A obra de Chico Buarque chegou às plataformas digitais em uma nova roupagem no último dia 21 de agosto com o lançamento da primeira parte de Chico 2.0.

O projeto, assinado pela Central Única das Favelas (CUFA), pela FRecords, pela Tha House e pela Universal Music Brasil, reúne treze artistas de gerações e gêneros diferentes para recriar dez composições que atravessaram décadas da música brasileira. A segunda etapa do álbum está prevista para outubro.

A produção musical ficou a cargo de Felipe Poeta e Alê Siqueira, enquanto a articulação cultural do projeto reuniu Preto Zezé, Celso Athayde e Fábio Almeida. As faixas partem das gravações originais de Chico, mas ganham identidades novas conforme o repertório de cada intérprete, transitando por rap, trap, funk, R&B, samba, soul e nova MPB.

Felipe Poeta, que também assina a direção musical ao lado de Alê Siqueira, disse que a proposta foi inovar sonoramente sem abrir mão do respeito às harmonias e melodias originais, na tentativa de aproximar um repertório já consagrado de uma geração que acompanha a música urbana. Ele explicou:

Desde o começo, a ideia foi criar essa ponte entre a obra do Chico e a música urbana de hoje. Mesmo sendo letras escritas em outros contextos, as histórias, os amores e os temas que ele aborda continuam muito atuais”.

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Do rap ao trap, novos beats para canções atemporais

A conexão com a música urbana sustenta boa parte de “Chico 2.0”. MC Cabelinho, MC Livinho, Dexter, Tasha & Tracie, TZ da Coronel, Don L e VANDAL levam suas referências para músicas que já pertencem ao imaginário popular brasileiro.

Um exemplo é “Construção”, obra-prima de 1971 conhecida pelas frases intercambiáveis e pela imagem do trabalhador que cai do andaime, que aqui reúne Dexter, Maurício Pazz e MC Livinho, que também assina sozinho a releitura de “Pivete”. Já Tasha & Tracie levam sua linguagem para “Deus Lhe Pague”.

VANDAL e Don L dividem os vocais de “O Que Será (À Flor da Terra)”, composição de 1976 em parceria com Milton Nascimento e uma das preferidas do próprio Chico, com participação de Milton e do compositor na faixa. Don L falou sobre a releitura:

Recebi o convite muito honrado, pra interpretar uma música muito importante na história do Brasil. Resolvi fazer uma interpretação mais malandra, mais rap, sempre citando a melodia original, ao lado do VANDAL, que é uma voz das ruas de Salvador”.

VANDAL retribuiu o elogio:

O que mais me toca é poder interpretar uma faixa com Milton Nascimento e o próprio Chico Buarque. Essa conexão entre dois artistas do Nordeste era muito esperada e, para mim, representa uma entrega muito especial ao nosso povo.”

Em “João e Maria”, parceria de Chico com Sivuca, Júlia Mestre divide os vocais com TZ da Coronel, aproximando diferentes regiões e gerações da música brasileira em uma só faixa.

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Da nova MPB ao R&B, outras vozes reinventam o repertório

O projeto também reserva espaço para artistas ligados ao R&B, ao pop e à nova MPB. Xênia França, Budah, Grag Queen, Júlia Mestre e Bela Maria revisitam outros momentos da obra a partir de referências próprias.

Em “Cálice”, parceria de Chico com Gilberto Gil de 1973, Xênia França e MC Cabelinho assumem uma faixa que chegou a ser censurada ainda no evento Phono 73, quando os microfones dos dois compositores foram desligados no momento da apresentação, e só ganhou gravação oficial em 1978, com Milton Nascimento dividindo os vocais com Chico.

Xênia, que já havia se aproximado do repertório de Chico em uma homenagem anterior, celebra a chance de atualizar as canções:

Chico é um dos grandes mestres da música e da cultura brasileira, e sua obra sempre esteve no meu imaginário. Adorei a proposta de trazer suas crônicas para o presente, mostrando como elas continuam atuais na voz de artistas contemporâneos.”

“Geni e o Zepelim” ganha uma leitura assinada por Grag Queen, que traz para a canção elementos de seu próprio universo como artista drag. Fechando esse recorte, Bela Maria revisita “Meu Caro Amigo”, parceria de Chico com Francis Hime que, segundo ela, faz parte de sua própria formação musical.

Para os idealizadores do projeto, Chico 2.0 também é uma declaração sobre o lugar da música popular brasileira no presente. Celso Athayde, fundador da CUFA, descreve a direção artística do álbum como uma responsabilidade com a própria história da música nacional:

Os grandes clássicos do gênero sempre beberam na fonte da cultura popular. O que estamos fazendo aqui é dar continuidade a essa linhagem, garantindo que a nova geração de artistas e ouvintes ocupe esse espaço com propriedade, qualidade técnica e autonomia narrativa.”

Preto Zezé, presidente da CUFA, reforça a leitura de que o projeto não é um exercício de saudosismo:

O conceito de Música Popular Brasileira precisa acompanhar a velocidade e a estética do Brasil de hoje. Nossa direção artística partiu do princípio de que a obra de Chico Buarque, por exemplo, não pertence a um grupo seleto: ela é fruto da vivência popular. Este projeto não é um resgate nostálgico, é uma afirmação de futuro.”

Fábio Almeida completa destacando o processo coletivo por trás das escolhas de artistas e faixas, pensado como “um encontro entre gerações, linguagens e diferentes formas de fazer música”. Paulo Lima, presidente da Universal Music Brasil, exalta Chico como “um dos maiores artistas vivos da cultura popular brasileira” e celebra o fato de que “novos caminhos podem nascer a partir de uma obra tão rica”.

Ouça a primeira parte de Chico 2.0 logo abaixo!

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M. Shadows, vocalista do Avenged Sevenfold, relembrou os primeiros anos da banda e a influência do Punk sobre sua formação durante participação no Artist Friendly, podcast apresentado por Joel Madden, vocalista do Good Charlotte, que tem acompanhado o A7X em sua turnê mais recente pelos Estados Unidos.

Como você pode ver no vídeo ao final da matéria, o cantor falou sobre os anos em que o grupo participou da Vans Warped Tour e sobre a posterior chegada ao Ozzfest. Segundo Shadows, a filosofia adotada pelo Avenged Sevenfold durante a transição para o evento do saudoso Ozzy Osbourne tinha origem direta na experiência adquirida no circuito Punk:

Tudo veio do Punk. Essa era a nossa filosofia quando fomos para o Ozzfest. Havia o palco principal e um palco secundário. Nós tínhamos tocado na Warped Tour por quatro anos antes disso, onde passávamos por trotes, mas tínhamos amigos por toda parte, todo mundo era gente boa e todo mundo estava em pé de igualdade.”

Em conversa com Joel Madden, M. Shadows revelou os grupos que lhe influenciaram na carreira

O músico, na sequência, destacou especialmente nomes como NOFX, Bad Religion, Exploited e The Damned entre as bandas que influenciaram sua geração e estavam mais diretamente presentes em sua formação:

Então, quando fomos para o Ozzfest, essa filosofia já estava bem estabelecida pelos nossos antecessores do punk rock, certo? Que, na época, eram os chamados ‘punks poser’, bandas como NOFX e Bad Religion. Não eram bandas como Exploited, The Damned ou algo do tipo, mas foi com elas que crescemos e aprendemos. Tudo era igualitário. Todo mundo comia a mesma porcaria e recebia muito pouco, mas era como uma colônia de férias Punk Rock, sabe?”

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Travis Barker relembrou a origem do Box Car Racer durante sua participação no podcast And The Writer Is…, apresentado por Ross Golan. Na conversa, o baterista do blink-182 falou sobre a criação do projeto ao lado do guitarrista Tom DeLonge e reconheceu que a iniciativa poderia ter feito o baixista Mark Hoppus se sentir deixado de lado.

Segundo Barker, a ideia surgiu durante o período em que o blink-182 e o Green Day fizeram uma turnê juntos. A convivência musical com o vocalista Billie Joe Armstrong teria despertado nele o interesse em experimentar outras possibilidades ao lado de Tom.

Travis, como você pode ver no vídeo ao final da matéria, contou que passou a tocar com DeLonge e apresentou a ele referências que vinha ouvindo na época, incluindo a banda Quicksand. A partir daí, os dois começaram a desenvolver músicas que, na avaliação deles, tinham uma sonoridade pesada demais para o blink-182.

Questionado por Golan sobre o impacto que a iniciativa poderia ter na relação com Hoppus, o baterista admitiu que não percebeu a dimensão do problema naquele momento e reconheceu, em retrospecto, o ponto de vista de Mark:

Quando o blink-182 e o Green Day fizeram turnê juntos, o Billie [Joe Armstrong] e eu tocávamos juntos todos os dias. E acho que isso despertou algo no Tom [DeLonge]; eu disse: ‘Ei, por que você não toca comigo?’ e ele falou: ‘Cara, pode chegar a hora que quiser. Eu adoraria, tocaria todo dia’. Começamos a fazer um som e, na época, mostrei ao Tom o que eu estava ouvindo, muita coisa do Quicksand. E ele disse: ‘A gente devia fazer umas músicas assim’. ‘Isso é pesado demais para o blink, então temos que colocar em outro lugar’. Poderia ter sido simplesmente o próximo álbum do blink também. Sinceramente, não sei o que a gente estava pensando. Entendo perfeitamente por que o Mark se sentiria deixado de lado. É, é o blink sem o Mark.”

Travis Barker relembrou a criação do Box Car Racer

Vale lembrar que o Box Car Racer lançou seu único álbum em 2002, com Travis Barker e Tom DeLonge acompanhados por David Kennedy e Anthony Celestino. O projeto se tornou um episódio importante na trajetória do blink-182, especialmente pela tensão que sua existência provocou entre os integrantes.

Anos depois, DeLonge e Barker voltaram a trabalhar em material relacionado ao Box Car Racer. Uma das composições desenvolvidas nesse período se transformou em “TERRIFIED”, faixa do álbum ONE MORE TIME…, lançado pelo blink-182 em 2023.

Ouça a música mais abaixo!

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Em entrevista para a rádio Nativa, Chitãozinho e Xororó falaram sobre os hábitos que mantêm nos bastidores e aconselharam artistas mais novos a retirar bebidas alcoólicas dos camarins, destacando como o consumo de álcool pode prejudicar o rendimento profissional.

Para a dupla, disciplina e cuidados com a saúde vocal são fatores importantes para quem deseja construir uma carreira longa na música. Chitãozinho, por exemplo, afirmou que o trabalho artístico exige responsabilidade e que, embora os músicos também devam aproveitar os momentos de descontração, o álcool pode atrapalhar a atividade no palco:

Se eu for dar um conselho para alguém, nesse caso, eu diria para os artistas eliminarem o álcool do camarim. Porque isso aqui é um trabalho sério, a gente não está aqui só para divertir as pessoas, a gente tem que se divertir também. Porém, o álcool atrapalha.”

Na sequência, Xororó detalhou os hábitos adotados por ele e o irmão antes das apresentações. Segundo o veterano artista, o camarim é abastecido com água, café e alimentos considerados por eles parte de uma alimentação saudável:

Começa pelos camarins. Nosso camarim só tem água, café, frutas, uma alimentação saudável, uma carninha com legumes. O arroz e feijão também é fundamental. E bebida para a gente é só água e café.”

Chitãozinho & Xororó citaram Tonico & Tinoco como exemplo de conduta

Xororó também ressaltou a importância da preservação da voz para quem pretende manter uma trajetória na cena musical por muitos anos e citou como referência a dupla Tonico & Tinoco:

Quem quer ter uma carreira longa, tem que se preservar. A gente aprendeu isso há mais de 50 anos com Tonico e Tinoco. Eles iam dormir porque o sono era o melhor remédio para voz, e nunca beberam também. É história fiada aquela coisa de que a bebida alcoólica é boa para as cordas vocais. Conversem com qualquer médico que ele vai dizer o contrário.”

O cuidado com os hábitos fora do palco realmente faz parte da preparação para uma carreira duradoura, né? Confira o vídeo logo abaixo…

"Eu não sou fã"

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O SP Gastronomia, festival que reúne alta gastronomia e grandes nomes da música brasileira na Ilha Musical do Parque Villa-Lobos, em São Paulo, chega à sua segunda semana de programação com Gabriel O Pensador subindo ao palco na sexta-feira (28/08).

O TMDQA! já havia conversado com Péricles, atração de abertura do festival, e agora é a vez de Gabriel detalhar em suas próprias palavras os bastidores de sua apresentação, que chega em meio ao lançamento de um novo projeto intitulado Acústico 33 Anos, que já ganhou uma prévia pra lá de especial com o lançamento da parceria “Pátria Que Me Pariu / Capítulo 4, Versículo 3”, ao lado de Mano Brown.

Descrevendo o momento atual da turnê como um período de amadurecimento sonoro, puxado pelo projeto em questão, Gabriel se empolga ao falar sobre a apresentação no festival gastronômico. Competir pela atenção do público com um cardápio inteiro não é um problema para o artista.

Não tem uma preparação diferente. O nosso show tá sendo tão divertido de fazer. Eu curto e me emociono muito no palco com a interação com a plateia, com a percepção dessa conexão, mas muito também com os meus músicos. Eu tenho viajado cada vez mais em cada detalhe, de cada grupo, de cada instrumento, ainda mais nesse projeto que a gente ensaiou tanto e fez novos arranjos, com sopro, com teclado, harmonias novas, mais trabalhadas”.

Gabriel também reforça que não faz distinção entre o público mais concentrado no show e aquele que está ali, sobretudo, pela experiência gastronômica:

Esse show vai ter a galera que está lá focada na degustação e tal, e a música vai ser um algo a mais. Tem outros que vão pelo show. Tem de tudo, e eu também pretendo aproveitar A gente já tem uma tradição no Brasil de alguns eventos e desse ‘aperfeiçoamento’ do consumidor, de querer procurar coisas caprichadas, até nos food trucks, em tudo, até em cervejas. Evolui um pouquinho nessa curiosidade do prazer de quem come, do prazer da gastronomia, e ao mesmo tempo tem tanta gente evoluindo na arte da culinária. É muito legal fazer parte.”

Sobre o show em si, o cantor confirma que a apresentação no SP Gastronomia já incorpora os novos arranjos do projeto Acústico 33 Anos, ainda que a turnê oficial nem tenha sido lançada. O SP Gastronomia, inclusive, deve ser um capítulo importante nessa nova fase que ganhou a primeira prévia citada acima justamente em 6 de agosto, Dia Nacional do Rap.

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Gabriel O Pensador fala sobre parceria com Mano Brown

Ao comentar o encontro com Mano Brown, marcante por ser a primeira vez que os dois dividiram um palco em mais de três décadas de carreira, Gabriel descreve a experiência como emocionante:

Foi um momento de arrepiar mesmo. A gente chega com uma energia ali, fazendo uma apresentação que tinha um lado nostálgico também, por ser uma celebração de uma história minha, e ele ali, sabendo disso, contribuindo com a sua presença para celebrar junto tudo que a gente ajudou a criar na nossa cultura hip-hop. […] A gente se admira, mas não se fala sempre. E nesse momento a gente já bateu altos papos antes de encontrar e gravar, falando do passado, de algumas lembranças. Acho que foi bom para ambientar, para na hora que a gente chegou no palco, a gente estar nessa vibe de continuar sempre olhando pra frente, mas reconhecendo o que foi feito, valorizando isso mutuamente”.

Além de Mano Brown, o Acústico 33 Anos traz diversos outros encontros fantásticos que celebram a trajetória de Gabriel e do Rap nacional como um todo. O músico destaca, por exemplo, a presença de MV Bill, e exalta a entrega de todos os envolvidos no projeto:

Não era uma coisa de só fazer o feat, tava todo mundo ali de corpo e alma. Isso é muito importante. A gente fez esses ensaios com tanta dedicação, com tanto carinho, não só a banda, mas a equipe toda: a produção, a cenografia, a direção de vídeo, a direção musical, que foi o Maurício Pacheco, que faz parte da banda. Todo mundo estava muito envolvido com o projeto.”

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Letras (e música) mais atuais do que nunca

Questionado sobre a importância de suas letras mais de três décadas depois de escritas, Gabriel concorda com a grandiosidade das reflexões que sempre trouxe, mas reforça que a permanência da música não está apenas na mensagem, mas também na composição como um todo.

Ele lembra que canções como “Racismo É Burrice” ou os temas comportamentais de “Lavagem Cerebral” seguem atuais, num misto de orgulho e frustração:

Não é só a letra, mas como a letra e o groove funcionam juntos. É legal pensar em como aquele sample de ‘Cachimbo da Paz’ não enjoa, não ficou velho, ficou bom. […] Mas dá uma certa pena que a gente não evolua como poderia nesses assuntos, apesar de algumas mudanças acontecerem dentro de alguns temas. São problemas muito enraizados, muito presentes. [Mas] não falo só de problemas; pelo contrário, a gente tem se divertido muito, tem muita positividade, muita coisa mais leve também!”

Ele lembra ainda como certas faixas “renascem por vontade própria” anos depois do lançamento, ganhando nova vida em momentos políticos ou virais nas redes:

O tema vai ter interpretações a cada geração. Enquanto o cara tá falando de uma coisa, o garoto que nasceu 15 anos depois e tá ouvindo agora também entende do jeito dele, também curte, se diverte”.

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A receita de Gabriel O Pensador para curtir o SP Gastronomia

Dos fãs mais antigos aos mais jovens, Gabriel enxerga um paralelo direto entre sua carreira e a própria proposta do SP Gastronomia. Para ele, a variedade de públicos passa pela qualidade do brasileiro de saber ser eclético:

Acho que dá até pra fazer um paralelo: porque no cardápio musical tem bastante coisa, e na gastronomia com certeza também vai ter pra todos os gostos. Eu acho que combina bem. Eu vou tentar chegar com fome e beliscar um pouquinho de cada coisa, aproveitar bastante também e matar a fome da galera de música, da melhor forma. […] No SP Gastronomia eu vou ter que caprichar, porque a gente vai ter algum limite de tempo e o meu show tem sido bem longo, tá dando quase duas horas se deixarem. Esse aqui não vai ser assim, então eu vou caprichar também na hora de selecionar o repertório, pensando na galera do SP Gastronomia.”

Ao ser perguntado se pretende degustar a gastronomia do evento, o rapper faz questão de deixar claro que isso fica só para depois da apresentação:

Se der pra degustar, eu vou querer sim, mas depois do show, principalmente porque o rap exige muito fôlego. A gente evita chegar de barriga cheia nos shows, porque a gente tem que se movimentar, e principalmente pelo fôlego mesmo, pra não ficar ali cheio.”

Para fechar a conversa, em vez da tradicional lista de discos que já respondeu outras vezes ao TMDQA!, Gabriel topou listar seus pratos brasileiros preferidos:

Primeira coisa, um prato simples, mas é bem brasileiro: estrogonofe. Costumo pedir de frango muitas vezes, mas pode ser de carne também. Bobó de camarão também. É uma coisa que a gente não come sempre, então quando come, é um momento especial. Minha mãe tem uma história com isso, ela faz o bobó.”

Ele completa a lista com “feijão com farofa e frango assado” e massas com cogumelo, além de citar pratos que tem experimentado durante a atual turnê por Portugal, como o bacalhau à brás. E, claro, não poderia deixar de citar “Porca Miséria”:

Tem uma música que eu fiz que cito algumas coisas de pratos, meio de brincadeira, não era sobre isso a música, mas o nome é ‘Porca Miséria’. Não vou cantar no SP Gastronomia, mas lembrei dela agora!”

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Cliente BB Elo tem desconto na compra de ingressos do SP Gastronomia 2026

Vale lembrar que a Elo, apoiadora incondicional da cultura brasileira, é uma das patrocinadoras máster do evento e quem tem cartão BB Elo garante benefício extra, com 40% de desconto em até quatro ingressos na modalidade inteira por CPF, com o valor validado diretamente no momento da compra disponível pela Ticketmaster.

Serviço

SP Gastronomia 2026

Local: Parque Villa-Lobos (Ilha Musical) – São Paulo
Datas: 21 a 23 e 28 a 30 de agosto de 2026
Ingressos: primeiro lote a partir de R$ 77 (inteira) e R$ 38,50 (meia-entrada), à venda pela Ticketmaster

Shows confirmados

Segundo final de semana: Gabriel O Pensador (28/08); Laura Simões e Mãeana canta JG (29/08); Luiz e Nazinha e Silva (30/08)

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Verdadeira lenda da música e influente em tantos gêneros, Dolly Parton morreu nesta terça-feira (25) aos 80 anos de idade. Ela havia sido hospitalizada há quatro dias, mas detalhes não foram revelados e uma causa de morte oficial também não foi informada.

Quem noticiou o falecimento foi seu sobrinho Bryan Seaver, que trabalhou como chefe de segurança para a cantora por mais de duas décadas e foi sucessor de seu próprio pai, Larry. Em seu comunicado, postado em vídeo que você pode ver ao final da matéria, ele ainda disse:

Dolly também abriu portas para gerações de cantores, compositores, músicos e sonhadores de todos os lugares da vida e todos os continentes. Através do exemplo dela, acreditamos que tudo era possível. Ela nunca viu uma porta que não pudesse abrir, e as portas que ela abriu fizeram e mudaram a história. Minha família e eu dividimos uma vida inteira de belas memórias com Dolly, mas vocês também fizeram isso. Ela sempre esteve na sua televisão, no seu toca-discos, no seu CD, na playlist do seu celular, se tornando uma parte da sua família quer você quisesse ou não.”

Descanse em paz, lenda!

A lendária Dolly Parton

Dolly Rebecca Parton nasceu em 19 de janeiro de 1946 no Tennessee, a quarta de doze irmãos em uma família de origem humilde. Aprendeu violão ainda criança e começou a compor cedo, incentivada pela mãe.

A carreira ganhou impulso em 1967, quando Porter Wagoner a convidou para integrar seu programa semanal de TV, onde ela permaneceu até 1975 e conquistou projeção nacional. Também em 1967 lançou seu álbum de estreia, Hello, I’m Dolly.

Ao longo de seis décadas, gravou mais de cinquenta álbuns de estúdio e se consolidou como a “Rainha do Country”, com composições que atravessaram gerações, casos de “Jolene” e “I Will Always Love You”. Estreou no cinema em 1980 com Nove Horas de Rotina (9 to 5) e seguiu atuando ao longo da carreira, além de tocar seu próprio parque temático, o Dollywood.

Recebeu onze prêmios Grammy, três Emmys, seis Globos de Ouro, um Tony e um Oscar honorário humanitário em 2025, somado a indicações ao Oscar competitivo. Foi casada com Carl Dean por quase sessenta anos, até a morte dele em março de 2025.

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Existe aquele momento na trajetória de qualquer artista em que o tamanho do palco passa a funcionar como medida de uma determinada conquista. Para Liniker, o momento em questão parece ter chegado recentemente.

No último sábado (22), em show realizado na Farmasi Arena, no Rio de Janeiro, a cantora tornou a despedida da turnê do premiado disco Caju (2024) na cidade um espetáculo de grandes proporções, sem deixar de lado a humanidade que fez sua música atravessar tantos públicos.

É preciso dizer que montagem de “Bye Bye Caju” impressiona pela escala. Liniker chegou ao palco acompanhada por uma big band de 25 músicos, com direito a coro, naipe de sopros e conjunto de cordas, além do Balé Caju Negro, em uma verdadeira arquitetura sonora e visual criada para traduzir a dimensão que o álbum alcançou desde seu lançamento.

Há uma razão para tal exuberância, pois Caju maximizou radicalmente o alcance da artista e lhe rendeu três Grammys Latinos em 2025. A excursão que marca o final do capítulo foi concebida também como celebração dos dez anos de trajetória de Liniker.

Na Cidade Maravilhosa, as duas histórias, a do disco e a da artista, se encontraram em performance que olhou para trás com o orgulho de não se prender ao passado.

Desde os primeiros minutos, a sensação é de que tudo foi pensado para ocupar uma arena, com arranjos que ganharam ainda mais forma e metais que acrescentaram brilho à performance. A banda, aliás, é um dos grandes trunfos da apresentação, já que não funciona como mero suporte.

Os competentes músicos participaram ativamente da construção do clima, respeitando os números de delicadeza e sabendo crescer quando Liniker pedia grandeza. Nenhuma estrutura, por maior que seja, conseguiu esconder a potência artística de Liniker.

A cantora, que se derreteu pelos cariocas em diversos intervalos, domina o palco com a combinação rara de segurança e espontaneidade. Aos 31 anos, a artista de Araraquara, em São Paulo, se mostra confortável dentro da própria magnitude. No palco, Liniker caminha, dança, brinca, conversa com o público e demonstra disposição contagiante para viver aquela noite junto com quem está diante dela.

Não há a frieza de quem executa um espetáculo previamente calculado. Pelo contrário, existe prazer. Tal proximidade é especialmente significativa porque a megaprodução poderia criar alguma distância entre cantora e plateia, já que a Farmasi Arena é enorme e o aparato de “Bye Bye Caju” proporcional ao tamanho do local.

Liniker, entretanto, trabalhou na direção contrária. Quanto maior o espetáculo, mais ela procurou estabelecer conexão. Um dos grandes acontecimentos foi a presença do seu primeiro balé em shows. Ajudando a compor o cenário, a cantora reuniu dez bailarinos fazendo parte da dramaturgia do espetáculo para acrescentar movimento e nova camada de interpretação às músicas.

Liniker se despediu do Rio de Janeiro com a turnê do álbum Caju

A novidade é importante porque muda a maneira como Liniker ocupa o palco. Até então, o corpo da cantora era praticamente o único centro coreográfico de suas apresentações.

Dessa vez, a presença da artista passou a dialogar com outros corpos. Os bailarinos, assim como os músicos no palco, criaram atmosferas e estabeleceram transições, além de interagirem durante a mudança de atos no show.

Com muitas trocas de figurino e vídeos nos telões em cada divisão dos números musicais, Liniker estava no centro de tudo. O vasto repertório, que incluiu canções da época em que a artista ainda fazia parte do grupo Os Caramelows, estabelece a narrativa de sua primeira década de carreira.

A disposição se traduziu em uma apresentação que alternou momentos de celebração e recolhimento. Ao anunciar a execução de “Intimidade”, por exemplo, a artista lembrou do processo de composição, quando ela estava extremamente vulnerável. Já em “Antes de Tudo”, Liniker explodiu em êxtase que ficou difícil não contagiar cada fã que por lá estava.

Na Farmasi Arena, Caju se despediu do Rio de Janeiro em tamanho gigante, e a relevância daquele momento estava no olhar de quem cantava junto e no sorriso largo de Liniker. Quando as luzes finalmente se apagaram, ficou a sensação de que a plateia assistia à cantora encontrar o tamanho de sua história.

Confira fotos e o setlist do show de Liniker no Rio de Janeiro logo abaixo!

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Setlist de Liniker no Rio de Janeiro (22/8/26):

1. “Tudo”
2. “De ontem”
3. “Zero”
4. “Caeu”
5. “Bem bom”
6. “Calmô”
7. “Intimidade”
8. “Sem nome, mas com endereço”
9. “Antes de tudo”
10. “Baby 95”
11. “Psiu”
12. “Clau”
13. “Presente”
14. “Caju”
15. “Veludo marrom”
16. “Ao teu lado”
17. “Me ajude a salvar os domingos”
18. “Negona dos olhos terríveis”
19. “Mayonga”
20. “Papo de edredom”
21. “Melhor notícia”
22. “Popstar”
23. “Febre”
24. “Pote de ouro”
25. “Deixa estar”
26. “So Special”
27. “Charme”

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O KISS se apresentou pela última vez em dezembro de 2023, mas a forte relação da banda com os palcos faz muita gente pensar que aquela pode não ter sido a despedida definitiva dos shows ao vivo do grupo.

No entanto, em entrevista recente à rádio WCSX de Detroit (via UCR), Gene Simmons explicou que, caso sua banda decida se reunir novamente, precisará de uma permissão específica.

Isso porque o KISS vendeu não apenas seu catálogo musical, como também sua marca registrada e o visual das pinturas faciais para a empresa sueca Pophouse em 2024. Sobre o acordo, o baixista e vocalista do grupo comentou:

O KISS foi realmente vendido — a maquiagem, as músicas, os direitos autorais e tudo mais — por uma quantia considerável. E uma ótima empresa chamada Pophouse, é nossa parceira. Estamos envolvidos juntos no futuro, então haverá um filme, cujo elenco está sendo selecionado agora, e haverá — sei lá — desenhos animados, parque temático, o que você imaginar, tudo está por vir. Então, será maior e melhor do que vocês jamais ouviram, incluindo a série [de shows] de avatares. Mas isso também significa que o KISS não pode tocar ao vivo sem a permissão da Pophouse, porque eles são donos da maquiagem e de tudo mais.”

A relação de Gene Simmons e do KISS com os palcos

Enquanto o futuro do KISS passa por experiências virtuais e novos formatos de entretenimento, Gene Simmons deixou claro que não pretende abandonar completamente os palcos. Depois do fim da banda veterana, o músico criou a Gene Simmons Band e encontrou uma maneira de continuar fazendo aquilo que mais gosta. Ele apontou:

Eu não queria ficar longe do palco. É a coisa mais divertida. Estar naquele palco e arrasar no palco é a coisa mais divertida que consigo imaginar, mesmo de calças. E acontece uma magia ali. Imagine ser um pintor, pintar algo, ficar muito orgulhoso, e a obra ficar lá na sua sala de estar, sem ninguém vê-la.

Ou se você compõe uma música e gosta muito dela, pensa: ‘Nossa, isso é demais!’, mas só você a ouve. Não, não, não. Se você escreve um livro, não quer ser o único a lê-lo. Você quer compartilhá-lo com outras pessoas. Ou se você vai dar uma festa e é o único na sala comendo batata frita e bebendo Coca-Cola, não é uma festa de verdade. Eu preciso de você na festa. O que é uma festa sem você? Então, não consigo ficar longe dos palcos. Eu amo isso demais.”

A Gene Simmons Band segue em turnê ao longo de 2026, com apresentações programadas até dezembro. Vale lembrar que o músico estreou seu projeto no nosso país em 2024, com uma passagem no Bangers Open Air, então chamado de Summer Breeze Brasil.

Gostaria de vê-lo novamente por aqui?

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Ainda existe uma diferença enorme entre uma marca participar da cultura e simplesmente tentar parecer culturalmente relevante. O Spotify, me parece, entendeu essa diferença.

A nova campanha da plataforma nos Estados Unidos é aparentemente simples. O Spotify pegou nomes reais de playlists criadas pelos próprios usuários e colocou essas frases em outdoors e cartazes pelas ruas de NY, Miami e Los Angeles.

A ação, chamada “Playlist It”, foi criada pela Uncommon New York e usa títulos como “Which one of you has a boat?” (“Qual de vocês tem um barco?”) em Miami e “I refuse to take accountability so I blame it on the 405” (“Eu me recuso a assumir a responsabilidade, então culpo a [rodovia] 405”) em Los Angeles, brincando diretamente com os lugares onde as peças aparecem.

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Como músico, acho particularmente interessante perceber o quanto a playlist mudou de função ao longo dos últimos anos. Durante muito tempo, montar uma seleção de músicas era simplesmente escolher o que você queria ouvir. Quem viveu a era das fitas cassette gravadas em casa sabe que nunca foi exatamente só isso.

A ordem das músicas importava, a escolha dizia alguma coisa sobre você e, principalmente, sobre quem receberia aquela fita. Depois vieram os CDs gravados, os arquivos de MP3 e finalmente o streaming. Mudou a tecnologia, mas continuamos usando música para dizer coisas que nem sempre conseguimos dizer diretamente (bonita essa frase, hein?).

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A diferença é que hoje essa curadoria ganhou uma camada pública. Uma playlist chamada “músicas para fingir que está tudo bem”, por exemplo, não é apenas uma sequência de faixas. É quase um tweet, uma legenda ou um pequeno manifesto pessoal. O Spotify percebeu que existe mídia dentro desse comportamento.

E aqui está, para mim, a parte mais interessante da campanha. O Spotify não criou uma linguagem para conversar com a Geração Z. Percebeu uma linguagem que já existia dentro da própria plataforma e decidiu amplificá-la.

O Spotify tem uma vantagem enorme nesse território porque seu produto é também uma gigantesca máquina de expressão cultural. Milhões de pessoas organizam músicas, criam playlists, dão nomes para elas, compartilham descobertas e constroem pequenos recortes da própria personalidade dentro da plataforma. O próprio Spotify reconhece playlists criadas por usuários como uma das formas de descoberta dentro do serviço.

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Talvez seja por isso que o Spotify tenha conseguido construir propriedades como o Wrapped. A matéria do Meio & Mensagem faz uma comparação interessante entre as duas iniciativas. No Wrapped, o comportamento do usuário vira dado e o dado vira comunicação. Em “Playlist It”, a matéria-prima é ainda mais direta: a criatividade do próprio usuário vira anúncio.

É uma campanha sobre identidade.

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Nesta segunda-feira (24), Sid Wilson se manifestou na internet pela primeira vez desde que o Slipknot confirmou oficialmente sua saída da banda. Sem fazer qualquer referência direta ao rompimento, o músico publicou dois vídeos no Instagram nos quais aparece fazendo mixagens em seus toca-discos.

As publicações não trazem legendas que expliquem o momento vivido pelo artista, com Wilson usando apenas alguns emojis e dando a entender que as sessões de discotecagem eram, ao menos naquela hora, uma atividade descontraída.

Em um dos registros, porém, certo detalhe chamou a atenção. O nome do Slipknot e o tradicional logotipo em forma de “S” apareceram na lateral de uma de suas caixas de som. As postagens são as primeiras manifestações públicas de Sid desde o fim de sua longa trajetória com o Slipknot.

Slipknot confirmou demissão de Sid Wilson nos últimos dias

O desligamento foi confirmado pela própria banda em 14 de agosto, depois de cerca de duas semanas de rumores circulando nas redes sociais. Na ocasião, o grupo liderado por Corey Taylor comunicou:

Com efeito imediato, o Slipknot não estará mais associado a Sid Wilson. Desejamos a ele o melhor em seus projetos futuros.”

Até o momento, Wilson não explicou o que levou à separação. Depois do anúncio, no entanto, o músico atualizou sua biografia no Instagram para “@slipknot 1997 – 2026”, fazendo referência ao período em que esteve associado ao grupo.

Também não foram divulgados detalhes sobre os motivos do rompimento. No início de agosto, no entanto, uma reportagem havia confirmado que Wilson e Kelly Osbourne encerraram o noivado e a filha de Ozzy Osbourne escreveu indiretas fortes para o DJ. Vale lembrar que os dois estavam juntos há vários anos e têm um filho.

A trajetória de Sid Wilson fora do Slipknot

A saída do Slipknot não encerra, todavia, a trajetória musical de Sid Wilson. Fora da banda, o músico mantém uma carreira paralela há décadas, especialmente na cena eletrônica e como DJ.

Desde 1996, ele lançou diversos trabalhos sob o nome Starscream, além de alguns projetos creditados como SID. Ao longo dos anos, Wilson também participou de uma série de álbuns e faixas de outros artistas, mantendo atuação que ultrapassa o universo do Slipknot.

Mais recentemente, em outubro de 2025, o DJ criou sua própria gravadora, a Vomit Face Records. Ao apresentar o selo, o músico o descreveu como um espaço destinado a artistas que não se encaixam nos padrões convencionais (via Loudwire):

Derrubar barreiras. É para artistas que não se encaixam e nunca quiseram se encaixar. São rebeldes em movimento que se destacam sem pedir desculpas. É para celebrar a imperfeição, pessoas criando arte real a partir do caos, em um mundo que recompensa o que é falso. É o lugar onde o som, o trabalho duro e o espírito se encontram, e onde ninguém pode dizer como você deve se parecer ou se sentir”.

Atualmente, a Vomit Face Records conta com outros oito artistas em seu elenco, além do próprio SID.

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