A cantora Bebe Rexha e o músico Joel Madden protagonizaram uma conversa profunda sobre os bastidores da fama em um episódio recente do podcast Artist Friendly. Na prévia divulgada nas redes sociais, Bebe propôs uma reflexão sobre a diferença entre a fantasia criada em torno da celebridade e a realidade vivida pelos artistas longe dos holofotes.

Como você pode ver no vídeo ao final da matéria, Rexha fez referência a Elvis Presley, um dos maiores ícones da história da música, ao discutir os impactos que o sucesso pode causar na vida pessoal de figuras públicas.

A menção ao Rei do Rock surgiu dentro de um debate mais amplo sobre os desafios da fama, tema central do episódio. Em sua provocação, Bebe questionou o vocalista do Good Charlotte:

“Se alguém lhe dissesse que você poderia ter sido o Elvis Presley, [mas] você estaria morto aos 50…”

Joel, ao responder, afirmou que não toparia a oferta:

“Eu escolho estar vivo. Não quero morrer em um banheiro aos 40 [como Elvis]. Não estou sendo cruel. A dimensão do sucesso tem um aspecto fantasioso, [mas] vem com um preço, com um sacrifício, com certas coisas que você talvez não queira.”

Bebe complementou:

“Como certas pessoas que nem podem sair de casa.”

Madden, então, finalizou:

“Certo, e isso é jeito de viver? Não para mim.”

Tem a mesma opinião?

Vocalista do Good Charlotte fala sobre a fama em podcast

A conversa franca entre Joel Madden e Bebe Rexha explora como a percepção do público muitas vezes difere da experiência real dos artistas, abordando questões como exposição constante e saúde mental, já que os custos do estrelato e as consequências de viver sob atenção permanente quase nunca são fáceis de lidar.

Vale lembrar que, recentemente, um outro episódio do podcast do vocalista do Good Charlotte também trouxe um conselho importante sobre a fama, quando o lendário Lionel Richie falou sobre uma dica que ouviu de ninguém menos que Frank Sinatra ao abordar as recentes polêmicas envolvendo Chappell Roan. Veja por aqui.

Mudança sonora

Lauren Christy, compositora que fez os maiores hits de Avril Lavigne, relembra bastidores de trabalho com o KoRn

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A Copa do Mundo de 2026 já começou e esse é aquele momento em que o futebol é transformado em um verdadeiro espetáculo que prende a atenção de torcedores de diferentes países e gerações.

Mas, para além das disputas em campo, esse esporte também é acompanhado por histórias inspiradoras, muitas vezes protagonizadas por jogadores e questões relacionadas à família, sonhos, fama, superação e outros temas com os quais qualquer pessoa pode se identificar.

Ao longo dos anos, foram lançados diversos filmes e documentários que retratam os bastidores de grandes seleções, incluindo detalhes da ascensão de ídolos que marcaram época ou tramas que têm o futebol como tema central, e muitos deles ajudaram o público a entender o motivo pelo qual esse esporte desperta tanta paixão ao redor do mundo.

Com o início da Copa do Mundo de 2026, reunimos 10 ótimos filmes e documentários sobre futebol para você assistir enquanto acompanha esse evento esportivo tão prestigiado!

10 ótimos filmes e documentários sobre futebol para assistir durante a Copa do Mundo

1. Brasil 70: A Saga do Tri (Netflix)

Ao longo de cinco episódios, Brasil 70: A Saga do Tri recria os bastidores da campanha que levou a Seleção Brasileira ao tricampeonato mundial no México, em 1970.

Misturando drama e reconstrução histórica, a série acompanha os conflitos entre João Saldanha (Rodrigo Santoro) e Zagallo (Bruno Mazzeo), o contexto político da ditadura militar e os dilemas enfrentados por jogadores como Pelé (Lucas Agrícola), Tostão (Ravel Andrade), Jairzinho (Gui Ferraz) e Carlos Alberto (Caio Cabral) em uma trajetória que resultaria em uma das equipes mais celebradas da história do futebol.

Onde assistir: Netflix

2. Baila, Vini (Netflix)

Além de acompanhar a ascensão de Vinicius Junior ao estrelato, Baila, Vini mostra como o atacante brasileiro se tornou uma das vozes mais influentes de sua geração. Com acesso aos bastidores do Real Madrid, da Seleção Brasileira e aos episódios de racismo enfrentados pelo jogador na Espanha, o documentário retrata os desafios e responsabilidades que vieram junto com o sucesso dentro de campo.

Onde assistir: Netflix

3. Ronaldinho Gaúcho (Netflix)

A série documental sobre Ronaldinho Gaúcho revisita a trajetória de um dos jogadores mais carismáticos da história do futebol. Com imagens de arquivo, entrevistas inéditas e bastidores da vida do atleta, a produção homônima relembra desde os primeiros passos do craque até sua consagração pela Seleção Brasileira e pelos grandes clubes europeus, destacando o impacto cultural que ultrapassou os limites do esporte.

Onde assistir: Netflix

4. Neymar: O Caos Perfeito (Netflix)

A série Neymar: O Caos Perfeito acompanha através de três episódios a trajetória do camisa 10 desde os tempos de Santos até sua consolidação como um dos maiores astros do futebol mundial.

Com depoimentos do próprio jogador, familiares e companheiros de equipe, a série explora tanto os momentos de grandes conquistas em campo quanto as polêmicas, pressões midiáticas e desafios pessoais que marcaram sua carreira.

Onde assistir: Netflix

5. Tetra: Acreditar de Novo (Netflix)

Com imagens raras dos arquivos pessoais dos jogadores e entrevistas inéditas, Tetra: Acreditar de Novo revisita a campanha que encerrou o jejum de 24 anos da Seleção Brasileira sem conquistar a Copa do Mundo.

O documentário relembra a pressão enfrentada pela equipe antes da Copa de 1994 e acompanha a trajetória de nomes como Romário, Bebeto e Dunga até a conquista do tetracampeonato nos Estados Unidos.

Onde assistir: Netflix

6. Linha de Passe (Netflix)

Dirigido por Walter Salles e Daniela Thomas, Linha de Passe acompanha a rotina de uma família da periferia de São Paulo e, em especial, a jornada de Dario, um jovem que sonha em se tornar jogador profissional.

Além de ter o futebol como tema central, a produção usa o esporte como ponto de partida para discutir desigualdade social, ambição e as expectativas de milhões de brasileiros que enxergam no futebol a oportunidade de ter uma vida melhor.

Onde assistir: Netflix

7. Ladies’ Turn (MUBI)

Ambientado no Senegal, o documentário Ladies’ Turn acompanha mulheres que desafiam barreiras culturais e preconceitos para disputar campeonatos de futebol. A obra apresenta um retrato inspirador da luta por espaço e reconhecimento em uma modalidade historicamente dominada pelos homens.

Onde assistir: MUBI

8. Pelé (Netflix)

O documentário Pelé revisita a carreira do maior ícone da história do futebol, destacando não apenas os feitos que fizeram com que o saudoso Pelé fosse descrito como Rei, mas também a relação do atleta com o contexto político e cultural brasileiro e seu importante papel durante os anos da ditadura militar.

Onde assistir: Netflix

9. A Copa do Mundo de Messi – A Ascensão da Lenda (Apple TV+)

A Copa do Mundo de Messi – A Ascensão da Lenda é um documentário dividido em quatro partes que acompanha a trajetória do brilhante Lionel Messi pela seleção argentina, desde as primeiras participações em Copas do Mundo até sua vitória no Catar, em 2022.

Narrada pelo próprio jogador, que é o maior vencedor da Bola de Ouro na história, a produção compartilha detalhes sobre a incrível carreira de Messi na seleção da Argentina enquanto revela um retrato íntimo e inédito da busca pelo título que completaria um dos legados mais vitoriosos da história do futebol.

Onde assistir: Apple TV+

10. Ultras (Netflix)

Longe dos gramados e dos grandes astros do esporte, o filme Ultras explora o universo das torcidas organizadas de Nápoles.

A trama acompanha Sandro, um líder veterano que começa a questionar a própria vida em meio a conflitos, rivalidades e laços de lealdade construídos nas arquibancadas, apresentando um retrato melancólico sobre masculinidade e os dilemas relacionados ao futebol.

Onde assistir: Netflix

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O Heavy Metal se consolidou como um dos gêneros mais diversos do Rock por ser capaz de reunir influências que, inicialmente, podiam ser consideradas incompatíveis por alguns. Para Rafael Bittencourt, cofundador e guitarrista do Angra, essa capacidade do Metal de unir extremos ajudou a moldar a identidade do estilo e explica parte de sua força até os dias atuais.

Em participação no documentário Sons de São Paulo, disponível na Globoplay, o músico refletiu sobre o cenário que encontrou na juventude e que ajudou a formar a geração de bandas que iriam despontar nos anos 1990, incluindo o próprio Angra.

Em um trecho da produção, ele apontou:

“Nos anos setenta, o Rock se dividiu muito claramente no movimento Punk, que era o ‘do it yourself’ – pega a guitarra e faz de maneira despojada, mas dando voz a uma parte da sociedade – e o Rock Progressivo, que era a erudição dentro do Rock.”

Na visão do guitarrista, o Metal surgiu justamente como um ponto de encontro entre essas duas vertentes:

“O Heavy Metal, eu acho, nasce no meio disso, porque ele é despojado, ele é provocador, ele tem a agressividade para provocar, para incomodar um pouco, mas tem a erudição.”

Rafael Bittencourt e Felipe Andreoli, do Angra, participaram do Sons de São Paulo

No documentário Sons de São Paulo, dedicado à trajetória de importantes nomes do Rock paulista ao longo das décadas, Rafael Bittencourt e o baixista do Angra, Felipe Andreoli, também relembraram momentos marcantes da carreira.

Inclusive, em um de seus relatos, Rafael falou sobre como o Angra surgiu e citou o termo “boyband de Metal espadinha”, que virou piada entre fãs do grupo por ter sido a descrição usada por Régis Tadeu para falar sobre a banda. Veja aqui.

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Mesmo com o enorme sucesso de Olivia Rodrigo e sua posição como uma das principais artistas pop da atualidade, nem todos em sua família priorizam seus shows acima de qualquer outro evento musical.

Pelo menos foi isso que a cantora revelou durante uma divertida participação no programa Jimmy Kimmel Live! ao contar que sua própria mãe, Jennifer Rodrigo, abriu mão de assistir a uma de suas apresentações para ver um show de Rock.

A curiosa situação aconteceu durante o Lollapalooza do ano passado, quando Olivia foi uma das atrações principais do festival de Chicago. Na ocasião, a cantora dividia o horário de apresentação com o KoRn, veterana banda de Nu Metal que fazia seu show em outro palco do evento.

Ao comentar a ausência de Jennifer em seu palco, Olivia afirmou (via Consequence):

“Minha mãe gosta de tantas bandas de Metal malucas, o que você nunca imaginaria só de olhar para ela. Eu fui a atração principal do Lollapalooza no ano passado, o que foi incrível e um sonho realizado. Mas eles costumam ter os artistas principais se apresentando ao mesmo tempo. Então, naquele dia específico, eu e o KoRn éramos os artistas principais ao mesmo tempo, em palcos opostos. E todo mundo pensava: ‘Ah, perfeito. Os fãs da Olivia vão ver a Olivia, os fãs do KoRn vão ver o KoRn. Não há nenhuma sobreposição de público.’ Mas houve uma sobreposição, e foi com a minha mãe. Minha mãe perdeu o meu show para ir ver o KoRn!”

Dá para perdoar, né? Confira a participação de Olivia na íntegra e a performance de “the cure” ao vivo ao final da matéria!

Olivia Rodrigo lançou seu novo disco nesta semana

Olivia Rodrigo esteve no programa de Jimmy Kimmel para divulgar o novo álbum you seem pretty sad for a girl so in love, que foi lançado nesta sexta-feira (12). Semanas atrás, a cantora havia anunciado a turnê “Unraveled Tour”, que promoverá seu disco e contará com a abertura de bandas como Wolf Alice eThe Last Dinner Party.

Alguém na torcida por datas no Brasil?

Projeto visitou o Brasil

Lauryn Hill revisita carreira solo e sucessos dos Fugees no Global Citizen Live Rio

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A banda Molho Negro lançou no streaming o clipe de “VIDAMORTECONTEÚDO”, faixa-título de seu mais recente álbum lançado pelo selo Deck. O vídeo encerra uma série de materiais audiovisuais desenvolvidos pelo grupo ao longo da campanha do disco, reforçando a construção de um universo estético e narrativo que acompanha a obra.

A canção parte inicialmente do relato de um abuso mas, ao longo de sua construção lírica, amplia seu significado para uma reflexão mais expandida. Segundo João Lemos, vocalista da banda de Belém do Pará radicada em São Paulo, a música estabelece uma metáfora que conecta a experiência a temas como o vício e a presença constante das redes sociais no cotidiano:

“’VIDAMORTECONTEÚDO’ começa através do relato de um abuso, mas, assim como outras faixas do disco, a metáfora faz uma curva e correlaciona esse abuso com o vício e a onipresença das redes em nosso cotidiano, que assim como muitos vilões, em um primeiro momento se apresentam como salvadores, ou a solução do nossos problemas, uma praticidade que custa cada dia mais mais caro.”

A mesma leitura crítica atravessa o clipe dirigido por Cassiano Geraldo, da produtora Los Gordos, que dá continuidade ao tom sarcástico e ácido presente no material recente da banda e é divulgado em primeira mão com exclusividade no TMDQA!, como você pode ver ao final da matéria.

Em “VIDAMORTECONTEÚDO”, a Molho Negro direciona o olhar para a lógica da exposição permanente e a produção incessante de conteúdo, além das contradições de uma vida mediada pelas redes sociais, temas centrais que dialogam diretamente com a estética e o discurso do álbum.

Molho Negro lança clipe que encerra linguagem audiovisual do último disco

Para o diretor, o projeto audiovisual parte do desejo de expandir a reflexão a partir da própria ideia de “conteúdo”. Em nota para a imprensa, Cassiano explicou:

“’VIDAMORTECONTEÚDO’ sempre foi a minha faixa favorita do disco e, desde o início do desenvolvimento do projeto audiovisual, eu já tinha o desejo claro de transformá-la em clipe. A proposta narrativa busca brincar com a própria ideia de ‘conteúdo’ sob a perspectiva do fã e das mídias digitais. Por isso, a ambientação se divide: ora estamos dentro de um estúdio de tatuagem pelo ponto de vista do Tonhão (baterista) enquanto ele é tatuado, ora habitamos um espaço lúdico e fragmentado dentro das telas dos celulares. Escolhemos cenários e conceitos que se amarram como uma colcha de retalhos, espelhando a forma dinâmica e caótica como a maioria dos conteúdos digitais nasce e consome nossa atenção hoje em dia.”

Nos últimos meses, a Molho Negro vem desenvolvendo uma extensa narrativa em torno do álbum, que inclui clipes, registros de estrada, conteúdos ao vivo e gravações de shows. Vale a pena conferir tudo!

Já começou!

AO VIVO: assista ao Bonnaroo 2026 com shows de The Strokes, Turnstile, RÜFÜS DU SOL e mais

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O ska-punk californiano está em festa! Em um dos retornos e movimentos mais emblemáticos e aguardados da história da música alternativa, o Sublime acaba de disponibilizar em todas as plataformas digitais o seu novo álbum de estúdio Until the Sun Explodes.

O trabalho, que marca uma nova e emocionante era para o grupo com Jakob Nowell nos vocais, condensa toda a energia ensolarada das praias de Long Beach com a agressividade das pistas de skate.

Para deixar o primeiro registro oficial com o filho do vocalista original Bradley Nowell ainda mais histórico, o álbum traz uma verdadeira constelação de participações especiais, incluindo os gigantes do Pennywise, uma lenda do Bad Brains e vários outros nomes de peso do cenário punk, reggae e alternativo.

O álbum também entra como o primeiro a ser lançado com o nome Sublime desde o disco homônimo de 1996; de lá pra cá, a banda chegou a ter lançamentos inéditos mas usou o nome Sublime with Rome, simbolizando a união de Eric Wilson e Bud Gaugh com o vocalista Rome Ramirez.

Sublime reúne convidados de honra e DNA clássico em novo álbum

O novo trabalho do Sublime consegue a proeza de olhar para o futuro sem perder a essência que transformou o trio em uma das bandas mais influentes dos anos 90.

O disco funciona como um porto seguro para os fãs nostálgicos e uma porta de entrada perfeita para a nova geração, com uma dinâmica criativa visivelmente alimentada por um profundo respeito ao legado de Bradley Nowell mas que também destacam o protagonismo assumido por Jakob ao longo dos últimos anos.

Entre as participações, os destaques ficam para “Trey’s Song”, faixa que conta com o vocalista H.R., do Bad Brains, e para “247-369”, feat com o sempre ótimo Pennywise. Além deles, no entanto, nomes como G. Love & Special Sauce, Skegss e Zac Carper também ajudam a compor o trabalho de 22 faixas.

Ouça na íntegra logo abaixo!

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Para promover o álbum Foreign Tongues, que chega em julho, os Rolling Stones criaram uma série especial de discos de vinil colecionáveis acompanhados por histórias em quadrinhos inéditas ligadas ao Universo Marvel.

À primeira vista, pode parecer apenas mais uma colaboração entre duas propriedades intelectuais gigantes. Mas o movimento revela algo mais interessante sobre o momento atual do entretenimento.

Durante décadas, bandas lançavam discos. Hoje, artistas lançam experiências, narrativas e ecossistemas (já escrevi sobre isso por aqui, e mais de uma vez). O disco deixou de ser apenas um produto musical para se tornar um ponto de entrada para uma história maior. É o mesmo raciocínio que transformou franquias como Star Wars, Stranger Things ou Fortnite em plataformas culturais capazes de existir simultaneamente em diferentes formatos. Sempre funciona. 

Ambos carregam décadas de história, múltiplas gerações de fãs e um repertório de símbolos facilmente reconhecíveis. Quando uma colaboração encontra esse tipo de alinhamento narrativo, deixa de parecer só marketing e passa a funcionar como expansão de universo. Fora os fandoms… que cultuam edições especiais colecionáveis (eu quero). 

Também existe uma inteligência comercial importante aqui. O mercado de vinil continua crescendo como objeto de coleção, enquanto os quadrinhos seguem sendo uma das principais engrenagens do modelo de propriedade intelectual da Marvel. Ao unir os dois formatos, o fã não está comprando apenas um disco, mas sim adquirindo uma peça de coleção que conecta duas comunidades apaixonadas e altamente engajadas.

A ação inclui uma coleção exclusiva de cinco versões em vinil, cada uma inspirada em um personagem clássico da Marvel: Homem-Aranha, Capitão América, Wolverine, Thor e Hulk.

Cada edição traz artes originais criadas especialmente por ilustradores da Marvel, além de uma HQ exclusiva personalizada para o personagem correspondente. 

O álbum foi gravado em menos de um mês em Londres e marca uma nova parceria da banda com o produtor Andrew Watt, responsável pelo premiado Hackney Diamonds. Com 14 faixas, Foreign Tongues promete explorar novos caminhos sonoros para os Stones e conta com participações de nomes como Steve Winwood, Paul McCartney, Robert Smith (The Cure) e Chad Smith (Red Hot Chili Peppers).

O grande destaque emocional do disco, porém, é uma participação inédita de Charlie Watts, registrada durante uma de suas últimas sessões de gravação antes de sua morte, em 2021. A combinação entre a história de uma das maiores bandas de rock de todos os tempos e o universo dos super-heróis mais populares do planeta transforma o lançamento em uma das collabs mais curiosas e colecionáveis do ano.

Legal demais. As pré-vendas estão abertas!

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Mais de duas décadas após seu lançamento original, o blink-182 celebra um dos álbuns mais importantes de sua trajetória disponibilizando uma edição especial de 25 anos de Take Off Your Pants and Jacket (2001), trabalho de estúdio que ajudou a consolidar o trio como um dos principais nomes do Pop Punk no início dos anos 2000.

O relançamento, que chega pela Geffen Records, reúne as 13 faixas originais do álbum e acrescenta seis músicas raras que, até agora, nunca haviam sido liberadas em serviços de streaming ou reunidas em um único projeto.

As canções “Time to Break Up”, “Mother’s Day”,“What Went Wrong”,“Fuck a Dog”, “Don’t Tell Me It’s Over” e “When You Fucked Grandpa” foram originalmente lançadas como faixas escondidas, distribuídas entre três versões físicas diferentes do disco em 2001. Já “Please Take Me Home”, presente na edição original, também integra a versão comemorativa.

Pela primeira vez, o material extra está reunido em um único lançamento. Além da versão digital já disponível, uma edição especial em vinil duplo será lançada, oferecendo aos fãs uma nova oportunidade de revisitar um dos trabalhos mais marcantes da carreira da banda.

blink-182 reativou seu MySpace e trouxe nostalgia aos fãs

Como parte da estratégia de divulgação da reedição do álbum, o blink-182 resolveu abrir um túnel do tempo e reativou sua conta no MySpace, algo que certamente fez parte da adolescência de muitos fãs da banda.

Na publicação feita no X/Twitter que você confere ao final da matéria, muitos usuários ficaram saudosistas e alguns até incrédulos com o que estavam vendo. Um deles questionou na seção de comentários:

“Como o MySpace ainda existe?”

Ao mesmo tempo, teve gente que não fazia ideia do que se tratava:

“Eu não vou clicar nesse link, mano, que porra é MySpace? [risos]”

Passou tanto tempo assim?

Quarto disco do blink-128 completou 25 anos

Lançado no auge da popularidade do Pop Punk, Take Off Your Pants and Jacket veio logo depois do sucesso avassalador de Enema of the State (1999) e ampliou ainda mais o alcance do blink-182.

Impulsionado por singles como “The Rock Show”, “First Date” e “Stay Together for the Kids”, o álbum fez história ao se tornar o primeiro disco de Punk Rock a estrear diretamente no topo da parada Billboard 200 nos Estados Unidos, estabelecendo a banda como um fenômeno global do gênero.

Vale lembrar que o disco mais recente do trio californiano foi One More Time… (2023), marcando o retorno do guitarrista Tom DeLonge após sua saída em 2015. Desde então, o blink-182 retomou sua formação clássica e voltou aos palcos com força total, passando, inclusive, pelo Brasil pela primeira vez na carreira.

Será que rola uma excursão especial para Take Off Your Pants and Jacket? Enquanto isso, relembre o disco, ou ouça pela primeira vez, logo abaixo!

“So, I'm cool and forgiving, I'll take what you're giving…”

Olivia Rodrigo descobre que o amor cura tudo, menos a nós mesmos

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Com MI’RAJ, lançado nesta sexta-feira (12), Edu Falaschi encerrou sua trilogia conceitual iniciada em Vera Cruz (2021) e ELDORADO (2023), entregando um álbum que combina narrativa histórica e jornada espiritual em um cenário inspirado no Oriente Médio do século 16.

Dentro dessa construção conceitual, a narrativa acompanha a continuidade da trajetória de Jorge, protagonista introduzido em Vera Cruz que enfrenta revelações espirituais, perseguições ligadas à Cruz de Nero e intensos conflitos internos. Segundo Falaschi, MI’RAJ representa o momento em que o personagem, após perder praticamente tudo, finalmente alcança a compreensão de sua verdadeira essência e propósito.

Musicalmente, o álbum expande ainda mais a identidade estabelecida nos capítulos anteriores, incorporando elementos étnicos do Oriente Médio e atmosferas cinematográficas, além de estruturas progressivas. As camadas sonoras se entrelaçam a grandes orquestrações e fortes influências do Heavy Metal tradicional, combinadas com o Rock Progressivo dos anos 1970 e 80, o Power Metal, a música sinfônica e elementos do fusion.

A composição do álbum é assinada integralmente por Edu, com exceção de trechos instrumentais de “Watchers Of The Light”, “Wrath Into The War”, “Circle Of Dust” e “Mi’raj”, compostos em parceria com o guitarrista Victor Franco. A colaboração, aliás, marca a primeira participação oficial de Franco no processo de composição ao lado de Falaschi, assumindo papel fundamental na construção da identidade musical do álbum.

Edu Falaschi lança novo disco com muitas participações

Outro nome importante na produção é o baterista Jean Gardinalli, que estreia em gravação oficial com Edu Falaschi.

A performance se destaca pela sua força, precisão e energia, sendo peça essencial na definição da sonoridade intensa e moderna de MI’RAJ, que também se destaca pela faixa-título, com a participação especial da vocalista italiana Veronica Bordacchini, conhecida por seu trabalho com a banda Fleshgod Apocalypse.

O álbum ainda reúne colaborações de grande relevância, como o vocalista Roy Khan, conhecido por sua trajetória no Kamelot e no Conception, na faixa “Circle of Dust” e Rafael Bittencourt, guitarrista do Angra, responsável pelo solo da música “Intuição”.

Ouça MI’RAJ logo abaixo!

Para alguns sortudos

Mick Jagger dá palinha em pub britânico em meio a violinos

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Dia D, dirigido por Steven Spielberg, é um daqueles filmes que lembram por que o cinema de grande escala ainda pode ser sofisticado sem perder impacto emocional. Desde os primeiros minutos, fica evidente o domínio absoluto do veterano diretor na condução narrativa. Há precisão no ritmo e clareza na encenação, além de uma confiança rara em equilibrar espetáculo e humanidade.

Em cartaz nos cinemas a partir desta quinta-feira (11), o longa começa com uma atmosfera que lembra uma trama de espionagem à la James Bond, com abertura ágil e clima de conspiração que provocam uma sensação constante de que existe uma rede maior de interesses por trás de tudo.

A introdução mais estilizada logo dá lugar a uma virada narrativa interessante, quando o filme passa a apostar no mistério envolvendo o planeta e suas implicações, mudando o tom de ação clássica para um suspense mais investigativo e especulativo. Mesmo com a transição de gêneros funcionando bem em termos de envolvimento, o roteiro não escapa de algumas conveniências evidentes.

O fato da protagonista Margaret Fairchild, vivida por Emily Blunt, ser repórter parece pensado principalmente para facilitar a exposição da possível denúncia em rede televisiva, enquanto a ex-noviça Jane Blankenship, papel de Eve Hewson, namorada do anti-herói Daniel Kellner, interpretado por Josh O’Connor, surge como uma figura religiosa que serve quase exclusivamente para inserir o debate sobre fé e crença na trama.

São soluções funcionais, claro, mas um pouco artificiais na forma como organizam certos temas. Ainda assim, o filme consegue manter uma narrativa eficiente e bastante envolvente. Mesmo com uma duração longa, a montagem e o ritmo de Spielberg evitam a sensação de arrasto, sustentando a atenção do espectador do início ao fim.

A história acompanha uma jornalista (Blunt) que é a “Garota do Tempo” em um telejornal de Kansas, nos Estados Unidos, e que se vê envolvida em uma conspiração de escala global após o surgimento de evidências ligando eventos políticos e científicos a um fenômeno misterioso fora da Terra.

Ao lado de um hacker (O´Connor) com passado problemático, ela corre contra o tempo, já que o agente Noah Scalon, vivido por Colin Firth, não vai medir esforços para deter os dois e evitar que a humanidade descubra o segredo que ele precisa proteger a qualquer custo. No elenco ainda estão Colman Domingo, Wyatt Russell, Elizabeth Marvel, Henry Lloyd-Hughes e Gabby Beans, que se destaca por uma brilhante participação no final do longa.

Dia D, de Steven Spielberg, já está em cartaz nos cinemas brasileiros

A fotografia é um dos pontos mais fortes da obra. Cada enquadramento parece pensado para reforçar tanto a dimensão épica quanto a intimidade dos personagens. A luz, ora fria e cortante nas cenas de tensão, ora mais difusa nos momentos de respiro dramático, ajuda na imersão do espectador.

Na produção, Emily Blunt tem uma atuação que pode ser considerada uma das mais consistentes de sua carreira. Ela constrói uma personagem complexa sem exageros, alternando força e vulnerabilidade com naturalidade, acertando tanto no drama como na comédia. Emily, como consequência, entrega uma performance que pode ser lembrada no Oscar de 2027.

Dia D também acerta de maneira surpreendente no equilíbrio de tons. A ação é bem coreografada e visceral sem se tornar confusa; o drama tem peso real, sem cair em manipulação fácil; e até momentos de leveza e humor surgem de forma orgânica, sem quebrar a tensão geral. Tal mistura funciona porque o roteiro confia no público e não tenta sublinhar emoções a todo momento.

No conjunto, Dia D é um longa com uma execução técnica acima da média, demonstrando o controle cinematográfico de Steven Spielberg para criar uma experiência completa. Assista ao trailer do filme logo abaixo!

★★★★ (4/5)

Alanis cantando hino!

AO VIVO: veja abertura da Copa com Alanis Morissette e Michael Bublé

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