CELINE CINEMA

[Critique] THE CRYING GAME de Neil Jordan (1992)

2012-02-10T09:01:00.000+01:00

Avant Entretien avec un Vampire (93), ou les récents A Vif (2007) et Ondine (2009), Neil Jordan remportait l’Oscar du meilleur scénario avec The Crying Game, époustouflant jeux de faux semblants et bouleversante rencontre de personnages. Pour se délecter au mieux de ce film à tiroirs, sensible et audacieux, il faut en savoir le moins possible. [ La suite de la critique ne contiendra donc aucun spoiler]. Tout débute au beau milieu d’une fête foraine: Jody (Forest Whitaker), soldat britannique, est enlevé par l’IRA, pris en otage, menacé d’exécution. Lors de sa détention, il se lie d’amitié avec l’un des kidnappeurs, Fergus (Stephen Rea), homme au grand cœur malgré ses activités politiques extrémistes. Se croyant condamné, Jody lui fait promettre de retrouver Dil (Jaye Davidson), une femme dont il est éperdument amoureux. Utilisant comme de point de départ, une célèbre nouvelle irlandaise ("A guest of the nation"), Neil Jordan crée une œuvre troublante parce que constamment surprenante.

Dès le départ, les schémas se renversent, se modifient ; les limites sont bafouées, les lignes franchies : le kidnappeur n’est pas le méchant que l’on attendait, l’issue de leur confrontation prend à revers les attentes, le scénario dans lequel nous entraîne Jordan n’est pas celui que l’on croit. The Crying Game, duperie géante au romantisme vénéneux, trompe et émeut tout à la fois. La suite de l’histoire dévoile des enjeux jusque là insoupçonnés, et, même si l’on pressent LA grosse révélation du milieu (qui a bâtit toute la réputation du film), l’essentiel n’est pas là, le cinéaste trouvant un second souffle dès l’instant où le secret est éventé. Se concentrant sur des protagonistes touchants et atypiques, revisitant les codes et du film noir et du film d’amour, Jordan déroule une belle réflexion sur la nature humaine et individuelle, et le rapport à la différence. Du jamais vu.

[Critique] MARTHA MARCY MAY MARLENE de Sean Durkin

2012-02-08T11:01:00.001+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Parfois, des pépites jaillissent de nulle part; des chocs incroyables auxquels on ne s’était pas préparés. Le premier film de Sean Durkin (producteur du déjà troublant Afterschool) est de cela. A ranger tout droit auprès des All the boys love Mandy Lane de Jonathan Levine, Putty Hill de Matthew Porterfield, ou autres Animal Kingdom de l’australien David Michôd. Des premiers grands sauts mémorables dans le cinéma. Martha Marcy May Marlene, ce sont les différents noms que se donne (ou se voit donnée) une héroïne en miettes, psychologiquement fragmentée, dissociée à la fois d’elle-même et de la réalité. Les responsables ? Un leader charismatique (effroyable John Hawkes) et une communauté de femmes hippies, à ses ordres, dans un coin paumé de l’Amérique. Le mot n’est jamais, jamais prononcé mais s’inscrit violemment dans nos esprits, comme le gourou viole cœurs et corps : " secte ". En voilà un film bouleversant, malsain, maîtrisé comme jamais, que l’on n’est pas prêts d’oublier !

Son malaise, son atmosphère, ses éparpillements temporels laissent des traînées poisseuses dans les têtes et des fulgurances sublimes dans les yeux. C’est une première œuvre, mais elle est sublime, transcendée par l’interprétation saisissante de la débutante Elizabeth Olsen (sœur de Mary-Kate et Ashley) à qui l’on prédit une immense carrière. Mélange improbable entre une Maggie Gyllenhaal et une Natalie Portman, la jeune actrice incarne une sorte de Vierge Suicidée de Coppola, qui aurait croisé la route de la mauvaise personne, celle du démon personnifié. Son enfer, entièrement intériorisé, est dévoilé à l’écran avec une finesse folle, à coups de distorsions sonores, alternance de brutalité et de flottements, et, intelligence du point de vue. Le regard est mature, le film, lui, est très (mais alors très) dérangeant.

Prix de la mise en scène à Sundance en 2011

Sortie : le 29 février 2012.

[Critique] EN SECRET (Circumstance) de Maryam Keshavarz

2012-02-08T09:01:00.002+01:00

Aujourd’hui, le cinéma iranien est le terrain de la liberté d’expression et de la dénonciation. Une voix qui s’élève. Qui s’insurge. Que l’on entend. De Mohammad Rasoulof (Au Revoir) à Asghar Farhadi (Une séparation), les cinéastes sortent du silence, dénoncent l’étouffante société iranienne, l’absence de liberté, la réalité d’un régime qui nie l’individu. Maryam Keshavarz, elle, jeune réalisatrice née en Iran mais vivant aux Etats-Unis, va encore plus loin dans le subversif, et ose évoquer sans tabou la jeunesse iranienne au travers d’un triangle amoureux : Atafeh (Nikohl Boosheri), Shireen (Sarah Kazemy), et Mehran (Reza Sixo Safai). Une sœur et un frère qui se disputent la belle Shireen, dans un Téhéran répressif où l’on se cache pour faire la fête, ou pour doubler des films américains. Hantées par des visions fantasmées d’une Amérique terre d’émancipation, les deux jeunes femmes se rêvent autres, sur du Bonnie Tyler ou dans des visions érotico-cheap d’une romance lesbienne qu’elles pourraient assumer, envisager.

La figure masculine, au centre, qui les sépare, représente à elle seule toute la société iranienne, renvoie à la rigueur imposée par la pratique religieuse, à la toute puissance offerte aux hommes, à l’intolérance, le cloisonnement, la surveillance constante des individus (cf. ces caméras qu’il dispose dans toute la maison). Keshavarz mène son film comme un combat : avec beaucoup d’énergie, de souffle lyrique, de naïveté aussi. Car elle épouse constamment le point de vue des deux amoureuses : deux mains qui s’effleurent, des regards comme seules promesses possibles, des amours pleines d’espoir. Au final, le film abandonne la violence (latente) pour se concentrer sur le positif : se délivrer de ses chaînes, dire, vivre, aimer. Le message, derrière l’emballage très adolescent, n’en est pas pour autant édulcoré. Derrière la bluette entre filles, il y a une vraie lutte politique. L’essentiel est dit. Le résultat est, lui, un modèle d’audace et de courage.

[Critique] LA DAME EN NOIR (The woman in black) de James Watkins

2012-02-07T09:01:00.003+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Pour négocier le virage un peu rude de l’après Harry Potter, Daniel Radcliffe n’a pas choisi un genre radicalement opposé à celui qu’il côtoyait sur le plateau de l’une des sagas les plus rentables du cinéma : il y a l’atmosphère sinistre des lieux anglais, une poignée d’enfants menacés, un monstre à combattre. Autre point commun : il s’agit également de l'adaptation d’un roman, The Woman in Black de Susan Hill. L’action, située au 19ème siècle dans un village paumé au fond de la campagne anglaise, voit Arthur Kipps, jeune notaire, endeuillé et londonien, contraint d’aller régler la succession d’une défunte dans une maison hantée. Ambiance lugubre et fantômes derrière les portes sont au programme de La Dame en noir, sorte de croisement raté entre trip gothique et yurei eiga (film de fantômes japonais). Hélas, James Watkins, que l’on avait trouvé plus inspiré avec Eden Lake, déçoit.

Que ce soit son spectre vengeur et en colère (désincarné), son personnage principal (fade), ou son intrigue (ridicule brindille) : il échoue à mettre en place une mécanique maligne et angoissante. Multipliant les jump scare (ces ombres soudaines, portes qui claquent subitement, et autres réjouissances), Watkins laisse apparaître un sérieux manque d’imagination, et peine à introduire, dans un univers pourtant propice à cela, folie mélancolique, richesse émotionnelle, et complexité psychologique. A la place, il suit des chemins balisés, et hautement ennuyeux : les ficelles y sont grossières, les frissons de pacotille. Quant au jeu de Radcliffe, il est aussi terne que le teint blafard des fantômes du récit. On zappe.

Sortie : le 14 mars 2012.

[Critique] LOST IDENTITY (Wrecked) de Michael Greenspan (2011)

2012-02-06T09:01:00.002+01:00

Wrecked n’a pas de chance : il arrive après la bataille. Sur un même sujet (le survival d’un homme seul face à la nature), Boyle et Skolimowski ont, l'année dernière, respectivement accouché de deux trips stupéfiants (127 heures et Essential Killing). A côté, le premier essai de Michael Greenspan, et ce même s’il possède quelques bonnes trouvailles, fait pâle figure. A l’instar de James Franco et Vincent Gallo, Adrien Brody livre une prestation épatante en homme blessé, amnésique, forcé à la survie. Le film repose entièrement sur ses solides épaules. Avec une composition subtile et nuancée, aux confins de la folie comme au cœur des flashs de lucidité, il défend avec ardeur le projet (pour le coup, il est aussi l’un des producteurs exécutifs du film). Grâce à lui, le sort de ce personnage sans passé et sans identité nous importe. En outre, l’identification est possible, non pas parce que l’inconnu est jugé (socialement), ou collé dans une case (gentil, méchant), mais parce qu’il nous apparaît dans toute sa nudité d’humain : un bloc d’émotions, des besoins (manger, boire, pisser), une infériorité indubitable face au règne animal, et naturel.

Greenspan, en passant d’un manichéisme redouté à un humanisme surprenant, fait mouche. Coup double d’ailleurs puisqu’on ne sait jamais (avant la fin un peu trop explicative) si Brody se situe du bon côté de la ligne ou non. Pourtant cela ne fonctionne pas à 100%. En masquant l’âpreté du survival, le cinéaste affiche clairement ses intentions : il voulait avant tout un thriller, un petit film concis et bien monté pour divertir. Pas un film de genre. Un choix qui l’empêche de creuser des pistes pourtant alléchantes (religieuses ou spirituelles), et qui le limite/condamne au strict minimum.

[Critique] ALBERT NOBBS de Rodrigo Garcia

2012-02-05T09:00:00.001+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Filmer le destin d’une figure pathétique avec dignité est un sacré challenge. Et si Rodrigo Garcia ne signe pas, en bout de ligne, un film exempté de défauts, il fait preuve d’une subtilité remarquable. Entre travestissement social nécessaire (une Irlande du 19ème siècle éminemment patriarcale) et homosexualité inexprimée (raison de son incapacité à exprimer sa féminité), voici Albert Nobbs. Le majordome d’un hôtel pour riches, qui économise sagement depuis des années pour lancer son propre commerce. Derrière les apparences délicates, mais masculines, d’Albert, se cache en fait… une femme. Et une actrice : Glenn Close, qui depuis 82 où elle interpréta le personnage sur les planches, n’a cessé de se battre pour voir naître cette histoire sur grand écran. Chargé de cette mission hautement casse-gueule, un habitué du genre (le portrait de femmes), Rodrigo Garcia, qui après Ce que je sais d’elle d’un simple regard, Mother & Child et Nine Lives, se lance dans un challenge difficile puisque l’on se trouve ici à la fois dans le littéraire (c’est une adaptation d’une nouvelle de George Moore), et dans la théâtralité (pièce signée Simone Benmussa). Hélas, cela se ressent à l’écran : le microcosme bourgeois- filmé dans un lieu unique- reste figé et ne prend jamais vie ; l’émotion, elle, ne passe pas, et ce malgré l’intense composition de Glenn Close.

Toutefois, les thématiques sous-jacentes se révèlent suffisamment puissantes et intéressantes pour masquer les faiblesses d’une mise en scène aussi invisible que l’est Albert au reste du monde. De cet être fragile et asexué, Garcia tire beaucoup de belles pistes de réflexions. Le plus souvent paradoxales d’ailleurs puisque, si l’on a des femmes/hommes fortes et déterminées, les hommes (Jonathan Rhys Mayer et Aaron Johnson), eux, voient leur virilité écorchée. En effet, le trio qui compose le film dévoile des hommes tour à tour infidèles, lâches, stupides. La force d’Albert Nobbs (et de Garcia), enfin, c’est d’avoir trouvé le parfait dosage entre fantasmes (symbolisés par Mia Wasikowska) et cruauté, drôlerie et férocité. Souvent, on rit des quiproquos, sous-entendus et autres non-dits, mais jamais on ne rit aux dépens de. Et ça, c’est un bel exercice de finesse.

Sortie: le 22 février 2012.

[Critique] MONSIEUR LAZHAR de Philippe Falardeau

2012-02-04T16:26:00.004+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Monsieur Lazhar fait parler de lui : s’invite sur toutes les lèvres, brille dans les festivals (de Toronto à Locarno), jusqu’à obtenir une nomination aux Oscars dans la catégorie meilleur film en langue étrangère. Mais, qui est-il ? D’abord, le héros d’une belle et poignante histoire, basée à Montréal, moins un film sur le deuil que sur l’importance de la communication dans l’art d’enseigner. Interprété par l’excellent comédien Fellag, inconnu en France, ce vrai/faux instituteur aux origines algériennes remplace au pied levé feu Martine, une prof dont on ne saura rien si ce n’est son corps ballant, au bout d’une corde, l’irréparable. Le geste, amené avec autant de délicatesse que de violence lors d’une intro saisissante, a plusieurs répercussions et pose, avec intelligence, différentes problématiques sur la table: comment un enfant appréhende-t-il le deuil ? Que signifie ce suicide au sein d’un milieu éducatif québécois rigide ? Mieux : il amène en filigrane une réflexion sur l’immigration au Québec, la difficulté de s’intégrer, les fossés culturels, le racisme latent de certains.

Philippe Falardeau, après Congorama et La moitié gauche du frigo, met en place une mécanisme fluide, parfaitement huilée, aux accents tragico-tendres véritablement subtils. Il aborde la mort sous divers points de vue, sans jamais sombrer dans le glauque ou le trop plein de noirceur. On pénètre le monde plein d’émotivité des enfants, celui, glacé et glacial, des adultes, et enfin, celui du mystérieux Monsieur-titre, qui cache derrière une jovialité apparente des plaies de souffrance encore béantes. Pourtant tiré d’une pièce de théâtre d’Evelyne de la Chenelière, le film respire le cinéma. Et la vie, aussi. Avec un sujet aussi sombre, il en va du petit miracle. En quelques flashs, d’une beauté foudroyante parce qu’authentique, Falardeau serre le cœur, et tape du poing sur la table. En mariant à la perfection forme et fond, il rappelle que, ni le 7ème art, ni les enseignants, ni personne, ne peut théoriser l’émotion.

Sortie : le 5 septembre 2012

[Critique] MELISSA P. de Luca Guadagnino

2012-02-03T09:01:00.000+01:00

Adapté du roman 100 coups de brosse avant d’aller dormir, le film de l’italien Luca Guadagnino (bien plus inspiré dans le récent Amore) prend tout naturellement la forme du journal intime, celui de Mélissa, 15 ans, ado perturbée et en manque d’amour. En quatre temps (pour les quatre saisons), il suit sa descente aux enfers- quelque part entre le Thirteen d’Hardwicke (sans le trash) et les Mauvaises Fréquentations d’Améris (le glauque en moins). La métamorphose d’une jeune sicilienne sans histoire en nympho masochiste et paumée (belle composition de María Valverde) avait quelque chose de bouleversant sur le papier, une force (destructrice), une puissance (littéraire) que ne retrouve jamais Guadagnino à l’écran, un peu écartelé entre son désir de choquer, et le public auquel il s’adresse (les jeunes filles).

Au final, Melissa P. est un film qui, en suggérant la crudité, loupe le cœur de son sujet : l’autodestruction d’une fille lambda, la violence des pulsions sexuelles adolescentes. L’édulcoration des parenthèses sinistres que s’inflige la jeune héroïne, en réaction à l’indifférence maternelle, annihile toute la force d’un récit trouble, qui ne retrouve pas à l’image la puissance évocatrice des mots. La spirale, la douleur, le mal-être de Melissa sont conceptualisés, plus esquissés qu’évidents, et sa souffrance indicible, que l’on souhaitait en uppercut, ne frappe jamais au coeur. Par trop de sagesse, et manque de cran.

[Critique] BOSTON STREETS (What Doesn't Kill You) de Brian Goodman (2008)

2012-02-02T09:01:00.000+01:00

D’emblée, on nous le dit : ce film se base sur des faits réels. Pour Brian Goodman, ex-voyou bostonien, choisir la carte de l’intime face à celle du sensationnalisme, est une manière de témoigner de son passé et de son vécu loin du bling bling habituellement associé au genre : son héros (superbe Mark Ruffalo) n’est qu’un homme perdu, torturé, une figure humaine avec des responsabilités (femme et gamins) et des doutes, en marge de l’image idéalisée du gangster. Faut dire, la rue, les petits larcins, la taule, Goodman connaît. Après être passé par la case Toronto, c’est en DTV que sort chez nous Boston Streets (nouvelle traduction fantaisiste du "What doesn’t kill you " originel). Un film jugé peu vendeur, sûrement parce qu’il ose emprunter des chemins nouveaux, à l’heure où les films policiers transforment les petites frappes en monstres de cinéma. Rappel à l’ordre du cinéaste : la réalité est toute autre. Apre, grise, froide. Et le voyou, lui, galère, s’embourbe dans l’échec, finit par perdre l’estime de ses proches.

C’est formellement aussi que le film s’éloigne volontairement de toute action fantasmée : les actes de violences y sont brutaux, moches, peu esthétisés, à l’image d’un montage sec qui ne cherche pas l’esbroufe. La violence comme spectacle ? Non merci, dit Goodman, dans ce film-rédemption aux lenteurs et à la froideur voulues. Ce qui l’intéresse ici, c’est de suivre la descente aux enfers (drogue, prison, ruine) d’un homme conditionné dès son enfance, et qui parvient à s’extirper- par ses choix- de sa condition. C’est un film couillu, non pas parce qu’il déborde d’explosions et de séquences d’action musclées, mais parce qu’il choisit l’émotion, le réalisme, le coeur. "Cela m’a pris 50 ans pour apprendre qu’un homme pouvait pleurer", fait dire Goodman à l’un de ses personnages. C’est simple mais courageux, à l’image du long-métrage tout entier.

[Critique] BUFFALO 66’ de Vincent Gallo (1999)

2012-02-01T09:01:00.000+01:00

C’est sur une banale envie de pisser que débute la love story atypique de Buffalo 66’. Avec cette rencontre improbable entre deux exclus - Billy Brown, taulard fraîchement libéré interprété par le réalisateur lui-même, et une Layla mutique, poupée blonde fragile kidnappée par ce dernier (Christina Ricci)- Gallo effectue ses premiers pas de cinéaste. Libre, dans la forme et le fond, de faire ce qui lui plaît, il signe une œuvre qui ne ressemble à aucune autre, quitte à forcer un peu le trait côté indé. Son personnage principal, qu’il nourrit à coups d’éclairs autobiographiques, lui donne l’occasion de traiter des thèmes habituels (rédemption, peur d’aimer, errance) de manière…inhabituelle. A l’instar des sentiments que le film provoque, l’ensemble est fait de paradoxes et de contradictions : la mise en scène, enveloppée dans un aspect brouillon qui ne cache rien de moins qu’une immense rigueur, regorge de trouvailles ; et, le drame, glauque et grisâtre, est le plus souvent désamorcé par un humour tranchant et pince sans rire.

Gallo jongle ainsi avec les genres, les tons, les ambiances. Même s’il n’échappe pas à un certain nombrilisme, parfois agaçant, il remporte l’adhésion lorsqu’il dévoile, derrière une rage apparente, une sorte de romantisme malade. Au fond, Buffalo 66’ est une vraie comédie romantique : une rencontre, un amour naissant, un happy-end. Sauf que Gallo transcende les codes (montage acéré, travail expérimental sur l’image, folie burlesque), transforme l’amoureuse en otage-potiche, et le don juan en petit garçon apeuré. Le film (tant mieux ou pas) ressemble beaucoup et au personnage principal et à l’auteur : il faut lui arracher un sourire, le forcer à l’étreinte. De cette bataille pour (s’)aimer, Buffalo 66’ s’en tire avec les honneurs, bien qu’un peu rude de prime abord.

[Critique] AU PAYS DU SANG ET DU MIEL (In the land of blood and honey) d’Angelina Jolie

2012-01-31T13:15:00.001+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Malgré un engagement revendiqué pour les causes humanitaires et féministes (ses nombreuses adoptions d’enfants défavorisés ou son combat en tant qu’ambassadrice de l’ONU en témoignent), Angelina Jolie se traîne encore l’image d’une sulfureuse femme fatale, une Madame Tomb Pitt Raider trop glamour pour se permettre d’être sérieuse. Pour le coup, sa première œuvre en tant que réalisatrice (et scénariste, et productrice) risque d’en faire taire pas mal, puisqu’il aborde de plein fouet le conflit en Bosnie-Herzégovine. Pour évoquer cette guerre sanglante et meurtrière, elle choisit deux points de vue : celui d’un couple, un soldat serbe et une bosniaque musulmane (superbes Goran Kostic et Zana Marjanovic), et celui des femmes bosniaques, violentées, violées, bafouées dans leur chair. L’ouverture, saisissante, résume à elle seule ses intentions : le couple, amoureux, presque insouciant, s’étreint langoureusement sur une piste de danse. Lorsqu’une bombe explose, elle vient faire voler en éclats à la fois les murs, leur amour, le pays tout entier.

En temps de guerre, plus de lois. La barbarie humaine se dévoile, les atrocités restent impunies, et, les instincts dominateurs masculins refont surface. C’est ce que choisit d’exposer Jolie au grand jour : les tortures, tant physiques que psychologiques, faites aux femmes, les viols répétés dont elles furent les victimes, les ravages d’une guerre, trop complexe pour que les rouages soient ici étudiés. D’ailleurs, quoiqu’en disent les critiques dont elle est l’objet, Angelina Jolie n’a nullement l’intention de prendre parti ou de disserter sur les causes et contextes du conflit. Ce qu’elle montre, c’est la souffrance féminine. Point barre. Evidemment, et ce même si la cinéaste a du mal à rendre fluide ses basculements entre art de la mise en scène (parfois poseuse, souvent remarquable) et horreur du réel, le film est véritablement bouleversant. Jusqu’au crescendo final, clôture malsaine aux allures de tragédie grecque, elle assène de grandes claques au spectateur. Impossible d’en sortir indemnes.

Sortie : le 22 février 2012.

[Critique] LE STRATEGE (Moneyball) de Bennett Miller (2011)

2012-01-29T02:07:00.007+01:00

Le sport a toujours inspiré les cinéastes. Des renaissances inespérées (The Wrestler d’Aronofsky) aux chutes inattendues (Million Dollar Baby d’Eastwood), les films autour de la figure du sportif ont souvent été un terrain privilégié pour les leçons de vie, et de cinéma. Côté coulisses, ils sont plus rares. Plus rares encore à se montrer passionnants. Avec Le Stratège, le tranquille Bennett Miller (3 films en dix ans dont le remarqué Truman Capote) signe une sorte d’anti Enfer du dimanche de Stone, version baseball. A l’instar de Billy Beane, manager des Oakland Athletics, équipe sur le déclin, il a su s’entourer des bonnes personnes : un Brad Pitt inspiré, en révolutionnaire qui s’ignore, Jonah Hill- piqué à Apatow- dans un formidable contre-emploi, et deux scénaristes virtuoses (Aaron Sorkin de The Social Network, et Steven Zaillian). Aussi, un livre : Moneyball, écrit par Michael Lewis, ouvrage qui mixe sport et économie et qui est venu changer les règles de toute une industrie : mentalités, tactiques, regards. Cocktail gagnant.

Le film, lui, en plus d’offrir une plongée excitante dans les dessous du baseball (captivante même pour celui qui n’y connaît absolument rien), raconte une belle histoire : celle d’un homme, abonné à l’échec, qui, à force de persévérance, finit par trouver la victoire (essentiellement personnelle d’ailleurs). Pas question cependant pour le cinéaste de déballer les tics habituels du genre ; il n’y aura donc pas d’embrassades dans les vestiaires, d’ambiance virile, de ralentis poussifs sur les bras levés des vainqueurs. Rien de tout cela. Seulement les yeux d’un homme qui a su y croire lorsque tous le disaient perdu, la sobriété des victoires silencieuses, une mise en scène discrète, mais précise. " Mon horreur de la défaite est bien plus grande que mon envie de victoire. Ca, c’est la différence " dit Billy Bean dans Le Stratège. C’est cette philosophie, adoptée d’un bout à l’autre par Miller, qui transforme une œuvre a priori anecdotique, en puissant moment de cinéma.

[Critique] EXTREMEMENT FORT ET INCROYABLEMENT PRES de Stephen Daldry

2012-01-28T16:53:00.003+01:00

[ AVANT-PREMIERE ]

Auteur de génie + réalisateur sensible + thématiques fortes = clés qui ouvrent la porte du succès? Oui, et non. Pourtant, c’est clair qu’il y a du bon, même du très bon, dans l’adaptation du livre de Jonathan Safran Foer que nous offre Stephen Daldry. Le deuil d’Oskar Schell, gamin atypique de 9 ans, qui a perdu son père adoré (et parfait) dans les attentats du 11 septembre est revisité avec beaucoup de cœur par le réalisateur de Billy Elliot et The Hours. Il trouve chez l’acteur Thomas Horn une palette incroyable d’émotions justes liées au deuil (la colère, le choc, le déni), révélant un jeune comédien impressionnant comme il l’avait fait quelques années plus tôt avec Jamie Bell. La manière dont le cinéaste épouse le point de vue du garçon est intense, et recherchée : transformant la ville de New-York en un patchwork de sensations, de bruits et d’odeurs, isolant les détails pour mieux capter l’ensemble de sa fureur, de son énergie, de sa générosité.

La quête d’Oskar (trouver ce qu’ouvre une clé laissée par son père- Tom Hanks- persuadé qu’il y trouvera un message et un sens à sa mort) prend tour à tour des virages cocasses (ces rencontres un peu folles qui se cachent derrière chaque porte), des accents tragiques (séquences bouleversantes d’affrontement avec la mère), des teintes pleine de tendresse (avec ce mystérieux vieil homme mutique avec qui Oskar sympathise). C’est surtout chez ses seconds rôles, Max Von Sydow, Viola Davis et Sandra Bullock, que Daldry puise le meilleur: justesse et pudeur. Hélas, on ne peut pas en dire autant de l’emballage. Le pire, peut-être, est cette musique (signée Alexandre Desplat) qui vient souligner et noyer chaque action, chaque larme. Omniprésente, elle dessert le film. L’exact contraire de Philip Glass sur The Hours, en quelque sorte. Ces violons incessants, Daldry s’y abandonne également dans sa mise en scène, dans des instantanés cucul regrettables : un plan fixe final attendu, un montage facile, quelques manipulations lacrymales. Cela ne gâche en rien l’immense plaisir que l’on prend à suivre cette histoire, sauvée d’une profonde noirceur par le regard de l’enfant. Mais de là à donner l’Oscar à Oskar… Pas vraiment.

Sortie : 29 février 2012.

[Critique] THE DESCENDANTS d'Alexander Payne

2012-01-28T15:55:00.000+01:00

Ca y est, on l’a. Notre premier grand choc cinématographique de l’année. Offert par le papa de Sideways et Monsieur Schmidt, The Descendants est un drame tragi-comique bouleversant ET drôle, dans lequel rires et larmes s’étreignent deux heures durant. L’histoire, bien plus complexe qu’elle en a l’air, suit la renaissance d’un quarantenaire occupé, à l’heure où son épouse – qu’il négligeait depuis des lustres- se meurt des suites d’un accident de bateau. L’épiphanie, et le deuil. Côte à côte, dans un film éminemment subtil. L’horreur de la situation- transcendée par une mise en scène lumineuse et inventive, et des piques d’humour amenées avec une finesse exquise- est le catalyseur d’une prise de conscience générale sur l’importance de la vie, du temps qui passe, de l’héritage à transmettre. Dit comme cela, on craint le pathos indie. Mais jamais, jamais, Alexander Payne ne verse dans le larmoyant.

Son film est dur, oui, mais aussi d’une rare intelligence, sachant doser sa noirceur. Tout du long, on y suit le parcours du trio familial sous le soleil d’Hawaï : le soleil brille, les relations s’agitent tout autour, mais leur cœur est lourd. Ils y perdent une femme, mère et épouse. Les adieux sont complexes, car muets. Soudains. L’un n’y portait plus d’attention, l’autre s’était engueulée avec. L’absente, elle, avait pris un amant. Matt (George Clooney, épatant), aux bras de ses filles qu’il (re)découvre (géniales Shailene Woodley et Amara Miller), se met alors en tête d’aller retrouver ce dernier. L’occasion pour le cinéaste de livrer une sorte de road trip mélancolique et sublime, surplombé par la mort, apologisant la vie. En y greffant une autre problématique (doit-on vendre la terre de ses ancêtres pour s’assurer une belle fortune?), Payne va encore plus loin dans sa fouille psychologique et sa démarche. C’est beau, puissant, soigné. "We’re talking about love", dit à un moment l’aînée. Payne aussi.

[Critique] CONTRE TOI de Lola Doillon (2011)

2012-01-26T09:01:00.000+01:00

Après un Et toi t’es sur qui ? qui disséquait les troubles adolescents face au désir, Lola Doillon, fille et sœur de, réitère une approche clinique et froide de sentiments contraires. Ceux qui (dés)unissent une femme chirurgienne à son kidnappeur- endeuillé par la mort de son épouse à la suite d’une opération ratée. Contre toi, beau titre évoquant aussi bien l’opposition que l’étreinte à venir, s’attache à suivre l’évolution de la relation équivoque entre ces deux protagonistes, rapprochés par un sentiment d’exclusion sociale, de solitude et de détresse. Gros challenge pour Lola Doillon qui évite bien des écueils. Le huis clos respire, crédibilisé par le face à face d’un duo génial : Kristin Scott Thomas d’un côté, Pio Marmai (Un heureux évènement) de l’autre. Leur affrontement psychologique, pas évident à saisir en images, est retranscrit avec finesse par la jeune cinéaste, à l’aise lorsqu’il s’agit de manier des thèmes aussi complexes que syndrome de Stockholm, dépendance à autrui, ou besoin de vengeance.

D’une danse amour/répulsion, attachement/haine, Doillon tire un petit thriller ramassé, tendu, au montage pertinent, qui va droit au but. Même s’il prend son temps pour observer les fêlures, les renversements, les questionnements intérieurs de deux êtres à la dérive, le film n’essuie jamais de longueurs. Tout du long, il demeure captivant, et pour le moins original. Notamment parce que la réalisatrice ne cherche jamais à faire le procès de ses personnages (ni de l’indifférente médecin indirectement responsable du décès d’une femme, ni du geôlier qui enfreint la loi). Elle le rappelle, il la fuit, il lui fait l’amour, elle le piège. Sans jamais les juger, elle les observe comme l’on observerait des rats de laboratoire pris dans les filets d’une expérience (de vie) qui dérape. Le résultat est inédit, et contre toutes attentes, plutôt subtil.

[Critique] TOI, MOI, LES AUTRES d’Audrey Estrougo (2011)

2012-01-25T09:01:00.000+01:00

Une comédie musicale qui transpose la célèbre romance shakespearienne au cœur d’une cité parisienne ? Ponctuée de morceaux de M et de Zazie ? Avec en tête d’affiche, un finaliste de la Nouvelle Star ? Oui, ça donne envie de prendre ses jambes à son cou. Sauf que c’est signé Audrey Estrougo, une jeune cinéaste qui en a, et qui nous avait agréablement surpris avec son premier long Regarde-moi, uppercut classe et féminin sur les banlieues. Et, pour le coup, on a bien fait de tenter l’aventure : Toi, moi, les autres assume à 100% son côté kitsch, et ose un mélange improbable entre légèreté de ton et propos politique latent. A l’instar du duo Ducastel et Martineau, qui parlait de Sida dans leur Jeanne et le garçon formidable, Estrougo s’attaque à la problématique des sans-papiers. Avec quelques maladresses, oui. Une bonne dose de naïveté, aussi.

Mais la sincérité et la motivation dont elle fait preuve remportent l’adhésion et font de son deuxième film, une sorte d’ovni attachant, plein de couleurs, de sourires, d’instants magiques, entre romantisme de midinette et parenthèses gracieuses (le morceau "Un autre monde" notamment, interprété par une Marie-Sohna Condé bouleversante). L’histoire, pourtant, n’avait rien de folichon, avec cette rencontre-coup de foudre un peu sur écrite entre une beurette sympatoche (Leïla Bekhti, toujours impeccable) et un gamin riche (Benjamin Siksou), fils de flic, à l’aube d’un mariage d’intérêt (sublime Cécile Cassel). Pourtant, Estrougo dépasse la candeur du script et propose une œuvre entraînante, qui, en plein coeur d'un genre plutôt désuet et casse-gueule, dévoile tout de même le meilleur de ses interprètes. Au final, elle s’en tire avec humour et panache. Et nous, on attend son troisième film avec impatience.

[Critique] AGNOSIA de Eugenio Mira (2011)

2012-01-24T09:00:00.004+01:00

L’affiche ment. Sous la photo énigmatique d’une femme auréolée de mystère, on peut y lire "Par les producteurs du Labyrinthe de Pan et L’Orphelinat". Certes. Sauf qu’inutile de vous attendre à la teinte fantastique dont se trouvaient délicatement enveloppés les deux longs métrages cités : Agnosia tient plus du soap ibérique concentré en deux heures que de l’exercice de style horrifique attendu. Cela ne change rien à l’affaire, soit, mais autant rétablir la vérité d’emblée : ici, pas de fantômes cachés sous le lit ou de créatures maléfiques à combattre. Le mal y est bien humain, et prend la forme d’une méchante dame allemande, prête à tout pour s’approprier le secret de la fabrication d’une lentille, composant d’un viseur de fusil. Si les traits grossiers des personnages (et un manichéisme certain) rappelle le conte de fées, c’est le seul point commun que l’on peut trouver avec les géniaux Labyrinthe de Pan et L’Orphelinat.

Car, si le script d’Agnosia est mignon tout plein, avec sa sous intrigue romantique (deux hommes se déchirent une belle), le visuel est laid. Pour ne pas dire repoussant. Musique grandiloquente lancée à tout bout de champ, reconstitution d’un Barcelone de fin de 19ème quelque peu poussiéreuse, acteurs mono expressifs (le trio Eduardo Noriega, Bárbara Goenaga, Félix Gómez) : l’ensemble ne brille pas par ses qualités esthétiques. Pourtant, Agnosia se laisse regarder sans (grand) déplaisir. Peut-être parce que l’on peut trouver dans ce personnage de jeune princesse coincée dans son château, atteinte d’un mal incurable qui lui confuse les sens (l’agnosie-titre donc), une candeur inhabituelle, une candeur qui, par contraste, fait ressortir toute la cruauté latente de l’œuvre. Parce que si princes et princesse il y a, Eugenio Mira ne sombre jamais pour autant dans la mièvrerie. Toutes griffes dehors, il égratigne l’imagerie naïve mise en place. C’est déjà ça.

Dispo en DVD.

[Critique] MILLENIUM, LES HOMMES QUI N’AIMAIENT PAS LES FEMMES de David Fincher

2012-01-22T17:19:00.003+01:00

On l’aime beaucoup, Fincher. Son univers crasseux, ses figures de freaks torturés, sa tendance à filmer l’obsessionnel. Sauf que depuis le lisse Panic Room, le cinéaste se loupe une fois sur deux. Autant son Zodiac faisait preuve d’une intensité monstre, autant son Benjamin Button suivait des chemins tous tracés. Autant son Social Networks éblouissait par des instantanés de mise en scène sublime, autant sa version de Millenium (bouquin de Stieg Larsson, remake du film original signé par le suédois Niels Arden Oplev) pèche par un manque d’audace. Qu’offre-t-il de plus au regard de la première version du film ? C’est simple : pas grand-chose. Prise telle quelle, pourtant, sa vision est efficace, captivante, n’ennuie pas, tire le meilleur parti de la froideur ambiante : climat enneigé, yeux bleus troublants de Craig, maîtrise de l’espace- clos ou tout de verre. On comprend ce qui l’a séduit dans ce récit trouble où un journaliste économique se retrouve confronté au passé sombre d’une famille déviante. L’enquête, la violence, la dichotomie de protagonistes en marge, ses cadavres-fantômes : autant de leitmotivs dans l’œuvre du cinéaste. Mais.

Pour ceux qui n’auraient pas vu le film suédois, Millenium US est une alternative pour le moins correcte, qui offre à peu près la même chose : du trash, des personnages timbrés, une Lisbeth réussie, un complot familial dégueulasse. Les autres se lanceront dans un petit jeu de comparaison qui, s’il amuse un temps, n’a rien de franchement folichon : qui de Rooney Mara ou de Noomi Rapace fait la meilleure Lisbeth ? Laquelle des deux fins est-elle la plus fidèle au livre ? Qui de l’américain ou du suédois remue le plus les tripes ? Ne parvenant jamais à se détacher de ces considérations-là, Fincher ne s’impose pas sur un terrain déjà familier, et toute l’entreprise s’en retrouve ainsi flinguée. Finalement, Millenium n’est rien de plus que la copie d’un bon élève, qui n’aurait pas réussi à masquer totalement le style de son modèle.

[ Critique ] TRUST de David Schwimmer

2012-01-20T10:00:00.000+01:00

David Schwimmer, c’est Ross de Friends. Une bouille sympa, un cœur d’artichaut, le boy next door. C’est aussi un réalisateur. Si la plupart du monde l’ignore encore, faute à un Cours toujours Dennis (Run fatboy run) passé inaperçu, cela ne devrait pas rester le cas longtemps. Autant le dire de suite: son second long métrage, Trust, est immensément perturbant, le genre grosse claque dans la gueule. Le sujet est épineux (les prédateurs sexuels en ligne), le traitement fait preuve d’une subtilité inouïe. Au centre du film, une famille. Des parents (magistralement interprétés par Clive Owen et Catherine Keener), et leur ado de 14 ans (Liana Liberato, bouleversante) dont la vie bascule suite au viol de cette dernière par un homme de deux fois son âge, rencontré sur un chat internet. Sur le papier, tout fleure le film à thèse glauque ; à l’écran, le scénario d’Andy Bellin and Robert Festinger est absolument remarquable, d’une finesse psychologique dérangeante.

Trust questionne notre rapport à l’image, la sexualisation des figures adolescentes (notamment au travers de la publicité), la permissivité parentale, les dangers de la toile. Plus qu’un rappel à l’ordre et à la vigilance, il dresse un triste constat : l’impuissance de l’éducation face aux dérives sociales. La force du long-métrage : ne jamais dépeindre la jeune fille comme une marginale, déphasée, en crise. Non, la Annie du film est d’une normalité folle, c’est la fille d’à côté, la fille d’une amie, la vôtre. En résulte, un drame d’une gravité monstrueuse, qui ne verse cependant jamais dans la facilité en préférant explorer intelligemment divers points de vue, réactions, conséquences. Une mère dévastée, un père qui perd pied et trouve refuge dans la colère, une fille abîmée qui opte pour le déni, en protection. Un trio dans une tourmente moderne, filmé avec le recul nécessaire, narré avec dignité. Enclenchant un processus d’identification coup de poing, le film capte, crédible, trois réalités ; prend, authentique, trois visages- pour mieux marquer les esprits. Le mal n’est plus irréel, statistique, virtuel. Le mal a le visage de la banalité.

[Critique] SLIPSTREAM d’Anthony Hopkins

2012-01-18T02:41:00.003+01:00

Attention, expérience. Le troisième film d’Anthony Hopkins joue la carte de l’ovniesque, et ce dès les premières secondes du film. Avec ses superpositions d’images, bégaiements, bidouillages de sons, flashs subliminaux et autres étrangetés visuelles, Slipstream a tout du trip hallucinatoire, tordant le temps entre passé, futur et présent, fiction et réel. De quoi parle le film au juste ? On ne le comprend que bien tard, après un long (très long) délire d’une heure et demie, mélange improbable entre un récit éclaté à la Lynch et la démesure criarde d’un Bay ou d’un Tony Scott. Soit le fouillis mental d’un scénariste, Felix Bonhoeffer (incarné par Hopkins lui-même) à l’aube d’une mort imminente. Le pétage de câble d’un artiste au bord du rouleau. D’où le morcellement voulu de l’ensemble du script, qui écartèle ses personnages (mêmes acteurs, différents rôles) et ses niveaux de narration. De temps en temps, Hopkins ose même l’incursion d’images de vieux films des années 50, signifiant la dérive progressive d’un esprit au cœur de ses souvenirs.

A l’image du cerveau dans lequel il effectue une plongée toute aussi fatigante que singulière, Slipstream est un film malade, qui ne fonctionne pas. Pourtant, Hopkins possède une certaine maîtrise esthétique lors de passages à la lisière du rêve et du cauchemar, et d’un goût pour le cynisme assez réjouissant. Car au-delà du désastre de la première lecture (tout y est confus, éreintant, tape-à-l’œil, inutile), il propose une réflexion piquante sur la création et la mort du 7ème art. Ce scénario qui ne veut rien dire, cet homme qui se laisse submerger par la folie furieuse de ce que semble être le nouveau cinéma (s’il copie Scott et consorts, c’est aussi pour mieux les vomir), ce sont surtout des symboles d’une décadence cinématographique à laquelle Hopkins oppose la nostalgie d’un vieux cinéma en noir et blanc, plus sincère et moins corrompu. Le message passe, oui. Mais à quel prix ?!

Dispo en DVD.

[Critique] LE PROJET NIM (Project Nim) de James Marsh

2012-01-17T03:06:00.006+01:00

Si le petit chimpanzé César, du récent La Planètes des singes, les origines, vous a ému : Nim Chimpsky (ironiquement nommé ainsi en référence au linguiste Noam Chomsky), va vous hanter pendant longtemps. Arraché à sa mère alors qu’il n’est encore qu’un bébé, le petit chimpanzé est d’abord recueilli par un groupe de hippies idéalistes (psychologues et professeurs), pour devenir le sujet d’étude d’une théorie sur le langage. En effet, selon Herbert Terrace de la Columbia University de New-York, les chimpanzés seraient réceptif à un apprentissage poussé de la langue des signes. Faire construire à Nim des phrases grammaticales claires démontrerait à l’homme qu’il n’est pas le seul à pouvoir manier le langage, n’en déplaise à Chomsky. C’est le début d’un long calvaire pour l’animal (26 années au total) : successivement abandonné par les humains chargés de son développement cognitif, il finira singe de laboratoire, et terminera sa vie en 2000 au sein d’un enclos paumé au fin fond de l’Amérique, loin des pairs de son espèce.

Un destin hors norme pour un documentaire très intéressant (davantage dans le fond que sur la forme) qui pose de bonnes questions sur le rapport homme/animal, la nature humaine, et sauvage (aussi cruelle l’une que l’autre). Mélange d’images d’archives (filmées par les chercheurs de l’époque) et de témoignages des personnes impliquées dans le projet, le film est aussi fort qu’une fiction et fait de l’animal, révélateur des bassesses de l’âme humaine (ambition aveugle, jalousie, domination), un véritable héros de cinéma. James Marsh n’a pas volé son prix de Meilleur Réalisateur de docu au dernier festival de Sundance.

[Critique] LA DAME DE FER (The Iron Lady) de Phyllida Lloyd

2012-01-16T01:08:00.004+01:00

[AVANT-PREMIERE]

On se souvient encore (honteusement) d’une Meryl Streep la larme à l’œil, chantonnant du ABBA sur une plage dans Mamma Mia!, parenthèse mélodramatique, kitch et grossière, signée Phyllida Lloyd. Et donc c’est la même réalisatrice qui se lance dans un biopic sur Margaret Thatcher ? Oui. Bigre ! Nous voilà bien embêtés. A la sortie du film : deux constats. D’un côté, on a le numéro monstre d’une actrice qui n’a plus rien à prouver (LA meilleure actrice au monde peut-on affirmer sans rougir), de l’autre, une œuvre alambiquée, portrait gâché d’une figure complexe, ou quand la rigueur british d’une femme inflexible croule sous la vision made in Hollywood d’une cinéaste un peu lourdaude. Son film, Phyllida Lloyd le voulait plus humain qu’apolitique, c’est clair. De là à se vautrer dans une telle surenchère de bons sentiments, faut pas pousser. La cinéaste préfère opter pour un portrait sirupeux d’une vieille dame malade, coincée dans ses souvenirs comme au sein de sa luxueuse demeure, plus capable de discerner le vrai du faux, et hantée par le spectre de son défunt mari. On ne parle plus (vraiment) de Thatcher ici, mais d’un personnage au bord de la démence, dont le script brouillon suit le cours de sa pensée.

Dans l’absolu l’idée est bonne ; à travers le prisme biographique, elle n’a finalement que peu d’intérêt. Surtout que le contexte (thatchérisme, guerre des Malouines, conflits avec l’IRA) est feuilleté comme un vulgaire catalogue de faits, réduit à quelques images d’archives balancées par-ci par là, entre séquences surfaites et raccourcis faciles. En gros, Lloyd filme ce qui l’arrange: le combat d’une femme dans un monde d’hommes (sauf que le féminisme latent ne correspond pas vraiment à la réalité), sa détermination à suivre ses idéaux (toujours sous l’angle du dépassement de soi, jamais sous celui de l’ambition et d'un certain bellicisme), et ses batailles politiques (mais son ultralibéralisme et la vague de privatisations dont elle fut à l’origine ne sont qu’à peine évoqués). Complaisant ? Erroné ? Singulier ? Un peu des trois à la fois, mais sûrement pas le portrait sérieux et puissant que l’on attendait.

Sortie : le 15 février 2012.

[Critique] MY WEEK WITH MARILYN de Simon Curtis

2012-01-14T16:21:00.005+01:00

[AVANT-PREMIERE]

My week with Marilyn n’a pas la prétention de vouloir tout dire et tout saisir de l’icône blonde, et c’est tant mieux. C’est aussi, hélas, un peu sa faiblesse. En optant pour le point de vue d’un jeune Colin Clark, à l’aube d’une grande carrière de réalisateur, Simon Curtis exclut d’emblée la fouille psychologique d’un personnage aux mille névroses, insaisissable, tiraillé entre son image publique, et ses traumas intérieurs. Il préfère se concentrer sur ce jeune homme, naïf, inexpérimenté mais volontaire, plutôt que sur la star, ne la filmant in fine qu’à travers ses yeux à lui, regard d’amoureux, bienveillance de fan. On ressent cette admiration dans chaque plan: des séquences comme des caresses sur un corps adulé, à la beauté diaphane, une déclaration d’amour, fascinée (mais rarement fascinante) sur l’actrice des sixties. Même l’instabilité de Marilyn y est glamourisée au possible, c’est dire. Pas de descente aux enfers alcoolisée ni de traitement trop glauque du mal-être qui la rongeait : Curtis choisit l’anecdote stylisée, la parenthèse solaire.

Basé sur les récits autobiographiques du dit Clark, son film suit quelques jours du tournage en terre british de The Prince and the Showgirl de Laurence Olivier, choix qui lui permet d’évoquer néanmoins l’essentiel : le besoin d’amour insatiable de Monroe, l’aura folle qu’elle possédait, l’admiration qu’elle générait, chez les hommes comme chez les femmes. Si le film est mineur (drame en sourdine et mise en scène bateau), ses acteurs lui offrent quelques accents majeurs, des instantanés sublimes au cœur de compositions travaillées. En tête : Michelle Williams dans le rôle de Marilyn, absolument parfaite et crédible, qui trouve la juste note pour interpréter un personnage complexe. Mine de rien, elle se construit, film après film, une carrière étonnante, ponctuée de rôles forts et mémorables (Brokeback Mountain, Blue Valentine, Shutter Island). A ses côtés, l’ensemble du casting est très, très bon : Kenneth Branagh y trouve matière à exprimer sa fougue littéraire, Eddie Redmayne une touchante fragilité, et les seconds rôles (Judi Dench, Emma Watson, Dominic Cooper) y existent tout du long, sans jamais se faire voler la vedette par le talent grandissant de Michelle. Une belle harmonie de comédiens, qui sauve le film d’une certaine superficialité.

Sortie: le 7 mars 2012.

[Critique] LOUISE WIMMER de Cyril Mennegun

2012-01-12T14:56:00.004+01:00

Fin 2008, Yolande Moreau campait une autre Louise, derrière la caméra de Gustave Kervern et Benoît Delépine. Une Louise Michel ouvrière, qui empruntait son nom à une célèbre communarde anarchiste. 4 ans plus tard, la crise est toujours là. Elle est même devenue à elle-seule une véritable héroïne de cinéma, comme en témoigne les nombreuses variations du genre de ce début d’année (voir tout particulièrement Une Vie Meilleure). Normal donc, que cette fois, la femme en galère porte un nom de tête d’affiche, reine hollywoodienne et résistante en guerre tout à la fois : Louise Wimmer. En lettres brillantes pour un drame social à taille humaine qui emprunte aussi bien du côté de chez Cassavetes (Gloria) que des Frères Dardenne (Louise, sorte de nouvelle Rosetta). Pour parler de cette cinquantenaire fauchée, condamnée à dormir dans sa voiture, jongler entre des petits boulots merdiques, et mentir à son entourage, Cyril Mennegun évite à merveille toutes les erreurs inhérentes à ce type de long métrage.

Documentariste d’origine, on sent toute sa volonté de donner du poids au réel, de la véracité à sa Louise, grande, rousse, fière, qui ne se laisse pas abattre. Elle est à la rue, peut-être. Mais elle a encore de l’allure, et de la gueule. Ce premier film est un film-combat, un cri de révolte, un rappel au réel : la société française, aujourd’hui, n’épargne plus personne. Dans Une Vie Meilleure, le couple à la dérive n’est pas bête, ce qui rend leur descente aux enfers d’autant plus effrayante pour le spectateur lambda. Même chose pour Louise : derrière ses rides et ses cernes, on devine ce qu’elle fut avant la chute : mariée, mère, aisée, aimée. Abandonné aux notes de Nina Simone dans sa voiture, leitmotiv d’un cercle vicieux, le personnage est filmé à la bonne distance, sans pathos et sans compassion. S’il marque autant les esprits, c’est aussi et surtout grâce à l’interprétation étonnante d’une inconnue : une Corinne Masiero, de tous les plans, mix inattendu entre une Tilda Swinton et une Yolande Moreau : la gouaille et la classe, étreinte magique entre atypisme et sévérité.

[Critique] DON’T BE AFRAID OF THE DARK de Troy Nixey

2012-01-12T09:01:00.000+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Tout projet horrifique portant la marque de Guillermo del Toro provoque malgré lui l’intérêt. Producteur des superbes Les Yeux de Julia (Morales), Splice (Natali) ou L’Orphelinat (Bayona) ; et réalisateur de l’excellent Le Labyrinthe de Pan: le Monsieur s’y connaît en matière d’horreur. Ce Don’t be afraid of the dark, premier long métrage de Troy Nixey, porte clairement sa marque : petite fille délaissée dans une immense demeure inquiétante, visuel travaillé, introduction des éléments du conte dans une réalité problématique (ici, une enfant écartelée entre un père occupé et une belle-mère qu’elle ne connaît pas). En adaptant le scénario du téléfilm Les Créatures de l’ombre de John Newland, Del Toro se fait plaisir. Gage de qualité ? Pas si sûr.

Si l’atmosphère stressante du début suffit un temps à combler les attentes du spectateur en matière de trouillomètre, l’ensemble reste malheureusement trop lisse. Une fois les bébêtes dévoilées, le suspense s’évapore, comme par magie, figeant le film dans une mécanique trop familière pour étonner. Pourtant, Nixey avait de sérieux atouts dans la manche : un soin particulier porté à l’étude psychologique des protagonistes (notamment celui de la jeune héroïne) et des numéros d’acteurs plutôt convaincants (Katie Holmes, à la carrière sacrifiée, en tête). Dommage que cela ne suffise pas à sortir le film de l’apathie et de la banalité dans lequel il sombre peu à peu.