CELINE CINEMA

[Critique] LA VERITE de Marc Bisaillon (2011)

2012-02-21T09:01:00.001+01:00

La Vérité, deuxième film de Marc Bisaillon après La Lâcheté, c’est un peu la version québécoise de l’américain Paranoid Park de Gus Van Sant. Soit l’histoire d’un ado, qui hormis un goût prononcé pour les sweats à capuche, se retrouve embarqué en plein fait divers et tiraillé par un dilemme moral: révéler ou ne pas révéler qu’il est l’auteur d’un homicide involontaire. Telle est la question qui traverse l’œuvre de Bisaillon, point d’interrogation-spectre à la poursuite de deux copains (incarnés par Pierre-Luc Lafontaine et Emile Mailhiot) dont la vie se mue en enfer après une soirée trop arrosée. Si le départ laisse quelque peu indifférent (le cinéaste met du temps à entrer au cœur de l’action), la suite est hautement convaincante. A mesure que l’on s’enfonce dans le mal-être des deux jeunes garçons, rongés par leur silence, le film pénètre le registre dramatique avec une justesse surprenante.

En plus d’y inscrire son duo dans un contexte vraiment crédible (les études, la petite copine- excellente Juliette Gosselin-, la famille), le réalisateur soigne seconds rôles et études de caractère. La mère de Gabriel (Geneviève Rioux), notamment, en symbole de droiture (elle est flic), est un beau personnage, écartelée entre ses idéaux (de femme, de professionnelle) et l’amour qu’elle porte à son enfant. Le portrait- très intime, très humain- qu’offre Bisaillon de ces gens lambdas qui basculent, soudainement et avec violence, dans l’horreur d’un fait divers, est filmé à la bonne hauteur : jamais dans le pathos, jamais dans le jugement. Et, au-delà d’un film qui traite frontalement du poids de la culpabilité, La Vérité parle surtout du secret, fardeau destructeur, plaie béante que l’on ne cicatrise qu’avec les mots.

Sortie France : inconnue.
Dispo en DVD / import Québec.

[Critique] THE SUNSET LIMITED de Tommy Lee Jones

2012-02-20T09:01:00.000+01:00

L’un est noir, l’autre est blanc. Le premier, chrétien convaincu, sauve la vie du deuxième, prof suicidaire. On n’en saura pas plus. De la pièce signée Cormac McCarthy, auteur de The Road et No country for old men, deux œuvres littéraires majeures déjà adaptées au cinéma, Tommy Lee Jones livre un huis clos pour la télévision (la chaîne américaine HBO précisément), oppressant, bavard, intriguant. Enfermés dans l’appartement du croyant (et ex-taulard), les deux personnages volontairement schématiques du (télé)film vont servir de vecteurs à une immense remise en question de l’existence. Tout du long, on y suit les circonvolutions de leur échange passionné. Tout y passe : religion, nihilisme, foi, misanthropie. Au milieu, un rapport de force et des vagues de questions, qui trouvent plus d’arguments que de réponses : est-on, à être cultivé, condamné au malheur ? La foi n’est-elle qu’illusion de l’esprit ? La vérité est-elle … qu’il n’y a pas de vérité ? Vous l’aurez compris, The Sunset Limited, c’est un cours de philo sur grand écran, verbeux, riche, intello.

Ce qui fait la différence, c’est avant tout les professeurs chargés de dispenser la leçon : Tommy Lee Jones, d’un côté, Samuel Lee Jackson de l’autre. Un duo/duel à la Samuel Beckett entre deux monstres de cinéma qui a tout de réjouissant. Côté mise en scène, on se retrouve confrontés un peu au même problème que dans le récent Carnage de Polanski à savoir une absence profonde d’intérêt à passer du théâtre au cinéma. Formellement, Jones n’invente rien, demeure cloué au sol, ne s’approprie pas l’espace. Mais, in fine, ce sont dans les mots de McCarthy que se cacheront tous les délices : des tournures fines, des problématiques subtiles, des variations autour du bien et du mal inspirées et énigmatiques.

Direct-to-DVD

[Critique] THE TEMPEST de Julie Taymor

2012-02-19T09:01:00.001+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Julie Taymor a un faible pour William Shakespeare : avec The Tempest, c’est la deuxième fois qu’elle porte à l’écran une pièce du dramaturge, après son Titus en 1999 où Anthony Hopkins tenait la vedette. Ici, c’est Helen Mirren qui trône en haut de l’affiche pour incarner un Prospero féminin, devenue Propera pour l’occasion. Dans The Tempest, on retrouve le style de Taymor, l’exubérance et le goût de la démesure que l’on avait constaté dans son biopic sur la peintre Frida Khalo, la tendance au trip romantique et neuneu qui faisait le charme de son Across the Universe. Si elle garde l’intrigue originale (une sorcière, maîtresse d'Ariel et Caliban, exilée sur une île fait subir diverses épreuves à un groupe de naufragés), le langage shakespearien, et les symbolismes de l’œuvre du 17ème siècle (le colonialisme, le bien et le mal) elle se permet toutefois quelques éclairs de modernité, des flashs anachroniques, tout aussi maladroits que fascinants.

Naviguant entre kitsch improbable, séquences psychédéliques, et sérieux de l’entreprise, The Tempest déconcerte mais impressionne par son courage. La vision de Taymor, quoique l’on en dise, est éminemment singulière. L’imagerie, parfois laide, parfois véritablement sublime (les paysages d’Haïti, où elle a filmé l’action en sont pour quelque chose), demeure dans tout les cas très étudiée. La cinéaste, en bonne compagnie (Alfred Molina, Djimon Hounsou, Alan Cumming et même Russell Brand !) souhaite aller au bout de son concept, et cela s’en ressent. Difficile alors de condamner véritablement le film, tant la proposition force le respect à assumer jusqu’à la fin son excentricité baroque, son décalage, ses contradictions. Au final, The Tempest, sorte de work in progress méditatif, pousse à réfléchir en temps réel à la meilleure manière d’adapter Shakespeare à notre époque. Plutôt novateur donc.

Sortie : prochainement.
(très probablement du direct-to-dvd)

[Critique] EN TERRAINS CONNUS de Stéphane Lafleur

2012-02-18T09:01:00.001+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Des réalisateurs émergeants dans le (pas si petit) monde du cinéma d’auteur québécois, Stéphane Lafleur représente l’une des belles promesses. Un ton pince-sans-rire, une intrigue qui s’appuie sur du vide, une mise en scène savoureusement singulière, son deuxième film (après Continental, un film sans fusil) prône l’inverse de son titre. Nous ne sommes pas en terrain connu. L'action, sublimée par une belle bande son signée Sagor & Swing, se déroule dans la banlieue de Montréal et offre à voir la vie banale d’un frère et d’une sœur qui ne communiquent plus, ni entre eux ni avec leur entourage. Des êtres fermés, comme temporellement bloqués, en proie à une sorte de déshumanisation progressive. La fille, interprétée par Fanny Mallette, elle, n’a plus rien à dire à son cycliste (d’appartement) de mari. Le fils (Francis La Haye), lui, porte des tee-shirts ringards, se fait aboyer dessus par un gamin tête-à-claques et se bat contre des bonhommes de neige. Un duo qui n’a plus rien en commun si ce n’est une gravité sombre et une lassitude générale. En clair, dans le film, tout le monde s’emmerde. Sauf le spectateur.

C’est la grande prouesse de Lafleur que d’avoir su aborder l’ennui, le temps qui s’écoule lentement, la grisaille de l’hiver québécois, l’absence de communication et l’indifférence à vivre en captivant réellement son public d’un bout à l’autre. C’est finalement en gardant le mystère sur à peu près tout ce qui jaillit du film (les prédictions bizarres d’un homme du futur, les étranges accidents qui rythment le récit, les questionnements intérieurs des protagonistes), que Lafleur en dit long. Décalé, réjouissant et vraiment très drôle par instants (mais attention que de l’humour noir), En terrains connus, curiosité fascinante que l’on vous encourage vivement à découvrir, s’amuse de ses silences et se joue constamment de l’idée du "morcellement". Bras humains coupés, membres de mannequins à recoller, famille décomposée. Autant de puzzles pour une seule vérité : tout se répare, si peu que l’on prenne la peine de le vouloir.

Sortie : le 29 février 2012.

[Critique] UNDERWORLD - NOUVELLE ERE (Underworld : Awakening) de Måns Mårlind & Björn Stein

2012-02-17T09:01:00.003+01:00

On pensait en avoir terminé avec la saga Underworld, il y a 3 ans, avec l’épisode moyenâgeux de Tatopoulos. Avec la combi en cuir de Kate Beckinsale aussi, qui avait laissé le soin à Rhona Mitra de prendre la relève. Et pourtant. Voilà que (presque) tous nous reviennent pour un quatrième tour de manège vampirique. Une renaissance, à tous les niveaux. Quatrième opus d’une franchise qui rapporte pas mal, Underworld : Nouvelle ère s’impose comme la meilleure des suites données au premier épisode de Wiseman. Sans s’encombrer de psychologie ou de quoi que ce soit d’autre (en 3 minutes top chrono l’ouverture résume aux amnésiques les péripéties précédentes), le duo suédois Mårlind et Stein carbure à l’action pure: gunfights en folie, rythme furibard et instantanés gores. Le film dure un petit 1h15, mais tout y est: pas un plan en trop, pas une seconde d’ennui. C’est fait sans fioriture et avec un maximum d’honnêteté : on n’est pas là pour blablater, mais pour flinguer tout ce qui bouge. Lycans, vampires, mais surtout humains, qui occupent une place bien plus importante dans ce volet-ci.

Comme Selene se réveille après une longue période de cryogénisation, le monde autour d’elle a changé. Le grand écart avec la proposition de Tatopoulos est total : ici, on est dans un univers mi-futuriste mi-gothique, qui a une certaine allure. Faut dire que les deux réalisateurs ont plutôt bien soigné l’imagerie SF du film, utilisant à merveille la froideur urbaine de Vancouver. Côté mise en scène, ce ne sont pas des manchots, chose qu’ils nous avaient déjà prouvé avec Le silence des ombres (Shelter), sorti l’année dernière, qui possédait malgré un scénario faiblard une forte identité visuelle. Underworld 4 déboule donc avec la subtilité d’un éléphant mais garde tout du long la tête haute. Violence, vitalité et vitesse, en formule magique.

[Critique] LE TERRITOIRE DES LOUPS (The Grey) de Joe Carnahan

2012-02-16T09:01:00.002+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Depuis 2003, année qui a vu naître le nerveux et incroyable Narc, on avait oublié de quoi était capable Joe Carnahan. Avec cette adaptation d’une nouvelle de Ian Mackenzie Jeffers (Ghost Walker), le cinéaste américain nous le rappelle. Et pas qu’un peu. Son Territoire des Loups est un film musclé et (mais ?) époustouflant, survival en haute montagne esthétiquement très intéressant, viril mais pas pour autant dénué de sensibilité, privilégiant l’action sans dénigrer l’émotion, tendu d’un bout à l’autre et plus subtil que ne le laisse paraître le script de départ. Du tout bon sur toute la ligne ? Oui. Carnahan, qui colle aux basques des sept survivants d’un crash d’avion, tire le meilleur de tout ce qui l’entoure. Il capte les moindres soubresauts du cadre menaçant, sauvage, féroce (avec à la fois cette suprématie de la nature, et, cette meute de loups lancée à la poursuite des hommes), toute la beauté des paysages (le tournage s’est déroulé en Colombie-Britannique, au Canada). Mais aussi, toute la fougue de sa bande d’acteurs, tous excellents- Dallas Roberts (The L Word), Dermot Mulroney (Le Mariage de mon Meilleur ami) et Liam Neeson (qu’on ne présente plus) en tête. Son scénario, lui, possède mille facettes.

Dans Le Territoire des loups, on peut tout y voir : à première vue, un divertissement efficace, mené avec ardeur, teinté d’une nostalgie nineties (Cliffhanger, Vertical Limit) ; plus profondément : une épopée au parfum de mort, belle traversée immaculée, sans espoir, élégiaque. C’est simple : Carnahan, en transformant ces montagnes d’Alaska en véritable purgatoire, nous livre un entertainment de luxe. Il insuffle une humanité crédible à des protagonistes a priori antipathiques, vus et revus ; il évoque des thématiques riches (la foi notamment) avec un sérieux et une justesse rares (voire inexistantes) dans ce type de long-métrage, et, surtout, il ne cherche jamais à plaire : cadrages audacieux, refus du show hollywoodien, mise à nu de ses hommes. Le Territoire des Loups prend son temps. De pleurer ses morts, d’écouter le vent, d’explorer et les âmes et l’espace. Et s’il est finalement très sombre, ce n’est que pour mieux célébrer la vie.

Sortie : 29 février 2012.

[Critique] LA DESINTEGRATION de Philippe Faucon

2012-02-15T01:02:00.000+01:00

Philippe Faucon est un cinéaste intéressant. Toujours, il mêle intimisme et problématiques sociales : séropositivité dans Sabine, choc culturel dans Dans la vie, lutte d’une ado maghrébine dans Samia. Avec La Désintégration, il s’intéresse au terrorisme moderne, ces kamikazes et fous d’Allah, prêts à sacrifier leurs propres vies au nom de leurs idéaux. Qu’est-ce qui pousse un individu à la folie extrémiste ? Comment l’être peut-il basculer dans la violence et la haine ? Le sujet est épineux, le traitement- lui- intelligent. Ses trois futurs meurtriers, Faucon les filme dans leur quotidien lillois, familial. Dans leur banlieue triste et leur galère de tous les jours. Ils sont socialement exclus, ne trouvent pas de boulot, n’arrivent pas à s’intégrer, ont des mères, des sœurs, des frères. Le titre annonce la couleur: désintégration pour un processus inverse à celui désiré (l’intégration dans la société française), désintégration pour un corps sacrifié, qui part en miettes, symbole d’une non issue, d’une revendication ultime.

Ces trois jeunes de banlieue, qui basculent peu à peu dans un groupe islamiste radical, jusqu’à commettre le pire au siège de l’OTAN à Bruxelles, Faucon les filme comme des mecs lambdas, désespérés, humains, décortiquant l’engrenage du mal à hauteur d’hommes, sans excuser, sans vouloir comprendre, préférant les faits aux grands discours. Dans le fond, il n’y a rien de plus. L’envie simple, mais puissante, d’exposer au grand jour les causes, et conséquences du pire. La pourriture progressive d’une situation. L’envers du concept de terrorisme. Formellement, le film a de beaux atouts de son côté. La mise en scène est forte, le montage sans bavure, l’interprétation saisissante (on pense notamment à l’excellent Rashid Debbouze, frère de Jamel). Le drame de société, politique, ancré dans l’actualité, ne se limite alors pas à l’illustration documentaire, mais possède de vraies forces cinématographiques. Impressionnant, au vu du budget réduit.

[Critique] HOWL de Rob Epstein & Jeffrey Friedman

2012-02-15T01:01:00.000+01:00

"I saw the best minds of my generation destroyed by madness, starving hysterical naked... ", commence Allen Ginsberg dans son poème en quatre parties, intitulé Howl (hurlement), point de départ au mouvement littéraire de la Beat Generation, mené par des intellectuels libres et libérés qui n’avaient comme armes que leurs mots. Kerouac, Cassady, Burroughs… des figures aujourd’hui célèbres et reconnues, "juste des mecs qui voulaient être publiés", raconte Ginsberg face caméra. Pour incarner le poète torturé, talentueux et homosexuel, Rob Epstein et Jeffrey Friedman ont choisi James Franco, dont la sensibilité (littéraire) et la sensualité (masculine) emplissent chaque image, chaque réflexion, chaque mot qu’il prononce. Que ce soit lors d’une récitation publique, dans un café de San Francisco, qu’au cours d’une interview fictive qui sert de colonne vertébrale au film, Franco incarne Ginsberg avec justesse et passion. On le sent impliqué, tout comme les deux cinéastes dont ce n’est pas le premier essai en la matière puisqu’ils ont déjà signé The Times of Harvey Milk (Oscar du Meilleur documentaire) sur l’homme politique incarné par la suite par Penn chez Van Sant (et où jouait d’ailleurs James Franco lui-même). Et, puisque le monde est petit, Gus Van Sant produit ce Howl-ci, ni tout à fait fiction, ni tout à fait docu, quelque part en équilibre, entre poésie et cinéma, animation et jazz, revendication et introspection.

On est en 1957, où se tenait le procès de Lawrence Ferlinghetti, éditeur du dit poème, blâmé pour la publication de Howl, accusé d’obscénité. Le débat à la Cour prend des allures de cafés littéraires, puisque l’on y discute à la fois la nature d’une œuvre d’art, le droit à la liberté d’expression, l’(in)utilité de la censure, et la place de la poésie dans la littérature. Autant vous dire que Howl est intellectuellement stimulant, un vrai plaisir pour les méninges, et les oreilles (le film est entrecoupé de lectures d’extraits du poème). La réussite suprême de l’entreprise est d’avoir rendu tout ceci passionnant d’un bout à l’autre. Non, ce n’est pas un cours magistral d’1h30 sur l’icône d’une contre-culture, mais bien une expérience cinématographique qui ne ressemble à aucune autre, justement parce qu’à l’instar de Ginsberg, elle réinvente une forme. Ainsi, les séquences d’animation se mêlent-elles à des allers et venues dans le temps, le noir et blanc succède aux couleurs, et, le portrait d’un homme nu (qui a trouvé dans la poésie le moyen d’exprimer ses douleurs et de se libérer de ses tourments, dont notamment une homosexualité-fardeau qu’il vivait comme une malédiction), côtoie celui d’un grand poète qui a radicalement bouleversé et son époque, et la littérature.

[Critique] LA DAME DE FER (The Iron Lady) de Phyllida Lloyd

2012-02-15T01:00:00.000+01:00

On se souvient encore (honteusement) d’une Meryl Streep la larme à l’œil, chantonnant du ABBA sur une plage dans Mamma Mia!, parenthèse mélodramatique, kitch et grossière, signée Phyllida Lloyd. Et donc c’est la même réalisatrice qui se lance dans un biopic sur Margaret Thatcher ? Oui. Bigre ! Nous voilà bien embêtés. A la sortie du film : deux constats. D’un côté, on a le numéro monstre d’une actrice qui n’a plus rien à prouver (LA meilleure actrice au monde peut-on affirmer sans rougir), de l’autre, une œuvre alambiquée, portrait gâché d’une figure complexe, ou quand la rigueur british d’une femme inflexible croule sous la vision made in Hollywood d’une cinéaste un peu lourdaude. Son film, Phyllida Lloyd le voulait plus humain qu’apolitique, c’est clair. De là à se vautrer dans une telle surenchère de bons sentiments, faut pas pousser. La cinéaste préfère opter pour un portrait sirupeux d’une vieille dame malade, coincée dans ses souvenirs comme au sein de sa luxueuse demeure, plus capable de discerner le vrai du faux, et hantée par le spectre de son défunt mari. On ne parle plus (vraiment) de Thatcher ici, mais d’un personnage au bord de la démence, dont le script brouillon suit le cours de sa pensée.

Dans l’absolu l’idée est bonne ; à travers le prisme biographique, elle n’a finalement que peu d’intérêt. Surtout que le contexte (thatchérisme, guerre des Malouines, conflits avec l’IRA) est feuilleté comme un vulgaire catalogue de faits, réduit à quelques images d’archives balancées par-ci par là, entre séquences surfaites et raccourcis faciles. En gros, Lloyd filme ce qui l’arrange: le combat d’une femme dans un monde d’hommes (sauf que le féminisme latent ne correspond pas vraiment à la réalité), sa détermination à suivre ses idéaux (toujours sous l’angle du dépassement de soi, jamais sous celui de l’ambition et d'un certain bellicisme), et ses batailles politiques (mais son ultralibéralisme et la vague de privatisations dont elle fut à l’origine ne sont qu’à peine évoqués). Complaisant ? Erroné ? Singulier ? Un peu des trois à la fois, mais sûrement pas le portrait sérieux et puissant que l’on attendait.

[Critique] J. EDGAR de Clint Eastwood

2012-02-14T09:01:00.003+01:00

De mai 1924 à mai 1972, de Coolidge à Nixon, J. Edgar Hoover fut le grand patron du FBI. Un personnage aux multiples zones d’ombres qui a passé sa vie à traquer les secrets d’autrui tout en masquant le mieux possible le sien : une homosexualité latente, refoulée, un amour fou (et réciproque) pour son bras droit Clyde Tolson. Si le film est séduisant de tous côtés- politiquement, historiquement, cinématographiquement- il trouve son supplément d’âme dans ce paradoxe-là, cette faille dans laquelle s’engouffrent Clint Eastwood, par goût du non-dit, et Dustin Lance Black, scénariste oscarisé pour Harvey Milk, visiblement très attiré par la thématique. Fils à maman (Judi Dench, au passage impeccable), fin stratège, figure de pouvoir, monstre de détermination, petit garçon effrayé : J. Edgar Hoover est disséqué sous toutes les coutures.

Incarné par l’acteur-à-tout-faire Leonardo Di Caprio, l’un des plus grands comédiens de notre époque (oui, oui), l’homme qui a indubitablement marqué son temps, irrité autant que fasciné, bouleversé les acquis (accès à l’information, espionnage, débats juridiques) et questionné les consciences se transforme en étonnant protagoniste de cinéma. Du pain béni pour Eastwood qui puise dans la richesse psychologique de son personnage, matière à passionner. Son biopic, d’une rigueur formelle toujours remarquable, captive de bout en bout. Comme à l’accoutumée chez le cinéaste, l’élégance apparente ne cache rien de moins qu’une immense précision, et la pudeur générale dissimule de grands tourments intérieurs. Même s’il on reste bien en deçà des chocs émotionnels que furent Gran Torino ou Million Dollar Baby, J. Edgar est un film à saluer, qui conjugue Histoire et humanisme, délicatesse et politique. Avec classe, et sobriété.

[Critique] MARGIN CALL de J. C. Chandor

2012-02-13T09:01:00.000+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Calme olympien, licenciements méthodiques, atmosphère glacée et cadrages sophistiqués : Margin Call débute fort. Avec ce film ultra moderne, puisqu’il y contemple la crise économique de l’intérieur, J.C. Chandor revient, le temps d’une nuit charnière, sur la crise des sub-primes et la chute d’une firme d’investissement new-yorkaise. Wall Street à hauteur d’hommes, et de femmes, coeur d’un capitalisme gangréné et mourant. Afin de suivre cette équipe de traders, avant le drame, le cinéaste fait preuve d’une inventivité incroyable pour rendre excitant l’univers a priori rébarbatif des finances : ici, point d’avalanches de termes complexes (même s’il y en a) ou de fiction documentaire ennuyeuse. Au contraire, il choisit de raconter son récit sous la forme d’un thriller catastrophe : suspense, temps de crise, et dommages collatéraux y compris.

Ses acteurs, tous impeccables (de Kevin Spacey à Demi Moore, en passant par Stanley Tucci, Simon Baker, Jeremy Irons, Zachary Quinto ou encore, Paul Bettany), offrent chair et vie à des figures qui restent pour le moins abstraites pour le commun des mortels. Des costumes-cravates, dominant le monde du haut de leur tour, et dont la moindre décision a des répercussions sur le monde tout entier. Sans jamais se montrer critique (on est pas là pour ça), J.C Chandor réussit tout de même le tour de force de glisser quelques plans qui en disent plus que de longs discours : ces deux boss, entourés d’une femme de ménage, qui s’inquiètent de leur avenir, un jeune trader sorti de la fac qui éclate en sanglots dans les toilettes parce qu’il va se faire virer, ou des vieux de la vieille qui tournent le dos à toutes éthiques pour être en mesure de payer leurs nombreux crédits. “ Fuck normal people !”, dit l’un d’entre eux. Une exclamation qui résume à elle-seule Margin Call: il n’y a pas de place pour l’humain au milieu des chiffres et des écrans d’ordinateurs.

Sortie : le 4 avril 2012.

[Critique] ANOTHER HAPPY DAY de Sam Levinson

2012-02-11T11:01:00.001+01:00

Le célèbre "Familles, je vous hais" de Gide a servi de terreau à bien des longs-métrages, les plus réussis se trouvant côté indie à l’image du danois Festen de Thomas Vinterberg ou des américains Rachel se marie de Jonathan Demme et American Beauty de Sam Mendes. Au-delà d’être très cinématographique (comédie, drame, voire film d’horreur : le sujet permet toutes les audaces !), la famille révèle surtout les dessous d’une époque ("la base des sociétés", écrivait Balzac). Lorsque l’on scrute de près le noyau dysfonctionnel de celle dont il est question dans le très cynique (rien qu’au titre) Another Happy Day, on comprend bien des choses. A chaque personnage, un maux moderne. La jeune fille se mutile (subtile Kate Bosworth), l'ado (Ezra Miller, qui ne lasse pas) noie son mal-être dans des mélanges explosifs (alcool, médocs, pétards). La mère, elle, (géniale Ellen Barkin), symbolise une réalité générationnelle, ces femmes seules, délaissées par leurs maris (Thomas Hayden Church) pour d'autres plus tape-à-l’œil (Demi Moore). On y entrevoit aussi, subtilement, les mutations de modes de communication : les plus vieux ne disent rien, les parents ravalent leur colère, les jeunes la retournent contre elle.

Du petit microcosme, réuni à l’occasion d’un mariage, Sam Levinson, fils de Barry (Good Morning Viet Nam, Rain Man), 26 ans et déjà le Prix du meilleur scénario à Sundance, glisse vers l’universel et une autopsie générale de toute la société américaine (voire la société tout court). Plutôt pas mal donc. Aussi, il a su s’entourer : le casting quatre étoiles ainsi que l’agréable bande son (merci Olafur Arnalds) enrobant sa sucrerie acide en sont pour beaucoup dans la réussite du film. En outre, l’écriture, incisive et précise, dissèque avec justesse la psychologie de ces victimes-bourreaux, prises au piège d’un conditionnement aux allures de supercherie. Et, parce qu’il désamorce toute la violence du récit par des éclairs d’humour noir bien sentis, et quelques séquences muettes et en musique, Levinson fils ne perd pas pied au cœur des hystéries.

[Critique] DEVIL INSIDE de William Brent Bell

2012-02-11T09:01:00.001+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Devil Inside, c’est le buzz du moment. Démarrage en trombe outre-Atlantique, recettes incroyables au box-office, 1 million de dollars de budget pour 35 millions de bénéfices. Dur, dur lorsque l’on sait qu’il s’agit ni plus ni moins que du pire film jamais réalisé sur le thème de l’exorcisme. Si l’on pouvait trouver certaines qualités aux succès récents en la matière (Phénomènes Paranormaux, Le Dernier exorcisme ou même Paranormal Activity 3), ce Devil Inside est impossible à défendre tant il repose sur une vacuité monstre. Des acteurs (Fernanda Andrade, Simon Quarterman) au concept (le faux documentaire), de l’intrigue (des possédés, des exorcistes, des démons) à la mise en scène (caméra subjective), tout empeste le réchauffé et l’opportunisme. C’est clair, ce film a été produit pour gonfler les poches de la Paramount. Le plus horrible dans tout cela, c’est que ça marche.

Le film, donc, reprend les ficelles du found footage, terme nouvellement à la mode qui définit un genre initié par Blair Witch, où l’on retrouve de prétendus vrais enregistrements visuels de personnes fictionnelles, préférablement mortes ou disparues. Partant de là, on assiste au tournage amateur d’une jeune fille en quête de vérité : sa criminelle de mère est-elle folle ou possédée ? William Brent Bell (qui signe aussi le scénario pitoyable) déroule alors les écueils habituels du genre : opposition science/religion, séquences chocs (merci à l’incroyable contorsionniste) et grand-guignolesque. Il aurait pu le faire avec une habilité certaine, à défaut d’originalité, mais ce n’est même pas le cas : Rome est américanisée jusqu’au ridicule, les prêtres ressemblent à des ados, et les beuglements du diable nous feraient presque piquer du nez. Faut pas pousser.

Sortie: le 22 février 2012.

[Critique] THE CRYING GAME de Neil Jordan (1992)

2012-02-10T09:01:00.000+01:00

Avant Entretien avec un Vampire (93), ou les récents A Vif (2007) et Ondine (2009), Neil Jordan remportait l’Oscar du meilleur scénario avec The Crying Game, époustouflant jeux de faux semblants et bouleversante rencontre de personnages. Pour se délecter au mieux de ce film à tiroirs, sensible et audacieux, il faut en savoir le moins possible. [ La suite de la critique ne contiendra donc aucun spoiler]. Tout débute au beau milieu d’une fête foraine: Jody (Forest Whitaker), soldat britannique, est enlevé par l’IRA, pris en otage, menacé d’exécution. Lors de sa détention, il se lie d’amitié avec l’un des kidnappeurs, Fergus (Stephen Rea), homme au grand cœur malgré ses activités politiques extrémistes. Se croyant condamné, Jody lui fait promettre de retrouver Dil (Jaye Davidson), une femme dont il est éperdument amoureux. Utilisant comme de point de départ, une célèbre nouvelle irlandaise ("A guest of the nation"), Neil Jordan crée une œuvre troublante parce que constamment surprenante.

Dès le départ, les schémas se renversent, se modifient ; les limites sont bafouées, les lignes franchies : le kidnappeur n’est pas le méchant que l’on attendait, l’issue de leur confrontation prend à revers les attentes, le scénario dans lequel nous entraîne Jordan n’est pas celui que l’on croit. The Crying Game, duperie géante au romantisme vénéneux, trompe et émeut tout à la fois. La suite de l’histoire dévoile des enjeux jusque là insoupçonnés, et, même si l’on pressent LA grosse révélation du milieu (qui a bâtit toute la réputation du film), l’essentiel n’est pas là, le cinéaste trouvant un second souffle dès l’instant où le secret est éventé. Se concentrant sur des protagonistes touchants et atypiques, revisitant les codes et du film noir et du film d’amour, Jordan déroule une belle réflexion sur la nature humaine et individuelle, et le rapport à la différence. Du jamais vu.

[Critique] MARTHA MARCY MAY MARLENE de Sean Durkin

2012-02-08T11:01:00.001+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Parfois, des pépites jaillissent de nulle part; des chocs incroyables auxquels on ne s’était pas préparés. Le premier film de Sean Durkin (producteur du déjà troublant Afterschool) est de cela. A ranger tout droit auprès des All the boys love Mandy Lane de Jonathan Levine, Putty Hill de Matthew Porterfield, ou autres Animal Kingdom de l’australien David Michôd. Des premiers grands sauts mémorables dans le cinéma. Martha Marcy May Marlene, ce sont les différents noms que se donne (ou se voit donnée) une héroïne en miettes, psychologiquement fragmentée, dissociée à la fois d’elle-même et de la réalité. Les responsables ? Un leader charismatique (effroyable John Hawkes) et une communauté de femmes hippies, à ses ordres, dans un coin paumé de l’Amérique. Le mot n’est jamais, jamais prononcé mais s’inscrit violemment dans nos esprits, comme le gourou viole cœurs et corps : " secte ". En voilà un film bouleversant, malsain, maîtrisé comme jamais, que l’on n’est pas prêts d’oublier !

Son malaise, son atmosphère, ses éparpillements temporels laissent des traînées poisseuses dans les têtes et des fulgurances sublimes dans les yeux. C’est une première œuvre, mais elle est sublime, transcendée par l’interprétation saisissante de la débutante Elizabeth Olsen (sœur de Mary-Kate et Ashley) à qui l’on prédit une immense carrière. Mélange improbable entre une Maggie Gyllenhaal et une Natalie Portman, la jeune actrice incarne une sorte de Vierge Suicidée de Coppola, qui aurait croisé la route de la mauvaise personne, celle du démon personnifié. Son enfer, entièrement intériorisé, est dévoilé à l’écran avec une finesse folle, à coups de distorsions sonores, alternance de brutalité et de flottements, et, intelligence du point de vue. Le regard est mature, le film, lui, est très (mais alors très) dérangeant.

Prix de la mise en scène à Sundance en 2011

Sortie : le 29 février 2012.

[Critique] EN SECRET (Circumstance) de Maryam Keshavarz

2012-02-08T09:01:00.002+01:00

Aujourd’hui, le cinéma iranien est le terrain de la liberté d’expression et de la dénonciation. Une voix qui s’élève. Qui s’insurge. Que l’on entend. De Mohammad Rasoulof (Au Revoir) à Asghar Farhadi (Une séparation), les cinéastes sortent du silence, dénoncent l’étouffante société iranienne, l’absence de liberté, la réalité d’un régime qui nie l’individu. Maryam Keshavarz, elle, jeune réalisatrice née en Iran mais vivant aux Etats-Unis, va encore plus loin dans le subversif, et ose évoquer sans tabou la jeunesse iranienne au travers d’un triangle amoureux : Atafeh (Nikohl Boosheri), Shireen (Sarah Kazemy), et Mehran (Reza Sixo Safai). Une sœur et un frère qui se disputent la belle Shireen, dans un Téhéran répressif où l’on se cache pour faire la fête, ou pour doubler des films américains. Hantées par des visions fantasmées d’une Amérique terre d’émancipation, les deux jeunes femmes se rêvent autres, sur du Bonnie Tyler ou dans des visions érotico-cheap d’une romance lesbienne qu’elles pourraient assumer, envisager.

La figure masculine, au centre, qui les sépare, représente à elle seule toute la société iranienne, renvoie à la rigueur imposée par la pratique religieuse, à la toute puissance offerte aux hommes, à l’intolérance, le cloisonnement, la surveillance constante des individus (cf. ces caméras qu’il dispose dans toute la maison). Keshavarz mène son film comme un combat : avec beaucoup d’énergie, de souffle lyrique, de naïveté aussi. Car elle épouse constamment le point de vue des deux amoureuses : deux mains qui s’effleurent, des regards comme seules promesses possibles, des amours pleines d’espoir. Au final, le film abandonne la violence (latente) pour se concentrer sur le positif : se délivrer de ses chaînes, dire, vivre, aimer. Le message, derrière l’emballage très adolescent, n’en est pas pour autant édulcoré. Derrière la bluette entre filles, il y a une vraie lutte politique. L’essentiel est dit. Le résultat est, lui, un modèle d’audace et de courage.

[Critique] LA DAME EN NOIR (The woman in black) de James Watkins

2012-02-07T09:01:00.003+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Pour négocier le virage un peu rude de l’après Harry Potter, Daniel Radcliffe n’a pas choisi un genre radicalement opposé à celui qu’il côtoyait sur le plateau de l’une des sagas les plus rentables du cinéma : il y a l’atmosphère sinistre des lieux anglais, une poignée d’enfants menacés, un monstre à combattre. Autre point commun : il s’agit également de l'adaptation d’un roman, The Woman in Black de Susan Hill. L’action, située au 19ème siècle dans un village paumé au fond de la campagne anglaise, voit Arthur Kipps, jeune notaire, endeuillé et londonien, contraint d’aller régler la succession d’une défunte dans une maison hantée. Ambiance lugubre et fantômes derrière les portes sont au programme de La Dame en noir, sorte de croisement raté entre trip gothique et yurei eiga (film de fantômes japonais). Hélas, James Watkins, que l’on avait trouvé plus inspiré avec Eden Lake, déçoit.

Que ce soit son spectre vengeur et en colère (désincarné), son personnage principal (fade), ou son intrigue (ridicule brindille) : il échoue à mettre en place une mécanique maligne et angoissante. Multipliant les jump scare (ces ombres soudaines, portes qui claquent subitement, et autres réjouissances), Watkins laisse apparaître un sérieux manque d’imagination, et peine à introduire, dans un univers pourtant propice à cela, folie mélancolique, richesse émotionnelle, et complexité psychologique. A la place, il suit des chemins balisés, et hautement ennuyeux : les ficelles y sont grossières, les frissons de pacotille. Quant au jeu de Radcliffe, il est aussi terne que le teint blafard des fantômes du récit. On zappe.

Sortie : le 14 mars 2012.

[Critique] LOST IDENTITY (Wrecked) de Michael Greenspan (2011)

2012-02-06T09:01:00.002+01:00

Wrecked n’a pas de chance : il arrive après la bataille. Sur un même sujet (le survival d’un homme seul face à la nature), Boyle et Skolimowski ont, l'année dernière, respectivement accouché de deux trips stupéfiants (127 heures et Essential Killing). A côté, le premier essai de Michael Greenspan, et ce même s’il possède quelques bonnes trouvailles, fait pâle figure. A l’instar de James Franco et Vincent Gallo, Adrien Brody livre une prestation épatante en homme blessé, amnésique, forcé à la survie. Le film repose entièrement sur ses solides épaules. Avec une composition subtile et nuancée, aux confins de la folie comme au cœur des flashs de lucidité, il défend avec ardeur le projet (pour le coup, il est aussi l’un des producteurs exécutifs du film). Grâce à lui, le sort de ce personnage sans passé et sans identité nous importe. En outre, l’identification est possible, non pas parce que l’inconnu est jugé (socialement), ou collé dans une case (gentil, méchant), mais parce qu’il nous apparaît dans toute sa nudité d’humain : un bloc d’émotions, des besoins (manger, boire, pisser), une infériorité indubitable face au règne animal, et naturel.

Greenspan, en passant d’un manichéisme redouté à un humanisme surprenant, fait mouche. Coup double d’ailleurs puisqu’on ne sait jamais (avant la fin un peu trop explicative) si Brody se situe du bon côté de la ligne ou non. Pourtant cela ne fonctionne pas à 100%. En masquant l’âpreté du survival, le cinéaste affiche clairement ses intentions : il voulait avant tout un thriller, un petit film concis et bien monté pour divertir. Pas un film de genre. Un choix qui l’empêche de creuser des pistes pourtant alléchantes (religieuses ou spirituelles), et qui le limite/condamne au strict minimum.

[Critique] ALBERT NOBBS de Rodrigo Garcia

2012-02-05T09:00:00.001+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Filmer le destin d’une figure pathétique avec dignité est un sacré challenge. Et si Rodrigo Garcia ne signe pas, en bout de ligne, un film exempté de défauts, il fait preuve d’une subtilité remarquable. Entre travestissement social nécessaire (une Irlande du 19ème siècle éminemment patriarcale) et homosexualité inexprimée (raison de son incapacité à exprimer sa féminité), voici Albert Nobbs. Le majordome d’un hôtel pour riches, qui économise sagement depuis des années pour lancer son propre commerce. Derrière les apparences délicates, mais masculines, d’Albert, se cache en fait… une femme. Et une actrice : Glenn Close, qui depuis 82 où elle interpréta le personnage sur les planches, n’a cessé de se battre pour voir naître cette histoire sur grand écran. Chargé de cette mission hautement casse-gueule, un habitué du genre (le portrait de femmes), Rodrigo Garcia, qui après Ce que je sais d’elle d’un simple regard, Mother & Child et Nine Lives, se lance dans un challenge difficile puisque l’on se trouve ici à la fois dans le littéraire (c’est une adaptation d’une nouvelle de George Moore), et dans la théâtralité (pièce signée Simone Benmussa). Hélas, cela se ressent à l’écran : le microcosme bourgeois- filmé dans un lieu unique- reste figé et ne prend jamais vie ; l’émotion, elle, ne passe pas, et ce malgré l’intense composition de Glenn Close.

Toutefois, les thématiques sous-jacentes se révèlent suffisamment puissantes et intéressantes pour masquer les faiblesses d’une mise en scène aussi invisible que l’est Albert au reste du monde. De cet être fragile et asexué, Garcia tire beaucoup de belles pistes de réflexions. Le plus souvent paradoxales d’ailleurs puisque, si l’on a des femmes/hommes fortes et déterminées, les hommes (Jonathan Rhys Mayer et Aaron Johnson), eux, voient leur virilité écorchée. En effet, le trio qui compose le film dévoile des hommes tour à tour infidèles, lâches, stupides. La force d’Albert Nobbs (et de Garcia), enfin, c’est d’avoir trouvé le parfait dosage entre fantasmes (symbolisés par Mia Wasikowska) et cruauté, drôlerie et férocité. Souvent, on rit des quiproquos, sous-entendus et autres non-dits, mais jamais on ne rit aux dépens de. Et ça, c’est un bel exercice de finesse.

Sortie: le 22 février 2012.

[Critique] MONSIEUR LAZHAR de Philippe Falardeau

2012-02-04T16:26:00.004+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Monsieur Lazhar fait parler de lui : s’invite sur toutes les lèvres, brille dans les festivals (de Toronto à Locarno), jusqu’à obtenir une nomination aux Oscars dans la catégorie meilleur film en langue étrangère. Mais, qui est-il ? D’abord, le héros d’une belle et poignante histoire, basée à Montréal, moins un film sur le deuil que sur l’importance de la communication dans l’art d’enseigner. Interprété par l’excellent comédien Fellag, inconnu en France, ce vrai/faux instituteur aux origines algériennes remplace au pied levé feu Martine, une prof dont on ne saura rien si ce n’est son corps ballant, au bout d’une corde, l’irréparable. Le geste, amené avec autant de délicatesse que de violence lors d’une intro saisissante, a plusieurs répercussions et pose, avec intelligence, différentes problématiques sur la table: comment un enfant appréhende-t-il le deuil ? Que signifie ce suicide au sein d’un milieu éducatif québécois rigide ? Mieux : il amène en filigrane une réflexion sur l’immigration au Québec, la difficulté de s’intégrer, les fossés culturels, le racisme latent de certains.

Philippe Falardeau, après Congorama et La moitié gauche du frigo, met en place une mécanisme fluide, parfaitement huilée, aux accents tragico-tendres véritablement subtils. Il aborde la mort sous divers points de vue, sans jamais sombrer dans le glauque ou le trop plein de noirceur. On pénètre le monde plein d’émotivité des enfants, celui, glacé et glacial, des adultes, et enfin, celui du mystérieux Monsieur-titre, qui cache derrière une jovialité apparente des plaies de souffrance encore béantes. Pourtant tiré d’une pièce de théâtre d’Evelyne de la Chenelière, le film respire le cinéma. Et la vie, aussi. Avec un sujet aussi sombre, il en va du petit miracle. En quelques flashs, d’une beauté foudroyante parce qu’authentique, Falardeau serre le cœur, et tape du poing sur la table. En mariant à la perfection forme et fond, il rappelle que, ni le 7ème art, ni les enseignants, ni personne, ne peut théoriser l’émotion.

Sortie : le 5 septembre 2012

[Critique] MELISSA P. de Luca Guadagnino

2012-02-03T09:01:00.000+01:00

Adapté du roman 100 coups de brosse avant d’aller dormir, le film de l’italien Luca Guadagnino (bien plus inspiré dans le récent Amore) prend tout naturellement la forme du journal intime, celui de Mélissa, 15 ans, ado perturbée et en manque d’amour. En quatre temps (pour les quatre saisons), il suit sa descente aux enfers- quelque part entre le Thirteen d’Hardwicke (sans le trash) et les Mauvaises Fréquentations d’Améris (le glauque en moins). La métamorphose d’une jeune sicilienne sans histoire en nympho masochiste et paumée (belle composition de María Valverde) avait quelque chose de bouleversant sur le papier, une force (destructrice), une puissance (littéraire) que ne retrouve jamais Guadagnino à l’écran, un peu écartelé entre son désir de choquer, et le public auquel il s’adresse (les jeunes filles).

Au final, Melissa P. est un film qui, en suggérant la crudité, loupe le cœur de son sujet : l’autodestruction d’une fille lambda, la violence des pulsions sexuelles adolescentes. L’édulcoration des parenthèses sinistres que s’inflige la jeune héroïne, en réaction à l’indifférence maternelle, annihile toute la force d’un récit trouble, qui ne retrouve pas à l’image la puissance évocatrice des mots. La spirale, la douleur, le mal-être de Melissa sont conceptualisés, plus esquissés qu’évidents, et sa souffrance indicible, que l’on souhaitait en uppercut, ne frappe jamais au coeur. Par trop de sagesse, et manque de cran.

[Critique] BOSTON STREETS (What Doesn't Kill You) de Brian Goodman (2008)

2012-02-02T09:01:00.000+01:00

D’emblée, on nous le dit : ce film se base sur des faits réels. Pour Brian Goodman, ex-voyou bostonien, choisir la carte de l’intime face à celle du sensationnalisme, est une manière de témoigner de son passé et de son vécu loin du bling bling habituellement associé au genre : son héros (superbe Mark Ruffalo) n’est qu’un homme perdu, torturé, une figure humaine avec des responsabilités (femme et gamins) et des doutes, en marge de l’image idéalisée du gangster. Faut dire, la rue, les petits larcins, la taule, Goodman connaît. Après être passé par la case Toronto, c’est en DTV que sort chez nous Boston Streets (nouvelle traduction fantaisiste du "What doesn’t kill you " originel). Un film jugé peu vendeur, sûrement parce qu’il ose emprunter des chemins nouveaux, à l’heure où les films policiers transforment les petites frappes en monstres de cinéma. Rappel à l’ordre du cinéaste : la réalité est toute autre. Apre, grise, froide. Et le voyou, lui, galère, s’embourbe dans l’échec, finit par perdre l’estime de ses proches.

C’est formellement aussi que le film s’éloigne volontairement de toute action fantasmée : les actes de violences y sont brutaux, moches, peu esthétisés, à l’image d’un montage sec qui ne cherche pas l’esbroufe. La violence comme spectacle ? Non merci, dit Goodman, dans ce film-rédemption aux lenteurs et à la froideur voulues. Ce qui l’intéresse ici, c’est de suivre la descente aux enfers (drogue, prison, ruine) d’un homme conditionné dès son enfance, et qui parvient à s’extirper- par ses choix- de sa condition. C’est un film couillu, non pas parce qu’il déborde d’explosions et de séquences d’action musclées, mais parce qu’il choisit l’émotion, le réalisme, le coeur. "Cela m’a pris 50 ans pour apprendre qu’un homme pouvait pleurer", fait dire Goodman à l’un de ses personnages. C’est simple mais courageux, à l’image du long-métrage tout entier.

[Critique] BUFFALO 66’ de Vincent Gallo (1999)

2012-02-01T09:01:00.000+01:00

C’est sur une banale envie de pisser que débute la love story atypique de Buffalo 66’. Avec cette rencontre improbable entre deux exclus - Billy Brown, taulard fraîchement libéré interprété par le réalisateur lui-même, et une Layla mutique, poupée blonde fragile kidnappée par ce dernier (Christina Ricci)- Gallo effectue ses premiers pas de cinéaste. Libre, dans la forme et le fond, de faire ce qui lui plaît, il signe une œuvre qui ne ressemble à aucune autre, quitte à forcer un peu le trait côté indé. Son personnage principal, qu’il nourrit à coups d’éclairs autobiographiques, lui donne l’occasion de traiter des thèmes habituels (rédemption, peur d’aimer, errance) de manière…inhabituelle. A l’instar des sentiments que le film provoque, l’ensemble est fait de paradoxes et de contradictions : la mise en scène, enveloppée dans un aspect brouillon qui ne cache rien de moins qu’une immense rigueur, regorge de trouvailles ; et, le drame, glauque et grisâtre, est le plus souvent désamorcé par un humour tranchant et pince sans rire.

Gallo jongle ainsi avec les genres, les tons, les ambiances. Même s’il n’échappe pas à un certain nombrilisme, parfois agaçant, il remporte l’adhésion lorsqu’il dévoile, derrière une rage apparente, une sorte de romantisme malade. Au fond, Buffalo 66’ est une vraie comédie romantique : une rencontre, un amour naissant, un happy-end. Sauf que Gallo transcende les codes (montage acéré, travail expérimental sur l’image, folie burlesque), transforme l’amoureuse en otage-potiche, et le don juan en petit garçon apeuré. Le film (tant mieux ou pas) ressemble beaucoup et au personnage principal et à l’auteur : il faut lui arracher un sourire, le forcer à l’étreinte. De cette bataille pour (s’)aimer, Buffalo 66’ s’en tire avec les honneurs, bien qu’un peu rude de prime abord.

[Critique] AU PAYS DU SANG ET DU MIEL (In the land of blood and honey) d’Angelina Jolie

2012-01-31T13:15:00.001+01:00

[AVANT-PREMIERE]

Malgré un engagement revendiqué pour les causes humanitaires et féministes (ses nombreuses adoptions d’enfants défavorisés ou son combat en tant qu’ambassadrice de l’ONU en témoignent), Angelina Jolie se traîne encore l’image d’une sulfureuse femme fatale, une Madame Tomb Pitt Raider trop glamour pour se permettre d’être sérieuse. Pour le coup, sa première œuvre en tant que réalisatrice (et scénariste, et productrice) risque d’en faire taire pas mal, puisqu’il aborde de plein fouet le conflit en Bosnie-Herzégovine. Pour évoquer cette guerre sanglante et meurtrière, elle choisit deux points de vue : celui d’un couple, un soldat serbe et une bosniaque musulmane (superbes Goran Kostic et Zana Marjanovic), et celui des femmes bosniaques, violentées, violées, bafouées dans leur chair. L’ouverture, saisissante, résume à elle seule ses intentions : le couple, amoureux, presque insouciant, s’étreint langoureusement sur une piste de danse. Lorsqu’une bombe explose, elle vient faire voler en éclats à la fois les murs, leur amour, le pays tout entier.

En temps de guerre, plus de lois. La barbarie humaine se dévoile, les atrocités restent impunies, et, les instincts dominateurs masculins refont surface. C’est ce que choisit d’exposer Jolie au grand jour : les tortures, tant physiques que psychologiques, faites aux femmes, les viols répétés dont elles furent les victimes, les ravages d’une guerre, trop complexe pour que les rouages soient ici étudiés. D’ailleurs, quoiqu’en disent les critiques dont elle est l’objet, Angelina Jolie n’a nullement l’intention de prendre parti ou de disserter sur les causes et contextes du conflit. Ce qu’elle montre, c’est la souffrance féminine. Point barre. Evidemment, et ce même si la cinéaste a du mal à rendre fluide ses basculements entre art de la mise en scène (parfois poseuse, souvent remarquable) et horreur du réel, le film est véritablement bouleversant. Jusqu’au crescendo final, clôture malsaine aux allures de tragédie grecque, elle assène de grandes claques au spectateur. Impossible d’en sortir indemnes.

Sortie : le 22 février 2012.

[Critique] LE STRATEGE (Moneyball) de Bennett Miller (2011)

2012-01-29T02:07:00.007+01:00

Le sport a toujours inspiré les cinéastes. Des renaissances inespérées (The Wrestler d’Aronofsky) aux chutes inattendues (Million Dollar Baby d’Eastwood), les films autour de la figure du sportif ont souvent été un terrain privilégié pour les leçons de vie, et de cinéma. Côté coulisses, ils sont plus rares. Plus rares encore à se montrer passionnants. Avec Le Stratège, le tranquille Bennett Miller (3 films en dix ans dont le remarqué Truman Capote) signe une sorte d’anti Enfer du dimanche de Stone, version baseball. A l’instar de Billy Beane, manager des Oakland Athletics, équipe sur le déclin, il a su s’entourer des bonnes personnes : un Brad Pitt inspiré, en révolutionnaire qui s’ignore, Jonah Hill- piqué à Apatow- dans un formidable contre-emploi, et deux scénaristes virtuoses (Aaron Sorkin de The Social Network, et Steven Zaillian). Aussi, un livre : Moneyball, écrit par Michael Lewis, ouvrage qui mixe sport et économie et qui est venu changer les règles de toute une industrie : mentalités, tactiques, regards. Cocktail gagnant.

Le film, lui, en plus d’offrir une plongée excitante dans les dessous du baseball (captivante même pour celui qui n’y connaît absolument rien), raconte une belle histoire : celle d’un homme, abonné à l’échec, qui, à force de persévérance, finit par trouver la victoire (essentiellement personnelle d’ailleurs). Pas question cependant pour le cinéaste de déballer les tics habituels du genre ; il n’y aura donc pas d’embrassades dans les vestiaires, d’ambiance virile, de ralentis poussifs sur les bras levés des vainqueurs. Rien de tout cela. Seulement les yeux d’un homme qui a su y croire lorsque tous le disaient perdu, la sobriété des victoires silencieuses, une mise en scène discrète, mais précise. " Mon horreur de la défaite est bien plus grande que mon envie de victoire. Ca, c’est la différence " dit Billy Bean dans Le Stratège. C’est cette philosophie, adoptée d’un bout à l’autre par Miller, qui transforme une œuvre a priori anecdotique, en puissant moment de cinéma.