A morte de Ozzy Osbourne no ano passado marcou o fim de uma das carreiras mais influentes da história do Rock e deixou um vazio profundo entre familiares, amigos e milhões de fãs ao redor do mundo.

Desde o falecimento do icônico vocalista do Black Sabbath, diversas homenagens vêm sendo compartilhadas, revelando momentos íntimos do cantor e destacando o forte vínculo que mantinha com sua família.

Recentemente, Kelly Osbourne emocionou seus seguidores ao prestar uma homenagem ao Príncipe das Trevas por ocasião do Dia dos Pais que, nos EUA, acontece no terceiro domingo de Junho. Em publicação emotiva no Instagram, a filha mais nova de Ozzy relembrou a relação próxima que os dois compartilhavam (via AlternativeNation):

Pai, ainda me pego procurando por você em momentos cotidianos, o conselho de que preciso, a piada que quero contar, a vitória que gostaria que você visse. A dor da saudade é o preço de amar você, e eu a pagaria para sempre em vez de nunca ter sido sua filha! Nunca deixarei de sentir sua falta. É uma honra passar o resto da minha vida amando você. Até nos encontrarmos novamente!”

No desabafo, Kelly também revelou uma mensagem de texto enviada a ela pelo saudoso cantor falando sobre seu neto, Sid:

Sabe de uma coisa? Sempre que me sinto doente e mal, basta assistir ao vídeo que você enviou do pequeno Sid no banho; isso me deixa tão feliz que tudo simplesmente desaparece. De verdade.”

Kelly Osbourne compartilhou mensagem escrita por Ozzy

Como você pode ver no print ao final da matéria, Ozzy Osbourne, no texto, falou sobre sua saúde na época e reforçou seu amor pela família:

Eu só queria que vocês dois ainda estivessem aqui. Amo muito vocês dois e tudo o que quero é que sejam felizes. E se algum dia precisarem de algo de mim, basta pedir. Decidi que meus dias de shows acabaram, porque preciso muito mais da minha saúde. Não sei como vai ser quando eu voltar para a Inglaterra sem ver toda a minha família. Vocês significam tudo para mim. Mas tenho certeza de que daremos um jeito. Que Deus abençoe vocês dois. Amo vocês, Papai.”

Deu saudade!

Será que ele mandou bem?

Dave Grohl chama genro para tocar bateria no Foo Fighters após desafio bizarro

O post Kelly Osbourne compartilha mensagem emotiva de Ozzy sobre o neto apareceu primeiro em TMDQA!.

Pela primeira vez na história, estamos vivendo uma fase de 16 Avos de Final da Copa do Mundo. Em 2026, a competição tem sua maior edição em todos os tempos e, por aqui, vamos seguindo na “fase de grupos” para celebrar todas as 48 seleções participantes até o dia 19 de Julho, data marcada para a final.

Em dia de acompanharmos Brasil x Japão pela fase inédita da Copa, chegou a vez de conhecermos os artistas do Grupo D, do qual inclusive três times saíram classificados após a primeira série de jogos: Estados Unidos, Austrália e Paraguai.

O único país que ficou para trás é a Turquia, mas aqui ela segue participando da nossa série que destaca a pluralidade do mundo da música, te levando por uma viagem pelas culturas de diferentes países e mostrando que há (muita) coisa boa espalhada por aí.

Do Pop ao Metal, passando pela música tradicional e pelo Indie, você poderá ouvir artistas e bandas de todo planeta, já que indicaremos um nome de cada país de acordo com os grupos das seleções.

Veja a lista logo abaixo, depois dos links para os grupos anteriores!

• Grupo A
• Grupo B
• Grupo C

Bandas e artistas do Grupo D da Copa do Mundo 2026

Estados Unidos: untitled

Os Estados Unidos dispensam apresentações quando o assunto é música. Quem acompanha o TMDQA! sabe que a cobertura do site sobre artistas internacionais é diária, e boa parte dos nomes que passam por aqui são norte-americanos.

Recentemente, bandas como Turnstile e Knocked Loose ganharam destaque nas páginas do site como duas das grandes revelações do cenário pesado contemporâneo, mostrando que a cena alternativa dos EUA segue viva e pulsante.

Mas a ideia é trazer algo ainda mais novo e, por isso, o destaque deste Grupo D vai para a untitled, uma banda de Los Angeles que viralizou logo com seu primeiro single, “Restless”, e acabou sendo até comparada ao Nirvana.

Formada por quatro amigos que se conheceram no colégio, a untitled nasceu nos ensaios de garagem e construiu um som que evoca o espírito cru do Grunge dos anos 1990 sem abrir mão de uma identidade própria, que vem ganhando ainda mais força com os lançamentos seguintes como “Nothing Good” e “Say It Again”.

É claro que, além do underground, os EUA são a pátria de gigantes como Beyoncé, Kendrick Lamar, Billie Eilish, Foo Fighters, Taylor Swift e uma lista interminável de artistas que moldaram (e seguem moldando) a história da música mundial.

Paraguai: Kchiporros

O Paraguai não costuma figurar nos radares da indústria musical global, mas quem olha com atenção encontra uma cena efervescente e cheia de personalidade.

O país carrega uma tradição sonora singular por conta da língua e da cultura guarani, com instrumentos como a harpa paraguaia e gêneros como a polca e a guarânia ocupando um lugar central na identidade musical da nação.

No campo do pop e do rock contemporâneo, porém, ninguém representa melhor o Paraguai do que os Kchiporros. Formada em 2006 em Assunção por Roberto “Chirola” Ruiz Díaz (voz), Julio Troche (guitarra) e Fernando Peyrat (bateria), a banda construiu uma carreira que já tem duas décadas misturando ska, cumbia, reggae e rock com uma estética que eles próprios descrevem como um “viaje único de sonidos y mezclas urbanas”.

A banda, inclusive, se apresentou no intervalo da final da Copa Sul-Americana em 2025 entre Lanús e Atlético-MG, que aconteceu no emblemático estádio Defensores del Chaco, em Assunção. Simbólico!

Austrália: Ninajirachi

A Austrália sempre foi uma usina criativa de proporções impressionantes para o tamanho de sua população, e a safra atual não decepciona.

O grande destaque do momento é Ninajirachi, nome artístico da produtora e DJ Nina Wilson. Autodidata, ela aprendeu produção eletrônica sozinha na adolescência usando o GarageBand e o FL Studio, e seu álbum de estreia I Love My Computer (2025) abriu portas para que ela se apresentasse em todo o mundo – inclusive, em seus canais, já deu indicações de que uma vinda ao Brasil pode estar próxima, depois de ter passado por festivais como Coachella e Primavera Sound Barcelona.

A cena australiana, porém, tem outros ótimos destaques como o Parcels, quinteto de Byron Bay, com seu disco-funk sofisticado. ou a banda Amyl and the Sniffers, uma das bandas punk mais viscerais do planeta. Além disso, nomes que passaram pelo Brasil recentemente como RUEL e Royel Otis também são bons representantes.

É claro que também precisamos falar de grandes clássicos, como AC/DC e INXS no Rock e Kylie Minogue no Pop, sem contar também o mega influente Tame Impala. Tem muita música boa por lá!

Turquia: manifest

A Turquia possui uma tradição musical riquíssima, que vai das escalas e modos da música otomana e da tradição sufi até a música eletrônica contemporânea, como é o caso do DJ e produtor Mahmut Orhan, cujo som funde deep house com instrumentos e melodias do Oriente Médio e dos Bálcãs em músicas com centenas de milhões de reproduções.

Mas o grande fenômeno turco do momento é o manifest, girl group formado em 2025 pela agência Hypers New Media. As seis integrantes, Mina Solak, Lidya Pınar, Esin Bahat, Hilal Yelekçi, Zeynep Sude Oktay e Sueda Uluca, foram vencedoras do reality show Big5 Türkiye e passaram por seis meses de treinamento intensivo em canto e coreografia no estilo K-pop antes de estrear.

O single de debut, “Zamansızdık”, acumulou mais de 12 milhões de streams em poucos meses, e o grupo já lançou uma série de singles ao longo de 2025 e 2026, mostrando uma nova onda do pop turco que dialoga diretamente com a estética global dos girl groups asiáticos e tem potencial para levar a música da Turquia a um patamar de visibilidade internacional que o país ainda não havia alcançado no pop.

O post Copa do Mundo 2026: conheça bandas e artistas de todos os países do Grupo D apareceu primeiro em TMDQA!.

Se existe uma tendência que eu adoro quando ganha força na indústria da música, é a transformação do legado em conteúdo. Durante muito tempo, artistas comemoravam aniversários de discos com edições remasterizadas, caixas de colecionador ou turnês especiais (o que também é muito bom, ok?).

Hoje, isso não basta. O público quer acesso aos bastidores, aos processos criativos e, principalmente, à forma como esses artistas pensam.

É exatamente isso que Jay-Z acaba de anunciar.

O rapper prepara uma série documental de oito episódios para a HBO Max ao lado de Rick Rubin. Mas o projeto foge completamente do formato tradicional das biografias musicais. Em vez de uma sucessão de depoimentos, imagens de arquivo e entrevistas com amigos famosos, a série será construída a partir de conversas entre dois dos personagens mais importantes da música contemporânea.

A escolha de Rick Rubin não poderia ser mais acertada.

Muito além de um produtor, Rubin ajudou a redefinir carreiras de artistas como Johnny Cash, Metallica, Red Hot Chili Peppers, Beastie Boys, Adele e o próprio Jay-Z. Foi ele quem produziu “99 Problems”, uma das músicas mais emblemáticas da carreira do rapper, além de sugerir a icônica introdução falada que abre a faixa. Existe confiança, intimidade e repertório suficientes para que as conversas ultrapassem o superficial.

Segundo a HBO, os episódios irão explorar a forma como Jay-Z escreve, seu processo criativo, a construção de suas letras e a maneira como experiências pessoais moldaram sua trajetória artística. Em outras palavras, não será uma série sobre o que Jay-Z fez, mas sobre como ele pensa.

Essa diferença é importante.

Vivemos um momento em que criatividade se tornou um ativo tão valioso quanto o próprio produto. Livros sobre criatividade lideram listas de vendas (como o do próprio Rubin). Podcasts de grandes empreendedores acumulam milhões de ouvintes. Masterclasses transformaram conhecimento em entretenimento. Agora, artistas também perceberam que seu processo criativo possui enorme valor comercial.

O pensamento do artista também passa a ser um “produto” importante. 

O lançamento acontece justamente quando Jay-Z celebra duas datas fundamentais de sua carreira: os 30 anos de Reasonable Doubt e os 25 anos de The Blueprint. São dois discos que ajudaram a redefinir o hip-hop e consolidaram seu nome como um dos maiores compositores da música contemporânea. Em vez de apenas olhar para trás, ele utiliza esses marcos para ampliar ainda mais sua relevância cultural.

É um conteúdo emblemático sobre a economia da criatividade.

O post Jay-Z senta com Rick Rubin para explorar processos criativos apareceu primeiro em TMDQA!.

Não sou um grande fã de Oasis e Cannes já foi mais importante no meu dia-a-dia profissional. Escrito isso, é inegável que em um festival cada vez mais cercado por inteligência artificial, polêmicas, egos inflados, plataformas, dados e tecnologia, o grande vencedor ser uma história construída ao longo de décadas entre uma banda amada e uma marca é emblemático.

“Original Forever”, campanha da Adidas Originals em parceria com o Oasis, conquistou dois Grand Prix: Entertainment e Entertainment Lions for Music. Uma demonstração de como marcas podem ocupar um espaço legítimo dentro da cultura sem parecer que estão tentando fazer isso.

Continua após o vídeo

Durante os anos 1990, Liam e Noel Gallagher nunca precisaram de um contrato milionário para vestir Adidas. Usavam a marca porque ela fazia parte da identidade daquela geração. O Britpop, a cultura das arquibancadas inglesas, a moda casual, o futebol e a Adidas nasceram praticamente do mesmo contexto social. Era tipo um uniforme de uma cena cultural.

Quando a reunião do Oasis movimentou o mundo inteiro, a Adidas não precisou inventar uma narrativa. Ela apenas reconheceu uma relação que o público já conhecia. O resultado foi uma coleção oficial de 26 peças, uma série de ativações durante a turnê mundial e um filme de aproximadamente três minutos embalado por “Live Forever”, combinando imagens atuais com registros históricos, incluindo apresentações em Knebworth em 1996.

Em vez de colocar a marca no centro da história, o filme coloca os fãs. Eles são os protagonistas. A Adidas aparece como parte natural daquele universo, não como patrocinadora tentando chamar a atenção.

Durante muitos anos, o marketing se acostumou a interromper a cultura. Hoje, os melhores trabalhos fazem exatamente o contrário. Eles entram nela de forma orgânica. Como falo bastante por aí, muitas marcas acreditam que grandes collabs acontecem porque duas empresas decidem trabalhar juntas e lançam algo com dois logos. Na prática, as melhores parcerias são consequência de relações culturais que já existem. O consumidor percebe imediatamente quando uma colaboração nasce de uma oportunidade comercial e quando ela nasce de uma verdade compartilhada.

Foi exatamente essa autenticidade que Cannes premiou.

Vale assistir a esse case study!

O post Oasis, adidas e a lição que Cannes deu para as marcas apareceu primeiro em TMDQA!.

“Berghain”, colaboração entre ROSALÍA, Björk e Yves Tumor, levou o principal prêmio da categoria Music em Cannes ao provar que, quando a execução artística é extraordinária, ela também pode ser reconhecida como excelência em comunicação.

O filme chama atenção justamente por ir na direção oposta daquilo que domina boa parte da produção audiovisual atual. Foi inteiramente rodado em película, sem efeitos digitais, sustentando toda a sua força na direção, fotografia, performance e linguagem cinematográfica. Coisa linda de se ver (e ouvir). 

Durante o festival, Simon Murphy comentou que existe uma crítica recorrente sempre que um videoclipe vence em Cannes. Para alguns, escolher um trabalho de um artista já consagrado seria uma espécie de “atalho” ou até uma “apelação”. A resposta dele foi simples: pouco importa essa discussão quando a primeira reação ao assistir ao filme é apenas uma palavra: “uau”.

Achei ótimo… 

Existe uma tendência crescente no mercado de avaliar criatividade quase exclusivamente pelo grau de inovação tecnológica. Parece que toda grande ideia precisa necessariamente envolver inteligência artificial, experiências imersivas, plataformas digitais ou algum recurso técnico inédito. Não mesmo… (e o novo cinema tem provado isso também). 

O videoclipe utiliza uma estética crua, quase desconfortável em alguns momentos, mas extremamente precisa. Cada enquadramento, cada movimento de câmera e cada silêncio parecem calculados para construir uma atmosfera que dificilmente seria alcançada apenas com recursos digitais.

Isso também ajuda a explicar por que clipes continuam sendo um dos laboratórios criativos mais importantes da indústria (quem viveu os anos 90 e 2000 sabe bem). Permitem que diretores experimentem linguagem, narrativa, fotografia e estética com uma liberdade que muitas vezes a publicidade tradicional não oferece.

Quando esse nível de excelência encontra artistas dispostos a assumir riscos, o resultado naturalmente passa a influenciar toda a indústria criativa.

O post ROSALÍA, Björk e Yves Tumor ganham um Grand Prix de Music em Cannes Lions 26 apareceu primeiro em TMDQA!.

Emicida está na estrada com a turnê de divulgação do disco Emicida Racional VL 2 – Mesmas Cores & Mesmos Valores (2025), e durante seu show mais recente o rapper compartilhou uma reflexão profunda sobre o tempo e como seguir sua própria intuição.

Em um determinado momento de sua apresentação em Curitiba, realizada no último sábado (27), o músico fez um discurso para os fãs e ainda aproveitou para alfinetar o uso excessivo de Inteligência Artificial ao final de sua fala. Como você pode ver no vídeo ao final da matéria, feito pelo TMDQA!, ele apontou:

Não é velocidade, é direção. Então, respire, ocupe a sua própria humanidade, sua morada efêmera. Disseram que tá pra vencer, tá pra vencer, tá pra vencer, tá pra vencer, só não sabemos o quê. Se a vitória ou a validade. Tente sonhar a pausa. Desobedeça o engenho, pule corda com açoite, queime as plantações, as normas são invenções. E tudo já foi novidade, tudo já foi estreia. Estreie o seu caminho, depois estreie outro, e outro. Reinvente o ponto de chegada, negocie o seu ganha pão, alimente seu corpo, mas também o seu sonho.

Crie bancos cotidianos e estoque o seu futuro. Seja o kairós do seu próprio tempo. Ouça a voz que serpenteia na sua nuca e bumba seu coração. É a sua intuição, caralho. Todo esse trabalho que apresenta-se nessa noite, na frente das senhoras e dos senhores, foi feito por seres humanos. E isso é inegociável. Boa noite, Curitiba!”

Bela reflexão, hein?

Emicida está em turnê com o projeto Emicida Racional MCMV

Ao longo da Emicida Racional MCMV Tour, o rapper apresenta um repertório que inclui tanto faixas do disco mais recente como canções que marcaram sua brilhante carreira, incluindo clássicos da mixtape Pra Quem Já Mordeu um Cachorro por Comida, Até que Eu Cheguei Longe… (2009) e do consagrado AmarElo (2019).

Após o show em Curitiba, Emicida desembarca em Porto Alegre (4 de Julho, no Auditório Araújo Vianna), e depois segue para o Rio de Janeiro (9 de Agosto, no Doce Maravilha), Vila Velha (15 de Agosto, no Festival Movimento Cidade), Belo Horizonte (5 de setembro, no BeFly Hall), Natal (17 de Outubro, no Festival Mada) e Salvador (7 de Novembro, no AFROPUNK Brasil).

A nova turnê de Emicida ainda está sendo acompanhada por uma ação pra lá de interessante. O músico, que é um leitor assíduo desde a juventude, anunciou o projeto “Leitura Emancipa”, que prevê a instalação de caixas temáticas em pontos estratégicos sempre 15 dias antes de cada apresentação, fazendo com que elas funcionem como bibliotecas livres, convidando à leitura, à troca e à circulação de ideias.

O espaço também serve como aquecimento para a chegada do artista nas cidades antes de suas apresentações, expandindo a experiência para além do palco. Saiba mais detalhes aqui.

O post Emicida critica avanço da IA em show e diz que arte feita por humanos é “inegociável” apareceu primeiro em TMDQA!.

A banda cearense Selvagens à Procura de Lei, uma das principais referências do rock alternativo nacional , está de volta com os pés fincados na urgência do mundo real. O quarteto acaba de lançar o single triplo “Dia de Rua” , um verdadeiro manifesto sonoro que prepara o terreno para o seu mais novo disco de estúdio, intitulado Pivete, com lançamento confirmado para o mês de agosto.

Fugindo das produções milimetricamente polidas que dominam o mercado digital atual, o grupo decidiu apostar em um retorno visceral às raízes do rock. Essa nova fase ambiciosa dispensa até mesmo o uso de inteligência artificial ou colagens na concepção física da capa do projeto.

Participações de peso: de Leo Suricate a Ailton Krenak

O lançamento estendido já entrega a estética crua e direta de Pivete e chega acompanhado de três faixas:

• “Dia de Rua”: A faixa-título traz a energia do comunicador e ativista Leo Suricate.
• “Guerra”: A música conta com a presença marcante de Ailton Krenak, líder indígena, pensador e imortal da Academia Brasileira de Letras (ABL).

• “Cascadura”: Com uma letra direta e afiada sobre relações pessoais e resiliência.

Manifesto sonoro e a urgência de ir para as ruas

Em sua essência, o novo projeto do Selvagens à Procura de Lei é um chamado para trocar a anestesia das telas das redes sociais pela organização real e coletiva.

Segundo o vocalista e guitarrista Gabriel Aragão, o álbum vai na contramão das ideias pré-estabelecidas da indústria:

O disco tem uma linha narrativa sobre um personagem marginal: o seu nascer, viver e morrer. É livre, espontâneo e analógico. Vamos contra as ideias estabelecidas: se a música pede mais de 3 minutos ou se o projeto precisa de 20 faixas, nós fazemos.”

A revolta contra a normalização das tragédias diárias é o combustível da obra. O baterista Matheus Brasil relembra que a parceria com Leo Suricate surgiu organicamente após dividirem um palco em uma manifestação popular em Fortaleza, resultando em uma gravação em que conseguiram extrair do ativista “toda a raiva que o texto pedia”.

Para o guitarrista Plínio Câmara, o projeto ganha um contorno de urgência diante das consequências do desmantelo global, destacando que a única escolha possível agora é “ir para a rua, de galera”. Ele também celebra o trabalho por ser o primeiro registro de estúdio a carregar a identidade completa da atual formação, consolidando o entrosamento após um ano de estrada.

O baixista Jonas Rio resume o espírito deste novo momento formado pelo quarteto:

Esse primeiro single é um grito engasgado para explodir e falar o que precisa ser dito, convocar para o que precisa ser feito. São músicas para bater cabeça no palco, mas também para refletir entre o individual e o coletivo.”

O post Selvagens à Procura de Lei luta contra anestesia das telas e lança single triplo com Ailton Krenak e Leo Suricate apareceu primeiro em TMDQA!.

Ringo Starr, um dos maiores bateristas do rock and roll, revelou que sua maior influência musical não veio do gênero que o consagrou. O músico apontou Gene Autry, cantor country dos anos 1930 conhecido por interpretar cowboys cantores no cinema, como a primeira experiência que moldou sua relação com a música.

Em declaração, o ex-integrante dos Beatles foi direto ao falar sobre o impacto de Autry (via Far Out):

Gene Autry foi o mais [influente]. Pode parecer piada — vá dar uma olhada no meu quarto, está coberto de pôsteres do Gene Autry. Ele foi minha primeira influência musical. Ele me arrepiava inteiro quando colocava a perna sobre o chifre da sela e cantava, ‘South of the border, down Mexico way’ em um filme, certo? Fica gravado no meu cérebro. Minha primeira experiência musical foi aquela.”

Do country ao rock: a trajetória de Ringo Starr

Apesar da influência inicial do country, Starr se apaixonou pelo rock and roll ouvindo rádio durante a infância. A partir daí, construiu carreira como baterista dos Beatles e se estabeleceu como um dos nomes fundamentais do gênero.

Mesmo consolidado no rock, o músico nunca abandonou completamente suas raízes country. Starr introduziu artistas do gênero a companheiros de banda como George Harrison, levando referências para dentro da banda; depois, ao longo da carreira solo, experimentou em outros estilos musicais e gravou discos que exploravam sonoridades além do rock and roll.

A reverência de Starr por Gene Autry se mantém décadas depois daquela primeira experiência no cinema. Aproveite para conhecer um pouco o trabalho de Autry com as músicas abaixo!

O post Ringo Starr revela que cantor country dos Anos 30 foi sua maior influência apareceu primeiro em TMDQA!.

A história da música foi presenteada no início dos Anos 80 com o surgimento do Thrash Metal, estilo que revolucionou a cena da música pesada.

Diversas bandas se tornaram verdadeiros ícones do Metal ao apresentar uma sonoridade marcada por solos de guitarra complexos, vocais agressivos e bateria veloz com bumbo duplo, que acompanhavam letras que contemplavam tanto críticas sociais como temas obscuros e histórias fantasiosas.

Álbuns como Kill ’Em All (1983) e Master of Puppets (1986), do Metallica, são frequentemente citados como fundamentais para a consolidação do gênero, enquanto o Slayer levou a agressividade a um novo patamar com discos comoReign in Blood (1986). Já o Megadeth combinou o virtuosismo técnico com refrãos melódicos em trabalhos como Rust in Peace (1990), e conquistou uma vasta base de fãs.

Entre as bandas brasileiras, o Sepultura também se tornou um destaque no gênero desde sua estreia explosiva em 1984. Em obras como Chaos A.D e Roots, o grupo fundado por Max e Iggor Cavalera reuniu o Thrash Metal com elementos de Death Metal e ritmos tribais, que posteriormente influenciaram várias outras bandas.

Enaltecendo o legado das bandas acima e de muitas outras que contribuíram com que o Thrash se tornasse uma das vertentes mais duradouras do Metal, o portal Ranker divulgou uma lista extensa para que os fãs votassem nas bandas que deveriam liderar o ranking de melhores bandas de Thrash Metal.

Confira a seguir como ficou o Top 10 das melhores bandas de Thrash Metal até o momento da publicação desta matéria!

As 10 melhores bandas de Thrash Metal segundo fãs do gênero

10 – Pantera

9 – Kreator

8 – Anthrax

7 – Overkill

6 – Sepultura

5 – Exodus

4 – Testament

3 – Megadeth

2 – Slayer

1 – Metallica

O post As 10 melhores bandas de Thrash Metal segundo fãs do gênero apareceu primeiro em TMDQA!.

O ator Edward Norton revelou novos detalhes sobre a conturbada estreia de Clube da Luta (1999) durante o Festival de Veneza, na Itália.

Em participação recente no podcast Fly on the Wall, apresentado por David Spade e Dana Carvey, o astro de 56 anos contou que a exibição do longa foi marcada por uma reação extremamente negativa do público, que chegou a vaiar o filme e abandonar a sessão.

Como você pode ver no vídeo ao final da matéria, Norton ainda revelou que ele e Brad Pitt resolveram fumar maconha prevendo que o público não ficaria satisfeito com a produção dirigida por David Fincher:

Foi um desastre financeiro total. Acho que aquele filme custou 60 ou 70 milhões de dólares para ser feito. E nem sei se chegou a 40 milhões nas bilheterias dos EUA. Eles tomaram uma decisão muito estranha de estrear o filme no Festival de Veneza; não parecia combinar muito. E o filme foi vaiado. Mais cedo, no hotel, o Brad tinha me perguntado: ‘Como você acha que isso vai ser?’ E eu respondi: ‘Acho que não vai ser nada bom.’ Ele disse: ‘Eu também acho; vamos ficar chapados.’ Ficamos lá no hotel — eu não aguento muita coisa, e o Brad, naquela época…Eles vaiaram e saíram da sala ao final do filme. Brad se virou para mim meio que choroso e disse: ‘Acho que esse é o melhor filme que eu já estive’.”

Vale lembrar que Edward Norton e Brad Pitt estiveram juntos nesta quinta-feira (25) em Los Angeles para assistir ao jogo entre os Estados Unidos e Turquia pela terceira e última rodada da Copa do Mundo 2026, quando a seleção americana perdeu por 3 a 2 para a equipe do Oriente Médio.

Será que eles falaram sobre o Clube da Luta?

Clássico cult, Clube da Luta enfrentou dificuldades à época de seu lançamento nos cinemas

Em 1999, Clube da Luta dividiu opiniões tanto entre críticos quanto entre o público. Embora tenha tido uma recepção inicial controversa e desempenho modesto nas bilheterias, o longa conquistou status de filme cult ao longo dos anos, sendo hoje considerado uma das produções mais influentes do cinema.

Além de revisitar a história de Clube da Luta, Edward Norton participou do podcast para divulgar seu novo filme, O Convite, sob a direção da atriz e cineasta Olivia Wilde, que também está no elenco. O filme tem estreia prevista no Brasil para 9 de julho. Confira o trailer do longa mais abaixo!

Icônicos!

Olivia Rodrigo elege os melhores discos de estreia da história

O post “Desastre”: Edward Norton relembra vaias, prejuizo e lágrimas de Brad Pitt em “Clube da Luta” apareceu primeiro em TMDQA!.