O documentário SURFILMUSIC, dirigido por Jack Johnson, teve sua estreia recentemente no Paramount Theatre em Austin, no Texas (EUA), como parte do South by Southwest (SXSW) e foi marcada por grande entusiasmo e energia positiva.

O público pôde mergulhar na trajetória artística do cantor havaiano, conhecendo mais de perto o processo criativo por trás de suas músicas e sua paixão pelo surfe, elementos que sempre estiveram presentes em sua carreira.

Além disso, ainda no tapete vermelho, Jack apareceu ao lado de sua esposa, Kim Johnson, e compartilhou detalhes sobre a criação de seu hit icônico “Banana Pancakes”. Ao ser questionado pelo jornalista sobre qual seria o seu jeito preferido de fazer panquecas, o artista respondeu, citando a música “No Other Way”:

“Bom, vou fazer um parêntese e te contar que essa música foi a mais fácil que já escrevi, porque aconteceu o seguinte: passei a noite toda escrevendo outra música chamada ‘No Other Way. E sabe, [minha esposa] é ótima em ouvir e dar feedback, mas uma manhã eu estava tentando mostrar ‘No Other Way’ para ela e não conseguia chamar sua atenção. Aí eu pensei: ‘Quer saber? [cantarola a ‘Banana Pancakes’] Você quase nem percebe quando eu tento te mostrar. Essa música é para te impedir de fazer o que você deveria.’ E foi assim que tudo começou. Ela disse: ‘Essa música é muito boa.’ E eu respondi: ‘Ah.’ E foi assim que tudo começou. Então, eu simplesmente sentei e… bem, era um som simples. E era bem simples porque era só uma brincadeira para ela, tipo: ‘Ei, presta atenção na minha outra música.’ E foi assim que eu a escrevi.”

Jack Johnson relembrou a composição de um de seus maiores hits

Na sequência, o cantor e diretor de cinema lembrou de responder ao que o jornalista havia perguntado em primeiro lugar. Revelando que prefere waffles, Jack afirmou:

“Mas como eu gosto de fazer panquecas? Fazemos waffles mais do que panquecas.”

Foi então que Kim interveio:

“Bem, agora que temos 50 anos, não podemos comer carboidratos. Agora só comemos ovos.”

Jack, ao ouvir, protestou:

“Isso não é verdade. Você é quem sempre quer panquecas.”

Kim aproveitou para se justificar:

“Nossa filha ainda gosta de waffles.”

Jack assentiu:

“Então, fazemos muitos waffles. Fingimos que não comemos e depois comemos.”

Kim, em seguida, concluiu:

“Sim, nós comemos, mas tentamos não ter mais essas coisas por perto.”

Como você faz panqueca por aí? Confira a entrevista logo abaixo e aproveite para ouvir tanto “Banana Pancakes” como “No Other Way”!

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No novo episódio da segunda temporada do Eu Assino Embaixo, o apresentador Paulo Baron se juntou a Felipe Andreoli e mergulhou em um tema delicado, mas inevitável no universo da música.

Os dois debateram a respeito do desgaste vocal ao longo dos anos e seus impactos na carreira de grandes artistas do Rock. Com histórias e muita opinião, Felipe discutiu como alguns dos maiores nomes do gênero lidaram com tal desafio, seja adaptando o repertório ou mudando o estilo de canto.

Afinal, até que ponto é possível preservar a essência artística diante das limitações do tempo? Tentando encontrar algumas respostas, Paulo ilustrou a força da música ao vivo com o AC/DC como exemplo:

“[O] Brian Johnson, você vê nos vídeos que parece ter realmente caído, sei lá, umas duas ou três notas. Só que os ingressos estão esgotando muito rápido. A galera quer ver o AC/DC com o que sobra do AC/DC.”

Felipe Andreoli discutiu o impacto de um show ao vivo nos fãs

Ao responder, como você pode ver no corte do vídeo ao final da matéria, Andreoli explicou a diferença entre o impacto do show ao vivo e a experiência de assistir a alguma apresentação pela televisão:

“O que está levando essas pessoas a lotar esses estádios não é só ver o AC/DC, é a música do AC/DC. Porque a música é o principal sempre. Quando você assiste um show pela TV, a sua leitura do show é muito diferente de quem está na plateia. Quem está na plateia do show está sendo impactado por aquele show de uma outra forma. Ele escuta de outra forma, e a emoção de estar ali presente faz ele perceber aquela performance de uma forma totalmente diferente de quem está sentadão aqui no sofá. A galera canta, você está naquele lugar, você está vendo seus ídolos, entendeu? Isso toma conta da sua emoção de uma forma que a sua percepção daquilo muda, ela é diferente.

Então, eu tenho certeza que quem vê os vídeos do Bom Jovi no YouTube ou do Axl Rose, mete o pau e, enfim, às vezes com razão, porque realmente eles não têm mais a mesma performance vocal, mas quem vai no show não vai esquecer.”

A gente precisa concordar! Vale lembrar que a entrevista completa de Felipe Andreoli para o Eu Assino Embaixo está disponível no YouTube.

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A banda Ave Sangria, uma das principais expoentes da cena musical psicodélica pernambucana, ficou emocionada e entusiasmada ao descobrir que Marina Sena citou uma de suas obras entre os discos que mudaram sua vida em entrevista com o TMDQA!.

O grupo pernambucano teve sua carreira interrompida nos anos 70 pela ditadura militar, que retirou de circulação seu disco de estreia homônimo, lançado em 1974, apenas um mês após ter sido disponibilizado. O impacto daquela ação fez a banda entrar em hiato por mais de quatro décadas.

Porém, com a popularização da internet, o disco da Ave Sangria foi pirateado e passou a ser cultuado pelos jovens por sua atemporalidade, e atualmente esta geração representa boa parte do público da banda.

O reconhecimento de Marina Sena, uma das artistas mais relevantes da nova geração da música brasileira, comprova como o legado da banda continua vivo. Em conversa com o TMDQA!, a artista incluiu a obra da Ave Sangria ao lado de gigantes da MPB como Gilberto Gil, Caetano Veloso, Gal Costa e Secos & Molhados.

Ave Sangria celebra Marina Sena

Após descobrir a inclusão na lista de Marina, a banda veterana usou sua conta do Instagram para agradecer a admiração e celebrar publicamente a citação da cantora:

“A gente recebeu com muita alegria a lembrança de Marina Sena, que citou o disco da Ave Sangria entre cinco álbuns que mudaram a vida dela. É emocionante ver como um trabalho lançado lá atrás continua ecoando, atravessando gerações e chegando nos ouvidos de artistas que hoje também estão construindo a música brasileira. Marina, nosso muito obrigado pela escuta e pelo carinho. Que a música siga fazendo esses encontros acontecerem.”

Nos comentários da publicação, muitos fãs do grupo que explora o rock psicodélico com elementos regionais estão apoiando uma parceria entre Ave Sangria e Marina Sena. Será que vem aí?

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Courtney Love está de saco cheio dos fãs de Dave Grohl, e agora quer que o músico vá a público falar sobre sua relação com ela.

A frontwoman do Hole foi a mais recente entrevistada do podcast de Billy Corgan, seu ex-namorado e líder do The Smashing Pumpkins. Durante o episódio de The Magnificent Others, Love voltou a falar que está “de boa” com o vocalista do Foo Fighters após anos de brigas, mas que seus fãs ainda não sabem disso.

A cantora, que fez as pazes com Dave durante a indução do Nirvana ao Hall da Fama do Rock em 2014, declarou:

Grohl, admita logo e diga que está tudo bem entre nós. Seja homem o suficiente para assumir a responsabilidade, porque você é o Übermensch que tem todos os homens héteros, e nós estamos de boa, mas você não diz isso porque tem medo de perder seu público. Você tem medo de que isso afete sua relação com o próprio Paul McCartney, porque ele é amigo do Paul.

Em 2012, Courtney Love chegou a criticar não só Dave, como também os outros membros sobreviventes do Nirvana, por tocar junto de McCartney em um evento beneficente. À época, ela disse que “se John [Lennon] estivesse vivo, aí seria legal”.

Ainda no assunto, ela continuou:

Dave não tem o talento de Paul, sejamos claros. Ambos têm uma esposa [inaudível] — uma sombra sinistra e perturbadora. Ambos têm o cara legal morrendo — algo assombroso, tragicamente… assombrado. Então, eles são amigos. É por isso?

Ao fim, Love ainda completou cobrando Grohl novamente:

Dave, seria muito bom se os homens brancos heterossexuais que são sua base de fãs parassem de me atacar, principalmente os millennials. A Geração Z não está me atacando. Dá um aperto no coração quando alguém com quem você se dá bem, ou pelo menos tem alguma afinidade, te critica na imprensa.

Não foi dessa vez

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Dave Grohl e Courtney Love

Dando sua opinião enquanto alguém que conhece as duas partes da história, Gorgan afirmou que “Dave não tem nenhum problema com você”. Respondendo a isso, Courtney afirmou que o músico do Foo Fighters já escreveu quatro músicas sobre ela, e completou: “eu não poderia escrever uma música sobre Dave Grohl nem para salvar minha própria vida”.

Até hoje, apenas a faixa “I’ll Stick Around”, do disco homônimo do FF lançado em 1995, foi confirmada por Grohl como sendo sobre Courtney Love.

Assista ao podcast abaixo!

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O reencontro entre Mac DeMarco e o público brasileiro não poderia ter começado de forma melhor. Na noite de sexta-feira (03/04), o músico canadense abriu sua nova turnê pelo país com casa cheia na Sacadura 154, no Rio de Janeiro.

Promovida pela Balaclava, a série de nove datas pelo Brasil já nasceu como um sucesso. Afinal, oito apresentações tiveram ingressos esgotados, restando entradas apenas para Porto Alegre. O pontapé inicial, portanto, fez jus à expectativa criada desde o anúncio.

Durante uma hora e meia, o ícone do indie contemporâneo e criador do jizz jazz entregou exatamente o que o público esperava: carisma, espontaneidade e um repertório quase irretocável.

Sintonia entre palco e plateia

Desde os primeiros acordes, ficou claro que a noite seria especial. O público cantou do início ao fim, e não apenas os versos. Riffs, melodias e pequenas linhas instrumentais também ecoaram pela casa, em um coro que, por vários momentos, chegou a encobrir a própria voz do artista.

Canções como “On the Level”, “Heart to Heart”, “Ode to Viceroy” e “Passing Out Pieces” foram recebidas como hinos. Quando vieram “Salad Days” e “Chamber of Reflection”, o público virou um coro ensurdecedor. Em certos trechos, mal era possível ouvir o palco diante da força da plateia. O repertório, aliás, seguiu a linha dos shows mais recentes da turnê, sem surpresas, mas com escolhas certeiras.

(continua após o vídeo)

Além disso, a interação foi um espetáculo à parte. A pedido de Mac, o público acompanhou diversas músicas com palmas ritmadas e, claro, gritou o nome do artista em vários momentos.

Em um dos trechos mais divertidos da noite, Mac DeMarco chegou a dançar no palco enquanto a banda sustentava uma levada quase brasileira, impulsionada pelos gritos vindos da pista. O músico, que visita o país desde 2014, demonstrou novamente o quanto se sente em casa por aqui.

Tão à vontade, aliás, que foi além das brincadeiras verbais e surpreendeu ao fazer uma bananeira no palco, arrancando aplausos imediatos e reforçando a imagem irreverente que o acompanha há anos.

Hits, afeto e um presente à brasileira

Mais perto do fim do show, antes da explosiva “Freaking Out the Neighborhood”, a conexão com os fãs ganhou mais um capítulo memorável. O cantor recebeu de presente, dentro de uma ecobag que parecia feita sob medida para seu estilo, um vinil de Rita Lee, lançado em 1980.

(continua após o vídeo)

O gesto foi recebido com sorriso e reforçou a atmosfera afetiva da noite, marcada pela forte conexão com o público brasileiro. Essa proximidade também se reflete na banda, que conta desde 2021 com o guitarrista brasileiro Pedro Martins, um nome de destaque na cena instrumental contemporânea.

Mais do que um momento pontual, esse vínculo esteve presente durante toda a apresentação. Entre conversas descontraídas, momentos de improviso e um público empolgado do início ao fim, Mac DeMarco transformou a estreia da turnê em uma celebração da relação construída com os fãs brasileiros ao longo dos anos.

Ao mesmo tempo, a passagem pelo país também marca a divulgação de Guitar, disco lançado em 2025, que teve forte presença no setlist. Ainda assim, o show soube equilibrar as faixas mais recentes com os clássicos que ajudaram a consolidar Mac DeMarco como um dos nomes mais queridos da cena indie global.

(continua após a imagem)

No fim, a sensação que ficou foi a de um reencontro que superou qualquer expectativa. O show entregou exatamente aquilo que os fãs queriam ver e ouvir: proximidade, hits, humor e emoção, em uma noite que reafirmou por que Mac DeMarco segue sendo um artista tão singular e querido no Brasil.

Setlist – Mac DeMarco no Rio de Janeiro

“Shining”
“For the First Time”
“Sweeter”
“On the Level”
“Phantom”
“Salad Days”
“20191009 I Like Her”
“Rock and Roll”
“Still Beating”
“Passing Out Pieces”
“Home”
“Heart to Heart”
“Knockin”
“Ode to Viceroy”
“Another One”
“Rooster”
“Freaking Out the Neighborhood”
“Holy”
“Moonlight on the River”
“My Kind of Woman”
“Chamber of Reflection”
“Nobody”

Mac DeMarco no Brasil

Depois da estreia no Rio, Mac DeMarco segue para São Paulo neste fim de semana e depois passa por Brasília, Recife, Belo Horizonte, Curitiba e Florianópolis, encerrando a turnê brasileira em 16 de Abril, em Porto Alegre, onde ainda há ingressos disponíveis.

Ao todo, são nove datas pelo país, consolidando a maior passagem do artista pelo Brasil até hoje e confirmando o carinho mútuo entre Mac DeMarco e seu público brasileiro.

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A cena autoral do ABC Paulista, historicamente reconhecida como um celeiro do rock independente e da estética emo nacional, segue pulsando com força e renovação. Uma das principais representantes desse movimento na atualidade, a banda Colina, acaba de dar mais um passo significativo em sua trajetória – o grupo lançou o videoclipe oficial de “Otário”, faixa que integra a primeira parte de seu elogiado projeto de estreia, Ego Frágil.

Este lançamento não apenas visualiza uma das canções mais intensas do disco, mas também consolida a nova fase da banda de Diadema, marcada pela entrada de Nikolas Freitas na bateria e pelo retorno triunfal do vocalista fundador, Caique Rocha, que se junta a Giovanni Oliveira (voz/guitarra), Caio Ferreira (guitarra) e Paulo Sepúlvida (baixo).

Continua após o post

A Força do selo downstage na Cena Independente

O lançamento de “Otário” e de todo o projeto Ego Frágil acontece sob o guarda-chuva do selo downstage. Criado em 2021 por Bia Vaccari, o Downstage iniciou sua jornada como um portal dedicado à cobertura da música nacional e internacional, oferecendo conteúdo de alta qualidade como entrevistas, resenhas e agendas de shows.

A expansão do portal para um selo fonográfico representa um movimento estratégico e vital para o ecossistema da música independente brasileira. Com uma proposta acessível e focada no suporte real aos artistas, o selo downstage oferece as ferramentas necessárias para a profissionalização de novas bandas e projetos, ajudando-os a navegar no complexo mercado musical atual. A parceria com a Colina exemplifica essa missão, amplificando a voz de uma banda com raízes profundas na cultura “faça você mesmo” (DIY) do ABC.

Continua após o post

“Otário”: simbolismo e desafio DIY

O clipe de “Otário” é uma obra que abraça a experimentação e a essência independente. Diferente da produção anterior para “Verdade”, este vídeo foi captado inteiramente com smartphones, uma escolha que une a necessidade de um orçamento baixo com uma proposta estética arrojada e íntima.

A direção e captação ficaram a cargo de Matheus Marcelo e Vinicius Marcelo (da produtora Rare Media), que transformaram as limitações técnicas em linguagem visual. “O uso do celular abriu possibilidades muito específicas”, comenta Matheus. “A leveza e versatilidade permitiram explorar ângulos incomuns, rigs em carros e até cenas debaixo d’água, assumindo a textura digital e as imperfeições como parte da narrativa”.

O roteiro, assinado por Caio e Caique, passou por três versões até chegar ao resultado final, que traduz visualmente a solidão e a imersão nos sentimentos de frustração e superação abordados na letra (escrita por Caio). O clipe utiliza simbolismos poderosos:

• A Caixa: Representa a organização das memórias. Inicialmente grande e pesada, ela diminui de tamanho ao longo da história, simbolizando o processo de deixar o passado para trás.
• A Água: Funciona como uma metáfora para o afogamento emocional. As cenas na piscina (gravadas no prédio do guitarrista Giovanni) mostram o protagonista imerso nessas dores.
• A Luz/Madrugada: Gravada às 4h da manhã em Diadema, a cena do nascer do sol simboliza a clareza, o recomeço e a “luz” no fim do túnel.

Caique Rocha, que além de cantar assumiu o papel de “ator” principal e a edição final do clipe, destaca os desafios da produção “em casa”:

“Gravamos muitas cenas aqui em casa, no quarto, sala e banheiro, além de externas num mercado local (com direito à timidez de atuar em público) e no estacionamento. As cenas da piscina foram as mais difíceis, gravadas numa noite fria, com roupas pesadas e eu precisando me manter embaixo d’água sem saber nadar muito bem! Mas o resultado e o empenho de todos nos deixam muito orgulhosos”.

Assista ao videoclipe de “Otário”

Você pode conferir o clipe oficial de “Otário”, um lançamento com o suporte do selo downstage, assistindo ao vídeo abaixo:

Ficha Técnica

Vídeo

• Direção: Matheus Marcelo/Rare Media
• Roteiro: Caio Ferreira e Caique Rocha/Colina
• Captação: Matheus Marcelo e Vinicius Marcelo/Rare Media
• Montagem: Matheus Henriques (mvtias)
• Finalização: Matheus Marcelo
• Design: Danilo Salvatore

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Em seu novo single, “Ruídos Da Casa”, a cantora e compositora Elisa Maia aprofunda a dimensão sensorial que tem marcado sua trajetória recente e antecipa a atmosfera de seu primeiro álbum, previsto para os próximos meses. Com patrocínio do Natura Musical, a canção chegou acompanhado de um clipe vertical dirigido por Victor Kaleb e Ramon Ítalo, reforçando a artista amazonense como uma das vozes mais inventivas da cena.

Composta antes da pandemia, a faixa nasceu em uma madrugada de criação intensa, em um período em que Elisa vivia em uma casa compartilhada com artistas do Coletivo Difusão, grupo do qual ela faz parte desde 2011, em Manaus.

A partir da observação do ambiente doméstico, os sons da máquina de lavar, do ventilador ou da lâmpada que acende, a artista transformou ruídos cotidianos em elementos rítmicos, dando origem a uma canção que transita entre o lúdico e o inquietante.

O arranjo, inicialmente voz e violão, ganhou novas camadas sob direção artística de Estêvão Queiroga e produção musical deIan Fonseca, criando um contraste entre delicadeza e turbulência emocional. “Ruídos Da Casa” talvez seja a faixa mais imaginativa do repertório que Elisa vem construindo desde 2020.

No centro da composição, a cantora explora o gesto íntimo de silenciar o mundo para ouvir a si mesma, em um convite à introspecção que também toca a dimensão do autoconhecimento.

Berlim do Pará

A dupla Berlim do Pará, formada por MARISA, paraense radicada em São Paulo, e Fernando Feitosa, paulistano que vive em Berlim, lançou nas plataformas digitais sua quarta canção na carreia, intitulada “Entre o Sol”.

A faixa marca um novo momento no projeto, sendo a primeira do álbum em que Fernando divide os vocais com a colega, ampliando ainda mais a dinâmica artística entre os dois. Solar e misteriosa ao mesmo tempo, a música traz influências da MPB dos anos 1970, combinadas à identidade sonora já reconhecida por quem acompanha o duo.

Com sobreposições melódicas e uma letra rica em símbolos que flertam com o universo místico, “Entre o Sol” reforça a proposta estética e sensorial do projeto. Apontada pela Billboard Brasil como uma das dez apostas da música brasileira, Berlim do Pará é marcada por uma sonoridade moderna do Rock, incorporando sintetizadores e elementos orquestrais à intensidade crua e à liberdade estética do gênero.

Iniciando suas atividades em 2024, a dupla optou por um formato de lançamento menos convencional e seu primeiro álbum homônimo vem sendo apresentado gradualmente, faixa por faixa. Em poucos meses, também foram lançadas as músicas “Transborda”, “Nebulosa” e “Dias por Ardor”.

Hugo Arcanjo

Após uma trajetória de mais de dez anos colaborando com a banda Café Sexy e o lançamento de dois livros de poesia, Hugo Arcanjo, poeta, escritor e músico sergipano, apresentou seu primeiro trabalho solo. Disponível nas plataformas digitais, o EP Toda Faísca Pode Incendiar foi produzido por Julico, da The Baggios, indicado duas vezes ao Grammy Latino.

O compacto reúne quatro faixas autorais que propõem um experimento poético e sonoro, em um trabalho que transita entre referências da cultura do Nordeste brasileiro e da África subsaariana, explorando sonoridades que vão do Baião ao Desert Blues, com influências do Rock e Manguebeat.

As letras refletem os desafios do contexto pós-pandêmico, político e social dos últimos anos, período do qual nenhum de nós saiu ileso, trazendo uma abordagem sensível e crítica sobre o tempo presente.

O EP também conta com participações especiais de Thiago Ruas e Lucas Campelo na canção “Saudade”; Nanda de Aquino, da Donali (e irmã de Silvana Aquino, do grupo Calcinha Preta), na música “Faísca”; e do próprio Julico, que participa na faixa “Travessia”.

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Lemmy Kilmister foi uma das personalidades mais extravagantes que já passou pela história do Rock, e essa definição se encaixa em diversos sentidos quando estamos falando do saudoso músico do Motörhead.

Dono de opiniões fortes, o músico pioneiro do Rock e Metal nunca hesitou em criticar artistas consagrados e aqueles que ele considerava farsantes ou modismos passageiros que, em sua visão, não contribuíam com a cena cultural.

Sua criação no norte da Inglaterra e sua vivência no underground moldaram esse olhar desconfiado, que valorizava a autenticidade acima de tudo. Certa vez, ele declarou que “aparentemente, as pessoas não gostam da verdade, mas eu gosto; gosto porque ela incomoda muita gente”. Ele acrescentou:

“Se você mostrar a elas vezes suficientes que seus argumentos são uma grande besteira, talvez uma delas diga: ‘Ah! Espera aí – eu estava errado.’ Eu vivo para que isso aconteça. É raro, garanto.”

Ao longo dos anos, Kilmister compartilhou na mídia o que realmente pensava sobre alguns colegas de profissão, incluindo até mesmo lendas do Rock. Confira abaixo o que o integrante do Motörhead comentou sobre alguns dos seus desafetos na lista reunida pelo Far Out!

As 5 bandas mais odiadas por Lemmy Kilmister, do Motörhead

The Rolling Stones

Apesar de ser um admirador dos Beatles, Lemmy Kilmister deixou claro que não sentia o mesmo pelos Rolling Stones, acreditando que a banda não carregava a mesma autenticidade que o quarteto de Liverpool.

Em seu livro autobiográfico White Line Fever, ele disse:

“Brian Epstein limpou [os Beatles] para o consumo em massa, mas eles estavam longe de serem uns maricas. Eles eram de Liverpool (…) uma cidade dura, portuária, cheia de estivadores e marinheiros que te davam uma surra se você sequer piscasse para eles. (…) Os Rolling Stones eram os filhinhos da mamãe — eram todos estudantes universitários dos arredores de Londres. (…) Os Stones faziam discos ótimos, mas sempre foram péssimos no palco, enquanto os Beatles eram demais.”

Radiohead

A proposta experimental do Radiohead nunca convenceu Kilmister, que considerava o som da banda liderada por Thom Yorke como distante da essência do verdadeiro rock. Ele chegou a apontar categoricamente que tanto o Radiohead como o Coldplay não eram bandas de rock:

“E todas essas merdas que essas revistas curtem não são empolgantes. Tipo, Jesus, Radiohead, sabe? Puta merda, sabe? Coldplay. Jesus. Essas não são bandas de rock. São bandas sub-emo, sabe? Quer dizer, eles fizeram algumas coisas boas. Justo. Mas não é rock ‘n’ roll. Eu sei reconhecer rock ‘n’ roll quando ouço. Ouço desde os 12 anos, sabe? Então vão se foder!”

Limp Bizkit

Lemmy também nunca foi um grande apreciador do Nu Metal. Em 2000, ao ser entrevistado pelo Ear Candy, o músico detonou o gênero e não economizou nas críticas feitas ao Limp Bizkit:

“Pessoas como o Limp Bizkit, eu não entendo. Não entendo o sucesso deles. Que merda é essa? É uma porcaria! Vocês são só uns frentistas de garagem com máscaras de gás. E quer dizer, eu não me importo que os jovens tenham o que querem, sou totalmente a favor. Quando você tem 17 anos, você quer uma banda de 17 anos tocando para você, você não quer esses velhos como eu.”

Em outra entrevista, o músico ainda refletiu sobre a onda de bandas norte-americanas enquanto a era da MTV continuava a impulsionar uma cena rock mais comercial, colocando inclusive o TOOL no mesmo balaio:

“Tudo ali é movido a modismos. Limp Bizkit, TOOL e tudo mais. É simplesmente desesperador. Se esse é o futuro do rock ‘n’ roll, para mim é suicídio”.

The Who

O The Who é considerado uma das bandas mais influentes do Rock, mas foi alvo de Kilmister após ter insistido em continuar ativa mesmo depois que o baterista Keith Moon faleceu em 1978 e, principalmente, após terem se despedido do baixista John Entwistle em 2002. Lemmy declarou:

“O The Who está ferrado. Não sei por que eles ainda se dão ao trabalho sem John e Keith, sabe? Eles deveriam ter se separado em 1978.”

The Clash

Apesar de apreciar o som pesado do Punk, Lemmy Kilmister declarou que sua banda favorita do gênero era a norte-americana Ramones e, por outro lado, fez questão de afirmar que não era um grande admirador dos seus contemporâneos britânicos do The Clash.

Em entrevista à Spin em 2009, ele declarou:

“Nunca gostei do The Clash. Eles soavam como música antiga disfarçada de punk. Os Ramones, porém, eram gênios. Joey, em especial, tinha um faro para o rock’n’roll, e éramos amigos, embora não fôssemos próximos quando ele morreu. Detesto ver as pessoas partindo; prefiro me lembrar dele como ele era.”

Alguns anos depois, ele voltou a defender sua aversão, esclarecendo que o lado mais politizado do The Clash era um de seus incômodos:

“Eu nunca tive paciência para o The Clash e sua política pretensiosa, mas o The Damned e os Ramones eram ótimas bandas de rock ‘n’ roll.”

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A rapper MC Soffia apresenta ao público Soffisticada, álbum lançado no último dia 26, que marca um ponto de virada em sua trajetória. Com nove faixas, o projeto consolida uma nova fase da artista, considerada mais madura, consciente e segura de sua identidade.

O disco nasce de uma ideia que atravessa sua própria história como artista. Ainda que o conceito tenha sido desenvolvido ao longo do tempo, ele se conecta diretamente com seu processo de amadurecimento dentro da música.

“Eu sempre tive a música preta dos anos 2000 como referência. Ao longo desses anos de carreira fui amadurecendo e ficando mais exigente com o meu processo criativo. Ao mesmo tempo, gravar esse álbum foi um grande desafio nesse sentido, de buscar sempre a melhor versão possível”, afirma ao TMDQA!.

A soffisticação da MC Soffia

Essa busca por refinamento aparece tanto na estética quanto no discurso do projeto. Inspirado na black music dos anos 2000, Soffisticada resgata referências desse período, mas sem se limitar à nostalgia.

“Eu sempre amei a vibe dos anos 2000, artistas como Rihanna, Usher, Missy Elliott e Negra Li sempre me inspiraram. Mas eu quis trazer isso de uma forma atual, conectada com quem eu sou hoje. É essa mistura entre energia de outra época e um olhar contemporâneo.”

De acordo com a rapper, o álbum se estrutura a partir de um eixo temático claro: o fortalecimento da identidade feminina. Ao longo das faixas, MC Soffia amplia um discurso que sempre esteve presente em sua trajetória, agora com novas camadas.

“Eu sempre vou valorizar as mulheres porque a nossa luta ainda é muito grande. O rap é isso: contestação e posicionamento. Hoje eu falo sobre uma mulher que se prioriza, que se valoriza e que corre atrás das próprias conquistas”, acrescenta.

Trajetória em perspectiva

Em Soffisticada, MC Soffia também olha para a própria caminhada dentro da indústria musical. Algumas faixas funcionam como registros desse percurso, trazendo reflexões sobre reconhecimento, invisibilização e permanência.

Esse olhar retrospectivo não vem carregado de ressentimento, mas de afirmação. O disco se constrói como um espaço onde a artista organiza sua trajetória e reafirma sua presença na cena.

“A vida toda precisei me posicionar e mostrar, nas minhas letras, que eu vejo tudo o que acontece ao meu redor. Eu não tenho dificuldade em escrever sobre isso, pelo contrário, me deixa mais leve”, analisa.

O álbum também se apoia em uma rede de colaborações que ampliam seu universo sonoro e narrativo. Participações como Tasha & Tracie, Major RD, Slipmami, MC Dede, Cashley e Kouth reforçam a conexão de Soffia com diferentes vertentes da música urbana.

Cada participação, segundo ela, ocupa um lugar específico dentro do álbum, seja trazendo novas perspectivas, seja ampliando a narrativa construída ao longo das faixas. “A Tasha e o Tracie falaram sobre a minha trajetória, a Slipmami trouxe uma energia mais carioca, e o Major veio com versos muito potentes. Tudo se encaixou.”

Aos 22 anos, MC Soffia enxerga Soffisticada como o trabalho mais completo de sua carreira até aqui. Depois de uma trajetória marcada por singles e projetos mais fragmentados, o álbum surge como uma obra coesa, pensada em todas as suas camadas.

“Soffisticada é um trabalho mais conceitual, que mostra bem o momento que eu estou vivendo. É uma fase de estudo, reflexão e força pra seguir meus sonhos. É um disco que eu amei fazer, com artistas muito generosos comigo. Agora ele está no mundo, e eu estou feliz com tudo isso”, finaliza.

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Billy Corgan e Courtney Love têm uma longa história juntos, marcada tanto por colaborações musicais quanto por interações pessoais, já que o líder do Smashing Pumpkins namorou brevemente a fundadora do Hole em 1991.

Aliás, Courtney já afirmou que grande parte do álbum Siamese Dream, lançado pelos Pumpkins em 1993, reflete sua relação com Corgan. Tal conexão artística não se perdeu depois do término e Billy coescreveu várias músicas do clássico disco do Hole Celebrity Skin, de 1998.

Além disso, Melissa Auf der Maur, que também foi integrante do Hole, chegou a fazer parte do Smashing Pumpkins durante a turnê de divulgação do álbum Machina/The Machines of God, de 2000.

Ao participar do podcast The Magnificent Others, apresentado por Corgan, Courtney falou sobre diversos assuntos, e um deles teve a ver com Kim Gordon, ex-integrante do Sonic Youth.

A treta entre Kim Gordon e Courtney Love

Em seu livro de memórias Girl in a Band, publicado em 2015, Kim criticou o “glamour de tarântula de Los Angeles” e a “sociopatia e narcisismo” de Love. Nas páginas do livro, ela escreveu:

“Tenho pouca tolerância para comportamentos manipuladores e egomaníacos, e geralmente preciso me lembrar de que a pessoa pode ter algum problema mental. Courtney nos pediu conselhos sobre seu ‘caso secreto’ com Billy Corgan. Pensei: ‘Eca!’, só de ouvir falar de Billy Corgan, de quem ninguém gostava porque ele era um chorão, e o Smashing Pumpkins se levava muito a sério e não tinha nada a ver com Punk Rock”.

Ao comentar sua opinião sobre Kim, Courtney afirmou (via Stereogum):

“Ela era realmente horrível nos anos 1990. Lembro que na Holanda eu estava com vocês e eles foram muito malvados.”

Corgan, então, acrescentou:

“Eu era fã e fui prestar minhas homenagens e fui tratado com muita grosseria por eles.”

Courtney Love revelou que sucesso do Nirvana foi escrito como crítica a Kim Gordon

Courtney Love ainda sugeriu que a letra sarcástica de Kurt Cobain em “Heart-Shaped Box” era sobre Kim, mais especificamente o verso “Forever in debt to your priceless advice” (“Para sempre em dívida com seus conselhos inestimáveis”), já que o Sonic Youth notoriamente associou o Nirvana à grande gravadora DGC.

Ainda segundo Courtney, Gordon chegou a vender todos os discos de Thurston Moore para pagar a faculdade da filha do ex-casal que liderava a banda responsável por clássicos como “Kool Thing” e “Incinerate”.

Confira a entrevista de Courtney Love para Billy Corgan na íntegra logo abaixo!

Eita

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