One”

Ao contrário de boa parte das bandas de metal que incluíam histórias sobre demônios em suas músicas, o Metallica, principalmente seu vocalista James Hetfield, se inspirava nos horrores da vida real. Baseada no livro Johnny Got His Gun, a faixa “One” conta a história de um soldado vítima de uma mina terrestre durante a Segunda Guerra Mundial.

Após perder todos os seus membros e ficar incapaz de se comunicar, o protagonista sente apenas dor enquanto tenta informar aos médicos que deseja morrer. A música evolui de tristeza para pânico absoluto, com guitarras que simulam tiros de metralhadora e Hetfield ficando cada vez mais frenético enquanto o soldado percebe que irá passar o resto da vida preso dentro de sua mente.

Alice in Chains – “Rooster”

Em uma época em que o grunge começava a ganhar força e as emoções começaram a surgir nas músicas de rock, o Alice in Chains encontrou inspiração em uma história real para escrever uma de suas canções mais intensas.

“Rooster” surgiu das memórias do pai de Jerry Cantrell, que serviu como soldado na Guerra do Vietnã, e transforma relatos que ouviu quando criança em um retrato sombrio da vida na guerra.

Mesmo quando o refrão insiste que ele não morrerá, a canção deixa claro que sobreviver não significa sair ileso. Apesar do pai de Jerry ter retornado aos EUA em segurança, algumas cicatrizes emocionais sempre irão acompanhá-lo.

Alanis Morissette – “You Learn”

Enquanto a carreira de Alanis Morissette alcançava um novo patamar com o sucesso do disco Jagged Little Pill, a faixa “You Learn” servia como uma memória de como era sua vida antes daquele momento.

Com um refrão impactante, Alanis revisita os anos de incerteza antes da fama, expondo inseguranças e o desgaste físico e psicológico de tentar se consolidar na indústria.

Embora haja um tom sarcástico na maioria das letras, ouvir Morissette recomendar que as pessoas tenham seus corações pisoteados soa como algo genuíno. Alanis demonstrou que não esqueceu de tudo que precisou passar antes de se tornar uma artista relevante!

Red Hot Chili Peppers – “Under the Bridge”

Conhecido por suas músicas descontraídas e de humor irreverente, o Red Hot Chili Peppers apresentou aos fãs um lado inesperado quando Anthony Kiedis foi aconselhado pelo produtor Rick Rubin a transformar um poema íntimo em música. Em “Under the Bridge”, o vocalista aborda sua experiência como um viciado em drogas.

A canção se tornou um das faixas de maior sucesso dos anos 90, revelando um momento em que Kiedis vivia como um astro do rock sem perspectivas, que desperdiçou anos de sua vida com as drogas. É uma confissão que poderia, facilmente, ser usada como um alerta sobre os efeitos das drogas pesadas.

Pearl Jam – “Jeremy”

Enquanto produzia o emblemático Ten do Pearl Jam, Eddie Vedder se deparou com uma notícia tão impactante que precisava ser transformada em música. Em parceria com o baixista Jeff Ament, “Jeremy” narra a história real de Jeremy Wade Delle, que tirou sua própria vida na frente de seus colegas de classe anos antes.

Ao invés de explicar os pensamentos de Jeremy, Vedder opta por ser um observador daquela história que aconteceu principalmente por conta do bullying.

No refrão, o vocalista não consegue nem dizer o que aconteceu, escolhendo apenas relembrar a imagem vívida de quando “Jeremy falou na aula hoje”. O clipe, que tem restrição de idade, potencializa ainda mais a emoção da música ao mostrar um ator interpretando Jeremy e o triste ocorrido.

KoRn – “Daddy”

No início do nu metal, o KoRn foi responsável por apresentar aos fãs uma das músicas mais impactantes de todos os tempos. “Daddy” apresenta um relato extremamente sincero do abuso que o vocalista Jonathan Davis sofreu na infância por um amigo da família, enquanto é acompanhado por um caos sonoro criado pela banda.

A versão final da faixa, da qual o vocalista se recusa a falar sobre, captura Davis se emocionando no estúdio, soluçando durante a performance e tendo que se recompor para soltar os gritos finais.

Black Sabbath – “Black Sabbath”

A faixa que leva o nome do Black Sabbath ajudou a redefinir o significado de “pesado” na cena do rock. Inspirado por uma experiência assustadora do baixista e compositor Geezer Butler com uma figura escura envolta em preto parada aos pés de sua cama apontando para ele com olhos vermelhos, o grupo deixou de lado os elementos de blues que influenciavam as bandas na época.

A música se tornou um clássico tanto pela letra de Butler, com ele contando sobre a história da figura sombria que possivelmente iria levá-lo para o inferno, mas principalmente pela dissonância do riff de guitarra de Tony Iommi, considerado um dos mais assustadores de todos os tempos.

Nine Inch Nails – “Hurt”

Trent Reznor se dedicou a criar uma das experiências mais perturbadoras já ouvidas no discoThe Downward Spiral do Nine Inch Nails. Contando a história de um homem que caminha lentamente para a insanidade, o álbum termina com o protagonista tirando a própria vida, fazendo diversas alusões a brincar com uma arma carregada.

“Hurt” funciona como uma confissão final, com Trent Reznor cantando sobre o que ele poderia ter feito diferente e lamentando o quão fundo ele se deixou afundar. Apesar da versão de Johnny Cash ter se tornado mais popular, a canção original revela Reznor lutando contra seus próprios fantasmas, tentando não voltar aos velhos hábitos.

Nirvana – “Polly”

Kurt Cobain passou anos se manifestando em defesa dos direitos das mulheres e, ao ler uma notícia sobre uma mulher torturada, ele decidiu abordar o tema em uma de suas músicas. Em vez de cantar do ponto de vista da vítima, o líder do Nirvana optou por narrar “Polly” pela mente do agressor, inspirada em um caso real de sequestro e tortura.

Apesar da letra ser sombria do início ao fim, o mais assustador da música é a maneira como Cobain interpreta essa canção, soando completamente indiferente ao fato de estar prestes a fazer coisas indizíveis com essa mulher indefesa.

John Lennon – “Mother”

John Lennon cresceu em uma família conturbada, que incluiu o abandono por parte de seus pais ainda na infância. Após o fim dos Beatles, Lennon decidiu compartilhar algumas de suas mágoas mais íntimas em “Mother”.

À medida que a música vai se desenvolvendo, Lennon revela seu verdadeiro eu, conseguindo expor sua raiva de forma mais clara, gritando a plenos pulmões nos minutos finais enquanto implora para que sua mãe não o abandone e seu pai volte para casa.

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A cena indie contemporânea carrega uma quietude que, paradoxalmente, faz muito barulho. Longe dos holofotes saturados do pop comercial, o trio Horsegirl – formado por Penelope Lowenstein, Nora Cheng e Gigi Reece – vem lapidando uma identidade que transforma o minimalismo em pura eletricidade. O som das guitarras limpas e a economia de notas não são sinais de timidez; são escolhas estéticas de quem aprendeu a usar o silêncio como armadura e o espaço vazio como convite à escuta atenta.

Criadas no asfalto cinzento e nos invernos rigorosos de Chicago, e mais tarde divididas entre as salas de aula e as calçadas de Nova York, as integrantes trazem na bagagem o espírito da cultura Do-It-Yourself (DIY). No entanto, quando essa sonoridade essencialmente urbana cruza o oceano e desembarca no Brasil, o contraste se transforma em crônica visual. Tocar à tarde, sob a luz natural e o abraço verde do Parque Ibirapuera, confere às texturas da banda uma inesperada atmosfera de piquenique psicodélico. É a crueza do concreto norte-americano ganhando novas cores sob o sol sul-americano (tipo de experiência que o C6 Fest faz de forma espetacular!).

Esse amadurecimento sonoro – que trocou as paredes intransponíveis de ruído da adolescência por arranjos onde cada erro é audível e cada nota importa – teve um empurrão cirúrgico na produção. Ao gravarem no icônico estúdio The Loft sob o olhar da vanguardista Cate Le Bon, as jovens musicistas entenderam o valor do desapego. Le Bon não moldou o Horsegirl à sua imagem, mostrando que o descarte de uma parte querida pode ser o único caminho para revelar a verdadeira alma de uma canção.

Em uma conversa exclusiva para o TMDQA!, a encantadora Penelope Lowenstein destrinchou essa transição para a vulnerabilidade dos palcos limpos, relembrou os ensinamentos de estúdio e compartilhou seu entusiasmo (e suas referências, que vão de The Velvet Underground a Novos Baianos) antes de sentir o calor do público brasileiro.

Confira o papo abaixo (:

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TMDQA! Entrevista Penelope Lowenstein (Horsegirl)

TMDQA!: Penelope, antes de mais nada, muito obrigado por nos atender. É um prazer falar com você!

Penelope: Eu quem agradeço, claro!

TMDQA!: Você provavelmente sabe que São Paulo é conhecida por sediar grandes shows e festivais. Há alguns meses, uma DJ alemã chamada horsegiirL estava tocando “happy hardcore” dos anos 90 aqui no Brasil – por outro lado, você e as meninas são a essência do indie rock minimalista. Se o universo colapsasse e vocês fossem forçadas a fazer um set colaborativo, como seria o som do “Horsegirl²”? Você colocaria uma máscara de cavalo ou faria ela tocar uma guitarra lo-fi?

Penelope: Ai meu Deus [risos] essa é uma ótima pergunta! Sim, talvez a gente tocasse guitarra usando as máscaras… Ou não, nós faríamos isso e ela faria um DJ set minimalista.

Sabe, agora precisamos fazer algo assim. Seria incrível! [risos]

TMDQA!: Fico feliz que você tenha abraçado minha loucura! [risos] Mas falando sério agora: vocês começaram a banda muito jovens, profundamente enraizadas na cena DIY de Chicago. De repente, você se viu estudando em Nova York e pegando a estrada. Olhando para trás, para a Penelope de 2019 que estava lançando “Forecast”, qual é a coisa mais “adulta” ou inesperada que a Penelope de hoje faz antes de subir ao palco?

Penelope: Deixa eu pensar… Acho que me surpreenderia o fato de não usarmos nenhuma distorção no nosso set agora. Para mim, a configuração ideal de guitarra hoje é apenas um pedal de afinação e mais nada.

Naquela época, eu gostava muito dos meus pedais, então acho que essa mudança pegaria o meu eu do passado de surpresa.

TMDQA!: Ótima resposta, até porque em entrevistas passadas você mencionou que queria trabalhar com o espaço e o vazio da mesma forma lúdica que usavam o ruído quando adolescentes – inclusive, para um guitarrista, o ruído costuma ser um escudo confortável. Historicamente e artisticamente, como foi “limpar” o som da guitarra e deixar o silêncio tocar junto? Isso fez você se sentir vulnerável?

Penelope: Sim, com certeza! Acho que os shows, depois que fizemos a transição para o minimalismo, pareceram muito diferentes. Se você cometesse um erro, dava para ouvir de verdade, ao contrário de quando se toca um set barulhento – se você for um pouco desleixada lá, é menos óbvio.

Mas há muitos momentos no nosso set do Horsegirl agora em que apenas uma de nós três está tocando por um instante, e tudo gira em torno de como as partes funcionam juntas – isso é incrivelmente vulnerável. Às vezes dá até um frio na barriga, em um palco de um festival enorme, pensar: “sou a única tocando agora” [risos] é muito estranho.

Mas é uma sensação legal, porque às vezes você sente que tem o público na palma da mão, e isso cria um ambiente lindo e atencioso. Então, ambos são especiais à sua maneira, mas são experiências muito diferentes como artista, eu acho.

TMDQA!: Penelope, gravar no The Loft com a produção da Cate Le Bon soa como um sonho que se torna realidade para qualquer fã de indie. Teve algum momento específico durante as sessões de gravação em que a Cate olhou para um dos arranjos de vocês e disse: “Tirem isso, menos é mais”, mudando completamente a alma de uma música?

Penelope: Sim, aconteceu algumas vezes! Mas não foi porque ela estava empurrando a própria estética dela para cima da gente; foi mais porque ela sabia o que estávamos tentando fazer. E às vezes, quando você escreve algo, você se apega a uma parte que criou, sem perceber que aquilo foi apenas um degrau para te levar à música real que você estava tentando compor.

Editar o próprio trabalho é muito difícil, e é útil ter uma perspectiva externa para dizer: “ok, o efeito que você quer é diferente da parte que você escreveu. Você está quase lá, mas talvez precise dar um passo além.”. Acho que um bom produtor traz essa perspectiva de fora e esse olhar de edição para te ajudar a alcançar o som que você acha que está fazendo, mas não tem o distanciamento para enxergar porque foi quem escreveu.

Ela fez isso em “Julie“, fez em “Rock City“… Essa era geralmente a perspectiva dela como produtora: tentar garantir que tudo o que estava ali realmente precisava estar ali.

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TMDQA!: Penelope, o show de vocês é o primeiro da tarde de sábado no Parque Ibirapuera, cercado por árvores, luz natural e uma vibe meio piquenique psicodélico – e vocês são uma banda muito urbana, moldada pelos invernos de Chicago e pelo concreto de Nova York. Como você acha que a música de vocês se transformará quando exposta ao sol e à natureza da América do Sul?

Penelope: Cara, eu tô muito curiosa! [risos] Veremos… sabe, eu não sou nem um pouco de um ambiente tropical, e percebo que tocar na Califórnia, por exemplo, já parece diferente para nós.

Então, não sei, estou animada. Ouvi dizer que o indie rock é grande no Brasil, então espero que haja uma sintonia mútua – mas sim, já me perguntei e me pergunto sobre isso todo dia antes do show [risos].

TMDQA!: O lineup do C6 Fest este ano traz uma mistura enorme de gêneros e gerações, indo de vocês até Robert Plant, de The xx até Cameron Winter (da banda Geese)… Se vocês pudessem convidar alguém do line para tocar com vocês no sábado, quem seria?

Penelope: Provavelmente o Cameron Winter! Embora eu ache que a gente more no mesmo bairro, então eu provavelmente poderia encontrá-lo em Nova York mesmo! [risos]

Mas acho o disco que ele acabou de fazer ótimo. Tomara que a gente consiga se trombar e dar um “oi”. Sou fã, com certeza.

TMDQA!: Sim, ele é especial. Bom, vamos para uma rodada de perguntas rápidas agora?Você poderia me dizer uma banda dos anos 90 que o mundo esqueceu, mas que você sempre vai defender?

Penelope: Ah, uma banda dos anos 90… Electrelane? Talvez elas sejam mais dos anos 2000, mas eu diria elas.

TMDQA!: Justo. Qual é a maior mentira que a indústria musical vende para bandas jovens?

Penelope: Nossa, boa pergunta! Acho que seria que você precisa fazer turnê constantemente?

TMDQA!: Qual é a melhor coisa sobre compor como um trio com a Nora e a Gigi?

Penelope: Você foi fofo com essa! Descobrir algo novo juntas, eu acho.

TMDQA!: Você poderia definir o público brasileiro em uma palavra, mesmo antes de tocar para eles?

Penelope: Bem, ouvi dizer que vocês são calorosos, mas não sei…

TMDQA!: Você vai ver! Bom, Penelope, meu nome é Eduardo e eu represento um site brasileiro chamado Tenho Mais Discos Que Amigos!. No final das nossas entrevistas, temos uma tradição: você poderia citar alguns álbuns que mudaram a sua vida e o porquê?

Penelope: Ok!

1. Eu diria Loaded do The Velvet Underground, porque é uma aula de composição pop, esquisitice e timbres quentes de guitarra.
2. East and West da Anna Domino, porque é melancólico, minimalista e super feminino de um jeito que eu amo.
3. Acho que devo incluir Novos Baianos (Acabou Chorare)? Tive uma enorme obsessão por esse disco durante a pandemia. Ele me mostrou que o rock pode sim ter uma seção rítmica incrivelmente boa, algo em que os ocidentais nem sempre conseguem se encaixar perfeitamente, eu diria!
4. Talvez Tour de France do Kraftwerk, porque também me surpreendeu que a música eletrônica pudesse ser tão estranha e, ainda assim, ter uma alma no fim das contas.

Então, esses são os meus quatro!

TMDQA!: Seleção espetacular! Penelope, muito, muito obrigado, foi uma entrevista maravilhosa.

Penelope: Muito obrigada, eu adorei! Tchau, nos vemos em São Paulo!

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Horsegirl no C6 Fest

Mais do que uma performance, o show do Horsegirl na tarde de sábado do C6 Fest promete ser um mergulho estético sem precedentes. É o cenário perfeito para quem quer ver a crueza do indie de Chicago se misturar à luz natural e às árvores do Parque Ibirapuera, criando uma autêntica e inusitada sensação ao público.

O TMDQA! é parceiro de mídia e estará presente no C6 Fest cobrindo cada detalhe e trazendo o melhor do festival para você. Nos encontramos na frente do palco!

OUÇA AGORA MESMO A PLAYLIST TMDQA! RADAR

Quer ouvir artistas e bandas que estão começando a despontar com trabalhos ótimos mas ainda têm pouca visibilidade? Siga a Playlist TMDQA! Radar para conhecer seus novos músicos favoritos em um só lugar e aproveite para seguir o TMDQA! no Spotify!

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O Avenged Sevenfold ficou bastante animado com uma novidade envolvendo sua carreira.

A banda anunciou nesta semana através das suas redes sociais que agora atua de forma totalmente independente e ainda readquiriu as gravações master e os direitos do seu sétimo disco de estúdio, The Stage (2016), e do álbum ao vivo Live At The Grammy Museum, lançado em 2017.

Em uma publicação que foi acompanhada pela faixa “Simulation”, que integra o disco The Stage, a banda compartilhou a notícia e fez um aviso aos fãs:

“Estamos muito felizes em anunciar que readquirimos as gravações originais e os direitos de ‘The Stage’, ‘The Stage (Edição Deluxe)’ e ‘Live at the Grammy Museum’ da Capitol Records. Queremos avisar vocês porque talvez precisem adicionar os álbuns novamente às suas playlists, caso não estejam disponíveis nos serviços de streaming. Além disso, nossa Edição Deluxe agora inclui a apresentação de quatro músicas ao vivo no terraço da Capitol Records.”

No texto, o A7X também destacou como The Stage se tornou uma parte importante desta nova fase do grupo:

“Após 26 anos, o Avenged Sevenfold agora é uma banda totalmente independente. ‘The Stage’ faz parte dessa independência. É um álbum que aborda inteligência artificial, crítica política e social, teoria da simulação e existencialismo em 2016. Todos temas que parecem ser ainda mais relevantes nos dias de hoje. Estamos cientes de que o aniversário de 10 anos está chegando e estamos ansiosos por isso.”

Avenged Sevenfold no Brasil

O Avenged Sevenfold retorna ao Brasil menos de um ano depois da sua passagem mais recente por aqui. O grupo será uma das atrações do Rock In Rio no dia 5 de Setembro.

No mesmo dia, o evento recebe os shows de Bring Me the Horizon, MGK, Sepultura, Bad Omens, Poppy, Black Pantera convida Nervosa, Malvada convida Day Limns e mais.

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A experiência de um show começa no anúncio, no pôster colado na rua e na criatividade de como uma turnê é apresentada ao público. Provando que a inovação é parte fundamental do seu DNA, a 30e, maior companhia brasileira de entretenimento ao vivo, acaba de ser anunciada como finalista do LAD Awards.

Para quem não conhece, o LAD Awards é uma das principais premiações de design da América Latina, focada em destacar ideias disruptivas, impacto e criatividade. A empresa brasileira concorre em duas categorias com projetos marcantes desenvolvidos para a turnê do Planet Hemp e o show especial de Dominguinho no Allianz Parque.

30e é finalista do LAD Awards com campanhas de Planet Hemp e Dominguinho

Concorrendo na categoria Anúncio em Imprensa está a divulgação da turnê de despedida Última Ponta, do Planet Hemp.

O time de criação da companhia veiculou um anúncio de uma página inteira no jornal Folha de S.Paulo apostando na conexão forte do grupo à defesa da descriminalização da maconha. O anúncio trazia encartada uma folha de seda real com os versos: “Quem tem? Quem tem ____? Quem tem ____? Agora, você tem”.

A ação, claro, quebrou as barreiras do papel físico, viralizou intensamente e ganhou as redes sociais nas mãos dos fãs do grupo e até de curiosos.

Já na categoria Campanha de Pôsteres, o destaque foi o cartaz do espetáculo que reuniu João Gomes, Jotapê e Mestrinho no Allianz Parque.

Assinado pela ilustradora Winny Tapajós, o projeto gráfico trouxe um profundo sentimento de pertencimento e brasilidade através de símbolos e texturas. O grande marco histórico da peça foi o seu processo de produção: pela primeira vez, um pôster de show foi bordado à mão.

As duas peças estão destacadas na foto de capa dessa matéria. Legal demais, hein!

30e fala sobre indicações ao LAD Awards

As indicações ao LAD Awards coroam um momento de forte reconhecimento para a agência interna de marketing e criação da 30e, que no ano passado já havia sido indicada ao renomado Prêmio Caboré na categoria Produção.

Ao falar sobre a importância desse reconhecimento, Carol Pascoal, VP de Marketing e Comunicação da 30e, disse:

“Estar na shortlist do LAD Awards reafirma o compromisso da 30e de elevar o padrão criativo do entretenimento ao vivo no Brasil. Nós enxergamos cada ponto de contato com o público, seja um pôster ou uma ação no jornal, como uma oportunidade de gerar conversas e conexões reais. Essas indicações celebram um time interno excepcional que tem liberdade para ousar e tratar a criação como parte fundamental da experiência de cada show”.

A empresa tem sido o motor por trás de algumas das maiores turnês do país, operando tanto na vinda de gigantes internacionais quanto na estruturação de turnês nacionais históricas. Abaixo, você confere os times responsáveis pelas campanhas indicadas ao LAD Awards!

Ficha técnica

Dominguinho – Poster
Carol Pascoal  – CMO
Thiago Nakano  – Marketing Director
Rodrigo Candido – Creative Director
Thiago Amarante  – Art Director
Rodrigo Barbosa  – Copywriter
Danilo Sansão  – Strategic Planner
Juliana Vomero  – Creative Operations
Winny Tapajós  – Illustrator

Planet Hemp – Anúncio de Seda
Carol Pascoal  – CMO
Thiago Nakano  – Marketing Director
Rodrigo Candido – Creative Director
Thiago Amarante  – Art Director
Rodrigo Barbosa  – Copywriter
Thamyres Pedroso – Copywriter
Juliana Vomero  – Creative Operations
Felipe Garcia – Media Manager 

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Com milhões de ouvintes mensais no streaming, Karol Conka, Ana Vilela e Carol Biazin são alguns dos maiores nomes da Música Pop brasileira.

Outra coisa que elas têm em comum é que todas são paranaenses, assim como Bibi Babydoll, Jovem Dionisio, A Banda Mais Bonita da Cidade e Bárbara Grando.

Todos esses artistas foram entrevistados e aparecem no terceiro episódio do documentário “TMDQA! Apresenta: a História da Música Paranaense em 13 Atos”.

Vídeo e Bastidores das Carreiras

Em seus depoimentos, as artistas falam sobre as dificuldades e glórias que tiveram em cidades como Curitiba, Campo Mourão e Ponta Grossa.

Além disso, falam sobre os desafios da indústria da música, como no caso de Ana Vilela, que explodiu na Internet com a música “Trem-Bala”.

Já Bibi Babydoll estourou no mundo inteiro e viralizou com “Automotivo Bibi Perigosa”, que mistura funk proibidão com Bring Me The Horizon, conquistou o leste europeu e tem quase 420 milhões de plays só no Spotify.

Documentário sobre a música do Paraná

Você pode ver os outros episódios já disponíveis acessando o Canal do Tenho Mais Discos Que Amigos! no YouTube.

Logo abaixo você pode ver o cronograma de lançamento de todos eles.

Cronograma de Episódios

Maio

Terça-feira (12) – Ep. 1 “Introdução: Raízes Musicais do Paraná”
Quinta-feira (14) – Ep. 2 “Piazada das Rimas”
Terça-feira (19) – Ep. 3 “MPP: Música Pop Paranaense”
Quinta-feira (21) – Ep. 4 “As Raízes do Punk e Rock em Curitiba”
Terça-feira (26) – Ep 5 “A Febre do Hardcore e Psychobilly nos Anos 2000” (Parte 1)
Quinta-feira (28) – Ep 6 “A Febre do Hardcore e Psychobilly nos Anos 2000” (Parte 2)

Junho

Terça-feira (2) – Ep. 7 “Rock Alternativo e o Reconhecimento Nacional” (Parte 1)
Quinta-feira (4) – Ep. 8 “Rock Alternativo e o Reconhecimento Nacional” (Parte 2)
Terça-feira (9) – Ep. 9 “O Indie Toma Conta do Paraná”
Quinta-feira (11) – Ep. 10 “História Caiçara: A Música do Litoral Paranaense”
Terça-feira (16) – Ep. 11 “A Força do Sertanejo”
Quinta-feira (18) – Ep. 12 “Conexão Paraná/Brasil”
Terça-feira (23) – Ep. 13 “O Futuro da Música Paranaense”

Entrevistados

• Aline Krupkoski (Lazy Chickens)
• Alessandra Maestrini (atriz que interpretou a personagem Bozena na série “Toma Lá, Dá Cá”, da Rede Globo)
• Alexandre “Capilé” (Sugar Kane, Water Rats e produtor musical)
• Ajaxx (Produtor musical)
• Angeli Rocha (350ml)
• André Dea “Pindé” (Square, Sugar Kane e Supercombo)
• Aorelio Domingues (Mandicuera)
• Bernardo Hey (Jovem Dionisio)
• Bernardo Pasquali (Jovem Dionisio)
• Beto K. (Black Maria)
• Bianca Hoffman
• Bibi Babydoll
• Brunno Covello (Colligere)
• Carol Biazin
• Cristiane Pawlowski (350ml)
• Dary Jr. (Terminal Guadalupe)
• Eduardo Gonçalves “Du” (Abraskadabra)
• Eduardo Maka (Abraskadabra)
• Eduardo Rozeira (A Banda Mais Bonita da Cidade)
• Elcio Fiddler (Terra Celta)
• Emanuel Moon (Relespública)
• Eric Santana (Hoovaranas)
• Estrela Leminski
• Fabio Elias (Relespública)
• Felipe Orlandino (Mandicuera)
• Francis Yokohama (Hypnoise e Poléxia)
• Gabriel Covello (Colligere)
• Gabriel Teixeira (Sr. Banana e Black Maria)
• Gabriel “Mendão” (Jovem Dionisio)
• Geraldo Jair Ferreira Junior “J.R.” (92 Graus)
• Giovanni Caruso (Faichecleres, Escambau)
• Grupo Mandicuera
• Gustavo Karam (Jovem Dionisio)
• Guto (Semblant)
• Helder Figura (Ramon Valdez)
• Henrique Peters (Black Maria, Os Mutantes)
• Ian Gillies (Devil Sin)
• Igor Filus (Charme Chulo)
• Jean Machado (Tuyo)
• Jean Paludo (Tiregrito)
• João “Joca” Cezimbra (Pelebrói Não Sei)
• João Paulo “J.P.” (Abraskadabra)
• Jorge Bahls (Hoovaranas)
• José Tafarel (The Fallen)
• Julio Linhares (Pinheads e Barulho Records)
• Karol Conká
• Kevan Gillies (Carne Podre e Devil Sin)
• Klaus Koti (O Lendário Chucrobillyman)
• Laudz (Tropkillaz e produtor musical)
• Lay Soares (Tuyo)
• Leandro Delmonico (Charme Chulo)
• Leonardo Cavalli (Zoom Discos)
• Lio Soares (Tuyo)
• Luís Bourscheidt (A Banda Mais Bonita da Cidade)
• Luis Lammel (Magaivers)
• Luiz Henrique Groff (Carne Podre)
• Luma Zanette (Mandicuera)
• Malu Zanette (Mandicuera)
• Marco Antonio Tesser “Dark” (Tiregrito)
• Marcos Anubis (jornalista cultural)
• Maria Paraguaya (Cigarras, Escambau e Mokete)
• Mateus Sharan (350ml)
• Maurício Echer (Paraná Blues, Humanal)
• Mizuho Lin (Semblant)
• Otávio “Madu” Madureira (Machete Bomb)
• Pablo Busetti (Lazy Chickens e Audac)
• Paulo Juk (Blindagem)
• Paulo Svolenski (Pelebrói Não Sei)
• Paulinho Teixeira (A Chave, Blindagem)
• Rafael ‘Fufa’ (Jovem Dionisio)
• Raphael Machado (Relespública e Dissonantes)
• Reginaldo Correia “Regi” (Chumbo Dirigível)
• Rehael Martins (Hoovaranas)
• Ricardo Küster (350ml)
• Rodolpho Marques do Carmo (Debutantes 99)
• Rodrigo Barros Del Rey (Rodrigão) (Beijo AA Força)
• Rodrigo Lemos (Poléxia, A Banda Mais Bonita da Cidade, Lemoskine, produtor musical)
• Rodrigo Ponce (Colligere)
• Rodrigo Tartari “Neuro” (Tiregrito)
• Rodrigo “Porco” Freitas (Magaivers e Chinelada)
• Rodrigo Zin
• Rubia Oliveira (Cigarras, The Alens e Partigianos)
• Sami Rico
• Sergio Soffiatti (Orquestra Brasileira de Música Jamaicana, Skuba, Sr. Banana e produtor musical)
• Téo Ruiz (FIMS)
• Uyara Torrente (A Banda Mais Bonita da Cidade)
• Vanio Beltrame (The Fallen)
• Vinícius Nisi (A Banda Mais Bonita da Cidade)
• Vinicius Urbano (Tiregrito)
• Vlad Urban (Os Catalépticos, Sick Sick Sinners, Partigianos e Psycho Carnival)
• Wallace Barreto (Ovos Presley)

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Paul McCartney, aos 83 anos, voltou a comentar sobre as transformações da fama na era digital e demonstrou perplexidade diante do universo dos influenciadores. Em entrevista ao programaThe Rest Is Entertainment, o ex-integrante dos Beatles afirmou que ainda tenta compreender a lógica por trás da popularidade de algumas figuras das redes sociais.

McCartney, na ocasião, reconheceu que tem dificuldade em entender o motivo de determinadas pessoas alcançarem tanta notoriedade sem, segundo sua visão, apresentarem um talento evidente.

Como você pode ver na publicação ao final da matéria, o veterano músico também contou que seu contato com esse tipo de conteúdo acontece principalmente através de sua esposa, Nancy Shevell. Definindo a si mesmo como “antiquado”, Paul afirmou (via Whiplash):

“Eu vejo isso no Instagram. Minha esposa fica olhando e me mostra algo. Acho engraçado. Isso sempre aconteceu: pessoas que não parecem particularmente talentosas são muito famosas.”

Tem pensamento parecido por aí?

Paul McCartney comparou cenário atual com sua fama durante a Beatlemania

Ao refletir sobre o tema, Paul McCartney comparou a relação das celebridades atuais com a fama à experiência vivida por sua geração no auge dos Beatles. Segundo o lendário artista, durante as décadas de 1960 e 1970, o reconhecimento público era encarado como uma conquista desejada, e não como um peso emocional.

O cantor destacou que ele e seus companheiros de banda gostavam da atenção dos fãs e aprenderam naturalmente a conviver com a exposição constante, algo que, em sua opinião, hoje é tratado por muitos como uma espécie de “aflição moderna”:

“Nós adorávamos isso, e você aprende a lidar com isso.”

Vale lembrar que o próximo álbum de McCartney, intitulado The Boys of Dungeon Lane, tem lançamento previsto para 29 de maio.

Bastidores da emissora

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Em 1994, uma colaboração inesperada entre o ator Ethan Hawke e a então artista independente Lisa Loeb deu origem a um dos momentos mais marcantes da música dos anos 1990. Na época, Lisa ainda não tinha contrato com nenhuma gravadora e se apresentava com sua banda Nine Stories.

Foi nesse contexto que Hawke, vizinho de Loeb em Nova York, dirigiu o clipe da canção “Stay (I Missed You)”, que posteriormente alcançaria o primeiro lugar na Billboard Hot 100, se tornando um marco por ter levado uma artista sem contrato ao topo das paradas.

Além disso, o vídeo marcou presença constante na programação da extinta MTV e foi trilha sonora do filme Caindo na Real, lançado no mesmo ano com Ethan e Winona Ryder no elenco.

A conexão entre o astro de Hollywood e Lisa surgiu de forma natural dentro do círculo artístico nova-iorquino, formado por músicos, atores e dramaturgos que circulavam entre projetos e apresentações uns dos outros.

Segundo Loeb, se tratava de uma comunidade colaborativa, já que eles se apoiavam criativamente, trocando experiências e participando dos trabalhos alheios. Ela, inclusive, chegou a compor músicas para a companhia de teatro de Hawke.

Ethan Hawke ajudou sua vizinha dirigindo um clipe nos anos 1990

Na época, a demo de “Stay (I Missed You)” chegou às mãos de Ben Stiller, diretor de Caindo na Real e que também aparece no longa.

Diante da repercussão, Loeb tomou uma decisão incomum para a época: recusou um contrato tradicional com uma gravadora e optou por manter sua independência, licenciando a faixa para a RCA. Tal escolha lhe deu maior controle criativo, incluindo a possibilidade de colaborar diretamente com Ethan Hawke na criação do clipe.

O resultado foi um vídeo em plano-sequência simples e intimista, que se tornaria icônico para uma geração. Para a filmagem, Hawke experimentou diferentes versões antes de definir a final, que inclui até a participação da gata de Lisa, Mardot, reforçando o tom pessoal e despretensioso da produção.

Confira o clipe de “Stay (I Missed You)” logo abaixo e, se você pegou a época da MTV, talvez você se lembre de tê-lo assistido!

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O Brasil não é mais apenas um grande consumidor de música. Nos últimos anos, o país virou um player importante para a indústria e, como parte do movimento de expansão do país no meio, um dos maiores selos de prestígio da indústria musical, a lista Power Players da Billboard, acaba de ganhar sua primeira edição nacional.

O que é o Power Players?

Criado há mais de uma década nos Estados Unidos, o Power Players é a lista que homenageia líderes, executivos, produtores, compositores, empresários, gravadoras e agentes responsáveis que mais impactam a indústria fonográfica. 

A lista já é um parâmetro global respeitado, reconhecida até pelo Grammy. Na edição internacional mais recente, nove brasileiros já apareceram. Agora, o Brasil ganha sua própria versão para celebrar o que temos de melhor por aqui.

Por que a lista está vindo agora para o Brasil? 

A chegada da lista não é uma coincidência. O Brasil vive uma crescente na indústria da música, ocupando a 8ª posição entre os mercados que mais crescem no mundo segundo a IFPI. A América Latina lidera o avanço global das receitas fonográficas. O país se destaca não só pelo consumo, mas pela força criativa dos seus profissionais.

Camila Zana, CMO da Billboard Brasil, afirma: 

“Estamos muito felizes em trazer essa iniciativa para o Brasil, um dos mercados mais relevantes da música no mundo atualmente. O país tem se destacado não apenas pelo consumo, mas também pela força cultural e criativa de seus profissionais, que já vêm sendo reconhecidos internacionalmente nas edições globais da lista. Esta edição nacional nasce para celebrar os talentos que impulsionam a indústria e reforçam o protagonismo do Brasil no cenário musical mundial”

SP2B: Muito Além da Música

O Power Players faz parte da programação do SP2B, uma plataforma global de inovação, criatividade e empreendedorismo que estreia em agosto.

Com o tema “A Nova Lógica do Empreendedorismo”, o evento vai ocupar praticamente todo o Parque Ibirapuera por oito dias. O evento oferece mais de 2 mil palestrantes, 1000 horas de conteúdo e 30 palcos distribuídos em espaços temáticos para 500 mil pessoas esperadas.  A programação vai de tecnologia e sustentabilidade até cultura, música e economia criativa. 

Rafael Lazarini, idealizador do SP2B, afirma:

“O SP2B nasce para conectar diferentes setores da economia criativa e promover encontros capazes de gerar impacto real nos negócios, na cultura e na sociedade. Receber a primeira edição brasileira do Power Players reforça nosso compromisso de valorizar os protagonistas que movem a indústria da música e consolidar São Paulo como uma capital global da inovação e do entretenimento”

A parceria entre Billboard Brasil e SP2B reforça uma tendência cada vez mais forte: a convergência entre entretenimento, inovação e negócios. O Brasil está no centro das discussões globais sobre o futuro da indústria cultural, e ter uma premiação como o Power Players em solo nacional é mais um sinal de que o mercado amadureceu.

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O Foo Fighters participou do episódio mais recente do Hot Ones Versus e, por lá, Dave Grohl revelou qual ele considera a letra mais constrangedora do catálogo de sua banda.

No programa em questão, os convidados costumam enfrentar perguntas desafiadoras ou optam por comer asas de frango cada vez mais apimentadas. Ao ser questionado sobre a letra mais vergonhosa dos Foos, o vocalista escolheu uma música que foi tocada com frequência nas rádios ao longo dos anos:

“Juro que tem tantas que eu odeio. Eu estava pensando nessa música hoje no chuveiro. Provavelmente diria a música ‘DOA’.”

Segundo Grohl, o verso problematíco diz: “It’s a shame we have to die my dear/No one’s getting out of here alive” (em tradução livre: “É uma pena que tenhamos que morrer, minha querida/Ninguém vai sair daqui vivo”). Dave ainda revelou o que sentiu ao gravar a música:

“Eu só pensei: ‘Que merda!’. Sinto que essa é uma daquelas músicas que eu escrevi e vocês [integrantes da banda] ficaram tipo: ‘Dave, qualquer coisa, só canta alguma coisa.'”

O guitarrista Chris Shiflett assumiu a responsabilidade, dizendo “então a culpa foi nossa”, e Grohl concordou, declarando aos seus companheiros de banda:

“Vocês me levaram a compor algumas das piores músicas da minha vida”.

“DOA” foi lançada em 2005 no quinto álbum de estúdio do Foo Fighters, In Your Honor, que também apresentou aos fãs outro grande sucesso da banda, “Best of You”. É uma das suas preferidas por aí?

Dave Grohl e Foo Fighters no Brasil

A aparição no programa acontece após os Foos lançarem seu novo álbum Your Favorite Toy no mês passado. O disco marca o primeiro trabalho de estúdio da banda ao lado do seu novo baterista Ilan Rubin.

O grupo está em turnê promovendo o disco e fará uma apresentação única no Brasil em Setembro como headliners do Rock In Rio no dia 4, e você pode ver mais detalhes aqui.

Confira no player abaixo a participação do Foo Fighters no Hot Ones Versus e aproveite para ouvir “DOA”!

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