1. Wire “Drill” (The Black Session, Pink Flag, 2012, Reino Unido)
2. Demdike Stare “Demdike Stare Meets Shangaan Electro” (Demdike Stare & Hype Williams Meet Shangaan Electro, Honest Jon’s, 2011, Reino Unido)
3. Mark Ernestus presents Jeri-Jeri with Mbene Diatta Seck “Dub Dafa Nekh” (Mbeuguel Dafa Nekh 12”, Ndagga, 2012, Alemanha)
4. Burial “Kindred (edit)” (Kindred EP, Hyperdub, 2012, Reino Unido)
5. Shed “The Praetorian” (The Praetorian/RQ-170 12”, 50 Weapons, 2012, Alemanha)
6. Kassin “Lua do Sol (M. Takara Remix)” (Sonhando Remixes, Coqueiro Verde, 2012, Brasil)
7. Bixiga 70 “Balboa da Silva” (Bixiga 70, Água Forte, 2011, Brasil)
8. Perispirit “Attn: Deficit Disorder (fragmento)” (Spiritual Church Movement, Digitalis, 2012, EUA)
9. Ferran Fages “Llavi Vell (fragmento)” (Llavi Vell, L’Innomable, 2011, Eslovênia [Espanha])
10. Aaron Dilloway “Eight Cut Scars (For Robert Turman)” (Modern Jester, Hanson, 2012, EUA)
11. Matt Elliott “This Is For” (The Broken Man, Ici d’Ailleurs, 2011, França [Reino Unido])

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“Epic bass!”. É assim que o release da 50 Weapons descreve esse single de René Pawlowitz, aqui sob sua alcunha Shed. Além do adjetivo, literalmente, épico, o release rejeita que o lançamento se encaixe em categorias como house, techno, dubstep, etc. E de fato, ainda que exista o flerte com tais gêneros (os subgraves pontuais não nos deixam mentir, pelo menos no que diz respeito a uma certa gramática do dubstep), a sonoridade de Pawlowitz parece adquirir peculiaridades próprias do nível de gente como Aphex Twin ou outros nomes já míticos, recusando, de alguma forma, os batidões mais comuns das pistas atuais. A qualidade crepitante do trabalho remete, quem sabe, ao techno podrão de Andy Stott e, mais recentemente, até de Pete Swanson.

“The Praetorian” começa com um subgrave violento, como socos surdos repetitivos, que se mantém por quase todo sua duração. No decorrer de faixa, synths mais melódicos e atmosféricos vão tomando forma em um tenro equilíbrio entre brutalidade e melodia. Em “RQ-170″ os bpms já são mais velozes, e o clima, igualmente aterrador. Um timbre que lembra uma sirene de alerta e, lá pelo terceiro minuto, a coisa ganha um rumo quase hipnótico, sedutor nas mesmas bases de “The Praetorian”: uma atmosfera tétrica e lúgubre mas que, com toda essa engenhosidade de batidas, frequências e outros detritos, soa convidativa e irrecusável. Se depois desse intervalo de mais de 1 ano sem lançamentos sob o pseudônimo Shed, alguns se perguntavam se a espera por um novo trabalho de Pawlowitz valeria a pena, a resposta parece mais do que óbvia. (Arthur Tuoto)

Ouça The Praetorian e RQ-170

F.C. Judd, ou Fred Judd, como é mais conhecido, é um pioneiro compositor de música eletrônica da Inglaterra. Nascido em Londres em 1914, Judd trabalhou na 2ª Guerra Mundial como operador de um radar ultrassecreto e, a partir de meados dos anos 50, se interessou pelas potencialidades musicais da manipulação da fita magnética, da música concreta e dos geradores de tom da nascente música eletrônica. Dedicou diversos livros ao assunto, construiu seus próprios aparelhos, entre os quais um sintetizador que se antecipou aos similares de Moog, Buchla e Synket. Foi responsável pela primeira trilha sonora de televisão unicamente feita de sons eletrônicos, Space Patrol, em abril de 1963, tomando a dianteira da mais renomada e famosa Dr. Who. Judd produziu música geralmente sob comanda e seu período de maior atividade foi ao longo dos anos 60. Na década seguinte, seu entusiasmo esmoreceu com o pouco reconhecimento e Judd acabou vendendo seu equipamento. Morreu em 1992. Electronics Without Tears é uma compilação organizada por Ian Helliwell e nela Judd mostra suas composições e explica seus processos de trabalho. (RG)

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Existe um claro apelo hoje pelas mais pioneiras experimentações com música eletrônica e manipulação de fita dos anos 50-60. Como toda época que vive seu apogeu e vê seu terreno ser aos poucos organizado e sedimentado, com um número cada vez menor de inovações significativas, o período anterior passa automaticamente a soar como algo selvagem e desbravador, cheio de heroicos laboratoristas que espantavam o mundo com novas sonoridades que de tão extraterrenas fatalmente serviriam como metáforas para mundos inexplorados, como as maravilhas do espaço sideral ou os microscópicos segredos da química em nível molecular. Parte dessas experimentações  é inclusive hoje objeto de um culto um tanto fetichista praticado pelos signatários do selo Ghost Box, que ainda se deixam seduzir pela ainda presente atmosfera evocativa, mesmo que hoje reconvertida em retrofuturista, desses sons eletrônicos, em especial os do BBC Radiophonic Workshop.

Com o lançamento de Electronics Without Tears, Fred Judd vem se juntar ao rol de pioneiros britânicos tardiamente reconhecidos, como Delia Derbyshire, Daphne Oram e Tristram Cary.  Mais do que um compositor com anseios de grandiosidade, essa coletânea mostra um divulgador entusiasmado e um experimentador curioso. Não é apenas questão da estrutura do disco, com várias faixas em que Judd explica as transmutações de matéria que opera e as distinções que faz, por exemplo entre electronics (apenas sons sintetizados) e radiophonics (sons sintetizados misturados com instrumentos convencionais). As próprias composições parecem obedecer a uma lógica particular do experimento, como se fossem verdadeiros testes da potencialidade de utilização e deformação de determinados sons e timbres de partida. Ao contrário de certos desbravadores que queriam compor a odisseia de sua era (ou do futuro, como assim se via), a poética de Judd é extremamente pragmática, lidando de forma discreta mas minuciosa com a materialidade dos sons que utiliza. Suas composições não se chamam “Big Bang”, mas “Molecules in Space” ou “Steel Particles”. A metáfora espacial/científica é o de menos, a verdadeira referência escondida é a que importa, e no caso é sempre a mínima parte, o átomo, a molécula, a partícula. Não à toa, engenhosamente essa coletânea é emoldurada no fim e no começo pelo som de uma tigela de porcelana (“China Bowl” e “Musique Concrete Is Fascinating”), inicialmente como material de partida e em seguida como uma exemplificação de todas as potencialidades da manipulação via modulação por sintetizadores ou deformação magnética (variações de altura de nota via alteração de velocidade). Judd é menos o gênio futurista do que o experimentador compenetrado.

Ouvir Electronics Without Tears provoca três tipos de registros muito diversos. Primeiro, é a abstração mental de tentar localizar seus sons entre os outros sons eletrônicos da época e ao pano de fundo cultural e comportamental do período. Outro modo de vivenciar o som é comparativamente, notando como esses sons se articulam (favoravelmente na comparação) com aqueles que tentam retomar hoje esse tipo de sonoridade, incapazes de restituir a vivacidade da experiência. Outra é como uma verdadeira aula de música eletrônica assim como ela era vista aos olhos dos anos 60, com teorias, definições e exemplos práticos, expostos com clareza e graça. “Clareza e graça” também combinam com a música praticada, das radiophonics que antecipam as delícias sintetizadas de “Popcorn” e do Kraftwerk mais singelo (“Automation”, “Tempo Tune”) às composições eletrônicas mais abstratas e atmosféricas (“Space Links”, “Steel Particles”). Em todos os registros, o tempo é soberbamente compensado por uma música que ajuda a reconstruir o panorama da eletrônica pioneira dos anos 60, aguça a sensibilidade auditiva e a imaginação, e ainda por cima ordena o conhecimento daqueles que ainda se embananam um pouco com os conceitos (música concreta, eletrônica e por aí vai). Electronics Without Tears não é o lançamento que vai reconfigurar aquilo que já se sabe sobre o campo e o período, mas é um valioso acréscimo à crescente mediateca dos desbravadores eletrônicos fora do eixo erudito. (Ruy Gardnier)

Ouça um mix de Electronics Without Tears no soundcloud do selo Public Information.

Ensemble Economique é um projeto de Brian Pyle, músico multiinstrumentista do norte da Califórnia (condado de Humboldt). Em 1998, fundou com Merrick McKinlay o projeto Starving Weirdos, que lançou diversos discos por selos como Collective Jyrk, Root Strata, Digitalis e Olde English Spelling Bee, e que acaba de lançar pelo Amish o álbum Land Lines. Pyle também faz parte do grupo RV Paintings, com seu irmão John Pyle, e Spencer Doran. Os primeiros lançamentos do Ensemble Economique datam de 2008, com o álbum At the Foot of Nameless Roads e o CD-R No GPS, ambos pela Digitalis. Psychical, lançado pela Not Not Fun, tornou seu projeto conhecido nos meios underground. Crossing the Path by Torchlight é o terceiro álbum do projeto. (RG)

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Se pensarmos no que primeiramente chamou a atenção a propósito de Psychical, o que se destaca é a intensidade e a pressão do disco, que destilava psicodelia dub em meio a camadas e mais camadas sonoras de grooves lentos e densos. Se nesse disco o equilíbrio era feito entre o poder de desorientação e a instalação de atmosferas próximas de trilhas sonoras, em Crossing the Path by Torchlight a balança claramente pendeu para o segundo. Comparado ao trabalho anterior, o álbum novo é sereno e bem dosado, dando todo tempo ao ouvinte para discernir todas as camadas de cada faixa e as relações entre elas. A única marca característica é a preferência por timbres misteriosos de sintetizadores e a incrível proficiência em desenvolver padrões percussivos que preenchem a música de personalidade tal qual marcos melódicos. A primeira sensação é que o Ensemble Economique reduz o pontecial psych de outrora para fixar-se num tipo mais brando de desorientação, talvez mais próximo das experiências mais anômalas de Leyland Kirby e seus Intrigue & Stuff ou do esquizoambient do Ekoplekz. Impacto há, mas dessa vez ele é mais lento e insidioso, construído ao longo das faixas (que são sensivelmente mais longas que as de Psychical).

“Heat Waves” abre Crossing… com o máximo de dissonância que o disco se permitirá, com synths tensos e onipresentes preenchendo o espaço sonoro enquanto esguichos de sons sintetizados, como se fossem colônias passageiras de insetos, aparecem constantemente remoduladas para dar dinamismo à composição. Mas basta a seguinte, “Vanishing Point”, para revelar com maior clareza o aspecto mais contemplativo e onírico do Ensemble Economique em fins de 2011. A faixa, emoldurada por batidas reverberadas, se movimenta através do equilíbrio entre um synth nervoso e outros sons eletrônicos amenos, eufônicos e reconfortantes, como a luz divina ao fim de uma caverna. As duas faixas abrem caminho para o verdadeiro destaque do álbum, “To Feel the Night as It Really Is”, com sua poderosa cascata de ton-tons e sua dócil passagem de acordes vaporosos de teclado. Há retoques de bongô, sininhos, outras camadas de synths, mas elas só servem para dar uma breve dinamizada naquilo que já é um padrão incrivelmente belo e evocativo de balada instrumental, fazendo surgir ressonâncias que vão desde Angelo Badalamenti a Fennesz,

O lado B do disco começa com a outra grande faixa de Crossing…, “Everything I Have, I Give To You”, uma composição que lembra o glitch por seu caráter fragmentário e econômico, dominada por incisivas marcações rítmicas que se ordenam sozinhas em meio a flutuantes vocais processados. E só depois daí, afinal, surge outra característica que já associávamos eo projeto de Brian Pyle, os samples vocais evocativos e enevoados.  No caso de “Sparks Exploding, Splintering Blackness” e de “Somewhere, Anywhere”, não o timbre grave e o sotaque carregado de um negro jamaicano, mas uma voz feminina que soa como um acalanto ligeiramente macabro enquanto as marcações imponentes de bateria e as camadas de synth e guitarra distilam um clima de suspense letárgico, como um pesadelo cinematográfico vivido em seu caráter mais abstrato.

No fim das contas, o novo álbum do Ensemble Economique reenquadra algumas das preocupações de Brian Pyle com sucesso. A música chega a alguns lugares que não tinha galgado antes, abandona outros e propõe novas opções de caminho futuro. O único senão diz respeito à singularidade: excetuadas as duas faixas do meio, Crossing the Path by Torchlight apresenta composições fortes mas que acabam soando mais genéricas do que deveriam. É muita gente flertando com ambient e redondezas, e fazendo isso com sintetizadores. Brian Pyle não se perde no fosso informe do synth-retrô contemporâneo, mas ele também deixa escapar a oportunidade de transformar-se com mais propriedade no senhor de seu terreno. Mas que o poderio climático de Crossing the Path by Torchlight dá pro gasto, ah, isso dá e ainda sobra muito… (Ruy Gardnier)

Confira o vídeo de “To Feel the Night As It Really Is” no vimeo.

1. Tindersticks “Frozen” (The Something Rain, City Slang, 2012, Reino Unido)
2. M.I.A. “Bad Girls” (dig, s/g, 2012, Reino Unido)
3. Kyoka “HADue” (ununpentium/iSH, Raster-Noton, 2012, Alemanha)
4. Lapalux “Construction Deconstruction” (When You’re Gone EP, Brainfeeder, 2012, EUA)
5. Blondes “Business (John Roberts Remix)” (Blondes, RVNG Intl., 2012, EUA)
6. Battles “Sweetie & Shag (The Field Remix)” (Dross Glop 1, Warp, 2012, Reino Unido)
7. Keith Rowe/John Tilbury “E.E. Tension and Circumstance (fragmento)” (E.E. Tension and Circumstance, Potlatch, 2012, França [Reino Unido])
8. Iskra 1903 “Unknown 1″ (Goldsmiths, Emanem, 2012, Reino Unido)
9. Joseph Hammer “I Love You, Please Love Me Too (Side 1) (fragmento)” (I Love You, Please Love Me Too, Pan, 2010, Alemanha [EUA])
10. Graham Lambkin “Amateur Doubles (Besombes/Rizet-Pôle) (fragmento)” (Amateur Doubles, Kye, 2011, EUA)
11. La Niña de los Peines “Saeta: Pilatos por no dejar” (String of Pearls: Jewels of the 78RPM Era 1918-1951, Mississippi/Canary, 2009 [192?], EUA [Espanha])

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Não é culpa deles. Eles continuam lançando discos dignos e canções fortes, algumas mais que outras, mas é inevitável que se pense cada disco do Tindersticks em comparação ao que eles já foram, e especificamente nos dois primeiros álbuns que lançaram, ambos sem título e soando como nenhuma outra banda no mundo. Densos, transtornados, carregados como nenhuma outra banda do mundo, e ainda assim com uma faceta de cabaré decadente, de maquiagem borrada que, associada aos climas sombrios da música, faziam dos Tindersticks o único grupo dark barroco da história, como se o Scott Walker dos quatro primeiros discos desse as mãos ao Nick Cave trovador e aos Bad Seeds das doces melodias sinistras (pense em “The Carny”) e daí surgisse uma aberração de preciosismo timbrístico, de confiança em tours instrumentais grandiosas (violinos e outras cordas de nobreza erudita) e força lírica incomum nas melodias e na impostação vocal de Stuart Staples.

“Jism” apresenta todos os traços mais marcantes dos Tindersticks em sua época mais excessiva e rasgadamente dramática. Combina perfeitamente um órgão estridente com acordes limpos, discretos de guitarra, e a grandiloquência de diversas cordas que volta e meia atacam sem piedade ou moderação. Ao contrário de uma estrutura estrofe-refrão, temos um contínuo linear de intensidade com pequenas partes, discerníveis pelas diferenças de orquestração, e apenas uma parada para respiração, quando os violinos são dedilhados. A exuberância sombria e melancólica da instrumentação coliga-se com naturalidade à amargura da voz de Staples, e a faixa se termina por uma das mais poderosas enxurradas emocionais praticadas pelo grupo, num minuto final instrumental de guitarras, cordas e órgão acumulando a densidade sonora e explodindo em clímax dramático. O ouvinte mal se sabe comovido ou soterrado em emoção, mas sabe que uma experiência dessas não acontece muitas vezes, e valoriza essa incidência rara como um tesouro a ser guardado com cuidado. Os próprios Tindersticks voltaram poucas vezes a águas tão caudalosas (“Talk To Me”, do disco seguinte, é um exemplo), mas isso só serve para mostrar quão difícil é manter esse tipo de equilíbrio e tensão. O que foi feito, em todo caso, já entrou pra História. (Ruy Gardnier)

Kyoka é a primeira mulher a figurar no hall do selo Raster-Noton, amiga de longa data de Frank Bretschneider, a japonesa tem uma carreira centrada em uma sonoridade fragmentada e de timbres até certo ponto ásperos, ainda que quase sempre com uma padrão melódico implícito. iSH, o ep lançado pela Raster-Noton e produzido por Bretschneider (também parte da série Unun, um projeto da gravadora que busca sonoridades ditas mais “dançantes”), pode ser descrito como um pop eletrônico abrasivo com graves potentes e andamento caótico na medida certa, além de picotes vocais que ajudam na velocidade de algumas faixas. “HADue”, por exemplo, talvez o hitzinho do disco, além das variações vocais, tem um jogo de delays que vai construindo, aos poucos, picos sedutores em seu andamento minimalista. Quase um pop robótico (a voz metalizada dá essa sensação), em um climinha agradável e dançante. “YESACLOUDui” e “23 iSH” talvez já entrem um pouco mais na escola Raster-Noton, timbres mais frios e uma estrutura um pouco mais formal, não tanto cerebral, ainda quase melódica e cheia de repetições, variações e outros pequenos puzzles sonoros. “ROMOOne” tem um jogo curioso entre percussão e vocal, sendo o último devidamente retalhado ao longo da faixa, erguendo, outra vez, um ritmo harmônico fragmentado. Ao mesmo tempo em que iSH não apresenta exatamente nada de novo, o trabalho encanta em sua variação caótica-lúdica, quase infantil em alguns momentos (alguns timbres soam como joguinhos eletrônicos estragados), e, talvez o mais importante, o ep ensaia uma outra perspectiva para o time do selo alemão, o que para nós sempre será motivo de interesse. (Arthur Tuoto)

“HADue” fez parte do Camarilha Podcast #72

The Caretaker é o nome de um dos inúmeros projetos do inglês James Leyland Kirby, compositor de música eletrônica especializado em noise, drone, ambient e experimentos diversos. Como The Caretaker, Kirby trabalha a partir de discos de 78rpm lançados nos anos 20 e 30. Em 2009 fundou o selo History Always Favours The Winners, responsável pelo lançamento da maioria de seus trabalhos de maneira independente, recusando, inclusive, qualquer sistema de distribuição mainstream como iTunes e outros. Para assim, segundo o próprio, manter total controle sobre sua obra. Patience (After Sebald) foi composto como trilha sonora para o documentário do mesmo nome, dirigido por Grant Gee. (AT, RG)

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Se em An Empty Bliss Beyond This World, o lançamento anterior do projeto The Caretaker, o que ouvimos são valsas assombrosas, quase ecos de uma salão espectral (que até dialoga mais explicitamente com a ideia original do projeto, partindo da mítica cena de O Iluminando, de Stanley Kubrick), nesse novo lançamento, originalmente uma trilha sonora para um filme sobre o escritor alemão WG Sebald, dirigido por Grant Gee (o mesmo de Meeting People Is Easy, famoso documentário sobre o Radiohead em sua era OK Computer), nos deparamos com uma sonoridade explicitamente mais crepitante e, consequentemente, de uma melancolia mais agressiva, ainda que de flerte com valsas similares e bastante terna em certos movimentos lúdicos e quase fantasiosos. Uma jornada de paisagens que podem soar calmas, mas possuem uma qualidade subterrânea e, sempre, escultural, tão comum ao nosso James Leyland  Kirby.

Boa parte das faixas seguem uma estratégia comum: duas camadas sobrepostas, uma com um piano melódico, partindo de gravações de Franz Schubert, e outra com os devidos estalos espectrais; quase como um receptor analógico fora de sintonia, uma massa sônica estragada, que viajou sabe-se lá por onde, sabe-se lá por quanto tempo, e que aqui compete por espaço com a melodia mais reconhecível de Schubert. Em alguns extremos como “Approaching the Outer Limits of Our Solar System” ou “Everything Is on the Point of Decline”, a camada ruidosa soa quase como uma chuva interplanetária, talvez o nome da primeira até sugira isso, uma constelação de timbres que até parecem suaves, mas nada tem de inofensivos, talvez como a própria natureza do espaço sideral, um vácuo indiferente que tenta dominar tudo à sua volta. Por outro lado, “When the Dog Days Were Drawing to an End” repete, incansavelmente, um trecho de uma valsa com um vocal irreconhecível ao seu término, em uma espécie de ciclo interminável, sempre hipnótico. “Now the Night is Over and the Dawn Is About to Break” fecha o disco com um outro tom: ao se apropriar do vocal da peça de Schubert, Kirby transforma um canto épico em um espectro isolado do restante do disco, concluindo sua obra com um impacto relativamente inesperado.

Ainda que produzido antes de An Empty Bliss Beyond This World, o presente trabalho parece, de alguma forma, tirar proveito do recente e relativo sucesso do projeto The Caretaker. Figurado em boa parte das listas de finais de ano em 2011, o projeto de James Leyland Kirby finalmente achou seu caminho, com uma legião de admiradores sempre fiéis e que só tende a crescer. Bom saber que Kirby anda fazendo valer nosso apego. (Arthur Tuoto)

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As doze peças dessa trilha sonora encomendada se integram perfeitamente, em termos sonoros, à estética de James Leyland Kirby sob o pseudônimo The Caretaker: sons de singeleza ímpar sendo recuperados de seu passado longínquo mas deixando visíveis os aspectos de detrito intimamente ligados à passagem do tempo, em especial chiados, deformações de tom, ecos espectrais… Mas do ponto de vista do processo criativo a mudança foi radical: ao invés de resgatar velhos discos de 78 rotações e trabalhados como field recordings de eras recônditas e esquecidas, aqui houve a incumbência de trabalhar a partir de uma peça específica, no caso um ciclo de 24 canções de Franz Schubert intitulado “Winterreise”, aplicando sobre esses lieder seus notórios processamentos sonoros. A matéria-prima tendo sido dada de antemão, a maior parte da atividade artística de Kirby aqui foi pinçar os trechos originais para criar os loops e passá-los sob seus filtros. Como de habitual, a matéria-prima é sempre preservada em suas características e amplificada pelas camadas de ruído e eco, criando ambiências entre a fantasmagoria e a nostalgia do não-vivido. Com os loops de piano, Kirby utiliza a já famosa dobradinha fraseados melancólicos/chiado escorchante, sempre com resultados formidáveis (sobretudo quando há discretos elementos para dar relevo, como a voz entoando eternamente algo como “ma shtoo” em “When the Dog Days Were Drawing To an End” ou os estalos de “I Have Become Almost Invisible, To Some Extent Like a Dead Man”). Nos loops de canto lírico, os ecos transformam as vozes em lamúrias de almas errantes. Patience (After Sebald) ratifica a excelência de um trabalho mais do que aponta novos caminhos, mas em se tratando de um sujeito com dezenas de nomes e meia-dúzia de lançamentos por ano, já bastante multifacetados, a manutenção do nível de excelência já é boa nova suficiente. (Ruy Gardnier)

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“Approaching the Outer Limits of Our Solar System” fez parte do Camarilha Podcast #71
Ouça “I Have Become Almost Invisible, To Some Extent Like a Dead Man“

Asmus Tietchens é um compositor alemão de música eletrônica. Utilizando-se de sintetizadores, fitas magnéticas e outros instrumentos eletrônicos, Tietchens ficou conhecido pela busca do que chama de “música absoluta”, através de processos quase matemáticos e rígidos exercícios de forma. Com influência da música concreta e outros experimentos eletrônicos mais primitivos, sua sonoridade é muitas vezes descrita como fria e cerebral, ainda que, em certos trabalhos como Biotop (1982) e outros lançados pelo selo Sky Records, o compositor revelou experimentos que lidam com o synthpop e outras sonoridades melódicas, mas que segundo o próprio não mais o interessam. Soirée (2011) parte de um material de arquivo do próprio Tietchens, reciclado através de um processo minimalista e pontual. (AT)

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A imagem que ilustra a capa de Soirée é bastante reveladora: uma fresta de luz que entra por um porta entreaberta, uma fagulha pontual que invade ume espaço escuro e silencioso. Apropriando-se de um material próprio, Asmus Tietchens faz questão de deixar claro que as faixas do presente trabalho não são remixagens, mas sim reciclagens. A questão não é exatamente remexer, remisturar composições anteriores mas, acima de tudo, criar uma outra sonoridade a partir daquela matéria, que aqui pode-se dizer que foi reconfigurada a uma categoria de “material bruto”. Quase um movimento criativo de espiral sobre a própria obra, até que ponto uma célula musical pode gerar outra? E outra? E outra? Ad infinitum… Até restarem centelhas sônicas daquilo que um dia foi uma música, e agora, simplesmente, funciona como uma faixa independente.

Apesar de seu exercício conceitual e formal, o resultado, se por um lado sugere uma sonoridade minimalista e pontual, sem exatamente estabelecer referências mais óbvias, caso de “p1b” ou “nox 1″, por outro, em  faixas como “l2rd”, “l2rc” e “nox 3″, temos uma atmosfera de suspensão um tanto quanto curiosa e enigmática, quase mística. Um poder quase espiritual mesmo, que remete, em certo sentido, ao imaginário científico-espiritual de Andrei Tarkovski, cineasta russo famoso por lidar com questões que ficam na tênue fronteira entre filosofia e espiritualidade, poesia e técnica. Como se nessa remontagem matemática e puramente formal, um resultado abstrato e desconhecido pelo homem viesse à tona, através de uma melodia única que só poderia ter sido alcançada por meio desse processo particular. Aí, talvez, enxerguemos um pouco do conceito da “música absoluta”, uma sonoridade sem referências externas e de origens puramente musicais, como também foi o “cinema puro” de Stan Brakhage, buscando uma imagem cinematográfica absoluta e sem outras possibilidades associativas. Se o trabalho de Tietchens, assim com o de Brakhage, pode soar formal demais para alguns, não é difícil, aos nos depararmos com tais obras sem qualquer tipo de referência anterior, nos sentirmos desarmados diante daquilo e, aí sim, nossa escolha é a absoluta entrega ou não. Uma poesia por vezes abstrata e obscura, mas não menos lírica, e, por isso mesmo, talvez, ainda mais arrebatadora. (Arthur Tuoto)

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Eu já estava para indicar Asmus Tietchens há um tempo, e eis que Arthur toma a dianteira e indica um novo disco desse alemão de trajetória fascinante. Soirée é um disco de silêncios e de movimentos quase imperceptíveis que soa paradoxalmente sereno dado o tour de force e o rigor do conceito que norteou a criação desse trabalho. Tietchens se perguntou: “O que acontecerá se eu reciclar (não remixar) algumas de minhas antigas composições e daí reciclar as reciclagens e daí reciclar as reciclagens recicladas… ad infinitum? Muito rapidamente as peças iniciais desapareceram rapidamente.” As oito peças de Soirée são a décima (!!!) geração de reciclagem das composições originais, e dada a distância em relação à matéria-prima de base, Tietchens se pergunta provocativamente: “É realmente necessário criar mais nova música eletrônica se apenas uma composição como núcleo é suficiente para derivar centenas e centenas de variantes distintas, diferentes e individuais?” Polêmicas à parte, Soirée é dono de uma beleza subterrânea que tem a ver com a discrição de suas texturas (que, como em Leyland Kirby mas de outra forma, também evocam uma espectralidade do passado, no caso o passado do próprio compositor, mas sem nostalgia) e a eleição de poucos sons para quebrar o eventual equilíbrio plácido inicialmente construído. Demanda paciência e um ambiente acústico com ruídos externos em níveis próximos ao zero (sim, é silencioso assim), mas Soirée não soa como nada sendo feito atualmente, e recompensa qualquer dedicação auditiva que se conceda a ele. Economia musical é isso. (Ruy Gardnier)

1. F. C. Judd “China Bowl/Suspended Motion” (Electronics Without Tears, Public Information, 2012, Reino Unido)
2. Azealia Banks “NEEDSUMLUV (SXLND)” (s/l, s/g, 2012, EUA)
3. Wiley “Link Up” (Evolve or Be Extinct, Big Dada, 2012, Reino Unido)
4. Coki “Celestial Dub” (Don’t Get It Twisted EP, DMZ, 2012, Reino Unido)
5. Gonjasufi “Nikels and Dimes” (MU.ZZ.LE, Warp, 2012, Reino Unido [EUA])
6. Leonard Cohen “Amen” (Old Ideas, Columbia, 2012, EUA [Canadá])
7. Asmus Tietchens “Nox 1″ (Soirée, Line, 2011, EUA [Alemanha])
8. The Caretaker “Approaching the Outer Limits of Our Solar System” (Patience (After Sebald), History Always Favours the Winners, 2012, Reino Unido)
9. Starving Weirdos “In Our Way” (Land Lines, Amish, 2012, EUA)
10. Eyvind Kang “Monadology” (Visible Breath, Ideologic Organ, 2012, Austria [EUA])
11. Terry Riley “Aleph Part 1 (fragmento)” (Aleph, Tzadik, 2012, EUA)
12. Lou Reed & Metallica “The View” (Lulu, Warner Bros., 2011, EUA)

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